ภาพวาดคลาสสิกของญี่ปุ่น: ชื่อที่มีชื่อเสียงที่สุด ศิลปินของญี่ปุ่นตั้งแต่สมัยโบราณจนถึงปัจจุบัน

ซึ่งครอบคลุมเทคนิคและสไตล์มากมาย ตลอดประวัติศาสตร์ของการดำรงอยู่ของมันได้ผ่าน จำนวนมากการเปลี่ยนแปลง มีการเพิ่มประเพณีและประเภทใหม่ๆ และยังคงหลักการดั้งเดิมของญี่ปุ่นไว้ นอกจากประวัติศาสตร์อันน่าทึ่งของญี่ปุ่นแล้ว ภาพวาดยังพร้อมที่จะนำเสนอข้อเท็จจริงที่มีเอกลักษณ์และน่าสนใจมากมาย

ญี่ปุ่นโบราณ

รูปแบบแรกปรากฏในยุคประวัติศาสตร์ที่เก่าแก่ที่สุดของประเทศแม้กระทั่งก่อนคริสต์ศักราช จ. จากนั้นศิลปะก็ค่อนข้างดึกดำบรรพ์ ครั้งแรกใน 300 ปีก่อนคริสตกาล จ. ต่างๆ รูปทรงเรขาคณิตซึ่งดำเนินการกับเครื่องปั้นดินเผาโดยใช้ไม้ การค้นพบดังกล่าวโดยนักโบราณคดีเช่นการตกแต่งระฆังทองสัมฤทธิ์มีอายุย้อนกลับไปในเวลาต่อมา

ต่อมาอีกเล็กน้อยในคริสตศักราช 300 e. ปรากฏ ภาพวาดหินซึ่งมีความหลากหลายมากกว่าลวดลายเรขาคณิตมาก ภาพเหล่านี้เป็นภาพที่มีรูปภาพครบถ้วนอยู่แล้ว พวกเขาถูกพบในห้องใต้ดิน และอาจเป็นไปได้ว่าผู้คนที่ถูกวาดบนนั้นถูกฝังอยู่ในบริเวณฝังศพเหล่านี้

ในคริสตศตวรรษที่ 7 จ. ญี่ปุ่นรับเอาการเขียนที่มาจากประเทศจีน ในเวลาเดียวกัน ภาพวาดชิ้นแรกก็มาจากที่นั่น จากนั้นภาพวาดก็ปรากฏเป็นงานศิลปะที่แยกจากกัน

เอโดะ

เอโดะอยู่ไกลจากที่แรกและไม่ใช่ ภาพวาดล่าสุดอย่างไรก็ตาม เธอเป็นคนที่นำสิ่งใหม่ๆ มาสู่วัฒนธรรมมากมาย ประการแรก ความสว่างและสีสันที่ถูกเพิ่มเข้าไปในเทคนิคปกติที่ใช้สีดำและ โทนสีเทา- ที่สุด ศิลปินที่โดดเด่นลักษณะนี้ถือว่าโซทาสุ เขาสร้างภาพวาดคลาสสิก แต่ตัวละครของเขามีสีสันมาก ต่อมาเขาเปลี่ยนมาสู่ธรรมชาติ และภูมิทัศน์ส่วนใหญ่ของเขาถูกทาสีด้วยพื้นหลังปิดทอง

ประการที่สอง ในสมัยเอโดะ ลัทธินอกรีต แนวนัมบังก็ปรากฏขึ้น ใช้เทคนิคยุโรปและจีนสมัยใหม่ที่ผสมผสานกับสไตล์ญี่ปุ่นดั้งเดิม

และประการที่สาม โรงเรียนนางาก็ปรากฏตัวขึ้น ในนั้นศิลปินจะเลียนแบบหรือคัดลอกผลงานของอาจารย์ชาวจีนโดยสิ้นเชิงก่อน จากนั้นกิ่งก้านใหม่ก็ปรากฏขึ้น เรียกว่า bunjing

ยุคสมัยใหม่

สมัยเอโดะเปิดทางให้กับเมจิ และตอนนี้ภาพวาดของญี่ปุ่นถูกบังคับให้ทำเช่นนั้น เวทีใหม่การพัฒนา. ในเวลานี้ ประเภทต่างๆ เช่น ตะวันตกและประเภทอื่นๆ กำลังได้รับความนิยมไปทั่วโลก ดังนั้นความทันสมัยของศิลปะจึงกลายเป็นเรื่องธรรมดา อย่างไรก็ตาม ในญี่ปุ่น ซึ่งเป็นประเทศที่ทุกคนเคารพประเพณี เวลาที่กำหนดสถานการณ์แตกต่างอย่างมากจากสิ่งที่เกิดขึ้นในประเทศอื่น การแข่งขันระหว่างช่างเทคนิคชาวยุโรปและท้องถิ่นนั้นดุเดือดที่นี่

รัฐบาลในขั้นตอนนี้ให้ความสำคัญกับศิลปินรุ่นเยาว์ที่ส่งผลงาน ความหวังสูงเพื่อพัฒนาทักษะใน สไตล์ตะวันตก- พวกเขาจึงส่งพวกเขาไปโรงเรียนในยุโรปและอเมริกา

แต่นี่เป็นเพียงช่วงเริ่มต้นเท่านั้น ประเด็นก็คือว่า นักวิจารณ์ชื่อดังวิพากษ์วิจารณ์ค่อนข้างมาก ศิลปะตะวันตก- เพื่อหลีกเลี่ยงปัญหาใหญ่เกี่ยวกับปัญหานี้ สไตล์ยุโรปและเทคนิคเหล่านี้เริ่มถูกห้ามในนิทรรศการ การจัดแสดงก็หยุดลง เช่นเดียวกับความนิยมของพวกเขา

การเกิดขึ้นของสไตล์ยุโรป

ถัดมาเป็นยุคไทโช ในเวลานี้ศิลปินหนุ่มที่กำลังจะลาไปศึกษาต่อ โรงเรียนต่างประเทศกลับมายังบ้านเกิดของพวกเขา โดยธรรมชาติแล้วพวกเขานำภาพวาดญี่ปุ่นรูปแบบใหม่ซึ่งคล้ายกับภาพวาดของยุโรปมาด้วย อิมเพรสชันนิสม์และโพสต์อิมเพรสชันนิสม์ปรากฏขึ้น

ในขั้นตอนนี้ โรงเรียนหลายแห่งกำลังได้รับการจัดตั้งขึ้นโดยการฟื้นฟูสไตล์ญี่ปุ่นโบราณ แต่มันเป็นไปไม่ได้เลยที่จะกำจัดแนวโน้มแบบตะวันตกออกไปโดยสิ้นเชิง ดังนั้นเราจึงต้องผสมผสานเทคนิคหลายอย่างเข้าด้วยกันเพื่อเอาใจทั้งผู้ชื่นชอบความคลาสสิกและผู้ที่ชื่นชอบการวาดภาพยุโรปสมัยใหม่

โรงเรียนบางแห่งได้รับทุนจากรัฐ ซึ่งทำให้สามารถรักษาประเพณีของชาติหลายประการไว้ได้ เจ้าของเอกชนถูกบังคับให้ปฏิบัติตามผู้นำของผู้บริโภคที่ต้องการสิ่งใหม่ ๆ พวกเขาเบื่อหน่ายกับความคลาสสิก

ภาพวาดจากสงครามโลกครั้งที่สอง

หลังจากเริ่มช่วงสงคราม ภาพวาดของญี่ปุ่นยังคงห่างไกลจากเหตุการณ์ต่างๆ มาระยะหนึ่งแล้ว มันพัฒนาแยกกันและเป็นอิสระ แต่สิ่งนี้ไม่สามารถดำเนินต่อไปได้ตลอดไป

เมื่อเวลาผ่านไป เมื่อสถานการณ์ทางการเมืองในประเทศแย่ลง บุคคลระดับสูงและได้รับความเคารพจะดึงดูดศิลปินจำนวนมาก บางคนเริ่มสร้างสไตล์รักชาติแม้ในช่วงเริ่มต้นของสงคราม ส่วนที่เหลือจะเริ่มกระบวนการนี้ตามคำสั่งจากเจ้าหน้าที่เท่านั้น

ดังนั้นวิจิตรศิลป์ของญี่ปุ่นจึงไม่สามารถพัฒนาได้โดยเฉพาะในช่วงสงครามโลกครั้งที่สอง ดังนั้นสำหรับการทาสีจึงเรียกได้ว่านิ่ง

ซุยโบกุงะผู้เป็นนิรันดร์

ภาพวาดซูมิเอะของญี่ปุ่นหรือซุยโบกุกะ แปลว่า "ภาพวาดหมึก" อย่างแท้จริง นี่เป็นตัวกำหนดสไตล์และเทคนิค ของศิลปะนี้- มันมาจากประเทศจีน แต่ญี่ปุ่นก็ตัดสินใจเรียกมันว่าเป็นของตัวเอง และในตอนแรกเทคนิคนี้ไม่มีด้านความสวยงามเลย พระสงฆ์ใช้เพื่อการพัฒนาตนเองขณะศึกษาเซน ยิ่งไปกว่านั้น พวกเขาวาดภาพเป็นครั้งแรก และต่อมาก็ฝึกสมาธิขณะชมภาพเหล่านั้น พระภิกษุเชื่อว่าเส้นที่เข้มงวด โทนสีและเงาที่พร่ามัว - ทั้งหมดที่เรียกว่าเอกรงค์ - ช่วยปรับปรุง

การวาดภาพด้วยหมึกของญี่ปุ่น แม้จะมีภาพวาดและเทคนิคที่หลากหลาย แต่ก็ไม่ซับซ้อนเท่าที่ควรเมื่อมองแวบแรก มันขึ้นอยู่กับเพียง 4 แปลง:

ดอกเบญจมาศ.
กล้วยไม้.
สาขาบ๊วย.
ไม้ไผ่.

แผนการจำนวนน้อยไม่ได้ช่วยให้เชี่ยวชาญเทคนิคได้อย่างรวดเร็ว อาจารย์บางคนเชื่อว่าการเรียนรู้จะคงอยู่ตลอดชีวิต

แม้ว่า sumi-e จะปรากฏตัวเมื่อนานมาแล้ว แต่ก็ยังเป็นที่ต้องการอยู่เสมอ ยิ่งไปกว่านั้น วันนี้คุณจะได้พบกับอาจารย์ของโรงเรียนแห่งนี้ ไม่เพียงแต่ในญี่ปุ่นเท่านั้น แต่ยังแพร่หลายไปไกลเกินขอบเขตอีกด้วย

ยุคสมัยใหม่

หลังจากสิ้นสุดสงครามโลกครั้งที่สอง ศิลปะในญี่ปุ่นก็เจริญรุ่งเรืองเฉพาะใน เมืองใหญ่ๆชาวบ้านและชาวบ้านก็มีความกังวลมากพอแล้ว ศิลปินส่วนใหญ่พยายามหันหลังให้กับการสูญเสียในช่วงสงครามและพรรณนาชีวิตในเมืองสมัยใหม่บนผืนผ้าใบด้วยการตกแต่งและคุณสมบัติทั้งหมด แนวคิดของยุโรปและอเมริกาได้รับการยอมรับอย่างประสบความสำเร็จ แต่สถานการณ์นี้อยู่ได้ไม่นาน ปรมาจารย์หลายคนเริ่มค่อยๆ ย้ายจากพวกเขาไปโรงเรียนญี่ปุ่น

ยังคงทันสมัยอยู่เสมอ ดังนั้นการวาดภาพญี่ปุ่นสมัยใหม่จึงมีความแตกต่างกันเฉพาะในเทคนิคการดำเนินการหรือวัสดุที่ใช้ในกระบวนการเท่านั้น แต่ศิลปินส่วนใหญ่ไม่ค่อยรับรู้ถึงนวัตกรรมต่างๆ ได้ดีนัก

เป็นไปไม่ได้ที่จะไม่พูดถึงแฟชั่น วัฒนธรรมย่อยสมัยใหม่เช่นอนิเมะและสไตล์ที่คล้ายกัน ศิลปินหลายคนพยายามทำให้เส้นแบ่งระหว่างความคลาสสิกกับสิ่งที่เป็นที่ต้องการในปัจจุบันไม่ชัดเจน สถานการณ์นี้ส่วนใหญ่เกิดจากการพาณิชย์ แนวคลาสสิกและแบบดั้งเดิมไม่ได้ซื้อดังนั้นการทำงานเป็นศิลปินในแนวที่คุณชื่นชอบจึงไม่มีประโยชน์

บทสรุป

ไม่ต้องสงสัยเลยว่าภาพวาดของญี่ปุ่นถือเป็นขุมสมบัติ วิจิตรศิลป์- บางทีประเทศที่เป็นปัญหาอาจเป็นประเทศเดียวที่ไม่ตามกระแสตะวันตกและไม่ปรับตัวเข้ากับแฟชั่น แม้จะมีความพ่ายแพ้หลายครั้งในระหว่างการใช้เทคนิคใหม่ๆ แต่ศิลปินญี่ปุ่นก็ยังคงสามารถปกป้องได้ ประเพณีประจำชาติในหลายประเภท นี่อาจเป็นเหตุผลว่าทำไมภาพวาดที่ทำในรูปแบบคลาสสิกจึงมีมูลค่าสูงในนิทรรศการในปัจจุบัน

ภาพวาดขาวดำของญี่ปุ่นก็เป็นหนึ่งในนั้น ปรากฏการณ์ที่ไม่เหมือนใครศิลปะแห่งตะวันออก มีการทุ่มเทงานและการวิจัยมากมาย แต่มักถูกมองว่าเป็นสิ่งที่ธรรมดามากและบางครั้งก็เป็นของตกแต่ง สิ่งนี้ไม่เป็นเช่นนั้น โลกแห่งจิตวิญญาณของศิลปินชาวญี่ปุ่นนั้นอุดมสมบูรณ์มากและเขาไม่สนใจองค์ประกอบด้านสุนทรียภาพมากนักเกี่ยวกับจิตวิญญาณ

ศิลปะตะวันออกเป็นการสังเคราะห์จากภายนอกและภายใน ชัดเจนและโดยปริยาย

ในโพสต์นี้ ฉันอยากจะไม่สนใจประวัติความเป็นมาของการวาดภาพเอกรงค์ แต่เป็นแก่นแท้ของมัน นี่คือสิ่งที่เราจะพูดถึง

จอภาพ "ต้นสน" Hasegawa Tohaku, 1593

สิ่งที่เราเห็นในภาพวาดเอกรงค์เป็นผลมาจากปฏิสัมพันธ์ของศิลปินกับองค์ประกอบพื้นฐานสามประการ ได้แก่ กระดาษ พู่กัน หมึก ดังนั้นเพื่อที่จะเข้าใจงานได้อย่างถูกต้อง คุณต้องเข้าใจตัวศิลปินและทัศนคติของเขาด้วย

"ทิวทัศน์" เซะชู 1398กระดาษ สำหรับปรมาจารย์ชาวญี่ปุ่นมันไม่ง่ายเลยวัสดุชั่วคราว ซึ่งเขาอยู่ใต้บังคับบัญชาของเขา แต่ตรงกันข้าม - นี่คือ "พี่ชาย" ดังนั้นทัศนคติต่อเธอจึงพัฒนาขึ้นตามนั้น กระดาษเป็นส่วนหนึ่งของธรรมชาติที่อยู่รายล้อม ซึ่งชาวญี่ปุ่นปฏิบัติต่อด้วยความเคารพมาโดยตลอดและพยายามที่จะไม่พิชิต แต่ต้องอยู่ร่วมกันอย่างสันติกับกระดาษ กระดาษในอดีตเป็นต้นไม้ที่ยืนต้นอยู่บริเวณหนึ่งเวลาที่แน่นอน “เห็น” บางสิ่งรอบตัวเธอ และเธอก็เก็บมันไว้ทั้งหมด นี่คือวิธีที่ศิลปินชาวญี่ปุ่นรับรู้ถึงเนื้อหานี้ บ่อยครั้งก่อนเริ่มงานช่างฝีมือมักมองดูเป็นเวลานานกระดานชนวนว่างเปล่า

(พวกเขาใคร่ครวญ) จากนั้นจึงเริ่มวาดภาพเท่านั้น แม้กระทั่งในปัจจุบัน ศิลปินญี่ปุ่นสมัยใหม่ที่ฝึกฝนเทคนิค Nihon-ga (ภาพวาดแบบญี่ปุ่นดั้งเดิม) ต่างก็เลือกกระดาษอย่างระมัดระวัง พวกเขาซื้อมันตามสั่งจากโรงงานกระดาษ ศิลปินแต่ละคนมีความหนา การซึมผ่านของความชื้น และพื้นผิวที่แน่นอน (ศิลปินหลายคนถึงกับทำข้อตกลงกับเจ้าของโรงงานที่จะไม่ขายกระดาษนี้ให้กับศิลปินคนอื่น) ดังนั้นภาพวาดแต่ละภาพจึงถูกมองว่าเป็นสิ่งที่มีเอกลักษณ์และมีชีวิตชีวา

"การอ่านในป่าไผ่" Xubun, 1446 เมื่อพูดถึงความสำคัญของเนื้อหานี้เป็นสิ่งที่ควรค่าแก่การกล่าวถึงต่อไปนี้อนุสาวรีย์ที่มีชื่อเสียง

“มุราซากิ ชิกิบุที่ศาลเจ้าอิชิยามะ” เคียวเซ็น

แปรง- องค์ประกอบที่สองคือความต่อเนื่องของมือของอาจารย์ (อีกครั้งคือ วัสดุธรรมชาติ- ดังนั้นจึงมีการสั่งทำพู่กันด้วย แต่ส่วนใหญ่มักจะทำโดยศิลปินเอง เขาเลือกขนตามความยาวที่ต้องการ เลือกขนาดของแปรงและด้ามจับที่สะดวกสบายที่สุด ปรมาจารย์วาดภาพด้วยพู่กันของเขาเองเท่านั้น ไม่ใช้อย่างอื่น (จาก ประสบการณ์ส่วนตัว: ฉันอยู่ในชั้นเรียนปริญญาโทโดยศิลปินชาวจีน Jiang Shilun ผู้ชมขอให้แสดงให้เห็นว่านักเรียนของเขาที่อยู่ในชั้นเรียนปริญญาโทสามารถทำอะไรได้บ้าง และแต่ละคนหยิบพู่กันของอาจารย์ขึ้นมาบอกว่าผลลัพธ์จะไม่เป็น สิ่งที่พวกเขาคาดหวัง เพราะแปรงไม่ใช่พวกเขา พวกเขาไม่คุ้นเคยและไม่รู้วิธีใช้อย่างถูกต้อง)

ภาพร่างด้วยหมึก "ฟูจิ" โดยคัตสึชิกะ โฮคุไซ

มาสคาร่า- องค์ประกอบสำคัญประการที่สาม มาสคาร่าเกิดขึ้น ประเภทต่างๆ: สามารถให้เอฟเฟกต์มันวาวหรือด้านหลังจากการอบแห้งอาจมีส่วนผสมของสีเงินหรือสีเหลืองสด ดังนั้นการเลือกมาสคาร่าที่ถูกต้องก็มีความสำคัญเช่นกัน

ยามาโมโตะ ไบสึ ปลายศตวรรษที่ 18 - 19

วิชาหลักของการวาดภาพเอกรงค์คือทิวทัศน์ ทำไมพวกเขาถึงไม่มีสี?

จับคู่หน้าจอ "ต้นสน" Hasegawa Tohaku

ประการแรก ศิลปินชาวญี่ปุ่นไม่สนใจในตัววัตถุ แต่โดยแก่นแท้แล้ว คือองค์ประกอบบางอย่างที่พบได้ทั่วไปในสิ่งมีชีวิตทุกชนิด และนำไปสู่ความกลมกลืนระหว่างมนุษย์กับธรรมชาติ ดังนั้นภาพจึงเป็นสัญญาณบ่งบอกถึงประสาทสัมผัสของเรา ไม่ใช่การมองเห็น การพูดน้อยเป็นแรงกระตุ้นสำหรับการสนทนาและทำให้เกิดความเชื่อมโยง เส้นและจุดมีความสำคัญในภาพ - เกิดขึ้น ภาษาศิลปะ- นี่ไม่ใช่เสรีภาพของนายที่ทิ้งเครื่องหมายตัวหนาไว้ในที่ที่เขาต้องการ แต่ในอีกที่หนึ่งตรงกันข้าม - ทุกสิ่งในภาพมีความหมายและความสำคัญในตัวเองและไม่ได้สุ่ม

ประการที่สอง สีมักจะมีบางอย่างอยู่เสมอ การระบายสีตามอารมณ์และถูกรับรู้แตกต่างออกไป คนละคนดังนั้นในสภาวะต่างๆ ความเป็นกลางทางอารมณ์จึงทำให้ผู้ดูเข้าสู่บทสนทนาได้อย่างเหมาะสมที่สุด เพื่อวางตำแหน่งการรับรู้ การไตร่ตรอง และความคิด

ประการที่สามนี่คือปฏิสัมพันธ์ของหยินและหยางการวาดภาพเอกรงค์ใด ๆ นั้นมีความกลมกลืนกันจากมุมมองของอัตราส่วนของหมึกต่อพื้นที่ที่ไม่มีใครแตะต้องของกระดาษ

เหตุใดพื้นที่กระดาษส่วนใหญ่จึงไม่ได้ใช้?

“ภูมิทัศน์” ซูบุน กลางศตวรรษที่ 15

ประการแรก พื้นที่ว่างจะทำให้ผู้ชมดื่มด่ำไปกับภาพ ประการที่สองภาพถูกสร้างขึ้นราวกับว่ามันลอยขึ้นสู่ผิวน้ำครู่หนึ่งและกำลังจะหายไป - สิ่งนี้เชื่อมโยงกับโลกทัศน์และโลกทัศน์ ประการที่สาม ในพื้นที่ที่ไม่มีหมึก พื้นผิวและสีของกระดาษจะปรากฏอยู่เบื้องหน้า (ซึ่งไม่สามารถมองเห็นได้ในการจำลองเสมอไป แต่ในความเป็นจริงแล้ว มันเป็นการทำงานร่วมกันของวัสดุทั้งสองเสมอ - กระดาษและหมึก)

เซะชู, 1446

ทำไมต้องเป็นแนวนอน?

“การไตร่ตรองถึงน้ำตก” กายามิ 1478

ตามโลกทัศน์ของญี่ปุ่น ธรรมชาติมีความสมบูรณ์แบบมากกว่ามนุษย์ ดังนั้นเขาจึงต้องเรียนรู้จากมัน ปกป้องมันในทุกวิถีทางที่เป็นไปได้ และไม่ทำลายหรือพิชิตมัน

ดังนั้นในภูมิประเทศหลายแห่ง คุณสามารถเห็นภาพผู้คนเล็กๆ น้อยๆ ได้ แต่จะไม่สำคัญเสมอไป มีขนาดเล็กเมื่อเทียบกับภูมิทัศน์นั้นเอง หรือภาพกระท่อมที่พอดีกับพื้นที่รอบตัวพวกเขา และไม่ได้สังเกตเห็นได้ชัดเจนเสมอไป - สิ่งเหล่านี้ล้วนเป็นสัญลักษณ์ของ โลกทัศน์

"ฤดูกาล: ฤดูใบไม้ร่วงและฤดูหนาว" เซสชู "ภูมิทัศน์" เซะชู 1481

โดยสรุป ฉันอยากจะบอกว่าภาพวาดญี่ปุ่นขาวดำนั้นไม่ใช่หมึกที่สาดอย่างวุ่นวาย ไม่ใช่อัตตาภายในของศิลปิน - มันเป็นระบบภาพและสัญลักษณ์ทั้งหมด มันเป็นแหล่งรวมความคิดเชิงปรัชญา และที่สำคัญที่สุด วิธีการสื่อสารและการประสานกันของตนเองและโลกรอบตัวเรา

ฉันคิดว่านี่คือคำตอบสำหรับคำถามหลักที่เกิดขึ้นในตัวผู้ชมเมื่อต้องเผชิญกับภาพวาดขาวดำของญี่ปุ่น ฉันหวังว่าพวกเขาจะช่วยให้คุณเข้าใจถูกต้องที่สุดและรับรู้เมื่อคุณพบกัน ภาพวาดคลาสสิกของญี่ปุ่นมีมายาวนานและเรื่องราวที่น่าสนใจ - มีการนำเสนอวิจิตรศิลป์ของญี่ปุ่นในสไตล์ที่แตกต่าง

และประเภทต่างๆ ซึ่งแต่ละประเภทก็มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวในแบบของตัวเอง รูปแกะสลักโบราณและลวดลายเรขาคณิตที่พบในระฆังดอตาคุสำริดและเศษเครื่องปั้นดินเผามีอายุย้อนกลับไปถึงปีคริสตศักราช 300

การวางแนวศิลปะพุทธศาสนา

รูปแบบการวาดภาพของราชวงศ์ถังได้รับความนิยมเป็นพิเศษในช่วงกลางสมัยนารา ภาพจิตรกรรมฝาผนังที่ค้นพบในสุสานทาคามัตสึซูกะมีอายุย้อนกลับไปประมาณศตวรรษที่ 7 จากช่วงเวลานี้ เทคนิคทางศิลปะก่อตั้งขึ้นภายใต้อิทธิพลของราชวงศ์ถัง และต่อมาได้ก่อตั้งพื้นฐานของประเภทจิตรกรรมของคาระเอะ ประเภทนี้ยังคงได้รับความนิยมจนกระทั่งมีผลงานชิ้นแรกในสไตล์ยามาโตะ-เอะ จิตรกรรมฝาผนังและผลงานจิตรกรรมชิ้นเอกส่วนใหญ่เป็นของแปรง ผู้เขียนที่ไม่รู้จักปัจจุบันผลงานหลายชิ้นจากสมัยนั้นถูกเก็บไว้ในคลัง Sesoin

อิทธิพลที่เพิ่มขึ้นของนิกายพุทธศาสนาใหม่ๆ เช่น เทนได มีอิทธิพลต่อการมุ่งเน้นทางศาสนาในวงกว้างของวิจิตรศิลป์ญี่ปุ่นในศตวรรษที่ 8 และ 9 ในศตวรรษที่ 10 ซึ่งมีความก้าวหน้าเป็นพิเศษในพุทธศาสนาญี่ปุ่น ประเภทของไรโกสุ "ภาพวาดต้อนรับ" ปรากฏขึ้น ซึ่งบรรยายถึงการมาถึงของพระพุทธเจ้าในสวรรค์ตะวันตก ตัวอย่างไรโกซุในช่วงแรกๆ ย้อนหลังไปถึงปี 1053 สามารถพบเห็นได้ที่วัดเบโดอิน ซึ่งยังคงอยู่ในเมืองอุจิ จังหวัดเกียวโต

การเปลี่ยนสไตล์

ในช่วงกลางยุคเฮอัน สไตล์คาราเอะของจีนถูกแทนที่ด้วยประเภทยามาโตะ-เอะ ซึ่งมาเป็นเวลานานได้กลายเป็นหนึ่งในประเภทจิตรกรรมญี่ปุ่นที่ได้รับความนิยมและเป็นที่ต้องการมากที่สุด รูปแบบภาพใหม่ส่วนใหญ่จะใช้ในการทาสีฉากกั้นพับและประตูบานเลื่อน เมื่อเวลาผ่านไป ยามาโตะ-เอะก็เปลี่ยนไปใช้ม้วนเอกิโมโนะแนวนอนด้วย ศิลปินที่ทำงานในประเภท emaki พยายามถ่ายทอดอารมณ์ของพล็อตที่เลือกในผลงานของพวกเขา ม้วนหนังสือเก็นจิโมโนกาตาริประกอบด้วยตอนหลายตอนที่ร้อยเข้าด้วยกัน โดยศิลปินในยุคนั้นใช้ฝีแปรงอย่างรวดเร็วและสีสันที่สดใสและสื่ออารมณ์

E-maki เป็นหนึ่งในตัวอย่างที่เก่าแก่และโดดเด่นที่สุดของ otoko-e ซึ่งเป็นรูปแบบการเป็นตัวแทน ภาพชาย. ภาพผู้หญิงจัดสรรให้กับประเภทที่แยกจากกันของ onna-e ระหว่างประเภทเหล่านี้ ในความเป็นจริง เช่นเดียวกับระหว่างชายและหญิง จะเห็นความแตกต่างที่ค่อนข้างสำคัญ สไตล์อนนะเอะถูกนำเสนออย่างมีสีสันในการออกแบบ Tale of Genji โดยธีมหลักของภาพวาดคือเรื่องราวที่โรแมนติกและฉากจากชีวิตในศาล สไตล์ผู้ชาย Otoko-e เป็นการนำเสนอทางศิลปะเป็นหลัก การต่อสู้ทางประวัติศาสตร์และอื่น ๆ เหตุการณ์สำคัญในชีวิตของจักรวรรดิ

โรงเรียนศิลปะคลาสสิกของญี่ปุ่นได้กลายเป็นพื้นที่อุดมสมบูรณ์สำหรับการพัฒนาและส่งเสริมความคิด ศิลปะร่วมสมัยประเทศญี่ปุ่นซึ่งอิทธิพลของวัฒนธรรมป๊อปและอนิเมะค่อนข้างชัดเจน ศิลปินชาวญี่ปุ่นที่มีชื่อเสียงที่สุดคนหนึ่งในยุคของเราเรียกว่าทาคาชิมูราคามิซึ่งผลงานของเขาทุ่มเทให้กับการวาดภาพฉากจาก ชีวิตแบบญี่ปุ่น ช่วงหลังสงครามและแนวคิดของการหลอมรวมสูงสุด วิจิตรศิลป์และกระแสหลัก

จากศิลปินชื่อดังชาวญี่ปุ่น โรงเรียนคลาสสิกเราสามารถตั้งชื่อได้ดังต่อไปนี้

ซูบุนที่ตึงเครียด

Syubun ทำงานเมื่อต้นศตวรรษที่ 15 โดยทุ่มเทเวลาอย่างมากในการศึกษาผลงานของปรมาจารย์ชาวจีนในราชวงศ์ซ่งชายผู้นี้ยืนอยู่ที่ต้นกำเนิดของญี่ปุ่น ประเภทภาพ- ชูบุนถือเป็นผู้ก่อตั้งสไตล์ sumi-e ซึ่งเป็นภาพวาดหมึกขาวดำ เขาใช้ความพยายามอย่างมากในการเผยแพร่แนวใหม่นี้ โดยเปลี่ยนให้เป็นหนึ่งในขอบเขตชั้นนำของการวาดภาพญี่ปุ่น ลูกศิษย์ของ Syubun มีหลายคนที่ต่อมากลายเป็น ศิลปินชื่อดังรวมถึง Sesshu และผู้ก่อตั้งที่มีชื่อเสียง โรงเรียนศิลปะคาโนะ มาซาโนบุ. ภูมิทัศน์หลายแห่งมีสาเหตุมาจาก Xubun แต่ผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขามักถูกมองว่าเป็น "การอ่านหนังสือในป่าไผ่"

โองาตะ โคริน (1658-1716)

โอกาตะ โครินเป็นหนึ่งในนั้น ศิลปินหลักในประวัติศาสตร์การวาดภาพของญี่ปุ่น ผู้ก่อตั้งและหนึ่งในตัวแทนที่ฉลาดที่สุดของสไตล์ศิลปะริมปะ Korine ย้ายออกจากแบบแผนดั้งเดิมอย่างกล้าหาญในผลงานของเขาและก่อตัวเป็นของเขาเอง สไตล์ของตัวเองลักษณะสำคัญคือรูปแบบขนาดเล็กและอิมเพรสชั่นนิสม์ที่สดใสของโครงเรื่อง Korin เป็นที่รู้จักจากทักษะพิเศษในการวาดภาพธรรมชาติและการทำงานกับองค์ประกอบสีแบบนามธรรม “ดอกบ๊วยสีแดงขาว” ก็เป็นอีกดอกหนึ่ง ผลงานที่มีชื่อเสียงโอกาตะ โครินะ ภาพวาดของเขา "ดอกเบญจมาศ" "คลื่นแห่งมัตสึชิมะ" และอื่นๆ อีกมากมายก็เป็นที่รู้จักเช่นกัน

ฮาเซกาวะ โทฮาคุ (ค.ศ. 1539-1610)

Tohaku เป็นผู้ก่อตั้งโรงเรียนศิลปะ Hasegawa ของญี่ปุ่น สำหรับ ช่วงต้นความคิดสร้างสรรค์ของ Tohaku โดดเด่นด้วยอิทธิพลของสำนักจิตรกรรมญี่ปุ่นที่มีชื่อเสียง คาโน แต่เมื่อเวลาผ่านไป ศิลปินก็ได้สร้างสไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์ของตัวเองขึ้นมา ในหลาย ๆ ด้าน งานของ Tohaku ได้รับอิทธิพลจากผลงานของปรมาจารย์ Sesshu ที่ได้รับการยอมรับ โฮเซกาวะยังถือว่าตัวเองเป็นผู้สืบทอดคนที่ห้าของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่คนนี้ด้วยซ้ำ ภาพวาด "ต้นสน" ของฮาเซกาวะ โทฮาคุ ได้รับชื่อเสียงไปทั่วโลก ผลงานของเขา "เมเปิ้ล", "ต้นสนและพืชดอก" และอื่นๆ ก็เป็นที่รู้จักเช่นกัน

คาโนะ เอโทกุ (ค.ศ. 1543-1590)

รูปแบบของโรงเรียนคาโนะครอบงำทัศนศิลป์ของญี่ปุ่นมาประมาณสี่ศตวรรษ และคาโนะ เอโทกุอาจเป็นหนึ่งในตัวแทนที่มีชื่อเสียงและโดดเด่นที่สุดของโรงเรียนศิลปะแห่งนี้ Eitoku ได้รับการสนับสนุนจากทางการ การอุปถัมภ์ของขุนนางและผู้อุปถัมภ์ที่ร่ำรวยไม่สามารถช่วยเสริมสร้างความเข้มแข็งให้กับโรงเรียนของเขาและความนิยมในผลงานของเขาได้อย่างไม่ต้องสงสัยเลย ศิลปินที่มีพรสวรรค์- หน้าจอเลื่อน Cypress แปดแผง วาดโดย Eitoku Kano ถือเป็นผลงานชิ้นเอกอย่างแท้จริง ตัวอย่างที่ส่องแสงขอบเขตและพลังของสไตล์โมโนยามะ ผลงานอื่น ๆ ของปรมาจารย์เช่น "นกและต้นไม้แห่งสี่ฤดู", "สิงโตจีน", "ฤาษีและนางฟ้า" และอื่น ๆ อีกมากมายดูน่าสนใจไม่น้อย

คัตสึชิกะ โฮะกุไซ (ค.ศ. 1760-1849)

โฮะคุไซคือปรมาจารย์ด้านภาพอุกิโยะ (ภาพพิมพ์แกะไม้ของญี่ปุ่น) ที่ยิ่งใหญ่ที่สุด ได้รับความคิดสร้างสรรค์ของโฮคุไซ การยอมรับระดับโลกชื่อเสียงของเขาในประเทศอื่นเทียบไม่ได้กับศิลปินเอเชียส่วนใหญ่ผลงานของเขา” คลื่นลูกใหญ่ในคานากาว่า" กลายเป็นแบบนี้ นามบัตรวิจิตรศิลป์ญี่ปุ่นบนเวทีศิลปะโลก ด้วยตัวคุณเอง เส้นทางที่สร้างสรรค์โฮะกุไซใช้นามแฝงมากกว่าสามสิบชื่อ หลังจากหกสิบ ศิลปินอุทิศตนให้กับงานศิลปะโดยสิ้นเชิง และครั้งนี้ถือเป็นครั้งที่ยิ่งใหญ่ที่สุด ช่วงเวลาที่มีผลความคิดสร้างสรรค์ของเขา ผลงานของโฮคุไซมีอิทธิพลต่อผลงานของปรมาจารย์ด้านอิมเพรสชันนิสม์ชาวตะวันตกและยุคหลังอิมเพรสชั่นนิสต์ รวมถึงผลงานของเรอนัวร์ โมเนต์ และแวนโก๊ะ

ศิลปะและการออกแบบ

2904

01.02.18 09:02

ฉากศิลปะญี่ปุ่นในปัจจุบันมีความหลากหลายและเร้าใจมาก: การชมผลงานของปรมาจารย์จากประเทศ อาทิตย์อุทัยคุณจะตัดสินใจว่าคุณได้มาถึงดาวดวงอื่นแล้ว! แหล่งกำเนิดนวัตกรรมที่เปลี่ยนแปลงภูมิทัศน์ของอุตสาหกรรมในระดับโลก ต่อไปนี้เป็นรายชื่อศิลปินญี่ปุ่นร่วมสมัย 10 คนและผลงานสร้างสรรค์ของพวกเขา ตั้งแต่สิ่งมีชีวิตที่น่าทึ่งของ Takashi Murakami (ผู้ฉลองวันเกิดของเขาในวันนี้) ไปจนถึงจักรวาลที่เต็มไปด้วยสีสันของ Kusama

จากโลกอนาคตสู่กลุ่มดาวประ: ศิลปินญี่ปุ่นร่วมสมัย

Takashi Murakami: นักอนุรักษนิยมและคลาสสิก

มาเริ่มกันที่ฮีโร่แห่งโอกาสนี้เลย! ทาคาชิ มูราคามิคือหนึ่งในศิลปินร่วมสมัยที่โดดเด่นที่สุดของญี่ปุ่น โดยทำงานเกี่ยวกับภาพวาด ประติมากรรมขนาดใหญ่ และเสื้อผ้าแฟชั่น สไตล์ของมุราคามิได้รับอิทธิพลจากมังงะและอะนิเมะ เขาเป็นผู้ก่อตั้งขบวนการ Superflat ซึ่งสนับสนุนประเพณีทางศิลปะของญี่ปุ่นและ วัฒนธรรมหลังสงครามประเทศ. มุราคามิส่งเสริมเพื่อนร่วมรุ่นของเขาหลายคน และเราจะพบกับพวกเขาบางส่วนในวันนี้ด้วย ผลงาน "วัฒนธรรมย่อย" ของ Takashi Murakami ถูกนำเสนอในตลาดศิลปะด้านแฟชั่นและศิลปะ เพลงแนวเร้าใจของเขา My Lonesome Cowboy (1998) ถูกขายในนิวยอร์กที่ Sotheby's ในปี 2008 ในราคา 15.2 ล้านเหรียญสหรัฐ Murakami ได้ร่วมมือกับแบรนด์ดังระดับโลก Marc Jacobs, Louis Vuitton และ Issey Miyake

อาชิมะและจักรวาลเหนือจริงของเธออย่างเงียบ ๆ

ชิโช อาชิมะเป็นสมาชิกของบริษัทผลิตผลงานศิลปะ Kaikai Kiki และขบวนการ Superflat (ก่อตั้งโดยทาคาชิ มูราคามิทั้งคู่) เป็นที่รู้จักจากทิวทัศน์เมืองที่น่าอัศจรรย์และสิ่งมีชีวิตป๊อปที่แปลกประหลาด ศิลปินสร้างความฝันเหนือจริงที่มีปีศาจ ผี และสาวงามอาศัยอยู่ โดยมีฉากหลังเป็นธรรมชาติที่แปลกประหลาด ผลงานของเธอมักจะมีขนาดใหญ่และพิมพ์ลงบนกระดาษ หนัง และพลาสติก ในปี 2549 ศิลปินร่วมสมัยชาวญี่ปุ่นคนนี้ได้เข้าร่วมงานศิลปะบนรถไฟใต้ดินในลอนดอน เธอสร้างส่วนโค้ง 17 ส่วนติดต่อกันสำหรับแพลตฟอร์ม - ภูมิทัศน์ที่มีมนต์ขลังค่อยๆ เปลี่ยนจากกลางวันไปกลางคืน จากเมืองสู่ชนบท ปาฏิหาริย์นี้เกิดขึ้นที่สถานีรถไฟใต้ดิน Gloucester Road

จิฮารุ ชิมะ และเส้นด้ายอันไม่มีที่สิ้นสุด

ศิลปินอีกคนหนึ่งคือ ชิฮารุ ชิโอตะ ที่ทำงานด้านภาพจัดวางขนาดใหญ่สำหรับสถานที่สำคัญบางแห่ง เธอเกิดที่โอซาก้า แต่ตอนนี้อาศัยอยู่ที่เยอรมนี - ในกรุงเบอร์ลิน แก่นกลางในงานของเธอคือการลืมเลือนและความทรงจำ ความฝันและความเป็นจริง อดีตและปัจจุบัน และการเผชิญหน้ากับความวิตกกังวล มากที่สุด ผลงานที่มีชื่อเสียง Chiharu Shiota - เครือข่ายด้ายสีดำที่ไม่อาจทะลุผ่านได้ ครอบคลุมของใช้ในครัวเรือนและของใช้ส่วนตัวมากมาย - เช่นเก้าอี้เก่า ชุดแต่งงาน, เปียโนที่ถูกไฟไหม้ ในฤดูร้อนปี 2014 Shiota ผูกรองเท้าและรองเท้าบูทบริจาค (ซึ่งมีมากกว่า 300 คู่) เข้าด้วยกันด้วยเส้นด้ายสีแดงแล้วแขวนไว้บนตะขอ นิทรรศการครั้งแรกของ Chiharu ในเมืองหลวงของเยอรมนีเกิดขึ้นในช่วง Berlin Art Week ในปี 2016 และทำให้เกิดความฮือฮา

เฮ้ อาราคาวะ: ทุกที่ ไม่มีที่ไหนเลย

Hei Arakawa ได้รับแรงบันดาลใจจากสภาวะของการเปลี่ยนแปลง ช่วงเวลาแห่งความไม่มั่นคง องค์ประกอบแห่งความเสี่ยง และผลงานจัดวางของเขามักเป็นสัญลักษณ์ของมิตรภาพและการทำงานเป็นทีม หลักความเชื่อของศิลปินญี่ปุ่นร่วมสมัยถูกกำหนดโดยการแสดงที่ไม่มีกำหนด “ทุกที่ แต่ไม่มีที่ไหนเลย” ผลงานของเขาปรากฏขึ้นในสถานที่ที่ไม่คาดคิด ในปี 2013 ผลงานของ Arakawa ได้รับการจัดแสดงที่ Venice Biennale และในนิทรรศการศิลปะร่วมสมัยของญี่ปุ่นที่ Mori Museum of Art (โตเกียว) การติดตั้ง Hawaiian Presence (2014) คือ โครงการร่วมกันร่วมกับศิลปินชาวนิวยอร์ก Carissa Rodriguez และเข้าร่วมงาน Whitney Biennial นอกจากนี้ ในปี 2014 อาราคาวะและโทมุน้องชายของเขาซึ่งแสดงเป็นดูโอ้ชื่อ United Brothers ได้เสนอ "ผลงาน" ของพวกเขา "The This Soup Taste Ambivalent" ให้กับผู้มาเยือน Frieze London ด้วยผักรากหัวไชเท้าฟุกุชิมะที่มี "กัมมันตภาพรังสี"

โคกิ ทานากะ: ความสัมพันธ์และการทำซ้ำ

ในปี 2015 Koki Tanaka ได้รับการยกย่องให้เป็น "ศิลปินแห่งปี" Tanaka สำรวจประสบการณ์ที่แบ่งปันระหว่างความคิดสร้างสรรค์และจินตนาการ ส่งเสริมการแลกเปลี่ยนระหว่างผู้เข้าร่วมโครงการ และสนับสนุนกฎเกณฑ์ใหม่ในการทำงานร่วมกัน การติดตั้งในศาลาญี่ปุ่นที่งาน Venice Biennale 2013 ประกอบด้วยวิดีโอของวัตถุที่เปลี่ยนพื้นที่ให้กลายเป็นเวทีสำหรับการแลกเปลี่ยนทางศิลปะ ผลงานศิลปะจัดวางของโคกิ ทานากะ (เพื่อไม่ให้สับสนกับนักแสดงชื่อเต็มของเขา) แสดงให้เห็นความสัมพันธ์ระหว่างสิ่งของกับการกระทำ เช่น วิดีโอมีบันทึกการแสดงท่าทางง่ายๆ กับวัตถุธรรมดาๆ (มีดหั่นผัก เบียร์เทลงในแก้ว , กางร่ม) ไม่มีอะไรสำคัญเกิดขึ้น มีแต่การทำซ้ำๆ และความสนใจอย่างครอบงำ ถึงรายละเอียดที่เล็กที่สุดทำให้ผู้ชมซาบซึ้งทางโลก

มาริโกะ โมริ และรูปร่างเพรียวบาง

มาริโกะ โมริ ศิลปินร่วมสมัยชาวญี่ปุ่นอีกคน “เสกสรร” วัตถุมัลติมีเดีย โดยผสมผสานวิดีโอ ภาพถ่าย และวัตถุเข้าด้วยกัน เธอโดดเด่นด้วยวิสัยทัศน์แห่งอนาคตที่เรียบง่ายและรูปแบบเหนือจริงที่ทันสมัย แก่นเรื่องที่เกิดขึ้นประจำในงานของโมริคือการตีข่าวตำนานตะวันตกด้วย วัฒนธรรมตะวันตก- ในปี 2010 มาริโกะได้ก่อตั้งมูลนิธิ Fau ซึ่งเป็นองค์กรไม่แสวงผลกำไรด้านการศึกษาด้านวัฒนธรรม ซึ่งเธอได้สร้างสรรค์ผลงานศิลปะจัดวางหลายชุดเพื่อเป็นเกียรติแก่หกทวีปที่มีผู้คนอาศัยอยู่ ล่าสุด การติดตั้งถาวรของมูลนิธิ "Ring: One with Nature" ได้ถูกสร้างขึ้นเหนือน้ำตกที่งดงามใน Resende ใกล้เมืองรีโอเดจาเนโร

เรียวจิ อิเคดะ: การสังเคราะห์เสียงและวิดีโอ

Ryoji Ikeda เป็นศิลปินสื่อและนักแต่งเพลงหน้าใหม่ที่ทำงานเกี่ยวกับเสียงในสภาวะ "ดิบ" ต่างๆ เป็นหลัก ตั้งแต่คลื่นไซน์ไปจนถึงเสียงรบกวน โดยใช้ความถี่ที่ขอบการได้ยินของมนุษย์ ผลงานศิลปะจัดวางอันน่าดื่มด่ำของเขารวมถึงเสียงที่สร้างจากคอมพิวเตอร์ซึ่งแปลงโฉมเป็นภาพวิดีโอหรือรูปแบบดิจิทัล ศิลปะโสตทัศนศิลป์ของอิเคดะใช้มาตราส่วน แสง เงา ระดับเสียง เสียงอิเล็กทรอนิกส์ และจังหวะ ห้องทดสอบที่มีชื่อเสียงของศิลปินประกอบด้วยโปรเจ็กเตอร์ 5 เครื่องที่ให้แสงสว่างในพื้นที่ยาว 28 เมตรและกว้าง 8 เมตร การตั้งค่าจะแปลงข้อมูล (ข้อความ เสียง ภาพถ่าย และภาพยนตร์) เป็นบาร์โค้ดและรูปแบบไบนารี่ของเลขหนึ่งและเลขศูนย์

Tatsuo Miyajima และเคาน์เตอร์ LED

ประติมากรร่วมสมัยชาวญี่ปุ่นและศิลปินจัดวาง Tatsuo Miyajima ใช้วงจรไฟฟ้า วิดีโอ คอมพิวเตอร์ และอุปกรณ์อื่นๆ ในงานศิลปะของเขา แนวคิดหลักของมิยาจิมะได้รับแรงบันดาลใจจากแนวคิดมนุษยนิยมและคำสอนทางพุทธศาสนา ตัวนับ LED ในสถานที่ปฏิบัติงานนอกชายฝั่งของเขากะพริบอย่างต่อเนื่องซ้ำกันตั้งแต่ 1 ถึง 9 ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของการเดินทางจากชีวิตสู่ความตาย แต่หลีกเลี่ยงจุดสิ้นสุดที่แสดงด้วย 0 (ศูนย์ไม่เคยปรากฏในงานของ Tatsuo) ตัวเลขที่แพร่หลายในตาราง หอคอย และแผนภาพแสดงถึงความสนใจของมิยาจิมะในแนวคิดเรื่องความต่อเนื่อง ความเป็นนิรันดร์ การเชื่อมต่อ และการไหลเวียนของเวลาและอวกาศ เมื่อเร็วๆ นี้ "ลูกศรแห่งกาลเวลา" ของมิยาจิมะได้รับการจัดแสดงในนิทรรศการครั้งแรก "Unfinished Thoughts Visible in New York"

นารา โยชิโมโตะ และเด็กชั่วร้าย

นารา โยชิโมโตะสร้างสรรค์ภาพวาด ประติมากรรม และภาพวาดของเด็กและสุนัข ซึ่งเป็นหัวข้อที่สะท้อนถึงความรู้สึกเบื่อหน่ายและความหงุดหงิดในวัยเด็ก และความเป็นอิสระอันดุเดือดที่เกิดขึ้นตามธรรมชาติสำหรับเด็กวัยหัดเดิน สุนทรียภาพของผลงานของ Yoshimoto ชวนให้นึกถึงภาพประกอบในหนังสือแบบดั้งเดิม ส่วนผสมของความตึงเครียดที่ไม่สงบ และความรักในพังก์ร็อกของศิลปิน ในปี 2011 พิพิธภัณฑ์ Asia Society ในนิวยอร์กได้เป็นเจ้าภาพจัดนิทรรศการเดี่ยวครั้งแรกของ Yoshimoto ในหัวข้อ “Yoshitomo Nara: Nothing's Fool” ซึ่งครอบคลุมการทำงานตลอด 20 ปีของศิลปินร่วมสมัยชาวญี่ปุ่นรายนี้ การจัดแสดงดังกล่าวมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับวัฒนธรรมย่อยของเยาวชนทั่วโลก และความแปลกแยกของวัฒนธรรมเหล่านี้ ประท้วง.

ยาโยอิ คุซามะ และพื้นที่ที่เติบโตจนกลายเป็นรูปแบบที่แปลกประหลาด

อัศจรรย์ ชีวประวัติที่สร้างสรรค์ยาโยอิของคุซามะมีระยะเวลายาวนานถึงเจ็ดทศวรรษ ในช่วงเวลานี้ ผู้หญิงชาวญี่ปุ่นที่น่าทึ่งคนนี้ได้ศึกษาสาขาจิตรกรรม กราฟิก ภาพต่อกัน ประติมากรรม ภาพยนตร์ งานแกะสลัก ศิลปะสิ่งแวดล้อม ศิลปะจัดวาง ตลอดจนวรรณกรรม แฟชั่น และการออกแบบเสื้อผ้า Kusama พัฒนารูปแบบดอทอาร์ตที่โดดเด่นมากจนกลายมาเป็นเครื่องหมายการค้าของเธอ นิมิตลวงตาที่นำเสนอในผลงานของคุซามะ วัย 88 ปี (เมื่อโลกดูกว้างใหญ่ไพศาล แบบฟอร์มที่แปลกประหลาด) เป็นผลจากอาการประสาทหลอนที่เธอประสบมาตั้งแต่เด็ก ห้องที่มีจุดหลากสีสันและกระจก “อินฟินิตี้” ที่สะท้อนถึงกระจุกห้องนั้นสามารถจดจำได้และไม่สามารถสับสนกับสิ่งอื่นใดได้

ยาโยอิ คุซามะ ไม่น่าจะตอบได้ว่าอะไรคือรากฐานในอาชีพศิลปินของเธอ เธออายุ 87 ปี งานศิลปะของเธอได้รับการยอมรับไปทั่วโลก เร็วๆ นี้จะมีการจัดแสดงนิทรรศการสำคัญๆ เกี่ยวกับผลงานของเธอในสหรัฐอเมริกาและญี่ปุ่น แต่เธอยังไม่ได้บอกทุกอย่างให้โลกรู้ “มันยังอยู่ในระหว่างทาง ฉันจะสร้างสิ่งนี้ขึ้นมาในอนาคต" คุซามะกล่าว เธอถูกเรียกว่าเป็นศิลปินที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดในญี่ปุ่น นอกจากนี้เธอยังเป็นศิลปินที่ยังมีชีวิตอยู่ซึ่งมีราคาแพงที่สุด: ในปี 2014 ภาพวาดของเธอ "White No. 28" ถูกขายในราคา 7.1 ล้านเหรียญสหรัฐ

คุซามะอาศัยอยู่ในโตเกียวและสมัครใจอยู่ในโรงพยาบาลจิตเวชมาเกือบสี่สิบปีแล้ว วันละครั้งเธอจะออกจากผนังเพื่อทาสี เธอตื่นนอนตอนตีสาม นอนไม่หลับและอยากใช้เวลาทำงานอย่างมีประสิทธิผล “ฉันแก่แล้ว แต่ฉันก็ยังจะสร้างผลงานเพิ่มและ ผลงานที่ดีที่สุด- มากกว่าที่ฉันเคยทำมาในอดีต จิตใจของฉันเต็มไปด้วยภาพ” เธอกล่าว

(ทั้งหมด 17 ภาพ)

ยาโยอิ คุซามะในนิทรรศการผลงานของเขาในลอนดอน เมื่อปี 1985 ภาพ: NILS JORGENSEN/REX/Shutterstock

ตั้งแต่เก้าโมงถึงหกโมงเย็น คุซามะทำงานในสตูดิโอสามชั้นของเขาโดยไม่ต้องลุกจากเตียง รถเข็นคนพิการ- เธอเดินได้แต่อ่อนแอเกินไป ผู้หญิงทำงานบนผืนผ้าใบที่วางอยู่บนโต๊ะหรือจับจ้องไปที่พื้น สตูดิโอเต็มไปด้วยภาพวาดใหม่ๆ ผลงานที่สดใสเต็มไปด้วยจุดเล็กๆ ศิลปินเรียกสิ่งนี้ว่า "การเงียบตัวเอง" - การกล่าวซ้ำไม่รู้จบซึ่งจะกลบเสียงรบกวนในหัวของเธอ

ก่อนงานประกาศรางวัล Praemium Imperiale ที่กรุงโตเกียว ประจำปี 2549 ภาพ: Sutton-Hibbert/REX/Shutterstock

แกลเลอรีใหม่กำลังจะเปิดเร็วๆ นี้ฝั่งตรงข้ามถนน และพิพิธภัณฑ์ศิลปะอีกแห่งของเธอกำลังถูกสร้างขึ้นทางตอนเหนือของโตเกียว นอกจากนี้ ยังมีการเปิดนิทรรศการสำคัญสองนิทรรศการผลงานของเธออีกด้วย “Yayoi Kusama: Infinity Mirrors” ซึ่งเป็นการรำลึกถึงอาชีพการงาน 65 ปีของเธอ เปิดที่พิพิธภัณฑ์ Hirshhorn ในกรุงวอชิงตันเมื่อวันที่ 23 กุมภาพันธ์และดำเนินไปจนถึงวันที่ 14 พฤษภาคม ก่อนที่จะเดินทางไปยังซีแอตเทิล ลอสแองเจลิส โตรอนโต และคลีฟแลนด์ นิทรรศการประกอบด้วยภาพวาด 60 ชิ้นโดยคุซามะ

ลายจุดของเธอครอบคลุมทุกอย่างตั้งแต่ชุดของ Louis Vuitton ไปจนถึงรถโดยสารในตัวเธอ บ้านเกิด- ผลงานของ Kusama ขายได้เป็นประจำหลายล้านดอลลาร์ และสามารถพบได้ทั่วโลก ตั้งแต่นิวยอร์กไปจนถึงอัมสเตอร์ดัม นิทรรศการผลงานของศิลปินชาวญี่ปุ่นได้รับความนิยมมากจนต้องมีมาตรการเพื่อป้องกันฝูงชนและการจลาจล ตัวอย่างเช่น ใน Hirshhorn จะมีการจำหน่ายตั๋วเข้าชมนิทรรศการในช่วงเวลาหนึ่งเพื่อควบคุมการไหลของผู้เข้าชม

การนำเสนอการออกแบบร่วมกันของ Louis Vuitton และ Yayoi Kusama ในนิวยอร์กในปี 2012 ภาพ: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock

แต่คุซามะยังคงต้องการการอนุมัติจากภายนอก เมื่อถูกถามในการให้สัมภาษณ์ว่าเธอบรรลุเป้าหมายในการเป็นคนรวยและมีชื่อเสียงเมื่อหลายสิบปีก่อนหรือไม่ เธอกล่าวด้วยความประหลาดใจว่า “ตอนที่ฉันยังเด็ก มันยากมากสำหรับฉันที่จะโน้มน้าวแม่ว่าฉันอยากเป็นศิลปิน จริงหรือที่ฉันรวยและมีชื่อเสียง?

คุซามะเกิดที่เมืองมัตสึโมโตะ บนภูเขาทางตอนกลางของญี่ปุ่น ในปี 1929 ในครอบครัวที่ร่ำรวยและอนุรักษ์นิยมซึ่งขายต้นกล้า แต่มันไม่ใช่ บ้านมีความสุข- แม่ของเธอดูถูกสามีนอกใจของเธอ จึงส่งคุซามะตัวน้อยไปสอดแนมเขา เด็กหญิงเห็นพ่อของเธออยู่กับผู้หญิงคนอื่น และสิ่งนี้ทำให้เธอรังเกียจเรื่องเพศตลอดชีวิต

หน้าต่างบูติกของ Louis Vuitton ออกแบบโดย Kusama ในปี 2012 ภาพ: Joe Schildhorn/BFA/REX/Shutterstock

เมื่อตอนเป็นเด็ก เธอเริ่มมีอาการประสาทหลอนทั้งทางสายตาและการได้ยิน ครั้งแรกที่เธอเห็นฟักทอง เธอจินตนาการว่ามันกำลังคุยกับเธอ ศิลปินในอนาคตจัดการกับนิมิตโดยสร้างรูปแบบซ้ำๆ เพื่อกลบความคิดในหัวของเธอ แม้จะอายุยังน้อย ศิลปะก็กลายเป็นการบำบัดอย่างหนึ่งสำหรับเธอ ซึ่งต่อมาเธอเรียกว่า "เวชศาสตร์ศิลปะ"

ผลงานของ Yayoi Kusama จัดแสดงที่พิพิธภัณฑ์ศิลปะร่วมสมัย Whitney ในปี 2012 ภาพ: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock

แม่ของคุซามะต่อต้านความปรารถนาของลูกสาวในการเป็นศิลปินอย่างรุนแรง และยืนกรานให้เด็กสาวเดินตามเส้นทางดั้งเดิม “เธอไม่ยอมให้ฉันวาดรูป เธออยากให้ฉันแต่งงาน” ศิลปินกล่าวในการให้สัมภาษณ์ - เธอโยนงานของฉันทิ้งไป ฉันอยากจะโยนตัวเองลงใต้รถไฟ ฉันทะเลาะกับแม่ทุกวัน จิตใจฉันจึงเสียหาย”

ในปีพ.ศ. 2491 หลังจากสิ้นสุดสงคราม คุซามะได้เดินทางไปเกียวโตเพื่อศึกษาการวาดภาพนิฮงกะแบบดั้งเดิมของญี่ปุ่น กฎที่เข้มงวด- เธอเกลียดงานศิลปะประเภทนี้

หนึ่งในนิทรรศการจากนิทรรศการ ยาโยอิ คุซามะ ที่พิพิธภัณฑ์ศิลปะร่วมสมัยวิทนีย์ เมื่อปี พ.ศ. 2555 ภาพ: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock

เมื่อคุซามะอาศัยอยู่ที่มัตสึโมโตะ เธอพบหนังสือของจอร์เจีย โอคีฟ และรู้สึกทึ่งกับภาพวาดในนั้น เด็กหญิงคนนั้นไปที่สถานทูตอเมริกันในโตเกียวเพื่อค้นหาบทความเกี่ยวกับ O'Keefe ในสารบบที่นั่นและค้นหาที่อยู่ของเธอ คุซามะเขียนจดหมายถึงเธอและส่งภาพวาดให้เธอ และทำให้เธอประหลาดใจที่ศิลปินชาวอเมริกันตอบกลับเธอ

“ฉันไม่อยากจะเชื่อโชคของฉันเลย! เธอใจดีมากจนเธอตอบสนองต่อความรู้สึกที่ปะทุออกมาอย่างกะทันหันจากคนเจียมเนื้อเจียมตัว สาวญี่ปุ่นซึ่งเธอไม่เคยพบมาก่อนในชีวิตหรือแม้แต่เคยได้ยินชื่อมาก่อน” ศิลปินเขียนไว้ในอัตชีวประวัติของเธอ “Infinity Net”

Yayoi Kusama ในหน้าต่างบูติกของ Louis Vuitton ในนิวยอร์กในปี 2012 ภาพ: Nils Jorgensen/REX/Shutterstock

แม้ว่า O'Keeffe จะเตือนว่าชีวิตเป็นเรื่องยากมากสำหรับศิลปินรุ่นเยาว์ในสหรัฐอเมริกา ไม่ต้องพูดถึงเด็กสาวโสดในญี่ปุ่น แต่ Kusama ก็ผ่านพ้นไม่ได้ ในปีพ.ศ. 2500 เธอได้รับหนังสือเดินทางและวีซ่า เธอเย็บเงินดอลลาร์เข้ากับชุดของเธอเพื่อหลีกเลี่ยงการควบคุมเงินตราหลังสงครามอย่างเข้มงวด

สถานที่แรกคือซีแอตเทิล ซึ่งเธอจัดนิทรรศการในแกลเลอรีเล็กๆ จากนั้นคุซามะก็เดินทางไปนิวยอร์กซึ่งเธอรู้สึกผิดหวังอย่างขมขื่น “นิวยอร์กเป็นสถานที่ที่ชั่วร้ายและรุนแรงไม่เหมือนกับมัตสึโมโตะหลังสงคราม มันกลายเป็นเรื่องเครียดเกินไปสำหรับฉัน และในไม่ช้าฉันก็กลายเป็นโรคประสาท” ที่เลวร้ายยิ่งกว่านั้น คุซามะพบว่าตัวเองยากจนข้นแค้นโดยสิ้นเชิง ประตูเก่าทำหน้าที่เป็นเตียงของเธอ และเธอก็เอาหัวปลาและผักเน่าๆ จากถังขยะมาทำซุป

การติดตั้ง ห้องกระจกอินฟินิตี้ - รักตลอดไป (“ห้องที่มีกระจกอินฟินิตี้ - รักตลอดไป”) ภาพ: Tony Kyriacou/REX/Shutterstock

สถานการณ์ที่ยากลำบากนี้ทำให้ Kusama ทุ่มเทให้กับงานของเขามากยิ่งขึ้น เธอเริ่มสร้างสรรค์ภาพวาดชิ้นแรกในซีรีส์ Infinity Net ซึ่งครอบคลุมผืนผ้าใบขนาดใหญ่ (หนึ่งในนั้นสูง 10 เมตร) พร้อมด้วยคลื่นลูกเล็กที่ชวนให้หลงใหลซึ่งดูเหมือนจะไม่มีที่สิ้นสุด ศิลปินเองก็บรรยายไว้ดังนี้: “เครือข่ายสีขาวที่ห่อหุ้มจุดสีดำแห่งความตายอันเงียบงันโดยมีฉากหลังเป็นความมืดมิดที่สิ้นหวังแห่งความว่างเปล่า”

การติดตั้งโดย Yayoi Kusama ในงานเปิดอาคารใหม่ของพิพิธภัณฑ์ศิลปะร่วมสมัยการาจที่สวนสาธารณะกอร์กีในมอสโกในปี 2558 ภาพ: David X Prutting/BFA.com/REX/Shutterstock

การทำซ้ำๆ ครอบงำนี้ช่วยขับไล่โรคประสาทออกไป แต่ก็ไม่ได้ช่วยเสมอไป คุซามะป่วยเป็นโรคจิตอย่างต่อเนื่องและต้องเข้าโรงพยาบาลในนิวยอร์ก ด้วยความทะเยอทะยาน จุดมุ่งหมาย และการยอมรับบทบาทของสาวเอเชียที่แปลกหน้าในชุดกิโมโนอย่างมีความสุข เธอจึงเข้าร่วมกับฝูงชน ผู้มีอิทธิพลในงานศิลปะและสื่อสารกับศิลปินที่มีชื่อเสียงเช่น Mark Rothko และ Andy Warhol คุซามะกล่าวในภายหลังว่าวอร์ฮอลเลียนแบบงานของเธอ

ในไม่ช้า คุซามะก็ได้รับชื่อเสียงและจัดแสดงในแกลเลอรีที่มีผู้คนพลุกพล่าน นอกจากนี้ชื่อเสียงของศิลปินยังกลายเป็นเรื่องอื้อฉาวอีกด้วย

ในช่วงทศวรรษที่ 1960 ขณะที่ Kusama หมกมุ่นอยู่กับลายจุด เธอเริ่มจัดฉากในนิวยอร์กซิตี้ โดยสนับสนุนให้ผู้คนเปลื้องผ้าในสถานที่ต่างๆ เช่น Central Park และสะพานบรูคลิน และวาดภาพร่างกายด้วยลายจุด

ก่อนจัดแสดงที่ Art Basel ในฮ่องกงในปี 2013 ภาพ: Billy Farrell/BFA/REX/Shutterstock

หลายทศวรรษก่อนขบวนการ Occupy Wall Street คุซามะได้จัดเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นในย่านการเงินของนิวยอร์ก โดยประกาศว่าเธอต้องการ "ทำลายคนในวอลล์สตรีทด้วยลายจุด" ช่วงนี้เธอเริ่มปกปิด รายการต่างๆ- เก้าอี้ เรือ รถเข็นเด็ก - มีส่วนที่ยื่นออกมาคล้ายลึงค์ “ฉันเริ่มสร้างอวัยวะเพศชายเพื่อรักษาความรู้สึกเกลียดชังทางเพศ” ศิลปินเขียนโดยอธิบายว่าสิ่งนี้เกิดขึ้นได้อย่างไร กระบวนการสร้างสรรค์ค่อยๆ เปลี่ยนสิ่งที่เลวร้ายให้กลายเป็นสิ่งที่คุ้นเคย

การติดตั้ง "ผ่านฤดูหนาว" ที่ Tate Gallery ในลอนดอน ภาพ: James Gourley/REX/Shutterstock

คุซามะไม่เคยแต่งงาน แม้ว่าเธอจะมีความสัมพันธ์เหมือนการแต่งงานกับศิลปินโจเซฟ คอร์เนลเป็นเวลาสิบปีในขณะที่อาศัยอยู่ในนิวยอร์ก “ฉันไม่ชอบเซ็กส์ และเขาก็ไร้สมรรถภาพ ดังนั้นเราจึงเข้ากันได้ดีมาก” เธอกล่าวในการให้สัมภาษณ์กับนิตยสาร Art

คุซามะมีชื่อเสียงมากขึ้นจากการแสดงตลกของเธอ เธอเสนอที่จะนอนกับประธานาธิบดีริชาร์ด นิกสันของสหรัฐอเมริกา หากเขาจะยุติสงครามในเวียดนาม “มาตกแต่งกันด้วยลายจุดกันเถอะ” เธอเขียนถึงเขาในจดหมาย ความสนใจในงานศิลปะของเธอก็จางหายไป เธอพบว่าตัวเองไม่เป็นที่โปรดปราน และปัญหาเรื่องเงินก็เริ่มต้นขึ้นอีกครั้ง

ยาโยอิ คุซามะ ระหว่างชมผลงานของเธอที่พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่วิทนีย์ในนิวยอร์ก เมื่อปี 2012 ภาพ: Steve Eichner/Penske Media/REX/Shutterstock

ข่าวการหลบหนีของคุซามะไปถึงญี่ปุ่น พวกเขาเริ่มเรียกเธอว่าเป็น "ภัยพิบัติระดับชาติ" และแม่ของเธอบอกว่าจะดีกว่าถ้าลูกสาวของเธอเสียชีวิตด้วยโรคนี้ในวัยเด็ก ในช่วงต้นทศวรรษ 1970 คุซามะยากจนและล้มเหลวจึงเดินทางกลับญี่ปุ่น เธอลงทะเบียนในโรงพยาบาลจิตเวชซึ่งเธอยังมีชีวิตอยู่ และจมดิ่งลงสู่ความสับสนทางศิลปะ

ในปี 1989 ศูนย์ศิลปะร่วมสมัยในนิวยอร์กได้จัดแสดงผลงานย้อนหลังของเธอ นี่คือจุดเริ่มต้นของการฟื้นฟูความสนใจในงานศิลปะของคุซามะ แม้ว่าจะช้าก็ตาม เธอเติมเต็มห้องกระจกด้วยฟักทองสำหรับงานศิลปะจัดวางซึ่งจัดแสดงที่ Venice Biennale ในปี 1993 และมีนิทรรศการใหญ่ที่ MoMa ในนิวยอร์กในปี 1998 นี่คือที่ที่เธอเคยจัดฉากเหตุการณ์ที่เกิดขึ้น

ในนิทรรศการ My Eternal Soul in ศูนย์แห่งชาติศิลปะในโตเกียว กุมภาพันธ์ 2017 ภาพ: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

ในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมา ยาโยอิ คุซามะ ได้กลายเป็นปรากฏการณ์ระดับนานาชาติ แกลเลอรี่ที่ทันสมัยพิพิธภัณฑ์เทตในลอนดอนและพิพิธภัณฑ์วิทนีย์ในนิวยอร์กจัดงานย้อนหลังครั้งสำคัญซึ่งดึงดูดผู้เข้าชมจำนวนมาก และลวดลายลายจุดอันเป็นเอกลักษณ์ของเธอกลายเป็นที่รู้จักอย่างสูง

ในนิทรรศการ My Eternal Soul ที่ศูนย์ศิลปะแห่งชาติในกรุงโตเกียว กุมภาพันธ์ 2017 ภาพ: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

ศิลปินไม่มีแผนที่จะหยุดทำงาน แต่เริ่มคิดถึงการเสียชีวิตของเธอแล้ว “ฉันไม่รู้ว่าฉันสามารถอยู่รอดได้นานแค่ไหนแม้จะตายไปแล้ว มีคนรุ่นต่อไปที่เดินตามรอยเท้าของฉัน มันจะเป็นเกียรติสำหรับฉันหากผู้คนสนุกกับการดูผลงานของฉันและหากพวกเขาประทับใจกับงานศิลปะของฉัน”

แม้ว่างานศิลปะของเธอจะนำไปใช้ในเชิงพาณิชย์ แต่คุซามะกลับคิดถึงหลุมศพในมัตสึโมโตะ ไม่ใช่ในนั้น ห้องใต้ดินของครอบครัวเธอได้มันมาจากพ่อแม่ของเธอแล้ว และจะไม่เปลี่ยนเธอให้เป็นสถานที่ศักดิ์สิทธิ์ได้อย่างไร “แต่ฉันยังไม่ตาย ฉันคิดว่าฉันจะมีชีวิตอยู่ต่อไปอีก 20 ปี” เธอกล่าว