Seni kontemporer: AS. Lukisan Amerika kontemporer - yang paling menarik di blog Lukisan karya seniman Amerika

Jika Anda mengira semua artis hebat ada di masa lalu, Anda tidak tahu betapa salahnya Anda. Dalam artikel ini Anda akan belajar tentang artis paling terkenal dan berbakat di zaman kita. Dan percayalah, karya-karya mereka akan membekas dalam ingatan Anda tak kalah mendalamnya dengan karya-karya para maestro di masa lalu.

Wojciech Babski

Wojciech Babski adalah seniman Polandia kontemporer. Dia menyelesaikan studinya di Institut Politeknik Silesia, tetapi mengasosiasikan dirinya dengan. Akhir-akhir ini dia kebanyakan melukis wanita. Berfokus pada ekspresi emosi, berusaha untuk mendapatkan efek sebesar mungkin dengan menggunakan cara sederhana.

Menyukai warna, namun sering menggunakan nuansa hitam dan abu-abu untuk mendapatkan kesan terbaik. Tidak takut bereksperimen dengan berbagai teknik baru. Belakangan ini, popularitasnya semakin meningkat di luar negeri, terutama di Inggris, di mana ia berhasil menjual karya-karyanya yang sudah banyak ditemukan di koleksi pribadi. Selain seni, ia tertarik pada kosmologi dan filsafat. Mendengarkan musik jazz. Saat ini tinggal dan bekerja di Katowice.

Warren Chang

Warren Chang adalah seniman kontemporer Amerika. Lahir pada tahun 1957 dan dibesarkan di Monterey, California, ia lulus dengan pujian dari Art Center College of Design di Pasadena pada tahun 1981, di mana ia menerima gelar BFA. Selama dua dekade berikutnya, ia bekerja sebagai ilustrator di berbagai perusahaan di California dan New York sebelum memulai karir sebagai seniman profesional pada tahun 2009.

Lukisan realistiknya dapat dibagi menjadi dua kategori utama: lukisan interior biografi dan lukisan orang di tempat kerja. Ketertarikannya pada gaya lukisan ini bermula dari karya seniman abad ke-16 Johannes Vermeer, dan meluas ke subjek, potret diri, potret anggota keluarga, teman, siswa, interior studio, ruang kelas, dan rumah. Tujuannya adalah untuk menciptakan mood dan emosi dalam lukisan realistiknya melalui manipulasi cahaya dan penggunaan warna-warna kalem.

Chang menjadi terkenal setelah beralih ke seni rupa tradisional. Selama 12 tahun terakhir, ia telah memperoleh berbagai penghargaan dan penghargaan, yang paling bergengsi adalah Master Signature dari Oil Painters of America, komunitas lukisan cat minyak terbesar di Amerika Serikat. Hanya satu dari 50 orang yang diberi kesempatan untuk menerima penghargaan ini. Warren saat ini tinggal di Monterey dan bekerja di studionya, dan dia juga mengajar (dikenal sebagai guru berbakat) di Akademi Seni San Francisco.

Aurelio Bruni

Aurelio Bruni adalah seorang seniman Italia. Lahir di Blair, 15 Oktober 1955. Ia menerima diploma dalam bidang skenografi dari Institut Seni di Spoleto. Sebagai seorang seniman, ia belajar secara otodidak, karena ia secara mandiri “membangun rumah ilmu” di atas fondasi yang diletakkan di sekolah. Dia mulai melukis dengan minyak pada usia 19 tahun. Saat ini tinggal dan bekerja di Umbria.

Lukisan-lukisan awal Bruni berakar pada surealisme, tetapi seiring berjalannya waktu ia mulai fokus pada kedekatan romantisme liris dan simbolisme, meningkatkan kombinasi ini dengan kecanggihan dan kemurnian karakternya yang luar biasa. Benda-benda hidup dan mati memperoleh martabat yang sama dan terlihat hampir hiper-realistis, tetapi pada saat yang sama mereka tidak bersembunyi di balik tirai, tetapi memungkinkan Anda melihat esensi jiwa Anda. Keserbagunaan dan kecanggihan, sensualitas dan kesepian, perhatian dan kesuburan adalah semangat Aurelio Bruni, yang dipupuk oleh kemegahan seni dan harmoni musik.

Alexander Balos

Alkasander Balos adalah seniman kontemporer Polandia yang berspesialisasi dalam lukisan cat minyak. Lahir pada tahun 1970 di Gliwice, Polandia, namun sejak tahun 1989 ia tinggal dan bekerja di Amerika Serikat, di Shasta, California.

Semasa kecil, ia belajar seni di bawah bimbingan ayahnya Jan, seorang seniman dan pematung otodidak, sehingga sejak usia dini, kegiatan berkesenian mendapat dukungan penuh dari kedua orang tuanya. Pada tahun 1989, pada usia delapan belas tahun, Balos meninggalkan Polandia menuju Amerika Serikat, di mana guru sekolahnya dan seniman paruh waktu Cathy Gaggliardi mendorong Alkasander untuk mendaftar di sekolah seni. Balos kemudian mendapat beasiswa penuh ke Universitas Milwaukee, Wisconsin, di mana dia belajar melukis dengan profesor filsafat Harry Rosin.

Setelah lulus pada tahun 1995 dengan gelar sarjana, Balos pindah ke Chicago untuk belajar di School of Fine Arts, yang metodenya didasarkan pada karya Jacques-Louis David. Realisme figuratif dan potret membentuk sebahagian besar karya Balos pada tahun 90an dan awal tahun 2000an. Saat ini, Balos menggunakan sosok manusia untuk menonjolkan ciri-ciri dan kekurangan keberadaan manusia, tanpa menawarkan solusi apapun.

Komposisi subjek lukisannya dimaksudkan untuk ditafsirkan secara mandiri oleh pemirsanya, baru kemudian lukisan tersebut memperoleh makna temporal dan subjektif yang sebenarnya. Pada tahun 2005, sang seniman pindah ke California Utara, sejak itu subjek karyanya berkembang secara signifikan dan kini mencakup metode melukis yang lebih bebas, termasuk abstraksi dan berbagai gaya multimedia yang membantu mengekspresikan ide dan cita-cita keberadaan melalui lukisan.

Biksu Alyssa

Alyssa Monks adalah seniman kontemporer Amerika. Lahir pada tahun 1977, di Ridgewood, New Jersey. Saya mulai tertarik melukis sejak saya masih kecil. Dia belajar di The New School di New York dan Montclair State University, dan lulus dari Boston College pada tahun 1999 dengan gelar sarjana. Pada saat yang sama, dia belajar melukis di Akademi Lorenzo de' Medici di Florence.

Kemudian melanjutkan studinya di program master di New York Academy of Art, di departemen Figurative Art, lulus pada tahun 2001. Dia lulus dari Fullerton College pada tahun 2006. Untuk beberapa waktu dia mengajar di universitas dan lembaga pendidikan di seluruh negeri, mengajar melukis di Akademi Seni New York, serta Universitas Negeri Montclair dan Lyme Academy of Art College.

“Dengan menggunakan filter seperti kaca, vinil, air dan uap, saya mendistorsi tubuh manusia. Filter ini memungkinkan Anda membuat area desain abstrak yang luas, dengan pulau-pulau warna yang mengintip melalui - bagian tubuh manusia.

Lukisan saya mengubah pandangan modern tentang pose dan gerak tubuh tradisional wanita yang sedang mandi. Mereka dapat menceritakan banyak hal kepada pemirsa yang penuh perhatian tentang hal-hal yang tampaknya sudah jelas seperti manfaat berenang, menari, dan sebagainya. Karakter saya menekan diri mereka sendiri ke kaca jendela kamar mandi, mendistorsi tubuh mereka sendiri, menyadari bahwa dengan demikian mereka mempengaruhi tatapan pria terkenal pada wanita telanjang. Lapisan cat tebal dicampur meniru kaca, uap, air, dan daging dari jauh. Namun, jika dilihat dari dekat, sifat fisik cat minyak yang menakjubkan menjadi terlihat. Dengan bereksperimen dengan lapisan cat dan warna, saya menemukan titik di mana sapuan kuas abstrak menjadi sesuatu yang lain.

Saat pertama kali melukis tubuh manusia, saya langsung terpesona bahkan terobsesi dan percaya bahwa saya harus membuat lukisan saya serealistis mungkin. Saya “mengakui” realisme hingga ia mulai terurai dan mengungkap kontradiksi-kontradiksi di dalamnya. Saya sekarang mengeksplorasi kemungkinan dan potensi gaya lukisan di mana lukisan representasional dan abstraksi bertemu – jika kedua gaya dapat hidup berdampingan pada saat yang sama, saya akan melakukannya.”

Antonio Finelli

Artis Italia – “ Pengamat Waktu” – Antonio Finelli lahir pada tanggal 23 Februari 1985. Saat ini tinggal dan bekerja di Italia antara Roma dan Campobasso. Karya-karyanya telah dipamerkan di beberapa galeri di Italia dan luar negeri: Roma, Florence, Novara, Genoa, Palermo, Istanbul, Ankara, New York, dan juga dapat ditemukan di koleksi pribadi dan publik.

Gambar pensil " Pengamat Waktu“Antonio Finelli membawa kita pada perjalanan abadi melalui dunia batin temporalitas manusia dan analisis cermat terkait dunia ini, yang elemen utamanya adalah perjalanan melalui waktu dan jejak yang ditinggalkannya di kulit.

Finelli melukis potret orang-orang dari segala usia, jenis kelamin, dan kebangsaan, yang ekspresi wajahnya menunjukkan perjalanan waktu, dan sang seniman juga berharap dapat menemukan bukti betapa kejamnya waktu pada tubuh karakternya. Antonio mendefinisikan karyanya dengan satu judul umum: “Potret Diri”, karena dalam gambar pensilnya ia tidak hanya menggambarkan seseorang, tetapi juga memungkinkan pemirsanya untuk merenungkan hasil nyata dari perjalanan waktu di dalam diri seseorang.

Flaminia Carloni

Flaminia Carloni adalah artis Italia berusia 37 tahun, putri seorang diplomat. Dia memiliki tiga anak. Dia tinggal di Roma selama dua belas tahun, dan selama tiga tahun di Inggris dan Prancis. Dia menerima gelar dalam sejarah seni dari BD School of Art. Kemudian dia menerima diploma sebagai pemulih seni. Sebelum menemukan panggilannya dan mengabdikan dirinya sepenuhnya pada seni lukis, ia bekerja sebagai jurnalis, pewarna, desainer, dan aktris.

Kecintaan Flaminia terhadap melukis muncul sejak masa kanak-kanak. Media utamanya adalah minyak karena dia suka “coiffer la pate” dan juga bermain-main dengan bahan tersebut. Ia mengenali teknik serupa pada karya seniman Pascal Torua. Flaminia terinspirasi oleh ahli seni lukis hebat seperti Balthus, Hopper, dan François Legrand, serta berbagai gerakan artistik: seni jalanan, realisme Tiongkok, surealisme, dan realisme Renaisans. Artis favoritnya adalah Caravaggio. Impiannya adalah menemukan kekuatan terapi seni.

Denis Chernov

Denis Chernov adalah seniman Ukraina berbakat, lahir pada tahun 1978 di Sambir, wilayah Lviv, Ukraina. Setelah lulus dari Sekolah Seni Kharkov pada tahun 1998, dia tetap di Kharkov, tempat dia tinggal dan bekerja saat ini. Ia juga belajar di Akademi Desain dan Seni Negeri Kharkov, Departemen Seni Grafis, lulus pada tahun 2004.

Ia rutin mengikuti pameran seni; hingga saat ini sudah ada lebih dari enam puluh pameran, baik di Ukraina maupun di luar negeri. Sebagian besar karya Denis Chernov disimpan dalam koleksi pribadi di Ukraina, Rusia, Italia, Inggris, Spanyol, Yunani, Prancis, Amerika Serikat, Kanada, dan Jepang. Beberapa karya dijual di Christie's.

Denis bekerja dalam berbagai teknik grafis dan melukis. Gambar pensil adalah salah satu metode melukis favoritnya; daftar tema dalam gambar pensilnya juga sangat beragam; ia melukis pemandangan alam, potret, gambar telanjang, komposisi genre, ilustrasi buku, rekonstruksi dan fantasi sastra dan sejarah.

"Buku memberi saya kepuasan pribadi dan kreatif yang luar biasa. Ketika saya sedang mengerjakan sebuah buku, saya berharap telepon tidak pernah berdering. Kepuasan saya datang dari memberi tanda di atas kertas."

Ilustrator buku anak-anak Amerika Pinkney Jerry lahir pada tanggal 22 Desember 1939 di Germantown. Di sekolah menengah, kecintaan dan bakatnya dalam menggambar diperhatikan oleh kartunis John Liney, yang mendorongnya untuk mengejar karir sebagai seniman. Setelah lulus dari Sekolah Kejuruan Dobbins, Pinkney mendapat beasiswa penuh untuk belajar di Philadelphia Museum College of Art. Dia kemudian pindah ke Boston di mana dia bekerja di bidang desain dan ilustrasi, akhirnya membuka studionya sendiri, Jerry Pinkney Studio, dan kemudian pindah ke New York. Pinkney Jerry masih tinggal dan bekerja di New York, selama bertahun-tahun karir kreatifnya ia telah mengadakan seminar di Universitas dan sekolah seni di seluruh negeri.

“Saya ingin menunjukkan apa yang bisa dilakukan seniman Afrika-Amerika di negara ini pada tingkat nasional dalam bidang seni visual. Saya ingin menjadi teladan yang kuat bagi keluarga saya dan bagi orang Afrika-Amerika lainnya.”

Asli diambil dari vanatik05 dalam LUKISAN AMERIKA – 5 (Tradisi realistis di abad ke-20)

Pada tahun 1913, Asosiasi Pelukis dan Pematung Amerika menyelenggarakan pameran seni modern internasional besar pertama, Armory Show, di gudang senjata Garda Nasional di Lexington Avenue. Ini menjadi peristiwa penting dalam sejarah seni Amerika, menimbulkan emosi yang berbeda: kejutan, kekaguman, kemarahan, pemujaan dan penolakan total di kalangan publik Amerika, yang terbiasa dengan realisme, sampai batas tertentu pada impresionisme, tetapi tidak pada seni avant-garde Eropa. yang dilihatnya di pameran ini. 1.300 lukisan, patung dan karya dekoratif oleh lebih dari 300 seniman kontemporer Eropa dan Amerika mengunjungi tidak hanya New York, tetapi juga Chicago dan Washington.

Ulasan pameran tersebut memuat tuduhan amoralitas, tidak profesionalisme, kegilaan, perdukunan, banyak karya yang disebut karikatur dan parodi lukisan, dan Theodore Roosevelt berkata: “Ini sama sekali bukan seni!”

Namun otoritas sipil tidak ikut campur atau berusaha menutup pameran tersebut, dan skandal seputar pameran tersebut hanya berkontribusi pada keberhasilan penjualan banyak karya yang dapat dilihat saat ini di museum-museum Amerika, dan MoMA (The Museum of Modern Art) dapat umumnya dianggap sebagai pewaris dan penerus pameran seni rupa kontemporer pertama itu.

Hal ini secara tidak langsung mempengaruhi para seniman gerakan realistik, dan tradisi realistik tidak pernah mati di Amerika; hal ini tidak hanya berkontribusi pada perubahan teknik dan tema menggambar, tetapi bahkan melahirkan tren baru dalam seni lukis seperti “realisme magis”*

Dan cabangnya adalah “presisionisme”**, yang merupakan ciri khas seniman Amerika,

Dan gerakan seni “regionalisme”*** (atau regionalisme) lahir di Amerika.

Kita akan berbicara tentang seniman, perwakilan dari berbagai gerakan seni realistik di Amerika pada abad ke-20.

Charles Burchfield(1893-1967), salah satu ahli cat air paling terkemuka di Amerika, yang melukis lukisannya di atas kuda-kuda menggunakan teknik kuas kering, pada awal (pada tahun 1915) mengembangkan gaya neorealisnya sendiri, menggabungkan tren modernis, lukisan tradisional Tiongkok, dan unsur Fauvisme .

Sepanjang kehidupan kreatifnya, ia mengubah arah dan teknik, melukis pemandangan dan lukisan tentang subjek sejarah, pemandangan yang diamati dari jendela rumahnya, dan bunga, “halusinasi”, dalam semangat realisme magis, pemandangan alam dan kekuatan ilahi.

Untuk menghormatinya, pada tahun 1966, Pusat Alam dan Seni didirikan di Buffalo, yang disebut Pusat Seni Birchfield Penny, yang juga mencakup koleksi karya seniman terbesar di dunia.

Reginald Marsh(1898-1954), lahir di Paris, dari keluarga seniman kaya, adalah murid D. Sloan, yang dikenal terutama sebagai pelukis dan ilustrator pemandangan perkotaan, kehidupan jalanan, dan pantai-pantai di New York.

Lukisan-lukisannya dibedakan oleh kepedulian dokumenter, dijiwai dengan kecintaan yang ironis terhadap karakter, ia banyak melukis untuk olok-olok dan vaudeville, menganggapnya sebagai “teater rakyat jelata, mengekspresikan humor dan fantasi orang miskin, tua dan jelek.”

Dia bekerja di bidang minyak dan tinta, cat air, tempera telur, dan memulai kehidupan kreatifnya dengan litografi. Gayanya dapat dikategorikan sebagai “realisme sosial,” terutama terlihat pada masa Depresi Besar, dan pengabdiannya kepada para empu tua, yang karyanya ia puja, mengarah pada penciptaan karya yang mengandung metafora keagamaan.

Sesaat sebelum kematiannya akibat serangan jantung, Marsh menerima Medali Emas Seni Grafis dari American Academy of Arts.

Porter Fairfield(1907-1975) dilahirkan dalam keluarga seorang arsitek dan penyair, belajar di Harvard dan Liga Mahasiswa Amerika, menganut arah realistis sepanjang hidupnya, terutama melukis pemandangan dan potret keluarga dan teman, mencoba mengungkap keanehan dalam kehidupan biasa dan menjadikannya lebih indah.

Karyanya menunjukkan pengaruh ayah arsiteknya, karya Velázquez, dan kemudian seniman Bonnard dan Vuillard; ia percaya bahwa “impresionisme mampu menciptakan kembali kehadiran realitas secara bergambar.”

Mungkin kurangnya guru lukisan cat minyak yang baik, sikap waspada terhadap sensualitas dan naturalisme yang melekat pada banyak orang Amerika pada tahun-tahun itu, membantu menjelaskan sifat agak primitif dari karya Porter, kecanggungan, kekakuan figur-figurnya, dan sifat statisnya.

Dan baru pada karya-karyanya selanjutnya ia mulai melintasi batas antara impresionisme dan fauvisme, gambarnya menjadi lebih bebas, warnanya lebih cerah, dan karyanya lebih terang.

Edward Hopper(1882-1967) lahir di Nyack, pusat pembangunan kapal pesiar di Sungai Hudson, dari keluarga kaya keturunan Belanda. Bakat seni Hopper terwujud pada usia 5 tahun; orang tuanya menanamkan dalam dirinya kecintaan pada seni Prancis dan Rusia dan mendorong hasratnya terhadap seni lukis dan beragam minat.

Hopper bekerja dengan pena dan tinta, arang, cat air, minyak dan litografi, melukis potret dan pemandangan laut, kartun politik, dan gambar dari kehidupan. Dalam karya Hopper kita dapat melihat pengaruh Robert Henry, salah satu gurunya, serta Manet dan Degas,

William Chase dan Rembrandt, terutama "Night Watch" -nya, dan ketika tinggal di Paris, melukis pemandangan di jalanan, di kafe dan teater, ia tetap berada dalam tradisi seni realistik, meskipun beberapa peneliti mengaitkan karyanya dengan presisi karena kejelasannya. , garis-garis jelas ciri-ciri karyanya. bentuk geometris, mekanik, sterilitas dan kekosongan ruang.

Ia mengatakan bahwa “hal favoritnya dalam melukis adalah sinar matahari pada dinding rumah.” Selama Depresi Hebat, Hopper memiliki keberuntungan yang lebih baik daripada banyak seniman lainnya - ia terus mengadakan pameran setiap tahun dan menjual dengan baik sepanjang sisa hidupnya.

Karyanya sangat mempengaruhi tidak hanya seni visual, tetapi juga sinema dengan komposisi sinematik dan penggunaan terang dan gelap yang dramatis.

Paul Kadmus(1904-1999), perwakilan gerakan “realisme magis”, menggabungkan unsur erotisme dan kritik sosial dalam karyanya,

memperoleh ketenaran yang memalukan berkat motif homoseksual yang terang-terangan dalam lukisannya dan penggambaran sosok laki-laki telanjang.

Ia dilahirkan dalam keluarga seniman yang miskin, ayahnya mendorong anak laki-laki itu untuk mulai menggambar, dan pada usia 14 tahun ia mendaftar di kursus di Akademi Desain Nasional, dan kemudian di Akademi. Ia sering bepergian bersama teman-temannya, melukis kanvas besar yang mencerminkan kesannya terhadap Eropa, melukis gambar multi-figur dari kehidupan nelayan, pelaut, pemandangan kehidupan kota,

Dan setelah bertemu dengan impresario dan baletomane Kirsten, Cadmus mulai banyak menghasilkan karya bertema balet, kebanyakan menggambarkan penari.

Paul Cadmus berumur panjang dan meninggal pada usia 95 tahun di pelukan temannya dan model tetap, yang berada di sisinya selama 35 tahun terakhir hidupnya. Cadmus suka mengulangi kata-kata Ingres: “Orang bilang lukisan saya tidak cocok untuk saat ini. Mungkin mereka salah, dan saya satu-satunya yang mengikuti perkembangan zaman.”

Ivan (Ivan) Baiklah(1897-1983), salah satu perwakilan realisme magis yang paling terkenal, lahir bersama saudara kembarnya dalam keluarga seniman.

Saudara-saudara tidak dapat dipisahkan hampir sepanjang hidup mereka, keduanya belajar di Institut Seni Chicago, saudara laki-laki Malvin menjadi pematung, dan Ivan menjadi pelukis, tetapi memulai sebagai arsitek, dan selama Perang Dunia Pertama ia membuat gambar medis untuk sebuah rumah sakit. di Nantes. Dia selalu sangat menuntut dalam karyanya, dengan hati-hati menuliskan semua detailnya dan mengabdikan banyak karyanya pada topik-topik kompleks seperti kehidupan dan kematian, materialitas dan roh, dampak waktu pada penampilan dan dunia batin seseorang.

Pekerjaan seperti itu membutuhkan banyak waktu dan oleh karena itu penjualan jarang terjadi; banyak lukisan yang masih menjadi miliknya. Albright membuat cat dan batu bara sendiri dan terobsesi dengan pencahayaan sampai-sampai dia mengenakan pakaian hitam dan mengecat studionya dengan warna hitam untuk mencegah silau.

Dia melukis dengan cara yang realistis namun sangat detail, dia suka mengamati perjalanan waktu dan melukis lebih dari 20 potret diri dalam 3 tahun terakhir hidupnya sendirian untuk mencerminkan perubahan yang terjadi dalam diri seseorang.

George Claire Tooker Jr (1920-2011), yang karya-karyanya mewakili arah realisme sosialis dan realisme magis, dilahirkan dalam keluarga dengan akar Inggris-Prancis-Spanyol-Kuba dan Amerika, atas desakan orang tuanya ia belajar sastra Inggris di Harvard, tetapi mencurahkan sebagian besar waktunya untuk melukis.

Setelah bertugas di Korps Marinir, dan diberhentikan karena kesehatan yang buruk, ia mengikuti kursus di Liga Mahasiswa Seni, banyak bekerja di tempera telur, dan mengagumi seni Renaisans Italia.

Lukisan Tooker menggambarkan pemandangan kehidupan sehari-hari orang Amerika, sosok manusia di dalamnya seringkali tidak memiliki identitas ras atau seksual tertentu, mengekspresikan kesepian, isolasi dan anonimitas.

Dia menaruh banyak perhatian pada ketaatan pada proporsi geometris dan simetri, karena itu dia melukis dengan sangat lambat - tidak lebih dari dua lukisan setahun. Sejak pameran besar pertamanya pada tahun 1951, Tooker telah mengadakan pameran secara terus menerus dan sukses, dan karyanya ada di museum-museum besar di Amerika.

Peter Blume(Peter Bloom) - (1906-1992), seniman dan pematung, yang karyanya mengandung unsur presisiisme, purisme, kubisme, surealisme, dan kesenian rakyat. Ia dilahirkan di Rusia dalam keluarga Yahudi yang beremigrasi ke Amerika pada tahun 1912 dan menetap di Brooklyn.

Setelah belajar seni di berbagai lembaga pendidikan, ia membuka studionya sendiri di bawah naungan keluarga Rockefeller. Seperti banyak orang realis sezamannya, dia adalah penggemar Renaisans, berkeliling Italia, lukisan pertamanya, yang mendapat pengakuan pada tahun 1934, adalah “Kota Abadi,” di mana orang dapat melihat gambaran Mussolini, seperti jack- di dalam kotak, muncul dari Colosseum.

Karya-karyanya yang seringkali menggambarkan kehancuran, namun tetap dapat dimaknai sebagai simbol rekonstruksi dan pembaruan pasca Perang Dunia Kedua, terbukti dengan adanya batu, balok baru, dan sosok pekerja.

Gaya artistik Blume merupakan perpaduan yang menarik dari berbagai gerakan artistik seni Amerika dan Eropa, dan dia disebut sebagai "seniman dongeng".

Andrew Newell Wyeth(1917-2009), perwakilan dari gaya realisme yang didominasi kedaerahan, lahir dalam keluarga ilustrator yang memperhatikan pengembangan bakat kelima anaknya, membiasakan mereka dengan sastra, musik, dan studi alam yang baik. . Sang ayah sendiri mengajar anak-anaknya di rumah, dan mereka semua berbakat: seniman, musisi, komposer, penemu.

Rumah mereka adalah tempat kreatif yang sering dikunjungi selebriti seperti Scott Fitzgerald dan Mary Pickford. Anehnya, Wyeth sendiri menganggap dirinya seorang abstraksionis dan sangat mementingkan kesadaran akan makna mendalam pada objek-objek sederhana; tema favoritnya dalam lukisannya adalah bumi dan orang-orang di sekitarnya.

Lukisannya yang paling terkenal, Christina's World, menggambarkan seorang gadis dari pertanian terdekat, yang cacat karena polio, merangkak sendirian menuju sebuah rumah di kejauhan.

Helga Testorf mendedikasikan 247 lukisan dan gambar untuk seorang wanita; dia mempelajarinya dalam berbagai latar dan keadaan emosional, yang merupakan pengalaman unik dalam seni Amerika.

Meskipun Wyeth menghasilkan banyak karya yang secara teknis sangat bagus dan memiliki banyak pengikut, karya seninya dianggap kontroversial, dengan kritikus seni Rosenblum menggambarkannya sebagai seniman "yang paling dilebih-lebihkan dan diremehkan".

Hibah Kayu(1891-1942), salah satu perwakilan regionalisme yang paling terkenal, lahir di Iowa, kehilangan ayahnya sejak dini, bekerja di toko perangkat keras, belajar di sekolah seni, dan kemudian di Institut Seni Chicago.

Young Grant melakukan perjalanan ke Eropa sebanyak 4 kali untuk mempelajari gaya melukis, memberikan perhatian khusus pada impresionisme dan post-impresionisme, namun ia mengagumi karya Van Eyck dan bermimpi menggabungkan metode modern dan kejelasan, presisi, dan kedalaman seni abad pertengahan dalam karyanya. .

Bukan tanpa alasan lukisannya yang paling terkenal disebut “American Gothic”; lukisan itu mencerminkan pandangan tradisional abad ke-19 tentang peran pria dan wanita di Amerika; lukisan itu diterima secara ambigu, beberapa menganggapnya sebagai karikatur, dan surat kabar memparodikannya dengan cara yang berbeda.

Kemudian, saat mengajar seni di Universitas Iowa, Wood menjadi tokoh kunci dalam komunitas budaya universitas, namun karena rumor perselingkuhan homoseksual dengan sekretaris pribadinya, Wood dipecat dan segera meninggal karena kanker pankreas.

Thomas Hart (Hart) Benton(1889-1975) dilahirkan dalam keluarga politisi, ayahnya, seorang kolonel, pengacara dan dermawan, terpilih menjadi anggota Kongres sebanyak empat kali. Sang ayah ingin putranya mengikuti jejaknya, tetapi anak laki-laki itu tertarik pada seni, ibunya mendukung pilihannya, dan dia masuk ke Institut Seni Chicago, dan kemudian pergi ke Paris untuk melanjutkan studinya di Akademi Julian.

Kembali ke Amerika dan terus melukis, ia bertugas di Angkatan Laut AS selama Perang Dunia I, mengerjakan gambar kamuflase kapal dan galangan kapal, yang memerlukan penggambaran dokumenter yang realistis dan kemudian memengaruhi gayanya. Pada awal tahun 1920-an, Benton menyatakan dirinya sebagai “musuh modernisme”, menjadi salah satu perwakilan utama regionalisme dan menganut pandangan “kiri”.

Ia menjadi tertarik dengan El Greco, pengaruh karyanya terlihat pada karya lukisan dinding besar yang menggambarkan berbagai tahapan dan peristiwa dalam kehidupan negara.

Benton mengajar di Liga Mahasiswa Seni di New York, di mana banyak muridnya menjadi seniman terkenal (Hopper, Pollack, Marsh), namun dipecat karena membuat pernyataan kecaman tentang pengaruh homoseksual yang tidak semestinya di dunia seni. Setelah Perang Dunia II, regionalisme sebagai sebuah gerakan kehilangan relevansinya, Benton terus melukis mural,

bekerja secara aktif selama sekitar 30 tahun lagi, tetapi tidak lagi memiliki popularitas seperti sebelumnya.

John Stewart Carrie(1897-1946) lahir di sebuah peternakan di Kansas, merawat hewan, menyukai atletik, dan sejak kecil dikelilingi oleh reproduksi lukisan karya Rubens dan Doré, yang berperan dalam pilihan gaya artistik selanjutnya.

John belajar di Institut Seni Chicago, bekerja sebagai ilustrator majalah, dan menghabiskan satu tahun di Paris mempelajari karya Courbet, Daumier, Titian dan Rubens. Kembali ke Amerika Serikat, ia bekerja di studionya selama beberapa waktu, bepergian dengan sirkus, diangkat sebagai seniman pertama di Universitas Wisconsin-Madison, dan berkeliling negeri untuk mempromosikan perkembangan seni di komunitas pertanian.

Dia telah melukis mural untuk Departemen Kehakiman di Washington dan Capitol di Kansas. Carrie adalah salah satu dari tiga pilar regionalisme Amerika (Benton dan Wood), yang sangat relevan selama Depresi Hebat.

Dia menggambarkan adegan pekerjaan, keluarga dan tanah, dan menghadapi bencana alam untuk menunjukkan kepada dunia ketekunan, kerja keras dan keyakinan orang-orang, yang diyakini Carrie sebagai esensi kehidupan Amerika.

Sejujurnya, saya tidak terlalu terinspirasi oleh seniman realis pada umumnya; saya hanya tertarik pada karya beberapa perwakilan realisme magis (Cadmus, Blume, Hopper), tetapi secara umum periode seni Amerika ini tidak dekat dengan saya. , apa yang bisa saya lakukan.
Bagian selanjutnya dan terakhir akan dikhususkan untuk seni kontemporer Amerika. Akhir ceritanya menyusul...
Seperti biasa, tayangan slide dengan lebih banyak gambar dan musik yang bagus:

* Realisme ajaib- Sebagai gerakan artistik, realisme magis berkembang di tanah Amerika, setara dengan surealisme Eropa. Dalam banyak hal, memenuhi selera dan kebutuhan penonton Amerika, karya-karya para ahli realisme magis bersifat mengejutkan, mengejutkan dalam kejujurannya, sekaligus menggabungkannya dengan sifat anekdot dari situasi dan karikatur karakter realitas; lebih seperti mimpi gelisah atau delirium halusinasi.
**Presisiisme, atau preciginisme (presisi bahasa Inggris - akurasi, kejelasan) - karakteristik arah lukisan Amerika tahun 30-an, sejenis realisme magis. Subyek utama bagi para presisiis adalah citra kota. Tema utamanya adalah estetika mekanistik, ruang lukisannya steril, serasa udara dipompa keluar, tidak ada orang di dalamnya.
***Regionalisme atau regionalisme (dari bahasa Inggris regional - lokal) - sebuah gerakan artistik dalam seni rupa Amerika Serikat tahun 1920-1940, yang didasarkan pada keinginan untuk menciptakan seni Amerika yang sesungguhnya sebagai lawan dari gerakan avant-garde yang datang dari Eropa. Terinspirasi oleh gagasan identitas nasional, seniman regionalis berfokus pada penggambaran Amerika yang “asli”. Tema karya mereka antara lain lanskap Amerika, pemandangan kehidupan petani, kehidupan kota kecil, episode sejarah, legenda lokal, dan cerita rakyat.

Detail Kategori: Seni rupa dan arsitektur abad ke-19 Diterbitkan 08/08/2017 11:47 Dilihat: 1925

Pada tahun 1776 Amerika mendeklarasikan kemerdekaannya, dan sejak saat itu sebenarnya dimulailah perkembangan seni rupa nasional yang dirancang untuk mencerminkan sejarah negara tersebut.

Seniman abad ke-18 Sebagian besar bersifat otodidak dan didasarkan pada gaya seni Inggris.
Dan pada abad ke-19. Sekolah seni lukis pertama telah didirikan - Sekolah Sungai Hudson.

Sekolah Sungai Hudson

Sekolah Sungai Hudson adalah nama sekelompok pelukis lanskap Amerika. Karya mereka berkembang dalam gaya romantisme. Lukisan-lukisan itu menggambarkan Lembah Sungai Hudson dan sekitarnya. Seniman paling sering menggambarkan satwa liar Amerika dan mempertanyakan kelayakan kemajuan teknologi.

Thomas Cole "Busur Sapi" (1836). Museum Seni Metropolitan (New York)
Aliran Sungai Hudson bukanlah fenomena yang homogen dalam seni lukis pada masa itu: misalnya ada cabang gaya impresionisme yang disebut luminisme. Luminisme menaruh perhatian besar pada persepsi seniman tentang cahaya. Luminisme berbeda dari impresionisme karena di sini lebih banyak perhatian diberikan pada detail dan sapuan kuas yang tersembunyi dibuat. Namun secara umum kedua gaya ini serupa.

Fitz Henry Lane "Kapal dalam Kabut" (1860)
Pendiri Sekolah adalah seniman Thomas Cole. Dia berangkat di Sungai Hudson pada musim gugur tahun 1825. Dia kemudian bergabung dengan teman dekatnya Asher Brown Durant. Artis Sekolah lainnya:

Albert Bierstadt
John William Casilier
Gereja Frederic Edwin
Thomas Cole
Samuel Coleman
Jasper Francis Cropsey
Thomas Doty
Robert Scott Duncanson
Sanford Robinson Gifford
James McDougal Hart
William Hart
William Stanley Haseltine
Martin Johnson Hedy dkk.

Lukisan-lukisan seniman Sekolah Hudson bercirikan kesederhanaan dan spontanitas.

Thomas Cole (1801-1848)

Thomas Cole lahir di Inggris. Pada tahun 1818, keluarganya beremigrasi ke Amerika Serikat. Cole mempelajari dasar-dasar profesinya dari seniman potret keliling Stein. Namun potretnya tidak berhasil, dan dia mulai melukis pemandangan. Ia juga sukses dalam lukisan alegoris, misalnya seri “Journey of Life” yang terdiri dari lukisan tentang empat periode kehidupan seseorang: masa kanak-kanak, masa muda, kedewasaan, dan usia tua. Siklus ini disimpan di Galeri Seni Nasional (Washington, AS)

T. Cole "Masa Kecil"
Pada lukisan pertama, sang seniman menggambarkan seorang anak kecil di dalam perahu yang mengapung di sepanjang sungai kehidupan. Perahu ini dikemudikan oleh bidadari, karena... Anak belum mampu mandiri. Wawasannya, seperti dalam lukisan, terbatas. Sosok di haluan perahu memegang jam pasir yang melambangkan waktu.

T. Cole "Pemuda"
Perahu yang sama, tapi sudah ada seorang pemuda di dalamnya. Dia sudah mengendalikan perahunya sendiri, tetapi malaikat itu tetap tidak meninggalkannya - dia mengawasinya dari pantai.

Malaikat terus mengamati pria itu, tetapi dia tenggelam dalam masalahnya sendiri yang membebani dirinya - hal ini dipertegas dengan warna gambar yang suram, pohon-pohon tumbang karena badai...

T. Cole "Usia Tua"
Dan kini perjalanan hidup seseorang akan segera berakhir. Sosok dengan jam pasir tidak lagi berada di atas perahu - masa kehidupan duniawi telah berakhir. Dan perahu itu menjadi sangat tua...
Malaikat pelindung turun kepadanya untuk memandu jalannya selanjutnya ke dunia lain, dan malaikat lain terlihat di kejauhan. Cole berkata tentang gambaran ini: “Belenggu keberadaan jasmani terlepas, dan pikiran sudah dapat melihat sekilas kehidupan abadi.”

Winslow Homer (1836-1910)

Foto dari tahun 1880
Seniman dan seniman grafis Amerika, pendiri lukisan realistik. Terkenal karena pemandangan lautnya. Dia melukis dengan minyak dan cat air. Karyanya mempengaruhi semua perkembangan seni lukis Amerika selanjutnya.
Homer dipengaruhi oleh berbagai gerakan artistik, tetapi terutama didasarkan pada subjek Amerika murni.
Lukisannya pada periode awal cerah dan tenteram, sedangkan periode terakhir bercirikan corak gelap dan tema tragis.

W. Homer “Sinyal Kabut”. Museum Seni Rupa Boston (AS)
Tema lukisannya adalah perjuangan manusia dengan laut, hubungan antara kehidupan manusia yang rapuh dan alam yang abadi.

Thomas Cowperthwaite Eakins (Akins) (1844-1916)

Seniman Amerika, fotografer, guru, perwakilan terkemuka lukisan realistik Amerika.

T.Eakins. Potret Diri (1902)
Dia lulus dari Akademi Seni Rupa Pennsylvania dan semakin meningkatkan keterampilannya di Eropa, terutama di Paris di bawah bimbingan Jean Leon Gerome. Dia mengajar di Akademi Seni Rupa dan menjadi direkturnya.
Dia menaruh perhatian besar pada studi dan penggambaran ketelanjangan, menunjukkan pemikiran bebas, sehingga dia dipecat. Dalam lukisan dan foto Eakins, tubuh telanjang dan setengah telanjang menempati tempat sentral. Dia memiliki banyak gambar atlet. Eakins sangat tertarik untuk menyampaikan pergerakan tubuh manusia.

T. Eakins "Renang" (1895)
Dia melukis potret dalam lingkungan multi-figur.
Karya yang paling terkenal adalah “The Gross Clinic”.

T. Eakins "Klinik Kotor" (1875)
Lukisan itu menggambarkan ahli bedah terkenal Philadelphia, Samuel Gross, yang memimpin operasi di depan para mahasiswa akademi kedokteran. Sang seniman menggambarkan Dr. Gross sebagai seorang jenius dalam pemikiran manusia, tetapi gambar tersebut mengejutkan orang-orang sezamannya dengan realismenya.
T. Eakins juga dikenal karena sejumlah potret penting, termasuk potret penyair dan humas Amerika Walt Whitman (1887-1888), yang dianggap terbaik oleh penyair itu sendiri.

T.Eakins. Potret Whitman (1887)

James Abbott McNeill Whistler (1834-1903)

Seniman Anglo-Amerika, pelukis potret, etsa dan litografer. Pendahulu impresionisme dan simbolisme.

D.Peluit. Potret diri. Institut Seni (Detroit)
Lahir di Lowell, Massachusetts. Ayahnya, George Washington Whistler, seorang insinyur kereta api terkenal, diundang untuk membangun jalan di Rusia pada tahun 1842; dia merancang Kereta Api Nikolaev. Di Rusia, James bersekolah di Akademi Seni. Di AS ia belajar di sekolah militer, tetapi dikeluarkan karena prestasi akademik yang buruk.

D. Whistler “Susunan dalam warna abu-abu dan hitam. Ibu Artis (1871). Museum Orsay (Paris)
Ini adalah karya James Whistler yang paling terkenal.
Ia belajar melukis di Paris, lalu di Venesia (ia mempelajari sketsa dan lukisan cat air).
Pada periode pertama karya Whistler, ia mendekati impresionisme dalam keinginannya untuk menangkap kesan pertama suatu objek - lanskap atau seseorang. Namun dalam banyak hal dia tidak setuju dengan kaum Impresionis: dia tidak menyetujui pemujaan terhadap udara plein, dan memikirkan nada warna terlebih dahulu. Dalam karya-karyanya selanjutnya, Whistler menggunakan cat transparan seperti cat air yang sangat encer, yang menyampaikan kesan mobilitas lingkungan atmosfer yang tidak stabil.

D. Whistler “Simfoni di Lautan Kelabu dan Hijau” (1866-1872)

Genre sehari-hari

Perkembangan besar seni lukis Amerika abad ke-19. menerima genre rumah tangga. Pada awalnya genre ini didasarkan pada penggambaran kehidupan provinsi dengan kartu, tarian, dll.

Eastman Johnson, Kebahagiaan Kereta Pos yang Terbengkalai (1871)
Namun setelah revolusi industri dan urbanisasi dimulai di Amerika Serikat, seniman mulai menggambarkan kehidupan penduduk kota besar.

John Gast "Kemajuan Amerika" (sekitar tahun 1872)
Lukisan itu menggambarkan Kolombia alegoris dengan buku teks di tangannya. Dia memimpin peradaban ke barat bersama dengan pemukim Amerika, membentangkan jalur telegraf di sepanjang jalan. Gambar tersebut menunjukkan berbagai jenis kegiatan ekonomi para pemukim pertama, sejarah transportasi. Orang India dan binatang liar digambarkan melarikan diri dari pemukim.

"Sekolah Tempat Sampah"

Pada pergantian abad ke-19 dan ke-20. Amerika Serikat mengalami pertumbuhan kota-kota besar yang pesat. Kamera pada masa itu belum dapat digunakan untuk memotret kejadian dengan cepat, sehingga surat kabar menyewa seniman untuk ilustrasi. Ini membentuk Sekolah Ember Sampah, yang mencakup Robert Henry, Glenn Coleman, Jerome Myers, dan George Bellows. Subjek utama sketsa studio adalah jalanan dengan perwakilan khasnya: anak jalanan, pelacur, pengamen jalanan, dan imigran. Asal usul, pendidikan, dan pandangan politik para seniman ini beragam. Namun Robert Henry percaya bahwa kehidupan dan aktivitas masyarakat miskin, proletariat, dan kelas menengah layak untuk diwujudkan dalam lukisan - inilah realitas zaman.

George Bellows "Bantuan Perawat Edith Cavell" (1918)
“The Garbage Pail School” merevolusi seni visual Amerika Serikat, itu adalah cikal bakalnya

Isi artikel

LUKISAN AMERIKA. Karya seni lukis Amerika pertama yang sampai kepada kita berasal dari abad ke-16; ini adalah sketsa yang dibuat oleh peserta ekspedisi penelitian. Namun, seniman profesional baru muncul di Amerika pada awal abad ke-18; satu-satunya sumber pendapatan yang stabil bagi mereka adalah potret; genre ini terus menempati posisi terdepan dalam seni lukis Amerika hingga awal abad ke-19.

Masa kolonial.

Kelompok potret pertama, yang dibuat dengan menggunakan teknik lukisan cat minyak, berasal dari paruh kedua abad ke-17; Saat ini, kehidupan para pemukim relatif tenang, kehidupan stabil dan peluang untuk berlatih seni muncul. Dari karya-karya tersebut, yang paling terkenal adalah potret Nyonya Frick dan putrinya Mary(1671–1674, Massachusetts, Museum Seni Worcester), dilukis oleh seniman Inggris yang tidak dikenal. Pada tahun 1730-an, kota-kota di pantai timur telah memiliki beberapa seniman yang bekerja dengan cara yang lebih modern dan realistis: Henrietta Johnston di Charleston (1705), Justus Englehardt Kuhn di Annapolis (1708), Gustav Hesselius di Philadelphia (1712), John Watson di Perth Amboy di New Jersey (1714), Peter Pelham (1726) dan John Smibert (1728) di Boston. Lukisan dua lukisan terakhir mempunyai pengaruh yang signifikan terhadap karya John Singleton Copley (1738–1815), yang dianggap sebagai seniman besar Amerika pertama. Dari ukiran koleksi Pelham, Copley muda memperoleh pemahaman tentang potret upacara Inggris dan lukisan Godfrey Kneller, seorang master Inggris terkemuka yang mengerjakan genre ini pada awal abad ke-18. Dalam gambar Anak laki-laki dengan tupai(1765, Boston, Museum Seni Rupa) Copley menciptakan potret realistis yang indah, lembut dan sangat akurat dalam menyampaikan tekstur objek. Ketika Copley mengirimkan karya ini ke London pada tahun 1765, Joshua Reynolds menyarankannya untuk melanjutkan studinya di Inggris. Namun, Copley tetap di Amerika hingga tahun 1774 dan terus melukis potret, dengan cermat mengerjakan semua detail dan nuansa di dalamnya. Dia kemudian melakukan perjalanan ke Eropa dan menetap di London pada tahun 1775; Dalam gayanya, tingkah laku dan ciri idealisasi ciri seni lukis Inggris pada masa itu muncul. Di antara karya terbaik Copley yang dihasilkan di Inggris adalah potret formal berukuran besar yang mengingatkan pada karya Benjamin West, termasuk lukisannya Brooke Watson dan hiu(1778, Boston, Museum Seni Rupa).

Perang Kemerdekaan dan awal abad ke-19.

Berbeda dengan Copley dan West, yang menetap secara permanen di London, pelukis potret Gilbert Stuart (1755–1828) kembali ke Amerika pada tahun 1792, berkarier di London dan Dublin. Dia segera menjadi master terkemuka genre ini di republik muda; Stewart melukis potret hampir semua tokoh politik dan masyarakat terkemuka di Amerika. Karya-karyanya dieksekusi dengan hidup, bebas, samar, sangat berbeda dengan gaya karya-karya Amerika Copley.

Benjamin West dengan rela menerima seniman muda Amerika ke studionya di London; murid-muridnya termasuk Charles Wilson Peale (1741–1827) dan Samuel F. B. Morse (1791–1872). Peale menjadi pendiri dinasti pelukis dan perusahaan seni keluarga di Philadelphia. Dia melukis potret, terlibat dalam penelitian ilmiah, dan membuka Museum Sejarah Alam dan Lukisan di Philadelphia (1786). Dari tujuh belas anaknya, banyak yang menjadi seniman dan naturalis. Morse, lebih dikenal sebagai penemu telegraf, melukis beberapa potret indah dan salah satu lukisan paling megah di seluruh lukisan Amerika - Galeri Louvre. Dalam karya ini, sekitar 37 kanvas direproduksi dalam bentuk mini dengan akurasi luar biasa. Karya ini, seperti semua aktivitas Morse, bertujuan untuk mengenalkan bangsa muda pada budaya besar Eropa.

Washington Alston (1779–1843) adalah salah satu seniman Amerika pertama yang memberi penghormatan kepada Romantisisme; Selama perjalanan panjangnya melintasi Eropa, ia melukis badai laut, pemandangan puitis Italia, dan potret sentimental.

Pada awal abad ke-19. Akademi seni Amerika pertama dibuka, membekali siswa dengan pelatihan profesional dan mengambil bagian langsung dalam menyelenggarakan pameran: Akademi Seni Pennsylvania di Philadelphia (1805) dan Akademi Menggambar Nasional di New York (1825), yang presiden pertamanya adalah S. R. Morse . Pada tahun 1820-an dan 1830-an, John Trumbull (1756–1843) dan John Vanderlyn (1775–1852) melukis komposisi besar subjek dari sejarah Amerika yang menghiasi dinding Capitol Rotunda di Washington.

Pada tahun 1830-an, lanskap menjadi genre lukisan Amerika yang dominan. Thomas Cole (1801–1848) melukis alam murni di utara (New York). Dia berpendapat bahwa pegunungan yang terkena cuaca buruk dan hutan musim gugur yang cerah adalah subjek yang lebih cocok untuk seniman Amerika daripada reruntuhan Eropa yang indah. Cole juga melukis beberapa lanskap yang mengandung makna etis dan religius; di antaranya ada empat lukisan besar Jalan hidup(1842, Washington, Galeri Nasional) - komposisi alegoris yang menggambarkan sebuah perahu menyusuri sungai, di mana seorang anak laki-laki duduk, kemudian seorang pemuda, kemudian seorang laki-laki dan akhirnya seorang lelaki tua. Banyak pelukis lanskap mengikuti teladan Cole dan menggambarkan alam Amerika dalam karya mereka; mereka sering digabungkan menjadi satu kelompok yang disebut “Sekolah Sungai Hudson” (yang tidak benar, karena mereka bekerja di seluruh negeri dan menulis dalam gaya yang berbeda).

Di antara pelukis bergenre Amerika, yang paling terkenal adalah William Sidney Mount (1807–1868), yang melukis pemandangan dari kehidupan petani Long Island, dan George Caleb Bingham (1811–1879), yang lukisannya didedikasikan untuk kehidupan para nelayan dari tepi sungai Missouri dan pemilihan umum di kota-kota provinsi kecil.

Sebelum Perang Saudara, artis paling populer adalah Gereja Frederick Edwin (1826–1900), seorang murid Cole's. Ia kebanyakan melukis karya berformat besar dan terkadang menggunakan motif yang terlalu naturalistik untuk menarik dan memukau publik. Gereja melakukan perjalanan ke tempat-tempat paling eksotis dan berbahaya, mengumpulkan bahan untuk menggambarkan gunung berapi Amerika Selatan dan gunung es di laut utara; salah satu karyanya yang paling terkenal adalah lukisan Air Terjun Niagara (1857, Washington, Galeri Corcoran).

Pada tahun 1860-an, kanvas besar Albert Bierstadt (1830–1902) membangkitkan kekaguman luas terhadap keindahan Pegunungan Rocky, dengan danau jernih, hutan, dan puncaknya yang menyerupai menara.

Periode pasca perang dan pergantian abad.

Setelah Perang Saudara, belajar melukis menjadi mode di Eropa. Di Düsseldorf, Munich dan khususnya Paris, dimungkinkan untuk memperoleh pendidikan yang jauh lebih mendasar daripada di Amerika. James McNeil Whistler (1834–1903), Mary Cassatt (1845–1926), dan John Singer Sargent (1856–1925) belajar di Paris dan tinggal serta bekerja di Prancis dan Inggris. Whistler dekat dengan kaum impresionis Prancis; dalam lukisannya dia memberikan perhatian khusus pada kombinasi warna dan komposisi yang ekspresif dan singkat. Mary Cassatt, atas undangan Edgar Degas, ikut serta dalam pameran impresionis dari tahun 1879 hingga 1886. Sargent melukis potret orang-orang paling terkemuka di Dunia Lama dan Baru dengan cara yang berani, terburu nafsu, dan samar.

Sisi berlawanan dari spektrum gaya impresionisme dalam seni akhir abad ke-19. ditempati oleh seniman realis yang melukis benda mati ilusionis: William Michael Harnett (1848–1892), John Frederick Peto (1854–1907) dan John Haeberl (1856–1933).

Dua seniman besar pada akhir abad ke-19 dan awal abad ke-20, Winslow Homer (1836–1910) dan Thomas Eakins (1844–1916), tidak tergabung dalam salah satu gerakan artistik yang modis pada saat itu. Homer memulai karir kreatifnya pada tahun 1860-an dengan mengilustrasikan majalah-majalah New York; sudah pada tahun 1890-an dia mempunyai reputasi sebagai artis terkenal. Lukisan awalnya adalah pemandangan kehidupan desa yang dipenuhi sinar matahari yang cerah. Belakangan, Homer mulai beralih ke gambar dan tema yang lebih kompleks dan dramatis: dalam gambar arus Teluk(1899, Metropolitan) menggambarkan keputusasaan seorang pelaut kulit hitam yang terbaring di dek kapal di tengah badai laut yang dipenuhi hiu. Semasa hidupnya, Thomas Eakins mendapat kritik keras karena objektivisme dan keterusterangannya yang berlebihan. Kini karya-karyanya sangat dihargai karena gambarnya yang tegas dan jelas; kuasnya mencakup gambar atlet dan gambar potret tulus yang dipenuhi simpati.

Abad ke duapuluh.

Pada awal abad ini, tiruan impresionisme Prancis paling dihargai. Selera publik ditantang oleh sekelompok delapan seniman: Robert Henry (1865–1929), W. J. Glackens (1870–1938), John Sloan (1871–1951), J. B. Lax (1867–1933), Everett Shinn (1876–1953) , A. B. Davies (1862–1928), Maurice Prendergast (1859–1924) dan Ernest Lawson (1873–1939). Kritikus menjulukinya sebagai sekolah "tong sampah" karena kegemaran mereka menggambarkan daerah kumuh dan subjek membosankan lainnya.

Pada tahun 1913 tentang apa yang disebut “Armory Show” memamerkan karya-karya para master dari berbagai bidang pasca-impresionisme. Seniman Amerika terpecah: beberapa dari mereka beralih untuk mengeksplorasi kemungkinan warna dan abstraksi formal, yang lain tetap mengikuti tradisi realistis. Kelompok kedua termasuk Charles Burchfield (1893–1967), Reginald Marsh (1898–1954), Edward Hopper (1882–1967), Fairfield Porter (1907–1975), Andrew Wyeth (lahir 1917) dan lain-lain. Lukisan Ivan Albright (1897–1983), George Tooker (lahir 1920) dan Peter Bloom (1906–1992) ditulis dengan gaya “realisme magis” (kemiripan dengan alam dalam karya mereka dilebih-lebihkan, dan kenyataan adalah lebih mengingatkan pada mimpi atau halusinasi). Seniman lain, seperti Charles Sheeler (1883–1965), Charles Demuth (1883–1935), Lionel Feininger (1871–1956) dan Georgia O'Keeffe (1887–1986), menggabungkan unsur realisme, kubisme, dan ekspresionisme dalam karya mereka. karya dan gerakan seni Eropa lainnya. Pandangan kelautan John Marin (1870–1953) dan Marsden Hartley (1877–1943) mirip dengan ekspresionisme.Gambar burung dan binatang dalam lukisan Maurice Graves (lahir 1910) masih mempertahankan a hubungannya dengan dunia nyata, meskipun bentuknya berbeda.

Setelah Perang Dunia II, lukisan non-objektif menjadi tren utama seni Amerika. Perhatian utama kini tertuju pada permukaan gambar itu sendiri; ia dipandang sebagai arena interaksi garis, massa, dan bintik warna. Ekspresionisme abstrak menempati tempat paling penting pada tahun-tahun ini. Ini menjadi gerakan seni lukis pertama yang muncul di Amerika Serikat dan memiliki signifikansi internasional. Pemimpin gerakan ini adalah Arshile Gorky (1904–1948), Willem de Kooning (Kooning) (1904–1997), Jackson Pollock (1912–1956), Mark Rothko (1903–1970) dan Franz Kline (1910–1962). Salah satu penemuan ekspresionisme abstrak yang paling menarik adalah metode artistik Jackson Pollock, yang meneteskan atau melemparkan cat ke kanvas untuk menciptakan labirin kompleks dengan bentuk linier dinamis. Artis lain dari gerakan ini -