ผู้สร้างแนวซิมโฟนีคือ J. Haydn ซิมโฟนีเป็นรูปแบบดนตรีบรรเลงระดับสูงสุด ช่วยให้ผู้แต่งมีขอบเขตที่กว้างขวางในการรวบรวมธีมที่ยิ่งใหญ่ที่สุด คุณลักษณะที่สำคัญที่สุดของดนตรีซิมโฟนิกก็คือ แผนอุดมการณ์ผลงานที่ลึกซึ้งและสำคัญถูกเปิดเผยในการพัฒนาอย่างกว้างขวางและหลากหลาย บางครั้งขัดแย้ง ขัดแย้ง ดราม่าอย่างเข้มข้น ความขัดแย้ง พลังงาน และแนวความคิดของส่วนแรกของซิมโฟนีมีความสมดุลโดยทั่วไปในสองวิธี: ไม่ว่าจะผ่านความแตกต่างพื้นฐานของ "ง่าย - ซับซ้อน" (หลังโซนาตาอัลเลโกร - ส่วนเต้นรำของมินูเอตหรือรอนโดร่าเริง) หรือ ผ่านการพัฒนาความขัดแย้งจนหมดสิ้น

เป็นเวลากว่าหนึ่งในสามของศตวรรษที่เขาสร้างซิมโฟนี (ตั้งแต่ปลายทศวรรษที่ 50 ถึงกลางทศวรรษที่ 90) ซิมโฟนี 28 โปรแกรมของ Haydn

Haydn สร้างสรรค์ซิมโฟนีของเขาตั้งแต่ปลายทศวรรษที่ 50 ถึงกลางทศวรรษที่ 90 ซิมโฟนีชุดแรกของ Haydn ย้อนกลับไปในยุคของการก่อตั้งซิมโฟนีคลาสสิกของยุโรป และเป็นส่วนเชื่อมโยงที่สำคัญในกระบวนการสร้างรากฐานทางโวหารของซิมโฟนิซึมผู้ใหญ่ของโรงเรียนเวียนนา ซิมโฟนีในเวลาต่อมาของ Haydn ถูกเขียนขึ้นเมื่อมีซิมโฟนีของ Mozart ทั้งหมดอยู่แล้ว และ Beethoven ในวัยหนุ่มกำลังพัฒนาหลักการคิดเชิงซิมโฟนีของเขาในโซนาตาเปียโนและวงดนตรีแชมเบอร์ ซึ่งใกล้จะถึงการสร้างซิมโฟนีครั้งแรกของเขา ซิมโฟนีตอนปลายของ Haydn แสดงให้เห็นถึงซิมโฟนีคลาสสิกสำหรับผู้ใหญ่

วิวัฒนาการของงานซิมโฟนิกของ Haydn เป็นที่สนใจไม่เพียงแต่สำหรับการศึกษาเท่านั้น เส้นทางที่สร้างสรรค์นักแต่งเพลงที่ยอดเยี่ยม แต่ยังเพื่อความเข้าใจการก่อตัวและพัฒนาการของซิมโฟนิซึมคลาสสิกของศตวรรษที่ 18 โดยทั่วไป ซิมโฟนีในยุคแรกๆ ของ Haydn ยังคงไม่แตกต่างไปจากดนตรีแชมเบอร์มิวสิคเลย (ซึ่งเขาเขียนในเวลาเดียวกัน) และเกือบจะไม่ได้ไปไกลกว่าความบันเทิงตามปกติและแนวเพลงในชีวิตประจำวันในยุคนั้น เฉพาะในยุค 70 เท่านั้นที่มีผลงานที่แสดงออกมากกว่านี้ โลกลึกรูปภาพ ("Funeral Symphony", "Farewell Symphony" และอื่นๆ อีกมากมาย) เมื่อผู้แต่งค่อยๆ พัฒนาอย่างสร้างสรรค์ ซิมโฟนีของเขาก็เต็มไปด้วยเนื้อหาดราม่าที่ลึกซึ้งยิ่งขึ้น หากซิมโฟนียุคแรกๆ ของ Haydn หลายเพลงแตกต่างไปเล็กน้อยจากห้องสวีทด้วยการจัดส่วนต่างๆ ที่ตัดกันจากภายนอก ซึ่งส่วนใหญ่เป็นลักษณะการเต้น จากนั้นงานซิมโฟนีจะค่อยๆ เป็นกระบวนการในการเอาชนะห้องสวีท ในขณะที่ยังคงรักษาความเชื่อมโยงกับห้องชุดนี้ไว้ ซิมโฟนีที่เป็นผู้ใหญ่ของ Haydn ก็กลายเป็นผลงานชิ้นสำคัญในเวลาเดียวกัน โดยสี่ส่วนที่แตกต่างกันโดยธรรมชาติเป็นขั้นตอนในการพัฒนาภาพวงกลมเดียว ทั้งหมดนี้ประสบความสำเร็จในระดับหนึ่งในซิมโฟนี "ปารีส" ของ Haydn ในปี 1786 รวมถึงในซิมโฟนีรุ่นก่อนๆ ของแต่ละบุคคล แต่ความสำเร็จสูงสุดของการแสดงซิมโฟนีของ Haydn คือการแสดงซิมโฟนี "ลอนดอน" ทั้ง 12 เพลง

ซิมโฟนี "ลอนดอน" ยกเว้นหนึ่ง (C minor) ซิมโฟนีในลอนดอนของ Haydn ทั้งหมดเขียนด้วยคีย์หลัก แม้ว่าวิชาเอกหรือ ระดับรองในตัวมันเองไม่สามารถเป็นเกณฑ์ในการพิจารณาเนื้อหาได้ ชิ้นส่วนของเพลงในกรณีนี้ ลักษณะสำคัญของผลงานส่วนใหญ่ของ Haydn คือตัวบ่งชี้ที่สำคัญของการมองโลกในแง่ดี ความสดใส และความรู้สึกสนุกสนานของชีวิต

ซิมโฟนี "ลอนดอน" ของ Haydn แต่ละเพลง (ยกเว้น C minor) เริ่มต้นด้วยการแนะนำสั้นๆ อย่างช้าๆ ของตัวละครที่สง่างามอย่างเคร่งขรึม เน้นการคิด บทกวีที่ไพเราะ หรือครุ่นคิดอย่างสงบ (โดยปกติจะเป็นจังหวะ largo หรือ adagio) การแนะนำอย่างช้าๆ แตกต่างอย่างมากกับอัลเลโกรที่ตามมา (ซึ่งในความเป็นจริงคือการเคลื่อนไหวครั้งแรกของซิมโฟนี) และในขณะเดียวกันก็เตรียมมัน แต่ไม่มีความแตกต่างเป็นรูปเป็นร่างที่ชัดเจนระหว่างธีมของส่วนหลักและส่วนรอง ทั้งสองเพลงมักเป็นเพลงพื้นบ้านและลักษณะการเต้นรำ มีเพียงคอนทราสต์ของโทนสีเท่านั้น: โทนเสียงหลักของส่วนหลักจะตัดกับโทนเสียงที่โดดเด่นของส่วนด้านข้าง ในกรณีที่เนื้อหาหลักและรองแตกต่างกัน ลักษณะของดนตรีและจินตภาพจะคล้ายคลึงกันเป็นส่วนใหญ่

การพัฒนาที่สร้างขึ้นโดยการแยกแรงจูงใจได้รับการพัฒนาที่สำคัญในซิมโฟนีของ Haydn ส่วนสั้นๆ แต่ใช้งานมากที่สุดจะถูกแยกออกจากธีมของส่วนหลักหรือส่วนรอง และผ่านการพัฒนาอิสระที่ค่อนข้างยาว (การมอดูเลตอย่างต่อเนื่องในคีย์ต่างๆ ดำเนินการด้วยเครื่องมือที่แตกต่างกันและในรีจิสเตอร์ที่แตกต่างกัน) สิ่งนี้ทำให้การพัฒนามีลักษณะแบบไดนามิกและทะเยอทะยาน

ส่วนที่ช้า. การเคลื่อนไหวครั้งที่สอง (ช้า) มีลักษณะที่แตกต่างกัน: บางครั้งก็เป็นโคลงสั้น ๆ ที่มีการไตร่ตรองอย่างมีสมาธิ เข้มข้น บางครั้งก็เหมือนเพลง ในบางกรณีก็เหมือนเดินขบวน พวกเขายังมีรูปร่างแตกต่างกันไป ที่พบมากที่สุดคือรูปแบบสามส่วนและรูปแบบที่หลากหลายที่ซับซ้อน

มินูเอตส์ การเคลื่อนไหวครั้งที่สามของซิมโฟนี "ลอนดอน" มักเรียกว่า Menuetto (minuet) แต่มินูเอตของ Haydn นั้นแตกต่างจากมินูเอตในศาลแบบดั้งเดิมและสง่างาม ไปจนถึงเสียงที่คู่เต้นรำโค้งคำนับและโค้งคำนับ มินิเอตของ Haydn จำนวนมากมีลักษณะของการเต้นรำในหมู่บ้านด้วยท่าเดินที่ค่อนข้างหนักหน่วง ทำนองที่ไพเราะ สำเนียงที่ไม่คาดคิด และการเปลี่ยนจังหวะ ซึ่งมักจะสร้าง เอฟเฟกต์อารมณ์ขัน- ขนาดสามจังหวะของมินูเอตแบบดั้งเดิมยังคงอยู่ แต่เนื้อหาที่เป็นรูปเป็นร่างและความหมายของดนตรีเปลี่ยนไป: มินูเอตสูญเสียความซับซ้อนของชนชั้นสูงและกลายเป็นการเต้นรำแบบประชาธิปไตยและเป็นชาวนา

รอบชิงชนะเลิศ ในตอนจบของซิมโฟนีของ Haydn ภาพแนวเพลงที่ย้อนกลับไปสู่เพลงเต้นรำโฟล์คมักจะดึงดูดความสนใจ ร่าเริงและรีบเร่งเข้าไปอย่างเป็นธรรมชาติ ก้าวอย่างรวดเร็วดนตรีในฉากสุดท้ายเติมเต็มซิมโฟนีทั้งหมด ซึ่งเป็นการเต้นที่ร่าเริงและเป็นแนวเพลงในโครงสร้างที่เป็นรูปเป็นร่าง

รูปแบบของตอนจบส่วนใหญ่มักจะเป็นโซนาตาหรือรอนโดโซนาตา ในตอนจบของซิมโฟนี "ลอนดอน" ของ Haydn เทคนิคของการแปรผันและการพัฒนาโพลีโฟนิก (การเลียนแบบ) ถูกนำมาใช้กันอย่างแพร่หลาย โดยเน้นย้ำถึงการเคลื่อนไหวที่รวดเร็วของดนตรีและทำให้โครงสร้างของดนตรีทั้งหมดมีชีวิตชีวา

วงออเคสตราในซิมโฟนีของ Haydn ประกอบด้วยการเรียบเรียงคู่ตามปกติ: 2 ฟลุต, บาสซูน 2 อัน, แตร 2 อัน, ทรัมเป็ต 2 อัน, กลองทิมปานีหนึ่งคู่, กลุ่มเครื่องสาย ทรอมโบนเป็นครั้งแรกใน เพลงไพเราะใช้ในตอนจบของซิมโฟนีของเบโธเฟนบางเพลงเท่านั้น ในบรรดาเครื่องเป่าลมไม้ ไม่ใช่ซิมโฟนีของ Haydn ทั้งหมดที่ใช้คลาริเน็ต คลาริเน็ตซึ่งประดิษฐ์ขึ้นในศตวรรษที่ 17 ได้รับการแนะนำให้รู้จักกับซิมโฟนีโดยนักประพันธ์เพลงของโรงเรียนมันน์ไฮม์ ตัวอย่างเช่น ในซิมโฟนี G major (“War”) พวกเขาเข้าร่วมเฉพาะในการเคลื่อนไหวครั้งที่สองเท่านั้น เฉพาะในเพลงซิมโฟนีลอนดอนสองเพลงสุดท้ายของ Haydn หมายเลข 103 และ 104 เท่านั้นที่มีคลาริเน็ตสองตัวพร้อมกับขลุ่ยสองอัน โอโบ และบาสซูน ไวโอลินกลุ่มแรกเล่นบทบาทนำ ซึ่งได้รับความไว้วางใจในการนำเสนอเนื้อหาเฉพาะเรื่องหลัก แต่ฟลุตและโอโบก็มีส่วนร่วมอย่างแข็งขันในการนำเสนอและการพัฒนา ไม่ว่าจะเพิ่มไวโอลินเป็นสองเท่าหรือสลับกับไวโอลินในการดำเนินการตามธีมหรือ ข้อความ เชลโลและดับเบิ้ลเบสเล่นในแนวเบสเดียวกัน (ดับเบิ้ลเบสจะต่ำกว่าเชลโลเพียงออคเทฟเท่านั้น) ดังนั้นในคะแนนของ Haydn ส่วนต่างๆ จึงเขียนอยู่ในบรรทัดเดียวกัน โดยทั่วไปแตรและทรัมเป็ตมีหน้าที่เรียบง่าย โดยเน้นเสียงประสานและจังหวะในบางจุด ในกรณีที่เครื่องดนตรีทั้งหมดของวงออเคสตรา (ตุตติ) เล่นดนตรีแบบมือขวาพร้อมกัน แตรและทรัมเป็ตจะมีส่วนร่วมอย่างเท่าเทียมกันกับเครื่องดนตรีอื่นๆ ส่วนใหญ่มักเกี่ยวข้องกับธีมการประโคม คุณสามารถอ้างอิงถึงตัวอย่างสำหรับส่วนหลัก (นำเสนอโดยวงออเคสตราทั้งหมด จาก Symphony No. 97 ใน C major

Haydn เป็นผู้สร้างแนวซิมโฟนีคลาสสิก ซิมโฟนียังต้องผ่านเส้นทางการพัฒนาอันยาวนานในงานของ Haydn และมีเพียงซิมโฟนีที่เป็นผู้ใหญ่เท่านั้นที่ได้รับรูปแบบคลาสสิกที่สมบูรณ์แบบที่สุด - วงจรสี่ส่วนพร้อมลำดับส่วนที่แน่นอน

ซิมโฟนีของ Haydn หลายเพลงมีชื่อเป็นของตัวเอง: "Morning", "Noon", "Evening and Storm" ซิมโฟนีของ Haydn ส่วนใหญ่มักจะเป็นชื่อของพวกเขาสำหรับการเคลื่อนไหวครั้งที่สองซึ่งผู้แต่งชอบเลียนแบบบางสิ่งบางอย่าง: นี่คือวิธีที่ซิมโฟนี "ทหาร" เกิดขึ้นโดยที่ซึ่งได้ยินเสียงประโคมข่าวของทหารในการเคลื่อนไหวครั้งที่สองและนี่คือวิธีที่ซิมโฟนี "นาฬิกา" เกิดขึ้น โดยการเคลื่อนไหวครั้งที่สองเริ่มต้นด้วย “ติ๊ก”... นอกจากนี้ยังมีซิมโฟนี “หมี” ซิมโฟนี “ล่าสัตว์” และซิมโฟนี “ไก่” อีกด้วย

การเคลื่อนไหวครั้งแรกของ Symphony No. 48, 1773 ซึ่งตั้งชื่อตามจักรพรรดินีมาเรีย เทเรซา แห่งออสเตรีย สื่อถึงบรรยากาศที่สนุกสนานของดนตรีของ Haydn ได้อย่างสมบูรณ์แบบ รวมถึงความร่าเริงและความเฉลียวฉลาดที่สม่ำเสมอ ซิมโฟนี "อำลา" (หมายเลข 45, 1772) Haydn ได้ชื่อมาจากตอนจบ ระหว่างการแสดง นักดนตรีจะค่อยๆ ลงจากเวทีทีละคน ดังนั้น Haydn จึงบอกเป็นนัยกับเจ้าชายนิโคลัสผู้อุปถัมภ์ของเขาว่านักดนตรีกำลังรอการออกเดินทางจากที่ดินฤดูร้อนของ Esterhazy ไปยัง Eisenstadt อันอบอุ่นและการออกเดินทางมีกำหนดในวันถัดไปหลังจากรอบปฐมทัศน์ การแสดงตอนจบของ Farewell Symphony แสดงให้เห็นอย่างชัดเจน คุณสมบัติลักษณะดนตรีแห่ง "ยุคกล้าหาญ"

ซิมโฟนีลอนดอน 12 บทเสร็จสมบูรณ์ ความคิดสร้างสรรค์ไพเราะไฮเดน. เมื่อสิ่งเหล่านั้นถูกสร้างขึ้นในปี 1793-94 Haydn ได้รับการสวมมงกุฎด้วยเกียรติยศ ซึ่งได้รับการสนับสนุนจากเหล่าขุนนาง แต่ก็ยังคงทำงานอย่างไม่เหน็ดเหนื่อยเช่นเคย เขาทำทุกอย่างที่เขาได้รับเรียกให้ทำสำเร็จ: ซิมโฟนีในลอนดอนฉายแสงแห่งความพึงพอใจ ความสงบ ความยินดี และแสงสว่าง พวกเขาแสดงถึงการมองโลกในแง่ดีทางปรัชญาและความปรารถนาอย่างต่อเนื่องในการดำเนินการ ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของยุคแห่งการตรัสรู้

ซิมโฟนีหมายเลข 100 พ.ศ. 2335 "ทหาร" ฉันเคลื่อนไหว โซนาต้า อัลเลโกร ในวิธีที่ดีที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้สะท้อนถึงความแตกต่างและความแปรปรวนของการดำรงอยู่ แสดงออกถึงการแสดงละครและประสิทธิผลของการตรัสรู้

ซิมโฟนีหมายเลข 103 Es major ขึ้นต้นด้วยกลองทิมปานี ซึ่งเป็นที่มาของชื่อนี้ ซิมโฟนีมีบุคลิกที่สดใสร่าเริง

วิวัฒนาการของซิมโฟนีในผลงานของเฮย์เดน (1732 – 1809)

ความหมาย- ชีวิตที่สร้างสรรค์ของ Haydn นั้นยาวนานและครอบคลุมทั้งจุดเปลี่ยนในการพัฒนาทางดนตรีของยุโรปตะวันตกและยุคแห่งการเจริญเติบโตและการเติบโตเต็มที่ของชาวเวียนนา โรงเรียนคลาสสิก- ในวัยเยาว์ เขากลายเป็นคนร่วมสมัยของ "สงครามควาย" การออกดอกของประเภทโอเปร่าการ์ตูน และการก่อตัวของโรงเรียนมันน์ไฮม์ ภายใต้เขากิจกรรมของลูกชายของ Bach เกิดขึ้นและภายใต้เขา การปฏิรูปของ Gluck ได้เริ่มต้นและเสร็จสิ้นแล้ว ชีวิตทั้งชีวิตของโมสาร์ทผ่านไปในความทรงจำของเขาโดยสิ้นเชิง วัฒนธรรมทางดนตรีแห่งการปฏิวัติฝรั่งเศสเกิดขึ้นในเวลาเดียวกันเมื่อเขามีวุฒิภาวะทางการสร้างสรรค์สูงสุด ในช่วงชีวิตของ Haydn มีการสร้างซิมโฟนีของ Beethoven หกชุด หลังจากเริ่มสร้างผลงานในยุคฮันเดลตอนปลาย Haydn ก็ทำงานสร้างสรรค์เสร็จก่อนการแสดงซิมโฟนี "Eroic" ของเบโธเฟน และเสียชีวิตก็ต่อเมื่อชูเบิร์ตรุ่นเยาว์ได้เริ่มแต่งเพลงแล้วเท่านั้น

บนเส้นทางสร้างสรรค์อันกว้างใหญ่นี้ วิ่งราวกับผ่านไป ยุคที่แตกต่างกันศิลปะดนตรี Haydn ผู้ซึ่งไม่เคยแต่งรายการต้นฉบับใดๆ เลย แสดงให้เห็นถึงความเป็นอิสระที่น่าทึ่ง โดยหลักการแล้วสิ่งนี้ทำให้เขาใกล้ชิดกับ Bach, Handel, Gluck มากขึ้น และทำให้เขาแตกต่างจากนักซิมโฟนิสต์ในยุคแรกๆ (ซึ่งเขาถูกเรียกให้เข้าร่วมด้วยตำแหน่ง) ซึ่งแสดงให้เห็นว่าเขาไม่เพียงแต่หลอมรวมความสำเร็จทางศิลปะที่อยู่ใกล้ตัวเขาอย่างสมบูรณ์แบบเท่านั้น แต่ยังปัดเป่าทุกสิ่งที่มากเกินไปอย่างกล้าหาญ บางครั้งเขาก็ปฏิเสธสิ่งที่ค้นพบเพื่อเป้าหมายทางดนตรีที่สูงขึ้น

ห่างไกลจากความเป็นโพลีโฟนิสต์เหมือนปรมาจารย์ของคนรุ่นเก่า แต่ในขณะเดียวกันเขาก็ไม่ได้ยึดติดกับรูปแบบการเขียนโฮโมโฟนิกเบื้องต้นซึ่งเป็นลักษณะของจุดเปลี่ยน การพัฒนาแนวคิดซิมโฟนิกโดยทำงานกับโซนาตาอัลเลโกร เขาปฏิเสธความแตกต่างที่ชัดเจนที่เกิดขึ้นในหมู่ชาวมันไฮเมอร์ชั่วคราว และเห็นได้ชัดว่ายังคงขัดขวางความสำเร็จของความสามัคคีในส่วนแรกของวงจร และในเวลาเดียวกัน Haydn ได้สร้างซิมโฟนีประเภทใหม่ที่สูงกว่าเมื่อเปรียบเทียบกับรุ่นก่อน ๆ ทั้งหมด

ซิมโฟนีที่เป็นผู้ใหญ่ของเขาแตกต่างจากผลงานไพเราะของ Mannheimers โดยการทำให้รูปลักษณ์ของแต่ละอันมีเอกลักษณ์เฉพาะตัวมากขึ้นเนื่องจากความสดใหม่ของภาพ ซึ่งมักเป็นสัญชาติของธีมเฉพาะเรื่อง และในระดับที่ดีด้วย เนื่องจากความเป็นไปได้และ คุณลักษณะของการพัฒนาในอัลเลโกรและวัฏจักรโดยรวม ผู้แต่งยังคงรักษาความเชื่อมโยงกับธีมในชีวิตประจำวันไว้อย่างสูงเหนือระดับของซิมโฟนีเวียนนายุคแรกๆ แต่เอาชนะธรรมชาติที่ประยุกต์และสนุกสนานของซิมโฟนีรุ่นก่อนหน้าได้อย่างสมบูรณ์ และนำเนื้อหาใหม่ที่สำคัญมาสู่ผลงานซิมโฟนีสำหรับผู้ใหญ่ของเขา

Haydn เป็นคนแรกที่นำหลักการพัฒนาของการพัฒนาในโซนาตาอัลเลโกรมาใช้ด้วยความเข้มงวดเช่นนี้ และเขาได้เพิ่มความเข้าใจอย่างลึกซึ้งยิ่งขึ้นเกี่ยวกับรูปแบบต่างๆ ในส่วนที่เกี่ยวข้องของซิมโฟนี ธรรมชาติของภาพของเขาและด้วยเหตุนี้ การปรากฏตัวของแนวคิดของเขาจึงมีความสัมพันธ์อย่างใกล้ชิดกับหลักการของการพัฒนาในวงจรซิมโฟนิก ไม่ว่าจะเป็นการพัฒนาในอัลเลโกรหรือการเปลี่ยนแปลงในการเคลื่อนไหวช้าๆ แนวทางเฉพาะเรื่องที่แตกต่างกัน ความแตกต่างระหว่างใจความที่แตกต่างกันจะไม่เปิดโอกาสให้มีการพัฒนาเพิ่มเติมอย่างกว้างขวาง ขณะเดียวกันก็รักษาความสามัคคีในส่วนแรกของวงจร ขณะเดียวกันการจำกัดการพัฒนา บีบอัด หรือเพิกเฉยโดยสิ้นเชิงก็ไม่สอดคล้องกับแรงกระตุ้นของความเคลื่อนไหวและประสิทธิภาพที่มาจากนิทรรศการและหัวข้อที่เลือกสรร ดนตรีไพเราะของ Haydn ในเวลาเดียวกันก็เรียบง่าย ขึ้นมาจากพื้นดิน จากภาพชีวิต และไพเราะ เนื่องจากเป็นการรวบรวมและพัฒนาภาพเหล่านี้ในแนวคิดที่กว้างใหญ่

ด้วยรูปลักษณ์ภายนอกทางจิตวิญญาณของเขา Haydn เป็นศิลปินที่มีจุดเปลี่ยน ซึ่งเป็นตัวแทนของวัฒนธรรมใหม่แห่งการตรัสรู้ซึ่งถูกจำกัดโดยสภาพทางสังคมแบบเก่า เรียบง่าย ตรงไปตรงมา ครบถ้วน โดยไม่มีการไตร่ตรองมากนัก เขาไม่เหมือนบุคคลอย่างฮันเดลหรือกลัคที่ปกป้องหลักการของตนในที่สาธารณะที่กว้างขึ้น การใช้ชีวิตอย่างสร้างสรรค์ภายในที่ยอดเยี่ยม เขาไม่เหมือนกับ Bach ที่ไม่ได้อยู่ลึกเข้าไปในโลกแห่งจิตวิญญาณอีกต่อไปและเชื่อมโยงกับขอบเขตของดนตรีศักดิ์สิทธิ์น้อยกว่ามาก เขามักจะหันไปสู่โลกภายนอกด้วยการรับรู้มันในแง่ดีและง่ายดาย เขาซึ่งดูเหมือนมีจิตใจเรียบง่ายและ "ติดดิน" อย่างถี่ถ้วน โดยที่ไม่รู้ตัว เขาสามารถทำหน้าที่เป็นนักปรัชญาในแนวคิดเชิงสร้างสรรค์ของเขาได้ ดังที่เห็นได้จากคำปราศรัย "ฤดูกาล" ของเขา “ เนื่องจากผลของซิมโฟนีของเขาทำให้เรามั่นใจในสิ่งนี้ ปรัชญาของเขาเรียบง่ายกว่าของบาคมาก เป็นอิสระจากแนวคิดทางศาสนา เชื่อมโยงอย่างแน่นหนากับชีวิตประจำวัน มีสติ เช่นเดียวกับชีวิตประจำวัน แต่ในขณะเดียวกันก็ยืนยันอุดมคติของตัวเองที่ได้มาจากชีวิตและดังนั้นจึงยืนหยัดอย่างยิ่ง คำปราศรัยครั้งสุดท้ายของ Haydn ได้สรุปผลลัพธ์ที่สร้างสรรค์ในแง่นี้และเปิดเผยรากฐานของโลกทัศน์ของเขาด้วยความสมบูรณ์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุด ชีวิตชาวบ้านสอดคล้องกับธรรมชาติทำงานเป็นเพียงคุณธรรมที่แท้จริงของมนุษย์ความรักในชีวิตตามที่เป็นอยู่บทกวีของธรรมชาติพื้นเมืองที่มีรอบปีทั้งหมด - นี่คือ "ภาพแห่งชีวิต" ที่ดีที่สุดสำหรับ Haydn นี่คือลักษณะทั่วไปทางศิลปะของเขาและ ขณะเดียวกันก็เป็นเส้นทางสู่อุดมคติของเขา

ไฮเดินและผู้ร่วมสมัยของเขาศิลปะของ Haydn มีความเกี่ยวข้องในรูปแบบศิลปะ กลัคและศิลปะ โมสาร์ทแต่ช่วงของภาพและแนวคิดของเขามีลักษณะเฉพาะของตัวเอง โศกนาฏกรรมอันร้ายแรงที่เป็นแรงบันดาลใจให้กับ Gluck ไม่ใช่โดเมนของเขา ตัวอย่างโบราณดึงดูดเขาเพียงเล็กน้อย อย่างไรก็ตาม ในรูปโคลงสั้น ๆ Haydn เข้ามาติดต่อกับ Gluck ก็เพียงพอที่จะเปรียบเทียบอาเรียเพลงของ Gluck (เช่นใน "Iphigenia in Aulis") กับเพลงของ Haydn เนื้อเพลงของ Gluck และ Adagio ที่จริงจังของ Haydn ทั้งสองมีความสนใจในหัวข้อที่แตกต่างกัน ราวกับว่ามีแง่มุมที่แตกต่างกันของโลก แต่เมื่อความสนใจของพวกเขาตรงกัน วิธีการแสดงออกเผยให้เห็นความเป็นเครือญาติ สไตล์ก็จะคล้ายกัน หลักการที่น่าเศร้าทั่วไปในงานของ Gluck นั้นได้รับคำตอบในแบบของตัวเองโดยหลักการทั่วไปทั่วไปในงานของ Haydn Haydn และ Mozart มีสไตล์ที่ใกล้ชิดกันมากขึ้น แต่ที่นี่ความสัมพันธ์ระหว่างบุคคลที่มีความคิดสร้างสรรค์นั้นซับซ้อนกว่า ซึ่งสามารถอธิบายได้ดีที่สุดโดยใช้ตัวอย่างของ Mozart

โลกแห่งภาพของ Haydn โดยพื้นฐานแล้วเป็นโลกที่ไม่มีโศกนาฏกรรม ไม่ใช่ความกล้าหาญ แต่เป็นโลกอื่นๆ ที่มักจะธรรมดากว่า แต่เต็มไปด้วยภาพและความรู้สึกที่เป็นบทกวี อย่างไรก็ตาม ความประเสริฐนั้นไม่ใช่สิ่งแปลกปลอมสำหรับ Haydn แต่เขาไม่พบมันในโลกแห่งโศกนาฏกรรม ความคิดที่จริงจัง, ความอ่อนไหวอันสูงส่ง, การรับรู้บทกวีของชีวิต, ความสุขและความยากลำบาก, เรื่องตลกที่กล้าหาญและคมชัด, การค้นหาสีประเภทที่สดใส, การแสดงออกของความรู้สึกที่ดีต่อสุขภาพและโรแมนติกต่อธรรมชาติ - ทั้งหมดนี้สามารถกลายเป็นสิ่งประเสริฐสำหรับ Haydn ยิ่งไปกว่านั้น เราสามารถพบได้ในตัวเขาโดยเฉพาะอย่างยิ่งในผลงานชิ้นหลังของเขา ความละเอียดอ่อนที่น่าทึ่ง เกือบจะโรแมนติก และความมีสีสันในการถ่ายทอดความรู้สึกที่เป็นโคลงสั้น ๆ อ่อนโยน แต่ไม่ใช่ความฝันที่ซาบซึ้ง โลกของภาพถ่ายของเขาไม่เพียงแต่กว้างใหญ่เท่านั้น แต่สำหรับความเรียบง่ายภายนอกทั้งหมด โลกนี้ยังสดใหม่และใหม่สำหรับศิลปะแห่งดนตรี และใหม่เอี่ยมสำหรับแนวเครื่องดนตรีขนาดใหญ่ที่มีความหมายทั่วไป

มรดกทางความคิดสร้างสรรค์ ไฮเดนกว้างขวางผิดปกติ เขาลองแนวเพลงเกือบทั้งหมดที่มีอยู่ในขณะนั้น และส่วนใหญ่เขาได้สร้างผลงานที่หลากหลาย: ซิมโฟนี 104 ชิ้น, วงเครื่องสาย 83 ชิ้น, ทริโอประมาณ 200 ชิ้นสำหรับการเรียบเรียงที่แตกต่างกัน, โซนาตาคีย์บอร์ด 52 ชิ้น, คอนแชร์โต 35 ชิ้นสำหรับเครื่องดนตรีต่างๆ มากกว่า ผลงานโอเปร่า 20 แนวเพลง, ออราทอรี 4 เพลง, เพลงพากย์พร้อมดนตรีประกอบ 47 เพลง, เพลงสก็อต, ไอริช และเวลส์มากกว่า 400 เพลง, มิสซา 14 เพลง, งานเครื่องดนตรีขนาดเล็กจำนวนมาก, วงดนตรีร้อง, ท่อนคลาเวียร์, หมายเลขดนตรีสำหรับการแสดงละคร

ลำดับชั้นของประเภท- ความคิดสร้างสรรค์ของ Haydn ไม่ใช่ทุกด้านที่มีความสำคัญเท่ากัน: ดนตรีบรรเลงโดยรวมของเขาได้รับความสนใจมากกว่าและเป็นลักษณะเฉพาะของภาพลักษณ์ที่สร้างสรรค์ของเขามากกว่า ในบรรดาผลงานการร้องหลัก สองเพลงสุดท้ายโดดเด่นเป็นพิเศษ คำปราศรัย.

โอเปร่า Haydn ซึ่งเกิดขึ้นในช่วงหลายปีที่ผ่านมา (พ.ศ. 2294 - 2334) ยังคงเป็นต้นฉบับส่วนใหญ่ในเอกสารสำคัญของ Esterházy ไม่ได้รับการศึกษาจนกระทั่งเมื่อไม่นานมานี้ และดูเหมือนว่าจะนำไปสู่การแก้ไขการประเมินผลงานของเขาที่จัดตั้งขึ้นแล้ว

โดยเฉพาะงานเขียนทางจิตวิญญาณ มวลจากนั้นเนื้อหาของพวกเขาก็ซ้อนทับกับผลงานเครื่องดนตรีชิ้นเดียวกันซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของผู้แต่งมากที่สุดในระดับหนึ่ง เพลงคริสตจักร Haydn ไม่เพียงแต่ใกล้ชิดกับฆราวาสของเขาเท่านั้น แต่ยังมีความเหมือนกันมากในเรื่องธรรมชาติของภาพและช่วงของอารมณ์ความรู้สึกที่โดดเด่นอีกด้วย ไม่ว่า Haydn จะปราศรัยกับใคร - ต่อมนุษยชาติหรือเทพ ไม่ว่าจะแสดงผลงานของเขาที่ใด - บนเวทีคอนเสิร์ตหรือในวัด โลกก็เป็นหนึ่งเดียวสำหรับเขา และระบบภาพของเขาก็เหมือนกันในท้ายที่สุด แน่นอนว่ากรอบพิธีกรรมของมวลชนกำหนดข้อ จำกัด ที่หลีกเลี่ยงไม่ได้เกี่ยวกับองค์ประกอบและลักษณะเฉพาะของชิ้นส่วน แต่ในขณะเดียวกันเขาก็ยังคงเป็นตัวของตัวเอง

กำหนดความสำคัญทางประวัติศาสตร์ของ Haydnเป็นหลักสำหรับนวัตกรรมในการสร้างสรรค์ของเขา รูปแบบโซนาต้า - ซิมโฟนิก- ไม่ว่าเมื่อเวลาผ่านไปความคิดของเราเกี่ยวกับงานของเขาจะได้รับการเสริมด้วยข้อมูลใหม่ (เช่นเกี่ยวกับความเป็นรูปธรรมของภาพของเขา "ยืนยัน" ด้วยเสียงเพลงด้วยคำพูดและการกระทำ) พวกเขาก็ร่ำรวยขึ้นเท่านั้น แต่อย่าเบี่ยงเบนไปด้านข้าง ซิมโฟนี วงสี่ โซนาต้าเป็นพื้นที่หลักของภารกิจและความสำเร็จของเขา Haydn เริ่มเขียนควอร์เตตเร็วกว่าซิมโฟนี และในตอนแรกเรียกพวกเขาว่า Cassations, Divertissement และ Nocturnes สิ่งเหล่านี้ยังไม่ได้ผุดขึ้นมาในใจของเขาจากเพลงที่ใช้ในชีวิตประจำวันโดยตรง ซิมโฟนีในยุคแรกๆ ของ Haydn เกือบจะมีความเกี่ยวข้องกับดนตรีประเภทนี้ในระดับเดียวกัน ในตอนแรก ความแตกต่างระหว่างแนวเพลงซิมโฟนีและวงควอร์เตตไม่ปรากฏชัดเจนที่จะบรรลุได้ในภายหลัง ความแตกต่างระหว่างแนวซิมโฟนีและแชมเบอร์เกิดขึ้นอย่างแม่นยำในกระบวนการก่อตัวและการพัฒนาต่อไป

ซิมโฟนี 104 บทของ Haydn เขียนขึ้นระหว่างปี 1759 ถึง 1795 นอกจากนี้เขายังมีซิมโฟนีมากกว่า 60 บทซึ่งการประพันธ์ยังไม่ได้รับการยอมรับอย่างสมบูรณ์ เป็นเวลา 37 ปีที่ผู้แต่งทำงานด้านซิมโฟนีอย่างสม่ำเสมอที่สุดโดยไม่มีการหยุดพักที่เห็นได้ชัดเจน ไม่น่าเป็นไปได้ที่แม้แต่ปีเดียวจะผ่านไปโดยไม่มีซิมโฟนีใหม่สำหรับเขา

ลำดับเหตุการณ์ของซิมโฟนี- Haydn เขียนซิมโฟนีหลายเรื่องโดยเฉพาะในทศวรรษแรก: ประมาณสี่สิบ แต่เรียบเรียงช้าลงเท่านั้น แต่ยังค่อยๆ เจาะลึกลงไปในงานแต่ละชิ้นด้วย ในช่วงทศวรรษที่ 1770 มีการสร้างซิมโฟนีมากกว่า 30 เพลงในช่วงทศวรรษที่ 1780 - 18 ในปี 1790 - 12 ซิมโฟนี เมื่อเวลาผ่านไป ซิมโฟนีก็เริ่มแตกต่างออกไปสำหรับเขา มีความหมายมากขึ้น กว้างขวางมากขึ้น และมีความเฉพาะตัวมากขึ้นในแต่ละกรณี ระหว่างซิมโฟนีชุดแรกซึ่งปรากฏในปี 1759 และซิมโฟนีชุดสุดท้าย (หมายเลข 103, 104) ย้อนหลังไปถึงปี 1795 มีประวัติความเป็นมาของแนวเพลงนี้อย่างแม่นยำดังที่ Haydn สร้างขึ้นตั้งแต่ต้นกำเนิดจนถึงวุฒิภาวะเต็มที่ นักวิจัยสมัยใหม่แยกแยะความแตกต่างอย่างน้อยหกขั้นตอนบนเส้นทางซิมโฟนีของ Haydn ซึ่งบางครั้งก็แยกแยะความแตกต่างสี่ปีในช่วงเวลาที่แยกจากกัน

ซิมโฟนีห้าเพลงแรกของ Haydn(1759 - 1761?) เขียนขึ้นสำหรับองค์ประกอบเล็กๆ (เครื่องสาย, โอโบ 2 อัน, เขา 2 เขา) และส่วนของลมมีความสำคัญรองลงมา สเกลโดยรวมของวงจรนั้นเรียบง่ายมาก: ประกอบด้วยสามส่วน (ไม่มีมินูเอต) หรือสี่ส่วน (มีมินูเอต) สาระสำคัญมีความแตกต่างอย่างชัดเจนโดยสัมพันธ์กับฟังก์ชันของชิ้นส่วนต่างๆ ธีมของภาคแรกยังไม่ชัดเจน แก่นของการเคลื่อนไหวชุดแรกในซิมโฟนีชุดแรก ซึ่งลอยขึ้นไปบนระดับสูงสุด ใกล้เคียงกับรูปแบบทั่วไปของการเคลื่อนไหวชุดแรกประมาณกลางศตวรรษโดย Mannheimers ในบททาบทามของอิตาลี และจากนั้นโดย Gossec

ธีมที่เหมือนมาตราส่วนในตอนแรกในซิมโฟนีที่สองก็มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวน้อยมากเช่นกัน ในซิมโฟนีที่สอง มีโครงร่างของเพลงอัลเลโกรสองเพลงไว้แล้ว ในซิมโฟนีที่สี่ ธีมที่สองจะถูกนำเสนอแบบโพลีโฟนี ในซิมโฟนีที่สามและสี่ Haydn ก้าวไปสู่โซนาต้าอัลเลโกรสามส่วนโดยเลือกตัวเลือก "กลาง": ธีม I (T), ธีม II (D), I (D), องค์ประกอบของการพัฒนา, I (T ), II (ท) อย่างไรก็ตาม ภายในกรอบที่แคบ ความโซนาตาเนสได้ถูกกำหนดไว้แล้ว ธีมทั้งสองของการเคลื่อนไหวครั้งแรกมีการเน้นอย่างชัดเจนมากขึ้นในซิมโฟนีที่ห้า ในตอนนี้ ธีมเหล่านี้ยังไม่ใช่ธีมของ "Haydnian" เลย ซึ่งจะช่วยระบุลักษณะที่ปรากฏของซิมโฟนิสต์ของเขาได้ การเคลื่อนไหวช้าๆ ประการที่สองของซิมโฟนียุคแรกเหล่านี้ให้อารมณ์ความรู้สึกมากกว่า: Andante ของวงที่สามพร้อมกับ "ถอนหายใจของ Mannheim" และ Andante ที่สง่างามของวงที่สี่พร้อมกับไวโอลินคอนเสิร์ต ในซิมโฟนีที่สามและห้า ตอนจบเป็นความทรงจำ ความมีชีวิตชีวาและความมีชีวิตชีวาของพวกเขาได้รับการสรุปไว้แล้วในแง่ทั่วไป แต่คุณลักษณะของ Haydnian สำหรับดนตรีประเภทนี้ยังไม่มีอยู่ในนั้น ซิมโฟนีทั้งห้าเขียนด้วยคีย์หลัก - และจะเป็นเช่นนี้ต่อไปจนถึงวันที่ยี่สิบหก

ในปี พ.ศ. 2304 ซิมโฟนีทั้งสามของ Haydn ปรากฏขึ้นพร้อมกับชื่อรายการ: “เช้า”, “เที่ยง”, “เย็น” (ข้อ 6 - 8) มันอยู่ในจิตวิญญาณแห่งกาลเวลา คอนเสิร์ตของวิวาลดีจากวงจร "The Seasons" ยังเป็นที่รู้จัก และ G. I. Werner ซึ่งเป็นบรรพบุรุษของ Haydn ในตำแหน่งโบสถ์ Esterházy ครั้งหนึ่งได้สร้าง "ปฏิทินเครื่องดนตรีใหม่และน่าสนใจมาก... สำหรับไวโอลินสองตัวและเบสหนึ่งตัวในช่วงสิบสองเดือนของปี" Haydn เข้าใจการเขียนโปรแกรมในกรณีเหล่านี้โดยทั่วไปมากกว่าวิวาลดี และแน่นอนว่าไม่มีรายละเอียดไร้เดียงสาที่ปรากฏใน Werner มีเพียงตัวเลือกหัวข้อที่ "ประกาศ" เท่านั้นที่บ่งชี้ได้

ซอฟต์แวร์- โดยเฉพาะอย่างยิ่งสำหรับ Haydn การเขียนโปรแกรมแม้จะเป็นความเข้าใจทั่วไปที่สุด แต่ก็มีบทบาทสำคัญในเวลานั้น: รูปภาพค่อยๆชัดเจนขึ้น ธีมมีความเฉพาะเจาะจงมากขึ้น เทคนิคการจัดองค์ประกอบและองค์ประกอบของวงออเคสตราก็ขยายออกไปบ้าง ในซิมโฟนี "Morning" มีการเพิ่มฟลุตและบาสซูนในการแต่งเพลงออเคสตราก่อนหน้านี้ เปิดตัวด้วย Adagio เกริ่นนำเล็กๆ ซึ่งเริ่มต้นด้วยไวโอลิน PP ตัวแรก จากนั้นตลอดระยะเวลาเพียงห้าบาร์ ความดังก้องจะเพิ่มขึ้นเป็น ff - เครื่องดนตรีที่เหลือจะค่อยๆ เข้ามา (ตัวอย่าง 154) เห็นได้ชัดว่ามันควรจะเป็นตัวแทนของพระอาทิตย์ขึ้น ในตอนที่เป็นภาพ Adagio ดังกล่าวยังคงไร้เดียงสามาก แต่โดยหลักการแล้วการแนะนำอย่างช้าๆ ที่แนะนำส่วนแรกในภายหลังกลายเป็นคุณลักษณะที่สำคัญมากของการแต่งเพลงของ Haydn - ในความหมายที่เป็นรูปเป็นร่างอย่างแม่นยำ ส่วนลมในซิมโฟนีนี้มีความเป็นอิสระมากขึ้น (โซโลฟลุตในการเคลื่อนไหวครั้งแรก, โซโลบาสซูนในไมนูเอต) ซิมโฟนี "เที่ยง" มีห้าส่วนของวงจร สิ่งที่น่าสนใจที่นี่คือการเคลื่อนไหวช้าๆ ครั้งที่สอง ซึ่ง Haydn ใช้เทคนิคของดนตรีละครอย่างอิสระ: ข้อความของเครื่องสายและความประสานของโอโบถูกขัดจังหวะด้วย "การบรรยาย" เดี่ยวที่แสดงออกของไวโอลินซึ่งเช่นเดียวกับในฉากโอเปร่า จากนั้นจึงเข้าร่วมด้วย "เพลงคู่" ที่พัฒนาแล้วของไวโอลินและเชลโล ซิมโฟนี "ยามเย็น" แสดงถึงคุณลักษณะของลัทธิอภิบาล จุดจบของมันคือ "The Tempest" Haydn ดำเนินรอยตามประเพณีที่ค่อนข้างมั่นคงของศตวรรษที่ 18 ด้วย "พายุ" ของเขาในโอเปร่าและละครบรรเลง - ทั้งด้านภาพและแบบไดนามิกโดยทั่วไป กล่าวคือ เป็นธรรมชาติในบทบาทของฉากสุดท้าย "The Tempest" ของ Haydn ยังคงมีขนาดพอเหมาะ แต่ในบางจุดกลับมีความไดนามิกมาก

การชี้แจงภาพของซิมโฟนีนี้เป็นผลสืบเนื่องหลักของโปรแกรมต้นฉบับในงานซิมโฟนิกของ Haydn ต่อจากนั้น เขาไม่อยากตั้งชื่อรายการให้กับส่วนของซิมโฟนีหรือเปิดเผยเจตนารมณ์ของโปรแกรมในรูปแบบอื่นใด ในเวลาเดียวกันการทำให้งานแต่ละชิ้นมีความเป็นรายบุคคลอย่างค่อยเป็นค่อยไปซึ่งเกี่ยวข้องกับลักษณะของภาพและคุณลักษณะขององค์ประกอบมักนำไปสู่ความจริงที่ว่าซิมโฟนีของเขาได้รับ "ชื่อ" ของตัวเองเช่น "ปราชญ์" ( ลำดับที่ 22), “เพลงคร่ำครวญ” (“เพลงคร่ำครวญ”, ฉบับที่ 26), “ฮาเลลูยา” (ฉบับที่ 30), “ด้วยสัญญาณแตร” (ฉบับที่ 31) ไม่มีใครรู้ว่าใครเป็นคนให้ชื่อเหล่านี้เมื่อใดและใคร แต่พวกเขาก็ผูกพันกับซิมโฟนีของ Haydn เหล่านี้ (และหลายต่อมากในเวลาต่อมา)

ทศวรรษที่ 1760- ผลงานของนักแต่งเพลงเกี่ยวกับซิมโฟนีระหว่างปี 1763 ถึง 1766-1768 มีความรุนแรงและเข้มข้นผิดปกติเมื่อเขาเขียนผลงานมากกว่าสามสิบชิ้น เขาก้าวไปข้างหน้าอย่างรวดเร็ว มองหาสิ่งใหม่ๆ เข้ามา ทิศทางที่แตกต่างกันได้ทำการทดลองบางอย่าง เก็บสิ่งที่พบ ปฏิเสธบางสิ่ง ยืนยันสิ่งหนึ่งเป็นเวลานาน ทดสอบอีกหลายครั้ง แต่ก็ไม่ได้ถือเป็นพื้นฐานสำหรับการแสดงออกของเขา ก่อนซิมโฟนีหมายเลข 31 (พ.ศ. 2308) เขาผันผวนในองค์ประกอบของวงจรโดย "พยายาม" บางครั้งมีการเคลื่อนไหวสี่หรือสามครั้ง จากนั้นเขาก็ปักหลักอยู่กับซิมโฟนีสี่การเคลื่อนไหวอย่างมั่นคง ในหลายกรณี วงจรเริ่มต้นด้วยการเคลื่อนไหวช้าๆ (หมายเลข 11, 21, 22) ซึ่งลักษณะดังกล่าวกำหนดชื่อของซิมโฟนีหมายเลข 22 - "ปราชญ์"; บางครั้งเขาคิดว่าการเคลื่อนไหวครั้งแรกเป็นการทาบทามของฝรั่งเศส (หมายเลข 15) หรือเพียงแค่นำเสนอแบบคลุมเครือ (หมายเลข 29) ภายในโซนาตาอัลเลโกร Haydn อาจปรับความแตกต่างระหว่างธีมให้เรียบขึ้น จากนั้นเน้นย้ำ จากนั้นจึงขยายรูปแบบ หรือจำกัดตัวเองให้อยู่ในขอบเขตที่พอประมาณ วงออเคสตรายังเปลี่ยนแปลงไปตามกาลเวลาทั้งในด้านองค์ประกอบและการตีความชิ้นส่วนและกลุ่มเครื่องดนตรี

สิ่งที่สำคัญที่สุดในเส้นทางซิมโฟนีของ Haydn โดยรวมคือภารกิจของผู้แต่งในทศวรรษที่ 1760 โดยมุ่งเป้าไปที่ การเสริมคุณค่าของทรงกลมที่เป็นรูปเป็นร่างและใจความเช่นเดียวกับการ บรรลุขนาดของวงจรและส่วนต่างๆ- เกี่ยวกับ ภาพของซิมโฟนีจากนั้นเราไม่ควรพูดถึงเฉพาะประเด็นเฉพาะเรื่องเท่านั้น แต่ยังรวมถึงองค์ประกอบที่แสดงออกถึงลักษณะเฉพาะที่มีความสำคัญระดับประเทศด้วย ในขณะนี้ ทั้งสองยังคงอยู่ใน Haydn แยกจากกัน แน่นอนว่าเนื้อหาเฉพาะเรื่องของซิมโฟนียุคแรกยังไม่มีคุณลักษณะเฉพาะบุคคลที่เชื่อถือได้อย่างชัดเจนและไม่ใช่ต้นฉบับโดยเฉพาะ มีเสียงสะท้อนของแนวคิดเรื่อง Mannheim และ "ลัทธิอิตาเลียน" (Siciliana เป็นการเคลื่อนไหวครั้งที่สองในซิมโฟนีหมายเลข 27) และแม้แต่ท่วงทำนองของบทเพลงเกรกอเรียน (ในซิมโฟนีหมายเลข 26 และ 30) นอกจากนี้ เรายังสามารถพบกับ "การทำนาย" ของความกล้าหาญครั้งใหม่ และลักษณะทางดนตรีพื้นบ้าน (ออสเตรีย ฮังการี หรือสลาฟ) และการแสดงครั้งแรกของความฝาดเผ็ดร้อนแสบลิ้นขี้เล่นและซุกซนของ Haydn ผู้แต่งไม่อายที่จะอยู่ห่างจากช่วงของภาพตามแบบฉบับของเขา เพียงแต่พยายามทำให้ภาพเหล่านั้นมีเอกลักษณ์เฉพาะตัวเมื่อเวลาผ่านไป อย่างไรก็ตาม เขาเลือกค่อนข้างน้อยและมุ่งเน้นไปที่สองทรงกลมที่เป็นรูปเป็นร่างเป็นหลัก: ภาพที่จริงจัง, โคลงสั้น ๆ, ครุ่นคิดและน่าสมเพช ในด้านหนึ่ง และภาพที่มีชีวิตชีวา ประเภท และมีสีสัน และมีวัตถุประสงค์มากกว่าในอีกด้านหนึ่ง ทรงกลมแรกที่ทุกคนรู้จากซิมโฟนีที่โตเต็มที่ของ Haydn จะไม่สูญเสียความสำคัญอีกต่อไป แต่จะสร้างภาพและธีมอื่น ๆ ที่มีลักษณะเฉพาะมากกว่าออกไปแล้ว (ไม่ต้องพูดถึงความจริงที่ว่าตัวมันเองจะกลายเป็นต้นฉบับมากขึ้น) . ในส่วนที่สองจะมีการพัฒนาเป็นเวลานาน แต่จะไม่สูญเสียบทบาทในวงจรไพเราะโดยเฉพาะในสองส่วนสุดท้ายซึ่งส่วนใหญ่อยู่ในตอนจบ

ภาพครุ่นคิดโคลงสั้น ๆ- ไม่ใช่ว่าดนตรีทั้งหมดในซิมโฟนียุคแรกของ Haydn จะถูกมองว่ามีความเข้มข้นอย่างชัดเจน: ในตอนแรกมีรูปแบบการเคลื่อนไหวทั่วไปที่ "เป็นกลาง" ไม่เหมือนใครและไม่เหมือนใครมากมายร่องรอยของวัตถุประสงค์ที่ยังคงใช้อยู่ นี่คือสิ่งที่ผู้แต่งเอาชนะได้อย่างแม่นยำตลอดทศวรรษที่ 1760 และภาพแรกในสตรีมนี้ที่ "ปรากฏขึ้น" ในการแสดงออกคือภาพที่โคลงสั้น ๆ อย่างจริงจังใน "ตัวแปร" ที่ครุ่นคิดอย่างสงบหรือน่าสมเพชอย่างชัดแจ้ง ดังนั้นการเคลื่อนไหวครั้งแรกอย่างช้าๆ ของซิมโฟนี: Adagio ที่ใคร่ครวญในหมายเลข 11, Adagio ที่ "สำคัญ" และลึกซึ้งในซิมโฟนี Philosopher แต่จุดเริ่มต้นของโคลงสั้น ๆ มีลักษณะเฉพาะโดยเฉพาะในช่วงที่ช้าของวงจร (จริงๆ แล้วเป็นศูนย์กลางของโคลงสั้น ๆ): Andante ของซิมโฟนีหมายเลข 10 (พร้อมคอนทราสต์แบบไดนามิกของ Mannheim), Andante ของซิมโฟนีหมายเลข 19 (พร้อมโทนสีที่สง่างาม), Adagio cantabile ของ ซิมโฟนีหมายเลข 24 (พร้อมโซโลฟลุต), ซิมโฟนีซิซิลีหมายเลข 27 (แนวคิดที่งดงาม), สตริง Adagio ma non troppo ของซิมโฟนีหมายเลข 32 (การแปลบทกวีที่ละเอียดอ่อนของความฝันโคลงสั้น ๆ), Andante ของซิมโฟนีหมายเลข 33 (เต็มไปด้วยน้ำเสียงของ ถอนหายใจ) เป็นที่น่าสังเกตว่าในช่วงหลายปีที่ผ่านมา Haydn พยายามเติมเนื้อเพลงในช่วงแรกของวงจรโดยไม่จำเป็นต้องทำให้ช้าลง ส่วนแรกที่รวดเร็วของซิมโฟนีไม่รวมถึงภาพที่โคลงสั้น ๆ ครุ่นคิดอีกต่อไป แต่เป็นภาพที่น่าสงสาร เรื่องนี้เกิดขึ้นครั้งแรกในซิมโฟนีหมายเลข 26 หรือที่เรียกว่าคร่ำครวญ ภาคแรกจึงไม่ดราม่าเลยด้วยซ้ำ โปรดทราบว่าทั้งในส่วนนี้และส่วนที่สองของวงจรผู้แต่งใช้ทำนองของบทสวดเกรโกเรียน: ซิมโฟนีแรกของ Haydn เขียนด้วยคีย์รองโดยมีลักษณะที่น่าสมเพชในส่วนแรก แต่ก็โดดเด่นด้วยคุณลักษณะนี้เช่นกัน . ผู้แต่งรู้สึกถึงจุดเปลี่ยน: มีสมาธิมากเกินไปที่นี่เพื่อให้ได้โทนเสียงทั่วไปที่จริงจังแบบใหม่ ซิมโฟนีหมายเลข 30 ยังใช้บทสวดเกรกอเรียน (ในการเคลื่อนไหวครั้งแรก) - จึงเป็นที่มาของชื่อ "ฮาเลลูยา" การเคลื่อนไหวครั้งแรกในซิมโฟนีหมายเลข 35 และ 36 ได้รับการถ่ายทอดในเนื้อหาที่เป็นรูปเป็นร่างพร้อมสำเนียงที่กล้าหาญและน่าสมเพช ซิมโฟนีหมายเลข 49, F-minor ซึ่งสรุปช่วงเวลานี้ (หมายเลขซีเรียลไม่สอดคล้องกับเหตุการณ์: แต่งในปี 1768) ได้รับชื่อที่สื่อความหมายว่า "ความทุกข์" (“ La Passione”) โดยผู้ร่วมสมัย

ประเภท- ในพื้นที่อื่นของภาพ ลักษณะเฉพาะของส่วนที่สามและสี่ของวงจร Haydn อาจแสดงแนวโน้มต่อความเป็นอิสระก่อนหน้านี้และพบวิธีการแสดงออกที่เฉพาะเจาะจงสำหรับพวกเขา สิ่งนี้ใช้ได้กับแม้แต่ส่วนง่ายๆ ของวงจรเช่น minuet มักจะมาในอันดับที่สาม เป็นข้อยกเว้น - ในวินาที (ซิมโฟนีหมายเลข 32) บ่อยครั้งที่ Haydn ดูเหมือนจะสงวนเอฟเฟกต์พิเศษบางอย่างไว้สำหรับ minuet โดยเฉพาะสำหรับทั้งสามคนของเขา ซึ่งอาจจะเป็นการ์ตูน ทำนองเพลง นิทานพื้นบ้าน หรือฮาร์โมนิกก็ได้ ดังนั้นทริโอทั้งสามคนใน Symphony No. 13 จึงน่าสนใจเนื่องจากมีโซโลฟลุตที่เก่งและไพเราะ เริ่มต้นจากเพลงย่อยใน Symphony No. 3 ส่วนนี้ของวงจรใช้เทคนิคโพลีโฟนิกเป็นครั้งคราว - ในบรรยากาศที่เบาและเกือบจะเป็นการ์ตูน ในบางทรีโอนักวิจัยสังเกตลักษณะพื้นบ้านอย่างชัดเจน: ตัวอย่างเช่นสลาฟในซิมโฟนีหมายเลข 28 และ 29 อย่างไรก็ตามในการเคลื่อนไหวช้าๆของซิมโฟนีหมายเลข 28 เดียวกันองค์ประกอบฮังการี - ยิปซีก็ปรากฏขึ้น แต่บางที ลักษณะเฉพาะส่วนใหญ่ของ Haydn ก็คือความเฉียบคมของเชอร์โซเล็กน้อยที่เกิดขึ้นในท่อนย่อยของซิมโฟนีหมายเลข 34 (การก้าวกระโดดอย่างแหลมคมโดยมีการเปลี่ยนแปลงใน p และ f) ในทรีโอของซิมโฟนีหมายเลข 37 (ความสอดคล้องที่สองในจังหวะที่หนักแน่น) ในวงซิมโฟนีหมายเลข 38 ทั้งสามวง (กระโดดในส่วนโอโบพร้อมการเปลี่ยนแปลงรีจิสเตอร์) ในที่นี้ ในเอ็มบริโอ ได้สรุปไว้แล้วว่าอะไรคือเพลง Haydnian ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของซิมโฟนีลอนดอนในช่วงปี 1791-1795 สิ่งนี้จะค่อยๆ ปรากฏออกมาในลักษณะของตอนจบ เช่น ในซิมโฟนีหมายเลข 25

ขอบเขตของแต่ละส่วนของวงจรจะค่อยๆขยายออกไปซึ่งมีความสำคัญเป็นพิเศษสำหรับโซนาต้า อัลเลโกร อย่างไรก็ตาม ที่นี่เองที่กระบวนการนี้ไม่ได้พัฒนาเป็นเส้นตรง: ในซิมโฟนีหมายเลข 24, 25, 35, 36 มีการเปิดเผยความแตกต่างเฉพาะเรื่องอย่างชัดเจนและชัดเจน ในขณะที่ในซิมโฟนีหมายเลข 28 นั้นไม่มีนัยสำคัญ ขนาดและองค์ประกอบของการพัฒนามีความแตกต่างกันและยังห่างไกลจากการพัฒนา แม้ว่าการพัฒนาจะมีความไดนามิกใน Symphony No. 11 แล้ว (ด้วยความดังที่เพิ่มขึ้น) แต่ก็ถูกบีบอัดอย่างมากใน Symphony No. 37 ตอนจบของซิมโฟนีถูกครอบงำโดย ประเภทต่างๆ Rondo แม้ว่าใน Symphony No. 31 ตอนจบจะมีรูปแบบต่างๆ อย่างไรก็ตาม ซิมโฟนีขนาดใหญ่นี้สามารถทำหน้าที่เป็นตัวอย่างของการรวมเสียงที่มีสีสันในชีวิตประจำวันของ Haydn ไว้ภายในงานเครื่องดนตรีขนาดใหญ่ในเวลาต่อมา ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ได้รับชื่อ "With the Horn Signal" หรือ "On the Draw": จริง ๆ แล้วเสียง (บาร์ที่ 9 - 15 ของการเคลื่อนไหวครั้งแรก) เป็นสัญญาณแตรล่าสัตว์ 5 ตัดผ่านการแสดงออกของโซนาตาอัลเลโกร . เพื่อจุดประสงค์นี้ แตรสี่แตรถูกนำมาใช้ในโน้ตเพลง ซึ่งใช้กันอย่างแพร่หลายในส่วนที่เหลืออีกสามส่วนของซิมโฟนี

วงออเคสตราหมายถึงการขยายตัวในช่วงเวลานี้และลึกขึ้นเนื่องจากมีการเปิดใช้งานเครื่องมือลมเป็นหลัก ในส่วนย่อยของซิมโฟนีหมายเลข 11 ส่วนของโอโบและเขาได้รับการปลดปล่อยแล้วมีการนำเขาสี่เขาเข้ามาในคะแนนของซิมโฟนีหมายเลข 13 เช่นเดียวกับทิมปานีซิมโฟนีหมายเลข 20 - ทรัมเป็ตและทิมปานีซิมโฟนีหมายเลข 22 - แตรภาษาอังกฤษ

ทศวรรษ 1970- ตั้งแต่ต้นทศวรรษที่ 1770 การพัฒนาซิมโฟนิสต์ของ Haydn เป็นเวลานานเกินกว่าที่จะกลายเป็นจุดเปลี่ยน แต่ยังเป็นจุดเปลี่ยนที่ขัดแย้งกัน เต็มไปด้วยความแตกต่างในภารกิจที่สร้างสรรค์ และท้ายที่สุดก็นำไปสู่วุฒิภาวะที่ยอดเยี่ยมของวินาที ครึ่งหนึ่งของยุค 80 - 90 ในการศึกษาสมัยใหม่พิเศษที่อุทิศให้กับซิมโฟนีของ Haydn ในต่างประเทศและต่อมาในประเทศของเรา ความเชื่อมั่นแสดงออกมาว่าหลังจากการแสดงซิมโฟนีที่น่าทึ่งและน่าทึ่งของ Haydn ในช่วงต้นทศวรรษ 1770 เขาประสบกับวิกฤตที่สร้างสรรค์: เขาไม่ได้ลุกขึ้นไปสู่ระดับนั้นด้วยจิตวิญญาณของ ยุค Sturm-und-Drang แต่กลับถอยกลับไปสู่แนวคิดที่ท้าทายน้อยกว่าและธรรมดากว่า เพื่อทำงานที่มีความคิดสร้างสรรค์มากกว่าความสำคัญ

อันที่จริงในซิมโฟนีของปี 1772 และบางส่วนที่ใกล้ชิดกับพวกเขา (หมายเลข 45, "อำลา", หมายเลข 44, "การไว้ทุกข์", แม้แต่หมายเลข 49, "ความทุกข์ทรมาน") ใจความที่น่าสมเพชเล็กน้อยและความตึงเครียดของนายพล การพัฒนาในระดับที่ค่อนข้างใหญ่ดึงดูดความสนใจเป็นพิเศษ . อย่างไรก็ตาม มีซิมโฟนีประเภทนี้อยู่น้อยมาก ในระดับหนึ่ง มันถูกจัดเตรียมไว้ตามความน่าสมเพชของ Haydn ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา (เริ่มจากซิมโฟนี "คร่ำครวญ") และเป็นเพียงการนำแนวนี้ของภารกิจที่เป็นรูปเป็นร่างของเขามาสู่ จุดสูงสุดหลังจากนั้นสิ่งที่น่าสมเพชและแม้แต่อารมณ์โรแมนติกก็ไม่รอดพ้นจากดนตรีของ Haydn แต่จะถอยกลับไปในซิมโฟนีของเขาก่อนภาพและธีมของต้นกำเนิดแนวเพลงพื้นบ้าน หรือมุ่งความสนใจไปที่ควอร์เตตและโซนาตาในเวลาต่อมา สำหรับซิมโฟนีของ Haydn ที่เป็นผู้ใหญ่ สำหรับ "ภาพของโลก" โดยภาพรวมของ Haydn ภาพและธีมเหล่านี้ยังคงจำเป็น แต่ไม่ได้สำคัญยิ่ง นั่นคือระบบที่เป็นรูปเป็นร่างของเขา นั่นคือภาพลักษณ์ที่สร้างสรรค์ของเขา นั่นคือสไตล์เฉพาะตัวของเขา

ในช่วงทศวรรษที่ 1770 Haydn ราวกับทดสอบความเป็นไปได้ที่น่าสมเพชของการแสดงดนตรีซิมโฟนีสม์ได้สร้างผลงานที่สวยงามจำนวนหนึ่งซึ่งความสำคัญไม่ได้ลดลงไปกว่านี้ แต่ยังคงถูกบดบังด้วยความคลาสสิกของเขา - ซิมโฟนีในช่วงครึ่งหลังของปี 1780 และลอนดอน . คุณสามารถวางงานย่อยในแถวเดียว - หมายเลข 26, d-moll, “คร่ำครวญ”, หมายเลข 49, f-moll, “ความทุกข์” (หรือ “ความหลงใหล”), หมายเลข 44, e-moll, “การไว้ทุกข์” , หมายเลข 45, fis-moll, “Farewell” - และครอบคลุมปี 1766 - 1772 และความน่าสมเพชของพวกเขาจะเพิ่มขึ้นอย่างชัดเจนพร้อมกับจุดสุดยอดใน “Farewell”...

นอกจากนี้ในซิมโฟนีของปี 1770 - ต้นทศวรรษ 1780ในจุดเริ่มต้นที่น่าสมเพชเล็กน้อยจะไม่ปรากฏอยู่ข้างหน้าอีกต่อไป แต่ตามกฎแล้วจะปรากฏซ้ำ ๆ ซ้ำ ๆ ในซิมโฟนีอย่างใดอย่างหนึ่งโดยไม่ได้กำหนดลักษณะเฉพาะของเพลงในโซนาตาอัลเลโกร

มีข้อยกเว้น: น้ำเสียงทั่วไปของซิมโฟนีหมายเลข 78 เป็นเพลงที่น่าทึ่งและน่าสมเพชเบา ๆ ในจิตวิญญาณของโมสาร์ทจากแถบแรกของส่วนหลักประกาศตัวเองใน Presto ของซิมโฟนีหมายเลข 75 - นำหน้าด้วยการเปิด Grave (ตัวอย่าง 156 ). ด้วยความมั่นใจไม่มากก็น้อย ช่วงเวลาที่น่าสมเพชก็ปรากฏขึ้นเป็นครั้งคราวในการเคลื่อนไหวที่ช้าๆ ของผลงานจำนวนหนึ่ง อย่างไรก็ตาม สำหรับโซนาตาอัลเลโกรอย่างชัดเจนแล้ว Haydn แสวงหาแนวทางเฉพาะเรื่องที่แตกต่างออกไป เป็นสิ่งสำคัญมากที่ผู้แต่งไม่ได้ถือว่าส่วนหลักของวงจรซึ่งก็คือจุดศูนย์ถ่วงนั้นเป็นการแสดงออกถึงหลักการอันน่าสมเพชที่เป็นเลิศ โซนาตาอัลเลโกรที่น่าสมเพชไม่ได้เป็นเรื่องปกติของซิมโฟนีของ Haydn ซึ่งแสดงให้เห็นได้ดีที่สุดโดยตัวอย่างของซิมโฟนีที่เป็นผู้ใหญ่ที่สุด การใช้ตัวอย่างงานซิมโฟนิกของ Haydn จนถึงกลางทศวรรษที่ 1780 เราสามารถติดตามได้ว่าผู้แต่งมีประสบการณ์อย่างไร ประเภทต่างๆใจความ เทคนิคการแสดงออกต่างๆ ในส่วนแรกของซิมโฟนี ในเวลาเดียวกันพวกเขามีสิ่งหนึ่งที่เหมือนกัน: พวกเขากลายเป็นเป้าหมายมากกว่าโคลงสั้น ๆ หรือโคลงสั้น ๆ - น่าสมเพชแม้ว่าช่วงอารมณ์ของพวกเขาจะค่อนข้างกว้าง: การเฉลิมฉลอง, ความกล้าหาญ, พลวัตที่สนุกสนาน, อารมณ์ขันเบา ๆ , ความฉลาดและความสง่างาม ฯลฯ ความหมายที่เป็นรูปเป็นร่าง ของซิมโฟนียังคงถูกมองว่าสดใสและเฉพาะเจาะจง: พวกเขายังได้รับชื่อ (ไม่ใช่ของผู้แต่ง!) - "Mercury" (หมายเลข 43), "Maria Theresa" (หมายเลข 48), "Majestic" (หมายเลข 53) ), “School Teacher” (หมายเลข 55), “Flame” (หรือ “Fire” Symphony, หมายเลข 59), “Abstract” (หมายเลข 60), “Roxelana” (หมายเลข 63), “Laudon” (หมายเลข . 69) “การล่าสัตว์” (ฉบับที่ 73)

อิทธิพลของละครต่อซิมโฟนี- ผลงานเหล่านี้บางชิ้นเกิดขึ้นเนื่องในโอกาสพิเศษ ส่วนงานอื่นๆ เกี่ยวข้องกับผลงานละครของ Haydn ได้มีการพูดคุยถึงที่มาของซิมโฟนีมาเรีย เทเรซาแล้ว เป็นไปได้ว่าชื่อ "Feuersymphonie" เกิดขึ้นจากการเกี่ยวข้องกับการแสดงดอกไม้ไฟรื่นเริงใน Eszterhaza และซิมโฟนี "Laudon" มีความเกี่ยวข้องกับการให้เกียรติแก่จอมพลชาวออสเตรีย Gideon Ernst de Laudon ในช่วงเวลานี้เองที่ Haydn เขียนโอเปร่าหลายเรื่องโดยเฉพาะ ระหว่างปี 1768 ถึง 1783 เขาได้สร้างผลงานโอเปร่า 11 เรื่อง ซึ่งส่วนใหญ่เป็นประเภทบัฟฟา ซิมโฟนีหมายเลข 60 ได้รับชื่อใหม่ว่า "Abstract" เนื่องจากใช้เป็นเพลงประกอบละครระหว่างการผลิตละครตลกชื่อเดียวกันโดย J. F. Regnard ในกรุงเวียนนาในปี พ.ศ. 2319 ส่วนแรกของซิมโฟนีทำหน้าที่เป็นการทาบทาม ส่วนที่เหลือของซิมโฟนีหมายเลข 60 วงจรนี้ดำเนินการระหว่างการเล่นโดยแบ่งเป็นช่วงพักและใส่ตัวเลข แต่เนื่องจากการแสดงตลกแบบเดียวกันนี้เคยแสดงที่ Eszterhaza ก่อนหน้านี้ บางที Haydn ก็เขียนเพลงสำหรับการแสดงแล้ว "แต่ง" ซิมโฟนีจากมัน: องค์ประกอบของวงจรนั้นยอดเยี่ยมมากสำหรับเขา - หกส่วน ไม่ทางใดก็ทางหนึ่งผลงานไพเราะของเขาในช่วงหลายปีที่ผ่านมาไม่ได้แยกออกจากละครเพลง ในซิมโฟนี Roxelana การเคลื่อนไหวครั้งแรกเป็นการทาบทามให้กับโอเปร่าบัฟฟา "Lunar Peace" ของ Haydn (1777)

หน้าที่ 2 จาก 6

ความคิดสร้างสรรค์ซิมโฟนี

ซิมโฟนี "อำลา" ซิมโฟนี "ลอนดอน" คอนเสิร์ต

Haydn สร้างสรรค์ซิมโฟนีของเขามานานกว่าหนึ่งในสามของศตวรรษ (ตั้งแต่ปลายทศวรรษที่ 50 ถึง 90 ของศตวรรษที่ 18) ฉบับวิชาการประกอบด้วยซิมโฟนี 104 บท แม้ว่าในความเป็นจริงจะมีมากกว่านั้นก็ตาม ซิมโฟนีชุดแรกของ Haydn ย้อนกลับไปในสมัยที่ดนตรีซิมโฟนีคลาสสิกของยุโรปก่อตั้งขึ้นโดยความพยายามของโรงเรียนระดับชาติต่างๆ - และซิมโฟนีในยุคแรกๆ ของ Haydn พร้อมด้วยซิมโฟนีของปรมาจารย์ของ Mannheim เป็นส่วนเชื่อมโยงที่สำคัญในกระบวนการสร้างรากฐานทางโวหารของ ซิมโฟนีผู้ใหญ่ของโรงเรียนคลาสสิกเวียนนา ซิมโฟนีในช่วงหลังของ Haydn ถูกเขียนขึ้นเมื่อซิมโฟนีของ Mozart ทั้งหมดมีอยู่แล้ว และเมื่อ Beethoven รุ่นเยาว์กำลังพัฒนาหลักการของการคิดเชิงซิมโฟนิกของเขาในโซนาตาเปียโนและวงดนตรีแชมเบอร์ ซึ่งใกล้จะถึงการสร้างซิมโฟนีชุดแรก
ดังนั้นวิวัฒนาการของงานซิมโฟนิกของ Haydn จึงเป็นที่สนใจไม่เพียง แต่สำหรับการศึกษาเส้นทางสร้างสรรค์ของนักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่เท่านั้น แต่ยังเพื่อทำความเข้าใจกระบวนการก่อตัวและพัฒนาการของซิมโฟนีคลาสสิกของศตวรรษที่ 18 โดยทั่วไปอีกด้วย ซิมโฟนีในยุคแรกๆ ของ Haydn ยังคงไม่แตกต่างไปจากแชมเบอร์มิวสิคที่เขาเขียนในเวลาเดียวกันแต่อย่างใด และเกือบจะไม่ได้ไปไกลกว่าความบันเทิงทั่วไปและแนวเพลงในชีวิตประจำวันในยุคนั้น เฉพาะในยุค 70 เท่านั้นที่มีผลงานที่แสดงถึงโลกแห่งภาพและความรู้สึกที่ลึกซึ้งยิ่งขึ้น (“ Funeral Symphony”, “ Farewell Symphony” และอื่น ๆ อีกมากมาย)
“ Farewell Symphony” ที่มีตัวละครที่ตื่นเต้นอย่างน่าสมเพช โดดเด่นอย่างมากจากผลงานอื่นๆ ทั้งหมดของ Haydn ที่เขียนขึ้นในยุค 70 เดียวกัน และครอบครองสถานที่พิเศษในงานของเขา
แทนที่จะเป็นสี่การเคลื่อนไหวตามปกติ ซิมโฟนีมีห้าการเคลื่อนไหว ตามความเป็นจริงแล้ว สี่ส่วนแรกสามารถก่อให้เกิดวัฏจักรที่สมบูรณ์และสมบูรณ์ได้ การเคลื่อนไหวครั้งที่ 5 ได้รับการแนะนำเพิ่มเติมเพื่อจุดประสงค์เฉพาะและเป็นต้นฉบับโดยให้เหตุผลกับชื่อของซิมโฟนี "อำลา" ดังที่เราทราบแล้วว่าในระหว่างการแสดงตอนจบนี้นักดนตรีวงออเคสตราค่อยๆแยกย้ายกันไปและในตอนท้ายมีเพียงนักไวโอลินสองคนเท่านั้นที่ยังคงอยู่ จบซิมโฟนี นี่อาจเป็นครั้งแรกที่วงจรซิมโฟนิกจบลงด้วยการเคลื่อนไหวช้าๆ (Adagio)

เราสามารถสังเกตความสามัคคีของวงจรในซิมโฟนีนี้ได้แสดงออกทั้งในการเชื่อมโยงใจความระหว่างแต่ละส่วนและในลักษณะและอารมณ์ร่วมของดนตรีในส่วนที่หนึ่งและสี่ การเคลื่อนไหวครั้งแรก (โซนาตาอัลเลโกร) โดยเฉพาะธีมหลัก เต็มไปด้วยการแสดงออกที่น่าทึ่งและความน่าสมเพช เช่นเดียวกับซิมโฟนี Haydn อื่นๆ ส่วนหลักและรองที่นี่สร้างขึ้นจากเนื้อหาที่เป็นใจเดียวกัน

การเคลื่อนไหวที่ประสานกันของคอร์ดคู่กัน สำเนียง sforzando ความก้าวหน้าของโทนิค-ซับโดมิแนนต์ ระดับต่ำที่สองในไมเนอร์ ทั้งหมดนี้หมายความว่าเมื่อรวมกันแล้วจะทำให้ดนตรีมีตัวละครที่ตื่นเต้นและดราม่า ควรให้ความสนใจเป็นพิเศษกับโครงสร้างของธีมตามเสียงคอร์ดซึ่งต่อมา (ในโมสาร์ทและเบโธเฟน) จะกลายเป็นเรื่องที่เกิดขึ้นบ่อยครั้งเช่นเดียวกับลำดับฮาร์มอนิกของโทนิคสามกลุ่มและคอร์ดที่สองของระดับที่สอง ( สี่แท่งแรก) ซึ่งช่วยเสริมอารมณ์ละครของการแสดงออกทางดนตรี (จำไว้ ตัวละครที่น่าเศร้าลำดับฮาร์มอนิกเดียวกันในเพลงของ P. I. Tchaikovsky)
หายากสำหรับ. เพลงที่ 18ศตวรรษ แผนวรรณยุกต์ของการแสดงออกของส่วนแรก: ส่วนด้านข้าง (ขึ้นอยู่กับเนื้อหาเฉพาะเรื่องเดียวกันกับส่วนหลัก) เสียงใน A minor (ขนานหลักที่มีชื่อเดียวกัน) ส่วนสุดท้าย - ในภาษา C คมชัด ส่วนน้อย. ไมเนอร์คีย์สายที่สามจะถูกสร้างขึ้น โดยตั้งอยู่บนเสียงของ F-sharp-minor triad (คีย์หลักของซิมโฟนี) เราอดไม่ได้ที่จะมองเห็นความคาดหวังในอนาคตอันไกลโพ้นเมื่อการเปรียบเทียบเทอร์เชียนที่มีสีสันของคีย์รองหรือคีย์หลักจะมีความสำคัญอย่างยิ่งในผลงานของนักประพันธ์เพลงแนวโรแมนติก
แต่ทั้งหมดนี้ไม่ได้ทำให้ความคิดริเริ่มของโซนาตาอัลเลโกรหมดสิ้น: ธีมเพลงใหม่ปรากฏขึ้นในการพัฒนา โดยแนะนำคอนทราสต์โคลงสั้น ๆ และชดเชยการขาดคอนทราสต์ในการแสดงออก และด้วยเหตุนี้ในการเรียบเรียงส่วนนี้

ส่วนที่สองที่ช้าของ "อำลา" เป็นเพลงเนื้อเพลง (Adagio) ส่วนที่สามคือการเต้นรำ (minuet) ด้านบนมีการกล่าวถึงความเชื่อมโยงระหว่างแต่ละส่วนของซิมโฟนี ในเรื่องนี้ให้เราใส่ใจกับลำดับของการเคลื่อนไหวครั้งที่สามจากมากไปหาน้อยในรูปแบบของ minuet

ความไม่สมบูรณ์ของ minuet ซึ่งลงท้ายด้วยเสียงที่สามโดยไม่มีพื้นฐานฮาร์มอนิกนั้นเป็นต้นฉบับมากซึ่งเห็นได้ชัดว่าบ่งบอกถึงประสิทธิภาพของส่วนที่สี่ถัดไปโดยไม่หยุดพัก (atacca) ความไม่สมบูรณ์ของวรรณยุกต์ของการเคลื่อนไหวที่สี่ซึ่งหยุดที่เสียงที่โดดเด่นและจำเป็นต้องเปลี่ยนโดยตรงไปยังตอนจบ คาดว่าจะมีกรณีที่คล้ายกันในซิมโฟนีลำดับที่ 5 และ 6 ของเบโธเฟน หรือแนวโน้มที่เป็นลักษณะเฉพาะของซิมโฟนีโรแมนติกที่จะรวมส่วนต่างๆ ของวงจรเข้าด้วยกัน ตั้งแต่การเคลื่อนไหวที่สี่ไปจนถึงตอนจบยังเน้นย้ำความแตกต่างของพวกเขาอีกด้วย

ส่วนที่สี่สะท้อนถึงส่วนแรกด้วยตัวละครที่ตื่นเต้นและตื่นเต้น เช่นเดียวกับการเคลื่อนไหวครั้งแรก ตัวละครทั่วไปในที่นี้ถูกกำหนดโดยธีมหลัก ซึ่งเป็นส่วนหลักของการเคลื่อนไหวนี้ (เขียนในรูปแบบโซนาตา)

การเคลื่อนไหวช้าๆ อันไพเราะนำความสงบมาสู่ดนตรีอันน่าตื่นเต้นของซิมโฟนี ความหุนหันพลันแล่นอันน่าทึ่งได้รับการแก้ไขในเนื้อเพลงอันเงียบสงบของตอนจบ แผนวรรณยุกต์ของตอนจบที่สำคัญนี้มีความคล้ายคลึงกับแผนวรรณยุกต์ของการแสดงส่วนแรกของซิมโฟนี: มีคีย์ย่อยสายที่สาม (F-sharp, A, C-sharp) ทำให้เกิดเสียงของ F-คม-ไมเนอร์สาม; นี่คือสายโซ่ของคีย์หลักที่สร้างเสียงเดียวกัน (ตอนจบเริ่มต้นใน A Major ในส่วนกลางของคีย์ C-sharp Major ได้รับการแก้ไขชั่วคราว และลงท้ายด้วย F-Sharp Major ซึ่งเป็นคีย์หลักที่มีชื่อเดียวกันซึ่งสัมพันธ์กับ โทนเสียงหลักของซิมโฟนี) ตอนจบที่มีตัวละครโคลงสั้น ๆ สงบแตกต่างอย่างมากกับส่วนแรกที่น่าทึ่งในเวลาเดียวกันในแง่ของโทนเสียงมันเป็นการบรรเลงซ้ำซึ่งยังก่อให้เกิดความสามัคคีของวงจรด้วย สิ่งเหล่านี้คือคุณลักษณะของซิมโฟนีอันโดดเด่นในงานของ Haydn ซึ่งสะท้อนปรากฏการณ์บางอย่างในซิมโฟนิก เพลงของ XIXศตวรรษ.

เมื่อวิวัฒนาการเชิงสร้างสรรค์ของผู้แต่งค่อยๆ ดำเนินไป ซิมโฟนีของ Haydn ก็เต็มไปด้วยเนื้อหาสำคัญทางสังคมที่ลึกซึ้งยิ่งขึ้น ในขณะที่ยังคงรักษาความเชื่อมโยงกับชุดเต้นรำไว้ ซิมโฟนีในฐานะแนวเพลงก็เป็นผลงานบูรณาการอิสระ โดยมีสี่ส่วนที่แตกต่างกันในธรรมชาติ โดยมีความสามัคคีแบบออร์แกนิกตามตัวอย่าง "อำลา" ทั้งหมดนี้ประสบความสำเร็จอย่างมากใน 1786 Paris Symphonies ของ Haydn
แต่ความสำเร็จสูงสุดของซิมโฟนีของ Haydn คือซิมโฟนี 12 "ลอนดอน" ยกเว้นหนึ่ง (C minor) ซิมโฟนีในลอนดอนของ Haydn เขียนด้วยคีย์หลัก
ตามกฎแล้ว พวกเขาเริ่มต้นด้วยการแนะนำสั้นๆ ช้าๆ ของลักษณะที่เคร่งขรึม เข้มข้น หรือโคลงสั้น ๆ และครุ่นคิด (โดยปกติจะเป็นจังหวะ Adagio หรือ Largo)
การแนะนำแบบช้าๆ แบบนี้แตกต่างอย่างมากกับอัลเลโกรที่ตามมา ซึ่งจริงๆ แล้วเป็นส่วนแรกของซิมโฟนี และในขณะเดียวกันก็เตรียมท่อนนั้นด้วย บทนำเหล่านี้มีความเกี่ยวข้องอย่างต่อเนื่องกับ Grave เริ่มต้นในการทาบทามโอเปร่าของฝรั่งเศส (เช่น การทาบทามของ Lully และ Rameau) เช่นเดียวกับการเคลื่อนไหวเปิดใน Concerti Grcssi บางรายการและในห้องสวีท (เช่น ห้องชุดภาษาอังกฤษสำหรับคลาเวียร์หรือวงออเคสตรา ห้องชุดของ J. S. Bach) การแนะนำอย่างช้าๆ ในซิมโฟนีในลอนดอนของ Haydn มักจะไม่เชื่อมโยงกับอัลเลโกรที่ตามมา อย่างไรก็ตาม มีข้อยกเว้น: ตัวอย่างเช่น ธีมเปิดจากซิมโฟนีใน E-flat major หมายเลข 103 (“พร้อมลูกคอ timpani”) จะปรากฏในรูปแบบพื้นฐานในโคดาของการเคลื่อนไหวครั้งแรก และในรูปแบบที่แตกต่างกันในการพัฒนา .
จากธีมของบทนำไปจนถึงซิมโฟนีใน D major Ns 101 (“The Hours”) ธีมของส่วนหลักของการเคลื่อนไหวครั้งแรกเติบโตขึ้น ชื่อนี้เช่นเดียวกับชื่ออื่น ๆ ของซิมโฟนีของ Haydn ("ทหาร", "ด้วยผลกระทบของทิมปานี", "หมี" ฯลฯ ) ไม่ได้รับจากผู้แต่งเองและเกี่ยวข้องกับบางส่วน สัญญาณภายนอกดนตรี.

ในซิมโฟนีส่วนใหญ่ของ Haydn ไม่มีการเชื่อมโยงเฉพาะเรื่องโดยตรงระหว่างการแนะนำอย่างช้าๆ และอัลเลโกร ความแตกต่างที่ชัดเจนระหว่างการแนะนำอย่างช้าๆ กับเพลงอัลเลโกรในเวลาต่อมา ช่วยชดเชยการขาดความแตกต่างในลักษณะของท่อนหลักและท่อนรอง ซึ่งเป็นเรื่องปกติในซิมโฟนี "ลอนดอน" ของ Haydn ทั้งสองเพลงมักเป็นเพลงพื้นบ้านและลักษณะการเต้นรำ มีเพียงคอนทราสต์ของโทนสีเท่านั้น: โทนเสียงหลักของส่วนหลักจะตัดกับโทนเสียงที่โดดเด่นของส่วนด้านข้าง
แม้ว่าส่วนหลักและรองต่างกันในเนื้อหาที่เป็นใจความ แต่ก็มีความคล้ายคลึงกันในธรรมชาติของดนตรีและในโครงสร้างที่เป็นรูปเป็นร่างเป็นส่วนใหญ่

มีหลายกรณีในซิมโฟนีของ Haydn บ่อยครั้งเมื่อส่วนหลักและรองถูกสร้างขึ้นจากเนื้อหาที่เป็นธีมเดียวกัน ในขณะที่ส่วนสุดท้ายจะขึ้นอยู่กับวัสดุใหม่ ตัวอย่างคือการเคลื่อนไหวครั้งแรกของซิมโฟนี “Military” ใน G Major หมายเลข 100
แก่นเรื่องของส่วนหลักและส่วนสุดท้ายไม่มีความแตกต่างกันในลักษณะตัวละครทั่วไป ลักษณะการเต้นของพวกเขาไม่ต้องสงสัยเลย

ส่วนหลักและส่วนรองมีพื้นฐานมาจากเนื้อหาที่เหมือนกันในซิมโฟนีใน D Major (หมายเลข 104)
อย่างที่คุณเห็นความแตกต่างระหว่างส่วนหลักและส่วนรองเป็นเพียงโทนเสียง (ส่วนหลักอยู่ในคีย์หลัก ส่วนรองอยู่ในคีย์ที่โดดเด่น)
ตามแบบฉบับของ Haydn การนัดหมายครั้งต่อไปสร้างเอฟเฟกต์ที่ตลกขบขัน: กลุ่ม เครื่องสายนำโดยไวโอลินตัวแรกเล่นเพลงเปียโนในส่วนหลัก แต่ในขณะที่ธีมจบลงด้วยโทนิคของคีย์หลัก วงออเคสตรา tutti ทั้งหมดก็บุกเข้ามาที่โทนิคทรีแอดฟอร์เต้หรือฟอร์ติสซิโม พังทลายลงอย่างร่าเริงด้วยเสียงจำนวนมากและให้ความแตกต่างแบบไดนามิกที่คมชัดกับธีมที่เพิ่งฟัง .

การพัฒนาได้รับการพัฒนาอย่างมีนัยสำคัญในซิมโฟนีของ Haydn สิ่งใหม่ๆ ที่นี่คือการพัฒนาสร้างขึ้นจากการแยกแรงจูงใจ: ส่วนสั้นๆ แต่มีความกระตือรือร้นมากที่สุดจะถูกแยกออกจากธีมของส่วนหลักหรือส่วนรอง และผ่านการพัฒนาอย่างอิสระ ปรับโทนเสียงต่างๆ อย่างต่อเนื่อง ผ่านเครื่องมือต่างๆ และในรีจิสเตอร์ที่แตกต่างกัน . สิ่งนี้ทำให้การพัฒนามีลักษณะแบบไดนามิกและทะเยอทะยาน

ในบางกรณี การพัฒนาดังกล่าวเกิดขึ้นอย่างเหนือชั้นอย่างมาก การผสมผสานที่เฉียบแหลม การเปลี่ยนแปลงที่ไม่คาดคิด และการเทียบเคียงของวรรณยุกต์มักจะสร้างเอฟเฟกต์ที่ตลกขบขันและบางครั้งก็ดราม่า ทั้งนี้ขึ้นอยู่กับบริบทโดยรวม ในที่สุดก็มาถึงส่วนที่โดดเด่นของคีย์หลักแล้วและการบรรเลงก็เริ่มต้นขึ้น แต่หลังจากการพัฒนาซึ่งเนื้อหาเฉพาะเรื่องของอัลเลโกรต้องได้รับการพัฒนาอย่างเข้มข้น การบรรเลงใหม่จึงไม่ใช่การทำซ้ำการอธิบายซ้ำๆ แม้ว่าการกลับมาของเนื้อหาหลักและส่วนรองอย่างเป็นทางการและอยู่ในลำดับเดียวกันก็ตาม
ต่างจากการอธิบาย ทั้งสองธีมในการบรรเลงเสียงในคีย์หลัก จึงเป็นการยืนยันโทนิคอย่างเด็ดขาด

การเคลื่อนไหวครั้งที่สอง (ช้า) มีลักษณะที่แตกต่างกัน: บางครั้งก็เป็นโคลงสั้น ๆ ที่มีการไตร่ตรองอย่างมีสมาธิ เข้มข้น บางครั้งก็เหมือนเพลง ในบางกรณีก็เหมือนเดินขบวน และก็แตกต่างกันไปตามรูปแบบ ส่วนใหญ่มักจะมีรูปแบบสามส่วนและรูปแบบที่หลากหลายที่ซับซ้อน ตัวอย่างเช่น การเคลื่อนไหวครั้งที่สอง (Andante) จากซิมโฟนีใน E-flat major No. SW (“with tremolo timpani”) ซึ่งเป็นธีมหลักที่ Haydn ยืมมาจากเพลงพื้นบ้านของโครเอเชียเขียนในรูปแบบ double รูปแบบต่างๆ

อีกธีมหนึ่งซึ่งมีความเกี่ยวข้องกับธีมแรกในระดับประเทศ แต่ตรงกันข้ามกับแบบกิริยา (ธีมหลักที่มีชื่อเดียวกัน) มีลักษณะคล้ายการเดินขบวน

ใน แบบฟอร์มการเปลี่ยนแปลงส่วนที่สองของซิมโฟนีใน G Major หมายเลข 94 เขียน; หัวข้อในส่วนนี้ได้รับความนิยมอย่างมากและเป็นที่รู้จักของทุกคนตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา วัยเด็กเสียงในเพลงของ Simon จากบทเพลง "The Seasons" ของ Haydn

การเคลื่อนไหวครั้งที่สอง (Andante) ของ Symphony หมายเลข 104 ใน D major เขียนในรูปแบบสามส่วนที่ซับซ้อน โดยมีช่วงกลางที่กำลังพัฒนา และการบรรเลงที่หลากหลายและขยายออกไป ซึ่งมีองค์ประกอบของการพัฒนาด้วย
การเคลื่อนไหวครั้งที่สองของซิมโฟนี D เมเจอร์หมายเลข 100 (“นาฬิกา”) อีกอันหนึ่งมีรูปแบบคล้ายคลึงกัน (ชื่อนี้ตั้งให้กับซิมโฟนีเนื่องจากการเคลื่อนไหวที่ซ้ำซากจำเจ (“การฟ้องของนาฬิกา”) ของดนตรีประกอบใน การเคลื่อนไหวครั้งที่สอง) ในทั้งสองกรณี กระบวนการพัฒนาในช่วงกลางของรูปแบบสามส่วนทำให้เกิดดราม่าบางอย่าง

การเคลื่อนไหวครั้งที่สามของซิมโฟนี "ลอนดอน" ของ Haydn มักถูกเรียกว่า "Menuetto" ("Minuet") แต่ในอนุสัญญาของเขา Haydn ไปไกลจากอนุสัญญาในศาลที่กล้าหาญและสง่างาม บทเพลงซิมโฟนีของ Haydn หลายบทได้รับตัวละครจากการเต้นรำในหมู่บ้านด้วยท่าเดินที่ค่อนข้างหนักหน่วง ท่วงทำนองที่ไพเราะ สำเนียงที่ไม่คาดคิด และการเปลี่ยนจังหวะ ซึ่งมักจะสร้างเอฟเฟกต์ที่ตลกขบขัน ขนาดสามจังหวะของมินูเอตแบบดั้งเดิมยังคงอยู่ แต่เนื้อหาที่เป็นรูปเป็นร่างและความหมายของดนตรีจะแตกต่างออกไป: มินูเอตสูญเสียความซับซ้อนของชนชั้นสูงและกลายเป็นการเต้นรำแบบประชาธิปไตยในชนบทและเป็นชาวนา รูปแบบของมินูเอตคลาสสิก (รวมถึงของ Haydn) มักจะซับซ้อนเสมอ เป็นแบบสามชุด โดยมีการเรียบเรียง (“รูปแบบ da capo”) และมักจะมีจุดกลางที่ตัดกัน บ่อยครั้งที่ส่วนตรงกลางของมินูเอต (ทรีโอ) มีความโดดเด่นด้วยเครื่องมือที่โปร่งใส ไดนามิกที่นุ่มนวลและเงียบ (เปียโนหรือเปียโน) ความซับซ้อนบางอย่างและ "ความกล้าหาญ" ซึ่งสร้างความแตกต่างกับส่วนสุดขั้วและส่วนหลัก ซึ่งในพลวัตของมือขวา เครื่องดนตรีที่โดดเด่นและหนาแน่นกว่า (tutti วงดนตรี) ซึ่งสำเนียงที่คมชัดของ sforzando ทำให้ดนตรีมีลักษณะเป็นการเต้นรำพื้นบ้านที่หนักหน่วง

ในตอนจบของซิมโฟนีของ Haydn ภาพแนวเพลงที่ย้อนกลับไปสู่เพลงเต้นรำโฟล์คมักจะดึงดูดความสนใจ ตอนจบที่รวดเร็วนำบทสรุปที่ร่าเริงมาสู่ซิมโฟนีที่มีจังหวะสนุกสนาน ตอนจบของซิมโฟนีในลอนดอนของ Haydn เขียนในรูปแบบโซนาตา เช่น Symphony No. 104 ใน D Major แต่รูปแบบ Rondo Sonata จะพบได้บ่อยกว่า (Symphony in E flat Major No. 103)
ในซิมโฟนีอินดีเมเจอร์ (หมายเลข 104) ธีมของส่วนหลักของตอนจบคือเพลงพื้นบ้านโครเอเชียยอดนิยมที่ได้รับการดัดแปลง ยังเกี่ยวข้องกับเพลงพื้นบ้านของเช็ก “Be with me, my dear” ทำนองเต้นรำนี้ตัดกับท่อนร้องของท่อนด้านข้างด้วย

ตอนจบเกือบทั้งหมดของซิมโฟนี "ลอนดอน" ของ Haydn ใช้เทคนิคการแปรผันและการพัฒนาโพลีโฟนิก (การเลียนแบบ) อย่างกว้างขวาง ซึ่งช่วยกระตุ้นการเคลื่อนไหวอย่างรวดเร็วของดนตรีและไดนามิก ทำให้โครงสร้างทั้งหมดเคลื่อนที่ได้

วงออเคสตราในซิมโฟนีของ Haydn มีลักษณะเป็นคู่ตามปกติ: 2 ฟลุต, โอโบ 2 อัน, บาสซูน 2 อัน, เขา 2 อัน, ทรัมเป็ต 2 อัน, กลองทิมปานีหนึ่งคู่, กลุ่มเครื่องสาย; ทองเหลือง "หนัก" (ทรอมโบน, ทูบา) ขาดหายไปโดยสิ้นเชิง ทรอมโบนดังที่ทราบกันดีว่าจะใช้เป็นครั้งแรกในดนตรีซิมโฟนีเฉพาะในตอนจบของซิมโฟนีของเบโธเฟนบางรายการเท่านั้น ในบรรดาเครื่องดนตรีประเภทเครื่องเป่าลมไม้ ไม่ใช่ซิมโฟนีของ Haydn ทั้งหมดที่ใช้คลาริเน็ต (คลาริเน็ตซึ่งประดิษฐ์ขึ้นในศตวรรษที่ 17 ถูกนำมาใช้ในทางปฏิบัติกับซิมโฟนีโดยผู้แต่งของโรงเรียน Mannheim) ในซิมโฟนี G Major (“War”) คลาริเน็ตจะเข้าร่วมเพียง ในการเคลื่อนไหวครั้งที่สอง เฉพาะในดนตรีซิมโฟนี "ลอนดอน" สองเพลงสุดท้ายของ Haydn (E-flat major และ D major) เท่านั้นที่จะมีคลาริเน็ต 2 ตัวพร้อมกับขลุ่ย โอโบ และบาสซูนคู่หนึ่ง
ไวโอลินตัวแรกเล่นบทบาทนำซึ่งได้รับความไว้วางใจให้นำเสนอเนื้อหาเฉพาะเรื่องหลัก แต่ฟลุตและโอโบก็มีส่วนร่วมอย่างแข็งขันในการนำเสนอและพัฒนาการของมัน ไม่ว่าจะเพิ่มไวโอลินเป็นสองเท่าหรือสลับกับไวโอลินในการดำเนินการตามธีมหรือข้อความของมัน เชลโลและดับเบิ้ลเบสเล่นในแนวเบสเดียวกัน ดับเบิ้ลเบสจะต่ำกว่าเชลโลเพียงออคเทฟเท่านั้น ดังนั้นในคะแนนของ Haydn ส่วนต่างๆ จึงเขียนอยู่ในบรรทัดเดียวกัน
ตามกฎแล้วแตรและทรัมเป็ตทำหน้าที่ได้ค่อนข้างเรียบง่ายโดยเน้นความกลมกลืนและจังหวะที่นี่และที่นั่น เฉพาะในกรณีที่เครื่องดนตรีทั้งหมดของวงออเคสตรา (tutti) เล่นธีมมือขวาพร้อมเพรียงกัน เขาและแตรจะมีส่วนร่วมอย่างเท่าเทียมกันกับเครื่องดนตรีอื่นๆ แต่กรณีดังกล่าวเกิดขึ้นไม่บ่อยนัก เราสามารถยกตัวอย่างส่วนหลักจากซิมโฟนีหมายเลข 97 ในซีเมเจอร์ซึ่งแสดงโดยวงออเคสตราตุตติทั้งหมด

ประเภทของดนตรีซิมโฟนีรวมถึงคอนเสิร์ตสำหรับเครื่องดนตรีต่าง ๆ พร้อมวงออเคสตรา Haydn เขียนคอนแชร์โตประมาณห้าสิบรายการสำหรับเปียโน ไวโอลิน เชลโล และเครื่องดนตรีประเภทลมต่างๆ โดยปกติแล้วจะนำเสนอวงจรสามส่วน (โซนาตาอัลเลโกร การเคลื่อนไหวช้า และตอนจบที่รวดเร็ว) คอนแชร์โตของ Haydn ผสมผสานหลักการของดนตรีโซโลและคอนแชร์โต-ซิมโฟนิก ซึ่งเป็นเรื่องปกติสำหรับแนวเพลงนี้โดยทั่วไป คุณสมบัติอันชาญฉลาดและการแสดงออกของเครื่องดนตรีเดี่ยวที่เป็นไปได้ในยุคนั้นถูกนำมาใช้อย่างสูงสุด ในแง่ของเสียงออเคสตรา (โดยเฉพาะอย่างยิ่งในช่วงเวลาของ tutti ในการแสดงดนตรีออเคสตราของการเคลื่อนไหวครั้งแรก ฯลฯ) ทั้งในด้านขนาดและในวิธีการพัฒนาเนื้อหาเฉพาะเรื่อง คอนเสิร์ตของ Haydn ในช่วงวัยผู้ใหญ่ของเขาไม่ได้ด้อยไปกว่าซิมโฟนีเลย
ประเภทของซิมโฟนีและการบรรยายมีมาก่อน Haydn แต่งานของ Haydn เป็นหนึ่งในจุดสูงสุดของดนตรีซิมโฟนีของยุโรปในช่วงเริ่มต้นของการพัฒนา

โจเซฟ ไฮเดิน (1732–1809)

ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ Haydn ถูกเรียกว่าบิดาแห่งซิมโฟนี จากเขาที่ประเภทนี้ได้รับความสมบูรณ์แบบแบบคลาสสิกและกลายเป็นพื้นฐานที่ซิมโฟนิสต์เติบโตจากเบโธเฟนจนถึงปัจจุบัน งานส่วนใหญ่ของ Haydn อุทิศให้กับซิมโฟนี: เขาอุทิศเวลา 35 ปีในการสร้างผลงานมากกว่าร้อยชิ้น (มีการตีพิมพ์ 104 ชิ้น ไม่ทราบจำนวนที่แน่นอน) มันอยู่ในซิมโฟนีที่คุณสมบัติหลักของทั้งความคิดสร้างสรรค์และบุคลิกภาพของเขาได้รับการเปิดเผยอย่างเต็มที่ที่สุด - วิญญาณชาวนาที่แข็งแกร่ง, การเชื่อมโยงอย่างแยกไม่ออกกับดินแดนและผู้คนที่ให้กำเนิดเขา, ศรัทธาที่ไม่สั่นคลอนในความดี, ความอดทนไม่สิ้นสุด, ความร่าเริง อารมณ์ขันเจ้าเล่ห์และพัฒนาทักษะอย่างต่อเนื่อง สร้างขึ้นเมื่อกว่าสองศตวรรษก่อน โดยยังคงกระตุ้นความสนใจและการตอบสนองทางอารมณ์ มีเสน่ห์ด้วยความกลมกลืน ความชัดเจน และรูปแบบคลาสสิก

Haydn เป็นคนแรกที่สร้างตัวอย่างที่สมบูรณ์ของแนวเพลงชั้นนำอื่น ๆ ของยุคคลาสสิก - วงเครื่องสาย, โซนาตาคีย์บอร์ด นอกจากนี้เขายังเป็นนักแต่งเพลงคนแรกที่เขียน oratorios ฆราวาสในภาษาเยอรมัน ซึ่งได้รับการจัดอันดับควบคู่ไปกับความสำเร็จที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคบาโรก - oratorios ภาษาอังกฤษของ Handel และบทเพลงเยอรมันของ Bach และแนวเพลงทางจิตวิญญาณของ Haydn ก็มีความสำคัญมาก: เช่นเดียวกับงานมิสซาในยุคก่อน ๆ ของ Mozart มิสซาของ Haydn ก็เป็นหนึ่งในจุดสูงสุดของโรงเรียนคลาสสิกเวียนนา นอกจากนี้เขายังจ่ายส่วยให้กับดนตรีประเภทร้องอื่น ๆ แต่โอเปร่าและเพลงมากมายของเขาไม่ได้ทิ้งร่องรอยสำคัญไว้ในประวัติศาสตร์ดนตรี

ฟังผลงานของ Haydn คุณจินตนาการได้นาน ชีวิตมีความสุขผู้สร้างของพวกเขา แท้จริงแล้วชีวิตของนักแต่งเพลงนั้นยาวนาน: เขาเขียนเรียงความครั้งสุดท้ายเมื่ออายุ 71 ปี อย่างไรก็ตาม ชีวิตนี้มีความสุขน้อยมาก วัยรุ่นที่หิวโหยของเขาเมื่อเขาต้องการไปวัดเพื่อจะได้กินให้อิ่มอย่างน้อยหนึ่งครั้งก็หลีกทางให้เด็กจรจัดคนหนึ่ง วัยผู้ใหญ่กลับกลายเป็นว่าถูกบังคับ “เป็นเรื่องน่าเศร้าที่ต้องเป็นทาสมาโดยตลอด” เราอ่านจดหมายจาก Haydn วัยเกือบหกสิบปี ความคิดสร้างสรรค์กลายเป็นความรอดของเขา และผู้แต่งหวังว่ามันจะนำมาซึ่งการปลอบใจไม่เฉพาะกับเขาเท่านั้น: “บ่อยครั้งเมื่อฉันต่อสู้กับอุปสรรค หลากหลายชนิดที่เกิดขึ้นตามเส้นทางการทำงานของฉันเมื่อฉันรู้สึกว่ากำลังของวิญญาณและร่างกายของฉันลดลงและยากสำหรับฉันที่จะอยู่ในสาขาที่ฉันเลือกความรู้สึกที่ซ่อนอยู่กระซิบกับฉัน: "มีน้อยที่พอใจและ ผู้มีความสุขในโลกนี้ เขาถูกติดตามไปทุกที่ด้วยความเอาใจใส่และความโศกเศร้า บางทีงานของคุณบางครั้งอาจทำหน้าที่เป็นแหล่งให้คนที่แบกภาระด้วยความกังวลหรือเหนื่อยล้าจากการทำงานได้พักผ่อนและกระปรี้กระเปร่า” สิ่งนี้เป็นแรงผลักดันอันทรงพลังสำหรับฉัน บังคับให้ฉันต้องมุ่งมั่นไปข้างหน้า และนี่คือเหตุผลที่ฉันมองย้อนกลับไปด้วยแรงบันดาลใจอันสนุกสนานในงานที่ฉันได้ทำเพื่อศิลปะดนตรีตลอดหลายปีที่ผ่านมาด้วยความกระตือรือร้นอย่างไม่หยุดยั้ง ”

เมื่ออายุได้หกสิบเท่านั้น Haydn ผู้ซึ่งเปิดและสรุปโน้ตเพลงซิมโฟนีของเขาอย่างสม่ำเสมอด้วยสูตรความกตัญญูที่เป็นที่ยอมรับของผู้สร้างภาษาละตินได้รับชื่อเสียงซึ่งเขามีความสุขอย่างถูกต้องมาเกือบยี่สิบปี Haydn ได้รับตำแหน่งกิตติมศักดิ์ของดุษฎีบัณฑิตสาขาดนตรีจากมหาวิทยาลัยออกซ์ฟอร์ดในอังกฤษ (พ.ศ. 2334) สมาชิกของ Royal Swedish Academy of Music (พ.ศ. 2341) สมาชิกกิตติมศักดิ์ของ Dutch Society of Merit และสมาชิกของ French Academy (พ.ศ. 2344) เหรียญทองแห่งเมืองเวียนนา (พ.ศ. 2346) และตำแหน่งพลเมืองกิตติมศักดิ์ ( พ.ศ. 2347) สมาชิกกิตติมศักดิ์ของ St. Petersburg Philharmonic Society ซึ่งออกเหรียญทองในโอกาสนี้ (พ.ศ. 2351) ในเวลาเดียวกันเวียนนาเฉลิมฉลองวันเกิดครบรอบ 76 ปีของ Haydn อย่างเคร่งขรึมและนักวิจัยชาวเยอรมันและอิตาลีสองคนตัดสินใจเขียนชีวประวัติของเขาซึ่งพวกเขาได้พบกับผู้แต่งและเขียนข้อความของเขาด้วยความเคารพ ชีวประวัติทั้งสามนี้ปรากฏขึ้นทีละเล่มหลังจากการตายของ Haydn ไม่นาน ในบรรดาคำพูดของเขามีดังต่อไปนี้:“ ฉันได้สื่อสารกับจักรพรรดิกษัตริย์สุภาพบุรุษผู้ยิ่งใหญ่มากมายและได้ยินจากพวกเขามากมายเกี่ยวกับตัวฉันที่น่ายกย่อง…” จุดเริ่มต้นของการเดินทางในชีวิตของเขาไม่ได้บอกล่วงหน้าถึงเกียรติยศดังกล่าวสำหรับบุตรชายของ ผู้ผลิตรถม้าจากโลว์เออร์ออสเตรีย Joseph Haydn เกิดเมื่อวันที่ 31 มีนาคม พ.ศ. 2275 ในหมู่บ้าน Rohrau และเป็นลูกคนที่สองในจำนวนสิบคนในครอบครัวช่างทำรถม้าที่ค่อนข้างเจริญรุ่งเรือง พ่อของฉันซึ่งเป็นช่างฝีมือผู้ชำนาญก็มีส่วนร่วมในงานชาวนาและเป็นผู้ตัดสินตลาด ในวัยเยาว์เขาเดินทางบ่อยครั้งและเรียนรู้การเล่นพิณโดยไม่รู้ตัวโน้ต แม่ของเขาซึ่งเป็นแม่ครัวที่อาศัยอยู่ก่อนแต่งงานในบ้านของเคานต์ฮาร์รัคในโรห์เรา ซึ่งมักมีการแสดงดนตรีก็เป็นส่วนหนึ่งของดนตรีเช่นกัน

โลเออร์ออสเตรียเป็นดินแดนข้ามชาติมายาวนาน นอกจากประชากรพื้นเมืองแล้ว ชาวฮังกาเรียนและยิปซียังอาศัยอยู่ที่นี่ ซึ่งเป็นลูกหลานของผู้ตั้งถิ่นฐานชาวเยอรมันจากสวาเบีย ซึ่งครั้งหนึ่งเคยหนีจากการประหัตประหารทางศาสนา และชาวสลาฟโครแอตที่หนีจากพวกเติร์ก ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่หมู่บ้านพื้นเมืองของ Haydn นอกเหนือจากชื่อภาษาเยอรมันแล้วยังใช้ชื่อสลาฟ Tretnik อีกด้วย เมื่อเป็นเด็ก นักแต่งเพลงในอนาคตได้ฟังท่วงทำนองพื้นบ้านต่าง ๆ มากมายซึ่งเขาจำได้จนกระทั่งบั้นปลายชีวิตและใช้จนกระทั่งซิมโฟนีครั้งสุดท้าย

ความสามารถทางดนตรี เสียง และการได้ยินของเด็กชายถูกค้นพบตั้งแต่เนิ่นๆ ในช่วงปีที่กำลังถดถอย เขาจำได้ว่าตอนอายุได้ 5 ขวบเขาร้องเพลงร่วมกับพ่อที่เล่นฮาร์ปเป็นท่อนๆ และในปีที่ 6 เขาเล่นคลาเวียร์ ไวโอลิน และร้องเพลงในคณะนักร้องประสานเสียงของโบสถ์ที่แสดงมวลชน ในปี 1737 พ่อของเขาส่งเขาไปเรียนกับญาติ I.M. Frank ซึ่งเป็นอธิการบดีของโรงเรียนแห่งหนึ่งในเมือง Hainburg ที่อยู่ใกล้เคียง เขาสอนเด็กๆ ไม่เพียงแต่การอ่าน การเขียน และเลขคณิต (อย่างไรก็ตาม Haydn ไม่เคยเขียนจดหมายแม้แต่ตัวเดียวโดยไม่มีข้อผิดพลาด) แต่ยังร้องเพลงและเล่นไวโอลินด้วย แฟรงก์เป็นผู้อำนวยการคณะนักร้องประสานเสียงของโบสถ์ประจำเขตซึ่งมีส่วนร่วมในการรับใช้โดยแสดงผลงานที่ไม่ยากเกินไปทั้งแบบไม่มีดนตรีประกอบและมีออร์แกน ไวโอลิน และบางครั้งก็ใช้เครื่องดนตรีทองเหลืองและกลองทิมปานี

ไฮเดินเรียนรู้การเล่นกลองทิมปานีเป็นครั้งแรก จากนั้นจึงเชี่ยวชาญเรื่องเครื่องสายและเครื่องสาย “ฉันจะรู้สึกขอบคุณครูคนนี้ไปจนตายที่ทำให้ฉันเรียนรู้มากมาย” ไฮเดินกล่าวในวัยชรา “แต่ฉันยังคงได้รับผ้าพันแขนมากกว่าอาหาร”

เสียงแหลมอันไพเราะและการทำงานหนักของเขาทำให้เด็กชายคนนี้โด่งดังไปทั้งเมืองและเมื่อเขามาถึงที่นั่น นักแต่งเพลงชาวเวียนนาผู้ควบคุมวงของมหาวิหารเซนต์สตีเฟน G. von Reuter ผู้คัดเลือกนักร้องรุ่นเยาว์ชอบ Haydn ดังนั้นเมื่ออายุ 8 ขวบ เขาจึงกลายเป็นนักร้องประสานเสียงในอาสนวิหารเวียนนาที่ใหญ่ที่สุด และจนกระทั่งเขาอายุ 17 ปี เขาศึกษาการร้องเพลง เล่นไวโอลิน และแต่งเพลง จริงอยู่ รอยเตอร์ซึ่งมีภาระรับผิดชอบมากมายและหมกมุ่นอยู่กับงานราชสำนัก เขาจัดบทเรียนให้เขาได้เพียงสองบทเรียนระหว่างเก้าปีของไฮเดินในโบสถ์ แต่เด็กชายศึกษาอย่างอิสระและพยายามแต่งผลงานทางจิตวิญญาณแบบโพลีโฟนิกด้วยซ้ำ เขาดึงดูดความสนใจของจักรพรรดินีมาเรียเทเรซาเองซึ่งไม่ได้ขัดขวางไม่ให้เขาถูกโยนออกไปที่ถนนเมื่อเสียงของเขาดังขึ้น

ในเดือนพฤศจิกายน ค.ศ. 1749 แปดปีที่ยากลำบากที่สุดในชีวิตของไฮเดินเริ่มต้นขึ้น เขาให้บทเรียนร้องเพลงในคณะนักร้องประสานเสียงในโบสถ์เล่นไวโอลินในวงดนตรีร่วมกับนักร้อง แต่ไม่เคยหมดใจและศึกษาอย่างตะกละตะกลาม: จากนักแต่งเพลงโอเปร่าชาวอิตาลี N. Porpora จ่ายโดยร่วมกับนักร้องนักเรียนของเขาวิเคราะห์โซนาตาคีย์บอร์ดของ F.E. ,เรียนหนังสือเกี่ยวกับการแต่งเพลง,ฟังเพลงของกรุงเวียนนา และเธอก็แตกต่างออกไปมาก การแสดงดนตรีและดนตรีอันไพเราะตามท้องถนนมีการแสดงคอเมดี้ออสเตรียพร้อมเพลงพื้นบ้านเรียบง่ายและโอเปร่าอิตาลีอันเขียวชอุ่มในโรงละคร เพลงศักดิ์สิทธิ์ไม่เพียงฟังในมหาวิหารเท่านั้น แต่ยังฟังตามท้องถนนด้วย

ไฮเดินผู้ซึ่งพูดตามคำพูดของเขาเองว่า “แต่งเพลงอย่างขยันขันแข็งจนดึกดื่น” ทำงานเข้ามา ประเภทที่แตกต่างกัน- ผลงานชิ้นแรกที่ยังมีชีวิตอยู่คืองานชิ้นเล็กๆ ที่เขียนขึ้นราวปี 1750 ในปีต่อมา เพลงของเขาเรื่อง "The Lame Demon" ได้จัดแสดงที่โรงละครในย่านชานเมืองเวียนนา "At the Carinthian Gate" พ.ศ. 2298 มีวงเครื่องสายชุดแรก พ.ศ. 2302 เป็นวงซิมโฟนีชุดแรก แนวเพลงเหล่านี้ ยกเว้นเพลงเดี่ยว จะกลายเป็นแนวเพลงที่สำคัญที่สุดในงานของผู้แต่งในเวลาต่อมา

สิ่งที่สำคัญที่สุดคือวงเครื่องสายซึ่งเป็นหนึ่งในแนวเพลงแนวคลาสสิกชั้นนำ สี่คนดังขึ้นบนถนนในกรุงเวียนนา ในบ้านของประชาชนทั่วไป และในพระราชวังของขุนนาง และ Haydn ได้สร้างพวกมันมาตลอดชีวิต - วงแรกของเขาถูกทำเครื่องหมายบทประพันธ์ 1 และ 43 ปีต่อมาผู้แต่งเขียนวงหมายเลข 83 บทประพันธ์ 103 - มันกลายเป็นงานชิ้นสุดท้ายของ Haydn

ชื่อเสียงที่นักดนตรีหนุ่มค่อยๆ ได้รับในเวียนนาช่วยให้เขาได้งานแรกกับเคานต์มอร์ซิน ไฮเดินเขียนซิมโฟนีห้าเพลงแรกสำหรับโบสถ์ของเขา (พ.ศ. 2302–2304) ภายในหนึ่งปีครึ่งของการทำงานให้กับเคานต์ เขาได้แต่งงานกันด้วยวิธีที่คาดไม่ถึงที่สุด นักแต่งเพลงวัย 28 ปีหลงรักลูกสาวคนเล็กของช่างทำผมในราชสำนัก แต่เธอเกษียณไปอยู่ที่วัดและเขาก็กลายเป็นสามีของเธอ พี่สาวมาเรีย แอนนา เคลเลอร์ วัย 32 ปี การแต่งงานล้มเหลวอย่างยิ่ง ภรรยาของ Haydn เป็นคนหยาบคาย ฉุนเฉียว สิ้นเปลือง และไม่เห็นคุณค่าความสามารถของสามีของเธอ เธอใช้ต้นฉบับของเขาสำหรับนักม้วนผมและย่อมาจากหัวปาท ชีวิตครอบครัว - ปราศจากความรัก ความสะดวกสบายที่บ้าน ลูกที่ต้องการ - กินเวลาเกือบสี่สิบปี

ปี พ.ศ. 2304 เป็นจุดเปลี่ยนในชีวิตของนักแต่งเพลงเมื่อวันที่ 1 พฤษภาคมเขาได้ทำสัญญากับเจ้าชาย P. A. Esterhazy และเป็นเวลาเกือบสามสิบปีจนกระทั่งพี่ชายและทายาทของเขาเสียชีวิต (พ.ศ. 2333) เขายังคงเป็นผู้ควบคุมศาลในเรื่องนี้ ตระกูลขุนนางฮังการีผู้มั่งคั่ง เจ้าชาย Esterhazy อาศัยอยู่ในเวียนนาเฉพาะในฤดูหนาว ที่อยู่อาศัยหลักของพวกเขาอยู่ในเมืองเล็ก ๆ แห่ง Eisenstadt และที่ดิน Esterhazy และไฮเดินต้องแลกกับการอยู่ในเมืองหลวงซึ่งเต็มไปด้วยความประทับใจทางศิลปะมากมาย เพื่อการดำรงอยู่อย่างน่าเบื่อหน่ายในอสังหาริมทรัพย์เป็นเวลาหกปี หลังจากการสิ้นพระชนม์ของเจ้าชายพอล แอนตัน นิโคเลาส์น้องชายของเขาได้ปรับปรุงและขยายโบสถ์น้อย ซึ่งปัจจุบันสามารถรองรับคนได้ 16 คน ที่ดินมีโรงละครสองแห่ง - สำหรับโอเปร่าและละครและสำหรับการแสดงหุ่นกระบอก มีคณะอิตาลีเล่นอยู่ที่นั่น

ตำแหน่งของนักแต่งเพลงค่อนข้างขึ้นอยู่กับซึ่งอย่างไรก็ตามถือว่าเป็นเรื่องปกติจนถึงทศวรรษสุดท้ายของศตวรรษที่ 18 (ในทางตรงกันข้ามการกระทำของโมสาร์ทที่เลิกกับอาร์คบิชอปแห่งซาลซ์บูร์กดูเหมือนจะผิดปกติ) ไฮด์นต้องการ ช่วงปีแรก ๆ, มีชีวิตที่สุขสบาย ชีวิตที่เงียบสงบแม้ว่าในช่วงสามทศวรรษที่ผ่านมาแม้แต่ชายผู้อ่อนโยนคนนี้ซึ่งแข็งแกร่งในการทดลองครั้งแรกซึ่งมีความอดทนและมีอารมณ์ขันก็พบว่าตัวเองจวนจะพังทลาย:“ ที่นี่ฉันกำลังนั่งอยู่ในทะเลทรายของฉัน - ถูกทอดทิ้ง - เหมือนเด็กกำพร้าที่ยากจน - เกือบจะ เมื่อไม่มีผู้คน - เศร้า... เป็นเวลาสามวันที่ฉันไม่รู้ว่าฉันเป็นหัวหน้าวงดนตรีหรือวาทยากร... ฉันนอนน้อยและแม้แต่ความฝันก็ยังหลอกหลอนฉัน” “ฉันมีเจ้าชายที่ดี แต่บางครั้งฉันก็ถูกบังคับให้พึ่งพาวิญญาณที่ต่ำต้อย ฉันมักจะถอนหายใจและฝันถึงการช่วยให้รอด…” เขาเขียนในช่วงวัยที่ตกต่ำ

สัญญาระบุรายละเอียดว่าผู้แต่งมีหน้าที่แต่งบทละครตามที่เจ้านายต้องการ ห้ามแสดงให้ใครเห็น และโดยเฉพาะอย่างยิ่งห้ามทำสำเนา และห้ามเขียนสิ่งใดให้ใครโดยไม่ได้รับอนุญาตจากเจ้าชาย เขาต้องอาศัยอยู่กับเจ้าชายที่บ้านของเขาและอาศัยอยู่ในเวียนนาน้อยกว่าที่เขาต้องการมาก Haydn ไม่เคยมีโอกาสไปเยือนอิตาลี ประเทศแห่งดนตรีคลาสสิกที่นักดนตรีทุกคนเคยไป หากเป็นไปได้ ในทางกลับกัน การไม่มีความกังวลในชีวิตประจำวันทำให้ผู้แต่งมีเวลาสำหรับความคิดสร้างสรรค์ และวงออเคสตราซึ่งอยู่ครบมือของเขา ก็ทำให้เขามีพื้นที่สำหรับการทดลอง ดังที่ Haydn เขียนไว้เองว่า “ในฐานะผู้นำวงออเคสตรา ฉันสามารถลองสังเกตสิ่งที่สร้างความประทับใจและสิ่งใดที่ทำให้มันอ่อนแอลงได้ และด้วยเหตุนี้จึงปรับปรุง เพิ่มเติม ตัดออก รับความเสี่ยง... ด้วยวิธีนี้ ฉันจึงต้องกลายเป็นคนดั้งเดิม”

ซิมโฟนียุคแรกๆ ของ Haydn เขียนขึ้นเพื่อการเรียบเรียงเพลงเล็กๆ น้อยๆ ที่เขาใช้ ได้แก่ ฟลุต โอโบสองตัว บาสซูน เขาสองตัว และเครื่องสาย แต่สิ่งนี้ไม่ได้หยุดเขาจากการสร้างภาพวาดสีสันสดใสในวงจรโปรแกรมพิเศษ "Time of Day" (1761) - ซิมโฟนี "เช้า" (หมายเลข 6), "เที่ยง" (หมายเลข 7), "เย็น" (หมายเลข 7) 8). ผู้แต่งจะได้รับโอกาสในการรวมเครื่องดนตรีใหม่ในวงออเคสตรา - ทิมปานี (เป็นครั้งแรกในซิมโฟนีหมายเลข 13) ทรัมเป็ตสองตัว (หมายเลข 20) แต่เขาไม่เคยมีโอกาสได้รู้จักกับคลาริเน็ตในเวลานั้นเลย

จำนวนการเคลื่อนไหวของซิมโฟนีของ Haydn และลักษณะเฉพาะของพวกเขายังไม่ได้รับการกำหนด: ซิมโฟนีในยุคแรกของเขามีการเคลื่อนไหวสาม, สี่, ห้าครั้ง บางเพลงเริ่มต้นด้วยการเคลื่อนไหวช้าๆ และจบลงด้วยเพลงท่วงทำนอง เฉพาะจากซิมโฟนีหมายเลข 31 เท่านั้นที่ได้รับการอนุมัติการเคลื่อนไหวสี่แบบบังคับ โดยแบบแรกคือโซนาตาอัลเลโกร Haydn เขียนอย่างรวดเร็ว: ในสี่ปี (พ.ศ. 2305-2308) เขาได้สร้างซิมโฟนีมากกว่ายี่สิบเพลง

แต่ผู้แต่งไม่เพียงแต่ยุ่งกับการสร้างซิมโฟนีและวงเครื่องสายเท่านั้น เขาดูแลโรงละครในเอสซ์เตอร์ฮาซ ภายใต้การนำของเขา มีการแสดงโอเปร่าประมาณ 90 เรื่อง ทั้งของตัวเองและผลงานของคนรุ่นราวคราวเดียวกันที่แก้ไขโดยเขา ความรักของผู้แต่งสายสัมพันธ์กับคณะละครอิตาลี เขายอมรับว่า:“ ภรรยาของฉันไม่มีลูกดังนั้นฉันจึง ... ไม่สนใจเสน่ห์ของผู้หญิงคนอื่นน้อยลง” หนึ่งในผู้มีเสน่ห์เหล่านี้คือ Luigia Polzelli ชาวเนเปิลส์วัย 19 ปี สามีของนักร้องซึ่งอายุมากกว่าเธอมากเป็นนักไวโอลิน ชีวิตครอบครัวของพวกเขาไม่ได้ผล และ Luigia ให้ความสำคัญกับ Haydn วัย 48 ปีมากกว่า เขามีความหลงใหลในตัวเธอมาหลายปี เขาขยายสัญญาของเธอได้สำเร็จ ลดความซับซ้อนของท่อนร้องและไม่เคยไว้วางใจท่อนหลักเลย โดยเข้าใจถึงข้อจำกัดของความสามารถของเธอ ไม่น่าเป็นไปได้ที่ความสัมพันธ์ระยะยาวนี้จะทำให้เขามีความสุขอย่างแท้จริง: Luigia เป็นคนใจแคบ เห็นแก่ตัว และเรียกร้องเงินอยู่ตลอดเวลา Haydn มีส่วนร่วมในการเลี้ยงดูลูกชายสองคนของเธอ อย่างไรก็ตาม หลังจากภรรยาของเขาเสียชีวิต แม้ว่า Luigi จะเรียกร้องอย่างยืนกราน แต่เขาก็ไม่ได้แต่งงานกับเธอ (ตอนนั้นเขาอายุ 68 ปี) และในพินัยกรรมฉบับสุดท้ายเขาได้ลดเงินบำนาญที่ตั้งใจไว้ในตอนแรกลงครึ่งหนึ่งเพราะ "มีความต้องการมากขึ้น กว่าเธอ”

แนวเพลงหลักของงานของ Haydn ยังคงเป็นซิมโฟนีอยู่เสมอ ในช่วงเปลี่ยนผ่านของยุค 60-70 ผลงานที่น่าสมเพชปรากฏขึ้นทีละชิ้นซึ่งมักเป็นคีย์ย่อยซึ่งต่อมาได้รับชื่อที่เหมาะสม - ไม่ใช่โดยผู้เขียน: หมายเลข 49 (1768) - "ความหลงใหล", หมายเลข 44 (สันนิษฐานว่า - พ.ศ. 2314) - งานศพ ลำดับที่ 45 (พ.ศ. 2315) - เพลงอำลา ซึ่งยังคงได้รับความนิยม พวกเขาสะท้อนให้เห็นถึงประสบการณ์ที่ยากลำบากของนักแต่งเพลง แต่ในขณะเดียวกันก็ได้ยินการตอบสนองทางอารมณ์ต่อการเคลื่อนไหวโวหารใหม่ที่เกิดขึ้นในวรรณคดีเยอรมันที่เรียกว่า "พายุและความเครียด" (หนึ่งในผลงานที่โด่งดังที่สุดของสไตล์นี้คือนวนิยายในตัวอักษร ของ J.V. Goethe “Sorrows”) หนุ่ม Werther")

นอกจากสิ่งที่น่าสมเพชแล้ว ซิมโฟนีประเภทอื่นก็ปรากฏขึ้นในปีเดียวกัน หนึ่งในเทศกาลที่รื่นเริงและยอดเยี่ยมที่สุดด้วยแตรและกลองคือหมายเลข 48 ซึ่งแสดงใน Eszterhaz เมื่อวันที่ 1 กันยายน พ.ศ. 2316 เมื่อจักรพรรดินีเสด็จเยือนคฤหาสน์ ชื่อเพลง “มาเรีย เทเรซา” ทำให้เรานึกถึงเรื่องนี้ ในขณะที่เพลงซิมโฟนีอื่นๆ ได้รับการตั้งชื่อโดยผู้ฟังตามรายละเอียดของเพลงที่โดนใจพวกเขา ดังนั้น ลำดับที่ 55 ซึ่งมีรูปแบบการเคลื่อนไหวครั้งที่สองที่ชัดเจนและอวดรู้จึงเรียกว่า “ ครูโรงเรียน- หมายเลข 73 เลียนแบบเสียงแตรล่าสัตว์ในตอนจบ - "การล่าสัตว์"; หมายเลข 82 เลียนแบบเพลงสุดท้ายของหมีนำทางกับพื้นหลังปี่ฮัมเพลง - "หมี"; หมายเลข 83 พร้อมธีมข้างหัวเราะเยาะของการเคลื่อนไหวครั้งแรก “ไก่” ฯลฯ

ซิมโฟนีสองเพลงสุดท้ายเป็นหนึ่งในซิมโฟนีของปารีส (หมายเลข 82–87) และเป็นพยานถึงความนิยมของ Haydn ซึ่งข้ามพรมแดนของออสเตรียในช่วงทศวรรษที่ 70 และ 80 เขียนขึ้นตามคำสั่งของสมาคมคอนเสิร์ตชาวปารีส ซึ่งใช้ชื่อ Masonic ว่า "Olympic Lodge" ในเวลาเดียวกันในช่วงกลางทศวรรษที่ 80 นักแต่งเพลงได้รับคำสั่งจากมาดริด (oratorio "The Seven Words of the Saviour on the Cross") และ Naples (คอนเสิร์ตสำหรับเครื่องดนตรีหายาก - hurdy-gurdy บรรเลงโดยกษัตริย์) ผลงานของเขาได้รับการตีพิมพ์ในลอนดอน และผู้ประกอบการชาวอังกฤษที่แข่งขันกันเชิญเขาไปทัวร์ แต่สิ่งที่น่าทึ่งที่สุดคือในวันที่ 27 เมษายน พ.ศ. 2324 มีการแสดงซิมโฟนีของ Haydn สองเพลงในนิวยอร์ก! ชื่อของเขากำลังโด่งดังในรัสเซีย ในตอนท้ายของปี 1781 เมื่อจักรพรรดิพอลที่ 1 ในอนาคตอยู่ในเวียนนา Haydn ได้อุทิศบทประพันธ์ 33 จำนวน 6 ควอร์ตให้เขาเรียกว่า "รัสเซีย" และให้บทเรียนการเล่นฮาร์ปซิคอร์ดแก่ภรรยาของเขา

หลายปีที่ผ่านมาส่องสว่างด้วยมิตรภาพกับโมสาร์ทซึ่งไม่เคยถูกบดบังด้วยความอิจฉาหรือการแข่งขัน โมสาร์ทยืนยันว่าเขาเรียนรู้วิธีการเขียนวงเครื่องสายเป็นครั้งแรกจาก Haydn และอุทิศหกควอร์เตตของปี 1785 ให้กับเพื่อนเก่าของเขา ซึ่งปกติเขาจะเรียกว่า "Papa Haydn" พร้อมคำนำที่ซาบซึ้ง และไฮเดินก็ถือว่าโมสาร์ท” นักแต่งเพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุด“สิ่งที่โลกมีอยู่ในปัจจุบัน” และตลอดชีวิตของเขาเขาจำความประทับใจที่โมสาร์ทเล่นให้กับเขา เกือบจะพร้อมกัน ผู้แต่งทั้งสองเข้าร่วมคณะ Masonic: Mozart ใน Crowned Hope lodge, Haydn ใน Towards True Unanimity (1785) อย่างไรก็ตาม Haydn ไม่เหมือนกับ Mozart ตรงที่ไม่ได้เขียนเพลง Masonic สองทศวรรษที่ผ่านมาของชีวิตนักแต่งเพลงแตกต่างอย่างมากจากครั้งก่อน หลังจากถูกระบุว่าเป็นผู้ควบคุมศาลของ Esterhazy อย่างต่อเนื่อง ในที่สุด Haydn ก็ได้รับอิสรภาพในที่สุด สิ่งนี้เกิดขึ้นในปี พ.ศ. 2333 เมื่อทายาทของเจ้าชายนิโคลัสยุบโบสถ์ ในเวลาเดียวกันผู้แต่งย้ายไปเวียนนาและในปี พ.ศ. 2334 เขาได้เดินทางไปอังกฤษตามคำเชิญของ J.P. Salomon ผู้แสดงละครในลอนดอน ตามสัญญา Haydn ต้องเขียนซิมโฟนี 6 ซิมโฟนีและแสดงในลอนดอน นอกจากนี้ ยังแต่งโอเปร่าและผลงานอื่นอีก 20 ชิ้น ซาโลมอนจัดให้นักแต่งเพลงเป็นหนึ่งในวงออเคสตราที่ดีที่สุดในยุคนั้น ซึ่งประกอบด้วยคน 40 คน และรวมถึงคลาริเน็ตด้วย ซึ่ง Haydn ยังไม่เคยใช้ในซิมโฟนี ปีครึ่งที่เขาอยู่ในลอนดอนในระหว่างที่มีการเขียนซิมโฟนีหมายเลข 93–98 กลายเป็นชัยชนะอย่างแท้จริงสำหรับเขา

ทัวร์ลอนดอนครั้งที่สองประสบความสำเร็จไม่น้อยซึ่งกินเวลาหนึ่งปีครึ่ง (พ.ศ. 2337-2338) และนำซิมโฟนีหกเพลงสุดท้าย (หมายเลข 99-104) ซึ่งกลายเป็นจุดสุดยอดของผลงานของนักแต่งเพลง โดยรวมแล้วระหว่างการเดินทางไปอังกฤษสองครั้ง Haydn เขียนงานประมาณ 280 ชิ้น เมื่อวันที่ 8 กรกฎาคม พ.ศ. 2334 Haydn ได้รับตำแหน่ง Doctor of Music จาก Oxford ซึ่งเป็นมหาวิทยาลัยที่เก่าแก่ที่สุดในอังกฤษ ในโอกาสนี้มีการแสดงซิมโฟนีหมายเลข 92 ซึ่งเขียนก่อนการเดินทางและเรียกว่า Oxford Symphony

ชีวิตแบบอังกฤษทำให้ผู้แต่งประหลาดใจ ลอนดอนในคำพูดของเขา "เมืองใหญ่ไร้ขอบเขต" พร้อมเสียงรบกวนจากถนนที่ทนไม่ได้ทำให้เขาจำเวียนนาอันอบอุ่นสบายได้มากกว่าหนึ่งครั้งซึ่งเขาสามารถทำงานอย่างสงบได้ ชีวิตทางดนตรีกำลังเฟื่องฟู และเมื่อถูกจัดระเบียบเชิงพาณิชย์โดยมีการโฆษณาและการแข่งขันที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ มันแตกต่างอย่างมากจากชีวิตทางดนตรีของออสเตรีย มีสังคม องค์กร สถานศึกษา มูลนิธิต่างๆ มากมายที่ให้ดนตรีไพเราะ ร้องเพลงประสานเสียง คอนเสิร์ตเดี่ยว- จาก Westminster Abbey และโรงละคร ไปจนถึงสวนสาธารณะและคลับ นักแสดงมากกว่าหนึ่งพันคนอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อนเข้าร่วมในการเฉลิมฉลองที่จัดขึ้นเป็นประจำเพื่อเป็นเกียรติแก่ฮันเดล ผู้ประกอบการที่เป็นคู่แข่งยังลาก Haydn เข้าสู่การต่อสู้: พวกเขาพยายามติดสินบนเขา จัดสุนทรพจน์ที่ไม่เป็นมิตรในสื่อ และไล่นักแต่งเพลงคู่แข่งออกจากต่างประเทศ อย่างไรก็ตาม ไม่มีอะไรสามารถสั่นคลอนความสำเร็จของ Haydn ได้ คอนเสิร์ตครั้งแรกของเขากลายเป็นงานสังคมที่สำคัญแล้ว ผู้แต่งได้รับการต้อนรับด้วยเสียงปรบมือดังๆ และเรียกร้องให้เล่นซิมโฟนีใหม่อย่างช้าๆ ซ้ำ ผลประโยชน์ทำให้เขามีรายได้มากกว่าที่ระบุไว้ในสัญญาเกือบสองเท่า เขาไม่ประสบความสูญเสียแม้ว่าซีรีส์โอเปร่าเรื่อง "The Soul of a Philosopher" ที่เขียนขึ้นสำหรับลอนดอนไม่ได้ถูกจัดแสดง - จะมีการจ่ายค่าธรรมเนียมให้เขาล่วงหน้า ไฮเดินได้รับข้อเสนอจากกษัตริย์ให้อยู่ในอังกฤษตลอดไป แต่ปฏิเสธ

เมื่อกลับมายังบ้านเกิด ไฮเดินเห็นอนุสาวรีย์แห่งแรกที่สร้างขึ้นสำหรับเขา ซึ่งอยู่ไม่ไกลจากโรห์เรา คอนเสิร์ตจัดขึ้นในกรุงเวียนนา ซึ่งมีการแสดงซิมโฟนีใหม่ของเขาสามเพลง และเบโธเฟน นักเรียนของเกจิได้แสดงคอนเสิร์ตเปียโนของเขา การประชุมของพวกเขาเกิดขึ้นในเมืองบอนน์ บ้านเกิดของเบโธเฟน ซึ่งไฮเดินไปเยี่ยมระหว่างทางไปลอนดอน และถึงแม้ว่าบทเรียนจะไม่ได้ปราศจากการเสียดสี แต่เบโธเฟนก็ปฏิบัติต่อนักแต่งเพลงเก่าคนนี้ด้วยความเคารพอย่างสูง และอุทิศเปียโนโซนาตาสบทประพันธ์ 2 จำนวน 3 ชุดให้กับเขา

ใน ทศวรรษที่ผ่านมาชีวิตภายใต้ความประทับใจในเทศกาลฮันเดลอันยิ่งใหญ่ที่มหาวิหารเวสต์มินสเตอร์ Haydn แสดงให้เห็นความสนใจอย่างมากในดนตรีประสานเสียง พระองค์ทรงสร้างมวลชน 6 องค์และบทประพันธ์ "The Creation of the World" และ "The Seasons" มีการฉลองวันเกิดครบรอบ 76 ปีของ Haydn ด้วยการแสดง "The Creation" ในห้องประชุมของมหาวิทยาลัยเวียนนา Romain Rolland เขียนว่า:“ ขุนนางชั้นสูงที่คลุกคลีกับนักดนตรีรออยู่ที่ประตูมหาวิทยาลัยเพื่อรอลูกชายของโค้ชจาก Rohrau ซึ่งมาถึงรถม้าของเจ้าชาย Esterhazy ด้วยเสียงแตรและกลองทิมปานีด้วยเสียงปรบมือเขาก็ถูกพาเข้าไปในห้องโถง เจ้าชาย Lobkowitz, Salieri และ Beethoven จูบมือของเขา เจ้าหญิงเอสเตอร์ฮาซีและสตรีผู้สูงศักดิ์อีกสองคนถอดเสื้อคลุมออกเพื่อพันเท้าของชายชรา ความคลั่งไคล้ของผู้ชม เสียงกรีดร้อง และน้ำตาที่ไหลออกมาอย่างกระตือรือร้น อยู่เหนืออำนาจของผู้แต่ง “The Creation of the World” เขาเกษียณทั้งน้ำตาท่ามกลางงานเต้นรำและอวยพรเวียนนาให้พ้นจากธรณีประตู…” ไฮเดินเสียชีวิตเมื่อวันที่ 31 พฤษภาคม พ.ศ. 2352 ในกรุงเวียนนา ซึ่งถูกยึดครองโดยกองทหารนโปเลียน จักรพรรดิฝรั่งเศสเองเมื่อทราบถึงการตายของเขาจึงออกคำสั่งให้วางทหารรักษาการณ์ไว้ที่ประตูบ้านของเขา งานศพเกิดขึ้นในวันที่ 1 มิถุนายน อย่างไรก็ตามเมื่อในปี 1820 เจ้าชาย Esterhazy สั่งให้ฝังศพของ Haydn ใหม่ในโบสถ์ Eisenstadt และโลงศพถูกเปิดออก ปรากฎว่าไม่มีกะโหลกศีรษะอยู่ใต้วิกผมที่ยังมีชีวิตอยู่ (มันถูกขโมยไปเพื่อศึกษาลักษณะโครงสร้างและยิ่งกว่านั้น เพื่อป้องกันมิให้ถูกทำลาย) กะโหลกศีรษะเชื่อมต่อกับซากศพเฉพาะในช่วงกลางศตวรรษหน้าในวันที่ 5 มิถุนายน พ.ศ. 2497

ซิมโฟนีหมายเลข 45

ซิมโฟนีหมายเลข 45, F ชาร์ปไมเนอร์, “อำลา” (1772)

องค์ประกอบวงออร์เคสตรา: โอโบ 2 ตัว, บาสซูน, 2 เขา, เครื่องสาย (ไม่เกิน 9 คน)

ประวัติความเป็นมาของการทรงสร้าง

ในช่วงเปลี่ยนผ่านของยุค 60 และ 70 จุดเปลี่ยนโวหารเกิดขึ้นในงานของนักแต่งเพลง ซิมโฟนีที่น่าสมเพชปรากฏขึ้นทีละคน มักเป็นไมเนอร์คีย์ พวกเขาเป็นตัวแทนของสไตล์ใหม่ของ Haydn ซึ่งเชื่อมโยงการค้นหาการแสดงออกของเขากับชาวเยอรมัน การเคลื่อนไหวทางวรรณกรรม"พายุและดัง"

ชื่อ "อำลา" ถูกกำหนดให้กับซิมโฟนีหมายเลข 45 และมีคำอธิบายหลายประการสำหรับเรื่องนี้ สิ่งหนึ่งที่ Haydn กล่าวเองนั้นถูกเก็บรักษาไว้ในบันทึกความทรงจำของคนรุ่นราวคราวเดียวกัน ในขณะที่เขียนซิมโฟนีนี้ Haydn รับใช้ในโบสถ์ของเจ้าชาย Esterhazy หนึ่งในเจ้าสัวชาวฮังการีซึ่งมีความมั่งคั่งและความหรูหราทัดเทียมกับจักรพรรดิ ที่อยู่อาศัยหลักของพวกเขาตั้งอยู่ในเมือง Eisenstadt และที่ดิน Esterhaz ในเดือนมกราคม พ.ศ. 2315 เจ้าชายนิโคเลาส์ เอสเตอร์ฮาซีออกคำสั่งว่าในระหว่างที่เขาอยู่ในเอสเตอร์ฮาซี ครอบครัวของนักดนตรีในโบสถ์ (ตอนนั้นมี 16 คน) ควรอาศัยอยู่ที่นั่น เฉพาะในกรณีที่ไม่มีเจ้าชายเท่านั้นที่นักดนตรีสามารถออกจาก Eszterhaz และไปเยี่ยมภรรยาและลูก ๆ ของพวกเขาได้ มีข้อยกเว้นเฉพาะสำหรับผู้ควบคุมวงและนักไวโอลินคนแรกเท่านั้น

ในปีนั้น เจ้าชายประทับอยู่ที่คฤหาสน์เป็นเวลานานผิดปกติ และสมาชิกวงออเคสตราที่เหนื่อยล้าจากชีวิตโสดก็หันไปขอความช่วยเหลือจากหัวหน้าวงซึ่งเป็นหัวหน้าวงดนตรี ไฮเดินแก้ไขปัญหานี้อย่างชาญฉลาดและสามารถถ่ายทอดคำขอของนักดนตรีไปยังเจ้าชายได้ในระหว่างการแสดงซิมโฟนีสี่สิบห้าใหม่ของเขา ตามเวอร์ชันอื่นคำขอเกี่ยวข้องกับเงินเดือนที่เจ้าชายไม่ได้จ่ายให้กับวงออเคสตรามาเป็นเวลานานและซิมโฟนีมีคำใบ้ว่านักดนตรีพร้อมที่จะกล่าวคำอำลากับโบสถ์ อีกตำนานหนึ่งเป็นสิ่งที่ตรงกันข้าม: เจ้าชายเองก็ตัดสินใจยุบโบสถ์ทำให้สมาชิกวงออเคสตราไม่มีอาชีพทำมาหากิน และสุดท้าย ดราม่าอันสุดท้าย นำเสนอโดยโรแมนติกในศตวรรษที่ 19: The Farewell Symphony รวบรวมการอำลาชีวิต อย่างไรก็ตาม ชื่อหายไปจากต้นฉบับโน้ตเพลง คำจารึกที่จุดเริ่มต้น - บางส่วนเป็นภาษาละตินส่วนหนึ่งเป็นภาษาอิตาลี - อ่านว่า: "ซิมโฟนีใน F ชาร์ปไมเนอร์ ในนามของพระเจ้าจากฉัน Giuseppe Haydn 772” และลงท้ายเป็นภาษาละติน: “สรรเสริญพระเจ้า!”

การแสดงครั้งแรกเกิดขึ้นใน Eszterhaz ในฤดูใบไม้ร่วงปี 1772 เดียวกันโดยโบสถ์ของเจ้าชายภายใต้การดูแลของ Haydn

ซิมโฟนีอำลามีความโดดเด่นในงานของ Haydn โทนเสียงของมันผิดปกติ - F-sharp minor ไม่ค่อยได้ใช้ในเวลานั้น เมเจอร์ที่มีชื่อเดียวกันซึ่งซิมโฟนีจบลงและเขียนบทเพลงเล็ก ๆ ก็ไม่เป็นเรื่องปกติสำหรับศตวรรษที่ 18 แต่สิ่งที่พิเศษที่สุดคือการสรุปอย่างช้าๆ ของซิมโฟนี ซึ่งเป็นคำเพิ่มเติมหลังจากตอนจบ ซึ่งเป็นเหตุว่าทำไม Farewell Symphony จึงมักถูกมองว่าเป็นซิมโฟนีห้าการเคลื่อนไหว

ดนตรี

ลักษณะที่น่าสมเพชของการเคลื่อนไหวครั้งแรกถูกกำหนดไว้แล้วในส่วนหลักซึ่งจะเปิดซิมโฟนีทันทีโดยไม่ต้องแนะนำอย่างช้าๆ ธีมที่แสดงออกของไวโอลินซึ่งสอดคล้องกับโทนเสียงของไมเนอร์ทรีแอด ถูกทำให้รุนแรงขึ้นด้วยจังหวะที่ซิงโครไนซ์กันของดนตรีประกอบ การวางประสานระหว่างมือขวาและเปียโน และการมอดูเลตในไมเนอร์คีย์อย่างกะทันหัน เสียงด้านข้างจะดังขึ้นในคีย์รองอันใดอันหนึ่ง ซึ่งเป็นสิ่งที่ไม่คาดคิดสำหรับซิมโฟนีคลาสสิก (ถือว่าคีย์หลักที่มีชื่อเดียวกัน) เพลงที่สองตามปกติของ Haydn ไม่ได้เป็นอิสระจากทำนองเพลงและเล่นซ้ำเพลงหลัก มีเพียงเสียงคร่ำครวญของไวโอลินในตอนท้ายเท่านั้น เกมสุดท้ายสั้นๆ ซึ่งอยู่ในไมเนอร์คีย์ด้วย การเคลื่อนไหวที่คดเคี้ยวและดูเหมือนเป็นการอ้อนวอน ช่วยเพิ่มความน่าสมเพชอันเลวร้ายของการแสดงออก ซึ่งเกือบจะไร้รากฐานที่สำคัญ แต่การพัฒนายืนยันเนื้อหาหลักในทันที และส่วนที่สองของมันก็สร้างตอนที่สดใสด้วย หัวข้อใหม่- สงบรอบด้านอย่างกล้าหาญ หลังจากหยุดชั่วคราว ธีมหลักจะถูกประกาศอย่างกะทันหันและเริ่มการบรรเลงใหม่ แบบไดนามิกมากขึ้น ไม่มีการทำซ้ำและเต็มไปด้วยการพัฒนาที่กระตือรือร้น

ส่วนที่สอง - adagio - สว่างและเงียบสงบ ประณีตและกล้าหาญ เสียงส่วนใหญ่เป็นวงเครื่องสาย (ส่วนดับเบิลเบสไม่ได้ถูกเน้น) และไวโอลินจะถูกปิดเสียง ไดนามิกอยู่ภายในช่วงเปียโน มีการใช้รูปแบบโซนาต้าที่มีธีมคล้ายกัน โดยมีการพัฒนาโดยใช้เครื่องสายเพียงอย่างเดียว และการเรียบเรียงแบบบีบอัด ซึ่งส่วนหลักตกแต่งด้วย "การเคลื่อนไหวสีทอง" ของเขาสัตว์

การเคลื่อนไหวครั้งที่สาม - มินูเอต - ชวนให้นึกถึงการเต้นรำในหมู่บ้านที่มีการตีข่าวกันอย่างต่อเนื่องของเอฟเฟกต์ของเปียโน (เฉพาะไวโอลิน) และมือขวา (ทั้งวงออเคสตรา) โดยมีธีมที่พูดชัดแจ้งอย่างชัดเจนและการทำซ้ำมากมาย ทั้งสามคนเริ่มต้นด้วย "การเคลื่อนไหวสีทอง" ของเขาและในตอนท้ายก็มีความมืดมิดที่ไม่คาดคิด - คนสำคัญหลีกทางให้ผู้เยาว์โดยคาดการณ์อารมณ์ของตอนจบ การกลับมาของภาคแรกทำให้ลืมเงาที่หายวับไปนี้ไป

ส่วนที่สี่เปรียบเปรยสะท้อนถึงส่วนแรก ส่วนด้านข้างไม่ได้เป็นอิสระจากทำนองเพลงอีกครั้ง แต่ต่างจากส่วนหลักรองตรงที่มันถูกลงสีด้วยโทนสีหลักที่ไร้กังวล การพัฒนาแม้จะเล็กน้อย แต่ก็เป็นตัวอย่างคลาสสิกอย่างแท้จริงของความเชี่ยวชาญในการพัฒนาแรงจูงใจ การบรรเลงนั้นมืดมน ไม่แสดงซ้ำ แต่จู่ๆ ก็จบลงด้วยการเพิ่มขึ้น... หลังจากการหยุดชั่วคราวทั่วไป อาดาจิโอใหม่ที่มีรูปแบบต่างๆ ก็เริ่มต้นขึ้น บทเพลงอันอ่อนโยนที่นำเสนอเป็นเพลงที่สามดูเงียบสงบ แต่ความดังก้องค่อยๆ หายไป และความรู้สึกวิตกกังวลก็เกิดขึ้น เครื่องดนตรีเงียบลงทีละคน นักดนตรีเมื่อทำส่วนของตนเสร็จแล้ว ดับเทียนที่จุดอยู่หน้าคอนโซลแล้วจากไป หลังจากรูปแบบแรก ผู้เล่นเครื่องลมจะออกจากวงออเคสตรา การจากไปของนักดนตรี กลุ่มสตริงเริ่มด้วยเสียงเบส วิโอลาและไวโอลินสองตัวยังคงอยู่บนเวที และในที่สุด ไวโอลินและคนใบ้คู่หนึ่งก็จบท่อนสัมผัสของพวกเขาอย่างเงียบ ๆ

ตอนจบที่ไม่เคยเกิดขึ้นมาก่อนเช่นนี้สร้างความประทับใจที่ไม่อาจต้านทานได้เสมอ: “ เมื่อสมาชิกวงออเคสตราเริ่มดับเทียนและจากไปอย่างเงียบ ๆ ใจของทุกคนก็จมลง... เมื่อเสียงไวโอลินอันแผ่วเบาสุดท้ายสิ้นไปในที่สุดผู้ฟังก็เริ่มจากไปเงียบ ๆ และ ย้าย…” หนังสือพิมพ์ไลพ์ซิกเขียนในปี พ.ศ. 2342 “ และไม่มีใครหัวเราะเพราะมันไม่ได้เขียนเพื่อความสนุกสนาน” ชูมันน์สะท้อนเกือบสี่สิบปีต่อมา

ซิมโฟนีหมายเลข 94, หมายเลข 98

ซิมโฟนีหมายเลข 94, G Major, “With a Timpani Strike,” “Surprise” (1792)

ส่วนประกอบของวงออเคสตรา: 2 ฟลุต, โอโบ 2 อัน, บาสซูน 2 อัน, แตร 2 อัน, ทรัมเป็ต 2 อัน, ทิมปานี, เครื่องสาย

ซิมโฟนีหมายเลข 98 บีแฟลตเมเจอร์ (1792)

ส่วนประกอบของวงออเคสตรา: ฟลุต, โอโบ 2 อัน, บาสซูน 2 อัน, แตร 2 อัน, ทรัมเป็ต 2 อัน, ทิมปานี, เครื่องสาย

ประวัติความเป็นมาของการทรงสร้าง

ปลายปี พ.ศ. 2333 Haydn ซึ่งเพิ่งได้รับการปล่อยตัวจากการรับใช้ในโบสถ์ของเจ้าชาย Esterhazy เกือบ 30 ปีและอาศัยอยู่ที่เวียนนาในขณะนั้นมาพบ Haydn นักไวโอลินชื่อดัง John Peter Salomon ที่เข้ามา สัญญากับเขาด้วยเงื่อนไขที่ดีในการทัวร์ในลอนดอน นักแต่งเพลงต้องเขียนซิมโฟนีหกซิมโฟนีสำหรับวงออเคสตราของซาโลมอน ซึ่งมีขนาดใหญ่ผิดปกติในเวลานั้น (40 คน) และเพิ่งรวมคลาริเน็ตในวงซิมโฟนีออร์เคสตราเมื่อไม่นานมานี้ แม้จะกลัวเพื่อน ๆ ของเขาซึ่งกลัวว่านักแต่งเพลงวัยเกือบ 60 ปีจะไม่รอดจากการเดินทางและจะรู้สึกแย่ในอังกฤษโดยไม่รู้ภาษา แต่ Haydn ก็ไม่ลังเลเลย - เขาต้องการเพลิดเพลินกับอิสรภาพและศักดิ์ศรีอย่างเต็มที่ เขาเฉลิมฉลองปีใหม่ พ.ศ. 2334 บนดินแดนอังกฤษซึ่งเขาอยู่เป็นเวลาหนึ่งปีครึ่ง ความรุ่งโรจน์มาไม่นาน หนังสือพิมพ์ทุกฉบับรายงานเกี่ยวกับการมาถึงของเขา หลายคนอยากพบเขา เขาได้รับเกียรติในคอนเสิร์ต รับที่งานเต้นรำในศาล และได้รับเชิญให้ติดตามรัชทายาทในพระราชวัง และในเดือนกรกฎาคม หัวหน้าวงดนตรีของเจ้าชาย Esterhazy ซึ่งมีปัญหาในการเขียนจดหมายเป็นภาษาแม่ของเขา ได้กลายมาเป็นแพทย์ด้านดนตรีที่ Oxford ซึ่งเป็นมหาวิทยาลัยที่เก่าแก่ที่สุดในอังกฤษ เพื่อเป็นเกียรติแก่งานนี้ จึงมีการแสดงซิมโฟนีหมายเลข 92 ซึ่งเขียนก่อนการทัวร์ที่เรียกว่าอ็อกซ์ฟอร์ด

ด้วยความประทับใจจากความยิ่งใหญ่ของลอนดอนและเสียงอึกทึกครึกโครมตามท้องถนน Haydn ก็ไม่แปลกใจเลยกับกิจกรรมของชีวิตทางดนตรี ตลอดจนองค์กรจัดคอนเสิร์ตที่มีอยู่มากมายที่ทำงานในเชิงพาณิชย์และใช้วิธีการแข่งขันทุกรูปแบบ เขาเองก็ถูกดึงเข้าไปในนั้น คอนเสิร์ตครั้งแรกของซาโลมอนซึ่งถูกเลื่อนออกไปสองครั้ง นำหน้าด้วยคอนเสิร์ตโดยคู่แข่งของเขา ซึ่งเป็นหัวหน้าของคอนเสิร์ตมืออาชีพ ซึ่งด้วยเหตุนี้จึงสามารถนำเสนอซิมโฟนีของ Haydn แก่ชาวลอนดอนได้ก่อนหน้านี้ อย่างไรก็ตาม สิ่งนี้ไม่ได้ขัดขวางความสำเร็จของคอนเสิร์ตดั้งเดิมของผู้แต่งซึ่งมีการแสดงซิมโฟนีใหม่ของเขาซึ่งเขียนขึ้นสำหรับลอนดอนโดยเฉพาะ เขาได้รับการต้อนรับด้วยเสียงปรบมือดังซึ่งเป็นเรื่องปกติ - ใน Eszterhaz นี่เป็นวิธีการทักทายเจ้าชาย ไม่ใช่หัวหน้าวงดนตรีของเขา ซิมโฟนีใหม่ได้รับความนิยมอย่างมากจนประชาชนเรียกร้องให้มีการเคลื่อนไหวช้าๆ ซ้ำๆ และนี่กลายเป็นประเพณี: การเคลื่อนไหวครั้งที่สองของซิมโฟนีของ Haydn มักจะถูกขับร้องในลอนดอน คอนเสิร์ตจัดขึ้นทุกสัปดาห์เต็มฮอลล์ และการแสดงประโยชน์ของ Haydn ซึ่งเกิดขึ้นในสองเดือนต่อมายังนำมาซึ่งความสำเร็จทางศิลปะนอกเหนือจากความสำเร็จทางวัตถุอีกด้วย - รายได้กลายเป็นสองเท่าของสัญญากับซาโลมอนที่ให้ไว้

ในช่วงต้นฤดูกาลหน้า ตัวแทนของคู่แข่งอย่าง Professional Concertos มาที่ Haydn และพยายามล่อลวงเขาให้ห่างจาก Salomon โดยเสนอเงื่อนไขที่ดีกว่า เมื่อนักแต่งเพลงปฏิเสธ I. Pleyel อดีตนักเรียน นักแต่งเพลง และผู้ควบคุมวงของเขาได้รับเชิญจากสตราสบูร์กซึ่งควรจะเป็นคู่แข่งของเขา เป็นการยืนยันคำกล่าวอ้างของหนังสือพิมพ์ติดสินบนที่เจ้านายเก่าเขียนเอง อย่างไรก็ตาม Pleyel แสดงความเคารพครูของเขาทุกที่และแสดงซิมโฟนีในคอนเสิร์ตครั้งแรก อย่างไรก็ตาม ซาโลมอนผู้ตื่นตระหนกขอให้ไฮเดินเขียนเพลงใหม่สำหรับแต่ละคอนเสิร์ต

ในสภาพเช่นนี้ ซิมโฟนีหกรายการแรกเรียกว่าลอนดอนซิมโฟนี (หมายเลข 93–98) ได้ถูกสร้างขึ้น พวกเขารวบรวมคุณสมบัติที่ดีที่สุดไว้ สไตล์สายไฮเดินและยกเว้นหนึ่งคน (หมายเลข 95) มีลักษณะคล้ายกัน ภาพความสนุกสนานพื้นบ้านอันล้นหลาม จังหวะการเต้นรำ และความตลกขบขันที่หลากหลาย ธีมที่แท้จริง เพลงพื้นบ้านหรือบทเพลงที่แต่งโดยผู้แต่งในจิตวิญญาณพื้นบ้าน วงดุริยางค์คู่คลาสสิก พร้อมด้วยทองเหลืองสองคู่ (แตรและทรัมเป็ต) และกลอง - เหล่านี้เอง คุณสมบัติที่โดดเด่น- โซนาตาอัลเลโกรตัวแรกขาดความแตกต่าง แต่ตรงกันข้ามกับการแนะนำอย่างช้าๆ

รอบปฐมทัศน์ของซิมโฟนี 94 เกิดขึ้นเมื่อวันที่ 23 มีนาคม พ.ศ. 2335 ในลอนดอนในคอนเสิร์ตของซาโลมอนภายใต้การดูแลของผู้เขียนและประสบความสำเร็จอย่างล้นหลาม

ดนตรี (ซิมโฟนีหมายเลข 94)

ซิมโฟนีเริ่มต้นด้วยบทนำที่ช้ามาก จังหวะอาดาจิโอ ซึ่งสร้างขึ้นจากการเปรียบเทียบวลีของลมและเครื่องสาย ซึ่งแตกต่างกับโซนาตาอัลเลโกรที่เร็วมาก (vivace assai) นิทรรศการที่เต็มไปด้วยความสนุกสนานไร้การควบคุม ดูเหมือนจะเขียนได้ในคราวเดียว การพัฒนานี้รวบรวมความเชี่ยวชาญในการพัฒนาแรงจูงใจของ Haydn โดยมีคีย์รองเข้ามาครอบงำ และได้รับการปรับปรุงเพิ่มเติมด้วยเสียงประสานของสี การกลับมาของท่อนหลักที่สดใสในการบรรเลงอีกครั้งนั้นน่าทึ่งในความคาดไม่ถึง

ประการที่สอง การเคลื่อนไหวช้าๆ เป็นรูปแบบต่างๆ ของเพลงเด็กชาวโมราเวีย ง่ายมากด้วยการทำซ้ำหลายครั้งจะจดจำได้ทันทีและผู้ฟังคนใดที่ออกจากคอนเสิร์ตก็นำติดตัวไปด้วย Haydn ชอบทำนองนี้ และไม่กี่ปีต่อมาเขาก็ใช้มันในเพลงของคนไถนาใน oratorio The Seasons ในซิมโฟนีการนำเสนอธีมจะมาพร้อมกับเอฟเฟกต์ตลกขบขัน: หลังจากเปียโนและสายเปียโน ทันใดนั้นก็ได้ยินเสียงคอร์ด fortissimo ที่ดังสนั่นจากวงออเคสตราทั้งหมด ซึ่งมีการตีกลองทิมปานีโดดเด่น - ดังนั้นชื่อต่างๆของซิมโฟนี ผู้เขียนไม่ได้มอบให้กับมัน - "ด้วยการตีกลอง", "เซอร์ไพรส์" ตำนานต่างๆ เกี่ยวข้องกับเอฟเฟกต์นี้ ตามที่หนึ่งในนั้นผู้แต่งสังเกตเห็นว่าผู้ชมในคอนเสิร์ตหลับไปแล้วและตัดสินใจปลุกพวกเขาด้วยวิธีนี้ ตามที่กล่าวอีกประการหนึ่ง มีการวางแผนเซอร์ไพรส์ไว้ล่วงหน้า

minuet สร้างภาพการเต้นรำพื้นบ้านที่ไม่โอ้อวด ธีมแบบยืดหยุ่นนำโดยฟลุต ไวโอลิน และบาสซูนในอ็อกเทฟ พื้นผิวของดนตรีบรรเลงคาดว่าจะเป็นเพลงวอลทซ์ ในส่วนตรงกลางจะใช้เทคนิคการพัฒนาที่เป็นลักษณะเฉพาะของโซนาตาอัลเลโกร ทั้งสามถูกสร้างขึ้นในธีมของมินูเอตซึ่งมอบให้กับไวโอลินตัวแรกและบาสซูนออคเทฟ เทคนิคนี้ยืมมาจากการฝึกเล่นดนตรีพื้นบ้านถือว่าไม่สมควร ประเภทสูง- หนึ่งใน นักวิจารณ์สมัยใหม่เขียนว่า:“ เมื่อฉันได้ยินเพลงย่อยของ Haydn ในอ็อกเทฟ สำหรับฉันดูเหมือนว่าขอทานสองคน - พ่อและลูกชาย - กำลังร้องเพลงทางจมูกขอทาน” องค์ประกอบของการเต้นรำยังครอบงำในตอนจบซึ่งสะท้อนถึงส่วนแรก บทเพลงที่มีชีวิตชีวาของไวโอลินที่มีจังหวะขัดจังหวะกะทันหันถูกทำซ้ำหลายครั้ง ซึ่งแตกต่างกันไป ราวกับว่านักเต้นหน้าใหม่ทั้งหมดเข้าร่วมการเต้นรำรอบทั่วไป หลังจากการหยุดชั่วคราว ส่วนหลักจะกลายเป็นพื้นหลังที่ไวโอลิน โอโบ และฟลุตใช้สานลวดลายต่างๆ ระหว่างหัวข้อเหล่านี้เป็นตอนที่แรงจูงใจของฝ่ายหลักได้รับการพัฒนาพร้อมกับรายละเอียดที่น่าขบขันต่างๆ โคดาลมกรดทำให้ภาพความสนุกสนานพื้นบ้านสมบูรณ์ ซิมโฟนีหมายเลข 98 จบซีรีส์แรกของซิมโฟนีในลอนดอน แต่รอบปฐมทัศน์ไม่ใช่ครั้งสุดท้าย (ลำดับที่ 94 ดำเนินการในภายหลัง) ซิมโฟนีแสดงในคอนเสิร์ตซาโลมอนซึ่งจัดทำโดยผู้เขียนเมื่อวันที่ 2 มีนาคม พ.ศ. 2435 และประสบความสำเร็จอย่างมาก

ดนตรี (ซิมโฟนีหมายเลข 98)

บทนำช้าๆ แบบไมเนอร์คีย์ที่รุนแรง สร้างขึ้นจากการเทียบเคียงกันของความดังก้องกังวาน ความแตกต่างของส่วนหลักเกิดจากการที่มันเป็นเวอร์ชันที่ไม่คาดคิดของธีมเปิด - เต้นได้สะเทือนใจและร่าเริง ความแตกต่างถัดไปเกิดขึ้นจากการพัฒนา: ในการพัฒนาโพลีโฟนิกอารมณ์เศร้าหมองและวิตกกังวลเกิดขึ้น และในการบรรเลง ความสนุกสนานไร้กังวลก็กลับมาอีกครั้ง การเคลื่อนไหวช้าๆ เปิดและปิดด้วยธีมที่นุ่มนวล สง่างาม และสง่างาม โดยเติมเสียงด้วยเครื่องสายหรือเครื่องเป่าลม ตอนกลางสร้างความแตกต่างอย่างมาก ทำให้นึกถึงบทนำที่รุนแรงของส่วนแรก

การแสดงที่มีชีวิตชีวาเต็มไปด้วยอารมณ์ขันและวาดภาพความสนุกสนานของคนทั่วไป ในวงทั้งสามที่เครื่องเป่าลมไม้มีบทบาทสำคัญ Haydn ใช้เทคนิคที่เขาชื่นชอบ โดยยืมมาจากการฝึกเล่นดนตรีในชีวิตประจำวัน: ไวโอลินและบาสซูนเล่นทำนองในอ็อกเทฟ

ฉากสุดท้ายที่ดำเนินไปอย่างรวดเร็วสะท้อนถึงอารมณ์ของภาคแรก แต่เอฟเฟกต์การ์ตูนจะเด่นชัดยิ่งขึ้นที่นี่ “ มันยากที่จะต้านทานความมีชีวิตชีวาและอารมณ์ขันที่น่าดึงดูดของพวกเขา” A. Rabinovich นักวิจารณ์ชื่อดังชาวโซเวียตเขียน - ช่วงเวลาของการกลับมาของธีมหลักนั้นเกิดขึ้นด้วยความคิดสร้างสรรค์ที่ไม่สิ้นสุด มันวิเศษมากที่บางครั้งโน้ตสองหรือสามอันที่มีลักษณะเฉพาะของจุดเริ่มต้นของมันปรากฏขึ้นอย่างขี้อายและฉับพลันในไวโอลินเพียงลำพัง ท่ามกลางความเงียบงันของวงออเคสตราที่เหลือ ธีมแรกดูเหมือนจะโผล่หัวผ่านประตู จากนั้นเพื่อให้แน่ใจว่าสถานที่นั้นว่าง กระโดดกลับขึ้นไปบนเวทีและหมุนตัวด้วยการเต้นที่น่าหลงใหล” ในการพัฒนา ความแตกต่างเกิดขึ้นเป็นครั้งสุดท้าย: ไวโอลินโซโลแตกต่างกับคอร์ดที่น่ากลัวของวงออเคสตรา ซึ่งชวนให้นึกถึงหนึ่งในซิมโฟนีที่น่าทึ่งที่สุดของ Haydn นั่นก็คือ The Farewell เสียงไวโอลินเดี่ยวก็เปิดเพลงบรรเลงด้วย รหัสยืนยันความสุขที่ไม่สิ้นสุดของชีวิต

ซิมโฟนีหมายเลข 100, หมายเลข 101, หมายเลข 103, หมายเลข 104

ซิมโฟนีหมายเลข 100 จีเมเจอร์ การทหาร (1794)

องค์ประกอบออร์เคสตรา: ฟลุต, โอโบ 2 อัน, คลาริเน็ต 2 อัน, บาสซูน 2 อัน, แตร 2 อัน, ทรัมเป็ต 2 อัน, ทิมปานี, สามเหลี่ยม, ฉาบ, กลองใหญ่, สตริง

ซิมโฟนีหมายเลข 101 ดีเมเจอร์ “The Hours” (1794)

ซิมโฟนีหมายเลข 103, E-flat major, "With tremolo timpani" (1795)

ส่วนประกอบของวงออเคสตรา: 2 ฟลุต, โอโบ 2 อัน, คลาริเน็ต 2 อัน, แตร 2 อัน, ทรัมเป็ต 2 อัน, ทิมปานี, เครื่องสาย

ซิมโฟนีหมายเลข 104, ดีเมเจอร์ (1795)

ส่วนประกอบของวงออร์เคสตรา: 2 ฟลุต, โอโบ 2 อัน, คลาริเน็ต 2 อัน, บาสซูน 2 อัน, แตร 2 อัน, ทรัมเป็ต 2 อัน, ทิมปานี, เครื่องสาย

ประวัติความเป็นมาของการทรงสร้าง

ในฤดูใบไม้ร่วงปี พ.ศ. 2336 J.P. Salomon ผู้ประกอบการและนักไวโอลินชื่อดังในลอนดอนเสนอสัญญาฉบับใหม่ให้กับ Haydn สำหรับการทัวร์ไปอังกฤษ ครั้งแรกซึ่งกินเวลาหนึ่งปีครึ่ง (พ.ศ. 2334-2335) ทำให้ผู้แต่งได้รับความพึงพอใจทางศีลธรรมและรายได้จำนวนมาก เขามีวงออเคสตราที่ดีที่สุดแห่งหนึ่งในยุคนั้นซึ่งประกอบด้วยคน 40 คนและมีไวโอลินเพียง 12 ถึง 16 ตัวเท่านั้นนั่นคือเกือบจะเป็นจำนวนเดียวกับนักดนตรีทุกคนในโบสถ์ Prince Esterhazy ซึ่ง Haydn เป็นผู้นำ เกือบ 30 ปี

เครื่องมือลมมีการนำเสนออย่างมั่งคั่งเป็นพิเศษ: นอกเหนือจากโอโบ, บาสซูนและเขาคู่หนึ่งแล้วยังมีฟลุตและทรัมเป็ตสองอันซึ่งหัวหน้าวงดนตรีของเจ้าชายไม่ได้มีอยู่เสมอไปเช่นเดียวกับคลาริเน็ตสองตัว - เครื่องดนตรีนี้เพิ่งเข้ามา วงซิมโฟนีออร์เคสตราและ Haydn ไม่เคยถูกใช้โดย Haydn ผู้แต่งเขียนผลงานใหม่มากมายให้กับลอนดอน รวมถึงโอเปร่าเรื่องสุดท้ายของเขา "The Soul of a Philosopher" และซิมโฟนีหกเรื่อง (หมายเลข 93–98) ซึ่งแสดงทันทีภายใต้การดูแลของผู้แต่งและเรียกว่า London Symphonies ส่วนที่ช้า ซึ่งมักจะทำซ้ำตามคำร้องขอของสาธารณชน มีความสุขกับความสำเร็จเป็นพิเศษ มากทั้งดีและไม่ดีถือเป็นเรื่องปกติสำหรับไฮเดินในอังกฤษ คอนเสิร์ตของเขากลายเป็นงานสาธารณะที่สำคัญ นักแต่งเพลงได้รับการต้อนรับด้วยเสียงปรบมือ - มีเพียงเจ้าชายเท่านั้นที่ได้รับการต้อนรับด้วยวิธีนี้ใน Eszterhaz ผู้ฟังเป็นคนรักดนตรีจำนวนมากจากทุกชนชั้นในสังคมอังกฤษที่ยอมจ่ายเงินเพื่อความบันเทิง ขนาดของลอนดอน "อนันต์ เมืองใหญ่" ตามที่ผู้แต่งกล่าวไว้ จำนวนสมาคมดนตรี บริษัท สถาบันการศึกษา มูลนิธิที่จัดคอนเสิร์ตตั้งแต่ Westminster Abbey ไปจนถึงคลับต่างๆ จำนวนนักแสดง - ทุกอย่างน่าทึ่งมาก

การเดินทางครั้งที่สองซึ่งกินเวลาหนึ่งปีครึ่งตั้งแต่วันที่ 4 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2337 ถึงวันที่ 15 สิงหาคม พ.ศ. 2338 ทำให้ชื่อเสียงของ Haydn ในลอนดอนแข็งแกร่งยิ่งขึ้น ตอนนี้ซาโลมอนไม่มีคู่แข่งผู้แต่งไม่จำเป็นต้องพิสูจน์ความเหนือกว่าของเขาเหมือนที่เกิดขึ้นระหว่างการทัวร์ครั้งแรก ผลงานของเขาถูกนำมาใช้ ความสำเร็จอันยิ่งใหญ่คอนเสิร์ตที่จัดขึ้นทุกสัปดาห์ดึงดูดคนเต็มอยู่เสมอ สุดท้ายก่อนปิดเทอมฤดูร้อน - 12 พฤษภาคม พ.ศ. 2337 - มีการแสดงซิมโฟนีของ Haydn สามเพลงพร้อมกัน

คนทั้งลอนดอนกำลังพูดถึงเขา ตามความทรงจำของคนร่วมสมัย “บางครั้งเกิดขึ้นที่ชาวอังกฤษบางคนเข้ามาหาไฮเดิน และเมื่อเงยหน้าขึ้นมองเขาแล้วอุทานว่า “คุณเป็นคนดีมาก” เขาจะจากไป” เมื่อถึงเวลานั้น Haydn เชี่ยวชาญภาษาอังกฤษมากจนสามารถสื่อสารได้ เขาเขียนผลงานร้องเพลงหลายเพลงใน ข้อความภาษาอังกฤษและยังได้เรียบเรียงเพลงสก็อตและเวลส์อีก 445 เพลง ในฤดูร้อน นักแต่งเพลงวัย 62 ปีได้ไปสำรวจสถานที่ท่องเที่ยวของอังกฤษ เขาได้ไปเยี่ยมชมสปาในเมืองบาธ ซึ่งเป็นที่เก็บรักษาโรงอาบน้ำโรมันโบราณไว้ ในอาสนวิหารวินเชสเตอร์ที่เก่าแก่ที่สุด บนเกาะไวท์ และบนเรือรบในพลีมัธ; ที่ปราสาทแฮมป์ตันคอร์ตและธนาคารแห่งอังกฤษ; สำรวจซากปรักหักพังของอารามคาทอลิกและเหมืองหินอ่อนซึ่งมีการขุดหินอ่อน เยี่ยมชมใน บ้านในชนบท Castrato ของอิตาลีและในปราสาทของขุนนางอังกฤษ ทุกคนถือว่าเป็นเกียรติที่ได้เป็นเจ้าภาพนักแต่งเพลงชื่อดัง

เขาได้รับคำเชิญจากราชวงศ์ซ้ำแล้วซ้ำเล่า เขาเล่นดนตรีในงานแต่งงานของ Duke of York ลูกชายคนเล็กของกษัตริย์: นั่งอยู่ที่ clavier เขาแสดงซิมโฟนีของเขาแสดงโดยรัชทายาทแห่งบัลลังก์เจ้าชายแห่งเวลส์ซึ่งตามที่ผู้แต่งกล่าวไว้ "เล่น เชลโลค่อนข้างเหมาะสม” สิ่งเดียวกันนี้เกิดขึ้นซ้ำแล้วซ้ำเล่าในการแสดงดนตรียามเย็นของเจ้าชาย ซึ่งมีการเล่นดนตรีของ Haydn เกือบทั้งหมด และสองวันหลังจากงานแต่งงานของรัชทายาท Haydn ได้ร้องเพลงพื้นบ้านเยอรมันและอังกฤษร่วมกับคู่บ่าวสาว กษัตริย์โน้มน้าวให้เขาอยู่ในอังกฤษตลอดไป ราชินีล่อลวงเขาด้วยข้อเสนอให้เล่นดนตรีที่พระราชวังวินด์เซอร์ อย่างไรก็ตามผู้แต่งปฏิเสธโดยอ้างถึงภาระผูกพันต่อเจ้าชาย Esterhazy และยังจำได้ว่าภรรยาที่ไม่มีใครรักของเขาทิ้งไว้ในเวียนนา (ซึ่งครั้งหนึ่งเขาเคยเรียกว่าสัตว์ร้าย)

ซิมโฟนีสุดท้ายของ Haydn ทั้งหมดถูกสร้างขึ้นตามแผนเดียว มีลักษณะคล้ายคลึงกัน และรวบรวมคุณลักษณะที่ดีที่สุดของสไตล์ตอนปลายของผู้แต่ง วงจรสี่ส่วนเริ่มต้นด้วยการแนะนำอย่างช้าๆ มันตรงกันข้ามกับโซนาตาอัลเลโกรซึ่งในทางกลับกันขาดความแตกต่างระหว่างส่วนหลักและส่วนรอง ความสุขอันเปี่ยมล้นของการได้ครอบครองดนตรี ได้รับการหล่อเลี้ยงจากแหล่งนิทานพื้นบ้านที่หลากหลาย เช่น การเต้นรำและการร้องเพลง พร้อมด้วยเอฟเฟกต์อันน่าขบขันมากมาย แรงจูงใจเชิงสร้างสรรค์ การพัฒนาแบบโพลีโฟนิกที่หลากหลายผสมผสานกับความสามัคคีที่กลมกลืนและความชัดเจนของรูปแบบ โซนาตาอัลเลโกรตามมาด้วยเสียงที่เปลี่ยนแปลงอย่างช้าๆ ตามด้วยเพลงย่อยที่มีชีวิตชีวาพร้อมกับทรีโอที่ใกล้ชิดมากขึ้น บทสรุปเป็นตอนจบที่รวดเร็วโดยผสมผสานคุณสมบัติของโซนาตาอัลเลโกรและรอนโด เสียงของวงออเคสตราคู่คลาสสิกได้แก่ เครื่องมือใหม่- คลาริเน็ต (ปรากฏตัวครั้งแรกในซิมโฟนีของโมสาร์ทในปี พ.ศ. 2331) โดดเด่นด้วยความเบาและความสมบูรณ์ และในร้อยนั้นแบ่งออกเป็นสองส่วนซึ่งไม่ปกติสำหรับ ซิมโฟนีที่ XVIIIศตวรรษ เครื่องเพอร์คัชชันยืมมาจากวงดุริยางค์ทหาร (สามเหลี่ยม, ฉิ่ง, กลองเบส) มันเป็นการปรากฏตัวของกลองใหม่การเสริมความแข็งแกร่งของบทบาทของเครื่องมือลมตลอดจนจังหวะการเดินขบวนซึ่งทำให้ชื่อนี้ (ไม่ใช่ของผู้แต่ง) - "ทหาร"

ซิมโฟนีหมายเลข 100 แต่งขึ้นในปี พ.ศ. 2337 และแสดงครั้งแรกด้วยความสำเร็จอย่างมากภายใต้คอนเสิร์ตของ Haydn ในคอนเสิร์ตของซาโลมอนเมื่อวันที่ 31 มีนาคม

ดนตรี (ซิมโฟนีหมายเลข 100)

ลักษณะทั่วไปของซิมโฟนีถูกกำหนดไว้แล้วในการแนะนำแบบช้าๆ จังหวะลายจุด จังหวะของบาสซูน และคอร์ด tutti ที่ดังครั้งสุดท้ายพร้อมกับลูกคอของกลองทิมปานีปกปิดความไพเราะของบทเพลงที่เน้นอย่างสงบ และธีมหลักของโซนาตาอัลเลโกรซึ่งสัมพันธ์กับมันโดยธรรมชาตินั้นฟังดูเหมือน วงทองเหลือง(ขลุ่ยและโอโบสองตัว) และมีเพียงครั้งที่สองเท่านั้นที่มันถูกนำเสนอด้วยสาย แต่ตัวละครของมัน - ร่าเริงและเต้นได้ - เป็นเรื่องปกติของซิมโฟนีสุดท้ายของ Haydn เช่นเดียวกับการขาดส่วนด้านข้างที่เป็นอิสระ แต่สิ่งสุดท้ายดึงดูดความสนใจ: มันง่ายมาก สร้างขึ้นจากการทำซ้ำอย่างต่อเนื่อง เสน่ห์ที่ไม่อาจต้านทานได้เวียนนา เพลงในครัวเรือน- นี่คือสิ่งที่ก่อให้เกิดพื้นฐานของการพัฒนา ซึ่งดึงดูดใจด้วยความต่อเนื่องของการพัฒนา การเปลี่ยนแปลงของธีมสุดท้ายยังคงดำเนินต่อไปในการบรรเลงโดยครองพื้นที่ที่ใหญ่กว่าธีมหลักมากและถึงกับต่อต้านโดยเล่นบทบาทของธีมด้านข้าง

ดนตรีของการเคลื่อนไหวครั้งที่สองเขียนขึ้นเกือบสิบปีก่อนซิมโฟนีโดยเป็นหนึ่งในห้าคอนเสิร์ตสำหรับเครื่องดนตรีหายาก - hurdy-gurdy (เล่นโดยกษัตริย์แห่งเนเปิลส์ซึ่งรับหน้าที่จาก Haydn ในปี 1785) แบบฟอร์มเป็นรูปแบบที่นักแต่งเพลงชื่นชอบซึ่งแสดงให้เห็นความคิดสร้างสรรค์ที่ไม่สิ้นสุดและทักษะอันละเอียดอ่อนของเขาอย่างชัดเจน การนำเสนอธีมที่ไพเราะและสง่างามนั้นไม่โอ้อวด - ฟลุตและไวโอลินและเป็นครั้งที่สอง - โอโบและคลาริเน็ตที่ส่งเสียงเป็นครั้งแรกในซิมโฟนี สิ่งที่น่าสนใจเป็นพิเศษคือความแปรผันเล็กๆ น้อยๆ ที่ศูนย์กลางของการเคลื่อนไหว ธีมนี้ใช้ตัวละครที่เข้มแข็งเมื่อแสดงโดยวงออเคสตราเต็มรูปแบบพร้อมเครื่องทองเหลืองและเครื่องเพอร์คัชชัน ในกระบวนการเปลี่ยนแปลงเพิ่มเติม Haydn พบเอฟเฟกต์ใหม่ๆ ซึ่งสิ่งที่ไม่คาดคิดที่สุดคือสัญญาณการต่อสู้ของทรัมเป็ตเดี่ยว ซึ่งปิดท้ายด้วยลูกคอของกลองทิมปานีโซโล ซึ่งขยายจากเปียโนไปจนถึงฟอร์ติสซิโม คอร์ดที่น่าตกใจและไม่มั่นคงของวงออเคสตราจะคงอยู่เป็นเวลานาน - ราวกับเป็นการเตือนถึงอันตรายที่จะเกิดขึ้น แต่นี่เป็นเพียงชั่วครู่เท่านั้น การเคลื่อนไหวจบลงด้วยการกลับมาของลวดลายเริ่มต้นอันสง่างามใน C Major ที่ร่าเริง ใน Military Symphony แม้แต่ minuet ก็ยังมีรูปลักษณ์คล้ายสงครามและเสียงที่มีพลังผิดปกติ จังหวะนี้เล่นโดยเครื่องดนตรีอื่นๆ ได้แก่ เขาสัตว์ ทรัมเป็ต และกลองทิมปานี ในช่วงกลางของมินูเอต แรงจูงใจหลักจะถูกเล่นซ้ำโดยเสียงเบส สิ่งที่เกิดขึ้นไม่ใช่ภาพการเต้นรำของชาวนาทั่วไป แต่เป็นการเต้นรำแบบคร่าวๆ ของทหาร และทั้งสามคนที่ส่งเสียงในห้องนั้นถูกทำเครื่องหมายด้วยจังหวะประซึ่งหาได้ยากสำหรับ Haydn ซึ่งทำให้ดนตรีที่มีความสามารถในการเต้นที่ราบรื่นนี้หายไปโดยสิ้นเชิง

แต่องค์ประกอบของการเต้นรำครอบงำในตอนจบ โดยเปลี่ยนแสงและธีมที่หมุนวนอย่างไม่มีที่สิ้นสุด ในการพัฒนามีผลกระทบที่น่าขบขันมากมายการเปรียบเทียบสีของโทนสีที่ห่างไกลความแตกต่าง กลุ่มออเคสตรา, การหยุดชั่วคราวที่ไม่คาดคิด และ sforzandos ส่วนหลักมีความคงทนมากจนดูดซับส่วนด้านข้างได้อย่างสมบูรณ์: การเคลื่อนไหวที่รวดเร็วลดลงเพียงไม่กี่บาร์ เสียงเบสของกลุ่มเครื่องสาย และไวโอลินก็สะท้อนด้วยเสียงสแตคคาโตที่กระจัดกระจาย เป็นเรื่องที่ยอดเยี่ยมมากที่จะแสดงส่วนด้านข้างในการบรรเลง - กับพื้นหลังของการหมุนของส่วนหลักพร้อมด้วย "การเคลื่อนไหวสีทอง" ของเขาสัตว์ไปจนถึงเสียงกลองทั้งหมด และในตอนจบของเพลงประกอบอันหรูหรานี้ ธีมหลักที่สนุกสนานจะดังขึ้นเป็นครั้งสุดท้าย

ซิมโฟนีหมายเลข 101 เปิดตัวก่อน Military Symphony หมายเลข 100 เมื่อวันที่ 3 มีนาคม พ.ศ. 2337 ในคอนเสิร์ตคอนแชร์โตของซาโลมอนซึ่งดำเนินการโดย Haydn และประสบความสำเร็จอย่างมาก ชื่อเรื่อง "The Hours" ไม่ได้ถูกกำหนดโดยผู้เขียน เกิดขึ้นเนื่องจากเอฟเฟกต์พิเศษในการเคลื่อนไหวช้าๆ เช่นเดียวกับชื่ออื่นๆ (“เซอร์ไพรส์” “ทหาร”)

ดนตรี (ซิมโฟนีหมายเลข 101)

ซิมโฟนีเปิดเพลงด้วยจังหวะที่ช้ามาก (adagio) ไมเนอร์ที่มีโครมาติกนิยมมากมายโดยมีธีมเชิงเส้นที่นำเสนอแบบโพลีโฟนิกในน้ำเสียงกลาง มันพัฒนาราวกับว่ามีความยากลำบากและบ่งบอกถึงดนตรีประเภทที่แตกต่างอย่างสิ้นเชิงจากโซนาต้าอัลเลโกรที่ไร้กังวลซึ่งดังตามมาด้วยจังหวะที่เร็วที่สุด (เพรสโต) . ส่วนหลักของสายคือเส้นสแตคคาโต - เบาและพุ่งขึ้นอย่างรวดเร็ว - ก่อให้เกิดความแตกต่างที่ชัดเจนกับความคิดของบทนำ แม้ว่าจะขยายออกมาในระดับประเทศก็ตาม สิ่งที่ทำให้มีความพิเศษคือการแบ่งจังหวะไม่ให้ออกเป็นสี่จังหวะตามปกติ ดนตรีคลาสสิกแต่เป็นเวลาห้ารอบ ส่วนด้านข้างในซิมโฟนีช่วงหลังของ Haydn มักจะแสดงถึงการกล่าวย้ำถึงความโดดเด่นหลักในด้านโทนเสียง ในซิมโฟนีเดียวกันอารมณ์เป็นเรื่องทั่วไป แต่ธีมมีความเป็นอิสระ: ส่วนรองนั้นไม่ได้ดำเนินไปอย่างรวดเร็วมีความใกล้ชิดและเป็นผู้หญิงมากกว่า ในการพัฒนา ทั้งสองธีมเป็นละคร ความเบิกบานใจกลับมาอีกครั้ง โคดาเป็นอีกรูปแบบหนึ่งของธีมหลักที่มีการเรียบเรียงที่แตกต่างกัน

ส่วนที่ช้าจะเต็มไปด้วยเสียงนาฬิกาที่ดังไม่หยุดหย่อนซึ่งเป็นจังหวะดนตรีประกอบที่วัดได้ Haydn ในรูปแบบที่เขาชื่นชอบ สร้างความประหลาดใจให้กับทักษะอันสมบูรณ์แบบและความเฉลียวฉลาดที่ไม่สิ้นสุดของเขา ธีมอันไพเราะนั้นเต็มไปด้วยสีสันของเสียงร้องอย่างแท้จริงและการซ้ำซ้อนมากมายซึ่งทำให้มีความคล้ายคลึงกับเพลงโอเปร่าของอิตาลี ในกระบวนการแปรผัน จะเปลี่ยนชุดออเคสตรา กลายเป็นละคร และได้รับอิสระด้านโทนเสียง ซึ่งไม่ใช่ลักษณะเฉพาะของรูปแบบคลาสสิก

มินูเอต์หยาบๆ วางเคียงคู่กับอันดันเตอันวิจิตรงดงาม คอนทราสต์แบบไดนามิกและพื้นผิว การหยุดชะงักของจังหวะ การกระโดดในช่วงเวลาใหญ่ๆ จะวาดภาพ วันหยุดของชาวนา- ทั้งสามคนถูกครอบงำด้วยเสียงอันดังเงียบๆ ซึ่งบางครั้งก็ถูกรบกวนด้วยเสียงอุทานอันดังของ tutti การเล่นฟลุตสแตคคาโตที่พุ่งสูงอย่างง่ายดายในวงเสียงด้านบนนั้นชวนให้นึกถึงธีมหลักของการเคลื่อนไหวครั้งแรก ซึ่งเป็นเทคนิคที่หาได้ยากในศตวรรษที่ 18 บางครั้งทำนองก็ขัดแย้งกันอย่างตลกขบขันกับความสามัคคีและมีบทสนทนาที่ตลกขบขันเกิดขึ้น - ฟลุตและบาสซูนที่ระยะสามอ็อกเทฟ minuet จบลงด้วยการซ้ำซ้อนของส่วนแรก (ดาคาโป)

จิตรกรรม เทศกาลพื้นบ้านแผ่ออกไปในตอนจบ ในธีมซึ่งกลับมาอย่างต่อเนื่องในเวอร์ชันต่าง ๆ คุณสามารถได้ยินเสียงสะท้อนของข้อความที่มีชีวิตชีวาของการเคลื่อนไหวครั้งแรกและการกระโดดอย่างเชื่องช้าของ minuet และบทสนทนาที่ตลกขบขันของทั้งสามคนของเขาและแม้กระทั่ง - ในบางสถานที่ - การฟ้องเครื่องแบบ ของนาฬิกาอันดันเต้ ในรูปแบบรอนโดนี้ ตอนต่างๆ จะตัดกัน แบบแรกเป็นโคลงสั้น ๆ โดยมีการนำเสนอเนื้อหาในรูปแบบอ็อกเทฟที่ Haydn ชื่นชอบ โดยยืมมาจากการฝึกทำดนตรีในชีวิตประจำวัน อย่างที่สองคือฟูกาโตที่ซับซ้อนซึ่งโดดเด่นด้วยทักษะโพลีโฟนิกที่ยอดเยี่ยม เสียงโคดาที่น่าเวียนหัวสร้างธีมหลักด้วยเสียงแตรและทรัมเป็ตที่ไพเราะ โดยมีฉากหลังเป็นเสียงเครื่องสายและงานไม้อันครึกครื้น

ฤดูกาลลอนดอนครั้งสุดท้ายของ Haydn ไม่เกี่ยวข้องกับคอนเสิร์ตของซาโลมอนอีกต่อไป (เขาละทิ้งธุรกิจของเขาในเดือนมกราคม พ.ศ. 2338) แต่ด้วยคอนเสิร์ตโอเปร่าของ G. Viotti ผู้โด่งดัง นักไวโอลินชาวอิตาลีและนักแต่งเพลง เปิดเมื่อวันที่ 2 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2338 และจัดขึ้นเดือนละสองครั้งใน โรงละครรอยัลภายใต้การนำของเครเมอร์ วงออเคสตรามีขนาดใหญ่กว่าของซาโลมอนด้วยซ้ำ โดยมีขนาดใกล้เคียงกับวงสมัยใหม่: ประกอบด้วยคน 60 คน นักดนตรีที่เก่งที่สุดซึ่งตอนนั้นอยู่ในลอนดอนปรารถนาที่จะมีส่วนร่วมในการแสดงซิมโฟนีสามเพลงสุดท้ายของ Haydn รอบปฐมทัศน์ของซิมโฟนี 103 เกิดขึ้นเมื่อวันที่ 2 มีนาคม พ.ศ. 2338 ภายใต้การดูแลของผู้เขียนและประสบความสำเร็จอย่างล้นหลาม

ดนตรี (ซิมโฟนีหมายเลข 103)

การแนะนำอย่างช้าๆ เปิดตัวด้วยเสียงลูกคอของกลองทิมปานีเดี่ยว และเสียงแรกนี้สร้างความประทับใจให้กับผู้ฟังในรอบปฐมทัศน์มากจนเป็นที่มาของชื่อเพลงทั้งหมด ธีมอันสง่างามที่มอบความไว้วางใจให้กับเครื่องดนตรีเบสค่อยๆ ดังขึ้นอย่างช้าๆ หยุดเมื่อประสานเสียงที่ไม่มั่นคง sforzandos เกิดขึ้นทันที กลีบอ่อนแอชั้นเชิงทำให้มีลักษณะการรักษาความลับและความรุนแรงบางประการ ยิ่งเสียงโซนาต้าอัลเลโกรรวมกันอย่างไร้กังวลมากขึ้นเท่านั้น อารมณ์ทั่วไป- ทั้งฝ่ายหลักและฝ่ายฝ่ายมีความสง่างาม เต้นรำเบา ๆมีเพียงท่อนหลักเท่านั้นที่เล่นด้วยเครื่องสาย และท่อนรองคือไวโอลินและโอโบเป็นศิลปินเดี่ยว ในการพัฒนา ลวดลายที่แยกออกจากธีมหลักจะพัฒนาแบบโพลีโฟนิก จู่ๆ บทนำก็บุกเข้ามา รองจากขบวนการทั่วไปของบทหลัก อีกครั้งหนึ่ง แต่ในรูปแบบดั้งเดิม มีการแนะนำซ้ำในท่อนโคดา ซึ่งเป็นเรื่องปกติสำหรับซิมโฟนีในศตวรรษที่ 18 ในตอนท้าย ธีมของเพลงจะเปลี่ยนเป็นการเต้นรำที่ร่าเริง และเปลี่ยนไปสู่ท่อนหลักได้อย่างราบรื่นในชุดออเคสตราชุดใหม่ - โซโลฮอร์น

การเคลื่อนไหวช้าๆ ถือเป็นท่าเต้นที่น่าทึ่งที่สุดของ Haydn สิ่งเหล่านี้เป็นรูปแบบต่างๆ ของธีมนิทานพื้นบ้านที่สดใสมากสองธีม ตัวแรก รอง สำหรับเครื่องสาย ตรงกับภาษาโครเอเชีย เพลงพื้นบ้าน“ บนสนามหญ้า” แม้ว่าการเลี้ยวที่ไพเราะและจังหวะของมันจะมองว่าเป็นภาษาฮังการีก็ตาม รุ่นที่สองเป็นรุ่นหลักจากรุ่นแรก ต้นกำเนิดของนิทานพื้นบ้านยังชัดเจนในเรื่องสีฮาร์โมนิกที่ผิดปกติ ธีมทั้งสองมีความแตกต่างกันอย่างสม่ำเสมอ เสริมด้วยสีสันใหม่: ทั้งส่วนที่เก่งกาจของไวโอลินโซโลหรือจังหวะสแกนของทองเหลืองและทิมปานีจะถูกเน้น

มินูเอตเป็นการเต้นรำแบบชาวนาที่หยาบ หนักแน่น พร้อมสำเนียงที่คมชัด การประสานเสียงและการหยุดกะทันหัน เอฟเฟกต์เสียงสะท้อนของลมทำให้การเต้นรำครั้งแรกเสร็จสมบูรณ์ และจากนั้นวินาทีที่โคลงสั้น ๆ ก็เกิดขึ้นโดยคาดเดาถึงดนตรีของชูเบิร์ตด้วยเสียงที่มีสีสัน ทั้งสามมีลักษณะเฉพาะสายที่มีทำนองเรียบและโค้งมน สลับกับการเรียกม้วนแบบบัญญัติของพวกเขาคือวลีบาสซูน จังหวะดั้งเดิมเลียนแบบเสียงปี่

ตอนจบซึ่งเป็นหนึ่งในงานซิมโฟนิกที่ซับซ้อนที่สุดของ Haydn เป็นการผสมผสานที่ดูเหมือนจะเข้ากันไม่ได้ แต่มีลักษณะทั่วไปของสไตล์ของผู้แต่ง: ธีมการเต้นรำด้วยจิตวิญญาณพื้นบ้านและเทคนิคการเขียนโพลีโฟนิกแบบโบราณ ในเวลาเดียวกันมีการนำเสนอสองธีม: ธีมที่เข้มงวดซึ่งมีพื้นฐานมาจาก "เส้นทางทองคำ" ของเขาและธีมการเต้นรำพื้นบ้านสำหรับไวโอลินซึ่งพัฒนาอย่างแข็งขันในการเลียนแบบตามหลักบัญญัติ มีภาพหนึ่งปรากฏขึ้น วันหยุดประจำชาติสำหรับรูปลักษณ์ที่ Haydn ผสมผสานหลักการของรูปแบบโซนาต้าและรอนโดอย่างเชี่ยวชาญ

ซิมโฟนีหมายเลข 104 เปิดตัวครั้งแรกเมื่อวันที่ 4 พฤษภาคม พ.ศ. 2338 นี่คือการแสดงอำลาเพื่ออำลาของ Haydn ซึ่งเขาเขียนไว้ในไดอารี่ว่า “ห้องโถงเต็มไปด้วยกลุ่มที่ได้รับเลือก ทุกคนพอใจมาก ฉันก็เช่นกัน เย็นวันนี้นำกิลด์มาให้ฉันสี่พันกิลเดอร์”

ซิมโฟนี 104th ไม่เพียงแต่เติมเต็มซิมโฟนีลอนดอนทั้ง 12 วงเท่านั้น แต่ยังเติมเต็มงานซิมโฟนีทั้งหมดของ Haydn ด้วย โดยรวบรวมคุณลักษณะที่ดีที่สุดของสไตล์ช่วงปลายของเขาไว้ เต็มไปด้วยความสุขของการเป็น ด้วยแหล่งนิทานพื้นบ้านต่างๆ ทั้งเพลงและการเต้นรำ วงจรสี่ตอนมีพื้นฐานมาจากการสลับจังหวะที่ตัดกัน การแนะนำอย่างช้าๆ ควบคู่ไปกับโซนาตาอัลเลโกร โดยไม่มีความแตกต่างระหว่างส่วนหลักและรอง ตามมาด้วยการเปลี่ยนแปลงอย่างช้าๆ บทเพลงที่มีชีวิตชีวาพร้อมกับทรีโอที่ใกล้ชิดยิ่งขึ้น และตอนจบที่รวดเร็วซึ่งผสมผสานคุณลักษณะของรูปแบบโซนาต้าและรอนโด รูปแบบที่มีแรงจูงใจเชิงสร้างสรรค์ การพัฒนารูปแบบต่างๆ และโพลีโฟนิกมีลักษณะพิเศษคือความกลมกลืนและความชัดเจนที่กลมกลืนกัน ในขณะที่เสียงของวงออเคสตราที่มีเอฟเฟกต์ตลกขบขันมากมายมีลักษณะเฉพาะด้วยความเบาและสมบูรณ์ องค์ประกอบของวงออร์เคสตราเป็นแบบคลาสสิก: ประกอบด้วยเครื่องลมไม้สี่คู่, ทองเหลืองสองคู่ (เขาและทรัมเป็ต), กลองทิมปานีและเครื่องสาย นี่คือวิธีที่ซิมโฟนีเข้าใกล้ธรณีประตูของศตวรรษที่ 19 ใหม่ซึ่งเปิดขึ้นพร้อมกับซิมโฟนีแรกของเบโธเฟน

ดนตรี (ซิมโฟนีหมายเลข 104)

บทนำอันช้าๆ อันสง่างาม (adagio) เขียนด้วยไมเนอร์คีย์ และโดดเด่นด้วยลักษณะที่น่าสมเพชและอารมณ์เศร้าหมอง ซึ่งหาได้ยากในซิมโฟนีสุดท้ายของ Haydn การรวมกลุ่มครั้งแรกของวงออเคสตราที่มีจังหวะประที่มีลักษณะเฉพาะทำให้เกิดความเชื่อมโยงกับการเดินขบวนศพ เมื่อเทียบกับพื้นหลังนี้ ลวดลายสั้นๆ ของไวโอลินฟังดูเป็นการบ่นที่ขมขื่น Adagio ซึ่งเป็นรูปแบบสามส่วนที่สมบูรณ์แม้ว่าจะจิ๋ว จบลงด้วยการหยุดยาวอย่างลึกลับ... และทันใดนั้นภาพของ Haydn ที่ร่าเริงซึ่งโดยทั่วไปแล้วก็ปรากฏขึ้น - ส่วนหลัก: กระปรี้กระเปร่า สว่าง และเต้นได้ มันครอบงำส่วนแรกทั้งหมด: ในคีย์ที่โดดเด่นจะปรากฏเป็นส่วนรอง; การพัฒนาแบบโพลีโฟนิกในการพัฒนา สองครั้ง เป็นตัวหลักและด้านข้างและกลับมาในการบรรเลง

ธีมของการเคลื่อนไหววินาทีที่ช้า เบา นุ่มนวล โค้งมน นำเสนอด้วยสายเท่านั้น บาสซูนจะเข้ามาเมื่อมีการเล่นซ้ำเท่านั้น: Haydn ใช้เทคนิคทั่วไปในการทำดนตรีในชีวิตประจำวัน โดยนำเสนอเพลงในรูปแบบอ็อกเทฟ รูปแบบต่างๆ มีหลากหลายและแสดงให้เห็นถึงความเป็นไปได้ที่แตกต่างกันของธีมที่เรียบง่าย รูปแบบแรก ไมเนอร์ ระเบิดด้วยเสียงที่เข้มข้นของวงออเคสตรา fortissimo ทั้งหมด อีกประการหนึ่งคือได้ยินเสียงเดินติ๊กของนาฬิกา ชวนให้นึกถึงซิมโฟนีหมายเลข 101 หรือที่รู้จักกันในชื่อ “นาฬิกา” น่าประหลาดใจสำหรับสไตล์ของ Haydn โซโลฟลุตประกาศในจังหวะอิสระโดยมีฉากหลังเป็นคอร์ดหลากสีสัน รูปแบบสุดท้ายโดดเด่นด้วยน้ำเสียงที่นุ่มนวลและผ่อนคลาย และปิดท้ายอย่างสวยงามด้วย "การเคลื่อนไหวสีทอง" ของเขาบนเปียโน

มินูเอตเป็นการเต้นรำของชาวนาแบบคร่าวๆ ซึ่งมีอยู่มากมายในซิมโฟนีของไฮเดิน ในตอนแรก ทุกคนเต้นรำ - ด้วยการกระทืบเท้า พร้อมสำเนียงที่ห้าวหาญในจังหวะสุดท้ายที่อ่อนแอของบาร์ จากนั้นธีมเดียวกันก็ฟังดูเปียโน โปร่งใสและราบรื่นราวกับกำลังเต้นรำ กลุ่มสตรี- จากนั้นก็มีจังหวะที่ตลกขบขัน ในห้องทั้งสามจะได้ยินเสียงเรียกสุดโรแมนติกจากระยะไกลพร้อมการหมุนฮาร์โมนิกหลากสีสัน ในขณะที่การนำบทเพลงที่ Haydn ชื่นชอบมาใช้โดยมีไวโอลินและบาสซูนในอ็อกเทฟนั้นชวนให้นึกถึงการทำดนตรีในชีวิตประจำวัน

ฉากสุดท้ายเต็มไปด้วยจิตวิญญาณพื้นบ้านและกระตุ้นให้เกิดความเกี่ยวข้องโดยตรงกับเทศกาลในหมู่บ้าน เนื่องจากเพลงนี้มีพื้นฐานมาจากเพลงต้นฉบับภาษาโครเอเชีย "Oh, Elena" เสียงที่กระปรี้กระเปร่าและร่าเริงจากไวโอลินจากนั้นโอโบก็หยิบขึ้นมาและเสียงเบสที่ขยายออกไปของเขาเขาและเชลโลบาสซูนและดับเบิลเบสก็เลียนแบบเสียงครวญครางของชาวปี่สก็อต เช่นเดียวกับการเคลื่อนไหวครั้งแรก ธีมของส่วนรองจะเข้ามาแทนที่ส่วนหลักในคีย์ที่โดดเด่นและในการเรียบเรียงใหม่ ทันใดนั้นการเต้นรำก็ถูกขัดจังหวะ - เสียงประสานเสียงโพลีโฟนิกที่เข้มงวดของเสียงไวโอลินและบาสซูน (ธีมรองที่สอง) ทำซ้ำอีกสองครั้ง: ในตอนท้ายของการพัฒนาในการนำเสนอโพลีโฟนิกที่ซับซ้อนยิ่งขึ้นและในการบรรเลง อย่างไรก็ตาม รหัสเจ้าอารมณ์ถูกครอบงำด้วยความสนุกสนานที่ไร้การควบคุม ด้วยภาพการเต้นรำพื้นบ้านที่ร่าเริงนี้ทำให้นักแต่งเพลงวัย 63 ปีกล่าวคำอำลากับซิมโฟนีตลอดไป

ผู้สร้างแนวซิมโฟนีคือ J. Haydn ซิมโฟนีเป็นรูปแบบดนตรีบรรเลงระดับสูงสุด ช่วยให้ผู้แต่งมีขอบเขตที่กว้างขวางในการรวบรวมธีมที่ยิ่งใหญ่ที่สุด คุณลักษณะที่สำคัญที่สุดของดนตรีไพเราะคือแนวคิดเชิงอุดมการณ์ของงาน - ลึกซึ้งและสำคัญ - ได้รับการเปิดเผยในการพัฒนาในวงกว้างและหลากหลาย ซึ่งบางครั้งก็ขัดแย้งกัน ขัดแย้งกัน ดราม่าอย่างเข้มข้น ความขัดแย้ง พลังงาน และแนวความคิดของส่วนแรกของซิมโฟนีมีความสมดุลโดยทั่วไปในสองวิธี: ไม่ว่าจะผ่านความแตกต่างพื้นฐานของ "ง่าย - ซับซ้อน" (หลังโซนาตาอัลเลโกร - ส่วนเต้นรำของมินูเอตหรือรอนโดร่าเริง) หรือ ผ่านการพัฒนาความขัดแย้งจนหมดสิ้น

เป็นเวลากว่าหนึ่งในสามของศตวรรษที่เขาสร้างซิมโฟนี (ตั้งแต่ปลายทศวรรษที่ 50 ถึงกลางทศวรรษที่ 90) ซิมโฟนี 28 โปรแกรมของ Haydn

Haydn สร้างสรรค์ซิมโฟนีของเขาตั้งแต่ปลายทศวรรษที่ 50 ถึงกลางทศวรรษที่ 90 ซิมโฟนีชุดแรกของ Haydn ย้อนกลับไปในยุคของการก่อตั้งซิมโฟนีคลาสสิกของยุโรป และเป็นส่วนเชื่อมโยงที่สำคัญในกระบวนการสร้างรากฐานทางโวหารของซิมโฟนิซึมผู้ใหญ่ของโรงเรียนเวียนนา ซิมโฟนีในเวลาต่อมาของ Haydn ถูกเขียนขึ้นเมื่อมีซิมโฟนีของ Mozart ทั้งหมดอยู่แล้ว และ Beethoven ในวัยหนุ่มกำลังพัฒนาหลักการคิดเชิงซิมโฟนีของเขาในโซนาตาเปียโนและวงดนตรีแชมเบอร์ ซึ่งใกล้จะถึงการสร้างซิมโฟนีครั้งแรกของเขา ซิมโฟนีตอนปลายของ Haydn แสดงให้เห็นถึงซิมโฟนีคลาสสิกสำหรับผู้ใหญ่

วิวัฒนาการของงานซิมโฟนิกของ Haydn เป็นที่สนใจไม่เพียง แต่เพื่อศึกษาเส้นทางสร้างสรรค์ของนักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่เท่านั้น แต่ยังเพื่อทำความเข้าใจการก่อตัวและพัฒนาการของซิมโฟนีคลาสสิกของศตวรรษที่ 18 โดยทั่วไปอีกด้วย ซิมโฟนีในยุคแรกๆ ของ Haydn ยังคงไม่แตกต่างไปจากดนตรีแชมเบอร์มิวสิคเลย (ซึ่งเขาเขียนในเวลาเดียวกัน) และเกือบจะไม่ได้ไปไกลกว่าความบันเทิงตามปกติและแนวเพลงในชีวิตประจำวันในยุคนั้น เฉพาะในยุค 70 เท่านั้นที่มีผลงานที่แสดงถึงโลกแห่งภาพที่ลึกซึ้ง (“ Funeral Symphony”, “ Farewell Symphony” และอื่น ๆ อีกมากมาย) เมื่อผู้แต่งค่อยๆ พัฒนาอย่างสร้างสรรค์ ซิมโฟนีของเขาก็เต็มไปด้วยเนื้อหาดราม่าที่ลึกซึ้งยิ่งขึ้น หากซิมโฟนียุคแรกๆ ของ Haydn หลายเพลงแตกต่างไปเล็กน้อยจากห้องสวีทด้วยการจัดส่วนต่างๆ ที่ตัดกันจากภายนอก ซึ่งส่วนใหญ่เป็นลักษณะการเต้น จากนั้นงานซิมโฟนีจะค่อยๆ เป็นกระบวนการในการเอาชนะห้องสวีท ในขณะที่ยังคงรักษาความเชื่อมโยงกับห้องชุดนี้ไว้ ซิมโฟนีที่เป็นผู้ใหญ่ของ Haydn ก็กลายเป็นผลงานชิ้นสำคัญในเวลาเดียวกัน โดยสี่ส่วนที่แตกต่างกันโดยธรรมชาติเป็นขั้นตอนในการพัฒนาภาพวงกลมเดียว ทั้งหมดนี้ประสบความสำเร็จในระดับหนึ่งในซิมโฟนี "ปารีส" ของ Haydn ในปี 1786 รวมถึงในซิมโฟนีรุ่นก่อนๆ ของแต่ละบุคคล แต่ความสำเร็จสูงสุดของการแสดงซิมโฟนีของ Haydn คือการแสดงซิมโฟนี "ลอนดอน" ทั้ง 12 เพลง

ซิมโฟนี "ลอนดอน" ยกเว้นหนึ่ง (C minor) ซิมโฟนีในลอนดอนของ Haydn ทั้งหมดเขียนด้วยคีย์หลัก แม้ว่าโหมดหลักหรือโหมดรองในตัวเองจะไม่สามารถเป็นเกณฑ์ในการพิจารณาเนื้อหาของงานดนตรีได้ แต่ในกรณีนี้ ลักษณะสำคัญของผลงานส่วนใหญ่ของ Haydn ก็เป็นตัวบ่งชี้ที่สำคัญของการมองโลกในแง่ดี สดใส และสนุกสนานในชีวิต

ซิมโฟนี "ลอนดอน" ของ Haydn แต่ละเพลง (ยกเว้น C minor) เริ่มต้นด้วยการแนะนำสั้นๆ อย่างช้าๆ ของตัวละครที่สง่างามอย่างเคร่งขรึม เน้นการคิด บทกวีที่ไพเราะ หรือครุ่นคิดอย่างสงบ (โดยปกติจะเป็นจังหวะ largo หรือ adagio) การแนะนำอย่างช้าๆ แตกต่างอย่างมากกับอัลเลโกรที่ตามมา (ซึ่งในความเป็นจริงคือการเคลื่อนไหวครั้งแรกของซิมโฟนี) และในขณะเดียวกันก็เตรียมมัน แต่ไม่มีความแตกต่างเป็นรูปเป็นร่างที่ชัดเจนระหว่างธีมของส่วนหลักและส่วนรอง ทั้งสองเพลงมักเป็นเพลงพื้นบ้านและลักษณะการเต้นรำ มีเพียงคอนทราสต์ของโทนสีเท่านั้น: โทนเสียงหลักของส่วนหลักจะตัดกับโทนเสียงที่โดดเด่นของส่วนด้านข้าง ในกรณีที่เนื้อหาหลักและรองแตกต่างกัน ลักษณะของดนตรีและจินตภาพจะคล้ายคลึงกันเป็นส่วนใหญ่

การพัฒนาที่สร้างขึ้นโดยการแยกแรงจูงใจได้รับการพัฒนาที่สำคัญในซิมโฟนีของ Haydn ส่วนสั้นๆ แต่ใช้งานมากที่สุดจะถูกแยกออกจากธีมของส่วนหลักหรือส่วนรอง และผ่านการพัฒนาอิสระที่ค่อนข้างยาว (การมอดูเลตอย่างต่อเนื่องในคีย์ต่างๆ ดำเนินการด้วยเครื่องมือที่แตกต่างกันและในรีจิสเตอร์ที่แตกต่างกัน) สิ่งนี้ทำให้การพัฒนามีลักษณะแบบไดนามิกและทะเยอทะยาน

ส่วนที่ช้า. การเคลื่อนไหวครั้งที่สอง (ช้า) มีลักษณะที่แตกต่างกัน: บางครั้งก็เป็นโคลงสั้น ๆ ที่มีการไตร่ตรองอย่างมีสมาธิ เข้มข้น บางครั้งก็เหมือนเพลง ในบางกรณีก็เหมือนเดินขบวน พวกเขายังมีรูปร่างแตกต่างกันไป ที่พบมากที่สุดคือรูปแบบสามส่วนและรูปแบบที่หลากหลายที่ซับซ้อน

มินูเอตส์ การเคลื่อนไหวครั้งที่สามของซิมโฟนี "ลอนดอน" มักเรียกว่า Menuetto (minuet) แต่มินูเอตของ Haydn นั้นแตกต่างจากมินูเอตในศาลแบบดั้งเดิมและสง่างาม ไปจนถึงเสียงที่คู่เต้นรำโค้งคำนับและโค้งคำนับ มินิเอตของ Haydn จำนวนมากมีลักษณะของการเต้นรำแบบคันทรี่ด้วยท่าเดินที่ค่อนข้างหนักหน่วง ท่วงทำนองที่ไพเราะ สำเนียงที่ไม่คาดคิด และการเปลี่ยนจังหวะ ซึ่งมักจะสร้างเอฟเฟกต์ที่ตลกขบขัน ขนาดสามจังหวะของมินูเอตแบบดั้งเดิมยังคงอยู่ แต่เนื้อหาที่เป็นรูปเป็นร่างและความหมายของดนตรีเปลี่ยนไป: มินูเอตสูญเสียความซับซ้อนของชนชั้นสูงและกลายเป็นการเต้นรำแบบประชาธิปไตยและเป็นชาวนา

รอบชิงชนะเลิศ ในตอนจบของซิมโฟนีของ Haydn ภาพแนวเพลงที่ย้อนกลับไปสู่เพลงเต้นรำโฟล์คมักจะดึงดูดความสนใจ ดนตรีในตอนจบดำเนินไปอย่างรวดเร็วอย่างร่าเริงและเป็นธรรมชาติ เติมเต็มซิมโฟนีทั้งหมด ซึ่งเป็นการเต้นที่ร่าเริงและเป็นหลักในโครงสร้างที่เป็นรูปเป็นร่าง

รูปแบบของตอนจบส่วนใหญ่มักจะเป็นโซนาตาหรือรอนโดโซนาตา ในตอนจบของซิมโฟนี "ลอนดอน" ของ Haydn เทคนิคของการแปรผันและการพัฒนาโพลีโฟนิก (การเลียนแบบ) ถูกนำมาใช้กันอย่างแพร่หลาย โดยเน้นย้ำถึงการเคลื่อนไหวที่รวดเร็วของดนตรีและทำให้โครงสร้างของดนตรีทั้งหมดมีชีวิตชีวา

วงออเคสตราในซิมโฟนีของ Haydn ประกอบด้วยการเรียบเรียงคู่ตามปกติ: 2 ฟลุต, บาสซูน 2 อัน, แตร 2 อัน, ทรัมเป็ต 2 อัน, กลองทิมปานีหนึ่งคู่, กลุ่มเครื่องสาย ทรอมโบนถูกนำมาใช้เป็นครั้งแรกในดนตรีซิมโฟนีเฉพาะในตอนจบของซิมโฟนีของเบโธเฟนบางเพลงเท่านั้น ในบรรดาเครื่องเป่าลมไม้ ไม่ใช่ซิมโฟนีของ Haydn ทั้งหมดที่ใช้คลาริเน็ต คลาริเน็ตซึ่งประดิษฐ์ขึ้นในศตวรรษที่ 17 ได้รับการแนะนำให้รู้จักกับซิมโฟนีโดยนักประพันธ์เพลงของโรงเรียนมันน์ไฮม์ ตัวอย่างเช่น ในซิมโฟนี G major (“War”) พวกเขาเข้าร่วมเฉพาะในการเคลื่อนไหวครั้งที่สองเท่านั้น เฉพาะในเพลงซิมโฟนีลอนดอนสองเพลงสุดท้ายของ Haydn หมายเลข 103 และ 104 เท่านั้นที่มีคลาริเน็ตสองตัวพร้อมกับขลุ่ยสองอัน โอโบ และบาสซูน ไวโอลินกลุ่มแรกเล่นบทบาทนำ ซึ่งได้รับความไว้วางใจในการนำเสนอเนื้อหาเฉพาะเรื่องหลัก แต่ฟลุตและโอโบก็มีส่วนร่วมอย่างแข็งขันในการนำเสนอและการพัฒนา ไม่ว่าจะเพิ่มไวโอลินเป็นสองเท่าหรือสลับกับไวโอลินในการดำเนินการตามธีมหรือ ข้อความ เชลโลและดับเบิ้ลเบสเล่นในแนวเบสเดียวกัน (ดับเบิ้ลเบสจะต่ำกว่าเชลโลเพียงออคเทฟเท่านั้น) ดังนั้นในคะแนนของ Haydn ส่วนต่างๆ จึงเขียนอยู่ในบรรทัดเดียวกัน โดยทั่วไปแตรและทรัมเป็ตมีหน้าที่เรียบง่าย โดยเน้นเสียงประสานและจังหวะในบางจุด ในกรณีที่เครื่องดนตรีทั้งหมดของวงออเคสตรา (ตุตติ) เล่นดนตรีแบบมือขวาพร้อมกัน แตรและทรัมเป็ตจะมีส่วนร่วมอย่างเท่าเทียมกันกับเครื่องดนตรีอื่นๆ ส่วนใหญ่มักเกี่ยวข้องกับธีมการประโคม คุณสามารถอ้างอิงถึงตัวอย่างสำหรับส่วนหลัก (นำเสนอโดยวงออเคสตราทั้งหมด จาก Symphony No. 97 ใน C major

Haydn เป็นผู้สร้างแนวซิมโฟนีคลาสสิก ซิมโฟนียังต้องผ่านเส้นทางการพัฒนาอันยาวนานในงานของ Haydn และมีเพียงซิมโฟนีที่เป็นผู้ใหญ่เท่านั้นที่ได้รับรูปแบบคลาสสิกที่สมบูรณ์แบบที่สุด - วงจรสี่ส่วนพร้อมลำดับส่วนที่แน่นอน

ซิมโฟนีของ Haydn หลายเพลงมีชื่อเป็นของตัวเอง: "Morning", "Noon", "Evening and Storm" ซิมโฟนีของ Haydn ส่วนใหญ่มักจะเป็นชื่อของพวกเขาสำหรับการเคลื่อนไหวครั้งที่สองซึ่งผู้แต่งชอบเลียนแบบบางสิ่งบางอย่าง: นี่คือวิธีที่ซิมโฟนี "ทหาร" เกิดขึ้นโดยที่ซึ่งได้ยินเสียงประโคมข่าวของทหารในการเคลื่อนไหวครั้งที่สองและนี่คือวิธีที่ซิมโฟนี "นาฬิกา" เกิดขึ้น โดยการเคลื่อนไหวครั้งที่สองเริ่มต้นด้วย “ติ๊ก”... นอกจากนี้ยังมีซิมโฟนี “หมี” ซิมโฟนี “ล่าสัตว์” และซิมโฟนี “ไก่” อีกด้วย

การเคลื่อนไหวครั้งแรกของ Symphony No. 48, 1773 ซึ่งตั้งชื่อตามจักรพรรดินีมาเรีย เทเรซา แห่งออสเตรีย สื่อถึงบรรยากาศที่สนุกสนานของดนตรีของ Haydn ได้อย่างสมบูรณ์แบบ รวมถึงความร่าเริงและความเฉลียวฉลาดที่สม่ำเสมอ ซิมโฟนี "อำลา" (หมายเลข 45, 1772) Haydn ได้ชื่อมาจากตอนจบ ระหว่างการแสดง นักดนตรีจะค่อยๆ ลงจากเวทีทีละคน ดังนั้น Haydn จึงบอกเป็นนัยกับเจ้าชายนิโคลัสผู้อุปถัมภ์ของเขาว่านักดนตรีกำลังรอการออกเดินทางจากที่ดินฤดูร้อนของ Esterhazy ไปยัง Eisenstadt อันอบอุ่นและการออกเดินทางมีกำหนดในวันถัดไปหลังจากรอบปฐมทัศน์ ตอนจบของซิมโฟนี "อำลา" แสดงให้เห็นอย่างชัดเจนถึงลักษณะเฉพาะของดนตรีของ "ยุคที่กล้าหาญ"

ซิมโฟนีในลอนดอน 12 วงช่วยเติมเต็มงานซิมโฟนิกของ Haydn เมื่อสิ่งเหล่านั้นถูกสร้างขึ้นในปี 1793-94 Haydn ได้รับการสวมมงกุฎด้วยเกียรติยศ ซึ่งได้รับการสนับสนุนจากเหล่าขุนนาง แต่ก็ยังคงทำงานอย่างไม่เหน็ดเหนื่อยเช่นเคย เขาทำทุกอย่างที่เขาได้รับเรียกให้ทำสำเร็จ: ซิมโฟนีในลอนดอนฉายแสงแห่งความพึงพอใจ ความสงบ ความยินดี และแสงสว่าง พวกเขาแสดงถึงการมองโลกในแง่ดีทางปรัชญาและความปรารถนาอย่างต่อเนื่องในการดำเนินการ ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของยุคแห่งการตรัสรู้

ซิมโฟนีหมายเลข 100 พ.ศ. 2335 "ทหาร" ฉันเคลื่อนไหว โซนาตาอัลเลโกรสะท้อนความแตกต่างและความแปรปรวนของการดำรงอยู่ได้ดีที่สุด แสดงออกถึงการแสดงละครและประสิทธิผลของการตรัสรู้

ซิมโฟนีหมายเลข 103 Es major ขึ้นต้นด้วยกลองทิมปานี ซึ่งเป็นที่มาของชื่อนี้ ซิมโฟนีมีบุคลิกที่สดใสร่าเริง