การแสดงออกทางศิลปะโดยย่อ ดนตรีแชมเบอร์ในรูปแบบการแสดงออก
ลัทธิการแสดงออกเป็นหนึ่งในการเคลื่อนไหวที่ซับซ้อนและเป็นที่ถกเถียงกันมากที่สุด วัฒนธรรมทางศิลปะทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 20 เขาแสดงตัวเองอย่างชัดเจนที่สุดในวัฒนธรรมของเยอรมนีและออสเตรีย
Expressionism ประกาศตัวเองอย่างเป็นทางการในปี 1905 ในเวลานี้ที่เมืองเดรสเดน นักศึกษาคณะสถาปัตยกรรมศาสตร์ของโรงเรียนเทคนิคขั้นสูงได้ก่อตั้งสมาคมสร้างสรรค์ "Bridge" รวมถึงศิลปิน E. Kirchner, E. Nolde, M. Pichstein, P. Klee ผู้เข้าร่วมชาวเยอรมันในสมาคมก็มีชาวต่างชาติเข้าร่วมในไม่ช้า ซึ่งในจำนวนนี้เป็นศิลปินชาวรัสเซีย ในปี 1911 กลุ่มมิวนิก "Blue Rider" ซึ่งเป็นชุมชนใหม่ของศิลปินแนวแสดงออกได้ถือกำเนิดขึ้น รวมถึง F. Mark, V. Kandinsky, A. Macke, P. Klee, L. Feininger
ในเวลาเดียวกันสมาคมวรรณกรรมแห่งแรกของนักแสดงออกก็ปรากฏตัวขึ้น ในกรุงเบอร์ลินนิตยสาร Sturm (Storm) และ Aktion (Action) เริ่มตีพิมพ์ซึ่งแสดงถึงแนวโน้มที่ตรงกันข้ามในการแสดงออก
ลัทธิการแสดงออกได้ประกาศให้โลกส่วนตัวของมนุษย์เป็นความจริงที่มั่นคงเพียงแห่งเดียวซึ่งกลายเป็นเป้าหมายหลัก ชื่อของทิศทางนี้ (จาก Lat. การแสดงออก, ภาษาฝรั่งเศส การแสดงออก- การแสดงออก) บ่งบอกถึงลำดับความสำคัญของ "ฉัน" ภายในเปิดเผยด้วยการแสดงออกสูงสุด ทุกสิ่งทุกอย่างคือความโกลาหล อุบัติเหตุอันยุ่งเหยิง ลัทธิการแสดงออกพยายามที่จะหักล้างความรุนแรงของอารมณ์ของมนุษย์ ความแตกแยกอย่างแปลกประหลาด และความไร้เหตุผลของภาพ ในเวลาเดียวกัน เขาได้ทำลายความสัมพันธ์กับศิลปะแบบดั้งเดิมอย่างรุนแรง โดยทำลายสัดส่วนอย่างกล้าหาญ โดยจงใจบิดเบือนวัตถุที่ปรากฎ
ศิลปินแนวเอ็กซ์เพรสชันนิสต์สร้างรูปแบบที่เข้มข้นและเรียบง่ายภายใน พวกเขาใช้รูปแบบที่ฉูดฉาด สีสดใสหรือในทางกลับกัน น้ำเสียงสกปรกที่มืดมน การเคลื่อนไหวของแปรงกระสับกระส่ายและไม่ระมัดระวัง
การแสดงออกสะท้อนให้เห็นถึงโลกทัศน์ที่น่าเศร้าของกลุ่มปัญญาชนชาวยุโรปที่เกี่ยวข้องกับเหตุการณ์สงครามโลกครั้งที่หนึ่ง ลางสังหรณ์ของหายนะโลกที่กำลังจะเกิดขึ้นและการสูญเสียความรู้สึกปลอดภัยทำให้มีน้ำเสียงที่มืดมนหนาแน่นและบางครั้งก็ตีโพยตีพาย
หลังสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง ความสนใจต่อปัญหาสังคมในยุคนั้นทวีความรุนแรงมากขึ้นในผลงานของพวก Expressionists หัวข้อผลงานคือฉากสงครามอันน่าสะพรึงกลัว คนเหงา หวาดกลัวประสบการณ์ ผู้บาดเจ็บ คนพิการ คนขอทาน ซ่อง เมืองใหญ่- อย่างไรก็ตามไม่เพียง แต่การปฏิเสธเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการค้นหาคุณค่ามนุษยนิยมใหม่ ๆ อีกด้วยเป็นลักษณะของทิศทางนี้ หลังจากได้รับมรดกมาจากความโรแมนติกที่น่าสมเพชเชิงวิพากษ์วิจารณ์และการปฏิเสธความสัมพันธ์ทางสังคมที่ลดทอนความเป็นมนุษย์นักแสดงออกจึงเข้าสู่การต่อสู้เพื่อสิ่งที่เป็นมนุษย์อย่างแท้จริง
การแสดงออกรวมถึงผลงานของ Franz Werfel, Georg Trakl, Ernst Stadler, Franz Kafka (ในวรรณคดี), Walter Hasenklever, Georg Kaiser, Oskar Kokoschka (ในละคร), F.W. มูร์เนา (ในภาพยนตร์ดราม่า)
การแสดงออกทางดนตรี
โอเปร่า Wozzeck (1925) ของ Alban Berg ได้รับการยอมรับว่าเป็นความสำเร็จสูงสุดของการแสดงออกทางดนตรี
การแสดงออกทางดนตรีมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับลัทธิจินตนิยมตอนปลาย ภาพที่มืดมนมักพบในผลงานของ Mahler (ซิมโฟนีตอนปลาย), R. Strauss (โอเปร่า "Salome", "Electra"), Hindemith (โอเปร่า "The Assassin - the Hope of Women", "Saint Susanna"), Bartok (บัลเล่ต์ "The Marvelous Mandarin" ") ตามลำดับเวลา ผลงานของพวกเขาอยู่เคียงข้างการแสดงออกในจิตรกรรมและวรรณกรรม แต่โดยทั่วไปแล้วงานของนักประพันธ์เหล่านี้มีพื้นฐานอยู่บนประเพณีของแนวโรแมนติก เช่นเดียวกับงานในยุคแรก ๆ ของ Schoenberg และ Berg
เนื้อหาทางอุดมการณ์และศิลปะของแนวโรแมนติกตอนปลายค่อยๆถูกนำมาคิดใหม่: ภาพบางภาพคมชัดขึ้น, สมบูรณ์ (ไม่สอดคล้องกับโลกภายนอก), ภาพอื่น ๆ ถูกปิดเสียงหรือหายไปโดยสิ้นเชิง (ความฝันที่โรแมนติก)
ความคิดสร้างสรรค์ของ Novovens แสดงให้เห็นถึงการปฏิเสธประเพณีที่มีลักษณะเฉพาะของการแสดงออก องค์ประกอบทั้งหมดของภาษาดนตรีอยู่ภายใต้การแก้ไขและประเมินค่าใหม่: รูปแบบและโทนเสียง ความกลมกลืน รูปแบบ (โดยรวมและกระบวนการ) ทำนอง จังหวะ จังหวะ จังหวะ ไดนามิก พื้นผิว
หลักการของความเป็นอิสระแบบอิสระซึ่งก่อตั้งขึ้นในดนตรีของ Schoenberg ในช่วงทศวรรษที่ 1910 ถูกแทนที่ในช่วงต้นทศวรรษที่ 1920 Berg และ Webern ผ่านช่วงเวลาที่คล้ายกัน (atonal และ dodecaphonic) ในวิวัฒนาการเชิงสร้างสรรค์ของพวกเขา นอกจากนี้ผลงานของตัวแทนทั้งสามของนิว โรงเรียนเวียนนามีเอกลักษณ์อย่างยิ่ง หาก Schoenberg มีลักษณะเฉพาะด้วยลัทธิหัวรุนแรงทางสุนทรียภาพที่สอดคล้องกันมากที่สุดในการแสดงออกถึงจุดยืนของผู้แสดงออก ดังนั้นในดนตรีของ Berg ประเพณีและแรงจูงใจของ Mahlerian ของ "ความเห็นอกเห็นใจทางสังคม" ก็เห็นได้ชัดเจนอย่างชัดเจน สำหรับ Webern ประสบการณ์ที่สร้างสรรค์ของปรมาจารย์ที่มีสไตล์ที่เข้มงวดตลอดจนมรดกทางปรัชญาและบทกวีของเกอเธ่กลายเป็นสิ่งสำคัญอย่างยิ่ง
ความซับซ้อนของการแสดงออกหมายถึงตามแบบฉบับของการแสดงออกทางดนตรี
- แทนที่ระบบหลัก-รองแบบดั้งเดิมด้วยความไม่มีความผิด ด้วยความเป็นอิสระอย่างอิสระ นักแสดงออกจึงมาจัดระเบียบเนื้อหาเสียงตาม สิบโทเดคาโฟนี;
- ขาดการเชื่อมต่อกับแนวเพลงในชีวิตประจำวัน
- ความไม่ลงรอยกันของความสามัคคีอย่างรุนแรง
- ความไม่ต่อเนื่อง "การกระจายตัว" ของทำนอง; การตีความด้วยเครื่องมือส่วนเสียงร้อง การบรรยายที่ตื่นเต้น
- การใช้ "คำพูดร้องเพลง" (Sprechgesang);
- การเน้นจังหวะไม่สม่ำเสมอ จังหวะเปลี่ยนบ่อย
ทั้งหมดนี้สร้างบรรยากาศทางอารมณ์ที่อัดแน่นอย่างมาก ให้ความรู้สึกถึงความตึงเครียดที่เพิ่มขึ้นอย่างต่อเนื่อง คำจำกัดความของ "ละครกรีดร้อง" ที่เกี่ยวข้องกับศิลปะการแสดงละครสามารถนำมาประกอบกับงานศิลปะแนวแสดงออกหลายประเภท รวมถึงดนตรีด้วย
ฮีโร่แห่งศิลปะการแสดงออกมีสภาวะทางอารมณ์ที่สำคัญอยู่ตลอดเวลา การรับรู้ของเขาถูกครอบงำด้วยภาพที่บิดเบี้ยวอย่างน่าเศร้าของจักรวาลที่ล่มสลาย ธรรมชาติของชีวิตภายในของเขาถูกกำหนดโดยองค์ประกอบของจิตไร้สำนึกเป็นส่วนใหญ่
แทบจะไม่ปรากฏเป็นบุคคลใดบุคคลหนึ่งโดยเฉพาะ บ่อยครั้งที่เขาไม่มีชื่อ เขาเป็นบุคคลที่เป็นนามธรรม: พ่อ, ลูกชาย, บุคคล, ผู้ชาย, ผู้หญิง ตัวอย่างทั่วไปเป็นโอเปร่าเรื่อง "The Lucky Hand" โดย Schoenberg, "The Killer is the Hope of Women" โดย Hindemith (1919) ที่สร้างจากบทละครของ Kokoschka
ศตวรรษที่ 20 ซึ่งเป็นศตวรรษแห่งสงครามโลกและภัยพิบัติที่ทำลายล้าง ได้สร้างรากฐานให้เทรนด์การแสดงออกยังคงดำเนินต่อไปในรูปแบบและมารยาทที่แตกต่างกัน Hindemith, Bartok, Shostakovich, Honegger, Milhaud, Britten เรียนรู้มากมายจากนักแสดงออก โทนเสียงที่แสดงออกนั้นสัมผัสได้ในซิมโฟนี "ทหาร" เกือบทั้งหมดของนักซิมโฟนีที่ใหญ่ที่สุดแห่งศตวรรษที่ 20
สโลแกนของ "Storm" เป็นวิทยานิพนธ์เกี่ยวกับการต่อสู้เพื่องานศิลปะใหม่ "ปราศจากความคิดทางการเมือง ศีลธรรม และสังคมในยุคนั้น" ศิลปินของกลุ่ม Blue Rider เกี่ยวข้องกับสิ่งพิมพ์นี้ Guillaume Apollinaire, Marc Chagall และ Oskar Kokoschka ได้รับการตีพิมพ์ในนั้น ตั้งแต่แรกเริ่ม นิตยสาร Aktion ได้ประกาศจุดยืนของพลเมืองซึ่งกำหนดแนวทางต่อต้านการทหารและวิจารณ์สังคม รายสัปดาห์กลายเป็นเวทีสำหรับการแสดงออกทางปีกซ้าย
Expressionism คือการเคลื่อนไหวสมัยใหม่ในศิลปะยุโรปในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 แพร่กระจายในเยอรมนีและออสเตรียเป็นหลัก ศิลปินในขบวนการนี้ได้แสดงสภาวะทางอารมณ์ อารมณ์ หรือกระบวนการภายในที่เกิดขึ้นในจิตวิญญาณหรือจิตใจของตนเอง พวกเขาไม่ได้ลอกเลียนแบบความเป็นจริง แต่นำเสนอโลกภายในของพวกเขาด้วยภาพวาด วรรณกรรม การละคร ดนตรี และการเต้นรำ อย่างไรก็ตาม การแสดงออกเป็นหนึ่งในคนกลุ่มแรกๆ ที่ปรากฏตัวในภาพยนตร์
การแสดงออกปรากฏอย่างไรและทำไม?
การเกิดขึ้นนี้เกิดจากความตึงเครียดทางสังคมที่เพิ่มขึ้นในสังคมสมัยนั้น สงครามโลกครั้งที่หนึ่ง ความขัดแย้งในท้องถิ่น การรัฐประหารที่ปฏิวัติ และระบอบปฏิกิริยาที่ตามมาได้ทำหน้าที่ของพวกเขา ผู้คนในขบวนการเก่าถูกแทนที่ด้วยคนรุ่นที่สูญหายซึ่งรับรู้ถึงสิ่งที่เกิดขึ้นอย่างมีสติสัมปชัญญะอย่างมาก ผู้สร้างใหม่ผิดหวัง โกรธ แตกสลายจากการทดลองและความกดดันทางจิตใจ ความกลัวและความสิ้นหวังของพวกเขาเข้ามาแทนที่กันกลายเป็นแรงจูงใจหลักในงานศิลปะในยุคนั้น คำอธิบายของความเจ็บปวด เสียงกรีดร้อง เสียงครวญคราง และความตาย - “ร่างของกอร์เกียส” ของต้นศตวรรษที่ 20
การแสดงออกในการวาดภาพ: ตัวอย่าง เครื่องหมาย ตัวแทน
ในประเทศเยอรมนี ลัทธิการแสดงออกเริ่มเป็นรูปเป็นร่างตั้งแต่เนิ่นๆ และประกาศตัวเองดังกว่าใครๆ ในปี 1905 กลุ่ม Bridge ปรากฏตัวขึ้นเพื่อต่อต้านกลุ่มอิมเพรสชั่นนิสต์ ซึ่งทุ่มเทพลังของพวกเขาในการวาดภาพความงามผิวเผินของสี เฉดสี และแสง ผู้สร้างใหม่เชื่อว่าศิลปะควรฟื้นคืนความหมายที่สะท้อนกลับคืนมา ไม่ใช่สีสันอันสดใส กลุ่มกบฏจงใจเลือกใช้สีที่สว่างและฉูดฉาดซึ่งทำให้ดวงตาเสียหายและทำให้เส้นประสาทที่ตึงเครียด ด้วยวิธีนี้ พวกเขาให้ความลึกทางอารมณ์ ลักษณะอารมณ์ และสัญญาณของเวลาแก่ภูมิทัศน์ธรรมดาๆ ในบรรดาตัวแทน Max Pechstein และ Otto Müller มีความโดดเด่น
เอ็ดมอนด์ มุงค์, "The Scream"
ความเงางามของชนชั้นกลางชนชั้นกระฎุมพีและการโจมตีที่ก้าวร้าวของชีวิตยุคใหม่ทำให้เกิดความหงุดหงิดความทุกข์ทรมานการระคายเคืองจนถึงขั้นความเกลียดชังและความแปลกแยกจนถึงจุดที่มีการต่อต้านอย่างสมบูรณ์ในนักแสดงออกซึ่งพวกเขาบรรยายด้วยความช่วยเหลือของเส้นเชิงมุมบ้าคลั่งในซิกแซกประมาท และลายเส้นหนาๆ ไม่สดใส แต่สีจัดจ้าน
ในปี 1910 สมาคมศิลปินแนวแสดงออกซึ่งนำโดย Pechstein ดำเนินการอย่างอิสระในรูปแบบของกลุ่มอุดมการณ์ "การแยกตัวใหม่" ในปีพ.ศ. 2455 “Blue Rider” ซึ่งก่อตั้งโดย Wassily Kandinsky นักนามธรรมชาวรัสเซีย ได้ประกาศตัวเองในมิวนิก แม้ว่าผู้ที่ไม่ใช่นักวิจัยจะเชื่อว่าองค์ประกอบที่แตกต่างกันของศิลปินนี้เป็นศิลปินที่แสดงออกได้อย่างแม่นยำ
Marc Chagall "เหนือเมือง"
การแสดงออกรวมถึงชื่อเสียงและแน่นอน ศิลปินที่มีพรสวรรค์เช่น Edmond Munch และ Marc Chagall ตัวอย่างเช่น ภาพวาด The Scream ของ Munch ถือเป็นงานศิลปะนอร์เวย์ที่มีชื่อเสียงที่สุด มันเป็นนักแสดงออกที่แนะนำประเทศสแกนดิเนเวียนี้ให้รู้จักกับเวทีศิลปะโลก
การแสดงออกในวรรณคดี: ตัวอย่าง สัญญาณ ตัวแทน
ลัทธิการแสดงออกแพร่หลายในวรรณคดีของประเทศในยุโรปตะวันออก ตัวอย่างเช่นในโปแลนด์ในงานของ Michinsky ในเชโกสโลวะเกียในร้อยแก้วที่ยอดเยี่ยมของ Capek ในยูเครนในละครของ Stefanik แนวโน้มนี้เกิดขึ้นได้ด้วยส่วนผสมของรสชาติประจำชาติไม่อย่างใดอย่างหนึ่ง นักเขียนผู้แสดงออก Leonid Andreev เป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวางในรัสเซีย ความตึงเครียดของนักเขียนที่ปะทุออกมาทางอารมณ์อย่างไม่น่าเชื่อ ความลึกล้ำภายในที่ทำให้เขาไม่ได้พักผ่อน ในงานที่เต็มไปด้วยการมองโลกในแง่ร้ายทางมานุษยวิทยา ผู้เขียนไม่ได้เล่าเรื่องมากเท่ากับการระบายโลกทัศน์ที่มืดมนของเขา วาดภาพของ Bosch ที่ซึ่งฮีโร่แต่ละคนเป็นงานฉลองศพที่ยังไม่บรรลุผลสำหรับดวงวิญญาณและด้วยเหตุนี้จึงเป็นสัตว์ประหลาดที่สมบูรณ์
สภาวะของโรคกลัวที่แคบครอบงำความสนใจในความฝันอันน่าอัศจรรย์คำอธิบายของภาพหลอน - สัญญาณทั้งหมดนี้ทำให้โรงเรียนนักแสดงออกแห่งปราก - Franz Kafka, Gustav Meyrink, Leo Perutz และนักเขียนคนอื่น ๆ ในเรื่องนี้ผู้ที่เกี่ยวข้องกับงานของคาฟคาก็น่าสนใจเช่นกัน
กวีแนวแสดงออก ได้แก่ Georg Traklä, Franz Werfel และ Ernst Stadler ซึ่งจินตภาพสามารถแสดงออกถึงความผิดปกติทางจิตและอารมณ์ของบุคคลได้อย่างไม่มีใครเทียบได้
การแสดงออกในละครและการเต้นรำ: ตัวอย่าง สัญลักษณ์ ตัวแทน
นี่คือผลงานละครของ A. Strindberg และ F. Wedekind ความละเอียดอ่อนของจิตวิทยาของ Rosin และความจริงอันน่าขบขันในชีวิตของ Moliere หลีกทางให้บุคคลที่มีแผนผังและสัญลักษณ์ทั่วไป (เช่น ลูกชายและพ่อ) ตัวละครหลักในสภาพตาบอดทั่วไปจัดการมองเห็นแสงสว่างและไม่มีโชคในการกบฏต่อสิ่งนี้ซึ่งเป็นตัวกำหนดผลลัพธ์ที่น่าเศร้าที่หลีกเลี่ยงไม่ได้
ละครเรื่องใหม่นี้พบผู้ชมไม่เพียงแต่ในเยอรมนีเท่านั้น แต่ยังรวมถึงในสหรัฐอเมริกาด้วย (ภายใต้การแนะนำที่เข้มงวดของ Eugene O'Neill) และรัสเซีย (Leonid Andreev คนเดียวกัน) ซึ่ง Meyerhold สอนศิลปินให้พรรณนาถึงสภาวะของจิตใจด้วยการเคลื่อนไหวที่เฉียบคมและหุนหันพลันแล่น ท่าทาง (เทคนิคนี้เรียกว่า "ชีวกลศาสตร์")
บัลเล่ต์ "พิธีกรรมแห่งฤดูใบไม้ผลิ"
การแสดงจิตวิญญาณผ่านความเป็นพลาสติกเกิดขึ้นในรูปแบบของการเต้นรำแบบแสดงออกของ Mary Wigman และ Pina Bausch สุนทรียะที่ระเบิดได้ของ Expressionism ซึมซาบเข้าสู่บัลเล่ต์คลาสสิกที่เข้มงวดซึ่งแสดงโดย Vaslav Nijinsky ในการผลิต The Rite of Spring ในปี 1913 นวัตกรรมดังกล่าวแทรกซึมเข้าไปในวัฒนธรรมอนุรักษ์นิยมโดยต้องแลกมาด้วยเรื่องอื้อฉาวครั้งใหญ่
การแสดงออกในภาพยนตร์: ตัวอย่าง สัญญาณ ตัวแทน
ตั้งแต่ปีพ. ศ. 2463 ถึง พ.ศ. 2468 ปรากฏการณ์ภาพยนตร์แนวแสดงออกปรากฏในสตูดิโอภาพยนตร์ในกรุงเบอร์ลิน การบิดเบือนพื้นที่ไม่สมมาตรการตกแต่งสัญลักษณ์ที่ฉูดฉาดการเน้นการสื่อสารที่ไม่ใช่คำพูดจิตวิทยาของเหตุการณ์การเน้นท่าทางและการแสดงออกทางสีหน้า - ทั้งหมดนี้เป็นสัญญาณของเทรนด์ใหม่บนหน้าจอ ตัวแทนที่มีชื่อเสียงของภาพยนตร์แนวเอ็กซ์เพรสชันนิสต์ซึ่งผลงานเหล่านี้สามารถติดตามได้: F. W. Murnau, F. Lang, P. Leni ความต่อเนื่องบางอย่างกับภาพยนตร์สมัยใหม่นี้สามารถสัมผัสได้ด้วยการวิเคราะห์ งานที่มีชื่อเสียง"Dogville" ของลาร์ส วอน เทรียร์
การแสดงออกทางดนตรี: ตัวอย่าง สัญญาณ ตัวแทน
ตัวอย่างของดนตรีแนวแสดงออก ได้แก่ ซิมโฟนีตอนปลายของกุสตาฟ มาห์เลอร์ ผลงานในยุคแรกๆ ของบาร์ต็อก และผลงานของริชาร์ด สเตราส์
โยฮันน์ ริชาร์ด สเตราส์, "Loneliness"
แต่บ่อยครั้งที่นักแสดงออกหมายถึงผู้ประพันธ์ของโรงเรียนเวียนนาแห่งใหม่ที่นำโดย Arnold Schoenberg เป็นที่ทราบกันดีอยู่แล้วว่า Schoenberg มีความสัมพันธ์อย่างแข็งขันกับ V. Kandinsky (ผู้ก่อตั้งกลุ่มผู้แสดงออก "Blue Rider") ในความเป็นจริงแล้ว อิทธิพลของสุนทรียศาสตร์เชิงการแสดงออกยังสามารถพบได้ในผลงานสมัยใหม่อีกด้วย กลุ่มดนตรี, ตัวอย่างเช่น, กลุ่มชาวแคนาดา Three Days Grace โดยศิลปินเดี่ยวจะแสดงอารมณ์ที่เข้มข้นของเพลงผ่านเสียงร้องอันทรงพลัง
น่าสนใจ? บันทึกไว้บนผนังของคุณ!การแนะนำ
ในวรรณคดีมีการเคลื่อนไหวเช่นการแสดงออก ทิศทางนี้ปรากฏขึ้นเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 ด้วยความช่วยเหลือนี้ นักเขียนหรือกวีสามารถแสดงทัศนคติของเขาต่อความเป็นจริงโดยรอบได้อย่างชัดเจนที่สุด
ฉันสนใจคำถาม: สามารถใช้การเคลื่อนไหว เช่น การแสดงออกในดนตรีได้หรือไม่
การแสดงออกนิยมมักใช้ในทิศทางดนตรีเช่นร็อค ฉันตัดสินใจที่จะระบุรูปแบบหลักและคุณลักษณะของการแสดงออก ผู้เขียนบรรลุผลทางอารมณ์ที่ต้องการต่อผู้ฟังโดยวิธีใด? ร็อคถือเป็นศิลปะได้หรือไม่?
เพื่อการวิจัย ฉันใช้เพลง "Song of" ของ Yuri Shevchuk สงครามกลางเมือง"และพยายามค้นหาว่าเพลงนี้เป็นของการเคลื่อนไหวเช่นการแสดงออกหรือไม่
ความหมาย - การแสดงออก
Expressionism คือขบวนการศิลปะที่ประกาศพื้นฐาน ภาพศิลปะเน้นการแสดงออกทางประสาทของภาพ ศิลปะแห่งสีสันที่คมชัดกวนใจ ศิลปะแห่งการกรีดร้อง หัวข้อหลักของภาพในการแสดงออกคือประสบการณ์ภายในของบุคคล (ความเจ็บปวด ความทุกข์ ความรัก ความศรัทธา ความหวัง) แสดงออกทางอารมณ์อย่างมาก - เหมือนเสียงร้องแห่งความสิ้นหวังหรือข้อความที่กระตือรือร้นอย่างไม่อาจควบคุมได้ ในสงคราม ธีมหลักการแสดงออกกลายเป็นฝันร้ายของสงครามที่ไร้สติและการประท้วงอย่างรุนแรงต่อมัน
การแสดงออกมีลักษณะเฉพาะด้วยความน่าสมเพชที่วิพากษ์วิจารณ์สังคมอย่างรุนแรง (การเปิดเผยกลไกของอารยธรรม การประท้วงต่อต้านการปราบปรามของแต่ละบุคคล) รูปแบบของการแสดงออกถูกกำหนดโดยแนวโน้มไปสู่สิ่งที่เป็นนามธรรม อารมณ์ที่รุนแรงของข้อความของผู้เขียน และการใช้สิ่งที่แปลกประหลาด
ลัทธิการแสดงออกมีลักษณะเฉพาะด้วยหลักการของการตีความความเป็นจริงแบบอัตนัยที่ครอบคลุมทุกอย่าง ซึ่งครอบงำโลกแห่งความรู้สึกทางประสาทสัมผัสหลัก หัวใจของมนุษย์เป็นศูนย์กลางของโลกศิลปะของนักเขียนซึ่งถูกทรมานด้วยความไม่แยแสของผู้คนและความใจแข็งของโลก
ในศิลปะแห่งดนตรี ความเข้าใจที่ดีที่สุดเกี่ยวกับความรู้สึกและประสบการณ์ของมนุษย์นั้นได้รับการอำนวยความสะดวกจากตัวดนตรี ทำนอง จังหวะ และจังหวะของมัน นักร้องเองจะต้องสัมผัสถึงสิ่งที่เขาร้องและเข้าใจในสิ่งที่เขาร้อง
คำพูดมีบทบาทหลัก ชีวิตที่ยากลำบาก การต่อสู้ดิ้นรนเพื่อรายได้ชั่วนิรันดร์ ใบหน้าที่ไม่ยิ้มแย้มบนท้องถนน - นี่คือสถานะปัจจุบันของสังคมของเรา ปัญหาที่มากเกินไปในชีวิตประจำวันต้องอาศัยการปลดปล่อยพลังงานบางอย่าง ดังนั้นการฟังเพลงที่มีเนื้อเพลงทางสังคมที่คมชัดจึงไม่ทำให้เกิดความผ่อนคลาย แต่ในทางกลับกันกลับทำให้ความรู้สึกสิ้นหวังที่เกิดขึ้นในชีวิตรุนแรงขึ้น
คุณสมบัติหลักของการแสดงออก
1) วัตถุ ปรากฏการณ์ ตัวละครอาจมีการแตกหักและการเสียรูป กลายเป็นวิธีที่เป็นทางการในการแสดงอารมณ์ความรู้สึกส่วนตัวและโลกทัศน์ที่น่าเศร้า
2) ความโหดร้าย การโกหก ความทุกข์ทรมานของมนุษย์ และลางสังหรณ์ที่น่าตกใจถึงหายนะอันเป็นผลมาจากกฎแห่งชีวิตในปัจจุบันที่ไม่ทราบสาเหตุ
3) ฮีโร่โคลงสั้น ๆ ของบทกวีร็อคปรากฏตัวในช่วงเวลาแห่งความตึงเครียดสูงสุดของพลังทางจิตวิญญาณ: เขาเป็นตัวแทนของอารมณ์ความรู้สึกที่รุนแรง
4) เทคนิคสุนทรียะของการแสดงออก: ความคมชัด, ความคมชัด, การเน้น, การเน้นคุณสมบัติหนึ่งหรือสองประการ, ความสามารถในการสร้างภาพด้วยเทคนิคเดียว
5) ภูมิทัศน์: ภาพร่างสีเทา ซึ่งส่วนใหญ่มักแสดงให้เห็นเมืองที่ระเบิดเข้าสู่ชีวิตภายในของบุคคล จิตใจของเขา นี่คือความหายนะและความรกร้าง ภูมิทัศน์ทางการทหาร โลกที่สูญเสียความมีชีวิตชีวา
6) จานสีโดยทั่วไปจะแสดงออกถึงการแสดงออก โดยโดดเด่นด้วยสีแดง สีดำ สีเทา และ สีฟ้า- ฟังก์ชั่นของสีนั้นผิดปกติตรงที่มันมักจะมาแทนที่คำอธิบายของวัตถุนั้นเอง
7) ชีวิตคือการกลับชาติมาเกิดของความเป็นจริงที่แสดงออก ชีวิตประจำวันธรรมดาๆ นั้นถูกมองว่าเป็นเรื่องน่าเศร้าและไร้สาระ เต็มไปด้วยความสยองขวัญและความบ้าคลั่ง
8) สื่อศิลปะ: การทำซ้ำบ่อยครั้ง สิ่งที่ตรงกันข้าม การอติพจน์ พิสดาร การผกผัน
9) ทัศนคติ ฮีโร่โคลงสั้น ๆน่าเศร้าตึงเครียด อย่างไรก็ตามโลกตามที่ฮีโร่โคลงสั้น ๆ จินตนาการนั้นสามารถต่ออายุได้
ลัทธิการแสดงออกเกิดขึ้นพร้อมๆ กันในเมืองต่างๆ ในเยอรมนี เป็นการตอบสนองต่อความเชื่อที่แพร่หลายในเรื่องความไม่ลงรอยกันระหว่างมนุษยชาติและโลกภายนอก Expressionism ได้รับแรงบันดาลใจจากศิลปะของ Symbolists แต่ต่อต้านลัทธิวิชาการและอิมเพรสชั่นนิสต์ในการวาดภาพ
อิทธิพลที่เห็นได้ชัดเจนที่สุดในการแสดงออกคือผลงานของ V. Van Gogh, E. Munch, J. Ensor - ศิลปินนำเทคนิคการใช้สีและแสงมาใช้ การแสดงรูปทรงและเส้นที่บิดเบี้ยวเพื่อเพิ่มความประทับใจให้กับภาพวาด
ยุคคลาสสิกของการแสดงออกนิยมกินเวลาตั้งแต่ปี ค.ศ. 1905 ถึง 1920 แต่อิทธิพลต่อจิตรกรรมเยอรมันหลายแขนงในเวลาต่อมายังคงเห็นได้ชัดเจนจนกระทั่งปลายทศวรรษที่ 70 และ 80 ของศตวรรษที่ 20 ในช่วงทศวรรษที่ 80 การเคลื่อนไหวของนีโอเอ็กซ์เพรสชันนิสต์พัฒนาขึ้น โดยสืบทอดอุดมคติและบรรทัดฐานด้านสุนทรียศาสตร์ของขบวนการแนวหน้าของศตวรรษที่ 20
นักวิจัยค้นพบรากฐานของศิลปะแห่งการแสดงออกในงานของ W. Turner สไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์ของเขาเกิดขึ้นก่อนการปรากฏตัวของผลงานชิ้นแรกในสไตล์การแสดงออก V. Van Gogh ได้รับการขนานนามว่าเป็นผู้ก่อตั้ง-ผู้สร้างขบวนการนี้
แนวคิดหลัก
การแสดงออก - สไตล์ศิลปะและทิศทางในการพัฒนาวัฒนธรรมซึ่งศิลปินพยายามที่จะพรรณนาถึงความเป็นจริงที่ไม่ใช่วัตถุประสงค์ แต่เป็นอารมณ์และปฏิกิริยาส่วนตัวที่เกิดขึ้นในบุคคลเพื่อตอบสนองต่อเหตุการณ์ในโลก ศิลปินบรรลุเป้าหมายนี้ผ่านการบิดเบือน การพูดเกินจริง ลัทธิดั้งเดิม หรือจินตนาการ ผ่านสีสันที่สดใสและฝีแปรงที่แสดงออก 
มารยาทเป็นสไตล์ในการวาดภาพ
ภาคเรียน
คำว่า "การแสดงออกนิยม" หมายถึงขบวนการจิตรกรรมในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 สำนักศิลปะเกี่ยวกับอารมณ์หรือการตีความที่เกิดขึ้นในเยอรมนีเป็นหลักและต่อมาในฝรั่งเศส อิมเพรสชั่นนิสต์พยายามค้นหาวิธีที่จะแสดงความเป็นจริงในรูปแบบใหม่ บรรดานักแสดงออกวิพากษ์วิจารณ์พวกเขาถึงข้อจำกัดของพวกเขา ซึ่งเกินกว่าการรับรู้ความเป็นจริงแบบดั้งเดิม อิมเพรสชั่นนิสต์พยายามถ่ายทอดแสงและสีด้วยวิธีพิเศษ ลักษณะเหล่านี้เองที่ทำให้ภาพวาดอิมเพรสชั่นนิสต์มีเอกลักษณ์เฉพาะตัว นักแสดงออกชอบผลักวัตถุจริงเข้าไปในพื้นหลัง โดยเน้นที่การแสดงออกทางความรู้สึก 
ใน ในความหมายกว้างๆแนวคิดนี้สะท้อนให้เห็นถึงการเคลื่อนไหวทางศิลปะหลักอย่างหนึ่งของปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 ซึ่งสามารถแสดงออกได้ในสามคำ: อัตนัย, ความสว่าง, อารมณ์
การแสดงออกถือเป็นกระแสที่มั่นคงในการพัฒนาศิลปะในสแกนดิเนเวียและเยอรมนีในช่วงวิกฤตทางจิตวิญญาณ การเปลี่ยนแปลงทางสังคม ทิศทางนี้แสดงให้เห็นถึงการออกจากบรรทัดฐานของลัทธิคลาสสิกและเหตุผลนิยมไปสู่การสะท้อนโลกภายในของศิลปิน
ประวัติความเป็นมาของลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมในการวาดภาพ
คิดใหม่
การก่อตัวของการแสดงออกทำให้เกิดมาตรฐานใหม่ในด้านการสร้างสรรค์และทำความเข้าใจศิลปะ การวาดภาพไม่ได้จำกัดอยู่เพียงการนำเสนอวัตถุในโลกโดยรอบตามความเป็นจริงอีกต่อไป เป้าหมายของศิลปินคือการถ่ายทอดอารมณ์และความรู้สึกผ่านงานศิลปะโดยใช้ภาพนามธรรมเพื่อถ่ายทอดวัตถุ ในการทำเช่นนี้ พวกเขาใช้สีสว่างและโครงเรื่องแบบไดนามิก โดยไม่เปิดเผยความสนใจในเปอร์สเปคทีฟและปริมาตรของภาพ 
ถ่ายทอดอารมณ์
จุดเด่นของสไตล์คือการใช้งาน เส้นเรียบเพื่อแสดงวัตถุ ฝีแปรงที่เกินจริง ดูหยาบ ลักษณะที่แสดงออกของผลงานของจิตรกรสื่อถึงสภาวะทางอารมณ์ของศิลปินที่ตอบสนองต่อการเปลี่ยนแปลงของโลกรอบตัวเขา
แนวคิดเรื่องการต่อสู้ทางสังคม บทบาทของมนุษย์ในโลก และผลที่ตามมาของการขยายตัวของเมือง ครอบครองสถานที่พิเศษในความคิดสร้างสรรค์ของเขา ศิลปินพยายามดึงดูดความสนใจของสาธารณชนต่อความเหงาของคนในเมืองใหญ่ไปสู่การปลดปล่อยอารมณ์ซึ่งถูกแทนที่ด้วยระบบทุนนิยมและอุดมคติใหม่ของโลก
คอนสตรัคติวิสต์เป็นขบวนการแนวหน้า
ตัวแทนศิลปิน
สไตล์นี้พัฒนาขึ้นไม่เพียงแต่ในประเทศเยอรมนีเท่านั้น ภาพวาดที่เป็นตัวแทนเป็นที่รู้จักในผลงานของรัสเซีย, ฝรั่งเศส, ศิลปินชาวอิตาลีครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 ในช่วงระหว่างสงคราม การแสดงออกมีอิทธิพลอย่างมากต่อการเคลื่อนไหวของศิลปะแนวหน้า
วินเซนต์ แวนโก๊ะ
งานของ Van Gogh ทำหน้าที่เป็นตัวอย่างของการแสดงออกและ ศิลปะนามธรรม- ภาพวาดส่วนใหญ่ของเขาเป็นอัตชีวประวัติที่บันทึกความคิด ความรู้สึก และของเขา ความสงบของจิตใจองค์ประกอบและเฉดสี ลายเส้นพิเศษสื่อถึงสภาพจิตใจอันละเอียดอ่อนของศิลปิน ลักษณะเฉพาะของผลงานของเขาคือการใช้สัญลักษณ์และสัญลักษณ์เปรียบเทียบ
พอล โกแกง
ศิลปินชาวฝรั่งเศส Paul Gauguin อาศัยสีเพื่อแสดงอารมณ์ของเขา เขาใช้น้ำเสียงที่มีความเข้มข้นต่างกันเพื่อถ่ายทอดประสบการณ์ทางอารมณ์และสภาวะ งานนามธรรมถือเป็นตัวแทนของสไตล์
สไตล์การวาดภาพโรโคโค
แทะเล็ม
ศิลปินผู้ยิ่งใหญ่คนที่สามในสไตล์การแสดงออกคือ E. Munch จิตรกรและช่างแกะสลักชาวนอร์เวย์ ศิลปินต้องทนทุกข์ทรมานจากโรคประสาทและของเขา ภาพวาดที่ดีที่สุดเขียนขึ้นก่อนอาการทางประสาทซึ่งทำให้การรับรู้โลกและการถ่ายทอดอารมณ์ของเขาเปลี่ยนไป ภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดของศิลปิน “The Scream” คือ ตัวอย่างที่สดใสการแสดงออก ผู้ก่อกำเนิดของการแสดงออกคือศิลปินสัญลักษณ์ Hodler และ Ensor 
ชุมชน
เมืองเดรสเดน เบอร์ลิน และมิวนิกในเยอรมนีกลายเป็นศูนย์กลางของการพัฒนารูปแบบดังกล่าว ชุมชนที่มีชื่อเสียงที่สุดที่รวมตัวแทนของการแสดงออก:
ดี บรัค (1905 - 1913)
ตัวแทนก่อตั้งขึ้นในเมืองเดรสเดน โดยผสมผสานศิลปะเยอรมันแบบดั้งเดิมเข้ากับภาพวาดแอฟริกัน ภาพเขียนหลังอิมเพรสชั่นนิสต์ และโฟวิสต์ ศิลปิน: Ernst Ludwig Kirchner, Karl Schmidt, Emil Nolde, Otto Müller และ Pechstein 
บลูไรเดอร์ (2454 - 2457)
กลุ่มนี้ก่อตั้งขึ้นในมิวนิก โดยตั้งชื่อตามภาพวาดของคันดินสกี กลุ่มนี้ประกอบด้วยศิลปินแนวหน้า: Jawlensky, Kandinsky, Klee, Marc และ Macke
Die Neue Sachlichkeit (1920) ("วัตถุประสงค์ใหม่")
กลุ่มนี้ซึ่งมีฐานอยู่ในเบอร์ลินได้สำรวจรูปแบบใหม่แห่งความสมจริงพร้อมเสียงหวือหวาแบบสังคมนิยมและนามธรรม มีลักษณะเสียดสีและวิพากษ์วิจารณ์อย่างรุนแรง ปัญหาสังคมวิถีชีวิตทางการเมืองและเศรษฐกิจในเยอรมนีหลังสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง ตัวแทน: จอร์จ กรอส, ออตโต ดิ๊กซ์, แม็กซ์ เบ็คมันน์, คริสเตียน ชาด
Suprematism เป็นสไตล์ในการวาดภาพ
ปารีสไม่ใช่ศูนย์กลางหลักสำหรับการพัฒนาลัทธิการแสดงออก แต่ศิลปินหลายคนมีความเกี่ยวข้องกับ Paris School of Painting นักแสดงออกที่ยิ่งใหญ่ที่สุดสี่คนที่ Ecole de Paris: Frank Kupka อเมเดโอ โมดิเกลียนี่, ชาอิม ซูทีน และปาโบล ปิกัสโซ 
นิวยอร์กได้เข้ามาแทนที่ปารีสในฐานะศูนย์กลางแห่งนวัตกรรม ศิลปะร่วมสมัยสไตล์นี้ได้รับการฟื้นฟูในรูปแบบของ Abstract Expressionism ในช่วงต้นทศวรรษที่ 1940 ตัวแทนที่โดดเด่นที่สุด: Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko, Barnett Newman และ Clyfford Still
ความหมาย
การลดลงของอิทธิพลของการแสดงออกถูกเร่งโดยแนวคิดที่คลุมเครือเกี่ยวกับสไตล์และการครอบงำของปรัชญานามธรรมเชิงอัตวิสัยซึ่งทุกคนไม่สามารถเข้าใจได้ เนื่องจากรูปแบบดังกล่าวเกิดขึ้นและพัฒนาโดยเกี่ยวข้องกับการเปลี่ยนแปลงพื้นฐานในโลกและสังคม การรักษาเสถียรภาพของสถานการณ์ในแวดวงการเมืองและเศรษฐกิจทำให้สโลแกนและแนวคิดเกี่ยวกับการแสดงออกไม่เกี่ยวข้องอีกต่อไป
กระทรวงศึกษาธิการและวิทยาศาสตร์ สหพันธรัฐรัสเซีย
สถาบันการสอนสังคมแห่งรัฐ Nizhny Tagil
คณะ การศึกษาศิลปะ
กรมสามัญศึกษาศิลปะ
รายวิชา:
เสร็จสิ้นโดย: Vorobyova E.N. นักศึกษาชั้นปีที่ 3 คณะเศรษฐศาสตร์
หัวหน้า: Bakhteeva L.A., Ph.D., รองศาสตราจารย์ภาควิชาวิศวกรรมเคมี
นิจนี ทาจิล
การแนะนำ
บทที่ 1 แนวคิดเรื่องการแสดงออก
1 สาระสำคัญของการแสดงออก
1.2 ศิลปินแนวแสดงออก Egon Schiele เป็นตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของลัทธิการแสดงออก
บทที่สอง คุณสมบัติของภาพลักษณ์ของบุคคล
1 วิธีการแสดงออกในการพรรณนาถึงบุคคลโดย Egon Schiele
2 ภาพหญิงและชายในผลงานของ Egon Schiele
3 วิสัยทัศน์ของฉันเกี่ยวกับบุคคลในรูปแบบการแสดงออก
บทสรุป
อ้างอิง
แอปพลิเคชัน
การแนะนำ
แม้ว่าคำว่า "การแสดงออก" จะใช้กันอย่างแพร่หลายในการอ้างอิง แต่ในความเป็นจริงไม่มีการเคลื่อนไหวทางศิลปะที่เฉพาะเจาะจงเรียกตัวเองว่า "การแสดงออก" เชื่อกันว่าลัทธิการแสดงออกมีต้นกำเนิดในประเทศเยอรมนี และนักปรัชญาชาวเยอรมัน Friedrich Nietzsche มีบทบาทสำคัญในการก่อตั้ง โดยดึงความสนใจไปที่การเคลื่อนไหวในศิลปะโบราณที่ถูกลืมไปก่อนหน้านี้อย่างไม่สมควร ในหนังสือ “The Birth of Tragedy or Hellenism and Pessimism” (1871) นีทเชอได้ตั้งทฤษฎีของเขาเกี่ยวกับลัทธิทวินิยม ซึ่งเป็นการต่อสู้อย่างต่อเนื่องระหว่างประสบการณ์ด้านสุนทรียศาสตร์สองประเภท สองหลักการในศิลปะกรีกโบราณ ซึ่งเขาเรียกว่า Apollonian และ Dionysian Nietzsche โต้แย้งกับประเพณีสุนทรียศาสตร์ของชาวเยอรมันทั้งหมด ซึ่งตีความศิลปะกรีกโบราณในแง่ดีด้วยจุดเริ่มต้นที่สดใสและมีพื้นฐานมาจาก Apollonian เป็นครั้งแรกที่เขาพูดถึงกรีซอีกแห่งหนึ่ง - โศกนาฏกรรม, มึนเมากับตำนาน, ไดโอนีเซียน, และมีความคล้ายคลึงกับชะตากรรมของยุโรป หลักการ Apollonian แสดงถึงความเป็นระเบียบ ความกลมกลืน ศิลปะที่สงบ และก่อให้เกิดศิลปะพลาสติก (สถาปัตยกรรม ประติมากรรม การเต้นรำ บทกวี) หลักการของ Dionysian คือความมึนเมา การลืมเลือน ความสับสนวุ่นวาย การสลายตัวของอัตลักษณ์ในมวลอย่างน่ายินดี ให้กำเนิดสิ่งที่ไม่ใช่พลาสติก ศิลปะ. หลักการ Apollonian ต่อต้าน Dionysian เนื่องจากสิ่งที่ประดิษฐ์ขึ้นนั้นต่อต้านธรรมชาติ โดยประณามทุกสิ่งที่มากเกินไปและไม่สมส่วน อย่างไรก็ตาม หลักการทั้งสองนี้แยกออกจากกันไม่ได้และทำงานร่วมกันเสมอ ตามข้อมูลของ Nietzsche พวกเขาต่อสู้กันในตัวศิลปิน และทั้งคู่ก็มักจะปรากฏอยู่ในงานศิลปะทุกชนิด ภายใต้อิทธิพลของแนวคิดของ Nietzsche ศิลปินและนักเขียนชาวเยอรมัน (และหลังจากนั้นคนอื่นๆ) หันไปหาความสับสนวุ่นวายของความรู้สึก ไปสู่สิ่งที่ Nietzsche เรียกว่าหลักการของ Dionysian ในรูปแบบทั่วไปที่สุด คำว่า "การแสดงออก" หมายถึงผลงานที่มีการแสดงออกทางศิลปะ อารมณ์ที่แข็งแกร่งและการแสดงออกทางอารมณ์ การสื่อสารผ่านอารมณ์ กลายเป็นเป้าหมายหลักของการสร้างสรรค์ผลงาน
เชื่อกันว่าคำว่า "การแสดงออก" ได้รับการแนะนำโดยนักประวัติศาสตร์ศิลป์ชาวเช็ก Antonin Mateshek ในปี 1910 ซึ่งตรงข้ามกับคำว่า "อิมเพรสชันนิสม์": "เหนือสิ่งอื่นใดผู้แสดงออกต้องการแสดงออกถึงความเป็นตัวเอง ผู้แสดงออกปฏิเสธความประทับใจในทันทีและสร้างโครงสร้างทางจิตที่ซับซ้อนมากขึ้น ความประทับใจและภาพทางจิตส่งผ่านจิตวิญญาณของมนุษย์ราวกับผ่านตัวกรองที่ปลดปล่อยพวกเขาจากทุกสิ่งที่ผิวเผินเพื่อเผยให้เห็นแก่นแท้ที่บริสุทธิ์และรวมเป็นหนึ่งเดียวกันอัดแน่นเป็นมากขึ้น แบบฟอร์มทั่วไปพิมพ์ที่เขาซึ่งเป็นผู้เขียนเขียนใหม่โดยใช้สูตรและสัญลักษณ์ง่ายๆ"
การแสดงอารมณ์เป็นหนึ่งในการเคลื่อนไหวที่ซับซ้อนและเป็นที่ถกเถียงกันมากที่สุดในวัฒนธรรมทางศิลปะในช่วงทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 20 ปัจจุบันมีความสนใจอย่างมากต่อขบวนการ "การแสดงออก" ฉันสนใจขบวนการนี้ด้วยและฉันตัดสินใจศึกษารายละเอียดเพิ่มเติมเกี่ยวกับประวัติความเป็นมาของขบวนการการพัฒนาและตัวแทนของลัทธิแสดงออก หนึ่งในสิ่งต่อไปนี้ดึงดูดความสนใจของฉัน ตัวแทนที่โดดเด่นทิศทางนี้คือ Egon Schiele แต่มีข้อมูลน้อยมากเกี่ยวกับเขาและหาได้ยากเพราะ ในรัสเซียไม่ค่อยมีใครรู้จัก นั่นคือเหตุผลที่การศึกษาหัวข้อนี้ควรได้รับความสนใจเป็นพิเศษ
วัตถุประสงค์ของการศึกษา: ศิลปินแนวแสดงออก Egon Schiele เป็นตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของลัทธิการแสดงออก
หัวข้อการวิจัย: การแสดงออกหมายถึงภาพลักษณ์ของบุคคล โดย Egon Schiele
วัตถุประสงค์ของการศึกษา:เปิดเผยประวัติของการเกิดขึ้นและพัฒนาการของทิศทางของ "การแสดงออก" ระบุคุณลักษณะของวิธีการแสดงออกของ Egon Schiele เมื่อถ่ายทอดศิลปะพลาสติกและภาพมนุษย์
งาน:
-เปิดเผยแก่นแท้ของการแสดงออก
-ทำความคุ้นเคยกับตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของการแสดงออก
-พิจารณาคุณลักษณะของงานของ Egon Schiele
-สำรวจคุณสมบัติของภาพลักษณ์ของบุคคลที่ใช้วิธีการแสดงออกที่หลากหลายโดยอิงจากผลงานของ Egon Schiele
-พัฒนาชุดผลงานที่สะท้อนวิสัยทัศน์ของฉันเกี่ยวกับบุคคลในรูปแบบของการแสดงออก
1. แนวคิดเรื่องการแสดงออก
.1 แก่นแท้ของการแสดงออก
การแสดงออก (จาก lat. การแสดงออก, "การแสดงออก") - การเคลื่อนไหวในศิลปะยุโรปในยุคสมัยใหม่ซึ่งได้รับ การพัฒนาที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 20 ส่วนใหญ่อยู่ในเยอรมนีและออสเตรีย ลัทธิการแสดงออกพยายามที่จะไม่สร้างความเป็นจริงมากเท่ากับการแสดงออก สภาวะทางอารมณ์ผู้เขียน. มีการนำเสนอในรูปแบบศิลปะที่หลากหลาย เช่น จิตรกรรม วรรณกรรม การละคร สถาปัตยกรรม ดนตรี และการเต้นรำ นี่เป็นการเคลื่อนไหวทางศิลปะครั้งแรกที่ปรากฏตัวในภาพยนตร์อย่างเต็มที่
ลัทธิการแสดงออกเกิดขึ้นจากปฏิกิริยาเฉียบพลันและเจ็บปวดต่อความอัปลักษณ์ของอารยธรรมทุนนิยม สงครามโลกครั้งที่หนึ่ง และขบวนการปฏิวัติ คนรุ่นที่บอบช้ำจากการสังหารหมู่ในสงครามโลกครั้งที่ 1 มีการรับรู้ความเป็นจริงอย่างเป็นส่วนตัวอย่างยิ่ง ผ่านปริซึมของอารมณ์ เช่น ความผิดหวัง ความวิตกกังวล และความกลัว พวกเขาเปรียบเทียบสุนทรียภาพและความเป็นธรรมชาติของคนรุ่นเก่ากับแนวคิดเรื่องผลกระทบทางอารมณ์โดยตรงต่อสาธารณะ สำหรับนักแสดงออก ความเป็นตัวของตัวเองในการสร้างสรรค์เป็นสิ่งสำคัญยิ่ง หลักการแสดงออกมีชัยเหนือภาพ สาเหตุของความเจ็บปวดและเสียงกรีดร้องเป็นเรื่องปกติมาก
ลัทธิการแสดงออกมีลักษณะเฉพาะด้วยหลักการของการตีความความเป็นจริงแบบอัตนัยที่ครอบคลุมทุกอย่าง ซึ่งมีชัยเหนือโลกแห่งความรู้สึกทางประสาทสัมผัสหลัก เช่นเดียวกับในกรณีของขบวนการสมัยใหม่ครั้งแรก - อิมเพรสชั่นนิสม์ ดังนั้นแรงดึงดูดของการแสดงออกที่มีต่อนามธรรม ความคิดริเริ่มและความสุข เน้นอารมณ์ความรู้สึก เวทย์มนต์ ความแปลกประหลาดและโศกนาฏกรรมที่ยอดเยี่ยม
ศิลปะแห่งการแสดงออกนั้นมุ่งเน้นไปที่สังคมอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ เนื่องจากมีการพัฒนาท่ามกลางการเปลี่ยนแปลงทางสังคมและการเมืองอย่างรุนแรง การล่มสลายของจักรวรรดิออสโตร - ฮังการี และสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง
อย่างไรก็ตาม การคิดว่าการแสดงออกเป็นเพียงแนวทางทางศิลปะอาจเป็นเรื่องผิด ลัทธิการแสดงออกเป็นการแสดงออกถึงแก่นแท้ของเวลา แก่นแท้ของอุดมการณ์ในช่วงก่อนสงคราม สงคราม และปีแรกหลังสงคราม เมื่อวัฒนธรรมทั้งหมดถูกบิดเบือนไปต่อหน้าต่อตาเรา การเสียรูปนี้ คุณค่าทางวัฒนธรรมและสะท้อนการแสดงออก บางทีคุณสมบัติหลักของมันคือวัตถุที่อยู่ในนั้นอยู่ภายใต้อิทธิพลด้านสุนทรียภาพพิเศษซึ่งเป็นผลมาจากการที่ทำให้เกิดผลกระทบของการเปลี่ยนรูปแบบการแสดงออกที่เป็นลักษณะเฉพาะ สิ่งที่สำคัญที่สุดในวัตถุนั้นถูกลับให้คมมากขึ้น ส่งผลให้เกิดความผิดเพี้ยนของการแสดงออกแบบเฉพาะเจาะจง เราเรียกเส้นทางที่การแสดงออกนิยมใช้ logaedization ซึ่งสาระสำคัญก็คือระบบถูกทำให้รัดกุมจนถึงขีด จำกัด ซึ่งแสดงให้เห็นถึงความไร้สาระของมัน
มีความเห็นว่าปรากฏการณ์ของการแสดงออกคือจิตวิเคราะห์คลาสสิกของฟรอยด์ นี่เป็นหลักฐานจากความน่าสมเพชของความผิดปกติของแนวคิด "วิคตอเรียน" ดั้งเดิมเกี่ยวกับวัยเด็กที่มีความสุขและไร้เมฆของบุคคลซึ่งฟรอยด์กลายเป็นฝันร้าย ละครทางเพศ- ในจิตวิญญาณแห่งการแสดงออก การมองอย่างลึกซึ้งในจิตวิญญาณของมนุษย์ ซึ่งไม่มีอะไรสดใส ในที่สุดหลักคำสอนอันมืดมนของจิตไร้สำนึก ไม่ต้องสงสัยเลยว่าการให้ความสนใจอย่างใกล้ชิดกับปรากฏการณ์แห่งความฝันยังเชื่อมโยงจิตวิเคราะห์กับการแสดงออกด้วย
ดังนั้น ที่ศูนย์กลางของจักรวาลศิลปะแห่งการแสดงออกคือความไร้วิญญาณที่ถูกทรมานของโลกสมัยใหม่ ความแตกต่างระหว่างความเป็นอยู่และความตาย วิญญาณและเนื้อหนัง "อารยธรรม" และ "ธรรมชาติ" ซึ่งเป็นวัตถุและหัวใจฝ่ายวิญญาณของมนุษย์ ในการแสดงออก "ภูมิทัศน์ของจิตวิญญาณที่ตกตะลึง" ปรากฏเป็นการตกตะลึงต่อความเป็นจริง การเปลี่ยนแปลงของความเป็นจริงซึ่งนักแสดงออกหลายคนเรียกอย่างหลงใหลนั้นต้องเริ่มต้นด้วยการเปลี่ยนแปลงจิตสำนึกของมนุษย์ ผลที่ตามมาทางศิลปะของวิทยานิพนธ์นี้คือความเท่าเทียมกันของสิทธิทั้งภายในและภายนอก: ความตกใจของฮีโร่ "ภูมิทัศน์แห่งจิตวิญญาณ" ถูกนำเสนอว่าเป็นความตกใจและการเปลี่ยนแปลงของความเป็นจริง การแสดงออกไม่ได้เกี่ยวข้องกับการสำรวจความซับซ้อนของกระบวนการชีวิต งานหลายชิ้นถูกมองว่าเป็นการประกาศ ศิลปะของการแสดงออกฝ่ายซ้ายนั้นเป็นศิลปะที่เกิดจากความปั่นป่วน: ไม่ใช่ภาพความเป็นจริง (ความรู้ความเข้าใจ) ที่อัดแน่นไปด้วย "หลายหน้า" ที่รวมอยู่ในภาพที่สัมผัสได้ แต่เป็นการแสดงออกถึงแนวคิดที่สำคัญสำหรับผู้เขียนที่เฉียบแหลมยิ่งขึ้นซึ่งเกิดขึ้นได้จากการพูดเกินจริงและ อนุสัญญา
ลัทธิการแสดงออกเป็นตัวกำหนดกระบวนทัศน์ระดับโลกสำหรับสุนทรียภาพแห่งศตวรรษที่ 20 สุนทรียศาสตร์แห่งการค้นหาขอบเขตระหว่างนิยายกับภาพลวงตา ข้อความและความเป็นจริง การค้นหาเหล่านี้ไม่ประสบผลสำเร็จเพราะเป็นไปได้มากว่าขอบเขตดังกล่าวไม่มีอยู่เลย หรือมีขอบเขตมากพอๆ กับผู้ที่กำลังค้นหาขอบเขตเหล่านี้
ตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 19 วัฒนธรรมเยอรมันได้พัฒนามุมมองพิเศษเกี่ยวกับงานศิลปะ เชื่อกันว่าควรดำเนินการตามความประสงค์ของผู้สร้างเท่านั้นที่สร้างขึ้น "จากความจำเป็นภายใน" ซึ่งไม่ต้องการความคิดเห็นหรือการให้เหตุผล ในเวลาเดียวกันก็มีการตีราคาคุณค่าทางสุนทรียภาพใหม่ มีความสนใจในผลงานของปรมาจารย์สไตล์โกธิก El Greco, Pieter Bruegel the Elder คุณค่าทางศิลปะของศิลปะแอฟริกันที่แปลกใหม่ถูกค้นพบอีกครั้ง ตะวันออกไกล,โอเชียเนีย. ทั้งหมดนี้สะท้อนให้เห็นในรูปแบบของการเคลื่อนไหวใหม่ในงานศิลปะ
การแสดงออกเป็นความพยายามที่จะแสดงโลกภายในของบุคคลประสบการณ์ของเขาในช่วงเวลาแห่งความตึงเครียดทางจิตวิญญาณที่รุนแรง นักแสดงออกถือว่าโพสต์อิมเพรสชั่นนิสต์ชาวฝรั่งเศส, เฟอร์ดินันด์ ฮอดเลอร์ชาวสวิส, เอ็ดวาร์ด มุงค์แห่งนอร์เวย์ และเจมส์ เอนเซอร์ชาวเบลเยียมเป็นรุ่นก่อน มีความขัดแย้งมากมายในการแสดงออก ดูเหมือนว่าการประกาศดัง ๆ เกี่ยวกับการกำเนิดของวัฒนธรรมใหม่จะไม่สอดคล้องกับการเทศนาที่ดุเดือดของลัทธิปัจเจกนิยมสุดโต่งด้วยการปฏิเสธความเป็นจริงเพื่อประโยชน์ในการดื่มด่ำกับประสบการณ์ส่วนตัว และนอกจากนั้นลัทธิปัจเจกนิยมยังผสมผสานด้วย ความปรารถนาอย่างต่อเนื่องรวมกัน
เหตุการณ์สำคัญครั้งแรกในประวัติศาสตร์ของการแสดงออกถือเป็นการเกิดขึ้นของสมาคม "Bridge" (เยอรมัน: Bracke) ในปี 1905 นักศึกษาสถาปัตยกรรมสี่คนจากเดรสเดน - Ernst Ludwig Kirchner, Fritz Bleil, Erich Heckel และ Karl Schmidt-Rottluff ได้สร้างชุมชนกิลด์ยุคกลางขึ้น - อาศัยและทำงานร่วมกัน Schmidt-Rottluff เสนอชื่อ "Bridge" โดยเชื่อว่าเป็นการแสดงออกถึงความปรารถนาของกลุ่มที่จะรวมการเคลื่อนไหวทางศิลปะใหม่ๆ ทั้งหมดเข้าด้วยกัน และในแง่ที่ลึกกว่านั้นก็เป็นสัญลักษณ์ของงาน - "สะพาน" สู่ศิลปะแห่งอนาคต ในปี 1906 พวกเขาเข้าร่วมโดย Emil Nolde, Max Pechstein, Fauvist Kees van Dongen และศิลปินคนอื่นๆ
แม้ว่าสมาคมจะปรากฏขึ้นทันทีหลังจากการแสดงของ Parisian Fauves ที่ Autumn Salon แต่ตัวแทนของ Bridge อ้างว่าพวกเขาทำหน้าที่อย่างเป็นอิสระ ในประเทศเยอรมนี เช่นเดียวกับในฝรั่งเศส การพัฒนาทางวิจิตรศิลป์ตามธรรมชาติทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลง วิธีการทางศิลปะ- นักแสดงออกยังละทิ้ง Chiaroscuro และการโอนพื้นที่ ดูเหมือนว่าพื้นผิวของผืนผ้าใบของพวกเขาจะถูกใช้แปรงหยาบๆ โดยไม่สนใจความสง่างามใดๆ ศิลปินมองหาภาพที่ก้าวร้าวใหม่ๆ โดยพยายามแสดงความวิตกกังวลและไม่สบายใจผ่านการวาดภาพ นักแสดงออกเชื่อว่าสีมีความหมายในตัวเองสามารถทำให้เกิดอารมณ์บางอย่างได้ ความหมายเชิงสัญลักษณ์.
นิทรรศการ "Most" ครั้งแรกเกิดขึ้นในปี พ.ศ. 2449 ในบริเวณโรงงานอุปกรณ์ให้แสงสว่าง นิทรรศการครั้งนี้และต่อๆ ไปไม่ค่อยได้รับความสนใจจากสาธารณชนมากนัก มีเพียงนิทรรศการปี 1910 เท่านั้นที่มีแค็ตตาล็อกให้มาด้วย แต่ตั้งแต่ปีพ. ศ. 2449 โฟลเดอร์ที่เรียกว่าโฟลเดอร์ซึ่งตีพิมพ์เป็นประจำทุกปีซึ่งแต่ละโฟลเดอร์ได้ทำซ้ำผลงานของสมาชิกกลุ่มคนหนึ่ง
สมาชิกของ "สะพาน" ค่อยๆ ย้ายไปเบอร์ลินซึ่งกลายเป็นศูนย์กลาง ชีวิตศิลปะเยอรมนี. ที่นี่พวกเขาจัดแสดงในแกลเลอรี Sturm
ในปี 1913 Kirchner ได้ตีพิมพ์ "Chronicle of the art Association "Bridge" ทำให้เกิดความขัดแย้งอย่างมากจากสมาชิก “Bridge” ที่เหลือ ซึ่งรู้สึกว่าผู้เขียนประเมินเรตติ้งสูงเกินไป บทบาทของตัวเองในกิจกรรมของกลุ่ม ส่งผลให้สมาคมหยุดอยู่อย่างเป็นทางการ ในขณะเดียวกันสำหรับศิลปินแต่ละคนการมีส่วนร่วมในกลุ่ม "Bridge" กลายเป็นเหตุการณ์สำคัญในชีวประวัติที่สร้างสรรค์ของพวกเขา
การเพิ่มขึ้นอย่างรวดเร็วของการแสดงออกถูกกำหนดโดยการโต้ตอบที่หายากของทิศทางใหม่กับลักษณะเฉพาะของยุค ความรุ่งเรืองของมันมีอายุสั้น เวลาผ่านไปกว่าทศวรรษเล็กน้อย และทิศทางได้สูญเสียความสำคัญในอดีตไป อย่างไรก็ตาม ในช่วงเวลาสั้นๆ ลัทธิการแสดงออกสามารถประกาศตัวเองเป็นโลกใหม่แห่งสีสัน ความคิด และรูปภาพได้
ในปี 1910 ศิลปินกลุ่มหนึ่งที่นำโดย Pechstein ได้แยกตัวออกจากการแยกตัวของเบอร์ลินและก่อตั้ง New Secession ในปี 1912 กลุ่ม Blue Rider ก่อตั้งขึ้นในมิวนิก ซึ่งมีนักอุดมการณ์คือ Wassily Kandinsky ไม่มีความเห็นพ้องต้องกันในหมู่ผู้เชี่ยวชาญเกี่ยวกับที่มาของ "The Blue Rider" ต่อการแสดงออก ศิลปินของสมาคมนี้ไม่ค่อยกังวลกับภาวะวิกฤติของสังคม แต่งานของพวกเขาก็ไม่ค่อยสะเทือนอารมณ์ บันทึกโคลงสั้น ๆ และนามธรรมเกิดขึ้นในผลงานของพวกเขา ความสามัคคีใหม่ในขณะที่ศิลปะการแสดงออกนั้นไม่สอดคล้องกันตามคำจำกัดความ
เมื่อเสถียรภาพสัมพัทธ์ก่อตั้งขึ้นในสาธารณรัฐไวมาร์หลังปี 1924 ความคลุมเครือของอุดมคติแบบแสดงออก ภาษาที่ซับซ้อน ความเป็นเอกเทศของมารยาททางศิลปะ การไร้ความสามารถในการสร้างสรรค์ การวิจารณ์ทางสังคมส่งผลให้แนวโน้มนี้ลดลง เมื่อฮิตเลอร์ขึ้นสู่อำนาจในปี พ.ศ. 2476 ลัทธิการแสดงออกได้รับการประกาศว่าเป็น "ศิลปะที่เสื่อมทราม" และตัวแทนของศิลปะก็สูญเสียโอกาสในการจัดแสดงผลงานหรือตีพิมพ์
อย่างไรก็ตาม ศิลปินแต่ละคนยังคงทำงานภายใต้กรอบของการแสดงออกเป็นเวลาหลายทศวรรษ จังหวะที่ซีดเซียวคมชัดและวิตกกังวลและเส้นแบ่งที่ไม่ลงรอยกันทำให้แยกแยะผลงานของนักแสดงออกที่ใหญ่ที่สุดของออสเตรีย - O. Kokoschka และ E. Schiele ในการค้นหาการแสดงออกทางอารมณ์สูงสุด ศิลปินชาวฝรั่งเศส Georges Rouault และ Chaim Soutine ได้เปลี่ยนรูปร่างของอาสาสมัครอย่างรุนแรง Max Beckmann นำเสนอฉากชีวิตของชาวโบฮีเมียนในลักษณะเสียดสีพร้อมทั้งความเห็นถากถางดูถูก
ในบรรดาผู้แทนหลักของขบวนการ มีเพียง Kokoschka (1886-1980) เท่านั้นที่เห็นการฟื้นตัวของความสนใจทั่วไปในเรื่องการแสดงออกในช่วงปลายทศวรรษ 1970
1.2 ศิลปินแนวแสดงออก Egon Schiele เป็นตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของลัทธิการแสดงออก
การแสดงออกถึงภาพลักษณ์ของพลาสติก
ความปรารถนาที่จะ "แสดงออก" การแสดงออกที่เพิ่มมากขึ้น อารมณ์ที่รุนแรง การแตกหักอย่างแปลกประหลาด และความไร้เหตุผลของภาพปรากฏชัดเจนที่สุดในวัฒนธรรมของเยอรมนีและออสเตรีย ที่สุด ศิลปินที่สดใสคือ:
ออกัสต์ แม็กกี้
หนึ่งในตัวแทนที่ฉลาดที่สุดของลัทธิแสดงออกของชาวเยอรมัน August Macke แสดงความสนใจในการวาดภาพตั้งแต่เนิ่นๆ บ้านพ่อแม่- ในปี 1904 อัลบั้มภาพร่างชุดแรกของเขาปรากฏขึ้น มีทั้งหมดอยู่ใน ชีวิตสั้น Macke อายุ 78 ปี ในเวลานี้ August Macke เริ่มคุ้นเคยกับผลงานของ Arnold Böcklin แต่เมื่อเวลาผ่านไประดับอิทธิพลของเขาที่มีต่อ การพัฒนาความคิดสร้างสรรค์ทำให้ลดลง. ในอัลบั้มหลังการเดินทางไปอิตาลีในปี 1905 ภาพร่างของ Macke ได้รับการทำให้เรียบง่ายขึ้นอย่างเห็นได้ชัด และสะท้อนถึงการทดลองของศิลปินด้วยแสง ภาพวาดของ Macke ในช่วงเวลานี้ทำด้วยโทนสีเข้มจำนวนเล็กน้อย
ในเมืองบาเซิล แม็คเริ่มคุ้นเคยกับผลงานของอิมเพรสชั่นนิสต์ ซึ่งเป็นขบวนการทางศิลปะที่แทบไม่เป็นที่รู้จักในเยอรมนีในขณะนั้น ภาพวาดชิ้นแรกของ Macke สะท้อนให้เห็นถึงผลลัพธ์ของการประมวลผลแนวคิดอิมเพรสชันนิสม์อย่างสร้างสรรค์ของศิลปิน ในระหว่างการเดินทางไปปารีสครั้งแรก Macke รู้สึกประทับใจเป็นพิเศษกับภาพวาดของ Manet อัลบั้มภาพร่างของเขาเต็มไปด้วยภาพวาดจากชีวิตในเมืองริมแม่น้ำแซน อิทธิพลของ Toulouse-Lautrec ที่มีต่อ Maquet ก็ชัดเจนเช่นกัน ต่อมา Macke ได้ศึกษากับ Lovis Corinth ในช่วงระยะเวลาการฝึกอบรมสั้นๆ นี้ มีสมุดสเก็ตช์ภาพร่างของ Make จำนวน 15 เล่มปรากฏขึ้น ธีมหลักสำหรับพวกเขาคือโรงละคร ร้านกาแฟ และผู้คนในเมือง
เช่นเดียวกับในปารีส ในเบอร์ลิน Macke ใช้เวลาในพิพิธภัณฑ์ ศึกษาศิลปะเรอเนซองส์ และภาพวาดสมัยศตวรรษที่ 19 ในปี 1909 Macke ได้สร้างกลุ่มคนรู้จักในชุมชนศิลปะในวงกว้าง Macke ก่อตั้งชุมชนศิลปิน Blue Rider ตั้งแต่ปี 1911 Macke ไม่เพียงแต่เป็นศิลปินเท่านั้น ความสัมพันธ์ที่กว้างขวางของเขาระหว่างศิลปินและผู้บริหารพิพิธภัณฑ์ทั่วโลกทำให้เขาสามารถจัดนิทรรศการได้ มีการจัดแสดงผลงานของ Paul Klee, Kandinsky และตัวแทนของชุมชนศิลปะ Brücke (Bridge) เนื่องมาจาก Mack
ผลงานของ Macke ยังเข้าร่วมในนิทรรศการครั้งที่สองของ "The Blue Rider" ที่ Munich Hans Goltz Gallery ในปี 1912 ด้วยความสัมพันธ์ฉันมิตรของศิลปินกับ Robert Delaunay ศิลปินชาวฝรั่งเศส ทำให้ Macke คุ้นเคยกับการวาดภาพนามธรรม ในปี 1913 Macke ย้ายไปสวิตเซอร์แลนด์ ปีนี้มีประสิทธิผลอย่างมากสำหรับเขา ในผลงานของเขาที่อุทิศให้กับมนุษย์และธรรมชาติ เราสามารถสัมผัสได้ถึงอิทธิพลของศิลปินมากมาย
Macke ร่วมกับ Paul Klee และ Louis Mollier เดินทางไปตูนิเซียในช่วงสั้นๆ ซึ่งมีภาพวาดสีน้ำอันเป็นเอกลักษณ์ของศิลปินจำนวนมากปรากฏขึ้น ภาพร่างและภาพถ่ายที่ทำระหว่างการเดินทางใช้เป็นพื้นฐานสำหรับภาพวาดสีน้ำมันที่เขาวาดในภายหลัง Macke มักจะเดินทางไปทางตอนใต้ของ Black Forest ซึ่งเป็นแรงบันดาลใจให้กับงานของเขา ภาพวาดชิ้นสุดท้ายของ Macke ชื่อ "อำลา" [ดูภาคผนวก 1] กลายเป็นคำทำนาย เมื่อวันที่ 8 สิงหาคม พ.ศ. 2457 Macke ถูกเกณฑ์เข้ากองทัพและเสียชีวิตในสนามรบเมื่อวันที่ 26 กันยายน ขณะอายุ 27 ปี
ปาโบล ปิกัสโซ
ปาโบล ปิกัสโซเป็นศิลปินและประติมากรชาวสเปนที่อาศัยอยู่ในฝรั่งเศสตั้งแต่ปี 1904 ปิกัสโซเป็นนักประดิษฐ์รูปแบบใหม่ของการวาดภาพ ผู้ริเริ่มรูปแบบและเทคนิค และเป็นหนึ่งในศิลปินที่มีผลงานมากที่สุดในประวัติศาสตร์ ปิกัสโซสร้างผลงานมากกว่า 20,000 ชิ้น
เกิดที่มาลากาเมื่อวันที่ 25 ตุลาคม พ.ศ. 2424 เขาศึกษาการวาดภาพกับ X. Ruiz พ่อของเขาก่อน จากนั้นจึงเรียนที่โรงเรียน วิจิตรศิลป์: ในลาโกรูญา (พ.ศ. 2437-2438) บาร์เซโลนา (พ.ศ. 2438) และมาดริด (พ.ศ. 2440-2441) ในปี พ.ศ. 2444 - 2447 ปิกัสโซสร้างภาพวาดที่เรียกว่า "ยุคสีน้ำเงิน" ซึ่งทาสีด้วยโทนสีน้ำเงิน ฟ้าอ่อน และเขียว ในปี พ.ศ. 2448 - พ.ศ. 2449 ผลงานที่มีความโดดเด่นของเฉดสีทองชมพูและชมพูเทาปรากฏขึ้น (“ ช่วงเวลาสีชมพู”) ภาพวาดทั้งสองวัฏจักรนี้เน้นไปที่หัวข้อหลัก ความเหงาที่น่าเศร้าผู้ด้อยโอกาส ชีวิตของนักแสดงตลกนักเดินทาง ในปี 1907 ปาโบล ปิกัสโซได้สร้างภาพวาด "Les Demoiselles d'Avignon" ซึ่งเป็นจุดเริ่มต้นของการเปลี่ยนแปลงของปิกัสโซจากประเพณีที่สมจริงไปสู่ความเปรี้ยวจี๊ด ในไม่ช้า Picasso ก็ก่อตั้งทิศทางใหม่ในงานของเขา - ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมซึ่งส่วนใหญ่ได้รับการอำนวยความสะดวกจากความหลงใหลในประติมากรรมแอฟริกันของศิลปิน ปาโบล ปิกัสโซ แบ่งวัตถุออกเป็นองค์ประกอบทางเรขาคณิต ดังนั้นจึงเปลี่ยนความเป็นจริงให้กลายเป็นเกมแห่งรายละเอียดเชิงนามธรรม ต่อมา Picasso เริ่มทดลองเกี่ยวกับพื้นผิว เช่น เขาใช้เศษหนังสือพิมพ์และวัตถุอื่นๆ ในงานของเขา ช่วงเวลาของลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมในงานของ Pablo Picasso จบลงด้วยผลงานเช่น "A Bottle of Aperitif" (1913) และ "Three Musicians" (1921) ต่อจากนั้นแนวโน้มนีโอคลาสสิกเกิดขึ้นในงานของ Picasso; เส้นสายที่สง่างามครอบงำในผลงานของเขา (“Three Women at the Source” (1921), “Mother and Child” (1922)) เริ่มต้นในปี 1936 งานของ Picasso สะท้อนให้เห็นถึงเหตุการณ์ร่วมสมัย (“ The Weeping Woman” (1937), “ The Cat and the Bird” (1939)) Picasso กลายเป็นสมาชิกของ Popular Front ในฝรั่งเศสและเข้าร่วมในการต่อสู้ของสเปน ผู้คนต่อต้านการรุกรานของฟาสซิสต์ Pablo Picasso สร้างผลงานชุด "The Dreams and Lies of General Franco" ซึ่งเป็นผลงานชิ้นเอก "Guernica" (1937) [ดูภาคผนวก 2] ในผลงานต่อมาของ Picasso หัวข้อต่อต้านสงครามครอบครองสถานที่ขนาดใหญ่ ในปี 1947 เขาได้สร้าง "Dove of Peace" อันโด่งดังและในปี 1952 ผลงานของเขา "Peace" และ "War" ก็ปรากฏขึ้น
มาร์ค ชากัล
Marc Chagall - ศิลปินกราฟิก, จิตรกร, ศิลปินละคร, นักวาดภาพประกอบ, ผู้เชี่ยวชาญด้านอนุสาวรีย์และ ประเภทที่ใช้ศิลปะ; เป็นชนพื้นเมืองของรัสเซีย Chagall หนึ่งในผู้นำของโลกเปรี้ยวจี๊ดแห่งศตวรรษที่ 20 สามารถผสมผสานประเพณีโบราณของวัฒนธรรมชาวยิวเข้ากับนวัตกรรมที่ล้ำสมัยได้อย่างเป็นธรรมชาติ เกิดที่เมืองวีเต็บสค์ เมื่อวันที่ 24 มิถุนายน งานทั้งหมดของ Chagall ในตอนแรกเป็นอัตชีวประวัติและเป็นบทเพลงสารภาพ ในภาพวาดยุคแรกของเขา ธีมของวัยเด็ก ครอบครัว ความตาย ความเป็นส่วนตัวอย่างลึกซึ้ง และในเวลาเดียวกัน "นิรันดร์" ครอบงำ ("วันเสาร์", 2453) เมื่อเวลาผ่านไป ธีมของความรักอันเร่าร้อนที่ศิลปินมีต่อภรรยาคนแรกของเขา เบลลา โรเซนเฟลด์ (“เหนือเมือง” พ.ศ. 2457-2461) ก็ปรากฏอยู่เบื้องหน้า ลักษณะเฉพาะคือลวดลายของภูมิทัศน์ "shtetl" และชีวิตประจำวันควบคู่ไปกับสัญลักษณ์ของศาสนายิว ("Gates of the Jewish Cemetery", 1917)
อย่างไรก็ตาม เมื่อพิจารณาถึงความเก่าแก่ รวมถึงสัญลักษณ์ของรัสเซียและภาพพิมพ์ยอดนิยม (ซึ่งมีอิทธิพลอย่างมากต่อเขา) Chagall จึงเข้าร่วมลัทธิแห่งอนาคตและทำนายการเคลื่อนไหวแนวหน้าในอนาคต วัตถุที่แปลกประหลาดและไร้เหตุผล ความผิดปกติที่คมชัด และสีที่ตัดกันเหมือนเทพนิยายบนผืนผ้าใบของเขา ("ฉันกับหมู่บ้าน", พ.ศ. 2454 [ดูภาคผนวก 3]; "ภาพเหมือนตนเองด้วยนิ้วทั้งเจ็ด", พ.ศ. 2454-2455) มีอิทธิพลอย่างมาก เกี่ยวกับการพัฒนาสถิตยศาสตร์ เมื่อเขาไปถึงจุดสูงสุดของชื่อเสียง สไตล์ของเขา ซึ่งโดยทั่วไปแล้วจะเหนือจริง คือการแสดงออกถึงอารมณ์ จะง่ายขึ้นและผ่อนคลายมากขึ้น ไม่เพียงแต่ตัวละครหลักเท่านั้น แต่ยังมีองค์ประกอบทั้งหมดของภาพลอยอยู่ ก่อให้เกิดกลุ่มดาวนิมิตสีต่างๆ
คันดินสกี้ วัสซิลี
Kandinsky Vasily - ศิลปินชาวรัสเซียและเยอรมัน นักทฤษฎีศิลปะ และกวี หนึ่งในผู้นำของเปรี้ยวจี๊ดในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 กลายเป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้งศิลปะนามธรรม ตั้งแต่ปี 1897 เขาอาศัยอยู่ที่มิวนิก ซึ่งเขาศึกษาที่ Academy of Arts ในท้องถิ่นภายใต้การดูแลของ Franz von Stuck เขาเดินทางไปทั่วยุโรปและแอฟริกาเหนือ (พ.ศ. 2446-2450) ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2445 Wassily Kandinsky อาศัยอยู่ที่มิวนิกเป็นหลักและในปี พ.ศ. 2451-2452 ในหมู่บ้าน Marnau (เทือกเขาแอลป์บาวาเรีย) จากช่วงต้นภาพร่างอิมเพรสชั่นนิสต์ที่ค่อนข้างสดใสอยู่แล้วเขาย้ายไปที่การแต่งเพลงที่มีความกล้าหาญดอกไม้และสี "พื้นบ้าน" ซึ่งสรุปลวดลายที่เป็นลักษณะเฉพาะของลัทธิสมัยใหม่แห่งชาติรัสเซียด้วยความโรแมนติกของตำนานยุคกลางและวัฒนธรรมคฤหาสน์โบราณ ( ภาพวาด "Motley Life" [ดูภาคผนวก 4 ], "Ladies in Crinolines" และอื่น ๆ ) Wassily Kandinsky เชื่อว่าการแสดงออกได้ดีที่สุดโดยผลกระทบทางจิตวิทยาโดยตรงของความสามัคคีและจังหวะที่มีสีสันบริสุทธิ์ พื้นฐานของ "ความประทับใจ" "การแสดงด้นสด" และ "องค์ประกอบ" ในเวลาต่อมาของศิลปิน (ตามที่ Kandinsky เองก็แยกแยะวัฏจักรของผลงานของเขา) คือภาพของภูมิทัศน์ภูเขาที่สวยงามราวกับละลายในเมฆไปสู่การลืมเลือนของจักรวาลดังที่ ผู้เขียนและผู้ดูที่ใคร่ครวญก็ทะยานอยู่ในใจ การแสดงละครของภาพวาดสีน้ำมันและสีน้ำสร้างขึ้นจากการเล่นจุดสี จุด เส้น และสัญลักษณ์ส่วนบุคคลอย่างอิสระ
เลเกอร์ เฟอร์นันด์
Fernand Léger เป็นศิลปินแนวเอ็กซ์เพรสชันนิสต์ชาวฝรั่งเศส เกิดเมื่อปี พ.ศ. 2424 ในฝรั่งเศสในอาร์เจนตินา Leger ได้รับการศึกษาด้านสถาปัตยกรรมเป็นเวลา 2 ปี และต่อมาได้เป็นนักเรียนฟรีที่ School of Fine Arts ในปารีส ตั้งแต่ปี 1910 Léger เป็นผู้มีส่วนร่วมใน Salon des Independants ภาพวาดยุคแรกของเขา ("Nudes in the Forest", "Seated Woman") ถูกวาดในสไตล์คิวบิสม์ ร่วมกับแบรคและ ศิลปินชาวสเปนปาโบล ปิกัสโซ เลเกอร์มีบทบาทสำคัญในการก่อตัวและการแพร่กระจายของลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม การมีส่วนร่วมของLégerในสงครามโลกครั้งที่หนึ่งมีอิทธิพลต่อรูปแบบงานต่อมาของเขา ในภาพวาดของเขา Leger เริ่มใช้สัญลักษณ์ทางเทคโนโลยีมากมายโดยแสดงถึงวัตถุและผู้คนของเขาในรูปแบบทางเทคโนโลยีในเมือง "เมือง" เป็นหนึ่งในภาพวาดที่โดดเด่นที่สุดของเขาในเรื่องนี้ ผลงานของ Leger มีอิทธิพลสำคัญต่อการก่อตัวของนีโอพลาสติกนิยมในเนเธอร์แลนด์และคอนสตรัคติวิสต์ในสหภาพโซเวียต ในช่วงกลางศตวรรษที่ 20 Léger ก็ประสบความสำเร็จในฐานะศิลปินมัณฑนากรเช่นกัน ศิลปะประยุกต์และในฐานะประติมากร นอกจากนี้เขายังใช้หลักการของคอนสตรัคติวิสต์เพื่อสร้างกระเบื้องโมเสค เซรามิก และผ้าทอ ในภาพวาดสุดท้ายของเขา Léger ใช้การเน้นและการซ้อนทับสีเอกรงค์ในองค์ประกอบภาพ "The Big Parade" ซึ่งเป็นหนึ่งในภาพวาดสุดท้ายของเขา เป็นตัวอย่างที่ยิ่งใหญ่ของสไตล์ดั้งเดิมนี้
เอกอน ชีเลอ
เอกอน ชีเลอ- ศิลปินชาวออสเตรียหนึ่งในปรมาจารย์ที่ดีที่สุดของ European Art Nouveau [ดูภาคผนวก 5] เขาศึกษาที่ Vienna Academy of Fine Arts (1906-1909) ซึ่งภายใต้อิทธิพลของ Gustav Klimt เขาหันไปหาธีมเกี่ยวกับกาม ผลงานของ Schiele โดดเด่นด้วยภาพบุคคล และหลังจากเริ่มคุ้นเคยกับผลงานของ Van Gogh ในปี 1913 ก็มีทิวทัศน์ด้วย ภาพวาดและกราฟิกโดย Egon Schiele โดดเด่นด้วยอาการประหม่า ความแตกต่างของสีด้วยการออกแบบที่ยืดหยุ่นและซับซ้อนและความเร้าอารมณ์ที่น่าทึ่ง เป็นส่วนผสมของอาร์ตนูโวและการแสดงออก
โดยได้รับอิทธิพลอย่างมากจากจิตวิเคราะห์ของซิกมันด์ ฟรอยด์ Schiele ยอมให้ควบคุมความซับซ้อนและความสงสัยในงานของเขาได้อย่างอิสระ อาชีพทางศิลปะของ Egon Schiele นั้นสั้นแต่ประสบความสำเร็จ และผลงานหลายชิ้นของเขามีลักษณะทางเพศอย่างเปิดเผย สิ่งนี้นำไปสู่การจำคุกของศิลปินในข้อหา "สร้างภาพวาดที่ผิดศีลธรรม" ในปี พ.ศ. 2455-2459 Schiele จัดแสดงอย่างกว้างขวางและประสบความสำเร็จ - ผลงานของเขาถูกจัดแสดงในกรุงเวียนนา บูดาเปสต์ มิวนิก ปราก ฮัมบูร์ก สตุ๊ตการ์ท ซูริก ฮาเกิน เดรสเดน เบอร์ลิน โรม โคโลญ บรัสเซลส์ และปารีส ในปี พ.ศ. 2460 เขาเดินทางกลับเวียนนา หลังจากการเสียชีวิตของ Klimt ในฤดูใบไม้ผลิปี 1918 Schiele ก็เริ่มรับบทบาทนี้ ศิลปินที่ยิ่งใหญ่ที่สุดออสเตรีย. ผลงานที่โดดเด่นที่สุดของ Egon Schiele คือ: “Seated Woman”, 1917; "คุณแม่ยังสาว", 2457; "ความรัก", 2460; “ภาพเหมือนตนเอง”, 2455; "ครอบครัว" พ.ศ. 2461 ฯลฯ Schiele สร้างสไตล์ของตัวเองโดยเน้นไปที่รูปร่างเกือบทั้งหมด การตกแต่งโครงร่างของร่างกายใน "ภาพเปลือย" จำนวนมากของเขานั้นสื่ออารมณ์ได้เป็นพิเศษ นางแบบของ Schiele มักเป็นน้องสาวของเขาเกอร์ทรูด (“Gertie”) ซึ่งตามที่พวกเขาอ้างว่าเขามีอารมณ์ความรู้สึกที่รุนแรงและไม่เพียงแต่มีแรงดึงดูดจากครอบครัวเท่านั้น ความกังวลใจที่ไม่ธรรมดาของทุกฝีก้าวในภาพวาดของเขาทำให้เกิดอารมณ์รุนแรงในตัวผู้ชม และการใคร่ครวญสิ่งเหล่านี้เป็นเรื่องยากมากและบางครั้งก็เจ็บปวดด้วยซ้ำ
ด้วยสไตล์ที่เฉียบแหลมและประหม่าของเขา Schiele จึงถือเป็นหนึ่งในตัวแทนที่สำคัญที่สุดของการแสดงออก มรดกของศิลปินประกอบด้วยภาพวาดประมาณ 300 ภาพและภาพวาดหลายพันภาพ คอลเลกชันผลงานที่สมบูรณ์ที่สุดในโลกโดย Egon Schiele (ภาพวาดและงานกราฟิก 250 ชิ้น) ตั้งอยู่ในพิพิธภัณฑ์ Leopold ในกรุงเวียนนา มีการเขียนเอกสาร บทความ และแม้แต่นวนิยายสองเรื่องหลายเรื่องเกี่ยวกับ Egon Schiele (Arrogance โดย Joanna Scott และ The Pornographer จากเวียนนาโดย Lewis Crofts) และในปี 1981 มีการสร้างภาพยนตร์เกี่ยวกับเขา ภาพยนตร์สารคดี“Egon Schiele - Life as an Excess” (ร่วมผลิตของเยอรมนี ฝรั่งเศส และออสเตรีย)
Schiele เสียชีวิตตั้งแต่อายุยังน้อยด้วยโรคไข้หวัดใหญ่ในขณะที่งานของเขาได้รับการยอมรับ
ผลงานของศิลปินนิสต์แสดงออกถึงการประท้วงต่อต้านความอัปลักษณ์และความไม่สมบูรณ์ของอารยธรรมชนชั้นกลาง ความเป็นจริงในนั้นถูกแสดงออกมาอย่างมีอัตวิสัย พิลึกพิลั่น เกินจริงทางอารมณ์ และจงใจไร้เหตุผล ซึ่งทำให้ทิศทางใหม่แตกต่างจากอิมเพรสชั่นนิสต์ซึ่งเป็นพื้นฐาน ภาพศิลปะประกอบด้วยโลกแห่งความรู้สึกทางประสาทสัมผัสหลัก ขอบเขตระหว่างตัวละครในภาพวาดและสภาพแวดล้อมที่ล้อมรอบพวกเขาถูกทำลาย ลัทธิการแสดงออกต่อต้านสุนทรียนิยมและความเป็นธรรมชาติมากขึ้นโดยยืนยันความคิดในการเพิ่มแรงจูงใจของความเจ็บปวดและเสียงกรีดร้องอารมณ์ความรู้สึกที่เพิ่มมากขึ้นและผลกระทบทางอารมณ์โดยตรงต่อจิตใต้สำนึกส่วนลึกของบุคคล ในผลงานของศิลปินแนวเอ็กซ์เพรสชันนิสต์ หลักการของการแสดงอารมณ์มีชัยเหนือภาพ ภาษาศิลปะถูกกำหนดโดยการติดตั้งที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัว ป่าเถื่อน ความเป็นธรรมชาติ: พู่กันอิมพาสโตจำนวนมากวางบนผืนผ้าใบที่มีเนื้อหยาบในกรอบสีดำ ภาพวาดแสดงถึงลางสังหรณ์ของความสยองขวัญบางอย่างผ่านการเสียรูปของวัตถุ รูปแบบธรรมชาติ ราวกับว่าทุกสิ่งที่ดูไม่สั่นคลอนถูกทำลายและทำให้เสื่อมเสียชื่อเสียง
2. คุณสมบัติของภาพลักษณ์ของบุคคล
.1 การแสดงออกในภาพลักษณ์ของบุคคลโดย Egon Schiele
ตลอดอาชีพการงานของ Egon Schiele ภาพเหมือนตนเองยังคงเป็นแนวคิดที่ขาดไม่ได้ซึ่งปรากฏอยู่เบื้องหน้าอยู่ตลอดเวลา ศิลปินสร้างภาพของเขาเองประมาณร้อยภาพ จิตรกรสังเกตตัวเองอย่างใกล้ชิด ศึกษาวัตถุด้วยความพากเพียรคลั่งไคล้ เขาชอบวาดภาพตัวเอง รูปร่างหน้าตา และท่าทางของเขา ท่าทางในการถ่ายภาพตนเองของ Schiele มักมีเจตนาและไม่เป็นธรรมชาติ และระหว่างความเป็นตัวตนของศิลปินกับภาพลักษณ์ของเธอ มักจะมีความแปลกแยกที่ตึงเครียด คล้ายกับการเผชิญหน้าและการปฏิเสธ กระจกสะท้อน- สิ่งนี้สามารถเห็นได้ใน “ภาพเหมือนตนเอง” ปี 1914 [ดู ภาคผนวก 6] พื้นหลังสีขาวแผ่นงานมีความเป็นกลางอย่างยิ่ง ปรมาจารย์ที่ทำงานด้วยเส้นสายแข็งและสีฉูดฉาดทำให้ร่างกายขาดความมั่นใจและทำให้การเคลื่อนไหวของเขามีบุคลิกที่เฉียบแหลมและประหม่า โครงร่างของภาพไม่สม่ำเสมอและเป็นเหลี่ยม โทนสีส้มสว่างฉูดฉาดโทนเดียวช่วยเสริมการแสดงออก Schiele ในฐานะจิตรกรวาดภาพเหมือนไม่ค่อยสนใจในรูปแบบทางกายภาพภายนอกและไม่สนใจหมวดหมู่เช่นความสามัคคีและความงามเลย แต่ภาพที่ปรากฎมีความคล้ายคลึงภายในกับตัวแบบอย่างลึกซึ้ง
ภาพใด ๆ ที่ทำด้วยมือโดยใช้วิธีกราฟิก - เส้นขอบ, เส้นขีด, จุด การผสมผสานต่างๆ ของวิธีการเหล่านี้ (การรวมกันของลายเส้น การรวมกันของจุดและเส้น ฯลฯ ) ในการวาดภาพทำให้ได้การสร้างแบบจำลองพลาสติก เอฟเฟกต์โทนสีและแสงและเงาของภาพวาด ตามกฎแล้วจะทำในสีเดียวหรือมากกว่านั้น หรือใช้สีที่ต่างกันแบบออร์แกนิกน้อยลง Egon Schiele ใช้เส้นและสีช่วยสื่อถึงพลาสติกได้อย่างสดใสและน่าขัน ร่างกายมนุษย์- เส้นทำหน้าที่เป็นเส้นขีดซึ่งในภาพวาดเดียวกันสามารถหนาขึ้น บางลง สั้นลง ยาวขึ้นได้ ไม่ใช่เส้นต่อเนื่องกัน แต่ถูกขัดจังหวะ หรือในทางกลับกัน วางชิดกัน สร้างความประทับใจ เงา ตัวอย่างเช่น E. Schiele บรรยายถึงเนื้อผ้าที่แปลกประหลาดของเสื้อผ้าของนางแบบอย่างน่าสนใจ ศิลปินใช้เส้นเพื่อถ่ายทอดตำแหน่งของวัตถุในอวกาศและการเปลี่ยนแปลงรูปร่างของมัน มุมที่แตกต่างกัน.
เส้นช่วยเน้นส่วนหนึ่งของวัตถุได้อย่างชัดเจน ในขณะที่ละลายอีกส่วนหนึ่งของวัตถุ ทำให้ไม่มีใครสังเกตเห็น ฯลฯ Egon Schiele ใช้เส้นที่หักรุนแรงเพื่อสื่อถึงการเคลื่อนไหวและความเป็นพลาสติกของร่างกายมนุษย์ มุมที่ไม่ได้มาตรฐานจะทำให้ผู้ชมเห็นรูปลักษณ์ใหม่ของร่างกายมนุษย์ ศิลปินที่พรรณนาถึงความสัมพันธ์ของแสงและเงาในภาพวาดสามารถถ่ายทอดปริมาณและคุณสมบัติของแบบฟอร์มได้ดีขึ้น ศิลปินยังใช้สีเพื่อเน้นสิ่งสำคัญ E. Schiele ใช้การผสมสีที่ตัดกันเพื่อแสดงสิ่งสำคัญให้ชัดเจนยิ่งขึ้น สีเป็นวิธีการสะท้อนความเป็นจริงอย่างแท้จริง แต่ไม่ได้ทำหน้าที่แยกกัน แต่ใช้ร่วมกับองค์ประกอบ เส้นของภาพวาด เผยให้เห็นและปรับปรุงเนื้อหาของภาพ
ผลงานส่วนใหญ่ของ Egon Schiele มีนางแบบเปลือย สำหรับ Schiele ภาพเปลือยเป็นรูปแบบการแสดงออกถึงตัวตนที่รุนแรงที่สุด ไม่ใช่เพราะร่างกายถูกเปิดเผย แต่เป็นเพราะตัวตนถูกเปิดเผยอย่างเต็มที่ ในอีกด้านหนึ่งนี่คือการสาธิตและในอีกด้านหนึ่งการแยกตัว "ฉัน" ของร่างกายของตัวเองนั้นมาพร้อมกับการปฏิเสธที่จะกำหนดในอวกาศในภาพเหมือนตนเอง อย่างที่เคยเป็นมา Schiele ชำแหละร่างกาย โดยพรรณนาเฉพาะลำตัว แขนไม่มีมือ ขาไม่มีเท้า เห็นได้ชัดว่าเขาในฐานะนักวาดภาพบุคคลมีความเกี่ยวข้องกับรูปร่างภายนอกเพียงเล็กน้อยเท่านั้น เมื่อดูภาพถ่ายตัวเองบางส่วนของ Shipe ที่สร้างขึ้นหลังปี 1910 ก็เห็นได้ชัดว่าศิลปินมองว่าภาพเหล่านั้นเป็นรูปธรรม การรับรู้ทางศิลปะเนื้อหาทางจิตวิญญาณ แม้ว่าแน่นอนว่าเมื่อดูภาพเปลือยของตัวเองจะผิด แต่ไม่ได้สังเกตช่วงเวลาแห่งความหลงตัวเองและการชอบแสดงออก ศิลปินเปลือยคนนี้ก็แสดงตัวเองว่าเป็นสิ่งมีชีวิตทางเพศ อย่างไรก็ตาม คำอธิบายนี้ดูเหมือนจะไม่ครอบคลุมทั้งหมดเกี่ยวกับการถ่ายภาพตนเองเปลือยของเขา เพื่อนของ Schiele ไม่ได้บรรยายว่าเขาเป็นคนอีโรโตแมนเนียที่ไร้การควบคุมเลย และในภาพเปลือยที่ไม่น่าดูและทรมานบ่อยครั้งของเขา การเน้นหลักกามมากเกินไปอาจเป็นความผิดพลาด สิ่งที่ดูเหมือนสำคัญกว่า (และสิ่งที่ได้รับการยืนยันในจดหมายและบทกวีของเขา) คือข้อเท็จจริงที่ Schiele แนบมาด้วย คุ้มค่ามากเข้าใจและศึกษาตนเอง การสำรวจตนเองหมายถึงการจินตนาการว่าตนเป็นความเป็นคู่เสมอ เนื่องจากหัวข้อที่ทำการวิจัยก็มีปริมาณเช่นกัน Schiele พยายามตอบโต้การกระจายตัวทางประสาทสัมผัสของตัว "ฉัน" ของเขาเอง โดยสื่อถึงความหลากหลายของมัน ดังนั้นมันจึงค่อย ๆ กลายเป็นแนวคิดเชิงภาพที่ช่วยให้เขาเชื่อมต่อกับโลกได้อีกครั้ง
2.2 ภาพหญิงและชายในผลงานของ Egon Schiele
สิ่งใหม่ที่น่าสนใจที่สุดและแปลกพอสมควรสำหรับการมองเห็นของมนุษย์ยุคใหม่ก็คือร่างกายมนุษย์ เมื่อไม่กี่ทศวรรษที่แล้ว มีเพียงนักชีววิทยาเท่านั้นที่ศึกษาสิ่งนี้ และแม้แต่สิ่งเหล่านั้นก็ไม่สนใจร่างกายโดยรวมมากนัก แต่สนใจในอวัยวะแต่ละส่วนและหน้าที่ตามธรรมชาติของมันด้วย การเปลือยเปล่าหมายถึงการเป็นตัวของตัวเอง เป็นธรรมชาติ ไม่มีการปรุงแต่ง การเปลือยเปล่าคือการถูกเปิดโปง ถึง ร่างกายเปลือยเปล่าเปลือยเปล่าก็ต้องมองว่าเป็นวัตถุถูกคัดค้าน “คนเปลือยเผยให้เห็นตัวเอง ความเปลือยเปล่าถูกเปิดเผย คนเปลือยถูกประณามว่าจะไม่เปลือยเปล่า ความเปลือยเปล่าเป็นรูปแบบหนึ่งของเสื้อผ้า” (จอห์น เบอร์เกอร์)
ศิลปะแห่งจุดเปลี่ยนไม่ได้เป็นเพียงการมองหารูปแบบใหม่ๆ เท่านั้น แต่ยังรวมถึงเนื้อหาด้วย มุมมองใหม่ของโลก ความเป็นจริงโดยรอบ และปัจเจกบุคคลปรากฏขึ้น การหักเหของภาพลักษณ์ของผู้หญิงในศตวรรษที่ยี่สิบอย่างแปลกประหลาดสะท้อนให้เห็นในผลงานของ Egon Schiele ศิลปินไม่เพียงพยายามพรรณนาเท่านั้น คนทันสมัยแต่ยังเพื่อค้นหาอุดมคติของคุณ สิ่งนี้ทำให้เกิดชุดภาพเหมือนตนเองอันสวยงาม รูปภาพของหญิงร้าย การเปลี่ยนแปลงสไตล์อยู่ตลอดเวลา และการค้นหาสิ่งใหม่ ๆ E. Schiele วาดภาพบุคคล ภาพเหมือนของวาเลอรี นอยเซล (1912) [ดูภาคผนวก 7] ในอีกด้านหนึ่งความเบาและความไร้เดียงสาที่โทนสีชมพูอ่อนมอบให้กับภาพบุคคล แต่ในอีกด้านหนึ่งความวิตกกังวลและความรอบคอบซึ่งแทบจะสังเกตไม่เห็นได้เปิดแกลเลอรีภาพบุคคลของ E. Schiele ซึ่งจะมีคุณสมบัติเหล่านี้
จิตรกรรม “ผู้หญิงนั่ง” (2460) [ดูภาคผนวก 8] เป็นสัญลักษณ์ นี่คือภาพของ "หญิงประหาร"
ธีมของ "femme fatale" ยังคงดำเนินต่อไปโดยภาพวาด: "Nude" (1910); "ผู้หญิงในถุงน่องสีเขียว" (2460); "ผู้หญิงนั่งยอง" (2453); "นั่งเปลือย" (2457); "ผู้หญิงนอน" (2460) พวกเขาคือผู้ทำลายมนุษย์ ผู้เขียนแสดงให้เห็นว่าพลังทำลายล้างอันทรงพลังมาจาก "หญิงร้าย"
ภาพบุคคลที่ตระการตาที่สุดภาพหนึ่งถือเป็น “ผู้หญิงนั่งผมมือซ้าย” (พ.ศ. 2457) [ดูภาคผนวก 9] ฉันจะเรียกเขาว่าศูนย์รวมของอุดมคติของ Schiele - มั่นใจในตัวเองหลงตัวเองเล็กน้อย แต่ในขณะเดียวกันก็มีเสน่ห์และอ่อนหวานเธอก็น่าทึ่งในด้านความลึก
ความพยายามที่จะเข้าใจแก่นแท้ของความเป็นผู้หญิงสะท้อนให้เห็นบนผืนผ้าใบ “สตรีพันกัน” [ดูภาคผนวก 10] เด็กผู้หญิงสองคนที่เกี่ยวพันกันเป็นตัวแทนของสิ่งเดียว โดยที่ผู้ชายไม่สามารถเข้าไปได้ พวกเขาวนเวียนอยู่ในกระแสแห่งจิตสำนึกอันไม่มีที่สิ้นสุดของผู้เขียน มีความรู้สึกสงบและความสามัคคีมากกว่าความปีติยินดี ภาพนี้น่าจะพูดถึงสภาพจิตวิญญาณของผู้เขียนมากที่สุด ผู้หญิงในโครงเรื่องนี้เป็นภาพสะท้อนของความต้องการทางเพศที่ซ่อนเร้นและหมดสติของผู้ชาย (Freud's It) และการที่ร่างกายของผู้หญิงผสมผสานกันก็บ่งบอกถึงความลึกลับและความไม่รู้จักของพวกเขา
รูปลักษณ์ที่เร้าใจและน่าสนใจที่สะท้อนถึงแก่นแท้ ธรรมชาติของผู้หญิงคือภาพเขียน “คุณแม่ยังสาว” (พ.ศ. 2457)[ดูภาคผนวก 11] รูปแบบของภาพวาดที่มีการแทรกสี่เหลี่ยมสีดำที่มุมด้านบนพูดถึงความไม่สมบูรณ์ของการดำรงอยู่ของมนุษยชาติครึ่งหนึ่งที่อ่อนแอทั้งหมด เด็กเกาะติดกับหน้าอกของแม่ ร่างกายของพวกเขาเต็มไปด้วยชีวิตและความสดชื่น
ผลงานที่มีชื่อเสียงอีกชิ้นหนึ่งคือ “ความรัก” (1917)[ดูภาคผนวก 12] หากก่อนหน้านี้ชายคนหนึ่งไม่อยู่หรือเป็นตัวแทนของประจุลบ: สิ่งที่แตกต่างและไม่สอดคล้องกับหลักการของผู้หญิงตอนนี้ผู้เขียนแสดงให้เห็นถึงความสามัคคีซึ่งเป็นการรวมกันของสองสิ่งที่ตรงกันข้าม ชายและหญิงหลอมรวมเข้าด้วยกัน เป็นการยากที่จะขีดเส้นแบ่งระหว่างพวกเขา นี่ไม่ใช่แค่ทางกายภาพเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความใกล้ชิดทางจิตวิญญาณของคนสองคนที่สามารถต้านทานความชั่วร้าย ทำให้เกิดความดี ความรัก และชีวิตใหม่
ดังที่ได้กล่าวไว้ข้างต้น Egon Schiele มักวาดภาพเหมือนตนเอง ส่วนสำคัญของผลงานของเขาก็คือตัวเขาเอง ชุดภาพบุคคลจากปี 1910 [ดูภาคผนวก 13] เต็มไปด้วยความวิตกกังวล ความรุนแรง การเคลื่อนไหวของร่างกายคมชัดและคาดไม่ถึง E. Schiele แสดงตัวตนในสภาวะทางอารมณ์ต่างๆ ภาพวาด "ภาพเหมือนตนเองด้วยมือประสานกัน" (2453) แสดงถึงความสงบและความรอบคอบของฮีโร่ซึ่งเป็นกระบวนการของการตระหนักรู้ในตนเอง
แต่โดยพื้นฐานแล้ว อี. ชีเลอจินตนาการว่าตัวเองมีอารมณ์ที่สดใสมากขึ้น เช่น ความโกรธ ความโกรธ ความขุ่นเคือง ความเกลียดชัง ความขุ่นเคือง ความโกรธ ความรำคาญ การระคายเคือง ความพยาบาท การดูถูก การวิวาท การกบฏ การต่อต้าน ความเหงา
ผลงานเกือบทั้งหมดของ Schiele เต็มไปด้วยความเย้ายวนและบางครั้งในคำพูดของหลาย ๆ คนก็แสดงถึงกามารมณ์ที่ตรงไปตรงมาเกินไป E. Schiele มักถูกกล่าวหาว่าตรงไปตรงมาหรือแม้แต่สื่อลามกโดยนำเสนอบางสิ่งที่หลายคนไม่กล้าแม้แต่จะพูดถึงแก่ผู้ชมในวงกว้าง ภาพเหมือนตนเองของเขามีความเป็นสากลมากกว่าเรื่องส่วนตัวมาก สำหรับ Schiele ซึ่งเป็นคนร่วมสมัยของ Freud ภาพเหมือนตนเองไม่ใช่กระจกที่จับภาพเงาสะท้อนภายนอก แต่เป็นวิธีการเจาะลึกไปยังพื้นที่ที่ใกล้ชิดที่สุดของจิตใต้สำนึก ศิลปิน Schiele เกี่ยวข้องกับแบบจำลองของ Schiele ในฐานะนักจิตวิเคราะห์ที่มีผู้ป่วยศึกษาอย่างเจ็บปวดและพิถีพิถันในทุกคุณสมบัติของสิ่งที่ประกอบขึ้นเป็นภาพลักษณ์ที่เข้าใจยากของ "ฉัน" ของเรา Schiele ตรงไปตรงมาอย่างน่ากลัวในการศึกษาของเขา - บ่อยครั้งที่เขาวาดภาพตัวเองเปลือยเปล่าตรวจสอบร่างกายที่ผอมบางของเขาอย่างใกล้ชิดและภาพเหมือนตนเองบางภาพของเขาก็ทำให้ตกตะลึงแม้แต่กับผู้ชมยุคใหม่
ด้วยความเดือดดาลและการแสดงออกแบบเดียวกัน ด้วยความบ้าคลั่งและการเจาะเข้าไปในสาระสำคัญที่ซ่อนอยู่ของธรรมชาติเหมือนกัน เขาวาดภาพผู้หญิงและธรรมชาติของผู้หญิงเปลือย
ภาพวาดของ Egon Schiele มีภาพกราฟิกที่ไม่ธรรมดา เขามักจะใช้แสงและความมืดที่ตัดกันซึ่งดึงดูดและดึงดูดสายตาทันที ผู้คนในภาพเขียนของ Schiele ไม่เพียงแต่ไม่มีเสื้อผ้าเท่านั้น แต่ยังไม่มีผิวหนังอีกด้วย ร่างกาย แขนบิดเบี้ยว เปิดออกสู่โลกกว้างและเจ็บปวด แตกหัก บิดเบี้ยวทั้งภายในและภายนอก ภายในตัวบุคคลแม้จะอยู่ในช่วงกลางฤดูร้อนก็มีต้นไม้ในฤดูใบไม้ร่วง กิ่งก้านของต้นไม้หักจากภายนอก แต่กิ่งของคนหักจากข้างใน กิ่งก้านเป็นรอยแตกบนท้องฟ้าและหิน เส้นประสาทเป็นรอยแตกในร่างกาย นักประวัติศาสตร์ศิลปะบางคนเชื่อว่าผลงานทั้งหมดของ Schiele รวมถึงทิวทัศน์และวิวเมือง สะท้อนถึงประสบการณ์ทางอารมณ์ของศิลปิน และเป็น "ภาพเหมือนตนเอง" อย่างไม่น่าเชื่อ
นี่คือวิธีที่ Schiele สร้างอุดมคติแห่งความงามใหม่ในศตวรรษที่ 20 โดยพื้นฐานแล้วแตกต่างไปจากการแยกตัวออกจากกันและสัญลักษณ์ - นี่คือความงามของผู้น่าเกลียด ด้วยการซื้อกิจการ Egon ได้ก้าวไปข้างหน้าและกลายเป็นหนึ่งในเสาหลักของ Art Nouveau ร่วมกับ German Expressionists และ Austrian Kokoschka
ในขณะที่ยังเป็นชายหนุ่ม Egon Schiele เชื่อมั่นว่าความตายและความเจ็บป่วย ความทุกข์ทรมานและความยากจน ความเสื่อมโทรม ช่วยเพิ่มความรู้สึกถึงคุณค่าของชีวิตและความงาม
ด้วยท่าทางที่แสดงออก Schiele ได้เบลอขอบเขตระหว่างสุขภาพและความเจ็บป่วย ระหว่างชีวิตและความตาย ความงามที่สูงส่งและเต็มไปด้วยจิตวิญญาณที่สุดส่องสว่างบนขอบเขตแห่งชีวิตและความตาย ชะตากรรมของความงามคือการเบ่งบาน การเจ็บป่วย และเฉลิมฉลองชัยชนะในเวลาที่ "บิดเบี้ยว" “Alles ist lebend tot” (“การมีชีวิตอยู่ ทุกสิ่งคือความตาย”) - ความหมายของคำเหล่านี้โดย Egon Schiele คือความตายรังอยู่ในสิ่งมีชีวิต แต่ความตายในชีวิตช่วยเพิ่มความสดใสให้กับชีวิตในภายหลัง มีช่วงเวลาหนึ่งที่ศิลปินวาดภาพได้แม้ในคลินิกนรีเวชโดยได้รับอนุญาตจากแพทย์ที่คุ้นเคยเพราะหญิงตั้งครรภ์เป็นสัญลักษณ์ของความสามัคคีระหว่างชีวิตแม้กระทั่งชีวิตคู่ของแม่และทารกในครรภ์และการคุกคามของความตาย . ตั้งแต่ปี 1913 Schiele ได้พัฒนาลักษณะเฉพาะตัวในการวาดภาพเปลือยหรือกึ่งเปลือยในภาพวาดจำนวนมากของเขา นางแบบหญิงซึ่งปัจจุบันถือเป็นผลงานที่ดีที่สุดของเขาแล้ว [ดูภาคผนวก 14] ผลงานเหล่านี้มีลักษณะเฉพาะด้วยท่าทางที่ซับซ้อนและสร้างขึ้นอย่างผิดปกติของแบบจำลอง ซึ่งศิลปินมองเห็นในระดับมาก ระยะใกล้ด้านบนหรือด้านล่าง ผู้หญิงของ Schiele แสดงตัวเองอย่างชัดเจนภายใต้เสื้อคลุมที่ยกขึ้น นอกจากนี้ Schiele ยังชอบที่จะทิ้งบางส่วนของร่างกายไว้ไม่เสร็จ ซึ่งช่วยเพิ่มความรู้สึกตกตะลึงให้กับผู้ชม
ในปี 1918 Schiele ได้รับเชิญให้เข้าร่วมในนิทรรศการ Vienna Secession ครั้งที่ 49 สำหรับเธอ Schiele ได้พัฒนาสัญลักษณ์ที่ชวนให้นึกถึงโครงเรื่องของ The Last Supper ด้วย ภาพเหมือนของตัวเองแทนที่จะเป็นพระคริสต์ ผลงานของศิลปินถูกจัดแสดงในห้องโถงใหญ่และประสบความสำเร็จอย่างมาก แม้จะเกิดสงคราม แต่ราคาภาพวาดและภาพวาดของ Schiele ก็เพิ่มขึ้น และจำนวนคำสั่งซื้อโดยเฉพาะภาพบุคคลก็เพิ่มขึ้นด้วย เมื่อถึงเวลานั้นศิลปินเกือบจะละทิ้งการทดลองด้วยการวาดภาพอย่างเป็นทางการ ภาพวาดของเขาเข้าใกล้บรรทัดฐานความงามแบบคลาสสิกมากขึ้น: ร่างกายมนุษย์ในภาพวาดกลายเป็นพลาสติกและกลมกลืนกันมากขึ้น สีที่นุ่มนวลกว่า "ครอบครัว" (1918)
2.3 วิสัยทัศน์ของฉันเกี่ยวกับบุคคลในรูปแบบการแสดงออก
การเป็นศิลปินถือเป็นความท้าทายที่ยิ่งใหญ่ และนั่นหมายความว่า คุณมีภารกิจในชีวิต คุณต้องสำรวจ ศึกษา และค้นหาอยู่ตลอดเวลา ผลงานของฉันบิดเบือนวิสัยทัศน์ตามปกติของจิตวิญญาณและร่างกาย ในกระบวนการสร้างงาน ความพยายามหลักของฉันคือการรักษาสมดุลที่เหมาะสมระหว่างวิสัยทัศน์และบุคลิกภาพของฉัน ฉันยังเชื่อว่างานของฉันคือการตีความ ซึ่งเป็นวิธีถ่ายทอดจินตนาการและประสบการณ์ลงบนผืนผ้าใบผ่านภาพลักษณ์ของบุคคล ร่างมนุษย์ที่เปลือยเปล่าดึงดูดความสนใจของฉันมาโดยตลอด ฉันคิดว่าเพราะในสิ่งนี้ฉันสามารถแสดงความรู้สึกและมุมมองของฉันได้โดยตรงและทำให้ร่างกายมีรูปร่างใดก็ได้ ในความคิดของฉัน ไม่มีภาพเปลือยที่ "น่าเกลียด" หรือ "สวย" ทุกคนค้นพบความงามของตัวเอง บางครั้งแม้แต่ในสิ่งที่คนส่วนใหญ่มองว่าน่าเกลียดก็ตาม
ความสงสัยอย่างต่อเนื่องและการแสวงหาอุดมคติคือแก่นแท้ของงานของฉัน นี่คือจุดประสงค์พื้นฐานของศิลปะ - การสงสัย เพื่อปรับเปลี่ยนความเป็นจริง สร้างความเป็นจริงทางประสาทสัมผัสใหม่ โดยปราศจากมุมมองที่เป็นที่ยอมรับโดยทั่วไป ฉันกำลังพยายามแสดงสภาพที่ไม่เป็นระเบียบในธรรมชาติของมนุษย์ โดยใช้วิธีที่เป็นลักษณะเฉพาะของฉันเอง ฉันบิดเบี้ยว ทำให้เสียโฉม และยืดรูปร่างปกติในอวกาศ ดังนั้นจึงทำให้มีมิติของฉันเอง ซึ่งก็คือปริซึม ตัวเลขเหล่านี้จะถูกระงับภายในเวลา แช่แข็งอย่างเข้มงวด และอยู่ในสภาวะทางอารมณ์ต่างๆ ฉันกำลังพยายามถ่ายทอดเสียงร้องไห้แห่งความสิ้นหวังที่หลั่งไหลเข้ามาในภาพของฉัน เพื่อแสดงให้เห็นสภาวะทางอารมณ์ต่างๆ ของจิตวิญญาณของบุคคล เมื่อสร้างผลงาน ฉันมุ่งมั่นที่จะพัฒนาสไตล์ที่ไม่สมจริงด้วยองค์ประกอบของการแสดงออก: ชุดผลงาน "Labyrinth of the Soul" [ดูภาคผนวก 15]
บทสรุป
เมื่อสรุปทั้งหมดข้างต้น ดูเหมือนว่าเป็นไปได้ที่จะกำหนดข้อสรุปดังต่อไปนี้
§ Expressionism เป็นขบวนการสมัยใหม่ในศิลปะยุโรปตะวันตกโดยส่วนใหญ่อยู่ในเยอรมนีในช่วงสามแรกของศตวรรษที่ 20 ซึ่งเกิดขึ้นในช่วงเวลาประวัติศาสตร์ช่วงก่อนสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง รากฐานทางอุดมการณ์ของการแสดงออกคือการประท้วงแบบปัจเจกชนต่อโลกที่น่าเกลียด ความแปลกแยกของมนุษย์ที่เพิ่มขึ้นจากโลก ความรู้สึกไร้ที่อยู่อาศัย การล่มสลาย และการล่มสลายของหลักการเหล่านั้นซึ่งวัฒนธรรมยุโรปดูเหมือนจะอยู่อย่างมั่นคง
§ การแสดงออก (Expressionism) ไม่ได้กำหนดหน้าที่ของตัวเองมากนักในการสร้างความเป็นจริงขึ้นมาใหม่ แต่เป็นการแสดงออกถึงประสบการณ์ทางอารมณ์ที่เกิดจากความเป็นจริงนี้ เทคนิคทั่วไป ได้แก่ การกระจัดต่างๆ การพูดเกินจริง การทำให้ง่ายขึ้น การใช้การเจาะ สีที่ลุกเป็นไฟ และรูปทรงที่คมชัดและตึงเครียด
§ Egon Schiele เป็นศิลปินชาวออสเตรีย หนึ่งในปรมาจารย์ด้านการแสดงออกที่เก่งที่สุด จังหวะที่ซีดเซียวคมชัดและวิตกกังวลและเส้นแบ่งที่ไม่ลงรอยกันทำให้ผลงานของ E. Schiele แตกต่าง E. Schiele ใช้วิธีการแสดงออกที่ไม่เป็นมาตรฐานเพื่อเป็นตัวแทนของร่างกายและจิตวิญญาณของมนุษย์ โครงร่างของภาพไม่สม่ำเสมอและเป็นเหลี่ยม ภาพวาดของ Egon Schiele มีภาพกราฟิกที่ไม่ธรรมดา เขามักจะใช้แสงและความมืดที่ตัดกันซึ่งดึงดูดและดึงดูดสายตาทันที ผู้คนในภาพเขียนของ Schiele ไม่เพียงแต่ไม่มีเสื้อผ้าเท่านั้น แต่ยังไม่มีผิวหนังอีกด้วย ร่างกาย แขนบิดเบี้ยว เปิดออกสู่โลกกว้างและเจ็บปวด แตกหัก บิดเบี้ยวทั้งภายในและภายนอก
§ มีการพัฒนาผลงานหลายชุดซึ่งสะท้อนถึงความเข้าใจส่วนตัวของฉันเกี่ยวกับภาพลักษณ์ของร่างกายมนุษย์และจิตวิญญาณ รูปภาพเป็นกระบวนการที่ซับซ้อนและหลายมิติ รูปภาพประกอบด้วยแนวคิดที่ได้รับซึ่งสร้างขึ้นจากความประทับใจที่ได้รับ รวมถึงการสะสมและการประมวลผล ภาพถูกสร้างขึ้นบนพื้นฐานของการรับรู้ การรับรู้ทางประสาทสัมผัส สภาวะทางอารมณ์ และจินตนาการ เมื่อสร้างภาพในจิตใจและถ่ายโอนข้อมูลไปยังผืนผ้าใบ ความเข้าใจอย่างลึกซึ้งและการประมวลผลทางจิตวิญญาณของการรับรู้และความคิดจะเกิดขึ้นตามมุมมองและอุดมคติ ในอนาคตชุดที่นำเสนอจะได้รับการพัฒนาเพื่อการนำวิทยานิพนธ์ไปปฏิบัติจริง
อ้างอิง
1. Erwin Mitsch.Egon Schiele,.Phaidon, 1993.
2. แอชลีย์ บัสซีย์ การแสดงออก ขสมก., 2550.
3. Richard Lionel สารานุกรมแห่งการแสดงออก: จิตรกรรมและกราฟิก ม.2546
4. Pavlova N. Expressionism: ใน 5 ฉบับ ต. 4: 1848-1918 อ.: เนากา, 2511.
5. สนธยาแห่งมนุษยชาติ เนื้อเพลงของ Expressionism เยอรมัน ม., 1990.
6. การแสดงออก ม., 1966.
7. ไรน์ฮาร์ด สไตเนอร์ เอกอน ชีเลอ. ศิลปะ-ฤดูใบไม้ผลิ2002.
บาร์บารา เฮสส์. การแสดงออกเชิงนามธรรม ศิลปะ-ฤดูใบไม้ผลิ2008.
เปรี้ยวจี๊ดของรัสเซียในช่วงปี 1910-1920 และปัญหาการแสดงออก / ตัวแทน เอ็ด จี.เอฟ. โควาเลนโก; สถาบันการศึกษาศิลปะแห่งรัฐกระทรวงวัฒนธรรมแห่งสหพันธรัฐรัสเซีย - ม.: เนากา, 2546.
วูล์ฟ โนเบิร์ต. Expressionism = Expressionismus / เอ็ด ยูต้า โกรเซนิค. - ม.: Taschen, Art Spring, 2549.
Pestova N.V. แขกรับเชิญโดยบังเอิญจากสไตล์โกธิก: การแสดงออกของรัสเซีย ออสเตรีย และเยอรมัน: เอกสาร / สถาบันสอนการสอนแห่งรัฐอูราล - เยคาเทรินเบิร์ก: [บี. ฉัน), 2009.
จอห์น เบอร์เกอร์. ศิลปะแห่งการมองเห็น Cloudberry, 2012.
13. <#"justify">แอปพลิเคชัน
ภาคผนวก 1
ภาคผนวก 2
ภาคผนวก 3
ภาคผนวก 4
ภาคผนวก 5
ภาคผนวก 6
ภาคผนวก 7
ภาคผนวก 8
ภาคผนวก 9
ภาคผนวก 10
ภาคผนวก 11
ภาคผนวก 12
ภาคผนวก 13
ภาคผนวก 14
ภาคผนวก 15
กวดวิชา
ต้องการความช่วยเหลือในการศึกษาหัวข้อหรือไม่?
ผู้เชี่ยวชาญของเราจะแนะนำหรือให้บริการสอนพิเศษในหัวข้อที่คุณสนใจ
ส่งใบสมัครของคุณระบุหัวข้อในขณะนี้เพื่อค้นหาความเป็นไปได้ในการรับคำปรึกษา