หากคุณคิดว่าศิลปินที่ยิ่งใหญ่ล้วนแต่อยู่ในอดีต คุณก็ไม่รู้ว่าคุณคิดผิดแค่ไหน ในบทความนี้คุณจะได้เรียนรู้เกี่ยวกับศิลปินที่มีชื่อเสียงและมีความสามารถที่สุดในยุคของเรา และเชื่อฉันเถอะว่าผลงานของพวกเขาจะยังคงอยู่ในความทรงจำของคุณไม่น้อยไปกว่าผลงานของเกจิจากยุคก่อน ๆ

วอจเซียค บับสกี้

Wojciech Babski เป็นศิลปินร่วมสมัยชาวโปแลนด์ เขาสำเร็จการศึกษาที่ Silesian Polytechnic Institute แต่ก็เกี่ยวข้องกับตัวเองด้วย ใน เมื่อเร็วๆ นี้ดึงดูดผู้หญิงเป็นหลัก มุ่งเน้นไปที่การแสดงออกของอารมณ์ มุ่งมั่นที่จะได้รับผลสูงสุดที่เป็นไปได้โดยใช้วิธีการง่ายๆ

ชอบสีแต่มักจะใช้เฉดสีดำและสีเทาเพื่อให้ได้ ประสบการณ์ที่ดีที่สุด- ไม่กลัวที่จะทดลองเทคนิคใหม่ๆ ที่แตกต่าง ล่าสุดเขาได้รับความนิยมเพิ่มขึ้นในต่างประเทศ โดยเฉพาะในสหราชอาณาจักร ซึ่งเขาประสบความสำเร็จในการขายผลงานของเขา ซึ่งสามารถพบได้ในคอลเลกชันส่วนตัวมากมาย นอกจากศิลปะแล้ว เขายังสนใจจักรวาลวิทยาและปรัชญาอีกด้วย ฟังเพลงแจ๊ส ปัจจุบันอาศัยและทำงานในคาโตวีตเซ

วอร์เรน ช้าง

Warren Chang เป็นศิลปินชาวอเมริกันร่วมสมัย เกิดในปี 1957 และเติบโตในเมืองมอนเทอเรย์ รัฐแคลิฟอร์เนีย เขาสำเร็จการศึกษาเกียรตินิยมจาก Art Center College of Design ในพาซาดีนาในปี 1981 ซึ่งเขาได้รับ BFA ตลอดสองทศวรรษต่อมา เขาทำงานเป็นนักวาดภาพประกอบให้กับบริษัทต่างๆ ในแคลิฟอร์เนียและนิวยอร์ก ก่อนที่จะเริ่มต้นอาชีพศิลปินมืออาชีพในปี 2009

ภาพวาดที่เหมือนจริงของเขาแบ่งได้เป็น 2 ประเภทหลัก ได้แก่ ภาพวาดชีวประวัติภายใน และภาพวาดภาพคนในที่ทำงาน ความสนใจของเขาในการวาดภาพรูปแบบนี้ย้อนกลับไปถึงผลงานของศิลปินโยฮันเนส เวอร์เมียร์ ในศตวรรษที่ 16 และครอบคลุมถึงวิชาต่างๆ การถ่ายภาพบุคคล ภาพเหมือนของสมาชิกในครอบครัว เพื่อน นักเรียน การตกแต่งภายในในสตูดิโอ ห้องเรียน และบ้าน เป้าหมายของเขาคือการสร้างอารมณ์และอารมณ์ในภาพวาดที่เหมือนจริงของเขาผ่านการปรุงแต่งของแสงและการใช้สีที่ไม่ออกเสียง

ช้างเริ่มมีชื่อเสียงหลังจากเปลี่ยนมาใช้วิจิตรศิลป์แบบดั้งเดิม ตลอด 12 ปีที่ผ่านมา เขาได้รับรางวัลและเกียรติยศมากมาย โดยรางวัลอันทรงเกียรติที่สุดคือ Master Signature จาก Oil Painters of America ซึ่งเป็นชุมชนภาพวาดสีน้ำมันที่ใหญ่ที่สุดในสหรัฐอเมริกา มีเพียง 1 คนจาก 50 คนเท่านั้นที่มีโอกาสได้รับรางวัลนี้ ปัจจุบัน Warren อาศัยอยู่ที่มอนเทอเรย์และทำงานในสตูดิโอของเขา และเขายังสอน (รู้จักกันในชื่อครูที่มีพรสวรรค์) ที่ San Francisco Academy of Art

ออเรลิโอ บรูนี่

ออเรลิโอ บรูนีเป็นศิลปินชาวอิตาลี เกิดที่เมืองแบลร์ วันที่ 15 ตุลาคม พ.ศ. 2498 เขาได้รับประกาศนียบัตรด้านฉากจากสถาบันศิลปะในสโปเลโต ในฐานะศิลปิน เขาเรียนรู้ด้วยตนเอง ในขณะที่เขา "สร้างบ้านแห่งความรู้" อย่างอิสระบนรากฐานที่วางไว้ในโรงเรียน เขาเริ่มวาดภาพด้วยสีน้ำมันเมื่ออายุ 19 ปี ปัจจุบันอาศัยและทำงานในแคว้นอุมเบรีย

ภาพวาดยุคแรกๆ ของบรูนีมีรากฐานมาจากลัทธิเหนือจริง แต่เมื่อเวลาผ่านไป เขาเริ่มมุ่งเน้นไปที่ความใกล้ชิดของแนวโรแมนติกและสัญลักษณ์ที่เป็นโคลงสั้น ๆ เสริมการผสมผสานนี้เข้ากับความซับซ้อนและความบริสุทธิ์ของตัวละครของเขา วัตถุที่เคลื่อนไหวและไม่มีชีวิตได้รับศักดิ์ศรีที่เท่าเทียมกันและดูเกือบจะสมจริงเกินไป แต่ในขณะเดียวกันก็ไม่ได้ซ่อนอยู่หลังม่าน แต่ช่วยให้คุณมองเห็นแก่นแท้ของจิตวิญญาณของคุณ ความเก่งกาจและความซับซ้อน ความเย้ายวนและความเหงา ความรอบคอบและประสิทธิผลเป็นจิตวิญญาณของ Aurelio Bruni ซึ่งหล่อเลี้ยงด้วยความงดงามของศิลปะและความกลมกลืนของดนตรี

อเล็กซานเดอร์ บาลอส

Alkasander Balos เป็นศิลปินร่วมสมัยชาวโปแลนด์ที่เชี่ยวชาญด้านการวาดภาพสีน้ำมัน เกิดในปี 1970 ในเมืองกลิวิซ ประเทศโปแลนด์ แต่ตั้งแต่ปี 1989 เขาอาศัยและทำงานในสหรัฐอเมริกา ในเมืองชาสตา รัฐแคลิฟอร์เนีย

เมื่อตอนเป็นเด็ก เขาศึกษาศิลปะภายใต้การแนะนำของแจน พ่อของเขา ซึ่งเป็นศิลปินและประติมากรที่เรียนรู้ด้วยตนเอง ดังนั้นตั้งแต่อายุยังน้อย กิจกรรมทางศิลปะจึงได้รับการสนับสนุนอย่างเต็มที่จากพ่อแม่ทั้งสอง ในปี 1989 เมื่ออายุได้ 18 ปี Balos ออกจากโปแลนด์ไปยังสหรัฐอเมริกา โดยที่ครูในโรงเรียนและศิลปินพาร์ทไทม์ Cathy Gaggliardi สนับสนุนให้ Alkasander ลงทะเบียนเรียนในโรงเรียนศิลปะ จากนั้น Balos ก็ได้รับทุนการศึกษาเต็มจำนวนจากมหาวิทยาลัยมิลวอกี รัฐวิสคอนซิน ซึ่งเขาศึกษาการวาดภาพกับศาสตราจารย์ปรัชญา Harry Rosin

หลังจากสำเร็จการศึกษาระดับปริญญาตรีในปี 1995 บาลอสก็ย้ายไปชิคาโกเพื่อศึกษาที่ School of Fine Arts ซึ่งมีพื้นฐานมาจากผลงานของ Jacques-Louis David ความสมจริงเชิงเปรียบเทียบและ การวาดภาพบุคคลเป็นผลงานส่วนใหญ่ของ Balos ในช่วงทศวรรษที่ 90 และต้นทศวรรษปี 2000 วันนี้บาลอสใช้ ร่างมนุษย์เพื่อเน้นคุณสมบัติและแสดงข้อบกพร่อง การดำรงอยู่ของมนุษย์โดยไม่ต้องเสนอวิธีแก้ปัญหาใดๆ

การจัดองค์ประกอบภาพเขียนของเขามุ่งหมายให้ผู้ชมตีความอย่างอิสระ จากนั้นภาพเขียนจะได้รับความหมายทางโลกและอัตนัยที่แท้จริง ในปี 2548 ศิลปินย้ายไปอยู่ที่แคลิฟอร์เนียตอนเหนือ ตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา หัวข้องานของเขาก็ขยายออกไปอย่างมาก และตอนนี้มีวิธีการวาดภาพที่อิสระมากขึ้น รวมถึงนามธรรมและวิธีต่างๆ สไตล์มัลติมีเดียช่วยแสดงความคิดและอุดมคติของการดำรงอยู่ผ่านการวาดภาพ

อลิสสา มังค์

Alyssa Monks เป็นศิลปินชาวอเมริกันร่วมสมัย เกิดเมื่อปี 1977 ในเมืองริดจ์วูด รัฐนิวเจอร์ซีย์ ฉันเริ่มสนใจการวาดภาพตั้งแต่ยังเป็นเด็ก เธอศึกษาที่ The New School ในนิวยอร์กและมหาวิทยาลัย Montclair State และสำเร็จการศึกษาระดับปริญญาตรีจากวิทยาลัยบอสตันในปี 1999 ในเวลาเดียวกัน เธอศึกษาการวาดภาพที่ Lorenzo de' Medici Academy ในฟลอเรนซ์

จากนั้นเธอก็ศึกษาต่อในหลักสูตรปริญญาโทที่ New York Academy of Art ในภาควิชา Figurative Art ซึ่งสำเร็จการศึกษาในปี 2544 เธอสำเร็จการศึกษาจาก Fullerton College ในปี 2549 บางครั้งเธอก็บรรยายที่มหาวิทยาลัยและ สถาบันการศึกษาเธอสอนการวาดภาพที่ New York Academy of Art เช่นเดียวกับ Montclair State University และ Lyme Academy of Art College ทั่วประเทศ

“การใช้ฟิลเตอร์ต่างๆ เช่น แก้ว ไวนิล น้ำ และไอน้ำ ทำให้ฉันบิดเบือนภาพได้ ร่างกายมนุษย์- ฟิลเตอร์เหล่านี้ช่วยให้คุณสร้างพื้นที่ขนาดใหญ่ของการออกแบบเชิงนามธรรม โดยมีเกาะหลากสีที่มองผ่าน - ส่วนต่างๆ ของร่างกายมนุษย์

ภาพวาดของฉันเปลี่ยนไป ดูทันสมัยไปจนถึงท่าทางและท่าทางดั้งเดิมของผู้หญิงอาบน้ำ พวกเขาสามารถบอกผู้ชมที่เอาใจใส่ได้มากมายเกี่ยวกับสิ่งที่ดูเหมือนชัดเจนในตัวเอง เช่น ประโยชน์ของการว่ายน้ำ การเต้นรำ และอื่นๆ ตัวละครของฉันกดตัวเองกับกระจกหน้าต่างห้องอาบน้ำฝักบัว บิดเบือนร่างกายของตัวเอง โดยตระหนักว่าสิ่งเหล่านี้มีอิทธิพลต่อการจ้องมองของผู้ชายที่ฉาวโฉ่ต่อผู้หญิงที่เปลือยเปล่า ชั้นสีหนาผสมกันเพื่อเลียนแบบแก้ว ไอน้ำ น้ำ และเนื้อจากระยะไกล อย่างไรก็ตาม เมื่อมองอย่างใกล้ชิด คุณสมบัติทางกายภาพอันน่าทึ่งของสีน้ำมันก็ปรากฏชัดเจน จากการทดลองโดยใช้สีและสีหลายชั้น ฉันพบจุดที่ฝีแปรงแบบนามธรรมกลายเป็นอย่างอื่น

เมื่อฉันเริ่มวาดภาพร่างกายมนุษย์ครั้งแรก ฉันรู้สึกทึ่งและหมกมุ่นอยู่กับมันทันที และเชื่อว่าฉันต้องทำให้ภาพวาดของฉันสมจริงที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ ฉัน “ยอมรับ” ความสมจริงจนกระทั่งมันเริ่มคลี่คลายและเผยให้เห็นความขัดแย้งในตัวเอง ตอนนี้ฉันกำลังสำรวจความเป็นไปได้และศักยภาพของรูปแบบการวาดภาพที่ซึ่งการวาดภาพเป็นตัวแทนและนามธรรมมาบรรจบกัน หากทั้งสองรูปแบบสามารถอยู่ร่วมกันได้ในเวลาเดียวกัน ฉันจะทำเช่นนั้น”

อันโตนิโอ ฟิเนลลี

ศิลปินชาวอิตาลี – “ ผู้สังเกตการณ์เวลา” – อันโตนิโอ ฟิเนลลี เกิดเมื่อวันที่ 23 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2528 ปัจจุบันอาศัยและทำงานในอิตาลีระหว่างโรมและกัมโปบาสโซ ผลงานของเขาได้รับการจัดแสดงในแกลเลอรี่หลายแห่งในอิตาลีและต่างประเทศ: โรม, ฟลอเรนซ์, โนวารา, เจนัว, ปาแลร์โม, อิสตันบูล, อังการา, นิวยอร์ก และยังสามารถพบได้ในคอลเลกชันส่วนตัวและสาธารณะ

ภาพวาดดินสอ” ผู้สังเกตการณ์เวลา“อันโตนิโอ ฟิเนลลีพาเราเดินทางสู่โลกชั่วนิรันดร์ผ่านโลกภายในแห่งกาลเวลาของมนุษย์และการวิเคราะห์โลกนี้อย่างถี่ถ้วนที่เกี่ยวข้อง องค์ประกอบหลักคือการเดินผ่านกาลเวลาและร่องรอยที่ทิ้งไว้บนผิวหนัง

ฟิเนลลีวาดภาพคนทุกวัย เพศ และสัญชาติ ซึ่งการแสดงออกทางสีหน้าบ่งบอกถึงการผ่านกาลเวลา และศิลปินยังหวังที่จะพบหลักฐานของความไร้ความปรานีแห่งกาลเวลาบนร่างของตัวละครของเขา อันโตนิโอให้นิยามผลงานของเขาไว้อย่างหนึ่งว่า ชื่อสามัญ: “ภาพเหมือนตนเอง” เพราะในภาพวาดดินสอของเขาเขาไม่เพียงแต่พรรณนาถึงบุคคลเท่านั้น แต่ยังให้ผู้ชมได้ไตร่ตรองถึงผลลัพธ์ที่แท้จริงของกาลเวลาที่ผ่านไปในตัวบุคคลอีกด้วย

ฟลามิเนีย คาร์โลนี

Flaminia Carloni เป็นศิลปินชาวอิตาลีวัย 37 ปี เป็นลูกสาวของนักการทูต เธอมีลูกสามคน เธออาศัยอยู่ในโรมเป็นเวลาสิบสองปี และสามปีในอังกฤษและฝรั่งเศส เธอได้รับปริญญาด้านประวัติศาสตร์ศิลปะจาก BD School of Art จากนั้นเธอก็ได้รับประกาศนียบัตรในฐานะนักบูรณะงานศิลปะ ก่อนที่จะค้นพบอาชีพและอุทิศตนให้กับการวาดภาพ เธอทำงานเป็นนักข่าว นักวาดภาพ นักออกแบบ และนักแสดง

ความหลงใหลในการวาดภาพของ Flaminia เกิดขึ้นในวัยเด็ก สื่อหลักของเธอคือน้ำมัน เพราะเธอชอบ "coiffer la pate" และชอบเล่นกับวัสดุด้วย เธอจำเทคนิคที่คล้ายกันในผลงานของศิลปิน Pascal Torua Flaminia ได้รับแรงบันดาลใจจากปรมาจารย์ด้านการวาดภาพผู้ยิ่งใหญ่ เช่น Balthus, Hopper และ François Legrand รวมถึงการเคลื่อนไหวทางศิลปะที่หลากหลาย เช่น สตรีทอาร์ต ความสมจริงแบบจีน สถิตยศาสตร์ และความสมจริงแบบเรอเนซองส์ ที่เธอชื่นชอบ ศิลปินคาราวัจโจ- ความฝันของเธอคือการค้นพบพลังแห่งศิลปะในการบำบัด

เดนิส เชอร์นอฟ

เดนิส เชอร์นอฟ - มีความสามารถ ศิลปินชาวยูเครนเกิดเมื่อปี 1978 ในเมืองซัมบีร์ แคว้นลวิฟ ประเทศยูเครน หลังจากสำเร็จการศึกษาจาก Kharkov Art School ในปี 1998 เขายังคงอยู่ที่ Kharkov ซึ่งปัจจุบันเขาอาศัยและทำงานอยู่ นอกจากนี้เขายังศึกษาที่ Kharkov State Academy of Design and Arts, Department of Graphic Arts โดยสำเร็จการศึกษาในปี 2547

เขามีส่วนร่วมในนิทรรศการศิลปะเป็นประจำจนถึงปัจจุบันมีมากกว่าหกสิบรายการทั้งในยูเครนและต่างประเทศ ผลงานของเดนิส เชอร์นอฟส่วนใหญ่ถูกเก็บไว้ในคอลเลกชันส่วนตัวในยูเครน รัสเซีย อิตาลี อังกฤษ สเปน กรีซ ฝรั่งเศส สหรัฐอเมริกา แคนาดา และญี่ปุ่น ผลงานบางส่วนถูกขายที่ Christie's

เดนิสทำงานในเทคนิคกราฟิกและการระบายสีที่หลากหลาย การวาดภาพด้วยดินสอเป็นหนึ่งในวิธีการวาดภาพที่เขาชื่นชอบมากที่สุด ซึ่งเป็นรายการหัวข้อต่างๆ ของเขา ภาพวาดดินสอยังมีความหลากหลายมาก เขาวาดภาพทิวทัศน์ ภาพบุคคล ภาพเปลือย องค์ประกอบประเภท ภาพประกอบหนังสือวรรณกรรมและ การฟื้นฟูทางประวัติศาสตร์และจินตนาการ

“ผู้เล่นการ์ด”

ผู้เขียน

ปอล เซซาน

ประเทศ ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1839–1906
สไตล์ โพสต์อิมเพรสชันนิสม์

ศิลปินเกิดทางตอนใต้ของฝรั่งเศสในเมืองเล็ก ๆ ของเอ็กซองโพรวองซ์ แต่เริ่มวาดภาพในปารีส ความสำเร็จที่แท้จริงมาหาเขาหลังจากนิทรรศการส่วนตัวที่จัดโดยนักสะสม Ambroise Vollard ในปี 1886 20 ปีก่อนออกเดินทาง เขาย้ายไปอยู่ชานเมืองบ้านเกิด ศิลปินรุ่นเยาว์เรียกการเดินทางมาหาเขาว่า "การแสวงบุญที่เมืองเอ็กซ์"

130x97 ซม
พ.ศ. 2438
ราคา
250 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2555
ในการประมูลส่วนตัว

งานของ Cezanne เข้าใจง่าย กฎข้อเดียวของศิลปินคือการถ่ายโอนวัตถุหรือลงจุดบนผืนผ้าใบโดยตรง ดังนั้นภาพวาดของเขาจึงไม่ทำให้ผู้ชมสับสน Cezanne ผสมผสานสองหลักในงานศิลปะของเขา ประเพณีฝรั่งเศส: ความคลาสสิคและความโรแมนติก ด้วยความช่วยเหลือของพื้นผิวที่มีสีสัน เขาทำให้รูปร่างของวัตถุมีความเป็นพลาสติกที่น่าทึ่ง

ชุดภาพวาดห้าภาพ "ผู้เล่นไพ่" ถูกวาดในปี พ.ศ. 2433-2438 เนื้อเรื่องของพวกเขาเหมือนกัน - หลายคนเล่นโป๊กเกอร์อย่างกระตือรือร้น ผลงานแตกต่างกันเพียงจำนวนผู้เล่นและขนาดของผืนผ้าใบ

ภาพวาดสี่ภาพถูกเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์ในยุโรปและอเมริกา (Museum d'Orsay, Metropolitan Museum of Art, Barnes Foundation และ Courtauld Institute of Art) และภาพที่ห้าจนกระทั่งเมื่อไม่นานมานี้เป็นเครื่องประดับของคอลเลกชันส่วนตัวของเจ้าของเรือมหาเศรษฐีชาวกรีก จอร์จ เอมบิริคอส. ไม่นานก่อนที่เขาจะเสียชีวิต ในฤดูหนาวปี 2554 เขาตัดสินใจนำมันไปขาย ผู้ซื้อที่มีศักยภาพ William Acquavella พ่อค้างานศิลปะและ Larry Gagosian นักแกลเลอรีศิลปะชื่อดังระดับโลกกลายเป็นผลงาน "ฟรี" ของ Cezanne โดยเสนอเงินประมาณ 220 ล้านเหรียญสหรัฐ ส่งผลให้ภาพนั้นไป ราชวงศ์ รัฐอาหรับกาตาร์ในราคา 250 ล้าน ข้อตกลงด้านศิลปะที่ใหญ่ที่สุดในประวัติศาสตร์การวาดภาพปิดตัวลงเมื่อเดือนกุมภาพันธ์ พ.ศ. 2555 นักข่าว Alexandra Pierce รายงานเรื่องนี้ในงาน Vanity Fair เธอทราบราคาของภาพวาดและชื่อของเจ้าของคนใหม่ จากนั้นข้อมูลก็แพร่สะพัดไปตามสื่อต่างๆ ทั่วโลก

พิพิธภัณฑ์อาหรับเปิดในกาตาร์ในปี 2010 ศิลปะร่วมสมัยและพิพิธภัณฑ์แห่งชาติกาตาร์ ตอนนี้คอลเลกชันของพวกเขากำลังเติบโต บางที The Card Players เวอร์ชันที่ห้าอาจถูกซื้อโดยชีคเพื่อจุดประสงค์นี้

มากที่สุดภาพวาดราคาแพงในโลก

เจ้าของ
ชีค ฮาหมัด
บิน คาลิฟา อัล-ธานี

ราชวงศ์อัลธานีปกครองกาตาร์มานานกว่า 130 ปี ประมาณครึ่งศตวรรษที่ผ่านมา มีการค้นพบน้ำมันและก๊าซสำรองจำนวนมากที่นี่ ซึ่งทำให้กาตาร์เป็นหนึ่งในภูมิภาคที่ร่ำรวยที่สุดในโลกในทันที ด้วยการส่งออกไฮโดรคาร์บอน ประเทศเล็กๆ แห่งนี้มี GDP ต่อหัวที่ใหญ่ที่สุด เชค ฮาหมัด บิน คาลิฟา อัล-ธานี ยึดอำนาจในปี 1995 ขณะที่พ่อของเขาอยู่ในสวิตเซอร์แลนด์ โดยได้รับการสนับสนุนจากสมาชิกในครอบครัว ผู้เชี่ยวชาญระบุว่า ข้อดีของผู้ปกครองคนปัจจุบันคือยุทธศาสตร์ที่ชัดเจนสำหรับการพัฒนาประเทศและในการสร้างภาพลักษณ์ที่ประสบความสำเร็จของรัฐ ขณะนี้กาตาร์มีรัฐธรรมนูญและนายกรัฐมนตรี และผู้หญิงมีสิทธิลงคะแนนเสียงในการเลือกตั้งรัฐสภา อย่างไรก็ตาม เป็นประมุขแห่งกาตาร์ผู้ก่อตั้งช่องข่าวอัลจาซีรา เจ้าหน้าที่ของรัฐอาหรับให้ความสำคัญกับวัฒนธรรมเป็นอย่างมาก

2

"หมายเลข 5"

ผู้เขียน

แจ็คสัน พอลล็อค

ประเทศ สหรัฐอเมริกา
ปีแห่งชีวิต 1912–1956
สไตล์ การแสดงออกเชิงนามธรรม

Jack the Sprinkler - นี่คือชื่อเล่นที่ชาวอเมริกันตั้งให้ Pollock สำหรับเทคนิคการวาดภาพพิเศษของเขา ศิลปินละทิ้งแปรงและขาตั้ง และเทสีลงบนพื้นผิวของผ้าใบหรือแผ่นใยไม้อัดระหว่างการเคลื่อนไหวอย่างต่อเนื่องไปรอบ ๆ และด้านใน เขาสนใจปรัชญาของจิดฑุกฤษณมูรติตั้งแต่อายุยังน้อย ข้อความหลักซึ่งความจริงก็ปรากฏในช่วง "หลั่งไหล" อย่างเสรี

122x244 ซม
2491
ราคา
140 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2549
ในการประมูล ซอเธบีส์

คุณค่าของงานของ Pollock ไม่ได้อยู่ที่ผลลัพธ์ แต่อยู่ที่กระบวนการ ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ผู้เขียนเรียกงานศิลปะของเขาว่า "ภาพวาดแอ็คชั่น" ด้วยมือที่เบาของเขา มันจึงกลายเป็นทรัพย์สินหลักของอเมริกา แจ็คสัน พอลล็อคผสมสีกับทรายและกระจกที่แตก แล้วทาสีด้วยกระดาษแข็ง มีดจานสี มีด และที่ตักผง ศิลปินได้รับความนิยมอย่างมากจนในปี 1950 พบผู้เลียนแบบแม้กระทั่งในสหภาพโซเวียต ภาพวาด "หมายเลข 5" ได้รับการยอมรับว่าเป็นหนึ่งในภาพวาดที่แปลกและแพงที่สุดในโลก David Geffen หนึ่งในผู้ก่อตั้ง DreamWorks ซื้อมันสำหรับคอลเลกชันส่วนตัว และในปี 2549 ขายมันในการประมูลของ Sotheby ในราคา 140 ล้านดอลลาร์ ให้กับ David Martinez นักสะสมชาวเม็กซิกัน อย่างไรก็ตาม เร็วๆ นี้ สำนักงานกฎหมายออกแถลงข่าวในนามของลูกค้าของเธอโดยระบุว่า David Martinez ไม่ใช่เจ้าของภาพวาด มีเพียงสิ่งเดียวที่รู้แน่ชัด: นักการเงินชาวเม็กซิกันเพิ่งรวบรวมผลงานศิลปะสมัยใหม่เมื่อไม่นานมานี้ ไม่น่าเป็นไปได้ที่เขาจะพลาดเช่นนี้ " ปลาตัวใหญ่"เหมือนกับเพลง "หมายเลข 5" ของพอลลอคส์

3

"ผู้หญิงที่สาม"

ผู้เขียน

วิลเลม เดอ คูนนิ่ง

ประเทศ สหรัฐอเมริกา
ปีแห่งชีวิต 1904–1997
สไตล์ การแสดงออกเชิงนามธรรม

เขาเกิดในเนเธอร์แลนด์โดยกำเนิดและอพยพไปยังสหรัฐอเมริกาในปี พ.ศ. 2469 ในปี พ.ศ. 2491 มีการจัดนิทรรศการส่วนตัวของศิลปิน นักวิจารณ์ศิลปะชื่นชมองค์ประกอบขาวดำที่ซับซ้อนและวิตกกังวล โดยยกย่องผู้แต่งว่าเป็นศิลปินสมัยใหม่ผู้ยิ่งใหญ่ เขาต้องทนทุกข์ทรมานจากโรคพิษสุราเรื้อรังมาเกือบตลอดชีวิต แต่งานทุกชิ้นก็รู้สึกได้ถึงความสุขในการสร้างสรรค์งานศิลปะใหม่ๆ De Kooning โดดเด่นด้วยความหุนหันพลันแล่นของภาพวาดและลายเส้นกว้าง ซึ่งเป็นเหตุผลว่าทำไมบางครั้งภาพจึงไม่พอดีกับขอบเขตของผืนผ้าใบ

121x171 ซม
1953
ราคา
137 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2549
ในการประมูลส่วนตัว

ในช่วงทศวรรษ 1950 ผู้หญิงที่มีดวงตาว่างเปล่า หน้าอกใหญ่ และใบหน้าที่น่าเกลียดปรากฏในภาพวาดของเดอคูนนิ่ง "ผู้หญิงคนที่ 3" กลายเป็น งานสุดท้ายจากซีรีส์นี้ที่ร่วมประมูล

ตั้งแต่ปี 1970 ภาพวาดดังกล่าวถูกเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่เตหะราน แต่หลังจากการแนะนำกฎทางศีลธรรมที่เข้มงวดในประเทศพวกเขาก็พยายามที่จะกำจัดมัน ในปี 1994 งานดังกล่าวถูกส่งออกจากอิหร่าน และ 12 ปีต่อมา David Geffen เจ้าของผลงาน (โปรดิวเซอร์คนเดียวกันกับที่ขายผลงาน "Number 5" ของ Jackson Pollock) ได้ขายภาพวาดดังกล่าวให้กับเศรษฐี Steven Cohen ในราคา 137.5 ล้านเหรียญสหรัฐ ที่น่าสนใจคือในหนึ่งปีเกฟเฟนเริ่มขายคอลเลกชั่นภาพวาดของเขาหมด สิ่งนี้ทำให้เกิดข่าวลือมากมาย เช่น ผู้ผลิตตัดสินใจซื้อหนังสือพิมพ์ Los Angeles Times

ที่ฟอรัมศิลปะแห่งหนึ่งมีการแสดงความคิดเห็นเกี่ยวกับความคล้ายคลึงกัน” ผู้หญิงที่สาม"ด้วยภาพวาด "Lady with an Ermine" โดย Leonardo da Vinci เบื้องหลังรอยยิ้มอันเร่าร้อนและร่างไร้รูปร่างของนางเอกนักเลงวาดภาพมองเห็นความสง่างามของบุคคลที่มีสายเลือดราชวงศ์ สิ่งนี้เห็นได้จากมงกุฎที่ดึงออกมาไม่ดีซึ่งสวมมงกุฎศีรษะของผู้หญิง

4

“ภาพเหมือนของอเดลโบลช-บาวเออร์ที่ 1"

ผู้เขียน

กุสตาฟ คลิมท์

ประเทศ ออสเตรีย
ปีแห่งชีวิต 1862–1918
สไตล์ ทันสมัย

Gustav Klimt เกิดในครอบครัวช่างแกะสลักและเป็นลูกคนที่สองในจำนวนเจ็ดคน ลูกชายทั้งสามของ Ernest Klimt กลายเป็นศิลปิน แต่มีเพียงกุสตาฟเท่านั้นที่โด่งดังไปทั่วโลก เขาใช้เวลาส่วนใหญ่ในวัยเด็กของเขาด้วยความยากจน หลังจากที่พ่อของเขาเสียชีวิต เขาก็ต้องรับผิดชอบครอบครัวทั้งหมด ในเวลานี้ Klimt ได้พัฒนาสไตล์ของเขา ผู้ชมคนใดจะค้างที่หน้าภาพวาดของเขา: ความเร้าอารมณ์ที่ตรงไปตรงมาสามารถมองเห็นได้ชัดเจนภายใต้ลายเส้นสีทองบาง ๆ

138x136 ซม
2450
ราคา
135 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2549
ในการประมูล ซอเธบีส์

ชะตากรรมของภาพวาดซึ่งเรียกว่า "โมนาลิซ่าชาวออสเตรีย" อาจกลายเป็นพื้นฐานสำหรับหนังสือขายดีได้อย่างง่ายดาย ผลงานของศิลปินทำให้เกิดความขัดแย้งระหว่างคนทั้งรัฐกับหญิงชราคนหนึ่ง

ดังนั้น "ภาพเหมือนของ Adele Bloch-Bauer I" จึงพรรณนาถึงขุนนางผู้เป็นภรรยาของ Ferdinand Bloch ของเธอ พินัยกรรมครั้งสุดท้ายคือการถ่ายโอนภาพวาดไปยังหอศิลป์แห่งรัฐออสเตรีย อย่างไรก็ตาม โบลชยกเลิกการบริจาคตามพินัยกรรมของเขา และพวกนาซีก็เวนคืนภาพวาดนั้น ต่อมาแกลเลอรีซื้อ Golden Adele ด้วยความยากลำบาก แต่แล้วทายาทก็ปรากฏตัวขึ้น - Maria Altman หลานสาวของ Ferdinand Bloch

ในปี 2548 การพิจารณาคดีที่มีชื่อเสียงโด่งดัง“ Maria Altmann ต่อต้านสาธารณรัฐออสเตรีย” เริ่มขึ้นอันเป็นผลมาจากการที่ภาพยนตร์เรื่องนี้ "จากไป" กับเธอที่ลอสแองเจลิส ออสเตรียใช้มาตรการที่ไม่เคยมีมาก่อน: มีการเจรจาเรื่องเงินกู้ประชากรบริจาคเงินเพื่อซื้อภาพเหมือน ความดีไม่เคยเอาชนะความชั่วร้าย อัลท์แมนขึ้นราคาเป็น 300 ล้านดอลลาร์ ในช่วงเวลาของการดำเนินคดี เธออายุ 79 ปี และเธอลงไปในประวัติศาสตร์ในฐานะบุคคลที่เปลี่ยนเจตจำนงของ Bloch-Bauer เพื่อผลประโยชน์ส่วนตัว ภาพวาดนี้ถูกซื้อโดย Ronald Lauder เจ้าของ New Gallery ในนิวยอร์ก ซึ่งยังคงอยู่มาจนถึงทุกวันนี้ ไม่ใช่สำหรับออสเตรีย สำหรับเขา อัลท์แมนลดราคาลงเหลือ 135 ล้านดอลลาร์

5

"กรี๊ด"

ผู้เขียน

เอ็ดวาร์ด มุงค์

ประเทศ นอร์เวย์
ปีแห่งชีวิต 1863–1944
สไตล์ การแสดงออก

ภาพวาดชิ้นแรกของ Munch ซึ่งโด่งดังไปทั่วโลก "The Sick Girl" (มีห้าชุด) อุทิศให้กับน้องสาวของศิลปินที่เสียชีวิตด้วยวัณโรคเมื่ออายุ 15 ปี Munch สนใจหัวข้อความตายและความเหงามาโดยตลอด ในประเทศเยอรมนี ภาพวาดที่หนักหน่วงและคลั่งไคล้ของเขายังก่อให้เกิดเรื่องอื้อฉาวอีกด้วย อย่างไรก็ตาม แม้จะอยู่ในสภาวะซึมเศร้า แต่ภาพวาดของเขาก็มีพลังแม่เหล็กพิเศษ ยกตัวอย่างเช่น "Scream"

73.5x91 ซม
พ.ศ. 2438
ราคา
119.992 ล้านดอลลาร์
ขายใน 2555
ในการประมูล ซอเธบีส์

ชื่อเต็มของภาพนี้คือ Der Schrei der Natur (แปลจากภาษาเยอรมันว่า "เสียงร้องของธรรมชาติ") ใบหน้าของมนุษย์หรือมนุษย์ต่างดาวแสดงออกถึงความสิ้นหวังและตื่นตระหนก - อารมณ์แบบเดียวกับที่ผู้ชมสัมผัสเมื่อดูภาพ หนึ่งในผลงานสำคัญของการแสดงออกซึ่งเตือนถึงประเด็นสำคัญที่กลายเป็นประเด็นรุนแรงในงานศิลปะแห่งศตวรรษที่ 20 ตามเวอร์ชันหนึ่งศิลปินสร้างขึ้นภายใต้อิทธิพล ความผิดปกติทางจิตซึ่งเขาทนทุกข์มาตลอดชีวิต

ภาพวาดนี้ถูกขโมยไปสองครั้งจากพิพิธภัณฑ์ต่างๆ แต่ถูกส่งคืน ได้รับความเสียหายเล็กน้อยหลังจากการโจรกรรม The Scream ได้รับการบูรณะและพร้อมจัดแสดงอีกครั้งที่ Munch Museum ในปี 2008 สำหรับตัวแทนของวัฒนธรรมป๊อปงานนี้กลายเป็นแหล่งที่มาของแรงบันดาลใจ: Andy Warhol ได้สร้างชุดสำเนาของมันและหน้ากากจากภาพยนตร์เรื่อง "Scream" ก็ถูกสร้างขึ้นในภาพและความคล้ายคลึงของฮีโร่ของภาพ

Munch เขียนงานสี่เวอร์ชันสำหรับหนึ่งวิชา: เวอร์ชันที่อยู่ในคอลเลกชันส่วนตัวทำด้วยสีพาสเทล มหาเศรษฐีชาวนอร์เวย์ Petter Olsen นำมันไปประมูลเมื่อวันที่ 2 พฤษภาคม 2012 ผู้ซื้อคือลีออน แบล็ก ซึ่งไม่ได้สำรองจำนวนเงินเป็นประวัติการณ์สำหรับ "Scream" ผู้ก่อตั้ง Apollo Advisors, L.P. และที่ปรึกษาไลออน ลพ. เป็นที่รู้จักในเรื่องความรักในงานศิลปะ แบล็กเป็นผู้อุปถัมภ์วิทยาลัยดาร์ตมัธ, พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่, ศูนย์ศิลปะลินคอล์น และพิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน เขามี คอลเลกชันที่ใหญ่ที่สุดภาพวาดโดยศิลปินร่วมสมัยและปรมาจารย์คลาสสิกแห่งศตวรรษที่ผ่านมา

6

"สีนู้ดตัดกับพื้นหลังหน้าอกและใบไม้สีเขียว"

ผู้เขียน

ปาโบล ปิกัสโซ

ประเทศ สเปน,ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1881–1973
สไตล์ ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม

เขาเป็นคนสเปนโดยกำเนิด แต่โดยจิตวิญญาณและถิ่นที่อยู่ เขาคือชาวฝรั่งเศสที่แท้จริง เป็นเจ้าของ สตูดิโอศิลปะปิกัสโซค้นพบในบาร์เซโลนาเมื่อเขาอายุเพียง 16 ปี จากนั้นเขาก็ไปปารีสและใช้ชีวิตส่วนใหญ่อยู่ที่นั่น นั่นคือสาเหตุที่นามสกุลของเขามีสำเนียงสองสำเนียง สไตล์ที่ปิกัสโซคิดค้นนั้นมีพื้นฐานมาจากการปฏิเสธแนวคิดที่ว่าวัตถุที่วาดบนผืนผ้าใบสามารถดูได้จากมุมเดียวเท่านั้น

130x162 ซม
2475
ราคา
106.482 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2010
ในการประมูล ของคริสตี้

ระหว่างที่เขาทำงานในโรม ศิลปินได้พบกับนักเต้น Olga Khokhlova ซึ่งในไม่ช้าก็กลายเป็นภรรยาของเขา เขายุติความเร่ร่อนและย้ายไปอยู่อพาร์ตเมนต์หรูหรากับเธอ เมื่อถึงเวลานั้นการจดจำก็พบฮีโร่ แต่การแต่งงานถูกทำลาย หนึ่งในที่สุด ภาพวาดราคาแพงโลกถูกสร้างขึ้นโดยบังเอิญ-โดย ความรักที่ยิ่งใหญ่ซึ่งก็เหมือนเช่นเคยกับ Picasso ที่มีอายุสั้น ในปี 1927 เขาเริ่มสนใจ Marie-Therese Walter ในวัยเยาว์ (เธออายุ 17 ปีเขาอายุ 45 ปี) เขาจากภรรยาของเขาอย่างลับๆ ไปพร้อมกับนายหญิงของเขาไปยังเมืองใกล้ปารีสที่ซึ่งเขาวาดภาพเหมือนโดยวาดภาพ Marie-Therese ในรูปของ Daphne ผ้าใบถูกซื้อโดย Paul Rosenberg ตัวแทนจำหน่ายในนิวยอร์ก และในปี 1951 เขาได้ขายผ้าใบให้กับ Sidney F. Brody ครอบครัวโบรดี้แสดงภาพวาดนี้ให้โลกได้รับรู้เพียงครั้งเดียวและเพียงเพราะศิลปินมีอายุครบ 80 ปีแล้ว หลังจากสามีของเธอเสียชีวิต นางโบรดี้ได้นำผลงานนี้ไปประมูลที่ร้านคริสตีส์ในเดือนมีนาคม 2553 กว่าหกทศวรรษราคาขึ้นกว่า 5,000 เท่า! นักสะสมนิรนามซื้อมันมาในราคา 106.5 ล้านดอลลาร์ ในปี 2554 “นิทรรศการภาพวาดหนึ่งภาพ” จัดขึ้นในสหราชอาณาจักรซึ่งเปิดตัวเป็นครั้งที่สอง แต่ยังไม่ทราบชื่อของเจ้าของ

7

"แปดเอลวิส"

ผู้เขียน

แอนดี้ วอร์ฮอล

ประเทศ สหรัฐอเมริกา
ปีแห่งชีวิต 1928-1987
สไตล์
ศิลปะป๊อป

“เซ็กส์และปาร์ตี้เป็นสถานที่เดียวที่คุณต้องปรากฏตัวต่อหน้า” Andy Warhol ศิลปินป๊อปอาร์ตลัทธิ ผู้กำกับ หนึ่งในผู้ก่อตั้งนิตยสาร Interview ดีไซเนอร์ Andy Warhol กล่าว เขาทำงานร่วมกับ Vogue และ Harper's Bazaar ออกแบบปกแผ่นเสียง และออกแบบรองเท้าให้กับบริษัท I.Miller ในช่วงทศวรรษ 1960 มีภาพวาดปรากฏขึ้นซึ่งแสดงถึงสัญลักษณ์ของอเมริกา เช่น ซุปแคมป์เบลล์และโคคา-โคลา เพรสลีย์และมอนโร ซึ่งทำให้เขากลายเป็นตำนาน

358x208 ซม
1963
ราคา
100 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2551
ในการประมูลส่วนตัว

Warhol 60s เป็นชื่อที่ตั้งให้กับยุคของป๊อปอาร์ตในอเมริกา ในปี 1962 เขาทำงานในแมนฮัตตันที่สตูดิโอ Factory ซึ่งเป็นที่ซึ่งชาวโบฮีเมียนในนิวยอร์กมารวมตัวกัน ตัวแทนที่โดดเด่น: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote และบุคคลที่มีชื่อเสียงอื่นๆ ในโลก ในเวลาเดียวกัน Warhol ทดสอบเทคนิคการพิมพ์ซิลค์สกรีน - การทำซ้ำภาพเดียว นอกจากนี้เขายังใช้วิธีนี้ในการสร้าง "The Eight Elvises" ผู้ชมดูเหมือนจะได้เห็นภาพจากภาพยนตร์ที่ดาราคนนี้มีชีวิตขึ้นมา นี่คือทุกสิ่งที่ศิลปินชื่นชอบมาก: ภาพลักษณ์สาธารณะแบบ win-win สีเงิน และลางสังหรณ์แห่งความตายเป็นข้อความหลัก

ปัจจุบันมีผู้ค้างานศิลปะสองรายที่ส่งเสริมผลงานของ Warhol ในตลาดโลก: Larry Gagosian และ Alberto Mugrabi อดีตใช้เงิน 200 ล้านดอลลาร์ในปี 2551 เพื่อซื้อผลงานของ Warhol มากกว่า 15 ชิ้น คนที่สองซื้อและขายภาพวาดของเขา เช่น การ์ดคริสต์มาส แต่ได้เงินมากกว่าเท่านั้น แต่ไม่ใช่พวกเขา แต่เป็น Philippe Segalot ที่ปรึกษาด้านศิลปะชาวฝรั่งเศสผู้เจียมเนื้อเจียมตัวซึ่งช่วย Annibale Berlinghieri นักเลงศิลปะชาวโรมันขาย "Eight Elvises" ให้กับผู้ซื้อที่ไม่รู้จักด้วยมูลค่าสูงสุดเป็นประวัติการณ์สำหรับ Warhol - 100 ล้านเหรียญ

8

"ส้ม,แดง เหลือง"

ผู้เขียน

มาร์ค รอธโก

ประเทศ สหรัฐอเมริกา
ปีแห่งชีวิต 1903–1970
สไตล์ การแสดงออกเชิงนามธรรม

หนึ่งในผู้สร้างการวาดภาพสนามสีเกิดที่เมืองดวินสค์ ประเทศรัสเซีย (ปัจจุบันคือเมืองเดากัฟพิลส์ ประเทศลัตเวีย) ในครอบครัวใหญ่ของเภสัชกรชาวยิว ในปี พ.ศ. 2454 พวกเขาอพยพไปอยู่ที่สหรัฐอเมริกา Rothko ศึกษาที่แผนกศิลป์ของมหาวิทยาลัย Yale และได้รับทุนการศึกษา แต่ความรู้สึกต่อต้านกลุ่มเซมิติกทำให้เขาต้องออกจากการศึกษา แม้จะมีทุกอย่าง แต่นักวิจารณ์ศิลปะก็ยกย่องศิลปินและพิพิธภัณฑ์ก็ติดตามเขามาตลอดชีวิต

206x236 ซม
1961
ราคา
86.882 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2555
ในการประมูล ของคริสตี้

การทดลองทางศิลปะครั้งแรกของ Rothko นั้นมีการวางแนวแนวเหนือจริง แต่เมื่อเวลาผ่านไปเขาก็ทำให้พล็อตเรื่องเป็นจุดสีง่ายขึ้นซึ่งทำให้ปราศจากความเป็นกลาง ในตอนแรกพวกเขามีเฉดสีสว่าง และในปี 1960 พวกเขากลายเป็นสีน้ำตาลและสีม่วง และหนาขึ้นเป็นสีดำเมื่อถึงเวลาที่ศิลปินเสียชีวิต Mark Rothko เตือนไม่ให้มองหาความหมายใดๆ ในภาพวาดของเขา ผู้เขียนต้องการพูดอย่างชัดเจนถึงสิ่งที่เขาพูด: มีเพียงสีที่ละลายในอากาศเท่านั้นและไม่มีอะไรเพิ่มเติม เขาแนะนำให้ชมผลงานจากระยะ 45 ซม. เพื่อให้ผู้ชมถูก “ดึงดูด” เข้าสู่สีสันเหมือนอยู่ในกรวย ระวัง: การดูตามกฎทั้งหมดสามารถนำไปสู่ผลของการทำสมาธิ กล่าวคือ การรับรู้ถึงความไม่มีที่สิ้นสุด การจมอยู่กับตัวเองโดยสมบูรณ์ การผ่อนคลาย และความบริสุทธิ์จะค่อยๆ มา สีในภาพวาดของเขามีชีวิต หายใจ และมีผลกระทบทางอารมณ์อย่างมาก (ว่ากันว่าบางครั้งก็เป็นการเยียวยา) ศิลปินประกาศว่า: “ผู้ชมควรร้องไห้เมื่อมองดูพวกเขา” และกรณีเช่นนี้ก็เกิดขึ้นจริง ตามทฤษฎีของ Rothko ในขณะนี้ ผู้คนต่างดำเนินชีวิตตามประสบการณ์ทางจิตวิญญาณแบบเดียวกับที่เขาทำขณะทำงานวาดภาพ หากคุณสามารถเข้าใจมันได้ในระดับที่ละเอียดอ่อน คุณจะไม่แปลกใจเลยที่ผลงานศิลปะนามธรรมเหล่านี้มักจะถูกนักวิจารณ์เปรียบเทียบกับไอคอน

ผลงาน "สีส้ม แดง เหลือง" แสดงออกถึงแก่นแท้ของภาพวาดของ Mark Rothko ราคาเริ่มต้นในการประมูลของคริสตี้ในนิวยอร์กอยู่ที่ 35–45 ล้านดอลลาร์ ผู้ซื้อที่ไม่รู้จักเสนอราคาเป็นสองเท่าของราคาประมาณการ ไม่มีการเปิดเผยชื่อของผู้โชคดีที่เป็นเจ้าของภาพวาดซึ่งมักจะเกิดขึ้น

9

"อันมีค่า"

ผู้เขียน

ฟรานซิส เบคอน

ประเทศ
สหราชอาณาจักร
ปีแห่งชีวิต 1909–1992
สไตล์ การแสดงออก

การผจญภัยของฟรานซิส เบคอน ชายผู้มีชื่อเต็มตัวและเป็นผู้สืบเชื้อสายมาจากปราชญ์ผู้ยิ่งใหญ่ เริ่มต้นเมื่อพ่อของเขาปฏิเสธเขา เนื่องจากไม่สามารถยอมรับพฤติกรรมรักร่วมเพศของลูกชายได้ เบคอนเดินทางไปเบอร์ลินก่อน จากนั้นจึงไปปารีส จากนั้นเส้นทางของเขาก็สับสนไปทั่วยุโรป ในช่วงชีวิตของเขามีผลงานของเขาจัดแสดงอยู่ชั้นนำ ศูนย์วัฒนธรรมโลก รวมถึงพิพิธภัณฑ์ Guggenheim และ Tretyakov Gallery

147.5x198 ซม. (ตัวละ)
1976
ราคา
86.2 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2551
ในการประมูล ซอเธบีส์

พิพิธภัณฑ์อันทรงเกียรติหลายแห่งต่างพยายามครอบครองภาพวาดของเบคอน แต่ประชาชนชาวอังกฤษในยุคแรกเริ่มไม่รีบร้อนที่จะเลือกงานศิลปะประเภทนี้ มาร์กาเร็ต แทตเชอร์ นายกรัฐมนตรีอังกฤษผู้เป็นตำนานกล่าวถึงเขาว่า "ชายผู้วาดภาพอันน่าสะพรึงกลัวเหล่านี้"

ศิลปินเองก็ถือว่าช่วงหลังสงครามเป็นช่วงเริ่มต้นในการทำงานของเขา เมื่อกลับจากราชการ เขาได้วาดภาพอีกครั้งและสร้างสรรค์ผลงานชิ้นเอกที่สำคัญ ก่อนการมีส่วนร่วมของ “Triptych, 1976” งานที่แพงที่สุดของเบคอนคือ “Study for a Portrait of Pope Innocent X” (52.7 ล้านดอลลาร์) ใน "Triptych, 1976" ศิลปินบรรยายถึงเรื่องราวที่เป็นตำนานของการประหัตประหาร Orestes โดย Furies แน่นอนว่า Orestes คือ Bacon เอง และ Furies คือความทรมานของเขา เป็นเวลากว่า 30 ปีแล้วที่ภาพวาดนี้อยู่ในคอลเลกชันส่วนตัวและไม่ได้เข้าร่วมในนิทรรศการ ข้อเท็จจริงนี้ให้คุณค่าพิเศษและส่งผลให้ต้นทุนเพิ่มขึ้น แต่เงินสองสามล้านสำหรับนักเลงศิลปะและคนใจกว้างนั้นคืออะไรล่ะ? Roman Abramovich เริ่มสร้างคอลเลกชันของเขาในช่วงทศวรรษ 1990 ซึ่งเขาได้รับอิทธิพลอย่างมากจากเพื่อนของเขา Dasha Zhukova ซึ่งกลายมาเป็นเจ้าของแกลเลอรีที่ทันสมัยในรัสเซียยุคใหม่ จากข้อมูลที่ไม่เป็นทางการ นักธุรกิจรายนี้เป็นเจ้าของผลงานของ Alberto Giacometti และ Pablo Picasso เป็นการส่วนตัว ซึ่งซื้อมาเป็นจำนวนเงินเกิน 100 ล้านดอลลาร์ ในปี 2008 เขาได้เป็นเจ้าของ Triptych อย่างไรก็ตามในปี 2554 มีการซื้อผลงานอันทรงคุณค่าอีกชิ้นของเบคอน - "ภาพร่างสามภาพสำหรับภาพเหมือนของลูเซียน ฟรอยด์" แหล่งข่าวที่ซ่อนอยู่กล่าวว่า Roman Arkadyevich กลายเป็นผู้ซื้ออีกครั้ง

10

"บ่อน้ำกับดอกบัว"

ผู้เขียน

คล็อด โมเน่ต์

ประเทศ ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1840–1926
สไตล์ อิมเพรสชันนิสม์

ศิลปินได้รับการยอมรับว่าเป็นผู้ก่อตั้งอิมเพรสชั่นนิสม์ซึ่ง "จดสิทธิบัตร" วิธีการนี้ในภาพวาดของเขา งานสำคัญชิ้นแรกคือภาพวาด "Breakfast on the Grass" ( รุ่นดั้งเดิมผลงานของ เอดูอาร์ด มาเน็ต) ในวัยเยาว์เขาวาดการ์ตูนล้อเลียนและ ภาพวาดจริงเสด็จไปตลอดทางเลียบชายฝั่งและต่อไป กลางแจ้ง- ในปารีสเขาใช้ชีวิตแบบโบฮีเมียนและไม่เคยทิ้งมันไว้แม้จะรับราชการในกองทัพแล้วก็ตาม

210x100 ซม
พ.ศ. 2462
ราคา
80.5 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2551
ในการประมูล ของคริสตี้

นอกจากข้อเท็จจริงที่ว่าโมเนต์เป็นศิลปินที่ยอดเยี่ยมแล้ว เขายังเป็นชาวสวนที่กระตือรือร้นและชื่นชอบสัตว์ป่าและดอกไม้อีกด้วย ในทิวทัศน์ของเขา สภาวะของธรรมชาติเป็นเพียงชั่วขณะ วัตถุต่างๆ ดูเหมือนจะเบลอเนื่องจากการเคลื่อนที่ของอากาศ เพิ่มความประทับใจด้วยการ จังหวะใหญ่จากระยะหนึ่งพวกมันจะมองไม่เห็นและรวมเข้าด้วยกันเป็นพื้นผิว ภาพสามมิติ- ในภาพวาดของโมเนต์ผู้ล่วงลับ ธีมของน้ำและชีวิตนั้นตรงบริเวณสถานที่พิเศษ ในเมือง Giverny ศิลปินมีสระน้ำของตัวเองซึ่งเขาปลูกดอกบัวจากเมล็ดที่เขานำมาจากญี่ปุ่นเป็นพิเศษ เมื่อดอกไม้ของพวกเขาบาน เขาก็เริ่มวาดภาพ ซีรีส์ “Water Lilies” ประกอบด้วยผลงาน 60 ชิ้นที่ศิลปินวาดใช้เวลาเกือบ 30 ปีจนกระทั่งเขาเสียชีวิต การมองเห็นของเขาเสื่อมลงตามอายุ แต่เขาไม่หยุด ลักษณะของสระน้ำเปลี่ยนแปลงตลอดเวลา ขึ้นอยู่กับลม ช่วงเวลาของปี และสภาพอากาศ และ Monet ต้องการถ่ายภาพการเปลี่ยนแปลงเหล่านี้ ด้วยการทำงานอย่างรอบคอบ เขาจึงเข้าใจแก่นแท้ของธรรมชาติ ภาพวาดบางภาพในซีรีส์นี้ถูกเก็บไว้ในแกลเลอรีชั้นนำของโลก: พิพิธภัณฑสถานแห่งชาติศิลปะตะวันตก (โตเกียว), Orangerie (ปารีส) เวอร์ชันหนึ่งของ "บ่อน้ำลิลลี่" ต่อไปตกไปอยู่ในมือของผู้ซื้อที่ไม่รู้จักด้วยมูลค่าสูงสุดเป็นประวัติการณ์

11

ดาวเท็จ ที

ผู้เขียน

แจสเปอร์ จอห์นส์

ประเทศ สหรัฐอเมริกา
ปีเกิด 1930
สไตล์ ศิลปะป๊อป

ในปีพ.ศ. 2492 โจนส์เข้าโรงเรียนออกแบบในนิวยอร์ก ร่วมกับ Jackson Pollock, Willem de Kooning และคนอื่นๆ เขาได้รับการยอมรับว่าเป็นหนึ่งในศิลปินหลักแห่งศตวรรษที่ 20 ในปี 2012 เขาได้รับเหรียญแห่งอิสรภาพของประธานาธิบดี ซึ่งเป็นเกียรติยศพลเรือนสูงสุดในสหรัฐอเมริกา

137.2x170.8 ซม
1959
ราคา
80 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2549
ในการประมูลส่วนตัว

เช่นเดียวกับ Marcel Duchamp โจนส์ทำงานกับวัตถุจริง โดยวาดภาพบนผืนผ้าใบและประติมากรรมตามต้นฉบับอย่างสมบูรณ์ สำหรับงานของเขา เขาใช้วัตถุที่เรียบง่ายและเข้าใจง่าย เช่น ขวดเบียร์ ธง หรือการ์ด ไม่มีองค์ประกอบที่ชัดเจนในภาพยนตร์เรื่อง False Start ดูเหมือนว่าศิลปินกำลังเล่นกับผู้ชม โดยมักจะ "ผิด" กับการติดป้ายกำกับสีในภาพวาด โดยเปลี่ยนแนวความคิดเรื่องสี: "ฉันต้องการหาวิธีในการแสดงสีเพื่อที่จะสามารถกำหนดได้โดยวิธีอื่น" ตามที่นักวิจารณ์ระบุว่าภาพวาดที่ระเบิดแรงที่สุดและ "ไม่มั่นใจ" ของเขาถูกซื้อโดยผู้ซื้อที่ไม่รู้จัก

12

"นั่งเปลือยบนโซฟา"

ผู้เขียน

อเมเดโอ โมดิเกลียนี่

ประเทศ อิตาลี,ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1884–1920
สไตล์ การแสดงออก

Modigliani ป่วยบ่อยตั้งแต่เด็ก ในช่วงอาการเพ้อไข้ เขาจำชะตากรรมของเขาในฐานะศิลปินได้ เขาศึกษาการวาดภาพในลิวอร์โน ฟลอเรนซ์ เวนิส และในปี 1906 เขาได้ไปปารีส ซึ่งงานศิลปะของเขาเจริญรุ่งเรือง

65x100 ซม
พ.ศ. 2460
ราคา
68.962 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2010
ในการประมูล ซอเธบีส์

ในปี 1917 Modigliani ได้พบกับ Jeanne Hebuterne วัย 19 ปี ซึ่งกลายมาเป็นนางแบบของเขาและต่อมาก็เป็นภรรยาของเขา ในปี 2004 หนึ่งในภาพวาดของเธอขายได้ในราคา 31.3 ล้านเหรียญสหรัฐ ซึ่งเป็นสถิติสุดท้ายก่อนการขาย "Nude Seated on a Sofa" ในปี 2010 ภาพวาดนี้ถูกซื้อโดยผู้ซื้อที่ไม่รู้จักในราคาสูงสุดสำหรับ Modigliani ในขณะนี้ การขายผลงานเริ่มขึ้นหลังจากศิลปินเสียชีวิตเท่านั้น เขาเสียชีวิตด้วยความยากจน ป่วยเป็นวัณโรค และวันรุ่งขึ้นจีนน์ เฮบูแตร์น ซึ่งตั้งครรภ์ได้เก้าเดือนก็ฆ่าตัวตายเช่นกัน

13

"นกอินทรีบนต้นสน"

ผู้เขียน

ชี่ ไป่ซือ

ประเทศ จีน
ปีแห่งชีวิต 1864–1957
สไตล์ กัวฮวา

ความสนใจในการประดิษฐ์ตัวอักษรทำให้ Qi Baishi หันมาวาดภาพ เมื่ออายุ 28 ปี เขาได้เป็นลูกศิษย์ของศิลปิน Hu Qingyuan กระทรวงวัฒนธรรมของจีนมอบตำแหน่ง "ศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ของชาวจีน" ให้กับเขา ในปี พ.ศ. 2499 เขาได้รับ รางวัลระดับนานาชาติความสงบ.

10x26 ซม
2489
ราคา
65.4 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2554
ในการประมูล ผู้พิทักษ์จีน

Qi Baishi สนใจปรากฏการณ์ของโลกรอบตัวที่หลายคนไม่ได้ให้ความสำคัญและนี่คือความยิ่งใหญ่ของเขา ชายผู้ไม่มีการศึกษากลายเป็นศาสตราจารย์และเป็นผู้สร้างที่โดดเด่นในประวัติศาสตร์ Pablo Picasso พูดเกี่ยวกับเขา:“ ฉันกลัวที่จะไปประเทศของคุณเพราะมี Qi Baishi อยู่ในประเทศจีน” องค์ประกอบ "Eagle on a Pine Tree" ได้รับการยอมรับว่าเป็นผลงานที่ใหญ่ที่สุดของศิลปิน นอกจากผืนผ้าใบแล้ว ยังมีม้วนอักษรอียิปต์โบราณอีกสองม้วนด้วย สำหรับประเทศจีน มูลค่าการซื้อผลงานดังกล่าวสูงถึง 425.5 ล้านหยวน ม้วนหนังสือของนักอักษรวิจิตรโบราณ Huang Tingjian เพียงคนเดียวก็ขายได้ในราคา 436.8 ล้าน

14

"1949-A-No. 1"

ผู้เขียน

คลิฟฟอร์ดยังอยู่

ประเทศ สหรัฐอเมริกา
ปีแห่งชีวิต 1904–1980
สไตล์ การแสดงออกเชิงนามธรรม

ตอนอายุ 20 ฉันไปเยี่ยมชมพิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิทันในนิวยอร์กและรู้สึกผิดหวัง ต่อมาเขาลงทะเบียนเรียนหลักสูตรที่ Student Arts League แต่เหลือเวลาอีก 45 นาทีหลังจากชั้นเรียนเริ่ม ปรากฏว่า "ไม่เหมาะกับเขา" นิทรรศการส่วนตัวครั้งแรกทำให้เกิดเสียงสะท้อน ศิลปินค้นพบตัวเองและด้วยการได้รับการยอมรับ

79x93 ซม
2492
ราคา
61.7 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2554
ในการประมูล ซอเธบีส์

ยังคงมอบผลงานทั้งหมดของเขา ผืนผ้าใบมากกว่า 800 ชิ้น และผลงานบนกระดาษ 1,600 ชิ้น ให้กับเมืองในอเมริกา ซึ่งจะมีการเปิดพิพิธภัณฑ์ที่ตั้งชื่อตามเขา เดนเวอร์กลายเป็นเมืองเช่นนี้ แต่การก่อสร้างเพียงอย่างเดียวมีราคาแพงสำหรับเจ้าหน้าที่ และเพื่อให้เสร็จสมบูรณ์ จึงมีการนำผลงานสี่ชิ้นออกประมูล ผลงานของ Still ไม่น่าจะถูกนำออกประมูลอีก จึงทำให้ราคาล่วงหน้าสูงขึ้น ภาพวาด "1949-A-No.1" ถูกขายด้วยราคาสูงสุดเป็นประวัติการณ์สำหรับศิลปิน แม้ว่าผู้เชี่ยวชาญคาดการณ์ว่ายอดขายจะสูงถึง 25–35 ล้านดอลลาร์ก็ตาม

15

"องค์ประกอบซูพรีมาติสต์"

ผู้เขียน

คาซิเมียร์ มาเลวิช

ประเทศ รัสเซีย
ปีแห่งชีวิต 1878–1935
สไตล์ ลัทธิสุพรีมาติสต์

Malevich ศึกษาการวาดภาพที่โรงเรียนศิลปะ Kyiv จากนั้นที่ Moscow Academy of Arts ในปี 1913 เขาเริ่มวาดภาพเรขาคณิตเชิงนามธรรมในรูปแบบที่เขาเรียกว่า Suprematism (จากภาษาละตินแปลว่า "การปกครอง")

71x 88.5 ซม
พ.ศ. 2459
ราคา
60 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2551
ในการประมูล ซอเธบีส์

ภาพวาดนี้ถูกเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์เมืองอัมสเตอร์ดัมเป็นเวลาประมาณ 50 ปี แต่หลังจากทะเลาะกับญาติของ Malevich เป็นเวลา 17 ปี พิพิธภัณฑ์ก็มอบภาพวาดดังกล่าวให้ ศิลปินวาดภาพนี้ในปีเดียวกับ "Manifesto of Suprematism" ดังนั้น Sotheby จึงได้ประกาศก่อนการประมูลว่าจะไม่เข้าไปในคอลเลกชันส่วนตัวในราคาต่ำกว่า 60 ล้านเหรียญ และมันก็เกิดขึ้น มองจากด้านบนจะดีกว่า: ตัวเลขบนผืนผ้าใบมีลักษณะคล้ายกับมุมมองทางอากาศของโลก อย่างไรก็ตาม เมื่อไม่กี่ปีก่อน ญาติคนเดียวกันได้เวนคืน "องค์ประกอบ Suprematist" อีกชิ้นจากพิพิธภัณฑ์ MoMA เพื่อขายในการประมูล Phillips ในราคา 17 ล้านดอลลาร์

16

“คนอาบน้ำ”

ผู้เขียน

พอล โกแกง

ประเทศ ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1848–1903
สไตล์ โพสต์อิมเพรสชันนิสม์

ศิลปินอาศัยอยู่ในเปรูจนกระทั่งอายุได้เจ็ดขวบ จากนั้นกลับไปฝรั่งเศสพร้อมครอบครัว แต่ความทรงจำในวัยเด็กของเขาผลักดันให้เขาเดินทางอยู่ตลอดเวลา ในฝรั่งเศส เขาเริ่มวาดภาพและเป็นเพื่อนกับแวนโก๊ะ เขาใช้เวลาหลายเดือนกับเขาในอาร์ลส์จนกระทั่งแวนโก๊ะตัดหูระหว่างทะเลาะกัน

93.4x60.4 ซม
2445
ราคา
55 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2548
ในการประมูล ซอเธบีส์

ในปี พ.ศ. 2434 Gauguin ได้จัดการขายภาพวาดของเขาเพื่อใช้รายได้ในการเดินทางลึกเข้าไปในเกาะตาฮิติ ที่นั่นเขาสร้างผลงานที่รู้สึกถึงความเชื่อมโยงอันละเอียดอ่อนระหว่างธรรมชาติกับมนุษย์ Gauguin อาศัยอยู่ในกระท่อมมุงจาก และสวรรค์เขตร้อนก็เบ่งบานบนผืนผ้าใบของเขา ภรรยาของเขาคือ Tahitian Tehura วัย 13 ปี ซึ่งไม่ได้หยุดศิลปินจากการมีส่วนร่วมในความสัมพันธ์ที่สำส่อน หลังจากติดเชื้อซิฟิลิสแล้วเขาก็เดินทางไปฝรั่งเศส อย่างไรก็ตาม Gauguin พบว่ามีคนหนาแน่นที่นั่น และเขาจึงกลับมาที่ตาฮิติ ช่วงเวลานี้เรียกว่า "ตาฮิติที่สอง" - ตอนนั้นเองที่มีการวาดภาพ "นักอาบน้ำ" ซึ่งเป็นหนึ่งในผลงานที่หรูหราที่สุดชิ้นหนึ่ง

17

“ดอกแดฟโฟดิลกับผ้าปูโต๊ะโทนสีฟ้าและชมพู”

ผู้เขียน

อองรี มาติส

ประเทศ ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1869–1954
สไตล์ ลัทธิโฟนิยม

ในปี พ.ศ. 2432 อองรี มาตีส ป่วยด้วยโรคไส้ติ่งอักเสบ เมื่อเขาพักฟื้นจากการผ่าตัด แม่ของเขาซื้อสีทาให้เขา ในตอนแรก Matisse คัดลอกโปสการ์ดสีด้วยความเบื่อ จากนั้นเขาก็คัดลอกผลงานของจิตรกรผู้ยิ่งใหญ่ที่เขาเห็นในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ และเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 เขาก็เกิดสไตล์ - Fauvism

65.2x81 ซม
พ.ศ. 2454
ราคา
46.4 ล้านเหรียญสหรัฐ
ขายแล้ว ในปี 2552
ในการประมูล ของคริสตี้

จิตรกรรม "ดอกแดฟโฟดิลและผ้าปูโต๊ะในโทนสีฟ้าและสีชมพู" เป็นเวลานานเป็นของ Yves Saint Laurent หลังจากการเสียชีวิตของนักออกแบบเสื้อผ้ารายนี้ คอลเลกชั่นงานศิลปะทั้งหมดของเขาตกไปอยู่ในมือของเพื่อนและคนรักของเขา ปิแอร์ เบอร์เกอร์ ซึ่งตัดสินใจนำผลงานนี้ไปประมูลที่ Christie's ไข่มุกของคอลเลกชั่นที่ขายคือภาพวาด "ดอกแดฟโฟดิลกับผ้าปูโต๊ะในโทนสีน้ำเงินและสีชมพู" ซึ่งวาดบนผ้าปูโต๊ะธรรมดาแทนผ้าใบ เป็นตัวอย่างหนึ่งของลัทธิโฟวิสม์ มันเต็มไปด้วยพลังแห่งสี สีสันต่างๆ ดูเหมือนจะระเบิดและกรีดร้อง จากชุดภาพวาดอันโด่งดังที่วาดบนผ้าปูโต๊ะ ปัจจุบัน ผลงานชิ้นนี้เป็นเพียงชิ้นเดียวเท่านั้นที่อยู่ในคอลเลกชันส่วนตัว

18

"สาวหลับ"

ผู้เขียน

รอยลี

เฮ็นสไตน์

ประเทศ สหรัฐอเมริกา
ปีแห่งชีวิต 1923–1997
สไตล์ ศิลปะป๊อป

ศิลปินเกิดที่นิวยอร์ก และหลังจากสำเร็จการศึกษา เขาไปโอไฮโอ ซึ่งเขาเข้าเรียนหลักสูตรศิลปะ ในปีพ.ศ. 2492 ลิกเตนสไตน์ได้รับปริญญาโท วิจิตรศิลป์- ความสนใจในการ์ตูนและความสามารถในการใช้ถ้อยคำประชดทำให้เขากลายเป็นศิลปินลัทธิแห่งศตวรรษที่ผ่านมา

91x91 ซม
1964
ราคา
44.882 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2555
ในการประมูล ซอเธบีส์

วันหนึ่ง หมากฝรั่งตกไปอยู่ในมือของลิกเตนสไตน์ เขาวาดภาพใหม่จากการแทรกลงบนผืนผ้าใบและมีชื่อเสียง เรื่องราวจากชีวประวัติของเขานี้ประกอบด้วยข้อความป๊อปอาร์ตทั้งหมด: การบริโภค - พระเจ้าองค์ใหม่และไม่ได้อยู่ในห่อหมากฝรั่ง ความงามน้อยลงมากกว่าในโมนาลิซ่า ภาพวาดของเขาชวนให้นึกถึงการ์ตูนและการ์ตูน: ลิคเทนสไตน์เพียงแค่ขยายภาพที่เสร็จแล้ว วาดแรสเตอร์ ใช้การพิมพ์สกรีน และการพิมพ์ซิลค์สกรีน ภาพวาด "Sleeping Girl" เป็นของนักสะสมเบียทริซและฟิลิปเกิร์ชมาเกือบ 50 ปีซึ่งทายาทขายทอดตลาด

19

"ชัยชนะ. บูกี้-วูกี"

ผู้เขียน

พีต มอนเดรียน

ประเทศ เนเธอร์แลนด์
ปีแห่งชีวิต 1872–1944
สไตล์ เนื้องอก

ของฉัน ชื่อจริง– Cornelis – ศิลปินเปลี่ยนมาใช้ Mondrian เมื่อเขาย้ายไปปารีสในปี 1912 เขาร่วมกับศิลปิน Theo van Doesburg เขาก่อตั้งขบวนการ Neoplasticism ภาษาโปรแกรม Piet ตั้งชื่อตาม Mondrian

27x127 ซม
พ.ศ. 2487
ราคา
40 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 1998
ในการประมูล ซอเธบีส์

ศิลปินที่มี “ดนตรี” มากที่สุดแห่งศตวรรษที่ 20 หาเลี้ยงชีพด้วยหุ่นสีน้ำ แม้ว่าเขาจะมีชื่อเสียงในฐานะศิลปินที่ทำจากนีโอพลาสติกก็ตาม เขาย้ายไปอยู่ที่สหรัฐอเมริกาในช่วงทศวรรษที่ 1940 และใช้ชีวิตที่เหลือที่นั่น ดนตรีแจ๊สและนิวยอร์กเป็นแรงบันดาลใจให้เขามากที่สุด! จิตรกรรม “ชัยชนะ.. บูกี้-วูกี"- อันที่ดีที่สุดตัวอย่าง. การสร้างสี่เหลี่ยมอันประณีตอันเป็นเอกลักษณ์ทำได้โดยใช้เทปกาว ซึ่งเป็นวัสดุโปรดของ Mondrian ในอเมริกาเขาถูกเรียกว่า “ผู้อพยพที่มีชื่อเสียงที่สุด” ในอายุหกสิบเศษ Yves Saint Laurent เปิดตัวชุด "Mondrian" ที่โด่งดังไปทั่วโลกพร้อมลายตารางหมากรุกขนาดใหญ่

20

"องค์ประกอบหมายเลข 5"

ผู้เขียน

วาซิลีคันดินสกี้

ประเทศ รัสเซีย
ปีแห่งชีวิต 1866–1944
สไตล์ เปรี้ยวจี๊ด

ศิลปินเกิดที่มอสโกและพ่อของเขามาจากไซบีเรีย หลังการปฏิวัติเขาพยายามร่วมมือด้วย อำนาจของสหภาพโซเวียตแต่ในไม่ช้าก็ตระหนักว่ากฎของชนชั้นกรรมาชีพไม่ได้ถูกสร้างขึ้นสำหรับเขาและอพยพไปยังเยอรมนีโดยไม่ยาก

275x190 ซม
พ.ศ. 2454
ราคา
40 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2550
ในการประมูล ซอเธบีส์

Kandinsky เป็นหนึ่งในคนกลุ่มแรก ๆ ที่ละทิ้งการวาดภาพวัตถุโดยสิ้นเชิงซึ่งเขาได้รับตำแหน่งอัจฉริยะ ในช่วงลัทธินาซีในเยอรมนี ภาพวาดของเขาถูกจัดว่าเป็น "งานศิลปะที่เสื่อมทราม" และไม่มีการจัดแสดงที่ใดเลย ในปี 1939 Kandinsky เข้ารับสัญชาติฝรั่งเศส และในปารีส เขาได้เข้าร่วมกระบวนการทางศิลปะอย่างอิสระ ภาพวาดของเขา "ฟังดู" เหมือนความทรงจำซึ่งเป็นเหตุให้หลายคนถูกเรียกว่า "องค์ประกอบ" (ครั้งแรกเขียนในปี 1910 และสุดท้ายในปี 1939) “การเรียบเรียงหมายเลข 5” เป็นหนึ่งในผลงานหลักในประเภทนี้: “คำว่า “การเรียบเรียง” ฟังดูเหมือนเป็นคำอธิษฐานสำหรับฉัน” ศิลปินกล่าว แตกต่างจากผู้ติดตามหลายคน เขาวางแผนสิ่งที่เขาจะพรรณนาบนผืนผ้าใบขนาดใหญ่ ราวกับว่าเขากำลังเขียนบันทึก

21

"การศึกษาของผู้หญิงในชุดสีน้ำเงิน"

ผู้เขียน

เฟอร์นันด์ เลเกอร์

ประเทศ ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1881–1955
สไตล์ ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมหลังอิมเพรสชั่นนิสม์

Légerได้รับการศึกษาด้านสถาปัตยกรรมแล้วเข้าร่วม Ecole des Beaux-Arts ในปารีส ศิลปินคิดว่าตัวเองเป็นผู้ติดตาม Cezanne เป็นผู้ขอโทษสำหรับลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมและในศตวรรษที่ 20 ก็ประสบความสำเร็จในฐานะประติมากรเช่นกัน

96.5x129.5 ซม
พ.ศ. 2455–2456
ราคา
39.2 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2551
ในการประมูล ซอเธบีส์

David Norman ประธานแผนกระหว่างประเทศด้านอิมเพรสชันนิสม์และสมัยใหม่ที่ Sotheby's ถือว่าการจ่ายเงินจำนวนมหาศาลสำหรับ "The Lady in Blue" นั้นเป็นสิ่งที่สมเหตุสมผล ภาพวาดนี้เป็นของคอลเลกชัน Léger ที่มีชื่อเสียง (ศิลปินวาดภาพเขียนสามภาพในเรื่องเดียวกัน ภาพสุดท้ายอยู่ในมือของเอกชนในปัจจุบัน - เอ็ด) และพื้นผิวของผืนผ้าใบได้รับการเก็บรักษาไว้ในรูปแบบดั้งเดิม ผู้เขียนเองได้มอบงานนี้ให้กับแกลเลอรี Der Sturm จากนั้นก็จบลงที่คอลเลกชันของ Hermann Lang นักสะสมแนวสมัยใหม่ชาวเยอรมัน และตอนนี้เป็นของผู้ซื้อที่ไม่รู้จัก

22

“ฉากถนน. เบอร์ลิน"

ผู้เขียน

เอิร์นส์ ลุดวิกเคิร์ชเนอร์

ประเทศ เยอรมนี
ปีแห่งชีวิต 1880–1938
สไตล์ การแสดงออก

สำหรับการแสดงออกของชาวเยอรมัน Kirchner กลายเป็นบุคคลที่โดดเด่น อย่างไรก็ตาม เจ้าหน้าที่ท้องถิ่นกล่าวหาว่าเขายึดมั่นใน "งานศิลปะที่เสื่อมทราม" ซึ่งส่งผลกระทบอย่างน่าเศร้าต่อชะตากรรมของภาพวาดของเขาและชีวิตของศิลปินที่ฆ่าตัวตายในปี 2481

95x121 ซม
พ.ศ. 2456
ราคา
38.096 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2549
ในการประมูล ของคริสตี้

หลังจากย้ายไปเบอร์ลิน Kirchner ได้สร้างภาพร่าง 11 ภาพ ฉากถนน- เขาได้รับแรงบันดาลใจจากความวุ่นวายและความกังวลใจ เมืองใหญ่- ในภาพวาดที่ขายในปี 2549 ในนิวยอร์กมีความรู้สึกเฉียบแหลมเป็นพิเศษ ความวิตกกังวลศิลปิน: ผู้คนบนถนนเบอร์ลินมีลักษณะคล้ายนก - สง่างามและอันตราย เป็นผลงานชิ้นสุดท้ายจากซีรีส์ชื่อดังที่จำหน่ายในการประมูล ส่วนที่เหลือถูกเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์ ในปี 1937 พวกนาซีปฏิบัติต่อ Kirchner อย่างรุนแรง ผลงาน 639 ชิ้นของเขาถูกถอดออกจากแกลเลอรีในเยอรมนี ถูกทำลายหรือขายในต่างประเทศ ศิลปินไม่สามารถอยู่รอดได้

23

"นักพักผ่อน"นักเต้น"

ผู้เขียน

เอ็ดการ์ เดอกาส์

ประเทศ ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1834–1917
สไตล์ อิมเพรสชันนิสม์

ประวัติศาสตร์ของเดอกาส์ในฐานะศิลปินเริ่มต้นจากงานของเขาในฐานะนักลอกเลียนแบบที่พิพิธภัณฑ์ลูฟร์ เขาใฝ่ฝันที่จะ "มีชื่อเสียงและไม่มีใครรู้จัก" และในที่สุดเขาก็ทำสำเร็จ ในช่วงบั้นปลายชีวิตของเขา ทั้งหูหนวกและตาบอด เดกาส์วัย 80 ปียังคงเข้าร่วมนิทรรศการและการประมูลต่อไป

64x59 ซม
พ.ศ. 2422
ราคา
37.043 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2551
ในการประมูล ซอเธบีส์

“นักบัลเลต์เป็นข้ออ้างสำหรับฉันเสมอที่จะพรรณนาถึงเนื้อผ้าและบันทึกการเคลื่อนไหว” เดอกาส์กล่าว ดูเหมือนฉากชีวิตของนักเต้นจะถูกสอดแนม สาวๆ ไม่ได้โพสท่าเพื่อศิลปิน แต่กลายเป็นส่วนหนึ่งของบรรยากาศที่ Degas จ้องมอง "The Resting Dancer" ขายได้ในราคา 28 ล้านเหรียญสหรัฐในปี 1999 และไม่ถึง 10 ปีต่อมาก็ถูกซื้อไปในราคา 37 ล้านเหรียญสหรัฐ - ปัจจุบันเป็นราคาที่ขายได้มากที่สุด งานราคาแพงศิลปินที่เคยนำออกประมูล เดอกาส์ให้ความสนใจอย่างมากกับเฟรม ออกแบบด้วยตัวเองและห้ามไม่ให้มีการเปลี่ยนแปลง ฉันสงสัยว่าภาพวาดขายเฟรมอะไร?

24

"จิตรกรรม"

ผู้เขียน

โจน มิโร

ประเทศ สเปน
ปีแห่งชีวิต 1893–1983
สไตล์ ศิลปะนามธรรม

ในระหว่าง สงครามกลางเมืองในสเปน ศิลปินอยู่เคียงข้างพรรครีพับลิกัน ในปี 1937 เขาหนีจากระบอบฟาสซิสต์ไปยังปารีส ซึ่งเขาอาศัยอยู่กับครอบครัวอย่างยากจน ในช่วงเวลานี้ มิโรวาดภาพ "Help Spain!" ซึ่งดึงดูดความสนใจของคนทั้งโลกไปที่การปกครองของลัทธิฟาสซิสต์

89x115 ซม
2470
ราคา
36.824 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2555
ในการประมูล ซอเธบีส์

ชื่อที่สองของภาพวาดคือ "Blue Star" ศิลปินวาดภาพนี้ในปีเดียวกันเมื่อเขาประกาศว่า: "ฉันอยากจะฆ่าภาพวาด" และเยาะเย้ยผืนผ้าใบอย่างไร้ความปราณีเกาสีด้วยตะปูติดขนบนผืนผ้าใบปิดงานด้วยขยะ เป้าหมายของเขาคือการหักล้างตำนานเกี่ยวกับความลึกลับของการวาดภาพ แต่เมื่อจัดการกับสิ่งนี้ได้ Miro ได้สร้างตำนานของตัวเองขึ้นมา - นามธรรมเหนือจริง “จิตรกรรม” ของเขาอยู่ในวัฏจักรของ “ภาพวาดในฝัน” ในการประมูล ผู้ซื้อสี่รายต่อสู้เพื่อสิ่งนี้ แต่การโทรโดยไม่ระบุตัวตนสายหนึ่งช่วยแก้ไขข้อโต้แย้งได้ และ "ภาพวาด" กลายเป็นภาพวาดที่แพงที่สุดของศิลปิน

25

"บลูโรส"

ผู้เขียน

อีฟ ไคลน์

ประเทศ ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1928–1962
สไตล์ จิตรกรรมขาวดำ

ศิลปินเกิดในครอบครัวจิตรกร แต่ศึกษาภาษาตะวันออก การนำทาง งานฝีมือปิดทอง พุทธศาสนานิกายเซน และอื่นๆ อีกมากมาย บุคลิกและการแสดงตลกหน้าด้านของเขาน่าสนใจมากกว่าภาพวาดเอกรงค์หลายเท่า

153x199x16 ซม
1960
ราคา
36.779 ล้านดอลลาร์
ขายในปี 2012
ในการประมูลของคริสตี้

นิทรรศการครั้งแรกที่จัดแสดงผลงานสีเหลือง สีส้ม และสีชมพูแบบเอกรงค์ไม่ได้กระตุ้นความสนใจของสาธารณชน ไคลน์รู้สึกขุ่นเคืองและครั้งต่อไปได้นำเสนอผืนผ้าใบที่เหมือนกัน 11 ผืนซึ่งวาดด้วยอุลตรามารีนผสมกับเรซินสังเคราะห์พิเศษ เขายังจดสิทธิบัตรวิธีนี้ด้วยซ้ำ สีนี้ลงไปในประวัติศาสตร์ว่า “สีน้ำเงินไคลน์สากล” ศิลปินยังขายความว่างเปล่า สร้างภาพวาดโดยนำกระดาษโดนฝน จุดไฟบนกระดาษแข็ง พิมพ์ภาพร่างของบุคคลบนผืนผ้าใบ กล่าวอีกนัยหนึ่ง ฉันทดลองอย่างดีที่สุดเท่าที่จะทำได้ ในการสร้าง “กุหลาบสีน้ำเงิน” ฉันใช้เม็ดสีแห้ง เรซิน กรวด และฟองน้ำธรรมชาติ

26

“ตามหาโมเสส”

ผู้เขียน

เซอร์ ลอว์เรนซ์ อัลมา-ทาเดมา

ประเทศ สหราชอาณาจักร
ปีแห่งชีวิต 1836–1912
สไตล์ นีโอคลาสสิก

เซอร์ลอว์เรนซ์เองก็เพิ่มคำนำหน้าว่า "อัลมา" ในนามสกุลของเขาเพื่อที่จะ แคตตาล็อกศิลปะปรากฏก่อน ในอังกฤษยุควิกตอเรีย ภาพวาดของเขาเป็นที่ต้องการอย่างมากจนศิลปินได้รับรางวัลอัศวิน

213.4x136.7 ซม
2445
ราคา
35.922 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2554
ในการประมูล ซอเธบีส์

แก่นหลักของงานของ Alma-Tadema คือสมัยโบราณ ในภาพวาดของเขาเขาพยายามพรรณนาถึงยุคของจักรวรรดิโรมันในรายละเอียดที่เล็กที่สุดและด้วยเหตุนี้เขาจึงทำงานด้วยซ้ำ การขุดค้นทางโบราณคดีบนคาบสมุทร Apennine และในบ้านในลอนดอนของเขา เขาได้จำลองการตกแต่งภายในทางประวัติศาสตร์ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา วิชาในตำนานกลายเป็นอีกแหล่งหนึ่งของแรงบันดาลใจสำหรับเขา ศิลปินเป็นที่ต้องการอย่างมากในช่วงชีวิตของเขา แต่หลังจากการตายเขาก็ถูกลืมไปอย่างรวดเร็ว ขณะนี้ความสนใจกำลังฟื้นขึ้นมา โดยเห็นได้จากราคาของภาพวาด "In Search of Moses" ซึ่งสูงกว่าประมาณการก่อนการขายถึงเจ็ดเท่า

27

“ภาพเจ้าหน้าที่นอนเปลือยเปล่า”

ผู้เขียน

ลูเซียน ฟรอยด์

ประเทศ เยอรมนี,
สหราชอาณาจักร
ปีแห่งชีวิต 1922–2011
สไตล์ การวาดภาพเป็นรูปเป็นร่าง

ศิลปินเป็นหลานชายของซิกมันด์ ฟรอยด์ บิดาแห่งจิตวิเคราะห์ หลังจากการสถาปนาลัทธิฟาสซิสต์ในเยอรมนี ครอบครัวของเขาอพยพไปยังบริเตนใหญ่ ผลงานของฟรอยด์เข้าแล้ว พิพิธภัณฑ์ลอนดอน The Wallace Collection ซึ่งไม่เคยมีศิลปินร่วมสมัยเคยจัดแสดงมาก่อน

219.1x151.4 ซม
1995
ราคา
33.6 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2551
ในการประมูล ของคริสตี้

ในขณะที่ศิลปินแนวแฟชั่นแห่งศตวรรษที่ 20 สร้างสรรค์ "จุดสีบนผนัง" เชิงบวกและขายได้ในราคาหลายล้าน ฟรอยด์ก็วาดภาพที่เป็นธรรมชาติอย่างยิ่งและขายในราคาที่มากกว่านั้น “ฉันจับภาพเสียงร้องของจิตวิญญาณและความทุกข์ทรมานของเนื้อหนังที่ซีดจาง” เขากล่าว นักวิจารณ์เชื่อว่าทั้งหมดนี้คือ "มรดก" ของซิกมันด์ ฟรอยด์ ภาพวาดดังกล่าวได้รับการจัดแสดงและจำหน่ายอย่างประสบความสำเร็จจนผู้เชี่ยวชาญเริ่มสงสัยว่าภาพเหล่านี้มีคุณสมบัติในการสะกดจิตหรือไม่? ตามข้อมูลของ Sun ระบุว่า The Portrait of a Nude Sleeping Official ซึ่งขายทอดตลาด ถูกซื้อโดยผู้เชี่ยวชาญด้านความงามและมหาเศรษฐี Roman Abramovich

28

"ไวโอลินและกีตาร์"

ผู้เขียน

เอ็กซ์กริสหนึ่งคน

ประเทศ สเปน
ปีแห่งชีวิต 1887–1927
สไตล์ ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม

เกิดที่กรุงมาดริด ซึ่งเขาสำเร็จการศึกษาจากโรงเรียนศิลปะและหัตถกรรม ในปี 1906 เขาย้ายไปปารีสและเข้าสู่แวดวงศิลปินที่ทรงอิทธิพลที่สุดแห่งยุค: Picasso, Modigliani, Braque, Matisse, Léger และยังทำงานร่วมกับ Sergei Diaghilev และคณะของเขาด้วย

5x100 ซม
พ.ศ. 2456
ราคา
28.642 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2010
ในการประมูล ของคริสตี้

ตามคำพูดของเขาเอง Gris มีส่วนร่วมใน "สถาปัตยกรรมแบบระนาบและมีสีสัน" ภาพวาดของเขาคิดออกมาอย่างแม่นยำ: เขาไม่ได้ทิ้งจังหวะสุ่มแม้แต่เส้นเดียวซึ่งทำให้ความคิดสร้างสรรค์คล้ายกับเรขาคณิต ศิลปินได้สร้างลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมในเวอร์ชันของเขาเอง แม้ว่าเขาจะเคารพปาโบล ปิกัสโซ บิดาผู้ก่อตั้งขบวนการนี้เป็นอย่างมากก็ตาม ผู้สืบทอดยังอุทิศผลงานชิ้นแรกของเขาในรูปแบบคิวบิสม์ "Tribute to Picasso" ให้กับเขาด้วย ภาพวาด “ไวโอลินและกีตาร์” ได้รับการยกย่องว่ามีความโดดเด่นในผลงานของศิลปิน ในช่วงชีวิตของเขา Gris มีชื่อเสียงและได้รับการสนับสนุนจากนักวิจารณ์และนักวิจารณ์ศิลปะ ผลงานของเขาจัดแสดงในพิพิธภัณฑ์ที่ใหญ่ที่สุดในโลกและจัดเก็บไว้ในคอลเลกชันส่วนตัว

29

"ภาพเหมือนทุ่งแห่งเอลูอาร์ด"

ผู้เขียน

ซัลวาดอร์ ดาลี

ประเทศ สเปน
ปีแห่งชีวิต 1904–1989
สไตล์ สถิตยศาสตร์

“ฉันคือสถิตยศาสตร์” ต้าหลี่กล่าวเมื่อเขาถูกไล่ออกจากกลุ่มสถิตยศาสตร์ เมื่อเวลาผ่านไป เขากลายเป็นศิลปินเซอร์เรียลลิสต์ที่โด่งดังที่สุด งานของต้าหลี่มีอยู่ทั่วไป ไม่ใช่แค่ในแกลเลอรีเท่านั้น ตัวอย่างเช่นเขาเป็นคนคิดบรรจุภัณฑ์สำหรับ Chupa Chups

25x33 ซม
2472
ราคา
20.6 ล้านดอลลาร์
ขายแล้ว ในปี 2554
ในการประมูล ซอเธบีส์

ในปี 1929 กวี Paul Eluard และ Gala ภรรยาของเขาชาวรัสเซียมาเยี่ยม Dali ผู้ยั่วยุและนักสู้ผู้ยิ่งใหญ่ การพบกันถือเป็นจุดเริ่มต้นของเรื่องราวความรักที่ยาวนานกว่าครึ่งศตวรรษ ภาพวาด “ภาพเหมือนของพอล เอลูอาร์ด” ถูกวาดขึ้นในระหว่างการเยือนครั้งประวัติศาสตร์ครั้งนี้ “ฉันรู้สึกว่าฉันได้รับความไว้วางใจให้รับผิดชอบในการถ่ายภาพใบหน้าของกวีผู้นี้ ซึ่งฉันได้ขโมยเพลงจากโอลิมปัสไป” ศิลปินกล่าว ก่อนที่จะพบกับกาล่า เขาเป็นสาวพรหมจารีและรู้สึกเบื่อหน่ายกับความคิดเรื่องเซ็กส์กับผู้หญิง รักสามเส้าดำรงอยู่จนกระทั่งการตายของ Eluard หลังจากนั้นจึงกลายเป็นเพลงคู่ Dali-Gala

30

"วันครบรอบปี"

ผู้เขียน

มาร์ค ชากัล

ประเทศ รัสเซีย,ฝรั่งเศส
ปีแห่งชีวิต 1887–1985
สไตล์ เปรี้ยวจี๊ด

Moishe Segal เกิดที่เมือง Vitebsk แต่ในปี 1910 เขาอพยพไปปารีส เปลี่ยนชื่อ และใกล้ชิดกับศิลปินแนวหน้าชั้นนำแห่งยุคนั้น ในช่วงทศวรรษที่ 1930 ระหว่างการยึดอำนาจโดยพวกนาซี เขาเดินทางไปสหรัฐอเมริกาโดยได้รับความช่วยเหลือจากกงสุลอเมริกัน เขากลับไปฝรั่งเศสในปี พ.ศ. 2491 เท่านั้น

80x103 ซม
2466
ราคา
14.85 ล้านดอลลาร์
ขายไปเมื่อปี 1990
ในการประมูลของ Sotheby

ภาพวาด “วันครบรอบ” ได้รับการยอมรับว่าเป็นหนึ่งในผลงานที่ดีที่สุดของศิลปิน มันมีคุณลักษณะทั้งหมดของงานของเขา: กฎทางกายภาพของโลกถูกลบทิ้ง, ความรู้สึกของเทพนิยายถูกเก็บรักษาไว้ในทิวทัศน์ของชีวิตชนชั้นกลางและความรักเป็นศูนย์กลางของโครงเรื่อง Chagall ไม่ได้ดึงผู้คนมาจากชีวิต แต่ดึงมาจากความทรงจำหรือจินตนาการเท่านั้น ภาพวาด "วันครบรอบ" พรรณนาถึงตัวศิลปินเองและเบลาภรรยาของเขา ภาพวาดนี้ถูกขายในปี 1990 และยังไม่มีการประมูลตั้งแต่นั้นมา สิ่งที่น่าสนใจคือพิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่นิวยอร์ก MoMA เป็นที่ตั้งของพิพิธภัณฑ์เดียวกันทุกประการ โดยใช้ชื่อว่า "วันเกิด" เท่านั้น โดยวิธีการนี้เขียนไว้ก่อนหน้านี้ - ในปี 1915

ได้เตรียมโครงการ
ตาเตียนา ปาลาโซวา
ได้รวบรวมเรตติ้งแล้ว
ตามรายการ www.art-spb.ru
นิตยสาร ทีเอ็มเอ็น ฉบับที่ 13 (พฤษภาคม-มิถุนายน 2556)

- อย่างไรก็ตาม เพื่อวัตถุประสงค์ของบทความนี้ เราจะพิจารณาเฉพาะศิลปะวัตถุเท่านั้น

ในอดีตทุกประเภทแบ่งออกเป็นสูงและต่ำ ถึง ประเภทสูงหรือ จิตรกรรมประวัติศาสตร์รวมถึงผลงานที่มีลักษณะยิ่งใหญ่ มีคุณธรรม แนวคิดสำคัญ แสดงให้เห็นเหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์ การทหารที่เกี่ยวข้องกับศาสนา ตำนาน หรือนิยายศิลปะ

ถึง ประเภทต่ำรวมทุกอย่างที่เกี่ยวข้องกับชีวิตประจำวัน สิ่งเหล่านี้คือสิ่งมีชีวิต ภาพบุคคล ภาพวาดในครัวเรือน, ทิวทัศน์, สัตว์นิยม, ภาพคนเปลือยเปล่า ฯลฯ

Animalism (lat. สัตว์ - สัตว์)

ประเภทสัตว์เกิดขึ้นในสมัยโบราณเมื่อคนกลุ่มแรกวาดภาพสัตว์นักล่าบนโขดหิน ทิศทางนี้ค่อยๆ เติบโตเป็นแนวเพลงอิสระ ซึ่งหมายถึงการแสดงภาพสัตว์ต่างๆ ที่แสดงออกอย่างแสดงออก นักเลี้ยงสัตว์มักจะแสดง ความสนใจอย่างมากสำหรับโลกของสัตว์ พวกเขาสามารถเป็นนักขี่ที่ยอดเยี่ยม เลี้ยงสัตว์เลี้ยง หรือเพียงแค่ศึกษานิสัยของพวกเขาเป็นเวลานาน จากความตั้งใจของศิลปิน สัตว์ต่างๆ จึงสามารถปรากฏได้เหมือนจริงหรืออยู่ในรูปแบบของภาพศิลปะ

ในบรรดาศิลปินชาวรัสเซียหลายคนมีความเชี่ยวชาญเรื่องม้าเป็นอย่างดีและ ดังนั้นในภาพวาดชื่อดังของ Vasnetsov เรื่อง "Bogatyrs" ม้าผู้กล้าหาญจึงถูกถ่ายทอดออกมาด้วยทักษะที่ยิ่งใหญ่ที่สุด: สี พฤติกรรมของสัตว์ บังเหียน และความสัมพันธ์กับผู้ขี่ได้รับการพิจารณาอย่างรอบคอบ Serov ไม่ชอบผู้คนและถือว่าม้าในหลาย ๆ ด้าน ดีกว่ามนุษย์ซึ่งเป็นสาเหตุที่เขามักจะแสดงภาพเธอในฉากต่างๆ แม้ว่าเขาจะวาดภาพสัตว์ แต่เขาไม่คิดว่าตัวเองเป็นจิตรกรสัตว์ ดังนั้นหมีในภาพวาดอันโด่งดังของเขาเรื่อง "Morning in a Pine Forest" จึงถูกสร้างขึ้นโดยจิตรกรสัตว์ K. Savitsky

ในสมัยซาร์ภาพบุคคลกับสัตว์เลี้ยงซึ่งเป็นที่รักของมนุษย์ได้รับความนิยมเป็นพิเศษ ตัวอย่างเช่นในภาพวาดจักรพรรดินีแคทเธอรีนที่ 2 ปรากฏตัวพร้อมกับสุนัขอันเป็นที่รักของเธอ สัตว์ต่างๆ ก็ปรากฏอยู่ในภาพวาดของศิลปินชาวรัสเซียคนอื่นๆ ด้วย

ตัวอย่างภาพวาดของศิลปินชาวรัสเซียผู้โด่งดังในแนวเพลงประจำวัน

จิตรกรรมประวัติศาสตร์

ประเภทนี้เกี่ยวข้องกับภาพวาดขนาดใหญ่ที่ออกแบบมาเพื่อถ่ายทอดแผนการอันยิ่งใหญ่ ความจริง ศีลธรรม หรือแสดงให้เห็นถึงเหตุการณ์สำคัญสู่สังคม รวมถึงผลงานเกี่ยวกับประวัติศาสตร์ ตำนาน ศาสนา นิทานพื้นบ้าน และฉากทางการทหาร

ในรัฐโบราณ ตำนานและตำนานถือเป็นเหตุการณ์ในอดีตมายาวนาน ดังนั้นจึงมักแสดงภาพเหล่านี้บนจิตรกรรมฝาผนังหรือแจกัน ต่อมา ศิลปินเริ่มแยกเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นจากนิยาย ซึ่งแสดงออกมาในรูปของฉากการต่อสู้เป็นหลัก ใน โรมโบราณอียิปต์และกรีซ ฉากการต่อสู้อย่างกล้าหาญมักแสดงบนโล่ของนักรบที่ได้รับชัยชนะเพื่อแสดงให้เห็นถึงชัยชนะเหนือศัตรู

ในยุคกลาง เนื่องจากการครอบงำของหลักคำสอนของคริสตจักร ประเด็นทางศาสนาจึงมีชัย ในยุคเรอเนซองส์ สังคมหันไปหาอดีตเพื่อจุดประสงค์ในการเชิดชูรัฐและผู้ปกครองเป็นหลัก และตั้งแต่ศตวรรษที่ 18 แนวเพลงนี้มักถูกหันไป เพื่อวัตถุประสงค์ในการให้ความรู้แก่เยาวชน ในรัสเซียประเภทที่ได้รับ การกระจายมวลในศตวรรษที่ 19 ซึ่งเป็นช่วงที่ศิลปินมักพยายามวิเคราะห์วิถีชีวิตของสังคมรัสเซีย

ในผลงานของศิลปินชาวรัสเซียมีการนำเสนอภาพวาดการต่อสู้และ เขาได้สัมผัสกับเรื่องราวในตำนานและศาสนาในภาพวาดของเขา ภาพวาดประวัติศาสตร์ครอบงำในหมู่ชาวบ้าน - ในหมู่

ตัวอย่างภาพวาดโดยศิลปินชื่อดังชาวรัสเซียประเภทจิตรกรรมประวัติศาสตร์

ชีวิตยังคง (ธรรมชาติฝรั่งเศส - ธรรมชาติและศพ - ตายแล้ว)

การวาดภาพประเภทนี้เกี่ยวข้องกับการพรรณนาถึงวัตถุที่ไม่มีชีวิต อาจเป็นดอกไม้ ผลไม้ จาน เกม เครื่องครัว และวัตถุอื่น ๆ ซึ่งศิลปินมักจะสร้างองค์ประกอบตามแผนของเขา

สิ่งมีชีวิตตัวแรกปรากฏในประเทศโบราณ ในอียิปต์โบราณ เป็นเรื่องปกติที่จะมีการถวายเครื่องบูชาแด่เทพเจ้าในรูปแบบของอาหารต่างๆ ในเวลาเดียวกัน การจดจำวัตถุต้องมาก่อน ดังนั้นศิลปินในสมัยโบราณจึงไม่สนใจเป็นพิเศษเกี่ยวกับไคอาโรสคูโรหรือพื้นผิวของวัตถุหุ่นนิ่ง ในสมัยกรีกโบราณและโรม ดอกไม้และผลไม้พบได้ในภาพวาดและในบ้านสำหรับการตกแต่งภายใน ดังนั้นจึงแสดงภาพได้สมจริงและงดงามยิ่งขึ้น การก่อตัวและความเจริญรุ่งเรืองของประเภทนี้เกิดขึ้นในศตวรรษที่ 16 และ 17 เมื่อสิ่งมีชีวิตเริ่มมีความหมายทางศาสนาที่ซ่อนอยู่และความหมายอื่น ๆ ในเวลาเดียวกันก็มีหลายชนิดขึ้นอยู่กับหัวข้อของภาพ (ดอกไม้ ผลไม้ นักวิทยาศาสตร์ ฯลฯ )

ในรัสเซีย การวาดภาพหุ่นนิ่งมีความเจริญรุ่งเรืองเฉพาะในศตวรรษที่ 20 เนื่องจากก่อนหน้านั้นใช้เพื่อวัตถุประสงค์ทางการศึกษาเป็นหลัก แต่การพัฒนานี้ดำเนินไปอย่างรวดเร็วและจับต้องได้ รวมถึงงานศิลปะแนวนามธรรมที่มีทุกทิศทาง ตัวอย่างเช่น เขาสร้างสรรค์องค์ประกอบที่สวยงามของดอกไม้ใน ชื่นชอบ ใช้งาน และมักจะ "ฟื้นฟู" หุ่นนิ่งของเขา ทำให้ผู้ชมรู้สึกว่าจานกำลังจะหล่นจากโต๊ะ หรือสิ่งของทั้งหมดกำลังจะเริ่มหมุน .

วัตถุที่ศิลปินบรรยายนั้นได้รับอิทธิพลจากมุมมองทางทฤษฎีหรือโลกทัศน์อย่างแน่นอน สภาพจิตใจ- ดังนั้นสิ่งเหล่านี้จึงเป็นวัตถุที่ปรากฎตามหลักการของมุมมองทรงกลมที่เขาค้นพบและยังคงมีสิ่งมีชีวิตที่แสดงออกถึงความประหลาดใจกับละครของพวกเขา

ศิลปินชาวรัสเซียหลายคนใช้ชีวิตหุ่นนิ่งเพื่อการศึกษาเป็นหลัก ดังนั้นเขาไม่เพียง แต่ฝึกฝนทักษะทางศิลปะของเขาเท่านั้น แต่ยังได้ทำการทดลองมากมายโดยจัดเรียงวัตถุในรูปแบบต่างๆ ทำงานด้วยแสงและสี ทดลองกับรูปทรงและสีของเส้น บางครั้งขยับจากความสมจริงไปสู่ลัทธิดั้งเดิมบริสุทธิ์ บางครั้งผสมทั้งสองสไตล์เข้าด้วยกัน

ศิลปินคนอื่นๆ ผสมผสานภาพหุ่นนิ่งจากสิ่งที่พวกเขาเคยบรรยายไว้ก่อนหน้านี้เข้ากับสิ่งที่พวกเขาชื่นชอบ ตัวอย่างเช่น ในภาพวาด คุณจะพบแจกันใบโปรดของเขา แผ่นโน้ตเพลง และภาพเหมือนของภรรยาของเขาที่เขาเคยสร้างไว้ก่อนหน้านี้ และเขาวาดภาพดอกไม้ที่เขาชื่นชอบตั้งแต่วัยเด็ก

ศิลปินชาวรัสเซียอีกหลายคนทำงานในแนวเพลงเดียวกันและอื่น ๆ อีกมากมาย

ตัวอย่างภาพวาดโดยศิลปินชื่อดังชาวรัสเซียในประเภทหุ่นนิ่ง

เปลือย (ภาพเปลือยภาษาฝรั่งเศส - ภาพเปลือย ย่อว่า nu)

ประเภทนี้มีวัตถุประสงค์เพื่อพรรณนาถึงความงามของร่างกายที่เปลือยเปล่าและปรากฏก่อนยุคของเรา ใน โลกโบราณมีการให้ความสนใจอย่างมากต่อการพัฒนาทางกายภาพ เนื่องจากการอยู่รอดของเผ่าพันธุ์มนุษย์ทั้งหมดขึ้นอยู่กับมัน ดังนั้นในสมัยกรีกโบราณ นักกีฬามักแข่งขันกันเปลือยกายเพื่อให้เด็กผู้ชายและชายหนุ่มได้เห็นร่างกายที่ได้รับการพัฒนามาอย่างดีและต่อสู้เพื่อความสมบูรณ์แบบทางกายภาพแบบเดียวกัน ประมาณพุทธศตวรรษที่ 7-6 พ.ศ จ. รูปปั้นชายเปลือยก็ปรากฏขึ้น ซึ่งแสดงถึงพลังทางกายภาพของชายคนหนึ่ง ในทางกลับกัน ร่างของผู้หญิงมักถูกนำเสนอต่อผู้ชมในชุดคลุมเสมอ เนื่องจากไม่ใช่เรื่องปกติที่จะเปิดเผยร่างกายของผู้หญิง

ในยุคต่อมา ทัศนคติต่อการเปลือยกายเปลี่ยนไป ดังนั้นในช่วงเวลาของลัทธิกรีกโบราณ (ตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 6 ก่อนคริสต์ศักราช) ความอดทนจึงจางหายไปในเบื้องหลัง ทำให้เกิดความชื่นชม รูปผู้ชาย- ขณะเดียวกันก็เริ่มมีภาพเปลือยของผู้หญิงกลุ่มแรกปรากฏขึ้น ในยุคบาโรก ผู้หญิงที่มีรูปร่างโค้งมนถือเป็นอุดมคติ ในสมัยโรโกโก ความราคะกลายเป็นสิ่งที่สำคัญที่สุด และในนั้น ศตวรรษที่ XIX-XXภาพวาดหรือประติมากรรมเปลือย (โดยเฉพาะผู้ชาย) มักถูกห้าม

ศิลปินชาวรัสเซียหันมาใช้แนวนู้ดในผลงานของพวกเขาซ้ำแล้วซ้ำเล่า คนเหล่านี้คือนักเต้นที่มีลักษณะการแสดงละคร มีการวางตัวเด็กผู้หญิงหรือผู้หญิงไว้ตรงกลางของฉากที่ยิ่งใหญ่ ห้องนี้มีผู้หญิงที่เย้ายวนใจจำนวนมาก รวมถึงในคู่รักด้วย มีภาพวาดทั้งชุดที่แสดงภาพผู้หญิงเปลือยอยู่ข้างหลัง กิจกรรมที่แตกต่างกันและคุณเป็นเด็กผู้หญิงที่เต็มไปด้วยความไร้เดียงสา ตัวอย่างเช่น บางคนแสดงภาพผู้ชายเปลือยเปล่า แม้ว่าภาพวาดดังกล่าวไม่ได้รับการต้อนรับจากสังคมในยุคนั้นก็ตาม

ตัวอย่างภาพวาดโดยศิลปินชื่อดังชาวรัสเซียประเภทเปลือย

ภูมิทัศน์ (การจ่ายเงินแบบฝรั่งเศส จาก การจ่ายเงิน - ภูมิประเทศ)

ในประเภทนี้ สิ่งสำคัญคือการพรรณนาถึงสภาพแวดล้อมทางธรรมชาติหรือที่มนุษย์สร้างขึ้น เช่น พื้นที่ธรรมชาติ วิวของเมือง หมู่บ้าน อนุสาวรีย์ ฯลฯ ขึ้นอยู่กับวัตถุที่เลือก ภูมิทัศน์ทางธรรมชาติ อุตสาหกรรม ทางทะเล ชนบท โคลงสั้น ๆ และภูมิทัศน์อื่น ๆ มีความโดดเด่น

ภูมิทัศน์ยุคแรกๆ ของศิลปินโบราณถูกค้นพบในภาพเขียนหินยุคหินใหม่และเป็นรูปต้นไม้ แม่น้ำ หรือทะเลสาบ ต่อมาได้นำลวดลายธรรมชาติมาตกแต่งบ้าน ในยุคกลางภูมิทัศน์เกือบทั้งหมดถูกแทนที่ด้วยธีมทางศาสนาและในยุคเรอเนซองส์ตรงกันข้ามความสัมพันธ์ที่กลมกลืนระหว่างมนุษย์กับธรรมชาติก็มาถึงเบื้องหน้า

ในรัสเซีย จิตรกรรมภูมิทัศน์พัฒนาตั้งแต่ศตวรรษที่ 18 และในตอนแรกมีข้อ จำกัด (เช่นภูมิทัศน์ถูกสร้างขึ้นในสไตล์นี้) แต่ต่อมาศิลปินชาวรัสเซียผู้มีความสามารถทั้งกาแล็กซีได้เพิ่มคุณค่าประเภทนี้ด้วยเทคนิคจากสไตล์และทิศทางที่แตกต่างกัน สร้างสิ่งที่เรียกว่าภูมิทัศน์ที่ไม่ซับซ้อนซึ่งก็คือแทนที่จะไล่ตามทิวทัศน์อันงดงามเขาบรรยายถึงช่วงเวลาที่ใกล้ชิดที่สุดในธรรมชาติของรัสเซีย และมาถึงภูมิทัศน์ที่เป็นโคลงสั้น ๆ ที่ทำให้ผู้ชมประหลาดใจด้วยอารมณ์ที่ถ่ายทอดอย่างละเอียดอ่อน

และนี่คือภูมิทัศน์อันยิ่งใหญ่ เมื่อผู้ชมได้ชมความยิ่งใหญ่ของโลกโดยรอบ E. Volkov หันไปสู่สมัยโบราณอย่างไม่มีที่สิ้นสุดรู้วิธีเปลี่ยนภูมิทัศน์ที่สุขุมรอบคอบให้เป็นภาพบทกวีทำให้ผู้ชมประหลาดใจด้วยแสงอันน่าอัศจรรย์ของเขาในทิวทัศน์และสามารถชื่นชมมุมป่าสวนสาธารณะพระอาทิตย์ตกดินและถ่ายทอดความรักนี้ให้กับผู้ชมได้ไม่รู้จบ

จิตรกรภูมิทัศน์แต่ละคนมุ่งความสนใจไปที่ภูมิทัศน์ที่ทำให้เขาหลงใหลเป็นพิเศษ ศิลปินหลายคนไม่สามารถละเลยโครงการก่อสร้างขนาดใหญ่และวาดภาพภูมิทัศน์อุตสาหกรรมและเมืองจำนวนมากได้ ในหมู่พวกเขามีผลงาน

เพจนำเสนอมากที่สุด ภาพวาดที่มีชื่อเสียงศิลปินชาวรัสเซียแห่งศตวรรษที่ 19 พร้อมชื่อและคำอธิบาย

ภาพวาดที่หลากหลายของศิลปินชาวรัสเซียตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 19 ดึงดูดด้วยความริเริ่มและความคล่องตัวในประเทศ วิจิตรศิลป์- ปรมาจารย์ด้านการวาดภาพในยุคนั้นไม่เคยหยุดที่จะประหลาดใจกับแนวทางที่เป็นเอกลักษณ์และทัศนคติที่เคารพต่อความรู้สึกของผู้คน ธรรมชาติพื้นเมือง- ในศตวรรษที่ 19 การจัดองค์ประกอบภาพบุคคลด้วยการผสมผสานที่น่าทึ่งของภาพทางอารมณ์และลวดลายที่สงบอย่างยิ่งใหญ่มักถูกวาดขึ้น

ภาพวาดของศิลปินชาวรัสเซียมีทักษะที่ยอดเยี่ยมและมีการรับรู้ที่สวยงามอย่างแท้จริง สะท้อนลมหายใจในช่วงเวลาของพวกเขา ลักษณะเฉพาะของผู้คน และความปรารถนาในความงามได้อย่างแม่นยำอย่างน่าอัศจรรย์

ผืนผ้าใบโดยจิตรกรชาวรัสเซียที่ได้รับความนิยมมากที่สุด: Alexander Ivanov เป็นตัวแทนที่โดดเด่นของขบวนการรูปภาพในพระคัมภีร์โดยบอกเราด้วยสีสันเกี่ยวกับตอนแห่งชีวิตของพระเยซูคริสต์

Karl Bryullov เป็นจิตรกรที่โด่งดังในสมัยของเขา ทิศทางของเขาคือการวาดภาพประวัติศาสตร์ การวาดภาพบุคคล และงานโรแมนติก

จิตรกรทางทะเล Ivan Aivazovsky ภาพวาดของเขาสมบูรณ์แบบและใครๆ ก็อาจกล่าวได้ว่าสะท้อนความงามของท้องทะเลอย่างไม่มีใครเทียบด้วยคลื่นลูกโปร่งใส พระอาทิตย์ตกในทะเล และเรือใบ

ผลงานของ Ilya Repin ผู้โด่งดังผู้สร้างแนวเพลงและ งานอนุสรณ์สถานสะท้อนถึงวิถีชีวิตของผู้คน

ภาพวาดที่งดงามและมีขนาดใหญ่มากโดยศิลปิน Vasily Surikov คำอธิบายเกี่ยวกับประวัติศาสตร์รัสเซียคือทิศทางของเขาซึ่งศิลปินเน้นสีตอนต่างๆ เส้นทางชีวิตคนรัสเซีย.

ศิลปินแต่ละคนมีเอกลักษณ์เฉพาะตัว เช่น มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวในสไตล์ของตัวเอง จิตรกรเทพนิยายและมหากาพย์โดย Viktor Vasnetsov นั้นเป็นภาพวาดที่โรแมนติกและสดใสเสมอซึ่งวีรบุรุษก็คือพวกเราทุกคน ฮีโร่ที่มีชื่อเสียงนิทานพื้นบ้าน

ศิลปินแต่ละคนมีเอกลักษณ์เฉพาะตัวเช่น Viktor Vasnetsov ปรมาจารย์จิตรกรแห่งเทพนิยายและมหากาพย์ซึ่งมีเอกลักษณ์ในสไตล์ของเขา - สิ่งเหล่านี้เป็นผืนผ้าใบโรแมนติกที่เข้มข้นและสดใสอยู่เสมอซึ่งเป็นวีรบุรุษซึ่งเป็นวีรบุรุษในนิทานพื้นบ้านที่เราทุกคนรู้จัก ภาพวาดของศิลปิน Vasily Surikov นั้นงดงามมากและมีขนาดใหญ่คำอธิบายของประวัติศาสตร์รัสเซียคือทิศทางของเขาซึ่งศิลปินเน้นย้ำในการวาดภาพตอนของเส้นทางชีวิตของชาวรัสเซีย

ในภาพวาดของรัสเซียในศตวรรษที่ 19 การเคลื่อนไหวเช่นความสมจริงเชิงวิพากษ์ปรากฏขึ้นโดยเน้นการเยาะเย้ยการเสียดสีและอารมณ์ขันในโครงเรื่อง แน่นอนว่านี่เป็นเทรนด์ใหม่ ไม่ใช่ว่าศิลปินทุกคนจะสามารถซื้อได้ ศิลปินเช่น Pavel Fedotov และ Vasily Perov ตัดสินใจไปในทิศทางนี้

ศิลปินภูมิทัศน์ในยุคนั้นก็ครอบครองโพรงของพวกเขาเช่นกันในหมู่พวกเขา Isaac Levitan, Alexey Savrasov, Arkhip Kuindzhi, Vasily Polenov, ศิลปินหนุ่ม Fyodor Vasiliev, ปรมาจารย์แห่งป่าที่งดงาม, ทุ่งหญ้าในป่าที่มีต้นสนและต้นเบิร์ชพร้อมเห็ด, Ivan Shishkin . ทั้งหมดนี้สะท้อนให้เห็นถึงความงามของธรรมชาติของรัสเซียอย่างมีสีสันและโรแมนติกรูปแบบและภาพที่หลากหลายซึ่งเกี่ยวข้องกับศักยภาพอันมหาศาลของโลกโดยรอบ

ตามข้อมูลของ Levitan ในทุกโน้ตของธรรมชาติของรัสเซียนั้นมีจานสีที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัว ดังนั้นจึงมีอิสระอย่างมากในการสร้างสรรค์ บางทีนี่อาจเป็นปริศนาที่ผืนผ้าใบที่สร้างขึ้นในพื้นที่อันกว้างใหญ่ของรัสเซียโดดเด่นด้วยความรุนแรงที่ละเอียดอ่อน แต่ในขณะเดียวกันพวกเขาก็ดึงดูดด้วยความงามที่สุขุมรอบคอบซึ่งยากที่จะละสายตาไป หรือภาพวาด Dandelions ของ Levitan ซึ่งไม่ได้ซับซ้อนเลยและไม่ฉูดฉาดดูเหมือนจะกระตุ้นให้ผู้ชมคิดและเห็นความงามในแบบเรียบง่าย

ในโลกแห่งศิลปะมีผลงานจำนวนมากที่ทำให้คนทั้งโลกตกตะลึงและทำลายแบบแผนปกติซึ่งทิ้งร่องรอยสำคัญไว้ในประวัติศาสตร์ ผู้สร้างผลงานจิตรกรรมชิ้นเอกที่มีชื่อเสียงระดับโลกได้สร้างความท้าทายให้กับสังคมซึ่งเปลี่ยนแนวคิดเรื่องความงามและขยายขอบเขตที่จัดตั้งขึ้น เนื่องจากมีผลงานการปฏิวัติมากมายในประวัติศาสตร์ศิลปะและเป็นไปไม่ได้ที่จะครอบคลุมทั้งหมดเราจึงตัดสินใจให้ความสนใจกับ 10 อันดับแรกมากที่สุด ภาพวาดที่มีชื่อเสียงศิลปินจากหลายศตวรรษ

โมนาลิซ่า (La Gioconda) - เลโอนาร์โด ดา วินชี

โมนาลิซ่า

ภาพวาด “Mona Lisa” (“La Gioconda”) ของ Leonardo da Vinci น่าจะเป็นภาพวาดที่ยิ่งใหญ่ที่สุด งานที่มีชื่อเสียงอัจฉริยะ. ภาพวาดนี้งดงามและล้ำค่าจริงๆ ตั้งอยู่ในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ ผลงานชิ้นเอกถูกสร้างขึ้นในปี 1514 - 1515 จนกระทั่งเมื่อไม่นานมานี้สันนิษฐานว่าภาพวาดนี้ถูกวาดไว้ก่อนหน้านี้ - ในปี 1503

ภาพวาดนี้แสดงให้เห็นภรรยาของพ่อค้าผ้าไหมจากฟลอเรนซ์, Francesco del Gioconda, Lisa Gherardini ดังนั้นชาวอิตาลีกลุ่มแรกและจากนั้นชาวฝรั่งเศสจึงเริ่มเรียกภาพนี้ว่า "Gioconda" นักประวัติศาสตร์ที่มีชื่อเสียงศตวรรษที่ 16 จอร์โจ วาซารีรู้สึกยินดีกับภาพเหมือนและในหนังสือของเขาเรื่อง The Lives of Illustrious สถาปนิกชาวอิตาลีประติมากรและศิลปิน" เรียกสิ่งนี้ว่าเป็นคำย่อของคำว่ามาดอนน่า ("ผู้หญิงของฉัน") - โมนาลิซ่า

ในกระบวนการทำงานด้านจิตรกรรม ศิลปินได้ใช้โทนสีที่นุ่มนวลและเทคนิคการวาดภาพ โดยการจัดองค์ประกอบอย่างระมัดระวัง ทำให้เราเห็นภาพได้ราวกับผ่านหมอกควันที่มองไม่เห็น การเคลือบแบบบางเบานี้ครอบคลุมรายละเอียดเล็กๆ น้อยๆ ทำให้โครงร่างดูนุ่มนวล และสร้างการเปลี่ยนแปลงที่มองไม่เห็นระหว่างรูปร่างและสี Leonardo da Vinci ให้จินตนาการของเราเป็นอย่างมาก ดังนั้น Gioconda ไม่เคยหยุดนิ่งที่จะทำให้ผู้ชื่นชอบงานศิลปะประหลาดใจตลอดหลายศตวรรษที่ผ่านมา โดยมองเราจากภาพบุคคลราวกับยังมีชีวิตอยู่

ภาพนี้อธิบายเป็นคำพูดได้ยากมาก ยิ่งผู้ชมมองภาพนั้นนานเท่าไรก็ยิ่งส่งผลต่อเขามากขึ้นเท่านั้น เขาตื้นตันใจกับพลังแม่เหล็กและเริ่มสัมผัสได้ถึงเสน่ห์อันเย้ายวนใจที่ไม่เคยหยุดนิ่งที่ดึงดูดผู้คนทั่วโลกมานานหลายศตวรรษ

แบล็คสแควร์ - คาซิเมียร์ มาเลวิช

ภาพวาด "Black Suprematist Square" ของ Kazimir Malevich ซึ่งวาดในปี 1915 ยังคงเป็นหนึ่งในผลงานอื้อฉาว มีชื่อเสียงและถูกกล่าวถึงมากที่สุดชิ้นหนึ่งในงานศิลปะรัสเซีย ผลงานชิ้นเอกนี้เป็นส่วนหนึ่งของผลงานชุด Suprematist ของศิลปิน ซึ่งรวมถึงภาพวาด "Black Circle" และ "Black Cross" ด้วย ในรอบนี้ Malevich พยายามสำรวจความเป็นไปได้ของสีพื้นฐานและการจัดองค์ประกอบภาพ

ผืนผ้าใบนำเสนอเป็นผืนผ้าใบขนาดเล็กกว้างและยาว 79.5 เซนติเมตร พื้นหลังหลักของงานเป็นสีขาว ตรงกลางมีรูปสี่เหลี่ยมสีดำขนาดใหญ่ ตามที่ศิลปินระบุเขาทำงานบนผืนผ้าใบเป็นเวลาหลายเดือน

เป็นที่น่าสังเกตว่า Malevich ไม่ได้มาวาดภาพทันที งานเกี่ยวกับทิวทัศน์ของโอเปร่าเรื่อง Victory over the Sun เป็นลางสังหรณ์ของการปรากฏตัวของมัน โดยเฉพาะอย่างยิ่งปรมาจารย์ตัดสินใจเปลี่ยนการตกแต่งอันใดอันหนึ่ง (ดวงอาทิตย์) ด้วยสี่เหลี่ยมสีดำ ตามความคิดของศิลปินเทคนิคนี้จะช่วยให้เขาถ่ายทอดแนวคิดเกี่ยวกับชัยชนะของความคิดสร้างสรรค์ของมนุษย์เหนือธรรมชาติ

นักวิจารณ์มีปฏิกิริยาโต้ตอบอย่างคลุมเครือต่องานนี้ของ Malevich บางคนถึงกับแย้งว่าภาพวาดนี้เป็นทางเลือกที่ทันสมัยแทนไอคอนว่าภาพวาดเป็นพยานถึงการค้นหาศาสนาใหม่เกี่ยวกับความสับสนวุ่นวายของโลก ตามที่ศิลปินกล่าวไว้ "Black Square" เป็นสัญลักษณ์ของจุดสุดยอดของศิลปะและในขณะเดียวกันก็เป็นจุดสิ้นสุด

ไม่อาจปฏิเสธได้ว่าภาพนี้แสดงให้เห็นถึงเหวลึกลับที่ชวนหลงใหลและให้จินตนาการอันไม่มีที่สิ้นสุด

ภาพเหมือนตนเองกับมงกุฎหนามและนกฮัมมิ่งเบิร์ด - Frida Kahlo

ภาพวาดที่มีชื่อเสียง ศิลปินชาวเม็กซิกันภาพเหมือนตนเองของ Frida Kahlo พร้อมมงกุฎหนามและนกฮัมมิ่งเบิร์ด ถูกวาดในปี 1940 ภาพเหมือนตนเองของหญิงสาวที่ฉลาดคนนี้แสดงออกถึงความเจ็บปวดทางจิตใจอย่างรุนแรงที่เธอประสบหลังจากการหย่าร้างกับสามีของเธอซึ่งเป็นศิลปิน Diego Rivera ความเจ็บปวดนี้ถ่ายทอดออกมาในรูปของหนามที่ผูกคอของเธอ หลังจากนั้น หลังจากเลิกรากับสามี ฟรีดา คาห์โลกล่าวว่า “ในชีวิตของฉันมีอุบัติเหตุสองครั้ง” ฟรีดากล่าว - อันแรกคือรถราง อันที่สองคือดิเอโก อันที่สองแย่กว่านั้น”

The Scream - เอ็ดวาร์ด มุงค์

ภาพวาด "The Scream" โดยศิลปินแนวเอ็กซ์เพรสชันนิสต์ชาวนอร์เวย์ Edvard Munch สร้างขึ้นระหว่างปี 1893 ถึง 1910 สิ่งแรกที่ดึงดูดสายตาของคุณคือร่างที่ปรากฎอยู่ตรงกลางผืนผ้าใบ ผู้ชายกรีดร้อง- บนใบหน้าที่บิดเบี้ยวด้วยความสยดสยอง ผู้ชมมองเห็นความสิ้นหวังอันไร้ขอบเขตที่เกือบจะบ้าคลั่ง ศิลปินถ่ายทอดพลังอันทรงพลัง อารมณ์ของมนุษย์วิธีที่ค่อนข้างง่าย

“The Scream” เป็นสัญลักษณ์ของการแสดงออก ซึ่งเป็นการโหมโรงของศิลปะแห่งศตวรรษที่ 20 ผลงานของมุงค์ยังคงเป็นหนึ่งในผลงานจิตรกรรมที่พิเศษและลึกลับที่สุดในโลกในปัจจุบัน ผู้เชี่ยวชาญบางคนถึงกับแนะนำว่าโครงเรื่องของงานนี้เป็นเพียงจินตนาการที่ไม่ดีต่อสุขภาพของผู้ป่วยทางจิต

ผู้ชมยังเห็นสิ่งนี้แตกต่างออกไป: บางคนแสดงเป็นลางสังหรณ์ถึงภัยพิบัติ คนอื่น ๆ เชื่อว่าผู้เขียนวาดภาพโดยได้รับแรงบันดาลใจจากรูปมัมมี่ ทุกคนเห็นบางสิ่งที่แตกต่างในตัวเธอ

หญิงสาวกับต่างหูมุก - ยาน เวอร์เมียร์

ผลงานที่โด่งดังของศิลปินชาวดัตช์ Jan Vermeer“ Girl with a Pearl Earing” (“ Girl in a Turban”) มักถูกเรียกว่า Dutch Mona Lisa ภาพวาดนี้วาดเมื่อประมาณปี ค.ศ. 1665 ไม่ค่อยมีใครรู้เกี่ยวกับภาพวาดนี้ มีหลายเวอร์ชันที่ปรากฎในภาพวาด ไม่ว่าผู้เขียนจะวาดภาพตามสั่งและใครเป็นลูกค้าก็ตาม ตามที่หนึ่งในนั้น Vermeer วาดภาพแมรี่ลูกสาวของเขาบนผืนผ้าใบ

เรื่องนี้แน่นอน งานที่ไม่ธรรมดาพร้อมไดนามิกอันเป็นเอกลักษณ์ ศิลปินถ่ายทอดผลงานในช่วงเวลาที่พี่เลี้ยงหันศีรษะและมองดูสิ่งที่เธอเพิ่งสังเกตเห็น ผู้เขียนดึงความสนใจของผู้ชมไปที่ต่างหูมุกในหูของหญิงสาว อาจารย์สามารถถ่ายทอดความเชื่อมโยงระหว่างหญิงสาวกับศิลปินได้ ร่างของเธอยังมีชีวิตอยู่ ชีวิตที่แยกจากกันและศีรษะก็มองไปอีกทางหนึ่ง

ภาพเหมือนตนเองที่มีหูและท่อขาด - วินเซนต์ แวนโก๊ะ

Vincent van Gogh ศิลปินชาวดัตช์และชาวฝรั่งเศสวาดภาพ “ภาพเหมือนตนเองด้วยหูและท่อที่ตัดออก” อันโด่งดังของเขาในปี 1889 ขณะอยู่ในอาร์ลส์ ศิลปินต้องทนทุกข์ทรมานจากอาการป่วยทางจิตเนื่องจากการรับรู้ถึงความเป็นจริงและความไม่สมดุลทางจิตที่เพิ่มมากขึ้น

ภาพนี้ถูกวาดหลังจากที่ Van Gogh ด้วยความบ้าคลั่งได้ตัดติ่งหูของเขาออกหลังจากทะเลาะกับ Gauguin เรื่องความแตกต่างที่สร้างสรรค์ ขั้นแรก แวนโก๊ะขว้างแก้วใส่ศีรษะของศิลปิน จากนั้นจึงใช้มีดโกนพุ่งเข้าใส่เขา เย็นวันเดียวกันนั้นเองเขาก็ทำร้ายตัวเอง

เมื่อตรวจสอบภาพแล้วเราจะสังเกตเห็นว่าพื้นหลังแบ่งออกเป็นสองส่วนเท่า ๆ กัน โซนล่างเป็นสีแดง โซนบนเป็นสีส้มและมีสาดสีเหลือง ผู้เขียนพรรณนาถึงตัวเองด้วยใบหน้าที่บิดเบี้ยวและรูปลักษณ์ที่หายไป

พระกระยาหารมื้อสุดท้าย - ซัลวาดอร์ ดาลี

ปรมาจารย์ด้านสถิตยศาสตร์ผู้มีชื่อเสียง ซัลวาดอร์ ดาลี ได้สร้าง “พระกระยาหารมื้อสุดท้าย” ของเขาในปี 1955 ภาพวาดอยู่ในวอชิงตัน หอศิลป์แห่งชาติ. งานนี้.ศิลปินวาดภาพโดยใช้เทคนิคที่ซับซ้อนโดยใช้วัสดุการถ่ายภาพ ภาพวาดแสดงให้เห็น พล็อตแบบดั้งเดิมถ่ายทอดจากมุมมองแห่งอนาคต

ต้าหลี่พรรณนาถึงพระเยซูคริสต์และผู้ติดตามของพระองค์รวมตัวกันที่โต๊ะเดียว ผลงานสะท้อนและตัดกันอย่างชัดเจนกับภาพวาดชื่อดังของเลโอนาร์โด ดา วินชี อย่างไรก็ตาม บนผืนผ้าใบของต้าหลี่ ฉากและตัวละครจะแตกต่างกัน โดยแสดงด้วยความเรียบง่ายและสมจริง

รูปภาพสื่อถึงข้อความทางศีลธรรมแก่ผู้ชม งานเต็มไปด้วยแสงสว่างและความเบา จากหน้าต่างที่ปรากฎบนภาพนั้น เรามองเห็นทิวทัศน์ที่สวยงามอย่างไม่น่าเชื่อ พร้อมด้วยท้องฟ้าสีฟ้าใสและเทือกเขาสีเงิน

โอลิมเปีย - เอดูอาร์ด มาเนต์

โอลิมเปีย - เอดูอาร์ด มาเนต์

ภาพวาด "โอลิมเปีย" ถูกวาด อิมเพรสชั่นนิสต์ชาวฝรั่งเศส Edouard Manet ในปีพ.ศ. 2406 ครองตำแหน่งอันทรงเกียรติถัดจากผลงานจิตรกรรมชิ้นเอกอื่น ๆ ของโลกอย่างถูกต้อง

อย่างไรก็ตามในปี พ.ศ. 2408 เกิดเรื่องอื้อฉาวที่ Paris Salon เนื่องจากงานนี้ ความจริงก็คือก่อนที่มาเนต์จะมีภาพผู้หญิงเปลือยในภาพวาดเพื่อเป็นมาตรฐานของความงามทางจิตวิญญาณ และงานนี้ของ Manet ได้รับการยอมรับว่าทั้งน่าเกลียดและเลวทรามทางร่างกาย ด้วยเหตุผลทางศีลธรรม ศิลปินจึงได้รับอนุญาตให้พรรณนาวีรสตรีเปลือยของตำนานโบราณ บุคคลทางประวัติศาสตร์หรือในพระคัมภีร์เท่านั้น ในขณะที่อิมเพรสชั่นนิสต์ฝ่าฝืนกฎนี้

โอลิมเปียของเขาถือเป็นตัวแทนของ " อาชีพที่เก่าแก่ที่สุด"ซึ่งเพิ่งได้รับช่อดอกไม้จากคนรักของเธอ สังคมยังไม่ยอมรับชื่อของภาพวาดเนื่องจากชื่อนี้ใช้เพื่อเรียกผู้หญิงที่ทุจริตและการเยาะเย้ยดูถูกก็ตกใส่ศิลปิน

ดอร่า มาร์กับแมว โดย ปาโบล ปิกัสโซ

ดอร่า มาร์กับแมว

หนึ่งในภาพวาดที่แพงที่สุดในโลก “Dora Maar with a Cat” โดย Pablo Picasso วาดโดยศิลปินในปี 1941 เป็นภาพ Dora Maar คู่รักของศิลปิน กำลังนั่งอยู่บนเก้าอี้โดยมีแมวตัวเล็กอยู่บนไหล่

ในภาพวาดเกือบทั้งหมดของ Picasso ดอร่าดูน่าขนลุกซึ่งอธิบายได้จากข้อเท็จจริงที่ว่าพวกเขาถูกวาดในช่วงเวลาที่ยากลำบากของความสัมพันธ์ นอกจากนี้สงครามโลกครั้งที่หนึ่งยังทิ้งร่องรอยไว้ในชีวิตและผลงานของปรมาจารย์ชาวสเปน ความสัมพันธ์ระหว่างดอร่า มาร์และปาโบล ปิกัสโซไม่ได้โรแมนติกแต่อย่างใด แต่เป็นความสัมพันธ์ระหว่างบุคคลที่มีความคิดสร้างสรรค์สองคน

ในงาน “Dora Maar with a cat” ศิลปินเน้นย้ำความคมของเล็บผ่านรูปแมวดำ

หนึ่ง: หมายเลข 31 - แจ็คสัน พอลล็อค

ในช่วงปลายทศวรรษ 1940 ศิลปินชาวอเมริกัน Jackson Pollock ได้คิดค้นเทคนิคใหม่ในการวาดภาพ - เขาวาดภาพบนผืนผ้าใบขนาดใหญ่โดยวางไว้บนพื้น ภาพวาดของเขาถูกสร้างขึ้นจากการสาดสีจากพู่กัน เขาไม่ได้สัมผัสมันบนผืนผ้าใบ

ในการทำงานวาดภาพเขาใช้ไม้ ทัพพี มีด และเทสีหรือสีผสมกับทรายและเศษแก้ว