Lukisan karya seniman terkenal gadis. Kisah wanita dari lukisan karya seniman terkenal

Dalam hal perubahannya, mode berada di urutan kedua setelah cuaca, meskipun ini merupakan isu kontroversial. Apalagi fashion mengalami perubahan tidak hanya pada pakaian, gaya atau aksesoris, tetapi juga pada kecantikan wanita. Keindahan yang diakui pada suatu zaman, setengah abad kemudian dapat dianggap jelek (tetapi Anda dan saya tahu bahwa tidak wanita cantik tidak terjadi). Setiap saat, para seniman sangat sensitif terhadap keinginan mode, karena mereka selalu berusaha untuk menggambarkan wanita tercantik di zamannya.

Yunani Kuno dan Roma

Sayangnya, cita-cita perempuan Zaman Kuno harus dinilai dari lukisan dinding dan patung, secara utuh lukisan tidak dilestarikan. DI DALAM Yunani Kuno standar kecantikan wanita dianggap sebagai dewi Aphrodite, nona montok dengan rambut merah tebal panjang. Ini persis seperti yang digambarkan dalam lukisan Sandro Botticelli “The Birth of Venus,” meskipun sudah dibuat pada tahun 1485. DI DALAM Roma Kuno paling menghargai keindahan wajah perempuan, dan kemegahan bentuk berada di urutan kedua. Misalnya, lukisan “Proserpina” (1874) karya Dante Rossetti dibuat dengan pemikiran ini.

Abad Pertengahan

Pada Abad Pertengahan, seseorang dapat dihukum mati karena memuji kecantikan wanita, sehingga tidak ada bukti artistik yang tersisa. Memamerkan sosok wanita dilarang keras. Pakaian harus menutupi tubuh sepenuhnya, dan rambut disembunyikan di bawah topi. Standar kecantikan wanita adalah wanita suci yang mengabdikan dirinya untuk melayani Tuhan.

Renaisans

Dinamakan demikian Renaisans karena bangkitnya kembali minat terhadap cita-cita Zaman Kuno, termasuk soal kecantikan wanita. Pinggul lebar, tubuh penuh, wajah memanjang, kulit sehat - seperti inilah seharusnya kecantikan pertama abad ke-15-16. Persis seperti inilah gambaran perempuan dalam lukisan Sandro Botticelli, Raphael Santi dan Michelangelo. Cita-cita keindahan Renaisans dapat disebut Simonetta Vespucci dari Italia, yang digambarkan dalam beberapa lukisan karya Botticelli “Spring” (1478), “Birth of Venus” (1485), “Portrait of a Young Woman” (1485). Selama Renaisans, dahi yang tinggi sedang menjadi mode, dan untuk mencapai efek ini, para fashionista mencukur alis dan garis rambut mereka. Hal ini terlihat jelas lukisan terkenal"Mona Lisa" oleh Leonardo Da Vinci.

Era Barok

Pada akhir abad ke-16 dan awal abad ke-17, cita-cita kecantikan wanita adalah wanita berkulit putih (tanning dianggap banyak dilakukan oleh wanita petani) dengan payudara kecil, kaki mungil, wajah pucat, namun pinggul melengkung. Selain itu, setiap bangsawan harus memiliki gaya rambut yang tinggi dan rumit. Ini tren mode terlihat jelas dalam potret Madame de Montespan (1670) favorit Louis XIV karya Pierre Mignard. Dari periode inilah karya terkenal Jan Vermeer “Woman with a Pearl Earring” (1665) berasal.

zaman Rokoko

Jika dalam gambar wanita tersebut lebih terlihat seperti boneka porselen, dikelilingi oleh kipas angin, payung, sarung tangan dan sarung tangan, maka kita dapat dengan aman mengatakan bahwa yang sedang kita bicarakan tentang era Rococo. Pada awal abad ke-18, “anoreksia ringan” menjadi populer: kecantikan wanita menjadi rapuh, dengan pinggul sempit, payudara kecil, dan pipi cekung. Ada bukti bahwa untuk mendapatkan efek "pipi cekung", beberapa wanita mencabut gigi samping mereka, hanya menyisakan gigi depan - kecantikan membutuhkan pengorbanan. Kanon keindahan era Rococo diilustrasikan dengan sempurna oleh potret François Boucher, misalnya “Potret Marquise de Pompadour” (1756).

Era romantis

Baru pada paruh kedua abad ke-19 perona pipi alami, kesegaran sehat, dan bentuk bulat kembali menjadi standar kecantikan wanita. Dan bagian yang paling menarik tubuh wanita Bahunya menjadi membulat, memperlihatkan hal yang diperlukan untuk kecantikan apa pun. Wanita-wanita inilah yang ditemukan dalam lukisan Adolphe Bouguereau yang digambarkan oleh para impresionis pertama (“The Birth of Venus” oleh Bouguereau, “The Great Bathers” oleh Renoir, “ Penari biru"Degas).

Awal abad ke-20

“Venus Rusia”, “Istri Pedagang di Teh”, “Gadis di Volga” oleh Boris Kustodiev dengan sempurna menggambarkan kanon keindahan awal abad ke-20. Segala sesuatu yang dikagumi romantisme dalam diri seorang wanita menjadi lebih megah dan berbobot. 20-40 tahun abad kedua puluh

Pertengahan abad ke-20

Marilyn Monroe menjadi kecantikan wanita idaman di pertengahan abad terakhir. Seorang pirang pendek, tanpa berlebihan ke arah kurus atau montok. Pendiri pop art Andy Warhol rela menggunakan citranya dalam karyanya.
berbicara tentang pengembangan lebih lanjut cita-cita kecantikan wanita, terutama yang berkaitan dengan seni lukis, belum ada manfaatnya. Perlu dicatat bahwa sejarah berkembang dalam lingkaran, dan ketipisan serta penyakit kembali menjadi mode.

Seberapa sering kita mengagumi karya seni tanpa memikirkan siapa yang tergambar di dalamnya? Hanya nama-nama bangsawan yang tersisa dalam ingatan, dan identitas gadis itu, yang siluet berkabutnya terlihat di sudut gambar, masih belum diketahui. Tentang wanita yang berpose untuk artis lukisan terkenal, akan memberitahu hari iniAmatir. media.

Mona Lisa Belanda

"Mona Lisa Belanda" yang terkenal, "Gadis dengan Anting Mutiara" oleh Jan Vermeer dilukis sekitar tahun 1665. Untuk waktu yang lama lukisan itu hanya diberi judul “Gadis Bersorban”, itu nama modern dia menerimanya hanya pada abad ke-20. Penggambaran sorban dalam lukisan menjadi populer sejak abad ke-15, dan Vermeer sering menggunakan detail toilet ini dalam potret. Seluruh gambar tertulis di dalamnya genre khusus“troni”, yang melambangkan gambar kepala seseorang.

"Mona Lisa Belanda" telah lama disebut "Gadis Bersorban"

Sesuai dengan namanya, mata pemirsa tertuju pada anting mutiara berukuran besar.

Menurut versi yang paling umum, diyakini bahwa putrinya yang masih kecil, Maria, berpose untuk potret Vermeer, meskipun beberapa peneliti masih berpendapat bahwa itu mungkin putri pelindung sang seniman, dermawan Ruyven. Maria adalah salah satu dari 15 anak Vermeer - pernikahannya benar-benar bahagia. Seniman itu mencintai istrinya, dan istrinya sering berpose untuknya untuk lukisan.

Potret mistik Lopukhina muda

Potret Maria Ivanovna Lopukhina, salah satu perwakilannya keluarga Count Tolstykh adalah salah satu yang paling banyak karya terkenal Artis Rusia Borovikovsky. Lukisan itu dilukis pada tahun 1797 dan sekarang disimpan di Galeri Tretyakov.

Potret M.I. Lopukhina adalah salah satu yang paling banyak karya terkenal Borovikovsky

Penyair Yakov Polonsky mendedikasikan puisinya untuk gadis yang digambarkan dalam potret itu: “Dia sudah lama meninggal, dan matanya sudah tidak ada lagi, dan senyuman yang diam-diam mengungkapkan penderitaan telah hilang - bayangan cinta, dan pikiran - bayangan kesedihan, tapi Borovikovsky menyelamatkan kecantikannya.” Seniman menggunakan tradisional lukisan potret teknik - mengelilingi karakter dengan objek yang membantu mengkarakterisasi dirinya. Inilah ciri-ciri lanskap Rusia, selendang halus, dan kuntum mawar yang terkulai.

Potret Lopukhina dianggap paling puitis dalam karya Borovikovsky

Menariknya, potret Maria Lopukhina sudah lama digunakan untuk menakut-nakuti gadis-gadis muda. Faktanya, tak lama setelah melukis gambar tersebut, seorang wanita muda berusia 21 tahun meninggal karena konsumsi. Banyak yang percaya bahwa potret itu sepertinya telah merenggut nyawanya, dan jika gadis-gadis itu melihat lukisan itu, mereka juga akan segera mati.

Gadis dengan payung dari lukisan Monet

Lukisan terkenal Claude Monet "Field of Poppies at Argenteuil" dilukis pada tahun 1873. Lukisan ini muncul pada pameran kaum Impresionis pada tahun 1874, ketika mereka pertama kali mendeklarasikan diri sebagai kelompok tersendiri. Dua sosok di latar depan adalah istri Monet, Camila dan putra mereka Jean.

Lukisan Claude Monet "Field of Poppies at Argenteuil" dilukis pada tahun 1873

Monet melukis, seperti kebiasaannya, en plein air, mencoba menangkap suasana udara dan pergerakan. Fakta menarik, yang hanya sedikit orang yang memperhatikan: di pojok kiri gambar ada pasangan serupa lainnya, seorang wanita dengan seorang anak. Sebuah jalan yang nyaris tak terlihat berkelok-kelok di antara kedua pasangan itu.

Lukisan tersebut menggambarkan dua pasangan, salah satunya adalah istri dan anak Monet

Kisah cinta Monet dan Camila sungguh tragis: Ayah Monet berulang kali mengancam akan mencabut nafkah putranya jika ia tidak berpisah dengan kekasihnya. Mereka hidup terpisah untuk waktu yang lama, namun Monet tidak dapat bertahan lama tanpa keluarganya. Namun sang seniman kerap meminta istrinya berpose untuk lukisannya. Kita bisa melihat Camila baik di kanvas “Lady in Green” dan di antara “Women in the Garden”. Ada juga beberapa potret terpisah Camila dan putranya. Dan ketika Camila meninggal, dia melukis potret anumertanya, yang berbeda dari karya seniman lainnya.

Monet melukis potret istrinya secara anumerta di bawah kesan kematiannya

Terkesan dengan kematian istri tercintanya, Monet melukis potret anumertanya

Aktris yang memikat Renoir

Auguste Renoir, salah satu seniman impresionis paling terkenal, menyukai dan tahu cara menggambarkan kecantikan wanita. Aktris Jeanne Samary adalah model favoritnya. Renoir melukis 4 potretnya, tetapi yang paling terkenal adalah “Potret Aktris Jeanne Samary”. Itu ditulis pada tahun 1877 dan sekarang disimpan di Museum Pushkin di Moskow.

Nuansa utama yang digunakan dalam potret adalah merah jambu dan hijau.

Zhanna berasal dari keluarga teater, dan tidak lama memilih bidangnya. Dia membuat debut teaternya dalam peran Dorina di Tartuffe karya Moliere, dan ketenarannya berkembang pesat. Sebelum menikah, gadis itu sering pergi ke studio Renoir dan berpose untuknya. Benar, dia menghadiri sesi secara tidak teratur, dan ini membuat marah sang artis. Namun dia benar-benar terpesona dengan keanggunan aktris tersebut, sehingga berulang kali dia mengundangnya untuk menjadi modelnya. Namun ketenaran dan kebahagiaannya tidak bertahan lama: dia meninggal pada usia 33 tahun karena tifus.

Penari dengan kelenturan ular

Penulis terkenal “Girl with Peaches” Valentin Serov, setelah bertemu Ida Rubinstein di Paris pada tahun 1910, memintanya untuk menjadi model lukisan baru tersebut. Sebelumnya, dia berpose untuk banyak artis - Kees van Dongen, Antonio de la Gandara, Andre de Segonzac, Leon Bakst, dan kemudian untuk Romaine Brooks.

Potret Ida Rubenstein segera dibeli dari Serov

Namun potret seniman Rusia-lah yang menjadi paling terkenal. Lukisan itu segera dibeli dari penulisnya dan ditempatkan di koleksi Museum Rusia.

Putri Serov, Olga, menulis bahwa pada kenyataannya Ida sama sekali tidak kurus, dan sang artis sengaja menatanya

Ida Rubinstein adalah seorang penari dan aktris Rusia yang terkenal. Dari tahun 1909 hingga 1911 ia tampil sebagai bagian dari rombongan Sergei Diaghilev. Rubinstein adalah tinggi, namun keanggunannya memukau penonton, dan dia digambarkan sebagai penari “dengan kelenturan ular dan kelenturan seorang wanita”. Peran Cleoparta dan Zobeide menjadi peran bintangnya. Setelah meninggalkan Diaghilev, dia membuat grupnya sendiri, di mana dia tampil untuk waktu yang lama. Dan pada tahun 1921 ia bahkan membintangi film Italia "The Ship".

Lukisan artis terkenal menjaga rahasia orang-orang yang tergambar di dalamnya. Kami mengundang Anda untuk berjalan-jalan melalui dunia maya galeri seni dan jelajahi kisah para wanita dalam lukisan. Kisah-kisah ini bisa romantis, mistis, atau sekadar lucu.

Karya seni ini - salah satu lukisan paling terkenal dari pelukis - pertama kali ditampilkan kepada publik di Italia, dan diterima dengan baik oleh para kritikus. Karl Bryullov adalah seniman Rusia pertama yang menjadi terkenal di Eropa primitif. Sudah lama diasumsikan bahwa lukisan ini adalah potret Countess muda Yulia Samoilova, yang sangat dicintai sang seniman dan sering digambarkan di kanvasnya. Misalnya saja dalam film “The Last Day of Pompeii” tiga karakter sekaligus memiliki fitur wajah Yulia Samoilova. Namun, jika membandingkan lukisan “Horsewoman” dengan potret Countess yang kemudian dilukis Bryullov, terlihat jelas bahwa lukisan tersebut bukanlah Yulia Samoilova. Tapi siapa? Dalam salah satu lukisannya, Karl Bryullov menggambarkan Countess Samoilova bersama muridnya Giovannina, di lukisan lain ia melukis countess yang sama dengan putri angkat Amazon. Para peneliti karya Bryullov sampai pada kesimpulan bahwa lukisan itu menggambarkan gadis-gadis yang dibesarkan oleh Countess. Namun lukisan karya seniman terkenal biasanya membawa semacam misteri. Untuk memecahkan teka-teki dari lukisan ini, Anda perlu melihat lebih dekat pada anjing berkerah, yang digambarkan seniman di sebelah gadis kecil itu. Nama pemiliknya, Samoilov, tertulis di kerahnya.

Tampaknya cara pembuatan lukisan “Alyonushka” sudah lama diketahui semua orang. Dipercayai bahwa Vasnetsov, dalam gambar pahlawan wanita sedih dalam epos Rusia, menggambarkan gadis yang takdir mempertemukannya di desa Akhtyrka. Berbicara tentang lukisan ini, banyak yang mengutip kutipan dari Vasnetsov sendiri, di mana ia mengakui bahwa gambaran Alyonushka sudah lama melekat di kepalanya, namun versi terakhir Potret itu terbentuk ketika di desa Okhtyrka ia bertemu dengan seorang gadis sederhana. Tapi apakah ini benar? Di salah satu catatan artis yang bisa Anda baca kisah nyata melukis sebuah gambar. Vasnetsov mengakui, meski sudah memiliki sketsa lukisan berdasarkan gadis sederhana ini, itu bukanlah karya bergenre kehidupan. Sang seniman sebenarnya terinspirasi dari mata Verusha Mamontova. Diakuinya, mata gadis ini tampak di mana-mana dan menetap di jiwanya. Siapa Verusha Mamontova? Tentu saja gambarannya sudah tidak asing lagi di kalangan pecinta seni, karena dialah yang digambarkan dalam lukisan Serov “Girl with Peaches”. Kini, mengetahui wahyu sang artis, di Alyonushka Anda dapat dengan mudah menemukan fitur wajah Verusha Mamontova.

Terkadang lukisan karya seniman terkenal mengejutkan Anda dari mana plot tersebut berasal, terkadang sumber inspirasinya tidak terduga. Begitu pula dengan sejarah seni lukis kanvas” Pernikahan yang tidak setara" Seorang bangsawan dari Moskow memutuskan untuk menulis memoarnya, di mana dia berbicara tentang semua kerabatnya, termasuk pamannya Sergei Varentsov. Pada tahun 1862, paman ini, ketika masih muda, tiba-tiba jatuh cinta dengan putri cantik pedagang Rybnikov, Sofia. Dan dia begitu jatuh cinta sehingga dia bahkan melamarnya, tapi dia ditolak. Ayah gadis itu yang bijaksana tidak ingin mengawinkan putrinya dengan seorang penggaruk yang muda dan sembrono, tetapi lebih memilih untuk memberikan tangannya kepada pedagang tua dan bukan pedagang miskin Korzinkin (menariknya, pengantin pria “lansia” saat itu berusia 38 tahun). Secara kebetulan yang disayangkan, Varentsov muda harus memainkan peran sebagai pendamping pria di pernikahan ini. Seniman Vasily Pukirev begitu terpesona dengan cerita dan siksaan ini hati yang penuh kasih siapa yang menciptakan lukisan ini. Berkat lukisan ini, Vasily Pukirev menerima gelar profesor, serta banyak uang: kanvas itu segera dibeli oleh kolektor seni Borisovsky, dan Tretyakov membelinya darinya. Benar, Pukirev harus merombak kanvasnya sedikit, karena Varentsov mengakui dirinya sebagai pendamping pria dalam gambar ini. Sang seniman menggambarkan Varentsov dengan sangat akurat dalam karyanya sehingga, berkat popularitas lukisan itu, cintanya yang tidak bahagia mulai dibicarakan di seluruh Moskow. Akibatnya, Pukirev harus menulis ulang wajah pendamping pria tersebut dan kini, melihat gambar tersebut, publik melihat di latar belakang gambar wajah Pukirev sendiri.

Lukisan “Potret M.I. Lopukhina” oleh Vladimir Borovikovsky

Lukisan ini dibuat pada tahun 1797 dan bersifat romantis gambar perempuan. Hal ini telah menyenangkan masyarakat selama berabad-abad, dan para penikmat seni menganggapnya sebagai sanjungan terhadap sentimentalisme. Lukisan karya seniman terkenal seringkali disertai dengan dongeng mistis. Dongeng seperti itu ada hubungannya dengan gambar ini. Gambar seorang gadis cantik berusia 18 tahun adalah lukisan pertama dalam sejarah Rusia yang mendalami mistisisme. Gadis yang digambarkan dalam potret itu adalah putri Pangeran Ivan Tolstoy. Pada tahun lukisan potret itu, ia menikah dengan Stepan Lopukhin, yang bertugas di pemerintahan Paul I. Segera setelah pernikahan, suaminya memerintahkan Potret Borovikovsky istri tercintanya. Pernikahan tersebut tidak berlangsung lama, karena 3 tahun setelah pernikahan, sang putri muda meninggal karena sakit – konsumsi. Ayah yang tidak dapat dihibur itu membeli lukisan potret putrinya dari menantunya dan menggantungnya di rumahnya. Harus dikatakan bahwa Count Tolstoy adalah ahli pondok Masonik dan menyukai mistisisme. Ada rumor bahwa Count, dengan menggunakan sihir, mampu memanggil rohnya putri yang sudah meninggal dan menghembuskannya ke dalam lukisan Borovikovsky. Ada sebuah dongeng - gadis mana pun yang melihat potret itu pasti akan mati. Mereka bahkan mengutip “fakta yang sangat dapat dipercaya” bahwa potret itu menewaskan sedikitnya selusin gadis muda. Untungnya bagi anak cucu, Tretyakov tidak percaya pada mistisisme dan seabad kemudian ia membeli lukisan itu, yang kini dapat dilihat jutaan pemirsa di galeri yang dinamai menurut namanya.

Lukisan-lukisan seniman terkenal dibedakan oleh fakta bahwa mereka mengagungkan dalam karya mereka cita-cita feminin. Bahkan ketika menggambarkan Madonna, para seniman sepanjang masa tanpa sedikit pun hati nurani melukis potret kekasih mereka, banyak di antaranya adalah wanita yang bukan berasal dari kalangan paling mulia. Misalnya, peneliti karya Raphael mengatakan bahwa sang seniman bertemu dengan putri seorang pembuat roti miskin, Fornarina, di salah satu jalan di Roma. Artis itu jatuh cinta padanya. Raphael, yang sudah dikenal luas dan menduduki jabatan tinggi di tangga sosial, membeli gadis itu dari ayahnya dan menyewakan rumah mewah untuknya. Artis itu benar-benar menganggapnya sebagai kecantikan ideal dan tinggal bersamanya sampai kematiannya selama 12 tahun. Namun mereka mengatakan bahwa kecantikan itu sendiri tidak dibedakan oleh kesetiaannya kepada dermawannya dan mengkhianatinya baik dengan murid seniman maupun dengan mereka yang memesan lukisan tersebut. Sepeninggal Raphael, karena reputasi wanita tersebut, Paus bahkan tidak mau melakukan upacara pemakaman untuknya, karena Fornarina berdiri di dekatnya. Terlepas dari semua itu, wajah Fornarinalah yang kita lihat di lukisan itu.” Sistina Madonna" Raphael juga memberinya wajah banyak Madonna lain yang dilukis dengan tangannya.

Pada awal abad kedua puluh, kalender kita muncul liburan baru, yang namanya terdengar seperti slogan revolusioner: “Hari Perempuan Internasional solidaritas perempuan pekerja dalam perjuangan persamaan hak.”
Untungnya, seiring berjalannya waktu, hari ini memiliki arti yang sangat berbeda, dan bagi kami, 8 Maret adalah hari libur kecantikan dan pesona wanita.

Ingin menggabungkan sejarah dengan kesenangan, kami telah mengumpulkan beberapa lukisan wanita pekerja yang manis, genit, dan kuat dari seniman hebat - tawanan abadi kecantikan dan kebajikan wanita!

Alexei Venetsianov, penduduk asli Moskow, pertama kali mengunjungi desa tersebut pada usia 35 tahun, setelah pernikahannya pengantin baru pergi mengunjungi orang tua istri mereka di provinsi Tver.

Seniman itu begitu terpesona oleh alam sehingga ia segera memiliki keinginan untuk menetap di antara hamparan Rusia dan ia membeli sebuah perkebunan di Safonovka.

Di sinilah ia melukis lukisan “Di Ladang yang Dibajak”. Semua karya Venetsianov dipenuhi dengan puisi; lukisannya yang didedikasikan untuk kehidupan petani mengidealkan kehidupan desa.

Sejak kecil, Zinaida Serebryakova sudah jatuh cinta dengan lukisan Venetsianov. Di dalam dirinya lukisan awal seseorang dapat merasakan hubungan yang tak kasat mata dengan karya penulis kehidupan sehari-hari Rusia. Perempuan petani Venetsianov, seratus tahun kemudian, tampaknya terus hidup dalam lukisannya.

Gadis-gadis desa sang seniman sangat anggun, dengan sikap anggun; pekerjaan sehari-hari- puisi spiritualitas sejati!

Zinaida Evgenievna Serebryakova "Panen"
1915, 177×142 cm.

Lukisan “Panen” dan “Kanvas Pemutih” diklasifikasikan sebagai karya terbaik Zinaida Serebryakova. Mereka ditulis harta milik keluarga Neskuchnoye di provinsi Kharkov, tempat keluarga Serebryakov menghabiskan musim panas dan musim gugur sejak 1898.

Pada tahun 1914, setelah perjalanan panjang ke Italia Utara, Zinaida tiba di Neskuchnoye dan segera mulai mengerjakan lukisan “Harvest.”

Mempelajari kreativitas seniman Renaisans Italia, yang baru-baru ini terlihat di museum dan galeri, terasa dalam komposisi yang dibangun secara klasik, dan monumentalitas bentuknya menekankan keindahan tokoh perempuan dengan latar belakang lanskap dengan ladang gandum yang terbentang tidak merata di balik cakrawala.
Lukisan-lukisan ini dianggap sebagai lukisan indah terakhir Rusia pra-revolusioner.

Zinaida Evgenievna Serebryakova." Memutihkan kanvas "
1917, 141,8×173,6 cm.

Renda, bedak, lipstik - semua yang dibutuhkan wanita menawan...

Wanita Perancis juga bekerja tanpa lelah pada lukisan seniman. Selama era Rococo, profesi paling modis bagi wanita perkotaan adalah seorang pembuat topi.

Pakaian yang elegan dan mewah, korset, bordir dan renda semuanya menjadi pemikiran wanita, karena itu perlu untuk mengikuti trendsetter Madame Pompadour!

Dan fantasi para gadis muda diwujudkan oleh orang-orang yang ahli dalam segala hal - pembuat topi.

Francois Boucher dalam lukisan “The Milliner” tampak sedang menyelinap mengintip ke dalam ruangan dan memata-matai para wanita yang sedang mendiskusikan model masa depan.
François Boucher. "Penjahat Wanita"

53x64 cm. Pada abad ke-18, pada masa Pencerahan di Perancis, sudah menjadi kebiasaan dalam seni untuk memuji dan menegaskan keutamaan golongan ketiga, dan dalam seni lukis. dalam kondisi yang baik

kesederhanaan dan kealamian dipertimbangkan.

Jean-Baptiste Greuze dalam film “The Laundress” tidak hanya menggambarkan seorang pekerja muda yang anggun dan menawan - dengan cara ini ia mengagungkan kerja keras. Di Rusia pada paruh kedua abad ke-18, Grez menjadi artis modis

, para bangsawan bangsawan berlomba-lomba untuk memesan potret darinya, Permaisuri Catherine II sendiri, atas saran Diderot, membeli lukisan “The Paralytic” dari sang seniman.

Tentu saja, popularitas karya Greuze tidak luput dari perhatian lukisan Rusia; lukisannya mempunyai pengaruh besar pada potret Rusia.
Jean-Baptiste Greuze "Pencuci Pakaian"

1761, 32×40 cm.

Pembuat renda Vasily Tropinin dijuluki “Mimpi Rusia” karena daya tariknya potret wanita . Untuk pertama kalinya dalam lukisan Rusia ia menciptakan tipe baru - potret genre gambar puitis

gadis-gadis di tempat kerja.

Wanita muda cantik dalam lukisan “The Lacemaker” dan “The Goldsmith,” sibuk dengan pekerjaannya, mengalihkan pandangan dari pekerjaannya sejenak dan memandang dengan licik ke arah penonton.
Vasily Andreevich Tropinin. "Pandai Emas"

Tropinin adalah seorang seniman budak dan baru pada usia 47 tahun menerima kebebasannya. Merupakan simbol bahwa tahun 1823, tahun penulisan “The Lacemaker,” memberikan kebebasan dan pengakuan resmi bagi sang seniman.

Tahun ini ia pertama kali memamerkan karyanya di Akademi Seni, dan sang seniman dianugerahi gelar “akademisi yang ditunjuk”. Jadi potret intim wanita kota membawa kebebasan dan kesuksesan bagi penciptanya.

Tropinin "Si Pembuat Renda"

Wali perapian dan rumah

Rumah tangga Hal ini selalu berada di pundak perempuan dan pekerjaan dapur adalah tanggung jawab langsungnya. Bagi sebagian orang hal ini merupakan berkah, namun bagi banyak orang hal ini merepotkan. Bagi tokoh utama film “The Cook” karya Bernardo Strozzi, ini adalah tugas dan ritual sakral.

Anda dapat bertanya pada diri sendiri banyak pertanyaan ketika melihat sebuah gambar. Misalnya kenapa gadis muda nyali burung itu gaun elegan dan manik-manik? Apakah dia memiliki keluarga besar, karena makan malam melibatkan cukup banyak hidangan?

Siapa yang digambarkan dalam gambar - mungkin artis tersebut menggambarkan istrinya dan itulah mengapa dia memandang penonton dengan penuh kasih sayang? Pilihan ini sangat mungkin: lukisan Strozzi tentang subjek sehari-hari sangat jarang, dan dia bisa saja membuat pengecualian untuk istrinya.

Bernardo Strozzi "Si Juru Masak"
1625, 185×176 cm.

Penulis gambar - Artis Italia Era Barok dengan biografi yang luar biasa. Sifat petualang Strozzi tercermin dalam semua aktivitasnya: di masa mudanya ia bergabung dengan Ordo Kapusin dan menjadi pendeta, kemudian belajar melukis di bengkel seniman Genoa Sorri dan sekaligus bekerja sebagai insinyur angkatan laut di armada Genoa.

Artis kemudian melarikan diri dari biara dan bersembunyi dari penganiayaan para biarawan di Venesia. Namun Strozzi tidak pernah berhenti melukis. Tema utamanya adalah potret, adegan keagamaan dan mitologi, dan cara kreatif Lukisan Caravaggio mempunyai pengaruh yang besar.

“Profesi” seorang gembala dulunya sangat populer dan para seniman sering kali beralih ke profesi itu. Kita menemukan gambaran menyentuh tentang seorang penggembala paruh baya dalam karya Van Gogh, yang melukis penduduk desa sederhana dengan kehangatan dan cinta yang istimewa.

Lihatlah warna gambarnya: kuning ladang gandum- Warna matahari dan kehangatan, kontras lembut dengan jubah biru sang penggembala, merupakan teknik yang sering digunakan dalam karya seniman, namun tidak menimbulkan perasaan gelisah, seperti pada lukisannya yang lain.

Van Gogh menyampaikan perasaannya dengan sangat akurat melalui corak warna. Tidak peduli apa pun badai yang terjadi, wanita itu tenang dan patuh nasib yang sulit... Dan perasaan dominan dan tulus kita saat melihat gambar ini adalah “empati”.

Vincent Van Gogh. "gadis koboi"
1889, 52,7×40,7 cm.
Seniman menciptakan karya ini selama perawatan di Saint-Rémy di selatan Perancis. Selama periode 1889-1890 ini, ia mempelajari karya pendiri sekolah Barbizon, Jean Francois Millet, dan selama ini ia membuat salinan 23 lukisannya, termasuk “The Shepherdess” (walaupun sulit untuk menyebut Van salinan lukisan Gogh).

Vincent menulis kepada saudaranya tentang pekerjaannya:
“Saya yakinkan Anda bahwa saya sangat tertarik untuk membuat salinannya, dan karena saya tidak memiliki model sekarang, saya tidak akan meninggalkan pengerjaan gambar tersebut dengan bantuan salinan ini.
Saya menggunakan reproduksi hitam putih Delacroix dan Millet seolah-olah itu adalah subjek kehidupan nyata. Lalu saya improvisasi warnanya, meski tentu saja tidak persis seperti saya melakukannya sendiri, tapi mencoba mengingat lukisan mereka.
Namun, “mengingat” ini, harmoni warna yang tidak jelas… adalah interpretasi saya.”

Membandingkan lukisan kedua seniman tersebut, nampaknya Van Gogh melukis sang penggembala dalam imajinasinya.

Millet "Gembala" 1, Millet "Gembala" 2.

Jean Baptiste Chardin mengamati kehidupan warga kota biasa dan menulis cerita dari mereka. kehidupan sehari-hari. Lukisan “The Laundress” memancarkan kenyamanan rumah yang tenang, di mana segala sesuatunya dihangatkan oleh perhatian nyonya rumah.

Saat ibu sedang mencuci, anak laki-laki sibuk dengan kesenangan sederhananya. Gambaran anak-anak selalu hadir dalam lukisan Chardin, menekankan kecintaan seorang ibu terhadap anaknya. Demonstrasi hubungan ini membantunya menciptakan suasana spiritual yang hangat dan kehidupan yang sederhana, namun bermakna dan memuaskan bagi warga kota.

Kerja keras perempuan dalam lukisan seniman disamakan dengan pekerjaan mulia yang dilakukan dengan ketekunan dan cinta khusus.

Jean Baptiste Simeon Chardin. "Pencuci Pakaian"

Editorial Buruh Sosialis - kami dunia baru mari kita membangunnya!

Wanita menguasai profesi baru di negara Soviet. Bersama kami, mereka bukan sekadar fashionista Barat - wanita Soviet mungkin membangun metro!

Dalam seri grafis tahun 1930-an karya Alexander Samokhvalov, potret gadis-gadis yang bekerja sebagai pekerja kereta bawah tanah merupakan perwujudan cita-cita buruh sosialis.

Antusiasme, energi muda, optimisme dan kekuatan meluap dalam karya-karya ini - kami akan membangun negara baru. Ini dia dengan bor, dengan sekop, cantik, kuat dan bahagia, dia bisa melakukan apa saja!

Sang seniman mengikuti jalur ideologi negara; dia dengan tulus percaya pada penciptaan universal demi kepentingan masa depan yang cerah. Dan dorongan spiritual sang seniman adalah hal yang cukup nyata, lihat saja karyanya!