ละครในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 และละคร ละครและละคร

การเปลี่ยนแปลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในโรงละครรัสเซียมีความเกี่ยวข้องกับชื่อของ Alexander Sergeevich Pushkin (1799-1837)

ยุคใหม่เริ่มต้นขึ้นในประวัติศาสตร์วัฒนธรรมรัสเซียกับพุชกิน เขาทำหน้าที่เป็นผู้แปลงวรรณกรรมรัสเซียที่กล้าหาญ - ในบทกวีร้อยแก้วละครและหม้อแปลงของภาษารัสเซียเอง ลักษณะทั่วไปทางทฤษฎีของเขากำหนดขั้นตอนใหม่ของความคิดเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์ของรัสเซีย พุชกินกลายเป็นผู้บุกเบิกทิศทางใหม่ในวรรณคดีและศิลปะรัสเซีย - ความสมจริง

มุมมองเชิงสุนทรีย์ของพุชกินได้รับการหล่อหลอมจากยุคของขบวนการ Decembrist ยุคของการต่อสู้เพื่อปลดปล่อยรัสเซียจากระบอบเผด็จการ จากระบอบทาส และเพื่อปลดปล่อยประชาชนจากการกดขี่ แนวคิดเกี่ยวกับขบวนการปลดปล่อยประชาชนเป็นพื้นฐานของตำแหน่งพลเมืองของกวี

เมื่อมองเห็นถึงพลังมหาศาลในงานศิลปะที่สามารถมีอิทธิพลต่อความคิดของสังคมได้ พุชกิน ทั้งในความคิดสร้างสรรค์และภาพรวมทางทฤษฎีของเขา ยืนยันถึงความจำเป็นในการทำให้งานศิลปะมีอุดมการณ์อย่างลึกซึ้ง

สุนทรียศาสตร์ของพุชกินเติบโตเต็มที่ในการต่อสู้กับลัทธิคลาสสิกที่ล้าสมัย แนวความคิดเกี่ยวกับการปลดปล่อยของประชาชนและการวิพากษ์วิจารณ์ระบอบกษัตริย์เริ่มลึกซึ้งและกว้างขึ้นมาก และไม่พอดีกับขอบเขตของลัทธิคลาสสิกอีกต่อไป ความแตกต่างระหว่างแนวคลาสสิกนิยมความแคบของแนวคิด "สง่างาม" และ "หยาบ" ซึ่งเป็นอุดมคติของฮีโร่ - ขุนนางเชิงบวก - ทั้งหมดนี้ขัดขวางการพัฒนาศิลปะต่อไป

ประการแรกพุชกินเปรียบเทียบระหว่างชนชั้นสูงของวีรบุรุษแห่งลัทธิคลาสสิกกับวีรบุรุษโรแมนติกและต่อมากับผู้คนในฐานะพลังทางประวัติศาสตร์ที่กำหนดเส้นทางการพัฒนาของสังคม บทบาทของบุคคลและประชาชนในกระบวนการประวัติศาสตร์เป็นตัวกำหนดปรัชญาของละครตามพุชกิน พลังขับเคลื่อนประวัติศาสตร์เป็นเรื่องล้อเลียน ความเข้มแข็งและสติปัญญาของผู้คนทำให้เขามีสิทธิ์ที่จะเป็นผู้ตัดสินสูงสุดของการกระทำของฮีโร่ในการตัดสินสิ่งที่เกิดขึ้น กวีละครจะต้องรองงานของเขาเพื่อศึกษาชีวิตพื้นบ้าน

ปรัชญาของละครพื้นบ้านซึ่งมีความเที่ยงธรรมอย่างไม่หยุดยั้ง เรียกร้องให้ศิลปะเปิดเผยความจริงของชีวิตและสร้างมันขึ้นมาใหม่ด้วยการแสดงละครอย่างน่าเชื่อ

พุชกินแสดงแนวคิดเกี่ยวกับโรงละครดั้งเดิมอย่างกระตือรือร้น และต่อต้านการเลียนแบบนางแบบตะวันตก โดยต่อต้านการนำ "ทุกอย่างจากรัสเซียไปสู่ทุกสิ่งในยุโรป"

พุชกินไม่ได้จำกัดสัญชาติของศิลปะการแสดงละครไว้ที่การมีอยู่ทั่วไปของแว่นตา: เขามองว่าละครเป็นการศึกษาชีวิตของผู้คนในนามของการปรับปรุง สัญชาติของศิลปะมีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับการวางแนวอุดมการณ์ พุชกินถือว่าการเปิดเผย "ชะตากรรมของประชาชน" เป็นข้อกังวลหลักของนักเขียนบทละคร

ด้วยความยอมรับว่ากวีนิพนธ์เชิงละครเป็นพื้นฐานของศิลปะการแสดงละคร นักสัจนิยมผู้ยิ่งใหญ่จึงวางภาระอันหนักอึ้งของ "ความเป็นกลาง" บนไหล่ของนักเขียนบทละคร เขาเชื่อว่ากวีบทละครจะต้อง "เป็นกลาง เหมือนโชคชะตา"

ข้อกำหนดของ "ความเป็นกลาง" ไม่ได้ปฏิเสธการวางแนวอุดมการณ์ที่ชัดเจนของงานศิลปะ พุชกินเรียกร้องจากนักเขียนบทละครถึงการสะท้อนอย่างเป็นกลางของยุคนั้น โดยถือ "ปรัชญา ความไม่สนใจ และความคิดของรัฐของนักประวัติศาสตร์" มีเพียงแนวทางในการสร้างความเป็นจริงของชีวิตบนเวทีละครนี้เท่านั้นที่สามารถนำเสนอภาพ "ชะตากรรมของผู้คน"

พุชกินทำงานในยุคโรแมนติกเมื่อชื่อของไบรอนและฮิวโก้ผู้ประกาศทิศทางใหม่ปรากฏในวรรณคดีต่างประเทศ พวกเขาทำลายสุนทรียศาสตร์ของลัทธิคลาสสิกเพื่อสร้างแนวโรแมนติก พุชกินยังได้แสดงความเคารพต่อความหลงใหลในแนวโรแมนติกของเขาด้วย แต่เขายังเป็นผู้ก่อตั้งวิธีการเหมือนจริงในวรรณคดีและละครรัสเซียด้วย

กวีบทละครตามความเห็นของพุชกินเผยให้เห็นภาพของ "ชะตากรรมของผู้คน" ใน "ชะตากรรมของมนุษย์" โดยเฉพาะในตัวละครที่เต็มไปด้วยเลือดและหลากหลายแง่มุมของตัวละคร พุชกินถือว่าเช็คสเปียร์เป็นตัวอย่างของ "การแสดงภาพตัวละครอย่างเสรีและกว้างไกล"

กวีผู้ยิ่งใหญ่ถือว่าละครเป็นส่วนที่สำคัญที่สุดของวัฒนธรรมประจำชาติ ตามที่เขาพูด โรงละครไม่ควรมีไว้เพื่อ "กลุ่มผู้ชมกลุ่มเล็กๆ ที่จำกัด" แต่สำหรับคนจำนวนมาก โดยนำแนวคิดขั้นสูงมาสู่พวกเขา มุมมองของเขาเกี่ยวกับโรงละครในฐานะเวทีจะได้รับการพัฒนาเพิ่มเติมโดย Gogol, Ostrovsky, Saltykov-Shchedrin และนักเขียนและนักเขียนบทละครชาวรัสเซียอีกหลายคน

กวีจินตนาการว่าศิลปะการแสดงละครของรัสเซียมีหลายประเภท เขาไม่ละเลยโอเปร่าและบัลเล่ต์ พุชกินเป็นคนแรกที่สังเกตเห็นความคิดริเริ่มของโรงเรียนนาฏศิลป์รัสเซีย - "การบินที่เต็มไปด้วยจิตวิญญาณ"

พุชกินแสดงความสนใจเป็นพิเศษต่องานของนักปฏิรูปเวทีรัสเซีย M. S. Shchepkin งานศิลปะของ Shchepkin ดูเหมือนสำคัญสำหรับเขามากจนเขายืนกรานที่จะถ่ายทอดประสบการณ์ของศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ให้กับคนรุ่นต่อ ๆ ไป พุชกินเขียนวลีแรกของ "บันทึก" ของ Shchepkin ด้วยมือของเขาเอง

ข้อดีอันมหาศาลของพุชกินต่อโรงละครแห่งชาติคือการสร้างละครพื้นบ้านของรัสเซีย เขาไม่เพียงแต่พิสูจน์ให้เห็นถึงสุนทรียภาพแห่งความสมจริงในทางทฤษฎีเท่านั้น เขายังสร้างสรรค์ผลงานละครตามหลักการของสุนทรียภาพนี้อีกด้วย

ศูนย์รวมของระบบมุมมองใหม่ในละครคือ "Boris Godunov" เขียนในปี 1824-1825 แต่ก่อนหน้านี้กวีก็หันไปหาแนวดราม่าซ้ำแล้วซ้ำเล่า ความพยายามที่จะสร้างสรรค์ผลงานละครนั้นสอดคล้องกับขั้นตอนของการเจริญเติบโตของความคิดเชิงทฤษฎีของเขาและบ่งบอกถึงการก่อตัวของมุมมองเชิงสุนทรียศาสตร์ ในปีพ. ศ. 2356 ด้วยความร่วมมือกับเพื่อนร่วมชั้น M. L. Yakovlev เขาเขียนบทตลกเรื่อง "This is how it gos in the world"; แนวคิดเรื่องตลกในกลอน "ปราชญ์" มีอายุย้อนไปถึงปี 1816 ละครยุคแรกเหล่านี้ยังไม่ถึงเรา ในปีพ. ศ. 2364 พุชกินเริ่มสร้างเรื่องตลกเกี่ยวกับผู้เล่นคนหนึ่ง ด้วยการจ่ายส่วยโดยไม่สมัครใจต่อการเลียนแบบคอเมดี้ของ Khmelnitsky และ Griboyedov เขายังไม่สามารถสร้างสไตล์ละครของเขาได้

แต่ละครดึงดูดพุชกินอย่างมาก ในบทกวีและร้อยแก้วของเขา กรอบของงานละครบางครั้งก็มองเห็นได้ชัดเจน บทกวีโรแมนติก“นักโทษแห่งคอเคซัส” “น้ำพุบัคชิซาราย” “ยิปซี” ไม่เพียงแต่สอดคล้องกับกฎแห่งการละครด้วยความรวดเร็ว การพัฒนาการกระทำแต่ในรูปแบบของพวกเขาพวกเขาแปลงร่างเป็นงานละครได้อย่างอิสระ: กวีมักจะวิเคราะห์การเล่าเรื่องที่เป็นโคลงสั้น ๆ หรือมหากาพย์ด้วยบทสนทนาที่สร้างขึ้นตามกฎแห่งการละคร

ในปีพ. ศ. 2365 พุชกินเกิดโศกนาฏกรรมเกี่ยวกับวาดิมแห่งโนฟโกรอด ในช่วงเวลานี้อิทธิพลของความคิดของผู้หลอกลวงส่งผลกระทบอย่างมากต่อโลกทัศน์ของกวีโดยเฉพาะ ความคิดที่จะสร้างโศกนาฏกรรมปฏิวัติรบกวนจิตใจของผู้คนที่ก้าวหน้าในยุคนั้น แนวคิดเบื้องหลังโศกนาฏกรรมเกี่ยวกับ Vadim Novgorodsky คือ เรื่องราวที่น่าเศร้าฮีโร่ผู้เป็นผู้นำสังคมด้วยปณิธานของเขา แต่การศึกษาประวัติศาสตร์ของรัสเซียอย่างลึกซึ้งโดยเฉพาะยุคกบฏ (Stepan Razin, Pugachev, “ เวลาแห่งปัญหา") เปิดเผยกฎของกระบวนการทางประวัติศาสตร์ให้พุชกินชัดเจนมากขึ้นเรื่อย ๆ ไม่ใช่ฮีโร่คนเดียวที่กำหนดเส้นทางประวัติศาสตร์ พลังทางสังคมเป็นตัวแทนจากประชาชน และบุคคลจะชนะก็ต่อเมื่อเขาแสดงความสนใจของประชาชนในการประท้วงเท่านั้น

กับ ความสนใจอย่างใกล้ชิดพุชกินศึกษา "ประวัติศาสตร์ของรัฐรัสเซีย" โดย N. M. Karamzin และให้ความสำคัญกับงานนี้เป็นอย่างมาก เขาอุทิศ "Boris Godunov" ของเขาให้กับ Karamzin "ด้วยความเคารพและความกตัญญู" อย่างไรก็ตาม พุชกินปฏิเสธแนวคิดทางปรัชญาของนักประวัติศาสตร์ การวิจัยเชิงวัตถุประสงค์ทำให้เขามั่นใจว่าประวัติศาสตร์ของรัฐไม่ใช่ประวัติศาสตร์ของผู้ปกครอง แต่เป็นประวัติศาสตร์ของ "ชะตากรรมของประชาชน"

ระบบที่สอดคล้องกันของมุมมองทางอุดมการณ์และศิลปะช่วยให้พุชกินสร้างโศกนาฏกรรม "บอริสโกดูนอฟ" ซึ่งถือได้ว่าเป็นตัวอย่างของละครพื้นบ้านในจิตวิญญาณของเช็คสเปียร์อย่างถูกต้อง

โดยใช้เนื้อหาที่เป็นข้อเท็จจริงจาก "ประวัติศาสตร์แห่งรัฐรัสเซีย" พุชกินคิดใหม่ตามแนวคิดทางปรัชญาของเขาและแทนที่จะเป็นแนวคิดเกี่ยวกับกษัตริย์ของ Karamzin ซึ่งยืนยันความสามัคคีของผู้เผด็จการและประชาชนเขาเปิดเผยความขัดแย้งที่เข้ากันไม่ได้ ระหว่างอำนาจเผด็จการกับประชาชน ความสำเร็จและชัยชนะชั่วคราวของผู้เผด็จการนั้นเกิดจากการสนับสนุนจากมวลชนประชาชน การล่มสลายของเผด็จการเกิดขึ้นอันเป็นผลมาจากการสูญเสียความไว้วางใจของประชาชน

ด้วยการปฏิเสธหลักการแห่งความคลาสสิก พุชกินจึงย้ายฉากแอ็คชั่นจากมอสโกไปยังคราคูฟอย่างอิสระ จากห้องหลวงไปยังทุ่ง Maiden จากปราสาท Sambir ของ Mniszek ไปยังโรงเตี๊ยมบนชายแดนลิทัวเนีย ระยะเวลาการดำเนินการใน "Boris Godunov" ครอบคลุมมากกว่าหกปี พุชกินเข้ามาแทนที่ความสามัคคีของการกระทำแบบคลาสสิกซึ่งมีศูนย์กลางอยู่ที่ตัวละครหลักของละครด้วยความสามัคคีของการกระทำในความหมายที่กว้างและลึกซึ้งยิ่งขึ้น: ตอนที่ 23 ที่ประกอบขึ้นเป็นโศกนาฏกรรมนั้นถูกจัดเรียงตามภารกิจในการเปิดเผยชะตากรรมของประชาชนซึ่ง ยังกำหนดชะตากรรมของฮีโร่แต่ละคนด้วย

ตามเช็คสเปียร์ "ด้วยการนำเสนอตัวละครอย่างเสรีและเสรี" พุชกินได้สร้างภาพมากมายใน "Boris Godunov" แต่ละคนถ่ายทอดออกมาได้สดใส ชัดเจน และชุ่มฉ่ำ ด้วยการลากเพียงไม่กี่จังหวะ พุชกินก็สร้างตัวละครที่เฉียบคมและให้มิติและความลึกได้

ในโครงเรื่องของ "Boris Godunov" มีโครงร่างชัดเจน ปัญหาทางศีลธรรม: ความรับผิดชอบของ Boris ต่อการฆาตกรรม Tsarevich Dimitri ในภารกิจของเขาเพื่อแย่งชิงราชบัลลังก์ Boris Godunov ไม่หยุดอยู่เพียงแค่การฆ่าทายาทโดยชอบธรรม แต่ก็จะคิดผิดไปว่าปัญหาด้านจริยธรรมก็คือ สิ่งที่น่าสมเพชทางอุดมการณ์โศกนาฏกรรม. พุชกินให้ความหมายทางสังคมแก่คุณธรรมของเหตุการณ์

“ ชื่อของเดเมตริอุสฟื้นคืนชีพ” กลายเป็นธงของการเคลื่อนไหวของฝูงชนในวงกว้างเพื่อต่อต้าน“ ซาร์เฮโรด” ผู้ซึ่งยึดเอาวันยูริเยฟออกจากทาส - วันเดียวแห่งอิสรภาพของปี

ความผิดทางศีลธรรมของ Godunov เป็นเพียงข้ออ้างในการเปลี่ยนความโกรธแค้นของประชาชนต่อเขา และถึงแม้ว่าความเชื่อใน "กษัตริย์ที่ดี" ซึ่งเป็นลักษณะของอุดมการณ์ชาวนาในศตวรรษที่ 17-18 จะแสดงออกมาในโศกนาฏกรรมของลัทธิยอดนิยมของเดเมตริอุสทารกที่ถูกสังหาร แต่ก็ไม่ได้ปิดบังความหมายทางสังคมของการต่อสู้ของประชาชน ทาสเผด็จการ ประชาชนที่ร่วมไว้อาลัยเจ้าชายพลีชีพ ไม่ต้องการต้อนรับกษัตริย์องค์ใหม่

ดังนั้นการศึกษาเหตุการณ์อย่างเป็นกลางจึงบอก "Boris Godunov" ถึงความหมายของโศกนาฏกรรมทางสังคมและประวัติศาสตร์ การวางแนวทางสังคมได้รับการเน้นย้ำแล้วในฉากแรก: พุชกินเน้นย้ำเป้าหมายทางการเมืองของบอริสในการสังหารซาเรวิชดิมิทรี

การเปิดเผยความสัมพันธ์ของบอริสกับประชาชนกำลังจัดทำในลักษณะที่น่าสนใจ จากบทสนทนาระหว่าง Shuisky และ Vorotynsky เราได้เรียนรู้ว่า "ตามพระสังฆราช ทุกคนก็ไปที่อาราม" ซึ่งหมายความว่าผู้คนไว้วางใจ Boris Godunov หากพวกเขาขอให้เขารับมงกุฎ? แต่ฉากสั้นๆ ถัดมาบนจัตุรัสแดงทำให้เกิดความสงสัยในความไว้วางใจของผู้คน ไม่ใช่ตามเสียงเรียกร้องของหัวใจ แต่ตามคำสั่งของเสมียน Duma ผู้คนต่างแห่กันไปที่คอนแวนต์ Novodevichy และฉากบนทุ่งหญิงสาวและ "เสียงร้อง" ของผู้คนซึ่งเกิดขึ้นตามทิศทางของโบยาร์ในที่สุดก็หักล้างความซับซ้อนของชนชั้นปกครองของสังคมโดยมุ่งมั่นที่จะทำให้ระบอบเผด็จการปรากฏเป็นพลังประชาชน

การเลือกตั้งบอริสเป็นซาร์เป็นจุดเริ่มต้นของความขัดแย้ง การแนะนำผู้เสแสร้งทำให้ความขัดแย้งระหว่างกษัตริย์กับประชาชนรุนแรงขึ้น โครงเรื่องเผยให้เห็นการต่อสู้ระหว่าง Pretender และ Boris แต่ฤดูใบไม้ผลิภายในของเหตุการณ์ทั้งหมดยังคงเป็นความขัดแย้งระหว่างรัฐบาลเผด็จการและมวลชนที่ถูกกดขี่

ในอีกสิบสามตอนข้างหน้า ผู้คนจะไม่ปรากฏบนเวที แต่รู้สึกได้ถึงการปรากฏตัวของพวกเขาอยู่ตลอดเวลา ความเห็นอกเห็นใจของเขาที่มีต่อ Dmitry the Tsarevich รบกวนซาร์และโบยาร์และเลี้ยงดูความกล้าหาญของผู้อ้างสิทธิ์ ฝ่ายที่ต่อสู้กันเปรียบเทียบการกระทำของตนกับ "ความคิดเห็นของประชาชน" และพุชกินนำเสนอชัยชนะของผู้อ้างสิทธิ์ตามเงื่อนไขทางสังคม เขามีกองทัพเล็ก ๆ - 15,000 ต่อ 50,000 ราชวงศ์เขาเป็นผู้บัญชาการที่ไม่ดีเขาขี้เล่น (เพราะ Marina, Mniszech เลื่อนการรณรงค์ออกไปหนึ่งเดือน) - แต่กองทหารของราชวงศ์หนีไปในนามของ Tsarevich Dimitri เมืองต่างๆ และป้อมปราการก็ยอมจำนนต่อเขา และแม้แต่ชัยชนะชั่วคราวของบอริสก็ไม่สามารถเปลี่ยนแปลงอะไรได้ตราบใดที่ “ความคิดเห็นของประชาชน” อยู่เคียงข้างผู้อ้างสิทธิ์ บอริสเข้าใจสิ่งนี้

พุชกินไม่ได้ขัดจังหวะการเล่าเรื่องอันน่าทึ่งในที่เกิดเหตุการสิ้นพระชนม์ของซาร์บอริส โดยเน้นย้ำว่าไม่ใช่ซาร์ แต่เป็นบุคคลที่เป็นวีรบุรุษที่แท้จริงของงาน ผู้คนไม่ยอมรับความโหดร้ายไร้สติที่ระบอบเผด็จการนำมาและไม่ใช่แค่บอริสโกดูนอฟเป็นการส่วนตัว เมื่อเห็นว่าผู้สนับสนุนอธิปไตยที่เพิ่งก่อตั้งใหม่เริ่มต้นกิจกรรมด้วยอาชญากรรม ผู้คนจึงปฏิเสธที่จะสนับสนุน False Dmitry

โศกนาฏกรรมเริ่มต้นด้วยการฆาตกรรมทางการเมืองของ Tsarevich Dimitri ผู้บริสุทธิ์ และจบลงด้วยการฆาตกรรม Maria และ Fyodor Godunov อย่างไร้สติ ระบอบเผด็จการและความรุนแรงเป็นของคู่กัน “ ผู้คนเงียบ” - นี่คือคำตัดสินของเขาต่อระบบสังคม

พุชกินสร้างภาพลักษณ์โดยรวมของผู้คนในโศกนาฏกรรม พุชกินเรียกตัวละครจากผู้คนว่า "หนึ่ง", "อีกคนหนึ่ง", "ที่สาม"; พวกเขาเข้าร่วมโดยผู้หญิงที่มีลูกและคนโง่ศักดิ์สิทธิ์ คำพูดสั้นๆ ของพวกเขาสร้างภาพที่ชัดเจนของแต่ละคน และแต่ละภาพก็แสดงถึงแง่มุมของภาพเดียวของผู้คน ด้วยการสร้างภาพลักษณ์ทั่วไปนี้ พุชกินจึงปฏิบัติตามกฎของละครเชกสเปียร์ที่นี่เช่นกัน แสดงให้เห็นวิวัฒนาการของภาพลักษณ์ของผู้คนตลอดช่วงโศกนาฏกรรม หากในฉากแรกฝูงชนไม่แยแสต่อการต่อสู้แย่งชิงอำนาจเพียงแอบประชดประชันจากนั้นในจัตุรัสหน้าอาสนวิหารในมอสโกความตื่นตระหนกของประชาชนที่ถูกกดขี่และกดขี่โดยอำนาจซาร์ก็ได้ยินอย่างไม่เป็นชิ้นเป็นอัน วลี และเสียงร้องของ Holy Fool “ไม่ ไม่! คุณไม่สามารถอธิษฐานเพื่อกษัตริย์เฮโรดได้!” ฟังดูเหมือนเป็นการเรียกร้องให้มีการประท้วง พุชกินแสดงให้เราเห็นกลุ่มคนที่กบฏ ซึ่งถูกครอบงำด้วยความหลงใหลในการทำลายล้าง ในฉากที่พื้นที่ประหารชีวิต ผู้คนปรากฏเป็นผู้ตัดสินประวัติศาสตร์ที่ชาญฉลาด ยุติธรรม และไม่ยอมอ่อนข้อในตอนท้ายของโศกนาฏกรรม

ภาพลักษณ์ของซาร์บอริสที่มีหลายแง่มุมและขัดแย้งกันอย่างแท้จริงนั้นโดดเด่นด้วยพลังของการวางนัยทั่วไปทางปรัชญา ในฉากแรกผู้เขียนบรรยายลักษณะของ Godunov ผ่านปากของตัวละครต่าง ๆ ราวกับเตือนเราเกี่ยวกับบุคลิกของเขาที่กว้างขวาง:“ ลูกเขยของผู้ประหารชีวิตคือผู้ประหารชีวิตในหัวใจ” เพื่อทำให้ผู้คนหลงใหลด้วยความกลัว ความรัก และศักดิ์ศรี” ในบทพูดคนเดียวครั้งแรกของบอริสในห้องเครมลิน ต่อหน้าพระสังฆราชและโบยาร์ ความอ่อนน้อมถ่อมตนและการยอมจำนนอย่างชาญฉลาดถูกตัดให้สั้นลงด้วยน้ำเสียงของคำสั่ง

ลึก, จิตวิญญาณที่แข็งแกร่งบอริสถูกเปิดเผยในบทพูดคนเดียว "ฉันมาถึงพลังสูงสุดแล้ว..." บอริสปรากฏตัวเป็นนักปรัชญาโดยไตร่ตรองถึงความผันผวนของโชคชะตา พระองค์ทรงเข้าถึงความเข้าใจถึงคุณค่าแห่งชีวิตที่ยั่งยืน

พุชกินแสดงให้เราเห็นบอริสในแวดวงครอบครัวเขาเป็นพ่อที่อ่อนโยนและเป็นที่ปรึกษาที่ชาญฉลาด แต่เขาไม่รังเกียจที่จะฟังคำบอกเลิก นอกจากนี้ รัฐมอสโกยังมีเครือข่ายสายลับและผู้ให้ข้อมูลทั้งหมด ในบ้านโบยาร์ทุกหลัง บอริสมี "หูและตา" และเขาไม่มีส่วนเกี่ยวข้องในการพิจารณาความถูกต้องของการบอกเลิก

เมื่อสร้างภาพลักษณ์ของ Boris Godunov พุชกินไม่ได้ตั้งใจที่จะดึงคนร้ายตั้งแต่แรกเกิด Boris Godunov ดึงดูดผู้คนด้วยความแข็งแกร่งของอุปนิสัย ความฉลาด และความหลงใหล แต่เพื่อที่จะบรรลุถึงอำนาจของผู้เผด็จการและรักษาไว้ได้นั้น เราต้องเป็นผู้ร้าย ระบอบเผด็จการประกันได้ด้วยตัณหาในอำนาจ ไหวพริบ ความโหดร้าย และการกดขี่ของมวลชน กวีทำให้เนื้อหาทั้งหมดของโศกนาฏกรรมนี้ชัดเจน

พุชกินยังสร้างภาพลักษณ์ทั่วไปของชนชั้นปกครอง - โบยาร์ เหล่านี้คือ Shuisky, Vorotynsky, Afanasy Pushkin พวกเขาเองมีความขัดแย้งกับทั้งกษัตริย์และประชาชน แต่พวกเขาก็ต้องการความขัดแย้งระหว่างกษัตริย์และประชาชนด้วย - ความเป็นอยู่ที่ดีของพวกเขาถูกสร้างขึ้นจากสิ่งนี้

พุชกินแสดงให้เห็นถึงขุนนางที่กำลังเติบโตและถูกลิดรอนในรูปของผู้บัญชาการที่มีความสามารถ Basmanov ข้าราชบริพารผู้มีไหวพริบซึ่งไม่รู้จักความรู้สึกผิดชอบชั่วดี เป็นตัวแทนของชนชั้นเยาว์แห่งยุคนั้นเขาพร้อมที่จะทรยศเพื่อผลประโยชน์ส่วนตัว

พุชกินเรียกผู้อ้างสิทธิ์ของเขาว่า "นักผจญภัยผู้แสนหวาน" เขาโดดเด่นด้วยเสน่ห์แห่งความเยาว์วัย ความกล้าหาญที่บ้าบิ่น (ฉากในโรงแรม) ความเร่าร้อนของความรู้สึก (ฉากที่น้ำพุ) เขาเป็นคนกล้าหาญและมีไหวพริบมีไหวพริบและสอพลอ และแม้แต่คุณลักษณะ "Khlestakovian" ที่มีอยู่ในนักผจญภัยคนใดก็ตามที่พุชกินมอบให้กับผู้อ้างสิทธิ์: ในฉากที่กวีนำเสนอบทกวีให้เขา ในฉากที่ False Dmitry วางแผนสำหรับศาลในอนาคตของเขา ไม่มีอะไรที่สง่างามหรือสง่างามในตัวเขา แม้แต่ Pretender ก็มีขนาดเล็ก สิ่งที่ทำให้เขาเป็นวีรบุรุษคือ "ความคิดเห็นของประชาชน" ที่ต่อต้าน "กษัตริย์เฮโรด"

มโนธรรมของผู้คนถูกนำเสนอในโศกนาฏกรรมโดย Pimen และ Holy Fool ในคำพูดอันชาญฉลาดของ Pimen เราจะได้ยินความไม่พอใจต่ออำนาจกษัตริย์ อำนาจของราชาอาชญากร พิเมนเป็นโฆษกความโกรธแค้นและความคิดเห็นของประชาชน

"Boris Godunov" เป็นโศกนาฏกรรมพื้นบ้านครั้งแรกของรัสเซีย โศกนาฏกรรมที่เผยให้เห็นแก่นแท้ของระบอบเผด็จการ ซึ่งเป็นลักษณะต่อต้านผู้คน โดยธรรมชาติแล้วซาร์ปฏิเสธเป็นเวลานานที่จะอนุญาตให้ตีพิมพ์ "Boris Godunov" ตีพิมพ์ในปี พ.ศ. 2374 เท่านั้น แต่แม้หนังสือจะตีพิมพ์แล้ว ละครก็ถูกห้ามแสดงบนเวที การเซ็นเซอร์ไม่อนุญาตให้แม้แต่ข้อความที่ตัดตอนมาจากการแสดงในโรงละคร เป็นครั้งแรกที่โศกนาฏกรรมของพุชกินเกิดขึ้นเฉพาะในปี พ.ศ. 2413 บนเวทีโรงละครอเล็กซานเดรีย

“โศกนาฏกรรมเล็กน้อย”
การยืนยันเพิ่มเติมเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์ในการแสดงละครของพุชกินคือ "โศกนาฏกรรมเล็ก ๆ ": "The Miserly Knight", "Mozart and Salieri", "The Stone Guest" และ "A Feast in the Plague"
"โศกนาฏกรรมเล็กๆ" ที่ไม่เกี่ยวข้องกับโครงเรื่องถูกรวมเข้าด้วยกันโดยการสะท้อนปรัชญาของกวี แม้จะมีความขมขื่นจากการสูญเสีย "พี่น้อง 120 คนเพื่อนสหาย" พุชกินแม้ในช่วงหลังเดือนธันวาคมยังคงซื่อสัตย์ต่ออุดมคติของ "เสรีภาพอันศักดิ์สิทธิ์" และสั่งสอนแนวคิดเรื่องการปลดปล่อยประชาชนด้วยความคิดสร้างสรรค์
การสร้าง "โศกนาฏกรรมเล็กน้อย" และ "นางเงือก" ของพุชกินนั้นเชื่อมโยงกับปรากฏการณ์สร้างสรรค์ของ "ฤดูใบไม้ร่วง Boldino" ของกวี - ฤดูใบไม้ร่วงปี 1830 ในเวลาเดียวกัน "ผู้คุมสถานี", "ประวัติศาสตร์หมู่บ้านโกริวคิน" และบทที่สิบของ "ยูจีน โอเนจิน" ถูกเขียนขึ้น ธีมกว้างๆ ของผลงานของพุชกินในช่วงเวลานี้ครอบคลุมมากกว่าความสัมพันธ์ส่วนตัวของผู้เขียนซึ่งถูกบังคับให้รอการกักกันอหิวาตกโรค (โดยแยกจากคู่หมั้นของเขา N. N. Goncharova ในวันแต่งงานของเขา) โดยตระหนักดีว่าจาก ทันทีที่เขากลับมาจากการถูกเนรเทศ เขาพบว่าตัวเองถูกพันธนาการไม่เพียงแต่ในเสรีภาพในการสร้างสรรค์เท่านั้น แต่ยังรวมถึงเสรีภาพในการเคลื่อนไหวด้วย โดยอยู่ภายใต้การเฝ้าระวังอย่างระมัดระวังของกรมทหารราบที่ 3 ของสำนักนายกรัฐมนตรี แผนการของพุชกินนั้นใหญ่โต เขาคิดถึงทั้งประวัติศาสตร์ของ Peter I และประวัติศาสตร์การครองราชย์ของ Alexander 1 เขากังวลเกี่ยวกับหัวข้อของผู้หลอกลวงและการลุกฮือในวันที่ 14 ธันวาคม พ.ศ. 2368
“ โศกนาฏกรรมเล็ก ๆ น้อย ๆ” เกิดจากความสนใจอย่างแรงกล้าของกวีในการพัฒนาโรงละครรัสเซียจากความปรารถนาที่จะสร้างภาพทางสังคมและจิตวิทยาที่ลึกซึ้งไม่ใช่แค่พูดคุยเกี่ยวกับการกระทำ แต่เพื่อพัฒนาการกระทำนั้นเอง
เราไม่ควรมองหาความเชื่อมโยงใดๆ ใน "โศกนาฏกรรมเล็กๆ" กับผลงานของ Wilson และ Cornwall หรือ Tirso de Molina และ Molière นอกเหนือจากความคล้ายคลึงกันของพล็อตเรื่องล้วนๆ พุชกินเช่นเช็คสเปียร์และเกอเธ่ใช้แผนการที่มีชื่อเสียงอย่างกล้าหาญเพื่อสร้างผลงานต้นฉบับอย่างสมบูรณ์ เรื่องราวที่มีชื่อเสียงผลงานของพุชกินเต็มไปด้วยเนื้อหาที่แปลกใหม่ ความกว้างและความคมชัดของตัวละครของตัวละคร
ใน “The Stingy Knight” จุดสนใจของนักเขียนบทละครไม่ใช่ความตระหนี่ในความหมายธรรมดาของคำนี้ พุชกินเผยภาพพลังแห่งทองคำอันน่าสยดสยองซึ่งส่งผลกระทบต่อตัวละครเกือบทั้งหมดในระดับที่แตกต่างกัน Young Albert จำเป็นต้องได้รับตำแหน่งที่โดดเด่นในราชสำนักของ Duke เขาต้องการเงินทุนสำหรับอุปกรณ์สำหรับทัวร์นาเมนต์ที่กำลังจะมาถึง ซึ่งอัลเบิร์ตหวังว่าจะชนะ อย่างไรก็ตาม พ่อแก่บารอนจะไม่ให้เงินและอัลเบิร์ตเมื่อพยายามขอเงินกู้จากผู้ให้กู้เงินก็ถูกบังคับให้หันไปขอความช่วยเหลือจากดยุคเอง ความคิดที่จะฆ่าพ่อของเขาเพื่อชิงมรดกทำให้อัศวินหนุ่มหวาดกลัว แต่อย่างน้อยก็ไม่ได้ขัดขวางไม่ให้เขาปรารถนาให้บารอนตายอย่างรวดเร็ว ในความขัดแย้งระหว่างลูกชายและพ่อ โศกนาฏกรรมยังไม่เกิดขึ้น กวีไม่เห็นสิ่งนี้ในความตระหนี่สุดขีดของบารอนซึ่งซ่อนตัวอยู่ในห้องใต้ดินของปราสาทของเขา สมบัตินับไม่ถ้วน- โศกนาฏกรรมนี้บรรจุอยู่ในหีบของ Miserly Knight ในชะตากรรมของผู้คนมากมายที่ถูกเขายึดครอง
ภายใต้ "เนินเขา" นี้มีชะตากรรมที่พังทลายของหญิงม่ายและลูกทั้งสามของเธอ อาชญากรรมของ Thibault ผู้กระทำการปล้น เพื่อชดใช้หนี้ให้กับบารอน เกียรติยศอัศวินที่สูญเสียไปของพ่อและลูก พร้อมที่จะต่อสู้กันตัวต่อตัว และในที่สุด การเสียชีวิตอย่างกะทันหันของบารอนเอง อำนาจผ่านทางเงินคือความปรารถนาอันแรงกล้าของอัศวินผู้ขี้เหนียวและอัลเบิร์ต ในนามของอำนาจนี้ ผู้คนทำมากกว่าการทำลายตนเอง ดังนั้น ในโศกนาฏกรรม "The Miserly Knight" ทองคำจึงกลายเป็นพลังอิสระที่มีชัยเหนือสัญชาตญาณของชีวิต แต่ความหลงใหลในทองคำและการต่อสู้เพื่อมันอย่างไร้ความหมายก็ถูกเปิดเผยในความจริง ความตายอันน่าสลดใจบารอนร้องครั้งสุดท้าย: “กุญแจ กุญแจของฉัน!” โศกนาฏกรรม “The Miserly Knight” เป็นการประท้วงต่อต้านอำนาจเงินที่ทำให้จิตวิญญาณมนุษย์พิการ
ชีวิตทางสังคมของรัสเซียเปลี่ยนไปอย่างมากหลังจากการจลาจลของผู้หลอกลวง เธอมีอิทธิพลต่อชะตากรรมของศิลปะและผู้รับใช้ของมัน โศกนาฏกรรม "โมสาร์ทและซาลิเอรี" ทำให้เกิดคำถามเกี่ยวกับสถานที่ของศิลปินในสังคม จุดประสงค์ของศิลปะ ความเชื่อมโยงกับคนทั่วไป ความสุขและความกังวลของพวกเขา กวีมีอิสระในการสร้างสรรค์ของเขา
ในยุคของปฏิกิริยา Nikolaev ความคิดดังกล่าวฟังดูเป็นการปฏิวัติ บรรทัดเหล่านี้ยืนยันสิทธิ์ของศิลปินในการสร้างสรรค์ตามคำสั่งของมโนธรรมของเขา และไม่ใช่ตามคำสั่งของชนชั้นสูงที่ปกครอง
เช่นเดียวกับหัวข้อเรื่องความตระหนี่ใน "The Stingy Knight" ที่จางหายไปก่อนหัวข้อเรื่องพลังแห่งเงิน ใน "Mozart และ Salieri" หัวข้อเรื่องความอิจฉาก็ถักทอเป็นหัวข้อหลักเท่านั้น - โศกนาฏกรรมของอัจฉริยะ กวีอ้างว่า "อัจฉริยะและความชั่วร้าย" เข้ากันไม่ได้ เสรีภาพในการแสดงออกในการสร้างสรรค์ของศิลปินนั้นถูกกำหนดโดยความบริสุทธิ์ทางจิตวิญญาณ
อัจฉริยะดังที่พุชกินอ้างว่าเป็นตัวตนของการเชื่อมโยงตามธรรมชาติกับธรรมชาติกับผู้คนกับชีวิตและความตายของผู้สร้างเอง โมสาร์ทในพุชกิน เท่าๆ กันสนุกกับการเล่นกับลูกชายตัวน้อยของเขา อาหารเย็นแสนอร่อย การแสดงที่ไม่สมบูรณ์และไร้เดียงสาในการแต่งเพลงของเขาต่อนักดนตรีข้างถนน และรู้สึกตื่นเต้นกับคำสั่งลึกลับของ "บังสุกุล" ความคิดสร้างสรรค์เกิดขึ้นตามธรรมชาติสำหรับเขา เช่นเดียวกับชีวิต มันปราศจากความรุนแรงต่อผู้สร้างและเจตจำนงของเขา
สำหรับ Salieri ศิลปะเป็นผลจาก "การทำงาน ความขยันหมั่นเพียร การอธิษฐาน" เทคโนโลยี ความฉลาด และการไม่แสดงออกอย่างอิสระ เขาเห็นว่ามีคนจำนวนมากอาศัยและทำงานในลักษณะนี้ ดังนั้นอัจฉริยะของโมสาร์ทจึงดูเหมือนไม่เป็นธรรมชาติและเป็นอันตรายสำหรับเขา Salieri กล่าวหลายครั้งว่าความรู้สึกอิจฉาปรากฏขึ้นในตัวเขาโดยไม่คาดคิด และเขาพยายามหาคำอธิบายสำหรับความรู้สึกที่น่าอับอายนี้และพบว่าเป็นเขา Salieri ผู้ซึ่งได้รับการแต่งตั้งจากเบื้องบนให้ "หยุด" อัจฉริยะเพื่อป้องกันไม่ให้ เขาจากการสร้างยอดเขาใหม่ที่ไม่สามารถบรรลุได้
ในการปะทะกันระหว่าง Mozart และ Salieri การค้นพบจิตสำนึกเชิงสร้างสรรค์ที่ขัดแย้งกันเพียงสองประเภทนั้นไม่เพียงพอ - เบื้องหลัง "Salierism" เราสามารถมองเห็นความไม่ลงรอยกันของเสรีภาพและความเป็นอิสระของศิลปิน ความชั่วร้ายที่เกิดขึ้นตลอดหลายศตวรรษและในหมู่ประชาชนทั้งหมด เป็นและจะ “เข้ากันไม่ได้” กับอัจฉริยะ
มีความเชื่อมโยงที่ลึกซึ้งและแข็งแกร่งในภาพรวมทางปรัชญาและบทกวีของ "The Miserly Knight", "Mozart และ Salieri" กับ "โศกนาฏกรรมเล็กน้อย" ครั้งที่สาม - "The Stone Guest" หากพลังทำลายล้างของทองคำนั้นมืดมนและน่าขยะแขยง เช่นเดียวกับที่ความเกลียดชังอัจฉริยะของนักวิชาการนั้นมืดมนและน่าขยะแขยง พุชกินก็รับรู้ถึงพลังแห่งความรักที่มีต่อมนุษย์ว่าเป็นพลังที่สวยงามและยืนยันถึงชีวิต แม้แต่พลังนี้ก็นำเขาไปสู่ความตาย ตำนานเก่าแก่เกี่ยวกับดอนฮวนซึ่งใช้โดยนักเขียนหลายคนจากประเทศต่าง ๆ พบการตีความในพุชกิน

ประการแรก "The Stone Guest" คือการดิ้นรนของหัวใจ 3 ดวง ได้แก่ ดอนกวน โดน่าแอนนา และลอร่า ไม่เข้าใจธรรมชาติของความรู้สึกของตัวละครเหล่านี้ เป็นไปไม่ได้เลยที่จะเข้าใจนวัตกรรมทางศิลปะของโศกนาฏกรรมครั้งนี้
ลอร่าและโดน่า แอนนาเป็นตัวละครหญิงที่ตรงกันข้ามกัน โดยมีทัศนคติต่อความรักและคนที่รักที่แตกต่างกัน ลอร่าสามารถรักงานศิลปะได้อย่างทุ่มเทเท่านั้น เธอเป็นนักแสดงที่ดี “คุณเข้าใจบทบาทของคุณอย่างถูกต้อง คุณพัฒนามันอย่างไร” แฟน ๆ ชื่นชม พรสวรรค์รุ่นเยาว์ลอร่า.

ลอร่ามีอิสระที่จะเลือกคนรักของเธอ เธอไม่สามารถพูดได้ว่าเธอ "ใจอ่อนแอ" เช่นเดียวกับโดนา แอนนา ลอร่าพร้อมที่จะมอบความรักให้กับดอน คาร์ลอส แต่อดีตคนรักก็ปรากฏตัวขึ้น ดอนกวนที่สังหารดอน คาร์ลอส ในการดวล และลอร่า แม้จะรู้สึกเขินอายกับการปรากฏตัวในนั้น บ้านของคนตายร่างพุ่งเข้าสู่อ้อมแขนของดอนกวน พวกเขาเท่าเทียมกันในการหลุดพ้นจากการประชุมประจำวัน
Dona Anna เป็นเรื่องที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง เธอยังไม่คุ้นเคยกับความรู้สึกของความรักที่แท้จริง เธอไม่รู้ว่าความหลงใหลในความรักคืออะไร แม้ว่าเธอจะแต่งงานกับผู้บัญชาการก็ตาม เธอได้รับการแต่งงานเพราะครอบครัวยากจน และผู้บัญชาการผู้สูงอายุ ดอน อัลวาร์ ร่ำรวย เธอเชื่อมั่นว่าสามีของเธอรักเธอ และด้วยการปฏิบัติตามหน้าที่ของหญิงม่าย เธอจึงมาไว้ทุกข์ให้กับเขาที่สุสาน ซึ่งดอนกวนพบเธอเป็นครั้งแรก
ความรักต่อ Dona Anna เป็นเพียงคนเดียวในชีวประวัติของ Don Juan ที่เต็มไปด้วยเรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ ความรู้สึกนี้ใหม่สำหรับเขา มันสำคัญสำหรับเขามากกว่าชีวิต และก่อนหน้านี้ดอนกวนก็รู้ดีอยู่แล้วว่าการแก้แค้นรูปปั้นหินของผู้บังคับบัญชาที่เขาเคยฆ่าในการดวลจะต้องเป็นอันตรายถึงชีวิต เขาท้าทายความตายในรูปแบบของรูปปั้นผู้บัญชาการ และเขาเสียชีวิตจาก "การกดหินด้วยมือขวา" โดยมีชื่อ Dona Anna บนริมฝีปากของเขา ความรักของดอนฮวนเต็มไปด้วยความบริสุทธิ์ทางศีลธรรมอันลึกซึ้ง ทะยานเหนือศีลธรรมในชีวิตประจำวัน
ความรักที่ประเสริฐและสวยงามของผู้หญิงที่เอาชนะความเกลียดชังของฆาตกรสามีของเธอ ความกลัวต่อความรับผิดชอบร้ายแรงต่อการนอกใจของหญิงม่ายต่อความทรงจำเกี่ยวกับ "ผู้มีพระคุณ" ของเธอ และการทำลายศีลธรรมที่แม่ของเธอมอบให้
ดอน แอนนาของพุชกินเป็นศูนย์รวมของความบริสุทธิ์และคุณธรรม และดอน กวนก็โค้งคำนับต่อคุณสมบัติเหล่านี้ของเธอราวกับอยู่หน้าแท่นบูชา
"โศกนาฏกรรมเล็ก ๆ " ที่สี่ - "งานเลี้ยงระหว่างโรคระบาด" เป็นของ "ฤดูใบไม้ร่วง Boldino" ทั้งหมด ข้อมูลสุ่มเกี่ยวกับโรคระบาดในลอนดอนในปี 1665 มีความเกี่ยวข้องกับจินตนาการของพุชกิน ไม่เพียงแต่กับการแพร่ระบาดของอหิวาตกโรคที่กักตัวกวีในโบลดินเท่านั้น ความรู้สึกของการถูกรายล้อมไปด้วยสายลับของราชวงศ์นั้นใกล้เคียงกับความจริงที่ว่า "โบลดิโนมีรูปลักษณ์ของเกาะที่ล้อมรอบด้วยโขดหิน"
“งานเลี้ยงในช่วงเวลาแห่งโรคระบาด” ด้วยความหลงใหลที่ยิ่งใหญ่กว่า “แขกหิน” เชิดชูชัยชนะทางศีลธรรมของมนุษย์เหนืออำนาจแห่งความตาย ยิ่งไปกว่านั้น นี่เป็นการท้าทายศาสนาโดยตรง ซึ่งตีความโรคระบาดว่าเป็นการลงโทษสูงสุด เป็นบททดสอบความตาย ซึ่งทุกคนต้องยอมจำนน นักบวชเฒ่าตำหนิผู้เลี้ยง
พุชกินผ่านปากของตัวละครหลักของโศกนาฏกรรม - ประธานงานเลี้ยงวอลซิงแฮม - เชิดชูความกล้าหาญของมนุษย์การดูถูกความตายของเขาในนามของเหตุผลและความรู้

เพลงสรรเสริญนี้ไม่ได้ร้องโดยคนไม่สำคัญที่ยอมจำนนต่อชะตากรรม วอลซิงของพุชกินเป็นตัวละครที่ถูกทรมานจากความขัดแย้งอันน่าสลดใจ: เขาคร่ำครวญและตลกขบขันโต้เถียงและถึงความสิ้นหวังตกอยู่ในความครุ่นคิดมานานและเกือบจะสูญเสียจิตใจจากนิมิตของภรรยาที่รักของเขาถูกพาตัวไปด้วยโรคระบาด เป็นเรื่องยากสำหรับเขาที่จะอดทนและช่วยให้ผู้อื่นได้รับประสบการณ์ "ความปีติยินดีในการต่อสู้" ในบรรดาคนอื่น ๆ เหล่านี้เป็นผู้หญิงสองคน - ตัวละครสองตัวที่ตัดกัน: ชาวสก็อตแมรีและหลุยส์ แมรี่เป็น "ผู้หญิงที่ตกสู่บาป" ที่มีจิตใจบริสุทธิ์และใจดีซึ่งสามารถเอาชนะความกลัวความตายได้ หลุยส์เป็นคู่แข่งที่อิจฉาของเธอ ซึ่งเป็นศูนย์รวมของความเห็นแก่ตัวที่ชั่วร้าย ซึ่งไม่สามารถเอาชนะความสยองขวัญของการใกล้ตายได้ พุชกินแก้ไขข้อพิพาทระหว่างแมรี่กับหลุยส์ด้วยชัยชนะทางศีลธรรมอย่างสมบูรณ์ของหญิงชาวสกอตผู้เงียบขรึมและเศร้าผู้ช่วยหลุยส์ในช่วงเวลาที่เป็นลม: "น้องสาวแห่งความโศกเศร้าและความอับอายของฉัน นอนลงบนอกของฉัน"
ในคำพูดของเขา พุชกินยืนกรานในการทำงานในใจของผู้คนในบรรยากาศแห่งความโศกเศร้าใน "อาณาจักรแห่งโรคระบาด" เมื่อเผชิญกับความตาย
“A Feast in Time of Plague” ยืมโครงเรื่องและตัวละครจากบทกวีของวิลสันเรื่อง “Plague City” แต่ที่นี่พุชกินไม่ได้พูดซ้ำตัวละครแม้แต่ตัวเดียวไม่ใช่ความคิดเดียว นักเขียนภาษาอังกฤษ.
“ โศกนาฏกรรมเล็ก ๆ น้อย ๆ” ได้รับการต้อนรับด้วยความตื่นเต้นจากจิตใจที่ก้าวหน้าของรัสเซียในช่วงทศวรรษที่ 30 ของศตวรรษที่ 19 แต่ชะตากรรมบนเวทีของพวกเขาไม่เกิดขึ้นจริงในช่วงชีวิตของกวี โรงละครไม่ได้เตรียมพร้อมสำหรับความต้องการอันละเอียดอ่อนของ "ชีวิตของจิตวิญญาณมนุษย์" ที่พุชกินเสนอ
การสร้าง "โศกนาฏกรรมเล็ก ๆ " ไม่สามารถแยกออกจากงานของกวี - นักเขียนบทละครในละครจากชีวิตพื้นบ้าน "Rusalka" กำเนิดหนึ่งปีก่อน "ฤดูใบไม้ร่วง Boldino" "Rusalka" ยังไม่เสร็จสมบูรณ์ในปี 1830 หรือหลังจากนั้น พุชกินระงับงานละครในปี พ.ศ. 2375 แต่ถึงแม้จะอยู่ในรูปแบบที่ยังไม่เสร็จ "Rusalka" ก็ทำหน้าที่เป็นตัวอย่างของละครระดับชาติของรัสเซียที่เขียนขึ้นเพื่อประชาชนและใน "ภาษาถิ่นที่ประชาชนเข้าใจได้" ปัญหาเฉียบพลันความไม่เท่าเทียมกันทางสังคม
บทสรุป
พุชกินในฐานะนักเขียนบทละครและบุคคลสำคัญในการละครมีอิทธิพลอย่างเด็ดขาดต่อภาพรวม ประวัติศาสตร์ที่ตามมาโรงภาพยนตร์ ความลึกของลักษณะทางสังคมและจิตวิทยาของตัวละครในประวัติศาสตร์ความสามารถในการสร้างการกระทำแบบไดนามิกและไม่พูดถึงมันความมีชีวิตชีวาของภาพลักษณ์ของผู้คน - ฮีโร่แห่งประวัติศาสตร์ไม่ใช่ภูมิหลังทางประวัติศาสตร์ความร่ำรวยและสีสัน จินตภาพของภาษา - ทั้งหมดนี้ยังคงเป็นแบบอย่างในละครมาจนถึงทุกวันนี้ ผลงานทางทฤษฎีของพุชกินและความคิดของเขาเกี่ยวกับการแสดงละครสมจริงกลายเป็นพื้นฐานสำหรับการปฏิรูปในอนาคต วัฒนธรรมการแสดงละครดำเนินการโดย K.S. Stanislavsky และพรรคพวกของเขาในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 - 20

ความเฉพาะเจาะจงของละครในฐานะปรากฏการณ์ทางศิลปะอยู่ที่การเป็นส่วนหนึ่งของวัฒนธรรมสองรูปแบบ: วรรณกรรมและการละคร เนื่องจากหากไม่มีการแสดงบนเวที ชีวิตของละครจึงไม่สมบูรณ์แบบ โชคชะตากลายเป็นเรื่องไร้ความปราณีสำหรับบทละครของนักเขียนบทละครชาวรัสเซียหลายคน: ในหมู่พวกเขามีโศกนาฏกรรมซึ่งอย่างที่พวกเขาพูดไม่ได้หยั่งรากบนดินรัสเซียและ ละครโรแมนติก(ยกเว้น "Masquerade" โดย M. Yu. Lermontov) ละครตลกและสังคมซึ่งได้รับการพัฒนาอย่างแข็งขันในผลงานของ A. N. Ostrovsky มีชะตากรรมที่แตกต่างออกไป บางทีอาจเป็นเพราะว่าผลงานของเขามีความสร้างสรรค์โดยพื้นฐานแล้ว โดยส่วนใหญ่เอาชนะประเพณีประเภทต่างๆ ได้

บทละครของทูร์เกเนฟ

เกือบจะพร้อมกันกับ Ostrovsky I. S. Turgenev ก็ปรากฏตัวเป็นนักเขียนบทละครด้วย น่าเสียดายที่เขา งานเขียนที่น่าทึ่งไม่ได้รับการชื่นชมอย่างสูงจากคนรุ่นเดียวกัน ความจริงก็คือบทละครของนักเขียนชื่อดังสะท้อนถึงชีวิตครอบครัวที่อบอุ่นและเป็นกันเองพร้อมทั้งความสุขและความเศร้าเล็กน้อยความกังวลในชีวิตประจำวัน ตามหลักการของ Gogol โดยอาศัยการฝึกฝนทางศิลปะของเขาศึกษาผลงานของนักเขียนบทละครผู้ยิ่งใหญ่ในอดีตด้วยความรัก Turgenev ต้องการสร้างภาพยนตร์ตลกสมัยใหม่ที่คู่ควรกับตัวอย่างคลาสสิก

ผู้เขียนพยายามรวบรวมงานศิลปะที่ซับซ้อนนี้ไว้ในคอเมดีเรื่อง "ขาดเงิน" (ชื่อที่สองคือ "ฉากจากชีวิตเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก" ขุนนางหนุ่ม") ในประเภทที่ใกล้เคียงกับภาพร่างในชีวิตประจำวันตามจิตวิญญาณของ "ภาพร่างทางสรีรวิทยา" ความตลกขบขันของบทละครไม่ได้ถูกกำหนดจากสถานการณ์ตลก ๆ ที่เราพบว่าตัวเองมากนัก ตัวละครหลักมากเท่ากับตัวละครของพระเอกเอง เขียนหลังจากนั้น "The Freeloader" และ "Breakfast at the Leader's" แสดงให้เห็นอย่างชัดเจนถึงความเชื่อมโยงระหว่างโรงละครของ Turgenev และถ้อยคำของ Gogol

เข้าแล้ว ละครช่วงแรก Turgenev สรุปความคิดริเริ่มของพวกเขา ผู้เขียนพยายามที่จะเอาชนะหลักการของประเภทนี้ไม่ทางใดก็ทางหนึ่ง เขาถูกขับเคลื่อนด้วยความปรารถนาที่จะสร้างชีวิตประจำวันบนเวทีให้เป็นฉากแอ็คชั่นที่แท้จริง ดังนั้น Turgenev จึงปฏิเสธการวางอุบายซึ่งเป็นเงื่อนไขที่ขาดไม่ได้ในการสร้างงานละครจากการต้องมีการกระทำห้าอย่าง บทละครของเขาเผยให้เห็นถึงจิตวิทยาเชิงลึกของภาพ ซึ่งเป็นผลมาจากการนำช่วงเวลาที่น่าทึ่งมาสู่เรื่องตลก

แอล.เอ็น. ตอลสตอยในละคร

เกือบจะพร้อมกันกับ Turgenev, L.N. เริ่มค้นหาในสาขาศิลปะการละคร ตอลสตอย. ตามความเห็นของตอลสตอย ประการแรกคือความขัดแย้งที่ทำให้วีรบุรุษปรากฏตัวจากด้านที่มีลักษณะเฉพาะที่สุด เนื่องจากละครไม่สามารถลดทอนลงเหลือเพียงคำอธิบายโดยละเอียดของเหตุการณ์ได้ หนึ่งในภารกิจหลักคือการจัดการกับทุกด้านของจิตวิทยา ตามคำกล่าวของตอลสตอย งานละครจำเป็นต้องมีตัวละครที่ชัดเจนและชัดเจน งานศิลปะอย่างแท้จริงดูดซับประสบการณ์ก่อนหน้านี้ทั้งหมด ไม่เพียงแต่จากตัวนักเขียนเองเท่านั้น แต่ยังรวมถึงงานศิลปะทั้งหมดด้วย การคิดใหม่เกี่ยวกับรูปแบบดั้งเดิม ทำให้พวกเขามีชีวิตใหม่ ทั้งหมด ผลงานที่ดีที่สุดวรรณกรรมรัสเซียคือความเป็นจริงที่มีชีวิตที่ถูกยกระดับไปสู่ระดับของศิลปะ

ตอลสตอยไม่สามารถจินตนาการถึงละครได้หากปราศจากการพรรณนาถึงการต่อสู้ของหลักการที่ขัดแย้งกันโดยปราศจากการปะทะกันของตัวละครที่แตกต่างกัน เขาแย้งว่าไม่ควรมีอะไรที่ไม่เป็นรูปเป็นร่างหรือคลุมเครือในละคร เพราะมันคือ "สนามประติมากรรม" นั่นคือสาเหตุที่ผู้เขียนไม่ยอมรับ บทละครของเชคอฟดูเหมือนว่าพวกเขาจะดึงความสนใจออกไปและมีความคิดคลุมเครือเกินไปสำหรับเขา เพื่อที่จะถ่ายทอดสิ่งที่เจ็บปวดในจิตวิญญาณของศิลปินได้อย่างเต็มที่ นักเขียนบทละครพยายามค้นหาความขัดแย้งที่จะทำให้เขาสามารถพรรณนาถึงตัวละครทุกตัวในฉากได้ เพื่อชี้แจงจุดยืนที่พวกเขาปกป้องให้ชัดเจน: ในความเป็นจริงมันจำเป็นที่จะ ค้นหา "โหนด" ที่จะทำให้สามารถ "รวม" นักแสดงทุกคนในการต่อสู้ได้

ด้วยการมุ่งความสนใจของผู้ชมไปที่สิ่งที่แสดงให้เห็น ศิลปินจึงมอบ "ชุดความประทับใจที่บีบอัด" ให้กับผลงานของเขา ผลที่ตามมาในงานละครคือภาพลวงตาซึ่งทำให้ผู้ชมใช้ชีวิตร่วมกับความรู้สึกของตัวละคร เพื่อให้บรรลุถึงภาพลวงตาทางศิลปะของลักษณะทั่วไปดังกล่าว นักเขียนบทละครจะต้องมีความรู้ด้านเทคนิคในงานศิลปะของเขาเป็นอย่างดี

ในช่วงไตรมาสสุดท้ายของศตวรรษที่ 19 ตอลสตอยให้ความสำคัญกับรูปแบบละครมากกว่าในงานเชิงทฤษฎีและจดหมายของเขา เขาแย้งว่า "รูปแบบของนวนิยายผ่านไปแล้ว" ซึ่งงานละครเมื่อเปรียบเทียบกับนวนิยายสามารถทำได้ แสดงสาระสำคัญของความขัดแย้งที่ไม่ละลายน้ำอย่างน่าเศร้าในปัจจุบันได้แม่นยำยิ่งขึ้นเนื่องจากตัวละครของตัวละครที่สรุปไว้อย่างชัดเจน

คุณสมบัติของบทละครของ Chekhov และ Gorky

ผลงานละครของเชคอฟและกอร์กีซึ่งกลายเป็นสมบัติของผู้ชมในประเทศเมื่อปลายศตวรรษที่ 19 เป็นหนึ่งในขั้นตอนที่สำคัญที่สุดของละครรัสเซีย ในบทละครของพวกเขาหลักการของการพรรณนาถึงชีวิตทางศิลปะเปลี่ยนไปอย่างมีนัยสำคัญ: ประสบการณ์ทางจิตวิทยาของบุคคลแต่ละคนได้รับความสำคัญสากลและกลายเป็นจุดสนใจของปัญหาทางสังคมและปรัชญาที่ซับซ้อนทั้งหมดของการดำรงอยู่ โครงสร้างของบทละครของ Chekhov (และสำหรับนักเขียนคนนี้เราเป็นหนี้การกำเนิดของโรงละครใหม่มาก) แตกต่างอย่างมีนัยสำคัญจากโครงสร้างละครแบบดั้งเดิมโดยมีการอยู่ภายใต้การควบคุมอย่างเข้มงวดของรายละเอียดทั้งหมดไว้ที่ศูนย์กลางเดียว หากในละครคลาสสิกความขัดแย้งถูกนำไปสู่ข้อสรุปเชิงตรรกะ ในละครเรื่องใหม่ก็ยังคงไม่ได้รับการแก้ไข สถานการณ์ความขัดแย้งในขั้นสุดท้ายจะเทียบเคียงได้กับตอนแรก นักวิจัยบางคนเรียกบทละครของ Chekhov และ Gorky ว่า "โศกนาฏกรรมที่ไร้ข้อยุติ" ในการสะท้อนบทละครทางจิตวิทยา ข้อไขเค้าความเรื่องไม่ได้ชี้ไปที่การแก้ไขความขัดแย้งมากนัก แต่เป็นการพยายามสรุปเหตุการณ์ที่จะเกิดขึ้นหลังจากนั้น เชคอฟแย้งว่าใครก็ตามที่คิดตอนจบใหม่ของบทละครก็จะค้นพบเช่นกัน ยุคใหม่ในละคร

นักเขียนถูกผลักดันไปสู่ละครตามเวลา ความกระหายที่จะเปลี่ยนแปลงที่เกิดขึ้นในส่วนลึกของชีวิตผู้คน - ยุคที่เรียกร้องให้มีประสิทธิผลมากที่สุด รูปแบบศิลปะ- หลายปีก่อนที่จะมีการสร้างละครเรื่อง "At the Lower Depths" กอร์กีในจดหมายถึงเชคอฟพูดถึงความประทับใจอันน่าเศร้าในวรรณกรรมสมัยใหม่โดยบ่นว่า "ในวรรณกรรมรัสเซียอันยิ่งใหญ่ไม่มีสัญลักษณ์ไม่มีความปรารถนานี้ เพื่อตีความคำถามพื้นฐาน คำถามเกี่ยวกับวิญญาณ…”

การเปลี่ยนแปลงทางละครในช่วงปลายคริสต์ศตวรรษที่ 19

จากทั้งหมดที่กล่าวมาช่วยให้เรายืนยันได้ว่าโลกศิลปะของละครรัสเซียมีการเปลี่ยนแปลงครั้งสำคัญ ดังนั้นแนวคิดประเภทดั้งเดิมในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 จึงได้รับการเปลี่ยนแปลงอย่างมีนัยสำคัญ เนื้อหาเชิงความหมายจึงไม่คลุมเครือ ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่นักเขียนบทละครหลายคนกำหนดประเภทของผลงานอย่างระมัดระวังโดยเน้นเพียงคุณสมบัติเดียวเท่านั้น

เพื่อความเข้าใจ ความจำเพาะของประเภทในงานละคร สิ่งที่สำคัญที่สุดคือตัวละครตัวไหนที่จะแสดงในผลงานและความสัมพันธ์ที่พวกเขามี หลักการพื้นฐานเช่นเดิมคือประเภท ความขัดแย้งอันน่าทึ่งแต่สิ่งที่น่าสมเพชก็มีความสำคัญเช่นกันในการกำหนดแนวเพลง ซึ่งเป็นตัวกำหนดรูปแบบพิเศษของผลกระทบทางอารมณ์และจิตใจต่อผู้ชม มีความขัดแย้งบางอย่างเกิดขึ้น: คำจำกัดความของผู้เขียนเกี่ยวกับประเภทของงานละครมักจะไม่เห็นด้วยกับลักษณะของประเภทวัตถุประสงค์

ประเภทของละครในปัจจุบันมีการกำหนดความหมายแตกต่างออกไปบ้าง ดังนั้น ในละครจิตวิทยาสังคม จิตวิทยาจะถูกส่งผ่านภาพลักษณ์ของสังคม ในขณะที่ละครจิตวิทยา สังคมส่วนใหญ่มักฉายผ่านภาพลักษณ์ของสังคม ตรงกันข้ามกับผลงานของศตวรรษที่ 19 ในบทละครที่สร้างขึ้นในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ การค้นหาความหมายของชีวิตทำให้ผู้คนที่ดูเหมือนไม่มีความโดดเด่นจมอยู่กับกระแสชีวิตประจำวันเป็นปริศนา

ผลงานของ Chekhov และ Gorky ซึ่งเป็นผู้ร่วมสมัยที่ยิ่งใหญ่สองคนดึงดูดทั้งผู้อ่านและผู้ชม ในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 "The Cherry Orchard" และ "At the Lower Depths" ถูกกำหนดไว้สำหรับชะตากรรมบนเวทีอันมั่งคั่งเพราะในบทละครเหล่านี้ได้แสดงความสามารถอันน่าทึ่งของปรมาจารย์ด้านถ้อยคำที่ชาญฉลาดและแนวคิดใหม่ของบุคลิกภาพ พบว่ามีการพัฒนาทางศิลปะ

การพัฒนาละครในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ไม่สามารถแยกออกจากการก่อตั้งโรงละครแห่งชาติยูเครนได้ ของฉัน กิจกรรมวรรณกรรมนักเขียนบทละครชาวยูเครนรวมกับองค์กรของคณะละครเป็นนักแสดงและผู้กำกับ

มาร์ก ลูคิช โครปิฟนิตสกี (1840-1910)

พรสวรรค์ของเขามีหลายแง่มุมอย่างน่าอัศจรรย์: นักเขียนบทละครที่โดดเด่น ผู้จัดโรงละครมืออาชีพ ศิลปินที่มีความสามารถ นักแต่งเพลง ผู้แต่งผลงานละครเพลงและละคร) Kropivnitsky เริ่มอาชีพสร้างสรรค์ของเขาในฐานะผู้มีส่วนร่วมในการแสดงสมัครเล่น ในปี พ.ศ. 2406 เขาเขียนละครเรื่องแรกของเขาว่า "Give your heart free rein, it will lead you into the captive" ในช่วงระยะเวลาของการประหัตประหาร ภาษายูเครนนักเขียนบทละครหนุ่มเขียนผลงานอย่างสดใส ภาษาถิ่นรวมถึงรูปภาพของชีวิตชาวยูเครน พิธีกรรมพื้นบ้าน งานปาร์ตี้ การหาคู่ และงานแต่งงาน ภาพลักษณ์ของตัวละครหลัก Nepokryty คนงานในฟาร์มหนุ่ม รวบรวมคุณลักษณะที่ดีที่สุดของตัวละครของผู้คน

เวทีใหม่ในงานของเขาคือการสร้างละครเรื่อง "The World Eater หรือ the Spider" (1882) ใช้สีเสียดสีเพื่อสร้างภาพลักษณ์ของผู้กินโลกที่โหดร้าย - นักล่าบู่ ในเวลาเดียวกัน Kropivnitsky กำลังทำงานในละครเรื่อง "ในขณะที่พระอาทิตย์ขึ้น น้ำค้างจะกินดวงตา" ซึ่งเขาวางปัญหาของกลุ่มปัญญาชนและประชาชน กล่าวถึงตัวละครหญิงในละครเรื่อง “Two Families” และ “Olesya” ปัญหา "อาชญากรรมและการลงโทษ" ถูกเปิดเผยในละครแนวจิตวิทยาเรื่อง "Lost Power" กลายเป็นละครของเช็คสเปียร์และโมลิแยร์

การสร้าง ผลงานละครในเวลาเดียวกัน Kropivitsky ได้ปฏิบัติงานภาคปฏิบัติในโรงละคร เขาฝึกฝนศิลปินที่ยอดเยี่ยมทั้งกาแล็กซี: Zaikovetskaya, Saksagapskaya, Zatirkevich-Karpnpskaya, Menptskaya, Maryaneiko และคนอื่น ๆ กับคณะศิลปะของเขา Kropivitsky ไปเที่ยวในเบลารุส รัฐบอลติก และจอร์เจีย ซึ่งเขาแสดงเป็นภาษายูเครน และในยุคของเรา บทละครของ Kropiviptsky ครอบครองสถานที่อันทรงเกียรติในละครของโรงละครยูเครน

มิคาอิล เปโตรวิช สตาริตสกี (1840-1904) นักเขียนบทละครที่มีความสามารถ, กวี, นักเขียนร้อยแก้ว, ผู้กำกับ, ผู้จัดคณะละคร, นักแปลผลงานวรรณกรรมโลกหลายชิ้นเป็นภาษายูเครน Staritsky เขียนบทละครยี่สิบห้าเรื่องซึ่งเป็นผลงานต้นฉบับสิบสามเรื่องส่วนที่เหลือเป็นการแปลและดัดแปลงบทละครโดยนักเขียนคนอื่น

ละครจากชีวิตพื้นบ้านของ Starnsky“ โอ้อย่าไป Gritsyu แต่ไปงานปาร์ตี้ตอนเย็น” ซึ่งแสดงบนเวทีในปี พ.ศ. 2430 เป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวาง ศูนย์กลางของละครคือ Marusya Shuray ผู้เขียนอธิบายว่าเธอเป็นเด็กสาวที่สวยงามและภาคภูมิใจ อ่อนไหวและมีบทกวี ละครเรื่องนี้แสดงให้เห็นถึงความรักอันเร่าร้อนของเหล่าฮีโร่ - Marusya และ Grpts โทมัสผู้ทำลายบ้านที่ชั่วร้ายผลักพวกเขาไปสู่ความสงสัยร่วมกันและการวางยาพิษของ Grits ความวิกลจริตของ Marusya การฆ่าตัวตายของ Thomas... ความสมจริงองค์ประกอบของโศกนาฏกรรมเกี่ยวพันกับเรื่องประโลมโลก การระบายสีบทกวีที่พรรณนาถึงชีวิตและละครเพลงของชาวยูเครนทำให้ละครเรื่องนี้ได้รับความนิยมจากผู้ชม

Staritsky เขียนละครจากชีวิตพื้นบ้าน“ In the Dark” (1892) บทละครจำนวนหนึ่งเกี่ยวกับชะตากรรมของปัญญาชนที่สร้างสรรค์เกี่ยวกับทัศนคติของปัญญาชนในระบอบประชาธิปไตยที่มีต่อผู้คน: "ไม่ได้ถูกกำหนดไว้", "ชะตากรรม", "แตกสลาย หัวใจ” และอื่นๆ นอกจากนี้เขายังหันไปใช้ธีมประวัติศาสตร์: ละครเรื่อง "Bogdan Khmelnitsky", "Marusya Boguslavka", "Defense of Bush"

Staritsky ยังเปิดเผยความสามารถของเขาในสาขากวีนิพนธ์ (“ ถึง Shevchenko”, “ ในวันครบรอบของ Shevchenko”, “ ถึงยูเครน” ละครเรื่องแรกของเขาคือละครเรื่อง "Burlak" ของเธอ ตัวละครหลัก- โปรเตสแตนต์ปานัสผู้ยืนหยัดเพื่อคนยากจนที่รักอเล็กซี่และกัลยา

ละครเรื่อง “The Laborer” เขียนในแนวเดียวกัน

(พ.ศ. 2428) ซึ่งประสบความสำเร็จอย่างมากบนเวที ผู้ชมประทับใจเป็นพิเศษจากการแสดงของ Zankovetskaya ในบทนำ ซึ่งเผยให้เห็นโศกนาฏกรรมของทาสที่ต้องทนทุกข์กับความอัปยศอดสู การดูถูก และการละเมิด ก็ประสบความสำเร็จไม่น้อย ละครทางสังคม“ไม่มีความสุข” (พ.ศ. 2427-2428) ในเรื่องนี้ความเชื่อมโยงระหว่างละครของ Karpenko-Kary กับผลงานของ A. N. Ostrovsky นั้นไม่ต้องสงสัยเลย

จุดสูงสุดของความคิดสร้างสรรค์ I.

Karpenko-Kary คือบทละคร "Savva Chaly" (1896) ละครเรื่องนี้พรรณนาถึงตอนของการจลาจล Haidamak ในยูเครนเผยให้เห็นลักษณะของหนึ่งในผู้นำของขบวนการนี้ - Savva Chaly ความไม่สอดคล้องกันและความซับซ้อนของกิจกรรมของเขา ผู้เขียนใช้ประสบการณ์ละครโลก - Byron, Hugo, Pushkin, A. Tolstoy เปิดเผยปัญหาความสัมพันธ์ของฮีโร่กับผู้คน

ความสำเร็จอันยิ่งใหญ่ของ Karpenko-Kary ในสาขาตลกซึ่งมีพื้นฐานมาจากการใช้อารมณ์ขันพื้นบ้านอย่างลึกซึ้งและประเพณีประจำชาติ ในคอเมดี้ของ Karpenko-Kary เสียงหัวเราะผสมผสานกับดราม่าเชิงลึกและจิตวิทยา คอเมดี้เรื่อง "Martyn Borulya" (1866), "One Hundred Thousand" (1890) และ "The Master" (1900) มีชื่อเสียง สถานการณ์การ์ตูนที่นี่สร้างขึ้นจากการเยาะเย้ยความตระหนี่และการหาเงิน - ธีมนิรันดร์ของวรรณคดีโลก หนังตลกเรื่อง "The Boss" ยังคงแสดงอยู่บนเวทีจนทุกวันนี้ A. Buchma กลายเป็นนักแสดงที่มีชื่อเสียงในบทบาทของ Bubble

ปลายศตวรรษที่ 19 ถือเป็นวัฒนธรรมของยูเครนโดยการสร้างโรงละครมืออาชีพ ก่อตั้งโดย M. L. Kropivnitsky ในเมือง Elisavetgrad โรงละครแห่งนี้ซึ่งออกทัวร์ทั่วประเทศยูเครนได้รวบรวมความสามารถมากมายมารวมกัน ผู้อำนวยการคณะคือ M. P. Staritsky ผู้กำกับคือ M. L. Kropivnitsky เขายังเล่นเป็นนักแสดง (แสดงทั้งตลกและ บทบาทที่น่าทึ่ง- ภาพของ Taras Bulba ที่เขาสร้างขึ้นเข้าสู่คลังศิลปะโลก นักแสดงหญิงชาวยูเครนผู้ยิ่งใหญ่ M. K. Zankovetskaya เป็นนักแสดงคนแรกในบทบาทหลักในละครที่สำรวจหัวข้อชะตากรรมของผู้หญิง: "The Laborer" โดย I. K. Karpenko-Kary "จนกว่าดวงอาทิตย์จะขึ้นน้ำค้างจะกินดวงตา" โดย M. L. Kropiv- Nitsky, “ Gypsy Aza” โดย M. P. Staritsky, “ Limerivna” โดย Panas Mirny ภาพที่ไม่ซ้ำใครถูกสร้างขึ้นโดย M. Sadovsky ในบทละครของ T. G. Shevchenko“ Nazar Stodolya”, I. P. Kotlyarevsky“ Patalka-Poltavka” และอื่น ๆ

แม้จะมีเงื่อนไขที่ยากลำบากมาก (ขาดสถานที่ถาวรการห้ามเล่นในภาษายูเครนซึ่งกินเวลาตั้งแต่ปี 1683 ถึง 1893 เป็นต้น) โรงละครยูเครนประสบความสำเร็จอย่างมากในศตวรรษที่ 19

ช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 เป็นช่วงเวลาที่สำคัญที่สุดในการพัฒนาดนตรียูเครน ช่วงนี้เป็นที่แพร่หลาย การศึกษาด้านดนตรี, โรงเรียนดนตรีกำลังถูกสร้างขึ้น, ชีวิตคอนเสิร์ตกำลังฟื้นคืนชีพ ในช่วงเวลานี้นักแต่งเพลงมืออาชีพปรากฏตัว: S. S. Gulak-Artemovsky, II. P. Sokalsky, M. V. Lysenko และคนอื่น ๆ

S. S. Gulak-Artemovsky (1813-1873) เปิดเผยความสามารถของเขาในฐานะนักแต่งเพลงและนักร้องโอเปร่า ในงานของเขาเขาหันไปสนใจประเด็นของชีวิตชาวบ้าน เขาสร้างโอเปร่ายูเครนเรื่องแรก "Cossack Beyond the Danube" ซึ่งยังคงเป็นส่วนหนึ่งของละครเพลงในปัจจุบัน โอเปร่านี้จัดแสดงครั้งแรกที่โรงละคร Mariinsky ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก บทบาทของ Ivan Karas รับบทโดยผู้เขียนเอง

การมีส่วนร่วมของ P. P. Sokalsky ต่อดนตรียูเครนมีความสำคัญ เขาหันมาสร้างโอเปร่าต่อ หัวข้อทางประวัติศาสตร์ขึ้นอยู่กับผลงานของนักเขียนคลาสสิก นี่คือ "มาเซปปา" ตามบทกวี

A. S. Pushkin “Poltava”, “Bogdan Khmelnitsky”, “May Night” แต่เป็นเรื่องราวในชื่อเดียวกันโดย N. V. Gogol “The Siege of Dubno” ที่สร้างจากเรื่องราวของเขา “Taras Bulba”

ดนตรียูเครนได้รับความนิยมสูงสุดในศตวรรษที่ 19 ในผลงานของ N. V. Lysenko (1842-1912) ผู้ยิ่งใหญ่ นักแต่งเพลงชาวยูเครนนักเปียโน วาทยากร และอาจารย์ นักแต่งเพลงหันไปหาศิลปะพื้นบ้านเป็นภาษายูเครนในละครต้นฉบับ เพลงพื้นบ้าน- เขาออกคอลเลกชันที่มีเพลง 600 เพลง ครั้งที่สอง V. Lysenko สร้างวงจรผลงาน "Music for Shevchenko's Kobzar" ในช่วงทศวรรษที่ 70 - 90 เขาเขียนโอเปร่าหลายเรื่องตามแผนการของโกกอล: "คืนคริสต์มาส", "ผู้หญิงจมน้ำ", โอเปร่า "Taras Bulba" - ความสำเร็จสูงสุดของผลงานของนักแต่งเพลงที่โดดเด่น โอเปร่านี้เขียนตามประเพณีของ M. I. Glinka และตื้นตันใจกับจิตวิญญาณพื้นบ้าน ในเพลงของเธอผู้แต่งใช้ภาษายูเครนกันอย่างแพร่หลาย ศิลปะพื้นบ้าน- ครั้งที่สอง Lysenko ยังเขียนเพลงสำหรับละครเรื่อง Natalka-Poltavka ของ I. P. Kotlyarevsky

ความคิดสร้างสรรค์ครั้งที่สอง V. Lysenko มีความหลากหลายอย่างน่าอัศจรรย์ เขาหันไปหาดนตรีซิมโฟนี ทำงานให้กับเปียโน เขียนและตีพิมพ์เรื่องราวโรแมนติกมากมายจากบทกวีของ A. Mickiewicz, Ts. Franko, L. Ukrainka และคนอื่นๆ ผลงานครั้งที่สอง Lysenko ยกระดับดนตรียูเครนขึ้นสู่ขั้นใหม่ในการพัฒนา

เป็นสิ่งสำคัญที่ในช่วงเวลานี้ธีมของยูเครนได้เข้าสู่ผลงานของนักแต่งเพลงชาวรัสเซียที่โดดเด่น ดังนั้น II. I. Tchaikovsky ซึ่งอาศัยอยู่เป็นเวลานานในยูเครนบรรยายโอเปร่าเรื่อง "Mazeppa" และ "Cherevichki", M. II. Musogorsky - โอเปร่า "Sorochi Fair" ซึ่งใช้ท่วงทำนองพื้นบ้าน เนื้อเรื่องของเรื่องราวของ Gogol "May Night" และ "The Night Before Christmas" เป็นพื้นฐานของโอเปร่าที่มีชื่อเดียวกัน II อ. ริมสกี-คอร์ซาคอฟ ธีมภาษายูเครนได้รับการแก้ไขโดย A. II Serov, A.G. Rubinstein และนักแต่งเพลงคนอื่นๆ

ละครและละครในยุค 50-70 ของศตวรรษที่ 19ทศวรรษที่ 50-70 ของศตวรรษที่ 19 เป็นช่วงเวลาสำคัญในประวัติศาสตร์ของโรงละครรัสเซียซึ่งเต็มไปด้วยกระแสใหม่ทั้งในด้านละครและการแสดง อย่างไรก็ตาม ต้นทศวรรษที่ 50 เป็นช่วงเวลาที่ค่อนข้างมืดมนในประวัติศาสตร์รัสเซีย การปฏิวัติในปี 1948 ในฝรั่งเศสทำให้เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กหวาดกลัว การข่มเหงการเคลื่อนไหวของความคิดเริ่มต้นขึ้น ในการศึกษาประวัติศาสตร์ วรรณคดี ปรัชญา พวกเขาเห็นการโจมตีรากฐาน อำนาจรัฐ- การวิจารณ์วารสารศาสตร์และวรรณกรรมกำลังลดลง อำนาจของการเซ็นเซอร์จะควบคุมไม่ได้และไร้ขีดจำกัด มีการกำกับดูแลโรงละครอย่างเข้มงวดเป็นพิเศษ มากกว่าวรรณกรรม ซึ่งขึ้นอยู่กับนโยบายของศาล สถานการณ์อันเป็นลางร้ายและเงียบงันนี้ดำเนินต่อไปจนถึงช่วงครึ่งหลังของทศวรรษที่ 50 - จนกระทั่งนิโคลัสเสียชีวิตและการสิ้นสุดการรณรงค์ของไครเมียอย่างน่าอับอาย "เจ็ดปีที่มืดมน"

จุดเริ่มต้นของรัชสมัยของอเล็กซานเดอร์ที่ 2 ถูกทำเครื่องหมายด้วยการฟื้นฟูพลังทางสังคมอย่างรวดเร็ว เวลาแห่งความหวังเริ่มต้นขึ้น ดูเหมือน สังคมรัสเซียตื่นขึ้น และการตื่นขึ้นนี้ส่งผลกระทบต่อทุกสิ่ง แต่เหนือสิ่งอื่นใดในชีวิตฝ่ายวิญญาณและศิลปะ

นิตยสารหันเข้าสู่ประเด็นที่สำคัญที่สุดในยุคของเราอีกครั้งซึ่งรัสเซียร่ำรวยมาก และประเด็นแรกคือคำถามเรื่องการเป็นทาส ทุกคนรู้สึกถึงความจำเป็นในการเปลี่ยนแปลงอย่างรวดเร็วและใช้ชีวิตโดยคาดหวังการตัดสินใจและการกระทำ เวลาแห่งการปฏิรูปกำลังมา

การยกเลิกความเป็นทาสในปี พ.ศ. 2404 เริ่มต้นยุคใหม่ในประวัติศาสตร์รัสเซีย ความสนใจในละครร่วมสมัยของรัสเซียกำลังเพิ่มขึ้น ประชาชนต่างเฝ้าดูละครที่บอกเล่าเรื่องราวเกี่ยวกับรัสเซียในปัจจุบันอย่างกระตือรือร้น โรงละครหายใจไม่ออกภายใต้เครือข่ายเซ็นเซอร์ค่ะ ปีที่ผ่านมารัชสมัยของนิโคลัสเขาเริ่มฟังชีวิตจริง ประเด็นทางสังคมเริ่มแทรกซึมเข้าสู่เวทีโรงละครของจักรวรรดิทีละน้อย ผู้ชมนิยมชมละครสมัยใหม่มากกว่าการชมบัลเลต์หรือโอเปร่าที่จัดฉากอย่างหรูหรา

จิตวิญญาณแห่งการวิเคราะห์ก็แทรกซึมเข้าสู่เวทีละครด้วย เรื่องประโลมโลกและเพลงโวเดอวิลล์ค่อยๆ หลีกทางให้กับละครตลกในชีวิตประจำวันโดยนักเขียนสมัยใหม่ นับสง่างาม มาร์ควิสมีมารยาทไร้ที่ติ โจรผู้สูงศักดิ์เรื่องประโลมโลกของฝรั่งเศสถูกบังคับให้ปล่อยให้เหล่าฮีโร่สวมเครื่องแบบทางการ นามบัตร เสื้อโค้ต และบางครั้งก็สวมเสื้อโค้ทและรองเท้าบูททาน้ำมัน

ความสนใจของสาธารณชนต่อความทันสมัยนั้นยิ่งใหญ่มากจนบางครั้งก็นำความโศกเศร้ามาสู่การเดินทางของเหล่าคนดังในปารีส ดังนั้นราเชลนักแสดงโศกนาฏกรรมผู้ยิ่งใหญ่ซึ่งมาถึงในปี พ.ศ. 2396 จึงถูกบังคับให้แสดงในมอสโกเฉพาะในการแสดงตอนเช้าเท่านั้นหากในตอนเย็นละครเรื่อง Don't Get in Your Sleigh ของ Ostrovsky ร่วมกับ Nikulina-Kositskaya ในชื่อเรื่องเปิดอยู่

การปรากฏตัวของบทละครที่มีเนื้อหาใหม่ทันสมัยประเภทต่าง ๆ ตัวละครที่ไม่ธรรมดาสำหรับละครนำไปสู่การเปลี่ยนแปลงตัวละครและสไตล์การแสดง บทบาทก่อนหน้านี้ถูกทำลายอย่างค่อยเป็นค่อยไป ประเพณีที่ดีที่สุดของโรงละครสมจริงของรัสเซียกำลังพัฒนา เสริมด้วยธีมสมัยใหม่ใหม่ การแสดงละครของ Ostrovsky มีความสำคัญเป็นพิเศษต่อการพัฒนาศิลปะบนเวทีของรัสเซีย บทละครของเขาสร้างกาแล็กซีของศิลปินที่มีความสามารถซึ่งนำความรุ่งโรจน์มาสู่เวทีรัสเซียในศตวรรษที่ 19

ในปี พ.ศ. 2402 ออสตรอฟสกี้บอกได้เลยว่ามีการสร้างละครประจำชาติรัสเซียขึ้น โรงละครก็มีละครประจำชาติของตัวเอง นอกจาก Ostrovsky แล้วชื่อเช่น Sukhovo-Kobylin, Saltykov-Shchedrin, A. Tolstoy, L. Tolstoy, Chekhov ยังปรากฏในโรงละครรัสเซียในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19

โรงละครมาลี.ประวัติความเป็นมาของโรงละคร Maly ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 เป็นช่วงเวลาที่มีความหมายอย่างลึกซึ้งและมีชีวิตชีวา ซึ่งเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับการเพิ่มขึ้น จิตสำนึกสาธารณะและการเกิดขึ้นของกระแสทางอุดมการณ์และสุนทรียศาสตร์ใหม่ๆ ในยุคนั้น การแสดงของโรงละคร Maly บางครั้งนอกเหนือไปจากการแสดงละครล้วนๆ โดยได้รับเสียงสะท้อนจากสาธารณชนอย่างมาก มันเป็นช่วงเวลาของการเปลี่ยนแปลงที่ซับซ้อนและการพัฒนาการละครและศิลปะการแสดงอย่างเข้มข้น ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่คนรุ่นราวคราวเดียวกันเรียกโรงละคร Maly ว่าเป็น "มหาวิทยาลัยแห่งที่สอง"

พ.ศ. 2396 (ค.ศ. 1853) – ภาพยนตร์ตลกของ Ostrovsky เรื่อง Don't Get in Your Own Sleigh ถูกจัดแสดงบนเวที Maly นับจากนี้เป็นต้นไป Ostrovsky จะมอบผลงานทั้งหมดของเขาให้กับโรงละครแห่งนี้ เมื่อได้ใกล้ชิดกับศิลปินที่มีความสามารถหลายคน นักเขียนบทละครจึงเขียนบทละครโดยคำนึงถึงลักษณะเฉพาะของพรสวรรค์ของพวกเขา

ความคิดเห็นของประชาชนการถกเถียงอย่างเผ็ดร้อนเกี่ยวกับชะตากรรมทางประวัติศาสตร์ของรัสเซียทะลุกำแพงของมาลีซึ่งทำให้นักแสดงกังวลอย่างมาก แรงบันดาลใจของคณะเสรีนิยมประชาธิปไตยสะท้อนให้เห็นในการอุทธรณ์ต่อคลาสสิกของรัสเซียและยุโรปตะวันตก ในยุค 50-60 "Little Tragedies" ("The Miserly Knight", "Mozart and Salieri", "The Stone Guest") ฉากจาก " วิญญาณที่ตายแล้ว"ละครของ Turgenev ในปี พ.ศ. 2404-2406 ฉากของ Gogol ได้รับการจัดแสดง - "Dog", "Excerpt", "Morning of a Business Man" ในปี พ.ศ. 2398 - "งานแต่งงานของ Krechinsky" การแสดงก่อนหน้านี้กำลังกลับมาดำเนินการต่อ - "Woe from Wit", "The Minor" และ "The Brigadier" กำลังถูกจัดแสดง ในปี พ.ศ. 2413 ละครเรื่อง Emilia Galotti ของ Lessing ได้จัดแสดง และต่อมามีการแสดงละครหลายเรื่องโดยเชคสเปียร์, โลเป เด เวกา, คัลเดรอน และนักเขียนคนอื่นๆ

จนถึงต้นทศวรรษที่ 60 ละครประโลมโลกยังคงครองสถานที่สำคัญในละครของมาลี ใกล้ชิดและเข้าใจได้สำหรับผู้ชม แต่ห่างไกลจากความทันสมัย ​​โรงละครจึงให้ประโยชน์เพียงเล็กน้อย ในยุค 60 ความสนใจของสาธารณชนในเรื่องประโลมโลกลดลงอย่างมาก และทำให้กลายเป็นละครสมัยใหม่ในชีวิตประจำวัน บทละครของ Ostrovsky กำลังกลายเป็นส่วนหนึ่งของละครของโรงละครมากขึ้นเรื่อย ๆ ซึ่งมีอิทธิพลต่อผลงานของนักเขียนบทละครคนอื่น ๆ ละครที่เขียนเกี่ยวกับหัวข้อประจำวันกำลังได้รับความนิยมจากผู้ชมเพิ่มมากขึ้น

ในศิลปะการแสดงของนักแสดงที่ดีที่สุดของ Maly หลักการสร้างสรรค์ของ Shchepkin ยังคงปรับปรุงอย่างต่อเนื่อง บทละครใหม่ ซึ่งโดย Ostrovsky เป็นหลัก เป็นตัวกำหนดลักษณะของการพัฒนาความสมจริงบนเวทีบนเวทีใหม่ ข้อกำหนดของ Shchepkin สำหรับความเข้าใจอย่างลึกซึ้งเกี่ยวกับแก่นแท้ของภาพ การผสมผสานอย่างสมบูรณ์กับตัวละครที่แสดงให้เห็น กลายมาเป็นหัวใจสำคัญของผลงานของนักแสดงคนสำคัญของ Maly ศิลปะของพวกเขาโดดเด่นด้วยความโน้มน้าวใจ มีเสน่ห์ของความจริงทางศิลปะ ความน่าเชื่อถือ และความเป็นรูปธรรมของการสร้างความเป็นจริง คณะของมาลีมีชื่อเสียงในด้านความเชี่ยวชาญด้านคำพูดและวัฒนธรรมการพูดระดับสูงสุด

แก่นแท้ของคณะในเวลานี้: Sadovsky, Nikulina-Kositskaya, Shumsky, Vasiliev, Samarin

Prov Sadovsky (เออร์มิลอฟ) (2361-2415) ชื่อของเขาเกี่ยวข้องกับการก่อตั้งละครของ Ostrovsky บนเวทีรัสเซียและการสร้างประเพณีของโรงละครของ Ostrovsky เขาเป็นผู้ก่อตั้งราชวงศ์นักแสดงที่นำความรุ่งโรจน์มาสู่โรงละครรัสเซีย

ในปี 1838 Shchepkin ซึ่งมาทัวร์คาซานเห็นเขา ด้วยการมีส่วนร่วมและการสนับสนุนของเขา Sadovsky จึงได้ลงทะเบียนในคณะของ Maly ในปี 1839 ความสำเร็จไม่ได้มาทันที ในตอนแรก - บทบาทของเพลง, การ์ตูนเรียบง่าย การรับรู้ - หลังจากบทบาทของ Filatka ในเพลง "Filatka และ Miroshka - Rivals" โดย P. Grigoriev

เป็นเวลานานแล้วที่เพลงและบทบาทที่ว่างเปล่าและไม่มีนัยสำคัญในละครและคอเมดีเป็นพื้นฐานของละครของ Sadovsky พวกเขาไม่ได้ทำให้เขามีความสุขหรือความพึงพอใจ หลังจากแสดงละครมาสามปี เขาเริ่มคิดถึงการกลับไปต่างจังหวัด ซึ่งเขายังคงแสดงบทบาทสำคัญได้อยู่ สิ่งนี้จะเกิดขึ้นถ้าไม่ใช่เพราะคอเมดี้ของ Gogol ซึ่งเขาแสดงได้อย่างประสบความสำเร็จ ในละคร Gogol ศิลปินมีบทบาทมากมาย: Khodilkina (Anuchkina) และ Podkolesin ใน "การแต่งงาน", Zamukhryshkin ใน "The Players", Osip และ Gorodnichy ใน "The Inspector General" ในบรรดาบทบาทเหล่านี้ สิ่งที่โดดเด่นที่สุดคือ Podkolesin และ Osip

การพบปะกับ Ostrovsky เป็นส่วนใหญ่ เหตุการณ์สำคัญสำหรับทั้งนักแสดงและนักเขียนบทละคร คนหนึ่งค้นพบละครของตัวเอง อีกคนเป็นนักแสดงที่สร้างชื่อเสียงให้กับบทละครของเขาอย่างไม่เสื่อมคลาย วิธีการสร้างสรรค์ของ Ostrovsky นั้นใกล้เคียงกับนักแสดง Sadovsky โดยธรรมชาติ เขาเล่นสามสิบบทบาทในละครยี่สิบเจ็ดเรื่องจากสามสิบสองบทที่เขียนโดย Ostrovsky ในช่วงชีวิตของเขา (Rusakov“ Not in Our Sleigh”, Lyubim Tortsov; Podkhalyuzin และ Bolshov“ Our People”; Dikoy“ Thunderstorm”; Kuroslepov“ Warm Heart” ; Yusov "สถานที่ทำกำไร"; Mamaev "The Sage") เขาเป็นคนแรกและเป็นหนึ่งในนักแสดงที่ดีที่สุดในบทบาทของ Rasplyuev ในงานแต่งงานของ Krechinsky นอกเหนือจากละครของรัสเซียแล้ว Sadovsky ยังประสบความสำเร็จในการเล่นละครคลาสสิกของยุโรปตะวันตกในโศกนาฏกรรมของเช็คสเปียร์และคอเมดีของ Moliere บทบาทของ Sadovsky ไม่เท่ากันทั้งหมด แต่ในทุกบทบาทของเขา ไม่ว่าจะเป็น Jester หรือ King Lear เอง นักแสดงก็หลงใหลในความเรียบง่ายและการแสดงที่เป็นธรรมชาติของเขา โมลิแยร์อยู่ใกล้เขาเป็นพิเศษ ภาพของ Jourdain กลายเป็นผลงานชิ้นเอกของ Sadovsky

Sadovsky เชี่ยวชาญเทคนิคการเปลี่ยนแปลงภายในและวิธีแสดงออกบนเวทีอย่างสมบูรณ์แบบ เขามีสีหน้าที่หลากหลายที่สุดและเชี่ยวชาญศิลปะการแต่งหน้าอย่างเชี่ยวชาญ อย่างไรก็ตาม วิธีการทางศิลปะที่สำคัญที่สุดของเขาคือศิลปะแห่งการใช้คำขั้นสูงสุด ความเชี่ยวชาญ ลักษณะการพูดความรู้สึกของภาษาของผู้แต่งและตัวละคร

ลิวบอฟ นิคูลินา-โคซิตสกายา (1827-1868) โศกนาฏกรรม. ความสามารถของเธอผสมผสานระหว่างสไตล์ดราม่าและความจริงอันลึกซึ้ง ความรู้สึกของมนุษย์และประสบการณ์

พ.ศ. 2390 (ค.ศ. 1847) - เปิดตัวในมาลีในบทบาทของ Parasha the Siberian รับบทเป็น หลุยส์, โอฟีเลีย ปรากฏ ลักษณะโรแมนติกในงานศิลปะของเธอ ขั้นตอนสำคัญคือการแสดงในละครละครสมจริงของรัสเซีย ละครในประเทศ และในภาพยนตร์ตลกเรื่อง The Bachelor ของ Turgenev ในบทบาทของ Masha งานศิลปะของเธอค่อยๆ ได้รับธีม - ธีมของสถานการณ์ที่น่าเศร้าของหญิงรัสเซีย ชะตากรรมอันขมขื่นของเธอ จากปี 1853 - ในบทละครของ Ostrovsky (Dunya“ Not in Your Sleigh”; Anna Ivanovna“ ความยากจนไม่ใช่รอง”; Grusha“ อย่าอยู่อย่างนั้น”; Katerina“ The Storm”) เปรียบเทียบกับโมชาลอฟ

งานของ Kositskaya มีอิทธิพลอย่างมากต่องานศิลปะของนักแสดงละครชาวรัสเซียหลายคน Strepetova นักแสดงหญิงโศกนาฏกรรมที่ใหญ่ที่สุดในจังหวัดจะจดจำการแสดงของเธอตลอดไป การพบกับ Kositskaya ทำให้เธอเป็นนักแสดง ประเพณีศิลปะของ Kositskaya สะท้อนให้เห็นทั้งในผลงานของ Strepetova และ Ermolova

อีวาน ซามาริน (ค.ศ. 1817-1885) เขาเป็นหนึ่งในนักแสดงที่เป็นที่รักและโด่งดังที่สุดในยุคนั้น การที่นักแสดงถูกเลี้ยงดูมาในละครแนวเมโลดราม่า บทบาทของเขาคือ "คนรักฮีโร่" การเล่นของเขาถูกครอบงำด้วยเนื้อร้องที่นุ่มนวล ความสูงส่ง และความสง่างามของรูปแบบภายนอก (Don Cesar de Bazan; Mortimer ใน "Mary Stuart"; Ferdinand; Marquis Posa ใน "Don Carlos") เขาทำงานตามบทบาทต่างๆ มากมาย โดยทำลายความคิดโบราณเดิมๆ ของโรงละครโรแมนติกเชิงนามธรรมแบบหลอกคลาสสิก ความปรารถนาของนักแสดงในการตีความตัวละครที่สมจริงนั้นถูกตั้งข้อสังเกตโดยเบลินสกี้ใน "ปู่แห่งกองเรือรัสเซีย"

พ.ศ. 2382 (ค.ศ. 1839) - Chatsky (แทนที่ Mochalov ที่ป่วย - ความล้มเหลว) ต่อมาฉันทำงานมากกับบทบาทนี้ ในการแสดงของเขาบางครั้งผู้ร่วมสมัยก็ชี้ให้เห็นข้อบกพร่อง แต่ทุกคนเห็น Chatsky-Samarin เป็นความเข้าใจใหม่ที่ถูกต้องเกี่ยวกับภาพ นักแสดงสามารถถ่ายทอดเรื่องราวส่วนตัวและสังคมอันลึกซึ้งของฮีโร่ได้

พ.ศ. 2407 (ค.ศ. 1864) - หลังจากการตายของ Shchepkin เขารับบทเป็น Famusov

กิจกรรมการกำกับและการสอนของ Sammarin มีความสำคัญอย่างยิ่ง (พ.ศ. 2422 - กับนักเรียนของเรือนกระจกเขาได้ดำเนินการผลิตโอเปร่าครั้งแรก "Eugene Onegin")

สมรินทร์มีบทบาทมากมายในช่วงชีวิตของเขา ศิลปะของเขาปลุกความรักในความงามและดึงดูดจิตวิญญาณมนุษย์ด้วยความสง่างาม คุณสมบัติเหล่านี้เป็นลักษณะเฉพาะของฮีโร่ของเขา ด้วยเหตุนี้ประชาชนจึงรักและชื่นชมเขา

เซอร์เกย์ ชัมสกี (เชสโนคอฟ) (2364-2421) หนึ่งในนักเรียนที่รักที่สุดของ Shchepkin นักแสดงสารพัดประโยชน์ที่มีบทบาทหลากหลายประเภทและบทบาท ฉันทำงานหนักและรอบคอบอยู่เสมอกับบทบาทนี้ นักแสดงที่มีแนวคิดทางสังคมที่ยอดเยี่ยม มุมมองที่ก้าวหน้า และตำแหน่งพลเมืองที่มีหลักการ

พ.ศ. 2384 (ค.ศ. 1841) ถึงมาลี พ.ศ. 2390 (ค.ศ. 1847) ตามคำแนะนำของ Shchepkin เป็นเวลาสามปี โรงละครโอเดสซาเกินกว่าละครปกติ กลับสู่มาลีซึ่งละครมีความจริงจังมากขึ้น (Kochkarev, Khlestakov (คนแรกที่ได้รับการอนุมัติจาก Gogol), Krechinsky, Zhadov, Schastlivtsev, Krutitsky ใน "The Sage"; Chatsky) เขาเล่นได้อย่างยอดเยี่ยมในบทละครของเช็คสเปียร์, โมลิแยร์, โบมาร์ไชส์, ชิลเลอร์ และโลเป ความสำเร็จที่ยิ่งใหญ่ที่สุดอยู่ในบทบาทของโมลิแยร์

ความสำคัญของ Shumsky นั้นยิ่งใหญ่ ด้วยการสร้างและพัฒนาประเพณีของ Shchepkin เขาได้ปูทางไปสู่อนาคตของโรงละครและศิลปะการแสดงในยุคปัจจุบัน

เซอร์เก วาซิลีฟ (ค.ศ. 1827-1862) ในตอนแรก ส่วนใหญ่เป็นบทโวเดอวิลล์ ด้วยการมาถึงของ Ostrovsky ที่โรงละครซึ่งเป็นเวทีใหม่ในชีวประวัติ (Balzaminov, Tikhon Kabanov, Khlestakov) ออกจากเวทีอย่างบานสะพรั่ง พลังสร้างสรรค์- เนื่องจากโรคตา เขาจึงเริ่มตาบอดในปี พ.ศ. 2398 ผลการดำเนินงานผลประโยชน์ครั้งสุดท้ายเมื่อวันที่ 27 มกราคม พ.ศ. 2404 ดำเนินการจนเกือบมองไม่เห็น

โรงละครอเล็กซานดรินสกี้ในช่วงทศวรรษแรกของครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 เผชิญกับช่วงเวลาที่ยากลำบากและเป็นที่ถกเถียงกันมากที่สุดในประวัติศาสตร์ ความใกล้ชิดกับศาลมีอิทธิพลอย่างมากต่อชะตากรรมของโรงละครมาโดยตลอด หาก Maly ถูกเรียกว่า "มหาวิทยาลัยแห่งที่สอง" Alexandrinsky ในยุค 50-70 ยังคงเป็นจักรวรรดิเป็นหลัก ฝ่ายบริหารของโรงละครของจักรวรรดิปฏิบัติต่อคณะละครรัสเซียด้วยความดูถูกโดยไม่ปิดบังซึ่งไม่สามารถส่งผลกระทบต่อการแสดงโดยทั่วไปของเวที Alexandrinsky ซึ่งทำให้คนรุ่นราวคราวเดียวกันตกต่ำด้วยความยากจนและความสกปรกของการออกแบบภายนอก รูปแบบราชการของรัฐบาลเจริญรุ่งเรืองในโรงละคร ทำให้เป็นเหมือนสถาบันเสมียนมากกว่าองค์กรที่สร้างสรรค์ คณะกรรมการการละครและวรรณกรรมที่ก่อตั้งขึ้นเมื่อปี พ.ศ. 2401 ไม่มีการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญใดๆ

ละครของโรงละครประกอบด้วยแนวปฏิกิริยาและอ่อนแอเป็นหลัก ในทางศิลปะบทละครป้องกัน อย่างไรก็ตามการฟื้นฟูทางสังคมและการต่อสู้ทางอุดมการณ์อย่างเฉียบพลันในยุค 60 เริ่มส่งผลกระทบต่อกำแพงของโรงละครอเล็กซานดรินสกี้ ความต้องการของเวลา, การเกิดขึ้นของผู้ชมละครหน้าใหม่, การก่อตั้งชนชั้นกลางรัสเซียเป็นตัวกำหนดกระบวนการที่เกิดขึ้นในโรงละคร โรงละครไม่สามารถเพิกเฉยต่อสิ่งที่เกิดขึ้นนอกกำแพงได้อย่างสมบูรณ์ ความสนใจของผู้ชมในละครสมัยใหม่จากชีวิตชาวรัสเซียถูกปลุกให้ตื่นขึ้น เรื่องประโลมโลกและเพลงไม่สนุกกับความสำเร็จในอดีต ผู้ชมหลักของโรงละคร Alexandrinsky กลายเป็นชนชั้นกระฎุมพีที่เข้มแข็ง ปัญหาและปัญหาสังคมใหม่ๆ ที่แทรกซึมเข้าไปในเวทีละครได้รับการแก้ไขตามอุดมการณ์ของรัฐบาลมาโดยตลอด

ในยุค 60 โอเปเรตต้ามาแทนที่การแสดงดนตรีแบบดั้งเดิม ความสำเร็จของประเภทนี้บนเวที Alexandrinka นั้นยิ่งใหญ่มากแม้ว่าจะอยู่ได้ไม่นานก็ตาม นักแสดงหญิงที่มีชื่อเสียงที่สุดที่ไม่มีความล้มเหลวในประเภทนี้คือ Lyadova ในปีพ.ศ. 2417 เธอเสียชีวิตและชัยชนะของละครก็สิ้นสุดลงพร้อมกับเธอ

ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา สถานที่ที่ค่อนข้างเรียบง่ายในละครของ Alexandrinka ได้ถูกมอบให้กับเพลงคลาสสิกตะวันตก บทละครของเช็คสเปียร์ โมลิแยร์ และชิลเลอร์หายไปจากเวทีอย่างรวดเร็ว โรงละครไม่สามารถแนะนำอะไรใหม่ๆ ให้กับการอ่านคลาสสิกในช่วงเวลานี้ของประวัติศาสตร์ได้

โรงละครให้ความสำคัญกับละครอิงประวัติศาสตร์มากกว่ามาก ละครของ Kukolnik และ Polevoy ไม่สามารถเพลิดเพลินกับความนิยมในอดีตได้อีกต่อไป นอกเหนือจากบทละครของ Chaev และ Averkiev แล้วยังมีพงศาวดารทางประวัติศาสตร์ของ Ostrovsky เรื่อง "Tushino" และ "Vasilisa Melentyev" และละครประวัติศาสตร์จำนวนมากที่เขียนโดยนักเขียนที่ไม่มีชื่อเสียงหลากหลายและตามกฎแล้ว การแสดงที่สำคัญที่สุดที่เกิดขึ้นบนเวทีละครเป็นเวลาหลายปีคือโศกนาฏกรรมของตอลสตอยเรื่อง "The Death of Ivan the Terrible" การแสดงเหล่านี้ยืนยันถึงแนวคิดเรื่องความยิ่งใหญ่และภูมิปัญญาของอำนาจกษัตริย์และแม้แต่โศกนาฏกรรมของตอลสตอยที่เต็มไปด้วยความเกลียดชังเผด็จการก็ไม่มีข้อยกเว้น โรงละครแห่งนี้แสดงภาพโศกนาฏกรรมของกษัตริย์ผู้น่าเกรงขาม โดยเชิดชูภูมิปัญญาของผู้ปกครองและเรียกร้องให้เคารพอำนาจของกษัตริย์

ศิลปะการแสดงของ Alexandrinka พัฒนาไปในทิศทางของการปรับปรุงเทคนิคภายนอกเป็นหลักและเสริมสร้างเทคนิคการนำเสนอ ความเชี่ยวชาญอย่างเป็นทางการถึงระดับที่สูงมากในผลงานของศิลปิน ปรมาจารย์แห่งการแอบอ้างบุคคลอื่นที่ยิ่งใหญ่ที่สุดซึ่งเชี่ยวชาญเทคนิคการแสดงอย่างเชี่ยวชาญคือ V. Samoilov ผู้สร้างภาพที่เหมือนจริงและแสดงบนเวที ละครในยุคแห่งการปฏิรูปได้นำเนื้อหาใหม่ๆ ที่ทันสมัยมาสู่โรงละคร ซึ่งบังคับให้เราต้องพิจารณาเทคนิคการแสดงแบบดั้งเดิมอีกครั้ง และก่อให้เกิดความปรารถนาที่จะนำเสนอภาพที่เฉพาะเจาะจงที่มีลักษณะเฉพาะตัวในชีวิตประจำวัน นักแสดงที่ประสบความสำเร็จในเรื่องนี้ประสบความสำเร็จอย่างมากกับสาธารณชน

อย่างไรก็ตาม ศิลปินที่มีความสามารถด้านละครที่ยอดเยี่ยมและจริงใจ ซึ่งมีธีมทางสังคมที่ลึกซึ้ง กลับคับแคบบนเวทีอเล็กซานดรินสกี้ นักแสดงที่มีพรสวรรค์คล้ายกันกับผลงานของ Shchepkin หรือ Sadovsky ไม่ได้อยู่บนเวทีของโรงละครเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ตำแหน่งของพวกเขายากลำบาก ไม่มั่นคง และการปรากฏตัวของพวกเขาในคณะไม่เป็นที่พึงปรารถนา ผลงานของนักแสดง - มนุษยนิยมที่มีความสามารถมากที่สุด A. Martynov เป็นข้อยกเว้นสำหรับ Alexandrinka ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา เขาอยู่คนเดียวในโรงละคร ความตายก่อนวัยอันควรพรากเขาไปด้วยพลังสร้างสรรค์อันรุ่งโรจน์ P. Vasiliev ซึ่งใกล้ชิดกับ Martynov ในการดูแลงานศิลปะของเขา ในที่สุดก็ถูกบังคับให้ออกจากเวทีของเมืองหลวง นักแสดงที่ไม่กระตือรือร้นกับปัญหาสังคมและปรัชญาในยุคของเรามากเกินไปพบว่าตนเองใกล้ชิดกับโรงละครมากขึ้น

อเล็กซานเดอร์ มาร์ตีนอฟ (ค.ศ. 1816-1860) ในเพลงเขามีบทบาทมากมาย เขามีทุกสิ่งที่จำเป็นในการทำความเข้าใจความลับของแนวเพลงนี้: ละครเพลง ความเบา ความเป็นพลาสติก และความสามารถในการเต้นอย่างยอดเยี่ยม ต้องขอบคุณเขาในตัวละครเพลงที่ว่างเปล่าบางครั้งผู้ชมได้เห็นการเต้นของหัวใจมนุษย์ที่มีชีวิตคุ้นเคยกับความทุกข์ยากและปัญหา นักแสดงทำให้ภาพลักษณ์ของนักเขียนบทละครลึกซึ้งยิ่งขึ้น

เขาประสบความสำเร็จอย่างมากในคอเมดีของ Moliere (Harpagon) Gogol มี Ikharev, Khlestakov ราสปลิเยฟ. Mokshin ใน "The Bachelor" ของ Turgenev เขาเล่นละครเกือบทั้งหมดของ Ostrovsky ที่จัดแสดงในโรงละครในช่วงชีวิตของเขา (จุดสุดยอดคือ Tikhon ใน "The Thunderstorm") สำหรับเขาจำเป็นต้องค้นพบจุดเริ่มต้นที่ดีและเป็นบวกในตัวบุคคล เขาเล่นเป็นตัวละครเชิงลบได้อย่างสมบูรณ์แบบ แต่ภายในแล้วตัวละครเหล่านี้กลับแปลกสำหรับเขา

พาเวล วาซิลีฟ (2375-2422) น้องชายของนักแสดง Maly Sergei Vasiliev เขาเป็นหนึ่งในไม่กี่คนและเป็นผู้สืบทอดที่มีความสามารถมากที่สุดในผลงานของนักแสดงผู้ยิ่งใหญ่ Martynov ใน Alexandrinka เขาเข้าร่วมคณะละครในปีที่ Martynov เสียชีวิตและหลายบทบาทของเขาถูกโอนไปให้เขา ความจริงใจของการทำซ้ำประเภทของสังคมรัสเซียความเรียบง่ายและความเป็นธรรมชาติของการประหารชีวิตความเห็นอกเห็นใจต่อคนทั่วไปเป็นพื้นฐานของความคิดสร้างสรรค์ของ Vasiliev มาโดยตลอด

เพลง: Osip, Kochkarev จาก Gogol; Rasplyuev ใน "งานแต่งงานของ Krechinsky"; Kuzovkin ใน "Nahlebnik" ความสำเร็จที่ยิ่งใหญ่ที่สุดคือในบทละครของ Ostrovsky (มากกว่ายี่สิบบทบาท): Podkhalyuzin ใน "My People", Krasnov ใน "Sin and Misfortune"

ประสบความสำเร็จกับผู้ชม แต่มันเป็นเรื่องยากในโรงละคร: บทบาทถูกถอดออก แทนที่ด้วยนักเรียน และจำนวนการแสดงมีจำกัด พ.ศ. 2407 (ค.ศ. 1864) - ออกจากโรงละคร - ความไม่พอใจของผู้ชมและนักวิจารณ์ - หนึ่งปีต่อมาเขาก็ได้รับการยอมรับเข้าสู่คณะอีกครั้ง พ.ศ. 2417 (ค.ศ. 1874) – หายไปอย่างสิ้นเชิง เริ่มแสดงบนเวทีของโรงละครเอกชนมอสโก พ.ศ. 2418 – ท่องเที่ยวในจังหวัดที่มีชื่อเสียง ฟามูซอฟ. โรค.

วาซิลี ซาโมอิลอฟ (2356-2430) หนึ่งในศิลปินที่ฉลาดและมีเอกลักษณ์ที่สุดของ Alexandrinka ความคิดสร้างสรรค์ของเขาในแบบของตัวเอง หลักการทางศิลปะและความทะเยอทะยานทางอุดมการณ์ส่วนใหญ่ถูกต่อต้านโดยศิลปะของ Martynov และ Vasiliev หนึ่งในนักแสดงที่มีความสามารถมากที่สุดในโรงเรียนการแสดง บ่อยครั้งที่เขาดำเนินการจากลักษณะภายนอกของภาพอย่างไรก็ตามถ่ายทอดลักษณะของพฤติกรรมและคำพูดได้อย่างซื่อสัตย์และแม่นยำอย่างน่าประหลาดใจสร้างภาพบทบาทที่เชื่อถือได้และเป็นจริง

แสดงความสนใจอย่างมากในบทบาทในละครประวัติศาสตร์ บทบาทที่ดีที่สุดของประเภทนี้คือบทบาทของ Richelieu ในบทละครของนักเขียนหลายคน Vaudeville เรื่องประโลมโลกถูกครอบครอง สถานที่ที่ดีในละครของเขา แต่ศิลปินก็ไม่ล้าหลังเวลาของเขา ในช่วงทศวรรษที่ 50-60 เขาแสดงละครที่ตอบสนองต่อหัวข้อประจำวัน จริงอยู่ที่เขาไม่ชอบเล่นในบทละครของ Ostrovsky แต่เล่นในบทละครของ Dyachenko

ข้อจำกัดที่รู้จักกันดีของความสมจริงของ Samoilov นั้นชัดเจนที่สุดในละครสมจริงของรัสเซียและคลาสสิกของยุโรป Krechinsky, Shylock, เลียร์, แฮมเล็ต ในหลายบทบาทของละครคลาสสิก Samoilov ค้นพบและถ่ายทอดอย่างเชี่ยวชาญ คุณสมบัติลักษณะรูปภาพเป็นความจริงของกรณีใดกรณีหนึ่ง เป็นข้อเท็จจริงที่แยกจากกัน และไม่ใช่ภาพรวมที่ลึกซึ้งของแก่นแท้ทั้งหมดของภาพ ในขณะเดียวกันก็สามารถค้นหาคุณสมบัติที่แม่นยำและเชื่อถือได้ รูปร่างพลังการสังเกตที่น่าทึ่งของ Samoilov ทำให้เขาเป็นนักแสดงที่ยอดเยี่ยมในการรับบทเป็นฮีโร่ "ฆราวาส" บนเวทีของโรงละคร Alexandrinsky Samoilov เป็นผู้กำกับที่ยอดเยี่ยมในบทบาทของเขาพร้อมความรู้สึกที่ยอดเยี่ยมบนเวที ความเป็นมืออาชีพระดับสูงของเขายกระดับการแสดงที่โรงละครอเล็กซานดรินสกี้

ละครและละครในยุค 80-90 ของศตวรรษที่ 19หลังจากการลอบสังหาร Alexander II โดย Narodnaya Volya เมื่อวันที่ 1 มีนาคม พ.ศ. 2424 ช่วงเวลาแห่งปฏิกิริยาก็เริ่มต้นขึ้นซึ่งส่งผลต่อโรงละครด้วย การเซ็นเซอร์และผู้อำนวยการโรงละครอิมพีเรียลสร้างอุปสรรคทุกประเภทต่อการปรากฏตัวของชื่อของ Ostrovsky, Sukhovo-Kobylin และ Leo Tolstoy บนโปสเตอร์ ชีวิตการแสดงละครในครั้งนี้เผยให้เห็นการต่อสู้ระหว่างกระแสที่ขัดแย้งกัน การแสดงที่กล้าหาญและโรแมนติกจัดแสดงบนเวทีของโรงละคร Maly ในผลงานของนักแสดงที่มีพรสวรรค์ที่สุดที่พวกเขาฟัง หัวข้อทางแพ่ง- ทั้ง Maly และ Alexandrinka มาที่กาแล็กซีของนักแสดงที่ยอดเยี่ยมที่ลงไปในประวัติศาสตร์ศิลปะบนเวทีรัสเซีย นอกจากนี้ระดับศิลปะของละครยังลดลงอย่างมีนัยสำคัญซึ่งนำไปสู่วิกฤตในโรงละครที่เกี่ยวข้องกับการเกิดขึ้นของผู้ชมใหม่ที่มีรสนิยมและศีลธรรมของตนเอง

บทละครฝรั่งเศสที่ปรับให้เข้ากับประเพณีของรัสเซีย โดยส่วนใหญ่เป็นละครตลกของ Labiche และ Sardou กำลังแพร่หลาย นักเขียนบทละครที่มีผลงานมากที่สุด ได้แก่ V. Krylov, I. Shpazhinsky, P. Nevezhin, N. Solovyov ผู้เขียนเหล่านี้เต็มใจที่จะสัมผัสหัวข้อยอดนิยมใหม่ ๆ บางครั้งถึงกับกดดันและกดดันประเด็นทางสังคม แต่พวกเขาทำมันอย่างเผินๆ โดยเล่นกับความสนใจของผู้ชมในสิ่งที่เกิดขึ้น ประการแรกผู้เขียนบทละครเหล่านี้มุ่งหวังที่จะให้ความบันเทิง น่าประทับใจทางสายตา และ "เหมือนอยู่บนเวที" ในผลงานของพวกเขา เป็นผลให้โรงละครพบว่าตัวเองอยู่ห่างจากขบวนการวรรณกรรมทั่วไป ธีมและคำถามใหม่ที่วรรณกรรมรัสเซียมีชีวิตได้รับเพียงการสะท้อนสีซีดบนเวทีเท่านั้น Chekhov, Tolstoy ละครต่างประเทศสมัยใหม่เป็นแขกรับเชิญที่หายากบนเวทีโรงละครของจักรวรรดิ

โรงละครมาลี.ในช่วงทศวรรษที่ 80-90 Maly กำลังเผชิญกับช่วงเวลาที่ยากลำบากและเป็นที่ถกเถียงกันมากที่สุดช่วงหนึ่งในประวัติศาสตร์ ความอุดมสมบูรณ์ในละครของโรงละครที่มีการเล่นเพื่อความบันเทิงที่ว่างเปล่าและอิงตามเทมเพลตบางครั้งส่งผลให้ระดับศิลปะการแสดงโดยทั่วไปลดลงและการเกิดขึ้นของความคิดโบราณและเทคนิคการแสดง การเซ็นเซอร์ในทุกวิถีทางทำให้บทละครสมัยใหม่ที่ดีที่สุดไม่สามารถเข้าสู่เวทีละครได้ ด้วยความยากลำบากอย่างยิ่ง จึงเป็นไปได้ที่จะได้รับอนุญาตให้แสดงละครโดย Sukhovo-Kobylin ซึ่งจัดพิมพ์ภายใต้ชื่อ “Olived Time” (82), L. Tolstoy – “The Fruits of Enlightenment” (91) และ “The Power of Darkness” " (95) ภายใต้เงื่อนไขเหล่านี้ ความคลาสสิกจะกลายเป็นพื้นฐานสำหรับความคิดสร้างสรรค์ของศิลปินที่ยิ่งใหญ่ที่สุด โปรดักชั่นละครโดย Schiller, Shakespeare, Lope, Hugo กลายเป็นเหตุการณ์ในชีวิตการแสดงละครของมอสโก การผลิตครั้งแรกของ Ibsen บนเวที Maly มีอายุย้อนกลับไปในช่วงต้นทศวรรษที่ 90 แต่โดยทั่วไปแล้ว มาลียังตามหลังคณะละครอื่นๆ ที่เกิดขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 90 อย่างมากในการดึงดูดละครตะวันตกเรื่องใหม่ แทนที่จะเป็น Hauptmann, Ibsen, Zola, Sudermann, Bjornson, Maeterlinck บทละครของ Ogier, Dumas และ Paleron มักใช้บ่อยกว่ามาก

ในยุค 90 ธีมฮีโร่โรแมนติกจางหายไปบ้าง ยุคนี้ก่อให้เกิดปัญหาใหม่สำหรับโรงละครที่ต้องแก้ไขปัญหาทางศิลปะใหม่ ในศิลปะการแสดง มีแนวโน้มที่จะมีจิตวิทยาเชิงลึกเกี่ยวกับภาพและตัวละครบนเวที

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 19 คณะ Maly อุดมไปด้วยนักแสดงที่มีความสามารถเป็นพิเศษซึ่งนำความรุ่งโรจน์มาสู่โรงละครแห่งนี้และงานศิลปะรัสเซียทั้งหมด ยังคงมีนักแสดงอยู่บนเวทีซึ่งงานเริ่มต้นภายใต้อิทธิพลโดยตรงของ Shchepkin และในขณะเดียวกันนักแสดงรุ่นใหม่ก็เติบโตขึ้นมาซึ่งมีพรสวรรค์เกิดขึ้นจากการแสดงละครของ Ostrovsky และพัฒนาประเพณีที่ดีที่สุดของโรงเรียนการแสดง - Shchepkin , โมชาลอฟ, พรอฟ ซาดอฟสกี้.

กลีเคเรีย เฟโดโตวา (2389-2468) นักศึกษาซามารีน่า. พ.ศ. 2406 – เข้าร่วมคณะ ในช่วงปลายยุค 60 เธอเป็นนักแสดงนำ Ostrovsky เขียน Snow Maiden และ Vasilisa Melentyev ให้เธอ Katerina ใน "The Thunderstorm", Kruchinina ใน "Guilty Without Guilt"; Lydia Cheboksarova และแม่ของเธอใน "Mad Money", Murzavetskaya ใน "Wolves and Sheep"

เธอมีความมั่งคั่งและความเก่งกาจของพรสวรรค์ของ Fedotova เทคโนโลยีสูงสุดเกมและเสน่ห์ของความรู้สึกจริงใจและจริงใจของเธอทำให้เธอเป็นหนึ่งในนักแสดงที่โดดเด่นที่สุดของตัวละครของเช็คสเปียร์ (Catarina, Lady Macbeth, Volumnia ใน Coriolanus) เธอยังทำงานสอนซึ่งเธอไม่ได้หยุดแม้หลังจากที่เธอออกจากโรงละครเนื่องจากอาการป่วยในปี 2448 เธอให้ความช่วยเหลือและสนับสนุน Lensky และ Stanislavsky อย่างมากในระหว่างกิจกรรมของเขาใน Society of Art and Literature

มาเรีย เออร์โมโลวา (1853-1928) เธอเป็นไอดอลศิลปินที่รวบรวมสิ่งล้ำค่าที่สุดในผลงานของเธอมาโดยตลอด ความฝันอันสดใสและความหวัง ในช่วงหลายปีแห่งปฏิกิริยา พลังอันน่าเศร้าของงานศิลปะของเธอทำให้หัวใจของคนรุ่นราวคราวเดียวกันตกตะลึง และสร้างแรงบันดาลใจให้เธอกล้าแสดงออกถึงความยิ่งใหญ่และความงดงามของความสำเร็จของเธอ

พ.ศ. 2413 (ค.ศ. 1870) – ในงานแสดงผลประโยชน์ของ Medvedeva “Emilia Galotti” แทนที่จะเป็น Fedotova ที่ป่วย ในช่วงปีแรกเขาไม่พบละครของเขา พ.ศ. 2416 (ค.ศ. 1873) – คาเทรินาในภาพยนตร์เรื่อง “พายุฝนฟ้าคะนอง” ลอเรนเซีย (“น้ำพุแกะ”) ธีมที่กล้าหาญ การเรียกร้องให้ต่อสู้ เพื่อเสียสละความสุขส่วนตัวในนามของเป้าหมายอันยิ่งใหญ่ กลายเป็นธีมหลักในงานของ Ermolova การแสดงหลักของเธอคือผลงานคลาสสิกของยุโรปตะวันตก (Estrella ใน The Star of Seville, Maria Stuart, Joan of Arc ใน The Maid of Orleans, Judith ใน Uriel Acosta, Doña Sol ใน Hernani) ต้องใช้ความพยายามอย่างมากในการขออนุญาตแสดงละครเวที ซึ่งท้ายที่สุดก็ได้ขยายการแสดงละครของมาลีออกไป

มีหลายบทบาทในบทละครของ Ostrovsky (Negin, Tugin, Kruchinin) เลดี้แมคเบธและบทบาทอื่นๆ ของเช็คสเปียร์

พ.ศ. 2450 (ค.ศ. 1907) – ออกจากโรงละคร แต่กลับมาในอีกหนึ่งปีต่อมาตามคำขอของ Lensky

Ermolova เป็นนักแสดงคนแรกที่ได้รับรางวัลระดับสูง ศิลปินประชาชนสาธารณรัฐ (1920)

Alexander Lensky (1847-1908) - นักแสดง, ผู้กำกับ, นักทฤษฎีการแสดงที่มีความคิดสร้างสรรค์ที่โดดเด่น ปริญญาโทสาขาการเปลี่ยนแปลงภายในและภายนอก ความสมบูรณ์ของการออกแบบภายนอกของบทบาท ความสง่างาม ความนุ่มนวล และเนื้อร้องของการแสดงทำให้ภาพลักษณ์บนเวทีของ Lensky โดดเด่น อิทธิพลอันยิ่งใหญ่ - Shumsky และ Samoilov เริ่มที่ต่างจังหวัด. 2419 ​​- ใน Maly (แฮมเล็ต, เบเนดิกต์ใน Ado มาก, Paratov, ดอนฮวน, Glumov, Dulchin, Velikatov, Lynyaev, Uriel Acosta, Krugosvetov ในผลไม้แห่งการตรัสรู้) จุดสุดยอดด้านความคิดสร้างสรรค์คือบิชอป นิโคลัสในภาพยนตร์ของอิบเซ่นเรื่อง “The Struggle for the Throne”

พ.ศ. 2441-2446 - เป็นผู้นำคณะหนุ่มมาลี เขาต่อสู้กับละครที่หยาบคายและไร้ศีลธรรมจัดแสดง Ostrovsky, Gogol, Shakespeare, Beaumarchais มุ่งมั่นที่จะยืนยันความสำคัญของผู้กำกับในการสร้างการแสดง มุ่งมั่นเพื่อวงดนตรี ความสมบูรณ์ของการรวบรวมความหมายทางอุดมการณ์ของบทละคร การค้นหาของเขาในฐานะผู้กำกับและนักแสดงนั้นใกล้เคียงกับกิจกรรมของ Moscow Art Theatre ซึ่งเกิดขึ้นในปี พ.ศ. 2441 มาก งานสร้างสรรค์ Stanislavsky และ Nemirovich-Danchenko

มิคาอิล ซาดอฟสกี้ (2390-2453) “ ตามมรดก” - หลายบทบาทของพ่อ เมื่อสืบทอดสิ่งสำคัญ - ความรู้สึกของความจริงบนเวทีเขาจึงกลายเป็นผู้สืบทอดต่อประเพณีของ "นักแสดงคนแรก" ของโรงละคร Ostrovsky (Baraboshev ใน "The Truth is Good", Apollo Murzavetsky ใน "Wolves and Sheep", Schastlivtsev , Dergachev ใน "The Last Victim", Meluzov) คเลสตาคอฟ. ปีเตอร์ในพลังแห่งความมืด เขาแปลบทละครตะวันตกและเขียนด้วยจิตวิญญาณของ "โรงเรียนธรรมชาติ"

โอลกา ซาดอฟสกายา (ลาซาเรวา) (2393-2462) สิบปีใน "แวดวงศิลปะ" ภายใต้การนำของ Ostrovsky พ.ศ. 2413 (ค.ศ. 1870) - เปิดตัวในมาลี แต่ได้รับการยอมรับให้เข้าร่วมคณะในปี พ.ศ. 2424 สีบนเวทีหลักคือคำว่าการเปลี่ยนแปลงภายในความเป็นพลาสติกของมือ นักเขียนบทละครคนโปรดของฉันคือ Ostrovsky (Domna Panteleevna, Galchikha, Kabanikha, Ulita ใน "The Forest", Glafira Firsovna) Matryona ใน "พลังแห่งความมืด" ผู้ปรุงอาหารใน "ผลไม้แห่งการตรัสรู้" เธอเล่นเยอะมากโดยไม่ต้องเรียนหนังสือ นักแสดงหญิงที่มีพรสวรรค์ที่สุด เป็นคนงานที่หายาก ทุ่มเทให้กับงานศิลปะอย่างไม่เห็นแก่ตัว

อเล็กซานเดอร์ ยูซิน-ซุมบาตอฟ (2400-2470) ในมาลีตั้งแต่ปี พ.ศ. 2425 ไม่เพียงแต่นักแสดงเท่านั้น แต่ยังเป็นผู้กำกับ นักเขียนบทละคร นักทฤษฎีศิลปะการแสดง ครู ผู้จัดงานละครอีกด้วย เขาหยิบยกวิทยานิพนธ์เกี่ยวกับการปรับปรุงอย่างต่อเนื่องของศิลปิน นักแสดงโรแมนติกประเภทหนึ่งที่มีอารมณ์การแสดงที่สดใส แต่ไม่เป็นธรรมชาติ ในฐานะนักแสดงที่มีวัฒนธรรมและความเฉลียวฉลาดสูง เขาประสบความสำเร็จในการเจาะลึกเข้าไปในแก่นแท้ทางสังคมและศิลปะของภาพ

ใน Maly เขาเปิดตัวในบทบาทของ Chatsky วีรบุรุษแห่ง Hugo, Schiller, Shakespeare, Lope, Gogol, Ostrovsky ไม่ว่าเขาจะเล่นอะไรก็ตาม ดูเหมือนว่านี่คือบทบาทหลักของเขา หลังจากเข้ารับตำแหน่งผู้จัดการโรงละคร Maly ในปี 1909 Yuzhin ยืนหยัดเป็นหัวหน้าจนถึงวาระสุดท้ายของชีวิตโดยดำรงตำแหน่งประธานคณะกรรมการที่ได้รับเลือกประธานคณะกรรมการผู้อำนวยการ แต่เพียงผู้เดียวและในช่วงบั้นปลายชีวิตของเขา ผู้อำนวยการกิตติมศักดิ์ของโรงละครมาลี

โรงละครอเล็กซานดรินสกี้ปฏิกิริยาทางการเมืองที่ทวีความรุนแรงขึ้นหลังจากการลอบสังหารอเล็กซานเดอร์ที่ 2 ก็ส่งผลกระทบต่อชะตากรรมของอเล็กซานดรินกาเช่นกัน ความใกล้ชิดของโรงละครถึงลานบ้านกิจวัตรประจำวันของฝ่ายบริหารนำไปสู่ความจริงที่ว่า Alexandrinka อยู่ห่างไกลจากแนวคิดใหม่ในยุคนั้นห่างจากการพัฒนา วรรณกรรมสมัยใหม่- ตำแหน่งผู้อำนวยการโรงละครอิมพีเรียลจัดขึ้นตั้งแต่ปี พ.ศ. 2424 ถึง พ.ศ. 2442 โดย Vsevolozhsky ซึ่งห่างไกลจากการเป็นหนึ่งในผู้ชี้ขาดที่เลวร้ายที่สุดของชะตากรรมทางการแสดงละคร แต่ความเห็นอกเห็นใจทั้งหมดของเขามอบให้กับโอเปร่าและบัลเล่ต์ ละครของโรงละครเต็มไปด้วยบทละครแบบสุ่มจำนวนมาก ซึ่งมักจะใช้เวลาแสดงไม่เกินสองครั้ง ไม่มีบทละครที่ชัดเจนในโรงละคร ความคลาสสิกยังคงดำเนินต่อไปแต่ บทละครที่ดีที่สุดนักเขียนบทละครตะวันตกและรัสเซียสมัยใหม่เข้าสู่เวที Alexandrinsky ด้วยความยากลำบากอย่างยิ่ง การออกแบบการแสดงอยู่ในระดับต่ำมาก ฝ่ายบริหารไม่ได้ให้เงินสำหรับการอัปเดตเครื่องแต่งกายหรือสร้างฉากใหม่ เราต้องใช้อันเก่าซึ่งไม่สอดคล้องกับเวลาและสถานที่ในการเล่นเสมอไป

ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา Alexandrinka ยังเป็นปรากฏการณ์สำคัญในชีวิตศิลปะของรัสเซีย เขาเป็นหนี้สิ่งนี้ นักแสดงที่ยอดเยี่ยมที่เข้ามาในคณะในยุค 70-80 - Savina, Davydov, Varlamov ในปี พ.ศ. 2424 - สเตรเปโตวา งานของพวกเขาเป็นยุคทั้งหมดในประวัติศาสตร์ของโรงละครรัสเซีย ศิลปะของพวกเขาเสริมสร้างความสมจริงบนเวทีด้วยวิธีการใหม่ๆ และกลายเป็นพื้นฐานสำหรับความสำเร็จของโรงละครสมัยใหม่

โปลินา สเตรเปโตวา (1850-1903) ที่สุดชีวิตบนเวที - ละครประจำจังหวัด เธอไม่มีความงาม รูปร่างภายนอกที่สดใส แต่มีดวงตาที่แสดงออกอย่างสวยงาม เสียงอกที่เปี่ยมด้วยจิตวิญญาณอย่างน่าอัศจรรย์ พรสวรรค์โดยธรรมชาติ และทักษะ บทบาทมากมายของเธอรวมถึงวีรสตรีของชิลเลอร์, โศกนาฏกรรมของเช็คสเปียร์, นีน่าใน "Masquerade" แต่ชื่อเสียงระดับชาติของเธออยู่ที่ภาพลักษณ์ของผู้หญิงรัสเซียธรรมดา ๆ (Lizaveta ใน "Bitter Fate" ของ Pisemsky, Katerina และ Vasilisa Melentyevna ในละครของ Ostrovsky) จากปี 1881 – ใน Alexandrinka (Tugina, Sarah ใน “Ivanovo”) Savina เจ้าของโรงละครที่ไม่มีการแบ่งแยกมองว่าเธอเป็นคู่แข่งตัวฉกาจและต่อสู้อย่างสุดกำลังเพื่อรักษาลำดับความสำคัญของเธอ Ostrovsky ปกป้องเธอและเขียนบทละครเพื่อเธอโดยเฉพาะ ชัยชนะครั้งใหม่คือบทบาทของครูชินิน่า เธอเหนื่อยล้าจากการต่อสู้และออกจากเมืองอเล็กซานดรินกา - จังหวัด - ในเมืองหลวงบนเวทีส่วนตัว (Matryona ใน "พลังแห่งความมืด") เกือบก่อนที่เธอจะเสียชีวิตเธอก็ได้รับการยอมรับเข้าสู่ Alexandrinka อีกครั้งในบทบาทของหญิงชราที่ตลกขบขัน เธอไม่ประสบความสำเร็จในบทบาทเหล่านี้และหลังจากแสดงหลายครั้งแล้วเธอก็แยกทางกับเวทีจักรวรรดิครั้งแล้วครั้งเล่า

มาเรีย ซาวีนา (1854-1915) เธอเริ่มต้นในต่างจังหวัด (บทบาทตลกของสาวซนในเพลง) พ.ศ. 2417 (ค.ศ. 1874) – เข้ารับการรักษาที่อเล็กซานดรินกา ความนิยมมีการเติบโต พัฒนาทักษะของเขาอย่างต่อเนื่อง แก่นเรื่องของความเป็นอิสระภายในการพัฒนาตัวละคร ออสตรอฟสกี้ (Polyxena ใน Pravda, Varya ใน Savage) ขั้นตอนในการพัฒนาทางศิลปะของเธอคือ Verochka ใน "A Month in the Village" ในช่วงทศวรรษที่ 80-90 เขาสร้างภาพลักษณ์แห่งความทันสมัย ผู้หญิงฆราวาส- เขามีความลับของความพูดน้อยขี้เหนียวมากและในขณะเดียวกันก็มีคำอธิบายตัวละครที่ละเอียดถี่ถ้วน นักวิจารณ์สังเกตเห็นความรุนแรงในงานของเธอ ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ ความสำเร็จสูงสุดของเธอคือ Natalya Petrovna ใน A Month in the Country และ Akulina ใน The Power of Darkness แต่บทบาทดังกล่าวเป็นข้อยกเว้น ละครที่จริงจังไม่สามารถแทนที่ละคร "ร้านเสริมสวย" ตามปกติจากละครของ Savina ได้ อนาคตเป็นของโรงละครที่มีธีมสมัยใหม่ที่น่าตื่นเต้นรวมถึงละครของเชคอฟซึ่งนักแสดงไม่ได้รับการยอมรับ อนาคตนี้เป็นของ Komissarzhevskaya และ Moscow Art Theatre อย่างไรก็ตาม งานศิลปะของ Savina เป็นหนึ่งในหน้าที่สว่างที่สุดในประวัติศาสตร์ของโรงละครสมจริงของรัสเซีย

วลาดิมีร์ ดาวีดอฟ (อีวาน โกเรลอฟ) (2392-2468) หนึ่งในตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของศิลปะสมจริงของรัสเซียที่พัฒนาประเพณีของโรงเรียน Shchepkin Ostrovsky, Leo Tolstoy, Turgenev, Chekhov ชื่นชมเขา เริ่มที่ต่างจังหวัด. ในปี 1880 ด้วยการยืนกรานของ Savina ซึ่งเล่นร่วมกับเขาให้กับ Medvedev จนถึงปี 1874 เขาจึงเข้าสู่ Alexandrinka

ช่วงความคิดสร้างสรรค์ที่กว้างมาก (ตัวอย่างเช่นใน "ผู้ตรวจราชการ" เขาเล่น 7 บทบาท หนึ่งในนั้นคือ Poshlepkina เป็นผู้หญิง) พรสวรรค์ดั้งเดิม อารมณ์ภายในที่ยอดเยี่ยม และศิลปินที่มีความคิดที่พัฒนางานศิลปะของเขา ซึ่งเป็นศัตรูของรูปแบบการแสดงละคร บทบาทที่ดีที่สุดในละครคลาสสิกของรัสเซีย ได้แก่ Famusov, Gorodnichy, Podkalesin, Kochkarev, Rasplyuev, Mamaev, Kuzovkin, Moshkin (“ The Bachelor”)

ด้วยงานของเขาเขาได้สานต่อประเพณีของ Martynov จ่ายส่วยความเป็นมืออาชีพที่ชาญฉลาดของ Samoilov และพัฒนาความสมจริงบนเวทีของ Shchepkin และ Sadovsky การวิเคราะห์ทางจิตวิทยาที่ละเอียดอ่อนและลึกซึ้ง การขัดเกลาทักษะและแรงบันดาลใจ เขาฝึกฝนนักแสดงละครชาวรัสเซียมากกว่าหนึ่งรุ่น

คอนสแตนติน วาร์ลามอฟ (2391-2458) พ.ศ. 2418 (ค.ศ. 1875) – ถึงอเล็กซานดรินกา เสียงที่ไม่ธรรมดา จินตนาการที่น่าอัศจรรย์ใจ กษัตริย์แห่งโวเดอวิลล์ แต่ความสามารถของเขาได้รับการเปิดเผยอย่างเต็มที่ที่สุดในคลาสสิกของรัสเซีย: Ostrovsky - Tit Titych Bruskov ใน "Hard Days" และ "At Someone Else's Feast a Hangover", Akhov ใน "It's not all Shrovetide for the Cat", Kuroslepov ใน "Warm Heart" , Rusakov ใน "Not on Your Own Sleigh" ", Berendey (จุดสูงสุด) โกกอล - สตรอเบอร์รี่, Lyapkin-Tyapkin, Gorodnichy, Osip; Glov ใน "ผู้เล่น", Chichikov, Sobakevich; Stepan, Kochkarev, ไข่กวน Sukhovo-Kobylin - Muromsky ใน "งานแต่งงานของ Krechinsky", Varravin ใน "The Case" Bolshintsov ใน "หนึ่งเดือนในหมู่บ้าน" เชคอฟ - โซรินและชัมเรฟ; Lebedev ใน "Ivanov", Simeonov-Pishchik จัดแสดงเรื่องราว "The Reluctant Tragedian" - โดยเฉพาะสำหรับเขา ละครต่างประเทศ - 7 บทบาท บทบาทสุดท้าย- สกานาเรล โดย เมเยอร์โฮลด์ (1910)

สำหรับ Varlamov ไม่มีอะไรสำคัญเลยบนเวที ภาพแต่ละภาพของเขาได้รับการขัดเกลาและเสร็จสมบูรณ์ เขาเป็นนักแสดงตลกที่เก่งกาจและตลกขบขันเขามีรสนิยมทางศิลปะในอุดมคติ ความสามารถอันล้ำค่าของเขาคืออารมณ์ขัน ไม่น่าแปลกใจที่เขาถูกเรียกว่า "ราชาแห่งเสียงหัวเราะแห่งรัสเซีย"

N. G. Chernyshevsky (1828-1889) และ N. A. Dobrolyubov (1836-- 1861) มีอิทธิพลอย่างมากต่อการพัฒนาความคิดเชิงสุนทรียศาสตร์ในยุคนั้น ซึ่งยังคงสานต่อประเพณีของ Belinsky โดยก่อตั้ง "ทิศทาง Gogolian" ในวรรณคดีรัสเซีย ซึ่งเรียกว่า "วิกฤต"

นักเขียนบทละครพื้นบ้านอย่างแท้จริงเพียงคนเดียวที่ยังคงดำเนินต่อไป ทิศทางที่สำคัญวรรณกรรมรัสเซีย Dobrolyubov พิจารณา Ostrovsky ซึ่งเขาอุทิศผลงานสองบทความ - "The Dark Kingdom" (1859) และ "A Ray of Light in the Dark Kingdom" (1860) ซึ่งเขาวิเคราะห์ละครของ Ostrovsky จากมุมมองของมัน เนื้อหาทางสังคม นักวิจารณ์มองเห็นในตัวเธอว่า "ความเข้าใจอย่างลึกซึ้งเกี่ยวกับชีวิตชาวรัสเซียและความสามารถที่ดีในการพรรณนาแง่มุมที่สำคัญที่สุดของมันอย่างชัดเจนและชัดเจน" และถือว่า Ostrovsky เป็นทายาทโดยตรงและผู้สืบทอดของ Gogol

นักปฏิวัติพรรคเดโมแครต M. E. Saltykov-Shchedrin (พ.ศ. 2369-2432) ซึ่งทำหน้าที่เป็นนักเขียนร้อยแก้วนักประชาสัมพันธ์นักวิจารณ์วรรณกรรมและละครและนักเขียนบทละครก็มีอิทธิพลอย่างมากต่อโรงละครในยุคของเขาเช่นกัน ในบทความและผลงานศิลปะของเขา เขาได้ปกป้องบทบาททางสังคมและการศึกษาของศิลปะ โดยพัฒนาหลักการต่างๆ ความสมจริงเชิงวิพากษ์- เชื่อมโยงการวิเคราะห์งานศิลปะกับปัญหาสังคมและการเมืองของชีวิต

ผู้เขียนเรื่องเสียดสีเรื่อง “Provincial Sketches”, “The History of a City”, “Pompadours and Pompadours” และนวนิยายเรื่อง “Gentlemen Golovlevs” Saltykov-Shchedrin ยอมรับว่า “ฉันไม่เคยมีความรักเป็นพิเศษหรือมั่นใจอย่างยิ่งต่อ เวที." อย่างไรก็ตามเขากลายเป็นนักเขียนผลงานละครหลายเรื่อง

“ ความตายของปาซูคิน” (พ.ศ. 2400) เป็นสิ่งที่สำคัญที่สุด ผู้เขียนทำงานกับมันมาเป็นเวลานานโดยเปลี่ยนชื่อ ตามการเซ็นเซอร์ ละครเรื่องนี้แสดงให้เห็นถึง “ความเสื่อมโทรมทางศีลธรรมของสังคมโดยสมบูรณ์” ตรงกลางคือพ่อค้า Ivan Pazukhin และ Prokofy ลูกชายของเขา รูปภาพของพวกเขาสะท้อนให้เห็นถึงกระบวนการเปลี่ยนแปลงของพ่อค้าชาวรัสเซียรุ่นเก่าให้กลายเป็นนักธุรกิจชาวยุโรปยุคใหม่ ตัวละครที่อยู่ในละครเป็นสังคมของคนเสื่อมโทรมทางศีลธรรม: นายพล Lobastov ที่เกษียณแล้วซึ่งพยายามจะแต่งงานกับลูกสาวของเขากับ Pnzukhin ที่อายุน้อยกว่า; สมาชิกสภาแห่งรัฐ Furnachev ซึ่งอาชีพของเขาเริ่มต้นด้วยความจริงที่ว่าเขาปล้นแม่ของเขาเองขโมยเงินจากหน้าอกหลังจากการตายของพ่อของเขา "เพื่อที่แม่ของเขาจะไม่มีมรดกหลังจากเขา"; ผู้หมวด Zhivnovsky ที่เกษียณแล้วซึ่งอาศัยอยู่ในบ้านของ Pazukhin ถูกไล่ออกจากกรมทหารเพราะโกง แต่ไม่เคยเบื่อที่จะพูดถึงคุณธรรม ผู้หญิงที่หมกมุ่นอยู่กับความปรารถนาเดียว - เพื่อหาเงิน - ไม่มีอะไรดีไปกว่านี้แล้ว

ละครเรื่องนี้เห็นแสงสว่างจากเวทีเพียงสามสิบปีหลังจากเขียน ชะตากรรมเดียวกันนี้กำลังรอการเล่นอีกครั้งของ Saltykov-Shchedrin - "Shadows" ซึ่งไม่ได้ตีพิมพ์เลยในศตวรรษที่ 19

ใน “Shadows” นักเขียนบทละครได้กำกับการเสียดสีของเขาในโลกของระบบราชการ ละครเรื่องนี้แสดงให้เห็นเจ้าหน้าที่ระดับต่าง ๆ ตั้งแต่ผู้ดำเนินการ Svistikov ไปจนถึงรัฐมนตรีเจ้าชาย Tarakanov ซึ่งตัวเขาเองไม่ได้ปรากฏตัวบนเวที แต่มีส่วนร่วมในกิจกรรมทั้งหมดอย่างล่องหน สิ่งที่คนเหล่านี้มีเหมือนกันก็คือ พวกเขา “ไม่มาก... เป็นคนเลวทราม (พระเจ้าห้าม)... แต่... เป็นคนรอบคอบ!” แทนที่จะเป็น Tarakanov ที่ตกอยู่ในอาการวิกลจริต Klara กลับกลายเป็นเมียน้อยของกระทรวงโดยทำกำไรได้ใน "สถานที่ที่ร่ำรวย" การใช้ประโยชน์จากความใจง่ายไร้เดียงสาของ Bobyrev อย่างเป็นทางการซึ่งต้องทนทุกข์ทรมานในจังหวัดสำหรับ "ความคิดเห็นที่ไม่เห็นด้วย" ผู้อำนวยการแผนก Klaverov เกี่ยวข้องกับเขาในกลอุบายของเขา แต่มันซับซ้อนมากจน Bobyrev ไม่เข้าใจในทันทีว่าเขาคืออะไร เข้าร่วมใน และเมื่อเข้าใจก่อนอื่นในขณะที่เมาเขาเรียก Klaverov ว่าเป็นคนขี้โกงและเมื่อเขาสร่างเมาเขาก็เขียนจดหมายแสดงความเสียใจ การกระทำที่สกปรกถูกปกปิดด้วยคำพูดที่น่าสมเพชอันสูงส่ง ความปรารถนาเดียวของทุกคนคือการไต่เต้าในสายอาชีพไม่ว่าจะด้วยวิธีใดก็ตาม

Chernyshevsky ให้ความสำคัญกับผลงานของ Saltykov-Shchedrin เป็นอย่างมาก

หนึ่งในบุคคลสำคัญในแวดวงละครในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 คือ A. V. Sukhovo-Kobylin (1817-1903) ผู้แต่งบทละครสามเรื่อง ได้แก่ "Krechinsky's Wedding" "The Affair" และ "The Death of Tarelkin" ต้นฉบับของการพิมพ์ครั้งแรกมีคำบรรยาย: “เขียนจากชีวิตโดย Sukhovo-Kobylin” อย่างไรก็ตาม ข้อเท็จจริงที่แท้จริงใดๆ ที่ใช้เป็นพื้นฐานของโครงเรื่องได้รับการสรุปโดยนักเขียนบทละครในระดับของปรากฏการณ์ทั่วไป และความรุนแรงทางสังคมของภาพก็เพิ่มขึ้นจากการเล่นหนึ่งไปอีกเล่นหนึ่ง

Sukhovo-Kobylin เริ่มเขียน "Krechinsky's Wedding" ในวัยเด็ก แต่เขียนเสร็จในปี พ.ศ. 2397 ในเรือนจำ Tula ซึ่งเขาลงเอยด้วยการต้องสงสัยว่าฆาตกรรม Louise Simon-Dimanche ภรรยาสะใภ้ของเขา “งานแต่งงานของ Krechinsky” เป็นเรื่องราวของนักพนันและนักผจญภัยที่ตัดสินใจแก้ไขปัญหาทางการเงินด้วยการแต่งงานกับเจ้าสาวที่ร่ำรวย Lidochka Muromskaya แน่นอนว่ามีการศึกษาและฉลาด คนที่มีความสามารถ Krechinsky สร้างชุดค่าผสมหลายขั้นตอนอย่างถูกต้องและรอบคอบซึ่งส่งผลให้เขาจะเป็นเจ้าของสินสอดก้อนโต Krechinsky ไม่มีค่าใช้จ่ายใด ๆ ในการเกลี้ยกล่อม Lidochka ประจำจังหวัดและ Atueva ป้าใจแคบของเธอ เขายังเอาชนะชายชรามูรอมสกี้ด้วย อย่างไรก็ตามคดีนี้ยังคงพังทลายลงเนื่องจากเรื่องเล็ก ๆ น้อย ๆ เมื่อมองแวบแรก แต่โดยพื้นฐานแล้วทั้งชีวิตของผู้เล่นอยู่ในเรื่องเล็กนี้ โครงสร้างที่สร้างขึ้นจากการหลอกลวงพังทลายลง คนโกงที่แข็งแกร่งจะพ่ายแพ้โดยคนที่แข็งแกร่งกว่า ไม่ใช่เนลคินที่ซื่อสัตย์และธรรมดาอย่างไร้เดียงสา แต่เป็นเบ็คผู้ให้กู้เงินที่ทรงพลัง

การปะทะกันของ Muromskys กับ Krechinskys เป็นการปะทะกันของขุนนางปิตาธิปไตยกับการผจญภัยครั้งล่าสุดการปะทะกันของแรงกดดันพลังงานความเฉลียวฉลาดด้วยความไร้พลังและไม่สามารถป้องกันตัวเองได้ ในการต่อสู้ครั้งนี้ Krechinsky ที่มีความสามารถและมีความกระตือรือร้นกระตุ้นความเห็นอกเห็นใจไม่เพียงเพราะเขามีสติปัญญาและความหลงใหลเท่านั้น แต่ยังเป็นเพราะเขาไม่เห็นคุณค่าของเงินด้วยตัวมันเอง แต่ยังรวมถึงโอกาสที่จะเป็นผู้นำด้วย เกมใหญ่- ตัวเลขนี้เป็นเรื่องปกติและในเวลาเดียวกันก็มีเอกลักษณ์เฉพาะตัว ผู้เขียนสร้างภาพลักษณ์ของบุคคลพิเศษอย่างแท้จริงซึ่งความสามารถนี้ถูกนำมาใช้อย่างน่าสงสารในสังคมนี้ นี่คือละครของ Krechinsky

ในบทละครมีภาพของผู้เล่นอีกคนที่ไม่มีทั้งพรสวรรค์ของ Krechinsky หรือขนาดหรือความกล้าหาญของเขา - นี่คือ Rasplyuev เป็นคนไม่มีนัยสำคัญและขี้ขลาดเขายังเป็นผลผลิตของสังคมนี้และเหยื่อของมันด้วย

ไม่มีผู้ชนะในการต่อสู้ที่ยืดเยื้อในการเล่น Krechinsky ที่ถูกเปิดเผยถูกลบออกจากชีวิตและ Muromsky ซึ่งได้รับการช่วยเหลือจากการผจญภัยของเขาเริ่มต้นการเดินทางอันเจ็บปวดเพื่อค้นหาความยุติธรรมซึ่งก่อให้เกิดเนื้อหาของละครเรื่องที่สองของ Sukhovo-Kobylin เรื่อง "The Case" (1861) ซึ่งการกระทำถูกถ่ายโอนไปยัง สภาพแวดล้อมของเจ้าหน้าที่

พื้นฐานของเนื้อหาที่แท้จริงของบทละครคือ "กรณี" ของนักเขียนเองซึ่งได้เรียนรู้จากประสบการณ์ของเขาเองว่ากลไกที่เลวร้ายในการทำลายบุคคลและศักดิ์ศรีของเขาคือกลไกของการดำเนินคดีทางกฎหมายของรัสเซีย ระดับของลักษณะทั่วไปสามารถตัดสินได้จากรายชื่อตัวละครซึ่งแบ่งออกเป็นห้าประเภท: "ผู้เหนือกว่า", "ความแข็งแกร่ง", "ผู้อยู่ใต้บังคับบัญชา", "ไม่มีใครหรือบุคคลส่วนตัว" และตัวละครหนึ่งตัวคือทาส Tishka ในส่วนแยกต่างหากที่เรียกว่า “ไม่ใช่ใบหน้า” การทดสอบของ Muromsky ซึ่งอยู่ในหมวดหมู่ "โนบอดี้" ถือเป็นเนื้อหาของบทละครซึ่งการกระทำดังกล่าวเกิดขึ้น "ในห้องโถงและอพาร์ตเมนต์ของแผนกใดก็ตาม" ซึ่งแสดงถึงกลไกของระบบราชการทั้งหมดของรัสเซีย เมื่อปีนบันไดของแผนกจากล่างสุดขึ้นบนสุดโดยย้ายจากเจ้าหน้าที่คนหนึ่งไปยังอีกคนหนึ่ง Muromsky พบกับความเฉยเมยต่อชะตากรรมของมนุษย์และความเด็ดขาดในทุกที่

“ งานแต่งงานของ Krechinsky” สำหรับพลังการกล่าวหาทั้งหมดเป็นของแนวตลกในชีวิตประจำวัน ใน "The Case" ผู้เขียนได้ใช้เทคนิคการเสียดสีที่แปลกประหลาดโดยเฉพาะอย่างยิ่งในการแสดงลักษณะของ Varravin ซึ่งหายตัวไปภายใต้กอง หนังสือพิมพ์จึงพูดถึงความจริง “หันกลับมาค้นหาความจริง” ภาษาคำพังเพย ซึ่งทุกวลีมีความหมายหลายประการอย่างแท้จริง ภาพที่ระบบอัตโนมัติมีชัยเหนือความรู้สึกตามธรรมชาติของมนุษย์ การต่อต้านของการกระทำสองขอบเขต - บ้าน Muromsky และแผนกไม่เพียง แต่ในสาระสำคัญเท่านั้น แต่ยังรวมถึงลักษณะของการพรรณนาด้วย - ทั้งหมดนี้ทำให้ผลงานของ Sukhovo-Kobylin โดดเด่นในด้านละครในยุคนั้น

รูปแบบการเสียดสีนั้นคมชัดยิ่งขึ้นใน "The Death of the Plate on" (1869) โดยที่ผู้เขียนสร้างภาพการสอบสวนของตำรวจโดยอิงจากเนื้อหาของ "คดีเดียวกัน" โดยมองว่าเป็น "ตลก - ตลก”

จากละครทั้งสามเรื่องมีเพียง "งานแต่งงานของ Krechinsky" เท่านั้นที่เห็นแสงสว่างของเวทีทันทีหลังจากเขียน - เมื่อวันที่ 26 พฤศจิกายน พ.ศ. 2398 จัดแสดงที่โรงละคร Maly และตั้งแต่นั้นมาก็เข้าสู่ละครเวทีรัสเซียอย่างมั่นคง

ยาก สถานการณ์ทางการเมืองในประเทศได้กระตุ้นความสนใจในอดีตในการค้นหาอะนาล็อกเพื่ออธิบายกระบวนการสมัยใหม่

ผลงานที่สำคัญที่สุดในประเภทประวัติศาสตร์ถูกสร้างขึ้นโดย Alexey Konstantinovich Tolstoy (1817-1875) นักเขียนร้อยแก้ว กวี นักเสียดสี หนึ่งในนักเขียนที่เขียนโดยใช้นามแฝง Kozma Prutkov ไตรภาคของเขา—“The Death of Ivan the Terrible” (1864), “Tsar Fyodor Ioannovich” (1868) และ “Tsar Boris” (1870)—น่าสนใจเพราะผู้เขียนตีความบุคคลในประวัติศาสตร์ใหม่ แม้ว่าเขาจะปฏิบัติต่อประวัติศาสตร์อย่างอิสระก็ตาม ทำให้รัสเซียในอุดมคติ สมัยโบราณโดยเฉพาะโบยาร์ในยุคก่อนมอสโก ตำแหน่งที่เกี่ยวข้องกับประวัติศาสตร์นี้เป็นพื้นฐานสำหรับผู้เขียน เขาถือว่างานหลักของกวีในการแสดง "ความจริงของมนุษย์" และ "เขาไม่ผูกพันกับความจริงทางประวัติศาสตร์" ในผลงานของตอลสตอย คุณผสมผสานสารคดีเข้ากับนิยาย ไม่เพียงแต่ในบุคคลที่เกิดจากจินตนาการเท่านั้น แต่ยังรวมไปถึงสิ่งที่มีอยู่จริงด้วย ตัวอย่างเช่นในตัวละครของ Fyodor Ioannovich สิ่งที่สำคัญสำหรับนักเขียนบทละครไม่ใช่ความไม่สอดคล้องกันทางประวัติศาสตร์ของเขา แต่เป็นโศกนาฏกรรมของบุคคลที่มีคุณสมบัติทางศีลธรรมสูง มโนธรรม ความเมตตา ต้องเผชิญกับโลกที่โหดร้ายและผิดศีลธรรม ซึ่งคุณสมบัติเหล่านี้ไม่สามารถทำได้ ได้รับการสาธิต นักเขียนบทละครให้ความสำคัญกับจิตวิทยา กระบวนการภายใน ความขัดแย้งทั้งภายในตัวบุคคลและระหว่างเขากับสถานการณ์ ระหว่างทรัพย์สินส่วนตัวของเขากับภารกิจของผู้เผด็จการ ในการรักษาธีมของมนุษย์และอำนาจ ตอลสตอยตีความภาพของกษัตริย์ทั้งสามว่าเป็นภาพที่น่าสลดใจโดยเน้นย้ำถึงความหายนะทางประวัติศาสตร์ของพวกเขา

ด้วยการจองอนุญาตให้มีเพียง "The Death of Ivan the Terrible" เท่านั้นที่ได้รับอนุญาตบนเวที เป็นเวลาสามสิบปีที่ "ซาร์ฟีโอดอร์ไอโออันโนวิช" ของเขาไม่เห็นแสงสว่างจากเวทีเนื่องจากตามที่คณะกรรมการเซ็นเซอร์ระบุ "ภาพแห่งความอ่อนแอและความอ่อนแอที่ทำอะไรไม่ถูกของผู้ถือมงกุฎสามารถสร้างความประทับใจที่น่าทึ่งและไม่เอื้ออำนวย"

เหตุการณ์ที่สำคัญที่สุดในศิลปะการละครแห่งปลายศตวรรษคือการมาถึงของ Lev Nikolaevich Tolstoy (1828-1910) ที่โรงละคร

ความสัมพันธ์ของนักเขียนผู้ยิ่งใหญ่กับโรงละครนั้นซับซ้อน ในช่วงเริ่มต้นของกิจกรรมสร้างสรรค์เขาแสดงความสนใจอย่างมากในศิลปะการแสดงเขาเองก็มีส่วนร่วมในการผลิตมือสมัครเล่นและยังคิดบทละครหลายเรื่องซึ่งยังคงอยู่ในภาพร่าง ในช่วงปลายทศวรรษที่ 1850 Tolstoy รู้สึกทึ่งกับผลงานของ Ostrovsky ซึ่งเขาเรียกว่า ผลงานที่สร้างเสร็จของเขาสองชิ้นสำหรับละครเวทีมีอายุย้อนกลับไปในทศวรรษปี 1860: “The Infected Family” และ “The Nihilist” ละครทั้งสองเรื่องไม่ได้ผ่านเข้าสู่เวทีอาชีพ

จากนั้นตอลสตอยหยุดกิจกรรมการแสดงละครของเขาเป็นเวลายี่สิบปีในระหว่างนั้นมากกว่าหนึ่งครั้งทั้งในงานศิลปะและงานหนังสือพิมพ์เขาหันไปที่โรงละครซึ่งทำให้เขาโกรธเคืองด้วย "ความไม่เป็นธรรมชาติ" เขาถือว่าเวทีสมัยใหม่เป็น "ความสนุกที่ว่างเปล่าสำหรับคนเกียจคร้าน" แม้ว่าเขาจะเคารพในความคิดสร้างสรรค์ของนักแสดงแต่ละคนและช่วยสร้างโรงละครพื้นบ้านก็ตาม

ในช่วงกลางทศวรรษที่ 1880 ตอลสตอยหันมาสนใจละครอีกครั้งและเขียนบทละครสองเรื่องพร้อมกัน นี่เป็นช่วงเวลาแห่งการแสวงหาคุณธรรมอย่างเข้มข้นสำหรับนักเขียนผู้แตกแยกจากชั้นเรียนและรับตำแหน่งปรมาจารย์ชาวนา เขาเลือกประเภทวรรณกรรมที่เป็นกลางที่สุดเพื่อ “พูดบางสิ่งที่สำคัญสำหรับผู้คน เกี่ยวกับความสัมพันธ์ของมนุษย์กับพระเจ้า ต่อโลก ต่อทุกสิ่งที่เป็นนิรันดร์ ไม่มีที่สิ้นสุด”

เมื่อคุ้นเคยกับการแสดงตลกในช่วงเทศกาลพื้นบ้าน Tolstoy บอกกับ V.S. Serova:“ คุณรู้ไหมว่าฉันรู้สึกละอายใจและเจ็บปวดเมื่อมองดูความอับอายทั้งหมดนี้ ฉันสัญญากับตัวเองทันทีว่าจะดำเนินการสิ่งเล็กๆ น้อยๆ เพื่อการแสดงพื้นบ้านบนเวที” และแท้จริงแล้วในปี พ.ศ. 2429 ผู้เขียนได้นำเรื่องราว "How the Little Devil Redeemed a Crumb" มาเป็นภาพยนตร์ตลกเรื่อง "The First Distiller หรือ How the Little Devil Deserved a Crumb" เสริมสร้างแรงจูงใจที่สำคัญ แนะนำตัวละครใหม่และขยายวลีบางส่วน เข้าไปในฉากทั้งหมด ละครเรื่องนี้แสดงโดยโรงละครตลกของโรงงานเครื่องลายครามซึ่งตั้งอยู่ใกล้กับเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก แต่ไม่นานหลังจากการแสดงครั้งแรกก็ถูกเซ็นเซอร์ห้าม

พลังแห่งความมืด (พ.ศ. 2429) เดิมมีไว้สำหรับโรงละครพื้นบ้านด้วย ละครเรื่องนี้เขียนขึ้นจากเหตุการณ์จริงซึ่งอัยการของศาลแขวง Tula N.V. Davydov แนะนำให้รู้จักกับ Tolstoy ในปี พ.ศ. 2423 ตอลสตอยเริ่มทำงานโดยตรงกับบทละครเพียงหกปีต่อมาและเขียนมันอย่างรวดเร็วแม้ว่าในภายหลังเขาจะนำมันกลับมาทำใหม่หลายครั้งโดยสร้างเจ็ดฉบับและเปลี่ยนชื่อดั้งเดิมว่า "กรงเล็บติดอยู่ - นกทั้งตัวหายไป"

"พลังแห่งความมืด"-- ละครพื้นบ้านเกี่ยวกับหมู่บ้านห่างไกลที่ถูกรุกรานโดยความสัมพันธ์ของชนชั้นกลางใหม่ เงินกำลังทำลายวิถีชีวิตแบบปิตาธิปไตยแบบเก่า ศีลธรรมแบบปิตาธิปไตยแบบเก่า ความสัมพันธ์ทางสังคมใหม่ทำให้เกิดศีลธรรมใหม่ เมื่อคูณด้วยความมืดของชาวนา นำไปสู่ผลลัพธ์ที่เลวร้าย: ไปสู่อาชญากรรมทั้งชุด - การฆาตกรรม การโจรกรรม ความโหดร้าย ความใจร้าย การเสพสุรา อาชญากรรมกำลังกลายเป็นเรื่องธรรมดา Matryona เชิญชวน Anisya วางยาพิษสามีที่ป่วยของเธอขอให้หญิงสาวและลูกชายของเธอโชคดี - การตายของ Peter จะปลดปล่อย Anisya ทำให้เธอรวยและให้โอกาสเธอแต่งงานกับ Nikita Nikita แต่งงานกับ Anisya เพื่อเห็นแก่เงินออกอาละวาดเล่นกับนายหญิงของเขาต่อหน้าภรรยาของเขา เมื่อรับเลี้ยงเด็กกับอคุลินาแล้วเขาก็ฆ่าเขา ในจิตวิญญาณของ Nikita มีการต่อสู้ที่เลวร้ายระหว่างศีลธรรมที่หล่อเลี้ยงมาในตัวเขา แต่เดิมกับพลังเงินที่ชั่วร้ายและเสื่อมทราม เขาก่ออาชญากรรมใหม่แต่ละครั้งภายใต้แรงกดดันของสถานการณ์ที่บังคับให้เขาต้องชดใช้บาปของเขาอย่างมหาศาล ในท้ายที่สุดเขาทนไม่ได้และต้องการแขวนคอตัวเองก่อนแล้วจึงกลับใจต่อความโหดร้ายของเขาต่อสาธารณะดังนั้นจึงทำให้จิตวิญญาณของเขาบริสุทธิ์

ภาพของอาคิมและมิทริชมีความสำคัญขั้นพื้นฐานในบทละคร อาคิม พ่อของ Nikita เป็นตัวแทนของจุดยืนของผู้เขียนโลกทัศน์ของชาวนาปิตาธิปไตยที่มีความมีมโนธรรมและมีคุณธรรมสูง มิทริช ทหารมากประสบการณ์ ตกตะลึงกับความโหดร้ายของสิ่งที่เกิดขึ้น แสดงให้เห็นถึงศีลธรรมของชาวนา ซึ่งโดยพื้นฐานแล้วมีสุขภาพที่ดีทางศีลธรรม

ตีพิมพ์ในปี พ.ศ. 2429 ใน “ผลงานของ Gr. L.N. Tolstoy” ละครเรื่องนี้ได้รับการตอบรับอย่างกระตือรือร้นจากคนรุ่นราวคราวเดียวกัน I. E. Repin เขียนถึง Tolstoy: “ เมื่อวานนี้ฉันได้อ่านละครเรื่องใหม่ของคุณกับ V. G. Chertkov นี่เป็นความจริงที่น่าอัศจรรย์ ช่างเป็นพลังแห่งการสืบพันธุ์ที่ไร้ความปราณี” “ ฉันไม่ได้อ่านอะไรแบบนี้มาหลายปีแล้ว” V.V. Stasov เขียนถึงผู้เขียน ละครเรื่องนี้ถ่ายทำเพื่อการแสดงที่เป็นประโยชน์โดย M. G. Savin และใน โรงละครอเล็กซานดรินสกี้พวกเขาได้เริ่มซ้อมแล้ว อย่างไรก็ตามตามคำร้องขอของหัวหน้าอัยการของ Holy Synod, K. Pobedonostsev "พลังแห่งความมืด" ถูกห้ามและซาร์สั่งให้รัฐมนตรีว่าการกระทรวงกิจการภายใน "ยุติความอับอายนี้" ของ Tolstoy ในตัวเขา คำว่า “ผู้ทำลายล้างและผู้ไม่เชื่อพระเจ้า”

ในปี พ.ศ. 2433 ละครเรื่องนี้ได้แสดงโดยมือสมัครเล่นในบ้านของ Priselkovs ใน Tsarskoe Selo ละครเรื่องนี้จัดแสดงโดยนักแสดงของ Alexandria Theatre V. N. Davydov “พลังแห่งความมืด* แผ่ขยายไปทั่วยุโรป และในปี พ.ศ. 2438 เมื่อการห้ามเซ็นเซอร์คลี่คลายลง ก็ปรากฏว่า โรงละครของจักรวรรดิแล้วไปต่างจังหวัด.

ในปีพ.ศ. 2429 ตอลสตอยเริ่มทำงานเรื่อง “The Fruits of Enlightenment” แต่เนื่องจากยุ่งอยู่กับ “The Power of Darkness” เขาจึงละทิ้งหนังตลกเรื่องนี้และกลับมาทำใหม่อีกครั้งในสามปีต่อมา เมื่อจำเป็นต้องมีการแสดงละครสำหรับ ผลงานในบ้านใน Yasnaya Polyana งานปรับปรุงการเล่นยังคงดำเนินต่อไปหลังจากการแสดงเสร็จสิ้น ตอลสตอยทำแปดฉบับเปลี่ยนชื่อหลายครั้ง - "วิญญาณ", "เจ้าเล่ห์", "เจ้าเล่ห์หรือผลไม้แห่งการตรัสรู้" ในที่สุดก็แค่ "ผลไม้แห่งการตรัสรู้" ฉบับพิมพ์ครั้งสุดท้ายจัดทำขึ้นในปี พ.ศ. 2433

แรงผลักดันในการเขียนบทละครนั้นมอบให้กับตอลสตอยโดยการทรงแสดงจิตวิญญาณในบ้านหลังหนึ่ง แต่จากกรณีส่วนตัวผู้เขียนได้สร้างภาพที่กล่าวหาเรื่องศีลธรรมของสังคมชั้นสูงที่กล่าวหาโดยพรรณนาถึงชีวิตที่ว่างเปล่าและไร้ความหมายซึ่งเต็มไปด้วยการทรงแสดงทางวิญญาณสื่อกลางทาย , กังวลเกี่ยวกับ “สุนัขกัด” ซึ่งใคร ๆ ก็สามารถ “บ้าไปแล้วได้” ตอลสตอยวาดภาพชีวิตนี้อย่างชั่วร้ายเฉียบแหลมเยาะเย้ยแรงโน้มถ่วงที่ว่างเปล่าและความมั่นใจในตนเอง ราวกับว่าเขาเห็นชีวิตผ่านสายตาของชายสามคนที่เข้ามาซื้อที่ดินจาก Zvezdintsev เป็นงวด ๆ เพราะที่ดินของพวกเขาเอง "เล็ก ไม่เหมือนวัวควาย เอาเป็นว่าไม่มีที่ไหนให้ปล่อยไป" ในฐานะผู้ชายคนหนึ่ง พูดว่า ทั้งสามมองชีวิตของปรมาจารย์ด้วยความประหลาดใจและมีเพียงทันย่าสาวใช้ผู้มีไหวพริบเท่านั้นที่เปลี่ยนความโง่เขลาของเจ้าของให้เป็นประโยชน์ต่อเพื่อนร่วมชาติของเธอโดยเสนอแนะแนวทางแก้ไขที่จำเป็นในระหว่างการประชุมเรื่องผี

ตัวละครทั้งสองกลุ่มยังขัดแย้งกันในเชิงโวหารในบทละคร กล่าวคือ ภาพเหมือนเสียดสีอย่างรุนแรงของขุนนางและนักวิทยาศาสตร์ปลอมนั้นขัดแย้งกับภาพที่เขียนด้วยใจจริงและเห็นอกเห็นใจของผู้ชายและคนรับใช้

ในปี พ.ศ. 2434 "ผลไม้แห่งการตรัสรู้" ได้รับอนุญาตให้จัดแสดงบนเวทีของจักรวรรดิและจัดแสดงที่โรงละคร Alexandrinsky ซึ่ง V. N. Davydov รับบทเป็นชายคนที่สามอย่างยอดเยี่ยม

แต่ก่อนหน้านี้ไม่นาน ละครเรื่องนี้จัดแสดงโดยสมาคมศิลปะและอักษรศาสตร์ รอบปฐมทัศน์เกิดขึ้นในเดือนกุมภาพันธ์ พ.ศ. 2434 และมีความสำคัญต่อสิ่งที่เกิดขึ้น ผลงานกำกับเรื่องแรกของ K.S. Stanislavsky!

ละครเรื่องต่อไปของตอลสตอย The Living Corpse ปรากฏเพียงสิบปีหลังจาก The Fruits of Enlightenment - ในปี 1900

แผนสำหรับการเล่นชื่อ "ศพ" ถูกเขียนไว้ในไดอารี่เมื่อปี พ.ศ. 2440 แต่แรงผลักดันในการดำเนินการตามแผนนี้คือบทละครของเชคอฟเรื่อง "ลุง Vanya" ซึ่งตอลสตอยหลังจากดูบนเวทีไม่ยอมรับอย่างแข็งขันหลังจากดูบนเวที (“เขาไม่พอใจ” แต่การยอมรับของเขาเอง)

ผู้เขียนได้อิงโครงเรื่องจากคดีจริงอีกครั้ง - คดีในศาลของคู่สมรส Gimer ซึ่ง Davydov คนเดียวกันเล่าให้ฟัง และเช่นเดียวกับในสองกรณีแรก "เรื่อง" ส่วนตัวส่งผลให้งานศิลปะที่ยอดเยี่ยมอยู่ภายใต้ปากกาของนักเขียนผู้ยิ่งใหญ่ซึ่งเผยให้เห็นกระบวนการที่ซับซ้อนของการเลิกรากับครอบครัวของ Fedya Protasov โดยมีสภาพแวดล้อมของเขาปรารถนาอิสรภาพจาก ความเท็จของความสัมพันธ์ในครอบครัว มันเป็นความรู้สึกเท็จที่เป็นช่องว่างระหว่าง Fedya และตัวแทนคนอื่น ๆ ในสังคมของเขา - Liza, Karenin ความขัดแย้งระหว่างความรู้สึกตามธรรมชาติของมนุษย์ การปลดปล่อยทางจิตวิญญาณและอารมณ์ ในด้านหนึ่ง และรูปแบบที่ประดิษฐ์ขึ้นซึ่งกลายมาเป็นเนื้อหา อีกด้านหนึ่ง เป็นตัวกำหนดความเคลื่อนไหวของละคร ยิ่งไปกว่านั้น Tolstoy จะไม่ประนีประนอมกับ Lisa, Victor หรือผู้ติดตามของพวกเขาแต่อย่างใด ในทางตรงกันข้ามเขากำจัดแรงจูงใจของความรู้สึกผิดออกจากลิซ่าโดยสิ้นเชิง: หาก Gimer ฆ่าตัวตายตามคำร้องขอของภรรยาของเขาและดำเนินการตามแผนของเธอทั้ง Lisa และ Karenin ก็แสดงให้เห็นว่าเป็นคนที่มีคุณธรรมบริสุทธิ์และมีเกียรติอย่างไร้ที่ติ แต่สิ่งนี้ทำให้ความขัดแย้งของ Fedya กับสังคมรุนแรงขึ้นและทำให้เขารู้สึกผิดต่อลิซ่าอย่างรุนแรง ตอลสตอยเน้นย้ำว่าความขัดแย้งนี้ไม่ได้เกิดขึ้นด้วย โดยบุคคลและด้วยกฎเกณฑ์ของสังคมที่ยึดหลักศีลธรรมอันเท็จ ปกป้องรูปแบบ โดยไม่สนใจแก่นสาร ปกป้องคำโกหก และ “ความสกปรก” Fedya Protasov แม้จะเสื่อมโทรม "ตายแล้ว" กระตุ้นความเห็นอกเห็นใจของผู้เขียนต่อความมีมโนธรรมและศีลธรรมอันสูงส่งซึ่งประกอบด้วยการดำเนินชีวิต "ตามมโนธรรม" อย่างแม่นยำไม่ใช่ตามรูปแบบ และถ้า Fedya ใช้สูตรนี้กับตัวเองเป็นหลักเป็นครั้งแรก ยิ่งการกระทำพัฒนาไปมากเท่าไร การกระทำก็จะยิ่งแพร่กระจายไปทั่วทั้งสังคมในวงกว้างมากขึ้นเท่านั้น บทพูดคนเดียวของ Protasov กับผู้ตรวจสอบนำละครแนวจิตวิทยามาสู่การสื่อสารมวลชนแบบเปิดผู้เขียนพูดด้วยเสียงของ Fedya ประณามการสร้างแบรนด์ให้กับโลกที่ฮีโร่ของเขาพยายามอย่างไร้ผลที่จะเข้ากันได้ ข้อตกลงกับโลกนี้เป็นไปไม่ได้ ยากที่จะหลอกลวง ทำได้เพียงปล่อยให้มันตายเท่านั้น

"Living Corpse" ฝ่าฝืน องค์ประกอบดั้งเดิม- การกระทำไหลอย่างต่อเนื่องไหลจากตอนหนึ่งไปอีกตอน (คาดว่าจะมีสิบห้าคน แต่มีการเขียนสิบสองบทละครยังเขียนไม่เสร็จ)