Genre yang indah. Gerakan seni

Lukisan Lukisan

Suatu jenis seni rupa yang karyanya dibuat dengan menggunakan cat yang diaplikasikan pada permukaan keras apa pun. DI DALAM karya seni, dibuat dengan lukisan, warna dan gambar, chiaroscuro, ekspresi guratan, tekstur dan komposisi digunakan, yang memungkinkan untuk mereproduksi di bidang kekayaan warna-warni dunia, volume objek, kualitatifnya, orisinalitas material, kedalaman spasial dan lingkungan udara ringan. Lukisan dapat menyampaikan keadaan statis dan perasaan perkembangan sementara, kedamaian dan kekayaan emosional dan spiritual, kedekatan situasi yang sementara, efek gerakan, dll.; Dalam lukisan, narasi yang mendetail dan plot yang kompleks dimungkinkan. Hal ini memungkinkan lukisan tidak hanya untuk secara visual mewujudkan fenomena dunia nyata yang terlihat, tetapi juga untuk ditampilkan gambaran besar kehidupan masyarakat, tetapi juga berusaha untuk mengungkapkan esensinya proses sejarah, dunia batin seseorang, hingga ekspresi ide-ide abstrak. Karena kemampuan ideologis dan artistiknya yang luas, lukisan merupakan sarana penting refleksi artistik dan interpretasi realitas; ia memiliki konten sosial yang signifikan dan berbagai fungsi ideologis.

Luas dan kelengkapan cakupan realitas tercermin dari banyaknya genre yang melekat pada seni lukis (genre sejarah, genre keseharian, genre pertarungan, potret, lanskap, still life). Ada lukisan: monumental dan dekoratif (lukisan dinding, kap lampu, panel), dimaksudkan untuk menghiasi arsitektur dan memainkan peran penting dalam interpretasi ideologis dan figuratif suatu bangunan arsitektur; kuda-kuda (lukisan), biasanya tidak dikaitkan dengan tempat tertentu dalam ansambel artistik; desain set (sketsa set teater dan film serta kostum); lukisan ikon; miniatur. Jenis lukisannya juga meliputi diorama dan panorama. Lukisan cat minyak berbeda-beda menurut sifat zat yang mengikat pigmen (bahan pewarna) dan metode teknologi pengikatan pigmen pada permukaan. Lukisan dengan cat air di atas plester - basah (fresco) dan kering (a secco), tempera, lukisan lem, lukisan lilin, enamel, lukisan dengan cat keramik dan silikat, dll. Mosaik dan kaca patri berhubungan langsung dengan lukisan sama dengan lukisan monumental melukis adalah tugas artistik. Cat air, guas, pastel, dan tinta juga digunakan untuk membuat lukisan.

Warna adalah sarana ekspresi paling spesifik dalam melukis. Ekspresi dan kemampuannya membangkitkan berbagai asosiasi sensorik meningkatkan emosionalitas gambar dan menentukan kemungkinan visual, ekspresif dan dekoratif lukisan. Dalam karya seni, warna terbentuk keseluruhan sistem(warna). Biasanya digunakan sejumlah warna yang saling berkaitan dan coraknya (warna-warni range), meskipun ada juga lukisan dengan corak warna yang sama (monokrom). Komposisi warna memberikan kesatuan warna tertentu pada sebuah karya, mempengaruhi jalannya persepsi pemirsa, menjadi bagian penting darinya. struktur artistik. Sarana lukisan ekspresif lainnya adalah menggambar (garis dan chiaroscuro), bersama dengan warna, mengatur gambar secara ritmis dan komposisi; garis membatasi volume satu sama lain, sering kali menjadi dasar konstruktif dari bentuk gambar, dan memungkinkan seseorang untuk mereproduksi secara umum atau detail garis besar objek dan elemen terkecilnya. Chiaroscuro memungkinkan Anda tidak hanya menciptakan ilusi gambar tiga dimensi, menyampaikan tingkat iluminasi atau kegelapan objek, tetapi juga menciptakan kesan pergerakan udara, cahaya, dan bayangan. Peran penting dalam seni lukis juga dimainkan oleh titik atau guratan sang pelukis, yang merupakan teknik teknis utamanya dan memungkinkannya menyampaikan banyak aspek. Sapuan kuas berkontribusi pada pemahatan bentuk tiga dimensi yang plastis, menyampaikan karakter dan tekstur materialnya, dan dalam kombinasi dengan warna, ia menciptakan kembali kekayaan warna dunia nyata. Sifat guratan (halus, terus menerus atau impasto, terpisah, gugup, dll.) juga membantu menciptakan suasana emosional karya, menyampaikan perasaan dan suasana hati seniman, sikapnya terhadap yang digambarkan.

Secara konvensional, ada dua jenis gambar bergambar: linier-planar dan volumetrik-spasial, tetapi tidak ada batasan yang jelas di antara keduanya. Lukisan linier-planar dicirikan oleh bintik-bintik datar dengan warna lokal, digariskan oleh kontur ekspresif, garis-garis yang jelas dan berirama; Dalam lukisan kuno dan sebagian modern, terdapat metode konvensional konstruksi spasial dan reproduksi objek yang mengungkapkan kepada pemirsa logika semantik gambar, penempatan objek dalam ruang, tetapi hampir tidak melanggar dua dimensi gambar. pesawat. Keinginan untuk mereproduksi dunia nyata seperti yang dilihat seseorang, yang muncul dalam seni kuno, menyebabkan munculnya gambar volumetrik-spasial dalam lukisan. Dalam lukisan jenis ini, hubungan spasial dapat direproduksi dengan warna sehingga menciptakan ilusi yang dalam ruang tiga dimensi, menghancurkan bidang gambar secara visual dengan bantuan gradasi nada, perspektif udara dan linier, dengan mendistribusikan warna-warna hangat dan dingin; bentuk volumetrik dimodelkan dengan warna dan cahaya serta bayangan. Dalam gambar volumetrik-spasial dan linier-planar, ekspresi garis dan warna digunakan, dan efek volume, bahkan pahatan, dicapai dengan gradasi nada terang dan gelap yang didistribusikan dalam titik warna yang jelas terbatas; Pada saat yang sama, pewarnaannya seringkali beraneka ragam, figur dan objek tidak menyatu dengan ruang di sekitarnya menjadi satu kesatuan. Lukisan nada ( cm. Nada), melalui pengembangan warna yang kompleks dan dinamis, menunjukkan perubahan halus pada warna dan nada tergantung pada pencahayaan ( cm. Valer), serta dari interaksi bunga di dekatnya ( cm. Refleks); nada keseluruhan menyatukan objek dengan lingkungan cahaya-udara dan ruang di sekitarnya. Dalam seni lukis Tiongkok, Jepang, dan Korea, berkembang suatu jenis gambaran spasial khusus, yang di dalamnya terdapat kesan ruang tak berujung dilihat dari atas, memanjang ke kejauhan dan tidak menyatu di kedalaman. garis paralel; gambar dan benda hampir tidak memiliki volume; posisinya dalam ruang terutama ditunjukkan oleh hubungan nada.

Suatu karya seni lukis terdiri dari alas (kanvas, kayu, kertas, karton, batu, kaca, logam, dll), biasanya dilapisi dengan cat dasar, dan lapisan cat, kadang-kadang dilindungi dengan lapisan pernis pelindung. Kemungkinan visual dan ekspresif lukisan, ciri-ciri teknik menulis sangat bergantung pada sifat-sifat cat, yang ditentukan oleh tingkat penggilingan pigmen dan sifat pengikatnya, pada alat yang digunakan seniman, pada pengencer yang ia gunakan. kegunaan; permukaan alas dan primer yang halus atau kasar mempengaruhi teknik pengaplikasian cat, tekstur karya seni, dan warna bening dari alas atau primer mempengaruhi pewarnaan; Terkadang bagian alas atau primer yang bebas cat dapat memainkan peran tertentu dalam konstruksi warna. Permukaan lapisan cat suatu lukisan, yaitu teksturnya, dapat mengkilap atau matte, kontinu atau terputus-putus, halus atau tidak rata. Warna atau bayangan yang diperlukan dicapai dengan mencampurkan warna pada palet dan dengan kaca. Proses pembuatan sebuah lukisan atau lukisan dinding dapat terbagi dalam beberapa tahap, terutama yang jelas dan konsisten pada tempera abad pertengahan dan lukisan cat minyak klasik (menggambar di atas tanah, underpainting, glazing). Ada pula lukisan yang bersifat lebih impulsif, yang memungkinkan seniman mewujudkan karyanya secara langsung dan dinamis pengalaman hidup berkat kerja simultan dalam menggambar, komposisi, bentuk pahatan dan pewarnaan ( cm. Ya ampun).

Seni lukis muncul pada zaman Paleolitik Akhir (40-8 ribu tahun lalu). Lukisan batu telah dilestarikan (di Prancis Selatan, Spanyol Utara, dll.), dibuat dengan cat tanah (oker), jelaga hitam dan arang menggunakan tongkat terbelah, potongan bulu dan jari (gambar hewan individu, dan kemudian adegan berburu). Dalam lukisan Paleolitik terdapat gambar siluet linier dan pemodelan volume sederhana, namun prinsip komposisi di dalamnya masih kurang diungkapkan. Ide-ide yang lebih berkembang dan digeneralisasikan secara abstrak tentang dunia tercermin dalam lukisan Neolitik, di mana gambar-gambar dihubungkan ke dalam siklus naratif, dan gambar seseorang muncul ( cm. seni primitif).

Gambaran masyarakat pemilik budak telah berkembang sistem figuratif, sarana teknis yang kaya. Di Mesir Kuno, serta di Amerika kuno ada lukisan monumental yang bersintesis dengan arsitektur ( cm. Sintesis Seni; lukisan makam, lebih jarang bangunan). Terkait terutama dengan kultus pemakaman, itu bersifat naratif yang luas; Tempat utama di dalamnya ditempati oleh gambaran umum dan seringkali skematis tentang seseorang. Kanonisasi gambar yang ketat, yang diwujudkan dalam ciri-ciri komposisi, hubungan tokoh-tokoh dan mencerminkan hierarki kaku yang berlaku dalam masyarakat, dipadukan dengan pengamatan kehidupan yang berani dan akurat serta banyak detail yang diambil dari dunia sekitar (lanskap, peralatan rumah tangga, gambar binatang dan burung). Lukisan kuno, sarana artistik dan ekspresif utamanya adalah garis kontur dan titik warna, memiliki kualitas dekoratif, kerataannya menekankan permukaan dinding.

Pada zaman kuno, lukisan bertindak dalam kesatuan artistik dengan arsitektur dan patung serta menghiasi kuil, rumah, makam, dan bangunan lainnya ( cm. Pompeii, Herculaneum, Paestum, makam Kazanlak), tidak hanya melayani tujuan kultus, tetapi juga sekuler. Kemungkinan-kemungkinan baru dan spesifik dalam melukis telah terbuka, memberikan representasi realitas yang luas. Di zaman kuno, prinsip chiaroscuro dan varian unik dari perspektif linier dan udara muncul. Selain mitologi, pemandangan sehari-hari dan sejarah, lanskap, potret, dan benda mati juga diciptakan. Lukisan dinding antik (pada plester berlapis-lapis dengan campuran debu marmer di lapisan atas) memiliki permukaan mengkilat dan mengkilat. Di Yunani Kuno, hampir tidak ada lukisan kuda-kuda yang masih ada (di atas papan, lebih jarang di atas kanvas), terutama menggunakan teknik encaustic ( cm. lukisan lilin); Potret Fayyum memberikan gambaran tentang lukisan kuda-kuda kuno.

Pada Abad Pertengahan di Eropa Barat, Byzantium, Rus', Kaukasus dan Balkan, lukisan berkembang dengan konten keagamaan: lukisan dinding (baik pada plester kering dan basah yang diaplikasikan pada batu atau bata), lukisan ikon (pada papan prima terutama dengan tempera telur ), serta miniatur buku (di atas perkamen atau kertas prima; dibuat dengan tempera, cat air, guas, lem, dan cat lainnya), yang terkadang memuat subjek sejarah. Ikon, lukisan dinding (tergantung pada divisi arsitektur dan bidang dinding), serta mosaik, jendela kaca patri, bersama dengan arsitektur, membentuk satu kesatuan dalam interior gereja. Lukisan abad pertengahan dicirikan oleh ekspresi nyaring, didominasi warna lokal dan garis ritmis, ekspresi kontur; bentuknya biasanya datar, bergaya, latar belakangnya abstrak, seringkali berwarna emas; Ada juga teknik konvensional untuk memodelkan volume yang tampak menonjol pada bidang gambar tanpa kedalaman. Simbolisme komposisi dan warna memainkan peranan penting. Pada milenium pertama Masehi. e. Lukisan monumental (dengan cat lem pada gipsum putih atau cat dasar kapur di atas tanah liat-jerami) mengalami popularitas tinggi di negara-negara Asia Barat dan Tengah, India, Cina, dan Ceylon (sekarang Sri Lanka). Pada masa feodal, seni miniatur berkembang di Mesopotamia, Iran, India, Asia Tengah, Azerbaijan, dan Turki, yang bercirikan warna-warna halus, ritme hias yang anggun, dan pengamatan kehidupan yang hidup. Lukisan Timur Jauh dengan tinta, cat air, dan guas pada gulungan sutra dan kertas - di Cina, Korea, dan Jepang - menonjol karena puisinya, kewaspadaan yang luar biasa dalam melihat manusia dan alam, cara melukis yang singkat, dan rendering nada terbaik dari perspektif udara.

Di Eropa Barat pada masa Renaisans, prinsip-prinsip seni baru ditetapkan, berdasarkan pandangan dunia humanistik, penemuan dan pengetahuan dunia nyata. Peran seni lukis semakin meningkat, mengembangkan sistem sarana penggambaran realitas secara realistis. Prestasi tertentu dalam lukisan Renaisans telah diantisipasi pada abad ke-14. Pelukis Italia Giotto. Kajian ilmiah tentang perspektif, optik dan anatomi, penggunaan teknik lukisan cat minyak yang ditingkatkan oleh J. van Eyck (Belanda) berkontribusi pada penemuan kemungkinan-kemungkinan yang melekat pada sifat seni lukis: reproduksi bentuk-bentuk volumetrik yang meyakinkan dalam kesatuan dengan transmisi kedalaman spasial dan lingkungan cahaya, pengungkapan kekayaan warna dunia. Lukisan dinding itu mengalami perkembangan baru; Lukisan kuda-kuda juga menjadi penting, menjaga kesatuan dekoratif dengan lingkungan objek sekitarnya. Perasaan keharmonisan alam semesta, antroposentrisme seni lukis, dan aktivitas spiritual gambar-gambarnya merupakan ciri khas komposisi keagamaan dan tema mitologi, potret, pemandangan sehari-hari dan sejarah, gambar telanjang. Tempera secara bertahap digantikan oleh teknik gabungan (melapisi dan mengerjakan detail dengan minyak menggunakan cat bawah tempera), dan kemudian dengan lukisan pernis minyak multi-lapis yang canggih secara teknis tanpa tempera. Selain lukisan halus dan detail di atas papan beralas putih (ciri khas seniman aliran Belanda dan sejumlah aliran Renaisans Awal Italia), aliran seni lukis Venesia berkembang pada abad ke-16. teknik melukis impasto gratis di atas kanvas dengan cat dasar berwarna. Bersamaan dengan lukisan lokal, seringkali warna-warna cerah, dengan pola yang jelas, lukisan tonal juga berkembang. Pelukis terbesar Renaisans - Masaccio, Piero della Francesca, A. Mantegna, Botticelli, Leonardo da Vinci, Michelangelo, Raphael, Giorgione, Titian , Veronese, Tintoretto di Italia, J. van Eyck, P. Bruegel the Elder di Belanda, A. Dürer, H. Holbein the Younger, M. Niethardt (Grunewald) di Jerman, dll.

Pada abad XVII-XVIII. Proses perkembangan seni lukis Eropa semakin rumit. Sekolah nasional dibentuk di Perancis (J. de La Tour, F. Champagne, N. Poussin, A. Watteau, J. B. S. Chardin, J. O. Fragonard, J. L. David), Italia (M. Caravaggio, D. Fetti, J. B. Tiepolo, J. M. Crespi , F. Guardi), Spanyol (El Greco, D. Velazquez, F. Zurbaran, B. E. Murillo, F. Goya), Flanders (P. P . Rubens, J. Jordaens, A. van Dyck, F. Snyders), Belanda (F. Hals, Rembrandt, J. Wermeer, J. van Ruisdael, G. Terborch, C. Fabricius), Inggris Raya (J. Reynolds, T . Gainsborough, W. Hogarth), Rusia (F. S. Rokotov, D. G. Levitsky, V. L. Borovikovsky). Lukisan mewartakan cita-cita sosial dan sipil baru, beralih ke penggambaran kehidupan nyata yang lebih detail dan akurat dalam gerak dan keragamannya, terutama lingkungan sehari-hari seseorang (lanskap, interior, barang-barang rumah tangga); masalah psikologis semakin dalam, perasaan hubungan konfliktual antara individu dan dunia sekitarnya terwujud. Pada abad ke-17 Sistem genre berkembang dan terbentuk dengan jelas. Pada abad XVII-XVIII. Seiring dengan berkembangnya seni lukis monumental dan dekoratif (khususnya gaya Barok), yang menyatu erat dengan seni pahat dan arsitektur serta menciptakan lingkungan emosional yang secara aktif mempengaruhi masyarakat, lukisan kuda-kuda memegang peranan penting. Berbagai sistem lukisan terbentuk, keduanya mempunyai ciri stilistika yang sama (lukisan Barok dinamis dengan ciri komposisi terbuka berbentuk spiral; Lukisan klasisisme dengan desain yang jelas, tegas dan jelas; Lukisan Rococo dengan permainan nuansa warna yang sangat indah, terang dan pudar. nada), dan tidak cocok dengan kerangka gaya tertentu. Dalam upaya untuk mereproduksi warna-warni dunia, lingkungan cahaya-udara, banyak seniman meningkatkan sistem lukisan nada. Hal ini menyebabkan individualisasi teknik teknis lukisan cat minyak berlapis-lapis. Pertumbuhan seni kuda-kuda dan meningkatnya kebutuhan akan karya yang dirancang untuk kontemplasi mendalam menyebabkan berkembangnya teknik melukis ruang, halus dan ringan - pastel, cat air, tinta, dan berbagai jenis miniatur potret.

Pada abad ke-19 Aliran realisme nasional baru mulai terbentuk. lukisan di Eropa dan Amerika. Keterhubungan antara seni lukis di Eropa dan belahan dunia lain semakin meluas, dimana pengalaman seni lukis realistik Eropa mendapat interpretasi yang orisinal, seringkali berdasarkan tradisi kuno setempat (di India, Cina, Jepang, dan negara lain); lukisan Eropa dipengaruhi oleh seni negara-negara Timur Jauh (terutama Jepang dan Cina), yang tercermin dalam pembaruan teknik organisasi dekoratif dan ritmis bidang gambar. Pada abad ke-19 lukisan memecahkan masalah pandangan dunia yang kompleks dan mendesak serta memainkan peran aktif dalam kehidupan publik; Kritik tajam terhadap realitas sosial menjadi penting dalam seni lukis. Sepanjang abad ke-19. dalam seni lukis, kanon-kanon akademisme, jauh dari kehidupan, dan idealisasi gambar yang abstrak juga dipupuk; Kecenderungan naturalis muncul. Dalam perjuangan melawan abstraksi klasisisme akhir dan akademisme salon, lukisan romantisme berkembang dengan minat aktifnya pada peristiwa dramatis sejarah dan modernitas, energi bahasa gambar, kontras cahaya dan bayangan, kekayaan warna (T . Gericault, E. Delacroix di Perancis; F. O. Runge dan K. D. Friedrich di Jerman; dalam banyak hal O. A. Kiprensky, Sylvester Shchedrin, K. P. Bryullov, A. A. Ivanov di Rusia). Lukisan realistik, berdasarkan pengamatan langsung terhadap fenomena karakteristik realitas, menghasilkan penggambaran kehidupan yang lebih lengkap, dapat diandalkan secara konkret, dan meyakinkan secara visual (J. Constable di Inggris Raya; C. Corot, master sekolah Barbizon, O. Daumier di Prancis ; A.G. Venetsianov, P.A. Fedotov di Rusia). Pada masa kebangkitan gerakan revolusioner dan pembebasan nasional di Eropa, gambaran realisme demokrasi (G. Courbet, J. F. Millet di Perancis; M. Munkacsi di Hongaria, N. Grigorescu dan I. Andreescu di Romania, A. Menzel, V. Leibl di Jerman, dll.) menunjukkan kehidupan dan karya rakyat, perjuangan mereka untuk hak-hak mereka, membahas peristiwa paling penting dalam sejarah nasional, menciptakan gambar yang hidup masyarakat awam dan tokoh masyarakat terkemuka; Di banyak negara, aliran lanskap realistik nasional bermunculan. Lukisan-lukisan para Pengembara dan seniman yang dekat dengan mereka, terkait erat dengan estetika demokrat revolusioner Rusia - V. G. Perov, I. N. Kramskoy, I. E. Repin, V. I. Surikov, V. V. Vereshchagin, dibedakan oleh ketajaman kritis sosialnya.

Dia sampai pada perwujudan artistik dunia sekitarnya dalam kealamian dan variabilitasnya yang konstan pada awal tahun 1870-an. Lukisan impresionis (E. Manet, C. Monet, O. Renoir, C. Pissarro, A. Sisley, E. Degas di Perancis), yang memperbaharui teknik dan metode penataan permukaan gambar, memperlihatkan keindahan warna murni dan tekstur. efek. Pada abad ke-19 di Eropa, lukisan cat minyak kuda-kuda mendominasi, tekniknya dalam banyak kasus memperoleh karakter bebas dan individual, secara bertahap kehilangan sistematika ketat yang melekat (yang juga difasilitasi oleh penyebaran cat baru yang diproduksi oleh pabrik); palet diperluas (pigmen dan pengikat baru dibuat); bukannya tanah berwarna gelap pada awal abad ke-19. Tanah putih diperkenalkan kembali. Lukisan monumental dan dekoratif, digunakan pada abad ke-19. hampir secara eksklusif lem atau cat minyak menjadi rusak. Pada akhir abad ke-19 – awal abad ke-20. upaya dilakukan untuk menghidupkan kembali lukisan monumental dan menggabungkan berbagai jenis lukisan dengan karya seni dekoratif dan terapan serta arsitektur menjadi satu kesatuan (terutama dalam seni “modern”); sarana teknis lukisan monumental dan dekoratif sedang diperbarui, dan teknik melukis silikat sedang dikembangkan.

Pada akhir abad XIX - XX. perkembangan seni lukis menjadi sangat kompleks dan kontradiktif; Berbagai gerakan realistik dan modernis hidup berdampingan dan berjuang. Terinspirasi dari cita-cita Revolusi Oktober 1917, berbekal metode realisme sosialis, lukisan berkembang secara intensif di Uni Soviet dan negara-negara sosialis lainnya. Aliran seni lukis baru bermunculan di negara-negara Asia, Afrika, Australia, dan Amerika Latin.

Lukisan realistis akhir abad XIX - XX. dibedakan oleh keinginan untuk memahami dan menunjukkan dunia dalam segala kontradiksinya, untuk mengungkapkan esensi dari proses mendalam yang terjadi dalam realitas sosial, yang terkadang tidak memiliki tampilan visual yang memadai; refleksi dan interpretasi banyak fenomena realitas sering kali bersifat subyektif dan simbolis. Lukisan abad ke-20 Seiring dengan metode penggambaran volumetrik-spasial yang terlihat secara visual, ia banyak menggunakan prinsip-prinsip konvensional yang baru (dan juga yang berasal dari zaman kuno), dalam menafsirkan dunia yang terlihat. Sudah dalam lukisan post-impresionisme (P. Cezanne, W. van Gogh, P. Gauguin, A. Toulouse-Lautrec) dan sebagian dalam lukisan “modern”, muncul ciri-ciri yang menentukan ciri-ciri beberapa gerakan abad ke-20. abad. (ekspresi aktif dari sikap pribadi seniman terhadap dunia, emosionalitas dan asosiatif warna, yang memiliki sedikit hubungan dengan hubungan warna-warni alami, bentuk berlebihan, dekorasi). Dunia ditafsirkan dengan cara baru dalam seni pelukis Rusia pada akhir abad ke-19 - awal abad ke-20 - dalam lukisan V. A. Serov, M. A. Vrubel, K. A. Korovin.

Pada abad ke-20 kenyataannya kontradiktif, dan seringkali disadari dan diterjemahkan secara subyektif ke dalam lukisan seniman terbesar negara kapitalis: P. Picasso, A. Matisse, F. Léger, A. Marquet, A. Derain di Prancis; D. Rivera, JC Orozco, D. Siqueiros di Meksiko; R. Guttuso di Italia; J. Bellows, R. Kent di AS. Dalam lukisan, lukisan dinding, dan panel-panel indah, pemahaman yang jujur ​​​​tentang kontradiksi-kontradiksi realitas yang tragis diungkapkan, seringkali berubah menjadi pengungkapan keburukan sistem kapitalis. Pemahaman estetis era baru yang “teknis” ini terkait dengan cerminan kesedihan industrialisasi kehidupan, penetrasi ke dalam seni lukis bentuk-bentuk “mesin” geometris, yang sering direduksi menjadi bentuk-bentuk organik, pencarian bentuk-bentuk yang sesuai dengan pandangan dunia manusia modern bentuk-bentuk baru yang dapat digunakan dalam seni dekoratif, arsitektur dan industri. Tersebar luas dalam seni lukis, terutama di negara-negara kapitalis, sejak awal abad ke-20. menerima berbagai gerakan modernis, yang mencerminkan krisis umum budaya masyarakat borjuis; Namun, lukisan modernis juga secara tidak langsung mencerminkan permasalahan “sakit” di zaman kita. Dalam lukisan banyak gerakan modernis (Fauvisme, Kubisme, Futurisme, Dadaisme, dan kemudian surealisme), elemen-elemen individu yang kurang lebih mudah dikenali dari dunia yang terlihat terfragmentasi atau menjadi geometri, muncul dalam kombinasi yang tidak terduga, terkadang tidak logis, sehingga menimbulkan banyak asosiasi. , dan bergabung dengan bentuk yang murni abstrak. Evolusi lebih lanjut dari banyak gerakan ini menyebabkan ditinggalkannya representasi dan munculnya lukisan abstrak ( cm. Seni abstrak), yang menandai runtuhnya seni lukis sebagai sarana refleksi dan pemahaman realitas. Sejak pertengahan tahun 60an. di Eropa Barat dan Amerika, lukisan terkadang menjadi salah satu elemen seni pop.

Pada abad ke-20 Peran lukisan monumental dan dekoratif, baik figuratif (misalnya lukisan monumental demokrasi revolusioner di Meksiko) maupun non-figuratif, biasanya datar, selaras dengan bentuk geometri arsitektur modern, semakin meningkat.

Pada abad ke-20 Ada peningkatan minat dalam penelitian di bidang teknik melukis (termasuk lilin dan tempera; cat baru ditemukan untuk lukisan monumental - silikon, resin silikon, dll.), tetapi lukisan cat minyak masih mendominasi.

Lukisan multinasional Soviet terkait erat dengan ideologi komunis, dengan prinsip keanggotaan partai dan kebangsaan seni; lukisan ini mewakili tahap baru secara kualitatif dalam perkembangan seni lukis, yang ditentukan oleh kejayaan metode realisme sosialis. Di Uni Soviet, seni lukis berkembang di semua republik serikat dan otonom, dan sekolah seni lukis nasional baru bermunculan. Lukisan Soviet dicirikan oleh kepekaan yang tajam terhadap realitas, materialitas dunia, dan kekayaan spiritual gambar. Keinginan untuk merangkul realitas sosialis dengan segala kompleksitas dan kelengkapannya telah menyebabkan penggunaan banyak bentuk genre yang diisi dengan konten baru. Sudah dari tahun 20an. Tema sejarah-revolusioner memperoleh makna khusus (kanvas oleh M.B. Grekov, A.A. Deineka, K.S. Petrov-Vodkin, B.V. Ioganson, I.I. Brodsky, A.M. Gerasimov). Kemudian muncul lukisan-lukisan patriotik yang menceritakan tentang masa lalu heroik Rusia, menampilkan drama sejarah Perang Patriotik Hebat tahun 1941-45, ketabahan spiritual manusia Soviet.

Peran besar Potret berperan dalam perkembangan lukisan Soviet: gambar kolektif orang-orang dari masyarakat, peserta dalam reorganisasi kehidupan revolusioner (A. E. Arkhipov, G. G. Rizhsky, dll.); potret psikologis yang menunjukkan dunia batin, susunan spiritual orang Soviet (M.V. Nesterov, S.V. Malyutin, P.D. Korin, dll.).

Cara hidup khas masyarakat Soviet tercermin dalam lukisan bergenre, yang memberikan gambaran jelas secara puitis tentang orang-orang baru dan cara hidup baru. Lukisan Soviet dicirikan oleh kanvas besar yang dipenuhi dengan kesedihan konstruksi sosialis (S.V. Gerasimov, A.A. Plastov, Yu.I. Pimenov, T.N. Yablonskaya, dll.). Penegasan estetis atas bentuk-bentuk unik kehidupan persatuan dan republik otonom mendasari sekolah-sekolah nasional yang berkembang dalam seni lukis Soviet (M. S. Saryan, L. Gudiashvili, S. A. Chuikov, U. Tansykbaev, T. Salakhov, E. Iltner, M. A . Savitsky, A. Gudaitis, A. A. Shovkunenko, G. Aitiev, dll.), mewakili komponen budaya artistik terpadu masyarakat sosialis Soviet.

Dalam lukisan pemandangan, seperti genre lainnya, tradisi seni nasional dipadukan dengan pencarian sesuatu yang baru, dengan nuansa alam modern. Garis liris lukisan pemandangan Rusia (V.N. Baksheev, N.P. Krymov, N.M. Romadin, dll.) dilengkapi dengan perkembangan lanskap industri dengan ritmenya yang cepat, dengan motif alam yang berubah (B.N. Yakovlev, G.G. Nyssky). Lukisan still life mencapai tingkat tinggi (I.I. Mashkov, P.P. Konchalovsky, M.S. Saryan).

Evolusi fungsi sosial seni lukis diiringi dengan perkembangan umum budaya yang indah. Dalam batas-batas satu metode realistis Lukisan Soviet mengupayakan berbagai bentuk artistik, teknik, dan gaya individu. Cakupan konstruksi yang luas, penciptaan gedung-gedung publik yang besar dan ansambel peringatan berkontribusi pada pengembangan lukisan monumental dan dekoratif (karya V. A. Favorsky, E. E. Lansere, P. D. Korin), kebangkitan teknik lukisan tempera, lukisan dinding dan mosaik. Pada tahun 60an - awal 80an. Saling mempengaruhi lukisan monumental dan kuda-kuda semakin meningkat, keinginan untuk memanfaatkan secara maksimal dan memperkaya sarana ekspresif seni lukis semakin meningkat ( cm. juga Uni Republik Sosialis Soviet dan artikel tentang republik Uni Soviet).

"Bunda Maria dari Vladimir" babak pertama abad ke-12 Galeri Tretyakov. Moskow.

Raphael. Fresco "Parnassus" di Stanza della Segnatura di Vatikan. 1509 -1511

J.Wermer. “Segelas anggur.” Sekitar tahun 1660. Galeri gambar. Berlin-Dahlem.

P.V.Kuznetsov. "Masih hidup dengan kristal." 1928. Museum Rusia. leningrad.
Literatur: VII, jilid 1-6, M., 1956-66; IRI, jilid 1-13, M., 1953-69; K. Yuon, Tentang lukisan, (M.-L.), 1937; D. I. Kiplik, Teknik Melukis, (edisi ke-6), M.-L., 1950; A. Kamensky, Kepada Penonton tentang Lukisan, M., 1959; B. Slansky, Teknik Melukis, trans. dari Ceko., M., 1962; G. A. Nedoshivin, Percakapan tentang lukisan, (2 ed.), M., 1964; B. R. Vipper, Artikel tentang seni, M., 1970; Ward J., Sejarah dan metode lukisan kuno dan modern, v. 1-4, L., 1913-21; Fosca F., La peinture, qu"est-ce que c"est, Porrentruy-Brux.-P., 1947; Venturi L., Lukisan dan pelukis, Cleveland, 1963; Cogniat R., Histoire de la peinture, t. 1-2, hal., 1964; Barron J.N., Bahasa lukisan, Cleveland, (1967); Nicolaus K., Handbuch der Gemaldekunde karya DuMont, Koln, 1979.

Sumber: "Populer" ensiklopedia seni." Ed. Polevoy V.M.; M.: Rumah penerbitan "Ensiklopedia Soviet", 1986.)

lukisan

Salah satu tipenya seni rupa. Lukisan dibuat dengan menggunakan cat yang diaplikasikan pada permukaan dinding, papan, kanvas, logam, dll. Nama “lukisan” itu sendiri menyiratkan bahwa sang seniman “melukis kehidupan” dengan segala kekayaan, keanekaragaman, dan kemegahan warna-warni. Inilah perbedaannya dengan hitam dan putih grafis. Tidak seperti bentuk seni lainnya, lukisan mampu mewujudkan keseluruhan perasaan, pengalaman, hubungan antar manusia; pengamatan akurat terhadap alam dan kemewahan, ide-ide hebat dan kesan instan, sensasi hidup, udara dan cahaya.

Patung itu berbentuk tiga dimensi, dapat dijalani dari semua sisi; lukisan – seni mewarnai di pesawat; Pemirsa melihat gambar hanya dari satu sudut pandang. Salah satu tugas seni lukis yang diselesaikan setiap zaman dengan caranya masing-masing adalah menciptakan ilusi kedalaman ruang, volume tiga dimensi pada suatu bidang. Ini adalah konvensi bahasa bergambar. Selain itu, cat yang dimiliki seniman tidak sama dengan warna asli; paletnya jauh lebih buruk daripada warna alami.

Pelukis memilih dari dunia di sekitarnya apa yang sesuai dengan tugas artistiknya, memodifikasi, menekankan, menggeneralisasi banyak hal menjadi satu, berusaha untuk menyampaikan kualitas batin manusia dan hukum alam, yang tidak dapat diakses oleh penglihatan langsung, pengalamannya, sikapnya. terhadap mereka. Sarana ekspresif utama dalam melukis: warna(rentang warna-warni yang memiliki dampak emosional pada pemirsanya); komposisi(rasio bagian-bagian gambar); perspektif(linier, terbalik, paralel, dll.); Chiaroscuro (distribusi cahaya dan bayangan), garis dan bintik warna-warni; ritme, tekstur(sifat permukaan lukisan - halus atau timbul). Dalam cara menulis, dalam gerakan kuas, dalam kekhasan pengaplikasian cat pada kanvas atau permukaan lainnya, individualitas seniman, “tulisan tangan” kreatifnya yang unik selalu terasa.

Menurut tujuan dan sifat pelaksanaannya, lukisan monumental, kuda-kuda, dekoratif, dan teater dibedakan. KE lukisan monumental termasuk lukisan dinding ( lukisan dinding) Dan mosaik, jendela kaca patri, kap lampu, panel, terkait erat dengan arsitektur, dengan dinding (langit-langit, lantai) bangunan tempat mereka diciptakan; sebagian ikon dan komposisi altar lipat besar (“Ghent Altarpiece” oleh J. van Eika, 1432). Karya monumental tidak bisa dipindahkan ke interior lain. Ikon-ikon, altar lipat yang ditujukan untuk gereja, secara teknis dapat ditempatkan di ruang lain (banyak di antaranya sekarang dipamerkan di museum), namun, karena kehilangan lingkungan alaminya, dicabut dari ansambelnya, ikon-ikon tersebut kehilangan sebagian besar dampaknya. pada pemirsa. Bahasa artistik lukisan monumental dibedakan berdasarkan ketelitian dan keagungan, keringkasan bentuk umum, dan bintik-bintik warna yang besar. Lukisan monumental sudah ada sejak saat itu zaman kuno– bahkan orang primitif pun menciptakan lukisan batu ( Altamira di Spanyol, 15-10 ribu SM. e.).

Rembrandt. "Potret Hendrikje Stoffels di Jendela." OKE. 1659

Bekerja lukisan kuda-kuda– lukisan – dibuat menggunakan kuda-kuda dan tidak ditujukan untuk ruangan tertentu. Karya kuda-kuda pertama kali muncul pada era tersebut Renaisans(abad 15-16). Alasnya (papan, kanvas yang direntangkan di atas tandu, dll) ditutup dengan cat dasar putih yang terbuat dari gipsum (kapur) yang dicampur dengan lem atau minyak. Primer meratakan permukaan dan “menerangi” lapisan cat dari dalam. Selain orang kulit putih, banyak master (P.P. ruben dll.) menggunakan primer berwarna (coklat keemasan, merah), yang memberikan kesatuan pada warna gambar. Cat diaplikasikan di atas primer dalam satu atau beberapa lapisan; terkadang pekerjaan yang sudah selesai dipernis. Lukisan berbingkai ibarat jendela menuju dunia yang diciptakan oleh imajinasi sang seniman. Sebagai aturan, mereka menjaga kesatuan tempat, waktu dan tindakan.

Lukisan dekoratif (baik naratif maupun hias) dirancang tidak hanya untuk menghiasi permukaan dinding, tetapi juga untuk menonjolkan elemen strukturalnya ( kolom, pilar, lengkungan dll.); dilakukan dengan teknik fresco, dll. Salah satu jenis lukisan dekoratif adalah grisaille, banyak digunakan untuk mendekorasi interior istana, yang meniru relief pahatan (Istana Sheremetev di Kuskovo, abad ke-18). Keramik juga dihias dengan lukisan dekoratif. Lukisan piring keramik disebut lukisan vas.

Lukisan teater dan pemandangan adalah sketsa pemandangan dan kostum pertunjukan teater dan film; sketsa mise-en-scene individu.
Teknik dasar melukis: lukisan cat minyak, tempera, lukisan lem, encaustik dll. Cat air, guas, pastel menempati posisi perantara antara indah dan teknik grafis. Pigmen warna-warni awalnya diekstraksi dari mineral (kuning-coklat oker dari tanah liat, merah dari hematit, putih dari kapur, hitam dari batu bara atau tulang yang terbakar, biru dan hijau dari lapis lazuli dan perunggu, dll.). Belakangan, cat yang diproduksi secara kimia muncul. Semua teknik pengecatan menggunakan pigmen yang sama, tetapi bahan pengikatnya berbeda - zat cair dan perekat yang mencegah bubuk cat hancur. Para ahli Mesir kuno melukis dengan cat lem yang dicampur dengan kasein; cat-cat ini tidak menyebar, sehingga memungkinkan untuk menyampaikan banyak detail kecil. Lukisan master legendaris Yunani kuno dan batu nisan yang belum sampai kepada kita Potret Fayum dilukis menggunakan teknik encaustic: cat dilebur menjadi lilin panas yang meleleh. Cat lilin yang tebal memungkinkan terciptanya tekstur timbul yang ekspresif. Pada Abad Pertengahan, tempera mulai digunakan - cat dicampur dengan kuning telur atau putih dengan berbagai bahan tambahan. Gambar tempera dibedakan berdasarkan skema warna yang tidak bersuara. Tempera kuat dan tahan lama serta tidak retak seiring waktu, tidak seperti lukisan cat minyak.

Lukisan cat minyak muncul selama Renaisans; penemuannya dikaitkan dengan orang Belanda J. van Eyck. Pigmennya diencerkan dengan biji rami, kacang-kacangan dan minyak nabati lainnya; Berkat ini, catnya cepat kering, dapat diaplikasikan dalam lapisan tipis dan transparan, yang memberikan kilau dan kilau khusus pada lukisan itu. Kerugian dari cat minyak adalah lama kelamaan kehilangan elastisitasnya, menjadi gelap dan tertutup retakan (craquelures). Bekerja dengan cat minyak memungkinkan adanya beragam teknik - mulai dari finishing yang halus dan hati-hati hingga lukisan “alla prima” yang luas dan temperamental; dengan bantuan mereka, Anda dapat membuat permukaan enamel yang halus dan tekstur plastik yang timbul. Dalam teknik inilah sang seniman dapat mengekspresikan karyanya secara maksimal individualitas kreatif dan menyampaikan semua keragaman tekstur dunia - kaca transparan, bulu halus, kehangatan kulit manusia.
Kenikmatan sejati bagi penikmat seni lukis datang dari merenungkan keajaiban mengubah sapuan kuas menjadi bentuk hidup, daging cat menjadi daging benda. Ahli Renaisans, " Belanda kecil", pada abad ke-17. mereka berusaha menciptakan perasaan “keajaiban” pada objek yang digambarkan; mereka melukis dengan kuas terbaik, menerapkan sapuan kecil yang tidak terlihat. Pada akhirnya. abad ke-19 seniman berusaha untuk “mengekspos” proses kreatif, untuk mengungkap keindahan tidak hanya objek yang digambarkan, tetapi juga tekstur pasangan bata itu sendiri (gumpalan cat, tetesan dan kendurnya, guratan “mosaik”, dll.) . Ahli abad ke-20 Mereka menggunakan berbagai macam teknik dan teknik melukis.

Jumlah gaya dan tren sangat banyak, bahkan tidak terbatas. Ciri utama yang dengannya karya dapat dikelompokkan ke dalam gaya adalah prinsip-prinsip umum pemikiran artistik. Penggantian beberapa metode pemikiran artistik dengan metode lain (pergantian jenis komposisi, metode konstruksi spasial, fitur warna) bukanlah suatu kebetulan. Persepsi kita tentang seni juga telah berubah secara historis.
Dengan membangun sistem gaya dalam tatanan hierarki, kita akan menganut tradisi Eurosentris. Konsep terpenting dalam sejarah seni rupa adalah konsep zaman. Setiap era dicirikan oleh “gambaran dunia” tertentu, yang terdiri dari ide-ide filosofis, religius, politik, konsep ilmiah, karakteristik psikologis pandangan dunia, standar etika dan moral, kriteria estetika kehidupan, yang membedakan satu era dengan era lainnya. . Ini adalah Zaman Primitif, Zaman Dunia Kuno, Zaman Purbakala, Abad Pertengahan, Renaisans, dan Zaman Modern.
Gaya-gaya dalam seni tidak memiliki batasan yang jelas; gaya-gaya tersebut dengan mulus berubah satu sama lain dan terus berkembang, bercampur, dan bertentangan. Dalam kerangka satu gaya seni historis, gaya seni baru selalu lahir, dan pada gilirannya, berpindah ke gaya berikutnya. Banyak gaya hidup berdampingan pada saat yang sama dan oleh karena itu tidak ada “gaya murni” sama sekali.
Beberapa gaya bisa hidup berdampingan dalam era sejarah yang sama. Misalnya Klasisisme, Akademikisme dan Barok pada abad ke-17, Rokoko dan Neoklasikisme pada abad ke-18, Romantisisme dan Akademikisme pada abad ke-19. Gaya seperti klasisisme dan barok disebut gaya hebat karena berlaku untuk semua jenis seni: arsitektur, lukisan, seni dekoratif dan terapan, sastra, musik.
Penting untuk membedakan antara: gaya artistik, arah, tren, aliran, dan ciri-ciri gaya individu dari masing-masing master. Dalam satu gaya bisa terdapat beberapa gerakan artistik. Arahan artistik terdiri dari ciri-ciri khas suatu zaman dan metode pemikiran artistik yang unik. Gaya Art Nouveau, misalnya, mencakup sejumlah tren dari pergantian abad: pasca-impresionisme, simbolisme, fauvisme, dll. Di sisi lain, konsep simbolisme sebagai gerakan seni berkembang dengan baik dalam sastra, sedangkan dalam seni lukis sangat kabur dan menyatukan seniman-seniman yang sangat berbeda secara stilistika sehingga seringkali dimaknai hanya sebagai pandangan dunia yang menyatukan mereka.

Di bawah ini akan diberikan definisi era, gaya dan tren yang entah bagaimana tercermin dalam seni rupa dan dekoratif modern.

	- gaya artistik yang berkembang di negara-negara Eropa Barat dan Tengah pada abad 12-15. Itu adalah hasil evolusi seni abad pertengahan selama berabad-abad, tahap tertingginya dan sekaligus gaya artistik internasional pan-Eropa pertama dalam sejarah. Dia meliput semua jenis seni - arsitektur, patung, lukisan, kaca patri, desain buku, seni dan kerajinan. Dasar gaya gotik terdapat arsitektur yang bercirikan lengkungan runcing mengarah ke atas, jendela kaca patri warna-warni, dan dematerialisasi visual bentuk. Unsur seni Gotik sering ditemukan dalam desain interior modern, khususnya pada lukisan dinding, dan lebih jarang pada lukisan kuda-kuda. Sejak akhir abad terakhir, terdapat subkultur Gotik, yang terlihat jelas dalam musik, puisi, dan desain pakaian.
	(Renaissance) - (Renaisans Prancis, Rinascimento Italia) Suatu era perkembangan budaya dan ideologi sejumlah negara di Eropa Barat dan Tengah, serta beberapa negara di Eropa Timur. Ciri khas utama budaya Renaisans: karakter sekuler, pandangan dunia humanistik, daya tarik terhadap warisan budaya kuno, semacam “kebangkitan kembali” (sesuai dengan namanya). Kebudayaan Renaisans memiliki ciri khas era peralihan dari Abad Pertengahan ke zaman modern, di mana yang lama dan yang baru, saling terkait, membentuk suatu perpaduan yang unik dan baru secara kualitatif. Pertanyaan yang sulit adalah batas-batas kronologis Renaisans (di Italia - abad 14-16, di negara lain - abad 15-16), distribusi teritorialnya, dan karakteristik nasionalnya. Unsur gaya ini dalam seni modern sering digunakan pada lukisan dinding, lebih jarang pada lukisan kuda-kuda.
	- (dari bahasa Italia maniera - resepsi, cara) mengalir masuk seni Eropa abad ke-16. Perwakilan dari tingkah laku menjauh dari persepsi harmonis Renaisans tentang dunia, konsep humanistik tentang manusia sebagai ciptaan alam yang sempurna. Persepsi hidup yang tajam dipadukan dengan keinginan terprogram untuk tidak mengikuti alam, tetapi untuk mengekspresikan “ide batin” subjektif dari citra artistik yang lahir dalam jiwa seniman. Hal ini paling jelas terlihat di Italia. Untuk tingkah laku Italia tahun 1520-an. (Pontormo, Parmigianino, Giulio Romano) dicirikan oleh ketajaman gambar yang dramatis, pandangan dunia yang tragis, kompleksitas dan ekspresi pose dan motif gerakan yang berlebihan, proporsi figur yang memanjang, disonansi warna dan cahaya dan bayangan. Belakangan ini mulai digunakan oleh para sejarawan seni rupa untuk merujuk pada fenomena seni rupa kontemporer yang terkait dengan transformasi gaya sejarah.
	- gaya artistik sejarah yang awalnya tersebar luas di Italia pada pertengahan. Abad XVI-XVII, dan kemudian di Perancis, Spanyol, Flanders dan Jerman pada abad XVII-XVIII. Lebih luas lagi, istilah ini digunakan untuk mendefinisikan kecenderungan sikap gelisah, romantis, berpikir dalam bentuk ekspresif dan dinamis yang terus-menerus diperbarui. Akhirnya, di setiap masa, di hampir setiap gaya seni sejarah, seseorang dapat menemukan “periode Barok”-nya sendiri sebagai tahap kebangkitan kreatif tertinggi, ketegangan emosi, dan ledakan bentuk.
	- gaya artistik dalam seni Eropa Barat abad ke-17 - tahun-tahun awal. Abad XIX dan masuk Rusia XVIII- awal XIX, yang menjadikan warisan kuno sebagai cita-cita untuk diikuti. Itu terwujud dalam arsitektur, patung, lukisan, seni dekoratif dan terapan. Seniman klasik menganggap zaman kuno sebagai pencapaian tertinggi dan menjadikannya standar seni mereka, yang ingin mereka tiru. Seiring berjalannya waktu, hal itu merosot menjadi akademis.
	- sebuah tren seni Eropa dan Rusia tahun 1820-1830an, yang menggantikan klasisisme. Kaum Romantis menonjolkan individualitas, mengontraskan keindahan ideal kaum klasik dengan kenyataan yang “tidak sempurna”. Seniman tertarik pada fenomena yang cerah, langka, luar biasa, serta gambaran alam yang fantastis. Dalam seni romantisme, persepsi dan pengalaman individu yang tajam memainkan peran penting. Romantisme membebaskan seni dari dogma klasik abstrak dan mengubahnya menjadi sejarah nasional dan gambaran cerita rakyat.
	- (dari bahasa Latin sentimen - perasaan) - arah seni Barat paruh kedua abad ke-18, mengungkapkan kekecewaan terhadap “peradaban” yang didasarkan pada cita-cita “akal” (ideologi Pencerahan). S. menyatakan perasaan, refleksi kesendirian, kesederhanaan kehidupan pedesaan “ orang kecil" J. J. Rousseau dianggap sebagai ideolog S.
	- arah dalam seni yang berusaha untuk menggambarkan dengan kebenaran dan keandalan terbesar baik bentuk eksternal maupun esensi dari fenomena dan benda. Bagaimana metode kreatif menggabungkan fitur individual dan khas saat membuat gambar. Arah terpanjang yang ada, berkembang dari zaman primitif hingga saat ini.
	- arah budaya artistik Eropa pada akhir abad ke-19 dan awal abad ke-20. Muncul sebagai reaksi terhadap dominasi norma-norma “akal sehat” borjuis di bidang kemanusiaan (dalam filsafat, estetika - positivisme, dalam seni - naturalisme), simbolisme terutama terbentuk di Sastra Perancis akhir tahun 1860-70an, kemudian menyebar luas di Belgia, Jerman, Austria, Norwegia, Rusia. Prinsip estetika simbolisme sebagian besar kembali ke gagasan romantisme, serta beberapa doktrin filsafat idealis A. Schopenhauer, E. Hartmann, sebagian F. Nietzsche, hingga kreativitas dan teori komposer Jerman R. Wagner . Simbolisme mengontraskan realitas hidup dengan dunia penglihatan dan mimpi. Simbol yang dihasilkan oleh wawasan puitis dan mengungkapkan makna dunia lain dari fenomena yang tersembunyi dari kesadaran sehari-hari dianggap sebagai alat universal untuk memahami rahasia keberadaan dan kesadaran individu. Seniman kreatif dipandang sebagai mediator antara yang nyata dan yang super masuk akal, di mana-mana menemukan “tanda-tanda” harmoni dunia, secara nubuat menebak tanda-tanda masa depan baik dalam fenomena modern maupun peristiwa di masa lalu.
	- (dari kesan Perancis - kesan) suatu gerakan seni rupa sepertiga terakhir abad ke-19 - awal abad ke-20, yang muncul di Perancis. Nama tersebut diperkenalkan oleh kritikus seni L. Leroy yang meremehkan pameran seniman pada tahun 1874, yang antara lain menampilkan lukisan “Sunrise” karya C. Monet. Kesan". Impresionisme menegaskan keindahan dunia nyata, menekankan kesegaran kesan pertama dan variabilitas lingkungan. Perhatian yang dominan pada pemecahan masalah bergambar murni mereduksi gagasan tradisional tentang menggambar sebagai komponen utama sebuah karya seni. Impresionisme memiliki pengaruh yang kuat pada seni di negara-negara Eropa dan Amerika Serikat dan membangkitkan minat pada subjek dari kehidupan nyata. (E. Manet, E. Degas, O. Renoir, C. Monet, A. Sisley, dll.)
	- gerakan seni lukis (identik dengan divisionisme), yang berkembang dalam kerangka neo-impresionisme. Neo-Impresionisme berasal dari Perancis pada tahun 1885 dan juga menyebar ke Belgia dan Italia. Neo-impresionis mencoba menerapkan dalam seni pencapaian terkini di bidang optik, yang menurutnya lukisan yang dibuat dengan titik-titik warna primer yang terpisah dalam persepsi visual memberikan perpaduan warna dan keseluruhan lukisan. (J. Seurat, P. Signac, C. Pissarro).
	Pasca-Impresionisme- nama kolektif bersyarat untuk arah utama lukisan Prancis pada kuartal XIX - 1. abad XX Seni post-impresionisme muncul sebagai reaksi terhadap impresionisme yang menitikberatkan pada penyampaian momen, rasa keindahan dan hilangnya minat terhadap bentuk benda. Di antara kaum post-impresionis adalah P. Cezanne, P. Gauguin, V. Gogh dan lain-lain.
	- Gaya seni Eropa dan Amerika pada pergantian abad ke-19-20. Modernisme menafsirkan kembali dan menata ciri-ciri seni dari era yang berbeda, dan mengembangkan teknik artistiknya sendiri berdasarkan prinsip asimetri, ornamen, dan dekorasi. Bentuk-bentuk alam juga menjadi objek stilisasi modernitas. Hal ini menjelaskan tidak hanya minat terhadap ornamen bunga dalam karya modernis, tetapi juga struktur komposisi dan plastiknya - banyaknya garis lengkung, saraf mengambang, kontur baru yang mengingatkan pada bentuk tumbuhan. Berhubungan erat dengan modernitas adalah simbolisme, yang menjadi landasan estetika dan filosofis modernitas, dengan mengandalkan modernitas sebagai realisasi plastis dari ide-idenya. Art Nouveau memiliki nama berbeda di berbagai negara, yang pada dasarnya sama: Art Nouveau - di Prancis, Secession - di Austria, Art Nouveau - di Jerman, Liberty - di Italia.
	- (dari bahasa Perancis modern - modern) nama umum sejumlah gerakan seni rupa paruh pertama abad ke-20 yang bercirikan penolakan terhadap bentuk-bentuk tradisional dan estetika masa lalu. Modernisme dekat dengan avant-gardeisme dan berlawanan dengan akademisme.
	- nama yang menyatukan serangkaian gerakan seni yang umum pada tahun 1905-1930-an. (Fauvisme, Kubisme, Futurisme, Ekspresionisme, Dadaisme, Surealisme). Semua arah ini disatukan oleh keinginan untuk memperbarui bahasa seni, memikirkan kembali tugasnya, dan mendapatkan kebebasan berekspresi artistik.
	- arah seni dari XIX - M. Abad XX, berdasarkan pelajaran kreatif seniman Prancis Paul Cezanne, yang mereduksi semua bentuk gambar menjadi figur geometris paling sederhana, dan warna menjadi struktur kontras dengan nada hangat dan dingin. Cezanne menjadi salah satu titik awal Kubisme. Sebahagian besarnya, Cézanneisme juga mempengaruhi aliran seni lukis realistik dalam negeri.
	- (dari fauve - liar) gerakan avant-garde dalam seni Prancis. abad XX Nama "liar" diberikan kritikus modern sekelompok seniman yang tampil pada tahun 1905 di Paris Salon of Independents, dan bersifat ironis. Kelompok tersebut termasuk A. Matisse, A. Marquet, J. Rouault, M. de Vlaminck, A. Derain, R. Dufy, J. Braque, C. van Dongen dan lain-lain bentuk dan solusi warna yang intens, pencarian impuls dalam kreativitas primitif, seni Abad Pertengahan dan Timur.
	- penyederhanaan sarana visual yang disengaja, peniruan tahap-tahap primitif perkembangan seni. Istilah ini mengacu pada apa yang disebut. seni naif seniman yang tidak menerima Pendidikan luar biasa, bagaimanapun, terlibat dalam proses artistik umum abad XIX - awal. abad XX. Karya-karya para seniman ini - N. Pirosmani, A. Russo, V. Selivanov dan lain-lain - dicirikan oleh sifat kekanak-kanakan yang khas dalam penafsiran alam, kombinasi dari bentuk umum dan literalitas kecil dalam detailnya. Primitivisme bentuk sama sekali tidak menentukan keprimitifan isi. Ini sering menjadi sumber bagi para profesional yang meminjam bentuk, gambar, dan metode dari seni rakyat, yang pada dasarnya primitif. N. Goncharova, M. Larionov, P. Picasso, A. Matisse mendapat inspirasi dari primitivisme.
	- arah seni yang berkembang atas dasar mengikuti kanon zaman kuno dan Renaisans. Hal ini biasa terjadi di banyak sekolah seni Eropa dari abad ke-16 hingga ke-19. Akademisisme mengubah tradisi klasik menjadi sistem aturan dan regulasi “abadi” yang membelenggu pencarian kreatif, dan mencoba membandingkan alam hidup yang tidak sempurna dengan bentuk keindahan yang “tinggi”, non-nasional, dan abadi yang dibawa menuju kesempurnaan. Akademisisme dicirikan oleh preferensi terhadap mata pelajaran dari mitologi kuno, tema alkitabiah atau sejarah dibandingkan mata pelajaran dari seniman kontemporer kehidupan.
	- Arah (kubisme Perancis, dari kubus - kubus) dalam seni kuartal pertama abad ke-20. Bahasa plastis kubisme didasarkan pada deformasi dan penguraian benda-benda pada bidang geometris, pergeseran bentuk plastis. Kelahiran Kubisme terjadi pada tahun 1907-1908 - menjelang Perang Dunia Pertama. Pemimpin yang tak terbantahkan dari tren ini adalah penyair dan humas G. Apollinaire. Gerakan ini adalah salah satu gerakan pertama yang mewujudkan tren utama dalam perkembangan lebih lanjut seni abad ke-20. Salah satu tren tersebut adalah dominasi konsep terhadap nilai seni lukisan. J. Braque dan P. Picasso dianggap sebagai bapak kubisme. Fernand Léger, Robert Delaunay, Juan Gris dan lainnya bergabung dengan gerakan yang sedang berkembang ini.
	- sebuah gerakan sastra, seni lukis dan sinema yang muncul pada tahun 1924 di Perancis. Ini memberikan kontribusi yang signifikan terhadap pembentukan kesadaran manusia modern. Tokoh utama gerakan ini adalah Andre Breton, Louis Aragon, Salvador Dali, Luis Buñuel, Joan Miro dan banyak seniman lain dari seluruh dunia. Surealisme mengungkapkan gagasan tentang keberadaan di luar batas yang nyata; yang absurd, ketidaksadaran, mimpi, dan lamunan memainkan peran yang sangat penting di sini. Salah satu ciri khas seniman surealis adalah penarikan diri dari kreativitas sadar, yang menjadikannya alat yang mengekstraksi dengan berbagai cara. gambar yang aneh alam bawah sadar, mirip dengan halusinasi. Surealisme telah selamat dari beberapa krisis, dan selamat dari krisis kedua perang dunia dan lambat laun, menyatu dengan budaya massa, bersinggungan dengan trans-avant-garde, memasuki postmodernisme sebagai bagian yang tidak terpisahkan.
	- (dari Lat. futurum - masa depan) gerakan sastra dan seni dalam seni tahun 1910-an. Mengangkat dirinya sebagai prototipe seni masa depan, futurisme sebagai program utamanya mengedepankan gagasan untuk menghancurkan stereotip budaya dan malah menawarkan permintaan maaf atas teknologi dan kerendahan hati sebagai tanda utama masa kini dan masa depan. . Ide artistik penting dari futurisme adalah pencarian ekspresi plastis dari kecepatan gerak sebagai tanda utama laju kehidupan modern. Futurisme versi Rusia disebut kubofuturisme dan didasarkan pada kombinasi prinsip plastik kubisme Prancis dan sikap estetika umum futurisme Eropa.

GENRE LUKISAN(Genre Prancis - genus, tipe) - pembagian karya seni yang ditetapkan secara historis sesuai dengan tema dan objek gambar. Dalam lukisan modern ada genre berikut: potret, sejarah, mitologi, pertempuran, sehari-hari, lanskap, lukisan alam benda, genre kebinatangan.

Meskipun konsep “genre” muncul dalam seni lukis relatif baru, namun tetap ada kepastian perbedaan genre telah ada sejak zaman kuno: gambar binatang di gua-gua era Paleolitik, potret Mesir Kuno dan Mesopotamia dari 3 ribu SM, pemandangan alam dan benda mati dalam mosaik dan lukisan dinding Helenistik dan Romawi. Pembentukan genre sebagai suatu sistem dalam lukisan kuda-kuda dimulai di Eropa pada abad ke-15-16. dan berakhir terutama pada abad ke-17, ketika, selain pembagian seni rupa ke dalam genre, konsep yang disebut muncul. Genre “tinggi” dan “rendah” tergantung pada subjek gambar, tema, plot. Genre “tinggi” mencakup genre sejarah dan mitologi, dan genre “rendah” mencakup potret, lanskap, dan benda mati. Gradasi genre ini berlangsung hingga abad ke-19. meskipun dengan pengecualian.

Jadi, pada abad ke-17. di Belanda, genre “rendah”lah yang menjadi yang terdepan dalam seni lukis (lanskap, kehidupan sehari-hari, still life), tetapi potret seremonial, yang secara resmi termasuk dalam genre potret “rendah”, tidak termasuk dalam genre tersebut. Setelah menjadi suatu bentuk pertunjukan kehidupan, genre-genre seni lukis, meskipun ciri-ciri umumnya bersifat stabil, bukannya tidak dapat diubah seiring dengan kehidupan, berubah seiring berkembangnya seni. Beberapa genre punah atau memperoleh makna baru (misalnya, genre mitologi), genre baru muncul, biasanya dalam genre yang sudah ada sebelumnya (misalnya, dalam genre lanskap, lanskap arsitektur Dan marina). Muncul karya-karya yang memadukan berbagai genre (misalnya perpaduan genre keseharian dengan lanskap, potret kelompok dengan genre sejarah).

Genre seni rupa yang mencerminkan penampilan luar dan dalam seseorang atau sekelompok orang disebut potret. Genre ini tersebar luas tidak hanya dalam seni lukis, tetapi juga dalam seni pahat, grafis, dll. Persyaratan utama untuk sebuah potret adalah penyampaian kemiripan eksternal dan pengungkapan dunia batin, esensi karakter seseorang. Berdasarkan sifat gambarnya, dua kelompok utama dibedakan: potret seremonial dan potret kamar. Potret seremonial menunjukkan seseorang dalam pertumbuhan penuh (di atas kuda, berdiri atau duduk), dengan latar belakang arsitektur atau lanskap. Potret ruang menggunakan gambar setengah panjang atau sepanjang dada dengan latar belakang netral. Ada potret ganda dan kelompok. Potret disebut berpasangan, dilukis pada kanvas yang berbeda, tetapi saling terkoordinasi dalam komposisi, format, dan warna. Potret dapat membentuk ansambel - galeri potret, disatukan menurut karakteristik profesional, keluarga, dan lainnya (galeri potret anggota perusahaan, serikat, petugas resimen, dll.). Potret diri adalah kelompok khusus - penggambaran dirinya oleh seniman.

Potret adalah salah satu genre seni rupa tertua; awalnya memiliki tujuan pemujaan dan diidentikkan dengan jiwa orang yang meninggal. DI DALAM dunia kuno potret tersebut lebih berkembang dalam seni pahat, serta dalam potret yang dilukis - potret Fayyum pada abad ke-1 hingga ke-3. Pada Abad Pertengahan, konsep potret digantikan oleh gambar yang digeneralisasikan, meskipun ada beberapa ciri-ciri kepribadian dalam penggambaran tokoh sejarah. Gotik Akhir dan Renaisans adalah masa pergolakan dalam perkembangan seni potret, ketika pembentukan genre potret terjadi, mencapai puncak keyakinan humanistik pada manusia dan pemahaman tentang kehidupan spiritualnya. Pada abad ke-16 Jenis potret berikut muncul: tradisional (setengah panjang atau penuh), alegoris (dengan atribut ketuhanan), simbolis (berdasarkan karya sastra), potret diri dan potret kelompok: Giotto Enrico Scrovegni(c. 1305, Padua), Jan van Eyck Potret pasangan Arnolfini(1434, London, Galeri Nasional), Leonardo da Vinci Gioconda(c. 1508, Paris, Louvre), Raphael Wanita berkerudung(c. 1516, Florence, Galeri Pitti), Titian Potret seorang pemuda dengan sarung tangan(1515–1520, Paris, Louvre), A.Dürer Potret seorang pemuda orang(1500, Munich, Alte Pinakothek), H.Holbein Utusan(London, Galeri Nasional), Rembrandt Jaga malam(1642, Amsterdam, Rijksmuseum), Potret diri dengan Saskia berlutut(c. 1636, Dresden, Galeri Gambar). Berkat Van Dyck, Rubens dan Velazquez, jenis potret istana kerajaan muncul: model ditampilkan dalam pertumbuhan penuh dengan latar belakang gorden, lanskap, motif arsitektur (Van Dyck Potret Charles I, OKE. 1653, Paris, Louvre).

Secara paralel, ada sederet potret psikologis, potret karakter, potret kelompok: F. Hals Potret grup perusahaan St. Adriana(1633, Haarlem, Museum Frans Hals), Rembrandt Sindik(1662, Amsterdam, Rijksmuseum), El Yunani Potret Niño de Guevara(1601, New York, Museum Seni Metropolitan), D.Velazquez Potret Philip IV(1628, Madrid, Prado), F.Goya Sariawan dari Bordeaux(1827, Madrid, Prado), T.Gainsborough Potret aktris Sarah Siddons(1784–1785, London, Galeri Nasional), F.S. Rokotov Potret Maykov(c. 1765, Moskow, Galeri Tretyakov), D. G. Levitsky Potret M.A. Dyakova(1778, Moskow, Galeri Tretyakov). Potret abad 19-20 yang menarik dan bervariasi: D. Ingres Potret Nyonya Recamier(1800, Paris, Louvre), E.Manet Pemain suling(1866, Paris, Louvre), O.Renoir Potret Jeanne Samary(1877, Moskow, Museum Seni Rupa Negara Pushkin), V. Van Gogh Potret diri dengan telinga diperban(1889, Chicago, koleksi Blok), O.A Potret seorang penyair Pushkin(1827, Moskow, Galeri Tretyakov), I.N Potret penulis Leo Tolstoy(1873, Moskow, Galeri Tretyakov), I.E Mussorgsky(1881, Moskow, Galeri Tretyakov).

Genre seni rupa yang didedikasikan untuk peristiwa dan karakter sejarah disebut genre sejarah. Genre sejarah yang bercirikan monumentalitas, untuk waktu yang lama dikembangkan dalam lukisan dinding. Dari Renaisans hingga abad ke-19. seniman menggunakan subjek dari mitologi kuno dan legenda Kristen. Seringkali nyata peristiwa sejarah Tokoh-tokoh yang digambarkan dalam lukisan itu penuh dengan tokoh-tokoh mitologis atau alegoris alkitabiah. Genre sejarah saling terkait dengan genre lain - genre sehari-hari (adegan sejarah dan sehari-hari), potret (penggambaran tokoh sejarah masa lalu, komposisi potret-sejarah), lanskap (" lanskap bersejarah"), ditutup dengan genre battle.

Genre sejarah diwujudkan dalam bentuk kuda-kuda dan monumental, miniatur, dan ilustrasi. Berasal dari zaman kuno, genre sejarah menggabungkan peristiwa sejarah nyata dengan mitos. Di negara-negara Timur Kuno, bahkan terdapat jenis komposisi simbolik (pendewaan kemenangan militer raja, pengalihan kekuasaan kepadanya oleh dewa) dan siklus naratif lukisan dan relief.

Di Yunani Kuno ada gambar pahatan pahlawan sejarah ( Pembunuhan tirani, 477 SM), di Roma Kuno, relief dibuat dengan adegan kampanye dan kemenangan militer ( Kolom Trajan di Roma, kira-kira. 111–114). Pada Abad Pertengahan di Eropa, peristiwa sejarah tercermin dalam miniatur kronik dan ikon. Genre sejarah dalam lukisan kuda-kuda mulai terbentuk di Eropa pada masa Renaisans, pada abad ke-17 hingga ke-18. itu dianggap sebagai genre "tinggi", menonjolkan (subyek agama, mitologi, alegoris, sejarah). Salah satu lukisan kuda-kuda realistis pertama adalah Penyerahan Breda Velasquez (1629–1631, Madrid, Prado). Lukisan bergenre sejarah dipenuhi dengan muatan dramatis, cita-cita estetika yang tinggi, dan kedalaman hubungan manusia: Tintoretto Pertempuran Zara(c. 1585, Venesia, Istana Doge), N. Poussin Kemurahan Hati Scipio(1643, Moskow, Museum Seni Rupa Negara Pushkin), J.L. David Sumpah Horatii(1784, Paris, Louvre), E.Manet Eksekusi Kaisar Maximilian(1871, Budapest, Museum Seni Rupa). Awal abad ke-19 – babak baru dalam perkembangan genre sejarah, yang dimulai dengan munculnya romantisme dan munculnya ekspektasi utopis: E. Delacroix Penangkapan Konstantinopel oleh Tentara Salib(1840, Paris, Louvre), K. Bryullov Hari terakhir Pompeii(1830–1833, St. Petersburg, Museum Rusia), A.A.Ivanov Penampakan Kristus kepada Umat(1837–1857, Moskow, Galeri Tretyakov). Realisme paruh kedua abad ke-19. berubah menjadi pemahaman tragedi sejarah masyarakat dan kepribadian: I.E. Repin Ivan Mengerikan dan putranya Ivan(1885, Moskow, Galeri Tretyakov), V.I.Surikov Menshikov masuk Berezov(1883, Moskow, Galeri Tretyakov). Dalam seni abad ke-20. ada minat pada zaman kuno sebagai sumber keindahan dan puisi: V.A Petrus I(1907, Moskow, Galeri Tretyakov), seniman dari asosiasi Dunia Seni. Dalam seni Soviet, komposisi sejarah dan revolusioner menempati posisi terdepan: B.M Bolshevik(1920, Moskow, Galeri Tretyakov).

Genre seni rupa yang didedikasikan untuk para pahlawan dan peristiwa yang diceritakan dalam mitos masyarakat kuno disebut genre mitologi(dari mitos Yunani - legenda). Genre mitologi bersentuhan dengan sejarah dan terbentuk selama Renaisans, ketika legenda kuno memberikan banyak peluang untuk perwujudan cerita dan karakter dengan nuansa etis yang kompleks, seringkali bernuansa alegoris: S. Botticelli Kelahiran Venus(c. 1484, Florence, Uffizi), A. Mantegna Parnassus(1497, Paris, Louvre), Giorgione Sedang tidur Venus(c. 1508–1510, Dresden, Galeri Gambar), Raphael sekolah Athena(1509–1510, Roma, Vatikan). Pada abad ke-17 - awal abad ke-19 dalam karya-karya bergenre mitologi, jangkauan masalah moral dan estetika semakin luas, yang diwujudkan dalam cita-cita seni yang tinggi dan semakin dekat dengan kehidupan atau menciptakan tontonan yang meriah: N. Poussin Venus yang sedang tidur(1620-an, Dresden, Galeri Gambar), P.P Bacchanalia(1619–1620, Moskow, Museum Seni Rupa Negara Pushkin), D. Velasquez Bacchus (Pemabuk) (1628–1629, Madrid, Prado), Rembrandt Danae(1636, St. Petersburg, Pertapaan), G. B. Tiepolo Kemenangan Amphitrite(c. 1740, Dresden, Galeri Gambar). Dari abad 19-20. Tema mitos Jermanik, Celtic, India, dan Slavia menjadi populer.

Genre pertempuran(dari bahasa Prancis bataille - pertempuran) adalah genre lukisan yang merupakan bagian dari genre sejarah, mitologis dan mengkhususkan diri dalam menggambarkan pertempuran, eksploitasi militer, operasi militer, mengagungkan keberanian militer, keganasan pertempuran, dan kejayaan kemenangan. Lukisan pertempuran dapat mencakup elemen genre lain - domestik, potret, lanskap, kebinatangan, lukisan alam benda. Seniman secara teratur beralih ke genre pertempuran: Leonardo da Vinci Pertempuran Anghiari(tidak diawetkan), Michelangelo Pertempuran Kashin(tidak diawetkan), Tintoretto Pertempuran Zara(c. 1585, Venesia, Istana Doge), N. Poussin, A. Watteau Kesulitan perang(c. 1716, St. Petersburg, Pertapaan), F. Goya Bencana Perang(1810–1820), T.Gericault Penjaga yang terluka(1814, Paris, Louvre), E.Delacroix Pembantaian Chios(1824, Paris, Louvre), V.M Setelah pembantaian Igor Svyatoslavovich dengan Polovtsia(1880, Moskow, Galeri Tretyakov).

Genre seni rupa yang menampilkan adegan kehidupan sehari-hari, kehidupan pribadi seseorang, kehidupan sehari-hari dari kehidupan petani dan perkotaan disebut genre sehari-hari. Daya tarik terhadap kehidupan dan moral masyarakat sudah ditemukan dalam lukisan dan relief Timur Kuno, dalam lukisan vas dan patung kuno, dalam ikon abad pertengahan dan buku jam. Namun genre sehari-hari menonjol dan memperoleh bentuk-bentuk khas hanya sebagai fenomena seni kuda-kuda sekuler. Ciri-ciri utamanya mulai terbentuk pada abad ke-14-15. dalam lukisan altar, relief, permadani, miniatur di Belanda, Jerman, Perancis. Pada abad ke-16 Di Belanda, genre sehari-hari mulai berkembang pesat dan menjadi terisolasi. Salah satu pendirinya adalah I. Bosch ( Tujuh dosa mematikan, Madrid, Prado). Perkembangan genre keseharian di Eropa sangat dipengaruhi oleh karya P. Bruegel: ia beralih ke genre keseharian yang murni, menunjukkan bahwa kehidupan sehari-hari dapat menjadi objek kajian dan sumber keindahan ( Tarian petani, Pernikahan petani- OKE. 1568, Wina, Museum Kunsthistorisches). abad ke-17 bisa disebut abad “genre” di semua sekolah seni lukis di Eropa: Michelangelo dan Caravaggio Peramal(Paris, Louvre), P.P Petani menari(1636–1640, Madrid, Prado), J.Jordans Festival Raja Kacang(c. 1638, St. Petersburg, Hermitage), A. van Ostade Pemain suling(c. 1660, Moskow, Museum Seni Rupa Negara Pushkin), Jan Steen Pasien dan dokter(c. 1660, Amsterdam, Rijksmuseum), F. Hals Gipsi(c. 1630, Paris, Louvre), John Vermeer dari Delft Gadis dengan surat(akhir 1650-an, Dresden, Galeri Gambar). Pada abad ke-18 di Perancis, genre lukisan dikaitkan dengan penggambaran adegan gagah, “pastoral”, menjadi halus dan anggun, ironis: A. Watteau Bivak(c. 1710, Moskow, Museum Seni Rupa Negara Pushkin), J.B. Chardin Doa sebelum makan siang(c. 1737, St. Petersburg, Pertapaan). Karya bergenre keseharian bermacam-macam: menampilkan kehangatan kehidupan rumah tangga dan eksotisme negeri yang jauh, pengalaman sentimental dan gairah romantis. Genre sehari-hari pada abad ke-19 dalam lukisan ia menegaskan cita-cita demokrasi, seringkali dengan nada kritis: O. Daumier Penatu(1863, Paris, Louvre), G. Courbet Bengkel seniman(1855, Paris, Museum Orsay). Genre sehari-hari, yang berfokus pada menampilkan kehidupan petani dan kehidupan penduduk kota, berkembang pesat dalam lukisan Rusia abad ke-19: A.G. Venetsianov Di tanah subur. Musim semi(1820-an, Moskow, Galeri Tretyakov), P.A perjodohan Mayor(1848, Moskow, Galeri Tretyakov), V.G Kedai terakhir di pos terdepan(1868, Moskow, Galeri Tretyakov), I.E Kami tidak menunggu(1884, Moskow, Galeri Tretyakov).

Genre seni rupa yang pokoknya adalah gambaran alam, lingkungan, pemandangan pedesaan, kota, monumen bersejarah, disebut lanskap (French paysage). Ada lanskap pedesaan, perkotaan (termasuk veduta), arsitektur, industri, gambar elemen air - lanskap laut (marina) dan sungai

Pada zaman kuno dan Abad Pertengahan, pemandangan alam muncul dalam lukisan kuil, istana, ikon, dan miniatur. Dalam seni Eropa, pelukis Renaisans Venesia (A. Canaletto) adalah orang pertama yang beralih ke penggambaran alam. Dari abad ke-16 lanskap menjadi genre independen, variasi dan arahnya terbentuk: lanskap liris, heroik, dokumenter: P. Bruegel Ini hari yang buruk (Malam Musim Semi) (1565, Wina, Museum Kunsthistorisches), P.P Perburuan singa(c. 1615, Munich, Alte Pinakothek), Rembrandt Lanskap dengan kolam dan jembatan melengkung(1638, Berlin – Dahlem), J.van Ruisdael rawa hutan(1660-an, Dresden, Galeri Gambar), N. Poussin Lansekap dengan Polyphemus(1649, Moskow, Museum Seni Rupa Negara Pushkin), K. Lorrain Siang(1651, St. Petersburg, Pertapaan), F. Guardi Piazza San Marco, pemandangan basilika(c. 1760–1765, London, Galeri Nasional). Pada abad ke-19 penemuan kreatif para ahli lanskap, kejenuhannya dengan isu-isu sosial, perkembangan plein air (penggambaran lingkungan alam) berpuncak pada pencapaian impresionisme, yang memberikan peluang baru dalam transmisi gambar kedalaman spasial, variabilitas lingkungan cahaya-udara , kompleksitas warna: Barbizon, C. Corot Pagi di Venesia(c. 1834, Moskow, Museum Seni Rupa Negara Pushkin), A.K Benteng telah tiba(1871, Moskow, Galeri Tretyakov), I.I Gandum hitam V.D.Polenov Halaman Moskow(1878, Moskow, Galeri Tretyakov), I.I Musim gugur emas(1895, Moskow, Galeri Tretyakov), E. Manet Sarapan di rumput(1863, Paris, Louvre), C.Monet Boulevard Gadis Kapusin di Paris(1873, Moskow, Museum Seni Rupa Negara Pushkin), O. Renoir Kolam mendayung(1869, Stockholm, Museum Nasional).

Marina(Marina Italia, dari bahasa Latin marinus - laut) - salah satu jenis lanskap, yang objeknya adalah laut. Marina menjadi genre independen di Belanda pada awal abad ke-17: J. Porcellis, S. de Vlieger, W. van de Velle, J. Vernet, W. Turner Pemakaman di laut(1842, London, Galeri Tate), C. Monet Kesan, matahari terbit matahari(1873, Paris, Museum Marmottan), S.F Pelabuhan kecil di Sorrento(1826, Moskow, Galeri Tretyakov).

Lanskap arsitektur- sejenis pemandangan alam, salah satu jenis lukisan perspektif, gambaran arsitektur nyata atau khayalan pada lingkungan alam. Peran utama dalam lanskap arsitektur dimainkan oleh perspektif linier dan udara, yang menghubungkan alam dan arsitektur. Dalam lanskap arsitektur, pandangan perspektif perkotaan dibedakan, yang disebut pada abad ke-18. vedutami (A. Canaletto, B. Bellotto, F. Guardi di Venesia), pemandangan perkebunan, ansambel taman dengan bangunan, lanskap dengan reruntuhan kuno atau abad pertengahan (Y. Robert; K.D. Friedrich Biara di Oak belukar, 1809–1810, Berlin, Museum Negara; S.F. Shchedrin), lanskap dengan struktur dan reruntuhan imajiner (D.B. Piranesi, D. Pannini).

Weduta(Veduta Italia, lit. - terlihat) - lanskap yang secara akurat mendokumentasikan penampakan suatu area, kota, salah satu sumber seni panorama. Istilah ini muncul pada abad ke-18, ketika kamera obscura digunakan untuk mereproduksi pemandangan. Artis terkemuka yang bekerja dalam genre ini adalah A. Canaletto: Piazza San Marco(1727–1728, Washington, Galeri Nasional).

Genre seni rupa yang menampilkan benda-benda sehari-hari, tenaga kerja, kreativitas, bunga, buah-buahan, hewan buruan mati, ikan hasil tangkapan, ditempatkan dalam lingkungan nyata sehari-hari, disebut benda mati (fr. nature morte - alam mati). Still life bisa diberkahi dengan kompleksitas makna simbolis, memainkan peran panel dekoratif, jadilah yang disebut. “trik”, yang memberikan reproduksi ilusi objek atau figur nyata yang membangkitkan efek kehadiran alam asli.

Penggambaran benda dikenal dalam seni jaman dahulu dan Abad Pertengahan. Namun benda mati pertama dalam lukisan kuda-kuda dianggap sebagai lukisan karya seniman Venesia Jacopo de Barbari Partridge dengan panah dan sarung tangan(1504, Munich, Alte Pinakothek). Sudah di abad ke-16. still life dibagi menjadi beberapa jenis: interior dapur dengan atau tanpa orang, set meja dalam suasana pedesaan, “vanitas” dengan benda-benda simbolis (vas bunga, lilin yang padam, alat musik). Pada abad ke-17 genre still life berkembang: monumentalitas lukisan F. Snyders ( Masih hidup dengan angsa, Moskow, Museum Seni Rupa Negara Pushkin), F. Zurbaran, yang menyusun komposisi sederhana dari beberapa objek ( Masih hidup dengan empat kapal, 1632–1634, Madrid, Prado). Benda mati Belanda sangat kaya, sederhana dalam warna dan benda yang digambarkan, tetapi indah dalam tekstur ekspresif benda, dalam permainan warna dan cahaya (P. Klas, V. Heda, V. Kalf, A. Beyeren) . Pada abad ke-18 dalam still life singkat J.B. Chardin, nilai dan martabat yang tersembunyi dalam kehidupan sehari-hari ditegaskan: Atribut seni(1766, St. Petersburg, Pertapaan). Benda mati abad ke-19 beragam: implikasi sosial dalam lukisan O. Daumier; transparansi, kesejukan dalam lukisan E. Manet; monumentalitas, konstruktif, pemodelan bentuk yang tepat dengan warna oleh P. Cezanne. Pada abad ke-20 kemungkinan-kemungkinan baru untuk benda mati semakin terbuka: P. Picasso, J. Braque menjadikan subjek sebagai objek utama eksperimen artistik, mempelajari dan membedah struktur geometrisnya.

Genre seni rupa yang menampilkan binatang disebut genre kebinatangan(dari lat. binatang - binatang). Seniman hewan memperhatikan karakteristik artistik dan figuratif hewan, kebiasaannya, ekspresi dekoratif dari sosok dan siluet. Seringkali hewan diberkahi dengan sifat, tindakan, dan pengalaman yang melekat pada manusia. Gambar binatang sering ditemukan pada patung dan lukisan vas kuno.

Nina Bayor

Literatur:

Suzdalev P.Sejarah pertemuanSuzdalev P. Tentang genre lukisan.– Majalah “Kreativitas”, 1964, No.2, 3
Sejarah seni asing. M., Seni Rupa, 1984
Whipper B.R. Pengantar studi sejarah seni. M., Seni Rupa, 1985
Sejarah seni dunia. BMM JSC, M., 1998



Gaya dipahami sebagai suatu bentuk teknik visual dan sarana ekspresi yang kompleks yang mengidentifikasi orisinalitas artistik suatu fenomena seni. Kata "gaya" berasal dari bahasa Lat. stilus, dari bahasa Yunani. stylos, artinya "tongkat tulis runcing". Gaya-gaya tersebut tidak setara satu sama lain - beberapa gaya telah ada selama berabad-abad, yang lain hanya relevan selama beberapa tahun. Pembagian kreativitas seniman ke dalam gaya, atau arah, bersifat kondisional. Hal ini terjadi karena tidak mungkin untuk secara jelas mendefinisikan batas-batas gaya tertentu. Jumlah gaya dan tipenya bukanlah kuantitas yang konstan; pergerakan, perubahan, dan perkembangan terjadi secara terus menerus. Variasinya hampir tak ada habisnya.

Abstraksionisme

V.V. Kandinsky "Kurva Dominan"

Abstraksionisme (dari bahasa Latin abstractio - penghilangan, gangguan) adalah suatu aliran dalam seni lukis yang ditandai dengan penolakan terhadap keinginan untuk mendekatkan objek yang digambarkan dengan bentuk dunia objektif yang sebenarnya. Abstraksionisme juga disebut “seni di bawah tanda “bentuk nol””, “seni non-objektif”, “seni nonfiguratif”, “non-objektivitas”. Abstraksionisme sebagai sebuah gerakan muncul pada tahun 10-an. abad kedua puluh, dan merupakan manifestasi ekstrim dari modernisme. Seniman gerakan ini hanya menggunakan unsur formal dalam berkarya, seperti garis, bintik warna, konfigurasi. Pada abad kedua puluh di Rusia, perwakilan seni abstrak yang paling menonjol adalah V. Kandinsky, Kazimir Malevich (penulis lukisan yang sangat terkenal “Black Square”), serta pencipta Suprematisme dan Mikhail Fedorovich Larionov, yang merupakan pendiri dari gerakan seperti "rayonisme"(1910-1912 abad XX).

MF. Larionov "Garis Bersinar"

Dari posisi Rayonisme, tujuan melukis bukanlah untuk menggambarkan benda itu sendiri, melainkan sinar warna yang dipantulkannya, karena ini adalah hal yang paling dekat dengan bagaimana objek dilihat oleh mata manusia. Pekerja di Rayonisme: Mikhail Le-Dantu, N.S. Goncharova, S.M., Romanovich.

Avant-garde

Avant-garde (dari bahasa Perancis avant-gardisme, dari avant-garde - vanguard) adalah serangkaian gerakan seni yang ditandai dengan meremehkan dan memutuskan kanon dan tradisi kreativitas yang sudah ada sebelumnya, pencarian terus-menerus untuk bentuk-bentuk ekspresi baru, dan peningkatan inovasi ke peringkat nilai yang paling penting. Istilah “avant-garde” sendiri muncul pada tahun 20-an. abad XX dan akhirnya memantapkan dirinya pada tahun 50-an. Dalam periode yang berbeda, berbagai gerakan diklasifikasikan sebagai avant-garde (kubisme, futurisme, ekspresionisme, dadaisme, surealisme, dll.)

Akademisi

K. Bryullov “Penunggang Kuda Wanita”

Akademisisme (dari bahasa Perancis akademisisme) adalah suatu aliran seni lukis yang bercirikan pengangkatan pada cita-cita dan ketaatan yang ketat pada kanon-kanon tertentu. Arah ini dibedakan dalam lukisan abad 16-19, ketika norma-norma sekolah seni mana pun diangkat ke peringkat standar, model bagi yang lain. Di satu sisi, akademisme berkontribusi pada pengenalan pendidikan seni ke dalam sistem dan konsolidasi tradisi; di sisi lain, ia tumbuh menjadi sistem “resep” yang tiada habisnya. Akademisi memahami seni zaman kuno dan Renaisans Italia sebagai dasar karya. Misalnya, ketika belajar di akademi seni, wajib menyelesaikan tesis tentang mata pelajaran mitologi, sejarah, atau alkitabiah. Pemilihan topik lain tidak diperbolehkan, sehingga menimbulkan kesenjangan yang tak terelakkan antara realitas kehidupan dan seni. Protes para seniman yang menentang aturan-aturan yang ada lambat laun mengarah pada fakta bahwa istilah “akademisisme” memperoleh konotasi negatif.

Aksiisme

Aksiisme (dari bahasa Inggris action art - seni aksi) adalah aliran seni yang ditandai dengan mengalihkan perhatian pemirsa dari karya itu sendiri ke proses penciptaannya. Happening, pertunjukan, peristiwa, seni proses, seni demonstrasi dan sejumlah bentuk seni lainnya dekat dengan aksiisme. Aksiisme muncul pada tahun 60an. abad XX Aksiisme berupaya menghapus batas antara seni dan kenyataan, melibatkan penonton/seniman dalam suatu aksi atau aksi.

Gaya kerajaan

J.L. David "Sumpah Horatii"

Kekaisaran (Kekaisaran Prancis - kekaisaran dari bahasa Latin imperium - komando, kekuasaan) - inti dari arah seni ini tercermin dalam namanya. Hal ini ditandai dengan terpampangnya lukisan-lukisan keperkasaan dan kekuatan tentara, kebesaran negara; Hal ini dicapai dengan beralih ke bentuk dekoratif Mesir kuno (piala militer, sphinx bersayap), vas Etruria, lukisan Pompeian, dekorasi Yunani dan Romawi, lukisan dinding dan ornamen Renaisans. Gaya Kekaisaran paling jelas terlihat dalam arsitektur. Gaya kerajaan berasal dari Perancis pada awal abad ke-19, pada masa Kekaisaran Pertama Napoleon Bonaparte. Gaya Empire merupakan akhir dari perkembangan klasisisme. Seperti klasisisme, gaya Kekaisaran mengikuti aturan secara ketat. Namun ia memiliki sejumlah ciri: gaya Empire ditandai dengan penggunaan warna-warna cerah - merah, biru, putih dan emas; komposisi lukisan dibangun (biasanya) di atas kontras permukaan interior monokromatik, piring dan ornamen minimal yang terletak di tempat yang ditentukan secara ketat, sedangkan dalam klasisisme batas-batas interiornya kabur. Gaya kerajaan itu keras dan dingin. Ia dicirikan oleh monumentalisme dan lakonisme. Motif dekoratif gaya Kekaisaran sebagian besar terdiri dari elemen perlengkapan militer Romawi kuno: lencana legiun dengan elang, seikat tombak, perisai, seikat anak panah, dan kapak penyiar.

bawah tanah

L. Kropivnitsky “Argumen yang tak terbantahkan”

Bawah tanah (dari bahasa Inggris underground - underground, dungeon) adalah suatu arah dalam seni yang ditandai dengan penentangan terhadap budaya massa, batasan dan konvensi yang ada; pelanggaran yang disengaja terhadap norma-norma yang diterima. Gerakan bawah tanah muncul di Amerika pada akhir tahun 50-an. abad XX Di masa Soviet, konsep “bawah tanah” mencakup hampir semua seni tidak resmi (tidak disetujui oleh pihak berwenang). Tema yang paling sering muncul dalam karya-karya gaya ini adalah “revolusi seksual”, narkoba, permasalahan kelompok marginal. Setelah runtuhnya Uni Soviet dan pencabutan larangan kebebasan berkreasi, gerakan bawah tanah kehilangan relevansi dan esensinya.

seni deco

T.de Lempicke “Kisette di Balkon”

Art Deco, juga art deco (dari bahasa Perancis art deco, disingkat dari dekoratif, secara harfiah berarti “seni dekoratif”) adalah gaya eklektik yang merupakan campuran dari beberapa tren seperti modernisme, neoklasikisme, serta kubisme, futurisme, dan konstruktivisme. Ciri khas: palet warna yang kaya, kemewahan, gaya, banyak ornamen, pola berikut, tetapi pada saat yang sama penggunaan bentuk geometris yang berani, kombinasi bahan mahal dan eksotis yang tidak biasa (gading, kulit buaya, perak, hitam - kayu eboni , kulit mutiara, berlian, kulit shagreen, bahkan kulit kadal). Makhluk fantastis dan wanita pucat lesu dengan rambut tergerai sering digambarkan. Lukisan yang dilukis dengan gaya Art Deco berbau kelelahan dan kenyang. Gaya Art Deco berasal dari Perancis pada tahun 1920-an. Abad XX, kemudian menyebar ke seluruh dunia (pada tahun 40-an). Art Deco disebut sebagai gaya artistik terakhir yang “menghubungkan hal-hal yang tidak sesuai”.

Barok

hal. Rubens "Potret Marchioness Brigitte Spinola Doria"

Barok merupakan suatu aliran seni yang bercirikan banyaknya detail dekoratif, kemegahan, keagungan, kontras (cahaya, bayangan, bahan, skala), berat, dan sifat kolosal dalam penciptaan karya. Sejarah asal usul kata ini patut mendapat perhatian khusus, karena Tidak sepenuhnya jelas dari kata mana nama gaya ini berasal. Kata "barok" dalam bahasa Portugis digunakan oleh para pelaut sebagai nama untuk mutiara cacat yang bentuknya aneh dan terdistorsi (perola barroca). Belakangan, pada pertengahan abad ke-16. kata ini dipinjam oleh orang Italia dan menjadi sinonim dengan kata kasar, salah, kikuk. Kata Perancis “baroquer” untuk perhiasan berarti “melembutkan garis luar, membuat bentuknya lebih indah”; dan pada tahun 1718 Kata ini muncul dalam kamus Perancis dan ditafsirkan sebagai kata yang kasar. Sehubungan dengan itu, mereka sudah lama menolak menggunakan kata ini sebagai nama suatu gaya dalam seni rupa. Gaya Barok sendiri muncul sekitar tahun 1600 di Italia dan Roma, kemudian menyebar ke seluruh Eropa dan menjadi salah satu gaya dominan dalam arsitektur dan seni negara-negara Eropa pada akhir abad ke-16 – pertengahan abad ke-18. Perwakilan lukisan Barok yang paling menonjol adalah P. Rubens dan M. Caravaggio.

Verisme

G. Fattori “Pertempuran Montenebleau”

Verisme (dari bahasa Italia il verismo, dari kata vero - benar, jujur) adalah suatu aliran seni yang dicirikan oleh keinginan untuk menyampaikan secara utuh kebenaran peristiwa yang digambarkan. Istilah itu sendiri muncul pada abad ke-17 dan digunakan untuk merujuk pada gerakan realistik dalam lukisan Barok. Belakangan (pada paruh kedua abad ke-19) istilah tersebut memiliki arti yang berbeda, yang mencerminkan keinginan bukan pada realisme, tetapi pada naturalisme.

Renaisans, atau Renaisans

Renaisans, atau Renaisans (dari renaisans Prancis, Rinascimentom Italia - kebangkitan) adalah salah satu bidang seni terpenting, yang dicirikan oleh antroposentrisme (ketertarikan pada manusia dan aktivitasnya), sifat budaya sekuler, pandangan dunia humanistik, daya tarik terhadap dunia. warisan budaya kuno (yaitu, ada “kelahiran kembali”). Cukup sulit untuk menetapkan kerangka kronologis Renaisans: di Italia abad XIV-XVI, di negara lain - abad XV-XVI. Seniman masih beralih ke tema keagamaan tradisional, tetapi pada saat yang sama mereka mulai menggunakan teknik artistik baru dalam kanvasnya: membangun komposisi tiga dimensi, menggunakan lanskap sebagai latar belakang. Hal ini memungkinkan Anda mencapai realisme yang lebih besar dalam gambar, “menghidupkannya”. Renaisans ditandai dengan perubahan budaya masyarakat secara keseluruhan mengenai orientasi dan isi seni; manusia dan dunia di sekitarnya ditegaskan sebagai nilai tertinggi. Renaisans mempunyai pengaruh yang kuat pada seluruh perkembangan seni Eropa selanjutnya.

Gotik

Jendela kaca patri “Perawan dan Anak” di Katedral di Chartres, dibuat oleh. hingga 1200

Gotik (dari bahasa Italia gotico - tidak biasa, barbar) adalah gerakan yang muncul pada pertengahan abad ke-12, ditandai dengan hubungan organik antara seni rupa dan arsitektur dan desain interior, kompleksitas dan kekayaan komposisi, spiritualitas dan keagungan gambar. Selama Renaisans, seni Abad Pertengahan ini dianggap “biadab”. Seni Gotik memiliki tujuan pemujaan dan tema keagamaan. Gotik dalam perkembangannya terbagi menjadi Gotik Awal, Masa kejayaan, Gotik Akhir. Katedral-katedral Eropa yang terkenal, yang suka difoto oleh wisatawan dengan sangat detail, telah menjadi mahakarya gaya Gotik. Dalam desain interior Katedral Gotik Peran penting dimainkan oleh solusi warna. Di luar ruangan dan dekorasi dalam ruangan Ada banyak sekali penyepuhan, luminositas interior, kerawang pada dinding, dan pembedahan ruang yang seperti kristal. Sampel terbaik Jendela kaca patri Gotik asli terlihat di katedral Chartres, Bourges, dan Paris.

Dadaisme atau Dada

F. Picabia “Parade Cinta”

Dadaisme, atau dada, adalah gerakan seni yang ditandai dengan penolakan terhadap kanon, standar seni, ketidaksistematisan dan kekecewaan, serta irasionalitas. Dadaisme muncul di Swiss sebagai respon individu kreatif terhadap Perang Dunia Pertama. Swiss mempertahankan netralitas, dan seniman dapat mengamati kehidupan para pengungsi dan pembelot. Gagasan utama Dadaisme adalah penghancuran semua estetika secara konsisten. Penjelasannya adalah bahwa kaum Dadais percaya bahwa rasionalitas dan logika adalah penyebab perang dan konflik. Memprotes hal ini, dalam karya-karyanya mereka menghancurkan dan meninggalkan estetika serta norma-norma yang diterima. Istilah "Dadaisme" berasal dari kata "dada" yang memiliki beberapa arti: ekor sapi suci; ibu, kuda kayu anak-anak, pernyataan ganda dalam bahasa (Rusia dan Rumania); serta pembicaraan bayi. Secara umum, itu adalah sesuatu yang tidak berarti, yang mencerminkan esensi gaya ini. Bentuk umum kreativitas Dadais adalah kolase. Gaya ini cepat habis, tetapi mempunyai pengaruh yang besar terhadap perkembangan seni rupa. Dadaisme diyakini sebagai cikal bakal surealisme.

Dekadensi

Dekadensi (dari bahasa Perancis décadence, décadentisme - kemunduran, dekadensi) adalah nama kolektif untuk fenomena seni rupa yang disebabkan oleh krisis gagasan dan nilai-nilai tradisional. Itu tersebar luas pada paruh kedua abad ke-19 - awal abad ke-20. Ciri-cirinya: suasana putus asa, pesimisme, penolakan terhadap cita-cita dan nilai-nilai spiritual yang ditetapkan secara historis, penolakan terhadap realitas sehari-hari, apolitis mendasar, kecenderungan ke arah irasionalisme dan mistisisme, kerinduan yang samar-samar akan cita-cita yang tidak wajar, ketidakjelasan dan misteri gambar yang disengaja, motif dari skeptisisme dan keputusasaan, minat pada erotisme, perhatian terhadap topik kematian. Kaum dekaden menuntut terciptanya bentuk-bentuk baru dalam seni, tanpa menawarkan langkah-langkah dan gagasan-gagasan khusus. Landasan filosofisnya adalah gagasan A. Schopenhauer, F. Nietzsche, E. Hartmann, M. Nordau.

Impresionisme

Impresionisme (Perancis: impresinisme, dari kesan) adalah aliran seni yang bercirikan keinginan untuk menangkap keindahan dunia nyata “sebagaimana adanya”, untuk menyampaikan variabilitasnya, dan untuk mencerminkan kesan sekilas seseorang. Impresionisme berasal dari Perancis; periode keberadaannya dapat dicatat pada sepertiga terakhir abad ke-19 - awal abad ke-20. Istilah “impresionisme” sendiri pertama kali digunakan oleh kritikus L. Leroy yang meremehkan pameran seniman pada tahun 1874, termasuk “Impression” karya C. Monet. Matahari terbit. " Kaum Impresionis dalam karyanya berupaya menyampaikan kesegaran persepsi hidup, menggambarkan situasi sesaat, tercabut dari arus realitas, dan nafsu yang kuat.

Menyorot neo-impresionisme(Neo-impresinisme Perancis) dan pasca-impresionisme(dari bahasa Latin post - setelah dan impresionisme). Neo-impresionisme muncul di Perancis sekitar tahun 1885, kekhasannya adalah penerapannya dalam seni pencapaian terbaru di bidang optik. Post-impresionisme adalah nama kolektif untuk gerakan-gerakan dalam seni lukis; kekhasannya adalah pencarian cara untuk mengekspresikan tidak hanya momen kehidupan tertentu, tetapi juga pemahaman tentang keadaan jangka panjang dunia sekitarnya.

Klasisisme

N. Poussin “Inspirasi Penyair”

Klasisisme (berasal dari bahasa Latin classicus - teladan) adalah sebuah gerakan seni yang bercirikan daya tarik terhadap warisan kuno sebagai standar yang harus diikuti. Nilai terbesar bagi klasisisme adalah karakteristik individu yang abadi dan tidak berubah memudar ke latar belakang; Karya-karya tersebut dibangun atas dasar kanon (dalam klasisisme muncul pembagian genre menjadi "tinggi" dan "rendah", sementara pencampurannya tidak diperbolehkan) untuk menyampaikan logika dan kesempurnaan seluruh alam semesta. Ideologi klasisisme sangat mementingkan fungsi sosial dan pendidikan seni. Ciri ciri klasisisme: harmoni, keteraturan, logika, kejelasan, kejelasan plastis konstruksi gambar, refleksi tema alam, abadi, daya tarik tema kehidupan dan sejarah manusia. Klasisisme terwujud dalam karya seniman abad ke-17. - awal abad ke-19 Seiring berjalannya waktu, klasisisme menjelma menjadi akademisisme.

Kubisme

P. Picasso "Les Demoiselles d'Avignon"

Kubisme (dari bahasa Perancis cubisme, dari cube – cube) adalah suatu aliran dalam seni lukis yang bercirikan keinginan untuk menggambarkan objek-objek realitas melalui bentuk-bentuk geometris – garis lurus, tepi, bentuk seperti kubus, bidang-bidang yang berpotongan. Kubisme dimulai pada tahun 1910-an. Patut dicatat bahwa istilah "Kubisme" pada awalnya digunakan oleh seorang kritikus Perancis dalam kaitannya dengan seniman sebagai cemoohan. Perwakilan Kubisme yang paling menonjol adalah P. Picasso dan J. Braque.

Perangai

Mannerisme (dari bahasa Italia maniera, cara) adalah suatu gerakan seni yang ditandai dengan kurangnya keselarasan antara jasmani dan rohani, alam dan manusia. Seniman terlalu mementingkan plastisitas, sensualitas, dan ekspresi. Gambar-gambar dalam lukisan itu entah “terlalu indah”, objeknya memanjang, memanjang, atau sebaliknya. Mannerisme (dari bahasa Itali manierismo, dari maniera - cara, gaya) adalah suatu gaya dalam seni yang didasarkan pada asimilasi tingkah laku seorang guru besar atau sekolah seni tertentu. Kerangka kronologis tingkah laku adalah abad ke-16. sampai sepertiga pertama abad ke-17. Beberapa peneliti menganggap tingkah laku sebagai transisi dari Renaisans ke Barok, menyebut tingkah laku sebagai fase awal Barok.

Art Nouveau, atau Art Nouveau

A. Banyak “Zodiak”

Art Nouveau, atau Art Nouveau (juga Art Nouveau) (dari bahasa Perancis art nouveau, menyala. "seni baru"). Art Nouveau berasal dari kaca patri - itulah nama toko di Paris tempat mereka menjual kaca patri, yang kemudian menjadi sangat populer. Sinonim Art Nouveau adalah Art Nouveau (Jerman), Secession (Austria), Liberty (Italia), Modernisimo (Spanyol). Arahan ini sangat dekat satu sama lain, jadi kami mencatat fitur yang paling menonjol: penggunaan garis berkelok-kelok, halus, dekorasi, "kealamian" - banyak motif alam dan tumbuhan (lili air, lili, gurita, kupu-kupu, capung) , kepatuhan wajib terhadap kesatuan gaya, kombinasi berbagai tekstur dan bahan. Gaya ini muncul pada tahun 1880-1900 dan populer di Eropa dan Amerika, namun tidak bertahan lama. Gaya ini mendapat "angin kedua" di tahun 50-an abad kedua puluh.

Naturalisme

C. Meunier “Kembali dari Tambang”

Naturalisme (Naturalisme Perancis, dari bahasa Latin natura - alam) adalah suatu aliran seni yang bercirikan keinginan untuk menggambarkan realitas secara objektif, tanpa hiasan dan tabu. Perwakilan dari arah ini berangkat dari gagasan tentang penentuan nasib sepenuhnya, ketergantungan dunia spiritual seseorang pada lingkungan sosial, dan menunjukkan peningkatan minat pada aspek biologis kehidupan, yang mengarah pada tampilan jujur ​​​​dari manifestasi fisiologis a. orangnya, patologinya, adegan kekerasan dan kekejamannya. Naturalisme muncul pada sepertiga terakhir abad ke-19 di Eropa dan Amerika. Naturalisme dicirikan oleh penolakan terhadap generalisasi, minat untuk menggambarkan “dasar sosial”, dan reproduksi realitas tanpa pemahaman, evaluasi, dan seleksi ideologis.

seni pop

Seni pop (dari bahasa Inggris pop art, kependekan dari seni populer - seni populer yang dapat diakses publik; arti kedua dari kata tersebut dikaitkan dengan pop bahasa Inggris onomatopoeik - pukulan tiba-tiba, tepuk tangan, tamparan, yaitu menghasilkan efek yang mengejutkan) - arah dalam seni lukis, menyebar di Amerika dan Inggris pada tahun 1950-an, ditandai dengan keterlibatan dan transformasi citra budaya massa. Seniman seni pop menetapkan tujuan mereka untuk mencerminkan “kehidupan apa adanya”, untuk mencerminkan kenyataan, dan sumber inspirasinya adalah media massa: iklan, komik, bioskop, jazz, surat kabar dan majalah, dll. stereotip dan simbol.

Realisme

Realisme adalah aliran yang dicirikan oleh keinginan untuk menggambarkan esensi eksternal dan internal dari fenomena dan objek realitas dengan masuk akal, dapat diandalkan, dan objektivitas maksimum. Batasan realisme kabur dan tidak jelas. Realisme dalam arti sempit dipahami sebagai suatu gerakan seni rupa paruh kedua abad ke-19. Istilah “realisme” pertama kali digunakan oleh kritikus Perancis J. Chanfleury pada tahun 50-an. Abad XIX untuk menunjuk seni yang bertentangan dengan romantisme dan akademisme. Realisme tersebar luas tidak hanya di Prancis, tetapi juga jauh melampaui perbatasannya, memperoleh namanya sendiri di beberapa negara: di Rusia - Itinerantisme, di Italia - verismo Macchiaioli, di Australia - sekolah Heidelberg (T. Roberts, F. McCubbin), di AS - sekolah tempat sampah (E. Hopper). Realisme adalah gerakan yang paling lama ada.

Usang

F. Boucher "Pemandian Diana"

Rococo (dari bahasa Prancis rococo, dari rocaille, rocaille - motif dekoratif berbentuk cangkang) adalah arah seni yang bercirikan suasana hedonistik, keanggunan, ringan, serta karakter intim dan genit. Gaya Rococo menggantikan Barok, menjadi kelanjutan logisnya dan sekaligus kebalikannya. Kesamaan yang dimiliki Baroque dan Rococo adalah keinginan untuk kelengkapan bentuk.

Lukisan gaya Rococo bersifat dekoratif, dibedakan oleh keanggunan pergeseran warna dan pada saat yang sama “pudarnya” warna tertentu, hilangnya makna independen dari citra seseorang dalam lukisan, dan dominasi tersebut. genre seperti lanskap dan pastoral.

Kerangka kronologis Rococo adalah paruh kedua abad ke-18 – abad ke-19. Telah ada selama sekitar setengah abad, Rococo secara bertahap digantikan oleh neoklasikisme.

Romantisme

E. Delacroix “Kebebasan memimpin rakyat”

Romantisme (dari bahasa Perancis romantisme) adalah gerakan yang menggantikan klasisisme. Ditandai dengan gagasan dominan individualisme dalam citra (berlawanan dengan keindahan ideal kaum klasik) dan transmisi nafsu; menggambarkan fenomena langka, tidak biasa, dan fantastis. Kerangka kronologis romantisme adalah akhir abad ke-18. - awal abad ke-19 Romantisme dicirikan oleh keinginan akan kebebasan tanpa batas dan ketidakterbatasan, harapan akan pembaruan, dan pemuliaan kemerdekaan pribadi dan sipil.

Seni menjadi sintesis tertentu dari prinsip romantisme dan “realisme burgher” Biedermeier(karya L. Richter, K. Spitzweg, M. von Schwind, F.G. Waldmüller.

Sentimentalisme

Sentimentalisme (dari bahasa Perancis sentimentalisme, dari bahasa Inggris sentimental - sensitif, dari bahasa Perancis sentimen - perasaan) adalah suatu aliran yang ciri khasnya adalah idealisasi patriarki dalam kehidupan sehari-hari, pemujaan terhadap perasaan alam, kekecewaan terhadap peradaban yang bertumpu pada akal. J. J. Rousseau dianggap sebagai ideolog sentimentalisme. Gaya ini muncul pada paruh kedua abad ke-18.

Simbolisme

P. Bruegel “Kemenangan Kematian”

Simbolisme (dari bahasa Perancis simbolisme - tanda, tanda pengenal) adalah suatu arah dalam seni lukis, yang ditandai dengan penggunaan isyarat, “sindiran”, misteri, dan simbol dalam seni lukis. Kata "simbol" dalam bahasa Yunani Kuno berarti sebuah koin yang dibagi menjadi dua bagian, sehingga orang dapat mengenali satu sama lain ketika mereka bertemu. Namun, belakangan kata ini berubah menjadi konsep yang beragam dan luas. Simbolisme berasal dari Perancis pada tahun 1870-an dan 80-an. dan mencapai perkembangan terbesarnya di pergantian abad ke-19 dan abad ke-20 Kata simbol berperan sebagai tanda, gambaran universal yang mempunyai makna tak terhingga. Simbolisme adalah upaya seseorang untuk menyampaikan spiritualitas, abstraksi kehidupan, hingga menyentuh jurang yang melampaui dunia kasat mata.

Suprematisme

K.S. Malevich "Kotak Hitam"

Suprematisme (dari bahasa Latin supremus - tertinggi) adalah sebuah gerakan seni avant-garde di Rusia, yang didirikan pada paruh pertama tahun 1910-an. K. S. Malevich. Ini adalah jenis seni abstrak. Nama “Suprematisme” menyiratkan keutamaan, keunggulan warna dibandingkan sifat-sifat seni lukis lainnya. Suprematisme dicirikan oleh kombinasi bidang multi-warna dari bentuk geometris paling sederhana, tanpa makna gambar, kombinasi figur geometris multi-warna dan ukuran berbeda.

Surrealisme

S. Dali “Bayi Geopolitik”

Surealisme (dari bahasa Perancis surealisme lit. superrealisme) adalah suatu aliran dalam seni lukis yang sumber inspirasinya adalah alam bawah sadar (mimpi, halusinasi). Surealisme muncul di Perancis pada awal tahun 20-an. abad XX Seniman menggunakan berbagai kombinasi gambaran dan kiasan naturalistik yang kontradiktif dan absurd; kebebasan dan irasionalitas dicanangkan sebagai nilai utama. Tema yang sering digunakan dalam karya adalah sihir, erotisme, alam bawah sadar, dan ironi. Seniman berusaha menciptakan lukisan dengan ketepatan fotografis, tetapi pada saat yang sama gambarnya ternyata tidak logis dan menjijikkan; atau menggunakan teknik melukis yang tidak biasa untuk membantu menyampaikan alam bawah sadar. Ada kasus ketika surealis berkreasi di bawah pengaruh kelaparan, obat-obatan, hipnosis, dan anestesi.

Takisme

Tachisme - Variasi Eropa ekspresionisme abstrak. Istilah ini pertama kali digunakan pada tahun 1950 oleh kritikus Belgia-Prancis M. Sefort untuk menyebut teknik melukis sekelompok seniman yang metode kerjanya adalah penerapan cat secara impulsif dan spontan pada kanvas dan mirip dengan apa yang ada di AS pada saat itu. waktu yang sama disebut lukisan aksi ( lukisan aksi).

Primitivisme

A. Rousseau “Berjalan di Hutan”

Primitivisme adalah aliran seni lukis yang dicirikan oleh penyederhanaan sarana visual yang disengaja dan peniruan tahap-tahap primitif perkembangan seni - primitif, abad pertengahan, rakyat, seni peradaban non-Eropa kuno, kreativitas anak-anak. Namun, primitivisme bentuk tidak berarti primitivisme isi. Istilah “primitivisme” juga diterapkan pada apa yang disebut seni “naif”, yaitu seni rupa. kreativitas seniman yang tidak mempunyai pendidikan khusus.

Futurisme

Sentimentalisme

D.D. Burliuk "Kuda Petir"

Futurisme (dari bahasa Latin futurum - masa depan) adalah gerakan seni yang ditandai dengan penolakan dan penghancuran tradisi dan stereotip budaya yang sudah ada sebelumnya, sebaliknya diusulkan untuk memuji teknologi dan urbanisme sebagai tanda utama masa kini dan masa depan; Futurisme menyatakan dirinya sebagai prototipe seni masa depan.

Ini terwujud paling jelas dalam lukisan dan puisi Italia dan Rusia; itu muncul pada awal abad ke-20. Futurisme dicirikan oleh komposisi energik dengan figur-figur yang terfragmentasi menjadi beberapa bagian dan sudut tajam yang memotongnya. Gagasan utama futurisme adalah pencarian cerminan kecepatan gerak sebagai tanda terpenting laju kehidupan modern.

Di Rusia ada arahnya kubo-futurisme(D. Burliuk, O. Rozanova), yang didasarkan pada kombinasi prinsip plastik Kubisme Prancis dan prinsip estetika umum Futurisme Eropa.

Lukisan merupakan salah satu seni kuno yang selama berabad-abad telah mengalami evolusi dari lukisan batu Paleolitik hingga tren terkini abad ke-20 bahkan abad ke-21. Seni ini lahir hampir dengan munculnya umat manusia. Orang-orang zaman dahulu, bahkan tanpa sepenuhnya menyadari dirinya sebagai manusia, merasa perlu untuk menggambarkan dunia di sekitar mereka di permukaan. Mereka melukis semua yang mereka lihat: binatang, alam, pemandangan berburu. Untuk melukis mereka menggunakan sesuatu yang mirip dengan cat yang terbuat dari bahan alami. Ini adalah cat tanah, arang, jelaga hitam. Kuas terbuat dari bulu binatang, atau hanya dilukis dengan jari.

Akibat perubahan tersebut, muncullah jenis dan genre seni lukis baru. Periode kuno diikuti oleh periode Purbakala. Ada keinginan di kalangan pelukis dan seniman untuk mereproduksi kehidupan nyata di sekitar kita, seperti yang terlihat oleh manusia. Keinginan akan keakuratan transmisi menyebabkan munculnya landasan perspektif, landasan konstruksi cahaya dan bayangan berbagai gambar dan kajiannya oleh para seniman. Dan mereka, pertama-tama, mempelajari cara menggambarkan ruang volumetrik pada bidang dinding, dalam lukisan fresco. Beberapa karya seni, seperti ruang volumetrik, chiaroscuro, mulai digunakan sebagai penghias ruangan, pusat keagamaan, dan pemakaman.

Berikutnya periode penting Masa lalu seni lukis adalah Abad Pertengahan. Pada masa ini seni lukis lebih bersifat religius, dan pandangan dunia mulai tercermin dalam seni rupa. Kreativitas seniman ditujukan pada lukisan ikon dan melodi religi lainnya. Poin penting utama yang harus ditekankan oleh sang seniman bukanlah refleksi akurat dari realitas, melainkan transmisi spiritualitas bahkan dalam beragam lukisan. Kanvas-kanvas para empu pada masa itu terkesan dengan ekspresi kontur, warna, dan warna-warninya. Lukisan abad pertengahan tampak datar bagi kita. Semua karakter artis pada masa itu berada pada jalur yang sama. Oleh karena itu, banyak karya yang menurut kami agak bergaya.

Periode Abad Pertengahan yang kelabu digantikan oleh periode Renaisans yang lebih cerah. Renaisans kembali membawa titik balik dalam sejarah perkembangan seni ini. Suasana hati baru dalam masyarakat, pandangan dunia baru mulai mendikte seniman aspek-aspek lukisan apa yang ingin diungkap secara lebih lengkap dan jelas. Genre lukisan seperti potret dan lanskap akan menjadi gaya tersendiri. Seniman mengekspresikan emosi manusia dan dunia batin mereka melalui cara melukis yang baru. Abad ke-17 dan ke-18 menyaksikan pertumbuhan seni lukis yang lebih signifikan. Selama periode ini, Gereja Katolik kehilangan signifikansinya, dan para seniman dalam karya-karyanya semakin mencerminkan pandangan sejati tentang manusia, alam, dan kehidupan sehari-hari. Selama periode ini, genre seperti barok, rococo, klasisisme, dan tingkah laku juga terbentuk. Romantisme muncul, yang kemudian digantikan oleh gaya yang lebih spektakuler - impresionisme.

Pada awal abad ke-20, seni lukis berubah drastis dan muncul arah baru seni modern - lukisan abstrak. Ide arah ini adalah untuk menyampaikan keselarasan antara manusia dan seni, untuk menciptakan keselarasan dalam kombinasi garis dan highlight warna. Ini adalah seni tanpa objektivitas. Ia tidak mengejar gambaran akurat dari gambaran nyata, namun sebaliknya, ia menyampaikan apa yang ada dalam jiwa sang seniman, emosinya. Bentuk dan warna memainkan peran penting dalam bentuk seni ini. Esensinya adalah menyampaikan objek-objek yang sudah dikenal sebelumnya dengan cara baru. Di sini seniman diberikan kebebasan penuh dalam berimajinasi. Hal ini mendorong munculnya dan berkembangnya tren modern seperti seni avant-garde, underground, dan abstrak. Sejak akhir abad ke-20 hingga saat ini, seni lukis terus mengalami perubahan. Namun, terlepas dari semua pencapaian baru dan teknologi modern, para seniman masih tetap setia pada seni klasik - lukisan cat minyak dan cat air, menciptakan karya agung mereka dengan bantuan cat dan kanvas.

Natalya Martynenko

Sejarah seni rupa

Sejarah seni lukis merupakan rantai tak berujung yang dimulai sejak lukisan pertama kali dibuat. Setiap gaya tumbuh dari gaya-gaya yang ada sebelumnya. Setiap seniman hebat menambahkan sesuatu pada pencapaian seniman sebelumnya dan mempengaruhi seniman selanjutnya.

Kita bisa menikmati lukisan karena keindahannya. Garis, bentuk, warna dan komposisinya (susunan bagian-bagiannya) dapat menggugah indra kita dan melekat dalam ingatan kita. Namun kenikmatan seni meningkat ketika kita mengetahui kapan, mengapa, dan bagaimana seni itu diciptakan.

Sejarah seni lukis dipengaruhi oleh banyak faktor. Geografi, agama, karakteristik nasional, peristiwa sejarah, perkembangan materi baru - semua ini membantu membentuk visi seniman. Sepanjang sejarah, lukisan telah mencerminkan perubahan dunia dan gagasan kita tentangnya. Pada gilirannya, para seniman telah memberikan beberapa catatan terbaik tentang perkembangan peradaban, terkadang mengungkapkan lebih dari sekedar kata-kata tertulis.

Lukisan prasejarah

Penghuni gua adalah seniman paling awal. Gambar binatang berwarna yang berasal dari 30.000 hingga 10.000 SM telah ditemukan di dinding gua di Prancis selatan dan Spanyol. Banyak dari lukisan-lukisan ini yang terpelihara dengan baik karena gua-gua tersebut ditutup selama berabad-abad. Orang-orang zaman dahulu menggambar binatang liar yang mereka lihat di sekitar mereka. Figur manusia yang sangat kasar yang dibuat dalam posisi hidup telah ditemukan di Afrika dan Spanyol bagian timur.

Para seniman gua memenuhi dinding gua dengan gambar-gambar yang kaya dan berwarna cerah. Beberapa lukisan terindah ada di Gua Altamira, Spanyol. Salah satu detail menunjukkan seekor kerbau yang terluka, tidak mampu lagi berdiri - kemungkinan besar menjadi korban pemburu. Itu dicat dengan warna coklat kemerahan dan diberi garis hitam yang sederhana namun cerdas. Pigmen yang digunakan oleh seniman gua adalah oker (oksida besi dengan warna mulai dari kuning muda hingga oranye tua) dan mangan (logam gelap). Mereka digiling menjadi bubuk halus, dicampur dengan pelumas (mungkin minyak lemak), dan dioleskan ke permukaan dengan semacam kuas. Terkadang pigmennya berbentuk batangan, mirip krayon. Lemak bercampur dengan bubuk pigmen membuat cat menjadi cair, dan partikel pigmen saling menempel. Penghuni gua membuat kuas dari bulu hewan atau tumbuhan, dan alat tajam dari silikon (untuk menggambar dan mencakar).

Sejak 30.000 tahun yang lalu, manusia menemukan alat dan bahan dasar untuk melukis. Metode dan bahan disempurnakan dan ditingkatkan pada abad-abad berikutnya. Namun penemuan penghuni gua tetap menjadi dasar lukisan.

Lukisan Mesir dan Mesopotamia (3400–332 SM)

Salah satu peradaban pertama muncul di Mesir. Banyak yang diketahui tentang kehidupan mereka dari catatan tertulis dan karya seni peninggalan orang Mesir. Mereka percaya bahwa tubuh harus dilestarikan agar jiwa dapat tetap hidup setelah kematian. Piramida Besar adalah makam rumit para penguasa Mesir yang kaya dan berkuasa. Banyak karya seni Mesir diciptakan untuk piramida dan makam raja dan lainnya orang-orang penting. Untuk benar-benar yakin bahwa jiwa akan terus ada, para seniman menciptakan gambar orang mati di atas batu. Mereka juga mereproduksi pemandangan kehidupan manusia dalam lukisan dinding di ruang pemakaman.

Teknik seni Mesir tidak berubah selama berabad-abad. Dalam salah satu metodenya, cat air diaplikasikan pada permukaan tanah liat atau batu kapur. Dalam proses lainnya, garis besar diukir pada dinding batu dan dicat dengan cat air. Bahan yang disebut gum arabic mungkin digunakan untuk merekatkan cat ke permukaan. Untungnya, iklim kering dan makam yang tertutup rapat mencegah beberapa lukisan cat air ini rusak karena kelembapan. Banyak pemandangan perburuan dari dinding makam di Thebes, yang berasal dari sekitar tahun 1450 SM, terpelihara dengan baik. Mereka menunjukkan bagaimana pemburu mengejar burung atau ikan. Subjek-subjek ini masih dapat dikenali hingga saat ini karena dilukis dengan cermat dan cermat.

Peradaban Mesopotamia yang berlangsung antara tahun 3200 hingga 332 SM terletak di lembah antara sungai Tigris dan Efrat di Timur Tengah. Rumah-rumah di Mesopotamia sebagian besar dibangun dari tanah liat. Saat tanah liat melunak karena hujan, bangunan-bangunan mereka hancur menjadi debu, menghancurkan semua lukisan dinding yang mungkin sangat menarik. Yang tersisa hanyalah hiasan tembikar (dicat dan dibakar) dan mosaik berwarna-warni. Meskipun mosaik tidak dapat dianggap sebagai lukisan, namun seringkali mempunyai pengaruh terhadapnya.

Peradaban Aegea (3000–1100 SM)

Yang ketiga hebat budaya awal ada peradaban Aegean. Bangsa Aegea tinggal di pulau-pulau lepas pantai Yunani dan di semenanjung Asia Kecil pada waktu yang hampir bersamaan dengan bangsa Mesir kuno dan Mesopotamia.

Pada tahun 1900, para arkeolog mulai menggali istana Raja Minos di Knossos di pulau Kreta. Penggalian telah menemukan karya seni yang dilukis sekitar tahun 1500 SM. dalam gaya yang luar biasa bebas dan anggun pada saat itu. Tampaknya orang Kreta adalah bangsa yang periang dan mencintai alam. Di antara tema seni favorit mereka adalah kehidupan laut, hewan, bunga, olahraga, dan prosesi massal. Di Knossos dan istana Aegean lainnya, lukisan dilakukan pada dinding plester basah menggunakan cat yang terbuat dari bahan mineral, pasir, dan oker tanah. Catnya meresap ke dalam plester basah dan menjadi bagian permanen dinding. Lukisan-lukisan ini kemudian disebut lukisan dinding (dari kata Italia yang berarti "segar" atau "baru"). Orang Kreta menyukai warna kuning cerah, merah, biru dan hijau.

Lukisan klasik Yunani dan Romawi (1100 SM – 400 M)

Orang Yunani kuno menghiasi dinding kuil dan istana dengan lukisan dinding. Dari sumber sastra kuno dan salinan seni Yunani Romawi, dapat dikatakan bahwa orang Yunani melukis gambar kecil dan membuat mosaik. Nama-nama master Yunani dan sedikit kehidupan serta karya mereka diketahui, meskipun sangat sedikit lukisan Yunani yang bertahan selama berabad-abad dan setelah perang. Orang Yunani tidak banyak menulis di makam, sehingga karya mereka tidak dilindungi.

Hanya vas-vas yang dicat yang tersisa dari lukisan Yunani saat ini. Pembuatan tembikar merupakan industri besar di Yunani, khususnya di Athena. Kontainer sangat diminati, diekspor, begitu pula minyak dan madu, dan untuk keperluan dalam negeri. Lukisan vas paling awal dibuat dalam bentuk figur dan ornamen geometris (1100-700 SM). Vas-vas tersebut juga dihias dengan gambar manusia dengan lapisan glasir coklat di atas tanah liat ringan. Pada abad ke-6, seniman vas sering melukis sosok manusia berkulit hitam di atas tanah liat merah alami. Detailnya diukir pada tanah liat dengan alat tajam. Hal ini memungkinkan warna merah muncul di kedalaman relief.

Gaya figur merah akhirnya menggantikan gaya hitam. Artinya sebaliknya: gambar berwarna merah dan latar belakang berwarna hitam. Keuntungan gaya ini adalah seniman dapat menggunakan kuas untuk membuat garis tepi. Kuas menghasilkan garis yang lebih longgar dibandingkan alat logam yang digunakan pada vas berpola hitam.

Lukisan dinding Romawi banyak ditemukan di vila-vila ( rumah pedesaan) di Pompeii dan Herculaneum. Pada tahun 79 M, kedua kota ini terkubur seluruhnya akibat letusan Gunung Vesuvius. Para arkeolog yang menggali kawasan tersebut dapat belajar banyak tentang kehidupan Romawi kuno dari kota-kota tersebut. Hampir setiap rumah dan vila di Pompeii memiliki lukisan di dindingnya. Pelukis Romawi mempersiapkan permukaan dinding dengan hati-hati dengan mengaplikasikan campuran debu marmer dan plester. Mereka memoles permukaannya hingga menjadi marmer. Banyak dari lukisan tersebut merupakan salinan lukisan Yunani dari abad ke-4 SM. Pose anggun dari sosok-sosok yang dilukis di dinding Villa of the Mysteries di Pompeii menginspirasi para seniman di abad ke-18 ketika kota itu digali.

Orang Yunani dan Romawi juga melukis potret. Sejumlah kecil di antaranya, sebagian besar potret mumi yang dibuat dengan gaya Yunani oleh seniman Mesir, bertahan di sekitar Aleksandria, di Mesir utara. Didirikan pada abad ke-4 SM oleh Alexander Agung dari Yunani, Alexandria menjadi pusat kebudayaan Yunani dan Romawi yang terkemuka. Potret tersebut dilukis dengan teknik encaustic pada kayu dan dipasang dalam bentuk mumi setelah orang yang digambarkan meninggal. Lukisan encaustic yang dibuat dari cat yang dicampur dengan lilin lebah yang meleleh dapat bertahan lama. Memang potret-potret tersebut masih terlihat segar, meski diambil pada abad kedua SM.

Lukisan Kristen awal dan Bizantium (300–1300)

Kekaisaran Romawi mengalami kemunduran pada abad ke-4 Masehi. Pada saat yang sama, agama Kristen semakin kuat. Pada tahun 313, Kaisar Romawi Konstantin secara resmi mengakui agama tersebut dan dirinya masuk Kristen.

Munculnya agama Kristen sangat mempengaruhi seni rupa. Seniman ditugaskan untuk menghiasi dinding gereja dengan lukisan dinding dan mosaik. Mereka membuat panel di kapel gereja, mengilustrasikan dan mendekorasi buku-buku gereja. Di bawah pengaruh Gereja, para seniman diharapkan dapat mengkomunikasikan ajaran agama Kristen sejelas mungkin.

Umat ​​​​Kristen awal dan seniman Bizantium melanjutkan teknik mosaik yang mereka pelajari dari orang Yunani. Potongan-potongan kecil kaca atau batu berwarna diletakkan di atas semen atau plester basah. Kadang-kadang bahan keras lainnya juga digunakan, seperti potongan tanah liat atau cangkang yang dibakar. Pada mosaik Italia, warnanya sangat dalam dan penuh. Seniman Italia membuat latar belakang dengan potongan kaca berlapis emas. Mereka menggambarkan sosok manusia dalam warna yang kaya dengan latar belakang emas berkilau. Efek keseluruhannya datar, dekoratif, dan tidak realistis.

Mosaik seniman Bizantium seringkali kurang realistis dan bahkan lebih dekoratif dibandingkan motif umat Kristen mula-mula. "Bizantium" adalah nama yang diberikan untuk gaya seni yang berkembang di sekitar kota kuno Byzantium (sekarang Istanbul, Turki). Teknik mosaik sangat cocok dengan selera Bizantium untuk gereja-gereja yang didekorasi dengan megah. Mosaik Theodora dan Justinianus yang terkenal, dibuat sekitar tahun 547 M, menunjukkan selera akan kekayaan. Perhiasan pada patung itu berkilauan, dan gaun istana berwarna-warni berkilau dengan latar belakang emas yang berkilauan. Seniman Bizantium juga menggunakan emas pada lukisan dinding dan panel. Emas dan bahan berharga lainnya digunakan pada Abad Pertengahan untuk memisahkan benda-benda spiritual dari dunia sehari-hari.

Lukisan abad pertengahan (500–1400)

Bagian pertama Abad Pertengahan, sekitar abad ke-6 hingga ke-11 M, biasa disebut Abad Kegelapan. Selama masa kerusuhan ini, karya seni sebagian besar disimpan di biara. Pada abad ke 5 Masehi Suku Warran dari Eropa utara dan tengah menjelajahi benua itu. Selama ratusan tahun mereka mendominasi Eropa Barat. Orang-orang ini menghasilkan seni yang unsur utamanya adalah pola. Mereka sangat terpesona oleh struktur naga dan burung yang saling terkait.

Seni Celtic dan Saxon terbaik dapat ditemukan dalam manuskrip dari abad ke-7 dan ke-8. Ilustrasi buku, pencahayaan dan lukisan miniatur, yang dipraktekkan sejak zaman Romawi akhir, menyebar luas pada Abad Pertengahan. Pencahayaan adalah hiasan teks, huruf kapital, dan margin. Warna emas, perak dan cerah digunakan. Miniatur adalah gambar kecil, seringkali berupa potret. Istilah ini awalnya digunakan untuk menggambarkan blok dekoratif di sekitar huruf awal dalam sebuah naskah.

Charlemagne, yang dinobatkan sebagai Kaisar Romawi Suci pada awal abad ke-9, berupaya menghidupkan kembali seni klasik pada periode Romawi akhir dan periode Kristen awal. Pada masa pemerintahannya, pelukis miniatur meniru seni klasik, namun mereka juga menyampaikan perasaan pribadi melalui subjeknya.

Sangat sedikit lukisan dinding yang bertahan dari Abad Pertengahan. Gereja-gereja yang dibangun pada periode Romawi (abad 11-13) memiliki beberapa lukisan dinding yang besar, namun sebagian besar telah hilang. Di gereja-gereja zaman Gotik (abad XII-XVI) tidak ada cukup ruang untuk lukisan dinding. Ilustrasi buku adalah karya utama pelukis Gotik.

Di antara manuskrip bergambar terbaik adalah buku jam - kumpulan kalender, doa, dan mazmur. Sebuah halaman dari manuskrip Italia menunjukkan inisial yang rumit dan adegan marginal yang sangat detail tentang St. George yang membunuh seekor naga. Warnanya cemerlang dan seperti permata, seperti kaca patri, dan emas berkilauan di halamannya. Desain daun dan bunga yang halus dan anggun membatasi teks. Seniman kemungkinan besar menggunakan kaca pembesar untuk menghasilkan karya yang rumit dan mendetail.

Italia: Cimabue dan Giotto

Seniman Italia pada akhir abad ke-13 masih berkarya dengan gaya Bizantium. Figur manusia dibuat datar dan dekoratif. Wajah-wajah itu jarang berekspresi. Mayat-mayat itu tidak berbobot dan tampak seperti melayang daripada berdiri kokoh di tanah. Di Florence, seniman Cimabue (1240-1302) mencoba memodernisasi beberapa teknik Bizantium kuno. Para bidadari di Madonna Enthroned lebih aktif dari biasanya dalam lukisan pada masa itu. Gestur dan wajah mereka lebih terlihat perasaan manusia. Cimabue menambahkan kesan monumentalitas atau kemegahan baru pada lukisannya. Namun, ia tetap mengikuti banyak tradisi Bizantium, seperti latar belakang emas dan susunan objek dan figur yang berpola.

Seniman besar Florentine, Giotto (1267-1337)-lah yang sebenarnya memutuskan hubungan dengan tradisi Bizantium. Seri lukisan dindingnya di Kapel Arena di Padua meninggalkan seni Bizantium jauh tertinggal. Ada emosi, ketegangan, dan naturalisme yang nyata dalam adegan-adegan kehidupan Maria dan Kristus ini. Semua kualitas kehangatan dan simpati manusia hadir. Orang-orang tampaknya tidak sepenuhnya tidak nyata atau surgawi. Giotto mengarsir garis luar gambar, dan dia menempatkan bayangan dalam pada lipatan pakaian untuk memberikan kesan bulat dan kokoh.

Untuk panel kecilnya, Giotto menggunakan tempera telur murni, media yang disempurnakan oleh orang Florentine pada abad ke-14. Kejernihan dan kecerahan warnanya pasti sangat mempengaruhi orang yang terbiasa menggunakannya warna gelap Panel Bizantium. Lukisan tempera memberikan kesan cahaya siang hari yang lembut menyinari pemandangan. Penampilannya hampir datar, berbeda dengan lukisan cat minyak yang mengilap. Tempera telur tetap menjadi cat utama sampai minyak menggantikannya hampir seluruhnya pada abad ke-16.

Lukisan abad pertengahan akhir di utara Pegunungan Alpen

Pada awal abad ke-15, seniman di Eropa Utara berkarya dengan gaya yang sama sekali berbeda dengan lukisan Italia. seniman utara mencapai realisme dengan menambahkan detail yang tak terhitung jumlahnya pada lukisan mereka. Semua rambut ditata dengan anggun, dan setiap detail gorden atau lantai ditempatkan dengan tepat. Penemuan lukisan cat minyak membuat detail menjadi lebih mudah.

Seniman Flemish Jan van Eyck (1370-1414) memberikan kontribusi besar terhadap perkembangan lukisan cat minyak. Jika tempera digunakan, warnanya harus diaplikasikan secara terpisah. Mereka tidak bisa saling menaungi dengan baik karena catnya cepat kering. Dengan minyak yang mengering secara perlahan, seniman dapat mencapai lebih banyak hal efek yang kompleks. Potretnya dari tahun 1466-1530 dibuat dengan teknik minyak Flemish. Semua detail dan bahkan pantulan cermin jelas dan akurat. Warnanya tahan lama dan memiliki permukaan keras seperti enamel. Panel kayu prima disiapkan dengan cara yang sama seperti Giotto menyiapkan panelnya untuk tempera. Van Eyck menciptakan lukisan itu dalam lapisan warna tipis yang disebut glasir. Tempera mungkin digunakan pada tumbuhan bawah asli dan untuk highlight.

Renaisans Italia

Pada saat van Eyck bekerja di Utara, orang Italia sedang memasuki zaman keemasan seni dan sastra. Masa ini disebut Renaissance yang artinya kelahiran kembali. Seniman Italia terinspirasi oleh patung Yunani dan Romawi kuno. Orang Italia ingin menghidupkan kembali semangat seni klasik yang mengagungkan kemandirian dan keluhuran manusia. Seniman Renaisans terus melukis pemandangan keagamaan. Namun mereka juga menekankan kehidupan duniawi dan prestasi masyarakat.

Florence

Prestasi Giotto di awal abad ke-14 menandai dimulainya zaman Renaisans. Seniman Italia abad ke-17 melanjutkannya. Masaccio (1401-1428) adalah salah satu pemimpin seniman Renaisans generasi pertama. Dia tinggal di Florence, kota perdagangan kaya tempat seni Renaisans dimulai. Pada saat kematiannya di akhir tahun dua puluhan, dia telah merevolusi seni lukis. Dalam muralnya yang terkenal "The Tribute Money" ia menempatkan sosok-sosok pahatan yang mengesankan dalam lanskap yang tampak terbentang jauh di kejauhan. Masaccio mungkin telah belajar perspektif dari Arsitek Florentine dan pematung Brunelleschi (1377-1414).

Teknik lukisan dinding sangat populer pada masa Renaisans. Ini sangat cocok untuk mural berukuran besar karena warna pada lukisan dinding kering dan rata sempurna. Gambar dapat dilihat dari sudut mana pun tanpa silau atau pantulan. Lukisan dinding juga dapat diakses. Biasanya seniman memiliki beberapa asisten. Pengerjaan dilakukan sebagian karena harus diselesaikan dalam keadaan plester masih basah.

Gaya "tiga dimensi" Masaccio yang lengkap merupakan ciri khas gerakan progresif baru di abad ke-15. Gaya Fra Angelico (1400-1455) mewakili pendekatan yang lebih tradisional, yang digunakan oleh banyak seniman Renaisans awal. Dia kurang peduli tentang masa depan dan lebih tertarik pada hal-hal pola dekoratif. “Penobatan Perawan” miliknya adalah contoh tempera yang paling indah. Warna-warna yang menyenangkan dan kaya dipadukan dengan emas dan beraksen emas. Gambarnya tampak seperti miniatur yang diperbesar. Angka-angka yang panjang dan sempit tidak memiliki banyak kesamaan dengan Masaccio. Komposisinya disusun dalam garis-garis besar gerakan yang mengelilingi tokoh sentral Kristus dan Maria.

Florentine lain yang bekerja dengan gaya tradisional adalah Sandro Botticelli (1444-1515). Garis ritme yang mengalir menghubungkan bagian-bagian Mata Air Botticelli. Sosok Musim Semi, terbawa angin barat, menyapu dari kanan. Tiga Rahmat menari dalam lingkaran, lipatan gaun mereka yang mengalir dan gerakan tangan mereka yang anggun mengekspresikan ritme tarian.

Leonardo da Vinci (1452-1519) belajar melukis di Florence. Ia terkenal karena penelitian dan penemuan ilmiahnya, serta lukisannya. Sangat sedikit lukisannya yang bertahan, sebagian karena ia sering bereksperimen dengan berbagai cara dalam membuat dan mengaplikasikan cat daripada menggunakan metode yang sudah teruji dan benar. Perjamuan Terakhir (dilukis antara tahun 1495 dan 1498) dibuat dengan minyak, namun sayangnya Leonardo melukisnya di dinding yang lembab sehingga menyebabkan catnya retak. Namun meski dalam kondisi memprihatinkan (sebelum direstorasi), lukisan tersebut mampu menggugah emosi setiap orang yang melihatnya.

Salah satu ciri khas gaya Leonardo adalah metodenya dalam menggambarkan cahaya dan kegelapan. Orang Italia menyebut pencahayaan redupnya "sfumato", yang artinya berasap atau berkabut. Sosok-sosok di Madonna of the Rocks terselubung dalam suasana sfumato. Bentuk dan fiturnya diarsir dengan lembut. Leonardo mencapai efek ini dengan menggunakan gradasi warna terang dan gelap yang sangat halus.

Roma

Puncak dari seni lukis Renaisans terjadi pada abad ke-16. Pada saat yang sama, pusat seni dan budaya berpindah dari Florence ke Roma. Di bawah Paus Sixtus IV dan penggantinya, Julius II, kota Roma didekorasi dengan megah dan kaya oleh seniman Renaisans. Beberapa proyek paling ambisius pada periode ini dimulai pada masa kepausan Julius II. Julius menugaskan pematung dan pelukis besar Michelangelo (1475-1564) untuk mengecat langit-langit Kapel Sistina dan mengukir patung untuk makam Paus. Julius juga mengundang pelukis Raphael (1483-1520) untuk membantu mendekorasi Vatikan. Bersama asistennya, Raphael mengecat empat kamar apartemen Paus di Istana Vatikan.

Michelangelo, seorang Florentine sejak lahir, mengembangkan gaya lukisan yang monumental. Sosok-sosok dalam lukisannya begitu kuat dan bervolume sehingga tampak seperti patung. Langit-langit Sistine, yang penyelesaiannya memakan waktu 4 tahun oleh Michelangelo, terdiri dari ratusan figur manusia dari Perjanjian Lama. Untuk menyelesaikan lukisan dinding megah ini, Michelangelo harus berbaring telentang di atas perancah. Wajah Yeremia yang termenung di antara para nabi yang mengelilingi langit-langit dianggap oleh beberapa ahli sebagai potret diri Michelangelo.

Raphael datang ke Florence dari Urbino saat masih sangat muda. Di Florence ia menyerap gagasan Leonardo dan Michelangelo. Pada saat Raphael pergi ke Roma untuk bekerja di Vatikan, gayanya telah menjadi salah satu keindahan eksekusi yang terhebat. Dia sangat menyukai potret indah Madonna dan Anaknya. Mereka telah direproduksi dalam jumlah ribuan dan dapat dilihat di mana-mana. Madonna del Granduca miliknya sukses karena kesederhanaannya. Tak lekang oleh waktu dalam kedamaian dan kemurniannya, tempat ini sama menariknya bagi kita seperti halnya bagi orang Italia di era Raphael.

Venesia

Venesia adalah kota utama Renaisans di Italia utara. Tempat ini dikunjungi oleh seniman dari Flanders dan daerah lain yang mengetahui eksperimen Flemish dengan cat minyak. Hal ini mendorong penggunaan awal teknologi minyak di kota Italia. Orang Venesia belajar melukis di atas kanvas yang direntangkan rapat, bukan di panel kayu yang biasa digunakan di Florence.

Giovanni Bellini (1430-1515) adalah yang terhebat Artis Venesia abad ke-15. Dia juga salah satu seniman Itali pertama yang menggunakan minyak pada kanvas. Giorgione (1478-1151) dan Titian (1488-1515), yang merupakan seniman Venesia paling terkenal, magang di studio Bellini.

Seorang ahli lukisan cat minyak, Titian melukis kanvas besar dengan warna-warna yang hangat dan kaya. Dalam lukisan dewasanya, dia mengorbankan detail untuk menciptakan efek yang menakjubkan, seperti pada Madonna of Pesaro. Dia menggunakan kuas besar untuk membuat sapuan besar. Warnanya sangat kaya karena ia dengan sabar menciptakan lapisan warna yang kontras. Biasanya, glasir diaplikasikan pada permukaan temper berwarna coklat, yang memberikan warna seragam pada lukisan.

Seniman besar Venesia lainnya pada abad ke-16 adalah Tintoretto (1518-1594). Berbeda dengan Titian, ia biasanya mengerjakan langsung di atas kanvas tanpa membuat sketsa atau outline terlebih dahulu. Ia sering mendistorsi bentuknya (memutarnya) demi komposisi dan drama plot. Tekniknya, yang mencakup sapuan kuas lebar dan kontras dramatis antara terang dan gelap, tampak sangat modern.

Seniman Kyriakos Theotokopoulos (1541-1614) dikenal sebagai El Greco ("Orang Yunani"). Lahir di pulau Kreta yang diduduki tentara Venesia, El Greco dilatih oleh seniman Italia. Saat masih muda, dia pergi belajar ke Venesia. Pengaruh bersatu seni Bizantium yang dia lihat di sekelilingnya di Kreta, dan seni Italia Renaissance, menjadikan karya El Greco luar biasa.

Dalam lukisannya dia mendistorsi bentuk-bentuk alam dan menggunakan warna-warna yang lebih aneh dan tidak wajar daripada Tintoretto, yang dia kagumi. Belakangan, El Greco pindah ke Spanyol, di mana kegelapan seni Spanyol memengaruhi karyanya. Dalam visi dramatisnya tentang Toledo, badai mengamuk di tengah keheningan kota yang mematikan. Warna biru sejuk, hijau, dan biru-putih menyebarkan kesejukan di lanskap.

Renaisans di Flanders dan Jerman

Masa keemasan seni lukis di Flanders (sekarang bagian dari Belgia dan Prancis utara) adalah abad ke-15, pada masa van Eyck. Pada abad ke-16, banyak seniman Flemish yang menirunya seniman Italia Renaisans. Namun, beberapa orang Fleming melanjutkan tradisi realisme Flemish. Kemudian genre lukisan menyebar - adegan dari kehidupan sehari-hari, yang terkadang menawan dan terkadang fantastis. Hieronymus Bosch (1450-1515), yang mendahului pelukis bergenre, memiliki imajinasi yang luar biasa jelas. Dia datang dengan segala macam makhluk aneh dan mengerikan untuk The Temptation of St. Antonius." Pieter Bruegel the Elder (1525-1569) juga bekerja dalam tradisi Flemish, tetapi menambahkan perspektif dan karakteristik Renaisans lainnya ke dalam adegan bergenrenya.

Albrecht Dürer (1471-1528), Hans Holbein the Younger (1497-1543) dan Lucas Cranach the Elder (1472-1553) adalah tiga seniman Jerman terpenting abad ke-16. Mereka berbuat banyak untuk melunakkan realisme suram lukisan Jerman awal. Dürer mengunjungi Italia setidaknya sekali, di mana dia terkesan dengan lukisan Giovanni Bellini dan orang Italia utara lainnya. Melalui pengalaman ini ia menanamkan dalam seni lukis Jerman pengetahuan tentang perspektif, rasa warna dan cahaya, serta pemahaman baru tentang komposisi. Holbein semakin banyak menyerap prestasi Italia. Gambarannya yang sensitif dan kemampuannya untuk memilih hanya detail yang paling penting menjadikannya seorang ahli potret.

Lukisan Barok

Abad ke-17 dalam seni dikenal sebagai periode Barok. Di Italia artis Caravaggio(1571-1610) dan Annibale Carracci (1560-1609) mewakili dua sudut pandang yang kontras. Caravaggio (nama asli Michelangelo Merisi) selalu mengambil inspirasi langsung dari kenyataan hidup. Salah satu perhatian utamanya adalah meniru alam semaksimal mungkin tanpa mengagungkannya dengan cara apa pun. Carracci, sebaliknya, mengikuti cita-cita kecantikan Renaisans. Ia mempelajari patung kuno dan karya Michelangelo, Raphael dan Titian. Gaya Caravaggio dikagumi banyak seniman, terutama Ribera dari Spanyol dan Velazquez muda. Carracci menginspirasi Nicolas Poussin (1594-1665), seorang pelukis terkenal Perancis abad ke-17.

Spanyol

Diego Velazquez (1599-1660), pelukis istana Raja Philip IV dari Spanyol, adalah salah satu seniman Spanyol terhebat. Sebagai penggemar karya Titian, ia ahli dalam menggunakan warna yang kaya dan harmonis. Tidak ada seniman yang mampu menciptakan ilusi jaringan atau kulit manusia yang kaya dengan lebih baik. Potret Pangeran Kecil Philip dari Prosper menunjukkan keterampilan ini.

Flanders

Lukisan seniman Flemish Peter Paul Rubens (1577-1640) mewakili perwujudan gaya Barok penuh warna. Mereka penuh dengan energi, warna dan cahaya. Rubens memutuskan tradisi Flemish dalam melukis gambar-gambar kecil. Kanvasnya sangat besar, penuh dengan figur manusia. Dia menerima lebih banyak pesanan untuk lukisan berukuran besar daripada yang bisa dia tangani. Oleh karena itu, ia sering kali hanya menggambar sketsa kecil berwarna. Asistennya kemudian memindahkan sketsa tersebut ke kanvas besar dan menyelesaikan lukisannya di bawah arahan Rubens.

Belanda

Prestasi pelukis Belanda Rembrandt (1606-1669) termasuk yang paling menonjol dalam sejarah. Dia memiliki bakat luar biasa dalam menangkap dan menyampaikan emosi manusia secara akurat. Seperti Titian, ia bekerja lama untuk membuat lukisan berlapis-lapis. Warna tanah - kuning oker, coklat, dan coklat-merah - adalah favoritnya. Lukisannya sebagian besar dibuat dalam warna-warna gelap. Pentingnya bagian-bagian gelap yang berlapis-lapis membuat tekniknya tidak biasa. Penekanannya disampaikan melalui pencahayaan terang di area yang relatif terang.

Jan Vermeer (1632-1675) adalah salah satu dari sekelompok seniman Belanda yang melukis pemandangan kehidupan sehari-hari yang sederhana. Dia ahli dalam melukis tekstur apa pun - satin, karpet Persia, kulit roti, logam. Kesan keseluruhan interior Vermeer adalah ruangan cerah dan ceria yang dipenuhi benda-benda rumah tangga yang ikonik.

lukisan abad ke-18

Pada abad ke-18, Venesia memproduksi beberapa buah seniman yang luar biasa. Yang paling terkenal adalah Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770). Dia menghiasi interior istana dan bangunan lainnya dengan lukisan dinding megah berwarna-warni yang menggambarkan pemandangan kekayaan. Francesco Guardi (1712-1793) sangat ahli dalam menggunakan kuas, dan hanya dengan beberapa titik warna ia dapat memunculkan gagasan tentang sosok kecil di dalam perahu. Pemandangan spektakuler Antonio Canaletto (1697-1768) merayakan kejayaan Venesia di masa lalu.

Prancis: Gaya Rococo

Di Prancis, selera terhadap warna-warna pastel dan dekorasi yang rumit menyebabkan berkembangnya gaya Rococo pada awal abad ke-18. Jean Antoine Watteau (1684-1721), pelukis istana Raja Louis XV, dan kemudian François Boucher (1703-1770) dan Jean Honoré Fragonard (1732-1806) dikaitkan dengan tren Rokoko. Watteau menulis visi mimpi, kehidupan di mana segala sesuatunya menyenangkan. Gaya ini didasarkan pada piknik di taman dan pesta hutan, di mana pria ceria dan wanita anggun bersenang-senang di alam.

Seniman abad ke-18 lainnya menggambarkan pemandangan kehidupan biasa kelas menengah. Seperti Vermeer Belanda, Jean Baptiste Simeon Chardin (1699-1779) mengapresiasi subjek rumah tangga sederhana dan benda mati. Warnanya tenang dan tenang dibandingkan dengan Watteau.

Inggris

Pada abad ke-18, Inggris pertama kali mengembangkan aliran seni lukis tersendiri. Inti utamanya terdiri dari pelukis potret, dipengaruhi oleh seniman Renaisans Venesia. Sir Joshua Reynolds (1723-1792) dan Thomas Gainsborough (1727-1788) adalah yang paling terkenal. Reynolds, yang melakukan perjalanan ke Italia, mengikuti cita-cita lukisan Renaisans. Potretnya, meskipun menawan dan mengharukan, tidak terlalu menarik dalam warna atau tekstur. Gainsborough, sebaliknya, memiliki bakat cemerlang. Permukaan lukisannya bersinar dengan warna cerah.

lukisan abad ke-19

Abad ke-19 terkadang dipandang sebagai periode di mana seni modern mulai terbentuk. Salah satu alasan penting Yang disebut revolusi seni rupa saat ini adalah penemuan kamera yang memaksa seniman mempertimbangkan kembali tujuan melukis.

Perkembangan yang lebih penting adalah meluasnya penggunaan cat siap pakai. Hingga abad ke-19, sebagian besar seniman atau asistennya membuat cat sendiri dengan menggiling pigmen. Cat komersial awal lebih rendah kualitasnya dibandingkan cat tangan. Para seniman di akhir abad ke-19 menemukan bahwa warna biru tua dan coklat pada lukisan-lukisan sebelumnya memudar menjadi hitam atau abu-abu dalam beberapa tahun. Mereka mulai menggunakan warna-warna murni lagi untuk melestarikan karya mereka, dan terkadang karena mereka mencoba memantulkan sinar matahari dengan lebih akurat dalam pemandangan jalanan.

Spanyol: Goya

Francisco Goya (1746-1828) adalah orang besar pertama Artis Spanyol, yang muncul sejak abad ke-17. Sebagai seniman favorit istana Spanyol, ia banyak membuat potret keluarga kerajaan. Para tokoh kerajaan dibekali dengan pakaian yang anggun dan perhiasan yang bagus, namun di beberapa wajah mereka, yang terpancar hanyalah kesombongan dan keserakahan. Selain potret, Goya melukis pemandangan dramatis seperti Tanggal Tiga Mei 1808. Lukisan ini menggambarkan eksekusi sekelompok pemberontak Spanyol oleh tentara Perancis. Kontras yang berani antara warna terang, gelap, dan suram, dibumbui dengan percikan warna merah, membangkitkan kengerian yang suram pada tontonan tersebut.

Meskipun Prancis merupakan pusat seni yang hebat pada tahun 1800-an, seniman lanskap Inggris John Constable (1776-1837) dan Joseph Mallord William Turner (1775-1851) memberikan kontribusi berharga pada lukisan abad ke-19. Keduanya tertarik melukis cahaya dan udara, dua aspek alam yang dieksplorasi sepenuhnya oleh seniman abad ke-19. Polisi menggunakan metode yang dikenal sebagai pembagian, atau warna pecah. Dia menggunakan warna kontras pada warna latar utama. Dia sering menggunakan pisau palet untuk mengaplikasikan warna dengan rapat. Lukisan "Hay Wain" membuatnya terkenal setelah dipamerkan di Paris pada tahun 1824. Ini adalah adegan sederhana pembuatan jerami di desa. Awan melayang di atas padang rumput yang tertutup sinar matahari. Lukisan Turner lebih dramatis dibandingkan lukisan Constable, yang melukis landmark alam yang megah - badai, pemandangan laut, matahari terbenam yang terik, pegunungan tinggi. Seringkali, kabut emas mengaburkan sebagian objek dalam lukisannya, membuatnya tampak melayang di angkasa tak berujung.

Perancis

Masa pemerintahan Napoleon dan Revolusi Perancis menandai munculnya dua tren yang berlawanan dalam seni Perancis - klasisisme dan romantisme. Jacques Louis David (1748-1825) dan Jean Auguste Dominique Ingres (1780-1867) terinspirasi oleh seni Yunani dan Romawi kuno serta Renaisans. Mereka menekankan detail dan menggunakan warna untuk menciptakan bentuk padat. Sebagai seniman favorit pemerintahan revolusioner, David sering melukis peristiwa sejarah pada masa itu. Dalam potretnya, seperti Madame Recamier, dia berusaha mencapai kesederhanaan klasik.

Théodore Guéricault (1791-1824) dan Eugene Delacroix (1798-1863) yang romantis memberontak melawan gaya David. Bagi Delacroix, warna adalah elemen terpenting dalam lukisan dan dia tidak sabar meniru patung klasik. Sebaliknya, dia mengagumi Ruben dan Venesia. Ia memilih tema warna-warni dan eksotis untuk lukisannya, yang berkilauan dengan cahaya dan penuh gerakan.

Seniman Barbizon juga merupakan bagian dari gerakan Romantis secara umum, yang berlangsung sekitar tahun 1820 hingga 1850. Mereka bekerja di dekat desa Barbizon di tepi hutan Fontainebleau. Mereka menemukan inspirasi dari alam dan menyelesaikan lukisan di studionya.

Seniman lain bereksperimen dengan benda-benda biasa sehari-hari. Lanskap Jean Baptiste Camille Corot (1796-1875) mencerminkan kecintaannya terhadap alam, dan studinya tentang tubuh manusia menunjukkan semacam ketenangan yang seimbang. Gustave Courbet (1819-1877) menyebut dirinya seorang realis karena dia menggambarkan dunia sebagaimana dia melihatnya - bahkan sisinya yang keras dan tidak menyenangkan. Dia membatasi paletnya hanya pada beberapa warna gelap. Edouard Manet (1832-1883) juga mengambil dasar dari subjeknya dari dunia sekitar. Orang-orang terkejut dengan kontras warna-warni dan tekniknya yang tidak biasa. Permukaan lukisannya seringkali mempunyai tekstur sapuan kuas yang datar dan berpola. Metode Manet dalam menerapkan efek cahaya pada bentuk mempengaruhi seniman muda, khususnya kaum Impresionis.

Bekerja pada tahun 1870-an dan 1880-an, sekelompok seniman yang dikenal sebagai kaum Impresionis ingin menggambarkan alam sebagaimana adanya. Mereka melangkah lebih jauh dari Constable, Turner dan Manet dalam mempelajari efek cahaya pada warna. Beberapa di antaranya mengembangkan teori ilmiah tentang warna. Claude Monet (1840-1926) sering melukis pemandangan yang sama pada waktu berbeda dalam sehari untuk menunjukkan bagaimana pemandangan itu berubah dalam kondisi cahaya berbeda. Apapun subjeknya, lukisannya terdiri dari ratusan sapuan kuas kecil yang ditempatkan bersebelahan, seringkali dalam warna yang kontras. Dari kejauhan, guratan-guratannya menyatu untuk menciptakan kesan bentuk yang kokoh. Pierre Auguste Renoir (1841-1919) menggunakan teknik impresionis untuk mengabadikan perayaan kehidupan Paris. Dalam Dance at the Moulin de la Galette-nya, orang-orang dengan pakaian berwarna cerah berkerumun dan menari dengan riang. Renoir melukis seluruh gambar dengan sapuan kecil. Titik-titik dan guratan cat menciptakan tekstur pada permukaan lukisan yang memberikan tampilan berbeda. Kerumunan orang tampaknya larut ke dalam sinar matahari dan warna berkilauan.

Lukisan abad ke-20

Sejumlah seniman segera merasa tidak puas dengan Impresionisme. Seniman seperti Paul Cézanne (1839-1906) merasa bahwa Impresionisme tidak menggambarkan soliditas bentuk di alam. Cézanne menyukai lukisan benda mati karena memungkinkan dia untuk fokus pada bentuk buah atau benda lain dan penataannya. Subjek benda matinya terlihat kokoh karena ia mereduksinya menjadi bentuk geometris sederhana. Tekniknya menempatkan percikan cat dan sapuan pendek warna yang kaya secara berdampingan menunjukkan bahwa ia belajar banyak dari kaum Impresionis.

Vincent Van Gogh (1853-90) dan Paul Gauguin (1848-1903) menanggapi realisme kaum Impresionis. Berbeda dengan kaum Impresionis, yang mengatakan bahwa mereka memandang alam secara objektif, Van Gogh tidak terlalu memedulikan keakuratan. Ia sering mendistorsi objek untuk mengekspresikan pikirannya dengan lebih kreatif. Dia menggunakan prinsip impresionistik untuk menempatkan warna-warna kontras di samping satu sama lain. Kadang-kadang dia memeras cat dari tabung langsung ke kanvas, seperti dalam “Ladang Jagung Kuning”.

Gauguin tidak peduli dengan warna belang-belang kaum Impresionis. Dia mengaplikasikan warna dengan lancar di area yang luas dan datar, yang dia pisahkan satu sama lain dengan garis atau tepi gelap. Masyarakat tropis yang penuh warna memberikan sebagian besar materi pelajarannya.

Metode Cezanne dalam menciptakan ruang dengan menggunakan bentuk geometris sederhana dikembangkan oleh Pablo Picasso (1881-1973), Georges Braque (1882-1963) dan lain-lain. Gaya mereka dikenal sebagai Kubisme. Para penganut kubisme melukis objek seolah-olah dapat dilihat dari beberapa sudut sekaligus, atau seolah-olah telah dibongkar dan dipasang kembali di atas kanvas datar. Seringkali benda-benda tersebut ternyata tidak seperti apa pun yang ada di alam. Kadang-kadang penganut Kubisme memotong gambar dari kain, karton, kertas dinding, atau bahan lain dan menempelkannya ke kanvas untuk membuat kolase. Teksturnya juga divariasikan dengan menambahkan pasir atau bahan lain pada cat.

Tren terkini adalah kurang menekankan topik ini. Komposisi dan teknik gambar mulai mendapat penekanan lebih besar.