Instrumen rakyat Italia. Lagu Venesia di atas air

Kesenian rakyat lisan Italia kaya akan karya-karya dari berbagai genre. Di wilayah utara negara itu, puisi liris-naratif adalah hal biasa. Ahli cerita rakyat Italia percaya bahwa puisi-puisi ini berasal dari epik Celtic.

Italia Tengah dan Selatan dicirikan oleh puisi lirik - strambotti . Jenis lisan ini seni rakyat pertama kali berasal dari Sisilia, dan oleh karena itu puisi semacam itu juga disebut Sisilia. Di pulau yang sama, hal itu biasa terjadi cerita keagamaan dan puisi (dalam oktaf) dengan muatan moral, dan pertunjukan teater boneka rakyat masih bertahan hingga saat ini ( opera del anak anjing ). Tema mereka sebagian besar diambil dari epos Perancis.

Ada di seluruh wilayah negara cerita rakyat (kegagalan ), cerita pendek (gassop- ti ), peribahasa ( pepatah ) dan teka-teki ( indovinelli ).

Yang Italia sangat melodis lagu daerah, ritme, melodi, dan isinya berbeda-beda di setiap daerah. Di bagian utara dan barat laut negara ini, lagu-lagu liris epik yang disebut canzones adalah hal yang umum. Mereka sangat khas Piedmont. Ada kemungkinan bahwa Piedmont adalah daerah asal canzone dari Perancis menyebar ke seluruh Italia. Wilayah Trentino, Veneto dan Friuli dicirikan oleh lagu-lagu liris satu bait villotti , terdiri dari dua kuatrain.

Seluruh dunia mengetahui lagu-lagu para pendayung gondola Venesia - barcarolles, yang dibedakan dari kehalusan melodi dan ritme yang sesuai dengan pukulan dayung.

Lagu-lagu Sisilia sangat beragam - marinara, furnarian, vicariot, dll.

Di wilayah selatan, terutama di Campania, sebagian besar lagu liris tersebar luas - stornelles, biasanya terdiri dari dua syair berima dengan sebelas suku kata. Nama seluruh genre ini - “Neapolitan cesni” - berasal dari kota utama Campagna, Napoli. Di pinggiran Napoli - Piedigrotta - kompetisi untuk lagu terbaik diadakan setiap tahun. Peserta dan pendengar datang ke sini dari seluruh negeri.

Di pulau Sardinia, lagu-lagu monostrofik liris sangat umum, memiliki banyak kesamaan baik dalam bentuk maupun isi dengan lirik bahasa Spanyol.

Genre utama seni rakyat lisan penduduk Umbria adalah apa yang disebut puisi religi, terutama lagu-lagu yang menceritakan tentang episode-episode kehidupan Kristus.

Di banyak daerah di Italia, lagu pengantar tidur yang sangat melodis dinyanyikan.

Dalam beberapa dekade terakhir, lagu-lagu daerah Italia, di bawah pengaruh siaran musik yang disiarkan di radio, sebagian besar telah kehilangan tradisionalitasnya: baik sifat melodi maupun kosa katanya berubah. Oleh karena itu, selama setengah abad, lagu-lagu liris daerah, terutama yang menyanyikan tentang perpisahan, telah ditampilkan kereta api dan kapal uap, dan masuk beberapa tahun terakhir bahkan pesawat. Lagu-lagu tersebut kehilangan bahasa alegorisnya. Kosakata lagu-lagu liris epik juga berubah, misalnya, alih-alih pedang dan senjata, pistol dan senapan mesin muncul di dalamnya.

Tarian. Alat musik

Di beberapa tempat, tarian rakyat Italia masih ditarikan, dibedakan berdasarkan keragaman, keindahan, dan temperamen pertunjukannya. Beberapa dekade yang lalu, tarantella (mungkin sebuah tarian asal kuno), yang pertunjukannya biasanya diiringi dengan pemukulan rebana. Di Lazio ada tarian dengan tempo yang sangat cepat - saltarello,

Ditarikannya berpasangan, diiringi gitar. Di provinsi Lombard mereka masih menari apa yang disebut Bergamasca, dan di provinsi Venesia mereka masih menarikan tarian asal Friulian - Furlana. Sisilia dicirikan oleh tarian lambat - siciliana. Di beberapa daerah di Sardinia, ada tarian yang sangat kuno (mungkin berasal dari Yunani), yang disebut duru - duru , atau bola di dalam tondo (menari dalam tarian bundar). Biasanya diiringi dengan melompat dan berteriak.

Di beberapa tempat di selatan, tarian ritual pantomim masih dilestarikan, dilakukan pada hari-hari tertentu hari raya keagamaan. Para petani di beberapa desa di Calabria, Sisilia dan Basilicata menampilkan pantomim yang dikenal sebagai "kapal". Dua belas orang membentuk piramida: enam di antaranya berdiri di tanah, empat di bahu, dan dua di paling atas. Piramida itu bergerak berirama, dikelilingi kerumunan petani yang bernyanyi.

Lagu dan tarian tradisional biasanya dibawakan dengan iringan alat musik rakyat. Di wilayah utara, gitar adalah yang paling umum; di Tuscany, Lazio dan Campania, bagpipe paling sering ditemukan. Di pulau Sardinia, nyanyian dan tarian diiringi dengan memainkan pipa berlaras tiga yang disebut diluncurkanda . Di desa-desa di seluruh wilayah negara mereka memainkan pipa laras tunggal, harmonika dan harmonika biasa, dan di kota-kota - mandolin.

DI DALAM akhir-akhir ini, terutama di periode pasca perang, tarian rakyat kuno semakin digantikan oleh tarian modern, yang ditarikan dengan alat pemutar kaset atau tape recorder.

Seni dan kerajinan rakyat

Hampir setiap wilayah di Italia terkenal dengan beberapa jenis seni dekoratif rakyat, yang telah dipraktikkan di sini selama berabad-abad, mewariskan keterampilan dan merasa keindahan dari generasi ke generasi.

Keramik

Produk ahli keramik sangat berwarna. Produksi ini memiliki tradisi berusia berabad-abad di Italia. Sudah pada abad Vll - VII. SM e. Keramik Yunani juga merambah ke bagian selatan Semenanjung Apennine bersama penjajah Yunani. Dari abad ke-6 SM e. Keramik figur hitam dan keramik figur merah Yunani tersebar luas. DI DALAM waktu Romawi Piring dengan pola bunga muncul, paling sering dalam bentuk relief, dilapisi dengan pernis merah dengan kilau metalik.

Selama awal Abad Pertengahan, tembikar, seperti banyak bidang kerajinan rakyat lainnya, mengalami kemunduran.

Kebangkitan baru yang kuat dalam seni keramik Italia dimulai pada abad ke-15. Pusat produksi keramik artistik pada Abad Pertengahan adalah Faenza, Siena, Caffaggiolo, Castel Durante dan beberapa lainnya.

Dari kuartal pertama abad ke-16. Pemimpin produksi keramik Italia adalah kota Faenza, dari mana kata internasional “clayans” berasal, dalam arti sempit berarti produk yang terbuat dari tanah liat panggang putih dengan pecahan berpori halus. Faience juga sering disebut keramik mengkilap - majolica, yang juga diproduksi dalam jumlah besar dan terus diproduksi di Faenza. Nama "majolica" berasal dari salah satu Kepulauan Balearic - Majorca (dalam bahasa Italia - Majolica), dari mana pada tahun 1115 orang Genoa pertama kali membawa bejana keramik Spanyol-Moor dan lempengan kaca ke Semenanjung Apennine, yang menjadi model bagi pembuat tembikar Italia.

Pada masa kejayaan produksi majolica (abad XV-XVII), tanah liat berwarna kekuningan dan keputihan digunakan, dan sebagai pengganti engobe dan glasir timbal, ia ditutupi dengan glasir buram tidak berpori yang terbuat dari campuran timbal dan timah oksida. Kapal itu ditembaki suhu tinggi, glasir menyatu dengan lukisan yang diaplikasikan padanya dan berubah menjadi lapisan mengkilap seragam yang melekat kuat pada dasar tanah liat produk.

Yang sekarang disebut majolica di Italia mencakup segala jenis produk keramik yang terbuat dari tanah liat merah ( tanah kapas ) dan dari putih, dengan pecahan berpori besar, ditutupi dengan glasir transparan ( vernice ) atau email buram ( kecil ). Pembuat keramik Faenza modern tidak hanya meniru model terkenal di masa lalu, tetapi juga menciptakan model baru dan menguasai teknik baru. Saat ini banyak perajin Faenza yang memproduksi bejana berbentuk abstrak dengan hiasan lukisan yang motifnya diambil dari lukisan abstrak modern.

Institut Keramik Negara terletak di Faenza. Keramik dari negara yang berbeda datang ke sini untuk meningkatkan keterampilan mereka. Ada juga Museum Keramik Internasional, yang menampung koleksi keramik artistik Italia. Setiap tahun kota ini mengadakan pameran keramik.

Di Italia modern, produksi keramik dikembangkan terutama di wilayah selatan dan kepulauan: Apulia, Sisilia, Abruzzo, Molise, Calabria, Sardinia, Marche dan beberapa lainnya. Bengkel dan pabrik kecil di wilayah ini, selain keramik rumah tangga (peralatan makan dan wadah dapur yang sebagian besar dibeli oleh petani), juga memproduksi barang-barang dekoratif (piring, vas, patung), yang sering diekspor atau dijual kepada wisatawan asing.

Bentuk kapal yang umum, umum di seluruh wilayah selatan negara itu: mangkuk; boccale - cangkir besar untuk air atau anggur; bgossa - bejana bulat besar, dengan cerat dan satu atau dua pegangan, tempat anggur paling sering disimpan; semua jenis termos untuk air dan anggur: bulat dengan leher pendek dan satu pegangan; mirip dengan mereka, tetapi tanpa pegangan; bentuk memanjang dengan dua pegangan; datar tanpa pegangan, dengan loop untuk memasang tali; berbentuk pretzel, dll.

Semua bejana ini biasanya dilapisi dengan enamel dan glasir berwarna-warni dan dicat dengan cat overglaze atau underglaze, dan terkadang dihiasi dengan gambar relief.

Banyak wilayah di Italia, dan seringkali menjadi pusat produksi keramik, memilikinya ciri ciri baik dalam pemilihan bentuk bejana maupun dalam dekorasi artistiknya.

Pusat utama produksi keramik Sisilia adalah Caltad-Girone. Keramik juga banyak dihasilkan dari bengkel Terranova, Licata, Ajira, Partinico, Canicatti dan Schiatta.

Sangat berwarna-warni yang sudah dikenal di awal abad pertengahan Vas bunga Sisilia - berkah . Seringkali mereka dibuat dalam bentuk kepala manusia. Badan termos Sisilia sering dibuat dalam bentuk yang sama. Seringkali bejana tersebut berbentuk sosok manusia setinggi mungkin. Ini adalah botol polikrom ( kegagalan ) dan lampu ( lucerni ). Selain itu, di Caltagirone (dari abad ke-17 hingga hari ini), patung orang suci dari tanah liat yang tidak dibakar dibuat - presep , yang biasa diletakkan di sudut ruangan pada hari raya keagamaan, meniru pemandangan kehidupan Yesus Kristus.

Selain keramik artistik, mereka juga memproduksi berbagai macam bejana rumah tangga, seperti yang berukuran besar seperempat untuk pengiriman air, mangkuk sup, kecil cannate untuk air dan anggur dan banyak lagi.

Pusat produksi tembikar artistik terbesar di Sardinia adalah Oristano, Sassari dan Cagliari. Yang paling terkenal di seluruh negeri adalah vas Oristan. Bentuk dan ornamennya berasal dari tembikar Yunani Kuno(analog dengan vas ini ditemukan selama penggalian di Canosa di Apulia). Ini adalah bejana pengairan berukuran besar, dihiasi dengan gambar relief bunga, binatang, atau manusia.

Di komune Dorgali (Sassari), jenis gerabah tradisional adalah pembuatan bejana dari tanah liat merah berbentuk gambar binatang peliharaan: toples cucian berbentuk ayam jago, ayam betina, angsa, dll. dengan pola tergores (grafiti) dan dilapisi enamel warna-warni. Di Cagliari, seperti di Sisilia, mereka membuat bejana sesuai bentuknya figur manusia, paling sering menggambarkan wanita dalam kostum rakyat setempat.

Di Puglia terdapat beberapa pusat produksi tembikar besar: Grottaglie, Rutigliano, Sansevero, Cerintola dan beberapa lainnya. Karya seni terakota berlapis polikrom Grottaglie didistribusikan ke seluruh negeri; Tradisi abad pertengahan dilestarikan dalam teknik pembuatan dan dekorasinya. Berbagai wadah (boccali, brokoli, dll) ditutupi dengan lukisan polikrom (dominan ornamen bunga) pada engobe putih. Grottaglie memasok seluruh wilayah selatan dengan peralatan makan dan dapur.

Di Puglia mereka juga membuat bejana yang dihias dengan relief meniru sulaman. Daerah ini juga terkenal dengan produksi mainan yang dilapisi enamel warna-warni. Paling sering ini adalah peluit dalam bentuk binatang yang berbeda: burung, ayam jantan, anjing, ular, dll.

Di Abruzzo, yang tradisional adalah termos datar dan berbentuk cincin, piring, dan brocchi dengan lukisan warna-warni di atas engobe putih. Keramik dari Palena dibedakan dari warnanya yang cerah dan enamel yang sangat mengkilat. Mug bermata tiga, labu jongkok dengan leher kecil, labu pipih berbentuk pretzel dilukis di atas engobe, paling sering dengan karangan bunga. Di Kastelli, bejana sering kali dilapisi dengan enamel kuning, biru, atau hijau. Banyak di antaranya, terutama patung atau lampu berbentuk figur manusia, yang mirip dengan Sisilia.

Pusat utama produksi keramik di Calabria adalah Seminara, Rende, Visignano, Terranova di Sibari, Corigliano Calabro, Vibo Valentina, Squillace, S. Andrea Ionico. Dalam Seminar, bejana terakota (paling sering termos berbentuk pretzel) dihias dengan gambar relief bunga, burung, dan binatang. Warna penyiraman yang dominan adalah hijau, kuning dan oranye. Labu berbentuk ikan yang dibuat di Seminar dan mainan elegan yang terbuat dari tanah liat merah, dilapisi dengan glasir warna-warni, sangat populer di tanah air.

Pusat produksi keramik modern utama di Umbria - Deruta dan Gubbio - memproduksi salinan sampel abad pertengahan dan bahkan Etruria, serta bengkel di pusat lain di daerah ini: Assisi, Ficulle, dll.

Di Tuscany, pusat utama produksi keramik adalah Monte San Savino. Hidangan besar dibuat di sini, meniru majolica abad pertengahan. Mereka biasanya ditutupi dengan engobe putih, di atasnya diaplikasikan lukisan.

Di wilayah Marche di Pesaro, pembuat keramik membuat berbagai wadah rumah tangga yang dilapisi enamel warna gelap yang sangat mengkilat (hitam, kastanye, atau kopi): penghangat tangan, penggorengan, mangkuk sup untuk mesin penuai, botol untuk mengantarkan anggur ke ladang, minum kapal.

Ada banyak orang yang hidup berdampingan di dunia dan berbicara dalam berbagai bahasa. Namun manusia sepanjang sejarah tidak hanya berbicara dengan kata-kata. Pada zaman dahulu, nyanyian dan tarian digunakan untuk membangkitkan emosi dan pikiran seseorang.

Seni tari dengan latar belakang perkembangan budaya

Budaya Italia sangat penting dengan latar belakang pencapaian dunia. Awal pertumbuhan pesatnya bertepatan dengan lahirnya era baru - Renaisans. Sebenarnya Renaisans justru muncul di Italia dan berkembang secara internal selama beberapa waktu, tanpa menyentuh negara lain. Keberhasilan pertamanya terjadi pada abad 14-15. Kemudian dari Italia mereka menyebar ke seluruh Eropa. Perkembangan cerita rakyat juga dimulai pada abad ke-14. Semangat seni yang segar, sikap yang berbeda terhadap dunia dan masyarakat, perubahan nilai-nilai langsung tercermin dalam tarian rakyat.

Pengaruh Renaisans: langkah dan bola baru

Pada Abad Pertengahan, gerakan musik Italia dilakukan secara bertahap, lancar, dan bergoyang. Renaisans mengubah sikap terhadap Tuhan, yang tercermin dalam cerita rakyat. Tarian Italia memperoleh energi dan gerakan yang hidup. Jadi langkah “berhenti” melambangkan asal usul manusia di bumi, hubungannya dengan anugerah alam. Dan gerakan “berjinjit” atau “dengan melompat” mengidentifikasi keinginan seseorang akan Tuhan dan pemuliaannya. Warisan tari Italia didasarkan pada mereka. Kombinasi keduanya disebut “balli” atau “ballo”.

Alat musik rakyat Italia dari zaman Renaisans

Karya-karya cerita rakyat dibawakan dengan iringan. Alat-alat berikut digunakan untuk ini:

• Harpsichord (Italia "chembalo"). Penyebutan pertama: Italia, abad XIV.
• Rebana (sejenis rebana, nenek moyang gendang modern). Penari juga menggunakannya selama gerakan.
• Biola (alat musik membungkuk yang berasal dari abad ke-15). Variasi Italianya adalah viola.
• Lute (instrumen senar yang dipetik.)
• Pipa, seruling, dan obo.

Variasi tarian

Dunia musik Italia menjadi lebih beragam. Kemunculan instrumen dan melodi baru mendorong gerakan-gerakan energik mengikuti irama. Nasional tarian Italia. Nama mereka dibentuk, seringkali berdasarkan prinsip teritorial. Ada banyak jenisnya. Tarian utama Italia yang dikenal saat ini adalah bergamasca, galliarda, saltarella, pavana, tarantella dan pizzica.

Bergamasca: poin klasik

Bergamasca adalah tarian rakyat Italia yang populer pada abad 16-17, yang kemudian ketinggalan zaman, tetapi meninggalkan warisan musik yang sesuai. Wilayah asal: Italia utara, provinsi Bergamo. Musik dalam tarian ini ceria dan berirama. Pengukur waktu adalah pengukur empat ketukan yang kompleks. Gerakannya sederhana, halus, berpasangan, perubahan antar pasangan dimungkinkan selama proses tersebut. Awalnya, tarian rakyat disukai di istana pada masa Renaisans.

Penyebutan sastra pertama kali ada dalam drama William Shakespeare, A Midsummer Night's Dream. Pada akhir abad ke-18, Bergamasca dengan lancar beralih dari cerita rakyat tari menjadi warisan budaya. Banyak komposer yang menggunakan gaya ini dalam proses penulisan karyanya: Marco Uccellini, Solomone Rossi, Girolamo Frescobaldi, Johann Sebastian Bach.

KE akhir abad ke-19 berabad-abad, interpretasi berbeda tentang Bergamasca muncul. Hal ini ditandai dengan meteran campuran yang kompleks dan tempo yang lebih cepat (A. Piatti, C. Debussy). Saat ini, gema cerita rakyat Bergamasque telah dilestarikan, yang berhasil mereka coba wujudkan dalam balet dan produksi teater, menggunakan gaya musik pengiring yang sesuai.

Galliard: tarian ceria

Galliarda adalah tarian Italia kuno, salah satu tarian rakyat pertama. Muncul pada abad ke-15. Jika diterjemahkan, artinya “ceria”. Sebenarnya dia sangat ceria, energik dan berirama. Ini adalah kombinasi kompleks dari lima langkah dan lompatan. Ini adalah tarian rakyat berpasangan yang mendapatkan popularitas di pesta bangsawan di Italia, Prancis, Inggris, Spanyol, dan Jerman.

Pada abad ke 15-16, galliard menjadi populer karena sifatnya dalam bentuk komik, ritme ceria dan spontan. Kehilangan popularitas karena evolusi dan transformasi menjadi punggawa standar gaya menari. Pada akhir abad ke-17, ia sepenuhnya beralih ke musik.

Galliard primer dicirikan oleh kecepatan sedang, panjang satu meter - trilobed sederhana. DI DALAM periode-periode berikutnya dilakukan dengan ritme yang sesuai. Galliard ini dicirikan oleh panjang meteran musik yang rumit. Karya-karya modern terkenal dalam gaya ini dibedakan oleh tempo yang lebih lambat dan lebih tenang. Komposer yang menggunakan musik galliard dalam karyanya: V. Galileo, V. Brake, B. Donato, W. Bird dan lain-lain.

Saltarella: kesenangan pernikahan

Saltarella (saltarello) adalah tarian Italia paling kuno. Ini cukup ceria dan berirama. Disertai dengan kombinasi langkah, lompatan, rotasi dan membungkuk. Asal: Dari saltare Italia - "melompat". Jenis kesenian rakyat ini pertama kali disebutkan berasal dari abad ke-12. Awalnya itu adalah tarian pergaulan yang diiringi musik dengan meteran dua atau tiga ketukan sederhana. Sejak abad ke-18, musik ini secara bertahap merosot menjadi saltarella berpasangan dengan musik dengan ukuran yang rumit. Gaya tersebut masih dipertahankan hingga saat ini.

Pada abad ke-19-20 - itu berubah menjadi Italia massal tarian pernikahan, yang ditarikan pada perayaan pernikahan. Ngomong-ngomong, saat itu sering kali waktunya bertepatan dengan panen raya. Di XXI - tampil di beberapa karnaval. Musik dalam gaya ini dikembangkan dalam karya banyak penulis: F. Mendelssohn, G. Berlioz, A. Castellono, R. Barto, B. Bazurov.

Pavan : kekhidmatan yang anggun

Pavana - Italia kuno dansa ruang dansa, yang dilakukan secara eksklusif di pengadilan. Nama lain dikenal - padovana (dari nama Padova; dari bahasa Latin pava - merak). Tarian ini lambat, anggun, khusyuk, penuh hiasan. Kombinasi gerakannya terdiri dari langkah sederhana dan ganda, gerakan membungkuk hormat dan perubahan berkala pada lokasi pasangan relatif satu sama lain. Itu ditarikan tidak hanya pada pesta dansa, tetapi juga pada awal prosesi atau upacara.

Pavane Italia, setelah memasuki lapangan negara lain, berubah. Itu menjadi semacam “dialek” tarian. Dengan demikian, pengaruh Spanyol menyebabkan munculnya “pavanilla”, dan pengaruh Perancis menjadi “passamezzo”. Musik yang dibawakan langkah-langkahnya lambat, dua ketukan. menonjolkan ritme dan poin penting komposisi. Tarian ini lambat laun ketinggalan zaman, dilestarikan dalam karya-karya warisan musik (P. Attenyan, I. Shein, C. Saint-Saens, M. Ravel).

Tarantella: personifikasi temperamen Italia

Tarantella merupakan tarian rakyat Italia yang bertahan hingga saat ini. Dia bersemangat, energik, berirama, menyenangkan, tak kenal lelah. Tarian tarantella Italia menjadi ciri khas penduduk setempat. Terdiri dari kombinasi lompatan (termasuk ke samping) dengan lemparan kaki bergantian ke depan dan ke belakang. Itu dinamai kota Taranto. Ada juga versi lain. Konon orang yang digigit terkena penyakit – tarantisme. Penyakitnya mirip sekali dengan rabies yang coba disembuhkan melalui proses gerakan cepat tanpa henti.

Musik ditampilkan dalam tanda birama tiga ketukan sederhana atau kompleks. Dia cepat dan menyenangkan. Fitur:

1. Perpaduan alat musik dasar (termasuk keyboard) dengan alat tambahan yang ada di tangan penari (rebana dan alat musik).
2. Kurangnya musik standar.
3. Improvisasi alat musik dalam irama yang diketahui.

Irama yang melekat pada gerakan digunakan dalam komposisinya oleh F. Schubert, F. Chopin, F. Mendelssohn, P. Tchaikovsky. Tarantella masih menjadi tarian rakyat yang penuh warna hingga saat ini, yang dasar-dasarnya diketahui oleh setiap patriot. Dan di abad ke-21 mereka terus menari secara massal untuk bersenang-senang liburan keluarga dan pernikahan mewah.

Pizzica: pertarungan dansa yang menarik

Pizzica adalah tarian cepat Italia yang berasal dari tarantella. Menjadi tren tarian dalam cerita rakyat Italia karena munculnya ciri khas tersendiri. Jika tarantella pada dasarnya adalah tarian massal, maka pizzica telah menjadi tarian berpasangan secara eksklusif. Bahkan lebih hidup dan energik, ia mendapat beberapa nada militan. Gerakan kedua penari ini menyerupai duel di mana lawan yang ceria bertarung.

Hal ini sering dilakukan oleh wanita dengan beberapa pria secara bergantian. Pada saat yang sama, dengan melakukan gerakan-gerakan yang energik, wanita muda tersebut mengekspresikan orisinalitas, kemandirian, dan feminitasnya yang kuat, sehingga menolak masing-masing gerakan tersebut. Para pria menyerah pada tekanan tersebut, menunjukkan kekaguman mereka terhadap wanita tersebut. Jadi individu karakter khusus hanya ciri khas pizza. Dalam beberapa hal, ini mencirikan sifat Italia yang penuh gairah. Setelah mendapatkan popularitas di abad ke-18, pizzica tidak kehilangannya hingga saat ini. Pertunjukan ini terus dilakukan di pameran dan karnaval, perayaan keluarga, serta pertunjukan teater dan balet.

Munculnya sesuatu yang baru menyebabkan terciptanya musik pengiring yang sesuai. "Pizzicato" muncul - cara melakukan karya dengan instrumen membungkuk, tetapi tidak dengan busur itu sendiri, tetapi dengan memetik jari. Hasilnya, suara dan melodi yang sangat berbeda muncul.

Tarian Italia dalam sejarah koreografi dunia

Berasal dari kesenian rakyat, merambah ke ruang dansa aristokrat, tarian menjadi populer di kalangan masyarakat. Ada kebutuhan untuk mensistematisasikan dan menentukan langkah-langkah untuk tujuan amatir dan pelatihan kejuruan. Koreografer teoretis pertama adalah orang Italia: Domenico da Piacenza (XIV-XV), Guglielmo Embreo, Fabrizio Caroso (XVI). Karya-karya ini, bersama dengan mengasah gerakan dan stilisasinya, menjadi dasar bagi perkembangan balet di seluruh dunia.

Sementara itu, di asalnya terdapat warga desa dan kota yang ceria dan sederhana menari saltarella atau tarantella. Temperamen orang Italia penuh gairah dan lincah. Era Renaissance misterius dan megah. Ciri-ciri ini menjadi ciri tarian Italia. Peninggalan mereka menjadi landasan bagi perkembangan seni tari di dunia secara keseluruhan. Ciri-ciri mereka merupakan cerminan sejarah, karakter, emosi dan psikologi seluruh masyarakat selama berabad-abad.

Episode hari ini didedikasikan untuk musik rakyat Italia - lagu dan tarian negara ini, serta alat musik.

Mereka yang biasa kita sebut orang Italia adalah pewaris budaya masyarakat besar dan kecil yang telah hidup sejak zaman dahulu di berbagai wilayah di Semenanjung Apennine. Bangsa Yunani dan Etruria, Bangsa Italik (Romawi) dan Galia meninggalkan jejak mereka pada musik rakyat Italia.

Sejarah yang penuh peristiwa dan alam yang subur, pekerjaan pertanian dan karnaval yang menyenangkan, ketulusan dan emosi, bahasa yang indah dan selera musik, permulaan melodi yang kaya dan variasi ritme, budaya nyanyian yang tinggi dan penguasaan ansambel instrumental - semua ini dimanifestasikan dalam musik Italia. Dan semua ini memenangkan hati orang-orang lain di luar semenanjung.

Lagu daerah Italia

Seperti yang mereka katakan, ada unsur humor dalam setiap lelucon: pernyataan ironis orang Italia tentang diri mereka sendiri sebagai ahli dalam mengarang dan menyanyikan lagu dikonfirmasi oleh ketenaran dunia mereka. Oleh karena itu, musik rakyat Italia terutama diwakili oleh lagu. Tentu saja, kita hanya tahu sedikit tentang budaya nyanyian lisan, karena contoh pertama budaya lagu lisan dicatat pada akhir Abad Pertengahan.

Munculnya lagu-lagu daerah Italia di awal XIII berabad-abad dikaitkan dengan transisi ke Renaisans. Kemudian minat terhadap kehidupan duniawi muncul; selama liburan, penduduk kota senang mendengarkan penyanyi dan pemain sulap yang bernyanyi tentang cinta dan menceritakan kisah keluarga dan kehidupan sehari-hari. Dan warga desa dan kota sendiri pun tak segan-segan bernyanyi dan menari dengan iringan sederhana.

Belakangan, genre lagu utama terbentuk. Frottola(diterjemahkan sebagai “lagu daerah, fiksi”) telah dikenal di Italia utara sejak akhir abad ke-15. Ini adalah lagu liris untuk 3–4 suara dengan elemen polifoni tiruan dan aksen metrik yang cerah.

Pada abad ke-16, lagu itu ringan, dapat ditarikan, dengan melodi dalam tiga suara penjahat(diterjemahkan sebagai “lagu desa”) tersebar luas di seluruh Italia, tetapi setiap kota menyebutnya berbeda: Veneziana, Neapoletana, Padovana, Romana, Toscanella dan lain-lain.

Dia digantikan oleh canzonetta(diterjemahkan sebagai “lagu”) adalah lagu kecil yang dibawakan dengan satu suara atau lebih. Dialah yang menjadi nenek moyang masa depan genre terkenal arias. Dan kemampuan menari dari penjahat pindah ke genre tersebut baletto, – lagu yang komposisi dan karakternya lebih ringan, cocok untuk menari.

Genre lagu rakyat Italia yang paling dikenal saat ini adalah Lagu Neapolitan (Wilayah Campania Italia Selatan). Melodi nyanyian, ceria atau sedih diiringi oleh mandolin, gitar, atau kecapi Neapolitan. Siapa yang belum pernah mendengar lagu cinta? "Wahai satu-satunya mio" atau himne kehidupan "Sinterklas Lucia", atau himne untuk kereta gantung "Fonikuli Funikula", yang membawa sepasang kekasih ke puncak Vesuvius? Kesederhanaannya hanya terlihat: ketika dibawakan, tidak hanya tingkat keterampilan penyanyi yang akan terungkap, tetapi juga kekayaan jiwanya.

Masa keemasan genre ini dimulai pada pertengahan abad ke-19. Dan hari ini di Naples, ibu kota musik Italia, kompetisi festival lagu lirik Piedigrotta (Festa di Piedigrotta) diadakan.

Lain merek yang dapat dikenali milik wilayah utara Veneto. Venesia lagu di atas air atau barcarolle(barca diterjemahkan sebagai “perahu”), dilakukan dengan santai. 6/8 dan tekstur pengiringnya biasanya menampilkan goyangan ombak, dan indahnya penampilan melodi digaungkan oleh hentakan dayung yang mudah masuk ke dalam air.

Tarian rakyat Italia

Budaya tari Italia berkembang dalam genre keseharian, tari pementasan dan lebih banyak ski(Morisko). Moresque ditarikan oleh orang Arab (yang disebut demikian - diterjemahkan kata ini berarti "Moor kecil"), yang masuk Kristen dan menetap di Apennines setelah dideportasi dari Spanyol. Tarian yang dipentaskan adalah tarian yang dipentaskan khusus pada hari raya. Dan genre yang paling umum adalah tarian sehari-hari atau pergaulan.

Asal usul genre ini berasal dari Abad Pertengahan, dan desainnya berasal dari abad ke-15, awal Renaisans. Era ini membawa keanggunan dan keanggunan pada tarian rakyat Italia yang kasar dan menyenangkan. Gerakan cepat, sederhana dan berirama dengan transisi ke lompatan ringan, mengangkat dari seluruh kaki hingga ujung kaki (sebagai simbol perkembangan spiritual dari duniawi ke ilahi), sifat ceria dari musik pengiring - inilah ciri ciri tarian ini.

Ceria energik empedu dibawakan oleh penari berpasangan atau individu. Kosakata tari meliputi gerak dasar lima langkah, banyak melompat dan melompat. Seiring berjalannya waktu, laju tariannya menjadi lebih lambat.

Tarian lain yang mirip dengan galliard adalah garamarella– lahir di Italia tengah (wilayah Abruzzo, Molise dan Lazio). Namanya diberikan oleh kata kerja saltare - “melompat”. Tarian pasangan ini diiringi musik dalam waktu 6/8. Itu dilakukan pada hari libur megah - pernikahan atau di akhir panen. Kosakata tariannya mencakup serangkaian langkah ganda dan membungkuk, dengan transisi ke irama. Itu ditarikan di karnaval modern.

Rumah dari tarian kuno lainnya bergamasca(bargamasca) terletak di kota dan provinsi Bergamo (Lombardy, wilayah utara Italia). Tarian petani ini digandrungi oleh penduduk Jerman, Perancis, dan Inggris. Musik yang ceria, hidup, dan berirama dengan meteran empat kali lipat serta gerakan yang energik memikat hati orang-orang dari semua kelas. Tarian tersebut disebutkan oleh W. Shakespeare dalam film komedi A Midsummer Night's Dream.

Tarantella- tarian rakyat yang paling terkenal. Mereka sangat menyukainya di wilayah Italia selatan di Calabria dan Sisilia. Dan namanya berasal dari kota Taranto (wilayah Apulia). Kota ini juga memberi nama pada laba-laba beracun - tarantula, yang diduga dapat menyelamatkan mereka dari efek eksekusi tarantella yang lama dan melelahkan.

Motif pengiring sederhana yang berulang pada kembar tiga, sifat musik yang hidup dan pola gerakan khusus dengan perubahan arah yang tajam membedakan tarian ini, yang dilakukan berpasangan, lebih jarang solo. Kecintaan terhadap tarian mengatasi penganiayaan: Kardinal Barberini mengizinkannya dipentaskan di istana.

Beberapa tarian rakyat dengan cepat menaklukkan seluruh Eropa dan bahkan sampai ke istana raja-raja Eropa. Galliard, misalnya, dipuja oleh penguasa Inggris, Elizabeth I, dan sepanjang hidupnya dia menari untuk kesenangannya. Dan bergamasca membangkitkan semangat Louis XIII dan para bangsawannya.

Genre dan melodi dari banyak tarian melanjutkan kehidupannya dalam musik instrumental.

Alat musik

Untuk pengiring mereka menggunakan bagpipe, pipa, harmonika dan harmonika biasa, alat musik petik - gitar, biola, dan mandolin.

Dalam bukti tertulis, mandola telah disebutkan sejak abad ke-12; mungkin itu dibuat sebagai versi kecapi yang lebih sederhana (dari bahasa Yunani diterjemahkan sebagai “kecapi kecil”). Itu juga disebut mandora,” “mandole,” “pandurina,” “bandurina,” dan mandola kecil disebut mandolin. Instrumen berbadan oval ini memiliki empat senar kawat ganda yang disetel secara serempak, bukan satu oktaf.

Biola, di antara alat musik rakyat Italia lainnya, telah menjadi salah satu yang paling dicintai. Dan itu disempurnakan oleh master Italia dari keluarga Amati, Guarneri dan Stradivari pada abad ke-17 - kuartal pertama abad ke-18.

Pada abad ke-17, para seniman pengembara, agar tidak repot bermain musik, mulai menggunakan organ barel - alat musik tiup mekanis yang mereproduksi 6-8 rekaman. karya favorit. Yang tersisa hanyalah memutar pegangannya dan mengangkut atau membawanya sepanjang jalan. Awalnya, organ laras ditemukan oleh Barbieri Italia untuk melatih burung penyanyi, namun seiring berjalannya waktu, organ tersebut mulai disukai oleh penduduk kota di luar Italia.

Penari sering kali membantu diri mereka sendiri untuk memainkan ritme tarantella yang jelas dengan bantuan rebana, sejenis rebana yang datang ke Apennines dari Provence. Seringkali pemain menggunakan seruling bersama dengan rebana.

Genre tersebut serta keragaman melodi, bakat dan kekayaan musik masyarakat Italia memastikan tidak hanya kebangkitan musik akademis, khususnya opera, dan pop di Italia, tetapi juga berhasil dipinjam oleh komposer dari negara lain.

Penilaian terbaik terhadap kesenian rakyat diberikan oleh komposer Rusia M.I. Glinka yang pernah mengatakan bahwa pencipta musik yang sebenarnya adalah masyarakat, dan komposer berperan sebagai arranger.

Mandolin adalah alat musik petik senar. Kemunculannya berasal dari abad ke-16, dan tanah airnya adalah Italia yang penuh warna. Mandolin merupakan alat musik yang tampilannya sangat mirip dengan kecapi, karena bentuknya juga berbentuk buah pir. Berbeda dengan kecapi karena senarnya lebih sedikit dan lehernya lebih pendek.

Pada dasarnya, mandolin selalu memiliki empat senar berpasangan (dikenal sebagai mandolin Neapolitan), dan kecapi, bergantung pada zamannya, memiliki enam senar atau lebih. Selain mandolin jenis ini, dikenal jenis lain:

• Sisilia - dengan dasar datar dan empat senar rangkap tiga;
• Milan - dengan enam senar, disetel satu oktaf lebih tinggi dari gitar;
• Genoa – mandolin lima senar;
• Florentine.

Cara memainkan mandolin

Biasanya mandolin dimainkan dengan pick atau lebih tepatnya plectrum. Meskipun begitu, kebetulan mereka bermain dengan jari mereka. Bunyi mandolin itu unik - pengulangan bunyi (tremolo) yang cepat dan berulang-ulang dijelaskan oleh fakta bahwa ketika senar disentuh, bunyinya cepat meluruh, yaitu menjadi pendek. Oleh karena itu, untuk memperpanjang bunyi dan memperoleh nada yang dianggap berkepanjangan, digunakan tremolo.

Mandolin menjadi dikenal luas di luar Italia satu abad setelah kemunculannya. Alat musik ini menjadi sangat populer dan dengan cepat mendapat status sebagai alat musik rakyat. Ia masih beredar di seluruh dunia, semakin berakar pada budaya modern.

Bahkan diketahui bahwa komposer terkenal seperti Mozart menggunakan mandolin dalam serenade dalam operanya “Don Giovanni”.

Selain itu, banyak band, komposer, dan penyanyi masa kini yang menggunakan alat musik ini untuk menambah "semangat" pada musik mereka. ke komposisi Anda.

Dengan bantuan mandolin, Anda dapat mengiringi dan memainkan bagian solo dengan sempurna. Misalnya, orkestra Neapolitan dikenal, yang suaranya menyatu dari banyak mandolin ukuran yang berbeda. Mandolin juga digunakan dalam orkestra simfoni dan opera. Selain banjo, mandolin juga digunakan dalam musik bluegrass dan folk Amerika.

Seperti yang telah disebutkan, mandolin adalah alat musik yang sangat tidak biasa dan disukai banyak orang justru karena kartu asnya adalah tremolo, yang mungkin tidak dapat ditemukan pada alat musik lain.

Mandolin merupakan salah satu alat musik yang paling populer di kategori alat musik rakyat. Mungkin hanya sedikit alat musik yang bisa membanggakan popularitas seperti itu. Sebaliknya, mandolin secara tradisional dianggap sebagai alat musik rakyat, meskipun banyak komposer telah menggunakannya dalam karya mereka, sehingga memberikan daya tarik dan keunikan tersendiri. Meskipun mandolin sering digunakan dalam orkestra, mandolin juga terdengar bagus sebagai bagian musik independen. Berbagai etudes dan karya dibawakan di atasnya, diiringi instrumen lain.

Di mana lagi mandolin menjadi terkenal?

Relatif cepat, mandolin bermigrasi dari Italia ke Amerika Serikat bagian utara dan mengakar kuat dalam musik lokal. Di Eropa, instrumen ini menaklukkan orang-orang Skandinavia, yang memberikan mandolin kemerduan khusus yang ketat.

Mandolin memiliki instrumen yang relatif. Ini adalah mandola, bouzouki dan mandolin oktaf. Harmoni rock and roll modern sangat mirip dengan mandolin yang sama.

Diketahui, para anggota Led Zeppelin sangat menyukai suara mandolin dan menggunakannya dalam melodi mereka. Bahkan Jimmy Page, salah satu anggota band, melengkapi mandolin dengan mandola dan neck gitar. Paul McCartney juga menyukai alat musik yang rumit ini.

Selain suaranya yang indah, mandolin memiliki sejumlah keunggulan yang tidak dapat disangkal:

• struktur yang harmonis;
• kekompakan;
• kombinasi dengan mandolin lain atau alat musik lainnya - gitar, perekam.

Penyetelan mandolin agak mengingatkan pada penyetelan biola:

• pasangan senar pertama disetel ke E pada oktaf ke-2;
• pasangan kedua ada di A pada oktaf 1,
• D oktaf pertama;
• pasangan senar keempat adalah G oktaf kecil.

Popularitas mandolin semakin meningkat. Misalnya, anggota grup “Aria” Vadimir Kholstinin di komposisi musik"Paradise Lost" menggunakan mandolin. Ini juga digunakan dalam opera metal grup Epidemic (lagu “Walk Your Path”) dan di Sergei Mavrin (“Makadash”).

Dan lagu terkenal “Kehilangan agamaku” oleh R.E.M. dengan suara mandolin yang unik? Nampaknya dia dikenal di hampir seluruh negara di dunia.

Mandolin adalah alat musik yang agak misterius. Rahasia suksesnya belum terungkap sepenuhnya. Meskipun lebih dari empat ratus tahun telah berlalu sejak kemunculannya, ia sama sekali tidak kehilangan popularitasnya, namun sebaliknya, semakin banyak penggemarnya. Di zaman modern, ini semakin sering digunakan dalam berbagai genre musik.

Sungguh menakjubkan bahwa mandolin dapat dengan sempurna masuk ke dalam komposisi apa pun, menyorot atau menyorot suara hampir semua instrumen. Mendengar beberapa suara ini instrumen ajaib, seolah-olah Anda sedang terjun ke era kuno para ksatria pemberani, wanita cantik, dan raja yang bangga.

Video: Seperti apa suara mandolin

Asal usul musik Italia kembali ke budaya musik Roma Kuno (lihat musik Romawi Kuno). Makhluk memainkan musik. peran dalam masyarakat, negara Kehidupan Kekaisaran Romawi, dalam kehidupan sehari-hari bermacam-macam. lapisan masyarakat; musiknya kaya dan beragam. peralatan. Contoh musik Romawi kuno belum sampai kepada kita, namun dep. elemen-elemennya bertahan hingga Abad Pertengahan. Kristus himne dan folk musik tradisi. Pada abad ke-4, ketika agama Kristen dinyatakan sebagai negara. agama, Roma bersama Bizantium menjadi salah satu pusat perkembangan liturgi. bernyanyi, pertama yang dasarnya adalah mazmur yang berasal dari Syria dan Palestina. Uskup Agung Milan Ambrose mengkonsolidasikan praktik nyanyian himne antifonal (lihat Antifon), mendekatkan melodinya dengan narasi. asal. Tradisi khusus Kristen Barat dikaitkan dengan namanya. gereja bernyanyi, disebut Ambrosian (lihat nyanyian Ambrosian). Pada akhirnya. Abad ke-6, di bawah Paus Gregorius I, bentuk-bentuk padat Kristus dikembangkan. liturgi dan musiknya diatur. samping. Penyanyi itu dibuat pada waktu yang sama di Roma. sekolah (“schola cantorum”) menjadi semacam akademi nyanyian gereja. tuntutan hukum dan legislator yang lebih tinggi. otoritas di bidang ini. Gregory I dipuji karena menyatukan dan memperbaiki prinsip-prinsip dasar. nyanyian liturgi. Namun, penelitian selanjutnya membuktikan bahwa itu merdu. gaya dan bentuk yang disebut Nyanyian Gregorian akhirnya baru terbentuk pada abad ke 8-9. Katolik Roma. gereja, yang mengupayakan keseragaman ibadah, menyebarkan gaya monogol ini. paduan suara bernyanyi di antara semua bangsa yang bertobat kepada Kristus. keyakinan. Proses ini selesai pada akhirnya. Abad ke-11, ketika liturgi Gregorian dengan nyanyiannya yang sesuai. peraturan ditetapkan di negara-negara Tengah dan Barat. dan Yuzh. Eropa. Pada saat yang sama, perkembangan lebih lanjut nyanyian Gregorian, yang dibekukan hingga tidak dapat diubah, juga terhenti. formulir.

Dari akhir milenium pertama Masehi sebagai akibat dari seringnya invasi musuh ke wilayah Italia, serta meningkatnya penindasan terhadap kepausan, yang mengganggu kebebasan berekspresi kreativitas. inisiatif, di I.m. stagnasi, ia tidak lagi memainkan peran penting dalam musik secara umum. pembangunan Eropa negara Perubahan paling penting yang terjadi di Eropa. musik pada pergantian milenium ke-1 dan ke-2 secara lemah dan sering kali terlambat tercermin dalam musik sejarah, sedangkan para sarjana-musisi Barat. dan Barat Laut Eropa sudah pada abad ke-9. memberi pembenaran bentuk-bentuk awal polifoni, bahasa Italia yang paling menonjol. musik ahli teori abad pertengahan Guido d'Arezzo (abad ke-11) memberikan perhatian utama pada nyanyian Gregorian berkepala tunggal, hanya secara singkat menyentuh organum. Pada abad ke-12, nyanyian polifonik memasuki praktik liturgi di beberapa gereja Italia, tetapi hanya sedikit yang diketahui. contoh tidak menunjukkan kontribusi independen Italia terhadap perkembangan genre polifonik pada masa itu, persepsi dunia yang lebih bebas dan langsung selama periode melemahnya kekuatan tuan tanah feodal dan pembentukan hubungan kapitalis awal. Renaisans Awal sesuai dengan definisi Ars nova yang diterima dalam sejarah musik. Dasar Pusat gerakan ini adalah kota-kota Center. dan Sev. Italia - Florence, Venesia, Padua - lebih maju dalam sistem sosial dan budayanya dibandingkan wilayah selatan. wilayah yang hubungan feodalnya masih terpelihara dengan baik. Kota-kota ini menarik komposer dan musisi pertunjukan paling berbakat. Genre baru dan tren gaya muncul di sini.

Keinginan untuk meningkatkan ekspresi terwujud dalam liriknya. himne tentang agama yang ditafsirkan secara bebas. Temanya adalah laudah yang dinyanyikan dalam kehidupan sehari-hari dan pada saat keagamaan. prosesi. Sudah di akhir. abad ke-12 "Persaudaraan Laudist" muncul, yang jumlahnya meningkat pada abad ke-13 dan khususnya ke-14. Laudas dibudidayakan di antara para biarawan dari ordo Fransiskan, yang bertentangan dengan pejabat. Gereja Roma, terkadang mencerminkan motif protes sosial. Melodi pujian diasosiasikan dengan nar. asal usulnya, ritmenya berbeda. kejelasan, kejelasan struktur, pewarnaan utama yang dominan. Beberapa di antaranya memiliki karakter yang mirip dengan menari. lagu.

Di Florence, genre baru poligon sekuler muncul. wajan musik yang ditujukan untuk pertunjukan amatir rumahan: madrigal, caccia, ballata. Itu adalah 2 atau 3 gol. bersifat trofik lagu dengan keunggulan melodi. suara atas, yang dibedakan berdasarkan ritme. mobilitas, banyak lorong berwarna. Madrigal - aristokrat. sebuah genre yang dicirikan oleh kecanggihan puisi dan musik. bangunan. Itu didominasi oleh erotisme halus. tema, juga diwujudkan satir. motifnya, terkadang bermuatan politis. Isi caccia awalnya berupa gambar berburu (sesuai dengan namanya: caccia - berburu), namun kemudian temanya meluas dan mencakup berbagai genre adegan. Genre sekuler Ars nova yang paling populer adalah ballata (lagu dance yang isinya mirip dengan madrigal).

Perkembangan luas di Italia abad ke-14. menerima instr. musik. Dasar Alat musik pada masa itu adalah kecapi, harpa, fidel, seruling, obo, terompet, dan berbagai organ. tipe (positif, portabel). Mereka digunakan untuk mengiringi nyanyian dan untuk bermain solo atau ansambel.

Kebangkitan Italia. Ars nova terjadi di pertengahan. abad ke-14 Di tahun 40an kreativitas terungkap. aktivitas para masternya yang paling terkemuka - Giovanni dari Florence dan Jacopo dari Bologna. Pemain organ dan komposer virtuoso buta menjadi sangat terkenal. F. Landino adalah orang multi-talenta, penyair, musisi dan ilmuwan, yang dihormati di kalangan Italia. humanis. Dalam karyanya, hubungan dengan masyarakat semakin intensif. asal usulnya, melodi memperoleh kebebasan berekspresi yang lebih besar, terkadang kecanggihan, kemerah-merahan, dan ritme yang sangat indah. keberagaman.

Di zaman itu Renaisans Tinggi(Abad ke-16) I. m. mengambil posisi terdepan di kalangan orang Eropa. musik tanaman Dalam suasana kebangkitan seni secara umum. budaya, pembuatan musik berkembang secara intensif di berbagai bidang lapisan masyarakat. Pusatnya adalah, bersama dengan gereja. kapel kerajinan. asosiasi serikat, lingkaran pecinta sastra dan seni yang tercerahkan, terkadang menyebut diri mereka setelah zaman kuno. mencontoh akademi. Dalam bentuk jamak sekolah didirikan di kota-kota yang berkontribusi terhadap kemerdekaan. kontribusi terhadap perkembangan seni sejarah. Yang terbesar dan paling berpengaruh di antara mereka adalah sekolah Romawi dan Venesia. Di pusat agama Katolik - Roma, bentuk seni baru yang dihidupkan oleh gerakan Renaisans sering kali mendapat perlawanan dari gereja. otoritas. Namun, meski ada larangan dan kecaman, sepanjang abad ke-15. dalam Katolik Roma poligoal tertanam kuat dalam ibadah. nyanyian. Hal ini difasilitasi oleh kegiatan perwakilan sekolah Perancis-Flemish G. Dufay, Josquin Despres dan komposer lainnya, yang pada berbagai waktu bertugas di kapel kepausan. DI DALAM Kapel Sistina(didirikan 1473) dan paduan suara. kapel Katedral St. Peter, guru terbaik gereja, berkonsentrasi. bernyanyi tidak hanya dari Italia, tetapi juga dari negara lain. Masalah Gereja bernyanyi diberi perhatian khusus. perhatian di Konsili Trente (1545-63), yang keputusannya mengutuk hasrat berlebihan terhadap polifonik “kiasan”. musik, sehingga sulit untuk memahami “kata-kata suci”, dan tuntutan akan kesederhanaan dan kejelasan dikedepankan; pengenalan melodi sekuler ke dalam melodi liturgi dilarang. musik. Tapi, bertentangan dengan keinginan gereja. berwenang untuk mengeluarkan semua inovasi dari nyanyian kultus dan, jika mungkin, mengembalikannya ke tradisi nyanyian Gregorian, komposer sekolah Romawi menciptakan polifonik yang sangat berkembang. sebuah seni di mana pencapaian terbaik polifoni Perancis-Flemish diimplementasikan dan ditafsirkan ulang dalam semangat estetika Renaisans. Dalam produksi komposer sekolah ini adalah tiruan yang kompleks. tekniknya dipadukan dengan akord-harmonik. gudang, berkepala banyak teksturnya memperoleh karakter merdu yang harmonis, permulaan melodi menjadi lebih mandiri, suara atas sering kali lebih menonjol. Perwakilan terbesar dari sekolah Romawi adalah Palestrina. Seninya yang sangat seimbang, tercerahkan dalam suasana hati, dan harmonis terkadang dibandingkan dengan karya Raphael. Menjadi puncak paduan suara. polifoni gaya yang ketat, musik Palestrina juga mengandung unsur pemikiran homofonik yang dikembangkan. Keinginan untuk keseimbangan antara prinsip horizontal dan vertikal juga menjadi ciri komposer lain dari aliran yang sama: C. Festa, G. Animucci (yang berdiri di kepala Kapel St. Peter pada tahun 1555-71), Clemens the Paus, murid dan pengikut Palestrina - J. Nanino, F. Anerio dan lain-lain juga bergabung dengan sekolah Romawi. komposer yang bekerja di kapel kepausan: C. Morales, B. Escobedo, T. L. de Victoria (menerima julukan “Spanish Palestrina”).

Pendiri sekolah Venesia adalah A. Willaert (asal Belanda), yang pada tahun 1527 mengepalai kapel Katedral St. Louis. Mark dan menjadi pemimpinnya selama 35 tahun. Penggantinya adalah C. de Pope dan orang Spanyol C. Merulo. Aliran ini mencapai puncaknya dalam karya A. Gabrieli dan keponakannya G. Gabrieli. Berbeda dengan gaya penulisan Palestrina dan komposer aliran Romawi lainnya yang ketat dan terkendali, seni Venesia dicirikan oleh palet suara yang subur dan banyak warna cerah. efek. Prinsip polikorisitas sangat penting bagi mereka. Membandingkan dua paduan suara, disusun. di berbagai bagian gereja, menjadi dasar dinamika. dan kontras warna-warni. Jumlah suara yang terus berubah mencapai 20 untuk paduan suara Kontras. sonoritas dilengkapi dengan perubahan instrumen. warna nada, dan instrumennya tidak hanya menduplikasi suara paduan suara, tetapi juga tampil secara mandiri. dan menghubungkan episode. Harmonis bahasanya dipenuhi dengan banyak kromatisme, seringkali tebal pada masa itu, yang memberinya ciri-ciri ekspresi yang meningkat.

Kreativitas para master sekolah Venesia dimainkan peran besar dan dalam pengembangan bentuk alat baru. musik. Pada abad ke-16 Komposisi instrumennya sendiri telah diperkaya secara signifikan, dan ekspresinya telah diperluas. kemungkinan. Pentingnya instrumen membungkuk dengan suaranya yang merdu dan hangat semakin meningkat. Pada periode inilah karya klasik terbentuk. jenis biola; biola, yang sebelumnya tersebar luas. dalam kehidupan populer, menjadi prof. musik alat. Sebagai instrumen solo, kecapi dan organ terus menempati posisi terdepan. Pada 1507-09, penerbit musik O. Petrucci menerbitkan. 3 koleksi kecapi, masih dipertahankan. tanda-tanda kecanduan wajan. polifoni tipe motet. Di masa depan, ketergantungan ini melemah, dan alat-alat khusus dikembangkan. teknik presentasi. Ciri khas abad ke-16. genre instrumen solo Musik - ricercar, fantasia, canzone, capriccio. Pada tahun 1549 muncullah org. Villarta yang lebih kaya. Mengikuti dia, genre ini dikembangkan oleh G. Gabrieli, beberapa ricercars yang penyajiannya mendekati fugue. Di organisasi. Toccatas para empu Venesia mencerminkan keahlian dan kecenderungan untuk membebaskan imajinasi. Pada tahun 1551 kumpulan buku diterbitkan di Venesia. potongan tari keyboard karakter.

Munculnya negara merdeka pertama dikaitkan dengan nama A. dan J. Gabrieli. contoh ansambel kamar dan orkestra. musik. Komposisi mereka untuk berbagai instrumen. komposisi (dari 3 hingga 22 partai) digabungkan menjadi satu koleksi. "Canzones and Sonatas" ("Canzoni e sonate...", diterbitkan pada tahun 1615 setelah kematian komposernya). Drama-drama ini didasarkan pada prinsip kontras yang berbeda. instr. kelompok (keduanya homogen - membungkuk, tiup kayu, kuningan, dan campuran), yang kemudian diterima secara berurutan. perwujudan dalam genre konser.

Ekspresi ide Renaisans yang paling lengkap dan jelas dalam musik adalah madrigal, yang perkembangannya baru terjadi pada abad ke-16. Banyak orang memperhatikan genre pembuatan musik sekuler yang paling penting ini selama Renaisans. komposer. Madrigal ditulis oleh orang Venesia A. Willart, C. de Pope, A. Gabrieli, dan master sekolah Romawi C. Festa dan Palestrina. Sekolah madrigalis ada di Milan, Florence, Ferrara, Bologna, dan Naples. Madrigal abad ke-16 berbeda dari madrigal pada periode Ars nova dalam kekayaan dan kecanggihan puitisnya yang lebih besar. konten, tapi dasar lingkupnya tetap lirik cinta, sering kali diwarnai secara pastoral, dipadukan dengan perayaan antusias atas keindahan alam. Puisi F. Petrarch mempunyai pengaruh yang besar terhadap perkembangan madrigal (banyak puisinya dijadikan musik oleh penulis yang berbeda). Komposer madrigalis beralih ke karya L. Ariosto, T. Tasso dan penyair besar Renaisans lainnya. Di madrigal abad ke-16. Skor 4 atau 5 gol menang. gudang yang menghubungkan unsur polifoni dan homofoni. Pemain melodi terkemuka Suara itu dibedakan dari kehalusan ekspresinya. nuansa, transmisi detail puitis yang fleksibel. teks. Komposisi keseluruhannya bebas dan tidak mengikuti garis strofi. prinsip. Di antara para master madrigal abad ke-16. Orang Belanda J. Arkadelt, yang bekerja di Roma dan Florence, menonjol. Madrigalnya yang terbit tahun 1538-44 (6 buku), berkali-kali dicetak ulang dan diperbanyak dalam berbagai edisi. dicetak dan ditulis tangan pertemuan. Perkembangan tertinggi genre ini dikaitkan dengan kreativitas. kegiatan L. Marenzio, C. Monteverdi dan C. Gesualdo di Venosa pada akhirnya. 16 - awal abad ke-17 Jika Marenzio bercirikan bidang kehalusan. liris gambar, kemudian dalam Gesualdo di Venosa dan Monteverdi madrigal didramatisasi dan diberkahi dengan psikologis yang mendalam. berekspresi, mereka menggunakan cara-cara harmonis yang baru dan tidak biasa. bahasa, intonasi yang menajam. ekspresi wajan. melodika. Lapisan kaya I. m. lagu dan tarian, dibedakan berdasarkan merdunya melodi, keaktifan, dan ritme yang berapi-api. Untuk bahasa Italia Tariannya dicirikan oleh meteran 6/8, 12/8 dan tempo yang cepat, seringkali cepat: saltarello (catatan dari abad 13-14 telah dilestarikan), lombarda (tarian Lombardy) terkait dan forlana (tarian Venesia, Friulian ), tarantella (tarian Italia selatan, yang menjadi nasional). Selain tarantella, siciliana juga populer (ukurannya sama, tetapi temponya sedang, karakter melodinya berbeda - pastoral). Orang Sisilia dekat dengan barcarolle (lagu para pendayung gondola Venesia) dan rispetto Tuscan (lagu pujian, pengakuan cinta). Lagu Lamento (sejenis ratapan) dikenal luas. Plastisitas dan merdu melodi, lirik yang cerah, dan kepekaan yang sering ditekankan merupakan ciri khas lagu-lagu Neapolitan yang tersebar luas di Italia.

Nar. musik juga mempengaruhi Prof. musik penciptaan. Kesederhanaan dan kedekatan terbesar dengan masyarakat. Genre frottola dan villanelle berbeda asal usulnya.

Renaisans memberikan dorongan bagi perkembangan teori musik. pemikiran di Italia. Fondasinya modern. doktrin harmoni dikemukakan oleh G. Zarlino. Abad pertengahan Ia membandingkan doktrin mode dengan sistem nada baru dengan 2 fundamental. infleksi modal- mayor dan minor. Dalam penilaiannya, Zarlino terutama mengandalkan persepsi pendengaran langsung, dan bukan pada perhitungan skolastik abstrak dan operasi numerik.

Peristiwa terbesar di I. m. pada pergantian abad 16-17. ada munculnya opera. Muncul pada akhir Renaisans, opera tetap terhubung sepenuhnya dengan ide dan budayanya. Opera sebagai yang berdiri sendiri. Genre ini tumbuh, di satu sisi, dari teater. pertunjukan abad ke-16, diiringi musik, di sisi lain - dari madrigal. Banyak orang menciptakan musik untuk TV. komposer terkenal abad ke-16 Jadi, A. Gabrieli menulis paduan suara untuk tragedi Sophocles “Oedipus” (1585, Vicenza). Salah satu pendahulu opera adalah drama A. Poliziano “The Tale of Orpheus” (1480, Mantua). Madrigal mengembangkan sarana ekspresi yang fleksibel. perwujudan puitis teks dalam musik. Praktek umum menampilkan madrigal oleh satu penyanyi dengan instrumen. perlawanan membawa mereka lebih dekat ke tipe wajan. monodi, yang menjadi dasar bahasa Italia pertama. operasi. Pada akhirnya. abad ke-16 genre komedi madrigal muncul, di mana mimik. aktingnya diiringi dengan wajan. episode dalam gaya madrigal. Contoh khas dari genre ini adalah “Amphiparnassus” oleh O. Vecchi (1594).

Pada tahun 1581 muncul seorang polemik. Risalah V. Galilei “Percakapan tentang Musik Kuno dan Modern” (“Dialogo della musica antica et délia moderna”), di mana suara nyanyian. deklamasi (mengikuti model kuno) bertentangan dengan “barbarisme” Abad Pertengahan. polifoni. Kutipan dari "Divine Comedy" karya Dante yang diiringi musik seharusnya menjadi ilustrasi konsep ini. gaya. Pemikiran Galilea mendapat dukungan di antara sekelompok penyair, musisi, dan ilmuwan humanis yang bersatu pada tahun 1580 atas inisiatif Pangeran Florentine yang tercerahkan G. Bardi (yang disebut Florentine Camerata). Tokoh-tokoh lingkaran ini menciptakan opera pertama - "Daphne" (1597-98) dan "Eurydice" (1600) oleh J. Peri dengan teks oleh O. Rinuccini. wajan tunggal. bagian dari opera ini dengan op. basso continuo dipertahankan dalam deklamasi. Dengan cara ini, struktur madrigal dipertahankan dalam paduan suara.

Beberapa bertahun-tahun kemudian, musik untuk “Eurydice” disusun secara independen oleh penyanyi dan komposer. G. Caccini, yang juga penulis koleksinya. lagu kamar solo dengan iringan "Musik Baru" ("Le nuove musiche", 1601), utama. pada stilistika yang sama. prinsip. Gaya penulisan ini disebut “gaya baru” (Stile nuovo), atau “gaya figuratif” (Stile rарpresentativo).

Melecut. Orang Florentine sampai batas tertentu rasional, maknanya terutama eksperimental. Kehidupan otentik Opera ini terinspirasi oleh musik yang brilian. penulis naskah drama, artis dengan bakat tragis yang kuat K. Monteverdi. Ia beralih ke genre opera di usia dewasa, sudah menjadi penulis banyak karya. operasi spiritual. dan madrigal sekuler. Opera pertamanya "Orpheus" (1607) dan "Ariadne" (1608) adalah pasca. di Mantua. Setelah istirahat panjang, Monteverdi kembali berperan sebagai komposer opera di Venesia. Puncak kreativitas operanya adalah “The Coronation of Poppea” (1642), prod. benar-benar kekuatan Shakespeare, dibedakan berdasarkan kedalaman drama. ekspresi, kepiawaian membentuk karakter, ketajaman dan ketegangan situasi konflik.

Di Venesia, opera melampaui batas aristokrat sempit. kalangan penikmat dan menjadi tontonan masyarakat. Bangunan publik pertama dibuka di sini pada tahun 1637. opera t-r"San Cassiano" (selama 1637-1800 setidaknya 16 t-trov semacam itu dibuat). Lebih demokratis. Komposisi penonton juga mempengaruhi karakter karya. Mitologis subjek memberi jalan ke tempat dominan dalam sejarah. cerita dengan aksi nyata. wajah, drama dan heroik. awalnya terjalin dengan komedi dan bahkan terkadang sangat lucu. Wajan. melodi menjadi lebih merdu; dalam adegan resitatif, bagian-bagian muncul. episode tipe arous. Ciri-ciri ini, ciri khas opera-opera Monteverdi selanjutnya, dikembangkan lebih lanjut dalam karya F. Cavalli, penulis 42 opera, di antaranya opera Jason (1649) yang paling populer.

Opera di Roma memperoleh warna yang khas di bawah pengaruh umat Katolik yang mendominasi di sini. tren. Bersamaan dengan barang antik mitologis plot ("The Death of Orpheus" - "La morte d"Orfeo" oleh S. Landi, 1619; "The Chain of Adonis" - "La Caténa d"Adone" oleh D. Mazzocchi, 1626) opera termasuk religius. tema yang ditafsirkan dalam Kristus. rencana moralisasi. Kebanyakan artinya. melecut. Sekolah Romawi - opera "Saint Alexei" oleh Landi (1632), yang terkenal karena melodinya. kekayaan dan drama musik, banyaknya tekstur paduan suara yang dikembangkan. episode. Contoh buku komik pertama kali muncul di Roma. genre opera: “Biarkan penderita berharap” (“Che soffre, speri”, 1639) oleh V. Mazzocchi dan M. Marazzoli dan “Setiap awan memiliki hikmahnya” (“Dal male il bene”, 1653) oleh A. M. Abbatini dan Marazzoli.

K ser. abad ke-17 opera hampir sepenuhnya berangkat dari prinsip estetika Renaisans yang dianjurkan oleh Florentine Camerata. Hal ini dibuktikan dengan karya M. A. Chesti yang terkait dengan sekolah opera Venesia. Ada drama yang menggelisahkan dalam tulisannya. Resitatifnya dikontraskan dengan melodi merdu yang lembut, dan peran wajan bulat semakin meningkat. angka-angka (sering kali merugikan pembenaran dramatis atas tindakan tersebut). Opera Honor "The Golden Apple" ("Il porno d"oro", 1667), dipentaskan dengan megah di Wina pada kesempatan pernikahan Kaisar Leopold I, menjadi prototipe pertunjukan seremonial istana, yang sejak saat itu tersebar luas. di Eropa. "Ini “bukan lagi opera Italia murni,” tulis R. Rolland, “ini adalah jenis opera istana internasional.”

Dari akhir abad ke-17 peran utama dalam pembangunan Italia. opera pergi ke Napoli. Perwakilan besar pertama dari sekolah opera Neapolitan adalah F. Provenzale, tetapi kepala sebenarnya adalah A. Scarlatti. Penulis banyak karya opera (lebih dari 100), ia mendirikan struktur khas Italia. opera seria, diawetkan tanpa makhluk. perubahan sampai akhir abad ke-18 Ketua tempat dalam opera jenis ini termasuk dalam aria, biasanya da capo 3 bagian; resitatif diberi peran pelayanan, pentingnya paduan suara dan ansambel diminimalkan. Tapi melodinya cerah. Hadiah Scarlatti, keterampilan polifonik. surat, tidak diragukan lagi dramatis. naluri memungkinkan komposer, terlepas dari segala keterbatasannya, untuk mencapai dampak yang kuat dan mengesankan. Scarlatti mengembangkan dan memperkaya vokal dan instrumental. bentuk opera. Dia mengembangkan struktur khas Italia. pembukaan opera (atau simfoni, menurut terminologi yang diterima pada waktu itu) dengan bagian luar yang cepat dan episode tengah yang lambat, yang menjadi prototipe simfoni sebagai simfoni yang independen. kesimpulan bekerja.

Berhubungan erat dengan opera, genre non-liturgi baru berkembang. keagamaan gugatan - oratorio. Muncul dari agama. bacaan diiringi nyanyian poligon. pujian, dia memperoleh kemerdekaan. selesai terbentuk dalam karya G. Carissimi. Dalam oratorionya, yang sebagian besar ditulis tentang tema-tema alkitabiah, ia memperkaya bentuk-bentuk opera yang telah berkembang pada masa pertengahan. Abad ke-17, pencapaian paduan suara. kesimpulan gaya. Di antara komposer yang mengembangkan genre ini setelah Carissimi, A. Stradella menonjol (kepribadiannya menjadi legendaris karena biografinya yang penuh petualangan). Dia memperkenalkan unsur drama ke dalam oratorio. pathos dan karakterisasi. Hampir semua komposer aliran Neapolitan memperhatikan genre oratorio, meskipun dibandingkan dengan opera, oratorio menempati posisi kedua dalam karyanya.

Genre yang terkait dengan oratorio adalah kantata kamar untuk satu, terkadang 2 atau 3 suara dengan iringan. bass terus menerus. Berbeda dengan oratorio, teks sekuler mendominasi di dalamnya. Master paling menonjol dari genre ini adalah Carissimi dan L. Rossi (salah satu perwakilan sekolah opera Romawi). Seperti halnya oratorio, kantata juga berarti dimainkan. peran dalam pengembangan wajan. bentuk yang menjadi ciri khas opera Neapolitan.

Di bidang musik religi pada abad ke-17. didominasi oleh keinginan akan kebesaran eksternal yang mencolok, dicapai ch. arr. karena kuantitas. memengaruhi. Prinsip polikorisitas, yang dikembangkan oleh para master sekolah Venesia, menjadi hiperbolik. skala. Dalam beberapa produksi. hingga dua belas 4 gol digunakan. paduan suara Paduan suara raksasa. komposisinya dilengkapi dengan banyak hal. dan beragam kelompok instrumen. Gaya Barok yang subur ini dikembangkan secara khusus di Roma, menggantikan gaya Palestrina dan para pengikutnya yang ketat dan terkendali. Perwakilan paling menonjol dari aliran Romawi akhir adalah G. Allegri (penulis “Miserere” yang terkenal, direkam oleh W. A. ​​​​​​Mozart), P. Agostini, A. M. Abbatini, O. Benevoli. Pada saat yang sama, yang disebut “gaya konser”, mirip dengan nyanyian arioso-resitatif Italo awal. opera, contohnya adalah konser spiritual A. Banchieri (1595) dan L. Viadana (1602). (Viadana dikreditkan, ternyata kemudian, tanpa alasan yang cukup, dengan penemuan bass digital.) C. Monteverdi, Marco da Galliano, F. Cavalli, G. Legrenzi dan komposer lain menulis dengan cara yang sama, mentransfer ke gereja. unsur musik opera atau kantata kamar.

Pencarian intensif terhadap bentuk dan sarana musik baru. ekspresif, ditentukan oleh keinginan untuk mewujudkan humanistik yang kaya dan serba guna. konten, dilakukan di bidang alat. musik. Salah satu ahli organisasi terhebat. dan musik keyboard pada periode pra-Bach adalah G. Frescobaldi, seorang komposer dengan kreativitas yang brilian. individualitas, seorang virtuoso brilian pada organ dan harpsichord, terkenal di tanah airnya dan di Eropa lainnya. negara. Dia membawa tradisi. bentuk ricercar, fantasi, toccata, ciri-ciri ekspresi yang intens dan kebebasan perasaan, diperkaya dengan melodisisme. dan harmonis bahasa, mengembangkan polifoni. faktur. Dalam produknya. klasik mengkristal. sejenis fugue dengan hubungan nada dan kelengkapan yang teridentifikasi dengan jelas rencana umum. Kreativitas Frescobaldi adalah puncak Italia. organisasi. gugatan Prestasi inovatifnya tidak mendapat pengikut yang luar biasa di Italia sendiri; melainkan dilanjutkan dan dikembangkan oleh komposer dari negara lain. Dalam bahasa Italia instr. musik dari babak kedua. abad ke-17 Peran utama diberikan kepada instrumen membungkuk dan, yang terpenting, biola. Hal ini disebabkan oleh berkembangnya seni pertunjukan biola dan kemajuan alat musik itu sendiri. Pada abad 17-18. Di Italia, muncul dinasti pembuat biola terkenal (keluarga Amati, Stradivari, Guarneri), yang instrumennya tak tertandingi hingga saat ini. Para virtuoso biola yang luar biasa, sebagian besar, juga merupakan komposer; dalam karya mereka, teknik-teknik baru untuk pertunjukan biola solo dikonsolidasikan, dan renungan-renungan baru dikembangkan. formulir.

Pada pergantian abad 16-17. Di Venesia, genre trio sonata - sebuah karya multi-bagian - berkembang. untuk 2 instrumen solo (biasanya biola, tetapi dapat diganti dengan instrumen lain yang sesuai tessitura) dan sebuah bass. Ada 2 jenis genre ini (keduanya termasuk dalam bidang musik kamar sekuler): "church sonata" ("sonata da chiesa") - siklus 4 bagian, di mana bagian lambat dan cepat bergantian, dan "chamber sonata" (“sonata da camera”), terdiri dari beberapa. memainkan tarian karakter, dekat dengan suite. Hal ini sangat penting dalam pengembangan lebih lanjut genre-genre ini. Sekolah Bolognese berperan dalam memunculkan galaksi cemerlang para ahli seni biola. Di antara perwakilan seniornya adalah M. Caccati, G. Vitali, G. Bassani. Sebuah era dalam sejarah musik biola dan ansambel kamar ditandai dengan karya A. Corelli (murid Bassani). Masa dewasa Kegiatannya dikaitkan dengan Roma, di mana ia mendirikan sekolahnya sendiri, diwakili oleh nama-nama seperti P. Locatelli, F. Geminiani, G. Somis. Karya Corelli melengkapi pembentukan trio sonata. Dia memperluas dan memperkaya pemenuhannya. kemampuan instrumen membungkuk. Dia juga memiliki siklus sonata untuk biola solo dengan op. piano kuno Genre baru ini, yang muncul akhir-akhir ini Abad ke-17, menandai berakhirnya. persetujuan monodich. prinsip dalam instru. musik. Corelli, bersama dengan G. Torelli sezamannya, menciptakan konser grosso - bentuk pembuatan musik orkestra kamar yang paling penting hingga pertengahan abad ke-18.

K con. 17 - awal abad ke-18 meningkat secara internasional kemuliaan dan otoritas I. mn. luar negeri musisi berbondong-bondong ke Italia untuk menyelesaikan pendidikan mereka dan mendapatkan sertifikasi, yang menjamin pengakuan di tanah air mereka. Sebagai seorang guru, ia sangat terkenal sebagai musisi yang sangat berpengetahuan luas, comp. dan ahli teori J.B. Martini (dikenal sebagai Padre Martini). Nasihatnya digunakan oleh K.V. Gluck, W.A.​Mozart, A. Gretry. Terima kasih padanya, Bologna Philharmonic. Akademi ini telah menjadi salah satu pusat musik terbesar di Eropa. pendidikan.

Italia komposer abad ke-18 dasar perhatian diberikan pada opera. Hanya sedikit dari mereka yang masih menjauhi teater opera, yang menarik banyak penonton dari semua lapisan masyarakat. Produksi opera abad ini, yang volumenya sangat besar, diciptakan oleh berbagai jenis komposer. skala bakat, di antaranya terdapat banyak seniman berbakat. Popularitas opera ini difasilitasi oleh penampilan vokal tingkat tinggi. budaya. Para penyanyi sedang bersiap. arr. di konservatori - panti asuhan yang muncul pada abad ke-16. Di Napoli dan Venesia - pusat utama Italia. kehidupan opera di abad ke-18. ada 4 konservatori, di dalamnya terdapat renungan. pendidikan dipimpin oleh komposer besar. Penyanyi dan komposer. F. Pistocchi mendirikan perusahaan khusus di Bologna (c. 1700). penyanyi sekolah. Wajan yang luar biasa. gurunya adalah N. Porpora, salah satu yang paling produktif komposer opera sekolah Neapolitan. Di antara para ahli seni bel canto yang terkenal di abad ke-18. - pemain dari suami utama. Peran dalam opera seria adalah penyanyi castrati A. Bernacchi, Caffarelli, F. Bernardi (dijuluki Senesino), Farinelli, G. Crescentini, yang memiliki kemampuan vokal virtuoso. teknik yang dipadukan dengan timbre suara yang lembut dan ringan; penyanyi F. Bordoni, F. Cuzzoni, C. Gabrielli, V. Tesi.

Italia opera menikmati keistimewaan. situasi di sebagian besar Eropa. ibu kota Dia akan tertarik. kekuatan juga diwujudkan dalam kenyataan bahwa banyak Komposer dari negara lain menciptakan opera dalam bahasa Italia. teks dalam semangat dan tradisi sekolah Neapolitan. Ia bergabung dengan orang Spanyol D. Perez dan D. Terradellas, I. A. Hasse dari Jerman, dan J. Myslivecek dari Ceko. Artinya mengalir sejalan dengan sekolah yang sama. bagian dari kegiatan G.F. Handel dan K.W. Gluck. Untuk bahasa Italia adegan opera menulis bahasa Rusia komposer - M. S. Berezovsky, P. A. Skokov, D. S. Bortnyansky.

Namun, selama masa hidup kepala sekolah opera Neapolitan, A. Scarlatti, pencipta opera seria, kualitas artistik yang melekat terungkap. kontradiksi, yang menjadi alasan kritik keras. berbicara menentangnya. Pada awalnya 20an abad ke-18 seorang satiris muncul. pamflet musik ahli teori B. Marcello, yang mengolok-olok konvensi absurd pustakawan opera dan penghinaan terhadap komposer drama. makna aksinya, ketidaktahuan arogan para primadona dan penyanyi kebiri. Karena kurangnya etika yang mendalam konten dan penyalahgunaan efek eksternal dikritik modern. aku opera Italia. pendidik F. Algarotti dalam “Essay on Opera” (“Saggio sopra l”opera in musica…”, 1754) dan ensiklopedis E. Arteaga dalam karyanya “The Revolution of the Italian Musical Theatre” (“Le rivoluzioni del teatro musikal italiano dalla sua origine fino al presente", v. 1-3, 1783-86).

Penyair pustakawan A. Zeno dan P. Metastasio mengembangkan struktur historis dan mitologis yang stabil. opera seria, yang sifat dramanya diatur secara ketat. intrik, jumlah dan hubungan karakter, jenis wajan solo. nomor dan lokasinya di atas panggung. tindakan. Mengikuti hukum drama klasik, mereka memberikan kesatuan opera dan harmoni komposisi, membebaskannya dari kekacauan tragedi. elemen dengan komedi dan lelucon. Pada saat yang sama, teks opera dari penulis naskah drama ini ditandai dengan ciri-ciri aristokrat. kegagahan, ditulis dalam bahasa yang artifisial, santun, dan halus. Opera Seria, Spanyol pemotongan tersebut sering kali dilakukan bertepatan dengan kedatangannya. perayaan, harus diakhiri dengan akhir yang sukses, perasaan para pahlawannya bersyarat dan tidak masuk akal.

Di pertengahan. abad ke-18 Ada kecenderungan untuk mengatasi klise opera seria dan hubungan yang lebih erat antara musik dan drama. tindakan. Hal ini menyebabkan peningkatan peran resitatif yang diiringi dan pengayaan orc. warna, perluasan dan dramatisasi paduan suara. adegan Kecenderungan inovatif ini paling jelas diungkapkan dalam karya N. Jommelli dan T. Traetta, yang sebagian mempersiapkan reformasi opera Gluck. Dalam opera “Iphigenia in Tauris,” Traetta berhasil, dalam kata-kata G. Abert, “untuk maju ke gerbang drama musikal Gluck.” Yang disebut komposer mengikuti jalan yang sama. "Sekolah Neapolitan Baru" G. Sarti, P. Guglielmi dan lain-lain. A. Sacchini dan A. Salieri adalah penganut dan pengikut setia reformasi Gluck.

Oposisi terkuat bersifat heroik secara kondisional. Opera Seria disusun oleh demokrasi baru genre opera buffa. Pada usia 17 dan awal abad ke-18 komik opera hanya diwakili oleh contoh-contoh yang terisolasi. Bagaimana mereka bisa mandiri. genre ini mulai terbentuk pada masa master senior sekolah Neapolitan L. Vinci dan L. Leo. Klasik pertama. contoh penggemar opera adalah “The Servant-Mistress” karya Pergolesi (awalnya digunakan sebagai selingan di antara aksi serial operanya “The Proud Captive”, 1733). Realisme gambar, keaktifan dan kepedihan musik. karakteristik berkontribusi pada popularitas terluas selingan G.B. Pergolesi di banyak orang. negara-negara, terutama di Perancis, di mana jabatannya berada. pada tahun 1752 menjadi pendorong munculnya estetika yang garang. polemik (lihat "Perang Buffon") dan berkontribusi pada pembentukan Prancis. nasional jenis komik opera.

Tanpa kehilangan kontak dengan masyarakat. akar, Italia opera buffa kemudian mengembangkan bentuk yang lebih maju. Berbeda dengan opera seria, vokal solonya lebih dominan. awalnya, dalam komik Ansambel menjadi sangat penting dalam opera. Ansambel paling maju ditempatkan di akhir yang hidup dan berlangsung cepat, yang merupakan semacam simpul intrik komedi. N. Logroshino dianggap sebagai pencipta ansambel akhir yang efektif jenis ini. C. Goldoni, seorang mayor Italia, memiliki pengaruh yang bermanfaat dalam perkembangan opera buffa. komedian abad ke-18, yang merefleksikan ide dalam karyanya realisme pendidikan. Dia adalah penulis sejumlah pustakawan opera, yang sebagian besar memiliki musik yang ditulis oleh salah satu master Italia terkemuka. komik opera oleh Venesia B. Galuppi. Di tahun 60an abad ke-18 dalam opera buffa, kecenderungan sentimentalis muncul (misalnya, opera N. Piccinni berdasarkan teks Goldoni “Cecchina, or the Good Daughter”, 1760, Roma). Opera buffa mendekati tipe " drama borjuis", atau "komedi penuh air mata", yang mencerminkan cita-cita moral golongan ketiga menjelang Revolusi Besar Perancis.

Karya N. Piccinni, G. Paisiello dan D. Cimarosa merupakan tahapan terakhir tertinggi dalam perkembangan opera buffa pada abad ke-18. Produksi mereka menggabungkan unsur komedi dengan kepekaan. menyedihkan, melodi. kekayaan dengan ragam bentuk, keaktifan, keanggunan dan mobilitas musik tetap terjaga dalam repertoar opera. Dalam banyak hal, para komposer ini mendekati Mozart dan mempersiapkan karya salah satu orang Italia terhebat. komposer opera abad berikutnya G. Rossini. Ciri-ciri tertentu dari opera buffa diadopsi oleh opera seria selanjutnya, yang menghasilkan fleksibilitas bentuk, kesederhanaan dan spontanitas melodi yang lebih besar. ekspresi.

Cara. Kontribusinya dibuat oleh orang Italia. komposer abad ke-18 dalam pengembangan berbagai genre instrumen musik. Di bidang pembuatan biola, master terhebat setelah Corelli adalah G. Tartini. Melanjutkan, mengikuti pendahulunya, mengembangkan genre solo biola sonata dan trio sonata, ia mengisinya dengan ekspresi baru yang cerah, memperkaya teknik pertunjukan biola, dan memperluas jangkauan bunyinya yang biasa pada saat itu. Tartini mendirikan sekolahnya sendiri, yang disebut Padua (dinamai menurut kota Padua, tempat dia menghabiskan sebagian besar hidupnya). Muridnya adalah P. Nardini, P. Alberghi, D. Ferrari. Di babak ke-2. abad ke-18 dibuka dengan ahli dan dilakukan. dan kreatif kegiatan G. Pugnani, orang Italia terbesar. pemain biola klasik era. Di antara sekian banyak. pelajar, J.B. Viotti menjadi sangat terkenal, yang karyanya terkadang mengandung rasa romantisme. tren.

Dalam genre orc. konser grosso berani dan orisinal. seniman inovatifnya adalah A. Vivaldi. Ia mendramatisir bentuk ini, diperkenalkan bersamaan dengan dinamika. membandingkan kelompok instrumen besar dan kecil (tutti dan konsertino) secara tematis. kontras dalam departemen bagian, membentuk struktur siklus 3 bagian, dilestarikan dalam klasik. instr. konser. (Konser biola Vivaldi sangat dihargai oleh J. S. Bach, yang mengaransemen beberapa di antaranya untuk clavier dan juga untuk organ.)

Dalam trio sonata G.B. Pergolesi, ciri-ciri pra-klasik terlihat jelas. gaya "gagah". Teksturnya yang ringan dan transparan hampir seluruhnya homofonik, melodinya dibedakan oleh melodi lembut dan keanggunan. Salah satu komposer yang secara langsung mempersiapkan berkembangnya musik klasik. instr. musik, adalah G. Sammartini (penulis 78 simfoni, banyak sonata dan konserto instrumen yang berbeda), dalam sifat kreativitasnya, dekat dengan perwakilan sekolah Mannheim dan awal Wina. L. Boccherini memadukan unsur kepekaan gagah dengan pra-romantisisme dalam karyanya. bersemangat dengan kesedihan dan kedekatan dengan orang-orang. sumber. Mereka akan menyadarinya. pemain cello, ia memperkaya literatur cello solo, adalah salah satu pencipta karya klasik. jenis kuartet busur.

Seniman itu hidup dan sangat kreatif. fantasi, D. Scarlatti memperluas dan memperbarui struktur figuratif dan sarana ekspresi musik clavier. Sonata-sonatanya untuk harpsichord (penulis menyebutnya "latihan" - "Essercizi per gravicembalo"), yang mencolok dalam keragaman karakter dan teknik presentasinya, adalah semacam ensiklopedia seni clavier pada masa itu. Sonata Scarlatti, bentuknya jelas dan ringkas, fokus pada isu tematik. kontras didefinisikan dengan jelas. bagian dari eksposisi sonata. Setelah Scarlatti sonata keyboard dikembangkan dalam karya B. Galuppi, D. Alberti (yang namanya dikaitkan dengan definisi bass Albertian), G. Rutini, P. Paradisi, D. Cimarosa. M. Clementi, setelah menguasai aspek-aspek tertentu dari cara D. Scarlatti (yang diungkapkan, khususnya, dalam penciptaan 12 sonata “dalam gaya Scarlatti”), kemudian menjadi dekat dengan para ahli musik klasik yang berkembang. gaya, dan terkadang sampai pada asal usul romantis. keahlian.

Era baru dalam sejarah pembuatan biola dibuka oleh N. Paganini. Sebagai seorang pemain dan komposer, dia adalah seorang seniman yang biasanya romantis. gudang Permainannya memberikan kesan yang tak tertahankan dengan kombinasi keahlian luar biasa dengan imajinasi dan semangat yang membara. M N. melecut. Paganini ("24 Caprices" untuk biola solo, konserto untuk biola dan orkestra, dll.) masih menjadi contoh literatur biola virtuoso yang tak tertandingi. Mereka tidak hanya mempengaruhi seluruh perkembangan musik biola selanjutnya di abad ke-19, tetapi juga karya perwakilan terbesar gerakan Romantis. pianisme - F. Chopin, R. Schumann, F. Liszt.

Paganini adalah orang Italia terakhir yang hebat. master yang bekerja di bidang perkakas. musik. Pada abad ke-19 perhatian komposer dan publik hampir seluruhnya terfokus pada opera. Pada pergantian abad 18-19. Opera di Italia sedang mengalami periode stagnasi. Tradisional jenis opera seria dan opera buffa pada saat itu sudah habis kemampuannya dan tidak dapat berkembang. Kreativitas orang Italia terbesar. opera komposer kali ini G. Spontini berlangsung di luar Italia (di Perancis dan Jerman). Upaya S. Mayr (berkebangsaan Jerman) untuk mendukung tradisi opera seria (dengan mencangkokkan elemen pinjaman tertentu) ternyata bersifat eklektik. F. Paer, yang tertarik pada opera buffa, tidak memberikan kontribusi baru yang signifikan pada genre ini dibandingkan dengan karya Paisiello dan Cimarosa. (Dalam sejarah musik, nama Paer telah dilestarikan sebagai penulis opera berdasarkan teks oleh J. Bouilly “Leonora, atau Conjugal Love”, yang menjadi sumber untuk perpustakaan. “Fidelio” oleh Beethoven .)

Perkembangan tinggi Italia. opera pada abad ke-19 dikaitkan dengan aktivitas G. Rossini, seorang komposer yang dikaruniai melodisme yang tiada habisnya. kecerdikan, lincah, temperamen yang bersemangat, dan dramaturgi yang tidak salah lagi. naluri. Karyanya mencerminkan kebangkitan Italia secara umum. budaya yang disebabkan oleh tumbuhnya patriotik. pembebasan nasional aspirasi. Sangat demokratis, kawan. Menurut asal usulnya, karya opera Rossini ditujukan kepada banyak pendengar. Dia menghidupkan kembali nasional jenis opera buffa dan memberikan kehidupan baru ke dalamnya, mempertajam dan memperdalam ciri-ciri aksi. orang, membawa mereka lebih dekat dengan kenyataan. "The Barber of Seville" (1816) miliknya adalah puncak dari bahasa Italia. komik opera. Rossini memadukan awal komedi dengan satir, libre. Beberapa operanya mengandung sindiran langsung terhadap masyarakat. dan politik situasi saat itu. Dalam opera ada drama heroik. karakternya, ia mengatasi klise beku opera seria, khususnya, dengan mementingkan bagian refrainnya. awal mula. Narasi sedang dikembangkan secara luas. adegan dalam opera terakhir Rossini "William Tell" (1829) tentang pembebasan nasional. plotnya ditafsirkan dengan cara yang romantis. rencana.

Romantisme mendapat ekspresi yang jelas. tren karya V. Bellini dan G. Donizetti, yang aktivitasnya dimulai pada tahun 30-an. Abad ke-19, ketika gerakan nasional Renaisans (Risorgimento) di Italia memasuki tahap yang menentukan dalam perjuangan persatuan dan politik. kemerdekaan negara. Dalam opera Bellini "Norma" (1831) dan "The Puritans" (1835), pembebasan nasional terdengar jelas. motif, meskipun penekanan utama ditempatkan oleh komposer pada drama pribadi para karakter. Bellini adalah ahli ekspresi. romantis cantilena, yang membangkitkan kekaguman M. I. Glinka dan F. Chopin. Donizetti memiliki keinginan untuk drama yang kuat. efek dan situasi akut terkadang menghasilkan melodrama yang kaku. Oleh karena itu, romantismenya yang luar biasa. opera ("Lucretia Borgia", menurut V. Hugo, 1833; "Luciadi Lammermoor", menurut V. Scott, 1835) ternyata kurang layak dibandingkan produksinya. genre komedi ("Elisir of Love", 1832; "Don Pasquale", 1843), di mana tradisi. Tipe Italia opera buffa memperoleh fitur-fitur baru: pentingnya latar belakang genre meningkat, melodi diperkaya dengan intonasi romansa dan lagu sehari-hari.

Karya J. S. Mercadante, G. Pacini dan beberapa komposer lain pada periode yang sama tidak berbeda secara independen. ciri-ciri individu, tetapi mencerminkan kecenderungan umum menuju dramatisasi bentuk opera dan pengayaan ekspresi musik. dana. Dalam hal ini mereka bersikap langsung. pendahulu G. Verdi - salah satu penulis drama opera terhebat tidak hanya di Italia, tetapi juga di dunia musik. t-ra.

Opera awal Verdi, yang muncul di panggung pada tahun 40-an. Abad ke-19, belum sepenuhnya independen secara gaya (“Nabucco”, “Lombards in the first perang salib", "Ernani"), membangkitkan antusiasme penonton yang membara dengan kesedihan patriotik, kegembiraan perasaan yang romantis, semangat kepahlawanan dan cinta kebebasan. Dalam karya tahun 50-an ("Rigoletto", "Il Trovatore", " La Traviata") ia mencapai kedalaman psikologis yang luar biasa dari gambaran, kekuatan dan kebenaran dari perwujudan konflik spiritual yang akut dan intens. Tulisan Verdi dibebaskan dari keahlian eksternal, ornamen bagian, menjadi elemen integral organik dari garis melodi, memperoleh makna dalam opera tahun 60an dan 70an. "Don Carlos", "Aida"), ia berupaya untuk lebih mengungkap lapisan luas drama dalam musik, memperkuat peran orkestra, memperkaya bahasa " (1886) Verdi sampai pada penciptaan drama yang lengkap, di mana musik terkait erat dengan aksi dan secara fleksibel menyampaikan semua corak psikologisnya.

Pengikut Verdi, termasuk. A. Ponchielli, penulis opera populer La Gioconda (1876), tidak mampu memperkaya prinsip operanya dengan makhluk baru. prestasi. Pada saat yang sama, karya Verdi mendapat tentangan dari penganut drama musik Wagnerian. reformasi. Namun, Wagnerisme tidak memiliki akar yang kuat di Italia; pengaruh Wagner tidak terlalu terasa di antara beberapa komposer dalam prinsip drama opera, tetapi dalam teknik harmonik. dan Orc. surat. Kecenderungan Wagnerian tercermin dalam opera “Mephistopheles” karya Boito (1868), yang kemudian menjauh dari kecintaannya pada Wagner yang ekstrem.

Pada akhirnya. abad ke-19 Verisme menyebar luas di Italia. Kesuksesan besar opera Mascagni "Honor Rusticana" (1890) dan "Pagliacci" karya Leoncavallo (1892) berkontribusi pada pembentukan gerakan ini sebagai gerakan dominan di Italia. kreativitas opera. Verisme didukung oleh U. Giordano (di antara karyanya yang paling terkenal adalah opera André Chénier, 1896) dan F. Cilea.

Karya orang Italia terbesar juga dikaitkan dengan tren ini. komposer opera setelah Verdi - G. Puccini. dorongannya. biasanya berdedikasi drama orang biasa, ditampilkan dengan latar belakang sehari-hari yang penuh warna. Pada saat yang sama, opera Puccini bebas dari sifat naturalistik yang melekat pada verisme. fitur-fiturnya, mereka dibedakan oleh kehalusan psikologis yang lebih besar. analisis, lirik yang penuh perasaan, dan keanggunan tulisan. Setia tradisi terbaik Italia bel canto, Puccini mempertajam deklamasinya. ekspresi wajan. melodi, mengupayakan reproduksi nuansa tutur dalam nyanyian yang lebih detail. Warna-warni yang harmonis dan Orc. bahasa operanya mengandung unsur impresionisme tertentu. Dalam produksi matang pertama mereka. ("La Bohème", 1896; "Tosca", 1900) Puccini juga diasosiasikan dengan Italia. tradisi opera abad ke-19, kemudian gayanya menjadi lebih kompleks, sarana ekspresinya menjadi lebih tajam dan konsentrasi. Sebuah fenomena aneh di Italia. seni opera - karya E. Wolf-Ferrari, yang mencoba memodernisasi karya klasik. jenis opera buffa, menggabungkan tradisinya. bentuk dengan stilistika menggunakan sarana romantisme akhir ("Curious Women", 1903; "Four Tyrants", 1906, berdasarkan cerita Goldoni). R. Zandonai, yang sebagian besar mengikuti jalur verisme, menjadi dekat dengan beberapa renungan baru. arus abad ke-20.

Prestasi tinggi di Italia. opera pada usia 19 - lebih awal abad ke-20 dikaitkan dengan berkembangnya pemain vokal yang cemerlang. budaya. tradisi Italia Bel canto, yang berkembang pada abad ke-19, dikembangkan lebih lanjut dalam beberapa seni. generasi penyanyi yang menikmati ketenaran di seluruh dunia. Pada saat yang sama, penampilan mereka memperoleh ciri-ciri baru, menjadi lebih liris dan ekspresif secara dramatis. Perwakilan luar biasa terakhir dari gaya virtuoso murni yang mengorbankan drama. konten demi keindahan suara dan teknis. mobilitas suara, adalah A. Catalani. Di antara para masternya adalah orang Italia. wajan sekolah babak pertama Abad ke-19, dibentuk berdasarkan karya opera Rossini, Bellini dan Donizetti - penyanyi Giudita dan Giulia Grisi, G. Pasta, penyanyi G. Mario, G. B. Rubini. Di babak ke-2. abad ke-19 galaksi penyanyi “Verdi” bermunculan, termasuk penyanyi A. Bosio, B. dan C. Marchisio, A. Patti, penyanyi M. Battistini, A. Masini, G. Anselmi, F. Tamagno, E. Tamberlik dan lain-lain. Pada abad ke-20. kemuliaan bagi Italia opera ini didukung oleh penyanyi A. Barbi, G. Bellincioni, A. Galli-Curci, T. Dal Monte, E. dan L. Tetrazzini, penyanyi G. De Luca, B. Gigli, E. Caruso, T. Skipa, Titta Ruffo dan lain-lain.

Dari akhir abad ke-19 pentingnya opera dalam kreativitas Italia. komposer melemah dan ada kecenderungan mengalihkan pusat perhatian ke bidang instrumen. genre. Kebangkitan kreativitas aktif. minat pada alat musik dipromosikan oleh aktivitas G. Sgambati (mendapat pengakuan di Eropa sebagai pianis dan konduktor) dan G. Martucci. Namun karya kedua komposer tersebut, yang berkembang di bawah pengaruh F. Liszt dan R. Wagner, kurang mandiri.

Sebagai pertanda estetika baru. ide dan prinsip gaya mempunyai pengaruh yang besar terhadap perkembangan seluruh Eropa. musik abad ke-20 diterjemahkan oleh F. Busoni - salah satunya pianis terhebat pada masanya, seorang komposer besar dan ahli teori seni. Ia mengemukakan konsep “klasisisme baru”, yang di satu sisi dikontraskannya dengan impresionistik. ketidakstabilan gambar, nuansa yang sulit dipahami, di sisi lain, “anarki” dan “kesewenang-wenangan” atonalisme Schoenberg. Kreativitas Anda Busoni menerapkan prinsip-prinsip tersebut dalam karya-karya seperti “Contrapuntal Fantasy” (1921), “Improvisasi pada Tema Bach Chorale” untuk 2 ph. (1916), serta opera “Harlequin, or Window”, “Turandot” (keduanya pasca 1917), di mana ia meninggalkan wajan yang dikembangkan. gaya Italia mereka. pendahulunya dan berusaha untuk lebih dekat dengan tipe orang kuno. komedi atau lelucon.

Kreativitas Italia berkembang sejalan dengan neoklasikisme. komposer, terkadang bersatu dengan nama tersebut. "kelompok tahun 1880-an" - I. Pizzetti, J. F. Malipiero, A. Casella. Mereka berusaha menghidupkan kembali tradisi bangsa yang besar. musik masa lalu, beralih ke bentuk dan stilistika. teknik Italia Nyanyian Gregorian yang barok dan melodis. Promotor dan peneliti musik awal, Malipiero publ. koleksi karya C. Monteverdi, instr. melecut. A. Vivaldi dan warisan banyak orang yang terlupakan. Italia komposer abad 17-18. Dalam karyanya, ia menggunakan bentuk-bentuk sonata Barok kuno, ricercar, dll. Opera-operanya, yang utama. di ekspres. wajan deklamasi dan cara pelit dari orc. con., mencerminkan apa yang terjadi di tahun 20-an. reaksi terhadap verisme. Kecenderungan neoklasik dalam karya Casella terwujud dalam “Partita” untuk fp. dengan orkestra (1925), suite "Scarlattiana" (1926), beberapa teater musikal. melecut. (misalnya, opera kamar "The Tale of Orpheus", 1932). Pada saat yang sama, dia beralih ke bahasa Italia. cerita rakyat (rhapsody untuk orkestra "Italia", 1909). Orcnya yang berwarna-warni. surat itu sebagian besar dikembangkan di bawah pengaruh bahasa Rusia. dan Perancis sekolah (penghargaan terhadap kecintaan terhadap musik Rusia adalah orkestrasi “Islamey” karya Balakirev). Pizzetti memperkenalkan unsur-unsur keagamaan dan moral ke dalam opera-operanya dan memenuhi renungan. bahasa dengan intonasi nyanyian Gregorian, tanpa sekaligus melanggar tradisi Italo. sekolah opera abad ke-19 Beberapa Tempat khusus dalam kelompok komposer ini ditempati oleh karya O. Respighi, master orc. rekaman suara (pembentukan kreativitasnya dipengaruhi oleh kelas dengan N. A. Rimsky-Korsakov). Dalam simfoni Puisi Respighi ("Roman Fountains", 1916; "Pineas of Rome", 1924) memberikan gambaran yang jelas tentang orang-orang. kehidupan dan alam. Kecenderungan neoklasik hanya sebagian tercermin dalam karyanya kreativitas yang terlambat. Peran penting di I. m. abad ke-20 dimainkan oleh F. Alfano, perwakilan paling menonjol dari gerakan veristik (opera “Resurrection” berdasarkan novel karya L. N. Tolstoy, 1904), yang kemudian berkembang menjadi impresionisme; M. Castelnuovo-Tedesco dan V. Rieti, yang pada awalnya. Perang Dunia ke-2 1939-45 menurut politik. alasan meninggalkan tanah airnya dan menetap di Amerika Serikat.

Pada pergantian tahun 40an. abad ke-20 pergeseran gaya yang nyata terjadi di I. m. Tren neoklasikisme digantikan oleh tren yang berkembang dalam satu atau lain bentuk prinsip-prinsip aliran Wina yang baru. Karya kreatif merupakan indikasi dalam hal ini. evolusi G. Petrassi, yang, setelah mengalami pengaruh A. Casella dan I. F. Stravinsky, pertama-tama berpindah ke posisi atonalitas bebas, dan kemudian ke dodecaphony yang ketat. Komposer terbesar pada periode ini I.M. adalah L. Dallapiccola, yang karyanya menarik perhatian luas setelah Perang Dunia ke-2. Dalam produknya. 40an dan 50an ciri-ciri ekspresionisme dan kekerabatan muncul. kreativitas A.Berg. Yang terbaik dari mereka mewujudkan humanisme. protes terhadap tirani dan kekejaman (choral triptych "Songs of Prisoners", 1938-1941; opera "Prisoner", 1944-48), yang memberi mereka orientasi anti-fasis tertentu.

Di antara komposer generasi muda yang muncul setelah Perang Dunia II, L. Berio, S. Bussotti, F. Donatoni, N. Castiglioni, B. Maderna, R. Malipiero dan lain-lain menjadi terkenal. arus avant-gardeisme - serialisme pasca-Weberian, sonorisme (lihat Musik serial, Sonorisme), aleatorisme, dan merupakan penghormatan terhadap pencarian formal sarana suara baru. Pangkalan Berio dan Maderna. pada tahun 1954 di Milan didirikan "Studio Fonologi", yang melakukan eksperimen di lapangan musik elektronik. Pada saat yang sama, beberapa komposer ini berusaha untuk menggabungkan apa yang disebut. sarana ekspresi baru untuk musik. avant-garde dengan bentuk genre dan teknik musik abad 16-17.

Tempat khusus di zaman modern. I. m. milik komposer komunis, pejuang aktif perdamaian L. Nono. Dalam karyanya, ia membahas topik-topik paling mendesak di zaman kita, mencoba mewujudkan ide-ide internasional. persaudaraan dan solidaritas buruh, protes terhadap imperialisme. penindasan dan agresi. Namun sarana seni avant-garde yang digunakan Nono seringkali bertentangan dengan keinginannya akan kedekatan. propaganda berdampak pada pendengar secara luas.

Terlepas dari kecenderungan avant-garde adalah G.C. Menotti - Italia. komposer yang tinggal dan bekerja di Amerika. Dalam karyanya, yang terutama terkait dengan opera, unsur-unsur verisme memperoleh warna ekspresionis tertentu, sementara pencarian intonasi ucapan yang jujur ​​membawanya pada pemulihan hubungan sebagian dengan M. P. Mussorgsky.

Dalam musik Opera terus memainkan peran penting dalam kehidupan Italia. Salah satu grup opera terkemuka di dunia adalah teater La Scala di Milan yang berdiri sejak tahun 1778. Gedung opera tertua di Italia juga termasuk San Carlo di Naples (didirikan pada tahun 1737), Fenice di Venesia (didirikan pada tahun 1792). Seni besar. Teater Opera Romawi menjadi penting (dibuka pada tahun 1880 dengan nama Teater Costanzi; sejak 1946 - Opera Romawi). Di antara yang modern paling menonjol Italia artis opera - penyanyi G. Simionato, R. Scotto, A. Stella, R. Tebaldi, M. Freni; penyanyi G. Becky, T. Gobbi, M. Del Monaco, F. Corelli, G. Di Stefano.

Pengaruhnya besar terhadap perkembangan opera dan simfoni. Kebudayaan di Italia dipengaruhi oleh aktivitas A. Toscanini, salah satu konduktor terhebat abad ke-20. Perwakilan terkemuka dari pertunjukan musik Para senimannya adalah konduktor P. Argento, V. De Sabata, G. Cantelli, T. Serafin, R. Fasano, V. Ferrero, C. Zecchi; pianis A. Benedetti Michelangeli; pemain biola J. DeVito; pemain cello E. Mainardi.

Sejak awal abad ke-20 Penelitian musik telah mendapat pengembangan intensif di Italia. dan kritis pikiran. Cara. kontribusinya terhadap studi musik. warisan disumbangkan oleh ahli musik G. Barblan (presiden Perkumpulan Musikologi Italia), A. Bonaventura, G. M. Gatti, A. Della Corte, G. Pannain, G. Radiciotti, L. Torchi, F. Torrefranca dan lain-lain. Zafred dan M. Mila bekerja dengan sangat baik. di bidang musik. kritikus. Sejumlah renungan diterbitkan di Italia. majalah, termasuk. "Rivista Musicale italiana" (Turin, Milan, 1894-1932, 1936-1943, 1946-), "Musica d"oggi" (Milan, 1919-40, 1958-), "La Rassegna Musicale" (Turin, 1928-40 ; Roma, 1941-1943, 1947-62), "Bolletino Bibliografico Musicale" (Milan, 1926-33, 1952-), "Il Convegno Musicale" (Turin, 1964-), dll.

Sejumlah ensiklopedia telah diterbitkan, didedikasikan untuk. musik dan t-ru, termasuk. "Enciclopedia della musica" (v. 1-4, Mil., 1963-64), "Enciclopedia dello spettacolo" (v. 1-9, Roma, 1954-62).

Di antara yang spesial musik aduh. Institusi terbesar adalah konservatori: "Santa Cecilia" di Roma (didirikan pada tahun 1876 sebagai bacaan musik, sejak 1919 - konservatori); nama G. B. Martini di Bologna (sejak 1942; didirikan pada 1804 sebagai bacaan musik, sejak 1914 menerima status konservatori); mereka. Benedetto Marcello di Venesia (sejak 1940, didirikan pada tahun 1877 sebagai bacaan musik, sejak 1916 setara dengan sekolah menengah atas); Milanskaya (didirikan pada tahun 1808, pada tahun 1901 dinamai G. Verdi); mereka. L. Cherubini di Florence (didirikan pada tahun 1849 sebagai institut musik, kemudian sekolah musik, Akademi Musik, dan dari tahun 1912 - konservatori). Prof. musisi juga dilatih oleh institut sejarah musik di universitas, Institut Musik Suci Kepausan Ambrosian, dll. Di sekolah-sekolah ini. institusi, serta di Institut studi warisan Verdi, musikologi dilakukan. Pekerjaan. Internasional didirikan di Venesia. Pusat propaganda Italia musik, yang setiap tahun menyelenggarakan kursus musim panas (“Liburan Musik”) tentang studi bahasa Italia kuno. musik. Perpustakaan Ambrosian dan perpustakaan Konservatorium Milan memiliki banyak koleksi lembaran musik dan buku tentang musik. Gudang instrumen kuno, lembaran musik dan buku dikenal luas (terkonsentrasi di perpustakaan Akademi Philharmonic Bologna, di perpustakaan G.B. Martini dan di Arsip Kapel San Petronio di Bologna). Bahan terkaya dalam sejarah Italia. musik memiliki Nasional. Perpustakaan Marciana, Perpustakaan Yayasan D. Cini dan Museum Musik. instrumen di Konservatorium di Venesia.

Di Italia jumlahnya banyak sekali. musik organisasi dan eksekusi. tim. Simfoni reguler konser diadakan oleh: orkestra La Scala dan Fenice, National. Akademi "Santa Cecilia", Italia. radio dan televisi di Roma, orkestra dari masyarakat "Pemutaran Musik Sore" ("Rommerigi Musicali"), yang tampil terutama. dari bahasa Spanyol modern musik, orkestra kamar "Angelicum" dan "Virtuosi of Rome", masyarakat "Ambrosian Polyphony", yang mempromosikan musik Abad Pertengahan, Renaisans dan Barok, serta orkestra teater Bologna "Comunale", Kamar Bologna Orkestra dan kelompok lainnya.

Banyak acara diadakan di Italia. musik festival dan kompetisi: Int. festival modern musik (sejak 1930, Venesia), "Florentine Musical May" (sejak 1933), "Festival Dua Dunia" di Spoleto (sejak 1958, didirikan oleh G.C. Menotti), "Week musik baru"(sejak 1960, Palermo), Kompetisi Piano F. Busoni di Bolzano (sejak 1949, setiap tahun), Kompetisi Musik dan Tari G. B. Viotti di Vercelli (sejak 1950, setiap tahun), Kompetisi A. Casella di Naples (sejak 1952, setiap 2 tahun , hingga tahun 1960 pianis berpartisipasi, sejak tahun 1962 - juga komposer), kompetisi biola N. Paganini di Genoa (sejak tahun 1954, setiap tahun), kompetisi konduktor orkestra di Roma (sejak tahun 1956, setiap 3 tahun, didirikan oleh Akademi Nasional "Santa Cecilia "), Kompetisi Piano E. Pozzoli di Seregno (sejak 1959, setiap 2 tahun), Kompetisi G. Cantelli untuk Konduktor Muda di Novara (sejak 1961, setiap 2 tahun), kompetisi vokal "Verdi Voices" di Busseto (sejak 1961 , setiap tahun), kompetisi kelompok paduan suara yang dinamai Guido d'Arezzo di Arezzo (didirikan pada tahun 1952 sebagai nasional, sejak 1953 - internasional; setiap tahun, juga dikenal sebagai "Polyfonico" "), kompetisi cello dinamai. G. Casado di Florence (sejak 1969, setiap 2 tahun).

Di antara orang Italia musik masyarakat - Perusahaan Musik Baru (bagian dari Perkumpulan Musik Kontemporer Internasional; didirikan pada tahun 1917 sebagai Perkumpulan Musik Nasional, pada tahun 1919 diubah menjadi Perkumpulan Musik Kontemporer Italia, sejak tahun 1923 - Perusahaan), Asosiasi Musik perpustakaan, Perkumpulan Musikologi, dll. Banyak pekerjaan yang sedang dilakukan di Italia. musik penerbit dan perusahaan dagang "Ricordi and Co." (didirikan pada tahun 1808), yang memiliki cabang di banyak tempat. negara.

Literatur: Ivanov-Boretsky M.V., Antologi musik-sejarah, vol. 1-2, M., 1933-36; nya, Bahan dan dokumen tentang sejarah musik, vol.2, M., 1934; Kuznetsov K.A., Potret musik dan sejarah, ser. 1, M., 1937; Livanova T., Sejarah musik Eropa Barat sampai tahun 1789, M.-L., 1940; Gruber R.I., Sejarah umum musik, bagian satu, M., 1956, 1965; Khokhlovkina A., Opera Eropa Barat. Akhir abad ke-18 - paruh pertama abad ke-19. Esai, M., 1962; Sejarah sejarah seni rupa Eropa: dari zaman kuno hingga akhir abad ke-18, M., 1963; Sejarah sejarah seni Eropa. Paruh pertama abad ke-19, M., 1965.