Gambar oleh seniman Jepang. Lukisan Jepang: semua seluk-beluk lukisan oriental

Lukisan klasik Jepang mempunyai sejarah yang panjang dan cerita yang menarik. Seni visual Jepang disajikan dalam gaya dan genre yang berbeda, yang masing-masing memiliki keunikan tersendiri. Patung-patung kuno yang dicat dan motif geometris yang ditemukan pada lonceng dotaku perunggu dan pecahan tembikar berasal dari tahun 300 Masehi.

Orientasi seni Buddha

Seni lukis dinding berkembang cukup baik di Jepang; pada abad ke-6, gambar bertema filsafat Buddha sangat populer. Pada saat itu, kuil-kuil besar sedang dibangun di negara tersebut, dan dindingnya di mana-mana dihiasi dengan lukisan dinding yang dilukis berdasarkan adegan-adegan dari mitos dan legenda Buddha. Contoh lukisan dinding kuno masih dilestarikan di Kuil Horyuji dekat kota Nara, Jepang. Mural Horyuji menggambarkan pemandangan dari kehidupan Buddha dan dewa lainnya. Gaya artistik mural ini sangat mirip dengan konsep gambar yang populer di Tiongkok pada masa Dinasti Song.

Gaya lukisan Dinasti Tang mendapatkan popularitas khusus di pertengahan periode Nara. Lukisan dinding yang ditemukan di makam Takamatsuzuka berasal dari sekitar abad ke-7 M dari periode ini. Teknik artistik, yang terbentuk di bawah pengaruh Dinasti Tang, kemudian menjadi dasarnya genre bergambar kara-eh. Genre ini mempertahankan popularitasnya hingga munculnya karya pertama dalam gaya Yamato-e. Sebagian besar lukisan dinding dan mahakarya lukisan adalah milik kuas penulis yang tidak dikenal, saat ini banyak karya dari masa itu disimpan di perbendaharaan Sesoin.

Tumbuhnya pengaruh aliran Buddha baru seperti Tendai mempengaruhi orientasi keagamaan yang lebih luas seni rupa Jepang pada abad ke-8 dan ke-9. Pada abad ke-10, ketika terjadi kemajuan khusus dalam agama Buddha Jepang, genre raigozu, “lukisan selamat datang”, muncul, yang menggambarkan kedatangan Buddha di Surga Barat. Contoh awal raigozu, yang berasal dari tahun 1053, dapat dilihat di Kuil Bedo-in, yang bertahan di kota Uji, Prefektur Kyoto.

Mengubah gaya

Pada pertengahan zaman Heian, gaya kara-e Tiongkok digantikan oleh genre Yamato-e yang sejak lama menjadi salah satu genre seni lukis Jepang yang paling populer dan dicari. Gaya gambar baru ini terutama digunakan dalam lukisan layar lipat dan pintu geser. Seiring waktu, yamato-e juga berpindah ke gulungan emakimono horizontal. Seniman yang berkarya dalam genre emaki berusaha menyampaikan dalam karyanya seluruh emosionalitas plot yang dipilih. Gulungan Genji Monogatari terdiri dari beberapa episode yang dirangkai, dengan seniman pada masa itu menggunakan sapuan kuas yang cepat dan warna-warna cerah dan ekspresif.

E-maki adalah salah satu contoh otoko-e tertua dan paling menonjol, sebuah genre representasi. potret laki-laki. Potret wanita disorot di genre terpisah onna-uh. Di antara genre-genre tersebut sebenarnya sama seperti antara pria dan wanita, terlihat perbedaan yang cukup signifikan. Gaya onna-e direpresentasikan dengan warna-warni dalam desain Hikayat Genji, dengan tema utama gambarnya adalah subjek romantis dan adegan dari kehidupan istana. Gaya otoko-e laki-laki pada dasarnya merupakan penggambaran artistik pertempuran sejarah dan lainnya peristiwa penting dalam kehidupan kekaisaran.

Sekolah seni klasik Jepang telah menjadi lahan subur bagi pengembangan dan promosi ide-ide seni rupa kontemporer di Jepang, di mana pengaruh budaya pop dan anime terlihat jelas. Salah satu seniman Jepang paling terkenal di zaman kita adalah Takashi Murakami, yang karyanya dikhususkan untuk menggambarkan pemandangan dari kehidupan Jepang. periode pasca perang dan konsep perpaduan maksimal antara seni rupa dan mainstream.

Dari artis terkenal Jepang sekolah klasik kita dapat menyebutkan nama berikut ini.

Xubun yang tegang

Syubun bekerja pada awal abad ke-15, mencurahkan banyak waktunya untuk mempelajari karya-karya master Tiongkok dari Dinasti Song; orang ini berdiri di awal mula genre visual Jepang. Shubun dianggap sebagai pendiri lukisan tinta monokrom gaya sumi-e. Dia melakukan banyak upaya untuk mempopulerkan genre baru ini, menjadikannya salah satu bidang seni lukis Jepang yang terkemuka. Murid Subun banyak seniman yang kemudian menjadi terkenal, termasuk Sesshu dan pendiri sekolah seni terkenal, Kano Masanobu. Banyak lanskap dikaitkan dengan Xubun, namun karyanya yang paling terkenal secara tradisional dianggap “Membaca di Hutan Bambu.”

Ogata Korin (1658-1716)

Ogata Korin adalah salah satunya artis-artis besar dalam sejarah seni lukis Jepang, pendiri dan salah satu perwakilan paling cerdas gaya artistik rimpa. Korine dengan berani menjauh dari stereotip tradisional dalam karyanya, membentuk stereotipnya sendiri gaya sendiri, ciri utamanya adalah bentuk kecil dan impresionisme cerah pada plotnya. Korin dikenal karena keahlian khususnya dalam menggambarkan alam dan bekerja dengan komposisi warna abstrak. "Bunga plum merah putih" adalah salah satu yang paling banyak karya terkenal Ogata Korina, lukisannya “Chrysanthemums”, “Waves of Matsushima” dan sejumlah lukisan lainnya juga dikenal.

Hasegawa Tohaku (1539-1610)

Tohaku adalah pendiri sekolah seni Hasegawa Jepang. Untuk periode awal Kreativitas Tohaku ditandai dengan pengaruh aliran seni lukis Jepang yang terkenal Kano, namun seiring berjalannya waktu sang artis membentuk gaya uniknya sendiri. Dalam banyak hal, karya Tohaku dipengaruhi oleh karya master terkenal Sesshu; Hosegawa bahkan menganggap dirinya sebagai penerus kelima dari master hebat ini. Lukisan Hasegawa Tohaku “Pines” telah mendapatkan ketenaran di seluruh dunia; karyanya “Maple”, “Pines dan Tanaman Berbunga” dan lainnya juga dikenal.

Kano Eitoku (1543-1590)

Gaya aliran Kano mendominasi seni visual Jepang selama sekitar empat abad, dan Kano Eitoku mungkin adalah salah satu perwakilan paling terkenal dan menonjol dari aliran seni ini. Eitoku disukai oleh pihak berwenang, perlindungan bangsawan dan pelindung kaya tidak bisa tidak berkontribusi pada penguatan sekolahnya dan popularitas karya-karyanya, tidak diragukan lagi sangat banyak. artis berbakat. Layar geser Cypress delapan panel, yang dilukis oleh Eitoku Kano, adalah mahakarya sejati dan contoh cemerlang dari ruang lingkup dan kekuatan gaya Monoyama. Karya-karya sang master lainnya, seperti “Burung dan Pohon Empat Musim”, “Singa Cina”, “Pertapa dan Peri” dan masih banyak lagi lainnya, terlihat tak kalah menarik.

Katsushika Hokusai (1760-1849)

hokusai – tuan terhebat genre ukiyo-e (ukiran kayu Jepang). Kreativitas Hokusai diterima pengakuan global, ketenarannya di negara lain tidak sebanding dengan kebanyakan seniman Asia, karyanya" Gelombang besar di Kanagawa" telah menjadi semacam kartu panggil bagi seni rupa Jepang di kancah seni dunia. Sendirian jalur kreatif Hokusai menggunakan lebih dari tiga puluh nama samaran; setelah enam puluh, sang seniman mengabdikan dirinya sepenuhnya pada seni, dan inilah saat yang dianggap paling banyak periode yang bermanfaat kreativitasnya. Karya-karya Hokusai mempengaruhi karya para master impresionisme Barat dan periode pasca-impresionis, termasuk karya Renoir, Monet, dan van Gogh.

Lukisan monokrom Jepang merupakan salah satu fenomena unik seni rupa Timur. Banyak penelitian dan penelitian telah dilakukan untuk hal ini, namun sering kali dianggap sebagai hal yang sangat konvensional, dan terkadang bahkan dekoratif. Ini tidak benar artis Jepang sangat kaya, dan dia tidak terlalu peduli pada komponen estetika, tetapi pada komponen spiritual.

Seni Timur merupakan sintesis eksternal dan internal, eksplisit dan implisit.

Pada postingan kali ini saya ingin memperhatikan bukan pada sejarah lukisan monokrom, melainkan esensinya. Inilah yang akan kita bicarakan.

layar "Pines" Hasegawa Tohaku, 1593

Apa yang kita lihat dalam lukisan monokrom adalah hasil interaksi seniman dengan tiga serangkai dasar: kertas, kuas, tinta. Oleh karena itu, untuk memahami karya tersebut dengan benar, Anda perlu memahami seniman itu sendiri dan sikapnya.

"Pemandangan" Sesshu, 1398 Kertas bagi seorang master Jepang itu tidak mudah materi improvisasi , yang dia tundukkan pada keinginannya, tetapi sebaliknya - ini adalah "saudara laki-laki", dan oleh karena itu sikap terhadapnya telah berkembang sesuai dengan itu. Kertas adalah bagian dari alam sekitar, yang selalu diperlakukan dengan hormat oleh orang Jepang dan berusaha untuk tidak ditundukkan, tetapi untuk hidup berdampingan secara damai dengannya. Kertas dahulunya adalah sebuah pohon yang berdiri di suatu daerah tertentu, waktu tertentu

, “melihat” sesuatu di sekelilingnya, dan dia menyimpan semuanya. Beginilah cara seniman Jepang memandang materinya. Seringkali, sebelum mulai bekerja, para master melihat selembar kertas kosong dalam waktu lama (merenungkannya) dan baru kemudian mulai melukis. Bahkan sekarang, seniman modern Jepang yang mempraktikkan teknik Nihon-ga (lukisan tradisional Jepang) dengan cermat memilih kertas. Mereka membelinya berdasarkan pesanan dari pabrik kertas. Setiap seniman memiliki ketebalan, permeabilitas kelembaban, dan tekstur tertentu (bahkan banyak seniman yang membuat perjanjian dengan pemilik pabrik untuk tidak menjual kertas ini kepada seniman lain) - oleh karena itu, setiap lukisan dianggap sebagai sesuatu yang unik dan hidup.

"Membaca di hutan bambu" Xubun, 1446 Berbicara tentang pentingnya materi ini, perlu disebutkan hal-hal berikut ini Sastra Jepang seperti “Notes at the Bedside” oleh Sei Shonagon dan “Genji Monogotari” oleh Murasaki Shikibu: baik dalam “Notes” maupun “Genji” Anda dapat menemukan plot ketika para bangsawan atau kekasih bertukar pesan. Kertas tempat pesan-pesan ini ditulis memiliki waktu, warna, dan cara penulisan teks yang sesuai dengan teksturnya.

"Murasaki Shikibu di Kuil Ishiyama" Kyosen

Sikat- komponen kedua merupakan kelanjutan dari tangan sang master (sekali lagi, ini bahan alami). Oleh karena itu, kuas juga dibuat sesuai pesanan, tetapi paling sering oleh senimannya sendiri. Dia memilih rambut dengan panjang yang dibutuhkan, memilih ukuran kuas dan pegangan yang paling nyaman. Sang master melukis hanya dengan kuasnya sendiri dan tidak dengan kuas lain. (Dari pengalaman pribadi: Saya berada di kelas master oleh seniman Tiongkok Jiang Shilun, penonton meminta untuk menunjukkan apa yang dapat dilakukan oleh siswanya yang hadir di kelas master, dan masing-masing dari mereka, mengambil kuas sang master, mengatakan bahwa hasilnya tidak seperti yang mereka harapkan, karena kuasnya bukan milik mereka, mereka tidak terbiasa dan tidak tahu cara menggunakannya dengan benar).

Sketsa tinta "Fuji" oleh Katsushika Hokusai

Maskara- elemen penting ketiga. Maskara tersedia dalam berbagai jenis: dapat memberikan efek glossy atau matte setelah dikeringkan, dapat dicampur dengan warna silver atau oker, sehingga pemilihan maskara yang tepat juga penting.

Yamamoto Baitsu, akhir abad 18 - 19.

Subyek utama lukisan monokrom adalah pemandangan alam. Mengapa tidak ada warna di dalamnya?

Layar berpasangan "Pines", Hasegawa Tohaku

Pertama, seniman Jepang tidak tertarik pada objek itu sendiri, tetapi pada esensinya, pada komponen tertentu yang umum bagi semua makhluk hidup dan mengarah pada keselarasan antara manusia dan alam. Oleh karena itu, gambaran selalu merupakan petunjuk; itu ditujukan kepada indra kita, dan bukan kepada penglihatan. Pernyataan yang meremehkan adalah stimulus untuk dialog, dan karena itu koneksi. Garis dan titik penting dalam sebuah gambar - mereka terbentuk bahasa artistik. Ini bukan kebebasan sang master, yang meninggalkan tanda tebal di tempat yang diinginkannya, tetapi di tempat lain, sebaliknya, di bawah gambar - segala sesuatu dalam gambar memiliki arti dan makna tersendiri, dan tidak acak.

Kedua, warna selalu membawa semacam itu pewarnaan emosional dan dianggap berbeda oleh orang yang berbeda di negara bagian yang berbeda, oleh karena itu netralitas emosional memungkinkan pemirsa untuk masuk ke dalam dialog dengan cara yang paling memadai, memposisikannya dalam persepsi, kontemplasi, dan pemikiran.

Ketiga, interaksi yin dan yang; setiap lukisan monokrom adalah harmonis dalam hal perbandingan tinta dengan area kertas yang tidak tersentuh.

Mengapa sebagian besar ruang kertas tidak terpakai?

"Lanskap" Xubun, pertengahan abad ke-15.

Pertama, ruang kosong membuat pemirsa tenggelam dalam gambar; kedua, gambaran itu tercipta seolah-olah melayang ke permukaan sejenak dan akan menghilang - ini terkait dengan pandangan dunia dan pandangan dunia; ketiga, di area di mana tidak ada tinta, tekstur dan warna kertas lebih menonjol (hal ini tidak selalu terlihat dalam reproduksi, tetapi kenyataannya selalu merupakan interaksi dua bahan - kertas dan tinta).

Sesshu, 1446

Mengapa lanskap?

"Perenungan Air Terjun" Gayami, 1478

Menurut pandangan dunia orang Jepang, alam lebih sempurna dari manusia, sehingga ia harus belajar darinya, melindunginya dengan segala cara, dan tidak merusak atau menundukkannya.

Oleh karena itu, di banyak lanskap Anda dapat melihat gambar-gambar kecil orang, tetapi gambar-gambar itu selalu tidak berarti, kecil dibandingkan dengan lanskap itu sendiri, atau gambar gubuk yang sesuai dengan ruang di sekitarnya dan bahkan tidak selalu terlihat - ini semua adalah simbol dari sebuah pandangan dunia.

"Musim: Musim Gugur dan Musim Dingin" Sesshu. "Pemandangan" Sesshu, 1481

Sebagai kesimpulan, saya ingin mengatakan bahwa lukisan monokrom Jepang bukanlah tinta yang berceceran sembarangan, ini bukan keinginan ego batin sang seniman - ini adalah keseluruhan sistem gambar dan simbol, ini adalah gudang pemikiran filosofis, dan yang paling penting, cara komunikasi dan harmonisasi diri sendiri dan dunia sekitar.

Di sinilah, menurut saya, adalah jawaban atas pertanyaan-pertanyaan pokok yang muncul pada diri penonton ketika dihadapkan pada lukisan monokrom Jepang. Saya harap mereka akan membantu Anda memahaminya dengan paling benar dan memahaminya saat Anda bertemu. Apakah kamu cinta lukisan Jepang ? Berapa banyak yang Anda ketahui tentang artis terkenal Jepang? Biarkan kami mempertimbangkannya bersama Anda di artikel ini artis terkenal

Jepang yang menciptakan karyanya dengan gaya ukiyo-e (浮世絵). Gaya lukisan ini berkembang dari zaman Edo. Hieroglif yang digunakan untuk menulis gaya ini 浮世絵 secara harfiah berarti “gambar (gambar) dari dunia yang sedang berubah”, Anda dapat membaca lebih lanjut tentang arah lukisan ini Hishikawa Moronobu (菱川師宣, 1618-1694). Ia dianggap sebagai pendiri genre ukiyo-e, meskipun sebenarnya ia hanyalah master pertama yang informasi biografi hidupnya telah dilestarikan. Moronobu dilahirkan dalam keluarga ahli dalam mewarnai kain dan menyulam dengan benang emas dan perak dan untuk waktu yang lama

Setelah pindah ke Edo, ia pertama kali mempelajari teknik melukis secara otodidak, kemudian studinya dilanjutkan oleh seniman Kambun.

Kami sampai kepada kami terutama dari album Moronobu, di mana dia menggambarkan sejarah dan mata pelajaran sastra dan buku dengan pola kimono. Sang master juga bekerja dalam genre shunga, dan di antara karya-karya individu beberapa yang menggambarkan wanita cantik masih bertahan.

(鳥居清長, 1752-1815). Diakui pada akhir abad ke-18, master Seki (Sekiguchi) Shinsuke (Ishibei) memiliki nama samaran Torii Kiyonaga, yang ia ambil setelah mewarisi sekolah ukiyo-e Torii dari Torii Kiyomitsu setelah kematiannya.

Kiyonaga lahir dalam keluarga penjual buku Shirakoya Ishibei. Genre bijinga memberinya ketenaran terbesar, meskipun ia memulai dengan yakusha-e. Subyek ukiran dalam genre bijinga diambil dari kehidupan sehari-hari: jalan-jalan, prosesi pesta, jalan-jalan ke alam. Di antara banyak karya seniman, serial “Kompetisi kecantikan modis dari lingkungan yang menyenangkan", menggambarkan Minami, salah satu "tempat menyenangkan" di selatan Edo, "12 potret keindahan selatan", "10 jenis kedai teh". Ciri khas Masternya adalah studi mendetail tentang tampilan latar belakang dan penggunaan teknik yang datang dari Barat untuk menggambarkan cahaya dan ruang.

Kiyonaga memperoleh ketenaran awal dengan dimulainya kembali seri “Fashion Samples: Models New as Spring Leaves” pada tahun 1782, yang dimulai oleh Koryusai pada tahun 1770-an untuk penerbit Nishimurai Yohachi.

(喜多川歌麿, 1753-1806). Master ukiyo-e yang luar biasa ini sangat dipengaruhi oleh Torii Kiyonaga dan penerbit Tsutaya Juzaburo. Sebagai hasil kolaborasi jangka panjang dengan yang terakhir, banyak album, buku dengan ilustrasi dan rangkaian ukiran diterbitkan.

Terlepas dari kenyataan bahwa Utamaro mengambil subjek dari kehidupan pengrajin sederhana dan berusaha menggambarkan alam (“Kitab Serangga”), ketenaran datang kepadanya sebagai seniman karya yang didedikasikan untuk geisha di kawasan Yoshiwara (“Buku Tahunan Rumah Hijau Yoshiwara ”).

Utamaro telah mencapai tingkat ekspresi yang tinggi keadaan pikiran di atas kertas. Untuk pertama kalinya dalam pemotongan kayu Jepang ia mulai menggunakan komposisi patung.

Karya Utamarolah yang mempengaruhi kaum impresionis Prancis dan berkontribusi terhadap minat Eropa terhadap cetakan Jepang.

(葛飾北斎, 1760-1849). Nama asli Hokusai adalah Tokitaro. Mungkin master ukiyo-e yang paling dikenal luas di seluruh dunia. Sepanjang karirnya dia menggunakan lebih dari tiga puluh nama samaran. Sejarawan sering menggunakan nama samaran untuk membuat periodisasi karyanya.

Pada awalnya, Hokusai bekerja sebagai pemahat, yang karyanya dibatasi oleh niat senimannya. Fakta ini sangat membebani Hokusai, dan dia mulai mencari dirinya sebagai seniman independen.

Pada tahun 1778, ia magang di studio Katsukawa Shunsho, yang mengkhususkan diri pada cetakan yakusha-e. Hokusai berbakat dan sangat berbakat murid yang rajin, yang selalu menunjukkan rasa hormat kepada gurunya, dan karena itu menikmati bantuan khusus dari Shunsho. Dengan demikian, karya independen pertama Hokusai bergenre yakusha-e dalam bentuk diptych dan triptych, dan popularitas siswa menyamai popularitas guru. Pada saat ini, tuan muda telah mengembangkan bakatnya sedemikian rupa sehingga dia merasa terkekang dalam satu sekolah, dan setelah kematian gurunya, Hokusai meninggalkan studio dan mempelajari arahan sekolah lain: Kano, Sotatsu (jika tidak Koetsu), Rimpa, Tosa.

Selama periode ini, artis tersebut mengalami kesulitan keuangan yang signifikan. Namun pada saat yang sama, terjadi pembentukannya sebagai seorang master yang meninggalkan citra biasa yang dituntut masyarakat dan mencari gayanya sendiri.

Pada tahun 1795, ilustrasi untuk antologi puisi “Keka Edo Murasaki” mulai bersinar. Kemudian Hokusai melukis lukisan surimono, yang segera mendapatkan popularitas, dan banyak seniman mulai menirunya.

Sejak periode ini, Tokitaro mulai menandatangani karyanya dengan nama Hokusai, meskipun beberapa karyanya diterbitkan dengan nama samaran Tatsumasa, Tokitaro, Kako, Sorobek.

Pada tahun 1800, sang master mulai menyebut dirinya Gakejin Hokusai, yang berarti “Hokusai Gila dalam Melukis”.

Rangkaian ilustrasi terkenal mencakup “36 pemandangan Gunung Fuji”, yang paling menonjol adalah “Victory Wind. Clear Day" atau "Red Fuji" dan "The Great Wave of Kanagawa", "100 Views of Mount Fuji", dirilis dalam tiga album, "Hokusai's Manga" (北斎漫画), yang disebut sebagai "ensiklopedia orang Jepang" Sang seniman memasukkan ke dalam “Manga” semua pandangannya tentang kreativitas dan filsafat. "Manga" adalah sumber yang paling penting untuk mempelajari kehidupan Jepang pada waktu itu, karena mencakup banyak aspek budaya. Sebanyak dua belas terbitan diterbitkan selama masa hidup sang artis, dan tiga terbitan lagi setelah kematiannya:

* 1815 - II, III

* 1817 - VI, VII

* 1849 - XIII (setelah kematian artis)

Seni Hokusai mempengaruhi gerakan Eropa seperti Art Nouveau dan Impresionisme Prancis.

(河鍋暁斎, 1831 -1889). Menggunakan nama samaran Seisei Kyosai, Shuransai, Baiga Dojin, dan belajar di sekolah Kano.

Berbeda dengan Hokusai, Kyosai cukup nakal sehingga menyebabkan keretakannya dengan artis Tsuboyama Tozan. Sepulang sekolah ia menjadi master mandiri, meskipun terkadang ia bersekolah selama lima tahun lagi. Saat itu ia melukis kyoga, yang disebut “lukisan gila”.

Di antara karya ukiran yang luar biasa adalah Seratus Lukisan Kyosai. Sebagai ilustrator, Kyosai menciptakan gambar untuk cerita pendek dan novel bekerja sama dengan seniman lain.

Pada akhir abad ke-19, orang Eropa sering mengunjungi Jepang. Sang seniman mengenal beberapa di antaranya, dan beberapa karyanya kini disimpan di British Museum.

(歌川広重, 1797-1858). Dia bekerja dengan nama samaran Ando Hiroshige (安藤広重) dan dikenal karena penggambaran motif alami dan halusnya. fenomena alam. Dia melukis lukisan pertamanya, “Gunung Fuji di Salju,” yang sekarang disimpan di Museum Suntory di Tokyo pada usia sepuluh tahun. Subyek karya awal didasarkan pada peristiwa nyata terjadi di jalanan. Siklusnya yang terkenal: “100 Pemandangan Edo”, “36 Pemandangan Gunung Fuji”, “53 Stasiun Tokaido”, “69 Stasiun Kimokaido”, “100 spesies yang diketahui Edo." Monet dan seniman Rusia Bilibin sangat dipengaruhi oleh “53 Stasiun Jalan Tokaido,” yang dilukis setelah melakukan perjalanan di sepanjang Jalan Pantai Timur, serta “100 Pemandangan Edo.” Dari seri 25 ukiran bergenre kate-ga, yang paling terkenal adalah lembaran “Burung pipit di atas bunga kamelia yang tertutup salju”.

(歌川国貞, juga dikenal sebagai Utagawa Toyokuni III (三代歌川豊国)). Salah satu seniman ukiyo-e paling terkemuka.

Dia memberikan perhatian khusus kepada aktor kabuki dan teater itu sendiri - ini adalah sekitar 60% dari seluruh karya. Juga dikenal karya bergenre bijinga dan potret pegulat sumo. Diketahui, ia membuat 20 hingga 25 ribu plot, termasuk 35-40 ribu lembar. Dia jarang beralih ke lanskap dan pejuang. Utagawa Kuniyoshi (歌川国芳, 1798 - 1861). Lahir dari keluarga pencelup sutra. Kuniyoshi mulai belajar menggambar pada usia sepuluh tahun saat tinggal bersama keluarga seniman Kuninao. Dia kemudian melanjutkan belajar dengan Katsukawa Shun'ei, dan pada usia 13 tahun dia memasuki bengkel Tokuyoni untuk belajar. Tahun-tahun pertama artis muda segalanya tidak berjalan dengan baik. Namun setelah menerima pesanan dari penerbit Kagaya Kichibei untuk lima cetakan untuk seri 108 Suikoden Heroes, segalanya mulai berjalan lancar. Dia menciptakan karakter lainnya dalam serial tersebut dan kemudian beralih ke karakter lain berbagai pekerjaan, dan lima belas tahun kemudian dia setara dengan Utagawa Hiroshige dan Utagawa Kunisada.

Setelah pelarangan gambar pada tahun 1842 adegan teater, aktor, geisha, dan pelacur, Kuniyoshi menulis serial “kucing”, membuat cetakan dari serial pendidikan untuk ibu rumah tangga dan anak-anak, menggambarkan pahlawan nasional dalam serial “Tradisi, Moral, dan Kesusilaan”, dan pada akhir tahun 1840-an - awal tahun 1850-an setelah melemahnya larangan tersebut, artis kembali ke tema kabuki.

(渓斎英泉, 1790-1848). Dikenal dengan karya-karyanya yang bergenre bijinga. Karya terbaiknya termasuk potret tipe okubi-e (“ kepala besar"), yang dianggap sebagai contoh pengerjaan era Bunsei (1818-1830), ketika genre ukiyo-e sedang mengalami kemunduran. Sang seniman melukis banyak surimono liris dan erotis, serta siklus lanskap, “Enam Puluh Sembilan Stasiun Kisokaido,” yang tidak dapat ia selesaikan dan diselesaikan oleh Hiroshige.

Kebaruan dalam penggambaran bijinga terletak pada sensualitas yang belum pernah terlihat pada seniman lain sebelumnya. Dari karya-karyanya kita bisa memahami fashion pada masa itu. Ia juga menerbitkan biografi Empat Puluh Tujuh Ronin dan menulis beberapa buku lainnya, termasuk The History of Ukiyo-e Prints (Ukiyo-e ruiko), yang berisi biografi seniman. Dan dalam “Notes of a Nameless Elder” dia menggambarkan dirinya sebagai seorang pemabuk bejat dan pemilik sebelumnya sebuah rumah bordil di Nedzu yang terbakar habis pada tahun 1830-an.

Suzuki Harunobu (鈴木春信, 1724-1770). Nama asli artis tersebut adalah Hozumi Jirobei. Dia adalah penemu pencetakan polikrom ukiyo-e. Dia bersekolah di Sekolah Kano dan belajar melukis. Kemudian, di bawah pengaruh Shigenaga Nishimura dan Torii Kiyomitsu, pencetakan balok kayu menjadi hobinya. Ukiran dalam dua atau tiga warna telah dibuat sejak awal abad ke-18, dan Harunobu mulai melukis dalam sepuluh warna, menggunakan tiga papan dan menggabungkan tiga warna - kuning, biru dan merah.

menonjol dalam gambar pemandangan jalanan dan lukisan dalam genre shunga. Dan sejak tahun 1760-an, ia menjadi salah satu orang pertama yang memerankan aktor teater Kabuki. Karya-karyanya mempengaruhi E. Manet dan E. Degas.

(小原古邨, 1877 - 1945). Nama aslinya adalah Matao Ohara. Menggambarkan adegan dari perang Rusia-Jepang dan Tiongkok-Jepang. Namun, setelah foto itu muncul, karyanya mulai laris manis, dan ia mulai mencari nafkah dengan mengajar di sekolah seni rupa di Tokyo. Pada tahun 1926, Ernest Felloza, kurator departemen seni Jepang di Museum Boston, membujuk Ohara untuk kembali melukis, dan sang seniman mulai menggambarkan burung dan bunga, dan karyanya laris manis di luar negeri.

(伊藤若冲, 1716 - 1800). Dia menonjol di antara seniman lain karena keeksentrikan dan gaya hidupnya, yang terdiri dari persahabatan dengan banyak budaya dan tokoh agama waktu itu. Ia menggambarkan binatang, bunga dan burung dalam bentuk yang sangat eksotis. Dia sangat terkenal dan menerima pesanan lukisan layar dan lukisan kuil.

(鳥居清信, 1664-1729). Salah satu perwakilan terpenting dari periode awal ukiyo-e. Terlepas dari pengaruh besar gurunya Hishikawa Monorobu, ia menjadi pendiri genre yakusha-e dalam penggambaran poster dan poster dan menciptakan gayanya sendiri. Para aktor digambarkan dalam pose khusus dalam peran tersebut pahlawan pemberani dan dicat
warna oranye yang mulia, dan para penjahat pun tertarik warna biru. Untuk menggambarkan gairah, sang seniman menciptakan jenis gambar mimizugaki khusus - ini adalah garis berliku dengan guratan tipis dan tebal bergantian dan dikombinasikan dengan gambar otot-otot anggota badan yang aneh.

Torii Kiyonobu adalah pendiri dinasti seniman Torii. Muridnya adalah Torii Kiyomasu, Torii Kiyoshige I, dan Torii Kiyomitsu.

Siapa artis ukiyo-e favoritmu?

Bahasa Jepang berbeda dari bahasa Eropa mana pun dalam strukturnya, yang dapat menyebabkan kesulitan tertentu dalam belajar. Namun, jangan khawatir! Khusus untuk Anda, Anda telah mengembangkan kursus “”, yang dapat Anda ikuti sekarang juga!

Yayoi Kusama sepertinya tidak akan bisa menjawab apa yang mendasari karirnya sebagai seniman. Dia berusia 87 tahun, karya seninya diakui di seluruh dunia. Sebentar lagi akan ada pameran besar karyanya di AS dan Jepang, tapi dia belum menceritakan semuanya kepada dunia. “Ini masih dalam perjalanan. Saya akan membuat ini di masa depan," kata Kusama. Dia disebut sebagai artis paling sukses di Jepang. Selain itu, dia adalah seniman termahal yang masih hidup: pada tahun 2014, lukisannya “Putih No. 28” terjual seharga $7,1 juta.

Kusama tinggal di Tokyo dan secara sukarela tinggal di rumah sakit jiwa selama hampir empat puluh tahun. Sekali sehari dia meninggalkan dindingnya untuk mengecat. Dia bangun pada jam tiga pagi, tidak bisa tidur dan ingin menghabiskan waktunya secara produktif di tempat kerja. “Saya sudah tua sekarang, tapi saya masih akan menciptakan lebih banyak karya dan karya yang lebih baik. Lebih dari yang pernah saya lakukan di masa lalu. Pikiran saya penuh dengan gambaran,” katanya.

(Jumlah 17 foto)

Yayoi Kusama pada pameran karyanya di London pada tahun 1985. Foto: NILS JORGENSEN/REX/Shutterstock

Dari pukul sembilan hingga enam, Kusama bekerja di studio tiga lantai miliknya dengan nyaman di kursi roda. Dia bisa berjalan, tapi terlalu lemah. Seorang wanita bekerja di atas kanvas yang diletakkan di atas meja atau ditempel di lantai. Studio ini penuh dengan lukisan-lukisan baru, karya-karya cerah yang dipenuhi bintik-bintik kecil. Sang seniman menyebutnya "membungkam diri sendiri" - pengulangan tanpa akhir yang meredam kebisingan di kepalanya.

Sebelum penghargaan seni Praemium Imperiale tahun 2006 di Tokyo. Foto: Sutton-Hibbert/REX/Shutterstock

Di seberang jalan akan segera dibuka galeri baru, dan museum seninya yang lain sedang dibangun di utara Tokyo. Selain itu, dua pameran besar karyanya sedang dibuka. “Yayoi Kusama: Infinity Mirrors,” sebuah retrospeksi dari 65 tahun karirnya, dibuka di Museum Hirshhorn di Washington pada tanggal 23 Februari dan berlangsung hingga 14 Mei, sebelum melakukan perjalanan ke Seattle, Los Angeles, Toronto dan Cleveland. Pameran ini mencakup 60 lukisan karya Kusama.

Polkadotnya menutupi segalanya mulai dari gaun Louis Vuitton hingga bus di kampung halamannya. Karya Kusama rutin terjual jutaan dolar dan dapat ditemukan di seluruh dunia, dari New York hingga Amsterdam. Pameran karya seniman Jepang begitu populer sehingga diperlukan tindakan untuk mencegah keramaian dan kerusuhan. Misalnya, di Hirshhorn, tiket pameran dijual untuk waktu tertentu untuk mengatur arus pengunjung.

Presentasi desain bersama Louis Vuitton dan Yayoi Kusama di New York pada tahun 2012. Foto: Agensi Billy Farrell/REX/Shutterstock

Namun Kusama masih membutuhkan persetujuan dari luar. Ketika ditanya dalam sebuah wawancara apakah dia telah mencapai tujuannya untuk menjadi kaya dan terkenal beberapa dekade yang lalu, dia berkata dengan terkejut: “Ketika saya masih kecil, saya mengalami kesulitan meyakinkan ibu saya bahwa saya ingin menjadi seorang seniman. Benarkah aku kaya dan terkenal?

Kusama lahir di Matsumoto, di pegunungan Jepang tengah, pada tahun 1929 dalam keluarga kaya dan konservatif yang menjual bibit. Tapi ternyata tidak selamat pulang. Ibunya membenci suaminya yang selingkuh dan mengirim Kusama kecil untuk memata-matainya. Gadis itu melihat ayahnya bersama wanita lain, dan ini memberinya keengganan seumur hidup terhadap seks.

Jendela butik Louis Vuitton dirancang oleh Kusama pada tahun 2012. Foto: Joe Schildhorn/BFA/REX/Shutterstock

Sebagai seorang anak, dia mulai mengalami halusinasi visual dan pendengaran. Pertama kali dia melihat labu itu, dia membayangkan labu itu sedang berbicara dengannya. Seniman masa depan mengatasi visi tersebut dengan menciptakan pola berulang untuk meredam pikiran di kepalanya. Bahkan dalam hal ini di usia muda seni menjadi semacam terapi baginya, yang kemudian ia sebut sebagai “pengobatan seni”.

Karya Yayoi Kusama dipamerkan di Museum Seni Kontemporer Whitney pada tahun 2012. Foto: Agensi Billy Farrell/REX/Shutterstock

Ibu Kusama sangat menentang keinginan putrinya untuk menjadi seniman dan bersikeras agar gadis itu mengikuti jalur tradisional. “Dia tidak mengizinkan saya menggambar. Dia ingin saya menikah,”kata artis itu dalam sebuah wawancara. - Dia membuang pekerjaanku. Saya ingin melemparkan diri saya ke bawah kereta. Setiap hari saya bertengkar dengan ibu saya, dan oleh karena itu pikiran saya menjadi rusak.”

Pada tahun 1948, setelah perang berakhir, Kusama pergi ke Kyoto untuk mempelajari lukisan nihonga tradisional Jepang dengan aturan yang ketat. Dia benci jenis seni ini.

Salah satu pameran dari pameran Yayoi Kusama di Whitney Museum of Contemporary Art tahun 2012. Foto: Agensi Billy Farrell/REX/Shutterstock

Ketika Kusama tinggal di Matsumoto, dia menemukan sebuah buku karya Georgia O'Keeffe dan kagum dengan lukisannya. Gadis itu pergi ke kedutaan Amerika di Tokyo untuk mencari artikel tentang O'Keefe di direktori sana dan mencari tahu alamatnya. Kusama menulis surat padanya dan mengiriminya beberapa gambar, dan yang mengejutkannya, artis Amerika jawabnya.

“Saya tidak percaya keberuntungan saya! Dia begitu baik sehingga dia menanggapi ledakan perasaan yang tiba-tiba dari orang yang rendah hati gadis Jepang, yang belum pernah dia temui seumur hidupnya atau bahkan pernah dia dengar,” tulis artis tersebut dalam otobiografinya “Infinity Net.”

Yayoi Kusama dalam etalase butik Louis Vuitton miliknya di New York pada tahun 2012. Foto: Nils Jorgensen/REX/Shutterstock

Terlepas dari peringatan O'Keeffe bahwa hidup sangat sulit bagi artis muda di Amerika Serikat, belum lagi gadis lajang di Jepang, Kusama tidak dapat dihentikan. Pada tahun 1957, ia berhasil mendapatkan paspor dan visa. Dia menjahit dolar ke dalam gaunnya untuk menghindari kontrol mata uang yang ketat pascaperang.

Perhentian pertama adalah Seattle, tempat dia mengadakan pameran di galeri kecil. Kemudian Kusama pergi ke New York, di mana dia merasa sangat kecewa. “Tidak seperti Matsumoto pascaperang, New York dalam segala hal adalah tempat yang jahat dan penuh kekerasan. Ternyata hal itu terlalu membuat saya stres, dan saya segera terperosok dalam neurosis.” Lebih buruk lagi, Kusama mendapati dirinya berada dalam kemiskinan total. Sebuah pintu tua berfungsi sebagai tempat tidurnya, dan dia mengambil kepala ikan dan sayuran busuk dari tong sampah untuk membuat sup.

Instalasi Infinity Mirror Room - Love Forever (“Kamar dengan cermin tanpa batas - cinta selamanya”). Foto: Tony Kyriacou/REX/Shutterstock

Situasi sulit ini mendorong Kusama untuk lebih membenamkan dirinya dalam pekerjaannya. Dia mulai membuat lukisan pertamanya dalam seri Infinity Net, menutupi kanvas besar (salah satunya setinggi 10 meter) dengan gelombang putaran kecil yang memukau yang sepertinya tidak pernah berakhir. Sang seniman sendiri mendeskripsikannya sebagai berikut: “Jaringan putih yang menyelimuti titik-titik hitam kematian yang sunyi dengan latar belakang kegelapan kehampaan yang tiada harapan.”

Pemasangan oleh Yayoi Kusama pada pembukaan gedung baru Garage Museum of Contemporary Art di Gorky Central Park of Culture and Culture di Moskow pada tahun 2015. Foto: David X Prutting/BFA.com/REX/Shutterstock

Pengulangan obsesif-kompulsif ini membantu mengusir neurosis, namun tidak selalu menyelamatkan. Kusama terus-menerus menderita serangan psikosis dan berakhir di rumah sakit di New York. Menjadi ambisius dan memiliki tujuan serta dengan senang hati menerima peran seorang gadis Asia eksotis dalam balutan kimono, dia bergabung dengan kerumunan orang-orang berpengaruh dalam seni dan berkomunikasi dengan seniman terkenal seperti Mark Rothko dan Andy Warhol. Kusama kemudian mengatakan bahwa Warhol meniru karyanya.

Kusama segera mendapatkan ketenaran dan dipamerkan di galeri yang ramai. Selain itu, ketenaran artis tersebut menjadi skandal.

Pada tahun 1960-an, ketika Kusama terobsesi dengan polkadot, ia mulai mementaskan kejadian di New York City, mendorong orang untuk telanjang di tempat-tempat seperti Central Park dan Jembatan Brooklyn dan mengecat tubuh mereka dengan polkadot.

Pra-pameran di Art Basel di Hong Kong pada tahun 2013. Foto: Billy Farrell/BFA/REX/Shutterstock

Beberapa dekade sebelum gerakan Occupy Wall Street, Kusama mengadakan aksi di distrik keuangan New York, menyatakan bahwa dia ingin "menghancurkan orang-orang Wall Street dengan bintik-bintik." Sekitar waktu ini, dia mulai menutupi berbagai benda - kursi, perahu, kereta dorong - dengan tonjolan yang tampak seperti lingga. “Saya mulai membuat penis untuk menyembuhkan perasaan tidak suka saya terhadap seks,” tulis sang seniman, menjelaskan caranya proses kreatif secara bertahap mengubah hal buruk menjadi sesuatu yang familiar.

Instalasi "Passing Winter" di Galeri Tate di London. Foto: James Gourley/REX/Shutterstock

Kusama tidak pernah menikah, meskipun dia menjalin hubungan seperti pernikahan dengan artis Joseph Cornell selama sepuluh tahun saat tinggal di New York. “Saya tidak suka seks, dan dia impoten, jadi kami sangat cocok satu sama lain,” katanya dalam sebuah wawancara dengan Art Magazine.

Kusama menjadi semakin terkenal karena kejenakaannya: dia menawarkan untuk tidur dengan Presiden AS Richard Nixon jika dia mau mengakhiri perang di Vietnam. “Mari kita hiasi satu sama lain dengan bintik-bintik,” tulisnya dalam surat. Ketertarikan pada seninya sendiri memudar, dia tidak lagi disukai, dan masalah keuangan dimulai lagi.

Yayoi Kusama semasa retrospektif karyanya di Whitney Museum of Modern Art di New York pada tahun 2012. Foto: Steve Eichner/Penske Media/REX/Shutterstock

Berita tentang petualangan Kusama sampai ke Jepang. Dia mulai disebut sebagai “bencana nasional”, dan ibunya berkata bahwa akan lebih baik jika putrinya meninggal karena penyakit tersebut di masa kanak-kanak. Pada awal tahun 1970-an, dalam keadaan miskin dan gagal, Kusama kembali ke Jepang. Dia mendaftar di rumah sakit jiwa, tempat dia masih tinggal, dan tenggelam dalam ketidakjelasan artistik.

Pada tahun 1989, Pusat Seni Kontemporer di New York mengadakan retrospektif atas karyanya. Ini adalah awal, meski lambat, kebangkitan minat terhadap seni Kusama. Dia mengisi ruangan cermin dengan labu untuk instalasi yang dipamerkan di Venice Biennale pada tahun 1993 dan mengadakan pameran besar di MoMa di New York pada tahun 1998. Di sinilah dia pernah mengadakan suatu kejadian.

Di pameran Jiwa Abadiku jiwa abadi")V Pusat Nasional seni di Tokyo, Februari 2017. Foto: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

Selama beberapa tahun terakhir, Yayoi Kusama menjadi fenomena internasional. Galeri masa kini Tate di London dan Museum Whitney di New York mengadakan retrospektif besar-besaran yang menarik banyak pengunjung, dan pola polkadotnya yang ikonik menjadi sangat mudah dikenali.

Pada pameran My Eternal Soul di National Art Center di Tokyo, Februari 2017. Foto: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

Artis tersebut tidak memiliki rencana untuk berhenti berkarya, namun mulai memikirkan tentang kematiannya. “Saya tidak tahu berapa lama saya bisa bertahan bahkan setelah kematian. Ada generasi masa depan yang mengikuti jejak saya. Merupakan suatu kehormatan bagi saya jika orang-orang senang melihat karya saya dan tergerak oleh karya seni saya.”

Pada pameran My Eternal Soul di National Art Center di Tokyo, Februari 2017. Foto: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

Terlepas dari komersialisasi karya seninya, Kusama berpikir tentang kuburan di Matsumoto - bukan di ruang bawah tanah keluarga, dia tetap mewarisinya dari orang tuanya - dan bagaimana agar tidak mengubahnya menjadi kuil. “Tapi aku belum sekarat. Saya pikir saya akan hidup 20 tahun lagi,” katanya.

Pada pameran My Eternal Soul di National Art Center di Tokyo, Februari 2017. Foto: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

Seni dan desain

2643

01.02.18 09:02

hari ini adegan seni Jepang sangat beragam dan provokatif: melihat karya para master dari Negara tersebut Matahari Terbit, Anda akan memutuskan bahwa Anda telah tiba di planet lain! Rumah bagi para inovator yang telah mengubah lanskap industri dalam skala global. Berikut daftar 10 seniman kontemporer Jepang beserta kreasinya, mulai dari makhluk luar biasa Takashi Murakami (yang merayakan ulang tahunnya hari ini) hingga alam semesta Kusama yang penuh warna.

Dari dunia futuristik hingga rasi bintang bertitik: seniman kontemporer Jepang

Takashi Murakami: tradisionalis dan klasik

Mari kita mulai dengan pahlawan acara ini! Takashi Murakami adalah salah satu seniman kontemporer paling ikonik di Jepang, yang mengerjakan lukisan, patung berskala besar, dan pakaian fesyen. Gaya Murakami dipengaruhi oleh manga dan anime. Dia adalah pendiri gerakan Superflat, mendukung tradisi seni Jepang dan budaya pasca perang negara. Murakami mempromosikan banyak rekan sezamannya, dan kita juga akan bertemu beberapa dari mereka hari ini. Karya “subkultural” Takashi Murakami dihadirkan di pasar seni fashion dan seni. My Lonesome Cowboy (1998) yang provokatif miliknya dijual di New York di Sotheby's pada tahun 2008 dengan rekor $15,2 juta. Murakami berkolaborasi dengan dunia merek terkenal Marc Jacobs, Louis Vuitton dan Issey Miyake.

Diam-diam Ashima dan alam semesta surealisnya

Sebagai anggota perusahaan produksi seni Kaikai Kiki dan gerakan Superflat (keduanya didirikan oleh Takashi Murakami), Chicho Ashima terkenal dengan pemandangan kota yang fantastis dan makhluk pop yang aneh. Sang seniman menciptakan mimpi nyata yang dihuni oleh setan, hantu, wanita cantik muda, yang digambarkan dengan latar belakang alam yang aneh. Karya-karyanya biasanya berskala besar dan dicetak di atas kertas, kulit, dan plastik. Pada tahun 2006, seniman kontemporer Jepang ini berpartisipasi dalam Art on the Underground di London. Dia menciptakan 17 lengkungan berturut-turut untuk platform tersebut - lanskap ajaib secara bertahap berubah dari siang ke malam hari, dari perkotaan ke pedesaan. Keajaiban ini berkembang di stasiun kereta bawah tanah Gloucester Road.

Chiharu Shima dan benang tak berujung

Seniman lainnya, Chiharu Shiota, mengerjakan instalasi visual berskala besar untuk landmark tertentu. Dia lahir di Osaka, tapi sekarang tinggal di Jerman - di Berlin. Tema sentral karyanya adalah pelupaan dan ingatan, mimpi dan kenyataan, masa lalu dan masa kini, serta konfrontasi kecemasan. Yang paling banyak karya terkenal Chiharu Shiota - jaringan benang hitam yang tidak dapat ditembus, menutupi banyak benda rumah tangga dan pribadi - seperti kursi tua, gaun pengantin, piano terbakar. Pada musim panas 2014, Shiota mengikat sepatu dan sepatu bot sumbangan (yang jumlahnya lebih dari 300) dengan untaian benang merah dan menggantungkannya pada pengait. Pameran Chiharu pertama di ibu kota Jerman berlangsung selama Berlin minggu seni pada tahun 2016 dan menimbulkan sensasi.

Hai Arakawa: di mana pun, di mana pun

Hei Arakawa terinspirasi oleh keadaan perubahan, periode ketidakstabilan, elemen risiko, dan instalasinya sering kali melambangkan tema persahabatan dan kerja tim. Kredo seniman kontemporer Jepang ditentukan oleh “di mana saja, tetapi tidak di mana pun” yang performatif dan tidak terbatas. Ciptaannya muncul di tempat yang tak terduga. Pada tahun 2013, karya Arakawa dipamerkan di Venice Biennale dan pameran seni kontemporer Jepang di Mori Museum of Art (Tokyo). Instalasi Hawaiian Presence (2014) merupakan kolaborasi dengan seniman New York Carissa Rodriguez dan diikutsertakan dalam Whitney Biennial. Juga pada tahun 2014, Arakawa dan saudaranya Tomu, tampil sebagai duo bernama United Brothers, menawarkan kepada pengunjung Frieze London “karya” mereka “The This Soup Taste Ambivalent” dengan sayuran akar daikon Fukushima yang “radioaktif”.

Koki Tanaka: Hubungan dan Pengulangan

Pada tahun 2015, Koki Tanaka diakui sebagai “Artist of the Year”. Tanaka mengeksplorasi pengalaman bersama dalam hal kreativitas dan imajinasi, mendorong pertukaran antar peserta proyek, dan mendukung aturan baru dalam kolaborasi. Pemasangannya di paviliun Jepang pada Venice Biennale 2013 terdiri dari video objek yang mengubah ruang menjadi platform pertukaran seni. Instalasi Koki Tanaka (jangan disamakan dengan aktor bernama lengkap) menggambarkan hubungan antara objek dan tindakan, misalnya video berisi rekaman gerak tubuh sederhana yang dilakukan dengan benda biasa (pisau memotong sayuran, bir dituangkan ke dalam gelas , membuka payung). Tidak ada hal penting yang terjadi, kecuali pengulangan dan perhatian yang obsesif hingga detail terkecil membuat pemirsa menghargai hal-hal duniawi.

Mariko Mori dan bentuk ramping

Seniman kontemporer Jepang lainnya, Mariko Mori, “menyulap” objek multimedia, menggabungkan video, foto, dan objek. Dia dicirikan oleh visi futuristik minimalis dan bentuk surealis yang ramping. Tema yang berulang dalam karya Mori adalah penjajaran legenda Barat dengan budaya Barat. Pada tahun 2010, Mariko mendirikan Fau Foundation, sebuah organisasi nirlaba budaya pendidikan, di mana ia menciptakan serangkaian instalasi seni untuk menghormati enam benua yang dihuni. Baru-baru ini, instalasi permanen Yayasan "Cincin: Menyatu dengan Alam" didirikan di atas air terjun yang indah di Resende dekat Rio de Janeiro.

Ryoji Ikeda: sintesis suara dan video

Ryoji Ikeda adalah seniman dan komposer media baru yang karyanya terutama berhubungan dengan suara dalam berbagai keadaan “mentah”, dari gelombang sinus hingga kebisingan menggunakan frekuensi di tepi pendengaran manusia. Instalasi imersifnya mencakup suara yang dihasilkan komputer yang secara visual diubah menjadi proyeksi video atau pola digital. Seni audiovisual Ikeda menggunakan skala, cahaya, bayangan, volume, suara elektronik, dan ritme. Fasilitas pengujian seniman terkenal itu terdiri dari lima proyektor yang menerangi area dengan panjang 28 meter dan lebar 8 meter. Pengaturan ini mengubah data (teks, suara, foto, dan film) menjadi kode batang dan pola biner satu dan nol.

Tatsuo Miyajima dan penghitung LED

Pematung dan seniman instalasi Jepang kontemporer Tatsuo Miyajima menggunakan sirkuit listrik, video, komputer, dan gadget lainnya dalam karya seninya. Konsep inti Miyajima terinspirasi oleh ide-ide humanistik dan ajaran Buddha. Penghitung LED dalam instalasinya berkedip terus menerus dalam pengulangan dari 1 hingga 9, melambangkan perjalanan dari kehidupan menuju kematian, namun menghindari finalitas yang diwakili oleh 0 (nol tidak pernah muncul dalam karya Tatsuo). Angka-angka yang ada di mana-mana dalam kisi-kisi, menara, dan diagram mengungkapkan ketertarikan Miyajima pada gagasan kesinambungan, keabadian, koneksi, dan aliran waktu dan ruang. Baru-baru ini, "Panah Waktu" karya Miyajima dipamerkan di pameran perdana "Pemikiran yang Belum Selesai Terlihat di New York."

Nara Yoshimoto dan anak-anak jahat

Nara Yoshimoto menciptakan lukisan, patung, dan gambar anak-anak dan anjing—subjek yang mencerminkan perasaan bosan dan frustrasi masa kanak-kanak serta kemandirian yang muncul secara alami pada balita. Estetika karya Yoshimoto mengingatkan pada ilustrasi buku tradisional, campuran ketegangan yang gelisah dan kecintaan seniman terhadap punk rock. Pada tahun 2011, Museum Masyarakat Asia di New York menjadi tuan rumah pameran tunggal pertama Yoshimoto, bertajuk “Yoshitomo Nara: Tidak Ada Orang Bodoh,” yang meliput karir seniman kontemporer Jepang selama 20 tahun. Pameran tersebut berkaitan erat dengan subkultur pemuda global dan keterasingan mereka dan protes.

Yayoi Kusama dan ruang angkasa tumbuh menjadi bentuk yang aneh

Biografi kreatif Yayoi Kusama yang menakjubkan berlangsung selama tujuh dekade. Selama ini, wanita Jepang yang luar biasa ini berhasil menekuni bidang seni lukis, grafis, kolase, patung, sinema, seni ukir, seni lingkungan, instalasi, serta sastra, fesyen, dan desain pakaian. Kusama mengembangkan gaya dot art yang sangat khas yang menjadi ciri khasnya. Penglihatan ilusi disajikan dalam karya Kusama yang berusia 88 tahun (ketika dunia tampak tertutupi oleh hamparan luas bentuk-bentuk yang aneh), merupakan akibat halusinasi yang dialaminya sejak kecil. Ruangan dengan titik-titik warna-warni dan cermin “tak terhingga” yang memantulkan kelompoknya dapat dikenali dan tidak dapat disamakan dengan ruangan lain.