บัลเล่ต์รัสเซีย พรีมาสของรัสเซียก่อนการปฏิวัติ

ประวัติความเป็นมาของบัลเล่ต์

บัลเล่ต์เป็นศิลปะที่ค่อนข้างใหม่ มีอายุมากกว่าสี่ร้อยปีเล็กน้อย แม้ว่าการเต้นรำจะประดับประดาชีวิตมนุษย์มาตั้งแต่สมัยโบราณก็ตาม บัลเล่ต์เกิดที่อิตาลีตอนเหนือในช่วงยุคเรอเนซองส์ เจ้าชายชาวอิตาลีชื่นชอบการเฉลิมฉลองที่หรูหราในพระราชวัง โดยมีการเต้นรำเป็นเวทีกลาง สถานที่สำคัญ- การเต้นรำในชนบทไม่เหมาะสำหรับสุภาพสตรีและสุภาพบุรุษในราชสำนัก เครื่องแต่งกายของพวกเขา เช่นเดียวกับห้องโถงที่พวกเขาเต้นรำ ไม่อนุญาตให้มีการเคลื่อนไหวอย่างไม่มีการรวบรวมกัน ครูพิเศษ - ผู้เชี่ยวชาญด้านการเต้นรำ - พยายามฟื้นฟูความสงบเรียบร้อยในการเต้นรำในศาล พวกเขาซ้อมร่างของบุคคลและท่าเต้นกับขุนนางล่วงหน้าและนำกลุ่มนักเต้น การเต้นรำก็ค่อยๆ กลายเป็นการแสดงละครมากขึ้นเรื่อยๆ

คำว่า "บัลเล่ต์" ปรากฏใน ปลายเจ้าพระยาศตวรรษ (จากบัลเล่ต์อิตาลีถึง - สู่การเต้นรำ) แต่แล้วมันไม่ได้หมายถึงการแสดง แต่เป็นเพียงตอนเต้นรำที่ถ่ายทอดอารมณ์บางอย่างเท่านั้น "บัลเล่ต์" ดังกล่าวมักจะประกอบด้วย "ทางออก" ของตัวละครที่เชื่อมต่อกันเล็กน้อยซึ่งส่วนใหญ่มักเป็นฮีโร่ ตำนานกรีก- หลังจาก "ออก" การเต้นรำทั่วไปก็เริ่มขึ้น - "แกรนด์บัลเล่ต์"

การแสดงบัลเล่ต์ครั้งแรกคือ Queen's Comedy Ballet ซึ่งจัดแสดงในปี 1581 ในฝรั่งเศสโดยนักออกแบบท่าเต้นชาวอิตาลี Baltazarini di Belgioioso ในฝรั่งเศสมีการพัฒนาบัลเล่ต์เพิ่มเติม ในตอนแรกสิ่งเหล่านี้เป็นบัลเล่ต์ที่สวมหน้ากากและจากนั้นก็เป็นบัลเล่ต์ที่ไพเราะโอ่อ่าพร้อมแผนการที่กล้าหาญและน่าอัศจรรย์โดยที่ตอนเต้นรำสลับกัน เรียสเสียงและการอ่านบทกวี อย่าแปลกใจเลยที่บัลเล่ต์ในสมัยนั้นไม่ใช่แค่การแสดงเต้นรำเท่านั้น

ในช่วงรัชสมัยของพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 การแสดงบัลเล่ต์ในราชสำนักมีความอลังการเป็นพิเศษ หลุยส์เองก็ชอบที่จะเข้าร่วมบัลเล่ต์ และได้รับฉายาอันโด่งดังว่า "ราชาแห่งดวงอาทิตย์" หลังจากแสดงบทเดอะซันใน "Ballet of the Night"

ในปี 1661 เขาได้ก่อตั้ง Royal Academy of Music and Dance ซึ่งประกอบด้วยปรมาจารย์ด้านการเต้นชั้นนำ 13 คน ความรับผิดชอบของพวกเขาคือการรักษาประเพณีการเต้นรำ ผู้อำนวยการสถาบัน ปิแอร์ โบชอมป์ อาจารย์สอนเต้นรำของราชวงศ์ ระบุตำแหน่งหลัก 5 ตำแหน่ง การเต้นรำคลาสสิก.

ในไม่ช้า Paris Opera ก็เปิดขึ้น และ Beauchamp คนเดียวกันก็ได้รับแต่งตั้งให้เป็นนักออกแบบท่าเต้น คณะบัลเล่ต์ก่อตั้งขึ้นภายใต้การนำของเขา ในตอนแรกมีเพียงผู้ชายเท่านั้น ผู้หญิงปรากฏตัวบนเวที Paris Opera ในปี 1681 เท่านั้น

โรงละครแห่งนี้จัดแสดงโอเปร่าและบัลเล่ต์โดยนักแต่งเพลง Lully และการแสดงตลกและบัลเล่ต์โดยนักเขียนบทละคร Moliere ในตอนแรกข้าราชบริพารเข้ามามีส่วนร่วมและการแสดงแทบไม่ต่างจากการแสดงในพระราชวัง มีการเต้นรำมินูเอตช้า gavottes และพาวาเนที่กล่าวถึงแล้ว หน้ากาก ชุดเดรสหนาๆ และรองเท้าส้นสูงทำให้ผู้หญิงไม่สามารถเคลื่อนไหวที่ซับซ้อนได้ นั่นเป็นเหตุผล การเต้นรำของผู้ชายพวกเขาโดดเด่นด้วยความสง่างามและความสง่างามที่มากขึ้น

ในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 บัลเล่ต์ได้รับความนิยมอย่างมากในยุโรป ราชสำนักชนชั้นสูงทั้งหมดของยุโรปพยายามเลียนแบบความหรูหราของฝรั่งเศส ราชสำนัก- โรงโอเปร่าเปิดในเมืองต่างๆ นักเต้นและครูสอนเต้นรำจำนวนมากหางานทำได้ง่าย

ในไม่ช้า ภายใต้อิทธิพลของแฟชั่น ชุดบัลเล่ต์ของผู้หญิงก็เบาขึ้นและอิสระมากขึ้น และสามารถมองเห็นเส้นลำตัวข้างใต้ได้ นักเต้นละทิ้งรองเท้าส้นสูงและแทนที่ด้วยรองเท้าส้นสูงแบบไม่มีส้น ยุ่งยากน้อยลง ชุดสูทผู้ชาย: กางเกงรัดรูปยาวถึงเข่าและถุงน่องทำให้มองเห็นหุ่นนักเต้นได้

แต่ละนวัตกรรมทำให้การเต้นมีความหมายมากขึ้นและเทคนิคการเต้นสูงขึ้น บัลเล่ต์ค่อยๆ แยกออกจากโอเปร่าและกลายเป็น ศิลปะอิสระ.

แม้ว่าโรงเรียนบัลเล่ต์ฝรั่งเศสจะมีชื่อเสียงในด้านความสง่างามและความเป็นพลาสติก แต่ก็มีลักษณะของการแสดงที่เยือกเย็นและเป็นทางการ ดังนั้นนักออกแบบท่าเต้นและศิลปินจึงมองหาวิธีการแสดงออกแบบอื่น

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 18 ทิศทางใหม่ในงานศิลปะถือกำเนิดขึ้น - แนวโรแมนติกซึ่งมีอิทธิพลอย่างมากต่อบัลเล่ต์ ในบัลเล่ต์สุดโรแมนติก นักเต้นยืนอยู่บนรองเท้าพอยต์ Maria Taglioni เป็นคนแรกที่ทำสิ่งนี้ โดยเปลี่ยนแนวคิดก่อนหน้านี้เกี่ยวกับบัลเล่ต์ไปอย่างสิ้นเชิง ในบัลเล่ต์ La Sylphide เธอปรากฏตัวเป็นสิ่งมีชีวิตที่เปราะบางจากโลกอื่น ความสำเร็จนั้นน่าทึ่งมาก

ในเวลานี้มีบัลเล่ต์ที่ยอดเยี่ยมมากมายปรากฏขึ้น แต่น่าเสียดายที่บัลเล่ต์โรแมนติกก็กลายเป็น ช่วงสุดท้ายความมั่งคั่ง ศิลปะการเต้นรำในโลกตะวันตก ตั้งแต่วินาที ครึ่งหนึ่งของศตวรรษที่ 19บัลเล่ต์ศตวรรษโดยสูญเสียมันไป ค่าก่อนหน้าได้กลายเป็นส่วนเสริมของโอเปร่า เฉพาะในช่วงทศวรรษที่ 30 ของศตวรรษที่ 20 ภายใต้อิทธิพลของบัลเล่ต์รัสเซีย การฟื้นฟูรูปแบบศิลปะนี้ในยุโรปจึงเริ่มต้นขึ้น

ในรัสเซีย การแสดงบัลเล่ต์ครั้งแรก - "The Ballet of Orpheus และ Eurydice" - จัดแสดงเมื่อวันที่ 8 กุมภาพันธ์ ค.ศ. 1673 ที่ราชสำนักของซาร์อเล็กซี่มิคาอิโลวิช พิธีการและการเต้นรำช้าๆ ประกอบด้วยการเปลี่ยนท่าทาง การโค้งคำนับ และท่วงท่าที่สง่างาม สลับกับการร้องเพลงและการพูด เลขที่ บทบาทที่สำคัญในการพัฒนา การเต้นรำบนเวทีเขาไม่ได้เล่น มันเป็นเพียง "ความสนุกสนาน" ของราชวงศ์อีกแห่งหนึ่งที่ดึงดูดผู้คนด้วยความแปลกใหม่และความแปลกใหม่

เพียงหนึ่งในสี่ของศตวรรษต่อมา ต้องขอบคุณการปฏิรูปของ Peter I ดนตรีและการเต้นรำจึงเข้ามาในชีวิตประจำวันของสังคมรัสเซีย แก่ขุนนาง สถาบันการศึกษามีการแนะนำการฝึกเต้นภาคบังคับ นักดนตรีที่นำเข้าจากต่างประเทศเริ่มแสดงที่ศาล ศิลปินโอเปร่าและคณะบัลเล่ต์

ในปี 1738 โรงเรียนบัลเล่ต์แห่งแรกในรัสเซียเปิดขึ้น และสามปีต่อมา เด็กชาย 12 คนและเด็กหญิง 12 คนจากคนรับใช้ในวังก็กลายเป็นนักเต้นมืออาชีพคนแรกในรัสเซีย ในตอนแรกพวกเขาแสดงในบัลเล่ต์ของปรมาจารย์ชาวต่างชาติในฐานะบุคคล (ตามที่เรียกนักเต้นบัลเลต์คณะ) และต่อมาในบทบาทหลัก Timofey Bublikov นักเต้นที่ยอดเยี่ยมในยุคนั้นไม่เพียงฉายในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเท่านั้น แต่ยังฉายในเวียนนาด้วย

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 ศิลปะบัลเล่ต์ของรัสเซียได้มาถึง วุฒิภาวะที่สร้างสรรค์- นักเต้นชาวรัสเซียนำการแสดงออกและจิตวิญญาณมาสู่การเต้นรำ ด้วยความรู้สึกที่แม่นยำมาก A.S. Pushkin จึงเรียกการเต้นรำของ Avdotya Istomina ร่วมสมัยของเขาว่า "การบินที่เต็มไปด้วยจิตวิญญาณ"

บัลเล่ต์ในเวลานี้ครอบครองตำแหน่งที่มีสิทธิพิเศษเหนือประเภทอื่น ๆ ศิลปะการแสดงละคร- เจ้าหน้าที่ให้ความสนใจเป็นอย่างมากและให้เงินอุดหนุนจากรัฐบาล คณะบัลเล่ต์ในมอสโกและเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กแสดงในโรงละครที่มีอุปกรณ์ครบครัน และผู้สำเร็จการศึกษาจากโรงเรียนการละครจะเข้าร่วมเป็นเจ้าหน้าที่นักเต้น นักดนตรี และมัณฑนากรเป็นประจำทุกปี

อาเธอร์ เซนต์ เลออน

ในประวัติศาสตร์ของโรงละครบัลเล่ต์ของเรา เรามักจะพบชื่อของปรมาจารย์ชาวต่างประเทศที่มีบทบาทสำคัญในการพัฒนาบัลเล่ต์รัสเซีย ก่อนอื่นคือ Charles Didelot, Arthur Saint-Leon และ Marius Petipa พวกเขาช่วยสร้างโรงเรียนบัลเล่ต์รัสเซีย แต่ศิลปินชาวรัสเซียผู้มีความสามารถก็ให้โอกาสในการเปิดเผยพรสวรรค์ของครูของพวกเขาด้วย สิ่งนี้ดึงดูดนักออกแบบท่าเต้นที่ใหญ่ที่สุดของยุโรปมาที่มอสโกวและเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กอย่างสม่ำเสมอ ไม่มีที่ไหนในโลกที่พวกเขาจะได้พบกับคณะละครขนาดใหญ่ มีความสามารถ และได้รับการฝึกฝนมาอย่างดีเช่นในรัสเซีย

ในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 วรรณกรรมและศิลปะของรัสเซียมีความสมจริง นักออกแบบท่าเต้นพยายามสร้างการแสดงที่สมจริงแต่ก็ไม่มีประโยชน์ พวกเขาไม่ได้คำนึงว่าบัลเล่ต์เป็นศิลปะทั่วไป และความสมจริงในบัลเล่ต์แตกต่างอย่างมีนัยสำคัญจากความสมจริงในการวาดภาพและวรรณกรรม วิกฤตศิลปะบัลเล่ต์เริ่มต้นขึ้น

เวทีใหม่ในประวัติศาสตร์บัลเล่ต์รัสเซียเริ่มต้นขึ้นเมื่อนักแต่งเพลงชาวรัสเซียผู้ยิ่งใหญ่ P. Tchaikovsky แต่งเพลงสำหรับบัลเล่ต์เป็นครั้งแรก มันคือทะเลสาบสวอน ก่อนหน้านี้ ดนตรีบัลเลต์ไม่ได้ถูกให้ความสำคัญอย่างจริงจัง เธอได้รับการพิจารณา สายพันธุ์ที่ด้อยกว่า ความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีเป็นเพียงการร่วมเต้นรำ

ต้องขอบคุณไชคอฟสกีที่ทำให้ดนตรีบัลเล่ต์กลายเป็นศิลปะที่จริงจังควบคู่ไปกับดนตรีโอเปร่าและซิมโฟนิก เมื่อก่อนดนตรีขึ้นอยู่กับการเต้นรำโดยสิ้นเชิง บัดนี้การเต้นรำต้องยอมจำนนต่อดนตรี จำเป็นต้องมีวิธีการแสดงออกใหม่และ แนวทางใหม่เพื่อสร้างการแสดง

การพัฒนาต่อไปบัลเล่ต์รัสเซียมีความเกี่ยวข้องกับชื่อของนักออกแบบท่าเต้นชาวมอสโก A. Gorsky ผู้ซึ่งละทิ้งเทคนิคละครใบ้ที่ล้าสมัยไปแล้วจึงใช้เทคนิคการกำกับสมัยใหม่ในการแสดงบัลเล่ต์ เขาให้ความสำคัญอย่างยิ่งกับการออกแบบการแสดงอันงดงาม ศิลปินที่ดีที่สุด.

แต่นักปฏิรูปศิลปะบัลเล่ต์ที่แท้จริงคือมิคาอิล โฟคิน ผู้กบฏต่อการสร้างการแสดงบัลเล่ต์แบบดั้งเดิม เขาแย้งว่าแก่นของละคร ดนตรี และยุคที่การแสดงเกิดขึ้นจำเป็นต้องมีแนวคิดที่แตกต่างกันในแต่ละครั้ง ท่าเต้น,รูปแบบการเต้นที่แตกต่าง เมื่อแสดงบัลเล่ต์ "Egyptian Nights" Fokine ได้รับแรงบันดาลใจจากบทกวีของ V. Bryusov และภาพวาดของอียิปต์โบราณ และภาพของบัลเล่ต์ "Petrushka" ได้รับแรงบันดาลใจจากบทกวีของ A. Blok ในบัลเล่ต์ Daphnis และ Chloe เขาละทิ้งการเต้นรำบนรองเท้าปวงต์และฟื้นฟูจิตรกรรมฝาผนังโบราณด้วยการเคลื่อนไหวที่อิสระและยืดหยุ่น Chopiniana ของเขาฟื้นบรรยากาศของบัลเล่ต์โรแมนติก Fokin เขียนว่า “เขาใฝ่ฝันที่จะสร้างละครบัลเล่ต์จากความสนุกของบัลเล่ต์ และจากการเต้นให้เป็นภาษาพูดที่เข้าใจได้” และเขาก็ทำสำเร็จ

แอนนา ปาฟโลวา

ในปี 1908 การแสดงประจำปีของนักเต้นบัลเล่ต์ชาวรัสเซียเริ่มขึ้นที่ปารีส ซึ่งจัดโดย รูปละครเอส.พี. เดียกีเลฟ. ชื่อของนักเต้นจากรัสเซีย - Vaslav Nijinsky, Tamara Karsavina, Adolf Bolm - กลายเป็นที่รู้จักไปทั่วโลก แต่อันดับแรกในแถวนี้คือชื่อของ Anna Pavlova ที่ไม่มีใครเทียบได้

Pavlova - โคลงสั้น ๆ เปราะบางมีเส้นลำตัวยาวดวงตาโต - ปรากฏภาพแกะสลักที่แสดงถึงนักบัลเล่ต์แสนโรแมนติก วีรสตรีของเธอถ่ายทอดความฝันแบบรัสเซียล้วนๆ เกี่ยวกับชีวิตที่กลมกลืนทางจิตวิญญาณหรือความเศร้าโศกและความโศกเศร้าเกี่ยวกับบางสิ่งที่ไม่ได้เติมเต็ม "หงส์ตาย" สร้างสรรค์โดย นักบัลเล่ต์ผู้ยิ่งใหญ่พาฟโลวา - สัญลักษณ์บทกวีบัลเล่ต์รัสเซียต้นศตวรรษที่ 20

ตอนนั้นเองภายใต้อิทธิพลของทักษะของศิลปินชาวรัสเซีย บัลเลต์ตะวันตกก็ส่ายตัวและพบกับลมที่สอง

หลังจาก การปฏิวัติเดือนตุลาคมในปีพ. ศ. 2460 บุคคลสำคัญในโรงละครบัลเล่ต์หลายคนออกจากรัสเซีย แต่ถึงกระนั้นโรงเรียนบัลเลต์รัสเซียก็ยังรอดชีวิตมาได้ ความน่าสมเพชของการเคลื่อนไหวสู่ชีวิตใหม่ ธีมการปฏิวัติ และที่สำคัญที่สุดคือขอบเขตของการทดลองเชิงสร้างสรรค์เป็นแรงบันดาลใจให้กับปรมาจารย์บัลเล่ต์ หน้าที่ของพวกเขาคือนำเข้ามาใกล้ยิ่งขึ้น ศิลปะการออกแบบท่าเต้นแก่ประชาชนเพื่อให้มีความสำคัญและเข้าถึงได้มากขึ้น

นี่คือที่มาของแนวบัลเลต์ดราม่า เหล่านี้เป็นการแสดงซึ่งมักอิงตามโครงงานวรรณกรรมที่มีชื่อเสียงซึ่งสร้างขึ้นตามกฎของการแสดงละคร นำเสนอเนื้อหาผ่านละครใบ้และนาฏศิลป์เป็นรูปเป็นร่าง ในช่วงกลางศตวรรษที่ 20 นาฏศิลป์บัลเล่ต์กำลังตกอยู่ในภาวะวิกฤติ นักออกแบบท่าเต้นพยายามรักษาบัลเลต์ประเภทนี้โดยเพิ่มคุณค่าความบันเทิงของการแสดงด้วยความช่วยเหลือของเอฟเฟกต์บนเวที แต่ก็ไร้ประโยชน์

บัลเล่ต์รัสเซียเป็นที่รู้จักไปทั่วโลก ศิลปะรูปแบบนี้ถือว่า นามบัตรประเทศของเรา และไม่น่าเชื่อว่าไม่มีอยู่จริงเมื่อ 300 ปีก่อน

Jean Baptiste Lande ถือเป็นผู้ก่อตั้งบัลเล่ต์รัสเซีย นักออกแบบท่าเต้นชาวฝรั่งเศสเปิดคนแรก โรงเรียนบัลเล่ต์ในรัสเซีย ผู้สำเร็จการศึกษาจากโรงเรียนนี้ได้ก่อตั้งคณะบัลเล่ต์ชุดแรก

ศิลปะประเภทใหม่ได้รับความนิยมอย่างสูงจากบุคคลในเดือนสิงหาคม: Peter I, Elizaveta Petrovna, Catherine II ในช่วงรัชสมัยของพวกเขา ศิลปะบัลเล่ต์ค่อยๆ พัฒนาและบรรลุจุดสูงสุดอย่างจริงจังเป็นครั้งแรกในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 18 - 19

ในปี พ.ศ. 2338 มีการเปิดตัวบัลเล่ต์ของนักออกแบบท่าเต้นชาวรัสเซียคนแรก Ivan Walberch เรื่อง "Happy Repentance" เกิดขึ้น นี่คือช่วงเวลาแห่งความนิยมอย่างไม่น่าเชื่อของพรีมาของโรงละครเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก - Evgenia Ivanovna Kolosova.เธอเป็นลูกศิษย์ของ Ivan Walberhay และได้เต้นบทนำในผลงานของเขา อาชีพการแสดงบนเวทีของ Evgenia Kolosova ค่อนข้างยาว (พ.ศ. 2337-2369) หลังจากนั้นเธอก็อุทิศตนเพื่อการสอน

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 ความนิยมในการแสดงบัลเล่ต์ยังคงเพิ่มขึ้นอย่างต่อเนื่อง ปัญญาชนทางวัฒนธรรมและชนชั้นสูงในยุคนั้นพยายามไม่พลาดการแสดง กล่าวถึง บัลเล่ต์ที่มีชื่อเสียงและนักบัลเล่ต์มักพบในผลงานของกวีและนักเขียน: Derzhavin, Griboyedov, Pushkin นี่คือข้อความที่ตัดตอนมาจากนวนิยายเรื่อง "Eugene Onegin":

สดใส กึ่งโปร่งโล่ง
ฉันเชื่อฟังธนูวิเศษ
ล้อมรอบด้วยฝูงนางไม้
เวิร์ธ อิสโตมิน; เธอ,
เท้าข้างหนึ่งแตะพื้น
อีกวงก็หมุนช้าๆ
ทันใดนั้นเขาก็กระโดด และทันใดนั้นเขาก็บิน
แมลงวันเหมือนขนนกจากริมฝีปากของอีโอลัส
ค่ายใดจะหว่านแล้วก็จะพัฒนา
และเขาก็เหยียบขาอย่างรวดเร็ว

Avdotya (Evdokia) อิลยินิชนา อิสโตมินาเคยเป็นนักเรียนและเป็น “รำพึง” ของนักออกแบบท่าเต้นที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคนั้น Charles Didelot เขากลายเป็นผู้ริเริ่มบัลเล่ต์รัสเซีย สร้างเทคนิคบัลเล่ต์ของตัวเอง พัฒนาเทคนิคบนเวทีใหม่ๆ และนำธีมและภาพที่โรแมนติกมาสู่ศิลปะบัลเล่ต์ ต้องขอบคุณผลงานของเขาที่ทำให้บัลเล่ต์รัสเซียได้รับการยอมรับจากชาวยุโรป

Avdotya Istomina เปิดตัวบนเวทีในปี พ.ศ. 2359 และอีกหนึ่งปีต่อมา "การต่อสู้สี่คน" อันโด่งดังเกิดขึ้นเพราะเธอผู้เข้าร่วมคือ Counts V. Sheremetyev และ A. Zavadsky อนาคต Decembrist A. Yakubovich และ A.S. กรีโบเยดอฟ

หลังจากการลาออกของ Charles Didelot ความนิยมของ Istomina ก็เริ่มลดลง เมื่อปี พ.ศ. 2379 เธอถูกไล่ออกจากเวทีตามพระราชกฤษฎีกาของจักรพรรดิ เธอก็มีรูปร่างอวบอ้วนมาก ไม่สามารถมีความเบาและอ่อนหวานในอดีตได้ โดยแสดงบทบาทเล็กๆ น้อยๆ ได้

อาวโดตยา อิสโตมินา

บัลเล่ต์ดอกใหม่เกิดขึ้นเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 ในเวลานี้ปรมาจารย์แสดงซึ่งเรียกว่าผู้พิทักษ์ประเพณีการศึกษา: Olga Preobrazhenskaya (2414-2505), Agrippina Vaganova (2422-2494), Matilda Kshesinskaya (2415-2514)

อากริปปินา วากาโนวา

แต่ผู้สนับสนุนบัลเล่ต์รูปแบบใหม่เริ่มแข่งขันกับพวกเขาอย่างจริงจัง นักออกแบบท่าเต้นมิคาอิล โฟคิน พัฒนาบัลเล่ต์สไตล์ใหม่ Anna Pavlova (หนึ่งในนักบัลเล่ต์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดแห่งศตวรรษที่ 20), Vera Fokina และ Tamara Karsavina (เข้าร่วมในฤดูกาลรัสเซียของ Sergei Dyagelev) ฉายในผลงานของเขา

ทามารา คาร์ซาวีนา

ทามารา คาร์ซาวีนา

เวร่า โฟคิน่า

แอนนา ปาฟโลวา

โรงละครเต็มแล้ว กล่องส่องแสง;
แผงลอยและเก้าอี้ทุกอย่างกำลังเดือด
ในสวรรค์พวกเขาสาดน้ำอย่างไม่อดทน
และเมื่อม่านสูงขึ้นม่านก็ส่งเสียงดัง
สดใส กึ่งโปร่งโล่ง
ฉันเชื่อฟังธนูวิเศษ
ล้อมรอบด้วยฝูงนางไม้
เวิร์ธ อิสโตมิน; เธอ,
เท้าข้างหนึ่งแตะพื้น
อีกวงก็หมุนช้าๆ
ทันใดนั้นเขาก็กระโดด และทันใดนั้นเขาก็บิน
แมลงวันเหมือนขนนกจากริมฝีปากของอีโอลัส
บัดนี้ค่ายจะหว่านแล้วจึงจะพัฒนา
และเขาก็เหยียบขาอย่างรวดเร็ว

ประวัติศาสตร์บัลเล่ต์ในรัสเซียเริ่มต้นขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 30 ของศตวรรษที่ 18 ในปี ค.ศ. 1731 Land Noble Corps เปิดทำการในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก เนื่องจากผู้สำเร็จการศึกษาจากคณะในอนาคตคาดว่าจะครองตำแหน่งสูง ตำแหน่งของรัฐบาลและต้องการความรู้เรื่องมารยาททางโลกจึงศึกษา วิจิตรศิลป์, รวมทั้ง เต้นรำบอลรูมได้มีการจัดสรรอาคารแล้ว สถานที่สำคัญ- Jean Baptiste Lande ซึ่งถือเป็นผู้ก่อตั้งศิลปะบัลเล่ต์รัสเซียกลายเป็นผู้เชี่ยวชาญด้านการเต้นรำของคณะในปี 1734 ในปี 1738 Jean Baptiste Lande ได้เปิดโรงเรียนบัลเล่ต์แห่งแรกในรัสเซีย - Dance School สมเด็จพระจักรพรรดิโรงเรียน (ปัจจุบันคือ Academy of Russian Ballet ตั้งชื่อตาม A. Ya. Vaganova)

บัลเล่ต์ในรัสเซียค่อยๆ พัฒนา และในปี 1794 โปรดักชั่นเริ่มต้นโดย Ivan Walberch นักออกแบบท่าเต้นที่เกิดในรัสเซียคนแรก ภายใต้ Paul I มีการออกกฎพิเศษสำหรับบัลเล่ต์ - ได้รับคำสั่งว่าไม่ควรมีผู้ชายคนเดียวบนเวทีในระหว่างการแสดงและบทบาทของผู้ชายในเวลานั้นดำเนินการโดยผู้หญิงเช่น Evgenia Ivanovna Kolosova (1780-1869) Kolosova เป็นหนึ่งในคนกลุ่มแรกที่แสดงการเต้นรำแบบรัสเซียบนเวทีบัลเล่ต์ นวัตกรรมอีกอย่างหนึ่งของเธอคือเธอเปลี่ยนเครื่องแต่งกายเก๋ไก๋อันเขียวชอุ่มด้วยผ้าไคตอนโบราณ

นักเต้นบัลเล่ต์และนักออกแบบท่าเต้น Adam Glushkovsky เขียนเกี่ยวกับ Kolosova:“ ฉันติดตามศิลปะการเต้นมานานกว่าสี่สิบปีฉันเคยเห็นศิลปินบัลเล่ต์ชื่อดังมากมายมาที่รัสเซีย แต่ไม่มีใครเลยที่ฉันเห็นพรสวรรค์เช่นนั้น ครอบครองโดย Evgenia Ivanovna Kolosova นักเต้นของโรงละครเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ทุกการเคลื่อนไหวใบหน้าของเธอและทุกท่าทางเป็นธรรมชาติและเข้าใจได้ว่าพวกเขาเข้ามาแทนที่คำพูดของผู้ชมอย่างเด็ดขาด” Evgenia Kolosova อยู่บนเวทีตั้งแต่ปี พ.ศ. 2337 ถึง พ.ศ. 2369 หลังจากนั้นเธอก็รับหน้าที่สอน

นักเรียนคนหนึ่งของ Evgenia Kolosova คือ Avdotya (Evdokia) Ilyinichna Istomina (1799-1848) ซึ่งได้รับเกียรติจาก Pushkin ใน "Eugene Onegin"....บรรทัดนี้ระบุไว้ที่จุดเริ่มต้นของคำตอบ....

นักประวัติศาสตร์ยังคงโต้เถียงกันว่านักบัลเล่ต์ชาวรัสเซียคนไหนเป็นคนแรกที่เต้นบนรองเท้าปวงต์ (พิงเฉพาะปลายเท้าของเธอ) บางคนเชื่อว่าเป็น Maria Danilova ส่วนบางคนเชื่อว่าเป็น Avdotya Istomina

นักเรียนอีกคนของ Evgenia Kolosova คือ Ekaterina Aleksandrovna Telesheva (1804-1857) ผู้ร่วมสมัยคนหนึ่งของเธอเขียนเกี่ยวกับเธอว่า: “ด้วยรูปลักษณ์ที่มีเสน่ห์ที่สุด เธอมีความรู้สึกและเกมมากมายจนทำให้ผู้ชมที่ใจร้อนที่สุดหลงใหล” ผู้อุปถัมภ์และคนรักในความเป็นจริง สามีสะใภ้ Teleshova เป็นเคานต์ผู้ว่าการรัฐเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก มิโลราโดวิช

การแสดงออกแบบท่าเต้นครั้งแรกในรัสเซียคือ "The Ballet of Orpheus" ซึ่งแสดงใน "คฤหาสน์ตลก" ของซาร์อเล็กซี่มิคาอิโลวิชในที่ดินของเขา - หมู่บ้าน Preobrazhenskoe ใกล้มอสโก (13 กุมภาพันธ์ 1675?) ตั้งแต่ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 บัลเล่ต์ได้รับการแนะนำโดยนักออกแบบท่าเต้นและครูสอนเต้นรำจากอิตาลีและฝรั่งเศส รัสเซียกลายเป็นดินแดนที่อุดมสมบูรณ์มากสำหรับการพัฒนาโรงละครบัลเล่ต์ด้วยคติชนวิทยาการเต้นที่เข้มข้น เมื่อเข้าใจวิทยาศาสตร์ที่ชาวต่างชาติสอน ในทางกลับกัน ชาวรัสเซียได้นำน้ำเสียงของตนเองมาใช้ในการเต้นรำในต่างประเทศ ในช่วงทศวรรษที่ 1730 ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ฉากบัลเล่ต์ในการแสดงโอเปร่าในศาลจัดแสดงโดย J.-B. ลันเด และ เอ. รินัลดี (ฟอสซาโน) ในปี 1738 โรงเรียนบัลเล่ต์เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเปิดทำการ (ปัจจุบันคือสถาบันการเต้นรำเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กซึ่งตั้งชื่อตาม A. Ya. Vaganova) ผู้สร้างและผู้อำนวยการคือ Lande ในปี พ.ศ. 2316 กิจการล้างรถ สถานศึกษาเปิดแผนกบัลเล่ต์ - ผู้บุกเบิกและเป็นพื้นฐานของมอสโก โรงเรียนออกแบบท่าเต้น- ครูและนักออกแบบท่าเต้นคนแรกของเขาคือแอล. พาราไดซ์ ในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 คณะทาสเริ่มพัฒนาในนิคมของ Sheremetev Count ใกล้มอสโก (Kuskovo, Ostankino) ฯลฯ เมื่อถึงเวลานั้นเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและมอสโกมีศาลและโรงละครสาธารณะ นักแต่งเพลง นักออกแบบท่าเต้น และคนอื่นๆ อีกหลายคนทำงานที่นั่น นักแสดงชาวรัสเซีย - A- S. Sergeeva, V. M. Mikhailova, T. S. Bublikov, G. I. Raikov, N. P. Berilova ตั้งแต่คริสต์ทศวรรษ 1760 มาตุภูมิ บัลเล่ต์ได้รับการพัฒนาในกระแสหลักทั่วไปของโรงละครแห่งความคลาสสิก อุดมคติของสุนทรียภาพแห่งศิลปะคลาสสิกคือ "ธรรมชาติอันสูงส่ง" และบรรทัดฐาน งานศิลปะ- สัดส่วนที่เข้มงวดซึ่งแสดงในรูปแบบของสามเอกภาพ - สถานที่ เวลา และการกระทำ ภายในกรอบของข้อกำหนดเชิงบรรทัดฐานเหล่านี้ ศูนย์กลางของการกระทำกลายเป็นบุคคล ชะตากรรม การกระทำและประสบการณ์ของเขา อุทิศตนเพื่อเป้าหมายเดียว โดดเด่นด้วยความหลงใหลที่กินเวลาทั้งหมดเพียงจุดเดียว ประเภทของบัลเล่ต์โศกนาฏกรรมที่กล้าหาญสอดคล้องกับหลักการพื้นฐานของลัทธิคลาสสิก ตัวแทนของสุนทรียศาสตร์ของบัลเล่ต์คลาสสิกในตะวันตกคือ J. J. Nover ซึ่งถือว่าการแสดงบัลเล่ต์เป็นงานศิลปะที่เป็นอิสระโดยมีการวางอุบายที่แข็งแกร่งการกระทำที่พัฒนาอย่างมีเหตุผลและสม่ำเสมอพร้อมวีรบุรุษ - ผู้ถือความหลงใหลอันแรงกล้า ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กบัลเล่ต์จัดแสดงโดยชาวออสเตรีย F. Hilferding ชาวอิตาลี G. Canziani, G. Angiolini ซึ่งบางครั้งใช้แผนการของรัสเซีย (เช่น "Semira" ตามโศกนาฏกรรมของ A. P. Sumarokov จัดแสดงโดย Angiolini และด้วย ดนตรีของเขา พ.ศ. 2315) การแสดงเหล่านี้ซึ่งมีความขัดแย้งที่คมชัดและการกระทำที่มีรายละเอียดถือเป็นการแสดงใหม่บนเวทีรัสเซีย เหนือสิ่งอื่นใด G. Solomoni ชาวอิตาลีทำงานในมอสโกโดยโปรโมตบัลเล่ต์ของ Novera ซึ่งออกแบบท่าเต้น "Vain Precaution" โดย J. Dauberval (แสดงภายใต้ชื่อ "The Deceived Old Woman", 1800)

ความมั่งคั่งของบัลเล่ต์รัสเซียในศตวรรษที่ 18 และ 19

ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 18-19 บัลเล่ต์รัสเซียเข้าสู่ยุครุ่งเรือง นักแต่งเพลงในประเทศปรากฏตัว - A. N. Titov, S. I. Davydov และนักแต่งเพลงชาวต่างประเทศ Russified - K. A. Kavos, F. E. Scholz นักเต้นและนักออกแบบท่าเต้นชาวรัสเซีย I. I. Valberkh สรุปเส้นทางสู่การสังเคราะห์สไตล์การแสดงของรัสเซียด้วยละครใบ้และ เทคนิคอันเชี่ยวชาญการเต้นรำบัลเล่ต์ของอิตาลีรวมถึงรูปแบบโครงสร้าง โรงเรียนภาษาฝรั่งเศส- หลักการของความรู้สึกอ่อนไหวถูกกำหนดไว้ในงานศิลปะของเขา ประเภทชั้นนำคือกิจกรรมบัลเล่ต์อันไพเราะ สงครามรักชาติพ.ศ. 2355 ทำให้เกิดความเจริญรุ่งเรืองของบัลเล่ต์ที่หลากหลาย: ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กพวกเขาจัดแสดงโดย Walberch ในมอสโกโดย I. M. Abletz, I. K. Lobanov, A. P. Glushkovsky ศิลปินเดี่ยว ได้แก่: ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก E. I. Kolosova ในมอสโก - T. I. Glushkovskaya, A. I. Voronina-Ivanova ในช่วงปี 1800-20 ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กงานของนักออกแบบท่าเต้น C. Didelot เริ่มขึ้น Didelot ผู้สืบสานประเพณีของ Novera และ Dauberval ได้จัดแสดงบัลเล่ต์ในหัวข้อในตำนาน (Zephyr and Flora, 1808; Cupid and Psyche, 1809; Acis และ Galatea, 1816) และธีมประวัติศาสตร์ที่กล้าหาญ (The Hungarian Hut หรือ Famous Exiles "F . Venua, 1817 "Raoul de Crequy หรือการกลับมาจากสงครามครูเสด" โดย Kavos และ T.V. Zhuchkovsky, 1819) ด้วยความร่วมมือกับ Kavos เขาได้หยิบยกหลักการของการเขียนโปรแกรมโดยอิงจากความสามัคคีของละครเพลงและการออกแบบท่าเต้นของการแสดงบัลเล่ต์ ในบัลเล่ต์ก่อนโรแมนติกของเขา การเต้นรำเดี่ยวและคณะบัลเล่ต์มีปฏิสัมพันธ์กันในรูปแบบที่ซับซ้อน บัลเล่ต์โศกนาฏกรรมที่กล้าหาญของ Didelot เผยให้เห็นการกระทำผ่านละครใบ้ทางจิตวิทยาและมีจุดยืนที่น่าทึ่งที่ขัดแย้งกันมากมาย ความหลากหลาย วิธีการแสดงออกบัลเล่ต์ตลกของเขา (“The Young Milkwoman หรือ Nicetta and Luca” โดย F. Antonolini, 1817; “Return from India, or the Wooden Leg” โดย Venua, 1821) มีชื่อเสียง ในปี ค.ศ. 1823 Didelot ได้แสดงบัลเล่ต์โดยอิงจากบทกวีของ A. S. Pushkin เรื่อง "The Prisoner of the Caucasus หรือ the Shadow of the Bride" E. I. Kolosova, M. I. Danilova, A. I. Istomina, E. A. Teleshova, A. S. Novitskaya, Auguste (A. Poirot), N. O. Golts มีชื่อเสียงในการแสดงของเขา
ในมอสโกตั้งแต่ปี 1806 คณะบัลเล่ต์ของโรงละครส่วนตัวของ M. Maddox อยู่ภายใต้เขตอำนาจของ Directorate โรงละครของจักรวรรดิ- จนถึงปี ค.ศ. 1812 นักออกแบบท่าเต้นรองก็ถูกแทนที่ที่นี่หลายครั้ง หลังจากการขับไล่ชาวฝรั่งเศสออกจากมอสโกว A.P. Glushkovsky นักออกแบบท่าเต้นและนักเรียนของ Didelot เป็นหัวหน้าโรงเรียนบัลเล่ต์และคณะ Glushkovsky ซึ่งเป็นลูกศิษย์ของ Walberg และ Didelot ได้ย้ายละครเพลงของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กไปยังเวทีที่มอสโก โดยส่วนใหญ่เป็นบัลเล่ต์ของ Didelot จัดแสดงบัลเล่ต์แบบอะนาครีออนติกและบัลเล่ต์แนวประโลมโลก ใช้โครงเรื่องของ A. S. Pushkin (“Ruslan และ Lyudmila หรือการโค่นล้มเชอร์โนมอร์” , the Evil Wizard” Scholz, 1821) และ V. A. Zhukovsky (“Three Belts, or Russian Cendrillon” โดย Scholz, 1826) Glushkovsky เตรียมเครื่องซักผ้า คณะบัลเล่ต์ซึ่ง Voronina-Ivanova, T. I. Glushkovskaya, V. S. และ D. S. Lopukhins เต้นเพื่อสร้างละครโรแมนติก
ในช่วงที่สามของศตวรรษที่ 19 ศิลปะบัลเล่ต์ของรัสเซียได้ก้าวเข้าสู่ความคิดสร้างสรรค์และได้รับการพัฒนาแล้ว โรงเรียนแห่งชาติ- คุณสมบัติที่แม่นยำที่สุด ศิลปะการแสดงนักเต้นชาวรัสเซียถูกกำหนดโดย A. S. Pushkin เมื่อเขาบรรยายการเต้นรำของ A. I. Istomina ร่วมสมัยของเขาว่าเป็น "การบินที่เต็มไปด้วยจิตวิญญาณ" บัลเลต์มีตำแหน่งพิเศษเหนือโรงละครประเภทอื่นๆ เจ้าหน้าที่จ่ายเงินให้เขา ความสนใจอย่างใกล้ชิดโดยมีเงินอุดหนุนจากรัฐบาล ในปี พ.ศ. 2368 โรงละครบอลชอยเปิดทำการในมอสโก และคณะบัลเล่ต์ได้รับเวทีที่มีอุปกรณ์ครบครันและในขณะเดียวกันก็มีนักเต้น ครู และนักออกแบบท่าเต้นชั้นนำของทิศทางก่อนโรแมนติก F. V. Gyullen-Sor ในช่วงต้นทศวรรษที่ 1830 คณะบัลเล่ต์ทั้งมอสโกและเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กแสดงในโรงละครที่มีอุปกรณ์ครบครัน บัลเลต์รัสเซียได้รับการยอมรับโดยผู้ที่เกิดในโลกตะวันตก ยวนใจยุโรป ในช่วงกลางทศวรรษที่ 30 การแสดงโดดเด่นด้วยความงดงามและความสามัคคี โรงเรียนมัธยมปลายทักษะและความสอดคล้องของวงดนตรี

ธีมของแนวโรแมนติกและความสมจริง

ความขัดแย้งระหว่างความฝันและความเป็นจริง ซึ่งเป็นประเด็นหลักในศิลปะโรแมนติก ได้อัปเดตธีมและสไตล์แล้ว ความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะ- ใน โรงละครบัลเล่ต์ศิลปะโรแมนติกสองประเภทเกิดขึ้น ครั้งแรกยืนยันความไม่ลงรอยกันของความฝันและความเป็นจริงในระนาบโคลงสั้น ๆ ทั่วไปซึ่งมีภาพที่ยอดเยี่ยมครอบงำ - ซิลฟ์, วิลลิส, ไนแอด อีกคนหนึ่งมุ่งสู่สถานการณ์ชีวิตที่ตึงเครียดและบางครั้งก็มีแรงจูงใจในการวิพากษ์วิจารณ์ความเป็นจริง (ที่ศูนย์กลางของเหตุการณ์ต่าง ๆ ที่มักจะแปลกใหม่คือฮีโร่นักฝันที่เข้าร่วมต่อสู้กับความชั่วร้าย) ในบรรดาบุคคลสำคัญของสาขาแรก ได้แก่ นักออกแบบท่าเต้น F. Taglioni และนักเต้น M. Taglioni; คนที่สองคือนักออกแบบท่าเต้น J. Perrot และนักเต้น F. Elsler ทั้งสองทิศทางรวมกันเป็นหนึ่งเดียวด้วยความสัมพันธ์ใหม่ที่มีแนวโน้มสวยงามระหว่างการเต้นรำและละครใบ้ การเต้นรำมาข้างหน้ากลายเป็นจุดสุดยอด การกระทำที่น่าทึ่ง. ศิลปะโรแมนติกแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนในการแสดงโดยเฉพาะโดย E. I. Andreyanova, E. A. Sankovskaya, T. Guerino ละครของโรงละครรัสเซียประกอบด้วยบัลเล่ต์โรแมนติกที่มีชื่อเสียงที่สุดของยุโรปตะวันตก ยุโรป: "La Sylphide", "Giselle", "Esmeralda", "Corsair", "Naiad and the Fisherman", "Katarina, the Robber's Daughter" ในช่วงทศวรรษที่ 1860 การล่มสลายของการแสดงโรแมนติกเริ่มขึ้นในรัสเซีย ในช่วงหลายปีที่วรรณกรรมและศิลปะรัสเซียมีแนวทางที่สมจริง บัลเลต์ยังคงเป็นโรงละครในศาลที่มีเอฟเฟ็กต์อลังการและความหลากหลายมากมาย ในเวลาเดียวกัน A. Saint-Leon ได้เพิ่มคุณค่าคำศัพท์ของการเต้นรำทั้งแบบคลาสสิกและแบบตัวละคร ขยายความเป็นไปได้ของการขยาย วงดนตรีเต้นรำเตรียมความสำเร็จของ M.I. Petitpa ในเวลาเดียวกัน K. Blazis ได้ปรับปรุงเทคนิคของนักเต้นที่โรงเรียนบัลเล่ต์มอสโก ความสูงของบทกวีของศิลปะบัลเล่ต์ได้รับการเก็บรักษาโดย M. N. Muravyova, P. P. Lebedeva, N. K. Bogdanova, V. F. Geltser
ในอดีต บัลเลต์รัสเซียคือผู้ที่ฟื้นคืนศิลปะการบัลเลต์ในคุณภาพใหม่ นักออกแบบท่าเต้น M. I. Petipa เริ่มต้น กิจกรรมสร้างสรรค์ในหลักการของสุนทรียศาสตร์ที่ล้าสมัยของแนวโรแมนติก แต่เขายังคงดำเนินกระบวนการนาฏศิลป์ที่มีคุณค่าซึ่งเริ่มขึ้นในยุคนี้ต่อไป ในบัลเล่ต์ของเขากับดนตรีของนักประพันธ์เพลงของโรงละครอิมพีเรียล C. Pugni (“ King Candaulus”, 1868) และ L. Minkus (“ La Bayadère”, 1877) พื้นฐานที่มีความหมายและจุดสุดยอดของการกระทำได้รับการพัฒนาอย่างเชี่ยวชาญคลาสสิก วงดนตรีเต้นรำซึ่งมีการพัฒนาและเปรียบเทียบธีมของคณะบัลเล่ต์เดอบัลเล่ต์และ เต้นเดี่ยว,ลวดลายการเต้น-ลักษณะปะทะกัน. ต้องขอบคุณ Petipa ที่ทำให้สุนทรียศาสตร์ของบัลเลต์ "ยิ่งใหญ่" หรือบัลเลต์เชิงวิชาการเกิดขึ้น - ปรากฏการณ์ที่ยิ่งใหญ่ที่สร้างขึ้นตามบรรทัดฐานของบทและละครเพลง และการกระทำภายนอกได้รับการเปิดเผยในละครใบ้และการกระทำภายในใน โครงสร้างมาตรฐานของนาฏศิลป์คลาสสิก การค้นหาของ Petipa เสร็จสิ้นด้วยความร่วมมือของเขากับ P. I. Tchaikovsky (The Sleeping Beauty, 1890; Swan Lake, 1895) และ A. K. Glazunov (Raymonda, 1898; The Seasons, 1900) ซึ่งเพลงดังกล่าวกลายเป็นจุดสุดยอดของการแสดงซิมโฟนีบัลเล่ต์ในศตวรรษที่ 19 ผลงานของนักออกแบบท่าเต้น L. I. Ivanov ผู้ช่วยของ Petipa (“ The Nutcracker”, 1892; ฉากของหงส์ “ ทะเลสาบสวอน", พ.ศ. 2438) ได้เล็งเห็นถึงภาพการเต้นรำใหม่ของต้นศตวรรษที่ 20 แล้ว E. O. Vazem, E. P. Sokolova, V. A. Nikitina, P. A. Gerdt, N. G. Legat, M. F. Kshesinskaya, A. I. Sobeshchanekaya, A. V. Shiryaev, O. I. Preobrazhenskaya, C. Brianza, P. Legnani, V. Zucchi

เมื่อต้นศตวรรษที่ 20 บัลเล่ต์รัสเซียเอา สถานที่ชั้นนำในโรงละครบัลเลต์โลก นักออกแบบท่าเต้น - ปฏิรูป M. M. Fokin อัปเดตเนื้อหาและรูปแบบของการแสดงบัลเล่ต์การสร้าง ชนิดใหม่การแสดง - บัลเล่ต์การแสดงเดี่ยวผู้ใต้บังคับบัญชา เอฟเฟกต์การตัดขวางโดยที่เนื้อหาถูกเปิดเผยด้วยความสามัคคีของดนตรี การออกแบบท่าเต้น ฉาก (“Chopiniana”, “Petrushka”, “Scheherazade”) A. A. Gorsky (“Gudula's Daughter” ที่สร้างจากนวนิยายเรื่อง “Notre Dame Cathedral” โดย V. Hugo, 1902; “Salammbô” ที่สร้างจากนวนิยายของ G. Flaubert, 1910) ยังสนับสนุนความสมบูรณ์ของการแสดงบัลเล่ต์ ความถูกต้องทางประวัติศาสตร์ของ สไตล์และความเป็นธรรมชาติของความเป็นพลาสติก ผู้เขียนร่วมหลักของนักออกแบบท่าเต้นทั้งสองคนไม่ใช่นักแต่งเพลง แต่เป็นศิลปิน (บางครั้งก็เป็นผู้เขียนบทด้วย) การแสดงของ Fokin ได้รับการออกแบบโดย L. S. Bakst, A. N. Benois, A. Ya. Golovin, N. K. Roerich; Gorsky - K. A. Korovin นักออกแบบท่าเต้นที่ปฏิรูปได้รับอิทธิพลจากศิลปะของนักเต้นชาวอเมริกัน A. Duncan ผู้สนับสนุนการเต้นรำแบบ "อิสระ" อย่างไรก็ตาม สิ่งที่มีค่าก็ถูกปฏิเสธพร้อมกับสิ่งที่ล้าสมัย - ภาพรวมของภาพดนตรีและการออกแบบท่าเต้น แต่ยังพบสิ่งใหม่ - บัลเล่ต์เข้าสู่บริบท การเคลื่อนไหวทางศิลปะของเวลาของมัน ตั้งแต่ปี 1909 S. P. Diaghilev ได้จัดทัวร์บัลเล่ต์รัสเซียในปารีส หรือที่รู้จักในชื่อ Russian Seasons พวกเขาเปิดเผยให้โลกได้รับรู้ถึงนักแต่งเพลง I.F. Stravinsky และนักออกแบบท่าเต้น Fokine (“ Firebird”, 1910; “ Petrushka”, 1911) นักเต้นและนักออกแบบท่าเต้น V. F. Nijinsky (“ พักผ่อนยามบ่ายฟอน", 2455; “ The Rite of Spring”, 1913) และอื่น ๆ ดึงดูดนักดนตรีและศิลปินชื่อดังให้มาที่โรงละครบัลเล่ต์

ฤดูกาลรัสเซียของ Diaghilev ในต่างประเทศ

เมื่อเริ่มต้นฤดูกาลของรัสเซียในต่างประเทศซึ่งจัดโดย Diaghilev บัลเล่ต์รัสเซียก็มีอยู่ทั้งในรัสเซียและในยุโรป หลังเดือนตุลาคม พ.ศ. 2460 เมื่อศิลปินหลายคนอพยพ บัลเลต์รัสเซียก็ได้รับการพัฒนาอย่างเข้มข้นในต่างประเทศ ตลอดช่วงทศวรรษที่ 1920-40 ศิลปินชาวรัสเซีย (A. P. Pavlova พร้อมคณะของเธอ), นักออกแบบท่าเต้น (Fokine. L. F. Myasin, B. F. Nijinska, J. Balanchine, B. G. Romanov, S. M. Lifar) นำกลุ่ม (“ Balle Russe de Monte Carlo”, "Original Ballet Russe", "Russian Romantic Theatre" และอื่นๆ อีกมากมาย) ก่อตั้งโรงเรียนและคณะละครในหลายประเทศของยุโรปและอเมริกา ซึ่งมีอิทธิพลอย่างมากต่อบัลเล่ต์ระดับโลก เป็นเวลาหลายปีในขณะที่ยังคงรักษาละครเพลงรัสเซียและประเพณีของโรงเรียนนาฏศิลป์รัสเซียไว้ กลุ่มเหล่านี้ได้รับอิทธิพลจากศิลปะของภูมิภาคที่พวกเขาทำงานไปพร้อมๆ กัน และค่อยๆ หลอมรวมเข้ากับศิลปะดังกล่าว
ในรัสเซียหลังปี 1917 บัลเล่ต์ยังคงเป็นศูนย์กลางศิลปะแห่งชาติที่สำคัญ แม้จะมีการอพยพบุคคลสำคัญหลายคนในโรงละครบัลเล่ต์ แต่โรงเรียนบัลเลต์รัสเซียก็รอดและส่งเสริมนักแสดงหน้าใหม่ ความน่าสมเพชของการเคลื่อนไหวไปสู่ชีวิตใหม่ ธีมการปฏิวัติ และที่สำคัญที่สุด ขอบเขตของการทดลองเชิงสร้างสรรค์เป็นแรงบันดาลใจให้ปรมาจารย์บัลเล่ต์และทำให้พวกเขากล้าได้กล้าเสีย ในเวลาเดียวกันประเพณีของบรรพบุรุษและวิชาการของวัฒนธรรมการแสดงก็ได้รับการเก็บรักษาไว้ Gorsky หัวหน้าคณะละคร Bolshoi ได้ทำบัลเล่ต์ที่สืบทอดมรดกคลาสสิกขึ้นมาใหม่โดยสร้างละครเวทีของเขาเอง (Swan Lake, 1920; Giselle, 1922) มุ่งหน้าในปี ค.ศ. 1920 คณะ Petrograd F.V. Lopukhov ผู้เชี่ยวชาญด้านมรดกคลาสสิกได้ฟื้นฟูละครเก่าอย่างมีความสามารถ Lopukhov จัดแสดงซิมโฟนีเต้นรำครั้งแรก "ความยิ่งใหญ่ของจักรวาล" (2465) บรรยายถึงการปฏิวัติ (“ ลมกรดสีแดง”, 2467) หันไปหาประเพณี แนวเพลงพื้นบ้าน(“Pulcinella”, 1926; “The Tale about the Fox...”, 1927)
เข้มข้น งานสร้างสรรค์การค้นหารูปแบบใหม่เกิดขึ้นทั้งภายนอกโรงละครและภายในกำแพงของพวกเขา ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา นาฏศิลป์ได้รับการพัฒนาในด้านต่างๆ สตูดิโอของ Duncan, L. I. Lukin, V. V. Maya, I. S. Chernetskaya, L. N. Alekseeva, N. S. Poznyakov, เวิร์กช็อปของ N. M. Foregger, "Heptakhor", "Young Ballet" เปิด . ความสำคัญเป็นพิเศษมีกิจกรรมของ K. Ya. Goleizovsky ผู้พัฒนาแนวเพลงป๊อป - ออกแบบท่าเต้นและบัลเล่ต์ที่จัดแสดงอย่างสร้างสรรค์ทั้งในสตูดิโอ Moscow Chamber Ballet และที่โรงละคร Bolshoi (“ Joseph the Beautiful”, 1925, Experimental Theatre - สาขาหนึ่งของ โรงละครบอลชอย) ในช่วงกลางทศวรรษที่ 20 ระยะเวลาของการทดลองในงานศิลปะรัสเซียทั้งหมด โดยเฉพาะศิลปะการออกแบบท่าเต้น จบลงด้วยการปิดสตูดิโอและแคมเปญจำนวนมากในสื่อเพื่อกลับคืนสู่ประเพณีของวัฒนธรรมรัสเซียในศตวรรษที่ 19

สัจนิยมสังคมนิยมและการสิ้นสุดของมัน

นี่คือจุดเริ่มต้นของการก่อตัวของวิธีการอย่างเป็นทางการของสัจนิยมสังคมนิยมในโรงละครออกแบบท่าเต้นซึ่งมีการแสดงในรูปแบบ “ บัลเล่ต์บอลชอย» ศตวรรษที่ 19 รวมกับเนื้อหาใหม่ (“Red Poppy”, 1927) ข้อกำหนดอย่างเป็นทางการสำหรับความสมจริงและการเข้าถึงงานศิลปะนำไปสู่ความโดดเด่นบนเวทีของการแสดงที่สร้างขึ้นในรูปแบบของบัลเล่ต์ละครที่เรียกว่า บัลเลต์ประเภทนี้เป็นแบบหลายองก์ ซึ่งมักอิงจากโครงเรื่องของคนดัง งานวรรณกรรมถูกสร้างขึ้นตามกฎของการแสดงละครโดยนำเสนอเนื้อหาผ่านละครใบ้และนาฏศิลป์ ที่สุด อาจารย์ที่มีชื่อเสียงประเภทนี้คือ R.V. Zakharov (“ The Bakhchisarai Fountain”, 1934; “ Lost Illusions”, 1935) และ L.M. Lavrovsky (“ Prisoner of the Caucasus”, 1938; “ Romeo and Juliet”, 1940) V. I. Vainonen ("Flames of Paris", 1932), V. M. Chabukiani ("Laurencia", 1939) มุ่งมั่นเพื่อเพิ่มความสามารถในการเต้นในละครบัลเล่ต์ ในช่วงทศวรรษที่ 1930 เกิดขึ้น โรงเรียนใหม่การแสดงซึ่งมีลักษณะเฉพาะในด้านหนึ่งโดยบทกวีและความลึกซึ้งทางจิตวิทยา (ในผลงานของ G. S. Ulanova, K. M. Sergeev, M. M. Gabovich) ในอีกด้านหนึ่งด้วยท่าทางการเต้นรำการแสดงออกและพลวัตที่กล้าหาญ (ในผลงานของ M. T. Semenova และนักเต้นชายหลายคนโดยเฉพาะ Chabukiani, A. N. Ermolaev) ในบรรดาศิลปินชั้นนำแห่งปลายยุค 20 - 30 ต้นๆ เช่น T. M. Vecheslova, N. M. Dudinskaya, O. V. Lepeshinskaya
ในช่วงทศวรรษที่ 1930 โรงละครบัลเล่ต์ในรัสเซียมีการพัฒนาอย่างเข้มข้น โรงละครโอเปร่าและบัลเล่ต์แห่งใหม่พร้อมคณะบัลเล่ต์เปิดทำการในเลนินกราด (มาลี โรงละครโอเปร่า), มอสโก (Moscow Art Ballet - ต่อมาเป็นโรงละครที่ตั้งชื่อตาม K. S. Stanislavsky และ Vl. I. Nemirovich-Danchenko) และเมืองอื่น ๆ อีกมากมายของรัสเซีย อย่างไรก็ตามแม้จะประสบความสำเร็จ แต่การผูกขาดทิศทางเดียวในโรงละครบัลเล่ต์ก็นำไปสู่ความสม่ำเสมอที่ปลูกฝังเทียม การแสดงหลายประเภทได้หายไปจากการใช้ละคร โดยเฉพาะการแสดงเดี่ยว รวมทั้งบัลเลต์แบบไม่มีพล็อตเรื่องและซิมโฟนิก ยากจน รูปแบบการเต้นรำและภาษานาฏศิลป์ เนื่องจากการแสดงใช้เฉพาะนาฏศิลป์คลาสสิกและเฉพาะบางกรณีเป็นนาฏศิลป์พื้นบ้านเท่านั้น อันเป็นผลมาจากความจริงที่ว่าการค้นหาทั้งหมดนอกเหนือจากละครบัลเล่ต์ได้รับการประกาศอย่างเป็นทางการ Lopukhov หลังจากการวิพากษ์วิจารณ์อย่างรุนแรงเกี่ยวกับบัลเล่ต์ "The Bright Stream" ของ D. D. Shostakovich, Goleizovsky, L. V. Yakobson และคนอื่น ๆ บางคนสูญเสียโอกาสในการแสดงบัลเล่ต์ใน บริษัท บัลเล่ต์ชั้นนำ หรือถูกผลักขึ้นไปบนเวที ตัวแทนของขบวนการที่ไม่ใช่เชิงวิชาการ พลาสติกฟรี และการเต้นรำเข้าจังหวะทั้งหมดหยุดงานสร้างของพวกเขา แต่ในช่วงปลายทศวรรษ 1940 - ต้นทศวรรษ 1950 วิกฤติเกิดขึ้นสำหรับละครบัลเล่ต์ที่ได้รับการสนับสนุนอย่างเป็นทางการ นักออกแบบท่าเต้นที่มุ่งมั่นในทิศทางนี้ได้ดำเนินการแล้ว ความพยายามที่ไร้ประโยชน์อนุรักษ์ไว้ด้วยการเพิ่มคุณค่าความบันเทิงจากการแสดงด้วยความช่วยเหลือของเอฟเฟกต์เวที (เช่น ฉากน้ำท่วมใน " นักขี่ม้าสีบรอนซ์"ซาคาโรวา, 2492) อย่างไรก็ตามทักษะการแสดงและประเพณียังคงรักษาไว้ ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา M. M. Plisetskaya, R. S. Struchkova, V. T. Bovt, N. B. Fadeechev ปรากฏตัวบนเวที จุดเปลี่ยนเกิดขึ้นเมื่อปลายทศวรรษ 1950 เมื่อมีนักออกแบบท่าเต้นรุ่นใหม่เกิดขึ้น นักออกแบบท่าเต้นเลนินกราด Yu. N. Grigorovich เป็นคนแรกที่ก้าวสู่เส้นทางแห่งนวัตกรรม (“ ดอกไม้หิน", 2500; "ตำนานแห่งความรัก", 2504; ต่อมา "Spartak", 1968) และ I. D. Belsky (“ Coast of Hope”, 1959; “ เลนินกราดซิมโฟนี", พ.ศ. 2504) ผู้สร้างการแสดงบนพื้นฐานของละครเพลงและการเต้นรำ โดยเปิดเผยเนื้อหาในการเต้น ใกล้กับนักออกแบบท่าเต้นรุ่นนี้ N.D. Kasatkina และ V.Yu. Vasilev, O.M. ในปีเดียวกันนั้น Lopukhov และ Goleizovsky กลับมามีความคิดสร้างสรรค์และสร้างผลงานใหม่มากมาย แนวเพลงที่ถูกลืมไปก่อนหน้านี้ได้รับการฟื้นคืนชีพแล้ว - บัลเล่ต์แบบหนึ่งองก์, โปสเตอร์บัลเล่ต์, บัลเล่ต์เสียดสี, ซิมโฟนีบัลเล่ต์, การออกแบบท่าเต้นขนาดเล็ก, ธีมของการแสดงบัลเล่ต์ได้ขยายออกไปและคำศัพท์ก็ได้รับการเสริมแต่ง ในกระบวนการต่ออายุนี้ L. V. Yakobson มีบทบาทสำคัญ นักออกแบบท่าเต้นค้นหาวิธีใหม่ๆ อย่างไม่รู้จักเหน็ดเหนื่อย การแสดงออกทางศิลปะใช้จินตภาพของศิลปะอื่นในบัลเล่ต์ นักแสดงรุ่นใหม่ปรากฏตัวบนเวทีบัลเล่ต์ของรัสเซียและในปีแรกของการทำงานพวกเขากลายเป็นพันธมิตรของนักออกแบบท่าเต้น คลื่นลูกใหม่: M. N. Baryshnikov, N. I. Bessmertnova, V. V. Vasiliev, I. A. Kolpakova, M. L. Lavrovsky, M.-R. E. Liepa, N. R. Makarova, E. S. Maksimova, R. X. Nureyev, A. E. Osipenko, A. I. Sizova, Yu.V. Solovyov, N. I. Sorokina, N. V. Timofeeva หลังจากที่ศิลปะบัลเล่ต์ได้รับความนิยมอย่างเข้มข้นในทศวรรษ 1960 และต้นทศวรรษ 1970 มีการชะลอตัวในการพัฒนาเมื่อมีการสร้างสิ่งใหม่หรือสำคัญเพียงเล็กน้อยบนเวทีหลัก โปรดักชั่นจำนวนมากก็กลายเป็นเรื่องที่ยอดเยี่ยม แต่ถึงอย่างไร งานทดลองไม่ได้หยุดในช่วงหลายปีที่ผ่านมาเมื่อ M. M. Plisetskaya, V. V. Vasiliev, N. N. Boyarchikov, G. D. Aleksidze, D. A. Bryantsev สร้างการแสดง
ในช่วงปลายยุค 80 - ต้นยุค 90 จำนวนทัวร์ในต่างประเทศโดยคณะบัลเล่ต์ของโรงละครโอเปร่าและบัลเล่ต์ที่ใหญ่ที่สุดและกลุ่มเล็ก ๆ ที่สร้างขึ้นเป็นพิเศษเพื่อการค้าเพิ่มขึ้นอย่างมีนัยสำคัญ ตั้งแต่ปี 1970 ศิลปินชาวรัสเซียรู้สึกว่าขาดความต้องการในละครที่ล้าสมัยและไม่ดีจึงเริ่มทำงานในต่างประเทศมากขึ้น นูเรเยฟเป็นคนแรกที่อยู่ต่างประเทศ ตามมาด้วยมาคาโรวาและบารีชนิคอฟ; ต่อมาเมื่อการปฏิบัติดังกล่าวถูกต้องตามกฎหมาย Grigorovich, Vinogradov รวมถึง Plisetskaya, Vasiliev และคนอื่น ๆ ก็เริ่มทำงานในต่างประเทศบางครั้งก็มีการแสดงละครและแม้แต่คณะบัลเล่ต์ชั้นนำในสหรัฐอเมริกาและยุโรปก็ทำงานในต่างประเทศจำนวนมาก กลุ่ม

เลือกแล้ว 8 คน

การเต้นรำของนักบัลเล่ต์ช่างสวยงามเหลือเกิน ช่างเบาและโปร่งสบายแค่ไหน และการทำงานหนักของเธอบนเส้นทางสู่ความสว่างที่ชัดเจนนี้ช่างงดงามเพียงใด เด็กผู้หญิงหลายพันคนเริ่มต้นเส้นทางนี้ในโรงเรียนบัลเล่ต์ แต่มีเพียงไม่กี่คนเท่านั้นที่กลายเป็นนักบัลเล่ต์ผู้ยิ่งใหญ่ 23 เมษายนเป็นวันสำคัญในโลกแห่งบัลเล่ต์ - 210 ปีนับตั้งแต่วันเกิดของ Maria Taglioni นักบัลเล่ต์คนแรกที่ยืนบนรองเท้าปวงต์และเป็นคนแรกที่นำเสนอบัลเล่ต์ตูตูท่ามกลางเมฆโปร่งสบาย แต่นี่ไม่ใช่หน้าหลักในประวัติศาสตร์บัลเล่ต์ที่เขียนโดยนักบัลเล่ต์ผู้ยิ่งใหญ่ - การเต้นรำของเธอที่โปร่งสบายลึกลับซึ่งเมื่อเปรียบเทียบกับไวโอลินของปากานินีกลายเป็นหน้าที่สำคัญที่สุด ตำนานอันโด่งดังบัลเล่ต์

มาเรีย ทาลิโอนี (1804-1884)

พ่อของมาเรียเป็นนักออกแบบท่าเต้นและนักออกแบบท่าเต้น ดังนั้นเขาจึงเห็นบางสิ่งในลูกสาวของเขาที่คนอื่นไม่เห็น อย่างอื่นล่ะ? ท้ายที่สุดเธอควรจะได้เป็นนักบัลเล่ต์รุ่นที่สาม! และเธอก็ดูเหมือนลูกเป็ดขี้เหร่ขี้เหร่ในหมู่นักเรียนคนอื่น ๆ ของเขาซึ่งเธอได้รับการเยาะเย้ยมากมาย ผู้เป็นพ่อไม่ให้อภัยและเข้มงวด บางครั้งบทเรียนก็จบลงด้วยการที่มาเรียเหนื่อยล้าจนหมดสติ แต่การทำงานหนักทำให้เธอกลายเป็นนางไม้บัลเล่ต์ และข้างหน้าเธอคือชัยชนะ - ในปี 1827 งาน "เวนิสคาร์นิวัล" ในปารีสหลังจากนั้นเธอก็เต้นรำที่ Grand Opera และ ชื่อเสียงระดับโลกเมื่ออายุ 28 ปีในการผลิต La La Sylphide ของบิดา บทบาทของซิลไฟด์กลายเป็นบทบาทหลักในชีวิตของเธอ - เป็นเวลาหนึ่งในสี่ของศตวรรษที่เธอเป็นนักแสดงที่ดีที่สุดในส่วนนี้ ตามมาด้วยบทบาทอื่นๆ ในผลงานของ Philippe Taglioni ซึ่งเป็นสัญญาระยะยาวกับ Grand Opera และ... ทัวร์ในรัสเซีย และเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก "เบื่อบัลเล่ต์" อย่างแท้จริง - เธอแสดงวันเว้นวันทำให้เกิดความสุขและความชื่นชมอย่างสม่ำเสมอความสนใจของราชวงศ์อิมพีเรียลและความชื่นชมจากสาธารณชน การแสดงครั้งสุดท้ายของนักบัลเล่ต์ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเกิดขึ้นเมื่อวันที่ 1 มีนาคม พ.ศ. 2385 พวกเขาเรียกเธอสิบแปดครั้ง - เธอคือซิลไฟด์ บินอยู่เหนือเวทีด้วยปลายรองเท้าพอยต์ของเธอในชุดบัลเล่ต์บัลเล่ต์ที่มีเมฆมาก...

แอนนา ปาฟโลวา (2424-2474)

ดาราบัลเล่ต์ชาวรัสเซียในอนาคตใฝ่ฝันถึงห้องซ้อมสีขาวที่มีรูปของ Maria Taglioni อยู่บนผนัง ลูกสาวของผู้รับเหมาทางรถไฟและหญิงซักผ้ามีความสามารถด้านบัลเล่ต์ตามธรรมชาติที่ยอดเยี่ยมและความอุตสาหะอย่างมากซึ่งทำให้เธอสามารถเป็นนักเรียนได้ โรงเรียนโรงละครเพราะเธอไม่ได้รับการยอมรับทันที! ความพยายามครั้งที่สองเท่านั้นที่ประสบความสำเร็จ ต้องขอบคุณ Marius Petipa ที่เห็น “ขนนกในสายลม” ในตัวเด็กหญิงตัวเล็ก ๆ หลังจากเรียนจบวิทยาลัย แอนนาก็เข้ามา โรงละคร Mariinskyซึ่งเธอกลายเป็นพรีมาในอีก 6 ปีต่อมาหลังจากการปรากฏตัวครั้งแรกบนเวที การแสดงอันยอดเยี่ยมของเธอ ได้แก่ "La Bayadère", "Giselle", "The Nutcracker" ผู้ชมละครและ "บัลเล่ต์" ที่พิถีพิถัน ความรุ่งโรจน์ที่แท้จริงมาหาเธอในปี 1907 หลังจากแสดงละครจิ๋วเรื่อง “The Dying Swan” เข้ากับดนตรีของ Saint-Saëns ซึ่งมิคาอิล โฟไคน์จัดแสดงให้เธอในคืนเดียวสำหรับการแสดงที่ คอนเสิร์ตการกุศล- ของจิ๋วกลายเป็นสัญลักษณ์ของบัลเล่ต์รัสเซียแห่งศตวรรษที่ 20 ตลอดไป ตั้งแต่ปี 1910 ชุดทัวร์ของ "Russian Swan" และประวัติศาสตร์ชื่อเสียงระดับโลกเริ่มต้นขึ้น "ฤดูกาลรัสเซีย" ในปารีสได้กลายเป็นหนึ่งใน "หน้าทอง" ในประวัติศาสตร์บัลเล่ต์รัสเซียและโลก Anna Pavlova สร้างคณะของเธอเอง ครอบครัวบัลเล่ต์ของเธอเอง ซึ่งเธอเปิดกว้างต่อโลก บัลเล่ต์คลาสสิกไชคอฟสกี้ และกลาซูนอฟ ในปีพ.ศ. 2456 เธอย้ายไปลอนดอนและไม่เคยกลับไปรัสเซียอีกเลย อเมริกา ยุโรป อินเดีย คิวบา ออสเตรเลียปรบมือให้กับ Pavlova ซึ่งกลายเป็นตำนานที่มีชีวิต Anna Pavlova เสียชีวิตระหว่างทัวร์ในกรุงเฮกเมื่อวันที่ 23 มกราคม พ.ศ. 2474 จากโรคปอดบวม

โอลกา สเปซิฟต์เซวา (2438-2534)

สิ่งที่ทำลายจิตวิญญาณของนักบัลเล่ต์ที่สำคัญที่สุดคือความตกใจของการปฏิวัติซึ่งหลอกหลอนเธอด้วยข้อกล่าวหาเรื่องการอพยพของ "จารกรรม" ละครอารมณ์หรือ แช่เต็มรูปแบบในรูปของ Giselle เธอไปเยี่ยมบ้านเพื่อคนป่วยทางจิตเพื่อใครและใครที่เธอแบ่งปันความบ้าคลั่งของเธอด้วย? เธอไม่สามารถขึ้นเวทีได้อีกต่อไป และพังทลายลงในปี พ.ศ. 2474 เธอย้ายไปอยู่ที่สหรัฐอเมริกา ซึ่งในไม่ช้าเธอก็พบว่าตัวเองอยู่ในโรงพยาบาลในสภาพสูญเสียความทรงจำโดยสิ้นเชิง ซึ่งเธออยู่จนถึงปี พ.ศ. 2506 ปาฏิหาริย์เกิดขึ้น ความทรงจำของเธอกลับคืนสู่เธอ และจนกระทั่งเธอเสียชีวิต Olga Spesivtseva อาศัยอยู่ในหอพักของมูลนิธิ Leo Tolstoy Foundation และจัดการแสดงในภาพยนตร์สารคดี...

อากริปปินา วากาโนวา (1879-1951)

เธอไม่ได้เป็นนักบัลเล่ต์ที่ยิ่งใหญ่ในราคาที่ต้องจ่าย แต่ชื่อของเธอเป็นที่รู้จักไปทั่วโลกว่าเป็นชื่อของครูสอนบัลเล่ต์ผู้ยิ่งใหญ่ ซึ่งก็คือ Academy of Dance….

บนเวทีเธอถูกกำหนดให้มีบทบาทระดับสามเท่านั้น - เธอดูไม่น่าดึงดูดและบทบาทแรกข้ามเธอไปและนักวิจารณ์ไม่ได้มองว่าเธอเป็น "ความงามอันไม่มีตัวตน" การทำงานหนัก พรสวรรค์ และเทคนิคการแสดงที่ยอดเยี่ยม กลายเป็นสิ่งสำคัญมากกว่าเปลือกนอกที่สวยงาม อากริปปินา วากาโนวา "ปั้น" ตัวเอง โดยเริ่มแรกได้รับบทบาทสนับสนุน ซึ่งเป็นภาพที่เธอค้นพบอีกครั้งต่อสาธารณชน เธอได้รับฉายาว่า "ราชินีแห่งรูปแบบต่างๆ" จากนักวิจารณ์ เธอไม่ได้ นักบัลเล่ต์ที่มีชื่อเสียงเมื่ออายุ 36 ปีเธอถูกส่งไป "เกษียณ" แต่ด้วยการอุทิศตนให้กับการออกแบบท่าเต้นเธอจึงกลายเป็นครูที่มีชื่อเสียงที่สุดโดยจารึกชื่อของเธอด้วยตัวอักษรสีทองในประวัติศาสตร์บัลเล่ต์ เธออุทิศตนให้กับการออกแบบท่าเต้นในช่วงหลายปีที่ผ่านมา เมื่อประเด็นของ... การกำจัดบัลเล่ต์เนื่องจากรูปแบบศิลปะของมนุษย์ต่างดาวกำลังถูกพูดคุยกันอย่างจริงจัง โรงเรียนวากาโนวาได้กลายเป็นหนึ่งในนักบัลเล่ต์ที่ดีที่สุดในโลกอย่างถูกต้องโดยผลิตนักบัลเล่ต์ที่มีชื่อสมควรได้รับคำนำหน้าว่า "ยอดเยี่ยม" อย่างถูกต้อง: Marina Semenova, Galina Ulanova, Natalya Dudinskaya อากริปปินา วากาโนวา กำกับ โรงละครวิชาการโอเปร่าและบัลเล่ต์ในปี พ.ศ. 2474-2480 จัดแสดง "Swan Lake" และ "Esmeralda" ใน ฉบับใหม่ในลักษณะพิเศษของตนเองซึ่งได้รับชื่อ "วากาโนวา" ประสบการณ์การสอนของเธอกลายเป็นทรัพย์สินไปทั่วโลกต้องขอบคุณหนังสือที่เธอเขียนเรื่อง “Fundamentals of Classical Dance” ซึ่งได้รับการแปลเป็นภาษาต่างๆ เกือบทั้งหมดของโลกและได้รับการพิมพ์ซ้ำถึง 7 ครั้ง

อลิเซีย อลอนโซ (1920)

Alicia Martinez del Hoyo ผู้สร้างบัลเลต์แห่งชาติแห่งคิวบาเมื่ออายุ 9 ขวบเข้าโรงเรียนบัลเล่ต์แห่งเดียวในคิวบาในเวลานั้นโดยนักออกแบบท่าเต้นชาวรัสเซีย Nikolai Yavorsky และตั้งแต่วันแรก บัลเล่ต์ก็กลายเป็นความหมายของชีวิตทั้งชีวิตของเธอ อลิเซียเดินไปสู่เป้าหมายทีละขั้นทีละขั้นเพื่อเป็นนักบัลเล่ต์มืออาชีพและจากนั้นก็สร้างโรงเรียนบัลเล่ต์ระดับชาติในคิวบา เมื่อการเมืองเข้ามาแทรกแซงแผนการของเธอและการดำรงอยู่ของเธอ คณะบัลเล่ต์กลายเป็นสิ่งที่เป็นไปไม่ได้ในคิวบา เธอตั้งเป้าหมายที่จะสนับสนุนนักเต้นที่มีพรสวรรค์มากที่สุดจนกว่าจะถึงเวลาที่ดีขึ้น หลังจากชัยชนะของการปฏิวัติคิวบาในปี 2502 เธอได้คัดเลือกนักเรียนที่มีพรสวรรค์มากที่สุดและตั้งเป้าหมายใหม่คือการยกระดับบัลเล่ต์คิวบาไปสู่ระดับโลก แต่ในชีวิตของเธอไม่เพียงมีแผนขนาดใหญ่เท่านั้น แต่ในชีวิตของเธอยังมีบัลเล่ต์ซึ่งอลิเซียเรียกตัวเองว่าเป็น "คนงาน" เธอได้รับการปรบมือจากปารีส มิลาน เวียนนา เนเปิลส์ มอสโก ปราก แต่เธอก็ปรบมือ ไม่เคยพอใจกับตัวเองเลย เมื่ออายุ 19 ปี เธอได้รับการผ่าตัดตาครั้งแรก การมองเห็นแย่ลงทุกปี แต่เธอก็เต้นได้ “การเต้นรำในความมืด” - นั่นคือสิ่งที่พวกเขาพูดถึงเกี่ยวกับนักบัลเล่ต์ชาวคิวบาผู้ยิ่งใหญ่ โดยเฉพาะอย่างยิ่งสำหรับเธอ กลางเวทีสว่างไสวด้วยสปอตไลท์ที่สว่างที่สุด เธอไม่เห็นหลังเวที ทิวทัศน์ เธอเต้นรำด้วยจิตวิญญาณของเธอ... การแสดง รูปภาพมากมาย - เธอเต้น เต้น เต้นอยู่เสมอ โดยไม่ให้ส่วนลดหรือลดอายุกับตัวเองและสูญเสียการมองเห็น การแสดงครั้งสุดท้ายของอลิเซียอลอนโซ่ในบัลเล่ต์ "Butterfly" ซึ่งจัดแสดงโดยเธอเกิดขึ้นในปี 1995 เมื่อนักบัลเล่ต์อายุ 75 ปี! เธอยังคงเต้นรำและนั่งอยู่ในนั้น รถเข็นคนพิการเธอยังคงเต้นรำด้วยมือและหัวใจของเธอหลังจากสูญเสียการมองเห็นไปโดยสิ้นเชิง อลิเซีย อลอนโซ่ - พรีมา นักบัลเล่ต์ assoluta