2. Perkembangan dan bentuk

Kami menemukan tanda-tanda perkembangan pada beberapa tema. Namun perkembangan yang nyata dan besar dimulai setelah pemaparan topik. Dalam perkembangannya, tema atau bagian-bagiannya dapat diulang, tetapi selalu dengan perubahan. Terkadang perubahan ini begitu signifikan sehingga memunculkan gambaran musik yang sama sekali berbeda, namun di dalamnya Anda dapat mengenali intonasi temanya. Anda baru saja mengenal tema Tchaikovsky yang lembut, merdu, dan sangat ringan. Dan kemudian, di tengah-tengah gerakan Simfoni Keenam ini, sebuah tragedi terungkap, dan inilah salah satu klimaks dari tragedi tersebut. Melodi utama dimainkan dengan terompet dengan volume maksimum:

Allegro vivo = 144

Tapi dengarkan melodinya: ini adalah pengembangan dari rangkaian tema paruh kedua.

Seperti yang mungkin sudah Anda pahami, ada teknik khusus untuk pengembangan. Bisa juga disebut metode atau teknik. Teknik dasar perkembangan variasional Dan urutan.

Anda sudah mengetahui urutannya. Anda juga dapat menambahkan bahwa ada urutan tepat Dan tidak akurat, dan juga naik Dan menurun. Dan setiap pelaksanaan motif yang berulang disebut tautan urutan. Dan urutannya juga ada melangkah.

Pada kalimat pertama Polka dari “ Album anak-anak“Tchaikovsky memiliki dua rangkaian sekaligus. Pada yang pertama, tautan kedua satu detik lebih tinggi dari yang pertama, yang berarti menaik, dengan langkah kedua. Dan semua interval tautan pertama dialihkan secara tepat ke tautan kedua dengan nada lebih tinggi, yang berarti akurat. Di urutan berikutnya, tautan kedua lebih rendah; Dan lompatan ke seperenam kecil di tautan pertama berubah menjadi lompatan ke seperlima sempurna di tautan kedua, dan urutannya ternyata tidak akurat.

Sedang (tempo polka)

Terkadang dalam urutan yang tidak tepat, seperti di sini, langkahnya tidak dapat ditentukan. Lihat: bunyi pertama digeser ke sepertiga minor, dan sisanya digeser ke detik mayor. Musik tidak melulu tentang matematika, dan musik sering kali membuat banyak hal menjadi kacau.

Sekarang mari kita berlatih sendiri. Ini kosong untuk pekerjaan rumah. Salinlah ke dalam buku catatan Anda, dan isi takaran yang kosong dengan urutan komposisi Anda sendiri. Arahnya ditunjukkan. Contoh pertama menunjukkan ritme (batang kosong tanpa kepala). Ciptakan keakuratan, ketidakakuratan, dan langkah sesuai keinginan Anda, tetapi kemudian tentukan apa yang Anda dapatkan.

Contoh 9a, b

Urutan menaik (D mayor)

Urutan menurun (D minor)

Perubahan frase kedua tema Simfoni Keenam Tchaikovsky dapat disebut variasi. Namun, saya ulangi, perkembangan dalam topik itu sendiri masih merupakan perkembangan yang “tidak nyata”. Dan apa yang muncul di tengah-tengah gerakan tersebut merupakan perkembangan variasional yang nyata. Membentuk variasi sepenuhnya didasarkan pada pengembangan variasional. Tetapi tidak setiap variasi perkembangan variasi. Kami akan membicarakan ini lebih detail nanti.

Ada cara lain untuk berkembang. Di kelas tiga, kami berbicara tentang polifoni dan mencoba menyanyikan kanon “Ada pohon birch di ladang.” Kanon menggunakan teknik yang disebut imitasi.

Dalam musik polifonik, imitasi adalah salah satu teknik pengembangan utama.

Urutan sering ditiru di tengah-tengah karya polifonik. Teknik ini disebut urutan kanonik.

Berapa lama Anda bisa mengembangkan suatu topik? Jika seorang komposer memiliki imajinasi yang cukup, ia dapat mengembangkannya tanpa henti. Tapi tidak ada yang bisa mendengarkan musik seperti itu, dan tidak ada yang mau. Agar musik mudah dan menarik untuk didengarkan, diperlukan suatu bentuk.

Ketika Anda menganalisis program Anda berdasarkan spesialisasi, Anda mungkin memperhatikan bahwa sebagian besar drama terdiri dari beberapa bagian yang relatif lengkap. Potongan seperti itu disebut bagian, yang membuat bentuk musik.

Hasilnya, formulir terbentuk pengembangan materi musik. Anda telah mempelajari apa itu perkembangan dan apa yang terjadi. Sekarang yang tersisa hanyalah mencari tahu bagaimana bentuk-bentuk musik disusun dan mencoba membuat sendiri contoh-contoh musik kecil dari bentuk-bentuk ini.

Bentuk musik terkecil sudah tidak asing lagi bagi Anda periode. Anda bisa menemukan banyak miniatur yang dilukis dalam bentuk kuno. Namun lebih sering bentuk suatu karya musik terdiri dari beberapa periode. Sederhana dua bagian dari dua, dan tripartit sederhana dari tiga. Ada juga bentuk kompleks yang setiap bagiannya terdiri dari beberapa periode.

Semua bentuk ini, baik yang sederhana maupun kompleks, digunakan dalam miniatur. Namun dalam karya besar, bentuk yang sangat berbeda digunakan: variasi, rondo, sonata Dan rondo sonata formulir. Anda juga akan segera mengenal variasi dan rondo. Dan Anda akan bertemu dengan bentuk sonata dan ragamnya, rondo sonata, setahun kemudian, berkenalan dengan sonata dan simfoni J. Haydn.

Untuk menghindari kebingungan, pelajarilah pelat berikut. Ini berisi semua formulir yang perlu Anda ketahui.

Dalam kuesioner tradisional kami, Anda akan melihat ikon baru. Ikon ini sekarang akan digunakan untuk menandai semua tugas penulisan kreatif.

Anda mungkin pernah menjumpai konsep filosofis seperti bentuk dan isi. Kata-kata ini cukup universal untuk menunjukkan aspek serupa dari berbagai fenomena. Dan musik tidak terkecuali. Dalam artikel ini Anda akan menemukan ikhtisar bentuk karya musik paling populer.

Sebelum menyebutkan bentuk-bentuk umum karya musik, mari kita definisikan apa yang dimaksud dengan bentuk dalam musik? Bentuk adalah sesuatu yang berkaitan dengan rancangan suatu karya, dengan prinsip-prinsip strukturnya, dengan urutan materi musik di dalamnya.

Musisi memahami bentuk dalam dua cara. Di satu sisi, bentuknya adalah diagram susunan seluruh bagian suatu komposisi musik secara berurutan. Di sisi lain, bentuk bukan hanya sekedar diagram, tetapi juga proses pembentukan dan pengembangan dalam karya sarana ekspresif yang dengannya gambar artistik diciptakan dari pekerjaan ini. Sarana ekspresif macam apa ini? Melodi, harmoni, ritme, timbre, register dan sebagainya. Pembuktian pemahaman ganda tentang esensi bentuk musik adalah manfaat dari ilmuwan, akademisi, dan komposer Rusia Boris Asafiev.

Bentuk karya musik

Unit struktural terkecil dari hampir semua karya musik adalah motif, frase dan kalimat. Sekarang mari kita coba menyebutkan bentuk-bentuk utama karya musik dan memberikan ciri-ciri singkatnya.

Periode– ini adalah salah satu bentuk sederhana yang mewakili penyajian pemikiran musik secara utuh. Sering terjadi, baik dalam instrumental maupun dalam musik vokal.

Standar durasi suatu periode adalah dua kalimat musik yang menempati 8 atau 16 birama (periode persegi), dalam prakteknya ada periode yang lebih lama dan lebih pendek. Periode ini memiliki beberapa variasi, di antaranya tempat khusus ditempati oleh apa yang disebut “periode jenis penerapan” dan “periode sulit”.

Bentuk sederhana dua dan tiga bagian - ini adalah bentuk-bentuk di mana bagian pertama, sebagai suatu peraturan, ditulis dalam bentuk titik, dan sisanya tidak melebihi itu (yaitu, bagi mereka normanya juga berupa titik atau kalimat).

Bagian tengah (middle part) dari bentuk tiga bagian dapat dikontraskan dengan bagian luarnya (menampilkan gambar yang kontras sudah merupakan teknik artistik yang sangat serius), atau dapat mengembangkan, mengembangkan apa yang telah dikatakan pada bagian pertama. Pada bagian ketiga dari bentuk tiga bagian, dimungkinkan untuk mengulang materi musik dari bagian pertama - bentuk ini disebut reprise (rekapitulasi adalah pengulangan).

Bentuk bait dan chorus - Ini adalah bentuk-bentuk yang berhubungan langsung dengan musik vokal dan strukturnya sering dikaitkan dengan ciri-ciri musik puisi.

Bentuk syairnya didasarkan pada pengulangan musik yang sama (misalnya titik), tetapi dengan lirik baru setiap kali. Ada dua elemen dalam bentuk lead-chorus: yang pertama adalah chorus (melodi dan teks dapat berubah), yang kedua adalah chorus (sebagai aturan, melodi dan teks dipertahankan di dalamnya).

Bentuk dua bagian yang kompleks dan bentuk tiga bagian yang kompleks – ini adalah bentuk yang terdiri dari dua atau tiga bentuk sederhana (misalnya, 3 bagian sederhana + titik + 3 bagian sederhana). Bentuk dua bagian yang kompleks lebih umum dalam musik vokal (misalnya, beberapa opera arias ditulis dalam bentuk seperti itu), sedangkan bentuk tiga bagian yang kompleks, sebaliknya, lebih khas untuk musik instrumental (ini adalah bentuk favorit untuk musik vokal). minuet dan tarian lainnya).

Bentuk tiga bagian yang kompleks, seperti yang sederhana, dapat berisi pengulangan, dan di bagian tengah - materi baru(paling sering inilah yang terjadi), dan bagian tengah dalam bentuk ini ada dua jenis: "seperti trio"(jika bentuknya ramping dan sederhana) atau "jenis episode"(jika di bagian tengah terdapat konstruksi bebas yang tidak mengikuti bentuk periodik atau bentuk sederhana apa pun).

Bentuk variasi - suatu bentuk yang dibangun atas pengulangan tema asli dengan transformasinya, dan paling sedikit harus ada dua pengulangan tersebut agar bentuk suatu karya musik yang dihasilkan tergolong variasional. Bentuk variasi banyak ditemukan komposisi instrumental, dan tidak jarang dalam komposisi penulis modern.

Ada variasi yang berbeda. Misalnya, ada jenis variasi seperti variasi tema ostinato (yaitu, tidak dapat diubah, dipertahankan) dalam melodi atau bas (yang disebut soprano-ostinato dan basso-ostinato). Ada variasi kiasan, yang pada setiap implementasi baru, temanya diwarnai dengan berbagai dekorasi dan semakin terfragmentasi, memperlihatkan sisi-sisi tersembunyinya.

Ada jenis variasi lain - variasi karakteristik, di mana setiap tema baru berlangsung dalam genre baru. Terkadang transisi ke genre baru ini sangat mengubah tema - bayangkan saja, tema tersebut dapat dibunyikan dalam karya yang sama seperti pawai pemakaman, liris nocturne, dan himne yang antusias. Omong-omong, Anda bisa membaca sesuatu tentang genre di artikel.

Sebagai contoh musik variasi kami mengundang Anda untuk mengenal karya Beethoven yang sangat terkenal.

L. van Beethoven, 32 variasi dalam C minor

Rondo– bentuk karya musik lain yang tersebar luas. Anda mungkin tahu bahwa diterjemahkan ke dalam bahasa Rusia dari kata Perancis "rondo" artinya "lingkaran". Ini bukanlah suatu kebetulan. Dahulu kala, rondo adalah tarian kelompok, di mana kesenangan umum diselingi dengan tarian solois individu - pada saat-saat seperti itu mereka pergi ke tengah lingkaran dan menunjukkan keahlian mereka.

Jadi, secara musikal, rondo terdiri dari bagian-bagian yang terus-menerus diulang (yang umum disebut menahan diri) dan episode individual yang berbunyi di antara refrain. Agar bentuk rondo dapat berlangsung, refrainnya harus diulang setidaknya tiga kali.

bentuk sonata , jadi kami sampai padamu! Bentuk sonata, atau kadang disebut bentuk sonata allegro, merupakan salah satu bentuk karya musik yang paling sempurna dan kompleks.

Dasarnya bentuk sonata Ada dua tema utama - salah satunya disebut "utama"(yang berbunyi pertama), yang kedua - "samping". Nama-nama ini berarti salah satu tema ada di kunci utama, dan tema kedua ada di kunci sekunder (dominan, misalnya, atau paralel). Bersama-sama, tema-tema tersebut melalui berbagai pengujian dalam pengembangannya, kemudian pada reprise, biasanya keduanya dibunyikan dengan kunci yang sama.

Bentuk sonata terdiri dari tiga bagian utama:

• eksposisi (presentasi topik pertama, kedua dan lainnya kepada publik);
• perkembangan (tahap terjadinya perkembangan intensif);
• reprise (di sini tema-tema yang disajikan dalam pameran diulangi, dan pada saat yang sama terjadi konvergensinya).

Komposer sangat menyukai bentuk sonata sehingga atas dasar itu mereka menciptakan serangkaian bentuk yang berbeda dari model utama dalam berbagai parameter. Misalnya, kita dapat menyebutkan jenis-jenis bentuk sonata seperti rondo sonata(mencampur bentuk sonata dengan rondo), sonata tanpa pengembangan, sonata dengan episode, bukan pengembangan(ingat apa yang mereka katakan tentang sebuah episode dalam bentuk kompleks tiga bagian? Di sini bentuk apa pun bisa menjadi sebuah episode - seringkali ini adalah variasi), bentuk konser(dengan eksposur ganda - untuk solois dan orkestra, dengan cadenza virtuoso dari solois di akhir pengembangan sebelum dimulainya reprise), sonatina(sonata kecil), puisi simfoni(kanvas besar).

Fuga- ini adalah bentuk yang pernah menjadi ratu segala bentuk. Pada suatu waktu, fugue dianggap sebagai bentuk musik yang paling sempurna, dan musisi masih memiliki sikap khusus terhadap fugue.

Fugue dibangun di atas satu tema, yang kemudian diulang berkali-kali dalam bentuk yang tidak berubah dengan suara yang berbeda (dengan instrumen yang berbeda). Fugue biasanya dimulai dengan satu suara dan segera dengan pengenalan tema. Suara lain segera merespons tema ini, dan apa yang dibunyikan selama respons dari instrumen pertama disebut penambahan tandingan.

Sementara tema beredar melalui suara-suara yang berbeda, bagian eksposisi fugue terus berlanjut, tetapi segera setelah tema melewati setiap suara, pengembangan dimulai di mana tema tersebut mungkin tidak sepenuhnya dikejar, dikompresi, atau, sebaliknya, diperluas. Ya, banyak hal terjadi dalam pengembangan... Di akhir fugue, nada suara utama dipulihkan - bagian ini disebut pengulangan fugue.

Kita bisa berhenti di situ sekarang. Kami telah menyebutkan hampir semua bentuk utama karya musik. Perlu diingat bahwa bentuk yang lebih kompleks mungkin berisi beberapa bentuk yang lebih sederhana - belajarlah untuk mendeteksinya. Dan juga sering baik bentuk sederhana maupun bentuk kompleks digabungkan menjadi siklus yang berbeda– misalnya, mereka terbentuk bersama siklus suite atau sonata-simfoni.

Bentuk musik Struktur suatu karya musik, hubungan bagian-bagiannya. Komponen musik yang paling sederhana disebut motif; 2-3 motif membentuk struktur musik yang lebih lengkap - sebuah frase. Beberapa frasa digabungkan menjadi satu kalimat, dan kalimat digabungkan menjadi satu titik.

Bentuk syair Suatu bentuk karya vokal yang umum di mana melodi yang sama diulangi tanpa perubahan (atau hanya diubah sedikit), tetapi dengan setiap pengulangan terdapat teks baru dalam syair tersebut. Kebanyakan berupa ayat lagu daerah. “Venice Night” oleh M. I. Glinka “Couplets of a Toreador” oleh J. Bizet STRUKTUR Pendahuluan - bait (chorus, chorus) - jembatan - bait (chorus, chorus) - kesimpulan

Bentuk variasi Variasi (dari bahasa Latin variasi - perubahan): 1. pengulangan melodi utama secara berulang-ulang dengan beberapa perubahannya. Terlebih lagi, tema aslinya selalu diperkaya, dibumbui, dan menjadi semakin menarik, tanpa kehilangan kemampuan untuk dikenali. "Polyushko - lapangan" oleh L. K. Knipper

Rondo Rondo (dari bahasa Prancis rondo - tarian bundar, berjalan dalam lingkaran) adalah bentuk musik yang terdiri dari konstruksi berulang dari bagian utama - sebuah refrain, yang dengannya episode-episode lain bergantian. Rondo dimulai dan diakhiri dengan refrain, seolah membentuk lingkaran setan. "Rondo Farlafa" oleh M.I.Glinka

Suite Suite (Suite Prancis - baris, urutan). Ini terdiri dari beberapa bagian independen - tarian, biasanya kontras satu sama lain dan disatukan oleh konsep seni yang sama. “Suite dalam Gaya Lama” oleh A. Schnittke “Gambar di Pameran” oleh M. Mussorgsky “Scheherazade” oleh N. Rimsky-Korsakov

“BENTUK MUSIK UTAMA DALAM PROGRAM

Sekolah Musik Anak KELAS PIANO dan Sekolah Seni Anak"

Pekerjaan metodis

Guru piano di Sekolah Seni Anak Yegoryevsk

Engalycheva Irina Alekseevna

“Yang dimaksud dengan konkritnya bentuk musik adalah kemampuan musik untuk mengekspresikan dan mengaktifkan konten hidup menyatu dengan gambaran, ide, dan perasaan"

S.Feinberg

Sejak kelas satu, guru menuntut siswa untuk melaksanakan program secara bermakna. Dia menjelaskan kepada anak isi karya dalam bahasa yang mudah dipahami, dengan cermat mengerjakan teknik, corak, dan frasa. Namun dia membawanya ke konsep bentuk musik nanti.

Seringkali siswa sekolah menengah tidak dapat menentukan batas-batas eksposisi, pengembangan, dan reprise dalam sonata yang mereka bawakan, serta tidak memahami prinsip pembuatan fugue. Itulah sebabnya mereka mengalami kerusakan dan kegagalan dalam konser, ujian, dan ujian.

Salah satu kesalahan umum yang dilakukan siswa adalah menampilkan bagian samping sonata allegro secara reprise dengan kunci eksposisi. Atau kesalahan lainnya: karena lupa suatu tempat di tengah atau di akhir penemuan, siswa mulai memainkan lagu tersebut dari awal alih-alih kembali dan mengulangi bagian dari bentuk di mana lagu tersebut muncul. Guru menjelaskan kesalahan seperti kecemasan panggung. Namun nyatanya, salah satu penyebab penting terjadinya “disintegrasi” bentuk di atas panggung adalah ketidaktahuan siswa terhadap persoalan-persoalan yang berkaitan dengan hukum-hukum struktur sebuah karya musik.

Masalah pembelajaran bentuk musik di kelas senior dan junior memiliki kekhasan tersendiri, karena perbedaan usia dan tingkat pelatihan. Seorang siswa sekolah menengah pertama harus mengetahui istilah-istilah musik seperti "caesura", "frasa", "reprise", "urutan", "puncak", dll. Kemudian, di bangku SMP dan SMA, ilmunya diperdalam dan disempurnakan.

Sejak awal, anak harus membayangkan bahwa unit semantik utama musik adalah frasa. Menjelaskan struktur tertentu frase musik, guru tanpa sadar melakukan analisis: membantu siswa menemukan aksen logis di dalamnya, menelusuri arah garis melodi, menganalisis komposisi interval. Suara yang paling terang biasanya merupakan suara klimaks, tetapi Anda dapat mendekatinya dengan cara yang berbeda. Jika perkembangan melodinya mulus, maka crescendonya akan mulus dan bertahap. Jika klimaksnya terjadi secara tiba-tiba, maka diperlukan nyanyian yang sangat ekspresif pada interval ini. Jika ada dua titik terang dalam sebuah frasa, Anda perlu membaginya menjadi konstruksi yang lebih kecil dan mengerjakannya. Jika anak tidak mendengarnya dan bermain secara monoton, Anda dapat memintanya menyanyikan segmen ini, menonjolkan suara-suara yang secara ekspresif bermakna dengan suaranya. Saat bernyanyi tidak selaras, Anda dapat membantunya dengan memainkan instrumen tersebut, atau Anda dapat menyanyikan bagian ini bersamanya, menunjukkan suara puncaknya dengan gerakan tangan Anda ke atas.

Untuk kejelasan, Anda perlu membuatnya menggambar garis bergelombang dengan pensil warna, menirukan gerakan dari bagian ini. Dalam hal ini, lebih penting untuk menyoroti poin-poin penting.

Hal ini harus dilakukan untuk mengarahkan perhatian pendengaran siswa pada pertunjukan ekspresif yang bermakna. Dalam hal ini, tidak hanya pusat pendengaran yang akan terlibat, tetapi juga pusat motorik dan visual.

Setelah mencapai penampilan yang relatif cemerlang dari satu frase musik, guru membimbing siswanya lebih jauh. Frasa kedua, ketiga, dan seterusnya dikerjakan dengan cara yang sama. Pada tahap pekerjaan selanjutnya, kami menggabungkan beberapa frasa menjadi satu struktur utuh dengan satu pusat umum - klimaks. Sebagai perbandingan, seorang guru dapat membawakan sebuah karya dengan lancar, aman, tetapi membosankan (tanpa klimaks), kemudian menampilkannya dengan ceria, penuh semangat. Hal ini akan menanamkan dalam imajinasi siswa suatu gagasan gambar musik klimaks. Agar lebih jelas, bersama siswa, Anda dapat menggambarkan struktur karya yang ditampilkan dengan garis bergelombang, mengecat titik klimaks dengan warna yang lebih cerah.

Saat mengerjakan sebuah karya musik dengan siswa, Anda perlu ingat bahwa tujuan akhir mempelajarinya adalah pertunjukan yang lengkap dan ekspresif. Oleh karena itu, dalam proses berkarya, guru harus memperhatikan pemahaman siswa terhadap keutuhan dan keselarasan bentuk karya yang dibawakan. Sangat penting untuk tidak melakukan penyesuaian seiring kemajuan karya. Episode yang dikoreksi melanggar hukum bentuk yang ditetapkan oleh penulis. Jika guru menuntut hal ini sejak awal, maka siswa akan berusaha merangkul keseluruhannya: pertama dia akan membuat lebih sedikit kesalahan, dan kemudian dia akan mencapai eksekusi bebas kesalahan.

Faktor penting dalam proses pertunjukan adalah hubungan antara bagian dan keseluruhan. Penting untuk mengajari anak untuk segera “menerima karakter” dari karya yang dibawakan, karena frasa pertama menentukan karakter dan suasana keseluruhan karya. Untuk melakukan ini, ada baiknya dia menyanyikan bar pertama dari drama tersebut untuk dirinya sendiri sebelum memulai pertunjukan.

Selama pertunjukan, siswa juga harus memastikan bahwa titik klimaksnya tidak “jatuh”. Untuk melakukan ini, siswa harus diajari menghitung pola bunyi sehingga terbentuk gelombang besar yang sama, menuju klimaks utama. Kemudian pekerjaan yang dilakukan akan dibangun secara holistik dan logis.

Namun, kita tidak boleh lupa bahwa akhir pekerjaan yang kabur akan merusak kesan umum dari eksekusi. Semakin besar bentuknya, semakin sulit menangkapnya secara keseluruhan. Oleh karena itu, siswa perlu diajarkan untuk menghitung kekuatannya sedemikian rupa sehingga dapat menyampaikan gambaran karya yang dibawakan dari awal hingga akhir. Kemudian pelaksanaannya akan menimbulkan kesan tunggal dan utuh.

Apa itu bentuk musik? “Bentuk musik adalah struktur suatu karya musik. Hal ini ditentukan oleh isi setiap karya tertentu, diciptakan dalam kesatuan dengan isi dan dicirikan oleh interaksi segala sesuatu yang spesifik elemen suara, didistribusikan seiring waktu."

Dengan segala kekayaan bentuk musik, mereka terbagi menjadi homofonik Dan polifonik. Bentuk homofonik adalah bentuk dimana satu suara lebih dominan. Dan polifonik adalah bentuk di mana semua suara memiliki melodi yang sama dan independen.

Bentuk setiap karya bersifat individual dan unik. Namun, hukum dan aturan pembentukan bentuk memiliki ciri-ciri umum dalam strukturnya. Setiap bagian mempunyai fungsinya masing-masing. Ada enam fungsi utama bentuk: pendahuluan, pernyataan topik/topik, bagian penghubung, tengah, reprise, dan penutup.

Bentuk terkecil yang menyatakan suatu pemikiran yang relatif lengkap adalah periode.

Bagian besar utama dari suatu periode disebut proposal. Kalimat titik dibagi menjadi konstruksi yang lebih kecil - frase. Ungkapan tersebut dapat dibedakan berdasarkan maknanya dan, terlebih lagi, diisolasi secara ritmis (ciri-ciri sebuah frasa adalah dua ketukan yang kuat). Sebuah frase dapat tidak dapat dibagi lagi atau dibagi menjadi konstruksi satu batang - motif.

Periode.

Periode yang dimulai dan diakhiri pada kunci yang sama disebut monofonik. (Misalnya, periode pertama “Adagio” oleh D. Steibelt, periode pertama “Mazurka” oleh A. Grechaninov).

Periode yang dimulai pada satu kunci dan berakhir pada kunci yang lain disebut modulasi. (Misalnya, periode pertama "Lark" karya M. Glinka - awal - e-moll, akhir - G-dur. periode pertama "Minuet" d-moll karya I. Bach - awal - d-moll, akhir F-dur ).

Ada periode persegi Dan tidak persegi bangunan. Opsi utama untuk kuadrat dinyatakan dalam bagian empat bar: kalimat pertama - 4 (atau 8 bar) dan kalimat kedua - 4 (atau 8 bar) (d-moll "Minuet" karya I. Bach pada periode pertama, kedua kalimat masing-masing 4 birama DAN .Bach "Minuet" G-dur pada periode pertama, setiap kalimat 8 birama)

Ada periode 4 birama (2+2), di mana setiap birama dapat diambil menjadi dua (periode pertama “Lullaby” karya Philip, periode pertama “Rain” karya S. May-kapar). Contoh periode struktur non-persegi adalah periode pertama drama “In the Land of Dwarfs” oleh Rowley (4+5) dan “A Chorus” oleh P. Tchaikovsky (5+7).

Ada periode ulang Dan unik bangunan. Menggunakan contoh drama Tchaikovsky “Polka”, “ Boneka baru“Yang jelas kalimat ke-2 itu berdasarkan pengulangan materi yang pertama. Kedua periode ini sedang dibangun kembali. Dan kalimat kedua “Minuet” dalam d-moll oleh J. Bach dan “December” oleh P. Tchaikovsky dibangun di atas materi baru. Ini adalah periode konstruksi yang tidak berulang.

Periode yang berakhir dengan irama stabil disebut tertutup(A. Maykapar “Di TK”, D. Kabalevsky “Badut”) . Jika pada akhir periode iramanya tidak stabil, maka disebut periode demikian membuka(B. Pechersky “Boneka mengantuk”).

Ada periode yang diperpanjang dan dipersingkat. kamu diperluas periode bertambah kalimat ke-2 periode pertama drama P. Tchaikovsky "Juni" dan "Januari"). Kontraksi kalimat kedua lebih jarang digunakan karena memiliki bobot logis yang lebih besar sebagai pelengkap formulir.

Periode dapat bertindak sebagai bentuk independen (F. Chopin “Prelude” A-dur”), dan juga menjadi bagian integral bentuk musik (lihat contoh di bawah).

Bentuk dua bagian sederhana

Suatu bentuk yang terdiri dari dua periode disebut dua bagian sederhana. Ini dibagi menjadi mengulangi Dan tidak dapat diulang. Dalam bentuk reprise dua bagian, bagian kedua tentu harus terdapat pengulangan salah satu kalimat bagian pertama. (D. Steibelt “Adagio” - di bagian kedua kalimat kedua dari bagian pertama diulang). Dalam bentuk dua bagian non-reprise tidak ada pengulangan pada bagian kedua. (I. Bach “Pendahuluan Kecil di g minor”).

Bentuk tiga bagian sederhana

Bentuk tripartit sederhana adalah bentuk yang terdiri dari tiga periode, dimana bagian pertama dan ketiga dibangun dari bahan yang sama. Bagian tengahnya mungkin kontras Dan kontras rendah. Dalam bentuk tiga bagian, bagian tengah dapat kontras dengan bagian ekstrem dalam berbagai hal - nada suara, mode, register, timbre, tekstur, dan tema. Ini - tidak kontras membentuk. (P. Tchaikovsky “Pawai Prajurit Kayu”, R. Schumann “Penunggang Pemberani”). DI DALAM kontras Dalam bentuk yang sama, bagian tengah didasarkan pada tema baru, yang kontras dengan bagian ekstrem (D. Shostakovich “March”.

Ada juga bentuk tiga bagian ganda di mana bagian kedua dan ketiga diulangi secara bersamaan. (E. Grieg “Tarian Para Peri”, “Melody a-moll”.

Bentuk tripartit yang kompleks

Dalam bentuk ini, setiap bagian merupakan bentuk sederhana (dua atau tiga bagian). Bagian kedua dalam formulir ini ada dua jenis:

A) tipe trio- dalam semua cara ekspresif (melodi, harmoni, modulasi, tekstur) bagian ini lebih sederhana daripada bagian ekstrim. (P. Tchaikovsky “Waltz” dari “Album Anak-Anak”, J. Haydn “Sonata G mayor” bagian 2).

B) jenis episode- tidak ada bentuk yang jelas di sini. Perkembangannya lebih bebas (banyak modulasi, urutan, harmoni yang tidak stabil) (P. Tchaikovsky “Mei”).

Rondo

Rondo Bentuk ini disebut di mana topik yang sama diajarkan setidaknya tiga kali, dan di antara penyajiannya ditempatkan bagian-bagian dari konten yang berbeda, paling sering yang baru. Tema yang berulang disebut menahan diri atau pesta utama. Bagian-bagian yang terletak di antara permainan utama disebut episode.

Anda dapat mempertimbangkan struktur formulir ini menggunakan contoh “Rondo” oleh R. Gliere. Diawali dengan refrain yang ditulis dalam bentuk titik, diakhiri dengan kunci dominan (8 birama). Kemudian tibalah episode pertama, yang dibangun berdasarkan materi dari bagian utama. Ditulis dalam register yang berbeda, karakternya lebih intens dan lebih tidak stabil (8 bar). Episode ini sekali lagi diikuti oleh refrain (8 bar), yang dengan mulus bertransisi ke episode kedua, yang didasarkan pada materi yang sama sekali berbeda dan lebih kontras dengan episode pertama dan refrainnya. Ini mengubah ritme, tekstur, nada suara. “Rondo” diakhiri dengan refrain pada kunci utama.

Bentuk rondo mengacu pada komposisi bentuk besar. Rondo dapat berupa karya mandiri atau bagian dari suatu siklus.

Variasi

Di antara karya-karya berukuran besar, siklus tradisional menempati tempat yang menonjol. Mereka menggabungkan unsur-unsur bentuk besar dan kecil. Integritas siklus variasi dicapai melalui kesatuan tematik. Yang sangat penting adalah caesura antara variasi individu, yang memisahkannya, sehingga memecah atau memperbesar bentuknya.

Ada variasi ketat Dan bebas. Variasi yang ketat dihubungkan satu sama lain melalui nada suara dan kesatuan tematik. Dalam kurikulum sekolah musik, kita terutama dihadapkan pada bentuk variasi yang ketat (D. Kabalevsky “Variasi mudah pada tema lagu rakyat Slovakia”).

BENTUK SONATA

Sonata adalah suatu bentuk yang didasarkan pada pertentangan dua tema, yang pada penyajian pertama kontras baik secara tematis maupun nada, dan setelah dikembangkan keduanya diulangi pada kunci utama.

Bentuk sonata (sonata allegro) terdiri dari tiga bagian: eksposisi, perkembangan Dan mengulangi.

DI DALAM eksposisi dua tema yang berlawanan disajikan - rumah Dan samping. Bagian utama ditulis dalam kunci utama. Di antara topik utama dan topik sekunder terdapat struktur yang disebut pihak yang mengikat. Batch ini didasarkan pada materi utama dan mengalami pengembangan dan transformasi. Ini memainkan peran penghubung, karena mengandung modulasi ke dalam nada suara bagian samping. Tema bagian sampingnya jelas menunjukkan kontras dengan musik sebelumnya. Dari segi harmoni, yang terpenting adalah bagian samping dalam eksposisi berlangsung: pada kunci mayor - pada kunci dominan (W. Mozart “Sonata C-dur” - C-dur, hal - G-dur ), dan dalam minor - dalam mayor paralel (J. Haydn " Sonata e-moll" g.p -, e-moll p.p - G-dur). Bagian terakhir dari pameran ini berdampingan dengan permainan sampingan - terakhir berpesta. Ini berfungsi sebagai pelengkap sekunder dan, sebagai suatu peraturan, mengalir dalam nada suaranya.

Bagian kedua dari sonata allegro - perkembangan. Hal ini ditandai dengan pergantian singkat tema eksposisi yang diperoleh sebagai hasil isolasi, urutan modulasi, dan elemen polifoni. Dari sisi harmonik, ketidakstabilan nada umum dan penghindaran nada suara utama adalah penting.

Gerakan terakhir dari sonata allegro adalah mengulangi. Ini mewakili hasil pembangunan. Ini mengulangi semua materi eksposisi dalam urutan yang sama, tetapi dengan perubahan nada. Bagian penghubung disusun ulang sedemikian rupa agar tetap berada pada kunci utama, dan bagian sekunder dan akhir dialihkan ke dalamnya.

Dengan menggunakan contoh “Sonata in D mayor” karya J. Haydn, mari kita lihat struktur sonata al legros. Eksposisi diawali dengan penyajian bagian utama pada kunci utama. Ditulis dalam bentuk titik (8 birama). Karakternya tegas dan gigih. Diikuti dengan bagian penghubung (8 birama), yang ditulis dengan kunci yang sama dan sifatnya mirip dengan kunci utama. Pada bar terakhirnya, muncul kunci dominan (A-dur). Dari bar ke-17, bagian samping dimulai, terasa lebih besar dari bagian utama (18 bar) dan terdiri dari dua tema berbeda. Tema pertamanya bersifat halus dan elegan dan dibawakan dalam R. Tema kedua pada bagian samping lebih menentukan dan lebih intens. Karakternya mengingatkan pada materi eksposisi sebelumnya dan diakhiri dengan sapuan akord arpeggio pada kunci dominan. Bagian terakhir (6 bar) menetapkan kunci dominan. Pengembangannya kecil cakupannya (20 siklus). Semua topik pameran diberikan di sini dalam bentuk singkat. Perkembangannya dikurangi dengan melapiskan beberapa tema pada tema lainnya (dalam kombinasi polifonik). Pengulangan dimulai dengan bagian utama, tetapi kalimat kedua ditingkatkan dengan memasukkan elemen kedua dari bagian samping ke dalamnya. Sebaliknya, bagian penghubungnya diperpendek dibandingkan dengan eksposisi (6 bar). Itu berakhir dengan kunci dominan. Bagian samping dari reprise dimulai dengan sangat menarik: di suara atas, kunci dominan berlanjut, dan di suara bawah, kunci utama berlanjut. Panjang lot samping sama dengan ukuran yang dipajang. Sonata allegro diakhiri dengan bagian terakhir pada kunci utama.

Tahap persiapan sonata J. Haydn, W. Mozart, L. Beethoven adalah sonata kecil, di mana segala sesuatu yang menjadi ciri bentuk sonata muncul dalam bentuk mini.

MODIFIKASI BENTUK SONATA

Salah satu modifikasi bentuk sonata yang paling khas adalah kurangnya pengembangan (dengan struktur eksposisi dan reprise yang normal). Dengan demikian, bentuknya berubah dari tiga bagian menjadi dua bagian. Namun kehadiran dua tema berbeda dalam pameran, pada bagian pertama muncul dengan kunci yang berbeda, dan pada bagian kedua - dalam satu, memungkinkan kita untuk membedakannya dari bentuk lain (N. Nekrasov “Sonatina e-moll” bagian ke-2) .

POLIFONI

Pada intinya subvokal Tipenya terletak pada perkembangan suara utama. Suara-suara lainnya muncul sebagai sebuah cabang dan kurang lebih mempunyai independensi. Polifoni subvokal merupakan ciri khas lagu rakyat, khususnya lagu Rusia.

Kontras polifoni didasarkan pada pengembangan suara independen. Hal ini ditandai dengan konsentrasi variabel dari prinsip melodi dalam suara yang berbeda, sebagai akibatnya, satu atau lain suara sekarang muncul ke permukaan (I. Bach. “Minuet in g minor”).

Imitasi Polifoni didasarkan pada penampilan berurutan dalam suara yang berbeda baik dari melodi yang sama (kanon) atau bagian melodi (tema).

kanon disebut imitasi terus menerus. Ini tidak hanya mereproduksi temanya, tetapi juga tandingannya, lalu tandingan dari tandingan ini, dan seterusnya. Kanon yang, setelah beberapa kali ditiru, berhenti dan berpindah ke gerakan lain disebut terakhir. Mereka memiliki penerapan praktis terbesar ("Invention in F mayor" karya I. Bach, dua suara). Kanon tak berujung kurang umum.

Bentuk tulisan polifonik tertinggi adalah fuga.

Fugue adalah karya polifonik yang diawali dengan pengenalan suara secara bertahap dengan penyajian tema yang meniru, yang kemudian diulangi pada pengembangan karya selanjutnya. Fitur wajib dari fugue adalah penyajian tema secara sistematis dalam suara yang berbeda. Fugue terdiri dari tiga bagian - eksposisi, pengembangan, dan reprise. Batas-batas bagiannya cukup bersyarat dan mulus.

DI DALAM eksposisi temanya mengalir melalui semua suara. Ini adalah satu-satunya bagian yang memiliki struktur permanen. Nada temanya bersifat tonik dan dominan (bergantian). Dalam fugue tiga suara - TDT, dalam fugue empat suara - TDTD. Jawabannya (mengusung tema di D) bisa nyata (tepatnya diterjemahkan seperlima ke atas) atau tonal (dengan sedikit perubahan). (Dalam fugue karya J. Bach dari volume 1 C-moll C-moll jawabannya nyata, dan di fugue gis-moll jawabannya bernada). Setelah eksposisi ada selingan menuju ke bagian tengah. Selingan didasarkan pada isolasi materi dari eksposisi.

Bagian tengahnya dibangun berdasarkan serangkaian presentasi topik secara tunggal dan kelompok. Bagian tengah ditandai dengan ketidakstabilan nada. Yang paling khas adalah permulaan bagian tengah pada kunci yang sejajar dengan utama, atau dominan.

Bagian terakhir dari fugue didasarkan pada prinsip umum pembalasan. Diawali dengan mengusung tema pada kunci utama. Terkadang ada hadiah ulang yang mirip dengan eksposisi dalam bidang nada dominan tonik. Namun paling sering ini adalah presentasi tema tunggal atau kelompok di kunci utama.

Mari kita lihat bentuk fugue dengan menggunakan contoh fugue tiga suara J. Bach dalam C mayor dari Koleksi “Little Preludes and Fugues”. Terdiri dari eksposisi, pengembangan dan rekapitulasi. Eksposisi diawali dengan tema pada suara tengah pada kunci utama. Hal ini kemudian diikuti dengan tanggapan nyata pada suara kelima teratas. Eksposisi diakhiri dengan pemaparan tema pada bass pada kunci utama. Selingan setelah eksposisi terdiri dari urutan menurun, yang tautannya diambil dari bunyi pertama tema. Ini membawa kita pada kunci G-dur, di mana pengembangan dimulai. Dalam pengembangannya, tema melewati 4 kali: pertama di kunci G-dur dan C-dur, dan kemudian, setelah tautan kecil, di kunci a-moll dan e-moll. Perkembangan tersebut diikuti dengan selingan kedua, dibangun di atas material baru. Pada bagian akhir, tema fugue dibunyikan dengan kunci subdominan (F-dur) pada suara atas.

Pengulangan diawali dengan mengusung tema pada kunci utama dengan suara tengah. Kemudian dilanjutkan lagi pada bass, juga pada kunci C mayor. Fugue diakhiri dengan urutan menurun yang dibangun berdasarkan materi selingan pertama, yang membentuk nada suara utama.

Pengerjaan suatu bentuk karya musik hendaknya dilakukan sepanjang masa studi. Jika di kelas bawah seorang siswa mempelajari pentingnya makna bentuk musik, maka di kelas atas ia akan menampilkan karya secara kompeten dan ekspresif, sekaligus mengungkapkan citra artistiknya secara lebih utuh.

Bekerja dengan anak kecil adalah hal yang paling bertanggung jawab dan sulit, karena guru pertama meletakkan dasar bagi sikap masa depan terhadap musik. Pianis dan guru terkenal I. Hoffman berkata: “Permulaan adalah suatu hal yang sangat penting sehingga hanya yang terbaik yang baik di sini.”

Guru memperkenalkan siswa pada struktur sebuah karya musik sejak kelas satu. Proses kerjanya harus bertahap dan memperhatikan karakteristik masa kanak-kanak. Anda perlu berusaha untuk tidak menakut-nakuti anak dengan istilah-istilah yang membosankan dan tidak dapat dipahami, tidak memaksanya untuk menghafal materi teoretis, dan juga tidak membebani pemikirannya dengan tugas-tugas yang membebani.

Diketahui secara luas bahwa proses belajar anak didasarkan pada penggunaan ciri-ciri psikofisik yang melekat pada setiap kategori umur.

Di miliknya aktivitas pedagogis Saya menggunakan materi visual yang berwarna-warni (dalam bentuk multi-warna bentuk geometris: segitiga, kotak, dan lingkaran), yang membantu menyajikan secara kiasan dan menarik kepada anak-anak kecil karya yang ditampilkan dalam diagram. Dengan demikian, materi lebih mudah dipahami, cepat diserap dan mengaktifkan kemampuan kreatifnya.

Jika karya yang dibawakan atau sebagiannya ditulis dengan kunci mayor, maka digunakan warna gambar yang lebih cerah, pada kunci minor skema warnanya lebih gelap.

Pada awalnya, angka-angka ini berperan sebagai kalimat dalam suatu titik, dan selembar kertas yang ditumpangkannya berperan sebagai suatu titik. Jadi jika

a) kalimatnya sama, maka diambil gambar yang bentuk dan warnanya sama

b) salah satu kalimat dalam periode diberikan dengan sedikit perubahan (variasi, perubahan ritme, dengan tambahan kecil), kemudian diambil angka yang sama, tetapi salah satunya diberi titik

c) pada salah satu kalimat register atau kuncinya berubah, tetapi bahan musiknya sama, maka diambil gambar yang sama warnanya berbeda

d) kalimat didasarkan pada bahan yang berbeda, tetapi tidak kontras satu sama lain dan ditulis dengan kunci yang sama, kemudian diambil gambar berbeda dengan warna yang sama

e) kalimat-kalimat dalam periode tersebut dibangun dari bahan-bahan yang berbeda dan kontras satu sama lain, kemudian diambil gambar-gambar yang berbeda dengan warna yang berbeda-beda

Ada banyak pilihan. Anak-anak memilih sendiri warna, bentuk geometris, dan hubungannya, menjelaskan mengapa mereka memilih kombinasi ini atau itu. (Lihat Lampiran). Ini memicu imajinasi mereka, meningkatkan minat mereka pada pekerjaan, dan membuat mereka berpikir.

Di bawah ini adalah beberapa diagram lakon dari khasanah sekolah yang digambarkan oleh anak-anak dalam diagram.

S. Maykapar “Di TK”

D. Steibelt “Adagio”

R. Schumann “Penunggang Pemberani”

D. Shostakovich “Maret”

Dengan bentuk yang semakin rumit, figur beraneka warna kini berfungsi sebagai kalimat, dan kemudian sebagai bagian karya yang lebih besar. Seperti inilah, misalnya, “Rondo” karya R. Gliere

Dan beginilah cara anak-anak merepresentasikan bentuk “Sonatina in C mayor” karya M. Clementi

Di sini warna nada suara dalam eksposisi dan reprise sangat penting: dalam eksposisi, tema-tema berada dalam kunci yang berbeda, dan dalam reprise - dalam satu kunci. Kami menggunakan kombinasi warna cerah untuk menggambarkan ketidakstabilan dan ketegangan dalam pembangunan.

Siswa sekolah dasar, selain membagi lakonnya menjadi kalimat dan titik, juga menggambar frase, di mana mereka menggunakan warna yang lebih jenuh untuk menunjukkan titik-titik simpul, dan dengan warna paling terang (biasanya merah) merupakan puncak dari keseluruhan karya.

Visibilitas tersebut memungkinkan siswa untuk melakukan pekerjaannya dengan lebih bermakna dan ekspresif, serta menghitung pola bunyi dengan benar.

Untuk mempelajari lebih dalam jenis bentuk musik tertentu, saya mengadakan pelajaran kelompok dengan siswa di kelas saya, menyatukan mereka berdasarkan kelas. Mereka pergi sebagai berikut. Setelah sebelumnya menggambar diagram bentuk karya tersebut, setiap siswa di kelas menceritakan secara rinci strukturnya, menjelaskan mengapa dia memilih kombinasi bentuk dan warna tertentu, dan kemudian menampilkan karya tersebut pada instrumen. Sisanya mendengarkan dengan penuh perhatian dan setelah pertunjukan mendiskusikan penampilannya. Dengan cara ini, anak menjadi akrab dengan ragam bentuk yang dipelajarinya, dan bukan hanya bentuk pekerjaan yang dipelajarinya.

Kadang-kadang saya menggabungkan kelompok umur sehingga siswa yang lebih muda dapat mendengar, ketika dilakukan oleh siswa yang lebih tua, bagaimana bagian-bagian formulir diperluas dan diperbesar dengan skema yang sama. Oleh karena itu, siswa sejak dini memperoleh keterampilan menganalisis suatu bentuk suatu karya musik.

Daftar literatur yang digunakan dalam persiapan

1. Alekseev N. Metode pengajaran piano, M., 1982

2. Artobolevskaya A. Pertemuan pertama dengan musik, M., Penerbitan musik Rusia, 1996

3. Musik keyboard Kalinina N. Bach di kelas piano, L., Muzyka, 1988

4. Kogan G. Karya seorang pianis, M., Musik 1979

5. Neuhaus G. Tentang seni bermain piano, M., 1982

6. Spogin I. Bentuk musik, M. Muzyka 1984

7. Timakin E. Pendidikan seorang pianis, M., 1989

8. Filatova L. Manual teori musik, Presto, M., 1999

9. Shatkovsky G. Perkembangan pendengaran musik, M., Musik, 1996

10. Yudovina-Galperina T. Di piano tanpa air mata, atau saya seorang guru anak-anak, St.

Perusahaan St Persatuan Seniman 1996

11. Masaru Ibuka Setelah jam tiga sudah terlambat, (Tentang membesarkan anak: Terjemahan dari bahasa Inggris) M. Knowledge 1992

LAMPIRAN 1

Skema untuk menganalisis beberapa bentuk musik,

dilakukan oleh siswa Sekolah Anak Yegoryevsk

KELAS PIANO, GURU ENGALYCHEVA I.A.

Isi artikel

BENTUK MUSIK.“Bentuk” dalam musik mengacu pada organisasi keseluruhan musik, cara mengembangkan materi musik, serta sebutan genre yang diberikan pengarang pada karyanya. Dalam proses kreativitasnya, komposer mau tidak mau sampai pada suatu struktur formal tertentu, semacam rencana, skema, yang menjadi dasar perwujudan imajinasi dan keterampilan kreatifnya.

Konsep bentuk dalam musik mempunyai banyak arti. Beberapa orang lebih suka menggunakan istilah ini hanya dalam kaitannya dengan struktur karya. Yang lain mengklasifikasikannya ke dalam sebutan genre berbeda, yang mungkin a) menunjukkan sifat umum musik (misalnya, nocturne); b) melibatkan teknik komposisi khusus (misalnya motet atau fugue); c) didasarkan pada model ritme atau tempo (minuet); d) menyertakan makna atau istilah ekstramusikal (misalnya puisi simfoni); e) menunjukkan cara pertunjukan (konser) atau jumlah pemain (kuartet); f) dikaitkan dengan zaman sejarah tertentu dan seleranya (waltz), serta dengan cita rasa nasional (polonaise). Pada kenyataannya, meskipun banyak definisi seperti itu, hanya ada sedikit struktur formal yang mendasar, dan jika seorang komposer memilih satu atau beberapa sebutan genre, ini tidak berarti bahwa ia terikat pada tipe struktural tertentu.

Skema atau rencana komposisi utama dalam musik didasarkan pada tiga prinsip: pengulangan, variasi dan kontras, dan diwujudkan di dalamnya melalui interaksi ritme, melodi, harmoni, timbre dan tekstur.

Bentuk-bentuk yang didasarkan pada pengulangan, variasi dan kontras merupakan ciri khas genre vokal dan instrumental. Karya vokal sering kali dicirikan oleh bentuk strofis, di mana bait puisi yang berbeda bersesuaian dengan melodi yang sama dan unsur kontras hanya diperkenalkan oleh teks puisi: itulah sebabnya bentuk strofis dalam bentuk murni tidak ditemukan dalam genre instrumental. Komposisi vokal dan instrumental dicirikan oleh bentuk dengan bagian yang berulang - refrain. Kadang-kadang bentuk strofis dimodifikasi dengan diperkenalkannya satu atau lebih bait yang kontras, dalam hal ini mendekati apa yang disebut. komposisi komposit.

Struktur strofik utama adalah sebagai berikut:

Bentuk ayatA–A–A–A–A, dst.
Bentuk dua bagianA–B
Bentuk tiga bagianA–B–A
Bentuk dengan refrain (rondo) A–B–A–C–A
Bentuk variasi A–A 1 –A 2 –A 3 –A 4 –A 5, dst.

Bentuk yang lebih kompleks muncul dari perubahan atau perluasan struktur dasar (misalnya, rondo sering ditulis menurut pola: A-B-A-C-A-B-A). Ada karya yang didasarkan pada prinsip kelanjutan berkelanjutan: inilah "melodi tanpa akhir" dalam drama musikal Wagner - di sini tidak mungkin untuk menarik batas yang jelas antar bagian. Istilah Jerman durchkomponiert (“berdasarkan pembangunan end-to-end”) melekat pada formulir tersebut. Jenis organisasi ini khas untuk karya-karya yang berkaitan dengan kata-kata atau berorientasi pada program sastra, sering kali pada karya sastra tertentu.

Prinsip perkembangan, yang berasal dari musik jauh lebih lambat daripada prinsip pengulangan, khususnya khas untuk komposisi instrumental murni. Ini berbeda dari struktur strofik yang dijelaskan di atas karena materi tematik diperlakukan tidak hanya sebagai unit struktural yang cocok untuk pengulangan dan variasi: materi tematik mengidentifikasi elemen yang berubah dan berinteraksi satu sama lain dan dengan tema lain (bentuk sonata menunjukkan prinsip ini dengan sangat jelas) .

Ketika menggabungkan fragmen musik, yang masing-masing ditulis menurut model strukturalnya sendiri, menjadi satu kesatuan yang lebih besar, yang disebut. bentuk siklik (opera, oratorio, sonata, kuartet, simfoni, suite, konser, dll). Dalam hal ini, setiap fragmen disebut “bagian” dan memiliki sebutan tempo dan sifat pertunjukannya sendiri-sendiri.

Bentuk dalam musik adalah fenomena yang terus berkembang dan dinamis. Di masa lalu, bentuk-bentuk baru muncul sebagai respons terhadap kebutuhan liturgi, atau terhadap perubahan dalam kehidupan sosial, atau terhadap penemuan alat musik baru dan cara memainkannya yang baru, dan sebagainya. Kita dapat dengan aman mengatakan bahwa fungsi musik baru, kondisi kehidupan sosial baru, teknik komposisi dan pertunjukan baru, penemuan baru (misalnya, instrumen elektronik) akan mengarah pada munculnya bentuk-bentuk baru (dalam arti sebutan genre) dan metode komposisi baru. Lihat juga OPERA; OPERA BALAD;

OPERET; PENEMUAN; FUGA;

ORATORIO; KONSER; BERBARIS.

KAMUS BENTUK MUSIK

Bentuk utama musik Eropa Barat disebutkan; bentuk-bentuk asal usul tari dibahas lebih detail pada artikel tari. Istirahat(Perancis entracte, dari entre, “antara” dan acte, “aksi”), musik instrumental yang didengar di antara babak

permainan dramatis

, opera, balet, dll.

Aria

(Udara Inggris dan Prancis, aria Italia). Dalam pengertian paling umum - melodi, serta: 1) lagu untuk suara dengan iringan (misalnya, dalam musik Inggris era Elizabeth - lagu dengan iringan kecapi); 2) sebuah aria dalam opera Prancis atau Inggris abad ke-17-18. Istilah ini juga diterapkan pada karya instrumental yang bersifat liris, ditulis dengan cara aria (misalnya, dalam Third Orchestral Suite karya J. S. Bach). 3) Dalam opera awal (abad ke-17) - lagu stropik pendek dengan iringan. Dalam opera dan oratorio abad-abad berikutnya (sampai Wagner) terdapat fragmen vokal solo. Bentuk dasar aria opera awal adalah da capo aria yang menggunakan pola struktur A-B-A yang simetris. Lihat juga OPERA.

Barang sepele

("pernak-pernik" bagatelle Prancis). Kecil bagian instrumental(biasanya untuk instrumen keyboard). Orang pertama yang menggunakan nama ini adalah F. Couperin, seorang komposer mendiang Barok; Namun, genre ini menjadi tersebar luas dalam musik abad ke-19. hanya setelah Beethoven menciptakan op bagatellesnya. 33, 119, 126.

Kidung

(Balada Inggris, Balada Jerman, balada Prancis). Asal usulnya adalah lagu dansa. Sudah di abad ke-13. balada bahasa Inggris menjadi bentuk lagu solo yang istimewa, dan pada periode-periode berikutnya genre ini tidak berkembang perubahan signifikan. Saat ini balada adalah lagu populer yang bersifat naratif-romantis, seringkali sentimental.

Di dalam tradisi Perancis Istilah ini menunjukkan bentuk abad pertengahan yang dikembangkan oleh trouvères - musisi era kesatria di Prancis utara. Balada Prancis mirip dengan genre canzone dalam seni penyanyi Provence dan apa yang disebut bentuknya. bar di Minnesingers Jerman. Hal ini didasarkan pada lagu solo strophic tanpa iringan, biasanya terdiri dari tiga bait, dengan setiap bait sesuai dengan struktur musik A-A-B dan di setiap bait, dua baris terakhir membentuk refrain - tidak berubah untuk semua bait. Menguasai sekolah Perancis abad ke-14 Guillaume de Machaut adalah salah satu orang pertama yang memperkenalkan struktur ini ke dalam karya polifonik. Pada abad ke-15 lainnya master terkenal- misalnya, Guillaume Dufay dan Josquin des Pres menggubah balada polifonik, dan bentuk ini tetap penting sepanjang abad ke-16.

Dalam tradisi Jerman, istilah "balada" mengacu pada karya vokal dan instrumental abad ke-19 berdasarkan plot romantis, seringkali dengan campur tangan kekuatan dunia lain: misalnya, balada Schubert yang terkenal Raja hutan menurut Goethe. Balada piano dengan konten liris-dramatis - tidak harus memiliki program sastra, tetapi menyiratkan semacam konflik romantis - disusun oleh Chopin, Brahms, dan Fauré.

balet

(Baletto Italia). Suatu jenis madrigal, komposisi vokal yang bersifat tari, lebih bersifat chordal daripada polifonik; ciri genre ini adalah pengenalan suku kata tambahan yang “tidak berarti” ke dalam teks, seperti “fa-la-la”: maka nama lain untuk genre ini – “fa-la”, pertama kali dicatat oleh komposer dan ahli teori Inggris Thomas Morley (1597). Penggunaan suku kata ini, yang tersebar luas di Inggris, mengubah beberapa bagian balet menjadi bagian yang berirama murni yang mengingatkan pada tarian instrumental. Istilah yang sama diterapkan pada bagian instrumental murni dalam rangkaian orkestra dan siklus keyboard oleh penulis abad ke-17 dan ke-18. (Misalnya, balet Girolamo Frescobaldi) - seolah mengingatkan asal usul vokal genre tersebut.

Ballata

(Italia: ballata). Ballata Italia bukan berasal dari balada Prancis, tetapi dari virele Prancis (virelai, chanson balladée) - lagu dansa yang dibawakan oleh seorang solois atau beberapa penyanyi. Pada abad ke-13 ballata bersifat monofonik, tetapi pada abad ke-14, pada era ars nova Italia, ballata menjadi polifonik. Biasanya balata terdiri dari tiga bait, masing-masing berisi enam baris, dengan satu suara pengulangan yang diulang di awal dan akhir bait. Ballata terkenal milik komposer Italia Francesco Landino.

Barcarolle

(Barcarola Italia). Karya instrumental atau vokal berdasarkan lagu-lagu pendayung gondola Venesia (dari bahasa Italia barca “perahu”). Barcarolle biasanya memiliki tempo yang tenang dan digubah dalam tempo 6/8 atau 12/8, dengan iringan yang menggambarkan deburan ombak di luar gondola. Barcarolles Chopin, Mendelssohn, Fauré (piano), Schubert (untuk suara dan piano) dan Offenbach (untuk solois, paduan suara dan orkestra dalam opera) terkenal Kisah Hoffmann).

Variasi

(Latin variatio, “perubahan”). Variasi adalah salah satu prinsip dasar komposisi musik ( cm. bagian pengantar artikel ini); variasi juga dapat merupakan bentuk instrumental yang berdiri sendiri, yang dapat dengan mudah direpresentasikan dalam diagram berikut: A (tema) – A 1 – A 2 – A 3 – A 4 – A 5, dst.

Hiburan

(Divertimento Italia, pengalihan Perancis, “hiburan”). Suatu bentuk musik instrumental yang ringan dan menghibur, terutama populer di Wina pada akhir abad ke-18. Divertimento disusun untuk ansambel kecil alat musik tiup atau dawai dan bentuknya serupa suite kuno, terdiri dari tarian yang berbeda. Di sisi lain, pengalihan tersebut memuat beberapa ciri simfoni masa depan. Banyak pengalihan dapat ditemukan dalam warisan Haydn dan Mozart.

Duet

(Italia. duet dari lat. duo, "dua"). Karya vokal atau instrumental untuk dua pemain dengan atau tanpa iringan; para pihak mempunyai hak yang sama.

Penemuan

(Latin inventio, “penemuan”). Istilah ini pertama kali digunakan oleh seorang komposer abad ke-16. Clément Janequin untuk menunjuk chanson dengan bentuk yang kompleks. Belakangan, istilah tersebut diterapkan (seperti istilah "fantasi") pada drama berjenis polifonik. Dalam karya Francesco Bonporti mengacu pada karya biola dan basso continuo (1712); dalam karya J.S. Bach namanya Penemuan membawa siklus clavier terkenal yang terdiri dari 15 buah polifonik dua suara. Bagian kedua dari siklus ini, termasuk 15 bagian tiga suara, menyandang judul penulis Sinfoni, namun saat ini lebih sering disebut “penemuan”.

Selingan

(Intermezzo Italia, “antara”). Dilakukan di antara bagian-bagian suatu karya (misalnya, antar adegan dalam sebuah opera), biasanya untuk menunjukkan jeda waktu antara adegan sebelumnya dan berikutnya atau untuk mengisi jeda yang diperlukan untuk perubahan pemandangan (misalnya, dalam Kehormatan negara Mascagni). Dalam pengertian lain, istilah "intermezzo" muncul dalam opera Italia pada akhir abad ke-17 dan awal abad ke-18: itu adalah nama yang diberikan untuk pertunjukan hiburan kecil dengan karakter-karakter bertipe folk, yang petualangannya sangat berbeda dari perasaan "tinggi". dari para pahlawan opera "serius". Intermezzo ini, yang dilakukan di sela-sela aksi opera, menikmati kesuksesan besar; contoh yang mencolok - Pembantu-nyonya G. Pergolesi. Mereka juga dipentaskan secara terpisah, sehingga menjadi dasar genre opera komik. Dalam musik era romantis istilah “intermezzo” mengacu pada karya pendek yang bersifat meditatif, misalnya intermezzo piano Schumann (op. 4) dan Brahms (op. 76, 117).

kanon

(Yunani kanon, “aturan”, “model”, “pengukuran”). Karya polifonik berdasarkan tiruan yang tepat: suara masuk secara bergantian dengan tema yang sama. Dalam contoh-contoh awal genre ini, kata kanon berarti sebuah pernyataan dalam catatan, yang menunjukkan metode pelaksanaan kanon. Teknik kanonik pertama kali dikembangkan pada abad ke-14. – perusahaan (rota Italia, “roda”) dan caccia (caccia Italia, “berburu”). Jika baris melodi dapat kembali ke awal dan terulang kembali, disebut kanon melingkar tak berujung (rota, rondola, bulat). Kanon-kanon tersebut merupakan ciri khas musik ars nova pada abad ke-14. dan untuk seni Renaisans: misalnya, yang disebut. rakohod adalah kanon gerakan tandingan, di mana melodi dipadukan dengan tiruannya, dibawakan dari akhir ke awal. Contoh terkenal dari kanon semacam itu adalah chanson Guillaume de Machaut. Akhirku adalah permulaanku dan permulaanku adalah akhirku. Ada kanon instrumental yang luar biasa dalam siklus J. S. Bach Variasi Goldberg Dan Persembahan Musik, dalam kuartet op.76 (No. 2) oleh Haydn, dalam sonata biola dalam A mayor oleh S. Frank. Lihat juga FUGA.

Kantata

(Italia . kantata). Nama ini pertama kali muncul pada abad ke-17, ketika pesatnya perkembangan instrumentalisme memunculkan kebutuhan akan perbedaan yang jelas antara genre, di satu sisi, termasuk suara (dari bahasa Italia cantare, “menyanyi”), dan di sisi lain, genre-genre tersebut. ditulis hanya untuk instrumen (misalnya, sonata, dari bahasa Italia sonare, “berbunyi”). Nama "kantata" bisa merujuk pada karya suci atau sekuler; dalam kasus terakhir, yang dimaksud adalah suatu bentuk yang mengingatkan pada opera awal, hanya dalam skala yang lebih kecil: terdiri dari serangkaian aria dan resitatif untuk satu atau lebih penyanyi dengan iringan. Genre kantata telah mencapai titik tertinggi perkembangannya dalam karya Bach, yang biasanya menulis kantata berdasarkan himne Lutheran (chorales) untuk solois, paduan suara, dan orkestra. Lihat juga ORATORIO.

zona

(Canzone Italia, “lagu”). Pada abad ke-16 Ini adalah nama yang diberikan untuk lagu polifonik sekuler dengan struktur yang lebih sederhana daripada madrigal. “Canzone” juga bisa berarti karya instrumental (canzone de sonar, “lagu untuk dimainkan”). Canzone instrumental bentuknya mirip dengan ricercar atau fantasia, hanya berbeda pada tempo yang lebih lincah. Dalam opera abad 18-19. canzone adalah aria yang kecil dan sederhana - berbeda dengan aria biasa yang lebih berkembang: seperti, misalnya, canzone “Voi che sapete” dalam karya Mozart Pernikahan Figaro. Di era romantisme, canzona bisa disebut sebagai bentuk instrumental yang didasarkan pada tema-tema yang bersifat lagu: misalnya gerakan kedua Simfoni Keempat Tchaikovsky.

Canzonetta

(Canzonetta Italia). zona canzone kecil.

Capriccio, capriccio, tingkah

(Capriccio Italia, caprice Prancis). Sebuah karya instrumental dalam bentuk yang sepenuhnya bebas. Pada abad 16-18. a capriccio adalah karya fugue polifonik, mirip dengan fantasia, ricercar atau canzone (“Capriccio sopra il cucu” oleh G. Frescobaldi atau capriccio dari Second Clavier Partita karya Bach). Pada abad ke-19 istilah ini mulai merujuk pada karya virtuoso yang cemerlang (24 caprices untuk biola solo oleh Paganini), atau karya pendek yang bersifat improvisasi (piano caprices op. 116 oleh Brahms), atau pada komposisi orkestra seperti medley pada folk atau tema terkenal ( capriccio Italia Tchaikovsky).

Kuartet

(Kuartetto Italia; dari bahasa Latin quartus, “keempat”). Sebuah karya untuk empat instrumentalis, biasanya dalam bentuk siklus sonata. Paling umum kuartet gesek: dua biola, viola, cello. Literatur untuk ansambel ini sangat kaya (Haydn, Mozart, Beethoven, Schubert, Brahms, sejumlah penulis abad ke-20 - misalnya, M. Ravel, B. Bartok, P. Hindemith, D. D. Shostakovich). Kuartet gesek menjadi sangat penting pada pertengahan abad ke-18. Nama "kuartet" juga bisa merujuk pada ansambel yang terdiri dari empat penyanyi dengan atau tanpa iringan (misalnya, kuartet dari opera Verdi Rigoletto). Ada juga komposisi kuartet instrumental lainnya.

Kwintet

(Quintetto Italia; dari bahasa Latin quintus, “kelima”). Sebuah karya untuk lima instrumentalis, biasanya dalam bentuk siklus sonata. Biasanya instrumen lain ditambahkan ke kuartet gesek - misalnya, klarinet (Mozart's Quintet in A mayor, K. 581) atau piano (Brahms' Quintet in F minor, op. 88). Seperti istilah "kuartet", "kuintet" dapat merujuk pada ansambel penyanyi (Wagner, Penyanyi master di Nuremberg). Kwintet alat musik tiup cukup umum.

Mengadakan

(Latin konduktus, dari conduco, “Saya memimpin”, “Saya menemani”). Pada abad 12-13. sebuah karya paduan suara pada teks Latin, sekuler atau sakral. Konduktornya pertama-tama bersuara tunggal, dan kemudian polifonik - menjadi dua, tiga, atau bahkan empat suara. Tidak seperti bentuk polifoni awal lainnya, konduksi adalah komposisi bebas; tidak menggunakan satu atau beberapa melodi yang sudah ada sebelumnya (yang disebut cantus firmus). Ciri khas lain dari konduksi adalah penggunaan satu teks dan satu pola ritme di semua suara.

Konser

(Konserto Italia, dari bahasa Latin konser, “bersaing”). Biasanya - komposisi dalam bentuk siklik untuk satu atau lebih solois dan orkestra. Setelah tahun 1750, konser dan simfoni dibuat dengan pola yang kurang lebih sama, tetapi, berbeda dengan simfoni, konser biasanya terdiri dari tiga bagian.

Konser besar

(Konserto grosso Italia, “konser besar”). Genrenya, khas era High Baroque (awal abad ke-18), biasanya berupa siklus tiga bagian (cepat-lambat-cepat) atau empat bagian (lambat-cepat-lambat-cepat) di mana dua atau lebih solois konser " bersaing" dengan anggota orkestra atau ansambel lainnya (tutti atau ripieno).

Menangkap

(Tangkapan bahasa Inggris, dari bahasa Italia caccia, “berburu”). Kanon melingkar dan tak berujung (sinonim bahasa Inggris “bulat”) untuk tiga suara atau lebih, umum dalam musik Inggris abad ke-17 dan ke-18. Ada sekitar lima puluh ket yang diketahui disusun oleh Henry Purcell.

Sajak pendek tentang cinta

(Madrigale Italia). Salah satu genre utama musik paduan suara polifonik. Madrigal awal abad pertengahan (Jacopo da Bologna, Francesco Landino) adalah karya dua atau tiga suara yang menggunakan teknik polifoni tiruan. Iringan instrumental berfungsi untuk mendukung suara atau mewakili selingan - “bertindak”. Biasanya, madrigal disusun dalam bentuk strofik, tetapi harus berisi "ritornello" terakhir, di mana materi musik baru muncul.

Bentuk madrigal Renaisans yang dikembangkan pertama kali dipengaruhi oleh frottola. Salah satu pencapaian musik tertinggi pada masanya, madrigal Renaisans tetap berbentuk polifonik (empat, lima, atau enam suara), tetapi prinsip homofonik (vertikal, akord) juga termanifestasi dengan cukup kuat di dalamnya. Evolusi genre di tanah Italia beralih dari paduan suara Jacob Arcadelt atau Orazio Vecchi yang sederhana dan keras ke karya-karya yang kompleks dalam tekstur dan kaya emosi dari penulis seperti Luca Marenzio, Carlo Gesualdo, dan Claudio Monteverdi. Masa kejayaan madrigal Inggris (William Bird, Thomas Morley, Orlando Gibbons) dimulai pada periode selanjutnya. Analog Perancis dari madrigal, chanson (Clément Janequin), dibedakan oleh meluasnya penggunaan teknik figuratif dan onomatopoeik. Dalam seni Jerman, lagu polifonik (Lied) sebagai madrigal versi nasional tidak tersebar luas seperti di negara lain, dan master paling cemerlang dari genre ini bukanlah orang Jerman (Orlando Lasso dari Belanda, Flemish Jacob Regnard).

Berbaris

(Pawai Perancis). Musik instrumental, biasanya dalam dua ketukan, awalnya dimaksudkan untuk mengiringi berbagai macam prosesi, militer atau sipil. Pawai ada dalam dua bentuk - terapan dan bergaya; bentuk kedua dapat direpresentasikan sebagai karya mandiri atau sebagai bagian dari siklus. Struktur pawai pada prinsipnya bersifat tripartit; bagian pertama - tema utama diganti dengan trio (mungkin ada satu atau lebih), diikuti dengan pengulangan bagian pertama. Pawai disusun untuk band kuningan militer (misalnya, drama J.F. Sousa, yang populer di Amerika), serta untuk orkestra simfoni (Beethoven, Wagner, Verdi, Prokofiev), untuk piano (misalnya, Beethoven, op. 26 dan 35) dan untuk komposisi lainnya. Lihat juga BERBARIS.

menit.

Massa

(Latin missa, Messe Jerman, misa Inggris). Misa, perayaan Ekaristi, adalah layanan utama di Gereja Katolik (mirip dengan liturgi Ortodoks). Misa berisi bagian-bagian yang tidak dapat diubah, digunakan dalam kebaktian apa pun (biasa), dan bagian-bagian yang didedikasikan untuk hari-hari tertentu dalam tahun gereja (propria). Struktur dan teks massa akhirnya terbentuk pada abad ke-11. Layanan ini terdiri dari lima bagian utama, dinamai berdasarkan kata pertama nyanyian yang membuka bagian ini: Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, Agnus Dei. Mereka diikuti dengan akhir misa (Ite, Missa est ecclesia, “Pergilah, majelis dibubarkan”; dalam liturgi Ortodoks - pemecatan). DI DALAM inkarnasi musik massa mencerminkan gaya dari era yang berbeda, sementara sebagian besar karya seni seringkali tidak berguna untuk digunakan dalam ibadah; Kebetulan misa juga digubah oleh komposer yang tidak beragama Katolik. Di antara contoh genre yang paling terkenal adalah Guillaume de Machaut, Guillaume Dufay, Jean Ockeghem, Josquin des Pres, Giovanni Palestrina, serta Bach, Haydn, Mozart, Beethoven, Berlioz, Verdi, Fauré, Stravinsky, dan lainnya. Lihat juga MASSA.

Motet

(Inggris, motet Prancis). Nama tersebut muncul pada abad ke-13. dan mengacu pada karya vokal yang melodi nyanyian Gregorian (tenor) dipadukan secara polifonik dengan dua baris melodi lainnya (duplum dan triplum). Karya semacam ini mulai disebut motet ketika teks verbal (dilambangkan dengan kata mot) mulai dialihkan menjadi duplum (oleh karena itu disebut motet), yaitu. menjadi suara yang sebelumnya hanya disuarakan. Pada abad ke-13 motifnya, pada umumnya, multi-tekstual, yaitu. di berbagai pihak, teks yang berbeda didengarkan, baik gerejawi maupun sekuler, dan kadang-kadang bahkan dalam bahasa yang berbeda.

Berbeda dengan motet abad pertengahan, motet Renaisans hanya ditulis pada teks gereja, sama untuk karya tertentu. Namun, bahkan dalam bentuk ini, pengucapan kata-kata dalam suara yang berbeda tidak bersamaan - paling sering ini adalah akibat dari meluasnya penggunaan tiruan, dan fitur seperti itu menjadi fitur paling khas dari genre motet secara umum.

Di era Barok, ketika genre instrumental tersebar luas, peran motet beralih ke kantata, yaitu. ke bentuk vokal-instrumental, tetapi motet yang murni vokal tetap ada: motet digubah untuk berbagai jenis perayaan, dan di antara penulisnya kita menemukan master terhebat pada zaman itu. Sejarah motet dimulai sekitar tujuh abad, dan dalam bidang musik gereja Barat, genre ini menempati urutan kedua setelah massa. Contoh motet yang sangat baik dapat ditemukan dalam karya Perotin, Guillaume de Machaut, John Dunstable, Guillaume Dufay, Jean Ockeghem, Jacob Obrecht, Josquin des Pres, Orlando Lasso, Palestrina, Thomas Luis de Victoria, William Bird, Heinrich Schutz, Bach , Mozart, Mendelssohn, Brahms dkk.

Drama musikal.

Istilah ini digunakan terutama dalam penerapannya pada opera Wagner dan para penirunya. Cm. OPERA; WAGNER, RICHARD.

malam hari

(Nocturne Perancis, notturno Italia, “malam”). Pada akhir abad ke-18. kata Italia notturno disebut musik kamar, dimaksudkan untuk hiburan malam. Di era romantisme, nocturne adalah karya instrumental liris, sering kali dibedakan dengan tekstur akord yang berkembang. Komposer dan pianis Irlandia J. Field adalah orang pertama yang menyebut karya pianonya “nocturnes”; komposisinya menjadi model bagi nocturnes Chopin dan literatur lain dari genre ini. Nocturnes orkestra juga dapat ditemukan dalam karya Mendelssohn dan Debussy.

Opera.

Oratorio.

Organum

(Latin organum dari bahasa Yunani organon, “instrumen”, “senjata”). Salah satu bentuk polifonik paling awal, pertama kali dijelaskan dalam risalah teoretis Musik Enchiriadis(kira-kira 900). Jenis organum tertua, paralel, terdiri dari dua suara - suara utama, berisi melodi nyanyian Gregorian (vox prinsipis) dan suara tambahan, di mana melodi yang sama dibunyikan pada nada keempat atau kelima lebih tinggi atau lebih rendah (vox organalis) . Kemudian mereka mulai menambahkan suara ketiga - tandingan bebas. Pada organum awal, semua suara memiliki pola ritme yang sama dan direkam dalam meteran bebas, tanpa garis bar; kemudian vox organalis memperoleh karakter melismatik, yaitu. Sudah ada beberapa unit ritme per suku kata teks. Di antara sampel organum yang dibuat oleh master sekolah Perancis Katedral Paris Notre Dame (Leonin, Perotin), yaitu bagian yang terdapat beberapa bunyi tandingan untuk satu bunyi teks utama bergantian dengan bagian yang bunyinya bergerak dalam satu meteran yang sama, tetapi mengandung materi melodi yang berbeda. Selanjutnya lamaran teks yang berbeda garis-garis yang secara metrik homogen memberikan dorongan pada munculnya bentuk polifonik baru - motet.

Partita

(Partita Italia dari bahasa Latin pars, “bagian”). Secara harfiah - komposisi multi-bagian; nama itu digunakan oleh J. S. Bach untuk sejumlah rangkaian instrumentalnya.

Passacaglia

(Pasacaglia Italia; pasacalle Spanyol, “lagu jalanan”). Mungkin sumber dari genre ini adalah tarian lambat dalam waktu tiga ketukan asal Spanyol. Belakangan, passacaglia mulai disebut variasi pada tema yang terus berulang, yang paling sering terletak di bass, tetapi terkadang di suara lain. Jadi, bentuk ini sangat mirip dengan chaconne, dan seringkali identik dengannya. Passacaglia dan chaconne muncul dalam musik instrumen keyboard abad ke-17. Contoh genre yang paling terkenal adalah passacaglia dalam C minor untuk organ oleh J. S. Bach, dan, baru-baru ini, passacaglia di akhir Simfoni Keempat karya J. Brahms, dalam Kuartet Senar Keempat karya P. Hindemith, dan dalam Simfoni Pertama S. Barber .

Gairah

(secara harfiah “gairah”; dari bahasa Latin passio, “penderitaan”). Sebuah karya yang bersifat oratorio, yang menceritakan kisah hari-hari terakhir kehidupan Juruselamat dan kematian-Nya di kayu salib; teks - menurut salah satu dari empat Injil.

Pastoral

(Pastorale Perancis, “musik gembala”). Lagu ini berdurasi 6/8 atau 12/8 dengan melodi yang anggun dan sedih, sering kali didukung oleh suara bass yang tersisa, mengingatkan pada bagpipe gembala. Genre pastoral sering ditemukan dalam karya-karya yang bertema Kelahiran Kristus (misalnya Concerto Grosso No. 8 karya A. Corelli, ditulis untuk liburan Natal; Oratorio Natal karya Bach, Mesias Handel).

Lagu (romantis)

Dalam bahasa Rusia, ada perbedaan mendasar antara istilah “lagu” dan “romansa”: istilah pertama terutama mengacu pada genre folk, serta berbagai jenis perlakuan dan modifikasinya dalam karya komposer; yang kedua - bekerja untuk suara dengan iringan, terutama teks puisi profesional dan profesional, tetapi kadang-kadang juga untuk cerita rakyat (misalnya, roman urban Rusia abad ke-19, yang merupakan versi genre profesional yang populer dan folklorized). Di Jerman, istilah Lied, yang mengacu pada lagu Inggris, digunakan secara luas; keduanya dapat merujuk pada fenomena yang berbeda.

Istilah Lied muncul dalam lagu-lagu kesatria Minnesingers (Walter von der Vogelweide); kemudian digunakan untuk menunjuk: karya-karya para Mastersingers (misalnya, yang paling terkenal di antara mereka, Hans Sachs); lagu polifonik abad ke-16. (Ludwig Senfl, Orlando Lasso); lagu abad ke-17 dengan iringan tipe basso continuo, yang dimainkan pada instrumen keyboard apa pun (atau secara umum pada instrumen apa pun yang memungkinkan untuk mengekstrak akord), terkadang bersama dengan instrumen senar atau tiup (Adam Krieger); lagu-lagu abad ke-18, di mana kesederhanaan cerita rakyat dipadukan dengan lirik yang canggih; lagu-lagu luar biasa karya Haydn, Mozart dan Beethoven; Lagu seni Jerman dari era Romantis adalah kumpulan besar lirik vokal yang indah. Penulis lagu seni romantis yang paling penting adalah Schubert (lebih dari 600 lagu), Schumann, G. Wolf, R. Franz, R. Strauss dan G. Mahler. Di Rusia, istilah "lagu" dan istilah "romansa" digunakan dalam kaitannya dengan karya-karya ini. Demikian pula, kedua istilah tersebut dapat diterapkan pada karya klasik Rusia dalam genre ini, dari Glinka hingga Prokofiev; karya-karya pengarang modern lebih sering disebut “romansa”, tetapi terkadang juga “lagu” (misalnya lagu karya Sviridov berdasarkan puisi karya Burns, Yesenin, Blok).

Ungkapan "bentuk lagu" sering kali menunjukkan bentuk instrumental sederhana yang terdiri dari dua bagian (A-B) atau tiga bagian (A-B-A), yang bersumber dari sebuah lagu, biasanya cerita rakyat.

Pendahuluan

(Pendahuluan Perancis; dari bahasa Latin praeludere, “bermain sebelumnya”). Sebuah karya instrumental yang berfungsi sebagai pengantar musik berikutnya. Pada abad ke-15 dan ke-16. Prelude kadang-kadang disebut potongan kecil untuk kecapi (Francesco Spinaccino) atau untuk clavier (William Bird, John Bull) dalam tekstur akord. Sejak abad ke-17. pendahuluan membentuk siklus dengan fugue, seperti pada Pemain kunci yang pemarah Bach, atau membuka suite ( Suite Inggris Bach), atau berfungsi sebagai pengantar nyanyian paduan suara (choral preludes). Pada abad ke-19 Pembukaan opera, terutama yang ditulis dalam bentuk bebas, juga dapat disebut pendahuluan. Pada saat yang sama, nama "pendahuluan" sebagai sebutan untuk genre independen muncul dalam sastra piano (Chopin, Rachmaninov, Scriabin), serta dalam sastra orkestra (pendahuluan simfoni Debussy Sore Faun).

Rapsodi

(Yunani: rhapsodia; dari rhaptein, “menjahit”, “menyusun”, “mengarang”, dan ode, “lagu”). Rhapsody dapat disebut komposisi instrumental (kadang-kadang vokal - misalnya, Brahms) yang ditulis dalam gaya epik yang bebas, improvisasi, terkadang menyertakan motif rakyat asli ( Rhapsodies Hongaria Daftar, Rhapsody dalam Blues Gershwin).

Resitatif

(Italia. resitatif; dari recitare, “membaca”, “membaca dengan lantang”, “memberi tahu”). Pidato melodi, atau pembacaan musik, pertama kali digunakan dalam opera-opera awal abad ke-16, meskipun akar resitatif tidak diragukan lagi berasal dari nyanyian kuno liturgi Katolik (cantus planus). Sebagai sarana ekspresi independen, resitatif dikembangkan secara khusus pada periode awal Barok: dalam resitatif, komposer mencoba mereproduksi intonasi ucapan alami dalam bentuk umum, meningkatkan maknanya melalui melodi dan harmoni. Pada saat itu, resitatif biasanya diiringi oleh alat musik clavier atau organ, dengan garis bass diduplikasi dengan alat musik gesek atau alat musik tiup. Dalam opera dan oratorio abad 17-19. resitatif berfungsi untuk mengembangkan aksi dramatis: ia mereproduksi percakapan atau monolog karakter, yang ditempatkan di antara aria, ansambel, dan paduan suara. Resitatif paling sederhana disebut dalam bahasa Italia recitativo secco (“resitatif kering”): dilakukan dalam ritme bebas dan hanya sesekali didukung oleh akord. Kemudian resitatif yang lebih melodis dan ekspresif mulai mendominasi (terkenal dari opera K.V. Gluck, yang ditulis setelah reformasi operanya): disebut recitativo accompagnato (atau stromentato) - resitatif "diiringi" atau "instrumental" - dan diiringi oleh seluruh orkestra. Sebuah contoh brilian dari resitatif instrumental ekspresif terdapat di akhir Simfoni Kesembilan Beethoven.

lebih kaya

(Ricercar Italia; dari ricercare, “mencari”). Suatu bentuk instrumental yang sangat umum dalam seni abad ke-16 dan ke-17. Hal ini ditandai dengan pencarian terus-menerus (seperti tercermin dalam namanya) untuk tema-tema yang berulang dan tempatnya struktur umum komposisi. Ibarat fantasi, ricercar di bidang instrumental berhubungan dengan motet di bidang vokal: bentuknya muncul dari perkembangan fugue yang berurutan dari beberapa melodi. Berbeda dengan motet yang munculnya tema-tema baru karena munculnya baris-baris puisi (atau prosa) baru, dalam ricercar keutamaan masih berada pada satu tema, oleh karena itu bentuk ini dapat dianggap sebagai cikal bakal fugue karya Bach yang sangat berkembang. era. Istilah "ricercar" juga dapat merujuk pada karya non-imitasi yang ditulis dalam gaya instrumental bebas dan mengingatkan pada karakter toccata. Cm. FUGA.

Rondo

(rondeau Perancis; dari rond, “lingkaran”). Salah satu vokal tertua dan bentuk-bentuk tarian. Roundel khas abad ke-13. adalah karya homofonik (non-polifonik): para trouvères dari Prancis Utara mengelilingi setiap bait lagu mereka dengan refrain yang berulang-ulang (bentuk “virele” ) . Di antara komposer seperti Guillaume de Machaut, Gilles Benchois dan Guillaume Dufay, rondo-vireles menjadi polifonik. Di cantigas Spanyol abad ke-13. - himne yang didedikasikan untuk Perawan Maria - menggunakan struktur serupa, dan juga terjadi di ballata Italia abad ke-14. dan Villancicos Spanyol abad ke-16. Pada abad ke-17 rondo bertindak sebagai bagian dari rangkaian tarian instrumental (F. Couperin, J. Chambonnière, J. F. Rameau): pengulangan refrain memisahkan berbagai episode satu sama lain.

Analogi Italia dari bentuk Perancis (rondo) mulai digunakan secara luas sejak awal abad ke-18. untuk menunjukkan karya instrumental independen. Prinsip struktural rondo ini adalah munculnya bagian yang berulang sebagai bingkai episode yang menampilkan tema baru. Tipe dasar rondo: A–B–A–C–A. Pada akhir abad ke-18. bentuk berbentuk rondo menjadi lebih kompleks (A-B-A-C-A-B-A) dan mendekati bentuk variasi (A-B-A 1 –B-A 2 –C-A 3 ...) atau bahkan (sebagai hasil pengembangan ujung ke ujung tema utama) ke sonata.

Urutan

(Latin sequentia, “mengikuti”, “yang mengikuti”). Perluasan musik dan tekstual dari nyanyian Haleluya dalam Misa Katolik. Sekitar abad ke-10. penyebaran kebiasaan menambahkan teks Latin tambahan (trope) ke Yobel (nyanyian melismatik yang mengakhiri Haleluya) dan sebelumnya menggunakan vokal yang berbeda (paling sering “a” sebagai bunyi vokal terakhir dari kata “haleluya”). Akibatnya, genre puisi liturgi Latin yang independen muncul - sebuah urutan yang terutama terkait dengan hari libur tahun gereja. Pada Abad Pertengahan, ratusan rangkaian berbeda dipertunjukkan, tetapi berdasarkan dekrit Konsili Trente (1545) rangkaian tersebut dihapus dari liturgi, dengan pengecualian empat rangkaian: yang terkenal Mati irae(tentang Hari Penghakiman), Lauda Sion Salvatorem(pada hari raya Corpus Christi), Semangat suci(pada hari raya Tritunggal), Victimae paschali dipuji(Paskah); nanti urutannya juga diperbolehkan Stabat Mater(Bunda Allah).

Musik untuk enam orang

(Jerman: Sextett; dari bahasa Latin: sextus, “keenam”). Istilah ini biasanya mengacu pada sebuah karya yang ditulis dalam bentuk siklus sonata untuk enam orang pemain. Komposisi sextet mungkin berbeda-beda; paling sering itu adalah kuartet gesek dengan dua instrumen yang ditambahkan (misalnya, Sextet Mozart di F mayor, K. 522, untuk kuartet dan dua terompet, Sextet Brahms di B flat mayor, Op. 18, untuk dua biola, dua biola dan dua cello). Nama “sextet” juga bisa merujuk pada ansambel vokal dengan atau tanpa iringan (sextet dalam opera Pernikahan Figaro Mozart dan Lucia di Lammermoor Donizetti).

serenade

(Serenade Prancis, serenata Italia, “musik malam” atau “hiburan malam”). Pada akhir abad ke-18. nama ini tidak lagi menyiratkan pertunjukan sore atau malam hari (misalnya, Musik malam kecil, Eine kleine Nachtmusik dari Mozart). Seperti pengalihan, serenade adalah genre komposisi umum untuk ansambel instrumental kecil, yang menggabungkan ciri-ciri genre suite keluar dan genre simfoni berwawasan ke depan. Serenade di satu sisi meliputi minuet, mars dan sejenisnya, dan di sisi lain variasi dan gerakan yang ditulis dalam bentuk sonata atau rondo sonata. Serenade instrumental yang sangat terkenal dapat ditemukan dalam warisan Mozart, Brahms, Tchaikovsky dan Dvorak. Sebagai genre vokal, serenade adalah seruan kepada kekasih, yang pernah dibawakan pada malam hari di bawah jendela seorang wanita (contoh: serenade dari Don Juan Mozart, romansa oleh Schubert Serenade malam).

Puisi simfoni.

Komposisi orkestra program adalah genre yang tersebar luas di era romantisme dan mencakup fitur simfoni program dan pembukaan konser (R. Strauss, Liszt, Smetana, Rimsky-Korsakov, dll.).

Scherzo

(Italia: scherzo, “lelucon”). Sejak pertengahan abad ke-18. kata ini muncul dalam judul karya instrumental atau vokal yang bersifat humor (Claudio Monteverdi, Musik Scherzi, 1607; Johann Gottlieb Walter, scherzo untuk biola solo, 1676). Setelah tahun 1750, scherzo menjadi genre instrumental eksklusif, yang dicirikan oleh tempo cepat dan, biasanya, meteran tiga ketukan. Saat ini, scherzo ditemukan terutama sebagai bagian dari siklus sonata (simfoni, kuartet). Scherzo menjadi sangat penting dalam simfoni Beethoven (dimulai dengan Simfoni Kedua), yang akhirnya menggantikan minuet yang sebelumnya ada di tempat ini. Scherzo biasanya mempertahankan bentuk tiga bagian yang diwarisi dari minuet (scherzo - trio - scherzo); Terkadang beberapa trio mungkin muncul (misalnya, dalam Second Symphony karya Brahms). Dalam karya Chopin, Brahms, dan komposer lain pada era yang sama, scherzo juga menjadi genre piano independen: ini adalah karya-karya kecil yang bersifat rhapsodik dan cepat dengan trio konten yang sebagian besar bersifat liris. Subjudul “scherzo” diberikan oleh P. Dukas padanya puisi simfoni Magang Penyihir.

Sonata

(sonata Italia; dari sonare, “berbunyi”). DI DALAM nilai yang tepat istilah - komposisi multi-gerakan untuk piano atau alat musik gesek atau tiup dengan piano. Bentuk sonata merupakan suatu struktur dasar, sangat sering digunakan pada bagian pertama (dan juga pada bagian lain) sonata instrumental solo, karya untuk ansambel instrumental, simfoni, konserto, dll. Arti bentuk sonata adalah kemunculan pertama tema (eksposisi) digantikan oleh pengembangannya (development) dan kemudian dikembalikan (reprise). Baca lebih lanjut tentang sejarah bentuk sonata dan kemungkinan arti istilah "sonata" cm. SONATA. Macam-macam bentuknya adalah: rondo sonata - jenis yang sering muncul pada akhir siklus simfoni dan memadukan ciri-ciri sonata (eksposisi, pengembangan, reprise) dan rondo (kembalinya tema pertama pada bagian pengembangan); sonatina (secara harfiah: "sonata kecil") - bagiannya lebih sedikit daripada sonata biasa, atau bagiannya sendiri lebih sederhana dan lebih pendek (sonatina untuk piano oleh M. Clementi, untuk biola dan piano oleh F. Schubert). Pada prinsipnya, istilah “sonatina” diterapkan pada karya yang mudah untuk pemula, tetapi ada juga sonatina (misalnya, siklus piano M. Ravel) yang memerlukan keterampilan teknis yang signifikan dari pemainnya.

Rangkaian

(Suite Prancis, “urutan”). Namanya menyiratkan rangkaian karya instrumental (gaya tarian) atau penggalan instrumental dari opera, balet, musik drama, dll. Cm. SUITE.

Toccata

(Italia: toccata). Sejak akhir abad ke-16. nama ini mengacu pada karya instrumen keyboard yang ditulis dengan cara improvisasi bebas. Kata toccata berarti “sentuhan”, “pukulan”, dalam hal ini pukulan singkat pada tuts, berbeda dengan sonata, yaitu. “suara” senar atau alat musik tiup yang berlarut-larut. Selain itu, asal usul istilah "toccata" mengacu pada era yang lebih awal, ketika kata ini digunakan untuk merujuk pada ritme yang ditabuh oleh genderang militer atau kemeriahan alat musik tiup (misalnya, toccata dari opera Orpheus Monteverdi). Toccatas untuk keyboard pada abad ke-16. (Andrea dan Giovanni Gabrieli, Luzzasco Luzzachi) menggunakan teknik clavier yang khas dan berubah menjadi karya virtuoso, di mana bagian improvisasi diselingi dengan suara paduan suara yang khusyuk. Di beberapa toccata (terutama karya Claudio Perulo dan G. Frescobaldi) terdapat bagian polifonik. Toccata juga digunakan sebagai pengenalan ricercar atau fugue. Toccatas zaman modern (Schumann, Debussy, Ravel, Prokofiev) adalah karya piano yang genrenya mirip dengan etude konser.

Trio

(Trio Italia; dari bahasa Latin tres, tria, “tiga”). Sebuah karya musik untuk tiga pemain. Ketiganya menyebar luas pada era klasik sebagai jenis musik instrumental yang menggunakan bentuk sonata. Yang paling umum adalah trio piano (biola, cello, piano) dan string (biola, viola, cello). Trio vokal (dengan atau tanpa iringan) biasa disebut terzetto.

Istilah “trio” juga mengacu pada bagian tengah dari minuet, scherzo, march atau bentuk tiga bagian lainnya. Dalam pengertian ini, ketiganya secara umum dapat dipahami sebagai bagian yang kontras antara pemaparan materi tematik utama dan pengulangannya. Di masa lalu, bagian ini disusun untuk tiga instrumen solo, dan istilah “trio” sendiri tetap digunakan setelah masa keemasan genre konserto grosso, meskipun bagian tengah dari karya tersebut tidak lagi diinstrumentasikan untuk tiga instrumen, melainkan untuk jumlah instrumen yang lebih banyak.

Trio

tiga, tetapi untuk instrumen lebih banyak.

Trio sonata

(Trio-sonata Italia). Bentuk utama musik instrumental kamar era Barok. Trio sonata disusun untuk dua instrumen tinggi, biasanya biola, dan basso continuo, biasanya diwakili oleh cello dan semacam instrumen keyboard atau kecapi - sehingga tidak memerlukan tiga, tetapi empat pemain. Masa kejayaan trio sonata di semua pusat musik Eropa adalah periode 1625 hingga 1750, kemudian, karena hilangnya basso continuo sebagai elemen komposisi yang diperlukan secara fungsional, trio sonata terlahir kembali menjadi kuartet gesek. Genre trio sonata menggabungkan ciri-ciri rangkaian tari instrumental lama dengan elemen teknik permainan senar virtuoso baru, gaya polifonik lama dan homofonik baru; Untuk trio sonata, metode antisipasi langsung adalah tipikal pengembangan tematik dalam bentuk sonata. Jenis utama trio sonata adalah: sonata da chiesa (“church sonata,” dimaksudkan untuk pertunjukan konser) dan sonata da camera (“home sonata,” dibawakan di rumah). Tipe kedua menyerupai suite dalam banyak hal; yang pertama, berisi empat gerakan (lambat - cepat - lambat - cepat), sampai batas tertentu mendekati pembukaan Barok. Pada awal abad ke-18. perbedaan di antara mereka hampir hilang. Di antara penulis trio sonata yang luar biasa, kami menemukan S. Rossi, G. Legrenzi, A. Corelli, D. Buxtehude, J. S. Bach, G. F. Handel dan J. M. Leclerc; Genre ini juga ditemukan kemudian - misalnya pada Gluck dan Haydn.

Tawaran

(Ouverture Perancis, “pembukaan”). Nama ini awalnya mengacu pada pengenalan orkestra yang dilakukan sebelum opera, tetapi segera berarti pengenalan pada karya genre lain, seperti kantata atau rangkaian instrumental. Istilah ini memperoleh arti yang sangat pasti dalam opera istana Perancis abad ke-17, yaitu di J.B. Lully. Pembukaan Perancis seperti itu tentu berisi tiga bagian: lambat - cepat - lambat. Bagian yang lambat, biasanya dijaga dalam ritme yang diselingi, dikaitkan dengan upacara istana yang khidmat; di bagian cepat tekstur musik Pekerjaan itu dipastikan dengan pengembangan tema yang tidak jelas. Pembukaan opera Italia, yang akhirnya terbentuk dalam karya A. Scarlatti, disebut “sinphony” dan juga terdiri dari tiga bagian, tetapi dalam urutan tempo yang terbalik: cepat – lambat – cepat. Genre simfoni tumbuh dari pembukaan seperti itu ( cm. SYMPHONY), dan bahkan pada tahun 1793 simfoni Haydn, ketika dipentaskan di London, masih disebut “overtures”. Pada akhir abad ke-18. Pembukaan opera disusun terutama dalam bentuk sonata dan secara praktis mewakili tidak lebih dari bagian pertama dari siklus simfoni sonata klasik. Beberapa komposer (di antaranya Gluck, Mozart dan Beethoven) mulai memasukkan tema-tema dari opera terkait dalam pembukaan opera. Tawaran klasik juga ditemukan dalam genre musik untuk teater drama (contoh paling mencolok adalah Egmont Beethoven). Tawaran-tawaran dalam opera era berikutnya, dengan tetap mempertahankan ciri-ciri bentuk sonata, semakin berubah menjadi penceritaan kembali secara musikal singkat isi opera berdasarkan materi tematiknya. Pembukaan konser juga muncul sebagai genre independen dari musik simfoni tipe program (Mendelssohn, Brahms, Tchaikovsky).

Fantasi

(Yunani: fantasia). Komposisi instrumentalnya memiliki konstruksi yang sangat bebas; di dalamnya, seperti yang dia katakan Komposer Inggris dan ahli teori T. Morley, “komposer tidak terikat pada apapun” (yang dimaksud Morley adalah teks verbal). Pada abad ke-16 fantasia biasanya disusun untuk kecapi, clavier, atau ansambel instrumental dalam gaya polifonik yang mengingatkan pada gaya ricercar atau canzona. Pada abad 17-18. genre ini semakin diperkaya dengan unsur-unsur yang bersifat improvisasi - misalnya, dalam karya organ dan clavier Buxtehude, Bach, dan Mozart. Pada abad ke-19 nama "fantasi" mengacu pada karya instrumental, terutama piano, yang sampai batas tertentu bebas dari bentuk yang sudah mapan (misalnya, Sonata quasi una fantasia - Sonata Cahaya Bulan Beethoven, fantasi Chopin dan Schumann). Fantasi juga bisa disebut improvisasi pada topik yang dipilih (misalnya fantasi Pengembara Schubert dengan tema roman berjudul sama, Fantasia dengan Tema oleh Thomas Tallis Vaughan Williams).

DI DALAM Bahasa inggris istilah sukarela, yang artinya mirip dengan "fantasi", dapat merujuk pada aransemen musik dari kebaktian gereja Anglikan (bagian improvisasi yang dimainkan selama prosesi atau di akhir kebaktian) atau karya instrumental dalam bentuk bebas (ahli genre ini adalah John Blow dan Henry Purcell).

Frottola

(frottola Italia, dari frotta “kerumunan”). Cikal bakal madrigal Renaisans, frottola dibudidayakan terutama di Italia utara pada akhir abad ke-15 dan awal abad ke-16. Frottolas dibedakan berdasarkan ritmenya yang hidup, disusun dalam tiga atau empat suara, dan sering dibawakan oleh penyanyi dengan iringan instrumental.

Fuga

(Latin, Italia fuga, “berlari”). Sebuah karya berdasarkan penggunaan polifoni tiruan. Bentuk fugue yang mencapai kesempurnaan dalam karya Bach merupakan hasil perkembangan yang panjang teknik yang berbeda tandingan dan berbagai bentuk, termasuk kanon, motet dan ricercar. Fugues dapat dikomposisikan untuk sejumlah suara (mulai dari dua). Fugue dibuka dengan penyampaian tema (pemimpin) dalam satu suara, kemudian masuk suara-suara lain berturut-turut dengan tema yang sama. Penyajian topik yang kedua, seringkali dengan variasinya, disebut respon; Saat jawabannya berbunyi, suara pertama terus mengembangkan alur melodinya - berlawanan dengan jawabannya (antiposisi). Dalam fugue ganda, tandingan tersebut mempunyai makna tema kedua (tema tandingan). Perkenalan semua suara membentuk eksposisi fugue. Eksposisi dapat diikuti dengan eksposisi tandingan (eksposisi kedua) atau dengan pengembangan polifonik dari keseluruhan tema atau elemen-elemennya (episode). Dalam fugue kompleks, berbagai teknik polifonik digunakan: peningkatan (meningkatkan nilai ritme semua suara tema), penurunan, inversi (pembalikan: interval tema diambil ke arah yang berlawanan - misalnya, alih-alih yang keempat naik, turun keempat), stretta (percepatan masuknya suara-suara yang “saling memanjat” pada teman), dan terkadang kombinasi teknik serupa. Genre fugue sangat penting baik dalam bentuk instrumental maupun vokal. Fugue dapat berupa karya independen, digabungkan dengan pendahuluan, toccata, dll., dan akhirnya, menjadi bagian dari kerja bagus atau siklus. Teknik khas fugue sering digunakan dalam pengembangan bagian bentuk sonata.

Fugue ganda, sebagaimana telah disebutkan, didasarkan pada dua tema, yang dapat masuk dan berkembang secara bersama-sama atau sendiri-sendiri, namun pada bagian akhir tentu disatukan dalam tandingan. Lihat juga FUGA.

Nyanyian untuk paduan suara

(Jerman: Paduan Suara). Awalnya, paduan suara adalah nyanyian gereja monofonik Gregorian; kemudian nama itu diberikan untuk nyanyian Lutheran. Martin Luther, yang menginginkan semua umat paroki berpartisipasi dalam ibadah, memperkenalkan himne yang cocok untuk dinyanyikan jemaat. Dengan demikian paduan suara - baik sebagai nyanyian terpisah maupun sebagai bagian dari komposisi yang lebih besar - menjadi pusat liturgi Protestan. Sumber musik paduan suara adalah: a) nyanyian gereja yang ada sebelum Reformasi; b) lagu sekuler; c) melodi yang baru digubah dengan lirik, di antaranya yang paling terkenal adalah himne reformasi Ein" feste Burg ist unser Gott (Tuhan kita adalah benteng yang kuat). Hampir semua empu Jerman abad 16, 17 dan awal abad 18. melodi paduan suara yang diproses. Paduan suara menjadi dasar komposisi liturgi lainnya, antara lain: 1) pendahuluan paduan suara- karya organ berdasarkan melodi paduan suara dan berfungsi sebagai pengantar nyanyian komunitas; 2) fantasi paduan suara - bagian organ yang mengembangkan melodi paduan suara secara improvisasi; 3) chorale partita – karya instrumental berskala besar dengan tema paduan suara; 4) chorale motet - karya paduan suara yang diperluas; 5) chorale cantata - sebuah karya besar untuk paduan suara, solois, dan orkestra menggunakan melodi himne Lutheran. Komposisi paduan suara paling sempurna yang sampai kepada kita adalah milik Michael Pretorius dan J. S. Bach.

Chaconne

(Chacona Spanyol, ciaconna Italia). Asal usulnya adalah tarian tiga ketukan yang lambat; kemudian - komposisi berdasarkan variasi basso continuo atau garis melodi (atau perkembangan akord) dalam suara bass (basso ostinato). Chaconne sangat dekat dengan passacaglia. Keduanya pertama kali muncul pada awal abad ke-17. dalam karya untuk instrumen keyboard. Contoh genre yang paling terkenal adalah chaconne Bach dari partita in D minor untuk biola solo. Saat ini terdapat kecenderungan untuk menyebut nama "chaconne" sebagai variasi apa pun pada perkembangan akord tetap, tetapi pandangan yang menyempit tersebut tidak sesuai dengan makna historis dari istilah tersebut.

Lagu

(Prancis chanson, “lagu”; dalam bahasa Rusia istilah “chanson” bersifat feminin dan tidak infleksi). Ini adalah nama yang diberikan tidak hanya untuk lagu, tetapi juga untuk karya instrumental dalam gaya vokal. Dalam musik sekuler Prancis, ada sejumlah jenis chanson: 1) lagu-lagu penyanyi dan trouvères abad pertengahan; 2) lagu tari abad ke-14. (Guillaume de Machaut); 3) paduan suara polifonik polifonik abad ke-15 dan ke-16. (Gilles Benchois dan Guillaume Dufay, Jean Ockeghem, Jacob Obrecht, Josquin des Pres); genre ini mencapai puncak perkembangannya dalam madrigal Renaisans Italia versi Prancis (Clément Jeannequin, Orlando Lasso, Thomas Crequillon). Belakangan, nama "chanson" bisa merujuk pada lagu strofik pendek dari jenis populer atau roman Prancis untuk suaranya dengan iringan piano, mirip dengan Lied Jerman (Debussy, Fauré, Ravel, Poulenc). Lagu pop Prancis modern disebut juga chanson.

Mendadak

(Bahasa Latin expromptus dari kata kerja expromo, “lay out”, “collapse”; dadakan Perancis). Arti kata latinnya menunjukkan bahwa dadakan adalah lakon yang disusun di bawah pengaruh momen tertentu, situasi tertentu. Dalam literatur piano abad ke-19. Ini adalah potongan-potongan kecil dengan bentuk bebas, belum tentu bersifat improvisasi. Misalnya, karya dadakan Schubert (op. 90) atau karya Chopin (op. 29, 36) memiliki struktur yang jelas dan didominasi tiga bagian.

Etude

(Etude Perancis, “belajar”). Sepotong untuk menguasai dan meningkatkan teknik teknis apa pun: melakukan staccato, oktaf, nada ganda (on instrumen senar), teknik “buluh ganda atau tiga kali lipat” (pada alat musik tiup), dll. Pada abad ke-19 Etude konser menjadi tersebar luas (terutama dalam literatur piano). Dalam genre ini, perkembangan teknik teknis dipadukan dengan nilai seni musik yang mandiri. Etude konser yang brilian disusun oleh Chopin, Schumann dan Liszt. Pendahulu dari bentuk konser genre ini dapat dianggap sebagai toccata abad ke-17-18, di mana elemen virtuoso murni memainkan peran khusus.

Literatur:

Ensiklopedia Musik, jilid. 1–5. M., 1973–1982
Kruntyaeva T., Molokova N. Kamus istilah musik asing. M. - SPb., 1996
Buluchevsky Yu., Fomin V. Singkat kamus musik . Sankt Peterburg - M., 1998
Buku referensi kamus musik singkat. M., 1998
Kamus ensiklopedis musik. M., 1998