Dievčenské maľby známych umelcov. Príbehy žien z obrazov známych umelcov

Z hľadiska premenlivosti je móda na druhom mieste za počasím, hoci ide o kontroverznú záležitosť. Móda sa navyše mení nielen v oblečení, štýloch či doplnkoch, ale aj v ženskej kráse. Uznávanú krásu jednej epochy o pol storočia neskôr možno považovať za škaredú (ale vy a ja vieme, že nie krásne ženy sa nestane). Umelci vždy veľmi citlivo reagovali na módne rozmary, pretože sa vždy snažili zobrazovať najkrajšie ženy svojej doby.

Staroveké Grécko a Rím

Žiaľ, ženské ideály staroveku treba posudzovať podľa fresiek a sôch, plnohodnotných maľby nezachoval sa. IN Staroveké Gréckoštandardná ženská krása boli považované za bohyňu Afroditu, dámu ladný s dlhými hustými červenými vlasmi. Presne tak je zobrazená na obraze „Zrodenie Venuše“ od Sandra Botticelliho, hoci bol vytvorený už v roku 1485. IN Staroveký Rím najviac si cenili krásu ženská tvár, a nádhera foriem bola na druhom mieste. Napríklad obraz „Proserpina“ (1874) od Danteho Rossettiho bol vytvorený s týmto zámerom.

stredovek

V stredoveku sa dalo poslať na hranicu za chválu ženskej krásy, takže nezostali žiadne umelecké dôkazy. Ukazovanie ženskej postavy bolo prísne zakázané. Šaty museli úplne skrývať telo a vlasy boli skryté pod klobúkmi. Štandardom ženskej krásy boli sväté ženy, ktoré sa oddali službe Bohu.

renesancie

Renesancia je tak pomenovaná kvôli oživeniu záujmu o ideály staroveku, vrátane záležitostí ženskej krásy. Široké boky, plné telo, predĺžená tvár, zdravá pleť – tak mala vyzerať prvá kráska 15. – 16. storočia. Presne tak sú ženy zobrazené na obrazoch Sandra Botticelliho, Raphaela Santiho a Michelangela. Ideálom krásy renesancie možno nazvať Talianku Simonettu Vespucci, ktorá je zobrazená na niekoľkých obrazoch Botticelliho „Jar“ (1478), „Narodenie Venuše“ (1485), „Portrét mladej ženy“ (1485). Počas renesancie boli v móde vysoké čelá a na dosiahnutie tohto efektu si fashionisti holili obočie a líniu vlasov. To je jasne viditeľné na slávny obraz"Mona Lisa" od Leonarda Da Vinciho.

Baroková éra

Koncom 16. a začiatkom 17. storočia boli ideálom ženskej krásy ženy bielej pleti (opaľovanie sa považovalo za údel sedliackych žien) s malými prsiami, drobnými nohami, bledou tvárou, no s krivými bokmi. Navyše, každý aristokrat musel mať vysoký, zložitý účes. Tieto módne trendy jasne viditeľné na portréte obľúbenej Madame de Montespan (1670) Ľudovíta XIV. od Pierra Mignarda. Z tohto obdobia pochádza známe dielo Jana Vermeera „Žena s perlovou náušnicou“ (1665).

Rokoková éra

Ak na obrázku žena vyzerá skôr ako porcelánová bábika, obklopená vejármi, dáždnikmi, rukávnikmi a rukavicami, potom môžeme s istotou povedať, že hovoríme o o ére rokoka. Začiatkom 18. storočia prišla do módy „mierna anorexia“: ženská krása sa stala krehkou, s úzkymi bokmi, malými prsiami a prepadnutými lícami. Existujú dôkazy, že na dosiahnutie efektu „prepadnutých líc“ niektoré dámy odstránili svoje bočné zuby a nechali len predné - krása si vyžaduje obetu. Kánon krásy rokokovej éry dokonale ilustrujú portréty Francoisa Bouchera, napríklad „Portrét markízy de Pompadour“ (1756).

Romantická éra

Až v druhej polovici 19. storočia sa prirodzený rumenec, zdravá sviežosť a guľatosť tvarov opäť stali štandardom ženskej krásy. A najatraktívnejšia časť ženské telo Ramená sa zaokrúhľujú a odhaľujú, čo bolo jednoducho potrebné pre každú krásu. Presne takéto ženy sa nachádzajú na obrazoch Adolpha Bouguereaua, také ženy zobrazovali prví impresionisti („Zrodenie Venuše“ od Bouguereaua, „Veľkí kúpeľníci“ od Renoira, „; Modrí tanečníci"Degas).

Začiatok 20. storočia

„Ruská Venuša“, „Obchodníkova žena pri čaji“, „Dievča na Volge“ od Borisa Kustodieva dokonale ilustrujú kánony krásy začiatku 20. storočia. Všetko, čo romantizmus obdivoval na žene, sa stalo ešte veľkolepejším a vážnejším. 20-40 rokov dvadsiateho storočia

Polovica 20. storočia

Marilyn Monroe sa stala ideálom ženskej krásy v polovici minulého storočia. Nízka blond, bez akýchkoľvek excesov v smere štíhlosti alebo bacuľatosti. Jej imidž vo svojich dielach ochotne využíval zakladateľ pop-artu Andy Warhol.
hovoriť o ďalší rozvoj ideály ženskej krásy, najmä v ich spojení s maľbou, sa ešte neoplatí. Treba len poznamenať, že história sa vyvíja v kruhu a chudosť a choroba sa vracajú do módy.

Ako často obdivujeme umelecké diela bez toho, aby sme premýšľali o tom, kto je v nich zobrazený? V pamäti zostali iba mená členov kráľovskej rodiny a identita dievčaťa, ktorého hmlistá silueta je viditeľná v rohu obrázka, zostáva neznáma. O ženách, ktoré pózovali pre umelcov slávne obrazy, povie dnesAmatérsky. médiá.

Holandská Mona Lisa

Slávna „holandská Mona Lisa“, „Dievča s perlovou náušnicou“ od Jana Vermeera bola namaľovaná okolo roku 1665. Na dlhú dobu obraz sa volal jednoducho „Dievča v turbane“. moderný názov dostala až v 20. storočí. Zobrazovanie turbanov na obrazoch sa stalo populárnym od 15. storočia a Vermeer často používa tento detail toalety na portrétoch. Celý obrázok je napísaný špeciálny žáner„troni“, ktorý označoval obraz hlavy človeka.

„Holandská Mona Lisa“ sa už dlho nazýva „Dievča v turbane“

Verná svojmu názvu, oko diváka upúta veľká perlová náušnica.

Podľa najbežnejšej verzie sa verí, že jeho mladá dcéra Maria pózovala pre Vermeerov portrét, hoci niektorí vedci stále naznačujú, že by to mohla byť dcéra umelcovho patróna, filantropa Ruyvena. Maria bola jedným z 15 Vermeerových detí – jeho manželstvo bolo skutočne šťastné. Umelec svoju manželku miloval a často mu pózovala na obrazoch.

Mystický portrét mladej Lopukhiny

Portrét Márie Ivanovny Lopukhiny, jednej z predstaviteľiek grófska rodina Tolstykh je jedným z najviac slávnych diel Ruský umelec Borovikovsky. Bol namaľovaný v roku 1797 a teraz je uložený v Treťjakovskej galérii.

Portrét M. I. Lopukhina je jedným z naj slávnych diel Borovikovský

Básnik Jakov Polonsky venoval svoje básne dievčaťu zobrazenému na portréte: „Zomrela už dávno a tie oči tam už nie sú a ten úsmev je preč, ktorý ticho vyjadroval utrpenie - tieň lásky a myšlienok - tieň smútku, no Borovikovský zachránil jej krásu.“ Umelec používa tradičné portrétna maľba technika – obklopenie postavy predmetmi, ktoré ju pomáhajú charakterizovať. Toto sú črty ruskej krajiny, jemný šál a visiace ružové puky.

Portrét Lopukhiny je považovaný za najpoetickejší v Borovikovského diele

Je zaujímavé, že portrét Márie Lopukhiny sa dlho používal na vystrašenie mladých dievčat. Faktom je, že krátko po namaľovaní obrazu zomrela mladá žena vo veku 21 rokov na konzumáciu. Mnohí verili, že portrét ju akoby pripravil o život, a ak by sa dievčatá pozreli na obraz, čoskoro by tiež zomreli.

Dievča s dáždnikom z Monetových obrazov

Slávny obraz Clauda Moneta „Pole maku v Argenteuil“ bol namaľovaný v roku 1873. Tento obraz sa objavil na výstave impresionistov v roku 1874, keď sa prvýkrát vyhlásili za samostatnú skupinu. Dve postavy v popredí sú Monetova manželka Camila a ich syn Jean.

Obraz Clauda Moneta „Pole maku v Argenteuil“ bol namaľovaný v roku 1873.

Monet maľoval, ako bolo jeho zvykom, en plenér, pričom sa snažil zachytiť atmosféru vzdušnosti a pohybu. Zaujímavý fakt, ktorému málokto venuje pozornosť: v ľavom rohu obrázku je ďalší podobný pár, žena s dieťaťom. Medzi oboma pármi sa vinie sotva znateľná cestička.

Obraz zobrazuje dva páry, z ktorých jeden je Monetova manželka a syn

Milostný príbeh Moneta a Camily bol tragický: Monetov otec sa viac ako raz vyhrážal, že svojho syna pripraví o výživné, ak sa nerozlúči so svojou milovanou. Dlho žili oddelene, no Monet bez rodiny dlho nevydržal. Umelec však často žiadal svoju manželku, aby pózovala na jeho obrazoch. Camilu môžeme vidieť ako na plátne „Lady in Green“, tak aj medzi „Ženami v záhrade“. Existuje aj niekoľko samostatných portrétov Camily a ich syna. A keď Camila zomrela, namaľoval jej posmrtný portrét, ktorý sa líši od zvyšku umelcových diel.

Monet namaľoval posmrtný portrét svojej manželky pod dojmom jej smrti

Pod dojmom smrti svojej milovanej manželky namaľoval Monet jej posmrtný portrét

Herečka, ktorá očarila Renoira

Auguste Renoir, jeden z najznámejších impresionistických umelcov, miloval a vedel vykresliť ženskú krásu. Herečka Jeanne Samary bola jeho obľúbenou modelkou. Renoir od nej namaľoval 4 portréty, no najznámejší bol „Portrét herečky Jeanne Samary“. Bol napísaný v roku 1877 a dnes je uložený v Puškinovom múzeu v Moskve.

Hlavné odtiene použité na portréte sú ružová a zelená.

Zhanna pochádzala divadelná rodina, a svoj obor si dlho nevyberala. V divadle debutovala postavou Doriny v Molierovom Tartuffovi a jej sláva rýchlo rástla. Pred svadbou dievča často chodilo do Renoirovho štúdia a pózovalo pre neho. Je pravda, že nepravidelne navštevovala stretnutia, čo umelkyňu nahnevalo. Milosť herečky ho však úplne očarila, a tak ju znova a znova pozýval, aby sa stala jeho modelkou. Jej sláva a šťastie však netrvali dlho: zomrela vo veku 33 rokov na týfus.

Tanečnica s ohybnosťou hada

Slávny autor „Dievča s broskyňami“ Valentin Serov, ktorý sa v roku 1910 stretol s Idou Rubinstein v Paríži, ju požiadal, aby sa stala modelom pre nový obraz. Predtým pózovala pre mnohých umelcov – Keesa van Dongena, Antonia de la Gandara, Andreho de Segonzaca, Leona Baksta, neskôr pre Romaine Brooksa.

Portrét Idy Rubensteinovej bol takmer okamžite zakúpený od Serova

Najslávnejším sa však stal portrét ruského umelca. Obraz bol takmer okamžite zakúpený od autora a umiestnený do zbierky Ruského múzea.

Serovova dcéra Olga napísala, že v skutočnosti Ida vôbec nebola taká chudá a umelec ju zámerne štylizoval

Ida Rubinstein bola slávna ruská tanečnica a herečka. V rokoch 1909 až 1911 vystupovala ako súčasť súboru Sergeja Diaghileva. Rubinstein bol vysoký, ale jej milosť ohromila publikum a bola opísaná ako tanečnica „s ohybnosťou hada a plasticitou ženy“. Úlohy Kleoparty a Zobeide sa stali jej hviezdnymi rolami. Po odchode z Diaghileva si vytvorila vlastný súbor, v ktorom dlho vystupovala. A v roku 1921 dokonca hrala v talianskom filme „Loď“.

Obrazy slávnych umelcov uchovávať tajomstvá ľudí, ktorí sú na nich vyobrazení. Pozývame vás na prechádzku virtuálnym umeleckej galérie a preskúmajte príbehy žien na obrazoch. Tieto príbehy môžu byť romantické, mystické alebo len vtipné.

Toto umelecké dielo - jeden z najslávnejších maliarových obrazov - bolo prvýkrát predstavené verejnosti v Taliansku, kde ho priaznivo prijali kritici. Karl Bryullov bol prvým ruským umelcom, ktorý sa preslávil v primárnej Európe. Dlho sa predpokladalo, že tento obraz bol portrétom mladej grófky Julie Samoilovej, ktorú umelec veľmi miloval a často zobrazoval na svojich plátnach. Napríklad vo filme „Posledný deň Pompejí“ majú tri postavy naraz rysy tváre Julie Samoilovej. Avšak pri porovnaní obrazu „Horsewoman“ s portrétmi grófky, ktoré Bryullov namaľoval neskôr, je jasné, že obraz nie je Julia Samoilova. Ale kto? Na jednom zo svojich obrazov Karl Bryullov zobrazil grófku Samoilovovú so svojou žiačkou Giovanninou, na inom obraze namaľoval tú istú grófku s adoptovaná dcéra Amazilia. Výskumníci Bryullovovej práce dospeli k záveru, že obraz zobrazuje práve tieto dievčatá, ktoré vychovávala grófka. Ale obrazy slávnych umelcov zvyčajne nesú nejaký druh tajomstva. Ak chcete vyriešiť hádanku z tohto obrazu, musíte sa bližšie pozrieť na psa v obojku, ktorého umelec zobrazil vedľa malého dievčatka. Na obojku je napísané meno jeho majiteľky Samoilova.

Zdá sa, že ako vznikol obraz „Alyonushka“ je už dlho známy každému. Verí sa, že Vasnetsov, ako obraz smutnej hrdinky ruských eposov, zobrazil dievča, s ktorým ho osud spojil v dedine Akhtyrka. Keď už hovoríme o tomto obraze, mnohí citujú citát samotného Vasnetsova, kde pripúšťa, že obraz Alyonushky sa už dlho usadil v jeho hlave, ale finálna verzia Portrét vznikol, keď v dedine Okhtyrka stretol jednoduché dievča. Ale je to pravda? V jednej z poznámok umelca si môžete prečítať skutočný príbeh maľovanie obrazu. Vasnetsov priznáva, že hoci už mal náčrt obrazu podľa tohto jednoduchého dievčaťa, nejde o žánrový kúsok zo života. Umelec bol v skutočnosti inšpirovaný očami Verushy Mamontovej. Priznal, že oči tohto konkrétneho dievčaťa sa mu zdali všade a usadili sa v jeho duši. Kto je Verusha Mamontova? Jej obraz je, samozrejme, známy milovníkom umenia, pretože je zobrazená na Serovovom obraze „Dievča s broskyňami“. Teraz, keď poznáte odhalenia umelca, v Alyonushke môžete ľahko nájsť rysy tváre Verushy Mamontovej.

Obrazy slávnych umelcov vás niekedy prekvapia, odkiaľ pochádza takýto dej, niekedy sú zdroje inšpirácie neočakávané. To sa dá povedať o histórii maľovania na plátno “ Nerovné manželstvo" Jeden aristokrat z Moskvy sa rozhodol spísať svoje pamäti, kde hovoril o všetkých svojich príbuzných vrátane svojho strýka Sergeja Varentsova. V roku 1862 sa tento strýko ako mladý muž náhle zaľúbil do peknej dcéry obchodníka Rybnikova Sofie. A zamiloval sa natoľko, že dokonca navrhol sobáš, no bol odmietnutý. Obozretný otec dievčaťa nechcel dať svoju dcéru za ženu mladému a frivolnému hrabáčovi, ale radšej podal ruku staršiemu a nie chudobnému obchodníkovi Korzinkinovi (zaujímavé je, že „starší“ ženích mal vtedy 38 rokov). Nešťastnou zhodou okolností mal na tejto svadbe hrať úlohu najlepšieho muža mladý Varentsov. Umelec Vasily Pukirev bol tak preniknutý týmto príbehom a trápením milujúce srdce kto vytvoril tento obraz. Vďaka tomuto obrazu získal Vasilij Pukirev titul profesora a tiež dobré peniaze: plátno okamžite kúpil zberateľ umenia Borisovský a Treťjakov ho kúpil od neho. Pravda, Pukirev musel plátno trochu prerobiť, pretože Varentsov sa spoznal v najlepšom mužovi na tomto obrázku. Umelec stvárnil Varentsova vo svojom diele tak presne, že vďaka obľúbenosti obrazu sa o jeho nešťastnej láske začalo diskutovať v celej Moskve. Výsledkom bolo, že Pukirev musel prepísať tvár najlepšieho muža a teraz pri pohľade na obrázok verejnosť vidí v pozadí obraz Pukirevovej vlastnej tváre.

Obraz „Portrét M. I. Lopukhina“ od Vladimíra Borovikovského

Tento obraz bol vytvorený v roku 1797 a je romantický ženský obraz. Po stáročia teší verejnosť a znalci umenia ju považujú za ódu na sentimentalizmus. Obrazy známych umelcov sú často sprevádzané mystickými bájkami. Takáto bájka je spojená s týmto obrázkom. Obraz 18-ročnej krásky je prvým obrazom v histórii Ruska, ktorý je nasiaknutý mystikou. Dievča zobrazené na portréte bolo dcérou grófa Ivana Tolstého. V roku namaľovania portrétu sa vydala za Stepana Lopukhina, ktorý slúžil v administratíve Pavla I. Hneď po svadbe jej manžel nariadil Borovikovského portrét jeho milovaná manželka. Manželstvo netrvalo dlho, pretože 3 roky po svadbe mladá princezná zomrela na chorobu - konzum. Bezútešný otec kúpil obraz s portrétom svojej dcéry od svojho zaťa a zavesil si ho vo svojom dome. Treba povedať, že gróf Tolstoj bol majstrom slobodomurárskej lóže a mal rád mystiku. Hovorilo sa, že gróf pomocou mágie dokázal privolať svojho ducha zosnulá dcéra a vdýchnuť to do Borovikovského obrazu. Existuje bájka - každé dievča, ktoré sa pozrie na portrét, určite zomrie. Dokonca citovali „veľmi spoľahlivé fakty“, že portrét zabil najmenej tucet mladých dievčat. Našťastie pre potomkov, Treťjakov neveril v mystiku a o storočie neskôr kúpil obraz, ktorý teraz môžu vidieť milióny divákov v galérii pomenovanej po ňom.

Obrazy slávnych umelcov sa vyznačujú tým, že vo svojich dielach oslavujú ženský ideál. Aj pri zobrazovaní Madony umelci všetkých čias bez štipky svedomia maľovali portréty svojich milencov, z ktorých mnohé boli ženy nie práve najušľachtilejšieho pôvodu. Napríklad výskumníci Raphaelovej práce tvrdia, že umelec stretol dcéru chudobného pekára Fornarinu na jednej z ulíc Ríma. Umelec sa do nej zamiloval. Raphael, ktorý bol už všeobecne známy a zaujímal vysoké postavenie na spoločenskom rebríčku, kúpil dievča od jej otca a prenajal si pre ňu luxusný dom. Umelec ju skutočne považoval za ideál krásy a žil s ňou až do svojej smrti 12 rokov. Hovorí sa však, že samotná kráska nebola lojálna svojmu dobrodincovi a zahýbala mu so študentmi umelca aj s tými, ktorí si obrazy objednali. Po Rafaelovej smrti pre povesť tejto ženy pápež zaňho ani nechcel vykonať pohrebnú službu, pretože neďaleko stála Fornarina. Napriek tomu všetkému je to Fornarinina tvár, ktorú vidíme na obraze “ Sixtínska Madonna" Raphael jej dal aj tvár mnohých iných Madon namaľovaných jeho rukou.

Na začiatku dvadsiateho storočia sa objavil náš kalendár nový sviatok, ktorej názov znel ako revolučný slogan: „Medzinárodný deň žien solidarity pracujúcich žien v boji za rovnaké práva“.
Našťastie časom tento deň nadobudol úplne iný význam a pre nás je 8. marec sviatkom ženskej krásy a šarmu.

Aby sme spojili historické s príjemným, zhromaždili sme niekoľko obrazov sladkých, koketných a silných pracujúcich žien od veľkých umelcov - večných zajatcov ženskej krásy a cností!

Alexej Venetsianov, rodák z Moskvy, prvýkrát navštívil obec vo veku 35 rokov, keď po svadbe novomanželia išli navštíviť manželkiných rodičov do provincie Tver.

Umelec bol tak fascinovaný prírodou, že okamžite dostal túžbu usadiť sa medzi ruskými oblasťami a kúpil si panstvo v Safonovke.

Práve tu maľuje obraz „Na oranom poli“. Celá Venetsianovova tvorba je presiaknutá poéziou, jeho obrazy venované roľníckemu životu idealizujú život na dedine.

Od detstva je Zinaida Serebryakova zamilovaná do Venetsianovových obrazov. V nej rané maľby cítiť neviditeľné spojenie s tvorbou ruského spisovateľa každodenného života. Zdá sa, že Venetsianovove roľníčky o sto rokov neskôr naďalej žijú v jej obrazoch.

Umelcove dedinské dievčatá sú majestátne, s kráľovským správaním; každodenná práca- skutočná poézia spirituality!

Zinaida Evgenievna Serebryakova "Úroda"
1915, 177×142 cm.

Obrazy „Harvest“ a „Whitening Canvas“ sú klasifikované ako najlepšie diela Zinaida Serebryaková. Boli zapísané v rodinný majetok Neskuchnoye v provincii Charkov, kde od roku 1898 trávila rodina Serebryakov leto a jeseň.

V roku 1914, po dlhej ceste na sever Talianska, prišla Zinaida do Neskuchnoye a okamžite začala pracovať na obraze „Úroda“.

Štúdium kreativity umelcov talianska renesancia, len nedávno videný v múzeách a galériách, je cítiť v klasicky postavenej kompozícii a monumentálnosť foriem zdôrazňuje krásu ženské postavy na pozadí krajiny s pšeničnými poliami, ktoré sa nerovnomerne tiahnu za horizont.
Tieto obrazy sú považované za posledné idylické obrazy predrevolučného Ruska.

Zinaida Evgenievna Serebryakova." Bielenie plátna "
1917, 141,8×173,6 cm.

Čipka, púder, rúž - všetko, čo očarujúca žena potrebuje...

Francúzske dámy neúnavne pracujú aj na obrazoch umelcov. V období rokoka bola pre mestské ženy najmódnejšia profesia klobúčnika.

Elegantné a luxusné outfity, korzety, výšivky a čipky, to všetko boli myšlienky žien, pretože bolo potrebné držať krok s trendsetterkou Madame Pompadour!

A fantázie mladých dievčat stelesňovali zdviháky všetkých remesiel - mlynári.

Zdá sa, že Francois Boucher na obraze „The Milliner“ sa vkráda do miestnosti a špehuje dámy, ktoré diskutujú o budúcom modeli.
Francois Boucher. "The Milliner"

Rozmer 53 x 64 cm. V 18. storočí počas osvietenstva vo Francúzsku bolo v umení zvykom chváliť a potvrdzovať cnosti tretieho stavu a v maliarstve v dobrej forme

myslelo sa na jednoduchosť a prirodzenosť.

Jean-Baptiste Greuze vo filme „The Laundress“ nielenže zobrazuje pôvabného a očarujúceho mladého pracovníka - týmto spôsobom oslavuje tvrdú prácu. V Rusku sa v druhej polovici 18. storočia stal Grez módny umelec

šľachta medzi sebou súperila, aby si u neho objednala portréty, samotná cisárovná Katarína II na radu Diderota kúpila od umelca obraz „Ochromený“.

Samozrejme, že takáto popularita Greuzeho diela nezostala bez povšimnutia ruskej maľby, jeho obrazy mali veľký vplyv na ruské portrétovanie.
Jean-Baptiste Greuze "Práčovňa"

1761, 32×40 cm.

Čipkárky Vasilij Tropinin bol pre svoju šarmantnosť nazývaný „Ruské sny“.ženské portréty . Prvýkrát v ruskej maľbe tvoril nový typ - žánrový portrét poetický obraz

dievčatá v práci.

Mladé krásky na obrazoch „Čipkárka“ a „Zlatník“ zaneprázdnené svojou prácou na chvíľu odtrhnú zrak od svojej práce a prefíkane hľadia na diváka.
Vasilij Andrejevič Tropinin. "Zlatník"

Tropinin bol poddaným umelcom a až vo veku 47 rokov dostal slobodu. Je symbolické, že práve rok 1823, rok napísania „Čipkárky“, priniesol umelcovi slobodu aj oficiálne uznanie.

Tento rok po prvý raz vystavuje svoje diela na Akadémii umení a umelcovi je udelený titul „menovaný akademik“. Takže intímny portrét mešťanky priniesli jeho tvorcovi slobodu a úspech.

Tropinin "Čipkárka"

Strážca krb a domov

Domácnosť Vždy to bolo na pleciach žien a práce v kuchyni sú priamou zodpovednosťou. Pre niektorých je to požehnanie, no pre mnohých je to trápenie. Pre hrdinku filmu „Kuchár“ od Bernarda Strozziho je to povinnosť a posvätný obrad.

Pri pohľade na obrázok si môžete položiť veľa otázok. Napríklad prečo mladé dievča vykuchá vtáka elegantné šaty a korálky? Má veľkú rodinu, pretože večera zahŕňa poriadne množstvo jedál?

Kto je zobrazený na obrázku - možno umelec zobrazil svoju manželku, a preto sa tak láskavo pozerá na diváka? Táto možnosť je celkom možná: Strozziho obrazy každodenných predmetov sú veľmi zriedkavé a pre svoju manželku mohol urobiť výnimku.

Bernardo Strozzi "Kuchár"
1625, 185×176 cm.

Autor obrázku - taliansky umelec Baroková éra s pozoruhodným životopisom. Strozziho dobrodružný charakter sa odzrkadlil vo všetkých jeho aktivitách: v mladosti vstúpil do kapucínskeho rádu a stal sa kňazom, potom študoval maliarstvo v dielni janovského umelca Sorriho a súčasne pracoval ako námorný inžinier v janovskej flotile.

Neskôr umelec utiekol z kláštora a ukryl sa pred prenasledovaním mníchov v Benátkach. Ale Strozzi sa maľovania nikdy nevzdal. Jeho hlavnou témou boli portréty, náboženské a mytologické výjavy a kreatívnym spôsobom Caravaggiova maľba mala veľký vplyv.

„Povolanie“ pastierky bolo kedysi veľmi obľúbené a umelci sa k nemu často obracali. Dojímavý obraz pastierky v strednom veku nachádzame v dielach Van Gogha, ktorý maľoval obyčajných dedinčanov so zvláštnou vrúcnosťou a láskou.

Pozrite sa na farbu obrázka: žltá pšeničné polia- farba slnka a tepla jemne kontrastujúca s modrým plášťom pastierky je v umelcových dielach častou technikou, ale nevyvoláva úzkostné pocity, ako v jeho iných obrazoch.

Van Gogh sprostredkuje svoje pocity nezvyčajne presne odtieňmi farieb. Bez ohľadu na to, aké víry okolo zúria, žena je pokojná a submisívna ťažký osud... A náš dominantný a úprimný pocit, keď vidíme tento obrázok, je „empatia“.

Vincent Van Gogh. "kovbojka"
1889, 52,7×40,7 cm.
Umelec vytvoril toto dielo počas liečby v Saint-Rémy na juhu Francúzska. Počas tohto obdobia rokov 1889-1890 študoval prácu zakladateľa barbizonskej školy Jeana Francoisa Milleta a počas tejto doby vytvoril kópie 23 jeho obrazov, vrátane „Pastierky“ (aj keď je ťažké nazvať Van Gogh maľuje kópiu).

Vincent píše svojmu bratovi o svojom zamestnaní:
„Uisťujem vás, že mám veľký záujem o vytváranie kópií, a keďže teraz nemám modely, neopustím prácu na postave pomocou týchto kópií.
Používam čiernobiele reprodukcie Delacroixa a Milleta, ako keby to boli predmety zo skutočného života. A potom farebne improvizujem, aj keď samozrejme nie presne tak, ako keby som to robil ja, ale snažím sa zapamätať si ich obrazy.
Avšak toto „pamätanie“, nejasná harmónia ich farieb... je mojou interpretáciou.“

Pri porovnaní obrazov týchto dvoch umelcov sa zdá, že Van Gogh namaľoval pastierku vo svojej fantázii.

Proso "Pastierka" 1, Proso "Pastierka" 2.

Jean Baptiste Chardin pozoroval životy obyčajných mešťanov a písal z nich príbehy. každodenný život. Obraz „Práčovňa“ vyžaruje pokojnú domácu pohodu, kde všetko hreje starostlivosť hostesky.

Zatiaľ čo mama perie bielizeň, syn je zaneprázdnený svojou jednoduchou zábavou. V Chardinových obrazoch sú vždy prítomné detské obrázky, ktoré zdôrazňujú lásku matky k svojmu dieťaťu. Demonštrácia týchto vzťahov mu pomáha vytvárať duchovnú atmosféru vrúcnosti a skromného, ​​ale významného a plnohodnotného života pre obyvateľov mesta.

Ženská práca na maľbách umelkyne sa rovná ušľachtilej práci vykonávanej s osobitnou usilovnosťou a láskou.

Jean Baptiste Simeon Chardin. "Práčovňa"

Úvodníky socialistickej práce - my nový svet poďme to postaviť!

Ženy ovládajú nové profesie v Sovietska krajina. U nás to nie sú len nejakí západní fashionisti - sovietska žena možno postaviť metro!

V grafickom seriáli Alexandra Samokhvalova z 30. rokov minulého storočia stelesňovali portréty dievčat, ktoré pracovali ako pracovníčky metra, ideál socialistickej práce.

Nadšenie, mladícka energia, optimizmus a prekypovanie síl v týchto dielach – budeme budovať nová krajina. Tu je s vŕtačkou, s lopatou, krásna, silná a šťastná, dokáže všetko!

Umelec sa pripojil k ideologickej ceste krajiny, úprimne verí v univerzálnu tvorbu v prospech svetlej budúcnosti. A umelcove duchovné impulzy sú celkom hmatateľnou záležitosťou, stačí sa pozrieť na diela!