Seniman kontemporer dengan gaya telanjang. Kecantikan yang tidak wajar: wanita dalam lukisan dari berbagai arah
.
Seniman lulusan Tver Art School pada tahun 1994 dengan gelar desain grafis ini memukau imajinasi dengan gayanya yang luar biasa dan komposisinya yang indah.
Dia adalah pencipta ilustrasi yang benar-benar unik dengan sentuhan retro. Waldemar Kazak adalah seorang seniman dengan selera humor, ia memiliki visi khusus tentang kehidupan sehari-hari, ia tahu bagaimana menertawakan kehidupan sehari-hari, dan sering mengolok-olok makna dongeng anak-anak, politisi, dan remaja modern.
Seorang ilustrator modern bekerja dalam genre sehari-hari dengan penekanan pada karikatur. Karakter dari karya Kazak sulit untuk dilewatkan dan diingat. Semuanya sangat berwarna, ekspresif, dan cerah.
Komposisinya yang menakjubkan dipenuhi dengan gaya estetika pascaperang, yang muncul pada tahun 50-an abad kedua puluh; kecemerlangan retro diwujudkan dalam segala hal: mulai dari pilihan subjek gambar hingga pilihan warna.
Inilah yang dikatakan Waldemar Kazak sendiri tentang gayanya:
Seperti orang (atau artis mana pun), saya memiliki tulisan tangan saya sendiri. Tapi saya tidak mengasuhnya karena saya takut terjerumus ke dalam tingkah laku. Selain itu, tulisan individu yang cemerlang laris di pasaran. Ya, sebenarnya semua orang sudah mengetahui hal ini.
Gambar seni Waldemar Kazak yang sangat cerah, menarik, dan menarik perhatian tidak akan membuat siapa pun acuh tak acuh!
Genre seni lukis bermunculan, memperoleh popularitas, memudar, bermunculan genre-genre baru, dan subtipe-subtipe mulai dibedakan dalam genre-genre yang sudah ada. Proses ini tidak akan berhenti selama seseorang masih ada dan berusaha menangkap dunia di sekitarnya, baik itu alam, bangunan, atau orang lain.
Sebelumnya (hingga abad ke-19) terdapat pembagian genre lukisan menjadi genre “tinggi” (genre besar Prancis) dan genre “rendah” (genre petit Prancis). Perpecahan ini muncul pada abad ke-17. dan didasarkan pada subjek dan plot apa yang digambarkan. Dalam hal ini, genre tinggi meliputi: pertempuran, alegoris, religius dan mitologis, dan genre rendah mencakup potret, lanskap, lukisan alam benda, dan animalisme.
Pembagian ke dalam genre cukup bersyarat, karena unsur dua genre atau lebih dapat hadir dalam sebuah lukisan pada waktu yang bersamaan.
Animalisme, atau genre kebinatangan
Animalisme, atau genre kebinatangan (dari bahasa Latin animal - animal) adalah genre yang motif utamanya adalah gambar binatang. Kita dapat mengatakan bahwa ini adalah salah satu genre paling kuno, karena... gambar dan figur burung dan binatang hadir dalam kehidupan masyarakat primitif. Misalnya pada lukisan terkenal karya I.I. “Pagi di Hutan Pinus” karya Shishkin, alam digambarkan oleh senimannya sendiri, dan beruang digambarkan oleh seniman yang sama sekali berbeda, yang berspesialisasi dalam menggambarkan binatang.
aku. Shishkin “Pagi di hutan pinus” Bagaimana cara membedakan subspesies? Genre hippik(dari bahasa Yunani kuda nil - kuda) - genre di mana pusat gambarnya adalah gambar seekor kuda.
BUKAN. Sverchkov “Kuda di kandang” Potret
Potret (dari kata Perancis potret) adalah gambar yang gambar utamanya adalah seseorang atau sekelompok orang. Sebuah potret tidak hanya menyampaikan kemiripan luar, tetapi juga mencerminkan dunia batin dan menyampaikan perasaan seniman terhadap orang yang potretnya ia lukis.
YAITU. Potret Repin Nicholas II Genre potret dibagi menjadi individu(gambar satu orang), kelompok(gambar beberapa orang), berdasarkan sifat gambar - ke pintu depan ketika seseorang digambarkan dalam pertumbuhan penuh dengan latar belakang arsitektur atau lanskap yang menonjol dan ruangan, ketika seseorang digambarkan setinggi dada atau pinggang dengan latar belakang netral. Sekelompok potret, yang disatukan oleh suatu ciri, membentuk suatu ansambel, atau galeri potret. Contohnya adalah potret anggota keluarga kerajaan.
Menonjol secara terpisah potret diri, di mana sang seniman menggambarkan dirinya sendiri.
Potret diri K. Bryullov Potret adalah salah satu genre tertua - potret pertama (patung) sudah ada di Mesir kuno. Potret seperti itu bertindak sebagai bagian dari pemujaan terhadap kehidupan setelah kematian dan merupakan "kembaran" dari seseorang.
Pemandangan
Lanskap (dari bahasa Prancis paysage - negara, area) adalah genre di mana gambar sentralnya adalah gambar alam - sungai, hutan, ladang, laut, gunung. Dalam sebuah lanskap, yang menjadi inti tentu saja adalah alurnya, namun yang tidak kalah pentingnya adalah menyampaikan gerak dan kehidupan alam sekitar. Di satu sisi alamnya indah dan menggugah kekaguman, namun di sisi lain cukup sulit untuk tercermin dalam sebuah gambar.
C. Monet “Ladang bunga poppy di Argenteuil” Subspesies lanskap adalah pemandangan laut atau marina(dari marinir Prancis, marina Italia, dari bahasa Latin marinus - laut) - gambar pertempuran laut, laut, atau peristiwa lain yang terjadi di laut. Perwakilan terkemuka pelukis kelautan adalah K.A. Aivazovsky. Patut dicatat bahwa sang seniman menulis banyak detail lukisan ini dari ingatan.
aku. Aivazovsky "Gelombang Kesembilan" Namun, seniman seringkali berusaha melukis laut dari kehidupan, misalnya W. Turner untuk lukisannya “Blizzard. Sebuah kapal uap di pintu masuk pelabuhan memberikan sinyal bahaya setelah masuk ke perairan dangkal,” menghabiskan 4 jam terikat di jembatan kapten kapal yang berlayar di tengah badai.
W. Turner “Badai salju. Sebuah kapal uap di pintu masuk pelabuhan memberikan sinyal bahaya setelah masuk ke perairan dangkal."Unsur air juga tergambar pada lanskap sungai.
Alokasikan secara terpisah pemandangan kota, yang subjek utama gambarnya adalah jalan-jalan kota dan bangunan. Salah satu jenis lanskap perkotaan adalah Weduta– gambaran lanskap kota dalam bentuk panorama yang tentunya tetap terjaga skala dan proporsinya.
A. Canaletto “Piazza San Marco”Ada jenis lanskap lainnya - pedesaan, industri dan arsitektur. Dalam seni lukis arsitektur, tema utamanya adalah gambaran lanskap arsitektur, yaitu. bangunan, struktur; termasuk gambar interior (dekorasi interior tempat). Kadang-kadang Pedalaman(dari bahasa Prancis intérieur - internal) dibedakan sebagai genre tersendiri. Genre lain menonjol dalam lukisan arsitektur — Capriccio(dari bahasa Italia capriccio, kemauan, keinginan) - lanskap fantasi arsitektur.
Lukisan alam benda
Still life (dari bahasa Perancis nature morte - dead nature) adalah genre yang didedikasikan untuk penggambaran benda mati yang ditempatkan di lingkungan umum dan membentuk suatu kelompok. Still life muncul pada abad 15-16, namun sebagai genre tersendiri muncul pada abad ke-17.
Terlepas dari kenyataan bahwa kata "masih hidup" diterjemahkan sebagai alam mati, dalam lukisan tersebut terdapat karangan bunga, buah-buahan, ikan, hewan buruan, piring - semuanya tampak "seperti hidup", yaitu. seperti aslinya. Sejak kemunculannya hingga saat ini, still life telah menjadi genre penting dalam seni lukis.
K. Monet “Vas Bunga” Sebagai subspesies terpisah kita dapat membedakannya kesombongan(dari bahasa Latin Vanitas - kesombongan, kesombongan) - genre lukisan di mana tempat sentral dalam gambar ditempati oleh tengkorak manusia, yang gambarnya dimaksudkan untuk mengingatkan akan kesia-siaan dan kelemahan kehidupan manusia.
Lukisan karya F. de Champagne menghadirkan tiga simbol kelemahan eksistensi - Kehidupan, Kematian, Waktu melalui gambar bunga tulip, tengkorak, jam pasir.
Genre sejarah
Genre sejarah adalah genre yang lukisannya menggambarkan peristiwa penting dan fenomena penting secara sosial di masa lalu atau masa kini. Patut dicatat bahwa gambar tersebut dapat didedikasikan tidak hanya untuk peristiwa nyata, tetapi juga untuk peristiwa dari mitologi atau, misalnya, dijelaskan dalam Alkitab. Genre ini sangat penting bagi sejarah, baik bagi sejarah masing-masing bangsa dan negara, maupun bagi umat manusia secara keseluruhan. Dalam lukisan, genre sejarah tidak dapat dipisahkan dari jenis genre lainnya - genre potret, lanskap, pertempuran.
YAITU. Repin “Keluarga Cossack menulis surat kepada Sultan Turki” 
K. Bryullov “Hari Terakhir Pompeii” Genre pertempuran
Genre pertempuran (dari bahasa Perancis bataille - pertempuran) adalah genre yang lukisannya menggambarkan puncak suatu pertempuran, operasi militer, momen kemenangan, adegan-adegan dari kehidupan militer. Lukisan pertempuran ditandai dengan penggambaran sejumlah besar orang dalam gambar.
A A. Deineka "Pertahanan Sevastopol" Genre religi
Genre religi adalah genre yang alur cerita utama dalam lukisannya bersifat alkitabiah (adegan dari Alkitab dan Injil). Temanya berkaitan dengan religi dan seni lukis ikon, yang membedakannya adalah lukisan yang bermuatan religi tidak ikut serta dalam ibadah keagamaan, dan untuk ikon itulah tujuan utamanya. Ikonografi diterjemahkan dari bahasa Yunani. berarti "gambar doa". Genre ini dibatasi oleh kerangka dan hukum seni lukis yang ketat, karena dimaksudkan bukan untuk mencerminkan kenyataan, melainkan untuk menyampaikan gagasan tentang prinsip ketuhanan, yang di dalamnya seniman mencari cita-cita. Di Rus, lukisan ikon mencapai puncaknya pada abad 12-16. Nama-nama pelukis ikon yang paling terkenal adalah Theophanes the Greek (fresko), Andrei Rublev, Dionysius.
A. Rublev “Tritunggal” Betapa menonjolnya tahap transisi dari lukisan ikon ke potret Parsuna(terdistorsi dari bahasa Latin persona - orang, orang).
Parsun dari Ivan yang Mengerikan. Penulis tidak diketahui Genre sehari-hari
Lukisan-lukisan tersebut menggambarkan pemandangan kehidupan sehari-hari. Seringkali sang seniman menulis tentang momen-momen dalam kehidupan yang ia alami pada masa kini. Ciri khas genre ini adalah realisme lukisannya dan kesederhanaan plotnya. Gambar tersebut dapat mencerminkan adat istiadat, tradisi, dan struktur kehidupan sehari-hari masyarakat tertentu.
Lukisan rumah tangga mencakup lukisan terkenal seperti “Barge Haulers on the Volga” oleh I. Repin, “Troika” oleh V. Perov, “Unequal Marriage” oleh V. Pukirev.
I. Repin “Pengangkut Tongkang di Volga” Genre epik-mitologis
Genre epik-mitologis. Kata mitos berasal dari bahasa Yunani. “mitos” yang artinya tradisi. Lukisan-lukisan tersebut menggambarkan peristiwa legenda, epos, tradisi, mitos Yunani kuno, cerita kuno, plot karya cerita rakyat.
P. Veronese "Apollo dan Marsyas" Genre alegoris
Genre alegoris (dari bahasa Yunani allegoria - alegori). Lukisan dilukis sedemikian rupa sehingga mempunyai makna tersembunyi. Ide-ide dan konsep-konsep yang tidak penting, tidak terlihat oleh mata (kekuatan, kebaikan, kejahatan, cinta), disampaikan melalui gambar binatang, manusia, dan makhluk hidup lainnya dengan ciri-ciri yang melekat sehingga simbolisme sudah tertanam dalam pikiran manusia dan membantu untuk memahami arti umum dari karya tersebut.
L. Giordano “Cinta dan keburukan melucuti keadilan” Pastoral (dari bahasa Prancis pastorale - pastoral, pedesaan)
Sebuah genre lukisan yang mengagungkan dan memuja kehidupan pedesaan yang sederhana dan damai.
F. Boucher “Pastoral Musim Gugur” Karikatur (dari bahasa Italia caricare - melebih-lebihkan)
Genre di mana, ketika membuat gambar, efek komik sengaja digunakan dengan melebih-lebihkan dan mempertajam fitur, perilaku, pakaian, dll. Tujuan karikatur adalah untuk menyinggung, berbeda dengan, misalnya, karikatur (dari bahasa Prancis muatan) , yang tujuannya hanya untuk mengolok-olok. Terkait erat dengan istilah “karikatur” adalah konsep-konsep seperti cetakan populer dan aneh.
Telanjang (dari bahasa Prancis nu - telanjang, tanpa pakaian)
Genre lukisan yang menggambarkan tubuh manusia telanjang paling sering adalah perempuan.
Titian Vecellio "Venus dari Urbino" Penipuan, atau trompe l'oeil (dari bahasa Perancis. trompe-l'œil - ilusi optik)
Genre yang ciri khasnya adalah teknik khusus yang menciptakan ilusi optik dan memungkinkan untuk menghapus batas antara kenyataan dan gambar, yaitu. kesan yang menyesatkan bahwa suatu benda adalah tiga dimensi padahal benda itu dua dimensi. Terkadang blende dibedakan sebagai subtipe still life, namun terkadang orang juga digambarkan dalam genre ini.
Per Borrell del Caso "Berlari dari Kritik" Untuk melengkapi persepsi umpan, disarankan untuk mempertimbangkannya dalam aslinya, karena reproduksi tidak dapat sepenuhnya menyampaikan efek yang digambarkan oleh senimannya.
Jacopo de Barberi "Partridge dan Sarung Tangan Besi" Gambar tematik
Campuran genre lukisan tradisional (domestik, sejarah, pertempuran, lanskap, dll). Dengan kata lain, genre ini disebut komposisi figuratif, ciri-cirinya adalah: peran utama dimainkan oleh seseorang, kehadiran tindakan dan ide yang signifikan secara sosial, hubungan (konflik kepentingan/karakter) dan aksen psikologis harus ditampilkan. .
V. Surikov “Boyaryna Morozova”
Tubuh telanjangmu seharusnya hanya milik orang yang mencintai jiwa telanjangmu.
Charlie Chaplin
“Kaki wanita yang cantik telah mengubah lebih dari satu halaman sejarah,” kata orang Prancis itu. Dan mereka benar: lagipula, kita tidak hanya berbicara tentang skala negara bagian dalam sejarah pribadi orang Spanyol yang luar biasa Francisco José de Goya y Lucientes, inilah yang sebenarnya terjadi. Para seniman sezaman yang tahu tentang kecintaannya pada cinta dan ketidakkekalan, mereka meyakinkan: segalanya berubah ketika sang maestro bertemu dengan Duchess Maria Teresia Cayetana del Pilar de Alba, pewaris keluarga bangsawan kuno. Beberapa orang mengagumi kecantikannya yang luar biasa, memanggilnya Ratu Madrid, membandingkannya dengan Venus, dan meyakinkan: “Semua orang menginginkannya dari pria Spanyol!” “Ketika dia berjalan di jalan, semua orang melihat ke luar jendela, bahkan anak-anak menghentikan permainan mereka untuk melihatnya. Setiap rambut di tubuhnya membangkitkan hasrat,” yang lain juga iri dengan kecantikan dan kekayaannya. mengutuknya karena kebebasan moralnya. Sang bangsawan memilih untuk tidak memperhatikan semua kegembiraan ini. Dia memilih sendiri teman dan musuhnya. Apalagi dia sama sekali tidak malu dengan kehadiran seorang suami sangat penting bagi urusan cinta istrinya. Oleh karena itu, hasrat barunya terhadap pelukis istana dianggap hanya iseng. Ngomong-ngomong, pasangan itu bersama-sama mendukung Goya, karena selain kehidupan pribadi mereka yang sibuk, mereka juga terlibat dalam filantropi dan amal dan Francisco bertemu melalui seni.
Hubungan mereka bertahan dalam ujian waktu dan penyakit serius sang artis, yang mengakibatkan gangguan pendengaran. Dia melukis potretnya, memotret wanita kesayangannya dari berbagai sudut dan pakaian. Salah satunya adalah "The Duchess of Alba in Black" - menurut beberapa orang, bukti nyata hubungan dekat mereka. Faktanya adalah setelah pemugaran lukisan tersebut, yang dilakukan pada tahun enam puluhan abad kedua puluh, sebuah ukiran dengan nama Alba dan Goya ditemukan pada cincin kecantikan tersebut. Jari anggun Duchess menunjuk ke pasir, di mana sebuah tulisan yang fasih terlihat: "Hanya Goya." Diyakini bahwa penulisnya menyimpan lukisan ini di rumah “untuk penggunaan pribadi” dan tidak pernah memamerkannya. Sama seperti Alba sendiri, dua orang lainnya, yang lebih menarik lagi, lahir setelah kematian suami sahnya. Ada anggapan bahwa, setelah menguburkan suaminya, janda yang “sedih” itu pergi ke salah satu perkebunannya di Andalusia untuk bersedih. Dan agar tidak merasa kesepian sama sekali, dia mengajak Goya untuk bergabung dengannya. Saat itulah “Makha Naked” dan “Makha Dressed” ditulis. (Mahami pada waktu itu adalah nama yang diberikan kepada semua gadis berpakaian genit dari lapisan masyarakat bawah.)
|
|
| Francisco Goya. Potret diri. |
Benar, fakta bahwa orang yang digambarkan di kedua kanvas adalah duchess yang mengejutkan itu sendiri masih diragukan oleh banyak orang. Dipercayai bahwa wanita luar biasa dalam gaya telanjang adalah salah satu simpanan Perdana Menteri Ratu Marie Louise, Manuel Godoy: “Machs” masuk dalam koleksinya pada tahun 1808. Sumber lain mengklaim bahwa gambar ini adalah gambar kolektif, dan hanya sumber lain yang yakin bahwa inspirasi Goya adalah Cayetana, yang dia lukis telanjang untuk membuatnya kesal ketika dia menyadari bahwa Alba bergairah tentang orang lain. Meskipun demikian, penggambaran lukisan telanjang di Spanyol pada abad ke-18 dapat mengakibatkan nyawa orang lain: setelah menemukan kanvas tersebut pada tahun 1813, polisi moral, yang diwakili oleh Inkuisisi yang selalu waspada, segera menyebutnya “cabul”. Penulis yang hadir di pengadilan sempat dijebloskan ke penjara, namun tidak pernah mengungkapkan nama modelnya. Siapa yang tahu bagaimana nasibnya jika bukan karena perantaraan pelindung tingkat tinggi...
Alba, tentu saja, akan menghargai tindakan beraninya, tapi saat itu dia sendiri sudah berada di dunia lain selama bertahun-tahun. Kematian Cayetana, yang tidak terduga bagi semua orang, dan terutama bagi Goya, mengejutkan Madrid. Duchess ditemukan di istananya di Buena Vista pada musim panas 1802 setelah resepsi megah yang diberikan sehari sebelumnya untuk menghormati pertunangan keponakan kecilnya (Alba tidak memiliki anak sendiri). Francisco termasuk di antara para tamu. Dia mendengar Cayetana berbicara tentang cat, berbicara tentang cat yang paling beracun, bercanda tentang kematian. Dan di pagi harinya, rumor menyebarkan kabar duka tersebut. Saat itulah setiap orang yang mengenal bangsawan itu secara pribadi mengingat kata-katanya bahwa dia ingin mati muda dan cantik, seperti cara sikat ajaib Goya menangkapnya.
Setelah itu, pihak kota berdiskusi panjang tentang penyebab kematian Alba. Diasumsikan dia diracun: sayangnya, wanita ini punya banyak musuh. Mereka juga mengatakan bahwa dia sendiri yang meminum racun itu. Namun bagi Goya, hal ini tidak penting lagi. Dia hidup lebih lama dari kekasihnya yang luar biasa selama hampir seperempat abad, dengan membawa serta rahasia "Makha". Bahkan keturunan Alba pun gagal menyelesaikannya. Untuk membersihkan nama Cayetana, mereka melakukan penelitian, dengan harapan dapat membuktikan dari ukuran tulang bahwa kanvas tersebut menggambarkan wanita lain. Namun dalam proses “operasi” tersebut ternyata hanya makam sang duchess yang dibuka berulang kali selama kampanye Napoleon, dan oleh karena itu pemeriksaan seperti itu sama sekali tidak ada artinya...
Itu disebut mempesona dan tidak dapat dipahami oleh mereka yang mempercayai kisah-kisah antusias Dali tentang muse, ratu, dewi - Gala. Bahkan saat ini, mereka yang kurang mudah tertipu menganggapnya sebagai Valkyrie predator yang memikat seorang jenius. Hanya ada satu fakta yang tidak diragukan lagi: misteri yang menyelimuti kehidupan wanita ini tidak pernah terpecahkan.
Salvador Dali “Atom Leda”, 1947–1949 Museum Teater Dalí, Figueres, Spanyol
Sejak artis Salvador Dali pertama kali melihatnya pada tahun 1929, era baru bernama Gala dimulai dalam sejarah pribadinya. Bertahun-tahun kemudian, sang maestro menggambarkan kesan hari itu dalam salah satu novel otobiografinya. Namun, kata-kata yang tercetak dengan huruf tipografi pada lembaran putih buku terbitan ribuan eksemplar tidak menyampaikan bahkan seperseratus bagian dari nafsu yang bergejolak dalam jiwanya di hari yang cerah itu: “Saya berjalan ke jendela yang menghadap ke luar. pantai. Dia sudah ada di sana... Gala, istri Eluard. Itu dia! Aku mengenalinya dari punggungnya yang telanjang. Tubuhnya lembut, seperti anak kecil. Garis bahunya hampir bulat sempurna, dan otot-otot pinggang, yang terlihat rapuh, tegang secara atletis, seperti otot remaja. Namun lekuk punggung bawahnya benar-benar feminin. Kombinasi anggun dari tubuh ramping dan energik, pinggang tawon, dan pinggul lembut membuatnya semakin diminati.” Bahkan beberapa dekade kemudian, dia tidak bosan mengulangi kepada Gala sendiri bahwa dia adalah dewanya, Galatea, Gradiva, Saint Helena... Dan jika konsep kekudusan dan ketidakberdosaan tidak ada hubungannya dengan kekasih Salvador, maka nama Helena memiliki hubungan langsung. dengan dia. Faktanya adalah dia diberi nama seperti itu saat lahir. Tapi, seperti yang dikatakan legenda keluarga, diceritakan kembali lebih dari sekali dalam biografi Elena Dyakonova - calon Nyonya Dali - sejak kecil gadis itu lebih suka dipanggil... Galina.
Beginilah cara dia memperkenalkan dirinya kepada calon penyair Prancis Paul Eluard ketika kebetulan mempertemukan mereka di salah satu resor Swiss. “Oh, Gala!” - dia tampak berseru, memperpendek nama dan mengucapkannya dalam bahasa Prancis dengan penekanan pada suku kata kedua. Dengan tangannya yang ringan, semua orang mulai memanggilnya dengan cara yang persis sama - "kemenangan, liburan", begitulah bunyi Gala dalam terjemahannya. Setelah empat tahun korespondensi dan pertemuan yang jarang, mereka, bertentangan dengan keinginan orang tua Paul, menikah dan bahkan melahirkan seorang putri, Cecile. Namun, seperti yang Anda ketahui, moral bebas yang menjadi landasan hubungan keluarga bukanlah cara terbaik untuk menyelamatkan sebuah pernikahan. Empat tahun berlalu, dan artis Max Ernest muncul dalam kehidupan pasangan Eluard, yang menetap di rumah pasangan tersebut sebagai kekasih resmi Gala. Konon tak satupun dari mereka berusaha menyembunyikan cinta segitiga tersebut. Dan kemudian dia bertemu Dali.
“Nak, kita tidak akan pernah berpisah lagi,” kata Gala Eluard dan memasuki hidupnya selamanya. “Berkat cintanya yang tak tertandingi dan tak berdasar, dia menyembuhkanku dari… kegilaan,” katanya, meneriakkan nama dan penampilan kekasihnya dengan segala cara - dalam prosa, puisi, lukisan, patung. Perbedaan sepuluh tahun - menurut versi resmi, dia lahir pada tahun 1894, dan dia pada tahun 1904 - tidak mengganggu mereka. Wanita ini menjadi ibu, istri, kekasihnya - alfa dan omega, yang tanpanya sang artis tidak dapat lagi membayangkan keberadaannya. “Gala adalah aku,” dia meyakinkan dirinya sendiri dan orang-orang di sekitarnya, melihat bayangannya dalam dirinya, dan menandatangani karya tersebut sebagai “Gala - Salvador Dali.” Sulit untuk mengatakan apa rahasia kekuatan magisnya atas pria ini: mungkin, dia sendiri tidak pernah mencoba menganalisis, tenggelam dalam perasaan, seperti di lautan yang tak berujung. Sama seperti tidak mungkin untuk memahami siapa dia sebenarnya dan dari mana asalnya: data yang sejauh ini tercantum di semua buku referensi baru-baru ini dipertanyakan oleh para peneliti - dan ada alasan untuk ini. Tapi apakah itu benar-benar penting? Bagaimanapun, Gala adalah mitos yang diciptakan oleh imajinasi Dali dan keinginannya sendiri untuk melestarikannya.
Gala adalah satu-satunya inspirasiku, kejeniusanku dan hidupku, tanpa Gala aku bukan apa-apa.
Salvador Dali
Dalam salah satu dari lusinan potretnya, yang dibuat dengan gaya telanjang, sang seniman menggambarkan kekasihnya sebagai pahlawan wanita mistis, memberikan makna baru ke dalam cerita setua dunia. Maka lahirlah “Atomic Leda” miliknya.
Menurut legenda, Leda, putri Raja Thestius, menikah dengan penguasa Sparta, Tyndareus. Terpesona oleh kecantikannya, Zeus merayu wanita itu, mendatanginya dalam bentuk... seekor Angsa. Dia melahirkan anak kembar Castor dan Polydeuces dan seorang putri, Helen cantik, yang dikenal sebagai Helen dari Troy. Dengan perbandingan ini, penyihir Dali mengingatkan orang lain tentang pesona luar biasa dari Gala-Elena yang dicintainya: Salvador sendiri tidak meragukan eksklusivitas data eksternalnya selama satu menit pun, menganggap istrinya yang paling cantik di antara manusia. Mungkin inilah sebabnya potret Gala yang ke-9 ini dibuat sesuai dengan “proporsi ilahi” Fra Luca Paccioli, dan beberapa perhitungan dibuat untuk lukisan itu atas permintaan sang master oleh ahli matematika Matila Ghika. Berbeda dengan mereka yang berpendapat bahwa ilmu eksakta berada di luar konteks seni, Dali yakin: setiap karya seni yang signifikan harus didasarkan pada komposisi, dan karenanya pada perhitungan. Perlu dicatat bahwa ia dengan cermat memverifikasi tidak hanya hubungan objek di kanvas, tetapi juga isi internal gambar, yang menggambarkan gairah sesuai dengan teori modern... "non-kontak" fisika intra-atom. Leda-nya tidak menyentuh Angsa, tidak bertumpu pada kursi yang melayang di udara: semuanya mengapung di atas laut, yang tidak menyentuh pantai... "Atomic Leda" selesai pada tahun 1949, membangkitkan Gala, menurut Dali, ke tingkat “dewi metafisika saya " Selanjutnya, dia tidak pernah melewatkan kesempatan untuk mengumumkan peran luar biasa wanita itu dalam hidupnya.
Namun, di tahun-tahun berikutnya, hubungan mereka mendingin. Gala memutuskan untuk menetap secara terpisah, dan dia memberinya sebuah kastil di desa Pubol di Spanyol, yang dia tidak berani kunjungi tanpa terlebih dahulu mendapat izin tertulis dari istrinya. Dan pada tahun kematiannya, Dali juga meninggal dunia: meskipun setelah kepergiannya ia tetap berada di Bumi selama tujuh tahun yang panjang, keberadaannya kehilangan maknanya, karena perayaan hidupnya telah usai.
Karl Bryullov “Batsyeba” Galeri State Tretyakov 1832, Moskow
Kisah seluk-beluk nasib Batsyeba yang menawan telah menarik perhatian para sejarawan, penyair, dan bahkan astronom selama berabad-abad: sebuah asteroid dinamai untuk menghormatinya. Dengan satu atau lain cara, justru karakteristik luarnya yang luar biasa itulah yang menjadi penyebab semua kesedihan dan kegembiraannya. Beberapa orang menuduh Batsyeba melakukan perilaku yang tidak pantas, yang lain percaya bahwa satu-satunya kejahatan wanita ini adalah kecantikannya yang tidak dapat diterima.
Dan kisah ini dimulai, yang benar-benar mengubah kehidupan sang pahlawan wanita, sekitar sembilan ratus SM... “Suatu malam, Raja Daud, bangun dari tempat tidur, berjalan di atap rumah kerajaan dan melihat... seorang wanita sedang mandi; dan wanita itu sangat cantik. Dan Daud mengutus untuk mencari tahu siapa wanita ini. Jawab mereka kepadanya: Ini Batsyeba, putri Eliam, istri Uria, orang Het itu. David mengirim pelayan untuk membawanya; dan dia datang kepadanya…” - beginilah Kitab Buku menggambarkan saat mereka bertemu. Rupanya, kabar orang yang disukainya menikah dengan panglimanya tidak membuat sang raja merasa terganggu. Perasaan apa yang dimiliki Batsyeba sendiri, sejarah diam. Untuk melenyapkan suaminya, Daud memerintahkan “untuk menempatkan Uria di tempat pertempuran terkuat akan terjadi, dan mundur darinya, sehingga dia akan dikalahkan dan mati.” Tidak lama setelah diucapkan, dilakukan. Segera duta besar memberi tahu David bahwa keinginannya telah terpenuhi. Artinya tidak ada hal lain yang menghalanginya untuk mengambil Batsyeba sebagai istri sahnya.
Setelah tanggal jatuh tempo, dia melahirkan seorang putra untuk raja. Penguasa yang bijaksana menghitung segalanya, dengan hati-hati membuka jalan menuju kebahagiaan pernikahan. Dia tidak hanya memperhitungkan satu hal: pelanggaran terhadap perintah memerlukan hukuman. Dia dan kekasihnya bertanggung jawab penuh atas dosa-dosa mereka - anak sulung mereka hanya hidup beberapa hari. Pewaris kedua dari pasangan itu adalah Sulaiman, yang namanya dikaitkan dengan banyak mitos dan legenda. Tapi itu cerita yang sama sekali berbeda.
Para pelukis juga memperhatikan plot dan memainkan momen penting bagi wanita tersebut dengan segala cara. Di antara mereka adalah “The Great Karl,” sebagaimana Bryullov dipanggil oleh orang-orang sezamannya. Benar, ahli “cahaya dan udara” tidak terlalu tertarik dengan narasi alkitabiah, melainkan karena kesempatan untuk memamerkan “bakat dekoratif” yang dimilikinya. Siluet bercahaya, air di kakinya yang indah, capung yang nyaris tak terlihat dengan sayap transparan di dekat tangannya... “Kulit putih seperti marmer dipicu oleh sosok pelayan berkulit hitam, menambah sedikit rasa erotisme pada gambar. ,” tulis kritikus seni tentang dia. Dan mereka mengingat sensualitas...
Ada asumsi bahwa model lukisan ini, yang masih belum selesai, adalah kekasih seniman cantik Yulia Samoilova, seorang countess yang mengejutkan, yang legendanya tidak kalah pentingnya dengan para partisipan dalam epik sejarah ini. “Takut padanya, Karl! Wanita ini tidak seperti yang lain. Dia tidak hanya mengubah kesetiaannya, tetapi juga istana tempat dia tinggal. Tapi saya setuju, dan Anda akan setuju, bahwa Anda bisa menjadi gila karenanya,” mereka mengatakan bahwa Pangeran Gagarin, yang rumahnya tempat perkenalan itu terjadi, memperingatkan Bryullov: dia sedang berhadapan dengan api. Namun, nyala api Yulia Pavlovna, yang menghanguskan hati orang lain, dalam kasus Karl ternyata memberi kehidupan. Selama bertahun-tahun, mereka saling mendukung, antara lain tetap menjadi teman dekat. “Aku mencintaimu lebih dari yang bisa aku jelaskan, aku memelukmu dan akan berkomitmen secara spiritual padamu sampai liang kubur. Yulia Samoilova” - pesan seperti itu dikirim oleh jutawan eksentrik kepada "Brishka sayang" dari berbagai negara ke tempat dia berada saat itu. Dan dia memberikan keabadian pada penampilan kekasihnya, memberinya ciri-ciri wanita tercantik di berbagai kanvasnya. Mungkin hanya Samoilova yang berhasil menahan temperamen sang maestro yang keras dan pemarah - baginya, tampaknya, tidak ada hukum lain. “Di balik penampakan dewa muda Hellenic, tersembunyi sebuah kosmos di mana prinsip-prinsip permusuhan bercampur dan meletus dalam gunung berapi nafsu atau mengalir dengan kilauan yang manis. Dia penuh gairah, dia tidak melakukan apa pun dengan tenang, seperti yang dilakukan orang biasa. Ketika gairah mendidih dalam dirinya, ledakannya sangat dahsyat, dan siapa pun yang berdiri lebih dekat akan mendapat lebih banyak,” tulis seorang kontemporer tentang Bryullov. Karl sendiri tidak mempermasalahkan apa yang mereka katakan tentang karakternya, karena bakatnya sudah tidak diragukan lagi.
Ngomong-ngomong, Nyonya Samoilova adalah salah satu dari sedikit orang yang mendukungnya di saat putus asa, ketika, setelah pernikahan yang tidak masuk akal, artis berusia empat puluh tahun itu mendapati dirinya menjadi pusat perhatian semua orang dan keingintahuan yang tidak baik. Istrinya adalah Emilia Timm yang berusia delapan belas tahun, putri walikota Riga. “Aku jatuh cinta dengan penuh gairah… Orang tua mempelai wanita, terutama ayahku, segera membuat rencana untuk menikahkanku dengannya… Gadis itu memainkan peran sebagai kekasih dengan sangat terampil sehingga aku tidak curiga ada penipuan…” dia kemudian berkata. Dan kemudian mereka “memfitnah saya di depan umum…” Alasan sebenarnya dari “pertengkaran” dengan istri baru saya adalah cerita kotor yang melibatkan dia. “Saya merasakan begitu kuat kemalangan saya, rasa malu saya, hancurnya harapan saya akan kebahagiaan rumah tangga... hingga saya takut kehilangan akal sehat,” tulisnya tentang konsekuensi dari pernikahan yang hanya bertahan beberapa bulan. Pada saat itu, Julia tampak sekali lagi merobek “Brichka” dari pikiran suramnya dan menariknya ke dalam pusaran bola dan topeng yang diberikan Count Slavyanka di tanah kesayangannya. Kemudian dia menjual "Slavyanka" dan berangkat untuk menemui cinta baru dan petualangan baru. Bryullov juga tidak tinggal lama di tanah kelahirannya: Polandia, Inggris, Belgia, Spanyol, Italia - dia sering bepergian dan melukis, melukis, melukis... Dalam perjalanan lain dia meninggal - di kota Manziana dekat Roma.
Julia hidup lebih lama dari Karl selama dua puluh tiga tahun, menguburkan dua suami - mantan istri Pangeran Nikolai Samoilov dan penyanyi muda Peri. “Saksi mata yang melihatnya selama periode hidupnya mengatakan bahwa duka seorang janda sangat cocok untuknya, menekankan kecantikannya, tetapi dia menggunakannya dengan cara yang sangat orisinal. Samoilova mendudukkan anak-anak di bagian terpanjang dari gaun berkabung, dan dia sendiri... mendorong anak-anak tertawa kegirangan di sepanjang lantai parket cermin di istananya.” Beberapa waktu kemudian dia menikah lagi.
Tidak diketahui apa yang dijanjikan oleh kecantikan legendaris Batsyeba, yang namanya diterjemahkan sebagai "putri sumpah", ke surga atau manusia, tetapi kita dapat mengatakan dengan yakin: Yulia Samoilova, di masa mudanya, berjanji pada dirinya sendiri untuk tidak berkecil hati dan menepatinya.
Rembrandt Harmens van Rijn “Danae” 1636 Pertapaan, St
Selama berabad-abad, kecantikan Yunani kuno Danae telah menarik perhatian para seniman. Orang Belanda Rembrandt van Rijn juga tidak tinggal diam, memberikan putri mitos itu ciri-ciri dua wanita kesayangannya.
Kisah ini dimulai pada zaman kuno, ketika para dewa Yunani kuno dalam segala hal mirip dengan manusia dan mudah berkomunikasi dengan mereka, dan kadang-kadang bahkan memulai hubungan romantis. Benar, sering kali, setelah menikmati kelezatan seorang perayu duniawi, mereka menyerahkannya pada takdir, kembali ke puncak Olympus, sehingga, dikelilingi oleh teman-teman ilahi, mereka akan selamanya melupakan kegilaan singkat mereka. Inilah yang terjadi pada Danae, putri raja Argive, Acrisius.
Selanjutnya, pria paling berbakat menganggap tugas mereka untuk memberi tahu dunia tentang naik turunnya hidupnya: penulis naskah drama Aeschylus, Sophocles, Euripides mendedikasikan drama dan tragedi untuknya, dan bahkan Homer menyebutkannya di Iliad. Dan Titian, Correggio, Tintoretto, Klimt dan pelukis lainnya menggambarkannya di kanvas mereka. Dan tidak mengherankan: tidak mungkin bersikap acuh tak acuh terhadap nasib seorang gadis yang menjadi korban takdir. Faktanya adalah suatu hari seorang peramal meramalkan kematian ayahnya di tangan cucunya - putra yang akan dilahirkan oleh Danae. Untuk melindungi dirinya sendiri, Acrisius mengendalikan segalanya dengan ketat: dia memerintahkan putrinya untuk dipenjarakan di penjara bawah tanah dan menugaskan seorang pembantu untuknya. Raja yang bijaksana memperhitungkan segalanya, kecuali satu hal - bahwa bukan manusia biasa yang akan jatuh cinta padanya, tetapi Zeus sendiri, dewa utama Olympian, yang baginya semua rintangan tidak berarti apa-apa. Dia berwujud pancuran emas dan memasuki ruangan melalui lubang kecil... Momen kunjungannya menjadi momen paling menarik bagi para seniman dalam kisah pelik ini. Akibat pertemuan antara Zeus dan Danae adalah putra Perseus, yang rahasia kelahirannya segera terungkap: kakek Acrisius mendengar tangisan datang dari ruang bawah tanah... Kemudian dia memerintahkan untuk memasukkan putri dan bayinya ke dalam tong dan membuangnya ke dalam laut lepas... Tapi ini tidak membantunya menghindari prediksi: Perseus tumbuh dewasa, kembali ke tanah airnya dan, saat berpartisipasi dalam kompetisi lempar cakram, secara tidak sengaja memukul mereka di Acrisius... "Nasib..." - menghela nafas para saksi atas apa yang terjadi. Andai saja mereka tahu bahwa nasib “Danae” sendiri, yang lahir dari karya Rembrandt, tak kalah dramatisnya!..
|
|
| Potret Rembrandt Harmens van Rijn. 1648 |
“Lukisan manakah dalam koleksi Anda yang paling berharga?” Konon, pertanyaan itulah yang diajukan seorang pengunjung kepada penjaga salah satu aula Hermitage pada pagi hari tanggal 15 Juni 1985. “Danae” karya Rembrandt,” jawab wanita itu sambil menunjuk ke kanvas bergambar wanita telanjang mewah. Kapan dan bagaimana pria itu mengeluarkan botol dan memercikkan cairan ke gambar, dia tidak tahu: semuanya terjadi secara tiba-tiba. Para pegawai yang datang berlari mendengar teriakan tersebut hanya melihat cat menggelembung dan berubah warna: cairan tersebut ternyata adalah asam sulfat. Selain itu, penyerang berhasil menusuk lukisan itu sebanyak dua kali dengan pisau... Fakta bahwa warga Lituania berusia empat puluh delapan tahun, Bronius Maigis, kemudian diakui tidak stabil secara mental dan dikirim untuk perawatan tidak mengurangi beratnya kejahatannya. “Saat saya melihatnya pertama kali selama proses restorasi, saya tidak dapat menahan air mata,” aku direktur Hermitage, Mikhail Piotrovsky. - Terutama karena itu adalah “Danae” yang berbeda. Meskipun setelah restorasi, yang berlangsung selama dua belas tahun, kanvas tersebut dikembalikan ke museum, 27 persen dari gambar tersebut harus dibuat ulang sepenuhnya: seluruh fragmen yang dibuat oleh kuas sang maestro hilang dan tidak dapat diperbaiki lagi. Namun potret inilah yang ia lukis dengan cinta yang istimewa: wanita kesayangannya, istrinya Saskia, menjadi modelnya. Pernikahan mereka berlangsung kurang lebih delapan tahun: setelah melahirkan empat anak untuk suaminya, yang hanya satu yang selamat - Titus - dia meninggal. Beberapa tahun kemudian, Rembrandt menjadi tergila-gila dengan pengasuh putranya, Gertje Dirks. Ada asumsi bahwa untuk menyenangkannya, “Danae” memperoleh fitur-fitur baru yang bertahan hingga hari ini: wajah dan pose berubah, “karakter utama” plot, pancuran emas, menghilang. Namun keadaan ini baru terungkap pada pertengahan abad ke-20, ketika dengan menggunakan fluoroskopi, gambar Saskia sebelumnya ditemukan di bawah lapisan cat. Maka dari itu, sang seniman memadukan potret kedua wanita tersebut. Namun, penghormatan kepada Gertier ini tidak membantu menyelamatkan hubungan dengannya: dia segera mengajukan gugatan terhadap Rembrandt, menuduhnya melanggar kewajiban pernikahan (diduga, bertentangan dengan janjinya, dia tidak menikahinya). Diyakini bahwa alasan sebenarnya dari perpisahan itu adalah Hendrikje Stoffels muda, pembantu dan kekasih barunya. Pada saat ini, urusan pelukis yang dulunya sukses, populer, dan kaya raya itu menjadi kacau: pesanan semakin sedikit, kekayaannya mencair, dan rumah dijual untuk hutang. "Danae" tetap bersamanya sampai penjualan pada tahun 1656, kemudian jejaknya hilang...
Kehilangan itu baru ditemukan pada abad ke-18 - dalam koleksi kolektor terkenal Prancis Pierre Croz. Setelah kematiannya pada tahun 1740, karya tersebut, bersama dengan mahakarya lainnya, diwarisi oleh salah satu dari tiga keponakan penikmat seni tersebut. Dan kemudian, atas saran filsuf Denis Diderot, lukisan itu diakuisisi oleh Permaisuri Rusia Catherine II, yang saat itu sedang memilih lukisan untuk Pertapaan.
“Dia adalah seorang eksentrik di kelas satu yang membenci semua orang... Sibuk dengan pekerjaan, dia tidak akan setuju untuk menerima raja pertama di dunia, dan dia harus pergi,” tulis Baldinucci dari Italia tentang Rembrandt, yang namanya tercatat dalam sejarah hanya karena dia menjadi penulis biografi Rembrandt yang "eksentrik".
Amedeo Modigliani “Nude Seated on a Sofa” (“Wanita Romawi Cantik”), 1917, Koleksi Pribadi
Lukisan ini, yang dipamerkan hampir seabad lalu di galeri Paris di antara karya-karya Modigliani lainnya yang menggambarkan keindahan telanjang, menimbulkan skandal besar. Dan pada tahun 2010 menjadi salah satu lot termahal di lelang paling bergengsi.
“Saya memerintahkan Anda untuk segera membuang semua sampah ini!” - dengan kata-kata ini, Komisaris Rousslot menyapa pemilik galeri terkenal Bertha Weil, yang dipanggil olehnya ke stasiun pada tanggal 3 Desember 1917. “Tetapi ada ahli yang tidak sependapat dengan Anda,” kata Bertha, yang di galerinya terdapat beberapa beberapa jam yang lalu pameran pertama Amedeo Modigliani yang berusia tiga puluh tiga tahun dibuka, yang menarik banyak orang. Daya tarik utama pengunjung adalah gambar telanjang wanita yang ditempatkan di jendela teman dan penemunya, yang menjadi agen seni barunya dan penggagas vernissage ini, berharap: betapapun telanjangnya, dapat menarik perhatian orang-orang?! Leo tidak memperhitungkan fakta bahwa ada kantor polisi di rumah di seberangnya dan bahwa penduduknya akan sangat tertarik dengan alasan terjadinya kerumunan orang tersebut. “Jika Anda tidak segera mematuhi perintah saya, saya akan memerintahkan polisi saya untuk menyita semuanya!” - teriak komisaris dengan marah. Dan Bertha, sambil nyaris tidak menahan senyumnya, berpikir: "Sungguh indah: setiap polisi dengan pakaian telanjang yang cantik di tangannya!" Namun, dia tidak berani membantah dan segera menutup galeri, dan para tamu di sana membantunya menghilangkan lukisan “cabul” dari dinding. Ada sekitar tiga puluh kanvas yang dipesan oleh Zborowski selama tahun 1916–1917, namun banyak waktu berlalu sebelumnya. para ahli dan penikmat seni lukis yang canggih mengakuinya sebagai mahakarya dan menyebutnya sebagai “kemenangan ketelanjangan”. Namun, seluruh Paris pun membicarakan tentang pameran tersebut, dan beberapa kolektor Prancis dan asing menjadi sangat tertarik dengan karya “ gelandangan tunawisma” Dodo, begitu teman-temannya memanggilnya.
Meskipun secara adil harus dikatakan bahwa pada saat itu dia bukan tunawisma: pada musim panas 1917, Amedeo dan artis muda kesayangannya Jeanne Hebuterne, yang dia temui tak lama sebelum kejadian tersebut dijelaskan, menyewa sebuah apartemen kecil - dua kamar kosong. “Aku menunggu satu-satunya yang akan menjadi cinta abadiku dan sering datang kepadaku dalam mimpiku,” aku artis itu pada salah satu temannya. Mereka yang mengenal Modi secara pribadi mengatakan bahwa setelah bertemu Zhanna, mimpi dan kenyataan menyatu dalam Amedeo. Potret bertopi, dengan latar belakang pintu, dengan sweter kuning - ada lebih dari dua puluh lukisan dengan gambarnya selama empat tahun kami hidup bersama. Dodo sendiri menyebutnya sebagai “pernyataan cinta di atas kanvas”. “Dia model yang ideal, dia tahu cara duduk seperti apel, tanpa bergerak dan selama saya membutuhkannya,” tulisnya kepada saudaranya.
Jeanne jatuh cinta pada Amedeo apa adanya - berisik, tidak terkendali, sedih, rusuh, gelisah - dan dengan pasrah mengikutinya kemanapun dia memanggil. Sama seperti Modi yang kemudian membuat keputusan apa pun tanpa ragu-ragu: haruskah ia melukis tiga lusin penyihir wanita telanjang, dan tetap berbincang-bincang dengan mereka masing-masing selama berhari-hari? Jadi beginilah seharusnya! “Bayangkan saja apa yang terjadi pada para wanita ketika mereka melihat Modigliani yang tampan berjalan di sepanjang Montparnasse Boulevard dengan buku sketsa, mengenakan setelan velour abu-abu dengan pagar kayu dari pensil warna yang menonjol dari setiap saku, dengan syal merah dan tas besar. topi hitam. Saya tidak tahu seorang wanita lajang yang menolak datang ke studionya,” kenang teman sang pelukis, Lunia Czechowska. Mereka menjadi model untuk pameran yang mengejutkan itu.
Belakangan, Amedeo kembali lebih dari sekali ke tema favoritnya - potret teman dan model acak yang berpose untuknya dalam kostum Eva - yang membuatnya dicela oleh orang-orang biasa karena hasratnya. Namun dia tidak menganggap penting hal ini, karena bagi Modi sendiri, jelas bahwa dia tertarik bukan pada permukaan “struktur tubuh”, tetapi pada keselarasan internalnya. Bisakah kecantikan tidak tahu malu? Ngomong-ngomong, atas dasar ini, Dodo memiliki konflik dengan Auguste Renoir yang sudah tua dan jenius, yang, sebagai seorang master, berusaha memberikan nasihat kepada adik laki-lakinya: “Saat Anda melukis wanita telanjang, Anda harus... dengan lembut, lembut gerakkan kuas melintasi kanvas, seolah-olah sedang membelai.” Modigliani marah dan, berbicara dengan tajam tentang kegairahan lelaki tua itu, pergi tanpa pamit.
Mereka akan berbicara tentang “godaan lesu yang unik” dan “konten erotis” lukisannya nanti, ketika penyanyi berdaging telanjang itu sudah tidak hidup lagi. Setelah membawa penulisnya ke dunia lain, keturunan yang bersyukur akhirnya akan melihat karya "Dodo yang malang" dan mulai menilainya jutaan dolar, mengadakan pertarungan lelang untuk mendapatkan hak membayar lebih dari pesaing. “Seated Nude on a Sofa” (“Wanita Romawi Cantik”) juga menimbulkan kehebohan serupa. Itu disiapkan untuk dijual di New York pada tanggal 2 November 2010 di Sotheby's yang terkenal dan dijadikan koleksi pribadi dengan harga hampir enam puluh sembilan juta dolar, "menetapkan rekor harga absolut." “Seperti biasa, saya tidak mengiklankan nama pemilik baru
“Kenapa kamu tidak mencoba mempengaruhinya, karena dia sekarat karena mabuk dan tuberkulosis progresif?” - salah satu teman dekat pasangan itu bertanya pada Hebuterne, menyadari betapa sakitnya Amedeo. “Modi tahu dia harus mati. Itu akan lebih baik baginya. Begitu dia meninggal, semua orang akan mengerti bahwa dia jenius,” jawabnya. Sehari setelah kematian Modigliani, Jeanne mengikutinya menuju keabadian, melangkah keluar jendela. Dan salah satu dari mereka yang datang untuk mengucapkan selamat tinggal kepada seniman dan inspirasinya teringat kata-kata sang master: “Kebahagiaan adalah bidadari cantik dengan wajah sedih.” “Ya,” media yang mengikuti lelang elit itu melaporkan dengan datar.
Pierre Auguste Renoir “Telanjang” 1876 Museum Seni Rupa Negara dinamai A.S. Pushkin, Moskow
“Penyanyi wanita, ketelanjangan, penguasa kerajaan wanita” - begitulah salah satu penulis biografi menjuluki sang seniman karena kemampuannya yang luar biasa dalam menyampaikan ketelanjangan di atas kanvas. Namun, tidak semua orang seangkatan menyukai tema favorit sang maestro.
“Saya belum bisa berjalan, tapi saya sudah suka melukis wanita,” Auguste sering mengulangi. “Jika Renoir berkata: “Saya suka wanita,” pernyataan ini tidak mengandung sedikit pun sindiran lucu yang mulai dilontarkan orang kata “cinta” abad XIX. Wanita memahami segalanya dengan sempurna. Dengan mereka, dunia menjadi sangat sederhana. Mereka membawa segalanya ke esensi sejatinya dan tahu betul bahwa pencucian mereka tidak kalah pentingnya dengan konstitusi Kekaisaran Jerman tidak sulit baginya untuk memberi saya gambaran! tentang kenyamanan dan manisnya sarang hangat masa kecilnya: Saya sendiri tumbuh di lingkungan penuh kasih sayang yang sama,” tulis sutradara terkenal Prancis Jean Renoir dalam memoarnya tentang ayahnya, meyakinkan bahwa pengalaman cintanya yang kaya membawa ayahnya pada fakta bahwa di akhir hidupnya dia menciptakan “konsep cinta” miliknya sendiri. Intisarinya adalah sebagai berikut: “Kamu melakukan hal-hal bodoh saat kamu masih muda tidak masalah jika kamu tidak mempunyai kewajiban apa pun.”
Renoir Sr tahu apa yang dia katakan: dia sendiri menikah untuk pertama kalinya pada usia empat puluh sembilan tahun dan sejak itu, menurut cerita orang-orang yang dicintainya, dia menjadi suami yang paling teladan dan ayah yang penuh perhatian bagi ketiga putranya. yang dilahirkan oleh wanita kesayangannya Alina Sherigo. Ketika mereka bertemu, gadis itu baru berusia lebih dari dua puluh tahun, dan artis tersebut sedang bersiap untuk merayakan ulang tahunnya yang keempat puluh. Penjahit cantik Alina, yang ditemuinya setiap hari di kafe dekat rumahnya, ternyata benar-benar sesuai dengan seleranya: kulit muda yang segar, pipi kemerahan, mata berbinar, rambut indah, bibir indah. Dan meskipun Sherigo tidak mengerti seni lukis, dan sang maestro sendiri tidak kaya atau tampan, dan dia harus menunggu hampir sepuluh tahun untuk mendapatkan lamaran resmi, hal ini tidak menghalangi si cantik untuk melihat dalam dirinya calon suami - satu-satunya. Dan Renoir sendiri menemukan dalam dirinya tidak hanya seorang istri yang berbakti, tetapi juga model terbaik di dunia - dia sering berpose untuk Auguste, mengakui: "Saya tidak mengerti apa-apa, tapi saya suka melihatnya menulis." “Renoir tertarik pada wanita bertipe “kucing”. Alina Sherigo sempurna dalam genre ini,” tulis putra mereka Jean. Dan Edgar Degas yang misoginis, melihatnya di salah satu pameran, mengatakan bahwa dia tampak seperti seorang ratu yang mengunjungi pemain akrobat pengembara.
Model tersebut harus ada untuk menyulut semangat saya, untuk memaksa saya menciptakan sesuatu yang tidak akan terpikirkan oleh saya tanpanya, untuk menjaga saya dalam batas-batas jika saya terlalu terbawa suasana.
Pierre Auguste Renoir
“Saya merasa kasihan pada pria yang menaklukkan wanita. Pekerjaan mereka sulit! Siang dan malam bertugas. Saya kenal para seniman yang tidak menciptakan sesuatu yang patut mendapat perhatian: alih-alih melukis wanita, mereka merayu mereka,” Renoir yang menetap pernah “mengeluh” kepada rekan-rekannya. Dia memilih untuk tetap diam tentang hubungan yang menghubungkannya di masa mudanya dengan banyak Palet, Cosette, dan Georgette. Meski demikian, merekalah yang tak terbebani dengan ketelitian berlebihan warga Montmartre yang kerap berpose di hadapan sang pelukis. Salah satunya, Anna Leber, dibawa ke studionya oleh seorang teman, dan beberapa waktu kemudian ia dengan mudah mengenali ciri-ciri familiar dalam lukisan “Nude in Sunlight”: sang seniman memamerkan lukisan ini pada pameran kedua kaum Impresionis. Beberapa sejarawan seni percaya bahwa Anna menjadi model untuk "Nude" yang terkenal - dia juga disebut "Bather" dan, berkat penampilan warnanya yang istimewa, "Pearl". Jika tebakan para pakar benar, maka nasib wanita mewah ini “pada hakikatnya” ternyata tidak menyenangkan: setelah tertular cacar, dia meninggal di puncak kehidupan dan kecantikan...
Namun, pada tahun 1876, baik Anna maupun Auguste, yang belum bertemu Alina, tidak mengetahui apa yang menanti mereka di masa depan. Oleh karena itu, tanpa rasa malu, ia dapat mengintip lekuk-lekuk garis tubuhnya sepanjang hari agar potret tersebut (begitulah sebutan karya ini) berwujud. Tak heran ia mengaku: “Saya terus menggarap foto telanjang hingga saya ingin mencubit kanvasnya.”
Ngomong-ngomong, lukisannya mulai disebut "simfoni indah" dan "mahakarya impresionisme", termasuk "Nude", hanya beberapa tahun kemudian. Pada hari pembukaan tahun-tahun itu, kritikus seni Albert Wolff, setelah melihat salah satu foto telanjang Renoir, melontarkan omelan marah di halaman surat kabar Le Figaro: “Taburkan pada Tuan Renoir bahwa tubuh perempuan bukanlah sebuah tumpukan. daging yang membusuk dengan bintik-bintik hijau dan ungu yang menandakan bahwa mayat tersebut sudah membusuk!” Sang master sendiri, yang diberkahi dengan karakteristik bahagia dalam memandang dunia dalam warna-warna cerah, tidak terlalu mementingkan serangannya dan terus menulis dengan cara yang hanya menjadi ciri khasnya untuk menyenangkan para pengagumnya - sekarang dan masa depan. Memang, selain cinta pada keluarga, jiwanya hanya didominasi oleh satu hobi hingga akhir hayatnya - melukis. Dan bahkan ketika jari-jarinya tidak dapat memegang kuas karena sakit, dia terus melukis, mengikatnya ke tangannya.
“Hari ini aku menyadari sesuatu!” - mereka mengatakan kata-kata ini diucapkan oleh Renoir yang berusia tujuh puluh delapan tahun sebelum memulai perjalanan terakhirnya - untuk bertemu Alina yang dicintainya, yang telah meninggal empat tahun sebelumnya.
Diego Velazquez Venus dengan Cermin (Rokeby Venus) 1647–1651 Galeri Nasional, London
Orang-orang sezaman dengan Diego Velazquez menganggapnya sebagai kesayangan takdir: sang seniman tidak hanya beruntung dalam semua usahanya, tetapi juga cukup beruntung untuk menghindari api Inkuisisi karena menggambarkan ketelanjangan perempuan. Namun lukisannya yang memalukan gagal lolos dari “pembalasan”…
“Di mana gambarnya?!” - seru penyair romantis Prancis Théophile Gautier, mengagumi salah satu lukisan karya Diego Rodriguez de Silva y Velazquez dari Spanyol, dan Paus Innocent X berkomentar: “Namun, keberanian dan kemampuan untuk tidak menghiasi kenyataan, yang seiring waktu menjadi kartu panggil Sang Guru , tidak semua orang menyukainya: rombongan Raja Philip IV, yang menghargai anugerah ilahi Diego, menganggapnya sebagai orang baru yang sombong dan narsis. Namun Velazquez, yang menyukai seninya, tidak menyia-nyiakan energinya untuk argumen verbal, yang hanya meningkatkan kualitas karyanya, dan pendidikannya menimbulkan kekaguman. Misalnya, salah satu penulis biografi, Antonio Palomino, menulis bahwa bahkan di masa mudanya, Diego “mengambil studi tentang sastra primadona dan melampaui pengetahuannya tentang bahasa dan filsafat. banyak orang pada masanya. Sudah menjadi potret pertama, yang mana punggawa berkuasa meyakinkan raja untuk berpose.” Duke de Olivares, penduduk asli Seville, sangat menyukai penguasa sehingga dia mengundang Velazquez yang berusia dua puluh empat tahun untuk menjadi potretnya. seorang seniman istana. Dan dia, tentu saja, setuju. Segera hubungan persahabatan terjalin di antara mereka. Pelukis dan ahli teori seni Francisco Pacheco, yang muridnya Diego saat masih muda, kemudian menulis bahwa “raja besar ternyata sangat murah hati dan mendukung Velazquez. Studio seniman terletak di apartemen kerajaan, di mana kursi berlengan untuk Yang Mulia dipasang. Raja, yang memiliki kuncinya, datang ke sini hampir setiap hari untuk mengawasi pekerjaan.” Sejarah tidak menyebutkan bagaimana reaksi Pacheco terhadap kenyataan bahwa lingkungannya yang berbakat mulai meninggalkan keluarganya untuk waktu yang lama, pergi ke negara lain sebagai punggawa. Meskipun sangat sedikit yang diketahui tentang istri Velazquez, Juana Miranda - dan hanya fakta bahwa dia adalah putri Pacheco yang tidak dapat disangkal. Juana memberi suaminya putri Francisco dan Ignacia. Ngomong-ngomong, Francisca mengulangi nasib ibunya - dia juga menikah dengan murid kesayangan ayahnya, Juan Batista del Mazo. Benar, Diego rupanya kurang ambil bagian dalam kehidupan orang yang dicintainya dibandingkan dalam urusan kenegaraan.
“Seorang pria yang berpendidikan tinggi dan berpendidikan tinggi yang memiliki rasa harga diri,” kata seniman dan penulis Venesia Marco Boschini tentang dia. Utusan seperti itu adalah perwakilan yang sangat baik dari istana Spanyol di luar tanah air. Meski Philip enggan melepaskan hewan peliharaannya, Velasquez berkesempatan melakukan perjalanan jauh ke luar negeri lebih dari satu kali. Dia pertama kali melakukan perjalanan ke Italia pada tahun 1629 dan sangat senang menemukan seluruh dunia lukisan Italia. Perjalanan kedua ke negara ini berlangsung dari tahun 1648 hingga 1650: atas nama Philip, Diego terlibat dalam pemilihan karya seni untuk koleksi kerajaan. Dipercaya bahwa kemunculan salah satu lukisan Velázquez yang paling terkenal dan menakjubkan dikaitkan dengan perjalanan ini: penciptaan mahakarya “tak tahu malu” tersebut diduga terinspirasi oleh lukisan karya besar Italia Michelangelo, Titian, Giorgione, Tintoretto, yang, dengan keberanian bawaan mereka, menangkap pesona keindahan mitos yang telanjang.
“Venus dan Cupid”, “Venus dengan Cermin”, “Venus Rokeby” - apa pun nama kanvasnya selama berabad-abad! Namun keunikannya tidak hanya terletak pada keahlian penulisnya: ia adalah satu-satunya Velazquez telanjang yang masih hidup. Seperti diketahui, para inkuisitor besar, yang kekejaman dan sikapnya yang tidak kenal kompromi terhadap mereka yang melanggar hukum yang mereka buat mendapatkan ketenaran yang menyedihkan, menganggap kebebasan seperti itu tidak dapat diterima. “Dengan menciptakan sosok telanjang yang menggairahkan di atas kanvas, pelukis menjadi pembimbing iblis, membekalinya dengan pengikut dan menghuni kerajaan neraka,” kata salah satu pengkhotbah iman yang bersemangat, Jose de Jesus Maria. Dalam hal ini, keindahan - dengan atau tanpa cermin - adalah ilustrasi terbaik dari apa yang dikatakan. Dan Diego akan terbakar, jika tidak di neraka, tentu saja dipertaruhkan, jika semua peserta dalam "kejahatan" itu tidak merahasiakan segala sesuatu yang berhubungan dengan gambar ini. Ada kemungkinan bahwa penciptanya diselamatkan dari hukuman oleh perlindungan tertinggi. Agaknya, karya tersebut ditugaskan oleh salah satu orang paling mulia di Spanyol, dan penyebutan pertama kali dilakukan pada tahun 1651: karya tersebut ditemukan selama inventarisasi koleksi kerabat Olivares yang berpengaruh, Marquis del Carpio. Masih ada perdebatan tentang wanita mana yang menjadi model. Menurut salah satu versi, Diego dipotret oleh aktris dan penari terkenal Madrid Damiana, yang merupakan simpanan Marquis, seorang kolektor yang bersemangat, penikmat seni, dan wanita cantik. Menurut asumsi lain, orang Italia memberikan tubuhnya ke Venus. Mungkin dia adalah kekasih rahasia Velazquez: mereka mengatakan bahwa perselingkuhan itu benar-benar terjadi, dan diduga ada buktinya. Serta bukti bahwa segera setelah artis tersebut berangkat ke Spanyol, ia memiliki seorang putra, yang untuk pemeliharaannya Diego mengirimkan dana.
Dan ini bukanlah rahasia terakhir “Venus”. Para pecinta mistisisme mengklaim bahwa setiap pemilik berikutnya bangkrut dan terpaksa menjual lukisan itu. Jadi, dia mengembara dari tangan ke tangan sampai dia menemukan dirinya di kawasan Inggris di Rokeby Park, di wilayah Yorkshire, yang memberinya salah satu namanya. Dan pada tahun 1906, lukisan itu diakuisisi oleh The National Gallery di London: di sana, pada tanggal 10 Maret 1914, terjadilah kisah berikut...
Dimana lukisannya? Segalanya tampak nyata dalam gambar Anda, seperti di kaca cermin.
Francisco de Quevedo
Seorang gadis biasa-biasa saja memasuki aula tempat kanvas itu berada. Mendekati mahakarya tersebut, dia mengambil pisau dari dadanya dan, sebelum penjaga dapat menghentikannya, memukulnya sebanyak tujuh kali. Selama penyelidikan, Mary Richardson menjelaskan tindakannya sebagai berikut: “Venus dengan Cermin” menjadi objek hasrat pria. Para seksis ini memandangnya seperti kartu pos pornografi. Wanita di seluruh dunia berterima kasih kepada saya karena telah mengakhiri hal ini!” Belakangan ternyata Nona Richardson adalah seorang suffragist - seorang peserta gerakan yang memberikan hak pilih kepada perempuan. Dan dengan cara yang tidak orisinal dia mencoba menarik perhatian publik terhadap nasib Emmeline Pankhurst, ketua gerakan ini, yang sekali lagi dipenjara, di mana dia melakukan mogok makan.
Dan “Venus” dipulihkan: tiga bulan kemudian dikembalikan ke galeri. Dan di sana, seperti berabad-abad lalu, dia mengagumi bayangannya.
Edouard Manet “Olympia” 1863 Museum Orsay, Paris
Lukisan ini, yang dilukis tepat 150 tahun yang lalu, saat ini dianggap sebagai mahakarya impresionisme, dan banyak kolektor yang bermimpi memilikinya dalam koleksi mereka. Namun, penampilan pertamanya di hari pembukaan bergengsi di abad ke-19 menyebabkan salah satu skandal terbesar dalam sejarah seni rupa.
Mungkin karena mengantisipasi sambutan buruk, Edouard Manet tidak terburu-buru menampilkan karyanya ke publik. Memang, pada tahun 1863 yang sama, ia sudah berhasil membedakan dirinya dengan menghadirkan "Sarapan di Rumput" di hadapan juri, yang langsung dikucilkan: modelnya dituduh vulgar, menyebutnya sebagai gadis jalanan telanjang, tanpa malu-malu ditempatkan di antara dua pesolek. Penulisnya sendiri dituduh melakukan amoralitas dan tidak ada sesuatu pun yang diharapkan darinya. Namun teman-temannya, di antaranya adalah penyair dan kritikus Prancis terkenal Charles Baudelaire, meyakinkan sang master bahwa ciptaan barunya tidak ada bandingannya. Dan penyair Zachary Astruc, yang mengagumi Venus (diyakini bahwa karya tersebut ditulis di bawah pengaruh "Venus of Urbino" karya Titian dan awalnya dinamai dewi cinta), segera menamai kecantikan Olympia dan mendedikasikan puisi "Putri dari pulau itu.” Garis-garisnya ditempatkan di bawah kanvas ketika dua tahun kemudian, pada tahun 1865, Manet akhirnya memutuskan untuk memamerkannya di pameran Paris Salon - salah satu pameran paling bergengsi di Prancis. Tapi apa yang dimulai di sini!..
“Segera setelah Olympia punya waktu untuk bangun dari tidurnya,
Seorang pembawa pesan berkulit hitam dengan setumpuk pegas di hadapannya;
Itulah utusan seorang hamba yang tidak dapat dilupakan,
Mengubah malam cinta menjadi hari berbunga,” -
pengunjung pertama membaca keterangan lukisan itu. Namun begitu mereka melihat gambar itu, mereka pergi dengan marah. Sayangnya, renda puitis yang menggugah selera mereka tidak sedikit pun mempengaruhi sikap mereka terhadap karya itu sendiri. "Pencuci Batignolles" (bengkel Edouard berada di kawasan Batignolles), "tanda untuk stan", "odalisque perut kuning", "trik kotor" - julukan seperti itu ternyata paling ringan dari semua yang tersinggung kerumunan dianugerahi Olympia. Lebih jauh - lebih lanjut: “Si rambut coklat ini jelek sekali, wajahnya bodoh, kulitnya seperti mayat”, “Gorila betina yang terbuat dari karet dan digambarkan telanjang bulat”, “Tangannya seperti kejang yang tidak senonoh, ” datang dari semua sisi. Kritikus menjadi lebih canggih dalam kecerdasan mereka, dengan menyatakan bahwa “seni yang telah jatuh begitu rendah bahkan tidak layak untuk dikutuk.” Bagi Mana, seluruh dunia tampak menentangnya. Bahkan mereka yang ramah pun tidak dapat menahan diri untuk tidak berkomentar: “Aku akan memberimu sekop dari setumpuk kartu, sekarang juga.”
|
|
| Artis Edouard Manet. |
“muncul dari kamar mandi” dinamai oleh rekannya Gustave Coubret. “Warna tubuhnya kotor, dan tidak ada modelnya,” gema penyair Théophile Gautier. Namun sang seniman hanya mengikuti contoh pelukis favoritnya, yang dikenal secara universal Diego Velazquez, dan menyampaikan nuansa hitam yang berbeda... Namun, tugas warna yang dia tetapkan untuk dirinya sendiri dan diselesaikan dengan cemerlang tidak terlalu membuat khawatir publik: rumor tentang siapa yang berperan sebagai model untuk karyanya, menyebabkan gelombang kemarahan universal sehingga keamanan harus diberikan ke Olympia. Beberapa waktu kemudian, pengelola ruang pameran terpaksa menaikkannya ke ketinggian yang tidak dapat dijangkau oleh tangan dan tongkat “masyarakat yang berbudi luhur”. Kritikus seni dan pelukis sangat marah dengan penyimpangan dari kanon - merupakan kebiasaan untuk menggambarkan wanita dalam gaya telanjang secara eksklusif sebagai dewi mitos, dan dalam model Edward kontemporer mereka terlihat jelas, terlebih lagi, penulis membiarkan dirinya bebas menggunakan warna dan melanggar batas. pada norma estetika. Penduduk Prancis mengkhawatirkan hal lain: faktanya adalah rumor menyebar ke seluruh kota, dengan gembira diterima oleh orang banyak, bahwa Olympia telah dimunculkan oleh pelacur Paris yang terkenal dan nyonya Kaisar Napoleon III, Marguerite Bellanger. Ngomong-ngomong, Napoleon sendiri, seorang ahli seni, pada tahun 1865 memperoleh "lukisan utama Salon" - "Kelahiran Venus" oleh master dan akademisi Alexandre Cabanel. Ternyata, modelnya tidak membingungkan kaisar dengan apa pun selain pose sembrono atau bentuk kabur, karena sepenuhnya sesuai dengan hukum genre. Berbeda dengan “Olympia” yang dipermalukan dengan “biografi” yang memalukan.
Menurut versi resminya, bukan Margarita yang berpose untuk lukisan itu, melainkan model favorit Manet, Quiz-Louise Meurand: ia tak segan-segan membuka pakaian untuk “Breakfast on the Grass” dan tampil di kanvas lainnya. Seniman lain juga kerap mengundangnya sebagai model, berkat Victorina yang digambarkan dalam lukisan Edgar Degas dan Norbert Gonette. Benar, gadis ini tidak dibedakan berdasarkan perilaku baik dan kesuciannya: bukan tanpa alasan salah satu kenalannya menjulukinya “makhluk bandel yang berbicara seperti wanita jalanan Paris”. Seiring waktu, dia mengucapkan selamat tinggal pada mimpinya menjadi seorang aktris, dan kemudian seorang seniman (beberapa karyanya yang berbakat bertahan), menjadi kecanduan alkohol, mulai berselingkuh dengan Marie Pellegri, dan di tahun-tahun terakhirnya memperoleh seekor burung beo. , yang dengannya dia berjalan-jalan di kota, membawakan lagu-lagu dengan gitar untuk sedekah - untuk itulah dia hidup.
Siapa yang memahatmu dari kegelapan malam, Faust asli macam apa, iblis sabana? Kamu mencium aroma musk dan tembakau Havanna, anak Midnight, idola fatalku...
Charles Baudelaire
Dan diejek, dituduh vulgar dan tidak tahu malu, “Olympia” memulai kehidupan mandiri. Setelah Salon ditutup, ia menghabiskan hampir seperempat abad di studio Manet, di mana hanya kenalan Edward yang dapat mengaguminya, karena museum, galeri, dan kolektor tidak melihat nilai seninya dan dengan tegas menolak untuk membelinya. Opini publik tidak terpengaruh oleh pembelaan kritikus seni dan jurnalis terkemuka Antonin Proust, yang, sebagai teman masa mudanya, menulis: “Edward tidak pernah menjadi vulgar - orang dapat merasakan sifat yang ada dalam dirinya.” Begitu pula dengan keyakinan penulis Emile Zola, yang dalam salah satu artikelnya terbitan surat kabar Paris menyatakan bahwa takdir telah mempersiapkan baginya tempat di Louvre. Meski demikian, perkataannya menjadi kenyataan, namun kecantikannya harus menunggu hampir setengah abad. Pada saat itu, penulisnya sendiri telah lama meninggalkan dunia ini, dan gagasan kesayangannya hampir sampai ke tangan seorang pecinta seni Amerika bersama dengan karya-karya lainnya. Situasi ini diselamatkan oleh teman sang master, Claude Monet: agar mahakarya tersebut - dan dia tidak meragukannya - tidak akan meninggalkan Prancis selamanya, dia mengatur langganan, berkat itu dua puluh ribu franc dikumpulkan. Jumlah tersebut cukup untuk membeli kanvas dari janda Manet dan menyumbangkannya kepada negara, yang telah menolak akuisisi tersebut selama bertahun-tahun. Pejabat seni menerima hadiah itu dan dipaksa untuk memamerkannya, tetapi tidak di Louvre (bagaimana mungkin!), tetapi di salah satu aula Istana Luksemburg, tempat lukisan itu disimpan selama enam belas tahun. Itu dipindahkan ke Louvre hanya pada tahun 1907. Tepat empat puluh tahun kemudian, pada tahun 1947, ketika Museum Impresionisme dibuka di Paris (koleksi Museum Orsay kemudian dibuat atas dasar itu), “Olympia” menetap di sana. Dan kini para penikmat berdiri terpaku dalam kekaguman di hadapan wanita yang, dalam kata-kata Zola, sang seniman “dilemparkan ke kanvas dengan segala kecantikan mudanya”.
Rafael Santi “Fornarina” 1518–1519 Galeri Nazionale d'Arte Antica. Palazzo Barberini, Roma
Diyakini bahwa Raphaellah yang memotretnya dalam gambar "Sistine Madonna" yang terkenal. Benar, mereka mengatakan bahwa dalam hidup Margarita Luti sama sekali tidak berdosa...
Saat wanita ini muncul dalam kehidupan Rafael Santi, dia sudah terkenal dan kaya raya. Kritikus seni dan sejarawan masih belum sepakat mengenai tanggal pasti pertemuan mereka, namun mereka menyampaikan legenda secara tertulis dan lisan, yang selama berabad-abad terakhir telah dilengkapi dengan banyak detail. Beberapa penulis biografi sang seniman menyatakan bahwa mereka bertemu secara kebetulan ketika Raphael sedang berjalan di sepanjang tepi Sungai Tiber pada suatu malam. Perlu dicatat bahwa selama periode inilah ia bekerja atas perintah Agostino Chigi, seorang bankir bangsawan Romawi yang mengundang pelukis terkemuka untuk mengecat dinding istana Farnesino miliknya. Plot “The Three Graces” dan “Galatea” telah menghiasi mereka. Dan dengan yang ketiga - "Apollo dan Psyche" - kesulitan muncul: Raphael tidak dapat menemukan model untuk menggambarkan dewi kuno. Dan kemudian kesempatan itu muncul dengan sendirinya. “Saya menemukannya!” - seru artis itu saat melihat gadis itu datang ke arahnya. Diyakini bahwa dengan kata-kata inilah era baru dimulai dalam kehidupan pribadinya. Ternyata nama gadis cantik itu adalah Margherita, dan dia adalah putri tukang roti Francesco Luti, yang bertahun-tahun lalu pindah dari Siena yang cerah ke Roma. “Oh, kamu adalah fornarina yang hebat, pembuat roti!” - kata Raphael (diterjemahkan dari bahasa Italia fornaro atau fornarino - baker, baker) dan langsung mengajaknya berpose untuk mahakarya masa depan. Namun Margarita tidak berani memberikan persetujuan tanpa izin ayahnya. Dan dia, pada gilirannya, adalah pengantin pria dari putri Tomaso. Pengalaman menunjukkan bahwa jumlah besar yang diberikan oleh Raphael kepada Pastor Luti memiliki efek yang lebih fasih daripada kata-kata apa pun: setelah menerima tiga ribu keping emas, dia dengan senang hati mengizinkan putrinya untuk mengabdi pada seni siang dan malam. Margarita-Fornarina sendiri dengan senang hati menuruti wasiat orang tuanya, karena meskipun usianya masih sangat muda (diyakini usianya baru tujuh belas tahun), intuisi wanita menyarankan: artis terkenal dan kaya itu jatuh cinta padanya. Dan tak lama kemudian gadis itu pindah ke sebuah vila (mungkin di Via di Porta Settimiana), yang disewakan Raphael khusus untuknya. Sejak itu, kata mereka, mereka tidak pernah berpisah. Omong-omong, hotel Relais Casa della Fornarina sekarang terletak di alamat ini, situs webnya mengklaim bahwa kekasih Raphael tinggal di sini pada abad ke-16. Benar, tidak lama: karena keinginan untuk menghabiskan waktu di perusahaannya mengganggu pekerjaan, Chigi mengundang sang majikan untuk menempatkan Margarita di sebelahnya di Farnesino. Jadi dia melakukannya.
Cupid, hentikan cahaya yang menyilaukan itu
Dua mata menakjubkan yang dikirimkan oleh Anda.
Mereka menjanjikan cuaca dingin atau musim panas,
Namun tak sedikit pun rasa iba dalam diri mereka.
Aku hampir tidak tahu pesona mereka,
Betapa saya kehilangan kebebasan dan kedamaian.
Rafael Santi
Saat ini sulit untuk mengatakan mana yang benar dan mana yang fiksi dalam cerita ini, karena menurut beberapa sumber, cerita itu dimulai pada tahun 1514, yaitu hampir setengah milenium yang lalu. Belum ada konfirmasi apakah wanita ini juga digambarkan dalam lukisan seniman lain, misalnya “Donna Valeta”. Meskipun murid-murid Raphael ikut serta dalam penciptaan banyak karya monumental Raphael, dapat diasumsikan bahwa ia menulis Fornarina, seperti Sistine Madonna, secara pribadi. Mungkin inilah sebabnya, saat berdiri di depan “Madonna” bertahun-tahun kemudian di aula Galeri Seni Dresden, penyair Rusia Vasily Zhukovsky berkomentar: “Jiwa manusia mendapat wahyu seperti itu sekali saja, tidak bisa terjadi dua kali.” Orang hanya bisa menebak bahwa lukisan itu ditulis dari Margherita Luti, seperti yang dikatakan banyak sumber: dalam “Biografi” yang disusun oleh penulis biografi resmi Renaisans Giorgio Vasari, nama ini tidak disebutkan. Yang ada hanyalah ungkapan ini: “Marcantonio membuat lebih banyak lagi ukiran untuk Raphael, yang dia berikan kepada muridnya Baviera, yang diberikan kepada wanita yang dia cintai sampai kematiannya, potret terindahnya, di mana dia tampak hidup, kini berada dalam kepemilikan. dari Matteo Botti yang paling mulia, seorang pedagang Florentine; Dia memperlakukan potret ini sebagai peninggalan, karena kecintaannya pada seni dan Raphael pada khususnya.” Dan tidak sepatah kata pun lagi. Berabad-abad kemudian, salah satu pembaca Vasari menulis di pinggir halaman di seberang baris ini bahwa namanya adalah Margherita: wanita itu diberi nama Fornarina pada abad ke-18.
Namun promosi dari mulut ke mulut tidak bisa dihentikan. “Cantik, seperti Madonna-nya Raphael!” - dan sekarang mereka yang ingin menggambarkan kecantikan sejati berkata. Namun orang-orang sezaman Raphael meyakinkan bahwa wanita menawan yang dimaksud tidak dibedakan oleh kesuciannya: pada hari-hari ketika sang maestro sedang pergi sibuk dengan pekerjaan, dia dengan mudah menemukan penggantinya, menghabiskan waktu di pelukan salah satu muridnya atau bankir. diri. Sesama warga sang master yakin, dan kemudian meyakinkan seluruh dunia, bahwa Raphael meninggal tepat di pelukannya karena gagal jantung. Hal ini terjadi pada tanggal 6 April 1520, artis tersebut baru saja menginjak usia tiga puluh tujuh tahun.
Apakah ini benar atau tidak, kemungkinan besar tidak akan diketahui. Namun diketahui pasti bahwa Raphael tidak menanggapi lamaran temannya, Kardinal Bernardo Divizio di Bibbiena, yang menurut Vasari, sudah bertahun-tahun memintanya untuk menikah dengan keponakannya. Namun, Raphael, “tanpa secara langsung menolak memenuhi keinginan kardinal, menunda masalah tersebut. Sementara itu, dia perlahan-lahan menikmati kesenangan cinta lebih dari yang seharusnya, dan suatu hari, setelah melewati batas, dia kembali ke rumah dalam keadaan demam yang parah. Para dokter mengira dia menderita flu dan mengeluarkan darah secara sembarangan, akibatnya dia menjadi sangat lemah.” Pengobatan tidak berdaya.
“Fornarina” memulai perjalanannya sendiri: untuk pertama kalinya, sebuah karya yang menggambarkan seorang wanita telanjang disebutkan dari perkataan seseorang yang melihatnya dalam koleksi Sforza Santa Fiora. Di bahu kirinya terdapat gelang bertuliskan "Rafael of Urbino", yang memunculkan identifikasi model tersebut dengan kekasih legendaris tersebut. Telah menjadi koleksi Palazzo Barberini sejak 1642. Studi sinar-X menunjukkan bahwa lukisan ini kemudian “dikoreksi” oleh murid Raphael, Giulio Romano.
“Raphael akan mencapai kesuksesan cemerlang dalam mewarnai jika konstitusinya yang berapi-api, yang terus-menerus membuatnya tertarik pada cinta, tidak menyebabkan kematian dini,” tulis salah satu pengagum karyanya. “Di sinilah letak Raphael yang agung, yang selama hidupnya alam takut dikalahkan, dan setelah kematiannya dia takut mati,” kata tulisan di batu nisan yang diukir di batu nisannya di Pantheon.
Gustav KLIMT “Legenda” 1883 Museum Wien Karlsplatz, Wina
Gustav Klimt terkenal karena penggambarannya yang aneh tentang wanita telanjang: pada awal abad ke-20, lukisannya, yang bercirikan erotisme terang-terangan, mengejutkan publik Wina yang beradab, dan para penjaga moral menyebutnya pornografi.
Namun hal ini tidak selalu terjadi: salah satu pesanan pertama yang diterima calon seniman dari penerbit Martin Gerlach adalah membuat ilustrasi untuk buku "Allegories and Emblems" - Gustav muda menyelesaikannya secara mandiri dan, mungkin, sepenuhnya sesuai dengan karyanya. persyaratan dan ide tentang kecantikan. Bagaimanapun, tidak ada informasi tentang keluhan dari Gerlach. Meski di tengah plotnya adalah kecantikan dalam gaya telanjang. Kritikus menyebut ketelanjangan ini hampir murni. “Bahkan dalam lukisan awalnya, Klimt memberikan kebanggaan pada Wanita: sejak saat itu dia tidak pernah berhenti memuliakannya. Hewan yang patuh ditempatkan sebagai hiasan di kaki seorang pahlawan wanita yang luar biasa dan sensual yang menganggap remeh kepatuhan mereka,” mereka menikmati kefasihan mereka sendiri. Dan mereka mengklarifikasi bahwa penulis membutuhkan hewan-hewan itu hanya untuk menunjukkan Hawa pertama yang menggairahkan ini dalam sudut pandang yang paling menguntungkan. Fabel - ini adalah judul film aslinya. Dalam terjemahan Rusia dikenal dengan nama berbeda: "Legenda", "Dongeng", "Fabel". Yang tetap tidak berubah adalah reaksi para penonton, yang sulit mempercayai bahwa itu milik Gustav Klimt yang sama - seorang erotomaniak yang keterlaluan, seorang jenius dan "dekaden sesat", begitu warganya memanggilnya. Namun banyak yang berubah sejak saat itu - termasuk gaya artistiknya.
“Dia sendiri tampak seperti orang biasa yang kikuk dan tidak bisa menyatukan dua kata. Namun tangannya mampu mengubah wanita menjadi anggrek berharga yang muncul dari kedalaman mimpi ajaib,” kenang salah satu teman sang seniman. Benar, pendapatnya tidak dianut oleh semua orang sezaman dengan Klimt. Bagaimanapun, penggambaran ketelanjangan perempuan yang “cabul” itulah yang menyebabkan salah satu skandal paling keras dalam seni. Itu terjadi di Wina tujuh tahun setelah penciptaan Fabel, pada malam tahun 1900, ketika pelukis muda itu mempersembahkan kepada publik, dan yang paling penting, para pelanggan - para profesor terhormat di Universitas Wina - lukisan “Filsafat”, "Kedokteran" dan "Fikih": mereka seharusnya menghiasi langit-langit bangunan utama Kuil Ilmu Pengetahuan. Melihat lukisan-lukisan itu, para pakar dikejutkan oleh “keburukan dan ketelanjangan” dan langsung menuduh penulisnya melakukan “pornografi, penyimpangan yang berlebihan, dan demonstrasi kemenangan kegelapan atas terang.” Kasus keterlaluan itu bahkan sempat dibicarakan di parlemen! Tidak ada yang mengindahkan teguran profesor seni Franz von Wickhoff, satu-satunya orang yang mencoba membela Klimt dalam ceramah legendaris “Apa yang Jelek?” Akibatnya lukisan-lukisan itu tidak dipamerkan di gedung universitas. Namun, cerita ini membantu Gustav membuat kesimpulan penting: kemandirian kreatif adalah satu-satunya cara untuk menjaga orisinalitas. “Sensor yang cukup. Aku akan bertahan sendiri. Saya ingin bebas. Saya ingin menyingkirkan semua omong kosong yang menghambat saya dan mendapatkan pekerjaan saya kembali. Saya menolak bantuan dan perintah pemerintah apa pun. Saya menyerahkan segalanya,” katanya dalam sebuah wawancara beberapa tahun kemudian. Dan dia meminta kepada pemerintah untuk mengizinkannya membeli kembali karya-karya yang dipermalukan itu. “Semua serangan kritik hampir tidak menyentuh saya saat itu, apalagi tidak mungkin menghilangkan kebahagiaan yang saya alami selama mengerjakan karya-karya tersebut. Secara umum, saya tidak terlalu sensitif terhadap serangan. Namun saya menjadi lebih menerima jika saya memahami bahwa orang yang memesan pekerjaan saya tidak puas dengan pekerjaan tersebut. Seperti halnya lukisan yang ditutup-tutupi,” jelasnya dalam wawancara dengan seorang jurnalis Wina. Permintaannya dikabulkan oleh pemerintah. Belakangan, lukisan-lukisan itu menjadi koleksi pribadi, tetapi pada akhir Perang Dunia II lukisan-lukisan itu dibakar oleh pasukan SS yang mundur di Kastil Immerhof, di mana lukisan-lukisan itu kemudian disimpan. Klimt sendiri tidak mengetahui hal ini, karena semua ini terjadi ketika tuannya sudah tidak hidup lagi.
Semua seni itu erotis.
Adolf Loos
Untungnya, pada tahun 1900-an, reaksi masyarakat tidak meredam semangatnya: dia mengandalkan wanita - merekalah yang memberinya kebebasan yang diinginkan. Meskipun keinginan untuk "dengan berani melukis Eva - prototipe semua wanita - dalam semua pose yang bisa dibayangkan, yang bukan apel yang menjadi objek godaannya, tetapi tubuhnya," tidak pernah hilang darinya, Gustav lebih suka menghasilkan uang dengan membuat potret pasangan hidup para raja Wina. Beginilah munculnya "Galeri Istri" yang terkenal, yang tidak hanya memberi Klimt uang, tetapi juga ketenaran: Sonya Knieps, Adele Bloch-Bauer, Serena Lederer - sang maestro tahu bagaimana menyenangkan warga Wina yang makmur. Dia menggambarkan orang yang mereka cintai sebagai orang yang sangat menawan, tetapi dengan sentuhan arogansi tertentu. Setelah memberikan ciri-ciri ini kepada seorang wanita dari kalangan atas, dia mengulangi teknik ini lebih dari sekali. Jadi “femme fatales, erotisme, dan estetika” menjadi ciri khas Klimt.
Untungnya, sang artis tidak kekurangan model - telanjang atau mengenakan pakaian mewah. Meskipun legenda dibuat tentang kecintaannya pada cinta, selama dua puluh tujuh tahun pendamping setia Gustav adalah Emilia Flöge, seorang perancang busana dan pemilik rumah mode. Benar, mereka mengatakan bahwa mereka terhubung hanya dengan persahabatan yang menyentuh, dan hubungan pasangan itu hanya bersifat platonis. Namun diyakini bahwa dia dan dirinya sendirilah yang dia tangkap dalam "Kiss" yang terkenal itu.
Siapa yang mengilhami ciri-ciri keindahan dari Fable mungkin akan tetap menjadi misteri - salah satu misteri yang suka diciptakan Klimt. “Siapapun yang ingin mengetahui sesuatu tentang saya sebagai seorang seniman – dan hanya itu yang saya minati – harus memperhatikan lukisan saya dengan cermat,” sarannya. Mungkin jawaban atas semua pertanyaan memang tersembunyi di dalamnya.
Dante Gabriel Rossetti “Venus Vertikordia” 1864–1868 Galeri & Museum Seni Russell-Cotes, Bournemouth
Dante Gabriel Rossetti menjadi terkenal sebagai salah satu pendiri Persaudaraan Pra-Raphaelite, seorang penyair dan seniman orisinal yang menciptakan serangkaian potret erotis wanita. Dan juga dengan kelakuan mengejutkan yang meledakkan masyarakat Puritan.
“Jika Anda mengenalnya, Anda akan mencintainya, dan dia akan mencintai Anda - semua orang yang mengenalnya terpesona olehnya. Dia benar-benar berbeda dari orang lain,” kata Jane Burden Morris tentang Rossetti, yang selama bertahun-tahun dia ambil tempat wanita dan model tercinta Dante. Tapi dia bukan satu-satunya...
Kisah ini dimulai pada bulan Oktober 1857, ketika Jane dan saudara perempuannya Elizabeth pergi ke Teater Drury Lane di London. Di sana dia diperhatikan oleh Rossetti dan rekannya Edward Burne-Jones. Orang-orang sezamannya mencatat bahwa Jenny - begitu teman-teman Pra-Raphaelite mulai memanggilnya - tidak dibedakan oleh kecantikan tradisionalnya, tetapi menarik perhatian karena perbedaannya dari orang lain. “Wanita macam apa ini! Dia cantik dalam segala hal. Bayangkan seorang wanita jangkung kurus, dalam gaun panjang yang terbuat dari kain warna ungu kalem, terbuat dari bahan alami, dengan rambut hitam keriting tergerai bergelombang besar di sepanjang pelipisnya, wajah kecil dan pucat, mata besar berwarna gelap, dalam... dengan alis melengkung hitam tebal. Leher tinggi terbuka ditutupi mutiara, dan pada akhirnya - kesempurnaan belaka,” kagum salah satu kenalannya. Dia sangat berbeda dari wanita muda sekuler “klasik” - inilah yang menggairahkan imajinasi kaum Pra-Raphael, yang menyatakan keengganan mereka untuk mengikuti hukum seni lukis akademis. Mereka mengatakan bahwa ketika dia melihatnya, Rossetti berseru: “Pemandangan yang menakjubkan! Sangat indah!" Dan kemudian dia mengajak gadis itu untuk berpose. Artis lain mengapresiasi pilihannya dan mulai berlomba-lomba mengundang Jane, née Burden, ke sesi mereka. Bagaimana reaksi resmi Pra-Raphael, Elizabeth Siddal, yang menyandang gelar ini selama bertahun-tahun, terhadap hal ini tidak sulit untuk ditebak. Lagipula, Lizzie juga istri mertua Rossetti: dia berjanji akan melegitimasi hubungan mereka. Semua orang tahu tentang romansa yang penuh gairah dan menyakitkan bagi keduanya. Serta fakta bahwa Dante yang penuh kasih “terinspirasi” selama bertahun-tahun dalam pelukan model lain. Pengalaman tersebut melemahkan kesehatan Siddal yang buruk, yang ia korbankan sepenuhnya demi seni. Dikatakan bahwa, saat berpose pada tahun 1852 untuk lukisan terkenal karya John Millais “Ophelia,” dia menghabiskan berjam-jam berturut-turut di bak air, menggambarkan Ophelia yang tenggelam. Itu terjadi di musim dingin, dan lampu pemanas air padam. Gadis itu masuk angin dan sakit parah. Diyakini bahwa dia diberi resep obat berbahan dasar opium untuk pengobatan. Sebagai penghargaan bagi Dante, patut dikatakan bahwa dia menepati janjinya, menikahi Lizzie pada Mei 1860. Dan pada bulan Februari 1862 dia pergi. Elizabeth meninggal karena overdosis opium, yang dia konsumsi untuk menghilangkan rasa sakit: tak lama sebelum itu, dia kehilangan anaknya, dan hubungannya dengan Rossetti putus. Tidak pernah mungkin untuk mengetahui apakah kematiannya hanyalah kecelakaan fatal.
Namun waktu berlalu: Jane Burden ada di dekatnya. Dan meskipun dia sudah menjadi istri William Morris, persahabatannya yang “lembut” dengan Rossetti terus berlanjut. Pasangan sah berada di atas konvensi dan tidak mengganggu hubungan. Mungkin dia sendiri yang “menubuatkan” mereka? Lagi pula, satu-satunya lukisan yang diselesaikan oleh Morris adalah Jane dalam gambar "Ratu Ginevra": seperti yang Anda tahu, wanita ini adalah istri Raja Arthur, yang menurut salah satu versi, menjadi kekasih ksatria Lancelot. Bagaimanapun, Jane-lah yang menghidupkan kembali Dante, membangkitkan dalam dirinya keinginan untuk mencipta. Beberapa tahun kemudian, ia memutuskan untuk menerbitkan karya puisi awalnya. Sayangnya, tidak ada draf soneta yang tersisa, dan kemudian dia melakukan tindakan yang telah lama dibicarakan seluruh London: dia menggali dan mengungkap manuskrip yang pernah hilang. “Soneta-sonetanya dipenuhi dengan konten mistis dan erotis,” jawab para kritikus, dan pembaca menerimanya dengan gembira.
Hidup terus berjalan, dan sekarang Jane, seperti Elizabeth dulu, muncul di hampir setiap kanvas, berkat itu ia memasuki sejarah seni lukis. Namun, apakah "Venus Verticordia" yang terkenal - "Venus yang mengubah hati" - masih mempertahankan fitur-fiturnya masih menjadi misteri. Pada saat itu, Rossetti memiliki model favorit lainnya: nama gadis itu adalah Alexa Wilding, meskipun semua orang memanggilnya Alice. Dipercaya bahwa pada bulan Januari 1868 lukisan ini ditulis ulang dengan wajah Wilding, meskipun pengurus rumah tangga seniman Fanny Cornforth awalnya berpose untuk “Venus.” Apakah benar demikian - sebuah misteri, salah satu misteri yang dibawa Rossetti bersamanya. Hal lain yang mengejutkan: Venus Verticordia adalah nama pemujaan Romawi kuno dan gambar dewi Venus, yang “mengubah” hati manusia “dari nafsu menjadi kesucian”. Dan karya berjudul sama hampir menjadi satu-satunya contoh ketelanjangan dalam karya Rossetti. Ngomong-ngomong, Nona Alexa Wilding juga salah satu dari sedikit renungan Dante yang tidak memiliki hubungan cinta dengan sang maestro.
Titian Vecellio Venus dari Urbino 1538 Galeri Uffizi, Florence
Venus Pudica - "Venus Suci", "malu", "sederhana" - orang-orang sezaman dengan Titian menyebut gambar serupa dari dewi cinta. “Seorang gadis yang hanya memakai cincin, gelang dan anting, jika sedikit malu, akan menyadari sepenuhnya kecantikannya,” kata mereka tentang kecantikan saat ini. Dan kisah ini dimulai 475 tahun yang lalu.
Ketika Duke Guidobaldo II della Rovere mengirim kurir ke Venesia pada musim semi tahun 1538, dia menerima instruksi yang jelas: tidak kembali tanpa kanvas yang dipesan dari Titian. Dari korespondensi Duke diketahui bahwa mereka berbicara tentang potret Guidobaldo sendiri dan seorang la donna nuda, “seorang wanita telanjang.” Seperti yang Anda lihat, pelayan itu mengatasi tugasnya dengan baik - Guidobaldo, yang kemudian menjadi Adipati Urbino, memperoleh kanvas, dan keanggunan telanjang dalam lukisan itu menerima nama baru: "Venus of Urbino."
Di Venesia - semua kesempurnaan keindahan! Saya memberi peringkat pertama pada lukisannya, yang standarnya adalah Titian.
Diego Velasquez
Saat itu, Titian Vecellio yang berusia sekitar lima puluh tahun telah lama dikenal sebagai master terkenal dan menyandang gelar seniman pertama Republik Venesia. Sesama warga terkenal berbaris, ingin memiliki potret mereka sendiri dalam penampilannya. “Dengan wawasan yang luar biasa, sang seniman menggambarkan orang-orang sezamannya, menangkap ciri-ciri karakter mereka yang paling beragam, terkadang kontradiktif: kepercayaan diri, kebanggaan dan martabat, kecurigaan, kemunafikan, tipu daya,” kata kritikus seni abad ke-19. “Ketika Anda mencoba membayangkan Titian, Anda melihat seorang pria bahagia, paling bahagia dan paling makmur yang pernah ada di antara kaumnya, yang hanya menerima nikmat dan nasib baik dari surga... Yang menjadi tuan rumah bagi para raja, doge, Paus Paulus III dan semuanya Penguasa Italia, dibombardir dengan perintah, dibayar mahal, menerima pensiun dan dengan terampil menggunakan kebahagiaannya. Dia mengelola rumahnya dalam skala besar, berpakaian megah, mengundang para kardinal, bangsawan, seniman terhebat, dan ilmuwan paling berbakat pada masanya ke mejanya,” tulis sejarawan Prancis Hippolyte Taine tentang dia pada awal abad ke-19. Ini mungkin pendapat orang kaya Venesia. Mereka mungkin bertanya-tanya mengapa kekasih takdir ini memiliki begitu sedikit hubungan cinta. Memang, sepanjang umur Titian yang panjang, hanya tiga nama perempuan yang dikaitkan dengannya. Itupun keduanya, kemungkinan besar, hanya menciptakan kisah romantis yang indah. Diketahui secara pasti: istri satu-satunya adalah Cecilia Soldano, yang dinikahinya pada tahun 1525, setelah tinggal bersamanya selama beberapa tahun dalam “perkawinan sipil” sebelum pernikahan. Dan pada tahun 1530 dia meninggal, meninggalkan suaminya dengan anak-anaknya. Sulit untuk mengatakan apakah dia melukis potret Cecilia secara nyata atau dalam bentuk keindahan mitos, tetapi dia menyimpan kenangan akan wanita ini. Baginya, Vecellio yang termasyhur dan terkenal, seorang pencinta kehidupan, bijaksana dalam pengalaman kemenangan dan kekalahan, Duke Guidobaldo berpaling...
Dalam hampir setengah milenium yang telah berlalu sejak kelahiran dewi Titian, para sejarawan seni mungkin telah mempelajari setiap goresan pada tubuh mewahnya, namun mereka tidak pernah mengetahui siapa yang menjadi modelnya. Beberapa orang percaya bahwa kanvas tersebut menggambarkan istri muda Guidobaldo, Julia Varano. Yang lain tidak ragu: sang maestro berpose... ibu Duke, Eleanor Gonzaga. Dalam asumsinya, mereka mengacu pada kesamaan antara “Venus” dan potret Eleanor karya Titian dan fakta bahwa kedua kanvas tersebut menggambarkan “anjing yang sama meringkuk seperti bola”. Beberapa dari mereka memilah setiap elemen di lingkungan wanita, dan semua ini, menurut pendapat mereka, melambangkan ikatan pernikahan. Buket mawar di tangan adalah atribut Venus, seekor anjing di kaki adalah simbol pengabdian, dan pelayan di dekat dada dengan pakaian dan bunga di bukaan jendela - untuk menciptakan suasana keintiman dan kehangatan. Mereka dengan senang hati menjuluki karya tersebut sebagai “potret alegoris seorang bangsawan terkenal - “dewi domestik”, yang menyampaikan kemewahan dan sensualitas Venesia. Mungkin Titian ingin berbicara tentang seksualitas dalam lukisannya, menggabungkan erotisme yang menarik dengan keutamaan pernikahan dan, yang terpenting, dengan kesetiaan yang digambarkan oleh anjing,” bantah mereka. Yang lain dengan sinis menyatakan bahwa di tempat tidur di bagian dalam kamar bangsawan ada seorang wanita demimonde: seorang pelacur. Perwakilan dari profesi ini pada abad ke-16 menduduki kedudukan sosial yang tinggi dan, melalui upaya para pelukis, seringkali tetap berada dalam keabadian. Tapi sekarang itu tidak masalah. Hal lain yang penting: karya Titian melahirkan pengikut berbakat - Alberti, Tintoretto, Veronese. “Venus of Urbino” sendiri, 325 tahun kemudian - pada tahun 1863 - menginspirasi rekannya yang lebih muda, Edouard Manet, untuk menciptakan “Olympia” yang menakjubkan. Dan sisanya - bahkan lima ratus tahun kemudian - mengagumi bakat seorang jenius yang dicium oleh Tuhan.
Sejarah seni rupa dunia mengingat banyak kejadian menakjubkan terkait dengan penciptaan dan petualangan lukisan terkenal selanjutnya. Sebab bagi seniman sejati, kehidupan dan kreativitas sangatlah erat hubungannya.
"Jeritan" oleh Edvard Munch
Tahun pembuatan: 1893
Bahan: karton, minyak, tempera, pastel
Dimana lokasinya: Galeri Nasional,
Lukisan terkenal “The Scream” karya seniman ekspresionis Norwegia Edvard Munch adalah subjek diskusi favorit di kalangan mistikus di seluruh dunia. Beberapa orang mengira lukisan itu meramalkan peristiwa mengerikan abad ke-20 dengan peperangan, bencana lingkungan, dan Holocaust. Yang lain yakin bahwa gambar tersebut membawa kesialan dan penyakit bagi pelanggarnya.
Kehidupan Munch sendiri hampir tidak bisa disebut sejahtera: ia kehilangan banyak kerabat, berulang kali dirawat di klinik psikiatri, dan tidak pernah menikah.
Ngomong-ngomong, sang seniman mereproduksi lukisan “The Scream” sebanyak empat kali.
Diyakini bahwa dia adalah akibat dari psikosis manik-depresif yang diderita Munch. Entah bagaimana, pemandangan seorang pria putus asa dengan kepala besar, mulut terbuka dan tangan menempel di wajahnya masih mengejutkan semua orang yang melihat ke kanvas.
"Si Masturbasi Hebat" oleh Salvador Dali
Tahun pembuatan: 1929
Bahan: minyak, kanvas
Dimana lokasinya: Pusat Seni Reina Sofia,
Masyarakat umum melihat lukisan “The Great Masturbator” hanya setelah kematian ahli keterlaluan dan surealis paling terkenal Salvador Dali. Sang seniman menyimpannya dalam koleksinya sendiri di Museum Teater Dalí di Figueres. Dipercaya bahwa lukisan yang tidak biasa dapat menceritakan banyak hal tentang kepribadian pengarangnya, khususnya tentang sikapnya yang menyakitkan terhadap seks. Namun, kita hanya bisa menebak motif apa yang sebenarnya tersembunyi dalam gambar tersebut.
Ini mirip dengan memecahkan rebus: di tengah gambar ada profil sudut yang menghadap ke bawah, menyerupai Dali sendiri atau batu di pantai kota Catalan, dan di bagian bawah kepala ada sosok wanita telanjang yang muncul. - salinan nyonya artis Gala. Lukisan itu juga menggambarkan belalang, yang menyebabkan ketakutan yang tidak dapat dijelaskan di Dali, dan semut - simbol pembusukan.
"Keluarga" oleh Egon Schiele
Tahun pembuatan: 1918
Bahan: minyak, kanvas
Dimana lokasinya: Galeri Belvedere,
Lukisan indah karya seniman Austria Egon Schiele pernah disebut pornografi, dan artis tersebut dijebloskan ke penjara karena diduga merayu anak di bawah umur.
Dengan harga ini dia diberi cinta model gurunya. Lukisan Schiele adalah salah satu contoh ekspresionisme terbaik, namun naturalistik dan penuh keputusasaan yang menakutkan.
Model Schiele seringkali adalah remaja dan pelacur. Selain itu, sang seniman terpesona oleh dirinya sendiri - warisannya mencakup banyak potret diri yang berbeda. Schiele melukis kanvas “Keluarga” tiga hari sebelum kematiannya sendiri, menggambarkan istrinya yang sedang hamil yang meninggal karena flu dan anak mereka yang belum lahir. Mungkin ini jauh dari kata yang paling aneh, tapi jelas merupakan karya pelukis yang paling tragis.
“Potret Adele Bloch-Bauer” oleh Gustav Klimt
Tahun pembuatan: 1907
Bahan: minyak, kanvas
Dimana lokasinya: Galeri Baru,
Sejarah penciptaan lukisan terkenal karya seniman Austria Gustav Klimt “Potret Adele Bloch-Bauer” memang bisa disebut mengejutkan. Istri raja gula Austria Ferdinand Bloch-Bauer menjadi inspirasi dan kekasih sang seniman. Ingin membalas dendam pada keduanya, suami yang terluka itu memutuskan untuk menggunakan metode orisinal: dia memesan potret istrinya dari Klimt dan menyiksanya dengan omelan yang tak ada habisnya, memaksanya membuat ratusan sketsa. Pada akhirnya, hal ini menyebabkan Klimt kehilangan minatnya pada modelnya.
Pengerjaan lukisan itu berlanjut selama beberapa tahun, dan Adele menyaksikan perasaan kekasihnya memudar. Rencana berbahaya Ferdinand tidak pernah terungkap. Saat ini, "Mona Lisa Austria" dianggap sebagai harta nasional Austria.
“Kotak Supermatik Hitam” oleh Kazimir Malevich
Tahun pembuatan: 1915
Bahan: minyak, kanvas
Dimana lokasinya: Galeri State Tretyakov,
Hampir seratus tahun telah berlalu sejak seniman avant-garde Rusia Kazimir Malevich menciptakan karyanya yang terkenal, dan perselisihan serta diskusi masih terus berlanjut. Muncul pada tahun 1915 di pameran futuristik “0.10” di “sudut merah” aula yang diperuntukkan bagi ikon tersebut, lukisan itu mengejutkan publik dan selamanya memuliakan sang seniman. Benar, saat ini hanya sedikit orang yang tahu bahwa lukisan supermatik adalah lukisan non-objektif yang mengutamakan warna, dan “Kotak Hitam” sebenarnya bukan hitam atau persegi sama sekali.
Ngomong-ngomong, salah satu versi sejarah terciptanya kanvas mengatakan: sang seniman tidak sempat menyelesaikan pengerjaan lukisannya, sehingga ia terpaksa menutupi karyanya dengan cat hitam, saat itu pula temannya datang. ke bengkel dan berseru: “Brilian!”
"Asal Usul Dunia" oleh Gustave Courbet
Tahun pembuatan: 1866
Bahan: minyak, kanvas
Dimana lokasinya: Museum Orsay,
Lukisan karya seniman realis Perancis Gustave Courbet dianggap sangat provokatif sejak lama dan tidak diketahui masyarakat umum selama lebih dari 120 tahun. Seorang wanita telanjang yang terbaring di tempat tidur dengan kaki terbuka masih menimbulkan reaksi beragam dari pemirsa hingga saat ini. Oleh karena itu, di Museum Orsay, lukisan tersebut dijaga oleh salah satu karyawannya.
Pada tahun 2013, seorang kolektor Perancis mengumumkan bahwa ia menemukan bagian lukisan yang menampilkan kepala pengasuh di salah satu toko barang antik di Paris. Para ahli membenarkan anggapan bahwa Joanna Hiffernan (Joe) berpose untuk artis tersebut. Saat mengerjakan lukisan itu, dia menjalin hubungan cinta dengan murid Courbet, seniman James Whistler. Foto itu memicu perpisahan mereka.
"Pria dan Wanita di Depan Tumpukan Kotoran" oleh Joan Miró
Tahun pembuatan: 1935
Bahan: minyak, tembaga
Dimana lokasinya: Yayasan Joan Miro,
Orang yang jarang melihat, ketika melihat lukisan karya seniman dan pematung Spanyol Joan Miró, akan mengaitkannya dengan kengerian perang saudara. Namun justru masa kegelisahan sebelum perang tahun 1935 di Spanyol yang menjadi tema film dengan judul menjanjikan “Pria dan Wanita di Depan Tumpukan Kotoran”. Ini adalah gambaran firasat.
Dia menggambarkan pasangan “gua” absurd yang tertarik satu sama lain, tetapi tidak bisa mengalah. Alat kelamin yang membesar, warna-warna beracun, sosok-sosok yang tersebar dengan latar belakang gelap - semua ini, menurut sang seniman, meramalkan peristiwa tragis yang akan datang.
Sebagian besar lukisan Joan Miró adalah karya abstrak dan surealis, dan suasana yang disampaikannya penuh kegembiraan.
"Lili Air" oleh Claude Monet
Tahun pembuatan: 1906
Bahan: minyak, kanvas
Dimana lokasinya: koleksi pribadi
Lukisan kultus impresionis Prancis Claude Monet “Water Lilies” memiliki reputasi buruk - bukan suatu kebetulan jika disebut “berbahaya kebakaran”. Serangkaian kebetulan yang mencurigakan ini terus mengejutkan banyak orang yang skeptis. Kejadian pertama terjadi tepat di studio sang seniman: Monet dan teman-temannya sedang merayakan selesainya sebuah lukisan ketika tiba-tiba terjadi kebakaran kecil.
Lukisan itu berhasil diselamatkan, dan segera dibeli oleh pemilik kabaret di Montmartre, tetapi kurang dari sebulan kemudian, bangunan tersebut juga mengalami kebakaran hebat. “Korban” kanvas berikutnya adalah filantropis Paris Oscar Schmitz, yang kantornya terbakar setahun setelah “Water Lilies” digantung di sana. Sekali lagi, lukisan itu berhasil bertahan. Tahun ini, seorang kolektor pribadi membeli “Water Lilies” seharga $54 juta.
"Les Demoiselles d'Avignon" oleh Pablo Picasso
Tahun pembuatan: 1907
Bahan: minyak, kanvas
Dimana lokasinya: Museum Seni Modern,
“Rasanya seperti Anda ingin memberi kami derek atau memberi kami bensin untuk diminum,” kata teman Picasso, seniman Georges Braque, tentang lukisan “Les Demoiselles d’Avignon.” Kanvas itu benar-benar menjadi skandal: publik mengagumi karya-karya sang seniman sebelumnya, yang lembut dan menyedihkan, dan peralihan mendadak ke kubisme menyebabkan keterasingan.
Sosok perempuan dengan wajah kasar laki-laki serta lengan dan kaki bersudut terlalu jauh dari “Girl on the Ball” yang anggun.
Teman-temannya mengabaikan Picasso; Matisse sangat tidak puas dengan lukisan itu. Namun, “Les Demoiselles d’Avignon”-lah yang menentukan tidak hanya arah perkembangan karya Picasso, tetapi juga masa depan seni rupa secara keseluruhan. Judul asli lukisan itu adalah “Philosophical Brothel.”
"Potret Putra Artis" oleh Mikhail Vrubel
Tahun pembuatan: 1902
Bahan: cat air, guas, pensil grafit, kertas
Dimana lokasinya: Museum Negara Rusia,
Seniman brilian Rusia pada pergantian abad ke-19 dan ke-20, Mikhail Vrubel, berhasil dalam hampir semua jenis seni rupa. Savva, anak sulungnya, lahir dengan “bibir sumbing”, yang membuat sang artis sangat kesal. Vrubel menggambarkan anak laki-laki itu di salah satu kanvasnya dengan jujur, tanpa berusaha menyembunyikan kelainan bawaannya.
Nada lembut dari potret itu tidak membuatnya tenang - keterkejutan dapat terbaca di dalamnya. Bayi itu sendiri digambarkan dengan penampilan yang sangat bijaksana dan kekanak-kanakan. Segera setelah lukisan itu selesai, anak itu meninggal. Sejak saat itu, dalam kehidupan sang seniman, yang sedang berduka atas tragedi tersebut, masa “hitam” penyakit dan kegilaan dimulai.
Foto: thinkstockphotos.com, flickr.com