Konten kreativitas Rembrandt Harmens van Rijn. Biografi singkat Rembrandt, kreativitas, fakta menarik
Rembrandt Harmenszoon van Rijn
Perwakilan terbesar Zaman Keemasan, seniman, pengukir, ahli chiaroscuro yang hebat - dan semua ini ada dalam satu nama: Rembrandt.
Rembrandt lahir pada tanggal 15 Juli 1606 di Leiden. Seniman besar Belanda ini berhasil mewujudkan dalam karyanya seluruh spektrum pengalaman manusia dengan kekayaan emosional yang belum pernah diketahui seni rupa sebelumnya.
Kehidupan
Ia dibesarkan di keluarga besar pemilik pabrik kaya, Harmen Gerritszoon van Rijn. Harta milik Rhein antara lain termasuk dua rumah lagi, dan ia juga menerima mahar yang cukup besar dari istrinya Cornelia Neltje. Ibu calon artis ini adalah putri seorang pembuat roti dan tahu cara memasak. Bahkan setelah Revolusi Belanda, keluarga ibunya tetap setia pada iman Katolik.
Di Leiden, Rembrandt bersekolah di sekolah Latin di universitas, tetapi tidak menyukai ilmu eksakta dan menunjukkan minat terbesar pada seni lukis. Menyadari fakta ini, orang tuanya mengirim Rembrandt untuk belajar pada usia 13 tahun. seni rupa kepada pelukis sejarah Leiden Jacob van Swanenburch, yang beragama Katolik. Karya-karya Rembrandt, dengan beragam genre dan tema, dipenuhi dengan gagasan moralitas, keindahan spiritual, dan martabat orang biasa, pemahaman tentang kompleksitas karyanya yang tidak dapat dipahami. dunia batin, keserbagunaan kekayaan intelektualnya, kedalaman pengalaman emosionalnya. Sangat sedikit informasi yang sampai kepada kita tentang Jacob, itulah sebabnya sejarawan dan kritikus seni tidak dapat mengatakan dengan pasti tentang pengaruh Swanenberg pada gaya kreatif Rembrandt.
Kemudian, pada tahun 1623, ia belajar di Amsterdam dengan pelukis modis Pieter Lastman, setelah itu, kembali ke Leiden, ia membuka bengkelnya sendiri pada tahun 1625 bersama rekan senegaranya Jan Lievens.
Pitera Lastman dilatih di Italia dan berspesialisasi dalam mata pelajaran sejarah, mitologi, dan alkitabiah. Ketika Rembrandt membuka bengkelnya dan mulai merekrut siswa, waktu singkat dia menjadi sangat terkenal. Jika Anda melihat karya pertama sang seniman, Anda dapat langsung memahami bahwa gaya Lastman – kecintaan terhadap keberagaman dan kekecilan eksekusi – memiliki pengaruh besar pada seniman muda tersebut. Misalnya saja karyanya “The Stoneing of St. Stephen" (1629), "Scene from Ancient History" (1626) dan "The Baptism of the Eunuch" (1626), sangat cerah, penuh warna yang luar biasa, Rembrandt berusaha mencatat dengan cermat setiap detail dunia material. Hampir semua pahlawan tampil di hadapan penonton dengan mengenakan pakaian oriental yang mewah, berkilau dengan perhiasan, yang menciptakan suasana kemegahan, kemegahan, dan kemeriahan.
Pada tahun 1628, seniman berusia dua puluh dua tahun ini diakui sebagai master yang “sangat terkenal”, seorang pelukis potret terkenal.
Lukisan “Judas Returns the Silver Pieces” (1629) mendapat sambutan antusias dari ahli seni terkenal Constantin Huygens, sekretaris stadtholder Frederick Hendrik dari Orange: “... tubuh yang gemetar karena rasa gentar yang menyedihkan ini adalah yang saya sukai rasanya enak sepanjang masa."
Berkat koneksi Konstantinus, Rembrandt segera mendapatkan pengagum seni yang kaya: berkat mediasi Hagens, Pangeran Oranye menugaskan beberapa karya keagamaan dari sang seniman, seperti “Christ before Pilatus” (1636).
Kesuksesan nyata bagi seorang seniman datang di Amsterdam. Pada tanggal 8 Juni 1633, Rembrandt bertemu dengan putri seorang pencuri kaya, Saskia van Uylenburch, dan memperoleh posisi yang kuat di masyarakat. Seniman tersebut melukis sebagian besar lukisannya selama berada di ibu kota Belanda.
Amsterdam - kota pelabuhan dan industri yang ramai, tempat berbondong-bondongnya barang-barang dan keingintahuan dari seluruh dunia, tempat orang-orang menjadi kaya melalui transaksi perdagangan dan perbankan, tempat orang-orang buangan feodal Eropa berbondong-bondong mencari perlindungan, dan tempat kesejahteraan orang-orang kaya. warga burgher hidup berdampingan dengan kemiskinan yang menyedihkan, memiliki ikatan yang kuat dengan seniman.
Periode Rembrandt di Amsterdam dimulai dengan kesuksesan menakjubkan yang dibawakannya oleh The Anatomy Lesson of Dr. Tulp (1632, Den Haag, Mauritshuis), yang mengubah tradisi potret kelompok Belanda. Rembrandt membandingkan demonstrasi biasa orang-orang dari profesi umum yang berpose untuk seniman dengan dramaturgi adegan yang ditentukan secara bebas, yang pesertanya - anggota serikat ahli bedah, mendengarkan rekan mereka, disatukan oleh inklusi aktif secara intelektual dan spiritual dalam proses penelitian ilmiah.
Rembrandt terinspirasi dari kecantikan kekasihnya, sehingga ia sering melukis potretnya. Tiga hari setelah pernikahan, van Rijn menggambarkan seorang wanita dengan pensil perak dan topi bertepi lebar. Saskia tampil dalam lukisan Belanda dengan nyaman lingkungan rumah. Gambaran wanita berpipi montok ini banyak muncul di kanvas, misalnya saja gadis misterius dalam lukisan “ Jaga malam” sangat mirip dengan kekasih sang artis.
Tahun tiga puluhan dalam kehidupan Rembrandt adalah masa ketenaran, kekayaan, dan kebahagiaan keluarga. Ia menerima banyak pesanan, dikelilingi oleh mahasiswa, gemar mengoleksi karya pelukis Italia, Flemish dan Belanda, patung kuno, mineral, tumbuhan laut, senjata kuno, dan benda seni oriental; Saat menggarap lukisan, pameran dari koleksinya kerap menjadi alat peraga bagi sang seniman.
Karya Rembrandt pada periode ini sangat bervariasi; mereka bersaksi tentang pencarian yang tak kenal lelah dan terkadang menyakitkan pemahaman artistik rohani dan esensi sosial manusia dan alam serta menunjukkan tren yang tanpa henti, selangkah demi selangkah, membawa seniman ke dalam konflik dengan masyarakat.
Dalam potret “untuk dirinya sendiri” dan potret diri, sang seniman dengan bebas bereksperimen dengan komposisi dan efek chiaroscuro, mengubah nada warna, mendandani modelnya dengan pakaian yang fantastis atau eksotis, memvariasikan pose, gerak tubuh, aksesori (“Flora”, 1634 , St. Petersburg, Museum Pertapaan Negara ).
Pada tahun 1635, lukisan terkenal berdasarkan cerita alkitabiah “Pengorbanan Abraham” dilukis, yang sangat dihargai di masyarakat sekuler.
Pada tahun 1642, van Rijn menerima pesanan dari Shooting Society untuk membuat potret kelompok untuk menghiasi gedung baru dengan kanvas. Lukisan itu secara keliru disebut “Night Watch”. Itu diwarnai dengan jelaga, dan baru pada abad ke-17 para peneliti sampai pada kesimpulan bahwa aksi yang terjadi di kanvas itu terjadi pada siang hari.
Rembrandt dengan cermat menggambarkan setiap detail gerak para musketeer: seolah-olah pada saat tertentu waktu berhenti ketika milisi keluar dari halaman yang gelap sehingga van Rijn menangkap mereka di atas kanvas.
Pelanggan tidak menyukai pelukis Belanda yang menyimpang dari kanon yang berkembang pada abad ke-17. Kemudian potret kelompok bersifat seremonial, dan peserta digambarkan secara utuh tanpa ada statis.
Menurut para ilmuwan, lukisan inilah yang menjadi penyebab kebangkrutan sang seniman pada tahun 1653, karena membuat calon klien takut.
Perubahan tragis dalam nasib pribadi Rembrandt (kematian anak-anak yang baru lahir, ibunya, pada tahun 1642 - penyakit dan kematian Saskia, yang meninggalkannya seorang putra Titus yang berusia sembilan bulan), memburuknya situasi keuangan karena keengganannya yang keras kepala mengorbankan kebebasan jiwa dan kreativitas demi menyenangkan perubahan selera kaum burgher, memperburuk dan mengungkap konflik yang semakin matang antara seniman dan masyarakat.
Informasi tentang kehidupan pribadi Rembrandt pada tahun 1640-an. Hanya sedikit yang tersisa di dokumen. Di antara pelajar periode ini, hanya Nicholas Mas dari Dordrecht yang diketahui. Rupanya, sang artis tetap hidup dalam gaya megah, seperti dulu. Keluarga mendiang Saskia mengungkapkan keprihatinannya atas cara dia membuang maharnya. Pengasuh Titus, Geertje Dirks, menggugatnya karena melanggar janjinya untuk menikah; Untuk mengatasi kejadian ini, artis harus mengeluarkan uang.
Pada akhir tahun 1640-an, Rembrandt berteman dengan pelayan mudanya Hendrickje Stoffels, yang gambarnya muncul dalam banyak karya potret pada periode ini: (“Flora” (1654), “Bathing Woman” (1654), “Hendrickje at the Window” (1655)). Dewan paroki mengutuk Hendrickje karena “hidup bersama yang penuh dosa” ketika putrinya Cornelia lahir dari artis tersebut pada tahun 1654. Selama tahun-tahun ini, Rembrandt beralih dari tema-tema yang mempunyai resonansi nasional atau universal yang megah.
Sang seniman menghabiskan waktu lama mengerjakan potret terukir wali kota Jan Six (1647) dan burgher berpengaruh lainnya. Semua teknik dan teknik pengukiran yang dikenalnya digunakan dalam produksi lukisan rumit “Kristus Menyembuhkan Orang Sakit”, yang lebih dikenal sebagai “Seratus Daun Gulden”, yang pernah dijual dengan harga yang sangat mahal pada tanggal 17. abad. Dia mengerjakan lukisan ini, dengan kehalusan cahaya dan bayangannya, selama tujuh tahun, dari tahun 1643 hingga 1649.
Pada tahun 1653, karena mengalami kesulitan keuangan, sang seniman memindahkan hampir seluruh hartanya kepada putranya Titus, setelah itu ia menyatakan bangkrut pada tahun 1656. Setelah penjualan pada tahun 1657-58. rumah dan properti (katalog menarik dari koleksi seni Rembrandt telah dilestarikan), sang seniman pindah ke pinggiran Amsterdam, ke kawasan Yahudi, tempat ia menghabiskan sisa hidupnya.
Kematian Titus pada tahun 1668 merupakan salah satu pukulan takdir terakhir bagi sang seniman; dia sendiri meninggal setahun kemudian.
Rembrandt Harmens van Rijn meninggal pada bulan Oktober 1669. Dia berusia 63 tahun. Dia sudah tua, sakit dan miskin. Notaris tak perlu menghabiskan banyak waktu untuk menginventarisasi harta artis. Persediaannya singkat: “tiga kaus usang, delapan saputangan, sepuluh baret, perlengkapan melukis, satu Alkitab.”
Lukisan
Kembalinya Anak yang Hilang
Lukisan terkenal “Kembalinya Anak yang Hilang”, salah satu karya terakhir Rembrandt. Itu ditulis pada tahun kematiannya, dan menjadi puncak dari bakatnya.
Ini adalah lukisan terbesar Rembrandt bertema religi. Lukisan karya Rembrandt berdasarkan perumpamaan Perjanjian Baru tentang Anak yang Hilang.
Perumpamaan anak yang hilang dapat kita temukan dalam Injil Lukas. Berkisah tentang seorang pemuda yang meninggalkan rumah ayahnya dan menyia-nyiakan warisannya. Dia menghabiskan hari-harinya dalam kemalasan, pesta pora dan mabuk-mabukan sampai dia menemukan dirinya di sebuah lumbung, di mana dia makan dari bak yang sama dengan babi. Menemukan dirinya dalam situasi putus asa dan kemiskinan total, pemuda itu kembali ke ayahnya, siap menjadi budak terakhirnya. Namun alih-alih menghina, ia menemukan sambutan kerajaan, alih-alih kemarahan - cinta kebapakan yang memaafkan, dalam dan lembut.
1669 Rembrandt menampilkan drama manusia di hadapan penonton. Catnya terletak di kanvas dengan guratan tebal. Mereka gelap. Artis itu tidak penting karakter kecil, meskipun jumlahnya cukup banyak. Perhatian kembali terfokus pada ayah dan anak. Ayah tua itu, yang membungkuk karena sedih, menghadap penonton. Di wajah ini ada rasa sakit, mata lelah karena menangis, dan kebahagiaan pertemuan yang telah lama ditunggu-tunggu. Putranya membelakangi kami. Dia mengubur dirinya sendiri seperti bayi dalam jubah kerajaan ayahnya. Kita tidak tahu apa yang diungkapkan wajahnya. Tapi tumit yang pecah-pecah, tengkorak gelandangan yang telanjang, pakaian yang jelek sudah cukup menjelaskannya. Bagaikan tangan sang ayah yang meremas bahu pemuda itu. Melalui ketenangan tangan ini, pengampunan dan dukungan, Rembrandt, untuk terakhir kalinya, menceritakan kepada dunia sebuah perumpamaan universal tentang kekayaan, nafsu dan keburukan, pertobatan dan pengampunan. “...Aku akan bangun dan menemui ayahku dan berkata kepadanya: Ayah! Aku telah berdosa terhadap surga dan terhadapmu dan tidak layak lagi disebut putramu; terimalah aku sebagai salah satu hamba upahanmu. Dia bangkit dan pergi menemui ayahnya. Dan ketika dia masih jauh, ayahnya melihatnya dan merasa kasihan; dan sambil berlari, ia memeluk lehernya dan menciumnya.”
Selain ayah dan anak, gambar tersebut menggambarkan 4 karakter lagi. Ini adalah siluet gelap yang sulit dibedakan dengan latar belakang gelap, namun siapa mereka tetap menjadi misteri. Beberapa orang menyebut mereka sebagai "saudara laki-laki dan perempuan" sang protagonis. Merupakan ciri khas Rembrandt yang menghindari konflik: perumpamaan tersebut berbicara tentang kecemburuan seorang anak yang taat, dan keharmonisan gambar tidak terganggu sama sekali.
Van Gogh dengan sangat akurat mengatakan tentang Rembrandt: “Anda harus mati beberapa kali untuk bisa melukis seperti itu... Rembrandt menembus misteri begitu dalam sehingga dia berbicara tentang objek yang tidak ada kata-katanya dalam bahasa apa pun. Itu sebabnya Rembrandt disebut: seorang penyihir. Dan ini bukanlah kerajinan sederhana.”
Jaga malam
Nama potret kelompok Rembrandt “Pertunjukan Kompi Senapan Kapten Frans Banning Cock dan Letnan Willem van Ruytenburg”, yang dilukis pada tahun 1642, secara tradisional dikenal.
Kanvas karya empu Belanda ini sarat dengan banyak “kejutan”. Mari kita mulai dengan fakta bahwa judul gambar yang biasa kita gunakan tidak sesuai dengan kenyataan: patroli yang digambarkan di dalamnya sebenarnya tidak sepanjang malam, tetapi sangat banyak di siang hari. Hanya saja karya Rembrandt dipernis beberapa kali, sehingga menjadi sangat gelap. Selain itu, selama hampir 100 tahun (dari awal abad ke-18 hingga awal abad ke-19), kanvas tersebut menghiasi salah satu aula Balai Kota Amsterdam, yang digantung tepat di seberang perapian, dan tertutup jelaga setiap tahunnya. tahun. Tidaklah mengherankan bahwa pada awal abad ke-19 nama "Night Watch" sudah tertanam kuat di balik lukisan itu: pada saat ini sejarah penciptaannya telah benar-benar dilupakan, dan semua orang yakin bahwa sang master menggambarkan masa-masa gelap. . Baru pada tahun 1947, selama restorasi di Rijksmuseum di Amsterdam, tempat lukisan itu masih ada hingga hari ini, menjadi jelas bahwa warnanya jauh lebih terang daripada yang diperkirakan secara umum. Selain itu, bayangan pendek yang ditimbulkan oleh para karakter menunjukkan bahwa hal itu terjadi antara siang hingga pukul dua siang. Namun, pemulih tidak menghilangkan semua lapisan pernis gelap karena takut merusak cat, itulah sebabnya Night Watch masih tergolong senja.
Judul sebenarnya dari lukisan tersebut adalah “Pertunjukan Kompi Senapan Kapten Frans Banning Cock dan Letnan Wilhem van Ruytenburg.” Ini adalah potret kelompok penembak-milisi salah satu distrik di Amsterdam. Dari tahun 1618 hingga 1648, Perang Tiga Puluh Tahun terjadi di Eropa, dan penduduk kota-kota di Belanda mengangkat senjata untuk mempertahankan rumah mereka. Kreasi Rembrandt, bersama dengan potret kompi senapan lainnya, akan menghiasi aula utama di Kloveniersdolen - markas besar penembak kota. Namun para pelanggan kecewa: karya Rembrandt tidak monumental. potret upacara, A potongan percakapan, di mana mereka kesulitan menemukan wajah mereka sendiri, seringkali setengah tersembunyi oleh karakter lain. Tentu saja! Lagi pula, sang seniman, selain 18 pelanggan (masing-masing membayar sekitar 100 gulden emas untuk potretnya - jumlah yang sangat mengesankan pada masa itu), memasukkan 16 orang lagi ke dalam kanvas! Siapa mereka tidak diketahui.
Museum – Museum Sejarah Amsterdam?
Tiga salib
Salah satu lukisan Rembrandt yang paling terkenal, memiliki lima negara bagian. Hanya yang ketiga yang ditandatangani dan diberi tanggal, oleh karena itu, Rembrandt menganggap sisanya sebagai perantara. Kondisi kelima sangat jarang terjadi, hanya lima spesimen yang diketahui.
Lukisan tersebut menggambarkan momen dramatis kematian Kristus di kayu salib Kalvari, yang dijelaskan dalam Injil. Dalam lukisan ini, Rembrandt menggunakan teknik pahat dan titik kering dalam skala yang belum pernah terjadi sebelumnya, yang meningkatkan kontras gambar.
Pada tanggal 2 Desember 2008, di Christie's, lukisan ini (kondisi IV) dijual seharga £421.250.
Turun dari Salib
Pada tahun 1814, Alexander I membeli Galeri Malmaison miliknya dari Permaisuri Josephine. Beberapa lukisan berasal dari Galeri Kassel yang terkenal, termasuk Descent from the Cross. Sebelumnya, lukisan-lukisan ini adalah milik Madame de Roover di Delft dan bersama lukisan-lukisan lain dari koleksinya, dibeli oleh Landgrave Hesse-Kassel Ludwig VII. Pada tahun 1806, galerinya disita oleh Napoleon dan dipersembahkan kepada Josephine.
Penerus Landgrave Hesse-Kassel, Ludwig VII, mantan sekutu Alexander I, mengajukan permintaan kepada kaisar pada tahun 1815 untuk mengembalikan lukisan yang ditangkap oleh Napoleon. Permintaan ini ditolak mentah-mentah oleh Alexander I, yang membayar uang untuk lukisan tersebut dan menunjukkan perhatian Josephine kepada putrinya Hortensia dengan segala cara. Pada tahun 1829, Hortense, yang saat itu menyandang gelar Duchess of Saint-Leu, membeli tiga puluh lukisan dari Galeri Malmaison.
Tema “Keturunan dari Salib” memiliki tradisi ikonografi yang besar dalam seni Eropa. Pencapaian tertingginya dianggap sebagai lukisan altar karya Rubens di Katedral Antwerpen, yang dikenal luas dari ukiran Vorstermann.
Pemikiran kreatif Rembrandt mengembara dekat dengan tradisi ini, menggunakannya dan pada saat yang sama terus-menerus memilih jalan lain. Tidak biasa dalam perkembangan seni rupa Eropa sebelumnya, hal-hal tersebut merupakan ciri khas gaya kreatif pribadi Rembrandt; bukan tanpa alasan bahwa “Keturunan dari Salib” sangat mirip dengan “Ketidakpercayaan Rasul Thomas”.
Rubens menggambarkan kesedihan yang luar biasa dari sekelompok orang yang agung dan cantik tentang keagungan dan pahlawan yang luar biasa; Adegan malam massal Rembrandt yang gelisah. Banyak tokoh yang mundur ke dalam kegelapan atau jatuh ke dalam seberkas cahaya, dan nampaknya kerumunan itu bergerak, hidup, berduka atas pria yang disalib dan mengasihani ibunya. Tidak ada yang ideal dalam penampilan seseorang; banyak dari mereka yang kasar dan jelek. Perasaan mereka sangat kuat, tetapi ini adalah perasaan orang biasa, tidak tercerahkan oleh katarsis luhur yang ada dalam lukisan Rubens.
Kristus yang mati adalah manusia seperti mereka; berkat kekuatan kesedihan merekalah penderitaan dan kematiannya diperoleh arti khusus. Kunci dari isi gambar itu, mungkin, bukanlah pada Kristus, melainkan pada pria yang menopangnya dan menempelkan pipinya ke arahnya.
Dari sudut pandang artistik, komposisi yang fragmentaris dan gelisah ini lebih rendah daripada lukisan terkenal karya Rubens dan beberapa karya Rembrandt sendiri, yang dibuat pada tahun yang sama. Misalnya, “Ketidakpercayaan Rasul Thomas”, yang isinya kurang penting, secara lahiriah tampak lebih harmonis. Namun, dalam “The Descent from the Cross,” pemahaman bawaan Rembrandt tentang tema-tema alkitabiah dan Injil muncul dengan lebih jelas.
Karya Rembrandt muda berbeda dari prototipenya dalam fitur-fitur paling mendasar. Pertama-tama, itu tidak dibuat baik secara formal maupun esensial sebagai gambar altar doa. Ukuran kabinetnya tidak ditujukan pada persepsi orang banyak, namun pada pengalaman individu. Daya tarik terhadap perasaan dan kesadaran satu orang, pembentukan kontak spiritual yang erat dengan pemirsa, memaksa seniman untuk menciptakan sepenuhnya sistem baru sarana artistik dan teknik. Rembrandt melihat adegan legenda Injil sebagai peristiwa nyata yang tragis, yang pada dasarnya menghilangkan kesedihan mistis dan heroik.
Berjuang untuk ketulusan dan kebenaran gambar tersebut, Rembrandt menunjukkan kerumunan orang di dekat salib, dikejutkan oleh kesedihan, mencari kesatuan keluarga satu sama lain dalam menghadapi kematian yang mengerikan. Pewarnaan nada coklat-zaitun menyatukan seluruh komposisi, dan fluks cahaya secara dramatis menyoroti pusat semantik utamanya. Penderitaan yang paling dalam diwujudkan dalam gambar Bunda Allah, yang jatuh pingsan, dengan kurusnya wajah kuyu pekerja keras. Kelompok pelayat kedua terletak di ujung kiri diagonal spasial - perempuan dengan hormat meletakkan kain kafan, memenuhi tugas langsung mereka terhadap almarhum. Tubuh Kristus yang terkulai ditopang oleh lelaki tua itu - perwujudan daging manusia yang tersiksa - pertama-tama membangkitkan perasaan belas kasihan yang mendalam.
Pengantin Yahudi
Salah satu yang terbaru dan terlengkap lukisan misterius Rembrandt. Nama itu diberikan pada tahun 1825 oleh kolektor Amsterdam Van der Hop. Dia secara keliru percaya bahwa itu menggambarkan seorang ayah memberikan kalung kepada putrinya yang Yahudi untuk pernikahannya. Mungkin ini adalah potret yang dipesan, tetapi pakaian para tokohnya jelas mirip dengan yang kuno dan alkitabiah, jadi “Artaxerxes dan Ester”, “Jacob dan Rachel”, “Abram dan Sarah”, “Boas dan Ruth” diusulkan sebagai judulnya.
Saskia sebagai Flora
Lukisan karya Rembrandt, dilukis pada tahun 1634, yang mungkin menggambarkan istri seniman Saskia van Uylenbuch sebagai dewi bunga, mekar, musim semi dan buah-buahan Italia kuno, Flora.
Pada tahun 1633, Saskia van Uylenburch menjadi pengantin Rembrandt van Rijn. Potret menawan Saskia muda dalam balutan busana Flora adalah saksi bisu namun fasih tentang “masa musim semi dan cinta” karya pelukis brilian ini.
Wajah gadis itu yang penuh perhatian, namun tidak diragukan lagi bahagia cukup sesuai dengan perasaan pengantin wanita. Dia bukan lagi anak yang suka bermain-main, riang memandang dunia Tuhan. Dia menghadapi tugas yang serius: dia telah memilih jalan baru dan dia harus banyak mengubah pikiran serta pengalamannya sebelum dia memasuki masa dewasa. Hiasan kepala dan tongkat yang dijalin dengan bunga tentu saja mengacu pada Flora, dewi musim semi Romawi kuno. Pakaian sang dewi dilukis dengan keterampilan yang luar biasa, namun kehebatan bakat Rembrandt yang sebenarnya terungkap dalam ekspresi kelembutan yang diberikan sang seniman pada wajahnya.
Istri tercintanya membawa secercah kebahagiaan dan kepuasan yang tulus ke dalam rumah sepi artis sederhana itu. Rembrandt senang mendandani Saskia dengan beludru, sutra, dan brokat, sesuai dengan kebiasaan pada masa itu, menghujaninya dengan berlian dan mutiara, dengan penuh kasih menyaksikan bagaimana wajahnya yang cantik dan muda mendapat manfaat dari pakaian cemerlang itu.
Museum – Pertapaan Negara
Gaya
Sangat humanis dalam hakikatnya dan sempurna dalam keunikannya bentuk artistik Karya Rembrandt menjadi salah satu puncak perkembangan peradaban manusia. Karya-karya Rembrandt, dengan beragam genre dan tema, dipenuhi dengan gagasan moralitas, keindahan spiritual dan martabat orang biasa, pemahaman tentang kompleksitas dunia batinnya yang tidak dapat dipahami, keserbagunaan kekayaan intelektualnya, dan kedalaman pengalaman spiritualnya. . Menyembunyikan banyak misteri yang belum terpecahkan, lukisan, gambar dan ukiran ini artis yang luar biasa Mereka memikat dengan karakteristik psikologis karakter yang mendalam, penerimaan filosofis terhadap realitas, dan pembenaran yang meyakinkan atas keputusan artistik yang tidak terduga. Penafsirannya atas cerita-cerita dari Alkitab, mitos kuno, legenda kuno dan masa lalu negara asal sebagai peristiwa yang benar-benar bermakna dalam sejarah manusia dan masyarakat, konflik kehidupan yang dirasakan secara mendalam oleh orang-orang tertentu, membuka jalan bagi interpretasi yang bebas dan multi-nilai terhadap gambar dan tema tradisional.
Cinta oleh Rembrandt
Saskia, muse terkenal Rembrandt, adalah putri bungsu wali kota Leeuwarden. Wanita cantik berkulit putih dan berambut merah ini tumbuh dalam keluarga besar dan sangat kaya. Ketika gadis itu berusia 12 tahun, ibu dari keluarga tersebut meninggal. Tapi gadis itu masih tidak tahu harus menolak apa, dan ketika saatnya tiba, dia menjadi pengantin yang sangat membuat iri.
Pertemuan penting antara artis dan wanita muda tersebut terjadi di rumah sepupu gadis tersebut, artis Hendrik van Uylenburg, yang juga seorang pedagang barang antik. Rembrandt benar-benar terpesona oleh gadis itu: kulit lembut bercahaya, rambut keemasan... Ditambah lagi kemampuan untuk melakukan percakapan santai. Sambil bercanda, ia mengajak pelukis terkenal itu untuk melukis potretnya. Dan hanya itu yang diperlukan: Saskia adalah model ideal untuk subjek Rembrandt dalam warna gelap dan kalem.
Rembrandt mulai melukis potret. Ia bertemu Saskia tak hanya saat sesi. Menyangkal prinsip-prinsipnya, dia mencoba menghadiri jalan-jalan dan pesta-pesta. Ketika pengerjaan potret itu selesai dan pertemuan yang sering dihentikan, Rembrandt menyadari: inilah orang yang ingin dinikahinya. Pada tahun 1633, Saskia van Uylenburgh menjadi pengantin artis, dan pada tanggal 22 Juli 1634, pernikahan yang telah lama ditunggu-tunggu dilangsungkan.
Pernikahan dengan Saskia membuka jalan bagi artis menuju masyarakat kelas atas. Ayah wali kota meninggalkan warisan yang sangat besar kepada kesayangannya: 40.000 florin. Bahkan dengan sebagian kecil dari jumlah ini seseorang dapat hidup nyaman selama bertahun-tahun.
Pasangan yang bahagia dan penuh kasih mulai mengatur rumah bersama. Segera itu mulai menyerupai museum. Dindingnya dihiasi dengan ukiran karya Michelangelo dan lukisan karya Raphael. Saskia menyetujui semuanya, dia sangat mencintai suaminya. Dan dia, pada gilirannya, menghujaninya dengan perhiasan dan membayar toilet yang paling indah. Dan tentu saja saya mencoba mengambil gambar favorit saya. Rembrandt, bisa dikatakan, menjadi penulis sejarah kehidupan keluarganya. Pada hari-hari pertama bulan madu pasangan itu, "Potret Diri dengan Saskia di pangkuannya" yang terkenal dilukis.
Pada tahun 1635, putra pertama keluarga tersebut lahir, namun ia tidak berumur panjang, dan ini merupakan pukulan telak bagi ibu muda tersebut.
Untuk waktu yang lama dia tidak ingin berpisah dengan tubuh putranya, dia mengusir semua orang darinya, tanpa melepaskan anak yang meninggal itu. Ibu malang itu berjalan bersamanya di sekitar rumah, mengayun-ayunnya dan memanggilnya dengan semua nama lembut yang dia dan suaminya panggil Rembrantus di hari-hari bahagia pertama.
Rembrandt menyadari bahwa, kecuali waktu yang dihabiskan di depan kuda-kuda, dia hanya bisa tinggal di dekat Saskia. Hanya bersamanya dia merasa manusiawi: cinta adalah sumber kehidupan, dan dia hanya mencintai Saskia, dan tidak mencintai orang lain.
Sepeninggal Rembrantus, Saskia kehilangan anak saat lahir sebanyak dua kali lagi. Hanya anak keempat, Titus, yang lahir pada tahun 1641, yang mampu melewati tahun-tahun sulit masa bayi. Bocah itu diberi nama ini untuk mengenang mendiang Titia, adik Saskia.
Namun, persalinan yang terus menerus berdampak buruk bagi kesehatan Saskia. Kemunculan gambar lanskap murni oleh seniman pada akhir tahun 1630-an terkadang dijelaskan oleh fakta bahwa saat itu, karena istrinya yang sakit, Rembrandt banyak menghabiskan waktu di luar kota bersamanya. Seniman tersebut melukis potret yang relatif sedikit pada tahun 1640-an.
Saskia van Uylenburgh meninggal pada tahun 1642. Dia baru berusia tiga puluh tahun. Di peti mati dia tampak hidup...
Saat ini, Rembrandt sedang mengerjakan lukisan terkenal “The Night Watch”.
Museum Rumah Rembrandt
Museum Seni di Jodenbreestraat di Kawasan Yahudi Amsterdam. Museum ini dibuka pada tahun 1911 di rumah yang dibeli Rembrandt pada puncak ketenarannya pada tahun 1639 dan ditinggali sampai kebangkrutannya pada tahun 1656.
Selama hampir 20 tahun hidupnya (1639 hingga 1658) di jalan Jodenbrestraat, Rembrandt berhasil menciptakan banyak karya indah, menjadi terkenal, mengumpulkan koleksi lukisan unik dan barang langka dari seluruh dunia, memperoleh siswa, menyia-nyiakan kekayaan. istri pertamanya, kehilangan pelanggan utamanya, terlilit hutang dalam jumlah besar dan menghancurkan rumah tersebut.
Rembrandt juga harus menjual sebagian besar koleksi lukisan dan barang antiknya yang mewah, termasuk karya-karya hebat seniman Eropa, patung kaisar Romawi, dan bahkan baju perang Jepang, dan pindah ke rumah yang lebih sederhana. Setelah hidup lebih lama dari istri dan bahkan putranya sendiri, Rembrandt meninggal dalam kemiskinan dan kesepian.
Dua setengah abad kemudian, pada tahun 1911, atas perintah Ratu Wilhelmina, rumah itu diubah menjadi museum, yang, tidak seperti, misalnya, Museum Van Gogh, pada dasarnya bukanlah galeri seni, melainkan galeri seni yang telah dipugar. apartemen seniman hebat: dapur besar di lantai dasar, ruang penerima tamu, kamar tidur utama dan kamar tidur tamu ada di lantai kedua, ruangan terbesar di mansion - studio - ada di lantai ketiga, dan di loteng ada bengkel murid-muridnya.
Dimungkinkan untuk memulihkan interior dengan bantuan inventarisasi properti yang dibuat oleh notaris ketika semua properti seniman dijual di lelang, dan gambar oleh seniman itu sendiri, di mana ia menggambarkan rumahnya.
Di sini Anda dapat melihat barang-barang pribadinya, furnitur dari abad ke-17, dan pameran menarik lainnya, seperti mesin cetak yang indah atau barang langka di luar negeri.
Museum ini memamerkan hampir semua ukiran besar Rembrandt - 250 dari 280, potret diri seniman yang luar biasa, gambar yang menggambarkan orang tua, istri dan putranya Titus, pemandangan indah Amsterdam dan sekitarnya.
Bahkan toilet museum memerlukan perhatian khusus: di sana Anda dapat melihat gambar karya Rembrandt dengan tema yang sesuai: seorang wanita berjongkok di semak-semak dan seorang pria berdiri dengan pose khas tempat ini.
Tahun-tahun awal
Memahami dasar-dasarnya
Kembali
Lukisan
Pelanggan
Potret diri
Pelajaran anatomi
Potret Silvius
Danae yang cantik
Aplikasi
Tahun-tahun awal
Anak ajaib itu lahir pada tahun 1606, di kota Leiden, di rumah penggilingan Harmen van Rijn. Saat pembaptisan dia diberi nama Rembrandt yang agak langka. Meski keluarga tersebut sudah memiliki lima orang anak, kelahiran anak keenam itu tidak membuat kesal, melainkan menggembirakan para orang tua. Ayah dari keluarga tersebut adalah orang yang cukup kaya: selain penggilingan dan malthouse, dia memiliki dua rumah, dan dia mengambil mahar yang bagus untuk istrinya.
Anak laki-laki itu menghabiskan tahun-tahun pertamanya di pabrik asalnya, di tepi sungai Rhine (keluarganya mendapatkan nama keluarga mereka dari nama sungai ini). Dia mungkin memiliki kesempatan untuk mengamati sinar matahari lebih dari sekali ketika mereka, melewati jendela atap gudang penggilingan, menembus partikel-partikel kecil debu tepung dengan garis-garis emas. Mungkin pengalaman masa kecil ini mengajarinya efek magis cahaya dan bayangan yang kemudian mengabadikan namanya. Mengagumi ombak tenang sungai asalnya di malam hari, diterangi oleh matahari terbenam yang kuning, dan nuansa kabut transparan yang muncul dari permukaannya yang halus, Rembrandt untuk pertama kalinya menebak rahasia warna, yang hanya dia sendiri yang tahu bagaimana memberikannya pada lukisan. .
Seluruh suasana dan semangat keluarga burgher Belanda pada masa itu seharusnya berkembang dengan kuat, seluruh karakter, ceria dan ceria dalam kehidupan sehari-hari, tegas di saat musibah dan sedih. Dibesarkan dalam aturan agama yang ketat, orang Belanda mencari hiburan dan relaksasi dari kerja keras bersama keluarga dekat dan membaca Alkitab.
Bagi remaja yang cerdas, jalanan dan pasar di Leiden menyediakan tempat untuk observasi; di sini dia bertemu segala macam jenis, yang dia pindahkan ke kertas dengan tangan yang tidak kompeten. Seorang Persia berkulit gelap berhadapan dengan seorang Inggris berambut pirang. Orang-orang dari semua bangsa, karakter, ketentuan sosial lewat di depan mata penasaran anak laki-laki itu seperti gambar kaleidoskop yang berwarna-warni. Pinggiran kota, meski tidak terlalu indah, bukannya tanpa keindahan tersendiri.
Setelah menyelesaikan kursus di sekolah umum, kakak laki-laki Rembrandt magang di perajin. Pak tua Harmen bermaksud agar putra bungsunya melakukan aktivitas berbeda. Anak laki-laki tersebut bersekolah di sekolah Latin; kemudian ayahnya ingin memberinya akses ke universitas sehingga, setelah mencapai usia dewasa, “dapat memberikan manfaat bagi kota asal dan tanah airnya dengan pengetahuannya”.
Pandangan ayah Rembrandt ini tidak terkecuali. Dalam kebudayaan dan pendidikannya, serta dalam pengorganisasian sistem sosialnya, Belanda pada abad ke-17 lebih maju dibandingkan negara-negara Eropa lainnya sebanyak dua ratus tahun.
Orang Belanda menjunjung tinggi ilmu pengetahuan. Ketika masyarakat Leiden diminta memilih hadiah, mereka meminta didirikannya universitas di kota tersebut. Ketenarannya begitu besar sehingga penguasa asing menganggap belajar di sini adalah suatu kehormatan.
Rembrandt tidak begitu tertarik pada sains; dia tertarik pada lukisan. Begitu ayah Rembrandt menyadari kecenderungan putranya, dia segera memberinya kesempatan untuk mengikuti panggilannya.
Memahami dasar-dasarnya
Pada usia sekitar 16 tahun, pemuda itu memasuki guru pertamanya, kerabatnya Jacob van Swanenbuerch, seorang seniman, yang sekarang benar-benar terlupakan. Dalam tiga tahun, Rembrandt muda memperoleh keterampilan awal seninya. Kita tidak tahu bagaimana Van Swanenburch memperlakukan siswa muda tersebut, apa pengaruh moral dan estetika yang dia miliki terhadap pencipta The Anatomy Lesson di masa depan. Tahun-tahun pelajar pertama ini tidak meninggalkan jejak sedikit pun dalam sejarah masa itu. Dalam karya Rembrandt, pengaruh dua guru lainnya cukup terlihat - Joris van Schooten dan Jan Peinas.
Joris pernah menjadi pendiam pelukis terkenal naturalistik, arah nyata. Ia melukis potret wali kota, lukisan yang menggambarkan pertemuan berbagai perusahaan. Mungkin padanya Rembrandt berutang pengembangan kualitas-kualitas yang mengungkapkan semua ciptaannya; pemahaman halus tentang alam, keinginan untuk menggambarkan realitas sebagaimana adanya, kemampuan menyampaikan aliran kehidupan yang kuat di atas kanvas mati.
Jan Peynas menikmati reputasi sebagai pewarna yang luar biasa. Dipercayai bahwa Rembrandt mengadopsi darinya nada-nada hangat, meskipun agak suram, rentang warna yang kuat dan sekaligus lembut yang masih memberikan pesona yang tak tertahankan pada lukisan sang jenius. Bagaimanapun, pencahayaan Peynas sedikit mengingatkan pada pencahayaan Rembrandt.
Kemudian, selama enam bulan, seniman muda itu mendapati dirinya berada di bengkel pelukis Amsterdam Pieter Lastman, yang darinya ia belajar mengukir.
Kembali
Rembrandt yang berusia dua puluh tahun kembali ke kampung halamannya. Di sini dia melanjutkan studinya sendirian, hanya di bawah bimbingan kejeniusannya dan Ibu Pertiwi. Lukisan pertama yang sampai kepada kita berasal dari tahun 1627: salah satunya adalah “Rasul Petrus di Penjara”, yang lainnya adalah “Penukar Uang”. Ini adalah upaya masa muda, bukan hal yang menarik; namun pada gambar kedua, dalam cahaya luar biasa indah yang terpancar dari lilin, setengah tertutup oleh tangan penukar uang, kita sudah bisa mengenali masa depan Rembrandt.
Selain melukis, van Rijn muda juga rajin menekuni bidang seni pahat. Salah satu ukiran pertamanya adalah potret ibunya, bertanda tahun 1628. Jelas terlihat bahwa tangan yang penuh kasih mengerjakan ukiran ini. Selama era karir seninya ini, Rembrandt beberapa kali mengukir gambar ibunya. Cetakan yang paling luar biasa dikenal sebagai Ibu Berkerudung Hitam karya Rembrandt. Seorang wanita tua terhormat duduk di kursi di depan meja; tangannya, yang telah banyak bekerja sepanjang hidupnya, terlipat di atas lutut. Wajah mengungkapkan ketenangan yang hanya muncul dari kesadaran akan kehidupan yang dijalani dengan benar dan jujur, dipenuhi dengan kewajiban. Hasil akhir ukirannya sungguh menakjubkan: setiap kerutan, setiap urat rumit di tangan tua yang keriput penuh dengan kehidupan dan kebenaran.
Subjek observasi favorit Rembrandt adalah cerminan kehidupan batin dan spiritual seseorang di wajahnya. Dia tidak pernah melewatkan kesempatan untuk mereproduksi ekspresi seperti itu di atas kertas atau papan.
Benar, selama tahun-tahun ini (1627-1628) dia belum melukis potret-potret yang begitu dikagumi dan dikagumi oleh para pengagum dan penikmatnya. Oleh karena itu, selain dua potret sang ibu, hanya ada sedikit ukiran gambar sang seniman sendiri.
Dalam salah satu cetakan kita melihat seorang pemuda yang agak jelek wajah penuh dibingkai oleh rambut tebal. Namun ciri-cirinya memancarkan keceriaan, kekuatan percaya diri, dan sifat baik sehingga pasti menimbulkan simpati. Ukiran kedua bertajuk “Pria Beret yang Dipotong” memperlihatkan wajah yang sama, hanya dengan ekspresi ngeri: mata hampir keluar dari rongganya, mulut setengah terbuka, putaran kepala menandakan ketakutan yang hebat.
Rembrandt sering menggunakan wajahnya untuk membuat sketsa: ini adalah cara yang murah dan nyaman untuk berlatih: pengasuh tidak menuntut apa pun untuk karyanya dan dengan rela tunduk pada keinginan seniman. Konon sambil duduk di depan cermin, van Rijn muda memberikan fisiognominya ekspresi yang berbeda: marah, gembira, sedih, takjub - dan berusaha meniru wajahnya setepat mungkin. Sepanjang hidupnya, Rembrandt tidak menghentikan kebiasaan ini - di banyak museum di Eropa terdapat potret dirinya, di mana ia menggambarkan dirinya dalam usia yang berbeda dan dalam segala jenis kostum.
Lukisan
Ide meninggalkan sarang asalnya sudah lama matang di benak seniman muda itu. Kehidupan di kota provinsi kecil, dengan moral yang sederhana dan pandangan yang sempit, terlalu remeh dan sempit bagi jiwa kuat seorang anak laki-laki berusia dua puluh empat tahun. Dia ingin melihat cahaya, hidup di tengah kebisingan dan ruang kota besar, untuk berkembang dalam kebebasan. Dia memutuskan untuk pindah ke Amsterdam.
kota Tua sangat indah. Terbentang dalam kipas lebar di sepanjang tepian Sungai Amstel. dikelilingi oleh dacha yang elegan dan taman hijau. Ada banyak elemen yang menjadi bahan inspirasi, kerumunan beraneka ragam, beragam gambar, beragam pilihan jenis.
Di awal tahun 1631, dengan penuh harapan dan harapan, Rembrandt memulai hidup baru. Ketika, karena lelah bekerja, dia melemparkan palet dan kuasnya dan pergi berjalan-jalan di jalan-jalan dan alun-alun kota, Amsterdam membangkitkan dalam jiwa reseptifnya seribu kesan yang sampai sekarang tidak diketahui. Pusat peradaban ini tampak seperti Venesia kedua, hanya saja lebih hidup dan berisik, tanpa istana aristokrat yang suram, tanpa kanal-kanal senja kehijauan yang misterius dan birunya Laut Adriatik yang bersinar.
Benar-benar berbeda, meski tidak kalah gambar yang indah mewakili area perbelanjaan dan pelabuhan Amsterdam. Kapal-kapal yang tiba di sini menurunkan barang-barang dari seluruh dunia. Kain oriental terletak di sebelah cermin dan porselen; patung dan vas anggun Italia yang diputihkan latar belakang gelap Perabotan Nuremberg. Sayap warna-warni burung tropis dan burung beo berkilauan di bawah sinar matahari; monyet-monyet yang gesit membuat wajah di antara bal-bal. Semua kekacauan Babilonia yang berkaitan dengan kekayaan asing, semua kekacauan ini diredakan dengan berlimpahnya bunga. Harmoni dipulihkan berkat banyaknya eceng gondok, tulip, bakung, dan mawar yang dibawa oleh tukang kebun Harlem ke pasar setiap hari.
Pria muda itu menghabiskan waktu berjam-jam di toko-toko gelap dan selalu menjadi tamu yang disambut. Pemiliknya menemukan untuknya, di antara tumpukan segala jenis sampah, barang langka, senjata kaya, perhiasan kuno, pakaian mewah. Rembrandt bisa membeli semua ini dengan setengah harga. Seringkali selama kunjungan seperti itu, pelukis terkenal membuat sketsa atau mengukir wajah ekspresif salah satu anggota keluarga saudagar, yang membuatnya terpesona dengan keindahan atau orisinalitasnya.
Pelanggan
Lukisan dan ukiran Rembrandt mendapat pembeli lokal dan mulai merambah ke luar negeri. Dalam waktu yang sangat singkat, sang seniman berhasil mendapatkan kehidupan yang benar-benar nyaman untuk dirinya sendiri; dia mendapatkan begitu banyak uang sehingga dia bahkan bisa membeli dan mengumpulkan benda-benda langka dan mahal. Pada tahun 1631, Rembrandt melukis dua karya - "Candlemas" dan "The Holy Family". Yang terakhir ini memberikan kesan yang agak aneh. Kita tidak melihat tempat tinggal sederhana seorang tukang kayu Nazareth, tetapi sebuah kamar di rumah seorang pencuri kaya di Harlem atau Sardam. Perawan Suci adalah seorang wanita Belanda montok dan berbunga-bunga dengan kostum abad ke-17. Wajah bayi yang tertidur di pangkuannya juga merupakan tipe orang utara murni.
Segala sesuatu dalam gambar ini - baik latar maupun tipenya - bertentangan dengan konsep modern tentang kesetiaan sejarah dan kebenaran kehidupan. Namun ada baiknya melihat lebih dekat adegan keluarga ini, dan semua diskusi tentang teori seni memberi jalan pada perasaan kelembutan yang lemah lembut - ada begitu banyak puisi dan keindahan spiritual dalam kelompok ini yang berkumpul di dekat tempat lahir Juruselamat yang malang, rahmat yang naif. dalam pose seorang anak yang sedang tidur, begitu banyak cinta dan kelembutan dalam tatapannya ibu muda dan dalam senyumannya... St Yosef dengan rasa ingin tahu dan penuh perhatian mengintip ke dalam ciri-ciri bayi itu, seolah mengantisipasi jalan yang berduri, di mana dia harus berjalan. Seluruh cahaya dalam gambar terfokus pada sosok Yesus yang sedang tidur, hanya sinar-sinar individual yang menyinari dada dan leher Maria, melewati wajah Yusuf, dan di atas tempat tidur sederhana.
Setelah memilih suatu subjek, Rembrandt membenamkan dirinya di dalamnya, diilhami oleh detail terkecil, dan menjadikannya diskusi yang paling komprehensif. Biasanya draf pertama tidak memuaskannya. Dan Rembrandt, alih-alih mengubah dan mengulangi, malah meninggalkan cetakan yang rusak dan memulai dari awal lagi. Jadi, dari bawah kuas atau pahatnya, muncul reproduksi baru dan orisinal dengan tema yang sama. Sang seniman tidak mempercayakan pencetakan ukirannya kepada siapa pun: pada setiap cetakan ia menambahkan beberapa guratan pada gambarnya, menghasilkan efek baru, baik memperkuat atau melemahkan nada. Oleh karena itu, foto-foto dengan ukiran yang sama sering kali berbeda satu sama lain dalam detail-detail kecil. Bahkan dalam hal ini pekerjaan mekanis Kejeniusan Rembrandt terlihat.
Mungkin, di tahun-tahun awal seniman muda ini memiliki banyak waktu luang - ia melukis serangkaian potret diri. Namun karya-karya tersebut bukan lagi eksperimen pertama seorang siswa yang brilian, melainkan karya yang telah selesai seluruhnya.
Potret diri
Apa yang membuat Rembrandt begitu sering melukis citranya? Mungkin ia terdorong oleh keinginan yang sangat wajar dan wajar dari seseorang yang merasakan keunggulannya atas yang eksak, menyadari sesuatu yang luar biasa dalam jiwanya, untuk mewariskan penampilannya kepada keturunannya, keinginan untuk tidak hilang tanpa bekas, tidak seperti seorang seniman, tetapi sebagai pribadi? Mungkinkah ia ingin menarik perhatian para pecinta seni yang mengunjungi bengkelnya sehingga menambah jumlah pesanan?
Mengetahui karakter Rembrandt yang sederhana dan agak ceroboh daripada penuh perhitungan, orang tidak dapat berasumsi bahwa ia hanya didorong oleh kesombongan dan kepentingan pribadi. Sebaliknya, orang yang angkuh dan berkuasa seperti Rembrandt, yang bahkan demi makanan sehari-harinya di masa kemiskinan dan kebutuhan yang ekstrem, tidak mengkompromikan pandangan dan kebiasaannya, tidak bisa tunduk pada keinginan para pengasuh dan teladannya.
Dalam waktu yang sangat singkat, bengkelnya menjadi pusat dunia seni Amsterdam. Warga negara kaya terus-menerus berpaling kepadanya dengan perintah, meskipun faktanya, menurut orang-orang sezamannya, dia tidak hanya harus membayar banyak uang untuk pekerjaan itu, tetapi juga meminta dan memohon agar dia melakukannya.
Pelajaran anatomi
Setahun setelah pindah ke Amsterdam, Rembrandt menciptakan salah satu karya terbesarnya, The Anatomy Lesson. Jika pencipta “The Night Watch”, “The Descent from the Cross” dan lukisan luar biasa lainnya hanya menulis “Pelajaran” ini, itu sudah cukup untuk kejayaan salah satu pelukis pertama pada zaman itu.
Pada abad ke-17 di Belanda, di mana seni lukis berkembang pesat sejak awal Renaisans, para anggota perusahaan individu rela menugaskan potret kolektif. Para ahli bedah secara khusus menganut kebiasaan ini. Sebelum Reformasi, pembedahan terhambat di bawah pengaruh despotisme agama abad pertengahan. Baru pada pertengahan abad ke-16 dokter memperoleh hak untuk mempelajari spesialisasinya secara terbuka, tanpa takut akan hukuman atau penganiayaan. Hukum mengizinkan otopsi tubuh manusia untuk penelitian anatomi, diundangkan pada tahun 1555. Ruangan khusus dialokasikan untuk pembedahan dengan rantai ilmiah; mereka disebut teater anatomi.
Pada tahun 1632, departemen anatomi di Amsterdam ditempati oleh dokter dan ilmuwan Nicholas Tulp. Ingin menerima potretnya sebagai kenang-kenangan dari profesor tercinta mereka, anggota perusahaan ahli bedah meminta pelukis untuk melakukan pekerjaan ini. . Potret-potret seperti itu, menurut kebiasaan pada zamannya, dilukis sesuai dengan pola yang berlaku: setiap orang ditempatkan mengelilingi meja atau berdiri dalam satu barisan sehingga setiap wajah dapat terlihat sama oleh penonton.
Tapi rutinitas apa pun asing bagi kejeniusan. Hingga saat ini, belum ada satu pun saudaranya yang mencapai lukisan potret kealamian dan kebenaran tanpa usaha yang menakjubkan dalam Pelajaran Anatomi. Lukisan bergenre ini memberikan kesegaran, semangat dan kekuatan. Itu diciptakan tidak hanya oleh tangan seorang guru besar, tetapi juga seorang psikolog mendalam dan ahli jiwa manusia.
Dari ekspresi wajah dalam potret tersebut, mudah ditebak karakter setiap orang, hingga membaca perasaan dan pikiran yang menggairahkannya. Dokter Tulp berdiri di dekat mayat yang tergeletak di meja operasi. Ia mendemonstrasikan otot-otot lengannya yang telanjang, dan tanpa sadar, karena kebiasaan khas para ahli anatomi, ia menggerakkan jari-jarinya sendiri, seolah-olah membenarkan penjelasan tentang aktivitas otot-otot tersebut. Wajah dokter itu serius dan tenang; ia secara sadar dan percaya diri menyampaikan kepada pendengarnya kesimpulan-kesimpulan ilmiah yang sudah cukup jelas dan tidak dapat disangkal olehnya.
Tujuh ahli bedah berkerumun mengelilingi dosen dalam lingkaran yang rapat. Di latar depan, di samping Tulp, ada tiga orang muda. Salah satu dari mereka, yang tampaknya menderita rabun jauh, dengan cermat memeriksa otot-otot yang terbuka; yang kedua, seolah-olah terkejut dengan argumen sang profesor, mengangkat pandangannya ke arahnya; terakhir yang ketiga, mencoba mengamati gerakan tangan Tulp, mengikuti penjelasan dosen dengan seksama
Di belakang kelompok pertama ini ada empat ahli bedah lagi. Sedikit di belakang profesor, seorang pria paruh baya sedang rajin mencatat kuliahnya; tangannya berhenti di tengah kalimat: dia rupanya sedang mempertimbangkan bagaimana mengekspresikan pikirannya dengan lebih akurat. Di dekat meja, bersandar di atasnya dengan tangannya, seorang pemuda tampan berdiri setengah berbalik ke arah penonton. Dia seorang yang skeptis: ada senyum yang hampir mengejek di bibirnya. Di antara tokoh-tokoh lainnya, yang ekstrim penuh ekspresi: laki-laki tersebut sudah matang, mungkin banyak menemui kesulitan dan permasalahan yang belum terselesaikan dalam aktivitasnya sebagai dokter. Itu tertulis di profil: dengan mata tertuju pada Tulpa, sepertinya dia telah sepenuhnya berubah menjadi pendengaran, berusaha untuk tidak melewatkan satu kata pun.
Gambarnya dipenuhi dengan cerah dan pada saat yang bersamaan cahaya lembut: warna-warna gelap yang belakangan disukai Rembrandt tidak terlihat lagi. Penerangan ini seolah-olah melambangkan pancaran ilmu pengetahuan, mengusir segala kegelapan dan menembus ke sudut-sudut paling terpencil.
Selama hampir dua ratus tahun, “Pelajaran Anatomi” berlokasi di gedung tempat suara ilmu pengetahuan bebas pertama kali terdengar di Belanda yang merdeka. Pada tahun 182, Raja William I membeli mutiara sekolah Belanda ini seharga 32 ribu florin (Rembrandt hanya menerima 700 gulden) dan menyumbangkannya galeri seni di Den Haag.
Berita bahwa potret Tulpe dan para pendengarnya yang baru saja selesai telah diserahkan kepada pelanggan dan menghiasi dinding teater anatomi dengan cepat menyebar ke seluruh kota. Kerumunan orang yang penasaran mengepung penonton, bergegas mengagumi karya baru Rembrandt. Ketenarannya meningkat, dan seiring dengan itu, jumlah pesanan: setiap penduduk kota yang memiliki setidaknya sejumlah pendapatan ingin menerima potret karyanya, setidaknya diukir pada tembaga.
Potret Silvius
Salah satu orang pertama yang beralih ke artis adalah pengkhotbah terkenal Jan Cornelis Silvius pada waktu itu. Pada pertemuan pertama mereka, Rembrandt merasakan rasa hormat dan simpati yang mendalam kepada pendeta yang terhormat itu. Ia segera mulai bekerja di depo dan sangat rajin memenuhi pesanan.
Cetakan pertama segera tiba, tetapi tidak memuaskan seniman muda itu. Baginya, wajah teman barunya itu tampak terlalu dingin dan tidak bernyawa, sehingga dia tidak bisa menangkap kombinasi keseriusan dan kebaikan hati yang sangat dia sukai dari pendeta itu.
Saya harus mengambil alih depo lagi. Rembrandt memperkuat bayang-bayang: lebih banyak kehidupan muncul di wajah, menjadi lebih menonjol, tetapi kehalusan karya, integritas kesan menderita. Namun demikian, sang seniman memutuskan untuk menyerahkan karyanya kepada pelanggan: ia mengiriminya keempat cetakan dengan surat yang paling tulus. Orang tua itu sangat senang dengan potret itu. Dia tersentuh oleh kelembutan sang majikan, yang memberinya empat lembar, bukan satu. Terpesona oleh karakter pemuda yang ceria dan lincah, pengkhotbah yang tegas itu memperlakukannya dengan ramah dan memperkenalkannya ke dalam keluarga, di mana Rembrandt segera menjadi lelakinya sendiri. Di sini dia bertemu Saskia yang berusia dua belas tahun.
Danae yang cantik
Mitos tentang putri dongeng ini telah datang kepada kita dari masa lalu, dan kuas seniman hebat menciptakan salah satu kanvas paling puitis dalam seni lukis dunia berdasarkan plot ini.
Peramal Yunani meramalkan kepada Raja Acrisius bahwa dia akan mati di tangan cucunya. Raja, yang takut mati, setelah mendengar ramalan tragis tersebut, memutuskan untuk memenjarakan putri satu-satunya, Danae, di sebuah menara, dan menempatkan anjing paling ganas di kerajaan untuk menjaganya. Tapi Zeus yang kuat melihat gadis itu, jatuh cinta padanya dan, berubah menjadi hujan emas, memasuki ruang bawah tanah...
Aliran warna emas yang gembira menyinari sosok Danae yang telanjang. Gadis itu sedang menunggu kekasihnya, bersukacita dan pada saat yang sama malu di depan Zeus, dia mengulurkan tangan untuk bertemu cinta, dan di matanya ada panggilan, firasat kebahagiaan... Ketelanjangan yang begitu sempurna tubuh wanita, penuh hormat, hangat, hidup dan indah, hanya bisa ditulis oleh orang yang dibutakan oleh cinta.
Gambar ini adalah himne untuk masa muda dan kecantikan, himne untuk Wanita. Melihat kanvasnya, Anda mulai memahami betapa cantik dan abadinya Wanita dan Cinta. Namun hanya sedikit orang yang mengetahui betapa rumit dan dramatisnya nasib lukisan tersebut serta nasib sang jenius yang melukisnya...
1631 Amsterdam. Rembrandt van Rijn muda yang masih belum dikenal berkeliaran di jalanan berbatu di ibu kota. Dia baru berusia dua puluh lima tahun, dan dia diliputi oleh ambisi masa muda - putra penggilingan Leiden, Harmen van Rijn, bersekolah di sekolah master Leiden Swaneburg dan Lyman dan bermimpi untuk menaklukkan ibu kota, sudah melihat kerumunan penggemar yang antusias di sekolahnya. kaki.
Anehnya, dia berhasil, meski tidak langsung. Pada awalnya, pesanan tidak datang - orang kaya tidak mau dan tidak suka membuang-buang uang, karena di Amsterdam belum ada yang mengenal Rembrandt. Namun situasinya tiba-tiba berubah. Hanya butuh satu tahun bagi orang-orang untuk mulai mengagumi artis muda tersebut.
Pada tahun 1632, ia memamerkan lukisan barunya “Pelajaran Anatomi Dokter Tulpe”, yang memberinya kesuksesan nyata! Seketika Rembrandt menjadi artis modis- sekarang dia tidak kekurangan pelanggan, dan di antara mereka ada banyak orang yang cukup kaya dan berpengaruh.
Semuanya berjalan sangat baik: masa muda, kesuksesan, uang, dan keinginan gigih untuk menarik...
Suatu hari Rembrandt diundang ke rumah pedagang lukisan Hendrik van Uylenburgh.
Di tengah kerumunan anak muda yang berisik dan ceria, dia melihat orang yang selalu menyentuh hatinya - Saskia muda, sepupu Hendrik.
Meskipun Saskia bukanlah cantik dalam arti sebenarnya – leher pendek, mata kecil, pipi tembem, namun cara berkomunikasinya dengan orang lain, suaranya yang lembut dan merdu, serta masa mudanya yang segar dan menawan membuatnya luar biasa menawan dalam penampilan. mata anak muda. Selain itu, Rembrandt terpesona oleh kecerdasan dan keaktifannya, dan dia mulai merayu gadis itu secara intensif; terlebih lagi, dia berasal dari keluarga yang sangat kaya, di antara kerabatnya ada pejabat tinggi dan pendeta, pedagang dan pemilik kapal.
Kemudian terjadi beberapa pertemuan lagi di kalangan kelas atas Amsterdam, dan Rembrandt akhirnya menentukan pilihannya. Dia tidak bisa lagi membayangkan dirinya tanpa gadis ini. Sang seniman mengajukan lamaran resmi kepadanya, yang diterima dengan senang hati, dan pada tahun 1634 kaum muda tersebut menikah secara sah.
Ini adalah cara yang paling banyak tahun-tahun bahagia kehidupan Rembrandt. Saskia tidak hanya memberikan suaminya cinta tanpa pamrih, tetapi juga membawa mahar yang signifikan dan memperkenalkannya ke kalangan tertinggi di kalangan burgher Amsterdam.
Pesanan mengalir satu demi satu, nama Rembrandt disebut-sebut dengan kekaguman di hampir setiap rumah, dan pada saat itu dia sendiri sudah menjadi pria yang cukup kaya dan dapat mengelilingi istrinya dengan kecemerlangan dan kemewahan - dia membelikannya gaun mahal, perhiasan dan melakukan segalanya agar keluarga Saskia tidak menganggap pernikahan mereka tidak setara.
Tidak ada arsip yang disimpan tentang kehidupan keluarga mereka - tidak ada buku harian, tidak ada catatan, tidak ada surat satu sama lain, tidak ada laporan saksi mata, tetapi fakta bahwa itu dipenuhi dengan kebahagiaan dibuktikan dengan banyak potret, gambar dan ukiran yang dibuat oleh Rembrandt.
Uang memungkinkan suami muda itu untuk tidak berhemat, dan dia dengan antusias mulai mengumpulkan di rumahnya berbagai macam barang antik langka, lukisan, ukiran, lukisan, karpet, vas Jepang - apa pun yang tidak ada dalam koleksinya.
Tapi, tentu saja harta utama Rembrandt adalah Saskia. Dan dialah yang menginspirasi sang seniman untuk menciptakan salah satu karya terbaiknya - kreasi “Danae”.
Ada begitu banyak hal pribadi, begitu banyak cinta dan kejujuran dalam lukisan ini sehingga sang seniman memutuskan untuk tidak pernah menjual lukisan ini - lagipula, itu adalah simbol cinta mereka yang tak terbatas dan kebahagiaan mereka yang luar biasa.
Namun kebahagiaan itu ternyata berumur pendek, pada suatu saat rejeki berpaling dari keluarga, dan serangkaian peristiwa tragis pun dimulai; pada awal tahun 1636, putra pertama Rumbartus yang baru lahir meninggal, kemudian nasib menyedihkan yang sama menimpa dua putri yang lahir satu demi satu,
Duka menguasai rumah: sulit untuk menggambar, sulit untuk melihat Saskia yang terus-menerus menangis, tetapi Saskia tetap terkasih dan sayang, uang berangsur-angsur mengalir. Namun keyakinannya tetap bahwa suatu hari nanti kebahagiaan akan kembali ke rumah, dan Tuhan akan mengasihani mereka.
Begitulah yang terjadi: Saskia hamil lagi dan pada tahun 1641, akhirnya melahirkan seorang anak yang sehat - seorang putra, Titus.
Ayah yang bahagia mendapatkan kembali keinginan untuk mencipta, dan selama periode ini serangkaian gambar muncul, serta lukisan terkenal - Saskia, setelah melahirkan, bermain di tempat tidur bersama Titus.
Sang seniman terpesona dengan tema ini – tema ibu dan anak.
Tampaknya segalanya menjadi lebih baik, keberuntungan kembali berpihak padanya, tetapi sekali lagi kebahagiaan tidak bertahan lama - seringnya melahirkan merusak kesehatan Saskia, dia mulai sakit-sakitan, hampir tidak bangun dari tempat tidur, dan sembilan bulan setelah kelahirannya Nak, wanita muda itu meninggal. Dia baru berusia tiga puluh tahun!
Rembrandt mengalami depresi berat - lagipula, Saskia membawa serta semua warna dunia.
Tetapi suatu hari, ketika artis itu sedang duduk di studionya, dan jiwanya sangat sedih dan sakit, dia mendengar seseorang suara perempuan:
Minumlah tuan, Anda akan segera merasa lebih baik.
Di depannya berdiri pengasuh Titus, yang dipekerjakan Saskia semasa hidupnya. Dan Rembrandt, secara tak terduga untuk dirinya sendiri, tiba-tiba merasa bahwa dia menyukai wanita ini - jantungnya mulai berdebar kencang, seperti saat bertemu dengan Saskia.
Geertje Dirks, janda pemain terompet kapal, adalah seorang wanita muda, sehat dan cukup menarik, dan bukannya tanpa kelicikan. Lambat laun, dia dengan tegas memerintah tidak hanya di kamar tidur pemiliknya, tetapi juga mengambil semua kekuasaan di rumahnya.
Geertje sama sekali tidak seperti bangsawan Saskia - dia adalah seorang wanita rakyat, yang di dalamnya nafsu duniawi sedang bergolak. Tapi Rembrandt sepertinya menyukainya. Geertje semakin sering tampil di kanvasnya, dan telanjang. Dagingnya yang subur, padat, dan duniawi memenuhi kanvas dengan sensualitas dan nafsu.
Dan saatnya tiba ketika Rembrandt memutuskan untuk menulis ulang “Danae”. Pada lukisan sebelumnya, Danae dibalut dengan kain linen terbaik - lagi pula, sang seniman berpose untuk kekasihnya, begitu lembut dan murni, Saskia, dan ia tidak ingin orang lain selain dirinya mengagumi keindahan tubuhnya. Tapi Gertier yang sederhana dan kasar, yang berhasil membangkitkan nafsu duniawi dalam dirinya, bisa saja terlihat di mata orang asing.
Beginilah cara Danae baru lahir di kanvas Rembrandt - siap untuk belaian dan permainan cinta, sensual, bersemangat, dia menunggu kekasihnya, ingin memberinya semua kesenangan duniawi. Dan Danae baru ini memiliki fitur wajah Gertje (Saskia tidak bisa terlalu seksual).
Tahun-tahun berlalu. Rembrandt banyak bekerja. Putranya Titus sedang tumbuh dewasa. Dan Gertje, yang menjadi gemuk karena makanan tuannya, merasa seperti simpanan penuh dan tersiksa hanya oleh satu pikiran - mengapa pemiliknya tidak menikahinya? Dia memberikan seluruh hidupnya kepada Rembrandt, dan dia tampaknya tidak berniat memanggilnya istrinya.
Segera sang seniman dipanggil ke “Kamar Pertengkaran Keluarga” (lembaga semacam itu ada di Amsterdam pada abad ke-17) dan diperintahkan untuk membayar Ny. Dirks 200 gulden setiap tahunnya. Saat itu, jumlahnya cukup besar, namun Rembrandt siap melakukan apa saja hanya untuk menyingkirkan wanita keji dan memalukan itu. Semua perasaan lembut padanya telah lama berlalu, terutama sejak seorang pelayan baru muncul di rumah - Hendrikje Stoffels, putri seorang tentara yang bertugas di perbatasan dengan Westphalia. Dia ternyata seorang yang sederhana, manis, baik hati, dan tak lama kemudian gadis pendiam dan berbakti ini tidak hanya memenangkan hati sang artis, tetapi juga semua orang di rumah.
Rembrandt dengan tulus jatuh cinta padanya dan untuk pertama kalinya setelah Saskia ingin melegitimasi hubungan tersebut. Namun sayangnya, hal tersebut tidak mungkin - sesuai dengan ketentuan wasiat Saskia, setelah menikah, ia kehilangan hak untuk mengelola harta benda putranya Titus dan menggunakan penghasilannya.
Namun Hendrikje tidak mengharapkan atau menuntut apapun, yang utama adalah mereka bersama, dan dia dapat memberikan masa muda, kedamaian dan kebahagiaan kepada Rembrandt, dan pada tahun 1654, putrinya, Cornelia kesayangannya.
Rembrandt tidak tetap berhutang, meskipun dia tidak bisa menghujani kekasihnya dengan perhiasan atau uang - jumlahnya semakin berkurang di tahun-tahun ini, tetapi dia melukis galeri potretnya yang menakjubkan.
Dan suatu hari, pada suatu malam yang tenang dan tenang, ketika mereka sedang duduk di studio dan membicarakan sesuatu, dia tiba-tiba berdiri dengan tiba-tiba, berjalan ke arah “Danae” dan, melirik ke arahnya, mengambil cat dan kuas, segera memberikan putri dongeng menampilkan Hendrickje.
Beginilah versi ketiga dari lukisan misterius dan indah ini muncul.
Sementara itu, masyarakat Amsterdam bergolak - warga burgher marah dengan cara hidup yang sudah lama terjadi artis terkenal. Pembantunya, seorang pelacur dan pezinah, tinggal bersamanya dalam dosa! Namun skandal sebenarnya meletus setelah tersebar rumor bahwa Hendrickje yang sedang hamil berpose untuk seniman lukisan Bathing Batsyeba.
Gadis itu dipanggil ke konsistori Calvinian dan menuntut untuk meninggalkan artis tersebut, jika tidak, mengancam akan mengucilkannya.
Sekarang sulit untuk membayangkan apa artinya pengucilan seorang wanita muda dari komuni malam - sungguh memalukan.
Tetapi Hendrikje, meskipun wataknya pendiam dan lentur, menolak dengan tajam - lagipula, tidak ada yang bisa menandingi cintanya yang tak terbatas, dan dia masih terus tinggal bersama Rembrandt.
Keluarga itu mengalami masa-masa sulit. Tahun-tahun makmur dan berkecukupan sudah berlalu, tidak ada lagi yang membeli lukisan Rembrandt, dan lambat laun ia harus menjual semua harta karun - karpet, senjata, vas, lukisan yang ia kumpulkan dengan penuh cinta.
Pada tahun 1656, Rembrandt akhirnya dinyatakan bangkrut. “Inventarisasi lukisan, furnitur, dan peralatan rumah tangga milik Rembrandt van Rijn, yang tinggal di Breestraat dekat St. Anthony's Lock,” petugas pajak dengan cermat menggambarkan properti Rembrandt. Dalam salah satu paragraf inventaris, di samping kulit singa dan singa betina serta dua gaun warna-warni, tertulis “lukisan besar Danaë”.
Kanvas, yang tidak pernah dipisahkan oleh sang seniman, jatuh ke tangan orang lain yang acuh tak acuh.
Dan kemudian keluarga tersebut kehilangan rumah mereka - dibeli oleh tetangga pembuat sepatu - dan pindah ke salah satu daerah termiskin di Amsterdam.
Nasib buruk dan kerugian terus menghantui mereka. Tidak dapat menahan cobaan hidup yang sulit ini, Hendrickje meninggal pada tahun 1663, diikuti oleh Titus - dia baru saja menikah dengan Magdalena van Lo yang menawan, yang tidak dapat hidup tanpa suaminya dan tidak dapat bertahan lama.
Setiap orang yang dicintai Rembrandt meninggalkan artis tersebut, hanya menyisakan dua gadis - putri Cornelia dan cucu perempuan kecil Titia.
Waktu terus bergerak maju, dan kesehatan juga semakin menjauh. Rembrandt melemah, hidup dalam kemiskinan dan penghinaan yang parah. Namun semakin keras nasibnya, semakin banyak kebijaksanaan dan kedalaman seni yang diperolehnya.
Kematiannya tidak membangkitkan minat apa pun di Amsterdam - bayangkan saja, ada banyak seniman seperti itu di Belanda yang lukisannya bahkan dijual di pasar bersama dengan hewan buruan, daging, dan ikan!
Dan tak seorang pun mengira bahwa negara ini telah kehilangan salah satu putra terhebatnya...
Bagaimana dengan "Danae"? Di tangan siapa kanvas paling dicintai Rembrandt jatuh?
Setelah berganti beberapa pemilik, pada awal abad ke-17 ia menjadi koleksi bankir Prancis Pierre Croz, dan setelah kematiannya diwarisi oleh keponakannya Baron Thiers, dan baru pada tahun 1770 dijual. Di antara pemilik baru harta karun Crozat adalah Permaisuri Rusia Catherine II, yang mengumpulkan koleksi lukisannya dengan sangat antusias.
Akhirnya, "Danae" menemukan tempat yang layak untuk dirinya sendiri - di aula Hermitage. Sesampainya di sini, dia langsung menimbulkan perdebatan sengit; dimana pancuran emasnya, kenapa dewa asmara kecil menangis di tempat tidurnya, kenapa ada cincin di jari tangan kirinya? Kalau begitu, itu sama sekali bukan Danae! Atau mungkin Delilah menunggu Simson, atau Hagar yang alkitabiah?
Semua pertanyaan terhenti baru-baru ini, ketika mahakarya Rembrandt dipelajari menggunakan sinar-X. Setelah menerangi kanvas, para ilmuwan yang takjub melihat lukisan lain di bawah satu lukisan! Pada versi pertama, Saskia digambarkan dengan cincin di jarinya, sebagaimana layaknya seorang wanita yang sudah menikah, dan tubuhnya ditutupi kerudung tipis. Artis merobeknya ketika Geertje Dirks muncul, mungkin itulah sebabnya dewa asmara kecil itu menangis, berduka atas kehilangan cintanya dan Saskia yang luar biasa.
Namun ceritanya tidak berakhir di situ. Pada suatu hari Sabtu yang cerah, 15 Juli 1985, pemuda Brunas Meigis, yang tiba di Leningrad dari Kaunas, pergi ke Hermitage dan segera menuju ruang Rembrandt. Mendekati "Danae", dia mengeluarkan pisau dan berteriak "Kebebasan bagi Lituania!" menyerangnya. Setelah memotong lukisan itu, ia pun menuangkan satu liter asam sulfat ke atasnya. Karyawan museum yang terkejut tercengang - hal seperti ini belum pernah terjadi di museum! Perusak gila itu ditangkap, dan selama interogasi dia mengatakan bahwa dia telah membaca sebuah artikel di majalah Ogonyok bahwa ini adalah “lukisan utama di museum utama Soviet.” Dalam kesadaran orang Lituania yang menyimpang, mahakarya Rembrandt berubah menjadi semacam simbol kekaisaran Rusia, yang menindas orang Lituania.
Saat polisi membawa Maygis keluar dari Hermitage, staf museum menyaksikan dengan ngeri aliran asam mengalir melintasi lukisan, merusak lapisan cat dan kanvas. Pemulih dan ahli kimia terbaik di kota segera dipanggil. Lukisan yang dimutilasi itu dibawa ke laboratorium, dicuci dan mereka mulai memikirkan apa yang harus dilakukan dengannya - lagi pula, asamnya meninggalkan lekukan yang mengerikan, selain itu, paha dan perut Danae dipotong dengan pisau.
Sebagai hasil dari perdebatan sengit, kami mencapai solusi kompromi - apa yang rusak total tidak boleh dipulihkan, dan apa yang bisa dipulihkan harus dipulihkan. Dan para pemulih berhasil menyelamatkan lukisan itu setelah aksi vandalisme gila-gilaan tersebut.
Mahakarya Rembrandt masih menyenangkan pengunjung Hermitage, dan setiap orang, yang mendekatinya, kembali merasa terpesona kecantikan wanita dan indahnya menunggu keajaiban. Dan, tentu saja, dia mengagumi kepiawaian seniman besar Belanda Rembrandt von Rijn, yang hari jadinya yang ke-400 dirayakan tahun lalu oleh semua penikmat seni abadi.
Halo, para pembaca yang budiman! Artikel “Rembrandt: biografi, kreativitas, fakta, dan video” berkisah tentang kehidupan seniman Belanda, ahli chiaroscuro yang hebat, perwakilan terbesar Zaman Keemasan seni lukis Belanda.
Biografi Rembrandt
Rembrandt Harmensz van Rijn lahir pada pertengahan musim panas 1606 di Leiden, dalam keluarga seorang penggilingan yang cukup kaya. Nama keluarga “van Rijn” berarti “dari Sungai Rhine”, di sinilah pabrik milik keluarga tersebut berada.
Ibu Cornelia adalah putri seorang pembuat roti. Ayah dan ibu seumuran dan setara dalam status sosial. Mungkin inilah alasan mengapa kedamaian dan ketenangan merajai keluarga. Meski rumahnya tidak bisa dibilang sepi, karena belasan anak tomboi tumbuh besar di sini. Yang kesembilan adalah Rembrandt.
Orang tua bekerja keras sepanjang hidup mereka untuk membesarkan anak-anak mereka. Ayahnya meninggal pada usia 62 tahun, dan ibunya meninggalkannya sepuluh tahun. Tiga saudara laki-laki artis menjadi penggilingan, dan Rembrandt adalah satu-satunya yang mengenyam pendidikan.
Seorang remaja berusia 13 tahun berhasil lulus ujiannya di Universitas Leiden. Karena studinya, ia menerima penangguhan dari wajib militer menjadi tentara. Pada saat yang sama dia mulai menggambar.
Potret diri Rembrandt pada usia 23
Johannes Orpers, walikota Leiden, mencurahkan beberapa baris tentang kehidupan Rembrandt dalam salah satu bukunya, yang diterbitkan pada tahun 1641. Itu adalah biografi singkat tentang artis tersebut. Dari situ kita mengetahui bahwa pada awalnya Rembrandt belajar dengan Jacob van Swanenburch selama kurang lebih tiga tahun.
Dan pada tahun 1624 ia pergi ke Amsterdam selama enam bulan - ke pelukis lukisan sejarah P. Lastman. Pada tahun 1625, sang pelukis kembali ke tanah airnya dan menemukan teman baiknya di Jan Lievens. Selama beberapa tahun mereka menciptakan kreasi mereka bersama-sama, dan terkadang lukisan mereka sangat mirip sehingga hampir mustahil untuk mengidentifikasi penulisnya.
Amsterdam
Pada bulan Januari 1632 Rembrandt pindah ke Amsterdam. Selama tiga dekade, populasi kota ini meningkat tiga kali lipat dan mencapai 150 ribu. Pelukis itu beralasan bahwa karirnya akan seperti ini kota besar akan naik lebih cepat.
Dia biasa menulis karya-karya kecil tentang tema dan potret keagamaan. Di Amsterdam dia mengerjakan pesanan dalam jumlah besar dan segera meraih popularitas. Selama kurang lebih dua tahun, Rembrandt tinggal bersama Hendrik van Uylenburch, seorang pedagang seni. Dia berteman dengannya segera setelah kedatangannya.
Saskia
Pada musim panas 1634, sang artis menikah dengan sepupu Eulenburch, Saskia. Dia seorang yatim piatu, namun mempunyai warisan yang baik. Rembrandt pun berhasil menjadi pelukis terkemuka saat ini.
Orang-orang muda sedang jatuh cinta. Mereka tinggal di rumah Eulenbürch selama beberapa bulan, dan kemudian membeli rumah baru yang megah untuk keluarga mereka.
“Saskia sebagai Flora” - lukisan karya Rembrandt, 1634
Selama 5 tahun, Saskia melahirkan tiga orang anak, namun mereka meninggal saat masih bayi. Pada tahun 1641 ia melahirkan anak keempatnya. Itu adalah seorang anak laki-laki yang diberi nama Titus oleh orang tuanya. Putranya masih hidup, tetapi dokter tidak dapat menyelamatkan ibunya, Saskia, 29 tahun.
Saat ini, Rembrandt sedang mengerjakan penyelesaian lukisan terkenal “The Night Watch”. Namun hidupnya menyedihkan. Ia sangat sedih atas kematian mendadak istri tercintanya dan tidak bisa bekerja dalam waktu lama, selalu memikirkan kembali tragedi tersebut.
"Jaga malam". 1642. Minyak di atas kanvas. 363 × 437 cm
Dia mendapat banyak pesanan untuk potret seremonial. Namun karena terus-menerus menunda pengerjaannya, dia dengan cepat kehilangan pelanggan. Mereka memilih untuk tidak menunggu hingga Rembrandt akhirnya mengambil kuas ajaibnya, melainkan memberi perintah kepada seniman lain.
"Danae" (1636-1647). Rembrandt mengerjakan lukisan itu selama 11 tahun!
Hendrikje Stoffels
Sang seniman bekerja dengan penuh inspirasi pada kanvas, terutama berdasarkan subjek alkitabiah. Di saat-saat sulit, Rembrandt kerap beralih ke agama, namun ia juga harus memikirkan putranya yang masih sangat muda.
Dia terpaksa mempekerjakan seorang pengasuh, Gertje Dirks. Geertje menuduh artis tersebut mengingkari janjinya untuk menikahinya. Insiden ini telah diselesaikan - artis harus membayar. Ada banyak sidang pengadilan. Akibatnya, dia dinyatakan salah dan dijatuhi hukuman 5 tahun.
Hendrikje Stoffels (1655)
Tiga tahun kemudian, Rembrandt terlibat dengan pembantu mudanya Hendrikje Stoffels. Hendrikje melahirkan seorang putra, yang meninggal saat masih bayi, dan seorang putri, Cornelia. Rupanya, nama anak perempuan itu diambil dari nama ibu majikannya.
Situasi keuangan pelukis itu menyedihkan. Dia praktis tidak menerima pesanan potret seremonial dengan bayaran tinggi, tetapi dia menghabiskan banyak uang untuk koleksinya. Ada lukisan dari zaman Renaisans, senjata, patung, kostum kuno, benda-benda antik oriental...
Tahun-tahun terakhir kehidupan
Pada tahun 1652 - 1654. Belanda mengobarkan perang dengan Inggris, yang menghabiskan seluruh kas negara. Perdagangan hampir terhenti, yang langsung mempengaruhi nilai karya seni. Rembrandt menjual sebagian dari koleksinya, tetapi ini tidak membantu.
Pada tahun 1656, Rembrandt tidak mampu lagi membayar seluruh hutangnya yang menumpuk dan hampir masuk penjara. Dia berhasil menghindari hal ini dengan bantuan apa yang disebut operasi “pengalihan utang”. Sang seniman membuktikan bahwa utangnya menumpuk karena suatu alasan obyektif.
Seniman tersebut menjual properti tersebut dan diizinkan untuk tinggal di rumah yang sebelumnya dimilikinya hingga tahun 1660. Setelah itu, Rembrandt menyewa apartemen murah di beberapa kawasan kota miskin.
Potret Titus, putra Rembrandt, 1657.
Titus sudah dewasa dan dia serta ibu tirinya mendirikan perusahaan yang menjual karya seni. Namun Rembrant tidak pernah mampu melunasi seluruh utangnya, meskipun semua orang di kota menghormatinya. Pada tahun 1661 - 1662 Rembrandt ditawari dua komisi dengan bayaran tinggi: kanvas “The Conspiracy of Julius Civilis” dan potret “Syndicas” untuk serikat pembuat pakaian.
Tahun-tahun terakhir pelukis itu menyedihkan. Pada tahun 1663 Hendrickje meninggal, disusul Titus dan menantunya. Pada tanggal 4 Oktober 1669, Rembrandt Harmensz van Rijn sendiri, salah satunya pelukis terhebat. Dia berusia 63 tahun.
Video ini berisi informasi tambahan menarik “Rembrandt: biografi”
Untuk Anda - film “Rembrandt”↓ yang disutradarai oleh Alexander Korda. Dirilis pada tahun 1936.
Selama hidupnya, Rembrandt membuat sekitar delapan puluh potret diri - lukisan, ukiran, dan gambar. Periode awal kreativitas, subjek Perjanjian Lama dan Baru, “Night Watch” sebagai gambaran Republik Belanda. Masa kreativitas yang matang. "Keluarga Suci"
karya Rembrandt
1. Potret diri
Selama hidupnya, Rembrandt membuat sekitar delapan puluh potret diri - lukisan, ukiran, dan gambar. Baginya itu semacam otobiografi, meski potretnya kemudian dijual. Salah satu yang pertama adalah “Potret Diri” dari Amsterdam Rijksmuseum, di mana seorang pelukis berusia dua puluh dua tahun yang acak-acakan menatap wajahnya, mencoba menyampaikan, dengan bantuan chiaroscuro, kesadaran pertamanya yang terbangun akan dirinya sebagai seorang seniman. .
Beras. 1. "Potret diri" sekitar tahun 1628
Dalam potret diri tahun 1629, sinar terang menyinari wajah tak berjanggut dan penuh rasa ingin tahu, dengan kerah renda. Namun potret diri dari tahun yang sama, yang disimpan di Den Haag, lebih resmi. Dalam lukisan kecil “The Artist in His Studio” (1629), yang telah lama dikaitkan dengan Gerrit Dou, kita melihat studio Leiden karya Rembrandt, dengan meja, kuda-kuda, palet, dan mortar untuk menggosok cat. Sang seniman menggambarkan dirinya sangat jauh dari lukisannya, seolah ingin membuat pemirsanya merasakan bagaimana dia sendiri melihat dan memahami lukisan itu.
Dalam potret yang lebih dewasa, terkadang jiwa sang seniman diekspresikan, dan terkadang pakaiannya ditulis dengan cermat. Potret Diri tahun 1640, sebuah lukisan dengan kehalusan dan harmoni yang luar biasa, menggambarkan Rembrandt yang berusia tiga puluh empat tahun, yang telah mengambil posisi kuat di Amsterdam. Titik referensi sang seniman adalah “Potret Seorang Bangsawan” karya Titian, yang sekarang disimpan di London, tetapi pada waktu itu merupakan koleksi teman Rembrandt, seorang Yahudi Portugis Alfonso Lopez, dan “Potret Baldassar Castiglione” karya Raphael. Dalam pemulihan hubungan dengan para empu Italia, seseorang merasakan tantangan dari pihak Rembrandt, seolah-olah menekankan kedekatan spiritualnya dengan para pendahulunya yang hebat dengan pakaian yang tidak biasa pada abad ke-16. Dia melukis dirinya sendiri dalam kostum, sesuai dengan kebiasaan bengkelnya, di mana berbagai macam pakaian untuk model disimpan, tercantum dalam inventaris - “Potret Diri” tahun 1658 dari Koleksi Frick New York. Namun ia juga suka menggambarkan dirinya dalam pakaian seorang pedagang Amsterdam dengan rantai, liontin dan hiasan bulu, atau seorang seniman yang sadar akan peran dan posisinya dalam masyarakat, seperti dalam Potret Diri di Kuda-kuda (1660) atau potret diri lainnya. dengan palet dan kuas dari London Kenwood House, - pakaian sederhana, baret putih sederhana di kepala, berkemauan keras, ekspresi cerdas wajah keriput. Dan penampilannya yang angkuh, bangga dan menjadi sangat lelah dalam beberapa tahun terakhir, dibayangi oleh kesulitan materi dan masalah keluarga.
Beras. 2. "Potret diri" 1660
Potret Diri Cologne yang tidak biasa, dilukis sekitar tahun 1665, ekspresif dan tidak memihak, menunjukkan Rembrandt masih mampu tersenyum. Dua potret diri terakhir tahun 1669, disimpan di London dan Den Haag, satu dengan tangan terlipat, yang lain dengan sorban warna-warni di atas rambut abu-abu panjang, menyampaikan kepahitan dan kekecewaan seorang pria yang disingkirkan oleh mantan muridnya. , seorang pria pada tahun 1641 yang dianggap sebagai “salah satu pelukis paling terkemuka pada masanya”.
2. Masa awal kreativitas
Rembrandt memulai perjalanannya di Leidan - karya independen pertamanya dimulai pada pertengahan tahun 20-an; dari tahun 1632 hingga akhir hayatnya, Rembrandt bekerja di Amsterdam - utama pusat seni negara. Paruh kedua tahun 20-an dan 30-an adalah masa ketika Rembrandt mencari jalannya dan metode kreatif.
Rembrandt mempelajari realitas, berusaha menguasai berbagai aspeknya (dibuktikan dengan gambar-gambarnya), namun minat utamanya adalah pada karakter individu manusia dan keragaman manifestasi kehidupan spiritual.
Perhatian pada kehidupan batin seseorang ditentukan oleh orisinalitasnya dan yang pertama lukisan plot Rembrandt (Tobias dan istrinya", 1625 - 1626, "Rasul Paulus di Penjara", 1627). Penekanan pada pengalaman psikologis suatu peristiwa, yang ingin dilihat Rembrandt melalui mata para partisipannya, secara khusus diungkapkan dalam “Christ at Emmaus” (c. 1629). Artis menunjukkan reaksi karakter - kegembiraan, ketakutan, keterkejutan. Namun, seperti pada potret diri awal, pengaruh emosional masih jelas dan dipaksakan, pose dan gerak tubuh terlalu demonstratif.
Dalam karya-karya akhir tahun 20-an dan awal tahun 30-an, peran cahaya sebagai sarana untuk meningkatkan ekspresi emosional suatu adegan sudah terungkap. Dalam "Apostle Paul" pencahayaannya menekankan suasana hati sang pahlawan. Dalam “Kristus di Emaus” kontras cahaya dan bayangan menyampaikan perasaan yang tiba-tiba dan kuat yang mencengkeram para rasul.
Lukisan sejarah, bersama dengan potret, menjadi bidang utama karya Rembrandt. Plot Perjanjian Lama dan Baru memungkinkan untuk memberikan konten karya skala kiasan, dan maknanya - karakter generalisasi. Beralih ke tema-tema keagamaan dan mitologi tidak berarti bagi Rembrandt penolakan terhadap kebenaran gambar yang hidup, sebaliknya, ia menetapkan tujuannya untuk menggabungkan yang nyata, duniawi, konkret dengan semangat luhur dan makna universal yang terkandung di dalamnya; legenda.
Pada saat yang sama, gaya gambar pada periode awal bersifat kontradiktif. Rembrandt tidak selalu berhasil menggabungkan keagungan dan keaslian, keagungan perasaan, dan kebenaran realitas yang kasar secara organik. Jadi, dalam “Kristus di Emaus” kontras antara kehidupan sehari-hari (penampakan karakter masyarakat umum dan keseharian lingkungan sekitar) dan peristiwa ajaib terlalu tajam.
Menolak konvensi dan idealisasi yang kaku, Rembrandt menghilangkan kepahlawanan karakter cerita religius dan mitologis, tetapi pada saat yang sama terlalu menekankan sifat biasa-biasa saja dan kehinaan nafsu (“Samson’s Wedding”, 1635). Di sisi lain, bagi Rembrandt, keagungan masih diidentikkan dengan keagungan luar panggung, dengan kesedihan dan dinamika badai - dalam karya-karya pertengahan dan paruh kedua tahun 30-an, bukan suatu kebetulan bahwa pengaruh Italia dan Barok Flemish terasa ("Pengorbanan Abraham", 1634; "Blinding Samson").
Keinginan Rembrandt akan kemegahan spektakuler dan benturan dramatis - serta keberaniannya, keinginan untuk menghilangkan prasangka norma dan cita-cita artistik yang biasa - sebagian besar terkait dengan keinginan untuk melepaskan diri dari prosaisme dan keterbatasan cara hidup borjuis yang sudah mapan. Dari dunia keseharian ia tertarik pada dunia kepahlawanan dan fantasi. Pada usia 30-an, ia sering melukis dirinya sendiri dan orang-orang yang dicintainya dengan kostum “sejarah”, dengan jubah yang megah dan fantastis (“Saskia as Flora,” 1634; potret diri dari Petit Palais, dari Berlin dan Louvre, 1634). Potret-potret imajiner ini, demikian sebutannya, seolah-olah mewujudkan semacam mimpi tentang seseorang yang cantik, tentang gambaran yang ditinggikan di atas kenyataan sehari-hari.
Selama periode ini, Rembrandt tidak hanya mencari cita-citanya sendiri tentang kehidupan dan manusia - ia juga menciptakan karya-karya yang menunjukkan jalan masa depannya. "The Descent from the Cross" (antara 1633 dan 1639) ditulis di bawah pengaruh komposisi terkenal Rubens, tetapi plotnya ditafsirkan oleh Rembrandt sebagai adegan kamar: ini memungkinkan pemirsa untuk merasakan sesuatu yang berhubungan secara pribadi dengannya, secara pribadi menyerukan kepadanya sebuah tragedi kemanusiaan - kematian seseorang yang kelelahan karena penderitaan Kristus dan kesedihan orang-orang yang dicintainya. Cahaya yang menembus kegelapan menimbulkan perasaan hening yang intens, intensitas perasaan, dan keagungan drama.
Pada tahun 1930-an, Rembrandt adalah pelukis paling populer di Amsterdam. Kesuksesan, ketenaran, dan kesejahteraan materi datang kepadanya. Siswa berduyun-duyun ke bengkelnya.
Rembrandt menampilkan banyak potret yang ditugaskan saat ini. Mereka dilukis dengan kekuatan plastik yang besar, dengan sempurna menyampaikan kesamaan, menangkap ciri khas dalam penampilan, tetapi Rembrandt belum menemukan jalannya dalam potret. Namun, mungkin bukan suatu kebetulan bahwa Rembrandt, seorang pelukis potret yang berbakat, mampu mewujudkan cita-cita kepahlawanan, tanpa jatuh ke dalam kesedihan teatrikal yang ekstrem dan berlebihan yang aneh, dalam sebuah karya bergenre ini - potret kelompok perusahaan penembak Amsterdam - dan untuk mencapai perpaduan organik antara kegembiraan puitis, diwarnai dengan sentuhan fantasi, dan kehidupan nyata ("Night Watch", selesai pada tahun 1642).
Ide sang seniman tidak biasa: ia menambahkan karakter fiksi ke potret delapan belas klien dan menghubungkannya dengan motif plot: pertunjukan sebuah perusahaan yang keluar dari bawah lengkungan dan melintasi jembatan di atas kanal. Sosok dan wajah terkadang tertutup bayangan, terkadang ditangkap oleh terangnya cahaya siang hari. Dalam kelompok penembak, kita melihat orang-orang yang lalu lalang berkerumun di dalamnya, termasuk seorang gadis dengan gaun kuning keemasan, seperti cahaya terang, berkelap-kelip di tengah kerumunan pria yang energik ini.
Kombinasi gambar potret dengan figur tanpa nama dan dinamika komposisi memberikan kesan persuasif yang lebih hidup. Namun keunikan “Night Watch” terletak pada tidak hanya potret grup, tapi juga crowd scene. Motif gerak, penampilan para penembak, latar belakang arsitektur yang megah, ragam warna kostum, kontras cahaya dan bayangan, dan terakhir, ukuran lukisan yang sangat besar menimbulkan kesan prosesi yang khusyuk, a acara publik yang penting. “Night Watch” telah menjadi sebuah komposisi yang monumental, dimana tema kebangkitan patriotik dan kejayaan semangat sipil terdengar jelas. Rembrandt menegaskan kembali hal ini ketika kesedihan sipil dan cita-cita demokrasi datang dari realitas Belanda dan seni Belanda. Lukisan “Night Watch” seolah-olah menjadi gambaran Republik Belanda; potret kelompok memperoleh makna lukisan sejarah.
Beras. 3. “Jaga Malam” 1642
3. Masa kreativitas yang matang
Night's Watch mengakhiri fase awal pengembangan kreatif Rembrandt. Masa kedewasaan dimulai pada usia 40-an. Ada perubahan dalam pandangan dunia. Dinamika badai, kesedihan, hiburan - segala sesuatu yang dikaitkan dengan pencarian kontradiktif akan citra hebat - meninggalkan karya seninya. Prinsip-prinsip kreatif baru diidentifikasi dan secara bertahap dibentuk menjadi suatu sistem yang lengkap. Proses ini selesai pada tahun 50-an, yang mengantarkan tahap terakhir aktivitas Rembrandt.
Pada tahun 40-an, Rembrandt mengerjakan ulang beberapa karyanya yang ditulis pada dekade sebelumnya - bukti nyata dari perubahan aspirasi artistik sang master. Versi pertama lukisan “Danae” dibuat pada tahun 1636. Plot mitologis disajikan dalam desain yang spektakuler dan elegan, tetapi pahlawan wanita itu sendiri sangat mencolok dalam keunikannya. Sosok Danae yang dilukis dengan model tertentu benar-benar individual dalam riasan fisiknya; bentuk dan proporsinya sangat jauh dari norma kecantikan ideal. Penegasan visi realistis tentang realitas dalam penggambaran tubuh telanjang - "bidang" kreativitas artistik di mana cita-cita klasik mendominasi untuk waktu yang sangat lama - memperoleh karakter yang sangat cerah dan terprogram.
Pada tahun 1646 - 1647, Rembrandt menulis ulang bagian tengah lukisan itu, termasuk Danae dan pembantunya. Sang seniman tidak lagi puas hanya dengan kebenaran hidup “eksternal” - ia juga berjuang untuk kebenaran batin. Ekspresi wajah, gerakan baru tangan kanan yang ditemukan dalam versi ini, secara mengejutkan secara akurat dan penuh perasaan menyampaikan keadaan emosional sang pahlawan wanita - kegembiraan dan kegembiraan, harapan dan harapan, ketidaksabaran dan daya tarik. Dalam “kebenaran alam” Rembrandt mampu membedakan keindahan spiritual dan moral: Danae cantik dengan ketulusan dan kebahagiaan cinta, yang membuatnya tampak bersinar. Yang menakjubkan, yang agung menjadi setara dengan pengalaman spiritual bagi Rembrandt.
Gaya lukisannya juga berubah. Pada bagian gambar yang belum tersentuh, bentuknya dikerjakan secara detail, detail disampaikan dengan cermat, teksturnya netral, dan pewarnaannya didominasi oleh tone dingin; pada zona tengah tulisannya lebar, bebas, dan pewarnaannya bernuansa keemasan dan kecoklatan yang hangat, favorit seniman di masa dewasa kreativitasnya. Fungsi cahaya menjadi lebih kompleks - ia seolah-olah memperoleh makna spiritual yang independen dan bernilai banyak. Dalam "Danae" pancaran cahaya lembut mulai dianggap sebagai pancaran perasaan manusia.
Dalam seni Rembrandt, puisi dan kebenaran menjadi satu kesatuan yang harmonis. Pengungkapan yang puitis, yang agung dalam yang nyata, yang biasa dan, di sisi lain, penafsiran plot bukan sebagai benturan “peristiwa”, tetapi sebagai benturan psikologis - dalam hal ini ia kini menemukan solusi untuk masalah tersebut. . Penekanannya dialihkan ke konten internal dan spiritual dari gambar atau peristiwa.
Rembrandt menghadirkan puisi dan spiritualitas ke dalam karakteristik potret (“Man with a Falcon,” 1643; “Portrait of Agatha Bas,” 1641). Potret diri seniman kini bukan lagi sketsa ekspresi, melainkan mengungkap dunia batin seseorang pada berbagai tahapan perjalanan hidupnya, evolusi spiritualnya.
Dalam legenda Kitab Suci, Rembrandt berusaha menemukan "permulaan" manusia yang dekat dengan semua orang - ia melihat martabat dan keindahan moral dalam diri manusia biasa dan dalam fenomena kehidupan sehari-hari. Bukan suatu kebetulan jika Rembrandt begitu tertarik padanya di tahun 40an tema liris. Kedalaman perasaan, kelembutan dan kehangatan hubungan yang intim membuat kehidupan orang-orang biasa menjadi puitis dan memberikan kesan akan ketinggian moralnya (“The Holy Family”, 1646; “Tobias and His Wife” 1645).
Namun lirik interpretasi dan konkritnya dalam menyampaikan lingkungan tidak memberikan karya tersebut karakter genre - makna internal membawa isi gambar melampaui lingkup episode pribadi.
“Butir” gagasan estetika Rembrandt adalah rekreasi lingkungan material dan emosional yang melingkupi seseorang, yang terkait erat dengan keberadaannya, dengan dunia batinnya, suatu lingkungan yang tidak kalah dengan citra itu sendiri, dan sama-sama mengekspresikan suasana hati dan makna. tempat kejadian.
Dalam “Keluarga Suci” (1645), panggung terbenam dalam senja transparan, diresapi dengan cahaya keemasan yang bergetar, di mana aksi membeku dan berhenti, yang seolah-olah menyerap “suara” emosional dari gambar tersebut. Nuansa perasaan memberikan perasaan tentang durasi pengalaman dan pada saat yang sama, seolah-olah, aliran kehidupan dalam waktu.
Jadi, pada paruh kedua tahun 40-an, problematika karya Rembrandt yang matang dan akhir terungkap; Pada saat yang sama, sistem gambar barunya terbentuk. Chiaroscuro adalah elemen fundamental dan kreatif struktur artistik. Cahaya yang memancarkan pancaran dan kehangatan menjadi padanan material dari perasaan liris - ia menentukan suasana spiritual dari pemandangan tersebut, ia adalah pembawa makna etisnya. Cahaya juga menentukan keberadaan warna dalam sebuah lukisan, kekuatan ekspresifnya. Dalam “Keluarga Suci”, perasaan hangat dan lembut cinta keibuan “didukung” oleh warna merah yang membara di senja kecoklatan. Cahaya, seolah-olah terlahir bersama dengan bentuk tubuh, memberinya cahaya khusus, dan ruang menerima kedalaman dan kesejukan berkat chiaroscuro. Sosok-sosok tersebut menyatu menjadi satu kesatuan dengan ruang, yang dipersepsikan sebagai lingkungan emosional yang jenuh dengan perasaan dan pengalaman manusia.
Bentuk plastiknya juga mendapat spiritualitas khusus. Rembrandt melukis tubuh Batsyeba (“Bathsheba”, 1654) dengan kekuatan dan ekspresi sedemikian rupa sehingga secara mengejutkan tampak hidup, nyata dan sangat ekspresif, seolah-olah berbicara. Setiap bentuk, lekukan, lekuk tubuh, “nafasnya” hingga wajah, kemiringan kepala, pandangan sekilas, mengungkapkan kerendahan hati dan kepasifan Batsyeba, memikirkan surat Daud dan nasibnya. Dia keadaan pikiran diciptakan kembali dengan begitu mendalam dan lengkap sehingga seluruh kehidupan Batsyeba seolah-olah berlalu di depan matanya dan di depan mata yang melihatnya.
4. Masa kreativitas yang terlambat
Dekade terakhir kehidupan seniman adalah tahapan paling penting dalam karya seninya. Berfokus pada masalah konten spiritual, Rembrandt sampai pada generalisasi besar dari tatanan filosofis dan etis. Di bidang bentuk yang paling indah, ia membuat penemuan-penemuan berani yang melihat jauh ke masa depan.
Bagi Rembrandt tahun 50-an dan 60-an, penafsiran plot pada hakikatnya adalah pengungkapan dunia batin seseorang, yang kekayaan spiritualnya, konflik moralnya, dan nasibnya mempunyai makna yang valid secara umum. Dalam hal ini, kita dapat berbicara tentang kedekatan yang luar biasa gambar tematik dan potret dalam karya mendiang Rembrandt.
Dalam potret tahun 50-an dan 60-an, Rembrandt ingin menyampaikan keberagaman, keserbagunaan karakter manusia, tetapi yang terpenting, kompleksitas kehidupan batin seseorang, keragaman dan variabilitasnya, nuansa perasaan dan pikiran yang berurutan, untuk menunjukkan interpenetrasinya. dan kontinuitas, dengan kata lain - dalam waktu. Berbeda dengan Hals, yang menangkap seseorang pada momen tertentu, seolah-olah diambil dari aliran waktu, Rembrandt memberikan dalam potret itu perasaan pembentukan gambar secara bertahap.
Nilai-nilai Rembrandt dalam kepribadian manusia bukanlah integritas rasional-harmonisnya, melainkan kedalaman dan kehalusan reaksi intelektual dan spiritualnya yang unik terhadap lingkungan. Namun kekuatan dan signifikansi Rembrandt dalam menyampaikan dunia spiritual dan mental seseorang membuat kita melihat ciri-ciri universal manusia dalam citra individu.
Jan Six (1654) digambarkan dalam momen yang sepenuhnya mementingkan diri sendiri: dia berhenti, tangannya membeku, menarik sarung tangannya. Dalam wajah Enam yang cerdas dan ekspresif, dalam tatapannya, tidak memperhatikan apa pun di sekitarnya, seseorang dapat melihat kesedihan dan semacam ketidakpuasan tersembunyi, wawasan, dan kepekaan spiritual yang meningkat.
Keindahan warna yang luhur - kombinasi kamisol abu-abu, topi hitam, rambut kemerahan, dan jubah merah dengan jalinan emas - selaras dengan citra yang diciptakan oleh Rembrandt. Keseluruhan penampilan Jan Six mengandung cap aristokrasi spiritual, yang seolah memberikan pembenaran atas rangkaian perasaan kompleks yang kini ia alami. Martabat batin yang besar menunjukkan tingginya kesadaran diri pribadi seseorang.
Tulisan Rembrandt luar biasa tebal, dengan guratan lebar, bebas, samar, gaya “terbuka”. Bentuknya lembut, lentur, siap merespons dorongan emosional apa pun, dan sangat jelas, tepat, dan pasti - gambarannya diberikan baik dalam kelengkapannya maupun dalam variabilitas kehidupan batin.
Dalam potret Rembrandt, karakter seseorang kehilangan karakter statisnya - satu keadaan yang diciptakan kembali di atas kanvas terdiri dari berbagai pengalaman dan sensasi emosional. “Potret Nicholas Breuning” (1652) secara sensitif menyampaikan aliran pikiran dan gerakan emosional yang berurutan. Sulit untuk mendefinisikan dengan kata-kata apa yang diungkapkan tatapannya, senyuman lemah, sedikit lelah yang nyaris tidak menyentuh bibirnya - kehalusan spiritual, kebaikan, sikap merendahkan yang lembut, ejekan dan sedikit kesedihan yang mengintai di dalamnya. Pergeseran bayangan, permainan sorotan cahaya, mobilitas dan ketidakpastian kontur, pergerakan massa warna itu sendiri memberikan kesan dinamika internal, yang dipertegas oleh komposisi potret, ketidakstabilan pose, dan memutar kepala.
Potret Rembrandt tampaknya tidak hanya menyerap masa kini, tetapi juga masa lalu seseorang - potret tersebut menjadi kisah seumur hidup, potret biografi. Dalam karya-karya seperti “Potret Seorang Wanita Tua” (1654), “Potret Seorang Pria Tua Berbaju Merah” (1652 - 1654) atau potret diri Rembrandt dari Museum Wina (c. 1655), tercermin jalan hidup seseorang, pengalaman semua kecemasan, kesedihan dan kekecewaan, ujian moral yang sulit dan kemenangan atas diri sendiri - sebuah pengalaman di mana para pahlawan potret Rembrandt tidak pernah kehilangan kemurnian spiritual, tetapi menambah kekuatan spiritual dan kemampuan untuk menahan perjuangan hidup bagi sebagian orang, dan menuntun orang lain pada kerendahan hati, pada keterpisahan yang menyedihkan dan bijaksana.
Tekstur dan cahaya merupakan sarana karakterisasi psikologis. Lapisan cat yang tidak rata, kadang menggumpal atau menggumpal, kadang diaplikasikan tipis-tipis, memberikan kesan kristalisasi, terbentuknya suatu gambaran di depan mata yang melihatnya. Cahaya, seolah-olah datang dari dalam, dari kedalaman keberadaan seseorang, dianggap sebagai emanasi kehidupan spiritualnya - kesedihan tragis karena usia tua, kelembutan dan kehangatan (“Potret Hendrikje Stoffels”, 1658 - 1659), the kemurnian puitis masa muda (“Potret Titus”, ca. 1656).
Dengan cara baru, berdasarkan psikologis, Rembrandt juga memecahkan potret kelompok “The Syndics of the Clothmaker's Workshop” (1662). Komposisinya disusun sedemikian rupa untuk menghindari ritme yang monoton dan mencapai kealamian dalam penataan figur. Rembrandt memvariasikan putaran, kemiringan kepala, dan gerak tubuhnya dengan sangat halus; tertahan dalam ekspresi luarnya, mereka menyampaikan dengan sangat jelas berbagai corak perhatian dan konsentrasi. Masing-masing dicirikan oleh senimannya secara akurat dan lengkap, dengan semua ini menggunakan cara yang paling sedikit; ini adalah potret individu yang ekspresif dan sekaligus beragam tipe manusia. Namun hal utama dalam karya Rembrandt adalah perasaan saling pengertian antar karakter, kesatuan spiritual mereka. Hal ini bermula dari konsentrasi psikologis para tokoh pada suatu peristiwa umum yang menggairahkan semua orang, sehingga komposisinya memberikan kesan adanya hubungan batin yang tidak dapat dipisahkan antara orang-orang yang digambarkan.
"Syndics" karya Rembrandt adalah puncak dan kata terakhir dalam seni potret Belanda.
Beras. 4. “Sindik bengkel pembuatan kain.” 1662
Karakter dalam potret Rembrandt memiliki keunikan dalam sifatnya, dalam penampilan spiritualnya, tetapi Rembrandt tampaknya berusaha untuk memahami semua orang, “menerima” mereka dan lebih dekat dengan mereka, meskipun orang tersebut asing bagi banyak orang. Gerard de Laresse, dengan wajah yang rusak karena sifilis, menyedihkan dan menderita, memamerkan kepercayaan dirinya dan keanggunan yang disengaja, sedikit berlebihan; dia mencoba untuk menjaga ketenangan hati, tetapi di matanya yang cerdas dan sedih orang dapat membaca rasa sakit yang tak terucapkan (“Potret G. de Laresse”, 1665).
Menembus jauh ke dalam psikologi model, potret Rembrandt dihubungkan oleh semacam kekerabatan internal: mereka disatukan oleh spiritualitas dan kekayaan emosional yang melekat pada semuanya, tetapi pertama-tama - partisipasi hangat sang seniman, kebajikannya, seolah-olah didikte oleh rasa keadilan yang tajam, tercetak pada potretnya gambar kemanusiaan dan wawasan yang istimewa. Rembrandt tahu bagaimana menemukan sesuatu yang indah dalam diri setiap orang, sesuai dengan cita-cita moralnya yang tinggi.
Seni mendiang Rembrandt dipenuhi dengan makna spiritual dan kedalaman filosofis yang luar biasa.
Komposisi tematik dalam lukisan akhir tahun 50an dan 60an seringkali dilandasi konflik moral. Kehidupan manusia dipahami oleh Rembrandt sebagai jalan yang sulit, penuh cobaan, ditentukan oleh takdir, di mana seseorang harus mengikuti hukum moral internal tertentu - hukum keadilan, kebaikan, kasih sayang.
Rebrandt mengartikan plot komposisi “Assur, Haman, dan Esther” (1660) sebagai benturan takdir manusia. Wanita Yahudi Ester, istri raja Persia Assur, memberi tahu raja tentang rencana jahat temannya, wazir Haman, yang berencana menghancurkan orang-orang Yahudi. Digambarkan dalam ruang gelap yang netral, karakter dalam gambar secara lahiriah terputus, terasing satu sama lain - masing-masing tertutup pada dirinya sendiri, asyik dengan pikiran dan penderitaan mentalnya, tetapi kehidupan mereka dihubungkan oleh benang tak kasat mata, nasib masa depan mereka ditentukan oleh pertemuan ini. Ide dan suasana lukisan ini terutama melalui bahasa hubungan warna-warni dan terang: nuansa merah bersinar di senja coklat, kilatan warna emas menembusnya, kilauan jubah brokat Esther dan profil wajahnya yang dipenuhi cahaya.
Pahlawan Rembrandt tidak pernah merupakan karakter satu dimensi, dan di sinilah - dan tidak hanya perubahan nasib - juga terletak sumber penderitaan moral mereka.
Lukisan “Penyangkalan Rasul Petrus” (1660) mengungkap drama seorang pria yang mengkhianati keyakinannya. Di hadapan Rasul Petrus, yang secara tak terduga diterangi dalam kegelapan malam oleh nyala lilin yang dipegang oleh seorang pelayan, ada serangkaian perasaan kontradiktif yang kompleks yang menyiksanya: ketakutan dan doa yang malu-malu, pertobatan dan rasa malu, kesadaran akan dirinya. kelemahan dan rasa bersalah yang tidak dapat ditebus. Mereka diwujudkan oleh semacam plastisitas wajah yang tidak stabil dan tidak stabil dengan bentuknya, sekarang larut dalam cahaya, sekarang mendapatkan definisi.
Pada saat yang sama, dalam postur St. Peter, dalam sosoknya yang agung, dalam skalanya, dalam pancaran jubah putih yang berkilauan dengan refleks emas - titik terbesar dan paling terang dalam gambar - seseorang dapat membedakan gema dari kualitas-kualitas mulia lainnya dari sifatnya, yang ternyata lemah pada saat pencobaan, namun dengan kemampuannya menjadi pengalaman yang begitu kuat, berujung pada konflik mental yang tragis dan melampaui musuh-musuhnya.
Salah satu puncak seni mendiang Rembrandt adalah lukisan “David dan Saul” (awal 1660-an). Legenda alkitabiah menceritakan bahwa Raja Saul, yang meragukan kekuatan takhtanya, tersiksa oleh kemarahan yang hebat yang membuat pikirannya tertuju pada lukisan itu. titik kegelapan. Hanya nyanyian dan permainan harpa anak laki-laki David yang dapat meringankan penderitaannya; tetapi dalam diri David Saul mencurigai penggantinya, dan dengan menyamar sebagai anak gembala kecil, nasibnya tampak di hadapan raja.
Rembrandt menggambarkan momen ketika Saul, mendengarkan lakon David, mengalami keterkejutan yang luar biasa: amarahnya mereda, tangan yang memegang tongkat melemah, dan ia menyeka air matanya dengan kanopi tirai. Pada saat pergolakan spiritual, pencerahan batin, perasaan terdalam dan rahasia Saulus terungkap, yang bahkan mungkin tidak dia akui sendiri: ketakutan, keputusasaan, dan kesepian.
Sang seniman dengan berani dan leluasa mengaplikasikan guratan cat pada kanvas, menggunakan berbagai kuas, pisau, bahkan menggosok cat dengan jarinya - seolah-olah kita hadir pada saat penciptaan, ketika inspirasi dari ledakan emosi seolah-olah. ditransmisikan dari artis ke karakter dalam gambar, warna-warni ini, Bagaimana permata, “lava” warna-warni menjadi perwujudan nyata dari unsur perasaan yang dimiliki para pahlawan dalam gambar tersebut.
Rembrandt tidak hanya memperhatikan pokok bahasan Injil dan Alkitab makna abadi dan gambaran yang menggeneralisasi, tetapi juga drama yang memaksa seseorang untuk mengungkapkan dirinya dalam semua kekayaan sifatnya yang kontradiktif, tingkat ketegangan spiritual ketika kekuatan pengalaman mengungkapkan kualitas terbaiknya dalam diri seseorang, ketika dorongan spiritual tertingginya terwujud. Dalam konflik moral yang dramatis itulah cita-cita spiritual dan etika Rembrandt menjadi dasar realisasinya.
Masalah etika seni Rembrandt mendapat ekspresi akhir dalam komposisi monumental “The Prodigal Son,” yang ditulis tak lama sebelum kematiannya (1668 - 1669).
Plotnya didasarkan pada perumpamaan Injil tentang seorang pemuda yang pergi rumah orang tua, yang menyia-nyiakan masa mudanya dan kekayaannya, dan kemudian kembali ke rumah ayahnya untuk bertobat. Seluruh ruang gambar ditenggelamkan dalam cahaya senja, menyerap sedikit detail latar belakang dan saksi peristiwa guna memusatkan perhatian pada sosok ayah dan anak. Mereka membentuk kelompok tertutup: sosok seorang pemuda, compang-camping dan menyedihkan, menempel pada ayahnya dalam rasa malu dan penyesalan, seolah-olah ditelan oleh siluet seorang lelaki tua. Ayah dan anak tampaknya telah melebur menjadi satu wujud dan berdiri tak bergerak, dalam kekuatan pengalaman mereka. Keheningan simpatik dan sedih dari mereka yang hadir membuat kita mendengar lebih jelas suara batin para tokoh, dialog diam mereka. Tangan sang ayah - seorang lelaki tua dengan wajah yang baik dan bijaksana - diturunkan ke bahu putranya - dia membelai, menyemangati, memegang, dan memaafkannya. Tetapi pada saat pertemuan dan rekonsiliasi ini, mereka tidak mengalami kegembiraan dan kebahagiaan - baik anak laki-laki maupun ayah tidak dapat meninggalkan semua yang telah mereka alami, dan masa lalu mereka sekarang ada bersama mereka - pengembaraan, kemiskinan dan penghinaan, kesedihan dan penderitaan. harapan sedih dari yang lain.
Dalam warna coklat keemasan tua yang mendominasi komposisi, jubah merah yang menutupi bahu sang ayah ditonjolkan sebagai aksen utama yang emosional dan dramatis. Ini memberikan keagungan khusus pada sosok lelaki tua itu, dan corak, rona, kedipan, kilatan, dan memudarnya warna merah yang tak terhitung jumlahnya dianggap sebagai gema dari pengalamannya.
Kemanusiaan yang menakjubkan dan kekuatan menakjubkan yang dengannya seruan kasih sayang, kemurahan hati, dan cinta terdengar dalam lukisan ini, yang dengannya keyakinan seniman akan kekuatan transformatif dan semangat mereka yang besar diungkapkan, menjadikan “Anak Hilang” sebagai puncak dari “humanisme tragis” Rembrandt. ”
Gambar 5. “Kembalinya Anak yang Hilang.” 1668 - 1669
Akhir tahun 50-an dan 60-an - masa pencapaian kreatif terbesarnya - juga merupakan tahun-tahun pencobaan pribadi yang sulit: Rembrandt bangkrut, kematian merenggut orang-orang terdekatnya; dia kehilangan pengikut, murid-muridnya mengkhianatinya. Sang seniman mengakui kepahitan usia tua dan kesepian. Namun dalam potret dirinya yang dilukis selama tahun-tahun tersebut, Rembrandt tampil sebagai seorang pria yang, hingga hari-hari terakhirnya, mempertahankan martabat dan kebanggaan, kemandirian dan kekuatan moral yang memberinya kebahagiaan kreativitas, kesadaran akan kebenaran jalan yang dipilihnya. dan keagungan semangat yang dibutuhkan untuk mengikutinya sampai akhir (potret diri dalam koleksi Frick di New York, 1658; di Museum Wina, 1652; di Galeri Nasional Washington dan London, 1659, 1669).
5. Grafik
Rembrandt dalam karya seninya mengajukan masalah nilai etika individu, makna moral kehidupan manusia. Pencarian artistiknya di tahun 50an dan 60an - baik dalam seni lukis maupun grafis - sejalan dengan problematika ini.
Grafik - menggambar, mengukir - adalah bidang aktivitas kreatif Rembrandt yang sepenuhnya independen. Dia bekerja sangat keras dalam bidang etsa - sebagai etsa, Rembrandt tidak ada bandingannya dalam seni dunia. Dia memperkaya teknik etsa dengan teknik baru yang memberikan fleksibilitas luar biasa dan memperluas gudang kemampuan ekspresifnya tanpa batas. Rembrandt melengkapi penggoresan dengan apa yang disebut “titik kering”, yaitu guratan yang digambar langsung pada permukaan papan cetak; di sepanjang tepi alur terdapat partikel logam tergores, yang disebut duri, yang menahan cat. Inovasi lainnya adalah ia memperoleh efek gambar yang berbeda-beda selama proses pencetakan itu sendiri - bergantung pada cara ia mengaplikasikan cat (apakah ia hanya menggosokkannya ke dalam ceruk atau membiarkannya juga pada bagian papan yang halus, dll.). Hasilnya, Rembrandt mencapai ketajaman khusus pada gambar dalam etsa, gradasi pencahayaan bertahap, garis lembut dan buram, dan kekayaan kontras nada. Kadang-kadang Rembrandt membuat perubahan pada papan cetak yang sudah jadi - masing-masing negara bagiannya pada dasarnya adalah karya independen.
Tema lukisan Rembrandt sangat beragam - adegan sehari-hari(genre yang tidak dibahas oleh sang master dalam lukisan), potret, lanskap, subjek keagamaan. Setiap topik mempunyai topik tersendiri solusi grafis. Dalam lanskap dengan lakonisme ekstrem, hanya menggunakan ekspresi guratan dan bagian kertas yang tidak terisi, Rembrandt menciptakan kesan hamparan dataran tak berujung, cahaya memenuhi ruang, getaran atmosfer lapang (“Pemandangan Omval” , 1645; “The Bridge of Six”, 1645; “ The Gold Weigher's Estate", 1651) Dalam lukisan "Tiga Pohon" (1643), lanskap dibangun di atas kontras massa cahaya dan bayangan. Berjuang sinar matahari dengan awan yang mengalirkan aliran air ke tanah, memberikan kekuatan heroik pada lanskap.
Karya terkenal lainnya, komposisi multi-figur “Christ Heals the Sick” (akhir tahun 40-an), sama-sama monumental dan luas dalam suara kiasannya. Setiap orang mengharapkan keajaiban penyembuhan dengan caranya sendiri - dengan iman, ketidaksabaran, kerendahan hati, dengan ketakutan yang tersembunyi atau keinginan yang menggebu-gebu yang membalikkan semua keraguan. Tema pengharapan dan pengharapan yang penuh gairah ini dinaungi oleh ketidakpercayaan dan cemoohan orang kaya dan semacam rasa takut batin terhadap Kristus sendiri - seolah-olah, seperti orang miskin, seperti semua umat manusia yang menderita berkumpul di sekelilingnya, Dia menunggu dan berharap demi keajaiban yang harus diciptakan baginya cinta dan kasih sayang terhadap mereka.
Grafik Rembrandt mengungkapkan demokrasi dan simpatinya terhadap dunia kaum kurang beruntung dengan spontanitas tertentu.
Rembrandt menciptakan lukisan terbaik dan paling sempurna di tahun 50-an (setelah 1660 ia tidak lagi terlibat dalam pengukiran). Pada saat ini, Rembrandt terutama beralih ke subjek Perjanjian Lama dan Baru. Di dalamnya ia mewujudkan pemikirannya tentang misteri kehidupan manusia dan tujuannya, tentang masalah etika keberadaan dan konflik tragisnya. Dari segi kekuatan ekspresi emosi, lukisan tahun 50-an tidak kalah dengan lukisannya, bahkan terkadang melampauinya.
Dalam “Blind Tobiah” (1651), guratan-guratan cahaya menembus ruang, melarutkan batas-batas benda dan sosok – segala sesuatu seakan dipenuhi dengan cahaya geser yang bergetar, menyampaikan nuansa paling halus dari perasaan seorang ayah, dengan tegang dan penuh semangat menunggu kedatangannya. Nak, semua nuansa penakut namun harapan yang tak terhapuskan, yang menopang kehidupan seorang lelaki tua yang kesepian dan tak berdaya, dipagari dari dunia oleh kebutaannya.
Beras. 6. “Tobius yang Buta.” 1651
Dalam “Khotbah Kristus” (c. 1656), jalinan guratan, gradasi terang dan gelap menunjukkan polifoni kompleks dari berbagai suasana hati dan reaksi emosional - simpati, penghinaan, ketidakpedulian, kesalahpahaman, kesombongan bodoh, merendahkan, simpati manusia.
Dalam pengukiran, Rembrandt tetap menjadi ahli chiaroscuro yang unik, dan baik guratan maupun gradasi cahaya, kehidupan cahaya dalam lukisan tahun 50-an menjadi sangat beragam dalam fungsinya, dalam ekspresinya. Dalam apa yang disebut "Faust" (c. 1653), dua titik cahaya yang jenuh dan terang - kepala seorang alkemis dan sebuah piringan dengan latar belakang jendela - menjadi perwujudan kemampuan spiritual, upaya kreatif yang memberi penghargaan pada a orang dengan wahyu kebenaran. Dalam “The Descent from the Cross” (1654), penebalan bayangan, kilatan dan memudarnya cahaya menyampaikan keadaan mental para karakter, tragedi peristiwa dan makna luhurnya. Dalam “Entombment” (c. 1659), pancaran cahaya yang menyedihkan dan gemetar memusatkan pengalaman semua peserta dalam adegan itu, keheningan dramatis orang-orang yang dihubungkan oleh penderitaan yang sama. Dalam “Bringing to the Temple” (c. 1658), kerlap-kerlip cahaya dalam kegelapan memberikan kesan pengenalan yang menarik terhadap misteri dan firasat yang intens dan tragis tentang takdir di masa depan.
Lukisan tersebut juga mencerminkan salah satu tema sentral karya Rembrandt di tahun 50an dan 60an - kesepian manusia dan seruan kedekatan spiritual antar manusia. Dalam lukisan “Tiga Salib” (tiga negara bagian pertama - 1653, negara bagian keempat - 1660), kekacauan titik cahaya dan bayangan menciptakan gagasan tentang sekelompok orang yang bergegas ke kaki penyaliban - dalam ketakutan dan keputusasaan. Cahaya misterius yang memancar dari surga menekankan baik kegelapan yang di dalamnya kematian Kristus menjerumuskan bumi, dan wawasan orang-orang yang, dalam tragedi yang terjadi, menemukan jalan untuk satu sama lain. Dalam kesatuan yang menyedihkan dari orang-orang yang dibawa keluar dari dunianya yang tertutup oleh drama yang mereka alami, dalam persaudaraan penderitaan ini, mungkin kematian Kristus, yang diangkat di atas dunia dan kerumunan orang ke dalam kegelapan malam dan kesepian abadi, ditemukan. pemahaman dan pembenarannya.
1. “PENDAHULUAN kajian budaya” diedit oleh E.V. Popova, Moskow, 1995
2. Grinenko G.V. Pembaca tentang sejarah kebudayaan dunia. Moskow, 1998
3.Dmitrieva N.A. Sejarah singkat seni Jil. 2. Moskow, 1990
4. Sejarah seni rupa luar negeri abad 17 - 18: Buku Ajar. Moskow, 1988
5. Sejarah seni rupa suatu negara Eropa Barat dari zaman Renaisans hingga abad ke-20. Moskow, 1988
6. Sejarah estetika. Monumen pemikiran estetika dunia. Jilid 2. Moskow, 1964
7. Lazarev V.N. Tuan-tuan Eropa kuno. Moskow, 1974
8. Rotenberg E.I. Lukisan Eropa Barat abad ke-17. Moskow, 1989
9. Soviet kamus ensiklopedis. Moskow, 1982
|
Ke unduh pekerjaan Anda perlu bergabung dengan grup kami secara gratis VKontakte. Cukup klik tombol di bawah ini. Omong-omong, di kelompok kami, kami membantu menulis makalah pendidikan secara gratis. Beberapa detik setelah memeriksa langganan Anda, tautan untuk melanjutkan pengunduhan karya Anda akan muncul.  |
|
| Perkiraan gratis | |
| Mendorong keaslian dari pekerjaan ini. Lewati Antiplagiarisme. | |
|
REF-Master- program unik untuk menulis esai, makalah, tes, dan secara mandiri tesis. Dengan bantuan REF-Master, Anda dapat dengan mudah dan cepat membuat esai, tes, atau kursus orisinal berdasarkan karya yang telah selesai - Karya Rembrandt. |
|
karya Rembrandt
1. Potret diri
Selama hidupnya, Rembrandt membuat sekitar delapan puluh potret diri - lukisan, ukiran, dan gambar. Baginya itu semacam otobiografi, meski potretnya kemudian dijual. Salah satu yang pertama adalah “Potret Diri” dari Amsterdam Rijksmuseum, di mana seorang pelukis berusia dua puluh dua tahun yang acak-acakan menatap wajahnya, mencoba menyampaikan, dengan bantuan chiaroscuro, kesadaran pertamanya yang terbangun akan dirinya sebagai seorang seniman. .
Beras. 1. "Potret diri" sekitar tahun 1628
Dalam potret diri tahun 1629, sinar terang menyinari wajah tak berjanggut dan penuh rasa ingin tahu, dengan kerah renda. Namun potret diri dari tahun yang sama, yang disimpan di Den Haag, lebih resmi. Dalam lukisan kecil “The Artist in His Studio” (1629), yang telah lama dikaitkan dengan Gerrit Dou, kita melihat studio Leiden karya Rembrandt, dengan meja, kuda-kuda, palet, dan mortar untuk menggosok cat. Sang seniman menggambarkan dirinya sangat jauh dari lukisannya, seolah ingin membuat pemirsanya merasakan bagaimana dia sendiri melihat dan memahami lukisan itu.
Dalam potret yang lebih dewasa, terkadang jiwa sang seniman diekspresikan, dan terkadang pakaiannya ditulis dengan cermat. Potret Diri tahun 1640, sebuah lukisan dengan kehalusan dan harmoni yang luar biasa, menggambarkan Rembrandt yang berusia tiga puluh empat tahun, yang telah mengambil posisi kuat di Amsterdam. Titik referensi sang seniman adalah “Potret Seorang Bangsawan” karya Titian, yang sekarang disimpan di London, tetapi pada waktu itu merupakan koleksi teman Rembrandt, seorang Yahudi Portugis Alfonso Lopez, dan “Potret Baldassar Castiglione” karya Raphael. Dalam pemulihan hubungan dengan para empu Italia, seseorang merasakan tantangan dari pihak Rembrandt, seolah-olah menekankan kedekatan spiritualnya dengan para pendahulunya yang hebat dengan pakaian yang tidak biasa pada abad ke-16. Dia melukis dirinya sendiri dalam kostum, sesuai dengan kebiasaan bengkelnya, di mana berbagai macam pakaian untuk model disimpan, tercantum dalam inventaris - “Potret Diri” tahun 1658 dari Koleksi Frick New York. Namun ia juga suka menggambarkan dirinya dalam pakaian seorang pedagang Amsterdam dengan rantai, liontin dan hiasan bulu, atau seorang seniman yang sadar akan peran dan posisinya dalam masyarakat, seperti dalam Potret Diri di Kuda-kuda (1660) atau potret diri lainnya. dengan palet dan kuas dari London Kenwood House - pakaian sederhana, baret putih sederhana di kepalanya, ekspresi berkemauan keras dan cerdas di wajahnya yang keriput. Dan penampilannya yang angkuh, bangga dan menjadi sangat lelah dalam beberapa tahun terakhir, dibayangi oleh kesulitan materi dan masalah keluarga.
Beras. 2. "Potret diri" 1660
Potret Diri Cologne yang tidak biasa, dilukis sekitar tahun 1665, ekspresif dan tidak memihak, menunjukkan Rembrandt masih mampu tersenyum. Dua potret diri terakhir tahun 1669, disimpan di London dan Den Haag, satu dengan tangan terlipat, yang lain dengan sorban warna-warni di atas rambut abu-abu panjang, menyampaikan kepahitan dan kekecewaan seorang pria yang disingkirkan oleh mantannya sendiri. pelajar, seorang pria yang pada tahun 1641 dianggap sebagai "salah satu pelukis paling menonjol pada masanya".
2. Masa awal kreativitas
Rembrandt memulai perjalanannya di Leidan - karya independen pertamanya dimulai pada pertengahan tahun 20-an; dari tahun 1632 hingga akhir hayatnya, Rembrandt bekerja di Amsterdam, pusat seni utama negara itu. Paruh kedua tahun 20-an dan 30-an adalah masa pencarian Rembrandt akan jalan dan metode kreatifnya.
Rembrandt mempelajari realitas, berusaha menguasai berbagai aspeknya (dibuktikan dengan gambar-gambarnya), namun minat utamanya adalah pada karakter individu manusia dan keragaman manifestasi kehidupan spiritual.
Perhatian terhadap kehidupan batin seseorang menentukan orisinalitas lukisan subjek pertama Rembrandt (Tobius dan istrinya, 1625 – 1626, “Rasul Paulus di Penjara,” 1627). Penekanan pada pengalaman psikologis suatu peristiwa, yang ingin dilihat Rembrandt melalui mata para partisipannya, secara khusus diungkapkan dalam “Christ at Emmaus” (c. 1629). Seniman menunjukkan reaksi karakter – kegembiraan, ketakutan, keterkejutan. Namun, seperti pada potret diri awal, pengaruh emosional masih jelas dan dipaksakan, pose dan gerak tubuh terlalu demonstratif.
Dalam karya-karya akhir tahun 20-an dan awal tahun 30-an, peran cahaya sebagai sarana untuk meningkatkan ekspresi emosional suatu adegan sudah terungkap. Dalam "Apostle Paul" pencahayaannya menekankan suasana hati sang pahlawan. Dalam “Kristus di Emaus” kontras cahaya dan bayangan menyampaikan perasaan yang tiba-tiba dan kuat yang mencengkeram para rasul.
Lukisan sejarah, bersama dengan potret, menjadi bidang utama karya Rembrandt. Plot Perjanjian Lama dan Baru memungkinkan untuk memberikan konten karya skala kiasan, dan maknanya - karakter generalisasi. Beralih ke tema-tema keagamaan dan mitologi tidak berarti bagi Rembrandt penolakan terhadap kebenaran gambar yang hidup, sebaliknya, ia menetapkan tujuannya untuk menggabungkan yang nyata, duniawi, konkret dengan semangat luhur dan makna universal yang terkandung di dalamnya; legenda.
Namun, gaya gambar pada periode awal bersifat kontradiktif. Rembrandt tidak selalu berhasil menggabungkan keagungan dan keaslian, keagungan perasaan, dan kebenaran realitas yang kasar secara organik. Jadi, dalam “Kristus di Emaus” kontras antara kehidupan sehari-hari (penampakan karakter masyarakat umum dan keseharian lingkungan sekitar) dan peristiwa ajaib terlalu tajam.
Menolak konvensi dan idealisasi yang kaku, Rembrandt menghilangkan kepahlawanan karakter dongeng religius dan mitologis, namun pada saat yang sama terlalu menekankan sifat biasa-biasa saja dan kehinaan nafsu (“Samson’s Wedding,” 1635). Di sisi lain, keagungan masih diidentikkan bagi Rembrandt dengan keagungan luar panggung, dengan kesedihan dan dinamika kekerasannya - dalam karya-karya pertengahan dan paruh kedua tahun 30-an, bukan suatu kebetulan bahwa pengaruh Italia dan Flemish Baroque terasa ("Pengorbanan Abraham", 1634; "Blinding Samson").
Keinginan Rembrandt akan kemegahan spektakuler dan benturan dramatis - serta keberaniannya, keinginan untuk menghilangkan prasangka norma dan cita-cita artistik yang biasa - sebagian besar terkait dengan keinginan untuk melepaskan diri dari prosaisme dan keterbatasan cara hidup borjuis yang sudah mapan. Dari dunia keseharian ia tertarik pada dunia kepahlawanan dan fantasi. Pada usia 30-an, ia sering melukis dirinya sendiri dan orang-orang yang dicintainya dengan kostum “sejarah”, dengan jubah yang megah dan fantastis (“Saskia as Flora,” 1634; potret diri dari Petit Palais, dari Berlin dan Louvre, 1634). Potret-potret imajiner ini, demikian sebutannya, seolah-olah mewujudkan semacam mimpi tentang seseorang yang cantik, tentang gambaran yang ditinggikan di atas kenyataan sehari-hari.
Selama periode ini, Rembrandt tidak hanya mencari cita-citanya sendiri tentang kehidupan dan manusia, ia juga menciptakan karya-karya yang menggambarkan jalan masa depannya. "The Descent from the Cross" (antara 1633 dan 1639) ditulis di bawah pengaruh komposisi terkenal Rubens, tetapi plotnya ditafsirkan oleh Rembrandt sebagai adegan kamar: ini memungkinkan pemirsa untuk merasakan sesuatu yang berhubungan secara pribadi dengannya, secara pribadi menyerukan kepadanya sebuah tragedi kemanusiaan - kematian seseorang yang kelelahan karena penderitaan Kristus dan kesedihan orang-orang yang dicintainya. Cahaya yang menembus kegelapan menimbulkan perasaan hening yang intens, intensitas perasaan, dan keagungan drama.
Pada tahun 1930-an, Rembrandt adalah pelukis paling populer di Amsterdam. Kesuksesan, ketenaran, dan kesejahteraan materi datang kepadanya. Siswa berduyun-duyun ke bengkelnya.
Rembrandt menampilkan banyak potret yang ditugaskan saat ini. Mereka dilukis dengan kekuatan plastik yang besar, dengan sempurna menyampaikan kesamaan, menangkap ciri khas dalam penampilan, tetapi Rembrandt belum menemukan jalannya dalam potret. Namun, mungkin bukan suatu kebetulan bahwa Rembrandt, seorang pelukis potret yang berbakat, mampu mewujudkan cita-cita kepahlawanan, tanpa jatuh ke dalam kesedihan teatrikal yang ekstrem dan berlebihan yang aneh, dalam sebuah karya bergenre ini - potret kelompok perusahaan penembak Amsterdam - dan untuk mencapai perpaduan organik antara kegembiraan puitis, diwarnai dengan sentuhan fantasi, dan kehidupan nyata ("Night Watch", selesai pada tahun 1642).
Ide sang seniman tidak biasa: ia menambahkan karakter fiksi ke potret delapan belas klien dan menghubungkannya dengan motif plot: pertunjukan sebuah perusahaan yang keluar dari bawah lengkungan dan melintasi jembatan di atas kanal. Sosok dan wajah terkadang tertutup bayangan, terkadang ditangkap oleh terangnya cahaya siang hari. Dalam kelompok penembak, kita melihat orang-orang yang lalu lalang berkerumun di dalamnya, termasuk seorang gadis dengan gaun kuning keemasan, seperti cahaya terang, berkelap-kelip di tengah kerumunan pria yang energik ini.
Kombinasi gambar potret dengan figur tanpa nama dan dinamika komposisi memberikan kesan persuasif yang lebih hidup. Namun keunikan “Night Watch” terletak pada tidak hanya potret grup, tapi juga crowd scene. Motif gerak, penampilan para penembak, latar belakang arsitektur yang megah, ragam warna kostum, kontras cahaya dan bayangan, dan terakhir, ukuran lukisan yang sangat besar menimbulkan kesan prosesi yang khusyuk, a acara publik yang penting. “Night Watch” telah menjadi sebuah komposisi yang monumental, dimana tema kebangkitan patriotik dan kejayaan semangat sipil terdengar jelas. Rembrandt menegaskan kembali hal ini ketika kesedihan sipil dan cita-cita demokrasi datang dari realitas Belanda dan seni Belanda. Lukisan “Night Watch” seolah-olah menjadi gambaran Republik Belanda; potret kelompok memperoleh makna lukisan sejarah.