Japonské umelecké maľby. Súčasné umenie: Japonsko

Hokusai, japonský umelec z 18. storočia, vytvoril závratné číslo umelecké dielo. Hokusai pracoval do staroby a neustále tvrdil, že „všetko, čo robil pred dosiahnutím veku 70 rokov, nestálo za to a nestojí za pozornosť“.

Snáď najznámejší japonský umelec na svete, vždy vyčnieval od svojich súčasníkov svojim záujmom o každodenný život. Namiesto zobrazenia očarujúcich gejš a hrdinských samurajov maľoval Hokusai robotníkov, rybárov a mestské žánrové scény, ktoré ešte neboli predmetom záujmu japonského umenia. Taktiež zaujal európsky prístup ku kompozícii.

Tu je krátky zoznam kľúčových výrazov, ktoré vám pomôžu trochu sa orientovať v Hokusaiho práci.

1 Ukiyo-e sú výtlačky a maľby populárne v Japonsku od 1600 do 1800. Hnutie v japonskom výtvarnom umení, ktoré sa vyvinulo z obdobia Edo. Tento výraz pochádza zo slova „ukyo“, čo znamená „premenlivý svet“. Uikiye je náznakom hedonistických radostí rozrastajúcej sa triedy obchodníkov. V tomto smere je Hokusai najznámejším umelcom.

Hokusai počas svojho života používal najmenej tridsať pseudonymov. Napriek tomu, že používanie pseudonymov bolo medzi japonskými umelcami tej doby bežnou praxou, v počte pseudonymov výrazne prevyšoval ostatných významných autorov. Hokusaiove pseudonymy sa často používajú na periodizáciu fáz jeho tvorby.

2 Obdobie Edo je obdobie medzi rokmi 1603 a 1868 in japonská história, potom bol zaznamenaný ekonomický rast a nový záujem k umeniu a kultúre.

3 Shunrō je prvý z Hokusaiových prezývok.

4 Shunga doslova znamená „obrázok jari“ a „jar“ je japonský slang pre sex. Ide teda o rytiny erotického charakteru. Vytvorili ich najuznávanejší umelci vrátane Hokusaia.

5 Surimono. Najnovšie „surimono“, ako sa tieto zákazkové potlače nazývali, zožalo obrovský úspech. Na rozdiel od výtlačkov ukiyo-e, ktoré boli určené pre masové publikum, sa surimono len zriedka predávalo širokej verejnosti.

6 Mount Fuji je symetrická hora, ktorá je náhodou najvyššia v Japonsku. V priebehu rokov inšpirovala mnohých umelcov a básnikov, vrátane Hokusaia, ktorý vydal sériu ukiyo-e Tridsaťšesť pohľadov na horu Fuji. Táto séria obsahuje Hokusaiove najznámejšie výtlačky.

7 Japonizmus - trvalý vplyv, ktorý mal na Hokusai nasledujúce generácie Západní umelci. Japonizmus je štýl inšpirovaný svetlé farby ukiyo-e printy, nedostatok perspektívy a kompozičných experimentov.

Každá krajina má svojich hrdinov súčasného umenia, ktorých mená sú známe, ktorých výstavy lákajú davy fanúšikov a zvedavcov a ktorých diela sa predávajú do súkromných zbierok.

V tomto článku vám predstavíme tie najpopulárnejšie súčasných umelcov Japonsko.

Keiko Tanabe

Keiko sa narodila v Kjóte a ako dieťa vyhrala veľa víťazstiev. výtvarných súťaží, Ale vysokoškolské vzdelanie V oblasti umenia som to vôbec nepochopil. Pracovala na oddelení medzinárodných vzťahov obchodnej organizácie japonskej miestnej vlády v Tokiu, veľ advokátska kancelária v San Franciscu a v súkromnej poradenskej firme v San Diegu a veľa cestoval. Od roku 2003 odišla zo zamestnania a po vyštudovaní základov akvarelu v San Diegu sa venovala výlučne umeniu.

Ikenaga Yasunari

Japonský umelec Ikenaga Yasunari maľuje portréty moderné ženy v staroveku japonská tradícia maľba pomocou štetca Menso, minerálnych pigmentov, sadzí, atramentu a ľanu ako podkladu. Jeho postavy sú ženy našej doby, no vďaka štýlu Nihonga máte pocit, že k nám prišli od nepamäti.

Abe Toshiyuki

Abe Toshiyuki je realistický umelec, ktorý ovláda technika akvarelu. Abe možno nazvať umelcom-filozofom: zásadne nemaľuje slávne pamiatky, uprednostňuje subjektívne kompozície, ktoré odrážajú vnútorné stavy osoba, ktorá ich sleduje.

Hiroko Sakai

Kariéra umelkyne Hiroko Sakai začala začiatkom 90. rokov v meste Fukuoka. Po absolvovaní univerzity Seinan Gakuin a francúzska škola Nihon interiérový dizajn v oblasti dizajnu a vizualizácie, založila "Atelier Yume-Tsumugi Ltd." a úspešne riadil toto štúdio 5 rokov. Mnohé z jej diel zdobia nemocničné haly, kancelárie veľkých korporácií a niektoré obecné budovy v Japonsku. Po presťahovaní do Spojených štátov začala Hiroko maľovať olejmi.

Riusuke Fukahori

Trojrozmerné diela Riusukiho Fukahoriho pripomínajú hologramy. Sú hotové akrylová farba, nanesená v niekoľkých vrstvách a priehľadná živicová tekutina - to všetko, bez vylúčenia tradičných metód, ako je kreslenie tieňov, zmäkčovanie hrán, kontrola priehľadnosti, umožňuje Riusukimu vytvárať sochárske maľby a dodáva dielam hĺbku a realizmus.

Natsuki Otani

Natsuki Otani je talentovaný japonský ilustrátor žijúci a pracujúci v Anglicku.

Makoto Muramatsu

Makoto Muramatsu si ako základ pre svoju kreativitu vybral tému, ktorá je pre každého víťaza – kreslí mačky. Jeho obrázky sú obľúbené po celom svete, najmä vo forme hlavolamov.

Tetsuya Mishima

Väčšina obrazov súčasného japonského umelca Mishima je urobená v olejoch. Maľovaniu sa venuje profesionálne od 90. rokov, má za sebou niekoľko samostatných výstav a veľké množstvo kolektívne výstavy, japonské aj zahraničné.

Je nepravdepodobné, že Yayoi Kusama bude schopná odpovedať na to, čo tvorilo základ jej kariéry umelkyne. Má 87 rokov, jej umenie je uznávané po celom svete. Čoskoro budú veľké výstavy jej prác v USA a Japonsku, no svetu ešte nepovedala všetko. "Stále je to na ceste. V budúcnosti to vytvorím,“ hovorí Kusama. V Japonsku je označovaná za najúspešnejšiu umelkyňu. Okrem toho je najdrahšou žijúcou umelkyňou: v roku 2014 sa jej obraz „White No. 28“ predal za 7,1 milióna dolárov.

Kusama žije v Tokiu a už takmer štyridsať rokov je dobrovoľne v psychiatrickej liečebni. Raz za deň necháva jeho steny maľovať. Vstáva o tretej hodine ráno, nemôže zaspať a svoj čas chce tráviť produktívne v práci. „Som už starý, ale stále budem vytvárať ďalšie diela a najlepšie diela. Viac ako som urobil v minulosti. Moja myseľ je plná obrázkov,“ hovorí.

(Celkovo 17 fotiek)

Yayoi Kusama na výstave svojich prác v Londýne v roku 1985. Foto: NILS JORGENSEN/REX/Shutterstock

Od deviatej do šiestej Kusama pracuje vo svojom trojposchodovom ateliéri bez toho, aby vstal invalidný vozík. Môže chodiť, ale je príliš slabá. Žena pracuje na plátne rozloženom na stoloch alebo pripevnenom k podlahe. Ateliér je plný nových obrazov, jasných diel posiatych malými škvrnami. Umelkyňa to nazýva „sebaumlčanie“ – nekonečné opakovanie, ktoré prehlušuje hluk v jej hlave.

Pred odovzdávaním umeleckých cien Praemium Imperiale v roku 2006 v Tokiu. Foto: Sutton-Hibbert/REX/Shutterstock

Cez ulicu sa čoskoro otvorí nová galéria, a severne od Tokia sa stavia ďalšie múzeum jej umenia. Okrem toho sa otvárajú dve veľké výstavy jej tvorby. „Yayoi Kusama: Infinity Mirrors“, retrospektíva jej 65-ročnej kariéry, sa otvorila v Hirshhorn Museum vo Washingtone 23. februára a potrvá do 14. mája, kým odcestuje do Seattlu, Los Angeles, Toronta a Clevelandu. Výstava obsahuje 60 obrazov Kusama.

Jej bodky v nej zakrývajú všetko od šiat Louis Vuitton až po autobusy rodné mesto. Kusamove diela sa pravidelne predávajú za milióny dolárov a možno ich nájsť po celom svete, od New Yorku po Amsterdam. Výstavy diel japonského umelca sú také populárne, že sú potrebné opatrenia na zabránenie davom a nepokojom. Napríklad v Hirshhorne sa vstupenky na výstavu predávajú na určitý čas s cieľom nejako regulovať tok návštevníkov.

Prezentácia spoločného dizajnu Louis Vuitton a Yayoi Kusama v New Yorku v roku 2012. Foto: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock

Ale Kusama stále potrebuje súhlas zvonku. Keď sa jej v rozhovore spýtali, či svoj cieľ stať sa bohatou a slávnou pred desiatkami rokov splnila, prekvapene povedala: „Keď som bola malá, bolo pre mňa veľmi ťažké presvedčiť mamu, že sa chcem stať umelkyňou. Je naozaj pravda, že som bohatý a slávny?

Kusama sa narodil v Matsumoto, v horách stredného Japonska, v roku 1929 v bohatej a konzervatívnej rodine, ktorá predávala sadenice. Ale nebolo šťastný domov. Jej matka opovrhla svojim podvádzaným manželom a poslala malého Kusamu, aby ho špehoval. Dievča videlo svojho otca s inými ženami a to jej dalo celoživotnú averziu k sexu.

Butikové okno Louis Vuitton navrhnuté Kusama v roku 2012. Foto: Joe Schildhorn/BFA/REX/Shutterstock

Ako dieťa začala pociťovať zrakové a sluchové halucinácie. Keď prvýkrát uvidela tekvicu, predstavila si, že sa s ňou rozpráva. Budúca umelkyňa sa s víziami vyrovnala vytváraním opakujúcich sa vzorov, aby prehlušila myšlienky v jej hlave. Už v takom mladom veku sa pre ňu umenie stalo akousi terapiou, ktorú neskôr nazvala „umelecká medicína“.

Dielo Yayoi Kusama vystavené vo Whitney Museum of Contemporary Art v roku 2012. Foto: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock

Kusamova matka bola ostro proti túžbe svojej dcéry stať sa umelkyňou a trvala na tom, aby dievča nasledovalo tradičnú cestu. „Nedovolila mi kresliť. Chcela, aby som sa oženil,“ povedal umelec v rozhovore. - Zahodila moju prácu. Chcel som sa hodiť pod vlak. Každý deň som bojoval so svojou matkou, a preto bola moja myseľ poškodená.“

V roku 1948, po skončení vojny, odišiel Kusama do Kjóta študovať tradičnú japonskú maľbu nihonga. prísne pravidlá. Nenávidela tento druh umenia.

Jeden z exponátov z výstavy Yayoi Kusama vo Whitney Museum of Contemporary Art v roku 2012. Foto: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock

Keď Kusama žila v Matsumoto, našla knihu Georga O'Keeffe a bola ohromená jej maľbami. Dievča sa vybralo na americkú ambasádu v Tokiu, aby tam v adresári našlo článok o O’Keefe a zistilo jej adresu. Kusama jej napísal list a poslal jej niekoľko kresieb a na jej prekvapenie jej americký umelec odpovedal.

„Nemohol som uveriť svojmu šťastiu! Bola taká láskavá, že zareagovala na náhly výbuch citov od skromných Japonské dievčatá, ktorého v živote nestretla a ani o ňom nepočula,“ napísala umelkyňa vo svojej autobiografii „Infinity Net“.

Yayoi Kusama vo výklade svojho butiku Louis Vuitton v New Yorku v roku 2012. Foto: Nils Jorgensen/REX/Shutterstock

Napriek O'Keeffeovým varovaniam, že život mladých umelcov v Spojených štátoch je veľmi ťažký, nehovoriac o slobodných mladých dievčatách v Japonsku, Kusama bol nezastaviteľný. V roku 1957 sa jej podarilo získať pas a víza. Do šiat si zašila doláre, aby obišla prísne povojnové menové kontroly.

Prvou zastávkou bol Seattle, kde mala výstavu v malej galérii. Potom Kusama odišla do New Yorku, kde bola trpko sklamaná. „Na rozdiel od povojnového Matsumota bol New York v každom zmysle zlým a násilným miestom. Ukázalo sa, že je to pre mňa príliš stresujúce a čoskoro som upadol do neurózy.“ Aby toho nebolo málo, Kusama sa ocitla v úplnej chudobe. Ako posteľ jej slúžili staré dvere a z odpadkových košov lovila rybie hlavy a zhnitú zeleninu, aby si z nich pripravila polievku.

Inštalácia Infinity Mirror Room - Love Forever ("Izba s nekonečnými zrkadlami - láska navždy"). Foto: Tony Kyriacou/REX/Shutterstock

Táto ťažká situácia podnietila Kusamu, aby sa ešte viac ponoril do svojej práce. Začala vytvárať svoje prvé obrazy zo série Infinity Net, pokrývajúc obrovské plátna (jedno z nich malo výšku 10 metrov) hypnotizujúcimi vlnami malých slučiek, ktoré akoby nikdy nekončili. Samotná umelkyňa ich opísala takto: „Biele siete obklopujúce čierne bodky tichej smrti na pozadí beznádejnej temnoty ničoty.“

Inštalácia Yayoi Kusama pri otvorení novej budovy Garážového múzea súčasného umenia v Gorkého parku v Moskve v roku 2015. Foto: David X Prutting/BFA.com/REX/Shutterstock

Toto obsedantno-kompulzívne opakovanie pomohlo zahnať neurózu, no nie vždy zachránilo. Kusama neustále trpel záchvatmi psychózy a skončil v nemocnici v New Yorku. Keďže bola ambiciózna a cieľavedomá a s radosťou prijala úlohu exotického ázijského dievčaťa v kimone, pridala sa k davu vplyvných ľudí v umení a komunikoval s takými uznávanými umelcami ako Mark Rothko a Andy Warhol. Kusama neskôr povedal, že Warhol napodobňoval jej prácu.

Kusama si čoskoro získal istý stupeň slávy a vystavoval v preplnených galériách. Okrem toho sa sláva umelca stala škandalóznou.

V šesťdesiatych rokoch, keď bola Kusama posadnutá bodkami, začala v New Yorku organizovať happeningy, v ktorých povzbudzovala ľudí, aby sa vyzliekli na miestach ako Central Park a Brooklyn Bridge a maľovali si telá bodkami.

Pred vystavením v Art Basel v Hong Kongu v roku 2013. Foto: Billy Farrell/BFA/REX/Shutterstock

Desaťročia pred hnutím Occupy Wall Street usporiadala Kusama happening vo finančnej štvrti v New Yorku, kde vyhlásila, že chce „bodkami zničiť mužov z Wall Street“. Približne v tomto čase sa začala zakrývať rôzne položky- stolička, čln, kočík - s falicky vyzerajúcimi výstupkami. "Začal som vytvárať penisy, aby som vyliečil svoje pocity averzie k sexu," napísal umelec a opísal, ako sa to deje tvorivý proces postupne premieňať hrozné na niečo známe.

Inštalácia „Passing Winter“ v Tate Gallery v Londýne. Foto: James Gourley/REX/Shutterstock

Kusama sa nikdy nevydala, hoci mala desať rokov manželský vzťah s umelcom Josephom Cornellom, keď žila v New Yorku. „Nemala som rada sex a on bol impotentný, takže sme sa k sebe veľmi hodili,“ povedala v rozhovore pre Art Magazine.

Kusama sa čoraz viac preslávila svojimi huncútstvami: ponúkla sa, že sa vyspí s americkým prezidentom Richardom Nixonom, ak ukončí vojnu vo Vietname. "Poďme sa navzájom ozdobiť bodkami," napísala mu v liste. Záujem o jej umenie sa sám vytratil, ocitla sa v nemilosti a opäť začali problémy s peniazmi.

Yayoi Kusama počas retrospektívy svojej práce vo Whitney Museum of Modern Art v New Yorku v roku 2012. Foto: Steve Eichner/Penske Media/REX/Shutterstock

Správy o Kusamových eskapádach sa dostali do Japonska. Začala sa nazývať „národná katastrofa“ a jej matka povedala, že by bolo lepšie, keby jej dcéra zomrela na túto chorobu v detstve. Začiatkom 70. rokov 20. storočia sa schudobnený a neúspešný Kusama vrátil do Japonska. Zaregistrovala sa v psychiatrickej liečebni, kde dodnes žije, a upadla do umeleckého tmy.

V roku 1989 Centrum súčasného umenia v New Yorku usporiadalo retrospektívu jej tvorby. To bol začiatok, aj keď pomalý, oživenia záujmu o Kusamovo umenie. Vyplnila zrkadlovú miestnosť tekvicami pre inštaláciu, ktorá bola vystavená na Benátskom bienále v roku 1993 a mala veľkú výstavu v MoMa v New Yorku v roku 1998. Tu raz usporiadala happening.

Na výstave Moja večná duša večná duša") V Národné centrum umenie v Tokiu, február 2017. Foto: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

Za posledných pár rokov sa Yayoi Kusama stal medzinárodným fenoménom. Moderná galéria Tate v Londýne a Whitney Museum v New Yorku usporiadali veľké retrospektívy, ktoré prilákali obrovské davy návštevníkov, a jej ikonický bodkovaný vzor sa stal veľmi rozpoznateľným.

Na výstave Moja večná duša v Národnom umeleckom centre v Tokiu, február 2017. Foto: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

Umelkyňa neplánuje prestať pracovať, ale začala premýšľať o svojej smrteľnosti. „Neviem, ako dlho dokážem prežiť aj po smrti. Je tu budúca generácia, ktorá kráča v mojich šľapajach. Bolo by pre mňa cťou, keby sa ľudia radi pozerali na moju prácu a keby ich moje umenie dojalo.“

Na výstave Moja večná duša v Národnom umeleckom centre v Tokiu, február 2017. Foto: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

Napriek komercializácii svojho umenia Kusama premýšľa o hrobe v Matsumoto - nie v rodinná krypta, to už dostala od rodičov - a ako z nej neurobiť svätostánok. „Ale ja ešte neumieram. Myslím, že budem žiť ďalších 20 rokov,“ hovorí.

Na výstave Moja večná duša v Národnom umeleckom centre v Tokiu, február 2017. Foto: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

Má veľmi bohatá história; jeho tradícia je obrovská, pričom jedinečné postavenie Japonska vo svete výrazne ovplyvňuje dominantné štýly a techniky japonských umelcov. Známy fakt To, že Japonsko bolo dlhé stáročia dosť izolované, je spôsobené nielen geografiou, ale aj dominantným japonským kultúrnym sklonom k izolácii, ktorý poznačil históriu krajiny. Počas storočí toho, čo by sme mohli nazvať „japonskou civilizáciou“, sa kultúra a umenie rozvíjali oddelene od tých vo zvyšku sveta. A to je dokonca viditeľné v praxi japonskej maľby. Napríklad obrazy Nihonga patria medzi hlavné diela japonskej maliarskej praxe. Vychádza z viac ako tisícročnej tradície a maľby sa zvyčajne vytvárajú štetcami buď na vashi (japonský papier), alebo na egina (hodváb).

Japonské umenie a maliarstvo však ovplyvnili zahraničné umelecké postupy. Najprv to bolo čínske umenie v 16. storočí a čínske maliarstvo a čínska tradícia umenie, ktoré bolo mimoriadne vplyvné vo viacerých aspektoch. Od 17. storočia japonská maľba bol tiež ovplyvnený západné tradície. Najmä v predvojnovom období, ktoré trvalo od roku 1868 do roku 1945, bola japonská maľba ovplyvnená impresionizmom a európsky romantizmus. Japonci zároveň výrazne ovplyvnili aj nové európske umelecké hnutia umeleckých techník. V dejinách umenia sa tento vplyv nazýva „japonizmus“ a je významný najmä pre impresionistov, kubistov a umelcov spojených s modernizmom.

Dlhý príbeh Japonskú maľbu možno vnímať ako syntézu niekoľkých tradícií, ktoré vytvárajú časti uznávanej japonskej estetiky. V prvom rade budhistické umenie a maliarske metódy, ako aj náboženská maľba, zanechal výraznú stopu v estetike japonských malieb; maľba krajiniek vodným tušom v tradícii čínskej literárnej maľby je ďalším dôležitým prvkom uznávaným v mnohých slávnych japonských maľbách; obrazy zvierat a rastlín, najmä vtákov a kvetov, sú to, čo sa bežne spája s japonskými kompozíciami, rovnako ako krajiny a výjavy z každodenného života. Napokon, staroveké predstavy o kráse z filozofie a kultúry mali veľký vplyv na japonskú maľbu Staroveké Japonsko. Wabi, čo znamená prechodnú a drsnú krásu, sabi (krása prirodzenej patiny a starnutia) a yugen (hlboká pôvab a jemnosť) naďalej ovplyvňujú ideály v praxi japonskej maľby.

Nakoniec, ak sa sústredíme na výber desiatich najznámejších Japonské majstrovské diela, musíme spomenúť ukiyo-e, čo je jeden z najpopulárnejších umeleckých žánrov v Japonsku, aj keď je klasifikovaný ako grafika. Dominoval japonské umenie zo 17. - 19. storočia, pričom umelci patriaci do tohto žánru tvorili drevoryty a maľby s takými predmetmi ako napr. krásne dievčatá, herci Kabuki a zápasníci sumo, ako aj scény z histórie a ľudové rozprávky, cestovateľské scény a krajiny, flóra a fauna a dokonca aj erotika.

Urobiť zoznam je vždy ťažké najlepšie maľby z umeleckých tradícií. Mnohé úžasné diela budú vylúčené; tento zoznam však obsahuje desať najuznávanejších japonských malieb na svete. Tento článok predstaví iba obrazy vytvorené od 19. storočia po súčasnosť.

Japonské maliarstvo má mimoriadne bohatú históriu. Japonskí umelci v priebehu storočí vyvinuli veľké množstvo jedinečných techník a štýlov, ktoré sú najcennejším príspevkom Japonska do sveta umenia. Jednou z týchto techník je sumi-e. Sumi-e doslova znamená „kresba tušom“ a spája kaligrafiu a maľbu tušom, aby vytvorila vzácnu krásu kompozícií kreslených štetcom. Táto krása je paradoxná - starodávna, ale moderná, jednoduchá, ale zložitá, odvážna, no zároveň tlmená, nepochybne odráža duchovný základ umenia v zen budhizme. Budhistickí kňazi priniesli do Japonska pevné atramentové bloky a bambusové štetce z Číny v šiestom storočí a za posledných 14 storočí Japonsko rozvinulo bohaté dedičstvo atramentovej maľby.

Prejdite nadol a pozrite si 10 majstrovských diel japonskej maľby

1. Katsushika Hokusai „Sen rybárskej manželky“

Jedným z najznámejších japonských obrazov je „Sen rybárskej manželky“. V roku 1814 ho namaľoval slávny umelec Hokusai. Ak budete postupovať podľa prísnych definícií, toto úžasná práca Hokusai nemožno považovať za obraz, keďže ide o drevoryt žánru ukiyo-e z knihy Mladé borovice (Kinoe no Komatsu), čo je trojzväzková šunga kniha. Kompozícia zobrazuje mladého ama potápača sexuálne prepleteného s párom chobotníc. Tento obraz bol veľmi vplyvný v 19. a 20. storočí. Práca ovplyvnila viac neskorých umelcov ako Félicien Rops, Auguste Rodin, Louis Aucock, Fernand Knopf a Pablo Picasso.

2. Tessai Tomioka „Abe no Nakamaro píše nostalgickú báseň pri sledovaní Mesiaca“

Tessai Tomioka je pseudonym slávneho japonského umelca a kaligrafa. Je považovaný za posledného významného umelca v tradícii bunjingu a jedného z prvých významných umelcov Nihonga štýl. Bunjinga bola škola japonskej maľby, ktorá prekvitala v neskorej ére Edo medzi umelcami, ktorí sa považovali za literátov alebo intelektuálov. Každý z týchto umelcov, vrátane Tessayi, vyvinul svoj vlastný vlastný štýl a technológie, ale všetci boli veľkými fanúšikmi čínske umenie a kultúry.

3. Fujishima Takeji „Východ slnka nad východným morom“

Fujishima Takeji bol japonský umelec známy svojou prácou na rozvoji romantizmu a impresionizmu v umeleckom hnutí jogy (západný štýl) v r. koniec XIX- začiatok 20. storočia. V roku 1905 odcestoval do Francúzska, kde ho ovplyvnili vtedajšie francúzske hnutia, najmä impresionizmus, ako možno vidieť na jeho obraze Východ slnka nad východným morom, ktorý namaľoval v roku 1932.

4. Kitagawa Utamaro „Desať typov ženských tvárí, zbierka vládnucich krások“

Kitagawa Utamaro bol významný japonský umelec, ktorý sa narodil v roku 1753 a zomrel v roku 1806. Určite je najznámejší vďaka sérii s názvom „Ten Types ženské tváre. Zbierka vládnucich krások, námetov veľká láska klasická poézia“ (niekedy nazývaná „Zamilované ženy“, obsahujúca samostatné rytiny „Nahá láska“ a „Zamyslená láska“). Je jedným z najvýznamnejších umelcov žánru ukiyo-e woodcut.

5. Kawanabe Kyosai „Tiger“

Kawanabe Kyosai bol jedným z najznámejších japonských umelcov obdobia Edo. Jeho umenie bolo ovplyvnené dielom Tohakua, umelca zo školy Kano zo 16. storočia, ktorý ako jediný umelec svojej doby maľoval obrazovky celé atramentom na jemné pozadie z práškového zlata. Hoci je Kyosai známy ako karikaturista, napísal niektoré z nich slávne obrazy v japonskej histórii umenie 19. storočia storočí. "Tiger" je jedným z tých obrazov, ktoré Kyosai vytvoril akvarelom a atramentom.

6. Hiroshi Yoshida „Fuji from Lake Kawaguchi“

Hiroshi Yoshida je známy ako jeden z najviac veľké postavyŠin-hanga štýl (Shin-hanga je umelecké hnutie v Japonsku na začiatku 20. storočia, počas obdobia Taisho a Showa, ktoré oživilo tradičné umenie ukiyo-e, ktorý sa zakorenil v období Edo a Meiji (XVII - XIX storočia)). Cvičil sa v tradícii západnej olejomaľby, ktorá bola prevzatá z Japonska v období Meidži.

7. Takashi Murakami „727“

Takashi Murakami je pravdepodobne najpopulárnejším japonským umelcom súčasnosti. Jeho diela sa na veľkých aukciách predávajú za astronomické ceny a jeho tvorba už inšpiruje nové generácie umelcov nielen v Japonsku, ale aj v zahraničí. Murakamiho umenie zahŕňa celý rad médií a zvyčajne sa označuje ako superploché. Jeho práca je známa tým, že používa farby, zahŕňa motívy japonskej tradičnej a populárnej kultúry. Obsah jeho obrazov je často označovaný ako „roztomilý“, „psychedelický“ alebo „satirický“.

8. Yayoi Kusama „Tekvica“

Yaoi Kusama je tiež jedným z najznámejších Japonskí umelci. Tvorí v rôzne techniky, vrátane maľby, koláže, scatovej sochy, performance, environmentálneho umenia a inštalácie, z ktorých väčšina demonštruje jej tematický záujem o psychedelickú farbu, opakovanie a vzor. Jednou z najznámejších sérií tohto veľkého umelca je séria „Pumpkin“. Pravidelná jasne žltá tekvica pokrytá bodkovaným vzorom na sieťovom pozadí. Všetky tieto prvky spoločne tvoria vizuálny jazyk, ktorý je nezameniteľne verný umelcovmu štýlu a ktorý sa vyvíjal a zdokonaľoval počas desaťročí usilovnej produkcie a reprodukcie.

9. Tenmyoya Hisashi „Japonský duch č. 14“

Tenmyoya Hisashi je súčasný japonský umelec, ktorý je známy svojimi neo-nihonga maľbami. Zúčastnil sa obrodenia stará tradícia Japonská maľba, ktorá je úplným opakom modernej japonskej maľby. V roku 2000 vytvoril aj svoju nový štýl butouha, ktorý svojimi maľbami prejavuje silný postoj k autoritatívnemu systému umenia. "Japonský duch č. 14" bol vytvorený ako súčasť umelecká schéma"BASARA", interpretované v japonská kultúra ako rebelantské správanie nižšej aristokracie počas obdobia bojujúcich štátov s cieľom zbaviť úrady schopnosti dosiahnuť ideálny obrazživot, obliekanie sa do bujných a luxusných šiat a konanie zo slobodnej vôle, nie v súlade s ich spoločenskou triedou.

10. Katsushika Hokusai „Veľká vlna z Kanagawy“

Nakoniec, " Veľká vlna v Kanagawa“ je pravdepodobne najznámejším japonským obrazom, aký bol kedy namaľovaný. Je to vlastne najznámejšie umelecké dielo vytvorené v Japonsku. Zobrazuje obrovské vlny ohrozujúce lode pri pobreží prefektúry Kanagawa. Aj keď sa niekedy mýlia s cunami, vlna, ako naznačuje názov obrazu, má s najväčšou pravdepodobnosťou jednoducho anomálnu väčšia výška. Obraz je vyrobený v tradícii ukiyo-e.

Od:

Čo zahŕňa mnoho techník a štýlov. Počas svojej histórie prešiel veľkým množstvom zmien. Pribudli nové tradície a žánre a ostali pôvodné japonské princípy. Spolu s úžasnou históriou Japonska je obraz pripravený predstaviť aj mnoho jedinečných a zaujímavých faktov.

Staroveké Japonsko

Prvé štýly sa objavujú v najstarších historické obdobie krajinách, dokonca pred Kr. e. Vtedy bolo umenie dosť primitívne. Najprv v roku 300 pred Kr. rôzne geometrické tvary, ktoré sa vykonávali na keramike pomocou palíc. Takýto objav archeológov ako ozdoba na bronzových zvonoch sa datuje do neskoršej doby.

O niečo neskôr, už v roku 300 po Kr. e., objaviť sa skalné maľby, ktoré sú oveľa rozmanitejšie ako geometrické vzory. Toto sú už plnohodnotné obrázky s obrázkami. Našli sa v kryptách a ľudia, ktorí sú na nich namaľovaní, boli pravdepodobne pochovaní na týchto pohrebiskách.

V 7. storočí nášho letopočtu e. Japonsko preberá písmo pochádzajúce z Číny. Približne v rovnakom čase odtiaľ pochádzali prvé obrazy. Potom sa maľba javí ako samostatná sféra umenia.

Edo

Edo zďaleka nie je prvý a nie najnovší obraz, však práve ona priniesla do kultúry veľa nového. Po prvé, je to jas a farebnosť, ktoré boli pridané k bežnej technike vykonávanej v čiernej a sivé tóny. Väčšina vynikajúci umelec Tento štýl je považovaný za Sotasu. On stvoril klasické maľby, no jeho postavy boli veľmi pestré. Neskôr prešiel k prírode a väčšina jeho krajiniek bola namaľovaná na pozlátenom pozadí.

Po druhé, v období Edo sa objavila exotika, žáner namban. Využívala moderné európske a čínske techniky, ktoré sa prelínali s tradičnými japonskými štýlmi.

A do tretice sa objavuje škola Nanga. Umelci v ňom najskôr úplne napodobňujú alebo dokonca kopírujú diela čínskych majstrov. Potom sa objaví nová vetva, ktorá sa nazýva bunjing.

Obdobie modernizácie

Obdobie Edo ustupuje Meiji a teraz je k tomu nútená japonská maľba nová etapa rozvoj. V tejto dobe sa po celom svete stávali populárne žánre ako western a podobne, takže modernizácia umenia sa stala bežným stavom vecí. Avšak v Japonsku, krajine, kde všetci ľudia uctievajú tradície, bol stav vecí v tomto čase výrazne odlišný od toho, čo sa stalo v iných krajinách. Konkurencia medzi európskymi a miestnymi technikmi je tu tvrdá.

Vláda v tejto fáze uprednostňuje mladých umelcov, ktorí sú veľmi sľubní v zlepšovaní svojich zručností západné štýly. Posielajú ich teda do škôl v Európe a Amerike.

Ale to bolo len na začiatku obdobia. Ide o to, že slávnych kritikov dosť kritizovaný západné umenie. Aby ste sa vyhli veľkému rozruchu okolo tohto problému, Európske štýly a techniky začali byť na výstavách zakázané, ich vystavovanie prestalo, rovnako ako ich popularita.

Vznik európskych štýlov

Nasleduje obdobie Taisho. V tomto čase mladí umelci, ktorí odchádzali študovať v zahraničných škôl, vrátiť sa do svojej vlasti. Prirodzene, prinášajú so sebou nové štýly japonskej maľby, ktoré sú veľmi podobné tým európskym. Objavuje sa impresionizmus a postimpresionizmus.

V tejto fáze sa vytvára veľa škôl, v ktorých starodávne Japonské štýly. No úplne sa zbaviť západných tendencií nie je možné. Preto musíme skombinovať viacero techník, aby sme potešili milovníkov klasiky aj fanúšikov modernej európskej maľby.

Niektoré školy sú financované štátom, vďaka čomu je možné zachovať mnohé z národných tradícií. Súkromní vlastníci sú nútení nasledovať spotrebiteľov, ktorí chceli niečo nové, boli unavení z klasiky.

Obraz z druhej svetovej vojny

Po začiatku vojny zostala japonská maľba nejaký čas mimo diania. Vyvíjal sa samostatne a nezávisle. Ale takto to nemohlo pokračovať donekonečna.

Postupom času, keď sa politická situácia v krajine zhoršuje, vysoké a rešpektované osobnosti priťahujú mnohých umelcov. Niektorí začali tvoriť vo vlasteneckom štýle ešte na začiatku vojny. Zvyšok začína tento proces iba na príkaz úradov.

Japonské výtvarné umenie sa preto nemohlo rozvíjať najmä počas druhej svetovej vojny. Preto sa pre maľovanie dá nazvať stagnujúcim.

Večná Suibokuga

Japonská maľba sumi-e alebo suibokuga doslova znamená „maľovanie atramentom“. To určuje štýl a techniku tohto umenia. Pochádzal z Číny, no Japonci sa ho rozhodli nazvať svojím vlastným. A spočiatku táto technika nemala žiadnu estetickú stránku. Používali ho mnísi na sebazdokonaľovanie pri štúdiu zenu. Navyše si najskôr kreslili obrázky a následne si trénovali koncentráciu pri ich prezeraní. Mnísi verili, že prísne línie, rozmazané tóny a tiene - všetko, čo sa nazýva monochromatické - pomáhajú zlepšovať.

Japonská maľba tušom, napriek širokej škále malieb a techník, nie je taká zložitá, ako by sa na prvý pohľad mohlo zdať. Je založený iba na 4 parcelách:

Chryzantéma.
Orchidea.
Slivkový obor.
Bambus.

Malý počet zápletiek neumožňuje rýchle zvládnutie techniky. Niektorí majstri veria, že učenie trvá celý život.

Napriek tomu, že sumi-e sa objavilo už dávno, je vždy žiadané. Navyše, majstrov tejto školy dnes môžete stretnúť nielen v Japonsku, je rozšírená aj ďaleko za jeho hranicami.

Moderné obdobie

Po skončení 2. svetovej vojny umenie v Japonsku prekvitalo až v r veľké mestá, dedinčania a dedinčania mali dosť starostí. Umelci sa väčšinou snažili odvrátiť od vojnových strát a zobraziť moderný život na plátne. mestský život so všetkými jeho ozdobami a vlastnosťami. Európske a americké myšlienky boli úspešne prijaté, ale tento stav netrval dlho. Mnohí majstri sa od nich začali postupne vzďaľovať smerom k japonským školám.

Vždy zostal v móde. Preto sa moderná japonská maľba môže líšiť iba v technike prevedenia alebo v materiáloch použitých v procese. Väčšina umelcov ale rôzne inovácie nevníma dobre.

Nemožno nespomenúť módne moderné subkultúry, ako sú anime a podobné štýly. Mnoho umelcov sa snaží stierať hranice medzi klasikou a tým, čo je dnes žiadané. Z veľkej časti je tento stav spôsobený obchodom. Klasika a tradičné žánre sa prakticky nekupujú, takže nie je výhodné pracovať ako umelec vo svojom obľúbenom žánri, musíte sa prispôsobiť móde.

Záver

Japonská maľba je nepochybne pokladnicou výtvarného umenia. Možno, že táto krajina bola jediná, ktorá nenasledovala západné trendy a neprispôsobila sa móde. Napriek mnohým úderom počas nástupu nových techník boli japonskí umelci stále schopní brániť národné tradície v mnohých žánroch. Pravdepodobne aj preto sú dnes na výstavách vysoko cenené obrazy vyrobené v klasických štýloch.