A 19. századi európai zenei romantika három fő szakasza - korai, érett és késői - megfelel az osztrák és a német romantikus zene fejlődési szakaszainak. De ezt a periodizálást pontosítani és valamelyest tisztázni kell az egyes országok zeneművészetének legfontosabb eseményei kapcsán.
A német-osztrák zenei romantika korai szakasza az 1910-es évektől a 20-as évekig nyúlik vissza, és egybeesik a napóleoni uralom elleni küzdelem tetőpontjával és az azt követő sötét politikai reakció megindulásával. Ennek a szakasznak a kezdetét olyan zenei jelenségek fémjelezték, mint Hoffmann „Ondine” (1913), „Silvana” (1810), „Abu Hasan” (1811) operái és a „Meghívás a táncra” programzongoradarab (1815). ). A 20-as években kezdődött a korai romantika virágkora, amikor a korán elhalványult Schubert zsenialitása teljes erővel kibontakozott, amikor megjelent a Varázslövő, az Euryata és az Oberon - Beber utolsó három, legtökéletesebb operája, halálának évében. (1820) Új „világítótest” tör ki a zenei horizonton - Mendelssohn-Bartholdy, aki egy csodálatos koncertnyitányt adott elő - Szentivánéji álom.
A középső szakasz főleg a 30-40-es évekre esik, határait az Ausztria és főleg Németország fejlett köreire jelentős hatást gyakorló franciaországi júliusi forradalom, valamint az 1848-1949-es forradalom határozza meg, amely erőteljesen végigsöpört az országon. német-osztrák földek. Ebben az időszakban Németországban felvirágzott Mendelssohn (1147-ben meghalt) és Schumann kreativitása, akiknek zeneszerzői tevékenysége csak néhány évig lépte át a jelzett határt; Weber hagyományait Marschner oszlatja el operáiban (legjobb operája, a Taps Geilschg 1833-ban készült); ebben az időszakban Wagner kezdő zeneszerzőből olyan feltűnő művek alkotójává válik, mint a Tannhäuser (1815) és a Lohengrin (1848); Wagner fő alkotói teljesítményei azonban még előttük álltak. Ausztriában ebben az időben a komoly műfajok terén némi szünet volt, de a mindennapi tánczene alkotói, Joseph Lainer és Johann Strauss, az Atya egyre nagyobb hírnévre tett szert.
A romantika késői, forradalom utáni, több évtizedes korszaka (az 50-es évek elejétől körülbelül a 90-es évek közepéig) feszült társadalmi-politikai helyzettel (Ausztria és Poroszország rivalizálása a német földek egyesítésében, megjelenése) társult. a militarista Poroszország uralma alatt egyesült Németország és Ausztria végső politikai elszigetelődése). Ebben az időben az egységes, össznémet zeneművészet problémája akut, világosabban feltárulnak az ellentmondások a különböző alkotócsoportok és az egyes zeneszerzők között, irányharc alakul ki, amely olykor heves polémiákban tükröződik a sajtó oldalain. A Németországba költözött Liszt igyekszik egyesíteni az ország progresszív zenei erőit, de a szoftverre épülő radikális innováció gondolataihoz kötődő alkotói elveit nem minden német zenész osztja. Különleges pozíciót foglal el Wagner, aki a zenei dráma szerepét „a jövő művészeteként” abszolválta. Ezzel egyidejűleg Brahms, aki munkásságában bizonyítani tudta számos klasszikus zenei hagyomány maradandó jelentőségét új, romantikus világnézettel ötvözve, a Liszt- és Wagner-ellenes bécsi mozgalom élére kerül. Az 1876-os év ebből a szempontból jelentős: Bayreuthban kerül sor Wagner „Nibelung gyűrűjének” ősbemutatójára, Bécs pedig megismerkedik Brahms első szimfóniájával, amely munkássága legvirágzóbb időszakát nyitotta meg.

Ezeknek az éveknek a zenei és történelmi helyzetének összetettsége nem korlátozódik a származásukkal rendelkező különböző irányok jelenlétére: Lipcse, Weimar, Bayreuth. Bécs. Magában Bécsben például Brucknerhez és Wolfhoz hasonló művészek dolgoznak, akiket a Wagner iránti közös lelkesedés egyesít, ugyanakkor nem fogadják el zenei drámai elvét.
Bécsben Johann Strauss fia, az évszázad legmuzikálisabb vezetője alkot” (Wagner). Csodálatos keringői, majd operettjei Bécset a szórakoztató zene legnagyobb központjává teszik.
A forradalom utáni évtizedeket még mindig a zenei romantika néhány kiemelkedő jelensége jellemzi, de már érezhetőek a mozgalom belső válságának jelei. Így a brahms-i romantikus a klasszicizmus elveivel szintetizálódik, és Hugo Wolf fokozatosan antiromantikus zeneszerzőként valósítja meg magát. Röviden: a romantikus elvek elveszítik kizárólagos jelentőségét, néha új vagy újjáéledt klasszikus irányzatokkal kombinálódnak.
Mindazonáltal még a nyolcvanas évek közepe után is, amikor a romantika kezdett nyilvánvalóan elavulttá válni, Ausztriában és Németországban még mindig megjelentek a romantikus kreativitás egyéni fényes kitörései: Brahms utolsó zongoraműveit és Bruckner késői szimfóniáit a romantika borította; A 19. és 20. század fordulójának legnagyobb zeneszerzői - az osztrák Mahler és a német Richard Strauss - olykor tipikus romantikusként jelennek meg a 80-as, 90-es évek műveiben. Általánosságban elmondható, hogy ezek a zeneszerzők egyfajta kapcsot jelentenek a „romantikus” tizenkilencedik század és az „antiromantikus” XX.
"Ausztria és Németország zenei kultúrájának kulturális és történelmi hagyományokból eredő közelsége természetesen nem zár ki bizonyos nemzeti különbségeket. A széttagolt, de nemzetileg egységes Németországban és a politikailag egységes, de többnemzetiségű Osztrák Birodalomban ("patchwork" monarchia") a zenei kreativitást tápláló források és a zenészek előtt álló feladatok esetenként eltérőek voltak, így az elmaradott Németországban a kispolgári stagnálás és a szűk provincializmus leküzdése különösen sürgető feladat volt, ami viszont különféle oktatási tevékenységet igényelt. formák a művészet haladó képviselői részéről. Ilyen körülmények között egy kiváló német zeneszerző nem korlátozódhatott pusztán zeneszerzésre, hanem zenei és társadalmi személyiséggé kellett válnia. És valóban, a német romantikus zeneszerzők energikusan láttak el kulturális és oktatási feladatokat , hozzájárultak a teljes zenei kultúra általános színvonalának emelkedéséhez szülőhazájukban: Weber - mint operaénekes karmester és zenekritikus, Mendelssohn - mint koncertkarmester és főtanár, az első németországi konzervatórium alapítója; Schumann - mint innovatív zenekritikus és egy új típusú zenei magazin megalkotója. Később Wagner – sokoldalúságában ritka – zenei és társadalmi tevékenysége színházi és szimfonikus karmesterként, kritikusként, esztétikusként, operareformálóként és egy új bayreuthi színház megteremtőjeként bontakozott ki.
Ausztriában a politikai és kulturális centralizációval (Bécs mint politikai és kulturális központ ezredi hegemóniája), a patriarchátus, a képzeletbeli jólét beültetett illúzióival és a legbrutálisabb reakció tényleges dominanciájával lehetetlen volt széles körű társadalmi tevékenység1. E tekintetben nem lehet csak felhívni a figyelmet a Beethoven-mű polgári pátosza és a nagy zeneszerző kényszerű társadalmi passzivitása közötti ellentmondásra. Mit is mondhatnánk Schubertről, aki az 1814-1815-ös bécsi kongresszus utáni időszakban művészként alakult meg! A híres Schubert-kör volt az egyetlen lehetséges formája a művészi értelmiség haladó képviselőinek egyesülésének, de egy ilyen körnek nem lehetett valódi nyilvános visszhangja Metternich Bécsében. Vagyis Ausztriában a legnagyobb zeneszerzők szinte kizárólag zenei alkotások alkotói voltak: nem fejezhették ki magukat a zenei és társadalmi tevékenységek terén. Ez vonatkozik Schubertre, Brucknerre, Johann Straussra, a fiára és még néhányra.
Az osztrák kultúrában azonban meg kell jegyezni, hogy vannak olyan jellegzetes tényezők, amelyek pozitívan befolyásolták a zeneművészetet, egyúttal kifejezetten osztrák, „bécsi” ízt adva annak. Bécsben koncentráltan, sajátos tarka kombinációban a német, magyar, olasz és szláv kultúra elemei teremtették meg azt a gazdag zenei talajt, amelyen Schubert, Johann Strauss és sok más zeneszerző demokratikus orientációjú kreativitása kinőtt. Később a Bécsbe költözött Brahmsra is jellemzővé vált a német nemzeti jegyek magyarral és szlávsággal való ötvözése.

Ausztria zenei kultúrájának sajátossága volt a szórakoztató zene különféle formáinak – szerenádok, kasszációk, divertismensek – rendkívül széles elterjedése, amely előkelő helyet foglalt el a bécsi klasszikusok, Haydn és Mozart munkásságában. A romantika korszakában a mindennapi, szórakoztató zene jelentősége nemcsak megmaradt, hanem még inkább megerősödött. Nehéz elképzelni például Schubert kreatív arculatát az a népi-hétköznapi áramlat nélkül, amely a zenéjét áthatja, és amely egészen a bécsi bulikig, piknikig, parkos nyaralásig és a hétköznapi utcazenélésig nyúlik vissza. Ám már Schubert idejében megfigyelhető volt a bécsi professzionális zenén belüli rétegződés. És ha maga Schubert még a szimfóniákat és szonátákat ötvözte műveiben keringőkkel és ländlerekkel, amelyek szó szerint százszámmal jelentek meg,1 valamint menetekkel, ecossaise-kkal, polonézekkel, akkor kortársai, Lainer és Strauss, az atya a tánczenét tették tevékenységük alapjául. Ezt követően ez a „polarizáció” két társ – a tánc- és operettzene klasszikusa, Johann Strauss, a fia (1825–1899) és a szimfonikus Bruckner (1824–1896) – korrelációjában ölt kifejezést.
A tulajdonképpeni 19. századi osztrák és német zenét összehasonlítva óhatatlanul felmerül a zenés színház kérdése. A romantika korának Németországában az opera – kezdve Hoffmannal – kiemelkedő jelentőségű volt, mint a nemzeti kultúra aktuális problémáit a legteljesebben kifejező műfaj. És nem véletlen, hogy a Wagnerad című zenés dráma a német színház grandiózus vívmánya volt. Ausztriában Schubert többszöri színházi sikerre tett kísérleteit nem koronázta siker." Akárhogyan is értékeli valaki maga Schubert alkotói potenciálját a színházi zene terén nem lehet nem elismerni, hogy a metternich-féle bécsi helyzet nem ösztönzött komoly operai kreativitásra, nem járult hozzá a „nagystílusú” színházi alkotások létrejöttéhez. Hanem a komikus jellegű népi előadások. virágzott – Ferdinand Raimund énekjátékai Wenzel Müller és Joseph Drexler zenéjével, majd később – az I. Színház háztartási singspieljei, amelyek a francia vaudeville hagyományait is magukba foglalták N. Nestroy (1801-1862) Ennek eredményeként nem zenés dráma, hanem a 70-es években keletkezett bécsi operett, amely összeurópai léptékben meghatározta az osztrák zenés színház teljesítményét.
Mindezek és az osztrák és német zene fejlődésében mutatkozó egyéb különbségek ellenére mindkét ország romantikus művészetében sokkal szembetűnőbbek a közös vonások. Mik azok a sajátosságok, amelyek megkülönböztették Schubert, Weber és legközelebbi utódaik – Mendelssohn és Schumann – munkásságát más európai országok romantikus zenéjétől?
Az intim, lélekkeltő, álomszerű szövegek különösen jellemzőek Schubertre, Weberre, Mendelssohnra és Schumannra. Zenéjükben az a dallamos, tisztán vokális eredetű dallam dominál, amely általában a német „Lied” fogalmához kötődik. Ez a stílus egyaránt jellemző Schubert dalaira és sok dallamos hangszeres témájára, Weber lírai operaáriáira, Mendelssohn „Songs without Words”-ére és Schumann „Ebsebievsky”-képeire. Az ebben a stílusban rejlő dallam azonban eltér Bellini sajátosan olasz operai kantilénáitól, valamint a francia romantikusokra jellemző affektív és deklamációs fordulatoktól (Berlioz, Menerbere).
A haladó francia romantikához képest, amelyet feldobottság és hatásosság jellemez, polgári, hősi-forradalmi pátosszal telve, az osztrák és a német romantika általában kontemplatívabbnak, önelégültebbnek, szubjektíven lírainak tűnik. Legfőbb ereje azonban az ember belső világának feltárásában rejlik, abban a mélypszichologizmusban, amely különösen az osztrák és a német zenében tárult fel, és meghatározza számos zenemű ellenállhatatlan művészi hatását. Ez. azonban nem zárja ki a hősiesség és hazaszeretet egyéni fényes megnyilvánulásait az ausztriai és németországi romantikusok műveiben. Ilyen Schubert hatalmas C-dúr hősi-epikai szimfóniája és néhány dala (Kronos sofőrhöz, Pokolból csoport és mások), Weber Líra és kard kórusciklusa (a költeményei alapján). a hazafias költő, T. Kerner „Szimfonikus etűdök” „Schumann, „Two Grenadiers” című dala; végül egyéni hősi oldalak olyan művekben, mint Mendelssohn „Skót szimfóniája” (apoteózis a fináléban), Schumann „Karneválja” (döntő, harmadik szimfónia (első tétel).De Beethoven heroikája, a harc titanizmusa később - Wagner hősi-epikai zenés drámáiban - új alapokon elevenedik meg A német-osztrák romantika legelső szakaszában az aktív, Az effektív elv sokkal gyakrabban fejeződik ki a patetikus, izgatott, lázadó, de nem reflektáló, mint Beethovennél a céltudatos, győzelmes harci folyamat képeiben. Ilyenek Schubert Menedék és Atlasz című dalai, Schumann Florestan-képei, Manfredje. ” nyitány, Mendelssohn „Run Blaz” nyitánya.

A természetképek rendkívül fontos helyet foglalnak el az osztrák és német romantikus zeneszerzők műveiben. A természetképek „empatikus” szerepe különösen nagy Schubert énekciklusaiban és Schumann „Egy költő szerelme” című ciklusában. Mendelssohn szimfonikus műveiben a zenei táj széles körben kifejlődött; elsősorban a tenger elemeihez kötődik ("Skót szimfónia", "Hebridák-", "Tengeri csend és boldog utazás" nyitányok). De a tájképek jellegzetes német vonása volt az az „erdei romantika”, amely oly költőien testesül meg Weber „A bűvös lövész” és „Oberon” nyitányának bevezetőjében, a „Noktürnben” Mendelssohn zenéjétől Shakespeare „A” vígjátékáig. Szentivánéji álom”. Innen a szálak olyan Bruckner-szimfóniákig terjednek, mint a negyedik („romantikus”) és a hetedik, a Wagner-tetralógiában szereplő „Az erdő susogása” szimfonikus tájképig, Mahler első szimfóniájának erdőképéig.
A romantikus eszményvágy a német-osztrák zenében sajátos kifejezésre jut, különösen a vándorlás, a boldogság keresése egy másik, ismeretlen országban. Ez legvilágosabban Schubert munkáiban („A vándor”, „A gyönyörű molnár felesége”, „Téli pihenés”), majd Wagnernél a repülő holland, Wotan, az utazó és a vándor Siegfried képein mutatkozott meg. Ez a hagyomány a 80-as években Mahler „A vándortanonc dalai” című ciklusához vezet.
A fantasztikus képeknek adott nagy hely a német-osztrák romantika jellegzetesen nemzeti vonása is (közvetlen hatással volt a francia romantikus Berliozra). Ez először is a gonosz fantáziája, a démonizmus, amely legélénkebb megtestesülését a „Siena a Farkas völgyében” című művében találta meg Weber „A varázslövő” című operájából, Marschner „A vámpír” című művében, a „Walpurgis éjszaka” kantátában. ” Mendelssohntól és számos más műtől. Másodszor, a fantázia könnyed, finoman költői, összeolvad a gyönyörű, lelkesedéssel teli természetképekkel: jelenetek Weber Oberon című operájában, Mendelssohn Szentivánéji álom nyitánya, majd Wagner Lohengrinjének képe. a Grál hírnöke. A köztes hely itt számos Schumann-képhez tartozik, ahol a fantázia egy csodálatos, szeszélyes kezdetet testesít meg, anélkül, hogy különösebben hangsúlyozná a rossz és a jó problémáját.
A zenei nyelv területén az osztrák és a német romantika egy egész korszakot alkotott, amely a művészet kifejezőeszközeinek általános fejlődése szempontjából rendkívül fontos. Anélkül, hogy minden jelentős zeneszerző egyedi stílusán külön-külön foglalkoznánk, megjegyezzük a legáltalánosabb jellemzőket és irányzatokat.

A romantikus zeneszerzők munkásságában jellemző általános tendencia, az „énekelhetőség” széles körben alkalmazott elve hangszeres zenéjükre is kiterjed. A dallam nagyobb individualizálását az aktuális dal- és deklamációs fordulatok jellegzetes kombinációjával, alapozás éneklésével, kromatizálással stb. éri el. A harmonikus nyelv gazdagodik: a klasszikusok jellegzetes harmonikus képleteit rugalmasabb és változatosabb harmónia váltja fel, a szerep a pllagitás és a mód oldallépései növekszik. Színes oldala fontossá válik a harmóniában. Jellemző a dúr és moll fokozatos áthatolása is. Így lényegében Schuberttől származik az azonos nevű dúr-moll összehasonlítás hagyománya (általában dúr moll után), hiszen ez vált művében kedvenc technikává. A harmonikus dúr alkalmazási köre bővül (a nagyművek kadenciáiban különösen jellemzőek a moll szubdominánsok). Az egyéniség hangsúlyozásával és a kép finom részleteinek azonosításával kapcsolatban a hangszerelés terén is vannak eredmények (a sajátos hangszínezés fontossága, a szólóhangszerek szerepének növekedése, a vonósok új előadói érintésére való figyelem, stb.). De maga a zenekar alapvetően nem változtat a klasszikus összetételén.
A romantikus program alapítói nagyobb mértékben a német és az osztrák romantikusok voltak (Berlioz a „Fantasztikus szimfónia” című művében is az ő eredményeikre támaszkodhatott). És bár a programszerűség mint olyan, úgy tűnik, nem jellemző az osztrák romantikus Schubertre, de dalai zongoraszólamának figurális pillanatokkal való telítettsége, a rejtett programozás elemeinek jelenléte jelentősebb hangszeres műveinek dramaturgiájában meghatározó. a zeneszerző jelentős hozzájárulása a zenei programozási elvek kialakításához. A német romantikusok körében már hangsúlyosan megjelenik a programszerűség iránti vágy mind a zongoramuzsikában (Táncrahívás, Weber Concertstück, Schumann szvitciklusai, Mendelssohn Dalok szavak nélkül), mind a szimfonikus zenében (Weber operanyitányai, koncertnyitányai, Mendelssohn, Mendelssohn's overturesohn. Schumann Manfred-nyitánya).
Nagy szerepe van az osztrák és német romantikusoknak az új kompozíciós elvek megalkotásában. A klasszikusok szonáta-szimfonikus ciklusait felváltják a hangszeres miniatúrák; a miniatúrák ciklikussága, amelyet egyértelműen az énekszöveg területén Schubert fejlesztett ki, átkerül a hangszeres zenére (Schumann). Nagyméretű egytételes kompozíciók is megjelentek, a szonáta és a ciklikusság elvét ötvözve (Schubert C-dúr zongorafantázia, Weber Concertstück, Schumann C-dúr fantasy első tétele). A szonáta-szimfonikus ciklusok viszont jelentős változásokon mentek keresztül a romantikusok körében, és különböző típusú „romantikus szonáták” és „romantikus szimfóniák” alakultak ki. Ennek ellenére a fő eredmény a zenei gondolkodás új minősége volt, amely meghatározta a tartalomban és kifejezőképességben teli miniatúrák létrejöttét - azt a különleges zenei kifejezés-koncentrációt, amely egy külön dalt vagy egyszólamú zongoradarabot helyez a középpontba. mély gondolatok és tapasztalatok.

A 19. század első felében rohamosan fejlődő osztrák és német romantika élén nemcsak ragyogó tehetségű, hanem nézeteikben és törekvéseikben is fejlett egyéniségek álltak. Ez meghatározta zenei munkásságuk maradandó jelentőségét, „új klasszikus” jelentőségét, amely a század végére vált világossá, amikor a német nyelvű országok zenei klasszikusait lényegében nemcsak a nagy zeneszerzők képviselték. századi és Beethoven, hanem a nagy romantikusok is - Schubert, Schumann, Weber, Mendelssohn. A zenei romantika e figyelemre méltó képviselői, elődjeit mélyen tisztelő és számos vívmányukat továbbfejlesztve, egyúttal a hozzájuk tartozó zenei képek és kompozíciós formák teljesen új világát tudták megnyitni. Munkájukban uralkodó személyes hangvétel kiderült, hogy összhangban van a demokratikus tömegek hangulatával és gondolataival. Meghonosították a zenében azt a kifejezőkészséget, amelyet B. V. Aszafjev találóan úgy jellemez, hogy „élő, társaságkedvelő beszéd, szívtől szívig”, és amely Schubertet és Schumannt Chopinhoz, Grieghez, Csajkovszkijhoz és Verdihez hasonlítja. A romantikus zenei irány humanista értékéről Aszafjev így írt: „A személyes tudat nem elszigetelt, büszke elszigeteltségében nyilvánul meg, hanem mindennek egyedi művészi tükröződésében, amivel az emberek élnek, és ami mindig és elkerülhetetlenül izgatja őket. Ilyen egyszerűségben változatlanul gyönyörű gondolatok és reflexiók szólalnak meg az életről – a legjobb összpontosulása, ami az emberben van.”

Skryabina Svetlana Anatolevna

MBOU DOD DSHI Uvarovo, Tambov régió.

Tanár

Esszé

“Romantikus zeneszerzők zongoraművei”

Bevezetés.

2. Romantika a zenében.

4. A romantikus stílus hatása Liszt F. zongoraművére.

5. Következtetés.

6. Irodalomjegyzék.

Bevezetés.

A romantika, mint művészeti irányzat a 18. század végén és a 19. század elején alakult ki, először az irodalomban (Németországban, Nagy-Britanniában és Európa és Amerika más országaiban), majd a zenében és a művészet egyéb formáiban. A romantikus stílus eredeti, fantasztikus és magasztos.

A romantika korszaka óriási szerepet játszott a zenei kultúra fejlődésében. A romantika a kultúra minden területét lefedte: filozófiát, esztétikát, színházat, irodalmat, zenét és egyéb humán tudományokat. A különféle nemzeti hagyományokhoz és történelmi vonatkozásokhoz kapcsolódóan a különböző országokban fejlődő romantika sajátos nemzeti vonásokat szerzett: a németeknél - misztikában, briteknél - olyan személyiségben, amely szembeszáll az ésszerű magatartással, a franciáknál - szokatlan módon. történeteket. A romantikus stílust az ember belső világához való vonzódás, az érzelmesség iránti vágy jellemzi, ez határozta meg az irodalom és a zene elsőbbségét a romantikában.

Relevancia Ez a téma abban rejlik, hogy a romantika sok zeneszerző támasza volt, és óriási szerepet játszott a zenei kultúra fejlődésében, valamint a romantikus zeneszerzők zongora kreativitásának fejlődését is ösztönözte.

Ennek a munkának a célja– azonosítsa a romantika főbb jellemzőit, és tanulmányozza ezek tükröződését a romantikus zeneszerzők zongoraművében az alábbi problémák megoldásával:

1. Tekintsük a romantika főbb jellemzőit;
2. Azonosítsa a romantika megnyilvánulásait a zenében;
3. Tanulmányozza a romantika stílusjegyeit a zongorazenében;
4. Ismertesse Liszt F. zongoraművét!

A romantikus zeneszerzők ötleteik életre keltése érdekében új formák felé fordultak: zongoraminiatúrák, balladák, noktürnek, polonézek, rögtönzött, lírai dalok, nagy szerepet kaptak a programművek. Megtörtént a szonáta-szimfonikus és variációs formák szabadabb használata, új egytételes nagyformák - szonáta, versenymű, szimfonikus költemény - létrehozása, speciális fejlesztési technikák - vezérmotívumok, monotematizmus, vokális deklamáció, kolorizmus alkalmazása.

1. A romantika eredete és jellemzői.

A franciaországi polgári forradalom kapcsán megváltozott az emberek nézetei és elképzelései. A történelmi események mindenki lelkében nyomot hagytak, aki szemtanúja volt a forradalmi megrázkódtatásoknak. Az egyenlőség, a testvériség és a szabadság eszméi közel kerültek a művészekhez, írókhoz és zenészekhez. Ezzel a felvilágosodás kora véget ért. Az új társadalmi berendezkedés azonban nem váltotta be a társadalom elvárásait, csalódottság és egy új ideológiai rendszer – a romantika – kialakulása visszafordíthatatlanná vált.

A romantika a 18. század végének – a 19. század első felének európai és amerikai spirituális kultúrájában egy ideológiai és művészeti mozgalom, amely a klasszicizmust váltotta fel. Mélyreható változások mennek végbe a művészet tartalmában, az esztétikai gondolkodás mozgásában és a művészi képek természetében.

A romantika világának középpontjában a teljes belső szabadságra, tökéletességre, megújulásra törekvő emberi személyiség áll. Az élethez és az őt körülvevő világhoz való hozzáállását érzelmi élmények és érzések szövegein keresztül fejezi ki. A művészi képek lírája tükröződött a művészet fordulatában, amely fejlődését, múltbeli kapcsolatait, mozgását a jövőbe irányította.

A romantika alapja a kettős világ (az álomvilág és a való világ) fogalma volt. A korábbi tételekre jellemző eszmény és valóság közötti ellentmondás rendkívüli élességet és intenzitást nyer a romantikában.

A romantika fő feladata a belső világ, a lelki élet ábrázolása volt. A romantikával kezd megjelenni az igazi pszichologizmus. A visszafogottságot és az alázatot elutasították, helyükre erős, gyakran szélsőséges érzelmek léptek fel. A romantikusok körében az emberi pszichológia a miszticizmusba öltözött, az irracionális, tisztázatlan és titokzatos pillanatai uralták.

A romantikusok a titokzatos, rejtélyes, sőt szörnyű népi hiedelmek és mesék felé fordultak. A modern civilizált társadalom mindennapjait színtelennek és prózainak tekintve a romantikusok minden szokatlanra törekedtek. Vonzották őket a science fiction, a népi legendák és általában a népművészet.

A romantika hőse mindenekelőtt egy individualista szuperember. A romantikusok számára az ember egy kis univerzum, egy mikrokozmosz. Az erős és élénk érzelmek iránti intenzív érdeklődés, mindent elsöprő szenvedélyek, a lélek titkos mozgásai, „éjszakai” oldala, az intuitív és tudattalan utáni vágy a romantikus művészet alapvető jellemzői.

2. Romantika a zenében.

A 19. század második évtizedében kialakult a zenei romantika, amely az irodalmi művészet hatására keletkezett. Történelmileg új jelenség volt ez, bár a zenei „klasszikusokkal” való mély kapcsolat feltárult. A romantikus zeneszerzők műveit tanulmányozva és előadva érezhető a lelki szerkezet feldobása, az érzések magasztossága, a drámai kontraszt, a mély pátosz, az őszinte líra.

A romantika korszakának alapítói olyan zeneszerzők, mint: Liszt, Chopin, Schumann, Grieg. Egy későbbi időszakban Debussy, Ravel és Szkrjabin zenei „impresszionizmusa” keletkezett.

Schubert zongoraminiatúrái, Mendelssohn „Songs without Words”, zongoraciklusok, noktürnek, Schumann prelúdiumai, Chopin balladái – mindez a gazdagság átalakította a régi műfajokat és formákat, bekerült a világ zenei kincstárába, és jelentőségre tett szert a komolyzenében.

A domináns helyet a szerelem témája foglalja el, ez a lelkiállapot az, amely a legátfogóbban és legteljesebben tükrözi az emberi psziché minden mélységét és árnyalatát. Az ember otthona, szülőföldje, népe iránti szeretete szálként vonul át minden romantikus zeneszerző munkáján.

A romantikusok természetképe szorosan és elválaszthatatlanul összefonódik a lírai vallomás témájával. A szerelem képeihez hasonlóan a természet képe is megszemélyesíti a hős lelkiállapotát, amelyet gyakran színez a valósággal való diszharmónia érzése.

A fantázia témája gyakran vetekszik a természet képeivel, és ezt a valódi élet fogságából való menekülés vágya generálja. A romantikus iskola zeneszerzői számára a mesebeli, fantasztikus képek egyedi nemzeti színezetet kapnak. Chopin balladáit Mickiewicz, Schumann, Mendelssohn balladái ihlették, fantasztikus groteszk tervű műveket hoznak létre, mintegy szimbolizálva a hit hátoldalát, a gonosz erőktől való félelem eszméinek megfordítására törekszenek.

Az utolsó nagy klasszikus zeneszerző, Ludwig van Beethoven életének és munkásságának késői időszaka egybeesett az első nagy romantikus zeneszerző, Franz Schubert munkásságának virágkorával. Ez a jelentős egybeesés a klasszikus és a romantikus zeneművészet szoros kapcsolatát bizonyítja. A két örökség közötti kontinuitás ellenére a klasszikus zeneszerzők és a romantikus zeneszerzők munkásságának kapcsolatában lényeges különbségek vannak. A fő különbség az, hogy a romantikus zenében különös hangsúlyt fektetnek az álmodozó lírai és izgatott lírai-patetikus képek és hangulatok megtestesítésére.

A romantikus zeneszerzők nagy érdeklődést mutattak az orosz zene nemzeti egyedisége, valamint más népek zenéje iránt. Ezzel kapcsolatban megkezdődött a népzene - a zenei folklór - gondos tanulmányozása. Ugyanakkor megnövekedett az érdeklődés a nemzeti történelmi múlt, az ősi legendák, mesék, mesék iránt, amelyek alapot szolgáltattak lenyűgöző fantasztikus képek megjelenéséhez. Az új témák és képek elsajátításával a romantikus zene fokozta interakcióját a romantikus költészettel és a romantikus színházzal. Ez határozta meg a 19. századi romantikus opera virágzását, amely műfajban a művészet minden típusának szintézise megtörténik. Az egyik legszembetűnőbb romantikus opera Carl Maria von Weber német zeneszerző „The Magic Shooter” című műve.

A romantikus zeneművészet számos kiváló zeneszerzőt szült, akik gyakran egyben csodálatos koncertelőadók is voltak.

3. A romantika korszakának stílusjegyei a zongorazenében.

A romantika korának zenei stílusában nagyon fontos szerepet kapnak a modális és harmonikus eszközök. E folyamatok közül az első - a dinamika - az akkordok telítődése a játékokban elváltozásokkal és disszonanciákkal, ami fokozta azok instabilitását és fokozta a feszültséget, ami a további játék során feloldást igényelt. A romantikus zeneszerzők műveinek előadásának ilyen tulajdonságai kifejezték az erre a stílusra jellemző „lanyhulást”, a „végtelenül” fejlődő érzések áramlását, amely Chopin, Schumann és Grieg műveiben különös teljességgel testesült meg. A természetes módokból sokféle színt, színes hangokat vontak ki, melyek segítségével a zene népies vagy archaikus jellegét hangsúlyozták. Fantasztikus, mesés vagy szeszélyes képek ábrázolásakor óriási szerepet tulajdonítottak a teljes tónusnak és a kromatikus skáláknak.

A romantikus dallamos zenében a következő irányzatok működtek: a szélességi vágy és a fogalmazás fejlődésének folyamatossága. A romantika korának számos zeneszerzőjének műveiben „végtelen dallam” van, hatalmas, több ütemű ligákkal. Ez különösen nyilvánvaló Chopin, Csajkovszkij és Rahmanyinov korai 80-as és 90-es időszakának munkáiban („Elégia”, „Melódia”, „Romance”, „Szerenád” és más műveiben).

A romantikus zeneszerzők zenéjével való ismerkedés során nagy jelentősége van a hangképzésnek és a „stílusérzéknek”, itt nagyon fontos megjegyezni, hogy egy-egy darabban a megfogalmazáson kell, hogy a frázisok egymásra találjanak. másik, egymásba kapaszkodva, füzéreket alkotva, de együtt Ugyanakkor nem fedték át egymást.

A Leningrádi Konzervatórium professzora, V. Kh. Razumovskaya a romantikus zeneszerzők zenei műveinek zongorán történő előadásának stílusjegyeiről azt írta: „Küzdök a szimmetriával, megpróbálom leküzdeni a mérőt és elrejteni a „szintaktikai varratokat”, ennek köszönhetően megfogalmazás és árnyalatok, a hang folyékonysága és dallamossága, és az érzések legatoja."

Lírai művek előadásakor érezni kell a lélegzetet, tapintással érezhető: levegővel teli háttér, lélegző basszus, ügyes pedál.

F. Chopin zenéjének stílusjegyeiről Liszt a következőket mondta: „Zenéje egy szálfűvirágra emlékeztet, amely szokatlanul vékony száron lengeti korollait. Ezek a rendkívüli szépségű korollak olyan illatos és finom anyagból készültek, hogy könny a legkisebb érintésre."Chopin a romantika korának előadóművészetének "csúcsa".

A romantika korszakának zenei műveinek előadásakor emlékeznie kell arra, hogy a kívánt „hang” - bársonyos és földöntúli - eléréséhez különleges ajándékra, kemény munkára és stílusérzékre van szüksége. Ahogy Neuhaus mondta: „A hang egy szentély, vigyázz a hangra, mint az aranyra, mint egy ékszerre, preszonikus atmoszférában keletkezik, születése rejtély, nagyon fontos megtalálni a szükséges „hangmértéket”.

Előtérbe kerül melók. A dallam intonációs és kompozíciós szempontból frissül. Az intonáció megújításának két különböző forrása jelenik meg: a folklór és a beszéd intonáció. Ami eltér a klasszikus normától, az elsősorban az vonzza magára a figyelmet. A klasszistáknak volt szavalása (oratórikus), de a romantikusok körében inkább bensőséges, lírai, nyitott és érzelmes volt.

5. A romantikus stílus hatása Liszt F. zongoraművére.

„Liszt, mint virtuóz, egy jelenség ezek közül

amelyek néhány évszázadonként egyszer megjelennek"

– írta Serov

Liszt F. munkásságában alkotói örökségének legnagyobb részét a zongoraművek alkotják.

Liszt zongorista és zeneszerző művészi egyéniségei új utakat nyitottak a zeneművészetben.

Minden gondolatát, álmát, szenvedését és örömét a zongorára bízta. És ezért talált először Liszt új kompozíciós módszereket és kifejezési eszközöket a zongoramuzsika területén.

Liszt F. zseniális zongoraművész volt, előadásával hallgatók ezreit tudta meggyőzni és magával ragadni. Ugyanígy a zeneszerzői gyakorlatban is a zenei gondolatok világos és közérthető bemutatására törekedett. Másrészt, mint állandóan kereső művész, aki briliáns alkotói érzékkel megajándékozott, felfrissítette a zongora hangjának teljes szerkezetét és karakterét, így – ahogyan Stasov találóan fogalmazott – „ismeretlen és hallatlan dologgá tette. egész zenekar."

A zeneszerző a zongora szimfonikus interpretációját vezette be a modern előadásmódba és kreativitásba. Fejlesztései során a hangszer erőteljes zenekari hangzását érte el, és kolorisztikai képességekkel gazdagította. Egyik levelében Liszt jelezte, hogy célja „...a fellépő zongorista szellemiségének megismertetése a zenekari effektusokkal, és a zongora korlátozott keretein belül a hangszeres hanghatások és árnyalatok sokfélesége érzékennyé tétele”. Liszt ezt úgy érte el, hogy zongoraműveit hangszínekkel és dallamszerkezettel telítette. Liszt zongoradarabjaiban gyakran előfordulnak szerzői utasítások - quasi tromba (mintha trombita), quasi flauto (mintha fuvola) stb., cselló utánzat (például „Oberman völgyében”), kürtök ( „Vadászat” etűd, harangok („Genfi harangok”), orgona stb. Liszt a zongoraművészet kifejező erőforrásait tágította előtérbe, kiemelve a hangzás erejét, ragyogását és színességét.

Liszt F. új technikákat fedezett fel a zongoratechnikában. A zongora minden regiszterét igyekezett felhasználni: gazdagon és mélyen megszólaló basszust használt, a dallamot a középső, „gordonka” regiszterbe vitte át, a felső regiszterben pedig átlátszó, kristálytiszta hangzást tárt fel. A regiszterek összehasonlításakor a zeneszerző passzusokat használt, azokat széles elrendezésű akkordkomplexumokkal telítette. Liszt széles körben használta a zenekari tremolo effektusokat, akkordtrillákat vagy martellato oktávokat a drámai vagy dinamikus pillanatok markánsabb közvetítésére. Különös figyelmet fordított a hanganyag két kéz közötti elosztására, áthelyezésére és a zongora különböző regisztereibe történő átvitelére. Liszt további kedvelt technikai technikái közé tartoznak az oktávos szövegrészek, a dupla hangok és a mesterien alkalmazott próbatechnikák. Ezek a technikák befolyásolták Liszt műveinek többrétegű textúrájának kialakulását. Fejlesztésüket számos dinamikus és kolorisztikus terv adja, akárcsak a zenekari művek.

Liszt a zongorajáték nagy megújítójaként arra tanította a zongoristákat, hogy „szokjanak hozzá a motívumok hangsúlyozásához, csoportosításához, a fontosabbak előtérbe helyezéséhez, a kevésbé fontosak alárendeléséhez, egyszóval a zenekar normájává”.

Liszt zongora stílusjegyei nem alakultak ki azonnal, négy szakaszra oszthatók. Az első szakasz (20-as évek - 30-as évek közepe) a zongora képességeinek tanulmányozásához, a modern virtuózok bravúros stílusának utánzásához kötődik, a másodikban (a 30-as évek vége - 40-es évek) Liszt egyéni stílust alakít ki, gazdagítva a zongora stílusát. technika és zenei nyelv a romantikus zeneszerzők legújabb eredményeivel (Paganini, Berlioz, Chopin). A harmadik szakaszt (a 40-es évek vége – a 60-as évek) - Liszt mesteri tudásának csúcsát - minden technikai technika igazolása a kifejezőképesség és a tartalom követelményeivel, a virtuóz "túllépések" hiánya jellemzi, a negyedik szakaszt (70-80-as évek) új küldetések jellemezték: monumentális tervek elutasítása, kamarahangzás, finom színek keresése.

A „Lisztov” koncertzongorizmus hagyománya A.G. művészetében alakult ki. Rubinstein, A. Siloti és különösen S. Rahmanyinov.

Következtetés.

A romantika mint módszer és irány a művészetben összetett és ellentmondásos jelenség volt. Minden országban erős nemzeti megnyilvánulása volt. Az irodalomban, a zenében, a festészetben és a színházban nem könnyű megtalálni azokat a vonásokat, amelyek egyesítik Chateaubriandot és Delacroix-t, Mickiewiczet és Chopint, Lermontovot és Kiprenszkijt.

A romantikus zeneszerzők kreativitásának legfontosabb területei a szövegek, a fantázia, az eredetiség a jellegzetes nemzeti motívumok előadásában (például E. Grieg). A zeneszerzők Schuberttől és Webertől kezdve országaik ősi, túlnyomórészt paraszti folklórjának intonációs mintáit bevonták a páneurópai zenei nyelvbe.

A zene új tartalma új kifejezési eszközöket igényelt. Ez mindenekelőtt a hatalmas dallamgazdagság, valamint a kidolgozott textúra-megjelenítés dallamgazdagsága, a harmonikus nyelv fokozott összetettsége és színessége.

Bibliográfia.

1. Abdullin, E. B., Nikolaeva, E. V. A zenei nevelés elmélete: Tankönyv felsőoktatási oktatási intézmények hallgatói számára / E.B. Abdullin, E.V. Nikolaev. - M.: Akadémia, 2004. - 336 p.
2. Aliev, Yu.B. Kézikönyv iskolai tanár-zenész számára / Yu.B. Aliev. - M.: VLADOS, 2000. - 336 p.
3. Bryantseva, V.N. Külföldi zeneirodalom. Második tanulmányi év. - M.: Zene, 2004.
4. Druskin, M.S. A külföldi zene története. 4. szám: 19. század második fele / M.S. Druskin. ― SPb.: ZENESZERZŐ-SZENTPÉTERVÁR, 2007. ― 632 p.
5. Zhabinsky, K.A. Enciklopédiai zenei szótár / K.A. Zsabinszkij. - M.: Főnix, 2009. - 474 p.
6. Lebedeva, O.V. Fejlesztő zenei nevelés / O.V. Lebedeva. - Kostroma: KSU, 2001. - 69 p.
7. Minakova, A.S. Minakov, S.A. Világzene története: Műfajok. Stílusok. Útvonalak / A.S. Minakova, S.A. Minakov. - M.: Eksmo, 2010. - 544 p.

Kholopova, V.N. Zeneelmélet: Dallam, ritmus, textúra, tematika / V.N. Kholopova. ― M.: Lan

Romantikus időszak

A zene romantikus korszaka körülbelül az 1830-as évektől az 1910-es évekig tartott. Bizonyos mértékig a „romantikus” szó csak egy címke, egy olyan fogalom, amelyet nem lehet szigorúan meghatározni, mint sok más. A könyvünk minden fejezetében említett művek közül sok kivétel nélkül joggal nevezhető „romantikusnak”.

A fő különbség ezen időszak és a többi között az, hogy az akkori zeneszerzők nagyobb figyelmet fordítottak a zene érzéseire, érzékelésére, az érzelmi élményeket igyekeztek kifejezni segítségével. Ebben különböznek a klasszikus kor zeneszerzőitől, akik számára a zenében a forma volt a legfontosabb, és akik igyekeztek bizonyos szabályokat betartani a kompozíció megalkotásánál.

Ugyanakkor a klasszikus korszak egyes alkotóinál a romantika elemei, a romantikus korszak alkotóinál pedig a klasszicizmus elemei láthatók. Tehát mindaz, amiről fentebb beszéltünk, egyáltalán nem szigorú szabály, hanem csak általános jellemző.

A történelem nem állt meg, és nem lett minden ember hirtelen romantikus, akit csak érzelmi élményei érdekelnek. Ez a szocializmus születésének, a postareformnak és az Üdvhadsereg megalapításának az ideje. Ugyanakkor felfedezték a vitaminokat és a rádiumot, megépült a Szuezi-csatorna; Daimler tervezte az első autót, és a Wright fivérek hajtották végre az első repülést. Marconi feltalálta a rádiót, sikeresen küldve vezeték nélküli üzenetet másfél kilométeres távolságra. Viktória királynő tovább ült Nagy-Britannia trónján, mint bármely más angol uralkodó. Az aranyláz több ezer embert késztetett arra, hogy Amerikába utazzanak.

Ahogy lapozgat könyvünket, észre fogja venni, hogy ez a legnagyobb fejezet az összes közül, nem kevesebb, mint harminchét zeneszerzőt említ. Sokan közülük egyszerre éltek és dolgoztak különböző országokban. Ezért ezt a fejezetet három részre osztottuk: „Korai romantikusok”, „Nemzeti zeneszerzők” és „Késő romantikusok”.

Ahogy valószínűleg már sejtette, ez a felosztás sem állítja magát teljesen pontosnak. Reméljük azonban, hogy segít megőrizni a történet következetességét, bár nem mindig követi az időrendi sorrendet.

Olyan zeneszerzőkről van szó, akik egyfajta hidat képeztek a klasszikus korszak és a késő romantika korszaka között. Sokan a „klasszikusokkal” egy időben dolgoztak, munkájukra Mozart és Beethoven is nagy hatással volt. Ugyanakkor sokan személyesen is hozzájárultak a komolyzene fejlődéséhez.

Első romantikus zeneszerzőnk korának igazi sztárja volt. Fellépései során bemutatta a virtuóz hegedűtudás csodáit, és hihetetlen mutatványokat hajtott végre. Mint a virtuóz rockgitáros, Jimi Hendrix, aki százhatvan évvel később született, Niccolo Paganini mindig lenyűgözte a közönséget szenvedélyes játékával.

Paganini a teljes darabot négy helyett két hegedűhúron tudta játszani. Néha

még az előadás közepén is szándékosan megszakította a húrokat, ami után a közönség hangos tapsa közepette mégis zseniálisan fejezte be a darabot.

Paganini gyerekként kizárólag zenét tanult. Az apja azonban még meg is büntette, mert nem edzett eleget, nem adott neki enni vagy vizet.

Felnőttként Paganini olyan mestere volt a hegedűnek, hogy az a hír járta, hogy ő maga kötött egyezséget az ördöggel, hiszen halandó nem tud ilyen nagyszerűen játszani. A zenész halála után az egyház eleinte még arra sem volt hajlandó, hogy a földjén eltemesse.

Paganini kétségtelenül megértette nyilvános szereplésének minden előnyét, és azt állította:

„Csúnya vagyok, de ha a nők hallanak játszani, maguk is felkúsznak a lábamra.”

A zenei kompozíciók stílusa és szerkezete tovább fejlődött mind a hangszeres művekben, mind az operában. Németországban az operaművészet avantgárdját vezette Carl Maria von Weber, bár sokak szerint nem romantikus időszaknak tartott években élt.

Azt lehet mondani, hogy Weberék számára az opera családi ügy volt, és Karl gyerekkorában sokat utazott apja operatársulatával. Az operája Free Shooter (Magic Shooter) bekerült a zenetörténetbe, mivel népi motívumokat használtak fel benne.

Kicsit később megtudhatja, hogy egy ilyen technikát a romantikus időszak jellegzetes jellemzőjének tekintik.

Weber több klarinétversenyt is írt, és ezekről híres ma már.

Olaszország az opera szülőhelye, és személyében Gioachino Antonio Rossini Az olaszoknak szerencséjük volt, hogy új hőst találtak ebben a műfajban. Egyforma sikerrel írt komikus és tragikus tartalmú operákat egyaránt.

Rossini azon zeneszerzők közé tartozott, akik gyorsan komponáltak, és ahhoz, hogy operát írjon, általában csak néhány hétre volt szüksége. Hírneve csúcsán egyszer ezt mondta:

– Add ide a mosodai számlát, és megzenésítem.

Azt mondják Sevillai borbély Rossini mindössze tizenhárom nap alatt komponálta. A munka ilyen gyors üteme oda vezetett, hogy új operáit Olaszország minden színházában folyamatosan bemutatták. De nem mindig bánt jó szemmel kompozíciói előadóival, sőt egyszer még lekicsinylően is beszélt róluk:

– Milyen csodálatos lenne az opera, ha nem lennének benne énekesek!

De harminchét évesen Rossini hirtelen abbahagyta az operaírást, és élete utolsó közel négy évtizede során csak Stabat Mater.

Egyelőre nem teljesen világos, hogy mi vezérelte, amikor meghozta ezt a döntést, de addigra már jelentős összeg gyűlt össze a bankszámláján - produkciókból származó jogdíjak.

Rossinit a zene mellett a konyhaművészet is rajongott, és sokkal több ételt neveztek el róla, mint más zeneszerzőkről. Akár egy egész ebédet is megszervezhet, amely magában foglalja a Rossini salátát, a Rossini Omlettet és a Rossini Tournedo-t. (A tournedók zsemlemorzsában sült húscsíkok, pástétomokkal és szarvasgombával tálalják.)

Franz Schubert, aki mindössze harmincegy évet élt, tizenhét éves korára már tehetséges zeneszerzővé vált. Rövid élete során összesen több mint hatszáz dalt, kilenc szimfóniát, tizenegy operát és mintegy négyszáz egyéb művet írt. Csak 1815-ben száznegyvennégy dalt, két misét, egy szimfóniát és számos más művet komponált.

1823-ban szifiliszben szenvedett, majd öt évvel később, 1828-ban tífuszban halt meg. Egy évvel korábban bálványa, Ludwig van Beethoven temetésén vett részt.

Figyelemre méltó, hogy Schubert volt az egyik első jelentős zeneszerző, aki mások műveinek előadásával vált híressé. Ő maga egyetlen nagyobb koncertet adott halála évében, és ezt akkor is elhomályosította a nagyjából egy időben Bécsbe érkező Paganini fellépése. Szegény Schubert tehát soha életében nem érte el a megérdemelt tiszteletet.

Schubert egyik legnagyobb rejtélye az 8. szimfónia, ismert, mint Befejezetlen. Csak két részt írt belőle, majd abbahagyta a munkát. Senki sem tudja, miért tette ezt, de ez a szimfónia továbbra is az egyik legnépszerűbb műve.

Hector Berlioz orvos családjába született, így ő – sok más, könyvünkben említett zeneszerzővel ellentétben – nem kapott teljes körű zenei oktatást.

Eleinte úgy döntött, hogy apja nyomdokaiba lép, és orvos lesz, amiért Párizsba ment, de ott egyre gyakrabban kezdett az operában tölteni az időt. Végül úgy döntött, hogy zenével fog foglalkozni, szülei legnagyobb bánatára.

Berlioz képe karikírozottnak tűnhet, távolról sem ír az embereknek

bármely zeneszerző elképzelhető: nagyon ideges és ingerlékeny, impulzív, hirtelen hangulatváltozásokkal és természetesen szokatlanul romantikus az ellenkező nemmel való kapcsolatokban. Egy napon pisztollyal a kezében támadt volt szeretőjére, és megfenyegette, hogy megmérgezi; női ruhába öltözve üldözte a másikat.

Berlioz romantikus törekvéseinek fő alanya azonban Harriet Smithson színésznő volt, aki később súlyos idegbetegségben szenvedett – nyilván ezt nagyrészt magának Berlioznak köszönhette. 1827-ben látta először, de személyesen csak 1832-ben sikerült találkoznia vele. Smithson eleinte elutasította Berliozt, ő pedig, a kölcsönösséget el akarván érni, írt Fantasztikus szimfónia. 1833-ban végül összeházasodtak, de ahogy az várható volt, néhány évvel később Berlioz egy másik nőbe szeretett bele.

Ami a zenét illeti, Berlioz imádta a terjedelmet. Vegyük őt példaként Rekviem, hatalmas zenekarra és kórusra írt, valamint a színpad minden sarkában elhelyezett négy fúvószenekarra. Ez a nagy formák iránti előszeretet nem járult hozzá nagyban posztumusz hírnevéhez. Műveit olyan formában előadni, amilyennek szánta, nagyon költséges, sőt néha lehetetlen is lehet. De az ilyen akadályok egyáltalán nem zavarták, és továbbra is olyan szenvedéllyel alkotott zenét, amelyre képes volt. Egy napon azt mondta:

"Minden zeneszerző ismeri azt a fájdalmat és kétségbeesést, ami abból fakad, hogy nincs elég ideje leírni, hogy mire jutott."

Minden iskolásnak, aki ezt a könyvet olvassa, irigyelnie kell azokra az emberekre, akik hasonlóak Felix Mendelssohn, olyan embereknek, akik gyermekkorukban váltak híressé.

Amint azt számos példából láthatjuk, ez korántsem szokatlan a komolyzene világában.

Mendelssohn azonban nemcsak a zenében ért el sikereket; azon kevesek közé tartozott, akiknek mindenben – festészetben, költészetben, sportban, nyelvekben – sikerül jó eredményeket elérniük.

Mendelssohnnak nem volt nehéz mindezt elsajátítani.

Mendelssohnnak szerencséje volt – gazdag családban született, és a berlini művészeti körök kreatív légkörében nőtt fel. Már gyermekkorában sok tehetséges művészt és zenésszel találkozott, akik meglátogatták szüleit.

Mendelssohn kilenc évesen lépett fel először nyilvánosan, és tizenhat éves korában már komponált. Vonós oktett. Egy évvel később megírta Shakespeare drámájának nyitányát Álom egy nyári éjszakában. De ehhez a vígjátékhoz a többi zenét csak tizenhét évvel később készítette (beleértve a híres esküvő március, amelyet ma is gyakran adnak elő esküvőkön).

Mendelssohn magánélete is sikeres volt: a hosszú és erős házasság évei alatt feleségével öt gyermeke született.

Sokat dolgozott és utazott, többek között Skóciában is, amelynek lakóiról nem nagyon nyilatkozott:

„…[ők] nem termelnek mást, csak whiskyt, ködöt és rossz időt.”

De ez nem akadályozta meg abban, hogy két csodálatos művet írjon Skóciának. Tizenhárom évvel az első utazás befejezése után Skót szimfónia; az alap A Hebridák nyitányai Skót dallamok szólaltak meg. Mendelssohnt Nagy-Britanniával is összekapcsolta Illés című oratóriuma, amelyet először 1846-ban mutattak be Birminghamben. Még Viktória királynővel is találkozott, és zeneleckéket adott Albert hercegnek.

Mendelssohn viszonylag fiatalon - harmincnyolc évesen - agyvérzésben halt meg. Természetesen elmondhatjuk, hogy nem sajnálta magát, és túlfáradt a túlzott munkától, de halálát nagyrészt siettette szeretett nővére, Fanny halála, aki szintén tehetséges zenész volt.

Egy másik velejéig romantikus áll előttünk. Ahol Frederic Chopin Egy-egy hangszer iránti szenvedélyes ragaszkodása is kitűnt, és ez nagyon ritka a könyvünkben említett zeneszerzőknél.

Azt mondani, hogy Chopin szerette a zongorát, alábecsülés. Csodálta, egész életét a zongorakompozíciók komponálásának és a játéktechnikák fejlesztésének szentelte. Úgy tűnt, nincs számára más hangszer, csak a zenekari művek kísérőjelensége.

Chopin 1810-ben született Varsóban; Édesapja francia, anyja lengyel származású. Frederic hét évesen kezdett fellépni, és első kompozíciói is ugyanebben az időben nyúlnak vissza. Meg kell mondani, hogy megkülönböztető vonása mindig is az volt, hogy a jövőre összpontosított.

Ezt követően Chopin Párizsban vált híressé, ahol gazdag embereknek kezdett zeneleckéket adni, aminek köszönhetően maga is gazdag lett. Mindig nagyon odafigyelt a megjelenésére, és arra, hogy ruhatára a legújabb divathoz igazodjon.

Zeneszerzőként Chopin módszeres és alapos volt. Soha nem engedte meg magának a hanyagságot, minden munkát tökéletesre csiszolt. Nem meglepő, hogy a zeneszerzés fájdalmas folyamat volt számára.

Összesen százhatvankilenc szólóművet komponált zongorára.

Párizsban Chopin beleszeretett a híres francia íróba, a fantázianevű Amandine Aurora Lucille Dupinbe, aki ismertebb George Sand álnéven. Nagyon figyelemre méltó személyiség volt: Párizs utcáin gyakran lehetett találni férfiruhában sétálva és szivarozni, ami sokkolta a jól nevelt közvéleményt. Chopin és George Sand románca viharos volt, és fájdalmas szakítással végződött.

A romantika más zeneszerzőihez hasonlóan Chopin sem élt hosszú életet – harminckilenc éves korában tuberkulózisban halt meg, röviddel George Sanddal való szakítása után.

Robert Schumann egy másik zeneszerző, aki rövid és viharos életet élt, bár az ő esetében ezt jókora őrülettel fűszerezték. Napjainkban Schumann zongorára, dalokra és kamarazenére írt művei ismertek.

Schumann zseniális zeneszerző volt, de élete során felesége árnyékában volt Clara Schumann, akkori zseniális zongoristája. Zeneszerzőként kevésbé ismert, bár elég érdekes zenéket is írt.

Maga Robert Schumann kézsérülés miatt nem tudott fellépni zongoristaként, és nehéz volt együtt élnie egy ezen a területen híressé vált nő mellett.

A zeneszerző szifiliszben és idegbetegségben szenvedett; egyszer még öngyilkosságot is megpróbált elkövetni úgy, hogy a Rajnába vetette magát. Megmentették és pszichiátriai kórházba helyezték, ahol két évvel később meghalt.

Schumann pragmatikusan közelítette meg a művészetet. A következő nyilatkozata ismert:

„A komponáláshoz csak egy olyan dallamot kell kitalálnod, amelyre még senki sem gondolt.”

Ha Paganinit a hegedűsök - előadóművészek királyának nevezhetjük, akkor a zongoristák - romantikusok között joggal illeti meg ezt a címet Liszt Ferenc. Tanítással is foglalkozott, és fáradhatatlanul adta elő más zeneszerzők, különösen Wagner műveit, akikről később lesz szó.

Liszt zongoraműveit rendkívül nehéz előadni, de a saját játéktechnikája szerint írt, tudván, hogy nála jobban senki sem tudja eljátszani.

Emellett Liszt más zeneszerzők műveit is átírta zongorára: Beethoven, Berlioz, Rossini és Schubert. Ujjai alatt bizarr eredetiségre tettek szert, és új hangzásba kezdtek. Tekintettel arra, hogy eredetileg zenekarra írták őket, csak el lehet csodálkozni a zenész azon képességén, aki elképesztően pontosan reprodukálja őket egyetlen hangszeren.

Liszt korának igazi sztárja volt; száz évvel a rock and roll feltalálása előtt minden rockzenészhez méltó életet élt, beleértve a különféle szerelmi viszonyait is. Még a szent parancsok felvétele sem akadályozta meg abban, hogy ügyei legyenek.

Liszt népszerűsítette a zongora- és zenekari előadásokat is, amely ma is elterjedt műfaj. Imádta elkapni a rajongók gyönyörködtető pillantásait, és hallgatni a közönség lelkes sikolyait, akik figyelték, ahogy ujjai repkednek a billentyűkön. Így hát megforgatta a zongorát, hogy a közönség követhesse a zongorista előadását. Előtte háttal ültek a közönségnek.

A nagyközönség tudja Georges Bizet mint az opera alkotója Carmen, de a könyvünk végén közölt listán egy másik műve is szerepelt, Au Fond du Temple Saint(más néven Nadir és Zurga duettje) az operából Gyöngykeresők. Azóta, hogy 1996-ban elkezdtük összeállítani a Classic FM hallgatói körében legnépszerűbb művek listáját, folyamatosan a slágerparádé élén áll.

Bizet egy másik csodagyerek, aki már gyermekkorában bemutatta kivételes zenei képességeit. Tizenhét évesen írta első szimfóniáját. Igaz, ő is korán, harminchat évesen halt meg, felkerülve a korán eltávozott zsenik listájára.

Tehetsége ellenére Bizet élete során soha nem ért el igazi elismerést. Opera Gyöngybúvárok váltakozó sikerrel került színpadra, és a premier Carmen Teljesen kudarccal végződött - az akkori divatos közvélemény nem fogadta el. A kritikusok és az igazi zeneértők kedvence Carmen csak a zeneszerző halála után nyerte meg. Azóta a világ összes vezető operaházában bemutatták.

Íme egy másik rendkívül homályos meghatározás. A „nacionalistákat” joggal nevezhetjük nemcsak minden romantikus zeneszerzőnek, hanem bizonyos mértékig a barokk és a klasszikus korszak számos képviselőjének is.

Mindazonáltal ebben a részben a romantika korának tizennégy vezető zeneszerzőjét soroljuk fel, akiknek művei olyan stílusban születtek, hogy a klasszikus zenében nem nagyon jártas hallgatók is meg tudják állapítani, honnan származik ez vagy az a mester.

Néha ezeket a zeneszerzőket egyik vagy másik nemzeti zeneiskolához sorolják, bár ez a megközelítés nem teljesen helytálló.

Általában az „iskola” szó hallatán egy olyan osztálytermet képzelünk el, amelyben a gyerekek tanári irányítás mellett ugyanazt a feladatot végzik el.

Ha már a zeneszerzőkről beszélünk, egy közös irány kötötte össze őket, és mindegyik a saját útját járta, igyekezett megtalálni a saját, egyedi zenei kifejezőeszközét.

Ha az orosz klasszikus zenének van apja - alapítója, akkor ez kétségtelenül Mihail Ivanovics Glinka. A nacionalista zenészeket éppen az különbözteti meg, hogy műveikben népi dallamokat használnak. Glinkát a nagymamája ismertette meg az orosz dalokkal.

A könyvünk lapjain oly gyakran emlegetett tehetséges zeneszerzőkkel ellentétben Glinka viszonylag későn – a húszas évei elején – kezdett komolyan zenélni. Eleinte tisztviselőként szolgált a Vasúti Minisztériumban.

Amikor Glinka úgy döntött, hogy karriert vált, Olaszországba ment, ahol zongoristaként lépett fel. Ott kezdődött mélységes operaszeretete. Hazatérve megkomponálta első operáját Élet a királynak. A közvélemény azonnal a legjobb orosz kortárs zeneszerzőnek ismerte el. Második operája Ruslan és Ludmila, nem volt olyan sikeres, bár jobban kiállta az idő próbáját.

Alekszandr Porfirievics Borodin azokhoz a zeneszerzőkhöz tartozik, akik a zene mellett más tevékenységben is tevékenyen részt vettek. Ami Borodint illeti, pályafutását tudósként kezdte - vegyészként. Első esszéje „Az etil-jodid hidrobenzamidra és amarinra gyakorolt ​​hatásáról” címet viselte, és természetesen soha nem fogod hallani a Classic FM-en, hiszen ez egy tudományos munka, aminek semmi köze a zenéhez.

Borodin egy grúz herceg törvénytelen fia volt; A zene iránti szeretetét és általában a művészet iránti érdeklődését édesanyjától vette át, és egész életében megőrizte őket.

Állandó elfoglaltsága miatt mindössze húsz művet sikerült kiadnia, amelyek között szimfóniák, dalok és kamarazene is szerepelt.

Együtt Mily Balakirev, Nyikolaj Rimszkij-Korszakov, Cesar CuiÉs Szerény Muszorgszkij Borodin a „The Mighty Handful” zenei közösség tagja volt. Mindezen zeneszerzők sikere még figyelemreméltóbb, mert mindannyiuknak a zenén kívül más tevékenységük is volt.

Ebben határozottan különböznek a könyvben említett legtöbb zeneszerzőtől.

Borodin legnépszerűbb műve az Polovtsi táncok operájából Igor herceg. Meg kell említeni, hogy ő maga soha nem fejezte be (bár tizenhét évig dolgozott rajta). Az operát barátja, Rimszkij - Korszakov fejezte be, akiről később részletesebben fogunk beszélni.

Véleményünk szerint Szerény Petrovics Muszorgszkij a „Hatalmas maroknyi” zeneszerzői közül a leginvenciózusabb és legbefolyásosabb volt, bár szokatlan emberként nem kerülte el a kreatív szakmák számos képviselőjében rejlő egy-két visszásságot.

A hadsereg elhagyása után Muszorgszkij a közszolgálatban kapott állást. Fiatalkorában szeretett, ahogy mondani szokás, sétálni, befolyásolhatósága jellemezte, élete vége felé alkoholizmusban szenvedett. Emiatt gyakran ápolatlan hajjal és természetellenesen vörös orral ábrázolják.

Muszorgszkij gyakran nem fejezte be műveit, és a barátai megtették helyette – néha nem úgy, ahogy ő maga szánta, így most nem tudjuk, mi volt a szerző eredeti szándéka. Opera hangszerelése Borisz Godunovátdolgozta Rimszkij-Korszakovot, valamint a híres „zenei képet” Éjszaka a Kopasz-hegyen(A Disney filmben használták Fantázia). Hangszerelés a Képek a kiállításrólírta Maurice Ravel, és ebben a változatban korunkban is ismertek.

Annak ellenére, hogy Muszorgszkij gazdag családból származott, és hatalmas tehetséggel rendelkezett zongoristaként és zeneszerzőként is, mindössze negyvenkét évesen halt meg alkoholizmusban.

Szülők Nyikolaj Rimszkij – Korszakov arról álmodozott, hogy fiuk a haditengerészetnél fog szolgálni, és beváltotta a hozzá fűzött reményeket. De miután több évig szolgált a haditengerészetnél, és számos tengeri utat tett meg, zeneszerző és zenetanár lett, ami kétségtelenül meglepetésként érte a családját. Az igazat megvallva, Rimszkij-Korszakovot mindig is érdekelte a zene, és még komponálni is kezdett 1. szimfónia, amikor hajója kikötött Gravesend ipari övezetében a Temze torkolatában. Valószínűleg ez az egyik legkevésbé romantikus zeneírási hely, amelyet ebben a könyvben említettek.

Amellett, hogy Rimszkij-Korszakov befejezte és átdolgozta Muszorgszkij műveit, maga is tizenöt operát készített az orosz élet témáira, bár az egzotikus országok hatása is érezhető művein. Például, Scheherazade az Ezeregyéjszaka című mese alapján.

Rimszkij-Korszakov különösen jól tudta megmutatni az egész zenekar hangzásának szépségét. Oktatói tevékenysége során erre nagy figyelmet fordított, és ezáltal számos, utána dolgozó orosz zeneszerzőre, különösen Stravinszkijra hatott.

Péter Iljics Csajkovszkij kompozícióiban orosz népi dallamokat is felhasznált, de más orosz nemzeti zeneszerzőkkel ellentétben ezeket a maga módján dolgozta fel, mint egész Európa zenei örökségét.

Csajkovszkij különféle titkokba burkolt személyes élete (homoszexuális hajlamairól széles körben elterjedtek pletykák) nem volt könnyű. Ő maga mondta egyszer:

„Igazán meg lehet őrülni, ha nem lenne a zene!”

Gyerekként a befolyásolhatósága jellemezte, felnőttként pedig hajlamos volt a melankólia rohamaira, sőt a depresszióra is. Nem egyszer voltak öngyilkossági gondolatai. Fiatalkorában jogot tanult, és egy ideig az Igazságügyi Minisztériumban dolgozott, de hamarosan otthagyta a szolgálatot, hogy teljes egészében a zenének szentelje magát. Harminchét évesen váratlanul megnősült, de házassága igazi kínszenvedéssé vált saját maga és felesége számára is. Végül feleségét pszichiátriai kórházba szállították, ahol meghalt. Csajkovszkij maga is sokáig szenvedett a szakítástól, amely mindössze két hónappal az esküvő után történt.

Csajkovszkij korai műveit nem ismerte el a nagyközönség, és ez sok szenvedést okozott neki. Érdekes módon sok ilyen alkotás, köztük Koncert hegedűre és zenekarraÉs 1. zongoraverseny és zenekar, in jelenleg nagyon népszerűek. Rekord 1. zongoraversenyÁltalánosságban elmondható, hogy ez az első komolyzenei felvétel, amely Aranylemez státuszt kapott egymillió példány eladásáért.

Csajkovszkij tíz operát írt, köztük Evgenia Onegina,és zene balettekhez, mint pl Diótörő, CsipkerózsikaÉs Hattyúk tava. Ezt a zenét hallgatva azonnal rájössz Csajkovszkij tehetségének nagyszerűségére, aki tudta, hogyan lehet rendkívül harmonikus és izgalmas dallamot alkotni. Balettjeit ma is gyakran állítják színpadra a világ színpadán, és mindig felkeltik a közönség csodálatát. Ugyanebből az okból kifolyólag szimfóniáiból és versenyműveiből még azok is ismerik a zenei kifejezéseket, akik kevéssé ismerik a komolyzenét.

Csajkovszkij sok éven át élvezte egy Nadezhda von Meck nevű gazdag özvegy kegyét, aki nagy összegeket küldött neki azzal a feltétellel, hogy soha nem találkoznak személyesen. Lehetséges, hogy ha személyesen találkoznak, nem ismerték volna fel egymást.

A zeneszerző halálának körülményei még mindig nem teljesen tisztázottak. A hivatalos következtetés szerint Csajkovszkij kolerában halt meg: vírussal fertőzött vizet ivott. De van egy verzió, amely szerint ő maga is öngyilkos lett, attól tartva, hogy homoszexuális kapcsolatait nyilvánosságra hozzák.

Ha Glinkát az orosz klasszikus zene atyjának tekintik, akkor ugyanezt a szerepet a cseh komolyzenében is játsszák Bedřich Smetana.

A tejfölt mindig is a cseh népi kultúra és szülőhazájának természete ihlette. Ez különösen érződik szimfonikus költeményciklusában Szülőföldem, Smetanának nyolc évbe telt megírni.

Jelenleg a sorozat legnépszerűbb alkotása Moldva, a Prágán átfolyó egyik legnagyobb cseh folyónak szentelték.

Élete vége felé Bedřich Smetana súlyosan megbetegedett (feltehetően szifiliszben), megsüketült és eszét vesztette. Hatvan éves korában halt meg.

Zenéje nagy hatással volt listánk következő zeneszerzőjére, Antonin Dvořákra, akinek művei Csehország határain túl is elismerésben részesültek.

Antonin Dvorak igazi cseh nemzeti hős volt, aki szenvedélyesen szerette hazáját. Honfitársai viszonozták érzéseit és imádták.

Dvorak műveit Brahms széles körben népszerűsítette (akiről kicsit később lesz szó). Fokozatosan Dvorak neve az egész világon ismertté vált. Például Angliában szerzett rajongókat, ahol a Royal Philharmonic Society meghívására, valamint Birminghamben és Leedsben fesztiválokon lépett fel.

Ezt követően Dvorak úgy döntött, hogy az Egyesült Államokba megy, ahol az 1890-es években felajánlották neki a New York-i Nemzeti Konzervatórium karmesteri posztját, amelyet három évig töltött be. Dvoraknak nagyon hiányzott szülőföldje, de nem szűnt meg érdeklődni a helyi zene iránt. A róla alkotott benyomások tükröződnek az övében 9. szimfóniák, hívott Az Újvilágból.

Végül Dvorak úgy döntött, hogy hazatér, és élete utolsó éveit Prágában töltötte tanítással.

A zene mellett Dvorakot a vonatok és a hajók is érdekelték, és láthatóan ez a szenvedély is hozzájárult ahhoz, hogy beleegyezett az Egyesült Államokba, bár a neki felajánlott nagy díj döntő szerepet játszhatott.

d Az Országos Cseh Zeneiskola képviselői között is szerepel Josef Suk, Leos JanacekÉs Boguslav Martinu.

norvég Edvard Grieg a szülőföldjüket szenvedélyesen szerető zeneszerzők körébe tartozik. És hazája viszonozta érzéseit. Norvégiában máig rendkívül népszerűek művei. De a dolgok másként is alakulhattak volna, hiszen Grieg családja valójában skót származású volt – ük-ükapja Skandináviába emigrált, miután Cullodennél elvesztette az angolokkal vívott csatát.

Grieg kis műfajú művek előállításában volt a legjobb, mint pl Lírai színdarabok zongorára. De a leghíresebb koncertje az zongora koncert, lenyűgöző bevezetéssel, amelyben a zongora hangjai záporozni látszanak a timpánok tremolója alatt.

d A skandináv nemzeti zeneiskola képviselői között is szerepel Carl NielsenÉs Johan Svendsen.

Annak ellenére, hogy a 19. században Spanyolországban is írtak komolyzenét, nem sok világhírű zeneszerző élt ott. Az egyik kivétel az Isaac Albeniz, ifjúkorában nem könnyelmű hajlam jellemezte.

Azt mondják, Albeniz egy éves korában tanult meg zongorázni. Három évvel később nyilvánosan lépett fel, nyolc évesen pedig turnézni kezdett. Tizenöt éves korára megfordult Argentínában, Kubában, az Egyesült Államokban és Angliában.

Albeniz különösen sikeres volt az improvizációban: menet közben kitalált valamilyen dallamot, és azonnal el is tudta játszani több variációban. A hangszer elsajátításának csodáit is bemutatta – háttal játszott. Mindennek a tetejébe minden alkalommal muskétásnak öltözött, ezzel is növelve előadásainak látványát.

Felnőtt korában kicsit megnyugodott, és nem megdöbbentő viselkedésével, hanem kompozícióival lepte meg a közvéleményt. Zongoradarab-ciklusa különösen híressé vált Ibéria. Sikerének köszönhetően ez a zeneszerző kihozta Spanyolországot az árnyékból, és felkeltette a világ zenei közösségének figyelmét.

d Albéniz nagy hatással volt a Spanyol Nemzeti Iskola sok más zeneszerzőjére, köztük Pablo de Sarasate, Enrique Granados, Manuel de FallaÉs Heitor Villa – Lobosa(aki brazil volt).

Arthur Sullivan ma már jól ismert. De a történelem nem bánt vele túl tisztességesen, hiszen ma már nem a legjobb műveire emlékeznek. Az 1870-es években kezdett együttműködni W. S. Gilbert költővel és librettistával. Több komikus operettet írtak együtt: Az esküdtszék tárgyalása, Penzance kalózai, Őfelsége Pinafore fregattja, Ida hercegnő, A Mikado, az Őrök Yeomanjaés mások.

Közös munkáik óriási sikere ellenére ez a két szerző nem jött ki túl jól egymással, és végül heves veszekedések után teljesen felhagytak a kommunikációval. Ezek a veszekedések azonban üresek voltak.

Az egyik például a londoni Savoy Theatre új szőnyegére vonatkozott, ahol általában operettjüket is színpadra állították.

Sullivan arról álmodozott, hogy komoly zeneszerzőként válik híressé, de mára feledésbe merültek az operett műfajába nem tartozó művei.

Viszont írt egy operát Ivanhoe, elég érdekes e-moll szimfóniaés himnusz – Előre, Krisztus serege!– talán leggyakrabban előadott műve.

d Az English National School of Music képviselői között is szerepel Arnold Bax, Hubert Parry, Samuel Coleridge - Taylor, Charles Villiers StanfordÉs George Butterworth.

Gilbert és Sullivan operettjeinek francia analógját nevezhetjük műveknek Jacques Offenbach, egy férfi, akinek határozottan volt humorérzéke. Kölnben született, ezért néha „O. Kölnből” (az „O. de Cologne” úgy hangzik, mint „köln”).

1858-ban Offenbach ámulatba ejtette a párizsiakat kánkán operettből Orpheus a pokolban; A kifinomult közönség számára az egyszerű emberek ilyen táncai vadnak és obszcénnek tűntek, maga az operett azonban botrányosnak számított.

Egyébként, ha ismerősnek tűnik ez a név, érdemes megjegyezni, hogy Orpheus mítoszához a korábbi évszázadokban Peri, Monteverdi és Gluck írt zenét. Offenbach változata szatirikus volt, szórakoztatásra szánták, ezért nagyon komolytalan jeleneteket tartalmazott. A közönség azonban az első benyomás ellenére végül megszerette az operettet, így magának Offenbachnak aligha volt oka megbánni, amit írt.

Egyéb művei között szerepel a komoly opera Hoffmann meséi, amelyben megszólal Velencei gondolás dal.

Leo Delibes nem volt kisebb hatású zeneszerző, mint Offenbach, bár ma már csak egy operájára emlékeznek többnyire - Lakme, amelyben a híres hangok Virág duett, számos televíziós képernyővédőben és reklámban használják.

Delibes ismerősei között voltak olyan nagyszerű zenészek, mint Berlioz és Bizet, akikkel a párizsi Lyric Theatre kórusának igazgatójaként dolgozott együtt.

d A francia nemzeti zeneiskola képviselői között is szerepel Alexis – Emmanuel Chabrier, Charles Marie Widor, Joseph Cantet – lubÉs Jules Massenet, opera Thais amely, köztük az intermezzo Reflexiók (Elmélkedés), népszerű számos modern hegedűművész körében.

Utolsó két nemzeti romantikus zeneszerzőnk apa és fia, bár a korkülönbség közöttük (huszonegy év) nem olyan nagy a történelem. Idősebb Johann Strauss„a keringő atyjának” tartják. Kiváló hegedűművész volt, olyan zenekart vezetett, amely Európa-szerte fellépett, és szép pénzt kapott érte.

Ennek ellenére a „Waltz King” cím jogosan fiát illeti meg, akit szintén Johann Straussnak hívtak. Apja nem akarta, hogy hegedűs legyen, de az ifjabb Johann még mindig a zenének szentelte életét, és saját zenekart szervezett, amely felvette a versenyt apja zenekarával. Az ifjabb Strauss jó üzleti érzékkel rendelkezett, aminek köszönhetően meg tudta erősíteni anyagi helyzetét.

Teljes Johann Strauss - fia százhatvannyolc keringőt írt, köztük a legnépszerűbbet - A gyönyörű kék ​​Dunán. Végül akár hat zenekart neveztek el Straussról, amelyek közül az egyiket ifjabb Johann testvére, József, a másikat másik testvére, Eduard vezette (mindegyikük mintegy háromszáz kompozíciót komponált).

Johann keringői és polkái igazi slágerek voltak a bécsi kávéházakban, könnyed és játékos stílusa Európa-szerte a tánczene etalonjává vált.

Egyes klasszikus zene szerelmesei még mindig túlságosan vulgárisnak és komolytalannak tartják a Strauss-kompozíciókat. Ne bízz bennük, és ne dőlj be a provokációiknak! Ez a család tudta, hogyan kell igazán nagyszerű, felemelő és sokáig emlékezetes műveket írni az első hallgatás után.

Ennek az időszaknak a zeneszerzői közül sokan folytatták a zeneírást a 20. században is. Róluk azonban itt beszélünk, és nem a következő fejezetben, mert zenéjükben erős volt a romantika szelleme.

Megjegyzendő, hogy néhányuk szoros, sőt baráti kapcsolatot ápolt a „korai romantikusok” és a „nacionalisták” alfejezetekben említett zeneszerzőkkel.

Ezenkívül nem szabad megfeledkezni arról, hogy ebben az időszakban annyi nagyszerű zeneszerző dolgozott különböző európai országokban, hogy bármely elv szerinti felosztásuk teljesen feltételes lesz. Ha a klasszikus korszaknak és a barokk korszaknak szentelt különböző irodalomban megközelítőleg azonos időkeretek szerepelnek, akkor a romantikus korszakot mindenhol másként definiálják. Úgy tűnik, hogy a zenei életben nagyon elmosódott a határ a romantika vége és a 20. század eleje között.

A 19. századi Olaszország vezető zeneszerzője kétségtelenül az volt Giuseppe Verdi. Ez a vastag bajuszú és szemöldökű férfi, aki csillogó szemekkel nézett ránk, egy egész fejjel magasabb volt, mint az összes többi operaszerző.

Verdi minden műve szó szerint tele van ragyogó, emlékezetes dallamokkal. Összesen huszonhat operát írt, amelyek többségét ma is rendszeresen színpadra állítják. Köztük minden idők leghíresebb és legkiemelkedőbb operaművei.

Verdi zenéjét nagyra becsülték a zeneszerző életében. A premieren Hádész a közönség akkora ovációt adott, hogy a művészeknek akár harminckétszer is meg kellett hajolniuk.

Verdi gazdag ember volt, de a pénz nem tudta megmenteni a zeneszerző feleségét és két gyermekét a korai haláltól, így voltak tragikus pillanatok az életében. Vagyonát az ő vezetésével Milánóban épült régi zenészek menhelyére hagyta. Verdi maga is a menhely létrehozását és nem a zenét tartotta legnagyobb eredményének.

Annak ellenére, hogy a Verdi név elsősorban az operákhoz kötődik, ha róla beszélünk, lehetetlen nem megemlíteni Rekviem, amelyet a kóruszene egyik legjobb példájának tartanak. Tele van drámaisággal, az opera egyes vonásai is megjelennek benne.

Következő zeneszerzőnk nem nevezhető a legbájosabb embernek. Általában véve ez a legbotrányosabb és legvitatottabb alak a könyvünkben említettek közül. Ha csak személyiségjegyek alapján készítenénk egy listát, akkor Richard Wagner Soha nem mentem volna bele. Minket azonban kizárólag zenei szempontok vezérelnek, és a komolyzene története elképzelhetetlen e személy nélkül.

Wagner tehetsége tagadhatatlan. Az ő tollából származtak a romantika teljes korszakának legjelentősebb és leglenyűgözőbb zenei alkotásai – különösen az opera. Ugyanakkor antiszemitának, rasszistának, bürokráciának, végső csalónak, sőt tolvajnak írják le, aki nem habozik mindent elvinni, amire szüksége van, és lelkiismeret-furdalás nélkül durva. Wagnernek túlzott önbecsülése volt, és úgy gondolta, hogy zsenialitása minden ember fölé emeli.

Wagnerre emlékeznek operáiról. Ez a zeneszerző a német operát teljesen új szintre emelte, és bár Verdivel egy időben született, zenéje nagyon különbözött a korabeli olasz művektől.

Wagner egyik újítása az volt, hogy minden főszereplő saját zenei témát kapott, amely minden alkalommal megismétlődött, amikor jelentős szerepet kezdett játszani a színpadon.

Ma ez magától értetődőnek tűnik, de akkoriban ez a gondolat valódi forradalmat szült.

Wagner legnagyobb eredménye a ciklus volt Nibelung gyűrűje, négy operából áll: Rajna arany, Valkyrie, SiegfriedÉs Istenek halála.Általában négy egymást követő este adják elő, és összesen körülbelül tizenöt óráig tartanak. Ezek az operák önmagukban is elegendőek lennének zeneszerzőjük dicsőítéséhez. Wagner mint személy minden kétértelműsége ellenére el kell ismerni, hogy kiváló zeneszerző volt.

Wagner operáinak jellegzetessége a hosszúság. Utolsó operája Parsifal négy óránál tovább tart.

David Randolph karmester egyszer ezt mondta róla:

"Ez az a fajta opera, amely hatkor kezdődik, és amikor három órával később ránézel a karórádra, kiderül, hogy 6:20-at mutat."

Élet Anton Bruckner Zeneszerzőként ez egy lecke, hogyan ne add fel, és ne ragaszkodj saját magadhoz. Napi tizenkét órát gyakorolt, minden idejét a munkának szentelte (orgonista volt), és sokat tanult a zenéről önállóan, és meglehetősen érett korában - harminchét évesen - fejezte be a levelező zeneszerzés mesterségét.

Ma legtöbbször Bruckner szimfóniáira emlékeznek az emberek, amelyekből összesen kilencet írt. Időnként kételyek kerítették hatalmába a zenész értékét illetően, de mégis elérte az elismerést, bár élete vége felé. Előadása után 1. szimfóniák a kritikusok végül dicsérték az akkor már negyvennégy éves zeneszerzőt.

Johannes Brahms nem egy azok közül a zeneszerzők közül, akik úgyszólván ezüstbottal a kezében születtek. Születésére a család elvesztette korábbi vagyonát, és alig kereste a megélhetést. Tinédzserként abból élt, hogy szülővárosa, Hamburg bordélyházaiban játszott. Mire Brahms felnőtt lett, kétségtelenül megismerkedett az élet kevésbé vonzó oldalaival.

Brahms zenéjét barátja, Robert Schumann népszerűsítette. Schumann halála után Brahms közel került Clara Schumannhoz, és végül bele is szeretett. Azt nem tudni, hogy pontosan milyen kapcsolatuk volt, bár az iránta érzett érzelmek valószínűleg szerepet játszottak más nőkkel való kapcsolatában – egyiküknek sem adta a szívét.

Brahms meglehetősen féktelen és ingerlékeny ember volt, de barátai azt állították, hogy van benne szelídség, bár ezt nem mindig mutatta ki a körülötte lévőknek. Egy nap egy buliból hazatérve ezt mondta:

"Ha nem sértettem meg ott senkit, akkor bocsánatot kérek."

Brahms nem nyerte volna meg a legdivatosabb és legelegánsabban öltözött zeneszerző versenyét. Utált új ruhákat vásárolni, és gyakran ugyanazt a bő, foltozott nadrágot viselt, ami szinte mindig túl rövid volt számára. Egy előadás közben majdnem leesett a nadrágja. Egy másik alkalommal le kellett vennie a nyakkendőjét, és öv helyett azt kellett viselnie.

Brahms zenei stílusára Haydn, Mozart és Beethoven nagy hatást gyakorolt, sőt egyes zenetörténészek azt állítják, hogy a klasszicizmus szellemében írt, akkorra már kiment a divatból. Ugyanakkor több új ötlet is birtokában van. Különösen képes volt kis zenei részeket kidolgozni és a műben végig ismételni – amit a zeneszerzők "ismétlődő motívumnak" neveznek.

Brahms nem írt operákat, de a klasszikus zene szinte minden más műfajában kipróbálta magát. Ezért a könyvünkben említett egyik legnagyobb zeneszerzőnek, a komolyzene igazi óriásának nevezhető. Ő maga ezt mondta munkájáról:

„Nem nehéz megkomponálni, de meglepően nehéz extra hangokat az asztal alá dobni.”

Max Bruch mindössze öt évvel Brahms után született, és ez utóbbi minden bizonnyal elhomályosította volna őt, ha nem egy műre, 1. hegedűverseny.

Bruch maga is elismerte ezt a tényt, és szerényen kijelentette, ami sok zeneszerző számára szokatlan:

„Ötven év múlva Brahmsot minden idők egyik legnagyobb zeneszerzőjének fogják nevezni, és a g-moll hegedűverseny megírásával emlékeznek rám.”

És igaza volt. Igaz, magának Bruchnak van mire emlékeznie! Sok más művet is komponált - összesen mintegy kétszázat -, különösen sok művet írt kórusoknak és operáknak, amelyeket manapság ritkán állítanak színpadra. Zenéje dallamos, de semmi különösebb újdonsággal nem járult hozzá a fejlődéséhez. Hozzá képest sok más akkori zeneszerző igazi újítónak tűnik.

1880-ban Bruchot a Royal Liverpool Philharmonic Society karmesterévé nevezték ki, de három évvel később visszatért Berlinbe. A zenekari zenészek nem voltak elégedettek vele.

Könyvünk lapjain számos zenei csodagyerekkel találkozhattunk már, ill Camille Saint – Sans nem az utolsó helyen áll közöttük. Saint-Saens kétévesen már zongorán válogatta a dallamokat, és egyszerre tanult meg kottát írni és olvasni. Három évesen saját szerzeményű darabokat játszott. Tíz évesen szépen előadta Mozartot és Beethovent. Ugyanakkor komoly érdeklődést mutatott a rovartan (lepkék és rovarok), majd más tudományok, így a geológia, a csillagászat és a filozófia iránt is. Úgy tűnt, hogy egy ilyen tehetséges gyerek egyszerűen nem korlátozhatja magát egyetlen dologra.

A Párizsi Konzervatóriumban végzett tanulmányai után Saint-Saens évekig orgonistaként dolgozott. Ahogy nőtt, elkezdte befolyásolni Franciaország zenei életét, és neki köszönhető, hogy olyan zeneszerzők zenéjét kezdték előadni, mint J. S. Bach, Mozart, Händel és Gluck.

Saint-Saens leghíresebb munkája az állati karnevál, amelynek előadását a zeneszerző még életében megtiltotta. Aggódott, hogy a zenekritikusok, miután meghallották ezt a művet, túl komolytalannak tartják. Végül is vicces, amikor a színpadon a zenekar oroszlánt, tyúkot kakassal, teknősöket, elefántot, kengurut, akváriumot halakkal, madarakkal, szamarat és hattyút ábrázol.

Saint-Saens néhány egyéb művét nem túl gyakori hangszerkombinációkra írta, köztük a híres hangszerkombinációkra „Orgona” 3. szimfónia, a „Babe” című filmben hallható.

Saint-Saens zenéje más francia zeneszerzők munkásságára is hatással volt, többek között Gabriel Fore. Ez a fiatalember örökölte az orgonista pozíciót a párizsi Szent Magdolna-templomban, amelyet korábban Saint-Saens foglalt el.

És bár Fauré tehetsége nem hasonlítható össze tanára tehetségével, nagyszerű zongorista volt.

Faure nem volt gazdag ember, ezért keményen dolgozott, orgonált, kórust vezetett és leckéket adott. Szabadidejében írt, amiből nagyon kevés volt, de ennek ellenére több mint kétszázötven művét sikerült kiadnia. Némelyikük komponálása nagyon sokáig tartott: például dolgozni Rekviem több mint húsz évig tartott.

1905-ben Fauré lett a párizsi konzervatórium igazgatója, vagyis az, akitől az akkori francia zene fejlődése nagymértékben függött. Tizenöt évvel később Fauré nyugdíjba vonult. Élete végén halláskárosodástól szenvedett.

Faurét ma Franciaországon kívül tisztelik, bár ott becsülik a legjobban.

Az angol zene rajongói számára egy ilyen figura megjelenése, mint pl Edward Elgar, Valóságos csodának tűnhetett. Sok zenetörténész az első jelentős angol zeneszerzőnek nevezi a barokk korban dolgozó Henry Purcell után, bár egy kicsit korábban Arthur Sullivant is említettük.

Elgar nagyon szerette Angliát, különösen szülőföldjét, Worcestershire-t, ahol élete nagy részét töltötte, és a Malvern Hills mezőin talált ihletet.

Gyerekkorában mindenhol zene vette körül: apjának volt egy helyi zeneboltja, és a kis Elgart különféle hangszereken tanította játszani. A fiú tizenkét évesen már az orgonistát helyettesítette az istentiszteleten.

Miután egy ügyvédi irodában dolgozott, Elgar úgy döntött, hogy pénzügyi szempontból egy sokkal kevésbé megbízható foglalkozásnak szenteli magát. Egy ideig részmunkaidőben dolgozott, hegedű- és zongoraleckéket adott, játszott a helyi zenekarokban, és még vezényelt is egy kicsit.

Fokozatosan nőtt Elgar zeneszerzői hírneve, bár nehezen tudott kijutni szülőföldjén kívülre. Hírnevet hozott neki Variációk egy eredeti témára, amelyek manapság jobban ismertek Enigma variációk.

Most Elgar zenéjét nagyon angolnak tartják, és a nagy nemzeti események során hallható. Az első hangokra Csellóverseny azonnal feltűnik az angol vidék. Nimród tól től Variációk gyakran játszott hivatalos szertartásokon, és Ünnepélyes és ünnepélyes felvonulás 1. sz. ismert, mint Remény és dicsőség földje, fellépett a bálokon szerte az Egyesült Királyságban.

Elgar családos ember volt, és szerette a nyugodt, rendezett életet. Ennek ellenére nyomot hagyott a történelemben. Ez a vastag, bozontos bajuszú zeneszerző azonnal kiszúrható a húsz kilós hangon. Nyilvánvalóan a bankjegytervezők úgy érezték, hogy az ilyen arcszőrzetet nagyon nehéz meghamisítani.

Olaszországban Giuseppe Verdi utódja az operaművészetben volt Giacomo Puccini, e művészeti ág világ egyik elismert mesterének tartják.

A Puccini család régóta foglalkozott egyházzenével, de amikor Giacomo először hallott operát Aida Verdi, rájött, hogy ez az ő hivatása.

Milánói tanulmányai után Puccini operát komponált Manon Lescaut, amely 1893-ban hozta meg számára első nagy sikerét. Ezt követően egyik sikeres produkció követte a másikat: Csehország 1896-ban, Sóvárgás 1900-ban és Madame Butterfly 1904-ben.

Puccini összesen tizenkét operát komponált, ezek közül az utolsó volt Turandot.Úgy halt meg, hogy ezt a művet nem fejezte be, egy másik zeneszerző pedig befejezte a művet. Az opera premierjén Arturo Toscanini karmester pontosan ott állította meg a zenekart, ahol Puccini. A hallgatósághoz fordult, és így szólt:

"Itt a halál győzött a művészet felett."

Puccini halálával véget ért az olasz opera virágkora. Könyvünkben már nem lesz szó olasz operaszerzőkről. De ki tudja, mit hoz számunkra a jövő?

Az életben Gustav Mahler jobban ismerték karmesterként, mint zeneszerzőként. Télen vezényelt, nyáron pedig általában inkább írt.

Azt mondják, hogy Mahler gyerekkorában egy zongorát talált a nagymamája házának padlásán. Négy évvel később, tíz évesen tartotta első fellépését.

Mahler a Bécsi Konzervatóriumban tanult, ahol zenét kezdett komponálni. 1897-ben a Bécsi Állami Operaház igazgatója lett, és a következő tíz évben jelentős hírnévre tett szert ezen a területen.

Ő maga három operát kezdett írni, de soha nem fejezte be. Korunkban elsősorban szimfóniák zeneszerzőjeként ismert. Ebben a műfajban övé az egyik igazi "sláger" - 8. szimfónia, Előadásában több mint ezer zenész és énekes vesz részt.

Mahler halála után zenéje mintegy ötven évre kiment a divatból, de a 20. század második felében újra népszerűvé vált, főleg Nagy-Britanniában és az USA-ban.

Richard Strauss Németországban született, és nem tartozott a bécsi Strauss-dinasztiához. Annak ellenére, hogy ez a zeneszerző a 20. század szinte teljes első felét átélte, még mindig a német zenei romantika képviselőjének tartják.

Richard Strauss világméretű népszerűségét némileg rontotta, hogy 1939 után úgy döntött, Németországban marad, és a második világháború után még a nácikkal való együttműködéssel is megvádolták.

Strauss kiváló karmester volt, aminek köszönhetően tökéletesen megértette, hogyan kell hangzani egy adott hangszernek egy zenekarban. Ezt a tudást gyakran alkalmazta a gyakorlatban. Különféle tanácsokat adott más zeneszerzőknek is, mint pl.

"Soha ne nézd a harsonákat, csak bátorítsd őket."

„Ne izzadjon fellépés közben; Csak a hallgatóknak érezniük kell magukat.”

Straussra manapság elsősorban munkássága kapcsán emlékeznek meg Így szólt Zarathustra, az intró, amelyet Stanley Kubrick a 2001: Űrodüsszeia című filmjében használt. De ő írta a legjobb német operák közül néhányat, köztük Der Rosenkavalier, SalomeÉs Ariadne Naxoson. Halála előtt egy évvel nagyon szépet is komponált Négy utolsó dalénekhangra és zenekarra. Általában nem ezek voltak Strauss utolsó dalai, de kreatív tevékenységének egyfajta fináléi lettek.

A könyvben említett zeneszerzők között eddig csak egy Skandinávia képviselője volt, Edvard Grieg. Most azonban ismét erre a zord és hideg vidékre szállítanak bennünket – ezúttal Finnországba, ahol születtem Jean Sibelius, nagy zenei zseni.

Sibelius zenéje magába szívta szülőföldjének mítoszait és legendáit. Legnagyobb műve Finnország, a finn nemzeti szellem megtestesítőjének tartják, ahogy Nagy-Britanniában is nemzeti kincsként ismerik el Elgar műveit. Ráadásul Sibelius, akárcsak Mahler, igazi mestere volt a szimfóniáknak.

Ami a zeneszerző egyéb szenvedélyeit illeti, mindennapi életében túlzottan szeretett inni és dohányozni, így negyvenévesen megbetegedett torokrákban. Sokszor pénzhiány is volt, az állam nyugdíjat biztosított neki, hogy anyagi boldogulása nélkül folytathassa a zeneírást. De több mint húsz évvel halála előtt Sibelius egyáltalán nem komponált. Élete hátralevő részét viszonylagos magányban élte le. Különösen kemény volt azokkal szemben, akik pénzt kaptak a zenéjének kritikájáért:

„Ne figyelj arra, amit a kritikusok mondanak. Eddig egyetlen kritikus sem kapott szobrot.”

A romantika korszakának zeneszerzői listáján szereplő utolsó is csaknem a 20. század közepéig élt, bár leghíresebb műveit az 1900-as években írta. És mégis romantikusnak tartják, és úgy tűnik számunkra, hogy ő a legromantikusabb zeneszerző az egész csoportban.

Szergej Vasziljevics Rahmanyinov nemesi családba született, amely addigra már meglehetősen kimerült. Kora gyermekkorában érdeklődést mutatott a zene iránt, szülei először Szentpétervárra, majd Moszkvába küldték tanulni.

Rahmanyinov elképesztően tehetséges zongorista volt, és csodálatos zeneszerzőnek is bizonyult.

Enyém 1. zongoraverseny tizenkilenc évesen írta. Talált időt első operájára, Aleko.

De ez a nagyszerű zenész általában nem volt különösebben elégedett az élettel. Sok fényképen egy dühös, homlokráncolt férfit látunk. Egy másik orosz zeneszerző, Igor Stravinsky egyszer megjegyezte:

„Rahmanyinov halhatatlan lényege a komorsága volt. Hat és fél láb magas volt... félelmetes ember volt.

Amikor a fiatal Rahmanyinov Csajkovszkijnál játszott, annyira el volt ragadtatva, hogy négy pluszponttal A-t adott – ez a legmagasabb osztályzat a Moszkvai Konzervatórium történetében. Hamarosan az egész város a fiatal tehetségről beszélt.

Ennek ellenére a sors sokáig kegyetlen maradt a zenészhez.

A kritikusok nagyon kemények voltak ezzel kapcsolatban 1. szimfóniák, melynek premierje kudarccal végződött. Ez Rahmanyinovnak nehéz érzelmi élményeket okozott, elvesztette hitét képességeiben, és egyáltalán nem tudott semmit sem komponálni.

Végül csak egy tapasztalt pszichiáter, Nikolai Dahl segítségével tudott kilábalni a válságból. 1901-re Rahmanyinov befejezte a zongoraversenyt, amelyen sok éven át keményen dolgozott, és amelyet Dr. Dahlnak ajánlott. A közönség ezúttal örömmel fogadta a zeneszerző művét. Azóta 2. zongoraverseny kedvelt klasszikussá vált a világ különböző csoportjai által előadott.

Rahmanyinov turnézni kezdett Európában és az Egyesült Államokban. Oroszországba visszatérve vezényelt és komponált.

Az 1917-es forradalom után Rahmanyinov és családja Skandináviában járt koncertekre. Soha nem tért haza. Ehelyett Svájcba költözött, ahol vett egy házat a Luzerni-tó partján. Mindig is szerette a víztömegeket, és most, hogy meglehetősen gazdag emberré vált, megengedhette magának, hogy a parton pihenjen és gyönyörködjön a nyíló tájban.

Rahmanyinov kiváló karmester volt, és mindig a következő tanácsokat adta azoknak, akik kitűnni akartak ezen a területen:

„A jó karmesternek jó sofőrnek kell lennie. Mindkettő ugyanazokat a tulajdonságokat igényli: koncentrációt, szakadatlan intenzív figyelmet és lélekjelenlétet. A karmesternek csak egy kicsit kell tudnia a zenéről...”

1935-ben Rahmanyinov úgy döntött, hogy az Egyesült Államokban telepszik le. Először New Yorkban élt, majd Los Angelesbe költözött. Ott új házat kezdett építeni magának, teljesen azonosnak azzal, amit Moszkvában hagyott.

Ahogy Rahmanyinov idősebb lett, egyre kevesebbet vezényelt, és szinte teljesen abbahagyta a zeneszerzést. Kiváló zongoristaként érte el hírnevének csúcsait.

Honvágya ellenére Rahmanyinovnak tetszett az USA-ban. Büszke volt hatalmas Cadillac-jére, és gyakran hívott vendégeket egy autóútra, hogy megmutassa az autót.

Nem sokkal halála előtt Rahmanyinov amerikai állampolgárságot kapott. Ebben az országban temették el.

Sokkal nagyobb figyelmet szenteltünk könyvünkben a romantikus korszaknak, mint a klasszikus zene összes többi korszakának.

Ebben a korszakban annyi érdekes dolog történt a legkülönbözőbb országokban, hogy egyszerűen lehetetlen mindent elmondani egy rövid cikkben. A klasszikus zene sokat változott, ahogy a hangzása is, amely gazdagabb és intenzívebb lett a nagy szimfonikus zenekaroknak köszönhetően. Rahmanyinov művei sok szempontból ideális példái ennek a hangzásnak. Ha összehasonlítjuk Beethovennel, kiderül, milyen grandiózusak voltak a változások.

De bármennyire is jelentősnek tűnnek ezek a változások, amelyek a romantika mintegy nyolcvan évében a zene világában végbementek, nem hasonlíthatók össze a későbbiekkel. Később pedig a zene még változatosabbá és szokatlanabbá vált - ami véleményünk szerint nem mindig volt hasznára.

A 18. század végén - a 19. század elején olyan művészeti irányzat jelent meg, mint a romantika. Ebben a korszakban az emberek egy ideális világról álmodoztak, és a fantáziába „menekültek”. Ez a stílus a zenében találta meg a legélénkebb és legötletesebb megtestesülését. A romantika képviselői közül a 19. század híres zeneszerzői közé tartozik Karl Weber,

Robert Schumann, Franz Schubert, Liszt Ferenc és Richard Wagner.

Liszt Ferenc

A jövő egy csellóművész családjában született meg. Apja kiskorától kezdve tanította a zenére. Gyerekként énekelt a kórusban, és megtanult orgonálni. Amikor Franz 12 éves volt, családja Párizsba költözött, hogy a fiú zenét tanulhasson. A konzervatóriumba nem vették fel, 14 éves kora óta etűdkomponál. Olyan 19. századi művészek voltak rá nagy hatással, mint Berlioz és Paganini.

Paganini Liszt igazi bálványa lett, és elhatározta, hogy saját zongoratudását csiszolja. Az 1839-1847-es koncerttevékenységet fényes diadal kísérte. Ferenc ezekben az években hozta létre a híres „Vándorlások évei” színműgyűjteményét. A zongoravirtuóz és a közönség kedvence a korszak igazi megtestesítője lett.

Liszt Ferenc zenét komponált, több könyvet írt, tanított és nyílt órákat vezetett. századi zeneszerzők egész Európából érkeztek hozzá. Elmondhatjuk, hogy szinte egész életében a zenével foglalkozott, hiszen 60 évig alkotott. Zenei tehetsége és ügyessége a mai napig példakép a modern zongoristák számára.

Richard Wagner

A zseni olyan zenét alkotott, amely senkit sem hagyhatott közömbösen. Egyszerre voltak rajongói és heves ellenfelei. Wagner gyermekkora óta szenvedélyes volt a színház iránt, és 15 évesen elhatározta, hogy tragédiát hoz létre zenével. 16 évesen Párizsba hozta műveit.

3 évig hiába próbálkozott az opera színpadra állításával, senki sem akart ismeretlen zenésszel foglalkozni. A 19. századi népszerű zeneszerzők, mint például Liszt Ferenc és Berlioz, akikkel Párizsban ismerkedett meg, nem hoztak neki szerencsét. Szegényben él, és senki sem akarja támogatni zenei elképzeléseit.

Miután Franciaországban kudarcot vallott, a zeneszerző visszatért Drezdába, ahol karmesterként kezdett dolgozni az udvari színházban. 1848-ban Svájcba emigrált, miután a felkelésben részt vett bűnözőnek nyilvánították. Wagner tisztában volt a polgári társadalom tökéletlenségével és a művész függő helyzetével.

1859-ben a Trisztán és Izolda című operában a szerelmet dicsőítette. A "Parsifal" című mű az egyetemes testvériség utópikus vízióját mutatja be. A gonoszt legyőzik, az igazságosság és a bölcsesség győz. A 19. század összes nagy zeneszerzőjét Wagner zenéje hatotta át, és tanult műveiből.

A 19. században Oroszországban nemzeti zeneszerzés és előadóiskola alakult. Az orosz zenében két korszak van: a korai romantika és a klasszikus. Az elsőbe olyan 19. századi orosz zeneszerzők tartoznak, mint A. Varlamov, A. Verstovsky, A. Gurilev.

Mihail Glinka

Mikhail Glinka zeneszerzés iskolát alapított hazánkban. Az orosz szellem mindegyikében jelen van, olyan híres operák, mint a „Ruslan és Ljudmila”, „Élet a cárnak” hazaszeretettel hatnak. Glinka összefoglalta a népzene jellegzetes vonásait, és felhasználta a népzene ősi dallamait és ritmusait. A zeneszerző a zenei dramaturgiában is újító volt. Munkája a nemzeti kultúra felemelkedése.

Az orosz zeneszerzők sok ragyogó művet adtak a világnak, amelyek még ma is rabul ejtik az emberek szívét. A 19. század zseniális orosz zeneszerzői közül olyan neveket örökítettek meg, mint M. Balakirev, A. Glazunov, M. Muszorgszkij, N. Rimszkij-Korszakov, P. Csajkovszkij.

A klasszikus zene élénken és érzékien tükrözi az ember belső világát. A szigorú racionalizmust a 19. századi romantika váltotta fel.

Bemutatás sokféle módon és módszerrel nyújt tájékoztatást az emberek széles körének. Minden munka célja a benne javasolt információk átadása és asszimilálása. És ehhez ma különféle módszereket használnak: a krétával ellátott táblától a drága paneles kivetítőig.

A prezentáció lehet magyarázó szöveggel keretezett kép (fotók), beépített számítógépes animáció, hang- és videofájlok és egyéb interaktív elemek.

Weboldalunkon rengeteg előadást talál az Önt érdeklő témában. Ha nehézségei vannak, használja a webhelykeresőt.

Az oldalon ingyenes csillagászati ​​előadásokat tölthet le, biológia és földrajz előadásokon ismerheti meg bolygónk növény- és állatvilágának képviselőit. Az iskolai órákon a gyerekek érdeklődést mutatnak az országuk történelmének megismeréséhez a történelmi bemutatókon keresztül.

A zeneórákon a tanár használhat interaktív zenei prezentációkat, amelyeken különféle hangszerek hangjait hallhatja. Letöltheti az MHC-ről szóló előadásokat és a társadalomtudományi előadásokat is. Az orosz irodalom kedvelőit sem fosztják meg a figyelmüktől, bemutatom az orosz nyelvű PowerPoint munkáimat.

Vannak speciális szekciók a technikusok számára: és matematikai előadások. A sportolók pedig sporttal kapcsolatos előadásokkal ismerkedhetnek meg. Azok számára, akik szeretnek saját alkotást készíteni, van egy rovat, ahonnan bárki letöltheti gyakorlati munkája alapját.