Melukis dan menggambar? Apakah ini sama dan apa bedanya? Bahan untuk lukisan seorang seniman. Jika lukisan itu memuat komposisi multi-figur, banyak orang, benda, motif Kristiani dan surealis - inilah Bosch
Memulai dialog dengan budaya dunia, manusia modern tidak menyia-nyiakan usaha untuk naik ke levelnya, tetapi sebaliknya, mencoba menurunkannya ke levelnya. (seseorang yang pintar)
Sebelum ditemukannya fotografi, lukisan dipandang sebagai alat untuk merefleksikan lingkungan sekitar dengan lebih jelas. Lukisan itu dianggap lebih baik jika diperlihatkan lebih otentik dunia nyata. Dengan munculnya fotografi pada tahun 1839 dan sinema pada tahun 1895, kesadaran akan seni lukis berkembang secara signifikan, meskipun ada pula yang menganut fungsi bisnis yang sempit dan seni lukis. saat ini.
Apa perbedaan antara foto dan lukisan?
Bato Dugarzhapov "Natal".
Sebuah foto menangkap suatu momen, dengan kata lain, keadaan suatu objek yang sangat spesifik dan sesaat. Pelukis, betapapun hati-hati dan dapat dipercayanya dia menuliskan detailnya, pertama-tama menulis hal UMUM yang dia lihat dalam model, dengan kata lain, yang paling khas dan ekspresif.
Oleh karena itu, sebuah foto (kecuali karya seniman foto yang sangat langka) adalah sebuah ilustrasi, mirip dengan gambar di ensiklopedia: beginilah rupa seekor tupai, anak-anak, dan beginilah rupa pemilik album foto itu 20 tahun yang lalu. ketika dia sedang mandi di bak mandi.
Bato Dugarzhapov "Krimea".
Pelukis modern telah meninggalkan penyalinan alam - fotografi dan pembuatan film akan membuatnya lebih baik dan lebih cepat. Naturalisme mendorong lukisan ke jalan buntu pengulangan dan banalitas. Terlebih lagi, alam tidak dapat direproduksi. Ketika pemirsa hanya menerima nuansa paling dangkal dari lukisan itu - transmisi informasi “di mana segala sesuatunya berdiri”, maka kesadaran akan lukisan itu akan menjadi sangat miskin dan terdistorsi.
Lukisan pada dasarnya berbeda dari foto karena tidak identik, dan inilah perbedaan mendasar antara gambar berwarna dan gambar fotografi. Pelukis memutuskan atas kemauannya sendiri, apa dan bagaimana meninggalkannya, apa dan bagaimana menyorotnya, apa yang dikecualikan dari gambar, dari waktu ke waktu bahkan bertentangan dengan akal sehat yang dangkal.
Bato Dugarzhapov "Teras".
Lukisan warna-warni di atas kanvas diklaim sebagai tampilan objek yang dilukis secara lengkap dan universal serta menyampaikan kenangan darinya. Dengan cara yang tidak dapat dipahami, sebuah volume muncul di kanvas datar, hidup dan dunia yang indah, dibuat oleh seniman.
Kita dapat memasuki gambar dan mendengar kicauan burung, mencium aroma padang rumput yang mekar, merasakan hangatnya air yang dipanaskan oleh matahari, melihat gerakannya - memahami dengan jelas bahwa semua ini terjadi secara eksklusif dalam kesadaran kita dan di depan kita. , dan bahwa sang pencipta memberikan semuanya kepada kita.
Apa itu "alla prima"?
Bato Dugarzhapov “Pagi”.
Jika sebelumnya gaya perhiasan yang menuliskan detail hingga detail terkecil disambut baik, ketika gambar itu dilukis selama berbulan-bulan, atau bahkan bertahun-tahun, dan kemudian dengan susah payah dipernis, maka pada abad ke-19-20 muncul konsep “alla prima”. - dari bahasa latin “all prima vista” (pada tanggal 1 - y gaze) dan berarti lukisan spontan dengan cat impasto.
Lukisan sudah siap setelah sesi pertama. Warna-warna tersebut sebagian besar dicampur pada skala yang tampak segar dan bercahaya. Saat mengecat en plein air, ini adalah metode kerja yang sangat cocok.
Pastisitas diwujudkan dalam relief, konveksitas lapisan terang, dalam sapuan kuas plastik dan berfungsi untuk menekankan sisi material objek dan memberikan dinamisme. Lukisan lebih besar dan lebih informatif daripada foto; lukisan dapat memengaruhi pemirsa secara sensual dengan titik warna lokal, tanpa klarifikasi dan spesifikasi detail yang tidak perlu. Dari waktu ke waktu, bahkan karena tidak adanya spesifikasi ini.
Bato Dugarzhapov “Siang. Perahu."
Pergantian guratan dan titik cahaya yang tampaknya acak pada pandangan pertama jauh lebih emosional daripada foto, dan cara kuno yang menjilat menyampaikan gerakan - permainan bintik matahari di rumput, silau di air, goyangan dedaunan, dll.
Sayangnya, penonton yang benar-benar liar dalam arti budaya warna-warni, setelah melihat karya alla prima, dilukis dengan guratan dan garis-garis yang menyapu, tidak mau berhenti dan melihat lebih dekat, melainkan membusungkan pipinya dan, dengan tulisan “Saya bisa. melukisnya seperti itu juga,” dengan kesadaran akan keuntungannya sendiri, ia melangkah lebih jauh mencari kreasi tulisan keriting yang dipernis, di mana tidak diperlukan karya imajinasi dan empati.
Mari kita lepaskan dia, dan nanti kita akan melihat, misalnya, lukisan “Plein Air” karya seniman Bato Dugarzhapov. Apa yang kita lihat dalam gambar menarik ini?
Bato Dugarzhapov "Plein Udara".
Mereka yang ingin melihat bagaimana sepatu karakter dibuat - tidak ada. Pemirsa, yang mengikuti gelombang kesadaran, pertama kali melihat banyak hal sinar matahari. Kemudian kita melihat beberapa seniman dalam gaun musim panas dengan kuda-kuda dan seorang seniman berjanggut dengan jeans dan kuas di tangannya. Kemudian muncul dinding batu yang hangat dengan panjatan pohon wisteria yang diterangi matahari di atasnya, langit biru di celah dedaunan, tembok pembatas tanggul dan laut di belakangnya. Itulah sebabnya dedaunan tidak tertulis secara detail dan urat, karena ia bergerak, bergoyang, cahaya juga bergerak, bayangan bergerak, dan pantulan laut di kejauhan berubah setiap menit...
Suasana gambarnya benar-benar fenomenal, hanya memancarkan cahaya dan kepositifan. Dan pada saat yang sama, tidak mungkin menunjuk dengan penunjuk dan menjelaskan - ini dia, dan ini dia. Anda hanya perlu melihatnya dengan menjauh sedikit dari gambar dan melihatnya dalam waktu yang cukup lama. Terlebih lagi, ini hanya sebuah file, saya dapat membayangkan sendiri bagaimana seharusnya file tersebut aslinya!
Bato Dugarzhapov "Pada sketsa".
Lukisan “On Etudes” “muncul” dengan cara serupa. Pada awalnya - titik-titik sinar matahari yang kacau dan pantulan laut. Kemudian pelukis berambut abu-abu itu mencondongkan tubuh ke arah kuda-kuda. Lalu - laut itu sendiri: laut yang menganga, ia bergerak, ia khawatir, silau matahari ombaknya benar-benar membutakan mata (cara pembuatannya tidak mungkin dipahami), di laut ada gunung, kerikil dan perahu, di sebelah kiri lagi ada tanaman merambat, mungkin anggur.
Suasana pagi yang panas (dan ini pagi hari, karena saat matahari sedang tinggi, laut tidak berkilau, malah membiru), keindahan pantai selatan dan kekaguman akan keindahan tersebut tak terlukiskan tersampaikan.
Bato Dugarzhapov “Malam Selatan”
Lukisan-lukisan Bato Dugarzhapov terbenam dalam lingkungan bercahaya yang luar biasa, yang berbicara tentang budaya warna-warni tertinggi sang seniman, tentang kesadaran sempit akan warna dan hubungan spasial. Karya-karyanya dibedakan oleh kesegaran, ritme garis dan bintik warna yang cepat, kegembiraan romantis, dan persepsi sempit tentang hubungan cahaya-spasial.
Dengan sangat mudah, dengan sapuan besar, ia menciptakan gambaran alam yang lengkap dan integral dalam warna, cahaya, dan dinamika aktual... semuanya berkilau di bawah sinar matahari, bahkan di tempat yang ada bayangan, pantulan berkilau, yang sangat mencolok dan menyenangkan. Dilempar bebas, warna-warna terletak di atas satu sama lain dan membentuk harmoni dan ritme multi-warna, di mana permainan warna menjadi sangat penting.
Bato Dugarzhapov “Danau Como”.
Bato Dugarzhapov lahir pada tahun 1966 di Chita. Dia lulus dari sekolah seni di Tomsk dan Institut Seni Akademik Kota Metropolitan. V.I. Surikov. Karya seniman ada dalam koleksi pribadi di Rusia, Amerika Serikat, Prancis, Italia, dan Spanyol.
K.Yu.Starokhamskaya
Bagi banyak orang, mengingat seniman dan lukisan mereka sepertinya merupakan tugas yang mustahil. Selama ratusan tahun, sejarah telah mencatat banyak nama seniman yang namanya terkenal, berbeda dengan lukisannya. Bagaimana cara mengingat kepribadian dan gaya artis? Kami sudah bersiap deskripsi singkat bagi yang ingin mengerti seni rupa:
Jika lukisan tersebut menampilkan orang-orang berpantat besar, bisa dipastikan itu adalah Rubbens
Jika orang-orang dengan pakaian indah sedang bersantai di alam - Watteau
Jika pria terlihat seperti wanita berambut keriting dengan mata berbulu - Ini Caravaggio
Jika lukisan dengan latar belakang gelap menunjukkan seseorang dengan ekspresi ceria atau seorang syahid - Titian
Jika lukisan itu memuat komposisi multi-figur, banyak orang, benda, motif Kristiani dan surealis - inilah Bosch
Jika sebuah lukisan berisi komposisi multi-figur dan plot yang kompleks, namun terlihat lebih realistis daripada lukisan Bosch, yakinlah bahwa ini adalah Bruegel.
Jika Anda melihat potret seseorang dengan latar belakang gelap dalam cahaya kuning redup - Rembrandt
Adegan alkitabiah dan mitologis yang menggambarkan beberapa dewa asmara montok - Francois Boucher
Tubuh telanjang dan bersemangat, bentuk sempurna - Michelangelo
Balerina ditarik, ini Degas
Gambar yang kontras dan tajam dengan wajah tirus dan berjanggut - El Greco
Jika lukisan itu memperlihatkan seorang gadis dengan alis yang belum menyatu, ini adalah Frida
Sapuan cepat dan ringan, warna cerah dan gambaran alam – Monet
Warna-warna terang dan orang-orang yang gembira – Renoir
Cerah, penuh warna, dan kaya - Van Gogh
Warna gelap, garis hitam dan orang sedih - Manet
Latar belakangnya seperti di film “The Lord of the Rings”, dengan kabut biru muda. Rambut bergelombang Madonna dan hidung aristokrat - Da Vinci
Jika tubuh yang digambarkan dalam lukisan itu memiliki bentuk yang tidak biasa - Picasso
Kotak berwarna seperti dokumen Excel – Mondrian
“Saya sudah lama menyadari bahwa bagi kritikus seni, ekspresi diri lebih penting daripada substansi.”
Penatua Ryazanov
“Mengapa saya, putra seorang pelukis terkenal Moskow, menghabiskan masa kecil dan masa muda saya di antara para seniman, yang koleksinya lebih banyak lukisan dan grafis, dibandingkan museum regional lainnya, haruskah saya mendengarkan sejarawan seni yang bahkan tidak pernah memegang kuas?”
Alexander Gremitskikh
Wikipedia mengartikan istilah “gambar” dalam kaitannya dengan seni lukis sebagai “suatu karya seni yang mempunyai sifat utuh (bukan sketsa atau sketsa) dan berdiri sendiri. nilai seni." Konsep “studi”, “sketsa” dan “sketsa” dalam kaitannya dengan lukisan umumnya disatukan di Wikipedia dan direduksi menjadi satu konsep - sketsa, bahan persiapan untuk lukisan sebenarnya dari seniman.
Mari kita lihat apakah ini benar dalam praktiknya:
Harus dikatakan bahwa semua terminologi artistik berkembang pada abad ke-19, bahkan lebih awal. Pada masa itu, tidak hanya di sini, tetapi di seluruh Eropa, orang-orang baik hanya boleh berbicara bahasa Prancis, sebagaimana dibuktikan dengan terminologi yang masih digunakan dalam seni lukis. Jadi kata "studi" berasal dari bahasa Perancis "étude", dan "sketsa" - dari bahasa Perancis "esquisse", misalnya. Klien para pelukis sebagian besar tinggal di ruangan yang sangat luas, setidaknya, ruangan yang memerlukan dekorasi dengan kanvas besar, yang tentu saja tidak mungkin untuk dilukis dari alam. Jelas bahwa dalam kondisi seperti itu, hanya produk akhir yang dinilai - gambaran besarnya (tetapi, omong-omong, dibayar secara eksklusif). Karena tidak pernah terpikir oleh siapa pun untuk menggantungkan karya alam, yang sebenarnya termasuk sketsa, di dinding, maka tidak mungkin mendapatkan uang untuk itu, oleh karena itu, jika dilukis, itu hanya sebagai bahan visual pendukung bagi sebagian orang. gambaran besar dan bahkan kurang penting dibandingkan sketsa, yang ditulis dengan hati-hati karena harus diserahkan kepada pelanggan untuk disetujui.
Di sinilah, sejak “zaman Ochakov dan penaklukan Krimea,” definisi-definisi yang sudah lama ketinggalan zaman bermigrasi istilah artistik ke Wikipedia! Ya, dan ke kamus lain, sayangnya, juga, dan dari sana - ke dalam kepala kita.
Namun, oleh akhir abad ke-19 Abad ini, seiring dengan demokratisasi masyarakat, pandangan tentang seperti apa hasil akhir seni lukis, bisa dikatakan, telah berubah secara dramatis. Jika Impresionis Perancis mereka masih mengkritik sketsa karyanya, lalu A.K. Savrasov mendorong murid-muridnya untuk “belajar dari alam.” Di antara seniman Rusia, Konstantin Korovin, misalnya, menjadi terkenal justru karena sketsa-sketsanya dari alam; ia praktis tidak melukis lukisan tematik sama sekali. Kita sudah hidup di abad ke-21, namun dalam kaitannya dengan seni lukis kita tetap menggunakan pemahaman terminologinya dari 200 tahun yang lalu, sebuah paradoks, dan itu saja!
Kesalahpahaman tentang yang paling sederhana yang digunakan ucapan sehari-hari, istilah seni lukis, berdasarkan pemahaman kuno tentangnya, yang sengaja dipaksakan kepada masyarakat umum oleh para kritikus seni ternama yang, jelas sekali, tidak secara PROFESIONAL memahami apa pun tentang seni, dapat membingungkan orang awam. Oleh karena itu, dalam artikel ini saya ingin membahas istilah-istilah utama yang umum digunakan dalam seni lukis dalam kaitannya dengan situasi kita saat ini.
ARTI KATA “TULIS”(tentu saja dengan penekanan pada suku kata kedua)
Dalam bahasa Rusia, kata “menulis” memiliki arti dasar “menulis huruf dan angka”. Dalam seni lukis, para profesional menggunakan kata “melukis gambar” sebagai istilah. Jika seorang seniman berkata: “Saya melukis sebuah gambar,” maka dalam hal ini dia tidak menggunakan terminologi profesional, tetapi hanya mengatakannya bahasa sehari-hari, Bagaimana orang biasa, tidak ada hubungannya aktivitas seni. Secara terminologi mereka melukis dengan arang, optimis, pensil, pastel, tetapi bukan lukisan cat minyak. “Lukisan karya seniman ini dilukis dengan minyak,” hanya orang yang jauh dari seni lukis yang bisa berkata. Dan tidak ada yang buruk tentang hal itu, itu tidak terlalu penting. Tidak masalah juga jika Anda tidak tahu apa itu kraplak merah atau kuning kadmium dan Anda belum pernah mendengar tentang sienna yang banyak atau terbakar. Nama-nama cat artistik, yang secara akurat menunjukkan warna-warna tertentu (bagaimanapun, merah, kuning, dan biru berbeda), sama sekali tidak perlu diketahui oleh non-spesialis, dan kritikus seni tidak melanggar batas istilah profesional yang sempit tersebut.
Namun orang-orang yang “mengetahui seni”, atau, lebih sederhananya, para kritikus, yaitu para jurnalis yang menulis tentang topik seni, telah berhasil memberikan gagasan yang salah kepada semua orang bahwa seni, kata mereka, “perlu dipahami. ” Siapa yang tahu tentang seni? Tentu saja, tidak seorang pun kecuali kritikus seni!
Dengan demikian, mereka berhasil menjelaskan kepada kita bahwa dalam seni rupa kita mengetahui dan tidak memahami apa pun. Dan yang paling menarik adalah kami sepenuhnya setuju dengan ini! Siapa yang bisa bertanya: “Saya tidak mengerti seni lukis”, “Saya tidak mengerti seni”…, dan sebagainya.
Sebenarnya, apa yang perlu dipahami? Seni, termasuk seni rupa, diciptakan untuk kita, orang biasa, dan bukan untuk “spesialis”, ini menarik bagi estetika yang melekat pada diri kita semua secara alami. Dalam seni, bagi pemirsa, pembaca, pendengar, hanya ada dua kriteria - suka dan tidak suka. Apakah Anda akan membaca buku yang membosankan? Lihat film yang buruk atau sandiwara? Apakah Anda akan mendengarkan opera, musik, atau lagu yang tidak Anda sukai? Apakah menurut Anda Kazimir Malevich seorang seniman yang brilian, dan Velimir Khlebnikov - penyair jenius? TIDAK? Bagus sekali! Anda memiliki pemahaman yang luar biasa tentang seni!
Namun agar Anda dan saya dapat, seperti yang dikatakan Peter I, “dapat dikenali dari orang-orang bodoh lainnya”, masih perlu dipahami beberapa istilah umum yang sering dijumpai dalam percakapan sehari-hari, yang dalam hal ini berkaitan dengan lukisan. .
BAHAN LUKISAN SENIMAN
Orang-orang non-profesional, atas saran kritikus seni yang sama, biasanya mempercayai hal itu gambaran nyata lukisan cat minyak harus dilukis secara eksklusif di atas kanvas, dan alas lain seperti karton seni umumnya tidak perlu diperhatikan. Maka “Mona Lisa” bahkan tidak boleh dianggap sebagai lukisan, karena Leonardo menggunakan papan linden untuk karyanya.
Karton, dipoles agar cat tidak terserap ke dalamnya, dengan senyawa putih, yang disebut primer yang terdiri dari kapur dan lem, atau primer berwarna jika seniman memerlukannya, yaitu karton seni khusus, ternyata sangat nyaman untuk digunakan. bekerja, terutama di udara plein. Karton adalah bahan yang kompak dan cukup padat yang tidak akan muncul kembali di bawah tekanan kuas, tidak seperti kanvas. Kanvas, di bawah pengaruh perubahan suhu dan kelembaban di dalam ruangan, melorot atau meregang; oleh karena itu, cat di atasnya akan hancur seiring waktu, tetapi tidak pada karton. Lukisan di atas karton sama tahan lamanya dengan karton itu sendiri, dan daya tahan karton bahkan melebihi kanvas.
Hal yang sama berlaku untuk hardboard, meskipun jauh lebih berat daripada karton. Seniman Soviet sering kali menyiapkan hardboardnya sendiri, atau bahkan sederhananya, agar lebih nyaman untuk melukis dan kuasnya tidak muncul kembali, mereka secara khusus merekatkan kanvas yang sudah disiapkan ke hardboard. Ini dia contoh cemerlang, lukisan alam benda dengan bunga lilac ukuran gambar cukup:
Bagaimana dengan kanvas? Seniman secara eksklusif bersamanya Kekaisaran Rusia bekerja hingga tahun 1862, ketika industri Rusia mulai memproduksi karton artistik.
Kanvas tersebut membutuhkan tandu yang berat ditambah bentangan kanvas yang baik di atasnya. Dalam hal ini, Anda harus menunggu lama hingga cat mengering setelah pekerjaan selesai, jika tidak kanvas tidak dapat digulung, karena cat basah akan saling menempel dan lukisan akan rusak total. Catnya bisa memakan waktu sebulan penuh untuk mengering. Di sinilah artis mulai mengalami downtime yang dipaksakan. Untuk pengangkutan, lukisan jika berukuran besar dikeluarkan dari tandu dan digulung hati-hati ke atas babbin besar dengan lukisan menghadap ke atas agar tidak merusak lukisan. Tahap selanjutnya setelah pengiriman ke lokasi, regangkan kembali kanvas ke atas tandu, dengan benar, tanpa distorsi, kerutan di sudut dan kendur, tetapi juga tanpa ketegangan yang berlebihan (semua ini juga dapat merusak lapisan lukisan). Dan seiring berjalannya waktu, kanvas yang direntangkan di atas tandu, karena pengaruh perubahan kelembapan dan suhu, dapat melorot atau sebaliknya terlalu meregang, bahkan dapat mengancam akan pecahnya kanvas. Hal ini selanjutnya dapat menyebabkan lapisan cat hancur sehingga merusak atau merusak lukisan. Itu sebabnya di aula dan gudang museum seni jadi mereka secara ketat memantau keteguhan kelembaban dan suhu.
Karton artistik memiliki banyak keunggulan. Ringan, dan saat keluar rumah dapat ditempatkan dalam bingkai kayu khusus dengan penjepit, yang memiliki pegangan sabuk di atasnya untuk dibawa. Gagasan tentang perangkat yang berguna ini diberikan oleh gambar bingkai sketsa yang disimpan di kertas ayah saya, yang dipesan ayah saya dari seorang tukang kayu. Berikut gambarnya:
Terkadang seorang pelukis membawa dua karton untuk membuat sketsa. Satu digunakan terlebih dahulu dan kemudian jika
pencahayaan atau suasana berubah, atau motif lain menarik perhatian, seniman mengambil karton kedua dan menulis di atasnya. Setelah menyelesaikan pekerjaannya, ia membalik karton, yang masih mentah dengan lukisan, ke dalam bingkai dan mengencangkannya dengan penjepit. Karton tidak saling bersentuhan. Lukisan itu tetap utuh dan tidak rusak. Itu akan mengering di bengkel.
Oleh karena itu, setelah tahun 1862, ketika produksi industri karton seni prima didirikan, para pelukis secara bertahap mulai semakin banyak menggunakan karton.
Para kritikus seni yang terhormat, yang tidak tahu apa-apa tentang semua ini, dan yang belum menulis satu sketsa pun, meremehkan hal ini. karton seni, untuk beberapa alasan menganggap lukisan di atas karton jelas-jelas belum selesai, hanya berdasarkan fakta bahwa sketsa sebagian besar ditulis di atas karton, yang, seperti akan kita lihat di bawah, selalu merupakan pekerjaan yang selesai dan dikerjakan dengan cermat, seringkali membutuhkan banyak pekerjaan. Selain itu, kata “belajar” juga ditemukan, digunakan sebagai sinonim untuk ketidaklengkapan, kelalaian dan… ketidaklengkapan! Namun izinkan saya bertanya, apa hubungannya kecerobohan pelaksanaan atau ketidaklengkapan gambar dengan apa yang dilukis? Dan bukankah ada sketsa di atas kanvas?
Ngomong-ngomong, lukisan itu bergaya realisme sosialis artis soviet Nikolai Ovchinnikov “Di Lantai Toko”, yang pada bulan September 2016 V.V. Putin memberi D.A. Medvedev ditulis di karton.
Sebenarnya ini bukan lukisan, melainkan sketsa skala penuh yang dibuat oleh seniman langsung di bengkel pabrik, namun terminologi ini akan dibahas di bawah ini.
Yang terpenting bukanlah bahan yang digunakan lukisan itu, melainkan bagaimana sang seniman mampu merefleksikan kenyataan, suasana hati, perasaannya dan menyampaikannya kepada yang melihatnya. Bahan dasarnya, baik itu kanvas, karton, hardboard, kertas, papan atau bahkan besi galvanis tipis, tidak ada hubungannya dengan hal ini. Bakat, pengalaman, dan sekolah seni yang bagus itu penting. Mereka mengatakan itu di Abramtsevo S.I. Mamontov pernah mengganti atap rumahnya. MA. Vrubel mengambil sepotong besi atap dan menulis warna ungu di atasnya. Jadi sekarang, ini bukan Vrubel?
Ini adalah “Potret D.P. Smirnova, pekerja pabrik Trekhgornaya, wakil Soviet Tertinggi Uni Soviet”
karya seniman Soviet Sergei Fedorovich Solovyov. Itu juga dibuat dari besi galvanis. Potret tersebut, karena dimensinya yang lebih sederhana yaitu 37,5 x 31,5 cm dan judul resminya, jelas merupakan studi skala penuh untuk potret besar yang ditugaskan dari seorang pria terkemuka dalam produksi. Rupanya, ketika sang model datang ke studio artis untuk berpose, dia tidak punya apa-apa lagi, jadi dia melukis lukisan kecil yang sudah jadi. potret wanita, yang kemudian, mungkin dengan beberapa perubahan kecil, dipindahkan ke kanvas besar.Kadang-kadang, karena kekurangan segalanya, seniman Soviet melukis cat minyak bahkan di atas kertas yang sama sekali tidak dimaksudkan untuk ini. Inilah yang kadang-kadang dilakukan ayah saya, khususnya. Kemudian, setelah ayah saya meninggal, saya harus merekatkan kertas ini ke karton. Kertas ("Salju Jatuh" di atas karton, minyak; 61,5x82; 1969)
Wah, mereka bahkan menulis di goni dari tas yang robek! Dan itu berhasil dengan baik!
Misalnya, pekerjaan ayah saya adalah “Ketua”. Kisahnya begini: ayahnya menerima perjalanan bisnis ke salah satu pertanian kolektif di Altai, di suatu tempat dekat Biysk, dengan tugas menulis ketua di sana, Pahlawan Buruh Sosialis. Di pertanian kolektif, tentu saja, tidak ada kanvas, apalagi kanvas prima, jadi ayah saya membuka beberapa karung besar, merentangkannya ke tandu improvisasi yang segera dipasang, menyiapkan goni dan melukis potret ketua. Selanjutnya, 50 tahun setelah kejadian tersebut, saya harus menyeret pekerjaan ini ke tandu biasa.
Atau di sini lanskap musim gugur“Crimson Autumn,” yang ditulis oleh ayah saya di suatu tempat di desa terpencil, juga menggunakan teknologi serupa:
Jadi: JIKA ANDA MELUKISAN GAMBAR MULTI METER YANG BESAR, mau tidak mau Anda harus melukisnya di atas kanvas SECARA EKSKLUSIF UNTUK PERTIMBANGAN TRANSPORTASI SELANJUTNYA, dan bukan untuk memiliki nilai seni!
Dalam kasus lain, tidak masalah apa yang harus ditulis, jika tidak, yang pertama dibeli oleh P.M. Tretyakov dua ETUDES oleh M.A. Vrubel DI KARTON, tidak masalah nilai seni tidak tahu.
SKETSA DAN SKETSA
Bagaimanapun juga, sketsa adalah apa pun yang Anda katakan, sudah selesai sepenuhnya, ukurannya relatif kecil skala penuh karya yang dilakukan di udara terbuka (lanskap) atau, katakanlah, di studio (masih hidup, potret) dan merupakan karya yang sepenuhnya mandiri. Namun, sketsa juga dapat digunakan di masa depan untuk melukis gambar besar, terkadang bahkan kanvas multi-meter yang sangat besar, yang hanya dapat dilakukan di bengkel. Sketsa, terutama untuk lanskap, paling sering memiliki dimensi, secara kasar, tidak melebihi 60 kali 80 cm, yaitu ukuran yang nyaman untuk dibawa oleh satu orang. Berikut adalah contoh sketsa skala penuh:
Sketsa tersebut dapat berupa pembelajaran satu sesi, ditulis dalam satu sesi, yaitu dalam satu hari. Namun hal ini jarang terjadi, lebih sering etude memerlukan beberapa atau bahkan banyak sesi. Sketsa multi-sesi, terutama jika lanskap berskala penuh, terkadang memerlukan pengerjaan beberapa tahun. Hal ini biasanya terjadi ketika cuaca berubah secara tiba-tiba dan dalam waktu yang lama, dan kondisi yang diinginkan kini akan muncul tahun depan. Misalnya, Anda menulis musim gugur emas Di bawah terik matahari, masih ada beberapa sesi lagi, tapi di sini hujan turun selama sebulan penuh, dan mau tidak mau kami harus datang ke tempat ini tahun depan.
Dengan demikian, sketsa adalah karya skala penuh, sebuah karya seni yang telah selesai dimana pelukisnya menghabiskan banyak tenaga kerja, yaitu, dalam bahasa sehari-hari, lukisan cat minyak yang telah selesai relatif ukuran besar.
Tentu saja ada juga sketsa yang belum selesai, namun lukisan berukuran multi meter juga bisa saja belum selesai. Jadi, seperti yang bisa kita lihat, ini sudah lama ketinggalan jaman, kehilangan maknanya selama lebih dari 100 tahun nilai sebelumnya, gagasan para kritikus seni ternama bahwa sketsa tentu saja adalah sesuatu yang belum selesai dan memiliki nilai seni yang tidak berarti, yang sayangnya, mereka tertanam kuat di kepala kita, dan, sayangnya, tercermin bahkan dalam kamus, saat ini sudah lama tidak ada lagi. didukung tidak sedikit pun alasan.
SKETSA
Sketsa berbeda dengan sketsa karena selalu dibuat semata-mata sebagai persiapan untuk lukisan tematik besar (komposisi multi-gambar dengan topik tertentu. “Pagi Eksekusi Streltsy” oleh Surikov, misalnya). Kelengkapan tidak selalu terdapat dalam sketsa, dan dalam hal ini bersifat sketsa. Mari kita bandingkan dua sketsa pekerjaan besar Artis Soviet Claudia Tutevol. Dalam kasus pertama, sketsa dibuat untuk diri sendiri, sebagai bahan kerja (Sketsa panel untuk paviliun Luar Angkasa di VDNKh)
Dalam kasus kedua (Sketsa langit-langit Opera Abay dan Teater Balet di Almaty), sketsa dibuat untuk disetujui oleh dewan kesenian, dibuktikan dengan tanda tangan dan stempel di kiri bawah dan atas sketsa. Oleh karena itu, sudah selesai dan selesai seluruhnya, tidak ada sketsa, mis. Tidak ada bau kelalaian atau pekerjaan yang belum selesai di sini. Dalam arsitektur, misalnya, ini akan menjadi model struktur arsitektur yang sesuai.
Sketsa untuk sebuah lukisan dapat berupa gambar tangan, kaki, telinga, wajah, gambar atau kepala seseorang, kuda, anjing, hewan lain, atau bahkan traktor, truk, yang sudah selesai seluruhnya, dan bahkan digambar atau digambar dengan cermat. benda apa pun, atau sepotong pakaian, segala sesuatu yang saat ini menarik minat pelukis, secara umum, segala sesuatu yang mungkin disertakan di masa depan gambaran besar artis. Selain itu, semua ini terkadang dapat ditampung pada selembar kanvas, karton, atau hardboard yang sama.
Sketsa seperti itu, kadang-kadang belum selesai, dibuat sembarangan, tergesa-gesa, disebut juga sketsa, yaitu apa yang “dibuat sketsa” oleh seniman, dalam proses menyusun komposisi multi-gambar yang besar, pada selembar kertas, karton, kanvas, dll.
Selain itu, sketsa disebut juga sketsa cepat yang dibuat oleh seniman secara spontan, di bawah pengaruh momen. Contohnya adalah sketsa karya V.G. Gremitskikh kertas "Jauh" 25,5x17, pensil; tahun 1940-an.
V.G. Kertas Gremitskikh "Jauh", pensil; 25,5x17; tahun 1940-an |
Seperti yang bisa kita lihat, sang seniman, pada selembar kertas kado pertama yang ada, hanya untuk dirinya sendiri, membuat sketsa dengan pensil sederhana, rupanya juga menemukan adegan bergenre yang dia amati.
Namun seniman Moskow Igor Radoman melukis ayah saya yang sedang beristirahat di tempat tidur di suatu tempat di rumah seniman “Academic Dacha”:
Para seniman di berbagai pertemuan dan pertemuan yang banyak terjadi di masa Soviet selalu merasa bosan dan terhibur dengan membuat sketsa pensil satu sama lain. Saya memiliki banyak sketsa serupa dalam koleksi saya dari berbagai seniman.
Sketsa tidak hanya dapat dibuat dengan pensil, tetapi juga dengan cat minyak, optimis, pastel, arang, pulpen, dan apa saja, bahkan pulpen, karena seniman sejati tidak bisa hidup semenit pun tanpa profesinya. Bagi seniman realis, ini hanyalah semacam mania profesional pada tingkat refleks terkondisi, yang membutuhkan pelatihan terus-menerus, peningkatan keterampilan, yang, pada kenyataannya, membedakan seorang seniman sejati, yang mengabdikan seluruh hidupnya untuk seni setiap hari dan setiap jam. , dari apa yang disebut seniman “modern” dan seniman avant-garde yang Anda tidak perlu bisa melakukan apa pun, dan oleh karena itu tidak diperlukan pelatihan - tidak ada keterampilan, tidak ada yang perlu diasah, cukup mengecat kotak dan segitiga!
Ngomong-ngomong, sebuah sketsa, tergantung waktu yang dimiliki seniman untuk menyelesaikannya, bisa berubah menjadi gambar yang benar-benar selesai. Di sini kita telah selesai sepenuhnya potret anak dengan pensil “Volodya sedang bermain” oleh pelukis Murom Vasily Vasilyevich Serov, namun demikian, ini adalah sketsa!
Sketsa merupakan suatu bantuan dalam proses berkarya seniman secara besar-besaran gambar tematik. Sketsa dibuat tidak hanya dengan minyak, tetapi juga dengan arang atau pensil, tempera, dll. Selain itu, seluruh lukisan multi-figur besar masa depan karya seniman dapat dirangkai dalam sketsa.
Sebagai contoh, kita dapat mengutip dua sketsa untuk lukisan tematik besar “Komandan Perang saudara"oleh seniman Soviet Grigory Gordon, yang merupakan potret kelompok komandan merah paling terkenal dalam Perang Saudara.
Pada awalnya, sang pelukis memutuskan untuk menyusun semuanya dengan latar belakang spanduk merah,
tapi kemudian komposisi ini terasa membosankan baginya, dan dia memutuskan untuk memperumitnya:
Seperti yang dapat kita lihat, dalam hal ini sketsa dibuat dalam tempera, dan selain itu, meskipun kedua karya tersebut memiliki sketsa, yaitu. ketidaklengkapan dan eksekusi yang tampak ceroboh, semua pahlawan gambaran besar masa depan cukup dikenali. Kami dengan jelas melihat Voroshilov, Budyonny, Shchors, Frunze, Chapaev, Parkhomenko, dll.
Dan ini adalah sketsa lukisan tematik besar “Penangkapan Alexander Ulyanov” oleh seniman Murom yang telah disebutkan, V.V. Serova:
Tentu saja, hasilnya kemungkinan besar akan berbeda dari rencana awal. Seorang seniman sejati, pada umumnya, tidak pernah memikirkan hal baru. Dia terus-menerus mempelajari topik yang menarik minatnya. Dia memikirkannya, berubah pikiran, banyak mengamati, membaca literatur yang relevan. Jika lukisan tematik masa depan berisi pemandangan alam, sketsa-sketsa yang sesuai dari alam ditulis, yang kemudian, biasanya dalam bentuk yang sedikit dimodifikasi, dipindahkan ke lukisan itu. Terkadang detail individual dari beberapa sketsa skala penuh dipindahkan ke gambar yang lebih besar sekaligus.
Akan tetapi, sketsa skala penuh, berbeda dengan sketsa dan sketsa, adalah sebuah karya, seperti telah kita lihat, mandiri dan harus selesai sepenuhnya. Ini adalah contoh nyata untuk Anda. Setelah menerima pesanan lukisan tematik besar “Lenin dan Gorky di Gorki”, ayah saya khususnya pada musim semi tahun 1952 sering bepergian ke Leninskie Gorki dekat Moskow dan melukis dua sketsa besar di sana, keduanya di atas kanvas. Pertama, “Gorki. Musim semi. minyak di atas kanvas; 60x80cm",
dan kemudian - “Di Gorki Leninsky, minyak di atas kanvas; 78,5x57 cm."
Selanjutnya, pada lukisan besar terakhir, ayah saya mengambil sketsa kedua sebagai dasar, mundur sedikit, dan menempatkan Maxim Gorky yang sedang berbicara dengan Lenin di depan mereka. Dari sketsa “Gorki. Musim semi." ia mengambil keadaan alam sebelumnya sebagai latar belakang, secara signifikan mengurangi lanskap itu sendiri dengan gazebo dibandingkan dengan tokoh sentral. Namun, kedua sketsa tersebut, masing-masing, mewakili lanskap taman mandiri yang lengkap, tidak berbeda dengan banyak lanskap alam milik ayah saya yang lain. Seandainya saya tidak menceritakan kisah ini di sini, Anda, sekalipun Anda seorang kritikus seni, tidak akan pernah menyangka bahwa kedua karya ini digunakan untuk membuat lukisan realisme sosialis, bukan? Jadi bagaimana kita dapat mengatakan bahwa sketsa tersebut tidak memiliki karakter yang lengkap dan makna artistik yang independen? (Ingat definisi di Wikipedia).
Lukisan multi figur tematik berukuran besar membutuhkan pengerjaan yang sangat besar dan panjang, kehadirannya jumlah yang sangat besar sketsa dan sketsa. Itu dilukis secara eksklusif di studio, seringkali selama bertahun-tahun. Ambil contoh, A. A. Ivanov dengan lukisan besarnya “Penampakan Kristus kepada Rakyat,” yang dikerjakan sang seniman selama dua puluh tahun - dari tahun 1837 hingga 1857, atau Vasily Surikov, yang mengerjakan setiap lukisannya selama tiga hingga lima tahun. bertahun-tahun.
APA PERBEDAAN GAMBAR dan STUDI?
Sketsanya, mandiri dan selesai seluruhnya sebuah karya seni, berbeda dari lukisan terutama karena lukisan itu dilukis dari kehidupan. Gambar itu dilukis secara eksklusif di studio berdasarkan sejumlah besar bahan - studi, sketsa, garis besar, sketsa pensil, dan foto. Terkadang Anda harus belajar jumlah besar sastra dan majalah, sedangkan alur cerita, yaitu tema gambar, diciptakan oleh senimannya sendiri, atau ditentukan oleh pelanggan. Dan yang terpenting, lukisan selalu mewujudkan NIAT AWAL SENIMAN, sedangkan sketsa TERUTAMA DITULIS SECARA SPONTAN – seniman mengambil buku sketsa dan pergi mencari motif, yaitu. jenis yang akan dia tulis. Di mana pun dia melihatnya, dia berhenti di sana dan menulis.
Tidak terkecuali etudes yang ditulis khusus untuk pembuatan lukisan tematik berukuran besar. Dalam kasus yang saya bicarakan di atas, ayah saya pertama kali menemukan gazebo di Leninsky Gorki, memutuskan bahwa dia akan menempatkan Lenin dan Gorky di depannya, dan baru kemudian melukis dua sketsa kehidupan dengan gazebo ini.
Pada dasarnya dapat dikatakan demikian segala sesuatu yang ditulis dari kehidupan adalah sketsa, baik itu lanskap, still life atau potret, dan segala sesuatu yang memerlukan rencana awal, pengerjaan jangka panjang dengan banyak dan beragam bahan persiapan- ini adalah gambar.
Sebuah lukisan pasti bisa disebut sebagai kanvas zaman yang berukuran besar, dan terkadang sangat besar. Ada seorang seniman Henryk Ippolitovich Semiradsky. Jadi dia melukis lukisan-lukisan yang begitu besar sehingga di studio lukisan-lukisan itu digantung di langit-langit dan mencapai lantai, dan, ingatlah, ini tidak terjadi di Khrushchev. Oleh karena itu, akademisi dan profesor Akademi Seni Kekaisaran harus terus-menerus menaiki tangga, terkadang ia memiliki karya yang begitu besar. Di G.I. Lukisan Semiradsky sebagian besar merupakan lukisan fantasi besar dengan tema kuno, yang subjeknya ia ambil dari kepalanya, karena kehidupan nyata Yunani Kuno Tentu saja, dia tidak dapat mengamati Roma pada masa Kaisar Nero dengan matanya sendiri.
Namun lukisan tersebut bisa berukuran cukup sederhana, terutama untuk lukisan bergenre, yaitu lukisan karya seniman yang menggambarkan pemandangan sehari-hari. Misalnya, “Perjodohan Seorang Mayor” yang terkenal oleh Pavel Fedotov memiliki ukuran sketsa yang cukup besar - hanya 58,3x75 cm, tetapi, seperti yang Anda pahami, itu jelas tidak dilukis dari kehidupan langsung di ruang tamu seorang pedagang.
Gambaran sejarah pada umumnya hanya bersifat fantasi. Kedua saudara Vasnetsov, misalnya, menulis tentang materi sejarah, tetapi sangat berbeda. Seseorang menciptakan kembali kehidupan dan arsitektur Moskow pada abad ke-14 dan abad ke-17, yang lain mengambil Rusia sebagai basisnya cerita rakyat dan epos. Tetapi jika Apollinaris, secara serius, pada tingkat ilmiah, terlibat dalam sejarah dan arkeologi, adalah anggota dari berbagai masyarakat sejarah dan arkeologi, menjadi pendukung setia penyebaran pengetahuan sejarah, berusaha untuk menciptakan kembali kehidupan dan pandangan Moskow abad pertengahan “sebagaimana adanya” berdasarkan dokumen dan hasil kuno penggalian arkeologi, di mana dia kadang-kadang ambil bagian secara pribadi, lukisan kakak laki-lakinya, Victor, sudah murni bersifat fantasi.
Lukisan pertempuran termasuk dalam kategori yang sama. Melukis mereka dari kehidupan langsung di medan perang, seperti yang dibayangkan beberapa wanita dari sejarah seni, sungguh konyol. Pelukis pertempuran terkenal Rusia V.V. Vereshchagin, yang secara pribadi mengamati banyak pertempuran, dan kadang-kadang bahkan mengambil bagian langsung di dalamnya, menulis lukisannya hanya dari ingatan, tentu saja di studio, mengandalkan banyak sketsa yang dibuatnya di teater operasi militer. Selain itu, Vasily Vasilyevich banyak membaca, mewawancarai saksi mata, menghabiskan banyak uang untuk alat peraga - ia membeli senjata, seragam, peralatan, yang kemudian ia gambar dari alam, sehingga menyiapkan sketsa untuk lukisan yang ada dalam pikirannya.
Lukisan besar yang menggambarkan pemandangan alam juga bukan merupakan benda nyata, melainkan diciptakan oleh seniman dari kepalanya dan dibuat berdasarkan sketsa dari alam. Suatu ketika saya kebetulan melihat sebuah sketsa berukuran kira-kira 60 kali 80 cm, yang menjadi dasar karya I.I. Shishkin melukis lukisan besarnya yang terkenal “Rye” berukuran 107 kali 187 cm. Sketsa itu di atas kanvas dan menggambarkan semuanya sama seperti di gambar, hanya saja jalan dari penonton tidak langsung menuju ke pohon-pohon pinus, melainkan agak menyamping dan. jumlah pohon pinus berbeda-beda. Dalam hal ini, sketsa dari alam jelas menjadi dasar pembuatan lukisan besar dengan pemandangan alam, namun sketsa itu sendiri merupakan karya yang telah selesai dan dikerjakan dengan cermat.
Dengan demikian, kita tidak hanya berbicara tentang sketsa untuk sebuah lukisan, tetapi juga tentang sketsa untuk sebuah lukisan, jika sketsa itu ditulis khusus untuk itu. Paling sering ini menyangkut lanskap. Jika I.I. Shishkin membatasi dirinya pada sketsa yang disebutkan di atas, dan karena alasan tertentu tidak menulis karya berskala besar berdasarkan sketsa tersebut, kini kritikus seni akan Galeri Tretyakov membual tentang lukisan karya I.I. Shishkina “Rye” 60x80 cm, tanpa curiga ini adalah sketsa skala penuh.
Mari kita simpulkan:
Sebuah lukisan, tidak seperti sketsa, memerlukan rencana awal dari senimannya, pemikiran jangka panjang, dan selalu dibedakan dengan pelaksanaan dan penyelesaian yang cermat, bisa dikatakan, dituliskan. Lukisan dengan ukuran berapa pun selalu dilukis oleh seniman di studio berdasarkan berbagai macam bahan: foto, sketsa dan sketsa persiapan, dan, jika perlu, berdasarkan sketsa yang telah ditulis sebelumnya dari alam. Sebuah lukisan, meskipun kecil, dan terlebih lagi ukuran besar, selalu dilukis bukan di udara terbuka, meskipun itu adalah lanskap (coba seret raksasa seperti itu bersama Anda ke ladang atau hutan!), tetapi di studio seniman. Sebuah lukisan besar tentu saja dilukis di atas kanvas, hal ini disebabkan oleh kenyamanan luar biasa dari kanvas besar untuk transportasi.
Lukisan tematik - seperti istilahnya sendiri, adalah lukisan dengan topik tertentu. Paling sering ini adalah komposisi multi-angka yang besar. Istilah ini sudah muncul dalam sejarah seni rupa Soviet, sehingga paling sering diterapkan pada karya-karya yang disebut realisme sosialis, misalnya bertema Civil, Great Perang Patriotik, atau, katakanlah, “Lenin di bulan Oktober”. Karena ukuran karya semacam itu seringkali sangat besar, sang seniman tentu saja mengerjakan lukisan semacam itu di studionya dan melukisnya di atas kanvas. “Keluarga Cossack menulis surat kepada Sultan Turki” I.E. Repin yang berukuran 2,03 kali 3,58 meter pada prinsipnya dapat juga disebut lukisan tematik, meskipun realisme sosialis tidak ada bau disana. Itu juga ditulis oleh Ilya Efimovich di bengkel berdasarkan banyak sketsa dan sketsa, serta, misalnya, “Pengangkut Tongkang di Volga” (1,31 kali 2,81 m).
Lukisan bergenre - namanya berasal kata Perancis"genre" biasanya berhasil
Kecil potongan percakapan dapat dibuat tidak hanya di atas kanvas, tetapi juga di atas karton atau hardboard. Bahan ini mulai menyebar luas pada abad ke-20.
Ada juga konsep seperti potret genre. Potret hanyalah potret seseorang dengan latar belakang netral, namun bila ada latar belakang yang menggambarkan objek, orang, atau bahkan lanskap industri yang memberi kesan kepada yang melihatnya, misalnya pekerjaan orang yang digambarkan, maka ini adalah sudah menjadi potret genre. Sebagai contoh, kita dapat mengutip potret perempuan bergenre “Veteran Buruh Pertambangan” oleh seniman Soviet Klavdia Aleksandrovna Tutevol, yang telah disebutkan di sini:
Sketsa, seperti yang kami katakan di atas, adalah karya mandiri yang telah selesai sepenuhnya, tetapi tentunya dari alam. Ini adalah karya seni yang sepenuhnya independen, tetapi juga dapat berfungsi sebagai bahan tambahan untuk lukisan besar karya seniman, yang sama sekali tidak mengurangi nilai seninya. Ini bisa berupa benda mati, potret, lanskap, interior. Sketsa tersebut, karena ukurannya yang relatif kecil, dilukis di atas semua bahan di atas, namun yang utama di dalamnya tentu saja adalah kualitas karya pelukisnya, kemampuannya dalam membangun komposisi dalam benda mati, mencerminkan. karakter model dalam potret, menyampaikan kegembiraan atau kedamaian laut, dinginnya hutan musim dingin, keindahan matahari terbenam, pesona musim gugur emas atau suasana musim semi alam dalam lanskap.
Sketsa merupakan suatu karya pembantu, tujuannya untuk mencatat gagasan komposisi masa depan
gambar tematik. Sebagai contoh, mari kita ambil sketsa lukisan “Virgin Lands” karya E. D. Ishmametov. Di dalamnya, seniman mengembangkan komposisi dan pewarnaan, karakter, pose karakter, dan kemudian melukis lukisan besar tentang topik ini. Pelukis selalu memikirkan sketsa untuk sebuah lukisan dengan sangat hati-hati. Biasanya sebuah sketsa dicirikan oleh beberapa ketidaklengkapan, ketidaklengkapan. Hal ini disebabkan oleh kenyataan bahwa seniman seringkali tidak perlu menyelesaikannya; ada tugas lain - mengembangkan pilihan untuk komposisi lukisan masa depan, menyempurnakan konsep aslinya. Oleh karena itu, sketsa paling sering bersifat sketsa. Namun bisa juga merupakan karya yang telah selesai seluruhnya, digambar dengan cermat, apalagi jika sketsa tersebut hendak disetujui oleh panitia seleksi, seperti yang telah kita lihat pada contoh sketsa langit-langit teater. Abai di Almaty oleh Claudia Tutevol.Sketsa, jika dibuat dalam proses pengerjaan lukisan, juga merupakan karya pembantu semata, belum selesai, tidak digambar secara detail.
Ditulis atau digambar dengan cepat, tetapi kecerobohan seniman yang baik tidak terjadi di dalamnya. Anda dapat dengan cepat membuat sketsa, misalnya, kepala seorang model, yang nantinya akan berubah menjadi potret akhir yang megah, atau Anda dapat membuat sketsa cepat dari beberapa gambar yang nantinya mungkin diperlukan untuk membuat komposisi lukisan besar, dan sketsa akan tetap menjadi karya independen, menarik bagi kolektor dan amatir. Di sini, misalnya, adalah sketsa karya V.G. Gremitsky "Menari":Namun, seperti yang kita lihat di atas, sketsa juga bisa sepenuhnya independen.
Sketsa juga biasanya bersifat sketsa, tetapi sketsa pada hakikatnya adalah rencana lukisan yang akan datang, susunannya secara keseluruhan, sedangkan sketsa untuk lukisan adalah sketsa singkat tentang sesuatu yang pada prinsipnya dapat dimasukkan ke dalam suatu masa depan. lukisan.
TENTANG BEBERAPA ISTILAH UMUM LAINNYA DALAM LUKISAN :
Saya pernah sangat terkejut mengetahui bahwa staffage adalah “sebuah lukisan cat minyak tanpa gambaran yang jelas tentang sosok manusia atau hewan.” Faktanya, staf adalah figur kecil manusia atau hewan, yang diukir oleh seniman ke dalam lanskap untuk menghidupkannya kembali.
Istilah lain dari lukisan pemandangan- garpu tala. Ini adalah titik terang yang kontras dengan latar belakang lanskap secara umum. Biasanya ini semacam staf. Contohnya adalah karya seniman Tashkent
V.M. Kovinina " Pemandangan gunung dengan sosok gadis berbaju nasional berwarna merah cerah.
Aneh jika mereka menelepon siapa pun lukisan cat minyak, meski ukurannya kecil, dan bahkan ditulis di karton. “linen adalah kain linen halus dan padat dengan tenunan paling sederhana; varietas terbaik disebut cambric, yang paling kasar disebut kanvas, kanvas, equalduc, dll.” (Wikipedia). Jadi, kanvas tidak bisa berupa karton atau hardboard; dalam kaitannya dengan lukisan, sudah pasti kanvas.
Dalam seni lukis, kanvas adalah lukisan berukuran sangat besar, dan biasanya bertemakan zaman tertentu. Jadi, kita dapat mengatakan bahwa hanya kanvas yang keluar dari kuas Vasily Surikov, tetapi Konstantin Korovin menjadi terkenal terutama karena karya sketsanya. Jika "Gelombang Kesembilan" oleh Aivazovsky dapat sepenuhnya disebut kanvas, maka sehubungan dengan karya kecil "Fresh Cavalier" yang telah disebutkan oleh Fedotov, itu akan menjadi lucu, meskipun faktanya itu juga dilukis di atas kanvas.
Sedikit lebih banyak tentang tanah: Apa itu gesso? Ini adalah primer khusus, juga berbahan dasar kapur, yang digunakan untuk menutupi papan kayu. Sebelumnya di Eropa Barat Gambar sering kali dilukis di papan, dan di Rus' - ikon, dan selalu. Ini adalah bahan yang sangat tidak nyaman. Di Belanda, pada suatu waktu, papan dikeringkan selama 50 tahun, baru setelah itu digunakan. Saat ini, seniman jarang menggunakan gesso, karena cat, bersama dengan lapisan primer yang tebal, mudah terkelupas seiring waktu atau karena benturan ringan. Dan pelukis ikon modern semakin jarang menggunakannya.
Sebagai kesimpulan, berikut beberapa ilustrasi lagi untuk kejelasan:
Karya oleh V.G. Gremitskikh, yang disebut "Etude". Ini pada dasarnya, seperti namanya, adalah potret bergenre satu sesi skala penuh dari seorang pekerja, yang dilukis tepat di tempat kerjanya di pembangunan pembangkit listrik tenaga air Kuibyshev.
Dan inilah potret genre karya seniman Tashkent Valery Kovinin:
Ini jelas bukan potret satu sesi; di sini sang seniman jelas menyiksa rekannya yang berperan sebagai modelnya dengan beberapa sesi, yang terlihat dari ketelitian pengerjaan karyanya dan ukurannya. Tapi tetap saja ini potret pria bukan lukisan, melainkan sketsa multisesi dari alam, yang sama sekali tidak mengurangi nilai seninya.
Untuk membuktikan pernyataan terakhir ini, perhatikan potret wanita terkenal “Gadis yang Diterangi Matahari”. Sepupunya, Maria Simonovich V.A. Serov melukis dari alam sepanjang musim panas tahun 1888, menangkap setiap hari yang cerah (pada hari berawan ia melukis pemandangan “Overgrown Pond”). Rencana awal (kami katakan di atas bahwa kami punya artis terkenal juga tidak hadir, dia hanya ingin, dalam kata-katanya, “menulis sesuatu yang menyenangkan.”
Jadi, di sini kita berhadapan dengan tidak lebih dari sketsa multi-sesi khas dari alam, yang ditulis sesuai keinginan, sesuai dengan keinginan yang muncul seketika. Beruntung bagi P.M. Tretyakov, yang memperoleh karya ini, belum mengetahui bahwa “Studi seni rupa adalah sketsa persiapan untuk karya masa depan.” (Wikipedia) Dan Valentin Serov menunjukkan tingkat ketidakprofesionalan yang ekstrim, menghabiskan waktu sebanyak 90 hari hanya untuk dua sketsa persiapan - potret seorang gadis dan pemandangan dengan kolam!
Saya dapat memberikan lebih banyak contoh serupa, tetapi saya khawatir saya sudah sangat melelahkan pembaca. Saya harap saya masih bisa memberikan kontribusi sederhana saya untuk menjelaskan kepada masyarakat umum beberapa istilah artistik yang paling umum digunakan, yang terkadang, sejujurnya, bahkan para senimannya sendiri pun bingung.
Alexander Gremitskikh
Avatar: V.M. Kovinin "Ke pasar Minggu. Karakalpakstan." minyak di atas kanvas 98x178. 1971 (Ini adalah tipikal gambar bergenre besar)
Ketika memulai dialog dengan budaya dunia, manusia modern tidak mengeluarkan upaya untuk naik ke levelnya, tetapi sebaliknya, mencoba menurunkannya ke levelnya sendiri. (seseorang yang pintar)
Sebelum ditemukannya fotografi, lukisan dipandang sebagai alat untuk merefleksikan lingkungan seakurat mungkin. Lukisan dianggap semakin bagus semakin akurat menggambarkan dunia nyata. Dengan munculnya fotografi pada tahun 1839, dan sinema pada tahun 1895, pemahaman tentang seni lukis berkembang secara signifikan, meskipun sebagian lainnya masih menganut pandangan fungsional yang sempit.
Apa perbedaan antara foto dan lukisan?
Bato Dugarzhapov "Natal".
Fotografi menangkap suatu momen, yaitu keadaan suatu objek yang sangat spesifik dan seketika. Seniman, tidak peduli bagaimana dia menuliskan detailnya secara detail dan masuk akal, pertama-tama menulis hal UMUM yang dia lihat dalam model, yaitu yang paling khas dan ekspresif.
Oleh karena itu, sebuah foto (kecuali karya-karya seniman foto yang sangat langka) adalah sebuah ilustrasi, mirip dengan gambar di ensiklopedia: seperti inilah rupa tupai, anak-anak, dan seperti inilah rupa pemilik album foto itu. 20 tahun yang lalu ketika dia mandi di bak mandi.
Bato Dugarzhapov "Krimea".
Seniman modern telah berhenti meniru alam - fotografi dan pembuatan film dapat melakukan hal ini dengan lebih baik dan lebih cepat. Naturalisme mendorong lukisan ke jalan buntu pengulangan dan banalitas. Terlebih lagi, alam tidak dapat direproduksi. Ketika pemirsa hanya melihat aspek paling dangkal dari lukisan itu - transmisi informasi "di mana segala sesuatunya berdiri", maka pemahaman tentang lukisan itu akan menjadi sangat miskin dan terdistorsi.
Sebuah lukisan pada dasarnya berbeda dari sebuah foto dalam hal non-identitas dari apa yang diciptakan, dan inilah yang telah terjadi perbedaan mendasar antara gambar bergambar dan fotografi. Seniman memutuskan dengan kemauannya sendiri apa dan bagaimana meninggalkannya, apa dan bagaimana menyorotnya, apa yang harus dikecualikan dari gambar, kadang-kadang bahkan bertentangan dengan akal sehat yang dangkal.
Bato Dugarzhapov "Teras".
Lukisan cat minyak bergambar di atas kanvas diklaim sebagai tampilan objek yang dilukis secara lengkap dan universal serta menyampaikan kesan terhadapnya. Dengan cara yang tidak dapat dipahami, sebuah volume muncul di kanvas datar, hidup dan dunia yang indah, dibuat oleh seniman.
Kita bisa masuk ke dalam gambar dan mendengar kicauan burung, mencium baunya padang rumput berbunga, merasakan hangatnya air yang dihangatkan matahari, melihat pergerakan – memahami dengan jelas bahwa semua ini hanya terjadi dalam kesadaran kita dan di hadapan kita, dan bahwa penulis menyampaikan semuanya kepada kita.
Apa itu "alla prima"?
Bato Dugarzhapov “Pagi”.
Jika sebelumnya gaya perhiasan yang menuliskan detail hingga detail terkecil disambut baik, ketika gambar dilukis selama berbulan-bulan, atau bahkan bertahun-tahun, dan kemudian dipernis dengan hati-hati, maka pada abad ke-19-20 muncul konsep “alla prima” - dari bahasa latin “all prima vista” (sekilas) yang berarti lukisan spontan dengan cat impasto.
Lukisan sudah siap setelah sesi pertama. Warna-warna tersebut sebagian besar tercampur pada palet, sehingga tampak segar dan bercahaya. Saat menulis en plein air sangat cara yang cocok bekerja.
Pastisitas diwujudkan dalam relief, ketidakrataan lapisan cat, pada sapuan kuas plastik dan berfungsi untuk mempertegas sisi material objek dan memberikan kedinamisan. Lukisan lebih banyak dan informatif daripada foto; lukisan dapat memberikan dampak emosional pada pemirsa dengan bintik warna lokal, tanpa klarifikasi dan spesifikasi detail yang tidak perlu. Terkadang malah karena kurangnya spesifikasi ini.
Bato Dugarzhapov “Siang. Perahu."
Pergantian guratan dan titik cahaya yang tampak kacau jauh lebih emosional daripada fotografi, dan cara lama yang halus menyampaikan gerakan - permainan bintik matahari di rumput, silau di air, goyangan dedaunan, dll.
Sayangnya, penonton yang benar-benar liar dalam arti budaya bergambar, melihat karya alla prima, dilukis dengan guratan dan garis-garis yang menyapu, tidak menyusahkan dirinya untuk berhenti dan melihat lebih dekat, melainkan membusungkan pipinya dan, dengan kata-kata “Saya bisa melukis seperti itu juga,” dengan kesadaran akan superioritasnya sendiri, ia melangkah lebih jauh mencari kreasi yang ditulis dengan cat keriting, yang tidak memerlukan karya imajinasi dan empati.
Mari kita lepaskan dia, lalu perhatikan, misalnya, lukisan “Plein Air” karya seniman Bato Dugarzhapov. Apa yang kita lihat dalam gambar menarik ini?
Bato Dugarzhapov "Plein Udara".
Mereka yang ingin melihat bagaimana sepatu karakter dibuat - tidak ada. Pemirsa, yang mengikuti gelombang pemahaman, pertama-tama melihat banyak sinar matahari. Kemudian kita melihat beberapa seniman dalam gaun musim panas dengan kuda-kuda dan seorang seniman berjanggut dengan jeans dan kuas di tangannya. Kemudian yang hangat muncul dinding batu dengan pohon wisteria memanjat yang disinari matahari di atasnya, langit biru di celah dedaunan, tembok pembatas tanggul dan laut di belakangnya. Alasan dedaunan tidak tergambar secara detail dan urat adalah karena ia bergerak, bergoyang, dan cahayanya juga bergerak, bayangan bergerak dan pantulan laut di kejauhan berubah setiap menit...
Suasana gambarnya benar-benar fenomenal, hanya memancarkan cahaya dan kepositifan. Dan pada saat yang sama, tidak mungkin menunjuk dengan penunjuk dan menjelaskan - ini dia, dan ini dia. Anda hanya perlu melihatnya dengan menjauh sedikit dari gambar dan melihatnya cukup lama. Selain itu, ini hanya sebuah file, saya dapat membayangkan betapa berfungsinya file tersebut dalam aslinya!
Bato Dugarzhapov "Pada sketsa".
Lukisan “On Etudes” “muncul” dengan cara serupa. Yang pertama adalah bintik-bintik sinar matahari yang kacau dan pantulan laut. Kemudian artis berambut abu-abu itu mencondongkan tubuh ke arah kuda-kuda. Lalu - laut itu sendiri: laut yang bersinar, bergerak, khawatir, pantulan matahari dari ombak praktis membutakan mata (bagaimana hal ini dilakukan tidak mungkin untuk dipahami), di laut ada batu, batu dan perahu, di sebelah kiri , sekali lagi, tanaman merambat, mungkin anggur.
Suasana pagi yang panas (dan ini pagi hari, karena saat matahari sedang tinggi, air laut tidak terlalu berkilau, berubah menjadi biru), keindahan pantai selatan dan kekaguman akan keindahan tersebut sangat tersampaikan.
Bato Dugarzhapov "Malam Selatan"
Lukisan Bato Dugarzhapov terbenam dalam lingkungan bercahaya khusus, yang menunjukkan budaya gambar seniman yang tinggi dan pemahaman halus tentang warna dan hubungan spasial. Karya-karyanya dibedakan dari kesegarannya, ritme garis dan bintik warna yang cepat, kegembiraan romantis, dan persepsi halus tentang hubungan cahaya-spasial.
Dengan sangat mudah, dengan menggunakan sapuan besar, ia menciptakan gambaran alam yang lengkap dan integral dalam warna, cahaya, dan dinamika kehidupan... semuanya berkilau di bawah sinar matahari, bahkan di mana ada bayangan, pantulan berkilau, yang sangat menakjubkan dan menyenangkan. Dilempar bebas, warna-warna terletak di atas satu sama lain dan membentuk harmoni dan ritme warna-warni arti khusus memiliki nuansa warna-warni.
Bato Dugarzhapov “Danau Como”.
Bato Dugarzhapov lahir pada tahun 1966 di Chita. Ia lulus dari sekolah seni di Tomsk dan Institut Seni Akademik Negeri Moskow. V.I. Surikov. Karya seniman ada dalam koleksi pribadi di Rusia, Amerika Serikat, Prancis, Italia, dan Spanyol.
K.Yu.Starokhamskaya