Musik kamar. Apa itu musik instrumental kamar? Musik kamar Genre musik kamar vokal

MBU DO "Sekolah Seni Anak Distrik Simferopol"

Cabang Kolchugino

Laporan

pada topik: "Genre musik instrumental kamar dalam karya komposer klasik"

Dilakukan oleh: pengiring

Firsova Natalya Aleksandrovna

2015

Genre musik instrumental kamar dalam karya komposer klasik

Musik instrumental kamar selalu menjadi hal yang halus, peka dan bereaksi terhadap semua fenomena zaman kontemporernya: revolusi (sosial dan budaya), peristiwa sosial-politik global, kemajuan ilmu pengetahuan dan teknologi, munculnya tren dan gerakan baru di berbagai bidang. bidang seni. Abad ke-21 tidak terkecuali. Pada tahap ini, salah satu tren utama musik instrumental kamar modern adalah sintesis, dalam arti luas: sintesis seni, sintesis berbagai genre dan arah musik - yaitu sintesis dalam arti dialogis dan fleksibilitas. musikal

ruang angkasa.

Karena kekhususannya sebagai genre musik, yang pertama-tama menarik bagi dunia batin pendengar dan komposer, bidang genre inilah yang mampu mengakomodasi hampir seluruh spektrum konsep filosofis dan estetika baik masa lalu maupun masa lalu. zaman baru dan kontemporer, dan memungkinkan untuk memperdalam hubungan seni musik dengan psikologi, dengan segala kompleksitas, keragaman dan, dalam beberapa kasus, ambiguitas, untuk menemukan pendengar, penikmat, pemainnya

Asal muasal musik kamar dimulai pada Abad Pertengahan. Istilah "musik kamar" didirikan padaXVI- XVIIberabad-abad, dan istilah ini pertama kali muncul pada tahun 1635 dalam koleksi komposer Italia Gio Arrigoni. Perbedaan antara musik gereja dan musik kamar muncul dalam genre vokal pada pertengahan abad ke-16. Contoh paling awal dari musik kamar “L" anticamusicaridottaallamoderna” oleh Nicolo Vicentino (1555), di Venesia G. Arrigoni menerbitkan vokal “Concertidacamera”. Kantata (cantatacamera) dan duet dikembangkan sebagai genre vokal kamar pada abad ke-17 - awal abad ke-18. Pada abad ke-17, nama “musik kamar” diperluas ke musik instrumental. Awalnya, musik instrumental gereja dan kamar tidak berbeda gayanya: perbedaan gaya di antara keduanya baru terlihat jelas pada abad ke-18 . membutuhkan “lebih banyak revitalisasi dan kebebasan berpikir daripada gaya gereja”. Bentuk instrumental tertinggi adalah sonata siklik (sonatadacamera), yang dibentuk berdasarkan rangkaian tari, yang paling tersebar luas pada abad ke-17, dengan variasinya - gereja. dan sonata kamar. - sonata solo (tanpa iringan atau dengan iringan bassocontinuo). Contoh klasik sonata trio dan sonata solo (dengan bassocontinuo) diciptakan oleh A. Corelli. Pada pergantian abad XVII-XVIII. Genre konsertogrosso muncul, yang pada awalnya juga terbagi menjadi varietas gereja dan kamar. Dalam A. Corelli, misalnya, pembagian ini dilakukan dengan sangat jelas - dari 12 konsertiggrossi (op. 7) yang ia ciptakan, 6 ditulis dengan gaya gereja, dan 6 dengan gaya kamar. Isinya mirip dengan sonata dachiesa dan dacamera miliknya. Pada pertengahan abad ke-18. pembagian ke dalam genre gereja dan kamar secara bertahap kehilangan signifikansinya, tetapi perbedaan antara musik kamar dan musik konser (orkestra dan paduan suara) menjadi semakin jelas.

Di pertengahan abad ke-18. dalam karya J. Haydn, K. Dittersdorf, L. Boccherini, W. A. Mozart, jenis ansambel instrumental klasik dibentuk - sonata, trio, kuartet, dll.

Memiliki kemampuan ekspresif yang kaya, ansambel instrumental (terutama kuartet busur) menarik perhatian hampir semua komposer dan menjadi semacam “cabang ruang” dari genre simfoni. Oleh karena itu, ansambel ini mencerminkan semua arah utama seni musik abad ke-17-20. - dari klasisisme (J. Haydn, L. Boccherini, W. A. Mozart, L. van Beethoven) dan romantisme (F. Schubert, F. Mendelssohn, R. Schumann, dll.) hingga gerakan abstraksionis ultra-modernis. Pada paruh kedua abad ke-19. Contoh luar biasa dari musik kamar instrumental diciptakan oleh J. Brahms, A. Dvorak, B. Smetana, E. Grieg, S. Frank pada abad ke-20. - C. Debussy, M. Ravel, M. Reger, P. Hindemith, L. Janacek, B. Bartok, B. Britten dan lain-lain.

Komposer Rusia memberikan kontribusi besar pada musik instrumental kamar. Di Rusia, penyebaran musik kamar dimulai pada tahun 70an. abad XIX Ansambel instrumental pertama ditulis oleh D. S. Bortnyansky. Musik kamar dikembangkan lebih lanjut oleh A. A. Alyabyev dan M. I. Glinka dan mencapai tingkat seni tertinggi. tingkat dalam karya P. I. Tchaikovsky dan A. P. Borodin: karya kamar mereka dicirikan oleh konten nasional dan psikologi yang menonjol. A.K. Glazunov dan S.V. Rachmaninov menaruh perhatian besar pada ansambel kamar, dan bagi S.I. Taneyev itu menjadi jenis kreativitas utama. Warisan instrumental kamar komposer Soviet sangat kaya dan beragam: jalur utamanya adalah liris-dramatis (N. Ya. Myaskovsky), tragis (D. D. Shostakovich), liris-epik (S. S. Prokofiev), A. I. Khachaturian, dan genre folk.

Perlu diingat bahwa musik instrumental kamar modern mengalami tiga periode pembentukannya:

periode pertama dari tahun 1450 hingga 1650, yang ditandai dengan perkembangan teknik memainkan biola dan instrumen dari keluarga lain, kemunculan bertahap musik instrumental murni dengan dominasi gaya bebas yang terus berlanjut. Di antara karya-karya yang bertahan pada periode ini, yang ditulis khusus untuk komposisi instrumental tanpa suara, adalah fantasi dan canzones dari Orlando Gibbons (1610), sonata dari Giovanni Gabrieli (1615);

periode kedua dari tahun 1650 hingga 1750 ditandai dengan penyebaran genre trio sonata (biasanya terdiri dari dua biola dan satu cello, dengan clavier sebagai dasar harmoniknya) dan ansambel lainnya, baik instrumental maupun yang melibatkan suara, yang selalu diiringi oleh yang disebut bass digital (akord) dari instrumen keyboard. Di antara master ketiganya adalah sonata periode ini - Arcangelo Corelli, Henry Purcell, G. Handel;

Periode ketiga dari tahun 1750 hingga sekarang didominasi oleh kuartet gesek yang terdiri dari dua biola, satu viola dan satu cello.

Saat ini, sebagai suatu peraturan, musik instrumental kamar dibawakan oleh ansambel kamar dengan kombinasi berikut:

Instrumen solo (dawai atau tiup) dan piano;

Duet piano (dua piano atau piano empat tangan);

Trio senar (biola, biola, dan cello); trio piano (biola, cello dan piano);

Kuartet gesek (dua biola, viola dan cello);

Kuartet piano (biola, viola, cello dan piano);

String quintet (kuartet gesek ditambah viola dan atau cello);

Piano quintet (piano plus string quartet) dan lain-lain.

Sepanjang abad ke-18. terjadi perkembangan pesatbudaya pertunjukan instrumental. Perkembangan musik instrumental kamar pada paruh pertama abad ini dikaitkan dengan penampilan musisi asing yang diundang yang mengajar bangsawan Rusia. Dengan demikian, instrumentalisme menyebar di kalangan elit. Di tahun 80an - 90an. Contoh pertama musik instrumental kamar Rusia muncul: musisi Rusia mengembangkan genre sonata solo, variasi, dan ansambel kamar. Di bidang instrumental itulah konten intelektual musik diwujudkan. Di era Peter I, musik instrumental di Rusia mulai bangkit kembali, tetapi di bawah pengaruh Barat yang kuat.

Genre modern musik instrumental kamar akhirnya terbentuk dalam karya klasik Wina - J. Haydn, W. A. Mozart, L. van Beethoven. Ini adalah sonata, trio, kuartet, kuintet, ansambel di mana tempat besar diberikan kepada instrumen senar.

Musik instrumental kamar menyerap ciri-ciri gaya jenis kreativitas musik lainnya. L. van Beethoven telah menyimfonkan kuartetnya dalam banyak hal, menjadikannya berskala lebih besar baik dari segi bentuk maupun isinya. Dan “Kreutzer Sonata” yang terkenal untuk biola dan piano adalah karya yang benar-benar simfoni dalam intensitas emosional dan gambaran musiknya yang monumental. Dalam karya komposer romantis F. Schubert, F. Mendelssohn, R. Schumann, J. Brahms, prinsip liris termanifestasi dengan sangat kuat (terutama dalam genre miniatur) (“Lagu Tanpa Kata” oleh F. Mendelssohn).

Dalam karya-karya komposer Rusia, genre musik instrumental kamar dimaknai dengan cara yang sangat unik dan sangat nasional. Elemen subvokal rakyat Rusiapolifonidiimplementasikan secara organik dan alami dalam kuartet A. P. Borodin dan A. K. Glazunov, dalam trio dan kuartet P. I. Tchaikovsky. P. I. Tchaikovsky menciptakan sejumlah kecil karya untuk ansambel instrumental: tiga kuartet gesek (tidak termasuk satu kuartet awal, ditulis selama bertahun-tahun belajar di konservatori dan tidak menerima nomor seri), yang diciptakan oleh penulis dalam satu lima -periode tahun (1871-1875), trio piano dan sextet string. Kuartet kedua, yang merupakan salah satu karya favorit penulis, juga menggabungkan genre folk dan prinsip liris pribadi.

Pada periode 1900-1917 di Rusia, musik instrumental menarik perhatian komposer Rusia. Kita dapat mengatakan bahwa hal ini belum pernah menduduki tempat yang begitu penting dalam pekerjaan mereka. A. Glazunov, S. Taneyev, S. Rachmaninov, A. Scriabin, A. Lyadov, A. Arensky, S. Lyapunov, N. Medtner, dan pemula S. Prokofiev menciptakan sejumlah besar karya instrumental yang memukau dengan isinya , keragaman gaya dan genre. Pertama-tama, perlu diperhatikan perkembangan genre konser, yang bagi beberapa komposer bahkan mulai mengemuka, “memeras” simfoni (Piano Concertos oleh S. Rachmaninov, S. Prokofiev). Tidak banyak konser biola yang muncul saat ini.

Daftar ini dibuka secara kronologis dengan konser A. S. Arensky (1901), yang dalam karya ini melanjutkan tradisi P. I. Tchaikovsky; diikuti oleh konser oleh A.K. Glazunov (1904) dan S.M. Karya terakhir ini dipengaruhi oleh M. A. Balakirev dan A. K. Glazunov.

Secara kronologis, perkembangan konser biola Rusia periode ini berakhir dengan Konser Biola dan Orkestra Pertama karya S. Prokofiev (1915-1917). Sebuah karya konser besar - Suite untuk biola dan orkestra (1909) - ditulis oleh S. I. Taneyev. Meskipun sejumlah kecil karya yang disebutkan, ada mahakarya asli - Konserto A. Glazunov, Konserto Pertama S. Prokofiev, yang termasuk dalam dana emas klasik biola dunia. Dekade pertama abad ke-20 adalah masa kejayaan sonata Rusia, meskipun sebagian besar untuk piano.

Banyak juga sonata untuk biola dan piano yang ditulis, meskipun di antara mereka tidak ada fenomena mencolok seperti sonata piano A. Scriabin atau S. Prokofiev. Mayoritas sonata biola pada periode ini tidak memiliki karakter inovatif, secara pasif melanjutkan tradisi klasik Rusia, terlebih lagi, dalam pengertian epigone-akademik. Begitulah sonata C. A. Cui (1911), yang saat itu tidak menimbulkan tanggapan apa pun; begitulah sonata dari "Belyaevites" - V. I. Malishevsky, A. A. Winkler, di mana masing-masing halaman yang menarik tidak melanggar gambaran keseluruhan kesejahteraan "akademik" dan kehalusan gaya.

Ini adalah komposisi yang merdu, tetapi sedikit orisinal, di mana tema-tema yang netral dalam hal kebangsaan dan gaya mendominasi, meskipun intonasi Rusia juga masuk. Sonata biola oleh A.F. Gedicke sangat berbeda dari karya Belyaevites dengan permulaan “Bach”. Sonata melodi yang menyenangkan oleh L.V. Nikolaev memperoleh popularitas yang relatif besar di kalangan pemain biola (dan bertahan di zaman Soviet).

Di antara karya biola dalam genre ini, dua sonata karya G.V. Catoire, seorang seniman yang halus dan halus, harus ditonjolkan secara khusus. Akar kreativitas G. Catoire ada pada musik P. Tchaikovsky, S. Taneev, A. Glazunov dalam kombinasi yang aneh dengan elemen gaya kaum Impresionis dan A. Scriabin. Grand Sonata untuk operasi biola dan piano. 15 G. Catuara, dengan bagian I yang penuh puitis, cantilena “Barcarolle” dan akhir impresionistik (“lepas landas” yang fantastis) harus dinilai sebagai salah satu puncak perkembangan genre sonata biola Rusia pada masa itu.

Sonata karya M. F. Gnesin memiliki nada subjektivis yang suram, di mana intonasi lagu rakyat Yahudi dibingkai oleh harmoni kromatik yang sangat indah. Salah satu sonata biola Rusia terbaik adalah Sonata op. 21 jam (1909-1910) oleh N.K. Bentuk-bentuk kecil berkembang cukup signifikan, tetapi bahkan di dalamnya, dalam hal genre dan keragaman gaya, sastra biola jauh lebih rendah daripada sastra piano. Tempat utama di dalamnya ditempati oleh drama liris dan bergenre - roman, keanggunan, "refleksi", "mimpi", mazurka, dan waltz, terkadang dengan sentuhan lirik intim dan gaya salon.

Dalam istilah liris dan genre, dengan kecenderungan merdu romansa, lakonan A. S. Arensky "Presdelaier", 6 sketsa untuk biola dan piano, "Lullaby" karya A. T. Grechaninov, "Reflection", "Regrets" - op. 9, 1895, F. Akimenko “Lullaby”, 1902, J. Vitola “Two Pieces”, “Romance”, Suite oleh S. Barmotin “Prelude”, “Little Poem”, “Lullaby”, “Scherzando”, “Eclogue” , “Mazurka”, “Elegi”, “Gambar Oriental”, “Waltz Kecil”. Karya biola bentuk kecil yang paling signifikan secara artistik adalah milik A.K. Glazunov, ini adalah "Meditasi" dan "Mazur-oberek", yang diaransemen oleh penulisnya sendiri dan untuk biola dan orkestra. “Meditasi” menjadi repertoar yang dibawakan dalam konser pemain biola.

N.K. Medtner menulis beberapa karya biola: 3 nocturnes (Op. 16, 1907), 2 canzones (Op. 43, 1924).

Sebagian besar komposer besar Rusia pada awal abad ke-20 memberi penghormatan kepada genre ansambel kamar, dan bagi sebagian orang, musik kamar menjadi bentuk utama kreativitas (S.I. Taneyev). Pada saat yang sama, perlu untuk menunjukkan bahwa di bidang ansambel instrumental tradisi klasik Rusia abad ke-19 ternyata sangat gigih dan, mungkin, kecenderungan akademisisme memanifestasikan dirinya dengan kekuatan tertentu.

Kecuali A. Glazunov, semua karya komposer lingkaran Belyaev sangat akademis. Bidang musik ini tetap tidak tersentuh oleh tren baru. Hampir pengecualian adalah Three Pieces for String Quartet oleh I. F. Stravinsky (1914). Genre ansambel kamar sangat menarik bagi banyak komposer dari kalangan Belyaev. Sastra kamar periode ini menunjukkan pengaruh kuat dari P. Tchaikovsky. Mereka sangat terlihat dalam 2 kuartet dan 2 trio piano A. S. Arensky. Trio Piano Pertama (1894) sangat populer, menawan dengan melodi romantis dan suasana eleginya.

Sampai hari ini, salah satu karya paling umum yang banyak digunakan dalam latihan pertunjukan adalah “Elegiac Trio” No. 2 (d-moll) oleh S. V. Rachmaninov, yang didedikasikan untuk mengenang P. I. Tchaikovsky (1893). Trio piano Tchaikovsky Musik instrumental kamar modern dalam arti ideologis dan artistiknya telah menjadi cukup sebanding dengan musik simfoni; simfoni tersebut sering kali mirip dengan genre kamar, seperti simfoni ke-14 dan ke-15 karya D. D. Shostakovich.

Musik instrumental kamar ditujukan untuk sekelompok kecil pemain. Hal ini ditandai dengan perhatian terhadap dunia batin seseorang sebagai individu, berbeda dengan ekspresi umum aspirasi banyak orang dalam genre simfoni. Monumentalitas simfoni dan keahlian konser instrumental yang sangat spektakuler, pada prinsipnya, tidak lazim untuk musik kamar. Sebaliknya, ia dibedakan oleh penghematan sarana ekspresif dengan kemandirian yang besar dari masing-masing bagian dan aktivitas kreatif setiap anggota ansambel. Awalnya, musik kamar ditujukan untuk kalangan pendengar yang sempit dan sering dibawakan di rumah, dan kemudian di ruang konser khusus kecil.

Musik kamar mengandaikan fungsi dominan instrumentasi, bobot keahlian tertentu, yang karenanya gradasi genre intra-gaya terkadang hanya memperoleh orientasi keteraturan dalam kaitannya dengan parameter kuantitatif utama.

Musik instrumental kamar modern dalam arti ideologis dan artistiknya telah menjadi sebanding dengan musik simfoni; simfoni seringkali mirip dengan genre kamar, yang terlihat jelas dalam karya-karya M. Khalitova.

Dalam musik Eropa Timur, dan saat ini dapat mencakup musik Tatar Krimea, serta sehubungan dengan pembentukan sekolah komposisi nasional, adaptasi genre kamar di tingkat nasional menjadi lebih aktif dari pertengahan abad terakhir hingga saat ini. . Oleh karena itu, genre musik kamar tradisional bertahan lebih lama di sini, dan akibatnya, minat terhadap komposisi kamar klasik, seperti misalnya, pada karya M. Khalitova: konser “Ashik-name”, konser terompet dan orkestra “At the kaki Demerdzhi”, “Nisan untuk cello dan orkestra" dan lain-lain.

Mungkin setiap orang menyukai musik. Ia menyertai umat manusia tanpa dapat dipisahkan; tidak mungkin untuk menentukan secara pasti kapan seseorang belajar memahaminya. Kemungkinan besar, ini terjadi ketika nenek moyang kita, yang mencoba mengekspresikan emosinya, menemui jalan buntu. Sejak itu, manusia dan musik saling terkait erat, saat ini ada banyak genre, gaya, dan trennya sendiri. Ini adalah cerita rakyat, spiritual dan, akhirnya, instrumental klasik - musik simfoni dan kamar. Hampir semua orang mengetahui apa itu gerakan dan bagaimana musik kamar ada, namun hanya sedikit yang mengetahui apa perbedaan dan ciri-cirinya. Mari kita coba mencari tahu nanti di artikel.

Sejarah musik kamar

Sejarah musik kamar dimulai pada Abad Pertengahan. Pada abad ke-16, musik mulai melampaui batas-batas gereja. Beberapa penulis mulai menulis karya yang dipentaskan di luar tembok gereja untuk sekelompok kecil penikmat. Perlu dicatat bahwa pada awalnya ini hanya bagian vokal, dan musik instrumental kamar muncul kemudian. Tapi hal pertama yang pertama.

Musik kamar memesona. Semua orang mungkin ingat bahwa nama ini berasal dari kata Italia kamera (“ruangan”). Berbeda dengan musik gereja dan teater, musik kamar pada awalnya dimaksudkan untuk dibawakan di dalam ruangan oleh kelompok kecil untuk kalangan pendengar yang sempit. Biasanya, pertunjukan diadakan di rumah, dan kemudian di ruang konser kecil. Musik instrumental kamar mencapai puncak popularitasnya pada abad ke-18 hingga ke-19, ketika konser serupa diadakan di semua ruang keluarga rumah-rumah kaya. Belakangan, bangsawan bahkan memperkenalkan posisi penuh waktu untuk musisi.

Gambar musik kamar

Awalnya, musik kamar dimaksudkan untuk dibawakan di hadapan sekelompok kecil orang yang merupakan penikmat dan ahlinya. Dan ukuran ruangan tempat konser berlangsung memungkinkan pemain dan pendengar saling berhubungan secara dekat. Semua ini menciptakan suasana kepemilikan yang unik. Mungkin karena itulah seni ini bercirikan kemampuannya yang tinggi dalam mengungkap emosi liris dan berbagai nuansa pengalaman manusia.

Genre musik kamar dirancang dengan lebih tepat untuk disampaikan dengan menggunakan cara yang singkat namun pada saat yang sama, cara yang rinci. Berbeda dengan bagian-bagian yang dibawakan oleh sekelompok instrumen, dalam karya-karya tersebut ditulis bagian tersendiri untuk setiap instrumen, dan semuanya praktis sama satu sama lain.

Jenis ansambel instrumental kamar

Seiring berkembangnya sejarah, musik kamar pun berkembang. Bahwa arah seperti itu harus mempunyai kekhasan dalam hubungannya dengan pelakunya tidak memerlukan pembuktian. Ansambel instrumental modern adalah:

duet (dua pemain);
trio (tiga anggota);
kuartet (empat);
kwintet (lima);
sextet (enam);
septet (tujuh);
oktet (delapan);
nonet (sembilan);
desimet (sepuluh).

Pada saat yang sama, komposisi instrumentalnya bisa sangat beragam. Ini dapat mencakup kedua senar, dan satu ansambel dapat mencakup hanya senar atau angin saja. Mungkin juga ada ansambel kamar campuran - piano sering kali disertakan di dalamnya. Secara umum, komposisi mereka hanya dibatasi oleh satu hal - imajinasi komposer, dan seringkali tidak terbatas. Selain itu, ada juga orkestra kamar – grup yang beranggotakan tidak lebih dari 25 musisi.

Genre musik kamar instrumental

Genre musik kamar modern terbentuk di bawah pengaruh karya komposer besar seperti W. A. Mozart, L. Beethoven, I. Haydn. Para master inilah yang menciptakan karya-karya yang tak tertandingi dalam hal kehalusan konten dan kedalaman emosional. Romantisme paling terkenal abad ke-19 memberikan penghormatan kepada sonata, duet, trio, kuartet, dan kuintet: F. Mendelssohn, R. Schumann, F. Schubert, F. Chopin. Selain itu, genre miniatur instrumental (nocturnes, intermezzos) juga mendapatkan popularitas yang luar biasa saat ini.

Ada juga konser kamar, suite, fugue, dan kantata. Bahkan di abad ke-18, genre musik kamar sangatlah beragam. Selain itu, mereka menyerap fitur gaya dari tren dan gaya lainnya. Misalnya, keinginan L. Beethoven untuk mendobrak batas-batas fenomena musik kamar terlihat begitu jelas sehingga karyanya seperti “Kreutzer Sonata” sama sekali tidak kalah dengan karya simfoni dalam hal monumentalisme dan intensitas emosionalnya.

Genre musik ruang vokal

Pada abad ke-19, musik ruang vokal mendapatkan popularitas yang luar biasa. Orang-orang seperti R. Schumann, F. Schubert, dan J. Brahms memberi penghormatan kepada munculnya genre baru lagu seni dan romansa. Komposer Rusia telah memberikan kontribusi yang tak ternilai bagi koleksi karya musik kamar dunia. Kisah cinta yang luar biasa dari M. I. Glinka, P. I. Tchaikovsky, M. P. Mussorgsky, M. A. Rimsky-Korsakov bahkan hingga saat ini tidak membuat siapa pun acuh tak acuh. Selain karya kecil, ada juga genre opera kamar. Ini melibatkan sejumlah kecil pemain dan tidak memerlukan ruang produksi yang besar.

Musik kamar hari ini

Tentu saja, saat ini praktis tidak ada rumah seperti itu di mana, seperti di abad-abad yang lalu, ansambel kamar bermain dikelilingi oleh sejumlah orang terbatas. Namun, bertentangan dengan stereotip yang ada, arah ini tetap banyak diminati. Aula musik organ dan kamar di seluruh dunia menarik jutaan penggemar karya komposer klasik dan penulis kontemporer. Festival diadakan secara rutin di mana seniman terkenal dan pendatang baru berbagi karya seni mereka.

Ansambel instrumental kamar menempati tempat dalam karya Taneyev yang belum pernah termasuk dalam bidang kreativitas musik Rusia: "dunia komposer" lebih banyak diwujudkan dalam opera atau simfoni mereka. Siklus kamar Taneyev tidak hanya merupakan pencapaian tertinggi karyanya, tetapi juga merupakan puncak musik kamar pra-revolusioner Rusia secara keseluruhan.

Diketahui bahwa pada abad ke-20 terjadi peningkatan minat terhadap musik kamar dan ansambel dalam budaya nasional yang berbeda. Di Rusia pada paruh kedua abad ke-19, dan khususnya menjelang akhir abad ke-19, fenomena ini berakar. Psikologisme penting dan menjadi ciri seni Rusia pada masa itu. Pendalaman ke dunia manusia, pertunjukan gerakan jiwa yang paling halus melekat dalam sastra saat itu - L. Tolstoy, Dostoevsky, kemudian Chekhov - dan lukisan potret, opera, dan lirik vokal. Psikologisme, dikombinasikan dengan sikap terhadap sifat musik instrumental yang non-program, yang diwujudkan Taneyev dalam karya ansambel kamarnya. Kecenderungan klasik juga penting.

Musik ansambel kamar mengungkapkan evolusi kreativitas Taneyev secara lebih lengkap, lebih konsisten, dan lebih cemerlang dibandingkan genre lainnya. Bukan suatu kebetulan bahwa gaya komposisi individu Taneyev yang paling jelas, seorang mahasiswa di konservatori, terwujud dalam kuartet gesek di D minor (belum selesai), baik dari sudut pandang tematik maupun metode pengembangan. Tema bagian utama gerakan pertama adalah sedih. Detik-detik terkulai, yang begitu sering terjadi di Tchaikovsky, di sini terdengar tidak emosional dan terbuka secara emosional, tetapi lebih terkendali dan tegas. Tema yang terdiri dari empat suara ini bukanlah nyanyian, melainkan singkat dan abstrak ala Taneev. Permulaan kedua dari motif segera dipertajam oleh yang keempat yang berkurang; dalam kombinasi dengan suara-suara lain, interval-interval lebar yang tidak stabil muncul. Penyajian bagian utama dalam bentuk polifonik sangat menarik dan indikatif: tiruan sudah muncul di bar kedua.

Pada konduksi kedua (bar 9–58), sifat tiruan dari penyajiannya ditekankan oleh stretta. Di bagian ketiga pengembangan - fugato dengan empat bagian lengkap (dari volume 108) - sebuah peristiwa penting terjadi: tema fugato mensintesis kedua tema eksposisi.

Ansambel kamar mengambil tempat utama pada tahun-tahun yang merupakan kelanjutan dari masa pelajar dan sebelum penciptaan “John of Damascus” (1884). Pada pandangan pertama, tugas-tugas yang Taneyev tetapkan untuk dirinya sendiri pada tahap ini terlihat paradoks dan terlalu dini (bahkan di mata Tchaikovsky: teknik polifonik, "polifoni Rusia"), tetapi penyelesaiannya mendorong komposer tepat ke arah yang seiring waktu berubah. tidak hanya menjadi garis umum karyanya, tetapi juga menjadi tren signifikan dalam perkembangan musik Rusia abad ke-20. Salah satu tugas tersebut adalah penguasaan penulisan kamar, dan pada awalnya didasarkan pada penguasaan - praktis, komposer, dan diatur secara sadar - sistem intonasi dan struktur komposisi musik kamar klasik Wina. “Model dan subjek peniruannya adalah Mozart,” tulis musisi muda itu kepada Tchaikovsky mengenai Kuartetnya di C mayor.

Bagi Taneyev, lapisan klasisisme Wina tidak terbatas pada prototipe tematik dan prinsip kerja yang berasal dari musik Mozart. Yang tidak kalah pentingnya adalah orientasi terhadap ruang, dan sebagian siklus simfoni dan piano Beethoven. Peran polifoni tiruan yang sangat penting dikaitkan dengan tradisi Beethoven. Awal mula kuartet di jurusan E-flat berbicara tentang “instalasi polifonik” Taneyev; kalimat kedua (vol. 13 et seq.) adalah kanon empat suara; teknik kontrapuntal ditemukan di bagian eksposisi dan perkembangan. Bentuk fugue pertama muncul, masuk ke dalam struktur yang lebih besar - di bagian ekstrim dari trio di D mayor, di akhir kuartet di C mayor. Di sini, lebih awal dari tiga simfoni pertama (pada tahun yang sama), sebutan tempo Adagio muncul. Dan meskipun gerakan lambat ini tidak memiliki isi mendalam dari Adagios Taneyev selanjutnya, ini mungkin adalah bagian terbaik dari siklus tersebut.

Taneyev sendiri menilai pekerjaan kamar pertamanya dengan ketat (lihat entri buku harian tertanggal 23 Maret 1907). Beberapa review dari satu-satunya penampilan kuartet di E-flat mayor dan C mayor sangat negatif. Ansambel tahun 70-80an diterbitkan tiga perempat abad lebih lambat dari kemunculannya melalui karya G. V. Kirkor, I. N. Jordan, B. V. Dobrokhotov.

Siklus instrumental kamar berikutnya diterbitkan selama masa hidup komposer dan dapat dianggap sebagai contoh gaya dewasanya. Ia memiliki periodisasi internal yang lebih rinci: kuartet dalam D minor (1886; direvisi dan diterbitkan pada tahun 1896 sebagai No. 3, op. 7) dan B-flat minor (1890, No. 1, op. 4), ditulis sebelum Oresteia, dengan melodinya yang lebih merdu; pembukaan dengan kuartet di C mayor op. 5 (1895) sejumlah ansambel string paling signifikan, di antaranya dua kwintet menempati tempat khusus - op. 14 (dengan dua cello, 1901) dan op. 16 (dengan dua biola, 1904); akhirnya, mengikuti kuartet dalam ansambel B flat mayor (Op. 19, 1905) dengan partisipasi piano: kuartet dalam E mayor op. 20 (1906), trio dalam operasi D mayor. 22 (1908) dan Quintet dalam G minor op. 30 (1911). Namun pengelompokan ini sebagian besar bersifat sewenang-wenang. Masing-masing ansambel Taneev adalah sebuah bangunan yang dibangun sesuai dengan "proyek individu". Mereka mengekspresikan suasana hati yang berbeda, masing-masing dengan tugas khususnya sendiri, tujuan khususnya sendiri.

L.Korabelnikova

Ansambel instrumental kamar:

sonata untuk biola dan piano a-moll (tanpa op., 1911)

trio
untuk biola, viola dan cello D mayor, no op., 1880,
dan h-moll, tanpa op., 1913
untuk 2 biola dan viola, D mayor, op. 21, 1907
piano, D mayor, op. 22, 1908
untuk biola, viola dan tenor viola, Es mayor, op. 31 Agustus 1911

kuartet gesek
Es mayor, no op., 1880
C mayor, no op., 1883
Seorang mayor, tanpa operasi, 1883
d-moll, tanpa op., 1886, edisi ke-2 - ke-3, op. 7 tahun 1896
1, b kecil, op. 4 tahun 1890
2, C mayor, op. 5 tahun 1895
4, di bawah umur, op. 11, 1899
5, Mayor, op. 13, 1903
6, B mayor, op. 19, 1905
G mayor, tanpa operasi, 1905

kuartet piano di E mayor (op. 20, 1906)

kwintet
Senar pertama - untuk 2 biola, viola dan 2 cello, G mayor, op. 14.1901
Senar ke-2 - untuk 2 biola, 2 biola dan cello, C mayor, op. 16, 1904
piano, g-moll, op. 30 Agustus 1911

Andante untuk 2 seruling, 2 obo, 2 klarinet, 2 bassoon, dan 2 terompet (no op., 1883)

Ditujukan untuk pertunjukan di ruangan kecil oleh sekelompok kecil pemain.

Istilah “musik kamar” pertama kali ditemukan pada tahun 1555 oleh N. Vi-chen-ti-no. Pada abad 16-17, “chamber-noy” disebut musik sekuler (vo-cal-nu-yu, dari abad ke-17 juga in-st-ru-men-tal-nu), terdengar di rumah dan di istana. ; pada abad ke-17-18 di sebagian besar negara Eropa, istana merenung-kan-you but-si-li-gelar “ka-mer-mu-zy-kan- Kamerad" (di Rusia ini adalah gelar makhluk di abad ke-18 - awal abad ke-19; di Austria dan Jerman sebagai gelar kehormatan untuk daftar in-stru-men-ta masih dipertahankan). Pada abad ke-18, musik kamar dibunyikan di salon-salon besar dunia dalam kalangan sempit penikmat dan pecinta, sejak awal abad ke-19 didirikan telah menjadi bagian integral dari kehidupan musik Eropa. Dengan maraknya konser publik-pribadi, kamar-kita-telah-disebut musisi profesional yang tampil dalam konser menggunakan musik kamar. Jenis ka-mer-no-go en-samb-la us-toy-chi-vye: du-et, trio, quart-tet, quin-tet, sec-tet, sep-tet, ok-tet, tapi - tidak, de-ci-met. Ansambel vokal, yang mencakup sekitar 10 hingga 20 pemain, biasanya disebut paduan suara kamar; an-sambel in-st-ru-mental, terdiri lebih dari 12 is-pol-ni-te-ley, - chamber-or-ke-st-rum (batas antara chamber dan orkestra simfoni kecil tidak op-re-de-len-ny).

Bentuk musik kamar in-st-ru-mental yang paling berkembang adalah siklik so-na-ta (pada abad 17-18 - trio-so-na-ta, solo so-na-ta tanpa co-pro-vo -zh-de-niya atau dengan co-pro-vo-zh-de-ni-em bass-so con-ti-nuo; -tsy - dalam A. Ko-rel-li, I. S. Ba-kha). Pada paruh kedua abad ke-18, J. Haydn, K. Diet-ters-dor-fa, L. Bok-ke-ri-ni, V. A. Mo-tsar-ta sfor-mi-ro-va - ada genre dari so-na-ty klasik (solo dan en-samb-le-voy), trio, quar-te-ta, quin-te-ta (bersamaan dengan ti-pi-za-tsi-ey is-pol -ni-tel-skih so-sta-v), koneksi op-re-de-linen telah dibuat antara ha-rak-te-rom dari-lo-zhe-niya dari ka-zh-doy part-tiya dan mungkin-sty-mi in-st-ru-ment-ta, untuk sesuatu yang sudah diketahui sebelumnya (sebelumnya sebelum penggunaan yang sama dan sama dengan so-sta-va-mi yang berbeda di-st-ru- men-tov). Untuk in-st-ru-men-tal-no-go en-samb-la (bow-to-vo-go quar-te-ta) pada paruh pertama abad ke-19 so-chi-nya-li L. van Beth-ho-ven, F. Schu-bert, F. Men-del-son, R. Shu-man dan banyak com-po-zi-to-ry lainnya. Pada paruh kedua abad ke-19, contoh musik kamar diciptakan oleh J. Brahms, E. Grieg, S. Frank, B. Sme-ta-na, A. Courtyard, pada abad ke-20 - K. Debussy, M .Ravel, P. Hindemit, L. Janacek, B. Bartok dan lain-lain.

Di Rusia, musik kamar telah menyebar sejak tahun 1770-an; pertama di-st-ru-mental-nye en-samb-li na-pi-sal D. S. Bort-nyan-sky. Perkembangan lebih lanjut dari musik kamar dicapai oleh A. A. Alyab-e-va, M. I. Glinka dan mencapai tingkat artistik you-so-tea-she dalam karya P.I. Chai-kovsky dan A.P. Perhatian besar pada ka-mer-no-mu en-semble S. I. Ta-ne-ev, A. K. Gla-zu-nov, S. V. Rakh -ma-ni-nov, N. Ya. kovich, S. S. Pro-kof-ev. Dalam proses perkembangan sejarah, gaya musik kamar berubah secara signifikan, semakin mendekati simfoni atau apa pun yang virtual dan quin-te-tov - dari Shu-ma-n dan Brahm-sa, konser setan-kamu-no-sti di co -on-tats untuk biola dan piano: No. 9 “Krei-tse-ro- howl" Beth-ho-ve-na, so-na-te Fran-ka, No. 3 Brahm-sa, No. 3 Grie- tidak).

Dari sisi lain, pada abad ke-20, simfoni dan konser tersebar luas untuk tidak banyak orang. Berapa banyak in-st-ru-men-tov yang telah menjadi berbagai jenis genre kamera: kamera sim -phonia (misalnya , simfoni ke-14 Shos-ta-ko-vi-cha), “musik untuk…” (Musik untuk senar, perkusi) nykh dan che-le-sty Bar-to-ka), konser-ti-no, dll. Genre khusus musik kamar adalah in-st-ru-ment-tal-nye mi-nia-tu-ry ( pada abad ke-19-20 sering digabungkan menjadi siklus). Diantaranya: piano “lagu tanpa kata” oleh Men-del-so-na, dimainkan oleh Shu-ma-na, waltz, nok-tyur-ns, pre-ludes dan etudes F. Sho-pe-na, komposisi piano kamar bentuk kecil A. N. Skrya-bi-na, Rakh-ma-ni-no-va, N. K . Met-ne-ra, permainan piano oleh Chai-kov-sko-go, Pro-kof-e-va, banyak bermain untuk berbagai in-st-ru-men dalam dan luar negeri.

Sejak akhir abad ke-18 dan khususnya abad ke-19, musik kamar (genre lagu dan roman) menjadi menonjol. Com-po-zi-to-ry-ro-man-ti-ki memperkenalkan genre vo-cal-noy mi-nia-ty-ry, serta siklus lagu (“Pre-red strand-ni-chi- ha” dan “Winter Path” oleh F. Shu-ber-ta, “Love for this” oleh R. Shu-man, dll.). Pada paruh kedua abad ke-19, J. Brahms menaruh banyak perhatian pada musik kamar, dan dalam karya X. Wolf, genre vokal kamar -nye untuk posisi terdepan. Genre lagu Shi-ro-vi-tie dan ro-man-sa po-lu-chi-li di Rusia, ketinggian artistik dicapai di dalamnya M. I Glin-ka, P. I. Chai-kovsky, A. P. Bo-ro-din, M. P. Mu-sorg-sky, N. A. Rim-sky-Kor-sa-kov, S. V. Rakh-ma-ni-nov, S. S. Pro-kof-ev, D. D. Shos-ta-kovich, G. V. Svi-ridov.

Musik kamar Brahms mungkin merupakan bidang terkaya dan paling beragam dalam warisan komposer. Isinya semua gagasan utama karyanya, dari tahap awal hingga akhir, sepenuhnya dan konsisten mencerminkan evolusi gaya. Semua konsep siklus Brahmsian disajikan di sini dalam berbagai manifestasi: dramatis dan elegi, genre liris dan pastoral. “Konseptualitas dari siklus tersebut,” L. Kokoreva menunjukkan, “intelektualisme musik yang mendalam muncul sebagai pembawa ciri paling khas dari budaya Austro-Jerman.”

Ketertarikan pada genre instrumental kamar ditentukan oleh kegemaran khas Brahms terhadap penyelesaian detail artistik yang halus. Selain itu, menurut M. Druskin, produktivitas komposer meningkat pada tahun-tahun kritis, ketika Brahms merasa perlu untuk lebih mengembangkan dan meningkatkan prinsip kreatifnya. Kita dapat menguraikan tiga periode dalam perkembangan gaya instrumental kamar Brahms, yang umumnya sesuai dengan periode-periode utama karyanya, meskipun tidak sebagian bertepatan dengan periode-periode tersebut.

Dekade 1854-1865 merupakan periode dengan jumlah karya terbanyak. Sembilan ansambel ruang yang berbeda diciptakan selama tahun-tahun ini: Piano trio, dua string sextet, tiga piano kuartet. Kuartet piano ketiga diselesaikan jauh kemudian, tetapi disusun pada tahun 1855, Cello sonata, trio Horn, Piano quintet; Selain itu, masih banyak karya lain yang dimusnahkan oleh pengarang yang menuntut dirinya sendiri. Semua ini menunjukkan aktivitas kreatif yang luar biasa dari komposer muda, tentang pencariannya yang tak kenal lelah dan gigih untuk menemukan dan mengkonsolidasikan individualitas artistiknya. “Bidang eksperimental” dalam hal ini adalah musik kamar - untuk piano dan, khususnya, untuk ansambel instrumental, meskipun pada tahun yang sama Brahms juga banyak bekerja di bidang genre vokal. Periode ini diakhiri dengan "Requiem Jerman". Ini adalah karya berskala besar pertama komposer dalam konsep dan implementasi. Dia sedang memasuki masa penguasaan yang matang.

Dekade 1873-1882 memiliki jumlah karya kamar yang lebih sedikit - hanya enam: tiga kuartet gesek, Sonata Biola Pertama, Trio Piano Kedua, Kuintet Senar Pertama (dan dalam dua kuartet, musik yang ditulis pada periode sebelumnya digunakan) ). Tugas artistik lainnya membuat Brahms khawatir selama tahun-tahun ini: dia beralih ke ide simfoni berskala besar. Komposer mencapai titik tertinggi dalam perkembangan kreatifnya.

Pada tahun 1885, Brahms menyelesaikan Simfoni Keempat. Dia merasakan gelombang kekuatan kreatif yang sangat besar, tetapi pada saat yang sama, momen-momen krisis mulai muncul. Ini adalah salah satu titik balik penting dalam biografinya. Periode “musim gugur kreatif” yang bermanfaat akan datang. Selama periode inilah jumlah ruang kerja meningkat dan bobotnya bertambah. Pada musim panas tahun 1886 saja, Brahms menulis empat karya luar biasa: sonata biola Kedua dan Ketiga (selesai dua tahun kemudian), Cello Sonata Kedua, Trio Piano Ketiga; di tahun-tahun berikutnya - Quintet Senar Kedua, Trio Klarinet, Quintet Klarinet dan dua sonata klarinet.

Tiga periode berbeda menentukan perbedaan baik dalam lingkup figuratif-emosional maupun dalam gaya ansambel kamar Brahms. Banyak peneliti menunjukkan fakta ini. Oleh karena itu, secara khusus, M. Druskin menganggap kelompok sembilan karya pertama sebagai yang paling beragam. Selama periode ini, komposer berada dalam kondisi gejolak kreatif, ahli musik menulis, “dia terburu nafsu dan tidak stabil, berusaha menemukan dirinya dalam berbagai arah; terkadang, tanpa ragu-ragu, dia menjatuhkan banyak pengalaman subjektif yang membanjiri dirinya, terkadang dia mencari cara untuk menciptakan musik yang lebih dapat dipahami dan objektif, “secara umum signifikan”. Area perasaan muda yang segar dan romantis dengan keindahan yang melimpah terungkap dalam karya-karya ini, di antaranya Piano Quintet yang brilian muncul."

Kelompok kedua tampak kurang integral. Brahms terkadang kembali ke tema dan gambaran yang mengkhawatirkannya di tahun-tahun sebelumnya, tetapi menyampaikannya dalam bentuk yang agak skematis. Menurut M. Druskin, yang dimaksud di sini adalah “dominasi prinsip rasional dalam karya-karya ini dibandingkan prinsip emosional”.

Kelompok ketiga kembali menjadi puncak kreativitas instrumental kamar Brahms. Kelengkapan dan keragaman konten figuratif dan emosional dipadukan di sini dengan keterampilan yang matang. Yang patut diperhatikan adalah penguatan, di satu sisi, garis heroik-epik, dan di sisi lain, garis yang lebih personal dan subjektif. Kontradiksi ini merupakan indikator tahun-tahun krisis pada periode terakhir kehidupan Brahms.

Mari kita membahas secara singkat ciri-ciri karya individu.

Brahms adalah penulis tujuh ansambel string - tiga kuartet, dua kwintet, dan dua sekstet. Dalam Quintet op. 115, bagian klarinet sesuai arahan penulis dapat diganti dengan viola. Dengan demikian, karya ini dapat dianggap ditulis untuk ansambel string. Komposisi-komposisi ini, berbeda dalam kemampuan warna-warninya, menarik komposer dalam periode berbeda dalam karyanya: sextet ditulis pada tahun 1859-1865, kuartet pada tahun 1873-1875, kuintet pada tahun 1882-. 1890. Isi karya awal dan akhir - sextet dan kuintet - lebih sederhana, lebih dekat dengan pengalihan kuno abad ke-18 atau serenade orkestra Brahms sendiri, sedangkan musik kuartet lebih mendalam dan subyektif.

Sisi lain dari realitas tercermin dalam kuartet gesek. Brahms pernah mengakui dalam sebuah percakapan bahwa sebelum awal tahun 1870-an ia menulis sekitar dua puluh karya untuk kuartet gesek, tetapi tidak menerbitkannya dan menghancurkan manuskripnya. Dari yang masih hidup, dua - c-moll dan a-moll - diterbitkan dalam bentuk revisi sebagai op. 51 tahun 1873; tiga tahun kemudian Kuartet Ketiga di B mayor, op. 67.

Pada saat ia menciptakan tiga kuartet gesek (1873-1875), Brahms telah mengumpulkan banyak pengalaman di bidang kreativitas instrumental kamar dan telah memasuki periode perkembangan terbesarnya. Tiga kuartet gesek, yang ditulis satu demi satu pada awal tahun 1870-an, ditandai dengan ciri-ciri kematangan yang utuh, keterampilan artistik yang tinggi, dan teknik virtuoso dalam menangani musik kuartet. Ini adalah mahakarya musik kamar karya Brahms. Proses psikologis yang dalam dan kompleks terungkap di dalamnya dalam gaya dinamis-tegang dengan konsentrasi dan keringkasan yang ekstrim. Pentingnya konsep dan intensitas pengembangan memungkinkan kita untuk berbicara tentang simfoni sebenarnya dari karya-karya ini, yang mewarisi tradisi Beethoven, L. Kokoreva menunjukkan: “Hubungan internal yang mendalam dengan musik klasik - ide-ide heroik dan dramatis Beethoven, lirik filosofis - dibiaskan secara individual, dalam dramaturgi siklus Brahmsian murni. Ketidaksabaran dan gairah romantis digantikan oleh pengekangan ekspresi yang ketat."

Kuartet gesek, seperti kuartet piano, membentuk triptych karya yang isinya kontras, mewujudkan tiga konsep Brahmsian yang paling penting: genre dramatis, lirik-elegi, dan pastoral. Ditulis untuk mengantisipasi simfoni, kuartet merupakan tonggak penting dalam perjalanannya: dalam kerangka ansambel string itulah gaya simfoni komposer menjadi matang. Dari sinilah muncul kekerabatan internal kedua genre, keterkaitan, serta interpenetrasi dua prinsip - musik kamar dan simfoni, sehingga menghasilkan kualitas musik Brahms. Sifat ruang simfoni terletak pada kompleksitas psikologis, kehalusan gradasi dalam penyampaian berbagai corak muatan emosional, sedangkan kuartet disimfonkan dalam arti yang utuh.

Kedekatan khusus terasa antara kuartet di C minor op. 51 dan sebuah simfoni dengan kunci yang sama, bagian pertamanya ditulis dengan kunci emosional yang sama. Apa yang juga menandakan siklus simfoni masa depan, tulis L. Kokoreva, adalah bahwa alih-alih scherzo, yang sampai sekarang mendominasi ansambel, semacam intermezzo muncul di sini pada tempo Allegretto, memberikan kuartet penampilan individual yang unik. Kuartet C-minor melanjutkan alur dramatisasi bagian akhir, yang nantinya akan menjadi ciri khas gaya simfoni yang matang. Tetapi bahkan di antara karya-karya Brahms yang paling matang, kuartet C-moll menonjol karena singkatnya yang langka, konsentrasi pemikiran, kesatuan siklus, bagian-bagian individualnya saling berhubungan oleh pengembangan satu ide, dan integritas khusus dalam setiap bagian.

Kuartet kedua dalam operasi minor. 51 dalam tiga serangkai kuartet gesek berfungsi sebagai pusat liris dan dibedakan oleh nada yang lembut, penuh perasaan, merdu, tekstur transparan. Setelah kontras dinamis dari kuartet C-minor, klimaksnya yang impulsif dan intens, perkembangan yang pesat, di sini Anda dapat merasakan kehalusan relief, plastisitas lembut kontur melodi, aliran musik yang santai. Prinsip Schubertian di dalamnya bertolak belakang dengan prinsip Beethovenian yang mendominasi pada kuartet pertama. Namun, ini hanya berlaku untuk tiga bagian pertama, yang secara konsisten mengungkapkan dunia lirik Brahmsian yang kaya dan unik. Bagian akhir penuh dengan energi yang tak tergoyahkan, kekuatan dramatis, dan merupakan hasil semantik yang menjadi tujuan semua pembangunan.

Kuartet Ketiga dalam operasi B mayor. 67, dibuat oleh komposer pada tahun 1875, dua tahun setelah dua tahun pertama, membalasnya dengan nada ceria dan cerah. Gambaran alam hutan, ritme hidup yang ceria, melodi lagu meresapi karya ini, di mana Agitato Allegretto non troppo (gerakan ketiga) dalam d-moll kontras dengan pandangan dunia penuh kegembiraan yang terkandung dalam tiga bagian.

Dua Quintet - F mayor, op. 88 dan G mayor, op. 111 - ditulis untuk komposisi homogen - dua biola, dua biola, dan satu cello. Karakter merdu, berani melekat pada Kwintet Pertama; kemudahan yang menggembirakan dalam semangat J. Strauss - ke Yang Kedua. Kuintet kedua adalah salah satu karya kamar terbaik Brahms.

Sonata memiliki konten yang bervariasi - dua untuk cello (1865 dan 1886) dan tiga untuk biola dan piano (1879, 1886 dan 1888).

Dari elegi yang penuh gairah pada gerakan pertama hingga minuet Wina yang menyedihkan pada gerakan kedua dan akhir fugue dengan energinya yang tegas - inilah lingkaran gambar Cello Sonata Pertama di e-moll, op. 38. Sonata Kedua dalam F mayor, op. 99; semuanya penuh dengan konflik akut.

Sonata biola dapat menjadi bukti nyata dari imajinasi kreatif Brahms yang tiada habisnya - masing-masing bersifat unik. Sonata Pertama di G mayor, op. 78 menarik dengan puisinya, gerakannya yang lebar, lancar dan halus; itu juga memiliki momen lanskap. Sonata Kedua dalam A mayor, op. 100, merdu, ceria, disajikan secara ringkas dan terkumpul. Tak disangka, pengaruh Grieg terungkap di bagian kedua. Secara umum, kurangnya perkembangan dan drama yang besar membedakannya dari karya kamar Brahms lainnya. Perbedaannya sangat besar dari Sonata Ketiga di d minor, op. 108. Ini adalah salah satu karya komposer yang paling dramatis dan penuh konflik, di mana gambaran romantis pemberontak dari Cello Sonata Kedua dikembangkan dengan sangat sempurna.

Ekspresi sempurna dari periode “sturm und drang” dalam biografi kreatif Brahms diberikan oleh Piano Quintet dalam F minor, op. 34. Menurut M. Druskin, karya ini adalah yang terbaik tidak hanya pada periode ini, tetapi, mungkin, di seluruh warisan instrumental kamar komposer: “Musik kuintet mencapai tragedi yang sebenarnya. Setiap bagian penuh dengan gambaran tindakan, dorongan cemas dan kegelisahan yang menggebu-gebu, maskulinitas, dan kemauan keras.” Brahms beralih ke komposisi pada tahun 1861, menganggapnya sebagai komposisi string. Namun kekuatan dan kontras gambarnya melebihi kemampuan senarnya. Kemudian edisi untuk dua piano ditulis, tetapi tidak memuaskan komposernya. Baru pada tahun 1864 bentuk yang diinginkan ditemukan, di mana kuartet gesek didukung oleh piano.

Brahms kembali ke tema yang sama, menyelesaikannya secara berbeda setiap kali, menjelang akhir hidupnya di Third Violin Sonata dan Third Piano Trio. Namun empat karya kamar terakhir (1891-1894) mewujudkan tema dan gambar yang berbeda.

Dalam konteks karya instrumental kamar Brahms, trio pianonya patut mendapat perhatian khusus.

Trio pertama untuk piano, biola dan cello di H mayor, op. 8 ditulis oleh seorang penulis berusia 20 tahun. Ini memikat dengan kesegaran masa muda dari penemuan dan kegembiraan romantis.

Perlu dicatat bahwa di ruang konser dan lembaga pendidikan trio ini dimainkan dalam edisi kedua, yang dibuat oleh komposer pada tahun 1890. Didorong oleh temannya, ahli musik terkenal Austria E. Hanslick, Brahms beralih ke karya awalnya dan melakukan revisi radikal. Pada edisi baru, prinsip penataan bagian-bagian dan tema pokoknya dipertahankan dari versi aslinya; Bagian kedua, Scherzo, hampir tidak berubah. Dengan mempertahankan nomor urut karya pada edisi kedua, penulis dengan demikian menegaskan keinginannya hanya untuk menyempurnakan karya yang ditulis di masa mudanya. Namun, dia meningkat dari posisi seorang master yang sudah matang, sangat menuntut dan ketat pada dirinya sendiri, dan, pada dasarnya, membentuk hampir tiga perempat dari Trio yang baru. Perbedaan utama antara kedua pilihan tersebut berkaitan dengan masalah konsep, prinsip perkembangan dan pembentukan dramatis, dan metode penyajian materi.

Operasi besar Trio Es. 40 untuk piano, biola dan terompet dalam bahasa Es ditulis pada tahun 1865 dan pertama kali diterbitkan pada tahun 1866 oleh Breitkopf & Hartel. Dalam literatur musikologi, terkadang dikemukakan pendapat bahwa Trio (atau bagian-bagian individualnya) diciptakan pada tahun 1850-an dan dengan demikian termasuk dalam periode awal karya komposer. Namun asumsi ini tidak cukup meyakinkan, A. Bonduryansky percaya, tanpa ragu, Trio ini ditulis oleh tangan seorang master yang matang: “Tidak ada jejak kejenuhan bentuk dengan materi musik yang kita temui di dalamnya. Karya-karya awal Brahms, khususnya pada Trio H -dur op. 8. Sebaliknya, Trio Es-dur menarik justru karena kesesuaian isi dan bentuk, keinginan akan keringkasan dan kesederhanaan ekspresi yang melekat pada karya-karya komposer selanjutnya, misalnya trio op. 87 dan op. 101" A. Bonduryansky memberikan argumen lain - konseptual dan dramatis - yang mendukung fakta bahwa Trio diciptakan pada tahun 1865. Tahun ini dalam kehidupan Brahms dikaitkan dengan salah satu peristiwa paling tragis - kematian ibu tercintanya. Tanggapan langsung sang komposer terhadap peristiwa ini adalah operasi “Requiem Jerman” miliknya. 45, ditulis pada tahun yang sama. Tetapi bahkan di Trio Es-mayor, keinginan untuk mengembangkan gambaran sedih terungkap - dari keanggunan episode di bagian pertama hingga tragedi sebenarnya di Adagio mesto.. Menurut M. Druskin, tidak ada karya lain yang murni , jiwa antusias Brahms yang romantis telah terungkap seutuhnya .

Trio untuk piano, biola dan cello C mayor op. 87 (1880-1882) termasuk dalam periode berikutnya dari biografi kreatif J. Brahms. Sejak akhir tahun 1870-an, komposer ini berada di puncak ketenarannya. Pada tahun 1876, Universitas Cambridge memberinya gelar kehormatan Doctor of Music, dan setahun kemudian London Philharmonic Society memberinya Medali Emas. Sejak tahun 1880 ia menjadi doktor kehormatan di Universitas Breslau. Konser Brahms sebagai pianis dan konduktor diadakan dengan sukses besar di Austria, Jerman, Swiss, Belanda, Hongaria, dan Polandia. Tanda pengakuan atas jasa-jasanya sebagai komposer dan tokoh musik adalah undangan untuk jabatan direktur musik di Düsseldorf (yang dua dekade sebelumnya ditempati oleh R. Schumann) dan jabatan kantor Gereja St. Petersburg. Thomas di Leipzig.

Malam tahun 1878 ditandai dengan pemutaran perdana Simfoni Kedua, yang dibawakan di Wina di bawah arahan Hans Richter. Pertunjukan simfoni yang sama pada bulan September 1878 di kampung halaman Brahms di Hamburg untuk merayakan ulang tahun kelima puluh berdirinya Philharmonic adalah kemenangan sejati bagi sang komposer. Pada musim gugur, Brahms dan pemain biola terkenal Joachim, yang memiliki persahabatan dekat, memulai tur konser besar di Hongaria, dan pada Februari 1880 - ke Polandia. Hampir pada saat yang sama, Brahms mulai mengerjakan Trio untuk piano, biola, dan cello di C mayor op. 87. Komunikasi yang erat dan kreatif dan bersahabat dengan Joachim selama periode ini, menurut A. Bonduryansky, mempengaruhi rencana Trio.

Selesai pada bulan Juni 1882, Trio Brahms di C melanjutkan tradisi Beethoven-Schubert dalam genre musik kamar ini. Para peneliti mencatat prinsip-prinsip umum dalam membangun siklus secara keseluruhan, bagian-bagian individualnya, penggunaan teknik penyajian materi musik oleh Brahms yang dikembangkan oleh para pendahulunya yang hebat, dan bahkan kesamaan intonasi dari beberapa tema. Pada saat yang sama, sambil tetap menjadi penganut tradisi klasik di bidang bentuk, Brahms mengilhami konten dengan persepsi romantis yang melekat dan khusus tentang dunia.

Trio untuk piano, biola dan cello dalam C minor, op. 101 (1886) setara dengan karya kamar terbaik Brahms. Ini tidak hanya mengungkapkan kecemerlangan dan kekayaan imajinasi komposer, tetapi juga keterampilan komposisi yang luar biasa. Dalam Trio C minor, korespondensi lengkap antara isi dan bentuk telah tercapai; pemikiran musik sangat signifikan, presentasinya sangat singkat. Keragaman teknik pertunjukan yang digunakan komposer juga patut diacungi jempol. Masing-masing anggota ansambel diberikan kesempatan untuk menunjukkan kemampuan solonya masing-masing, dan pada saat yang sama, musik komposisinya memerlukan pemusatan kemauan ketiganya dalam mencapai tujuan bersama.

Trio c-minor pertama kali dibawakan di Budapest pada tanggal 20 Oktober 1886, dibawakan oleh penulis, E. Hubay dan D. Popper dan langsung mendapat pengakuan. Tanggapan antusias dari orang-orang sezaman Brahms mencatat skala rencana dan singkatnya presentasi, kekayaan figuratif dan konsentrasi bentuk yang luar biasa.

Trio untuk piano, klarinet di A dan cello di A minor op. 114 berhak disebut sebagai "lagu angsa" komposer dalam genre trio piano. Dan bukan hanya karena setelahnya Brahms tidak lagi beralih ke ketiganya, tetapi juga karena dalam karya ini semua hal terbaik yang membuat trio seniman Jerman begitu menarik ditemukan dalam ekspresi yang jelas - keanehan romantis dari gambar-gambarnya, unsur gairah dari Hongaria. cerita rakyat, ketenangan Lieder Jerman. Di sini prinsip-prinsip yang akhirnya ditetapkan dalam membangun bentuk komposisi dan keinginan untuk menyimfonkan genre kamar diwujudkan.

Seperti yang telah disebutkan, komposisi ini berasal dari pemain klarinet Richard Mühlfeld, solois Orkestra Meiningen. Karya seninya memikat sang komposer. Berkat suara instrumen yang lembut dan nada gemetar yang lembut, Mühlfeld mendapat julukan “Fraulein-Clarinette” (Gadis Klarinet Jerman), yang “diberikan” oleh Brahms kepadanya. Keunggulan musik dan artistik yang luar biasa dari pemain klarinet itulah yang menjadi alasan komposer menciptakan empat karya untuk instrumen ini. Selain operasi Trio. 114 adalah operasi Quintet. 115 untuk kuartet gesek dan klarinet dan dua sonata op. 120 untuk klarinet dan piano.

Dalam ansambel klarinet, J. Brahms mencapai kualitas gambar dan dramaturgi baru, sekaligus merangkum seluruh karyanya. Suasana umum dari karya-karya ini adalah lirik, sifat intonasi umum - nyanyian, nyanyian, panjang baris: “Peran terakhir dari prinsip lirik lagu dalam karya komposer ditegaskan dalam karya-karya terakhir,” kata E. Tsareva. Kekhasan klarinet sangat sesuai dengan kualitas ini. Keterampilan ansambel dibawa ke kesempurnaan di sini. Setiap alat digunakan sesuai dengan spesifikasinya. Untuk mengungkap orisinalitas emosional dari karya tersebut, timbre klarinet ternyata sangat ekspresif. Alat musik tiup ini dipercayakan dengan melodi lagu yang liris, pembacaan dramatis yang intens, petikan virtuoso dalam nada yang berbeda, figurasi warna-warni, getar, dan iringan tremolo. Membosankan, membosankan di nada rendah, dan secara mengejutkan mengingatkan pada suara manusia yang bercerita atau mengeluh di tengah, timbre klarinet sangat cocok dengan pewarnaan elegi yang mendominasi lirik mendiang Brahms. Klarinet bisa menyatu dengan senar, memberikan suaranya keterpisahan tertentu, lalu menyelimutinya dengan cahaya, arpeggio yang bergerak, atau solo dalam melodi improvisasi.

Dengan karya-karyanya tersebut, Brahms mengucapkan selamat tinggal pada genre instrumental kamar. Dua tahun setelah selesainya sonata ini, pada tahun 1896, Brahms menciptakan dua lagi, karya terakhirnya, tetapi dalam genre lain: “Four Strict Tunes” untuk bass dan piano dan “And Chorale Preludes for Organ” (diterbitkan secara anumerta).

Tak satu pun dari orang-orang sezaman Brahms yang berbicara di bidang kreativitas instrumental ruang secara alami, dengan kelengkapan dan kesempurnaan artistik seperti yang dilakukan Brahms. Selanjutnya, di bawah pengaruh dorongan terkuat yang terpancar dari karyanya, musik kamar berhasil berkembang dalam karya Smetana dan Dvorak, Frank dan Grieg. Persamaan unik dalam musik Rusia pada pergantian abad adalah karya Taneyev.

Dapat juga dikatakan bahwa garis seni Brahms ini, yang dikembangkan dengan begitu hati-hati dan konsisten olehnya pada paruh kedua abad ke-19, memberikan hasil yang kaya dalam musik modern. Brahms seolah-olah membangun jembatan dari karya klasik Wina ke klasisisme baru abad ke-20 dengan daya tarik khususnya pada keintiman. Pengikut langsung Brahms pada awal abad kita adalah M. Reger. Mengikuti dia adalah master luar biasa dari ansambel kamar P. Hindemith, yang meninggalkan warisan literatur kamar yang luas, termasuk kuartet, duet sonata untuk hampir semua alat musik gesek dan tiup. Teknik khusus ansambel ruang Brahms dengan polifoni, kekayaan tematik kain dan detail tekstur, dan yang paling penting - keterkaitan elemen yang memungkinkan semua pengembangan berasal dari satu butir, memiliki pengaruh besar pada prinsip komposisi. memikirkan Schoenberg dan sekolahnya dan menemukan kelanjutan langsung dalam ansambel musik kamar awal Schoenberg, Berg dan Webern.