จิตรกรรมและการวาดภาพ? นี่เป็นสิ่งเดียวกันและความแตกต่างคืออะไร? วัสดุสำหรับการวาดภาพของศิลปิน หากภาพวาดมีองค์ประกอบหลายร่าง ผู้คนจำนวนมาก วัตถุ ลวดลายแบบคริสเตียนและแบบเหนือจริง - นี่คือ Bosch
เริ่มต้นการสนทนากับวัฒนธรรมโลก คนทันสมัยไม่เสียความพยายามในการขึ้นสู่ระดับของเธอ แต่ในทางกลับกันพยายามดึงเธอลงสู่ระดับของเขาเอง (คนฉลาด)
ก่อนที่จะมีการประดิษฐ์ภาพถ่าย การวาดภาพถูกมองว่าเป็นเครื่องมือในการสะท้อนสภาพแวดล้อมได้ชัดเจนยิ่งขึ้น ภาพวาดถือว่าดีขึ้นตามความเป็นจริงมากขึ้น โลกแห่งความเป็นจริง- ด้วยการถือกำเนิดของการถ่ายภาพในปี พ.ศ. 2382 และภาพยนตร์ในปี พ.ศ. 2438 ความตระหนักรู้เกี่ยวกับการวาดภาพได้ขยายวงกว้างขึ้นอย่างมาก แม้ว่าคนอื่นๆ จะยึดมั่นในธุรกิจที่มีขอบเขตจำกัดและ ในขณะนี้.
ความแตกต่างระหว่างภาพถ่ายและภาพวาดคืออะไร?
Bato Dugarzhapov "คริสต์มาส"
ภาพถ่ายจะบันทึกช่วงเวลาหนึ่งหรืออีกนัยหนึ่งคือสถานะชั่วขณะของวัตถุที่มีความเฉพาะเจาะจงมาก ไม่ว่าจิตรกรจะเขียนรายละเอียดอย่างระมัดระวังและน่าเชื่อถือเพียงใด ก่อนอื่นให้เขียนสิ่งทั่วไปที่เขาเห็นในแบบจำลอง กล่าวอีกนัยหนึ่งคือ มีลักษณะเฉพาะและแสดงออกมากที่สุด
ดังนั้นภาพถ่าย (ยกเว้นผลงานที่หายากมากของศิลปินภาพถ่าย) จึงเป็นภาพประกอบคล้ายกับภาพในสารานุกรม: นี่คือลักษณะของกระรอกเด็ก ๆ และนี่คือลักษณะของเจ้าของอัลบั้มรูปเมื่อ 20 ปีที่แล้ว เมื่อเขาอาบน้ำในอ่างอาบน้ำ
บาโต ดูการ์ซาโปฟ "แหลมไครเมีย"
จิตรกรยุคใหม่ได้ละทิ้งธรรมชาติของการลอกเลียนแบบ การถ่ายภาพและการถ่ายทำภาพยนตร์จะทำสิ่งนี้ได้ดียิ่งขึ้นและเร็วขึ้น ลัทธิธรรมชาตินิยมผลักดันการวาดภาพไปสู่ทางตันของการทำซ้ำและความซ้ำซากจำเจ ยิ่งกว่านั้นธรรมชาติไม่สามารถสืบพันธุ์ได้ เมื่อผู้ชมยอมรับเฉพาะความแตกต่างที่ผิวเผินที่สุดของภาพวาด - การส่งข้อมูล "ที่ซึ่งทุกสิ่งยืนอยู่" การรับรู้ของภาพวาดจะยากจนและบิดเบี้ยวอย่างมาก
โดยพื้นฐานแล้วภาพวาดจะแตกต่างจากภาพถ่ายตรงที่มันไม่เหมือนกัน และนี่กลายเป็นความแตกต่างพื้นฐานระหว่างภาพที่มีสีสันและภาพถ่าย จิตรกรเป็นผู้ตัดสินใจ ตามความประสงค์ของตนเอง, อะไรและอย่างไรที่จะทิ้ง, อะไรและอย่างไรที่จะเน้น, สิ่งที่ควรแยกออกจากภาพ, เป็นครั้งคราวแม้จะขัดต่อสามัญสำนึกแบบผิวเผินก็ตาม
Bato Dugarzhapov "ระเบียง"
ภาพวาดสีสันสดใสบนผืนผ้าใบอ้างว่าเป็นการจัดแสดงวัตถุที่ทาสีอย่างสมบูรณ์และเป็นสากลและเพื่อถ่ายทอดความทรงจำจากวัตถุนั้น ด้วยวิธีที่ไม่สามารถเข้าใจได้ เล่มหนึ่งปรากฏบนผืนผ้าใบเรียบ มีชีวิต และ โลกที่สวยงามทำโดยศิลปิน
เราสามารถเข้าไปในภาพและได้ยินเสียงนกร้อง, ได้กลิ่นของทุ่งหญ้าที่บานสะพรั่ง, สัมผัสถึงความอบอุ่นของน้ำอุ่นจากแสงแดด, เห็นการเคลื่อนไหว - เข้าใจได้อย่างชัดเจนว่าทั้งหมดนี้เกิดขึ้นเฉพาะในจิตสำนึกของเราและต่อหน้าเราเท่านั้น และผู้สร้างได้มอบทุกสิ่งให้กับเรา
"อัลลา พรีมา" คืออะไร?
บาโต ดูการ์ซาโปฟ “ยามเช้า”
หากก่อนหน้านี้เรายินดีต้อนรับสไตล์เครื่องประดับในการเขียนรายละเอียดจนถึงรายละเอียดที่เล็กที่สุดเมื่อวาดภาพเป็นเวลาหลายเดือนหรือหลายปีแล้วจึงเคลือบเงาอย่างระมัดระวังในศตวรรษที่ 19-20 แนวคิดของ "อัลลาพรีมา" ก็ปรากฏขึ้น - จากภาษาละติน "all prima vista" (ในการจ้องมองที่ 1 - y) และหมายถึงการวาดภาพที่เกิดขึ้นเองด้วยสีอิมพาสโต
การทาสีจะพร้อมหลังจากเซสชั่นแรก สีต่างๆ ส่วนใหญ่จะผสมกันในระดับที่ดูสดและส่องสว่าง เมื่อทาสีแบบ en plein air นี่เป็นวิธีการทำงานที่เหมาะสมมาก
Pastosity แสดงออกมาด้วยความโล่งใจ ความนูนของชั้นสีสว่าง ในฝีแปรงพลาสติก และทำหน้าที่เน้นด้านวัสดุของวัตถุ และให้ความมีชีวิตชีวา ภาพวาดมีขนาดใหญ่กว่าและให้ความรู้มากกว่าภาพถ่าย ซึ่งสามารถมีอิทธิพลต่อผู้ชมด้วยจุดสีในท้องถิ่น โดยไม่ต้องชี้แจงและระบุรายละเอียดโดยไม่จำเป็น เป็นครั้งคราวแม้จะไม่มีข้อกำหนดนี้ก็ตาม
Bato Dugarzhapov “เที่ยง” เรือ”
การสลับจังหวะและจุดแสงที่ดูเหมือนสุ่มเมื่อมองแวบแรกนั้นให้อารมณ์ความรู้สึกมากกว่าภาพถ่ายมาก และลักษณะการเลียแบบโบราณที่สื่อถึงการเคลื่อนไหว - การเล่นจุดดวงอาทิตย์บนพื้นหญ้า แสงจ้าบนน้ำ ใบไม้ที่ไหว ฯลฯ
น่าเสียดายที่ผู้ชมรู้สึกคลั่งไคล้วัฒนธรรมที่เต็มไปด้วยสีสันเมื่อได้เห็นผลงานอัลลาพรีมาซึ่งวาดด้วยลายเส้นและลายเส้นที่กว้างใหญ่ไม่สนใจที่จะหยุดและมองอย่างใกล้ชิด แต่พองแก้มของเขาออกและด้วยคำว่า "ฉันทำได้ วาดภาพแบบนั้นด้วย” ด้วยสำนึกถึงความได้เปรียบของตัวเอง การค้นหาผลงานสร้างสรรค์ที่เขียนเป็นลอนเคลือบแลคเกอร์โดยไม่จำเป็นต้องใช้จินตนาการและความเห็นอกเห็นใจ
ปล่อยเขาไปเถอะแล้วเราจะดูตัวอย่างภาพวาด "Plein Air" ของศิลปิน Bato Dugarzhapov เป็นต้น เราเห็นอะไรในภาพอันน่าทึ่งนี้?
บาโต ดูการ์ซาโปฟ “เพลนแอร์”
ผู้ที่ต้องการดูว่ารองเท้าของตัวละครทำขึ้นมาอย่างไรก็ไม่มีอะไรเลย ผู้ชมที่ปรับให้เข้ากับคลื่นแห่งการรับรู้จะเห็นสิ่งต่างๆ มากมายเป็นอันดับแรก แสงแดด- จากนั้นเราจะเห็นศิลปินหลายคนสวมชุดฤดูร้อนอยู่ที่ขาตั้ง และมีศิลปินมีหนวดเคราสวมกางเกงยีนส์และมีแปรงอยู่ในมือ จากนั้นกำแพงหินอันอบอุ่นก็ปรากฏขึ้นพร้อมกับการปีนต้นวิสทีเรียที่มีแสงแดดส่องเข้ามาด้านบน ท้องฟ้าสีฟ้าในช่องว่างของใบไม้ เชิงเทินของคันดิน และทะเลที่อยู่ด้านหลัง นั่นคือสาเหตุที่ใบไม้ไม่ได้เขียนออกมาในรายละเอียดและเป็นเส้นสาย เพราะมันเคลื่อนไหว แกว่งไปแกว่งมา และแสงก็เคลื่อนไหวเช่นกัน เงาเคลื่อนไหว และภาพสะท้อนจากทะเลในระยะไกลจะเปลี่ยนแปลงทุกนาที...
อารมณ์ของภาพนั้นยอดเยี่ยมมาก เพียงแค่ปล่อยแสงและแง่บวกออกมา และในเวลาเดียวกันก็เป็นไปไม่ได้ที่จะชี้ด้วยตัวชี้และอธิบาย - นี่คือสิ่งนี้และนี่คือสิ่งนี้ คุณเพียงแค่ต้องเห็นสิ่งนี้โดยขยับออกห่างจากภาพเล็กน้อยแล้วมองมันเป็นเวลานาน ยิ่งไปกว่านั้น นี่เป็นเพียงไฟล์เท่านั้น ฉันจินตนาการได้ด้วยตัวเองว่าไฟล์ต้นฉบับควรทำอย่างไร!
Bato Dugarzhapov "บนภาพร่าง"
ภาพวาด “On Etudes” “ปรากฏ” ในลักษณะเดียวกัน ในตอนแรก - จุดแสงแดดและเงาสะท้อนของทะเลที่วุ่นวาย จากนั้นจิตรกรผมสีเทาก็โน้มตัวไปทางขาตั้ง จากนั้น - ทะเลเอง: ทะเลที่อ้าปากค้างมันเคลื่อนไหวมันกังวล แสงสะท้อนจากดวงอาทิตย์คลื่นทำให้ดวงตาของคุณบอดจริงๆ (มันเป็นไปไม่ได้ที่จะเข้าใจได้อย่างไร) ในทะเลมีภูเขาก้อนกรวดและเรือทางด้านซ้ายมีต้นไม้ปีนเขาอีกครั้งอาจเป็นองุ่น
บรรยากาศยามเช้าที่ร้อนอบอ้าว (และนี่คือเช้า เพราะเมื่อพระอาทิตย์ขึ้นสูง ทะเลไม่ส่องประกาย กลายเป็นสีฟ้า) ความงดงามของชายฝั่งทางใต้และความชื่นชมในความงามนี้ถ่ายทอดออกมาอย่างอธิบายไม่ถูก
Bato Dugarzhapov “ ยามเย็นทางใต้”
ภาพวาดของ Bato Dugarzhapov จมอยู่ในสภาพแวดล้อมที่ส่องสว่างเป็นพิเศษ ซึ่งพูดถึงวัฒนธรรมที่มีสีสันสูงสุดของศิลปิน การรับรู้ถึงสีและความสัมพันธ์เชิงพื้นที่ในวงแคบ ผลงานของเขาโดดเด่นด้วยความสดใหม่ จังหวะที่รวดเร็วของเส้นและจุดสี ความอิ่มเอิบโรแมนติก และการรับรู้ความสัมพันธ์ระหว่างแสงและอวกาศในวงแคบ
ได้อย่างง่ายดายเป็นพิเศษ ด้วยการลากเส้นขนาดใหญ่ เขาสร้างภาพธรรมชาติที่สมบูรณ์และสมบูรณ์ทั้งในด้านสี แสง และไดนามิกที่เกิดขึ้นจริง... ทุกสิ่งเปล่งประกายในรังสีของดวงอาทิตย์ แม้ในที่ที่มีเงา แสงสะท้อนที่เปล่งประกาย ซึ่งโดดเด่นเป็นพิเศษและ น่าขบขัน. โยนอย่างอิสระ สีต่างๆ จะวางซ้อนกันและสร้างความสามัคคีและจังหวะของสีต่างๆ ซึ่งการเล่นสีมีความสำคัญเป็นพิเศษ
Bato Dugarzhapov "ทะเลสาบโคโม"
Bato Dugarzhapov เกิดในปี 1966 ที่เมือง Chita เขาสำเร็จการศึกษาจากโรงเรียนศิลปะใน Tomsk และสถาบันศิลปะวิชาการเทศบาลนครหลวงซึ่งตั้งชื่อตาม วี.ไอ. ซูริคอฟ ผลงานของศิลปินอยู่ในคอลเลกชันส่วนตัวในรัสเซีย สหรัฐอเมริกา ฝรั่งเศส อิตาลี และสเปน
เค. ยู. สตาโรคัมสกายา
สำหรับหลายๆ คน การจดจำศิลปินและภาพวาดของพวกเขาดูเหมือนเป็นงานที่เป็นไปไม่ได้ กว่าร้อยปีที่ผ่านมา ประวัติศาสตร์ได้เขียนชื่อของศิลปินมากมายที่ชื่อของเขาเป็นที่รู้จัก ต่างจากภาพวาดของพวกเขา จะจดจำบุคลิกและสไตล์ของศิลปินได้อย่างไร? เราได้เตรียม คำอธิบายสั้น ๆสำหรับผู้ที่ต้องการที่จะเข้าใจ วิจิตรศิลป์:
หากภาพวาดแสดงให้เห็นว่าคนมีก้นใหญ่ คุณแน่ใจได้เลยว่านั่นคือรับเบนส์
หากคนใส่ชุดสวยพักผ่อนท่ามกลางธรรมชาติ - วัตโต
ถ้าผู้ชายดูเหมือนผู้หญิงผมหยิกมีตามีขน - นี่คือคาราวัจโจ
หากภาพวาดที่มีพื้นหลังสีเข้มแสดงให้เห็นบุคคลที่มีการแสดงออกที่สวยงามหรือผู้พลีชีพ - ทิเชียน
หากภาพวาดมีองค์ประกอบหลายร่าง ผู้คนจำนวนมาก วัตถุ ลวดลายแบบคริสเตียนและแบบเหนือจริง - นี่คือ Bosch
หากภาพวาดมีองค์ประกอบหลายรูปแบบและโครงเรื่องที่ซับซ้อน แต่ดูสมจริงมากกว่าภาพวาดของ Bosch มั่นใจได้ว่านี่คือ Bruegel
หากคุณเห็นภาพบุคคลบนพื้นหลังสีเข้มในแสงสลัวสีเหลือง - แรมแบรนดท์
ฉากในพระคัมภีร์ไบเบิลและในตำนานเป็นภาพของกามเทพตัวอวบหลายตัว - Francois Boucher
เรือนร่างเปลือยเปล่า หุ่นเพรียว หุ่นเป๊ะ - ไมเคิลแองเจโล
นักบัลเล่ต์ถูกวาดไว้ นี่คือเดกาส์
ภาพที่คมชัดตัดกันด้วยใบหน้าผอมแห้งและมีหนวดเครา - El Greco
หากภาพวาดแสดงภาพเด็กผู้หญิงที่มีคิ้วเดียว นี่คือฟรีด้า
ลายเส้นที่รวดเร็วและเบา สีสันสดใส และการพรรณนาถึงธรรมชาติ – Monet
สีสันอันสดใสและผู้คนชื่นชมยินดี – เรอนัวร์
สดใส เต็มไปด้วยสีสัน และอุดมสมบูรณ์ - แวนโก๊ะ
สีเข้ม ขอบดำ และคนเศร้า - มาเนตร
พื้นหลังเหมือนในหนังเรื่องเดอะลอร์ดออฟเดอะริงส์ มีหมอกสีฟ้าอ่อน ผมหยักศกและจมูกขุนนางของมาดอนน่า - ดาวินชี
หากร่างกายที่ปรากฎในภาพวาดมีรูปร่างผิดปกติ - ปิกัสโซ
สี่เหลี่ยมสีเหมือนเอกสาร Excel – Mondrian
“ฉันรู้มานานแล้วว่าสำหรับนักวิจารณ์ศิลปะ การแสดงออกมีความสำคัญมากกว่าเนื้อหา”
เอลดาร์ ไรอาซานอฟ
“ ทำไมฉันถึงเป็นลูกชายของจิตรกรชื่อดังชาวมอสโกที่ใช้ชีวิตวัยเด็กและวัยเยาว์อยู่ท่ามกลางศิลปินในคอลเลคชันของเขา จิตรกรรมมากขึ้นและกราฟิกมากกว่าในพิพิธภัณฑ์ระดับภูมิภาคอื่นๆ ฉันควรฟังนักประวัติศาสตร์ศิลปะที่ไม่เคยถือพู่กันอยู่ในมือเลยไหม”
อเล็กซานเดอร์ เกรมิตสคิก
วิกิพีเดียให้คำจำกัดความคำว่า "รูปภาพ" ที่เกี่ยวข้องกับการวาดภาพว่าเป็น "งานศิลปะที่มีลักษณะที่สมบูรณ์ (ตรงข้ามกับภาพร่างหรือภาพร่าง) และเป็นอิสระ คุณค่าทางศิลปะ- แนวคิดของ "การศึกษา" "ภาพร่าง" และ "ภาพร่าง" ที่เกี่ยวข้องกับการวาดภาพโดยทั่วไปจะรวมเข้าด้วยกันในวิกิพีเดียและถูกจำกัดให้เหลือแนวคิดเดียว นั่นคือ ภาพร่าง ซึ่งเป็นวัสดุเตรียมการสำหรับการวาดภาพจริงของศิลปิน
มาดูกันว่าสิ่งนี้เป็นจริงในทางปฏิบัติหรือไม่:
ต้องบอกว่าคำศัพท์ทางศิลปะทั้งหมดได้รับการพัฒนาย้อนกลับไปในศตวรรษที่ 19 หรือเร็วกว่านั้นด้วยซ้ำ ในสมัยนั้น ไม่เพียงแต่ที่นี่เท่านั้น แต่ทั่วทั้งยุโรป คนดีควรจะพูดภาษาฝรั่งเศสโดยเฉพาะ ดังที่เห็นได้จากคำศัพท์ที่ยังคงใช้ในการวาดภาพ ดังนั้นคำว่า "การศึกษา" จึงมาจากภาษาฝรั่งเศส "étude" และ "ภาพร่าง" - จากภาษาฝรั่งเศส "esquisse" เป็นต้น ลูกค้าของจิตรกรส่วนใหญ่อาศัยอยู่ในพื้นที่กว้างขวางมาก ซึ่งต้องตกแต่งด้วยผืนผ้าใบขนาดใหญ่ ซึ่งโดยธรรมชาติแล้วเป็นไปไม่ได้ที่จะทาสีจากชีวิตจริง เป็นที่ชัดเจนว่าภายใต้เงื่อนไขดังกล่าวมีเพียงผลิตภัณฑ์ขั้นสุดท้ายเท่านั้นที่มีมูลค่า - ภาพใหญ่ (แต่โดยวิธีการนั้นจะมีการจ่ายเงินโดยเฉพาะ) เนื่องจากไม่เคยเกิดขึ้นกับใครเลยที่จะแขวนผลงานจากธรรมชาติซึ่งมีภาพร่างอยู่บนผนังจึงเป็นไปไม่ได้ที่จะได้รับเงินสำหรับพวกเขาดังนั้นหากพวกเขาถูกทาสีมันก็เป็นเพียงการสนับสนุนภาพเท่านั้น วัสดุสำหรับบางคน ภาพใหญ่และมีความสำคัญน้อยกว่าแบบร่างที่เขียนอย่างระมัดระวังเนื่องจากต้องส่งให้ลูกค้าอนุมัติ
นี่คือจุดที่ตั้งแต่ "สมัยของ Ochakov และการพิชิตแหลมไครเมีย" คำจำกัดความที่ล้าสมัยมายาวนานได้ถูกย้ายออกไป เงื่อนไขทางศิลปะถึงวิกิพีเดีย! ใช่และในพจนานุกรมอื่น ๆ เช่นกันและจากที่นั่น - เข้าสู่หัวของเรา
อย่างไรก็ตาม โดย ปลายศตวรรษที่ 19ศตวรรษ ด้วยการทำให้สังคมเป็นประชาธิปไตย มุมมองว่าผลิตภัณฑ์ขั้นสุดท้ายในการวาดภาพสามารถเป็นเช่นไร ได้เปลี่ยนแปลงไปอย่างมาก ถ้า อิมเพรสชั่นนิสต์ชาวฝรั่งเศสพวกเขายังคงวิพากษ์วิจารณ์ความไม่สมบูรณ์ของผลงานของพวกเขา จากนั้น A.K. Savrasov สนับสนุนให้นักเรียนของเขา “เรียนรู้จากธรรมชาติ” ตัวอย่างเช่นในบรรดาศิลปินชาวรัสเซีย Konstantin Korovin มีชื่อเสียงจากภาพร่างของเขาจากธรรมชาติเขาไม่ได้วาดภาพตามธีมเลย เราอาศัยอยู่ในศตวรรษที่ 21 แล้ว แต่ในส่วนที่เกี่ยวข้องกับการวาดภาพ เรายังคงใช้ความเข้าใจคำศัพท์เฉพาะทางเมื่อ 200 ปีที่แล้ว ซึ่งเป็นความขัดแย้ง และนั่นคือทั้งหมด!
ความเข้าใจผิดเกี่ยวกับสิ่งที่ง่ายที่สุดที่ใช้ คำพูดในชีวิตประจำวันเงื่อนไขของการวาดภาพตามความเข้าใจในสมัยโบราณของพวกเขาจงใจบังคับใช้ต่อสาธารณชนทั่วไปโดยนักวิจารณ์ศิลปะที่เคารพนับถือซึ่งเห็นได้ชัดว่าไม่เข้าใจอะไรเกี่ยวกับศิลปะอย่างมืออาชีพสามารถสร้างความสับสนให้คนธรรมดาได้ ดังนั้นในบทความนี้ฉันจึงอยากจะพิจารณาคำศัพท์หลักที่ใช้กันทั่วไปในการวาดภาพโดยสัมพันธ์กับสถานการณ์ในปัจจุบันของเรา
ความหมายของคำว่า “เขียน”(เน้นพยางค์ที่สองแน่นอน)
ในภาษารัสเซีย คำว่า "เขียน" มีความหมายพื้นฐานของ "การเขียนตัวอักษรและตัวเลข" ในการวาดภาพ ผู้เชี่ยวชาญใช้คำว่า “การวาดภาพ” เป็นคำศัพท์ หากศิลปินพูดว่า: "ฉันวาดภาพ" ก็เช่นนั้น ในกรณีนี้เขาไม่ได้ใช้คำศัพท์เฉพาะทาง แต่พูดง่ายๆ ภาษาในชีวิตประจำวัน, ยังไง คนธรรมดา, ไม่เกี่ยวข้องกับ กิจกรรมทางศิลปะ- ในความเข้าใจคำศัพท์ พวกเขาวาดภาพด้วยถ่าน ร่าเริง ดินสอ สีพาสเทล แต่ไม่ใช่ภาพเขียนสีน้ำมัน “ภาพวาดของศิลปินนี้วาดด้วยสีน้ำมัน” มีเพียงคนที่อยู่ห่างไกลจากการวาดภาพเท่านั้นที่จะพูดได้ และไม่มีอะไรน่ากลัวเกี่ยวกับเรื่องนี้ มันไม่สำคัญขนาดนั้น ไม่สำคัญว่าคุณไม่รู้ว่ากระปลัคแดงหรือเหลืองแคดเมียมคืออะไร และคุณไม่เคยได้ยินเรื่องสีน้ำตาลไหม้หรือสีน้ำตาลไหม้เลย ชื่อของสีศิลปะซึ่งกำหนดสีบางสีได้อย่างถูกต้อง (ท้ายที่สุดแล้วสีแดง เหลือง และน้ำเงินจะแตกต่างกัน) ไม่จำเป็นอย่างยิ่งที่ผู้ที่ไม่ใช่ผู้เชี่ยวชาญจะต้องรู้ และนักประวัติศาสตร์ศิลป์ก็ไม่ก้าวล้ำคำศัพท์ที่แม่นยำระดับมืออาชีพอย่างหวุดหวิดเช่นนี้
แต่สุภาพบุรุษเหล่านี้ที่ "รู้จักศิลปะ" หรือพูดง่ายๆ ก็คือนักวิจารณ์ ซึ่งก็คือนักข่าวที่เขียนหัวข้อเกี่ยวกับศิลปะ ได้ประสบความสำเร็จในการยัดเยียดความคิดผิด ๆ ให้กับคนอื่น ๆ ว่าพวกเขากล่าวว่าศิลปะ "จำเป็นต้องเข้าใจ" ” ใครรู้เรื่องศิลปะบ้าง? แน่นอนว่าไม่มีใครนอกจากนักวิจารณ์ศิลปะ!
ดังนั้นพวกเขาจึงอธิบายให้เราฟังได้สำเร็จว่าในทัศนศิลป์เรารู้และไม่เข้าใจอะไรเลย และสิ่งที่น่าสนใจที่สุดคือเราเห็นด้วยกับเรื่องนี้อย่างยิ่ง! คุณสามารถถามใครได้บ้าง: “ฉันไม่เข้าใจการวาดภาพ”, “ฉันไม่เข้าใจศิลปะ”... และอะไรทำนองนั้น
จริงๆ แล้วมีอะไรให้เข้าใจ? ศิลปะรวมถึงวิจิตรศิลป์ถูกสร้างขึ้นเพื่อเรา คนธรรมดาและไม่ใช่สำหรับ "ผู้เชี่ยวชาญ" แต่สิ่งนี้ดึงดูดสุนทรียศาสตร์ที่มีอยู่ในตัวเราทุกคนโดยธรรมชาติ ในงานศิลปะ สำหรับผู้ชม ผู้อ่าน ผู้ฟัง มีเพียงสองเกณฑ์เท่านั้น คือ ชอบและไม่ชอบ คุณจะอ่านหนังสือน่าเบื่อไหม? ดู หนังไม่ดีหรือละคร? คุณจะฟังโอเปร่า ดนตรี หรือเพลงที่คุณไม่ชอบไหม? คุณนึกถึงคาซิเมียร์ มาเลวิชไหม? ศิลปินที่ยอดเยี่ยมและ Velimir Khlebnikov - กวีอัจฉริยะ- เลขที่? ไชโย! คุณมีความเข้าใจในศิลปะเป็นอย่างดี!
แต่เพื่อให้คุณและฉันสามารถ "ได้รับการยอมรับจากคนโง่เขลาคนอื่น ๆ ตามที่ปีเตอร์ฉันกล่าวไว้" ยังคงจำเป็นต้องเข้าใจคำศัพท์ทั่วไปหลายคำที่มักพบในคำพูดในชีวิตประจำวันซึ่งเกี่ยวข้องกับการวาดภาพในกรณีนี้ .
วัสดุสำหรับการวาดภาพของศิลปิน
ผู้ที่ไม่ใช่มืออาชีพตามคำแนะนำของนักวิจารณ์ศิลปะคนเดียวกันมักจะเชื่อเช่นนั้น รูปภาพจริงภาพวาดสีน้ำมันควรทาสีบนผืนผ้าใบโดยเฉพาะและโดยทั่วไปไม่สมควรได้รับความสนใจกับฐานอื่น ๆ เช่นกระดาษแข็งอาร์ต ถ้าอย่างนั้น "โมนาลิซ่า" ก็ไม่ควรถือเป็นภาพวาดด้วยซ้ำ เพราะเลโอนาร์โดใช้กระดานลินเดนในการทำงาน
กระดาษแข็งลงสีพื้นเพื่อไม่ให้สีซึมเข้าไปด้วยสารประกอบสีขาวที่เรียกว่าไพรเมอร์ซึ่งประกอบด้วยชอล์กและกาวหรือไพรเมอร์สีหากศิลปินต้องการนั่นคือกระดาษแข็งศิลปะพิเศษสะดวกอย่างน่าประหลาดใจสำหรับ การทำงานโดยเฉพาะในที่โล่ง กระดาษแข็งเป็นวัสดุที่มีขนาดกะทัดรัดและมีความหนาแน่นพอสมควร ซึ่งจะไม่เด้งกลับเมื่อถูกแรงกดของแปรง ไม่เหมือนผ้าใบ ผ้าใบภายใต้อิทธิพลของการเปลี่ยนแปลงของอุณหภูมิและความชื้นในห้องไม่ว่าจะหย่อนคล้อยหรือยืดออก ดังนั้นสีที่แตกสลายไปตามกาลเวลา แต่ไม่ใช่บนกระดาษแข็ง การทาสีบนกระดาษแข็งมีความทนทานพอๆ กับตัวกระดาษแข็ง และกระดาษแข็งยังมีความทนทานเหนือกว่าผืนผ้าใบอีกด้วย
เช่นเดียวกันกับฮาร์ดบอร์ดแม้ว่าจะหนักกว่ากระดาษแข็งมากก็ตาม ศิลปินโซเวียตมักจะลงสีรองพื้นฮาร์ดบอร์ดด้วยตัวเอง หรือแม้แต่ง่าย ๆ เพื่อให้สะดวกยิ่งขึ้นในการทาสีและแปรงไม่เด้งกลับ พวกเขาติดผ้าใบที่ลงสีรองพื้นไว้บนฮาร์ดบอร์ดเป็นพิเศษ เอาล่ะ ตัวอย่างที่ส่องแสง,หุ่นนิ่งกับไลแลคขนาดภาพค่อนข้างมาก:
แล้วผ้าใบล่ะ? ศิลปินอยู่กับเขาโดยเฉพาะ จักรวรรดิรัสเซียทำงานจนถึงปี 1862 เมื่ออุตสาหกรรมของรัสเซียเริ่มผลิตกระดาษแข็งเชิงศิลปะ
ผ้าใบต้องใช้เปลหามหนักบวกกับผ้าใบที่ยืดได้ดี ในกรณีนี้คุณต้องรอเป็นเวลานานเพื่อให้สีแห้งหลังจากเสร็จสิ้นงาน มิฉะนั้น ผ้าใบจะไม่สามารถม้วนขึ้นได้ เนื่องจากสีที่เปียกจะเกาะติดกันและสีจะเสียหายโดยสิ้นเชิง สีอาจใช้เวลาทั้งเดือนในการแห้ง นี่คือจุดที่ศิลปินเริ่มบังคับให้หยุดทำงาน สำหรับการขนส่ง หากภาพวาดมีขนาดใหญ่ ให้นำภาพวาดออกจากเปลหามแล้วค่อยๆ รีดลงบนกระสวยขนาดใหญ่โดยหงายภาพวาดขึ้นเพื่อไม่ให้ภาพวาดเสียหาย ขั้นตอนต่อไปคือหลังจากส่งไปยังไซต์แล้วให้ยืดผ้าใบอีกครั้งบนเปลหามอย่างถูกต้องโดยไม่บิดเบี้ยวมีรอยย่นที่มุมและความหย่อนคล้อย แต่ไม่มีแรงตึงมากเกินไป (ทั้งหมดนี้อาจทำให้ชั้นภาพวาดเสียหายได้) และเมื่อเวลาผ่านไปผืนผ้าใบที่เหยียดบนเปลภายใต้อิทธิพลของการเปลี่ยนแปลงของความชื้นและอุณหภูมิสามารถลดลงหรือในทางกลับกันยืดมากเกินไปซึ่งอาจคุกคามที่จะทำให้ผืนผ้าใบแตกได้ ซึ่งในทางกลับกันอาจทำให้ชั้นสีแตกสลาย ทำลายหรือทำลายภาพวาดได้ นั่นเป็นเหตุผลว่าทำไมในห้องโถงและห้องเก็บของ พิพิธภัณฑ์ศิลปะดังนั้นพวกเขาจึงตรวจสอบความสม่ำเสมอของความชื้นและอุณหภูมิอย่างเคร่งครัด
กระดาษแข็งอาร์ตมีข้อดีหลายประการ มันมีน้ำหนักเบาและเมื่อออกไปข้างนอกก็สามารถวางไว้ในกรอบไม้พิเศษพร้อมที่หนีบซึ่งมีที่จับเข็มขัดอยู่ด้านบนสำหรับพกพา แนวคิดเกี่ยวกับอุปกรณ์ที่มีประโยชน์นี้ได้มาจากภาพวาดที่เก็บรักษาไว้ในเอกสารของพ่อของฉันเกี่ยวกับกรอบภาพร่างซึ่งพ่อของฉันสั่งจากช่างไม้บางคน นี่คือภาพวาด:
บางครั้งจิตรกรก็นำกระดาษแข็งสองแผ่นติดตัวไปด้วยเพื่อวาดภาพ หนึ่งถูกใช้ก่อนแล้วถ้า
แสงหรืออารมณ์เปลี่ยนไปหรือลวดลายอื่นดึงดูดความสนใจศิลปินหยิบกระดาษแข็งแผ่นที่สองแล้วเขียนลงไป เมื่อทำงานเสร็จแล้ว เขาก็หมุนกระดาษแข็งที่ยังดิบอยู่ด้วยการทาสี เข้าไปด้านในกรอบและยึดไว้ด้วยที่หนีบ กระดาษแข็งไม่สัมผัสกัน ภาพวาดยังคงสภาพสมบูรณ์และไม่เป็นอันตราย มันจะแห้งในเวิร์คช็อป
ดังนั้นหลังจากปี 1862 เมื่อมีการก่อตั้งการผลิตกระดาษแข็งอาร์ตแบบลงสีพื้นทางอุตสาหกรรม จิตรกรจึงค่อยๆ เริ่มใช้กระดาษแข็งในอากาศมากขึ้นเรื่อยๆ
นักวิจารณ์ศิลปะที่เป็นสุภาพบุรุษซึ่งไม่รู้อะไรเลยเกี่ยวกับเรื่องทั้งหมดนี้และไม่ได้เขียนภาพร่างแม้แต่ภาพเดียวก็ดูถูกเหยียดหยาม กระดาษแข็งศิลปะด้วยเหตุผลบางประการที่คิดว่าการวาดภาพบนกระดาษแข็งจะยังไม่เสร็จอย่างเห็นได้ชัด โดยอาศัยข้อเท็จจริงที่ว่าภาพร่างส่วนใหญ่เขียนบนกระดาษแข็ง ซึ่งดังที่เราจะดูด้านล่างนี้เป็นงานเสร็จเรียบร้อยเสมอ ทำงานอย่างระมัดระวัง และมักต้องใช้ความพยายามมาก ยิ่งไปกว่านั้น คำว่า “ศึกษา” ยังถูกประดิษฐ์ขึ้นเพื่อใช้เป็นคำพ้องความหมายสำหรับความไม่สมบูรณ์ ความประมาทเลินเล่อ และ... ความไม่สมบูรณ์! แต่ขอถามหน่อยว่าความประมาทของการประหารชีวิตหรือความไม่สมบูรณ์ของภาพเกี่ยวอะไรกับสิ่งที่วาดไว้? แล้วไม่มีภาพร่างบนผืนผ้าใบเหรอ?
อย่างไรก็ตามภาพวาดนั้นเป็นสไตล์สัจนิยมสังคมนิยม ศิลปินโซเวียต Nikolai Ovchinnikov “ บนพื้นร้านค้า” ซึ่งในเดือนกันยายน 2559 V.V. ปูตินมอบของขวัญวันเกิดให้กับ D.A. เมดเวเดฟเขียนบนกระดาษแข็ง
พูดอย่างเคร่งครัดนี่ไม่ใช่ภาพวาด แต่เป็นภาพร่างเต็มรูปแบบที่ทำโดยศิลปินโดยตรงในเวิร์กช็อปของโรงงาน แต่คำศัพท์นี้จะกล่าวถึงด้านล่าง
สิ่งที่สำคัญที่สุดไม่ใช่วัสดุที่ใช้วาดภาพ แต่เป็นการที่ศิลปินสามารถสะท้อนความเป็นจริง อารมณ์ ความรู้สึกของเขาและถ่ายทอดไปยังผู้ชมได้อย่างไร วัสดุฐาน ไม่ว่าจะเป็นผ้าใบ กระดาษแข็ง ฮาร์ดบอร์ด กระดาษ กระดาน หรือแม้แต่เหล็กชุบสังกะสีบางๆ ก็ไม่มีส่วนเกี่ยวข้องกับเรื่องนี้ ความสามารถ ประสบการณ์ และโรงเรียนสอนศิลปะที่ดีเป็นสิ่งสำคัญ พวกเขากล่าวว่าใน Abramtsevo S.I. Mamontov ครั้งหนึ่งเคยเปลี่ยนหลังคาบ้านของเขา ศศ.ม. Vrubel หยิบเหล็กมุงหลังคาขึ้นมาแล้วเขียนไลแลคไว้บนนั้น ตอนนี้นี่ไม่ใช่ Vrubel เหรอ?
นี่คือ "ภาพเหมือนของ D.P. Smirnova คนงานของโรงงาน Trekhgornaya รองผู้อำนวยการสูงสุดของสหภาพโซเวียตแห่งสหภาพโซเวียต"
ผลงานของศิลปินโซเวียต Sergei Fedorovich Solovyov มันทำด้วยเหล็กชุบสังกะสีด้วย ภาพบุคคลนี้มีขนาดที่ใหญ่กว่าปกติเพียง 37.5 x 31.5 ซม. และมีชื่ออย่างเป็นทางการ เห็นได้ชัดว่าเป็นการศึกษาเต็มรูปแบบสำหรับภาพบุคคลขนาดใหญ่ที่ได้รับมอบหมายจากบุคคลชั้นนำในการผลิต เห็นได้ชัดว่าเมื่อนางแบบมาที่สตูดิโอของศิลปินเพื่อโพสท่า เขาไม่มีอะไรเหลือเลย เขาจึงวาดภาพเล็กๆ น้อยๆ ที่ทำเสร็จเรียบร้อยแล้ว ภาพผู้หญิงซึ่งตอนนั้นอาจมีการเปลี่ยนแปลงเล็กน้อยจึงถูกถ่ายโอนไปยังผืนผ้าใบขนาดใหญ่บางครั้งเนื่องจากการขาดแคลนทุกสิ่งศิลปินโซเวียตจึงวาดภาพ สีน้ำมันแม้แต่บนกระดาษที่ไม่ได้มีไว้สำหรับสิ่งนี้เลย นี่คือสิ่งที่พ่อของฉันทำบางครั้งโดยเฉพาะ หลังจากพ่อของฉันเสียชีวิต ฉันก็ต้องติดกระดาษนี้ลงบนกระดาษแข็ง (“กระดาษ Snow Fell” บนกระดาษแข็ง น้ำมัน 61.5x82; 1969)
ทำไมพวกเขาถึงเขียนบนผ้ากระสอบจากถุงที่ฉีกขาดด้วยซ้ำ! และมันก็ได้ผลดี!
เช่น งานของพ่อฉันคือ “ประธาน” เรื่องราวของเธอคือ: พ่อของเธอได้เดินทางไปทำธุรกิจที่ฟาร์มรวมแห่งหนึ่งในอัลไตซึ่งอยู่ใกล้กับ Biysk โดยมอบหมายงานเขียนให้ประธานที่นั่นซึ่งเป็นวีรบุรุษแห่งแรงงานสังคมนิยม แน่นอนว่าในฟาร์มส่วนรวมนั้นไม่มีผ้าใบ แม้แต่ผืนผ้าใบที่เตรียมไว้แล้ว พ่อของฉันจึงฉีกกระสอบใหญ่ๆ ออก ขึงมันไว้บนเปลหามชั่วคราวที่ประกอบเข้าด้วยกันทันที ปูผ้ากระสอบและวาดภาพเหมือนของประธาน ต่อจากนั้น 50 ปีหลังจากเหตุการณ์นั้น ผมต้องลากงานนี้ไปไว้บนเปลหามปกติอยู่แล้ว
หรือที่นี่ ภูมิทัศน์ฤดูใบไม้ร่วง“Crimson Autumn” เขียนโดยพ่อของฉันที่ไหนสักแห่งในหมู่บ้านห่างไกล โดยใช้เทคโนโลยีที่คล้ายกัน:
ดังนั้น: หากคุณกำลังวาดภาพขนาดใหญ่หลายเมตร คุณจะต้องวาดภาพบนผืนผ้าใบโดยเฉพาะเพื่อการพิจารณาของการขนส่งในภายหลัง และไม่ใช่เพื่อให้มีคุณค่าทางศิลปะ!
ในกรณีอื่นๆ ไม่สำคัญว่าจะเขียนอะไร ไม่เช่นนั้น P.M. Tretyakov สอง ETUDES โดย M.A. Vrubel บนกระดาษแข็งไม่สำคัญ คุณค่าทางศิลปะไม่มีความคิด
สเก็ตช์และสเก็ตช์
ไม่ว่าคุณจะพูดอะไรก็ตาม ภาพร่างก็คือภาพร่างที่เสร็จสมบูรณ์แล้วในขนาดที่ค่อนข้างเล็ก เต็มรูปแบบงานที่ทำในที่โล่ง (แนวนอน) หรือในสตูดิโอ (หุ่นนิ่ง ภาพบุคคล) และเป็นงานที่เป็นอิสระอย่างสมบูรณ์ อย่างไรก็ตาม ภาพร่างยังสามารถนำมาใช้ในอนาคตในการวาดภาพขนาดใหญ่ บางครั้งก็เป็นผืนผ้าใบขนาดใหญ่หลายเมตรด้วยซ้ำ ซึ่งสามารถทำได้ในสตูดิโอเท่านั้น ภาพร่างโดยเฉพาะอย่างยิ่งสำหรับทิวทัศน์ส่วนใหญ่มักมีขนาดประมาณไม่เกิน 60 x 80 ซม. กล่าวคือขนาดที่สะดวกต่อการถือโดยคนคนเดียว นี่คือตัวอย่างของภาพร่างขนาดเต็ม:
แบบร่างอาจเป็นการศึกษาแบบหนึ่งเซสชันซึ่งเขียนในหนึ่งเซสชันนั่นคือในหนึ่งวัน แต่สิ่งนี้เกิดขึ้นไม่บ่อยนัก โดยบ่อยครั้งที่ etude ต้องใช้หลายครั้งหรือหลายครั้งด้วยซ้ำ ภาพร่างแบบหลายเซสชัน โดยเฉพาะอย่างยิ่งหากเป็นภาพทิวทัศน์ขนาดเต็ม บางครั้งอาจต้องใช้เวลาหลายปีในการทำงาน ซึ่งมักจะเกิดขึ้นเมื่อสภาพอากาศเปลี่ยนแปลงอย่างรวดเร็วและยาวนาน และสภาวะที่ต้องการจะปรากฏขึ้นในปีหน้า ตัวอย่างเช่นคุณเขียน ฤดูใบไม้ร่วงสีทองท่ามกลางแสงแดดจ้ายังเหลือเวลาอีกสองสามช่วง แต่ที่นี่ฝนตกทั้งเดือนและปีหน้าเราจะต้องมาที่นี่อย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้
ดังนั้น, ภาพร่างเป็นงานเต็มรูปแบบเป็นงานศิลปะที่เสร็จสมบูรณ์ซึ่งจิตรกรใช้แรงงานพอสมควร กล่าวคือ ในภาษาประจำวัน ภาพวาดสีน้ำมันที่เสร็จสมบูรณ์นั้นค่อนข้างจะ ขนาดใหญ่.
แน่นอนว่ายังมีภาพร่างที่ยังสร้างไม่เสร็จ แต่ภาพวาดขนาดใหญ่หลายเมตรก็สามารถทำไม่เสร็จได้เช่นกัน ดังที่เราเห็นมันล้าสมัยไปนานแล้วและสูญเสียความหมายไปนานกว่า 100 ปี ค่าก่อนหน้าความคิดของนักวิจารณ์ศิลปะที่เคารพนับถือว่าภาพร่างเป็นสิ่งที่ยังไม่เสร็จและมีคุณค่าทางศิลปะที่ไม่มีนัยสำคัญอย่างแน่นอนซึ่งน่าเสียดายที่พวกเขาใส่ไว้ในหัวของเราอย่างแน่นหนาและซึ่งอนิจจาสะท้อนให้เห็นแม้กระทั่งในพจนานุกรมทุกวันนี้ไม่มีมานานแล้วอีกต่อไป ไม่สนับสนุนเหตุผลแม้แต่น้อย
ร่าง
ภาพร่างแตกต่างจากภาพร่างตรงที่มักจะทำเพื่อเตรียมการวาดภาพตามธีมขนาดใหญ่เท่านั้น (เช่น การจัดองค์ประกอบหลายร่างในหัวข้อเฉพาะ เช่น “ The Morning of the Streltsy Execution” โดย Surikov เป็นต้น) ความสมบูรณ์ไม่ได้อยู่ในแบบร่างเสมอไป และในกรณีนี้ก็มีลักษณะเฉพาะของแบบร่าง ลองเปรียบเทียบสองภาพร่างกับ งานใหญ่ Claudia Tutevol ศิลปินชาวโซเวียต ในกรณีแรกแบบร่างถูกสร้างขึ้นเพื่อตัวเองเป็นวัสดุในการทำงาน (แบบร่างของแผงสำหรับศาลาอวกาศที่ VDNKh)
ในกรณีที่สอง (ร่างเพดานเพดานของโรงละครโอเปร่าและบัลเลต์ Abay ในอัลมาตี) ภาพร่างถูกสร้างขึ้นเพื่อขออนุมัติจากสภาศิลปะตามที่เห็นได้จากลายเซ็นและตราประทับในส่วนล่างและด้านซ้ายบนของภาพร่าง ดังนั้นจึงเสร็จสมบูรณ์และเสร็จสิ้นไม่มีภาพร่างเช่น ไม่มีกลิ่นของความประมาทเลินเล่อหรืองานที่ยังไม่เสร็จที่นี่ ตัวอย่างเช่นในทางสถาปัตยกรรม นี่จะเป็นแบบจำลองของโครงสร้างทางสถาปัตยกรรมที่สอดคล้องกัน
ภาพร่างสำหรับการวาดภาพอาจเป็นภาพมือ ขา หู ใบหน้า รูปร่างหรือหัวของบุคคล ม้า สุนัข สัตว์อื่น ๆ หรือแม้แต่รถแทรคเตอร์ รถบรรทุก หรืออาจวาดหรือวาดอย่างระมัดระวังจนเสร็จสิ้นสมบูรณ์ก็ได้ วัตถุใด ๆ หรือเสื้อผ้า ทุกสิ่งที่จิตรกรสนใจในปัจจุบัน โดยทั่วไป สิ่งใด ๆ ที่อาจรวมอยู่ในอนาคต ภาพใหญ่ศิลปิน. ยิ่งไปกว่านั้น บางครั้งทั้งหมดนี้สามารถวางบนผืนผ้าใบ กระดาษแข็ง หรือฮาร์ดบอร์ดชิ้นเดียวกันได้
ภาพร่างดังกล่าวบางครั้งยังไม่เสร็จไม่ระมัดระวังดำเนินการอย่างเร่งรีบเรียกอีกอย่างว่าภาพร่างนั่นคือสิ่งที่ศิลปินในกระบวนการสร้างองค์ประกอบหลายร่างขนาดใหญ่ "ร่าง" บนแผ่นกระดาษกระดาษแข็งผ้าใบ ฯลฯ
นอกจากนี้ภาพร่างยังเรียกว่าภาพร่างด่วนที่ศิลปินสร้างขึ้นเองโดยธรรมชาติภายใต้อิทธิพลของช่วงเวลานั้น ตัวอย่างคือภาพร่างของ V.G. กระดาษ Gremitskikh "Away" 25.5x17 ดินสอ ทศวรรษที่ 1940
วี.จี. กระดาษ Gremitskikh "Away" ดินสอ; 25.5x17; ทศวรรษที่ 1940 |
ดังที่เราเห็นศิลปินได้วาดภาพบนกระดาษห่อชิ้นแรกที่มาถึงมือเพื่อตัวเขาเอง ด้วยดินสอง่ายๆเห็นได้ชัดว่าได้เจอฉากประเภทที่เขาสังเกตอยู่ด้วย
แต่ศิลปินชาวมอสโก Igor Radoman วาดภาพพ่อของฉันนอนอยู่บนเตียงที่ไหนสักแห่งในบ้านของศิลปิน "Academic Dacha":
ศิลปินในการประชุมและเซสชันทุกประเภทที่มีหลายครั้งในสมัยโซเวียตมักรู้สึกเบื่อหน่ายและสนุกสนานกับการวาดภาพร่างด้วยดินสอของกันและกัน ฉันมีภาพร่างที่คล้ายกันมากมายในคอลเลกชันของฉันจากศิลปินหลายคน
ภาพร่างสามารถทำได้ไม่เพียงแต่ด้วยดินสอเท่านั้น แต่ยังสามารถใช้สีน้ำมัน สีเลือดหมู สีพาสเทล ถ่าน ปากกา และอะไรก็ได้ แม้กระทั่ง ปากกาลูกลื่นเพราะศิลปินที่แท้จริงไม่สามารถอยู่ได้สักนาทีโดยปราศจากอาชีพของเขา สำหรับศิลปินแนวสัจนิยมนี่เป็นเพียงความคลั่งไคล้มืออาชีพในระดับสะท้อนกลับที่มีเงื่อนไขซึ่งต้องได้รับการฝึกอบรมอย่างต่อเนื่องการพัฒนาทักษะซึ่งในความเป็นจริงแล้วทำให้ศิลปินตัวจริงแตกต่างซึ่งอุทิศทั้งชีวิตให้กับงานศิลปะทุกวันและทุก ๆ ชั่วโมง จากศิลปินที่เรียกว่า "สมัยใหม่" และศิลปินแนวหน้าซึ่งคุณไม่จำเป็นต้องทำอะไรเลยจึงไม่จำเป็นต้องฝึกอบรม - ไม่มีทักษะ ไม่มีอะไรต้องฝึกฝน แค่ทาสีสี่เหลี่ยมแล้ว สามเหลี่ยม!
อย่างไรก็ตาม ภาพร่างสามารถเปลี่ยนเป็นภาพวาดที่เสร็จสมบูรณ์ได้ขึ้นอยู่กับเวลาที่ศิลปินต้องทำให้เสร็จ ที่นี่เราเสร็จเรียบร้อยแล้ว ภาพเด็กในดินสอ "Volodya at play" โดยจิตรกร Murom Vasily Vasilyevich Serov แต่ถึงกระนั้น - นี่คือภาพร่าง!
ภาพร่างมีส่วนช่วยในกระบวนการทำงานของศิลปินในวงกว้าง รูปภาพเฉพาะเรื่อง- ภาพร่างไม่เพียงแต่ทำด้วยน้ำมันเท่านั้น แต่ยังทำด้วยถ่านหรือดินสอ เทมเพอรา ฯลฯ อีกด้วย นอกจากนี้ภาพวาดหลายร่างขนาดใหญ่ในอนาคตโดยศิลปินสามารถประกอบเป็นร่างได้
ตัวอย่างเช่น เราสามารถอ้างอิงภาพร่างสองภาพสำหรับภาพวาดเฉพาะเรื่องขนาดใหญ่ “ผู้บัญชาการ สงครามกลางเมือง"โดยศิลปินโซเวียต กริกอรี่ กอร์ดอน อันที่จริงแล้วเป็นภาพเหมือนกลุ่มของผู้บัญชาการเสื้อแดงที่โด่งดังที่สุดแห่งสงครามกลางเมือง
ในตอนแรก จิตรกรตัดสินใจที่จะวางภาพทั้งหมดไว้บนพื้นหลังของธงสีแดง
แต่แล้วการเรียบเรียงนี้ดูน่าเบื่อสำหรับเขา และเขาก็ตัดสินใจที่จะทำให้มันซับซ้อนขึ้นบ้าง:
ดังที่เราเห็นในกรณีนี้ภาพร่างถูกสร้างขึ้นในอุบาทว์และนอกจากนี้ถึงแม้จะมีความร่างของงานทั้งสองก็ตามเช่น ความไม่สมบูรณ์และดูเหมือนความประมาทในการประหารชีวิตฮีโร่ทุกคนในภาพรวมในอนาคตนั้นค่อนข้างเป็นที่จดจำได้ เราเห็นอย่างชัดเจนว่า Voroshilov, Budyonny, Shchors, Frunze, Chapaev, Parkhomenko ฯลฯ
และนี่คือภาพร่างสำหรับภาพวาดเฉพาะเรื่องขนาดใหญ่ "The Arrest of Alexander Ulyanov" โดยศิลปิน Murom V.V. เซโรวา:
แน่นอนว่าผลลัพธ์ที่ได้มักจะแตกต่างไปจากแผนเดิม ตามกฎแล้วศิลปินที่แท้จริงจะไม่ได้รับสิ่งใหม่ ๆ ออกจากหัวของเขา เขาเจาะลึกหัวข้อที่เขาสนใจอยู่ตลอดเวลา เขาคิดทบทวน เปลี่ยนใจ สังเกตมาก อ่านวรรณกรรมที่เกี่ยวข้อง หากภาพวาดเฉพาะเรื่องในอนาคตมีทิวทัศน์ จะมีการเขียนภาพร่างที่สอดคล้องกันจากธรรมชาติ ซึ่งต่อมามักจะอยู่ในรูปแบบที่ปรับเปลี่ยนเล็กน้อยไปยังภาพวาด บางครั้งรายละเอียดส่วนบุคคลจากภาพร่างขนาดเต็มหลายภาพจะถูกถ่ายโอนไปยังภาพขนาดใหญ่ในคราวเดียว
อย่างไรก็ตาม ภาพร่างขนาดเต็ม ตรงกันข้ามกับภาพร่างและภาพร่าง แต่เป็นงานอย่างที่เราได้เห็นแล้วว่ามีความเป็นอิสระและจำเป็นต้องทำให้เสร็จสิ้นอย่างสมบูรณ์ นี่เป็นตัวอย่างที่ชัดเจนสำหรับคุณ หลังจากได้รับคำสั่งให้วาดภาพขนาดใหญ่เรื่อง "เลนินและกอร์กีในกอร์กี" พ่อของฉันโดยเฉพาะในฤดูใบไม้ผลิปี 2495 เดินทางไปที่เลนินสกีกอร์กีใกล้มอสโกหลายครั้งและวาดภาพร่างขนาดใหญ่สองภาพที่นั่นทั้งบนผืนผ้าใบ อย่างแรก “กอร์กี้” ฤดูใบไม้ผลิ. สีน้ำมันบนผ้าใบ 60x80 ซม.",
แล้ว -“ ใน Gorki Leninsky สีน้ำมันบนผ้าใบ 78.5x57 ซม."
ต่อจากนั้นในการวาดภาพขนาดใหญ่ครั้งสุดท้าย พ่อของฉันใช้ภาพร่างที่สองเป็นพื้นฐาน ขยับก้าวถอยหลังเล็กน้อย แล้ววางแม็กซิม กอร์กีคุยกับเลนินต่อหน้าพวกเขา จากภาพร่าง“ Gorki ฤดูใบไม้ผลิ." เขาใช้สภาพธรรมชาติก่อนหน้านี้เป็นพื้นหลัง ซึ่งลดภูมิทัศน์ลงอย่างมากเมื่อเทียบกับศาลาเมื่อเปรียบเทียบกับ บุคคลสำคัญ- อย่างไรก็ตาม ภาพร่างทั้งสองภาพ แต่ละภาพในตัวเองเป็นตัวแทนของภูมิทัศน์สวนสาธารณะที่เสร็จสมบูรณ์โดยสมบูรณ์ ไม่แตกต่างจากทิวทัศน์ธรรมชาติอื่นๆ มากมายของพ่อฉัน ถ้าฉันไม่ได้เล่าเรื่องนี้ที่นี่ คุณถึงแม้จะเคยเป็นนักวิจารณ์ศิลปะ คุณก็คงไม่มีทางเดาได้ว่าผลงานทั้งสองนี้ถูกนำมาใช้เพื่อสร้างภาพวาดที่เน้นสัจนิยมสังคมนิยมใช่ไหม? แล้วเราจะพูดได้อย่างไรว่าภาพร่างนั้นไม่ได้มีลักษณะที่สมบูรณ์และมีความสำคัญทางศิลปะที่เป็นอิสระ? (จำคำจำกัดความในวิกิพีเดีย)
การวาดภาพหลายร่างที่มีธีมขนาดใหญ่ต้องอาศัยการทำงานมหาศาลและยาวนาน จำนวนมากภาพร่างและภาพร่าง มันถูกทาสีเฉพาะในสตูดิโอเท่านั้น ซึ่งมักจะใช้เวลานานหลายปี ตัวอย่างเช่น A. A. Ivanov กับภาพวาดขนาดใหญ่ของเขา "การปรากฏของพระคริสต์ต่อผู้คน" ซึ่งศิลปินทำงานมายี่สิบปี - ตั้งแต่ปี 1837 ถึง 1857 หรือ Vasily Surikov ซึ่งทำงานในภาพวาดแต่ละภาพของเขาเป็นเวลาสามถึงห้าปี ปี.
อะไรคือความแตกต่างระหว่างรูปภาพและการศึกษา?
ร่างภาพมีความเป็นอิสระและเสร็จสิ้นอย่างสมบูรณ์ งานศิลปะแตกต่างจากภาพวาดโดยหลักตรงที่วาดมาจากชีวิต ภาพวาดนี้วาดเฉพาะในสตูดิโอโดยใช้วัสดุจำนวนมาก - การศึกษา, ภาพร่าง, ภาพร่าง, ภาพร่างดินสอและภาพถ่าย บางครั้งก็ต้องเรียน จำนวนมากวรรณกรรมและวารสาร ในขณะที่โครงเรื่องซึ่งก็คือแก่นของภาพนั้นถูกประดิษฐ์ขึ้นโดยศิลปินเองหรือกำหนดโดยลูกค้า และสิ่งที่สำคัญที่สุดคือภาพวาดมักจะรวบรวมความตั้งใจเบื้องต้นของศิลปินไว้เสมอในขณะที่ภาพร่างนั้นเขียนขึ้นอย่างเป็นธรรมชาติโดยส่วนใหญ่ - ศิลปินหยิบสมุดสเก็ตช์ภาพและไปมองหาแรงจูงใจนั่นคือ แบบที่เขาจะเขียน เมื่อเขาเห็นสิ่งนั้น เขาก็หยุดอยู่ตรงนั้นแล้วเขียน
Etudes ที่เขียนขึ้นโดยเฉพาะสำหรับการสร้างภาพวาดเฉพาะเรื่องขนาดใหญ่ก็ไม่มีข้อยกเว้น ในกรณีที่ฉันพูดถึงข้างต้นพ่อของฉันพบศาลาใน Leninsky Gorki เป็นครั้งแรกตัดสินใจว่าเขาจะวางเลนินและกอร์กีไว้ข้างหน้าจากนั้นจึงวาดภาพร่างสองภาพจากชีวิตด้วยศาลานี้
โดยพื้นฐานแล้วสามารถพูดได้ว่า ทุกสิ่งที่เขียนจากชีวิตเป็นเพียงภาพร่างไม่ว่าจะเป็นภาพทิวทัศน์ ภาพหุ่นนิ่ง หรือภาพเหมือน และทุกสิ่งที่ต้องมีการวางแผนเบื้องต้น งานระยะยาว ที่มีมากมายและหลากหลาย วัสดุเตรียมการ- นี่คือรูปภาพ
ภาพวาดสามารถเรียกได้ว่าเป็นผืนผ้าใบที่สร้างยุคสมัยขนาดใหญ่และบางครั้งก็มีขนาดมหึมาอย่างแน่นอน มีศิลปินเช่น Henryk Ippolitovich Semiradsky ดังนั้นเขาจึงวาดภาพเขียนขนาดใหญ่จนในสตูดิโอพวกเขาถูกแขวนจากเพดานและถึงพื้นและจำไว้ว่าสิ่งนี้ไม่ได้เกิดขึ้นในครุสชอฟ ดังนั้นนักวิชาการและศาสตราจารย์ของ Imperial Academy of Arts จึงต้องปีนบันไดอยู่ตลอดเวลา บางครั้งเขาก็มีผลงานชิ้นใหญ่เช่นนี้ ที่จีไอ ภาพวาดของ Semiradsky ส่วนใหญ่เป็นภาพวาดแฟนตาซีขนาดใหญ่ในธีมโบราณซึ่งเป็นหัวข้อที่เขาหยิบมาจากหัวของเขาเพราะว่า ชีวิตจริง กรีกโบราณโดยธรรมชาติแล้วเขาไม่สามารถสังเกตกรุงโรมในสมัยของจักรพรรดิเนโรด้วยตาของเขาเองได้
อย่างไรก็ตาม ภาพวาดอาจมีขนาดค่อนข้างเล็ก โดยเฉพาะภาพวาดประเภทต่างๆ กล่าวคือ ภาพวาดของศิลปินที่บรรยายฉากต่างๆ ในชีวิตประจำวัน ตัวอย่างเช่น "Matchmaking of a Major" อันโด่งดังของ Pavel Fedotov มีขนาดภาพร่างค่อนข้างมาก - เพียง 58.3x75 ซม. แต่อย่างที่คุณเข้าใจ เห็นได้ชัดว่ามันไม่ได้ทาสีจากชีวิตโดยตรงในห้องนั่งเล่นของพ่อค้า
ภาพประวัติศาสตร์โดยทั่วไปเป็นสิ่งเพ้อฝันโดยเฉพาะ ตัวอย่างเช่นพี่น้อง Vasnetsov ทั้งสองเขียนเกี่ยวกับเนื้อหาทางประวัติศาสตร์ แต่แตกต่างกันมาก มีผู้หนึ่งสร้างชีวิตและสถาปัตยกรรมของมอสโกขึ้นใหม่ในวันที่ 14 และ ศตวรรษที่ XVIIอีกคนหนึ่งเอารัสเซียเป็นพื้นฐาน นิทานพื้นบ้านและมหากาพย์ แต่ถ้า Apollinaris จริงจังในระดับวิทยาศาสตร์มีส่วนร่วมในประวัติศาสตร์และโบราณคดีเป็นสมาชิกของสังคมประวัติศาสตร์และโบราณคดีต่าง ๆ เป็นผู้สนับสนุนอย่างกระตือรือร้นในการเผยแพร่ความรู้ประวัติศาสตร์พยายามที่จะสร้างชีวิตและมุมมองของมอสโกในยุคกลางขึ้นมาใหม่ “เหมือนเดิม” โดยอาศัยเอกสารและผลโบราณ การขุดค้นทางโบราณคดีซึ่งบางครั้งเขาก็มีส่วนร่วมเป็นการส่วนตัว ภาพวาดของวิกเตอร์พี่ชายของเขานั้นมีลักษณะเป็นจินตนาการล้วนๆ อยู่แล้ว
ภาพวาดการต่อสู้จัดอยู่ในประเภทเดียวกัน การวาดภาพพวกเขาจากชีวิตโดยตรงในสนามรบ อย่างที่ผู้หญิงบางคนจากประวัติศาสตร์ศิลปะจินตนาการนั้นช่างไร้สาระ จิตรกรการต่อสู้ชาวรัสเซียผู้โด่งดัง V.V. Vereshchagin ซึ่งสังเกตการต่อสู้หลายครั้งเป็นการส่วนตัวและบางครั้งก็มีส่วนร่วมโดยตรงด้วยซ้ำเขียนภาพวาดของเขาจากความทรงจำเพียงอย่างเดียวโดยธรรมชาติในสตูดิโอโดยอาศัยภาพร่างจำนวนมากที่เขาทำในโรงละครของการปฏิบัติการทางทหาร นอกจากนี้ Vasily Vasilyevich อ่านมากสัมภาษณ์ผู้เห็นเหตุการณ์ใช้เงินจำนวนมากไปกับอุปกรณ์ประกอบฉาก - เขาซื้ออาวุธ เครื่องแบบ อุปกรณ์ ซึ่งเขาวาดมาจากชีวิตจากนั้นจึงเตรียมภาพร่างสำหรับภาพวาดที่เขามีอยู่ในใจ
ภาพวาดขนาดใหญ่ที่แสดงถึงทิวทัศน์นั้นไม่ใช่ของจริง แต่ศิลปินประดิษฐ์ขึ้นจากหัวของเขาและสร้างขึ้นจากภาพร่างจากธรรมชาติ ครั้งหนึ่งฉันบังเอิญเห็นภาพร่างขนาดประมาณ 60 x 80 ซม. โดยที่ I.I. Shishkin วาดภาพเขียนขนาดใหญ่อันโด่งดังของเขา "ไรย์" ซึ่งมีขนาด 107 x 187 ซม. ภาพร่างอยู่บนผืนผ้าใบและพรรณนาทุกอย่างเหมือนกับในภาพ มีเพียงถนนเท่านั้นที่ไม่ได้ตรงจากผู้ชมไปยังต้นสน แต่ค่อนข้างไปด้านข้างและ จำนวนต้นสนก็ต่างกัน ในกรณีนี้ ภาพร่างจากธรรมชาติทำหน้าที่เป็นพื้นฐานสำหรับการสร้างสรรค์ภาพวาดขนาดใหญ่พร้อมทิวทัศน์อย่างชัดเจน แต่ในตัวมันเองแล้ว แสดงถึงงานที่เสร็จสมบูรณ์และประดิษฐ์ขึ้นอย่างพิถีพิถัน
ดังนั้นเราจึงสามารถพูดคุยได้ไม่เพียง แต่เกี่ยวกับภาพร่างสำหรับภาพวาดเท่านั้น แต่ยังเกี่ยวกับภาพร่างสำหรับภาพวาดด้วยหากภาพร่างนั้นเขียนขึ้นโดยเฉพาะ ส่วนใหญ่มักเกี่ยวข้องกับภูมิทัศน์ ถ้า I.I. Shishkin จำกัด ตัวเองอยู่แค่ภาพร่างที่กล่าวถึงข้างต้นและด้วยเหตุผลบางอย่างไม่ได้เขียนงานขนาดใหญ่ตามภาพนั้นตอนนี้นักวิจารณ์ศิลปะจะ หอศิลป์ Tretyakovอวดภาพเขียนของ I.I. Shishkina “Rye” 60x80 ซม. โดยไม่สงสัยว่านี่เป็นภาพร่างขนาดเต็ม
มาสรุปกันดีกว่า:
ภาพวาดซึ่งต่างจากภาพร่างนั้นจำเป็นต้องมีการวางแผนเบื้องต้นโดยศิลปิน การคิดระยะยาว และมักจะโดดเด่นด้วยการดำเนินการและการตกแต่งอย่างระมัดระวัง ดังนั้นต้องพูดหรือเขียนออกมา ศิลปินในสตูดิโอจะวาดภาพขนาดใดก็ได้โดยใช้วัสดุที่หลากหลาย: ภาพถ่าย ภาพร่างและภาพร่างที่เตรียมการ และหากจำเป็น ก็ขึ้นอยู่กับภาพร่างที่เขียนไว้ล่วงหน้าจากธรรมชาติ ภาพวาด แม้แต่ภาพเล็กๆ และยิ่งกว่านั้นอีก ขนาดใหญ่, ไม่ได้ทาสีในที่โล่งเสมอแม้ว่าจะเป็นทิวทัศน์ก็ตาม (ลองลากยักษ์ใหญ่เช่นนี้ไปกับคุณในทุ่งนาหรือป่า!) แต่ในสตูดิโอของศิลปิน ภาพวาดขนาดใหญ่ถูกวาดบนผืนผ้าใบอย่างแน่นอนซึ่งไม่ได้เกิดจากความสะดวกสบายเป็นพิเศษของผืนผ้าใบขนาดใหญ่ในการขนส่ง
จิตรกรรมเฉพาะเรื่อง - ตามคำที่แนะนำคือภาพวาดในหัวข้อเฉพาะ ส่วนใหญ่มักเป็นองค์ประกอบหลายร่างขนาดใหญ่ คำนี้ปรากฏแล้วในประวัติศาสตร์ศิลปะของสหภาพโซเวียต ดังนั้นจึงมักนำไปใช้กับผลงานที่เรียกว่าสัจนิยมสังคมนิยมเช่นในหัวข้อของ Civil, Great สงครามรักชาติหรือพูดว่า "เลนินในเดือนตุลาคม" เนื่องจากขนาดของผลงานดังกล่าวมักมีขนาดใหญ่มาก ศิลปินจึงวาดภาพดังกล่าวในสตูดิโอของเขาและวาดภาพบนผืนผ้าใบโดยธรรมชาติ “พวกคอสแซคเขียนจดหมายถึงสุลต่านตุรกี” I.E. โดยหลักการแล้ว Repin ซึ่งมีขนาด 2.03 x 3.58 เมตรสามารถเรียกได้ว่าเป็นภาพวาดเฉพาะเรื่องแม้ว่า สัจนิยมสังคมนิยมไม่มีกลิ่นที่นั่น มันถูกเขียนโดย Ilya Efimovich ในเวิร์กช็อปโดยใช้ภาพร่างและภาพร่างจำนวนมากรวมถึงตัวอย่างเช่น "Barge Haulers on the Volga" (1.31 x 2.81 ม.)
ประเภทจิตรกรรม-ชื่อนี้ได้มาจาก คำภาษาฝรั่งเศส"ประเภท" มักจะเป็นงาน
เล็ก บทสนทนาสามารถทำได้ไม่เพียงแต่บนผืนผ้าใบเท่านั้น แต่ยังบนกระดาษแข็งหรือฮาร์ดบอร์ดด้วย เนื้อหานี้เริ่มแพร่กระจายอย่างกว้างขวางในศตวรรษที่ 20
นอกจากนี้ยังมีแนวคิดเช่น แนวตั้งประเภท- ภาพบุคคลเป็นเพียงภาพเหมือนของบุคคลโดยมีพื้นหลังที่เป็นกลาง แต่เมื่อมีพื้นหลังที่แสดงวัตถุ ผู้คน หรือแม้แต่ภูมิทัศน์ทางอุตสาหกรรมที่แนะนำผู้ชม เช่น อาชีพของบุคคลที่ถูกบรรยาย นี่คือ เป็นภาพแนวประเภทอยู่แล้ว ตัวอย่างเช่นเราสามารถอ้างอิงภาพเหมือนของผู้หญิงประเภท "ทหารผ่านศึกของคนงานเหมือง" โดยศิลปินชาวโซเวียต Klavdia Aleksandrovna Tutevol ซึ่งกล่าวถึงแล้วที่นี่:
ดังที่เราได้กล่าวไว้ข้างต้นภาพร่างเป็นงานอิสระที่สมบูรณ์ แต่มาจากธรรมชาติอย่างแน่นอน มันเป็นงานศิลปะที่เป็นอิสระอย่างสมบูรณ์ แต่ก็สามารถทำหน้าที่เป็นวัสดุเสริมสำหรับการวาดภาพขนาดใหญ่ของศิลปินได้ ซึ่งจะไม่ลดทอนคุณค่าทางศิลปะของมันแต่อย่างใด อาจเป็นภาพนิ่ง ภาพบุคคล ภูมิทัศน์ ภายใน ภาพร่างเนื่องจากขนาดค่อนข้างเล็กจึงถูกวาดบนวัสดุทั้งหมดข้างต้น แต่สิ่งสำคัญในนั้นคือคุณภาพของงานของจิตรกรความสามารถของเขาในการสร้างองค์ประกอบในชีวิตหุ่นนิ่งสะท้อนถึง คาแรคเตอร์ของนางแบบในแนวตั้ง ถ่ายทอดความตื่นเต้น หรือความสงบของท้องทะเล ความหนาวเย็น ป่าฤดูหนาว,ความงามของพระอาทิตย์ตกดิน,เสน่ห์ของฤดูใบไม้ร่วงสีทองหรือ อารมณ์ฤดูใบไม้ผลิธรรมชาติในภูมิทัศน์
ภาพร่างเป็นงานเสริมโดยมีวัตถุประสงค์คือเพื่อบันทึกแนวคิดเกี่ยวกับองค์ประกอบในอนาคต
รูปภาพเฉพาะเรื่อง ตัวอย่างเช่น เรามาวาดภาพร่างของภาพวาด "Virgin Lands" โดย E. D. Ishmametov ในนั้นศิลปินได้พัฒนาองค์ประกอบและการระบายสีตัวละครท่าทางของตัวละครแล้ววาดภาพขนาดใหญ่ในหัวข้อนี้ จิตรกรมักจะคิดแบบร่างสำหรับการวาดภาพอย่างระมัดระวังเสมอ โดยปกติแล้วภาพร่างจะมีลักษณะของความไม่สมบูรณ์ความไม่สมบูรณ์บางอย่าง นี่เป็นเพราะความจริงที่ว่าศิลปินส่วนใหญ่มักไม่จำเป็นต้องทำให้เสร็จ มีงานอื่น - พัฒนาตัวเลือกสำหรับองค์ประกอบของภาพวาดในอนาคตปรับปรุงแนวคิดดั้งเดิม ดังนั้นภาพร่างส่วนใหญ่มักมีลักษณะเหมือนภาพร่าง แต่ก็อาจเป็นงานที่เสร็จสมบูรณ์และวาดอย่างระมัดระวังโดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อร่างนั้นมีจุดประสงค์เพื่อขออนุมัติจากคณะกรรมการคัดเลือกดังที่เราได้เห็นแล้วในตัวอย่างร่างเพดานสำหรับโรงละคร อาไบในอัลมาตี โดย Claudia Tutevolภาพร่างหากทำในกระบวนการวาดภาพก็เป็นงานเสริมล้วนๆ ยังไม่เสร็จ ไม่ได้วาดอย่างละเอียด
เขียนหรือวาดเร็วแต่ขาดความเอาใจใส่ ศิลปินที่ดีไม่ได้เกิดขึ้นในนั้น คุณสามารถร่างภาพศีรษะของแบบจำลองได้อย่างรวดเร็ว ซึ่งต่อมาจะกลายเป็นภาพบุคคลที่งดงามอลังการ หรือคุณสามารถร่างภาพร่างบางภาพอย่างรวดเร็วซึ่งอาจจำเป็นต้องใช้ในภายหลังเพื่อสร้างองค์ประกอบของภาพวาดขนาดใหญ่ และ ภาพร่างจะยังคงเป็นผลงานอิสระที่น่าสนใจสำหรับนักสะสมและมือสมัครเล่น ตัวอย่างเช่นนี่คือภาพร่างของ V.G. Gremitsky "เต้นรำ":อย่างไรก็ตาม ตามที่เราเห็นข้างต้น ภาพร่างสามารถเป็นอิสระได้อย่างสมบูรณ์
ภาพร่างมักจะมีลักษณะเหมือนภาพร่าง แต่ภาพร่างโดยพื้นฐานแล้วคือแผนสำหรับการวาดภาพในอนาคต องค์ประกอบทั้งหมดของมัน ในขณะที่ภาพร่างสำหรับภาพวาดนั้นเป็นภาพร่างอย่างรวดเร็วของบางสิ่งบางอย่าง ซึ่งตามหลักการแล้ว สามารถรวมไว้ในอนาคตได้ จิตรกรรม.
เกี่ยวกับข้อกำหนดทั่วไปอื่นๆ ในการวาดภาพ:
ครั้งหนึ่งฉันประหลาดใจมากที่รู้ว่าพนักงานคือ "ภาพวาดสีน้ำมันที่ไม่มีภาพคนหรือสัตว์อย่างชัดเจน" ในความเป็นจริง พนักงานคือบุคคลหรือสัตว์เล็กๆ ที่ศิลปินจารึกไว้บนภูมิทัศน์เพื่อฟื้นคืนชีพ
อีกคำหนึ่งจาก จิตรกรรมภูมิทัศน์- ส้อมเสียง นี่เป็นจุดสว่างที่ตัดกับพื้นหลังทั่วไปของทิวทัศน์ โดยปกติแล้วนี่คือพนักงานบางประเภท ตัวอย่างคือผลงานของศิลปินทาชเคนต์
วี.เอ็ม. โควินินา” ภูมิทัศน์ภูเขา“ด้วยรูปร่างของหญิงสาวที่แต่งกายด้วยชุดประจำชาติสีแดงสด
มันแปลกเมื่อพวกเขาโทรหาใครก็ตาม ภาพวาดสีน้ำมันแม้มีขนาดเล็กและเขียนบนกระดาษแข็งได้ “ผ้าลินินเป็นผ้าลินินเนื้อเรียบและหนาแน่นซึ่งเป็นรูปแบบการทอที่เรียบง่ายที่สุด พันธุ์ที่ดีที่สุดเรียกว่า แคมบริค พันธุ์ที่หยาบที่สุดเรียกว่า ผ้าใบ ผ้าใบ อีคลัค ฯลฯ” (วิกิพีเดีย). ดังนั้นผืนผ้าใบจึงไม่สามารถเป็นได้ทั้งกระดาษแข็งหรือฮาร์ดบอร์ดเมื่อเทียบกับการทาสี แต่เป็นผืนผ้าใบอย่างแน่นอน
ในการวาดภาพ ผืนผ้าใบคือภาพเขียนที่มีขนาดมหึมา และมักจะอยู่ในธีมของการสร้างยุคสมัย ดังนั้นเราสามารถพูดได้ว่ามีเพียงผืนผ้าใบเท่านั้นที่ออกมาจากพู่กันของ Vasily Surikov แต่ Konstantin Korovin เริ่มมีชื่อเสียงจากผลงานร่างของเขาเป็นหลัก หาก "The Ninth Wave" ของ Aivazovsky สามารถเรียกได้ว่าเป็นผืนผ้าใบได้อย่างสมบูรณ์จากนั้นในส่วนที่เกี่ยวข้องกับงานเล็ก ๆ ที่กล่าวถึงแล้ว "Fresh Cavalier" ของ Fedotov มันจะเป็นเรื่องตลกแม้ว่าจะวาดบนผืนผ้าใบด้วยก็ตาม
ข้อมูลเพิ่มเติมเกี่ยวกับดิน: Gesso คืออะไร นี่คือไพรเมอร์พิเศษที่ใช้ชอล์กซึ่งใช้คลุมกระดานไม้ ก่อนหน้านี้ใน ยุโรปตะวันตกรูปภาพมักถูกวาดบนกระดานและในไอคอนของ Rus และเสมอ นี่เป็นวัสดุที่ไม่สบายอย่างยิ่ง ในฮอลแลนด์ ครั้งหนึ่งกระดานถูกทำให้แห้งเป็นเวลา 50 ปี หลังจากนั้นจึงนำไปใช้งาน ทุกวันนี้ศิลปินไม่ค่อยใช้ gesso เนื่องจากสีพร้อมกับไพรเมอร์หนา ๆ จะแตกหักง่ายเมื่อเวลาผ่านไปหรือจากการถูกกระทบเบา ๆ และจิตรกรไอคอนสมัยใหม่ก็ใช้มันน้อยลงเรื่อยๆ
โดยสรุป นี่คือภาพประกอบเพิ่มเติมบางส่วนเพื่อความชัดเจน:
ผลงานของ V.G. Gremitskikh ซึ่งเรียกว่า "Etude" โดยพื้นฐานแล้วนี่คือภาพเหมือนของคนงานในเซสชันเดียวเต็มรูปแบบ ซึ่งวาดในที่ทำงานของเธอขณะก่อสร้างโรงไฟฟ้าพลังน้ำ Kuibyshev
และนี่คือภาพบุคคลประเภทโดยศิลปินทาชเคนต์ Valery Kovinin:
เห็นได้ชัดว่านี่ไม่ใช่ภาพบุคคลเดียว ศิลปินทรมานเพื่อนร่วมงานของเขาซึ่งทำหน้าที่เป็นนางแบบของเขาอย่างชัดเจนด้วยจำนวนเซสชันซึ่งเห็นได้ชัดเจนจากการทำงานอย่างระมัดระวังและจากขนาดของมัน แต่ถึงกระนั้นก็ตามนี้ ภาพเหมือนของผู้ชายไม่ใช่ภาพวาด แต่เป็นภาพร่างแบบหลายเซสชันจากธรรมชาติ ซึ่งไม่ทำให้คุณค่าทางศิลปะของภาพวาดลดลงแต่อย่างใด
เพื่อพิสูจน์คำพูดสุดท้ายนี้ ลองพิจารณาภาพเหมือนของผู้หญิงชื่อดัง “Girl Illuminated by the Sun” ลูกพี่ลูกน้องของเขา Maria Simonovich V.A. Serov วาดภาพจากชีวิตจริงตลอดฤดูร้อนปี 1888 โดยจับภาพทุกวันที่มีแดด (ในวันที่มีเมฆมากเขาวาดภาพภูมิทัศน์ "บ่อรก") แผนเบื้องต้น(เราบอกไปแล้วว่าเรามี ศิลปินชื่อดังเขาก็หายไปเช่นกัน เขาแค่อยาก "เขียนสิ่งที่สนุกสนาน" ในคำพูดของเขา
ดังนั้น ที่นี่เรากำลังจัดการกับอะไรมากไปกว่าภาพร่างแบบหลายเซสชันทั่วไปจากธรรมชาติ ซึ่งเขียนขึ้นด้วยความตั้งใจตามความปรารถนาที่เกิดขึ้นในทันที โชคดีสำหรับ P.M. Tretyakov ซึ่งได้งานนี้มา ยังไม่รู้ว่า "การศึกษาด้านวิจิตรศิลป์เป็นภาพร่างเพื่อเตรียมงานในอนาคต" (วิกิพีเดีย) และ Valentin Serov แสดงให้เห็นถึงความไม่เป็นมืออาชีพในระดับสูงสุดโดยใช้เวลามากถึง 90 วันกับภาพร่างเตรียมการเพียงสองภาพ - ภาพเหมือนของเด็กผู้หญิงและภูมิทัศน์ที่มีสระน้ำ!
ฉันสามารถยกตัวอย่างที่คล้ายกันมากกว่านี้ได้ แต่ฉันเกรงว่าจะทำให้ผู้อ่านเหนื่อยมากแล้ว ฉันหวังว่าฉันยังคงพยายามช่วยอธิบายให้สาธารณชนทั่วไปเข้าใจถึงคำศัพท์ทางศิลปะที่ใช้บ่อยที่สุด ซึ่งบางครั้งพูดตามตรง แม้แต่ศิลปินเองก็สับสน
อเล็กซานเดอร์ เกรมิตสคิก
อวตาร: V.M. โกวินิน "สู่ตลาดนัดวันอาทิตย์ การากัลปักสถาน" สีน้ำมันบนผ้าใบ 98x178. 1971 (นี่เป็นภาพประเภทใหญ่ทั่วไป)
เมื่อเริ่มต้นการสนทนากับวัฒนธรรมโลก คนสมัยใหม่ไม่ใช้ความพยายามเพื่อที่จะก้าวขึ้นสู่ระดับของมัน แต่ในทางกลับกัน พยายามที่จะลดระดับลงสู่ระดับของเขาเอง (คนฉลาด)
ก่อนที่จะมีการประดิษฐ์ภาพถ่าย การวาดภาพถือเป็นเครื่องมือในการสะท้อนสภาพแวดล้อมได้แม่นยำที่สุด ยิ่งวาดภาพก็ยิ่งดีเท่าไรก็ยิ่งถ่ายทอดโลกแห่งความเป็นจริงได้แม่นยำมากขึ้นเท่านั้น ด้วยการถือกำเนิดของการถ่ายภาพในปี พ.ศ. 2382 และภาพยนตร์ในปี พ.ศ. 2438 ความเข้าใจในการวาดภาพได้ขยายออกไปอย่างมาก แม้ว่าคนอื่นๆ ยังคงยึดมั่นในทัศนคติที่ไม่ค่อยมีประโยชน์ก็ตาม
ความแตกต่างระหว่างภาพถ่ายและภาพวาดคืออะไร?
Bato Dugarzhapov "คริสต์มาส"
การถ่ายภาพจะบันทึกช่วงเวลาหนึ่ง ซึ่งก็คือสภาวะที่เฉพาะเจาะจงและเกิดขึ้นทันทีทันใดของวัตถุ ศิลปินไม่ว่าเขาจะเขียนรายละเอียดอย่างละเอียดและน่าเชื่อถืออย่างไร ประการแรกเขียนสิ่งทั่วไปที่เขาเห็นในแบบจำลองนั่นคือลักษณะเฉพาะและแสดงออกมากที่สุด
ดังนั้นภาพถ่าย (ยกเว้นผลงานที่หายากมากของศิลปินภาพถ่าย) จึงเป็นภาพประกอบคล้ายกับภาพในสารานุกรม: นี่คือลักษณะของกระรอกเด็ก ๆ และนี่คือลักษณะของเจ้าของอัลบั้มรูป เมื่อ 20 ปีที่แล้ว ตอนที่เขาอาบน้ำอยู่ในอ่างอาบน้ำ
บาโต ดูการ์ซาโปฟ "แหลมไครเมีย"
ศิลปินสมัยใหม่ปฏิเสธที่จะเลียนแบบธรรมชาติ การถ่ายภาพและการถ่ายทำภาพยนตร์สามารถทำได้ดีขึ้นและเร็วขึ้นมาก ลัทธิธรรมชาตินิยมผลักดันการวาดภาพไปสู่ทางตันของการทำซ้ำและความซ้ำซากจำเจ ยิ่งกว่านั้นธรรมชาติไม่สามารถสืบพันธุ์ได้ เมื่อผู้ชมรับรู้เฉพาะแง่มุมที่ผิวเผินที่สุดของภาพวาด - การส่งข้อมูล "ที่ซึ่งทุกสิ่งตั้งอยู่" ความเข้าใจในภาพวาดจะด้อยลงและบิดเบี้ยวอย่างมาก
โดยพื้นฐานแล้วภาพวาดนั้นแตกต่างไปจากภาพถ่ายตรงที่ไม่มีตัวตนของสิ่งที่ถูกสร้างขึ้น และสิ่งนี้ก็ได้กลายมาเป็นเช่นนี้ ความแตกต่างพื้นฐานระหว่างภาพและภาพถ่าย ศิลปินตัดสินใจด้วยความตั้งใจของตัวเองว่าจะทิ้งอะไรและอย่างไรจะเน้นอะไรและอย่างไรสิ่งที่ควรแยกออกจากภาพบางครั้งก็ขัดกับสามัญสำนึกผิวเผินด้วยซ้ำ
Bato Dugarzhapov "ระเบียง"
ภาพเขียนสีน้ำมันบนผ้าใบอ้างว่าเป็นการจัดแสดงวัตถุที่ทาสีอย่างสมบูรณ์และเป็นสากลและเพื่อถ่ายทอดความรู้สึกของมัน ด้วยวิธีที่ไม่สามารถเข้าใจได้ เล่มหนึ่งปรากฏบนผืนผ้าใบเรียบ มีชีวิต และ โลกที่สวยงามสร้างสรรค์โดยศิลปิน
เราเข้าไปในภาพได้ยินเสียงนกร้องได้กลิ่น ทุ่งหญ้าดอกรู้สึกถึงความอบอุ่นของน้ำอุ่นจากดวงอาทิตย์ เห็นการเคลื่อนไหว - เข้าใจได้อย่างชัดเจนว่าทั้งหมดนี้เกิดขึ้นเฉพาะในจิตสำนึกของเราและต่อหน้าเราเท่านั้น และผู้เขียนได้ถ่ายทอดทั้งหมดมาให้เรา
"อัลลา พรีมา" คืออะไร?
บาโต ดูการ์ซาโปฟ “ยามเช้า”
หากก่อนหน้านี้ยินดีต้อนรับสไตล์เครื่องประดับในการเขียนรายละเอียดจนถึงรายละเอียดที่เล็กที่สุดเมื่อวาดภาพเป็นเวลาหลายเดือนหรือหลายปีแล้วจึงเคลือบเงาอย่างระมัดระวังจากนั้นในศตวรรษที่ 19-20 แนวคิดของ "อัลลาพรีมา" ก็ปรากฏขึ้น - มาจากภาษาละติน "all prima vista" (เมื่อมองแวบแรก) และหมายถึงการวาดภาพที่เกิดขึ้นเองด้วยสีอิมพาสโต
การทาสีจะพร้อมหลังจากเซสชั่นแรก สีส่วนใหญ่จะผสมกันบนพาเล็ต ซึ่งสีจะดูสดและเปล่งประกาย เมื่อเขียนแบบ en plein air มันดีมาก วิธีที่เหมาะสมงาน.
Pastosity แสดงออกในการบรรเทา ความไม่สม่ำเสมอของชั้นสี ในฝีแปรงพลาสติก และทำหน้าที่เน้นด้านวัสดุของวัตถุ และให้ความมีชีวิตชีวา ภาพวาดมีขนาดใหญ่และให้ความรู้มากกว่าภาพถ่าย ซึ่งอาจมีผลกระทบทางอารมณ์ต่อผู้ชมที่มีจุดสีในท้องถิ่น โดยไม่ต้องชี้แจงและระบุรายละเอียดโดยไม่จำเป็น บางครั้งถึงแม้จะไม่มีข้อกำหนดนี้ก็ตาม
Bato Dugarzhapov “เที่ยง” เรือ”
การสลับจังหวะและจุดแสงที่ดูวุ่นวายนั้นให้อารมณ์ความรู้สึกมากกว่าการถ่ายภาพมาก และลักษณะที่ขัดเกลาแบบเก่าก็สื่อถึงการเคลื่อนไหว เช่น จุดตะวันฉายบนพื้นหญ้า แสงสะท้อนบนผืนน้ำ ใบไม้ที่ไหว ฯลฯ
น่าเสียดายที่ผู้ชมรู้สึกคลั่งไคล้ในวัฒนธรรมการถ่ายภาพเมื่อเห็นผลงานอัลลาพรีมาซึ่งวาดด้วยลายเส้นและลายเส้นที่กว้างไกลไม่ได้ทำให้ตัวเองลำบากในการหยุดและมองอย่างใกล้ชิด แต่พองแก้มของเขาและด้วยคำว่า "ฉัน ก็สามารถวาดภาพแบบนั้นได้เช่นกัน” ด้วยจิตสำนึกในความเหนือกว่าของตัวเอง การค้นหาผลงานสร้างสรรค์ที่ลงแล็คเกอร์และเขียนเป็นลอน โดยไม่จำเป็นต้องใช้จินตนาการและความเห็นอกเห็นใจ
ปล่อยเขาไปแล้วลองพิจารณาตัวอย่างภาพวาด "Plein Air" ของศิลปิน Bato Dugarzhapov เราเห็นอะไรในภาพที่น่าสนใจนี้?
บาโต ดูการ์ซาโปฟ “เพลนแอร์”
ผู้ที่ต้องการดูว่ารองเท้าของตัวละครทำขึ้นมาอย่างไรก็ไม่มีอะไรเลย ผู้ชมปรับตามคลื่นแห่งความเข้าใจ ประการแรกมองเห็นแสงแดดมาก จากนั้นเราจะเห็นศิลปินหลายคนในชุดฤดูร้อนที่ขาตั้ง และศิลปินมีหนวดเคราสวมกางเกงยีนส์และมีแปรงอยู่ในมือ จากนั้นสิ่งที่อบอุ่นก็ปรากฏขึ้น กำแพงหินด้วยการปีนดอกวิสทีเรียโดยมีแสงแดดส่องสว่างอยู่เหนือพวกเขา ท้องฟ้าสีครามในช่องว่างของใบไม้ เชิงเทินของเขื่อนและทะเลด้านหลัง เหตุผลที่ใบไม้ไม่ได้ถูกดึงออกมาอย่างละเอียดและเส้นสายก็เพราะมันเคลื่อนไหว แกว่งไปแกว่งมา และแสงก็เคลื่อนไหวเช่นกัน เงาเคลื่อนไหว และแสงสะท้อนจากทะเลในระยะไกลเปลี่ยนแปลงไปทุกนาที...
อารมณ์ของภาพนั้นยอดเยี่ยมมาก เพียงแค่แผ่แสงและแง่บวกออกมา และในเวลาเดียวกันก็เป็นไปไม่ได้ที่จะชี้ด้วยตัวชี้และอธิบาย - นี่คือสิ่งนี้และนี่คือสิ่งนี้ คุณเพียงแค่ต้องเห็นสิ่งนี้โดยขยับออกห่างจากภาพเล็กน้อยแล้วมองให้นานพอ ยิ่งไปกว่านั้น นี่เป็นเพียงไฟล์เดียว ฉันจินตนาการได้เลยว่าต้นฉบับจะใช้งานได้มากแค่ไหน!
Bato Dugarzhapov "บนภาพร่าง"
ภาพวาด “On Etudes” “ปรากฏ” ในลักษณะเดียวกัน ประการแรก - จุดแสงแดดและเงาสะท้อนของทะเลที่วุ่นวาย จากนั้นศิลปินผมสีเทาก็โน้มตัวไปทางขาตั้ง จากนั้น - ทะเลเอง: ทะเลที่ส่องแสง, มันเคลื่อนไหว, กังวล, การสะท้อนของดวงอาทิตย์จากคลื่นทำให้ดวงตาพร่ามัว (เป็นไปไม่ได้ที่จะเข้าใจวิธีการทำสิ่งนี้) ในทะเลมีหินหินและเรือทางด้านซ้าย อีกครั้งหนึ่ง พืชปีนเขา อาจจะเป็นองุ่น
บรรยากาศยามเช้าที่ร้อนอบอ้าว (และนี่คือเช้า เพราะเมื่อดวงอาทิตย์ขึ้นสูง ทะเลไม่ส่องแสงมากนัก กลายเป็นสีฟ้า) ความงดงามของชายฝั่งทางใต้และความชื่นชมในความงามนี้ถ่ายทอดออกมาได้อย่างเหลือเชื่อ
Bato Dugarzhapov "เย็นทางใต้"
ภาพวาดของ Bato Dugarzhapov ถูกแช่อยู่ในสภาพแวดล้อมที่ส่องสว่างเป็นพิเศษ ซึ่งพูดถึงวัฒนธรรมการถ่ายภาพชั้นสูงของศิลปินและความเข้าใจที่ลึกซึ้งเกี่ยวกับสีและความสัมพันธ์เชิงพื้นที่ ผลงานของเขาโดดเด่นด้วยความสดใหม่ จังหวะที่รวดเร็วของเส้นและจุดสี ความอิ่มเอิบโรแมนติก และการรับรู้ความสัมพันธ์ระหว่างแสงและอวกาศอย่างละเอียดอ่อน
เขาสร้างภาพธรรมชาติที่สมบูรณ์และสมบูรณ์ทั้งในด้านสี แสง และไดนามิกที่สำคัญ โดยใช้จังหวะลากขนาดใหญ่ได้อย่างง่ายดาย... ทุกสิ่งเปล่งประกายในรังสีของดวงอาทิตย์ แม้ในที่ที่มีเงา การสะท้อนเป็นประกาย ซึ่งน่าทึ่งเป็นพิเศษและ น่ายินดี โยนอย่างอิสระ สีต่างๆ จะวางทับกันและก่อให้เกิดความสามัคคีและจังหวะหลากสีสัน ความหมายพิเศษมีเฉดสีรุ้ง
Bato Dugarzhapov "ทะเลสาบโคโม"
Bato Dugarzhapov เกิดในปี 1966 ที่เมือง Chita เขาสำเร็จการศึกษาจากโรงเรียนศิลปะใน Tomsk และสถาบันศิลปะวิชาการแห่งรัฐมอสโก วี.ไอ. ซูริคอฟ ผลงานของศิลปินอยู่ในคอลเลกชันส่วนตัวในรัสเซีย สหรัฐอเมริกา ฝรั่งเศส อิตาลี และสเปน
เค. ยู. สตาโรคัมสกายา