Seni menyanyi virtuoso disebut? Spesialisasi "Seni vokal" (gelar sarjana)

Seni vokal

Jenis pertunjukan musik, utama. pada penguasaan suara nyanyian. Pertunjukan vokal dapat solo (tunggal), ansambel (grup), paduan suara (massa). V.dan. banyak digunakan dalam latihan konser dan variety dan di teater (opera, operet, drama musikal, komedi musikal, dll.). Dalam karakter V. dan. berbeda. masyarakat tercermin dalam intonasi, modal dan ritme. ciri-ciri orang musik. Khusus untuk formasi. penyanyi nasional setan seni memiliki pengaruh fonetik. komposisi bahasa yang secara langsung mempengaruhi penyanyinya. produksi suara Lihat Bernyanyi.

Ensiklopedia musik. - M.: Ensiklopedia Soviet, komposer Soviet. Ed. Yu.V.Keldysh. 1973-1982 .

Sinonim:

Lihat apa itu “Seni vokal” di kamus lain:

Lihat Bernyanyi... Kamus Ensiklopedis Besar

Kata benda, jumlah sinonim: 2 vokal (3) nyanyian (42) Kamus Sinonim ASIS. V.N. Trishin. 2013… Kamus sinonim

Lihat Bernyanyi. * * * VOCAL ART VOCAL ART, lihat Bernyanyi (lihat BERNYANYI) ... Kamus Ensiklopedis

Seni menyanyi solo, ansambel, dan paduan suara. Lihat Bernyanyi...

seni- Kreatif aktivitas seni. Tanpa batas, tanpa ide, steril, tanpa tujuan, tanpa makna, cemerlang, agresif, abadi, militan, menggairahkan, magis, bebas (usang), luhur, humanistik, kemanusiaan (usang), ... ... Kamus julukan

Seni akting teater, menciptakan gambar panggung. Kekhasan seni teater merupakan cerminan kehidupan berupa apa yang terjadi langsung di hadapan penonton aksi dramatis hanya dapat dilakukan melalui A. dan. Tujuannya... Ensiklopedia Besar Soviet

Seni vokal, pertunjukan musik dengan suara, seni menyampaikan gagasan melalui suara nyanyian konten figuratif karya musik, salah satu jenis tertua seni musik. P. bisa dengan kata-kata atau tanpa kata-kata... ... Ensiklopedia Besar Soviet

Seni vokal berupaya menyampaikan isi ideologis dan figuratif musik melalui sarana suara nyanyian. karya, salah satu jenis renungan tertua. pertunjukan. P. bisa dengan kata atau tanpa kata (lihat Vokalisasi). Bisa sendirian...... Ensiklopedia Musik

Taganrog perguruan tinggi musik negara lembaga pendidikan pendidikan kejuruan menengah di Taganrog. Daftar Isi 1 Sejarah perguruan tinggi 2 Daftar spesialisasi ... Wikipedia

Nama internasional Universitas Negeri Chuvash ... Wikipedia

Buku

Seni vokal. Panduan Belajar, Delle Sedie Enrico. Enrico Delle Sedie (1822-1907) Penyanyi opera Italia (bariton), perwakilan sekolah bel canto Italia, guru berprestasi, profesor di Konservatorium Paris. Pendidikan…
Seni vokal: Belajar. panduan, Delle Sedie, Enrico Augusto. Enrico Delle Sedie (1822-1907) - Penyanyi opera Italia (bariton), perwakilan sekolah bel canto Italia, guru berprestasi, profesor di Konservatorium Paris. tutorial…

BERNYANYI SEBAGAI SENI

Apa itu bernyanyi? Apa yang dimaksud dengan “seni” menyanyi? Apa maksudnya bernyanyi?

Dalam “Kamus Bahasa Rusia” oleh S.I. Ozhegov dikatakan: bernyanyi, lihat bernyanyi.

menyanyi... 1) Buat suara musik dengan suara Anda, tampilkan lagu vokal. Nyanyikan sebuah lagu. Bernyanyi di opera. Bernyanyilah dalam tenor. 2) Melaksanakan bagian opera. Nyanyikan Onegin. 3) Tentang burung penyanyi dan beberapa burung lainnya: mengeluarkan suara (tentang klik, siulan, teriakan, dll). Burung bulbul bernyanyi. 4) Pujian dalam bentuk syair, bernyanyi (usang dan luhur). Saya menyanyikan tanah air saya. Menyanyikan Lazarus (bahasa sehari-hari tidak disetujui) berarti mengeluh tentang nasib, berpura-pura tidak bahagia.”

Untuk mendefinisikan nyanyian sebagai suatu seni, hanya dua poin pertama dari definisi kamus yang cocok, dan “seni” menyanyi hanya dapat diakses oleh manusia, meskipun diyakini bahwa burung berkicau, biola berkicau, bahkan pintu berkicau. Suara-suara ini tidak dapat dikualifikasikan sebagai “seni” menyanyi. Mereka tidak sepenuhnya mencakup unsur-unsur dasar musik: melodi, harmoni, ritme, dan terakhir, kata-kata. Bahkan burung penyanyi yang paling terkenal, burung bulbul, “mengklik dan bersiul” (seperti yang dinyatakan dalam dongeng Krylov) daripada bernyanyi. Burung merpati berkokok, burung pipit berkicau, burung gagak berkokok, ayam berkokok (walaupun terkadang tangisannya disebut nyanyian).

Berbagai alat musik “bernyanyi” juga mempunyai kekhasan masing-masing warna yang khas. Suara biolanya sedih, obonya sedih, klarinetnya cerah dan gembira, serulingnya ringan dan ceria, dll. Tapi semuanya tanpa kata-kata.

Ilmu pengetahuan memberi tahu kita bahwa laring penyanyi harus tetap stabil. Dalam proses bernyanyi dengan sebuah kata, saat mengucapkan vokal dan konsonan, laring bergerak. Hal ini berdampak negatif terhadap kelangsungan suara.

K. S. Stanislavsky, di Studio Opera yang ia sutradarai, memberi tahu para penyanyi bahwa seni dimulai ketika kesinambungan muncul. Unsur “kontinuitas” sangat menentukan nilai seni cantilena.

Selain rintangan yang ditimbulkan oleh perubahan vokal dan konsonan, penyanyi harus menghadapi - rintangan - interval musik yang lebih sulit lagi. Setiap melodi adalah rangkaian interval. Pergerakan suara dalam interval ke atas dan ke bawah menyebabkan terjadinya perpindahan laring dari posisi stabilnya. Setelah belajar mengatasi hambatan-hambatan ini, penyanyi mencapai “pemerataan” suara, mencapai “kontinuitas” suara2. Jika kita menggunakan definisi kepribadian manusia yang mampu menggabungkan keagungan dan ketidakberartian kualitas spiritual (“Saya seorang raja, saya seorang budak, saya adalah cacing, saya adalah dewa”), yang dibuat oleh G. R. Derzhavin dalam salah satu odenya , dan menerapkan ukuran ini pada nyanyian, maka kita dapat mengatakan bahwa penyanyi tersebut juga mampu menampilkan ekspresi kreatifnya dalam amplitudo yang besar. Dia adalah “budak” alat musiknya jika tenggorokannya tidak teratur. Namun jika instrumen tersebut memenuhi “keinginan” kreatifnya yang tinggi (Stanislavsky), ia menjadi “raja” sekaligus “dewa”. Benar, sampai hari ini kita mengetahui satu-satunya penyanyi di dunia yang, ketika ia bernyanyi, menjadi “raja” sekaligus “dewa”. Dia memiliki instrumen vokal yang sempurna dan seni yang tak tertandingi. Itu adalah Chaliapin. Dia brilian. A.V. Nezhdanova mengatakan bahwa kami memiliki banyak suara yang bagus, tetapi mereka tidak dapat bernyanyi. Kemampuan menyanyi tanpa latihan secara spontan merupakan fenomena yang sangat langka. M. I. Glinka menulis: “Semua penyanyi pada dasarnya tidak sempurna dan memerlukan pelatihan, yang tujuannya adalah untuk memperbaiki kekurangan dan meningkatkan suaranya.”

Apa nyanyian yang bagus? Suara penyanyi harus bebas, bersuara penuh dan nyaring. Seorang penyanyi dapat bernyanyi dengan keras dan pelan, kuat dan lembut. Dia memiliki berbagai macam suara menengah, tinggi dan rendah yang melekat pada sifat suaranya. Nyanyiannya bermakna dan penuh semangat. Untuk mengembangkan kemampuan kreatif Anda dan menjadi seorang seniman, Anda harus mempelajari warisan Stanislavsky yang agung. Pembiasaan penyanyi dengan karya-karya K. S. Stanislavsky di bidang ini dapat membantu mereka tidak hanya dalam latihan panggung, tetapi juga dalam proses mengerjakan produksi suara, memasukkan ke dalamnya unsur-unsur imajinasi kreatif yang menyegarkan.

Terakhir, kami memiliki karya teoretis oleh para ilmuwan. Profesor L.B. Dmitriev, seorang ahli laringologi dan penyanyi, bereksperimen dengan mengamati laring selama proses fonasi menggunakan sinar-x. Dengan memeriksa tenggorokan sang penyanyi, secara sederhana ia dapat mengetahui apa yang terjadi di tenggorokan penyanyi yang baik dan buruk.

Teori yang dikembangkan oleh fisikawan dan ahli fonetik kita memberikan kunci bagi pengembangan praktis prinsip-prinsip musik vokal.

Ada banyak literatur tentang teori menyanyi, tetapi pengaruhnya kecil terhadap praktik seni vokal: kehidupan menyanyi berlangsung hampir secara independen, dengan caranya sendiri.

Latihan menyanyi terutama bergantung pada transmisi pengalaman lisan dari guru dan ahli vokal. Baik praktik vokal maupun teori pengajaran belum menciptakan metode umum apa pun dalam melatih penyanyi dan suaranya, mirip dengan metode bekerja dengan aktor K. S. Stanislavsky. Hampir tidak mungkin untuk menuntut pemahaman teoritis yang mendalam dari para ahli menyanyi tentang mereka kegiatan praktis. Hanya seniman langka yang dikenal dalam sejarah, seperti K. S. Stanislavsky, F. I. Chaliapin dan lain-lain, yang secara bersamaan menciptakan dan menganalisis karya mereka. Baik penulis, musisi, pelukis, maupun penyanyi, jika mereka memiliki bakat dan pengalaman yang luas, tidak perlu diharuskan untuk membuat teori, yaitu pemahaman teoretis tentang praktik pertunjukan mereka sendiri.

Mengingat keadaan saat ini, sering terdengar suara-suara mengenai perlunya mengembangkan “metode tunggal” untuk melatih penyanyi.

Namun, menciptakan metode seperti itu membutuhkan persatuan yang besar di antara para vokalisnya. Hanya ketika guru menyanyi sampai pada kesimpulan umum, berdasarkan data ilmiah yang diverifikasi secara cermat tentang fungsi alat vokal selama bernyanyi, “metode tunggal” akan dikembangkan dan diperkenalkan ke dalam praktik vokal.

Metode praktis yang berguna dan sama-sama dapat diterima untuk mengajar menyanyi hanya dapat diciptakan sebagai hasil dari generalisasi yang mendalam dan komprehensif baik dari pengalaman guru vokal terbaik maupun praktik penyanyi yang luar biasa. Generalisasi seperti itu harus didasarkan pada data ilmiah. Saat ini, baik ilmu pengetahuan maupun kehadiran telinga musik-vokal yang berkembang dengan baik di antara para guru kita tidak dapat cukup membantu siswa untuk menetapkan alasan obyektif atas baik atau buruknya bunyi suatu suara. Selain itu, perasaan subjektif guru dan siswa seringkali tidak bersamaan. Sangat sulit untuk menyampaikan dengan kata-kata sensasi yang muncul selama produksi suara. Dan keadaan terminologi vokal modern sedemikian rupa sehingga terkadang membingungkan siswa daripada membantunya. Menjelaskan perasaannya, sambil memperagakan bunyi yang tepat, guru berusaha membangkitkan sensasi serupa pada diri siswa. Namun, dengan menunjukkan suara yang diinginkan, guru biasanya yakin bahwa suara tersebut muncul dalam dirinya justru sebagai akibat dari sensasi dan sensasi tersebut. teknik, yang dia ceritakan kepada siswanya. Faktanya, sensasi sangat menipu dan individual dan mungkin berbeda bagi siswa.

Dalam proses menyampaikan teknik dan sensasinya, guru biasanya menggunakan penjelasan verbal. Penjelasan-penjelasan ini, pada dasarnya, paling sering hanyalah ekspresi kiasan yang mencirikan sensasi yang menyertai bagusnya suara nyanyian atau kualitas berbeda dari suara tersebut. Siswa harus “menerjemahkan” ekspresi figuratif ini ke dalam sensasi ototnya sendiri dan gagasan suaranya sendiri. Tidak selalu mungkin bagi siswa untuk melakukan “terjemahan” ini.

Tidak dapat disangkal bahwa metode pengajaran menyanyi, yang didasarkan pada gagasan yang tidak sepenuhnya benar tentang kerja alat vokal saat bernyanyi, terkadang masih memberikan hasil yang bagus karena pengalaman praktis guru. Namun persentasenya sangat rendah.

Keberhasilan metode tersebut, rupanya, juga dijelaskan oleh kemampuan beberapa penyanyi untuk meniru teknik otot yang benar yang digunakan oleh gurunya, atau secara intuitif mewujudkan cita-cita tertentu dari suara indah yang berkembang dalam imajinasi mereka sendiri. Dengan meniru suara guru yang bagus, meskipun proses menyanyinya disalahartikan, penyanyi terkadang mengembangkan keterampilan otot yang menghasilkan suara yang sesuai dengan cita-cita vokalnya.

Namun jika meniru suara yang bagus dari suara nyanyian dan berbagai teknik vokal dapat menjadi dasar praktis dalam produksi suara, belajar menyanyi tidak akan menghasilkan “cacat” vokal sebanyak yang terlihat. Ada sejumlah siswa yang mampu meniru, dan metode ini dapat sangat membantu mereka. Namun ada penyanyi dari kategori lain yang tidak menguasai cara kerja ini dengan baik, tidak memiliki kemampuan untuk dengan mudah beradaptasi dengan formasi suara orang lain. Terakhir, ada penyanyi yang berupaya mempelajari dan memahami mekanisme vokal secara mendalam. Ingin menjadi guru, mereka ingin memahami dan mengasimilasi hakikat, mekanisme pembentukan suara nyanyian yang benar. Oleh karena itu, perlu diperhatikan bahwa metode terbaik, paling andal, dan dapat dipahami secara umum adalah metode yang didasarkan pada pemahaman yang sadar dan benar tentang mekanisme pembentukan suara nyanyian.

Sebelum kita mulai menciptakan “metode terpadu” dalam mengajar menyanyi, semua penyanyi dan guru perlu memahami praktik mereka dari sudut pandang gagasan yang benar tentang kerja alat vokal selama bernyanyi. Berdasarkan data ini, dimungkinkan untuk memastikan pengakuan universal atas prinsip-prinsip terpadu pembentukan suara nyanyian yang benar, dan dimungkinkan untuk mengembangkan dasar-dasar modern seni menyanyi. Dengan cara ini, terminologi vokal yang tepat akan tercipta sepanjang proses tersebut.

Setiap musisi yang memainkan biola, seruling, atau piano memiliki instrumen siap pakai (tidak dirancang olehnya) untuk pertunjukan.

Peneliti vokal Rusia yang luar biasa L. B. Dmitriev mengatakan: “Sangat penting untuk menemukan posisi laring yang paling nyaman (optimal) bagi penyanyi, untuk melakukan penelitian lebih lanjut agar ia tidak menyimpang dari posisi ini pada semua vokal dan sepanjang vokal. seluruh rentang.”

Penyanyi menghasilkan suara dari tenggorokannya sendiri, menggunakan otot dan sarafnya sendiri. Dalam proses fonasi, penyanyi itu sendiri menjadi “instrumen”. Dia perlu menyadari dan merasakan arti dan kegunaan kompleks otot yang dia gunakan dalam proses bernyanyi. Oleh karena itu, nasihat amatir kepada pelajar menyanyi, seperti: “bernyanyi tanpa bahan kimia apa pun,” sangatlah berbahaya. Sayangnya, seorang penyanyi harus menguasai banyak “chemistry” sebelum ia belajar menyanyi. Benar, ada contoh penyanyi menguasai seni menyanyi secara spontan, tanpa belajar. Namun contoh-contoh ini jarang terjadi, sementara ratusan atau ribuan orang dengan kemampuan vokal alami dapat belajar menyanyi.

Pementasan suara, yaitu mengadaptasi dan mengembangkannya untuk nyanyian profesional, merupakan proses pendidikan keterampilan pendengaran dan otot penyanyi secara simultan dan saling berhubungan. Inilah pengembangan kebiasaan menyanyi yang baik dan benar.

Banyak kelompok otot yang mengambil bagian dalam pembentukan suara nyanyian, khususnya pernafasan, artikulatoris, laring dan beberapa lainnya. Dalam proses menguasai segala spesialisasi yang berkaitan dengan kerja otot, termasuk bernyanyi, kerja otot direstrukturisasi, disempurnakan, dipoles ke arah yang benar di bawah pengaruh pelatihan. Seperti yang dikatakan para ahli fisiologi, kerja otot menjadi terdiferensiasi dengan sangat halus, yaitu dibedah dan diatur. Koneksi dan refleks yang diperlukan dibentuk dan dikembangkan, yang tidak perlu dihambat, gerakan dan ketegangan yang tidak perlu hilang, keterampilan vokal yang stabil terbentuk, sehingga suara harus terdengar energik, jernih, dan bebas.

Seorang penyanyi yang melatih suaranya harus mengembangkan perhatian yang tajam pada sensasi ototnya dan mengetahui kelompok otot mana yang harus menjadi perhatiannya terlebih dahulu. Itu harus diarahkan pada sensasi otot yang berasal dari sumber suara pada saat dimulainya, yaitu serangan dan artikulasinya. Bunyinya secara langsung bergantung pada mereka, yang harus terus dipantau oleh pendengaran penyanyi dan guru. Mendistribusikan perhatiannya pada kerja otot-otot lain, misalnya pada diafragma, pada “jenis inhalasi” tertentu atau pada sensasi resonansi di bagian mana pun dari alat vokal (gigi, langit-langit mulut, “topeng”, dll. ), penyanyi segera jatuh ke dalam jaringan representasi vokal standar makna sekunder yang sudah lama ada. Dalam pertunjukan ini, sebagian besar penyanyi menjadi bingung.

Pertama-tama, perlu untuk menentukan dengan jelas alasan munculnya suara tersebut dan membayangkan mengapa tidak mungkin untuk "mengirim", "mengarahkan", "mendekatkan", "menghapus", "menempatkan", "mendarat" ” atau “menerbangkan” suara itu ke mana saja. Semua definisi fungsi vokal ini hanya secara kiasan mencirikan persyaratan yang dikenakan pada kualitas suara, atau sensasi internal penyanyi yang muncul saat bernyanyi. Mereka tidak menentukan kerja alat vokal yang diperlukan untuk memenuhi persyaratan ini, untuk terjadinya sensasi-sensasi ini.

Suara timbul akibat getaran pita suara yang menahan tekanan pernafasan. Ia tidak dapat “dipindahkan” dari tempatnya, tidak dapat “dikirim”, tidak dapat “ditanam”, tidak dapat “didekatkan”, atau “dihapus”. (Tentu saja Anda dapat mendekatkan penyanyi dengan pendengarnya, tetapi hal ini tidak dapat meningkatkan kualitas suaranya). “Kedekatan” atau “jarak” suara bergantung pada organisasi suara, pada efek akustik terbaik yang diciptakan oleh artikulasi penyanyi.

Jadi, dengan bantuan gerakan akar lidah yang dihubungkan oleh tulang hyoid ke laring, seseorang dapat menambah atau menghentikan gerakan laring ke atas dan ke bawah dalam proses “mengatasi” interval musik (dimulai dari a detik kecil, dll.). Laring juga bergeser karena perubahan vokal. Letaknya lebih tinggi pada vokal i dan e dibandingkan pada vokal a, o, u. Penelitian brilian (menggunakan sinar-X) oleh Prof. L. B. Dmitriev menunjukkan bahwa pada penyanyi profesional yang baik, laring memperoleh posisi yang tenang dan stabil, hanya sedikit bergerak secara vertikal. Semakin sedikit pengalaman seorang penyanyi, semakin banyak pengalaman laringnya yang tergeser dan terguncang dalam proses mengatasi interval dan vokal. Artikulasi yang cekatan, cepat dan klasik (yaitu restrukturisasi akar lidah, bentuk faring, faring dan langit-langit lunak) membantu penyanyi melindungi laring dari perpindahan. Perlu kami tambahkan bahwa untuk mengartikulasikan dengan mudah dan cekatan sesuai dengan interval tertentu, penyanyi perlu mengembangkan kebebasan rahang, lidah, dan bibir. “Penyanyi yang buruk adalah dia yang berpikir untuk bernyanyi dengan rahang terkatup,” kata Caruso. Yang juga buruk adalah penyanyi yang ingin bernyanyi dengan lidah terkepal. Untuk mengucapkan kata, lidah harus selalu bebas dan siap untuk mengucapkan vokal, yaitu penataan ulang vokal dan konsonan.

Banyaknya otot yang terlibat dalam pembentukan suara nyanyian dapat dibagi menjadi tiga bagian menurut fungsinya:

1. Otot-otot tubuh, yang terutama memberikan suplai udara ke ligamen dan pada saat yang sama posisi laring yang benar.

2. Otot-otot laring itu sendiri, yang terlibat langsung dalam terjadinya getaran, serta otot-otot leher, yang menempel pada laring dan bertugas memasangnya secara keseluruhan.

3. Otot-otot alat artikulasi, yang peran utamanya adalah mengubah suara yang berasal dari laring menjadi ucapan artikulasi.

Selama bernyanyi, semua bagian sistem otot ini harus bekerja bersama-sama sehingga tugas yang diberikan kepada masing-masing bagian dapat dilakukan dengan bebas, tanpa mengganggu pekerjaan bagian lain.

Selama proses pembentukan suara, pita suara penyanyi diregangkan, tegang dan, bersama dengan seluruh sistem otot laring, menahan tekanan pernafasan secara terorganisir. Ketegangan yang kuat, ketegangan dan penutupan elastis pada ligamen selama getarannya membuat suara menjadi kuat, “metalik”, “didukung” dengan baik. Dalam proses fonasi, dua kekuatan - pernafasan dan ketegangan ligamen - harus saling bertentangan, tanpa saling mengalahkan atau mengalahkan. Energi suara ditentukan terutama oleh interaksi yang benar antara tali dan pernapasan. Bunyi nyanyian dimulai hanya pada saat bunyi itu menyerang, yaitu sejak ligamen penyanyi menutup. Dari awal bunyi hingga akhir frasa vokal, nafas penyanyi dihabiskan dengan cara mengubahnya menjadi suara. Semakin sempurna transformasi nafas menjadi suara diatur, semakin hemat penyanyi menggunakan udara dan semakin murni, semakin “metalik” suaranya. Penyanyi yang baik mempunyai nafas yang cukup untuk satu kalimat yang panjang, penyanyi yang buruk tidak memiliki cukup nafas untuk setengah kalimatnya. Hal ini tidak terjadi karena distribusi pernapasan yang buruk (oleh otot-otot pernapasan) atau karena kurangnya jumlah udara yang masuk ke paru-paru penyanyi - kebocoran napas tidak dapat dihindari jika ligamen penyanyi tidak menutup dengan benar.

Aliran nafas diatur oleh ketegangan kerja ligamen yang benar. Dalam menemukan ketegangan kerja ligamen dan penutupannya yang benar, serangan memainkan peran utama. Dalam serangan (awal suara), baik pernapasan maupun penutupan ligamen bekerja, dan kerjanya pada saat serangan dapat dikontrol dengan baik oleh otot. Setiap penyanyi yang terlatih dapat menyerang suara dengan penuh semangat, lembut atau terengah-engah, dan oleh karena itu menciptakan satu atau beberapa jenis ketegangan kerja pada ligamen. Serangannya terlihat jelas, secara langsung mempengaruhi sifat penutupan ligamen, dan sekaligus pengeluaran nafas. Itu sebabnya dia pertama-tama harus menarik perhatian penyanyi itu.

Karena aliran pernafasan diatur oleh satu atau lain sifat kerja pita suara, pernafasan, yang dilatih secara terpisah dari produksi suara, belum mengarah pada pernafasan yang panjang dalam bernyanyi. Selain itu, pernafasan, yang dilatih secara terpisah dari suara, dapat berdampak buruk pada fungsi alat vokal. Jika pernapasan yang kuat diarahkan ke ligamen yang kurang terlatih, penyanyi harus memaksakan ligamen tersebut secara berlebihan untuk mengatasi tekanan udara yang besar. Hal ini dapat mengakibatkan pemaksaan, yang tidak menyenangkan bagi pendengar dan merusak suara penyanyi.

Saat bernyanyi, Anda tidak hanya perlu menghembuskan napas dengan lancar, tetapi juga menemukan interaksi yang tepat antara ligamen dan pernapasan. Sama seperti kapal layar yang dapat kehilangan kendali di bawah tekanan angin kencang, demikian pula laring dan ligamennya dapat kehilangan stabilitasnya di bawah tekanan pernapasan yang kuat. Dalam keadaan serupa, suara penyanyi juga bisa kehilangan stabilitasnya dan “pecah”... Dengan memperkuat kerja ligamen dengan melatihnya secara bertahap dan selalu mempertahankan posisi laring yang stabil dan ketegangan ligamen yang konstan, penyanyi tersebut secara bersamaan melatih pernapasan. Anda tidak dapat mengganggu hubungan antara pernapasan dan produksi suara dengan melatih pernapasan secara terpisah dari suara.

Kedua faktor ini (kerja laring dan pernapasan) sama-sama diperlukan untuk pembentukan suara dan berinteraksi selama serangan. Sensasi apa yang lebih penting bagi seorang penyanyi untuk memusatkan perhatiannya? Di sini pilihannya pasti jatuh pada sensasi laring.

Dalam hal ini, harus dikatakan tentang ketakutan penyanyi untuk memusatkan perhatiannya pada sensasi laring. (Banyak orang percaya bahwa hal ini menyebabkan suara “tenggorokan”).

Bunyi parau adalah akibat dari tidak berfungsinya laring, ketika laring belum terbebas dari ketegangan yang “bersahabat”.

Seperti disebutkan di atas, proses pembentukan suara pada penyanyi yang belum berpengalaman ditandai dengan kerja otot dalam proses ini yang kurang terdiferensiasi. Ketegangan ligamen biasanya menyebabkan ketegangan simultan pada otot, faring, faring, lidah, rahang bawah, dan bibir. Semakin kurang pengalaman penyanyinya, semakin kuat ekspresi “persemakmuran” ini, sering kali melibatkan wajah, leher, badan, dan terkadang lengan dan kaki penyanyi. Dalam proses latihan di bawah kendali pendengaran, penyanyi secara bertahap terbebas dari stres yang tidak perlu, memperoleh keterampilan yang diperlukan dan koordinasi yang benar.

Seperti halnya dalam proses perkembangan seorang pianis, tangannya menjadi mampu melakukan gerakan-gerakan yang semakin cepat, tepat dan halus, demikian pula dalam perkembangan seorang penyanyi, proses serupa dalam mengembangkan koordinasi yang halus dan tepat dalam kerja alat vokal juga harus dilakukan. terjadi.

Jika seorang pianis bermain tanpa kebebasan otot yang cukup, dengan tangan yang terlalu tegang, bunyi piano pasti akan menjadi “keras”. Jika seorang penyanyi bernyanyi dengan laring yang “ketat”, yaitu dengan koordinasi otot yang salah, maka bunyi suaranya juga menjadi “keras”, “tenggorokan”. Biasanya, suara seperti itu dinilai secara negatif dan didefinisikan sebagai nyanyian “dengan tenggorokan” (walaupun dalam sifat manusia tidak ada cara lain untuk bernyanyi kecuali dengan tenggorokan).

Namun nyanyian bebas tidak pernah menimbulkan definisi seperti itu pada pendengarnya. Jika suara terdengar penuh dan bebas, maka peran mekanisme penghasil suara seolah memudar, tidak lagi dapat dirasakan oleh telinga. Suara berkualitas tinggi (baik itu biola, piano, atau suara) menghancurkan nada tambahan yang menjadi ciri “bahan” yang mengatur suara tersebut (ketukan palu di piano, derit busur yang mengenai senar, ketegangan a pita suara penyanyi).

Ketika pendengar mengatakan bahwa mereka dapat mendengar "tenggorokan" penyanyi atau bahwa dia "bernyanyi dengan tenggorokannya", ini berarti laring penyanyi tidak berfungsi dengan benar selama proses fonasi, dengan ketegangan yang berlebihan dan masuknya otot-otot ramah di dekatnya (faring, leher).

Latihan yang dinyanyikan oleh penyanyi dengan “tenggorokan” yang kencang berbahaya bagi suara, karena bersamaan dengan melatih kekuatan suara dan memperkuat pita suara, latihan tersebut juga memperkuat klem otot yang menyertai ketegangan ligamen. Pendengaran kita mengharuskan kekuatan suara sebanding dengan kebebasan bersuara.

Jika laring bebas dari "penjepit" dan ligamen bekerja dengan tegangan kerja yang tepat, maka tidak ada yang bisa melihat "tenggorokan" atau "laring" dalam suara seperti itu. Penyanyi tidak perlu takut dengan konsep seperti “laring” dan “ligamen”. Konsep-konsep ini cukup aman jika dipahami dengan baik dan digunakan fungsi kerjanya dalam proses fonasi.

Nyanyian yang bebas dan indah membutuhkan ketegangan ligamen yang benar dan pelepasan laring dari segala jenis klem. Setiap penyanyi berusaha untuk bernyanyi dengan bebas, karena hanya ini yang memberikan ruang nyata bagi kreativitas artistik. (K. S. Stanislavsky memahami hal ini dengan sangat baik, yang mengatakan selama latihan di gedung operanya: “Perasaan tidak dapat melewati tubuh yang terkompresi…”).

Sama seperti Michelangelo memotong dari balok marmer segala sesuatu yang tampaknya tidak diperlukan baginya, penyanyi harus “memotong” penjepit yang mengganggu pengorganisasian pembentukan suara bebas.

M. Garcia mengatakan ini tentang kerja otot penyanyi yang tidak dapat dipisahkan: “Ketika penyanyi mengetahui bagaimana membuat setiap peralatan bekerja di areanya sendiri, tanpa mengganggu kerja organ lain, maka suara seolah-olah memberi makan semua bagian. pertunjukan dan menghubungkan berbagai detail melodi menjadi satu ansambel yang utuh dan berkesinambungan, yang merupakan luasnya nyanyian. Sebaliknya, jika salah satu mekanisme tersebut menjalankan fungsinya dengan buruk: jika dada mendorong atau berhenti bernapas, jika glotis tidak bekerja dengan cukup kuat dan akurat, maka suara akan terganggu dan melemah setelah setiap suku kata.”

Agar ligamen dapat sepenuhnya menjalankan produksi suaranya, laring penyanyi harus dilindungi dari segala kecemasan, guncangan, dan “penjepit”. Independensi dan integritasnya harus dijaga dengan segala cara. Stabilisasi laring adalah prinsip yang menjadi dasar pembentukan suara. Semua kerja otot alat vokal harus tunduk pada prinsip ini.

Posisi dan kestabilan fungsi laring bergantung pada kerja pernapasan dan alat artikulasi.

Pasokan pernapasan yang benar dan lancar terutama bergantung pada posisi tubuh yang benar, menciptakan kondisi yang menguntungkan bagi kerja otot-otot pernapasan, yang harus memberikan pernapasan dalam koordinasi yang erat dengan kerja laring, tanpa guncangan dan tekanan. Hal ini menjaga posisi laring tetap stabil.

“Peti tidak memiliki tujuan lain,” kata Garcia, “selain memberi udara pada suara, dan bukan untuk mendorong atau mendorongnya keluar.”

Levidov berbicara tentang pelajaran menyanyinya di Italia: “Di Italia, guru menyanyi memperlakukan masalah pernafasan khusus dengan agak acuh tak acuh. Hanya pada awal pelatihan, dalam satu atau dua pelajaran, guru menjelaskan kepada siswa dasar-dasar pernapasan tertentu, yang pentingnya mereka anggap perlu (penjelasan ini diberikan terutama dalam kaitannya dengan analisis anatomi dan fisiologis pernapasan. peralatan), dan kemudian hampir tidak lagi berbicara dengan mereka tentang pernapasan. “Bernyanyilah dengan baik dan bernapaslah dengan cara yang nyaman bagi Anda.”

Yang sama pentingnya untuk mempertahankan posisi laring yang stabil dan seragam adalah pekerjaan yang sebenarnya alat artikulasi.

Dalam percakapan sehari-hari, dalam proses pengucapan berbagai vokal dan konsonan, laring bergerak ke atas dan ke bawah, yang dapat dengan mudah ditentukan dengan meletakkan tangan Anda di jakun saat berbicara. Hubungan ucapan yang biasa antara kerja alat artikulatoris dan laring (jika tidak dibangun kembali) akan terus-menerus membuat laring keluar dari posisi bernyanyi yang tenang dalam bernyanyi dengan kata-kata, yaitu mengganggu kualitas vokal suara.

Dengan artikulasi nyanyian yang benar, kita tidak hanya mencapai kemurnian pengucapan vokal, tetapi juga pewarnaan nyanyian yang benar, atau, seperti yang kita katakan, “resonansi yang benar” dari suara nyanyian.

Diksi vokal, seperti halnya seni menyanyi, mengandung dua unsur: kreatif dan teknis. Unsur kreatif adalah distribusi artistik dari isi semantik (bobot) suatu kata tergantung pada tugas artistik yang diberikan padanya, pada ide dan makna karya yang dilakukan.

Unsur teknis diksi adalah kemampuan menyanyikan huruf vokal dengan jelas dan lengkap serta mengucapkan konsonan dengan jelas. Aliran vokal tidak boleh terganggu oleh sela-sela konsonan. Semua vokal dalam nyanyian harus terdengar bersih, jelas, dan “inti vokal” mereka tidak boleh mengalami transformasi yang nyata ketika berubah.

Mengembangkan artikulasi nyanyian yang benar memungkinkan perpindahan satu vokal ke vokal lainnya dengan lancar, tanpa membuat laring keluar dari posisi stabil dan tenang, membebaskannya dari penjepit di atas (“menghilangkan suara dari tenggorokan”).

Dalam proses pengucapan vokal, laring naik (pada vokal i dan e) atau turun (pada a, o, u). Getaran vertikal laring yang terlalu tajam saat mengucapkan vokal mengganggu keseragaman bunyi.

IRINA ULYEVA

JIKA ANDA SUKA BERNYANYI

/Monografi/

Monograf ini dikhususkan untuk masalah pelatihan calon penyanyi dan mencerminkan praktik guru dan pemain vokal terkenal, serta karya ilmuwan di bidang seni vokal, termasuk: Barra, M. Callas, E.E. Nesterenko, M. Garcia dan lainnya.

Kata pengantar

Seni menyanyi, seperti bentuk seni lainnya, tidak hanya memiliki pengalaman hidup, tetapi juga teorinya sendiri, yaitu. memiliki "sekolah vokal".

Istilah “sekolah vokal” dalam arti sempit mengandung arti seperangkat sarana vokal dan teknis yang menyediakan tingkat tinggi pertunjukan. “Sekolah vokal nasional” adalah konsep yang jauh lebih luas, ditentukan oleh orisinalitasnya budaya nasional, orisinalitas gaya pertunjukan, standar suara tertentu. Jadi, hingga pertengahan abad ke-20, bunyi sensual dari suara dengan pengucapan “vibrato”, kemudahan emisi, kecemerlangan warna, dan bagian-bagian gemerlap orang Italia berbeda dari bunyi instrumental “langsung” dari suara tersebut. vokalis Jerman; Perancis yang bersifat deklamasi penyanyi opera- dari nyanyian perwakilan sekolah vokal Rusia yang merdu, ekspresif, dan penuh perasaan.

Pada pertengahan abad ke-20, sekolah-sekolah nasional diratakan. Saat ini, hal tersebut hampir tidak sah untuk dibicarakan sekolah nasional, karena ada satu sekolah seni vokal standar. Perwakilannya adalah penyanyi dari seluruh dunia, apa pun kebangsaannya: Irina Arkhipova dari Rusia, Elena Obraztsova, Evgeniy Nesterenko, Nikolai Gyaurov dari Bulgaria, Manserrat Caballe dari Spanyol, Maria Callas dari Yunani, Beverly Seales dari Amerika, Jose Careras dari Spanyol, penduduk asli Australia Joan Sutherland dan banyak lainnya.

Di zaman kita yang penuh badai kemajuan ilmu pengetahuan dan teknologi kebutuhan akan perpaduan antara seni vokal dan sains tampak jelas.

Penelitian eksperimental dan teoretis, dalam satu atau lain cara, selalu memengaruhi tidak hanya teori, tetapi juga praktik pedagogi vokal dan, pada akhirnya, kinerja.

Di Rusia, sejarah studi ilmiah vokal dikaitkan dengan kegiatan pusat-pusat seperti Laboratorium Akademik Konservatorium Moskow, Laboratorium Bioakustik Institut Sechenov, dan laboratorium metodologi vokal Institut Gnessin.

1. Bernyanyi dan penyanyi

Bernyanyi adalah bentuk seni yang paling umum dan paling mudah diakses. Aksesibilitas seni menyanyi disebabkan oleh fakta bahwa alat musik bernyanyi selalu bersama Anda.

Semua orang suka menyanyi. Tetapi hanya pemain seperti itu yang dapat disebut penyanyi, yang karya seninya setidaknya memenuhi kebutuhan estetika pendengarnya. Penyanyi tidak hanya profesional, mereka juga bisa amatir. Bernyanyi adalah seni musik, jadi penyanyi seharusnya memilikinya telinga untuk musik dan suara musik.

Dasar-dasar alat musik nyanyian ditentukan secara tepat oleh fisiologi dan kedokteran.

Suara nyanyian berbeda dari suara percakapan biasa dalam warna bunyi khusus yang disebut timbre. Pewarnaan timbre bergantung pada sejumlah karakteristik fisiologis alat vokal. Ini terutama mencakup struktur pita suara (lipatan). Pita suara bisa panjang atau pendek, tebal atau tipis. Mereka, seperti senar alat musik, mereproduksi suara dengan nada dan warna nada yang berbeda. Faktor penting kedua yang menjadi dasar timbre suara adalah resonator alami - nasofaring, sinus frontal, rongga rahang atas, langit-langit keras, septum hidung: struktur dada, dll. Selain itu, sifat timbre dipengaruhi oleh forman - nada tambahan, frekuensinya hampir tidak berubah, hadir di semua nada suara tertentu dan memberinya warna yang khas. Keindahan timbre suara bergantung pada pengayaan bunyi suara dengan nada tambahan (nada tambahan yang lebih tinggi).

Kombinasi semua kualitas alami di atas menentukan kualitas tertentu dari warna timbre suara: suara cerah atau tumpul, tinggi atau rendah, nada suara menyenangkan atau jelek, dll. Kemampuan seorang penyanyi untuk mengontrol suaranya (dan timbre khususnya) setara dengan kemampuan seorang artis dalam menggunakan paletnya.

Suara nyanyian, seperti suara lainnya yang ada di alam, tidak lain hanyalah getaran udara yang mempunyai frekuensi tertentu.

Selain timbre, setiap suara musik memiliki tiga karakteristik kualitatif: nada - sejumlah getaran gelombang suara per detik, volume - intensitas getaran dan durasinya.

Kualitas lain dari seorang penyanyi adalah adanya pendengaran terhadap musik. Hal ini tidak identik dengan pendengaran biasa. Seringkali ada kasus ketika seseorang mengalami peningkatan pendengaran umum, sehingga memberinya kesempatan untuk mendengar interlokal gemerisik sekecil apa pun, dan pada saat yang sama tidak mampu menyanyikan melodi sederhana dengan jelas. Ada juga kasus sebaliknya, ketika seseorang tidak memiliki indra suara yang tajam atau bahkan memiliki gangguan pendengaran, namun pada saat yang sama merasakan nuansa suara musik yang paling halus.

Perbedaan antara pendengaran umum dan pendengaran musik ditentukan oleh struktur fisiologis tubuh manusia. Namun, telinga terhadap musik masih bisa dikembangkan.

Di sini kita perhatikan bahwa tidak seorang pun secara alami memiliki pendengaran vokal, atau kemampuan untuk membedakan suara yang benar dan yang salah; ini adalah perasaan yang spesifik, dan perlu dikembangkan secara khusus.

Penyanyi sering menggunakan mikrofon untuk tampil di atas panggung. Namun tidak ada perbaikan teknis yang dapat menggantikan keindahan alam suara manusia.

Tiga gaya bernyanyi

Sejak kecil, seseorang mendengar nyanyian daerah, yang mirip dengan pidato kita. Kemurnian alami dari intonasi nyanyian manusia dicapai melalui hubungan alami antara penyajian nada dan perwujudannya oleh alat vokal, yang bekerja dengan cara bicara yang biasa. Nyanyian rakyat, karena keadaan alat vokalnya, dapat disebut percakapan alami. Paling sering, suara rakyat memiliki suara dada. Rentang oktaf bunyi dada dapat “bergerak”, yang bergantung pada sifat alat vokal (pengucapan vokal dan konsonan yang lebih terbuka atau tertutup, nada parau atau sengau, dll.). Nyanyian dada, ketika melampaui rentang oktaf, memerlukan suara kepala, yang disebut nyanyian oleh penyanyi folk Rusia dengan "suara tipis" (pada wanita), dan oleh pria sebagai "fistula" dan dibedakan berdasarkan keterbukaan dan kemerataannya.

Aktor drama juga menggunakan gaya nyanyian percakapan. Gaya nyanyian folk biasanya disebut “suara putih”, “nyanyian terbuka”, berbeda dengan suara yang bulat dan tertutup secara akademis. Cantik suara populer tidak sering bertemu dan membutuhkan sikap hati-hati. Perwakilan khas penyanyi dengan gaya folk adalah Alexandra Strelchenko.

Kaum muda sekarang lebih sering mendengar musik pop ringan dan oleh karena itu, tanpa disadari, dan terkadang secara sadar, remaja putra dan putri meniru artis pop, secara membabi buta meniru gaya menyanyi mereka. Tidak semua orang mendapat manfaat dari hal ini.

Untuk memahami alasannya, pertama-tama mari kita bahas tentang gaya akademis menyanyi.

Inilah peristiwa menarik dari kehidupan penyanyi hebat masa depan Italia yang kita baca di buku A. Less “Titta Ruffo”.

“Dan suatu hari, sambil meniup tiupan (dia bekerja sebagai pandai besi), Ruffo mulai memberi tahu temannya Pietro tentang suara Benedetti (yang tinggal di rumah mereka selama beberapa waktu, seorang bariton), mencoba menunjukkan cara dia bernyanyi. Dan tiba-tiba Ruffo mulai bernyanyi. Dia bernyanyi dengan suara nyaring, dengan suara vulkanik. Awalnya dia bahkan takut dengan gelombang suara ini, yang menyebar seperti banjir. sekarang memperluasnya, sekarang memberikan nada bariton yang ekstrem. catatan atas. Pietro membeku karena takjub, dan Ruffo, yang sangat gembira, berlari pulang, bergegas menemui ibunya, dan, sambil tersedak kegirangan, berkata: "Bu... aku punya suara... bariton!"

Sejarah seni vokal mengenal banyak nama penyanyi hebat: Titta Ruffo, Enrico Caruso, Vignamino Gigli, Mario Lanza, Galli Curci, Renata Tebaldi, Giulietta Simionanato... dan penyanyi Rusia: Fyodor Chaliapin, Leonid Sobinov, Antonina Nezhdanova, Nadezhda Obukhova ..

Menutupi suara yang biasanya tidak dikuasai secara alami oleh seseorang memungkinkan penyanyi memperoleh rentang suara campuran dua oktaf (atau lebih) yang rata (dalam hal timbre dan kekuatan suara) dengan transisi mulus dari bagian dada rentang tersebut. ke kepala.

“Siapa yang tahu cara meng-cover, dia juga bisa membuka. Tapi siapa yang bernyanyi hanya dengan suara terbuka, tidak akan pernah bisa meng-cover.

Sangat menarik bahwa kadang-kadang kita dapat mengamati peniruan cerdik dari nyanyian “terbuka” yang dilakukan oleh penyanyi akademis. Chaliapin, tampil lagu daerah atau menciptakan gambar rakyat, menggunakan suara yang lebih "terbuka". Ini adalah stilisasi nyanyian rakyat yang disengaja.

Jadi, kita telah mempertimbangkan dua gaya menyanyi: terbuka dan tertutup, folk dan klasik (akademik).

Penyanyi dengan gaya bernyanyi akademis menjadi penyanyi pop klasik: I. Kobzon, L. Leshchenko, L. Senchina... dan penyanyi opera.

Pada panggung modern(ringan dan musik jazz) Penyanyi dan penyanyi setengah tertutup datang langsung dari pertunjukan amatir. Mereka menjadi pemain lagu-lagu pop Rusia atau asing, solois ansambel vokal dan instrumental.

Saat bernyanyi setengah tertutup, posisi bibir mendekati percakapan, namun dengan langit-langit lunak yang terangkat. Dengan nyanyian seperti itu, volume rongga orofaring meningkat dan tercapai rentang suara satu setengah oktaf, tidak lagi dalam bunyi dada murni, tetapi dalam bunyi campuran. Pada saat yang sama, amplitudo vibrato suara penyanyi meningkat secara nyata, suaranya tidak lagi lurus; timbre menjadi “lebih kaya”, lebih berwarna dan emosional. Namun di register atas, dengan suara yang kaya, muncul timbre yang berderak, “domba”

Sinyal ketegangan pita suara. Menutupi suara transisi dan register kepala selama produksi suara akademis mengarah pada penciptaan mekanisme perlindungan alat vokal. Mengabaikan suara tertutup akan menghilangkan kebulatan timbral nada atas yang indah, dan juga dapat menyebabkan kerusakan dini pada suara.

Kata vokal berasal dari bahasa Italia "voce" - suara. Namun suara hanya berfungsi sebagai instrumen, dan seni menyanyi itu sendiri jauh lebih kompleks daripada ilmu suara saja. Itu melukiskan kita gambaran dan mencerminkan keadaan emosional. Bernyanyi tidak hanya melibatkan suara, tetapi juga kata yang bermakna. Vokal dipandang sebagai proses nyanyian artistik. Sebagaimana setiap spesialis dibekali dengan pengetahuan dan teknik tertentu, demikian pula seorang penyanyi harus menguasai teknik vokal, yaitu bebas mengontrol suaranya.

Penyanyi pemula sering kali hanya memiliki materi vokal, yang jika dilatih, dapat menjadi indah dan terdengar profesional. Menurut Profesor Gandolfi, “setiap orang dengan telinga yang cukup baik dan musikalitas yang berkembang dapat diajar untuk menyanyi. Hal lainnya adalah bahwa siswa tersebut mungkin tidak menjadi seorang profesional yang cocok untuk panggung, tetapi dia akan bernyanyi dengan kompeten dalam segala hal - dan dalam segala hal. dalam hal teknik, dan dalam hal kinerja."

"Pada posisi yang benar bahkan suara kecil pun bisa terdengar kuat..." - Felia Litvin.

Seperti yang Anda ketahui, penampilan vokal modern didasarkan pada yang terbaik tradisi klasik Sekolah vokal Rusia, diciptakan dan dikonsolidasikan dalam waktu yang lama oleh komposer hebat -

M. Glinka, A. Dargomyzhsky, M. Mussorgsky dan karya perwakilan seni vokal seperti O. Petrov, A. Vorobyova - Petrova,

F. Stravinsky, P. Khokhlov, A. Nezhdanova, L. Sobinov dan F. Chaliapin, yang namanya menghiasi budaya musik Rusia.

Mereka juga menentukan persyaratan artistik utama sekolah vokal Rusia.

Laring memainkan peran utama dalam produksi suara. Posisi laring yang bebas tanpa paksaan dianggap paling “menguntungkan” untuk bernyanyi. Di sini, udara yang didorong keluar oleh paru-paru bertemu dengan pita suara yang tertutup dan menyebabkannya bergetar.

Pita suara yang bergetar terbentuk gelombang suara. Tetapi agar seseorang dapat mengucapkan suatu huruf atau kata, diperlukan partisipasi aktif dari bibir, lidah, langit-langit lunak, dll. Hanya kerja terkoordinasi dari semua organ vokal yang mengubah suara sederhana menjadi nyanyian.

Rongga hidung juga memainkan peran penting. Bersama dengan sinus paranasal, ia berperan dalam pembentukan suara. Di sini suaranya diperkuat, diberi kemerduan dan timbre yang unik. Untuk pengucapan bunyi ujaran dan timbre suara yang benar, kondisi rongga hidung dan sinus paranasal sangat penting. Individualitas merekalah yang memberi setiap orang nada suara yang unik.

Menariknya, rongga di bagian depan tengkorak manusia sepenuhnya sesuai dengan tujuannya dengan wadah akustik yang tertanam di amfiteater Romawi kuno, dan menjalankan fungsi yang sama seperti resonator alami.

Resonator pada dasarnya adalah penguat suara.

Resonator memperkuat suara, hampir tidak memerlukan energi tambahan dari sumber suara. Penggunaan hukum resonansi yang terampil memungkinkan Anda mencapainya kekuatan yang sangat besar terdengar hingga 120-130 dB, kegigihan yang luar biasa dan, yang terpenting, memberikan komposisi nada yang kaya, individualitas, dan keindahan suara nyanyian.

Dalam pedagogi vokal, ada dua resonator: kepala dan dada. Di atas kita berbicara tentang kepala resonator.

Resonator dada bagian bawah memberikan nada tambahan yang lebih rendah pada suara nyanyian dan mewarnainya dengan nada lembut dan padat. Pemegang suara rendah Anda harus menggunakan resonator dada lebih aktif, dan resonator kepala untuk resonator tinggi. Namun untuk setiap suara, penting untuk menggunakan resonator dada dan kepala.

Guru bahasa Jerman Yu.Gey percaya bahwa “sambungan resonator dada dan kepala dimungkinkan dengan bantuan resonator hidung, yang ia sebut sebagai “jembatan emas”.

Pernapasan penyanyi memainkan peran penting.

Pernapasan adalah sistem energi alat vokal penyanyi. Pernapasan tidak hanya menentukan kelahiran suara, tetapi juga kekuatannya, corak dinamisnya, sebagian besar timbre, nada, dan banyak lagi.

Dalam proses bernyanyi, pernafasan harus menyesuaikan dan menyesuaikan dengan kerja pita suara.

Hal ini menciptakan kondisi terbaik untuk getarannya, ia mempertahankan tekanan udara yang diperlukan untuk amplitudo tertentu, frekuensi kontraksi dan kekencangan penutupan pita suara. Maestro Mazetti menghitung " suatu kondisi yang diperlukan menyanyikan kemampuan untuk mengontrol pernapasan secara sadar."

Referensi. Umberto Masetti adalah salah satu guru vokal (profesor) terkemuka di Konservatorium Moskow pada awal abad ke-20, yang memberi Rusia seluruh galaksi penyanyi dan guru hebat (di antaranya A. Nezhdanova dan N. Obukhova).

Pernafasan yang berhubungan dengan bernyanyi merupakan hal yang penting bagi seorang penyanyi. Hal yang utama bagi seorang penyanyi bukanlah kekuatan pernafasannya, bukan jumlah udara yang masuk ke paru-parunya, melainkan bagaimana nafas tersebut ditahan dan dikeluarkan, bagaimana pernafasan diatur selama bernyanyi, yaitu bagaimana kerjanya dikoordinasikan dengan orang lain. komponen alat vokal.

Belajar menyanyi dengan indah dan benar memang tidak mudah. Seorang penyanyi dibandingkan dengan musisi pertunjukan lainnya mempunyai kesulitan dalam pengendalian diri. Instrumen untuk reproduksi suara - alat vokal adalah bagian dari tubuhnya, dan penyanyi mendengar dirinya sendiri secara berbeda dari orang lain. Selama pelatihan, resonator dan sensasi lain yang terkait dengan nyanyian menjadi hal baru dan asing baginya. Oleh karena itu, seorang penyanyi perlu banyak mengetahui dan memahami.

“Bernyanyi adalah proses yang disadari, dan tidak spontan, seperti yang diyakini banyak orang” - E.V.

Selain itu, setiap kelompok suara memiliki subdivisi yang lebih tepat: soprano - ringan (coloratura), liris, liris-dramatis (spinto), dramatis; mezzo-soprano dan contralto sendiri merupakan varietas; tenor-altino, liris (di-grazia), karakteristik mezzo (spinto), dramatis (di-forza); bariton liris dan dramatis; bass tinggi (cantanto), tengah, rendah (pro fundo).

Mendefinisikan sifat data suara dengan benar adalah kunci untuk pengembangan lebih lanjut. Dan hal ini tidak selalu mudah dilakukan. Ada kategori suara yang jelas yang tidak membuat siapa pun meragukan sifatnya. Namun bagi banyak penyanyi (bukan hanya pemula) sulit untuk langsung menentukan karakter suaranya.

Perlu diingat bahwa setiap orang mempunyai register tengah suara nyanyian paling nyaman saat mencari suara natural dan sensasi vokal yang tepat.

Kehadiran teknik vokal yang baik (dapat diandalkan dan menjanjikan) mengarah pada fakta bahwa parameter akustik suara (suara, penerbangan, kekuatan suara, rentang dinamis, dll.) meningkat sebagai hasil dari “penyetelan” suara dalam proses nyanyian.

Umberto Masetti percaya bahwa "jangkauan suara yang kecil dan kekuatan suara yang kecil tidak sepenuhnya eksklusif pelatihan kejuruan faktor." Dia percaya bahwa dari perawatan yang tepat dan pendidikan yang baik, suara dapat memperoleh kekuatan dan mengembangkan jangkauannya.

3. Teknik bernyanyi. Teknik

Sekolah vokal

Italia adalah negara pertama di mana sekolah opera nasional dibentuk, yang meletakkan dasar bagi komposisi opera dan seni pertunjukan, dan di mana ciri-ciri utama sekolah vokal nasional didefinisikan dengan jelas untuk pertama kalinya.

Konservatorium pertama dibuka pada tahun 1537 di Naples, dan yang pertama pertunjukan musik dengan nyanyian dipentaskan di kota Florence, Italia pada tahun 1594.

Teater Rusia segera, sejak awal, mulai menggunakan musik dalam pertunjukan panggung.

Pembukaan Teater Petrovsky di Moskow (1780) bertepatan dengan penampilan opera nasional Rusia yang pertama. Pada tahun 1730, rombongan Italia diundang ke St. Petersburg, dan opera Italia mulai dipentaskan di istana. Tidak diragukan lagi, aktivitas musisi, penyanyi, dan komposer Italia di panggung teater istana berkontribusi pada perkembangan budaya musik di Rusia.

Buku pertama tentang pedagogi vokal diterbitkan di St. Petersburg pada tahun 1837. Penulisnya adalah G. Lomakin, konduktor paduan suara, guru vokal, komposer, tokoh masyarakat - pendiri (bersama dengan M. Balakirev) Sekolah Musik Gratis.

Fondasi pedagogi vokal klasik Rusia telah diletakkan

A. Varlamov, M. Glinka dan G. Lomakin.

Nama M. Glinka dikaitkan dengan kebangkitan sekolah vokal Rusia ke tingkat klasik.

M. Glinka mempelajari secara mendalam ciri-ciri nyanyian Italia.

“Kami memiliki banyak kesamaan, ini adalah salah satu teknik - teknik bernyanyi yang benar,” kata rekan sezaman kami, E.V.

“Karya pedagogi vokal M. Glinka” memainkan peran penting dalam sejarah pedagogi vokal Rusia. Sekolah vokal Rusia, tidak terkecuali nyanyian virtuoso, membutuhkan kebenaran artistik dari penyanyi-pemain, kemampuan mengungkap isi dan gagasan utama sebuah karya, psikologi mendalam, kesederhanaan dan spontanitas dalam menyampaikan perasaan.

"Hal utama bagi seorang penyanyi adalah teknik vokal, kemampuan mengontrol suara dalam kondisi apapun" - E.E. Nesterenko.

Yang kami maksud dengan istilah “teknik vokal” adalah kerja seluruh bagian alat pembentuk suara penyanyi dan interaksinya dalam proses menyanyi.

Suaranya jarang sekali “di permukaan”. Lebih sering, sumber dayanya disembunyikan karena penggunaan alat vokal yang tidak tepat, keterbelakangannya, dan hanya dalam proses pelatihan, ketika suara berkembang, kelebihan, kekayaan, dan keindahan timbre menjadi jelas bagi kita.

Masyarakat telah mengetahui bahwa suara manusia terbentuk di laring sejak zaman Aristoteles dan Galen. Baru setelah ditemukannya laringoskop (1840) dan karya klasik M. Garcia (1805-1908) menyadari bahwa bunyi suatu suara merupakan hasil getaran berkala pada tepi pita suara, yang terjadi di bawah pengaruh aliran pernapasan udara. Gaya aktif dalam proses ini (getaran: penutupan dan pembukaan pita suara) adalah tekanan aliran udara. Ini adalah “teori mioelastik” M. Garcia.

Ilmuwan Raoul Husson pada tahun 1960 mengemukakan teori baru yang disebut “teori neuromotor”, yang intinya adalah sebagai berikut: pita suara (lipatan) seseorang tidak bergetar secara pasif di bawah pengaruh aliran udara yang lewat, tetapi, seperti semua otot tubuh manusia, berkontraksi secara aktif di bawah pengaruh impuls arus biologis yang berasal dari sistem saraf pusat. Frekuensi impuls sangat bergantung pada keadaan emosional seseorang dan aktivitas kelenjar endokrin (suara wanita satu oktaf lebih tinggi daripada suara pria). Jika seseorang mulai bernyanyi, maka menurut Husson, pengaturan nada dasar mulai dilakukan oleh “korteks serebral”.

Alat vokal manusia adalah alat yang sangat kompleks dan, seperti alat kompleks lainnya, alat ini tampaknya tidak hanya memiliki satu, tetapi beberapa, sampai batas tertentu, independen satu sama lain, mekanisme pengaturan, dikendalikan oleh pusat. sistem saraf. Dan itulah mengapa kedua teori ini berharga.

Bunyi suara seseorang merupakan salah satu bentuk energi. Energi yang dihasilkan oleh alat vokal penyanyi ini menyebabkan molekul udara bergetar secara berkala dengan frekuensi dan kekuatan tertentu: semakin sering molekul bergetar, semakin tinggi suaranya, dan semakin besar amplitudo getarannya, semakin kuat suaranya. Getaran suara di udara merambat... dengan kecepatan 340 m per detik. Alat vokal adalah alat akustik yang hidup, oleh karena itu, selain hukum fisiologis, ia juga mematuhi semua hukum akustik dan mekanika.

Organ pendengaran manusia hanya merasakan getaran mekanis seperti itu, yang frekuensinya berada dalam rentang suara, yaitu. kira-kira dari 15-20 Hz hingga 15-16 kHz. Frekuensi getaran suara manusia berkisar antara 80-1000 Hz.

Nada adalah getaran suara yang sinusoidal. Pitch ditentukan oleh jumlah getaran per detik. Ketika jumlah getaran meningkat, nada nada meningkat.

Bagaimana tutorial

Dunia di sekitar kita tanpa semua jenis hiasan, tipifikasi, konvensi... jenisseni(primitif seni); subordinasi - dominasi satu baikseni atas mereka yang berkolaborasi dengannya yang lainmelihat ... seni tidak serta merta muncul Bagaimana Aphrodite dari laut busa ...

Nikitina Irina Petrovna

Daftar buku teks

Hal itu juga menjadi ciri khas seni pertunjukan pada masa ini. seni V nyanyian. Bagi Plato, ahli retorika dan juru masak, pemotong... semuanya yang lainjenisseni. Segala macam hal bekerja seni menunjukkan bahwa hidup ini jauh dari kata biasa-biasa saja, Bagaimana Ini...

Penyanyi(dari kata Latin vox - "suara" dan vocalis - "terdengar") - profesi musik, peran dalam grup musik, melibatkan penampilan berbagai bagian vokal.

Sekarang, istilah vokalis hampir sama dengan istilah penyanyi, namun dalam musik pop modern diartikan lebih luas, khususnya menyiratkan kemungkinan resitasi, resitatif, dll.

Penyanyi adalah seseorang yang menyanyi dan terlibat dalam menyanyi. Pelaku musik vokal: lagu, roman, arias, paduan suara, single, dll. Seorang musisi menampilkan musik pada alat musik miliknya suara sendiri. Penyanyi adalah tipe vokalis yang paling umum.

Vokalis utama adalah anggota grup musik yang terutama memainkan bagian vokal utama.

Vokalis latar adalah anggota grup musik yang menampilkan bagian vokal harmonis tambahan (semacam vokal latar).

Suara nyanyian

Ada berbagai sistem untuk mengklasifikasikan suara (dan penyanyinya masing-masing). Beberapa diantaranya memperhitungkan kekuatan suara, yaitu seberapa keras penyanyi tersebut dapat bernyanyi. Lainnya - betapa mobile, virtuoso, dan berbedanya suara penyanyi tersebut. Yang lain lagi mencakup karakteristik non-musik seperti penampilan fisik, kemampuan akting, dll.

Paling sering, klasifikasi digunakan yang memperhitungkan jangkauan vokal dan jenis kelamin penyanyi. Meskipun hanya dipandu oleh dua kriteria ini, kami mendapatkan banyak variasi:

Suara wanita:

soprano - suara wanita yang tinggi
mezzo-soprano - suara wanita sedang
contralto - suara rendah wanita (dalam musik paduan suara biasa dipanggil viola saja)

Suara laki-laki:

tenor - suara pria yang tinggi
bariton - suara pria rata-rata
bass - suara laki-laki rendah

Variasi vokal lainnya adalah coloratura soprano, tenor dramatis, bass-bariton, bass profundo. Bahkan ada kategori penyanyi pria yang bernyanyi dalam rentang suara wanita. Jenis suara ini jarang terjadi, tetapi masih digunakan sampai sekarang, terutama dalam opera. Dalam musik Barok, banyak peran yang ditulis untuk castrati - penyanyi pria yang menjalani operasi pengebirian saat masih kecil untuk mencegah mutasi dan mempertahankan suara tinggi seperti wanita. Dalam penampilan vokal modern, peran tersebut dapat dilakukan oleh penyanyi yang memiliki teknik menyanyi falsetto yang berkembang. Penyanyi jenis ini disebut countertenor (alias male alto).

Di mana saya bisa belajar menyanyi?

Pertanyaannya tentu saja cukup umum: faktanya ada yang tertarik, misalnya improvisasi jazz, sementara yang lain merasa cukup percaya diri dengan karaoke, dll.

Klasifikasi vokal berdasarkan cara pertunjukan

Vokal akademis (klasik, opera)

Vokal akademis adalah sekolah vokal klasik lama. Penyanyi akademis bernyanyi di opera, di paduan suara akademis, kapel, orkestra simfoni, serta dalam genre musik vokal kamar. Vokal akademis berbeda dengan vokal pop, jazz, dan rock dalam hal ketatnya posisi klasik. Vokal akademis tidak melibatkan nyanyian melalui mikrofon. Dalam vokal akademis, terdapat kerangka tertentu yang dikembangkan berdasarkan pengalaman dan sejarah musik vokal. Batasan ini biasanya tidak memungkinkan penyanyi akademis menggunakan suaranya dalam arah vokal lain. Dengan pengalaman, seorang penyanyi akademis mengembangkan suatu hal tertentu posisi vokal, berkat itu suaranya menjadi sangat kuat dan memperoleh volume yang besar. Namun, dalam kasus yang jarang terjadi, akademisi dapat tampil dalam genre vokal lain jika mereka dapat membuat suaranya lebih mudah.

Vokal pop

Vokal pop - nyanyian pop menggabungkan banyak gaya lagu dan menyatukan seluruh palet seni vokal. Vokal pop pada dasarnya berarti nyanyian dari atas panggung, namun konsep vokal pop biasanya diasosiasikan dengan musik yang ringan dan mudah dipahami. DI DALAM vokal pop dapat didengar dan motif rakyat, dan unsur jazz, juga merupakan lagu asli dan unsur musik rock. Vokal pop berbeda dari vokal akademis karena suaranya lebih terbuka dan alami. Namun, keterampilan menyanyi, posisi yang benar, dan dukungan suara sama pentingnya dalam vokal pop seperti halnya dalam akademis.

Vokal jazz

Vokal jazz, pertama-tama, menyiratkan rasa ritme dan harmoni yang ideal, serta mobilitas vokal dan kemampuan berimprovisasi. Dalam nyanyian jazz, Anda perlu merasakan bentuk karya, mampu menyajikan pemahaman Anda tentang tema melodi, memodifikasinya namun tanpa meninggalkan harmoni yang diperlukan. Yang juga penting adalah kemitraan sensitif para musisi dan kemampuan berimprovisasi dengan cepat.

Vokal rock

Vokal rock biasanya merupakan nyanyian seorang vokalis dalam sebuah band rock. Vokal rock berbeda dari nyanyian jazz presentasi yang lebih emosional. Vokal rock melibatkan lebih banyak konten semantik daripada vokal. Namun, seorang vokalis rock perlu menjalani pelatihan vokal yang serius. Seorang vokalis rock juga harus memiliki keberanian dan kebebasan penuh dalam arti emosional dan musikal.

Nyanyian rakyat atau nyanyian etnik

Nyanyian rakyat, nyanyian etnik, menurut istilahnya sendiri, adalah nyanyian yang sudah ada sejak kemunculan manusia, dan berbeda-beda ciri ciri, ciri khas suatu bangsa tertentu, kelompok etnis. Gema tradisi rakyat juga dapat ditemukan dalam akademik (klasik) budaya musik, dan dalam budaya musik pop (urban). Secara umum nyanyian daerah bercirikan langit datar dan nyanyian dengan akord.

Yang disebut nyanyian tenggorokan adalah jenis nyanyian rakyat di mana penyanyi, saat bernyanyi, tidak hanya menggunakan ligamen, tetapi juga tenggorokan itu sendiri, rongga mulut yang beresonansi, dan laring, yang menghasilkan nada tambahan dari nada dasar. menjadi terdengar.

Pada saat yang sama, produksi vokal akademis adalah dasar dari segalanya: memberikan kebebasan dalam mengontrol suara.

Pada saat yang sama, transisi seperti “jazz ke akademis” dapat menjadi terobosan nyata bagi seorang penyanyi, oleh karena itu disarankan untuk segera memutuskan apa sebenarnya yang ingin Anda pelajari.

Penting untuk dipahami bahwa tidak mungkin mengajar menyanyi secara profesional dalam 2-3 bulan, bahkan kepada orang-orang dengan suara alami dan nada sempurna.

Dalam hal vokal akademis, pada tahun pertama Anda hanya perlu menyanyikan latihan, vokalisasi (bernyanyi tanpa kata - “o-o-o” atau “a-a-a”) dan lagu-lagu sederhana.

Kemudian Anda secara bertahap dapat beralih ke roman dan aria sederhana. Intinya bukanlah bahwa ilmu menyanyi didasarkan pada beberapa teknik yang dapat diakses oleh segelintir orang. Faktanya, Anda bisa mengetahui cara bernyanyi yang benar dalam waktu setengah jam, yang lainnya adalah masalah pelatihan.

Dalam hal ini, menyanyi itu seperti olah raga. Tergantung pada kemampuan alami Anda, hasilnya akan sedikit lebih cepat atau sedikit lebih lambat, tetapi bagaimanapun juga, Anda memerlukan latihan keras. Pelajaran vokal adalah sebuah cerita selama beberapa tahun.

Bentuk pelatihan vokal yang paling umum dan benar adalah pelajaran individu dengan seorang guru (di sini kita tidak berbicara tentang sekolah ansambel dan paduan suara - ini adalah dunia yang terpisah).

Menemukan guru Anda cukup sulit, dan bahkan rekomendasi tidak menjamin apa pun: penting juga untuk bergaul secara murni manusiawi, karena Anda harus menghabiskan banyak waktu bersama. Ada lebih banyak gaya mengajar daripada variasi vokal; dapat dikatakan bahwa setiap guru memiliki gayanya sendiri.

Ada yang sekolah akademis lama, ada mantan rocker, dan sebagainya. Tentu saja, ada satu hal yang menyatukan mereka: tidak ada guru menyanyi yang tidak bisa menyanyi

Kesuksesan seorang vokalis di masa lalu dan/atau saat ini di atas panggung bukanlah jaminan bahwa dia akan mengajari Anda cara bernyanyi dengan baik.

Kualitas nyanyian guru tidak secara langsung mempengaruhi kualitas pengajaran - terlebih lagi, prinsip “lakukan apa yang saya lakukan” tidak berlaku di sini, karena alat vokal setiap orang berbeda (ada yang lehernya lebih panjang, ada yang lebih pendek).

Banyak orang bertanya-tanya: dari mana nyanyian dimulai? Dan ini adalah pertanyaan yang sangat tepat, terutama bagi mereka yang sudah atau baru akan menghubungkan kehidupannya dengan seni vokal. Lalu dari manakah sejarah seni vokal dimulai?

Tentu saja dari Suara kami. Dengan lahirnya bayi pertama dan tangisan pertama di bumi, kemampuan mengendalikan alat vokal mulai berkembang. Menarik untuk dicatat bahwa tangisan bayi berhubungan dengan 435-440 Hz, yaitu nada “A” pada oktaf pertama. Dan sudah pada tahun-tahun pertama kehidupan, suara seseorang mencapai kisaran 5-7 nada. Mari kita beralih langsung ke sejarah vokal dan nyanyian sebagai sarana mengekspresikan emosi, perasaan dan suasana hati dalam konteks artistik. Tentu saja, selama berabad-abad, pertunjukan vokal di berbagai belahan planet kita yang luas telah mengalami berbagai modifikasi, memperoleh warna, bentuk, struktur baru, dan berkat perubahan ini, seni vokal modern memiliki genre dan teknik yang tak terbayangkan.

Jika di zaman kita seorang penyanyi adalah sebuah profesi yang berarti penggunaan alat vokal yang ahli dan pelatihan bertahun-tahun, maka di zaman kuno - penyanyi, penyanyi, dan bahkan orang yang sangat sederhana, misalnya, seorang ibu mengayun-ayunkan seorang anak dan dengan lembut menyenandungkan lagu pengantar tidur , tanpa pelatihan khusus, dengan bantuan suara, mereka hanya berusaha menyampaikan perasaan mereka dan memberikan kesan yang menyenangkan pada orang yang dituju perasaan tersebut.

Pada zaman dahulu, nyanyian bersifat folk dan religius dan tidak memerlukan persiapan didaktik. Mereka menyanyikan melodi sederhana secara spontan atau doa paduan suara di gereja-gereja dengan iringan instrumen.

Konon Konfusius, yang secara tidak sengaja mendengar nyanyian yang dikaitkan dengan Li-Bo, yang usianya diperkirakan mencapai empat belas abad, sangat kagum sehingga dia menolak makan, minum, dan tidur selama tujuh hari. Setelah itu, ia merumuskan ajarannya yang terkenal, yang ia sebarkan dengan menyanyikan instruksinya mengikuti irama melodi Li-Bo. Dengan suaranya dan gitar lima senar gadingnya, dia mengubah Tiongkok yang luas menjadi keyakinannya. Dan dia melakukan ini tanpa belajar menyanyi di sekolah mana pun.

Dokumenter pertama yang menyebutkan keberadaan seni vokal sebagai genre tersendiri dalam musik baru muncul pada saat lagu tersebut masuk ke dalam gereja. Para pendeta banyak meminjam darinya repertoar rakyat. Berkat kuatnya pengaruh gereja saat itu, lagu tersebut terus berkembang membentuk semacam simbiosis unsur agama dan sekuler.

Penyanyi profesional pertama adalah penyanyi, yang sejak abad ke-14 bertindak sebagai musisi profesional yang mencari nafkah dengan bermain musik. alat musik dan bernyanyi.

C awal abad ke-16 abad datanglah opera. Saat itu, penampil utamanya adalah penyanyi castrati, atau penyanyi sopran. Komposer sering kali menulis satu melodi, dan mereka sendiri menghiasinya dengan getar dan bagian. Musik ini seharusnya menyenangkan telinga penontonnya, membawa mereka ke “dunia transendental” dan menghibur.

Pada usia 30-an-40-an tahun XIX abad ini, nyanyian indah saja tidak cukup, dan perwakilan bel canto murni digantikan oleh tenor, dan kemudian bariton. Belakangan hingga saat ini, seni vokal mengalami banyak perubahan: muncul genre-genre baru, tata krama dan gaya menyanyi baru, seperti nyanyian jazz, nyanyian pop, nyanyian folk atau etnik; modern gaya musik, berasal dari budaya Afrika-Amerika: soul, hip-hop, rap, rhythm and blues; berbagai teknik produksi suara, seperti menggeram, menjerit, merias wajah, menjerit, kasar.

Musik di mana pun dan kapan pun telah dan akan terus memberi kita lebih banyak genre dan gaya baru, tetapi yang terpenting adalah orang modern selalu ingin menyampaikan sesuatu dengan menggunakan instrumen yang sangat kaya dan menakjubkan ini - suara manusia.