Laporan metodologis “Polifoni J. S. Bach. Pesan metodologis tentang topik hubungan interdisipliner dalam studi polifoni

Pesan metodologis tentang topik:

“Tentang pengembangan keterampilan
mengerjakan polifoni"

Guru
Kolodiy T.P.

Kelas piano

Krasnodar, 2000

Mengerjakan karya polifonik merupakan bagian integral dari pembelajaran pertunjukan piano. Bagaimanapun musik piano semuanya polifonik dalam arti luas.

Pendidikan pemikiran polifonik, pendengaran polifonik, yaitu kemampuan untuk secara terpisah, membedakan (mendengar) dan mereproduksi pada suatu instrumen beberapa garis suara yang digabungkan satu sama lain dalam pengembangan garis suara secara simultan - salah satu yang paling penting dan paling bagian kompleks dari pendidikan musik.

Pedagogi piano modern menaruh kepercayaan besar pada kecerdasan musikal anak-anak. Berdasarkan pengalaman B.Bartok,
K. Orff, guru membuka dunia musik polifonik yang menarik dan kompleks kepada anak sejak tahun pertama studi di sekolah musik.

Mengambil, misalnya, lagu rakyat Rusia "Tanah Air" dari koleksi "Untuk Pianis Muda" yang diedit oleh V. Shulgina, guru mengundang siswa untuk menampilkannya dengan cara "paduan suara", membagi peran: siswa memainkan yang terpelajar penyanyi utama mengambil bagian dalam pelajaran, dan guru, sebaiknya pada instrumen lain, karena ini akan memberikan kelegaan yang lebih besar pada setiap baris melodi, “menggambarkan” paduan suara yang mengambil melodi dari paduan suara tersebut. Setelah dua atau tiga pelajaran, “vokal latar” dibawakan oleh siswa dan dia jelas yakin bahwa vokal tersebut tidak kalah independennya dengan melodi penyanyi utama. Saat mengerjakan suara individu, siswa perlu mencapai penampilan yang ekspresif dan merdu. Saya ingin lebih memperhatikan hal ini karena pentingnya upaya menyuarakan pendapat siswa sering kali diremehkan; itu dilakukan secara formal dan tidak dibawa ke tingkat kesempurnaan ketika siswa benar-benar dapat menampilkan setiap suara secara terpisah sebagai baris melodi. Sangat berguna untuk menghafal setiap suara.

Dengan memainkan kedua bagian secara bergantian dengan guru dalam sebuah ansambel, siswa tidak hanya dengan jelas merasakan kehidupan mandiri masing-masing bagian, tetapi juga mendengar keseluruhan bagian secara keseluruhan dalam kombinasi kedua suara secara bersamaan, yang sangat memudahkan tahap yang paling sulit. pekerjaan - penyerahan kedua bagian ke tangan siswa.

Agar pemahaman anak tentang polifoni lebih mudah diakses, ada gunanya menggunakan analogi kiasan dan menggunakan esai program di mana setiap suara memiliki karakteristik kiasannya sendiri. Misalnya, aransemen lagu “Katenka the Cheerful” yang dilakukan Sorokin, yang diberi judul “Shepherds Playing the Pipe”. Polifoni subvokal dua suara dalam karya ini menjadi sangat mudah diakses oleh siswa berkat judul programnya. Di sini anak dengan mudah membayangkan dua bidang kemerduan: seperti permainan seorang gembala dewasa dan seorang gembala kecil yang bermain bersama di atas pipa kecil. Tugas ini biasanya memikat siswa dan pekerjaannya berkembang dengan cepat. Metode penguasaan karya polifonik ini secara signifikan meningkatkan minat terhadap karya tersebut, dan yang terpenting, membangkitkan persepsi suara yang jelas dan imajinatif dalam benak siswa. Hal inilah yang mendasari sikap emosional dan bermakna terhadap bimbingan suara. Sejumlah permainan subvokal lainnya dipelajari dengan cara serupa. Mereka dapat ditemukan di banyak koleksi untuk pemula, misalnya: “Saya ingin menjadi seorang musisi”, “Jalan bermain musik”, “Pianist - Dreamer”, “School of Piano Playing” diedit oleh A. Nikolaev, “Collection potongan piano"diedit oleh Lyakhovitskaya, "Pianis muda" V. Shulgina.

Koleksi Elena Fabianovna Gnessina “Piano ABC”, “Etudes Kecil untuk Pemula”, “Latihan Persiapan” dapat sangat bermanfaat dalam mengembangkan keterampilan dasar dalam melakukan polifoni selama periode pelatihan awal.

Dalam koleksi Shulgina “Young Pianists”, Barenboim “The Path to Playing Music”, Turgeneva “The Dreamer Pianist”, tugas kreatif diberikan untuk permainan subvokal, misalnya: memilih suara bawah sampai akhir dan menentukan nada suara; mainkan satu suara dan nyanyikan suara lainnya; tambahkan suara kedua ke melodi dan rekam suara pengiringnya; membuat kelanjutan dari suara atas dan seterusnya.

Esai sebagai salah satu jenisnya pemutaran musik kreatif anak-anak sangat berguna. Ini mengaktifkan pemikiran, imajinasi, perasaan. Akhirnya, secara signifikan meningkatkan minat terhadap karya yang dipelajari.

Aktif dan sikap tertarik Pendekatan anak sekolah terhadap musik polifonik bergantung sepenuhnya pada metode kerja guru, pada kemampuannya mengarahkan siswa pada persepsi figuratif elemen utama musik polifonik, teknik bawaannya, seperti imitasi.

Dalam lagu rakyat Rusia “I Walk with a Loach” atau “The Woodcutter” dari koleksi V. Shulgina “For Young Pianists,” di mana melodi aslinya diulang satu oktaf lebih rendah, peniruan dapat dijelaskan secara kiasan dengan membandingkannya dengan melodi yang familiar dan fenomena yang menarik bagi anak-anak sebagai gema. Anak akan dengan senang hati menjawab pertanyaan guru: ada berapa suara dalam lagu tersebut? Suara apa yang terdengar seperti gema? Dan dia akan mengatur (dirinya sendiri) dinamikanya (f dan p), dengan menggunakan teknik “echo”. Bermain dalam ansambel akan sangat meramaikan persepsi peniruan: siswa memainkan melodi, dan peniruannya (“gema”) dimainkan oleh guru, dan sebaliknya.

Dari langkah pertama menguasai polifoni, sangat penting untuk membiasakan anak pada kejelasan masuknya suara secara bergantian, kejelasan pelaksanaan dan akhir ceritanya. Penting untuk mencapai perwujudan dinamis yang kontras dan timbre yang berbeda untuk setiap suara di setiap pelajaran.

Dengan menggunakan lakon B. Bartok dan penulis modern lainnya, anak-anak memahami keunikan bahasa musik komposer modern. Dengan menggunakan contoh lakon Bartok “The Opposite Movement” kita dapat melihat betapa pentingnya permainan polifoni bagi pendidikan dan perkembangan telinga siswa, terutama dalam persepsi dan penampilan karya musik modern. Di sini melodi setiap suara terdengar alami secara individual. Namun ketika pertama kali memainkan sebuah bidak dengan kedua tangan sekaligus, siswa mungkin akan terkejut dengan disonansi dan daftar F - F - tajam, C - C - tajam yang muncul selama gerakan sebaliknya. Jika dia pertama kali mengasimilasi setiap suara secara terpisah dengan benar, maka suara simultan mereka akan dianggap logis dan alami.

Seringkali di musik modern ada komplikasi polifoni dengan politonalitas (suara dalam kunci berbeda). Tentu saja, komplikasi seperti itu harus mempunyai alasan tertentu. Misalnya, dalam lakon dongeng “The Bear” karya I. Stravinsky, melodinya adalah nyanyian diatonis lima nada berdasarkan bunyi rendah C, pengiringnya adalah pergantian berulang dari bunyi D datar dan A datar. Iringan “alien” semacam itu harus menyerupai derit kaki kayu “alien”, yang diiringi beruang yang menyanyikan lagunya. Lakon B. Bartok “Imitation” dan “Imitation in Reflection” memperkenalkan anak pada peniruan langsung dan cermin.

Setelah penguasaan peniruan sederhana (pengulangan motif dengan suara yang berbeda), pengerjaan lagu kanonik dimulai berdasarkan peniruan senar, yang dimulai sebelum akhir melodi yang ditiru. Dalam lakon semacam ini, tidak hanya satu ungkapan atau motif yang ditiru, melainkan seluruh ungkapan atau motif hingga akhir karya. Sebagai contoh, mari kita ambil drama “The Shepherd” (kanon) karya Y. Litovko dari koleksi “For Young Pianists” karya V. Shulgina. Drama ini bersifat subtekstual dengan kata-kata. Untuk mengatasi kesulitan polifonik baru, metode kerja berikut yang terdiri dari tiga tahap berguna. Pertama, drama tersebut ditulis ulang dan dipelajari dengan meniru sederhana. Di bawah frasa pertama lagu, jeda ditempatkan pada suara yang lebih rendah, dan ketika menirunya pada suara kedua, jeda ditulis dalam sopran. Frasa kedua ditulis ulang dengan cara yang sama, dan seterusnya. Dalam “pengaturan” yang disederhanakan ini, drama tersebut dimainkan untuk dua atau tiga pelajaran. (contoh 1) Kemudian “pengaturannya” menjadi agak lebih rumit: frasa-frasa tersebut ditulis ulang dalam tiruan yang diregangkan, dan jeda ditunjukkan pada hitungan ke-5 dalam sopran. Frasa kedua dipelajari dengan cara yang sama dan seterusnya (contoh 2). Metode kerja ansambel harus menjadi yang terdepan saat ini. Signifikansinya semakin meningkat pada tahap terakhir, ketiga karya tersebut, ketika karya tersebut dimainkan oleh guru dan siswa dalam ansambel seperti yang ditulis oleh komposer. Dan baru setelah itu kedua suara tersebut dipindahkan ke tangan siswa.

Perlu dicatat bahwa proses penulisan ulang karya polifonik itu sendiri sangat bermanfaat. Hal ini ditunjukkan oleh guru-guru terkemuka di zaman kita seperti Valeria Vladimirovna Listova, Nina Petrovna Kalinina, Yakov Isaakovich Milshtein. Siswa dengan cepat terbiasa dengan tekstur polifonik, memahaminya dengan lebih baik, dan lebih jelas memahami melodi setiap suara dan hubungan vertikalnya. Saat menyalin, ia melihat dan memahami dengan telinga bagian dalam ciri penting polifoni seperti perbedaan waktu antara motif yang identik.

Efektivitas latihan semacam itu ditingkatkan jika kemudian dimainkan dengan telinga, menggunakan suara yang berbeda, dalam nada yang berbeda (bersama dengan guru). Sebagai hasil dari pekerjaan tersebut, siswa memahami dengan jelas struktur kanonik lakon, pengenalan tiruan, hubungannya dengan frasa yang ditiru, dan hubungan akhir tiruan dengan frasa baru.

Karena imitasi string dalam polifoni J. S. Bach adalah sarana pengembangan yang sangat penting, seorang guru yang peduli dengan prospek pendidikan polifonik lebih lanjut bagi siswanya harus fokus pada hal ini.

Lebih jauh lagi khususnya penting memperoleh studi tentang drama polifonik era Barok, di antaranya karya J. S. Bach menempati urutan pertama. Pada era ini terbentuk landasan retorika bahasa musik – musikal – figur retoris yang diasosiasikan dengan simbolisme semantik tertentu (kiasan desahan, seruan, pertanyaan, keheningan, amplifikasi, berbagai bentuk gerakan dan struktur musik). Keakraban dengan bahasa musik era Barok menjadi dasar akumulasi kosakata intonasi musisi muda dan membantunya memahami bahasa musik era berikutnya.

Materi pedagogis terbaik untuk mengembangkan pemikiran suara polifonik seorang pianis adalah warisan keyboard J. S. Bach, dan langkah pertama menuju “parnassus polifonik” adalah koleksi terkenal yang disebut “The Notebook of Anna Magdalena Bach.” Mahakarya kecil yang termasuk dalam “Buku Catatan” sebagian besar adalah karya tari kecil - polonaise, minuet, dan pawai, yang dibedakan berdasarkan kekayaan melodi, ritme, dan suasana hati yang luar biasa. Menurut pendapat saya, yang terbaik adalah memperkenalkan siswa pada koleksi itu sendiri, yaitu “Buku Catatan”, dan bukan pada masing-masing bagian yang tersebar di berbagai koleksi. Sangat berguna untuk memberi tahu anak Anda bahwa dua “Buku Catatan Musik Anna Magdalena Bach” adalah semacam pekerjaan rumah album musik keluarga J.S.Bach. Ini termasuk berbagai jenis karya instrumental dan vokal. Drama-drama ini, baik miliknya sendiri maupun milik orang lain, ditulis dalam buku catatan oleh tangan J. S. Bach sendiri, terkadang oleh istrinya Anna Magdalena Bach; ada juga halaman yang ditulis dengan tulisan tangan anak salah satu putra Bach. Karya vokal - arias dan chorales yang termasuk dalam koleksi - dimaksudkan untuk pertunjukan di lingkungan rumah keluarga Bach.

Saya biasanya mulai memperkenalkan siswa pada “Notebook” dengan Minuet d – minor. Siswa akan tertarik mengetahui bahwa koleksinya mencakup sembilan Minuet. Pada masa J. S. Bach, Minuet tersebar luas, hidup, semuanya tarian terkenal. Itu ditarikan baik di rumah maupun di pesta yang menyenangkan dan selama upacara istana yang khusyuk. Selanjutnya, minuet menjadi tarian aristokrat yang modis, yang dinikmati oleh para bangsawan istana dengan wig bubuk putih dengan ikal. Perlu ditampilkan ilustrasi bola pada masa itu, untuk menarik perhatian anak-anak pada kostum pria dan wanita, yang sangat menentukan gaya menari (wanita memiliki crinoline, sangat lebar, membutuhkan gerakan halus, pria memiliki kaki yang ditutupi stoking, dalam sepatu hak tinggi yang elegan, dengan garter yang indah, - busur di lutut). Minuet ditarikan dengan penuh kekhidmatan. Musiknya tercermin dalam melodinya yang mengubah kehalusan dan pentingnya membungkuk, hormat dan hormat seremonial rendah.

Setelah mendengarkan Minuet yang dibawakan oleh guru, siswa menentukan karakternya: dengan melodi dan merdunya, lebih mengingatkan pada lagu daripada tarian, oleh karena itu karakter pertunjukannya harus lembut, halus, merdu, dalam suasana tenang. dan bahkan gerakan. Kemudian guru menarik perhatian siswa pada perbedaan melodi suara atas dan bawah, kemandirian dan kemandiriannya satu sama lain, seolah-olah dinyanyikan oleh dua penyanyi: kita tentukan yang pertama, suara tinggi perempuan, adalah sopran, dan yang kedua, suara rendah laki-laki, adalah bass; atau dua suara melakukan dua instrumen yang berbeda, yang? Sangat penting untuk melibatkan siswa dalam pembahasan masalah ini, untuk menyadarkannya imajinasi kreatif. I. Braudo memberi nilai yang besar kemampuan bermain piano. “Perhatian pertama pemimpin,” tulisnya, “adalah mengajar siswa untuk mengekstrak kemerduan tertentu dari piano, yang diperlukan dalam kasus ini. Saya akan menyebut keterampilan ini... kemampuan memainkan piano secara logis.” “Melakukan dua suara dalam instrumentasi berbeda memiliki nilai pendidikan yang tinggi untuk pendengaran.” “Kadang-kadang akan lebih mudah untuk memperjelas perbedaan ini kepada siswa melalui perbandingan kiasan. Misalnya, wajar untuk membandingkan Little Prelude yang khusyuk dan meriah dalam C-mayor dengan pembukaan singkat untuk orkestra yang melibatkan terompet dan timpani. Adalah wajar untuk membandingkan Little Prelude in e – minor yang penuh perhatian dengan sebuah karya untuk ansambel kamar kecil, di mana melodi obo solo diiringi oleh instrumen senar. Pemahaman tentang sifat umum kemerduan yang diperlukan untuk suatu pekerjaan tertentu akan membantu siswa mengembangkan tuntutan pendengarannya, akan membantu mengarahkan tuntutan ini ke arah penerapan bunyi yang diperlukan.”

Dalam Minuet in d minor, bunyi suara pertama yang merdu dan ekspresif menyerupai nyanyian biola. Dan timbre serta register suara bass mendekati suara cello. Kemudian Anda perlu menganalisis bersama anak Anda, menanyakan pertanyaan-pertanyaan yang mengarahkan, bentuk permainan (dua bagian) dan rencana nadanya: bagian pertama dimulai dengan d - minore, dan diakhiri dengan
secara paralel F-dure; bagian kedua dimulai dengan F-dure dan diakhiri dengan d - minore; ungkapan dan artikulasi terkait setiap suara secara terpisah. Pada bagian pertama, suara rendah terdiri dari dua kalimat yang dipisahkan dengan jelas oleh irama, dan kalimat pertama dari suara atas dipecah menjadi dua frasa tarik-menarik: frasa pertama terdengar lebih signifikan dan gigih, frasa kedua lebih tenang, seolah-olah sebagai tanggapan. Untuk memperjelas hubungan tanya jawab, Braudo menawarkan teknik pedagogis berikut: guru dan siswa ditempatkan di dua piano. Dua ketukan pertama dilakukan oleh guru, siswa menjawab dua ketukan ini - pertanyaan - dengan melakukan dua ketukan kedua - jawabannya. Kemudian perannya dapat diubah: siswa akan “bertanya”, guru akan menjawab. Dalam hal ini, pemain yang mengajukan pertanyaan dapat memainkan melodinya sedikit lebih cerah, dan orang yang menjawab - sedikit lebih tenang, lalu coba mainkan sebaliknya, dengarkan baik-baik dan pilih opsi terbaik. “Penting bahwa pada saat yang sama kita mengajari siswa untuk tidak bermain sedikit lebih keras dan sedikit lebih tenang - kita mengajarinya untuk “bertanya” dan “menjawab” pada piano.

Dengan cara yang sama, Anda dapat mengerjakan Menuel No. 4 di G mayor, di mana “pertanyaan” dan “jawaban” terdiri dari frasa empat batang. Kemudian seluruh suara pertama Minuet dimainkan oleh siswa, secara ekspresif melantunkan “pertanyaan” dan “jawaban”; bekerja pada ekspresi guratan yang lebih dalam (bar 2.5) - di sini siswa dapat dibantu dengan perbandingan kiasan. Misalnya, pada takaran kedua melodi “mereproduksi” busur yang penting, dalam dan bermakna, dan pada takaran kelima – busur yang lebih ringan, lebih anggun, dan seterusnya. Guru dapat meminta siswa untuk menggambarkan gerakan busur yang berbeda-beda, berdasarkan sifat pukulannya. Penting untuk menentukan klimaks dari kedua bagian - baik pada gerakan pertama, dan klimaks utama dari keseluruhan bagian pada gerakan kedua hampir menyatu dengan irama terakhir - ini adalah ciri khas gaya Bach, yang seharusnya menjadi siswa. sadari. Pertanyaan tentang interpretasi irama Bach menyibukkan para peneliti otoritatif karya Bach seperti F. Busoni, A. Schweitzer, I. Braudo. Mereka semua sampai pada kesimpulan bahwa irama Bach dicirikan oleh signifikansi dan kesedihan yang dinamis. Jarang sekali karya Bach diakhiri dengan piano; hal yang sama dapat dikatakan tentang irama di tengah-tengah pekerjaan.

Dari sekian banyak tugas yang menghalangi mempelajari polifoni, yang utama tetap mengerjakan melodi, ekspresi intonasi dan independensi masing-masing suara secara terpisah. Kemandirian suara adalah fitur yang sangat diperlukan dalam karya polifonik apa pun. Oleh karena itu, sangat penting untuk menunjukkan kepada siswa, dengan menggunakan contoh d minor Minuet, bagaimana sebenarnya kemandirian ini diwujudkan:

dalam perbedaan sifat bunyi (instrumentasi);
dalam frasa berbeda yang hampir tidak pernah bersamaan (misalnya, pada ukuran 1-4, suara atas berisi dua frasa, dan suara bawah terdiri dari satu kalimat);
dalam pukulan yang tidak serasi (legato dan non legato);
dalam ketidaksesuaian klimaks (misalnya, pada birama kelima – keenam, melodi suara atas naik dan naik ke atas, dan suara rendah turun dan naik ke atas hanya pada birama ketujuh).

5. dalam ritme yang berbeda (pergerakan suara rendah dalam durasi seperempat setengah kontras dengan pola ritme bergerak melodi suara atas, yang hampir seluruhnya terdiri dari nada kedelapan);

6. dalam ketidaksesuaian perkembangan dinamis (misalnya, pada takaran empat bagian kedua, kemerduan suara rendah meningkat, dan suara atas menurun).

Polifoni Bach dicirikan oleh polidinamik, dan untuk mereproduksinya dengan jelas, pertama-tama kita harus menghindari dinamika yang berlebihan dan tidak boleh menyimpang dari instrumentasi yang dimaksudkan sampai akhir karya. Rasa proporsional dalam kaitannya dengan semua perubahan dinamis dalam setiap karya Bach adalah kualitas yang tanpanya mustahil untuk menyampaikan gaya musiknya dengan benar. Hanya melalui studi analitis mendalam tentang hukum dasar gaya Bach seseorang dapat memahami maksud pertunjukan sang komposer. Segala upaya guru harus diarahkan pada hal ini, dimulai dengan “Buku Catatan Anna Magdalena Bach”.

Berdasarkan materi karya lain dari Notebook, siswa mempelajari fitur-fitur baru musik Bach, yang akan ia temui dalam karya-karya dengan tingkat kompleksitas yang berbeda-beda. Misalnya, dengan kekhasan ritme Bach, yang dalam banyak kasus dicirikan oleh penggunaan durasi yang berdekatan: seperdelapan dan seperempat (semua pawai dan minuet), keenam belas dan kedelapan (“Bagpipes”). Ciri khas lain dari gaya Bach, yang diidentifikasi oleh I. Braudo dan disebut sebagai “teknik delapan bagian”, adalah kontras dalam artikulasi durasi yang berdekatan: durasi yang kecil dimainkan secara legato, dan durasi yang lebih besar – non legato atau staccato. Namun, teknik ini harus digunakan berdasarkan sifat lagunya: Minuet yang merdu di d-moll, Minuet No. 15 di c-moll, dan Polonaise No. 19 yang khusyuk di g-moll merupakan pengecualian untuk “kedelapan -aturan utama.”

Saat menampilkan karya vokal oleh I.S. Bach (Aria No. 33 di F-moll, Aria No. 40 di F-Dur), serta pendahuluan paduan suaranya (pada tahap pelatihan selanjutnya), kita tidak boleh melupakan fakta bahwa tanda fermata tidak berarti penghentian sementara pada karya-karya ini, seperti dalam praktik musik modern; tanda ini hanya menunjukkan akhir ayat.

Saat mengerjakan polifoni Bach, siswa sering kali menemukan melisma, sarana musik artistik dan ekspresif terpenting pada abad ke-17 hingga ke-18. Jika kita memperhitungkan perbedaan rekomendasi editorial baik mengenai jumlah dekorasi maupun penguraiannya, menjadi jelas bahwa siswa pasti membutuhkan bantuan dan instruksi khusus dari guru. Guru harus berangkat dari pemahaman tentang gaya pekerjaan yang dilakukan, pengalaman pertunjukan dan mengajarnya sendiri, serta manual metodologi yang tersedia. Jadi, seorang guru dapat merekomendasikan artikel karya L.I. Roizman “Tentang pelaksanaan dekorasi (melismas) dalam karya komposer kuno”, yang mengkaji masalah ini secara rinci dan memberikan instruksi dari I.S. Bach. Anda dapat membuka studi utama Adolf Beischlag “Ornamentation in Music”, dan tentu saja, berkenalan dengan interpretasi Bach terhadap pertunjukan melismas menurut tabel yang disusun oleh komposer sendiri dalam “Wilhelm Friedemann Bach's Night Notebook”, yang mencakup tipikal utama contoh. Tiga poin penting di sini:

2. semua melisma diawali dengan bunyi bantu atas (kecuali morden yang dicoret dan beberapa pengecualian, misalnya bila bunyi yang ditaruh getar atau mordent tidak disilang sudah didahului oleh bunyi atas yang terdekat, maka hiasannya adalah dilakukan dari suara utama);

3. Bunyi-bunyi bantu dalam melisma dibawakan pada tangga nada diatonis, kecuali bila tanda perubahannya ditunjukkan oleh penciptanya - di bawah tanda melisma atau di atasnya.

Agar siswa kita tidak menganggap melisma sebagai penghalang yang mengganggu dalam bermain, kita perlu dengan terampil menyajikan materi ini kepada mereka, membangkitkan minat dan rasa ingin tahu. Misalnya, ketika mempelajari Minuet No. 4 di G mayor, seorang siswa menjadi akrab dengan melodi tanpa terlebih dahulu memperhatikan mordent yang tertulis di nada-nada tersebut. Kemudian ia mendengarkan lakon yang dibawakan guru, mula-mula tanpa hiasan, kemudian dengan hiasan dan membandingkan. Para pria tentu saja lebih menyukai pertunjukan dengan mordent. Biarkan dia mencari sendiri di mana dan bagaimana hal itu ditunjukkan dalam catatan. Setelah menemukan ikon-ikon baru (mordents), siswa biasanya menunggu dengan penuh minat penjelasan guru, dan guru mengatakan bahwa ikon-ikon penghias melodi ini merupakan cara singkat untuk merekam putaran melodi, yang umum terjadi pada abad 17-18. Dekorasi seolah menyambung, menyatukan alur melodi, dan meningkatkan ekspresi ucapan. Dan jika melisma adalah sebuah melodi, maka harus dibawakan secara merdu dan ekspresif, dengan karakter dan tempo yang melekat pada karya tersebut. Agar melismas tidak menjadi “batu sandungan”, pertama-tama Anda harus mendengarkannya “untuk diri sendiri”, menyanyikannya, baru kemudian memainkannya, dimulai dengan tempo lambat dan secara bertahap membawanya ke tempo yang diinginkan.

Sebuah langkah baru dalam menguasai polifoni adalah mengenal koleksi “Little Preludes and Fugues”, dan dari situ banyak topik yang mengarah ke “Inventions”, “Symphonies” dan “HTK”. Saya ingin menekankan bahwa ketika mempelajari karya-karya Bach, bertahap dan konsistensi sangatlah penting. “Anda tidak dapat mempelajari fugue dan simfoni kecuali Anda telah mempelajari secara menyeluruh penemuan-penemuan dan pendahuluan-pendahuluan kecil,” I. Braudo memperingatkan. Koleksi-koleksi ini, selain nilai seninya, memberikan kesempatan kepada guru untuk memperdalam perkenalan siswa dengannya ciri ciri Ungkapan, artikulasi, dinamika, suara Bach, untuk menjelaskan kepadanya konsep-konsep penting seperti tema, oposisi, polifoni tersembunyi, imitasi dan lain-lain.

Siswa tersebut berkenalan dengan imitasi di kelas satu sekolah musik. Di sekolah menengah, idenya tentang peniruan berkembang. Ia harus memahaminya sebagai pengulangan tema – ide utama musik – dengan suara yang berbeda. Imitasi adalah cara polifonik utama dalam mengembangkan sebuah tema. Oleh karena itu, pengkajian tema secara menyeluruh dan menyeluruh, baik itu Little Prelude, Invention, Symphony atau Fugue, merupakan tugas utama dalam menggarap setiap karya polifonik yang bersifat imitatif.

Saat mulai menganalisis suatu topik, siswa secara mandiri atau dengan bantuan guru menentukan batasannya. Kemudian dia harus memahami sifat kiasan dan intonasi topik tersebut. Interpretasi ekspresif yang dipilih terhadap tema menentukan interpretasi keseluruhan karya. Oleh karena itu, sangat penting untuk memahami semua seluk-beluk suara dari pertunjukan tema, mulai dari pertunjukan pertama. Saat masih mempelajari potongan-potongan Buku Catatan Anna Magdalena Bach, siswa tersebut menyadari struktur motivasi melodi Bach. Misalnya, ketika mengerjakan tema Little Prelude No. 2 jurusan C (bagian 1), siswa harus memahami dengan jelas bahwa tema itu terdiri dari tiga motif menaik (contoh 3). Untuk mengidentifikasi dengan jelas strukturnya, ada baiknya untuk terlebih dahulu mengajarkan setiap motif secara terpisah, memainkannya dari suara yang berbeda, mencapai ekspresi intonasi. Apabila suatu tema, setelah motifnya dijabarkan secara cermat, dimainkan secara utuh, maka diperlukan intonasi yang berbeda-beda untuk setiap motifnya. Untuk melakukan ini, ada gunanya memainkan tema dengan caesuras antar motif, membuat tenuto pada bunyi terakhir setiap motif.

Dengan menggunakan contoh Penemuan C-dur, siswa harus diperkenalkan dengan artikulasi intermotif, yang digunakan untuk memisahkan motif yang satu dengan motif yang lain dengan menggunakan caesura. Jenis caesura yang paling jelas adalah jeda yang ditunjukkan dalam teks (contoh 4).

Dalam kebanyakan kasus, kemampuan untuk secara mandiri membangun caesura semantik diperlukan, yang harus ditanamkan guru kepada siswa. Pada Invention in C mayor, tema, antiposisi dan implementasi baru dari tema pada suara pertama dipisahkan oleh caesura. Siswa dengan mudah mengatasi caesura ketika berpindah dari suatu topik ke counter-tambahan, tetapi dari counter-tambahan ke penerapan topik yang baru, caesura lebih sulit dilakukan. Anda harus dengan hati-hati berusaha mengambil nada keenam belas pertama pada hitungan kedua dengan lebih pelan dan lembut, seolah-olah sedang menghembuskan napas, dan tanpa terasa dan mudah melepaskan jari Anda, segera bersandar pada hitungan keenam belas kedua dari grup (G), nyanyikan dengan dalam dan bermakna. untuk menunjukkan awal tema. Siswa, pada umumnya, membuat kesalahan besar di sini, memainkan nada keenam belas sebelum caesura staccato, dan bahkan dengan suara yang kasar dan kasar, tanpa mendengarkan bunyinya. Braudo merekomendasikan agar nada terakhir sebelum caesura dimainkan tenuto jika memungkinkan.

Penting untuk memperkenalkan siswa kepada dalam berbagai cara denotasi caesura intermotivik. Hal ini dapat ditunjukkan dengan jeda, satu atau dua garis vertikal, akhir liga, atau tanda staccato pada not sebelum caesura (contoh 5).

Berbicara tentang artikulasi intramotif, anak harus diajar untuk membedakan jenis-jenis motif utama:

1. motif iambik, mulai dari tenses lemah ke tenses kuat;

2. motif trokaik, dimulai pada ketukan kuat dan diakhiri dengan ketukan lemah.

Contoh staccato iambik adalah motif iambik pada birama empat sampai lima pada Little Prelude No. 2 di C mayor (contoh 6).

Karena endingnya yang sulit, disebut “maskulin”. Hal ini muncul terus-menerus dalam musik Bach, karena sesuai dengan karakternya yang berani. Biasanya, iambik dalam karya Bach diucapkan terputus-putus: bunyi upbeatnya staccato (atau dimainkan non legato), dan bunyi pendukungnya dimainkan tenuto.

Ciri artikulasi trochee (akhiran lembut dan feminin) adalah hubungan tense kuat dengan tense lemah. Sebagai motif yang berdiri sendiri, trochee karena kelembutannya jarang ditemukan dalam musik Bach, biasanya merupakan bagian integral dari motif tiga anggota yang terbentuk dari perpaduan dua motif sederhana - iambik dan trochee. Motif tiga bagian ini menggabungkan dua jenis pengucapan yang kontras – keterpisahan dan kesatuan (Contoh 7).

Salah satu ciri khas tema Bach adalah struktur iambiknya yang dominan. Paling sering, penampilan pertama mereka dimulai dengan ketukan lemah setelah jeda sebelumnya pada waktu yang kuat. Saat mempelajari Little Preludes No. 2, 4, 6, 7, 9, 11 dari buku catatan pertama, Inventions No. 1, 2, 3, 5 dan lain-lain, Symphonies No. 1, 3, 4, 5, 7 dan lain-lain, guru harus menarik perhatian siswa pada struktur yang ditentukan, yang menentukan sifat pelaksanaannya. Apabila memainkan suatu tema tanpa disertai suara, pendengaran anak harus segera dimasukkan dalam jeda “kosong” agar ia merasakan hembusan nafas alami di dalamnya sebelum terungkapnya alur melodi. Perasaan pernapasan polifonik seperti itu sangat penting ketika mempelajari pendahuluan, penemuan, simfoni, dan fugue cantilena.

Struktur iambik tema Bach juga menentukan kekhasan ungkapan Bach yang harus diwaspadai siswa. Dimulai dari hentakan birama yang lemah, tema leluasa “melangkahi” garis birama, diakhiri dengan hentakan yang kuat, sehingga batas birama tidak sesuai dengan batas tema, sehingga mengakibatkan pelunakan dan pelemahan. dari ketukan bar yang kuat, tunduk pada kehidupan batin melodi, keinginannya untuk mencapai puncak semantik - aksen tematik utama. Aksen tematik Bach sering kali tidak sesuai dengan aksen metrik; aksen tersebut tidak ditentukan oleh meteran, seperti dalam melodi klasik, tetapi oleh kehidupan batin temanya. Puncak intonasi tema Bach biasanya terjadi pada ketukan lemah. “Dalam tema Bach, seluruh gerakan dan seluruh kekuatan bergegas menuju penekanan utama,” tulis A. Schweitzer. – Dalam perjalanan menuju dia, segala sesuatunya gelisah, kacau; saat dia masuk, ketegangan hilang, segala sesuatu yang mendahuluinya segera menjadi jelas. Pendengar memahami topik secara keseluruhan dengan kontur yang jelas.” Dan selanjutnya, “... untuk memainkan Bach secara ritmis, seseorang harus menekankan bukan pada ketukan yang kuat pada bilahnya, tetapi pada ketukan yang penekanannya terletak pada makna ungkapannya.” Siswa yang tidak terbiasa dengan kekhasan ungkapan Bach sering mengganti aksen tematik dengan aksen waktu, sehingga tema mereka hancur berkeping-keping, kehilangan keutuhan dan makna batinnya.

Ciri penting lainnya dari tematisme Bach adalah apa yang disebut polifoni tersembunyi atau polifoni tersembunyi. Karena fitur ini umum pada hampir semua melodi Bach, kemampuan mengenalinya tampaknya merupakan keterampilan penting yang mempersiapkan siswa untuk tugas-tugas yang lebih kompleks.

Mari kita menarik perhatian siswa pada fakta bahwa melodi Bach sering kali menimbulkan kesan kain polifonik yang terkonsentrasi. Kekayaan garis monofonik tersebut dicapai dengan adanya suara tersembunyi di dalamnya. Suara tersembunyi ini hanya muncul pada melodi yang terdapat lompatan-lompatan. Suara yang ditinggalkan oleh lompatan itu terus terdengar dalam kesadaran kita hingga muncul nada yang berdekatan dengannya, yang menjadi solusinya. Kita akan menemukan contoh dua suara tersembunyi di Little Preludes No. 1,2,8,11, 12 bagian pertama. Dalam Little Prelude No. 2 di c minor (bagian dua), kami memperkenalkan siswa pada dua suara tersembunyi dari jenis yang paling sering ditemukan dalam karya keyboard Bach (contoh 8).

Pergerakan suara tersembunyi seperti itu akan membantu mengkonsolidasikan dalam pikiran anak nama kiasan – “jalan”. Lagu seperti itu harus dibawakan dengan nyaring, dengan dukungan. Tangan dan jari diturunkan ke tuts sedikit dari atas, menghasilkan gerakan lateral tangan. Suara yang mengulangi suara yang sama harus dimainkan hampir tidak terdengar. Siswa akan menggunakan teknik yang sama ketika mengerjakan karya yang lebih kompleks, misalnya Alemande dari French Suite E– mayor, Minuet 1 dari Partita 1 dan lain-lain.

Jadi, setelah menentukan sifat bunyi tema, artikulasinya, ungkapannya, kulminasinya, setelah dengan cermat dimainkan dan dinyanyikan ke dalam tema, siswa melanjutkan untuk mengenal tiruan pertama dari tema tersebut, yang disebut jawaban atau pendamping. Di sini perlu mengarahkan perhatian siswa pada dialog tanya jawab topik dan peniruannya. Agar peniruan tidak menjadi rangkaian pengulangan tema yang sama secara monoton, Braudo menyarankan untuk memainkan salah satu tema, menyanyikan tema lainnya, kemudian melakukan dialog antara pemimpin dan pendamping dengan dua piano. Jenis pekerjaan ini sangat merangsang pendengaran dan pemikiran polifonik.

Seringkali guru mempunyai pertanyaan: bagaimana cara melakukan imitasi - untuk menekankannya atau tidak. Tidak ada jawaban yang jelas untuk pertanyaan ini. Dalam setiap kasus tertentu, seseorang harus melanjutkan dari sifat dan struktur drama tersebut. Jika tandingan itu sifatnya dekat dengan tema dan mengembangkannya, seperti misalnya dalam Pendahuluan Kecil No. 2 C – dur (Bagian 1) atau Penemuan
Nomor 1 C – dur, maka untuk menjaga kesatuan tema dan tandingannya, peniruan tidak boleh ditonjolkan. Seperti yang diungkapkan secara kiasan oleh L. Roizman, jika setiap penyajian tema dilakukan agak lebih keras daripada suara lainnya, maka
“...kita mendapati diri kita menyaksikan sebuah pertunjukan yang dapat kita katakan: empat puluh kali lipat temanya dan tidak satu kali pun fugue.” Dalam karya polifonik dua suara Bach, imitasi paling sering harus ditekankan bukan berdasarkan volume, tetapi dengan timbre yang berbeda dari suara lainnya. Jika suara atas dimainkan dengan keras dan ekspresif, dan suara bawah dimainkan dengan mudah dan selalu pelan, maka tiruannya akan terdengar lebih jelas dibandingkan jika dilakukan dengan keras. Tema - tergantung pada rencana dinamisnya - terkadang terdengar lebih pelan dibandingkan suara lainnya, namun harus selalu signifikan, ekspresif, dan mencolok.

Menandai tiruan Braudo dianggap tepat dalam kasus di mana karakter utama dari karya tersebut dikaitkan dengan pergantian motif yang konstan, dengan perpindahannya yang konstan dari satu suara ke suara lainnya. Roll call suara dalam hal ini termasuk dalam gambar utama karya. Dengan seruan seperti itulah karakter Invention No. 8 F – dur, Little Prilude No. 5 E – dur (Bagian 2) (Contoh 9) yang cerah, bukannya tanpa humor, terhubung.

Setelah menguasai topik dan jawabannya, pekerjaan counter-tambahan dimulai. Counter-compound dikerjakan secara berbeda dari temanya, karena sifat suara dan dinamikanya hanya dapat ditentukan melalui kombinasi dengan jawabannya. Oleh karena itu, metode kerja utama dalam hal ini adalah melakukan penjumlahan jawaban dan penjumlahan balik dalam ansambel dengan seorang guru, dan di rumah - dengan kedua tangan, yang sangat memudahkan pencarian warna dinamis yang sesuai.

Setelah mengerjakan tema dan tandingan dengan baik, dan memahami dengan jelas hubungan: tema - jawaban, tema - tandingan, jawaban - tandingan, Anda dapat melanjutkan dengan hati-hati mengerjakan garis melodi setiap suara. Jauh sebelum digabungkan, karya tersebut dibawakan dalam dua suara dalam satu ansambel dengan seorang guru - pertama dalam beberapa bagian, kemudian secara keseluruhan dan, akhirnya, sepenuhnya diserahkan ke tangan siswa. Dan ternyata dalam banyak kasus siswa, meskipun dia mendengar suara atas dengan cukup baik, tidak mendengar suara rendah sama sekali, sebagai baris melodi. Untuk benar-benar mendengar kedua suara tersebut, Anda harus bekerja dengan memusatkan perhatian dan mendengarkan salah satunya - yang paling atas (seperti dalam karya non-polifonik). Kedua suara tersebut dimainkan, tetapi dengan cara yang berbeda: suara atas yang menjadi perhatian adalah f, espressivo, suara bawah adalah pp (tepatnya). G. Neuhaus menyebut metode ini sebagai metode “berlebihan”. Praktek menunjukkan bahwa pekerjaan ini membutuhkan perbedaan besar dalam kekuatan dan ekspresi suara. Kemudian Anda dapat dengan jelas mendengar tidak hanya yang atas, yang utama saat ini suara, tetapi juga lebih rendah. Tampaknya dimainkan oleh pemain yang berbeda dengan instrumen yang berbeda. Namun perhatian aktif, mendengarkan secara aktif, tanpa banyak usaha, diarahkan pada suara yang dibawakan dengan lebih menonjol.

Kemudian kita mengalihkan perhatian kita ke suara yang lebih rendah. Kami memainkannya f, espressivo, dan yang teratas – pp. Sekarang kedua suara tersebut terdengar dan dirasakan oleh siswa dengan lebih jelas, suara yang lebih rendah karena sangat “dekat”, dan suara yang atas karena sudah dikenal dengan baik.

Saat berlatih dengan cara ini jangka waktu terpendek dapat dicapai hasil yang bagus, karena gambar suara menjadi lebih jelas bagi siswa. Kemudian memainkan kedua suara tersebut secara seimbang, ia sama-sama mendengar aliran ekspresif dari setiap suara (frase, nuansa). Pendengaran yang tepat dan jelas untuk setiap baris merupakan kondisi yang sangat diperlukan dalam pertunjukan polifoni. Hanya setelah mencapainya Anda dapat mengerjakan pekerjaan secara keseluruhan dengan baik.

Saat menampilkan lagu multi-suara, kesulitan mendengarkan seluruh kain (dibandingkan dengan lagu dua suara) meningkat. Kepedulian terhadap keakuratan panduan suara memerlukan perhatian khusus pada fingering. Pemilihan jari pada karya Bach tidak bisa hanya didasarkan pada kenyamanan pianistik, seperti yang dilakukan Czerny dalam edisi-edisinya. Busoni adalah orang pertama yang menghidupkan kembali prinsip-prinsip penjarian pada era Bach, karena paling konsisten dengan mengidentifikasi struktur motivasi dan pengucapan motif yang jelas. Prinsip menggeser jari, menggeser jari dari tuts hitam ke tuts putih, dan mengganti jari secara diam-diam banyak digunakan dalam karya polifonik. Pada awalnya, hal ini terkadang tampak sulit dan tidak dapat diterima oleh siswa. Oleh karena itu, kita harus mencoba melibatkan dia dalam diskusi bersama tentang fingering, mengklarifikasi semuanya isu-isu kontroversial. Dan kemudian mengupayakan kepatuhan wajib terhadapnya.

Mengerjakan karya tiga-empat suara, siswa tidak dapat lagi mempelajari setiap suara secara spesifik, tetapi mempelajari dua suara dalam kombinasi yang berbeda: pertama dan kedua, kedua dan ketiga, pertama dan ketiga, memainkan salah satunya f, espressivo, dan yang lainnya. hal. Metode ini juga berguna ketika menggabungkan ketiga suara secara bersamaan: satu suara pertama dimainkan dengan keras, dan dua suara lainnya dimainkan dengan pelan. Kemudian dinamika suara-suara itu berubah. Waktu yang dihabiskan untuk pekerjaan tersebut bervariasi tergantung pada tingkat kemajuan siswa. Namun mengajar dengan cara ini berguna; metode ini mungkin yang paling efektif. Cara lain untuk mengerjakan polifoni meliputi:

penampilan suara yang berbeda dengan pukulan yang berbeda (legato dan non legato atau staccato);
eksekusi semua suara p, transparan;
penampilan suaranya halus dengan perhatian khusus terfokus pada salah satunya;
pertunjukan tanpa satu suara (bayangkan suara-suara ini secara internal atau nyanyikan).

Metode-metode ini menghasilkan kejelasan persepsi pendengaran polifoni, yang tanpanya pertunjukan kehilangan kualitas utamanya - kejernihan suara.

Untuk memahami sebuah karya polifonik dan kebermaknaan karya tersebut, siswa harus sejak awal membayangkan bentuknya, rencana nada-harmoniknya. Identifikasi bentuk yang lebih jelas difasilitasi oleh pengetahuan tentang dinamika unik dalam polifoni, khususnya Bach, yang terdiri dari fakta bahwa semangat musik tidak dicirikan oleh penerapannya yang terlalu hancur dan seperti gelombang. Polifoni Bach paling bercirikan dinamika arsitektur, di mana perubahan struktur besar disertai dengan pencahayaan dinamis baru.

Studi tentang karya-karya Bach, pertama-tama, merupakan karya analitis yang hebat. Untuk memahami karya polifonik Bach Anda memerlukan pengetahuan khusus, Anda perlu sistem rasional asimilasi mereka. Mencapai tingkat kematangan polifonik tertentu hanya mungkin dilakukan jika terjadi peningkatan pengetahuan dan keterampilan polifonik secara bertahap dan lancar. Seorang guru sekolah musik yang meletakkan dasar dalam bidang penguasaan polifoni selalu menghadapi tugas yang serius: mengajar untuk mencintai musik polifonik, memahaminya, dan mengerjakannya dengan senang hati.

Daftar literatur bekas.

G. Neuhaus “Tentang seni bermain piano.”
B. Milich “Pendidikan siswa pianis di usia 3-4 kelas sekolah musik anak-anak».
B. Milich “Pendidikan siswa pianis di kelas 5-7 sekolah musik anak-anak.”
A. Artobolevskaya “Pertemuan pertama dengan musik.”
Bulatov “Prinsip pedagogi E.F. Gnesina."
B. Kremenshtein “Menumbuhkan kemandirian siswa di kelas piano khusus.”
N. Lyubomudrova “Metode belajar bermain piano.”
E. Makurenkova “Tentang pedagogi V.V. Lembaran".
N. Kalinina “Musik keyboard Bach di kelas piano».
A. Alekseev “Metode pengajaran bermain piano.”
"Masalah pedagogi piano." Masalah kedua.
I. Braudo “Tentang studi tentang karya keyboard Bach di sekolah musik.”

Rencana:
1. Pendahuluan.
2. Ciri-ciri musik polifonik.
3. Bekerja pada polifoni.
4. Kesimpulan.
5. Daftar referensi.

Perkenalan

Tidak setiap pianis menganggap wajib menampilkan karya polifonik dalam latihan konsernya, namun setiap guru tidak dapat membayangkan membesarkan seorang pianis tanpa mempelajari polifoni dan menguasai teknik pertunjukannya.
Mengapa perlu mengerjakan polifoni, fitur apa saja yang memungkinkan untuk membedakannya sebagai bagian pekerjaan khusus?
Jawabannya sederhana: semua musik piano itu dalam arti tertentu polifonik. Bahkan homofoni, yang di dalamnya tidak ada suara-suara yang “konser”, melainkan hanya suara-suara yang melengkapi melodi secara harmonis, berirama, timbre, merupakan konstruksi yang “berlapis-lapis”. Tidak hanya melodi dominan yang menjalani kehidupannya sendiri, tetapi juga suara bass dan tengahnya. Melodi menempati posisi pertama. Bass tidak hanya berfungsi sebagai pendukung harmoni, tetapi juga memimpin alur melodinya sendiri, yang sering kali menjadi semacam counterposisi terhadap suara atas. Suara tengah, bersama dengan bass, membentuk latar belakang timbre-harmonik dan berirama, menggambarkan situasi, menciptakan suasana di mana "karakter utama" hidup - melodi. Suara tengah sering kali memberikan ucapan – gemanya sendiri.
Pelaku tidak hanya harus mengetahui semua ini, tetapi juga mendengarnya saat tampil. Sekolah unggulan untuk mengembangkan keterampilan berpikir, pendengaran, dan teknik melakukan tekstur berlapis-lapis dalam bentuk apa pun sedang mengerjakan polifoni dalam bentuknya yang murni.
Mengerjakan polifoni mengembangkan pendengaran bertekstur, timbre, dan linier; teknik (memainkan beberapa suara sekaligus dengan satu tangan, menjaga legato dengan baik), koordinasi tangan (memainkan pukulan berbeda: legato di satu tangan, non-legato di tangan lain) dan pemikiran polifonik.
Penting untuk mengajar anak mendengar dan berpikir secara polifonik. Pendengaran polifonik dipahami sebagai kemampuan mendengar, menelusuri, dan mengkorelasikan pergerakan beberapa garis melodi dan lapisan tekstur. Pemikiran polifonik diwujudkan dalam kemampuan membayangkan perkembangan simultan beberapa baris melodi dan tema musik. Pendengaran menghasilkan informasi, dan pemikiran memprosesnya.

Fitur musik polifonik

Polifoni diterjemahkan dari bahasa Yunani poli - banyak, telepon - suara, yang secara harfiah - polifoni. Dalam polifoni, suara-suara tersebut independen secara melodi dan maknanya kurang lebih sama.
Sifat musik polifonik mempunyai karakter yang berkesinambungan dan mengalir.
Biasanya, ia tidak memiliki penghentian yang seragam secara berkala, caesura yang jelas, pengulangan yang berirama, dan ukuran yang simetris. Selain itu, pengenalan suara yang seragam, perbedaan caesura dalam suara yang berbeda, dan tumpang tindih suara berkontribusi sebaik mungkin terhadap kelangsungan pidato musik. Polifoni dapat bersifat subvokal (bunyi beberapa subvokal - varian secara bersamaan), kontras (suara tidak memiliki satu tema tematik) dan tiruan (baris melodi berjalan dalam suara yang berbeda).
Sarana polifoni yang paling penting adalah imitasi (dari kata Latin imitasi - imitasi), yaitu pengulangan tema atau putaran melodi dalam suara apa pun segera setelah suara lainnya.
Imitasi dapat bervariasi - pada interval apa pun, baik di atas maupun di bawah. Tetapi nilai tertinggi mempunyai tiruan pada seperlima atas atau kelima bawah, yaitu tiruan pada kunci dominan (serta tiruan pada oktaf). Fugues dan karya polifonik lainnya biasanya dimulai dengan tiruan seperti itu.
Dalam melodi setiap suara, biasanya diungkapkan dengan alur melodi yang terbentang bebas. Ia tunduk pada “ketegangan” dan “pelepasan” gerakan melodi. Tidak ada aksen seragam, tidak ada bagian yang bulat simetris. Oleh karena itu sifat khas aksen polifonik - lebih terkait dengan perkembangan linier daripada aksen ritmik itu sendiri, lebih horizontal daripada vertikal, lebih motorik daripada berat dan seperti langkah.
Oleh karena itu, dalam gaya polifonik, teknik pengembangan motif menjadi sangat penting. Hal ini didasarkan pada perkembangan gerakan yang bebas dan berkelanjutan secara alami, pada pengembangan garis melodi dari tema, pada transisi yang mulus, dan peningkatan ketegangan secara bertahap. Di sini, metode pengembangan linier seperti pengembangan ke atas (gerakan ke atas - naik, peningkatan ketegangan, gerakan ke bawah - penurunan, melemahnya ketegangan), kebangkitan ritmis (kompresi gerakan dengan memperkenalkan unit ritme yang lebih cepat, perluasan gerakan - dengan memperkenalkan unit yang lebih lambat ), subordinasi dinamika eksternal, biasanya dinyatakan dengan sebutan forte, piano, crescendo, diminuendo, dll, terhadap dinamika internal, dinamika perkembangan melodi.
Lebih tinggi bentuk artistik seni polifonik tidak diragukan lagi adalah sebuah fugue, di mana unsur-unsur polifoni tiruan mencapai perwujudannya yang paling lengkap. Untuk melakukan fugue, Anda harus mulai mengenal polifoni dan mengerjakannya sejak kelas 1 sekolah musik, telah berkembang jauh dari polifoni subvokal dan kontras menjadi imitasi dan tandingan.

Bekerja pada polifoni

Polifoni adalah materi yang sulit untuk dipahami. Oleh karena itu, pada anak usia dini, pengerjaan karya polifonik hendaknya diawali dengan lakon yang mengandung unsur polifoni (aransemen lagu daerah). Sangatlah penting untuk menyanyikan karya-karya seperti itu dengan suara.
Kajian tentang keyboard mudah karya J. S. Bach terdiri dari bagian integral karya seorang pianis anak sekolah.
Dari tahun ke-2 dan ke-3 studi, repertoar siswa mencakup karya-karya dari “Buku Catatan A.M. Bach.” Komposisi ini mencakup karya-karya kecil karya J. S. Bach - berbeda karakternya, menarik isinya, beragam dalam tugas pedagogis.
Salah satu yang paling populer dalam praktik pendidikan adalah kumpulan J. S. Bach “Little Preludes and Fugues”. Itu ditulis dengan tujuan sederhana untuk menjadi latihan bagi siswa. Namun miniatur ini tidak semudah kelihatannya. Selain manfaat artistik, "Prelude Kecil" memberikan kesempatan kepada guru untuk memperdalam pengenalan siswa dengan ciri-ciri khas ungkapan, artikulasi, dinamika, panduan suara Bach, dan juga akan membantu menjelaskan konsep - oposisi, imitasi, polifoni tersembunyi dan masih banyak lagi yang perlu diketahui siswa pada tahap pengerjaan karya polifonik selanjutnya.
Di mana Anda harus mulai melakukan foreplay? Tentu saja, pertama-tama, dengan menentukan karakter dan suasana hatinya. Guru perlu memainkan karya tersebut. Tentukan nada suara, ciri tekstur, perkembangan garis melodi, jumlah suara - dan buat kesimpulan tentang isi karya ini. Karena sifat pendahuluannya, maka perlu adanya “instrumen”, yaitu menentukan suara apa yang akan dibawakan oleh masing-masing suara. Maka Anda perlu mengetahui bentuknya: jumlah bagian, irama, klimaks, rencana nada. Hal ini menghasilkan rencana yang dinamis (biasanya kontras). Selanjutnya, masalah yang paling penting dibahas - artikulasi dan struktur motivasi melodi.
Setelah “Little Preludes” Anda dapat beralih ke karya yang lebih kompleks oleh J. S. Bach. 15 penemuan dua bagian dan 15 simfoni didedikasikan untuk tujuan pedagogis. Di sini saya ingin mengutip kata-kata yang ditunjukkan oleh J.S. Bach pada halaman judul penemuannya. Kata-kata ini dengan jelas menguraikan tujuan pendidikan tinggi yang ditetapkan Bach untuk dirinya sendiri saat menciptakannya:
“Sebuah panduan yang cermat di mana para pecinta clavier, terutama mereka yang ingin belajar, diperlihatkan cara yang jelas bagaimana bermain dengan bersih tidak hanya dengan dua suara, tetapi dengan peningkatan lebih lanjut, menampilkan tiga suara yang diperlukan dengan benar dan baik, sekaligus belajar tidak hanya penemuan yang bagus, tetapi juga desain yang benar; Hal utama adalah mencapai cara bermain yang merdu dan pada saat yang sama memperoleh cita rasa komposisi.”
Perhatian khusus ketika mempelajari karya keyboard J. S. Bach memerlukan pengetahuan tentang keunikan sejarah bagian studi ini dan kesulitan yang terkait dengannya.
Kesulitan pertama berkaitan dengan teks musik yang dijadikan dasar karya siswa.
Yang kedua terkait fitur instrumen keyboard, yang ada pada paruh pertama abad ke-18, tempat karya keyboard Bach sebenarnya ditulis.

Saat mengerjakan karya keyboard J. S. Bach, Anda harus mengetahui fakta dasarnya: dalam manuskrip karya keyboard hampir sama sekali tidak ada instruksi kinerja.
Mengenai dinamika, diketahui bahwa Bach hanya menggunakan tiga notasi dalam komposisinya: forte, piano, dan dalam kasus yang jarang, pianissimo. Bach tidak menggunakan ekspresi crescendo, diminuendo, mezzo piano, fortissimo, atau tanda aksen.
Catatan mengenai notasi tempo juga terbatas dalam teks Bach.
Anda harus tahu bahwa dalam teks musik yang kami berikan kepada siswa, sebagian besar instruksi pertunjukan bukan milik Bach, tetapi dimasukkan ke dalam teks oleh editor. Isai Aleksandrovich Braudo menyarankan, bersama dengan edisi pertunjukan, untuk membiasakan diri dengan teks penulis. Saran editor perlu disimak, karena tidak hanya menunjukkan teknik pertunjukan tertentu, tetapi juga membantu memahami karakter dan makna musik.

Kesulitan kedua yang kami temui dalam mengerjakan keyboard karya J. S. Bach adalah kenyataan bahwa semuanya tidak ditulis untuk piano.
Saat itu ada tiga instrumen utama - harpsichord, clavichord, dan organ.
Clavichord - kecil alat musik dengan suara pelan. Instrumen ini tidak bercirikan warna cerah dan kontras suara. Namun, bergantung pada sifat penekanan tombol, melodi mungkin diberi fleksibilitas sonik.
Berbeda dengan kemerduan clavichord yang halus dan penuh perasaan, harpsichord memiliki permainan yang lebih nyaring dan cemerlang. Harpsichord memiliki dua keyboard: yang lebih rendah - yang pertama dan yang atas - yang kedua.
Secara umum harpsichord memiliki empat set senar, yaitu empat register, yang didistribusikan di antara dua keyboard. Setiap keyboard memiliki dua register. Semua register dapat dihidupkan atau dimatikan atas permintaan pelaku menggunakan tuas khusus. Keyboard juga dapat dihubungkan. Jika keyboard-keyboard tersebut terhubung, maka ketika Anda menekan tombol pada keyboard pertama, tombol yang sama pada keyboard kedua akan otomatis ditekan. Dengan demikian, bunyi melodi diperkaya dengan penggandaan oktaf atas dan bawah.
Pada harpsichord, suara dihasilkan oleh irisan keras yang secara langsung meneruskan tekanan jari ke senar.
Perbedaan terbesar antara permainan piano dan harpsichord adalah dinamika.
Jika kita membandingkan sarana dinamis piano dengan sarana dinamis harpsichord dan clavichord, kita dapat melihat hal berikut:
- piano tidak memiliki penggandaan oktaf harpsichord, tidak ada perubahan register keyboard. Tidak memiliki getaran ekspresif seperti clavichord.
- di sisi lain, piano memiliki rentang dinamika yang sensitif dan fleksibel, yang tidak tersedia untuk harpsichord atau clavichord.
Ketika kita berbicara tentang penggunaan dinamika piano saat memainkan musik harpsichord, yang kita maksud bukan upaya meniru kemerduan instrumen kuno pada piano.
Salah satu sifat luar biasa dari piano adalah kemampuannya untuk melakukan karya di atasnya. era yang berbeda dan gaya.
Sebagaimana kita ketahui, bunyi harpsichord tidak bergantung pada cara nada dipetik. Harpsichord disetel ke register yang diperlukan sebelum pertunjukan. Pianis tidak memiliki kemampuan menangkap warna suara yang diperlukan. Sebelum tampil, ia harus membayangkan dalam imajinasinya warna-warna yang ia butuhkan dan kemudian menciptakan warna-warna tersebut selama permainan.
Piano tidak dapat bersaing dengan harpsichord dalam kemampuannya menciptakan warna nada yang kontras, tetapi piano lebih unggul dari harpsichord dalam kemampuannya menambahkan fleksibilitas dinamis pada melodi. Dalam hal ini, piano mengembangkan apa yang ditemukan di clavichord.
Dengan demikian, piano memungkinkan untuk menggabungkan instrumentasi harpsichord yang kontras dengan penampilan melodi yang fleksibel oleh clavichord.
"Penemuan" - kata ini berarti "penemuan" dalam bahasa Latin, J. S. Bach menyebut karya polifonik kecil yang ia buat khusus untuk murid-muridnya. Ini adalah semacam latihan yang diperlukan untuk menguasai teknik melakukan karya polifonik yang kompleks, khususnya fugue.
Judul tersebut dipilih dengan sangat akurat oleh komposernya. Penemuan ini benar-benar penuh dengan penemuan, kombinasi cerdas, dan pergantian suara.
Namun intervensi bukanlah latihan! Itu cerah karya seni, yang masing-masing mewujudkan suasana hati tertentu.
Pengerjaan intervensi dapat dibagi menjadi beberapa tahap:
- persiapan,
- analisis karya ini,
- mengerjakan pekerjaan itu.

Tahap persiapan

Sebelum memperkenalkan siswa pada pekerjaan. Penting untuk memberitahunya tentang era penulisannya, tentang instrumen yang ditulis oleh J. S. Bach. Merujuk pada instrumen-instrumen pada masa itu dalam percakapan dengan siswa akan memudahkan pencarian definisi yang paling akurat tentang sifat gending, artikulasi dan dinamika yang benar.
Pada masa Bach, semua musik bersifat polifonik. Ciri utama pada masa itu bukanlah keindahan melodinya, melainkan perkembangan tema, perkembangan dan bentuknya.
Siswa harus memahami keunikan gaya Bach. Cara menghasilkan suara harus selalu terkumpul, kuat, bahkan pada piano, yang tidak boleh samar-samar. Dalam karya-karya Bach selalu ada ketenangan dan ketegasan yang luhur. Kehebatan dengan keadaan emosi yang kaya.
Tahap kedua. Analisis karya ini
Ini termasuk analisis bentuk musik penemuan, penentuan sifat dan tempo suatu karya tertentu.
Tahap ketiga, utama adalah mengerjakan karya
Tahapan ini sangat banyak dan panjang sehingga dapat dibagi menjadi beberapa bagian.
1. Topik.
Tentukan batasan topik, sifatnya.
Sifat tema dan keseluruhan karya bergantung pada artikulasinya, yaitu.
cara menghasilkan suara. Segera perhatikan intonasi topiknya.
Hal ini berguna untuk mengajarkan topik dalam register yang berbeda dan kunci yang berbeda
metode memilihnya dengan telinga, karena invasi terjadi di tempat yang berbeda
kunci.
Pelajari topik bersama guru - siswa memainkan topik, guru -
oposisi dan sebaliknya.

2. Kerjakan alur melodi setiap suara.
Mulailah mengajar dengan kecepatan lambat, karena anak sudah lebih baik
Ada proses memahami musik dan mendengarnya. Pelajari secara terpisah
setiap motif.

3. Artikulasi intermotif.
Memisahkan motif satu sama lain menggunakan caesura.
Harus diingat bahwa ritme dan artikulasi adalah hal mendasar
sarana ekspresi.

4. Dinamika.
Pada masa Bach tidak ada masalah dinamika, sejak pada masa Bach
Instrumennya memiliki manual dengan dinamika berbeda. Saat tampil
Karya Bach pada piano menggunakan dua jenis dinamika: internal
motif dan seperti teras.
Satu formasi besar dilakukan dalam satu jendela dinamis
rask.
Dinamika intramotif bergantung pada guru - pengetahuannya, musik
budaya cal, selera gaya.
Saat meniru saat masuknya suara imitasi kedua
Yang pertama tidak boleh diganggu dan diakhiri.
Irama biasanya dikaitkan dengan klimaks.

5. Meraba.
Ditentukan secara internal oleh struktur motivasi. Urutan dilakukan
dengan jari yang sama. Edisi Busoni tidak hanya menggunakan
melapisi, tetapi juga menempatkan jari. Bisu tidak diinginkan
substitusi, karena mempersulit tugas, berdampak negatif terhadap kinerja
tion.

6. Suhu.
Ini bukanlah tujuan itu sendiri. Kecepatannya tergantung pada citra. Itu harus berguna dan nyaman bagi siswa.

7.Pedal.
Ini bukan suatu keharusan tekstur. Tidak boleh mengganggu holo-
hati nurani. Dia hanya diberi peran penghubung.

Kesimpulan
Studi tentang polifoni adalah salah satu syarat terpenting untuk pengembangan kualitas berikut dalam diri seorang pianis:
- pemikiran,
- intelijen,
- logika musik,
- pendengaran polifonik,
- selera gaya,
- koordinasi gerakan.
Arahan utama dan cara mengerjakan suatu karya:
1. Bekerja dengan suara. Mencapai ekspresi maksimal di setiap suara:
- Kerjakan motif, pisahkan dari frasa dan perjuangan
untuk pertunjukan ekspresif (artikulasi yang benar, penekanan dinamis, intonasi);
- Bekerja dengan seorang guru pada dua piano;
- Bekerja dengan bernyanyi;
- Bekerja di register yang berbeda;
2. Melaksanakan karya secara utuh, mencapai permainan yang ekspresif, bermakna, memenuhi segala detail dan klimaks.
Guru harus membuat siswa menganalisis potongan polifonik secara mandiri dan sadar dan kemudian menampilkannya. Anak harus belajar berbicara dengan suara musik, menyampaikan perasaan dan pikirannya melalui intonasi dan ekspresi bicara suara. Seni J. S. Bach membenamkan seorang anak dalam dunia keagungan, bahkan perasaan religius, dan menanamkan dalam dirinya moralitas, kejantanan, dan kemurnian spiritual. Polifoni adalah obat terbaik pengembangan kualitas spiritual seorang pianis. Tidak diragukan lagi, musik polifonik adalah dasar dalam pendidikan seorang musisi sejati.
Referensi

1. Buluchevsky Yu.S., Fomin V.S. Singkat kamus musik untuk siswa. - L.: Musik, 1986. - 216 hal.
2. Braudo I.A. Tentang studi tentang karya keyboard Bach di sekolah musik. - M.: Klasik-XXI, 2003. - 92 hal.
3. Milshtein Y. Pemain kunci yang pemarah I.S. Bach.
4. Savshinsky S. Pianis dan karyanya. - M.: Klasik-XXI, 2002. - 244 hal.

Berezina Elena Sergeevna,

guru pendidikan tambahan (piano)

Gimnasium GBOU No. 587 Distrik Frunzensky di St

Mengerjakan karya polifonik merupakan bagian integral dari pembelajaran pertunjukan piano. Hal ini dijelaskan oleh betapa pentingnya pengembangan pemikiran polifonik dan penguasaan tekstur polifonik bagi setiap pemain piano. Perkembangan pendengaran polifonik dan pemikiran polifonik merupakan salah satu aspek terpenting dalam pendidikan budaya musik siswa. Siswa mengembangkan dan memperdalam kemampuan mendengar kain polifonik dan menampilkan musik polifonik sepanjang masa studinya. Jika seorang siswa memperoleh keterampilan pianistik yang benar sejak kelas satu, maka ia memahami dan menampilkan repertoar polifonik secara bermakna dan bermakna.

Seperti yang Anda ketahui, polifoni adalah salah satu jenis polifoni yang merupakan gabungan dua atau lebih melodi setara yang dimainkan secara bersamaan. Oleh karena itu, pembelajaran polifoni dimulai dengan persepsi yang benar dan kemampuan untuk melakukan salah satunya komponen penting musik polifonik - melodi. Tugas ini harus dimulai dengan sentuhan pertama pada keyboard, saat siswa belajar memainkan suara individu.

Sejak langkah pertama pendidikannya, siswa mempelajari drama karya komposer kuno, Rusia, dan Soviet, yang mengandung unsur polifoni. Polifoni dalam karya-karya ini sebagian besar bersifat subvokal, dan dalam beberapa karya lainnya - dengan elemen imitasi. Sebagai hasil dari mengerjakan karya-karya tersebut, siswa mengumpulkan keterampilan yang diperlukan yang memungkinkan mereka untuk melanjutkan mempelajari polifoni tiruan yang lebih kompleks di sekolah menengah dan atas, khususnya polifoni J. S. Bach.

Materi polifonik untuk pemula sebagian besar terdiri dari aransemen polifonik ringan dari lagu-lagu daerah subvokal. Dianjurkan bagi guru untuk berbicara tentang bagaimana lagu-lagu ini dibawakan di antara orang-orang: penyanyi mulai bernyanyi, kemudian paduan suara (“podvoloski”) mengambil lagu tersebut, memvariasikan melodi yang sama. Saya ingin memberikan contoh salah satu metode pengerjaan polifoni subvokal. Selama pembelajaran, guru mengajak siswa untuk membawakan lagu dengan cara “paduan suara”, membagi peran: siswa memainkan peran penyanyi utama yang dipelajari di rumah, dan guru “menggambarkan” paduan suara pada piano lain. Setelah dua atau tiga pelajaran, perannya berubah. Dengan memainkan kedua bagian secara bergantian bersama guru dalam sebuah ansambel, siswa tidak hanya dengan jelas merasakan kehidupan mandiri masing-masing bagian, tetapi juga mendengar keseluruhan bagian dalam kombinasi kedua suara secara bersamaan.

Imitasi juga dapat dijelaskan secara kiasan dengan menggunakan fenomena yang familiar dan menarik bagi anak-anak seperti gema. Persepsi imitasi akan sangat dimeriahkan dengan bermain dalam pertunjukan ansambel, melodi dimainkan oleh siswa, dan “gema” tiruannya dimainkan oleh guru. Kemudian perannya berubah.

Dari langkah pertama penguasaan polifoni, siswa harus diajari kejelasan masuknya suara secara bergantian, dan kejelasan perilaku dan akhir suaranya. Penting agar akhiran motif dalam satu suara tidak teredam oleh suara yang masuk. Dalam setiap pelajaran, mutlak diperlukan untuk mencapai perwujudan dinamis yang kontras dan timbre yang berbeda untuk setiap suara secara terpisah. Misalnya, kita memainkan satu suara dengan keras dan suara lainnya pelan, seperti “gema”.

Langkah baru yang lebih kompleks dan perlu dalam memahami musik polifonik dan pertunjukannya adalah studi tentang warisan pedagogis polifonis hebat J. S. Bach. Secara umum diterima bahwa mengajar J. S. Bach adalah salah satu bagian tersulit dalam pedagogi musik. Sayangnya, sering kita jumpai kenyataan bahwa pelajar menganggap karya polifonik J. S. Bach sebagai musik yang kering dan membosankan. Mengajari seorang anak untuk menyukai musik J. S. Bach dengan mengungkapkan kepadanya dunia batin yang kaya dari pemikiran Bach dan kandungan emosionalnya adalah salah satu tugas terpenting seorang guru.

Karya polifonik ringan karya J. S. Bach dari “Buku Catatan A. M. Bach” adalah bahan paling berharga yang secara aktif mengembangkan pemikiran polifonik siswa, palet suaranya, dan mengembangkan rasa gaya dan bentuk. Karya-karya kecil yang termasuk dalam “Buku Catatan A. M. Bach” sebagian besar berupa karya tari kecil: polonais, minuet, dan pawai. Mereka dibedakan oleh kekayaan melodi dan ritme yang luar biasa, belum lagi keragaman suasana hati yang diungkapkan di dalamnya.

Sangat diharapkan bahwa guru, secara kiasan dan dapat diakses oleh persepsi anak-anak, memberi tahu siswa tentang tarian kuno - minuet, polonaise. Misalnya, tentang bagaimana minuet dipentaskan pada akhir abad ke-17 pada upacara-upacara istana yang khusyuk, bagaimana pada abad ke-18 menjadi tarian aristokrat yang modis, yang dibawakan oleh bangsawan istana dengan wig bubuk putih. Minuet ditarikan dengan penuh kekhidmatan, jongkok dan hormat. Sejalan dengan itu, musik minuet yang tercermin dalam melodinya mengubah kehalusan dan pentingnya membungkuk, hormat dan hormat yang rendah dan seremonial. Tentu saja, J. S. Bach tidak menulis minuetnya untuk menari, tetapi darinya ia meminjam ritme dan bentuk tarian, mengisi karya-karya ini dengan berbagai macam suasana hati.

Pada tahap awal pengerjaan, hal pertama yang perlu dipahami adalah sifat lakon. Setelah menentukan mood karya tersebut, guru mengarahkan perhatian siswa pada perbedaan melodi suara atas dan bawah, pada independensi dan kemandiriannya satu sama lain, seolah-olah dibawakan oleh dua instrumen yang berbeda. Kemudian lanjutkan dengan menampilkan frasa dan artikulasi terkait dari setiap suara secara terpisah.

Dari sekian banyak tugas yang menghalangi mempelajari sebuah karya polifonik, yang utama tetap mengerjakan merdu, ekspresi intonasi, dan kemandirian setiap suara. Independensi suara merupakan persyaratan yang sangat diperlukan yang harus dipenuhi oleh setiap pekerjaan polifonik pada pemainnya. Oleh karena itu, sangat penting untuk menunjukkan kepada siswa bagaimana kemandirian ini memanifestasikan dirinya:

· dalam frasa yang berbeda dan hampir tidak ada yang cocok;

· dalam ketidaksesuaian perkembangan dinamis: suara atas crescendo, suara bawah diminuendo);

Tidak peduli seberapa percaya diri seorang siswa memainkan karya polifonik dengan kedua tangan, pengerjaan setiap suara secara hati-hati tidak boleh berhenti selama satu hari pun. Jika tidak, panduan suara akan cepat tersumbat.

Berdasarkan materi dua atau tiga bagian dari “Notebook A.I. Bach" siswa mempelajari berbagai fitur musik Bach, mempelajari prinsip "delapan bagian", berkenalan dengan fitur yang sangat penting dari bahasa melodi Bach - fakta bahwa motif Bach dimulai dengan lobus lemah ukur, dan akhiri dengan irama yang kuat. Oleh karena itu, batas motif Bach tidak sesuai dengan batas irama, sehingga aksen dalam karya Bach tidak ditentukan oleh meteran, melainkan makna batin tema atau motif.

Sulit untuk melebih-lebihkan peran dan pentingnya koleksi “Notebook of A. M. Bach”, “Notebook of V. F. Bach”, “Little Preludes and Fugues”, dan kemudian lima belas penemuan dan simfoni dua suara dan lima belas tiga suara dalam formasi mahasiswa sebagai musisi masa depan. Koleksi J. S. Bach “Inventions and Symphonies”, berkat konten artistik dari gambar dan penguasaan polifonik, mewakili nilai yang besar dan merupakan salah satu bagian penting dan wajib dari repertoar pedagogis di bidang polifoni di sekolah menengah dan atas sekolah musik anak. Terlepas dari tujuan pedagogi aslinya, penemuan Bach memang demikian karya agung sejati seni musik. Mereka dibedakan oleh kombinasi keterampilan polifonik tinggi, harmoni bentuk dengan kedalaman konten, kekayaan imajinasi dan beragam corak genre.

Setelah siswa mengenal permainan yang dibawakan oleh guru, kami menganalisis isi intervensi. Bersama siswa, kami menentukan batasan topik dan sifatnya. Tema dalam penemuan Bach adalah inti dari keseluruhan karya; modifikasi dan pengembangan selanjutnyalah yang menentukan karakter dan struktur figuratif dari keseluruhan karya.

Saat bermain lagi, Anda perlu mengidentifikasi dan memahami bentuk bidaknya. Ketika siswa memahami dengan jelas struktur penemuan, Anda dapat mulai mengerjakan baris setiap suara dengan cermat. Poin penting dalam mempelajari suara adalah mempertahankan guratan, jari, dan dinamika yang benar. Saat mengerjakan baris melodi setiap suara, siswa harus mendengarkan dengan cermat panjang nada yang panjang dan bagaimana suara berikutnya mengalir secara alami dari nada tersebut. Saat mengarahkan pekerjaan siswa, Anda perlu menarik perhatiannya pada fakta bahwa kombinasi tiga suara dalam penemuan ini menyerupai percakapan di mana melodi masuk - suara dengan pernyataan yang berbeda. Setiap suara memiliki “wajah”, karakter, warna tersendiri. Siswa harus mencapai sentuhan yang diinginkan: suara yang lebih nyaring dan terbuka pada suara atas; suara tengah yang terdengar agak matte; suara bass yang lebih tebal, lebih solid, solid dan mulia. Pengerjaan suara harus dilakukan dengan hati-hati. Banyak hal akan bergantung pada kualitas pengetahuan tentang suara. pekerjaan lebih lanjut. Agar siswa tidak melupakan keseluruhannya, ia perlu terus-menerus mendengar keseluruhan bagian, dalam tiga suara, yang dibawakan oleh guru. Berguna untuk bermain dalam ansambel: siswa memainkan satu suara, dan guru memainkan dua suara lainnya.

Dalam manuskripnya, Bach membatasi dirinya pada pencatatan nada dan dekorasi dan hampir tidak meninggalkan instruksi mengenai dinamika, tempo, frase, penjarian, atau penguraian kode dekorasi. Informasi mengenai hal ini dikomunikasikan kepada siswa secara langsung di kelas.

Artikulasi adalah salah satu syarat terpenting bagi pertunjukan ekspresif musik kuno. Dia harus diberi perhatian besar dalam pekerjaannya. Perlu dijelaskan kepada siswa bahwa pembagian melodi yang benar ke dalam motif dan pengucapan intonasi yang benar pada masa J. S. Bach sangat penting. Penting juga untuk diingat bahwa dalam banyak kasus, motif komposer dimulai dengan ketukan yang lemah. Di sini saya ingin mengingatkan Anda bahwa baris-baris pendek yang ditulis oleh editor, dan kadang-kadang oleh J. S. Bach sendiri, menunjukkan batas-batas motif, tetapi tidak selalu berarti pelepasan tangan.

Masalah artikulasi dipelajari secara mendalam dan cermat oleh Profesor I. A. Braudo. Mempelajari teks manuskrip dan pola praktik dalam menampilkan karya Bach, ia memperoleh dua aturan artikulasi: aturan kedelapan dan aturan gembar-gembor. I. A. Braudo memperhatikan bahwa jalinan penemuan Bach, pada umumnya, terdiri dari durasi ritme yang berdekatan. Hal ini memungkinkan dia untuk menyimpulkan bahwa jika Bach memiliki satu suara di nada seperempat dan yang lainnya di nada kedelapan, maka nada seperempat dimainkan dengan artikulasi terputus-putus, dan nada kedelapan dimainkan secara koheren atau sebaliknya. Ini adalah aturan kedelapan. Aturan kemeriahannya adalah sebagai berikut: di dalam suara, melodi bergerak secara bertahap atau tiba-tiba; dan bila terdapat lompatan interval yang panjang dalam melodi, bunyi lompatan tersebut dimainkan dengan artikulasi yang berbeda. Musik Bach dicirikan oleh jenis pukulan berikut: legato, terutama dibedah, dengan pengucapan setiap nada yang jelas; bukan legato, portamente, staccato.

Secara dinamis, ciri utama penampilan musik Bach adalah komposisinya tidak mentolerir keberagaman yang bernuansa. Ketika memikirkan rencana dinamis dalam karya J. S. Bach, perlu diingat bahwa gaya musik pada zaman komposer bercirikan dinamika kontras dan garis dinamis yang panjang. F. Busoni dan A. Schweitzer menyebutnya “dinamika seperti teras”. Crescendo dan diminuendos pendek, yang disebut “garpu”, mendistorsi kesederhanaan tulisan Bach yang berani.

Adapun tempo, pada masa Bach semua tempo cepat lebih lambat dan tempo lambat lebih cepat. Sebagai aturan, sebuah karya harus memiliki tempo tunggal, kecuali perubahan yang ditunjukkan oleh penulis.

Kehati-hatian harus diberikan saat berhubungan dengan pedal. Disarankan untuk menggunakan pedal terutama ketika tangan tidak dapat menghubungkan suara garis melodi. Juga tepat untuk mengayuh pedal dalam irama.

Sarana ekspresif yang sangat besar dari musik Bach adalah ornamen. Ada banyak kontroversi seputar masalah ini. Bach sendiri memasukkan tabel decoding sejumlah dekorasi dalam “Wilhelm Friedemann Notebook”.

Tahap pekerjaan selanjutnya adalah siswa menghubungkan semua suara. Pertama coba gabungkan dua suara, lalu tambahkan suara ketiga. Kesulitan terbesar bagi siswa adalah menggabungkan dua suara di satu tangan. Ketika siswa memainkan seluruh penemuannya, tugas-tugas musik baru akan dimasukkan dalam karya tersebut. Salah satunya adalah mencari rasio semua suara yang diinginkan dalam suara simultan.

Dengan dimulainya tahap akhir pekerjaan, implementasi seluruh penemuan akan memakan lebih banyak waktu dan perhatian. Tugas utama tahap akhir pengerjaan penemuan menjadi transfer isi musik, karakter dasarnya

Mengerjakan penemuan J. S. Bach membantu memahami dunia gambaran musik dan artistik komposer yang mendalam dan bermakna. Studi tentang penemuan tiga bagian memberi siswa sekolah musik anak-anak banyak hal untuk memperoleh keterampilan dalam menampilkan musik polifonik dan untuk pelatihan musik dan pianistik secara umum. Fleksibilitas suara merupakan ciri khas dari semua literatur piano. Peran mengerjakan penemuan dalam pendidikan pendengaran, dalam mencapai keragaman timbre suara, dan dalam kemampuan memimpin alur melodi sangatlah penting.

Referensi

1. Alekseev A. Metode pengajaran bermain piano. M.: Muzyka, 1978.

2. Braudo I. Artikulasi (tentang pengucapan melodi). L.: LMI, 1961.

3. Braudo I. tentang studi karya keyboard Bach di sekolah musik. M - L, 1965.

4. Musik keyboard Kalinina N. Bach di kelas piano. L.: Musik, 1974.

6. Tsypin G.M. Belajar bermain piano. M.: Pendidikan, 1984.

7. Schweitzer A.Johann Sebastian Bach. M.: Muzyka, 1964.

Bekerja pada polifoni di kelas senior Sekolah Seni Anak.
Larisa Borisovna dari Rostovskaya. Lembaga anggaran kota untuk pendidikan tambahan “Sekolah Seni Anak No. 3”, Surgut Ciri khas sastra piano adalah keserbagunaan polifoniknya. Musik polifonik menimbulkan sejumlah tugas yang sangat sulit bagi seorang pianis. Ia harus secara bersamaan memimpin beberapa baris melodi, beberapa suara, memberikan masing-masing sentuhan khasnya, rencana dinamis, ungkapan, dan pada saat yang sama menggabungkan suara-suara tersebut menjadi satu kesatuan. Melakukan karya polifonik memerlukan pengembangan pendengaran batin dan pemikiran polifonik. Penting untuk mengajar siswa untuk mendengar dengan baik baik bagian dari setiap suara maupun kombinasi suara, untuk mendengar tema, perkembangannya, dan berbagai pertentangannya. Guru hendaknya banyak memperhatikan kemampuan siswa dalam memahami notasi musik polifonik. Yang terpenting siswa tidak menampilkan teks musik secara formal, tetapi merasakan keunikan setiap suara, serta perkembangan bersama. Bukan tanpa alasan R. Schumann menganggap musisi yang baik adalah seseorang yang memiliki musik “tidak hanya di jari-jarinya, tetapi juga di kepala dan hatinya.” Saya ingin secara khusus memikirkan polifoni J. S. Bach dan kekhasan kinerjanya. Polifoni Bach adalah contoh musik klasik yang luar biasa, dan apakah itu sekuler atau spiritual, ia selalu dipenuhi dengan konten tertentu dan signifikan, sangat ekspresif, dan teknik polifonik tidak mengurangi, tetapi hanya meningkatkan ekspresi suaranya. Karya musik didominasi oleh dinamisme gambar yang luar biasa, kontras efek suara, dan keinginan akan keagungan dan kemegahan. Oleh karena itu, tidak tepat jika mencoba menampilkan karya Bach sebagai karya yang spesifik saja seragam pendidikan. Tugas guru dalam menggarap karya Bach adalah mengungkap selengkap-lengkapnya kedalaman isi musik dengan cara yang paling tepat dan tidak mereduksi pengerjaan karya hanya pada penerapan tema dan penguraian dekorasi. Gagasan bahwa musik Bach harus dibawakan tanpa pedal juga salah. Analisis (seperti dalam pekerjaan apa pun) tentu saja dilakukan tanpa pedal, dan kinerja tentu saja dilakukan dengan pedal. Selain itu, mengayuh bisa berbeda-beda: timbre, harmonik, dan juga menghubungkan, terutama bila panduan suara tidak memungkinkan komunikasi yang baik dengan jari. Karya polifonik Bach sangat beragam bentuknya, sehingga corak eksekusinya juga beragam: selain sentuhan non-legato, legato juga sangat penting, sebagai salah satu cara untuk mencapai merdu.
Selain itu, polifoni Bach memerlukan pelanggaran terhadap prinsip-prinsip penjarian yang sudah ada, sehingga menciptakan teknik-teknik baru, khususnya yang khas dalam musik Bach adalah memainkan jari pertama pada tuts hitam, menggeser jari pertama dari putih ke putih, menggeser jari ke-3 hingga ke-4 ke-1 dan ke-4 sampai ke-3. Jadi, hanya sikap yang benar terhadap musik Bach yang dapat menjamin performa sebenarnya. Bagaimana cara mempelajari karya polifonik? Seperti karya musik lainnya, pertama-tama Anda perlu membayangkan sebuah karya polifonik dalam bentuk keseluruhan musik, dan karya mendetail hanyalah sarana yang diperlukan untuk mewujudkan dan mewujudkan citra musik yang dikandung. Sejak usia sangat muda, seorang siswa pianis harus dibiasakan dengan pendekatan khusus terhadap karya polifonik: mereka harus diajarkan sedemikian rupa sehingga struktur polifonik dari karya tersebut dapat dimengerti oleh anak. Setiap suara dipelajari secara terpisah, pertama dengan nada, kemudian dengan hati. Pada saat yang sama, perhatian siswa selalu terkonsentrasi tidak hanya pada detail wajib teks - durasi metrik nada, fingering, pengikat, dll., tetapi juga pada menyanyikan melodi. Setiap suara tunggal dalam karya keyboard Bach adalah melodi indah yang harus dinyanyikan. Hal ini penting untuk diajarkan sejak kecil, karena siswa masih sering memandang karya polifonik sebagai sesuatu yang membosankan, kering dan jauh dari musik. Guru sendiri yang harus disalahkan atas sikap siswa terhadap kreasi brilian tulisan polifonik klasik, yang gagal mengungkapkan kepada anak keindahan yang terkandung dalam musik tersebut. Jadi, menghafalkan bagian setiap suara dalam karya dua suara secara ekspresif dan akurat sepenuhnya dalam kaitannya dengan teks adalah langkah wajib sebelum mempelajarinya dengan kedua tangan. Namun bahkan setelah menggabungkan dua suara, sebagian waktunya harus dicurahkan untuk pengerjaan terus-menerus pada setiap suara. Jika diambil komposisi tiga atau empat suara, maka pelajari terlebih dahulu (dengan nada) setiap suara secara terpisah dengan penjarian yang ditunjukkan dalam nada, kemudian (dengan nada) mereka mulai menghubungkan pasangan suara: 1 + 2, 1 + 3, 2 + 3, 2 +4, dst. Koneksi ini, sekali lagi dilakukan dengan penjarian yang tepat, akan terdengar seperti duet dua suara nyanyian. Beginilah cara kerja choirmaster: pertama dengan masing-masing kelompok penyanyi: soprano, altos, tenor, bass, kemudian dia menghubungkan dua kelompok, setelah mencapai hasil yang memuaskan, yang ketiga ditambahkan ke dua kelompok, nyanyian umum hanyalah yang terakhir. tahap keseluruhan pekerjaan, dan ini terjadi setiap hari dengan tetap memeriksa kelompok individu dalam kombinasi yang berbeda. Begitu pula dengan karya seorang pianis: setelah penampilan pasangan suara individu yang dikuasai dengan baik dalam komposisi empat suara, suara ketiga ditambahkan, tidak termasuk salah satu suara secara bergantian. Setelah memastikan bahwa siswa mendengar ketiga suara tersebut, terbiasa dan telah mempelajari penjarian suara-suara ini dan detail teks musik lainnya, guru dapat mengizinkan semua suara untuk digabungkan. Ini adalah momen yang sangat penting, karena sekarang Anda terus-menerus mempelajari keempatnya
suara dengan kedua tangan, maka panduan suara pasti akan mulai tersumbat, dan semua pekerjaan sebelumnya akan sia-sia. Oleh karena itu, perlu untuk mencurahkan sebagian waktu setiap hari untuk memeriksa kombinasi suara berpasangan untuk memastikannya kualitas yang baik eksekusi. Selain itu, siswa juga harus hafal bagian-bagian masing-masing tangan secara terpisah, tidak peduli berapa banyak suara yang ada di bagian tersebut (tentu saja, jika suara tengah tiba-tiba putus di bagian tangan kiri dan masuk ke tangan kanan). bagian, lalu ketika dimainkan dengan satu tangan kiri, Anda perlu membawa suara ini ke akhir frasa). Pengetahuan yang kuat tentang bagian-bagian masing-masing tangan (terutama tangan kiri) secara terpisah oleh hati diperlukan untuk penampilan yang percaya diri di atas panggung, di mana selain memori pendengaran, memori motorik juga sangat penting. Pertama permainan baru harus dilakukan agar siswa menjadi terbiasa dengannya
dalam suara live, bagaimana tema berkembang secara polifonik, dan yang paling penting, bagaimana seharusnya semua suara terdengar. Ceritakan dan tunjukkan struktur karyanya. Penemuan ini didasarkan pada tema alam yang hidup dan menyenangkan. Ini adalah benih dari mana karya itu tumbuh; kedengarannya hampir terus menerus di seluruh penemuan. Penemuan Do Major memiliki tiga bagian yang dibuat serupa. Setiap bagian dimulai dengan struktur eksposisi (vol. 1-2, 7-10, 15-18). Diikuti dengan selingan tipe pengembangan, yang mengarah pada konstruksi dan irama seperti pengulangan yang mengakhiri gerakan. Setelah mempelajari struktur penemuan ini, Anda dapat melanjutkan bekerja. Siswa hendaknya dinasihati untuk bekerja tidak hanya secara keseluruhan, tetapi juga sebagian (bukan “bagian”, tetapi sebagian). Pertama-tama, Anda perlu mengatasi topik tersebut. Mintalah siswa memainkannya dengan kunci yang berbeda, maju dan mundur, kiri dan tangan kanan. Kemudian biarkan dia memainkan tema (keduanya) dan tiruannya, dimulai dengan suara rendah dan kemudian dengan suara atas. Dalam semua kasus, tema harus dibawakan dengan hidup. Penting untuk merasakan bagaimana nada keenam belas cenderung ke nada kedelapan (pada puncak tema). Penting juga untuk memahami sifat dari aspirasi ini. Dalam proses kerja, terkadang bermanfaat untuk mengkarakterisasi tugas kinerja dalam bentuk terbalik, sehingga siswa lebih mudah memahami hal yang paling esensial. Dalam konstruksi berurutan dari bagian tengah, aspirasi nada keenam belas memperoleh karakter yang sangat menyenangkan. Urutan melodi ini harus dimainkan dengan elastisitas ritme yang tiada henti. Untuk mendengarkan tema dengan lebih baik, siswa dapat memainkan eksposisi tanpa tambahan tandingan. Hal ini dapat dilakukan dengan cara sebagai berikut: guru membawakan tema, dan siswa melakukan penjumlahan tandingan, lalu sebaliknya. Dan terakhir, siswa bermain untuk keduanya: tema dan counter. Secara alami, bunyi counterposisi harus berbeda dari temanya, terdengar seolah-olah di latar belakang. Dianjurkan agar latihan yang tercantum dimainkan tidak hanya dengan nada, tetapi juga tanpa nada - ini akan memaksa Anda untuk mendengarkan diri sendiri lebih aktif dan, dengan bantuan pendengaran, menemukan tempat oposisi dalam struktur polifonik. Daftar literatur bekas 1. Alekseev A. Metode pengajaran bermain piano. M., 1978 2. Braudo I. Tentang studi tentang karya keyboard Bach di sekolah musik. M-L., 1965 3. Masalah pedagogi piano: koleksi. artikel, ed.V. Natanson. Jil. 3, M: Musik 1971 4. Musik keyboard Kalinina N. Bach di kelas piano. L.: Musik, 1974 5. Korto A. Tentang seni piano. M.: Muzyka, 1965
6. Lyubomudrova N. Metode pengajaran bermain piano. M.: Musik, 1982 7. Timakin E. Pendidikan seorang pianis. Panduan metodis/ Komposer Soviet 1989.

LEMBAGA PENDIDIKAN TAMBAHAN KOTA UNTUK ANAK
SEKOLAH MUSIK ANAK
KABUPATEN KOTA SHCHELKOVSKY
WILAYAH MOSKOW

Pesan metodis

"Bekerja pada polifoni di kelas junior DMSh".

Guru Kuznetsova N.M.

Shchelkovo-2011

Bekerja pada polifoni di Sekolah Musik Anak

Musik rakyat, khususnya musik rakyat Rusia, selalu dijiwai dengan semangat ansambel, kolektivitas, dan mengusung tradisi polifoni.

Merdunya melodi musik rakyat pada dasarnya tidak monofonik. Dia berjuang untuk intonasi kolektif, untuk mengungkapkan dirinya melalui paduan suara, melalui polifoni. Musik klasik- dalam opera, dalam simfoni, dalam bentuk ruang - dia selalu memberikan contoh-contoh tinggi dari polifoni yang kaya dan beragam, yang berasal dari tradisi rakyat. Polifoni, sebagai kekuatan efektif dalam musik, mau tidak mau menarik perhatian kreatif para komposer dari berbagai arah sepanjang sejarah musik. Komposer tidak pernah acuh terhadap polifoni. Mempelajari polifoni adalah kunci untuk menguasai seni bermain piano. Bagaimanapun, musik piano semuanya polifonik dalam arti luas. Untuk menguasai piano dengan baik, seperti yang dikatakan Yuri Bogdanov, Anda perlu memainkan etudes dan karya J. S. Bach. Oleh karena itu, pada tahun-tahun awal pembelajaran di sekolah musik anak perlu ditumbuhkan minat dan kecintaan terhadap musik, termasuk musik polifonik.

Panduan terbaik dunia musik bagi seorang anak adalah sebuah lagu. Hal inilah yang memungkinkan guru menarik minat siswa terhadap musik. Anak kelas satu rela menyanyikan lagu-lagu yang familiar, mendengarkan dengan penuh minat dan menebak berbagai karakter lakon yang dimainkan guru untuknya (lucu, sedih, menari, khusyuk, dll.) Sepanjang jalan, anak harus diberitahu bahwa bunyinya, seperti kata-kata, menyampaikan isi dan perasaan yang berbeda. Pada pelajaran pertama, saya biasanya memainkan “permainan” dengan seorang siswa untuk menentukan sifat musik. Pertama, saya memainkan berbagai karya untuknya, di mana dia harus menentukan mood yang disampaikan oleh penciptanya, kemudian saya meminta siswa untuk menentukan sifat musik dari judul atau gambar, yang dengan jelas menyampaikan mood tersebut. Anak-anak terutama menyukai drama dari koleksi “Mengenal Musik” oleh Artobolevskaya. Misalnya lakon “Kamu Di Mana, Leka”, berdasarkan gambar, anak-anak menceritakan keseluruhan cerita tentang mengapa anjing itu sedih. Gambar menyertai Minuet oleh J.S. Bach dengan jelas menyampaikan era saat itu, kostum para penari di pesta dansa. Berdasarkan cerita anak-anak, seseorang dapat menentukan wawasan anak, kosa kata, kemampuan bersosialisasi, dll. Beginilah kesan musikal terakumulasi secara bertahap. Melodi lagu anak-anak dan daerah dalam aransemen satu suara paling ringan untuk piano - konten yang paling mudah dipahami materi pendidikan untuk pemula. Pemilihan repertoar yang cermat sangat penting dalam kesuksesan musik murid. Lagu sebaiknya dipilih yang sederhana namun bermakna, bercirikan ekspresi intonasi yang cerah, dengan klimaks yang jelas. Jadi, sejak langkah pertama, fokus perhatian siswa menjadi melodi, yang ia nyanyikan secara ekspresif, dan kemudian dengan ekspresif ia mencoba “bernyanyi” di atas piano. Penampilan ekspresif dan merdu dari lagu-lagu melodi bersuara tunggal kemudian ditransfer ke kombinasi dua melodi yang sama dalam karya polifonik ringan. Kealamian transisi ini adalah kunci untuk mempertahankan minat terhadap polifoni di masa depan.

Repertoar polifonik untuk pemula terdiri dari aransemen polifonik ringan dari lagu-lagu daerah subvokal, dekat dan dapat dipahami oleh anak-anak isinya. Guru berbicara tentang bagaimana lagu-lagu ini dibawakan di antara orang-orang: penyanyi memulai lagunya, kemudian paduan suara ("podvoloski") mengambilnya, memvariasikan melodi yang sama. Misalnya lagu “Oh, kamu, musim dingin - musim dingin…”. Hal ini dapat dilakukan dengan cara “paduan suara”, dengan membagi peran: siswa memainkan peran sebagai penyanyi utama, dan guru pada piano lain “menggambarkan” paduan suara, yang mengambil melodi dari penyanyi utama. Setelah dua atau tiga pelajaran, siswa tersebut menampilkan "vokal latar" dan jelas yakin bahwa kemandiriannya tidak kalah dengan melodi penyanyi utama.

Sikap aktif dan minat siswa terhadap musik polifonik bergantung sepenuhnya pada metode kerja guru dan kemampuannya mengarahkan siswa pada persepsi imajinatif tentang unsur-unsur dasar musik polifonik.

Sejak kelas satu sekolah, siswa harus terbiasa dengan semua jenis tulisan polifonik - subvokal, kontras, imitatif - dan menguasai keterampilan dasar menampilkan dua dan kemudian tiga suara dalam berbagai jenis karya polifonik ringan. Namun sangat tidak disarankan untuk memperkenalkan istilah imitasi kepada siswa kelas satu. Konsep ini lebih mudah dijelaskan dengan menggunakan contoh-contoh yang mudah diakses dan dekat dengan anak. Jadi dalam lakon seperti lagu anak-anak “Di Padang Rumput Hijau…”, Anda dapat memainkan nada aslinya satu oktaf lebih tinggi dan secara kiasan menjelaskan kepada siswa tiruannya, yaitu pengulangan motif atau melodi dengan suara yang berbeda, seperti konsep umum ECHO. Bermain secara ansambel akan sangat meramaikan persepsi imitasi: siswa memainkan melodi, dan tiruannya (ECHO) dimainkan oleh guru, kemudian sebaliknya. Imitasi adalah cara polifonik utama dalam mengembangkan sebuah tema. Teknik ini sangat berguna dalam lakon yang peniruannya diiringi melodi dengan suara yang berbeda, seperti dalam lakon No. 17 dari koleksi E.F. “Piano ABC” Gnesina: bisa disebut “Cuckoos”, sedemikian rupa sehingga perbandingan imitasi dengan roll call dua cuckoo menunjukkan dirinya sendiri. Dalam koleksi ini banyak terdapat etudes dan lakon yang dibangun secara imitatif dengan tema lagu dan tari (studi No. 17, 31, 34, 35, 37). Materi pedagogis terbaik untuk mengembangkan pemikiran suara polifonik seorang pianis adalah warisan keyboard J. S. Bach, dan langkah pertama menuju pemahaman polifoni adalah koleksi terkenal yang disebut “The Notebook of Anna Magdalena Bach.” Mahakarya kecil yang termasuk dalam “Buku Catatan” sebagian besar adalah karya tari kecil - polonaise, minuet, pawai, yang dibedakan berdasarkan kekayaan melodi, ritme, dan suasana hati yang luar biasa. “The Music Book of A.M.Bach” adalah sejenis album musik rumahan keluarga J.S.Bach. Ini termasuk berbagai jenis karya instrumental dan vokal. Drama-drama ini, baik miliknya sendiri maupun milik orang lain, ditulis dalam buku catatan oleh tangan J. S. Bach sendiri, terkadang oleh istrinya Anna Magdalena Bach, dan ada juga halaman yang ditulis dengan tulisan tangan kekanak-kanakan salah satu putra Bach. Karya vokal - arias dan chorales yang termasuk dalam koleksi - dimaksudkan untuk pertunjukan di lingkungan rumah keluarga Bach. Koleksinya berisi sembilan Minuet. Pada masa J.S. Bach, Minuet adalah tarian yang tersebar luas, hidup, dan terkenal. Itu ditarikan baik di rumah maupun di pesta meriah dan selama upacara seremonial istana. Selanjutnya, minuet menjadi tarian aristokrat yang modis, yang dinikmati oleh para bangsawan istana dengan wig bubuk putih dengan ikal. Ilustrasi yang bagus tentang bola pada masa itu dalam koleksi Artobolevskaya "Pertemuan Pertama dengan Musik". Anak-anak harus memperhatikan kostum pria dan wanita ke tingkat yang lebih besar yang menentukan gaya menari: bagi wanita, kreol, sangat lebar, membutuhkan gerakan halus, untuk pria - kaki ditutupi stoking dengan sepatu hak tinggi yang elegan, dengan garter yang indah - busur di bagian lutut. Minuet ditarikan dengan penuh kekhidmatan. Musik yang tercermin dalam melodinya mengubah kehalusan dan pentingnya membungkuk, membungkuk dan membungkuk. Setelah mendengarkan Minuet yang dibawakan oleh guru, siswa menentukan karakternya, lebih mirip lagu atau tarian, oleh karena itu karakter pertunjukannya harus lembut, halus, merdu, gerakannya tenang dan merata. Maka perlu untuk menarik perhatian siswa pada perbedaan antara melodi suara atas dan bawah, kemandirian dan kemandiriannya satu sama lain, seolah-olah dinyanyikan oleh dua penyanyi: suara tinggi wanita pertama adalah sopran, dan suara tinggi pertama adalah sopran, dan suara tinggi pertama adalah sopran. suara rendah laki-laki kedua adalah bass, atau dua suara yang dibawakan oleh dua alat musik yang berbeda. I. Braudo sangat mementingkan kemampuan memainkan instrumen piano. “Perhatian pertama pemimpin,” tulisnya, “adalah mengajar siswa untuk mengekstrak kemerduan tertentu dari piano, yang diperlukan dalam kasus ini.

Pertunjukan dua suara dalam instrumentasi yang berbeda memiliki nilai edukasi yang besar bagi pendengaran. Untuk tujuan ini, akan berguna jika siswa memainkan sampel polifonik pertama yang sedang dipelajari sehingga dia benar-benar dapat mendengar kombinasi dua suara. Satu suara dibawakan oleh guru, suara lainnya dibawakan oleh siswa. Jika ada dua instrumen, ada gunanya memainkan kedua suara secara bersamaan pada dua instrumen - ini memberikan kelegaan yang lebih besar pada setiap baris melodi. Hal ini juga berguna untuk memisahkan suara berdasarkan oktaf (atas – seruling, bawah – biola). Suara atas di tempatnya - suara bawah turun satu oktaf, suara rendah di tempatnya - suara atas naik satu oktaf. Pemisahan suara maksimum yang mungkin dilakukan adalah dua oktaf. Jika dua suara lewat secara bersamaan di bagian tangan, kami dapat merekomendasikan agar siswa memainkan konstruksi ini terlebih dahulu dengan kedua tangan: dengan cara ini akan lebih mudah baginya untuk mencapai kemerduan yang diinginkan dan tujuan pekerjaan akan menjadi lebih jelas. Penting untuk memastikan bahwa siswa mampu memainkan setiap suara dari awal sampai akhir secara lengkap dan ekspresif. Pentingnya menggarap suara siswa sering kali diremehkan; itu dilakukan secara formal dan tidak dibawa ke tingkat kesempurnaan ketika siswa benar-benar dapat menampilkan setiap suara sebagai baris melodi yang independen. Setelah mempelajari suara individu dengan cermat, ada gunanya melatihnya secara berpasangan. Untuk memastikan kontrol pendengaran yang diperlukan, saat menampilkan suara, disarankan untuk memainkannya pada awalnya bukan dari awal hingga akhir, tetapi dalam formasi kecil yang terpisah, kembali lagi ke tempat yang paling sulit dan memainkannya beberapa kali. Sangat cara yang efektif Pekerjaan untuk siswa tingkat lanjut adalah menyanyikan salah satu suara sementara suara lainnya dibawakan dengan piano. Juga berguna untuk menyanyikan karya polifonik dalam paduan suara. Hal ini berkontribusi pada pengembangan pendengaran polifonik dan membiasakan siswa dengan polifoni. Kadang-kadang berguna untuk melatih dua suara, memainkan secara bergantian di masing-masing suara hanya segmen-segmen yang makna semantiknya harus ada dalam pertunjukan dua suara. Jika Anda memiliki tiga suara atau lebih, ada gunanya mengerjakan setiap pasangan suara. Jadi, misalnya, dengan presentasi tiga suara, ada gunanya mengajarkan suara atas dan tengah secara terpisah, atas dan bawah, bawah dan tengah. Sangat berguna untuk memainkan semua suara, memusatkan perhatian Anda pada salah satunya. Hilangkan suara tengah (seperti isian), dan pimpin suara ekstrem, seperti kerangka.

Suara atas merdu, suara bawah harmonis. Gunakan fantasi timbre: pimpin satu suara pada forte, keluarkan sisanya pada piano. Ketika suara tengahnya menonjol, hal ini sulit, namun sangat bermanfaat untuk dilakukan. Untuk mendengar suara rendah, ubah suara melintang, pindahkan suara rendah ke atas, dan suara atas ke bawah, ini sulit, tetapi efektif. Pastikan untuk mendengarkan nada-nada panjang dan nada-nada tertunda. Dengarkan harmoni yang dibentuk oleh beberapa suara - (vertikal). Dengarkan secara horizontal. Mainkan perlahan dan berhenti pada irama suram.

Polifoni J. S. Bach bercirikan polidinamik dan untuk mereproduksinya dengan jelas, pertama-tama, seseorang harus menghindari dinamika yang berlebihan dan tidak boleh menyimpang dari instrumentasi yang dimaksudkan hingga akhir karya. Rasa proporsional dalam kaitannya dengan semua perubahan dinamis dalam setiap karya J. S. Bach adalah kualitas yang tanpanya mustahil untuk menyampaikan gaya musiknya dengan benar. Dengan Bach, tidak ada curahan perasaan emosional, tetapi konsentrasi perasaan - pengendalian diri, berbalik ke dalam. Segala sesuatu yang tertulis dalam teks harus berbunyi: kejelasan, ketepatan, merdu suara. Yang progresif dalam teks dimainkan legato, lompatannya adalah pelepasan tangan. Bach mempunyai ketukan yang seimbang, ketukan yang kuat tidak menonjol. Dia menetapkan ukuran frasa. Hal utama adalah jangan sampai melanggar batas, dan awal suatu topik tidak sepenting akhirnya. Bach menciptakan suara surround, kepenuhan harmonis. Setiap kali mengerjakan keyboard Bach berhasil, kita harus menyadari fakta dasar berikut. Dalam manuskrip karya keyboard Bach hampir tidak ada instruksi pertunjukan. Kemudian hal ini diterima, karena tidak ada musisi – pemain dalam pemahaman kita tentang kata tersebut; sebaliknya, yang dimaksud Bach hampir secara eksklusif adalah penampilan karyanya oleh putra dan muridnya yang sangat mengenal prinsip-prinsipnya. Sedangkan untuk dinamika, Bach diketahui hanya menggunakan tiga notasi dalam karyanya, yaitu: forte, piano, dan kadang-kadang pianissimo. Bach tidak menggunakan ekspresi crescendo, dim, mp, ff, fork yang menunjukkan peningkatan dan penurunan kemerduan, dan terakhir, tanda aksen. Penggunaan notasi tempo dalam teks Bach juga terbatas. Dan jika mereka ada, mereka tidak dapat dipahami dalam arti modernnya. Tempo ADAGIO GRAUE-nya tidak lambat seperti kami, dan PRESTO-nya tidak secepat kami. Ada pendapat bahwa semakin baik Anda memainkan Bach, semakin lambat Anda memainkannya; semakin buruk Anda bermain, semakin cepat Anda perlu mengambil tempo. Keaktifan karya Bach tidak didasarkan pada tempo, melainkan pada frase dan penekanan. Dari sekian banyak tugas yang menghalangi mempelajari polifoni, yang utama tetap mengerjakan merdu, ekspresi intonasi, dan kemandirian setiap suara secara terpisah.

2 – dalam frasa yang berbeda dan hampir tidak ada yang cocok (misalnya, dalam bilah

3 – dalam ketidaksesuaian pukulan (legato dan non-legato).

4 – dalam ketidaksesuaian klimaks (misalnya, pada birama kelima – keenam, melodi suara atas naik dan mengarah ke atas, dan suara rendah bergerak ke bawah dan naik ke atas hanya pada birama ketujuh)

6 – dalam ketidaksesuaian perkembangan dinamis (misalnya, pada takaran keempat bagian kedua, kemerduan suara rendah meningkat, dan suara atas menurun).

Mayoritas karya keyboard adalah karya dengan artikulasi tak bertanda. Pekerjaan keyboard mudah yang membentuk repertoar utama Bach seorang anak sekolah sama sekali tidak memiliki instruksi pertunjukan apa pun.

Dari 30 penemuan dan simfoni, hanya simfoni F minor yang memuat dua liga. Dari uraian di atas, jelaslah bahwa instruksi pertunjukan tunggal yang terdapat dalam manuskrip Bach dapat menjadi bahan penelitian yang berharga mengenai pertunjukan musik kuno.

Kita tahu bahwa I.S Bach bermaksud menggunakan keyboard ringan bukan untuk konser, tapi untuk belajar dan bermain musik di rumah. Oleh karena itu, tempo sebenarnya dari suatu penemuan, pendahuluan kecil, minuet, dan pawai pada saat ini dianggap sebagai tempo yang paling berguna bagi siswa. Kecepatan apa yang paling berguna saat ini. Tempo di mana karya tersebut paling baik dibawakan oleh siswa. Kecepatan belajar tidak memiliki tujuan utama untuk persiapan langkah cepat, tetapi persiapan untuk memahami musik. Tempo yang cepat membuat musik tidak bisa didengarkan.

Apa yang diperoleh siswa dengan bekerja dalam tempo lambat—pemahaman tentang musik—adalah hal yang paling penting. Anda harus membayangkan temponya seolah-olah sedang dinyanyikan, nyanyikan dengan suara keras atau dalam hati sendiri. Cara ini adalah cara termudah untuk menetapkan langkah yang bebas dari ketergesaan dan imobilitas. Namun Anda juga harus memastikan bahwa tempo lambat tidak berubah menjadi rangkaian gerakan lambat dan monoton yang tidak ada hubungannya dengan musik itu sendiri.

^ BAHAN YANG DIGUNAKAN :

A. Alekseev “Metode pengajaran bermain piano.”

G. Neuhaus “Tentang seni bermain piano”

I. Braudo “Tentang studi tentang karya keyboard Bach di sekolah musik.”

Materi kursus pelatihan lanjutan.

N. Kalinina “Musik keyboard Bach di kelas piano.”

Sekolah musik anak-anak MOUDOD di distrik kota Shchelkovsky di wilayah Moskow

Bahan

untuk sertifikasi

Guru berdasarkan kelas

Piano

Kuznetsova

Nadezhda Mikhailovna