ประเภทที่งดงาม การเคลื่อนไหวทางศิลปะ

จิตรกรรม จิตรกรรม

วิจิตรศิลป์ประเภทหนึ่งที่สร้างสรรค์ผลงานโดยใช้สีทาบนพื้นผิวแข็งใดๆ ใน งานศิลปะสร้างขึ้นโดยการวาดภาพสีและการวาดภาพ chiaroscuro การแสดงออกของจังหวะพื้นผิวและองค์ประกอบถูกนำมาใช้ซึ่งทำให้สามารถทำซ้ำบนเครื่องบินถึงความมีชีวิตชีวาที่มีสีสันของโลกปริมาตรของวัตถุคุณภาพความคิดริเริ่มของวัสดุความลึกเชิงพื้นที่ และสภาพแวดล้อมที่มีอากาศแจ่มใส การวาดภาพสามารถสื่อถึงสภาวะคงที่และความรู้สึกของการพัฒนาชั่วคราว ความสงบ ความสมบูรณ์ทางอารมณ์และจิตวิญญาณ ความฉับพลันของสถานการณ์ ผลกระทบของการเคลื่อนไหว ฯลฯ ในการวาดภาพ การเล่าเรื่องที่มีรายละเอียดและโครงเรื่องที่ซับซ้อนเป็นไปได้ สิ่งนี้ทำให้การวาดภาพไม่เพียงแต่เพื่อรวบรวมปรากฏการณ์ที่มองเห็นได้ของโลกแห่งความเป็นจริง แต่ยังแสดงให้เห็นอีกด้วย ภาพใหญ่ชีวิตของผู้คน แต่ยังมุ่งมั่นที่จะเปิดเผยสาระสำคัญ กระบวนการทางประวัติศาสตร์โลกภายในของบุคคลไปจนถึงการแสดงออกของความคิดที่เป็นนามธรรม เนื่องจากความสามารถทางอุดมการณ์และศิลปะที่กว้างขวาง จิตรกรรมจึงเป็นวิธีการสำคัญในการสะท้อนทางศิลปะและการตีความความเป็นจริง มีเนื้อหาทางสังคมที่สำคัญและมีหน้าที่ทางอุดมการณ์ต่างๆ

ความครอบคลุมและความครบถ้วนสมบูรณ์ ความเป็นจริงสะท้อนให้เห็นในหลายประเภทที่มีอยู่ในการวาดภาพ (ประเภทประวัติศาสตร์, ประเภทในชีวิตประจำวัน, ประเภทการต่อสู้, แนวตั้ง, ภูมิทัศน์, หุ่นนิ่ง) มีภาพวาด: อนุสาวรีย์และการตกแต่ง (ภาพวาดฝาผนัง, โคมไฟ, แผง) มีวัตถุประสงค์เพื่อตกแต่งสถาปัตยกรรมและมีบทบาทสำคัญในการตีความทางอุดมการณ์และเป็นรูปเป็นร่างของอาคารสถาปัตยกรรม ขาตั้ง (ภาพวาด) มักไม่เกี่ยวข้องกับสถานที่เฉพาะใด ๆ ในกลุ่มศิลปะ การออกแบบฉาก (ภาพร่างของฉากละครและภาพยนตร์และเครื่องแต่งกาย) ยึดถือ; ขนาดเล็ก ประเภทของการวาดภาพยังรวมถึงภาพสามมิติและภาพพาโนรามาด้วย ภาพวาดสีน้ำมันจะแตกต่างกันไปตามลักษณะของสารที่จับกับเม็ดสี (สารให้สี) และวิธีการทางเทคโนโลยีในการยึดเม็ดสีบนพื้นผิว การวาดภาพด้วยสีน้ำบนปูนปลาสเตอร์ - เปียก (ปูนเปียก) และแห้ง (a secco) อุบาทว์ การทาสีด้วยกาว การทาสีขี้ผึ้ง เคลือบฟัน การทาสีด้วยสีเซรามิกและซิลิเกต ฯลฯ ที่เกี่ยวข้องโดยตรงกับการทาสีคือโมเสกและกระจกสี ซึ่งช่วยแก้ปัญหา ปัญหาเดียวกัน เช่นเดียวกับการวาดภาพอนุสาวรีย์เป็นงานทางศิลปะ สีน้ำ สี gouache สีพาสเทล และหมึกก็ใช้เพื่อสร้างภาพวาดเช่นกัน

สีเป็นวิธีการแสดงออกที่เฉพาะเจาะจงที่สุดสำหรับการวาดภาพ การแสดงออกและความสามารถในการกระตุ้นการเชื่อมโยงทางประสาทสัมผัสต่างๆ ช่วยเพิ่มอารมณ์ความรู้สึกของภาพ และกำหนดความเป็นไปได้ทางการมองเห็น การแสดงออก และการตกแต่งของการวาดภาพ ในงานศิลปะรูปแบบสี ทั้งระบบ(สี). โดยปกติแล้วจะใช้สีและเฉดสีที่เกี่ยวข้องกันจำนวนหนึ่ง (ช่วงสีสัน) แม้ว่าจะมีการทาสีด้วยเฉดสีที่มีสีเดียวกัน (ขาวดำ) การจัดองค์ประกอบสีทำให้เกิดความสามัคคีด้านสีสันของงาน ซึ่งมีอิทธิพลต่อแนวทางการรับรู้ของผู้ชม ซึ่งเป็นส่วนสำคัญของงาน โครงสร้างทางศิลปะ- วิธีการวาดภาพที่แสดงออกอีกวิธีหนึ่งคือการวาดภาพ (เส้นและ chiaroscuro) พร้อมด้วยสีเพื่อจัดระเบียบภาพเป็นจังหวะและองค์ประกอบ เส้นแบ่งปริมาณออกจากกัน มักเป็นพื้นฐานเชิงสร้างสรรค์ของรูปแบบภาพ และอนุญาตให้ทำซ้ำโดยทั่วไปหรือในรายละเอียดโครงร่างของวัตถุและองค์ประกอบที่เล็กที่สุด Chiaroscuro ช่วยให้คุณไม่เพียงสร้างภาพลวงตาของภาพสามมิติ เพื่อถ่ายทอดระดับความสว่างหรือความมืดของวัตถุ แต่ยังสร้างความรู้สึกถึงการเคลื่อนไหวของอากาศ แสง และเงาอีกด้วย จุดหรือจังหวะของจิตรกรมีบทบาทสำคัญในการวาดภาพซึ่งเป็นเทคนิคทางเทคนิคหลักของเขาและช่วยให้เขาสามารถถ่ายทอดแง่มุมต่างๆ ได้มากมาย ฝีแปรงช่วยส่งเสริมพลาสติก การแกะสลักรูปทรงสามมิติ สื่อถึงลักษณะวัสดุและพื้นผิว และเมื่อผสมผสานกับสี จะสร้างสีสันอันมีชีวิตชีวาของโลกแห่งความเป็นจริงขึ้นมาใหม่ ธรรมชาติของจังหวะ (เรียบ ต่อเนื่องหรืออิมพาสโต แยก กังวล ฯลฯ) ยังช่วยสร้างบรรยากาศทางอารมณ์ของงาน ถ่ายทอดความรู้สึกและอารมณ์ทันทีของศิลปิน ทัศนคติของเขาต่อภาพ

โดยทั่วไปแล้ว รูปภาพรูปภาพจะแบ่งออกเป็นสองประเภท ได้แก่ ภาพถ่ายเชิงเส้นระนาบ และเชิงปริมาตรเชิงพื้นที่ แต่ไม่มีขอบเขตที่ชัดเจนระหว่างรูปภาพเหล่านั้น การวาดภาพเชิงเส้นระนาบมีลักษณะเป็นจุดแบนของสีท้องถิ่น ล้อมรอบด้วยรูปทรงที่แสดงออก เส้นที่ชัดเจนและเป็นจังหวะ ในสมัยโบราณและบางส่วนในการวาดภาพสมัยใหม่ มีวิธีการทั่วไปในการสร้างเชิงพื้นที่และการทำซ้ำวัตถุที่เปิดเผยให้ผู้ชมเห็นถึงตรรกะความหมายของภาพ การวางวัตถุในอวกาศ แต่แทบจะไม่ละเมิดความเป็นสองมิติของภาพ เครื่องบิน. ความปรารถนาที่จะสร้างโลกแห่งความเป็นจริงขึ้นมาใหม่ตามที่บุคคลมองเห็น ซึ่งเกิดขึ้นในงานศิลปะโบราณ ทำให้เกิดการปรากฏตัวของภาพเชิงพื้นที่เชิงปริมาตรในการวาดภาพ ในการวาดภาพประเภทนี้ ความสัมพันธ์เชิงพื้นที่สามารถทำซ้ำได้ด้วยสี ทำให้เกิดภาพลวงตาที่ลึกซึ้ง พื้นที่สามมิติทำลายระนาบภาพด้วยความช่วยเหลือของการไล่ระดับโทนสี มุมมองทางอากาศและเชิงเส้น โดยการกระจายสีที่อบอุ่นและเย็น รูปแบบปริมาตรจำลองด้วยสี แสง และเงา ในภาพปริมาตรเชิงพื้นที่และระนาบเชิงเส้น มีการใช้เส้นและสีที่ชัดเจน และเอฟเฟ็กต์ของปริมาตร แม้แต่งานประติมากรรม ก็ทำได้โดยการไล่ระดับของโทนสีอ่อนและสีเข้มที่กระจายในจุดสีที่จำกัดอย่างชัดเจน ในเวลาเดียวกันการระบายสีมักจะผสมกันตัวเลขและวัตถุไม่รวมกับพื้นที่โดยรอบเป็นอันเดียว การวาดภาพโทนสี ( ซม.โทนสี) ผ่านการพัฒนาสีที่ซับซ้อนและไดนามิก แสดงการเปลี่ยนแปลงเล็กน้อยทั้งสีและโทนสีขึ้นอยู่กับแสง ( ซม.วาเลร์) ตลอดจนจากปฏิสัมพันธ์ของดอกไม้ใกล้เคียง ( ซม.สะท้อน); โทนสีโดยรวมจะรวมวัตถุเข้ากับสภาพแวดล้อมที่มีแสงน้อยและพื้นที่โดยรอบ ในการวาดภาพของจีน ญี่ปุ่น และเกาหลี ภาพเชิงพื้นที่ชนิดพิเศษได้พัฒนาขึ้น โดยให้ความรู้สึกของพื้นที่อันไม่มีที่สิ้นสุดเมื่อมองจากด้านบน โดยทอดยาวไปในระยะไกลและไม่มาบรรจบกันในส่วนลึก เส้นขนาน- ตัวเลขและวัตถุแทบไม่มีปริมาตร ตำแหน่งในอวกาศแสดงโดยความสัมพันธ์ของน้ำเสียงเป็นหลัก

งานทาสีประกอบด้วยฐาน (ผ้าใบ, ไม้, กระดาษ, กระดาษแข็ง, หิน, แก้ว, โลหะ ฯลฯ ) มักจะเคลือบด้วยสีรองพื้นและชั้นสีซึ่งบางครั้งก็ป้องกันด้วยฟิล์มป้องกันสารเคลือบเงา ความเป็นไปได้ทางการมองเห็นและการแสดงออกในการวาดภาพคุณสมบัติของเทคนิคการเขียนส่วนใหญ่ขึ้นอยู่กับคุณสมบัติของสีซึ่งกำหนดโดยระดับของการบดเม็ดสีและลักษณะของสารยึดเกาะบนเครื่องมือที่ศิลปินใช้บนทินเนอร์ที่เขาใช้ การใช้งาน; พื้นผิวเรียบหรือหยาบของฐานและไพรเมอร์ส่งผลต่อเทคนิคการทาสีพื้นผิวงานศิลปะและสีโปร่งแสงของฐานหรือไพรเมอร์ส่งผลต่อการระบายสี บางครั้งบางส่วนของฐานหรือสีรองพื้นที่ปราศจากสีอาจมีบทบาทบางอย่างในการสร้างสีสัน พื้นผิวของชั้นสีของภาพวาดซึ่งก็คือพื้นผิวของมันอาจเป็นแบบมันหรือแบบด้าน ต่อเนื่องหรือไม่ต่อเนื่อง เรียบหรือไม่สม่ำเสมอ สีหรือเฉดสีที่ต้องการทำได้โดยการผสมสีบนจานสีและการเคลือบกระจก กระบวนการสร้างจิตรกรรมหรือจิตรกรรมฝาผนังสามารถแบ่งออกเป็นหลายขั้นตอน โดยเฉพาะอย่างยิ่งที่ชัดเจนและสม่ำเสมอในจิตรกรรมอุบาทว์ยุคกลางและภาพวาดสีน้ำมันคลาสสิก (การวาดภาพบนพื้น การทาสีด้านล่าง การทาสีกระจก) นอกจากนี้ยังมีภาพวาดที่มีลักษณะหุนหันพลันแล่นมากขึ้นซึ่งช่วยให้ศิลปินสามารถรวบรวมของเขาได้โดยตรงและมีชีวิตชีวา ประสบการณ์ชีวิตขอบคุณการทำงานพร้อมกันทั้งการวาดภาพ การจัดองค์ประกอบ การแกะสลักรูปทรง และการระบายสี ( ซม.อัลลา พรีมา)

จิตรกรรมเกิดขึ้นในยุคปลายยุคหิน (40-8 พันปีก่อน) ภาพวาดหินได้รับการเก็บรักษาไว้ (ในฝรั่งเศสตอนใต้ สเปนตอนเหนือ ฯลฯ) ทำด้วยสีดิน (สีเหลืองสด) เขม่าดำและถ่านโดยใช้แท่งแยก ชิ้นส่วนของขนสัตว์และนิ้ว (ภาพสัตว์แต่ละตัว จากนั้นจึงฉากการล่าสัตว์) ในการวาดภาพยุคหินเก่ามีทั้งภาพเงาเชิงเส้นและการสร้างแบบจำลองปริมาตรอย่างง่าย แต่หลักการจัดองค์ประกอบในนั้นยังคงแสดงออกได้ไม่ดี แนวคิดทั่วไปเชิงนามธรรมที่ได้รับการพัฒนามากขึ้นเกี่ยวกับโลกสะท้อนให้เห็นในภาพวาดยุคหินใหม่ ซึ่งภาพเชื่อมโยงกับวงจรการเล่าเรื่องและภาพของบุคคลปรากฏขึ้น ( ซม.ศิลปะยุคดึกดำบรรพ์)

ภาพวาดของสังคมทาสได้พัฒนาไปแล้ว ระบบเป็นรูปเป็นร่างวิธีการทางเทคนิคที่หลากหลาย ในอียิปต์โบราณอีกด้วย อเมริกาโบราณมีภาพวาดขนาดมหึมาซึ่งทำหน้าที่สังเคราะห์กับสถาปัตยกรรม ( ซม.การสังเคราะห์ศิลปะ ทาสีสุสาน ไม่ค่อยทาสีอาคาร) ส่วนใหญ่เกี่ยวข้องกับลัทธิงานศพ โดยมีลักษณะการเล่าเรื่องที่กว้างขวาง สถานที่หลักในนั้นถูกครอบครองโดยภาพลักษณ์ทั่วไปและมักจะเป็นแผนผังของบุคคล การกำหนดภาพที่เข้มงวดซึ่งแสดงออกในลักษณะองค์ประกอบความสัมพันธ์ของตัวเลขและสะท้อนให้เห็นถึงลำดับชั้นที่เข้มงวดซึ่งมีอยู่ในสังคมนั้นถูกรวมเข้ากับการสังเกตชีวิตที่ชัดเจนและแม่นยำและรายละเอียดมากมายที่ดึงมาจากโลกโดยรอบ (ภูมิทัศน์, เครื่องใช้ในครัวเรือน, ภาพสัตว์และนก) ภาพวาดโบราณซึ่งเป็นวิธีการทางศิลปะหลักและการแสดงออกซึ่งเป็นเส้นขอบและจุดสีมีคุณสมบัติในการตกแต่งความเรียบของมันเน้นพื้นผิวของผนัง

ในสมัยโบราณ การวาดภาพมีความเป็นเอกภาพทางศิลปะกับสถาปัตยกรรมและประติมากรรม รวมถึงวัด บ้าน สุสาน และโครงสร้างอื่นๆ ที่ประดับประดา ( ซม.เมืองปอมเปอี, เฮอร์คิวเลเนียม, ปาเอสตุม, สุสานคาซานลัก) ไม่เพียงแต่ให้บริการด้านวัฒนธรรมเท่านั้น แต่ยังรวมถึงจุดประสงค์ทางโลกด้วย ความเป็นไปได้ใหม่ๆ เฉพาะเจาะจงของการวาดภาพได้เปิดกว้างขึ้น โดยให้การนำเสนอความเป็นจริงที่หลากหลาย ในสมัยโบราณ หลักการของ Chiaroscuro และรูปแบบมุมมองเชิงเส้นและทางอากาศที่เป็นเอกลักษณ์เกิดขึ้น นอกเหนือจากตำนานแล้ว ฉากในชีวิตประจำวันและประวัติศาสตร์ ภูมิทัศน์ ภาพเหมือน และสิ่งมีชีวิตก็ถูกสร้างขึ้น ปูนเปียกโบราณ (บนปูนปลาสเตอร์หลายชั้นที่มีส่วนผสมของฝุ่นหินอ่อนในชั้นบน) มีพื้นผิวมันเงา ในสมัยกรีกโบราณ แทบไม่มีการวาดภาพขาตั้งที่ยังมีชีวิตอยู่เลย (บนกระดาน ไม่ค่อยปรากฏบนผ้าใบ) ส่วนใหญ่ใช้เทคนิคแบบ encaustic ( ซม.การวาดภาพด้วยขี้ผึ้ง); ภาพบุคคลของ Fayyum ให้แนวคิดเกี่ยวกับการวาดภาพด้วยขาตั้งโบราณ

ในยุคกลางของยุโรปตะวันตก ไบแซนเทียม รุส คอเคซัส และบอลข่าน ภาพวาดที่พัฒนาโดยมีเนื้อหาทางศาสนา: ปูนเปียก (ทั้งบนปูนปลาสเตอร์แห้งและเปียกบนหินหรืออิฐ) ภาพวาดไอคอน (บนกระดานลงสีรองพื้นด้วยเทมเพอราไข่เป็นหลัก ) เช่นเดียวกับหนังสือขนาดจิ๋ว (บนกระดาษ parchment หรือกระดาษที่ลงสีพื้นแล้ว วาดด้วยสีฝุ่น สีน้ำ สี gouache กาว และสีอื่นๆ) ซึ่งบางครั้งก็รวมถึงวัตถุทางประวัติศาสตร์ด้วย ไอคอน ภาพวาดฝาผนัง (ขึ้นอยู่กับแผนกสถาปัตยกรรมและระนาบของผนัง) ตลอดจนกระเบื้องโมเสก หน้าต่างกระจกสี ร่วมกับสถาปัตยกรรม รวมกันเป็นชุดเดียวภายในโบสถ์ การวาดภาพในยุคกลางมีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยการแสดงออกของเสียงดังสีท้องถิ่นและเส้นจังหวะการแสดงออกของรูปทรง; แบบฟอร์มมักจะแบน เก๋ พื้นหลังเป็นนามธรรม มักเป็นสีทอง นอกจากนี้ยังมีเทคนิคทั่วไปสำหรับการสร้างแบบจำลองปริมาตรที่ดูเหมือนจะยื่นออกมาบนระนาบภาพที่ไม่มีความลึก สัญลักษณ์ขององค์ประกอบและสีมีบทบาทสำคัญ ในสหัสวรรษที่ 1 จ. การวาดภาพขนาดมหึมา (โดยใช้สีทากาวบนยิปซั่มสีขาวหรือสีรองพื้นปูนขาวบนดินเหนียว-ฟาง) ได้รับความนิยมอย่างมากในประเทศต่างๆ ในเอเชียตะวันตกและเอเชียกลาง อินเดีย จีน และซีลอน (ปัจจุบันคือศรีลังกา) ในช่วงยุคศักดินา ศิลปะแห่งการย่อส่วนได้รับการพัฒนาในเมโสโปเตเมีย อิหร่าน อินเดีย เอเชียกลาง อาเซอร์ไบจาน และตุรกี ซึ่งโดดเด่นด้วยสีสันที่ละเอียดอ่อน จังหวะการประดับประดาที่สง่างาม และการสังเกตชีวิตที่สดใส การวาดภาพแบบตะวันออกไกลด้วยหมึก สีน้ำ และ gouache บนม้วนผ้าไหมและกระดาษ - ในประเทศจีน เกาหลี ญี่ปุ่น - โดดเด่นด้วยบทกวี การระมัดระวังอย่างน่าทึ่งในการมองเห็นผู้คนและธรรมชาติ ลักษณะการวาดภาพที่กระชับ และการแสดงโทนสีที่ดีที่สุดของมุมมองทางอากาศ

ในยุโรปตะวันตกในช่วงยุคเรอเนซองส์ หลักการของศิลปะใหม่ได้รับการกำหนดขึ้นโดยอิงจากโลกทัศน์แบบเห็นอกเห็นใจ การค้นพบและการรับรู้โลกแห่งความเป็นจริง บทบาทของการวาดภาพเพิ่มขึ้นโดยพัฒนาระบบวิธีการถ่ายทอดความเป็นจริงอย่างสมจริง ความสำเร็จบางประการของการวาดภาพเรอเนซองส์คาดว่าจะเกิดขึ้นในศตวรรษที่ 14 จิตรกรชาวอิตาลี จอตโต การศึกษาทางวิทยาศาสตร์เกี่ยวกับมุมมอง ทัศนศาสตร์ และกายวิภาคศาสตร์ การใช้เทคนิคการวาดภาพสีน้ำมันที่ได้รับการปรับปรุงโดย J. van Eyck (เนเธอร์แลนด์) มีส่วนช่วยในการค้นพบความเป็นไปได้ที่มีอยู่ในธรรมชาติของการวาดภาพ: การสร้างรูปแบบปริมาตรเชิงปริมาตรที่น่าเชื่อถือโดยสอดคล้องกับการถ่ายทอด ของความลึกเชิงพื้นที่และสภาพแวดล้อมของแสง การเปิดเผยความสมบูรณ์ของสีของโลก ภาพปูนเปียกมีความเจริญรุ่งเรืองครั้งใหม่ ภาพวาดขาตั้งก็มีความสำคัญเช่นกัน โดยรักษาความสามัคคีในการตกแต่งกับสภาพแวดล้อมของวัตถุโดยรอบ ความรู้สึกของความสามัคคีของจักรวาล, ความมานุษยวิทยาของการวาดภาพและกิจกรรมทางจิตวิญญาณของภาพเป็นลักษณะขององค์ประกอบทางศาสนาและ ธีมในตำนาน, ภาพบุคคล, ฉากในชีวิตประจำวันและประวัติศาสตร์, ภาพเปลือย เทมเพอราค่อยๆ ถูกแทนที่ด้วยเทคนิคแบบผสมผสาน (การเคลือบและลงรายละเอียดในน้ำมันโดยใช้การลงสีเทมเพอราด้านล่าง) จากนั้นจึงลงสีน้ำมันเคลือบเงาหลายชั้นขั้นสูงทางเทคนิคโดยไม่ใช้เทมเพอรา นอกเหนือจากภาพวาดที่มีรายละเอียดเรียบลื่นบนกระดานที่มีพื้นสีขาว (ลักษณะของศิลปินของโรงเรียนดัตช์และโรงเรียนหลายแห่งในยุคเรอเนซองส์ตอนต้นของอิตาลี) โรงเรียนการวาดภาพของชาวเวนิสได้รับการพัฒนาในศตวรรษที่ 16 เทคนิคการวาดภาพอิมพาสโตฟรีบนผืนผ้าใบด้วยไพรเมอร์สี จิตรกรที่ใหญ่ที่สุดในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาก็พัฒนาไปพร้อม ๆ กันด้วยสีท้องถิ่นที่มักจะสดใสด้วยลวดลายที่ชัดเจน - Masaccio, Piero della Francesca, A. Mantegna, Botticelli, Leonardo da Vinci, Michelangelo, Raphael, Giorgione, Titian , Veronese, Tintoretto ในอิตาลี, J. van Eyck, P. Bruegel the Elder ในเนเธอร์แลนด์, A. Dürer, H. Holbein the Younger, M. Niethardt (Grunewald) ในเยอรมนี เป็นต้น

ในศตวรรษที่ XVII-XVIII กระบวนการพัฒนาจิตรกรรมของยุโรปมีความซับซ้อนมากขึ้น โรงเรียนระดับชาติก่อตั้งขึ้นในฝรั่งเศส (J. de Latour, F. Champagne, N. Poussin, A. Watteau, J. B. S. Chardin, J. O. Fragonard, J. L. David), อิตาลี (M. Caravaggio, D. Fetti, J. B. Tiepolo, J. M. Crespi, เอฟ. กวาร์ดี้), สเปน (เอล เกรโก, ดี. เบลัซเกซ, เอฟ. ซูร์บาราน, บี. อี. มูริลโล, เอฟ. โกยา), ฟลานเดอร์ส (พี. พี. รูเบนส์, เจ. จอร์แดนส์, อ. ฟาน ไดค์, เอฟ. สไนเดอร์ส), ฮอลแลนด์ ( F. Hals, Rembrandt, J. Wermeer, J. van Ruisdael, G. Terborch, C. Fabricius), สหราชอาณาจักร (J. Reynolds, T . Gainsborough, W. Hogarth), รัสเซีย (F. S. Rokotov, D. G. Levitsky, V. L. Borovikovsky ). จิตรกรรมประกาศอุดมคติทางสังคมและพลเมืองใหม่ โดยหันไปใช้การพรรณนาชีวิตจริงที่มีรายละเอียดและแม่นยำยิ่งขึ้นในการเคลื่อนไหวและความหลากหลาย โดยเฉพาะอย่างยิ่งสภาพแวดล้อมในชีวิตประจำวันของบุคคล (ภูมิทัศน์ การตกแต่งภายใน ของใช้ในครัวเรือน) ปัญหาทางจิตใจที่ลึกซึ้งยิ่งขึ้นความรู้สึกของความสัมพันธ์ที่ขัดแย้งกันระหว่างบุคคลกับโลกโดยรอบก็รวมอยู่ในตัว ในศตวรรษที่ 17 ระบบประเภทต่างๆ ขยายตัวและเป็นรูปเป็นร่างอย่างชัดเจน ในศตวรรษที่ XVII-XVIII ควบคู่ไปกับความเจริญรุ่งเรืองของภาพวาดขนาดใหญ่และการตกแต่ง (โดยเฉพาะในสไตล์บาโรก) ซึ่งมีความสามัคคีอย่างใกล้ชิดกับประติมากรรมและสถาปัตยกรรม และสร้างสภาพแวดล้อมทางอารมณ์ที่ส่งผลกระทบอย่างแข็งขันต่อผู้คน ภาพวาดขาตั้งมีบทบาทสำคัญ ระบบการลงสีต่างๆ ถูกสร้างขึ้น ทั้งสองมีลักษณะทางโวหารร่วมกัน (ภาพวาดบาโรกแบบไดนามิกที่มีองค์ประกอบเปิดเป็นรูปเกลียวเป็นลักษณะเฉพาะ จิตรกรรมคลาสสิกที่มีการออกแบบที่ชัดเจน เข้มงวดและชัดเจน การวาดภาพโรโกโกด้วยการเล่นสี แสง และสีซีดจางอันงดงาม โทนเสียง) และไม่เข้ากับกรอบสไตล์เฉพาะใดๆ ด้วยความมุ่งมั่นที่จะสร้างสีสันของโลก สภาพแวดล้อมที่มีแสงและอากาศ ศิลปินหลายคนได้ปรับปรุงระบบการวาดภาพโทนสี สิ่งนี้ทำให้เกิดความแตกต่างของเทคนิคทางเทคนิคของการวาดภาพสีน้ำมันหลายชั้น การเติบโตของศิลปะขาตั้งและความต้องการที่เพิ่มขึ้นสำหรับงานที่ออกแบบมาสำหรับการไตร่ตรองอย่างใกล้ชิด นำไปสู่การพัฒนาเทคนิคการวาดภาพในห้อง เทคนิคที่ละเอียดอ่อนและด้วยแสง - สีพาสเทล สีน้ำ หมึก และภาพวาดบุคคลขนาดจิ๋วประเภทต่างๆ

ในศตวรรษที่ 19 โรงเรียนแห่งความสมจริงแห่งชาติแห่งใหม่เกิดขึ้น จิตรกรรมในยุโรปและอเมริกา ความเชื่อมโยงระหว่างการวาดภาพในยุโรปและส่วนอื่นๆ ของโลกขยายออกไป โดยที่ประสบการณ์การวาดภาพเหมือนจริงของยุโรปได้รับการตีความแบบดั้งเดิม ซึ่งมักมีพื้นฐานมาจากประเพณีโบราณในท้องถิ่น (ในอินเดีย จีน ญี่ปุ่น และประเทศอื่นๆ) จิตรกรรมยุโรปได้รับอิทธิพลจากศิลปะของประเทศตะวันออกไกล (ญี่ปุ่นและจีนเป็นหลัก) ซึ่งสะท้อนให้เห็นในการต่ออายุเทคนิคในการจัดตกแต่งและจังหวะของระนาบภาพ ในศตวรรษที่ 19 การวาดภาพแก้ไขปัญหาโลกทัศน์ที่ซับซ้อนและเร่งด่วนและมีบทบาทอย่างแข็งขันในชีวิตสาธารณะ การวิพากษ์วิจารณ์ความเป็นจริงทางสังคมอย่างคมชัดกลายเป็นสิ่งสำคัญในการวาดภาพ ตลอดศตวรรษที่ 19 ในการวาดภาพหลักการของวิชาการนิยมห่างไกลจากชีวิตและอุดมคติเชิงนามธรรมของภาพก็ได้รับการปลูกฝังเช่นกัน แนวโน้มของนักธรรมชาติวิทยาเกิดขึ้น ในการต่อสู้กับนามธรรมของลัทธิคลาสสิกตอนปลายและวิชาการแบบซาลอน ภาพวาดแนวโรแมนติกได้รับการพัฒนาโดยมีความสนใจอย่างแข็งขันในเหตุการณ์ที่น่าทึ่งของประวัติศาสตร์และความทันสมัย ​​พลังของภาษาภาพ ความแตกต่างของแสงและเงา ความสมบูรณ์ของสี (T . Gericault, E. Delacroix ในฝรั่งเศส; F. O. Runge และ K. D. Friedrich ในเยอรมนี; ในหลาย ๆ ด้าน O. A. Kiprensky, Sylvester Shchedrin, K. P. Bryullov, A. A. Ivanov ในรัสเซีย) การวาดภาพเหมือนจริงซึ่งมีพื้นฐานมาจากการสังเกตโดยตรงของปรากฏการณ์ลักษณะเฉพาะของความเป็นจริง ทำให้ได้ภาพชีวิตที่สมบูรณ์ น่าเชื่อถือ และน่าเชื่อยิ่งขึ้น (J. Constable ในบริเตนใหญ่; C. Corot อาจารย์ของโรงเรียน Barbizon, O. Daumier ในฝรั่งเศส ; A.G. Venetsianov, P. A. Fedotov ในรัสเซีย) ในช่วงที่ขบวนการปฏิวัติและขบวนการปลดปล่อยแห่งชาติเติบโตขึ้นในยุโรป ภาพวาดของสัจนิยมประชาธิปไตย (G. Courbet, J. F. Millet ในฝรั่งเศส; M. Munkacsi ในฮังการี, N. Grigorescu และ I. Andreescu ในโรมาเนีย, A. Menzel, V. Leibl ในประเทศเยอรมนี ฯลฯ ) แสดงให้เห็นชีวิตและการทำงานของผู้คนการต่อสู้เพื่อสิทธิของพวกเขากล่าวถึงเหตุการณ์ที่สำคัญที่สุดของประวัติศาสตร์ชาติที่สร้างขึ้น ภาพที่สดใสประชาชนทั่วไปและบุคคลสาธารณะชั้นนำ ในหลายประเทศ มีโรงเรียนที่มีภูมิทัศน์สมจริงระดับชาติเกิดขึ้น ภาพวาดของนักเดินทางและศิลปินที่อยู่ใกล้พวกเขาซึ่งเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับสุนทรียศาสตร์ของนักปฏิวัติเดโมแครตรัสเซีย - V. G. Perov, I. N. Kramskoy, I. E. Repin, V. I. Surikov, V. V. Vereshchagin มีความโดดเด่นด้วยความรุนแรงทางสังคมและวิพากษ์วิจารณ์

เขามาถึงศูนย์รวมทางศิลปะของโลกโดยรอบด้วยความเป็นธรรมชาติและความแปรปรวนอย่างต่อเนื่องในช่วงต้นทศวรรษ 1870 จิตรกรรมแนวอิมเพรสชั่นนิสต์ (E. Manet, C. Monet, O. Renoir, C. Pissarro, A. Sisley, E. Degas ในฝรั่งเศส) ซึ่งได้ปรับปรุงเทคนิคและวิธีการจัดพื้นผิวภาพ เผยความงามของสีและพื้นผิวที่บริสุทธิ์ ผลกระทบ ในศตวรรษที่ 19 ในยุโรป การวาดภาพสีน้ำมันแบบขาตั้งมีความโดดเด่น เทคนิคในหลายกรณีได้รับลักษณะเฉพาะตัวและเป็นอิสระ ค่อยๆ สูญเสียระบบที่เข้มงวดโดยธรรมชาติ (ซึ่งได้รับการอำนวยความสะดวกด้วยการแพร่กระจายของสีที่ผลิตจากโรงงานใหม่) จานสีขยายออก (สร้างเม็ดสีและสารยึดเกาะใหม่); แทนที่จะเป็นดินสีเข้มเมื่อต้นศตวรรษที่ 19 ดินขาวได้รับการฟื้นฟูอีกครั้ง ภาพวาดตกแต่งและอนุสาวรีย์ที่ใช้ในศตวรรษที่ 19 กาวหรือสีน้ำมันเกือบทั้งหมดตกอยู่ในสภาพทรุดโทรม ในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 มีการพยายามที่จะรื้อฟื้นการวาดภาพขนาดใหญ่และรวมภาพวาดประเภทต่างๆ เข้ากับงานศิลปะการตกแต่งและประยุกต์และสถาปัตยกรรมให้เป็นชุดเดียว (ส่วนใหญ่อยู่ในศิลปะของ "สมัยใหม่"); มีการปรับปรุงวิธีการทางเทคนิคของการทาสีอนุสาวรีย์และการตกแต่งและมีการพัฒนาเทคนิคการทาสีซิลิเกต

ในช่วงปลายศตวรรษที่ XIX - XX พัฒนาการด้านจิตรกรรมมีความซับซ้อนและขัดแย้งเป็นพิเศษ การเคลื่อนไหวที่สมจริงและสมัยใหม่ต่าง ๆ อยู่ร่วมกันและต่อสู้ดิ้นรน แรงบันดาลใจจากอุดมคติของการปฏิวัติเดือนตุลาคม พ.ศ. 2460 ซึ่งติดอาวุธด้วยวิธีการ สัจนิยมสังคมนิยมการวาดภาพกำลังพัฒนาอย่างเข้มข้นในสหภาพโซเวียตและประเทศสังคมนิยมอื่น ๆ สำนักจิตรกรรมแห่งใหม่กำลังเกิดขึ้นในประเทศต่างๆ ในเอเชีย แอฟริกา ออสเตรเลีย และละตินอเมริกา

ภาพวาดที่เหมือนจริงของปลายศตวรรษที่ XIX - XX โดดเด่นด้วยความปรารถนาที่จะเข้าใจและแสดงให้โลกเห็นถึงความขัดแย้งทั้งหมดเพื่อเปิดเผยแก่นแท้ของกระบวนการลึก ๆ ที่เกิดขึ้นในความเป็นจริงทางสังคมซึ่งบางครั้งก็ไม่มีลักษณะที่มองเห็นได้เพียงพอ การสะท้อนและการตีความปรากฏการณ์ต่างๆ ของความเป็นจริงมักจะมีลักษณะเชิงอัตวิสัยและเชิงสัญลักษณ์ จิตรกรรมแห่งศตวรรษที่ 20 นอกเหนือจากวิธีการพรรณนาเชิงปริมาตรและเชิงพื้นที่ที่มองเห็นได้ด้วยตาเปล่าแล้ว เขายังใช้หลักการตีความโลกที่มองเห็นแบบเดิมๆ (เช่นเดียวกับที่ย้อนหลังไปถึงสมัยโบราณ) อย่างกว้างขวาง มีอยู่ในภาพวาดหลังอิมเพรสชั่นนิสต์ (P. Cezanne, W. van Gogh, P. Gauguin, A. Toulouse-Lautrec) และส่วนหนึ่งในภาพวาด "สมัยใหม่" มีคุณลักษณะปรากฏออกมาซึ่งกำหนดลักษณะของการเคลื่อนไหวบางอย่างของวันที่ 20 ศตวรรษ. (การแสดงออกอย่างกระตือรือร้นของทัศนคติส่วนตัวของศิลปินต่อโลกอารมณ์และความเชื่อมโยงของสีซึ่งมีความสัมพันธ์เพียงเล็กน้อยกับความสัมพันธ์ที่มีสีสันตามธรรมชาติรูปแบบที่เกินจริงการตกแต่ง) โลกถูกตีความในรูปแบบใหม่ในงานศิลปะของจิตรกรชาวรัสเซียในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 - ในภาพวาดของ V. A. Serov, M. A. Vrubel, K. A. Korovin

ในศตวรรษที่ 20 ความเป็นจริงเป็นสิ่งที่ขัดแย้งกันและมักจะรับรู้และแปลอย่างลึกซึ้งเป็นภาพวาดของศิลปินที่ใหญ่ที่สุดของประเทศทุนนิยม: P. Picasso, A. Matisse, F. Léger, A. Marquet, A. Derain ในฝรั่งเศส; D. Rivera, J.C. Orozco, D. Siqueiros ในเม็กซิโก; R. Guttuso ในอิตาลี; เจ. เบลโลว์ส, อาร์. เคนท์ ในสหรัฐอเมริกา ในภาพวาด ภาพวาดฝาผนัง และแผงที่งดงามราวภาพวาด มีการแสดงความเข้าใจอย่างจริงใจเกี่ยวกับความขัดแย้งอันน่าเศร้าของความเป็นจริง ซึ่งมักจะกลายเป็นการเปิดเผยถึงความผิดปกติของระบบทุนนิยม ที่เกี่ยวข้องกับความเข้าใจด้านสุนทรียะของยุค "เทคนิค" ใหม่คือการสะท้อนของความน่าสมเพชของความเป็นอุตสาหกรรมของชีวิตการแทรกซึมเข้าไปในการวาดภาพของรูปทรงเรขาคณิตรูปแบบ "เครื่องจักร" ซึ่งรูปแบบอินทรีย์มักจะลดลงการค้นหาผู้ที่ สอดคล้องกับโลกทัศน์ คนทันสมัยรูปแบบใหม่ๆ ที่สามารถนำไปใช้ในงานมัณฑนศิลป์ สถาปัตยกรรม และอุตสาหกรรมได้ แพร่หลายในการวาดภาพ ส่วนใหญ่ในประเทศทุนนิยมตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 20 ได้รับการเคลื่อนไหวสมัยใหม่ต่าง ๆ สะท้อนให้เห็นถึงวิกฤตทั่วไปของวัฒนธรรมของสังคมชนชั้นกลาง อย่างไรก็ตาม การวาดภาพสมัยใหม่ยังสะท้อนถึงปัญหา "ป่วย" ในยุคของเราทางอ้อมอีกด้วย ในภาพวาดของขบวนการสมัยใหม่จำนวนมาก (ลัทธิโฟวิสม์ ลัทธิคิวบิสม์ ลัทธิอนาคตนิยม ลัทธิดาดานิยม และลัทธิเหนือจริงในภายหลัง) องค์ประกอบส่วนบุคคลของโลกที่มองเห็นได้ไม่มากก็น้อยจะกระจัดกระจายหรือถูกเรขาคณิต ปรากฏในการผสมผสานที่ไม่คาดคิด และบางครั้งก็ไร้เหตุผล ก่อให้เกิดการเชื่อมโยงมากมาย และผสานเข้ากับรูปแบบนามธรรมล้วนๆ วิวัฒนาการเพิ่มเติมของการเคลื่อนไหวหลายอย่างเหล่านี้นำไปสู่การละทิ้งการเป็นตัวแทนโดยสิ้นเชิงและการเกิดขึ้นของจิตรกรรมนามธรรม ( ซม.ศิลปะนามธรรม) ซึ่งถือเป็นการล่มสลายของการวาดภาพเพื่อเป็นการสะท้อนและทำความเข้าใจความเป็นจริง ตั้งแต่กลางทศวรรษที่ 60 ในยุโรปตะวันตกและอเมริกา บางครั้งการวาดภาพก็กลายเป็นองค์ประกอบหนึ่งของศิลปะป๊อปอาร์ต

ในศตวรรษที่ 20 บทบาทของการวาดภาพอนุสาวรีย์และการตกแต่งทั้งเป็นรูปเป็นร่าง (เช่น การวาดภาพอนุสาวรีย์ประชาธิปไตยที่ปฏิวัติวงการในเม็กซิโก) และภาพวาดที่ไม่เป็นรูปเป็นร่าง ซึ่งมักจะแบนราบซึ่งสอดคล้องกับรูปแบบทางเรขาคณิตของสถาปัตยกรรมสมัยใหม่กำลังเพิ่มขึ้น

ในศตวรรษที่ 20 มีความสนใจเพิ่มขึ้นในการวิจัยในสาขาเทคนิคการทาสี (รวมถึงขี้ผึ้งและอุบาทว์ มีการคิดค้นสีใหม่สำหรับการทาสีขนาดใหญ่ เช่น ซิลิโคน บนเรซินซิลิโคน ฯลฯ) แต่การวาดภาพสีน้ำมันยังคงมีอิทธิพลเหนือกว่า

ภาพวาดของสหภาพโซเวียตข้ามชาติมีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับอุดมการณ์คอมมิวนิสต์ด้วยหลักการของการเป็นสมาชิกพรรคและสัญชาติของศิลปะ มันแสดงถึงขั้นตอนใหม่เชิงคุณภาพในการพัฒนาการวาดภาพซึ่งถูกกำหนดโดยชัยชนะของวิธีสัจนิยมสังคมนิยม ในสหภาพโซเวียต การวาดภาพกำลังพัฒนาในทุกสหภาพและสาธารณรัฐปกครองตนเอง และมีโรงเรียนการวาดภาพแห่งชาติแห่งใหม่เกิดขึ้น ภาพวาดของโซเวียตมีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยความรู้สึกเฉียบแหลมของความเป็นจริง ความเป็นสาระสำคัญของโลก และความสมบูรณ์ทางจิตวิญญาณของภาพ ความปรารถนาที่จะยอมรับความเป็นจริงของสังคมนิยมในความซับซ้อนและครบถ้วนได้นำไปสู่การใช้รูปแบบหลายประเภทที่เต็มไปด้วยเนื้อหาใหม่ แล้วตั้งแต่อายุ 20 ธีมการปฏิวัติประวัติศาสตร์ได้รับความสำคัญเป็นพิเศษ (ผืนผ้าใบโดย M. B. Grekov, A. A. Deineka, K. S. Petrov-Vodkin, B. V. Ioganson, I. I. Brodsky, A. M. Gerasimov) จากนั้นภาพวาดแสดงความรักชาติก็ปรากฏขึ้นโดยเล่าถึงอดีตที่กล้าหาญของรัสเซียโดยแสดงให้เห็นละครประวัติศาสตร์ของมหาสงครามแห่งความรักชาติในปี 2484-45 ซึ่งเป็นความแข็งแกร่งทางจิตวิญญาณของชายโซเวียต

บทบาทที่ยิ่งใหญ่การถ่ายภาพบุคคลมีบทบาทในการพัฒนาภาพวาดของสหภาพโซเวียต: ภาพโดยรวมของผู้คนจากประชาชน, ผู้เข้าร่วมในการปฏิรูปชีวิตใหม่ (A. E. Arkhipov, G. G. Rizhsky ฯลฯ ); ภาพทางจิตวิทยาที่แสดงโลกภายในการแต่งหน้าทางจิตวิญญาณของคนโซเวียต (M. V. Nesterov, S. V. Malyutin, P. D. Korin ฯลฯ )

วิถีชีวิตโดยทั่วไปของชาวโซเวียตสะท้อนให้เห็นในการวาดภาพประเภทต่างๆ ซึ่งให้ภาพลักษณ์ที่สดใสในเชิงกวีของผู้คนใหม่ ๆ และวิถีชีวิตใหม่ ภาพวาดของสหภาพโซเวียตโดดเด่นด้วยผืนผ้าใบขนาดใหญ่ที่เต็มไปด้วยความน่าสมเพชของการก่อสร้างสังคมนิยม (S. V. Gerasimov, A. A. Plastov, Yu. I. Pimenov, T. N. Yablonskaya ฯลฯ ) การยืนยันสุนทรียศาสตร์ของรูปแบบชีวิตที่เป็นเอกลักษณ์ของสหภาพและสาธารณรัฐปกครองตนเองเป็นรากฐานของโรงเรียนแห่งชาติที่พัฒนาขึ้นในภาพวาดของสหภาพโซเวียต (M. S. Saryan, L. Gudiashvili, S. A. Chuikov, U. Tansykbaev, T. Salakhov, E. Iltner, M. A . Savitsky, A. Gudaitis, A. A. Shovkunenko, G. Aitiev ฯลฯ ) ซึ่งเป็นตัวแทนขององค์ประกอบของวัฒนธรรมศิลปะที่เป็นหนึ่งเดียวของสังคมสังคมนิยมโซเวียต

ในการวาดภาพทิวทัศน์เช่นเดียวกับประเภทอื่นๆ ประเพณีศิลปะประจำชาติจะถูกรวมเข้ากับการค้นหาสิ่งใหม่ ๆ ที่มีกลิ่นอายของธรรมชาติสมัยใหม่ แนวโคลงสั้น ๆ ของการวาดภาพทิวทัศน์ของรัสเซีย (V.N. Baksheev, N.P. Krymov, N.M. Romadin ฯลฯ ) ได้รับการเสริมด้วยการพัฒนาภูมิทัศน์อุตสาหกรรมด้วยจังหวะที่รวดเร็วพร้อมลวดลายของธรรมชาติที่เปลี่ยนแปลง (B.N. Yakovlev, G.G . Nyssky) การวาดภาพหุ่นนิ่งถึงระดับสูง (I. I. Mashkov, P. P. Konchalovsky, M. S. Saryan)

วิวัฒนาการของหน้าที่ทางสังคมของการวาดภาพนั้นมาพร้อมกับ การพัฒนาทั่วไปวัฒนธรรมที่งดงาม ภายในขอบเขตของความเป็นหนึ่งเดียว วิธีการสมจริงการวาดภาพของโซเวียตมุ่งมั่นเพื่อรูปแบบทางศิลปะ เทคนิค และสไตล์ของแต่ละบุคคลที่หลากหลาย ขอบเขตการก่อสร้างที่กว้างขวางการสร้างอาคารสาธารณะขนาดใหญ่และวงดนตรีที่ระลึกมีส่วนช่วยในการพัฒนาภาพวาดอนุสาวรีย์และการตกแต่ง (ผลงานของ V. A. Favorites, E. E. Lansere, P. D. Korin) การฟื้นฟูเทคนิคการวาดภาพอุบาทว์ จิตรกรรมฝาผนังและกระเบื้องโมเสค ในยุค 60 - ต้นยุค 80 อิทธิพลร่วมกันของการวาดภาพอนุสาวรีย์และขาตั้งเพิ่มขึ้นความปรารถนาที่จะใช้ประโยชน์สูงสุดและเพิ่มคุณค่าให้กับวิธีการวาดภาพที่แสดงออกเพิ่มขึ้น ( ซม.รวมถึงสหภาพสาธารณรัฐสังคมนิยมโซเวียตและบทความเกี่ยวกับสาธารณรัฐสหภาพโซเวียตด้วย)

"แม่พระแห่งวลาดิเมียร์" ครึ่งแรก ศตวรรษที่ 12 หอศิลป์ Tretyakov- มอสโก

ราฟาเอล. Fresco "Parnassus" ใน Stanza della Segnatura ในนครวาติกัน 1509 -1511

เจ. แวร์เมอร์. "ไวน์หนึ่งแก้ว" ประมาณปี 1660 แกลเลอรี่รูปภาพ- เบอร์ลิน-ดาห์เลม

พี.วี. คุซเนตซอฟ "ยังมีชีวิตอยู่กับคริสตัล" พ.ศ. 2471 พิพิธภัณฑ์รัสเซีย เลนินกราด
วรรณกรรม:ปกเกล้าเจ้าอยู่หัวเล่ม 1-6 ม. 2499-66; ไออาร์ไอ เล่ม 1-13 ม. 2496-69; K. Yuon เกี่ยวกับการวาดภาพ (ม. - ล.) พ.ศ. 2480; D. I. Kiplik เทคนิคการวาดภาพ (ฉบับที่ 6), M.-L., 1950; A. Kamensky ถึงผู้ชมเกี่ยวกับการวาดภาพ M. , 1959; B. Slansky เทคนิคการวาดภาพ ทรานส์ จากเช็ก, ม., 2505; G. A. Nedoshivin บทสนทนาเกี่ยวกับการวาดภาพ (2 ed.), M. , 1964; B. R. Vipper, บทความเกี่ยวกับศิลปะ, M. , 1970; Ward J. ประวัติศาสตร์และวิธีการวาดภาพสีโบราณและสมัยใหม่ v. 1-4, ล., 1913-21; Fosca F., La peinture, qu"est-ce que c"est, Porrentruy-Brux.-P., 1947; Venturi L. จิตรกรรมและจิตรกร คลีฟแลนด์ 2506; Cogniat R., Histoire de la peinture, ที. 1-2, ป., 2507; Barron J. N. ภาษาของการวาดภาพ คลีฟแลนด์ (1967); Nicolaus K. Handbuch der Gemaldekunde ของ DuMont, Koln, 1979

ที่มา: "ยอดนิยม" สารานุกรมศิลปะ- เอ็ด โพลวอย วี.เอ็ม.; อ.: สำนักพิมพ์ "สารานุกรมโซเวียต", 2529.)

จิตรกรรม

หนึ่งในประเภท วิจิตรศิลป์- ภาพวาดถูกสร้างขึ้นโดยใช้สีทาบนพื้นผิวผนัง แผ่นกระดาน ผ้าใบ โลหะ ฯลฯ ชื่อ "ภาพวาด" บ่งบอกว่าศิลปิน "วาดภาพชีวิต" ด้วยความสมบูรณ์ ความหลากหลาย และความงดงามที่เต็มไปด้วยสีสัน นี่คือความแตกต่างจากขาวดำ กราฟิก- ไม่เหมือนกับงานศิลปะรูปแบบอื่นๆ การวาดภาพสามารถรวบรวมความรู้สึก ประสบการณ์ ความสัมพันธ์ระหว่างผู้คนทั้งหมด การสังเกตธรรมชาติที่แม่นยำและการล่องลอยของจินตนาการ ความคิดที่ยอดเยี่ยมและความประทับใจในทันที ความตื่นเต้นของชีวิต อากาศ และแสง

รูปปั้นนี้เป็นสามมิติ สามารถเดินได้จากทุกด้าน การวาดภาพ – ศิลปะการใช้สีบนเครื่องบิน ผู้ชมเห็นภาพจากมุมมองเดียวเท่านั้น ภารกิจหนึ่งของการวาดภาพซึ่งแต่ละยุคสมัยแก้ไขด้วยวิธีของตัวเองคือการสร้างภาพลวงตาของความลึกของอวกาศ ซึ่งเป็นปริมาตรสามมิติบนเครื่องบิน นี่คือแบบแผนของภาษาภาพ นอกจากนี้สีที่ศิลปินจำหน่ายไม่เหมือนกับสีจริง แต่จานสีของเขาด้อยกว่าสีธรรมชาติมาก

จิตรกรเลือกจากโลกรอบตัวซึ่งสอดคล้องกับงานทางศิลปะของเขา ปรับเปลี่ยน เน้น สรุปหลายสิ่งหลายอย่างในที่เดียว มุ่งมั่นที่จะถ่ายทอดคุณสมบัติภายในของมนุษย์และกฎของธรรมชาติ ไม่สามารถเข้าถึงการมองเห็นโดยตรง ประสบการณ์ของเขา ทัศนคติของเขา ที่มีต่อพวกเขา วิธีการวาดภาพหลักที่แสดงออก: ระบายสี(ช่วงสีสันที่มีผลกระทบทางอารมณ์ต่อผู้ชม); องค์ประกอบ(อัตราส่วนส่วนของภาพ); ทัศนคติ(เชิงเส้น ผกผัน ขนาน ฯลฯ); Chiaroscuro (การกระจายของแสงและเงา) เส้นและจุดหลากสี จังหวะพื้นผิว(ลักษณะของพื้นผิวการทาสี - เรียบหรือนูน) ในลักษณะการเขียนในการเคลื่อนไหวของแปรงในลักษณะเฉพาะของการใช้สีลงบนผืนผ้าใบหรือพื้นผิวอื่น ๆ ความเป็นเอกเทศของศิลปินจะรู้สึกถึง "การเขียนด้วยลายมือ" ที่สร้างสรรค์อันเป็นเอกลักษณ์ของเขาอยู่เสมอ

ตามวัตถุประสงค์และลักษณะของการประหารชีวิต มีความโดดเด่นในการวาดภาพขนาดมหึมา ขาตั้ง ภาพตกแต่ง และฉากละคร ถึง จิตรกรรมที่ยิ่งใหญ่รวมถึงภาพวาดฝาผนัง ( จิตรกรรมฝาผนัง) และ กระเบื้องโมเสค กระจกสี โป๊ะโคม แผงเชื่อมโยงกับสถาปัตยกรรมอย่างแยกไม่ออกกับผนัง (เพดาน พื้น) ของอาคารที่พวกเขาสร้างขึ้น ไอคอนบางส่วนและองค์ประกอบแท่นบูชาพับขนาดใหญ่ (“ผลงานแท่นบูชาเกนท์” โดย เจ. แวน เอก้า, 1432) ผลงานอันยิ่งใหญ่ไม่สามารถถ่ายโอนไปยังการตกแต่งภายในอื่นได้ ไอคอนแท่นบูชาแบบพับได้สำหรับโบสถ์ในทางเทคนิคแล้วสามารถวางไว้ในพื้นที่อื่นได้ (ปัจจุบันหลายแห่งจัดแสดงในพิพิธภัณฑ์) อย่างไรก็ตามปราศจากสภาพแวดล้อมทางธรรมชาติถูกดึงออกจากวงดนตรีทำให้สูญเสียส่วนสำคัญของผลกระทบ บนผู้ชม ภาษาศิลปะของการวาดภาพที่ยิ่งใหญ่นั้นโดดเด่นด้วยความรุนแรงและความยิ่งใหญ่ ความพูดน้อยของรูปแบบทั่วไป และจุดสีขนาดใหญ่ ภาพวาดอนุสาวรีย์มีมาตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา สมัยโบราณ– แม้แต่คนดึกดำบรรพ์ก็ยังสร้างภาพวาดบนหิน ( อัลตามิราในสเปน 15-10,000 ปีก่อนคริสต์ศักราช จ.)

แรมแบรนดท์. "ภาพเหมือนของ Hendrikje Stoffels ที่หน้าต่าง" ตกลง. 1659

ได้ผล การวาดภาพขาตั้ง– ภาพวาด – สร้างขึ้นโดยใช้ขาตั้งและไม่ได้มีไว้สำหรับห้องใดห้องหนึ่งโดยเฉพาะ งานขาตั้งชิ้นแรกปรากฏขึ้นในยุคนั้น ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา(ศตวรรษที่ 15–16) ฐาน (กระดาน, ผ้าใบที่ขึงบนเปลหาม ฯลฯ ) ปิดด้วยสีรองพื้นสีขาวที่ทำจากยิปซั่ม (ชอล์ก) ผสมกับกาวหรือน้ำมัน ไพรเมอร์ปรับระดับพื้นผิวและ "ส่องสว่าง" ชั้นสีจากด้านใน พร้อมด้วยคนผิวขาวปรมาจารย์มากมาย (ป.ป. รูเบนส์ฯลฯ ) ใช้ไพรเมอร์สี (น้ำตาลทอง, แดง) ซึ่งทำให้สีของภาพมีความเป็นหนึ่งเดียวกัน สีถูกทาทับไพรเมอร์ในหนึ่งหรือหลายชั้น บางครั้งงานที่เสร็จแล้วก็เคลือบเงา ภาพวาดที่ใส่กรอบเป็นเหมือนหน้าต่างสู่โลกที่สร้างขึ้นจากจินตนาการของศิลปิน ตามกฎแล้ว พวกเขารักษาความสามัคคีของสถานที่ เวลา และการกระทำ

ภาพวาดตกแต่ง (ทั้งการเล่าเรื่องและการตกแต่ง) ได้รับการออกแบบไม่เพียง แต่เพื่อตกแต่งพื้นผิวผนังเท่านั้น แต่ยังเพื่อเน้นองค์ประกอบโครงสร้างด้วย ( คอลัมน์, เสาหลัก, ส่วนโค้งฯลฯ ); กระทำโดยใช้เทคนิคปูนเปียก เป็นต้น ประเภทของจิตรกรรมตกแต่งคือ กริซายล์ใช้กันอย่างแพร่หลายในการตกแต่งภายในพระราชวังโดยเลียนแบบประติมากรรมนูนต่ำนูนสูง (พระราชวัง Sheremetev ใน Kuskovo ศตวรรษที่ 18) เครื่องเคลือบดินเผายังตกแต่งด้วยภาพวาดตกแต่ง การทาสีจานเซรามิกเรียกว่า จิตรกรรมแจกัน.

การวาดภาพละครและทิวทัศน์เป็นภาพทิวทัศน์และการแต่งกายสำหรับ การแสดงละครและภาพยนตร์ ภาพร่างของฉากต่างๆ
เทคนิคการวาดภาพขั้นพื้นฐาน: ภาพวาดสีน้ำมันอุบาทว์, ทาสีกาว, ฉุนเฉียวฯลฯ สีน้ำ gouache สีพาสเทลครอบครองตำแหน่งกลางระหว่างที่งดงามและ เทคนิคกราฟิก- เดิมทีเม็ดสีหลากสีถูกสกัดมาจากแร่ธาตุ (สีเหลืองสีน้ำตาลสดจากดินเหนียว สีแดงจากออกไซด์ สีขาวจากมะนาว สีดำจากถ่านหินหรือกระดูกที่ถูกเผา สีน้ำเงินและสีเขียวจากลาพิสลาซูลีและมาลาไคต์ ฯลฯ) ต่อมามีสีที่ผลิตทางเคมีปรากฏขึ้น เทคนิคการทาสีทั้งหมดใช้เม็ดสีเดียวกัน แต่มีสารยึดเกาะที่แตกต่างกัน - สารของเหลวและกาวที่ป้องกันไม่ให้ผงสีแตกสลาย ปรมาจารย์ชาวอียิปต์โบราณทาสีด้วยสีกาวผสมกับเคซีน สีเหล่านี้ไม่กระจายซึ่งทำให้สามารถถ่ายทอดรายละเอียดเล็กๆ น้อยๆ มากมายได้ ภาพวาดของปรมาจารย์ชาวกรีกโบราณและหลุมศพในตำนานที่ยังมาไม่ถึงเรา ภาพเหมือนของฟายัมถูกทาสีโดยใช้เทคนิค Encaustic: สีถูกละลายเป็นขี้ผึ้งละลายร้อน สีขี้ผึ้งหนาทำให้สามารถสร้างพื้นผิวนูนที่แสดงออกได้ ในยุคกลางมีการใช้อุบาทว์ - สีผสมกับไข่แดงหรือสีขาวพร้อมสารเติมแต่งต่างๆ ภาพเทมเพอรามีความโดดเด่นด้วยโทนสีที่ไม่ออกเสียง เทมเพอรามีความแข็งแรง ทนทาน และไม่แตกร้าวตามกาลเวลา ไม่เหมือนสีน้ำมัน

ภาพวาดสีน้ำมันปรากฏในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา สิ่งประดิษฐ์นี้มีสาเหตุมาจาก Dutchman J. van Eyck เม็ดสีถูกเจือจางด้วยน้ำมันลินสีด ถั่ว และน้ำมันพืชอื่นๆ ด้วยเหตุนี้สีจึงแห้งเร็วจึงสามารถทาเป็นชั้นบาง ๆ โปร่งใสซึ่งทำให้ภาพวาดมีความส่องสว่างและเงางามเป็นพิเศษ ข้อเสียของสีน้ำมันคือเมื่อเวลาผ่านไปสีจะสูญเสียความยืดหยุ่น ทำให้สีเข้มขึ้นและมีรอยแตกร้าว (craquelures) การทำงานกับสีน้ำมันทำให้เกิดเทคนิคที่หลากหลายตั้งแต่การตกแต่งอย่างละเอียดและรอบคอบไปจนถึงการทาสี "alla prima" ในวงกว้างและเจ้าอารมณ์ ด้วยความช่วยเหลือของพวกเขาคุณสามารถสร้างพื้นผิวเคลือบฟันที่เรียบเนียนและพื้นผิวพลาสติกแบบนูนได้ ด้วยเทคนิคนี้เองที่ศิลปินสามารถแสดงออกได้อย่างเต็มที่ที่สุด บุคลิกลักษณะที่สร้างสรรค์และถ่ายทอดทุกพื้นผิวโลกทั้งแก้วใส ขนฟู ความอบอุ่นของผิวหนังมนุษย์
ความเพลิดเพลินอย่างแท้จริงสำหรับผู้ที่ชื่นชอบการวาดภาพนั้นมาจากการใคร่ครวญถึงความมหัศจรรย์ของการเปลี่ยนฝีแปรงให้กลายเป็นสิ่งมีชีวิต เปลี่ยนเนื้อสีให้กลายเป็นเนื้อของสรรพสิ่ง ปริญญาโทยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา " ชาวดัตช์ตัวน้อย"ในศตวรรษที่ 17 พวกเขาพยายามสร้างความรู้สึก "ปาฏิหาริย์" ของวัตถุที่ปรากฎ พวกเขาวาดด้วยแปรงที่ดีที่สุดโดยใช้ลายเส้นเล็ก ๆ ที่มองไม่เห็น ในการต่อต้าน ศตวรรษที่ 19 ศิลปินมุ่งมั่นที่จะ "เปิดเผย" กระบวนการสร้างสรรค์ เพื่อเปิดเผยความงามไม่เพียงแต่ของวัตถุที่วาดภาพเท่านั้น แต่ยังรวมถึงพื้นผิวของภาพก่ออิฐด้วย (กลุ่มของสี หยดและความหย่อนคล้อยของมัน "โมเสก" ของลายเส้น ฯลฯ ) . ปรมาจารย์แห่งศตวรรษที่ 20 พวกเขาใช้เทคนิคและเทคนิคการวาดภาพที่หลากหลาย

จำนวนสไตล์และเทรนด์มีมากมายมหาศาลไม่สิ้นสุด ลักษณะสำคัญที่สามารถจัดกลุ่มผลงานออกเป็นสไตล์ต่างๆ ได้คือหลักการทั่วไปของการคิดเชิงศิลปะ การแทนที่วิธีคิดทางศิลปะบางอย่างด้วยวิธีอื่น (การสลับประเภทขององค์ประกอบวิธีการก่อสร้างเชิงพื้นที่คุณสมบัติสี) ไม่ใช่เรื่องบังเอิญ การรับรู้ศิลปะของเราก็เปลี่ยนไปในอดีตเช่นกัน
ด้วยการสร้างระบบสไตล์ตามลำดับชั้น เราจะยึดมั่นในประเพณี Eurocentric แนวคิดที่สำคัญที่สุดในประวัติศาสตร์ศิลปะคือแนวคิดเรื่องยุคสมัย แต่ละยุคสมัยมีลักษณะเป็น "ภาพของโลก" ซึ่งประกอบด้วยแนวคิดทางปรัชญา ศาสนา การเมือง แนวคิดทางวิทยาศาสตร์ ลักษณะทางจิตวิทยาของโลกทัศน์ มาตรฐานทางจริยธรรมและศีลธรรม เกณฑ์สุนทรียะของชีวิต ซึ่งยุคหนึ่งแตกต่างจากอีกยุคหนึ่ง . ได้แก่ ยุคดึกดำบรรพ์ ยุคโลกโบราณ ยุคโบราณ ยุคกลาง ยุคเรอเนซองส์ และยุคสมัยใหม่
สไตล์ในงานศิลปะไม่มีขอบเขตที่ชัดเจน พวกมันเปลี่ยนผ่านไปสู่อีกรูปแบบหนึ่งได้อย่างราบรื่น และอยู่ในการพัฒนา การผสมผสาน และการต่อต้านอย่างต่อเนื่อง ภายในกรอบของรูปแบบศิลปะประวัติศาสตร์รูปแบบหนึ่ง รูปแบบใหม่จะถือกำเนิดขึ้นเสมอ และในทางกลับกัน ก็จะผ่านไปยังรูปแบบถัดไป หลายสไตล์อยู่ร่วมกันในเวลาเดียวกัน ดังนั้นจึงไม่มี "สไตล์ที่บริสุทธิ์" เลย
หลายรูปแบบสามารถอยู่ร่วมกันได้ในยุคประวัติศาสตร์เดียวกัน ตัวอย่างเช่น ลัทธิคลาสสิก วิชาการและบาโรกในศตวรรษที่ 17 โรโกโกและนีโอคลาสซิซิสซึมในศตวรรษที่ 18 ลัทธิจินตนิยมและวิชาการในศตวรรษที่ 19 สไตล์ต่างๆ เช่น คลาสสิคและบาโรกเรียกว่าสไตล์ที่ยอดเยี่ยมเพราะใช้ได้กับงานศิลปะทุกประเภท: สถาปัตยกรรม จิตรกรรม ศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ วรรณกรรม ดนตรี
จำเป็นต้องแยกแยะระหว่าง: สไตล์ศิลปะ ทิศทาง แนวโน้ม โรงเรียน และลักษณะเฉพาะของสไตล์แต่ละบุคคลของปรมาจารย์แต่ละคน ภายในรูปแบบเดียวสามารถมีการเคลื่อนไหวทางศิลปะได้หลายแบบ ทิศทางทางศิลปะประกอบด้วยทั้งลักษณะทั่วไปของยุคที่กำหนดและวิธีการคิดทางศิลปะที่เป็นเอกลักษณ์ ตัวอย่างเช่น สไตล์อาร์ตนูโว มีแนวโน้มหลายประการจากช่วงเปลี่ยนศตวรรษ: ภาพหลังอิมเพรสชันนิสม์ สัญลักษณ์นิยม ลัทธิโฟวิสม์ ฯลฯ ในทางกลับกัน แนวคิดเรื่องสัญลักษณ์ในฐานะการเคลื่อนไหวทางศิลปะได้รับการพัฒนาอย่างดีในวรรณคดี ในขณะที่การวาดภาพมีความคลุมเครือมากและรวมศิลปินที่มีสไตล์แตกต่างกันมากจนมักตีความว่าเป็นโลกทัศน์ที่รวมพวกเขาเข้าด้วยกันเท่านั้น

ด้านล่างนี้จะเป็นคำจำกัดความของยุคสมัย รูปแบบ และแนวโน้มที่สะท้อนให้เห็นในศิลปะวิจิตรศิลป์และมัณฑนศิลป์สมัยใหม่ไม่ทางใดก็ทางหนึ่ง

	- รูปแบบศิลปะที่พัฒนาขึ้นในประเทศแถบตะวันตกและยุโรปกลางในศตวรรษที่ 12-15 มันเป็นผลมาจากวิวัฒนาการของศิลปะยุคกลางที่มีมายาวนานหลายศตวรรษ บนเวทีที่สูงที่สุด และในขณะเดียวกันก็ถือเป็นรูปแบบศิลปะระดับนานาชาติทั่วยุโรปครั้งแรกในประวัติศาสตร์ เขาครอบคลุมงานศิลปะทุกประเภท - สถาปัตยกรรม ประติมากรรม จิตรกรรม กระจกสี การออกแบบหนังสือ, ศิลปะและงานฝีมือ พื้นฐาน สไตล์โกธิคมีสถาปัตยกรรมที่มีลักษณะโค้งแหลมชี้ขึ้นไป หน้าต่างกระจกสีหลากสี และการลดทอนรูปแบบการมองเห็น องค์ประกอบของศิลปะกอทิกมักพบได้ในการออกแบบตกแต่งภายในสมัยใหม่ โดยเฉพาะอย่างยิ่งในภาพวาดฝาผนัง และพบไม่บ่อยในภาพวาดขาตั้ง นับตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ผ่านมา มีวัฒนธรรมย่อยแบบโกธิกปรากฏให้เห็นอย่างชัดเจนในดนตรี บทกวี และการออกแบบเสื้อผ้า
	(เรเนซองส์) - (เรเนซองส์ของฝรั่งเศส, รินาสซิเมนโตของอิตาลี) ยุคของการพัฒนาทางวัฒนธรรมและอุดมการณ์ของหลายประเทศในยุโรปตะวันตกและยุโรปกลาง รวมถึงบางประเทศในยุโรปตะวันออก คุณสมบัติหลักที่โดดเด่นของวัฒนธรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา: ลักษณะทางโลก, โลกทัศน์แบบเห็นอกเห็นใจ, ดึงดูดมรดกทางวัฒนธรรมโบราณ, "การฟื้นฟู" ของมัน (จึงเป็นที่มาของชื่อ) วัฒนธรรมของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยามีลักษณะเฉพาะของยุคเปลี่ยนผ่านตั้งแต่ยุคกลางจนถึงยุคปัจจุบัน ซึ่งทั้งเก่าและใหม่ผสมผสานกันก่อให้เกิดโลหะผสมใหม่ที่มีเอกลักษณ์และมีคุณภาพ คำถามที่ยากคือขอบเขตตามลำดับเวลาของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา (ในอิตาลี - ศตวรรษที่ 14-16 ในประเทศอื่น ๆ - ศตวรรษที่ 15-16) การกระจายอาณาเขตและลักษณะประจำชาติ องค์ประกอบของสไตล์นี้ในศิลปะสมัยใหม่มักใช้ในภาพวาดฝาผนัง แต่มักใช้ในการวาดภาพขาตั้งน้อยกว่า
	- (จากภาษาอิตาลี maniera - การต้อนรับ ลักษณะ) ไหลเข้ามา ศิลปะยุโรปศตวรรษที่สิบหก ตัวแทนของกิริยานิยมย้ายออกไปจากการรับรู้โลกที่กลมกลืนกันในยุคเรอเนซองส์ซึ่งเป็นแนวคิดเห็นอกเห็นใจของมนุษย์ในฐานะการสร้างสรรค์ธรรมชาติที่สมบูรณ์แบบ การรับรู้ชีวิตอย่างกระตือรือร้นผสมผสานกับความปรารถนาเชิงโปรแกรมที่จะไม่ปฏิบัติตามธรรมชาติ แต่เพื่อแสดง "ความคิดภายใน" ที่เป็นอัตนัยของภาพศิลปะที่เกิดในจิตวิญญาณของศิลปิน มันแสดงออกมาอย่างชัดเจนที่สุดในอิตาลี สำหรับกิริยาท่าทางของชาวอิตาลีในช่วงทศวรรษที่ 1520 (Pontormo, Parmigianino, Giulio Romano) โดดเด่นด้วยความคมชัดของภาพ, โลกทัศน์ที่น่าเศร้า, ความซับซ้อนและการแสดงออกของท่าทางและแรงจูงใจในการเคลื่อนไหวที่เกินจริง, สัดส่วนของตัวเลขที่ยาวขึ้น, สีสันและแสงและเงาที่ไม่สอดคล้องกัน เมื่อเร็ว ๆ นี้ นักประวัติศาสตร์ศิลปะเริ่มใช้คำนี้เพื่ออ้างถึงปรากฏการณ์ในศิลปะร่วมสมัยที่เกี่ยวข้องกับการเปลี่ยนแปลงรูปแบบทางประวัติศาสตร์
	- รูปแบบศิลปะประวัติศาสตร์ที่เริ่มแพร่หลายในอิตาลีตอนกลาง ศตวรรษที่ XVI-XVII และจากนั้นในฝรั่งเศส สเปน แฟลนเดอร์ส และเยอรมนีในศตวรรษที่ XVII-XVIII โดยทั่วไปแล้ว คำนี้ใช้เพื่อกำหนดแนวโน้มที่เกิดขึ้นใหม่ของทัศนคติที่กระสับกระส่าย โรแมนติก การคิดในรูปแบบที่แสดงออกและมีชีวิตชีวา ในที่สุด ในทุก ๆ ครั้ง ในรูปแบบศิลปะประวัติศาสตร์เกือบทุกรูปแบบ เราจะได้พบกับ "ยุคบาโรก" ของตัวเองในฐานะเวทีแห่งการเพิ่มขึ้นอย่างสร้างสรรค์สูงสุด ความตึงเครียดของอารมณ์ และการระเบิดของรูปแบบ
	- รูปแบบศิลปะในศิลปะยุโรปตะวันตก คริสต์ศตวรรษที่ 17 - ต้นปี ศตวรรษที่ XIX และใน รัสเซียที่ 18- จุดเริ่มต้น XIX ซึ่งหันไปหามรดกโบราณอย่างเหมาะแก่การติดตาม ปรากฏในสถาปัตยกรรม ประติมากรรม จิตรกรรม มัณฑนศิลป์และศิลปะประยุกต์ ศิลปินคลาสสิกถือว่าโบราณวัตถุเป็นความสำเร็จสูงสุดและทำให้เป็นมาตรฐานทางศิลปะที่พวกเขาพยายามเลียนแบบ เมื่อเวลาผ่านไป มันก็เสื่อมถอยลงเป็นวิชาการ
	- ทิศทางในศิลปะยุโรปและรัสเซียในช่วงทศวรรษที่ 1820-1830 ซึ่งเข้ามาแทนที่ลัทธิคลาสสิก The Romantics เน้นความเป็นปัจเจกบุคคล โดยตัดกันความงามในอุดมคติของศิลปินคลาสสิกกับความเป็นจริงที่ "ไม่สมบูรณ์" ศิลปินต่างหลงใหลในปรากฏการณ์ที่สดใส หายาก และพิเศษ รวมถึงภาพของธรรมชาติอันน่าอัศจรรย์ ในศิลปะแห่งแนวโรแมนติกการรับรู้และประสบการณ์ส่วนบุคคลอย่างเฉียบพลันมีบทบาทอย่างมาก ลัทธิจินตนิยมปลดปล่อยศิลปะจากความเชื่อแบบนามธรรมคลาสสิกและหันไปสู่ประวัติศาสตร์ของชาติและภาพลักษณ์ของนิทานพื้นบ้าน
	- (จากความรู้สึกภาษาละติน - ความรู้สึก) - ทิศทาง ศิลปะตะวันตกช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 แสดงความผิดหวังใน “อารยธรรม” บนพื้นฐานอุดมคติแห่ง “เหตุผล” (อุดมการณ์แห่งการตรัสรู้) ส.ประกาศความรู้สึก สะท้อนความโดดเดี่ยว ความเรียบง่ายของชีวิตในชนบท” ชายร่างเล็ก- J.J. Rousseau ถือเป็นนักอุดมการณ์ของ S.
	- ทิศทางในงานศิลปะที่มุ่งมั่นที่จะพรรณนาความจริงและความน่าเชื่อถือที่ยิ่งใหญ่ที่สุดทั้งรูปแบบภายนอกและแก่นแท้ของปรากฏการณ์และสิ่งต่าง ๆ ยังไง วิธีการสร้างสรรค์รวมคุณสมบัติเฉพาะและคุณสมบัติทั่วไปเมื่อสร้างภาพ ทิศทางที่ยาวที่สุดในการดำรงอยู่พัฒนาตั้งแต่ยุคดึกดำบรรพ์จนถึงปัจจุบัน
	- ทิศทางในวัฒนธรรมศิลปะยุโรปในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 เมื่อกลายเป็นปฏิกิริยาตอบสนองต่อการครอบงำของบรรทัดฐานของ "สามัญสำนึก" ของชนชั้นกลางในขอบเขตด้านมนุษยธรรม (ในปรัชญา, สุนทรียภาพ - ลัทธิมองในแง่ดี, ในศิลปะ - ลัทธิธรรมชาตินิยม) สัญลักษณ์ส่วนใหญ่ก่อตัวขึ้น วรรณคดีฝรั่งเศสปลายคริสต์ทศวรรษ 1860-70 ต่อมาแพร่หลายในเบลเยียม เยอรมนี ออสเตรีย นอร์เวย์ และรัสเซีย หลักการทางสุนทรียะของสัญลักษณ์นิยมส่วนใหญ่กลับไปสู่แนวคิดเรื่องแนวโรแมนติก เช่นเดียวกับหลักคำสอนบางประการของปรัชญาอุดมคติของ A. Schopenhauer, E. Hartmann ส่วนหนึ่ง F. Nietzsche ไปสู่ความคิดสร้างสรรค์และการสร้างทฤษฎีของนักแต่งเพลงชาวเยอรมัน R. Wagner . สัญลักษณ์นิยมเปรียบเทียบความเป็นจริงที่มีชีวิตกับโลกแห่งนิมิตและความฝัน สัญลักษณ์ที่สร้างขึ้นจากความเข้าใจเชิงกวีและการแสดงความหมายทางโลกของปรากฏการณ์ที่ซ่อนอยู่จากจิตสำนึกในชีวิตประจำวันถือเป็นเครื่องมือสากลในการทำความเข้าใจความลับของการดำรงอยู่และจิตสำนึกส่วนบุคคล ศิลปินที่มีความคิดสร้างสรรค์ถูกมองว่าเป็นสื่อกลางระหว่างความเป็นจริงและความรู้สึกเหนือธรรมชาติ ทุกที่ค้นพบ "สัญญาณ" ของความสามัคคีของโลก คาดเดาสัญญาณของอนาคตเชิงทำนายทั้งในปรากฏการณ์สมัยใหม่และในเหตุการณ์ในอดีต
	- (จากความประทับใจของฝรั่งเศส - ความประทับใจ) การเคลื่อนไหวในงานศิลปะในช่วงสามสุดท้ายของศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 ซึ่งเกิดขึ้นในฝรั่งเศส ชื่อนี้ได้รับการแนะนำโดยนักวิจารณ์ศิลปะ L. Leroy ผู้ซึ่งดูหมิ่นนิทรรศการของศิลปินในปี พ.ศ. 2417 ซึ่งมีการนำเสนอภาพวาด "พระอาทิตย์ขึ้น" โดย C. Monet ความประทับใจ". อิมเพรสชั่นนิสม์ยืนยันความงามของโลกแห่งความเป็นจริง เน้นความสดใหม่ของความประทับใจแรก และความแปรปรวนของสภาพแวดล้อม ความสนใจที่โดดเด่นในการแก้ปัญหาเกี่ยวกับภาพล้วนๆ ทำให้แนวคิดดั้งเดิมในการวาดภาพเป็นองค์ประกอบหลักของงานศิลปะลดลง อิมเพรสชันนิสม์มีผลกระทบอย่างมากต่อศิลปะของประเทศในยุโรปและสหรัฐอเมริกา และกระตุ้นความสนใจในวิชาต่างๆ จากชีวิตจริง (อี. มาเน็ต, อี. เดกาส์, โอ. เรอนัวร์, ซี. โมเนต์, เอ. ซิสลีย์ ฯลฯ )
	- การเคลื่อนไหวในการวาดภาพ (ตรงกันกับการแบ่งแยก) ซึ่งพัฒนาภายใต้กรอบของนีโออิมเพรสชั่นนิสม์ นีโออิมเพรสชั่นนิสม์มีต้นกำเนิดในฝรั่งเศสเมื่อปี พ.ศ. 2428 และยังแพร่กระจายไปยังเบลเยียมและอิตาลีด้วย นีโออิมเพรสชั่นนิสต์พยายามประยุกต์ใช้ความสำเร็จล่าสุดในสาขาทัศนศาสตร์ในงานศิลปะ โดยที่การวาดภาพด้วยจุดสีหลักที่แยกจากกันในการรับรู้ทางสายตาทำให้เกิดการผสมผสานของสีและขอบเขตของการวาดภาพทั้งหมด (เจ. ซูรัต, พี. ซินญัก, ซี. ปิสซาร์โร)
	โพสต์อิมเพรสชั่นนิสม์- ชื่อรวมแบบมีเงื่อนไขสำหรับทิศทางหลักของการวาดภาพฝรั่งเศสในช่วง XIX - ไตรมาสที่ 1 ศตวรรษที่ XX ศิลปะแห่งโพสต์อิมเพรสชันนิสม์เกิดขึ้นจากการตอบสนองต่ออิมเพรสชันนิสม์ซึ่งมุ่งเน้นไปที่การถ่ายทอดช่วงเวลา ความรู้สึกของภาพที่งดงาม และการสูญเสียความสนใจในรูปทรงของวัตถุ ในบรรดานักโพสต์อิมเพรสชั่นนิสต์ ได้แก่ P. Cezanne, P. Gauguin, V. Gogh และคนอื่น ๆ
	- สไตล์ในศิลปะยุโรปและอเมริกาในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19-20 ลัทธิสมัยใหม่ตีความใหม่และทำให้ลักษณะเฉพาะของศิลปะจากยุคต่างๆ มีสไตล์ขึ้นใหม่ และพัฒนาเทคนิคทางศิลปะของตัวเองโดยยึดหลักความไม่สมมาตร การตกแต่ง และการตกแต่ง รูปแบบธรรมชาติยังกลายเป็นเป้าหมายของความทันสมัยอย่างมีสไตล์ สิ่งนี้อธิบายไม่เพียง แต่ความสนใจในเครื่องประดับดอกไม้ในงานสมัยใหม่เท่านั้น แต่ยังรวมถึงโครงสร้างการจัดองค์ประกอบและพลาสติกด้วย - โครงร่างโค้งมากมาย, เส้นประสาทที่ลอยอยู่, รูปทรงใหม่ที่ชวนให้นึกถึงรูปทรงของพืช การเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับความทันสมัยคือสัญลักษณ์ ซึ่งทำหน้าที่เป็นพื้นฐานด้านสุนทรียะและปรัชญาสำหรับความทันสมัย ​​โดยอาศัยความทันสมัยในฐานะการตระหนักถึงแนวคิดพลาสติก Art Nouveau มีชื่อที่แตกต่างกันในประเทศต่างๆ ซึ่งมีความหมายเหมือนกัน: Art Nouveau - ในฝรั่งเศส, Secession - ในออสเตรีย, Art Nouveau - ในเยอรมนี, Liberty - ในอิตาลี
	- (จากภาษาฝรั่งเศสสมัยใหม่ - สมัยใหม่) ชื่อสามัญการเคลื่อนไหวทางศิลปะจำนวนหนึ่งในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 ซึ่งโดดเด่นด้วยการปฏิเสธรูปแบบดั้งเดิมและสุนทรียภาพในอดีต ลัทธิสมัยใหม่มีความใกล้เคียงกับลัทธิเปรี้ยวจี๊ดและตรงกันข้ามกับลัทธิวิชาการ
	- ชื่อที่รวบรวมการเคลื่อนไหวทางศิลปะที่หลากหลายซึ่งพบเห็นได้ทั่วไปในช่วงปี 1905-1930 (ลัทธิโฟวิสม์, ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม, ลัทธิอนาคตนิยม, ลัทธิแสดงออก, ลัทธิดาดานิยม, ลัทธิเหนือจริง) ทิศทางทั้งหมดเหล่านี้รวมกันเป็นหนึ่งด้วยความปรารถนาที่จะต่ออายุภาษาของศิลปะ คิดใหม่เกี่ยวกับงานของมัน และได้รับอิสรภาพในการแสดงออกทางศิลปะ
	- ทิศทางในงานศิลปะจาก XIX - AD ศตวรรษที่ XX อิงจากบทเรียนเชิงสร้างสรรค์ของศิลปินชาวฝรั่งเศส Paul Cezanne ผู้ซึ่งลดรูปแบบทุกรูปแบบในภาพให้เป็นรูปทรงเรขาคณิตที่ง่ายที่สุด และใช้สีเป็นโครงสร้างที่ตัดกันของโทนสีอบอุ่นและเย็น Cezanne ทำหน้าที่เป็นหนึ่งในจุดเริ่มต้นของลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม ในส่วนใหญ่ Cézanneism ยังมีอิทธิพลต่อโรงเรียนการวาดภาพที่เหมือนจริงในประเทศด้วย
	- (จาก Fauve - Wild) การเคลื่อนไหวแนวหน้าในศิลปะฝรั่งเศส ศตวรรษที่ XX ตั้งชื่อให้ว่า "ป่า" นักวิจารณ์สมัยใหม่กลุ่มศิลปินที่แสดงในปี 1905 ที่ Paris Salon of Independents และมีลักษณะที่น่าขัน กลุ่มนี้ประกอบด้วย A. Matisse, A. Marquet, J. Rouault, M. de Vlaminck, A. Derain, R. Dufy, J. Braque, C. van Dongen และคนอื่นๆ เป็นกลุ่ม Fauvists ที่ดึงดูดการแสดงออกที่พูดน้อย ของรูปแบบและการแก้ปัญหาด้วยสีสันที่เข้มข้น การค้นหาแรงกระตุ้นในความคิดสร้างสรรค์ดั้งเดิม ศิลปะของยุคกลางและตะวันออก
	- การทำให้วิธีการมองเห็นง่ายขึ้นโดยเจตนาการเลียนแบบขั้นตอนการพัฒนาศิลปะดั้งเดิม คำนี้หมายถึงสิ่งที่เรียกว่า ศิลปะไร้เดียงสาของศิลปินที่ไม่ได้รับ การศึกษาพิเศษอย่างไรก็ตามมีส่วนร่วมในกระบวนการทางศิลปะทั่วไปของ XIX - ในช่วงต้น ศตวรรษที่ XX ผลงานของศิลปินเหล่านี้ - N. Pirosmani, A. Russo, V. Selivanov และคนอื่น ๆ - มีลักษณะความเป็นเด็กที่แปลกประหลาดในการตีความธรรมชาติซึ่งเป็นการผสมผสานระหว่างรูปแบบทั่วไปและรายละเอียดตามตัวอักษรเล็กน้อย ลัทธิดั้งเดิมของรูปแบบไม่ได้กำหนดความดั้งเดิมของเนื้อหาไว้ล่วงหน้าเลย มักทำหน้าที่เป็นแหล่งข้อมูลสำหรับมืออาชีพที่ยืมรูปแบบ รูปภาพ และวิธีการจากศิลปะพื้นบ้านหรือศิลปะดึกดำบรรพ์ N. Goncharova, M. Larionov, P. Picasso, A. Matisse ได้รับแรงบันดาลใจจากลัทธิดั้งเดิม
	- ทิศทางในงานศิลปะที่พัฒนาบนพื้นฐานของการปฏิบัติตามหลักการของสมัยโบราณและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา เป็นเรื่องปกติในโรงเรียนศิลปะหลายแห่งในยุโรปตั้งแต่ศตวรรษที่ 16 ถึงศตวรรษที่ 19 นักวิชาการได้เปลี่ยนประเพณีคลาสสิกให้กลายเป็นระบบกฎและข้อบังคับ "นิรันดร์" ที่กักขังการค้นหาเชิงสร้างสรรค์ และพยายามเปรียบเทียบธรรมชาติการดำรงชีวิตที่ไม่สมบูรณ์กับรูปแบบความงาม "สูง" ที่ได้รับการปรับปรุง ไม่เป็นระดับชาติ และเหนือกาลเวลาที่นำมาซึ่งความสมบูรณ์แบบ วิชาการมีลักษณะเฉพาะคือชอบวิชาจากเทพนิยายโบราณ ธีมจากพระคัมภีร์หรือประวัติศาสตร์มากกว่าวิชาจาก ศิลปินร่วมสมัยชีวิต.
	- (คิวบิสม์ฝรั่งเศส จากคิวบ์ - คิวบ์) ทิศทางในงานศิลปะของไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 20 ภาษาพลาสติกของคิวบิสม์มีพื้นฐานมาจากการเปลี่ยนรูปและการสลายตัวของวัตถุบนระนาบเรขาคณิต ซึ่งเป็นการเปลี่ยนรูปร่างแบบพลาสติก การกำเนิดของลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมเกิดขึ้นในปี พ.ศ. 2450-2451 ซึ่งเป็นช่วงก่อนสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง ผู้นำที่ไม่มีปัญหาของเทรนด์นี้คือกวีและนักประชาสัมพันธ์ G. Apollinaire การเคลื่อนไหวนี้เป็นหนึ่งในการเคลื่อนไหวกลุ่มแรก ๆ ที่รวบรวมกระแสชั้นนำในการพัฒนาศิลปะแห่งศตวรรษที่ยี่สิบต่อไป หนึ่งในแนวโน้มเหล่านี้คือการครอบงำแนวคิดเหนือคุณค่าทางศิลปะของภาพวาด J. Braque และ P. Picasso ถือเป็นบิดาแห่งลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม Fernand Léger, Robert Delaunay, Juan Gris และคนอื่นๆ เข้าร่วมขบวนการที่กำลังเกิดขึ้น
	- ความเคลื่อนไหวทางวรรณคดี จิตรกรรม และภาพยนตร์ที่เกิดขึ้นในปี พ.ศ. 2467 ในประเทศฝรั่งเศส มันมีส่วนสำคัญต่อการก่อตัวของจิตสำนึกของมนุษย์ยุคใหม่ บุคคลสำคัญของการเคลื่อนไหว ได้แก่ Andre Breton, Louis Aragon, Salvador Dali, Luis Buñuel, Joan Miro และศิลปินอื่นๆ อีกมากมายจากทั่วทุกมุมโลก สถิตยศาสตร์แสดงความคิดของการดำรงอยู่เกินขอบเขตของความเป็นจริง ความไร้สาระ จิตไร้สำนึก ความฝัน และฝันกลางวัน มีบทบาทสำคัญอย่างยิ่งที่นี่ หนึ่งในวิธีการที่เป็นลักษณะเฉพาะของศิลปินแนวเหนือจริงคือการถอนตัวจากความคิดสร้างสรรค์ที่มีสติซึ่งทำให้เป็นเครื่องมือที่ดึงออกมาในรูปแบบต่างๆ ภาพแปลก ๆจิตใต้สำนึกคล้ายกับภาพหลอน สถิตยศาสตร์รอดพ้นจากวิกฤตการณ์หลายครั้ง และรอดพ้นจากเหตุการณ์ครั้งที่สอง สงครามโลกครั้งที่และค่อยๆ ผสานเข้ากับวัฒนธรรมมวลชน ตัดกับกลุ่มทรานส์-เปรี้ยวจี๊ด และได้เข้าสู่ลัทธิหลังสมัยใหม่ในฐานะส่วนสำคัญ
	- (จาก Lat. futurum - อนาคต) การเคลื่อนไหวทางวรรณกรรมและศิลปะในศิลปะแห่งทศวรรษ 1910 การกำหนดบทบาทของตัวเองให้เป็นต้นแบบของศิลปะแห่งอนาคตลัทธิอนาคตนิยมเป็นโปรแกรมหลักได้หยิบยกแนวคิดในการทำลายแบบแผนทางวัฒนธรรมและเสนอคำขอโทษสำหรับเทคโนโลยีและความต่ำต้อยแทนเป็นสัญญาณหลักของปัจจุบันและอนาคต . แนวคิดทางศิลปะที่สำคัญของลัทธิแห่งอนาคตคือการค้นหาการแสดงออกทางพลาสติกของความเร็วของการเคลื่อนไหวซึ่งเป็นสัญญาณหลักของก้าวของชีวิตสมัยใหม่ ลัทธิลัทธิอนาคตนิยมเวอร์ชันรัสเซียเรียกว่าลัทธิคิวโบฟิวเจอร์นิยมและมีพื้นฐานมาจากการผสมผสานระหว่างหลักการพลาสติกของลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมแบบฝรั่งเศสกับการจัดวางสุนทรียศาสตร์ทั่วไปของลัทธิลัทธิอนาคตนิยมแบบยุโรป

ประเภทของจิตรกรรม(ประเภทฝรั่งเศส - ประเภทประเภท) - การแบ่งงานศิลปะที่จัดตั้งขึ้นในอดีตตามธีมและวัตถุของภาพ ในการวาดภาพสมัยใหม่มีประเภทดังต่อไปนี้: ภาพเหมือน, ประวัติศาสตร์, ตำนาน, การต่อสู้, ทุกวัน, ภูมิทัศน์, หุ่นนิ่ง, ประเภทสัตว์

แม้ว่าแนวความคิดของ "ประเภท" จะปรากฏในการวาดภาพเมื่อไม่นานมานี้ แต่ก็แน่นอน ความแตกต่างประเภทมีมาตั้งแต่สมัยโบราณ: รูปสัตว์ในถ้ำในยุคหินเก่า, รูปเหมือนของอียิปต์โบราณและเมโสโปเตเมียจาก 3,000 ปีก่อนคริสตกาล, ภูมิทัศน์และสิ่งมีชีวิตในภาพโมเสกและจิตรกรรมฝาผนังแบบขนมผสมน้ำยาและโรมัน การก่อตัวของประเภทเป็นระบบในการวาดภาพขาตั้งเริ่มขึ้นในยุโรปในศตวรรษที่ 15–16 และสิ้นสุดลงในศตวรรษที่ 17 เป็นหลัก เมื่อนอกเหนือจากการแบ่งวิจิตรศิลป์ออกเป็นประเภทต่างๆ แล้ว แนวคิดของสิ่งที่เรียกว่าก็ปรากฏขึ้น ประเภท "สูง" และ "ต่ำ" ขึ้นอยู่กับหัวข้อของภาพ ธีม โครงเรื่อง ประเภท "สูง" ได้แก่ ประเภทประวัติศาสตร์และตำนาน และประเภท "ต่ำ" ได้แก่ ภาพบุคคล ภูมิทัศน์ และภาพหุ่นนิ่ง การไล่ระดับแนวเพลงนี้ดำเนินไปจนถึงศตวรรษที่ 19 แม้ว่าจะมีข้อยกเว้นก็ตาม

ดังนั้นในศตวรรษที่ 17 ในฮอลแลนด์เป็นประเภท "ต่ำ" ที่กลายเป็นผู้นำในการวาดภาพ (ทิวทัศน์, ชีวิตประจำวัน, หุ่นนิ่ง) แต่ภาพเหมือนในพิธีการซึ่งอย่างเป็นทางการเป็นของประเภทภาพบุคคล "ต่ำ" ไม่ได้อยู่ในนั้น กลายมาเป็นรูปแบบหนึ่งของการแสดงชีวิต ประเภทของจิตรกรรมแม้จะมีลักษณะทั่วไปที่มั่นคง แต่ก็ไม่เปลี่ยนแปลงไปพร้อมกับชีวิต และเปลี่ยนแปลงไปตามศิลปะที่พัฒนาขึ้น แนวเพลงบางประเภทตายไปหรือได้รับความหมายใหม่ (เช่น แนวตำนาน) แนวใหม่เกิดขึ้น มักจะอยู่ในแนวที่มีอยู่ก่อนหน้านี้ (เช่น ภายในประเภทแนวนอน ภูมิทัศน์สถาปัตยกรรมและ ท่าจอดเรือ- ผลงานปรากฏที่รวมแนวเพลงต่างๆ เข้าด้วยกัน (เช่น การผสมผสานระหว่างแนวเพลงในชีวิตประจำวันกับทิวทัศน์ ภาพกลุ่มกับแนวประวัติศาสตร์)

ประเภทของวิจิตรศิลป์ที่สะท้อนรูปลักษณ์ภายนอกและภายในของบุคคลหรือกลุ่มบุคคลเรียกว่า ภาพเหมือน- ประเภทนี้แพร่หลายไม่เพียงแต่ในการวาดภาพเท่านั้น แต่ยังรวมถึงงานประติมากรรม กราฟิก ฯลฯ ด้วย ข้อกำหนดหลักสำหรับการถ่ายภาพบุคคลคือการสื่อถึงความคล้ายคลึงภายนอกและการเปิดเผยโลกภายในซึ่งเป็นแก่นแท้ของตัวละครของบุคคล ตามลักษณะของภาพ มีสองกลุ่มหลักที่มีความโดดเด่น: ภาพบุคคลในพิธีและในห้อง ภาพบุคคลในพิธีแสดงให้เห็นบุคคลที่เติบโตเต็มที่ (บนหลังม้า ยืน หรือนั่ง) โดยมีพื้นหลังทางสถาปัตยกรรมหรือภูมิทัศน์ ภาพบุคคลในห้องแชมเบอร์ใช้รูปภาพความยาวครึ่งตัวหรือความยาวหน้าอกบนพื้นหลังที่เป็นกลาง มีทั้งภาพบุคคลและภาพหมู่ ภาพบุคคลเรียกว่าการจับคู่กัน ซึ่งวาดบนผืนผ้าใบที่แตกต่างกัน แต่มีความสอดคล้องกันในด้านองค์ประกอบ รูปแบบ และสี การถ่ายภาพบุคคลสามารถสร้างวงดนตรีได้ - แกลเลอรี่ภาพเหมือนที่รวมกันตามมืออาชีพ ครอบครัว และลักษณะอื่น ๆ (แกลเลอรี่ภาพเหมือนของสมาชิกของสมาคม กิลด์ นายทหาร ฯลฯ) ภาพเหมือนตนเองเป็นกลุ่มพิเศษ - การแสดงภาพตัวเองของศิลปิน

ภาพเหมือนเป็นหนึ่งในประเภทวิจิตรศิลป์ที่เก่าแก่ที่สุด ในตอนแรกมีจุดประสงค์ทางศาสนาและระบุตัวตนด้วยจิตวิญญาณของผู้ตาย ใน โลกโบราณภาพเหมือนได้รับการพัฒนามากขึ้นในงานประติมากรรมเช่นเดียวกับภาพวาดบุคคล - ภาพเหมือนของ Fayyum ในศตวรรษที่ 1-3 ในยุคกลาง แนวคิดเรื่องภาพบุคคลถูกแทนที่ด้วยภาพทั่วไป แม้ว่าจะมีอยู่บ้างก็ตาม ลักษณะบุคลิกภาพในการพรรณนาถึงบุคคลในประวัติศาสตร์ โกธิคและเรอเนซองส์ตอนปลายเป็นช่วงที่มีพายุในการพัฒนาการวาดภาพบุคคลเมื่อการก่อตัวของประเภทการถ่ายภาพบุคคลเกิดขึ้นถึงจุดสูงสุดของศรัทธาเห็นอกเห็นใจในมนุษย์และความเข้าใจในชีวิตฝ่ายวิญญาณของเขา ในศตวรรษที่ 16 ภาพบุคคลประเภทต่อไปนี้ปรากฏขึ้น: แบบดั้งเดิม (ครึ่งความยาวหรือเต็มความยาว), เชิงเปรียบเทียบ (พร้อมคุณลักษณะของพระเจ้า), สัญลักษณ์ (ตามงานวรรณกรรม), ภาพเหมือนตนเองและภาพเหมือนกลุ่ม: Giotto เอนริโก สโครเวญี(ราวปี 1305 ปาดัว) ยาน ฟาน เอค ภาพเหมือนของคู่รักอาร์โนลฟินี(ค.ศ. 1434, ลอนดอน, หอศิลป์แห่งชาติ), เลโอนาร์โด ดา วินชี จิโอคอนดา(ประมาณปี 1508 ปารีส พิพิธภัณฑ์ลูฟร์) ราฟาเอล ผู้หญิงกับผ้าคลุมหน้า(ราวปี 1516, ฟลอเรนซ์, Pitti Gallery), ทิเชียน รูปโฉมของชายหนุ่มสวมถุงมือ(1515–1520, ปารีส, พิพิธภัณฑ์ลูฟร์), A. Durer รูปโฉมของชายหนุ่ม บุคคล(1500, มิวนิก, Alte Pinakothek), H. Holbein ผู้ส่งสาร(ลอนดอน, หอศิลป์แห่งชาติ), แรมแบรนดท์ ยามกลางคืน(1642, อัมสเตอร์ดัม, Rijksmuseum), ถ่ายภาพตนเองด้วย Saskia คุกเข่าลง(ราวปี 1636 เดรสเดิน ห้องแสดงภาพ) ต้องขอบคุณ Van Dyck, Rubens และ Velazquez ที่ทำให้เกิดภาพเหมือนของราชสำนัก: แบบจำลองนี้แสดงแบบเต็มความยาวเทียบกับพื้นหลังของผ้าม่าน ทิวทัศน์ และลวดลายทางสถาปัตยกรรม (Van Dyck ภาพเหมือนของ Charles I, ตกลง. 1653 ปารีส พิพิธภัณฑ์ลูฟร์)

ในแนวขนานมีแนวภาพแนวจิตวิทยา ภาพตัวละคร ภาพกลุ่ม: F. Hals ภาพหมู่ของบริษัทเซนต์. เอเดรียน่า(1633, ฮาร์เลม, พิพิธภัณฑ์ Frans Hals), แรมแบรนดท์ ซินดิกส์(1662, อัมสเตอร์ดัม, Rijksmuseum), El Greco ภาพเหมือนของ Niño de Guevara(1601, นิวยอร์ก, พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน), D. Velazquez ภาพเหมือนของฟิลิปที่ 4(1628, มาดริด, ปราโด), F. Goya นักร้องหญิงอาชีพจากบอร์โดซ์(1827, มาดริด, ปราโด), T. Gainsborough ภาพเหมือนของนักแสดงหญิง Sarah Siddons(พ.ศ. 2327-2328, ลอนดอน, หอศิลป์แห่งชาติ), F.S. โรโคตอฟ ภาพเหมือนของ Maykov(ประมาณปี 1765, มอสโก, หอศิลป์ Tretyakov), D. G. Levitsky ภาพเหมือนของม. ดยาโควา(พ.ศ. 2321 มอสโก หอศิลป์ Tretyakov) ภาพเหมือนที่น่าสนใจและหลากหลายของศตวรรษที่ 19-20: D. Ingres ภาพเหมือนของมาดามเรกาเมียร์(1800, ปารีส, พิพิธภัณฑ์ลูฟร์), E. Manet นักเล่นฟลุต(พ.ศ. 2409 ปารีส พิพิธภัณฑ์ลูฟร์) ออ. เรอนัวร์ ภาพเหมือนของจีนน์ ซามารี(พ.ศ. 2420, มอสโก, พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์แห่งรัฐพุชกิน), V. Van Gogh ภาพเหมือนตนเองมีผ้าปิดหู(พ.ศ. 2432 ชิคาโก Blok collection), O.A ภาพเหมือนของกวี พุชกิน(พ.ศ. 2370 มอสโก หอศิลป์ Tretyakov) I.N. Kramskoy ภาพเหมือนของนักเขียน ลีโอ ตอลสตอย(พ.ศ. 2416 มอสโก หอศิลป์ Tretyakov) I.E. Repin มุสซอร์กสกี้(พ.ศ. 2424 มอสโก หอศิลป์ Tretyakov)

ประเภทของวิจิตรศิลป์ที่อุทิศให้กับเหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์และตัวละครเรียกว่า ประเภทประวัติศาสตร์ประเภทประวัติศาสตร์ที่โดดเด่นด้วยความยิ่งใหญ่ เป็นเวลานานพัฒนาเป็นจิตรกรรมฝาผนัง ตั้งแต่ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาถึงศตวรรษที่ 19 ศิลปินใช้วิชาจากตำนานโบราณและตำนานคริสเตียน มักจะเป็นจริง เหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์ตัวละครที่ปรากฎในภาพวาดนั้นเต็มไปด้วยตัวละครเชิงเปรียบเทียบในตำนานหรือในพระคัมภีร์ ประเภทประวัติศาสตร์มีความเกี่ยวพันกับประเภทอื่น ๆ - ประเภทในชีวิตประจำวัน (ฉากประวัติศาสตร์และในชีวิตประจำวัน), ภาพเหมือน (ภาพของบุคคลในประวัติศาสตร์ในอดีต, ภาพเหมือน - องค์ประกอบทางประวัติศาสตร์), ภูมิทัศน์ (" ภูมิทัศน์ทางประวัติศาสตร์") ปิดท้ายด้วยแนวการต่อสู้

ประเภทประวัติศาสตร์รวบรวมไว้ในรูปแบบขาตั้งและอนุสาวรีย์ ในรูปแบบย่อส่วน และภาพประกอบ ประเภทประวัติศาสตร์ที่มีต้นกำเนิดในสมัยโบราณได้ผสมผสานเหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์ที่แท้จริงเข้ากับตำนาน ในประเทศตะวันออกโบราณมีองค์ประกอบเชิงสัญลักษณ์หลายประเภท (การถวายพระเกียรติแด่ชัยชนะทางทหารของพระมหากษัตริย์การถ่ายโอนอำนาจให้เขาโดยเทพ) และวงจรการเล่าเรื่องของภาพวาดและภาพนูนต่ำนูนสูง

ในสมัยกรีกโบราณ มีภาพประติมากรรมของวีรบุรุษในประวัติศาสตร์ ( การกดขี่ข่มเหง, 477 ปีก่อนคริสตกาล) ในโรมโบราณ ภาพนูนต่ำนูนสูงถูกสร้างขึ้นพร้อมฉากการรณรงค์และชัยชนะทางทหาร ( คอลัมน์ของ Trajanในกรุงโรมประมาณ 111–114) ในยุคกลางของยุโรป เหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์สะท้อนให้เห็นในพงศาวดารและไอคอนขนาดย่อ รูปแบบทางประวัติศาสตร์ในการวาดภาพขาตั้งเริ่มเป็นรูปเป็นร่างในยุโรปในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการในศตวรรษที่ 17-18 ถือเป็นประเภท "สูง" โดยเน้น (หัวข้อทางศาสนา ตำนาน เชิงเปรียบเทียบ ประวัติศาสตร์) ภาพวาดขาตั้งที่เหมือนจริงชิ้นแรกๆ คือ การยอมจำนนของเบรดาเวลาซเกซ (1629–1631, มาดริด, ปราโด) ภาพวาดแนวประวัติศาสตร์เต็มไปด้วยเนื้อหาที่น่าทึ่ง อุดมคติเชิงสุนทรีย์สูง ความลึก มนุษยสัมพันธ์: ตินโตเรตโต การต่อสู้ของซาร่า(ราวปี 1585 เวนิส พระราชวังดอจ), เอ็น. ปูสซิน ความมีน้ำใจของสคิปิโอ(1643, มอสโก, พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์แห่งรัฐพุชกิน), J.L. David คำสาบานของ Horatii(พ.ศ. 2327 ปารีส พิพิธภัณฑ์ลูฟร์) อี. มาเนต์ การดำเนินการ จักรพรรดิแม็กซิมิเลียน(พ.ศ. 2414 บูดาเปสต์ พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์) ต้นศตวรรษที่ 19 – เวทีใหม่ในการพัฒนาแนวประวัติศาสตร์ซึ่งเริ่มต้นด้วยการเกิดขึ้นของแนวโรแมนติกและการเพิ่มขึ้นของความคาดหวังในอุดมคติ: E. Delacroix การยึดกรุงคอนสแตนติโนเปิลโดยพวกครูเสด(1840, ปารีส, พิพิธภัณฑ์ลูฟร์), K. Bryullov วันสุดท้ายของเมืองปอมเปอี(1830–1833, เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, พิพิธภัณฑ์รัสเซีย), A.A.Ivanov การปรากฏของพระคริสต์ต่อผู้คน(พ.ศ. 2380-2400 มอสโก หอศิลป์ Tretyakov) ความสมจริงของครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 หันไปสู่ความเข้าใจ โศกนาฏกรรมทางประวัติศาสตร์ผู้คนและบุคลิกภาพ: I.E. Repin อีวาน กรอซนีและอีวานลูกชายของเขา(พ.ศ. 2428 มอสโก หอศิลป์ Tretyakov), V.I.Surikov เมนชิคอฟเข้ามา เบเรซอฟ(พ.ศ. 2426 มอสโก หอศิลป์ Tretyakov) ในงานศิลปะแห่งศตวรรษที่ 20 มีความสนใจในสมัยโบราณในฐานะแหล่งความงามและบทกวี: V.A ปีเตอร์ ไอ(พ.ศ. 2450, มอสโก, หอศิลป์ Tretyakov) ศิลปินของสมาคมโลกแห่งศิลปะ ในศิลปะโซเวียต องค์ประกอบทางประวัติศาสตร์และการปฏิวัติเกิดขึ้น: B.M บอลเชวิค(พ.ศ. 2463 มอสโก หอศิลป์ Tretyakov)

ประเภทของวิจิตรศิลป์ที่อุทิศให้กับวีรบุรุษและเหตุการณ์ต่างๆ ที่เรียกว่าตำนานของคนโบราณ ประเภทตำนาน(จากตำนานกรีก - ตำนาน) ประเภทที่เป็นตำนานเข้ามาติดต่อกับประวัติศาสตร์และเป็นรูปเป็นร่างขึ้นในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเมื่อใด ตำนานโบราณให้โอกาสมากมายสำหรับการรวบรวมเรื่องราวและตัวละครที่มีจรรยาบรรณที่ซับซ้อนและมักจะเป็นเชิงเปรียบเทียบ: S. Botticelli การกำเนิดของดาวศุกร์(ประมาณปี 1484, ฟลอเรนซ์, อุฟฟิซี), เอ. มานเทญญา พาร์นาสซัส(ค.ศ. 1497, ปารีส, พิพิธภัณฑ์ลูฟวร์), จอร์โจเน นอนหลับ ดาวศุกร์(ประมาณ ค.ศ. 1508–1510, เดรสเดิน, ห้องแสดงภาพ), ราฟาเอล โรงเรียนเอเธนส์(ค.ศ. 1509–1510 โรม วาติกัน) ในศตวรรษที่ 17 - จุดเริ่มต้น ศตวรรษที่ 19 ในงานประเภทตำนานปัญหาทางศีลธรรมและสุนทรียภาพได้ขยายออกไปซึ่งรวบรวมไว้ในอุดมคติทางศิลปะชั้นสูงและอาจเข้าใกล้ชีวิตมากขึ้นหรือสร้างปรากฏการณ์รื่นเริง: N. Poussin ดาวศุกร์ที่กำลังหลับใหล(ทศวรรษ 1620, เดรสเดน, แกลเลอรี่รูปภาพ), P.P แบคชานาเลีย(1619–1620, มอสโก, พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์แห่งรัฐพุชกิน), D. Velasquez แบคคัส (คนขี้เมา) (1628–1629, มาดริด, ปราโด), แรมแบรนดท์ ดาเน่(1636, เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, อาศรม), G. B. Tiepolo ชัยชนะของ Amphitrite(ราวปี ค.ศ. 1740 เดรสเดิน ห้องแสดงภาพ) ตั้งแต่คริสต์ศตวรรษที่ 19-20 ธีมของตำนานดั้งเดิม เซลติก อินเดีย และสลาฟเริ่มได้รับความนิยม

ประเภทการต่อสู้(จากภาษาฝรั่งเศส bataille - การต่อสู้) เป็นประเภทของการวาดภาพที่เป็นส่วนหนึ่งของประเภทประวัติศาสตร์ ตำนาน และเชี่ยวชาญในการวาดภาพการต่อสู้ การหาประโยชน์ทางทหาร การปฏิบัติการทางทหาร การเชิดชูความกล้าหาญของทหาร ความโกรธเกรี้ยวของการสู้รบ และชัยชนะแห่งชัยชนะ ภาพวาดการต่อสู้อาจรวมถึงองค์ประกอบของประเภทอื่น ๆ - ในประเทศ, แนวตั้ง, ภูมิทัศน์, สัตว์, หุ่นนิ่ง ศิลปินหันมาใช้แนวการต่อสู้เป็นประจำ: Leonardo da Vinci การต่อสู้ของแองกีอารี(ไม่เก็บรักษาไว้), ไมเคิลแองเจโล การต่อสู้ของคาชิน(ไม่เก็บรักษาไว้), Tintoretto การต่อสู้ของซาร่า(ประมาณ ค.ศ. 1585, เวนิส, พระราชวังดอจ), เอ็น. ปูสซิน, เอ. วัตโต ความยากลำบากของสงคราม(ประมาณปี 1716 เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก อาศรม), F. Goya ภัยพิบัติจากสงคราม(1810–1820), ที. เจริโคลท์ คูราสซิเออร์ที่ได้รับบาดเจ็บ(พ.ศ. 2357 ปารีส พิพิธภัณฑ์ลูฟร์) อี. เดอลาครัวซ์ การสังหารหมู่คิออส(พ.ศ. 2367 ปารีส พิพิธภัณฑ์ลูฟร์) V.M. Vasnetsov หลังจากการสังหารหมู่ของ Igor Svyatoslavovich ด้วย ชาวโปลอฟต์เซียน(พ.ศ. 2423 มอสโก หอศิลป์ Tretyakov)

ประเภทของวิจิตรศิลป์ที่แสดงฉากในชีวิตประจำวันชีวิตส่วนตัวของบุคคลชีวิตประจำวันจากชาวนาและชีวิตในเมืองเรียกว่า ประเภทประจำวัน- การอุทธรณ์ต่อชีวิตและศีลธรรมของผู้คนมีอยู่แล้วในภาพวาดและภาพนูนต่ำนูนของตะวันออกโบราณ ในการวาดภาพและประติมากรรมในแจกันโบราณ ในไอคอนในยุคกลางและหนังสือบอกเวลา แต่ประเภทประจำวันมีความโดดเด่นและได้รับรูปแบบเฉพาะเป็นปรากฏการณ์ของศิลปะขาตั้งแบบฆราวาสเท่านั้น ลักษณะเด่นเริ่มเป็นรูปเป็นร่างในศตวรรษที่ 14–15 ในภาพเขียนแท่นบูชา ภาพนูนต่ำนูนสูง พรมขนาดเล็กในประเทศเนเธอร์แลนด์ เยอรมนี ฝรั่งเศส ในศตวรรษที่ 16 ในประเทศเนเธอร์แลนด์ แนวเพลงในชีวิตประจำวันเริ่มพัฒนาอย่างรวดเร็วและโดดเดี่ยว หนึ่งในผู้ก่อตั้งคือ I. Bosch ( บาปมหันต์เจ็ดประการ, มาดริด, ปราโด้). การพัฒนาแนวเพลงในชีวิตประจำวันในยุโรปได้รับอิทธิพลอย่างมากจากผลงานของ P. Bruegel: เขาย้ายไปสู่แนวเพลงในชีวิตประจำวันที่บริสุทธิ์ แสดงให้เห็นว่าชีวิตประจำวันสามารถเป็นเป้าหมายของการศึกษาและเป็นแหล่งของความงาม ( การเต้นรำของชาวนา, งานแต่งงานของชาวนา- ตกลง. 2111 เวียนนา พิพิธภัณฑ์ Kunsthistorisches) ศตวรรษที่ 17 สามารถเรียกได้ว่าเป็นศตวรรษแห่ง "ประเภท" ในโรงเรียนวาดภาพทุกแห่งในยุโรป: Michelangelo และ Caravaggio หมอดู(ปารีส, พิพิธภัณฑ์ลูฟร์), พี.พี. รูเบนส์ ชาวนา เต้นรำ(1636–1640, มาดริด, ปราโด), เจ. จอร์แดนส์ เทศกาลราชาถั่ว(ประมาณปี 1638 เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก อาศรม), A. van Ostade นักเล่นฟลุต(ประมาณปี 1660 มอสโก พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์แห่งรัฐพุชกิน), แจน สตีน คนไข้และคุณหมอ(ประมาณปี 1660 อัมสเตอร์ดัม Rijksmuseum) F. Hals ยิปซี(ประมาณปี 1630 ปารีส พิพิธภัณฑ์ลูฟร์) จอห์น เวอร์เมียร์แห่งเดลฟต์ หญิงสาวที่มีจดหมาย(ปลายทศวรรษ 1650, เดรสเดิน, ห้องแสดงภาพ) ในศตวรรษที่ 18 ในฝรั่งเศส การวาดภาพประเภทมีความเกี่ยวข้องกับการพรรณนาฉากที่กล้าหาญ "ศิษยาภิบาล" มันมีความประณีตและสง่างามน่าขัน: A. Watteau ที่พักแรม(ประมาณปี 1710, มอสโก, พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์แห่งรัฐพุชกิน), J.B. Chardin สวดมนต์ก่อนรับประทานอาหารกลางวัน(ประมาณปี 1737 เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก อาศรม) ผลงานประเภทประจำวันมีความหลากหลาย: แสดงให้เห็นถึงความอบอุ่นของชีวิตในบ้านและความแปลกใหม่ของประเทศห่างไกล ประสบการณ์ทางอารมณ์ และความหลงใหลโรแมนติก ประเภทในชีวิตประจำวันในศตวรรษที่ 19 ในการวาดภาพเขายืนยันอุดมคติของประชาธิปไตยซึ่งมักมีเสียงหวือหวาอย่างวิพากษ์วิจารณ์: O. Daumier ร้านซักรีด(พ.ศ. 2406 ปารีส พิพิธภัณฑ์ลูฟร์) G. Courbet เวิร์คช็อปของศิลปิน(พ.ศ. 2398 ปารีส พิพิธภัณฑ์ออร์แซ) ประเภทชีวิตประจำวันที่เน้นไปที่การแสดงชีวิตชาวนาและชีวิตของชาวเมืองได้รับการพัฒนาอย่างสดใสในภาพวาดของรัสเซียในศตวรรษที่ 19: A.G. Venetsianov บนที่ดินทำกิน ฤดูใบไม้ผลิ(ยุค 1820, มอสโก, หอศิลป์ Tretyakov), P.A. Fedotov การจับคู่ของผู้พัน(พ.ศ. 2391 มอสโก หอศิลป์ Tretyakov) V.G. Perov โรงเตี๊ยมแห่งสุดท้ายที่ด่านหน้า(พ.ศ. 2411 มอสโก หอศิลป์ Tretyakov) I.E. Repin เราไม่ได้รอ(พ.ศ. 2427 มอสโก หอศิลป์ Tretyakov)

ประเภทของวิจิตรศิลป์ซึ่งสิ่งสำคัญคือภาพลักษณ์ของธรรมชาติ สิ่งแวดล้อม วิวชนบท เมือง อนุสรณ์สถานทางประวัติศาสตร์ เรียกว่าภูมิทัศน์ (จ่ายเงินฝรั่งเศส) มีทิวทัศน์ชนบท เมือง (รวมถึง veduta) สถาปัตยกรรม อุตสาหกรรม ภาพธาตุน้ำ - ทะเล (ท่าจอดเรือ) และทิวทัศน์แม่น้ำ

ในสมัยโบราณและยุคกลาง ทิวทัศน์ปรากฏในภาพวาดของวัด พระราชวัง สัญลักษณ์ และภาพย่อส่วน ในศิลปะยุโรป จิตรกรชาวเวนิสแห่งยุคเรอเนซองส์ (A. Canaletto) เป็นคนแรกที่หันมาวาดภาพธรรมชาติ ตั้งแต่ศตวรรษที่ 16 ภูมิทัศน์กลายเป็นประเภทอิสระมีความหลากหลายและทิศทาง: โคลงสั้น ๆ วีรบุรุษภูมิทัศน์สารคดี: P. Bruegel มันเป็นวันที่น่ารังเกียจ (ฤดูใบไม้ผลิอีฟ) (1565, เวียนนา, พิพิธภัณฑ์ Kunsthistorisches), P.P ล่าสิงโต(ราวปี 1615 มิวนิก อัลเต ปินาโคเทค) แรมแบรนดท์ ภูมิทัศน์ที่มีสระน้ำและสะพานโค้ง(1638, เบอร์ลิน – ดาห์เลม), เจ. ฟาน รุยส์เดล ป่าพรุ(ทศวรรษ 1660, เดรสเดน, แกลเลอรี่รูปภาพ), N. Poussin ภูมิทัศน์กับโพลีฟีมัส(1649, มอสโก, พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์แห่งรัฐพุชกิน), K. Lorrain กลางวัน(1651, เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, อาศรม), F. Guardi Piazza San Marco วิวของมหาวิหาร(ราวปี ค.ศ. 1760–1765, ลอนดอน, หอศิลป์แห่งชาติ) ในศตวรรษที่ 19 การค้นพบอย่างสร้างสรรค์ของปรมาจารย์ภูมิทัศน์, ความอิ่มตัวของมันด้วยประเด็นทางสังคม, การพัฒนาของ plein air (ภาพของสภาพแวดล้อมทางธรรมชาติ) ถึงจุดสูงสุดในความสำเร็จของอิมเพรสชั่นนิสม์, ซึ่งให้โอกาสใหม่ในการถ่ายทอดภาพความลึกเชิงพื้นที่, ความแปรปรวนของสภาพแวดล้อมแสงและอากาศ , ความซับซ้อนของสี: Barbizons, C. Corot ยามเช้าในเวนิส(ประมาณปี 1834 มอสโก พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์แห่งรัฐพุชกิน) A.K. Savrasov พวกโกงมาถึงแล้ว(พ.ศ. 2414 มอสโก หอศิลป์ Tretyakov) I.I. Shishkin ข้าวไรย์วี.ดี. โปลอฟ ลานมอสโก(พ.ศ. 2421 มอสโก หอศิลป์ Tretyakov) I.I. Levitan ฤดูใบไม้ร่วงสีทอง(พ.ศ. 2438, มอสโก, หอศิลป์ Tretyakov), E. Manet อาหารเช้าบนพื้นหญ้า(พ.ศ. 2406 ปารีส พิพิธภัณฑ์ลูฟร์) ถนน C. Monet สาวคาปูชินในปารีส(พ.ศ. 2416, มอสโก, พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์แห่งรัฐพุชกิน), O. Renoir สระว่ายน้ํา(พ.ศ. 2412 สตอกโฮล์ม พิพิธภัณฑสถานแห่งชาติ)

มารีน่า(ท่าจอดเรือของอิตาลีจากภาษาละติน marinus - ทะเล) - หนึ่งในประเภทของภูมิทัศน์ซึ่งมีวัตถุคือทะเล ท่าจอดเรือกลายเป็นแนวอิสระในฮอลแลนด์เมื่อต้นศตวรรษที่ 17: J. Porcellis, S. de Vlieger, W. van de Velle, J. Vernet, W. Turner งานศพกลางทะเล(1842, ลอนดอน, Tate Gallery), C. Monet ความประทับใจพระอาทิตย์ขึ้น ดวงอาทิตย์(พ.ศ. 2416, ปารีส, พิพิธภัณฑ์ Marmottan), S.F. Shchedrin ท่าเรือเล็กๆ ในซอร์เรนโต(พ.ศ. 2369 มอสโก หอศิลป์ Tretyakov)

ภูมิทัศน์ทางสถาปัตยกรรม- ทิวทัศน์ประเภทหนึ่ง การวาดภาพเปอร์สเปคทีฟประเภทหนึ่ง ภาพสถาปัตยกรรมจริงหรือจินตภาพในสภาพแวดล้อมทางธรรมชาติ บทบาทสำคัญในภูมิทัศน์ทางสถาปัตยกรรมคือมุมมองเชิงเส้นและทางอากาศ ซึ่งเชื่อมโยงธรรมชาติและสถาปัตยกรรมเข้าด้วยกัน ในภูมิทัศน์ทางสถาปัตยกรรม มุมมองเมือง มีความโดดเด่นซึ่งเรียกว่าในศตวรรษที่ 18 vedutami (A. Canaletto, B. Bellotto, F. Guardi ในเวนิส), ทิวทัศน์ของที่ดิน, สวนสาธารณะที่เต็มไปด้วยอาคาร, ภูมิทัศน์ที่มีซากปรักหักพังโบราณหรือยุคกลาง (Y. Robert; K. D. Friedrich วัดในโอ๊ค โกรฟ, 1809–1810, เบอร์ลิน, พิพิธภัณฑ์รัฐ; S.F. Shchedrin) ทิวทัศน์ที่มีโครงสร้างและซากปรักหักพังในจินตนาการ (D.B. Piranesi, D. Pannini)

เวดูตา(ภาษาอิตาลี veduta, สว่าง - เห็น) - ภูมิทัศน์ที่บันทึกลักษณะของพื้นที่เมืองซึ่งเป็นหนึ่งในแหล่งที่มาของศิลปะพาโนรามาอย่างแม่นยำ คำนี้ปรากฏในศตวรรษที่ 18 เมื่อใช้กล้อง obscura เพื่อสร้างมุมมอง ศิลปินชั้นนำที่ทำงานในแนวนี้คือ A. Canaletto: จตุรัสซานมาร์โก(1727–1728, วอชิงตัน, หอศิลป์แห่งชาติ)

ประเภทของวิจิตรศิลป์ที่แสดงสิ่งของในชีวิตประจำวัน แรงงาน ความคิดสร้างสรรค์ ดอกไม้ ผลไม้ เกมที่ตายแล้ว ปลาที่จับได้ ซึ่งจัดวางในสภาพแวดล้อมจริงในชีวิตประจำวัน เรียกว่า หุ่นนิ่ง (fr. Nature morte - ธรรมชาติที่ตายแล้ว) ชีวิตยังคงมีความซับซ้อนได้ ความหมายเชิงสัญลักษณ์มีบทบาทเป็นแผงตกแต่งที่เรียกว่า “กลอุบาย” ซึ่งให้การจำลองวัตถุจริงหรือรูปร่างที่ลวงตาซึ่งทำให้เกิดผลกระทบของการมีอยู่ของธรรมชาติที่แท้จริง

การพรรณนาวัตถุเป็นที่รู้จักในศิลปะสมัยโบราณและยุคกลาง แต่ภาพนิ่งชิ้นแรกในการวาดภาพขาตั้งถือเป็นภาพวาดของศิลปินจากเวนิส Jacopo de Barbari นกกระทากับลูกศรและถุงมือ(1504, มิวนิก, Alte Pinakothek) แล้วในศตวรรษที่ 16 หุ่นนิ่งแบ่งออกเป็นหลายประเภท: การตกแต่งภายในห้องครัวที่มีหรือไม่มีคน โต๊ะชุดในชนบท "วานิทัส" ที่มีวัตถุสัญลักษณ์ (แจกันดอกไม้ เทียนดับ เครื่องดนตรี) ในศตวรรษที่ 17 ประเภทของหุ่นนิ่งกำลังเฟื่องฟู: ความยิ่งใหญ่ของภาพวาดของ F. Snyders ( ยังมีชีวิตอยู่กับหงส์, มอสโก, พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์แห่งรัฐพุชกิน), F. Zurbaran ผู้แต่งเรียงความเรียบง่ายจากวัตถุสองสามชิ้น ( ยังมีชีวิตอยู่กับเรือสี่ลำ, 1632–1634, มาดริด, ปราโด) หุ่นนิ่งของชาวดัตช์มีความสมบูรณ์เป็นพิเศษ มีสีเรียบง่ายและในสิ่งที่พรรณนา แต่งดงามในพื้นผิวที่แสดงออกของวัตถุในการเล่นสีและแสง (P. Klas, V. Heda, V. Kalf, A. Beyeren) . ในศตวรรษที่ 18 ในหุ่นนิ่งที่พูดน้อยของ J.B. Chardin คุณค่าและศักดิ์ศรีที่ซ่อนอยู่ในชีวิตประจำวันได้รับการยืนยัน: คุณสมบัติของศิลปะ(พ.ศ. 2309 เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก อาศรม) สิ่งมีชีวิตในศตวรรษที่ 19 มีความหลากหลาย: ผลกระทบทางสังคมในภาพวาดของ O. Daumier; ความโปร่งใสความโปร่งสบายในภาพวาดของ E. Manet; ความยิ่งใหญ่ ความสร้างสรรค์ การสร้างแบบจำลองที่แม่นยำด้วยสี โดย P. Cezanne ในศตวรรษที่ 20 ความเป็นไปได้ใหม่สำหรับสิ่งมีชีวิตกำลังเปิดขึ้น: P. Picasso, J. Braque ทำให้หัวข้อนี้เป็นวัตถุหลักของการทดลองทางศิลปะ ศึกษาและวิเคราะห์โครงสร้างทางเรขาคณิตของมัน

ประเภทของวิจิตรศิลป์ที่แสดงสัตว์เรียกว่า ประเภทสัตว์(จาก lat. สัตว์ - สัตว์) ศิลปินสัตว์ให้ความสนใจกับลักษณะทางศิลปะและอุปมาอุปไมยของสัตว์นิสัยของมันการตกแต่งแสดงออกของร่างและภาพเงา สัตว์มักมีลักษณะ การกระทำ และประสบการณ์ที่มีอยู่ในตัวมนุษย์ ภาพสัตว์มักพบในประติมากรรมโบราณและภาพวาดแจกัน

นีน่า บายอร์

วรรณกรรม:

ซูซดาเลฟ พี. เกี่ยวกับประเภทของการวาดภาพ– นิตยสาร “ความคิดสร้างสรรค์”, พ.ศ. 2507, ฉบับที่ 2, 3
ประวัติศาสตร์ศิลปะต่างประเทศม., วิจิตรศิลป์, 2527
วิปเปอร์ บี.อาร์. ความรู้เบื้องต้นเกี่ยวกับการศึกษาประวัติศาสตร์ศิลปะม., วิจิตรศิลป์, 2528
ประวัติศาสตร์ศิลปะโลกบีเอ็มเอ็ม เจเอสซี ม. 2541



สไตล์เป็นที่เข้าใจกันว่าเป็นรูปแบบที่ซับซ้อนของเทคนิคการมองเห็นและวิธีการแสดงออกที่ระบุถึงความคิดริเริ่มทางศิลปะของปรากฏการณ์ทางศิลปะ คำว่า สไตล์ มาจากภาษาละติน stilus จากภาษากรีก stylos แปลว่า "แท่งเขียนปลายแหลม" สไตล์ไม่เท่ากัน - บางสไตล์มีมานานหลายศตวรรษ และบางสไตล์มีความเกี่ยวข้องเพียงไม่กี่ปี การแบ่งความคิดสร้างสรรค์ของศิลปินออกเป็นสไตล์หรือทิศทางเป็นไปตามเงื่อนไข สิ่งนี้เกิดขึ้นเนื่องจากไม่สามารถกำหนดขอบเขตของสไตล์ใดสไตล์หนึ่งได้อย่างชัดเจน จำนวนสไตล์และประเภทไม่ใช่ปริมาณคงที่ ความเคลื่อนไหว การเปลี่ยนแปลง และการพัฒนาเกิดขึ้นอย่างต่อเนื่อง มีความหลากหลายจนแทบไม่สิ้นสุด

ลัทธินามธรรม

วี.วี. Kandinsky "เส้นโค้งที่โดดเด่น"

Abstractionism (จากภาษาละติน abstractio - การกำจัด, การเบี่ยงเบนความสนใจ) เป็นทิศทางในการวาดภาพที่โดดเด่นด้วยการปฏิเสธความปรารถนาที่จะนำวัตถุที่ปรากฎให้ใกล้กับรูปแบบของโลกแห่งวัตถุประสงค์ที่แท้จริงมากที่สุด Abstractionism เรียกอีกอย่างว่า "ศิลปะภายใต้สัญลักษณ์ของ" รูปแบบที่เป็นศูนย์", "ศิลปะที่ไม่มีวัตถุประสงค์", "ศิลปะที่ไม่เป็นรูปเป็นร่าง", "ไม่เป็นกลาง" นามธรรมนิยมเป็นการเคลื่อนไหวที่เกิดขึ้นในยุค 10 ศตวรรษที่ 20 และเป็นการแสดงออกถึงความทันสมัยอย่างที่สุด ศิลปินในขบวนการนี้ใช้เฉพาะองค์ประกอบที่เป็นทางการเท่านั้นในการสร้างสรรค์ผลงาน เช่น เส้น จุดสี องค์ประกอบต่างๆ ในศตวรรษที่ยี่สิบในรัสเซียตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของศิลปะนามธรรมคือ V. Kandinsky, Kazimir Malevich (ผู้เขียนภาพวาดที่มีชื่อเสียงมาก "Black Square") รวมถึงผู้สร้าง Suprematism และ Mikhail Fedorovich Larionov ซึ่งเป็นผู้ก่อตั้ง ของการเคลื่อนไหวดังกล่าว เช่น "เรยอนนิสม์"(พ.ศ. 2453-2455 ศตวรรษที่ XX)

ม.ฟ. Larionov "เส้นเรืองแสง"

จากตำแหน่ง เรยอนนิยมจุดประสงค์ของการวาดภาพไม่ใช่เพื่อพรรณนาถึงวัตถุ แต่เป็นรังสีสีที่สะท้อนจากวัตถุเหล่านั้นเพราะว่า นี่เป็นสิ่งที่ใกล้เคียงที่สุดกับการมองเห็นวัตถุด้วยตามนุษย์ ผู้ทำงานในลัทธิเรยอน: Mikhail Le-Dantu, N.S. Goncharova, S.M. , Romanovich

เปรี้ยวจี๊ด

Avant-garde (จากภาษาฝรั่งเศส avant-gardisme, จาก avant-garde - vanguard) เป็นชุดของขบวนการทางศิลปะที่โดดเด่นด้วยการดูถูกดูแคลนและการแตกหักกับหลักการและประเพณีแห่งความคิดสร้างสรรค์ที่มีอยู่แล้ว การค้นหารูปแบบใหม่ของการแสดงออกอย่างต่อเนื่อง และ การยกระดับนวัตกรรมไปสู่อันดับคุณค่าที่สำคัญที่สุด คำว่า "เปรี้ยวจี๊ด" ปรากฏในยุค 20 ศตวรรษที่ XX และก่อตั้งตัวเองในที่สุดในยุค 50 ในช่วงเวลาต่างๆ การเคลื่อนไหวต่างๆ ถูกจัดอยู่ในประเภทเปรี้ยวจี๊ด (ลัทธิคิวบิสม์ ลัทธิอนาคตนิยม ลัทธิแสดงออก ลัทธิดาดานิยม ลัทธิเหนือจริง ฯลฯ)

วิชาการ

K. Bryullov "นักขี่ม้า"

วิชาการ (จากนักวิชาการชาวฝรั่งเศส) เป็นทิศทางในการวาดภาพที่โดดเด่นด้วยการยกระดับไปสู่การปฏิบัติตามหลักการบางข้อในอุดมคติและเข้มงวด ทิศนี้มีความโดดเด่นในภาพวาดของศตวรรษที่ 16-19 เมื่อบรรทัดฐานของโรงเรียนศิลปะใด ๆ ได้รับการยกระดับให้เป็นมาตรฐานซึ่งเป็นแบบอย่างสำหรับผู้อื่น ในด้านหนึ่ง วิชาการมีส่วนช่วยในการนำการศึกษาศิลปะเข้าสู่ระบบและบูรณาการประเพณี ในทางกลับกัน มันกลายเป็นระบบ "ใบสั่งยา" ที่ไม่มีที่สิ้นสุด นักวิชาการเข้าใจศิลปะสมัยโบราณและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของอิตาลีเป็นพื้นฐานของงาน ตัวอย่างเช่น เมื่อเรียนที่สถาบันศิลปะ จำเป็นต้องทำวิทยานิพนธ์ในหัวข้อเกี่ยวกับตำนาน ประวัติศาสตร์ หรือพระคัมภีร์ ไม่อนุญาตให้เลือกหัวข้ออื่นซึ่งทำให้เกิดช่องว่างที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ระหว่างความเป็นจริงของชีวิตและศิลปะ การประท้วงของศิลปินที่ต่อต้านการปฏิบัติตามหลักคำสอนที่มีอยู่ค่อยๆ นำไปสู่ความจริงที่ว่าคำว่า "วิชาการ" มีความหมายเชิงลบ

ลัทธิกระทำนิยม

Actionism (จากศิลปะการกระทำภาษาอังกฤษ - ศิลปะแห่งการกระทำ) เป็นการกำกับศิลปะที่โดดเด่นด้วยการหันเหความสนใจของผู้ชมจากผลงานไปสู่กระบวนการสร้างสรรค์ งานที่เกิดขึ้น การแสดง งานกิจกรรม ศิลปะกระบวนการ ศิลปะสาธิต และรูปแบบศิลปะอื่นๆ อีกจำนวนหนึ่งนั้นใกล้เคียงกับลัทธิแอ็คชั่นนิยม Actionism เกิดขึ้นในยุค 60 ศตวรรษที่ XX Actionism พยายามที่จะลบเส้นแบ่งระหว่างศิลปะและความเป็นจริง โดยให้ผู้ชม/ศิลปินมีส่วนร่วมในการกระทำบางอย่าง

สไตล์เอ็มไพร์

เจ.แอล. เดวิด "คำสาบานของ Horatii"

จักรวรรดิ (จักรวรรดิฝรั่งเศส - จักรวรรดิจากละตินจักรวรรดิ - คำสั่งอำนาจ) - สาระสำคัญของทิศทางศิลปะนี้สะท้อนให้เห็นในชื่อ โดดเด่นด้วยการแสดงภาพเขียนถึงอำนาจและความแข็งแกร่งของกองทัพ ความยิ่งใหญ่ของรัฐ สิ่งนี้สามารถทำได้โดยการหันไปใช้รูปแบบการตกแต่งของอียิปต์โบราณ (ถ้วยรางวัลทางทหาร สฟิงซ์มีปีก) แจกันอีทรัสคัน ภาพวาดปอมเปอี การตกแต่งแบบกรีกและโรมัน จิตรกรรมฝาผนังและเครื่องประดับยุคเรอเนซองส์ สไตล์เอ็มไพร์ปรากฏชัดเจนที่สุดในสถาปัตยกรรม รูปแบบจักรวรรดิมีต้นกำเนิดในฝรั่งเศสเมื่อต้นศตวรรษที่ 19 ในสมัยจักรวรรดิที่ 1 ของนโปเลียน โบนาปาร์ต สไตล์เอ็มไพร์เป็นตอนจบของการพัฒนาความคลาสสิค เช่นเดียวกับลัทธิคลาสสิก สไตล์เอ็มไพร์ปฏิบัติตามหลักคำสอนอย่างเคร่งครัด แต่มีคุณสมบัติหลายประการ: สไตล์เอ็มไพร์โดดเด่นด้วยการใช้สีสดใส - แดง, น้ำเงิน, ขาวและทอง; องค์ประกอบของภาพวาดถูกสร้างขึ้น (ตามกฎ) บนความแตกต่างของพื้นผิวสีเดียวของการตกแต่งภายในจานและการตกแต่งที่เรียบง่ายซึ่งตั้งอยู่ในสถานที่ที่กำหนดอย่างเคร่งครัดในขณะที่แนวคลาสสิกขอบเขตของการตกแต่งภายในจะเบลอ สไตล์เอ็มไพร์นั้นยากและเย็นชา เขาโดดเด่นด้วยความยิ่งใหญ่และความพูดน้อย ลวดลายตกแต่งในสไตล์จักรวรรดิประกอบด้วยองค์ประกอบยุทโธปกรณ์ทางทหารของโรมันโบราณเป็นส่วนใหญ่ ได้แก่ ตรากองทหารที่มีนกอินทรี มัดหอก โล่ มัดลูกธนู และขวานของผู้ประกาศข่าว

ใต้ดิน

L. Kropivnitsky “ ข้อโต้แย้งที่หักล้างไม่ได้”

ใต้ดิน (จากภาษาอังกฤษใต้ดิน - ใต้ดิน, ดันเจี้ยน) เป็นทิศทางในงานศิลปะที่โดดเด่นด้วยการต่อต้านวัฒนธรรมมวลชนข้อ จำกัด และอนุสัญญาที่มีอยู่ การละเมิดบรรทัดฐานที่ยอมรับโดยเจตนา รถไฟใต้ดินเกิดขึ้นในสหรัฐอเมริกาในช่วงปลายทศวรรษที่ 50 ศตวรรษที่ XX ในสมัยโซเวียต แนวคิดเรื่อง "ใต้ดิน" รวมถึงงานศิลปะที่ไม่เป็นทางการเกือบทั้งหมด (ไม่ได้รับการอนุมัติจากทางการ) ประเด็นสำคัญที่มักปรากฏในผลงานสไตล์นี้คือ "การปฏิวัติทางเพศ" ยาเสพติด และปัญหาของกลุ่มคนชายขอบ หลังจากการล่มสลายของสหภาพโซเวียตและการยกเลิกคำสั่งห้ามเสรีภาพในการสร้างสรรค์ ใต้ดินก็สูญเสียความเกี่ยวข้องและสาระสำคัญไป

อาร์ตเดโค

T. de Lempicke “Kizette บนระเบียง”

อาร์ตเดโคหรืออาร์ตเดโค (จากอาร์ตเดโคฝรั่งเศส ย่อมาจาก decoratif แปลว่า "ศิลปะการตกแต่ง") เป็นสไตล์ผสมผสานที่เป็นส่วนผสมของกระแสต่างๆ เช่น สมัยใหม่ นีโอคลาสซิซิสซึ่ม เช่นเดียวกับลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม ลัทธิอนาคตนิยม และลัทธิคอนสตรัคติวิสต์ คุณสมบัติลักษณะ: จานสีที่หลากหลาย, หรูหรา, เก๋ไก๋, เครื่องประดับมากมาย, รูปแบบดังต่อไปนี้, แต่ในขณะเดียวกันก็ใช้รูปทรงเรขาคณิตที่เป็นตัวหนา, การผสมผสานที่ผิดปกติของวัสดุราคาแพงและแปลกใหม่ (งาช้าง, หนังจระเข้, เงิน, สีดำ - ไม้มะเกลือ , หอยมุก, เพชร, หนัง Shagreen หรือแม้แต่หนังจิ้งจก) มักมีการแสดงสิ่งมีชีวิตที่น่าอัศจรรย์และผู้หญิงผิวซีดที่อิดโรยและมีผมสลวย ภาพวาดที่วาดในสไตล์อาร์ตเดโคมีกลิ่นของความเหนื่อยล้าและความเต็มอิ่ม สไตล์อาร์ตเดโคมีต้นกำเนิดในฝรั่งเศสในช่วงทศวรรษปี ค.ศ. 1920 ศตวรรษที่ XX ต่อมาแพร่กระจายไปทั่วโลก (ภายในทศวรรษที่ 40) อาร์ตเดโคถูกเรียกว่าเป็นสไตล์ศิลปะสุดท้ายที่ “เชื่อมโยงสิ่งที่เข้ากันไม่ได้”

พิสดาร

พี.พี. Rubens "ภาพเหมือนของ Marchioness Brigitte Spinola Doria"

บาร็อคเป็นการเคลื่อนไหวในงานศิลปะที่โดดเด่นด้วยรายละเอียดการตกแต่งมากมาย เอิกเกริก ความยิ่งใหญ่ คอนทราสต์ (แสง เงา วัสดุ สเกล) ความหนักหน่วง ความใหญ่โตเมื่อสร้างผลงาน ประวัติความเป็นมาของคำนี้สมควรได้รับความสนใจเป็นพิเศษเพราะว่า ยังไม่ชัดเจนว่าชื่อของสไตล์นี้มาจากคำใด คำว่า "บาโรก" ในภาษาโปรตุเกสถูกใช้โดยกะลาสีเรือเป็นชื่อของไข่มุกที่มีรูปร่างแปลกประหลาดและบิดเบี้ยว (perola barroca) ต่อมาในช่วงกลางศตวรรษที่ 16 คำนี้ถูกยืมโดยชาวอิตาลีและกลายเป็นคำพ้องกับคำหยาบคาย เท็จ และเงอะงะ คำภาษาฝรั่งเศส "baroquer" สำหรับนักอัญมณีหมายถึง "การทำให้โครงร่างดูอ่อนลง ทำให้รูปทรงดูงดงามยิ่งขึ้น"; และในปี ค.ศ. 1718 คำนี้ปรากฏในพจนานุกรมภาษาฝรั่งเศสและถูกตีความว่าเป็นคำที่ไม่เหมาะสม ด้วยเหตุนี้พวกเขาจึงปฏิเสธที่จะใช้คำนี้เป็นชื่อสไตล์ในงานศิลปะมาเป็นเวลานาน สไตล์บาโรกนั้นถือกำเนิดขึ้นราวปี ค.ศ. 1600 ในอิตาลีและโรม ต่อมาได้แพร่กระจายไปทั่วยุโรป และกลายเป็นหนึ่งในรูปแบบที่โดดเด่นในด้านสถาปัตยกรรมและศิลปะของประเทศในยุโรปในช่วงปลายศตวรรษที่ 16 - กลางศตวรรษที่ 18 ตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของการวาดภาพสไตล์บาโรกคือ P. Rubens และ M. Caravaggio

ความจริง

G. Fattori “การต่อสู้ที่มอนเตเนโบล”

Verism (จากภาษาอิตาลี il verismo จากคำว่า vero - จริง ความจริง) เป็นทิศทางในงานศิลปะที่โดดเด่นด้วยความปรารถนาที่จะถ่ายทอดความจริงของเหตุการณ์ที่อธิบายไว้อย่างเต็มที่ที่สุด คำนี้เกิดขึ้นในศตวรรษที่ 17 และใช้เพื่อระบุการเคลื่อนไหวที่สมจริงในการวาดภาพสไตล์บาโรก ต่อมา (ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19) คำนี้มีความหมายที่แตกต่างออกไป ซึ่งสะท้อนถึงความปรารถนาไม่ใช่เพื่อความสมจริง แต่เพื่อความเป็นธรรมชาติ

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาหรือยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการหรือยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา (จากยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาฝรั่งเศส, Rinascimentom ของอิตาลี - การฟื้นฟู) เป็นหนึ่งในพื้นที่ที่สำคัญที่สุดของศิลปะโดยมีลักษณะเป็นมานุษยวิทยา (ความสนใจในมนุษย์และกิจกรรมของเขา) ธรรมชาติของวัฒนธรรมทางโลกโลกทัศน์ที่เห็นอกเห็นใจดึงดูดใจ มรดกทางวัฒนธรรมโบราณ (เช่น มี "การเกิดใหม่") มันค่อนข้างยากที่จะสร้างกรอบตามลำดับเวลาของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา: ในอิตาลีในศตวรรษที่ XIV-XVI ในประเทศอื่น ๆ - ศตวรรษที่ XV-XVI ศิลปินยังคงหันไปใช้ธีมทางศาสนาแบบดั้งเดิม แต่ในขณะเดียวกันพวกเขาก็เริ่มใช้เทคนิคทางศิลปะใหม่ๆ บนผืนผ้าใบ: การสร้างองค์ประกอบสามมิติ โดยใช้ทิวทัศน์ในพื้นหลัง วิธีนี้ช่วยให้คุณได้ภาพที่มีความสมจริงมากขึ้น “ทำให้ภาพดูมีชีวิตชีวา” ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยามีลักษณะเฉพาะคือการเปลี่ยนแปลงในวัฒนธรรมของสังคมโดยรวมที่เกี่ยวข้องกับการวางแนวและเนื้อหาของศิลปะ มนุษย์และโลกรอบตัวเขาได้รับการยืนยันว่าเป็นคุณค่าสูงสุด ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยามีผลกระทบอย่างมากต่อการพัฒนาศิลปะยุโรปในเวลาต่อมาทั้งหมด

โกธิค

หน้าต่างกระจกสี “The Virgin and Child” ของอาสนวิหารชาตร์ สร้างโดย มากถึง 1200

โกธิค (จากอิตาลี gotico - ผิดปกติและป่าเถื่อน) เป็นการเคลื่อนไหวที่เกิดขึ้นในกลางศตวรรษที่ 12 โดดเด่นด้วยการเชื่อมโยงทางอินทรีย์ระหว่างวิจิตรศิลป์และสถาปัตยกรรมและการออกแบบตกแต่งภายในความซับซ้อนและความสมบูรณ์ขององค์ประกอบจิตวิญญาณและความซับซ้อนของภาพ ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ศิลปะในยุคกลางนี้ถือเป็น "ป่าเถื่อน" ศิลปะกอทิกเป็นศิลปะที่มีจุดมุ่งหมายและมีเนื้อหาทางศาสนา โกธิคในการพัฒนาแบ่งออกเป็น โกธิคตอนต้น, รุ่งเรือง , โกธิคตอนปลาย มหาวิหารยุโรปที่มีชื่อเสียงซึ่งนักท่องเที่ยวชื่นชอบการถ่ายภาพอย่างละเอียดได้กลายเป็นผลงานชิ้นเอกของสไตล์โกธิค ในการออกแบบตกแต่งภายใน มหาวิหารกอธิคโซลูชั่นสีมีบทบาทสำคัญ ในกลางแจ้งและ การตกแต่งภายในมีการปิดทองอยู่มากมาย ความส่องสว่างของการตกแต่งภายใน งานฉลุของผนัง และการแยกช่องว่างของผลึก ตัวอย่างที่ดีที่สุดหน้าต่างกระจกสีสไตล์โกธิกแท้มีให้ชมในมหาวิหารแห่งชาร์ตร์ บูร์ช และปารีส

ลัทธิดาดาหรือดาด้า

F. Picabia “ขบวนพาเหรดแห่งความรัก”

Dadaism หรือ Dada คือการเคลื่อนไหวทางศิลปะที่โดดเด่นด้วยการปฏิเสธหลักการ มาตรฐานศิลปะ ความไม่เป็นระบบและความผิดหวัง และความไร้เหตุผล Dadaism เกิดขึ้นในประเทศสวิตเซอร์แลนด์เพื่อตอบสนองต่อบุคคลที่มีความคิดสร้างสรรค์ต่อสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง สวิตเซอร์แลนด์รักษาความเป็นกลาง และศิลปินสามารถสังเกตชีวิตของผู้ลี้ภัยและผู้ละทิ้งถิ่นฐานได้ แนวคิดหลักของ Dadaism คือการทำลายสุนทรียภาพทั้งหมดอย่างต่อเนื่อง คำอธิบายสำหรับเรื่องนี้ก็คือ พวกดาดาอิสต์เชื่อว่าเหตุผลและตรรกะเป็นสาเหตุของสงครามและความขัดแย้ง ในงานของพวกเขาพวกเขาได้ทำลายและละทิ้งสุนทรียภาพและบรรทัดฐานที่ยอมรับในการประท้วงต่อต้านสิ่งนี้ คำว่า "Dadaism" มาจากคำว่า "dada" ซึ่งมีความหมายหลายประการ: หางของวัวศักดิ์สิทธิ์; แม่, ม้าไม้สำหรับเด็ก, คำสั่งสองเท่าใน (รัสเซียและโรมาเนีย); เช่นเดียวกับการพูดคุยของทารก โดยทั่วไปแล้วมันเป็นสิ่งที่ไม่มีความหมายซึ่งสะท้อนถึงแก่นแท้ของสไตล์นี้ รูปแบบทั่วไปของความคิดสร้างสรรค์ของ Dadaist คือภาพต่อกัน สไตล์นี้หมดไปอย่างรวดเร็ว แต่มีอิทธิพลอย่างมากต่อการพัฒนางานศิลปะ เชื่อกันว่า Dadaism เป็นบรรพบุรุษของสถิตยศาสตร์

ความเสื่อมโทรม

Decadence (จากภาษาฝรั่งเศส décadence, décadentisme - การปฏิเสธ, ความเสื่อมโทรม) เป็นชื่อเรียกรวมของปรากฏการณ์ทางศิลปะที่เกิดจากวิกฤตของแนวคิดและค่านิยมดั้งเดิม แพร่หลายในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 คุณสมบัติลักษณะ: อารมณ์ของความสิ้นหวัง, การมองโลกในแง่ร้าย, การปฏิเสธอุดมคติและคุณค่าทางจิตวิญญาณที่สร้างขึ้นในอดีต, การปฏิเสธความเป็นจริงในชีวิตประจำวัน, ความไร้เหตุผลขั้นพื้นฐาน, แนวโน้มไปสู่การไร้เหตุผลและเวทย์มนต์, ความปรารถนาที่คลุมเครือสำหรับอุดมคติที่แปลกประหลาด, ความสับสนโดยเจตนาและความลึกลับของภาพ, แรงจูงใจของ ความสงสัยและความสิ้นหวัง ความสนใจในเรื่องกามารมณ์ ความสนใจอย่างใกล้ชิดกับหัวข้อความตาย ผู้เสื่อมโทรมเรียกร้องให้มีการสร้างสรรค์รูปแบบใหม่ๆ ในงานศิลปะ โดยไม่ต้องเสนอมาตรการและแนวคิดเฉพาะเจาะจง พื้นฐานทางปรัชญาคือแนวคิดของ A. Schopenhauer, F. Nietzsche, E. Hartmann, M. Nordau

อิมเพรสชันนิสม์

อิมเพรสชันนิสม์ (ฝรั่งเศส: Impressionnisme จาก Impression) เป็นการกำกับทางศิลปะที่มีลักษณะเฉพาะด้วยความปรารถนาที่จะจับภาพความงามของโลกแห่งความเป็นจริง "ตามที่เป็นอยู่" เพื่อถ่ายทอดความแปรปรวนของมัน และเพื่อสะท้อนความประทับใจที่เกิดขึ้นเพียงชั่วครู่ อิมเพรสชันนิสม์มีต้นกำเนิดในฝรั่งเศส ช่วงเวลาของการดำรงอยู่สามารถสังเกตได้ว่าเป็นช่วงที่สามของศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 คำว่า "อิมเพรสชันนิสม์" นั้นถูกใช้ครั้งแรกโดยนักวิจารณ์แอล. เลอรอย ซึ่งพูดอย่างดูถูกเหยียดหยามเกี่ยวกับนิทรรศการของศิลปินในปี พ.ศ. 2417 รวมถึง "อิมเพรสชั่นนิสต์" ของซี. โมเนต์ พระอาทิตย์ขึ้น. - อิมเพรสชั่นนิสต์ในผลงานของพวกเขาพยายามที่จะถ่ายทอดความสดใหม่ของการรับรู้ของชีวิต พรรณนาถึงสถานการณ์ชั่วขณะ ที่ถูกพรากจากกระแสแห่งความเป็นจริง และความหลงใหลอันแรงกล้า

ไฮไลท์ นีโออิมเพรสชั่นนิสม์(นีโออิมเพรสชั่นนิสม์ของฝรั่งเศส) และ โพสต์อิมเพรสชั่นนิสต์(จากภาษาละตินโพสต์ - หลัง และอิมเพรสชั่นนิสม์) นีโออิมเพรสชั่นนิสม์เกิดขึ้นในฝรั่งเศสราวปี พ.ศ. 2428 ลักษณะเฉพาะคือการประยุกต์ในงานศิลปะ ความสำเร็จล่าสุดในสาขาทัศนศาสตร์ โพสต์อิมเพรสชันนิสม์เป็นชื่อรวมของการเคลื่อนไหวในการวาดภาพ ลักษณะเฉพาะของมันคือการค้นหาวิธีการแสดงไม่เพียง แต่ช่วงเวลาของชีวิตที่เฉพาะเจาะจงเท่านั้น แต่ยังเข้าใจถึงสถานะระยะยาวของโลกโดยรอบด้วย

ลัทธิคลาสสิก

N. Poussin “แรงบันดาลใจของกวี”

Classicism (มาจากภาษาละติน classicus - exemplary) คือการเคลื่อนไหวทางศิลปะที่โดดเด่นด้วยการดึงดูดมรดกโบราณให้เป็นมาตรฐานในการปฏิบัติตาม คุณค่าที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของความคลาสสิกคือความคงอยู่ชั่วนิรันดร์และไม่เปลี่ยนแปลง ลักษณะเฉพาะของแต่ละคนจะค่อยๆ จางหายไปในเบื้องหลัง ผลงานถูกสร้างขึ้นบนพื้นฐานของศีล (ในแบบคลาสสิกที่การแบ่งประเภทเป็น "สูง" และ "ต่ำ" ปรากฏขึ้นในขณะที่ไม่อนุญาตให้ผสมกัน) เพื่อถ่ายทอดตรรกะและความสมบูรณ์แบบของจักรวาลทั้งหมด อุดมการณ์ของลัทธิคลาสสิกให้ความสำคัญอย่างยิ่งต่อหน้าที่ทางสังคมและการศึกษาของศิลปะ คุณสมบัติที่เป็นลักษณะเฉพาะของลัทธิคลาสสิค: ความกลมกลืน, ระเบียบ, ตรรกะ, ความชัดเจน, ความชัดเจนพลาสติกของโครงสร้างภาพ, การสะท้อนของธีมของธรรมชาติ, เหนือกาลเวลา, ดึงดูดใจธีมของชีวิตมนุษย์และประวัติศาสตร์ ลัทธิคลาสสิกแสดงออกมาในผลงานของศิลปินแห่งศตวรรษที่ 17 - ต้นศตวรรษที่ 19 เมื่อเวลาผ่านไป ลัทธิคลาสสิกก็กลายเป็นลัทธิวิชาการ

ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม

พี. ปิกัสโซ "เลส์ เดมัวแซล ดาวีญง"

Cubism (จาก Cubisme ฝรั่งเศสจาก cube - cube) เป็นทิศทางในการวาดภาพที่โดดเด่นด้วยความปรารถนาที่จะพรรณนาวัตถุแห่งความเป็นจริงผ่านรูปทรงเรขาคณิต - เส้นตรง, ขอบ, รูปร่างคล้ายลูกบาศก์, ระนาบที่ตัดกัน ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมเริ่มขึ้นในปี 1910 เป็นที่น่าสังเกตว่าเดิมทีคำว่า "นักเขียนภาพแบบเหลี่ยม" ถูกใช้โดยนักวิจารณ์ชาวฝรั่งเศสที่เกี่ยวข้องกับศิลปินเป็นการเยาะเย้ย ตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของ Cubism คือ P. Picasso และ J. Braque

มารยาท

Mannerism (จากภาษาอิตาลี maniera, ลักษณะ) คือการเคลื่อนไหวในงานศิลปะที่โดดเด่นด้วยการขาดความกลมกลืนระหว่างร่างกายและจิตวิญญาณ ธรรมชาติและมนุษย์ ศิลปินให้ความสำคัญกับความเป็นพลาสติก ความเย้ายวน และการแสดงออกมากเกินไป รูปภาพในภาพวาดนั้น "สวยงามเกินไป" วัตถุนั้นยาวขึ้น ยาวขึ้น หรือในทางกลับกัน Mannerism (จากภาษาอิตาลี manierismo จาก maniera - ลักษณะ สไตล์) เป็นสไตล์ในงานศิลปะที่มีพื้นฐานมาจากการผสมผสานของท่าทางของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่หรือโรงเรียนสอนศิลปะบางแห่ง กรอบลำดับเวลาของกิริยานิยมคือศตวรรษที่ 16 จนถึงช่วงที่สามแรกของศตวรรษที่ 17 นักวิจัยบางคนพิจารณาว่าลักษณะท่าทางเป็นการเปลี่ยนจากยุคเรอเนซองส์ไปสู่ยุคบาโรก โดยเรียกลักษณะนิยมว่าเป็นช่วงแรกของยุคบาโรก

อาร์ตนูโวหรืออาร์ตนูโว

ก. มูชา “นักษัตร”

อาร์ตนูโวหรืออาร์ตนูโว (หรืออาร์ตนูโวด้วย) (จากอาร์ตนูโวฝรั่งเศส แปลว่า “ศิลปะใหม่”) อาร์ตนูโวมีต้นกำเนิดมาจากกระจกสี ซึ่งเป็นชื่อของร้านในปารีสที่จำหน่ายกระจกสี ซึ่งต่อมาได้รับความนิยมอย่างมาก คำพ้องความหมายสำหรับ Art Nouveau คือ Art Nouveau (เยอรมัน), Secession (ออสเตรีย), Liberty (อิตาลี), Modernisimo (สเปน) ทิศทางเหล่านี้อยู่ใกล้กันมากดังนั้นเราจึงสังเกตคุณสมบัติที่เด่นชัดที่สุด: การใช้คดเคี้ยวเส้นเรียบการตกแต่ง "ความเป็นธรรมชาติ" - ลวดลายทางธรรมชาติและพืชที่มีอยู่มากมาย (ดอกบัว, ลิลลี่, ปลาหมึกยักษ์, ผีเสื้อ, แมลงปอ) , การยึดมั่นในความสามัคคีของโวหาร, การรวมกันของพื้นผิวและวัสดุต่างๆ สไตล์นี้เกิดขึ้นในปี พ.ศ. 2423-2443 และได้รับความนิยมในยุโรปและอเมริกา แต่ไม่นานนัก สไตล์นี้ได้รับ "ลมที่สอง" ในยุค 50 ของศตวรรษที่ยี่สิบ

ลัทธิธรรมชาตินิยม

C. Meunier “การกลับมาจากเหมือง”

ลัทธินิยมนิยม (Naturalism ของฝรั่งเศสจากภาษาละติน natura - ธรรมชาติ) เป็นทิศทางในงานศิลปะที่โดดเด่นด้วยความปรารถนาที่จะพรรณนาถึงความเป็นจริงอย่างเป็นกลางโดยไม่มีการตกแต่งและข้อห้าม ตัวแทนของทิศทางนี้เริ่มต้นจากแนวคิดเกี่ยวกับการกำหนดชะตากรรมล่วงหน้าอย่างสมบูรณ์การพึ่งพาโลกแห่งจิตวิญญาณของบุคคลในสภาพแวดล้อมทางสังคมและแสดงความสนใจเพิ่มขึ้นในด้านชีววิทยาของชีวิตซึ่งนำไปสู่การแสดงอย่างตรงไปตรงมาของอาการทางสรีรวิทยาของ บุคคล, โรคของเขา, ฉากความรุนแรงและความโหดร้าย ลัทธินิยมนิยมเกิดขึ้นในช่วงสามสุดท้ายของศตวรรษที่ 19 ในยุโรปและสหรัฐอเมริกา ลัทธิธรรมชาตินิยมมีลักษณะพิเศษคือการปฏิเสธลักษณะทั่วไป ความสนใจในการพรรณนาถึง "จุดต่ำสุดทางสังคม" และการทำซ้ำความเป็นจริงโดยปราศจากความเข้าใจ การประเมิน และการคัดเลือกทางอุดมการณ์

ศิลปะป๊อป

ศิลปะป๊อป (จากป๊อปอาร์ตภาษาอังกฤษย่อมาจากศิลปะยอดนิยม - ศิลปะยอดนิยมและเข้าถึงได้สาธารณะ ความหมายที่สองของคำนั้นเกี่ยวข้องกับป๊อปอังกฤษสร้างคำเลียนเสียง - การระเบิดอย่างกะทันหัน, ตบมือ, ตบ, เช่นสร้างเอฟเฟกต์ที่น่าตกใจ) - ทิศทาง ในการวาดภาพซึ่งแพร่หลายในสหรัฐอเมริกาและอังกฤษในทศวรรษ 1950 โดดเด่นด้วยการมีส่วนร่วมและการเปลี่ยนแปลงภาพลักษณ์ของวัฒนธรรมมวลชน ศิลปินป๊อปอาร์ตตั้งเป้าหมายที่จะสะท้อน "ชีวิตอย่างที่มันเป็น" เพื่อสะท้อนความเป็นจริง และแหล่งที่มาของแรงบันดาลใจคือสื่อต่างๆ เช่น โฆษณา การ์ตูน ภาพยนตร์ แจ๊ส หนังสือพิมพ์และนิตยสาร ฯลฯ ศิลปะป๊อปจำเป็นต้องใช้สิ่งที่เป็นที่ยอมรับ แบบแผนและสัญลักษณ์

ความสมจริง

ความสมจริงเป็นทิศทางที่มีลักษณะเฉพาะด้วยความปรารถนาที่จะพรรณนาแก่นแท้ของปรากฏการณ์และวัตถุแห่งความเป็นจริงทั้งภายนอกและภายในด้วยความเป็นไปได้ความน่าเชื่อถือและความเที่ยงธรรมสูงสุด ขอบเขตของความสมจริงนั้นเบลอและไม่ได้กำหนดไว้อย่างชัดเจน ความสมจริงในความหมายแคบถือเป็นการเคลื่อนไหวทางศิลปะในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 คำว่า "ความสมจริง" ถูกใช้ครั้งแรกโดยนักวิจารณ์ชาวฝรั่งเศส J. Chanfleury ในช่วงทศวรรษที่ 50 ศตวรรษที่ 19 กำหนดศิลปะที่ต่อต้านแนวโรแมนติกและวิชาการ ความสมจริงไม่เพียงแพร่หลายในฝรั่งเศสเท่านั้น แต่ยังไกลเกินขอบเขตโดยได้รับชื่อของตัวเองในบางประเทศ: ในรัสเซีย - การท่องเที่ยวในอิตาลี - verismo Macchiaioli ในออสเตรเลีย - โรงเรียนไฮเดลเบิร์ก (T. Roberts, F. McCubbin) ในสหรัฐอเมริกา - โรงเรียนถังขยะ (E. Hopper) ความสมจริงคือการเคลื่อนไหวที่มีอยู่ยาวนานที่สุด

โรโคโค

F. Boucher "อ่างอาบน้ำของไดอาน่า"

Rococo (จากภาษาฝรั่งเศส rococo จาก rocaille, rocaille - ลวดลายตกแต่งในรูปทรงของเปลือกหอย) เป็นการกำกับศิลปะที่โดดเด่นด้วยอารมณ์แบบ hedonistic ความสง่างามความเบาและตัวละครที่ใกล้ชิดและเจ้าชู้ สไตล์โรโกโกเข้ามาแทนที่สไตล์บาโรกซึ่งเป็นความต่อเนื่องเชิงตรรกะและในขณะเดียวกันก็ตรงกันข้าม สิ่งที่บาโรกและโรโคโคมีเหมือนกันคือความปรารถนาที่จะมีรูปแบบที่สมบูรณ์

การวาดภาพในสไตล์โรโคโคนั้นมีการตกแต่งตามธรรมชาติโดยโดดเด่นด้วยความสง่างามของการเปลี่ยนสีและในขณะเดียวกันก็มีสีที่ "ซีดจาง" การสูญเสียความหมายที่เป็นอิสระของภาพของบุคคลในการวาดภาพและความโดดเด่นของภาพดังกล่าว ประเภทต่างๆ เช่น ทิวทัศน์และอภิบาล

กรอบลำดับเวลาของ Rococo คือช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 - ศตวรรษที่ 19 โรโกโกดำรงอยู่มาประมาณครึ่งศตวรรษและค่อยๆ ละทิ้งลัทธินีโอคลาสสิก

ยวนใจ

อี. เดลาครัวซ์ “เสรีภาพนำทางประชาชน”

ยวนใจ (จากภาษาฝรั่งเศสโรแมนติก) เป็นการเคลื่อนไหวที่มาแทนที่คลาสสิก โดดเด่นด้วยแนวคิดที่โดดเด่นของปัจเจกนิยมในภาพ (ตรงข้ามกับความงามในอุดมคติของนักคลาสสิก) และการถ่ายทอดความหลงใหล พรรณนาปรากฏการณ์ที่หายาก ไม่ธรรมดา และน่าอัศจรรย์ กรอบลำดับเวลาของแนวโรแมนติกคือจุดสิ้นสุดของศตวรรษที่ 18 - ต้นศตวรรษที่ 19 ยวนใจมีลักษณะเฉพาะคือความปรารถนาที่จะมีอิสรภาพและความไม่มีที่สิ้นสุดที่ไร้ขีดจำกัด ความคาดหวังในการต่ออายุ และการยกย่องอิสรภาพส่วนบุคคลและพลเมือง

ศิลปะกลายเป็นการสังเคราะห์หลักการของแนวโรแมนติกและ "ความสมจริงแบบเบอร์เกอร์" บีเดอร์ไมเออร์(ผลงานของ L. Richter, K. Spitzweg, M. von Schwind, F.G. Waldmüller.

ความรู้สึกอ่อนไหว

Sentimentalism (จากความรู้สึกอ่อนไหวของฝรั่งเศส, จากความรู้สึกอ่อนไหวของอังกฤษ - อ่อนไหว, จากความรู้สึกของฝรั่งเศส - ความรู้สึก) เป็นทิศทางที่มีคุณสมบัติลักษณะเฉพาะคือการทำให้อุดมคติของปิตาธิปไตยในชีวิตประจำวันลัทธิของความรู้สึกตามธรรมชาติความผิดหวังในอารยธรรมที่อาศัยเหตุผล J. J. Rousseau ถือเป็นนักอุดมการณ์แห่งความเห็นอกเห็นใจ สไตล์นี้เกิดขึ้นในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18

สัญลักษณ์นิยม

พี. บรูเกล “ชัยชนะแห่งความตาย”

Symbolism (จากสัญลักษณ์ภาษาฝรั่งเศส - เครื่องหมาย, เครื่องหมายระบุ) เป็นทิศทางในการวาดภาพโดยมีลักษณะการใช้คำใบ้ "การเสียดสี" ความลึกลับและสัญลักษณ์ในการวาดภาพ คำว่า "สัญลักษณ์" ในภาษากรีกโบราณหมายถึงเหรียญที่แบ่งออกเป็นสองส่วน ซึ่งผู้คนสามารถจดจำกันได้เมื่อพบกัน อย่างไรก็ตามต่อมาคำนี้กลายเป็นแนวคิดที่หลากหลายและกว้างขวาง สัญลักษณ์มีต้นกำเนิดในฝรั่งเศสในช่วงทศวรรษที่ 1870 และ 80 และมีความเจริญรุ่งเรืองสูงสุดใน ช่วงเปลี่ยนผ่านของศตวรรษที่ 19และศตวรรษที่ 20 สัญลักษณ์คำทำหน้าที่เป็นเครื่องหมายซึ่งเป็นภาพสากลที่มีความหมายจำนวนอนันต์ สัญลักษณ์เป็นความพยายามของบุคคลในการถ่ายทอดจิตวิญญาณนามธรรมของชีวิตเพื่อสัมผัสเหวที่อยู่นอกเหนือโลกที่มองเห็นได้

ลัทธิสุพรีมาติสต์

เค.เอส. มาเลวิช "จัตุรัสดำ"

Suprematism (จากภาษาละติน supremus - สูงที่สุด) เป็นการเคลื่อนไหวในศิลปะแนวหน้าในรัสเซีย ก่อตั้งขึ้นในช่วงครึ่งแรกของปี 1910 เค.เอส. มาเลวิช. เป็นศิลปะนามธรรมประเภทหนึ่ง ชื่อ "Suprematism" สื่อถึงความเป็นอันดับหนึ่ง ความเหนือกว่าของสีเหนือคุณสมบัติอื่นๆ ของการทาสี Suprematism โดดเด่นด้วยการรวมกันของระนาบหลายสีของรูปทรงเรขาคณิตที่ง่ายที่สุดโดยไม่มีความหมายของภาพซึ่งเป็นการรวมกันของรูปทรงเรขาคณิตหลายสีและขนาดแตกต่างกัน

สถิตยศาสตร์

เอส. ดาลี “เด็กภูมิรัฐศาสตร์”

สถิตยศาสตร์ (จากภาษาฝรั่งเศสสถิตยศาสตร์ lit. superrealism) เป็นทิศทางในการวาดภาพแหล่งที่มาของแรงบันดาลใจซึ่งเป็นขอบเขตของจิตใต้สำนึก (ความฝันภาพหลอน) สถิตยศาสตร์เกิดขึ้นในฝรั่งเศสในช่วงต้นทศวรรษที่ 20 ศตวรรษที่ XX ศิลปินใช้การผสมผสานระหว่างภาพที่เป็นธรรมชาติและการพาดพิงที่ขัดแย้งและไร้สาระ เสรีภาพและความไร้เหตุผลได้รับการประกาศให้เป็นค่านิยมหลัก ธีมที่ใช้บ่อยในงาน ได้แก่ เวทมนตร์ กามารมณ์ จิตใต้สำนึก และการประชด ศิลปินพยายามที่จะสร้างภาพวาดด้วยความแม่นยำในการถ่ายภาพ แต่ในขณะเดียวกันภาพก็กลายเป็นเรื่องไร้เหตุผลและน่ารังเกียจ หรือใช้เทคนิคการวาดภาพแหวกแนวเพื่อช่วยถ่ายทอดจิตใต้สำนึก มีหลายกรณีที่นักสถิตยศาสตร์สร้างขึ้นภายใต้อิทธิพลของความหิวโหย ยา การสะกดจิต และการดมยาสลบ

ทาชิสเมะ

Tachisme - พันธุ์ยุโรป การแสดงออกที่เป็นนามธรรม- คำนี้ใช้ครั้งแรกในปี พ.ศ. 2493 โดยนักวิจารณ์ชาวเบลเยียม - ฝรั่งเศส M. Sefort เพื่อกำหนดเทคนิคการวาดภาพของกลุ่มศิลปินที่มีวิธีการทำงานเป็นการใช้สีลงบนผืนผ้าใบอย่างหุนหันพลันแล่นและเป็นธรรมชาติและใกล้เคียงกับในสหรัฐอเมริกาที่ ในเวลาเดียวกันเรียกว่า การวาดภาพการกระทำ ( การวาดภาพการกระทำ).

ลัทธิดั้งเดิม

ก. รุสโซ “เดินในป่า”

Primitivism เป็นทิศทางในการวาดภาพที่โดดเด่นด้วยการทำให้วิธีการมองเห็นง่ายขึ้นโดยเจตนาและการเลียนแบบขั้นตอนดั้งเดิมของการพัฒนาศิลปะ - ดั้งเดิม, ยุคกลาง, พื้นบ้าน, ศิลปะของอารยธรรมที่ไม่ใช่ยุโรปโบราณ, ความคิดสร้างสรรค์ของเด็ก ๆ อย่างไรก็ตาม ลัทธิดั้งเดิมของรูปแบบไม่ได้นำมาซึ่งลัทธิดั้งเดิมของเนื้อหา คำว่า "ลัทธิดั้งเดิม" ยังใช้กับสิ่งที่เรียกว่าศิลปะ "ไร้เดียงสา" เช่น ความคิดสร้างสรรค์ของศิลปินที่ไม่มีการศึกษาเฉพาะทาง

ลัทธิแห่งอนาคต

ความรู้สึกอ่อนไหว

ดี.ดี. Burliuk "ม้าสายฟ้า"

ลัทธิอนาคตนิยม (จากภาษาละติน futurum - อนาคต) เป็นการเคลื่อนไหวทางศิลปะที่โดดเด่นด้วยการปฏิเสธและการทำลายประเพณีและแบบเหมารวมของวัฒนธรรมที่มีอยู่ก่อนหน้านี้ แทนที่จะเสนอให้ยกย่องเทคโนโลยีและความเป็นเมืองที่เป็นสัญญาณหลักของปัจจุบันและอนาคต ลัทธิแห่งอนาคตประกาศตัวเองว่าเป็นต้นแบบของศิลปะแห่งอนาคต

มันปรากฏชัดที่สุดในภาพวาดและบทกวีของอิตาลีและรัสเซียซึ่งเกิดขึ้นเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 ลัทธิแห่งอนาคตมีลักษณะเฉพาะด้วยองค์ประกอบที่มีพลัง โดยมีร่างที่กระจัดกระจายเป็นชิ้นเล็กชิ้นน้อยและมีมุมที่แหลมคมตัดกัน แนวคิดหลักของลัทธิแห่งอนาคตคือการค้นหาภาพสะท้อนของความเร็วของการเคลื่อนไหวซึ่งเป็นสัญญาณที่สำคัญที่สุดของการก้าวของชีวิตสมัยใหม่

ในรัสเซียมีทิศทาง คิวโบ-อนาคตนิยม(D. Burliuk, O. Rozanova) ซึ่งมีพื้นฐานมาจากการผสมผสานระหว่างหลักการพลาสติกของลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมแบบฝรั่งเศสและหลักสุนทรียศาสตร์ทั่วไปของยุโรปแห่งลัทธิอนาคตนิยม

การวาดภาพถือเป็นศิลปะโบราณแขนงหนึ่ง ซึ่งตลอดหลายศตวรรษที่ผ่านมาได้มีวิวัฒนาการจากภาพเขียนหินยุคหินเก่ามาสู่กระแสล่าสุดของศตวรรษที่ 20 และแม้กระทั่งศตวรรษที่ 21 ศิลปะนี้ถือกำเนิดเกือบจะพร้อมกับการกำเนิดของมนุษยชาติ คนโบราณโดยไม่ได้ตระหนักว่าตัวเองเป็นมนุษย์อย่างเต็มที่ รู้สึกว่าจำเป็นต้องพรรณนาโลกรอบตัวพวกเขาบนพื้นผิว พวกเขาวาดภาพทุกสิ่งที่เห็น สัตว์ ธรรมชาติ ฉากการล่าสัตว์ สำหรับการทาสีพวกเขาใช้สิ่งที่คล้ายกับสีที่ทำจากวัสดุธรรมชาติ เหล่านี้คือสีเอิร์ธโทน ถ่าน เขม่าดำ แปรงทำจากขนของสัตว์หรือเพียงทาสีด้วยมือ

ผลจากการเปลี่ยนแปลงทำให้มีการวาดภาพประเภทและแนวใหม่เกิดขึ้น ยุคโบราณตามมาด้วยยุคโบราณ มีความปรารถนาในหมู่จิตรกรและศิลปินที่จะจำลองชีวิตจริงรอบตัวเราดังที่ปรากฏต่อมนุษย์ ความปรารถนาในความแม่นยำในการถ่ายทอดทำให้เกิดรากฐานของเปอร์สเปคทีฟ รากฐานของการสร้างแสงและเงาของภาพต่างๆ และการศึกษาสิ่งนี้โดยศิลปิน ก่อนอื่นพวกเขาได้ศึกษาวิธีการพรรณนาพื้นที่เชิงปริมาตรบนระนาบของผนังในการวาดภาพปูนเปียก งานศิลปะบางชิ้น เช่น พื้นที่เชิงปริมาตร หรือไคอาโรสคูโร เริ่มถูกนำมาใช้ในการตกแต่งห้อง ศูนย์ศาสนา และการฝังศพ

ต่อไป ช่วงเวลาสำคัญอดีตของการวาดภาพคือยุคกลาง ในเวลานี้ การวาดภาพมีลักษณะทางศาสนามากกว่า และโลกทัศน์ก็เริ่มสะท้อนให้เห็นในงานศิลปะ ความคิดสร้างสรรค์ของศิลปินมุ่งเป้าไปที่การวาดภาพไอคอนและท่วงทำนองอื่น ๆ ของศาสนา ประเด็นสำคัญหลักที่ศิลปินต้องเน้นย้ำไม่ใช่การสะท้อนความเป็นจริงที่แม่นยำมากนัก แต่เป็นการถ่ายทอดจิตวิญญาณแม้กระทั่งในภาพวาดที่หลากหลาย ผืนผ้าใบของปรมาจารย์ในยุคนั้นประหลาดใจกับรูปทรงสีและสีสันที่แสดงออก ภาพวาดในยุคกลางดูเหมือนแบนสำหรับเรา ตัวละครทั้งหมดของศิลปินในสมัยนั้นอยู่ในแนวเดียวกัน ดังนั้นงานหลายชิ้นจึงดูมีสไตล์สำหรับเราบ้าง

ช่วงเวลาของยุคกลางสีเทาถูกแทนที่ด้วยช่วงเวลาที่สดใสกว่าของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยานำมาซึ่งจุดเปลี่ยนในการพัฒนาทางประวัติศาสตร์ของศิลปะนี้อีกครั้ง อารมณ์ใหม่ในสังคม โลกทัศน์ใหม่ เริ่มกำหนดศิลปินว่าการวาดภาพจะเผยให้เห็นแง่มุมใดอย่างเต็มที่และชัดเจนยิ่งขึ้น แนวจิตรกรรม เช่น แนวตั้งและแนวนอนจะกลายเป็นสไตล์ที่เป็นอิสระ ศิลปินแสดงอารมณ์ความรู้สึกของมนุษย์และโลกภายในของพวกเขาผ่านวิธีการวาดภาพแบบใหม่ ศตวรรษที่ 17 และ 18 มีการเติบโตอย่างมากในการวาดภาพ ในช่วงเวลานี้ คริสตจักรคาทอลิกสูญเสียความสำคัญ และศิลปินในผลงานของพวกเขาก็สะท้อนมุมมองที่แท้จริงของผู้คน ธรรมชาติ และชีวิตประจำวันมากขึ้นเรื่อยๆ ในช่วงเวลานี้ แนวเพลงต่างๆ เช่น บาโรก โรโกโก คลาสสิค และกิริยานิยมก็ถูกสร้างขึ้นเช่นกัน ยวนใจปรากฏซึ่งต่อมาถูกแทนที่ด้วยสไตล์ที่งดงามมากขึ้น - อิมเพรสชั่นนิสม์

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 การวาดภาพเปลี่ยนไปอย่างมากและมีทิศทางใหม่ของศิลปะสมัยใหม่ปรากฏขึ้น - การวาดภาพนามธรรม แนวคิดของทิศทางนี้คือการถ่ายทอดข้อตกลงระหว่างมนุษย์กับศิลปะเพื่อสร้างความกลมกลืนในการผสมผสานระหว่างเส้นและไฮไลท์สี นี่คือศิลปะที่ปราศจากความเป็นกลาง เธอไม่ได้แสดงภาพที่แท้จริงอย่างถูกต้องแม่นยำ แต่ในทางกลับกัน เธอถ่ายทอดสิ่งที่อยู่ในจิตวิญญาณของศิลปิน นั่นคืออารมณ์ของเขา รูปร่างและสีมีบทบาทสำคัญในรูปแบบศิลปะนี้ สิ่งสำคัญคือการถ่ายทอดวัตถุที่คุ้นเคยในรูปแบบใหม่ ที่นี่ศิลปินจะได้รับอิสระในจินตนาการอย่างเต็มที่ สิ่งนี้ทำให้เกิดแรงผลักดันให้เกิดและพัฒนากระแสสมัยใหม่ เช่น ศิลปะแนวหน้า ศิลปะใต้ดิน และนามธรรม ตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 20 จนถึงปัจจุบัน การวาดภาพมีการเปลี่ยนแปลงอยู่ตลอดเวลา แต่ถึงแม้จะมีความสำเร็จใหม่ ๆ และเทคโนโลยีสมัยใหม่ แต่ศิลปินยังคงซื่อสัตย์ต่อศิลปะคลาสสิก - การวาดภาพสีน้ำมันและสีน้ำโดยสร้างผลงานชิ้นเอกด้วยความช่วยเหลือของสีและผืนผ้าใบ

นาตาเลีย มาร์ติเนนโก

ประวัติศาสตร์วิจิตรศิลป์

ประวัติศาสตร์ของการวาดภาพเป็นสายโซ่อันไม่มีที่สิ้นสุดที่เริ่มต้นจากภาพวาดชิ้นแรกๆ ที่สร้างขึ้น แต่ละสไตล์เติบโตขึ้นจากสไตล์ที่มีมาก่อนหน้านี้ ศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ทุกคนจะเพิ่มบางสิ่งบางอย่างให้กับความสำเร็จของศิลปินรุ่นก่อนๆ และมีอิทธิพลต่อศิลปินรุ่นหลัง

เราสามารถเพลิดเพลินกับการวาดภาพเพื่อความสวยงามได้ เส้น รูปร่าง สี และองค์ประกอบ (การจัดเรียงชิ้นส่วน) สามารถดึงดูดประสาทสัมผัสของเราและยังคงอยู่ในความทรงจำของเรา แต่ความเพลิดเพลินในงานศิลปะจะเพิ่มขึ้นเมื่อเราเรียนรู้ว่างานศิลปะถูกสร้างขึ้นเมื่อใด ทำไม และอย่างไร และอย่างไร

ประวัติความเป็นมาของการวาดภาพได้รับอิทธิพลจากหลายปัจจัย ภูมิศาสตร์ ศาสนา ลักษณะประจำชาติ เหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์ การพัฒนาวัสดุใหม่ๆ ทั้งหมดนี้ช่วยกำหนดวิสัยทัศน์ของศิลปิน ตลอดประวัติศาสตร์ การวาดภาพได้สะท้อนถึงโลกที่เปลี่ยนแปลงและแนวความคิดของเราเกี่ยวกับมัน ในทางกลับกัน ศิลปินได้จัดเตรียมบันทึกที่ดีที่สุดบางส่วนเกี่ยวกับการพัฒนาอารยธรรม ซึ่งบางครั้งก็เปิดเผยมากกว่าคำเขียน

จิตรกรรมยุคก่อนประวัติศาสตร์

ชาวถ้ำเป็นศิลปินกลุ่มแรกสุด ภาพวาดระบายสีของสัตว์ต่างๆ ที่มีอายุตั้งแต่ 30,000 ถึง 10,000 ปีก่อนคริสตกาล ถูกพบบนผนังถ้ำทางตอนใต้ของฝรั่งเศสและสเปน ภาพวาดเหล่านี้หลายชิ้นได้รับการอนุรักษ์ไว้เป็นอย่างดี เนื่องจากถ้ำถูกปิดไว้เป็นเวลาหลายศตวรรษ คนในยุคแรกวาดภาพสัตว์ป่าที่พวกเขาเห็นรอบตัวพวกเขา พบร่างมนุษย์ที่หยาบคายมากที่ทำในตำแหน่งชีวิตในแอฟริกาและสเปนตะวันออก

ศิลปินในถ้ำตกแต่งผนังถ้ำด้วยภาพวาดสีสันสดใส ภาพวาดที่สวยที่สุดบางส่วนอยู่ในถ้ำ Altamira ในสเปน รายละเอียดหนึ่งแสดงให้เห็นควายบาดเจ็บและยืนไม่ได้อีกต่อไป มีแนวโน้มว่าจะตกเป็นเหยื่อของนักล่า มันถูกทาด้วยสีน้ำตาลแดง และตัดขอบด้วยสีดำที่เรียบง่ายแต่ฉลาด เม็ดสีที่ศิลปินถ้ำใช้ ได้แก่ ดินเหลืองใช้ทำสี (เหล็กออกไซด์ที่มีสีตั้งแต่สีเหลืองอ่อนไปจนถึงสีส้มเข้ม) และแมงกานีส (โลหะสีเข้ม) พวกเขาบดเป็นผงละเอียดผสมกับน้ำมันหล่อลื่น (อาจเป็นน้ำมันที่มีไขมัน) และทาลงบนพื้นผิวด้วยแปรงบางชนิด บางครั้งเม็ดสีก็มีลักษณะเป็นแท่ง คล้ายกับดินสอสี ไขมันที่ผสมกับผงสีทำให้เกิดของเหลวสี และอนุภาคของเม็ดสีก็ติดกัน ชาวถ้ำทำแปรงจากขนหรือพืชของสัตว์ และอุปกรณ์มีคมจากซิลิคอน (สำหรับวาดรูปและเกา)

เมื่อ 30,000 ปีก่อน ผู้คนคิดค้นเครื่องมือและวัสดุพื้นฐานสำหรับการทาสี วิธีการและวัสดุได้รับการขัดเกลาและปรับปรุงตลอดหลายศตวรรษต่อมา แต่การค้นพบของชาวถ้ำยังคงเป็นพื้นฐานของการวาดภาพ

ภาพวาดอียิปต์และเมโสโปเตเมีย (3400–332 ปีก่อนคริสตกาล)

อารยธรรมแรกๆ แห่งหนึ่งปรากฏในอียิปต์ มีคนรู้มากมายเกี่ยวกับชีวิตของพวกเขาจากบันทึกที่เป็นลายลักษณ์อักษรและงานศิลปะที่ชาวอียิปต์ทิ้งไว้ พวกเขาเชื่อว่าควรรักษาร่างกายไว้เพื่อที่วิญญาณจะได้มีชีวิตอยู่ต่อไปหลังความตาย มหาปิรามิดเป็นสุสานอันวิจิตรบรรจงสำหรับผู้ปกครองชาวอียิปต์ผู้มั่งคั่งและมีอำนาจ ศิลปะอียิปต์ส่วนใหญ่ถูกสร้างขึ้นสำหรับปิรามิดและสุสานของกษัตริย์และอื่นๆ คนสำคัญ- เพื่อให้แน่ใจว่าวิญญาณจะคงอยู่ต่อไป ศิลปินจึงสร้างภาพคนตายในหิน พวกเขายังจำลองฉากชีวิตมนุษย์ด้วยภาพวาดฝาผนังในห้องฝังศพ

เทคนิคศิลปะอียิปต์ยังคงไม่เปลี่ยนแปลงมานานหลายศตวรรษ วิธีหนึ่งคือใช้สีน้ำทาบนพื้นผิวดินเหนียวหรือหินปูน ในอีกกระบวนการหนึ่ง โครงร่างจะถูกแกะสลักลงในกำแพงหินและทาสีด้วยสีน้ำ อาจใช้วัสดุที่เรียกว่ากัมอารบิกเพื่อยึดสีกับพื้นผิว โชคดีที่สภาพอากาศที่แห้งและสุสานที่ถูกปิดสนิททำให้ภาพวาดสีน้ำเหล่านี้บางส่วนไม่ถูกทำลายโดยความชื้น ฉากการล่าสัตว์จำนวนมากจากกำแพงสุสานที่ธีบส์ ที่มีอายุราวๆ 1,450 ปีก่อนคริสตกาล ได้รับการอนุรักษ์ไว้อย่างดี พวกเขาแสดงให้เห็นว่านักล่าไล่นกหรือปลาอย่างไร วิชาเหล่านี้ยังคงสามารถระบุได้ในปัจจุบันเนื่องจากมีการทาสีอย่างระมัดระวังและรอบคอบ

อารยธรรมเมโสโปเตเมียซึ่งกินเวลาตั้งแต่ 3,200 ถึง 332 ปีก่อนคริสตกาล ตั้งอยู่ในหุบเขาระหว่างแม่น้ำไทกริสและยูเฟรติสในตะวันออกกลาง บ้านในเมโสโปเตเมียส่วนใหญ่สร้างจากดินเหนียว เมื่อดินเหนียวอ่อนตัวลงเนื่องจากฝน อาคารต่างๆ ของพวกเขาก็พังทลายลงเป็นฝุ่น ทำลายภาพวาดฝาผนังที่อาจน่าสนใจมาก สิ่งที่เหลืออยู่คือการตกแต่งเครื่องปั้นดินเผา (ทาสีและเผา) และโมเสกสีสันสดใส แม้ว่าโมเสกจะไม่สามารถถือเป็นภาพวาดได้ แต่ก็มักจะมีอิทธิพลต่อมัน

อารยธรรมอีเจียน (3000–1100 ปีก่อนคริสตกาล)

ผู้ยิ่งใหญ่องค์ที่สาม วัฒนธรรมยุคแรกมีอารยธรรมอีเจียน ชาวอีเจียนอาศัยอยู่บนเกาะนอกชายฝั่งกรีซและบนคาบสมุทรของเอเชียไมเนอร์ในช่วงเวลาเดียวกับชาวอียิปต์โบราณและเมโสโปเตเมีย

ในปี 1900 นักโบราณคดีเริ่มขุดค้นพระราชวังของกษัตริย์ไมนอสที่เมืองนอสซอสบนเกาะครีต การขุดค้นได้ค้นพบงานศิลปะที่วาดไว้ประมาณ 1,500 ปีก่อนคริสตกาล ในรูปแบบอิสระและสง่างามที่ไม่ธรรมดาของยุคนั้น ดู​เหมือน​ว่า​ชาว​ครีต​เป็น​ผู้​รัก​ธรรมชาติ​และ​ไม่​กังวล. ธีมที่พวกเขาชื่นชอบในงานศิลปะ ได้แก่ ชีวิตในทะเล สัตว์ ดอกไม้ กีฬา และขบวนแห่ ที่นอสซอสและพระราชวังอีเจียนอื่นๆ มีการทาสีบนผนังปูนเปียกโดยใช้สีที่ทำจากแร่ธาตุ ทรายและดินเผา สีซึมเข้าไปในปูนเปียกและกลายเป็นส่วนหนึ่งของผนังถาวร ภาพวาดเหล่านี้ต่อมาถูกเรียกว่าจิตรกรรมฝาผนัง (จากคำภาษาอิตาลีที่แปลว่า "สด" หรือ "ใหม่") ชาวครีตชอบสีเหลืองสดใส สีแดง สีน้ำเงิน และสีเขียว

จิตรกรรมคลาสสิกของกรีกและโรมัน (1100 ปีก่อนคริสตกาล – คริสตศักราช 400)

ชาวกรีกโบราณตกแต่งผนังวัดและพระราชวังด้วยจิตรกรรมฝาผนัง จากแหล่งวรรณกรรมโบราณและจากสำเนาศิลปะกรีกของโรมัน อาจกล่าวได้ว่าชาวกรีกวาดภาพเล็กๆ และทำโมเสก ชื่อของปรมาจารย์ชาวกรีก ตลอดจนชีวิตและผลงานของพวกเขาเพียงเล็กน้อยนั้นเป็นที่รู้จัก แม้ว่าภาพวาดของกรีกจะมีน้อยมากที่รอดชีวิตมาได้ตลอดหลายศตวรรษและหลังสงครามก็ตาม ชาวกรีกไม่ได้เขียนอะไรมากนักในสุสาน งานของพวกเขาจึงไม่ได้รับการปกป้อง

แจกันทาสีเป็นสิ่งที่เหลืออยู่ของภาพวาดกรีกในปัจจุบัน การทำเครื่องปั้นดินเผาถือเป็นอุตสาหกรรมขนาดใหญ่ในกรีซ โดยเฉพาะในกรุงเอเธนส์ ตู้คอนเทนเนอร์เป็นที่ต้องการอย่างมาก ทั้งการส่งออก น้ำมันและน้ำผึ้ง และเพื่อวัตถุประสงค์ภายในประเทศ การวาดภาพแจกันในยุคแรกสุดทำด้วยรูปทรงเรขาคณิตและเครื่องประดับ (1100-700 ปีก่อนคริสตกาล) แจกันยังตกแต่งด้วยรูปปั้นมนุษย์เคลือบสีน้ำตาลบนดินเหนียวสีอ่อน เมื่อถึงศตวรรษที่ 6 ศิลปินแจกันมักวาดภาพมนุษย์สีดำบนดินเหนียวสีแดงธรรมชาติ รายละเอียดถูกแกะสลักเป็นดินเหนียวด้วยเครื่องมือมีคม สิ่งนี้ทำให้สีแดงปรากฏขึ้นในส่วนลึกของความโล่งใจ

ในที่สุดรูปแบบร่างสีแดงก็เข้ามาแทนที่รูปแบบสีดำ นั่นคือในทางกลับกัน: ตัวเลขเป็นสีแดงและพื้นหลังเป็นสีดำ ข้อดีของสไตล์นี้คือศิลปินสามารถใช้แปรงเพื่อสร้างโครงร่างได้ แปรงจะสร้างเส้นที่หลวมกว่าเครื่องมือโลหะที่ใช้กับแจกันทรงสีดำ

ภาพวาดฝาผนังโรมันส่วนใหญ่พบในวิลล่า ( บ้านในชนบท) ในเมืองปอมเปอีและเฮอร์คูเลเนียม ในปีคริสตศักราช 79 เมืองทั้งสองนี้ถูกฝังไว้อย่างสมบูรณ์จากการปะทุของภูเขาไฟวิสุเวียส นักโบราณคดีที่ขุดค้นพื้นที่สามารถเรียนรู้มากมายเกี่ยวกับชีวิตชาวโรมันโบราณจากเมืองเหล่านี้ บ้านและวิลล่าเกือบทุกหลังในเมืองปอมเปอีมีภาพวาดบนผนัง จิตรกรชาวโรมันเตรียมพื้นผิวผนังอย่างระมัดระวังโดยผสมฝุ่นหินอ่อนและปูนปลาสเตอร์ พวกเขาขัดพื้นผิวให้เป็นลายหินอ่อน ภาพวาดหลายชิ้นเป็นสำเนาของภาพวาดกรีกจากศตวรรษที่ 4 ก่อนคริสต์ศักราช ท่าทางอันสง่างามของรูปปั้นที่วาดบนผนังของ Villa of the Mysteries ในเมืองปอมเปอี เป็นแรงบันดาลใจให้กับศิลปินในศตวรรษที่ 18 เมื่อเมืองนี้ถูกขุดค้น

ชาวกรีกและโรมันยังวาดภาพบุคคลด้วย ภาพเหล่านี้จำนวนไม่มาก ซึ่งส่วนใหญ่เป็นภาพเหมือนมัมมี่ที่ทำในสไตล์กรีกโดยศิลปินชาวอียิปต์ มีอยู่ทั่วเมืองอเล็กซานเดรีย ทางตอนเหนือของอียิปต์ อเล็กซานเดรียก่อตั้งขึ้นในศตวรรษที่ 4 โดยอเล็กซานเดอร์มหาราชแห่งกรีซ และกลายเป็นศูนย์กลางชั้นนำของวัฒนธรรมกรีกและโรมัน ภาพบุคคลถูกวาดภาพโดยใช้เทคนิคการห่อหุ้มบนไม้และติดตั้งเป็นรูปมัมมี่หลังจากการเสียชีวิตของบุคคลในภาพ ภาพวาด Encaustic ที่ทำจากสีผสมกับขี้ผึ้งละลายมีอายุการใช้งานยาวนานมาก แท้จริงแล้วภาพบุคคลเหล่านี้ยังคงดูสดอยู่ แม้ว่าจะถูกนำกลับไปในศตวรรษที่สองก่อนคริสต์ศักราชก็ตาม

ภาพวาดคริสเตียนและไบแซนไทน์ยุคแรก (300–1300)

จักรวรรดิโรมันล่มสลายในคริสตศตวรรษที่ 4 ในเวลาเดียวกัน ศาสนาคริสต์ก็มีความเข้มแข็งมากขึ้น ในปี 313 จักรพรรดิคอนสแตนตินแห่งโรมันยอมรับศาสนานี้อย่างเป็นทางการและเปลี่ยนมานับถือศาสนาคริสต์

การเกิดขึ้นของศาสนาคริสต์มีอิทธิพลอย่างมากต่อศิลปะ ศิลปินได้รับมอบหมายให้ตกแต่งผนังโบสถ์ด้วยจิตรกรรมฝาผนังและโมเสก พวกเขาทำแผงในโบสถ์น้อยของโบสถ์ ภาพประกอบและการตกแต่งหนังสือของโบสถ์ ภายใต้อิทธิพลของคริสตจักร ศิลปินได้รับการคาดหวังให้สื่อสารคำสอนของศาสนาคริสต์ให้ชัดเจนที่สุด

ศิลปินคริสเตียนและไบแซนไทน์ในยุคแรกยังคงใช้เทคนิคโมเสกที่พวกเขาเรียนรู้จากชาวกรีกต่อไป แก้วสีหรือหินชิ้นแบนเล็กๆ วางอยู่บนซีเมนต์หรือปูนปลาสเตอร์เปียก บางครั้งมีการใช้วัสดุแข็งอื่นๆ เช่น ชิ้นส่วนของดินเผาหรือเปลือกหอย ในงานโมเสกของอิตาลี สีสันจะเข้มและเต็มอิ่มเป็นพิเศษ ศิลปินชาวอิตาลีสร้างพื้นหลังด้วยกระจกปิดทอง พวกเขาวาดภาพร่างมนุษย์ด้วยสีสันที่หลากหลายบนพื้นหลังสีทองเป็นประกาย เอฟเฟกต์โดยรวมดูเรียบๆ ตกแต่งและไม่สมจริง

ภาพโมเสกของศิลปินไบแซนไทน์มักจะมีความสมจริงน้อยกว่าและมีการตกแต่งมากกว่าลวดลายของชาวคริสเตียนยุคแรก "ไบแซนไทน์" เป็นชื่อที่ตั้งให้กับรูปแบบศิลปะที่พัฒนาขึ้นรอบๆ เมืองโบราณไบแซนเทียม (ปัจจุบันคือเมืองอิสตันบูล ประเทศตุรกี) เทคนิคโมเสกเหมาะอย่างยิ่งกับรสนิยมไบแซนไทน์สำหรับโบสถ์ที่ตกแต่งอย่างวิจิตรงดงาม ภาพโมเสกชื่อดังของธีโอโดราและจัสติเนียน ซึ่งสร้างขึ้นราวปีคริสตศักราช 547 แสดงให้เห็นรสนิยมแห่งความมั่งคั่ง เครื่องประดับบนร่างนั้นเปล่งประกาย และชุดราชสำนักสีสันสดใสก็เปล่งประกายโดยมีพื้นหลังเป็นสีทองอร่าม ศิลปินไบแซนไทน์ยังใช้ทองคำบนจิตรกรรมฝาผนังและแผง ทองคำและวัสดุล้ำค่าอื่นๆ ถูกนำมาใช้ในยุคกลางเพื่อแยกวัตถุทางจิตวิญญาณออกจากโลกในชีวิตประจำวัน

จิตรกรรมยุคกลาง (500–1400)

ส่วนแรกของยุคกลาง ตั้งแต่ประมาณศตวรรษที่ 6 ถึงคริสต์ศตวรรษที่ 11 มักเรียกว่ายุคมืด ในช่วงเวลาแห่งความไม่สงบ ศิลปะส่วนใหญ่ถูกเก็บรักษาไว้ในอาราม ในคริสตศตวรรษที่ 5 ชนเผ่า Warran จากยุโรปตอนเหนือและตอนกลางท่องไปทั่วทวีป พวกเขาครอบงำยุโรปตะวันตกเป็นเวลาหลายร้อยปี คนเหล่านี้ผลิตงานศิลปะโดยมีองค์ประกอบหลักคือลวดลาย พวกเขารู้สึกทึ่งกับโครงสร้างของมังกรและนกที่พันกันเป็นพิเศษ

งานศิลปะเซลติกและแซ็กซอนที่ดีที่สุดมีอยู่ในต้นฉบับจากศตวรรษที่ 7 และ 8 หนังสือภาพประกอบ แสง และ ภาพวาดขนาดเล็กซึ่งปฏิบัติกันมาตั้งแต่สมัยโรมันตอนปลาย และแพร่หลายในยุคกลาง การจัดแสงคือการตกแต่งข้อความ ตัวพิมพ์ใหญ่ และระยะขอบ ใช้สีทอง สีเงิน และสีสว่าง ภาพย่อคือภาพขนาดเล็ก ซึ่งมักเป็นภาพบุคคล เดิมคำนี้ใช้เพื่ออธิบายบล็อกตกแต่งรอบตัวอักษรเริ่มต้นในต้นฉบับ

ชาร์ลมาญซึ่งครองราชย์เป็นจักรพรรดิแห่งโรมันอันศักดิ์สิทธิ์เมื่อต้นศตวรรษที่ 9 พยายามที่จะรื้อฟื้นศิลปะคลาสสิกของยุคโรมันตอนปลายและคริสเตียนตอนต้น ในรัชสมัยของพระองค์ จิตรกรจิ๋วเลียนแบบศิลปะคลาสสิก แต่พวกเขายังถ่ายทอดความรู้สึกส่วนตัวผ่านวิชาของตนด้วย

ภาพวาดฝาผนังน้อยมากที่รอดพ้นจากยุคกลาง โบสถ์ที่สร้างขึ้นในสมัยโรมาเนสก์ (ศตวรรษที่ 11-13) มีจิตรกรรมฝาผนังขนาดใหญ่อยู่บ้าง แต่ส่วนใหญ่ได้หายไปแล้ว ในโบสถ์ในยุคกอทิก (ศตวรรษที่ 12-16) มีพื้นที่ไม่เพียงพอสำหรับจิตรกรรมฝาผนัง ภาพประกอบหนังสือเป็นงานหลักของจิตรกรแบบโกธิก

ในบรรดาต้นฉบับที่มีภาพประกอบที่ดีที่สุดคือหนังสือชั่วโมง - คอลเลกชันปฏิทิน คำอธิษฐาน และบทสดุดี หน้าหนึ่งจากต้นฉบับภาษาอิตาลีแสดงอักษรย่อที่ประณีตและฉากชายขอบที่มีรายละเอียดประณีตของนักบุญจอร์จสังหารมังกร สีสันที่สดใสและเหมือนอัญมณี ราวกับกระจกสี และมีสีทองแวววาวบนหน้ากระดาษ ดีไซน์ใบไม้และดอกไม้อันละเอียดอ่อนอย่างสง่างามล้อมรอบข้อความ ศิลปินน่าจะใช้แว่นขยายเพื่อสร้างสรรค์งานที่มีรายละเอียดซับซ้อนเช่นนี้

อิตาลี: Cimabue และ Giotto

ศิลปินชาวอิตาลีเมื่อปลายศตวรรษที่ 13 ยังคงทำงานในสไตล์ไบแซนไทน์ ร่างมนุษย์ถูกสร้างให้เรียบและสวยงาม ใบหน้าไม่ค่อยมีการแสดงออก ศพไม่มีน้ำหนักและดูเหมือนจะลอยได้แทนที่จะยืนอย่างมั่นคงบนพื้น ในฟลอเรนซ์ ศิลปิน Cimabue (1240-1302) พยายามปรับปรุงเทคนิคไบแซนไทน์เก่าบางส่วนให้ทันสมัย เหล่าเทวดาใน Madonna Enthroned มีความกระตือรือร้นมากกว่าปกติในภาพวาดในยุคนั้น ท่าทางและใบหน้าของพวกเขาแสดงออกมาอีกเล็กน้อย ความรู้สึกของมนุษย์- Cimabue ได้เพิ่มความรู้สึกใหม่แห่งความยิ่งใหญ่หรือความงดงามให้กับภาพวาดของเขา อย่างไรก็ตาม เขายังคงปฏิบัติตามประเพณีไบแซนไทน์หลายอย่าง เช่น พื้นหลังสีทอง และการจัดเรียงสิ่งของและรูปปั้นที่มีลวดลาย

มันเป็นศิลปินชาวฟลอเรนซ์ผู้ยิ่งใหญ่ Giotto (1267-1337) ที่ฝ่าฝืนประเพณีไบแซนไทน์อย่างแท้จริง ผลงานจิตรกรรมฝาผนังของเขาในโบสถ์ Arena ในเมืองปาดัวทำให้งานศิลปะไบแซนไทน์ล้าหลังไปมาก มีอารมณ์ความรู้สึก ความตึงเครียด และความเป็นธรรมชาติอย่างแท้จริงในฉากเหล่านี้จากชีวิตของมารีย์และพระคริสต์ คุณสมบัติทั้งหมดของความอบอุ่นและความเห็นอกเห็นใจของมนุษย์มีอยู่ ผู้คนดูเหมือนไม่จริงหรือเหมือนสวรรค์เลย จิออตโตแรเงาโครงร่างของร่าง และวางเงาลึกไว้ที่รอยพับของเสื้อผ้าเพื่อให้รู้สึกถึงความกลมและมั่นคง

สำหรับแผงเล็กๆ ของเขา Giotto ใช้เทมเพอราไข่บริสุทธิ์ ซึ่งเป็นอาหารขนาดกลางที่ได้รับการทำให้สมบูรณ์แบบโดยชาวฟลอเรนซ์ในศตวรรษที่ 14 ความชัดเจนและความสว่างของสีต้องมีอิทธิพลอย่างมากต่อผู้คนที่คุ้นเคย สีเข้มแผงไบแซนไทน์ ภาพวาดเทมเพอราให้ความรู้สึกว่ามีแสงแดดอ่อนๆ ส่องลงมาที่ฉาก มีลักษณะเกือบแบน ตรงกันข้ามกับความมันเงาของภาพเขียนสีน้ำมัน เทมเพอราไข่ยังคงเป็นสีหลักจนกระทั่งน้ำมันเข้ามาแทนที่เกือบทั้งหมดในศตวรรษที่ 16

ภาพวาดยุคกลางตอนปลายทางตอนเหนือของเทือกเขาแอลป์

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 15 ศิลปินในยุโรปเหนือทำงานในรูปแบบที่แตกต่างจากภาพวาดของอิตาลีอย่างสิ้นเชิง ศิลปินภาคเหนือบรรลุความสมจริงด้วยการเพิ่มรายละเอียดนับไม่ถ้วนให้กับภาพวาดของพวกเขา ผมทั้งหมดถูกกำหนดไว้อย่างสวยงาม และทุกรายละเอียดของผ้าม่านหรือพื้นก็อยู่ในตำแหน่งที่แม่นยำ การประดิษฐ์ภาพเขียนสีน้ำมันทำให้การเก็บรายละเอียดง่ายขึ้น

ศิลปินชาวเฟลมิช Jan van Eyck (1370-1414) มีส่วนสนับสนุนอย่างมากในการพัฒนาภาพวาดสีน้ำมัน เมื่อใช้เทมเพอราจะต้องทาสีแยกกัน กันสีกันไม่ได้เพราะสีแห้งเร็ว ด้วยน้ำมันที่แห้งช้า ศิลปินสามารถบรรลุผลได้มากขึ้น ผลกระทบที่ซับซ้อน- ภาพบุคคลของเขาในช่วงปี 1466-1530 ดำเนินการด้วยเทคนิคน้ำมันเฟลมิช รายละเอียดทั้งหมดและแม้แต่แสงสะท้อนของกระจกก็ชัดเจนและแม่นยำ สีมีความคงทนและมีพื้นผิวแข็งเหมือนเคลือบฟัน แผงไม้ที่ลงสีพื้นแล้วถูกเตรียมในลักษณะเดียวกับที่ Giotto เตรียมแผงสำหรับเทมเพอรา Van Eyck สร้างภาพวาดเป็นชั้นๆ ด้วยสีบางๆ ที่เรียกว่าเคลือบ เทมเพอราอาจถูกนำมาใช้ในพงเดิมและเป็นไฮไลท์

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของอิตาลี

ในช่วงเวลาที่ฟาน เอคทำงานในภาคเหนือ ชาวอิตาลีกำลังก้าวเข้าสู่ยุคทองของศิลปะและวรรณกรรม ช่วงเวลานี้เรียกว่ายุคฟื้นฟูศิลปวิทยาซึ่งหมายถึงการเกิดใหม่ ศิลปินชาวอิตาลีได้รับแรงบันดาลใจจากรูปปั้นของชาวกรีกและโรมันโบราณ ชาวอิตาลีต้องการรื้อฟื้นจิตวิญญาณของศิลปะคลาสสิกซึ่งเชิดชูความเป็นอิสระและความสูงส่งของมนุษย์ ศิลปินยุคเรอเนซองส์ยังคงวาดภาพฉากทางศาสนาต่อไป แต่พวกเขาก็เน้นย้ำเช่นกัน ชีวิตทางโลกและความสำเร็จของผู้คน

ฟลอเรนซ์

ความสำเร็จของจอตโตในต้นศตวรรษที่ 14 ถือเป็นจุดเริ่มต้นของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ศิลปินชาวอิตาลีแห่งศตวรรษที่ 17 ยังคงดำเนินต่อไป มาซาชโช (ค.ศ. 1401-1428) เป็นหนึ่งในผู้นำของศิลปินยุคฟื้นฟูศิลปวิทยารุ่นแรก เขาอาศัยอยู่ในฟลอเรนซ์ ซึ่งเป็นเมืองการค้าที่มั่งคั่งซึ่งเป็นจุดเริ่มต้นของศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา เมื่อถึงแก่กรรมในวัยยี่สิบปลายๆ เขาได้ปฏิวัติการวาดภาพ ในภาพจิตรกรรมฝาผนังอันโด่งดังของเขา "The Tribute Money" เขาได้วางรูปปั้นประติมากรรมที่น่าประทับใจไว้ในภูมิประเทศที่ดูเหมือนทอดยาวไปไกล มาซาชโชอาจได้เรียนรู้มุมมองจาก สถาปนิกชาวฟลอเรนซ์และประติมากร Brunelleschi (1377-1414)

เทคนิคปูนเปียกเป็นที่นิยมมากในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา เหมาะอย่างยิ่งสำหรับจิตรกรรมฝาผนังขนาดใหญ่เพราะสีของจิตรกรรมฝาผนังจะแห้งและเรียบสนิท สามารถดูภาพได้จากทุกมุมโดยไม่มีแสงสะท้อนหรือแสงสะท้อน นอกจากนี้ยังสามารถเข้าถึงจิตรกรรมฝาผนังได้ โดยปกติแล้วศิลปินจะมีผู้ช่วยหลายคน งานแบ่งเป็นบางส่วนเพราะต้องทำให้เสร็จในขณะที่ปูนยังเปียกอยู่

สไตล์ "สามมิติ" เต็มรูปแบบของ Masaccio เป็นแบบฉบับของขบวนการก้าวหน้าใหม่แห่งศตวรรษที่ 15 สไตล์ของฟราอันเจลิโก (ค.ศ. 1400-1455) แสดงถึงแนวทางดั้งเดิมที่ศิลปินยุคเรอเนซองส์ยุคแรกๆ หลายคนใช้ เขากังวลน้อยลงเกี่ยวกับอนาคตและสนใจมากขึ้น รูปแบบการตกแต่ง- “พิธีราชาภิเษกของพระแม่มารี” ของพระองค์เป็นตัวอย่างของอุบาทว์ที่สวยงามที่สุด สีสันที่สนุกสนานและเข้มข้นตัดกับสีทองและเน้นด้วยสีทอง ภาพดูเหมือนขนาดย่อที่ขยายใหญ่ขึ้น รูปร่างที่ยาวและแคบไม่ค่อยมีอะไรเหมือนกันกับ Masaccio การจัดองค์ประกอบจัดเป็นแนวการเคลื่อนไหวกว้างๆ ล้อมรอบบุคคลสำคัญของพระคริสต์และพระนางมารีย์

ชาวฟลอเรนซ์อีกคนที่ทำงานในรูปแบบดั้งเดิมคือซานโดร บอตติเชลลี (1444-1515) เส้นจังหวะที่ลื่นไหลเชื่อมต่อส่วนต่างๆ ของฤดูใบไม้ผลิของบอตติเชลลี ร่างของฤดูใบไม้ผลิซึ่งถูกลมตะวันตกพัดพาไปทางด้านขวา ทั้งสามพระหรรษทานเต้นรำเป็นวงกลม รอยพับของชุดที่พลิ้วไหว และการเคลื่อนไหวอันสง่างามของมือเพื่อแสดงจังหวะของการเต้นรำ

Leonardo da Vinci (1452-1519) ศึกษาการวาดภาพในฟลอเรนซ์ เขาเป็นที่รู้จักจากการวิจัยทางวิทยาศาสตร์และสิ่งประดิษฐ์ตลอดจนภาพวาดของเขา ภาพวาดของเขาน้อยมากที่รอดมาได้ ส่วนหนึ่งเป็นเพราะเขามักจะทดลองด้วยวิธีต่างๆ ในการสร้างและลงสี แทนที่จะใช้วิธีการที่พยายามแล้วและเป็นจริง พระกระยาหารมื้อสุดท้าย (วาดระหว่างปี 1495 ถึง 1498) ทำด้วยน้ำมัน แต่น่าเสียดายที่เลโอนาร์โดวาดมันบนผนังที่ชื้น ซึ่งทำให้สีแตก แต่ถึงแม้จะอยู่ในสภาพที่ย่ำแย่ (ก่อนการบูรณะ) ภาพวาดก็สามารถปลุกเร้าอารมณ์ให้กับทุกคนที่ได้พบเห็นได้

ลักษณะเด่นอย่างหนึ่งของสไตล์ของเลโอนาร์โดคือวิธีการของเขาในการวาดภาพแสงและความมืด ชาวอิตาลีเรียกแสงสลัวๆ ว่า "สฟูมาโต" ซึ่งแปลว่ามีควันหรือมีหมอก ร่างใน Madonna of the Rocks ถูกปกคลุมไปด้วยบรรยากาศของสฟูมาโต รูปทรงและลักษณะเด่นมีการแรเงาอย่างนุ่มนวล เลโอนาร์โดบรรลุผลเหล่านี้โดยใช้การไล่ระดับแสงและโทนสีเข้มที่ละเอียดอ่อนมาก

โรม

จุดสุดยอดของการวาดภาพยุคเรอเนซองส์เกิดขึ้นในศตวรรษที่ 16 ในเวลาเดียวกัน ศูนย์กลางของศิลปะและวัฒนธรรมได้ย้ายจากฟลอเรนซ์ไปยังโรม ภายใต้สมเด็จพระสันตะปาปา Sixtus IV และผู้สืบทอดตำแหน่งของเขา Julius II กรุงโรมได้รับการตกแต่งอย่างหรูหราและหรูหราโดยศิลปินยุคเรอเนซองส์ โครงการที่ทะเยอทะยานที่สุดบางโครงการในช่วงนี้เริ่มต้นขึ้นในช่วงตำแหน่งสันตะปาปาของจูเลียสที่ 2 จูเลียสมอบหมายให้ประติมากรและจิตรกรผู้ยิ่งใหญ่อย่างมีเกลันเจโล (ค.ศ. 1475-1564) ให้ทาสีเพดานโบสถ์น้อยซิสทีน และแกะสลักประติมากรรมสำหรับหลุมฝังศพของสมเด็จพระสันตะปาปา จูเลียสยังได้เชิญจิตรกรราฟาเอล (ค.ศ. 1483-1520) มาช่วยตกแต่งวาติกัน ราฟาเอลร่วมกับผู้ช่วยของเขาวาดภาพห้องสี่ห้องในอพาร์ตเมนต์ของสมเด็จพระสันตะปาปาในพระราชวังวาติกัน

Michelangelo ชาวฟลอเรนซ์โดยกำเนิดได้พัฒนารูปแบบการวาดภาพที่ยิ่งใหญ่ ร่างในภาพวาดของเขาแข็งแกร่งและใหญ่โตจนดูเหมือนประติมากรรม เพดานซิสทีนซึ่งใช้เวลาสร้างโดยไมเคิลแองเจโล 4 ปี ประกอบด้วยร่างมนุษย์หลายร้อยคน พันธสัญญาเดิม- เพื่อให้ภาพปูนเปียกอันยิ่งใหญ่นี้เสร็จสมบูรณ์ ไมเคิลแองเจโลต้องนอนหงายบนนั่งร้าน ใบหน้าที่หม่นหมองของเยเรมีย์ในหมู่ผู้เผยพระวจนะที่ล้อมรอบเพดานนั้นผู้เชี่ยวชาญบางคนมองว่าเป็นภาพเหมือนตนเองของมีเกลันเจโล

ราฟาเอลเดินทางมายังฟลอเรนซ์จากเออร์บิโนในขณะที่ยังเป็นชายหนุ่มอยู่ ในฟลอเรนซ์เขาซึมซับแนวคิดของเลโอนาร์โดและไมเคิลแองเจโล เมื่อราฟาเอลไปโรมเพื่อทำงานที่วาติกัน สไตล์ของเขาได้กลายเป็นหนึ่งในความงดงามของการประหารชีวิตที่ยิ่งใหญ่ที่สุด เขาชื่นชอบภาพเหมือนของมาดอนน่าและพระกุมารที่สวยงามเป็นพิเศษ มีการสืบพันธุ์เป็นพันๆ ชนิดและพบเห็นได้ทุกที่ Madonna del Granduca ของเขาประสบความสำเร็จเนื่องจากความเรียบง่าย ความสงบและความบริสุทธิ์อันไร้กาลเวลา เป็นสิ่งที่น่าดึงดูดสำหรับเราพอๆ กับที่ชาวอิตาลีในยุคของราฟาเอล

เวนิส

เวนิสเป็นเมืองสำคัญทางตอนเหนือของอิตาลีในยุคเรอเนซองส์ มีศิลปินจากแฟลนเดอร์สและภูมิภาคอื่นๆ เข้ามาเยี่ยมชมที่นี่ซึ่งรู้เกี่ยวกับการทดลองสีน้ำมันแบบเฟลมิช สิ่งนี้กระตุ้นให้เกิดการใช้เทคโนโลยีน้ำมันตั้งแต่แรกเริ่มในเมืองอิตาลี ชาวเวนิสเรียนรู้ที่จะวาดภาพบนผืนผ้าใบที่ขึงแน่น แทนที่จะวาดภาพบนแผ่นไม้ที่ใช้กันทั่วไปในฟลอเรนซ์

จิโอวานนี เบลลินี (ค.ศ. 1430-1515) เป็นผู้ยิ่งใหญ่ที่สุด ศิลปินชาวเวนิสศตวรรษที่ 15 เขายังเป็นหนึ่งในศิลปินชาวอิตาลีกลุ่มแรก ๆ ที่ใช้สีน้ำมันบนผ้าใบ จอร์โจเน (ค.ศ. 1478-1151) และทิเชียน (ค.ศ. 1488-1515) ซึ่งเป็นศิลปินที่มีชื่อเสียงที่สุดในบรรดาศิลปินชาวเวนิสทั้งหมด เคยเป็นเด็กฝึกงานในสตูดิโอของเบลลินี

ทิเชียนเป็นปรมาจารย์ด้านจิตรกรรมสีน้ำมันวาดภาพผืนผ้าใบขนาดใหญ่ด้วยโทนสีอบอุ่นและเข้มข้น ในภาพวาดสำหรับผู้ใหญ่ของเขา เขาได้เสียสละรายละเอียดเพื่อสร้างเอฟเฟกต์อันน่าทึ่ง เช่น ใน Madonna of Pesaro เขาใช้แปรงขนาดใหญ่เพื่อสร้างลายเส้นขนาดใหญ่ สีของเขาเข้มข้นเป็นพิเศษเพราะเขาอดทนสร้างสีเคลือบที่มีสีตัดกัน โดยทั่วไปแล้ว เคลือบบนพื้นผิวสีน้ำตาล ซึ่งทำให้ภาพวาดมีโทนสีที่สม่ำเสมอ

ศิลปินชาวเวนิสผู้ยิ่งใหญ่อีกคนหนึ่งของศตวรรษที่ 16 คือ Tintoretto (1518-1594) ต่างจากทิเชียนตรงที่เขามักจะทำงานบนผืนผ้าใบโดยตรงโดยไม่ต้องร่างหรือโครงร่างเบื้องต้น เขามักจะบิดเบือนรูปแบบของเขา (บิดเบี้ยว) เพื่อประโยชน์ในการเรียบเรียงและละครของโครงเรื่อง เทคนิคของเขาซึ่งรวมถึงฝีแปรงที่กว้างและความแตกต่างระหว่างแสงและความมืดอย่างน่าทึ่ง ดูทันสมัยมาก

ศิลปิน Kyriakos Theotokopoulos (1541-1614) มีชื่อเรียกว่า El Greco ("The Greek") เอล เกรโกเกิดบนเกาะครีตซึ่งถูกกองทัพเวนิสยึดครอง โดยได้รับการฝึกฝนจากศิลปินชาวอิตาลี เมื่อยังเป็นหนุ่ม เขาไปเรียนที่เมืองเวนิส อิทธิพลของยูไนเต็ด ศิลปะไบแซนไทน์ซึ่งเขาได้เห็นรอบๆ ตัวเขาในเกาะครีต และ ศิลปะอิตาเลียนยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาทำให้งานของ El Greco โดดเด่น

ในภาพวาดของเขา เขาบิดเบือนรูปแบบตามธรรมชาติและใช้แม้แต่สีที่แปลกประหลาดและแปลกประหลาดยิ่งกว่า Tintoretto ซึ่งเขาชื่นชม ต่อมา El Greco ย้ายไปสเปน ซึ่งความมืดมิดของศิลปะสเปนมีอิทธิพลต่องานของเขา ในนิมิตอันน่าทึ่งของเขาเกี่ยวกับโทเลโด พายุโหมกระหน่ำเหนือความเงียบงันของเมือง สีฟ้าโทนเย็น สีเขียว และสีฟ้า-ขาวกระจายความเย็นไปทั่วทิวทัศน์

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในแฟลนเดอร์สและเยอรมนี

ยุคทองของการวาดภาพในแฟลนเดอร์ส (ปัจจุบันเป็นส่วนหนึ่งของเบลเยียมและฝรั่งเศสตอนเหนือ) คือศตวรรษที่ 15 ซึ่งเป็นสมัยของฟาน เอค ในศตวรรษที่ 16 ศิลปินชาวเฟลมิชหลายคนเลียนแบบ ศิลปินชาวอิตาลียุคฟื้นฟูศิลปวิทยา อย่างไรก็ตาม เฟลมิงส์บางคนยังคงรักษาประเพณีเฟลมิชแห่งความสมจริงเอาไว้ จากนั้นภาพวาดแนวต่างๆ ก็แพร่กระจาย - ฉากจากชีวิตประจำวัน ซึ่งบางครั้งก็มีเสน่ห์และบางครั้งก็น่าอัศจรรย์ เฮียโรนีมัส บอช (ค.ศ. 1450-1515) ซึ่งอยู่ก่อนหน้าจิตรกรประเภทต่างๆ มีจินตนาการที่สดใสผิดปกติ เขาเกิดมาพร้อมกับสิ่งมีชีวิตแปลกประหลาดทุกประเภทสำหรับ The Temptation of St. แอนโทนี่” Pieter Bruegel the Elder (1525-1569) ทำงานในประเพณีเฟลมิชเช่นกัน แต่ได้เพิ่มมุมมองและลักษณะเรอเนซองส์อื่นๆ ให้กับฉากประเภทของเขา

Albrecht Dürer (1471-1528), Hans Holbein the Younger (1497-1543) และ Lucas Cranach the Elder (1472-1553) เป็นศิลปินชาวเยอรมันที่สำคัญที่สุดสามคนแห่งศตวรรษที่ 16 พวกเขาทำอะไรได้มากเพื่อทำให้ความสมจริงที่น่ากลัวของการวาดภาพชาวเยอรมันในยุคแรก ๆ อ่อนลง ดูเรอร์ไปเยือนอิตาลีอย่างน้อยหนึ่งครั้ง ซึ่งเขาประทับใจกับภาพวาดของจิโอวานนี เบลลินีและชาวอิตาลีตอนเหนือคนอื่นๆ จากประสบการณ์นี้ เขาได้ปลูกฝังความรู้เกี่ยวกับมุมมอง ความรู้สึกของสีและแสงในการวาดภาพชาวเยอรมัน และความเข้าใจใหม่เกี่ยวกับองค์ประกอบภาพ Holbein ซึมซับความสำเร็จของอิตาลีมากยิ่งขึ้น การวาดภาพที่ละเอียดอ่อนและความสามารถในการเลือกเฉพาะรายละเอียดที่สำคัญที่สุดทำให้เขากลายเป็นผู้เชี่ยวชาญด้านการวาดภาพบุคคล

จิตรกรรมบาโรก

ศตวรรษที่ 17 เป็นที่รู้จักในงานศิลปะว่าเป็นยุคบาโรก ในอิตาลี ศิลปินคาราวัจโจ(1571-1610) และ Annibale Carracci (1560-1609) เป็นตัวแทนสองมุมมองที่ต่างกัน คาราวัจโจ (ชื่อจริง Michelangelo Merisi) ได้รับแรงบันดาลใจจากความเป็นจริงของชีวิตมาโดยตลอด ข้อกังวลหลักประการหนึ่งของเขาคือการคัดลอกธรรมชาติให้ใกล้เคียงที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้โดยไม่ยกย่องมันในทางใดทางหนึ่ง ในทางกลับกัน Carracci ทำตามอุดมคติแห่งความงามแบบเรอเนซองส์ เขาศึกษาประติมากรรมโบราณและผลงานของ Michelangelo, Raphael และ Titian สไตล์ของคาราวัจโจเป็นที่ชื่นชมของศิลปินหลายคน โดยเฉพาะริเบราชาวสเปนและเบลัซเกซในวัยเยาว์ Carracci เป็นแรงบันดาลใจให้กับ Nicolas Poussin (1594-1665) จิตรกรชาวฝรั่งเศสผู้โด่งดังแห่งศตวรรษที่ 17

สเปน

Diego Velazquez (1599-1660) จิตรกรในราชสำนักของกษัตริย์ฟิลิปที่ 4 แห่งสเปน เป็นหนึ่งในศิลปินที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในบรรดาศิลปินชาวสเปนทั้งหมด เป็นแฟนผลงานของทิเชียน เขาเชี่ยวชาญการใช้สีที่เข้มข้นและกลมกลืนกัน ไม่มีศิลปินคนใดสามารถสร้างภาพลวงตาของเนื้อเยื่อที่อุดมสมบูรณ์หรือผิวหนังของมนุษย์ได้ดีกว่านี้ ภาพเหมือนของเจ้าชายน้อย Philip ของ Prosper แสดงให้เห็นทักษะนี้

แฟลนเดอร์ส

ภาพวาดของศิลปินชาวเฟลมิช Peter Paul Rubens (1577-1640) เป็นตัวแทนของรูปแบบบาโรกที่เต็มไปด้วยสีสัน พวกมันเต็มไปด้วยพลังงาน สี และแสงสว่าง รูเบนส์ฝ่าฝืนประเพณีการวาดภาพขนาดเล็กแบบเฟลมิช ผืนผ้าใบของเขาใหญ่โตเต็มไปด้วยร่างมนุษย์ เขาได้รับคำสั่งซื้อภาพวาดขนาดใหญ่เกินกว่าจะรับมือได้ ดังนั้นเขาจึงมักวาดภาพร่างสีเล็กๆ เท่านั้น ผู้ช่วยของเขาจึงย้ายภาพร่างลงบนผืนผ้าใบขนาดใหญ่และวาดภาพให้เสร็จภายใต้การดูแลของรูเบนส์

ฮอลแลนด์

ความสำเร็จของจิตรกรชาวดัตช์ Rembrandt (1606-1669) ถือเป็นความสำเร็จที่โดดเด่นที่สุดในประวัติศาสตร์ เขามีพรสวรรค์อันยอดเยี่ยมในการจับและถ่ายทอดอารมณ์ของมนุษย์ได้อย่างแม่นยำ เช่นเดียวกับทิเชียน เขาทำงานมาเป็นเวลานานเพื่อสร้างภาพวาดหลายชั้น สีเอิร์ธโทน ได้แก่ สีเหลืองสด สีน้ำตาล และสีน้ำตาลแดง เป็นสีโปรดของเขา ภาพวาดของเขาทำด้วยสีเข้มเป็นหลัก ความสำคัญของชิ้นส่วนสีเข้มหลายชั้นทำให้เทคนิคของเขาไม่ธรรมดา การเน้นจะถูกถ่ายทอดผ่านแสงที่สว่างในบริเวณที่ค่อนข้างสว่าง

ยาน เวอร์เมียร์ (1632-1675) เป็นหนึ่งในกลุ่มศิลปินชาวดัตช์ที่วาดภาพฉากเล็กๆ น้อยๆ ในชีวิตประจำวัน เขาเป็นผู้เชี่ยวชาญในการวาดภาพพื้นผิวทุกชนิด - ผ้าซาติน, พรมเปอร์เซีย, เปลือกขนมปัง, โลหะ ความประทับใจโดยรวมของการตกแต่งภายในของ Vermeer คือห้องที่สดใสและร่าเริงซึ่งเต็มไปด้วยสิ่งของในบ้านอันเป็นเอกลักษณ์

จิตรกรรมสมัยศตวรรษที่ 18

ในศตวรรษที่ 18 เวนิสได้ผลิตผลงานหลายชิ้น ศิลปินที่ยอดเยี่ยม- ที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770) พระองค์ทรงตกแต่งภายในพระราชวังและอาคารอื่นๆ ด้วยจิตรกรรมฝาผนังขนาดใหญ่สีสันสดใสที่แสดงถึงความมั่งคั่ง Francesco Guardi (1712-1793) มีทักษะในการใช้พู่กันเป็นอย่างมาก และด้วยจุดสีเพียงไม่กี่จุด เขาก็สามารถเสกสรรแนวคิดเรื่องร่างเล็กๆ ในเรือได้ ทัศนียภาพอันตระการตาของ Antonio Canaletto (1697-1768) เฉลิมฉลองความรุ่งเรืองในอดีตของเวนิส

ฝรั่งเศส: สไตล์โรโคโค

ในฝรั่งเศส รสนิยมการใช้สีพาสเทลและการตกแต่งอันประณีตนำไปสู่การพัฒนาสไตล์โรโกโกในช่วงต้นศตวรรษที่ 18 Jean Antoine Watteau (1684-1721) จิตรกรในราชสำนักของพระเจ้าหลุยส์ที่ 15 และต่อมา François Boucher (1703-1770) และ Jean Honoré Fragonard (1732-1806) มีความเกี่ยวข้องกับแนวโน้มของ Rococo Watteau เขียนนิมิตชวนฝัน ซึ่งเป็นชีวิตที่ทุกสิ่งสนุกสนาน สไตล์นี้มีพื้นฐานมาจากการปิกนิกในสวนสาธารณะและงานปาร์ตี้ในป่า ซึ่งสุภาพบุรุษผู้ร่าเริงและสุภาพสตรีผู้สง่างามสนุกสนานกันอย่างเป็นธรรมชาติ

ศิลปินคนอื่นๆ ในศตวรรษที่ 18 วาดภาพฉากต่างๆ ชีวิตธรรมดาชนชั้นกลาง เช่นเดียวกับ Vermeer ชาวดัตช์ Jean Baptiste Simeon Chardin (1699-1779) ชื่นชมวัตถุในบ้านที่เรียบง่ายและสิ่งมีชีวิต สีของเขาสุขุมและสงบเมื่อเทียบกับ Watteau

อังกฤษ

ในศตวรรษที่ 18 อังกฤษได้พัฒนาโรงเรียนสอนวาดภาพแยกต่างหากเป็นครั้งแรก แกนกลางประกอบด้วยจิตรกรภาพบุคคลเป็นหลัก ซึ่งได้รับอิทธิพลจากศิลปินเรอเนซองส์ชาวเวนิส เซอร์โจชัว เรย์โนลด์ส (1723-1792) และโธมัส เกนส์โบโรห์ (1727-1788) เป็นผู้มีชื่อเสียงมากที่สุด เรย์โนลด์สซึ่งเดินทางไปอิตาลี เดินตามอุดมคติของการวาดภาพยุคเรอเนซองส์ ภาพบุคคลของเขาแม้จะดูมีเสน่ห์และสะเทือนอารมณ์ แต่ก็ไม่ได้มีความน่าสนใจเป็นพิเศษในด้านสีหรือพื้นผิว ในทางกลับกัน เกนส์โบโรห์ มีพรสวรรค์ด้านความฉลาดหลักแหลม พื้นผิวของภาพวาดของเขาเปล่งประกายด้วยสีที่สดใส

จิตรกรรมสมัยศตวรรษที่ 19

บางครั้งศตวรรษที่ 19 ถือเป็นช่วงเวลาที่ศิลปะสมัยใหม่เริ่มเป็นรูปเป็นร่าง หนึ่งใน เหตุผลสำคัญสิ่งที่เรียกว่าการปฏิวัติทางศิลปะในเวลานี้คือการประดิษฐ์กล้องซึ่งบังคับให้ศิลปินต้องพิจารณาจุดประสงค์ของการวาดภาพอีกครั้ง

การพัฒนาที่สำคัญกว่านั้นคือการใช้สีสำเร็จรูปอย่างแพร่หลาย จนถึงศตวรรษที่ 19 ศิลปินหรือผู้ช่วยส่วนใหญ่สร้างสีของตนเองโดยการบดเม็ดสี สีเชิงพาณิชย์ในยุคแรกด้อยกว่าสีทามือ ศิลปินในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 ค้นพบว่าสีน้ำเงินเข้มและสีน้ำตาลของภาพวาดในยุคก่อนๆ จางลงเป็นสีดำหรือสีเทาภายในเวลาไม่กี่ปี พวกเขาเริ่มใช้สีที่บริสุทธิ์อีกครั้งเพื่อรักษาผลงานของพวกเขา และบางครั้งก็เป็นเพราะพวกเขาพยายามสะท้อนแสงอาทิตย์ในฉากท้องถนนได้แม่นยำมากขึ้น

สเปน: โกยา

Francisco Goya (1746-1828) เป็นผู้ยิ่งใหญ่คนแรก ศิลปินชาวสเปนซึ่งปรากฏมาตั้งแต่ศตวรรษที่ 17 ในฐานะศิลปินคนโปรดของราชสำนักสเปน เขาได้สร้างภาพบุคคลของราชวงศ์มากมาย ตัวละครในราชวงศ์สวมใส่เสื้อผ้าหรูหราและเครื่องประดับชั้นดี แต่บนใบหน้าบางส่วน สิ่งที่สะท้อนให้เห็นคือความไร้สาระและความโลภ นอกจากภาพบุคคลแล้ว Goya ยังวาดภาพฉากที่น่าทึ่งเช่นวันที่สามเดือนพฤษภาคม พ.ศ. 2351 ภาพวาดนี้แสดงให้เห็นการประหารชีวิตกลุ่มกบฏสเปนโดยทหารฝรั่งเศส ความแตกต่างที่ชัดเจนของแสงและความมืด และสีที่มืดมน ประดับด้วยสีแดง ชวนให้นึกถึงภาพที่น่าสยดสยอง

แม้ว่าฝรั่งเศสจะเป็นศูนย์กลางทางศิลปะที่ยิ่งใหญ่ในช่วงทศวรรษที่ 1800 แต่ศิลปินภูมิทัศน์ชาวอังกฤษ John Constable (1776-1837) และ Joseph Mallord William Turner (1775-1851) ก็มีคุณูปการอันทรงคุณค่าให้กับการวาดภาพในศตวรรษที่ 19 ทั้งสองมีความสนใจในการวาดภาพแสงและอากาศ ซึ่งเป็นสองแง่มุมของธรรมชาติที่ศิลปินในศตวรรษที่ 19 สำรวจอย่างถี่ถ้วน ตำรวจใช้วิธีการที่เรียกว่าการแบ่งหรือสีแตก เขาใช้สีที่ตัดกันกับสีพื้นหลังหลัก เขามักจะใช้มีดจานสีทาสีให้แน่น ภาพวาด "Hay Wain" ทำให้เขาโด่งดังหลังจากถูกนำไปแสดงที่ปารีสในปี พ.ศ. 2367 นี่เป็นฉากการทำหญ้าแห้งในหมู่บ้านที่เรียบง่าย เมฆลอยอยู่เหนือทุ่งหญ้าที่ปกคลุมไปด้วยแสงแดด ภาพวาดของเทิร์นเนอร์มีความน่าทึ่งมากกว่าภาพวาดของตำรวจ ซึ่งวาดภาพสถานที่สำคัญทางธรรมชาติอันงดงาม เช่น พายุ ทิวทัศน์ท้องทะเล พระอาทิตย์ตกที่แผดเผา ภูเขาสูง บ่อยครั้งที่หมอกควันสีทองบดบังวัตถุในภาพวาดของเขาบางส่วน ทำให้ดูเหมือนลอยอยู่ในอวกาศอันไม่มีที่สิ้นสุด

ฝรั่งเศส

ช่วงเวลาแห่งการครองราชย์ของนโปเลียนและการปฏิวัติฝรั่งเศสถือเป็นการเกิดขึ้นของกระแสศิลปะฝรั่งเศสสองแนวที่ขัดแย้งกัน - แนวคลาสสิกและแนวโรแมนติก Jacques Louis David (1748-1825) และ Jean Auguste Dominique Ingres (1780-1867) ได้รับแรงบันดาลใจจากศิลปะกรีกและโรมันโบราณและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา พวกเขาเน้นรายละเอียดและใช้สีเพื่อสร้างรูปทรงที่มั่นคง ในฐานะศิลปินคนโปรดของรัฐบาลปฏิวัติ เดวิดมักวาดภาพเหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์ในยุคนั้น ในการถ่ายภาพบุคคลของเขา เช่น Madame Recamier เขาพยายามที่จะบรรลุถึงความเรียบง่ายแบบคลาสสิก

Théodore Guéricault (1791-1824) และ Eugene Delacroix (1798-1863) ผู้โรแมนติก กบฏต่อสไตล์ของ David สำหรับเดลาครัวซ์ สีเป็นองค์ประกอบที่สำคัญที่สุดในการวาดภาพ และเขาไม่มีความอดทนในการเลียนแบบรูปปั้นคลาสสิก แต่เขาชื่นชมรูเบนและชาวเวนิสแทน เขาเลือกธีมที่มีสีสันและแปลกใหม่สำหรับภาพวาดของเขา ซึ่งส่องประกายด้วยแสงและเต็มไปด้วยการเคลื่อนไหว

ศิลปินของบาร์บิซอนยังเป็นส่วนหนึ่งของขบวนการโรแมนติกทั่วไป ซึ่งกินเวลาตั้งแต่ประมาณปี 1820 ถึง 1850 พวกเขาทำงานใกล้หมู่บ้านบาร์บิซอน ริมป่าฟงแตนโบล พวกเขาค้นพบแรงบันดาลใจในธรรมชาติและวาดภาพจนเสร็จสมบูรณ์ในสตูดิโอของพวกเขา

ศิลปินคนอื่นๆ ทดลองกับสิ่งของธรรมดาๆ ในชีวิตประจำวัน ภูมิทัศน์ของ Jean Baptiste Camille Corot (1796-1875) สะท้อนให้เห็นถึงความรักในธรรมชาติของเขา และการศึกษาร่างกายมนุษย์ของเขาแสดงให้เห็นถึงความสงบที่สมดุล Gustave Courbet (1819-1877) เรียกตัวเองว่าเป็นนักสัจนิยมเพราะเขาวาดภาพโลกในขณะที่เขามองเห็น แม้กระทั่งด้านที่โหดร้ายและไม่น่าพอใจก็ตาม เขาจำกัดจานสีของเขาให้เหลือสีเข้มเพียงไม่กี่สี Edouard Manet (1832-1883) ยังได้ใช้พื้นฐานสำหรับวิชาของเขาจากโลกรอบตัว ผู้คนต่างตกตะลึงกับความแตกต่างที่มีสีสันและเทคนิคที่ไม่ธรรมดาของเขา พื้นผิวของภาพวาดของเขามักจะมีพื้นผิวเรียบและมีลวดลายเหมือนฝีแปรง วิธีการของมาเนต์ในการใช้เอฟเฟ็กต์ของแสงเพื่อสร้างอิทธิพลต่อศิลปินรุ่นเยาว์ โดยเฉพาะกลุ่มอิมเพรสชั่นนิสต์

การทำงานในช่วงทศวรรษที่ 1870 และ 1880 กลุ่มศิลปินที่รู้จักกันในชื่ออิมเพรสชั่นนิสต์ต้องการนำเสนอธรรมชาติอย่างที่เคยเป็นมา พวกเขาไปไกลกว่าตำรวจ เทิร์นเนอร์ และมาเนต์มากในการศึกษาผลกระทบของแสงสี บางคนได้พัฒนาทฤษฎีทางวิทยาศาสตร์เกี่ยวกับสี Claude Monet (1840-1926) มักวาดภาพทิวทัศน์เดียวกันในช่วงเวลาที่ต่างกันของวัน เพื่อแสดงให้เห็นว่ามีการเปลี่ยนแปลงอย่างไรภายใต้สภาพแสงที่ต่างกัน ไม่ว่าจะเป็นเรื่องใดก็ตาม ภาพวาดของเขาประกอบด้วยฝีแปรงเล็กๆ หลายร้อยเส้นวางติดกัน ซึ่งมักเป็นสีที่ตัดกัน เมื่อมองจากระยะไกล ลายเส้นจะผสมผสานกันเพื่อสร้างความรู้สึกถึงรูปทรงที่มั่นคง ปิแอร์ ออกุสต์ เรอนัวร์ (1841-1919) ใช้เทคนิคอิมเพรสชั่นนิสต์เพื่อจับภาพการเฉลิมฉลองของชีวิตชาวปารีส ในการเต้นรำที่ Moulin de la Galette ผู้คนในชุดสีสันสดใสต่างมารวมตัวกันและเต้นรำอย่างสนุกสนาน เรอนัวร์วาดภาพทั้งหมดด้วยลายเส้นเล็กๆ จุดและลายเส้นของสีจะสร้างพื้นผิวบนพื้นผิวของภาพวาดที่ทำให้ดูโดดเด่น ฝูงชนดูเหมือนจะสลายไป แสงแดดและสีที่แวววาว

จิตรกรรมศตวรรษที่ 20

ในไม่ช้า ศิลปินจำนวนหนึ่งก็ไม่พอใจกับอิมเพรสชันนิสม์ ศิลปินเช่น Paul Cézanne (1839-1906) รู้สึกว่าอิมเพรสชันนิสม์ไม่ได้บรรยายถึงความแข็งแกร่งของรูปแบบในธรรมชาติ Cézanne ชอบการวาดภาพหุ่นนิ่งเพราะทำให้เขาสามารถมุ่งความสนใจไปที่รูปทรงของผลไม้หรือวัตถุอื่นๆ และการจัดเรียงของพวกมัน ตัวแบบในหุ่นนิ่งของเขาดูมั่นคงเพราะเขาลดขนาดพวกมันให้เป็นรูปทรงเรขาคณิตง่ายๆ เทคนิคของเขาในการลงสีและลายเส้นสั้น ๆ ที่ใช้สีหลากหลายเคียงข้างกัน แสดงให้เห็นว่าเขาได้เรียนรู้อะไรมากมายจากอิมเพรสชั่นนิสต์

Vincent Van Gogh (1853-90) และ Paul Gauguin (1848-1903) ตอบสนองต่อความสมจริงของอิมเพรสชั่นนิสต์ ซึ่งแตกต่างจากอิมเพรสชั่นนิสต์ที่กล่าวว่าพวกเขามองธรรมชาติอย่างเป็นกลาง Van Gogh ไม่สนใจความถูกต้องเพียงเล็กน้อย เขามักจะบิดเบือนวัตถุเพื่อแสดงความคิดของเขาอย่างสร้างสรรค์มากขึ้น เขาใช้หลักอิมเพรสชั่นนิสม์เพื่อวางสีที่ตัดกันไว้ติดกัน บางครั้งเขาก็บีบสีจากหลอดลงบนผืนผ้าใบโดยตรง เหมือนกับใน “ทุ่งข้าวโพดเหลือง”

โกแกงไม่สนใจสีกระดำกระด่างของอิมเพรสชั่นนิสต์ เขาใช้สีอย่างไหลลื่นในพื้นที่เรียบขนาดใหญ่ ซึ่งเขาแยกออกจากกันด้วยเส้นหรือขอบสีเข้ม ประชาชนเขตร้อนหลากสีสันให้ความสำคัญกับเนื้อหาของเขามาก

วิธีการสร้างพื้นที่ของ Cezanne โดยใช้รูปทรงเรขาคณิตง่ายๆ ได้รับการพัฒนาโดย Pablo Picasso (1881-1973), Georges Braque (1882-1963) และคนอื่นๆ สไตล์ของพวกเขากลายเป็นที่รู้จักในนามลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม นักเขียนภาพแบบเหลี่ยมวาดภาพวัตถุราวกับว่าสามารถมองเห็นได้จากหลายมุมในคราวเดียว หรือราวกับว่าพวกมันถูกแยกชิ้นส่วนและประกอบกลับบนผืนผ้าใบเรียบ บ่อยครั้งวัตถุเหล่านั้นกลับกลายเป็นว่าไม่เหมือนกับสิ่งที่มีอยู่ในธรรมชาติ บางครั้งนักเขียนภาพแบบเหลี่ยมก็ตัดฟิกเกอร์จากผ้า กระดาษแข็ง วอลเปเปอร์ หรือวัสดุอื่นๆ แล้วติดบนผืนผ้าใบเพื่อสร้างภาพต่อกัน พื้นผิวยังหลากหลายโดยการเติมทรายหรือสารอื่นๆ ลงในสี

แนวโน้มล่าสุดคือการให้ความสำคัญกับหัวข้อนี้น้อยลง เทคนิคการจัดองค์ประกอบภาพและภาพเริ่มได้รับความสนใจมากขึ้น