Jules Michelet történész használta először a „reneszánsz” fogalmát a 19. században. A cikkben tárgyalt zenészek és zeneszerzők a 14. században kezdődő időszakhoz tartoztak, amikor az egyház középkori uralmát felváltotta a világi kultúra az emberi személy iránti érdeklődéssel.

Reneszánsz zene

Az európai országok különböző időkben új korszakba léptek. Valamivel korábban keletkeztek Olaszországban, de a zenei kultúrát a holland iskola uralta, ahol először hoztak létre speciális metriákat (menedékeket) a katedrálisoknál, a jövő zeneszerzőit képezve. Az akkori fő műfajokat a táblázat tartalmazza:

Hollandia legjelentősebb reneszánsz művészei Guillaume Dufay, Jacob Obrecht, Josquin Despres.

Nagy hollandok

Johannes Ockeghem Tanulmányait a Notre-Dame (Antwerpen) kolostorban végezte, majd a 15. század 40-es éveiben I. Károly herceg (Franciaország) udvarának kápolnaénekese lett. Ezt követően a királyi udvar kápolnáját vezette. Az érett öregkort megélve minden műfajban nagy örökséget hagyott maga után, kiemelkedő polifonistaként honosodott meg. Chigi-kódex című 13 miséjének kézirata jutott el hozzánk, melyek közül egy 8 hangon van megírva. Nemcsak mások dallamait használta fel, hanem a sajátját is.

Orlando Lasso a modern Belgium (Mons) területén született 1532-ben. Övé zenei képességek kora gyermekkorban jelent meg. A fiút háromszor rabolták el otthonából, hogy nagyszerű zenészré váljon. Mind az enyém tudatos élet Bajorországban töltött, ahol V. Albrecht herceg udvarában tenorként lépett fel, majd a kápolna élén állt. Magasan profi csapata hozzájárult ahhoz, hogy München Európa zenei központjává váljon, ahová a reneszánsz korának számos híres zeneszerzője látogatott el.

Olyan tehetségek érkeztek hozzá tanulni, mint Johann Eckard, Leonard Lechner, az olasz D. Gabrieli . Utolsó menedékét 1594-ben találta meg egy müncheni templom területén, hatalmas örökséget hagyva maga után: több mint 750 motettát, 60 misét és több száz dalt, amelyek közül a legnépszerűbb a Susanne un jour volt. Motettái („Szibilák próféciái”) újításukkal tűntek ki, de ismert a sok humort tartalmazó világi zenéje is (villanella O bella fusa).

olasz iskola

Kiemelkedő zeneszerzők A reneszánsz Olaszországból a hagyományos irányok mellett aktívan fejlesztette a hangszeres zenét (orgona, húros hangszerek, clavier). A legelterjedtebb hangszer a lant volt, majd a 15. század végén megjelent a csembaló, a zongora elődje. A népzenei elemek alapján két nagy hatású zeneszerzési irányzat alakult ki: a római (Giovanni Palestrina) és a velencei (Andrea Gabrieli).

Giovanni Pierluigi felvette a nevet Palestrina a Róma melletti város neve után, amelyben született és a főtemplomban szolgált kórusvezetőként és orgonistaként. Születésének dátuma nagyon hozzávetőleges, de 1594-ben halt meg. Mögött hosszú élet körülbelül 100 misét és 200 motettát írt. „Marcell pápa miséje” felkeltette IV. Pius pápa csodálatát, és a katolikus szakrális zene példája lett. Giovanni a zenei kíséret nélküli vokális éneklés legjelentősebb képviselője.

Gabrieli Andrea Tanítványával és unokaöccsével, Giovannival együtt dolgozott a Szent Márk-kápolnában (XVI. század), az orgona és más hangszerek hangjával „színezték ki” a kórus énekét. A velencei iskola inkább a világi zene felé fordult, és Andrea Gabrieli Szophoklész Oidipusz című előadása során a színházi színpadon kóruszenét írtak, amely a kóruspolifónia példája és a jövő operaművészetének hírnöke.

A német iskola jellemzői

A német állam előterjesztette Ludwig Senfl, a 16. század legjobb polifonistája, aki azonban nem érte el a holland mesterek szintjét. A kézművesek (Meistersingers) költő-énekesek dalai is különleges zene Reneszánsz. A német zeneszerzők énekes társaságokat képviseltek: bádogosokat, cipészeket, takácsokat. A terület egyesítette őket. A nürnbergi énekiskola kiemelkedő képviselője volt Hans Sachs(életévek: 1494-1576).

Szabó családban született, egész életében cipészként dolgozott, lenyűgözött műveltségével, zenei és irodalmi érdeklődésével. Úgy olvasta a Bibliát, ahogyan a nagy reformátor Luther értelmezte, ismerte az ókori költőket, és nagyra értékelte Boccacciót. Szász népzenész lévén nem a többszólamúság formáit sajátította el, hanem daltípusú dallamokat alkotott. Közel álltak a tánchoz, könnyen megjegyezhetőek, és volt egy bizonyos ritmusuk. A leghíresebb mű az Ezüst ének volt.

Reneszánsz: francia zenészek és zeneszerzők

Franciaország zenei kultúrája csak a 16. században élte át igazán reneszánszát, amikor az országban kialakult a társadalmi talaj.

Az egyik legjobb képviselő az Clément Janequin. Ismeretes, hogy Chatellerault-ban született (15. század vége), és fiú énekesből a király személyes zeneszerzőjévé vált. Alkotói örökségéből csak az Attenian által kiadott világi dalok maradtak fenn. 260 darab van, de az igazi hírnevet azok szerezhetik, akik kiállták az idő próbáját: „Madárdal”, „A vadászat”, „Csíra”, „Háború”, „Párizsi sikolyok”. Folyamatosan újra kiadták, és más szerzők is felhasználták lektorálásra.

Dalai többszólamúak voltak, kórusjelenetekre emlékeztettek, ahol a névadó és a kantiléna énekhangok mellett a mű dinamikájáért felelős felkiáltások is voltak. Ez egy merész kísérlet volt a képalkotás új technikáinak megtalálására.

Franciaország híres zeneszerzői közül Guillaume Cotlet, Jacques Mauduit, Jean Baif, Claudin Lejeune, Claude Goudimel , harmonikus szerkezetet adva a zenének, ami hozzájárult a zene nagyközönség általi asszimilációjához.

Reneszánsz zeneszerzők: Anglia

A 15. századot Angliában a munkái befolyásolták John Dubstyleés XVI - William Bird. Mindkét mester a szakrális zene felé vonzódott. Bird orgonistaként kezdett a Lincoln Cathedralban, és a londoni Chapel Royalban fejezte be pályafutását. Először sikerült összekapcsolnia a zenét és a vállalkozást. 1575-ben a zeneszerző Tallis-szal együttműködve monopolistává vált a zeneművek kiadásában, ami nem hozott neki hasznot. De sok időbe telt, amíg megvédtem a tulajdonhoz való jogomat a bíróságokon. Halála (1623) után a kápolna hivatalos irataiban „a zene alapítójának” nevezték.

Mit hagyott maga után a reneszánsz? Bird a kiadott gyűjtemények (Cantiones Sacrae, Gradualia) mellett számos kéziratot is megőrzött, azokat csak otthoni istentiszteletre tartotta alkalmasnak. A később megjelent madrigálok (Musica Transalpina) nagy hatást mutattak Olasz szerzők, de több mise és motetta került a szakrális zene aranyalapjába.

Spanyolország: Cristobal de Morales

A spanyol zeneiskola legjobb képviselői áthaladtak a Vatikánon, a pápai kápolnában léptek fel. Érezték a holland és olasz szerzők hatását, így csak keveseknek sikerült hazájukon kívül híressé válniuk. A spanyolországi reneszánsz zeneszerzők többszólamúak voltak, alkottak kórusművek. A legkiemelkedőbb képviselője az Cristobal de Morales(XVI. század), aki a toledói metrizát vezette, és egynél több diákot képzett. Josquin Despres követője, Cristobal hozta speciális technika homofonikusnak nevezett művek sorozatában.

A szerző két rekviemje (az utolsó ötszólamú), valamint a „Fegyveres ember” mise lett a leghíresebb. Világi műveket is írt (kantáta az 1538-as békekötés tiszteletére), de ez vonatkozik a több korai művek. Élete végén a malagai kápolna élén a szakrális zene szerzője maradt.

Konklúzió helyett

A reneszánsz zeneszerzők és műveik előkészítették a hangszeres zene virágzását zene XVII század és egy új műfaj – az opera – megjelenése, ahol a sok szólam bonyolultságát felváltja egy, a fő dallamot vezető elsőbbség. Igazi áttörést értek el a zenei kultúra fejlődésében, és megalapozták a modern művészetet.

A 16. században Olaszország fő művészeti központjai voltak Róma és Velence. Ezt az a korántsem egyszerű helyzet magyarázza, amely a széttöredezett Olaszország fő területén alakult ki. A Franciaországgal folytatott szüntelen háborúk (az 1490-es évektől), valamint Spanyolország agresszív politikája oda vezetett, hogy csak Velence, a pápai államok (amelyeknek Róma volt a központja) és részben a Savoyai Hercegség őrizte meg függetlenségét. Ebben a helyzetben az ellenreformáció is fontos szerepet játszott.

virágozni fogok velencei a művészetet elősegítették a város társadalmi-politikai és gazdasági viszonyai. BAN BEN politikailag Velence köztársaság volt (a 13. század végi oligarchától, egy dózsával az élén), jelentős területekkel az ellenőrzése alatt. Gazdag, virágzó köztársaság volt.

Velence a közti közvetítő kereskedelem fő központja volt Nyugat-Európaés Kelet, aminek köszönhetően megőrizte elsőbbségét a gazdaságban. Ugyanakkor Velencében, ahol nemcsak a kereskedelem, hanem a művészet is erőteljesen fejlődött művészeti terület kölcsönhatások bizánci, nyugat-európai és keleti hagyományok. Feltűnő példa Ez a Szent Márk-székesegyház, ahol bizánci mozaikok, szobrászat Az ókori Róma gótikus elemekkel szomszédos.

Külsőleg Velence fényes és ünnepi városnak tűnt, amelyben nagy figyelmet fordítottak a különféle szertartásokra és mindenféle ünnepségre; a vallási ünnepek népünnepekké és karneválokká változtak. Az ünnepi és karneváli karakter élénk ábrázolása publikus élet a velencei kultúrák pedig A. Canaletto vásznait adják. Valószínűleg ez magyarázza a kolorisztikus elv észrevehető túlsúlyát a plasztikával szemben a velencei mesterek - Giorgione (1476-1510), Tizian (1477-1576), Paolo Veronese (1528-1588), Jacopo Tintoretto (1518-1594) - festészetében.

Hasonlóan szembetűnő jelenség volt a velencei zeneszerzőiskola. A velencei kormány 1403. június 18-i rendelete szerint. A Szent Márk-székesegyház kápolnája lett a schola cantorum, ahol éneket tanítottak. Pompás ceremóniák a Szent Márk-székesegyházban és a Dózse-palotában (a dózse megválasztása, tengeri „eljegyzésének” szertartása, nagykövetek fogadása stb.), valamint az előttük lévő csodálatos téren és tovább nagy csatorna(karneválok, gondolaversenyek, tűzijáték) követelték zenei rendezés, ami megfelel a köztársaság nagyságának. Ezért a kormány ösztönözte a hivatásos zenészek képzését.

Nagy hatással volt a velencei professzionális zenei hagyományok kialakulására holland zeneszerző Adrian Willaert(1480-1562), akit Josquin Despres tanítványának tartanak. 1527-től élete végéig a Szent Márk-székesegyház karnagya volt, és joggal tekinthető a 16. századi velencei zeneszerzési iskola megalapítójának. Sikerült ötvöznie a holland polifónia legjobb hagyományait a velencei zene nemzeti sajátosságaival - mindenekelőtt annak színességével és dekorativitásával. Kompozíciói között szerepelnek misék, motetták, madrigálok, sanzonok és hangszeres richescarok. Willart tanítványai voltak Ciprian de Rore, G. Zarlino, N. Vicentino, Andrea Gabrieli(1510-1586).

Nagyobb szerep a fejlesztésben Velencei iskola játszott Giovanni Gabrieli(1557-1612) - Andrea unokaöccse. Gazdag többszólamú stílusa a színhez hasonlítható festmények Tizian és Veronese. Nem véletlenül nevezték a kutatók G. Gabrielit a velencei Tizianusnak, Palestrinát pedig a római Rafaelnek.

Andrea és Giovanni Gabrieli is Velence szülöttei. Andrea kezdetben a Willaert által irányított Szent Márk-székesegyház kápolnájában volt énekes, majd évekig a müncheni hercegi kápolnában dolgozott, de visszatért Velencébe, ahol a Szent Márk-székesegyház orgonistájaként szolgált. Számos kóruskompozíciót készített a székesegyházi kápolna számára, írt madrigálokat, valamint orgonakompozíciókat. 1584-ben feladta a székesegyház orgonista állását unokaöccsének és tanítványának, Giovanninak. A tehetséges fiatalember ekkorra már nagybátyja irányítása alatt elsajátította a zeneszerzés mesterségét, és több évig (1575-1579) dolgozott a bajor herceg müncheni kápolnájában O. Lassóval együtt. Nagybátyja 1584-ben bekövetkezett halála után Giovanni Gabrieli lett a Szent Márk-székesegyház első orgonistája.

Munkássága szervesen ötvözte az ének-kórus polifónia eszközeit a hangszeres együttes képességeivel. A velencei kultúra általános törekvése a pompa, szépség és dekorativitás irányába a zenében is megtestesül: az előadók összetételének és a szólamok számának növekedésében a kórusművekben, a katedrális különböző pontjain elhelyezett hangszerek használatában, váltakozásában. hangszeres és kórus szekciók. A 15. század végén a Szent Márk-székesegyházban egy második orgonát is felállítottak, amely lehetővé tette két kórus (olykor váltakozva, hol egyidejűleg) zenélését, két orgona és egyéb hangszerek kíséretében. Ennek köszönhetően a velencei zeneszerzőknek különleges erőt és hanggazdagságot sikerült elérniük. In J. Gabrieli fontos szerep hangtömegek színes egymás mellé állításait játsszák különböző hangszínekben, több kórusból álló kompozíciókat (2 és 3 kóruskompozíciót) ír, és ezt a technikát tökélyre viszi. Két stilisztikai korszak (a többszólamú és a homofónikus) fordulójára eső alkotása egy múló és kialakuló stílus jegyeit egyaránt feltárja. Ez elsősorban a műfaji sokszínűséget érinti: a misék mellett ír szent szimfóniákat, szent énekeket, hangversenyeket, motettákat, madrigálokat és hangszeres darabokat.

A második legnagyobb zeneszerző iskola Magyarországon Olaszország XVI században római volt.

Emlékezzünk arra, hogy 756 óta Róma lett a pápai államok fővárosa és Európa vallási központja. Róma polgárai nemegyszer próbálták megalapítani a köztársasági uralmat más olasz városok mintájára (Bresciai Arnold 1143-as felkelése, 1347-ben az ókori római Cola di Rienzi köztársaság újjáélesztésének kísérlete). A pápák avignoni fogsága idején a pápák befolyása meggyengült. Savelli, Annibaldi, Segni, Orsini és Colonna gazdag és befolyásos családja a 14. század második felétől harcol a hatalomért. és egészen a 15. század közepéig. A pápai rezidencia Rómába való visszatérése után is csak IV. Sixtus (1471-84) éri el korábbi hatalmát. Az úgynevezett „reneszánsz pápák” - V. Márton, V. Miklós, IV. Sixtus, II. Pius, II. Julius, X. Leó - számos templommal (elsősorban Szent Péter-székesegyházzal), palotával díszítik a várost, gondoskodnak az utcák rendbetételéről. , hívjon meg nagyszerű művészeket és építészeket. Közöttük - Leonardo da Vinci ( 1513-tól 1516-ig), Raphael(1508 végén II. Julius pápa meghívására Rómába költözött, ahol Michelangelóval együtt elfoglalta vezető hely a művészek között, akik II. Julius és utódja, X. Leó udvarában dolgoztak; kifestette a Vatikáni Palota dísztermeit, megtervezte a Szent Péter-bazilikát, megépítette a római Santa Maria del Popolo-templom Chigi-kápolnáját (1512-20), ill. Michelangelo(Rómában élt a legtöbb saját élet - szoborcsoport"Pieta" (kb. 1498-99) a Szent Péter-székesegyházban, a vatikáni Sixtus-kápolna boltozatának festménye (1508-12), 1546-ban Michelangelót nevezték ki a Szent Péter-székesegyház főépítészévé. Péter, melynek építését Bramante kezdte).

IV. Sixtus pápa (1471-től 1484-ig pápa) megalapította a Sixtusi Kórust, hogy az istentisztelet magas zenei színvonalát biztosítsa. Kezdetben 10 énekes volt benne, majd a számuk elérte a harmincat. Valamennyi énekes magasan képzett zenész volt, akik nemcsak kiváló énekkultúrával rendelkeztek, hanem a többszólamú zeneszerzés készségeit is elsajátították. A kápolna énekesei egy időben a nagy hollandok voltak - Dufay és Josquin Despres.

A római többszólamú iskola egyik legnagyobb mestere volt Giovanni Pierluigi da Palestrina. 1525-ben született Rómától néhány mérföldre, Palestrina városában. 1537-ben már a római Santa Maria Maggiore templom kórusmestereként szerepel. 1544-ben orgonista és kórusvezetői állást kapott a székesegyházban szülőváros, majd 7 évvel később a római Szent Péter-bazilika kórusának igazgatójává nevezték ki. Az ilyen gyors előrehaladás azzal magyarázható, hogy az új III. Julius pápa korábban Palestrinában bíboros volt, és Giovannit úgy ismerte. kiváló zenész. 1554-ben megkezdődött a zeneszerző első műveinek kiadása (az első misekönyv). Miután 1555-ben belépett a Sixtus-kápolnába, Palestrina hamarosan kénytelen volt elhagyni azt, mivel házas volt, és két fia született. És ebben a kápolnában csak a nem házas zenészeknek volt joguk énekesnek lenni. Ezt követően Palestrina a lateráni katedrálisban és a templomban dolgozott Santa Maria Maggiore, 1571-től élete végéig (1594) a Szent Péter-székesegyház Julius-kápolnáját vezette.

Mindössze húsz éves volt, amikor elkezdődtek a tridenti zsinat ülései, ahol több éven át heves viták folytak a zene sorsáról katolikus templom. És egészen a mai napig Palestrina nevéhez fűződik „a többszólamú zene üdvössége a katolikus egyházban” legendával. A helyzet az, hogy a tridenti zsinaton megvitatták a többszólamú kompozíciók istentisztelet alatti használatának betiltásának kérdését. Érvként azt a véleményt hozták fel, hogy a többszólamú többszólamúság „elsötétíti” a szöveg szavait, megakadályozva, hogy az ember behatoljon annak jelentésébe. Miséjének előadása (később "Marcelló pápa miséjének" nevezték) 1562-63-ban. Vitelli bíboros házában állítólag meggyőzték a felsőbb papságot, hogy a többszólamú zene képes nem rombolni az egyházi szöveget, és lehetővé teszi a szavak „hallását”. Ezt követően Palestrina tekintélye egyházzenei kérdésekben vitathatatlanná vált, amit megmagyaráznak művészi tulajdonságait a zeneszerző zenéje: a figuratív szerkezet visszafogottsága és szemlélődése, a zene hangzásának nemessége és szigorúsága, magasztossága és tárgyilagossága.

1577-ben XIII. Gergely pápa felszólította, hogy vegyen részt az egyházi énekek (graduals) gyűjteményének reformjában. 1584-ben a pápaság védnöksége alatt megalakult a „Zenemesterek Társasága”, amelyből később megszületett a Santa Cecilia Akadémia. Palestrina mellett zenészeket is beleértve J.M. Nanino, O. Griffey, A. Crivelli Palestrina szoros barátságot ápolt a híres római pappal, Filippo Nerivel (1515-95, szentté avatták 1622-ben). Őt tartják az Oratorikus Gyülekezet alapítójának. Neri bevezette azt a gyakorlatot, hogy speciális helyiségekben - kápolnákban (lat. oratórium) - lelki találkozókat tartanak, majd szent énekeket adtak elő ( dicséri). A jövőben ebből a hagyományból fog megszületni egy műfaj oratóriumok.

Palestrina zenéje a mai napig a szigorú stílus klasszikus példája. A zeneszerző alkotói törekvése távol állt a radikális megújulás vágyától zenei nyelv, új távlatokat nyit. Idegen volt tőle a túlzott kifejezésmód, ritkán használt kromatikus eszközöket, kerülte a szokatlan dallam- és harmonikus szekvenciákat és ritmusokat. Műveinek figurális világát nyugodt, letisztult, kiegyensúlyozott karakter jellemzi. A hollandok óta az a cappella kórus hagyományos összetételére szorítkozott, bár az ő idejében elkezdték aktívan bevezetni a hangszeres szólamokat a vokális kompozíciókba. Palestrinának sikerült a legmagasabb szintű többszólamú elsajátítást elérnie, többszólamú technikája tökéletesnek nevezhető. A zeneszerző mód-harmonikus gondolkodását ugyanakkor a zenei nyelv fejlődésének korabeli irányzatai határozzák meg: a modalitás keretein belül jól láthatóak a dúr-moll rendszer funkcionális kapcsolatai (ez különösen a kadenciákban szembetűnő). A többszólamú és az akkord-harmonikus szerkezet elképesztő egyensúlyát sikerült elérnie Palestrina dallamát az olasz énekzenére jellemző kifejező kantiléna jellemzi, amely hozzájárul a szövet többszólamú kibontakozásának elképesztő plaszticitásához és egyenletességéhez egy többszólamú kompozícióban.

Mivel Palestrina egész pályafutása során az egyházban végzett munkához kötődött, és Rómában tartózkodott, a pápai udvar közvetlen közelében, Palestrina művei nagy részét spirituális célokra írta. Írt 102 misét, 317 motettát, 140 madrigált (91 világi, 49 szent), 70 himnuszt, 68 felajánlást, 35 Magnificatot, 11 litániát.

A legnagyobb tömegű misék a paródia misék. A zeneszerző mások dalainak (P. Cadeac, D. L. Primavera), motettáknak (L. Hellinck, Josquin, Jacquet, Andrea de Silva és mások), madrigáloknak (D. Ferrabosco, C. de Pope) anyaga alapján alkotta meg őket, és saját motettái és madrigáljai. Palestrina tömegének megközelítőleg fele ilyen típusú. Miséket ír és segítségével hagyományos technika cantus firmus"a - tömegekben "L"homme armc", "Ave Maria", "Ecce sacerdos magnus". "Tu es Petrus", "Veni creator" stb.. Tömegei is vannak: "Pater noster" , "Regina coeli", "Alma redemptoris mater", "Ave regina" (az utolsó három - antifónákon). Palestrina kanonikus tömegeket hoz létre: "Ad coenam agni providi", "Ad fugum", "Missa canonica", "Rempleatur os meum". laude", "Sin nomine". Csak öt misén nem használ Palestrina semmilyen elsődleges forrást: "Marcelló pápa mise", "Brevis", "Ad fugam", "Quinti toni", "Missa canonica".

A legtöbb kompozíciót Palestrina alkotta a motetták műfajában, és eltérő hangszámra ír: a legtöbb négy- és ötszólamú, sok hat- és nyolcszólamú motettája van, van tizenkét szólamú, ill. két héthangú. A motetták szövege spirituális, latin, gregorián énekekből, latin versekből, a bibliai Énekek énekéből merített. A motetták formájukban meglehetősen tömör kompozíciók, többnyire egyszólamúak, ritkábban kétszólamúak. Stílusilag alig különböznek a tömegektől.

Különleges alkotás a „Canticum canticorum” ciklus, amelyet XIII. Gergely pápának ajánlanak, és 1583-1584-ig nyúlik vissza. 29 ötszólamú művet tartalmaz híres bibliai szövegekről ("Song of Songs of Songs of Salamon King").

1555-ben, 1581-ben, 1586-ban és 1594-ben Palestrina négy madrigálkönyvet adott ki, amelyek közül kettő négyszólamú, a másik kettő ötszólamú mintát tartalmazott. A világi és a spirituális külsõ megkülönböztetést a szövegjellemzõk határozzák meg. Stílusát tekintve a madrigálok valamivel nagyobb szabadságot mutatnak a kifejezőeszközök megválasztásában, mint a motetták (például a disszonanciák szabad kezelése). Az utolsó három madrigálkönyvben az olasz zeneszerzők gyakorlatában gyakoriak (úgynevezett) „madrigalizmusok” - zenei-retorikai figurák: tipizált zenei fordulatok, amelyek egy költői szöveg egyes szavait ábrázolják. Ez azt a vágyat jelezte, hogy új interakciós formákat találjanak közöttük kifejező eszközök zene és figuratív tartalom költészet.

Palestrina követői közé tartozik Giovanni Maria Nanino (kb. 1543/44 - 1607), Giovanni Bernardino Nanino (kb. 1560 - 1623), Felice Anerio (kb. 1560-1614), Giovanni Francesco Anerio (kb. 16367) olasz zeneszerzők. valamint néhány spanyol mester (Cristobal de Morales, Tomás Luis de Victoria).

A 16. században érte el csúcspontját a mise műfaja. Fejlesztésében három vonal különíthető el:

· Hagyományos típusok a cappella tömegek a holland mesterek munkáiban alakultak ki: tenor tömeg cantus firmuson, egyszólamú gregorián vagy világi forrás felhasználásával; paródia mise; tömegparafrázis; külön fajtaként - kánoni mise. Emellett Palestrina munkája az idézett eredeti forrástól mentes, imitatív-polifonikus mise ciklikus kompozíció gyakorlatát fejleszti.

· Velencei zeneszerzők miséi hangszeres kísérettel.

· Orgonamisék, amelyek az istentisztelet során szétszórt orgonajátékok ciklusa, kórusénekléssel váltakozva.

A 16. század folyamán a motetta elvesztette bifunkcionalitását, és létezésének gyakorlata a század második felében már csak a szellemi szférára korlátozódott. Egyszövegűvé válik, a végpontig tartó utánzó-polifonikus fejlődés áthatja. A motettával együtt fejlődik a spirituális madrigál műfaja.

Jelentősen bővül a szakrális zene műfaji köre: a zeneszerzők különálló, önálló kompozícióként írnak himnuszokat, offertoriákat, magnificatokat, litániákat, reszponzoriákat és passiókat.

A világi zenei műfajok fejlődésében két irányvonal különíthető el. Az egyik a többszólamú, a mindennapi zenei hagyományokhoz közel álló ének kialakulásához (frottola, villanelle), a másik a többszólamú zeneszerzési elvek (madrigál) asszimilációjához kötődik.

Frottola(olasz frotta - tömeg szóból) - mindennapi utcadal, amely a 15. század utolsó harmadában többszólamú szereposztást kapott (többnyire 4 szólam). Petrucci gyűjteményében 1504-ben tizenegy zeneszerző 62 frottoloja jelent meg. Az első szerzők között Josquin Despres volt, és a legnépszerűbbeket vették figyelembe Bartolomeo Tromboncino és Marco Cara. A dalok tartalma meglehetősen változatos: van köztük szerelmes, humoros, komikus és moralizáló. Az akkordszerkezet dominál a felső szólam vezető szerepével. Mindössze három évtized alatt több mint harminc frottola-gyűjtemény jelent meg, majd ezt a műfajt más váltotta fel.

A 16. század második felében kezdett elfoglalni az uralkodó helyet villanelle. Parasztdalokból ered. Lefordítva innen olasz nyelv a villanelle szó jelentése: villa - falu nella - lány. Eleinte a villanelláknak három hangja volt, és a hangok párhuzamos mozgását széles körben alkalmazták bennük. Ezt követően a műfaj aktívan fejlődött - 1550 és 1580 között. (a gyűjtemények alapján) mintegy 1800 villanellát, 3 és 4 hangot hoztak létre. A frottolla-hoz hasonlóan a villanelle is homofonikus-harmonikus szerkezet kialakulását jelzi. A többszólamú technikákat nagyon ritkán használják. Az egyik jellegzetes vonás a nyilvánvaló táncolhatóság. A szerzők között - Szereplők: Bartolomeo Tromboncino, Baldassare Donato, Giovanni Domenico da Nola, Luca Marenzio, Orlando Lasso.

A 16. század második harmadától több mint egy évszázados feledés után visszatér a zeneszerzési gyakorlathoz madrigál. A késő reneszánsz humanistáinak arisztokrata köreiben újjáéledt, és nagyon aktívan fejlődött és fejlődött. A madrigál visszatérése a világi kultúrába szorosan összefüggött a költők megnövekedett érdeklődésével a 14. századi lírai formák iránt, amelyeket Petrarka művelt. Pietro Bembo nagy szerepet játszott újjáéledésében, felhívta a kortárs költőket (Ludovico Ariosto, Torquato Tasso, Giambattista Guarini stb.), hogy tanuljanak Petrarchától és tőle, hogy másolja költői formáit. Bembo a költői formák osztályozásában a madrigált a szabadvers (rime libere) csoportjába sorolta, hiszen jellemző tulajdonság Ez a műfaj a verses szöveg szabad rímelése volt.

A 16. századi madrigál négy-öt szólamú, főként lírai tartalmú mű. A madrigálok költői szövegeinek témája általában a szerelem volt, legtöbbször szenvedéssel, panaszokkal, élményekkel, természetképekkel kísérve, olykor összetett életfilozófiai kérdésekkel metszve:

"Mint egy fehér és szelíd hattyú

Énekkel fogadja a halált,

Szóval sírok, vontatottan

Az élet határáig.

De furcsa módon a módszerek eltérőek:

Vigasztalhatatlanul hal meg,

És boldogan távozom."

A madrigál fejlődésének első időszaka (1530-1540-es évek - az első madrigálkönyv 1538-ban jelent meg) a kreativitáshoz kapcsolódik Jacob Arkadelt(1514-1572 körül; Firenzében és Rómában dolgozott), Filippo Verdelo(1552 előtt meghalt, a firenzei dómban, majd a pápai udvarban dolgozott) ill. Adriana Villarta(1480-1562, a velencei Szent Márk-székesegyházban dolgozott). A zeneszerzők magas szakmai tudással és a holland iskola hagyományait örökölték. A korai madrigál a textúramegjelenítés szempontjából kétféle volt: akkord-homofon típusú és imitatív-polifónikus. Az első esetben a mindennapi dal (különösen a frottole) hagyományaihoz való közelségről beszélhetünk, a másodikban a holland polifónia (motettírás) technikáinak asszimilációjáról.

Így a korai madrigálban az akkori két stilisztikai ág – az egyházi és a világi – egyesült, ezáltal szintetizálva a kis formák fejlesztésének legjobb eredményeit. Ugyanakkor kiderült, hogy ez egy olyan műfaj, amely aktívan reagált a korszak legújabb stíluskereséseire. Az új vonások már fejlődésük második periódusában – a 16. század második felében – jelennek meg ( Ciprian de Rore, Nicolo Vicentino, Andrea Gabrieli, Giovanni Pierluigi da Palestrina). Ekkor kezd kialakulni a kromatikus madrigál. Nicolo Vicentino (1511-1565) – Villart tanítványa – értekezést írt 1555-ben. L'Antica musica ridotta alla moderna prattica” („Ősi zene, megadva modern gyakorlat"). Ebben a görögökhöz hasonlóan kromatikus módban történő zeneszerzés lehetőségét taglalja. A genere cromatico (musica falsa) - kromatikus hangok bevezetése szorosan összefüggött azzal a törekvéssel, hogy megtalálják a szöveg érzelmi és szemantikai oldalának intonációsan pontos megtestesülését. Az emelt és süllyesztett hangok használata hozzájárult a beszéd minden lehetséges árnyalatának kifejezéséhez. Ezen túlmenően a polifóniában elkezdődik a disszonancia merész és kiterjedt alkalmazása, és világosan nyilvánvaló a modális szerveződési rendszerből a tonálisba való átmenet folyamata. Ugyanebben az időszakban az olasz nyelv rendszere madrigalizmusok" - zenei és retorikai figurák, amelyekben bizonyos szavak és dallamfordulatok megfelelése rögzül. Például a „sospiro” (sóhaj) szót két vagy három akkord jelentette, a szó közepén egy szünettel; „volo” (repülés) – hullámos dallammintával; „pieta” (együttérzés), „amaro pianto” (keserű könnyek) - kromatikával és disszonanciákkal közvetítve; „morte” (halál) - a ritmikus mozgás gátlását vonja maga után, és minden hangon megáll - szünet - stb. A formaépítés területén nemcsak a frottol és a motettás formaépítési elvekkel van kapcsolat a különféle párismétlésekkel, hanem a végpontig terjedő formára való hajlam is.

Harmadik időszak - a 16. század vége és a 17. század eleje - Luca Marenzio, Carlo Gesualdo (Venosa hercege), Claudio Monteverdi. Az egyik konstruktív alapelv a kontraszt: a forma a többszólamú és a homofon, a diatonikus a kromatikus, a mássalhangzó és a disszonáns szakaszok váltakozására épül. A kromatikus madrigál Gesualdo munkásságában éri el fejlődésének csúcsát. Ráadásul a tematizmus két típusa – a kromatikus és a diatonikus – egyértelműen elkülönül egymástól. A kromatizálás nem vezet a modális szín semlegesítéséhez, hanem éppen ellenkezőleg, hangsúlyozza a dúr és a moll kifejezőképességét - két mód, amely egyre inkább kiemelkedik a többi közül.

VAL VEL késő XVI században a monodizmus fejlődése kapcsán alakult ki a szólószólamra hangszerelt madrigál hangszerek kíséretében történő előadásának hagyománya. C. Monteverdi V. madrigálkönyvével (1605) kezdődően a hangszereket kísérő hangként mutatja be. A madrigál a madrigál különleges típusaként fejlődik ki O. Vechi, A. Banchieri és A. Strigio munkáiban. drámai madrigál(vagy madrigál vígjáték). Többszólamú kóruskompozíció volt, amely egy vígjáték vagy pásztorjáték szövegére épült. A szereplők minden részét (beleértve a monológokat is) kórusegyüttes adta elő. A felhasznált cselekmények főként hétköznapi, gyakran szatirikus cselekmények voltak, a dell'arte népi vígjáték hagyományos szereplőivel. A legkorábbi, 5 részes madrigál-vígjáték – A. Strigio „Nők fecsegése mosás közben” – lett a prototípusa e műfaj többi példájának (G. Croce „Kellemes maskarák”, O. Veki „Amphiparnassus”, „Senile Folly” írta: A. Banchieri) . Kizárólag a kórus eszközeivel a zeneszerzők eleven karakterjegyeket hoznak létre a szereplőkről. A drámai madrigál az opera születésének fontos állomása lett.

Kedvenc hangszer az olasz világi gyakorlatban az volt lant - húr pengetős hangszer rövid nyakkal és hátrahajlított fejjel, melyen a húrok hangolására szolgáló csapok találhatók. A lantot először Farabi közép-ázsiai tudós „A zenei értekezésben” említette, amely a 10. századra nyúlik vissza. Szicília és Spanyolország szigetére a szaracénok és a mórok hozták be, majd egész Európában elterjedt. A nagy Dante Alighieri az ő „ Isteni vígjáték” beszél a lantról, mint a maga korában ismert hangszerről. A lant különösen a reneszánsz idején (XV-XVI. század) vált népszerűvé. A királyi, fejedelmi és hercegi udvarokban virtuóz zenészek és nemesi művészetkedvelők játszották, folyamatosan hallatszott humanista körökben, a 16. század különböző „akadémiáin”, a városiak otthoni életében, szabadban, különféle együttesekben, köztük színházi is. Leonardo da Vinci, Benvenuto Cellini, Giorgione és Caravaggio lantozott.

A 16. században a legelterjedtebb a hathúros lant volt (az öthúros hangszereket a 15. században ismerték). A lant hangolása eltérő volt, leggyakrabban a kvart-terc típusú hangolást alkalmazták: A D G H E "A". A század folyamán számos szerzői gyűjtemény jelent meg, de főleg a lantos darabokat számos kéziratgyűjteményben terjesztették. Érdekesség, hogy az akkori kézírásos gyűjtemények nagyrészt névtelen színdarabokat, énekművek feldolgozásait, táncokat tartalmaznak. Sőt, nemzetiségük is igen változatos volt: a német táncok az olasz kéziratokban, az olasz, a lengyel és a francia pedig a német kéziratokban jelentek meg. Ezek egyfajta nemzetközi gyűjtemények voltak, ahol szabad műfajcsere volt háztartási zene. A lantnál mindent átrendeztek és feldolgoztak, ami a hallgatóknak tetszett: népszerű dalok és táncok, még a legnagyobb mesterek szakrális zenéje is.

A 16. század elején készült egyik korai gyűjtemény 110 darabot tartalmaz: B. Tromboncino és M. Cara, M. Pesenti, A. Capreoli és más olasz szerzők frottola átiratait és feldolgozásait, G. Isaac, Juan van sanzonokat vagy motettákat. Gyseghem, A. Bunois, valamint hat ricercar, négy tánc (két pavane, két "basszus tánc") és "Calata alia spagnola". A későbbi gyűjteményekben - a század végén - a táncok az alapja: passamezzo, saltarello, pavane, galliard, francia harangjáték, lengyel tánc, német tánc, egyszerűen "Nachtanz" vagy "Danza", allemande.

A lantművészet virágkora a 16. század közepén kezdődik, és Olaszországban egy kiváló lantművész nevéhez fűződik. Francesco da Milano(kb. 1497-kb. 1543), kortársai „isteninek” becézték. „Hét lantkönyv” páneurópai jelentőségűvé vált. Francesco da Milano Gonzago herceg udvari lantosa volt Mantuában, 1530-tól 1535-ig Firenzében Ippolito de' Medici bíboros lantosaként, később III. Pál pápa személyi lantosaként szolgált. 1536-ban kezdte kiadni műveit, és nagyon gyorsan hírnevet szerzett Olaszországban és más országokban is. Az általa készített művek között számos ricercar és fantázia, vokális világi és szakrális zene átirata és feldolgozása található; Külön jellegzetes darabok is vannak (pl. „Hispana” két lanthoz), egy kánon két lanthoz. A zeneszerző fantáziáiban szívesen alkalmaz többszólamú technikákat. A szigorúan többszólamú szerkezet azonban nem jellemző a lantra, mivel a tartós többszólamúság nem tartozik a hangszer természetébe. Általában a lantosok váltogatják az utánzatokat, akkordszonoritásokat, unizonokat, összefonva ezeket skálaszerű és egyéb passzusokkal, és a hangok száma változik - a konszonanciákban három-négy is lehet, a szövegrészekben gyakrabban visszhangoznak, vagy párhuzamosan mozognak.

Átiratokhoz és feldolgozásokhoz a lantos zeneszerző szívesen választ francia sanzonokat (ritkábban olasz madrigálokat), Josquin Despres és L. Compere spirituális műveit. Az írás nagy terjedelme és összetettsége ellenére vonzza az akkoriban szenzációs Janequin „Csata” és „A madarak éneke”. Ezzel azonban nincs egyedül: ezeknek a sanzonoknak a hangszeres feldolgozásai sokáig megjelentek. Francesco da Milano J. Mouton, N. Gombert, C. Sermizi, P. Serton, J. Richafort, A. de Fevan, Arcadelt dalaihoz is fordult, válogatásában kétségtelenül kora legnépszerűbb mintáira támaszkodott.

Francesco da Milano 1536 és 1603 közötti munkáit, publikált és kéziratos formában is, nemcsak Olaszországban, hanem Franciaországban, Németországban, Spanyolországban és Hollandiában is ismerték.

A többi olasz lantos közül meg kell említeni Vincenzo Galileit (kb. 1520-1591) - a híres csillagász, Galileo Galilei apját, zenei értekezések szerzőjét, zeneszerzőt, virtuóz lantművészt, a firenzei Camerata tagját, amely egyesítette a világ egyik alkotóit. új műfaj - opera.

BONONCINI - olasz zenész család:

Giovanni Maria (1642-1648) – zeneszerző, hegedűművész, teoretikus. Op. 9 szonáta- és táncdarabgyűjtemény. Van egy értekezése az ellenpontozásról. BAN BEN utóbbi évek kamaraoperát, számos madrigált és szólókantátát írt.

Giovanni Batista (1670-1747) – fia, zeneszerző és csellóművész. Hagyatéka 40 operát, több mint 250 szólókantátát, mintegy 90 szimfóniát, koncertet és triószonátát foglal magában. Néhány operája londoni sikere felülmúlta fő riválisát, Händelt.

Antonio Maria (1677-1726) – zeneszerző és csellóművész. számára készült művek szerzője zenés színházés templomok. Zenéje textúráját és harmóniáját tekintve kifinomultabb volt, mint bátyjáé, de soha nem aratott ekkora sikert.

Giovanni Maria Jr. (1678-1753) – féltestvér, csellóművész, majd Rómában hegedűművész, énekes művek szerzője.

VIVALDI ANTONIO (1678-1741)

A legmagasabb eredmények a műfajhoz tartoznak hangszeres koncert. Jelentős hely A vokális zene örökséget foglal el. Sikerre törekvés az op. műfajban, és sokat utazott produkcióinak rendezésében. Működött op. színházak Vicenzában, Velencében, Mantovában, Rómában, Prágában, Bécsben, Ferrarában, Amszterdamban. Op. RENDBEN. 50 opera(20 megőrzött), incl. „Titus Manlius”, „Justin”, „Furious Roland”, „The Faithful Nimph”, „Griselda”, „Bayazet”. RENDBEN. 40 szólókantáta, oratórium „Triumphant Judit”).

Giordani Giuseppe (kb. 1753-1798)

DUNI EGIDIO (1708-1775)

Nápolyban tanult Duranténál. 10 szövegek alapján készült operasorozat szerzője Metastasio, körülbelül 20 op. a francia műfajban komikus opera. Olasz stílusú ariettákat és recitativókat vezetett be. Ezt a műfajt az ún Vígjáték Ariettasszal.Operák:„Nero”, „Demophon”, „A művész szerelmes modelljébe” (képregény).

DURANTE FRANCESCO (1684-1755)

olasz zeneszerző. Nápolyban tanult, majd több nápolyi konzervatórium első karmestere lett. Nápoly legjobb zeneszerző tanárának tartották. Tanítványai között van Duni, Pergolesi, Piccini, Paisiello. Mástól eltérően. zeneszerzők nem írtak operákat. Örökségének legértékesebb része a szakrális zene. Érdekes és hangszeres művek– 12 szonáta csembalóra, 8 versenymű kvartettre, darabok a pedagógiai repertoárból.

CAVALLI FRANCESCO (1602-1676)

Beceneve Bruni. Kórusmester és orgonista volt a St. Bélyeg Velencében. Operákat kezdett írni, amelyeket olaszországi operaházakban adtak elő. Párizs után, ahol a „Herkules, a szerető” című operáját az ifjú Lully által erre az előadásra írt énekléssel és tánccal állították színpadra, Cavalli minden további tevékenysége a Szent István-székesegyházhoz kapcsolódott. Márka. Mintegy 30 opera szerzője. Neki köszönhető a 17. századi Velence. az informatika központja lett. operaművészet. Mint a későbbi op. Monteverdi, op. Cavalli kontrasztokban és lélektani árnyalatokban gazdag; a szánalmas, sőt tragikus csúcspontokat bennük gyakran felváltják a komikus és hétköznapi jellegű epizódok.

Operák: „Apollón és Daphne szerelme”, „Dido”, „Ormindo”, „Jason”, „Calisto”, „Xerxész”, „Herkules, a szerető”

Spirituális zene: Szentmise, 3 vesperás, 2 Magnificat, Requiem

Világi zene: kantáta áriák.

CALDARA ANTONIO (1670-1736)

Játszott brácsán, csellón és klavieren. Szinte kizárólag vokális zenét komponált - oratóriumokat, kantátákat, operasorozatokat. Templom- és színházzenekarként szolgált. Később számos művet komponált a bécsi karneválra és udvari ünnepekre, valamint Salzburgra. Összesen 3000 énekkompozíciót írt. Metastasio volt az első, aki Metastasio számos librettóját megzenésítette.

CARISSIMI GIACOMO (1605-1674)

Karmester, orgonista, a Jezsuita Collegiate Germanico zenekarvezetője volt, felszentelték. Az örökség legjelentősebb részét a narratív-recitatív stílusban megtervezett oratóriumok alkotják. Egyes töredékek az írás jellegénél fogva közel állnak az áriához. Fontos szerep kórusjelenetekre osztva. Tanítványai között van A. Chesti, A. Scarlatti, M.-A. Charpentier.

Művek: 4 mise, kb. 100 motetta, 14 oratórium, incl. „Belsazár”, „Jeuthae”, „Jonah”, mintegy 100 világi kantáta.

CACCINI GIULIO (1545-1618)

Volt egy beceneve - Roman. Zeneszerző, énekes, lantművész. Cosimo I de' Medici herceg pártfogolta, aki Firenzébe vitte, ahol részt vett a Camerata találkozóin és fejlődött. egy új stílusének – stile recitativo. Kiadta az „Új zene” című gyűjteményt, ahol a legteljesebben tükrözte innovációs törekvéseit. A gyűjtemény madrigálokat és strófikus áriákat tartalmaz énekhangra és basso continuora. A gyűjtemény legnépszerűbb dala az Amarilli. 1614-ben jelent meg a zeneszerző második gyűjteménye, az „Új zene és új útírd meg őket." Caccini, a kiváló zeneszerző és újító énekes nevét nem felejtették el a 17. század során. Sok zeneszerző készített énekes darabgyűjteményt az ő modellje alapján. Caccini két lánya, Francesca és Settimia énekesként és zeneszerzőként vált híressé.

MARTINI (1741-1816)

Becenév Il Tedesco ("olasz német", valódi nevén Schwarzendorf Johann Paul Egidius). német zeneszerző. Mielőtt Párizsba költözött (1764), Lotharingia hercegének szolgálatában állt. Tanított a párizsi konzervatóriumban, irányította az udvari zenekart, 13 opera, vokális miniatúra szerzője (köztük a „Plaisir d’amour”).

MARCELLO ALESSANDRO (1669-1747)

B. Marcello testvér. Amatőr zenészként koncerteket szervezett velencei házában. Szólókantátákat, áriákat, kanzonettákat, hegedűszonátákat és versenyműveket komponált. Az oboára és vonósokra szóló koncertek (összesen 6) a műfaj velencei barokk változatának legújabb példái közé tartoznak. A d-moll oboára és vonósokra írt versenymű (1717 körül) J. S. Bach klavier-feldolgozásában ismert.

MARCELLO BENEDETTO (1686-1739)

Zeneszerző, zeneíró, ügyvéd, A. Marcello testvére. Magas rangú kormányzati pozíciók Velencében. Az 1-4 szólamú, digitális mélyhangú zsoltárgyűjtemény (összesen 50) nagy népszerűséget hozott. Más egyházi kompozíciók, oratóriumok, operák, több mint 400 szólókantáta, duett, valamint szonáta és versenymű is birtokában van, melyeket Vivaldi hatása fémjelzett. Zenéjében ötvözi a többszólamú mesterséget az új iránti érzékenységgel gáláns stílus. Marcello érdekes értekezése az opera sorozatról szóló szatíra.

PAISIELLO GIOVANNI (1740-1816)

Nápolyban tanult Duranténál. Az opera buffa műfaj egyik vezető mestereként szerzett hírnevet. Zenekarmesterként szolgált II. Katalin udvarában Szentpéterváron. Ebből az időszakból op. " Sevillai borbély" Miután visszatért Nápolyba, írni kezdett opera hétsorozat(félig komoly) – „Nina, avagy Szerelmes őrült.” Rövid ideig Párizsban szolgált I. Napóleon személyes bandamestereként. Paisiello operáinak minősége hatott Mozartra – a múzsák művészetére. karaktervázlatok, a zenekari írás elsajátítása, a dallami találékonyság. Operák:„Don Quijote”, „A szolgálólány”, „Theodore király Velencében”, „A molnár felesége”, „Proserpina”, „A pitagoreusok” és még legalább 75 opera.

PERGOLESI GIOVANNI BATISTA (1710-1736)

Nápolyban tanult, és közben hegedűsként dolgozott egy zenekarban. Színpadi műveket írt a műfajban szent dráma. 26 évesen tuberkulózisban halt meg. A műfaj alapítójaként vonuljon be a történelembe opera buffa. Ennek a műfajnak a remekműve az op. – Szolgáló úrnő. A templom számára írt műveket: „Stabat mater” szopránra, kontraltóra és zenekarra, 2 mise, vesperás, 2 „Salve Regina”, 2 motetta.

PERI JACOPO (1561-1633)

Zeneszerző és énekes, pap. Zeneszerzőként és énekesként szolgált az udvarban Medici. Előadójaként is ismerték kitarrone –(pengetős hangszer, basszuslant típusa, legfeljebb 2 m hosszú, főként szólóének kíséretében). Találkozókon részt vett Fényképezőgépek. Új recitatív stílusban komponált, a kísérettel történő szólóéneklés ősi gyakorlatát utánozva. operákat írt" Daphne", "Eurydice". Emellett énekes gyűjteményt is komponált, amely a recitatív stílus számos példáját tartalmazza.

PICCINI NICCOLO (1728-1800)

Nápolyban tanult Duranténál. Nemcsak operákat komponált, hanem éneket is tanított, zenekarmester és orgonista volt. Miután Párizsban telepedett le, számos komoly és komikus francia művet írt. oper. Gluck komoly versenye nem akadályozta meg sikerét lírai tragédiák"Roland", "Iphigenia in Tauris", "Dido". A „Cecchina, avagy a jó lány” (1760) című opera hozta meg számára a nemzetközi hírnevet.

SARRI DOMENICO (1679-1744)

Nápolyban tanult, ahol udvari karnagyként is szolgált. A korai operák, oratóriumok és szerenáták ugyanabban a barokk stílusban készültek, mint A. Scarlatti vokális zenéje. Munkássága ugyanakkor hozzájárult egy egyszerűbb és dallamosabb nápolyi stílus kialakulásához.

SCARLATTI ALESSANDRO (1660-1725)

A színházak, a királyi kápolna és a nápolyi konzervatórium Kapellmeistere, ahol tanított. A hallgatók között van D. Scarlatti, F. Durante, I. A. Hasse. Az egyik alapító és a legnagyobb képviselő Nápolyi Operaiskola. Alatta olyan formák merültek fel, mint az aria da capo, az olasz nyitány és a recitativ hangszeres kísérettel. Op. több mint 125 opera sorozat , beleértve „A szerelem szeszélyei vagy Rosaur”, „A korinthoszi pásztor”, „A nagy Tamerlán”, „Mithridates Eupator”, „Telemachus” stb. Több mint 700 kantáta, 33 szerenáta, 8 madrigál.

SCARLATTI DOMENICO (1685-1757)

A. Scarlatti fia. Írt operákat, szakrális és világi zenét, de virtuóz csembalóművészként szerzett hírnevet. Munkájában a fő helyet az egyrészes billentyűs művek foglalták el, amelyeket „gyakorlatoknak” nevezett. Innovátor a billentyűzet technológia területén. Op. több mint 550 billentyűs szonáták, 12 opera, 70 kantáta, 3 mise, Stabat Mater, Te Deum

STRADELLA ALESSANDRO (1644-1682)

Olasz zeneszerző, Krisztina királynő megbízásából komponált zenét. Római kori művei között a prológusok és az intermezzók dominálnak, pl. a Cavalli és a Cesti operákhoz. Élete tele volt botrányokkal és hangos szerelmi történetek. 1677-ben Genovába menekült. Számos Genovában bemutatott opera közül kiemelkedik a „Trespolo őre” című képregény. Stradellát bosszúból ölték meg a Lomellini család zsoldosai.

Korának egyik legtehetségesebb és legsokoldalúbb zeneszerzője. Összesen mintegy 30 színpadi művet és mintegy 200 kantátát komponált. 27 hangszeres mű maradt fenn.

HONOR ANTONIO (1623-1669)

Ennek a ferences szerzetesnek az igazi neve Pietro. Fiatalkorában templomi kórusvezetőként szolgált Arezzóban, majd novícius lett a firenzei Santa Croce kolostorban. A katedrális orgonistája, majd a Voltaire karmestere, ahol családja pártfogolta Medici. Cesti operaszerzői pályafutása 1649-ben kezdődött, amikor az Orontea című operáját sikerrel mutatták be Velencében. 1652-ben Ferdinánd Károly főherceg udvari zenészévé vált Innsbruckban, és megfosztották. felszentelés. 1665-től a bécsi császári udvarban szolgált. A Bécsben eltöltött rövid idő alatt számos operát alkotott, pl. grandiózus" Aranyalma" , melynek elkészítését I. Lipót esküvőjére időzítették. Nem sokkal halála előtt a firenzei toszkán udvar karmesterévé nevezték ki.

5. d-moll csembalószvit

Alapinformációk

Az a zenész, aki csembalón és annak fajtáin is zenei műveket ad elő csembalóművész.

Eredet

A csembaló típusú hangszer legkorábbi említése egy 1397-es forrásból származik Padovából (Olaszország), a legkorábbi híres kép- a mindeni oltáron (1425). Szólóhangszerként a csembaló a 18. század végéig használatban maradt. Egy kicsit hosszabb ideig digitális basszusgitár előadására, operák recitativóinak kísérésére használták. 1810 körül gyakorlatilag kiesett a használatból. A csembalózás kultúrájának újjáéledése ben kezdődött forduló XIX-XX században.

A 15. századi csembalók nem maradtak fenn. A képekből ítélve ezek rövid, nehéz testű hangszerek voltak. A legtöbb fennmaradt 16. századi csembaló Olaszországban készült, ahol Velence volt a gyártás fő központja.

8`-es regiszterük volt (ritkábban két 8`-es és 4`-es regiszterük), és kitűntek a kegyelemből. Testük legtöbbször ciprusból készült. Ezeknek a csembalóknak a támadása tisztább volt, a hangzás pedig élesebb volt, mint a későbbi flamand hangszereké.

Az észak-európai csembalógyártás legfontosabb központja Antwerpen volt, ahol 1579 óta dolgoztak a Ruckers család képviselői. Csembalóik hosszabb húrúak és nehezebb testűek, mint az olasz hangszerek. Az 1590-es évektől két kézi csembalót készítettek Antwerpenben. A 17. századi francia, angol és német csembaló a flamand és a holland modellek jegyeit ötvözi.

Fennmaradt néhány francia kétmanuálos, diótestű csembaló. Az 1690-es évektől a Ruckers hangszereivel azonos típusú csembalókat gyártottak Franciaországban. A francia csembalómesterek közül a Blanchet-dinasztia emelkedett ki. 1766-ban Blanchet műhelyét Taskin örökölte.

A 18. század legjelentősebb angol csembalógyártói a Shudyk és a Kirkman család voltak. Hangszereik rétegelt lemezzel bélelt tölgyfa testtel rendelkeztek, és erős hangzású, gazdag hangszínnel jellemezték őket. A 18. századi Németországban a csembalógyártás fő központja Hamburg volt; az ebben a városban gyártottak között vannak 2` és 16` regiszteres műszerek, valamint 3 kézikönyvvel. A szokatlanul hosszú csembalómodellt J. D. Dulken, a 18. század egyik vezető holland mestere tervezte.

A 18. század 2. felében a csembalót a zongora kezdte felváltani. 1809 körül a Kirkman cég elkészítette utolsó csembalóját. A hangszer újjáélesztésének kezdeményezője A. Dolmech volt. Első csembalóját 1896-ban építette meg Londonban, majd hamarosan műhelyt nyitott Bostonban, Párizsban és Haslemere-ben.

A csembalógyártást a párizsi Pleyel és Erard cégek is elindították. Pleyel elkezdte gyártani a csembaló modelljét, amelynek fémváza vastagon, szorosan megtámasztott kifeszített húrok; Wanda Landowska csembalóművészek egész generációját képezte ki az ilyen típusú hangszereken. Frank Hubbard és William Dowd bostoni mesterek voltak az elsők, akik antik csembalót másoltak.

Eszköz

Hosszúkás háromszög alakú. Húrjai vízszintesen, a billentyűkkel párhuzamosan helyezkednek el.

Minden billentyű végén van egy nyomó (vagy jumper). A toló felső végén egy tollból készült plektrum (nyelv) van rögzítve (sok modern hangszeren műanyag), közvetlenül a plektrum fölött filcből vagy puha bőrből készült lengéscsillapító található. Ha megnyom egy billentyűt, a toló felemelkedik, és a plektrum megpengeti a húrt. Ha a billentyűt elengedik, a kioldó mechanizmus lehetővé teszi, hogy a plektrum visszatérjen a helyére a húr alatt anélkül, hogy újra megpengetné a húrt. A húr rezgését csillapító csillapítja.

A regisztrációhoz, i.e. kézi és lábkapcsolókkal változtatja a hang erősségét és hangszínét. A hangerő zökkenőmentes növelése és csökkentése csembalón lehetetlen. A 15. században a csembaló hangereje 3 oktáv volt (az alsó oktávból hiányzott néhány kromatikus hang); században 4 oktávra (C - c«`), a 18. században 5 oktávra (F` - f«`) bővült.

Egy tipikus 18. századi német vagy holland csembaló 2 manuálból (billentyűzetből), 2 8'-es húrból és egy 4'-es (egy oktávval magasabb hangzású) húrból áll, amelyek külön-külön vagy együtt is használhatók, valamint manuális párosítással. gépezet. A láb- és térdregiszter-kapcsolók az 1750-es évek végén jelentek meg. A legtöbb hangszernek van ún lantregiszter jellegzetes orrhanggal (annak eléréséhez a húrokat speciális mechanizmussal bőr- vagy filcdudorok enyhén tompítják).

Hallgass valamit a klasszikusokból – mi lehetne jobb?! Főleg hétvégén, amikor szeretnél kikapcsolódni, elfelejteni a napi, a munkahét gondjait, álmodozni szép dolgokról, és csak feldobni a kedved. Gondoljunk csak bele, a klasszikus műveket zseniális szerzők olyan régen alkották meg, hogy nehéz elhinni, hogy valami ennyi éven át túlélhet. Ezeket a műveket pedig máig szeretik és hallgatják, feldolgozások születnek és modern értelmezések. Még be is modern feldolgozás, briliáns zeneszerzők művei továbbra is klasszikus zene maradnak. Mint vallja, a klasszikus művek zseniálisak, és minden zseniális nem lehet unalmas.

Valószínűleg minden nagy zeneszerzőnek van különleges füle, különleges hang- és dallamérzékenysége, ami lehetővé tette számukra, hogy olyan zenét alkossanak, amelyet nemcsak honfitársaik generációinak tucatjai élveznek, hanem a komolyzene rajongói is szerte a világon. Ha még mindig kételkedsz abban, hogy szereted-e a klasszikus zenét, akkor találkoznod kell vele, és látni fogod, hogy valójában már régóta rajongsz a gyönyörű zenéért.

És ma a világ 10 leghíresebb zeneszerzőjéről fogunk beszélni.

Johann Sebastian Bach

Az első hely megérdemelten jár. Egy zseni született Németországban. A legtehetségesebb zeneszerző csembalóra és orgonára írt zenét. A zeneszerző nem alkotott új stílust a zenében. De korának minden stílusában képes volt tökéletességet teremteni. Több mint 1000 esszé szerzője. Műveiben Bach különböző zenei stílusokat kombinált, amelyekkel élete során megismerkedett. Gyakran zenei romantika a barokk stílussal kombinálva. Az életben Johann Bach Zeneszerzőként nem kapta meg a megérdemelt elismerést, zenéje iránti érdeklődés közel 100 évvel halála után támadt. Ma az egyik legnagyobb zeneszerzőnek nevezik, aki valaha a földön élt. Egyedisége, mint személy, tanár és zenész megmutatkozott zenéjében. Bach lerakta az új és a jelenkor zenéjének alapjait, a zenetörténetet Bach előtti és utáni szakaszokra bontva. Van olyan vélemény, hogy a zene Bach komor és komor. Zenéje meglehetősen alapvető és alapos, visszafogott és koncentrált. Mint egy érett, világbölcs ember tükörképe. Teremtés Bach sok zeneszerzőre hatott. Néhányan a műveiből vettek át jelzéseket, vagy használtak belőlük témákat. És zenészek a világ minden tájáról zenélnek Bach, csodálja szépségét és tökéletességét. Az egyik legszenzációsabb alkotás - "Brandenburgi koncertek"- kiváló bizonyíték arra, hogy a zene Bach nem tekinthető túl komornak:

Wolfgang Amadeus Mozart

Joggal tekinthető zseninek. 4 évesen már folyékonyan játszott hegedűn és csembalón, 6 évesen kezdett zenét komponálni, 7 évesen pedig már ügyesen improvizált csembalón, hegedűn és orgonán, versenyezve híres zenészek. Már 14 évesen Mozart – elismert zeneszerző, 15 évesen pedig a bolognai és veronai zeneakadémia tagja. Természeténél fogva fenomenális volt zenei fül, memória és improvizációs képesség. Elképesztően sok művet alkotott – 23 operát, 18 szonátát, 23 zongoraversenyt, 41 szimfóniát és még sok mást. A zeneszerző nem akart utánozni, olyan új modellt próbált alkotni, amely a zene új egyéniségét tükrözi. Nem véletlen, hogy Németországban a zene Mozart A „lélek zenéjének” nevezett zeneszerző műveiben őszinte, szeretetteljes természetének vonásait mutatta meg. A Legnagyobb Melodista különleges jelentése adta az operának. Operák Mozart- korszak e faj fejlődésében zenei művészet. Mozart széles körben elismert, mint az egyik legnagyobb zeneszerző: különlegessége abban rejlik, hogy korának minden zenei formájában dolgozott, és mindegyikben a legnagyobb sikereket érte el. Az egyik legismertebb alkotás - "Török március":

Ludwig van Beethoven

Egy másik nagy német a romantika-klasszikus korszak fontos alakja volt. Még azok is tudnak róla, akik semmit sem tudnak róla klasszikus zene. Beethoven a világ egyik legtöbbet előadott és legelismertebb zeneszerzője. A nagy zeneszerző szemtanúja volt az Európában bekövetkezett hatalmas megrázkódtatásoknak, és újrarajzolta térképét. Ezek a nagy megrázkódtatások, forradalmak és katonai összecsapások tükröződnek a zeneszerző munkásságában, különösen a szimfonikus művekben. A hősi harc képeit testesítette meg a zenében. BAN BEN halhatatlan művek Beethoven hallani fogod az emberek szabadságáért és testvériségéért folytatott küzdelmet, a fénynek a sötétség feletti győzelmébe vetett megingathatatlan hitét, valamint az emberiség szabadságáról és boldogságáról szóló álmokat. Életének egyik leghíresebb és legmeglepőbb ténye, hogy fülbetegsége teljes süketséggé fejlődött, de ennek ellenére a zeneszerző továbbra is írt zenét. Az egyik legjobb zongoraművésznek is tartották. Zene Beethoven meglepően egyszerű és könnyen érthető széles körök hallgatók. Változnak generációk, sőt korszakok, és a zene Beethoven még mindig izgatja és gyönyörködteti az emberek szívét. Az egyik az övé legjobb munkái – "Holdfény szonáta":

Richard Wagner

A nagyok nevével Richard Wagner leggyakrabban remekeihez kötik "Esküvői kórus" vagy "A valkűrök lovaglása". De nemcsak zeneszerzőként, hanem filozófusként is ismert. Wagner zenei műveit egy bizonyos filozófiai koncepció kifejezésének tekintette. VAL VEL Wagner az operák új zenei korszaka kezdődött. A zeneszerző igyekezett az operát közelebb hozni az élethez, a zene számára csak eszköz. Richard Wagner– a zenés dráma megalkotója, az operák és a karmesteri művészet megújítója, a zene harmonikus és dallamnyelvének megújítója, új formák megteremtője zenei kifejezőképesség. Wagner- a világ leghosszabb szólóáriájának (14 perc 46 másodperc) és a világ leghosszabb klasszikus operájának (5 óra 15 perc) szerzője. Az életben Richard Wagner ellentmondásos személynek számított, akit vagy imádtak, vagy gyűlöltek. És gyakran a kettő együtt. A misztikus szimbolizmus és az antiszemitizmus tette Hitler kedvenc zeneszerzőjévé, de elzárta az utat a zenéje előtt Izrael felé. A zeneszerzőnek azonban sem támogatói, sem ellenzői nem tagadják zeneszerzői nagyságát. Csodálatos zene az első hangoktól kezdve Richard Wagner teljesen magába szívja, nem hagy teret vitáknak és nézeteltéréseknek:

Franz Schubert

osztrák zeneszerző - zenei zseni, az egyik legjobb dalszerző. Mindössze 17 éves volt, amikor megírta első dalát. Egy nap alatt 8 dalt tudott írni. Az én kreatív élet több mint 600 kompozíciót készített több mint 100 nagy költő, köztük Goethe, Schiller és Shakespeare versei alapján. Ezért Franz Schubert a top 10-ben. Bár a kreativitás Schubert műfajhasználatában, eszméiben és reinkarnációiban igen változatos, zenéjében az ének- és dalszöveg az uralkodó és meghatározó. Előtt Schubert a dalt jelentéktelen műfajnak tartották, és ő emelte hatalomra művészi tökéletesség. Sőt, a látszólag összeférhetetlen dalt és a kamaraszimfonikus zenét ötvözte, ami a lírai-romantikus szimfónia új irányvonalát eredményezte. Az ének- és dalszöveg egyszerű és mély, finom, sőt bensőséges emberi élmények világa, amelyek nem szavakban, hanem hangokban fejeződnek ki. Franz Schubert nagyon élt rövid élet, mindössze 31 éves. A zeneszerző műveinek sorsa nem kevésbé tragikus, mint élete. A halál után Schubert sok kiadatlan kézirat maradt, amelyeket a rokonok és barátok könyvespolcáiban és fiókjaiban tároltak. Még a hozzá legközelebb állók sem tudtak mindent, amit írt, és mindvégig hosszú évekig főként csak a dalkirályként ismerték el. A zeneszerző néhány műve csak fél évszázaddal halála után jelent meg. Az egyik legkedveltebb és leghíresebb alkotás Franz Schubert – "Esti szerenád":

Robert Schumann

A szintén tragikus sorsú német zeneszerző az egyik legjobb zeneszerzők romantikus korszak. Elképesztő szépségű zenét alkotott. Ha képet szeretne kapni a 19. századi német romantikáról, hallgassa meg "Karnevál" Robert Schumann. Ki tudott szakadni a klasszikus korszak zenei hagyományaiból, megalkotta saját interpretációját a romantikus stílusról. Robert Schumann sok tehetséggel megajándékozott, és még sokáig nem is tudott dönteni a zene, a költészet, az újságírás és a filológia között (poliglott volt, folyékonyan fordított angolból, franciából és olaszból). Csodálatos zongorista is volt. És mégis a fő hivatás és szenvedély Schumann volt zene. Költői és mélypszichológiai zenéje nagymértékben tükrözi a zeneszerző természetének kettősségét, a szenvedély rohanását és az álmok világába való menekülést, a vulgáris valóság tudatát és az ideál utáni vágyat. Az egyik remekmű Robert Schumann, amit mindenkinek egyszerűen hallania kell:

Frederic Chopin

Talán a leghíresebb lengyel a zene világában. Sem a zeneszerző előtt, sem utána nem született ilyen szintű zenei zseni Lengyelországban. A lengyelek hihetetlenül büszkék nagyszerű honfitársukra, a zeneszerző pedig művében nemegyszer hazáját dicsőíti, gyönyörködik a tájak szépségében, siratja a tragikus múltat, és nagy jövőről álmodik. Frederic Chopin- azon kevés zeneszerzők egyike, akik kizárólag zongorára írtak zenét. Alkotói örökségébe nem tartoznak sem operák, sem szimfóniák, hanem zongoradarabok teljes sokszínűségükben bemutatva. Művei számos híres zongoraművész repertoárjának alapját képezik. Frederic Chopin egy lengyel zeneszerző, aki tehetséges zongoristaként is ismert. Mindössze 39 évet élt, de sok remekművet sikerült alkotnia: balladákat, prelúdiumokat, keringőket, mazurkákat, noktürneket, polonézeket, etűdöket, szonátákat és még sok minden mást. Egyikük - "1. ballada, g-moll".

Liszt Ferenc

A világ egyik legnagyobb zeneszerzője. Viszonylag sokáig élt és meglepő módon gazdag élet, átélte a szegénységet és a gazdagságot, találkozott a szerelemmel és szembesült a megvetéssel. Természetes tehetsége mellett fantasztikus munkaképességgel rendelkezett. Liszt Ferenc nemcsak a zeneértők és -rajongók csodálatát váltotta ki. Zeneszerzőként és zongoristaként is általános elismerést kapott az európaitól XIX kritikusok században. Több mint 1300 művet és hasonlókat alkotott Frederic Chopin a zongorára írt műveket részesítette előnyben. Zseniális zongorista Liszt Ferenc tudta, hogyan kell egy egész zenekar hangját reprodukálni zongorán, mesterien improvizált, és fantasztikus memóriája volt zenei kompozíciók, nem volt párja a jegyzetek lapról való felolvasásában. Szánalmas előadásmódja volt, ami az érzelmileg szenvedélyes és hősiesen lendületes zenéjében is megmutatkozott, színes zenei képeket alkotva, kitörölhetetlen benyomást keltve a hallgatókban. A zeneszerző névjegye zongoraversenyei. Az egyik ilyen alkotás. És az egyik leghíresebb alkotás Liszt – "Szerelmi álmok":

Johannes Brahms

A romantikus korszak jelentős alakja a zenében az Johannes Brahms . Hallgasd és szeresd a zenét Brahms számít jóízlésés a romantikus természet jellegzetes jele. Brahms egyetlen operát sem írt, de minden más műfajban alkotott műveket. Különleges dicsőség Brahms szimfóniáit hozta. Már az első művekben is megmutatkozik a zeneszerző eredetisége, amely idővel saját stílusává alakult át. Ha az összes művet figyelembe vesszük Brahms, nem mondható el, hogy a zeneszerzőre nagy hatással lett volna elődei vagy kortársai munkássága. És ami a kreativitás mértékét illeti Brahms gyakran ahhoz képest BachÉs Beethoven. Talán indokolt ez az összehasonlítás abból a szempontból, hogy a három nagy német munkássága egy egész zenetörténeti korszak csúcspontját jelenti. nem úgy mint Liszt Ferencélet Johannes Brahms mentes volt a viharos eseményektől. Előnyben részesítette a csendes kreativitást, élete során kivívta tehetségének elismerését, egyetemes megbecsülését, és jelentős kitüntetéseket is kapott. A legkiemelkedőbb zene, amelyben teremtő erő Brahms különösen fényes és eredeti hatást keltett, az övé "német rekviem", egy mű, amelyet a szerző 10 éven át készített és dedikált édesanyjának. A zenédben Brahmsörök értékeket énekel emberi élet amelyek a természet szépségében, a múlt nagy tehetségeinek művészetében és szülőföldjük kultúrájában rejlenek.

Giuseppe Verdi

Mi nélkül van a tíz legjobb zeneszerző?! Az olasz zeneszerző leginkább operáiról ismert. Olaszország nemzeti dicsősége lett, munkássága az olasz opera fejlődésének csúcspontja. Zeneszerzői eredményeit és érdemeit nem lehet túlbecsülni. Művei még egy évszázaddal a szerző halála után is a legnépszerűbb, legszélesebb körben előadott, a klasszikus zene ínyencei és szerelmesei számára egyaránt ismertek.

Mert Verdi Az operában a dráma volt a legfontosabb. A zeneszerző készítette zenei képek Rigoletto, Aida, Violetta, Desdemona szervesen ötvözi a ragyogó dallamot és a karakterek mélységét, a demokráciát és a zenei jellemzők kifinomultságát, az eszeveszett szenvedélyeket és fényes álmok. Verdi igazi pszichológus volt a megértésben emberi szenvedélyek. Zenéje nemesség és hatalom, elképesztő szépség és harmónia, kimondhatatlanul gyönyörű dallamok, gyönyörű áriák és duettek. A szenvedélyek tombolnak, a komédia és a tragédia összefonódik és összeolvad. Az operák cselekményei, saját bevallása szerint Verdi, „eredetinek, érdekesnek és... szenvedélyesnek kell lennie, szenvedéllyel mindenekelőtt”. A legtöbb műve pedig komoly és tragikus, érzelmes drámai helyzeteket és a nagyok zenéjét mutatja be Verdi kifejezőt ad a történéseknek, és kiemeli a helyzet akcentusait. Mindent magába szívott, amit az olasz operaiskola elért, nem tagadta meg az operai hagyományokat, hanem megreformálta az olasz operát, valósággal megtöltötte, az egész egységét adta. Ugyanakkor nem jelentette be reformját, nem írt róla cikkeket, hanem egyszerűen új módon írt operákat. Az egyik remekmű diadalmas menete Verdi- operák - végigsöpörtek az olasz színpadokon, és folytatódtak Európában, valamint Oroszországban és Amerikában, még a kétkedőket is rákényszerítve a nagy zeneszerző tehetségének felismerésére.

A világ 10 leghíresebb zeneszerzője frissítette: 2017. november 25-én: Elena