Autor symfónie. Hudobné žánre: symfónia

Na konci baroka napísali viacerí skladatelia, ako napríklad Giuseppe Torelli (1658 – 1709), diela pre sláčikový orchester a basso continuo v troch častiach, s rýchlym, pomalým a rýchlym tempom. Hoci podobné eseje zvyčajne nazývané "koncerty". sa nelíšili od diel nazývaných „symfónie“; napríklad vo finále koncertov aj symfónií boli použité tanečné témy. Rozdiel sa týkal najmä štruktúry prvej časti cyklu: v symfóniách bola jednoduchšia - ide spravidla o binárnu dvojdielnu formu barokovej predohry, sonáty a suity (AA BB). Samotné slovo „symfónia“ pochádza z 10. storočia. znamenalo harmonický súlad; do konca 16. storočia. autori ako J. Gabrieli aplikovali tento koncept na súzvuk hlasov a nástrojov. Neskôr, v hudbe skladateľov ako Adriano Banchieri (1568 – 1634) a Salomone Rossi (cca 1570 – cca 1630), slovo „symfónia“ začalo znamenať zvuk nástrojov spolu bez hlasov. Talianski skladatelia 17. storočia. Slovo „symfónia“ (sinfonia) často označovalo inštrumentálne úvody do opery, oratória alebo kantáty a významom sa tento výraz približoval pojmom „predohra“ alebo „predohra“. Okolo roku 1680 operná kreativita A. Scarlatti založil typ symfónie ako inštrumentálnu skladbu v troch častiach (alebo častiach), postavenú na princípe „rýchlo – pomaly – rýchlo“.

Klasická symfónia.

poslucháčov 18. storočia Páčili sa mi orchestrálne skladby vo viacerých častiach s rôznym tempom, ktoré sa hrali na domácich stretnutiach aj na verejných koncertoch. Po strate funkcie úvodu sa symfónia vyvinula v samostatné orchestrálne dielo, zvyčajne v troch častiach („rýchlo – pomaly – rýchlo“). Viacerí skladatelia, predovšetkým G. B. Sammartini, s využitím znakov barokovej tanečnej suity, opery a koncertu, vytvorili model klasickej symfónie – trojčasťového diela pre sláčikový orchester, kde rýchle časti mali zvyčajne podobu a. jednoduché rondo alebo skorá sonátová forma. Postupne k sláčikom pribudli ďalšie nástroje: hoboje (alebo flauty), lesné rohy, trúbky a tympány. Pre poslucháčov 18. storočia. symfóniu určovali klasické normy: homofónna textúra, diatonická harmónia, melodické kontrasty, daný sled dynamických a tematických zmien. Centrami, kde sa kultivovala klasická symfónia, boli nemecké mesto Mannheim (tu Jan Stamitz a ďalší autori rozšírili symfonický cyklus na štyri časti, pričom doň zaviedli dva tance z barokovej suity – menuet a trio) a Viedeň, kde Haydn, Mozart , Beethoven (rovnako ako ich predchodcovia, medzi ktorými vynikajú Georg Monn a Georg Wagenseil, pozdvihli žáner symfónie na novú úroveň.

Skvelým príkladom sú symfónie J. Haydna a W. A. ​​​​Mozarta klasický štýl. Časti sú od seba jasne oddelené, pričom každá má samostatný tematický materiál; Jednotu cyklu zabezpečujú tonálne prirovnania a premyslené striedanie temp a charakteru tém. Sláčikové nástroje, dychové nástroje, dychové nástroje a tympány poskytujú rôzne kombinácie nástrojov; lyrický začiatok, vychádzajúci z operného vokálneho písania, preniká do tém pomalých častí, triových častí v tretích častiach a sekundárnych tém ostatných častí. Tematickým základom rýchlych častí sa stávajú ďalšie motívy operného pôvodu (oktávové skoky, opakovania zvukov, stupnicovité pasáže). Haydnove symfónie vynikajú vtipom, nápaditosťou tematického rozvoja, originalitou frázovania, inštrumentácie, textúry a tematiky; Mozartove symfónie sa vyznačujú bohatstvom melódie, plastickosťou, gráciou harmónie a majstrovským kontrapunktom.

Vynikajúci príklad klasickej symfónie z konca 18. storočia. – Mozartova Symfónia č. 41 (K. 551, C dur (1788), zn. Jupiter. Jeho partitúra obsahuje flautu, dva hoboje, dva fagoty, dva rohy, dve trúbky, tympány a skupinu sláčikov (prvé a druhé husle, violy, violončelo, kontrabasy). Symfónia pozostáva zo štyroch častí. Prvá, Allegro vivace, je napísaná v živom tempe, v tónine C dur, v 4/4 takte, v sonátovej forme (tzv. sonátová allegro forma: témy sa najskôr objavujú v expozícii, potom sa rozvíjajú vo vývine , po ktorej nasleduje repríza, zvyčajne zakončená záverom – coda). Druhá časť Mozartovej symfónie je napísaná v miernom (moderátnom) tempe, v subdominantnej tónine F dur, opäť v sonátovej forme a má melodický charakter (Andante cantabile).

Tretiu časť tvorí stredne aktívny menuet a trio C dur. Hoci je každý z týchto dvoch tancov napísaný v binárnej forme podobnú ronde (menuet - AAVABA; trio - CCDCDC), návrat menuetu po triu dáva celkovej štruktúre tripartitnú štruktúru. Finále je opäť sonátová forma, vo veľmi rýchle tempo(Molto allegro), v hlavnej tónine C dur. Postavené na lakonických motívoch, témy finále vyžarujú energiu a silu; vo finále coda sa kombinujú Bachove kontrapunktické techniky s virtuozitou Mozartovho klasického štýlu.

V diele L. van Beethovena sú časti symfónie tematicky tesnejšie prepojené a cyklus dosahuje väčšiu jednotu. Princíp použitia príbuzného tematického materiálu vo všetkých štyroch častiach, uskutočnený v Beethovenovej Piatej symfónii, viedol k vzniku tzv. cyklická symfónia. Beethoven nahrádza pokojný menuet živším, často búrlivým scherzom; pozdvihuje tematický vývoj na novú úroveň, svoje témy podrobuje všemožným zmenám, vrátane kontrapunktického vývoja, izoluje fragmenty tém, mení módy (dur - moll) a rytmické posuny. Beethovenovo použitie trombónov v Piatej, Šiestej a Deviatej symfónii a zahrnutie hlasov do finále Deviatej sú veľmi pôsobivé. V Beethovenovi sa ťažisko v cykle presúva z prvej časti do finále; v Treťom, Piatom a Deviatom sú finále nepochybne vyvrcholením cyklov. Beethoven má „charakteristické“ a programové symfónie – Tretia ( Hrdinské) a šiesty ( Pastoračný).

Romantická symfónia.

S dielom Beethovena vstúpila symfónia do nového storočia. Prudké zmeny tempa charakteristické pre jeho štýl, šírka dynamického rozsahu, bohatosť obraznosti, virtuozita a dramatickosť, miestami nečakaný vzhľad a nejednoznačnosť tém – to všetko uvoľnilo cestu skladateľom éry romantizmu. Uvedomujúc si veľkosť Beethovena, snažili sa nasledovať jeho cestu bez straty vlastnej individuality. Romantickí skladatelia počnúc F. Schubertom experimentovali so sonátovými a inými formami, často ich zužovali alebo rozširovali; Symfónie romantikov sú plné lyriky, subjektívneho výrazu a vyznačujú sa bohatosťou zafarbenia a harmonickej farby. Beethovenov súčasník Schubert mal zvláštny dar vytvárať lyrické témy a neobyčajne výrazné harmonické sekvencie. Keď logika a usporiadanosť klasicizmu ustúpila subjektivite a nepredvídateľnosti charakteristickej pre umenie romantizmu, forma mnohých symfónií sa stala priestrannejšou a textúrou ťažšou.

Medzi nemeckých romantických symfonikov patria F. Mendelssohn, R. Schumann a J. Brahms. Mendelssohn so svojím klasicizmom v oblasti formy a proporcií bol obzvlášť úspešný v Tretej ( škótsky) a štvrtý ( taliansky) symfónie, ktoré odrážali autorove dojmy z návštevy týchto krajín. Schumannove symfónie ovplyvnené Beethovenom a Mendelssohnom majú tendenciu byť cyklické a zároveň rapsodické, najmä Tretia ( Porýnie) a štvrtý. Brahms vo svojich štyroch symfóniách s úctou spája štýlovo Bachov kontrapunkt, Beethovenovu metódu vývoja, Schubertovu lyriku a Schumannovu náladu. P.I. Čajkovskij sa vyhol typickým sklonom západných romantikov k podrobné programy pre symfónie, ako aj využitie vokálnych prostriedkov v tomto žánri. Čajkovského symfónie nadaného orchestrátora a melodika odzrkadľujú autorovu náklonnosť k tanečným rytmom. Symfónie ďalšieho talentovaného melodistu A. Dvořáka sa vyznačujú skôr konzervatívnym prístupom k symfonickej forme, prevzatým od Schuberta a Brahmsa. Symfónie A.P. Borodina sú svojím obsahom hlboko národné a svojou formou monumentálne.

Autor, v ktorého tvorbe sa sformoval typ programovej symfónie minulého storočia, odlišujúcej sa v mnohom od abstraktnej či takpovediac absolútnej symfónie. klasickej éry, sa stal G. Berlioz. V programovej symfónii sa rozpráva príbeh alebo sa maľuje obraz, alebo vo všeobecnosti existuje prvok „mimohudobnosti“, ktorý presahuje samotnú hudbu. Inšpirované Beethovenovou 9. symfóniou so záverečným zborom na slová Schillera Ódy na radosť Berlioz zašiel vo svojej epoche ďalej Fantastická symfónia(1831), kde každá časť je akoby fragmentom autobiografický príbeh a leitmotívy-pripomienky prechádzajú celým cyklom. Medzi ďalšie skladateľove programové symfónie patria Harold v Taliansku podľa Byrona a Rómeo a Júlia podľa Shakespeara, kde sa popri nástrojoch hojne využívajú aj vokálne prostriedky. Podobne ako Berlioz, aj F. Liszt a R. Wagner boli „avantgardisti“ svojej doby. Hoci Wagnera túžba po syntéze slova a hudby, hlasov a nástrojov priviedla od symfónie k opere, veľkolepé majstrovstvo tohto autora ovplyvnilo takmer všetkých európskych skladateľov nasledujúcej generácie, vrátane Rakúšana A. Brucknera. Rovnako ako Wagner, aj Liszt bol jedným z vodcov neskorej doby hudobný romantizmus a jeho záľuba v programovaní viedla k vzniku diel, ako sú symfónie Faust A Dante, ako aj 12 programových symfonických básní. Lisztove metódy obrazných premien tém v procese ich vývoja výrazne ovplyvnili tvorbu autorov neskoršieho obdobia S. Franka a R. Straussa.

Koncom 19. stor. dielo množstva talentovaných symfonikov, z ktorých každý mal bystrý individuálny štýl, znamenala záverečnú etapu klasicko-romantickej tradície s prevahou sonátovej formy a istými tónovými vzťahmi. Rakúšan G. Mahler prešpikoval symfóniu tematickými témami, ktoré mali pôvod v jeho vlastných piesňach a tanečných motívoch; často priamo citoval fragmenty z ľudových, náboženských resp vojenská hudba. Štyri Mahlerove symfónie využívajú zbor a sólistov a všetkých desať jeho symfonických cyklov sa vyznačuje mimoriadnou pestrosťou a prepracovanosťou orchestrálnej tvorby. Finn J. Sibelius komponoval symfónie abstraktného charakteru, preniknuté hlbokým citom; Jeho štýl sa vyznačuje preferenciou nízkych registrov a basových nástrojov, ale vo všeobecnosti zostáva jeho orchestrálna štruktúra jasná. Francúz C. Saint-Saens napísal tri symfónie, z ktorých najznámejšia je posledná (1886) – tzv. Organová symfónia. Najpopulárnejšou francúzskou symfóniou tohto obdobia možno snáď nazvať jedinú symfóniu S. Franka (1886–1888).

Vynikajúca ukážka postromantickej symfónie z konca 19. storočia. je Mahlerova Druhá symfónia c mol, dokončená v roku 1894 (niekedy tzv Vzkriesenie v súvislosti s obsahom chorálu v poslednej časti). Gigantický päťdielny cyklus bol napísaný pre veľké orchestrálne obsadenie: 4 flauty (vrátane pikol), 4 hoboje (vrátane 2 anglických rohov), 5 klarinetov (vrátane jedného basu), 4 fagoty (vrátane 2 kontrafagotov), ​​10 lesných rohov, 10 trúbky, 4 trombóny, tuba, organ, 2 harfy, dvaja sólisti - kontraalt a soprán, miešaný zbor a obr. úderná skupina vrátane 6 tympánov, veľký bubon, činely, gongy a zvončeky. Prvá časť má slávnostný (Allegro maestoso) pochodový charakter (4/4 taktu v tónine c mol); z hľadiska štruktúry ide o rozšírenú sonátovú formu s dvojitá expozícia. Druhá časť sa odohráva v miernym tempom(Andante moderato) a svojím charakterom sa podobá na ladný rakúsky tanec Ländler. Tento pohyb je napísaný v tónine submediantu (A-dur) v 3/8 takte a jednoduchou formou ABABA. Tretia časť sa vyznačuje plynulým tokom hudby, je napísaná v hlavnej tónine a v 3/8 takte. Toto trojvetné scherzo je symfonickým rozvinutím piesne, ktorú súčasne skomponoval Mahler Kázeň sv. Antona k Rybám.

Vo štvrtej časti „Večné svetlo“ („Urlicht“) sa objavuje ľudský hlas. Táto orchestrálna pieseň, žiarivá a plná hlbokého náboženského cítenia, je napísaná pre sólovú violu a redukovaný orchester; má tvar ABCB, takt 4/4, tónina D dur. Búrlivé, „divoké“ finále v tempe scherza obsahuje množstvo zmien nálady, tonality, tempa a metra. Ide o veľmi veľkú sonátovú formu s monumentálnou codou; Finále obsahuje motívy pochodu, chorálu a piesne pripomínajúce predchádzajúce časti. Na konci finále vstupujú hlasy (sólový soprán a kontraalt, ako aj zbor - s hymnou o zmŕtvychvstalom Kristovi s textom Nemecký básnik 18. storočia F. Klopstock. V orchestrálnom závere sa objavuje svetlo, brilantné orchestrálne farby a tónina Es dur je paralelná s hlavnou c mol: svetlo viery rozptyľuje tmu.

Dvadsiate storočie.

V ostrom protiklade k Mahlerovým rozľahlým neskororomantickým cyklom boli starostlivo dokončené neoklasické symfónie takých francúzskych autorov ako D. Milhaud a A. Honegger. V neoklasicistickom (resp. neobarokovom) štýle písal ruský autor I.F Stravinskij, ktorý tradičné symfonické formy naplnil novým melodickým a tónovo-harmonickým materiálom. Nemec P. Hindemith tiež kombinoval formy pochádzajúce z minulosti s ostro individuálnym melodickým a harmonickým jazykom (vyznačoval sa preferovaním kvartového intervalu v tematike a akordoch).

Najväčšími ruskými symfonikmi sú S.V. Rachmaninov, S.S. Prokofiev a D.D. Tri Rachmaninove symfónie nadväzujú na národno-romantickú tradíciu pochádzajúcu z Čajkovského. Prokofievove symfónie sú tiež spojené s tradíciou, ale reinterpretované; Pre tohto autora sú charakteristické strnulé motorické rytmy, nečakané tonálne posuny a je tu téma, ktorá vychádza z folklóru. Šostakovičov tvorivý život sa odohrával počas sovietskeho obdobia ruských dejín. Za „najpokročilejšie“ možno považovať jeho prvú, desiatu, trinástu a pätnástu symfóniu, zatiaľ čo Tretia, ôsma, jedenásta a dvanásta symfónia vo väčšej miere spojené s tradičným „ruským štýlom“. V Anglicku boli vynikajúcimi symfonikmi E. Elgar (dve symfónie) a R. W. Williams (deväť symfónií napísaných v rokoch 1910 až 1957, vrátane vokálneho prvku). Z ďalších autorov, z ktorých každý je spojený s tradíciami svojej krajiny, možno menovať Poliakov Witolda Lutoslawského (nar. 1913) a K. Pendereckého, Čecha Boguslava Martinu (1890–1959), Brazílčana E. Villa-Lobosa. a Mexičan Carlos Chavez (1899 – 1976).

Na začiatku 20. stor. Američan Charles Ives skomponoval množstvo avantgardných symfónií, ktoré využívali orchestrálne zoskupenia, štvrťtónové intervaly, polyrytmy, disonantné harmonické písanie a kolážové techniky. V ďalšej generácii vytvorilo niekoľko skladateľov (všetci študovali v 20. rokoch v Paríži u Nadie Boulangerovej) americký symfonická škola: toto sú A. Copland, Roy Harris (1898–1981) a W. Piston. V ich štýle je vďaka prvkom neoklasicizmu badateľný francúzsky vplyv, no napriek tomu ich symfónie vytvárajú obraz Ameriky s jej otvorenými priestormi, pátosom a prírodnými krásami. Symfónie Rogera Sessionsa sa vyznačujú zložitosťou a rozmarnosťou chromatických melodických liniek, napätím tematického vývoja a množstvom kontrapunktu. Wallingford Rigger použil vo svojich symfóniách sériovú techniku ​​A. Schoenberga; Henry Cowell používal vo svojich symfóniách také experimentálne nápady, ako sú fúgové melódie hymnov, exotické nástroje, zvukové zoskupenia a disonantný chromatizmus.

Medzi inými americkými symfonikmi polovice 20. stor. môžeme vyzdvihnúť H. Hansona, W. Schumanna, D. Diamonda a V. Persichettiho. V druhej polovici storočia vznikli zaujímavé symfónie E. Cartera, J. Rochberga, W. G. Stilla, F. Glassa, E. T. Zwilicha a G. Corigliana. V Anglicku v symfonickej tradícii pokračoval Michael Tippett (1905–1998). Deväťdesiate roky minulého storočia zaznamenali nezvyčajný fenomén: moderná symfónia sa stala „hitom“ širokej verejnosti. Hovoríme o tretej symfónii ( Symfónie smutných piesní) Poliak Heinrich Górecki. Na prelome tretieho tisícročia skladatelia rôznych krajinách vytvorili symfónie, ktoré odzrkadľovali príťažlivosť ich autorov k takým rôznorodým fenoménom, akými sú minimalizmus, totálny serializmus, aleatorika, elektronická hudba, novoromantizmus, jazz a mimoeurópske hudobné kultúry.

Medzi mnohými hudobnými žánrami patrí jedno z najčestnejších miest symfónii. Vždy, od okamihu svojho vzniku až po súčasnosť, citlivo reflektuje svoju dobu: symfónie Mozarta a Beethovena, Berlioza a Mahlera, Prokofieva a Šostakoviča sú úvahami o dobe, o človeku, o spôsoboch sveta, symfónie Mozarta a Beethovena, Berlioza a Mahlera, Prokofieva a Šostakoviča. spôsoby života na zemi.

Symfónia ako nezávislý hudobný žáner vznikla relatívne nedávno: asi pred dva a pol storočiami. Počas tohto historicky krátkeho obdobia však prešlo dlhú cestu. Slovo symfónia v preklade z gréčtiny to znamená len súzvuk. IN Staroveké Grécko Tak nazývali príjemnú kombináciu zvukov.

Neskôr začali označovať buď orchester alebo úvod do tanečnej suity.

IN začiatkom XVIII storočia tento termín nahradil súčasný koncept predohry.

Prvé symfónie v súčasnom ponímaní sa objavili v strede Európy v druhej polovici 18. storočia. A miesto a čas jej narodenia nie sú náhodné. Vznikajú súčasne v rôzne časti Európa, v hlbinách starých, predtým etablovaných hudobných foriem – tanečnej suity a opernej predohry, sa symfónia napokon sformovala v krajinách nemecký jazyk. V Taliansku národné umenie bola tam opera.

V predrevolučnom Francúzsku, už nasýtenom atmosférou voľnomyšlienkarstva a rebélie, sa presadili iné umenia, ako literatúra, maľba a divadlo – konkrétnejšie, priamo a zreteľne vyjadrujúce nové myšlienky, ktoré vzrušovali svet. Keď o niekoľko desaťročí neskôr prišla na hudbu, pieseň vstúpila do radov revolučných vojsk ako plnohodnotný bojovník - „Carmagnola“, „Ca ira“, „La Marseillaise“.

Symfónia – a dodnes najkomplexnejšia zo všetkých druhov hudby nesúvisiacich s inými umeniami – si vyžadovala iné podmienky pre svoje formovanie, pre plné vnímanie: vyžadovala myslenie, zovšeobecňovanie – pokojnú a sústredenú prácu. Nie je náhoda, že centrum filozofického myslenia, ktoré odrážalo spoločenské zmeny v Európe na konci 18. storočia, sa ukázalo byť v Nemecku, ďaleko od sociálnych búrok. Zároveň sa v Nemecku a Rakúsku rozvinuli bohaté tradície inštrumentálnej hudby. Tu sa objavila symfónia.

Vznikol v dielach českých a rakúskych skladateľov a svoju konečnú podobu získal v dielach Haydna, aby vrchol dosiahol v Mozartovi a Beethovenovi. Táto klasická symfónia (Haydn, Mozart a Beethoven vstúpili do dejín hudby ako „viedenskí klasici“, od r. najviac ich dielo je späté s týmto mestom) sa vyvinul ako cyklus štyroch častí, ktoré stelesňovali rôzne stranyľudský život.

Prvá časť symfónie je rýchla, aktívna, niekedy jej predchádza pomalý úvod. Je napísaná v sonátovej forme.

Druhá časť je pomalá – zvyčajne premyslená, elegická či pastoračná, teda venovaná pokojným obrázkom prírody, tichému oddychu či snom. Sú tu druhé časti, ktoré sú smutné, koncentrované a hlboké.

Treťou časťou symfónie je menuet a neskôr v Beethovenovi scherzo. Toto je hra, zábava, živé obrázky ľudový život, fascinujúci okrúhly tanec...

Finále je výsledkom celého cyklu, záverom zo všetkého, čo bolo v predchádzajúcich častiach ukázané, premyslené, precítené. Koniec je často život potvrdzujúci, slávnostný, víťazný alebo slávnostný.

Vo všeobecnej schéme sú symfónie rôznych skladateľov veľmi odlišné. Ak sú teda Haydnove symfónie väčšinou pokojné, radostné a len v máloktorom zo 104 diel tohto žánru, ktoré vytvoril, sa objavujú vážne či smutné tóny, potom sú Mozartove symfónie oveľa individuálnejšie, niekedy vnímané ako predchodcovia romantického umenia.

Beethovenove symfónie sú plné obrazov boja. Plne odrážali dobu Veľkej éry francúzska revolúcia, vznešené občianske myšlienky ňou inšpirované. Beethovenove symfónie sú monumentálnymi dielami v hĺbke obsahu, šírke a sile zovšeobecnenia, ktoré nie sú horšie ako opera, dráma alebo román. Vyznačujú sa hlbokou drámou, hrdinstvom a pátosom. Posledná z Beethovenových symfónií, Deviata, obsahuje zbor spievajúci úchvatný a majestátny hymnus „Embrace, O Millions“, ktorý je zostavený na verše Schillerovej ódy „To Joy“. Skladateľ tu vykresľuje grandiózny obraz slobodného, ​​radostného ľudstva, ktoré sa usiluje o univerzálne bratstvo.

Ludwig van Beethoven. Óda „Na radosť“ z 9. symfónie

V rovnakom čase ako Beethoven, v tej istej Viedni, žil ďalší úžasný rakúsky skladateľ Franz Schubert. Jeho symfónie znejú lyrické básne, ako hlboko osobné, intímne výpovede. So Schubertom európska hudba, prišlo do žánru symfónie nové hnutie – romantizmus. Predstaviteľmi hudobného romantizmu v symfónii sú Schumann, Mendelssohn, Berlioz.

Programovú symfóniu (pozri príbeh o programovej hudbe) ako prvý vytvoril vynikajúci francúzsky skladateľ Hector Berlioz, ktorý k nej napísal poetický program v podobe poviedky o umelcovom živote.

Symfónia v Rusku je predovšetkým Čajkovskij. Jeho symfonické diela vzrušujúce, vzrušujúce príbehy o boji človeka o život, o šťastie. Ale toto je Borodin: jeho symfónie sa vyznačujú epickou šírkou, silou a skutočne ruským rozsahom. Ide o Rachmaninova, Skrjabina a Glazunova, ktorí vytvorili osem krásnych, jasných, vyvážených symfónií.

Symfónie D. Šostakoviča stelesňujú 20. storočie s jeho búrkami, tragédiami a úspechmi. Odrážajú udalosti našej histórie a obrazy ľudí skladateľových súčasníkov, ako stavajú, bojujú, hľadajú, trpia a víťazia. Symfónie S. Prokofieva sa vyznačujú epickou múdrosťou, hlbokou dramatickosťou, čistým a svetlé texty, ostrý vtip.

D. Šostakovič. Symfónia č. 7 op. 60 „Leningradskaja“ C dur. Časť 1

Akákoľvek symfónia je celý svet. Svet umelca, ktorý ho vytvoril. Svet času, ktorý ho zrodil. Počúvaním klasických symfónií sa stávame duchovne bohatšími, spoznávame poklady ľudského génia, ktoré sa svojím významom rovnajú tragédiám Shakespeara, románom Tolstého, básňam Puškina, maľbám Rafaela.

Slovo "symfónia" s grécky jazyk v preklade „súzvuk“. A skutočne, zvuk mnohých nástrojov v orchestri možno nazvať hudbou len vtedy, keď sú zladené a nie každý vytvára zvuky sám o sebe.

V starovekom Grécku to bol názov pre príjemnú kombináciu zvukov, spoločne spievajúcich v súzvuku. V starovekom Ríme sa takto začal nazývať súbor alebo orchester. V stredoveku sa svetská hudba vo všeobecnosti a niektoré hudobné nástroje nazývali symfónia.

Slovo má iné významy, ale všetky nesú význam spojenia, zapojenia, harmonického spojenia; napríklad symfónia sa nazýva aj princíp vzťahu medzi cirkvou a svetskou mocou sformovanou v Byzantskej ríši.

Ale dnes budeme hovoriť len o hudobnej symfónii.

Odrody symfónie

Klasická symfónia- Ide o hudobné dielo v sonátovej cyklickej forme, určené pre symfonický orchester.

Symfónia (okrem symfonického orchestra) môže obsahovať zbor a spev. Sú to symfónie-suity, symfónie-rapsódie, symfónie-fantázie, symfónie-balady, symfónie-legendy, symfónie-básne, symfónie-rekviem, symfónie-balety, symfónie-drámy a divadelné symfónie ako symfónie.

Klasická symfónia má zvyčajne 4 časti:

prvá časť - v rýchle tempo(allegro ) , v sonátovej forme;

druhá časť - in pomalým tempom, obyčajne vo forme variácií, rondo, rondo sonáta, komplexná trojčlenná, menej často vo forme sonáty;

tretia časť - scherzo alebo menuet- v trojdielnej forme da capo s triom (teda podľa schémy A-trio-A);

štvrtá časť - in rýchle tempo, v sonátovej forme, v rondovej alebo rondosonátovej forme.

Existujú však symfónie s menej (alebo viacerými) časťami. Nechýbajú ani jednovetové symfónie.

Program Symphony je symfónia s konkrétnym obsahom, ktorý je stanovený v programe alebo vyjadrený v názve. Ak má symfónia názov, potom tento názov predstavuje minimálny program, napríklad „Symphony Fantastique“ od G. Berlioza.

Z histórie symfónie

Za tvorcu klasickej formy symfónie a orchestrácie sa považuje Haydn.

A prototypom symfónie je talianska predohra(inštrumentálna orchestrálna skladba uvádzaná pred začiatkom akéhokoľvek predstavenia: opera, balet), ktorá sa vyvinula v r koniec XVII V. Významne prispeli k rozvoju symfónie napr Mozart A Beethoven. Títo traja skladatelia sa nazývajú „viedenskí klasici“. Vznikla viedenská klasika vysoký typ inštrumentálna hudba, v ktorej je všetko bohatstvo obrazného obsahu stelesnené v dokonalej umeleckej forme. S touto dobou sa zhodoval aj proces formovania symfonického orchestra - jeho stáleho zloženia a orchestrálnych zoskupení.

V.A. Mozart

Mozart písal vo všetkých formách a žánroch, ktoré existovali v jeho dobe, zvláštny význam prikladal veľký význam opere, ale venoval aj veľkú pozornosť symfonická hudba. Vzhľadom na to, že po celý život paralelne pracoval na operách a symfóniách, jeho inštrumentálna hudba sa vyznačuje melodickosťou opernej árie a dramatického konfliktu. Mozart vytvoril viac ako 50 symfónií. Najpopulárnejšie boli posledné tri symfónie – č. 39, č. 40 a č. 41 („Jupiter“).

K. Schlosser "Beethoven v práci"

Beethoven vytvoril 9 symfónií, no z hľadiska vývoja symfonickej formy a orchestrácie ho možno označiť za najväčšieho symfonického skladateľa klasického obdobia. V jeho 9. symfónii, najznámejšej, sú všetky jej časti spojené do jedného celku prierezovou témou. V tejto symfónii uviedol Beethoven vokálne party, po ktorých to začali robiť ďalší skladatelia. Vo forme symfónie povedal nové slovo R. Schumann.

Ale už v druhej polovici 19. stor. prísne formy symfónie sa začali meniť. Štvordielny systém sa stal voliteľným: objavil sa jednodielny symfónia (Mjaskovskij, Boris Čajkovskij), symfónia od 11 dielov(Šostakovič) a dokonca aj z 24 dielov(Hovaness). Klasické finále v rýchlom tempe vystriedalo pomalé finále (6. symfónia P.I. Čajkovského, Mahlerova tretia a deviata symfónia).

Autormi symfónií boli F. Schubert, F. Mendelssohn, J. Brahms, A. Dvořák, A. Bruckner, G. Mahler, Jean Sibelius, A. Webern, A. Rubinstein, P. Čajkovskij, A. Borodin, N Rimskij- Korsakov, N. Mjaskovskij, A. Skrjabin, S. Prokofiev, D. Šostakovič a ďalší.

Jeho zloženie, ako sme už povedali, sa formovalo v priebehu éry viedenská klasika.

Základom symfonického orchestra sú štyri skupiny nástrojov: sklonené struny(husle, violy, violončelo, kontrabasy), dychové nástroje(flauta, hoboj, klarinet, fagot, saxofón so všetkými ich druhmi - starodávna zobcová flauta, šál, chalumeau atď., Ako aj množstvo ľudových nástrojov - balaban, duduk, zhaleika, flauta, zurna), mosadz(lesný roh, trúbka, kornút, krídlovka, trombón, tuba), bubny(timpány, xylofón, vibrafón, zvončeky, bicie, triangel, činely, tamburína, kastanety, tom-tom a iné).

Niekedy sú v orchestri zahrnuté aj iné nástroje: harfa, klavír, orgán(klávesovo-dychový hudobný nástroj, najväčší typ hudobného nástroja), celesta(malý klávesový perkusný hudobný nástroj, ktorý vyzerá ako klavír a znie ako zvončeky), čembalo.

čembalo

Veľký symfonický orchester môže zahŕňať až 110 hudobníkov , malý- nie viac ako 50.

Dirigent rozhodne, ako orchester posadí. Usporiadanie interpretov v modernom symfonickom orchestri je zamerané na dosiahnutie koherentnej zvučnosti. Za 50-70 rokov. XX storočia sa rozšírilo "Americké sedenie": prvé a druhé husle sú umiestnené vľavo od dirigenta; vpravo sú violy a violončelo; v hlbinách sú drevené a mosadzné dychy, kontrabasy; vľavo sú bubny.

Usporiadanie sedadiel hudobníkov symfonického orchestra

Medzi početnými hudobnými žánrami a formami patrí jedno z najčestnejších miest symfónii. Vznikol ako zábavný žáner, od začiatku 19. storočia až dodnes je najcitlivejší a najkompletnejší, ako žiadny iný typ. hudobné umenie, odráža svoju dobu. Symfónie Beethovena a Berlioza, Schuberta a Brahmsa, Mahlera a Čajkovského, Prokofieva a Šostakoviča sú rozsiahlymi úvahami o dobe a osobnosti, o dejinách ľudstva a spôsoboch sveta.

Symfonický cyklus, ako ho poznáme z mnohých klasických i moderných príkladov, sa formoval približne pred dvestopäťdesiatimi rokmi. Počas tohto historicky krátkeho obdobia však symfonický žáner prešiel dlhú cestu. Dĺžka a význam tejto cesty bol určený práve tým, že symfónia absorbovala všetky problémy svojej doby, dokázala reflektovať zložité, rozporuplné epochy plné kolosálnych prevratov a stelesňovala pocity, utrpenie a zápasy ľudí. Stačí si predstaviť život spoločnosti v polovici 18. storočia – a spomenúť si na symfónie Haydna; veľké prevraty z konca 18. – začiatku 19. storočia – a Beethovenove symfónie, ktoré ich odzrkadľovali; reakcia v spoločnosti, sklamanie - a romantické symfónie; konečne všetky tie hrôzy, ktoré muselo ľudstvo prežiť v 20. storočí – a porovnať symfónie Beethovena so symfóniami Šostakoviča, aby bolo jasne vidieť túto obrovskú, niekedy tragickú cestu. V súčasnosti si už málokto pamätá, aké boli začiatky, aké boli počiatky tohto najkomplexnejšieho čisto hudobných žánrov, nesúvisiacich s inými umeniami.

Poďme sa rýchlo pozrieť do hudobnej Európy v polovici 18. storočia.

V Taliansku, klasickej krajine umenia, ktorá udáva trendy vo všetkých európskych krajinách, kraľuje opera. Dominuje takzvaná opera seria („vážna“). Nie sú v ňom žiadne jasné jednotlivé obrazy, nie je tam žiadny pravý dramatická akcia. Opera seria je striedaním rôznych duševných stavov stelesnených v konvenčných postavách. Jeho najdôležitejšou časťou je ária, v ktorej sú tieto stavy sprostredkované. Sú to árie hnevu a pomsty, árie sťažností (lamento), žalostné pomalé árie a radostné bravúrne árie. Tieto árie boli natoľko zovšeobecnené, že sa dali preniesť z jednej opery do druhej bez toho, aby došlo k poškodeniu predstavenia. V skutočnosti to skladatelia často robili, najmä keď museli napísať niekoľko opier za sezónu.

Prvkom opernej série bola melódia. Slávne umenie talianskeho belcanta tu dostalo svoj najvyšší výraz. V áriách dosiahli skladatelia skutočné vrcholy stelesnenia konkrétneho štátu. Láska i nenávisť, radosť i zúfalstvo, hnev i smútok boli hudbou prenesené tak živo a presvedčivo, že ste nepotrebovali počuť text, aby ste pochopili, o čom spevák spieva. To v podstate konečne pripravilo pôdu pre beztextovú hudbu navrhnutú na stelesnenie ľudské pocity a vášeň.

Z medzihier - vkladných scén medzi dejstvami opernej série a nesúvisiacich s jej obsahom - vznikla jej veselá sestra, komická operná bufe. Obsahovo demokratický (jeho postavami neboli mytologickí hrdinovia, králi a rytieri, ale obyčajní ľudia z ľudu), zámerne sa staval proti dvornému umeniu. Opera buffa sa vyznačovala prirodzenosťou, živosťou akcie, spontánnosťou hudobný jazyk, často priamo súvisiaci s folklórom. Zahŕňal vokálne klepoty, komické parodické koloratúry a živé a ľahké tanečné melódie. Akt finále sa odvíjal ako súbory, v ktorých postavy Niekedy spievali všetci naraz. Niekedy sa takéto konce nazývali „zmätok“ alebo „zmätok“, pretože akcia sa do nich vrhla tak rýchlo a intrigy sa ukázali ako mätúce.

V Taliansku sa rozvíjala aj inštrumentálna hudba a predovšetkým žáner, ktorý je s operou najužšie spojený – predohra. Keďže ide o orchestrálny úvod k opernému predstaveniu, požičal si z opery jasné, výrazné hudobné témy, podobné melódiám árií.

Vtedajšia talianska ouvertúra pozostávala z troch úsekov – rýchlej (Allegro), pomalej (Adagio alebo Andante) a opäť rýchlej, najčastejšie celého menuetu. Nazvali to sinfonia – v preklade z gréčtiny – súzvuk. Postupom času sa predohry začali hrať nielen v divadle pred otvorením opony, ale aj samostatne, ako samostatné orchestrálne diela.

Koncom 17. a začiatkom 18. storočia sa v Taliansku objavila brilantná plejáda virtuóznych huslistov, ktorí boli aj nadanými skladateľmi. Vivaldi, Yomelli, Locatelli, Tartini, Corelli a ďalší, ktorí hrali perfektne na husliach - hudobný nástroj, ktorý sa svojou expresivitou dá prirovnať k ľudskému hlasu, vytvoril rozsiahly husľový repertoár, najmä zo skladieb nazývaných sonáty (z tal. sonare - znieť). V nich, podobne ako v klávesových sonátach Domenica Scarlattiho, Benedetta Marcella a iných skladateľov, sa vyvinuli niektoré spoločné štruktúrne znaky, ktoré sa neskôr zmenili na symfóniu.

Hudobný život Francúzska sa formoval inak. Už dlho milujú hudbu spojenú so slovami a činmi. Baletné umenie prešlo vysokým rozvojom; Pestoval sa osobitný druh opery – lyrická tragédia, podobná tragédiám Corneille a Racine, ktorá mala odtlačok špecifického života kráľovského dvora, jeho etikety, jeho slávností.

Francúzski skladatelia tiež pri tvorbe inštrumentálnych skladieb inklinovali k zápletke, programu a verbálnym definíciám hudby. „The Flowing Cap“, „The Reapers“, „Tamburína“ – to boli názvy kúskov čembala, ktoré boli buď žánrovými náčrtmi, resp. hudobné portréty- "Pôvabný", "Nežný", "Usilovný", "Flirtujúci".

Viac veľké diela, zložený z viacerých častí, vznikol z tanca. Prísna nemecká allemanda, pohyblivá, ako kĺzavá francúzska zvonkohra, majestátna španielska sarabanda a rýchly gigue - ohnivý tanec Anglickí námorníci – sú v Európe už dlho známi. Boli základom žánru inštrumentálnej suity (z francúzskeho suita – sekvencia). Do suity boli často zahrnuté ďalšie tance: menuet, gavota, polonéza. Pred allemandou bolo počuť úvodnú predohru a v strede suity odmeranú tanečný pohyb niekedy prerušená voľnou áriou. Ale jadro suity – štyri rôznorodé tance rôznych národov – bolo určite prítomné v nemennom slede, načrtávalo štyri rôzne nálady, viedlo poslucháča od pokojného pohybu úvodu k vzrušujúcemu rýchlemu finále.

Mnohí skladatelia písali suity, a to nielen vo Francúzsku. Významnú poctu im vzdal aj velikán Johann Sebastian Bach, s ktorého menom, ako aj s vtedajšou nemeckou hudobnou kultúrou vôbec, sa spája množstvo hudobných žánrov.

V krajinách nemeckého jazyka, teda početné nemecké kráľovstvá, kniežatstvá a biskupstvá (pruské, bavorské, saské atď.), ako aj v r. rôznych oblastiach Inštrumentálna hudba sa dlho pestovala v mnohonárodnom rakúskom cisárstve, ktoré vtedy zahŕňalo aj „hudobný ľud“ – Česko zotročené Habsburgovcami. Každé mestečko, mestečko či aj dedina mali svojich huslistov a violončelistov, po večeroch zazneli sólové a ansámblové skladby s nadšením v podaní ochotníkov. Kostoly a ich školy sa zvyčajne stávali centrami muzicírovania. Učiteľ bol spravidla aj kostolným organistom, ktorý na sviatky predvádzal hudobné fantázie, ako najlepšie vedel. Vo veľkých nemeckých protestantských centrách, ako je Hamburg alebo Lipsko, sa formovali aj nové formy tvorby hudby: organové koncerty v katedrálach. Na týchto koncertoch zazneli predohry, fantázie, variácie, zborové úpravy a hlavne fúgy.

Fúga je najkomplexnejší typ polyfónnej hudby, ktorá dosiahla svoj vrchol v tvorbe I.S. Bach a Händel. Jeho názov pochádza z latinského fuga – beh. Ide o polyfónnu skladbu založenú na jednej téme, ktorá sa pohybuje (prebieha!) od hlasu k hlasu. Každá melodická linka sa nazýva hlas. V závislosti od počtu takýchto riadkov môže byť fúga troj-, štvor-, päťhlasná atď. V strednej časti fúgy, po úplnom odznení témy všetkými hlasmi, sa začína rozvíjať: potom jej začiatok sa objaví a znova zmizne, potom sa rozšíri (každá z nôt, ktoré ju tvoria, bude dvakrát dlhšia), potom sa zmrští – nazýva sa to téma pribúdajúca a téma pri poklese. Môže sa stať, že v rámci témy sa zostupné melodické pohyby stanú vzostupnými a naopak (téma v obehu). Melodický pohyb sa pohybuje z jednej klávesy na druhú. A v záverečnej časti fúgy - Repríza - téma opäť zaznieva nezmenená, ako na začiatku, vracia sa k hlavnej tonalite hry.

Pripomeňme si ešte raz: hovoríme o asi v polovici 18. storočia. V hlbinách aristokratického Francúzska sa schyľuje k výbuchu, ktorý veľmi skoro zmetie absolútnu monarchiu. Príde nová doba. A kým sa revolučné nálady stále len latentne pripravujú, francúzski myslitelia vystupujú proti existujúcemu poriadku. Žiadajú rovnosť všetkých ľudí pred zákonom a hlásajú myšlienky slobody a bratstva.

Umenie, ktoré odráža posuny verejný život, je citlivý na zmeny v politickej atmosfére Európy. Príkladom toho je nesmrteľné komédie Beaumarchais. To platí aj pre hudbu. Práve teraz, v ťažkej dobe, plnej kolosálnych udalostí historický význam obdobia sa v hlbinách starých, dávno etablovaných hudobných žánrov a foriem zrodil nový, skutočne revolučný žáner - symfónia. Stáva sa kvalitatívne, zásadne iným, pretože stelesňuje nový typ myslenia.

Treba si myslieť, že nie náhodou sa symfonický žáner s predpokladmi v rôznych regiónoch Európy napokon sformoval v krajinách nemeckého jazyka. V Taliansku bola opera národným umením. V Anglicku duch a zmysel toho, čo sa tam stalo historické procesy najviac odrážali oratóriá Georga Händela, rodeného Nemca, ktorý sa stal národným anglickým skladateľom. Vo Francúzsku sa do popredia dostali iné druhy umenia, najmä literatúra a divadlo, ktoré boli konkrétnejšie, priamo a zreteľne vyjadrovali nové myšlienky, ktoré vzrušovali svet. Diela Voltaira, „Nová Heloise“ od Rousseaua, „Perzské listy“ Montesquieua, v zastretej, ale celkom zrozumiteľnej forme predložili čitateľom ostrú kritiku existujúceho poriadku a ponúkli vlastné možnosti štruktúry spoločnosti. .

Keď o niekoľko desaťročí neskôr prišla na rad hudba, k revolučným vojskám sa pridala aj pieseň. Najvýraznejším príkladom je Pieseň Rýnskej armády, ktorú cez noc vytvoril dôstojník Rouget de Lisle a ktorá sa stala svetoznámou pod názvom Marseillaise. Po piesni sa objavila hudba na masové oslavy a smútočné obrady. A napokon takzvaná „opera spásy“, ktorej obsahom bolo prenasledovanie hrdinu či hrdinky tyranom a ich záchrana vo finále opery.

Symfónia si vyžadovala úplne iné podmienky ako na vznik, tak aj na plné vnímanie. Ukázalo sa, že „ťažisko“ filozofického myslenia, ktoré najplnšie odrážalo hlbokú podstatu spoločenských zmien tej doby, bolo v Nemecku, ďaleko od sociálnych búrok.

Tam najprv Kant a neskôr Hegel vytvorili svoje nové filozofické systémy. Podobne ako filozofické systémy, aj symfónia je najfilozofickejší, dialekticko-procesuálny žáner hudobná kreativita, - sa napokon sformovalo tam, kam siahali len vzdialené ozveny blížiacich sa búrok. Kde sa navyše vyvinuli silné tradície inštrumentálnej hudby.

Jedným z hlavných centier pre vznik nového žánru bol Mannheim, hlavné mesto bavorského kurfirstva Falcka. Tu, na brilantnom dvore kurfirsta Karla Theodora, v 40. a 50. rokoch rokov XVIII storočia obsahoval vynikajúci orchester, možno najlepší v Európe tej doby.

V tom čase sa symfonický orchester len formoval. A v súdnych kaplnkách a v katedrálach orchestrálne skupiny so stabilným zložením neexistovali. Všetko záviselo od prostriedkov, ktorými disponoval panovník či richtár, od vkusu tých, ktorí mohli rozkazovať. Orchester plnil spočiatku len aplikovanú úlohu, sprevádzal buď dvorné vystúpenia alebo slávnosti a obrady. A považoval sa predovšetkým za operný alebo cirkevný súbor. Orchester spočiatku zahŕňal violy, lutny, harfy, flauty, hoboje, lesné rohy a bicie. Postupne sa skladba rozširovala, pribúdalo sláčikových nástrojov. Postupom času boli husle nahradené starožitná viola a čoskoro zaujal vedúcu pozíciu v orchestri. Drevené dychové nástroje - flauty, hoboje, fagoty - sa zjednotili do samostatnej skupiny a objavili sa aj dychové nástroje - trúbky, trombóny. Povinným nástrojom v orchestri bolo čembalo, ktoré vytváralo harmonický základ zvuku. Za ním stál zvyčajne vedúci orchestra, ktorý pri hre súčasne dával pokyny na úvod.

Koncom 17. storočia sa rozšírili inštrumentálne súbory, ktoré existovali na šľachtických dvoroch. Každý z početných malých kniežat rozdrobeného Nemecka chcel mať svoju kaplnku. Začal sa rýchly rozvoj orchestrov a objavili sa nové techniky orchestrálnej hry.

Mannheimský orchester tvorilo 30 sláčikových nástrojov, 2 flauty, 2 hoboje, klarinet, 2 fagoty, 2 trúbky, 4 rohy, tympány. Toto je chrbtica moderného orchestra, skladba, pre ktorú vytvorili svoje diela mnohí skladatelia nasledujúcej éry. Viedol orchester vynikajúci hudobník, český skladateľ a virtuózny huslista Jan Václav Stamitz. Medzi umelcov orchestra patrili aj najväčší hudobníci svojej doby, nielen virtuózni inštrumentalisti, ale aj talentovaní skladatelia Franz Xaver Richter, Anton Filz a ďalší. Predurčili vynikajúcu úroveň interpretačných schopností orchestra, ktorý sa preslávil svojimi úžasnými kvalitami - dovtedy nedosiahnuteľnou rovnomernosťou husľových úderov, najjemnejšou gradáciou dynamických odtieňov, ktoré dovtedy neboli vôbec používané.

Podľa súčasníka, kritika Bosslera, „presné dodržiavanie klavíra, forte, rinforzando, postupné rozširovanie a zosilňovanie zvuku a potom opäť znižovanie jeho sily až do sotva počuteľného zvuku – to všetko bolo počuť iba v Mannheime“. Bernie, milovník anglickej hudby, ktorý v polovici 18. storočia podnikol výlet do Európy, mu dáva za pravdu: „Tento výnimočný orchester má dostatok priestoru a faziet na to, aby predviedol všetky svoje schopnosti a vytvoril skvelý efekt. Práve tu Stamitz, inšpirovaný Yomelliho spismi, prvýkrát prekročil bežné operné predohry... vyskúšali sa všetky efekty, ktoré mohla vyprodukovať taká masa zvukov. Práve tu sa zrodilo crescendo a diminuendo a spoznal sa klavír, ktorý sa predtým používal hlavne ako ozvena a bol zvyčajne jej synonymom, a forte hudobné farby, ktoré majú svoje vlastné odtiene...“

Práve v tomto orchestri po prvý raz zazneli štvorhlasné symfónie – diela, ktoré boli postavené podľa jedného typu a mali všeobecné princípy, ktoré absorbovali mnohé črty už existujúcich hudobných žánrov a foriem a pretavili ich do niečoho kvalitatívne odlišného; nová jednota.

Prvé akordy sú rozhodujúce, plnohlasé, akoby vyzývali na pozornosť. Potom široké, rozsiahle pohyby. Opäť akordy, nahradené arpeggiátovým pohybom, a potom živá, elastická melódia, ako rozvíjajúca sa pružina. Zdá sa, že sa to môže odvíjať donekonečna, ale odíde to rýchlejšie, ako si to povesť želá: ako hosť predstavený majiteľom domu počas veľkej recepcie sa od nich vzďaľuje a dáva priestor ostatným, ktorí ho nasledujú. Po chvíli všeobecný pohyb objavuje sa nová téma – jemnejšia, ženská, lyrická. Neznie však dlho, rozplýva sa v pasážach. Po nejakom čase opäť vidíme prvú tému, mierne pozmenenú, v novom kľúči. Hudobný prúd rýchlo plynie, vracia sa k pôvodnej, hlavnej tonalite symfónie; Druhá téma sa organicky prelína do tohto prúdu a teraz sa svojím charakterom a náladou približuje k prvej. Prvá časť symfónie je zakončená plnohlasnými radostnými akordmi.

Druhá časť, andante, sa rozvíja pomaly a melodicky, čím zvýrazňuje výraznosť sláčikových nástrojov. Ide o akúsi áriu pre orchester, v ktorej dominuje lyrika a elegická reflexia.

Tretia časť je elegantný galantný menuet. Vytvára pocit uvoľnenia a uvoľnenia. A potom ako ohnivá smršť prepuká ohnivé finále. Vo všeobecnosti to bola symfónia tej doby. Jeho pôvod sa dá veľmi jasne vystopovať. Prvá časť sa najviac podobá opernej predohre. Ak je však predohra iba prahom predstavenia, tak tu sa vo zvukoch odvíja samotná akcia. Typicky operné hudobné obrazy predohry – hrdinské fanfáry, dojemné lamento, búrlivá zábava bifľošov – nesúvisiace s konkrétnymi scénickými situáciami a nesúce charakteristiku individuálnych čŕt(pamätajte, že aj slávna predohra k „ K holičovi zo Sevilly„Rossini nemá nič spoločné s obsahom opery a bol pôvodne napísaný pre inú operu!), odtrhol sa od operného predstavenia a začal samostatný život. V ranej symfónii sú ľahko rozpoznateľné – rozhodujúce, odvážne intonácie hrdinských árií v prvých témach, nazývaných hlavnými, jemné vzdychy lyrických árií v druhých, takzvaných vedľajších témach.

Operné princípy sa odrážajú aj v textúre symfónie. Ak predtým v inštrumentálnej hudbe dominovala polyfónia, teda polyfónia, v ktorej viacero nezávislé melódie, prelínali sa, zneli súčasne, potom sa tu začal rozvíjať iný typ polyfónie: jedna hlavná melódia (najčastejšie husle), výrazná, výrazná, sprevádzaná sprievodom, ktorý ju rozohráva a zdôrazňuje jej osobitosť. Tento typ polyfónie, nazývaný homofónny, úplne dominuje v ranej symfónii. Neskôr sa v symfónii objavujú techniky vypožičané z fúgy. V polovici 18. storočia by to však mohlo byť skôr v kontraste s fúgou. Spravidla bola jedna téma (existujú dvojité, trojité a viac fúg, ale témy nie sú protikladné, ale porovnávané). Mnohokrát sa to opakovalo, ale nič tomu neodporovalo. Bola to v podstate axióma, téza, ktorá bola opakovane vyslovená bez toho, aby vyžadovala dôkaz. Opak v symfónii: vo vzhľade a ďalších zmenách rôznych hudobné témy a obrazy je možné počuť spory a rozpory. Možno práve tu sa znamenie času prejavuje najzreteľnejšie. Pravda už nie je daná. Treba to hľadať, dokazovať, zdôvodňovať, porovnávať rôzne názory, zisťovať rôzne body vízie. Toto robia encyklopedisti vo Francúzsku. Na tom je postavená nemecká filozofia, najmä Hegelova dialektická metóda. A samotný duch éry hľadania sa odráža v hudbe.

Takže symfónia si veľa vzala z opernej predohry. Predohra načrtla najmä princíp striedania kontrastných úsekov, ktoré v symfónii prešli do samostatných častí. V jej prvej časti sú rôzne stránky, rôzne pocity človeka, život v jeho pohybe, vývoj, zmeny, kontrasty a konflikty. V druhej časti je reflexia, sústredenie a niekedy aj texty. V treťom - relaxácia, zábava. A nakoniec, finále - obrázky zábavy, radosti a zároveň - výsledok hudobného vývoja, dokončenie symfonického cyklu.

Takto by sa symfónia vyvíjala začiatkom 19. storočia, v najvšeobecnejšom zmysle by tomu tak bolo napríklad v prípade Brahmsa alebo Brucknera. A v čase svojho narodenia si zrejme požičala viaceré pohyby zo suity.

Allemande, courante, sarabande a gigue sú štyri povinné tance, štyri rôzne nálady, ktoré možno ľahko vidieť v raných symfóniách. Veľmi zreteľne sa v nich prejavuje tanečná kvalita, najmä vo finále, ktoré charakterom melódie, tempom, ba aj veľkosťou taktu často pripomínajú gigue. Pravda, niekedy má finále symfónie bližšie k iskrivému finále opery buffa, no aj tak je jej príbuznosť s tancom, napríklad tarantellou, nepopierateľná. Čo sa týka tretej časti, volá sa menuet. Len v Beethovenovom diele tanec – galantný dvorný či hrubý obyčajný – nahradí scherzo.

Novorodená symfónia tak absorbovala črty mnohých hudobných žánrov a žánrov zrodených v rôznych krajinách. A vznik symfónie sa odohrával nielen v Mannheime. Bola tu Viedenská škola, ktorú zastupoval najmä Wagenseil. V Taliansku napísal Giovanni Battista Sammartini orchestrálne diela, ktoré nazval symfónie a určené na koncertné prevedenie nesúvisiace s operným predstavením. Vo Francúzsku sa mladý skladateľ, pôvodom Belgičan, François-Joseph Gossec, obrátil k novému žánru. Jeho symfónie sa nestretli s ohlasom a uznaním, keďže vo francúzskej hudbe dominovala programová, ale jeho tvorba zohrala úlohu pri formovaní francúzskej symfónie, pri obnove a rozšírení symfonického orchestra. Český skladateľ František Míša, ktorý svojho času pôsobil vo Viedni, veľa a úspešne experimentoval pri hľadaní symfonickej formy. Jeho slávny krajan Josef Myslewicz mal zaujímavé experimenty. Všetci títo skladatelia však boli samotári, no v Mannheime vznikla celá škola, ktorá mala k dispozícii aj prvotriedny „nástroj“ – slávny orchester. Vďaka šťastnej náhode, že falcký kurfirst bol veľkým milovníkom hudby a mal dosť peňazí na to, aby si mohol dovoliť obrovské výdavky, sa v hlavnom meste Falcka zišli významní hudobníci z rôznych krajín - Rakúšania a Česi, Taliani a Prusi - každý z ktorých prispel k vytvoreniu nového žánru. V dielach Jana Stamitza, Franza Richtera, Carla Toeschiho, Antona Filza a iných majstrov vznikla symfónia v tých svojich hlavných črtách, ktoré potom prešli do tvorby viedenských klasikov – Haydna, Mozarta, Beethovena.

Takže v priebehu prvého polstoročia existencie nového žánru sa objavil jasný štrukturálny a dramatický model, ktorý dokáže poňať rôznorodý a veľmi významný obsah. Základom tohto modelu bola forma zvaná sonáta, alebo sonata allegro, keďže bola najčastejšie písaná v tomto tempe a neskôr typická pre symfóniu aj inštrumentálnu sonátu a koncert. Jeho zvláštnosťou je spájanie rôznych, často kontrastných hudobných tém. Tri hlavné časti sonátovej formy - expozícia, vývoj a repríza - pripomínajú začiatok, vývoj akcie a rozuzlenie klasickej drámy. Po krátkom úvode alebo hneď na začiatku expozície sa divákom predstavia „postavy“ hry.

Prvá hudobná téma, ktorá zaznie v hlavnej tónine diela, sa nazýva hlavná téma. Častejšie - hlavná téma, ale správnejšie - hlavná časť, pretože v rámci hlavnej časti, to znamená určitého segmentu hudobnej formy, zjednotenej jednou tonalitou a figuratívnou komunitou, časom nie jedna, ale niekoľko rôznych tém - začali sa objavovať melódie. Po hlavnej šarži, v skorých vzorkách priamym porovnaním a v neskorších cez malú spojovaciu šaržu, začína sekundárna šarža. Jej téma alebo dve alebo tri rôzne témy kontrast k hlavnému. Bočná časť je najčastejšie lyrickejšia, mäkká a ženská. Znie v inej tónine ako je hlavná, vedľajšia (odtiaľ názov partu). Vzniká pocit nestability a niekedy konflikt. Výstava sa končí záverečnou časťou, ktorá v raných symfóniách buď absentuje, alebo hrá čisto pomocnú úlohu ako akási pointa, opona po prvom dejstve hry a následne, počnúc Mozartom, nadobúda význam nezávislý tretí obrázok spolu s hlavným a vedľajším.

Stredná časť sonátovej formy je vývoj. Ako vyplýva z názvu, rozvíjajú sa v nej hudobné témy, s ktorými sa poslucháči na výstave (teda predtým vystavené) zoznámili, podliehajú zmenám a vývoju. Zároveň sú zobrazené z nových, niekedy nečakaných strán, modifikované a izolujú sa od nich jednotlivé motívy - tie najaktívnejšie, ktoré sa neskôr zrážajú. Rozvoj je dramaticky efektívny úsek. Na konci prichádza vyvrcholenie, ktoré vedie k repríze – tretej časti formy, akési rozuzlenie drámy.

Názov tejto sekcie pochádza z francúzske slovo reprendre — obnoviť. Ide o obnovu, opakovanie expozície, ale upravenú: obe časti teraz znejú v hlavnej tónine symfónie, akoby vývojovým dianím priniesli súhlas. Niekedy sú v repríze ďalšie zmeny. Dá sa napríklad orezať (bez tém, ktoré odzneli v expozícii), zrkadliť (najskôr zaznie vedľajšia téma a až potom hlavná strana). Prvá časť symfónie sa zvyčajne končí codou - záverom, ktorý stanovuje hlavnú tonalitu a hlavný obraz sonáty allegro. V raných symfóniách je coda malá a je v podstate trochu rozvinutou záverečnou časťou. Neskôr, napríklad v Beethovenovi, nadobudne výrazné rozmery a stane sa akýmsi druhým vývojom, v ktorom sa afirmácia opäť dosiahne bojom.

Táto forma sa ukázala ako skutočne univerzálna. Od čias symfónie až po súčasnosť úspešne stelesňuje najhlbší obsah, sprostredkúva nevyčerpateľné bohatstvo obrazov, myšlienok a problémov.

Druhá časť symfónie je pomalá. Toto je zvyčajne lyrický stred cyklu. Jeho tvar sa líši. Najčastejšie je trojdielna, to znamená, že má podobné vonkajšie časti a kontrastnú strednú časť, ale môže byť napísaná aj vo forme variácií alebo inej formy, až po sonátu, ktorá sa štrukturálne líši od prvého alegra. len v pomalšom tempe a menej efektívnom vývoji.

Tretia časť je menuet v raných symfóniách a scherzo od Beethovena po súčasnosť, spravidla komplexná trojdielna forma. Obsah tejto časti sa v priebehu desaťročí upravoval a skomplikoval od každodenného či dvorného tanca až po monumentálne silné scherzá XIX storočia a ďalej k hrozivým obrazom zla a násilia v symfonických cykloch Šostakoviča, Honeggera a iných symfonikov 20. storočia. Od druhej polovice 19. storočia sa scherzo stále viac strieda s pomalým pohybom, ktorý sa v súlade s novým poňatím symfónie stáva akousi duchovnou reakciou nielen na udalosti prvej časti, ale aj do obrazného sveta scherza (najmä v Mahlerových symfóniách).

Finále, ktoré je záverom cyklu, je v raných symfóniách často písané vo forme rondovej sonáty. Striedanie veselých epizód iskriacich zábavou s neustálym tanečným refrénom - takáto štruktúra prirodzene vyplývala z povahy obrazov finále, z jeho sémantiky. Postupom času, s prehlbovaním problémov symfónie, sa začali meniť aj vzorce štruktúry jej finále. Finále sa začali objavovať v sonátovej forme, vo forme variácií, vo voľnej forme a nakoniec aj s oratoriálnymi prvkami (so zaradením zboru). Zmenili sa aj jeho obrazy: nielen životné potvrdenie, ale niekedy aj tragické vyústenie (Čajkovského Šiesta symfónia), zmierenie sa s krutou realitou či únik z nej do sveta snov, ilúzie sa stali obsahom finále symfonického cyklu v r. posledných sto rokov.

Vráťme sa však na začiatok slávnej cesty tohto žánru. Vznikol v polovici 18. storočia a dosiahol klasické zavŕšenie v diele veľkého Haydna.