Japán művészeti festmények. Kortárs művészet: Japán

Hokusai, egy 18. századi japán művész szédítő számot alkotott alkotás. Hokusai idős koráig dolgozott, és mindig azt hangoztatta, hogy „minden, amit 70 éves kora előtt csinált, nem volt érdemes és nem érdemel figyelmet”.

A világ talán leghíresebb japán művésze, mindig is kitűnt kortársai közül a mindennapi élet iránti érdeklődésével. Az elbűvölő gésák és hősi szamurájok ábrázolása helyett Hokusai munkásokat, halászokat és városi műfajú jeleneteket festett, amelyek a japán művészetet még nem érdekelték. A zeneszerzéshez is európai megközelítést alkalmazott.

Íme a kulcsfontosságú kifejezések rövid listája, amely segít kicsit eligazodni Hokusai munkáiban.

1 Az Ukiyo-e olyan nyomatok és festmények, amelyek az 1600-as évektől az 1800-as évekig népszerűek Japánban. A japán képzőművészet mozgalma, amely az Edo-korszak óta fejlődött ki. Ez a kifejezés az "ukyo" szóból származik, ami "változtató világot" jelent. Az Uikiye a virágzó kereskedőosztály hedonista örömeire utal. Ebben az irányban Hokusai a leghíresebb művész.

Hokusai élete során legalább harminc álnevet használt. Annak ellenére, hogy az álnevek használata bevett gyakorlat volt az akkori japán művészek körében, az álnevek számában jelentősen meghaladta a többi jelentős szerzőt. Hokusai álneveit gyakran használják munkája szakaszainak periodizálására.

2 Az Edo-korszak az 1603 és 1868 közötti időszak Japán történelem, akkor a gazdasági növekedést jegyezték fel és új érdeklődés a művészethez és a kultúrához.

3 Shunrō Hokusai első álneve.

4 A Shunga szó szerint azt jelenti, hogy "tavasz képe", a "tavasz" pedig japán szleng a szexre. Szóval ezek metszetek erotikus jellegű. A legelismertebb művészek alkották őket, köztük Hokusai is.

5 Surimono. A legújabb „surimono”, ahogy ezeket az egyedi nyomatokat nevezték, óriási sikert aratott. Az ukiyo-e nyomtatványokkal ellentétben, amelyeket tömeges közönségnek szántak, a surimono-t ritkán adták el a nagyközönségnek.

6 A Fuji egy szimmetrikus hegy, amely történetesen a legmagasabb Japánban. Az évek során számos művészt és költőt ihletett meg, köztük Hokusait, aki kiadta az ukiyo-e Harminchat nézet a Fuji-hegyről című sorozatot. Ez a sorozat Hokusai leghíresebb nyomatait tartalmazza.

7 Japánizmus – Hokusai tartós hatása a következő generációk nyugati művészek. A japonizmus egy stílus ihlette világos színek ukiyo-e nyomatok, perspektíva és kompozíciós kísérletek hiánya.

Minden országnak megvannak a maga kortárs művészetének hősei, akiknek a neve közismert, kiállításai rajongók és kíváncsiskodók tömegeit vonzzák, alkotásaikat pedig magángyűjteményekbe adják el.

Ebben a cikkben bemutatjuk a legnépszerűbbeket kortárs művészek Japán.

Keiko Tanabe

A kiotói születésű Keiko gyerekként sok győzelmet aratott. művészeti versenyek, De felsőoktatás A művészet terén egyáltalán nem értek hozzá. A japán önkormányzati kereskedelmi szervezet nemzetközi kapcsolatok osztályán dolgozott Tokióban ügyvédi Iroda San Franciscóban és egy San Diego-i magán tanácsadó cégnél, és sokat utazott. 2003-tól otthagyta munkáját, és miután San Diegóban tanulta az akvarellfestészet alapjait, kizárólag a művészetnek szentelte magát.

Ikenaga Yasunari

Ikenaga Yasunari japán művész portrékat fest modern nőkőskorban Japán hagyomány festés Menso ecsettel, ásványi pigmentekkel, korom, tus és vászon alapként. Szereplői korunk női, de Nihonga stílusának köszönhetően az az érzésünk, hogy időtlen idők óta érkeztek hozzánk.

Abe Toshiyuki

Abe Toshiyuki realista művész, aki elsajátította akvarell technika. Abe művész-filozófusnak nevezhető: alapvetően nem fest híres tereptárgyakat, inkább a szubjektív kompozíciókat részesíti előnyben, amelyek tükrözik belső állapotok az a személy, aki figyeli őket.

Hiroko Sakai

Hiroko Sakai művész karrierje a 90-es évek elején kezdődött Fukuoka városában. A Seinan Gakuin Egyetem elvégzése után és francia iskola A Nihon belsőépítészeti tervezése a tervezés és a vizualizáció területén megalapította az "Atelier Yume-Tsumugi Ltd."-t. és 5 évig sikeresen vezette ezt a stúdiót. Számos alkotása kórházi előcsarnokokat, nagyvállalatok irodáit és néhány önkormányzati épületet díszít Japánban. Miután az Egyesült Államokba költözött, Hiroko olajjal kezdett festeni.

Riusuke Fukahori

Riusuki Fukahori háromdimenziós alkotásai hologramokra emlékeztetnek. Elkészültek akril festék, több rétegben felhordva, és átlátszó gyantafolyadék – mindez anélkül, hogy kizárná a hagyományos módszereket, mint például az árnyékok rajzolása, az élek lágyítása, az átlátszóság szabályozása, lehetővé teszi Riusuki számára, hogy szoborszerű festményeket alkosson, és mélységet és valósághűséget ad az alkotásoknak.

Natsuki Otani

Natsuki Otani egy tehetséges japán illusztrátor, Angliában él és dolgozik.

Makoto Muramatsu

Makoto Muramatsu egy win-win témát választott kreativitása alapjául – macskákat rajzol. Képei világszerte népszerűek, főleg rejtvények formájában.

Tetsuya Mishima

A kortárs japán művész, Mishima festményeinek többsége olajjal készült. A 90-es évektől fest professzionálisan, több egyéni kiállítása volt, ill nagyszámú kollektív kiállítások, japán és külföldi egyaránt.

Yayoi Kusama valószínűleg nem tud választ adni arra, hogy mi képezte művészi karrierjének alapját. 87 éves, művészetét világszerte elismerik. Hamarosan nagy kiállításokat rendeznek munkáiból az Egyesült Államokban és Japánban, de még nem mondott el mindent a világnak. „Még úton van. A jövőben ezt fogom létrehozni” – mondja Kusama. Japán legsikeresebb művészének nevezik. Ráadásul ő a legdrágább élő művész: 2014-ben „White No. 28” című festményét 7,1 millió dollárért adták el.

Kusama Tokióban él, és csaknem negyven éve önszántából elmegyógyintézetben tartózkodik. Naponta egyszer elhagyja a falakat festeni. Hajnali háromkor kel, nem tud aludni, és produktívan szeretné eltölteni az idejét a munkahelyén. „Most már öreg vagyok, de még mindig fogok készíteni több alkotást és legjobb munkái. Többet, mint amit a múltban tettem. Az agyam tele van képekkel” – mondja.

(Összesen 17 kép)

Yayoi Kusama munkáinak kiállításán Londonban 1985-ben. Fotó: NILS JORGENSEN/REX/Shutterstock

Kilenctől hatig Kusama háromemeletes stúdiójában dolgozik, anélkül, hogy felkelne tolószék. Járni tud, de túl gyenge. Egy nő asztalra fektetett vagy a padlóra rögzített vásznon dolgozik. A műterem tele van új festményekkel, fényes, apró foltokkal tarkított alkotásokkal. A művész ezt "önelnémításnak" nevezi - végtelen ismétlésnek, amely elnyomja a zajt a fejében.

A 2006-os tokiói Praemium Imperiale művészeti díjak átadása előtt. Fotó: Sutton-Hibbert/REX/Shutterstock

Az utca túloldalán hamarosan megnyílik új galéria, és Tokiótól északra egy másik művészeti múzeum épül. Emellett két nagy kiállítás is nyílik munkáiból. A „Yayoi Kusama: Infinity Mirrors” 65 éves pályafutásának visszatekintése február 23-án nyílt meg a washingtoni Hirshhorn Múzeumban, és május 14-ig tart, majd elutazik Seattle-be, Los Angelesbe, Torontóba és Clevelandbe. A kiállításon Kusama 60 festménye látható.

Pöttyösei a Louis Vuitton ruháktól a buszokig mindent takarnak benne szülőváros. Kusama munkái rendszeresen több millió dollárért kelnek el, és a világ minden táján megtalálhatók, New Yorktól Amszterdamig. A japán művész alkotásait bemutató kiállítások olyan népszerűek, hogy intézkedésekre van szükség a tömegek és zavargások megelőzésére. Például a Hirshhornban a kiállításra a jegyeket a következő címen árusítják pontos idő hogy valahogy szabályozzák a látogatók áramlását.

Louis Vuitton és Yayoi Kusama közös tervének bemutatása New Yorkban 2012-ben. Fotó: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock

De Kusamának még mindig külső jóváhagyásra van szüksége. Amikor egy interjúban megkérdezték, hogy elérte-e évtizedekkel ezelőtt kitűzött célját, hogy gazdag és híressé váljon, meglepődve válaszolt: „Amikor kicsi voltam, nagyon nehezen tudtam meggyőzni anyámat, hogy művész szeretnék lenni. Tényleg igaz, hogy gazdag és híres vagyok?

Kusama 1929-ben született Matsumotóban, a közép-japán hegyekben, gazdag és konzervatív családban, amely palántákat árult. De nem az volt boldog ház. Anyja megvetette csaló férjét, és elküldte a kis Kusamát, hogy kémkedjen utána. A lány más nőkkel látta az apját, és ez egész életen át tartó idegenkedést váltott ki a szextől.

A Kusama által 2012-ben tervezett Louis Vuitton butikablak. Fotó: Joe Schildhorn/BFA/REX/Shutterstock

Gyerekkorában vizuális és hallási hallucinációkat tapasztalt. Amikor először meglátta a tököt, azt képzelte, hogy hozzá beszél. A leendő művész úgy birkózott meg a víziókkal, hogy ismétlődő mintákat alkotott, hogy elnyomja a fejében lévő gondolatokat. A művészet már ilyen fiatalon is egyfajta terápia lett számára, amelyet később „művészeti gyógyászatnak” nevezett el.

Yayoi Kusama munkái a Whitney Kortárs Művészeti Múzeumban láthatók 2012-ben. Fotó: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock

Kusama édesanyja határozottan ellenezte lánya vágyát, hogy művész legyen, és ragaszkodott hozzá, hogy a lány a hagyományos utat járja. „Nem engedte, hogy rajzoljak. Azt akarta, hogy férjhez menjek” – mondta a művész egy interjúban. - Kidobta a munkámat. Vonat alá akartam vetni magam. Minden nap veszekedtem anyámmal, és ezért az elmém megsérült."

1948-ban, a háború vége után Kusama Kiotóba ment, hogy a hagyományos japán nihonga festészetet tanulja. szigorú szabályok. Utálta ezt a fajta művészetet.

A Whitney Museum of Contemporary Art 2012-es Yayoi Kusama kiállításának egyik kiállítása. Fotó: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock

Amikor Kusama Matsumotóban élt, talált egy könyvet Georgia O'Keeffetől, és lenyűgözték a festményei. A lány elment az amerikai tokiói nagykövetségre, hogy ott találjon egy cikket O’Keefe-ről a címtárban, és megtudja a címét. Kusama írt neki egy levelet és küldött néhány rajzot, és meglepetésére az amerikai művész válaszolt neki.

„Nem hittem el a szerencsémnek! Annyira kedves volt, hogy reagált a szerények hirtelen feltörő érzéseire Japán lányok, akivel soha életében nem találkozott, és még csak nem is hallott róla” – írta a művész „Infinity Net” című önéletrajzában.

Yayoi Kusama a Louis Vuitton butik kirakatában New Yorkban 2012-ben. Fotó: Nils Jorgensen/REX/Shutterstock

Annak ellenére, hogy O'Keeffe figyelmeztette, hogy nagyon nehéz a fiatal művészek élete az Egyesült Államokban, nem is beszélve az egyedülálló fiatal lányokról Japánban, Kusama megállíthatatlan volt. 1957-ben sikerült útlevelet és vízumot szereznie. Dollárokat varrt a ruháiba, hogy megkerülje a háború utáni szigorú valutaszabályozást.

Az első állomás Seattle volt, ahol kiállítást tartott egy kis galériában. Aztán Kusama New Yorkba ment, ahol keservesen csalódott. „A háború utáni Matsumotóval ellentétben New York minden értelemben gonosz és erőszakos hely volt. Kiderült, hogy ez túl megterhelő volt számomra, és hamarosan neurózisba keveredtem.” A helyzetet rontotta, hogy Kusama teljes szegénységben találta magát. Egy régi ajtó szolgált az ágyaként, és halfejeket és rothadt zöldségeket halászott a kukákból, hogy levest főzzön.

Installáció Infinity Mirror Room - Love Forever ("Szoba végtelen tükrökkel - szerelem örökké"). Fotó: Tony Kyriacou/REX/Shutterstock

Ez a nehéz helyzet arra késztette Kusamát, hogy még jobban elmerüljön munkájában. Elkezdte készíteni első festményeit az Infinity Net sorozatban, hatalmas vásznakra borítva (az egyik 10 méter magas volt) kis hurkok elbűvölő hullámaival, amelyek úgy tűnt, soha nem érnek véget. Maga a művész így jellemezte őket: „Fehér hálózatok borítják be a néma halál fekete pontjait a semmi reménytelen sötétségének hátterében.”

Yayoi Kusama installációja a Garázs Kortárs Művészeti Múzeum új épületének megnyitóján a moszkvai Gorkij Központi Kulturális és Kulturális Parkban 2015-ben. Fotó: David X Prutting/BFA.com/REX/Shutterstock

Ez a rögeszmés-kényszeres ismétlés segített elűzni a neurózist, de nem mindig ment meg. Kusama folyamatosan pszichózisrohamoktól szenvedett, és egy New York-i kórházban kötött ki. Ambiciózus és céltudatos, és boldogan elfogadta egy egzotikus ázsiai lány szerepét kimonóban, csatlakozott a tömeghez. befolyásos emberek a művészetben, és olyan elismert művészekkel kommunikált, mint Mark Rothko és Andy Warhol. Kusama később azt mondta, hogy Warhol utánozta a munkáját.

Kusama hamarosan bizonyos fokú hírnevet szerzett, és zsúfolt galériákban mutatkozott be. Ezenkívül a művész hírneve botrányossá vált.

Az 1960-as években, miközben Kusama a pöttyös megszállottja volt, eseményeket kezdett rendezni New Yorkban, és arra ösztönözte az embereket, hogy vetkőzzenek meztelenre olyan helyeken, mint a Central Park és a Brooklyn Bridge, és pöttyösekkel festette ki testüket.

Előzetes bemutató a hongkongi Art Baselben 2013-ban. Fotó: Billy Farrell/BFA/REX/Shutterstock

Évtizedekkel az Occupy Wall Street mozgalom előtt Kusama eseményt rendezett New York pénzügyi negyedében, és kijelentette, hogy "pöttyösekkel akarja elpusztítani a Wall Street embereit". Ekkortájt kezdett takargatni különféle tárgyakat- szék, csónak, babakocsi - fallikus kinézetű kiemelkedésekkel. "Elkezdtem péniszeket készíteni, hogy enyhítsem a szextől való idegenkedésemet" - írta a művész, leírva, hogyan kreatív folyamat fokozatosan átváltoztatva a szörnyűt valami ismerőssé.

"Passing Winter" installáció a londoni Tate Galériában. Fotó: James Gourley/REX/Shutterstock

Kusama soha nem ment férjhez, bár New Yorkban élt tíz évig házasságszerű kapcsolata volt Joseph Cornell művésszel. „Nem szerettem a szexet, ő pedig impotens volt, szóval nagyon jól passzoltunk egymáshoz” – mondta az Art Magazine-nak adott interjújában.

Kusama egyre híresebb a bohóckodásairól: felajánlotta, hogy lefekszik Richard Nixon amerikai elnökkel, ha véget vet a vietnami háborúnak. „Díszítsük egymást pöttyökkel” – írta neki egy levelében. A művészete iránti érdeklődés elhalványult, kegyvesztett lett, és újra kezdődtek a pénzproblémák.

Yayoi Kusama munkáinak retrospektívája során a New York-i Whitney Museum of Modern Artban 2012-ben. Fotó: Steve Eichner/Penske Media/REX/Shutterstock

Kusama szökéseinek híre eljutott Japánba. Kezdték „nemzeti katasztrófának” nevezni, és az anyja azt mondta, hogy jobb lenne, ha a lánya gyermekkorában belehalna a betegségbe. Az 1970-es évek elején elszegényedett és kudarcot szenvedett Kusama visszatért Japánba. Beiratkozott egy pszichiátriai kórházba, ahol ma is él, és a művészi homályba merült.

1989-ben a New York-i Kortárs Művészeti Központ retrospektívet rendezett munkáiról. Ez volt a kezdete, bár lassan, de felébredt az érdeklődés Kusama művészete iránt. Egy tükrös szobát tökökkel töltött meg egy installációhoz, amelyet 1993-ban a Velencei Biennálén állítottak ki, és 1998-ban a New York-i MoMa-ban volt egy nagy kiállítás. Itt rendezett egyszer egy történést.

Az Örök lelkem kiállításon örök lélek") V Nemzeti Központ művészet Tokióban, 2017. február. Fotó: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

Az elmúlt néhány évben Yayoi Kusama nemzetközi jelenséggé vált. Modern galéria A londoni Tate és a New York-i Whitney Múzeum jelentős retrospektíveket tartott, amelyek hatalmas tömegeket vonzottak a látogatókra, és ikonikus pöttyös mintája nagyon felismerhetővé vált.

Az Örök lelkem című kiállításon a Tokiói Nemzeti Művészeti Központban, 2017 februárjában. Fotó: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

A művésznő nem tervezi abbahagyni a munkát, de elkezdett gondolkodni halandóságán. „Nem tudom, meddig bírom túlélni a halál után is. Van egy jövő nemzedék, aki a nyomdokaimba lép. Megtiszteltetés lenne számomra, ha az emberek szívesen néznék a munkáimat, és ha meghatnák őket a művészetem.”

Az Örök lelkem című kiállításon a Tokiói Nemzeti Művészeti Központban, 2017 februárjában. Fotó: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

Annak ellenére, hogy művészetét kommercializálták, Kusama a matsumotói sírra gondol – nem benne családi kripta, már a szüleitől kapta – és hogyan ne változtasson szentélyt. „De még nem halok meg. Azt hiszem, élek még 20 évet” – mondja.

Az Örök lelkem című kiállításon a Tokiói Nemzeti Művészeti Központban, 2017 februárjában. Fotó: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

Van nagyon gazdag történelem; hagyománya hatalmas, Japán egyedülálló helyzete a világban nagyban befolyásolja a japán művészek uralkodó stílusait és technikáit. Ismert tény Az, hogy Japán évszázadokon át meglehetősen elszigetelt volt, nem csak a földrajznak köszönhető, hanem az elszigeteltség irányába mutató, az ország történelmét meghatározó japán kulturális tendenciának is. A „japán civilizációnak” nevezett évszázadok során a kultúra és a művészet elkülönülten fejlődött a világ többi részétől. És ez még a japán festészet gyakorlatában is észrevehető. Például a Nihonga festmények a japán festészeti gyakorlat fő alkotásai közé tartoznak. Több mint ezer éves hagyományon alapul, és a festményeket általában ecsettel készítik Vashira (japán papír) vagy Eginára (selyem).

A japán művészetet és festészetet azonban külföldi művészeti gyakorlatok befolyásolták. Eleinte a kínai művészet a 16. században és a kínai festészet ill Kínai hagyomány művészet, amely több szempontból is különösen nagy hatással volt. A 17. századból japán festészet is befolyásolták nyugati hagyományok. Különösen a háború előtti időszakban, amely 1868-tól 1945-ig tartott, a japán festészetet az impresszionizmus, ill. európai romantika. Ugyanakkor az új európai művészeti mozgalmakra is jelentős hatást gyakoroltak a japánok művészi technikák. A művészettörténetben ezt a hatást "japánizmusnak" nevezik, és különösen jelentős az impresszionisták, kubisták és a modernizmushoz kötődő művészek számára.

Hosszú történet A japán festészet több olyan hagyomány szintézisének tekinthető, amelyek egy elismert japán esztétika részeit alkotják. Mindenekelőtt a buddhista művészet és festészeti módszerek, valamint vallásos festészet, jelentős nyomot hagyott a japán festmények esztétikájában; A tájak víztintával történő festése a kínai irodalmi festészet hagyománya szerint egy másik fontos elem, amelyet számos híres japán festmény elismert; Az állatokat és növényeket ábrázoló festmények, különösen a madarak és a virágok azok, amelyeket általában a japán kompozíciókhoz kötnek, csakúgy, mint a tájak és a mindennapi élet jelenetei. Végül a filozófiából és a kultúrából származó ősi eszmék a szépségről nagy hatással voltak a japán festészetre Ősi Japán. A wabi, ami átmeneti és masszív szépséget jelent, a sabi (a természetes patina és az öregedés szépsége) és a yugen (mély kecsesség és finomság) továbbra is befolyásolja az ideálokat a japán festészet gyakorlatában.

Végül, ha a tíz leghíresebb kiválasztására koncentrálunk Japán remekművek, meg kell említenünk az ukiyo-e-t, amely az egyik legnépszerűbb művészeti műfaj Japánban, annak ellenére, hogy a grafikák közé sorolják. Ő dominált Japán művészet századból, míg az ebbe a műfajba tartozó művészek fametszeteket és festményeket készítettek olyan tárgyakkal, mint pl. gyönyörű lányok, Kabuki színészek és szumóbirkózók, valamint jelenetek a történelemből és népmesék, utazási jelenetek és tájak, növény- és állatvilág, sőt erotika.

Mindig nehéz listát készíteni legjobb festmények a művészeti hagyományokból. Sok csodálatos alkotás ki lesz zárva; ez a lista azonban a világ tíz legismertebb japán festményét tartalmazza. Ez a cikk csak a 19. századtól napjainkig készült festményeket mutatja be.

A japán festészetnek rendkívül gazdag története van. Az évszázadok során a japán művészek számos egyedi technikát és stílust fejlesztettek ki, amelyek Japán legértékesebb hozzájárulását jelentik a művészet világához. Az egyik ilyen technika a sumi-e. A Sumi-e szó szerint "tusrajzot" jelent, és a kalligráfiát és a tusfestést ötvözi, hogy az ecsettel rajzolt kompozíciók ritka szépségét hozza létre. Ez a szépség paradox – ősi, de modern, egyszerű, de összetett, merész, de visszafogott, kétségtelenül a zen buddhizmus művészetének spirituális alapját tükrözi. A buddhista papok a hatodik században Kínából hozták be Japánba a tömör tintatömböket és a bambusz ecsetet, és az elmúlt 14 évszázad során Japán a tusfestészet gazdag örökségét fejlesztette ki.

Görgessen le, és tekintse meg a 10 japán festészet remekművét

1. Katsushika Hokusai „A halász feleségének álma”

Az egyik legismertebb japán festmény „A halász feleségének álma”. 1814-ben festette a híres Hokusai művész. Ha szigorú definíciókat követ, ez csodálatos munka A Hokusai nem tekinthető festménynek, mivel az ukiyo-e műfaj fametszete a Fiatal fenyők (Kinoe no Komatsu) című könyvből, amely egy háromkötetes shunga könyv. A kompozíció egy fiatal ama búvárt ábrázol, aki szexuálisan összefonódik egy polippárral. Ez a kép nagy hatást gyakorolt ​​a 19. és 20. században. A munka nagyobb hatással volt késői művészek mint Félicien Rops, Auguste Rodin, Louis Aucock, Fernand Knopf és Pablo Picasso.

2. Tessai Tomioka „Abe no Nakamaro nosztalgikus verset ír, miközben a holdat nézi”

Tessai Tomioka egy híres japán művész és kalligráfus álneve. Őt tartják a bunjing hagyomány utolsó jelentős művészének és az elsők között jelentős művészek Nihonga stílus. A Bunjinga a japán festészet olyan iskolája volt, amely a késő Edo-korszakban virágzott olyan művészek körében, akik írástudónak vagy értelmiséginek tartották magukat. Ezen művészek mindegyike, köztük Tessaya, kidolgozta a sajátját saját stílusés a technológia, de mindannyian nagy rajongók voltak kínai művészetés a kultúra.

3. Fujishima Takeji „Napfelkelte a Keleti-tenger felett”

Fujishima Takeji egy japán művész volt, aki a romantika és az impresszionizmus fejlesztésében végzett munkáiról ismert a jóga (nyugati stílusú) művészeti mozgalomban. késő XIX- 20. század eleje. 1905-ben Franciaországba utazott, ahol hatással voltak rá a korabeli francia mozgalmak, különösen az impresszionizmus, amint az 1932-ben készült Napkelte a keleti tenger felett című festményén is látható.

4. Kitagawa Utamaro „Tízféle női arc, uralkodó szépségek gyűjteménye”

Kitagawa Utamaro kiemelkedő japán művész volt, aki 1753-ban született és 1806-ban halt meg. Minden bizonnyal leginkább a „Tíz típus” című sorozatról ismert női arcok. Uralkodó szépségek, témák gyűjteménye Nagy szerelem klasszikus költészet” (néha „Szerelmes nők”, amely külön „Meztelen szerelem” és „Elgondolkodó szerelem”) metszeteket tartalmaz. Az ukiyo-e fametszet műfajának egyik legjelentősebb művésze.

5. Kawanabe Kyosai „tigris”

Kawanabe Kyosai az Edo-korszak egyik leghíresebb japán művésze volt. Művészetére Tohaku, a 16. századi kanói iskolai festő munkái voltak hatással, aki korának egyetlen művésze volt, aki teljes egészében tintával festett paravánokat finom porolt ​​arany háttérre. Bár Kyosait karikaturistaként ismerik, a legtöbbet ő írta híres festmények a japán történelemben század művészete század. A "Tigris" egyike azoknak a festményeknek, amelyeket Kyosai akvarellel és tintával készített.

6. Hiroshi Yoshida „Fuji a Kawaguchi-tóból”

Hiroshi Yoshida az egyik legismertebb nagy alakok Shin-hanga stílus (a Shin-hanga egy művészeti mozgalom Japánban a XX. század elején, a Taisho és Showa korszakban, amely újjáéledt. tradícionális művészet ukiyo-e, amely az Edo és a Meiji periódusban (XVII - XIX. század) vert gyökeret. A nyugati olajfestészet hagyományát képezte, amelyet a Meidzsi-korszakban Japánból vettek át.

7. Takashi Murakami „727”

Takashi Murakami korunk talán legnépszerűbb japán művésze. Munkái csillagászati ​​áron kelnek el a nagyobb aukciókon, munkái pedig már nemcsak Japánban, hanem külföldön is inspirálják a művészek új generációit. Murakami művészete számos médiumot foglal magában, és általában szuperlaposnak nevezik. Munkássága a japán hagyományos és populáris kultúra motívumait tartalmazó színhasználatáról ismert. Festményeinek tartalmát gyakran úgy írják le, mint "aranyos", "pszichedelikus" vagy "szatirikus".

8. Yayoi Kusama „tök”

Yaoi Kusama is az egyik leghíresebb Japán művészek. Benne alkot különféle technikák festészet, kollázs, scat szobrászat, performansz, környezetművészet és installáció, amelyek többsége a pszichedelikus színek, ismétlődések és minták iránti tematikus érdeklődését mutatja. Ennek a nagyszerű művésznek az egyik leghíresebb sorozata a „Pumpkin” sorozat. Pöttyös mintával borított, világos sárga színű, normál sütőtök nettó háttér előtt látható. Az összes ilyen elem együttesen egy olyan vizuális nyelvet alkot, amely összetéveszthetetlenül igaz a művész stílusához, és amelyet több évtizedes gondos gyártás és sokszorosítás során fejlesztettek és finomítottak.

9. Tenmyoya Hisashi „Japanese Spirit No. 14”

Tenmyoya Hisashi egy kortárs japán művész, aki neo-nihonga festményeiről ismert. Részt vett a megújulásban régi hagyomány Japán festészet, amely a modern japán festészet teljes ellentéte. 2000-ben ő is létrehozta a magáét egy új stílus butouha, aki festményein keresztül erős attitűdöt mutat a tekintélyes művészeti rendszerhez. A "Japanese Spirit No. 14" részeként jött létre művészi séma"BASARA" -ban értelmezve japán kultúra mint az alsóbb arisztokrácia lázadó magatartása a háborúzó államok időszakában, hogy megfosztsák a hatóságokat attól, hogy ideális kép az életet, buja és fényűző ruhákba öltözve és szabad akaratból cselekszenek, nem társadalmi osztályuknak megfelelően.

10. Katsushika Hokusai „The Great Wave Off Kanagawa”

Végül, " Egy nagy hullám in Kanagawa" valószínűleg a valaha készült legismertebb japán festmény. Valójában ez a leghíresebb Japánban készült műalkotás. Hatalmas hullámokat ábrázol, amelyek Kanagawa prefektúra partjainál fenyegetik a hajókat. Bár néha összetévesztik a szökőárral, a hullám, ahogy a festmény címe is sugallja, valószínűleg egyszerűen rendellenes. nagyobb magasság. A festmény az ukiyo-e hagyomány szerint készült.

Feladó:  

- Csatlakozz hozzánk! A neved:

Egy komment:

Ami számos technikát és stílust lefed. Története során számos változáson ment keresztül. Új hagyományok és műfajok kerültek be, és megmaradtak az eredeti japán elvek. Japán csodálatos történelme mellett a festmény számos egyedi és érdekes tény bemutatására is kész.

Ősi Japán

Az első stílusok a legősibbben jelennek meg történelmi időszak országokban, még Kr. e. e. Akkor a művészet meglehetősen primitív volt. Először Kr.e. 300-ban. e., különféle geometriai alakzatok, amelyeket a fazekasságon botok segítségével végeztek. A régészek olyan felfedezése, mint a bronz harangok díszítése, egy későbbi időre nyúlik vissza.

Kicsit később, már i.sz. 300-ban. e., megjelenik barlangrajzok, amelyek sokkal változatosabbak, mint a geometrikus minták. Ezek már teljes értékű képek képekkel. Kriptákban találták őket, és valószínűleg ezekben a temetőkben temették el a rájuk festett embereket.

A 7. században e. Japán átveszi a Kínából származó írást. Körülbelül ugyanebben az időben érkeztek onnan az első festmények. Ekkor a festészet külön művészeti szféraként jelenik meg.

Edo

Edo messze nem az első, és nem is legújabb festménye azonban ő volt az, aki sok új dolgot hozott a kultúrába. Először is, ez a fényesség és a színesség, amelyet a szokásos technikához adtak fekete és fekete színben szürke tónusok. A legtöbb kiváló művész Ezt a stílust Sotasunak tartják. Ő csinálta klasszikus festmények, de a karakterei nagyon színesek voltak. Később áttért a természetre, tájképeinek nagy részét aranyozott háttérre festették.

Másodszor, az Edo-korszakban megjelent az egzotika, a namban műfaj. Modern európai és kínai technikákat alkalmazott, amelyek összefonódtak a hagyományos japán stílusokkal.

Harmadszor pedig megjelenik a Nanga iskola. Ebben a művészek először teljesen utánozzák, vagy akár lemásolják a kínai mesterek munkáit. Ekkor megjelenik egy új ág, amit bunjingnak hívnak.

Modernizációs időszak

Az Edo-korszak átadja helyét Meidzsinek, most pedig a japán festészet kénytelen új színpad fejlesztés. Ebben az időben világszerte népszerűvé váltak az olyan műfajok, mint a western és hasonlók, így a művészet modernizálása általánossá vált. Azonban Japánban, egy olyan országban, ahol minden ember tiszteli a hagyományokat, az akkori állapotok jelentősen eltértek a többi országban történtektől. Itt éles a verseny az európai és a helyi technikusok között.

A kormány ebben a szakaszban előnyben részesíti azokat a fiatal művészeket, akik nagy ígéretet mutatnak készségeik fejlesztésében nyugati stílusok. Így hát iskolába küldik őket Európába és Amerikába.

De ez csak az időszak elején volt. A tény az, hogy híres kritikusok elég sokat kritizált nyugati művészet. A sok felhajtás elkerülése érdekében európai stílusokés a technikákat elkezdték tiltani a kiállításokon, megszűnt a bemutatásuk, ahogy népszerűségük is.

Az európai stílusok megjelenése

Ezután következik a Taisho időszak. Ebben az időben fiatal művészek, akik elmentek tanulni külföldi iskolák, jöjjenek vissza hazájukba. Természetesen a japán festészet új stílusait hozzák magukkal, amelyek nagyon hasonlítanak az európaiakhoz. Megjelenik az impresszionizmus és a posztimpresszionizmus.

Ebben a szakaszban sok olyan iskola alakul ki, amelyekben ősi Japán stílusok. De lehetetlen teljesen megszabadulni a nyugati tendenciáktól. Ezért több technikát kell kombinálnunk, hogy a klasszikusok kedvelőinek és a modern európai festészet rajongóinak is kedvet kapjunk.

Egyes iskolák állami finanszírozásúak, aminek köszönhetően sok nemzeti hagyományt meg lehet őrizni. A magántulajdonosok kénytelenek követni azoknak a fogyasztóknak a példáját, akik valami újat akartak, belefáradtak a klasszikusokba.

Festmény a második világháborúból

A háború kezdete után a japán festészet egy ideig távol maradt az eseményektől. Külön-külön és önállóan fejlődött. De ez nem mehetett örökké.

Idővel, amikor az ország politikai helyzete rosszabbodik, a magas és elismert személyiségek sok művészt vonzanak. Néhányan már a háború elején hazafias stílusban alkottak. A többiek csak a hatóságok utasítására kezdik meg ezt a folyamatot.

Ennek megfelelően a japán képzőművészet különösen a második világháború idején nem tudott fejlődni. Ezért festéshez stagnáltnak nevezhető.

Örök Suibokuga

A japán sumi-e festészet vagy suibokuga szó szerint azt jelenti, hogy „tusfestés”. Ez határozza meg a stílust és a technikát ennek a művészetnek. Kínából érkezett, de a japánok úgy döntöttek, hogy magukénak mondják. És kezdetben a technikának nem volt esztétikai oldala. A szerzetesek önfejlesztésre használták a zen tanulmányozása közben. Sőt, először képeket rajzoltak, majd figyelés közben edzették a koncentrációjukat. A szerzetesek úgy vélték, hogy a szigorú vonalak, az elmosódott tónusok és az árnyékok – mindaz, amit monokrómnak neveznek – segítenek a fejlődésben.

A japán tusfestészet a festmények és technikák sokfélesége ellenére nem olyan bonyolult, mint amilyennek első pillantásra tűnhet. Csak 4 telken alapul:

1. Krizantém.
2. Orchidea.
3. Szilva ág.
4. Bambusz.

A cselekmények kis száma nem teszi gyorssá a technika elsajátítását. Egyes mesterek úgy vélik, hogy a tanulás egy életen át tart.

Annak ellenére, hogy a sumi-e már régen megjelent, mindig keresett. Sőt, ma már nemcsak Japánban találkozhat ennek az iskolának a mestereivel, hanem a határain túl is elterjedt.

Modern korszak

A második világháború vége után a művészet Japánban csak ben virágzott fel nagyobb városok, a falubelieknek és a falubelieknek volt elég gondjuk. A művészek többnyire igyekeztek elfordulni a háborús veszteségektől, és a modern életet vásznon ábrázolni. városi élet annak minden díszítésével és vonásával. Az európai és amerikai elképzeléseket sikeresen elfogadták, de ez az állapot nem tartott sokáig. Sok mester fokozatosan eltávolodott tőlük a japán iskolák felé.

Mindig divatos maradt. Ezért a modern japán festészet csak a kivitelezés technikájában vagy a folyamat során felhasznált anyagokban térhet el egymástól. De a legtöbb művész nem érzékeli jól a különféle újításokat.

Lehetetlen nem beszélni a divatosról modern szubkultúrák, például anime és hasonló stílusok. Sok művész megpróbálja elmosni a határt a klasszikusok és a mai kereslet között. Ez az állapot többnyire a kereskedelemnek köszönhető. A klasszikusokat és a hagyományos műfajokat gyakorlatilag nem vásárolják meg, ezért veszteséges a kedvenc műfajában művészként dolgozni, alkalmazkodnia kell a divathoz.

Következtetés

Kétségtelen, hogy a japán festészet kincsesbánya vizuális művészetek. Talán a kérdéses ország volt az egyetlen, amely nem követte a nyugati trendeket, és nem alkalmazkodott a divathoz. Az új technikák megjelenése során sok ütés ellenére a japán művészek még mindig meg tudták védeni a nemzeti hagyományokat számos műfajban. Valószínűleg ez az oka annak, hogy a klasszikus stílusban készült festményeket ma nagyra értékelik a kiállításokon.