Neobvyklé portréty umelca Marcella Castellaniho. Nezvyčajné portréty a maľby Hong Yi (21 fotografií)
Umenie môže byť čokoľvek. Niektorí ľudia vidia krásu prírody a sprostredkúvajú ju štetcom alebo dlátom, iní robia úžasné fotografie ľudského tela a iní nachádzajú krásu v hroznom - to je štýl, akým pracovali Caravaggio a Edvard Munch. Súčasní umelci nezaostávajú za otcami zakladateľmi.
1. Dado
Juhoslovanský Dado sa narodil v roku 1933 a zomrel v roku 2010. Na prvý pohľad sa jeho práca môže zdať úplne obyčajná až príjemná – je to dané výberom farebný rozsah: Veľa hororových umelcov volí čiernu alebo červenú, ale Dado miloval pastelové odtiene.
Ale pozrite sa bližšie na obrazy ako Veľká farma z roku 1963 alebo Futbalista z roku 1964 a uvidíte na nich groteskné bytosti. Ich tváre sú plné bolesti alebo utrpenia, na ich telách sú viditeľné nádory alebo nadbytočné orgány, alebo ich telá jednoducho sú nepravidelný tvar. Obrázky ako „Veľká farma“ sú v skutočnosti oveľa desivejšie ako číry horor – práve preto, že na prvý pohľad na nich nič strašné nezbadáte.
2. Keith Thompson
Keith Thompson je skôr komerčný umelec ako umelec. Príšery vytvoril pre Pacific Rim Guillerma Del Tora a Leviathana Scotta Westerfielda. Jeho práca sa vykonáva technikou, ktorú by ste očakávali skôr na kartách Magic: The Gathering než v múzeu.
Pozrite sa na jeho obraz „The Creature from Pripyat“: monštrum je vyrobené z niekoľkých zvierat a je strašne škaredé, ale dáva vynikajúcu predstavu o Thompsonovej technike. Monštrum má dokonca svoj príbeh – je vraj produktom černobyľskej katastrofy. Samozrejme, monštrum je trochu vymyslené, ako keby vyšlo priamo z 50-tych rokov, ale to ho nerobí o nič menej strašidelné.
Nadácia SCP prijala toto stvorenie ako svojho maskota a nazvala ho SCP-682. Ale Thompson má vo svojom arzenáli stále veľa podobných monštier a nájdu sa aj horšie.
3. Junji Ito
Na tému komerčných umelcov: niektorí kreslia komiksy. Pokiaľ ide o hororové komiksy, Junji Ito je šampión. Jeho príšery nie sú len groteskné: umelec starostlivo kreslí každú vrásku, každý záhyb na telách tvorov. To je to, čo ľudí desí, a nie iracionalita príšer.
Napríklad vo svojom komikse „The Riddle of Amigara Folt“ vyzlieka ľudí a posiela ich do diery v tvare človeka v pevnej skale – čím bližšie túto dieru vidíme, tým je strašidelnejšia, ale aj „z diaľky“ vyzerá strašidelne.
V jeho komiksovej sérii Uzumaki (Špirála) je chlapík posadnutý špirálami. Najprv sa jeho posadnutosť zdá byť smiešna a potom strašidelná. Navyše sa stáva strašidelným ešte predtým, ako sa z posadnutosti hrdinu stane mágia, pomocou ktorej premení človeka na niečo neľudské, no zároveň živé.
Itova práca vyniká medzi všetkými Japonská manga- jeho „normálne“ postavy vyzerajú nezvyčajne realisticky a dokonca roztomilo a príšery sa na pozadí zdajú ešte strašidelnejšie.
4. Zdzislaw Beksinski
Ak umelec povie: „Neviem si predstaviť, čo znamená racionalita v maľbe,“ pravdepodobne nemaľuje mačiatka.
Poľský maliar Zdzislaw Beksinski sa narodil v roku 1929. Desaťročia vytváral v žánri obrazy nočnej mory fantastický realizmus až do svojej hroznej smrti v roku 2005 (bol 17-krát bodnutý). Väčšina plodné obdobie jeho tvorba presiahla roky 1960 - 1980: potom vytvoril veľmi detailné snímky, ktoré sám nazval „fotografie svojich snov“.
Podľa Beksińského mu na význame konkrétneho obrazu nezáležalo, no niektoré jeho diela niečo jednoznačne symbolizujú. Napríklad v roku 1985 vytvoril obraz „Trollforgatok“. Umelec vyrastal v krajine zdevastovanej druhou svetovou vojnou, takže čierne postavy na obrázku môžu predstavovať poľských občanov a hlava je akási nemilosrdná autorita.
Samotný umelec tvrdil, že nič také nemal na mysli. V skutočnosti Beksinski o tomto obrázku povedal, že by sa mal brať ako vtip - to znamená skutočne čierny humor.
5. Wayne Barlow
Tisíce umelcov sa pokúsili zobraziť peklo, ale Wayne Barlow jednoznačne uspel. Aj keď ste nepočuli jeho meno, pravdepodobne ste videli jeho prácu. Podieľal sa na práci na filmoch ako Avatar Jamesa Camerona (režisér ho osobne pochválil), Pacific Rim, Harry Potter a väzeň z Azkabanu či Harry Potter a Ohnivá čaša. Jedno z jeho najvýznamnejších diel však možno nazvať knihou vydanou v roku 1998 s názvom „Inferno“.
Jeho peklom nie sú len kobky s démonickými pánmi a armádami. Barlow povedal: "Peklo je úplná ľahostajnosť k ľudskému utrpeniu." Jeho démoni často prejavujú záujem ľudské telá a duše a správajú sa skôr ako experimentátori – ignorujú bolesť iných ľudí. Pre jeho démonov ľudia vôbec nie sú predmetom nenávisti, ale len prostriedkom na nečinnú zábavu, nič viac.
6. Tetsuya Ishida
Na akrylových maľbách Isis sa ľudia často premieňajú na predmety, akými sú obaly, dopravné pásy, pisoáre alebo dokonca vankúše na hemoroidy. Má aj vizuálne príjemné obrazy ľudí, ktorí splývajú s prírodou alebo do nej unikajú magická krajina svoju predstavivosť. Takéto diela sú však oveľa slabšie ako obrazy, na ktorých sa pracovníci reštaurácie menia na figuríny pumpujúce jedlo do zákazníkov, ako keby obsluhovali autá na čerpacej stanici.
Bez ohľadu na názor na precíznosť a nadhľad umelca či názornosť jeho metafor nemožno poprieť, že štýl jeho tvorby je desivý. Akýkoľvek humor v Isis ide ruka v ruke so znechutením a strachom. Jeho kariéra sa skončila v roku 2005, keď 31-ročného Ishidu zrazil vlak pri takmer istom samovražde. Diela, ktoré po sebe zanechal, sú ocenené na státisíce dolárov.
7. Dariusz Zawadzki
Závadský sa narodil v roku 1958. Rovnako ako Beksinski pracuje v štýle desivého fantastického realizmu. Jeho učitelia v umeleckej školy Závadskému povedali, že nemá veľmi dobrý zrak a biedne oko, takže sa umelcom nestane. No jasne urobili unáhlené závery.
Zavadského diela obsahujú prvky steampunku: často kreslí stvorenia podobné robotom, pod umelá koža ktoré ukazujú pracovné mechanizmy. Pozrite sa napríklad na olejomaľbu „Hniezdo“ z roku 2007. Pózy vtákov sú rovnaké ako u živých vtákov, ale rám je jasne kovový, sotva pokrytý kúskami kože. Obrázok môže spôsobiť znechutenie, ale zároveň priťahuje pohľad - chcete sa pozrieť na všetky detaily.
8. Joshua Hoffin
Joshua Hoffin sa narodil v roku 1973 v Emporia, Kansas. Robí desivé fotografie, na ktorých sa odohrávajú rozprávky známe z detstva desivé črty- história sa, samozrejme, dá naučiť, no zároveň je jej význam značne skreslený.
Mnohé z jeho diel vyzerajú príliš inscenovane a neprirodzene na to, aby boli skutočne desivé. Existujú však aj série fotografií ako „Pickman's Masterpieces“ - toto je pocta jednej z Lovecraftových postáv, umelcovi Pickmanovi.
Na fotografiách z roku 2008, ktoré si môžete pozrieť tu, je jeho dcéra Chloe. Na tvári dievčaťa nie sú takmer žiadne emócie a takmer sa nepozerá smerom k publiku. Ten kontrast je desivý: rodinná fotografia na nočnom stolíku dievča v ružovom pyžame - a obrovské šváby.
9. Patrizia Piccinini
Piccininiho sochy sa niekedy navzájom veľmi líšia: niektoré sochy sú motocykle nepravidelného tvaru, iné sú zvláštne balóny horúceho vzduchu. Väčšinou však vytvára sochy, s ktorými je veľmi, veľmi nepríjemné stáť v jednej miestnosti. Dokonca na fotografiách vyzerajú strašidelne.
V diele z roku 2004 „Nedeliteľný“ je humanoid pritlačený na chrbát normálneho ľudského dieťaťa. Najviac znepokojujúci je prvok dôvery a náklonnosti – akoby bola nevinnosť dieťaťa kruto využívaná v jeho neprospech.
Samozrejme, Piccininiho práca je kritizovaná. O „Nedeliteľnom“ dokonca povedali, že to nie je socha, ale nejaké skutočné zviera. Ale nie - je to len výplod jej fantázie a umelkyňa naďalej vytvára svoje diela zo sklenených vlákien, silikónu a vlasov.
10. Mark Powell
Diela Austrálčana Marka Powella sú skutočne šokujúce. Jeho show z roku 2012 obsahuje sériu kompozícií, v ktorých sa fantastické tvory vyvíjajú, požierajú a oddeľujú od seba vlastné telá, množiť sa a rozkladať. Textúry bytostí a prostredia sú mimoriadne presvedčivé a reč tela postáv je precízne zvolená tak, aby situácie pôsobili čo najobyčajnejšie – a teda presvedčivo.
Internet si samozrejme nemohol pomôcť, ale dať umelcovi, čo mu patrí. Spomínaná „SCP Foundation“ vzala nechutné monštrum z obrázku vyššie a urobila z neho súčasť príbehu s názvom „The Flesh That Hates“. S jeho tvorbou sa spája aj veľa hororových príbehov.
Umelkyňa Hong Yi zo Šanghaja je známa svojimi nezvyčajnými portrétmi s použitím improvizovaných materiálov: škvrny od kávy, basketbalové výtlačky, ponožky a ďalšie. Nadaná a neúnavná 28-ročná Hong Yi nachádza stále nové a nové prístupy a materiály: portrét speváčky Adele vytvorila z roztaveného vosku zo sviečok, portrét politika z vlastných maľovaných kvetov. Predstavuje sa tu niekoľko nových a už dobre známych starých projektov umelca.
Portrét speváčky Adele zo sviečok
Hong Yi strávil asi 1500 modrých sviečok a sedem hodín práce pri vytváraní portrétu speváčky Adele. K emotívnej skladbe „Set Fire to the Rain“ o stratenej láske a zlomené srdce dievča roztopilo vosk, popálilo si prsty a beznádejne si zafarbilo svoje obľúbené nohavice.
Portrét kvetov
A tentoraz sa umelkyňa zaobišla bez štetcov a stylusov. Materiál na vytvorenie portrétu Barmánca politik Aun Schan Su Ťij slúžila potravinárske farbivo, 2000 bielych karafiátov a plastové poháre. Zmiešaním vody a farby v rôznych pomeroch dosiahol Hong Yi rôzne odtiene čerstvých kvetov.
Portrét vyrobený z ponožiek
Hong Yi použil 750 párov ponožiek na vytvorenie portrétu čínskeho režiséra Zhang Yimou. Strávila viac ako 3 týždne spájaním čiernych, bielych a sivých ponožiek. Dievča inšpirovalo pre projekt starý čínska tradícia sušenie bielizne na bambusových paličkách pripevnených na oknách v uličkách domov. Umelec to považoval za veľmi krásne a hodné využitia v umení. A použil som ponožky, pretože oni malá veľkosť, lacné a pohodlnejšie sa s nimi pracuje ako napríklad s tričkami.
Portrét škvŕn od kávy
Hong Yi (26) popíjala rannú kávu pri počúvaní piesne populárneho taiwanského speváka Jay Chou. Pieseň sa začala vetou o vyberaní šálky kávy z podšálky a pokračovala príbehom o cestovaní 20 rokov do minulosti. Náhodným položením šálky na biely obrus a nie na tanierik zanechal Hong Yi na bielej utierke jasnú škvrnu od kávy. Umelkyňa teda prišla s nápadom namaľovať portrét svojho obľúbeného speváka pomocou dna šálky kávy. Ukázalo sa originálna maľba sépiový tón, ktorého vytvorenie trvalo približne 12 hodín.
Väčšina portrétov sa v podstate fotí vo výške očí objektu. Tento prístup k streľbe, aj keď je správny, je dosť formulový a nudný. Skúste zmeniť uhol snímania, môže vám to pomôcť nasnímať naozaj krásne, nezvyčajné fotografie.
Pokúste sa postaviť vyššie, snažte sa dostať čo najviac nad hlavu objektu a snímajte objekt z výšky. V každom prípade získate nový uhol snímania, čo znamená, že vo výsledku budú vaše fotografie prinajmenšom nezvyčajné.
2. Pohľad do strany
Je úžasné, ako veľmi dokáže pohľad objektu ovplyvniť náladu záberu a celkový obraz. Na väčšine fotografií sme zvyknutí pozerať sa do rámu, ale pohľad do strany môže spôsobiť, že fotografia bude vyzerať inak.
A. Pohľad mimo kamery. Povedzme, že váš model vidí niečo neviditeľné, ale veľmi zaujímavé, a zvedavo sa na to pozerá, vyrušený z fotografovania. Takéto fotografie vyzerajú veľmi úprimne, zdá sa, že vyžarujú nové emócie. Aby bol takýto portrét pravdivejší, nájdite niečo zaujímavé niekde za fotoaparátom a požiadajte osobu, aby sa na tento objekt pozrela. To mu uľahčí prejaviť sa prekvapením, potešením alebo záujmom o niečo.
Foto od monicutza80
B. Pohľad pomocou fotoaparátu. Ide o fotografie, na ktorých sa modelka aj fotoaparát pozerajú na niečo spoločné. Napríklad, dieťa sa hrá s loptou a pozerá sa na ňu, zatiaľ čo vy ho fotíte s tou istou loptou, alebo je rodič pohltený vlastné dieťa, a kamera sa zároveň „díva“ na dieťa. Vymyslite nejaké zaujímavá vec, ktorý je v zornom poli kamery, a zaujímať modelku o ňu. Takéto fotografie sú veľmi zmysluplné, rozprávajú určitý príbeh, majú zápletku.
Foto Paulbence
3. Porušte pravidlá kompozície
Existuje mnoho „pravidiel“ a odporúčaní, ako „lepšie“ odfotografovať konkrétny objekt v určitom prípade. A samozrejme, tieto pravidlá musí poznať každý. A vedieť len preto, aby ste sa naučili, ako ich krásne porušovať. Krásne porušenie pravidiel povedie ku krásnemu výsledku. 
Pravidlo tri je jedno z pravidiel, ktoré môžete porušiť. Vytvorením „mŕtvych oblastí“ (tých, v ktorých je prázdnota, nie sú tam žiadne logické objekty), dávate väčšiu silu obrazu osoby na fotografii. Kreatívne umiestnenie objektu priamo na okraj fotografie môže vytvoriť zaujímavý, nezvyčajný obrázok.
Iné pravidlá. Porušenie iných pravidiel, ktoré sa zvyčajne dodržiavajú pri portrétnej fotografii, môže tiež dobre fungovať na vytvorenie nezvyčajného, netradičného obrazu.
4. Experimentujte s osvetlením
Ďalším prvkom náhody, ktorý sa dá pri fotografovaní využiť, je svetlo. Čo sa týka využitia a hry so svetlom pri fotografovaní, možnosti sú takmer nekonečné. Použitie bočného osvetlenia môže vytvoriť dojem protisvetla s absolútnou tmou na druhej strane tváre, dodá fotografii tajomnosť, tajomnosť a mystiku.
Foto Bukutgirl
Použitie pomalej synchronizácie blesku môže vytvoriť úplne nezvyčajný vzhľad a zaujímavý efekt osvetlenie, vyskúšajte.
Foto diskometódou
5. Vystúpte zo svojej komfortnej zóny
Veľmi často sa stáva, že pri fotení vo vlastnej komfortnej zóne a v komfortnej zóne modelky máme príliš nudné, monotónne a nezaujímavé snímky. Toto nie sú fotografie, ktoré spôsobia potešenie a radosť o mnoho rokov neskôr, sú to fotografie, na ktoré môžete o týždeň zabudnúť. Aby ste tomu zabránili, skúste vymyslieť a urobiť niečo výnimočné, niečo, čo sa vám môže zdať hlúpe, absurdné a vtipné. Požiadajte napríklad svoju modelku, aby skočila, len vyskočila a robila smiešne pózy a grimasy s jej telom a tvárou. Môžete požiadať modelku, aby predstierala, že na vás skáče, predstavte si, že po chvíli pri pohľade na túto fotografiu sa vám bude zdať, že osoba na fotografii skáče priamo na diváka. Je to zábavné, je to vtipné a hlavne to vôbec nie je nudné. Vy a váš model si užívate samotný proces fotografovania a to je kľúč k úspechu.
Foto od TeeRish
6. Zachyťte skutočné pocity
Inscenované zábery takmer vždy pôsobia teatrálne a neprirodzene. A sú ľudia, ktorí sa jednoducho nevedia prejaviť v inscenovaných záberoch, jednoducho sa nedokážu prinútiť zo seba niečo vyžmýkať. Nie vždy treba natáčať talentovaní herci, nie?
V tomto prípade by bolo oveľa vhodnejšie osobu odfotografovať pracovné prostredie, alebo s rodinou. To mu umožní uvoľniť sa, správať sa v pohode a byť čo najúprimnejší. Môžete si dokonca vziať zoom objektív a zinscenovať natáčanie tak, že budete paparazzi, ktorí sledujú jeho „obeť“
Toto je obzvlášť dôležité praktizovať herná uniforma fotografovanie, pri fotení detí. Požiadajte svoje dieťa, aby vám ukázalo svoje obľúbené hračky, odfoťte ho, keď sa hrá, číta, študuje, keď je skutočne, úprimne zapálené pre to, čo robí.
Foto: phitar
7. Bod záujmu
Pridaním nejakého extra zaujímavého prvku k fotografii vytvoríte ďalší bod pozornosti vo vašom ráme. Áno, v tomto prípade riskujete odvrátenie pozornosti od hlavného predmetu, ale ak to urobíte opatrne, výsledky vás nepochybne potešia. Povedzme, že chcete dať svoje fotografie dejová línia alebo prehrajte obrázok, ale je nepravdepodobné, že budete úspešní, pokiaľ k svojej fotografii nepridáte ďalší objekt záujmu.
Foto od Mrs. Bludisko
8. Zamerajte sa na jednu časť tela
Objekt môžete zachytiť fotografovaním na veľkú ohniskovej vzdialenosti a môžete sa sústrediť na to najdôležitejšie. Nefotografujte celú osobu, ale zapojte ruky, pery, oči, každá takáto fotografia bude mať pre diváka špeciálnu náladu, špeciálne posolstvo. Vo všeobecnosti môžete fotografovať osobu od pása nahor, čím necháte divákovi príležitosť premýšľať a predstaviť si celý obraz. Veľmi často to, čo nie je zahrnuté v ráme, hovorí o niečom viac ako to, čo je v ňom.
Foto Bukutgirl
Zdá sa, že niektoré umelecké diela zasiahnu diváka cez hlavu, sú ohromujúce a úžasné. Niektoré vás vtiahnu do myšlienok a pri hľadaní vrstiev významu, tajnej symboliky. Niektoré obrazy sú zahalené tajomstvom a mystickými záhadami a niektoré prekvapia premrštenými cenami.
„Podivnosť“ je skôr subjektívny pojem a každý má svoje vlastné úžasné obrazy, ktoré sa odlišujú od iných umeleckých diel.Edvard Munch "Výkrik"
1893, kartón, olej, tempera, pastel. Rozmer 91×73,5 cm
Národná galéria, Oslo
"The Scream" je považovaný za medzník expresionizmu a jeden z najvýznamnejších slávne obrazy vo svete.
„Išiel som po cestičke s dvoma priateľmi – slnko zapadalo – zrazu sa obloha sfarbila do krvavočervenej farby, zastavil som sa vyčerpaný a oprel som sa o plot – pozrel som sa na krv a plamene nad modročiernym fjordom a mesto - moji priatelia sa pohli ďalej a ja som stál a triasol som sa vzrušením a cítil som, ako nekonečný krik preniká prírodou,“ povedal o histórii obrazu Edvard Munch.
Existujú dve interpretácie toho, čo je zobrazené: je to samotný hrdina, ktorý je zachvátený hrôzou a ticho kričí, tlačí si ruky na uši; alebo si hrdina zatvára uši pred krikom sveta a prírody znejúcej okolo neho. Munch napísal 4 verzie „Výkriku“ a existuje verzia, že tento obraz je ovocím maniodepresívnej psychózy, ktorou umelec trpel. Po kúre na klinike sa Munch nevrátil k práci na plátne.
Paul Gauguin „Odkiaľ pochádzame? kto sme? kam ideme?
1897-1898, olej na plátne. 139,1 × 374,6 cm
múzeum výtvarného umenia, Boston
Hlboko filozofický obraz postimpresionistu Paula Gauguina namaľoval na Tahiti, kam utiekol z Paríža. Po dokončení diela chcel dokonca spáchať samovraždu, pretože „Verím, že tento obraz nielenže prekoná všetky moje predchádzajúce a že už nikdy nevytvorím nič lepšie alebo dokonca podobné.“ Žil ďalších 5 rokov a tak sa aj stalo.
Podľa samotného Gauguina by sa mal obraz čítať sprava doľava – tri hlavné skupiny postáv ilustrujú otázky položené v názve. Tri ženy s dieťaťom predstavujú začiatok života; stredná skupina symbolizuje každodennú existenciu zrelosti; vo finálnej skupine, podľa umelcovho plánu, “ stará žena, blížiac sa k smrti, zdá sa, že je zmierená a odovzdaná svojim myšlienkam“, pri jej nohách „zvláštne biely vták...predstavuje zbytočnosť slov.“
Pablo Picasso "Guernica"
1937, olej na plátne. Rozmer 349 × 776 cm
Múzeum Reina Sofia, Madrid
Obrovská freska „Guernica“, ktorú namaľoval Picasso v roku 1937, rozpráva príbeh o nájazde dobrovoľníckej jednotky Luftwaffe na mesto Guernica, v dôsledku čoho bolo šesťtisícové mesto úplne zničené. Obraz bol namaľovaný doslova za mesiac - prvé dni práce na obraze Picasso pracoval 10-12 hodín a už v prvých náčrtoch bolo vidieť hlavná myšlienka. Toto je jedna z najlepších ilustrácií nočnej mory fašizmu, ako aj ľudskej krutosti a smútku.
Guernica uvádza výjavy smrti, násilia, brutality, utrpenia a bezmocnosti bez toho, aby špecifikovala ich bezprostredné príčiny, sú však zrejmé. Hovorí sa, že v roku 1940 bol Pablo Picasso predvolaný na gestapo v Paríži. Rozhovor sa okamžite zvrtol na obraz. "Urobil si to?" -"Nie, urobil si to."
Jan van Eyck "Portrét páru Arnolfini"
1434, drevo, olej. 81,8 × 59,7 cm
Londýn národná galéria, Londýn
Portrét, údajne Giovanniho di Nicolao Arnolfiniho a jeho manželky, je jedným z najkomplexnejších diel západnej školy severskej renesančnej maľby.
Slávny obraz je úplne plný symbolov, alegórií a rôznych odkazov – až po nápis „Jan van Eyck tu bol“, vďaka čomu sa z neho stalo nielen umelecké dielo, ale aj historický dokument, čo potvrdzuje skutočnú udalosť, na ktorej bol umelec prítomný.
V Rusku posledné roky Obraz získal veľkú popularitu vďaka podobnosti Arnolfiniho portrétu s Vladimírom Putinom.
Michail Vrubel "Sediaci démon"
1890, olej na plátne. Rozmer 114×211 cm
Tretiakovská galéria, Moskva
Obraz Michaila Vrubela prekvapuje obrazom démona. Smutný dlhovlasý chlapík sa vôbec nepodobá bežnej ľudskej predstave o tom, ako by mal vyzerať zlý duch. Samotný umelec hovoril o svojom najslávnejšom obraze: „Démon nie je ani tak zlý duch, ako skôr trpiaci a smutný duch, zároveň mocný, majestátny duch. Toto je obraz sily ľudského ducha, vnútorného boja, pochybností. Démon s tragickým zovretím rúk sedí so smutnými, obrovskými očami smerujúcimi do diaľky, obklopený kvetmi. Kompozícia zdôrazňuje obmedzenie postavy démona, ako keby bola vtlačená medzi hornú a dolnú priečku rámu.
Vasily Vereshchagin „Apoteóza vojny“
1871, olej na plátne. Rozmer 127×197 cm
Štátna Treťjakovská galéria, Moskva
Vereščagin je jedným z hlavných ruských bojových maliarov, ale maľoval vojny a bitky nie preto, že by ich miloval. Naopak, snažil sa ľuďom sprostredkovať svoje negatívny postoj do vojny. Jedného dňa Vereščagin v zápale emócií zvolal: „Viac bojové maľby Nebudem písať - to je všetko! To, čo píšem, si beriem príliš blízko k srdcu, plačem (doslova) od smútku každého zraneného a zabitého.“ Pravdepodobne výsledkom tohto zvolania bol hrozný a očarujúci obraz „Apoteóza vojny“, ktorý zobrazuje pole, vrany a horu ľudských lebiek.
Obraz je namaľovaný tak hlboko a emotívne, že za každou lebkou ležiacou v tejto kôpke začínate vidieť ľudí, ich osudy a osudy tých, ktorí týchto ľudí už nikdy neuvidia. Samotný Vereshchagin so smutným sarkazmom nazval plátno „zátišie“ - zobrazuje „mŕtvu prírodu“.
Všetky detaily obrazu, vrátane žltej farby, symbolizujú smrť a skazu. Jasné modrá obloha zdôrazňuje mŕtvosť obrazu. Myšlienku „Apoteózy vojny“ vyjadrujú aj jazvy po šable a diery po guľkách na lebkách.
Grant Wood "Americká gotika"
1930, olej. Rozmer 74×62 cm
Art Institute of Chicago, Chicago
„Americká gotika“ je jedným z najznámejších obrázkov v americké umenie XX storočia, najznámejší umelecký mém XX a XXI storočia.
Obraz s pochmúrnym otcom a dcérou je plný detailov, ktoré naznačujú krutosť, puritánstvo a retrográdnu povahu zobrazených ľudí. Nahnevané tváre, vidly priamo v strede obrazu, staromódne oblečenie aj na pomery z roku 1930, odhalený lakeť, švy na farmárskych šatách, ktoré opakujú tvar vidly, a teda hrozba, ktorá je adresovaná každému kto zasahuje. Môžete sa pozerať na všetky tieto detaily donekonečna a krčiť sa od nepohodlia.
Zaujímavé je, že porotcovia súťaže na Art Institute of Chicago vnímali „gotiku“ ako „vtipnú valentínku“ a ľudí z Iowy Wood strašne urazil za to, že ich vykreslil v tak nepríjemnom svetle.
Rene Magritte "Milenci"
1928, olej na plátne
Obraz „Lovers“ („Milovníci“) existuje v dvoch verziách. V jednom sa muž a žena, ktorých hlavy sú zabalené v bielom plátne, bozkávajú, v druhom sa „dívajú“ na diváka. Obraz prekvapí a zaujme. S dvoma postavami bez tváre Magritte vyjadril myšlienku slepoty lásky. O slepote v každom zmysle: milenci nikoho nevidia, my ich nevidíme pravé tváre a my, a okrem toho, milenci sme záhadou aj jeden pre druhého. Ale napriek tejto zjavnej jasnosti sa stále pozeráme na Magritteových milencov a premýšľame o nich.
Takmer všetky Magrittove obrazy sú hádanky, ktoré nemožno úplne vyriešiť, pretože vyvolávajú otázky o samotnej podstate existencie. Magritte vždy hovorí o klamstve viditeľného, o jeho skrytom tajomstve, ktoré si zvyčajne nevšimneme.
Marc Chagall "Chôdza"
1917, olej na plátne
Štátna Treťjakovská galéria
Marc Chagall, zvyčajne mimoriadne vážny vo svojej maľbe, napísal nádherný manifest vlastného šťastia, plný alegórií a lásky. „Walk“ je autoportrét s jeho manželkou Bellou. Jeho milovaná sa vznáša na oblohe a čoskoro strhne Chagall, ktorý neisto stojí na zemi, do letu, akoby sa jej dotýkal len špičkami topánok. Chagall má v druhej ruke sýkorku - teší sa, v rukách má aj sýkorku (asi jeho obraz) aj koláč na oblohe.
Hieronymus Bosch "Záhrada pozemských rozkoší"
1500-1510, drevo, olej. Rozmer 389 × 220 cm
Prado, Španielsko
„Záhrada pozemské radosti“- najslávnejší triptych Hieronyma Boscha, ktorý dostal svoje meno podľa témy ústrednej časti, je venovaný hriechu zmyselnosti. Dodnes nebola žiadna z dostupných interpretácií maľby uznaná ako jediná správna.
Pretrvávajúce čaro a zároveň zvláštnosť triptychu spočíva v spôsobe, akým umelec prostredníctvom mnohých detailov vyjadruje hlavnú myšlienku. Obraz je vyplnený priehľadnými postavami, fantastickými štruktúrami, príšerami, halucináciami, ktoré nadobudli telo, pekelnými karikatúrami reality, na ktorú sa pozerá skúmavým, mimoriadne ostrým pohľadom. Niektorí vedci chceli v triptychu vidieť zobrazenie ľudského života cez prizmu jeho márnosti a obrazov pozemská láska, iní - triumf zmyselnosti. Jednoduchosť a istý odstup, s akým sú jednotlivé postavy interpretované, ako aj priaznivý postoj cirkevnej vrchnosti k tomuto dielu však vyvolávajú pochybnosti, že by jeho obsahom mohlo byť ospevovanie telesných pôžitkov.
Gustav Klimt „Tri veky ženy“
1905, olej na plátne. Rozmer 180×180 cm
Národná galéria súčasné umenie, Rím
„Tri veky ženy“ sú radostné aj smutné. Príbeh života ženy je v ňom napísaný v troch postavách: bezstarostnosť, pokoj a zúfalstvo. Mladá žena je organicky votkaná do vzorca života, stará z neho vyčnieva. Stáva sa kontrastom medzi štylizovaným obrazom mladej ženy a naturalistickým obrazom starej ženy symbolický význam: prvá fáza života so sebou prináša nekonečné možnosti a metamorfózy, posledná - nemenná stálosť a konflikt s realitou.
Plátno nepustí, dostane sa do duše a prinúti vás zamyslieť sa nad hĺbkou umelcovho posolstva, ako aj nad hĺbkou a nevyhnutnosťou života.
Egon Schiele "Rodina"
1918, olej na plátne. 152,5 × 162,5 cm
Galéria Belvedere, Viedeň
Schiele bol Klimtovým žiakom, no ako každý vynikajúci žiak nekopíroval svojho učiteľa, ale hľadal niečo nové. Schiele je oveľa tragickejší, podivnejší a desivejší ako Gustav Klimt. V jeho dielach je veľa toho, čo by sa dalo nazvať pornografiou, rôzne zvrátenosti, naturalizmus a zároveň ubolené zúfalstvo.
"Rodina" je jeho posledná práca, v ktorom je zúfalstvo dovedené do extrému napriek tomu, že ide o jeho najmenej zvláštne vyzerajúcu snímku. Namaľoval ho tesne pred smrťou, po tom, čo jeho tehotná manželka Edith zomrela na španielsku chrípku. Zomrel vo veku 28 rokov, len tri dni po Edith, keď namaľoval ju, seba a ich nenarodené dieťa.
Frida Kahlo "Dve Fridy"
Príbeh ťažký život Mexický umelec Frida Kahlo sa stala všeobecne známou po uvedení filmu „Frida“ so Salmou Hayek v r vedúcu úlohu. Kahlo maľovala väčšinou autoportréty a vysvetlila to jednoducho: „Maľujem sa, pretože trávim veľa času sama a pretože som téma, ktorú poznám najlepšie.“
Ani na jednom autoportréte sa Frida Kahlo neusmieva: vážna, ba až smútočná tvár, zrastené husté obočie, sotva badateľné fúzy nad pevne stlačenými perami. Myšlienky jej obrazov sú zakódované v detailoch, pozadí, postavách vystupujúcich vedľa Fridy. Kahloho symbolika vychádza z národné tradície a úzko súvisí s indickou mytológiou predhispánskeho obdobia.
V jednom z najlepšie maľby- "Dve Fridy" - vyjadrila mužské a ženský, v ňom prepojený jediným obehovým systémom, demonštrujúcim jeho celistvosť.
Claude Monet „Most Waterloo. Efekt hmly"
1899, olej na plátne
Štátne múzeum Ermitáž, Petrohrad
Pri pohľade na obrázok z blízky dosah divák nevidí nič okrem plátna, na ktorom časté tl olejové ťahy. Celé kúzlo diela sa odhalí, keď sa postupne začneme od plátna vzďaľovať. Najprv sa pred nami začnú objavovať nepochopiteľné polkruhy, ktoré prechádzajú stredom obrazu, potom vidíme jasné obrysy lodí a keď sa vzdiali na vzdialenosť približne dvoch metrov, ostro sa črtajú pred nami a zoradiť sa logický reťazec všetky spojovacie práce.
Jackson Pollock "Number 5, 1948"
1948, drevovláknitá doska, olej. Rozmer 240×120 cm
Zvláštnosťou tohto obrazu je, že plátno amerického vodcu abstraktného expresionizmu, ktoré namaľoval rozliatím farby na kus drevovláknitej dosky položenej na podlahe, je najviac drahé maľovanie vo svete. V roku 2006 zaň na aukcii Sotheby's zaplatili 140 miliónov dolárov. David Giffen, filmový producent a zberateľ, ho predal mexickému finančníkovi Davidovi Martinezovi.
„Naďalej sa vzďaľujem od bežných nástrojov umelca, ako je stojan, paleta a štetce. Preferujem tyčinky, naberačky, nože a tekutú farbu alebo zmes farby a piesku, rozbité sklo alebo niečo iné. Keď som vo vnútri obrazu, nie som si vedomý toho, čo robím. Pochopenie príde neskôr. Nebojím sa zmien alebo deštrukcie obrazu, keďže obraz žije svojím vlastným vlastný život. Len jej pomáham. Ale ak stratím kontakt s obrazom, stane sa špinavým a neporiadnym. Ak nie, potom je to čistá harmónia, jednoduchosť toho, ako beriete a dávate."
Joan Miró "Muž a žena pred hromadou exkrementov"
1935, meď, olej, 23×32 cm
Nadácia Joana Miróa, Španielsko
Dobré meno. A kto by si myslel, že tento obrázok nám rozpráva o hrôzach občianskych vojen.
Obraz bol zhotovený na medený plech v týždni od 15. októbra do 22. októbra 1935. Podľa Mira ide o výsledok pokusu o zobrazenie tragédie občianska vojna v Španielsku. Miro povedal, že toto je obraz o období úzkosti. Obraz zobrazuje muža a ženu, ako sa naťahujú, aby sa objali, no nehýbali sa. Zväčšené pohlavné orgány a zlovestné farby boli opísané ako „plné znechutenia a nechutnej sexuality“.
Jacek Yerka "Erózia"
Poľský neosurrealista je známy po celom svete úžasné maľby, v ktorej sa reality spájajú a vytvárajú nové. Je ťažké uvažovať o jeho mimoriadne detailných a do istej miery dojemných dielach po jednom, ale toto je formát nášho materiálu a museli sme vybrať jeden, aby sme ilustrovali jeho predstavivosť a zručnosť. Odporúčame vám, aby ste si ho prečítali.
Bill Stoneham „Hands Resist Him“
Toto dielo, samozrejme, nemožno zaradiť medzi majstrovské diela svetovej maľby, ale to, že je zvláštne, je fakt.
Okolo obrazu s chlapcom, bábikou a rukami pritlačenými na sklo kolujú legendy. Od „ľudia zomierajú kvôli tomuto obrázku“ až po „deti na ňom žijú“. Obrázok vyzerá naozaj strašidelne, čo vyvoláva množstvo obáv a špekulácií medzi ľuďmi so slabou psychikou.
Umelec ubezpečil, že na obrázku je zobrazený vo veku piatich rokov, že dvere sú znázornením deliacej čiary medzi skutočný svet a svetom snov a bábika je sprievodcom, ktorý môže chlapca previesť týmto svetom. Ruky predstavujú alternatívne životy alebo možnosti.
Obraz sa preslávil vo februári 2000, keď bol uvedený na predaj na eBay s príbehom, ktorý hovorí, že obraz bol „strašidelný“. „Hands Resist Him“ kúpil za 1 025 dolárov Kim Smith, ktorý bol potom jednoducho zaplavený listami od strašidelné príbehy a požaduje spálenie obrazu.