Talianska ľudová hudba: mozaika folklóru. Talianska ľudová pieseň „Happy“

Na svete žije veľa ľudí, ktorí hovoria rôznymi jazykmi. Ale ľudia v dejinách nehovorili len slovami. V dávnych dobách sa piesne a tance používali na zduchovnenie emócií a myšlienok.

Tanečné umenie na pozadí kultúrneho rozvoja

Talianska kultúra má veľký význam na pozadí svetových úspechov. Začiatok jeho rýchleho rastu sa zhoduje s narodením novej éry- renesancia. Renesancia v skutočnosti vzniká práve v Taliansku a nejaký čas sa vnútorne rozvíja bez toho, aby sa dotkla iných krajín. Jeho prvé úspechy sa vyskytli v 14.-15. storočí. Neskôr sa z Talianska rozšírili do celej Európy. V 14. storočí sa začína aj rozvoj folklóru. Svieži duch umenia, iný postoj k svetu a spoločnosti, zmena hodnôt sa priamo odrážali v ľudových tancoch.

Vplyv renesancie: nové kroky a lopty

V stredoveku sa talianske pohyby na hudbu predvádzali v krokoch, plynulo a kolísane. Renesancia zmenila postoj k Bohu, čo sa prejavilo aj vo folklóre. Talianske tance nadobudli energiu a živé pohyby. Kroky „bodka“ teda symbolizovali pozemský pôvod človeka, jeho spojenie s darmi prírody. A pohyb „na špičkách“ alebo „skokom“ identifikoval túžbu človeka po Bohu a jeho oslávení. Na nich je založené talianske tanečné dedičstvo. Ich kombinácia sa nazýva „balli“ alebo „ballo“.

Talianske ľudové hudobné nástroje z obdobia renesancie

V sprievode zazneli folklórne diela. Na to boli použité nasledujúce nástroje:

• Čebalo (taliansky "chembalo"). Prvá zmienka: Taliansko, XIV. storočie.
• Tamburína (druh tamburíny, predchodca moderného bubna). Používali ho aj tanečníci pri pohyboch.
• Husle (sláčikový nástroj, ktorý vznikol v 15. storočí). Jeho talianska odroda je viola.
• Lutna (brnkací nástroj.)
• Fajky, flauty a hoboje.

Tanečná pestrosť

Taliansky hudobný svet sa stal rozmanitejším. Objavenie sa nových nástrojov a melódií podnecovalo energické pohyby do rytmu. Vznikli a rozvíjali sa národné talianske tance. Ich názvy sa tvorili často na základe územného princípu. Bolo ich veľa druhov. Hlavné talianske tance známe dnes sú bergamasca, galliarda, saltarella, pavana, tarantella a pizzica.

Bergamasca: body klasika

Bergamasca je populárny taliansky ľudový tanec 16. – 17. storočia, ktorý potom vyšiel z módy, ale zanechal po sebe zodpovedajúce hudobné dedičstvo. Pôvodný región: severné Taliansko, provincia Bergamo. Hudba v tomto tanci je veselá a rytmická. Merač času je komplexný štvordobý merač. Pohyby sú jednoduché, plynulé, párové, počas procesu sú možné zmeny medzi pármi. Spočiatku sa ľudový tanec miloval na dvore počas renesancie.

Jeho prvá literárna zmienka bola v hre Williama Shakespeara Sen noci svätojánskej. Koncom 18. storočia Bergamasca plynulo prešla z tanečného folklóru do kultúrneho dedičstva. Mnohí skladatelia používali tento štýl v procese písania svojich diel: Marco Uccellini, Solomone Rossi, Girolamo Frescobaldi, Johann Sebastian Bach.

Ku koncu XIX storočia objavila sa iná interpretácia bergamasky. Vyznačoval sa zložitým mixovaným metrom a rýchlejším tempom (A. Piatti, C. Debussy). Dnes sa zachovali ozveny folklórnej bergamasky, ktoré sa s vhodným štýlovým hudobným sprievodom úspešne snažia zhmotniť v baletných a divadelných inscenáciách.

Galliard: veselé tance

Galliarda je staroveký taliansky tanec, jeden z prvých ľudových tancov. Objavil sa v 15. storočí. V preklade to znamená „veselý“. V skutočnosti je veľmi veselý, energický a rytmický. Ide o komplexnú kombináciu piatich krokov a skokov. Ide o párový ľudový tanec, ktorý si získal obľubu na aristokratických plesoch v Taliansku, Francúzsku, Anglicku, Španielsku a Nemecku.

V 15.-16. storočí sa galliard stal módnym vďaka svojej komickej forme a veselému, spontánnemu rytmu. Strata popularity v dôsledku evolúcie a transformácie na štandardný prim dvorný tanečný štýl. Koncom 17. storočia úplne presedlala na hudbu.

Primárny galliard sa vyznačuje tým miernym tempom, dĺžka meter - jednoduchý trojlaločný. V neskorších obdobiach sa vykonávajú s príslušným rytmom. Tento galliard sa vyznačoval zložitou dĺžkou hudobného metra. Slávne moderné diela v tomto štýle sa vyznačujú pomalším a pokojnejším tempom. Skladatelia, ktorí vo svojich dielach použili galliardskú hudbu: V. Galileo, V. Brake, B. Donato, W. Bird a ďalší.

Saltarella: svadobná zábava

Saltarella (saltarello) je najstarší taliansky tanec. Je to celkom veselé a rytmické. Sprevádzané kombináciou krokov, skokov, rotácií a úklonov. Pôvod: Z talianskeho saltare – „na skok“. Prvé zmienky o tomto druhu ľudového umenia pochádzajú z 12. storočia. Pôvodne išlo o spoločenský tanec sprevádzaný hudbou v jednoduchom dvoj- alebo trojdobom metri. Od 18. storočia sa postupne premenil na párovú saltarellu na hudbu zložitých rozmerov. Štýl sa zachoval dodnes.

V 19. – 20. storočí sa zmenil na masový taliansky svadobný tanec, ktorý sa tancoval na svadobných oslavách. Mimochodom, v tom čase boli často načasované tak, aby sa zhodovali s úrodou. V XXI - vystupoval na niektorých karnevaloch. Hudba v tomto štýle sa rozvíjala v skladbách mnohých autorov: F. Mendelssohn, G. Berlioz, A. Castellono, R. Barto, B. Bazurov.

Pavan: pôvabná slávnosť

Pavana – stará taliančina spoločenský tanec, ktorá bola vykonaná výlučne na súde. Známy je aj iný názov - padovana (z názvu Padova; z latinského pava - páv). Tento tanec je pomalý, pôvabný, slávnostný, ozdobený. Kombinácia pohybov pozostáva z jednoduchých a dvojitých krokov, úklonov a pravidelných zmien v umiestnení partnerov voči sebe navzájom. Tancovalo sa nielen na plesoch, ale aj na začiatku sprievodov či obradov.

Taliansky pavane, ktorý vstúpil na kurty iných krajín, sa zmenil. Stal sa z toho akýsi tanečný „dialekt“. Španielsky vplyv teda viedol k vzniku „pavanilly“ a francúzsky vplyv k „passamezzu“. Hudba, na ktorú sa kroky vykonávali, bola pomalá, dvojtaktná. zdôrazniť rytmus a dôležité momenty skladby. Tanec postupne vyšiel z módy, zachoval sa v dielach hudobného dedičstva (P. Attenyan, I. Shein, C. Saint-Saens, M. Ravel).

Tarantella: zosobnenie talianskeho temperamentu

Tarantella je taliansky ľudový tanec, ktorý sa zachoval dodnes. Je vášnivý, energický, rytmický, zábavný, neúnavný. Taliansky tanec tarantella je charakteristickým znakom miestnych obyvateľov. Pozostáva z kombinácie skokov (aj do strany) so striedavými hodmi nohami dopredu a dozadu. Názov dostal podľa mesta Taranto. Existuje aj iná verzia. Hovorili, že ľudia, ktorí boli uhryznutí, boli vystavení chorobe - tarantizmu. Choroba bola veľmi podobná besnote, ktorú sa snažili vyliečiť procesom nepretržitých rýchlych pohybov.

Hudba sa hrá v jednoduchom trojdobom alebo zložitom takte. Je rýchla a zábavná. Vlastnosti:

1. Kombinácia základných nástrojov (vrátane klávesov) s doplnkovými, ktoré sú v rukách tanečníkov (tamburíny a kastanety).
2. Nedostatok štandardnej hudby.
3. Improvizácia hudobných nástrojov v známom rytme.

Rytmickosť, ktorá je vlastná pohybom, využili vo svojich skladbách F. Schubert, F. Chopin, F. Mendelssohn, P. Čajkovskij. Tarantella je aj dnes pestrý ľudový tanec, ktorého základy pozná každý patriot. A v 21. storočí sa naďalej masovo tancuje na bujarých rodinných oslavách a veľkolepých svadbách.

Pizzica: chytľavý tanečný súboj

Pizzica je rýchly taliansky tanec odvodený od tarantely. Stal sa tanečným trendom v talianskom folklóre vďaka vzniku jeho vlastných charakteristických čŕt. Ak je tarantella predovšetkým hromadným tancom, potom sa pizzica stala výlučne párovým tancom. Ešte živšie a energickejšie dostalo niekoľko militantných tónov. Pohyby dvoch tanečníkov pripomínajú súboj, v ktorom bojujú veselí rivali.

Často ju predvádzajú dámy s niekoľkými pánmi striedavo. Zároveň energickými pohybmi mladá dáma vyjadrila svoju originalitu, nezávislosť a energickú ženskosť, v dôsledku čoho odmietla každý z nich. Páni nátlaku podľahli a dali najavo svoj obdiv k žene. Takže individuálne zvláštny charakter charakteristické len pre pizzu. Nejakým spôsobom to charakterizuje vášnivú taliansku povahu. Keďže pizzica získala popularitu v 18. storočí, nestratila ju dodnes. Naďalej sa hrá na jarmokoch a karnevaloch, rodinných oslavách a divadelných a baletných predstaveniach.

Vznik niečoho nového viedol k vytvoreniu vhodného hudobného sprievodu. Objavuje sa „Pizzicato“ - spôsob vykonávania diel na sláčikových nástrojoch, ale nie samotným lukom, ale šklbaním prstov. V dôsledku toho sa objavia úplne iné zvuky a melódie.

Talianske tance v histórii svetovej choreografie

Tanec, ktorý vznikol ako ľudové umenie, prenikol aj do šľachtických sál, sa stal populárnym v spoločnosti. Vznikla potreba systematizovať a špecifikovať kroky za účelom amatérskeho a profesionálneho výcviku. Prvými teoretickými choreografmi boli Taliani: Domenico da Piacenza (XIV-XV), Guglielmo Embreo, Fabrizio Caroso (XVI). Tieto diela spolu so zdokonaľovaním pohybov a ich štylizáciou slúžili ako základ pre celosvetový rozvoj baletu.

Medzitým, na začiatku boli veselí, jednoduchí obyvatelia vidieka a miest, ktorí tancovali saltarellu alebo tarantellu. Temperament Talianov je vášnivý a živý. Obdobie renesancie je tajomné a majestátne. Tieto vlastnosti charakterizujú talianske tance. Ich odkaz je základom rozvoja tanečného umenia vo svete ako celku. Ich črty sú odrazom histórie, charakteru, emócií a psychológie celého ľudu počas mnohých storočí.

Počiatky talianskej hudby siahajú do hudobnej kultúry starovekého Ríma (pozri starorímska hudba). Hudba hrala stvorenia. úlohu v spoločnosti, štáte život Rímskej ríše, v každodennom živote rôzne. vrstvy obyvateľstva; hudba bola bohatá a rôznorodá. nástrojov. Ukážky starorímskej hudby sa k nám nedostali, ale dep. jeho prvky prežili až do stredoveku. Kristus hymny a ľudové piesne hudba tradícií. V 4. storočí, keď bolo kresťanstvo vyhlásené za štát. náboženstva sa Rím spolu s Byzanciou stal jedným z centier liturgického vývoja. najprv spev ktorého základom bola psalmódia, ktorá pochádza zo Sýrie a Palestíny. Milánsky arcibiskup Ambróz upevnil prax antifonálneho spievania chválospevov (pozri Antifóna), čím ich melódiu priblížil rozprávaniu. pôvodu. S jeho menom sa spája zvláštna západná kresťanská tradícia. kostol spev, nazývaný Ambrozián (pozri Ambroziánsky spev). V kon. V 6. storočí za pápeža Gregora I. sa vyvinuli pevné formy Krista. liturgia a jej hudba je nariadená. strane. Spevák tvoril v rovnakom čase v Ríme. škola („schola cantorum“) sa stala akousi akadémiou cirkevného spevu. žalôb a vyšších zákonodarcov. autoritu v tejto oblasti. Gregor I. sa zaslúžil o zjednotenie a upevnenie základných princípov. liturgické spevy. Neskorší výskum však zistil, že melodický. štýl a formy tzv Gregoriánsky chorál sa definitívne sformoval až v 8. – 9. storočí. rímskokatolícky. cirkev, usilujúca sa o jednotnosť bohoslužieb, propagovala tento štýl monogolov. zbor spievať medzi všetkými národmi obrátenými ku Kristovi. viera. Tento proces bol ukončený do konca. 11. storočia, kedy gregoriánska liturgia s jej zodpovedajúcim spevom. v krajinách Stredu a Západu boli zavedené predpisy. a Yuzh. Európe. Zároveň sa zastavil aj ďalší vývoj gregoriánskeho chorálu, zmrazeného do nemennosti. formulárov.

Od konca 1. tisícročie nášho letopočtu v dôsledku častých nepriateľských vpádov na talianske územie, ako aj zvýšeného útlaku pápežstva, ktorý zasahoval do slobodného prejavu tvorivosti. iniciatíva, v I. m. stagnáciu, prestáva hrať vo všeobecnej hudbe výraznú úlohu. európskeho rozvoja krajín Najdôležitejšie zmeny, ktoré sa udiali v Európe. hudby na prelome 1. a 2. tisícročia sa slabo a často oneskorene odzrkadľujú v historickej hudbe Kým vzdelanci-hudobníci záp. a Severozápad Európa už v 9. storočí. dal odôvodnenie skoré formy polyfónia, najvýraznejší talian. hudba stredoveký teoretik Guido d'Arezzo (11. storočie) venoval hlavnú pozornosť jednohlavému gregoriánskemu chorálu, len letmo sa dotýkal organa V 12. storočí sa do liturgickej praxe niektorých talianskych kostolov dostal viachlasný spev, ktorý je však málo známy príklady nenasvedčujú o samostatnom príspevku Talianska k rozvoju polyfónnych žánrov tej doby o slobodnejšom a priamočiarom vnímaní sveta v období oslabenia moci feudálov a formovania raných kapitalistických vzťahov vyspelejšie vo svojom sociálnom systéme a kultúre než južné regióny, v ktorých boli feudálne vzťahy stále pevne zachované. Tieto mestá priťahovali najtalentovanejších skladateľov a hudobníkov. Vznikli tu nové žánre a štýlové trendy.

Túžba po zvýšenom výraze sa prejavila v textoch. hymny na voľne interpretované náboženstvo. Témou je laudah, ktorý sa spieval v bežnom živote a počas náboženstiev. sprievody. Už na konci. 12. storočia Vznikali „bratstvá laudistov“, ktorých počet v 13. a najmä 14. storočí narastal. Laudas sa pestoval medzi mníchmi františkánskeho rádu, ktorý bol v opozícii voči oficialitám. rímskej cirkvi, niekedy odrážali motívy sociálneho protestu. Melódia chvály sa spája s nár. pôvodu, rytmus je iný. jasnosť, jasnosť štruktúry, prevládajúce hlavné sfarbenie. Niektorí z nich majú povahovo blízko k tancu. piesne.

Vo Florencii vznikli nové žánre svetského mnohouholníka. wok hudba určená na domáce amatérske vystúpenie: madrigal, caccia, ballata. Bolo to 2- alebo 3-gólové. strofický piesne s melodickým prvenstvom. horný hlas, ktorý sa vyznačoval rytmom. pohyblivosť, množstvo farebných priechodov. Madrigal - aristokratický. žáner charakterizovaný vycibrenosťou poetiky a hudby. budova. Dominovala v ňom jemná erotika. témy, stelesnené aj satiricky. motívy, niekedy politicky podfarbené. Obsah caccie spočiatku tvorili poľovnícke obrázky (odtiaľ samotný názov: caccia - poľovníctvo), ale potom sa jej témy rozšírili a pokryli rôzne žánrové scény. Najpopulárnejším zo sekulárnych žánrov Ars nova je ballata (tanečná pieseň podobná obsahom madrigalu).

Široký rozvoj v 14. storočí v Taliansku. prijíma inštr. hudba. Základné Vtedajšími nástrojmi boli lutna, harfa, fidela, flauta, hoboj, trúbka a rôzne organy. typu (pozitíva, prenosné). Používali sa na sprevádzanie spevu a na sólovú alebo súborovú hru.

Vzostup Talianska Ars nova sa vyskytuje v stred. 14. storočia V 40. rokoch kreativita sa rozvíja. činnosti jej najvýznamnejších majstrov – Giovanniho z Florencie a Jacopa z Bologne. Preslávil sa najmä slepý virtuózny organista a skladateľ. F. Landino je multitalentovaný človek, básnik, hudobník a vedec, ktorý bol v talianskych kruhoch uznávaný. humanistov. V jeho tvorbe sa zintenzívnilo spojenie s ľudom. Pôvod, melódia získala väčšiu slobodu prejavu, niekedy vynikajúcu sofistikovanosť, kvetnatosť a rytmus. rozmanitosť.

V ére Vrcholná renesancia(16. storočie) I. m. zaujal popredné miesto medzi Európanmi. hudba plodiny V atmosfére všeobecného rozmachu umenia. kultúre sa intenzívne rozvíjalo muzicírovanie v rôznych vrstvy spoločnosti. Jeho centrami boli spolu s kostolom. kaplnky remesiel. cechové spolky, krúžky osvietených milovníkov literatúry a umenia, niekedy sa nazývajúce podľa antiky. podľa vzoru akadémií. V množnom čísle v mestách vznikali školy, ktoré prispeli k samostatnosti. príspevok k rozvoju historického umenia z nich sú najväčšie a najvplyvnejšie rímske a benátske školy. V centre katolicizmu – Ríme, nové umelecké formy uvádzané do života renesančným hnutím často narážali na odpor cirkvi. orgány. Ale napriek zákazom a výpovediam počas celého 15. storočia. v rímskokatolíckom polygól bol pevne stanovený v bohoslužbách. spev. Uľahčili to aktivity predstaviteľov francúzsko-flámskej školy G. Dufaya, Josquina Despresa a ďalších skladateľov, ktorí v rôznych časoch slúžili v pápežskej kaplnke. IN Sixtínska kaplnka(založený 1473) a zbor. kaplnka Katedrály sv. Petra sa sústredili najlepší majstri cirkvi. spev nielen z Talianska, ale aj z iných krajín. Cirkevné záležitosti spevu sa venovala osobitná pozornosť. pozornosť na Tridentskom koncile (1545-63), ktorého rozhodnutia odsúdili prílišnú vášeň pre „obraznú“ polyfóniu. hudba, ktorá sťažuje porozumenie „svätým slovám“ a bola vyslovená požiadavka na jednoduchosť a jasnosť; vnášanie svetských melódií do liturgie bolo zakázané. hudba. Ale v rozpore s túžbou cirkvi. úrady vypudiť z kultového spevu všetky novoty a podľa možnosti ho vrátiť k tradíciám gregoriánskeho chorálu, skladatelia rímskej školy vytvorili vysoko rozvinutú polyfóniu. umenie, v ktorom boli implementované a reinterpretované najlepšie výdobytky francúzsko-flámskej polyfónie v duchu renesančnej estetiky. Vo výrobe skladatelia tejto školy sú komplexnou imitáciou. technika bola kombinovaná s akordovo-harmonickou. sklad, viachlavý textúra nadobudla charakter harmonickej eufónie, melodický začiatok sa osamostatnil, do popredia sa často dostával vrchný hlas. Najväčším predstaviteľom rímskej školy je Palestrina. Jeho dokonale vyvážené, náladovo osvietené, harmonické umenie je niekedy prirovnávané k dielu Raphaela. Byť vrcholom zboru. polyfónia prísneho štýlu, Palestrinova hudba obsahuje súčasne rozvinuté prvky homofónneho myslenia. Túžba po rovnováhe medzi horizontálnym a vertikálnym princípom bola charakteristická aj pre ďalších skladateľov tej istej školy: C. Festa, G. Animucci (ktorý stál na čele kaplnky sv. Petra v rokoch 1555-71), Clemens the Do rímskej školy vstúpili aj pápež, študenti a nasledovníci Palestriny – J. Nanino, F. Anerio a ďalší. skladatelia, ktorí pôsobili v pápežskej kaplnke: C. Morales, B. Escobedo, T. L. de Victoria (dostal prezývku „španielska Palestrina“).

Zakladateľom benátskej školy bol A. Willaert (pôvodom Holanďan), ktorý v roku 1527 stál na čele kaplnky Dómu sv. Marka a bol jej vedúcim 35 rokov. Jeho nástupcami boli C. de Pope a Španiel C. Merulo. Najväčší rozkvet dosiahla táto škola v diele A. Gabrieliho a jeho synovca G. Gabrieliho. Na rozdiel od prísneho a zdržanlivého štýlu písania Palestriny a iných skladateľov rímskej školy sa umenie Benátčanov vyznačovalo sviežou zvukovou paletou a množstvom jasných farieb. účinky. Princíp polychoricity bol pre nich obzvlášť dôležitý. Kontrastné dva zbory, aranžované. V rôzne strany kostol, slúžil ako základ pre dynamiku. a farebné kontrasty. Neustále sa meniaci počet hlasov dosiahol 20 pre zbor G. Gabrieli. zvukovosti doplnili zmeny v nástrojoch. timbre a nástroje nielen duplikovali hlasy zboru, ale vystupovali aj samostatne. a spájacie epizódy. Harmonický jazyk bol nasýtený početnými, na tú dobu často tučnými chromatizmami, ktoré mu dodávali črty zvýšeného výrazu.

Hrala kreativita majstrov benátskej školy veľkú rolu a vo vývoji nových foriem nástrojov. hudba. V 16. storočí Samotné zloženie nástrojov sa výrazne obohatilo, rozšíril sa ich výraz. možnosti. Vzrástol význam sláčikových nástrojov s ich melodickým, teplým zvukom. Práve v tomto období vznikla klasika. typ violy; husle, predtým rozšírené. v ľudovom živote sa stáva prof. hudba nástroj. Ako sólové nástroje naďalej zaujímali vedúce postavenie lutna a organ. V rokoch 1507-09 vydal hudobný vydavateľ O. Petrucci. 3 kolekcie kusov pre lutnu, ešte zachované. príznaky závislosti na woku. polyfónia motetového typu. V budúcnosti sa táto závislosť oslabuje, vyvíjajú sa špecifické nástroje. prezentačné techniky. Charakteristický pre 16. storočie. žánre sólový nástroj Hudba - ricercar, fantasia, canzone, capriccio. V roku 1549 sa objavil org. Richercars Villarta. Po ňom tento žáner rozvinul G. Gabrieli, niektorí ricercars, ktorých prezentácia má blízko k fúge. V org. Toccaty benátskych majstrov odrážajú virtuozitu a sklon k voľnej predstavivosti. V roku 1551 vyšla v Benátkach zbierka kníh. klávesové tanečné kúsky charakter.

Vznik prvých samostatných štátov sa spája s menami A. a J. Gabrieliovcov. ukážky komorného súboru a orchestra. hudba. Ich skladby pre rôzne nástroje. skladby (od 3 do 22 party) boli spojené do zbierky. "Canzones and Sonatas" ("Canzoni e sonate...", vydané v roku 1615 po smrti skladateľov). Tieto hry sú založené na princípe kontrastu rôznych. inštr. skupiny (obe homogénne – sláčikové, dychové, dychové, aj zmiešané), ktoré potom dostávali postupne. stelesnenie v koncertnom žánri.

Najkompletnejším a najživším vyjadrením renesančných myšlienok v hudbe bol madrigal, nový kvet ktorý prišiel v 16. storočí. Mnoho ľudí venovalo pozornosť tomuto najdôležitejšiemu žánru svetskej hudby v období renesancie. skladateľov. Madrigaly napísali Benátčania A. Willart, C. de Pope, A. Gabrieli a majstri rímskej školy C. Festa a Palestrina. Madrigalistické školy existovali v Miláne, Florencii, Ferrare, Bologni a Neapole. Madrigal zo 16. storočia sa od madrigalu z obdobia Ars nova líšila väčšou bohatosťou a poetickou prepracovanosťou. obsah, ale základný jeho sférou zostali ľúbostné texty, často pastiersky zafarbené, spojené s nadšeným oslavovaním krás prírody. Veľký vplyv na vývoj madrigalu mala poézia F. Petrarcu (mnohé jeho básne zhudobnili rôzni autori). Madrigalistickí skladatelia sa obracali k dielam L. Ariosta, T. Tassa a ďalších významných básnikov renesancie. V madrigaloch zo 16. storočia. Prevládalo 4- či 5-gólové skóre. sklad, ktorý spája prvky polyfónie a homofónie. Popredný melodický hráč Hlas sa vyznačoval jemnosťou výrazu. odtiene, flexibilný prenos poetických detailov. text. Celková kompozícia bola voľná a nepodriaďovala sa strofickým líniám. princíp. Medzi madrigalových majstrov 16. stor. Vynikal Holanďan J. Arkadelt, ktorý pôsobil v Ríme a Florencii. Jeho madrigaly, vydané v rokoch 1538-44 (6 kníh), boli mnohokrát pretlačené a rozmnožené v rôznych vydaniach. tlačené a písané rukou stretnutia. Najvyšší rozkvet tohto žánru je spojený s kreativitou. činnosti L. Marenzia, C. Monteverdiho a C. Gesualda di Venosa v závere. 16 - začiatok 17. storočia Ak sa Marenzio vyznačuje sférou rafinovanosti. lyrický obrazy, potom v Gesualdo di Venosa a Monteverdi je madrigal dramatizovaný a obdarený hĺbkovou psychologikou. výraz, použili nové, nezvyčajné prostriedky harmonického. jazyk, zostrená intonácia. expresivita woku. melodika. Bohatou vrstvou I. m. piesne a tance vyznačujúce sa melodickosťou melódií, živosťou a ohnivými rytmami. Pre taliančinu Tance sa vyznačujú metrom 6/8, 12/8 a rýchlym, často rýchlym tempom: saltarello (zachovali sa záznamy z 13.-14. storočia), príbuzná lombarda (tanec Lombardska) a forlana (benátsky, furlanský tanec ), tarantella (juhotaliansky tanec, ktorý sa stal národným). Spolu s tarantellou je obľúbená siciliana (veľkosť rovnaká, ale tempo mierne, charakter melódie iný - pastoračný). Sicílčania majú blízko k barcarolle (pieseň benátskych gondolierov) a toskánskemu rispettu (pieseň chvály, vyznanie lásky). Piesne Lamento (druh náreku) sú všeobecne známe. Plastickosť a melodickosť melódie, jasná lyrika a často zdôrazňovaná citlivosť sú typické pre neapolské piesne rozšírené v Taliansku.

Nar. hudba ovplyvnila aj prof. hudba tvorba. Najväčšia jednoduchosť a blízkosť ľuďom. Žánre frottola a villanelle sa líšili svojim pôvodom.

Renesancia dala impulz rozvoju hudobnej teórie. myšlienky v Taliansku. Základ je moderný. doktrínu harmónie stanovil G. Zarlino. Stredné storočie Postavil do protikladu doktrínu módov s novým tonálnym systémom s 2 základmi. modálne nálady – durové a molové. Zarlino sa vo svojich úsudkoch opieral predovšetkým o priame sluchové vnímanie, a nie o abstraktné scholastické výpočty a numerické operácie.

Najväčšia udalosť v I. m. došlo k vzniku opery. Opera, ktorá sa objavila na konci renesancie, je však úplne spojená s jej myšlienkami a kultúrou. Opera ako samostatná. Žáner vyrástol na jednej strane z divadla. predstavenia 16. storočia, sprevádzané hudbou, na druhej strane - z madrigalu. Mnoho ľudí vytvorilo hudbu pre televíziu. slávnych skladateľov 16. storočia A. Gabrieli teda napísal zbory k Sofoklovej tragédii „Oidipus“ (1585, Vicenza). Jedným z predchodcov opery bola hra A. Poliziana „Príbeh Orfea“ (1480, Mantova). Madrigal vyvinul prostriedky flexibilného vyjadrovania. stelesnenia poetické text v hudbe. Bežná prax predvádzania madrigalov jedným spevákom s nástrojmi. odpor priblížil ich k typu wok. monódia, ktorá sa stala základom prvej taliančiny. oper. V kon. 16. storočia vznikol žáner madrigalovej komédie, v ktorej mimich. herectvo sprevádzal wok. epizódy v madrigalovom štýle. Typickým príkladom tohto žánru je „Amphiparnassus“ od O. Vecchiho (1594).

V roku 1581 sa objavil polemik. Traktát V. Galileiho „Rozhovor o starej a modernej hudbe“ („Dialogo della musica antica et délia moderna“), v ktorom spievajúci hlas. deklamácia (podľa antického vzoru) bola proti „barbarstvu“ stredoveku. polyfónia. Ako ilustrácia tohto konceptu mal slúžiť úryvok z Danteho „Božskej komédie“, ktorú zhudobnil. štýl. Galilejské myšlienky našli oporu v skupine básnikov, hudobníkov a humanistických vedcov, ktorí sa v roku 1580 z iniciatívy osvieteného florentského grófa G. Bardiho zjednotili (tzv. florentská Camerata). Postavy tohto kruhu vytvorili prvé opery – „Daphne“ (1597-98) a „Eurydice“ (1600) od J. Periho na text O. Rinucciniho. Sólový wok. časti týchto opier s op. basso continuo sa zachovávajú v deklamácii. spôsobom je v chóroch zachovaná madrigalová štruktúra.

Niekoľko O roky neskôr bola hudba k „Eurydice“ zložená nezávisle spevákom a skladateľom. G. Cacciniho, ktorý bol aj autorom zbierky. sólové komorné piesne so sprievodom „Nová hudba“ („Le nuove musiche“, 1601), hlavná. na rovnakú štylistiku. zásady. Tento štýl písania sa nazýval „nový štýl“ (Stile nuovo) alebo „figuratívny štýl“ (Stile rарpresentativo).

Prod. Florentínci sú do istej miery racionálni, ich význam je hlavne experimentálne. Autentický život Opera bola inšpirovaná brilantnou hudbou. dramatik, umelec silného tragického talentu K. Monteverdi. K opernému žánru sa priklonil v dospelosti, už ako autor mnohých diel. duchovný op. a svetské madrigaly. Jeho prvé opery „Orfeus“ (1607) a „Ariadna“ (1608) boli post. v Mantove. Po dlhšej prestávke Monteverdi opäť pôsobil ako operný skladateľ v Benátkach. Vrcholom jeho opernej tvorby je „Korunovácia Poppey“ (1642), prod. skutočne shakespearovská sila, vyznačujúca sa hĺbkou drámy. výrazov, majstrovské vyrezávanie postáv, ostrosť a intenzita konfliktných situácií.

V Benátkach opera presahovala úzku aristokratickú. kruhu fajnšmekrov a stal sa verejným predstavením. Prvá verejná budova tu bola otvorená v roku 1637. opera t-r"San Cassiano" (v rokoch 1637-1800 vzniklo najmenej 16 takýchto t-trov). Demokratickejšie. Charakter diel ovplyvnilo aj zloženie publika. Mytologické predmet ustúpil dominantnému miestu dejín. príbehy so skutočnou akciou. tváre, drámy a hrdinské. začiatok bol prepletený komediálnym a niekedy až surovo fraškovitým. Wok. melódia nadobudla väčšiu melodickosť v rámci recitačných scén vznikali úseky. epizódy arious typu. Tieto črty, charakteristické pre Monteverdiho neskoré opery, ďalej rozvinul v diele F. Cavalli, autor 42 opier, z ktorých najväčšiu obľubu získala opera Jason (1649).

Opera v Ríme získala zvláštne zafarbenie pod vplyvom katolíkov, ktorí tu dominovali. trendy. Spolu so starožitnosťou mytologické zápletky ("Smrť Orfea" - "La morte d"Orfeo" od S. Landiho, 1619; "Reťaz Adonis" - "La Caténa d"Adone" od D. Mazzocchiho, 1626) opera zahŕňala náboženské. témy interpretované v Kristovi. moralizujúci plán. Väčšina znamená. prod. Rímska škola - opera „Saint Alexei“ od Landiho (1632), ktorá sa vyznačovala melodickosťou. bohatosť a dramatickosť hudby, množstvo rozvinutých zborových textúr. epizód. Prvé príklady komiksov sa objavili v Ríme. operný žáner: „Nech trpiteľ dúfa“ („Che soffre, speri“, 1639) od V. Mazzocchiho a M. Marazzoliho a „Každý oblak má striebornú podšívku“ („Dal male il bene“, 1653) od A. M. Abbatiniho a Marazzoli.

K ser. 17. storočia opera sa takmer úplne odklonila od princípov renesančnej estetiky, ktorú presadzovala florentská Camerata. Svedčí o tom dielo M. A. Chestiho, spojené s benátskou opernou školou. V jeho spisoch sú pohnuté drámy. Recitatív je v kontraste s jemnou melodickou melódiou a úloha zaoblených wokov vzrástla. čísla (často v neprospech dramatického opodstatnenia konania). Opera cti" zlaté jablko„("Il porno d"oro", 1667), inscenované s pompou vo Viedni pri príležitosti svadby cisára Leopolda I., sa stalo prototypom slávnostných adventov. predstavení, ktoré sa od tej doby v Európe rozšírili. „Toto už nie je čisto talianska opera,“ píše R. Rolland, „je to typ medzinárodnej dvornej opery.“

Od konca 17. storočia vedúcu úlohu v rozvoji Talianska. opera išla do Neapola. Prvým významným predstaviteľom neapolskej opernej školy bol F. Provenzale, ale jej skutočnou hlavou bol A. Scarlatti. Autor mnohých operných diel (viac ako 100) vytvoril typickú štruktúru taliančiny. opera seria, zachovaná bez tvorov. mení až do konca 18. storočia náčelník miesto v opere tohto typu patrí árii, zvyčajne 3-dielnemu da capo; recitatívu sa pripisuje služobná úloha, význam zborov a súborov sa znižuje na minimum. Ale svetlé melodické. Scarlattiho dar, polyfonická zručnosť. listy, nepochybne dramatické. inštinkt umožnil skladateľovi napriek všetkým obmedzeniam dosiahnuť silný, pôsobivý dojem. Scarlatti vyvinul a obohatil vokálne aj inštrumentálne. operné formy. Vyvinul typickú taliansku štruktúru. operná predohra (alebo symfónia, podľa vtedy akceptovanej terminológie) s rýchlymi vonkajšími úsekmi a pomalou strednou epizódou, ktorá sa stala prototypom symfónie ako samostatnej. konc. funguje.

V tesnom spojení s operou sa rozvinul nový neliturgický žáner. náboženský žaloba – oratórium. Vychádzajúce z náboženstiev. čítania sprevádzané spevom polygónov. chvála, získala nezávislosť. hotový podobe v dielach G. Carissimiho. Vo svojich oratóriách, písaných prevažne na biblické námety, obohatil operné formy, ktoré sa vyvinuli v polovici. 17. storočie, úspechy zboru. konc. štýl. Medzi skladateľmi, ktorí tento žáner rozvinuli po Carissimi, vynikal A. Stradella (jeho osobnosť sa stala legendárnou vďaka dobrodružnému životopisu). Do oratória vniesol prvky drámy. pátos a charakterizácia. Takmer všetci skladatelia neapolskej školy venovali pozornosť žánru oratória, hoci v porovnaní s operou zaujímalo oratórium v ​​ich tvorbe druhoradé miesto.

Žáner príbuzný oratóriu je komorná kantáta pre jeden, niekedy 2 alebo 3 hlasy so sprievodom. basso continuo. Na rozdiel od oratória v ňom prevládali svetské texty. Najvýraznejšími majstrami tohto žánru sú Carissimi a L. Rossi (jeden z predstaviteľov rímskej opernej školy). Podobne ako oratórium, aj kantáta hraná znamená. úlohu pri vývoji wok. formy, ktoré sa stali typickými pre neapolskú operu.

V oblasti náboženskej hudby v 17. stor. dominuje túžba po vonkajšej, okázalej veľkosti, dosiahnutá ch. arr. kvôli množstvám. účinok. Princíp polychoricity, ktorý vyvinuli majstri benátskej školy, nadobudol hyperbolický charakter. stupnica. V niektorých inscenáciách. bolo využitých až dvanásť 4-gólových. zborov Gigantický zbor. skladby boli doplnené početnými. a rôzne skupiny nástrojov. Tento štýl sviežeho baroka bol vyvinutý najmä v Ríme a nahradil prísny, zdržanlivý štýl Palestriny a jeho nasledovníkov. Najvýraznejšími predstaviteľmi neskororímskej školy sú G. Allegri (autor slávnej „Miserere“, ktorú zaznamenal W. A. ​​​​Mozart), P. Agostini, A. M. Abbatini, O. Benevoli. Zároveň tzv „koncertný štýl“, blízky arioso-recitačnému spevu raného Itala. opery, ktorých príkladom sú duchovné koncerty A. Banchieriho (1595) a L. Viadana (1602). (Viadana sa, ako sa neskôr ukázalo, bez dostatočného zdôvodnenia, zaslúžil o vynález digitálnej basy.) C. Monteverdi, Marco da Galliano, F. Cavalli, G. Legrenzi a ďalší skladatelia písali rovnakým spôsobom, preniesli do cirkvi. hudobné prvky opery alebo komornej kantáty.

Intenzívne hľadanie nových foriem a prostriedkov hudby. expresívnosť, diktovaná túžbou stelesniť bohatého a všestranného humanistu. obsahu, vedená v oblasti nástrojov. hudba. Jeden z najväčších majstrov org. a klávesovej hudby predBachovho obdobia bol G. Frescobaldi, skladateľ brilantnej kreativity. individualita, brilantný virtuóz na organe a čembale, známy vo svojej domovine i v inej Európe. krajín. Priniesol do tradície. ricercar formy, fantázie, toccaty, črty intenzívnej expresivity a slobody cítenia, obohatené o melodickosť. a harmonické jazyk, rozvinutá polyfónia. faktúra. V jeho prod. klasické kryštalizované. typ fúgy s jasne identifikovanými tónovými vzťahmi a úplnosťou celkového plánu. Frescobaldiho kreativita je vrcholom Talianska. org. súdny spor Jeho inovatívne úspechy nenašli vynikajúcich nasledovníkov v samotnom Taliansku, pokračovali a rozvíjali ich skladatelia z iných krajín. v taliančine inštr. hudba z 2. pol. 17. storočia Hlavná úloha prešla na sláčikové nástroje a predovšetkým na husle. Bolo to spôsobené rozkvetom husľového interpretačného umenia a zdokonalením samotného nástroja. V 17.-18.st. v Taliansku dynastie slávnych výrobcovia huslí(rodiny Amati, Stradivari, Guarneri), ktorých nástroje zostali dodnes neprekonané. Vynikajúcimi husľovými virtuózmi boli z väčšej časti aj skladatelia, upevnili sa nové techniky sólového husľového vystupovania, rozvíjali sa nové múzy. formulárov.

Na prelome 16.-17. stor. V Benátkach sa rozvinul žáner triovej sonáty - viacdielneho diela. pre 2 sólové nástroje (zvyčajne husle, ale dajú sa nahradiť inými nástrojmi zodpovedajúcej tessitury) a bas. Existovali 2 odrody tohto žánru (obe patrili do oblasti svetskej komornej hudby): „kostolná sonáta“ („sonata da chiesa“) – 4-dielny cyklus, v ktorom sa striedali pomalé a rýchle časti, a „komorná sonáta“ („sonata da camera“), pozostávajúce z niekoľkých. hrá tanec charakteru, v blízkosti apartmánu. Je to dôležité najmä pri ďalšom vývoji týchto žánrov. Rolu zohrala bolonská škola, ktorá vytvorila brilantnú galaxiu majstrov husľového umenia. Medzi jej vyšších predstaviteľov patria M. Caccati, G. Vitali, G. Bassani. Éra v dejinách huslí a komornej ansámblovej hudby bola poznačená tvorbou A. Corelliho (žiaka Bassaniho). Zrelé obdobie jeho pôsobenia bolo spojené s Rímom, kde si vytvoril vlastnú školu reprezentovanú takými menami ako P. Locatelli, F. Geminiani, G. Somis. Corelliho tvorba zavŕšila vznik triovej sonáty. Spln rozšíril a obohatil. schopnosti sláčikových nástrojov. Vlastní aj cyklus sonát pre sólové husle s op. čembalo. Tento nový žáner, ktorý vznikol koncom 17. storočie, znamenalo koniec. schválenie monodich. zásada v inštr. hudba. Corelli spolu so svojím súčasníkom G. Torellim vytvoril concerto grosso – najvýznamnejšiu formu komorno-orchestrálnej tvorby až do polovice 18. storočia.

K con. 17 - začiatok 18. storočia zvýšená medzinárodná sláva a moc I. m. cudzie hudobníci prúdili do Talianska, aby si doplnili vzdelanie a získali certifikáciu, ktorá im zabezpečila uznanie v ich domovine. Ako učiteľa ho preslávil najmä hudobník obrovskej erudície komp. a teoretik J. B. Martini (známy ako Padre Martini). Jeho rady využili K. V. Gluck, W. A. ​​​​Mozart, A. Gretry. Vďaka nemu bolonská filharmónia. Akadémia sa stala jedným z najväčších centier hudby v Európe. vzdelanie.

taliansky skladatelia 18. storočia základné pozornosť sa venovala opere. Len niekoľko z nich zostalo bokom od operného divadla, ktoré prilákalo široké publikum zo všetkých vrstiev spoločnosti. Objemom gigantickú opernú inscenáciu tohto storočia vytvorili skladatelia rôznych typov. stupnica talentov, medzi ktorými bolo veľa talentovaných umelcov. K popularite opery prispelo vysokej úrovni vok.-vykonať. kultúry. Speváci sa pripravovali. arr. v konzervatóriách – sirotincoch, ktoré vznikli ešte v 16. storočí. V Neapole a Benátkach - hlavných centrách Talianska. operný život v 18. storočí. boli 4 konzervatóriá, v ktorých boli múzy. vzdelávanie viedli významní skladatelia. Spevák a komp. F. Pistocchi založil špeciálnu spoločnosť v Bologni (okolo roku 1700). spevák školy. Vynikajúci wok. učiteľom bol N. Porpora, jeden z najplodnejších operných skladateľov neapolskej školy. Medzi slávnych majstrov belcantového umenia v 18. stor. - účinkujúci hlavných manželov. rolami v opernej sérii boli kastrátski speváci A. Bernacchi, Caffarelli, F. Bernardi (prezývaný Senesino), Farinelli, G. Crescentini, ktorí mali virtuózne vokálne schopnosti. technika kombinovaná s jemným a ľahkým zafarbením hlasu; speváci F. Bordoni, F. Cuzzoni, C. Gabrielli, V. Tesi.

taliansky opera požívala privilégiá. situáciu vo väčšine Európy. hlavné mestá Bude priťahovaná. sila sa prejavila aj v tom, že mnohí Skladatelia z iných krajín tvorili opery v taliančine. texty v duchu a tradíciách neapolskej školy. Pridali sa k nej Španieli D. Perez a D. Terradellas, Nemec I. A. Hasse, Čech J. Myslivecek. To znamená, že to bolo v súlade s tou istou školou. súčasťou aktivít G. F. Handela a K. W. Glucka. Pre taliančinu Operné scény napísali Rusi. skladatelia - M. S. Berezovskij, P. A. Skokov, D. S. Bortnyansky.

Už za života šéfa neapolskej opernej školy A. Scarlattiho, tvorcu opernej série, sa však ukázali jej neodmysliteľné umelecké kvality. rozpory, čo slúžilo ako dôvod na ostrú kritiku. vystupovať proti nej. Na začiatku 20. roky 18. storočia objavil sa satirik. hudobný pamflet teoretik B. Marcello, v ktorom sa vysmievali absurdné konvencie operných knihovníkov a pohŕdanie skladateľmi činohry. zmysel akcie, arogantná ignorancia primadon a kastrátov. Pre nedostatok hlbokej etiky obsah a zneužívanie vonkajších účinkov kritizované modernou. som talianska opera. pedagóg F. Algarotti vo svojej „Eseji o opere“ („Saggio sopra l“opera in musica...“, 1754) a encyklopedista E. Arteaga v diele „Revolúcia talianskeho hudobného divadla“ („Le rivoluzioni del teatro musicale italiano dalla sua origine fino al presente", v. 1-3, 1783-86).

Libretisti básnici A. Zeno a P. Metastasio vyvinuli stabilnú historickú a mytologickú štruktúru. opera seria, v ktorej bol charakter drám prísne regulovaný. intrigy, počet a vzťahy postáv, typy sólových wokov. čísla a ich umiestnenie na javisku. akcie. Podľa zákonov klasicistickej drámy dali opere jednotu a kompozičnú harmóniu, čím ju oslobodili od zmätku tragédie. prvky s komédiou a fraškou. zároveň operné texty Títo dramatici sa vyznačujú aristokratickými črtami. galantnosť, napísaná umelým, manýrnym, vycibreným jazykom. Opera Seria, Španielčina strih bol často načasovaný tak, aby sa zhodoval s príchodom. osláv, sa musel skončiť obligátnym úspešným koncom, pocity jeho hrdinov boli podmienené a nepravdepodobné.

V polovici 18. storočia Existuje tendencia prekonávať zaužívané klišé operných seriálov a užšie prepojenie hudby a drámy. akcie. To viedlo k zvýšenej úlohe sprievodného recitatívu a k obohateniu orka. farby, rozšírenie a dramatizácia zboru. scény Najživšie sa tieto novátorské tendencie prejavili v diele N. Jomelliho a T. Traettu, ktorí čiastočne pripravili Gluckovu opernú reformu. V opere Ifigénia in Tauris sa Traette podľa G. Aberta podarilo „postúpiť až k samotným bránam Gluckovej hudobnej drámy“. Tou istou cestou kráčali aj takzvaní skladatelia. „Nová neapolská škola“ G. Sarti, P. Guglielmi a ďalší A. Sacchini a A. Salieri boli zarytí prívrženci a stúpenci Gluckovej reformy.

Najsilnejšia opozícia je podmienečne hrdinská. Opera Seria zostavila nová demokratka žáner opera buffa. V 17 a na začiatku 18. storočia komické opera bola zastúpená len ojedinelými príkladmi. Ako sú nezávislé. žáner sa začal formovať u starších majstrov neapolskej školy L. Vinciho a L. Lea. Prvá klasika. príkladom opernej buffy je Pergolesiho „Sluha-pani“ (pôvodne použitá ako medzihra medzi aktmi jeho opernej série „Pyšný zajatec“, 1733). Realizmus obrazov, živosť a dojemnosť hudby. charakteristiky prispeli k najširšej obľube medzihry G.B. krajinách, najmä vo Francúzsku, kde je jej post. v roku 1752 slúžil ako impulz pre vznik prudkej estetiky. polemiky (pozri „Vojna Buffonovcov“) a prispeli k formovaniu franc. národné druh komiksu opery.

Bez straty kontaktu s ľuďmi. korene, taliančina opera buffa neskôr vyvinula rozvinutejšie formy. Na rozdiel od opernej série dominoval sólový vokál. začiatok, v komikse V opere sa stali veľmi dôležité súbory. Najrozvinutejšie súbory sa umiestnili do živých, rýchlo sa rozvíjajúcich finále, ktoré boli akýmisi uzlami komediálne intrigy. N. Logroshino je považovaný za tvorcu tohto typu efektných záverečných celkov. C. Goldoni, významný Talian, mal plodný vplyv na rozvoj opernej buffy. komik 18. storočia, ktorý do svojej tvorby premietal myšlienky vzdelávací realizmus. Bol autorom viacerých operných knihovníkov, z ktorých väčšina mala hudbu napísanú jedným z vynikajúcich talianskych majstrov. komické opery Benátčana B. Galuppiho. V 60. rokoch 18. storočia v opere buffa sa objavujú sentimentalistické tendencie (napr. opera N. Piccinniho na Goldoniho text „Cecchina, alebo dobrá dcéra“, 1760, Rím). Opera buffa sa blíži k typu " buržoázna dráma“, alebo „slzivá komédia“, odrážajúca morálne ideály tretieho stavu v predvečer Veľkej francúzskej revolúcie.

Dielo N. Piccinniho, G. Paisiella a D. Cimarosa je poslednou, najvyššou etapou vo vývoji opernej buffy v 18. storočí. V ich inscenáciách sa spájajú komediálne prvky so senzibilitou. patetické, melodické. v opernom repertoári sa zachovala bohatosť s rozmanitosťou foriem, živosť, gracióznosť a pohyblivosť hudby. V mnohom sa títo skladatelia priblížili Mozartovi a pripravili dielo jedného z najväčších Talianov. operných skladateľov ďalšieho storočia G. Rossiniho. Určité črty opery buffa prevzala neskoršia opera seria, čo sa prejavilo vo väčšej flexibilite jej foriem, jednoduchosti a spontánnosti melódií. výrazov.

Prostriedky. Príspevok bol taliansky. skladatelia 18. storočia vo vývoji rôznych nástrojové žánre hudba. V oblasti výroby huslí bol po Corellim najväčším majstrom G. Tartini. V nadväznosti na svojich predchodcov pestoval žánre sólovej husľovej sonáty a triovej sonáty, naplnil ich novou jasnou expresivitou, obohatil techniky husľového prednesu a rozšíril v tom čase obvyklý rozsah ich zvuku. Tartini si vytvoril vlastnú školu s názvom Padova (pomenovaná podľa mesta Padova, kde strávil väčšinu svojho života). Jeho žiakmi boli P. Nardini, P. Alberghi, D. Ferrari. V 2. pol. 18. storočia majstrovsky sa odvíjal a predvádzal. a kreatívny aktivity G. Pugnaniho, najväčšieho Taliana. klasický huslista éra. Medzi jeho mnohými. študentov, preslávil sa najmä J.B.Viotti, v ktorého tvorbe je miestami cítiť romantizmus. trendy.

V orkskom žánri. concerto grosso ako odvážne a originálne. inovatívnym umelcom bol A. Vivaldi. Zdramatizoval túto formu, uvedenú spolu s dynamikou. tematicky kontrastujúce veľké a malé skupiny nástrojov (tutti a concertino). kontrasty v rámci oddelenia časti, nastolila 3-dielnu štruktúru cyklu, zachovanú v klas. inštr. koncert. (Vivaldiho husľové koncerty si vysoko cenil J. S. Bach, ktorý niektoré aranžoval pre klavír aj pre organ.)

V triových sonátach G.B. Pergolesiho sú badateľné predklasické črty. „galantný“ štýl. Ich ľahká, priehľadná textúra je takmer úplne homofónna, melódia sa vyznačuje jemnou melodickosťou a gráciou. Jeden zo skladateľov, ktorý priamo pripravil výkvet vážnej hudby. inštr. hudby, bol G. Sammartini (autor 78 symfónií, mnohých sonát a koncertov pre rôzne nástroje), charakterom svojej tvorivosti blízky predstaviteľom mannheimskej a ranej viedenskej školy. L. Boccherini spájal vo svojej tvorbe prvky galantnej citlivosti s preromantizmom. vzrušený pátosom a blízkosťou k ľuďom. zdrojov. Všimnú si to. violončelista, obohatil sólovú violončelovú literatúru, bol jedným z tvorcov klas. typ sláčikového kvarteta.

Umelec je živý a bohato tvorivý. fantasy, D. Scarlatti rozšíril a aktualizoval figuratívnu štruktúru a výrazové prostriedky klavírnej hudby. Jeho sonáty pre čembalo (autor ich nazval „cvičenia“ – „Essercizi per gravicembalo“), pozoruhodné svojou rozmanitosťou charakteru a techniky prezentácie, sú akousi encyklopédiou vtedajšieho klavírneho umenia. V Scarlattiho jasných a výstižných sonátach sú vyostrené tematické témy. kontrasty sú jasne definované. časti sonátovej expozície. Po Scarlatti klávesová sonáta bol vyvinutý v dielach B. Galuppiho, D. Albertiho (ktorého meno sa spája s definíciou albertských basov), G. Rutiniho, P. Paradisiho, D. Cimarosa. M. Clementi, ktorý si osvojil určité aspekty spôsobu D. Scarlattiho (ktorý sa prejavil najmä v jeho tvorbe 12 sonát „v štýle Scarlatti“), sa potom zblížil s majstrami rozvinutej klasickej hudby. štýl, a niekedy prichádza k pôvodu romantické. virtuozita.

N. Paganini otvoril novú éru v dejinách husliarstva. Ako interpret a skladateľ bol typicky romantickým umelcom. sklad Jeho hra pôsobila neodolateľným dojmom kombináciou obrovskej virtuozity s ohnivou fantáziou a vášňou. Mn. prod. Paganini ("24 Caprices" pre sólové husle, koncerty pre husle a orchester atď.) stále zostávajú neprekonanými príkladmi virtuóznej husľovej literatúry. Ovplyvnili nielen celý nasledujúci vývoj husľovej hudby 19. storočia, ale aj tvorbu najväčších predstaviteľov hnutia romantizmu. klavirista - F. Chopin, R. Schumann, F. Liszt.

Paganini bol posledným z veľkých Talianov. majstri pracujúci v oblasti nástrojov. hudba. V 19. storočí pozornosť skladateľov a verejnosti sa takmer výlučne sústredila na operu. Na prelome 18.-19.st. Opera v Taliansku prechádzala obdobím známej stagnácie. Tradičné typy opera seria a opera buffa už v tom čase vyčerpali svoje možnosti a nemohli sa rozvíjať. Kreativita najväčšieho Taliana. operný skladateľ tejto doby G. Spontini sa konal mimo Talianska (vo Francúzsku a Nemecku). Pokusy S. Mayra (národnosťou Nemec) o podporu tradícií oper seria (vrúbľovaním určitých prevzatých prvkov) sa ukázali ako eklektické. F. Paer, ktorý inklinoval k opernej buffe, nepriniesol do tohto žánru v porovnaní s tvorbou Paisiella a Cimarosa ničím výrazne novým. (V dejinách hudby sa zachovalo meno Paer ako autor opery na text J. Bouillyho „Leonora, alebo manželská láska“, ktorý slúžil ako zdroj pre knižnicu „Fidelio“ od Beethovena .)

Vysoký rozkvet Talianska. opery v 19. storočí bola spojená s činnosťou G. Rossiniho, skladateľa nadaného nevyčerpateľnou melodikou. vynaliezavosť, živý, temperamentný temperament a nezameniteľná dramaturgia. inštinkt. Jeho práca odrážala všeobecný vzostup Talianska. kultúry spôsobenej rastom vlasteneckej. národné oslobodenie ašpirácie. Hlboko demokratický, ľudia. Rossiniho operné dielo bolo podľa svojho pôvodu adresované do širokého kruhu poslucháčov. Oživil národné typ operného buffa a vdýchol mu nový život, vyostril a prehĺbil charakteristiku akcie. osoby, čím sa približujú realite. Jeho „Holič zo Sevilly“ (1816) je vrcholom taliančiny. komické opery. Rossini kombinuje komediálny začiatok so satirickým, libre. Niektoré z jeho opier obsahujú priame narážky na spoločnosti. a politické vtedajšiu situáciu. V operách sú hrdinské drámy. postavy, prekonal zamrznuté klišé operných seriálov, najmä kládol osobitný dôraz na zbor. začiatok. Rozprávky sa vo veľkej miere rozvíjajú. scény v poslednej Rossiniho opere „William Tell“ (1829) o národnom oslobodení. dej interpretovaný romantickým spôsobom. plánovať.

Romantizmus dostáva živý výraz. trendy v tvorbe V. Belliniho a G. Donizettiho, ktorých činnosť sa začala v 30. rokoch. 19. storočia, kedy národné hnutie Renesancia (Risorgimento) v Taliansku vstúpila do rozhodujúcej etapy boja za jednotu a politiku. nezávislosti krajiny. V Belliniho operách „Norma“ (1831) a „Puritans“ (1835) jasne zaznieva národné oslobodenie. motívov, aj keď hlavný dôraz kládol skladateľ na osobnú drámu postáv. Bellini bol majstrom vyjadrovania. romantický kantiléna, ktorá vzbudila obdiv M. I. Glinku a F. Chopina. Donizetti má túžbu po silných drámach. Účinky a akútne situácie niekedy vyústili do strnulej melodrámy. Preto jeho veľký romantizmus. opery („Lucretia Borgia“, podľa V. Huga, 1833; „Luciadi Lammermoor“, podľa V. Scotta, 1835) sa ukázali byť menej životaschopné ako inscenácia. komediálny žáner („Elisir of Love“, 1832; „Don Pasquale“, 1843), v ktorom sa tradícia. Taliansky typ opera buffa nadobudla nové črty: stúpol význam žánrového pozadia, melódia sa obohatila o intonácie každodennej romantiky a piesne.

Tvorba J. S. Mercadanteho, G. Paciniho a niektorých ďalších skladateľov rovnakého obdobia sa samostatne nelíšila. individuálnych čŕt, ale odrážala všeobecnú tendenciu k dramatizácii opernej formy a obohateniu hudobného prejavu. finančných prostriedkov. V tomto smere boli priami. predchodcov G. Verdiho - jedného z najväčších operných dramatikov nielen v Taliansku, ale aj vo svetovej hudbe. t-ra.

Verdiho rané opery, ktoré sa na javisku objavili v 40. rokoch. 19. storočia, štýlovo ešte nie celkom samostatný („Nabucco“, „Lombardi v 1. križiacka výprava", "Ernani"), vzbudili vrúcne nadšenie publika svojím vlasteneckým pátosom, romantickým povznesením citov, duchom hrdinstva a láskou k slobode. V dielach 50. rokov ("Rigoletto", "Il Trovatore", " La Traviata") dosiahol veľkú psychologickú hĺbku obrazov, silu a pravdivosť stelesnenia akútnych, intenzívnych duchovných konfliktov. Verdiho písanie sa oslobodilo od vonkajšej virtuozity, pasážovej ornamentiky, stalo sa organicky integrálnym prvkom melodickej línie, nadobudlo význam v opery 60. a 70. rokov „Don Carlos“, „Aida“), usiluje sa ešte viac odhaliť široké vrstvy drámy v hudbe, posilniť úlohu orchestra, obohatiť jazyk V jednej zo svojich posledných opier – „Otello “ (1886) Verdi dospel k vytvoreniu kompletných drám, v ktorých je hudba neoddeliteľne spojená s akciou a pružne sprostredkúva všetky jej psychologické odtiene.

Verdiho nasledovníci, vr. A. Ponchielli, autor populárnej opery La Gioconda (1876), nedokázal svoje operné princípy obohatiť o nové bytosti. úspechy. Verdiho tvorba sa zároveň stretla s odporom prívržencov wagnerovskej hudobno-drámy. reformy. Wagnerizmus však nemal hlboké korene v Taliansku bol Wagnerov vplyv u niektorých skladateľov cítiť ani nie tak v princípoch opernej dramaturgie, ale v technikách harmonických. a ork. písmená. Wagnerove tendencie sa odrazili v opere „Mefistofeles“ od Boita (1868), ktorý sa následne vzdialil od extrémov svojej vášne pre Wagnera.

V kon. 19. storočia Verizmus sa rozšíril v Taliansku. Obrovský úspech Mascagniho „La honor rural“ (1890) a Leoncavallových „Pagliacci“ (1892) prispel k etablovaniu tohto hnutia ako dominantného v Taliansku. operná kreativita. Verizmus podporovali U. Giordano (z jeho diel je najznámejšia opera André Chénier, 1896) a F. Cilea.

S týmto trendom súvisela aj tvorba najväčšieho Taliana. operný skladateľ podľa Verdiho - G. Puccini. Jeho prod. zvyčajne oddaný dráma obyčajných ľudí, zobrazená na pestrofarebnom každodennom pozadí. Pucciniho opery sú zároveň oslobodené od naturalistickej povahy, ktorá je vlastná verizmu. rysy, vyznačujú sa väčšou psychologickou jemnosťou. analýza, oduševnená lyrika a elegancia písania. Byť verný najlepším talianskym tradíciám. bel canto, priostril Puccini deklamáciu. expresivita woku. melodiky, usilovali sa o podrobnejšiu reprodukciu rečových nuáns v speve. Farebné harmonické a ork. jazyk jeho opier obsahuje isté prvky impresionizmu. Vo svojich prvých zrelých inscenáciách. ("La Boheme", 1896; "Tosca", 1900) Puccini je tiež spojený s Talianskom. opernej tradície 19. storočia, neskôr sa jeho štýl skomplikoval, výrazové prostriedky nadobudli väčšiu ostrosť a sústredenosť. Zvláštny jav v Taliansku. operné umenie – dielo E. Wolfa-Ferrariho, ktorý sa snažil modernizovať klasiku. typ opery buffa, ktorý kombinuje svoje tradície. formy so štylistickými s využitím prostriedkov neskorého romantizmu („Zvedavé ženy“, 1903; „Štyria tyrani“, 1906, podľa Goldoniho príbehov). R. Zandonai, idúc najmä cestou verizmu, sa zblížil s niektorými novými múzami. prúdy 20. storočia.

Vysoké úspechy v Taliansku. opery v 19 - skor 20. storočia boli spojené s brilantným rozkvetom vokálnych interpretov. kultúry. talianske tradície Bel canto, ktoré sa rozvinulo v 19. storočí, sa ďalej rozvíja v umení viacerých. generácie spevákov, ktorí sa tešili celosvetovej sláve. Ich predstavenie zároveň nadobúda nové črty, stáva sa lyrickejším a dramaticky expresívnejším. Posledný vynikajúci predstaviteľ čisto virtuózneho štýlu, ktorý obetoval drámu. obsah kvôli zvukovej kráse a technickosti. pohyblivosť hlasu, bol A. Catalani. Medzi majstrov patrí taliančina. wok školy 1. pol 19. storočia, sformovaný na základe opernej tvorby Rossiniho, Belliniho a Donizettiho - speváci Giudita a Giulia Grisi, G. Pasta, speváci G. Mario, G. B. Rubini. V 2. pol. 19. storočia vzniká galaxia „verdiovských“ spevákov, medzi ktoré patria speváci A. Bosio, B. a C. Marchisio, A. Patti, speváci M. Battistini, A. Masini, G. Anselmi, F. Tamagno, E. Tamberlik a ďalší. V 20. storočí. sláva Taliansku operu podporili speváci A. Barbi, G. Bellincioni, A. Galli-Curci, T. Dal Monte, E. a L. Tetrazzini, speváci G. De Luca, B. Gigli, E. Caruso, T. Skipa, Titta Ruffo atď.

Od konca 19. storočia význam opery v talianskej tvorivosti. skladateľov slabne a je tendencia presúvať stredobod pozornosti do oblasti nástrojov. žánrov. Oživenie aktívnej tvorivosti. záujem o nástroje hudba bola propagovaná aktivitami G. Sgambatiho (v Európe získal uznanie ako klavirista a dirigent) a G. Martucciho. Ale tvorba oboch skladateľov, ktorá sa rozvíjala pod vplyvom F. Liszta a R. Wagnera, nebola dostatočne samostatná.

Ako predzvesť novej estetiky. nápady a princípy štýlu veľký vplyv na rozvoj celej Európy. hudba 20. storočia v podaní F. Busoniho, jedného z najväčších klaviristov svojej doby, významného skladateľa a teoretika umenia. Predložil koncept „nového klasicizmu“, ktorý na jednej strane postavil do protikladu s impresionistickým. plynulosť obrazov, neuchopiteľnosť odtieňov, na druhej strane „anarchia“ a „svojvoľnosť“ Schoenbergovho atonalizmu. Vaša kreativita Busoni implementoval princípy do takých diel ako „Contrapuntal Fantasy“ (1921), „Improvisation on a Bach Chorale Theme“ pre 2 ph. (1916), ako aj opery „Harlekýn, alebo okno“, „Turandot“ (obe post. 1917), v ktorých opustil rozvinutý wok. štýl ich Talianov. predchodcov a snažili sa priblížiť typu starovekých ľudí. komédia alebo fraška.

Talianska kreativita sa rozvíjala v súlade s neoklasicizmom. skladatelia, niekedy zjednotení pod menom. „skupiny 80. rokov 19. storočia“ – I. Pizzetti, J. F. Malipiero, A. Casella. Snažili sa oživiť tradície veľkého národného. hudba minulosť, obracanie sa k formám a štylistiky. Talianske techniky Barokový a melodický gregoriánsky chorál. Propagandista a výskumník starej hudby, Malipiero publ. zber diela C. Monteverdiho, inštr. prod. A. Vivaldi a zabudnuté dedičstvo mnohých. taliansky skladatelia 17.-18. storočia. Vo svojej tvorbe využíva formy starodávnej barokovej sonáty, ricercar a pod. Jeho opery, hlavná. na expres. wok deklamačné a skúpe prostriedky ork. kon., odrážať to, čo prišlo v 20. rokoch. reakcia proti verizmu. Neoklasické tendencie Casellovej tvorby sa prejavili v „Partita“ pre fp. s orchestrom (1925), suita „Scarlattiana“ (1926), nejaké hudobné divadlo. prod. (napríklad komorná opera „Rozprávka o Orfeovi“, 1932). Zároveň sa obrátil na taliančinu. folklór (rapsódia pre orchester „Taliansko“, 1909). Jeho farebný ork. list sa vyvinul do značnej miery pod vplyvom ruštiny. a francúzsky školy (poctou vášni pre ruskú hudbu bola orchestrácia Balakirevovho „Islameyho“). Pizzetti vniesol do svojich opier náboženské a moralizujúce prvky a nasýtil múzy. jazyk s intonáciami gregoriánskeho chorálu, bez toho, aby zároveň porušil tradície Italo. operná škola 19. storočia Niekoľko špeciálne miesto Do tejto skupiny skladateľov patrí dielo O. Respighiho, majstra orkov. zvukový záznam (formovanie jeho kreativity ovplyvnili hodiny s N. A. Rimským-Korsakovom). V symfónii Respighiho básne („Rímske fontány“, 1916; „Pineas of Rome“, 1924) poskytujú živé obrazy ľudí. život a príroda. Neoklasicistické tendencie sa v jeho neskoršej tvorbe prejavili len čiastočne. Znateľná úloha v I. m. 20. storočia hral F. Alfano, najvýznamnejší predstaviteľ veristického hnutia (opera „Vzkriesenie“ podľa románu L. N. Tolstého, 1904), ktorý sa potom vyvinul do impresionizmu; M. Castelnuovo-Tedesco a V. Rieti, ktorí v zač. 2. svetová vojna 1939-45 podľa polit dôvody opustili svoju vlasť a usadili sa v Spojených štátoch.

Na prelome 40. rokov. 20. storočia badateľné štylistické posuny nastávajú v I. m. Trendy neoklasicizmu sú nahradené trendmi, ktoré v tej či onej podobe rozvíjajú princípy novej viedenskej školy. Kreatívna kreativita je v tomto smere výpovedná. evolúcia G. Petrassiho, ktorý po skúsenostiach s vplyvom A. Casellu a I. F. Stravinského prešiel najskôr do polohy voľnej atonality, a potom do prísnej dodekafónie. Najväčším skladateľom tohto obdobia I.M. je L. Dallapiccola, ktorého dielo vzbudilo veľkú pozornosť po 2. svetovej vojne. V jeho prod. 40-te a 50-te roky objavujú sa črty expresionizmu a príbuzenstva. kreativita A. Berga. Najlepší z nich stelesňujú humanizmus. protest proti tyranii a krutosti (zborový triptych „Piesne väzňov“, 1938 – 1941; opera „Väzeň“, 1944 – 48), ktorý im dal určitú protifašistickú orientáciu.

Zo skladateľov mladšej generácie, ktorá nastúpila po 2. svetovej vojne, sa preslávili L. Berio, S. Bussotti, F. Donatoni, N. Castiglioni, B. Maderna, R. Malipiero a ďalší. prúdy avantgardy - postweberovský serializmus, sonorizmus (pozri Sériová hudba, sonorizmus), aleatorizmus a je poctou formálnemu hľadaniu nových zvukových prostriedkov. Základňa Berio a Maderna. v roku 1954 v Miláne "Štúdio fonológie", ktoré robilo experimenty v oblasti elektronickej hudby. Zároveň sa niektorí z týchto skladateľov usilujú o spojenie tzv. nové výrazové prostriedky pre hudbu. avantgarda so žánrovými formami a technikami hudby 16.-17. storočia.

Zvláštne miesto v modernej dobe. I. m. patrí komunistickému skladateľovi a aktívnemu bojovníkovi za mier L. Nono. Vo svojej práci sa venuje najpálčivejším témam našej doby, pričom sa snaží stelesniť myšlienky medzinárodného. bratstvo a solidarita pracujúcich, protest proti imperializmu. útlaku a agresie. No prostriedky avantgardného umenia, ktoré Nono používa, sú často v rozpore s jeho túžbou po bezprostrednosti. propaganda vplyv na široké masy poslucháčov.

Stranou avantgardných tendencií stojí G.C. Menotti – taliansky. skladateľ žijúci a tvoriaci v USA. V jeho tvorbe, spojenej predovšetkým s operou, nadobúdajú prvky verizmu isté expresionistické zafarbenie, pričom hľadanie pravdivej intonácie reči ho vedie k čiastočnému zblíženiu s M. P. Musorgským.

V hudbe život v Taliansku dôležitú úlohu pokračuje v hraní operného t-r. Jednou z vynikajúcich operných spoločností na svete je divadlo La Scala v Miláne, ktoré existuje od roku 1778. K najstarším operným domom v Taliansku patrí aj San Carlo v Neapole (založené v roku 1737), Fenice v Benátkach (založené v roku 1792). Veľké umenie. Význam získalo Rímske operné divadlo (otvorené v roku 1880 pod názvom Costanzi Theater; od roku 1946 - Rímska opera). Medzi najvýznamnejšie moderné taliansky operní umelci - speváci G. Simionato, R. Scotto, A. Stella, R. Tebaldi, M. Freni; speváci G. Becky, T. Gobbi, M. Del Monaco, F. Corelli, G. Di Stefano.

Veľký vplyv na vývoj opery a symfónie. kultúru v Taliansku ovplyvnili aktivity A. Toscaniniho, jedného z najväčších dirigentov 20. storočia. Účinkujúci významní predstavitelia hudby Umelci sú dirigenti P. Argento, V. De Sabata, G. Cantelli, T. Serafin, R. Fasano, V. Ferrero, C. Zecchi; klavirista A. Benedetti Michelangeli; huslista J. DeVito; violončelista E. Mainardi.

Od začiatku 20. storočia Hudobný výskum sa v Taliansku intenzívne rozvíja. a kritické myslel si. Prostriedky. príspevok k štúdiu hudby. dedičstvom prispeli muzikológovia G. Barblan (prezident Talianskej spoločnosti pre hudobnú vedu), A. Bonaventura, G. M. Gatti, A. Della Corte, G. Pannain, G. Radiciotti, L. Torchi, F. Torrefranca a ďalší. Predovšetkým pracujú Zafred a M. Mila. v oblasti hudby. kritikov. V Taliansku vychádza množstvo múz. časopisov, vrát. "Rivista Musicale italiana" (Turín, Miláno, 1894-1932, 1936-1943, 1946-), "Musica d"oggi" (Milán, 1919-40, 1958-), "La Rassegna Musicale" (Turín, 1928-40 Rím, 1941-1943, 1947-62), "Bolletino Bibliografico Musicale" (Milán, 1926-33, 1952-), "Il Convegno Musicale" (Turín, 1964-) atď.

Vyšlo množstvo encyklopédií, venovaných o. hudby a t-ru, vrát. "Enciclopedia della musica" (v. 1-4, Mil., 1963-64), "Enciclopedia dello spettacolo" (v. 1-9, Roma, 1954-62).

Medzi špeciálne hudba uch. Najväčšie inštitúcie sú konzervatóriá: "Santa Cecilia" v Ríme (založená v roku 1876 ako hudobné lýceum, od roku 1919 - konzervatórium); meno G. B. Martiniho v Bologni (od 1942; založené 1804 ako hudobné lýceum, od 1914 dostalo štatút konzervatória); ich. Benedetto Marcello v Benátkach (od roku 1940, založené v roku 1877 ako hudobné lýceum, od roku 1916 rovnocenné vyššej škole); Milanskaja (založená 1808, 1901 pomenovaná po G. Verdim); ich. L. Cherubiniho vo Florencii (založený v roku 1849 ako hudobný inštitút, potom hudobná škola, Hudobná akadémia a od roku 1912 konzervatórium). Na túto tému sa vyjadril prof. hudobníci sú tiež pripravovaní inštitútmi dejín hudby na univerzitách, Pápežským ambroziánskym inštitútom sakrálnej hudby atď. V týchto školách. inštitúciách, ako aj v Inštitúte pre štúdium Verdiho odkazu sa vedie hudobná veda. Job. International bola založená v Benátkach. centrum talianskej propagandy hudba, ktorá každoročne organizuje letné kurzy (“Hudobné prázdniny”) o štúdiu starej taliančiny. hudba. Ambroziánska knižnica a knižnica milánskeho konzervatória majú rozsiahlu zbierku hudobnín a kníh o hudbe. Široko známe sú úložiská starých nástrojov, nôt a kníh (sústredené v knižnici Bolonskej filharmónie, v knižnici G.B. Martiniho a v Archíve kaplnky San Petronio v Bologni). Najbohatšie materiály o talianskej histórii. hudba má Národný. Knižnica Marciana, Knižnica Nadácie D. Ciniho a Múzeum hudby. nástrojov na Konzervatóriu v Benátkach.

V Taliansku je ich veľa. hudba organizáciu a realizáciu. tímov. Pravidelné symfónie koncerty dávajú: orchestre La Scala a Fenice, Národný. Akadémia "Santa Cecilia", Taliansko. rozhlasu a televízie v Ríme, orchester spoločnosti „Afternoon Music Playing“ („Rommerigi musicali“), ktorý účinkuje predovšetkým. zo španielčiny moderné hudba, komorné orchestre „Angelicum“ a „Virtuosi of Rome“, spoločnosť „Ambrosian Polyphony“, ktorá propaguje hudbu stredoveku, renesancie a baroka, ako aj orchester bolonského divadla „Comunale“, Bolognese komorný orchester a ďalšie skupiny.

V Taliansku sa koná množstvo podujatí. hudba festivaly a súťaže: Int. moderný festival hudba (od roku 1930, Benátky), „Florentinský hudobný máj“ (od roku 1933), „Festival dvoch svetov“ v Spolete (od roku 1958, založil G.C. Menotti), „Týždeň novej hudby“ (od roku 1960, Palermo), klavír súťaž pomenovaná po F. Busoniho v Bolzane (od roku 1949 každoročne), hudobno-tanečná súťaž pomenovaná po. G. B. Viotti in Vercelli (od roku 1950, každoročne), súťaž pomenovaná po. A. Casella v Neapole (od roku 1952 každé 2 roky, do roku 1960 sa zúčastnili klaviristi, od roku 1962 aj skladatelia), husľová súťaž. N. Paganiniho v Janove (od roku 1954 každoročne), súťaž orchestrov. dirigentov v Ríme (od roku 1956 každé 3 roky, zriadená Národnou akadémiou „Santa Cecilia“), klavírna súťaž. E. Pozzoliho v Seregne (od roku 1959 každé 2 roky), súťaž pre mladých dirigentov. G. Cantelliho v Novare (od roku 1961 každé 2 roky), spevácka súťaž „Verdi Voices“ v Busseto (od roku 1961 každoročne), súťaž zborov. kolektívy pomenované po Guido d'Arezzo v Arezze (založená v roku 1952 ako národná, od roku 1953 - medzinárodná; každoročne známa aj ako "Polyfonico"), violončelová súťaž G. Casada vo Florencii (od roku 1969 každé 2 roky).

Medzi Talianmi hudba spolok - Corporation of New Music (sekcia International Society of Contemporary Music; založená v roku 1917 ako National Music Society, v roku 1919 transformovaná na Taliansku spoločnosť súčasnej hudby, od roku 1923 - Corporation), Music Association V Taliansku sa robí veľa práce. hudba vydavateľstvo a obchodná spoločnosť "Ricordi and Co." (založená v roku 1808), ktorá má pobočky na mnohých miestach. krajín.

Literatúra: Ivanov-Boretsky M.V., Hudobno-historický zborník, zv. 1-2, M., 1933-36; jeho, Materiály a dokumenty k dejinám hudby, zv. 2, M., 1934; Kuznecov K. A., Hudobné a historické portréty, sér. 1, M., 1937; Livanová T., Dejiny západoeurópskej hudby do roku 1789, M. - L., 1940; Gruber R.I., Všeobecné dejiny hudby, časť prvá, M., 1956, 1965; Khokhlovkina A., Západoeurópska opera. Koniec 18. - prvá polovica 19. storočia. Eseje, M., 1962; Dejiny európskych dejín umenia: od staroveku do konca 18. storočia, M., 1963; Dejiny európskych dejín umenia. Prvá polovica 19. storočia, M., 1965.

Kultúrne patchwork Taliansko dalo svetu neprekonateľných majstrov v oblasti umenia. Ale samotní talianski geniálni tvorcovia boli ovplyvnení ľudovou kultúrou, vr. melodické talianske piesne. Takmer všetky majú autorov, čo však nebráni tomu, aby ich nazývali ľudovými.

Je to pravdepodobne spôsobené prirodzenou láskou Talianov k hraniu hudby. Toto tvrdenie platí pre všetky regióny Talianska od južného Neapola po severné Benátky, čo potvrdzujú mnohé spevácke festivaly, ktoré sa konajú po celej krajine. Talianska pieseň je známa a milovaná po celom svete: naši rodičia si stále pamätajú „Bella Ciao“ ​​a „On the Road“ - talianske ľudové piesne spievané moslimom Magomayevom, uznávaným ako najlepší interpret piesní v tejto krajine.

Talianske ľudové piesne od nepamäti

Ak sa taliansky jazyk vyvinul do 10. storočia, potom vedci pripisujú výskyt talianskych ľudových piesní samému začiatku 13. storočia. Boli to piesne, ktoré spievali cestujúci žongléri a miništranti na námestiach počas sviatkov. Témou pre nich bola láska alebo rodina každodenné príbehy. Ich štýl bol trochu drsný, čo je pre stredovek celkom prirodzené.

Najznámejšia pieseň, ktorá sa k nám dostala, sa volá „Contrasto“ („Argument lásky“) od Sicílčana Ciulla d’Alcamo. Ide o dialóg medzi dievčaťom a chlapcom, ktorí sú do nej zaľúbení. Okrem toho sú známe podobné dialógové piesne: „Spor medzi dušou a telom“, „Spor medzi brunetkou a blondínkou“, „Spor medzi ľahkomyseľným a múdrym“, „Spor medzi zimou a letom“ .

V období renesancie sa medzi obyvateľmi Talianska rozšírila móda hrania hudby doma. Bežní mešťania sa schádzali v kruhoch milovníkov hudby, kde hrali na rôzne nástroje a skladali slová a melódie. Odvtedy sa piesne rozšírili medzi všetky vrstvy obyvateľstva a boli počuť všade v Taliansku.

Hudobné nástroje a talianske ľudové piesne

Rozprávanie o folklór nemožno nespomenúť nástroje, za sprievodu ktorých sa hralo. Tu sú niektoré z nich:

• Husle, ktoré dostali svoj moderný vzhľad v 15. storočí. Tento nástroj ľudového pôvodu Taliani veľmi milujú.
• Lutna a jej pyrenejský variant, vihuela. Trhacie nástroje, ktoré sa v 14. storočí rozšírili po celom Taliansku.
• Tamburína. Druh tamburíny, ktorý prišiel do Talianska z Provence. Tanečník sa s nimi sprevádzal pri predvádzaní tarantely.
• Flauta. Rozšíril sa v 11. storočí. Veľmi často používaný umelcom spolu s tamburínou.
• Sudový organ je mechanický dychový nástroj, ktorý sa stal populárnym v Taliansku v 17. storočí. Milovali ju najmä cestujúci hudobníci, spomeňte si na Papa Carla.

Talianska ľudová pieseň „Santa Lucia“ – zrod neapolskej hudby

Neapol je hlavným mestom regiónu Kampánia, najviac slávne mesto v južnom Taliansku a domovom úžasne lyrickej neapolskej ľudovej piesne, krásnej „Santa Lucia“.

Jeho mimoriadna krása prírody, mierne podnebie a výhodná poloha na brehu rovnomenného zálivu urobili toto mesto a jeho okolie mimoriadne atraktívnym pre mnohých dobyvateľov a jednoduchých osadníkov. Za viac ako 2500 rokov toto mesto prijalo a reinterpretovalo mnohé kultúry, ktoré sa nemohli neodraziť v hudobných tradíciách regiónu.

Za zrod neapolskej ľudovej piesne sa považuje začiatok 13. storočia, kedy bola veľmi populárna pieseň „Slnko vychádza“. Toto je úsvit talianskej renesancie. Čas prudkého rozvoja talianskych miest a začiatok vzniku ľudského vedomia z doby temna. V tomto období ľudia prestali považovať tanec a spev za hriešne a začali si dovoliť užívať si život.

V XIV-XV storočí. Medzi ľuďmi boli obľúbené humorné kuplety, ktoré boli zložené na tému dňa. V druhej polovici 15. storočia vznikla v Neapole villanelle (talianska dedinská pieseň) - dvojhlasné kuplety za sprievodu lutny.

Rozkvet neapolskej ľudovej piesne, ako ju poznáme, však siaha až do 19. storočia. Práve v tomto období vyšla najznámejšia talianska pieseň „Santa Lucia“ od Teodora Cottraua. Je napísaná v žánri barcarolle (od slova barka), čo znamená „pieseň lodníka“ alebo „pieseň na vode“. Pieseň bola naspievaná v neapolskom dialekte a bola venovaná kráse pobrežného mesta Santa Lucia. Ide o prvé neapolské dielo preložené z dialektu do taliančiny. Zahrali ho Enrico Caruso, Elvis Presley, Robertino Loretti a mnohí ďalší svetoznámi umelci.

Pôvodný neapolský text

Príďte sa fr?cceca la luna chiena…
lo kobyla jazda, ll'aria? serena...
Vuje che facite ‘mmiez’a la via?
Santa Lucia! Santa Lucia!

II Stu viento frisco, fa risciatare, chi v?’ spassarse j?nno pe’ mare…
E’ pronta e lesta la varca mia... Santa Lucia!
Santa Lucia! III La t?nna ? posta pe 'f? na cenu...
e quanno stace la panza chiena, non c’? la m?nema melanconia!

Santa Lucia! Santa Lucia!
P?zzo accostare la varca mia?
Santa Lucia!
Santa Lucia!…

Klasický taliansky text (Enrico Cossovich, 1849)

Sul mare Luccica l'astro d'argento.

Sul mare Luccica l'astro d'argento.
Placida? I'onda, prosperuje? il vento.

Santa Lucia! Venite all'agile barchetta mia, Santa Lucia! Santa Lucia!

Con questo zeffiro, pretože? namočiť, Oh, com“? bello star sulla nave!
Su passegieri, venite cez!
Santa Lucia!
Santa Lucia!

Su passegieri, venite cez!
Santa Lucia!
Santa Lucia!

In fra le tende, bandir la price In una sera cos? serena,

Santa Lucia!
Santa Lucia!
Chi non dimanda, chi non desia.
Santa Lucia!
Santa Lucia!


Mare s? placida, vento s? caro,
Scordar fa i triboli al Marinaro,
E va gridando con allegria,
Santa Lucia! Santa Lucia!

E va gridando con allegria,
Santa Lucia! Santa Lucia!


O dolce Napoli, o suol beato,
Ove sorridere volle il creato,
Tu sei l'impero dell'armonia,
Santa Lucia! Santa Lucia!

Tu sei l'impero dell'armonia,
Santa Lucia! Santa Lucia!


Alebo che tardate? Bella? la sera.
Spira un'auretta freska a leggiera.
Venite all'agile barchetta mia, Santa Lucia!
Santa Lucia!

Venite all'agile barchetta mia, Santa Lucia!
Santa Lucia!

ruský text

More trochu dýcha
V ospalom pokoji,
Už z diaľky je počuť šepot príboja.
Na oblohe sa rozsvietili veľké hviezdy, Santa Lucia, Santa Lucia!
Ach, aký večer - Hviezdy a more!
Od úpätia fúka mierny vietor.

Privoláva zlaté sny,
Santa Lucia, Santa Lucia!
Loď ako labuť
Pláva do diaľky
Hviezdy na oblohe
Jasne žiariace.

Úžasná pesnička
počujem v noci
Santa Lucia,
Santa Lucia!
Večer nad morom
Plný malátnosti
Ticho sa ozývame
Pieseň je známa.

Ach môj Neapol
Príbuzní dali
Santa Lucia,
Santa Lucia!
Mesačný svit
More svieti.

Zadný vietor
Plachta sa vlní.
Moja loď je ľahká
Veslá sú veľké...
Santa Lucia,
Santa Lucia!

Za závesmi
Lode na samote
Dá sa vyhnúť
Neskromné ​​pohľady.
Ako byť zamknutý
Takto v noci?

Santa Lucia,
Santa Lucia!
Môj úžasný Neapol,
Oh, krásna krajina,
Kde sa usmieva
Nebeská klenba je pre nás.

Radosti v duši
Nadpozemsky leje...
Santa Lucia,
Santa Lucia!
Sme ľahké marshmallows
Ponáhľajme sa do diaľky
A vznášajme sa nad vodou ako čajka.

Ah, nestrácaj to
Zlaté hodinky...
Santa Lucia,
Santa Lucia!

More je pokojné
Všetci obdivujú
A beda námorníkom
Okamžite zabudnú
Len spievajú
Piesne sú strhujúce.

Santa Lucia,
Santa Lucia
na čo ešte čakáš?
Ticho pri mori.
Mesiac svieti
V modrej priestranstve
Moja loď je ľahká
Veslá sú veľké...

Santa Lucia,
Santa Lucia!
***

Vypočujte si taliansku ľudovú pieseň Santa Lucia v podaní Anastasie Kozhukhovej:

Okrem toho je u nás známa aj ďalšia neapolská pieseň „Dicitencello vuie“, u nás je známejšia ako „Povedz dievčatám svojej priateľke“. Pieseň napísal v roku 1930 skladateľ Rodolfo Falvo s textom Enza Fusca. Verziu v ruskom jazyku predviedla väčšina domácich umelcov od Sergeja Lemesheva po Valeryho Leontyeva. Okrem ruštiny bola táto pieseň preložená do mnohých ďalších jazykov.

Neapolské piesne sú bezprecedentne známe a obľúbené po celom svete. Svedčí o tom incident, ktorý sa stal na olympijských hrách v Antverpách v roku 1920. Počas odovzdávania cien talianskemu tímu sa ukázalo, že belgický orchester nedisponuje notami talianskej hymny. A potom orchester vybuchol „Ó moje slnko“ („O sole mio“). Hneď pri prvých zvukoch melódie začalo publikum na štadióne spievať spolu so slovami piesne.

Keď už hovoríme o piesňových tradíciách Neapola a jeho okolia, nemožno nespomenúť festival Piedigrotta, ktorý sa každoročne koná začiatkom septembra. Piedigrotta je jaskyňa nachádzajúca sa neďaleko Neapola, ktorá kedysi slúžila ako pohanská svätyňa. V roku 1200, aby bolo toto miesto zasvätené, tu bol postavený kostol Panny Márie, ktorý sa stal známym ako Piedigrotta, čo znamená „na úpätí jaskyne“.

Náboženské uctievanie Panny Márie a slávnosti na jej počesť sa postupom času pretransformovali na spevácku súťaž-festival. Počas tohto hudobného festivalu súťažia najlepší ľudoví básnici a speváci Neapola. Občas sa stane, že dve pesničky získajú rovnaký počet bodov. A potom sa publikum rozdelí na dva tábory, z ktorých každý je pripravený brániť svoju obľúbenú melódiu päsťami. Ak sú obe piesne naozaj dobré, priateľstvo zvíťazí a celé mesto si pobrukuje tieto obľúbené melódie.

Talianska ľudová pieseň „Happy“

Dielo sa týka ľúbostných textov, ale slová textu si všímajú zradnosť a ľahkomyseľnosť mladosti. Rozprávanie je vyrozprávané z pohľadu dievčaťa, ktoré sa akoby obracia na svojho priateľa a pýta sa: vie, čo sa skrýva za koketnými pohľadmi krások na plesoch? Samotné dievča ešte nie je do nikoho zamilované, a preto sa považuje za najšťastnejšiu a „očarujúcejšiu ako všetky kráľovné“. Mladá Talianka sa prechádza medzi sedmokráskami a fialkami, počúva štebot vtákov a spieva im o tom, aká je šťastná a že chce navždy milovať len ich.

Naozaj, bolo presne poznamenané, že pokiaľ sa vaša láska k inej osobe nestane bolestivou pripútanosťou, je čas užívať si život, prírodu a všetkých, ktorí vás obklopujú. Kde si to všetko môžete všimnúť, keď vás horí žiarlivosť a úzkosť?

Vypočujte si taliansku ľudovú pieseň „Happy“ v ruštine v podaní Anastasie Teplyakovej:

Humor v talianskych ľudových piesňach: spievame o „cestovine“

Ľahký a veselý taliansky charakter prispel k širokému šíreniu humorných piesní. Medzi takýmito dielami stojí za zmienku pieseň „Pasta“, venovaná tomuto skutočne talianskemu jedlu. Spevom tejto piesne si siroty a deti z chudobných rodín privyrábali žobraním o almužnu od okoloidúcich. V závislosti od pohlavia interpreta existujú mužské a ženské verzie textu. Pieseň je vytvorená v rytme tarantely.

Tarantella je ľudový tanec, ktorý sa hrá už od 15. storočia. Tarantella je spravidla založená na jednom rytmicky sa opakujúcom motíve. Zaujímavosťou je, že tanec na túto melódiu bol považovaný za liečivý prostriedok pre ľudí pohryznutých tarantulou. Od dávnych čias sa hudobníci túlali po cestách Talianska a predvádzali túto melódiu najmä pre tých, ktorí trpia „tarantizmom“.

Cestoviny (mužská verzia) Preklad M. Ulitsky

1. Bývam medzi ruinami.
Častejšie veselé ako smutné.
Bývam medzi ruinami.
Častejšie veselé ako smutné.

Za cestoviny by som ochotne dala stôl, posteľ, aj domček s balkónom.

2. Toto chutné jedlo je dobrým priateľom prostého ľudu.
Toto chutné jedlo je dobrým priateľom obyčajných ľudí.

Ale dôležití ľudia jedia aj cestoviny s omáčkou.

3. Chcete vedieť, ako prežil umierajúci červený klaun?
Chcete vedieť, ako prežil umierajúci červený klaun?

Šutovskaja mu zložila korunu a vymenila ju za cestoviny.

4. Spieva sa naša Tarantella, s kým mám ísť na večeru?
Spieva sa naša Tarantella, s kým mám ísť na večeru?

Len zakričím: "Cestoviny!" - Okamžite sa objavia spoločníci.

Cestoviny (ženská verzia)

Som černejší ako oliva
Putujem sám bez domova
A za zvuku tamburíny
Som pripravený tancovať celý deň
Zatancujem ti Tarantellu,
Len buďte oporou
Dajte mi soldo a ja to kúpim
Cestoviny, cestoviny.

Môj priateľ Pulcinello
Bol zranený v srdci šípom,
Len ja som sa nechcela stať Pulcinellovou manželkou.
Skoro sa zastrelil
Skoro som vyletel z balkóna
Ale bol som vyliečený z vášne,
Stačí prehltnúť cestoviny.

Zobral som brata na prechádzku,
Jeho milovaný odišiel za ním,
Ako môžem urobiť vojakov
Boli všetci nezranení?
Aby zbrane nevystrelili,
Musíte vybrať všetky kazety,
Namiesto nábojov ich nechajte vyletieť
Cestoviny, cestoviny.

Ak si trochu smutný,
Ak ťa trápi choroba,
Alebo niekedy je môj žalúdok prázdny,
Cestoviny sú pre vás dobré!
Zbohom, senoritas,
Šťastnú cestu, Signori Donna,
Musíte byť veľmi plní
A tam ma čakajú cestoviny!

Maccheroni

1.Io mi sono un poveretto senza casa e senza letto.
Io mi sono un poveretto senza casa e senza letto.

Venderei i miei canzoni per un sol piatto da maccheroni.

2. Pulcinella mezzo spendo vole a fare il testimento.
Pulcinella mezzo strávil vole a fare il testimento.

Kúpte si avesse dai padroni un grosso piatto di maccheroni.

3. Ho veduto un buon Tenente che cambiava col Sergente.
Ho veduto un buon Tenente che cambiava col Sergente.

Le spalline pe’galloni per un sol piatto di maccheroni.

4. Tarantella si e cantata,
due carlini si e pagata.
Tarantella si e cantata,
due carlini si e pagata.
Sono allegro, o compagnoni,
ne comperemo de' maccheroni.
Sono allegro, o compagnoni,
ne comperemo de' maccheroni.
***

Vypočujte si taliansku ľudovú pieseň „Pasta“ v ruštine v podaní Anny Zhikhalenko:

Benátske piesne na vode

Okrem južného Neapola má aj severná perla Talianska, Benátky, veľkolepé a úžasné piesňové tradície. Hovoríme predovšetkým o piesňach gondolierov. Tieto milostné motívy patria do žánru barcarolle. Sú veľmi melodické a pokojné.

Silný a krásny hlas Zdá sa, že gondolier ozvenou pomalé ťahy vesiel po vode. Podivné, ale až do 18. storočia sa barcarolle nevenovala náležitá pozornosť profesionálnych hudobníkov. V nasledujúcom storočí však bolo toto opomenutie viac než vynahradené. Čajkovskij, Mendelssohn, Chopin, Glinka je len malá časť hudobných géniov, ktorých uchvátila benátska ľudová pieseň a jej motívy zaradili do svojich nesmrteľných diel.

Modernosť má, žiaľ, negatívny vplyv na benátske tradície, vrátane barcarolle. Napríklad na žiadosť turistov gondolieri často spievajú neapolskú pieseň „O Sole Mio“, hoci Asociácia gondoliérov je proti jej vystúpeniu, pretože nie je benátska.

Pieseň talianskych partizánov Bella Ciao

Slávna partizánska pieseň „Bella Ciao“ ​​ („Zbohom krása“) je tiež neuveriteľne populárna. Spievali ju členovia odboja počas druhej svetovej vojny. Pravda, nebol rozšírený po celom Taliansku, ale len na severe krajiny, v Apeninách.

Verí sa, že texty napísal záchranár alebo lekár. A melódia je jasne prevzatá zo starej detskej piesne „Sleeping Potion“. Hoci podľa Luciana Granozziho, profesora moderných dejín na univerzite v Catanii, „Bella Ciao“ ​​vyvádzali v okolí Bologne do roku 1945 iba niektoré skupiny partizánov.

E picchia picchia
la porticella
E picchia picchia

E picchia picchia
la porticella dicendo: "Oi bella, my vieni aprir."
Con una mano apr?
la porta e con la bocca
la gli d? un bacin.
Čo to znamená? tanto forte
la suoi mamma la l'ha poslal?.
Ma cos'hai fatto, figliola mia,
che tutto il mondo parla mal di te?
Lascia čisté che
il mondo ‘l diga: io voglio amare chi mi ama me.
Io voglio amare quel giovanotto ch’l’ha
fatt sett'anni di prigion na mňa.
L'ha fatt sett'anni e sette
mesi e sette giorni di prigion per me.
E la prigione
ja? tanto scura,
mi fa paura,
la mi fa morir

Bella Ciao (jedna z možností)

Dnes ráno som sa zobudil

Dnes ráno som sa zobudil
A cez okno som videl nepriateľa!
Och, partizáni, vezmite si ma
Ach, bella ciao, bella ciao, bella ciao, ciao, ciao!
Och, partizáni, vezmite si ma,
Cítim, že moja smrť je blízko!
Ak mi je súdené zomrieť v boji
Ach, bella ciao, bella ciao, bella ciao, ciao, ciao!
Ak mi je súdené zomrieť v boji, pochovajte ma.
Pochovať ťa vysoko v horách
Ach, bella ciao, bella ciao, bella ciao, ciao, ciao!
Pochovať ťa vysoko v horách
V tieni červeného kvetu!

Ach, bella ciao, bella ciao, bella ciao, ciao, ciao!
Okoloidúci prejde a uvidí kvetinu
"Krásne," povie, "kvetina!"
To bude spomienka na partizána
Ach, bella ciao, bella ciao, bella ciao, ciao, ciao!
To bude spomienka na partizána
Aká sloboda statočne padnúť!
***

Vypočujte si pieseň talianskych partizánov „Bella, Ciao“ v podaní Pjatnického zboru:

Obľúbená partizánska pieseň všetkých bola „Fischia il vento“ („Vietor fúka“), mala výrazný komunistický charakter. Preto po skončení vojny začala talianska vláda na ideologické účely propagovať pieseň „Bella Ciao“. Za to mu musíme len poďakovať. Celosvetovú slávu si pieseň každopádne získala koncom štyridsiatych rokov, po I. medzinárodnom festivale mládeže a študentstva, ktorý sa v lete 1947 konal v Prahe. Potom ju mnohokrát prekryli slávni aj menej známi speváci po celom svete.

Téma talianskej ľudovej hudby je taká rozsiahla, že ju nemožno sprostredkovať jedným článkom. Je to spôsobené tým, že celá história Talianska sa odráža v ľudových piesňach. Neuveriteľne melodický jazyk, luxusná príroda a búrlivá história rozvoja krajiny dali svetu taký kultúrny fenomén, akým je talianska ľudová pieseň.

← ←Chcete počuť, ako vám vaši priatelia ďakujú za zdieľanie zaujímavého a cenného materiálu?
Potom kliknite na jedno z tlačidiel sociálnych médií vľavo práve teraz!

Prihláste sa na odber RSS alebo dostávajte nové články e-mailom.

Ústne ľudové umenie Talianov je bohaté na diela rôznych žánrov. V severných oblastiach krajiny sú bežné lyricko-rozprávacie básne. Talianski folkloristi veria, že tieto básne pochádzajú z keltského eposu. Stredné a južné Taliansko charakterizujú lyrické básne - . strambotti Tento druh ústneho ľudového umenia prvýkrát vznikol na Sicílii, a preto sa takéto básne nazývajú aj sicílske. Na tom istom ostrove sú rozšírené náboženské príbehy a básne (v oktávach) s moralizujúcim obsahom a dodnes sa zachovali predstavenia ľudového bábkového divadla ( opera del ). šteňa

Ich námety sú prevzaté najmä z francúzskeho eposu. Vo všetkých regiónoch krajiny sú ľudové rozprávky ( fiabe ), poviedky (gasop- ti ), príslovia ( príslovie ) a hádanky ( ).

indovinelli Talianske ľudové piesne sú veľmi melodické, ktorých rytmus, melódia a obsah sa líšia región od regiónu. Na severe a severozápade krajiny sú bežné epické lyrické piesne nazývané canzones. Typické sú najmä pre Piemont. Je možné, že Piemont bola oblasť, z ktorej sa canzone z Francúzska rozšíril do zvyšku Talianska. Pre regióny Trentino, Veneto a Friuli sú charakteristické jednostrofové lyrické piesne , villotti

pozostávajúce z dvoch štvorverší.

Celý svet pozná piesne benátskych gondolierov - barcarolles, ktoré sa vyznačujú hladkosťou melódie a rytmom zodpovedajúcim úderom vesiel.

Sicílske piesne sú veľmi rôznorodé – marinara, furnarian, vikariot atď. V južných oblastiach, najmä v Kampánii, sú rozšírené najmä lyrické piesne - Stornelly, pozostávajúce spravidla z dvoch rýmovaných jedenásťslabičných veršov. Názov celého tohto žánru – „Neapolský cesni“ – pochádza z hlavného mesta Campagna, Neapola. Na okraji Neapola – Piedigrotta – súťaž o najlepšia pieseň

Na ostrove Sardínia sú veľmi rozšírené lyrické monostrofické piesne, ktoré majú so španielskymi textami veľa spoločného vo forme aj obsahu.

Hlavným žánrom ústneho ľudového umenia obyvateľov Umbrie je takzvaná náboženská poézia, najmä piesne, ktoré rozprávajú o epizódach z Kristovho života.

V mnohých oblastiach Talianska sa spievajú veľmi melodické uspávanky.

Talianske ľudové piesne v posledných desaťročiach pod vplyvom hudobných relácií vysielaných v rádiu do značnej miery stratili svoju tradíciu: mení sa povaha ich melódie aj slovná zásoba. Tak sa už polstoročie v ľudových lyrických piesňach, najmä v tých, kde sa spieva o rozlúčke, objavuje železnica, parník, v posledných rokoch dokonca aj lietadlo. Piesne strácajú alegorický jazyk. Menil sa aj slovník epicko-lyrických piesní, napríklad namiesto šable a pušiek sa v nich objavili pištole a guľomety.

Tancovanie. Hudobné nástroje

Na niektorých miestach sa dodnes tancujú talianske ľudové tance, vyznačujúce sa pestrosťou, krásou a temperamentom vystupovania. Ešte pred niekoľkými desaťročiami bola medzi južanmi veľmi populárna tarantella (tanec pravdepodobne starovekého pôvodu), ktorého predvádzanie bolo zvyčajne sprevádzané úderom tamburíny. V Laziu bol tanec s veľmi rýchlym tempom - saltarello,

Tancovalo sa vo dvojiciach za sprievodu gitary. V lombardských provinciách dodnes tancujú takzvanú Bergamasku a v benátskych provinciách dodnes tancujú tanec furlanského pôvodu - furlanu. Typické pre Sicíliu pomalý tanec- Sicília. V niektorých oblastiach Sardínie tanec veľmi starovekého (pravdepodobne gréckeho) pôvodu, tzv duru - duru , alebo balón v tondo (tanec v kruhovom tanci). Zvyčajne je to sprevádzané skákaním a krikom.

Na niektorých miestach na juhu sa zachovali rituálne pantomimické tance, ktoré sa hrali počas niektorých náboženských sviatkov. Roľníci z niektorých dedín v Kalábrii, na Sicílii a v Basilicate predvádzajú pantomímu známu ako „loď“. Dvanásť ľudí tvorí pyramídu: šesť z nich stojí na zemi, štyria na ramenách a dvaja na samom vrchole. Pyramída sa rytmicky pohybuje, obklopená davom spievajúcich roľníkov.

Tradičné piesne a tance sa zvykli hrať so sprievodom o ľudové nástroje. V severných oblastiach bola najbežnejšia gitara; v Toskánsku, Laziu a Kampánii sa najčastejšie našli gajdy. Na ostrove Sardínia boli piesne a tance sprevádzané hrou na trojhlavňovej fajke tzv launedda . V dedinách všetkých regiónov krajiny hrali na jednohlavňovej píšťalke, ústnej harmonike a obyčajnej ústnej harmonike av mestách na mandolíne.

IN v poslednej dobe, najmä v povojnovom období starodávne ľudové tance čoraz viac ustupujú moderným, ktoré sa tancujú na gramofón alebo magnetofón.

Ľudové umenie a remeslá

Takmer každý región Talianska je známy nejakým typom ľudového dekoratívneho umenia, ktoré sa tu praktizuje po stáročia a odovzdáva zručnosti a pocit krása z generácie na generáciu.

Keramika

Výrobky keramických majstrov sú mimoriadne farebné. Táto výroba má v Taliansku stáročnú tradíciu. Už v storočiach Vlll - VII. BC e. Grécka keramika prenikla spolu s gréckymi kolonistami aj do južnej časti Apeninského polostrova. Od 6. storočia BC e. Rozšírila sa grécka čiernofigurová a červenofigurová keramika. V rímskych časoch sa objavoval riad s kvetinovými vzormi, najčastejšie v reliéfe, potiahnutý červeným lakom s kovovým leskom.

V ranom stredoveku hrnčiarstvo, podobne ako mnohé iné oblasti ľudového remesla, upadlo.

Nový silný vzostup talianskeho keramického umenia sa začal v 15. storočí. Výrobné strediská umeleckej keramiky v stredoveku to boli Faenza, Siena, Caffaggiolo, Castel Durante a niektoré ďalšie.

Od prvej štvrtiny 16. stor. Na čele talianskej keramickej výroby stálo mesto Faenza, z ktorého názvu vzniklo medzinárodné slovo „clayans“, v užšom zmysle znamenajúce výrobky z bielej pálenej hliny s jemne pórovitým črepom. Fajánsou sa často nazýva aj glazovaná keramika – majolika, ktorá sa vo Faenze tiež vyrábala a vyrába vo veľkom. Názov „majolika“ pochádza z jedného z Baleárskych ostrovov – Malorky (po taliansky – Majolica), odkiaľ Janovčania v roku 1115 prvýkrát priviezli na Apeninský polostrov španielsko-maurské keramické nádoby a glazované dosky, ktoré sa stali vzorom pre talianskych hrnčiarov.

V časoch rozkvetu majoliky (XV-XVII. storočie) sa používala žltkastá a belavá hlina, ktorá sa namiesto engoby a olovenej glazúry pokrývala neporéznou, nepriehľadnou glazúrou vyrobenou zo zmesi oxidov olova a cínu. Na plavidlo sa strieľalo vysoká teplota glazúra sa zliala s nanesenou maľbou a zmenila sa na rovnomernú lesklú vrstvu, ktorá pevne priľnula k hlinenému podkladu výrobku.

To, čo sa teraz v Taliansku nazýva majolika, zahŕňa všetky druhy keramických výrobkov vyrobených z červenej hliny ( terra cotta ) a z bielej, s veľkopórovitým črepom, pokrytý priehľadnou glazúrou ( vernice ) alebo nepriehľadný smalt ( smalto ). Moderní keramikári Faenza nielen napodobňujú slávne modely minulosti, ale vytvárajú aj nové modely a ovládajú nové techniky. V súčasnosti veľa faenzských remeselníkov vyrába nádoby abstraktných tvarov, zdobené maľbami, ktorých motívy sú čerpané z modernej abstraktnej maľby.

Štátny inštitút keramiky sa nachádza v meste Faenza. Keramici z rôznych krajín sem prichádzajú, aby zlepšili svoje zručnosti. Existuje tiež Medzinárodné múzeum keramiky, kde sú sústredené zbierky talianskej umeleckej keramiky. Každoročne sa v meste koná výstava keramiky.

V modernom Taliansku je keramická výroba rozvinutá najmä v južných a ostrovných oblastiach: Apúlia, Sicília, Abruzzo, Molise, Kalábria, Sardínia, Marche a niektoré ďalšie. Dielne a malé továrne v týchto regiónoch vyrábajú okrem domácej keramiky (jedálenské a kuchynské nádoby kupované najmä roľníkmi) aj ozdobné predmety (riad, vázy, figúrky), často vyvážané alebo predávané zahraničným turistom.

Bežné formy nádob, spoločné pre všetky južné oblasti krajiny: misa; boccale - veľký hrnček na vodu alebo víno; bgossa - veľká guľatá nádoba, s výlevkou a jednou alebo dvoma rúčkami, v ktorej sa najčastejšie uchováva víno; všetky druhy baniek na vodu a víno: guľovité s krátkym hrdlom as jednou rukoväťou; podobné im, ale bez rukoväte; predĺžený tvar s dvoma rukoväťami; plochý bez rukovätí, so slučkami na navliekanie lana; v tvare praclíka atď.

Všetky tieto nádoby sú obyčajne pokryté farebnými emailmi a glazúrami a maľované glazúrou alebo podglazúrou, niekedy zdobené reliéfnymi obrazcami.

Mnohé regióny Talianska a často aj jednotlivé centrá keramickej výroby majú charakteristické znaky tak vo výbere tvarov nádob, ako aj v ich umeleckej výzdobe.

Hlavným centrom sicílskej keramickej výroby je Caltad-Girone. Množstvo keramiky pochádza aj z dielní Terranova, Licata, Ajira, Partinico, Canicatti a Schiatta.

Sicílske vázy na kvety, známe už v ranom stredoveku, sú veľmi farebné - milosť . Často sa vyrábajú v tvare ľudskej hlavy. Telo sicílskych baniek sa často vyrába v rovnakej forme. Často majú nádoby tvar celej ľudskej postavy. Toto sú polychrómované fľaše ( fiaschetti ) a lampy ( lucerni ). V Caltagirone sa okrem toho (od 17. storočia dodnes) vyrábajú nepálené hlinené figúrky svätcov - presepi , ktoré sa zvyknú na náboženské sviatky umiestňovať do rohu miestnosti napodobňujúce výjavy zo života Ježiša Krista.

Okrem umeleckej keramiky vyrábajú rôzne nádoby pre domácnosť, napríklad veľké kvarta na dodávku vody, polievkové misky, malé cannate na vodu a víno a mnoho iného.

Najväčšími centrami umeleckej hrnčiarskej výroby na Sardínii sú Oristano, Sassari a Cagliari. Najznámejšie v celej krajine sú vázy Oristan. Ich tvar a ornamenty sa vracajú do keramiky Staroveké Grécko(analógy týchto váz boli objavené počas vykopávok v Canose v Apúlii). Sú to nádoby na zalievanie veľké veľkosti, zdobené reliéfnymi obrázkami kvetov, zvierat alebo ľudí.

V obci Dorgali (Sassari) tradičný vzhľad keramika - výroba nádob z červenej hliny v tvare figúrok domácich zvierat: džbány na umývanie v podobe kohúta, sliepky, husi a pod. Obvykle sú dotvorené škrabaným vzorom (graffiti) a pokryté rôznofarebnými emailmi . V Cagliari, podobne ako na Sicílii, sa vyrábajú nádoby v tvare ľudských postáv, najčastejšie zobrazujúce ženy v miestnych ľudových krojoch.

V Apúlii je niekoľko veľkých centier výroby keramiky: Grottaglie, Rutigliano, Sansevero, Cerintola a niektoré ďalšie. Grottaglieho polychrómované terakotové umelecké diela sú distribuované po celej krajine; v technike ich výroby a zdobenia sú zachované stredoveké tradície. Rôzne nádoby (boccali, brokolica atď.) sú pokryté polychrómovanou maľbou (prevládajú rastlinné ornamenty) na bielej engobe. Grottaglie zásobuje všetky oblasti juhu riadom a kuchynským riadom.

V Apúlii vyrábajú aj nádoby zdobené reliéfom imitujúcim výšivku. Táto oblasť je známa aj výrobou hračiek potiahnutých viacfarebnými emailmi. Najčastejšie ide o píšťalky v tvare rôznych zvierat: vtáky, kohúty, psy, hady atď.

V Abruzzu sú tradičné ploché a prstencové banky, misky a brocchie s farebnými maľbami na bielej engobe. Keramika z Paleny sa vyznačuje jasnými farbami a veľmi lesklými smaltmi. Na vrchu engoby sú maľované trojčepeľové hrnčeky, bábovky s malým hrdlom, ploché praclíkovité bábovky, najčastejšie s girlandami kvetov. V Kastelli sú nádoby často potiahnuté žltým, modrým alebo zeleným smaltom. Mnohé z nich, najmä figúrky či lampy v podobe ľudských postáv, majú blízko k sicílčine.

Hlavnými centrami keramickej výroby v Kalábrii sú Seminara, Rende, Visignano, Terranova di Sibari, Corigliano Calabro, Vibo Valentina, Squillace, S. Andrea Ionico. Na Seminári sú terakotové nádoby (najčastejšie praclíkové banky) zdobené reliéfnymi obrázkami kvetov, vtákov a zvierat. Prevládajúcimi farbami zálievky sú zelená, žltá a oranžová. Banky v tvare ryby vyrobené na Seminári a elegantné hračky z červenej hliny, pokryté viacfarebnou glazúrou, sú v krajine veľmi obľúbené.

Hlavné moderné centrá keramická výroba v Umbrii - Deruta a Gubbio - vyrába kópie stredovekých a dokonca aj etruských vzoriek, ako aj dielne v iných centrách v tejto oblasti: Assisi, Ficulle atď.

V Toskánsku je hlavným centrom keramickej výroby Monte San Savino. Robia sa tu veľké jedlá kopírujúce stredovekú majoliku. Zvyčajne sú pokryté bielou engobou, na ktorej je nanesená maľba.

V oblasti Marche v Pesaro keramikári vyrábajú rôzne nádoby pre domácnosť pokryté veľmi lesklým smaltom tmavých farieb (čierna, gaštanová alebo kávová): ohrievače rúk, panvice, polievkové misy pre žencov, fľaše na rozvoz vína na pole, pitie plavidlá.

Dnešná epizóda je venovaná talianskej ľudovej hudbe – piesňam a tancom tejto krajiny, ako aj hudobným nástrojom.

Tí, ktorých sme zvyknutí nazývať Talianmi, sú dedičmi kultúry veľkých a malých národov, ktorí žili od staroveku v rôznych regiónoch Apeninského polostrova. Svoju stopu v talianskej ľudovej hudbe zanechali Gréci a Etruskovia, kurzíva (Rimania) a Galovia.

Pohnutá história a bujná príroda, poľnohospodárska práca a veselé karnevaly, úprimnosť a emocionalita, krásny jazyk a hudobný vkus, bohaté melodické začiatky a rozmanitosť rytmov, vysoká spevácka kultúra a zručnosť inštrumentálnych súborov - to všetko sa prejavilo v hudbe Talianov. . A to všetko si získalo srdcia iných národov mimo polostrova.

Talianske ľudové piesne

Ako sa hovorí, v každom vtipe je zrnko humoru: ironickú poznámku Talianov o sebe ako o majstroch skladania a spievania piesní potvrdzuje ich svetová sláva. Preto taliansku ľudovú hudbu reprezentujú predovšetkým piesne. Samozrejme, o kultúre ústnej piesne vieme málo, keďže jej prvé príklady boli zaznamenané v neskorom stredoveku.

Vznik talianskych ľudových piesní na začiatku 13. storočia súvisí s prechodom do renesancie. Potom sa počas prázdnin objaví záujem o svetský život, obyvatelia mesta radi počúvajú miništrantov a žonglérov, ktorí spievajú o láske a rozprávajú rodinné a každodenné príbehy. A samotní obyvatelia dedín a miest nemajú odpor k spevu a tancu za jednoduchého sprievodu.

Neskôr sa formovali hlavné piesňové žánre. Frottola(v preklade „ľudová pieseň, beletria“) je v severnom Taliansku známa od konca 15. storočia. Toto lyrická pieseň pre 3–4 hlasy s prvkami imitatívnej polyfónie a jasnými metrickými akcentmi.

Už v 16. storočí bola ľahká, tanečná, s trojhlasnou melódiou villanelle(v preklade „dedinská pieseň“) bola rozšírená po celom Taliansku, no každé mesto ju nazývalo inak: Veneziana, Neapoletana, Padovana, Romana, Toscanella a ďalšie.

Nahrádza ju canzonetta(v preklade „pieseň“) je malá pieseň hraná jedným alebo viacerými hlasmi. Bola to ona, ktorá sa stala zakladateľom budúceho slávneho žánru árie. A tanečnosť villanelle sa posunula do žánru balet, – skladby kompozične a charakterovo ľahšie, vhodné do tanca.

Najznámejším žánrom talianskych ľudových piesní je dnes Neapolská pieseň (Juhotaliansky región Kampánia). Spev, veselú či smutnú melódiu sprevádzala mandolína, gitara či neapolská lutna. Kto by nepočul hymnu lásky? "O sole mio" alebo hymnus života "Santa Lucia", alebo hymna na lanovku "Funiculi Funicula", ktorá vynáša zaľúbencov na vrchol Vezuvu? Ich jednoduchosť je len zdanlivá: pri predvedení sa ukáže nielen úroveň spevákových schopností, ale aj bohatstvo jeho duše.

Zlatý vek žánru začal v r polovice 19 storočia. A dnes sa v Neapole, hudobnom hlavnom meste Talianska, koná festivalová súťaž lyrických piesní Piedigrotta (Festa di Piedigrotta).

Ďalšia rozpoznateľná značka pochádza zo severného regiónu Veneto. benátsky pieseň na vode alebo barcarolle(barca sa prekladá ako „loď“), vykonávané v pokojnom tempe. 6/8 a textúra sprievodu zvyčajne vyjadrujú kolísanie na vlnách a krásny výkon melódie sa odráža v úderoch vesiel, ktoré ľahko vstupujú do vody.

Talianske ľudové tance

Tanečná kultúra Talianska sa rozvíjala v žánroch každodenného, ​​inscenovaného tanca a moreski(Moriscos). Moresques tancovali Arabi (ktorí sa tak volali – v preklade toto slovo znamená „malí Maurovia“), ktorí po deportácii zo Španielska konvertovali na kresťanstvo a usadili sa v Apeninách. Inscenované tance boli tance, ktoré boli špeciálne inscenované na sviatky. A najrozšírenejším žánrom boli všedné alebo spoločenské tance.

Pôvod žánrov siaha do stredoveku a ich dizajn sa datuje do 15. storočia, do začiatku renesancie. Táto éra priniesla gracióznosť a pôvab drsným a zábavným talianskym ľudovým tancom. Rýchle, jednoduché a rytmické pohyby s prechodmi do ľahkých skokov, stúpanie z plnej nohy do palca (ako symbol duchovného vývoja od pozemského k božskému), veselý charakter hudobného sprievodu - to sú charakteristické znaky týchto tancov.

Veselý energický galliard v podaní párov alebo individuálnych tanečníkov. Tanečná slovná zásoba obsahuje základný päťkrokový pohyb, množstvo skokov a výskokov. Postupom času sa tempo tanca spomalilo.

Ďalší tanec duchom blízky galliardu je saltarella– narodený v strednom Taliansku (regióny Abruzzo, Molise a Lazio). Jeho meno bolo dané slovesom saltare - „skočiť“. Tanec tohto páru bol sprevádzaný hudbou v 6/8 takte. Vykonávalo sa pri veľkolepých sviatkoch – svadbách alebo na konci žatvy. Slovná zásoba tanca zahŕňa sériu dvojitých krokov a úklonov, s prechodom do kadencie. Tancuje sa na moderných karnevaloch.

Domov ďalšieho starodávneho tanca bergamaska(bargamasca) sa nachádza v meste a provincii Bergamo (Lombardia, severný región Talianska). Tento sedliacky tanec milovali obyvatelia Nemecka, Francúzska a Anglicka. Veselá, živá a rytmická hudba so štvornásobným metrom a energické pohyby zaujali ľudí všetkých tried. Tanec spomenul W. Shakespeare v komédii Sen noci svätojánskej.

Tarantella- najznámejší z ľudové tance. Obľúbili si ho najmä v juhotalianskych regiónoch Kalábria a Sicília. A názov pochádza z mesta Taranto (región Apúlia). Mesto dalo meno aj jedovatým pavúkom – tarantulam, pred účinkami ktorých ich údajne zachránila dlhá vyčerpávajúca poprava tarantely.

Jednoduchý opakujúci sa sprievodný motív na trojiciach, živá povaha hudby a špeciálny vzor pohybov s prudkou zmenou smeru odlišujú tento tanec, vykonávaný v pároch, menej často - sólo. Vášeň pre tanec zvíťazila nad prenasledovaním: kardinál Barberini dovolil, aby sa predvádzal na súde.

Niektoré z ľudových tancov si rýchlo podmanili celú Európu a dostali sa aj na dvor európskych panovníkov. Galliarda napríklad zbožňovala vládkyňa Anglicka Alžbeta I. a po celý život ho tancovala pre svoje potešenie. A bergamasca zdvihla náladu Ľudovítovi XIII. a jeho dvoranom.

Žánre a melódie mnohých tancov pokračovali v inštrumentálnej hudbe.

Hudobné nástroje

Na doprovod sa používali gajdy, píšťaly, harmoniky a obyčajné harmoniky, sláčiky trhané nástroje– gitary, husle a mandolíny.

V písomných dokladoch sa mandola spomína už od 12. storočia azda bola vyrobená ako jednoduchšia verzia lutny (z gréčtiny sa prekladá ako „malá lutna“). Nazývala sa aj mandora, mandola, pandurina, bandurina a malá mandola sa volala mandolína. Tento nástroj s oválnym telom mal štyri dvojité drôtené struny ladené v súzvuku a nie v oktáve.

Husle, medzi ostatnými ľudovými hudobnými nástrojmi Talianska, sa stali jedným z najobľúbenejších. A do dokonalosti ho doviedli talianski majstri z rodov Amati, Guarneri a Stradivari v 17. – prvej štvrtine 18. storočia.

V 17. storočí potulní umelci, aby sa neobťažovali hraním hudby, začali používať sudový organ - mechanický dychový nástroj, ktorý reprodukoval 6-8 nahratých obľúbené diela. Ostávalo už len otočiť rúčkou a prevážať či prenášať po uliciach. Sudový organ pôvodne vynašiel Talian Barbieri na trénovanie spevavých vtákov, no postupom času začal lahodiť ušiam obyvateľov mesta mimo Talianska.

Tanečníci si často pomáhali vybíjať jasný rytmus tarantely pomocou tamburíny, druhu tamburíny, ktorá sa na Apeniny dostala z Provensálska. Umelci často používali flautu spolu s tamburínou.

Takáto žánrová aj melodická rôznorodosť, talent a hudobné bohatstvo talianskeho ľudu zabezpečil nielen vzostup akademickej, najmä opernej a populárnej hudby v Taliansku, ale úspešne si ho požičali aj skladatelia z iných krajín.

Najlepšie hodnotenie ľudové umenie v podaní ruského skladateľa M.I. Glinka, ktorý raz povedal, že skutočným tvorcom hudby sú ľudia a skladateľ hrá úlohu aranžéra.