สไตล์กุหลาบสีน้ำเงินแจ๊คเพชร "กุหลาบสีน้ำเงิน" และ "แจ็คเพชร"

"กุหลาบสีน้ำเงิน" และ "แจ็คออฟไดมอนด์"

"บลูโรส"

ใหญ่ที่สุด การศึกษาศิลปะหลังจากที่ "โลกแห่งศิลปะ" และ "สหภาพศิลปินรัสเซีย" มาถึง "กุหลาบสีน้ำเงิน" ภายใต้ชื่อนี้ นิทรรศการจัดขึ้นที่มอสโกในปี พ.ศ. 2450 โดยรวบรวมกลุ่มศิลปินรุ่นเยาว์นักศึกษาล่าสุดของโรงเรียนจิตรกรรมประติมากรรมและสถาปัตยกรรมมอสโก - ผู้ติดตามของ Borisov-Musatov แม้ว่านิทรรศการนี้จะเป็นเพียงนิทรรศการเดียว แต่ก็เผยให้เห็นถึงความเหมือนกันของหลักการสร้างสรรค์ดั้งเดิมและเทคนิคการมองเห็นของปรมาจารย์ที่เป็นตัวแทนซึ่งเป็นผู้สร้างทิศทางพิเศษในการวาดภาพรัสเซีย นิทรรศการ Blue Rose เป็นเพียงช่วงเวลาที่ผ่านไปในวิวัฒนาการเชิงสร้างสรรค์ แต่เป็นช่วงเวลาที่สำคัญ มันเป็นช่วงเวลาแห่งความสับสนที่ครอบงำส่วนสำคัญของสังคมรัสเซียในบรรยากาศแห่งปฏิกิริยาหลังความพ่ายแพ้ของการปฏิวัติ ซึ่งเป็นเวลาที่สะท้อนให้เห็นในงานศิลปะด้วยความชัดเจนของเป้าหมาย ความไวที่เพิ่มขึ้นต่อเฉดสีและความแตกต่างของอารมณ์ที่คลุมเครือทำให้เกิดภาพที่ดูไม่มั่นคงและเข้าใจยาก ศิลปินวาดภาพเพื่อค้นหาความสัมพันธ์ของสีที่ประณีตและซับซ้อน จังหวะทำนองอันไพเราะของการตกแต่งและประดับที่ละเอียดอ่อน และเอฟเฟกต์ที่ซับซ้อนของพื้นผิวภาพที่แวววาวด้าน

ตัวอย่างทั่วไปของการวาดภาพประเภทนี้คือ "The Blue Fountain" (1905) ซึ่งเป็นภาพวาดในยุคแรกโดยหนึ่งในปรมาจารย์ชั้นนำของขบวนการ P.V. คุซเนตโซวา (2421-2511) วิวัฒนาการเพิ่มเติมของศิลปินคนนี้เป็นเรื่องปกติของศิลปินบลูโรสส่วนใหญ่ ประกอบด้วยการเอาชนะจิตวิทยาที่มีมากเกินไปในความปรารถนาที่จะกลับไปสู่ความเรียบง่ายดั้งเดิมของความรู้สึกของความเป็นจริง อย่างไรก็ตาม นี่ไม่ใช่เส้นทางที่จะละทิ้งระบบภาพก่อนหน้านี้ แต่เป็นการพัฒนาและปรับปรุงเชิงตรรกะ นี่คือลักษณะที่ชุดภาพวาดที่อุทิศให้กับแม่น้ำโวลก้าและสเตปป์เอเชียกลางปรากฏขึ้น การไตร่ตรองถึงพื้นที่อันกว้างใหญ่ การสังเกตชีวิตที่วัดได้และเงียบสงบของชนเผ่าเร่ร่อนนำมาซึ่งการปลดปล่อยจากพลังของอารมณ์ที่คลุมเครือ และเปลี่ยนศิลปินจากสิ่งที่ยากจะเข้าใจไปสู่สิ่งที่มีอยู่ตลอดเวลา

"Mirage in the Steppe" (1912) เป็นหนึ่งในผลงานที่สมบูรณ์แบบที่สุดของวัฏจักรนี้ ท้องฟ้าสูง เส้นขอบฟ้าอันเงียบสงบ โครงร่างอันนุ่มนวลของเต็นท์ที่กระจัดกระจายอย่างอิสระในอวกาศ หลอมรวมกับพื้นดินและทำซ้ำโครงร่างของโดมสวรรค์ เรียบง่ายและ การเคลื่อนไหวเป็นจังหวะประชากร คนตัดขนแกะการทำอาหาร การนอนหลับ - ทั้งหมดนี้ต้องขอบคุณการคล้องจองที่ละเอียดอ่อนอย่างน่าอัศจรรย์ ความสอดคล้องของสี รูปร่าง และรูปทรง ก่อให้เกิดภาพองค์รวมเชิงกวีของโลก ซึ่งเวลาไม่มีอำนาจ เบื้องหน้าเราคือไอดีลปรมาจารย์ดึกดำบรรพ์ซึ่งเป็น "ยุคทอง" ความฝันแห่งความกลมกลืนระหว่างมนุษย์กับธรรมชาติซึ่งเป็นจริงในความเป็นจริง

การวาดภาพบนผืนผ้าใบเหล่านี้มีพื้นฐานมาจากความแตกต่างอันละเอียดอ่อนของพื้นผิวที่มีสีสัน ซึ่งได้รับความสมบูรณ์และความดังของโทนสีที่ก่อนหน้านี้มีเมฆมากและมีหมอก รูปทรงที่มีชีวิตชีวาและยืดหยุ่นดูเหมือนจะมองเห็นได้ผ่านอากาศที่โปร่งใสซึ่งได้รับความร้อนจากดวงอาทิตย์ ด้วยเหตุนี้วัตถุต่างๆ จึงปรากฏบนผืนผ้าใบราวกับอยู่ในสถานะที่ถูกระงับ กลายเป็นจิตวิญญาณ และได้รับความไร้น้ำหนักที่มีมนต์ขลัง ดูเหมือนว่าภาพทั้งหมดจะเต็มไปด้วยจังหวะชีวิตเดียวราวกับว่าเป็นคลื่นแห่งความสุขอันไพเราะอย่างเงียบสงบเปลี่ยนภาพแห่งความเป็นจริงให้กลายเป็น "นิมิตแห่งสวรรค์" บทกวีที่ละเอียดอ่อนและเต็มไปด้วยจิตวิญญาณของภาพวาดผสมผสานกับจังหวะที่เคร่งขรึมของการแต่งเพลงอย่างสมดุลและสมมาตร

ธีมตะวันออกเข้าสู่งานของผู้เข้าร่วม "Blue Rose" อีกคนซึ่งเรียนที่โรงเรียนมอสโกร่วมกับ Kuznetsov, M.S. ซาร์ยัน (พ.ศ. 2423-2515) วิธีการวาดภาพของ Saryan ได้รับรูปแบบที่ประณีตในช่วงทศวรรษที่ 10 ของศตวรรษที่ 20 แรงบันดาลใจจากการเดินทางไปตุรกี อิหร่าน และอียิปต์ ศิลปินไม่ได้คัดลอกทุกสิ่งที่ตามองเห็นจากธรรมชาติ แต่แสวงหาภาพองค์รวมซึ่งเป็นสูตรที่มีสีสัน เช่นเดียวกับ Kuznetsov พื้นฐานของความหมายของผืนผ้าใบของเขาคือจุดสีและการจัดระเบียบการตกแต่งและตกแต่งของภาพบนเครื่องบิน ผลงานของซาร์ยัน เช่น “Street.

คอนสแตนติโนเปิล" (1910), "Woman Walking" (1911), "Date Palm" (1911) มีความโดดเด่นด้วยสิ่งที่เรียกได้ว่าเป็นพลวัตของการมองเห็น นี่ไม่ใช่การไตร่ตรองเป็นเวลานาน แต่เป็นการแก้ไขความสัมพันธ์ที่มีสีสันหลักอย่างรวดเร็ว การเปรียบเทียบที่ตัดกันอย่างชัดเจน

หากภาพวาดของ Kuznetsov เป็นเหมือนบทกวีที่หลั่งไหลออกมา ภาพวาดของ Saryan ก็เป็นคำพังเพยที่มีสีสันเกี่ยวกับสิ่งที่เขาเห็น Saryan ชอบแสงที่เข้มข้น สว่าง มีทิศทางแน่นอน ซ่อนเฉดสีและเผยให้เห็นความแตกต่าง โดยแบ่งขอบเขตของแสงและความมืดอย่างชัดเจน ด้วยเหตุนี้ ภาพวาดของเขาจึงดูคล้ายกับกราฟิกสีในบางครั้ง เช่น ใน “Walking Woman” ก็มีลักษณะคล้ายกับงานปะติดปะติดปะต่อ

ความเป็นจริงบนผืนผ้าใบของ Saryan ปรากฏควบแน่นเป็นอติพจน์หลากสีสันจนไปถึงระดับของเสียงที่น่าสมเพช ต้นปาล์มของพระองค์วางอยู่กลางผืนผ้าใบ ยกใบขึ้นเหนือเรือนอันซอมซ่ออย่างภาคภูมิใจ คล้ายน้ำพุสีเขียวชอุ่มพุ่งขึ้นและออกจากลำต้นอย่างแรง ดูเหมือนจะเป็นตัวตนของพลังธาตุแห่งธรรมชาติอย่างแท้จริง “ต้นไม้แห่งชีวิต” ดังนั้นด้วยวิธีของเขาเอง Saryan จึงได้รวมเอาความเป็นจริงในชีวิตประจำวันให้กลายเป็นสัญลักษณ์บทกวีนิรันดร์ด้วยวิธีของเขาเอง

เป็นแนวทางการวาดภาพของรัสเซียเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 "กุหลาบสีน้ำเงิน" ใกล้เคียงกับบทกวีเชิงสัญลักษณ์มากที่สุด พื้นฐานของความใกล้ชิดนี้คือการมุ่งเน้นขั้นพื้นฐานในการเปลี่ยนแปลงภาพของความเป็นจริงเพื่อที่จะแยกความเป็นไปได้ของการรับรู้สิ่งต่าง ๆ และปรากฏการณ์ตามตัวอักษรโดยปลุกให้ตื่นขึ้นในสิ่งเหล่านั้นที่ผิดปกติและมีความเชื่อมโยงและความหมายสูง

ใน วิจิตรศิลป์สิ่งนี้ส่งผลให้เกิดความหลงใหลในการเปลี่ยนแปลงทุกรูปแบบในทรงกลม การรับรู้ทางสายตา- ไปจนถึงการตัดเปอร์สเปคทีฟที่คมชัดและมุมที่ไม่คาดคิดซึ่งปรับเปลี่ยนรูปร่างของวัตถุ, ไปจนถึงการสะท้อนในน้ำ, บนกระจก, ในกระจก, ไปจนถึงการสั่นสะเทือนของแสงและอากาศที่ทำให้รูปทรงหายไป ฯลฯ

ในเวลานั้น โรงละครกลายเป็นขอบเขตที่มีประสิทธิภาพสูงสุดไม่เพียงแต่ด้านการมองเห็นเท่านั้น แต่ยังเป็นการเปลี่ยนแปลงความเป็นจริงที่เป็นสากลอีกด้วย เขาเป็นคนที่กลายเป็นพื้นที่ที่ภาพวาด "กุหลาบสีน้ำเงิน" และสัญลักษณ์มาบรรจบกันโดยตรง ที่สุด ตัวเลือกที่น่าสนใจบทสนทนาระหว่างภาพวาดและสัญลักษณ์ในโรงละครแสดงโดยผลงานของ N.N. ซาปูนอฟ (2423-2455)

ร่วมกับปรมาจารย์แห่ง Blue Rose อีกคน - S.Yu. Sudeikin (พ.ศ. 2425-2489) เขากลายเป็นนักออกแบบคนแรกในรัสเซีย ละครเชิงสัญลักษณ์ M. Maeterlinck (ที่ Moscow Art Theatre Studio บน Povarskaya, 1905) นี่คือจุดเริ่มต้นของความร่วมมือระหว่าง Sapunov กับ Vs. Meyerhold - ในการผลิตของ Hedda Gabler และ Blok's Showcase ของ Ibsen

ในทางกลับกัน "ความมหัศจรรย์ของโรงละคร" ซึ่งทำให้เราได้สัมผัสประสบการณ์ที่ประดิษฐ์ขึ้นมา สมมติขึ้นมา และน่าอัศจรรย์เหมือนของแท้และมีชีวิต ได้ถูกถ่ายทอดโดย Sapunov ไปยังการวาดภาพแบบขาตั้ง นี่คือวิธีที่งานทั้งกลุ่มเกิดขึ้นโดยเขียน "เกี่ยวกับ" ผลงานละครที่เกี่ยวข้อง

ศิลปินโรแมนติกผู้โดดเดี่ยวในโลกที่สร้างขึ้นด้วยจินตนาการเริ่มเข้าใจผิดว่าการสร้างสรรค์จินตนาการของเขาเองนั้นเป็นจริง มีการเปลี่ยนแปลงของ "โลกแห่งเวทมนตร์" เชิงสัญลักษณ์ให้เป็น "บูธ" - สิ่งเหล่านี้คือ "วิทยานิพนธ์" และ "สิ่งที่ตรงกันข้าม" ของสัญลักษณ์ซึ่ง Blok สังเกตในปี 1910 และก่อนหน้านี้ในปี 1906 ซึ่งกลายเป็นแก่นของโคลงสั้น ๆ ละครเรื่อง “Balaganchik” ซึ่งออกแบบโดย Sapunov ตั้งแต่วินาทีแรกที่เขาทำงานเกี่ยวกับการแสดงนี้ องค์ประกอบของงานหวือหวาในงานแสดงสินค้า รูปแบบการพิมพ์ยอดนิยม และความพิสดารก็ปรากฏอยู่ในงานของ Sapunov อยู่ตลอดเวลา กระแสเหล่านี้มาถึงจุดสูงสุดในภาพวาด "The Tea Party" ที่ยังเขียนไม่เสร็จ (1912)

“แจ๊คเพชร”

ชายแดน 2453-2454 โดดเด่นจากการปรากฏตัวในสนามประลอง ชีวิตศิลปะกลุ่มใหม่ภายใต้ชื่อเร้าใจ "แจ็ค ออฟ ไดมอนด์" แกนกลางถาวรของสังคมซึ่งมีอยู่จริงจนถึงปี 1916 ประกอบด้วยศิลปิน P. Konchalovsky, I. Mashkov, A. Lentulov, A. Kuprin, R. Falk ซึ่งต่อมากลายเป็นผู้เชี่ยวชาญด้านศิลปะโซเวียตที่มีชื่อเสียง “ The Jack of Diamonds” ซึ่งมีกฎบัตร นิทรรศการ และคอลเลกชันบทความของตัวเอง กลายเป็นเทรนด์ใหม่ที่มีอิทธิพลในงานศิลปะรัสเซียเมื่อต้นศตวรรษที่ 20

อิมเพรสชั่นนิสม์ในการดัดแปลงทั้งหมดเป็นจุดเริ่มต้นในเวลาเดียวกัน การพัฒนาทางศิลปะและอื่นๆ วิธีการสร้างสรรค์ในการเอาชนะสิ่งที่ศิลปิน “Jack of Diamonds” มองเห็นภารกิจหลักของพวกเขา ตั้งแต่แรกเริ่มพวกเขาทำหน้าที่เป็นคู่ต่อสู้ที่ดุเดือดของงานศิลปะรุ่นก่อน ๆ - โวหารของ "โลกแห่งศิลปะ" จิตวิทยาที่ซับซ้อนของภาพวาด "The Blue Rose" ถูกปฏิเสธออกจากประตู ที่เป็นหัวใจสำคัญของความไม่พอใจของศิลปินรุ่นเยาว์ต่อสถานการณ์ใน ศิลปะร่วมสมัยมีแรงจูงใจทางสังคม - วิกฤตของลัทธิซาร์ในรัสเซียซึ่งแสดงออกมาด้วยพลังพิเศษในช่วงการปฏิวัติปี 2448-2450 และปีแห่งปฏิกิริยาที่ตามมา (พ.ศ. 2450 - 2453) ความไม่พอใจต่อยุค "สนธยา" นี้แสดงออกในการปฏิเสธทุกสิ่งที่คลุมเครือ ลึกลับ และไม่ได้กล่าวถึงในงานศิลปะ

ตรงกันข้ามกับภาพวาดสัญลักษณ์ของ "กุหลาบสีน้ำเงิน" ศิลปินของ "Jack of Diamonds" พยายามแสดงการเคลื่อนไหวที่รุนแรงที่สุดจากการมุ่งเน้นไปที่ความรู้สึกส่วนตัวที่ไม่ชัดเจนไปจนถึงการได้รับความมั่นคง ภาพที่เห็น, เสียงที่สมบูรณ์ของสีไปจนถึงตรรกะเชิงสร้างสรรค์ของการสร้างภาพ การยืนยันเรื่องและความเที่ยงธรรมซึ่งตรงข้ามกับมิติเชิงพื้นที่ถือเป็นหลักการเริ่มแรกของงานศิลปะของพวกเขา

ในเรื่องนี้การวาดภาพวัตถุ - หุ่นนิ่ง - มาเป็นแนวหน้า งานโต้เถียงในการวาดภาพ "Jack of Diamonds" พบว่ามีรูปลักษณ์ที่ชัดเจนเป็นพิเศษในผลงานของหนึ่งในผู้ก่อตั้งกลุ่ม I.I. มาชโควา (2424 - 2487) “ Blue Plums” ของเขา (1910) ถือได้ว่าเป็นสโลแกนสำหรับทิศทางนี้ ภาพของผลไม้ที่จัดเรียงในองค์ประกอบการตกแต่งแบบคงที่ดูเหมือนจะแข็งตัวไปครึ่งหนึ่งจากวัตถุดิบของสีของจานสีไปจนถึงสีที่แท้จริงของธรรมชาติ ศิลปินเปรียบเทียบงานของเขากับงานของช่างฝีมือที่ทำสิ่งต่างๆ ในกรณีนี้สิ่งนั้นก็คือภาพวาดนั่นเอง ศิลปินนำภาพวาดเข้ามาใกล้ยิ่งขึ้น ศิลปะพื้นบ้านด้วยความรู้สึกโดยธรรมชาติของแหล่งข้อมูล

ในความเปลือยเปล่าของกระบวนการสร้างภาพวาดและในความอิ่มเอมใจของเสียงที่มีสีสัน Mashkov ดูเหมือนจะกำหนดหลักการเริ่มต้นของศิลปะพื้นบ้าน: การผสมผสานระหว่างสองด้านของชีวิตชาวบ้าน - แรงงานและการเฉลิมฉลอง

เช่นเดียวกับใน "Blue Plums" ของ Mashkov ซึ่งได้รับการอนุมัติโดย "Jack of Diamonds" แนวทางใหม่สู่การพัฒนาธรรมชาติโดยพี.พี. Konchalovsky (2419-2499) ใน "ภาพเหมือนของ G. Yakulov" (2453) ศิลปินแนะนำชีวิตหุ่นนิ่งโดยเสริมหลักการในพื้นที่ดั้งเดิมของการครอบงำงานทางจิตวิทยา พระองค์ทรงกำจัดทุกสิ่งที่เป็นเพียงชั่วคราว สถานะภายในบุคคลที่เน้นทุกสิ่งที่ประกอบขึ้นอย่างมั่นคงสดใสในความหมายที่เหมาะสมของคำสัญญาณที่งดงามของรูปลักษณ์ภายนอกของแต่ละบุคคล ที่นี่เรากำลังจัดการกับระบบเฉพาะที่ทำให้ลักษณะเฉพาะของภาพพิมพ์ ของเล่น และป้ายยอดนิยมต่างๆ ง่ายขึ้น ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่บางครั้งคำวิจารณ์ได้กำหนดสไตล์การวาดภาพของ "Jack of Diamonds" โดยรวมว่าเป็น "สไตล์สัญลักษณ์" คำวิจารณ์เดียวกันนี้ได้กล่าวถึงความเชื่อมโยงโดยตรงของจิตรกรมอสโกรุ่นใหม่กับภาพวาดฝรั่งเศสร่วมสมัยซ้ำแล้วซ้ำอีกซึ่งย้อนกลับไปในต้นกำเนิดของ Cezanne อย่างไรก็ตาม ภาพวาดของ Cézanne ถูกนำมาใช้โดย The Jack of Diamonds ผ่านทาง Cézanneism ในรูปแบบการตกแต่งที่นำเสนอโดย Fauvists โดยเฉพาะ Matisse

ลัทธิการตกแต่งซึ่งในตอนแรกครอบงำในหมู่ศิลปินของ "Jack of Diamonds" แยกออกจากภาพวาดของ Cezanne ในจุดที่สำคัญมากจุดหนึ่ง: ในความรู้สึกที่อ่อนแอของประติมากรรมในรูปแบบ ความประทับใจในสาระสำคัญของวัตถุซึ่งศิลปินพยายามทำให้สำเร็จในผลงานชิ้นแรกของพวกเขาไม่ได้เกิดขึ้นเนื่องจากการสร้างรูปทรงเชิงประติมากรรมและปริมาตร แต่เนื่องมาจากพื้นผิวที่หนาแน่นในขณะที่พื้นที่ดูตกแต่งกระจายออกไปและ บ่อยครั้งด้วยเหตุนี้จึงไม่มีรูปร่าง ในการเอาชนะข้อบกพร่องนี้ บทบาทที่มีชื่อเสียงรับบทโดยลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม - การเคลื่อนไหวของภาพวาดที่พบแรงจูงใจทางทฤษฎีสำหรับการทดลองตามคำแนะนำที่ Cézanne ให้ไว้ครั้งหนึ่งเพื่อดำเนินการวิเคราะห์ทางจิต รูปร่างที่ซับซ้อนโดยนำพวกมันเข้าใกล้การกำหนดค่าทางเรขาคณิตพื้นฐานมากขึ้น - ลูกบาศก์ กรวย และทรงกลม ปรมาจารย์แห่ง “แจ็คแห่งเพชร” ก็ใช้เทคนิคที่คล้ายกัน ดังนั้น "Agave" ของ Konchalovsky (1916) จึงเป็นอีกรูปแบบหนึ่งของการหลอมรวมประสบการณ์ของลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม โดยข้ามรูปแบบสุดขั้วของการแบ่งรูปแบบตามแผนผัง ศิลปินมองเห็นวิธีวิเคราะห์ความสัมพันธ์เชิงพื้นที่ในลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม พื้นที่ของภาพถูกมองว่าเป็นวัตถุบางอย่าง ซึ่งวัตถุที่ปรากฎนั้นตกผลึกด้วยความพยายาม รูปแบบที่ดูเหมือนจะแตกหัก บิดเบี้ยว ด้วยความพยายามในการพิชิตสภาพแวดล้อมที่อยู่อาศัยที่จำเป็นสำหรับตัวมันเอง สิ่งต่าง ๆ ถูกนำเข้าสู่พื้นที่รอบตัวพวกเขาอย่างแข็งขันราวกับว่ากำลังเอาชนะการต่อต้านของมัน จึงเป็นที่มาของความประทับใจในละคร สิ่งต่าง ๆ ดูเหมือนจะยืนหยัดอยู่เหนือสถานที่ที่ถูกยึดครอง พวกมันไม่ตกอยู่ในมือง่าย ๆ ดูเหมือนเป็นศัตรูกับมนุษย์และเหินห่างจากเขา

ประเภทของหุ่นนิ่งสามารถถ่ายทอดเนื้อหาใหม่ๆ สอดคล้องกับความทันสมัยพร้อมความขัดแย้งและความรู้สึกถึงการเปลี่ยนแปลงที่กำลังจะเกิดขึ้น ในภาพวาด "Jack of Diamonds" หุ่นนิ่งกลับคืนสู่ความสำคัญของศิลปะชั้นสูง

พร้อมด้วยลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม องค์ประกอบที่สำคัญตั้งแต่ช่วงกลางทศวรรษที่ 10 สไตล์การมองเห็นของ "Jack of Diamonds" กลายเป็นลัทธิแห่งอนาคต - การเคลื่อนไหวด้านการวาดภาพอีกรูปแบบหนึ่งที่เกิดขึ้นในอิตาลีในปีเดียวกัน การประกาศจังหวะทางอุตสาหกรรมในยุคของการปฏิวัติทางวิทยาศาสตร์และเทคโนโลยีเป็นภาษาที่แท้จริงของอนาคต โดยเรียกร้องให้นำจังหวะเหล่านี้มาใช้ในการออกแบบงานศิลปะ เทคนิคหนึ่งของเขาคือการ “ตัดต่อ” วัตถุหรือส่วนของวัตถุโดยถ่ายราวกับว่าเป็น เวลาที่ต่างกันและจากจุดชมวิวต่างๆ การเคลื่อนไหวของวัตถุเช่น ผู้ดูถูกถ่ายโอนไปยังวัตถุที่เต็มไปด้วยไดนามิกที่เกิดขึ้นเองและความสามารถในการสร้างการดัดแปลงที่แปลกประหลาด เราเห็นผลกระทบนี้เมื่อรวมกับ "การเปลี่ยนแปลง" ลูกบาศก์ของรูปแบบและการแบ่งชั้นของแผนเชิงพื้นที่ในภาพวาดตกแต่งและแผงของ A.V. Lentulov (2425-2486) "เซนต์โหระพา" (2456) และ "เสียงกริ่ง" (2458)

พื้นผิวของภาพคิดว่าเป็นสิ่งที่สั่นสะเทือนและแตกออกโดยผู้มีอำนาจ คลื่นเสียงกระจกที่สะท้อนสถาปัตยกรรมมอสโกอันมีสีสัน มีการประชดในทัศนคติของศิลปินชาวรัสเซียต่อเทคนิคของศิลปะยุโรปตะวันตกสมัยใหม่ ใน Lentulov มันสะท้อนให้เห็นเช่นในการถ่ายทอดเทคนิคแห่งอนาคตซึ่งมีจุดมุ่งหมายเพื่อแสดงจังหวะของยุคอุตสาหกรรมไปยังวัตถุที่แตกต่างอย่างสิ้นเชิงในสาระสำคัญ - สถาปัตยกรรมปิตาธิปไตยโบราณ จากการผสมผสานที่ขัดแย้งกันระหว่างภาษาที่เป็นรูปเป็นร่างสมัยใหม่กับภาพสมัยโบราณของมอสโกทำให้เกิดความสดใสอย่างไม่คาดคิด ผลทางศิลปะ - สถาปัตยกรรมโบราณราวกับว่าตื่นเต้นกับการบุกรุกของจังหวะอุตสาหกรรมที่ถูกดึงเข้าสู่วงโคจรของการรับรู้ คนทันสมัยรู้สึกถึงตัวเองและทุกสิ่งรอบตัวเขาเคลื่อนไหวอย่างต่อเนื่อง

ผลงานของตัวแทนอีกคนหนึ่งของ "Jack of Diamonds" R.R. Falk (1886 - 1958) ไม่ได้โดดเด่นด้วยขอบเขตการตกแต่งของผืนผ้าใบของ Lentulov หรือสีที่โหดร้ายและสาระสำคัญของภาพวาดของ Mashkov นักแต่งเพลงที่มีอารมณ์สร้างสรรค์ Falk หลีกเลี่ยงการจงใจสร้างรูปแบบที่หยาบ พยายามสร้างรายละเอียดพื้นผิวของภาพอย่างละเอียด และบรรลุถึงความกลมกลืนของสีสันอันงดงาม ภาพวาดของฟอล์กเต็มไปด้วยบรรยากาศแห่งสมาธิและความเงียบงันทางจิตวิญญาณ โดดเด่นด้วยจิตวิทยาที่แปลกประหลาด และมีความสามารถในการสร้างเฉดสีอารมณ์ที่ละเอียดอ่อน ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ในบรรดาผลงานของเขา สถานที่สำคัญถ่ายภาพบุคคล หนึ่งในภาพวาดที่ดีที่สุดของผลงานก่อนการปฏิวัติของฟอล์กคือ "ที่เปียโน ภาพเหมือนของ E. S. Potekhina-Falk" (1917) สไตล์ที่ใกล้เคียงกับภาพวาดของ Falk คือผลงานของ A. Kuprin และ V. Rozhdestvensky ศิลปินของ "Jack of Diamonds" ซึ่งทำงานส่วนใหญ่เป็นประเภทหุ่นนิ่ง

การกบฏถาวรแบบหนึ่งเป็นลักษณะงานของหนึ่งในผู้จัดงาน "Jack of Diamonds" M.F. ลาริโอนอฟ (2424 - 2507) ในปีพ. ศ. 2454 เขาเลิกกับกลุ่มนี้และกลายเป็นผู้จัดนิทรรศการใหม่ภายใต้ชื่อที่น่าตกใจ "หางของ Donkey" และ "เป้าหมาย" ในงานของ Larionov แนวโน้มดั้งเดิมของศิลปะของ "Jack of Diamonds" ที่เกี่ยวข้องกับการดูดซึมโดยศิลปะมืออาชีพของโวหารของสัญญาณภาพพิมพ์ยอดนิยมของเล่นพื้นบ้านพบว่ามีการพัฒนาที่สอดคล้องกันมากที่สุด ภาพวาดของเด็ก- ตรงกันข้ามกับศิลปินส่วนใหญ่ในยุค 10 Larionov ปกป้องสิทธิ์อย่างต่อเนื่อง จิตรกรรมประเภทโดยไม่ละทิ้งเรื่องราวการเล่าเรื่องในภาพยนตร์ แต่ชีวิตในแนวของ Larionov นั้นเป็นชีวิต "ดั้งเดิม" ที่พิเศษของถนนในต่างจังหวัด ร้านกาแฟ ช่างทำผม ค่ายทหาร

ผลงานทั่วไปชิ้นหนึ่งของ Larionov คือภาพวาด "The Resting Soldier" (1911) ลักษณะท่าทางที่แปลกประหลาดและเกินจริงของเด็กที่มีสุขภาพดี ดื่มด่ำกับความครุ่นคิดด้วยการปัดแก้มให้ทั่วแก้ม ได้รับแรงบันดาลใจจากความไร้เดียงสาในการวาดภาพของเด็กอย่างไม่ต้องสงสัย ในเวลาเดียวกัน ธรรมชาติของภาพขนาดใหญ่และระยะเวลาที่ถ่ายทอดอย่างชำนาญของการเอนกายอย่างเกียจคร้านต่อหน้าผู้ชม เปลี่ยนภาพให้กลายเป็นภาพบุคคลในพิธีการล้อเลียนอย่างละเอียด แต่ในขณะเดียวกันก็ไม่ใช่เงาของการเยาะเย้ย ทัศนคติของศิลปินต่อโมเดลนี้ดูเหมือนเป็น "ความรักประชด" หากศิลปินกลุ่ม “แจ็ค ออฟ ไดมอนด์” โดยเฉพาะค่ะ ช่วงเริ่มต้นความคิดสร้างสรรค์ต้องการจานสีที่สดใสคอนทราสต์ของสีที่รุนแรงจากนั้น Larionov มักจะหันไปหาวัตถุที่ธรรมดาและหยาบกร้านหมองคล้ำและไม่มีสีปลูกฝังเฉดสีที่มีสีใกล้เคียงกันเพื่อให้ได้สีเงินที่สวยงามและสีที่กลมกลืนกัน ใกล้กับผลงานของศิลปินคนนี้คือภาพวาดของสหายคงที่ของ Larionov และคนที่มีใจเดียวกันในภารกิจของเขา N.S. กอนชาโรวา (2424 - 2505) ในภาพวาด "Washing the Canvas" (1910) ร่างของผู้หญิงสองคนโดยมีฉากหลังเป็นภูมิทัศน์หมู่บ้านที่ทาสียอดนิยม นั่งยองๆ ด้วยเท้าที่หนักหน่วงถูกวาดด้วยความเห็นอกเห็นใจที่สัมผัสได้อย่างไร้เดียงสาต่อภาพ ซึ่งทำให้ภาพวาดของเด็ก ๆ แตกต่าง โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อเด็กจำลองวัตถุและสถานการณ์ที่คุ้นเคยและเป็นที่รู้จัก ที่นี่เราไม่ได้จัดการกับความสวยงามและสไตล์ที่สนุกสนานของชีวิตคนทั่วไปอีกต่อไป ดังเช่นใน Kustodiev's แต่ด้วยความพยายามผ่านศิลปะดึกดำบรรพ์ เพื่อค้นหาทางออกจากเขาวงกตของจิตวิทยาและการเก็งกำไรสมัยใหม่ เพื่อค้นหาสิ่งที่สูญหาย แหล่งที่มาของมุมมองที่ไร้เดียงสาและองค์รวมของโลก

แนวโน้มเดียวกันนี้ปรากฏในรูปแบบที่แตกต่างกันเล็กน้อยในงานศิลปะของ M.3 ชากาล (2430-2528) Chagall ผสมผสานการดูแลอย่างใกล้ชิดอย่างผิดปกติในการสร้างรายละเอียดที่ธรรมดาที่สุดของสภาพแวดล้อมของชีวิตในเมืองเล็ก ๆ ในต่างจังหวัดโดยเปลี่ยนด้วยสีรุ้งที่เปล่งประกายของจานสีที่เผ็ดร้อนและเขียวชอุ่มพร้อมลวดลายที่ยอดเยี่ยมของการบินที่ยอดเยี่ยม สัญญาณสวรรค์ ฯลฯ ทั้งหมดนี้คล้ายกับจินตนาการของนิยายโรแมนติกที่ผสมผสานความประเสริฐและพื้นฐานเข้าด้วยกันอย่างแปลกประหลาด ชวนให้นึกถึงเรื่องราวโรแมนติกของโกกอล

ผลงานก่อนการปฏิวัติของจิตรกรดั้งเดิมที่สุด P.N. เข้ามาสัมผัสกับแนวดึกดำบรรพ์ในศิลปะรัสเซีย ฟิโลนอฟ (2426-2484) เขาเข้าใจลัทธิดึกดำบรรพ์สมัยใหม่ว่าเป็นวิธีการ "การสร้างแบบจำลอง" ในการวาดภาพองค์รวมของโลกซึ่งเป็นโลกทัศน์ประเภทหนึ่งที่ให้ประสบการณ์การมองเห็นสมัยใหม่แก่ความคิดเกี่ยวกับตำนานทางวัฒนธรรมของมนุษยชาติ สำหรับศิลปินแห่งศตวรรษที่ 20 นี่เป็นวิธีหนึ่งในการระลึกถึงสิ่งที่ก่อให้เกิดอีกด้านของอารยธรรมเครื่องจักร สิ่งที่ถูกผลักดันโดยอารยธรรมนี้ไปสู่ขอบความสนใจของสาธารณชน กล่าวคือ ธรรมชาติและทั่วไปในมนุษย์ เกี่ยวกับ "ส่วนหนึ่ง" ของ มนุษย์ที่เขาหลอมรวมกับธรรมชาติ ด้วยพลังแห่งความมืดที่เฉื่อยชาอย่างไม่ยืดหยุ่นและลึกลับ "การติดต่อ" ซึ่งเป็นเนื้อหาสำคัญของชีวิตการทำงานโดยเฉพาะชีวิตชาวนา ดังนั้นใน "Cowshells" ของ Filonov (1914) ทุกอย่างจึงเข้ากันได้ราวกับอยู่ในความวุ่นวาย ไวยากรณ์ที่ยากของวลีภาพเชิญชวนให้ผู้ชมค้นหาความหมายและความสอดคล้องในการผสมผสานรูปแบบวัตถุประสงค์และตัวเลขตามเส้นทางการเดาโดยจดจำวงแหวนนั้นเป็นกลุ่ม หน่วยความจำของมนุษย์ซึ่งสามารถระบุกุญแจในการเข้ารหัสรูปภาพนี้ได้ แต่ทิศทางของการค้นหาเหล่านี้ถูกกำหนดโดยรูปภาพซึ่งนำไปสู่พื้นที่แห่งตำนานธรรมชาติยุคแรกเริ่ม

ความสัมพันธ์ปกติระหว่างส่วนบนและส่วนล่างจะกลับกันที่นี่: บ้านของเล่นถูกมองว่ามองเห็นได้ในระยะไกลจากด้านบน ดังนั้นร่างของสัตว์และคอกวัว "แขวน" ในท้องฟ้าที่มืดมิดเหนือโลกและมีโครงร่างในรูปแบบซูมมอร์ฟิกและ รูปแบบมานุษยวิทยาด้วยการประมาณเชิงมุมที่ขัดแย้งกันอย่างแม่นยำซึ่งร่างของนักษัตรถูกร่างไว้ในลานตาของกลุ่มดาวในท้องฟ้ายามค่ำคืน ฉากทางโลกล้วนๆ แสดงให้เห็นว่าเป็นตำนานก่อนประวัติศาสตร์ที่เกิดขึ้นในสวรรค์ แต่สวรรค์นี้ในขณะเดียวกันก็มีบางสิ่งบางอย่างดึกดำบรรพ์ที่หนาแน่น ชวนให้นึกถึงการมีส่วนร่วมเริ่มแรกของมนุษย์ในโลกของสัตว์ ในช่วงเวลานั้นและสภาวะจิตสำนึกนั้นเมื่อเทพผู้สูงสุด ของสวรรค์ปรากฏอยู่ในรูป "วัวสวรรค์" และงานปรับปรุงพันธุ์โคเป็นพิธีกรรมศักดิ์สิทธิ์ "บริการจากสวรรค์" นี่คือชีวิตที่มองจากส่วนลึกอันมืดมนของความทรงจำของบรรพบุรุษ “ เพื่อสร้างมนุษย์ที่ไม่มีตัวตน” - สูตร Blok นี้สามารถกำหนดวิธีการและในเวลาเดียวกันแก่นของงานศิลปะของ Filonov ซึ่งสร้างขึ้นใหม่ในรูปแบบ "อักษรอียิปต์โบราณ" ที่คุ้นเคยกับศิลปะรัสเซียซึ่งเป็นเส้นทางกระบวนการขั้นตอนของการทำให้เป็นมนุษย์ของผู้ไม่มีตัวตน -เป็นธรรมชาติเข้าสู่จิตวิญญาณของมนุษย์

ลักษณะเชิงเปรียบเทียบเฉพาะของภาษาที่เป็นรูปเป็นร่างซึ่งมีต้นกำเนิดเป็นสัญลักษณ์ แยกการรับรู้ถึงรูปแบบและคุณสมบัติที่มองเห็นได้ โลกวัตถุประสงค์ระหว่างทางตรงและ ความหมายเป็นรูปเป็นร่าง- ดังนั้น "ความมืด" ในภาพวาดก่อนการปฏิวัติของ Filonov จึงเป็นทั้งกลางคืนและ "ความมืด" ที่เป็นอภิปรัชญา "ความมืด" ยุคก่อนประวัติศาสตร์; ร่างหมอบดั้งเดิมนั้นทั้งใหญ่โตและไม่มีตัวตน แสงและสีถูกหลอมรวมเป็นสีอ่อนคุณภาพเดียวซึ่งชวนให้นึกถึงผลกระทบของกระจกสี ตัวเลขเหล่านี้ชวนให้นึกถึงไอดอลในยุคดึกดำบรรพ์พอๆ กับ "ไคเมรา" ในยุคกลาง คุณสมบัติหลายประการของระบบภาพของ Filonov รวมถึงวิธีการสร้าง "ทัศนคติใหม่ต่อความเป็นจริงโดยการแก้ไขโลกทัศน์ที่ถูกลืม" มีต้นแบบที่ใกล้เคียงที่สุดในงานศิลปะของ Vrubel

แนวโน้มของศิลปินในยุค 10 ที่จะทดลองเพื่อสลายความประทับใจทางศิลปะแบบองค์รวมให้เป็นผลรวมของอิทธิพลเบื้องต้นเพื่อความคุ้นเคยกับรากฐานหลักของการแสดงออกทางศิลปะนำไปสู่การแยกพื้นที่ของการสร้างรูปแบบนี้ออกเป็น ขอบเขตศิลปะอิสระ ในปี 1913 Larionov ตีพิมพ์หนังสือของเขา "Rayism" ซึ่งเป็นหนึ่งในรายการแรกของศิลปะนามธรรม อย่างไรก็ตามผู้นำที่แท้จริง - นักทฤษฎีและผู้ปฏิบัติงานด้านศิลปะนามธรรมในรัสเซียคือ V.V. Kandinsky (2409-2487) และ K.S. มาเลวิช (2421-2478)

ตั้งแต่เริ่มก่อตั้ง จิตรกรรมนามธรรมพัฒนาในสองทิศทาง: สำหรับ Kandinsky มันเป็นการเล่นจุดสีที่เกิดขึ้นเองและไม่มีเหตุผลสำหรับ Malevich มันเป็นลักษณะของโครงสร้างทางคณิตศาสตร์ที่มีเหตุผลและมีเหตุผลที่ได้รับการตรวจสอบทางคณิตศาสตร์ ลัทธินามธรรมอ้างว่าเป็นทฤษฎีที่รวบรวมหลักการพื้นฐานของการวาดภาพโดยทั่วไปไว้ในการปฏิบัติทางศิลปะ งานจิตรกรรมลดลงเหลือเพียงการศึกษาการผสมผสานที่เป็นไปได้ขององค์ประกอบหลัก - เส้นสีรูปร่าง

หากศิลปะนามธรรมของ Malevich และ Kandinsky เริ่มพัฒนาเฉพาะภายในเท่านั้น การวาดภาพขาตั้งจากนั้นในผลงานของ V.E. Tatlin (พ.ศ. 2428-2496) องค์ประกอบอีกประการหนึ่งของการวาดภาพ - พื้นผิว - กลายเป็นเป้าหมายของการทดลองเชิงนามธรรม Tatlin เปลี่ยนคุณสมบัติการสัมผัสที่เป็นของวัสดุชนิดเดียวในการทาสี - สี - ให้เป็นการผสมผสานของพื้นผิว วัสดุต่างๆ- ดีบุก ไม้ แก้ว เปลี่ยนระนาบภาพให้กลายเป็นงานประติมากรรมนูน ในสิ่งที่เรียกว่าการบรรเทาทุกข์ของ Tatlin "วีรบุรุษ" ไม่ใช่วัตถุจริง แต่เป็นประเภทพื้นผิวที่เป็นนามธรรม - หยาบ, เปราะบาง, หนืด, อ่อนนุ่ม, เป็นประกาย - เข้าสู่ความสัมพันธ์ที่ซับซ้อนระหว่างกันโดยไม่ต้องอาศัยการไกล่เกลี่ยของโครงเรื่องภาพใด ๆ โดยเฉพาะ

ในสถาปัตยกรรม เราต้องเผชิญกับความสามารถของศิลปะในการแสดงออกโดยไม่ต้องพรรณนา โดยผ่านการเลียนแบบ "ข้อเท็จจริงของชีวิต" คุณสมบัติของพื้นผิวภาพในฐานะสนามสถาปัตยกรรมประกอบด้วย ความเป็นไปได้ที่แสดงออกไม่ใช่ข้อมูล แต่มอบให้กับภาพ เช่นเดียวกับกฎแรงโน้มถ่วงที่มอบให้กับการเคลื่อนไหวของร่างกายหรือจังหวะ ขนาด ลำดับของคำคล้องจองที่ให้ไว้กับบทกวี การศึกษาความเป็นไปได้เหล่านี้เป็นการทดลองที่ดำเนินการ ศิลปะนามธรรม- บนเส้นทางสู่หลักการเบื้องต้นนี้ อิทธิพลทางศิลปะที่ซ่อนอยู่ในโครงสร้างของความทรงจำของมนุษย์ ศิลปะแห่งศตวรรษที่ 20 ย่อมต้องพบกับโลกศิลปะที่กฎแห่งการแสดงออกอันเป็นที่ต้องการเคยเกิดขึ้นแล้วในความสมบูรณ์ของหลักการ สิ่งใหม่มอบมือให้กับคนเก่าที่ถูกลืม - และปรมาจารย์เกือบทั้งหมดของสิ่งที่เรียกว่าเปรี้ยวจี๊ดในงานศิลปะแห่งศตวรรษที่ 20 ได้ผ่านการติดต่อดังกล่าว

ในหมู่พวกเขาสถานที่ที่โดดเด่นเป็นของ K. S. Petrov-Vodkin (พ.ศ. 2421 - 2482) การเดินทางอันยาวนานที่เต็มไปด้วยการค้นหาที่ซับซ้อน การพัฒนาความคิดสร้างสรรค์ปรมาจารย์ผู้นี้สวมมงกุฎด้วยการสร้างสรรค์ภาพวาด "อาบน้ำม้าแดง" ในปี 1912 งานนี้มีความสำคัญไม่เพียงแต่สำหรับเนื้อหาภายในเท่านั้น แต่ยังรวมถึงเนื่องจากมีความเข้มข้นมากมายด้วย ปัญหายุ่งยากศิลปะแห่งต้นศตวรรษที่ 20 มันฟังดูเหมือนเสียงเรียกและคำถาม และสาเหตุหลักมาจากความเฉียบแหลมและความหมายของรูปแบบ การสร้างภาพใหม่ การเปลี่ยนแปลงภาพของความเป็นจริง ซึ่งศิลปะแห่งศตวรรษที่ 20 ต่อสู้ดิ้นรนอย่างเจ็บปวด ได้มาอยู่ที่นี่ผ่านการฝึกฝนบทเรียนของ ภาพวาดรัสเซียโบราณ งานนี้ประกาศความต่อเนื่องโดยตรงด้วยการวาดภาพไอคอน ทำให้นึกถึงเรื่อง "The Rape of Europe" โดย Serov ซึ่ง Petrov-Vodkin เรียนที่โรงเรียนมอสโกด้วย ภาพของนักขี่ม้าบนหลังม้าที่เปลี่ยนความคิดไปสู่ความคิดของชาวบ้านในการเคลื่อนไหวที่เยือกแข็งอย่างไม่มีข้อยุติทำให้เกิดคำถาม สีสันรื่นเริงแห่งเทศกาลและความง่วงนอนจังหวะของเส้นที่น่าหลงใหล ม้าทรงพลัง และเด็กวัยรุ่นแช่แข็งอยู่ในความคิดที่คลุมเครือ ปล่อยสายบังเหียนอย่างอิดโรย ยอมจำนนต่อพลังแห่งพลังที่ดึงเขาไปสู่จุดหมายปลายทางที่ไม่รู้จัก ความทรงจำในอดีตและลางสังหรณ์ที่คลุมเครือของอนาคต - การรวมกันขององค์ประกอบที่ตรงกันข้ามเช่นนี้เป็นสัญลักษณ์ในโครงสร้างภายใน ด้วยเหตุนี้ คนรุ่นราวคราวเดียวกันจึงมองว่าเป็นสัญลักษณ์ของช่วงเวลาที่กำลังประสบอยู่

Petrov-Vodkin หันไปใช้ภาพอย่างสม่ำเสมอยิ่งขึ้น ศิลปะรัสเซียโบราณในงานเช่น "Mother", "Girls on the Volga" (1915), "Morning. Bathers" (1917) มีเสียงสะท้อนอยู่ที่นี่ ภาพสัญลักษณ์- ในการเคลื่อนไหวที่บันทึกไว้ในการดื่มด่ำกับตัวละครในการไตร่ตรองซึ่งนางเอกของภาพวาดเหล่านี้ตื้นตันใจ ในงานของ Petrov-Vodkin ความสำคัญของภาพและธีมนิรันดร์เพิ่มขึ้น: การนอนหลับและการตื่นขึ้น ช่วงอายุของชีวิต - วัยรุ่น เยาวชน ความเป็นแม่ วงจรชีวิตระหว่างการเกิดและการตาย - นั่นคือช่วงของธีมเหล่านี้ ในการตีความธีมประเภทนี้ ทุกยุคใหม่จะแสดงออกมา การแสดงในอุดมคติเกี่ยวกับสถานที่ของมนุษย์ในจักรวาลทั้งหมด ในโลกศิลปะ พวกเขามีบทบาทเป็นสากลของระเบียบปรัชญา ซึ่งอยู่เหนือความแปรปรวนของความเป็นจริงที่ลื่นไหล ดังนั้น ในระบบภาพของ Petrov-Vodkin คุณสมบัติทั้งหมดของโลกที่ต้องสังเกตมีแนวโน้มที่จะอยู่ในสภาวะสูงสุดและสมบูรณ์: สีจะไหลไปสู่ความบริสุทธิ์ทางสเปกตรัม ปราศจากความผันผวนของชั้นบรรยากาศ แสงมีลักษณะเป็น "แสงแดดนิรันดร์" บนดวงดาว ขอบฟ้า เส้นสร้างความโค้งของพื้นผิวดาวเคราะห์ของโลกตามหลักการของสิ่งที่เรียกว่าเปอร์สเปคทีฟทรงกลม ซึ่งเปลี่ยนทุกสิ่งที่เกิดขึ้นในพื้นที่ภายในภาพให้อยู่ในลำดับของปรากฏการณ์ในระดับจักรวาล ในรูปแบบทั่วไปทางศิลปะสมัยใหม่ที่หลากหลาย Petrov-Vodkin ได้แยกผู้ที่มีที่อยู่ทางประวัติศาสตร์และศิลปะที่เฉพาะเจาะจง - ไอคอนรัสเซียเก่าและจิตรกรรมฝาผนังรวมถึง Quattrocento ของอิตาลีเช่น ปรากฏการณ์เหล่านั้นอย่างแม่นยำในระดับประเพณีศิลปะระดับชาติและยุโรปซึ่งเข้าใกล้เกณฑ์ของความแตกต่างในภายหลังและการกระจายตัวของการวิเคราะห์โดยตรง แต่ที่ซึ่งโลกศิลปะและภาพลักษณ์ของโลกในงานศิลปะยังคงคิดและนำเสนอในฐานะความซื่อสัตย์แบบหนึ่ง ที่แจ้งวิธีการต่างๆ การแสดงออกทางศิลปะตราประทับแห่งความยิ่งใหญ่อันยิ่งใหญ่ของมัน การไตร่ตรองโลกโดยรวมในแง่ของการเชื่อมโยงสากลของเวลาและปรากฏการณ์ - นี่คือสิ่งที่ Petrov-Vodkin มุ่งมั่นที่จะแสดงออกและฟื้นฟูในศิลปะสมัยใหม่ ดูเหมือนว่าเขาจะเรียกร้องให้คาดเดาถึงรูปลักษณ์และภาพลักษณ์ของโลกสมัยใหม่และความรู้สึกทางศิลปะโดยธรรมชาติของมันที่มีต่อธรรมชาติและประวัติศาสตร์ในพื้นที่ของประสบการณ์ทางวัฒนธรรมระดับโลกด้วยโปรแกรมที่ดึงดูดความสามารถในการเชื่อมโยงของความทรงจำทางศิลปะ

Petrov-Vodkin เช่นเดียวกับปรมาจารย์คนอื่น ๆ ในรุ่นของเขาในช่วงหลังการปฏิวัติได้กลายเป็นหนึ่งในปรมาจารย์ด้านการวาดภาพโซเวียตที่โดดเด่นโดยนำติดตัวไปด้วย ยุคใหม่สืบสานประเพณีทางศิลปะ ความคิดชั้นสูง และฝีมืออันสมบูรณ์แบบ

"กุหลาบสีน้ำเงิน" และ "แจ็คออฟไดมอนด์"

"บลูโรส"

การก่อตัวของงานศิลปะที่ใหญ่ที่สุดรองจาก World of Art และสหภาพศิลปินรัสเซียคือ Blue Rose ภายใต้ชื่อนี้ นิทรรศการจัดขึ้นที่มอสโกในปี พ.ศ. 2450 โดยรวบรวมกลุ่มศิลปินรุ่นเยาว์นักศึกษาล่าสุดของโรงเรียนจิตรกรรมประติมากรรมและสถาปัตยกรรมมอสโก - ผู้ติดตามของ Borisov-Musatov แม้ว่านิทรรศการนี้จะเป็นเพียงนิทรรศการเดียว แต่ก็เผยให้เห็นถึงความเหมือนกันของหลักการสร้างสรรค์ดั้งเดิมและเทคนิคการมองเห็นของปรมาจารย์ที่เป็นตัวแทนซึ่งเป็นผู้สร้างทิศทางพิเศษในการวาดภาพรัสเซีย นิทรรศการ Blue Rose เป็นเพียงช่วงเวลาที่ผ่านไปในวิวัฒนาการเชิงสร้างสรรค์ แต่เป็นช่วงเวลาที่สำคัญ มันเป็นช่วงเวลาแห่งความสับสนที่ครอบงำส่วนสำคัญของสังคมรัสเซียในบรรยากาศแห่งปฏิกิริยาหลังความพ่ายแพ้ของการปฏิวัติ ซึ่งเป็นเวลาที่สะท้อนให้เห็นในงานศิลปะด้วยความชัดเจนของเป้าหมาย ความไวที่เพิ่มขึ้นต่อเฉดสีและความแตกต่างของอารมณ์ที่คลุมเครือทำให้เกิดภาพที่ดูไม่มั่นคงและเข้าใจยาก ศิลปินวาดภาพเพื่อค้นหาความสัมพันธ์ของสีที่ประณีตและซับซ้อน จังหวะทำนองอันไพเราะของการตกแต่งและประดับที่ละเอียดอ่อน และเอฟเฟกต์ที่ซับซ้อนของพื้นผิวภาพที่แวววาวด้าน

"Mirage in the Steppe" (1912) เป็นหนึ่งในผลงานที่สมบูรณ์แบบที่สุดของวัฏจักรนี้ ท้องฟ้าสูง เส้นสายอันเงียบสงบของขอบฟ้า โครงร่างอันนุ่มนวลของเต็นท์กระจัดกระจายอย่างอิสระในอวกาศ หลอมรวมกับพื้นดินและทำซ้ำโครงร่างของโดมสวรรค์ การเคลื่อนไหวที่เรียบง่ายและเป็นจังหวะของผู้คนที่ตัดขนแกะ เตรียมอาหาร นอนหลับ - ทั้งหมด ต้องขอบคุณการคล้องจองที่ไพเราะอย่างน่าอัศจรรย์ ความสอดคล้องกันของสี รูปร่าง และรูปทรงจึงพัฒนาเป็นภาพโลกแบบองค์รวมเชิงกวี ซึ่งในยุคนั้นไม่มีอำนาจใดๆ เบื้องหน้าเราคือไอดีลปรมาจารย์ดึกดำบรรพ์ซึ่งเป็น "ยุคทอง" ความฝันแห่งความกลมกลืนระหว่างมนุษย์กับธรรมชาติซึ่งเป็นจริงในความเป็นจริง

ในทัศนศิลป์ สิ่งนี้ส่งผลให้เกิดความหลงใหลในการเปลี่ยนแปลงทุกรูปแบบในขอบเขตการรับรู้ทางสายตา ไปจนถึงการตัดเปอร์สเปคทีฟที่คมชัดและมุมที่ไม่คาดคิดซึ่งปรับเปลี่ยนรูปร่างของวัตถุ ไปจนถึงการสะท้อนในน้ำ บนกระจก ในกระจก ไปจนถึงแสง แรงสั่นสะเทือนของอากาศที่ละลายรูปทรง ฯลฯ .p.

ในเวลานั้น โรงละครกลายเป็นขอบเขตที่มีประสิทธิภาพสูงสุดไม่เพียงแต่ด้านการมองเห็นเท่านั้น แต่ยังเป็นการเปลี่ยนแปลงความเป็นจริงที่เป็นสากลอีกด้วย เขาเป็นคนที่กลายเป็นพื้นที่ที่ภาพวาด "กุหลาบสีน้ำเงิน" และสัญลักษณ์มาบรรจบกันโดยตรง บทสนทนาที่น่าสนใจที่สุดระหว่างภาพวาดและสัญลักษณ์ในโรงละครแสดงโดยผลงานของ N.N. ซาปูนอฟ (2423-2455)

ร่วมกับปรมาจารย์แห่ง Blue Rose อีกคน - S.Yu. Sudeikin (พ.ศ. 2425-2489) เขากลายเป็นผู้ออกแบบละครเชิงสัญลักษณ์คนแรกในรัสเซียโดย M. Maeterlinck (ที่ Moscow Art Theatre Studio บน Povarskaya, 1905) นี่คือจุดเริ่มต้นของความร่วมมือระหว่าง Sapunov กับ Vs. Meyerhold - ในการผลิตของ Hedda Gabler และ Blok's Showcase ของ Ibsen

“แจ๊คเพชร”

ชายแดน 2453-2454 โดดเด่นด้วยการปรากฏตัวในเวทีชีวิตศิลปะของกลุ่มใหม่ภายใต้ชื่ออันเร้าใจ “แจ็ค ออฟ ไดมอนด์” แกนกลางถาวรของสังคมซึ่งมีอยู่จริงจนถึงปี 1916 ประกอบด้วยศิลปิน P. Konchalovsky, I. Mashkov, A. Lentulov, A. Kuprin, R. Falk ซึ่งต่อมากลายเป็นผู้เชี่ยวชาญด้านศิลปะโซเวียตที่มีชื่อเสียง “ The Jack of Diamonds” ซึ่งมีกฎบัตร นิทรรศการ และคอลเลกชันบทความของตัวเอง กลายเป็นเทรนด์ใหม่ที่มีอิทธิพลในงานศิลปะรัสเซียเมื่อต้นศตวรรษที่ 20

อิมเพรสชันนิสม์ในการดัดแปลงทั้งหมดเป็นทั้งจุดเริ่มต้นของการพัฒนาทางศิลปะและวิธีการสร้างสรรค์ในการเอาชนะสิ่งที่ศิลปินแห่ง "Jack of Diamonds" มองเห็นภารกิจหลักของพวกเขา ตั้งแต่แรกเริ่มพวกเขาทำหน้าที่เป็นคู่ต่อสู้ที่ดุเดือดของงานศิลปะรุ่นก่อน ๆ - โวหารของ "โลกแห่งศิลปะ" จิตวิทยาที่ซับซ้อนของภาพวาด "The Blue Rose" ถูกปฏิเสธออกจากประตู ความไม่พอใจของศิลปินรุ่นเยาว์ที่มีสถานะในศิลปะร่วมสมัยนั้นมีพื้นฐานมาจากแรงจูงใจทางสังคม - วิกฤตของลัทธิซาร์ในรัสเซียซึ่งแสดงออกมาด้วยพลังพิเศษในช่วงการปฏิวัติปี 2448-2550 และปีแห่งปฏิกิริยาที่ตามมา (2450 - 2453) ความไม่พอใจต่อยุค "สนธยา" นี้แสดงออกในการปฏิเสธทุกสิ่งที่คลุมเครือ ลึกลับ และไม่ได้กล่าวถึงในงานศิลปะ

ตรงกันข้ามกับภาพวาดสัญลักษณ์ของ “Blue Rose” ศิลปินของ “Jack of Diamonds” พยายามที่จะแสดงการเคลื่อนไหวที่รุนแรงที่สุด จากการมุ่งเน้นไปที่ความรู้สึกส่วนตัวที่ไม่ชัดเจน ไปจนถึงการได้รับความมั่นคงในภาพที่มองเห็น สีสันที่เต็มอิ่ม และ ตรรกะเชิงสร้างสรรค์ของการสร้างภาพ การยืนยันเรื่องและความเที่ยงธรรมซึ่งตรงข้ามกับมิติเชิงพื้นที่ถือเป็นหลักการเริ่มแรกของงานศิลปะของพวกเขา

ในเรื่องนี้การวาดภาพวัตถุ - หุ่นนิ่ง - มาเป็นแนวหน้า งานโต้เถียงในการวาดภาพ "Jack of Diamonds" พบว่ามีรูปลักษณ์ที่ชัดเจนเป็นพิเศษในผลงานของหนึ่งในผู้ก่อตั้งกลุ่ม I.I. มาชโควา (2424 - 2487) “ Blue Plums” ของเขา (1910) ถือได้ว่าเป็นสโลแกนสำหรับทิศทางนี้ ภาพของผลไม้ที่จัดเรียงในองค์ประกอบการตกแต่งแบบคงที่ดูเหมือนจะแข็งตัวไปครึ่งหนึ่งจากวัตถุดิบของสีของจานสีไปจนถึงสีที่แท้จริงของธรรมชาติ ศิลปินเปรียบเทียบงานของเขากับงานของช่างฝีมือที่ทำสิ่งต่างๆ ในกรณีนี้สิ่งนั้นก็คือภาพวาดนั่นเอง ศิลปินนำภาพวาดเข้าใกล้ศิลปะพื้นบ้านมากขึ้นด้วยความรู้สึกโดยธรรมชาติของแหล่งข้อมูล

เช่นเดียวกับใน "Blue Plums" โดย Mashkov แนวทางใหม่ในการพัฒนาธรรมชาติซึ่งได้รับการอนุมัติโดย "Jack of Diamonds" แสดงโดย P.P. Konchalovsky (2419-2499) ใน "ภาพเหมือนของ G. Yakulov" (2453) ศิลปินแนะนำชีวิตหุ่นนิ่งโดยเสริมหลักการในพื้นที่ดั้งเดิมของการครอบงำงานทางจิตวิทยา มันกำจัดทุกสิ่งที่เกี่ยวข้องกับสถานะภายในชั่วคราวของบุคคลโดยเน้นทุกสิ่งที่ประกอบขึ้นเป็นความมั่นคงสดใสที่สุดในความหมายที่เหมาะสมของคำสัญญาณที่งดงามของรูปลักษณ์ภายนอกของแต่ละบุคคล ที่นี่เรากำลังจัดการกับระบบเฉพาะที่ทำให้ลักษณะเฉพาะของภาพพิมพ์ ของเล่น และป้ายยอดนิยมต่างๆ ง่ายขึ้น ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่บางครั้งคำวิจารณ์ได้กำหนดสไตล์การวาดภาพของ "Jack of Diamonds" โดยรวมว่าเป็น "สไตล์สัญลักษณ์" คำวิจารณ์เดียวกันนี้ได้กล่าวถึงความเชื่อมโยงโดยตรงของจิตรกรมอสโกรุ่นใหม่กับภาพวาดฝรั่งเศสร่วมสมัยซ้ำแล้วซ้ำอีกซึ่งย้อนกลับไปในต้นกำเนิดของ Cezanne อย่างไรก็ตาม ภาพวาดของ Cézanne ถูกนำมาใช้โดย The Jack of Diamonds ผ่านทาง Cézanneism ในรูปแบบการตกแต่งที่นำเสนอโดย Fauvists โดยเฉพาะ Matisse

ลัทธิการตกแต่งซึ่งในตอนแรกครอบงำในหมู่ศิลปินของ "Jack of Diamonds" แยกออกจากภาพวาดของ Cezanne ในจุดที่สำคัญมากจุดหนึ่ง: ในความรู้สึกที่อ่อนแอของประติมากรรมในรูปแบบ ความประทับใจในสาระสำคัญของวัตถุซึ่งศิลปินพยายามทำให้สำเร็จในผลงานชิ้นแรกของพวกเขาไม่ได้เกิดขึ้นเนื่องจากการสร้างรูปทรงเชิงประติมากรรมและปริมาตร แต่เนื่องมาจากพื้นผิวที่หนาแน่นในขณะที่พื้นที่ดูตกแต่งกระจายออกไปและ บ่อยครั้งด้วยเหตุนี้จึงไม่มีรูปร่าง ในการเอาชนะข้อบกพร่องนี้ คิวบิสม์มีบทบาทบางอย่าง ซึ่งเป็นการเคลื่อนไหวของการวาดภาพที่พบแรงจูงใจทางทฤษฎีสำหรับการทดลองตามคำแนะนำที่ Cézanne ให้ไว้ครั้งหนึ่งให้ทำการวิเคราะห์ทางจิตของรูปแบบที่ซับซ้อนโดยทำให้พวกมันเข้าใกล้การกำหนดค่าทางเรขาคณิตพื้นฐานมากขึ้น - ลูกบาศก์ กรวย และลูกบอล ปรมาจารย์แห่ง “แจ็คแห่งเพชร” ก็ใช้เทคนิคที่คล้ายกัน ดังนั้น "Agave" ของ Konchalovsky (1916) จึงเป็นอีกรูปแบบหนึ่งของการหลอมรวมประสบการณ์ของลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม โดยข้ามรูปแบบสุดขั้วของการแบ่งรูปแบบตามแผนผัง ศิลปินมองเห็นวิธีวิเคราะห์ความสัมพันธ์เชิงพื้นที่ในลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม พื้นที่ของภาพถูกมองว่าเป็นวัตถุบางอย่าง ซึ่งวัตถุที่ปรากฎนั้นตกผลึกด้วยความพยายาม รูปแบบที่ดูเหมือนจะแตกหัก บิดเบี้ยว ด้วยความพยายามในการพิชิตสภาพแวดล้อมที่อยู่อาศัยที่จำเป็นสำหรับตัวมันเอง สิ่งต่าง ๆ ถูกนำเข้าสู่พื้นที่รอบตัวพวกเขาอย่างแข็งขันราวกับว่ากำลังเอาชนะการต่อต้านของมัน จึงเป็นที่มาของความประทับใจในละคร สิ่งต่าง ๆ ดูเหมือนจะยืนหยัดอยู่เหนือสถานที่ที่ถูกยึดครอง พวกมันไม่ตกอยู่ในมือง่าย ๆ ดูเหมือนเป็นศัตรูกับมนุษย์และเหินห่างจากเขา

การเคลื่อนไหวด้านการวาดภาพอีกรูปแบบหนึ่งที่เกิดขึ้นในอิตาลีในปีเดียวกันนั้น ควบคู่ไปกับลัทธิคิวบิสม์ กลายเป็นองค์ประกอบสำคัญของสไตล์การมองเห็นของ "Jack of Diamonds" ในช่วงกลางทศวรรษที่ 10 การประกาศจังหวะทางอุตสาหกรรมในยุคของการปฏิวัติทางวิทยาศาสตร์และเทคโนโลยีเป็นภาษาที่แท้จริงของอนาคต โดยเรียกร้องให้นำจังหวะเหล่านี้มาใช้ในการออกแบบงานศิลปะ เทคนิคหนึ่งของเขาคือการ “ตัดต่อ” วัตถุหรือส่วนของวัตถุ โดยถ่ายราวกับว่าในเวลาที่ต่างกันและจากจุดชมวิวที่ต่างกัน การเคลื่อนไหวของวัตถุเช่น ผู้ดูถูกถ่ายโอนไปยังวัตถุที่เต็มไปด้วยไดนามิกที่เกิดขึ้นเองและความสามารถในการสร้างการดัดแปลงที่แปลกประหลาด เราเห็นผลกระทบนี้เมื่อรวมกับ "การเปลี่ยนแปลง" ลูกบาศก์ของรูปแบบและการแบ่งชั้นของแผนเชิงพื้นที่ในภาพวาดตกแต่งและแผงของ A.V. Lentulov (2425-2486) "เซนต์โหระพา" (2456) และ "เสียงกริ่ง" (2458)

พื้นผิวของภาพที่นี่เป็นเหมือนกระจกที่สั่นสะเทือนและแตกออกด้วยคลื่นเสียงอันทรงพลัง ซึ่งสะท้อนให้เห็นถึงสถาปัตยกรรมมอสโกอันมีสีสัน มีการประชดในทัศนคติของศิลปินชาวรัสเซียต่อเทคนิคของศิลปะยุโรปตะวันตกสมัยใหม่ ใน Lentulov มันสะท้อนให้เห็นเช่นในการถ่ายทอดเทคนิคแห่งอนาคตซึ่งมีจุดมุ่งหมายเพื่อแสดงจังหวะของยุคอุตสาหกรรมไปยังวัตถุที่แตกต่างอย่างสิ้นเชิงในสาระสำคัญ - สถาปัตยกรรมปิตาธิปไตยโบราณ จากการผสมผสานที่ขัดแย้งกันของภาษาภาพสมัยใหม่กับภาพของสมัยโบราณของมอสโกทำให้เกิดเอฟเฟกต์ทางศิลปะที่สดใสอย่างไม่คาดคิด - สถาปัตยกรรมโบราณราวกับว่าถูกกระตุ้นโดยการบุกรุกของจังหวะอุตสาหกรรมถูกดึงเข้าสู่วงโคจรของการรับรู้ของมนุษย์สมัยใหม่ที่รู้สึกถึงตัวเองและทุกสิ่งรอบตัว เขาเคลื่อนไหวอยู่ตลอดเวลา

ผลงานของตัวแทนอีกคนหนึ่งของ "Jack of Diamonds" R.R. Falk (1886 - 1958) ไม่ได้โดดเด่นด้วยขอบเขตการตกแต่งของผืนผ้าใบของ Lentulov หรือสีที่โหดร้ายและสาระสำคัญของภาพวาดของ Mashkov นักแต่งเพลงที่มีอารมณ์สร้างสรรค์ Falk หลีกเลี่ยงการจงใจสร้างรูปแบบที่หยาบ พยายามสร้างรายละเอียดพื้นผิวของภาพอย่างละเอียด และบรรลุถึงความกลมกลืนของสีสันอันงดงาม ภาพวาดของฟอล์กเต็มไปด้วยบรรยากาศแห่งสมาธิและความเงียบงันทางจิตวิญญาณ โดดเด่นด้วยจิตวิทยาที่แปลกประหลาด และมีความสามารถในการสร้างเฉดสีอารมณ์ที่ละเอียดอ่อน ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ภาพบุคคลจะมีบทบาทสำคัญในผลงานของเขา หนึ่งในภาพวาดที่ดีที่สุดของผลงานก่อนการปฏิวัติของฟอล์กคือ "ที่เปียโน ภาพเหมือนของ E. S. Potekhina-Falk" (1917) สไตล์ที่ใกล้เคียงกับภาพวาดของ Falk คือผลงานของ A. Kuprin และ V. Rozhdestvensky ศิลปินของ "Jack of Diamonds" ซึ่งทำงานส่วนใหญ่เป็นประเภทหุ่นนิ่ง

การกบฏถาวรแบบหนึ่งเป็นลักษณะงานของหนึ่งในผู้จัดงาน "Jack of Diamonds" M.F. ลาริโอนอฟ (2424 - 2507) ในปีพ. ศ. 2454 เขาเลิกกับกลุ่มนี้และกลายเป็นผู้จัดนิทรรศการใหม่ภายใต้ชื่อที่น่าตกใจ "หางของ Donkey" และ "เป้าหมาย" ในงานของ Larionov แนวโน้มดั้งเดิมของศิลปะของ "Jack of Diamonds" ที่เกี่ยวข้องกับการดูดซึมโดยศิลปะมืออาชีพของโวหารของสัญญาณภาพพิมพ์ยอดนิยมของเล่นพื้นบ้านและภาพวาดสำหรับเด็กพบว่ามีการพัฒนาที่สอดคล้องกันมากที่สุด ตรงกันข้ามกับศิลปินส่วนใหญ่ในยุค 10 Larionov ปกป้องสิทธิ์ของการวาดภาพประเภทต่างๆ อย่างต่อเนื่องโดยไม่ละทิ้งเรื่องราวที่เล่าเรื่องในภาพ แต่ชีวิตในประเภทของ Larionov นั้นเป็นชีวิต "ดั้งเดิม" ที่พิเศษของถนนในต่างจังหวัด ร้านกาแฟ ช่างทำผม และทหาร ' ค่ายทหาร

ผลงานทั่วไปชิ้นหนึ่งของ Larionov คือภาพวาด "The Resting Soldier" (1911) ลักษณะท่าทางที่แปลกประหลาดและเกินจริงของเด็กที่มีสุขภาพดี ดื่มด่ำกับความครุ่นคิดด้วยการปัดแก้มให้ทั่วแก้ม ได้รับแรงบันดาลใจจากความไร้เดียงสาในการวาดภาพของเด็กอย่างไม่ต้องสงสัย ในเวลาเดียวกัน ธรรมชาติของภาพขนาดใหญ่และระยะเวลาที่ถ่ายทอดอย่างชำนาญของการเอนกายอย่างเกียจคร้านต่อหน้าผู้ชม เปลี่ยนภาพให้กลายเป็นภาพบุคคลในพิธีการล้อเลียนอย่างละเอียด แต่ในขณะเดียวกันก็ไม่ใช่เงาของการเยาะเย้ย ทัศนคติของศิลปินต่อโมเดลนี้ดูเหมือนเป็น "ความรักประชด" หากศิลปินของ "Jack of Diamonds" โดยเฉพาะอย่างยิ่งในช่วงเริ่มต้นของความคิดสร้างสรรค์ชอบจานสีที่สดใสและคอนทราสต์ของสีที่เข้มข้น ตามกฎแล้ว Larionov จะหันไปหาวัตถุที่ธรรมดาและหยาบ หมองคล้ำและไม่มีสี ปลูกฝังเฉดสีที่คล้ายคลึงกันเพื่อให้ได้สีเงินที่สวยงามและสีที่กลมกลืนกัน ใกล้กับผลงานของศิลปินคนนี้คือภาพวาดของสหายคงที่ของ Larionov และคนที่มีใจเดียวกันในภารกิจของเขา N.S. กอนชาโรวา (2424 - 2505) ในภาพวาด "Washing the Canvas" (1910) ร่างของผู้หญิงสองคนโดยมีฉากหลังเป็นภูมิทัศน์หมู่บ้านที่ทาสียอดนิยม นั่งยองๆ ด้วยเท้าที่หนักหน่วงถูกวาดด้วยความเห็นอกเห็นใจที่สัมผัสได้อย่างไร้เดียงสาต่อภาพ ซึ่งทำให้ภาพวาดของเด็ก ๆ แตกต่าง โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อเด็กจำลองวัตถุและสถานการณ์ที่คุ้นเคยและเป็นที่รู้จัก ที่นี่เราไม่ได้จัดการกับความสวยงามและสไตล์ที่สนุกสนานของชีวิตคนทั่วไปอีกต่อไป ดังเช่นใน Kustodiev's แต่ด้วยความพยายามผ่านศิลปะดึกดำบรรพ์ เพื่อค้นหาทางออกจากเขาวงกตของจิตวิทยาและการเก็งกำไรสมัยใหม่ เพื่อค้นหาสิ่งที่สูญหาย แหล่งที่มาของมุมมองที่ไร้เดียงสาและองค์รวมของโลก

ผลงานก่อนการปฏิวัติของจิตรกรดั้งเดิมที่สุด P.N. เข้ามาสัมผัสกับแนวดึกดำบรรพ์ในศิลปะรัสเซีย ฟิโลนอฟ (2426-2484) เขาเข้าใจลัทธิดึกดำบรรพ์สมัยใหม่ว่าเป็นวิธีการ "การสร้างแบบจำลอง" ในการวาดภาพองค์รวมของโลกซึ่งเป็นโลกทัศน์ประเภทหนึ่งที่ให้ประสบการณ์การมองเห็นสมัยใหม่แก่ความคิดเกี่ยวกับตำนานทางวัฒนธรรมของมนุษยชาติ สำหรับศิลปินแห่งศตวรรษที่ 20 นี่เป็นวิธีหนึ่งในการระลึกถึงสิ่งที่ก่อให้เกิดอีกด้านของอารยธรรมเครื่องจักร สิ่งที่ถูกผลักดันโดยอารยธรรมนี้ไปสู่ขอบความสนใจของสาธารณชน กล่าวคือ ธรรมชาติและทั่วไปในมนุษย์ เกี่ยวกับ "ส่วนหนึ่ง" ของ มนุษย์ที่เขาหลอมรวมกับธรรมชาติ ด้วยพลังแห่งความมืดที่เฉื่อยชาอย่างไม่ยืดหยุ่นและลึกลับ "การติดต่อ" ซึ่งเป็นเนื้อหาสำคัญของชีวิตการทำงานโดยเฉพาะชีวิตชาวนา ดังนั้นใน "Cowshells" ของ Filonov (1914) ทุกอย่างจึงเข้ากันได้ราวกับอยู่ในความวุ่นวาย ไวยากรณ์ที่ซับซ้อนของวลีภาพเชิญชวนให้ผู้ชมค้นหาความหมายและความสอดคล้องในการผสมผสานระหว่างรูปแบบวัตถุประสงค์และตัวเลข ตามด้วยการเดา จดจำวงแหวนนั้นในกลุ่มความทรงจำของมนุษย์ซึ่งสามารถระบุกุญแจสู่รหัสของภาพนี้ได้ แต่ทิศทางของการค้นหาเหล่านี้ถูกกำหนดโดยรูปภาพซึ่งนำไปสู่พื้นที่แห่งตำนานธรรมชาติยุคแรกเริ่ม

ความสัมพันธ์ตามปกติระหว่างส่วนบนและส่วนล่างกลับด้านที่นี่: บ้านของเล่นถูกมองว่ามองเห็นได้ในระยะไกลจากด้านบน ดังนั้นร่างของสัตว์และโรงโคจึง "แขวน" ในท้องฟ้าอันมืดมิดเหนือโลก และถูกร่างไว้ในรูปแบบซูมมอร์ฟิกและมานุษยวิทยา รูปแบบที่มีการประมาณเชิงมุมที่ขัดแย้งกันอย่างแม่นยำซึ่งพวกมันถูกร่างไว้โดยดูที่รูปจักรราศีในลานตาของกลุ่มดาวในท้องฟ้ายามค่ำคืน ฉากทางโลกล้วนๆ แสดงให้เห็นว่าเป็นตำนานก่อนประวัติศาสตร์ที่เกิดขึ้นในสวรรค์ แต่สวรรค์นี้ในขณะเดียวกันก็มีบางสิ่งบางอย่างดึกดำบรรพ์ที่หนาแน่น ชวนให้นึกถึงการมีส่วนร่วมเริ่มแรกของมนุษย์ในโลกของสัตว์ ในช่วงเวลานั้นและสภาวะจิตสำนึกนั้นเมื่อเทพผู้สูงสุด ของสวรรค์ปรากฏอยู่ในรูป "วัวสวรรค์" และงานปรับปรุงพันธุ์โคเป็นพิธีกรรมศักดิ์สิทธิ์ "บริการจากสวรรค์" นี่คือชีวิตที่มองจากส่วนลึกอันมืดมนของความทรงจำของบรรพบุรุษ “ เพื่อสร้างมนุษย์ที่ไม่มีตัวตน” - สูตร Blok นี้สามารถกำหนดวิธีการและในเวลาเดียวกันแก่นของงานศิลปะของ Filonov ซึ่งสร้างขึ้นใหม่ในรูปแบบ "อักษรอียิปต์โบราณ" ที่คุ้นเคยกับศิลปะรัสเซียซึ่งเป็นเส้นทางกระบวนการขั้นตอนของการทำให้เป็นมนุษย์ของผู้ไม่มีตัวตน -เป็นธรรมชาติเข้าสู่จิตวิญญาณของมนุษย์

ลักษณะเชิงเปรียบเทียบที่เฉพาะเจาะจงของภาษาเป็นรูปเป็นร่างซึ่งมีต้นกำเนิดเป็นสัญลักษณ์ แยกการรับรู้รูปแบบที่มองเห็นได้และคุณสมบัติของโลกวัตถุประสงค์ระหว่างความหมายโดยตรงและความหมายเป็นรูปเป็นร่าง ดังนั้น "ความมืด" ในภาพวาดก่อนการปฏิวัติของ Filonov จึงเป็นทั้งกลางคืนและ "ความมืด" ที่เป็นอภิปรัชญา "ความมืด" ยุคก่อนประวัติศาสตร์; ร่างหมอบดั้งเดิมนั้นทั้งใหญ่โตและไม่มีตัวตน แสงและสีถูกหลอมรวมเป็นสีอ่อนคุณภาพเดียวซึ่งชวนให้นึกถึงผลกระทบของกระจกสี ตัวเลขเหล่านี้ชวนให้นึกถึงไอดอลในยุคดึกดำบรรพ์พอๆ กับ "ไคเมรา" ในยุคกลาง คุณสมบัติหลายประการของระบบภาพของ Filonov รวมถึงวิธีการสร้าง "ทัศนคติใหม่ต่อความเป็นจริงโดยการแก้ไขโลกทัศน์ที่ถูกลืม" มีต้นแบบที่ใกล้เคียงที่สุดในงานศิลปะของ Vrubel

นับตั้งแต่เริ่มก่อตั้ง การวาดภาพนามธรรมได้รับการพัฒนาในสองทิศทาง: สำหรับ Kandinsky มันเป็นการเล่นจุดสีที่เกิดขึ้นเองและไม่มีเหตุผล สำหรับ Malevich มันเป็นลักษณะของโครงสร้างทางเรขาคณิตและเหตุผลที่ได้รับการตรวจสอบทางคณิตศาสตร์ ลัทธินามธรรมอ้างว่าเป็นทฤษฎีที่รวบรวมหลักการพื้นฐานของการวาดภาพโดยทั่วไปไว้ในการปฏิบัติทางศิลปะ งานจิตรกรรมลดลงเหลือเพียงการศึกษาการผสมผสานที่เป็นไปได้ขององค์ประกอบหลัก - เส้นสีรูปร่าง

หากศิลปะนามธรรมของ Malevich และ Kandinsky เริ่มแรกพัฒนาเฉพาะในการวาดภาพขาตั้งเท่านั้นจากนั้นในผลงานของ V.E. Tatlin (พ.ศ. 2428-2496) องค์ประกอบอีกประการหนึ่งของการวาดภาพ - พื้นผิว - กลายเป็นเป้าหมายของการทดลองเชิงนามธรรม Tatlin เปลี่ยนคุณสมบัติการสัมผัสที่เป็นของวัสดุชนิดเดียวในการทาสี - การทาสี - เป็นการผสมผสานระหว่างพื้นผิวของวัสดุต่าง ๆ - ดีบุก ไม้ แก้ว เปลี่ยนระนาบภาพให้กลายเป็นงานประติมากรรมนูนต่ำ ในสิ่งที่เรียกว่าการบรรเทาทุกข์ของ Tatlin "วีรบุรุษ" ไม่ใช่วัตถุจริง แต่เป็นประเภทพื้นผิวที่เป็นนามธรรม - หยาบ, เปราะบาง, หนืด, อ่อนนุ่ม, เป็นประกาย - เข้าสู่ความสัมพันธ์ที่ซับซ้อนระหว่างกันโดยไม่ต้องอาศัยการไกล่เกลี่ยของโครงเรื่องภาพใด ๆ โดยเฉพาะ

ในสถาปัตยกรรม เราต้องเผชิญกับความสามารถของศิลปะในการแสดงออกโดยไม่ต้องพรรณนา โดยผ่านการเลียนแบบ "ข้อเท็จจริงของชีวิต" คุณสมบัติของพื้นผิวภาพในฐานะสนามสถาปัตยกรรมมีความเป็นไปได้ในการแสดงออกซึ่งไม่ได้ให้ไว้ แต่ให้กับภาพ เช่นเดียวกับที่กฎแรงโน้มถ่วงให้กับการเคลื่อนไหวของร่างกาย หรือกำหนดจังหวะ ขนาด และลำดับของคำคล้องจอง กลอน. การศึกษาความเป็นไปได้เหล่านี้เป็นการทดลองที่ดำเนินการโดยศิลปะนามธรรม บนเส้นทางสู่หลักการดั้งเดิมของอิทธิพลทางศิลปะที่ซ่อนอยู่ในโครงสร้างของความทรงจำของมนุษย์ ศิลปะแห่งศตวรรษที่ 20 ต้องเผชิญกับโลกศิลปะอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ที่กฎการแสดงออกอันเป็นที่ต้องการเคยเกิดขึ้นแล้วในความสมบูรณ์ของหลักการ สิ่งใหม่มอบมือให้กับคนเก่าที่ถูกลืม - และปรมาจารย์เกือบทั้งหมดของสิ่งที่เรียกว่าเปรี้ยวจี๊ดในงานศิลปะแห่งศตวรรษที่ 20 ได้ผ่านการติดต่อดังกล่าว

ในหมู่พวกเขาสถานที่ที่โดดเด่นเป็นของ K. S. Petrov-Vodkin (พ.ศ. 2421 - 2482) เส้นทางอันยาวนานของการพัฒนาความคิดสร้างสรรค์ของปรมาจารย์ผู้นี้ซึ่งเต็มไปด้วยการค้นหาที่ซับซ้อนสิ้นสุดลงด้วยการสร้างสรรค์ภาพวาด "The Bathing of the Red Horse" ในปี 1912 งานนี้มีความสำคัญไม่เพียงแต่สำหรับเนื้อหาภายในเท่านั้น แต่ยังเป็นเพราะเน้นไปที่ประเด็นเร่งด่วนทางศิลปะของต้นศตวรรษที่ 20 มันฟังดูเหมือนเสียงเรียกและคำถาม และสาเหตุหลักมาจากความเฉียบแหลมและความหมายของรูปแบบ การสร้างภาพใหม่ การเปลี่ยนแปลงภาพของความเป็นจริง ซึ่งศิลปะแห่งศตวรรษที่ 20 ต่อสู้ดิ้นรนอย่างเจ็บปวด ได้มาอยู่ที่นี่ผ่านการฝึกฝนบทเรียนของ ภาพวาดรัสเซียโบราณ งานนี้ประกาศความต่อเนื่องโดยตรงด้วยการวาดภาพไอคอน ทำให้นึกถึงเรื่อง "The Rape of Europe" โดย Serov ซึ่ง Petrov-Vodkin เรียนที่โรงเรียนมอสโกด้วย ภาพของนักขี่ม้าบนหลังม้าที่เปลี่ยนความคิดไปสู่ความคิดของชาวบ้านในการเคลื่อนไหวที่เยือกแข็งอย่างไม่มีข้อยุติทำให้เกิดคำถาม สีสันรื่นเริงแห่งเทศกาลและความง่วงนอนจังหวะของเส้นที่น่าหลงใหล ม้าทรงพลัง และเด็กวัยรุ่นแช่แข็งอยู่ในความคิดที่คลุมเครือ ปล่อยสายบังเหียนอย่างอิดโรย ยอมจำนนต่อพลังแห่งพลังที่ดึงเขาไปสู่จุดหมายปลายทางที่ไม่รู้จัก ความทรงจำในอดีตและลางสังหรณ์ที่คลุมเครือของอนาคต - การรวมกันขององค์ประกอบที่ตรงกันข้ามเช่นนี้เป็นสัญลักษณ์ในโครงสร้างภายใน ด้วยเหตุนี้ คนรุ่นราวคราวเดียวกันจึงมองว่าเป็นสัญลักษณ์ของช่วงเวลาที่กำลังประสบอยู่

Petrov-Vodkin หันมาใช้ภาพของศิลปะรัสเซียโบราณอย่างสม่ำเสมอมากขึ้นในผลงานเช่น "Mother", "Girls on the Volga" (1915), "Morning Bathers" (1917) ที่นี่คุณสามารถได้ยินเสียงสะท้อนของภาพสัญลักษณ์ - ในการเคลื่อนไหวที่บันทึกไว้ในการดื่มด่ำกับตัวละครในการไตร่ตรองซึ่งนางเอกของภาพวาดเหล่านี้ตื้นตันใจ ในงานของ Petrov-Vodkin ความสำคัญของภาพและธีมนิรันดร์เพิ่มขึ้น: การนอนหลับและการตื่นขึ้น ช่วงอายุของชีวิต - วัยรุ่น เยาวชน ความเป็นแม่ วงจรชีวิตระหว่างการเกิดและการตาย - นั่นคือช่วงของธีมเหล่านี้ ในการตีความธีมประเภทนี้ ทุกยุคใหม่ได้แสดงออกถึงแนวคิดในอุดมคติเกี่ยวกับสถานที่ของมนุษย์ในจักรวาลทั้งหมด ในโลกศิลปะ พวกเขามีบทบาทเป็นสากลของระเบียบปรัชญา ซึ่งอยู่เหนือความแปรปรวนของความเป็นจริงที่ลื่นไหล ดังนั้น ในระบบภาพของ Petrov-Vodkin คุณสมบัติทั้งหมดของโลกที่ต้องสังเกตมีแนวโน้มที่จะอยู่ในสภาวะสูงสุดและสมบูรณ์: สีจะไหลไปสู่ความบริสุทธิ์ทางสเปกตรัม ปราศจากความผันผวนของชั้นบรรยากาศ แสงมีลักษณะเป็น "แสงแดดนิรันดร์" บนดวงดาว ขอบฟ้า เส้นสร้างความโค้งของพื้นผิวดาวเคราะห์ของโลกตามหลักการของสิ่งที่เรียกว่าเปอร์สเปคทีฟทรงกลม ซึ่งเปลี่ยนทุกสิ่งที่เกิดขึ้นในพื้นที่ภายในภาพให้อยู่ในลำดับของปรากฏการณ์ในระดับจักรวาล ในรูปแบบทั่วไปทางศิลปะสมัยใหม่ที่หลากหลาย Petrov-Vodkin ได้แยกผู้ที่มีที่อยู่ทางประวัติศาสตร์และศิลปะที่เฉพาะเจาะจง - ไอคอนรัสเซียเก่าและจิตรกรรมฝาผนังรวมถึง Quattrocento ของอิตาลีเช่น ปรากฏการณ์เหล่านั้นอย่างแม่นยำในระดับประเพณีศิลปะระดับชาติและยุโรปซึ่งเข้าใกล้เกณฑ์ของความแตกต่างในภายหลังและการกระจายตัวของการวิเคราะห์โดยตรง แต่ที่ซึ่งโลกศิลปะและภาพลักษณ์ของโลกในงานศิลปะยังคงคิดและนำเสนอในฐานะความซื่อสัตย์แบบหนึ่ง ที่มอบตราประทับแห่งความยิ่งใหญ่อันยิ่งใหญ่ให้กับวิธีการแสดงออกทางศิลปะ การไตร่ตรองโลกโดยรวมในแง่ของการเชื่อมโยงสากลของเวลาและปรากฏการณ์ - นี่คือสิ่งที่ Petrov-Vodkin มุ่งมั่นที่จะแสดงออกและฟื้นฟูในศิลปะสมัยใหม่ ดูเหมือนว่าเขาจะเรียกร้องให้คาดเดาถึงรูปลักษณ์และภาพลักษณ์ของโลกสมัยใหม่และความรู้สึกทางศิลปะโดยธรรมชาติของมันที่มีต่อธรรมชาติและประวัติศาสตร์ในพื้นที่ของประสบการณ์ทางวัฒนธรรมระดับโลกด้วยโปรแกรมที่ดึงดูดความสามารถในการเชื่อมโยงของความทรงจำทางศิลปะ

Petrov-Vodkin เช่นเดียวกับปรมาจารย์คนอื่นๆ ในรุ่นของเขา ในช่วงหลังการปฏิวัติได้กลายเป็นหนึ่งในปรมาจารย์ด้านการวาดภาพโซเวียตที่โดดเด่น โดยนำเอาประเพณีทางศิลปะที่ดำเนินชีวิต ความคิดชั้นสูง และทักษะอันสมบูรณ์แบบเข้าสู่ยุคใหม่มาด้วย

การศึกษาวัฒนธรรมและประวัติศาสตร์ศิลปะ

: World of Art สหภาพศิลปินรัสเซีย โลกแห่งศิลปะ ซึ่งเป็นกลุ่มที่ก่อให้เกิดการเคลื่อนไหวทางวัฒนธรรมและสุนทรียภาพอันแข็งแกร่งและมีอิทธิพลนี้ เกิดขึ้นในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเมื่อต้นทศวรรษที่ 1890 Diaghilev เป็นผู้สร้างแรงบันดาลใจและผู้นำในอนาคตของกิจกรรมภาคปฏิบัติของโลกแห่งศิลปะ เหตุการณ์สำคัญบนเส้นทางนี้คือการตีพิมพ์นิตยสาร World of Art ฉบับแรก

ตอบคำถามข้อ 58 “ ภาพวาดรัสเซียตั้งแต่ศตวรรษที่ 19 ถึง 20: World of Art Union of Russian Artists กุหลาบสีน้ำเงิน. แจ็คแห่งเพชร”

โลกแห่งศิลปะ - กลุ่มที่ขบวนการทางวัฒนธรรมและสุนทรียภาพที่แข็งแกร่งและมีอิทธิพลนี้ถือกำเนิดขึ้นที่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเมื่อต้นทศวรรษที่ 1890 แกนกลางของมันคือกลุ่มเยาวชนนักศึกษาที่รวมตัวกันโดยมีเป้าหมายเล็กๆ น้อยๆ ในการศึกษาด้วยตนเอง เยาวชนติดตาม A.N. เบอนัวต์. ยังมีบทบาทสำคัญในแวดวงคือ K. A. Somov นักเรียนที่ Academy of Arts ศิลปินกราฟิกและจิตรกรในอนาคต D. V. Filosofov ซึ่งต่อมากลายเป็นนักเขียนและนักประชาสัมพันธ์ V.F. Nouvel นักวิจารณ์เพลงผู้มุ่งมั่น ในปี พ.ศ. 2433 S.P. Diaghilev ผู้สร้างแรงบันดาลใจในอนาคตและผู้นำกิจกรรมภาคปฏิบัติของ "โลกแห่งศิลปะ" เข้ามาในแวดวงนี้ ในไม่ช้ากลุ่มนี้ก็เข้าร่วมโดยศิลปิน: L. S. Rosenberg รุ่นเยาว์ (ซึ่งต่อมาใช้ชื่อ Bakst) และ E. E. Lanceray ที่อายุน้อยมาก ความสามารถที่หลากหลายและวัฒนธรรมที่สูงมากทำให้สมาชิกของแวดวงนี้โดดเด่น เหตุการณ์สำคัญตามเส้นทางนี้คือการตีพิมพ์นิตยสาร World of Art ฉบับแรก นิตยสารนี้ตีพิมพ์เมื่อต้นปี พ.ศ. 2441 ตีพิมพ์นานกว่า 6 ปีจนถึงปี 1904 ภายใต้กองบรรณาธิการของ Diaghilev และด้วยการมีส่วนร่วมอย่างใกล้ชิดของกลุ่มเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กทั้งหมด ตั้งแต่ปีพ. ศ. 2444 I. E. Grabar เข้าร่วมซึ่งในไม่ช้าก็กลายเป็นหนึ่งในนักวิจารณ์ที่กระตือรือร้นและมีอิทธิพลมากที่สุด ผู้นำของนิตยสารซึ่งนำโดย Diaghilev ได้จัดนิทรรศการศิลปะเป็นประจำทุกปีภายใต้ชื่อเดียวกันว่า "World of Art" ศิลปินชั้นนำของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กมีส่วนร่วมในวงกว้าง: K. A. Somov, B. M. Kustodiev, M. V. Dobuzhinsky, N. K. Roerich, V. A. Serov, M. V. Nesterov, M. A. Vrubel และคนอื่น ๆ "โลกแห่งศิลปะ" อาศัยอยู่ ชื่อของมัน - ภาพพาโนรามากว้าง ๆ ของศิลปะที่เปิดเผยต่อหน้าผู้ชมและผู้อ่าน ในช่วงกลางเก้าร้อยปี ชีวิตของศิลปินโลกมีความซับซ้อนมาก ความขัดแย้งด้านสุนทรียศาสตร์และ "ความแตกต่างทางความคิด" ของศิลปินที่รวมอยู่ในนั้นทำให้การตีพิมพ์นิตยสารและนิทรรศการร่วมหยุดลง แต่ Diaghilev ผู้ไม่รู้จักเหน็ดเหนื่อยเปลี่ยนความสนใจของคนที่มีใจเดียวกันไปสู่ธุรกิจใหม่ที่เกี่ยวข้องกับการนำแนวคิดที่น่าตื่นเต้นของการสังเคราะห์ศิลปะไปใช้ในทางปฏิบัติ สำหรับวงกลมของ Diaghilev โรงละครกลายเป็นพื้นที่ของเครือจักรภพแห่งรำพึง มาถึงตอนนี้ การแสดงละครและภาพวาดตกแต่งของรัสเซียซึ่งครั้งหนึ่งเคยประสบกับช่วงเวลาแห่งความรุ่งเรืองอันยิ่งใหญ่ ได้ตกต่ำลงอย่างน่าสมเพช เนื่องจากสูญเสียการติดต่อกับปรากฏการณ์ขั้นสูงของศิลปะสมัยใหม่ไปมาก ศิลปะแห่งชาติ- ออกจากมือ ศิลปินผู้ยิ่งใหญ่มันตกไปอยู่ในมือของ “ผู้เชี่ยวชาญ” ที่ไม่รู้อะไรเลยนอกจากความสามารถพิเศษเฉพาะด้านของตน และแม้แต่ภายในนั้นพวกเขาก็แทบไม่ได้อยู่เหนือระดับงานฝีมือเลย แทบจะไม่สามารถตั้งชื่อพื้นที่อื่นได้ วิจิตรศิลป์ซึ่งกิจวัตรและลายฉลุจะสะสมมากมาย อันเป็นผลมาจากสถานการณ์นี้บทบาทของศิลปินในการแก้ปัญหาเชิงเป็นรูปเป็นร่างของการแสดงลดลงอย่างรวดเร็ว งานของมัณฑนากรลดลงเหลือเพียงการสร้างเทมเพลต "ฉากหลัง" แบบธรรมดาหรือแบบรายวันซึ่งนักแสดงควรจะแสดง ทิวทัศน์สามารถและมักจะเปลี่ยนจากการเล่นหนึ่งไปอีกเล่นหนึ่ง ที่ Mamontov Opera การฝึกฝนนี้ถูกยกเลิก ถึง งานละครจิตรกรผู้ยิ่งใหญ่หันกลับมาอีกครั้ง - คนแรกคือ Itinerants V.M. Vasnetsov และ V.D. Polenov และหลังจากนั้นพวกเขาก็เชี่ยวชาญมากขึ้น คนรุ่นใหม่วรูเบล และเค. โคโรวิน จากกิจกรรมของพวกเขา บทบาทของศิลปินในโรงละครก็เพิ่มขึ้นอีกครั้ง และในชุมชนสร้างสรรค์ ความมั่นใจก็เพิ่มมากขึ้นว่าฉากและเครื่องแต่งกายเป็นองค์ประกอบสำคัญ ภาพศิลปะสร้างขึ้นโดยการแสดง ในปี พ.ศ. 2451-2452 องค์กรการแสดงละครแห่งใหม่เกิดขึ้นนำโดย Diaghilev นอกรัสเซีย Diaghilev เตรียมและจัดการแสดงคอนเสิร์ตดนตรีรัสเซียครั้งแรกในปารีส จากนั้นเป็นการผลิตโอเปร่า "Boris Godunov" และสุดท้าย เริ่มต้นในปี 1909 ซีรีส์โอเปร่ารัสเซียที่ยิ่งใหญ่และ การแสดงบัลเล่ต์- ระหว่างปี 1908 ถึง 1914 Diaghilev ได้แสดงโอเปร่า 10 เรื่องและบัลเล่ต์ 22 เรื่องในปารีส การออกแบบการแสดงทั้งหมดนี้ออกแบบโดยศิลปินแห่ง "World of Art" แม้จะมีความแตกต่างส่วนบุคคลที่กว้างขวางในบางครั้งซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของผลงานของศิลปิน แต่ภาพวาดการแสดงละครและการตกแต่งของพวกเขาเผยให้เห็นถึงความสามัคคีด้านโวหารบางอย่าง มันดำเนินการหลัก หลักการทางศิลปะซึ่งพบได้ทั่วไปในกลุ่ม "โลกแห่งศิลปะ" ทั้งหมด พวกเขาทั้งหมดเข้าใจงานของตนอย่างเท่าเทียมกัน ซึ่งสามารถนิยามได้ในแง่หนึ่ง นั่นคือการบรรลุความสามัคคีทางศิลปะอินทรีย์ขององค์ประกอบสร้างสรรค์ทั้งหมดที่ประกอบขึ้นเป็นการแสดง และในอีกด้านหนึ่ง คือการสร้างภาพที่ตื่นตาตื่นใจกับความงดงามและความงดงาม และนำจินตนาการของผู้ชมมาสู่โลกเหนือจริง โรแมนติก เป็นโลกแห่งการแสดงละครตามอัตภาพ ที่ไม่เหมือนกับชีวิตประจำวันเลย อันดับแรก สงครามโลกครั้งที่ยุติช่วงเวลาแห่งการบานสะพรั่งสูงสุดของภาพวาดละครและการตกแต่งของ "โลกแห่งศิลปะ" ต่อจากนั้นศิลปินของสมาคมนี้เข้าร่วมในกิจกรรมขององค์กรของ Diaghilev เป็นระยะ ๆ เท่านั้น ในปี พ.ศ. 2457-2459 พวกเขาถูกแทนที่ด้วยตัวแทนของคนรุ่นใหม่ N. S. Goncharova และ M. F. Larionov ต่อมา Diaghilev ดึงดูดเขาให้ทำงานละคร จิตรกรรายใหญ่ฝรั่งเศสและ ยุโรปตะวันตก- ศิลปินแต่ละคนมี "โลกแห่งศิลปะ" ของตัวเองดังนั้นผลงานของโลกแห่งศิลปะโดยรวมจึงโดดเด่นด้วยภาพที่น่าตื่นตาตื่นใจซึ่งเป็น "วงออเคสตรา" แบบโพลีโฟนิกของรูปแบบและวิชาต่างๆ ผลงานของพวกเขาประกอบด้วยการประชดอันขมขื่นและความฝันอันโรแมนติก พลังหนุ่มสาวในแง่ดี และความสงสัยที่เหนื่อยล้า เนินดินฝังศพของชาวไซเธียน และควัน เมืองที่ทันสมัย, ชีวิตของแวร์ซาย, ชีวิตของพ่อค้าในมอสโกและอีกมากมาย

“แจ็ค ออฟ ไดมอนด์” เดิมได้รับชื่อนี้นิทรรศการศิลปิน (2453 2454 ) ภายหลังรวมอยู่ในบาร์นี้สมาคมสร้างสรรค์- ที่มาของชื่อนิทรรศการและสมาคมเกิดจากสองสมาคมและมีพื้นฐานมาจากการเล่นคำที่ไม่คลุมเครือ: จนถึงปี 1917 มีการเรียก "แจ็คเพชร"นักโทษ - คำใบ้ที่สองบ่งบอกถึงการตีความที่มีแหล่งที่มาในการ์ดฝรั่งเศสโบราณศัพท์แสง : "แจ็ค" - "นักต้มตุ๋น", "คนโกง" ทั้งหมดนี้น่าจะทำให้เกิดปฏิกิริยาบางอย่างในหมู่คนธรรมดาที่น่านับถือ: ใครมีอารมณ์ขัน สำหรับคนอื่น - ตัวสั่นโดยไม่สมัครใจ สำหรับคนอื่น - การระคายเคืองและความขุ่นเคือง ศิลปินของ “Jack of Diamonds” ปฏิเสธประเพณีเช่นวิชาการและความสมจริงของศตวรรษที่ 19 - งานของพวกเขาโดดเด่นด้วยโซลูชันรูปภาพและพลาสติกในสไตล์ P. Cézanne, Fauvism และ Cubism รวมถึงการกลับมาใช้เทคนิคของรัสเซียพิมพ์นิยมและ ของเล่นพื้นบ้าน- ลักษณะคือการเสียรูปและลักษณะทั่วไปของรูปแบบ ในพ.ศ. 2455 ศิลปินจำนวนหนึ่งที่มุ่งหน้าสู่ลัทธิดึกดำบรรพ์, ลัทธิคิวโบฟิวเจอร์ริสม์ และ ศิลปะนามธรรม(พี่น้อง V. D. และ D. D. Burlyuk, N. S. Goncharova, M. F. Larionov, K. S. Malevich และคนอื่นๆ) ซึ่งได้จัดนิทรรศการที่เรียกว่าหางลา - สมาคมแตกในพ.ศ. 2460 หลังจากนั้นไม่นานพ.ศ. 2459 “แจ๊ค ออฟ ไดมอนด์” จากไปป.ล. Konchalovskyและ I.I. Mashkov

นิทรรศการ "กุหลาบสีน้ำเงิน" จัดขึ้นที่ 2450 ซึ่งมีจิตรกรเข้าร่วมด้วย P. Kuznetsov, N. Sapunov, S. Sudeikin, N. Krymov, M. Saryan ประติมากร A. Matveev และคนอื่น ๆ ชื่อของสมาคมนิทรรศการและศิลปะตลอดจนสไตล์ผลงานของผู้เข้าร่วมมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับสุนทรียศาสตร์สัญลักษณ์

รวมไปถึงผลงานอื่นๆที่คุณอาจสนใจ
64155.		สินเชื่อจำนองที่อยู่อาศัย ปัญหาและแนวโน้มการพัฒนา	7.28 ลบ
	รากฐานทางทฤษฎีของการให้กู้ยืมจำนอง รูปแบบการให้กู้ยืมจำนอง สถานะปัจจุบันของตลาดสินเชื่อจำนองที่อยู่อาศัยในรัสเซีย การวิเคราะห์แนวโน้มหลักในตลาดสินเชื่อจำนองที่อยู่อาศัยในรัสเซียในปัจจุบัน
64156.		การศึกษาแรงจูงใจของบุคลากรในฐานะผู้บริหารที่ MVideo Management LLC	6.6 ลบ
	รากฐานทางทฤษฎีของระบบการสร้างแรงจูงใจและการกระตุ้นบุคลากรขององค์กร แนวคิดและสาระสำคัญของการกระตุ้นและจูงใจของบุคลากรในองค์กร ระบบแรงจูงใจและสิ่งจูงใจสมัยใหม่สำหรับบุคลากรโดยใช้ตัวอย่างของ MVideo Management LLC
64157.		บุคลากรในองค์กร การวิเคราะห์รูปแบบและวิธีการเพิ่มประสิทธิภาพการใช้งานในโครงการพัฒนาเศรษฐกิจและสังคมปี 2554-2558 (อิงจากวัสดุจาก SvetlogorskKhimvolokno OJSC)	1.12 ลบ
	เพื่อให้บรรลุเป้าหมายนี้ได้มีการกำหนดงานดังต่อไปนี้: เพื่อเปิดเผยเนื้อหาแรงงานของพนักงานขององค์กรอุตสาหกรรมและตัวบ่งชี้ที่บ่งบอกลักษณะนั้น พิจารณาตัวชี้วัดการใช้ทรัพยากรแรงงานขององค์กรและแนวทางระเบียบวิธีเพื่อกำหนดศักยภาพแรงงานของบุคลากร
64158.		โมดูลการประมวลผลทางสถิติสำหรับเครื่องวิเคราะห์ Tenzotrem	5.01 ลบ
	วัตถุประสงค์ของงานคือการวิจัยและพัฒนาโมดูลซอฟต์แวร์สำหรับการประมวลผลทางสถิติของข้อมูลการวัดจากเครื่องสั่นแบบสเตรนเกจ วัตถุประสงค์ของการศึกษาคือเครื่องสั่นแบบสเตรนเกจ เครื่องสั่นแบบสเตรนเกจได้รับการออกแบบมาเพื่อประเมินกิจกรรมของระบบมอเตอร์ของมนุษย์...
64159.		การพัฒนาคำสั่งสอบและระบบทดสอบอัตโนมัติเพื่อทวนสอบและประเมินความรู้ที่แม่นยำของนักศึกษาในสาขาวิชา “สารสนเทศ” คณิตศาสตร์เชิงคำนวณและการเขียนโปรแกรม" และ "การวัดด้วยคอมพิวเตอร์"	1.44 ลบ
	การใช้คอมพิวเตอร์เพื่อติดตามความรู้นั้นคุ้มค่าและจะช่วยเพิ่มประสิทธิภาพของกระบวนการเริ่มต้น ยัก แปลว่า ฉัน Bulakh การทดสอบความสำเร็จด้วยคอมพิวเตอร์ทำให้สามารถใช้หลักการสอนพื้นฐานของการควบคุมการเรียนรู้ได้: หลักการของลักษณะเฉพาะของการตรวจสอบและการประเมินความรู้...
64160.		การพัฒนาและการวิจัยอัลกอริธึมแบบเร่งความเร็วสำหรับการสอบเทียบโมเดลเครือข่ายขนาดใหญ่โดยสัมประสิทธิ์การจัดกลุ่ม	1.56 ลบ
	วัตถุประสงค์ของงานคือเพื่อศึกษาอัลกอริธึมสำหรับการสร้างกราฟสุ่ม พัฒนาอัลกอริธึมใหม่ นำไปใช้ และดำเนินการทดสอบที่จำเป็น งานนี้สรุปแนวคิดที่จำเป็นจากทฤษฎีกราฟสุ่ม และตรวจสอบรายละเอียดวิธีการสร้างกราฟ Barabási-Albert, Erdös-Rényi, Watts-Strohats...
64162.		การวิเคราะห์และการพยากรณ์การไหลของการติดต่อทางอินพุตและเอาต์พุตที่โรงงานแปรรูปกลาง Shiryaevsky หมายเลข 4 ของ Odessa Directorate ของ "Ukrposhta"	2.65 ลบ
	การทดแทนคำอธิบายเกี่ยวกับโภชนาการที่ต้องพัฒนา วิธีการพื้นฐานสำหรับการวิเคราะห์อนุกรมชั่วโมง แนวโน้มและความผันผวนของอนุกรมชั่วโมง การกำหนดช่วงเวลาของพลวัตของอนุกรมชั่วโมง ความเสถียรของอนุกรมและแนวโน้ม การวิเคราะห์การถดถอย การวิเคราะห์สเปกตรัมเอกพจน์...
64163.		การกำหนดวิธีที่เหมาะสมที่สุดเพื่อความปลอดภัยที่ทางข้ามทางรถไฟของสาขา Izhevsk ของการรถไฟแห่งรัฐ	9.19 ลบ
	ผู้ขับขี่รถยนต์ไม่ทราบว่าแผงกั้นดังกล่าวไม่ได้เป็นเพียงอุปสรรคอีกประการหนึ่งที่พนักงานรถไฟได้ติดตั้งไว้ระหว่างทาง แต่เป็นอุปกรณ์ที่มีจุดประสงค์โดยตรงเพื่อปกป้องรถและผู้คนที่อยู่ในรถไม่ให้เคลื่อนผ่านรถไฟ การป้องกันทางข้ามจะน้อยที่สุด

"บลูโรส"

สมาคมศิลปะแนวสัญลักษณ์ซึ่งได้รับชื่อจากนิทรรศการในชื่อเดียวกัน กระดูกสันหลังของสมาคมประกอบด้วยผู้เข้าร่วมนิทรรศการ "Scarlet Rose" ซึ่งจัดขึ้นเมื่อปี พ.ศ. 2447

นิทรรศการ "Blue Rose" ซึ่งจัดขึ้นด้วยเงินทุนจากผู้อุปถัมภ์และผู้จัดพิมพ์ "The Golden Fleece" ศิลปินสมัครเล่น N. Ryabushinsky เปิดเมื่อวันที่ 18 มีนาคม พ.ศ. 2450 ในมอสโกบนถนน Myasnitskaya ในบ้านของผู้ผลิตเครื่องลายคราม M. Kuznetsov

ห้องโถงตกแต่งด้วยผ้าสีเทาเงินและสีฟ้าอ่อนจัดแสดงภาพวาดและผลงานกราฟิกโดยศิลปินสิบสี่คน - P. Kuznetsov, P. Utkin, N. Sapunov, M. Saryan, S. Sudeikin, N. Krymov, A. Arapov, A. Fonvizin, N. และ V. Milioti, N. Feofilaktov, V. Drittenpreis, I. Knabe และ N. Ryabushinsky ผลงานประติมากรรมของ A. Matveev และ P. Bromirsky ก็ตั้งอยู่ที่นี่เช่นกัน นักดนตรีที่เก่งที่สุดเล่นเพลงของนักแต่งเพลงชาวรัสเซีย ส่วน Andrei Bely และ V. Bryusov อ่านบทกวีของพวกเขา

ชื่อของนิทรรศการและสมาคม รวมถึงรูปแบบผลงานของผู้เข้าร่วมมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับสุนทรียศาสตร์ของสัญลักษณ์ สีฟ้า - สีของท้องฟ้า น้ำ พื้นที่อันไม่มีที่สิ้นสุด - ดูเหมือนบทกวี ความฝันและความเป็นจริง ความเศร้าโศก และความหวัง

“บลูโรส” เป็นนิทรรศการกลุ่มที่รวมเป็นหนึ่งเดียว โปรแกรมความงาม- เนื่องจากรูปลักษณ์ภายนอก สมาคมศิลปะก่อนหน้านี้ รวมถึง World of Art จึงสูญเสียความสำคัญในอดีตไป ความคิดริเริ่มของ "โลกแห่งศิลปะ" อย่างต่อเนื่อง "บลูโรส" ในเวลาเดียวกันได้ต่อต้านโลกแห่งสไตล์ศิลปะและรูปแบบวรรณกรรมและนำเสนอสิ่งใหม่ที่เป็นพื้นฐานในจิตสำนึกทางศิลปะของยุคนั้น นับเป็นก้าวแรกของศิลปะรัสเซียที่ก้าวข้ามขอบเขตของศตวรรษที่ 19

ความเป็นเอกลักษณ์ของ "Blue Rose" อยู่ที่ความจริงที่ว่าศิลปินสามารถแสดงหมวดหมู่ที่จับต้องไม่ได้ในรูปแบบพลาสติกได้ - อารมณ์ อารมณ์ ประสบการณ์ทางจิตวิญญาณ ทำให้ลัทธินีโอดั้งเดิมกลายเป็นของมัน ส่วนสำคัญ, “บลูโรส” คือผู้บุกเบิกของเปรี้ยวจี๊ดชาวรัสเซีย ความคิดของเธอถูกหยิบยกและพัฒนาในแบบของตัวเองในผลงานของ N. Goncharova, M. Larionov, K. Malevich

มีผู้เข้าชมนิทรรศการมากกว่าห้าพันคน

สมาคม Blue Rose ยุติลงในปี พ.ศ. 2453 ผู้เข้าร่วมรวมตัวกันอีกครั้งในปี พ.ศ. 2468 ในนิทรรศการ "Masters of the Blue Rose" ที่ Tretyakov Gallery

ในปี พ.ศ. 2453 นิทรรศการของศิลปินรุ่นเยาว์ที่มีชื่ออันน่าตกตะลึงว่า "แจ็ค ออฟ ไดมอนด์" กลายเป็นปรากฏการณ์ที่เห็นได้ชัดเจนใน ชีวิตทางวัฒนธรรมมอสโก

เรื่องอื้อฉาวมีอยู่ในสำนวน "Jack of Diamonds" ซึ่งต่อมาเกี่ยวข้องกับแนวคิดต่อไปนี้: นี่คือชื่อที่มอบให้กับนักโทษที่สวมเครื่องแบบนักโทษมีเพชรเย็บอยู่บนตัวพวกเขา การตีความคำแสลงภาษาฝรั่งเศสแบบโบราณมากที่สุด เล่นไพ่"คนโกงคนโกง"

หนึ่งในผู้สร้างแรงบันดาลใจและผู้จัดงานนิทรรศการคือมิคาอิล ลาริโอนอฟ ผู้เข้าร่วมงาน ได้แก่ Natalya Goncharova, Pyotr Konchalovsky, Alexander Kuprin, Aristarkh Lentulov, Ilya Mashkov, Robert Falk, พี่น้อง David และ Vladimir Burliuk นิทรรศการดังกล่าวได้รับการตอบรับอย่างล้นหลามจากสื่อมวลชน และกระตุ้นความสนใจของสาธารณชนอย่างท่วมท้น

พฤศจิกายน พ.ศ. 2454 เป็นจุดเริ่มต้นของการเกิดขึ้นของสังคมใหม่ของศิลปิน Jack of Diamonds ซึ่งเป็นสมาคมชั้นนำที่ใหญ่ที่สุดในรัสเซีย แกนกลางของกลุ่มประกอบด้วยจิตรกรมอสโก ผู้ก่อตั้งคือ Konchalovsky, Kuprin, Mashkov, Rozhdestvensky

Jack of Diamonds ก้าวขึ้นมาอยู่แถวหน้าของศิลปะรัสเซียในช่วงเวลาที่นักวิชาการเชิงอนุรักษ์นิยมตกอยู่ในวิกฤติครั้งใหญ่ การเคลื่อนไหวขั้นสูงของลัทธิสัญลักษณ์และลัทธิสมัยใหม่กำลังประสบปัญหาร้ายแรง และขบวนการ Wandering กำลังประสบปัญหาร้ายแรง

ศิลปินของ “Jack of Diamonds” ปฏิเสธประเพณีของทั้งเชิงวิชาการและ ความสมจริง XIXศตวรรษ. งานของพวกเขาโดดเด่นด้วยการแก้ปัญหาด้วยภาพและพลาสติกในรูปแบบของ P. Cezanne (โพสต์อิมเพรสชั่นนิสม์), Fauvism และ Cubism รวมถึงการหวนคืนสู่เทคนิคการพิมพ์ภาพพิมพ์ยอดนิยมของรัสเซียและของเล่นพื้นบ้าน ลักษณะคือการเสียรูปและลักษณะทั่วไปของรูปแบบ

เวทีพื้นฐานเดียวสำหรับสมาชิกของสหภาพใหม่คือการปฏิเสธประเพณีทางวิชาการ ความปรารถนาใน "ศิลปะใหม่" และเสรีภาพในการสร้างสรรค์

อย่างไรก็ตามความขัดแย้งภายในนำไปสู่การแตกแยกในช่วงแรกของ Jack of Diamonds: ส่วนที่รุนแรงของศิลปินซึ่งผลงานได้รับคำแนะนำจากตัวอย่างของศิลปะพื้นบ้านและศิลปะดึกดำบรรพ์ซึ่งนำโดย Larionov ออกจากสมาคมและจัดนิทรรศการของตนเอง "หางของ Donkey" (พ.ศ. 2455)

แกนกลางของ Jack of Diamonds ยังคงค้นหารูปภาพและพลาสติกต่อไปในความพยายามที่จะเชื่อมโยงความสำเร็จของปรมาจารย์ด้านโพสต์อิมเพรสชันนิสม์กับประเพณีศิลปะพื้นบ้านของรัสเซีย - lubok ภาพวาดไม้และเซรามิก ป้ายบูธและถาด เหนื่อย ลักษณะที่สร้างสรรค์ปรมาจารย์ของสมาคมถูกเรียกว่า "ลัทธิ caisism ของรัสเซีย"

ในปี พ.ศ. 2459 - 2460 การแยกอีกครั้งเกิดขึ้น: Konchalovsky, Mashkov, Kuprin, Lentulov, Rozhdestvensky, Falk และศิลปินระดับปานกลางอื่น ๆ ออกจากกลุ่มเพื่อประท้วงต่อต้านการนำผลงาน Suprematist มาใช้อย่างแข็งขันโดย Malevich และผู้สนับสนุนของเขาในนิทรรศการ ต่อจากนี้ สมาคม Jack of Diamonds แทบหยุดอยู่

สไตล์กุหลาบสีน้ำเงินแจ๊คเพชร "กุหลาบสีน้ำเงิน" และ "แจ็คเพชร"

"บลูโรส"

“แจ๊คเพชร”

"บลูโรส"

“แจ๊คเพชร”

รวมไปถึงผลงานอื่นๆที่คุณอาจสนใจ