Japonská klasická maľba: najznámejšie mená. Umelci Japonska - od staroveku po súčasnosť

Čo zahŕňa mnoho techník a štýlov. Počas histórie svojej existencie prešiel veľké množstvo zmeny. Pribudli nové tradície a žánre a ostali pôvodné japonské princípy. Spolu s úžasnou históriou Japonska je obraz pripravený predstaviť aj mnoho jedinečných a zaujímavých faktov.

Staroveké Japonsko

Prvé štýly sa objavujú v najstaršom historickom období krajiny, dokonca pred naším letopočtom. e. Vtedy bolo umenie dosť primitívne. Najprv v roku 300 pred Kr. rôzne geometrické tvary, ktoré sa vykonávali na keramike pomocou palíc. Takýto objav archeológov ako ozdoba na bronzových zvonoch sa datuje do neskoršej doby.

O niečo neskôr, už v roku 300 po Kr. e., objaviť sa skalné maľby, ktoré sú oveľa rozmanitejšie ako geometrické vzory. Toto sú už plnohodnotné obrázky s obrázkami. Našli sa v kryptách a ľudia, ktorí sú na nich namaľovaní, boli pravdepodobne pochovaní na týchto pohrebiskách.

V 7. storočí nášho letopočtu e. Japonsko preberá písmo pochádzajúce z Číny. Približne v rovnakom čase odtiaľ pochádzali prvé obrazy. Potom sa maľba javí ako samostatná sféra umenia.

Edo

Edo zďaleka nie je prvý a nie najnovší obraz, však práve ona priniesla do kultúry veľa nového. Po prvé, je to jas a farebnosť, ktoré boli pridané k bežnej technike vykonávanej v čiernej a sivé tóny. Väčšina vynikajúci umelec Tento štýl je považovaný za Sotasu. Vytváral klasické obrazy, no jeho postavy boli veľmi pestré. Neskôr prešiel k prírode a väčšina jeho krajiniek bola namaľovaná na pozlátenom pozadí.

Po druhé, v období Edo sa objavila exotika, žáner namban. Využívala moderné európske a čínske techniky, ktoré sa prelínali s tradičnými japonskými štýlmi.

A do tretice sa objavuje škola Nanga. Umelci v ňom najskôr úplne napodobňujú alebo dokonca kopírujú diela čínskych majstrov. Potom sa objaví nová vetva, ktorá sa nazýva bunjing.

Obdobie modernizácie

Obdobie Edo ustupuje Meiji a teraz je k tomu nútená japonská maľba nová etapa rozvoj. V tejto dobe sa po celom svete stávali populárne žánre ako western a podobne, takže modernizácia umenia sa stala bežným stavom vecí. Avšak v Japonsku, krajine, kde všetci ľudia uctievajú tradície, daný čas situácia bola výrazne odlišná od toho, čo sa dialo v iných krajinách. Konkurencia medzi európskymi a miestnymi technikmi je tu tvrdá.

Vláda v tejto fáze uprednostňuje mladých umelcov, ktorí sa podvolia veľké nádeje zlepšiť zručnosti v západné štýly. Posielajú ich teda do škôl v Európe a Amerike.

Ale to bolo len na začiatku obdobia. Ide o to, že slávnych kritikov dosť kritizovaný západné umenie. Aby ste sa vyhli veľkému rozruchu okolo tohto problému, Európske štýly a techniky začali byť na výstavách zakázané, ich vystavovanie prestalo, rovnako ako ich popularita.

Vznik európskych štýlov

Nasleduje obdobie Taisho. V tomto čase mladí umelci, ktorí odchádzali študovať v zahraničných škôl, vrátiť sa do svojej vlasti. Prirodzene, prinášajú so sebou nové štýly japonskej maľby, ktoré sú veľmi podobné tým európskym. Objavuje sa impresionizmus a postimpresionizmus.

V tejto fáze sa formujú mnohé školy, v ktorých sa oživujú staré japonské štýly. No úplne sa zbaviť západných tendencií nie je možné. Preto musíme skombinovať viacero techník, aby sme potešili milovníkov klasiky aj fanúšikov modernej európskej maľby.

Niektoré školy sú financované štátom, vďaka čomu je možné zachovať mnohé z národných tradícií. Súkromní vlastníci sú nútení nasledovať spotrebiteľov, ktorí chceli niečo nové, boli unavení z klasiky.

Obraz z druhej svetovej vojny

Po začiatku vojny zostala japonská maľba nejaký čas mimo diania. Vyvíjal sa samostatne a nezávisle. Ale takto to nemohlo pokračovať donekonečna.

Postupom času, keď sa politická situácia v krajine zhoršuje, vysoké a rešpektované osobnosti priťahujú mnohých umelcov. Niektorí začali tvoriť vo vlasteneckom štýle ešte na začiatku vojny. Zvyšok začína tento proces iba na príkaz úradov.

Japonské výtvarné umenie sa preto nemohlo rozvíjať najmä počas druhej svetovej vojny. Preto sa pre maľovanie dá nazvať stagnujúcim.

Večná Suibokuga

Japonská maľba sumi-e alebo suibokuga doslova znamená „maľovanie atramentom“. To určuje štýl a techniku tohto umenia. Pochádzal z Číny, no Japonci sa ho rozhodli nazvať svojím vlastným. A spočiatku táto technika nemala žiadnu estetickú stránku. Používali ho mnísi na sebazdokonaľovanie pri štúdiu zenu. Navyše si najskôr kreslili obrázky a následne si trénovali koncentráciu pri ich prezeraní. Mnísi verili, že prísne línie, rozmazané tóny a tiene - všetko, čo sa nazýva monochromatické - pomáhajú zlepšovať.

Japonská maľba tušom, napriek širokej škále malieb a techník, nie je taká zložitá, ako by sa na prvý pohľad mohlo zdať. Je založený iba na 4 parcelách:

1. Chryzantéma.
2. Orchidea.
3. Slivkový obor.
4. Bambus.

Malý počet zápletiek neumožňuje rýchle zvládnutie techniky. Niektorí majstri veria, že učenie trvá celý život.

Napriek tomu, že sumi-e sa objavilo už dávno, je vždy žiadané. Navyše, majstrov tejto školy dnes môžete stretnúť nielen v Japonsku, je rozšírená aj ďaleko za jeho hranicami.

Moderné obdobie

Po skončení 2. svetovej vojny umenie v Japonsku prekvitalo až v r veľké mestá, dedinčania a dedinčania mali dosť starostí. Umelci sa väčšinou snažili odvrátiť od vojnových strát a na plátne zobraziť moderný mestský život so všetkými jeho ozdobami a črtami. Európske a americké myšlienky boli úspešne prijaté, ale tento stav netrval dlho. Mnohí majstri sa od nich začali postupne vzďaľovať smerom k japonským školám.

Vždy zostal v móde. Preto sa moderná japonská maľba môže líšiť iba v technike prevedenia alebo v materiáloch použitých v procese. Väčšina umelcov ale rôzne inovácie nevníma dobre.

Nemožno nespomenúť módne moderné subkultúry, ako sú anime a podobné štýly. Mnoho umelcov sa snaží stierať hranice medzi klasikou a tým, čo je dnes žiadané. Z veľkej časti je tento stav spôsobený obchodom. Klasika a tradičné žánre sa prakticky nekupujú, takže nie je výhodné pracovať ako umelec vo svojom obľúbenom žánri, musíte sa prispôsobiť móde.

Záver

Japonská maľba je nepochybne pokladnicou výtvarného umenia. Možno, že táto krajina bola jediná, ktorá nenasledovala západné trendy a neprispôsobila sa móde. Napriek mnohým úderom počas nástupu nových techník sa japonskí umelci stále dokázali brániť národné tradície v mnohých žánroch. Pravdepodobne aj preto sú dnes na výstavách vysoko cenené obrazy vyrobené v klasických štýloch.

Monochromatická maľba Japonska je jednou z jedinečné javy umenie východu. Venovalo sa jej veľa práce a výskumov, no často je vnímaná ako veľmi konvenčná vec, niekedy až dekoratívna. Nie je to tak. Duchovný svet japonského umelca je veľmi bohatý a nestará sa ani tak o estetickú zložku, ako o duchovnú.

Umenie východu je syntézou vonkajšieho a vnútorného, ​​explicitného a implicitného.

V tomto príspevku by som chcel venovať pozornosť nie histórii monochromatickej maľby, ale jej podstate. To je to, o čom budeme hovoriť.

obrazovka "Borovice" Hasegawa Tohaku, 1593

To, čo vidíme na monochromatických maľbách, je výsledkom umelcovej interakcie so základnou triádou: papier, štetec, atrament. Preto, aby ste správne pochopili dielo, musíte pochopiť samotného umelca a jeho postoj.

"Krajina" Sesshu, 1398 Papier pre japonského majstra to nie je ľahké improvizovaný materiál , ktorú podriaďuje svojmu rozmaru, ale skôr naopak - je to „brat“, a preto sa podľa toho vyvinul aj postoj k nej. Papier je súčasťou okolitej prírody, ku ktorej sa Japonci vždy správali s úctou a snažili sa ju nepodmaniť, ale pokojne s ňou koexistovať. Papier bol v minulosti strom, ktorý stál v určitej oblasti, určitý čas , „videla“ niečo okolo seba a ona si to všetko nechala. Japonský umelec tak vníma materiál. Často sa remeselníci pred začatím práce dlho pozerali prázdna bridlica

(uvažovali o tom) a až potom začali maľovať. Aj dnes si moderní japonskí umelci, ktorí praktizujú techniku ​​Nihon-ga (tradičná japonská maľba), starostlivo vyberajú papier. Kupujú ho na objednávku z papierní. Každý umelec má určitú hrúbku, priepustnosť vlhkosti a textúru (mnohí umelci dokonca uzatvárajú dohodu s majiteľom továrne, že tento papier nepredajú iným umelcom) – preto je každý obraz vnímaný ako niečo jedinečné a živé.

"Čítanie v bambusovom háji" Xubun, 1446. Keď už hovoríme o význame tohto materiálu, stojí za zmienku nasledovné slávnych pamiatok

"Murasaki Shikibu vo svätyni Ishiyama" Kyosen

Štetec- druhá zložka je pokračovaním majstrovej ruky (opäť je to prírodný materiál). Štetce sa preto vyrábali aj na objednávku, najčastejšie však samotným umelcom. Vybral chĺpky požadovanej dĺžky, zvolil veľkosť kefy a najpohodlnejšiu rukoväť. Majster maľuje iba vlastným štetcom a žiadnym iným. (Od osobná skúsenosť: Bol som na majstrovskom kurze od čínskeho umelca Jiang Shiluna, publikum požiadalo, aby som ukázal, čo dokážu jeho študenti, ktorí boli prítomní na majstrovskom kurze, a každý z nich, vzal do rúk majstrovský štetec, povedal, že výsledok nebude čo očakávali, pretože kefka nie oni, nie sú na ňu zvyknutí a nevedia ju správne používať).

Atramentová skica "Fuji" od Katsushika Hokusai

Maskara- tretí dôležitý prvok. Maskara sa stane rôzne typy: po zaschnutí môže dodať lesklý alebo matný efekt, možno s prímesou strieborných alebo okrových odtieňov, preto je dôležitý aj správny výber maskary.

Yamamoto Baitsu, koniec 18. – 19. storočia.

Hlavným námetom monochromatickej maľby sú krajiny. Prečo v nich nie sú žiadne farby?

Spárovaná obrazovka "Pines", Hasegawa Tohaku

Po prvé, japonského umelca nezaujíma samotný predmet, ale vo svojej podstate určitá zložka, ktorá je spoločná všetkému živému a vedie k harmónii medzi človekom a prírodou. Preto je obraz vždy náznakom, je adresovaný našim zmyslom a nie zraku. Podhodnotenie je podnetom na dialóg, a teda spojenie. Čiary a škvrny sú v obraze dôležité – tvoria sa umelecký jazyk. Toto nie je sloboda majstra, ktorý zanechal tučnú stopu, kde chcel, ale na inom mieste naopak podkreslil - všetko na obrázku má svoj vlastný význam a význam a nie je náhodné.

Po druhé, farba vždy nesie nejaký druh emocionálne sfarbenie a je vnímaný inak rôznych ľudí v rôznych stavoch preto emocionálna neutralita umožňuje divákovi najefektívnejšie vstúpiť do dialógu, umiestniť ho na vnímanie, kontempláciu a myslenie.

Po tretie, toto je interakcia jin a jang, každá monochromatická maľba je harmonická z hľadiska pomeru atramentu k nedotknutej ploche papiera.

Prečo je väčšina papierového priestoru nevyužitá?

"Krajina" Xubun, polovica 15. storočia.

Po prvé, prázdny priestor ponorí diváka do obrazu; po druhé, obraz vzniká, akoby na chvíľu vyplával na povrch a chystal sa zaniknúť – to súvisí so svetonázorom a svetonázorom; po tretie, v tých oblastiach, kde nie je atrament, vystupuje do popredia textúra a odtieň papiera (nie je to vždy vidieť na reprodukciách, ale v skutočnosti ide vždy o interakciu dvoch materiálov - papiera a atramentu).

Sesshu, 1446

Prečo krajina?

"Kontemplácia vodopádu" Gayami, 1478

Príroda je podľa japonského svetonázoru dokonalejšia ako človek, preto sa z nej musí poučiť, všemožne ju chrániť a neničiť a nepodrobovať si ju.

Preto v mnohých krajinách môžete vidieť malé obrázky ľudí, ale vždy sú bezvýznamné, malé vo vzťahu k samotnej krajine alebo obrázky chát, ktoré zapadajú do priestoru, ktorý ich obklopuje a nie sú vždy viditeľné - to všetko sú symboly svetonázor.

"Ročné obdobia: jeseň a zima" Sesshu. "Krajina" Sesshu, 1481

Na záver chcem povedať, že monochromatická japonská maľba nie je chaoticky rozstriekaný atrament, nie je to rozmar vnútorného ega umelca - je to celý systém obrazov a symbolov, je to úložisko filozofických myšlienok, a čo je najdôležitejšie, spôsob komunikácie a harmonizácie seba a sveta okolo nás.

Myslím, že tu sú odpovede na hlavné otázky, ktoré vyvstávajú v divákovi, keď čelí monochromatickej japonskej maľbe. Dúfam, že vám to pomôžu čo najsprávnejšie pochopiť a vnímať, keď sa stretnete. Japonská klasická maľba má dlhú a zaujímavý príbeh . Výtvarné umenie Japonska je prezentované v rôzne štýly

a žánre, z ktorých každý je jedinečný svojím vlastným spôsobom. Staroveké maľované figúrky a geometrické motívy nájdené na bronzových zvoncoch dotaku a črepoch keramiky pochádzajú z roku 300 nášho letopočtu.

Budhistická orientácia umenia

Štýl maľby dynastie Tang získal mimoriadnu popularitu v polovici obdobia Nara. Z tohto obdobia pochádzajú fresky objavené v hrobke Takamatsuzuka približne zo 7. storočia nášho letopočtu. Umelecká technika, sformovaný pod vplyvom dynastie Tang, následne vytvoril základ maliarskeho žánru kara-e. Tento žáner si udržal svoju popularitu až do objavenia sa prvých diel v štýle Yamato-e. Väčšina fresiek a maliarskych majstrovských diel patrí štetcom neznámych autorov, dnes sa mnohé diela z toho obdobia uchovávajú v pokladnici Sesoin.

Rastúci vplyv nových budhistických škôl ako Tendai ovplyvnil široké náboženské zameranie japonského výtvarného umenia v 8. a 9. storočí. V 10. storočí, ktoré zaznamenalo osobitný pokrok v japonskom budhizme, žánri raigozu, sa objavili „uvítacie obrazy“, ktoré znázorňovali príchod Budhu do Západného raja. Prvé príklady raigozu, ktoré sa datujú do roku 1053, možno vidieť v chráme Bedo-in, ktorý prežíva v meste Uji v prefektúre Kjóto.

Zmena štýlov

V polovici obdobia Heian bol čínsky štýl kara-e nahradený žánrom Yamato-e, ktorý sa na dlhú dobu stal jedným z najpopulárnejších a najvyhľadávanejších žánrov japonskej maľby. Nový obrazový štýl sa uplatnil najmä pri maľovaní skladacích zásten a posuvných dverí. Postupom času prešlo yamato-e aj na horizontálne zvitky emakimono. Umelci, ktorí pracovali v žánri emaki, sa snažili vo svojich dielach sprostredkovať všetku emocionalitu zvoleného sprisahania. Zvitok Genji Monogatari pozostával z niekoľkých epizód spojených dohromady, pričom umelci tej doby používali rýchle ťahy štetcom a jasné, výrazné farby.

E-maki je jedným z najstarších a najvýznamnejších príkladov otoko-e, žánru reprezentácie. mužské portréty. Ženské portréty zaradené do samostatného žánru onna-e. Medzi týmito žánrami sú totiž, podobne ako medzi mužmi a ženami, viditeľné pomerne výrazné rozdiely. Štýl onna-e je farebne zastúpený v dizajne Tale of Genji, kde hlavnými témami kresieb sú romantické námety a výjavy zo života na dvore. Pánsky štýl otoko-e je predovšetkým umeleckým stvárnením historické bitky a ďalšie dôležité udalosti v živote impéria.

Klasická japonská umelecká škola sa stala úrodnou pôdou pre rozvoj a propagáciu myšlienok súčasné umenie Japonsko, v ktorom je celkom jasne viditeľný vplyv popkultúry a anime. Jeden z najznámejších japonských umelcov našej doby sa môže nazývať Takashi Murakami, ktorého tvorba sa venuje zobrazovaniu scén z r. Japonský život povojnové obdobie a koncept maximálnej fúzie výtvarné umenie a hlavného prúdu.

Od známych japonských umelcov klasickej školy môžeme vymenovať nasledovné.

Napätý Xubun

Syubun pracoval na začiatku 15. storočia a veľa času venoval štúdiu diel čínskych majstrov dynastie Song, tento muž stál pri počiatkoch japonského vizuálny žáner. Shubun je považovaný za zakladateľa štýlu sumi-e, monochromatickej maľby tušom. Vynaložil veľa úsilia na popularizáciu nového žánru a zmenil ho na jednu z vedúcich oblastí japonskej maľby. Syubunovi študenti boli mnohí, ktorí sa neskôr stali slávnych umelcov, vrátane Sesshu a zakladateľa slávneho umeleckej školy Kano Masanobu. Xubunovi bolo pripisovaných veľa krajín, ale jeho najslávnejšie dielo sa tradične považuje za „Čítanie v bambusovom háji“.

Ogata Korin (1658-1716)

Ogata Korin je jedným z nich významných umelcov v dejinách japonského maliarstva zakladateľ a jeden z najjasnejších predstaviteľov umeleckého štýlu rimpa. Korine sa vo svojich dielach odvážne vzdialil od tradičných stereotypov a vytvoril si svoje vlastné vlastný štýl, ktorých hlavnými charakteristikami boli malé formy a jasný impresionizmus deja. Korin je známy svojou osobitou zručnosťou v zobrazovaní prírody a práci s abstraktnými farebnými kompozíciami. "Slivkový kvet červený a biely" je jedným z najviac slávnych diel Známy sú aj Ogata Korina, jeho obrazy „Chryzantémy“, „Vlny Matsušimy“ a množstvo ďalších.

Hasegawa Tohaku (1539-1610)

Tohaku je zakladateľom japonskej umeleckej školy Hasegawa. Pre skoré obdobie Kreativita Tohaku sa vyznačuje vplyvom slávnej školy japonskej maľby Kano, ale časom si umelec vytvoril svoj vlastný jedinečný štýl. V mnohých ohľadoch bola Tohakuova tvorba ovplyvnená dielami uznávaného majstra Sesshu, dokonca sa považoval za piateho pokračovateľa tohto veľkého majstra. Obraz Hasegawa Tohaku „Borovice“ získal celosvetovú slávu aj jeho diela „Javor“, „Borovice a kvitnúce rastliny“ a ďalšie.

Kano Eitoku (1543-1590)

Školský štýl Kano dominoval výtvarnému umeniu Japonska asi štyri storočia a Kano Eitoku je možno jedným z najznámejších a najvýznamnejších predstaviteľov tejto umeleckej školy. Eitoku bol uprednostňovaný úradmi, záštita aristokratov a bohatých mecenášov nemohla prispieť k posilneniu jeho školy a popularite jeho diel, nepochybne veľmi. talentovaný umelec. Osempanelová posuvná obrazovka Cypress, ktorú namaľoval Eitoku Kano, je skutočným majstrovským dielom a žiarivý príklad rozsah a silu štýlu Monoyama. Ostatné diela majstra, ako napríklad „Vtáky a stromy štyroch ročných období“, „Čínske levy“, „Pustovníci a víla“ a mnohé ďalšie, vyzerajú nemenej zaujímavo.

Katsushika Hokusai (1760-1849)

Hokusai je najväčším majstrom žánru ukiyo-e (japonský drevoryt). Hokusaiova kreativita bola prijatá globálne uznanie, jeho sláva v iných krajinách nie je porovnateľná so slávou väčšiny ázijských umelcov, jeho tvorba " Veľká vlna v Kanagawa“ sa stalo niečo ako vizitka Japonské výtvarné umenie na svetovej umeleckej scéne. Na vlastnú päsť kreatívna cesta Hokusai používal viac ako tridsať pseudonymov po šesťdesiatke sa umelec venoval výlučne umeniu a práve tento čas sa považuje za najviac plodné obdobie jeho kreativita. Hokusaiho diela ovplyvnili tvorbu západných majstrov impresionizmu a postimpresionistického obdobia, vrátane tvorby Renoira, Moneta a van Gogha.

Umenie a dizajn

2904

01.02.18 09:02

Dnešná japonská umelecká scéna je veľmi rôznorodá a provokatívna: pohľad na diela majstrov z krajiny Vychádzajúce slnko, rozhodnete, že ste prišli na inú planétu! Domov pre inovátorov, ktorí zmenili prostredie tohto odvetvia v globálnom meradle. Tu je zoznam 10 súčasných japonských umelcov a ich výtvorov, od neuveriteľných stvorení Takashiho Murakamiho (ktorý dnes oslavuje narodeniny) až po farebný vesmír Kusama.

Od futuristických svetov po bodkované súhvezdia: súčasní japonskí umelci

Takashi Murakami: tradicionalista a klasik

Začnime s hrdinom tejto príležitosti! Takashi Murakami je jedným z najznámejších japonských súčasných umelcov, ktorý pracuje na maľbách, veľkých sochách a módnom oblečení. Murakamiho štýl je ovplyvnený mangou a anime. Je zakladateľom hnutia Superflat, podporujúce japonské umelecké tradície a povojnovej kultúry krajín. Murakami povýšil mnohých svojich súčasníkov a s niektorými sa stretneme aj dnes. „Subkultúrne“ diela Takashiho Murakamiho sú prezentované na umeleckých trhoch módy a umenia. Jeho provokatívny My Lonesome Cowboy (1998) sa v roku 2008 predal v New Yorku v Sotheby's za rekordných 15,2 milióna dolárov. Murakami spolupracoval so svetoznámymi značkami Marc Jacobs, Louis Vuitton a Issey Miyake.

Pokojne Ashima a jej neskutočný vesmír

Chicho Ashima, členka umeleckej produkčnej spoločnosti Kaikai Kiki a hnutia Superflat (obe založil Takashi Murakami), je známa svojimi fantastickými panorámami miest a zvláštnymi popovými stvoreniami. Umelec vytvára neskutočné sny obývané démonmi, duchmi, mladými kráskami, zobrazené na pozadí cudzej prírody. Jej diela sú zvyčajne veľkoplošné a vytlačené na papieri, koži a plaste. V roku 2006 sa tento súčasný japonský umelec zúčastnil Art on the Underground v Londýne. Pre platformu vytvorila 17 po sebe idúcich oblúkov - magická krajina postupne sa zmenilo z denného na nočný, z mesta na vidiek. Tento zázrak rozkvitol na stanici metra Gloucester Road.

Chiharu Shima a nekonečné vlákna

Ďalší umelec, Chiharu Shiota, pracuje na rozsiahlych vizuálnych inštaláciách pre konkrétne pamiatky. Narodila sa v Osake, no teraz žije v Nemecku – v Berlíne. Ústrednými témami jej tvorby sú zabudnutie a pamäť, sny a realita, minulosť a prítomnosť a tiež konfrontácia úzkosti. Najviac slávnych diel Chiharu Shiota - nepreniknuteľné siete čiernej nite, ktoré pokrývajú mnohé domáce a osobné predmety - ako sú staré stoličky, svadobné šaty, obhorený klavír. V lete 2014 Shiota zviazal darované topánky a čižmy (ktorých bolo viac ako 300) prameňmi červenej priadze a zavesil ich na háčiky. Prvá výstava Chiharu v nemeckom hlavnom meste sa konala počas Berlínskeho týždňa umenia v roku 2016 a vyvolala senzáciu.

Hej Arakawa: všade, nikde

Hei Arakawa je inšpirovaný stavmi zmien, obdobiami nestability, prvkami rizika a jeho inštalácie často symbolizujú témy priateľstva a tímovej práce. Krédo súčasného japonského umelca je definované performatívnym, neurčitým „všade, ale nikde“. Jeho výtvory sa objavujú na nečakaných miestach. V roku 2013 boli Arakawove diela vystavené na Bienále v Benátkach a na výstave súčasného japonského umenia v Mori Museum of Art (Tokio). Bola to inštalácia Hawaiian Presence (2014). spoločný projekt s newyorskou umelkyňou Carissou Rodriguez a zúčastnil sa na Whitney Biennial. Aj v roku 2014 Arakawa a jeho brat Tomu, vystupujúci ako duo s názvom United Brothers, ponúkli návštevníkom Frieze London svoje „dielo“ „The This Soup Taste Ambivalent“ s „rádioaktívnou“ koreňovou zeleninou Fukushima daikon.

Koki Tanaka: Vzťahy a opakovania

V roku 2015 bol Koki Tanaka ocenený ako „Umelec roka“. Tanaka skúma spoločnú skúsenosť kreativity a predstavivosti, podporuje výmenu medzi účastníkmi projektu a obhajuje nové pravidlá spolupráce. Jeho inštalácia v japonskom pavilóne na Bienále v Benátkach 2013 pozostávala z videí objektov, ktoré premenili priestor na platformu pre umeleckú výmenu. Inštalácie Kokiho Tanaku (nepliesť si s jeho hercom plného menovca) ilustrujú vzťah medzi predmetmi a činmi, napríklad video obsahuje nahrávky jednoduchých gest vykonávaných bežnými predmetmi (nôž krája zeleninu, nalievanie piva do pohára , otváranie dáždnika). Nedeje sa nič podstatné, ale obsedantné opakovanie a pozornosť do najmenších detailov aby divák ocenil svetské.

Mariko Mori a aerodynamické tvary

Ďalšia súčasná japonská umelkyňa Mariko Mori „vykúzli“ multimediálne objekty, pričom kombinuje videá, fotografie a predmety. Charakterizuje ju minimalistická futuristická vízia a uhladené surrealistické formy. Opakujúcou sa témou v Moriho diele je juxtapozícia západnej legendy s západná kultúra. V roku 2010 Mariko založila Fau Foundation, vzdelávaciu kultúrnu neziskovú organizáciu, pre ktorú vytvorila sériu umeleckých inštalácií na počesť šiestich obývaných kontinentov. Najnovšie bola nad malebným vodopádom v Resende neďaleko Rio de Janeira postavená stála inštalácia nadácie „Ring: One with Nature“.

Ryoji Ikeda: syntéza zvuku a videa

Ryoji Ikeda je nový mediálny umelec a skladateľ, ktorého tvorba sa zaoberá predovšetkým zvukom v rôznych „surových“ stavoch, od sínusových vĺn až po hluk využívajúci frekvencie na hranici ľudského sluchu. Jeho pohlcujúce inštalácie zahŕňajú počítačom generované zvuky, ktoré sú vizuálne transformované do videoprojekcií alebo digitálnych vzorov. Audiovizuálne umenie Ikeda využíva mierku, svetlo, tieň, hlasitosť, elektronické zvuky a rytmus. Umelcovo slávne testovacie zariadenie pozostáva z piatich projektorov, ktoré osvetľujú plochu 28 metrov dlhú a 8 metrov širokú. Nastavenie konvertuje dáta (text, zvuky, fotografie a filmy) na čiarové kódy a binárne vzory jednotiek a núl.

Tatsuo Miyajima a LED počítadlá

Súčasný japonský sochár a inštalačný umelec Tatsuo Miyajima používa vo svojom umení elektrické obvody, videá, počítače a ďalšie pomôcky. Základné koncepty Mijadžimu sú inšpirované humanistickými myšlienkami a budhistickým učením. Počítadlá LED v jeho inštaláciách nepretržite blikajú v opakovaní od 1 do 9, čo symbolizuje cestu od života k smrti, ale vyhýba sa definitívnosti, ktorú predstavuje 0 (nula sa v Tatsuovej práci nikdy neobjavuje). Všadeprítomné čísla v mriežkach, vežiach a diagramoch vyjadrujú Miyajimov záujem o myšlienky kontinuity, večnosti, spojenia a toku času a priestoru. Nedávno bola Miyajimova „Šípka času“ uvedená na úvodnej výstave „Unfinished Thoughts Visible in New York“.

Nara Yoshimoto a zlé deti

Nara Yoshimoto vytvára maľby, sochy a kresby detí a psov – námety, ktoré odrážajú detské pocity nudy a frustrácie a divokú nezávislosť, ktorá je pre batoľatá prirodzená. Estetika Yoshimotovej tvorby pripomína tradičné knižné ilustrácie, zmes nepokojného napätia a umelcovej lásky k punk rocku. V roku 2011 sa v Asia Society Museum v New Yorku konala prvá samostatná výstava Yoshimota s názvom „Yoshitomo Nara: Nobody's Fool“, ktorá pokrývala 20-ročnú kariéru súčasného japonského umelca. Exponáty úzko súviseli s globálnymi subkultúrami mládeže a ich odcudzením protestovať.

Yayoi Kusama a priestor prerastajúci do zvláštnych podôb

Úžasné tvorivý životopis Kusama's Yayoi trvá sedem desaťročí. Za tento čas stihla úžasná Japonka vyštudovať odbory maľba, grafika, koláž, sochárstvo, kino, rytina, environmentálne umenie, inštalácia, ale aj literatúra, móda a odevný dizajn. Kusama vyvinula veľmi osobitý štýl bodkového umenia, ktorý sa stal jej poznávacím znamením. Iluzívne vízie prezentované v dielach 88-ročného Kusamu (keď sa svet zdá byť pokrytý rozľahlým výstredné formy), je výsledkom halucinácií, ktoré zažívala od detstva. Miestnosti s farebnými bodkami a „nekonečnými“ zrkadlami odrážajúcimi ich zhluky sú rozpoznateľné a nedajú sa zameniť s ničím iným.

Je nepravdepodobné, že Yayoi Kusama bude schopná odpovedať na to, čo tvorilo základ jej kariéry umelkyne. Má 87 rokov, jej umenie je uznávané po celom svete. Čoskoro budú veľké výstavy jej prác v USA a Japonsku, no svetu ešte nepovedala všetko. "Stále je to na ceste. V budúcnosti to vytvorím,“ hovorí Kusama. V Japonsku je označovaná za najúspešnejšiu umelkyňu. Okrem toho je najdrahšou žijúcou umelkyňou: v roku 2014 sa jej obraz „White No. 28“ predal za 7,1 milióna dolárov.

Kusama žije v Tokiu a už takmer štyridsať rokov je dobrovoľne v psychiatrickej liečebni. Raz za deň necháva jeho steny maľovať. Vstáva o tretej hodine ráno, nemôže zaspať a svoj čas chce tráviť produktívne v práci. „Už som starý, ale stále budem vytvárať ďalšie diela a najlepšie diela. Viac ako som urobil v minulosti. Moja myseľ je plná obrázkov,“ hovorí.

(Celkovo 17 fotiek)

Yayoi Kusama na výstave svojich prác v Londýne v roku 1985. Foto: NILS JORGENSEN/REX/Shutterstock

Od deviatej do šiestej pracuje Kusama vo svojom trojposchodovom štúdiu bez toho, aby vstal invalidný vozík. Môže chodiť, ale je príliš slabá. Žena pracuje na plátne rozloženom na stoloch alebo pripevnenom k ​​podlahe. Ateliér je plný nových obrazov, jasných diel posiatych malými škvrnami. Umelkyňa to nazýva „sebaumlčanie“ – nekonečné opakovanie, ktoré prehlušuje hluk v jej hlave.

Pred odovzdávaním umeleckých cien Praemium Imperiale v roku 2006 v Tokiu. Foto: Sutton-Hibbert/REX/Shutterstock

Na druhej strane ulice sa čoskoro otvára nová galéria a severne od Tokia sa stavia ďalšie múzeum jej umenia. Okrem toho sa otvárajú dve veľké výstavy jej tvorby. „Yayoi Kusama: Infinity Mirrors“, retrospektíva jej 65-ročnej kariéry, sa otvorila v Hirshhorn Museum vo Washingtone 23. februára a potrvá do 14. mája, kým odcestuje do Seattlu, Los Angeles, Toronta a Clevelandu. Výstava obsahuje 60 obrazov Kusama.

Jej bodky v nej zakrývajú všetko od šiat Louis Vuitton až po autobusy rodné mesto. Kusamove diela sa pravidelne predávajú za milióny dolárov a možno ich nájsť po celom svete, od New Yorku po Amsterdam. Výstavy diel japonského umelca sú také populárne, že sú potrebné opatrenia na zabránenie davom a nepokojom. Napríklad v Hirshhorne sa lístky na výstavu predávajú na určitý čas, aby sa nejako reguloval tok návštevníkov.

Prezentácia spoločného dizajnu Louis Vuitton a Yayoi Kusama v New Yorku v roku 2012. Foto: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock

Ale Kusama stále potrebuje súhlas zvonku. Keď sa jej v rozhovore spýtali, či pred desiatkami rokov dosiahla svoj cieľ stať sa bohatou a slávnou, prekvapene povedala: „Keď som bola malá, veľmi ťažko som presviedčala mamu, že sa chcem stať umelkyňou. Je naozaj pravda, že som bohatý a slávny?

Kusama sa narodil v Matsumoto, v horách stredného Japonska, v roku 1929 v bohatej a konzervatívnej rodine, ktorá predávala sadenice. Ale nebolo šťastný domov. Jej matka opovrhla svojim podvádzaným manželom a poslala malého Kusamu, aby ho špehoval. Dievča videlo svojho otca s inými ženami a to jej dalo celoživotnú averziu k sexu.

Butikové okno Louis Vuitton navrhnuté Kusama v roku 2012. Foto: Joe Schildhorn/BFA/REX/Shutterstock

Ako dieťa začala pociťovať zrakové a sluchové halucinácie. Keď prvýkrát uvidela tekvicu, predstavila si, že sa s ňou rozpráva. Budúca umelkyňa sa s víziami vyrovnala vytváraním opakujúcich sa vzorov, aby prehlušila myšlienky v jej hlave. Už v takom mladom veku sa pre ňu umenie stalo akousi terapiou, ktorú neskôr nazvala „umelecká medicína“.

Dielo Yayoi Kusama vystavené vo Whitney Museum of Contemporary Art v roku 2012. Foto: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock

Kusamova matka bola ostro proti túžbe svojej dcéry stať sa umelkyňou a trvala na tom, aby dievča nasledovalo tradičnú cestu. „Nedovolila mi kresliť. Chcela, aby som sa oženil,“ povedal umelec v rozhovore. - Zahodila moju prácu. Chcel som sa hodiť pod vlak. Každý deň som bojoval so svojou matkou, a preto bola moja myseľ poškodená.“

V roku 1948, po skončení vojny, odišiel Kusama do Kjóta študovať tradičnú japonskú maľbu nihonga. prísne pravidlá. Nenávidela tento druh umenia.

Jeden z exponátov z výstavy Yayoi Kusama vo Whitney Museum of Contemporary Art v roku 2012. Foto: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock

Keď Kusama žila v Matsumoto, našla knihu Georga O'Keeffe a bola ohromená jej maľbami. Dievča sa vybralo na americkú ambasádu v Tokiu, aby tam v adresári našlo článok o O’Keefe a zistilo jej adresu. Kusama jej napísal list a poslal jej niekoľko kresieb a na jej prekvapenie jej americký umelec odpovedal.

„Nemohol som uveriť svojmu šťastiu! Bola taká láskavá, že zareagovala na náhly výbuch citov od skromných Japonské dievčatá, ktorého v živote nestretla a ani o ňom nepočula,“ napísala umelkyňa vo svojej autobiografii „Infinity Net“.

Yayoi Kusama vo výklade svojho butiku Louis Vuitton v New Yorku v roku 2012. Foto: Nils Jorgensen/REX/Shutterstock

Napriek O'Keeffeovým varovaniam, že život mladých umelcov v Spojených štátoch je veľmi ťažký, nehovoriac o slobodných mladých dievčatách v Japonsku, Kusama bol nezastaviteľný. V roku 1957 sa jej podarilo získať pas a víza. Do šiat si zašila doláre, aby obišla prísne povojnové menové kontroly.

Prvou zastávkou bol Seattle, kde mala výstavu v malej galérii. Potom Kusama odišla do New Yorku, kde bola trpko sklamaná. „Na rozdiel od povojnového Matsumota bol New York v každom zmysle zlým a násilným miestom. Ukázalo sa, že je to pre mňa príliš stresujúce a čoskoro som upadol do neurózy.“ Aby toho nebolo málo, Kusama sa ocitla v úplnej chudobe. Ako posteľ jej slúžili staré dvere a z odpadkových košov lovila rybie hlavy a zhnitú zeleninu, aby si z nich pripravila polievku.

Inštalácia Infinity Mirror Room - Love Forever ("Izba s nekonečnými zrkadlami - láska navždy"). Foto: Tony Kyriacou/REX/Shutterstock

Táto ťažká situácia podnietila Kusamu, aby sa ešte viac ponoril do svojej práce. Začala vytvárať svoje prvé obrazy zo série Infinity Net, pokrývajúc obrovské plátna (jedno z nich malo výšku 10 metrov) hypnotizujúcimi vlnami malých slučiek, ktoré akoby nikdy nekončili. Samotná umelkyňa ich opísala takto: „Biele siete zahaľujúce čierne bodky tichej smrti na pozadí beznádejnej temnoty ničoty.“

Inštalácia Yayoi Kusama pri otvorení novej budovy Garážového múzea súčasného umenia v Gorkého parku v Moskve v roku 2015. Foto: David X Prutting/BFA.com/REX/Shutterstock

Toto obsedantno-kompulzívne opakovanie pomohlo zahnať neurózu, no nie vždy zachránilo. Kusama neustále trpel záchvatmi psychózy a skončil v nemocnici v New Yorku. Keďže bola ambiciózna a cieľavedomá a s radosťou prijala úlohu exotického ázijského dievčaťa v kimone, pridala sa k davu vplyvných ľudí v umení a komunikoval s takými uznávanými umelcami ako Mark Rothko a Andy Warhol. Kusama neskôr povedal, že Warhol napodobňoval jej prácu.

Kusama si čoskoro získal istý stupeň slávy a vystavoval v preplnených galériách. Okrem toho sa sláva umelca stala škandalóznou.

V šesťdesiatych rokoch, keď bola Kusama posadnutá bodkami, začala v New Yorku organizovať happeningy, v ktorých povzbudzovala ľudí, aby sa vyzliekli na miestach ako Central Park a Brooklyn Bridge a maľovali si telá bodkami.

Pred vystavením v Art Basel v Hong Kongu v roku 2013. Foto: Billy Farrell/BFA/REX/Shutterstock

Desaťročia pred hnutím Occupy Wall Street usporiadala Kusama happening vo finančnej štvrti v New Yorku, kde vyhlásila, že chce „bodkami zničiť mužov z Wall Street“. Približne v tomto čase sa začala zakrývať rôzne položky- stolička, čln, kočík - s falicky vyzerajúcimi výstupkami. "Začal som vytvárať penisy, aby som vyliečil svoje pocity averzie k sexu," napísal umelec a opísal, ako to je tvorivý proces postupne premieňať hrozné na niečo známe.

Inštalácia „Passing Winter“ v Tate Gallery v Londýne. Foto: James Gourley/REX/Shutterstock

Kusama sa nikdy nevydala, hoci mala desať rokov manželský vzťah s umelcom Josephom Cornellom, keď žila v New Yorku. „Nemala som rada sex a on bol impotentný, takže sme sa k sebe veľmi hodili,“ povedala v rozhovore pre Art Magazine.

Kusama sa čoraz viac preslávila svojimi huncútstvami: ponúkla sa, že sa vyspí s americkým prezidentom Richardom Nixonom, ak ukončí vojnu vo Vietname. "Poďme sa navzájom ozdobiť bodkami," napísala mu v liste. Záujem o jej umenie sa sám vytratil, ocitla sa v nemilosti a opäť začali problémy s peniazmi.

Yayoi Kusama počas retrospektívy svojej práce vo Whitney Museum of Modern Art v New Yorku v roku 2012. Foto: Steve Eichner/Penske Media/REX/Shutterstock

Správy o Kusamových eskapádach sa dostali do Japonska. Začala sa nazývať „národná katastrofa“ a jej matka povedala, že by bolo lepšie, keby jej dcéra zomrela na túto chorobu v detstve. Začiatkom 70. rokov 20. storočia sa schudobnený a neúspešný Kusama vrátil do Japonska. Zaregistrovala sa v psychiatrickej liečebni, kde dodnes žije, a upadla do umeleckého tmy.

V roku 1989 Centrum súčasného umenia v New Yorku usporiadalo retrospektívu jej tvorby. To bol začiatok, aj keď pomalý, oživenia záujmu o Kusamovo umenie. Vyplnila zrkadlovú miestnosť tekvicami pre inštaláciu, ktorá bola vystavená na Benátskom bienále v roku 1993 a mala veľkú výstavu v MoMa v New Yorku v roku 1998. Tu raz usporiadala happening.

Na výstave Moja večná duša v Národné centrum umenie v Tokiu, február 2017. Foto: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

Za posledných pár rokov sa Yayoi Kusama stal medzinárodným fenoménom. Moderná galéria Tate v Londýne a Whitney Museum v New Yorku usporiadali veľké retrospektívy, ktoré prilákali obrovské davy návštevníkov, a jej ikonický bodkovaný vzor sa stal veľmi rozpoznateľným.

Na výstave Moja večná duša v Národnom umeleckom centre v Tokiu, február 2017. Foto: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

Umelkyňa neplánuje prestať pracovať, ale začala premýšľať o svojej smrteľnosti. „Neviem, ako dlho dokážem prežiť aj po smrti. Je tu budúca generácia, ktorá kráča v mojich šľapajach. Bude pre mňa cťou, ak sa ľudia budú radi pozerať na moju prácu a ak ich moje umenie dojme.“

Na výstave Moja večná duša v Národnom umeleckom centre v Tokiu, február 2017. Foto: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

Napriek komercializácii svojho umenia Kusama premýšľa o hrobe v Matsumoto - nie v rodinná krypta, to už dostala od rodičov - a ako z nej neurobiť svätostánok. „Ale ja ešte neumieram. Myslím, že budem žiť ďalších 20 rokov,“ hovorí.

Na výstave Moja večná duša v Národnom umeleckom centre v Tokiu, február 2017. Foto: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock