Gambar artistik. Konsep gambar artistik
Gambar secara umum, ini adalah semacam realitas spiritual-psikis subjektif yang muncul di dalamnya dunia batin seseorang dalam tindakan mempersepsikan realitas apa pun, dalam proses kontak dengan dunia luar- pertama-tama, meskipun secara alami ada gambaran fantasi, imajinasi, mimpi, halusinasi, dll., yang mencerminkan realitas subjektif (internal) tertentu. Dalam pengertian filosofis umum yang paling luas, sebuah gambar adalah salinan subjektif dari realitas objektif. Gambar artistik– adalah gambar seni, mis. dibuat secara khusus dalam proses khusus kreatif aktivitas menurut hukum tertentu (meskipun, sebagai suatu peraturan, tidak tertulis) oleh subjek seni - seniman - adalah sebuah fenomena. Kedepannya kita hanya akan berbicara tentang gambar artistik saja, jadi untuk singkatnya saya sebut saja saja jalan.
Dalam sejarah estetika, yang pertama bentuk modern menimbulkan masalah gambar Hegel saat menganalisis seni puisi dan menguraikan arah utama pemahaman dan kajiannya. Dalam pencitraan dan pencitraan, Hegel melihat kekhususan seni pada umumnya, dan seni puisi pada khususnya. “Secara umum,” tulisnya, “kita dapat menyebut representasi puitis sebagai representasi kiasan, karena ia mengungkapkan kepada pandangan kita bukan esensi abstrak, melainkan realitas konkritnya, bukan eksistensi acak, melainkan sebuah fenomena di mana secara langsung melalui eksternal itu sendiri dan individualitasnya, kita, dalam kesatuan tak terpisahkan dengannya, mengenali yang substansial, dan dengan demikian muncul di hadapan kita. kita dalam dunia representasi batin sebagai kesatuan yang satu dan sama, baik konsep suatu objek maupun keberadaan eksternalnya. Dalam hal ini ada perbedaan besar antara apa yang diberikan oleh representasi figuratif dan apa yang menjadi jelas bagi kita melalui cara ekspresi lainnya."
Kekhususan dan keunggulan gambar, menurut Hegel, adalah, berbeda dengan sebutan verbal abstrak dari suatu objek atau peristiwa yang menarik bagi kesadaran rasional, gambar tersebut menyajikan kepada penglihatan batin kita objek tersebut dalam kepenuhan penampakan aslinya dan esensinya. kekukuhan. Hegel menjelaskan hal ini contoh sederhana. Saat kita mengucapkan atau membaca kata “matahari” dan “pagi”, jelas bagi kita apa maksudnya yang sedang kita bicarakan, tapi baik matahari maupun pagi tidak muncul di depan mata kita dalam bentuk aslinya. Dan jika sebenarnya penyair (Homer) mengungkapkan hal yang sama dengan kata-kata: “Eos muda bangkit dari kegelapan, dengan jari-jari ungu,” maka kita diberikan sesuatu yang lebih dari sekedar pemahaman sederhana tentang matahari terbit. Tempat pemahaman abstrak digantikan oleh “kepastian nyata”, dan pandangan batin kita disuguhkan gambaran utuh fajar pagi dalam kesatuan isi rasional (konseptual) dan tampilan visual konkrit. Oleh karena itu, yang esensial dalam gambaran Hegel adalah ketertarikan penyair terhadap sisi luar objek dari sudut penonjolan “esensi” di dalamnya. Dalam hal ini, ia membedakan antara gambar “dalam arti yang tepat” dan gambar “dalam arti yang tidak tepat”. Filsuf Jerman mengklasifikasikan yang pertama sebagai gambaran yang kurang lebih langsung, langsung, sekarang kita katakan isomorfik (deskripsi literal) dari penampakan suatu objek, dan yang kedua sebagai gambaran figuratif tidak langsung dari satu objek melalui objek lainnya. Kategori gambar ini mencakup metafora, perbandingan, dan segala jenis kiasan. Signifikansi khusus Hegel berfokus pada fantasi dalam penciptaan gambar puitis. Ide-ide pengarang “Estetika” yang monumental ini menjadi landasan pemahaman estetis tentang gambar dalam seni, yang pada tahap-tahap tertentu perkembangan pemikiran estetis mengalami transformasi, penambahan, perubahan, dan terkadang penolakan total.
Akibat waktu yang relatif lama perkembangan sejarah Saat ini, estetika klasik telah mengembangkan pemahaman yang cukup lengkap dan bertingkat tentang citra dan sifat figuratif seni. Secara keseluruhan di bawah secara artistik, integritas spiritual-eidetik organik dipahami, mengekspresikan, menyajikan realitas tertentu dalam mode isomorfisme yang lebih besar atau lebih kecil (kesamaan bentuk) dan diwujudkan (menjadi) secara keseluruhan hanya dalam proses persepsi a karya seni tertentu oleh penerima tertentu. Hal itulah yang unik dunia seni, dilipat oleh seniman dalam tindakan menciptakan sebuah karya seni ke dalam realitas objektifnya (bergambar, musikal, puitis, dll.) dan terungkap dalam beberapa kekhususan lain (hipostasis lain) di dunia batin subjek persepsi. Gambarannya secara keseluruhan rumit proses eksplorasi artistik dunia. Ini mengandaikan adanya objektif atau subjektif realitas memberi dorongan pada proses artistik menampilkan. Ia sedikit banyak bertransformasi secara subyektif secara signifikan dalam tindakan menciptakan sebuah karya seni menjadi suatu realitas tertentu bekerja. Kemudian, dalam tindakan mempersepsikan karya tersebut, terjadi pula proses transformasi ciri, bentuk, bahkan hakikat realitas asli (prototipe, sebagaimana kadang disebut dalam estetika) dan realitas karya seni (“sekunder. ” gambar) terjadi. Gambar terakhir (sudah ketiga) muncul, seringkali sangat jauh dari dua gambar pertama, namun tetap mempertahankan sesuatu (ini adalah inti dari isomorfisme dan prinsip pemetaan) yang melekat di dalamnya dan menyatukannya dalam sistem terpadu ekspresi figuratif, atau tampilan artistik.
Dari sini jelas bahwa, selain yang terbatas, ada juga yang paling umum dan sepenuhnya timbul selama persepsi, estetika membedakan serangkaian pemahaman yang lebih khusus tentang gambar, yang masuk akal untuk dibahas setidaknya secara singkat di sini. Sebuah karya seni bermula dari diri seniman, atau lebih tepatnya, dengan suatu gagasan tertentu yang timbul dalam dirinya sebelum mulai menggarap karya tersebut, dan diwujudkan serta dikonkretkan dalam proses kreatif pada saat ia menggarap karya tersebut. Gagasan awal yang biasanya masih samar-samar ini sering disebut sebagai gambaran, yang tidak sepenuhnya akurat, tetapi dapat dipahami sebagai semacam sketsa spiritual dan emosional dari gambaran masa depan. Dalam proses penciptaan sebuah karya, di satu sisi, seluruh kekuatan spiritual dan emosional seniman berpartisipasi, dan di sisi lain, sistem teknis keterampilannya dalam menangani (memproses) bahan tertentu dari mana, atas dasar karya itu dibuat (batu, tanah liat, cat) , pensil dan kertas, suara, kata-kata, aktor teater, dll., singkatnya - seluruh gudang sarana visual dan ekspresif dari jenis atau genre seni tertentu ), gambar asli (= denah), biasanya, berubah secara signifikan. Seringkali tidak ada yang tersisa dari sketsa figuratif-semantik aslinya. Ini hanya berfungsi sebagai dorongan motivasi pertama untuk tindakan yang cukup spontan proses kreatif.
Karya seni yang dihasilkan juga, dan dengan justifikasi yang lebih besar, disebut gambar, yang pada gilirannya memiliki sejumlah tingkatan figuratif, atau sub-gambar – gambar yang bersifat lebih lokal. Karya secara keseluruhan bersifat sensual konkrit yang diwujudkan dalam materi jenis seni ini jalan spiritual obyektif-subyektif dunia yang unik, tempat sang seniman tinggal selama proses penciptaan dari pekerjaan ini. Gambar ini adalah seperangkat unit visual dan ekspresif dari jenis seni ini, yang mewakili integritas struktural, komposisi, dan semantik. Ini objektif pekerjaan yang ada seni lukis, struktur arsitektur, novel, puisi, simfoni, film, dll.).
Di dalam karya gambar yang diciutkan ini kita juga menemukan serangkaian karya lainnya gambar kecil, ditentukan oleh struktur visual dan ekspresif dari jenis seni ini. Untuk klasifikasi gambar pada tingkat ini, khususnya, derajat isomorfisme (kesamaan eksternal gambar dengan objek atau fenomena yang digambarkan) sangat penting. Semakin tinggi tingkat isomorfisme, semakin dekat gambaran tingkat visual-ekspresif dengan bentuk luar dari penggalan realitas yang digambarkan, semakin “sastra”, yaitu. menerima deskripsi lisan dan membangkitkan ide “gambaran” yang sesuai pada penerimanya. Misalnya saja sebuah gambar genre sejarah, lanskap klasik, cerita realistis, dll. Pada saat yang sama, tidak begitu penting apakah kita berbicara tentang seni rupa itu sendiri (lukisan, teater, bioskop) atau tentang musik dan sastra. Pada derajat tinggi isomorfisme, gambar atau ide “gambar” muncul atas dasar apa pun. Dan mereka tidak selalu berkontribusi pada pembentukan organik dari citra artistik sebenarnya dari keseluruhan karya. Seringkali tingkat pencitraan inilah yang ternyata berorientasi pada tujuan ekstraestetika (sosial, politik, dll).
Namun idealnya, semua gambar tersebut termasuk dalam struktur gambar artistik secara keseluruhan. Misalnya untuk sastra mereka berbicara tentang alur sebagai gambar beberapa situasi kehidupan (nyata, probabilistik, fantastis, dll.), tentang gambar pahlawan spesifik dari karya ini (gambar Pechorin, Faust, Raskolnikov, dll.), tentang gambar alam dalam deskripsi spesifik, dll. Hal yang sama berlaku untuk seni lukis, teater, bioskop. Lebih abstrak (dengan tingkat isomorfisme yang lebih rendah) dan kurang dapat menerima verbalisasi konkret adalah gambar dalam karya arsitektur, musik atau seni abstrak, tetapi bahkan di sana kita dapat berbicara tentang struktur figuratif yang ekspresif. Misalnya, sehubungan dengan "Komposisi" yang sepenuhnya abstrak oleh V. Kandinsky, di mana isomorfisme visual-objektif sama sekali tidak ada, kita dapat berbicara tentang komposisi gambar berdasarkan organisasi struktural bentuk warna, hubungan warna, keseimbangan atau disonansi massa warna, dll.
Akhirnya, dalam tindakan persepsi (yang, omong-omong, mulai diwujudkan dalam proses kreativitas, ketika seniman bertindak sebagai penerima pertama dan sangat aktif dari karyanya yang muncul, mengoreksi gambar seiring perkembangannya), a karya seni diwujudkan, sebagaimana telah dikatakan, gambar utama karya ini, yang menjadi tujuan karya ini diwujudkan. Di dunia spiritual-mental, subjek persepsi adalah tertentu realitas ideal di mana segala sesuatunya terhubung, menyatu menjadi satu kesatuan organik, tidak ada yang berlebihan dan tidak ada kekurangan atau kekurangan yang dirasakan. Dia menjadi milik pada saat yang sama untuk subjek ini(dan hanya untuk dia, karena subjek lain akan memiliki realitas yang berbeda, gambaran yang berbeda berdasarkan karya seni yang sama), karya seni(muncul hanya atas dasar karya khusus ini) dan kepada alam semesta secara keseluruhan, untuk Sungguh memperkenalkan penerima ke dalam proses persepsi (yaitu keberadaan realitas tertentu, gambar ini) Ke pleroma universal makhluk. Estetika tradisional menggambarkan hal ini acara seni tertinggi berbeda-beda, tetapi maknanya tetap sama: pemahaman tentang kebenaran keberadaan, hakikat suatu karya, hakikat fenomena atau objek yang digambarkan; munculnya kebenaran, pembentukan kebenaran, pemahaman suatu ide, eidos; perenungan akan keindahan keberadaan, pengenalan keindahan ideal; katarsis, ekstasi, wawasan, dll. dll. Tahap akhir persepsi suatu karya seni dialami dan diwujudkan sebagai semacam terobosan subjek persepsi ke beberapa tingkat realitas yang tidak diketahui, disertai dengan perasaan kepenuhan keberadaan, keringanan yang tidak biasa, keagungan, kegembiraan spiritual.
Dalam hal ini, tidak menjadi masalah sama sekali apa isi karya tersebut yang spesifik dan dirasakan secara intelektual (tingkat utilitarian sastra yang dangkal), atau gambaran visual dan pendengaran yang kurang lebih spesifik dari jiwa (tingkat emosional-psikis) yang dimiliki. timbul atas dasar itu. Untuk mewujudkan suatu gambaran artistik secara lengkap dan hakiki, penting dan penting bahwa karya tersebut disusun menurut hukum artistik dan estetika, yaitu. tentu saja pada akhirnya menimbulkan kenikmatan estetis pada penerimanya, yang merupakan indikatornya realitas kontak– masuknya subjek persepsi dengan bantuan gambaran yang diaktualisasikan ke tingkat keberadaan Alam Semesta yang sebenarnya.
Mari kita ambil contoh lukisan terkenal“Bunga Matahari” karya Van Gogh (1888, Munich, Neue Pinakothek), menggambarkan buket bunga matahari di dalam kendi. Pada tataran gambar objektif “sastra”, kita hanya melihat di atas kanvas sebuket bunga matahari dalam kendi keramik yang berdiri di atas meja dengan latar belakang dinding kehijauan. Ada gambar visual kendi, gambar karangan bunga matahari, dan banyak lagi gambar yang berbeda masing-masing dari 12 bunga, yang semuanya dapat digambarkan dengan cukup detail dengan kata-kata (posisi, bentuk, warna, tingkat kematangan, bahkan ada yang memiliki jumlah kelopak). Akan tetapi, uraian-uraian tersebut tetap hanya memiliki hubungan tidak langsung dengan gambaran artistik holistik dari setiap objek yang digambarkan (kita dapat membicarakan hal ini), terlebih lagi dengan gambaran artistik dari keseluruhan karya. Yang terakhir ini terbentuk dalam jiwa pemirsa berdasarkan begitu banyak elemen visual gambar, yang merupakan integritas organik (bisa dikatakan harmonis), dan kumpulan semua jenis impuls subjektif (asosiatif, memori, pengalaman artistik dari gambar). pemirsa, pengetahuannya, suasana hatinya pada saat persepsi, dll.) bahwa semua ini tidak dapat dihitung atau dideskripsikan secara intelektual. Namun, jika kita benar-benar memiliki karya seni yang nyata, seperti “Bunga Matahari” ini, maka seluruh kumpulan impuls objektif (yang berasal dari gambar) dan subjektif yang muncul sehubungan dengan mereka dan atas dasar mereka terbentuk dalam jiwa. bagi setiap pemirsa suatu realitas holistik, gambaran visual-spiritual yang membangkitkan ledakan perasaan yang dahsyat dalam diri kita, memberikan kegembiraan yang tak terlukiskan, dan mengangkat kita ke tingkat kepenuhan yang benar-benar dirasakan dan dialami yang tidak pernah kita capai dalam kehidupan sehari-hari. kehidupan (di luar pengalaman estetis).
Ini adalah kenyataan, fakta keberadaan yang sebenarnya gambar artistik, sebagai dasar penting seni. Seni apa pun, jika ia mengatur karya-karyanya menurut hukum-hukum seni yang tidak tertulis, sangat bervariasi, tetapi benar-benar ada.
Pemikiran dalam seni diungkapkan bukan dalam bentuk rumusan atau konstruksi rasional lainnya, seperti dalam sains, tetapi melalui gambaran artistik. Citra artistiklah yang menjadi pembawa utama konten dalam seni. Citra artistik adalah suatu bentuk pemikiran dalam seni, suatu bentuk ekspresi gagasan dan pandangan dunia seniman. Tidak ada gambar artistik - tidak ada konten. Citra artistik adalah cara khusus untuk mencerminkan realitas yang melekat dalam seni, generalisasinya dari sudut pandang cita-cita estetika dalam bentuk yang konkret, sensual, dan dirasakan langsung. Istilah "gambar artistik" digunakan dalam dua pengertian (makna, rencana): sebagai sebutan karakter dalam sebuah karya seni (gambar Tatyana dalam "Eugene Onegin") dan sebagai sebutan keseluruhan karya seni.
Gambar artistik memiliki sejumlah ciri:
Gambar artistik adalah kombinasi objektif dan subjektif. Gambar diciptakan oleh seniman dalam proses kreatif, oleh karena itu merupakan hasil pemahaman terhadap realitas;
Gambar artistik bersifat asosiatif. Ini adalah kondisi yang sangat diperlukan. Seniman memasukkan asosiatif ke dalamnya, tetapi pemirsa juga harus melihatnya. Artis tanpa pemikiran asosiatif– omong kosong: tidak ada kemampuan menciptakan asosiasi, artinya tidak ada kemampuan menciptakan citra artistik;
Gambar artistik memiliki banyak arti. Hal ini memungkinkan untuk memilih versi yang berbeda dalam penafsirannya, luasnya permasalahan;
Gambaran artistik sering kali tidak terucapkan. Hal ini memberikan ruang bagi pikiran dan perasaan orang yang mempersepsi (pembaca, pemirsa, pendengar). Semakin ambigu suatu gambar, semakin kompleks dan ambigu persepsinya. Hal ini dapat diuraikan tidak hanya oleh seniman sezaman, tetapi juga oleh perwakilan generasi dan era lain. Pernyataan yang meremehkan, seperti halnya keberagaman, membuat penerimanya aktif, ia diberi kesempatan untuk berkreasi bersama dengan penulis, artis, atau sutradara. Persepsi tampaknya memiliki titik awal, tetapi pada saat yang sama mempertahankan kehendak bebas tertentu. Meremehkan merangsang pemikiran;
Gambar artistiknya memiliki banyak segi. Artinya, satu bacaan terhadap isinya tidak sekaligus membatalkan bacaan lainnya. Berkat keserbagunaannya, gambar dapat ditafsirkan dengan cara yang berbeda dan tidak ada interpretasi yang salah. Itulah sebabnya kami secara bersamaan tertarik pada Hamlet karya Smoktunovsky dan Vysotsky; yang menarik adalah kisah King Lear yang ditafsirkan dengan posisi yang berbeda: Bagaimana drama keluarga(pengkhianatan terhadap putrinya), sebagai drama politik (karena tiraninya sendiri, Lear mulai memecah-belah negara pada saat yang paling tidak tepat), sebagai tragedi pribadi (Lear menemukan bahwa idolanya - kekuasaan - ternyata palsu) . Dalam sains, polisemi tidak digunakan karena keadaan obyektif (jika Anda mengubah rumus air, Anda akan mendapatkan zat lain). Pada saat yang sama, kemungkinan adanya perbedaan penafsiran terhadap suatu gambar artistik tidak berarti bahwa gambar artistik itu benar-benar gutta-percha, tidak ada logika internal di dalamnya. Sebaliknya, sebuah citra artistik memiliki perkembangan diri internal dan dikondisikan oleh banyak faktor: bukan tanpa alasan para penulis sering berbicara tentang bagaimana seorang tokoh mulai dari saat tertentu menjalani kehidupannya sendiri dan mendikte pengarangnya. pengembangan lebih lanjut peristiwa, yaitu tampaknya di luar kendali;
Gambaran artistik adalah dialektika antara yang khas (yaitu tersebar luas, universal) dan yang individu. Sebuah gambar artistik mungkin memiliki nama tertentu (Demon, Ophelia, Faust, Hamlet), tetapi pada saat yang sama dapat mengekspresikan ide universal. Terlebih lagi, tidak mungkin mengekspresikan sesuatu yang universal atau abstrak dalam seni di luar individu. Karena yang universal dalam seni ditunjukkan melalui individu, yang partikular, individu, maka seniman harus menangkap hal yang paling esensial dalam suatu objek atau fenomena. Jika tidak, ia tidak akan mampu mencapai tingkat generalisasi dalam karya dan gambarannya;
Gambar artistik adalah perpaduan antara emosional dan rasional. Seni tidak mungkin terjadi tanpa persatuan mereka. Terkadang sebuah karya terkesan murni berdasarkan kesan murni (misalnya sketsa), namun ini hanya tampilan saja, karena pengalaman dan individualitas juga berperan di sini. Jika pikiran dan perasaan tidak menyatu, maka pekerjaan dapat berubah menjadi skema yang dingin dan kering, atau menjadi emosi yang kosong dan dangkal.
Seringkali sebuah karya seni tidak berisi satu gambar, tetapi keseluruhan sistem gambar artistik - berbeda dan beragam. Sistem gambar lebih sulit untuk dipahami dan dianalisis, karena masing-masing gambar tidak hanya berinteraksi dengan gambar lain, tetapi juga berada dalam dinamika. Isi sebuah karya bukanlah salinan kehidupan. Seni memproses realitas, menciptakan dunia kondisional khusus, yang memiliki strukturnya sendiri dan ada menurut hukumnya sendiri.
Citra artistik merupakan cerminan umum dari realitas dalam bentuk fenomena individu tertentu. Berikut ini akan membantu Anda memahami apa itu gambar artistik: contoh nyata sastra dunia, seperti Faust atau Hamlet, Don Juan atau Don Quixote. Karakter-karakter ini menyampaikan sifat-sifat manusia yang paling khas, keinginan, hasrat, dan perasaannya.
Gambar artistik dalam seni
Citra artistik adalah faktor yang paling sensual dan mudah diakses oleh persepsi manusia. Dalam pengertian ini, gambaran dalam seni, termasuk gambaran seni dalam sastra, tidak lain hanyalah reproduksi visual-figuratif kehidupan nyata. Namun di sini perlu dipahami bahwa tugas pengarang bukan sekedar mereproduksi, “menduplikasi” kehidupan, panggilannya adalah menduga-duga, melengkapinya sesuai dengan hukum seni.
Kreativitas seni dari kegiatan ilmiah dibedakan oleh karakter penulisnya yang sangat subjektif. Oleh karena itu, dalam setiap peran, dalam setiap bait, dan dalam setiap gambar terdapat jejak kepribadian senimannya. Berbeda dengan sains, seni tidak terpikirkan tanpa fiksi dan imajinasi. Meskipun demikian, seringkali senilah yang mampu mereproduksi realitas dengan lebih memadai dibandingkan metode ilmiah akademis.
Kondisi yang sangat diperlukan untuk pengembangan seni adalah kebebasan berkreasi, dengan kata lain, kemampuan untuk mensimulasikan situasi kehidupan saat ini dan bereksperimen dengannya, tanpa melihat kerangka gagasan dominan tentang dunia atau doktrin ilmiah yang diterima secara umum. Dalam hal ini, genre fiksi menjadi sangat relevan, yang mengedepankan model-model realitas yang dilihat publik yang sangat berbeda dari kenyataan. Beberapa penulis fiksi ilmiah masa lalu, seperti Karel Capek (1890-1938) dan Jules Verne (1828-1905), berhasil meramalkan munculnya banyak pencapaian modern. Terakhir, ketika sains mengkaji fenomena manusia dalam banyak hal (perilaku sosial, bahasa, jiwa), citra artistiknya merupakan suatu kesatuan yang tidak dapat dipisahkan. Seni menunjukkan seseorang sebagai keseluruhan ragam karakteristik yang berbeda.
Aman untuk mengatakan itu tugas utama tugas seorang seniman adalah menciptakan citra artistik; contoh-contoh terbaik dari mereka mengisi kembali perbendaharaan dari waktu ke waktu warisan budaya peradaban, memberikan pengaruh besar pada kesadaran kita.
Citra artistik dalam arsitektur
Pertama-tama, ini adalah “wajah” arsitektur bangunan tertentu, baik itu museum, teater, gedung perkantoran, sekolah, jembatan, kuil, alun-alun, bangunan tempat tinggal atau institusi lainnya.
Kondisi yang sangat diperlukan untuk citra artistik bangunan apa pun adalah kesan dan emosi. Salah satu tugas arsitektur dalam arti seni adalah menciptakan kesan, suasana emosional tertentu. Bangunan itu mungkin terasing dari dunia luar dan tertutup, suram dan keras; Bisa juga sebaliknya - menjadi optimis, ringan, cerdas, dan menarik. Fitur arsitektur mempengaruhi kinerja dan suasana hati kita, menanamkan perasaan gembira; dalam kasus sebaliknya, citra artistik sebuah bangunan dapat menimbulkan depresi.
GAMBAR ARTISTIK - salah satu dari istilah yang paling penting estetika dan sejarah seni, yang berfungsi untuk menunjukkan hubungan antara realitas dan seni dan paling terkonsentrasi mengungkapkan kekhususan seni secara keseluruhan. Citra artistik biasanya diartikan sebagai suatu bentuk atau sarana refleksi realitas dalam seni, yang cirinya adalah ekspresi gagasan abstrak dalam bentuk sensual yang konkrit. Definisi ini memungkinkan kita untuk menyoroti kekhasan pemikiran artistik dan imajinatif dibandingkan dengan bentuk dasar aktivitas mental lainnya.
Sebuah karya seni yang sesungguhnya selalu dibedakan oleh kedalaman pemikiran dan makna permasalahan yang diajukan. Citra artistik, sebagai sarana terpenting untuk mencerminkan realitas, memusatkan kriteria kebenaran dan realisme seni. Menghubungkan dunia nyata dan dunia seni, citra artistik, di satu sisi, memberi kita reproduksi pikiran, perasaan, pengalaman aktual, dan di sisi lain, ia melakukannya dengan bantuan cara-cara yang bercirikan konvensi. Kebenaran dan konvensionalitas ada bersama-sama dalam gambar. Oleh karena itu cerah gambaran artistik Tidak hanya karya seniman realis besar yang berbeda, tetapi juga karya yang seluruhnya dibangun di atas fiksi ( cerita rakyat, cerita yang fantastis dll.). Pencitraan dihancurkan dan lenyap ketika seniman dengan kasar menyalin fakta-fakta realitas atau ketika ia sama sekali menghindari penggambaran fakta-fakta dan dengan demikian memutus hubungan dengan kenyataan, berkonsentrasi pada reproduksi berbagai keadaan subyektifnya.
Dengan demikian, sebagai hasil pencerminan realitas dalam seni, suatu gambar seni merupakan hasil pemikiran senimannya, namun pemikiran atau gagasan yang terkandung dalam gambar itu selalu mempunyai ekspresi indra tertentu. Gambar mengacu pada teknik ekspresi individu, metafora, perbandingan, dan struktur integral (karakter, kepribadian, karya secara keseluruhan, dll.). Namun di luar itu juga terdapat struktur kiasan tentang arah, gaya, tata krama, dan lain-lain (gambar seni abad pertengahan, Renaisans, Barok). Suatu gambaran seni dapat menjadi bagian dari sebuah karya seni, tetapi dapat pula menyamai bahkan melampauinya.
Sangat penting untuk menjalin hubungan antara gambar artistik dan karya seni. Terkadang hal-hal tersebut dianggap dalam kaitannya dengan hubungan sebab-akibat. Dalam hal ini gambar seni berperan sebagai sesuatu yang turunan dari suatu karya seni. Jika suatu karya seni merupakan suatu kesatuan materi, bentuk, isi, yaitu segala sesuatu yang ingin dicapai oleh seniman dengan usahanya efek artistik, maka gambaran artistik dipahami hanya sebagai hasil pasif, hasil yang tetap aktivitas kreatif. Sedangkan aspek aktivitas sama-sama melekat baik pada karya seni maupun gambar seni. Saat mengerjakan sebuah gambar artistik, seniman sering kali mengatasi keterbatasan rencana awal dan terkadang materi, yaitu praktik proses kreatif membuat perubahan pada inti gambar artistik. Seni sang master di sini secara organik menyatu dengan pandangan dunia dan cita-cita estetika, yang menjadi dasar citra artistik.
Tahapan atau tingkatan utama pembentukan suatu gambar artistik adalah:
Rencana gambar
karya seni
Persepsi gambar.
Masing-masing dari mereka membuktikan keadaan kualitatif tertentu dalam perkembangan pemikiran artistik. Dengan demikian, jalannya proses kreatif selanjutnya sangat bergantung pada idenya. Di sinilah “wawasan” sang seniman terjadi, ketika karya masa depan “tiba-tiba” muncul di hadapannya dalam ciri-ciri utamanya. Tentu saja, ini adalah diagram, tetapi diagram tersebut bersifat visual dan figuratif. Telah ditetapkan bahwa rencana gambar memainkan peran yang sama pentingnya dan perlu dalam proses kreatif baik seniman maupun ilmuwan.
Tahap selanjutnya terkait dengan konkretisasi image-plan pada materi. Secara konvensional, ini disebut karya gambar. Tingkat proses kreatif ini sama pentingnya dengan ide. Di sini hukum-hukum yang berkaitan dengan sifat materi mulai berlaku, dan hanya di sini karya mendapat keberadaan nyata.
Tahapan terakhir yang mempunyai hukum tersendiri adalah tahap persepsi terhadap suatu karya seni. Di sini, pencitraan tidak lebih dari kemampuan untuk menciptakan kembali, melihat materi (warna, suara, kata) konten ideologis karya seni. Kemampuan melihat dan mengalami ini memerlukan usaha dan persiapan. Sampai batas tertentu, persepsi adalah kreasi bersama, yang hasilnya adalah gambaran artistik yang dapat sangat menggairahkan dan mengejutkan seseorang, sekaligus memberikan dampak pendidikan yang sangat besar baginya.
Berdasarkan sifat umumnya, gambar seni dapat dibedakan menjadi individu, ciri, tipikal, motif gambar, topoi, dan arketipe (mitolog).
Gambar individu dicirikan oleh orisinalitas dan keunikan. Biasanya merupakan hasil imajinasi penulis. Gambar individu paling sering ditemukan di kalangan penulis romantis dan fiksi ilmiah. Seperti, misalnya, Quasimodo dalam “Notre-Dame de Paris” oleh V. Hugo, Iblis dalam puisi dengan nama yang sama M. Lermontov, Woland dalam “The Master and Margarita” oleh A. Bulgakov.
Gambar karakteristik, tidak seperti individu, bersifat generalisasi. Ini berisi ciri-ciri umum karakter dan moral yang melekat pada banyak orang di era tertentu dan lingkungan sosialnya (karakter "The Brothers Karamazov" oleh F. Dostoevsky, dimainkan oleh A. Ostrovsky).
Gambar khas mewakili tingkat tertinggi dari karakteristik gambar. Khasnya adalah keteladanan, indikasi zaman tertentu. Penggambaran gambar yang khas merupakan salah satu pencapaian sastra realistik abad ke-19. Cukuplah untuk mengingat Pastor Goriot dan Gobsek Balzac, Anna Karenina dan Platon Karataev L. Tolstoy, Madame Bovary G. Flaubert dan lain-lain. Terkadang sebuah gambar artistik dapat menangkap tanda-tanda sosio-historis suatu zaman dan ciri-ciri karakter universal suatu zaman pahlawan (disebut gambar abadi) - Don Quixote, Don Juan, Hamlet, Oblomov...
Gambar-motif dan topoi melampaui gambaran individu para pahlawan. Motif gambar adalah tema yang diulang-ulang secara konsisten dalam karya seorang penulis, yang diungkapkan dalam berbagai aspek dengan memvariasikan unsur-unsurnya yang paling signifikan (“desa Rus'” oleh S. Yesenin, “Wanita Cantik” oleh A. Blok).
Topos menunjukkan gambaran umum dan tipikal yang tercipta dalam karya sastra suatu zaman, bangsa, dan bukan dalam karya seorang pengarang perorangan. Contohnya adalah gambaran “pria kecil” dalam karya penulis Rusia - dari Pushkin dan Gogol hingga M. Zoshchenko dan A. Platonov.
Baru-baru ini, konsep "pola dasar". Istilah ini pertama kali ditemukan di kalangan romantisme Jerman pada tahun awal XIX Namun kehidupan sejati Karya psikolog Swiss C. Jung (1875–1961) memberinya pengetahuan di berbagai bidang. Jung memahami “arketipe” sebagai gambaran universal manusia, yang secara tidak sadar diturunkan dari generasi ke generasi. Paling sering, arketipe adalah gambaran mitologis. Yang terakhir, menurut Jung, secara harfiah “diisi” dengan seluruh umat manusia, dan arketipe bersarang di alam bawah sadar seseorang, terlepas dari kebangsaan, pendidikan, atau seleranya. Jung menulis: “Sebagai seorang dokter, saya harus mengidentifikasi gambaran mitologi Yunani dalam delirium orang kulit hitam murni.”
Banyak perhatian dalam kritik sastra diberikan pada masalah hubungan antara gambar dan simbol. Masalah ini dikuasai pada Abad Pertengahan, khususnya oleh Thomas Aquinas (abad ke-13). Dia percaya bahwa gambar artistik seharusnya tidak mencerminkan dunia yang terlihat, melainkan mengungkapkan apa yang tidak dapat dirasakan oleh indera. Dengan demikian dipahami, gambar sebenarnya berubah menjadi sebuah simbol. Dalam pemahaman Thomas Aquinas, simbol ini dimaksudkan untuk mengungkapkan, pertama-tama, esensi ketuhanan. Belakangan, di kalangan penyair simbolis abad ke-19 dan ke-20, gambar dan simbol juga dapat membawa konten duniawi (“mata orang miskin” oleh Charles Baudelaire, “jendela kuning” oleh A. Blok). Sebuah gambaran artistik tidak harus dipisahkan dari realitas objektif dan indrawi, seperti yang diyakini Thomas Aquinas. Orang Asing Blok adalah contoh simbol yang luar biasa dan sekaligus gambaran hidup yang utuh, terintegrasi sempurna ke dalam "objektif", realitas duniawi.
Pengalaman gambar dalam puisi liris mempunyai makna estetis yang mandiri dan disebut pahlawan liris (pahlawan puisi, liris “aku”). Konsep pahlawan liris pertama kali digunakan oleh Yu.Tynyanov dalam kaitannya dengan karya A. Blok. Sejak itu, perdebatan mengenai legalitas penggunaan tidak berhenti. istilah ini. Diskusi terjadi, khususnya, pada paruh pertama tahun 50an, kemudian pada tahun 60an. Baik kritikus profesional, sarjana sastra, dan penyair ambil bagian di dalamnya. Namun diskusi ini tidak mengarah pada pengembangan sudut pandang bersama. Masih ada pendukung penggunaan istilah ini dan penentangnya.