อิมเพรสชั่นนิสต์ของรัสเซียในการวาดภาพแตกต่างจากภาษาฝรั่งเศสอย่างไร ความหมายของคำว่าอิมเพรสชั่นนิสม์

“โลกใหม่ถือกำเนิดขึ้นเมื่ออิมเพรสชั่นนิสต์วาดภาพ”

อองรี คาห์นไวเลอร์

ศตวรรษที่ 19. ฝรั่งเศส. มีบางอย่างที่ไม่เคยเกิดขึ้นมาก่อนเกิดขึ้นในการวาดภาพ ศิลปินรุ่นเยาว์กลุ่มหนึ่งตัดสินใจเขย่าประเพณีที่มีอายุ 500 ปี แทนที่จะวาดภาพที่ชัดเจน พวกเขาใช้จังหวะที่กว้างและ "เลอะเทอะ"

และพวกเขาก็ละทิ้งภาพปกติไปโดยสิ้นเชิง ถ่ายทอดออกมาเป็นทุกคน และสุภาพสตรีผู้มีคุณธรรมอันเรียบง่าย และสุภาพบุรุษผู้มีชื่อเสียงที่น่าสงสัย

ประชาชนไม่พร้อมสำหรับการวาดภาพอิมเพรสชั่นนิสต์ พวกเขาถูกเยาะเย้ยและดุด่า และที่สำคัญพวกเขาไม่ได้ซื้ออะไรจากพวกเขาเลย

แต่ความต้านทานก็ถูกทำลาย และอิมเพรสชั่นนิสต์บางคนมีชีวิตอยู่เพื่อดูชัยชนะของพวกเขา จริงอยู่ที่พวกเขาอายุเกิน 40 แล้ว เช่นเดียวกับ Claude Monet หรือ Auguste Renoir บางคนรอการยอมรับเมื่อบั้นปลายชีวิตเท่านั้น เช่นเดียวกับ Camille Pissarro บางคนไม่ได้มีชีวิตอยู่เพื่อดูเขา เช่นเดียวกับอัลเฟรด ซิสลีย์

พวกเขาแต่ละคนประสบความสำเร็จในการปฏิวัติอะไร? เหตุใดประชาชนจึงใช้เวลานานมากในการยอมรับพวกเขา? นี่คืออิมเพรสชั่นนิสต์ชาวฝรั่งเศสที่มีชื่อเสียงที่สุด 7 คน ซึ่งคนทั้งโลกรู้ดี

1. เอดูอาร์ด มาเน็ต (1832 – 1883)

เอดูอาร์ด มาเน็ต. ภาพเหมือนตนเองด้วยจานสี พ.ศ. 2421 ของสะสมส่วนตัว

มาเนต์มีอายุมากกว่าอิมเพรสชั่นนิสต์ส่วนใหญ่ เขาเป็นแรงบันดาลใจหลักในการเปลี่ยนแปลง

มาเนต์เองก็ไม่ได้อ้างว่าเป็นผู้นำคณะปฏิวัติ เขาเป็นคนฆราวาส ฉันฝันถึงรางวัลอย่างเป็นทางการ

แต่เขารอเป็นเวลานานมากในการรับรู้ ประชาชนต้องการเห็นเทพีกรีก หรือยังมีชีวิตอยู่อย่างเลวร้ายที่สุด ให้ดูสวยงามในห้องอาหาร มาเนตรอยากวาดภาพชีวิตสมัยใหม่ ตัวอย่างเช่น โสเภณี.

ผลลัพธ์ที่ได้คือ “อาหารเช้าบนพื้นหญ้า” สาวสำรวยสองคนกำลังพักผ่อนอยู่ร่วมกับสตรีผู้มีคุณธรรมอันเรียบง่าย หนึ่งในนั้นนั่งข้างชายที่แต่งตัวเหมือนไม่มีอะไรเกิดขึ้น

เอดูอาร์ด มาเน็ต. อาหารเช้าบนพื้นหญ้า พ.ศ. 2406 ปารีส

เปรียบเทียบ Luncheon on the Grass ของเขากับ Romans ของ Thomas Couture ใน Decline ภาพวาดของกูตูร์สร้างความรู้สึก ศิลปินมีชื่อเสียงขึ้นมาทันที

“อาหารเช้าบนพื้นหญ้า” ถูกกล่าวหาว่าหยาบคาย ไม่แนะนำให้สตรีมีครรภ์ดูเธออย่างจริงจัง

โทมัส กูตูร์. ชาวโรมันกำลังเสื่อมถอย 2390 พิพิธภัณฑ์ออร์แซ ปารีส artchive.ru

ในภาพวาดของกูตูร์ เราเห็นคุณลักษณะทั้งหมดของลัทธิวิชาการ (ภาพวาดแบบดั้งเดิมของศตวรรษที่ 16-19) คอลัมน์และรูปปั้น บุคคลที่มีรูปร่างหน้าตาแบบ Apollonian สีปิดเสียงแบบดั้งเดิม กิริยาท่าทางและท่าทางต่างๆ เรื่องราวจากชีวิตอันห่างไกลของคนที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง

“Breakfast on the Grass” ของมาเนตรมีรูปแบบที่แตกต่างออกไป ก่อนหน้าเขาไม่มีใครวาดภาพโสเภณีได้ง่ายขนาดนี้ ใกล้กับพลเมืองที่น่านับถือ แม้ว่าผู้ชายหลายคนในสมัยนั้นจะใช้เวลาว่างในลักษณะนี้ก็ตาม ชีวิตจริงของคนจริงๆ

เมื่อฉันเขียนถึงผู้หญิงที่น่านับถือ น่าเกลียด. เขาไม่สามารถประจบเธอด้วยแปรงได้ คุณหญิงรู้สึกผิดหวัง เธอทิ้งเขาไว้ทั้งน้ำตา

เอดูอาร์ด มาเน็ต. แองเจลิน่า. พ.ศ. 2403 (ค.ศ. 1860) พิพิธภัณฑ์ออร์แซ ปารีส วิกิมีเดีย.คอมมอนส์.org

เขาจึงทำการทดลองต่อไป เช่น มีสี. เขาไม่ได้พยายามที่จะพรรณนาสิ่งที่เรียกว่าสีธรรมชาติ ถ้าเขาเห็นน้ำสีน้ำตาลเทาเป็นสีฟ้าสดใส เขาก็จะพรรณนาว่าเป็นสีฟ้าสดใส

แน่นอนว่าสิ่งนี้ทำให้ประชาชนหงุดหงิด ท้ายที่สุดแล้ว แม้แต่ทะเลเมดิเตอร์เรเนียนก็ไม่สามารถอวดว่าเป็นสีฟ้าเหมือนกับน้ำของ Manet ได้ พวกเขาก็เหน็บ

เอดูอาร์ด มาเน็ต. อาร์เจนเตย. พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์ พ.ศ. 2417 เมืองตูร์เน ประเทศเบลเยียม วิกิพีเดีย.org

แต่ความจริงยังคงเป็นข้อเท็จจริง มาเนต์เปลี่ยนวัตถุประสงค์ของการวาดภาพอย่างสิ้นเชิง ภาพวาดกลายเป็นศูนย์รวมของความเป็นตัวตนของศิลปิน ใครเขียนตามใจชอบ ลืมรูปแบบและประเพณี

นวัตกรรมทั้งหมดไม่ได้ให้อภัยเขามาเป็นเวลานาน เขาได้รับการยอมรับเมื่อสิ้นสุดชีวิตเท่านั้น เมื่อเขาไม่ต้องการมันแล้ว เขากำลังจะตายอย่างเจ็บปวดด้วยโรคที่รักษาไม่หาย

2. โกลด โมเนต์ (1840 – 1926)

คล็อด โมเน่ต์. ภาพเหมือนตนเองในหมวกเบเร่ต์ พ.ศ. 2429 ของสะสมส่วนตัว

Claude Monet สามารถเรียกได้ว่าเป็นคริสเตียนอิมเพรสชั่นนิสต์ เนื่องจากพระองค์ทรงสัตย์ซื่อต่อทิศนี้ตลอดพระชนม์ชีพอันยืนยาว

เขาไม่ได้วาดภาพวัตถุและผู้คน แต่เป็นการสร้างไฮไลท์และจุดด้วยสีเดียว แยกจังหวะ. อาการสั่นของอากาศ

คล็อด โมเน่ต์. สระว่ายน้ํา. พ.ศ. 2412 พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน นิวยอร์ก metmuseum.org

โมเน่ต์ไม่เพียงแต่วาดภาพธรรมชาติเท่านั้น เขายังประสบความสำเร็จในภูมิทัศน์เมืองอีกด้วย หนึ่งในที่มีชื่อเสียงที่สุด - .

มีรูปถ่ายมากมายในภาพนี้ ตัวอย่างเช่น การเคลื่อนไหวถูกส่งผ่านภาพเบลอ

สังเกตว่าต้นไม้และร่างที่อยู่ห่างไกลดูเหมือนจะอยู่ในหมอกควัน

คล็อด โมเน่ต์. Boulevard des Capucines ในปารีส พ.ศ. 2416 (หอศิลป์ยุโรปและอเมริกาแห่งศตวรรษที่ 19-20) กรุงมอสโก

เบื้องหน้าเราคือช่วงเวลาที่เยือกแข็งในชีวิตที่จอแจของปารีส ไม่มีการแสดงละคร ไม่มีใครวางตัว ผู้คนถูกพรรณนาว่าเป็นชุดของฝีแปรง การขาดโครงเรื่องและเอฟเฟกต์ "หยุดนิ่ง" ดังกล่าวเป็นคุณสมบัติหลักของอิมเพรสชันนิสม์

ในช่วงกลางทศวรรษที่ 80 ศิลปินเริ่มไม่แยแสกับอิมเพรสชันนิสม์ แน่นอนว่าสุนทรียศาสตร์เป็นสิ่งที่ดี แต่การขาดโครงเรื่องทำให้หลายคนหดหู่

มีเพียงโมเน่ต์เท่านั้นที่ยังคงยืนหยัดต่อไป ความประทับใจที่เกินจริง ซึ่งได้ขยายออกเป็นภาพเขียนชุด

เขาวาดภาพทิวทัศน์เดียวกันหลายสิบครั้ง ในช่วงเวลาที่แตกต่างกันของวัน ในช่วงเวลาต่างๆของปี เพื่อแสดงให้เห็นว่าอุณหภูมิและแสงสามารถเปลี่ยนแปลงสิ่งมีชีวิตชนิดเดียวกันจนจำไม่ได้ได้อย่างไร

ดังนั้นกองหญ้าจำนวนนับไม่ถ้วนจึงปรากฏขึ้น

ภาพวาดโดย Claude Monet ที่พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์ในบอสตัน ซ้าย: กองหญ้ายามพระอาทิตย์ตกดินใน Giverny พ.ศ. 2434 ขวา: กองหญ้า (เอฟเฟกต์หิมะ) พ.ศ. 2434

โปรดทราบว่าเงาในภาพวาดเหล่านี้เป็นสี และไม่ใช่สีเทาหรือสีดำตามธรรมเนียมก่อนอิมเพรสชั่นนิสต์ นี่เป็นอีกคุณสมบัติหนึ่งของพวกเขา

โมเนต์ประสบความสำเร็จและมีความอยู่ดีมีสุขทางวัตถุ หลังจากอายุ 40 เขาก็ลืมเรื่องความยากจนไปแล้ว เขาได้รับบ้านและสวนที่สวยงาม และเขาทำงานเพื่อความสุขของตัวเองเป็นเวลาหลายปี

อ่านเกี่ยวกับภาพวาดที่โดดเด่นที่สุดของปรมาจารย์ในบทความ

3. ออกุสต์ เรอนัวร์ (1841 – 1919)

ปิแอร์-โอกุสต์ เรอนัวร์. ภาพเหมือน. พ.ศ. 2418 (ค.ศ. 1875) สถาบันศิลปะสเตอร์ลิงและฟรานซีน คลาร์ก แมสซาชูเซตส์ สหรัฐอเมริกา Pinterest.ru

อิมเพรสชั่นนิสม์เป็นภาพวาดเชิงบวกที่สุด และสิ่งที่เป็นบวกมากที่สุดในหมู่อิมเพรสชั่นนิสต์ก็คือเรอนัวร์

คุณจะไม่พบละครในภาพวาดของเขา เขาไม่ได้ใช้สีดำด้วยซ้ำ ความสุขของการเป็นเท่านั้น แม้แต่สิ่งที่ซ้ำซากที่สุดในเรอนัวร์ก็ยังดูสวยงาม

เรอนัวร์วาดภาพผู้คนบ่อยกว่าโมเนต์ ทิวทัศน์มีความสำคัญน้อยกว่าสำหรับเขา ในภาพเขียนของเขา เพื่อนและคนรู้จักของเขากำลังผ่อนคลายและสนุกสนานกับชีวิต

ปิแอร์-โอกุสต์ เรอนัวร์. อาหารเช้าของนักพายเรือ. พ.ศ. 2423-2424 ฟิลลิปส์คอลเลกชั่น, วอชิงตัน, สหรัฐอเมริกา วิกิมีเดีย.คอมมอนส์.org

คุณจะไม่พบความลึกซึ้งใด ๆ ในเรอนัวร์ เขามีความสุขมากที่ได้เข้าร่วมกับอิมเพรสชั่นนิสต์ ใครปฏิเสธแผนการโดยสิ้นเชิง

อย่างที่เขาพูดเอง ในที่สุดเขาก็มีโอกาสเขียนดอกไม้และเรียกมันว่า "ดอกไม้" และอย่าสร้างเรื่องราวใดๆ เกี่ยวกับพวกเขา

ปิแอร์-โอกุสต์ เรอนัวร์. ผู้หญิงที่มีร่มอยู่ในสวน พ.ศ. 2418 (ค.ศ. 1875) พิพิธภัณฑ์ Thyssen-Bormenis กรุงมาดริด arteuam.com

Renoir รู้สึกดีที่สุดเมื่ออยู่ร่วมกับผู้หญิง เขาขอให้สาวใช้ร้องเพลงและเล่นตลก ยิ่งเพลงโง่เขลาและไร้เดียงสามากเท่าไหร่ก็ยิ่งดีสำหรับเขาเท่านั้น และการพูดคุยของผู้ชายทำให้เขาเหนื่อย ไม่น่าแปลกใจเลยที่ Renoir จะมีชื่อเสียงในเรื่องภาพเปลือยของเขา

แบบจำลองในภาพวาด “เปลือยในแสงแดด” ปรากฏโดยมีพื้นหลังแบบนามธรรมสีสันสดใส เพราะสำหรับ Renoir ไม่มีอะไรเป็นรอง ดวงตาของนางแบบหรือส่วนของพื้นหลังมีความเท่าเทียมกัน

ปิแอร์-โอกุสต์ เรอนัวร์. เปลือยกลางแสงแดด พ.ศ. 2419 (ค.ศ. 1876) พิพิธภัณฑ์ออร์แซย์ ปารีส วิกิมีเดีย.commons.org

เรอนัวร์มีชีวิตที่ยืนยาว และฉันไม่เคยวางแปรงและจานสีลงเลย แม้ว่ามือของเขาจะถูกพันธนาการด้วยโรคไขข้อ เขาก็ผูกแปรงไว้กับมือด้วยเชือก และเขาก็วาด

เช่นเดียวกับ Monet เขารอการได้รับการยอมรับหลังจากผ่านไป 40 ปี และฉันเห็นภาพวาดของฉันในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ ถัดจากผลงานของปรมาจารย์ผู้มีชื่อเสียง

อ่านเกี่ยวกับหนึ่งในภาพวาดบุคคลที่มีเสน่ห์ที่สุดของ Renoir ในบทความ

4. เอ็ดการ์ เดอกาส์ (1834 – 1917)

เอ็ดการ์ เดอกาส์. ภาพเหมือน. พ.ศ. 2406 (ค.ศ. 1863) พิพิธภัณฑ์ Calouste Gulbenkian ลิสบอน ประเทศโปรตุเกส วัฒนธรรม.com

เดอกาส์ไม่ใช่อิมเพรสชั่นนิสต์คลาสสิก เขาไม่ชอบทำงานในที่โล่ง (open air) คุณจะไม่พบจานสีที่สว่างขึ้นโดยเจตนากับเขา

ตรงกันข้ามเขาชอบเส้นที่ชัดเจน เขามีสีดำมากมาย และเขาทำงานเฉพาะในสตูดิโอเท่านั้น

แต่ถึงกระนั้นเขาก็มักจะอยู่ในแนวเดียวกันกับอิมเพรสชั่นนิสต์ผู้ยิ่งใหญ่คนอื่น ๆ อยู่เสมอ เพราะเขาเป็นอิมเพรสชั่นนิสต์แห่งท่าทาง

มุมที่ไม่คาดคิด ความไม่สมดุลในการจัดเรียงวัตถุ ตัวละครประหลาดใจ ทั้งหมดนี้เป็นคุณลักษณะหลักของภาพวาดของเขา

เขาหยุดชั่วขณะหนึ่งของชีวิตโดยไม่ยอมให้เขาสัมผัสได้ เพียงแค่ดูที่ "Opera Orchestra" ของเขา

เอ็ดการ์ เดอกาส์. วงโอเปร่า. พ.ศ. 2413 (ค.ศ. 1870) พิพิธภัณฑ์ออร์แซ ปารีส commons.wikimedia.org

เบื้องหน้าคือพนักเก้าอี้ นักดนตรีกลับมาหาเราแล้ว และในเบื้องหลังนักบัลเล่ต์บนเวทีไม่พอดีกับ "เฟรม" หัวของพวกเขาถูก "ตัด" อย่างไร้ความปราณีที่ขอบของภาพ

นั่นเป็นสาเหตุที่นักเต้นคนโปรดของเขาไม่ได้ถูกแสดงด้วยท่าทางที่สวยงามเสมอไป บางครั้งพวกเขาก็ยืดกล้ามเนื้อ

แต่การแสดงด้นสดดังกล่าวเป็นเพียงจินตนาการ แน่นอนว่าเดกาส์คิดอย่างรอบคอบผ่านองค์ประกอบเพลง นี่เป็นเพียงเอฟเฟกต์เฟรมหยุดนิ่ง ไม่ใช่เฟรมหยุดจริง

เอ็ดการ์ เดอกาส์. นักเต้นบัลเล่ต์สองคน พ.ศ. 2422 พิพิธภัณฑ์เชลเบิร์น เวอร์มุต สหรัฐอเมริกา

เอ็ดการ์ เดอกาส์ชอบวาดภาพผู้หญิง แต่ความเจ็บป่วยหรือลักษณะเฉพาะของร่างกายไม่อนุญาตให้เขาสัมผัสทางกายกับสิ่งเหล่านั้น เขาไม่เคยแต่งงาน ไม่มีใครเคยเห็นเขากับผู้หญิงเลย

การไม่มีตัวตนจริงในชีวิตส่วนตัวของเขาได้เพิ่มความเร้าอารมณ์ที่ละเอียดอ่อนและเข้มข้นให้กับภาพของเขา

เอ็ดการ์ เดอกาส์. ดาราบัลเลต์. พ.ศ. 2419-2421 Musee d'Orsay ปารีส วิกิมีเดีย.comons.org

โปรดทราบว่าในภาพวาด "Ballet Star" มีเพียงภาพนักบัลเล่ต์เท่านั้น เพื่อนร่วมงานของเธอเบื้องหลังแทบมองไม่เห็น เพียงไม่กี่ขาเท่านั้น

นี่ไม่ได้หมายความว่าเดกาส์วาดภาพไม่เสร็จ นี่คือแผนกต้อนรับ เก็บเฉพาะสิ่งที่สำคัญที่สุดไว้ในโฟกัส ทำให้ส่วนที่เหลือหายไปอ่านไม่ออก

อ่านเกี่ยวกับภาพวาดอื่น ๆ ของอาจารย์ในบทความ

5. เบอร์ธ มอริซอต (1841 – 1895)

เอดูอาร์ด มาเน็ต. ภาพเหมือนของ Berthe Morisot พ.ศ. 2416 พิพิธภัณฑ์มาร์มอตตอง-โมเนต์ ปารีส

Berthe Morisot ไม่ค่อยถูกจัดให้อยู่ในแถวแรกร่วมกับนักอิมเพรสชั่นนิสต์ผู้ยิ่งใหญ่ ฉันแน่ใจว่ามันไม่สมควร ในงานของเธอคุณจะได้พบกับคุณสมบัติหลักและเทคนิคทั้งหมดของอิมเพรสชั่นนิสม์ และถ้าคุณชอบอิมเพรสชั่นนิสม์คุณจะต้องรักงานของเธออย่างสุดใจ

โมริซอตทำงานอย่างรวดเร็วและเร่งรีบ ถ่ายทอดความประทับใจของคุณสู่ผืนผ้าใบ ร่างเหล่านั้นดูเหมือนจะสลายไปในอวกาศ

เบิร์ธ มอริซอต. ฤดูร้อน. 2423 พิพิธภัณฑ์ Fabray, มงต์เปลลิเยร์, ฝรั่งเศส

เช่นเดียวกับเดกาส์ เธอมักจะทิ้งรายละเอียดบางอย่างไว้ไม่เสร็จ และแม้กระทั่งส่วนต่างๆ ของร่างกายนางแบบ เราไม่สามารถแยกแยะมือของหญิงสาวในภาพวาด "ฤดูร้อน" ได้

เส้นทางสู่การแสดงออกของ Morisot นั้นยากลำบาก เธอไม่เพียงแต่มีส่วนร่วมในการวาดภาพที่ "ประมาท" เท่านั้น เธอยังคงเป็นผู้หญิง ในสมัยนั้นผู้หญิงควรจะฝันว่าจะได้แต่งงาน หลังจากนั้นงานอดิเรกก็ถูกลืมไป

ดังนั้นเบอร์ธาจึงปฏิเสธการแต่งงานเป็นเวลานาน จนกระทั่งเธอได้พบกับผู้ชายที่เคารพในอาชีพของเธอ Eugene Manet เป็นน้องชายของศิลปิน Edouard Manet เขาปรารถนาขาตั้งและภาพวาดของภรรยาของเขาตามหน้าที่

เบิร์ธ มอริซอต. Eugene Manet กับลูกสาวของเขาในบูจิวาล พ.ศ. 2424 พิพิธภัณฑ์มาร์มอตตอง-โมเนต์ ปารีส

แต่ก็ยังอยู่ในศตวรรษที่ 19 ไม่ ฉันไม่ได้สวมกางเกงโมริซอต แต่เธอไม่สามารถมีอิสระในการเคลื่อนไหวได้อย่างสมบูรณ์

เธอไม่สามารถไปสวนสาธารณะเพื่อทำงานคนเดียวได้ โดยไม่มีคนใกล้ชิดไปด้วย ฉันไม่สามารถนั่งคนเดียวในร้านกาแฟได้ ดังนั้นภาพวาดของเธอจึงเป็นภาพวาดของคนในแวดวงครอบครัว สามี ลูกสาว ญาติ.

เบิร์ธ มอริซอต. ผู้หญิงกับลูกในสวนในบูจิวาล พ.ศ. 2424 พิพิธภัณฑ์แห่งชาติเวลส์ คาร์ดิฟฟ์

โมริซอตไม่ได้รอการรับรู้ เธอเสียชีวิตเมื่ออายุ 54 ปีด้วยโรคปอดบวม โดยไม่ได้ขายผลงานมาเกือบหมดตลอดชีวิต ในใบมรณะบัตรของเธอ มีขีดกลางอยู่ในคอลัมน์ "อาชีพ" เป็นไปไม่ได้เลยที่ผู้หญิงจะถูกเรียกว่าศิลปิน แม้ว่าเธอจะเป็นอย่างนั้นจริงๆ

อ่านเกี่ยวกับภาพวาดของอาจารย์ในบทความ

6. คามิลล์ ปิสซาร์โร (1830 – 1903)

คามิลล์ ปิสซาโร. ภาพเหมือน. พ.ศ. 2416 (ค.ศ. 1873) พิพิธภัณฑ์ออร์แซ ปารีส วิกิพีเดีย.org

คามิลล์ ปิสซาโร. ไม่ขัดแย้ง มีเหตุผล หลายคนมองว่าเขาเป็นครู แม้แต่เพื่อนร่วมงานที่เจ้าอารมณ์ที่สุดก็ไม่ได้พูดจาไม่ดีกับปิซาโร

เขาเป็นผู้ติดตามอิมเพรสชันนิสม์อย่างซื่อสัตย์ ด้วยความต้องการอย่างมาก โดยมีลูกห้าคนและภรรยาหนึ่งคน เขายังคงทำงานหนักในลักษณะเดียวกัน และฉันไม่เคยเปลี่ยนมาทาสีซาลอนเลย ให้เป็นที่นิยมมากขึ้น ไม่มีใครรู้ว่าเขามีพลังที่จะเชื่อมั่นในตัวเองอย่างเต็มที่จากที่ไหน

เพื่อไม่ให้ตายเพราะความหิวโหยปิสซาโรจึงวาดภาพแฟนๆ ซึ่งถูกซื้อมาอย่างกระตือรือร้น แต่การยอมรับอย่างแท้จริงมาถึงเขาหลังจาก 60 ปี! เมื่อในที่สุดเขาก็สามารถลืมความต้องการของเขาได้

คามิลล์ ปิสซาโร. Stagecoach ในลูฟวร์เซียนส์ พ.ศ. 2412 (ค.ศ. 1869) พิพิธภัณฑ์ออร์แซ ปารีส

อากาศในภาพวาดของปิสซาโรมีความหนาและหนาแน่น การผสมผสานระหว่างสีและปริมาตรที่ไม่ธรรมดา

ศิลปินไม่กลัวที่จะวาดภาพปรากฏการณ์ทางธรรมชาติที่เปลี่ยนแปลงได้มากที่สุด ซึ่งจะปรากฏอยู่ครู่หนึ่งแล้วหายไป หิมะแรก พระอาทิตย์ที่หนาวจัด เงาทอดยาว

คามิลล์ ปิสซาโร. น้ำแข็ง. พ.ศ. 2416 (ค.ศ. 1873) พิพิธภัณฑ์ออร์แซ ปารีส

ผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขาคือทิวทัศน์ของปารีส ด้วยถนนกว้างใหญ่ฝูงชนที่คึกคักและมีสีสัน ในเวลากลางคืนในระหว่างวันในสภาพอากาศที่แตกต่างกัน ในบางแง่สะท้อนถึงชุดภาพวาดของ Claude Monet

ในช่วงกลางทศวรรษที่ 1880 ลัทธิอิมเพรสชันนิสม์ค่อยๆ ยุติลงในฐานะการเคลื่อนไหวเดียวและสลายตัวไป ทำให้เกิดแรงผลักดันที่ชัดเจนต่อการวิวัฒนาการของศิลปะ เมื่อถึงต้นศตวรรษที่ 20 กระแสที่ห่างไกลจากความสมจริงได้รับความเข้มแข็ง และศิลปินรุ่นใหม่ก็หันเหไปจากลัทธิอิมเพรสชันนิสม์

ที่มาของชื่อ

นิทรรศการสำคัญครั้งแรกของอิมเพรสชั่นนิสต์เกิดขึ้นตั้งแต่วันที่ 15 เมษายนถึง 15 พฤษภาคม พ.ศ. 2417 ในสตูดิโอของช่างภาพ Nadar มีการนำเสนอศิลปิน 30 คน รวมผลงาน 165 ชิ้น ผืนผ้าใบของโมเนต์ - “ความประทับใจ ไรซิ่งซัน” ( ความประทับใจ ลีแวนต์โซเลย์) ปัจจุบันอยู่ในพิพิธภัณฑ์ Marmotten ปารีส ซึ่งเขียนขึ้นในปี พ.ศ. 2415 ให้กำเนิดคำว่า "อิมเพรสชั่นนิสม์": นักข่าว Louis Leroy ที่ไม่ค่อยมีใครรู้จักในบทความของเขาในนิตยสาร "Le Charivari" เรียกกลุ่ม "อิมเพรสชั่นนิสต์" เพื่อแสดง การดูถูกของเขา ศิลปินยอมรับฉายานี้โดยไม่ท้าทาย ต่อมาได้หยั่งราก สูญเสียความหมายเชิงลบดั้งเดิมและเข้ามาใช้งานอย่างแข็งขัน

ชื่อ "อิมเพรสชั่นนิสต์" ค่อนข้างไม่มีความหมาย ต่างจากชื่อ "โรงเรียนบาร์บิซอน" ซึ่งอย่างน้อยก็มีข้อบ่งชี้ที่ตั้งทางภูมิศาสตร์ของกลุ่มศิลปะ ยังมีความชัดเจนน้อยกว่าสำหรับศิลปินบางคนที่ไม่ได้รวมอยู่ในกลุ่มอิมเพรสชั่นนิสต์กลุ่มแรกอย่างเป็นทางการแม้ว่าเทคนิคและวิธีการทางเทคนิคของพวกเขาจะเป็น "อิมเพรสชันนิสม์" อย่างสมบูรณ์ - Whistler, Edouard Manet, Eugene Boudin ฯลฯ นอกจากนี้วิธีการทางเทคนิคของ อิมเพรสชั่นนิสต์เป็นที่รู้จักมานานก่อนศตวรรษที่ 19 และทิเชียนและเบลัซเกซใช้ (บางส่วนในขอบเขตที่จำกัด) โดยไม่ขัดกับแนวความคิดที่โดดเด่นในยุคของพวกเขา

มีอีกบทความหนึ่ง (โดย Emil Cardon) และอีกชื่อหนึ่ง - "Rebel Exhibition" ซึ่งไม่อนุมัติและประณามอย่างยิ่ง สิ่งนี้เองที่จำลองทัศนคติที่ไม่ยอมรับของสาธารณชนชนชั้นกลางและการวิพากษ์วิจารณ์ต่อศิลปิน (อิมเพรสชั่นนิสต์) ซึ่งแพร่หลายมานานหลายปีได้อย่างแม่นยำ อิมเพรสชั่นนิสต์ถูกกล่าวหาทันทีว่าผิดศีลธรรม มีความรู้สึกกบฏ และไม่ได้รับความเคารพนับถือ ในขณะนี้ สิ่งนี้น่าประหลาดใจ เนื่องจากยังไม่ชัดเจนว่าสิ่งใดที่ผิดศีลธรรมในภูมิทัศน์ของ Camille Pissarro, Alfred Sisley, ฉากในชีวิตประจำวันของ Edgar Degas, หุ่นนิ่งของ Monet และ Renoir

ทศวรรษที่ผ่านมา และศิลปินรุ่นใหม่จะต้องพบกับการล่มสลายของรูปแบบและความด้อยของเนื้อหาอย่างแท้จริง จากนั้นทั้งการวิพากษ์วิจารณ์และสาธารณชนมองว่าอิมเพรสชั่นนิสต์ที่ถูกประณามนั้นเป็นสัจนิยมและต่อมาอีกเล็กน้อยก็กลายเป็นงานศิลปะคลาสสิกของฝรั่งเศส

ข้อมูลเฉพาะของปรัชญาอิมเพรสชันนิสม์

อิมเพรสชั่นนิสต์ของฝรั่งเศสไม่ได้ก่อให้เกิดปัญหาทางปรัชญาและไม่ได้พยายามที่จะเจาะลึกลงไปใต้พื้นผิวสีสันของชีวิตประจำวัน ในทางกลับกัน อิมเพรสชันนิสม์ซึ่งเป็นศิลปะที่ค่อนข้างมีมารยาทและมีลักษณะท่าทาง มุ่งเน้นไปที่ความผิวเผิน ความลื่นไหลของช่วงเวลา อารมณ์ แสงสว่าง หรือมุมของมุมมอง

เช่นเดียวกับศิลปะแห่งยุคเรอเนซองส์ (เรอเนซองส์) อิมเพรสชันนิสม์ถูกสร้างขึ้นจากคุณลักษณะและทักษะในการรับรู้มุมมอง ในเวลาเดียวกัน วิสัยทัศน์ยุคเรอเนซองส์ระเบิดด้วยความเป็นตัวตนและสัมพัทธภาพของการรับรู้ของมนุษย์ที่ได้รับการพิสูจน์แล้ว ซึ่งสร้างสีและรูปแบบองค์ประกอบที่เป็นอิสระของภาพ สำหรับอิมเพรสชั่นนิสม์ สิ่งที่ปรากฎในภาพนั้นไม่สำคัญนัก แต่วิธีการนำเสนอนั้นมีความสำคัญ

ภาพวาดอิมเพรสชั่นนิสต์ไม่ได้วิพากษ์วิจารณ์สังคม ไม่ได้กล่าวถึงปัญหาสังคม เช่น ความหิวโหย โรคภัยไข้เจ็บ ความตาย นำเสนอแต่ด้านบวกของชีวิต สิ่งนี้นำไปสู่การแตกแยกในหมู่อิมเพรสชันนิสต์ในเวลาต่อมา

อิมเพรสชันนิสม์และสังคม

อิมเพรสชั่นนิสม์มีลักษณะเป็นประชาธิปไตย ด้วยความเฉื่อย ศิลปะแม้แต่ในศตวรรษที่ 19 ก็ถือเป็นการผูกขาดของขุนนางและชนชั้นสูงของประชากร พวกเขาเป็นลูกค้าหลักสำหรับภาพวาดและอนุสาวรีย์ และเป็นผู้ซื้อหลักสำหรับภาพวาดและประติมากรรม แผนการเกี่ยวกับการทำงานหนักของชาวนา หน้าโศกนาฏกรรมในยุคปัจจุบัน แง่มุมที่น่าละอายของสงคราม ความยากจน และความไม่สงบในสังคม ถูกประณาม ไม่อนุมัติ และไม่ซื้อ การวิพากษ์วิจารณ์ศีลธรรมที่ดูหมิ่นสังคมในภาพวาดของ Theodore Gericault และ Francois Millet พบคำตอบเฉพาะในหมู่ผู้สนับสนุนศิลปินและผู้เชี่ยวชาญเพียงไม่กี่คนเท่านั้น

อิมเพรสชั่นนิสต์ค่อนข้างประนีประนอมและมีจุดยืนตรงกลางในประเด็นนี้ หัวข้อพระคัมภีร์ วรรณกรรม ตำนาน และประวัติศาสตร์ที่มีอยู่ในนักวิชาการอย่างเป็นทางการถูกละทิ้ง ในทางกลับกัน พวกเขาต้องการการยอมรับ ความเคารพ หรือแม้แต่รางวัลอย่างแรงกล้า สิ่งบ่งชี้คือกิจกรรมของ Edouard Manet ซึ่งเป็นเวลาหลายปีที่ได้รับการยอมรับและได้รับรางวัลจาก Salon อย่างเป็นทางการและฝ่ายบริหาร

กลับกลายเป็นวิสัยทัศน์ในชีวิตประจำวันและความทันสมัย ศิลปินมักวาดภาพผู้คนด้วยการเคลื่อนไหวระหว่างความสนุกสนานหรือการพักผ่อน โดยนำเสนอรูปลักษณ์ของสถานที่บางแห่งภายใต้แสงบางประเภท และธรรมชาติก็เป็นแรงจูงใจในผลงานของพวกเขาเช่นกัน มีการถ่ายเรื่องเจ้าชู้ เต้นรำ อยู่ในร้านกาแฟและโรงละคร พายเรือ บนชายหาด และในสวน ตัดสินโดยภาพวาดของอิมเพรสชั่นนิสต์ ชีวิตคือชุดของวันหยุดเล็ก ๆ งานปาร์ตี้ งานอดิเรกอันน่ารื่นรมย์นอกเมืองหรือในสภาพแวดล้อมที่เป็นมิตร (ภาพวาดจำนวนหนึ่งโดย Renoir, Manet และ Claude Monet) อิมเพรสชั่นนิสต์เป็นหนึ่งในคนกลุ่มแรกๆ ที่วาดภาพกลางอากาศโดยไม่ได้ทำงานในสตูดิโอจนเสร็จ

เทคนิค

ขบวนการใหม่แตกต่างจากการวาดภาพเชิงวิชาการทั้งทางเทคนิคและอุดมการณ์ ก่อนอื่นอิมเพรสชั่นนิสต์ละทิ้งโครงร่างโดยแทนที่ด้วยลายเส้นเล็ก ๆ ที่แยกจากกันและตัดกันซึ่งพวกเขานำไปใช้ตามทฤษฎีสีของ Chevreul, Helmholtz และ Rud รังสีดวงอาทิตย์แบ่งออกเป็นองค์ประกอบต่างๆ ได้แก่ สีม่วง น้ำเงิน ฟ้าเขียว เขียว เหลือง ส้ม แดง แต่เนื่องจากสีน้ำเงินเป็นสีน้ำเงินประเภทหนึ่ง จำนวนจึงลดลงเหลือ 6 สองสีที่วางติดกันจะช่วยเสริมซึ่งกันและกัน และในทางกลับกัน เมื่อผสมกัน สีจะสูญเสียความเข้มไป นอกจากนี้ สีทั้งหมดยังแบ่งออกเป็นสีหลักหรือสีพื้นฐาน และสีคู่หรืออนุพันธ์ โดยแต่ละสีคู่จะประกอบกันกับสีแรก:

น้ำเงิน-ส้ม
แดงเขียว
เหลือง-ม่วง

ดังนั้นจึงเป็นไปไม่ได้ที่จะไม่ผสมสีบนจานสีและรับสีที่ต้องการโดยการใช้สีลงบนผืนผ้าใบอย่างถูกต้อง ต่อมาเป็นเหตุให้ละทิ้งสีดำ

จากนั้นอิมเพรสชั่นนิสต์ก็หยุดมุ่งความสนใจไปที่งานทั้งหมดบนผืนผ้าใบในสตูดิโอ ตอนนี้พวกเขาชอบอากาศถ่ายเทซึ่งสะดวกกว่าในการจับภาพความประทับใจชั่วขณะของสิ่งที่พวกเขาเห็น ซึ่งกลายเป็นไปได้ด้วยการประดิษฐ์หลอดสีเหล็กซึ่งต่างจาก กระเป๋าหนังสามารถปิดได้เพื่อไม่ให้สีแห้ง

ศิลปินยังใช้สีทึบแสงซึ่งส่งผ่านแสงได้ไม่ดีและไม่เหมาะสำหรับการผสมเนื่องจากเปลี่ยนเป็นสีเทาอย่างรวดเร็ว สิ่งนี้ทำให้พวกเขาสามารถสร้างภาพวาดโดยไม่ต้อง " ภายใน", เอ" ภายนอก» แสงสะท้อนจากพื้นผิว

ความแตกต่างทางเทคนิคมีส่วนช่วยให้บรรลุเป้าหมายอื่น ๆ ประการแรกอิมเพรสชั่นนิสต์พยายามจับภาพความประทับใจชั่วขณะการเปลี่ยนแปลงที่เล็กที่สุดในแต่ละวัตถุขึ้นอยู่กับแสงและเวลาของวัน ศูนย์รวมสูงสุดคือวงจรของภาพวาดโดย Monet "กองหญ้า" , “อาสนวิหารรูอ็อง” และ “รัฐสภาแห่งลอนดอน”

โดยทั่วไป มีปรมาจารย์หลายคนที่ทำงานในสไตล์อิมเพรสชั่นนิสต์ แต่แกนหลักของการเคลื่อนไหวคือ Édouard Manet, Claude Monet, Auguste Renoir, Edgar Degas, Alfred Sisley, Camille Pissarro, Frédéric Bazile และ Berthe Morisot อย่างไรก็ตาม Manet มักจะเรียกตัวเองว่าเป็น "ศิลปินอิสระ" และไม่เคยเข้าร่วมในนิทรรศการใด ๆ และแม้ว่า Degas จะเข้าร่วม แต่เขาไม่เคยวาดภาพผลงานของเขาในที่โล่งเลย

ลำดับเหตุการณ์โดยศิลปิน

อิมเพรสชั่นนิสต์

นิทรรศการ

นิทรรศการครั้งแรก(15 เมษายน - 15 พฤษภาคม)

ที่อยู่: Capuchin Boulevard, 35 (สตูดิโอของช่างภาพ Nadar) ผู้เข้าร่วม: Astruc, Attendu, Beliard, Bracquemont, Brandon, Boudin, Bureau, Guillaumin, Debra, Degas, Cals, Colin, La Touche, Lever, Lepic, Lepine, Meyer, de Molin, Monet, Morisot, Mulot-Durivage, Giuseppe De Nittis , อ. ออตเทน, แอล. ออตเทน,

รายละเอียด หมวดหมู่: หลากหลายสไตล์และการเคลื่อนไหวในงานศิลปะและลักษณะพิเศษเผยแพร่เมื่อ 01/04/2015 14:11 เข้าชม: 10587

อิมเพรสชันนิสม์เป็นขบวนการทางศิลปะที่เกิดขึ้นในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 เป้าหมายหลักของเขาคือการถ่ายทอดความประทับใจที่เกิดขึ้นชั่วขณะและเปลี่ยนแปลงได้

การเกิดขึ้นของอิมเพรสชั่นนิสม์มีความเกี่ยวข้องกับวิทยาศาสตร์: ด้วยการค้นพบล่าสุดในด้านทัศนศาสตร์และทฤษฎีสี

กระแสนี้ส่งผลกระทบต่องานศิลปะเกือบทุกประเภท แต่เห็นได้ชัดเจนที่สุดในการวาดภาพโดยที่การถ่ายทอดสีและแสงเป็นพื้นฐานของผลงานของศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์

ความหมายของคำ

อิมเพรสชันนิสม์(French Impressionnisme) จากความประทับใจ-ความประทับใจ) การวาดภาพลักษณะนี้ปรากฏในฝรั่งเศสในช่วงปลายทศวรรษที่ 1860 เขาเป็นตัวแทนโดย Claude Monet, Auguste Renoir, Camille Pissarro, Berthe Morisot, Alfred Sisley, Jean Frederic Bazille แต่คำนี้ปรากฏในปี พ.ศ. 2417 เมื่อภาพวาดของโมเนต์เรื่อง "ความประทับใจ" พระอาทิตย์ขึ้น" (2415) ในชื่อภาพวาด โมเนต์หมายถึงว่าเขากำลังถ่ายทอดเพียงความประทับใจชั่วครู่เกี่ยวกับภูมิทัศน์เท่านั้น

เค. โมเน่ต์ “ความประทับใจ พระอาทิตย์ขึ้น" (2415) พิพิธภัณฑ์มาร์มอตตอง-โมเนต์ ปารีส
ต่อมาคำว่า "อิมเพรสชั่นนิสต์" ในการวาดภาพเริ่มเป็นที่เข้าใจกันมากขึ้น: การศึกษาธรรมชาติอย่างละเอียดในแง่ของสีและแสง เป้าหมายของอิมเพรสชั่นนิสต์คือการพรรณนาถึงสถานการณ์และการเคลื่อนไหวที่เกิดขึ้นในทันทีทันใดซึ่งดูเหมือนเป็น "แบบสุ่ม" ในการทำเช่นนี้ พวกเขาใช้เทคนิคต่างๆ: มุมที่ซับซ้อน, ความไม่สมมาตร, องค์ประกอบที่ไม่เป็นชิ้นเป็นอัน สำหรับศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์ ภาพวาดกลายเป็นช่วงเวลาที่หยุดนิ่งของโลกที่เปลี่ยนแปลงอยู่ตลอดเวลา

วิธีการทางศิลปะแบบอิมเพรสชั่นนิสต์

แนวอิมเพรสชั่นนิสต์ที่ได้รับความนิยมมากที่สุดคือทิวทัศน์และฉากจากชีวิตในเมือง พวกเขามักจะทาสี "ในที่โล่ง" เช่น โดยตรงจากธรรมชาติ โดยธรรมชาติ โดยไม่ต้องมีภาพร่างหรือภาพร่างเบื้องต้น อิมเพรสชั่นนิสต์สังเกตเห็นและสามารถถ่ายทอดสีและเฉดสีบนผืนผ้าใบที่ปกติจะมองไม่เห็นด้วยตาเปล่าและผู้ดูที่ไม่ตั้งใจ ตัวอย่างเช่น การแสดงภาพเป็นสีน้ำเงินในเงามืดหรือแสดงเป็นสีชมพูเมื่อพระอาทิตย์ตก พวกเขาแยกโทนสีที่ซับซ้อนออกเป็นสีบริสุทธิ์ที่เป็นส่วนประกอบของสเปกตรัม ทำให้ภาพวาดของพวกเขาดูสดใสและมีชีวิตชีวา ศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์ใช้สีในจังหวะที่แยกจากกันในลักษณะที่อิสระและไม่ระมัดระวังดังนั้นภาพวาดของพวกเขาจึงดูดีที่สุดจากระยะไกล - ด้วยมุมมองนี้เองที่ทำให้เกิดเอฟเฟกต์ของการกะพริบของสีที่มีชีวิต
อิมเพรสชั่นนิสต์ละทิ้งโครงร่างและแทนที่ด้วยลายเส้นเล็กๆ ที่แยกจากกันและตัดกัน
C. Pissarro, A. Sisley และ C. Monet ชอบทิวทัศน์และฉากในเมืองมากกว่า O. Renoir ชอบวาดภาพผู้คนที่อยู่ท่ามกลางธรรมชาติหรือภายใน ลัทธิอิมเพรสชันนิสม์ของฝรั่งเศสไม่ได้ก่อให้เกิดปัญหาทางปรัชญาและสังคม พวกเขาไม่ได้หันไปหาหัวข้อในพระคัมภีร์ วรรณกรรม ตำนาน และประวัติศาสตร์ที่มีอยู่ในระบบวิชาการอย่างเป็นทางการ แต่กลับปรากฏภาพชีวิตประจำวันและความทันสมัยบนภาพวาด ภาพผู้คนเคลื่อนไหวขณะพักผ่อนหรือสนุกสนาน วิชาหลักคือการจีบ การเต้นรำ ผู้คนในร้านกาแฟและโรงละคร การล่องเรือ ชายหาดและสวน
อิมเพรสชั่นนิสต์พยายามจับภาพความประทับใจชั่วขณะ ซึ่งเป็นการเปลี่ยนแปลงที่เล็กที่สุดในแต่ละวัตถุ ขึ้นอยู่กับแสงและเวลาของวัน ในเรื่องนี้วัฏจักรของภาพวาด "กองหญ้า", "มหาวิหารรูอ็อง" และ "รัฐสภาแห่งลอนดอน" ของโมเนต์ถือได้ว่าเป็นความสำเร็จสูงสุด

C. Monet “อาสนวิหารรูอองในดวงอาทิตย์” (1894) พิพิธภัณฑ์ออร์แซ ปารีส ประเทศฝรั่งเศส
“อาสนวิหารรูอ็อง” เป็นภาพเขียน 30 ภาพโดยโกลด โมเนต์ ซึ่งนำเสนอทิวทัศน์ของอาสนวิหารโดยขึ้นอยู่กับช่วงเวลาของวัน ปี และแสงไฟ วงจรนี้วาดโดยศิลปินในช่วงทศวรรษที่ 1890 อาสนวิหารทำให้เขาสามารถแสดงความสัมพันธ์ระหว่างโครงสร้างที่มั่นคงและคงที่ของอาคารกับแสงที่เปลี่ยนแปลงและเล่นได้ง่ายซึ่งเปลี่ยนการรับรู้ของเรา โมเนต์มุ่งความสนใจไปที่ชิ้นส่วนแต่ละส่วนของอาสนวิหารกอทิก และเลือกพอร์ทัล หอคอยของนักบุญมาร์ติน และหอคอยแห่งอัลบัน เขาสนใจแต่เพียงการแสดงแสงบนหินเท่านั้น

เค. โมเนต์ “อาสนวิหารรูอ็อง พอร์ทัลตะวันตก สภาพอากาศมีหมอก” (1892) พิพิธภัณฑ์ออร์แซ ปารีส

เค. โมเนต์ “อาสนวิหารรูอ็อง พอร์ทัลและหอคอย เอฟเฟกต์ยามเช้า ความสามัคคีสีขาว" (พ.ศ. 2435-2436) พิพิธภัณฑ์ออร์แซ ปารีส

K. Monet “อาสนวิหารรูอ็อง พอร์ทัลและหอคอยกลางแสงแดด ความกลมกลืนของสีน้ำเงินและสีทอง” (พ.ศ. 2435-2436) พิพิธภัณฑ์ออร์แซ ปารีส
หลังจากฝรั่งเศส ศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์ก็ปรากฏตัวในอังกฤษและสหรัฐอเมริกา (James Whistler) ในเยอรมนี (Max Liebermann, Lovis Corinth) ในสเปน (Joaquin Sorolla) ในรัสเซีย (Konstantin Korovin, Valentin Serov, Igor Grabar)

เกี่ยวกับผลงานของศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์บางคน

โกลด โมเนต์ (ค.ศ. 1840-1926)

โกลด โมเนต์ ภาพถ่าย พ.ศ. 2442
จิตรกรชาวฝรั่งเศส หนึ่งในผู้ก่อตั้งลัทธิอิมเพรสชันนิสม์ เกิดที่ปารีส. เขาชอบวาดรูปมาตั้งแต่เด็ก และเมื่ออายุ 15 ปี เขาแสดงตัวว่าเป็นนักเขียนการ์ตูนล้อเลียนที่มีพรสวรรค์ เขาได้รับการแนะนำให้รู้จักกับการวาดภาพทิวทัศน์โดย Eugene Boudin ศิลปินชาวฝรั่งเศสผู้บุกเบิกลัทธิอิมเพรสชันนิสม์ ต่อมา โมเนต์เข้ามหาวิทยาลัยที่คณะอักษรศาสตร์ แต่ก็ไม่แยแสและจากไป โดยสมัครเข้าเรียนในสตูดิโอวาดภาพของชาร์ลส์ กลีแยร์ ในสตูดิโอเขาได้พบกับศิลปิน Auguste Renoir, Alfred Sisley และ Frédéric Bazille พวกเขาเป็นเพื่อนกัน มีความคิดเห็นเกี่ยวกับงานศิลปะคล้ายกัน และในไม่ช้าก็กลายเป็นกระดูกสันหลังของกลุ่มอิมเพรสชั่นนิสต์
โมเนต์มีชื่อเสียงจากภาพเหมือนของ Camille Doncieux ซึ่งวาดในปี 1866 (“Camille หรือภาพเหมือนของหญิงสาวในชุดสีเขียว”) คามิลล่ากลายเป็นภรรยาของศิลปินในปี พ.ศ. 2413

ซี. โมเนต์ “คามิลล์” (“เลดี้ในชุดเขียว”) (2409) คุนสทาลเลอ, เบรเมน

C. Monet “เดิน: Camille Monet กับลูกชายของเธอ Jean (ผู้หญิงกับร่ม)” (1875) หอศิลป์แห่งชาติ วอชิงตัน
ในปี 1912 แพทย์วินิจฉัยว่า C. Monet เป็นต้อกระจกสองครั้ง และเขาต้องเข้ารับการผ่าตัดสองครั้ง หลังจากสูญเสียเลนส์ตาซ้าย โมเนต์ก็มองเห็นได้อีกครั้ง แต่เริ่มมองเห็นแสงอัลตราไวโอเลตเป็นสีน้ำเงินหรือสีม่วง ทำให้ภาพวาดของเขามีสีสันใหม่ ตัวอย่างเช่น เมื่อวาดภาพ “ดอกบัวน้ำ” อันโด่งดัง โมเนท์มองว่าดอกลิลลี่เป็นสีฟ้าในช่วงอัลตราไวโอเลต สำหรับคนอื่น ๆ พวกมันเป็นเพียงสีขาว

ค. โมเน่ต์ “ดอกบัว”
ศิลปินเสียชีวิตเมื่อวันที่ 5 ธันวาคม พ.ศ. 2469 ในเมืองจิแวร์นี และถูกฝังไว้ในสุสานของโบสถ์ท้องถิ่น

คามิลล์ ปิสซาร์โร (1830-1903)

C. Pissarro “ภาพเหมือนตนเอง” (1873)

จิตรกรชาวฝรั่งเศสซึ่งเป็นหนึ่งในตัวแทนคนแรกและตัวแทนของอิมเพรสชั่นนิสต์ที่สอดคล้องกันมากที่สุด
เกิดบนเกาะเซนต์โทมัส (เวสต์อินดีส) ในตระกูลกระฎุมพีของชาวยิวดิกดิกและเป็นชนพื้นเมืองของสาธารณรัฐโดมินิกัน เขาอาศัยอยู่ในหมู่เกาะเวสต์อินดีสจนกระทั่งอายุ 12 ปี และเมื่ออายุ 25 ปี เขาและครอบครัวทั้งหมดย้ายไปปารีส ที่นี่เขาศึกษาที่ School of Fine Arts และ Académie de Suisse ครูของเขาคือ Camille Corot, Gustave Courbet และ Charles-François Daubigny เขาเริ่มต้นด้วยภูมิประเทศในชนบทและทิวทัศน์ของปารีส ปิซาโรมีอิทธิพลอย่างมากต่ออิมเพรสชั่นนิสต์ โดยพัฒนาหลักการหลายประการที่เป็นพื้นฐานของสไตล์การวาดภาพอย่างอิสระ เขาเป็นเพื่อนกับศิลปิน Degas, Cezanne และ Gauguin ปิซาร์โรเป็นผู้เข้าร่วมเพียงคนเดียวในนิทรรศการอิมเพรสชั่นนิสต์ทั้ง 8 ชิ้น
เขาเสียชีวิตในปี พ.ศ. 2446 ในปารีส เขาถูกฝังอยู่ในสุสานแปร์ ลาแชส
ในงานแรกของเขาศิลปินให้ความสนใจเป็นพิเศษกับการพรรณนาถึงวัตถุที่ส่องสว่างในอากาศ ตั้งแต่นั้นมาแสงและอากาศก็กลายเป็นประเด็นสำคัญในผลงานของปิสซาโร

C. Pissarro “บูเลอวาร์ด มงต์มาตร์” บ่ายแดดจัด" (2440)
ในปี พ.ศ. 2433 ปิซาร์โรเริ่มสนใจเทคนิค Pointillism (การใช้จังหวะแยกกัน) แต่สักพักเขาก็กลับมาเป็นปกติของเขา
ในช่วงปีสุดท้ายของชีวิต สายตาของ Camille Pissarro เสื่อมลงอย่างเห็นได้ชัด แต่เขายังคงทำงานต่อไปและสร้างมุมมองของปารีสที่เต็มไปด้วยอารมณ์ทางศิลปะ

C. Pissarro “ถนนในรูอ็อง”
มุมที่ไม่ธรรมดาของภาพวาดบางภาพของเขาอธิบายได้จากข้อเท็จจริงที่ว่าศิลปินวาดภาพเหล่านั้นจากห้องพักในโรงแรม ซีรีส์นี้กลายเป็นหนึ่งในความสำเร็จสูงสุดของอิมเพรสชันนิสม์ในการถ่ายทอดเอฟเฟกต์แสงและบรรยากาศ
ปิซาโรยังวาดภาพด้วยสีน้ำและสร้างชุดภาพแกะสลักและภาพพิมพ์หิน
ต่อไปนี้เป็นข้อความที่น่าสนใจบางส่วนของเขาเกี่ยวกับศิลปะอิมเพรสชั่นนิสม์: “อิมเพรสชั่นนิสต์มาถูกทาง ศิลปะของพวกเขามีสุขภาพดี ขึ้นอยู่กับความรู้สึก และมีความซื่อสัตย์”
“ความสุขมีแก่ผู้ที่มองเห็นความสวยงามในสิ่งธรรมดาๆ โดยที่คนอื่นไม่เห็นอะไรเลย!”

ซี. ปิซาโร “น้ำค้างแข็งครั้งแรก” (1873)

อิมเพรสชันนิสม์ของรัสเซีย

ลัทธิอิมเพรสชันนิสม์ของรัสเซียพัฒนาขึ้นตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 19 ถึงต้นศตวรรษที่ 20 ได้รับอิทธิพลจากผลงานของอิมเพรสชั่นนิสต์ชาวฝรั่งเศส แต่อิมเพรสชั่นนิสต์ของรัสเซียมีลักษณะเฉพาะของชาติที่เด่นชัดและในหลาย ๆ ด้านก็ไม่ตรงกับแนวคิดในตำราเรียนเกี่ยวกับอิมเพรสชั่นนิสต์คลาสสิกของฝรั่งเศส ในภาพวาดของอิมเพรสชั่นนิสต์ชาวรัสเซียมีความเป็นกลางและเป็นรูปธรรม มันเต็มไปด้วยความหมายและไดนามิกน้อยลง อิมเพรสชันนิสม์ของรัสเซียนั้นใกล้เคียงกับความสมจริงมากกว่าภาษาฝรั่งเศส อิมเพรสชั่นนิสต์ชาวฝรั่งเศสมุ่งความสนใจไปที่ความประทับใจในสิ่งที่พวกเขาเห็น และชาวรัสเซียยังเพิ่มภาพสะท้อนของสภาพภายในของศิลปินด้วย งานจะต้องเสร็จสิ้นภายในเซสชันเดียว
ความไม่สมบูรณ์บางประการของอิมเพรสชั่นนิสม์ของรัสเซียทำให้เกิด "ความตื่นเต้นของชีวิต" ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของพวกเขา
อิมเพรสชั่นนิสม์รวมถึงผลงานของศิลปินชาวรัสเซีย: A. Arkhipov, I. Grabar, K. Korovin, F. Malyavin, N. Meshcherin, A. Murashko, V. Serov, A. Rylov และคนอื่น ๆ

V. Serov "หญิงสาวกับลูกพีช" (2430)

ภาพวาดนี้ถือเป็นมาตรฐานของอิมเพรสชั่นนิสม์รัสเซียในการวาดภาพบุคคล

Valentin Serov "หญิงสาวกับลูกพีช" (2430) ผ้าใบ, สีน้ำมัน. 91×85 ซม. หอศิลป์ State Tretyakov
ภาพวาดนี้วาดที่ที่ดินของ Savva Ivanovich Mamontov ใน Abramtsevo ซึ่งเขาได้รับจากลูกสาวของนักเขียน Sergei Aksakov ในปี 1870 ภาพเหมือนของ Vera Mamontova วัย 12 ปี เด็กผู้หญิงคนนั้นถูกดึงดูดให้นั่งอยู่ที่โต๊ะ เธอสวมเสื้อสีชมพูมีโบว์สีน้ำเงินเข้ม มีมีด ลูกพีช และใบไม้อยู่บนโต๊ะ
“สิ่งที่ฉันมุ่งมั่นคือความสดชื่น ความสดชื่นพิเศษที่คุณสัมผัสได้เสมอในธรรมชาติและไม่เห็นในภาพวาด ฉันวาดภาพมานานกว่าหนึ่งเดือนแล้วทำให้เธอหมดแรงจนตายฉันอยากจะรักษาความสดของภาพวาดไว้ในขณะที่เสร็จสมบูรณ์เหมือนปรมาจารย์คนเก่า” (V. Serov)

อิมเพรสชันนิสม์ในงานศิลปะรูปแบบอื่น

ในวรรณคดี

ในวรรณคดีอิมเพรสชั่นนิสต์เป็นการเคลื่อนไหวที่แยกจากกันไม่ได้พัฒนา แต่คุณลักษณะของมันสะท้อนให้เห็น ความเป็นธรรมชาติและ สัญลักษณ์ .

เอ็ดมันด์ และจูลส์ กองคอร์ต. รูปถ่าย
หลักการ ความเป็นธรรมชาติติดตามได้ในนวนิยายของพี่น้อง Goncourt และ George Eliot แต่เอมิล โซล่าเป็นคนแรกที่ใช้คำว่า “ธรรมชาตินิยม” เพื่ออ้างถึงผลงานของเขาเอง นักเขียน Guy de Maupassant, Alphonse Daudet, Huysmans และ Paul Alexis รวมกลุ่มกันรอบๆ Zola หลังจากการเปิดตัวคอลเลกชัน "Medan Evenings" (1880) ด้วยเรื่องราวที่ตรงไปตรงมาเกี่ยวกับภัยพิบัติของสงครามฝรั่งเศส - ปรัสเซียน (รวมถึงเรื่องราวของ "Dumpling" ของ Maupassant) ชื่อ "กลุ่ม Medan" ก็ได้รับมอบหมายให้พวกเขา

เอมิล โซล่า
หลักการที่เป็นธรรมชาติในวรรณคดีมักถูกวิพากษ์วิจารณ์ว่าขาดความเป็นศิลปะ ตัวอย่างเช่น I. S. Turgenev เขียนเกี่ยวกับนวนิยายเรื่องหนึ่งของ Zola ว่า "มีการขุดจำนวนมากในกระถางห้อง" Gustave Flaubert ก็วิพากษ์วิจารณ์ลัทธิธรรมชาตินิยมเช่นกัน
โซล่ารักษาความสัมพันธ์ฉันมิตรกับศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์หลายคน
นักสัญลักษณ์สัญลักษณ์ที่ใช้ การกล่าวเกินจริง คำใบ้ ความลึกลับ ปริศนา อารมณ์หลักที่นักสัญลักษณ์จับได้คือการมองโลกในแง่ร้ายจนถึงจุดสิ้นหวัง ทุกสิ่งที่ "เป็นธรรมชาติ" ถูกนำเสนอเป็นเพียง "รูปลักษณ์" ที่ไม่มีความสำคัญทางศิลปะที่เป็นอิสระ
ดังนั้นอิมเพรสชันนิสม์ในวรรณคดีจึงแสดงออกมาโดยความประทับใจส่วนตัวของผู้เขียน การปฏิเสธภาพที่เป็นกลางของความเป็นจริง และการพรรณนาทุกช่วงเวลา ในความเป็นจริง สิ่งนี้นำไปสู่การขาดโครงเรื่องและประวัติศาสตร์ การแทนที่ความคิดด้วยการรับรู้ และการใช้เหตุผลด้วยสัญชาตญาณ

G. Courbet “ภาพเหมือนของ P. Verlaine” (ประมาณปี 1866)
ตัวอย่างที่โดดเด่นของบทกวีอิมเพรสชั่นนิสต์คือคอลเลกชั่น "Romances without Words" ของ Paul Verlaine (1874) ในรัสเซีย Konstantin Balmont และ Innokenty Annensky ประสบกับอิทธิพลของอิมเพรสชันนิสม์

V. Serov “ภาพเหมือนของ K. Balmont” (1905)

อินโนเคนตี้ อันเนนสกี้. รูปถ่าย
ความรู้สึกเหล่านี้ส่งผลต่อการแสดงละครด้วย บทละครประกอบด้วยการรับรู้โลกแบบพาสซีฟ การวิเคราะห์อารมณ์และสภาวะจิตใจ บทสนทนาเน้นไปที่ความประทับใจที่กระจัดกระจายและหายวับไป คุณลักษณะเหล่านี้เป็นลักษณะเฉพาะของผลงานของ Arthur Schnitzler

ในด้านดนตรี

อิมเพรสชันนิสม์ทางดนตรีพัฒนาขึ้นในฝรั่งเศสในช่วงไตรมาสสุดท้ายของศตวรรษที่ 19 – ต้นศตวรรษที่ 20 เขาแสดงออกอย่างชัดเจนที่สุดในผลงานของ Erik Satie, Claude Debussy และ Maurice Ravel

เอริค ซาตี
อิมเพรสชันนิสม์ทางดนตรีมีความใกล้เคียงกับอิมเพรสชันนิสม์ในภาพวาดฝรั่งเศส พวกเขาไม่เพียงมีรากฐานร่วมกันเท่านั้น แต่ยังมีความสัมพันธ์ระหว่างเหตุและผลอีกด้วย นักแต่งเพลงแนวอิมเพรสชั่นนิสต์แสวงหาและไม่เพียงแต่พบการเปรียบเทียบเท่านั้น แต่ยังรวมถึงวิธีการแสดงออกในงานของ Claude Monet, Paul Cezanne, Puvis de Chavannes และ Henri de Toulouse-Lautrec แน่นอนว่าวิธีการวาดภาพและศิลปะทางดนตรีสามารถเชื่อมโยงถึงกันได้ด้วยความช่วยเหลือจากความคล้ายคลึงกันที่ละเอียดอ่อนและเชื่อมโยงกันซึ่งมีอยู่ในจิตใจเท่านั้น หากคุณดูภาพที่พร่ามัวของปารีส "ในสายฝนในฤดูใบไม้ร่วง" และเสียงเดียวกัน "ถูกบดบังด้วยเสียงของหยดที่ตกลงมา" เราก็สามารถพูดถึงคุณสมบัติของภาพทางศิลปะได้เท่านั้น แต่ไม่ใช่ภาพที่แท้จริง

โคล้ด เดบุสซี
Debussy เขียน "Clouds", "Prints" (ซึ่งเป็นรูปเป็นร่างมากที่สุดซึ่งเป็นภาพร่างเสียงสีน้ำ - "Gardens in the Rain"), "Images", "Reflections on the Water" ซึ่งทำให้เกิดการเชื่อมโยงโดยตรงกับภาพวาดที่มีชื่อเสียงของ Claude โมเนต์ “ความประทับใจ: พระอาทิตย์ขึ้น” " ตามคำกล่าวของMallarmé นักประพันธ์อิมเพรสชั่นนิสต์เรียนรู้ที่จะ "ได้ยินแสง" เพื่อถ่ายทอดเสียงการเคลื่อนตัวของน้ำ การสั่นของใบไม้ การพัดของลม และการหักเหของแสงแดดในอากาศยามเย็น

มอริซ ราเวล
เอ็ม. ราเวลมีความเชื่อมโยงโดยตรงระหว่างภาพวาดและดนตรีในผลงานภาพและเสียง “Play of Water” วงจรของบทละคร “Reflections” และคอลเลคชันเปียโน “Rustles of the Night”
อิมเพรสชั่นนิสต์สร้างสรรค์ผลงานศิลปะอันวิจิตรบรรจง ในขณะเดียวกันก็มีความชัดเจนในการแสดงออก ควบคุมอารมณ์ ปราศจากความขัดแย้ง และมีสไตล์ที่เข้มงวด

ในงานประติมากรรม

O. Rodin “จูบ”

อิมเพรสชันนิสม์ในประติมากรรมแสดงออกมาในรูปแบบพลาสติกที่นุ่มนวลซึ่งสร้างการเล่นแสงที่ซับซ้อนบนพื้นผิวของวัสดุและความรู้สึกไม่สมบูรณ์ ท่าทางของตัวละครประติมากรรมจับช่วงเวลาแห่งการเคลื่อนไหวและการพัฒนา

โอ. โรดิน. ภาพถ่ายจากปี 1891
ทิศทางนี้รวมถึงผลงานประติมากรรมของ O. Rodin (ฝรั่งเศส), Medardo Rosso (อิตาลี), P.P. ทรูเบ็ตสคอย (รัสเซีย)

V. Serov “ภาพเหมือนของเปาโล Trubetskoy”

พาเวล (เปาโล) ทรูเบตสคอย(พ.ศ. 2409-2481) – ประติมากรและศิลปิน ทำงานในอิตาลี สหรัฐอเมริกา อังกฤษ รัสเซีย และฝรั่งเศส เกิดที่ประเทศอิตาลี บุตรชายนอกสมรสของผู้อพยพชาวรัสเซีย เจ้าชายปิโอเตอร์ เปโตรวิช ทรูเบตสคอย
ฉันทำงานประติมากรรมและจิตรกรรมมาตั้งแต่เด็ก เขาไม่มีการศึกษา ในช่วงเริ่มต้นของการสร้างสรรค์ เขาสร้างสรรค์รูปปั้นครึ่งตัว ผลงานประติมากรรมขนาดเล็ก และเข้าร่วมการแข่งขันเพื่อสร้างประติมากรรมขนาดใหญ่

P. Trubetskoy “ อนุสาวรีย์ถึง Alexander III”, เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก
นิทรรศการผลงานครั้งแรกของ Paolo Trubetskoy เกิดขึ้นในสหรัฐอเมริกาในปี พ.ศ. 2429 ในปี พ.ศ. 2442 ประติมากรมาที่รัสเซีย เข้าร่วมการแข่งขันเพื่อสร้างอนุสาวรีย์ให้กับ Alexander III และได้รับรางวัลชนะเลิศสำหรับทุกคนโดยไม่คาดคิด อนุสาวรีย์แห่งนี้ได้ก่อให้เกิดและยังคงก่อให้เกิดการประเมินที่ขัดแย้งกันต่อไป เป็นการยากที่จะจินตนาการถึงอนุสาวรีย์ที่นิ่งและครุ่นคิดกว่านี้ และมีเพียงการประเมินเชิงบวกของราชวงศ์เท่านั้นที่อนุญาตให้อนุสาวรีย์เข้ามาแทนที่ - ในภาพประติมากรรมพวกเขาพบความคล้ายคลึงกับต้นฉบับ
นักวิจารณ์เชื่อว่า Trubetskoy ทำงานในจิตวิญญาณของ "อิมเพรสชันนิสม์ที่ล้าสมัย"

ภาพลักษณ์ของนักเขียนชาวรัสเซียที่เก่งกาจของ Trubetskoy กลายเป็น "อิมเพรสชั่นนิสม์" มากกว่า: มีการเคลื่อนไหวอย่างชัดเจนที่นี่ - ในพับของเสื้อเชิ้ต, เคราที่ไหล, การหันศีรษะ, มีแม้กระทั่งความรู้สึกที่ประติมากรสามารถจับภาพได้ ความตึงเครียดในความคิดของแอล. ตอลสตอย

P. Trubetskoy “ รูปปั้นครึ่งตัวของ Leo Tolstoy” (เหรียญทองแดง) หอศิลป์ Tretyakov แห่งรัฐ

อิมเพรสชันนิสม์ (จากฝรั่งเศส " ความประทับใจ" - ความประทับใจ) เป็นทิศทางในงานศิลปะ (วรรณคดีจิตรกรรมสถาปัตยกรรม) ปรากฏเมื่อปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 ในฝรั่งเศสและแพร่หลายอย่างรวดเร็วในประเทศอื่น ๆ ของโลก ผู้ติดตามทิศทางใหม่ซึ่งเชื่อว่าเทคนิคทางวิชาการและดั้งเดิมเช่นในการวาดภาพหรือสถาปัตยกรรมไม่สามารถถ่ายทอดความสมบูรณ์และรายละเอียดที่เล็กที่สุดของโลกโดยรอบได้อย่างเต็มที่จึงเปลี่ยนมาใช้เทคนิคและวิธีการใหม่ทั้งหมด ประการแรกในการวาดภาพ จากนั้นในวรรณคดีและดนตรี พวกเขาทำให้สามารถพรรณนาความเคลื่อนไหวและความแปรปรวนของโลกแห่งความเป็นจริงได้อย่างชัดเจนและเป็นธรรมชาติที่สุด โดยการถ่ายทอดไม่ใช่รูปลักษณ์ของภาพถ่าย แต่ผ่านปริซึมของความประทับใจและอารมณ์ของผู้เขียนเกี่ยวกับสิ่งที่พวกเขาเห็น

ผู้เขียนคำว่า "อิมเพรสชันนิสม์" ถือเป็นนักวิจารณ์ชาวฝรั่งเศสและนักข่าว Louis Leroy ผู้ซึ่งประทับใจกับการไปเยี่ยมชมนิทรรศการของกลุ่มศิลปินหนุ่ม "The Salon of the Rejected" ในปี พ.ศ. 2417 ในปารีสเรียกพวกเขาว่า อิมเพรสชั่นนิสต์ feuilleton ของเขาซึ่งเป็น "อิมเพรสชั่นนิสต์" ประเภทหนึ่งและข้อความนี้ค่อนข้างดูถูกและมีลักษณะที่น่าขัน พื้นฐานของชื่อของคำนี้คือภาพวาดของ Claude Monet "Impression" ที่นักวิจารณ์เห็น พระอาทิตย์ขึ้น". แม้ว่าในตอนแรกภาพวาดหลายภาพในนิทรรศการนี้จะถูกวิพากษ์วิจารณ์และปฏิเสธอย่างรุนแรง แต่ต่อมาทิศทางนี้ได้รับการยอมรับจากสาธารณชนในวงกว้างและได้รับความนิยมไปทั่วโลก

อิมเพรสชั่นนิสม์ในการวาดภาพ

(Claude Monet "เรือบนชายหาด")

รูปแบบ ลักษณะ และเทคนิคการพรรณนาแบบใหม่ไม่ได้ถูกคิดค้นโดยศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์ชาวฝรั่งเศสโดยไม่ทราบสาเหตุ แต่ขึ้นอยู่กับประสบการณ์และความสำเร็จของจิตรกรที่มีความสามารถมากที่สุดในยุคเรอเนซองส์: Rubens, Velazquez, El Greco, Goya จากนั้น อิมเพรสชั่นนิสต์ใช้วิธีการดังกล่าวในการถ่ายทอดโลกโดยรอบหรือการแสดงออกของสภาพอากาศอย่างมีชีวิตชีวาและชัดเจนยิ่งขึ้น เช่น การใช้โทนสีกลาง การใช้เทคนิคที่สว่างหรือในทางกลับกัน ลายเส้นที่ทื่อ ใหญ่หรือเล็ก โดดเด่นด้วย ความเป็นนามธรรม ผู้นับถือทิศทางใหม่ในการวาดภาพจะละทิ้งรูปแบบการวาดภาพทางวิชาการแบบดั้งเดิมโดยสิ้นเชิงหรือสร้างวิธีการและวิธีการพรรณนาใหม่ทั้งหมดในลักษณะของตนเองโดยแนะนำนวัตกรรมเช่น:

วัตถุ วัตถุ หรือตัวเลขถูกพรรณนาโดยไม่มีรูปร่าง และถูกแทนที่ด้วยลายเส้นเล็กๆ ที่ตัดกัน
ไม่ได้ใช้จานสีเพื่อผสมสี มีการเลือกสีที่เสริมซึ่งกันและกันและไม่จำเป็นต้องรวมเข้าด้วยกัน บางครั้งสีก็ถูกบีบลงบนผืนผ้าใบโดยตรงจากท่อโลหะ ทำให้เกิดสีที่บริสุทธิ์และเป็นประกายพร้อมเอฟเฟกต์ฝีแปรง
เสมือนไม่มีสีดำ
ผืนผ้าใบส่วนใหญ่ถูกทาสีกลางแจ้งจากธรรมชาติ เพื่อให้ถ่ายทอดอารมณ์และความประทับใจต่อสิ่งที่พวกเขาเห็นได้ชัดเจนและชัดเจนยิ่งขึ้น
การใช้สีที่มีกำลังการปกปิดสูง
ใช้ลายเส้นใหม่ลงบนพื้นผิวที่ยังเปียกของผืนผ้าใบโดยตรง
การสร้างวงจรของภาพวาดเพื่อศึกษาการเปลี่ยนแปลงของแสงและเงา (“กองหญ้า” โดย Claude Monet)
ขาดการแสดงภาพประเด็นทางสังคม ปรัชญา หรือศาสนาที่เร่งด่วน เหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์หรือสำคัญ ผลงานของอิมเพรสชั่นนิสต์เต็มไปด้วยอารมณ์เชิงบวก ไม่มีที่สำหรับความเศร้าโศกและความคิดหนักหน่วง มีเพียงความเบา ความสุข และความงดงามทุกช่วงเวลา ความจริงใจของความรู้สึก และความตรงไปตรงมาของอารมณ์

(เอดูอาร์ด มาเนต์ "รีดดิ้ง")

และถึงแม้ว่าศิลปินบางคนในขบวนการนี้จะยึดมั่นในความแม่นยำเป็นพิเศษในการดำเนินการตามคุณลักษณะที่แม่นยำทั้งหมดของสไตล์อิมเพรสชั่นนิสต์ (Edouard Manet วางตำแหน่งตัวเองในฐานะศิลปินรายบุคคลและไม่เคยเข้าร่วมในนิทรรศการร่วม (มีทั้งหมด 8 รายการตั้งแต่ปี พ.ศ. 2417 ถึง พ.ศ. 2429) . Edgar Degas สร้างขึ้นในเวิร์คช็อปของเขาเองเท่านั้น) สิ่งนี้ไม่ได้หยุดพวกเขาจากการสร้างสรรค์ผลงานศิลปะชิ้นเอกซึ่งยังคงจัดเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์ที่ดีที่สุดและคอลเลกชันส่วนตัวทั่วโลก

ศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์ชาวรัสเซีย

ด้วยความประทับใจในความคิดสร้างสรรค์ของอิมเพรสชั่นนิสต์ชาวฝรั่งเศส ศิลปินชาวรัสเซียเมื่อปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 ได้สร้างผลงานวิจิตรศิลป์ชิ้นเอกดั้งเดิมของพวกเขา ซึ่งต่อมารู้จักกันในชื่อทั่วไปว่า "อิมเพรสชันนิสม์รัสเซีย"

(V. A. Serov "หญิงสาวกับลูกพีช")

ตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดคือ Konstantin Korovin (“ Portrait of a Chorus Girl”, 1883, “ Northern Idyll” 1886), Valentin Serov (“ Open Window. Lilac”, 1886, “ Girl with Peaches”, 1887), Arkhip Kuindzhi ( “ ทางเหนือ”, พ.ศ. 2422, “ Dnieper ในตอนเช้า” พ.ศ. 2424), Abram Arkhipov (“ ทะเลเหนือ”, “ ภูมิทัศน์ การศึกษาด้วยบ้านไม้ซุง”), อิกอร์ Grabar อิมเพรสชั่นนิสต์ "สาย" ("Birch Alley", 2483, "ภูมิทัศน์ฤดูหนาว" ” , 1954)

(Borisov-Musatov "เพลงฤดูใบไม้ร่วง")

วิธีการและลักษณะการพรรณนาที่มีอยู่ในอิมเพรสชั่นนิสม์เกิดขึ้นในผลงานของศิลปินชาวรัสเซียที่โดดเด่นเช่น Borisov-Musatov, Bogdanov Belsky, Nilus ศีลคลาสสิกของอิมเพรสชั่นนิสต์ของฝรั่งเศสในภาพวาดของศิลปินชาวรัสเซียมีการเปลี่ยนแปลงบางอย่างซึ่งเป็นผลมาจากการที่ทิศทางนี้ได้รับความเฉพาะเจาะจงของชาติที่เป็นเอกลักษณ์

อิมเพรสชั่นนิสต์ต่างประเทศ

ผลงานชิ้นแรกๆ ที่ดำเนินการในรูปแบบของอิมเพรสชันนิสม์ถือเป็นภาพวาดของ Edouard Manet เรื่อง “Luncheon on the Grass” ซึ่งจัดแสดงต่อสาธารณชนในปี 1860 ที่ Paris “Salon of the Rejected” ซึ่งผ้าใบที่ไม่ผ่าน การเลือก Paris Salon of Arts สามารถรื้อถอนได้ ภาพวาดที่วาดในสไตล์ที่แตกต่างอย่างสิ้นเชิงจากการพรรณนาแบบดั้งเดิม กระตุ้นให้เกิดความคิดเห็นเชิงวิพากษ์วิจารณ์มากมายและกระตุ้นให้ผู้ติดตามขบวนการศิลปะใหม่ ๆ รอบตัวศิลปิน

(Edouard Manet "ในโรงเตี๊ยมของคุณพ่อ Lathuile")

ศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์ที่โด่งดังที่สุด ได้แก่ Edouard Manet (“Bar at the Folies-Bergere”, “Music in the Tuileries”, “Breakfast on the Grass”, “At Father Lathuile's”, “Argenteuil”), Claude Monet (“Field of Poppies” ที่ Argenteuil” ", "เดินไปที่หน้าผาที่ Pourville", "ผู้หญิงในสวน", "เลดี้กับร่ม", "Boulevard des Capucines", ชุดผลงาน "Water Lilies", "Impression. Rising Sun"), อัลเฟรด ซิสลีย์ (“Rural Alley”, “Frost at Louveciennes”, “Bridge at Argenteuil”, “Early Snow at Louveciennes”, “Lawns in Spring”), ปิแอร์ ออกุสต์ เรอนัวร์ (“Breakfast of the Rowers”, “Ball at the Moulin” de la Galette”, “Dance in the Country”, “Umbrellas”, “Dance at Bougival”, “Girls at the Piano”), Camille Pizarro (“Boulevard Montmartre at Night”, “Harvest at Eragny”, “Reapers Resting” , “สวนที่ Pontoise”, “เข้าสู่หมู่บ้าน Voisin”) , Edgar Degas (“ชั้นเรียนเต้นรำ”, “ซ้อม”, “คอนเสิร์ตที่ Ambassador Café”, “Opera Orchestra”, “Dancers in Blue”, “Absinthe Lovers” ”), Georges Seurat (“บ่ายวันอาทิตย์”, “Cancan”, “นางแบบ”) และอื่นๆ

(Paul Cezanne "ปิแอร์โรต์และฮาร์เลควิน"")

ศิลปินสี่คนในทศวรรษที่ 90 ของศตวรรษที่ 19 ได้สร้างทิศทางใหม่ในงานศิลปะโดยอิงจากอิมเพรสชั่นนิสม์และเรียกตนเองว่านักอิมเพรสชั่นนิสต์ (Paul Gauguin, Vincent Van Gogh, Paul Cezanne, Henri de Toulouse-Lautrec) งานของพวกเขาโดดเด่นด้วยการถ่ายทอดไม่ใช่ความรู้สึกและความประทับใจชั่วขณะจากโลกรอบตัวพวกเขา แต่โดยความรู้ถึงแก่นแท้ของสิ่งต่าง ๆ ซึ่งซ่อนอยู่ใต้เปลือกนอก ผลงานที่โด่งดังที่สุดของพวกเขา: Paul Gauguin ("A Naughty Joke", "La Orana Maria", "Jacob's Wrestling with the Angel", "Yellow Christ"), Paul Cezanne ("Pierrot and Harlequin", "Great Bathers", "Lady สีฟ้า" "), Vincent Van Gogh (Starry Night, Sunflowers, Irises), Henri de Toulouse-Lautrec (The Laundress, Toilet, Dance Training at the Moulin Rouge)

อิมเพรสชันนิสม์ในประติมากรรม

(ออกุสต์ โรแดง "นักคิด")

อิมเพรสชันนิสม์ไม่ได้พัฒนาเป็นทิศทางที่แยกจากกันในสถาปัตยกรรม เราสามารถค้นหาคุณลักษณะและลักษณะเฉพาะของตัวมันเองได้ในองค์ประกอบทางประติมากรรมและอนุสาวรีย์บางส่วน สไตล์นี้ให้รูปแบบพลาสติกที่อ่อนนุ่มโดยไม่ใช้ประติมากรรม พวกเขาสร้างการเล่นแสงที่น่าทึ่งบนพื้นผิวของตัวเลข และให้ความรู้สึกที่ไม่สมบูรณ์ ตัวละครเชิงประติมากรรมมักจะปรากฎในช่วงเวลาของการเคลื่อนไหว งานในทิศทางนี้ ได้แก่ ประติมากรรมโดยประติมากรชาวฝรั่งเศสชื่อดัง Auguste Rodin (“ The Kiss”, “ The Thinker”, “ Poet and Muse”, “ Romeo and Juliet”, “ Eternal Spring”) ศิลปินชาวอิตาลีและประติมากร Medardo Rosso (ตัวเลข ทำจากดินเหนียวและปูนปลาสเตอร์ที่เต็มไปด้วยขี้ผึ้งเพื่อให้ได้เอฟเฟกต์แสงที่เป็นเอกลักษณ์: "ผู้เฝ้าประตูและผู้จับคู่", "ยุคทอง", "ความเป็นแม่") นักเก็ตอัจฉริยะชาวรัสเซีย Pavel Trubetskoy (รูปปั้นครึ่งตัวของลีโอ ตอลสตอย สีบรอนซ์ อนุสาวรีย์ของอเล็กซานเดอร์ III ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก)

การแนะนำ

อิมเพรสชันนิสม์เป็นปรากฏการณ์ในงานศิลปะ

อิมเพรสชั่นนิสม์ในการวาดภาพ

ศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์

3.1 โคล้ด โมเนต์

3.2 เอ็ดการ์ เดอกาส์

3.3 อัลเฟรด ซิสลีย์

3.4 คามิลล์ ปิสซาร์โร

บทสรุป

บรรณานุกรม

การแนะนำ

บทความนี้เน้นเรื่องอิมเพรสชั่นนิสม์ในงานศิลปะ - จิตรกรรม

อิมเพรสชั่นนิสม์เป็นหนึ่งในปรากฏการณ์ที่สว่างและสำคัญที่สุดในศิลปะยุโรปซึ่งส่วนใหญ่กำหนดการพัฒนาศิลปะสมัยใหม่ทั้งหมด ในปัจจุบัน ผลงานของอิมเพรสชั่นนิสต์ซึ่งไม่ได้รับการยอมรับในสมัยนั้น มีคุณค่าอย่างสูงและคุณวุฒิทางศิลปะก็ไม่อาจปฏิเสธได้ ความเกี่ยวข้องของหัวข้อที่เลือกนั้นอธิบายได้จากความต้องการของคนสมัยใหม่ทุกคนในการเข้าใจรูปแบบศิลปะและรู้ถึงเหตุการณ์สำคัญที่สำคัญของการพัฒนา

ฉันเลือกหัวข้อนี้เพราะอิมเพรสชั่นนิสต์เป็นการปฏิวัติทางศิลปะรูปแบบหนึ่งโดยเปลี่ยนความคิดของงานศิลปะว่าเป็นสิ่งองค์รวมและยิ่งใหญ่ อิมเพรสชันนิสม์นำความเป็นปัจเจกบุคคลของผู้สร้าง วิสัยทัศน์ของเขาเองเกี่ยวกับโลก ผลักไสประเด็นทางการเมืองและศาสนา และกฎหมายทางวิชาการให้ปรากฏเป็นเบื้องหลัง ที่น่าสนใจคืออารมณ์และความประทับใจมีบทบาทหลักในผลงานของอิมเพรสชันนิสต์ ไม่ใช่โครงเรื่องและศีลธรรม

อิมเพรสชันนิสม์ (fr. ความประทับใจ, จาก ความประทับใจ- ความประทับใจ) - การเคลื่อนไหวในงานศิลปะในช่วงสามช่วงสุดท้ายของศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 ซึ่งมีต้นกำเนิดในฝรั่งเศสแล้วแพร่กระจายไปทั่วโลกซึ่งตัวแทนพยายามที่จะจับภาพโลกแห่งความเป็นจริงอย่างเป็นธรรมชาติและเป็นกลางมากที่สุดด้วยความคล่องตัวและความแปรปรวน เพื่อถ่ายทอดความประทับใจชั่วขณะของพวกเขา โดยปกติแล้ว คำว่า "อิมเพรสชันนิสม์" หมายถึงการเคลื่อนไหวในการวาดภาพ แม้ว่าแนวความคิดของมันจะพบเห็นได้ในรูปแบบวรรณกรรมและดนตรีก็ตาม

คำว่า "อิมเพรสชันนิสม์" เกิดขึ้นจากมือแสงของนักวิจารณ์นิตยสาร "Le Charivari" Louis Leroy ซึ่งตั้งชื่อ feuilleton ของเขาเกี่ยวกับ Salon of Rejects "Exhibition of the Impressionists" โดยใช้ชื่อพื้นฐานของภาพวาดนี้โดย Claude โมเนต์.

ออกุสต์ เรอนัวร์ สระว่ายน้ํา,พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิตันนิวยอร์ก

ต้นกำเนิด

ในช่วงยุคเรอเนซองส์ จิตรกรของโรงเรียนเวนิสพยายามถ่ายทอดความเป็นจริงของชีวิตโดยใช้สีสันสดใสและโทนสีกลาง ชาวสเปนใช้ประโยชน์จากประสบการณ์ของตน ซึ่งแสดงออกอย่างชัดเจนที่สุดในศิลปินเช่น El Greco, Velazquez และ Goya ซึ่งผลงานของเขามีอิทธิพลอย่างมากต่อ Manet และ Renoir ในเวลาต่อมา

ในเวลาเดียวกัน Rubens สร้างเงาบนผืนผ้าใบของเขาโดยใช้เฉดสีกลางที่โปร่งใส ดังที่เดลาครัวซ์สังเกตเห็น รูเบนส์วาดภาพแสงด้วยโทนสีที่ละเอียดอ่อนและประณีต และเงาด้วยสีที่อบอุ่นและสมบูรณ์ยิ่งขึ้น ถ่ายทอดเอฟเฟกต์ของไคอาโรสคูโร รูเบนส์ไม่ได้ใช้สีดำ ซึ่งต่อมาได้กลายเป็นหนึ่งในหลักการสำคัญของการวาดภาพอิมเพรสชั่นนิสต์

Edouard Manet ได้รับอิทธิพลจากศิลปินชาวดัตช์ Frans Hals ผู้วาดภาพด้วยลายเส้นอันเฉียบคมและชอบความแตกต่างของสีสดใสและสีดำ

จิตรกรชาวอังกฤษได้เตรียมการเปลี่ยนจากการวาดภาพไปสู่อิมเพรสชั่นนิสต์ ในช่วงสงครามฝรั่งเศส-ปรัสเซียน (พ.ศ. 2413-2414) คลอดด์ โมเนต์ ซิสลีย์ และปิสซาร์โรไปลอนดอนเพื่อศึกษาจิตรกรภูมิทัศน์ผู้ยิ่งใหญ่ ตำรวจ โบนิงตัน และเทิร์นเนอร์ ในส่วนหลังนั้น ในงานต่อมาของเขาเป็นที่สังเกตได้ว่าการเชื่อมโยงกับภาพลักษณ์ที่แท้จริงของโลกหายไปอย่างไรและการถอนตัวไปสู่การส่งผ่านความประทับใจแต่ละครั้ง

Eugene Delacroix มีอิทธิพลอย่างมาก เขาแยกแยะระหว่างสีในท้องถิ่นและสีที่ได้ภายใต้อิทธิพลของแสง สีน้ำของเขาที่วาดในแอฟริกาเหนือในปี 1832 หรือใน Etretat ในปี 1835 และโดยเฉพาะอย่างยิ่งภาพวาด "The Sea at Dieppe" (1835) เราจะพูดถึงเขาในฐานะบรรพบุรุษของอิมเพรสชั่นนิสต์

องค์ประกอบสุดท้ายที่มีอิทธิพลต่อนักสร้างสรรค์คือศิลปะญี่ปุ่น ตั้งแต่ปี 1854 ต้องขอบคุณนิทรรศการที่จัดขึ้นในกรุงปารีส ศิลปินรุ่นเยาว์ได้ค้นพบปรมาจารย์ด้านภาพพิมพ์ของญี่ปุ่น เช่น Utamaro, Hokusai และ Hiroshige ความพิเศษที่ไม่มีใครรู้จักมาก่อนในวิจิตรศิลป์ยุโรปการจัดเรียงภาพบนแผ่นกระดาษ - องค์ประกอบออฟเซ็ตหรือองค์ประกอบที่เอียง การแสดงรูปแบบแผนผัง ชอบในการสังเคราะห์ทางศิลปะ - ได้รับความโปรดปรานจากอิมเพรสชั่นนิสต์และผู้ติดตามของพวกเขา

เรื่องราว

เอ็ดการ์ เดอกาส์, นักเต้นสีฟ้าพ.ศ. 2440 พิพิธภัณฑ์พุชกิน im. พุชกิน, มอสโก

จุดเริ่มต้นของการค้นหาอิมเพรสชั่นนิสต์ย้อนกลับไปในทศวรรษที่ 1860 เมื่อศิลปินรุ่นเยาว์ไม่พอใจกับวิธีการและเป้าหมายของลัทธิวิชาการอีกต่อไปอันเป็นผลมาจากการที่พวกเขาแต่ละคนมองหาวิธีอื่นในการพัฒนาสไตล์ของตนเองอย่างอิสระ ในปี พ.ศ. 2406 Edouard Manet ได้จัดแสดงภาพวาด "อาหารกลางวันบนพื้นหญ้า" ที่ Salon of the Rejected และพูดอย่างแข็งขันในการประชุมของกวีและศิลปินในร้านกาแฟ Guerbois ซึ่งมีผู้ก่อตั้งขบวนการใหม่ในอนาคตเข้าร่วมด้วย เขากลายเป็นผู้พิทักษ์หลักของศิลปะสมัยใหม่

ในปี 1864 Eugene Boudin เชิญ Monet ไปที่ Honfleur ซึ่งเขาใช้เวลาตลอดฤดูใบไม้ร่วงเพื่อดูครูวาดภาพร่างด้วยสีพาสเทลและสีน้ำ และ Yonkind เพื่อนของเขาใช้สีกับผลงานของเขาด้วยจังหวะที่สั่นสะเทือน ที่นี่พวกเขาสอนให้เขาทำงานกลางแจ้งและวาดภาพด้วยสีอ่อน

ในปี พ.ศ. 2414 ระหว่างสงครามฝรั่งเศส-ปรัสเซีย โมเนต์และปิสซาร์โรเดินทางไปลอนดอน ซึ่งพวกเขาได้คุ้นเคยกับผลงานของวิลเลียม เทิร์นเนอร์ ผู้บุกเบิกลัทธิอิมเพรสชั่นนิสต์

คล็อด โมเน่ต์. ความประทับใจ. พระอาทิตย์ขึ้น.พ.ศ. 2415 (ค.ศ. 1872) พิพิธภัณฑ์ Marmottan-Monet ปารีส

ที่มาของชื่อ

นิทรรศการสำคัญครั้งแรกของอิมเพรสชั่นนิสต์เกิดขึ้นตั้งแต่วันที่ 15 เมษายนถึง 15 พฤษภาคม พ.ศ. 2417 ในสตูดิโอของช่างภาพ Nadar มีการนำเสนอศิลปิน 30 คน รวมผลงาน 165 ชิ้น ผืนผ้าใบของโมเนต์ - “ความประทับใจ ไรซิ่งซัน" ( ความประทับใจ ลีแวนต์โซเลย์) ซึ่งขณะนี้อยู่ในพิพิธภัณฑ์ Marmottin ปารีสซึ่งเขียนขึ้นในปี พ.ศ. 2415 ให้กำเนิดคำว่า "อิมเพรสชั่นนิสม์": Louis Leroy นักข่าวที่ไม่ค่อยมีใครรู้จักในบทความของเขาในนิตยสาร "Le Charivari" เรียกกลุ่ม "อิมเพรสชั่นนิสต์" เพื่อแสดง การดูถูกของเขา ศิลปินยอมรับฉายานี้โดยไม่ท้าทาย ต่อมาได้หยั่งราก สูญเสียความหมายเชิงลบดั้งเดิมและเข้ามาใช้งานอย่างแข็งขัน

ชื่อ "อิมเพรสชั่นนิสม์" ค่อนข้างไม่มีความหมาย ต่างจากชื่อ "โรงเรียนบาร์บิซอน" ซึ่งอย่างน้อยก็มีข้อบ่งชี้ที่ตั้งทางภูมิศาสตร์ของกลุ่มศิลปะ ยังมีความชัดเจนน้อยกว่าสำหรับศิลปินบางคนที่ไม่ได้รวมอยู่ในกลุ่มอิมเพรสชั่นนิสต์กลุ่มแรกอย่างเป็นทางการ แม้ว่าเทคนิคและวิธีการทางเทคนิคของพวกเขาจะเป็น "อิมเพรสชั่นนิสม์" อย่างสมบูรณ์ Whistler, Edouard Manet, Eugene Boudin ฯลฯ ) นอกจากนี้ วิธีการทางเทคนิคของ อิมเพรสชั่นนิสต์เป็นที่รู้จักมานานก่อนศตวรรษที่ 19 และทิเชียนและเวลาเกซใช้ (บางส่วน ในขอบเขตที่จำกัด) โดยไม่ขัดกับแนวความคิดที่โดดเด่นในยุคของพวกเขา

อิมเพรสชันนิสม์เป็นปรากฏการณ์ในงานศิลปะ

อิมเพรสชันนิสม์หนึ่งในการเคลื่อนไหวที่สดใสและน่าสนใจที่สุดในศิลปะฝรั่งเศสในช่วงไตรมาสสุดท้ายของศตวรรษที่ 19 ถือกำเนิดในสภาพแวดล้อมที่ซับซ้อนมากซึ่งโดดเด่นด้วยความหลากหลายและความแตกต่างซึ่งเป็นแรงผลักดันให้เกิดการเคลื่อนไหวสมัยใหม่มากมาย อิมเพรสชั่นนิสม์แม้จะมีระยะเวลาสั้น ๆ แต่ก็มีอิทธิพลอย่างมากต่อศิลปะไม่เพียง แต่ในฝรั่งเศสเท่านั้น แต่ยังรวมถึงประเทศอื่น ๆ ด้วย: สหรัฐอเมริกา, เยอรมนี (M. Lieberman), เบลเยียม, อิตาลี, อังกฤษ ในรัสเซีย K. Balmont, Andrei Bely, Stravinsky, K. Korovin (ใกล้เคียงกับสุนทรียศาสตร์ที่ใกล้เคียงที่สุดกับอิมเพรสชั่นนิสต์), V. Serov ยุคแรกและ I. Grabar มีประสบการณ์เกี่ยวกับอิทธิพลของอิมเพรสชั่นนิสต์ อิมเพรสชันนิสม์เป็นขบวนการทางศิลปะที่สำคัญครั้งสุดท้ายในฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 19 ซึ่งวาดเส้นแบ่งระหว่างศิลปะสมัยใหม่และร่วมสมัย

ตามคำกล่าวของ M. Aplatov “คงไม่มีอิมเพรสชันนิสม์ที่แท้จริง อิมเพรสชันนิสม์ไม่ใช่หลักคำสอน ไม่สามารถมีรูปแบบที่เป็นที่ยอมรับได้...ศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์ชาวฝรั่งเศสมีลักษณะอย่างใดอย่างหนึ่งหรืออย่างอื่นในระดับที่แตกต่างกัน” โดยปกติแล้ว คำว่า "อิมเพรสชันนิสม์" หมายถึงการเคลื่อนไหวในการวาดภาพ แม้ว่าแนวความคิดของมันจะพบเห็นได้ในงานศิลปะรูปแบบอื่นๆ เช่น ในดนตรี

ประการแรกคืออิมเพรสชันนิสม์เป็นศิลปะในการสังเกตความเป็นจริง ถ่ายทอดหรือสร้างความประทับใจที่มีความซับซ้อนอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อน ซึ่งเป็นศิลปะที่โครงเรื่องไม่สำคัญ นี่คือความเป็นจริงทางศิลปะแบบใหม่ที่เป็นอัตนัย อิมเพรสชั่นนิสต์หยิบยกหลักการรับรู้และการแสดงโลกรอบตัวของตนเองขึ้นมา พวกเขาลบเส้นแบ่งระหว่างวัตถุหลักที่มีค่าควรแก่งานศิลปะชั้นสูงและวัตถุรอง

หลักการสำคัญของอิมเพรสชั่นนิสม์คือการหลีกเลี่ยงลักษณะทั่วไป ความรวดเร็วและรูปลักษณ์ที่ไม่เป็นทางการได้เข้าสู่งานศิลปะดูเหมือนว่าภาพวาดอิมเพรสชันนิสต์ถูกวาดโดยผู้สัญจรธรรมดา ๆ ที่เดินไปตามถนนและเพลิดเพลินกับชีวิต มันเป็นการปฏิวัติวิสัยทัศน์

สุนทรียภาพของอิมเพรสชันนิสม์พัฒนาขึ้นส่วนหนึ่งจากความพยายามที่จะหลุดพ้นจากแบบแผนของศิลปะคลาสสิก เช่นเดียวกับจากสัญลักษณ์ที่คงอยู่และความลึกซึ้งของการวาดภาพโรแมนติกตอนปลาย ซึ่งแนะนำให้เห็นความหมายที่เข้ารหัสในทุกสิ่งที่จำเป็นต้องตีความอย่างระมัดระวัง อิมเพรสชันนิสม์ไม่เพียงแต่ยืนยันถึงความงดงามของความเป็นจริงในชีวิตประจำวันเท่านั้น แต่ยังทำให้มีนัยสำคัญทางศิลปะถึงความแปรปรวนภายหลังการเปลี่ยนแปลงคงที่ของโลกโดยรอบ ความเป็นธรรมชาติของการแสดงผลที่เกิดขึ้นเองตามธรรมชาติ คาดเดาไม่ได้ และเกิดขึ้นโดยบังเอิญ นักอิมเพรสชันนิสต์พยายามจับภาพบรรยากาศที่เต็มไปด้วยสีสันโดยไม่ต้องอธิบายรายละเอียดหรือตีความ

เนื่องจากเป็นขบวนการทางศิลปะ อิมเพรสชันนิสม์โดยเฉพาะอย่างยิ่งในการวาดภาพ ทำให้ความสามารถของตนหมดลงอย่างรวดเร็ว อิมเพรสชันนิสม์แบบคลาสสิกของฝรั่งเศสนั้นแคบเกินไป และมีเพียงไม่กี่คนที่ยังคงยึดมั่นในหลักการตลอดชีวิต ในกระบวนการพัฒนาวิธีอิมเพรสชั่นนิสต์ อัตวิสัยของการรับรู้ด้วยภาพเอาชนะความเป็นกลางและเพิ่มขึ้นสู่ระดับที่เป็นทางการที่สูงขึ้นมากขึ้น เปิดทางสำหรับการเคลื่อนไหวทั้งหมดของโพสต์อิมเพรสชันนิสม์ รวมถึงสัญลักษณ์ของโกแกงและการแสดงออกของแวนโก๊ะ แต่ถึงแม้จะมีกรอบเวลาอันจำกัด เพียงสองทศวรรษเท่านั้น อิมเพรสชันนิสม์ได้นำศิลปะไปสู่ระดับที่แตกต่างโดยพื้นฐาน โดยส่งผลกระทบอย่างมีนัยสำคัญต่อทุกสิ่ง ไม่ว่าจะเป็นภาพวาดสมัยใหม่ ดนตรีและวรรณกรรม รวมถึงภาพยนตร์

อิมเพรสชันนิสม์นำเสนอธีมใหม่ ผลงานสไตล์ผู้ใหญ่มีความโดดเด่นด้วยความมีชีวิตชีวาที่สดใสและเป็นธรรมชาติ การค้นพบความเป็นไปได้ทางศิลปะใหม่ๆ ของสี การทำให้เทคนิคการวาดภาพใหม่สวยงาม และโครงสร้างของงาน มันเป็นคุณสมบัติเหล่านี้ที่เกิดขึ้นในอิมเพรสชั่นนิสต์ที่ได้รับการพัฒนาเพิ่มเติมในนีโออิมเพรสชั่นนิสต์และโพสต์อิมเพรสชั่นนิสต์ อิทธิพลของอิมเพรสชันนิสม์ในฐานะแนวทางสู่ความเป็นจริงหรือในฐานะระบบเทคนิคการแสดงออกพบได้แพร่หลายในโรงเรียนศิลปะเกือบทุกแห่งในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 และกลายเป็นจุดเริ่มต้นสำหรับการพัฒนาหลายทิศทาง รวมถึงนามธรรมนิยม หลักการบางประการของอิมเพรสชันนิสม์ - การถ่ายทอดการเคลื่อนไหวที่เกิดขึ้นทันที, ความลื่นไหลของรูปแบบ - ดูเหมือนจะแตกต่างกันไปในประติมากรรมในช่วงทศวรรษปี 1910 ใน E. Degas, Fr. โรดิน, เอ็ม. โกลูบคินา. อิมเพรสชันนิสม์ทางศิลปะทำให้วิธีการแสดงออกในวรรณคดี (P. Verlaine) ดนตรี (C. Debussy) และละครมีความสมบูรณ์อย่างมาก

2. อิมเพรสชั่นนิสม์ในการวาดภาพ

ในฤดูใบไม้ผลิปี พ.ศ. 2417 กลุ่มจิตรกรรุ่นเยาว์ซึ่งรวมถึง Monet, Renoir, Pizarro, Sisley, Degas, Cezanne และ Berthe Morisot ละเลย Salon อย่างเป็นทางการและจัดแสดงนิทรรศการของตนเอง ต่อมากลายเป็นบุคคลสำคัญของขบวนการใหม่ จัดขึ้นตั้งแต่วันที่ 15 เมษายนถึง 15 พฤษภาคม พ.ศ. 2417 ในสตูดิโอของช่างภาพ Nadar ในปารีสบนถนน Boulevard des Capucines มีการนำเสนอศิลปิน 30 คน รวมผลงาน 165 ชิ้น การกระทำดังกล่าวถือเป็นการปฏิวัติและทำลายรากฐานที่มีอายุหลายศตวรรษ แต่ภาพวาดของศิลปินเหล่านี้เมื่อมองแวบแรกดูเหมือนจะเป็นศัตรูกับประเพณีมากยิ่งขึ้น ต้องใช้เวลาหลายปีกว่าที่ภาพวาดคลาสสิกที่ได้รับการยอมรับในเวลาต่อมาจะสามารถโน้มน้าวใจสาธารณชนได้ ไม่เพียงแต่ถึงความจริงใจเท่านั้น แต่ยังรวมถึงพรสวรรค์ของพวกเขาด้วย ศิลปินที่แตกต่างกันมากเหล่านี้รวมกันเป็นปึกแผ่นด้วยการต่อสู้กับลัทธิอนุรักษ์นิยมและลัทธิวิชาการในงานศิลปะ อิมเพรสชั่นนิสต์จัดนิทรรศการแปดครั้ง ครั้งสุดท้ายในปี พ.ศ. 2429

นับเป็นนิทรรศการครั้งแรกในปี พ.ศ. 2417 ที่ปารีสที่ภาพวาดพระอาทิตย์ขึ้นของโกลด โมเนต์ปรากฏขึ้น มันดึงดูดความสนใจของทุกคนเป็นหลักด้วยชื่อที่ไม่ธรรมดา: “ความประทับใจ พระอาทิตย์ขึ้น". แต่ตัวภาพวาดเองนั้นดูแปลกตาโดยสื่อถึงการเล่นสีและแสงที่แทบจะเข้าใจยากและเปลี่ยนแปลงได้ มันเป็นชื่อของภาพวาดนี้ - "ความประทับใจ" - ต้องขอบคุณการเยาะเย้ยของนักข่าวคนหนึ่งที่วางรากฐานสำหรับการเคลื่อนไหวทั้งหมดในการวาดภาพที่เรียกว่าอิมเพรสชั่นนิสต์ (จากคำภาษาฝรั่งเศส "ความประทับใจ" - ความประทับใจ)

ด้วยความพยายามที่จะแสดงความประทับใจโดยตรงต่อสิ่งต่าง ๆ อย่างถูกต้องที่สุด อิมเพรสชั่นนิสต์จึงสร้างวิธีการใหม่ในการวาดภาพ สิ่งสำคัญคือการถ่ายทอดความรู้สึกภายนอกของแสง เงา การสะท้อนกลับบนพื้นผิวของวัตถุด้วยลายเส้นสีบริสุทธิ์ที่แยกจากกัน ซึ่งทำให้รูปร่างละลายด้วยสายตาในสภาพแวดล้อมที่มีแสงและอากาศโดยรอบ

ความน่าเชื่อถือถูกเสียสละให้กับการรับรู้ส่วนบุคคล - ขึ้นอยู่กับการมองเห็นของพวกเขาสามารถวาดภาพท้องฟ้าสีเขียวและหญ้าเป็นสีฟ้าผลไม้ในสิ่งมีชีวิตของพวกเขาไม่สามารถจดจำได้ร่างของมนุษย์คลุมเครือและไม่ชัดเจน สิ่งสำคัญไม่ใช่สิ่งที่ถูกนำเสนอ แต่ "อย่างไร" เป็นสิ่งสำคัญ วัตถุกลายเป็นเหตุผลในการแก้ปัญหาการมองเห็น

วิธีการสร้างสรรค์ของอิมเพรสชั่นนิสต์นั้นโดดเด่นด้วยความกะทัดรัดและความไม่สมบูรณ์ ท้ายที่สุดแล้วเพียงภาพร่างสั้น ๆ เท่านั้นที่ทำให้สามารถบันทึกสภาวะของธรรมชาติแต่ละอย่างได้อย่างแม่นยำ สิ่งที่ได้รับอนุญาตก่อนหน้านี้เฉพาะในภาพร่างเท่านั้นตอนนี้กลายเป็นคุณสมบัติหลักของภาพวาดที่เสร็จสมบูรณ์แล้ว ศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์พยายามอย่างสุดความสามารถเพื่อเอาชนะธรรมชาติของการวาดภาพและเก็บภาพความงดงามของช่วงเวลาชั่วขณะหนึ่งไว้ตลอดไป พวกเขาเริ่มใช้องค์ประกอบที่ไม่สมมาตรเพื่อเน้นตัวละครและสิ่งของที่พวกเขาสนใจให้ดียิ่งขึ้น ในเทคนิคบางอย่างของการสร้างองค์ประกอบและพื้นที่แบบอิมเพรสชั่นนิสม์ อิทธิพลของความหลงใหลในยุคของตัวเองนั้นเห็นได้ชัดเจน - ไม่ใช่ของเก่าเหมือนเมื่อก่อน งานแกะสลักแบบญี่ปุ่น (เช่นปรมาจารย์เช่น Katsushika Hokusai, Hiroshige, Utamaro) และการถ่ายภาพบางส่วน ภาพระยะใกล้และภาพใหม่ มุมมอง.

อิมเพรสชั่นนิสต์ยังปรับปรุงโทนสีของพวกเขา พวกเขาละทิ้งสีเอิร์ธโทนและสารเคลือบเงาสีเข้ม และใช้สีสเปกตรัมที่บริสุทธิ์บนผืนผ้าใบ โดยแทบไม่ต้องผสมสีเหล่านี้บนจานสีก่อน ความมืดแบบ "พิพิธภัณฑ์" ทั่วไปบนผืนผ้าใบทำให้เกิดการแสดงเงาสี

ต้องขอบคุณการประดิษฐ์ท่อสีโลหะสำเร็จรูปและพกพาได้ ซึ่งมาแทนที่สีเก่าที่ทำด้วยมือจากน้ำมันและผงสี ศิลปินจึงสามารถออกจากสตูดิโอไปทำงานกลางแจ้งได้ พวกมันทำงานเร็วมาก เพราะการเคลื่อนที่ของดวงอาทิตย์เปลี่ยนแสงและสีของทิวทัศน์ บางครั้งพวกเขาบีบสีลงบนผืนผ้าใบโดยตรงจากหลอด และสร้างสีที่บริสุทธิ์และเป็นประกายพร้อมเอฟเฟกต์ฝีแปรง โดยการวางสีหนึ่งไว้ข้างๆ อีกสีหนึ่ง พวกเขามักจะทำให้พื้นผิวของภาพวาดหยาบ เพื่อรักษาความสดและความหลากหลายของสีที่เป็นธรรมชาติในภาพ อิมเพรสชั่นนิสต์ได้สร้างระบบการวาดภาพที่โดดเด่นด้วยการสลายตัวของโทนสีที่ซับซ้อนให้เป็นสีที่บริสุทธิ์และการแทรกซึมของลายเส้นที่แยกจากกันของสีที่บริสุทธิ์ราวกับผสมในสายตาของผู้ชมด้วย เงาสีและการรับรู้ของผู้ชมตามกฎของสีคู่ตรงข้าม

ด้วยความมุ่งมั่นที่จะถ่ายทอดโลกรอบตัวให้ทันท่วงที อิมเพรสชั่นนิสต์จึงเริ่มวาดภาพในที่โล่งเป็นหลักเป็นครั้งแรกในประวัติศาสตร์ และเพิ่มความสำคัญของภาพร่างจากชีวิต ซึ่งเกือบจะเข้ามาแทนที่การวาดภาพแบบเดิมๆ อย่างระมัดระวัง และค่อย ๆ สร้างขึ้นในสตูดิโอ เนื่องจากวิธีการทำงานในที่โล่ง ภูมิทัศน์รวมถึงภูมิทัศน์เมืองที่พวกเขาค้นพบ จึงกลายเป็นสถานที่สำคัญมากในงานศิลปะของอิมเพรสชั่นนิสต์ ธีมหลักสำหรับพวกเขาคือแสงที่สั่นไหว ซึ่งเป็นอากาศที่ผู้คนและสิ่งของดูเหมือนจะจมอยู่ใต้น้ำ ในภาพวาดของพวกเขา เราสัมผัสได้ถึงลม ดินเปียกที่ได้รับความร้อนจากดวงอาทิตย์ พวกเขาพยายามแสดงสีสันอันน่าทึ่งในธรรมชาติ

อิมเพรสชันนิสม์นำเสนอธีมใหม่ๆ ให้กับงานศิลปะ - ชีวิตในเมืองในแต่ละวัน ภูมิทัศน์บนท้องถนน และความบันเทิง ธีมและโครงเรื่องกว้างมาก ในทิวทัศน์ ภาพบุคคล และการจัดองค์ประกอบภาพหลายรูปแบบ ศิลปินมุ่งมั่นที่จะรักษาความเป็นกลาง ความแข็งแกร่ง และความสดใหม่ของ "ความประทับใจแรกพบ" โดยไม่ต้องลงรายละเอียดส่วนบุคคล ซึ่งโลกเป็นปรากฏการณ์ที่เปลี่ยนแปลงอยู่ตลอดเวลา

อิมเพรสชันนิสม์มีความโดดเด่นด้วยความมีชีวิตชีวาที่สดใสและทันที มันโดดเด่นด้วยความแตกต่างและคุณค่าทางสุนทรียศาสตร์ของภาพวาดการสุ่มตัวอย่างโดยเจตนาและไม่สมบูรณ์ โดยทั่วไปผลงานของอิมเพรสชั่นนิสต์มีความโดดเด่นด้วยความร่าเริงและความหลงใหลในความงามตระการตาของโลก