ภาพวาดโดยศิลปินญี่ปุ่นร่วมสมัย ภาพวาดญี่ปุ่น: การพรรณนาถึงผู้คน

ศิลปะและการออกแบบ

2702

01.02.18 09:02

วันนี้ ฉากศิลปะญี่ปุ่นมีความหลากหลายและเร้าใจมาก เมื่อดูผลงานของปรมาจารย์จากดินแดนอาทิตย์อุทัย คุณจะตัดสินใจว่าคุณได้มาถึงดาวดวงอื่นแล้ว! แหล่งกำเนิดนวัตกรรมที่เปลี่ยนแปลงภูมิทัศน์ของอุตสาหกรรมในระดับโลก ต่อไปนี้เป็นรายชื่อศิลปินญี่ปุ่นร่วมสมัย 10 คนและผลงานสร้างสรรค์ของพวกเขา ตั้งแต่สิ่งมีชีวิตที่น่าทึ่งของ Takashi Murakami (ผู้ฉลองวันเกิดของเขาในวันนี้) ไปจนถึงจักรวาลที่เต็มไปด้วยสีสันของ Kusama

จากโลกอนาคตสู่กลุ่มดาวประ: ศิลปินญี่ปุ่นร่วมสมัย

Takashi Murakami: นักอนุรักษนิยมและคลาสสิก

มาเริ่มกันที่ฮีโร่แห่งโอกาสนี้เลย! ทาคาชิ มูราคามิคือหนึ่งในศิลปินร่วมสมัยที่โดดเด่นที่สุดของญี่ปุ่น โดยทำงานเกี่ยวกับภาพวาด ประติมากรรมขนาดใหญ่ และเสื้อผ้าแฟชั่น สไตล์ของมุราคามิได้รับอิทธิพลจากมังงะและอะนิเมะ เขาเป็นผู้ก่อตั้งขบวนการ Superflat ซึ่งสนับสนุนประเพณีทางศิลปะของญี่ปุ่นและ วัฒนธรรมหลังสงครามประเทศ. มุราคามิส่งเสริมเพื่อนร่วมรุ่นของเขาหลายคน และเราจะพบกับพวกเขาบางส่วนในวันนี้ด้วย ผลงาน "วัฒนธรรมย่อย" ของ Takashi Murakami ถูกนำเสนอในตลาดศิลปะด้านแฟชั่นและศิลปะ เพลงแนวเร้าใจของเขา My Lonesome Cowboy (1998) ถูกขายในนิวยอร์กที่ Sotheby's ในปี 2008 ในราคา 15.2 ล้านเหรียญสหรัฐ มุราคามิร่วมมือกับโลก แบรนด์ที่มีชื่อเสียงมาร์ค จาคอบส์, หลุยส์ วิตตอง และ อิซเซ่ มิยาเกะ

อาชิมะและจักรวาลเหนือจริงของเธออย่างเงียบ ๆ

ชิโช อาชิมะเป็นสมาชิกของบริษัทผลิตผลงานศิลปะ Kaikai Kiki และขบวนการ Superflat (ก่อตั้งโดยทาคาชิ มูราคามิทั้งคู่) เป็นที่รู้จักจากทิวทัศน์เมืองที่น่าอัศจรรย์และสิ่งมีชีวิตป๊อปที่แปลกประหลาด ศิลปินสร้างความฝันเหนือจริงที่มีปีศาจ ผี และสาวงามอาศัยอยู่ โดยมีฉากหลังเป็นธรรมชาติที่แปลกประหลาด ผลงานของเธอมักจะมีขนาดใหญ่และพิมพ์ลงบนกระดาษ หนัง และพลาสติก ในปี 2549 ศิลปินร่วมสมัยชาวญี่ปุ่นคนนี้ได้เข้าร่วมงานศิลปะบนรถไฟใต้ดินในลอนดอน เธอสร้างส่วนโค้ง 17 ส่วนติดต่อกันสำหรับแพลตฟอร์ม - ภูมิทัศน์ที่มีมนต์ขลังค่อยๆ เปลี่ยนจากกลางวันไปกลางคืน จากเมืองสู่ชนบท ปาฏิหาริย์นี้เกิดขึ้นที่สถานีรถไฟใต้ดิน Gloucester Road

จิฮารุ ชิมะ และเส้นด้ายอันไม่มีที่สิ้นสุด

ศิลปินอีกคนหนึ่งคือ ชิฮารุ ชิโอตะ ที่ทำงานด้านภาพจัดวางขนาดใหญ่สำหรับสถานที่สำคัญบางแห่ง เธอเกิดที่โอซาก้า แต่ตอนนี้อาศัยอยู่ที่เยอรมนี - ในกรุงเบอร์ลิน แก่นกลางในงานของเธอคือการลืมเลือนและความทรงจำ ความฝันและความเป็นจริง อดีตและปัจจุบัน และการเผชิญหน้ากับความวิตกกังวล ผลงานที่โด่งดังที่สุดของชิฮารุ ชิโอตะคือเครือข่ายด้ายสีดำที่ไม่อาจเข้าถึงได้ ซึ่งครอบคลุมสิ่งของในชีวิตประจำวันและส่วนตัวต่างๆ เช่น เก้าอี้เก่า ชุดแต่งงาน, เปียโนที่ถูกไฟไหม้ ในฤดูร้อนปี 2014 Shiota ผูกรองเท้าและรองเท้าบูทบริจาค (ซึ่งมีมากกว่า 300 คู่) เข้าด้วยกันด้วยเส้นด้ายสีแดงแล้วแขวนไว้บนตะขอ นิทรรศการ Chiharu ครั้งแรกในเมืองหลวงของเยอรมนีเกิดขึ้นระหว่างกรุงเบอร์ลิน สัปดาห์ศิลปะในปี 2559 และทำให้เกิดความฮือฮา

เฮ้ อาราคาวะ: ทุกที่ ไม่มีที่ไหนเลย

Hei Arakawa ได้รับแรงบันดาลใจจากสภาวะของการเปลี่ยนแปลง ช่วงเวลาแห่งความไม่มั่นคง องค์ประกอบแห่งความเสี่ยง และผลงานจัดวางของเขามักเป็นสัญลักษณ์ของมิตรภาพและการทำงานเป็นทีม ลัทธิความเชื่อแห่งความทันสมัย ศิลปินชาวญี่ปุ่นถูกกำหนดโดยการแสดงที่ไม่สิ้นสุด “ทุกที่ แต่ไม่มีที่ไหนเลย” ผลงานของเขาปรากฏขึ้นในสถานที่ที่ไม่คาดคิด ในปี 2013 ผลงานของ Arakawa ได้รับการจัดแสดงที่ Venice Biennale และในนิทรรศการศิลปะร่วมสมัยของญี่ปุ่นที่ Mori Museum of Art (โตเกียว) ผลงานการติดตั้ง Hawaiian Presence (2014) คือ โครงการร่วมกันร่วมกับศิลปินชาวนิวยอร์ก Carissa Rodriguez และเข้าร่วมงาน Whitney Biennial นอกจากนี้ ในปี 2014 อาราคาวะและโทมุน้องชายของเขาซึ่งแสดงเป็นดูโอ้ชื่อ United Brothers ได้เสนอ "ผลงาน" ของพวกเขา "The This Soup Taste Ambivalent" ให้กับผู้มาเยือน Frieze London ด้วยผักรากหัวไชเท้าฟุกุชิมะที่มี "กัมมันตภาพรังสี"

โคกิ ทานากะ: ความสัมพันธ์และการทำซ้ำ

ในปี 2015 Koki Tanaka ได้รับการยกย่องให้เป็น "ศิลปินแห่งปี" Tanaka สำรวจประสบการณ์ที่แบ่งปันระหว่างความคิดสร้างสรรค์และจินตนาการ ส่งเสริมการแลกเปลี่ยนระหว่างผู้เข้าร่วมโครงการ และสนับสนุนกฎเกณฑ์ใหม่ในการทำงานร่วมกัน การติดตั้งในศาลาญี่ปุ่นที่งาน Venice Biennale 2013 ประกอบด้วยวิดีโอของวัตถุที่เปลี่ยนพื้นที่ให้กลายเป็นเวทีสำหรับการแลกเปลี่ยนทางศิลปะ ผลงานศิลปะจัดวางของโคกิ ทานากะ (เพื่อไม่ให้สับสนกับนักแสดงชื่อเต็มของเขา) แสดงให้เห็นความสัมพันธ์ระหว่างสิ่งของกับการกระทำ เช่น วิดีโอมีบันทึกการแสดงท่าทางง่ายๆ กับวัตถุธรรมดาๆ (มีดหั่นผัก เบียร์เทลงในแก้ว , กางร่ม) ไม่มีอะไรสำคัญเกิดขึ้น มีแต่การทำซ้ำๆ และความสนใจอย่างครอบงำ ถึงรายละเอียดที่เล็กที่สุดทำให้ผู้ชมซาบซึ้งทางโลก

มาริโกะ โมริ และรูปร่างเพรียวบาง

มาริโกะ โมริ ศิลปินร่วมสมัยชาวญี่ปุ่นอีกคน “เสกสรร” วัตถุมัลติมีเดีย โดยผสมผสานวิดีโอ ภาพถ่าย และวัตถุเข้าด้วยกัน เธอโดดเด่นด้วยวิสัยทัศน์แห่งอนาคตที่เรียบง่ายและรูปแบบเหนือจริงที่ทันสมัย แก่นเรื่องที่เกิดขึ้นประจำในงานของโมริคือการตีข่าวตำนานตะวันตกด้วย วัฒนธรรมตะวันตก- ในปี 2010 มาริโกะได้ก่อตั้งมูลนิธิ Fau ซึ่งเป็นองค์กรไม่แสวงผลกำไรด้านการศึกษาด้านวัฒนธรรม ซึ่งเธอได้สร้างสรรค์ผลงานศิลปะจัดวางหลายชุดเพื่อเป็นเกียรติแก่หกทวีปที่มีผู้คนอาศัยอยู่ ล่าสุด การติดตั้งถาวรของมูลนิธิ "Ring: One with Nature" ได้ถูกสร้างขึ้นเหนือน้ำตกที่งดงามใน Resende ใกล้เมืองรีโอเดจาเนโร

เรียวจิ อิเคดะ: การสังเคราะห์เสียงและวิดีโอ

Ryoji Ikeda เป็นศิลปินสื่อและนักแต่งเพลงหน้าใหม่ที่ทำงานเกี่ยวกับเสียงในสภาวะ "ดิบ" ต่างๆ เป็นหลัก ตั้งแต่คลื่นไซน์ไปจนถึงเสียงรบกวน โดยใช้ความถี่ที่ขอบการได้ยินของมนุษย์ ผลงานศิลปะจัดวางอันน่าดื่มด่ำของเขารวมถึงเสียงที่สร้างจากคอมพิวเตอร์ซึ่งแปลงโฉมเป็นภาพวิดีโอหรือรูปแบบดิจิทัล ศิลปะโสตทัศนศิลป์ของอิเคดะใช้มาตราส่วน แสง เงา ระดับเสียง เสียงอิเล็กทรอนิกส์ และจังหวะ ห้องทดสอบที่มีชื่อเสียงของศิลปินประกอบด้วยโปรเจ็กเตอร์ 5 เครื่องที่ให้แสงสว่างในพื้นที่ยาว 28 เมตรและกว้าง 8 เมตร การตั้งค่าจะแปลงข้อมูล (ข้อความ เสียง ภาพถ่าย และภาพยนตร์) เป็นบาร์โค้ดและรูปแบบไบนารี่ของเลขหนึ่งและเลขศูนย์

Tatsuo Miyajima และเคาน์เตอร์ LED

ประติมากรร่วมสมัยชาวญี่ปุ่นและศิลปินจัดวาง Tatsuo Miyajima ใช้วงจรไฟฟ้า วิดีโอ คอมพิวเตอร์ และอุปกรณ์อื่นๆ ในงานศิลปะของเขา แนวคิดหลักของมิยาจิมะได้รับแรงบันดาลใจมาจาก ความคิดเห็นอกเห็นใจและคำสอนทางพุทธศาสนา ตัวนับ LED ในสถานที่ปฏิบัติงานนอกชายฝั่งของเขากะพริบอย่างต่อเนื่องซ้ำกันตั้งแต่ 1 ถึง 9 ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของการเดินทางจากชีวิตสู่ความตาย แต่หลีกเลี่ยงจุดสิ้นสุดที่แสดงด้วย 0 (ศูนย์ไม่เคยปรากฏในงานของ Tatsuo) ตัวเลขที่แพร่หลายในตาราง หอคอย และแผนภาพแสดงถึงความสนใจของมิยาจิมะในแนวคิดเรื่องความต่อเนื่อง ความเป็นนิรันดร์ การเชื่อมต่อ และการไหลเวียนของเวลาและอวกาศ เมื่อเร็วๆ นี้ "ลูกศรแห่งกาลเวลา" ของมิยาจิมะได้ถูกจัดแสดงในนิทรรศการเปิดครั้งแรก "Unfinished Thoughts Visible in New York"

นารา โยชิโมโตะ และเด็กชั่วร้าย

นารา โยชิโมโตะสร้างสรรค์ภาพวาด ประติมากรรม และภาพวาดของเด็กและสุนัข ซึ่งเป็นหัวข้อที่สะท้อนถึงความรู้สึกเบื่อหน่ายและความหงุดหงิดในวัยเด็ก และความเป็นอิสระอันดุเดือดตามธรรมชาติของเด็กวัยหัดเดิน สุนทรียภาพในงานของ Yoshimoto นั้นชวนให้นึกถึงแบบดั้งเดิม ภาพประกอบหนังสือเป็นส่วนผสมของความตึงเครียดที่ไม่สงบและความรักในพังก์ร็อกของศิลปิน ในปี 2011 พิพิธภัณฑ์ Asia Society ในนิวยอร์กได้เป็นเจ้าภาพจัดนิทรรศการเดี่ยวครั้งแรกของ Yoshimoto ในหัวข้อ “Yoshitomo Nara: Nothing's Fool” ซึ่งครอบคลุมการทำงานตลอด 20 ปีของศิลปินร่วมสมัยชาวญี่ปุ่นรายนี้ การจัดแสดงดังกล่าวมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับวัฒนธรรมย่อยของเยาวชนทั่วโลก และความแปลกแยกของวัฒนธรรมเหล่านี้ ประท้วง.

ยาโยอิ คุซามะ และพื้นที่ที่เติบโตจนกลายเป็นรูปแบบที่แปลกประหลาด

อัศจรรย์ ชีวประวัติที่สร้างสรรค์ยาโยอิของคุซามะมีระยะเวลายาวนานถึงเจ็ดทศวรรษ ในช่วงเวลานี้ ผู้หญิงชาวญี่ปุ่นที่น่าทึ่งคนนี้ได้ศึกษาสาขาจิตรกรรม กราฟิก ภาพต่อกัน ประติมากรรม ภาพยนตร์ งานแกะสลัก ศิลปะสิ่งแวดล้อม ศิลปะจัดวาง ตลอดจนวรรณกรรม แฟชั่น และการออกแบบเสื้อผ้า Kusama พัฒนารูปแบบดอทอาร์ตที่โดดเด่นมากจนกลายมาเป็นเครื่องหมายการค้าของเธอ นิมิตอันลวงตาปรากฏอยู่ในผลงานของคุซามะ วัย 88 ปี (เมื่อโลกดูเหมือนกว้างใหญ่ไพศาล แบบฟอร์มที่แปลกประหลาด) เป็นผลจากอาการประสาทหลอนที่เธอประสบมาตั้งแต่เด็ก ห้องที่มีจุดหลากสีสันและกระจก “อินฟินิตี้” ที่สะท้อนถึงกระจุกห้องนั้นสามารถจดจำได้และไม่สามารถสับสนกับสิ่งอื่นใดได้

ภาพวาดญี่ปุ่นถือเป็นการเคลื่อนไหวที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวในศิลปะโลก มันมีมาตั้งแต่สมัยโบราณ แต่ตามประเพณีแล้วมันไม่ได้สูญเสียความนิยมและความสามารถในการสร้างความประหลาดใจ

ให้ความสำคัญกับประเพณี

ตะวันออกไม่ได้มีแค่ทิวทัศน์ ภูเขา และพระอาทิตย์ขึ้นเท่านั้น คนเหล่านี้คือคนที่สร้างเรื่องราวของเขาด้วย คนเหล่านี้คือผู้ที่รักษาประเพณีให้คงอยู่ ภาพวาดญี่ปุ่นเป็นเวลาหลายศตวรรษในการพัฒนาและยกระดับงานศิลปะของเขา ผู้ที่มีส่วนสำคัญต่อประวัติศาสตร์คือศิลปินชาวญี่ปุ่น ต้องขอบคุณพวกเขาที่ทำให้คนสมัยใหม่ยังคงรักษาหลักการของการวาดภาพญี่ปุ่นแบบดั้งเดิมเอาไว้

กรรมวิธีในการวาดภาพ

ต่างจากยุโรป ศิลปินญี่ปุ่นนิยมวาดภาพให้ใกล้กับกราฟิกมากกว่าวาดภาพ ในภาพวาดดังกล่าว คุณจะไม่พบลายเส้นน้ำมันที่หยาบและไม่ระมัดระวังซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของอิมเพรสชั่นนิสต์ อะไรคือลักษณะกราฟิกของงานศิลปะ เช่น ต้นไม้ หิน สัตว์ และนกของญี่ปุ่น - ทุกสิ่งในภาพวาดเหล่านี้ถูกวาดออกมาอย่างชัดเจนที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ ด้วยเส้นหมึกที่มั่นคงและมั่นใจ วัตถุทั้งหมดในองค์ประกอบจะต้องมีโครงร่าง การเติมภายในโครงร่างมักใช้สีน้ำ สีถูกชะล้างออกไป เพิ่มเฉดสีอื่น และเหลือสีของกระดาษไว้ที่ไหนสักแห่ง ความสามารถในการตกแต่งเป็นสิ่งที่ทำให้ภาพวาดญี่ปุ่นแตกต่างจากงานศิลปะทั่วโลกอย่างชัดเจน

ความแตกต่างในการวาดภาพ

ความแตกต่างอีกอย่างหนึ่ง เทคนิคลักษณะเฉพาะซึ่งใช้โดยศิลปินชาวญี่ปุ่น นี่อาจเป็นความแตกต่างในโทนสี สี หรือคอนทราสต์ของเฉดสีอบอุ่นและเฉดสีเย็น

ศิลปินใช้เทคนิคนี้เมื่อเขาต้องการเน้นองค์ประกอบบางส่วนของตัวแบบ นี่อาจเป็นเส้นเลือดบนต้นไม้ กลีบดอกที่แยกจากกัน หรือลำต้นของต้นไม้ที่ตัดกับท้องฟ้า จากนั้นจึงแสดงแสงที่ส่องสว่างของวัตถุและเงาข้างใต้ (หรือกลับกัน)

การเปลี่ยนผ่านและโซลูชันสี

เมื่อวาดภาพเขียนของญี่ปุ่น มักใช้การเปลี่ยนภาพ อาจแตกต่างกันได้: เช่นจากสีหนึ่งไปอีกสีหนึ่ง บนกลีบดอกบัวและดอกโบตั๋นคุณสามารถสังเกตเห็นการเปลี่ยนแปลง สีอ่อนเพื่อให้ได้สีที่สดใสและเข้มข้น

การเปลี่ยนภาพยังใช้ในภาพผิวน้ำและท้องฟ้าอีกด้วย การเปลี่ยนผ่านจากพระอาทิตย์ตกไปสู่ความมืดอย่างราบรื่น แสงพลบค่ำที่ลึกลงดูสวยงามมาก เมื่อวาดเมฆ จะใช้การเปลี่ยนจากเฉดสีและปฏิกิริยาตอบสนองที่แตกต่างกันด้วย

แรงจูงใจพื้นฐานของการวาดภาพญี่ปุ่น

ในงานศิลปะ ทุกสิ่งทุกอย่างเชื่อมโยงกับชีวิตจริง กับความรู้สึกและอารมณ์ของผู้ที่เกี่ยวข้อง เช่นเดียวกับในวรรณคดี ดนตรี และความคิดสร้างสรรค์รูปแบบอื่นๆ การวาดภาพมีธีมนิรันดร์หลายประการ นี้ วิชาประวัติศาสตร์,ภาพของผู้คนและธรรมชาติ

ทิวทัศน์ของญี่ปุ่นมีหลากหลายรูปแบบ บ่อยครั้งในภาพวาดจะมีรูปบ่อน้ำซึ่งเป็นเฟอร์นิเจอร์ชิ้นโปรดของชาวญี่ปุ่น บ่อน้ำประดับ ดอกบัวหลายต้น และต้นไผ่อยู่ใกล้ๆ นี่คือภาพทั่วไปของศตวรรษที่ 17-18

สัตว์ในภาพวาดญี่ปุ่น

สัตว์ยังเป็นองค์ประกอบที่เกิดขึ้นบ่อยครั้งในการวาดภาพเอเชีย ตามเนื้อผ้ามันเป็นเสือเดินด้อม ๆ มองๆหรือแมวบ้าน โดยทั่วไปแล้วชาวเอเชียชื่นชอบมากและตัวแทนของพวกเขาจึงพบได้ในศิลปะตะวันออกทุกรูปแบบ

โลกแห่งสัตว์เป็นอีกธีมหนึ่งที่ภาพวาดของญี่ปุ่นติดตาม นก - นกกระเรียน, นกแก้วประดับ, นกยูงที่หรูหรา, นกนางแอ่น, นกกระจอกที่ไม่เด่นและแม้กระทั่งไก่โต้ง - ทั้งหมดนี้มีอยู่ในภาพวาดของปรมาจารย์ชาวตะวันออก

ราศีมีนเป็นธีมที่เกี่ยวข้องไม่แพ้กันสำหรับศิลปินชาวญี่ปุ่น ปลาคาร์พ Koi เป็นปลาทองเวอร์ชั่นญี่ปุ่น สิ่งมีชีวิตเหล่านี้อาศัยอยู่ในเอเชียในสระน้ำทุกแห่ง แม้แต่ในสวนสาธารณะและสวนขนาดเล็ก ปลาคาร์พเป็นประเพณีชนิดหนึ่งที่เป็นของประเทศญี่ปุ่นโดยเฉพาะ ปลาเหล่านี้เป็นสัญลักษณ์ของการต่อสู้ ความมุ่งมั่น และการบรรลุเป้าหมาย ไม่ใช่เพื่ออะไรเลยที่ภาพเหล่านี้ลอยไปตามกระแสน้ำและมียอดคลื่นประดับอยู่เสมอ

ภาพวาดญี่ปุ่น: การพรรณนาถึงผู้คน

ผู้คนในภาพวาดญี่ปุ่นถือเป็นธีมพิเศษ ศิลปินวาดภาพเกอิชา จักรพรรดิ นักรบ และผู้อาวุโส

เกอิชาถูกล้อมรอบด้วยดอกไม้ โดยมักจะสวมเสื้อคลุมที่ประณีตซึ่งมีรอยพับและองค์ประกอบต่างๆ มากมาย

มีภาพปราชญ์กำลังนั่งหรืออธิบายบางสิ่งให้นักเรียนฟัง ภาพลักษณ์ของนักวิทยาศาสตร์รุ่นเก่าเป็นสัญลักษณ์ของประวัติศาสตร์ วัฒนธรรม และปรัชญาของเอเชีย

นักรบถูกมองว่าน่าเกรงขามและบางครั้งก็น่ากลัว อันยาวถูกวาดอย่างละเอียดและดูเหมือนลวด

โดยปกติแล้วรายละเอียดทั้งหมดของชุดเกราะจะถูกทำให้กระจ่างโดยใช้หมึก นักรบเปลือยเปล่ามักตกแต่งด้วยรอยสักรูปมังกรตะวันออก มันเป็นสัญลักษณ์ของความเข้มแข็งและอำนาจทางทหารของญี่ปุ่น

มีภาพผู้ปกครองสำหรับราชวงศ์อิมพีเรียล เสื้อผ้าและเครื่องประดับที่สวยงามบนเส้นผมของผู้ชายคือผลงานศิลปะประเภทนี้ที่มีอยู่มากมาย

ทิวทัศน์

แบบดั้งเดิม ภูมิทัศน์ของญี่ปุ่น- ภูเขา. จิตรกรชาวเอเชียประสบความสำเร็จในการวาดภาพทิวทัศน์ที่หลากหลาย โดยสามารถพรรณนายอดเขาเดียวกันด้วยสีที่ต่างกัน และบรรยากาศที่แตกต่างกัน สิ่งเดียวที่ยังคงไม่เปลี่ยนแปลงคือการมีดอกไม้บังคับ โดยปกติแล้วศิลปินจะพรรณนาพืชบางชนิดที่อยู่เบื้องหน้าร่วมกับภูเขาและวาดรายละเอียด ภูเขาและ ดอกซากุระ- และหากพวกเขาวาดภาพกลีบดอกไม้ที่ร่วงหล่น ภาพนั้นก็จะกระตุ้นให้เกิดความชื่นชมในความงามอันน่าเศร้าของมัน ความเปรียบต่างของบรรยากาศของภาพถือเป็นอีกหนึ่งคุณสมบัติที่ยอดเยี่ยมของวัฒนธรรมญี่ปุ่น

อักษรอียิปต์โบราณ

บ่อยครั้งที่องค์ประกอบของภาพในภาพวาดญี่ปุ่นจะรวมกับการเขียน อักษรอียิปต์โบราณถูกจัดเรียงเพื่อให้ดูมีองค์ประกอบที่สวยงาม โดยปกติแล้วจะวาดทางด้านซ้ายหรือขวาของภาพวาด อักษรอียิปต์โบราณสามารถแสดงถึงสิ่งที่ปรากฎในภาพวาด ชื่อภาพ หรือชื่อของศิลปิน

ญี่ปุ่นเป็นหนึ่งในประเทศที่ร่ำรวยที่สุดในประวัติศาสตร์และวัฒนธรรม โดยทั่วไปแล้วคนญี่ปุ่นทั่วโลกถือเป็นคนอวดรู้ซึ่งพบสุนทรียศาสตร์ในทุกรูปแบบของชีวิต ดังนั้นภาพวาดของญี่ปุ่นจึงมีสีและโทนสีที่กลมกลืนกันมาก: หากมีการสาดสีที่สดใสก็จะอยู่ตรงกลางความหมายเท่านั้น การใช้ภาพวาดของศิลปินเอเชียเป็นตัวอย่าง คุณสามารถศึกษาทฤษฎีสี การแสดงรูปแบบที่ถูกต้องโดยใช้กราฟิก และองค์ประกอบ เทคนิคการวาดภาพของญี่ปุ่นนั้นสูงมากจนสามารถใช้เป็นตัวอย่างในการทำงานกับสีน้ำและทำการ "ล้าง" งานกราฟิกได้

โฮะคุไซ ศิลปินชาวญี่ปุ่นในคริสต์ศตวรรษที่ 18 สร้างสรรค์ผลงานอันน่าเวียนหัว งานศิลปะ- โฮะกุไซทำงานจนเข้าสู่วัยชรา โดยยืนกรานอยู่เสมอว่า “ทุกสิ่งที่เขาทำก่อนอายุ 70 ​​ปีนั้นไม่คุ้มค่าและไม่คุ้มค่าแก่ความสนใจ”

บางทีอาจเป็นศิลปินญี่ปุ่นที่โด่งดังที่สุดในโลก เขามักจะโดดเด่นจากความสนใจในเพื่อนร่วมรุ่นเดียวกันเสมอ ชีวิตประจำวัน- แทนที่จะวาดภาพเกอิชาที่มีเสน่ห์และซามูไรผู้กล้าหาญ โฮะคุไซวาดภาพคนงาน ชาวประมง และฉากประเภทในเมือง ซึ่งยังไม่เป็นที่สนใจ ศิลปะญี่ปุ่น- นอกจากนี้เขายังใช้แนวทางแบบยุโรปในการจัดองค์ประกอบภาพ

ต่อไปนี้เป็นรายการคำศัพท์สำคัญสั้นๆ ที่จะช่วยคุณนำทางงานของ Hokusai ได้เล็กน้อย

1 ภาพอุกิโยะเป็นภาพพิมพ์และภาพวาดที่ได้รับความนิยมในญี่ปุ่นตั้งแต่ช่วงปี 1600 ถึง 1800 ความเคลื่อนไหวทางวิจิตรศิลป์ของญี่ปุ่นที่พัฒนามาตั้งแต่สมัยเอโดะ คำนี้มาจากคำว่า "อุเคียว" ซึ่งแปลว่า "โลกที่เปลี่ยนแปลงได้" Uikiye บ่งบอกถึงความสุขแบบสุขสันต์ของชนชั้นพ่อค้าที่กำลังเติบโต ในทิศทางนี้โฮคุไซจึงเป็นศิลปินที่มีชื่อเสียงที่สุด

โฮะกุไซใช้นามแฝงอย่างน้อยสามสิบตลอดชีวิต แม้ว่าการใช้นามแฝงจะเป็นเรื่องปกติในหมู่ศิลปินชาวญี่ปุ่นในยุคนั้น แต่เขามีนามแฝงแซงหน้านักเขียนหลักคนอื่นๆ อย่างมีนัยสำคัญ นามแฝงของโฮคุไซมักใช้เพื่อแบ่งช่วงขั้นตอนการทำงานของเขา

2 สมัยเอโดะ คือช่วงเวลาระหว่าง ค.ศ. 1603 ถึง ค.ศ. 1868 ประวัติศาสตร์ญี่ปุ่นจากนั้นสังเกตการเติบโตทางเศรษฐกิจและ ความสนใจใหม่สู่ศิลปะและวัฒนธรรม

3 ชุนโรเป็นนามแฝงคนแรกของโฮคุไซ

4 Shunga แปลว่า "ภาพแห่งฤดูใบไม้ผลิ" อย่างแท้จริง และ "ฤดูใบไม้ผลิ" เป็นคำแสลงภาษาญี่ปุ่นที่หมายถึงเรื่องเพศ สิ่งเหล่านี้คือภาพสลัก เร้าอารมณ์ในธรรมชาติ- สร้างขึ้นโดยศิลปินที่ได้รับความเคารพนับถือมากที่สุด รวมถึงโฮคุไซด้วย

5 ซูริโมโน่. “ซูริโมโนะ” ล่าสุดที่เรียกว่าภาพพิมพ์แบบกำหนดเองเหล่านี้ประสบความสำเร็จอย่างมาก ต่างจากภาพพิมพ์อุกิโยเอะซึ่งมีไว้สำหรับผู้ชมจำนวนมาก ซูริโมโนะไม่ค่อยถูกขายให้กับบุคคลทั่วไป

6 ภูเขาไฟฟูจิเป็นภูเขาที่มีรูปทรงสมมาตรซึ่งสูงที่สุดในญี่ปุ่น ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา ภาพนี้ได้สร้างแรงบันดาลใจให้กับศิลปินและกวีมากมาย รวมถึงโฮคุไซ ผู้ตีพิมพ์ผลงานชุดอุกิโยะเอะ เรื่อง Thirty-Six Views of Mount Fuji ซีรีส์นี้รวมภาพพิมพ์ที่มีชื่อเสียงที่สุดของโฮคุไซ

7 ลัทธิญี่ปุ่น - อิทธิพลอันยาวนานที่โฮคุไซมี คนรุ่นต่อ ๆ ไป ศิลปินชาวตะวันตก- ญี่ปุ่นเป็นสไตล์ที่ได้รับแรงบันดาลใจจากสีสันอันสดใสของภาพพิมพ์อุกิโยะ การขาดมุมมอง และการทดลององค์ประกอบภาพ

ญี่ปุ่น จิตรกรรมคลาสสิกมีความยาวและ เรื่องราวที่น่าสนใจ- มีการนำเสนอวิจิตรศิลป์ของญี่ปุ่นใน สไตล์ที่แตกต่างและประเภทต่างๆ ซึ่งแต่ละประเภทก็มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวในแบบของตัวเอง รูปแกะสลักโบราณและลวดลายเรขาคณิตที่พบในระฆังดอตาคุสำริดและเศษเครื่องปั้นดินเผามีอายุย้อนกลับไปถึงปีคริสตศักราช 300

การวางแนวศิลปะพุทธศาสนา

ศิลปะการวาดภาพฝาผนังได้รับการพัฒนาค่อนข้างดีในญี่ปุ่น ในศตวรรษที่ 6 ภาพในหัวข้อปรัชญาพุทธศาสนาได้รับความนิยมเป็นพิเศษ ในเวลานั้นมีการสร้างวัดขนาดใหญ่ในประเทศ และผนังทุกแห่งก็ตกแต่งด้วยจิตรกรรมฝาผนังที่วาดตามฉากจากตำนานและตำนานทางพุทธศาสนา ตัวอย่างภาพวาดฝาผนังโบราณยังคงได้รับการเก็บรักษาไว้ในวัดโฮริวจิใกล้กับเมืองนาราของญี่ปุ่น ภาพฝาผนังโฮริวจิแสดงภาพเหตุการณ์พุทธประวัติและเทพเจ้าองค์อื่นๆ รูปแบบศิลปะของจิตรกรรมฝาผนังเหล่านี้ใกล้เคียงกับแนวคิดภาพที่ได้รับความนิยมในประเทศจีนในสมัยราชวงศ์ซ่งมาก

รูปแบบการวาดภาพของราชวงศ์ถังได้รับความนิยมเป็นพิเศษในช่วงกลางสมัยนารา ภาพจิตรกรรมฝาผนังที่ค้นพบในสุสานทาคามัตสึซูกะมีอายุย้อนกลับไปประมาณศตวรรษที่ 7 จากช่วงเวลานี้ เทคนิคทางศิลปะก่อตั้งขึ้นภายใต้อิทธิพลของราชวงศ์ถัง และต่อมาได้ก่อตั้งพื้นฐานของประเภทจิตรกรรมของคาระเอะ ประเภทนี้ยังคงได้รับความนิยมจนกระทั่งมีผลงานชิ้นแรกในสไตล์ยามาโตะ-เอะ จิตรกรรมฝาผนังและผลงานจิตรกรรมชิ้นเอกส่วนใหญ่เป็นของแปรง ผู้เขียนที่ไม่รู้จักปัจจุบันผลงานหลายชิ้นจากสมัยนั้นถูกเก็บไว้ในคลัง Sesoin

อิทธิพลที่เพิ่มขึ้นของนิกายพุทธศาสนาใหม่ๆ เช่น เทนได มีอิทธิพลต่อการวางแนวศาสนาที่กว้างขึ้น ทัศนศิลป์ญี่ปุ่นในศตวรรษที่ 8 และ 9 ในศตวรรษที่ 10 ซึ่งเห็นความก้าวหน้าเป็นพิเศษในพุทธศาสนาญี่ปุ่น ประเภทของไรโกสุ "ภาพวาดต้อนรับ" ปรากฏขึ้น ซึ่งบรรยายถึงการมาถึงของพระพุทธเจ้าในสวรรค์ตะวันตก ตัวอย่างไรโกซุในช่วงแรกๆ ย้อนหลังไปถึงปี 1053 สามารถพบเห็นได้ที่วัดเบโดอิน ซึ่งยังคงอยู่ในเมืองอุจิ จังหวัดเกียวโต

การเปลี่ยนสไตล์

ในช่วงกลางสมัยเฮอันเข้ามาแทนที่ สไตล์จีน Kara-e เป็นประเภท Yamato-e ซึ่งมาเป็นเวลานานกลายเป็นหนึ่งในประเภทภาพวาดญี่ปุ่นที่ได้รับความนิยมและเป็นที่ต้องการมากที่สุด รูปแบบภาพใหม่ส่วนใหญ่จะใช้ในการทาสีฉากกั้นพับและประตูบานเลื่อน เมื่อเวลาผ่านไป ยามาโตะ-เอะก็เปลี่ยนไปใช้ม้วนเอกิโมโนะแนวนอนด้วย ศิลปินที่ทำงานในประเภท emaki พยายามถ่ายทอดอารมณ์ของพล็อตที่เลือกในผลงานของพวกเขา ม้วนหนังสือเก็นจิโมโนกาตาริประกอบด้วยตอนหลายตอนที่ร้อยเข้าด้วยกัน โดยศิลปินในยุคนั้นใช้ฝีแปรงอย่างรวดเร็วและสีสันที่สดใสและสื่ออารมณ์

E-maki เป็นหนึ่งในตัวอย่างที่เก่าแก่และโดดเด่นที่สุดของ otoko-e ซึ่งเป็นรูปแบบการเป็นตัวแทน ภาพชาย- มีจุดเด่นที่ภาพเหมือนของผู้หญิง แยกประเภทออนนาเอ่อ ระหว่างประเภทเหล่านี้ ในความเป็นจริง เช่นเดียวกับระหว่างชายและหญิง จะเห็นความแตกต่างที่ค่อนข้างสำคัญ สไตล์อนนะเอะแสดงออกมาอย่างมีสีสันในการออกแบบ Tale of Genji โดยธีมหลักของภาพวาดคือเรื่องราวที่โรแมนติกและฉากจากชีวิตในศาล สไตล์ผู้ชาย Otoko-e เป็นส่วนใหญ่ ภาพศิลปะ การต่อสู้ทางประวัติศาสตร์และคนอื่น ๆ เหตุการณ์สำคัญในชีวิตของจักรวรรดิ

โรงเรียนศิลปะคลาสสิกของญี่ปุ่นกลายเป็นพื้นที่อุดมสมบูรณ์สำหรับการพัฒนาและส่งเสริมแนวคิดเกี่ยวกับศิลปะร่วมสมัยในญี่ปุ่น ซึ่งสามารถเห็นอิทธิพลของวัฒนธรรมป๊อปและอะนิเมะได้อย่างชัดเจน ศิลปินชาวญี่ปุ่นที่มีชื่อเสียงที่สุดคนหนึ่งในยุคของเราเรียกว่าทาคาชิมูราคามิซึ่งผลงานของเขาทุ่มเทให้กับการวาดภาพฉากจาก ชีวิตแบบญี่ปุ่น ช่วงหลังสงครามและแนวคิดของการหลอมรวมสูงสุด วิจิตรศิลป์และกระแสหลัก

จากศิลปินชื่อดังชาวญี่ปุ่น โรงเรียนคลาสสิกเราสามารถตั้งชื่อได้ดังต่อไปนี้

ซูบุนที่ตึงเครียด

Syubun ทำงานเมื่อต้นศตวรรษที่ 15 โดยทุ่มเทเวลาอย่างมากในการศึกษาผลงานของปรมาจารย์ชาวจีนในราชวงศ์ซ่งชายผู้นี้ยืนอยู่ที่ต้นกำเนิดของญี่ปุ่น ประเภทภาพ- ชูบุนถือเป็นผู้ก่อตั้งภาพวาดหมึกขาวดำสไตล์ซูมิเอะ เขาใช้ความพยายามอย่างมากในการเผยแพร่แนวใหม่นี้ โดยเปลี่ยนให้เป็นหนึ่งในขอบเขตชั้นนำของการวาดภาพญี่ปุ่น ลูกศิษย์ของ Syubun มีหลายคนที่ต่อมากลายเป็น ศิลปินชื่อดังรวมถึง Sesshu และผู้ก่อตั้งที่มีชื่อเสียง โรงเรียนศิลปะคาโนะ มาซาโนบุ. ภูมิทัศน์หลายแห่งมีสาเหตุมาจาก Xubun แต่ผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขามักถูกมองว่าเป็น "การอ่านหนังสือในป่าไผ่"

โองาตะ โคริน (1658-1716)

โอกาตะ โครินเป็นหนึ่งในนั้น ศิลปินหลักในประวัติศาสตร์การวาดภาพของญี่ปุ่น ผู้ก่อตั้ง และหนึ่งในตัวแทนที่ฉลาดที่สุด สไตล์ศิลปะริมปา Korine ย้ายออกจากแบบแผนดั้งเดิมอย่างกล้าหาญในผลงานของเขาและก่อตัวเป็นของเขาเอง สไตล์ของตัวเองลักษณะสำคัญคือรูปแบบขนาดเล็กและอิมเพรสชั่นนิสม์ที่สดใสของโครงเรื่อง Korin เป็นที่รู้จักจากทักษะพิเศษในการวาดภาพธรรมชาติและการทำงานกับองค์ประกอบสีแบบนามธรรม “ดอกบ๊วยสีแดงขาว” ก็เป็นอีกดอกหนึ่ง ผลงานที่มีชื่อเสียงโอกาตะ โครินะ ภาพวาดของเขา "ดอกเบญจมาศ" "คลื่นแห่งมัตสึชิมะ" และอื่นๆ อีกมากมายก็เป็นที่รู้จักเช่นกัน

ฮาเซกาวะ โทฮาคุ (ค.ศ. 1539-1610)

Tohaku เป็นผู้ก่อตั้งโรงเรียนศิลปะ Hasegawa ของญี่ปุ่น ผลงานในยุคแรกๆ ของโทฮาคุมีลักษณะเฉพาะโดยได้รับอิทธิพลจากสำนักจิตรกรรมญี่ปุ่นที่มีชื่อเสียง คาโน แต่เมื่อเวลาผ่านไปศิลปินก็ได้สร้างสไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์ของตัวเองขึ้นมา ในหลาย ๆ ด้าน งานของ Tohaku ได้รับอิทธิพลจากผลงานของปรมาจารย์ Sesshu ที่ได้รับการยอมรับ โฮเซกาวะยังถือว่าตัวเองเป็นผู้สืบทอดคนที่ห้าของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่คนนี้ด้วยซ้ำ ได้รับภาพวาด "ต้นสน" ของ Hasegawa Tohaku ชื่อเสียงระดับโลกผลงานของเขา "เมเปิ้ล", "ต้นสนและไม้ดอก" และอื่น ๆ ก็เป็นที่รู้จักเช่นกัน

คาโนะ เอโทกุ (ค.ศ. 1543-1590)

รูปแบบโรงเรียนคาโนะครอบงำทัศนศิลป์ของญี่ปุ่นมาประมาณสี่ศตวรรษ และคาโนะ เอโทกุอาจเป็นหนึ่งในรูปแบบที่มีชื่อเสียงและมีชื่อเสียงที่สุด ตัวแทนที่โดดเด่นโรงเรียนศิลปะแห่งนี้ Eitoku ได้รับการสนับสนุนจากทางการการอุปถัมภ์ของขุนนางและผู้อุปถัมภ์ที่ร่ำรวยไม่สามารถมีส่วนร่วมในการเสริมสร้างความเข้มแข็งของโรงเรียนของเขาและความนิยมในผลงานชิ้นนี้โดยไม่ต้องสงสัยเลยว่าเป็นศิลปินที่มีความสามารถมาก หน้าจอเลื่อน Cypress แปดแผง วาดโดย Eitoku Kano ถือเป็นผลงานชิ้นเอกอย่างแท้จริง ตัวอย่างที่ส่องแสงขอบเขตและพลังของสไตล์โมโนยามะ ผลงานอื่น ๆ ของปรมาจารย์เช่น "นกและต้นไม้แห่งสี่ฤดู", "สิงโตจีน", "ฤาษีและนางฟ้า" และอื่น ๆ อีกมากมายก็ดูน่าสนใจไม่น้อย

คัตสึชิกะ โฮะกุไซ (ค.ศ. 1760-1849)

โฮะคุไซคือปรมาจารย์ด้านภาพอุกิโยะ (ภาพพิมพ์แกะไม้ของญี่ปุ่น) ที่ยิ่งใหญ่ที่สุด ได้รับความคิดสร้างสรรค์ของโฮคุไซ การยอมรับระดับโลกชื่อเสียงของเขาในประเทศอื่นเทียบไม่ได้กับศิลปินเอเชียส่วนใหญ่ผลงานของเขา” คลื่นลูกใหญ่ในคานากาว่า" กลายเป็นแบบนี้ นามบัตรวิจิตรศิลป์ญี่ปุ่นบนเวทีศิลปะโลก ด้วยตัวคุณเอง เส้นทางที่สร้างสรรค์โฮะกุไซใช้นามแฝงมากกว่าสามสิบชื่อ หลังจากหกสิบ ศิลปินอุทิศตนให้กับงานศิลปะโดยสิ้นเชิง และครั้งนี้ถือเป็นครั้งที่ยิ่งใหญ่ที่สุด ช่วงเวลาที่มีผลความคิดสร้างสรรค์ของเขา ผลงานของโฮคุไซมีอิทธิพลต่อผลงานของปรมาจารย์ด้านอิมเพรสชันนิสม์ชาวตะวันตกและยุคหลังอิมเพรสชั่นนิสต์ รวมถึงผลงานของเรอนัวร์ โมเนต์ และแวนโก๊ะ

ภาพวาดขาวดำของญี่ปุ่นก็เป็นหนึ่งในนั้น ปรากฏการณ์ที่ไม่เหมือนใครศิลปะแห่งตะวันออก มีการทุ่มเทงานและการวิจัยมากมาย แต่มักถูกมองว่าเป็นสิ่งที่ธรรมดามากและบางครั้งก็เป็นของตกแต่ง สิ่งนี้ไม่เป็นเช่นนั้น โลกแห่งจิตวิญญาณของศิลปินชาวญี่ปุ่นนั้นอุดมสมบูรณ์มากและเขาไม่สนใจองค์ประกอบด้านสุนทรียภาพมากนักเกี่ยวกับจิตวิญญาณ ศิลปะตะวันออกเป็นการสังเคราะห์จากภายนอกและภายใน ชัดเจนและโดยปริยาย

ในโพสต์นี้ ฉันอยากจะไม่สนใจประวัติความเป็นมาของการวาดภาพเอกรงค์ แต่เป็นแก่นแท้ของมัน นี่คือสิ่งที่เราจะพูดถึง

จอภาพ "ต้นสน" Hasegawa Tohaku, 1593

สิ่งที่เราเห็นในภาพวาดเอกรงค์เป็นผลมาจากปฏิสัมพันธ์ของศิลปินกับองค์ประกอบพื้นฐานสามประการ ได้แก่ กระดาษ พู่กัน หมึก ดังนั้นเพื่อที่จะเข้าใจงานได้อย่างถูกต้อง คุณต้องเข้าใจตัวศิลปินและทัศนคติของเขาด้วย

"ทิวทัศน์" เซะชู 1398

กระดาษสำหรับปรมาจารย์ชาวญี่ปุ่นมันไม่ง่ายเลย วัสดุชั่วคราวซึ่งเขาอยู่ใต้บังคับบัญชาของเขา แต่ตรงกันข้าม - นี่คือ "พี่ชาย" ดังนั้นทัศนคติต่อเธอจึงพัฒนาขึ้นตามนั้น กระดาษเป็นส่วนหนึ่งของธรรมชาติที่อยู่รายล้อม ซึ่งชาวญี่ปุ่นปฏิบัติต่อด้วยความเคารพมาโดยตลอดและพยายามที่จะไม่พิชิต แต่ต้องอยู่ร่วมกันอย่างสันติกับกระดาษ กระดาษในอดีตเป็นต้นไม้ที่ยืนต้นอยู่บริเวณหนึ่ง เวลาที่แน่นอน“เห็น” บางสิ่งรอบตัวเธอ และเธอก็เก็บมันไว้ทั้งหมด นี่คือวิธีที่ศิลปินชาวญี่ปุ่นรับรู้ถึงเนื้อหานี้ บ่อยครั้งก่อนเริ่มงานช่างฝีมือมักมองดูเป็นเวลานาน แผ่นเปล่า(พวกเขาใคร่ครวญ) จากนั้นจึงเริ่มวาดภาพเท่านั้น แม้กระทั่งในปัจจุบัน ศิลปินญี่ปุ่นสมัยใหม่ที่ฝึกฝนเทคนิค Nihon-ga (ภาพวาดแบบญี่ปุ่นดั้งเดิม) ต่างก็เลือกกระดาษอย่างระมัดระวัง พวกเขาซื้อมันตามสั่งจากโรงงานกระดาษ ศิลปินแต่ละคนมีความหนา การซึมผ่านของความชื้น และพื้นผิวที่แน่นอน (ศิลปินหลายคนถึงกับทำข้อตกลงกับเจ้าของโรงงานที่จะไม่ขายกระดาษนี้ให้กับศิลปินคนอื่น) ดังนั้นภาพวาดแต่ละภาพจึงถูกมองว่าเป็นสิ่งที่มีเอกลักษณ์และมีชีวิตชีวา

"การอ่านในป่าไผ่" Xubun, 1446

เมื่อพูดถึงความสำคัญของเนื้อหานี้เป็นสิ่งที่ควรค่าแก่การกล่าวถึงอนุสรณ์สถานวรรณกรรมญี่ปุ่นที่มีชื่อเสียงเช่น "Notes at the Bedside" โดย Sei Shonagon และ "Genji Monogotari" โดย Murasaki Shikibu: ทั้งใน "Notes" และ "Genji" คุณสามารถค้นหาโครงเรื่องได้ เมื่อข้าราชบริพารหรือคู่รักแลกเปลี่ยนข้อความกัน กระดาษที่ใช้เขียนข้อความเหล่านี้เป็นเวลาที่เหมาะสมของปี เฉดสี และลักษณะการเขียนข้อความที่สอดคล้องกับเนื้อผ้า

“มุราซากิ ชิกิบุที่ศาลเจ้าอิชิยามะ” เคียวเซ็น

แปรง- องค์ประกอบที่สองคือความต่อเนื่องของมือของอาจารย์ (อีกครั้งนี่เป็นวัสดุจากธรรมชาติ) ดังนั้นจึงมีการสั่งทำพู่กันด้วย แต่ส่วนใหญ่มักจะทำโดยศิลปินเอง เขาเลือกเส้นขนตามความยาวที่ต้องการ เลือกขนาดของแปรงและด้ามจับที่สะดวกสบายที่สุด ปรมาจารย์วาดภาพด้วยพู่กันของเขาเองเท่านั้น ไม่ใช้อย่างอื่น (จาก ประสบการณ์ส่วนตัว: ฉันอยู่ในชั้นเรียนปริญญาโทโดยศิลปินชาวจีน Jiang Shilun ผู้ชมขอให้แสดงให้เห็นว่านักเรียนของเขาที่อยู่ในชั้นเรียนปริญญาโทสามารถทำอะไรได้บ้าง และแต่ละคนหยิบพู่กันของอาจารย์ขึ้นมาบอกว่าผลลัพธ์จะไม่เป็น สิ่งที่พวกเขาคาดหวัง เพราะแปรงไม่ใช่พวกเขา พวกเขาไม่คุ้นเคยและไม่รู้วิธีใช้อย่างถูกต้อง)

ภาพร่างด้วยหมึก "ฟูจิ" โดยคัตสึชิกะ โฮคุไซ

มาสคาร่า- องค์ประกอบสำคัญประการที่สาม มาสคาร่ามีหลายประเภท: สามารถให้เอฟเฟกต์มันวาวหรือด้านหลังจากการอบแห้งสามารถผสมกับสีเงินหรือสีเหลืองสดได้ดังนั้น ทางเลือกที่ถูกต้องมาสคาร่าก็ไม่สำคัญเช่นกัน

ยามาโมโตะ ไบสึ ปลายศตวรรษที่ 18 - 19

วิชาหลักของการวาดภาพเอกรงค์คือทิวทัศน์ ทำไมพวกเขาถึงไม่มีสี?

จับคู่หน้าจอ "ต้นสน" Hasegawa Tohaku

ประการแรก ศิลปินชาวญี่ปุ่นไม่สนใจในตัววัตถุ แต่โดยแก่นแท้แล้ว คือองค์ประกอบบางอย่างที่พบได้ทั่วไปในสิ่งมีชีวิตทุกชนิด และนำไปสู่ความกลมกลืนระหว่างมนุษย์กับธรรมชาติ ดังนั้นภาพจึงเป็นสัญญาณบ่งบอกถึงประสาทสัมผัสของเรา ไม่ใช่การมองเห็น การพูดน้อยเป็นแรงกระตุ้นสำหรับการสนทนาและทำให้เกิดความเชื่อมโยง เส้นและจุดมีความสำคัญในภาพ - เกิดขึ้น ภาษาศิลปะ- นี่ไม่ใช่เสรีภาพของนายที่ทิ้งเครื่องหมายตัวหนาไว้ในที่ที่เขาต้องการ แต่ในอีกที่หนึ่งตรงกันข้าม - ทุกสิ่งในภาพมีความหมายและความสำคัญในตัวเองและไม่ได้สุ่ม

ประการที่สอง สีมักจะมีบางอย่างอยู่เสมอ การระบายสีตามอารมณ์และถูกรับรู้แตกต่างออกไป ผู้คนที่หลากหลายดังนั้นในสภาวะต่างๆ ความเป็นกลางทางอารมณ์จึงทำให้ผู้ดูเข้าสู่บทสนทนาได้อย่างเหมาะสมที่สุด เพื่อวางตำแหน่งการรับรู้ การไตร่ตรอง และความคิด

ประการที่สามนี่คือปฏิสัมพันธ์ของหยินและหยางการวาดภาพเอกรงค์ใด ๆ นั้นมีความกลมกลืนกันจากมุมมองของอัตราส่วนของหมึกต่อพื้นที่ที่ไม่มีใครแตะต้องของกระดาษ

ทำไม ส่วนใหญ่ไม่มีพื้นที่กระดาษใช้?

“ภูมิทัศน์” ซูบุน กลางศตวรรษที่ 15

ประการแรก พื้นที่ว่างจะทำให้ผู้ชมดื่มด่ำไปกับภาพ ประการที่สองภาพถูกสร้างขึ้นราวกับว่ามันลอยขึ้นสู่ผิวน้ำครู่หนึ่งและกำลังจะหายไป - สิ่งนี้เชื่อมโยงกับโลกทัศน์และโลกทัศน์ ประการที่สาม ในพื้นที่ที่ไม่มีหมึก พื้นผิวและสีของกระดาษจะปรากฏอยู่เบื้องหน้า (ซึ่งไม่สามารถมองเห็นได้ในการจำลองเสมอไป แต่ในความเป็นจริงแล้ว มันเป็นการทำงานร่วมกันของวัสดุทั้งสองเสมอ - กระดาษและหมึก)

เซะชู, 1446

ทำไมต้องเป็นแนวนอน?

“การไตร่ตรองถึงน้ำตก” กายามิ 1478

ตามโลกทัศน์ของญี่ปุ่น ธรรมชาติมีความสมบูรณ์แบบมากกว่ามนุษย์ ดังนั้นเขาจึงต้องเรียนรู้จากมัน ปกป้องมันในทุกวิถีทางที่เป็นไปได้ และไม่ทำลายหรือพิชิตมัน ดังนั้นในภูมิประเทศหลายแห่ง คุณสามารถเห็นภาพผู้คนเล็กๆ น้อยๆ ได้ แต่จะไม่สำคัญเสมอไป มีขนาดเล็กเมื่อเทียบกับภูมิทัศน์นั้นเอง หรือภาพกระท่อมที่พอดีกับพื้นที่รอบตัวพวกเขา และไม่ได้สังเกตเห็นได้ชัดเจนเสมอไป - สิ่งเหล่านี้ล้วนเป็นสัญลักษณ์ของ โลกทัศน์

"ฤดูกาล: ฤดูใบไม้ร่วงและฤดูหนาว" เซสชู "ภูมิทัศน์" เซะชู 1481

โดยสรุป ฉันอยากจะบอกว่าภาพวาดญี่ปุ่นขาวดำนั้นไม่ใช่หมึกที่สาดอย่างวุ่นวาย ไม่ใช่อัตตาภายในของศิลปิน - มันเป็นระบบภาพและสัญลักษณ์ทั้งหมด มันเป็นแหล่งรวมความคิดเชิงปรัชญา และที่สำคัญที่สุด วิธีการสื่อสารและการประสานกันของตนเองและโลกรอบตัวเรา

ฉันคิดว่านี่คือคำตอบสำหรับคำถามหลักที่เกิดขึ้นในตัวผู้ชมเมื่อต้องเผชิญกับภาพวาดขาวดำของญี่ปุ่น ฉันหวังว่าพวกเขาจะช่วยให้คุณเข้าใจถูกต้องที่สุดและรับรู้เมื่อคุณพบกัน