ศิลปินคนใดต่อไปนี้เป็นชาวเบลเยียม ศิลปินชาวเฟลมิชแห่งศตวรรษที่ 17

ยาน ฟาน เอคเป็นบุคคลสำคัญของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาภาคเหนือซึ่งเป็นผู้ก่อตั้ง

Van Eyck ถือเป็นผู้ประดิษฐ์สีน้ำมัน แม้ว่าในความเป็นจริงเขาจะปรับปรุงสีเท่านั้นก็ตาม อย่างไรก็ตาม ต้องขอบคุณเขาที่ทำให้น้ำมันได้รับการยอมรับในระดับสากล

เป็นเวลา 16 ปีที่ศิลปินเป็นจิตรกรประจำศาลของ Duke of Burgundy, Philip the Good ปรมาจารย์และข้าราชบริพารก็มีมิตรภาพที่แน่นแฟ้นเช่นกัน Duke มีส่วนร่วมในชะตากรรมของศิลปินอย่างแข็งขันและ Van Eyck กลายเป็นคนกลางใน การแต่งงานของอาจารย์

Jan van Eyck เป็น "บุคลิกภาพของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา" ที่แท้จริง: เขารู้จักเรขาคณิตดี มีความรู้ด้านเคมีอยู่บ้าง ชอบเล่นแร่แปรธาตุ สนใจพฤกษศาสตร์ และยังประสบความสำเร็จในการปฏิบัติงานทางการทูตอีกด้วย

ฉันสามารถซื้อได้ที่ไหน:แกลเลอรี De Jonckheere, แกลเลอรี Oscar De Vos, แกลเลอรี Jos Jamar, แกลเลอรี Harold t'Kint de Roodenbeke, แกลเลอรี Francis Maere, แกลเลอรี Pierre Mahaux, แกลเลอรี Guy Pieters

เรอเน่ มากริตต์ (1898, Lessines— 2510 บรัสเซลส์)

โจ๊กเกอร์และนักเล่นกลผู้ยิ่งใหญ่ Rene Magritte เคยกล่าวไว้ว่า: "ดูสิ ฉันกำลังวาดท่อ แต่มันไม่ใช่ท่อ" ศิลปินเติมภาพวาดของเขาด้วยคำอุปมาอุปไมยและความหมายที่ซ่อนอยู่โดยใช้การผสมผสานวัตถุธรรมดาที่ไร้สาระซึ่งทำให้คุณนึกถึงความหลอกลวงของสิ่งที่มองเห็นได้ซึ่งเป็นความลึกลับของทุกวัน

อย่างไรก็ตาม Magritte มักจะอยู่ห่างจากนักสถิตยศาสตร์คนอื่นๆ เสมอ แต่กลับคิดว่าตัวเองเป็นนักสัจนิยมที่มีมนต์ขลัง โดยเฉพาะอย่างยิ่งเพราะเขาไม่ตระหนักถึงบทบาทของจิตวิเคราะห์อย่างน่าประหลาดใจ

แม่ของศิลปินฆ่าตัวตายด้วยการกระโดดลงจากสะพานเมื่ออายุ 13 ปี นักวิจัยบางคนเชื่อว่าภาพ "ลายเซ็น" ของชายลึกลับในเสื้อคลุมและหมวกกะลาเกิดขึ้นภายใต้ความประทับใจของเหตุการณ์ที่น่าสลดใจนี้

จะดูได้ที่ไหน:

ในปี 2009 พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์หลวงในกรุงบรัสเซลส์ได้แยกคอลเลกชันของศิลปินออกเป็นพิพิธภัณฑ์แยกต่างหากที่อุทิศให้กับผลงานของเขา

ฉันสามารถซื้อได้ที่ไหน:แกลเลอรี De Jonckheere, แกลเลอรี Jos Jamar, แกลเลอรี Harold t'Kint de Roodenbeke, แกลเลอรี Pierre Mahaux, แกลเลอรี Guy Pieters

พอล เดลโวซ์ (1897, อันเต้ - 1994, วอร์น, เวสต์ ฟลานเดอร์ส)

Delvaux เป็นหนึ่งในศิลปินแนวเหนือจริงที่ประสบความสำเร็จมากที่สุด แม้ว่าเขาจะไม่เคยเป็นสมาชิกของขบวนการนี้อย่างเป็นทางการก็ตาม

ในโลกแห่งความโศกเศร้าและลึกลับของเดลโวซ์ ผู้หญิงมักจะครอบครองศูนย์กลางเสมอ ความเงียบอันลึกซึ้งเป็นพิเศษล้อมรอบผู้หญิงในภาพเขียน ดูเหมือนว่าพวกเขากำลังรอให้ผู้ชายปลุกพวกเขา

ตัวแบบคลาสสิกในรูปภาพของ Delvaux คือรูปผู้หญิงโดยมีฉากหลังเป็นภูมิทัศน์ในเมืองหรือชนบท โดยให้มุมมองที่รายล้อมไปด้วยองค์ประกอบลึกลับ

นักเขียนและกวี Andre Breton เคยตั้งข้อสังเกตว่าศิลปินทำให้ "โลกของเราเป็นอาณาจักรแห่งสตรีผู้เป็นที่รักของหัวใจ"

Delvaux ศึกษาเป็นสถาปนิกที่ Royal Academy of Fine Arts ในกรุงบรัสเซลส์ แต่แล้วย้ายไปเรียนชั้นเรียนจิตรกรรม อย่างไรก็ตาม สถาปัตยกรรมมักจะมีส่วนร่วมในภาพวาดของเขาเสมอ

ฉันสามารถซื้อได้ที่ไหน:หอศิลป์ Jos Jamar, หอศิลป์ Harold t'Kint de Roodenbeke, หอศิลป์ Lancz, หอศิลป์ Guy Pieters

วิม เดลวอย (ประเภท. 1965)

ผลงานอันล้ำสมัยที่มักยั่วยุและน่าขันของ Wim Delvoye แสดงให้เห็นวัตถุธรรมดาๆ ในบริบทใหม่ ศิลปินผสมผสานหัวข้อสมัยใหม่และคลาสสิกเข้ากับการอ้างอิงและการเปรียบเทียบที่ละเอียดอ่อน

ผลงานที่โด่งดังที่สุดของศิลปินบางชิ้น ได้แก่ "Cloaca" (2552-2553) เครื่องจักรที่ล้อเลียนการทำงานของระบบย่อยอาหารของมนุษย์ และ "Art Farm" ใกล้กรุงปักกิ่ง ซึ่ง Delvoye สร้างภาพวาดรอยสักบนหลังหมู

ผลงานที่ได้รับความนิยมมากที่สุดคือผลงานประติมากรรมหลอกแบบโกธิกของเขา ซึ่งมีการแกะสลักแบบ openwork ผสมผสานกับวัตถุสมัยใหม่ หนึ่งในนั้น (“รถบรรทุกซีเมนต์”) ตั้งอยู่ใกล้กับโรงละคร KVS ในกรุงบรัสเซลส์

จะดูได้ที่ไหน:

ที่พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์หลวงบรัสเซลส์ M HKA (แอนต์เวิร์ป) ในเดือนมกราคมที่ Maison Particuliere Wim Delvoye จะเป็นศิลปินรับเชิญในนิทรรศการรวม "Taboo" นอกจากนี้ ยังมีการติดตั้งประติมากรรม "เครื่องผสมคอนกรีต" ที่ด้านหน้าโรงละคร KVS (โรงละคร Royal Flemish) บนจัตุรัสระหว่างถนน Hooikaai / Quai au Foin และ Arduinkaai / Quai aux pierres de taille streets

ผลงานส่วนใหญ่ของเขาเดินทางไปทั่วโลกอย่างต่อเนื่องและจัดแสดงในสถานที่แสดงศิลปะที่ดีที่สุด

ฉันสามารถซื้อได้ที่ไหน:

ยาน ฟาเบร (เกิดปี 1958, แอนต์เวิร์ป)

Jan Fabre ผู้มีความสามารถหลากหลายเป็นที่รู้จักจากการแสดงที่เร้าใจ แต่เขายังเป็นนักเขียน นักปรัชญา ประติมากร ช่างภาพ และศิลปินวิดีโอด้วย และได้รับการยกย่องให้เป็นหนึ่งในนักออกแบบท่าเต้นร่วมสมัยที่หัวรุนแรงที่สุด

ศิลปินเป็นหลานชายของนักวิจัยผีเสื้อ แมลง และแมงมุมผู้ไม่รู้จักเหน็ดเหนื่อย

ฌอง-อองรี ฟาเบอร์. บางทีนั่นอาจเป็นเหตุผลว่าทำไมโลกแห่งแมลงจึงเป็นหนึ่งในธีมหลักของงานของเขา ควบคู่ไปกับร่างกายมนุษย์และสงคราม

ในปี 2002 Fabre ซึ่งได้รับมอบหมายจากสมเด็จพระราชินี Paola แห่งเบลเยียม ได้ตกแต่งเพดานห้องโถงกระจกของพระราชวังในกรุงบรัสเซลส์ (เป็นครั้งแรกนับตั้งแต่ Auguste Rodin) ด้วยปีกแมลงเต่าทองนับล้าน องค์ประกอบนี้เรียกว่า Heaven of Delight (2002)

อย่างไรก็ตาม เบื้องหลังพื้นผิวสีรุ้ง ศิลปินเตือนราชวงศ์ถึงความอับอายอันเลวร้าย - การเสียสละของมนุษย์จำนวนมหาศาลในหมู่ประชากรท้องถิ่นของคองโกระหว่างการล่าอาณานิคมของกษัตริย์ลีโอโปลด์ที่ 2 เพื่อประโยชน์ในการขุดเพชรและทองคำ

ตามที่ศิลปินสังคมเบลเยียมอนุรักษ์นิยมกล่าวอย่างอ่อนโยนไม่ชอบสิ่งนี้:“ คนทั่วไปมักจะรำคาญกับความคิดที่ว่าพระราชวังได้รับการตกแต่งโดยศิลปินที่เปิดเผยอย่างเปิดเผยเรียกร้องให้ไม่ลงคะแนนเสียงเพื่อสิทธิ”

จะดูได้ที่ไหน:

นอกจากพระราชวังหลวงแล้ว ผลงานของ Jan Fabre ยังสามารถชมได้ที่พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์หลวงแห่งบรัสเซลส์ ซึ่งผลงานศิลปะจัดวางของเขา “Blue Look” ได้รับการติดตั้ง, พิพิธภัณฑ์ศิลปะร่วมสมัยเกนต์ (S.M.A.K.), M HKA (แอนต์เวิร์ป) ), Belfius Art Collection (บรัสเซลส์), พิพิธภัณฑ์ Ixelles (บรัสเซลส์) รวมถึงนิทรรศการชั่วคราวที่ดูแลจัดการที่ Maison Particuliere, Villa Empain, Vanhaerents Art Collection ฯลฯ

ฉันสามารถซื้อได้ที่ไหน:หอศิลป์ Jos Jamar, หอศิลป์ Guy Pieters

เรอเน่ มากริตต์ (1898, Lessines— 2510 บรัสเซลส์)

จะดูได้ที่ไหน:

พอล เดลโวซ์ (1897, อันเต้ - 1994, วอร์น, เวสต์ ฟลานเดอร์ส)

วิม เดลวอย (ประเภท. 1965)

จะดูได้ที่ไหน:

ฉันสามารถซื้อได้ที่ไหน:

ยาน ฟาเบร (เกิดปี 1958, แอนต์เวิร์ป)

จะดูได้ที่ไหน:

ฉันสามารถซื้อได้ที่ไหน:หอศิลป์ Jos Jamar, หอศิลป์ Guy Pieters

Emile Claus (ชาวดัตช์ Emile Claus เกิด 27 กันยายน พ.ศ. 2392 Waregem - เสียชีวิต 14 มิถุนายน พ.ศ. 2467 Deinze) - ศิลปินชาวเบลเยียมซึ่งเป็นหนึ่งในตัวแทนหลักของการวาดภาพอิมเพรสชั่นนิสต์ในเบลเยียมและเป็นผู้ก่อตั้ง Luminism

อี. เคลาส์เกิดในครอบครัวใหญ่ของเจ้าของร้านในชนบท เขาเริ่มเรียนการวาดภาพที่โรงเรียนศิลปะในท้องถิ่น ตามคำแนะนำของนักแต่งเพลง Peter Benois Klaus เข้าเรียนที่ Antwerp Academy of Fine Arts ในปี 1869 ซึ่งเขาศึกษาการวาดภาพบุคคล ประวัติศาสตร์ และการวาดภาพทิวทัศน์ ในปี พ.ศ. 2417 เขาสำเร็จการศึกษาที่ Academy ในปี พ.ศ. 2418 ศิลปินประสบความสำเร็จในการจัดแสดงผลงานของเขาในเกนต์และในปี พ.ศ. 2419 ในกรุงบรัสเซลส์

ในช่วงแรกของการทำงาน E. Klaus ดำเนินธุรกิจหลักในการวาดภาพบุคคลและประเภทต่างๆ เขาเขียนในลักษณะที่เหมือนจริง โดยใช้สีเข้มเป็นหลัก และใช้ธีมทางสังคม (เช่น ผืนผ้าใบ Wealth and Poverty (1880)) ในปี พ.ศ. 2422 ศิลปินเดินทางผ่านสเปน โมร็อกโก และแอลจีเรีย ในปี พ.ศ. 2425 เขาได้แสดงครั้งแรกที่ Paris Salon โดยที่ Klaus ได้นำเสนอภาพวาดของเขา เรื่อง Cockfight in Flanders (พ.ศ. 2425) จากจุดนี้ไป เขาใช้เวลาส่วนใหญ่ในปารีส โดยเฉพาะในฤดูหนาว และตกอยู่ภายใต้อิทธิพลเชิงสร้างสรรค์ของศิลปินชาวฝรั่งเศส Bastien-Lepage ผู้ซึ่งเขียนเกี่ยวกับประเด็นทางสังคมในลักษณะที่สมจริงด้วย

ด้วยการมาถึงของความมั่งคั่งทางการเงินในปี พ.ศ. 2426 ศิลปินได้ซื้อวิลล่า Zonneschijn (Sunshine) ในบ้านเกิดของเขา ในปีพ.ศ. 2429 เขาได้แต่งงานกับชาร์ลอตต์ ดูโฟลต์ ลูกสาวของทนายความจากเมืองเดนซ์ที่อยู่ใกล้เคียง ในช่วงเวลานี้ เคลาส์วาดภาพทิวทัศน์ตามธรรมชาติของเขาเป็นหลัก ซึ่งได้รับการออกแบบในสไตล์ที่สมจริง ขณะที่อาศัยอยู่ในชนบท เขารักษาความสัมพันธ์ฉันมิตรและโต้ตอบอย่างมีชีวิตชีวากับศิลปิน Albin van den Abele, ประติมากร Constantin Meunier และนักเขียน Cyril Beusse และ Emile Verhaerne Klaus ค้นพบปรากฏการณ์ของอิมเพรสชันนิสม์ของฝรั่งเศสผ่านทางพวกเขา เช่นเดียวกับศิลปิน Henri Le Sidane ความคุ้นเคยกับผลงานของอิมเพรสชั่นนิสต์ยังเปลี่ยนภาพวาดของ E. Klaus เองด้วย - สีของเขาจางลงและอุ่นขึ้น: เขาให้ความสำคัญกับปฏิสัมพันธ์ของแสงและเงามากขึ้นเนื่องจากปัญหาที่เป็นทางการถอยออกไปในพื้นหลัง (Kingfishers (1891) ). ในบรรดาอิมเพรสชั่นนิสต์ชาวฝรั่งเศส Claude Monet มีอิทธิพลพิเศษต่อภาพวาดของ E. Klaus ในผลงานของศิลปินทั้งสอง ไม่เพียงแต่โทนสีเท่านั้นที่คล้ายคลึงกัน แต่ยังมีการเลือกหัวข้อสำหรับผืนผ้าใบที่เหมือนกันเกือบทั้งหมด (ในสมัยลอนดอน) การค้นหารูปแบบใหม่ของการแสดงออกและการทดลองเกี่ยวกับแสงอย่างต่อเนื่องทำให้ E. Klaus เป็นผู้บุกเบิกโดยตรงของการเคลื่อนไหวในการวาดภาพของชาวเบลเยียมในเรื่องการส่องสว่าง ในปารีส Klaus ยังผูกมิตรกับบุคคลสำคัญทางวัฒนธรรมที่มีชื่อเสียง เช่น นักเขียน Emile Zola และ Maurice Maeterlinck

จนกระทั่งสงครามโลกครั้งที่หนึ่งเริ่มต้นขึ้น ศิลปินได้ฝึกฝนนักเรียนหลายคน รวมถึง Anna de Weert, Robert Hutton Monks, Torajiro Kojima, Georges Morrin, Leon de Smet และคนอื่นๆ ในเดือนพฤศจิกายน พ.ศ. 2436 เขาได้เข้าร่วมกลุ่มศิลปะ Union Artistique เป้าหมายคือเช่นเดียวกับกลุ่มอิมเพรสชั่นนิสต์ชาวฝรั่งเศสกลุ่มเดียวกันในการจัดนิทรรศการและจำหน่ายภาพวาด นอกจากนี้ ผลงานของ Klaus ยังปรากฏในนิทรรศการของสหภาพศิลปินแห่งบรัสเซลส์ La Libre Esthétique ในปี พ.ศ. 2439 และที่ Berlin Secession ในปี 1904 E. Klaus ได้สร้างกลุ่ม Vie et Lumière ร่วมกับจิตรกร Georges Beuisse ซึ่งต่อมาได้เข้าร่วมโดยศิลปินเช่น James Ensor, William Degouve de Nunque และ Adrian Heymans

จนถึงสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง E. Klaus เดินทางบ่อยครั้ง - เขาไปเยือนปารีสและเนเธอร์แลนด์ซ้ำแล้วซ้ำอีก: ในปี 1907 เขาได้ไปเที่ยวสหรัฐอเมริกาในปี 1914 - ไปยัง Cote d'Azur ของฝรั่งเศส ก่อนที่กองทหารเยอรมันจะเข้าสู่บ้านเกิดของเขาในปี พ.ศ. 2457 ศิลปินสามารถอพยพไปอังกฤษได้ ที่นี่เขาอาศัยอยู่ในลอนดอน ในบ้านริมฝั่งแม่น้ำเทมส์ ประเด็นหลักสำหรับงานของอาจารย์ในช่วงหลายปีที่ถูกเนรเทศคือแม่น้ำในลอนดอนแห่งนี้ ภาพวาดทิวทัศน์แม่น้ำเทมส์ของ E. Klaus ซึ่งวาดในลักษณะหลังอิมเพรสชั่นนิสต์ ประสบความสำเร็จอย่างมากทั้งในลอนดอนและบรัสเซลส์หลังสงคราม

หลังจากสิ้นสุดสงคราม E. Klaus ก็กลับไปที่บ้านพักของเขาใน Asten ที่นี่เขาเสียชีวิตในปี พ.ศ. 2467 และถูกฝังอยู่ในสวนของเขา อนุสาวรีย์หินอ่อนโดย Georges Minnet ถูกสร้างขึ้นที่หลุมศพของปรมาจารย์

ในหมู่พวกเขา คุณยังสามารถดูภาพเหมือนของ Adrian Brouwer หนึ่งในปรมาจารย์ผู้โด่งดังที่สุดแห่งแฟลนเดอร์สในยุคนั้น (1606-1632) ซึ่งรูเบนส์รวบรวมภาพวาดของเขาเอง (มีสิบเจ็ดคนในคอลเลกชันของเขา)- ผลงานแต่ละชิ้นของ Brouwer เปรียบเสมือนไข่มุกแห่งการวาดภาพ ศิลปินมีพรสวรรค์ด้านสีมหาศาล เขาเลือกเป็นธีมของงานของเขาในชีวิตประจำวันของคนยากจนชาวเฟลมิช - ชาวนาขอทานคนพเนจร - น่าเบื่อในความน่าเบื่อและความว่างเปล่าพร้อมกับความบันเทิงที่น่าสังเวชซึ่งบางครั้งก็ถูกรบกวนจากการระบาดของความหลงใหลในสัตว์ป่า Brouwer ยังคงสานต่อประเพณีของ Bosch และ Bruegel ในด้านงานศิลปะด้วยการปฏิเสธอย่างแข็งขันต่อความสกปรกและความอัปลักษณ์ของชีวิต ความโง่เขลา และความหยาบคายของสัตว์ในธรรมชาติของมนุษย์ และในขณะเดียวกันก็สนใจอย่างมากในสิ่งที่มีลักษณะเฉพาะตัว ไม่ได้มีจุดมุ่งหมายที่จะเปิดเผยให้ผู้ชมทราบถึงภูมิหลังชีวิตทางสังคมอย่างกว้างๆ จุดแข็งของมันอยู่ที่การพรรณนาถึงสถานการณ์ประเภทใดประเภทหนึ่งโดยเฉพาะ โดยเฉพาะอย่างยิ่งเขามีความสามารถในการแสดงออกในการแสดงออกทางสีหน้าถึงผลกระทบต่าง ๆ ของความรู้สึกและความรู้สึกที่บุคคลประสบ ตรงกันข้ามกับ Rubens, van Dyck และแม้แต่ Jordanes เขาไม่ได้คิดถึงอุดมคติหรือความปรารถนาอันสูงส่งใดๆ เขาสังเกตบุคคลอย่างประชดประชันอย่างที่เขาเป็น ในพิพิธภัณฑ์ คุณสามารถชมภาพวาดของเขาเรื่อง "Drinking Buddies" ซึ่งโดดเด่นด้วยการใช้สีอ่อนอันละเอียดอ่อน ซึ่งถ่ายทอดสภาพแสงและบรรยากาศได้อย่างโดดเด่น ภูมิทัศน์เมืองที่น่าสังเวชใกล้กับเชิงเทิน พร้อมด้วยผู้เล่นเร่ร่อน กระตุ้นให้เกิดความเศร้าโศกที่แทงทะลุหัวใจ อารมณ์ของศิลปินเองที่พูดถึงความสิ้นหวังอันน่าเบื่อหน่ายของการดำรงอยู่นั้นช่างน่าทึ่งอย่างยิ่ง

ฟรานส์ ฮัลส์

แผนกจิตรกรรมของชาวดัตช์มีขนาดค่อนข้างเล็ก แต่มีภาพวาดของ Rembrandt, Jacob Ruisdael, ชาวดัตช์ตัวน้อย ผู้เชี่ยวชาญด้านภูมิทัศน์ หุ่นนิ่ง และฉากประเภทต่างๆ ภาพเหมือนอันน่าสงสัยของพ่อค้า Willem Heythuissen ซึ่งเป็นผลงานของ Frans Hals ศิลปินชาวดัตช์ผู้ยิ่งใหญ่ (1581/85-1666) - เฮย์ทุยเซินเป็นคนรวย แต่ใจแคบ และไร้เหตุผลอย่างยิ่ง โดยธรรมชาติแล้ว เขายังคงพยายามทำตัวให้มีลักษณะเหมือนขุนนางผู้สูงศักดิ์ ด้วยความสง่างามที่ความมั่งคั่งของเขาดูเหมือนจะช่วยให้เขาได้รับมา คำกล่าวอ้างของผู้ที่พุ่งพรวดนี้เป็นเรื่องไร้สาระและแปลกสำหรับคาลส์ นั่นเป็นเหตุผลว่าทำไมเขาถึงใช้ถ้อยคำเสียดสีในระดับหนึ่งอย่างไม่ลดละ ทำให้ภาพพอร์ตเทรตมีความคลุมเครือ อันดับแรกเราสังเกตเห็นท่าทางที่ผ่อนคลายของ Heythuissen ชุดสูทที่หรูหราและหรูหรา หมวกของเขาที่มีปีกบิดอย่างชาญฉลาด และจากนั้น - ใบหน้าวัยกลางคนที่ซีดเซียวไร้สีหน้าและมีสีหน้าหมองคล้ำ แก่นแท้ของชายผู้นี้ปรากฏออกมา แม้ว่าจะมีกลอุบายทั้งหมดที่จะซ่อนมันไว้ก็ตาม ความขัดแย้งภายในและความไม่มั่นคงภายในของภาพถูกเปิดเผยโดยองค์ประกอบดั้งเดิมของภาพบุคคลเป็นส่วนใหญ่ Heythuissen นั่งอยู่บนเก้าอี้ซึ่งมีแส้อยู่ในมือราวกับกำลังขี่ม้า ซึ่งดูเหมือนเขาจะโยกตัวอยู่ ท่าทางนี้แสดงให้เห็นว่าศิลปินสามารถจับภาพสถานะของแบบจำลองได้อย่างรวดเร็วในระยะเวลาอันสั้น และท่าทางเดียวกันนี้ทำให้ภาพมีความผ่อนคลายและความง่วงจากภายใน มีบางอย่างที่น่าสมเพชในตัวชายคนนี้ซึ่งพยายามซ่อนความเสื่อมโทรมที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ความไร้สาระของความปรารถนาและความว่างเปล่าภายในจากตัวเขาเอง

ลูคัส ครานัช

ในส่วนของภาพวาดเยอรมันของพิพิธภัณฑ์บรัสเซลส์ ผลงานอันยอดเยี่ยมของ Lucas Cranach the Elder ดึงดูดความสนใจ (1472-1553) - นี่คือภาพเหมือนของดร.โยฮันน์ เชริง ลงวันที่ 1529 ภาพลักษณ์ของชายผู้เข้มแข็งและเอาแต่ใจเป็นเรื่องปกติของศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเยอรมัน แต่ Cranach ทุกครั้งจะจับคุณสมบัติส่วนบุคคลของจิตใจและลักษณะนิสัยและเผยให้เห็นในลักษณะทางกายภาพของแบบจำลองซึ่งถูกจับได้อย่างโดดเด่นในเอกลักษณ์ของมัน ในการจ้องมองอย่างดุเดือดของเชอริง ใบหน้าของเขาสามารถสัมผัสได้ถึงความหลงใหล ความเข้มงวด และความดื้อรั้นบางอย่างที่เย็นชา ภาพลักษณ์ของเขาคงไม่เป็นที่พอใจหากความแข็งแกร่งภายในอันมหาศาลของเขาไม่ทำให้เกิดความรู้สึกเคารพต่อตัวละครที่เป็นเอกลักษณ์ของชายผู้นี้ ความมีคุณธรรมในทักษะด้านกราฟิกของศิลปินนั้นน่าทึ่ง ดังนั้นจึงถ่ายทอดใบหน้าที่ใหญ่โตน่าเกลียดและรายละเอียดเล็กๆ น้อยๆ มากมายของภาพบุคคลได้อย่างดีเยี่ยม

คอลเลกชันอิตาลีและฝรั่งเศส

คอลเลกชันภาพวาดของศิลปินชาวอิตาลีอาจกระตุ้นความสนใจของผู้เยี่ยมชมพิพิธภัณฑ์ เนื่องจากมีผลงานของ Tintoretto จิตรกรผู้ยิ่งใหญ่ ซึ่งเป็นยักษ์ใหญ่คนสุดท้ายของยุคเรอเนซองส์ของอิตาลี “การประหารชีวิตนักบุญ มาระโก” เป็นภาพวาดจากวัฏจักรที่อุทิศให้กับชีวิตของนักบุญ ภาพเต็มไปด้วยดราม่าที่รุนแรงและความน่าสมเพชอันน่าหลงใหล ไม่เพียงแต่ผู้คนเท่านั้น แต่ยังรวมถึงท้องฟ้าในเมฆที่ฉีกขาดและทะเลที่โหมกระหน่ำ ดูเหมือนจะโศกเศร้ากับการเสียชีวิตของบุคคลหนึ่ง

ผลงานชิ้นเอกของคอลเลกชันฝรั่งเศสคือภาพเหมือนของชายหนุ่มโดย Mathieu Lenain และทิวทัศน์โดย Claude Lorrain

ปัจจุบันหมวดงานศิลปะเก่ามีผลงานศิลปะมากกว่าหนึ่งพันหนึ่งร้อยชิ้น ซึ่งหลายชิ้นสามารถถ่ายทอดสุนทรียภาพอันล้ำลึกแก่ผู้ชมได้

ฌาคส์ หลุยส์ เดวิด

ส่วนที่สองของพิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์หลวงคือคอลเล็กชันงานศิลปะจากศตวรรษที่ 19 และ 20 ประกอบด้วยผลงานของปรมาจารย์ชาวเบลเยียมเป็นหลัก ผลงานที่โดดเด่นที่สุดของโรงเรียนภาษาฝรั่งเศสที่จัดเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์คือ “The Death of Marat” โดย Jacques Louis David (1748-1825) .

เดวิดเป็นศิลปินที่มีชื่อเสียงของฝรั่งเศส หัวหน้าฝ่ายปฏิวัติคลาสสิก ซึ่งภาพเขียนทางประวัติศาสตร์มีบทบาทสำคัญในการปลุกจิตสำนึกของพลเมืองในยุคของเขาในช่วงหลายปีก่อนการปฏิวัติชนชั้นกลางชาวฝรั่งเศส ภาพวาดก่อนการปฏิวัติของศิลปินส่วนใหญ่อิงจากประวัติศาสตร์ของกรีกโบราณและโรม แต่ความเป็นจริงของการปฏิวัติบังคับให้เดวิดหันไปหาความทันสมัยและพบว่าในนั้นคือวีรบุรุษที่คู่ควรกับการเป็นอุดมคติ

“ มาราทู - เดวิด ปีที่สอง” - นี่คือคำจารึกสั้น ๆ บนภาพวาด มันถูกมองว่าเป็นคำจารึก Marat - หนึ่งในผู้นำการปฏิวัติฝรั่งเศส - ถูกสังหารในปี พ.ศ. 2336 (ตามการคำนวณแบบปฏิวัติในปีที่สอง)ชาร์ล็อตต์ คอร์เดย์ ผู้นิยมราชวงศ์ "เพื่อนของประชาชน" เป็นภาพในช่วงเวลาแห่งความตายทันทีหลังจากการถูกโจมตี มีดเปื้อนเลือดถูกโยนไปใกล้อ่างอาบน้ำเพื่อการรักษาซึ่งเขาทำงานอยู่แม้จะต้องทนทุกข์ทรมานทางร่างกายก็ตาม ความเงียบอันรุนแรงปกคลุมไปทั่วภาพ ซึ่งฟังดูเหมือนเป็นสิ่งบังเกิดสำหรับฮีโร่ผู้ล่วงลับ ร่างของเขาถูกแกะสลักอย่างทรงพลังด้วยไคอาโรสคูโรและเปรียบได้กับรูปปั้น ศีรษะที่ถูกขว้างและมือที่ล้มลงดูเหมือนจะแข็งตัวในความสงบอันศักดิ์สิทธิ์ชั่วนิรันดร์ องค์ประกอบสร้างความประหลาดใจด้วยความเข้มงวดในการเลือกวัตถุและความชัดเจนของจังหวะเชิงเส้น เดวิดมองว่าการตายของมารัตเป็นละครที่กล้าหาญเกี่ยวกับชะตากรรมของพลเมืองผู้ยิ่งใหญ่

ชาวเบลเยียม François Joseph Navez กลายเป็นลูกศิษย์ของ David ซึ่งใช้ชีวิตในช่วงปีสุดท้ายของชีวิตที่ถูกเนรเทศและบรัสเซลส์ (1787-1863) - จนกระทั่งบั้นปลายชีวิต Navez ยังคงซื่อสัตย์ต่อประเพณีที่สร้างขึ้นโดยอาจารย์ของเขา โดยเฉพาะอย่างยิ่งในการวาดภาพบุคคล แม้ว่าเขาจะนำการตีความภาพแบบโรแมนติกมาสู่ประเภทนี้ก็ตาม ผลงานอันโด่งดังชิ้นหนึ่งของศิลปิน “Portrait of the Emptynne Family” ถูกวาดในปี 1816 ผู้ชมได้รับการถ่ายทอดโดยไม่สมัครใจว่าคู่รักหนุ่มสาวและคู่รักที่สวยงามเป็นหนึ่งเดียวกันด้วยความรู้สึกรักและความสุข หากภาพลักษณ์ของผู้หญิงเต็มไปด้วยความสุขสงบ ภาพลักษณ์ของผู้ชายก็จะเต็มไปด้วยความลึกลับโรแมนติกและความเศร้าเล็กน้อย

ภาพวาดเบลเยียมในศตวรรษที่ 19 และ 20

ในห้องโถงของพิพิธภัณฑ์ คุณสามารถชมผลงานของจิตรกรชาวเบลเยียมที่ใหญ่ที่สุดในศตวรรษที่ 19: Henri Leys, Joseph Stevens, Hippolyte Boulanger Jan Stobbarts นำเสนอด้วยหนึ่งในภาพวาดที่ดีที่สุดของเขา "Farm in Kreiningen" ซึ่งบรรยายถึงแรงงานชาวนาในเบลเยียมตามความเป็นจริง แม้ว่าศิลปินจะเรียนรู้ด้วยตนเอง แต่ภาพวาดก็มีองค์ประกอบที่ยอดเยี่ยมและโดดเด่นด้วยคุณภาพการวาดภาพที่สูง ธีมของภาพอาจได้รับแรงบันดาลใจจากภาพวาดของรูเบนส์เรื่อง The Return of the Prodigal Son Stobbarts เป็นหนึ่งในจิตรกรคนแรกในศตวรรษที่ 19 ที่ประกาศหลักการของความสมจริง

การเริ่มต้นอาชีพทางศิลปะของเขานั้นยาก ประชาชนชาวแอนต์เวิร์ปซึ่งคุ้นเคยกับแนวคิดโรแมนติกของภาพทางศิลปะได้ปฏิเสธภาพวาดที่เป็นความจริงของเขาด้วยความขุ่นเคือง ความเป็นปรปักษ์กันรุนแรงมากจนในที่สุด Stobbarts ก็ถูกบังคับให้ย้ายไปบรัสเซลส์ในที่สุด

พิพิธภัณฑ์มีภาพวาดยี่สิบเจ็ดภาพโดยศิลปินชาวเบลเยียมชื่อดัง Henri de Braquelaer (1840-1888) ซึ่งเป็นหลานชายและลูกศิษย์ของ A. Leys จิตรกรประวัติศาสตร์ผู้โดดเด่น ความสนใจที่เพิ่มมากขึ้นของ De Brakeler ในประวัติศาสตร์ชาติเบลเยียม ประเพณี วิถีชีวิต และวัฒนธรรม ผสมผสานกับความรู้สึกรักแปลก ๆ เต็มไปด้วยความเสียใจเล็กน้อยและโหยหาอดีต ฉากประเภทของเขาเต็มไปด้วยความทรงจำในอดีต ฮีโร่ของเขามีลักษณะคล้ายกับผู้คนในศตวรรษที่ผ่านมา รายล้อมไปด้วยสิ่งของและวัตถุโบราณ ไม่ต้องสงสัยเลยว่างานของเดอ เบรกเลอร์มีช่วงเวลาแห่งความมีสไตล์ โดยเฉพาะอย่างยิ่งภาพวาด "นักภูมิศาสตร์" ของเขาชวนให้นึกถึงผลงานของปรมาจารย์ชาวดัตช์ในศตวรรษที่ 17 G. Metsu และ N. Mas ในภาพ เราเห็นชายชราคนหนึ่งนั่งอยู่บนเก้าอี้กำมะหยี่สมัยศตวรรษที่ 17 หมกมุ่นอยู่กับการไตร่ตรองผ้าซาตินที่ทาสีแบบโบราณ

จิตรกรรมโดยเจมส์ เอ็นเซอร์ (1860-1949) "เลดี้อินบลู" (1881) มีร่องรอยของอิทธิพลอันแข็งแกร่งของลัทธิอิมเพรสชันนิสม์ของฝรั่งเศส ช่วงที่งดงามประกอบด้วยโทนสีฟ้า สีฟ้าอมเทา และสีเขียว จังหวะที่มีชีวิตชีวาและอิสระบ่งบอกถึงการสั่นสะเทือนและการเคลื่อนไหวของอากาศ

การตีความภาพเขียนจะเปลี่ยนลวดลายในชีวิตประจำวันให้กลายเป็นฉากบทกวี การรับรู้ด้านภาพที่เพิ่มขึ้นของศิลปิน ความหลงใหลในจินตนาการ และความปรารถนาอย่างต่อเนื่องที่จะเปลี่ยนสิ่งที่เขามองเห็นให้กลายเป็นสิ่งผิดปกติ สะท้อนให้เห็นในสิ่งมีชีวิตที่ยอดเยี่ยมของเขา ตัวอย่างที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดคือ "Scat" ของบรัสเซลส์ ปลาทะเลมีความสวยงามอย่างน่ารังเกียจด้วยสีชมพูและรูปร่างที่คมชัดซึ่งดูเหมือนจะพร่ามัวต่อหน้าต่อตา และมีบางสิ่งที่ไม่พึงประสงค์และน่ารำคาญในการจ้องมองที่เย้ายวนอย่างน่าหลงใหลซึ่งมุ่งตรงไปยังผู้ชมโดยตรง

Ensor มีอายุยืนยาว แต่งานของเขาตกอยู่ในช่วงระหว่างปี พ.ศ. 2422 ถึง พ.ศ. 2436 การประชดและการปฏิเสธลักษณะที่น่าเกลียดของธรรมชาติของมนุษย์ด้วยการเสียดสีอย่างไร้ความปราณีของ Ensor ปรากฏให้เห็นในภาพวาดจำนวนมากที่แสดงหน้ากากงานรื่นเริงซึ่งสามารถพบเห็นได้ในพิพิธภัณฑ์บรัสเซลส์ ความต่อเนื่องของ Ensor กับงานศิลปะของ Bosch และ Bruegel นั้นไม่อาจปฏิเสธได้

Rick Wouters นักระบายสีและประติมากรที่มีพรสวรรค์ที่สุดที่เสียชีวิตในสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง (1882-1916) จัดแสดงในพิพิธภัณฑ์มีทั้งภาพวาดและประติมากรรม ศิลปินสัมผัสกับอิทธิพลอันแข็งแกร่งของ Cezanne เข้าร่วมขบวนการที่เรียกว่า "Brabantine Fauvism" แต่ถึงกระนั้นก็กลายเป็นปรมาจารย์ดั้งเดิมอย่างลึกซึ้ง ศิลปะเจ้าอารมณ์ของเขาเต็มไปด้วยความรักที่กระตือรือร้นต่อชีวิต ใน "The Lady with a Yellow Necklace" เราจำเนลภรรยาของเขาได้ซึ่งนั่งอยู่บนเก้าอี้ เสียงรื่นเริงของผ้าม่านสีเหลือง ผ้าห่มลายตารางสีแดง มาลัยสีเขียวบนวอลล์เปเปอร์ และชุดสีน้ำเงินทำให้เกิดความรู้สึกสนุกสนานของการดำรงอยู่ที่รวบรวมจิตวิญญาณทั้งหมด

พิพิธภัณฑ์แห่งนี้จัดแสดงผลงานหลายชิ้นของ Permeke จิตรกรชาวเบลเยียมผู้มีชื่อเสียง (1886-1952) .

Constant Permeke เป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวางว่าเป็นหัวหน้ากลุ่ม Expressionism ของเบลเยียม เบลเยียมเป็นประเทศที่สองรองจากเยอรมนี ซึ่งการเคลื่อนไหวนี้ได้รับอิทธิพลอย่างมากในสภาพแวดล้อมทางศิลปะ วีรบุรุษแห่ง Permeke ซึ่งส่วนใหญ่เป็นผู้คนจากประชาชนนั้นถูกพรรณนาด้วยความหยาบโดยเจตนาซึ่งตามความคิดของผู้เขียนควรเปิดเผยความแข็งแกร่งและพลังตามธรรมชาติของพวกเขา Permeke หันไปใช้การเสียรูปและโทนสีที่เรียบง่าย อย่างไรก็ตามใน "คู่หมั้น" ของเขามีการสร้างภาพที่ยิ่งใหญ่ถึงแม้จะเป็นเพียงภาพดึกดำบรรพ์ความปรารถนาที่จะเปิดเผยลักษณะและความสัมพันธ์ของกะลาสีเรือและแฟนสาวของเขา

ในบรรดาปรมาจารย์แห่งการเคลื่อนไหวที่สมจริงแห่งศตวรรษที่ 20 Isidore Opsomer และ Pierre Polus มีความโดดเด่น คนแรกเป็นที่รู้จักในฐานะจิตรกรภาพบุคคลที่ยอดเยี่ยม ("ภาพเหมือนของจูลส์ เดสเตร")ประการที่สอง - ในฐานะศิลปินที่อุทิศงานของเขาเช่น C. Meunier เพื่อพรรณนาถึงชีวิตที่ยากลำบากของคนงานเหมืองชาวเบลเยียม ห้องโถงของพิพิธภัณฑ์ยังจัดแสดงผลงานของศิลปินชาวเบลเยียมที่เกี่ยวข้องกับการเคลื่อนไหวอื่นๆ ในศิลปะร่วมสมัย ซึ่งส่วนใหญ่เป็นศิลปะเหนือจริงและนามธรรม

แอล. อเลชินา

ประเทศเล็กๆ ที่ในอดีตมอบศิลปินที่ยิ่งใหญ่ที่สุดจำนวนหนึ่งให้กับโลก - เพียงเพื่อตั้งชื่อพี่น้อง Van Eyck, Bruegel และ Rubens - เบลเยียมในต้นศตวรรษที่ 19 ประสบกับความซบเซาทางศิลปะมายาวนาน บทบาทบางอย่างในเรื่องนี้แสดงโดยตำแหน่งรองทางการเมืองและเศรษฐกิจของเบลเยียมซึ่งจนถึงปี 1830 ไม่มีเอกราชของชาติ ตั้งแต่ต้นศตวรรษใหม่เท่านั้นที่ขบวนการปลดปล่อยแห่งชาติพัฒนาขึ้นเรื่อย ๆ ศิลปะจึงมีชีวิตขึ้นมาซึ่งในไม่ช้าก็เข้ายึดครองสถานที่สำคัญมากในชีวิตทางวัฒนธรรมของประเทศ อย่างน้อยก็สำคัญที่เมื่อเปรียบเทียบกับประเทศอื่นๆ ในยุโรป จำนวนศิลปินในเบลเยียมขนาดเล็กเมื่อเทียบกับจำนวนประชากรนั้นมีจำนวนมาก

ในการก่อตัวของวัฒนธรรมศิลปะเบลเยียมของศตวรรษที่ 19 ประเพณีอันยิ่งใหญ่ของการวาดภาพระดับชาติมีบทบาทสำคัญ ความเชื่อมโยงกับประเพณีไม่เพียงแสดงออกมาในการเลียนแบบโดยตรงของศิลปินหลายคนโดยบรรพบุรุษที่โดดเด่นของพวกเขาเท่านั้น แม้ว่านี่จะเป็นลักษณะของภาพวาดเบลเยียมโดยเฉพาะในช่วงกลางศตวรรษก็ตาม อิทธิพลของประเพณีส่งผลต่อลักษณะเฉพาะของโรงเรียนศิลปะเบลเยียมในยุคปัจจุบัน หนึ่งในคุณลักษณะเฉพาะเหล่านี้คือความมุ่งมั่นของศิลปินชาวเบลเยียมต่อโลกแห่งวัตถุประสงค์ สู่เนื้อแท้ของสิ่งต่างๆ นี่คือความสำเร็จของงานศิลปะแนวสมจริงในเบลเยียม แต่ด้วยเหตุนี้จึงมีข้อจำกัดบางประการในการตีความความสมจริง

ลักษณะเด่นของชีวิตศิลปะของประเทศคือการมีปฏิสัมพันธ์อย่างใกล้ชิดตลอดศตวรรษของวัฒนธรรมเบลเยียมกับวัฒนธรรมของฝรั่งเศส ศิลปินและสถาปนิกรุ่นเยาว์ไปที่นั่นเพื่อพัฒนาความรู้ของตน ในทางกลับกันปรมาจารย์ชาวฝรั่งเศสหลายคนไม่เพียง แต่มาเยือนเบลเยียมเท่านั้น แต่ยังอาศัยอยู่ในนั้นเป็นเวลาหลายปีโดยมีส่วนร่วมในชีวิตทางศิลปะของเพื่อนบ้านตัวน้อยของพวกเขา

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 ลัทธิคลาสสิกครอบงำในจิตรกรรม ประติมากรรม และสถาปัตยกรรมในเบลเยียม เช่นเดียวกับในประเทศอื่นๆ ในยุโรปอื่นๆ จิตรกรที่สำคัญที่สุดในยุคนี้คือ François Joseph Navez (1787-1869) เขาศึกษาครั้งแรกที่บรัสเซลส์ จากนั้นในปี ค.ศ. 1813 ที่ปารีสกับเดวิด ซึ่งเขาร่วมเดินทางไปด้วยในการอพยพไปยังบรัสเซลส์ ในช่วงหลายปีที่เขาถูกเนรเทศชาวเบลเยียม ปรมาจารย์ชาวฝรั่งเศสผู้มีชื่อเสียงคนนี้ได้รับอำนาจสูงสุดในหมู่ศิลปินท้องถิ่น Navez เป็นหนึ่งในสาวกคนโปรดของดาวิด ความคิดสร้างสรรค์ของเขาไม่เท่ากัน การเรียบเรียงตามตำนานและพระคัมภีร์ซึ่งเขาปฏิบัติตามหลักการของลัทธิคลาสสิกนั้นไร้ชีวิตชีวาและเยือกเย็น ภาพวาดที่ประกอบขึ้นเป็นมรดกส่วนใหญ่ของเขานั้นน่าสนใจมาก ในการถ่ายภาพบุคคลของเขา การสังเกตและการศึกษาธรรมชาติอย่างใกล้ชิดและเอาใจใส่ถูกรวมเข้ากับแนวคิดในอุดมคติอันสูงส่งของบุคลิกภาพของมนุษย์ คุณสมบัติที่ดีที่สุดของวิธีการแบบคลาสสิก - โครงสร้างการจัดองค์ประกอบที่แข็งแกร่ง ความสมบูรณ์ของรูปแบบพลาสติก - ได้รับการหลอมรวมอย่างกลมกลืนในการถ่ายภาพบุคคลของ Navez ด้วยการแสดงออกและความเฉพาะเจาะจงของภาพแห่งชีวิต ภาพเหมือนของตระกูล Hamptinne (1816; บรัสเซลส์, พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่) ดูเหมือนจะมีคุณภาพทางศิลปะสูงสุด

ศิลปินแก้ไขงานที่ยากลำบากของภาพบุคคลที่มีตัวละครสามตัวได้สำเร็จ สมาชิกทุกคนในครอบครัวเล็ก - คู่สามีภรรยาที่มีลูกสาวตัวน้อย - ได้รับการถ่ายทอดด้วยท่าทางที่มีชีวิตชีวาและผ่อนคลาย แต่ให้ความรู้สึกถึงความสัมพันธ์ภายในที่แน่นแฟ้น โทนสีของภาพบุคคลเป็นพยานถึงความปรารถนาของ Navez ที่จะเข้าใจประเพณีคลาสสิกของการวาดภาพเฟลมิชซึ่งมีอายุย้อนกลับไปถึง Van Eyck สีสันที่แวววาวบริสุทธิ์ผสานเข้ากับคอร์ดฮาร์โมนิกที่สนุกสนาน ภาพเหมือนที่ยอดเยี่ยมของตระกูล Hamptinne นั้นใกล้เคียงกับพลังพลาสติกและความถูกต้องเชิงสารคดีกับผลงานภาพเหมือนของ David ในเวลาต่อมา และในการแต่งเนื้อเพลงและความปรารถนาที่จะถ่ายทอดชีวิตภายในของจิตวิญญาณนั้นมีความเกี่ยวข้องกับความโรแมนติกที่กำลังเกิดขึ้นแล้ว ยิ่งใกล้ชิดกับแนวโรแมนติกมากขึ้นก็คือภาพเหมือนตนเองของ Navez ในวัยเด็ก (ทศวรรษ 1810; บรัสเซลส์, ของสะสมส่วนตัว) ซึ่งศิลปินวาดภาพตัวเองด้วยดินสอและอัลบั้มอยู่ในมือโดยจ้องมองบางสิ่งที่อยู่ตรงหน้าอย่างเต็มตาและตั้งใจ Navez มีบทบาทสำคัญมากในฐานะครู ศิลปินหลายคนศึกษาร่วมกับเขา ซึ่งต่อมาเป็นแกนหลักของการเคลื่อนไหวที่สมจริงในการวาดภาพเบลเยียม

การเติบโตของความรู้สึกปฏิวัติในประเทศมีส่วนทำให้ศิลปะโรแมนติกประสบความสำเร็จ การต่อสู้เพื่อเอกราชของชาติทำให้เกิดการระเบิดครั้งใหญ่ในฤดูร้อนปี พ.ศ. 2373 อันเป็นผลให้เบลเยียมตัดสัมพันธ์กับเนเธอร์แลนด์และก่อตั้งรัฐเอกราช ศิลปะมีบทบาทสำคัญในเหตุการณ์ที่เกิดขึ้น มันกระตุ้นความรู้สึกรักชาติและปลุกปั่นความรู้สึกกบฏ ดังที่ทราบกันดีว่าสาเหตุโดยตรงของการจลาจลในการปฏิวัติในกรุงบรัสเซลส์คือการแสดงโอเปร่าเรื่อง The Mute of Portici ของ Aubert

ก่อนการปฏิวัติ ทิศทางความรักชาติในรูปแบบประวัติศาสตร์ได้ปรากฏในภาพวาดของเบลเยียม ผู้นำของเทรนด์นี้คือศิลปินหนุ่ม Gustave Wappers (1803-1874) ซึ่งในปี 1830 ได้จัดแสดงภาพวาด "การเสียสละตนเองของ Burgomaster van der Werff ที่ Siege of Leiden" (Utrecht, พิพิธภัณฑ์) ปรมาจารย์ของขบวนการนี้หันไปใช้ภาษารูปแบบที่โรแมนติกเพื่อเชิดชูวีรกรรมของบรรพบุรุษ ความอิ่มเอมใจที่น่าสมเพชของโครงสร้างที่เป็นรูปเป็นร่างเสียงสีสันที่เพิ่มขึ้นถูกรับรู้โดยคนรุ่นราวคราวเดียวกันว่าเป็นการฟื้นฟูประเพณีการวาดภาพประจำชาติในยุคดึกดำบรรพ์ซึ่งรูเบนส์นำเสนอได้ชัดเจนที่สุด

ในยุค 30 ภาพวาดของเบลเยี่ยมต้องขอบคุณภาพวาดทางประวัติศาสตร์ที่ได้รับการยอมรับในศิลปะยุโรป ลักษณะเชิงโปรแกรมและความรักชาติซึ่งตอบสนองวัตถุประสงค์ทั่วไปของการพัฒนาประเทศเป็นตัวกำหนดความสำเร็จนี้ Wappers, Nicaise de Keyser (1813-1887), Louis Galle เป็นหนึ่งในศิลปินที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในยุโรป อย่างไรก็ตาม ในไม่ช้าทิศทางนี้ก็เผยให้เห็นด้านที่จำกัดของมัน ที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดคือผลงานที่สะท้อนถึงความน่าสมเพชของขบวนการปลดปล่อยประชาชนแห่งชาติซึ่งได้รับแรงบันดาลใจจากความกล้าหาญของการต่อสู้เพื่ออิสรภาพในอดีตและปัจจุบัน ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ความสำเร็จสูงสุดตกอยู่กับภาพวาดของ Wappers เรื่อง “September Days 1830” (1834-1835; บรัสเซลส์, พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่) ศิลปินสร้างผืนผ้าใบประวัติศาสตร์ด้วยวัสดุสมัยใหม่และเปิดเผยความสำคัญของเหตุการณ์การปฏิวัติ มีการแสดงตอนหนึ่งของการปฏิวัติ การกระทำดังกล่าวเกิดขึ้นที่จัตุรัสกลางกรุงบรัสเซลส์ กระแสความนิยมที่หลั่งไหลเข้ามาอย่างรุนแรงถ่ายทอดผ่านองค์ประกอบในแนวทแยงที่ไม่สมดุล การจัดกลุ่มและบุคคลบางส่วนทำให้นึกถึงภาพวาด "Liberty Leading the People" ของ Delacroix ซึ่งเป็นรูปแบบที่ไม่ต้องสงสัยสำหรับศิลปิน ในเวลาเดียวกัน Wappers ในภาพวาดนี้ค่อนข้างภายนอกและชัดเจน ภาพของเขามีลักษณะบางส่วนจากการแสดงละครการสาธิตในการแสดงความรู้สึก

ไม่นานหลังจากที่เบลเยียมได้รับเอกราช ภาพวาดทางประวัติศาสตร์ก็สูญเสียความลึกของเนื้อหาไป แก่นของการปลดปล่อยแห่งชาติกำลังสูญเสียความเกี่ยวข้องและพื้นฐานทางสังคม ภาพประวัติศาสตร์กลายเป็นภาพเครื่องแต่งกายอันงดงามพร้อมเนื้อเรื่องที่สนุกสนาน แนวโน้มสองประการในการวาดภาพประวัติศาสตร์กำลังตกผลึก ในอีกด้านหนึ่งสิ่งเหล่านี้เป็นผืนผ้าใบที่ยิ่งใหญ่และโอ่อ่า อีกทิศทางหนึ่งคือการตีความประเภทประวัติศาสตร์ ประเพณีการวาดภาพประจำชาติเป็นที่เข้าใจอย่างผิวเผิน - เป็นผลรวมของเทคนิคและวิธีการที่ไม่ได้ถูกกำหนดโดยอิทธิพลของยุคสมัย ศิลปินหลายคนปรากฏตัวให้เห็นซึ่งมองเห็นอาชีพทั้งหมดของตนในการวาดภาพประเภทต่างๆ เช่น "ปรมาจารย์แห่งศตวรรษที่ 17" หรือฉากประวัติศาสตร์ "เช่น Rubens"

Antoine Joseph Wirtz (1806-1865) พยายามที่จะผสมผสานความสำเร็จของ Michelangelo และ Rubens เข้าด้วยกันอย่างอวดดี แต่ไม่ประสบความสำเร็จในผืนผ้าใบทางประวัติศาสตร์และสัญลักษณ์ขนาดมหึมาของเขา Hendrik Leys (1815-1869) วาดภาพเขียนแนวประวัติศาสตร์ขนาดเล็กเป็นครั้งแรก โดยเลียนแบบสีของแรมแบรนดท์ ตั้งแต่ช่วงทศวรรษที่ 60 เขาเปลี่ยนมาใช้การประพันธ์หลายรูปแบบอย่างกว้างขวางพร้อมฉากต่างๆ ในชีวิตประจำวันจากยุคเรอเนซองส์ตอนเหนือ ในลักษณะการแสดงที่เขาปฏิบัติตามความแม่นยำและรายละเอียดของปรมาจารย์ในยุคนี้

ในบรรดาจิตรกรประวัติศาสตร์จำนวนมากในช่วงกลางศตวรรษ Louis Galle (พ.ศ. 2353-2430) สมควรได้รับการกล่าวถึงซึ่งภาพวาดมีความโดดเด่นด้วยองค์ประกอบที่ยับยั้งชั่งใจและพูดน้อยและรูปภาพของเขาโดดเด่นด้วยความสำคัญภายในและความสูงส่ง ตัวอย่างทั่วไปคือภาพวาด "Last Honours to the Remains of the Counts of Egmont and Horn" (1851; Tournai, Museum, Repeat 1863 - Pushkin Museum) คุณสมบัติเดียวกันนี้เป็นลักษณะเฉพาะของภาพวาดประเภทของเขามากยิ่งขึ้น เช่น "The Fisherman's Family" (1848) และ "Slavonets" (1854; ทั้ง Hermitage)

ภาพวาดประวัติศาสตร์ของเบลเยียมค่อยๆ สูญเสียบทบาทผู้นำในระบบประเภทต่างๆ และค่อยๆ หายไปจากยุค 60 กำลังนำเสนอภาพวาดในครัวเรือน จิตรกรประเภทในช่วงกลางศตวรรษมักจะเลียนแบบศิลปินในศตวรรษที่ 17 โดยหันไปสร้างฉากที่สนุกสนานในร้านเหล้าหรือภายในบ้านที่มีบรรยากาศอบอุ่น นี่คือภาพวาดหลายชิ้นของ Jean Baptiste Madou (1796-1877) Hendrik de Brakeler (1840-1888) เป็นภาพแบบดั้งเดิมมากในวิชาของเขา โดยวาดภาพบุคคลที่โดดเดี่ยวในกิจกรรมที่เงียบสงบในการตกแต่งภายในที่สว่างไสว บุญของเขาอยู่ที่การแก้ปัญหาแสงและบรรยากาศโปร่งสบายโดยใช้ภาพวาดสมัยใหม่

การพัฒนาระบบทุนนิยมของประเทศซึ่งเกิดขึ้นอย่างรวดเร็วหลังจากได้รับเอกราชแล้วในทศวรรษที่ 60 ก่อให้เกิดปัญหาใหม่สำหรับงานศิลปะ ความทันสมัยเริ่มรุกล้ำวัฒนธรรมทางศิลปะของเบลเยียมมากขึ้นเรื่อยๆ ศิลปินรุ่นเยาว์หยิบยกสโลแกนแห่งความสมจริง แสดงถึงลักษณะเฉพาะของชีวิตรอบตัว ในปณิธานของพวกเขาพวกเขาอาศัยตัวอย่างของ Courbet ในปี พ.ศ. 2411 Free Society of Fine Arts ก่อตั้งขึ้นในกรุงบรัสเซลส์ ผู้เข้าร่วมที่สำคัญที่สุดคือ Charles de Groux, Constantin Meunier, Felicien Rops, Louis Dubois พวกเขาทั้งหมดออกมาพร้อมกับสโลแกนแห่งความสมจริงพร้อมเรียกร้องให้ต่อสู้กับศิลปะเก่าที่มีธีมห่างไกลจากชีวิตและภาษาศิลปะที่ล้าสมัย กระบอกเสียงของมุมมองเชิงสุนทรีย์ของสังคมนี้คือนิตยสาร "Free Art" ซึ่งเริ่มตีพิมพ์ในปี พ.ศ. 2414 ผู้เข้าร่วมที่แข็งขันที่สุดใน Free Society of Fine Arts คือ Charles de Groux (พ.ศ. 2368-2413) จากปลายยุค 40 มีชื่อเสียงจากภาพวาดชีวิตของชนชั้นล่างในสังคม สไตล์การเขียนของเขาใกล้เคียงกับ Courbet การระบายสีจะถูกเก็บไว้ในโทนสีที่มืดมิด ซึ่งสอดคล้องกับอารมณ์ความรู้สึกเศร้าโศกของสิ่งที่ปรากฎ นั่นคือภาพวาด "Coffee Roaster" (ยุค 60; แอนต์เวิร์ป, พิพิธภัณฑ์); มันแสดงให้เห็นคนยากจนกำลังอุ่นเครื่องข้างนอกในวันที่อากาศหนาวและมืดมนใกล้กับเครื่องคั่วกาแฟที่กำลังคั่วเมล็ดกาแฟ ความเห็นอกเห็นใจอย่างลึกซึ้งต่อผู้ด้อยโอกาสเป็นลักษณะเฉพาะของงานของศิลปิน

ความสมจริงในเบลเยียมได้รับตำแหน่งที่แข็งแกร่งในงานศิลปะทุกประเภทในไม่ช้า จิตรกรภูมิทัศน์ทั้งกาแล็กซี่ปรากฏขึ้นตามความเป็นจริงและในเวลาเดียวกันก็แสดงให้เห็นถึงธรรมชาติดั้งเดิมของพวกเขาอย่างหลากหลาย - ที่เรียกว่าโรงเรียน Tervuren (ตั้งชื่อตามสถานที่ที่ตั้งอยู่ในป่าใกล้บรัสเซลส์) หัวหน้าโรงเรียน Hippolyte Boulanger (พ.ศ. 2380-2417) วาดภาพทิวทัศน์ป่าไม้ที่ละเอียดอ่อนและค่อนข้างเศร้าโศก ซึ่งมีสีคล้ายกับภาพวาดของบาร์บิซอน Louis Artand (1837-1890) มองว่าธรรมชาติมีพลังมากขึ้น ส่วนใหญ่เขามักวาดภาพทิวทัศน์ของทะเลและชายฝั่ง จังหวะของเขาเป็นแบบไดนามิกและยืดหยุ่น ศิลปินมุ่งมั่นที่จะถ่ายทอดบรรยากาศและอารมณ์ของภูมิทัศน์ที่เปลี่ยนแปลงไป

Felicien Rops (1833-1898) ครอบครองสถานที่พิเศษในงานศิลปะเบลเยียม แม้ว่าอาจารย์จะใช้เวลาส่วนสำคัญในชีวิตสร้างสรรค์ของเขาในฝรั่งเศส แต่เขาก็ยังเป็นผู้มีส่วนร่วมอย่างแข็งขันในกระบวนการศิลปะของเบลเยียม ชื่อเสียงที่ค่อนข้างอื้อฉาวของศิลปินในฐานะนักร้องของ cocottes ชาวปารีสมักจะปิดบังบทบาทที่สำคัญมากของเขาในชีวิตทางวัฒนธรรมของเบลเยียม Rops เป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้งนิตยสารวรรณกรรมและศิลปะ Eulenspiegel (ก่อตั้งในกรุงบรัสเซลส์ในปี พ.ศ. 2399) และเป็นนักวาดภาพประกอบคนแรกของนวนิยายชื่อดังโดย Charles de Coster (พ.ศ. 2410) ภาพประกอบที่สร้างขึ้นโดยใช้เทคนิคการแกะสลักทำให้ภาพของตัวละครหลักของนวนิยายมีความคมชัดและน่าสนใจ Rops เป็นปรมาจารย์ด้านการวาดภาพที่เก่งกาจและเป็นผู้สังเกตการณ์ชีวิตสมัยใหม่อย่างเอาใจใส่ ดังเห็นได้จากผลงานหลายชิ้นของเขา

สถาปัตยกรรมของเบลเยียมจนถึงปลายศตวรรษที่ 19 ไม่ได้สร้างอะไรที่สำคัญ ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษอาคารหลายหลังยังคงสร้างขึ้นในสไตล์คลาสสิกโดยมีรสนิยมที่เข้มงวด (Academy Palace ในกรุงบรัสเซลส์ - พ.ศ. 2366-2369 สถาปนิก Charles van der Straten เรือนกระจกในสวนพฤกษศาสตร์แห่งบรัสเซลส์ - พ.ศ. 2369-2372 , สถาปนิก F.-T. Seys และ P.-F. ตั้งแต่กลางศตวรรษมา การผสมผสานที่ไร้ขอบเขตและความปรารถนาที่จะสร้างอาคารอันเขียวชอุ่มและโอ่อ่าได้เติบโตขึ้นในสถาปัตยกรรม ลักษณะเฉพาะคืออาคารตลาดหลักทรัพย์ในกรุงบรัสเซลส์ (พ.ศ. 2416-2419 สถาปนิก L. Seys) อาคารพิพิธภัณฑ์ศิลปะโบราณในที่เดียวกัน (พ.ศ. 2418-2428 สถาปนิก A. Bala) ลัทธิทุนนิยมเบลเยียมที่เจริญรุ่งเรืองพยายามสร้างอนุสรณ์สถานแห่งอำนาจของตน นี่คือลักษณะของอาคาร Palace of Justice ในกรุงบรัสเซลส์ (พ.ศ. 2409-2426 สถาปนิก J. Poulart - หนึ่งในอาคารที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุโรปในแง่ของขนาดโดดเด่นด้วยการสะสมและการผสมผสานของสถาปัตยกรรมทุกประเภทที่อวดดีและไร้สาระ ในเวลาเดียวกัน สไตล์มีบทบาทสำคัญในสถาปัตยกรรมของเบลเยียม มีการสร้างโบสถ์หลายแห่ง ศาลากลาง และอาคารสาธารณะอื่นๆ ที่เลียนแบบสไตล์โกธิก เฟลมิชเรอเนซองส์ และโรมาเนสก์

ประติมากรรมเบลเยียมจนถึงช่วงไตรมาสสุดท้ายของศตวรรษที่ 19 ล้าหลังกว่าการวาดภาพในการพัฒนา ในยุค 30 ภายใต้อิทธิพลของแนวคิดรักชาติ ยังคงมีการสร้างรูปปั้นที่น่าสนใจหลายชิ้น ก่อนอื่นจำเป็นต้องสังเกตผลงานของ Willem Hefs (1805-1883 - หลุมฝังศพของเขาของ Count Frederic de Merode ซึ่งตกอยู่ในการต่อสู้ปฏิวัติในกรุงบรัสเซลส์ (พ.ศ. 2380, บรัสเซลส์, มหาวิหาร St. Gudula) และรูปปั้น ของนายพลเบลเลียร์ดซึ่งยืนอยู่บนจตุรัสแห่งหนึ่งของเมืองหลวง ( พ.ศ. 2379) กลางศตวรรษในเบลเยียมเช่นเดียวกับในประเทศอื่น ๆ มีความเสื่อมโทรมของศิลปะการแกะสลัก

ในช่วงปีที่ยากลำบากเหล่านี้สำหรับงานศิลปะที่ยิ่งใหญ่ ผลงานของศิลปินชาวเบลเยียมที่ยิ่งใหญ่ที่สุด Constantin Meunier (1831-4905) ได้ก่อตั้งขึ้น Meunier เริ่มการศึกษาที่สถาบันวิจิตรศิลป์แห่งบรัสเซลส์ในชั้นเรียนประติมากรรม ที่นี่ ในช่วงกลางศตวรรษ ระบบการศึกษาแบบอนุรักษ์นิยมครอบงำ ครูในความคิดสร้างสรรค์และการสอนของพวกเขาปฏิบัติตามรูปแบบและกิจวัตรโดยเรียกร้องให้มีการปรุงแต่งธรรมชาติในนามของอุดมคติที่เป็นนามธรรม งานพลาสติกชิ้นแรกของ Meunier ยังคงใกล้เคียงกับทิศทางนี้มาก (“Garland”; จัดแสดงในปี 1851 ไม่ได้รับการเก็บรักษาไว้) อย่างไรก็ตาม ในไม่ช้า เขาก็ละทิ้งงานประติมากรรมและหันไปวาดภาพ และกลายเป็นลูกศิษย์ของ Navez หลังแม้ว่าในช่วงหลายปีที่ผ่านมาจะเป็นสัญลักษณ์ของความคลาสสิกที่ล้าสมัย แต่ก็สามารถสอนความเชี่ยวชาญในการวาดภาพการแกะสลักพลาสติกในรูปแบบการวาดภาพและความเข้าใจในสไตล์ที่ยอดเยี่ยม อิทธิพลอีกประการหนึ่งที่มีต่อนายน้อยในเวลานี้เกี่ยวข้องกับมิตรภาพของเขากับ Charles de Groux และความใกล้ชิดของเขากับผลงานของนักสัจนิยมชาวฝรั่งเศส - Courbet และ Millet Meunier กำลังมองหางานศิลปะที่มีความหมายลึกซึ้ง ศิลปะแห่งความคิดที่ยิ่งใหญ่ แต่ก่อนอื่นหันไปหาธีมสมัยใหม่ แต่หันไปหาภาพวาดทางศาสนาและประวัติศาสตร์ สิ่งที่น่าสนใจอย่างยิ่งคือภาพวาด "ตอนจากสงครามชาวนาปี 1797" (พ.ศ. 2418; บรัสเซลส์, พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่) ศิลปินเลือกฉากสุดท้ายของการจลาจลซึ่งจบลงด้วยความพ่ายแพ้ เขาบรรยายถึงสิ่งที่เกิดขึ้นว่าเป็นโศกนาฏกรรมระดับชาติและในขณะเดียวกันก็แสดงให้เห็นถึงความตั้งใจอันแน่วแน่ของประชาชน ภาพนี้แตกต่างอย่างมากจากผลงานอื่น ๆ ของประเภทประวัติศาสตร์เบลเยียมในช่วงหลายปีที่ผ่านมา ต่อไปนี้เป็นแนวทางที่แตกต่างในการทำความเข้าใจประวัติศาสตร์ และความสมจริงในการพรรณนาตัวละคร และอารมณ์ความรู้สึกที่เต็มไปด้วยจิตวิญญาณของสิ่งที่ถูกพรรณนา และการนำภูมิทัศน์มาเป็นสภาพแวดล้อมที่ทำให้เกิดเสียงที่กระตือรือร้น

ในช่วงปลายยุค 70 มูเนียร์จบลงที่ "ประเทศสีดำ" ซึ่งเป็นเขตอุตสาหกรรมของเบลเยียม ที่นี่เขาเปิดโลกใหม่ที่สมบูรณ์ซึ่งยังไม่ได้สะท้อนให้เห็นในงานศิลปะ ปรากฏการณ์ชีวิตที่มีแง่มุมความงามที่แตกต่างอย่างสิ้นเชิงกำหนดภาษาศิลปะใหม่ซึ่งมีรสชาติพิเศษในตัวมันเอง Meunier สร้างภาพวาดที่อุทิศให้กับงานของคนงานเหมือง เขาวาดภาพประเภทของคนงานเหมืองและคนงานเหมืองหญิง และจับภาพทิวทัศน์ของ "ประเทศสีดำ" นี้ สิ่งสำคัญในภาพวาดของเขาไม่ใช่ความเห็นอกเห็นใจ แต่เป็นความเข้มแข็งของคนทำงาน นี่คือความสำคัญทางนวัตกรรมของงานของ Meunier ผู้คนไม่ได้เป็นวัตถุแห่งความสงสารและความเห็นอกเห็นใจ ผู้คนเป็นเหมือนผู้สร้างคุณค่าชีวิตอันยิ่งใหญ่ ดังนั้นจึงเรียกร้องทัศนคติที่คู่ควรต่อตนเองอยู่แล้ว ในการรับรู้ถึงความสำคัญอันยิ่งใหญ่ของคนทำงานในชีวิตของสังคม Meunier ยืนอยู่ในระดับเดียวกับนักคิดที่ก้าวหน้าที่สุดในยุคนั้น

ในภาพวาดของเขา Meunier ใช้ภาษาของลักษณะทั่วไป เขาแกะสลักรูปทรงโดยใช้สี สีของมันเข้มงวดและควบคุมได้ - จุดสีสันสดใสหนึ่งหรือสองจุดสลับกับโทนสีเอิร์ธโทนสีเทาทำให้เกิดเสียงที่รุนแรงทั้งหมด การจัดองค์ประกอบนั้นเรียบง่ายและยิ่งใหญ่ โดยใช้จังหวะของเส้นที่เรียบง่ายและชัดเจน ภาพวาดทั่วไปคือ “การกลับมาจากเหมือง” (ประมาณปี 1890; แอนต์เวิร์ป, พิพิธภัณฑ์) คนงานสามคนราวกับกำลังเดินอยู่บนผืนผ้าใบถูกวาดภาพเงาที่ชัดเจนตัดกับพื้นหลังของท้องฟ้าที่มีควัน การเคลื่อนไหวของตัวเลขจะเกิดขึ้นซ้ำๆ กันและในขณะเดียวกันก็เปลี่ยนแปลงแรงจูงใจทั่วไปด้วย จังหวะของกลุ่มและจังหวะของพื้นที่ของภาพทำให้เกิดการแก้ปัญหาที่กลมกลืนและสมดุล ตัวเลขถูกเลื่อนไปที่ขอบด้านซ้ายของภาพ ระหว่างพวกเขากับกรอบด้านขวาจะมีพื้นที่ว่างแบบเปิด ความชัดเจนและลักษณะทั่วไปของภาพเงาของกลุ่มความพูดน้อยของภาพของแต่ละร่างทำให้องค์ประกอบมีลักษณะของการนูนต่ำแบบพลาสติกเกือบทั้งหมด เมื่อเปลี่ยนไปสู่หัวข้อใหม่ที่ทำให้เขาหลงใหล ในไม่ช้า Meunier ก็จำอาชีพเดิมของเขาได้ ลักษณะทั่วไปและการพูดน้อยของภาษาพลาสติกสามารถนำมาใช้ในวิธีที่ดีที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้เพื่อเชิดชูความงดงามของแรงงานมนุษย์ ตั้งแต่กลางทศวรรษที่ 80 รูปปั้นและภาพนูนต่ำนูนสูงของ Meunier ปรากฏขึ้นทีละชิ้นเพื่อเชิดชูชื่อของเขาซึ่งถือเป็นยุคในการพัฒนาศิลปะพลาสติกของศตวรรษที่ 19 ธีมหลักและภาพลักษณ์ของประติมากรคือแรงงาน คนทำงาน: คนงานที่ใช้ค้อนทุบ คนงานเหมือง ชาวประมง คนงานเหมืองหญิง ชาวนา คนวัยทำงานเข้าสู่งานประติมากรรม ซึ่งก่อนหน้านี้จำกัดอยู่เพียงวงแคบๆ ของวัตถุและรูปร่างธรรมดาๆ ที่ห่างไกลจากความทันสมัย ภาษาพลาสติกซึ่งก่อนหน้านี้ถูกละเลยโดยสิ้นเชิงได้รับกำลังดุร้ายและการโน้มน้าวใจอันทรงพลังอีกครั้ง ร่างกายมนุษย์แสดงให้เห็นถึงความเป็นไปได้ใหม่ๆ ของความงามที่ซ่อนอยู่ในนั้น ในการบรรเทาทุกข์ "อุตสาหกรรม" (1901; บรัสเซลส์, พิพิธภัณฑ์ Menier) ความตึงเครียดของกล้ามเนื้อทั้งหมด, ความยืดหยุ่นและความแข็งแกร่งของรูปร่าง, หายใจลำบาก, หน้าอกฉีกขาด, แขนบวมหนัก - ทั้งหมดนี้ไม่ได้ทำให้เสียโฉมบุคคล แต่ให้ เขามีพลังพิเศษและความงาม Meunier กลายเป็นผู้ก่อตั้งประเพณีอันน่าทึ่งใหม่ - ประเพณีการวาดภาพชนชั้นแรงงาน, บทกวีของกระบวนการแรงงาน

ผู้คนที่ Meunier วาดภาพนั้นไม่ได้ถือว่ามีท่วงท่าที่สวยงามวิจิตรหรือคลาสสิกแบบดั้งเดิม ประติมากรจะเห็นและนำเสนอสิ่งเหล่านี้ในตำแหน่งที่แท้จริงอย่างแท้จริง การเคลื่อนไหวของพวกเขาหยาบกร้านเช่นใน "Fetcher" ที่แข็งแกร่งและดุดัน (1888; บรัสเซลส์, พิพิธภัณฑ์ Menier) บางครั้งก็เงอะงะด้วยซ้ำ ("Puddler", 1886; บรัสเซลส์, พิพิธภัณฑ์ศิลปะโบราณ) ในลักษณะที่รูปปั้นเหล่านี้ยืนหรือนั่ง คุณจะรู้สึกถึงรอยประทับที่หลงเหลือจากการใช้แรงงานบนรูปลักษณ์และอุปนิสัยของพวกเขา และในขณะเดียวกัน ท่าทางของพวกเขาก็เต็มไปด้วยความงามและความแข็งแกร่งของพลาสติกที่น่าหลงใหล นี่คือประติมากรรมในความหมายที่แท้จริงของคำว่า อาศัยอยู่ในอวกาศ และจัดระเบียบมันรอบๆ ตัวมันเอง ภายใต้มือของ Meunier ร่างกายมนุษย์เผยให้เห็นพลังที่ยืดหยุ่นและไดนามิกที่รุนแรงและรุนแรง

ภาษาพลาสติกของ Meunier เป็นภาษาทั่วไปและพูดน้อย ดังนั้นในรูปปั้น "Loader" (ประมาณปี 1905; บรัสเซลส์, พิพิธภัณฑ์ Menier) จึงมีการสร้างภาพบุคคลไม่มากนักในรูปแบบทั่วไปและนี่คือสิ่งที่ทำให้มีพลังในการโน้มน้าวใจอย่างมาก Meunier ปฏิเสธผ้าม่านแบบวิชาการทั่วไป ซึ่งหากพูดง่ายๆ ก็คือ "เสื้อผ้าโดยรวม" แต่เสื้อผ้าเหล่านี้ไม่ได้ทำให้เสียรูปทรงหรือทำให้รูปร่างเล็กลง พื้นผิวกว้างของเนื้อผ้าดูเหมือนจะเกาะติดกับกล้ามเนื้อ รอยพับบางๆ ของแต่ละคนเน้นย้ำถึงการเคลื่อนไหวของร่างกาย ผลงานที่ดีที่สุดของ Meunier คือ Antwerp (1900; บรัสเซลส์, พิพิธภัณฑ์ Menier) ประติมากรเลือกไม่ใช่สัญลักษณ์เชิงนามธรรมเพื่อแสดงถึงเมืองที่ทำงานหนักและกระตือรือร้น แต่เป็นภาพลักษณ์ที่เฉพาะเจาะจงของคนงานท่าเรือ ศีรษะที่เคร่งครัดและกล้าหาญซึ่งแกะสลักด้วยความพูดน้อยอย่างที่สุดนั้นวางอยู่บนไหล่ของกล้ามเนื้ออย่างมั่นคง งานที่น่ายกย่อง Meunier ไม่ได้หลับตาต่อความรุนแรงของมัน ผลงานพลาสติกที่น่าทึ่งที่สุดชิ้นหนึ่งของเขาคือกลุ่ม “Mine Gas” (1893; บรัสเซลส์, พิพิธภัณฑ์ศิลปะโบราณ) นี่เป็นเวอร์ชันที่ทันสมัยอย่างแท้จริงของธีมนิรันดร์ของการไว้ทุกข์ให้กับลูกชายที่สูญเสียไป ผลพวงอันน่าเศร้าของภัยพิบัติจากเหมืองเกิดขึ้นที่นี่ ร่างของผู้หญิงที่โศกเศร้าก้มตัวอยู่ในความยับยั้งชั่งใจและสิ้นหวังกับร่างที่เปลือยเปล่าที่เหยียดออกอย่างตะลึง

ด้วยการสร้างประเภทและภาพลักษณ์ของคนทำงานนับไม่ถ้วน Meunier ตั้งครรภ์ในยุค 90 อนุสาวรีย์แห่งแรงงาน ควรรวมภาพนูนต่ำนูนสูงหลายอันที่เชิดชูแรงงานประเภทต่างๆ - "อุตสาหกรรม", "การเก็บเกี่ยว", "ท่าเรือ" ฯลฯ รวมถึงรูปปั้นทรงกลม - รูปปั้น "ผู้หว่าน", "ความเป็นแม่", "คนงาน" ฯลฯ สิ่งนี้ ในที่สุดแผนก็ไม่เคยเกิดขึ้นจริงเนื่องจากการเสียชีวิตของปรมาจารย์ แต่ในปี 1930 แผนดังกล่าวได้รับการตระหนักในกรุงบรัสเซลส์ตามต้นฉบับของประติมากร อนุสาวรีย์โดยรวมไม่ได้สร้างความประทับใจที่ยิ่งใหญ่ ชิ้นส่วนแต่ละชิ้นมีความน่าเชื่อถือมากขึ้น เมื่อรวมเข้าด้วยกันในเวอร์ชันสถาปัตยกรรมที่เสนอโดยสถาปนิก Orta กลับกลายเป็นว่าค่อนข้างภายนอกและเป็นเศษส่วน

ผลงานของ Meunier สรุปพัฒนาการของศิลปะเบลเยียมในศตวรรษที่ 19 ได้อย่างมีเอกลักษณ์ กลายเป็นความสำเร็จสูงสุดของความสมจริงในประเทศนี้ในช่วงเวลาที่อยู่ระหว่างการพิจารณา ในเวลาเดียวกัน ความสำคัญของความสำเร็จที่เป็นจริงของ Meunier มีมากกว่างานศิลปะประจำชาติ ผลงานอันน่าทึ่งของประติมากรผู้นี้มีอิทธิพลอย่างมากต่อการพัฒนางานศิลปะพลาสติกของโลก