Gustav Klimt Rakúsko. Gustav Klimt – biografia a maľby umelca v žánri symbolizmus, secesia – umelecká výzva

Tento článok je venovaný dnešnej udalosti. 14. júla 2012 by sa Gustav Klimt dožil 150 rokov.. Gustav Klimt je rakúsky umelec, narodený 14. júla 1862. Mnohí ho označujú za zakladateľa rakúskej moderny. Umelec maľoval najmä ženy, nahé ženy. Jeho obrazy často obsahovali zjavnú erotiku.

Klimtov otec bol tiež umelec a rytec zlata. Moja mama celý život snívala o tom, že sa stane hudobníčkou, no nikdy jej to nevyšlo. V rodine Klimtovcov bolo 8 detí, Gustav sa narodil ako druhý.

Dieťa prežilo detstvo v chudobe, napriek dobrej profesii svojho otca. V krajine nebolo trvalé zamestnanie, a tak som musel prejsť finančnými ťažkosťami. Gustav sa naučil kresliť od svojho otca, ale už v roku 1876 nastúpil na umelecko-remeselnú školu, kam v roku 1877 nastúpil aj jeho brat. Všetci traja synovia Ernesta Klimta sa v budúcnosti stali umelcami.

Bratia na dlhú dobu spolupracovali, zdobili divadlá, rôzne budovy a múzeá freskami. V roku 1888 dostal Gustav zaslúžené ocenenie - „ Zlatý kríž„Od samotného cisára Františka Jozefa. Všetko išlo dobre a veci sa rozbehli, ale v roku 1892 zomrel otec a brat Gustava Klimta, a preto celá zodpovednosť za zabezpečenie rodiny padla na plecia umelca.

Gustav Klimt Veľa som písal, najmä keď išiel s rodinou k jazeru Attersee, a to bolo dosť často. Práve tu dokončil svoje nádherné krajinky. Toto je jediný žáner, ktorý umelca zaujal, kde sa ľudia neobjavili. Ale napriek tomu mnohí vedci nachádzajú ľudské postavy v Klimtových krajinách a je v tom kus pravdy.

V roku 1894 dostal Klimt jednu z veľkých zákaziek. Bolo potrebné namaľovať 3 obrazy, ktoré by zdobili strop Viedenskej univerzity. Tak sa v roku 1900 zrodili „filozofia“, „medicína“ a „právna veda“. Spoločnosť však tieto obrazy neakceptovala, pretože ich považovala za príliš explicitné, a preto neboli vystavené na univerzite. Toto bola Klimtova posledná verejná zákazka.

Od začiatku 20. storočia sa tzv. Zlaté obdobie„umelcovu kreativitu. Počas tejto doby vznikli také maľby ako „Palác Atény“, „Judita“ a ďalšie. V tom čase spoločnosť primerane vnímala Klimtove diela, ale nielen preto sa toto obdobie nazývalo zlatým. V maľbách umelca veľmi často prevládala farba zlata a pozlátenia, ktoré sa fanúšikom jeho práce naozaj páčilo.

Gustav Klimt viedol normálny život, veľa pracoval a doma. Bol známym umelcom, takže zákazky k nemu chodili pravidelne a bral len zaujímavé. Ženy mu s veľkou radosťou pózovali, niektoré z nich boli prostitútky. Klimt povedal, že sa nezaujímal o maľovanie autoportrétov, oveľa vzrušujúcejšie bolo maľovať iné osobnosti, najmä ženy. Gustav tvrdil, že jeho obrazy o ňom môžu veľa povedať, už len tým, že si ich pozorne prezriete.

6. februára 1918 životopis Gustava Klimta končí. Zomrel na zápal pľúc, predtým utrpel mozgovú príhodu. Pochovali ho vo Viedni. Dnes je to 150. výročie zrodu tohto úžasný umelec a tento dátum by nemal zostať nepovšimnutý. Ako sme sľúbili na konci tohto článku, môžete si pozrieť video, venovaný maľbám Gustav Klimt.

Gustav Klimt je rakúsky maliar, uznávaný po celom svete ako majster zobrazovania ženského tela. Umelec si svojho času získal škandalóznu slávu za svoje diela „preniknuté“ neskrývaným erotizmom.

Koncom 18. a začiatkom 19. storočia sa obrazy takéhoto explicitného obsahu zdali príliš odvážne a šokovali znalcov umenia, ktorí si zvykli na diela majstrov klasickej školy. Šokovanie sa však nestalo prekážkou slávy, ktorej sa Klimt počas svojho života hojne venoval. Predstavitelia európskej secesie považujú Klimta za zakladateľa hnutia. Dnes sa majstrovské obrazy predávajú za neuveriteľné množstvo peňazí.

Detstvo a mladosť

Gustav Klimt je národnosťou Rakúšan, no v žilách mu prúdila česká krv aj od otca, klenotníka, ktorý detstvo a mladosť prežil v Čechách. V mladosti sa matka budúceho maliara živila aj umením – snívala o tom, že sa stane hudobníčkou. Plány prekazila veľká rodina: Gustav je druhý najstarší zo siedmich Klimtovych potomkov, 3 synovia a 4 dcéry.

Najjasnejší predstaviteľ secesie sa narodil v lete 1862 v Penzingu, jednej z 23 viedenských štvrtí. Vyrastal v okrese Baumgarten. Penzing je známy svojou malebnou prírodou, pretože sa nachádza na výbežku Východných Álp a jednu tretinu územia pokrýva Viedenský les.

Práca jeho otca, rytca zlata, neprinášala príjmy, ktoré by rodine umožnili žiť v hojnosti. Ale všetky deti Ernesta a Anny Klimtových, keď vyrástli, si vybrali umenie. Synovia sa stali umelcami, dcéry robili kariéru v módnom priemysle.

Prvé kroky v tvorivej biografii malého Gustava boli podniknuté pod vedením jeho otca, ktorý naučil svojho syna miešať farby a nanášať ťahy na plátno. Vo veku 14 rokov sa mladý umelec stal študentom umelecko-remeselnej školy vo Viedni. O rok neskôr v vzdelávacej inštitúcie, pôsobiaceho v Rakúskom múzeu, vstúpil aj Gustavov brat Ernst.

Klimt si ako špecializáciu vybral architektonickú maľbu. Idol mladého muža počas štúdií bol Hans Makart, ktorý pracoval v historickom žánri. Prekvapivo, počas študentských rokov sa budúca hviezda modernizmu líšila od svojich pokrokových súdruhov tým, že rešpektoval konzervatívne prepady akademického vzdelávania.

Maľovanie

Začiatkom 80. rokov 19. storočia bratia Gustav a Ernst spolu so svojím priateľom Franzom Machamom maľovali freskami divadlá v rakúsko-uhorskej provincii. V polovici 80. rokov 19. storočia mladí umelci vyzdobili dvorné divadlo a Kunsthistorisches Museum vo Viedni, za čo Franz Joseph ocenil najtalentovanejšieho z tria Gustava Klimta Zlatým krížom. Cisárske vyznamenanie, ktoré dostal vo veku 26 rokov, mu otvorilo cestu k sláve. Maliar sa stal čestným členom univerzít vo Viedni a v Mníchove.

Začiatkom 90. rokov 19. storočia zomreli jeden po druhom otec a brat Gustava Klimta. Smútok zo straty blízkych zanechal stopu na majstrovej práci - čoskoro vyvinul individuálny štýl, vďaka ktorému boli obrazy rozpoznateľné. V tomto tragickom čase sa Klimt stretol so svojou múzou Emiliou Flöge, s ktorou sa až do konca života nerozišiel.

Budúci zakladateľ secesie viedol v druhej polovici 90. rokov 19. storočia skupinu umelcov s názvom Viedenská secesia. Mladí rakúski rebeli odmietli rámec akademickej maľby, prekvapovali a šokovali spoločnosť príliš odvážnymi dielami.

Klimtove prvé diela, ktoré mu priniesli škandalóznu slávu, boli dizajnérske práce. V roku 1894 dostal objednávku na 3 obrazy na strop auly Viedenskej univerzity, ktorú dokončil o 6 rokov neskôr. Prezentácia obrazov „Filozofia“, „Medicína“ a „Jurisprudencia“ verejnosti sa zmenila na škandál.

Pobúrení konzervatívni občania označili dielo za pornografiu a žiadali, aby bol maliar uväznený. Gustav Klimt už neprijímal vládne zákazky, ale maľovania nahých žien sa nevzdal. Zároveň erotizmus a zmyselnosť v jeho plátnach neprekročili tenkú hranicu, za ktorou by sa zmenili na vulgárnosť a vulgárnosť.

Záverečné 90. roky 19. storočia sa v diele secesného majstra nazývajú „zlatým obdobím“. Na diela tejto doby Klimt použil plátkové zlato, najdrahšie a najznámejšie plátna konca 90. rokov 19. storočia. Slávny „Bozk“ je nápadným príkladom secesie, ktorý pripomína krásu benátskych mozaík. Obraz obrazu sa často používa na zdobenie pohárov na šampanské.

V roku 1899 Gustav Klimt opäť spôsobil šok tým, že predstavil verejnosti obraz s názvom „Nahá pravda“. Symbolické nahé ryšavé dievča so zrkadlom v ruke zosobňovalo práve túto „nahú pravdu“. Maliar zareagoval na príval kritiky, ako sa od skvelého bitkára očakávalo, nový obrázok s rovnakou šokujúcou „povahou“. Pod názvom „Zlatá rybka“ ukázal verejnosti „zadoček“ tej istej krásky s ohnivými vlasmi a ladnými postavami.

Gustav Klimt bol miláčikom šťastia. Počas svojho života bol vychvaľovaný. Módny majster bol bombardovaný objednávkami, ktoré boli štedro zaplatené. Mohol si vybrať témy a predmety, ktoré sa mu zdali zaujímavé. Ale všade boli ženské telá a zjavná erotika povinným prvkom.

Najviac slávne obrazy„Zlaté obdobie“ rakúskeho secesného guru sa okrem „Bozk“ a „Nahej pravdy“ nazývajú aj obrazy „Portrét Adele Bloch-Bauerovej“, „Vodné hady“, „Nádej“, „Nádej“. Tri veky ženy“ a „Strom lásky“. Posledné dielo, fresku namaľovanú v rokoch 1905-1909, možno vidieť v paláci Stoclet v Bruseli. Freska má iné názvy - „Strom poznania“ a „Strom života“.

Pozostalosť Gustava Klimta zahŕňa aj krajiny maľované v jeho „signatúrnom“ maliarskom štýle. Majster pre nich vzal štvorcové plátna a veril, že táto forma „rozširuje“ priestor. V posledných piatich rokoch svojho života maľoval Klimt iba krajinky. Najznámejšie sú „Apple Tree“ a „Birch Grove“.

Osobný život

O temperamente modernistu sa robili legendy. Klimtovi súčasníci si šepkali, že Gustav mal pomery takmer s každým modelom. Majster sa pripisuje splodeniu 14 až 40 detí narodených dámam, ktoré si objednali portréty, modelky a jednoducho „kňažky lásky“, ktorým zaplatil peniaze. Hovorí sa, že mladé dámy zo šľachtických rodín sa postavili do radu a boli pripravené urobiť čokoľvek, len aby sa im dostal do rúk vzácny portrét od samotného Gustava Klimta.

Aby sme boli spravodliví, treba povedať, že existoval aj iný názor: umelca nezaujímala telesná intimita, bol zástancom platonických vzťahov. Ale táto verzia sa zdá byť pochybná, keď Klimtovi životopisci hovoria o hanebnom, ale veľmi bežnom koniec XIX- začiatok 20. storočia, choroba, ktorou trpel umelec. Gustav dostal syfilis od dievčaťa ľahkej cnosti. Táto skutočnosť sa prejavila v celovečernom filme „Klimt“, ktorý mal premiéru v roku 2006.

Bez ohľadu na to, koľko žien bolo v Gustavovej posteli, hlavnou múzou, ktorá zostala v postavení nevesty, bola Emilia Flöge, talentovaná módna návrhárka a majiteľka módneho domu. Požiadal, aby jej zavolal, keď umieral. Ich vzťah trval 27 rokov, no nikdy nebol korunovaný manželstvom a potomkami.

Znalci Klimtovej tvorby si všimli, že majster mal rád dva typy žien, ktoré maľoval celý život. Ide o ladné ryšavé krásky (napríklad „Danae“) a brunetky s jemnými črtami a chlapčenskými postavami („Adele Bloch-Bauer“).

Smrť

Slávny rakúsky maliar zomrel vo februári 1918. Príčinou smrti 55-ročného Klimta bol zápal pľúc, ktorý sa po mozgovej príhode stal smrteľným.

Miestom odpočinku umelca bol Viedenský cintorín Hietzing. Gustav Klimt zanechal desiatky obrazov, ktoré začal nedokončené.

Ruskí znalci secesného maliarstva mali v októbri 2017 jedinečnú príležitosť zoznámiť sa s tvorbou Gustava Klimta. Výstava grafických prác dvoch autorov slávnych predstaviteľov Secesia - Gustav Klimt a - sa konala v Puškinovom múzeu. .

funguje

• 1899-1907 – „Filozofia“
• 1899-1907 – „Medicína“
• 1899-1907 – „právna veda“
• 1901-1902 – „Zlatá rybka“
• 1903 – „Brezový háj“
• 1903 – „Nádej“
• 1904-1907 – „Vodné hady“
• 1905 – „Tri veky ženy“
• 1905-1909 – „Strom lásky“
• 1906 – „Adele Bloch-Bauer“
• 1907-08 – „Bozk“
• 1907-1908 – „Danae“
• 1912 – „Jabloň I“
• 1913 – „Nevinnosť“
• 1917 – „Adam a Eva“

Životopis
Gustav Klimt (1862-1918) - umelec, zakladateľ moderny v rakúskom maliarstve. Jeden z najsofistikovanejších umelcov éry secesie. Začiatkom 20. storočia jeho otvorene erotické obrazy šokovali vycibrenú viedenskú verejnosť. Niektorí považovali Klimta za génia, iní za „zvráteného dekadenta“.

Narodil sa na viedenskom predmestí Baumgarten 14. júla 1862 v rodine rytca a klenotníka Ernesta Klimta. Študoval u svojho otca a v rokoch 1875-1883 na remeselníckej škole vo viedenskom rakúskom múzeu umenia a priemyslu, kam v roku 1877 nastúpil aj jeho mladší brat Ernest.

1879-1885 - Gustáv s bratom a mladým umelcom Franzom Matchom pracovali, zdobili divadlá rakúsko-uhorskej provincie (v Reichenbergu, Fiume a Karlových Varoch - Karlových Varoch) a stropy viedenských palácov s ozdobnými maľbami a už v r. 1880 - dostáva prvý vážny rozkaz - „Štyri alegórie“.

1885-1886 - zdobia viedenské budovy Burgtheater a Kunsthistorisches Museum.
Počas tohto obdobia spoločnej práce sa Klimtov štýl začína líšiť od štýlu jeho brata a Matcha a vzďaľuje sa od akademického štýlu maľby.

Po ukončení prác v Burgtheatre udelil cisár František Jozef Klimtovi Zlatý kríž za zásluhy o umenie.

1886 - Klimt vytvoril nástenné panely pre aulu Viedenskej univerzity s alegorickým zobrazením troch právnických, filozofických a lekárskych fakúlt. Plátna budú odmietnuté z dôvodu „provokatívneho erotizmu“: Klimtove dámy, symbolizujúce filozofiu a iné disciplíny, sa zákazníkovi zdali príliš roztomilé a nezlučiteľné s duchom prísnej vedy.

1891 – Klimt sa stal členom Zväzu výtvarných umení.

1894 - Klimt spolu s Franzom Matschom dostali objednávku na vyznamenanie „Aula Magna“ na Viedenskej univerzite.

Klimt, ktorý bol čoraz viac zaťahovaný do prvkov moderny, a teda do opozície voči akademickej tradícii, sa v roku 1897 stal jedným zo zakladateľov viedenskej „secesie“, nezávislej od Akadémie umení (nem. Sezession – „odpadnúť“, „ oddelenie“). Navždy sa rozchádza s oficiálnymi tvorivými kruhmi a okamžite vedie novú komunitu inovatívnych maliarov. V tom istom roku, v lete, v meste Kammer pri Attersee namaľoval svoje prvé krajinky.

1898 – zakladajú sa noviny Sacrum, verejný orgán Secesie a konajú sa prvé výstavy jej členov. Klimt sa v týchto rokoch rozvinul ako expresionista, jeho diela sa vyznačujú ornamentálnym stvárnením foriem, ktoré sú vyplnené mozaikami.

1901-1902 - za výstavná budova Secession Klimt vytvára „Beethovenov vlys“, ktorý stelesňuje témy 9. symfónie.

1903 - Klimt cestuje po Taliansku (Ravenna, Benátky, Florencia). Tu videné luxusné byzantské mozaiky ohromujú majstrovu predstavivosť. Odvtedy schopnosť sprostredkovať skutočné predmety jeho výraznou črtou sa stáva hra dekoračných vzorov. Začína sa jeho „zlaté obdobie“. Z jeho iniciatívy vznikli „Viedenské dielne“, ktoré hrali dôležitú úlohu v štýlovej aktualizácii rakúskeho dizajnu. V tom istom roku sa v Secesi koná retrospektíva diel Gustava Klimta.

1904 - Klimt píše náčrty pre nástenné mozaiky paláca Stoclet v Bruseli, ktoré boli dokončené v umelcovej viedenskej dielni.

1905 - V Rakúskej galérii boli zakúpené dosky „Aula Magna“ vytvorené na Viedenskej univerzite.

Po odchode zo secesie v roku 1906 založil nová únia Rakúski umelci, podporujúci na jeho výstavách ešte málo známeho O. Kokoschku a E. Schieleho.
1909-1911 - pracuje na freskách v paláci Stoclet.

1917 – začína práca na Nevesta a Adam a Eva. Až v tomto čase získal plné oficiálne uznanie, stal sa čestným profesorom na akadémii vo Viedni a v Mníchove.
6. februára 1918 Klimt umiera na mozgovú príhodu vo Viedni a zanecháva po sebe obrovské množstvo nedokončených diel.

Klimt sa do dejín zapísal predovšetkým svojou vysokou expresivitou ženské portréty(E. Flöge, 1902, A. Bloch-Bauer, 1907) a symbolické maľby, presýtené dramatickým, „fatálnym“ erotizmom („Judith 1“, 1901; „The Kiss“, 1907-1908, „Salome“, 1901; „Danae“, 1907). Túto „dionýzsku“ drámu umocnil zlatými podkladmi, následne veľkými farebnými vzormi, z ktorých mihotavých prvkov sa akoby z podlahy rodili rozplývajúce sa postavy.

Gustav Klimt. Symbolika secesie a femme fatale

Pallas Aténa. 1898

Tu Klimt prvýkrát použil zlato. Zmyselná ornamentika zdôrazňuje dôležitú erotickú zložku jeho predstáv o svete

„Chceme vyhlásiť vojnu sterilnej rutine, nehybnému byzantizmu, všetkým druhom nevkusu... Naša „secesia“ nie je bojom moderných umelcov so starými majstrami, ale bojom o úspech umelcov, a nie obchodníkov, ktorí volajú sami umelci, no zároveň ich komerčné záujmy zasahujú do rozkvetu umenia.“ Toto vyhlásenie Hermanna Bahra, dramatika a divadelného kritika, duchovného otca secesionistov, môže slúžiť ako motto pre založenie Viedenskej secesie v roku 1897, ktorej bol Klimt jedným zo zakladateľov, prezidentom (do roku 1905) a duchovným vodcom. .

Umelci mladšej generácie už nechceli akceptovať opatrovníctvo, ktoré im uložil akademizmus; požadovali, aby ich práce boli vystavené na správnom mieste, bez „trhových síl“. Chceli ukončiť kultúrnu izoláciu Viedne, pozvať do mesta umelcov zo zahraničia a sprístupniť diela členov secesie aj v iných krajinách. Secesionistický program bol významný nielen v „estetickom“ kontexte, ale aj ako boj o „právo na kreativitu“, o umenie ako také; bol základom boja medzi „veľkým umením“ a „menšími žánrami“, medzi „umením pre bohatých“ a „umením pre chudobných“ – skrátka medzi „Venušou“ a „Nini“.

„Viedenská secesia“ zohrala dôležitú úlohu vo vývoji a šírení secesie ako sily pôsobiacej proti oficiálnemu akademizmu a buržoáznemu konzervativizmu. Táto vzbura mládeže pri hľadaní oslobodenia od obmedzení, ktoré na umenie kladie sociálny, politický a estetický konzervativizmus, by sa mohla rozvinúť s nebývalým úspechom a vyvrcholiť v utopický projekt: myšlienka transformácie spoločnosti prostredníctvom umenia.

Umelecké združenie „Vienna Secession“ začalo vydávať vlastný časopis „Ver Sacrum“ („Posvätná jar“), s ktorým Klimt pravidelne dva roky spolupracoval. Po úspechu hnutia a úspešných výstavách v iných krajinách sa projekt výstavby vlastnej výstavnej budovy Secession stal realitou. Klimt predstavil svoje kresby pre projekt v grécko-rímskom štýle, ale prednosť dostal (a nakoniec aj zrealizoval) projekt „paláca umenia“, ktorý vypracoval Joseph Maria Olbrich. Jeho koncept bol zmesou geometrických tvarov – od kocky až po guľu. Slávny výrok umeleckého kritika Ludwiga Hevesyho bol umiestnený na štíte: „Čas je vaše umenie. Umenie je vaša sloboda."

Otvorenie výstavnej budovy Viedenskej secesie v marci 1898 bolo netrpezlivo očakávané. Klimt tu predstavil kompozíciu „Theseus a Minotaurus“, naplnenú bohatým symbolickým významom. Figový list zámerne chýbal a umelec bol nútený upokojiť skromnosť cenzorov zobrazením stromu. Takmer úplne nahý Theseus symbolizoval boj za niečo nové v umení; je na osvetlenej strane, zatiaľ čo Minotaurus, prebodnutý Théseovým mečom a nesmelo sa sťahujúci do tieňa, predstavuje zlomenú silu. Aténa, vystupujúca z hlavy Dia, bdie nad scénou ako stelesnenie ducha zrodeného z mysle, symbolizujúceho božskú múdrosť.

Schubert pri klavíri. 1899

Klimtove „mierumilovné“ diela obdivovali vo Viedni a verejnosť potešil stvárnením obľúbeného skladateľa sentimentálnej buržoázie.

Niet umenia bez mecenášstva a mecenáši secesie sa nachádzali predovšetkým medzi židovskými rodinami viedenskej buržoázie: oceliarsky magnát Karl Wittgenstein, textilný magnát Fritz Werndorfer, ako aj rodiny Kniepsovcov a Ledererovcov, ktoré podporovali práve Moderné umenie. Všetci patrili k tým, ktorí si u Klimta objednali obrazy a on sa špecializoval na portréty ich manželiek.

Portrét Sonyy Knipsovej. 1898

Portrét mladej dámy zo spoločnosti vyjadruje ľahostajnosť a odstup príznačný pre všetky femme fatale od tejto doby.

Portrét Sonyy Knipsovej bol prvým v tejto „galérii manželiek“. Kniepsovci sa zaoberali hutníckym priemyslom a bankovníctvom. Josef Hofmann navrhol ich dom a Klimt namaľoval množstvo obrazov vrátane v roku 1898 portrétu Sonji v strede obývačky. Portrét kombinuje niekoľko štýlov. Je známe, že Klimt obdivoval Makartovu hyperbolu a póza Sonie Knieps naznačuje vplyv tvorkyne portrétu slávnej herečky Burgtheatru Charlotte Voltaire v obraze Messaliny, ktorý sa prejavuje napríklad v asymetrickej polohe postavy a v zvýraznení siluety. Na druhej strane interpretácia šiat, ktorá nie je pre Klimta vôbec typická, pripomína Whistlerovu svetelnú klietku. Hrdý, rezervovaný výraz, ktorý Klimt dal tejto spoločenskej dáme, je pre umelca typický; Odvtedy sa znova a znova objavuje medzi jeho femme fatale.

Nuda Veritas (Nahá pravda). 1899

Táto pravá žena, vysoká dva metre, výrazná a provokujúca svojou nahotou, privádzala do rozpakov a dráždila viedenskú verejnosť. Len jej ochlpenie stačilo na vyhlásenie vojny klasickému ideálu krásy.

Jednou z najpopulárnejších myšlienok fin de siècle (koniec storočia) bola dominancia žien nad mužmi. Téma „súboja pohlaví“ prenikla do salónov; Do diskusie sa zapojili aj umelci a intelektuáli. Pallas Athena, ktorú namaľoval Klimt v roku 1898, bola prvým obrazom v jeho galérii „superženy“: Athena si so svojím brnením a zbraňami verí vo víťazstvo, podmaňuje si muža a možno aj celé mužské pohlavie. Niektoré prvky vyskytujúce sa v tomto obraze budú zásadné v ďalšej Klimtovej tvorbe: napríklad použitie zlata a premena tela na ornament a ornament na telo. Klimt pokračoval v práci s vonkajšou formou, na rozdiel od mladšej generácie expresionistov, ktorí hľadali okamžitý prienik do duše. Klimtov vizuálny jazyk sa ujal ako mužského, tak aj ženské symboly zo sveta freudovských snov. Zmyselný, erotizovaný ornament odráža jednu zo strán Klimtových predstáv o svete.

Erotika Klimtovej tvorby neustále vyvolávala polemiku, ako v prípade troch návrhov dekoratívnych panelov pre Veľkú aulu univerzity, ktoré boli vnímané ako škandalózne. V roku 1899 Klimt predstavil konečnú verziu filozofie, prvého z týchto troch obrazov. Pôvodná verzia už bola v tom čase vystavená na svetovej výstave v Paríži. Hoci ju mnohí kritici dobre prijali a na výstave dokonca získala cenu, vzdelaná verejnosť vo Viedni z nej urobila taký škandál, ako keby celá viedenská kultúra bola zašliapaná do blata. Klimt to však zrejme napísal len s tými najlepšími úmyslami.

filozofia. 1899-1907

Muži a ženy plávajú ako v tranze bez toho, aby ovládali zvolený smer. To bolo v rozpore s predstavami o vede a poznaní, ktoré prevládali medzi vedcami tej doby, ktorí sa cítili smrteľne urazení. Prácu si objednala Viedenská univerzita.

„Hoci svojimi činmi a umením nemôžete potešiť všetkých ľudí, nechcete potešiť mnohých. Nie je dobré potešiť dav.“ Súdiac podľa rozhorčenia vyvolaného Klimtovou medicínou sa zdá, že Schillerov princíp si osvojil.

„Filozofiu“ vnímal ako syntézu svojich predstáv o svete a zároveň ako hľadanie vlastný štýl. V katalógu vysvetlil: „Vľavo je skupina postáv: Začiatok života, Zrelosť a Vŕzganie. Na pravej strane je guľa predstavujúca tajomstvo. Nižšie sa zobrazí osvetlená postava: Vedomosti.“

Ctihodní viedenskí profesori sa však vzbúrili proti tomu, čo považovali za útok na tradíciu. Navrhli, aby umelec namaľoval obraz, ktorý by mohol vyjadrovať triumf svetla nad temnotou. Namiesto toho im Klimt predložil obraz „víťazstva temnoty nad všetkým“. Inšpirovaný dielami Schopenhauera a Nietzscheho a snažiac sa nájsť svoj vlastný spôsob, ako vyriešiť metafyzickú hádanku ľudskej existencie, umelec obrátil ich myšlienku na vyjadrenie zmätku moderného človeka. Neváhal porušiť tabu také témy ako choroba, telesný úpadok, chudoba – v celej ich škaredosti; Predtým bola realita zvyčajne sublimovaná prezentovaním jej najvýhodnejších aspektov.

Prietok. 1898

Klimtove vodné ženy so zmyselným výrazom sa poddávajú objatiu vĺn, svojmu prirodzenému živlu.

Život a jeho erotická myšlienka sa vždy sústreďovali okolo boja medzi Erosom a Thanatosom a tieto myšlienky Klimta úplne zachytili. Alegória medicíny, druhá zo série skladieb pre univerzitu, opäť vyvolala škandál. Osudom roztrhané telá sú unášané prúdom života, v ktorom, zmierené, všetky jeho etapy, od narodenia až po smrť, prežívajú slasť či bolesť. Takáto vízia hraničí s bagatelizovaním úlohy medicíny; zdôrazňuje jej bezmocnosť v porovnaní s neprehliadnuteľnými silami Rocka. Nie je bohyňa zdravia Hygieia, stojaca chrbtom k ľudskému pokoleniu s kňazskou ľahostajnosťou, skôr tajomnou či očarujúcou femme fatale než symbolom vedeckej osvety? Nie sú podmanivé ženské telá zmiešané s kostrami priamou ilustráciou Nietzscheho podobenstva o „večnom návrate“, kde sa smrť vníma ako najvyšší bodživot? Klimt vo Filozofii a medicíne vyjadruje schopenhauerovský názor, že „svet ako túžba, ako slepá sila vo večnom kolobehu sa rodí, miluje a umiera“.

Liek. 1900-1907

Klimt bol odsúdený za zobrazenie bezmocnosti medicíny a sily choroby. Verejnosť bola hlboko pobúrená a šokovaná a umelec bol obvinený z „pornografie“ a „prílišnej zvrátenosti“.

Tretie dielo pre univerzitu „Právna veda“ bolo prijaté s rovnakým nepriateľstvom; diváci boli šokovaní škaredosťou a nahotou, o ktorej verili, že ju vidia. Iba Franz von Wickhoff, profesor dejín umenia na Viedenskej univerzite, obhajoval Klimta v legendárnej prednáške s názvom „Čo je škaredé? O škandále, ktorý vyvolal Klimt, sa však hovorilo aj v parlamente. Umelec bol obvinený z „pornografie“ a „nadmernej zvrátenosti“.

judikatúra. 1903-1907

Namiesto toho, aby podľa očakávania zobrazoval víťazstvo svetla nad temnotou, Klimt odrážal ľudský pocit neistoty vo svete okolo nás.

Zdá sa, že Klimt interpretuje sexualitu pojmami inšpirovanými Freudovým výskumom psychológie nevedomia. Umelcove riskantné pokusy – ó hanba! - boli zamerané na prezentáciu sexuality ako oslobodzujúcej sily, kontrastujúcej s vedeckými poznatkami a ich obmedzeným determinizmom. Od Klimta sa očakávalo, že bude oslavovať vedu, no namiesto toho sa nechal uniesť citátom z Vergíliovej Eneidy, ktorý Freud parafrázoval vo svojom Výklade snov: „Ak nemôžem ovládať bohov, privolám peklo.“

Klimt sa nenechal zastrašiť tvrdou kritikou a išiel ďalej svojou vlastnou cestou. Jeho jedinou odpoveďou na militantnú opozíciu bol obraz, ktorý sa najprv nazýval Moji kritici a po výstave - Zlatá rybka. Hnev verejnosti vyvrcholil: krásna nezbedná nymfa v popredí odhalila svoj zadok, aby ho všetci videli! Morské postavy lákajú diváka do sveta sexuálnych fantázií a asociácií, porovnateľných so svetom Freudových symbolov. Tento svet bol nahliadnutý už v Prúde a Nymfách (Strieborná rybka) a bude znovu odhalený o niekoľko rokov neskôr vo Vodných hadoch I a Vodných hadoch II. Secesia rada zobrazovala podmorské kráľovstvo, kde na mäkkýšoch Venuše rastú tmavé a svetlé riasy alebo sa v strede lastúry trblieta jemné tropické koralové telo. Význam symbolov nás privádza späť k ich nepochybnému prototypu – žene. V týchto podvodných snoch sa riasy stávajú chĺpkami rastúcimi na hlave a ohanbí. Sledujú tok vo zvlnenom pohybe, ktorý je tak charakteristický pre modernu. S mdlým odporom sa poddávajú objatiu morské prvky, tak ako je Danae otvorená Diovi, preniká do nej v podobe zlatého dažďa.

Nymfy (strieborné ryby). OK. 1899

Tieto morské obrazy dláždia cestu labyrintom sexuálnych narážok, ktoré sú rozpoznateľné vo Freudovom svete symbolov.

Judita I. 1901

Spojenie so sexualitou a smrteľnosťou, Eros a Thanatos priťahovalo v tom čase nielen Klimta a Freuda, ale celú Európu; Pietne publikum si vypočulo predstavenie krvavej vášne Klytemnestry v opere Richarda Straussa.

Portréty spoločenských dám dali Klimtovi finančnú nezávislosť. Nebol teda povinný vychádzať v ústrety verejnému vkusu ani vidieť svoje starostlivo premyslené a brilantne prevedené diela zašliapané do špiny. Veril, že jeho obrazy sa dajú kúpiť späť za rovnakú sumu, za akú boli kúpené. Viedenskej novinárke Berthe Zuckerkandl vysvetlil: „Hlavné dôvody, prečo som sa rozhodol požiadať o vrátenie obrazov mi... neboli spôsobené podráždením z rôznych útokov... mohli vzniknúť u mňa. Všetky útoky kritiky sa ma v tom čase takmer nedotkli a navyše mi nebolo možné vziať šťastie, ktoré som prežíval pri práci na týchto dielach. Vo všeobecnosti som veľmi necitlivý na útoky. Ale stanem sa oveľa citlivejším, ak pochopím, že niekto, kto si objednal moju prácu, je s ňou nespokojný. Ako v prípade, keď sú obrazy prekryté.“5. Nakoniec vláda súhlasila s tým, aby priemyselník August Lederer kúpil filozofiu za zlomok pôvodnej ceny. V roku 1907 získal Koloman Moser medicínu a právo. V snahe zachrániť maľby počas druhej svetovej vojny boli premiestnené do zámku Immendorf v južnom Rakúsku; 5. mája 1945 bol hrad a všetko, čo v ňom bolo uložené, zničené pri požiari pri ústupe jednotiek SS Dnes možno získať predstavu o diele, ktoré kedysi vyvolalo takéto verejné pobúrenie -biele fotografie a dobrá farebná kópia bohyne Hygieia, ústrednej postavy medicíny. Nechýba ani „pestrofarebný“ komentár Ludwiga Hevesyho: „Nechajte svoj pohľad obrátiť sa k dvom bočným obrazom Filozofia a Medicína: magická symfónia v zelenej farbe, inšpiratívna predohra v červenej farbe, čisto dekoratívna hra farieb na oboch. V Jurisprudenciu dominuje čierna a zlatá, neskutočné farby; a zároveň línia nadobúda význam a forma sa stáva monumentálnou.“

Klimtove dielo vzniklo v boji medzi Erosom a Thanatosom, popierajúc základné zákony buržoáznej spoločnosti. Vo Filozofii zobrazil triumf temnoty nad svetlom, v rozpore so všeobecne uznávanými predstavami. V medicíne odhalil jej neschopnosť liečiť chorobu. Nakoniec v Jurisprudence napísal odsúdeného muža v moci troch fúrií: pravdy, spravodlivosti a zákona. Vyzerajú ako Erinyes, obklopené hadmi; Za trest chobotnica stisne odsúdeného vo svojom smrteľnom objatí. Klimt chcel svojimi obrazmi sexuálnych archetypov šokovať prvotriednu spoločnosť a „zbúrať piliere“ morálky.

Z tejto špeciálne koncipovanej skupiny sa nezachovalo nič, okrem niektorých hmotných dôkazov: fotografií a kópií fragmentov zmiznutých majstrovských diel. A tiež trpké vedomie bezmocnosti umelca, zosmiešňovaného cenzúrou. Klimt nikdy nebol profesorom na akadémii; ale pred tými, ktorí sa mu posmievali, zdvihol zrkadlo „nahej pravdy“ – Nuda Veritas.

Judita II (Salome). 1909

Judith alebo Salome? Klimt mal zjavne väčšiu šancu nakresliť „smrteľný orgazmus“ femme fatale ako portrét cnostnej židovskej vdovy.

„Čas je tvoje umenie. Umenie je vaša sloboda,“ napísal Hevesy na štít výstavnej budovy Viedenskej secesie. Klimt chcel byť úplne slobodný, chcel myslieť a písať nezávisle od oficiálnych príkazov a v tom sa mu dostalo podpory od viacerých verných mecenášov. Pred škandálom s Viedenskou univerzitou sa stretol s Nikolausom Dumbou, synom gréckeho podnikateľa z Macedónska, ktorý mal väzby na východ a uspel v bankovníctve a textilnom priemysle. Vnútornú výzdobu Dumbovej kancelárie urobil Hans Makart; Po Makartovej smrti sa Klimt stal jeho obľúbeným umelcom. Práve jemu Dum-ba dôveroval, keď zariaďoval nábytok a zdobil hudobnú miestnosť vo svojom paláci. Klimt namaľoval dva obrazy nad portálom: prvý zobrazuje Schuberta pri klavíri, zatiaľ čo druhý, Hudba II, zobrazuje grécku kňažku s Apollo citharou. Prvý je poznačený nostalgiou za strateným rajom, ktorý sa nachádza medzi bezstarostnou skupinou užívajúcou si domácu hudbu. Druhá je napísaná úplne iným štýlom a poukazuje na dionýzovský svet hudobných symbolov. „V týchto dvoch obrazoch,“ napísal Karl E. Schorske, „v jednej miestnosti na seba naráža buržoázny pokoj a dionýzovské vzrušenie. Obraz so Schubertom zobrazuje skladateľa doma obklopeného hudbou, čo je najvyšší estetický bod istoty a správny spôsob života. Javisko je osvetlené teplým svetlom svietnika, ktoré zjemňuje obrysy postáv, aby sa rozplynuli vo sviatočnej harmónii... Klimt pomocou impresionistických techník zasadzuje svoju historickú rekonštrukciu do atmosféry nostalgickej spomienky. Predstavuje nám sladký sen, jasný, ale bez tela – sen o nevinnom, príjemnom umení v službách bezstarostnej spoločnosti.“

Portrét Geta Felshvaniho. 1902

Toto bol Klimt, ktorého Viedeň milovala, Klimt, ktorý uchvátil aj najkonzervatívnejšie publikum a odmenil ho viac než len potleskom. Verejnosti dal viac, než očakávala – skladateľa Schuberta, posvätný predmet jej sentimentálnej úcty. Klimt zachoval tento atraktívny štýl pre mecenášov z viedenskej vysokej spoločnosti. Zjavne to bolo evidentné v jeho Portréte Sonie Kniepsovej a v nežnosti nasledujúcich portrétov jeho „manželiek“: Herty Felyivani, Sereny Lederer a Emilie Flöge. Ženy na týchto portrétoch však majú vždy rovnaký vyrovnaný, zasnený výraz: na svet a na muža sa pozerajú s melanchóliou a odstupom. Klimtov „strach z voľného priestoru“ sa tu objavil súčasne s majestátnymi pózami hrdiniek. Jeho eklekticizmus mu umožnil tvoriť v štýle Diega Velazqueza alebo Fernanda Knopfa. Z jednej si osvojil spôsob maľovania obrysov brady a objemných účesov; od druhej - hlavné charakteristiky femme fatale. Na zjavnej pasivite jeho modelov je vždy niečo ohromujúce.

Portrét Sereny Ledererovej. 1899

Klimt vedel potešiť prosperujúcich židovských občanov Viedne, ktorí podporovali secesiu. Maľoval portréty ich manželiek, čím im dodal bezhraničný šarm a istý nádych arogancie.

Portrét Emílie Flögeovej. 1902

Emilia Flöge bola Klimtovou veľkou láskou a jeho spoločníčkou až do konca jeho dní. Riadila módny dom a on pre ňu vymýšľal náčrty látok a šiat. Jeho vzory vyzerajú, ako keby boli vystrihnuté zo vzorov jeho obrazov.

Klimt sa však neriadil len požiadavkami zákazníka, zdalo sa, že sa zbavil všetkých obmedzení a maľoval tak, ako chcel. Na obrazoch sa objavil úplne iný typ ženy, nebezpečná a riadená inštinktom, ako v Pallas Athena a Nuda Veritas (Nahá pravda). Táto postava, ktorá sa prvýkrát objavila na kresbe pre časopis Ver Sacrum, sa stala známou ako „démon secesie“. Druhá verzia obrazu - olejomaľba (2,6 metra vysoká) - vyjadruje prielom Klimtovho nového, „naturalistického“ štýlu. Verejnosť bola šokovaná a zahanbená provokatívne nahou ryšavou ženou: nebola to Venuša, ale vyobrazenie kokotovej Nini v životnej veľkosti, stvorenia z mäsa a kostí, pretínajúceho väzby s tradičnou idealizáciou nahej ženy v r. umenie. Ako komentár, ktorý umocňuje provokatívnosť a zabezpečuje následné odmietnutie verejnosti, slúži Schillerov citát: „Hoci svojimi činmi a umením nemôžete potešiť všetkých, chcete uspokojiť niekoľkých. Nie je dobré potešiť dav.“ Táto prvá verzia, publikovaná vo Ver Sacrum, obsahovala aj citát od L. Schaeffera: „Skutočné umenie vytvára málokto a málokto ho oceňuje.“

Judith I a o osem rokov neskôr Judita II sú ďalšími inkarnáciami Klimtovho archetypu femme fatale. Jeho Judita nie je biblická hrdinka, skôr Viedenčanka, jeho súčasníčka, o čom svedčí aj jej módny, možno drahý náhrdelník. Podľa publikácií Berthy Zuckerkandlovej vytvoril Klimt typ ženy vamp dávno predtým, ako sa na striebornom plátne objavili Greta Garbo a Marlene Dietrich, ktoré ho zosobňovali. Hrdá a slobodná, no zároveň tajomná a očarujúca, femme fatale si samu seba cení vyššie ako mužský divák.

Bukový les. OK. 1902

Klimt vniesol do svojej krajiny rovnakú zmyselnosť, akú možno nájsť v jeho portrétoch. Tu sa obracia k sofistikovanému efektu tapisérie.Stromy zobrazené Van Goghom znejú moderná maľba ako fanfára, zatiaľ čo v Klimtových stromoch je cítiť zmyselné vzrušenie žien.

Obrazy nie je možné prezerať oddelene od luxusných rámov. Prvú verziu rámu vyrobil náhodou brat umelca, klenotník Georg Klimt. Ornament na obraze bol tiež prenesený na rám v tom čase veľmi populárnym spôsobom, ktorý navrhli prerafaeliti. Obrazy vznikli pod vplyvom byzantského umenia, ktoré Klimt študoval počas cesty do Ravenny. Zamýšľaný kontrast medzi objemovou plasticitou jemne kreslenej a jemne sfarbenej tváre a dvojrozmerným povrchom ornamentu - rozlišovacím znakom tieto maľby. „Efekt fotomontáže“ umocňuje ich čaro.

Klimt nepochybne našiel v Judite všeobecný symbol spravodlivosti, ktorý žena koná nad mužom, ktorý svoju vinu odčiní smrťou. Aby zachránila svoj ľud, Judith zviedla nepriateľského veliteľa Holofernesa a odrezala mu hlavu. Starozákonná hrdinka, pekný príklad odvahy a odhodlania, slúžiaca ako ideál, sa stáva Klimtovou „kastrujúcou“ ženou... V tejto biblickej postave sú Eros a Smrť zjednotení v známom spojení, ktoré fin de siècle (koniec r. storočia) považovali za veľmi zaujímavé. Ďalším príkladom „kastrujúcej“ ženy, nehanebne stelesňujúcej tie najkrutejšie fantázie, bola hrdinka opery „Electra“ od Richarda Straussa, krvilačná Clytemnestra.

Klimtova Judita musela dráždiť tú časť viedenskej spoločnosti (inak pripravenej akceptovať jeho porušovanie tabu), ktorá sa nazývala židovská buržoázia. Klimt porušil náboženské zákazy a diváci neverili vlastným očiam. Komentátori sa domnievali, že Klimt sa musel mýliť, keď tvrdil, že táto šialená, takmer orgazmická žena s napoly privretými očami a mierne pootvorenými perami je zbožná židovská vdova a statočná hrdinka. Biblická Judita bez najmenšieho potešenia splnila strašné poslanie, ktoré jej zverilo nebo a odťala hlavu Holofernesovi, vodcovi asýrskej armády. Ľudia si boli istí, že Klimt musel mať na mysli Salome, typickú fin-de-siècle femme fatale, ktorá už uchvátila toľko umelcov a mysliteľov, od Gustava Moreaua po Oscara Wilda, Aubrey Beardsleyho, Franza von Stucka a Maxa Klingera. A obraz „Judith“ s najlepšími úmyslami sa v katalógoch a časopisoch neustále nazýval „Salome“. Zostáva neznáme, či Klimt pripísal črty Salome svojej Judite; ale nech sú jeho zámery akékoľvek, výsledkom je najvýrečnejšie zobrazenie Erosa a fantázie modernej femme fatale umelkyne.

Zlatá rybka. 1901 - 1902

Tento obraz je Klimtovou odpoveďou na ostrú kritiku jeho obrazov na fakulte. Prvý s názvom „Mime for the Critics“ obraz ukazuje v popredí úžasne hravú naiadu, ktorá otvorene odhaľovala svoj krásny zadoček, aby ho bolo možné vidieť.

Klimt však nebol len znalcom femme fatales. Zatiaľ čo jeho diela pre Veľkú sieň univerzity stále vyvolávali širokú rezonanciu, začal „pestovať svoju záhradu“ ako Candide. Klimt sa otočil krajinomaľba, pričom východiskovým bodom sú krajiny impresionistov a postimpresionistov. Existuje dostatok dôkazov, ktoré naznačujú, že niektoré Klimtove rané krajiny, ako napríklad Swamp (1900) alebo Vysoké topole II (1903), boli založené na Monetovom diele. Klimt však ako krajinár ponúka stabilnú syntézu impresionizmu a symbolizmu. Obrysy ťahov sú zničené (to pripomína impresionistov), ​​ale schematická interpretácia povrchu často naznačuje vplyv východu, typický pre secesiu. Na rozdiel od impresionistov sa Klimt nezaujíma o zobrazovanie vody, ani o hru šerosvitu. Podobne ako vo svojich portrétoch, aj v krajine akoby vytváral mozaiky, spájajúc naturalizmus so schematizmom. To je zrejmé, ak porovnáme obrazy ako Po daždi, Nymfy alebo Portrét Emilie Flöge s Bukovým lesom. V krajinách, ako aj v portrétoch a alegóriách, postavy a formy vystupujú akoby na pozadí plošnej ornamentiky.

Lesné scény ako Bukový les sú ako tapisérie, do ktorých Klimt vnáša zmysel pre rytmus vytvorením opakujúceho sa vzoru, zoskupením vertikálnych a horizontálnych línií. Van Gogh zúfalo bojoval za víťazstvo moderného maliarstva, zatiaľ čo Klimt bol tichší žnec, zmyselnú žiaru jeho krajiny umocňoval ornamentálny a symbolický význam. Rôzne kúsky mozaiky, ktoré zaplnili horizont a zničili voľný priestor, mu pomohli zbaviť sa „strachu z voľného priestoru“.

Skutočnosť, že v jeho krajinách nie je ani náznak ľudskej prítomnosti, nám pomáha pochopiť, že Klimt skutočne vnímal krajinu ako živé bytosti. Umelcov postoj ku krajinám je rovnako jedinečný ako jeho postoj k ženám – hlavným postavám jeho tvorby. Nevyzerajú šaty, ktoré mala Emilia Flöge na svojom prvom portréte (1902), ako keby látka bola vystrihnutá z lesnej krajiny, aby sa prispôsobila ženskému telu ako druhá koža? Klimt si vybral tieto šaty, aby zdôraznil všetky prednosti štíhlej siluety; trochu zvláštne, čo to spôsobilo vo Viedni nový škandál. Dokonca aj umelcova matka vyjadrila svoju nespokojnosť s novotvarmi, ktoré s volánikmi a volánmi, ktoré v tom čase ešte neboli akceptované, podľa nej ďaleko presahovali hranice slušnosti.

V Klimtových portrétoch nehrajú šaty menšiu úlohu ako samotné modelky. Šikovne slúžia na odhalenie individuality ženy, umocňujú vnímanie tváre, krku a rúk. Klasickým príkladom je Ingres, ktorého portréty sú tiež plné zmyselnej krásy. U oboch umelcov plnilo oblečenie rovnakú potrebnú funkciu ako telo. Vyjadrenie Gaetana Picota o Ingresovi rovnako možno pripísať aj Klimtovi: „V Ingresovej práci nie je nič zručnejšie, rafinovanejšie ako harmónia krku a náhrdelníka, zamatu a mäsa, plášťa a účesu; alebo hranice kontaktu medzi hrudníkom a šatami s nízkym výstrihom, rukou a dlhou rukavicou. Ak sú na týchto portrétoch ženy oblečené v nejakom špeciálnom šate, je to preto, že z nich vychádza svetlo túžby; prichádzajú k nám v zahalenej nahote...“

Gilles Neret. Tachen / Umelecká jar, 2000

Iné diela

01 - Zlatá Adele. 1907

02 - Beethovenov vlys (detail: nepriateľské sily). 1902

03 - Idylka. 1884

04 - Bájka. 1898

05 - Bozk. 1907-1908

06 - Danae. 1907-1908

07 - Beethovenov vlys, Wandgem. 1902

08 - Tri vekové kategórie žien. 1905

09 - Vodné hady 1. 1904-1907

10 - Priateľky. 1916-1917

11 - Vodné hady 2. 1904-1907

12 - Panny. 1913

13 - Život a smrť. 1908-1911

14 - Portrét Adele Bloch-Bauerovej. 1912

15. - Portrét barónky Elisabeth Bachoffen-Ekt. 1914-1916

16 - Portrét Eugenie Primaversiovej. 1912

17 - Portrét Frederiky Márie. 1916

18 - Portrét Márie Munchovej. 1917-1918

19 - Portrét Margaret Stonborough-Wittgenstein. 1905

20 - Portrét Johanny Staude. 1917-1918

21 - Adam a Eva. 1898

22 - Nádej. 1903

23 - Čakanie. 1905-1909

24 - Objatia. 1905-1909

25 - Strom života. 1905-1909

27 - Slnečnice v dedinskej záhrade. 1905-1906

28 - Pole maku. 1907

29 - Brezový háj. 1903

Krajinné scény ako Pole vlčích makov, Slnečnice, Bukový les a Brezový háj sú ako tapisérie, do ktorých Klimt vnáša zmysel pre rytmus, vytvára opakujúci sa vzor, ​​zoskupujúci vertikálne a horizontálne línie a farebné škvrny. Rôzne kúsky mozaiky zaplnili horizont a zničili voľný priestor, pomohol mu zbaviť sa „strachu z voľného priestoru“. Skutočnosť, že v jeho krajinách nie je ani náznak ľudskej prítomnosti, nám pomáha pochopiť, že Klimt skutočne vnímal krajinu ako živé bytosti.

30 - Sedliacky dom s brezami. 1900

31 - Kvitnúce kukuričné ​​pole. 1909

32 - Hrad Malcesine pri jazere Garda. 1913

33 - Hrad Kammer pri Attersee. 1910

34 - Park. 1910

35 - Obrovský topoľ, alebo hroziaca búrka. 1903

36 - Rybník v parku hradu Kammer. 1899

37 - Kostol v Kasone. 1913

38 - Cesta v parku hradu Kammer. 1912

39 - Dom Guardaboski. 1912

40 - Sedliacky dom v Hornom Rakúsku. 1912

41 - Jabloň. 1916

42 - Kvetinová záhrada. 1905-1906

43 - Hrad Kammer pri jazere Attersee. 1912

44 - Tanečnica. 1906

45 - Bozk. 1907-1908

46 - Láska. 1895

Gustav Klimt. Fotografia z roku 1914

Gustav Klimt: „Moje autoportréty neexistujú. Vlastná osoba ako objekt na zobrazenie ma nezaujíma. Uprednostňujem iných ľudí, najmä ženy, a navyše iné formy existencie...“

Rané práce

Schubert pri klavíri. 1896 Olej, plátno. 150200 cm stratené v roku 1945

Hudobníkova tvár je vyobrazená s mimoriadnou fotografickou presnosťou. Za ním je nápis Anno Domini a dátum vytvorenia diela napísaný rímskymi číslicami – MDCCCLXXXX. Majster si túto techniku ​​požičal od umelcov stredoveku.
Obraz je umiestnený v širokom medenom ráme, ktorý vyrobil Gustávov starší brat. Metódou razenia je naň aplikovaný štylizovaný antický dizajn, v ktorom je aj vyobrazenie lýry - s jej pomocou majster napovedá o profesii zobrazovanej osoby.
"Viedenská secesia"

Obdobie rokov 1891 až 1898 je v Klimtovom živote prechodným obdobím. Ernestov otec a mladší brat zomreli v roku 1892. Postupom času dochádza k symbolicko-erotickej interpretácii obrazov a výberu alegorických námetov, meniacim farebnú paletu.
Ich mottom boli slová Ludwiga Hevesyho umiestnené nad vchodom do Secesného domu: „Čas má svoje umenie, umenie má svoju slobodu.“
Klimt odvážne experimentoval, hľadal svoj vlastný štýl, bez strachu z kritiky a bočných pohľadov svojich súčasníkov. V jeho dielach z tohto obdobia možno vidieť znaky symbolizmu aj impresionizmu.
V roku 1898 sa konala prvá výstava secesie, kde Klimt predstavil verejnosti „Pallas Athena“ - obraz, ktorý dostal prezývku „démon secesie“ a následne sa stal symbolom nového zjednotenia. Na vytvorenie tohto diela umelec prvýkrát použil zlato.

Aténa je starogrécka bohyňa múdrosti, spravodlivosti a umenia. V Klimtovi je superženou, sebavedomou v sebe a vo svojom víťazstve, v brnení a so zbraňou v rukách. Na Athéninom náprsníku je hlava Gorgony, ktorá vyplazuje jazyk všetkým kritikom secesie, za ňou je obraz bitky Herkula s lernajskou Hydrou.
Čo sa týka techniky prevedenia a motívov, toto dielo odrážalo budúce preferencie majstra ako portrétistu.

Sála starého palácového divadla vo Viedni. 1888 Gvaš, papier. 91,2103 cm Viedenské múzeum na námestí Karlsplatz (Viedeň, Rakúsko)

"Umenie, zbor anjelov neba." Postavy v tejto časti fresky znamenajú radosť a Božie iskry.
Klimt vytvoril vlys tak, že dielo sa stalo majetkom štátu. V 50. rokoch 20. storočia Augustov syn Erich, ktorý emigroval do Švajčiarska, dostal časť zbierky späť, vrátane Beethovenovho vlysu, ale nepodarilo sa mu ho odviezť z Rakúska. Častá preprava a nesprávne skladovanie si vyžiadali svoju daň: dielo bolo naliehavo potrebné obnoviť. Rakúska vláda po dlhých rokovaniach majstrovské dielo kúpila.

Do roku 1985 nebol vlys nikde vystavený. Od roku 1986 sídli v Secesnom dome. Až takmer o 20 rokov neskôr bolo dielo zreštaurované a verejne vystavené v British Tate Gallery (Liverpool).
Do tejto doby sa priatelia úplne nezhodli na práci, takže sa ich duet rozpadol. Avšak práve tento rok sa stal zlomovým bodom, medzníkom v Klimtovej tvorivej biografii. Na ozdobenie univerzity vytvoril tri monumentálne panely: „Filozofia“, „Medicína“ a „Jurisprudencia“, ktoré sa stali príčinou škandálu, ktorý vypukol okolo umelca a jeho diela.
Klimt si vybral vlastnú cestu, odlišnú od bežného akademizmu. Namiesto zobrazenia triumfu vied tradičným spôsobom ukázal majster váženej viedenskej verejnosti „skutočnú“ tvár každej disciplíny:
„Filozofia“ - nahé dievča, ktoré vedie ľudí nikam (napísané tmavo modrou farbou);
„Medicína“ sa bezducho odvracia od davu chorých a umierajúcich, vyzerá skôr ako kňažka, ktorá je pripravená človeka obetovať a nie vyliečiť (vyrobené v červenej farbe, do ktorej je obraz smrti votkaný modrou vlečkou) ;
„Jurisprudencia“ v osobe troch fúrií nemilosrdne útočí na ľudskú obeť (pre tento panel si majster vybral hustú čiernu farbu).
Neskôr Klimt sformuloval význam „Jurisprudencie“ takto: „Skupina figúrok vľavo je prebudenie života, plodné bytie, zmiznutie.
Kompozícia všetkých troch diel je asymetrická: ľudské telá v nich kontrastujú s prázdnotou pozadia.
Panely vyvolali vlnu negatívnej kritiky: uznávaní profesori ich považovali za pornografické. Práve v týchto dielach sa prvýkrát tak jasne prejavila erotika charakteristická pre umelcovu tvorbu.

Dielo „Zlatá rybka“ (pôvodný názov bol „Mojim kritikom“) vzniklo ako reakcia na akútne negatívne hodnotenie obrazov fakulty. Úprimný uhol ryšavej šelmy v popredí hovorí sám za seba. Takáto odvaha a sloboda úsudku si vyžadovali úplnú finančnú nezávislosť. A Klimt našiel skvelý spôsob, ako získať podporu vplyvných ľudí Viedeň. Začal maľovať portréty ich manželiek!
Ženské obrázky

Teraz sa Klimt nestaral o verejnú mienku ani o módu. Mohol si dovoliť písať, čo sa mu páčilo a ako chcel. Keď sa umelec stal vodcom viedenskej secesie, začal odvážne experimentovať.
Medzi prvé patria portréty Klimtovej sestry Clary a netere Heleny.

Jedáleň v paláci Stoclet (Brusel). Celkový pohľad na mozaiku

Rané portréty

Helena Klimt je šesťročná neter umelca, ktorá sa stala jej poručníčkou po smrti brata Ernesta. Keď vyrastala, Helena začala pracovať v módnom dome sestier Flögeových a nakoniec (po matkinej smrti) sa stala jeho spolumajiteľkou.
Účes v štýle Pageboy, ofina po obočie, úzky pásik na tvári. Svetlé šaty a pozadie kontrastujú s tmavými hnedé vlasy. Rovnako ako iné rané diela Klimta, aj tento portrét je polovičný.
Niektoré portréty z tohto obdobia nechali v tajnosti mená modelov, ktoré umelcovi pózovali. Patrí medzi ne napríklad cudzinec zobrazený na obraze „Dáma v klobúku z boa a peria“.

Pre umelca nie je často dôležité ani to, koho zobrazil na svojich plátnach, ale samotná príležitosť obdivovať nádherné ženské obrazy. Všetky sú napísané jedinečným klimtovským štýlom, založeným na zmesi impresionizmu, ornamentálneho umenia a symboliky. Neskoršie obrázky sú úplne iné.

v záhrade, čo nie je typické pre iné portréty, kde sú postavy maľované v interiéri.
V roku 1899 na objednávku Augusta Lederera Klimt namaľoval portrét svojej manželky Sereny. Formát plátna je vertikálne predĺžený a stojaca postava zaberá takmer všetok voľný priestor. Pozadie nedáva predstavu o tom, kde sa model nachádza: zdá sa, že je mimo času a priestoru.

Viedenská secesia mohla vykonávať svoju činnosť len s dobrým sponzorstvom.
Diela vytvorené umelcom v rokoch 1898 až 1903 majú znaky symbolizmu aj impresionizmu.
Toto je prvé dielo, ktoré Klimt namaľoval novým spôsobom: typický klasický, a nie psychologický portrét ženy (nie je určený na zobrazenie hĺbky vnútorného sveta modelky, jej skúseností).
Umelec dal Sonye na tvári zasnený výraz. Zároveň sa však vyznačuje určitou aroganciou, ľahostajnosťou a rezervovanosťou. Kompozične možno obraz rozdeliť diagonálne na dve časti: Klimt kontrastuje tmu a svetlo, pozadie a popredie, prázdnotu a plnosť. Frau Knieps je na jednej strane realistická a živá, na druhej strane je nedostupná a vzdialená. Ľavou rukou sa drží lakťovej opierky, akoby sa chcela postaviť. Zobrazený model
Na pastelovom pozadí vynikne výrazná tvár orámovaná tmavými vlasmi a čiernym hustým obočím. Realizmus v zobrazení tváre a rúk sa spája so vzdušnosťou oblečenia: šaty tečú pozdĺž nôh hrdinky - zdá sa, že sa „narodila“ z morskej peny. Efekt je umocnený faktom, že v popredí obrazu nie je prakticky žiadny voľný priestor: Serena akoby nestála na zemi.
Hermelín Gallia, rodená Hamburgerová (1870-1936). V roku 1893 sa vydala za svojho strýka Moritza Galliu, vládneho poradcu, ktorý bol jedným z najštedrejších filantropov tej doby.
Je pozoruhodné, že žena je zobrazená v šatách, ktoré navrhol sám Gustav Klimt. Bohužiaľ nie je možné vidieť skutočné farby použité majstrom, pretože pigmenty (jedna zo zložiek farby) tohto obrazu prešli časom významnými zmenami.
Toto je jedna z charakteristických čŕt portrétov tohto obdobia: Klimt odreže spodný okraj postavy: šaty modelky presahujú rám, nohy nie sú viditeľné, čo vytvára dojem vznášajúcej sa hrdinky. Tento efekt umocňuje kontrast: na portréte Sereny sú biele šaty a tmavé vlasy, na portréte Márie Hennebergovej svetlé šaty, tmavé vlasy a kytica fialiek.
V roku 1905 Klimt namaľoval portrét Margaret Stonborough-Wittgenstein - jeden z najzaujímavejších ženských obrazov. Toto moderné a vzdelané dievča patrilo k viedenskej elite. Portrét objednal môj otec ako svadobný darček. Nevesta slávneho amerického lekára Thomasa Stonborougha v bielych šatách na svetlom pozadí zasnene hľadí do diaľky. Je známe, že s prácou umelca nebola veľmi spokojná.

Umelec vedel, ako potešiť manželov: maľoval ich manželky s vyrovnaným a zasneným výrazom na tvárach, čím im dával predstieranú ľahostajnosť, aroganciu a odlúčenie od sveta.
Viedeň milovala práve takého Klimta. Koncom storočia myseľ inteligencie zamestnávala téma boja pohlaví, dominancie žien nad mužmi. Diskusie o tejto otázke pokračovali v salónoch rozdielne názory. Bohatá a náročná verejnosť bola s dielami umelca spokojná; mecenáši z vysokej spoločnosti sponzorstvo secesie neodmietli.
Vzťah Ernesta a Heleny sa rýchlo rozvíjal a vyvrcholil svadbou. Ale Gustav a Emilia sa nikdy nezosobášili, hoci si zostali blízki po celý život.

Sladké 13-ročné dievča priviedol ku Klimtovi jej otec, stolár Hermann Flöge (ktorý nakoniec zbohatol a stal sa prvým výrobcom fajok na fajčenie v celej ríši). Keď videl schopnosť svojej dcéry kresliť, rozhodol sa ju poslať študovať k umelcovi. Emília sa maľbe nevenovala profesionálne, ale hodiny napriek tomu neboli márne. Všetky sestry Flögeové boli vynikajúce stoky. Najstaršia Polina otvorila školu pre krajčírky. Istý čas tam študovala aj Emília.

Približne v rovnakom čase majster namaľoval dva portréty mladej krásky. Oveľa neskôr sa známe črty objavia v ďalších dielach majstra, ale zatiaľ...
V Emiliinom živote jednoducho neboli žiadni iní muži okrem Klimta. Keď si dievča uvedomilo, v čo má dúfať rodinný život Nemalo zmysel byť so svojím milovaným, obrátila sa o radu na vtedy slávneho profesionálneho psychoanalytika Sigmunda Freuda.
Poslúchajúc radu si Emília spolu s Helenou otvorili módny dom, ktorý oslovil vkus buržoáznej verejnosti. Mladá žena sa osamostatnila, finančne zabezpečila a dokázala sa „vyliečiť“ z patologickej lásky k maestrovi. Vzťah však nevyprchal, jednoducho sa zmenil: pokojnejší, priateľskejší. Umelec nazval Emiliu svojou najlepšou priateľkou, ocenil jej rady a rád s ňou trávil čas. Občas sa spolu objavili na spoločenských akciách.

Portrét Emilie Flögeovej vo veku 17 rokov. 1891

Klimt zvolil úzky vertikálny formát a Emíliu zobrazil v r plnej výške. Póza hrdinky tiež vyjadruje odhodlanie a sebadôveru: jej ľavá ruka spočíva na jej boku, hlava je hrdo zdvihnutá, jej otvorený pohľad je upretý na diváka.
Umelec „obliekol“ dievča do šiat neobvyklých na tú dobu, ktoré vymyslel: les a pole akoby utkali koberec a zabalili ju. štíhla postava s jeho okrasným vlakom.
Verejnosť tento portrét brala ako výzvu. V tom čase boli v móde šaty s početnými volánmi a volánmi, ale je to tu! Dokonca aj umelcova matka vyjadrila nespokojnosť s príliš hlbokým výstrihom, ktorý podľa nej prekračoval hranice slušnosti.
Klimt a Flöge boli spolu 27 rokov. Napriek mnohým ženám bola v najťažších chvíľach pánovho života (smrť jeho otca, brata, matky) nablízku iba Emilia. Bola s ním až do konca.
Portrét z roku 1907 zobrazuje 26-ročnú Adele sediacu v kresle. Postava zaberá celú pravú stranu plátna a zdá sa, že je na vrchu odrezaná.
Celú spodnú tretinu plátna zaberá lem šiat modelky. Adele sa podobne ako Emília pozerá na diváka. Ruky zopnuté pred hrudníkom. Studené tóny a realistický obraz tváre a rúk kontrastujú s teplými zlatými prvkami kompozície a vynikajú na pozadí ozdôb. Čierne vlasy a neprimerane veľké červené pery ešte viac priťahujú pohľad na tvár dámy zobrazenej takýmto nezvyčajným spôsobom.
Adele má na sebe obtiahnuté šaty a šál. Všetko je posiate obľúbenými Klimtovými motívmi: špirály, „vševidiace oko“ vpísané do trojuholníka, štvorce, obdĺžniky. Je ťažké uhádnuť, kde sa v tomto kaleidoskope vzorov nachádza stolička. Nie sú tu žiadne tiene, žiadna hĺbka priestoru, obraz je plochý, ornamentálny.
Rakúsko prišlo o svoju vizitku v roku 2006. Dedička (dcéra brata Ferdinanda Bloch-Bauera) Maria Altman predala Zlatú Adelu Ronaldovi Lauderovi za rekordných 135 miliónov dolárov. Tomu však predchádzalo zdĺhavých sedem rokov súdny proces za vrátenie rodinných cenností (vrátane portrétu Bloch-Bauera) stratených počas vojny.

Rakúska vláda sa snažila zachrániť národný poklad: Rokovalo sa s bankami o požičaní peňazí na kúpu obrazu od Altmana, obyvatelia zbierali dary. Všetko úsilie však bolo márne: suma 300 miliónov dolárov (toľko bolo ohodnotených päť Klimtových obrazov) sa ukázala byť príliš vysoká.

To spôsobilo skutočnú „umeleckú“ katastrofu v Klimtovej vlasti. Je ťažké si predstaviť Belvedere bez „Zlatej Adele“, pretože práve reprodukcia tohto obrazu zdobí obálky všetkých rakúskych sprievodcov. Herbert Frodi (riaditeľ galérie) označil incident za „nezmerateľnú stratu pre zbierku múzea a pre kultúrny priestor Rakúska ako celku“. Milióny Rakúšanov prišli o svoju ikonu. Teraz je obraz v New Gallery v New Yorku (jeho vlastníkom je americký podnikateľ Ronald Lauder).
Tento portrét Adele však nie je jediný.
V strede je spredu vyobrazená čiernovlasá kráska v obrovskom klobúku, ktorá sa pozerá na diváka do diaľky. Pozadie je rozdelené do veľkých rovín, ornamentálne usporiadaných v duchu Klimta na základe orientálnych látok. Farby sú jemné a sýte.

Láska. 1895 Olej, plátno. 62,546,5 cm Kunsthistorisches Museum (Viedeň, Rakúsko)

V tomto čase sa umelec začal trochu odchyľovať od obvyklého množstva zlata. Na tomto portréte, ako aj v iných dielach tej doby, postava stojí sebavedomo na nohách, už tu nie je tá ilúzia letu a vzletu, ktorú vytvorili ostrihané šaty presahujúce rám. Vplyv Matisse je cítiť.
Aj druhý portrét Adele opustil rodné Rakúsko: v roku 2006 ho predali za 88 miliónov dolárov do súkromnej zbierky.
Existujú aj iné, skoršie diela, pre ktoré bola modelom Adele Bloch-Bauer. Dá sa ľahko rozpoznať v Judite I., ako aj v Judite II.

"zlaté obdobie"
Od roku 1903 Klimt veľa cestoval: navštívil Benátky, Ravennu, Florenciu, Madrid, Rím, Brusel. Potom sa začína „zlaté obdobie“ jeho práce: nová technológia umelec si požičal od talianskych majstrov. Pozlátenie, reliéfne obrazy ozdôb, dekoratívnosť - to sú charakteristické črty diel tejto doby.
Portrét Fritza Ridlera z roku 1906 zobrazuje zlaté povrchy pozadia, ktorými môžu byť steny alebo podlahy. Umelec ľahko kombinuje schematické, načrtnuté obrázky a precízne vypracovanie detailov. Fritz sedí na stoličke, ktorej ozdoba je vyrobená z pávie oči. Rovnako ako v iných ženských portrétoch, aj v jej obraze sa snúbi neha a pokora so skrytou erotikou a vášňou.
Ridlerov portrét pripomína zobrazenie Infanta Márie Terézie od Diega Velazqueza. Za Fritzovou hlavou je polkruh obdĺžnikových ornamentálnych prvkov, veľmi podobných účesom, ktoré sa nosili za čias infantky.
Táto práca mala v Klimtovej ďalšej tvorbe nemalý význam. Tu sa prvýkrát stretli uzavreté plochy pozadia pokryté zlatom a objavila sa tendencia ku geometrizácii, ktorá sa v plnej sile prejavila na portréte Adele Bloch-Bauerovej (1907).
Ženské portréty „zlatého obdobia“, maľované od roku 1903, spája jediné štylistické riešenie. Všetky modely akoby zmizli v zlatom ornamente, postavy stratili obrysy – akoby „plávali“ v Klimtovom fiktívnom svete.
Jedným z ikonických obrazov tohto obdobia je druh hymny na lásku - „Bozk“.

Klimt tvrdil, že nikdy nemaľoval autoportréty, ale Gilles Néré si je istý, že na obraze „Bozk“ napriek tomu zobrazil seba a Emiliu Flögeovú. Na obraze hrdinky sú zachytené podobné črty Emilie, Adele Bloch-Bauer a ryšavej modelky Hildy Roth. Tvárou v tvár dievčaťu na tomto plátne vytvoril umelec kolektívny obraz ženy.
On je dospelý zrelý muž, ona je mladá a rozkvitnutá. Túžba, vášeň, napätie. Sú na okraji, na okraji útesu. Sám vo vesmíre. Muž a žena sa spojili do jedného, ​​pripravení rozplynúť sa jeden v druhom, ich telá a mysle sa zmocnilo všetko pohlcujúce šťastie.
Aura plátna je hypnotizujúca: nemožno z neho spustiť oči. Každý na obrázku vidí niečo iné: vášeň, nehu, pokoru, či dokonca nátlak a podriadenosť.
Hojnosť zlata je tiež pôsobivá. Väčšina povrchu plátna žiari: oblečenie postáv, stonky rastlín a kvapky v pozadí. To zrejme ovplyvnilo aj vysoké ohodnotenie práce, pretože drahý kov bol vždy spájaný s mystikou a bol považovaný za znak materiálneho bohatstva a významu.
Nie nadarmo sa tento obraz nazýva „zlatá ikona secesie“.
Napriek tomu, že „The Kiss“ bol napísaný len o rok neskôr ako „The Golden Adele“, sú v ňom jasne viditeľné niektoré zmeny v technike zobrazovania postáv. Len na prvý pohľad sú obrázky veľmi podobné. Napríklad Adele je umiestnená na pravej strane plátna a je organicky zahrnutá do vzoru pozadia: jej oblečenie sa rozpadáva na nekonečné čísloštvorcov, kruhov a trojuholníkov, sa stáva jeho neoddeliteľnou súčasťou.
Ale v "The Kiss" majster konal úplne inak: muž a ženská postava umiestnené v strede plátna a zvýraznené zo všeobecného neutrálneho pozadia. Hranice kvetinovej lúky, do ktorej umelkyňa umiestnila splývajúci pár v objatí, sú navyše mimoriadne zreteľne vyznačené. Ďalším významným rozdielom v maľbách je spôsob, akým sú zobrazené ženské tváre.
Po tom, čo Viedenčania vyjadrili svoj obdiv k filmu „The Kiss“, Klimt si dovolil úprimnejšiu zápletku: v „Danae“ dosahuje ženská sexualita vrchol. Podľa legendy kráľ Argos Acrisius, ktorý sa dozvedel, že ho zabije jeho vlastný vnuk, uväznil svoju dcéru Danae v medenej veži a pridelil jej slúžku. Dúfal, že ju takto pred mužmi spoľahlivo ukryl. Napriek takýmto opatreniam však bola Danae stále predurčená stať sa matkou Persea: uchvátený krásou dievčaťa, Zeus do nej prenikol v podobe zlatého dažďa.
Klimt bez váhania namaľoval hrdinku v momente milostnej extázy. Tento predmet používali mnohí majstri, ako Mabuse (1527), Tizian (1545-1546, 1553-1554), Tintoretto (1580) a Rembrandt (1636-1647). Ani jeden z nich však Danae nezobrazoval v tak odhaľujúcej póze.
A opäť na obrázku nie sú žiadne rušivé detaily. Skreslená perspektíva, výber neobvyklého uhla, zlatý zdobený ornament – ​​to všetko má ukázať prirodzenú ženskú krásu. Telo Danae je akousi okrasnou šifrou. Divák sa zdá byť prítomný pri veľmi intímnom aktu, no zároveň je na diaľku.

Gustav Klimt s Emilie Flöge v záhrade vily Oleander pri Attersee

Historici umenia dlho nevenovali náležitú pozornosť obrazom kruhov, ktoré zdobia prehoz na pravej strane plátna. Len o niekoľko desaťročí neskôr ich biológovia identifikovali ako blastocystové vezikuly (skoré štádium embryonálneho vývoja cicavcov). Podobné poznatky získal Klimt pravdepodobne z vedecké prednášky, ktorú čítal manžel Berthy Zuckerkandlovej vo svojom dome (bol to známy maďarsko-rakúsky anatóm).

Je zaujímavé, že „Danae“ je prvým alegorickým obrazom, pre ktorý umelec opustil predĺžený vertikálny formát a uprednostnil štvorec. V ľavej dolnej časti plátna nájdete malý čierny obdĺžnik - symbol mužnosti (jeho obraz nájdeme aj v iných dielach majstra, napríklad v „Bozk“, kde sú čierne a biele obdĺžniky na mužskom plášti ostro kontrastujú s kruhmi na oblečení jeho milovanej a sú s nimi v kontraste) .
V roku 1909 odišiel Klimt do Paríža, kde objavil Henriho de Toulouse-Lautrec, zoznámil sa s dielami Vincenta Van Gogha, Paula Gauguina a Pabla Picassa, ako aj vodcu fauvistického hnutia Henriho Matissa. Jeho diela mali následne veľký vplyv na prácu rakúskeho „majstra zlatého štetca“ (jasne to vidno na obraze „Panna“, kde sa žlté, zelené, červené, modré a fialové farby stávajú akýmsi symbolom života. dobytie pokoja spánku).

Stocletoví dedičia sa ešte nerozhodli, čo s budovou urobia, a tak je, žiaľ, vstup dovnútra pre turistov zatvorený už dlhé roky.

Posledným Klimtovým monumentálnym dielom je vlys pre jedáleň v bruselskom paláci. Umelec vytvoril náčrty mozaikového panelu a Leopold Forstner vykonal prácu v materiáli.
Mozaiky sú umiestnené na troch stenách: oproti sebe sú nainštalované dve veľké tvarované časti s malou ozdobnou vložkou medzi nimi. Sú vyrobené z rôznych materiálov: mramor, keramika, pozlátené dlaždice a smalt, zdobené perlami a polodrahokamami.

Na realizáciu svojho plánu prilákal Hoffman tím profesionálov vrátane Klimta. Uchvátený myšlienkou „úplného umeleckého diela“ a neobmedzený hotovosť, architekt vytvoril niečo úplne nové, nemá obdoby, čo však následne dalo vzniknúť mnohým napodobeninám.
Krajinky
Samostatnou súčasťou Klimtovho odkazu sú krajiny. Neodolateľne ho lákali krištáľové jazerá, vysoké hory a husté lesy. Obľúbil si najmä oblasť okolo jazera Attersee na severe regiónu, kde často dovolenkoval s Emiliou Flöge. Tam namaľoval množstvo krajiniek.
Nejde o diela na objednávku: majster ich vytvoril vo chvíľach oddychu. Na rozdiel od väčšiny portrétov a dekoratívnych malieb, realizovaných na predĺžených vertikálnych plátnach, sa takmer pre všetky krajiny volí štvorcový formát. Námestie je podľa Klimta tvarovo najstabilnejšie, statické a ucelené.
Zvláštnosťou týchto diel je, že pri bližšom skúmaní sa zdá, že sa rozpadávajú na stovky a tisíce mozaikových fragmentov. Niektorí výskumníci umelcovho diela naznačujú, že najprv skúmal, čo sa chystá maľovať, cez ďalekohľad.
V spôsobe zobrazovania vody možno vysledovať tvorivý vplyv impresionistov: prenos svetiel na vodu, šerosvit a blikanie svetla, ako aj jasné oddelenie ťahov, použitie svetlé odtiene farby Toto je obzvlášť viditeľné vo filmoch „Swamp“ a „Ostrov na Attersee“.

Umelec pri týchto prácach dbal nielen na starostlivú kresbu vodnej hladiny, ale aj na architektonické detaily starobylého hradu, postaveného v 13. storočí.
Mimochodom, majster zobrazil Kammer a jeho malebné okolie viac ako raz. Jedno z prvých diel pochádza z roku 1908.
Podľa výskumníkov Klimtovej práce je v tejto práci jasne viditeľný vplyv Van Gogha: ide o výber farebnej palety a reliéfnych ťahov. Takmer vertikálne nahor smerujúce vetvy symbolizujú vonkajšiu usporiadanosť a harmóniu prírody.
Jeden z najviac slávnych diel je považovaný za „Hrad Malcesine na ostrove Garda“ (umelec tam dovolenkoval s Emiliou v roku 1913). Ústredné miesto na plátne zaberá stredoveký hrad Scaligerovcov – mocná obranná stavba, okolo ktorej sa časom rozrástlo mestečko Malcesine. Žiaľ, obraz sa v roku 1945 stratil.
Jediným zachovaným dielom zobrazujúcim Gardu je „Kostol v Kassone“ (ďalší názov je „Krajina s cyprusmi“). Stredisko je maľované z lode. Na plátne nie je obloha: budovy sa stávajú kompozičným centrom. Väčšinu obrazu zaberá starý kostol.

Svieže koruny guľovitých stromov a tmavé cyprusy vyvažujú svetlé budovy.
Osud snímky nebol ľahký. Pôvodne patril Victorovi a Paule Zuckerkandlovým.
Niekoľko desaťročí bol osud obrazu neznámy, no v roku 1962 bol vystavený v Rakúsku s poznámkou „Od súkromná zbierka" Po dohode medzi nemenovaným vlastníkom krajiny a jej právoplatným vlastníkom, synom Mathilde Redlich, bol kostol v Cassone predaný v Sotheby's v roku 2010 za viac ako 43 miliónov dolárov. Toto je jedna z najdrahších Klimtových krajín.

Skupina umelcov, ktorí založili Viedenskú secesiu (Klimt sedí na tróne).

Pre Klimtove rané krajiny bolo nezvyčajné používať tmavé farby. Ale neskoršie diela sú písané sýtejšími farbami, čo im dodáva tajomstvo.
„Jazerné pobrežie s brezami“ pochádza z roku 1901: trblietavá hladina vody, pravú stranu plátna pretínajú dva ohybné kmene. Tento obraz sa vyznačuje neočakávaným uhlom, kontrastmi foriem a zároveň jednotou a zložitosťou kompozície. Stromy napravo sú teda namaľované z veľmi blízkej vzdialenosti a opačný breh naľavo je znázornený v obrátenej perspektíve. Podlhovasté brezy pretínajú trojuholníkový kus jazera, ktorého tvar opakuje krík, ktorý sa v ňom odráža. Strieborne biele kmene v popredí kontrastujú s tmavými stromami v diaľke, sviežou zelenou trávou a roztrúsenými žlté kvety- s modrou hladinou jazera.
Zaujímavosťou je, že tento obraz slávneho Rakúšana sa stal známym len nedávno. V roku 1902 ho manželia z Holandska kúpili na výstave v Düsseldorfe.

Klimt (hoci umelec spravidla nerobil náčrty pre krajinu). Okrem toho bola objavená dovtedy neznáma fotografia z výstavy konanej v roku 1902 v Secesnom dome. Na jednej zo stien je jasne vidieť „Pobrežie jazera s brezami“.

Výrazne na nej vynikajú bielosivé kmene s čiernymi škvrnami. Úplne neuveriteľným spôsobom, len s niekoľkými farbami, Klimt dosahuje ohromujúci realizmus pri zobrazovaní krajiny.
Horný okraj všetkých lesných plátien je odrezaný, takže sú pokryté opakovanými kmeňmi stromov. Vďaka tejto zvislosti vyzerajú ako tkané tapisérie („Borovicový les“, „Bukový háj“, „Brezový les“).
V „Beech Grove“ je väčšina plátna venovaná pestrému pozadiu - koberec spadnutých listov nemá prakticky žiadny voľný priestor, čo sa umelcovi tak nepáčilo (výnimkou je „Beech Grove“, kde je viditeľná obloha tu a tam medzi kmeňmi v hornej časti). V týchto dielach nie je ani náznak prítomnosti ľudí alebo zvierat, ale zobrazenie prírody nie je bez života: všetky krajiny dýchajú, sú smutné a radujú sa. Jeseň ich naplní nielen farbami, ale aj šuchotom opadaného lístia a ich hnilou arómou.
Napriek tomu, že umelec reprodukoval to, čo videl „tu a teraz“ (pri práci na krajine spravidla nerobil ani náčrty ceruzkou), tieto obrazy nemožno klasifikovať ako impresionistické. Na rozdiel od predstaviteľov tohto hnutia sa „majster zlatého štetca“ nezaujímal o jednoduchú kontempláciu krajiny a jej reprodukciu na plátne.
Vyniká krajina s topoľom, kde umelec sprostredkoval nezvyčajný stav prírody: blížiacu sa búrku za súmraku. Z obrazu vyžaruje úzkosť a tajomstvo. Kompozične najviac plátno dané oblohe:
nad obrovským topoľom sa zhromažďujú oblaky podivného tvaru. Silueta stromu stúpajúceho za malou kaplnkou vyzerá ako tornádo, ktoré sa chystá pohltiť všetko, čo mu príde do cesty. Klimt pri zobrazovaní koruny využíva pointilistické techniky: maľuje malými ťahmi, takmer bodkovanými.
Rovnaký obrazový spôsob je charakteristický pre viac neskoršie práce, kde je navyše aj asymetria, zlom rovín a intenzívna farebná schéma. ich charakteristický znak je pomerne bohatá farebná paleta a malé, zlomkové ťahy. Práve vďaka týmto technikám bol majster schopný jasne štruktúrovať kompozíciu. Výnimkou je dielo z roku 1898 - „Ochard“, kde bolo použitých len niekoľko farieb.

Diela s obrázkami kvetov (napríklad „Kvetinová záhrada“, „Pole vlčích makov“, „Kvitnúce pole“) pripomínajú pestrý vzor na chintzovej látke: zdá sa, že sú zložené z opakovane sa opakujúcich mozaikových kúskov.
Na rozdiel od impresionistov sa majster nezaujímal o sprostredkovanie svetla a tieňa: jeho kvetinové krajiny sú dosť schematické, mimoriadne dekoratívne a detailné (to ukazuje typický vplyv východu v secesnom štýle).
"Pole maku" je jedným z najklamlivejších Klimtových obrazov. Je pozoruhodné, že v tejto práci (to platí aj pre „Blooming Field“ napísanú o dva roky neskôr) je náznak perspektívy: veľkosť makov a stromov sa zmenšuje, keď sa blížia k horizontu.
Erotická a naturalistická grafika

Gustav Klimt bol vynikajúci kresliar. Predtým, ako začal vytvárať obraz, urobil veľa náčrtov a náčrtov.
Mnohé Klimtove kresby sú nezávislé umelecké diela, ktoré odhaľujú tajomstvá umelcovho tvorivého štýlu a jeho vízie sveta. Nespútanú sexualitu modeliek na obrazoch čiastočne skrývajú pestro zdobené šaty a ozdoby na pozadí. Ale kresby odhaľujú úplne iného Klimta.
Samostatná časť dedičstva, ktoré zanechal majster - úprimne povedané erotické diela(niektoré z nich kritici považujú za najlepšie Klimtove diela). Ukazuje v nich ženu v tých najintímnejších chvíľach: na vrchole najvyššej rozkoše, vo chvíli nespútanej vášne či pokojného spánku po milovaní (napríklad „Ležať na bruchu“, „Ležiaci akt“, ako ako aj prípravný náčrt pre „Danae“)). Umelec ich obdivuje a obdivuje, zdieľajúc svoje emócie s publikom. Ženy na jeho kresbách sú sexuálne oslobodené a nezvyčajne hypersenzuálne.
Niektorí grafické práce sú neuveriteľne realistické. Medzi nimi je "Nude II": s úžasnou presnosťou, len s použitím čiernej kriedy a biela ceruzka, majster zobrazuje nahú ženskú postavu.

Vidiecka záhrada so slnečnicami. 1906 Olej, plátno. 110110 cm Galéria Belvedere (Viedeň, Rakúsko)

Posledné roky života. Neskôr diela
Diela vytvorené Klimtom v rokoch 1910-1911 až 1917-1918 možno klasifikovať ako neskoré. Zobrazujú črty, ktoré sa líšia od predchádzajúceho „zlatého“ štádia kreativity: hojnosť pozlátenia zmizne a v obrazoch sa objaví výraz, pozoruje sa kombinácia symbolizmu a expresionizmu.
Z plátien miznú záhadné a zákerné zvodkyne. Nahrádzajú ich láskavé a nežné ženy („Dáma v čiernom klobúku“). Postavy sú vystreté, ich obrysy vyzerajú viac zaoblené. Umelec využíva jasnejšiu farebnú paletu, ťahy štetca sa stávajú voľnejšími a drobné geometrické vzory nahrádzajú kvetinové motívy v orientálnom štýle.
„Matka s deťmi“ je jedným z mála neskorých diel majstra, ktoré obsahuje expresionistické črty.
Matka, dieťa aj bábätko sú zobrazené so zavretými očami; zdá sa, že pokojne spia. V skutočnosti však Klimtov obraz spánku bol vždy blízko smrti. Toto je naznačené a dosť tmavé farby maľby. Aj keď táto voľba farebný rozsah môže tiež symbolizovať ťažkú ​​​​rodinu: chudobu, blúdenie, núdzu.

Obraz „Dievča“ je jedinečným príbehom premeny mladej krásky na ženu. Hlavnou postavou je mladé dievča. Leží so zasnene zatvorenými očami a roztiahnutými rukami – nevinne a zároveň otvorene sexi. Je obklopená polonahými ženami, skúsenejšími a sofistikovanejšími.

Divák sa nechtiac stáva svedkom práve prebúdzajúcich sa pocitov. Klimt zobrazil dav ľudí, farebný vodopád tiel a svetlé oblečenie. Splývali v bizarných pózach, zmiešaných s ozdobnými prvkami pozadia. Telá sú ako vždy maľované realisticky, v jemných odtieňoch ružovej a látky sú maľované v hrubých štylizovaných pestrých farbách.
Rodina žila na Morave, a tak majster dotváral prvé náčrty na diaľku. Keď sa sedenia začali v ateliéri vo Viedni, dievča sa mohlo pohybovať po dielni, hrať sa s čínskymi látkami, ktorých bolo naokolo veľa, a hádzať papierové gule z okna na hlavy okoloidúcich: mala len deväť rokov, takže jednoducho nemohla zostať dlho nehybná.

Umelec musel pred výberom vytvoriť veľa štúdií konečná verzia pózy: Meda stojí vzpriamene, pravú ruku má položenú na boku, pohľad smeruje priamo na diváka. Jej postava v svetlých šatách ostro vyniká na pozadí obyčajnej fialovej steny.
V roku 1913 Klimt namaľoval portrét Medinej matky, herečky Eugenie Primavesi, na žiarivo žlté kvetinové pozadie.

Umelec krátko pred smrťou vytvoril sériu pozoruhodných portrétov (barónka Elisabeth Bachofen Echt, Frederica Maria Beer), v ktorých možno vysledovať vplyv japonského umenia. Zdá sa, že ženy sú namaľované na pozadí steny ovešanej tapisériami zobrazujúcimi ľudské postavy. Šaty tiež nesú odtlačok orientálnych tradícií.
Elisabeth Bachofen Echt je dcérou bohatého židovského priemyselníka Augusta Lederera. Krehkosť dievčatka vyvažuje trojuholníkový ornament na stene, ktorý ju chráni ako čarovný plášť.
Frederica Maria Beer je bohatá dedička a nadšená znalkyňa umenia. Je pozoruhodné, že to bola jediná žena, ktorú namaľovali dvaja z najväčších rakúskych umelcov tej doby: Gustav Klimt a jeho študent Egon Schiele, ktorý bol mimochodom o dva roky pred svojím učiteľom.
Obrazy Elisabeth Bachofen Echt a Frederica Maria Beer sú si na prvý pohľad dosť podobné technikou aj spôsobom prevedenia. Ale na portréte spoločenskej dámy a štedrej patrónky Frederiky Marii Beerovej sú už oveľa väčší, ich meče a oštepy sa krížia tesne za jej chrbtom. Kvôli tomuto kontrastu medzi dynamickou bitkou a chladnokrvným pokojom modelky je v obraze cítiť určité napätie. Niektorí výskumníci majstrovej práce sa prikláňajú k názoru, že jedným z dôvodov vytvorenia takéhoto pozadia bol čas maľby, ku ktorému došlo na vrchole prvej svetovej vojny.
Vyvrcholením tohto obdobia bola „tanečnica“ - dievča so žltými ľaliami v rukách. Podľa jednej verzie ide o upravený (alebo skôr prepracovaný) portrét Riya Muncha II, ktorý sa matke dievčaťa nepáčil. Zvláštnosť tohto obrazu spočíva v neuveriteľnom počte kvetov: zaberajú významnú časť pozadia, preplnené do bujnej kytice na stole. Navyše, ich štylizované obrazy sú dokonca prítomné aj na hrdinkinom rúchu: zdá sa, že je posiate rozkvitnutými kvetmi.
Napriek tomu sa postava tanečníka nerozpúšťa v takom množstve jasných farieb.
V roku 1916 Klimt dokončil prácu na obraze „Priateľky“. Žiaľ, nezachovala sa (stratila sa pri požiari v roku 1945). Absolútne bez akýchkoľvek rozpakov umelkyňa hovorí o lesbickej láske. Hrdinky sú zobrazené s neuveriteľným teplom, ktoré zdôrazňujú jemné tóny, jemné látky a rozprávkové vtáky na pokojnom, monochromatickom pozadí. Dlhý krk dievčaťa v popredí a jej turbanovaná hlava dodávajú dielu nádych klasickej vznešenosti.

Amalia Zuckerkandl je ďalšou hrdinkou Klimta, blízkou príbuznou slávnej novinárky a kritičky umenia Berthy Zuckerkandl, s ktorou mala umelkyňa priateľské vzťahy. Bertha venovala veľa svojich publikácií v tlači dielu inovatívneho majstra.
Portrét Amálie zostal nedokončený: dokončená bola iba hlava a ramená. No luxusné plesové šaty, v ktorých pózovala, prakticky nie sú hotové. Jeho veľkoleposť možno uhádnuť len z predbežnej kresby uhlíkom.
V obraze „Adam a Eva“ sa opäť objavuje zvodná žena so žiarivo bielou pleťou. Koža šelma pri jej nohách symbolicky naznačuje jej pravú podstatu. Za Evou je muž. Jeho postava je oveľa tmavšia a je zobrazený so zatvorenými očami. Klimt použil veľmi podobnú techniku, požičanú zo starovekej maľby, v „Bozk“. Mužská postava je predstavená takmer ako pozadie, aby sa ukázali všetky pôvaby pravej hrdinky – ženy.

„Dieťa“ na prvý pohľad pripomína iba fragment obrazu a nie samostatné dielo. Klimt namaľoval tento obraz špeciálne pre výstavu v Štokholme v roku 1917. Dieťa, ktoré je na ňom zobrazené, je ako kráľ. Nezáleží na tom, že je teraz taký maličký (vidno mu iba hlavu, zvyšok priestoru zaberá obrovský patchworková deka). Je to kráľ, celý svet mu leží pri nohách - Klimt zámerne neumiestňuje dieťa do stredu obrazu, ale „zdvihne“ ho takmer na okraj.

Kvitnúce kukuričné ​​pole. 1909 Olej, plátno. 110110 cm Carnegie Museum of Art (Pittsburgh, USA)

Tri z umelcových neskorších obrazov zobrazujú dievča menom Riya Munch, dcéra bohatého židovského priemyselníka. V roku 1911 ako 24-ročná spáchala samovraždu kvôli nešťastnej láske. Matka Aranka Munch poverila Klimta, aby namaľoval portrét dievčaťa. Z troch možností sa jej páčila len posledná, ktorá, žiaľ, zostala nedokončená. Ďalšie dve považovala za neúspešné. Mimochodom, stále nie je isté, ako vyzerala druhá verzia plátna.
Konečná verzia je zaujímavá aj spôsobom maľby: umelec zobrazuje dievča napoly otočené s tajomným, vyrovnaným úsmevom na perách. Hrdinku zahaľuje ozdobnými pozadiami v orientálnom štýle. Tvár a okolité detaily sú dotvorené, čo sa o šatách povedať nedá.
Aranka Munch tragicky zahynula v koncentračnom tábore. Tretia verzia portrétu bola v jej vile, kde ju objavili dôstojníci gestapa. V roku 1950 bol obraz prevezený do Linzského múzea a v roku 2009 bol vrátený do majetku Munchovcov, ktorí ho čoskoro predali za približne 253 miliónov dolárov.
Jeden z najnovšie maľby Klimtova „Nevesta“ zostala nedokončená. Je plná tajomstiev a záhad a má veľa spoločného s „Pannou“. Modro odetá nevesta, umiestnená v strede plátna, je obklopená svojimi fantáziami, možno strachmi a predtuchami. Medzi postavami na ľavej strane plátna je možné rozoznať tvár ženícha, obklopeného ženami (pravdepodobne s ktorými mal predtým vzťah).
Podhodnotenie zápletky vytvára určité napätie a nejednoznačnosť vo výklade toho, čo sa deje – práve v tom je sila tohto obrazu. Je pozoruhodné, že jeho neúplnosť dáva všetky dôvody domnievať sa, že Klimt spočiatku maľoval svoje hrdinky nahé a až potom ich „obliekal“.
V januári 1918 dostal Klimt mozgovú príhodu a upadol do kómy, z ktorej sa už neprebral. Veľký Rakúšan zomrel 6. februára vo veku 55 rokov na zápal pľúc. Mnoho obrazov zostalo nedokončených, pretože pracoval na niekoľkých kusoch súčasne.
Veľké Rakúsko-Uhorsko sa zrútilo a s ním aj obrovská vrstva kultúry, ktorej symbolom bol neobyčajne talentovaný a nie celkom pochopený Gustav Klimt.
Inovácia geniálny umelec Secesia bola uznávaná už za jeho života: v roku 1917, krátko pred smrťou, sa stal čestným členom Viedenskej a Mníchovskej akadémie výtvarných umení. Klimt bol považovaný za „Freuda maľby“, „majstra zlatého štetca“, nepopierateľne talentovaného, ​​originálneho, živého a fascinujúceho umelca svojej doby, ktorého umenie časom nevybledlo ako zlato na jeho plátnach.

Gustav Klimt, rakúsky umelec, zakladateľ secesie

Pallas Aténa. 1898 Olej, plátno. 7575 cm Viedenské múzeum na námestí Karlsplatz (Viedeň, Rakúsko) Močiar. 1900 Olej, plátno. 8080 cm Súkromná zbierka Skupina umelcov, ktorí založili „Vienna Secession“ (Klimt sedí na tróne).

(kliknutím zväčšíte)

Zlatá Adele

Beethovenov vlys (detail: nepriateľské sily)

Portrét Sonyy Knipsovej

Tri vek ženy

Portrét Margaret Stonborough-Wittgenstein

Portrét Johanny Staude

Portrét ženy

Vidiecky dom

Kvetinové pole

Beethovenov vlys, Wandgem

Pallas Aténa

Pallas Aténa

Vodné hady I

Pohyb vody

Vodné hady II

Divadlo v Taormine

Záhrada so slnečnicami v obci

Zlatá rybka

Judita s hlavou Holofernesa

Život a smrť

Portrét Adele Bloch-Bauerovej

Portrét barónky Elisabeth Bachoffen-Eckt

Portrét Emilie Floge

Portrét Eugenie Primaversi

Portrét Frederiky Márie

Portrét Márie Munchovej

Zlatá rybka

Adam a Eva

Očakávanie

Strom života

Slnečnice v dedinskej záhrade

Pole maku

Brezový háj

Bukový háj

Sedliacky dom s brezami

Kvitnúce kukuričné ​​pole

Hrad Malcesine na jazere Garda

Hrad Kammer pri Attersee

Obrovský topoľ alebo blížiace sa búrky

Rybník v parku hradu Kammer

kostol v Kasone

Cesta v zámockom parku Kammer

Dom Guardaboski

Sedliacky dom v Hornom Rakúsku

Chronológia života Gustava Klimta

• 1862, 14. júla v Baumgartene pri Viedni sa narodil Gustav Klimt. Bol druhým zo siedmich detí rytca Ernsta Klimta a jeho manželky Anny, rodenej Finsterovej.
• V roku 1876 nastupuje Gustav Klimt na Umelecko-priemyselnú školu vo Viedni, kde študoval do roku 1883 pod vedením Ferdinanda Laufbergera a Júliusa Victora Bergera.
• V roku 1877 sa Klimtov mladší brat Ernst tiež stáva študentom Umelecko-priemyselnej školy. Spolupracujú, maľujú portréty z fotografií a predávajú ich za 6 guldenov.
• 1879, Spoločne so svojím priateľom Franzom Matchom dokončili Gustav a Ernst Klimt dekoratívne práce na výzdobe nádvoria Kunsthistorisches Museum vo Viedni.
• 1880, Traja mladí muži dostávajú veľké zákazky: štyri alegorické maľby na strop paláca Štúrani vo Viedni; strop pavilónu minerálnych vôd v Karlových Varoch (Česká republika).
• 1885, Vnútorná výzdoba Hermesovho paláca, obľúbeného vidieckeho sídla cisárovnej Alžbety, podľa kresieb Hansa Makarta.
• 1886, Počas práce na Burgtheatre sa Klimtov štýl vyvíja novým smerom, jasne odlišným od štýlu jeho kamarátov. Klimt sa vzďaľuje od akademizmu; každý z troch umelcov pracuje nezávisle od seba.
• V roku 1888 dostáva Klimt z rúk cisára Františka Jozefa I. Zlaté vyznamenanie za zásluhy o umenie.
• 1890, Maľba schodiska v Kunsthistorisches Museum vo Viedni. Klimt dostáva cisársku cenu (400 zlatých) za obraz Sála starého Burgtheatru vo Viedni.
• 1892, Klimtov otec, ako aj samotný umelec, zomierajú na mozgovú príhodu. Smrť Klimtovho brata Ernsta.
• 1893, Ministerstvo kultúry odmietlo schváliť Klimtovo vymenovanie za profesora na Akadémii umení.
• V roku 1894 dostali Klimt a Matsch zákazku na vytvorenie obrazov pre steny a strop Veľkej aule Viedenskej univerzity.
• V roku 1895 dostáva Klimt prvú cenu v Antverpách za výzdobu divadla v Totis (Maďarsko).
• 1897, Oficiálna vzbura: Klimt - zakladateľ Secesie a zvolený prezident. Leto trávi so svojou spoločníčkou Emiliou Flögeovou v oblasti Kammer pri jazere Attersee: prvé krajinky.
• 1898, Kompozícia pre prvú výstavu Secesie; Secesia založila časopis Ver Sacrum.
• 1900, Obraz "Filozofia", odmietnutý na výstave Secesie 87 profesormi, získava zlatú medailu na Svetovej výstave v Paríži.
• 1901, Pokračovanie škandálu na výstave Secesia: Klimtov obraz „Medicína“ sa stáva predmetom diskusie na ministerstve školstva.
• 1902, Stretnutie s Augustom Rodinom, ktorý obdivoval Beethovenov vlys.
• 1903, Výlet do Benátok, Ravenny a Florencie. Začiatok „zlatého obdobia“. Obrazy namaľované pre Veľkú aulu Viedenskej univerzity sú napriek Klimtovmu protestu prevezené do Rakúskej galérie. Retrospektíva Klimtovho diela v secesnej výstavnej budove.
• V roku 1904 Klimt kreslí náčrty pre nástenné mozaiky paláca Stoclet v Bruseli, realizované na Škole umeleckých remesiel vo Viedni.
• 1905 Klimt kupuje od ministerstva obrazy napísané pre Viedenskú univerzitu. On a jeho priatelia opúšťajú Secesiu.
• V roku 1907 sa Klimt zoznámi s mladým Egonom Schielem. Picasso maľuje Les Demoiselles d'Avignon.
• 1908, na výstave je vystavených 16 obrazov. Národná galéria moderného umenia v Ríme kupuje Tri veky ženy a Rakúska galéria vo Viedni kupuje „The Kiss“.
• 1909, Začiatok prác na Stoclet Frieze. Výlet do Paríža, kde Klimt s veľkým záujmom objavuje dielo Toulouse-Lautreca a fauvizmu. Na výstave sú zastúpení Van Gogh, Munch, Toorop, Gauguin, Bonnard a Matisse.
• 1911, "Smrť a život" vyhráva prvú cenu na Svetovej výstave v Ríme. Klimt navštívi Rím, Florenciu, Brusel, Londýn a Madrid.
• 1912 Klimt nahrádza pozadie „Smrť a život“ modrým (na spôsob Matissa).
• 1914, kritika Klimtovho diela expresionistami.
• 1915, smrť Klimtovej matky. Umelcova paleta sa stáva tmavšou a jeho krajiny sú monochromatickejšie.
• 1916 sa Klimt spolu s Egonom Schielem, Kokoschkom a Feistauerom zúčastňuje na výstave Zväzu rakúskych umelcov, ktorú organizovala Berlínska secesia. Smrť cisára Františka Jozefa I., dva roky pred rozpadom impéria a smrťou samotného Klimta.
• 1917, Začína sa práca na Nevesta a Adam a Eva. Klimta zvolili za čestného člena Viedenskej a Mníchovskej akadémie umenia.
• 1918, 6. februára, po mozgovej príhode Klimt umiera a mnoho obrazov zostáva nedokončených. Koniec impéria; založenie na území bývalej Rakúskej republiky a šiestich ďalších republík. Smrť Egona Schieleho, Otta Wagnera, Ferdinanda Hodlera, Kolomana Mosera...

Pri tvorbe chronológie boli použité materiály z knihy „Klimt“ od Gillesa Nereta (vydavateľstvo Tachen / Art-spring, 2000)

Životopis Klimta

Gustav Klimt (14. júla 1862 – 6. februára 1918) bol rakúsky symbolistický umelec a jeden z najvýznamnejších členov viedenskej secesie. Klimt je známy svojimi maľbami, freskami, skicami a inými umeleckými dielami. Klimtovým hlavným námetom bolo ženské telo a pre jeho tvorbu je charakteristická zjavná erotika. Okrem figuratívnej tvorby, ku ktorej patria alegórie a portréty, maľoval krajinky. Spomedzi umelcov viedenskej secesie bol práve Klimt najviac ovplyvnený japonským umením a jeho metódami.

Na začiatku svojej umeleckej kariéry bol úspešným maliarom architektonickej výzdoby konvenčným spôsobom. S rozvojom osobnejšieho štýlu sa Klimtove dielo stalo predmetom sporov, ktoré vyvrcholili, keď obraz, ktorý okolo roku 1900 dokončil na strope veľkej sály na Viedenskej univerzite, bol kritizovaný ako pornografický. Následne neprijal žiadne ďalšie verejné zákazky, ale dosiahol úspech s obrazmi zo „zlatého obdobia“, z ktorých mnohé zahŕňali plátkové zlato. Klimtova tvorba mala výrazný vplyv na jeho mladého súčasníka Egona Schieleho.

Život a kreativita

Raný život a vzdelanie

Gustav Klimt sa narodil v Baumgartene pri Viedni v Rakúsko-Uhorsku ako druhé zo siedmich detí, troch chlapcov a štyroch dievčat. Jeho matka Anna Klimt (rodená Finster) mala nenaplnené ambície stať sa hudobníčkou. Jeho otec Ernst Klimt starší, kedysi z Čiech, bol rytec zlata. Od raného detstva všetci traja synovia, Gustav, Ernst a Georg, prejavovali umelecký talent.

Počas navštevovania Viedenskej umelecko-priemyselnej školy (Kunstgewerbeschule), kde do roku 1883 študoval architektonickú maľbu, žil Klimt v chudobe. Hlboko si vážil Hansa Makarta, popredného maliara dejín Viedne tej doby. Klimt ochotne prijal princípy konzervatívneho učenia; jeho rané diela možno klasifikovať ako akademické. V roku 1877 nastúpil do tejto školy aj jeho brat Ernst, ktorý sa rovnako ako jeho otec stal rytcom. Dvaja bratia a ich priateľ Franz Much začali spolupracovať a do roku 1880 dostali početné zákazky ako skupina s názvom „Spoločnosť umelcov“. Svojej učiteľke pomáhali aj s maľovaním nástenných fresiek vo viedenskom Kunsthistorisches Museum. Klimt začal svoju profesionálnu kariéru maľovaním fresiek na stenách a stropoch veľkých verejných budov na Ringstrasse, ktorá zahŕňala úspešnú sériu „Emblemy a alegórie“.

V roku 1888 dostal Klimt od rakúskeho cisára Františka Jozefa I. Zlatý rád za zásluhy o fresky Burgtheatra vo Viedni. Stal sa tiež čestným členom univerzít v Mníchove a vo Viedni. V roku 1892 zomrel Klimtov otec a brat Ernst a on musel prevziať finančnú zodpovednosť za rodinu.

Tragédia ovplyvnila aj jeho umelecké videnie a čoskoro začal smerovať k novému osobnému štýlu. K rysom jeho štýlu na konci 19. storočia patril Nuda Veritas ( Holá pravda) ako symbolická postava v niektorých jeho dielach, napríklad: Staroveké Grécko a Egypt (1891), Pallas Athena (1898) a Nuda Veritas (1899). Historici sa domnievajú, že Klimt prostredníctvom nuda veritas odsúdil politiku Habsburgovcov a rakúskej spoločnosti, ktorá ignorovala všetky politické a sociálne problémy tej doby. Začiatkom 90. rokov 19. storočia sa Klimt zoznámil s Emiliou Louise Flöge, ktorá sa napriek umelcovým vzťahom s inými ženami stala jeho spoločníčkou na celý život. Verí sa, že v jeho obraze „Bozk“ (1907-1908) sú vyobrazení ako milenci. Nakreslil veľa šiat, ktoré navrhla a vymodelovala.

Počas tohto obdobia sa Klimt stal otcom najmenej štrnástich detí.

Roky viedenskej secesie

V roku 1897 sa Klimt stal jedným zo zakladateľov a vedúcim Wiener Sezession (Viedenská secesia) a periodickej skupiny Ver Sacrum ("Svätá jar"). Zostal so secesiou až do roku 1908. Cieľmi skupiny boli: usporadúvať výstavy nekonvenčných mladých umelcov, prinášať tvorbu najlepších zahraničných umelcov do Viedne a vydávať vlastný časopis na prezentáciu tvorby členov. Skupina nevyhlásila manifest a neuprednostňovala žiadny konkrétny štýl – naturalisti, realisti a symbolisti existovali spolu. Vláda ich aktivity podporila a prenajala im štátne pozemky na výstavbu výstavnej siene. Symbolom skupiny bola Pallas Athena, grécka bohyňa spravodlivosti, múdrosti a umenia, ktorú Klimt namaľoval vo svojej radikálnej verzii v roku 1898.

V roku 1894 dostal Klimt zákazku na vytvorenie troch obrazov na výzdobu stropu vo Veľkej sieni Viedenskej univerzity. Jeho tri obrazy, Filozofia, Medicína a Právna veda, boli dokončené až na prelome storočia a boli kritizované za ich radikálne námety a témy a boli nazvané „pornografické“. Klimt pretransformoval tradičnú alegóriu a symboliku do nového jazyka, ktorý bol očividne sexuálny, a preto pre niektorých zaskočil. Verejný protest prichádzal zo všetkých strán – politických, estetických aj náboženských. V dôsledku toho neboli obrazy vystavené na strope Veľkej siene. Podľa očakávania to bola posledná verejná zákazka, ktorú umelec prijal.

Všetky tri obrazy zničili ustupujúce jednotky SS v máji 1945.

Jeho obraz Nuda Veritas(1899) určil svoj pokus o ďalšie „rozhýbanie“ existujúceho poriadku. Úplne nahá žena s ryšavými vlasmi drží Zrkadlo pravdy a nad ňou je v štylizovanom nápise citát Friedricha Schillera: „Vaše činy a vaše umenie sa nemôžu páčiť každému: robte to, čo považujete za správne, v prospech niekoľkých. Mať rád príliš veľa ľudí je zlé."

V roku 1902 Klimt dokončil Beethovenov vlys pre štrnástu výstavu Viedenskej secesie, ktorá bola zostavená na oslavu skladateľa a na ktorej bola vystavená monumentálna polychrómovaná socha od Maxa Klingera. Vlys určený len na výstavu bol namaľovaný priamo na steny pomocou ľahkých materiálov. Po výstave bol obraz zakonzervovaný, no až v roku 1986 bol znovu vystavený. Tvár na Beethovenovom portréte pripomínala skladateľa a dirigenta Viedenskej štátnej opery Gustava Mahlera, ku ktorému mal Klimt úctivý vzťah.

Klimt sa v tomto období neobmedzoval len na verejné zákazky. Od konca 90. rokov 19. storočia trávil každoročné letné prázdniny s rodinou Flöge na brehu Attersee a maľoval mnohé z jeho krajiniek. Tieto krajiny predstavujú jediný žáner okrem figuratívnej maľby, ktorý Klimta vážne zaujal. Miestni ho kvôli jeho hĺbke nazývali Waldschrat („lesný démon“).

Klimtove obrazy Attersee sú v dostatočnom množstve a kvalite, čo si zaslúži osobitnú pochvalu. Formálne sa krajiny vyznačujú rovnakou prepracovanosťou kompozície a dôraznou kresbou, ako aj figurálne časti. Hĺbka priestoru v dielach Attersee je tak inteligentne vyrovnaná do jednej roviny, že sa predpokladá, že ich Klimt namaľoval pomocou ďalekohľadu.

Zlaté obdobie a kritický úspech

Klimtovo „zlaté obdobie“ sa vyznačovalo pozitívnymi kritickými ohlasmi a finančným úspechom. Mnohé z jeho obrazov z tohto obdobia obsahujú plátkové zlato. Klimt už predtým použil zlato v Pallas Athene (1898) a Judith I (1901), ale najčastejšie sa s týmto obdobím spájali diela Portrét Adele Bloch-Bauerovej I (1907) a Bozk (1907-1908).

Klimt cestoval málo, ale cesty do Benátok a Ravenny, ktoré sú známe svojimi nádhernými mozaikami, s najväčšou pravdepodobnosťou inšpirovali jeho zlatú techniku ​​a byzantské obrazy. V roku 1904 spolupracoval s ďalšími umelcami na veľkolepý palác Stoclet, domov bohatého belgického priemyselníka, je jednou z najväčších pamiatok éry secesie. Klimtove príspevky do jedálne, vrátane "Intoxikácie" a "Čakanie", boli jedny z jeho najlepších dekoratívnych prác a ako verejne uviedol: "...pravdepodobne posledná fáza môjho vývoja ornamentu."

V roku 1905 Klimt namaľoval portrét Margaret Wittgensteinovej, sestry Ludwiga Wittgensteina, pri príležitosti jej sobáša. Potom v rokoch 1907 až 1909 Klimt namaľoval päť plátien svetské ženy, zabalený v kožušinách.

Keďže Klimt pracoval a odpočíval vo svojom dome, nosil zvyčajne sandále a dlhý župan bez spodnej bielizne. Jeho jednoduchý život bol trochu v ústraní, venoval sa svojmu umeniu, rodine a ničomu inému okrem secesie. Vyhýbal sa bohémii a len zriedka sa spájal s inými umelcami. Klimtova sláva zvyčajne privádzala klientov až k jeho dverám a mohol si dovoliť byť dosť vyberavý. Jeho spôsob maľovania bol občas veľmi premyslený a precízny a vyžadoval, aby jeho modely dlho sedeli.

Klimt toho o svojej vízii či metódach veľa nenapísal. Písal najmä pohľadnice pre Flögeho a neviedol si denník. V zriedkavých textoch s názvom „Komentár k neexistujúcemu autoportrétu“ napísal: „Nikdy som nemaľoval autoportrét. O seba ako o objekt na maľovanie sa zaujímam menej ako o iných ľudí, najmä ženy... Nie je na mne nič zvláštne. Som umelec, ktorý maľuje každý deň od rána do večera... Ak sa chce niekto o mne niečo dozvedieť... mal by si moje obrazy pozrieť zblízka.“

V roku 1901 Herman Bahr vo svojej „Prejavu o Klimtovi“ napísal: „Tak ako len milenec môže človeku povedať zmysel života a odhaliť jeho vnútorný zmysel, ja to cítim rovnako o týchto obrazoch.

Posledné roky života a posmrtné úspechy

V roku 1911 získal jeho obraz „Smrť a život“ prvú cenu na Svetovej výstave v Ríme. V roku 1915 zomrela jeho matka Anna. Klimt zomrel o tri roky neskôr vo Viedni, 6. februára 1918, na mozgovú príhodu a zápal pľúc v dôsledku tohoročnej epidémie chrípky. Pochovali ho na cintoríne Hitzinger vo Viedni. Množstvo jeho obrazov zostalo nedokončených.

Klimtove obrazy so sebou priniesli jedny z najvyšších cien zaznamenaných za jednotlivé umelecké diela. V novembri 2003 sa Klimtov Landhaus am Attersee predal za 29 128 000 dolárov, no túto cenu čoskoro zatienila cena zaplatená za ďalší z jeho obrazov.

V roku 2006 portrét Adele Bloch-Bauerovej I(1907) získal Ronald Lauder pre New York Nová galéria za 135 miliónov dolárov, čím prekonala cenu Picassovho obrazu Chlapec s trúbkou z roku 1905 (predaný 5. mája 2004 za 104 miliónov dolárov), ktorý bol považovaný za najvyššiu cenu, aká bola kedy zaplatená za obraz.

7. august 2006 aukčný dom Christie's oznámila, že predávajú zvyšné štyri diela Klimta, ktoré Maria Altman a jej spoludedičia vrátili po dlhom právnom boji proti Rakúsku. "Portrét Adele Bloch-Bauer II" bol predaný v aukcii v novembri 2006 za 88 miliónov dolárov, tretí najvyššia cena za umelecké dielo v tom čase na aukcii. Maľovanie "Jabloň I"(cca 1912) predaný za 33 miliónov dolárov, "Bukový háj"(1903) sa predal za 40,3 milióna dolárov a obraz „Domy v Unterachu pri jazere Utter“ (1916) za 31 miliónov dolárov. Spolu päť vrátených obrazov prinieslo viac ako 327 miliónov dolárov. V novembri 2011 priniesol pozoruhodný obraz z Attersee na aukcii Sotheby's 40,4 milióna dolárov.

V roku 2012 sa vo Viedni (Rakúsko) konalo mnoho špeciálnych výstav pri príležitosti 150. výročia Klimtovho narodenia. Google toto výročie oslávil aj sviatočným logom Google.

Životopis Gustava Klimta

Narodil sa na viedenskom predmestí Baumgarten 14. júla 1862 v rodine umelca-rytca a klenotníka E. Klimta. Študoval u svojho otca av rokoch 1875-1883 na škole remesiel vo viedenskom rakúskom múzeu umenia a priemyslu. Spočiatku ho výrazne ovplyvnilo umenie G. Makarta s jeho pompéznym neobarokovým historizmom. Po ukončení štúdia pracoval s bratom Ernstom a výtvarníkom F. Matchom, vyzdoboval dekoratívnymi maľbami divadlá v rakúsko-uhorskej provincii (v Reichenbergu, Fiume a Karlových Varoch - Karlových Varoch). Od roku 1885 navrhovali aj viedenské budovy (medzi týmito dielami vyniká malebná výzdoba Burgtheatru a Kunsthistorisches Museum – živé ukážky veľkolepého „štýlu Ringstrasse“, ako sa zvykne nazývať viedenský historizmus prelomu storočí). Po smrti brata Ernsta (1892) sa tím rozpadol. Klimt, čoraz viac zaťahovaný do prvkov moderny, a teda do opozície voči akademickej tradícii, sa stal v roku 1897 jedným zo zakladateľov viedenskej secesie (nem. Sezession – „odpadnutie“, „separácia“), nezávislej od Akadémie Arts a jeho prvý prezident. Viedenské dielne (1903), ktoré vznikli z jeho iniciatívy, zohrali dôležitú úlohu v štýlovej obnove rakúskeho dizajnu. Pre výstavnú budovu Secesie (architekti J. Hoffmann a J. Olbrich, 1897) vytvoril Klimt Beethovenov vlys (1901–1902), ktorý stelesňuje témy 9. symfónie. Ďalším míľnikom dekoratívnej tvorby je cyklus alegorických panelov, tzv. „Fakultné maľby“ pre Viedenskú univerzitu (1900 – 1903; v rôznych zbierkach sa zachovali iba fragmenty cyklu), vyvolali škandál a zákazníci ich odmietli: Klimtove dámy, symbolizujúce filozofiu a iné disciplíny, sa zdali príliš roztomilé a nekompatibilné. s duchom prísnej vedy. Ako maliar stojanov sa Klimt zapísal do histórie predovšetkým svojimi vysoko expresívnymi portrétmi žien ( E. Flöge, 1902, Historické múzeum, Viedeň; A. Bloch-Bauer, 1907, Galéria 19. a 20. storočia, Viedeň) a symbolické maľby bohaté na dramatickú, „fatálnu“ erotiku ( Judita I, 1901, Rakúska galéria v Belvedere, Viedeň; Bozk, 1907–1908, tamže; Salome, 1909, Medzinárodné múzeum moderného umenia, Benátky; Danae, 1910, Galéria Welz, Salzburg). Túto „dionýzovskú“ drámu najskôr umocnil zlatými podkladmi, potom veľkými farebnými vzormi, z ktorých mihotavého elementu – akoby z elementu podlahy – akoby sa rodili rozplývajúce sa postavy. Bol tiež majstrom okrasnej a farebnej krajiny ( Park, 1910, Múzeum moderného umenia, New York). Jeho posledným veľkým monumentálnym dielom bol návrh paláca Stoclet v Bruseli (1911). Po odchode zo secesie v roku 1906 založil nový Zväz rakúskych umelcov, ktorý na svojich výstavách podporoval inovatívnych umelcov, najmä O. Kokoschku a E. Schieleho. Až v roku 1917 získal plné oficiálne uznanie a stal sa čestným profesorom na akadémii vo Viedni a v Mníchove. Klimt zomrel vo Viedni 6. februára 1918.