ภาพวาดโดยศิลปินชาวญี่ปุ่น ภาพวาดญี่ปุ่น: ความละเอียดอ่อนทั้งหมดของการวาดภาพตะวันออก

ภาพวาดคลาสสิกของญี่ปุ่นมีมายาวนานและ เรื่องราวที่น่าสนใจ- ทัศนศิลป์ของญี่ปุ่นถูกนำเสนอในรูปแบบและประเภทที่แตกต่างกัน ซึ่งแต่ละประเภทก็มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวในแบบของตัวเอง รูปแกะสลักโบราณและลวดลายเรขาคณิตที่พบในระฆังดอตาคุสำริดและเศษเครื่องปั้นดินเผามีอายุย้อนกลับไปถึงปีคริสตศักราช 300

การวางแนวศิลปะพุทธศาสนา

ศิลปะการวาดภาพฝาผนังได้รับการพัฒนาค่อนข้างดีในญี่ปุ่น ในศตวรรษที่ 6 ภาพในหัวข้อปรัชญาพุทธศาสนาได้รับความนิยมเป็นพิเศษ ในเวลานั้นมีการสร้างวัดขนาดใหญ่ในประเทศ และผนังทุกแห่งก็ตกแต่งด้วยจิตรกรรมฝาผนังที่วาดตามฉากจากตำนานและตำนานทางพุทธศาสนา ตัวอย่างภาพวาดฝาผนังโบราณยังคงได้รับการเก็บรักษาไว้ในวัดโฮริวจิใกล้กับเมืองนาราของญี่ปุ่น ภาพฝาผนังโฮริวจิแสดงภาพเหตุการณ์พุทธประวัติและเทพเจ้าองค์อื่นๆ รูปแบบศิลปะของจิตรกรรมฝาผนังเหล่านี้ใกล้เคียงกับแนวคิดภาพที่ได้รับความนิยมในประเทศจีนในสมัยราชวงศ์ซ่งมาก

รูปแบบการวาดภาพของราชวงศ์ถังได้รับความนิยมเป็นพิเศษในช่วงกลางสมัยนารา ภาพจิตรกรรมฝาผนังที่ค้นพบในสุสานทาคามัตสึซูกะมีอายุย้อนกลับไปประมาณศตวรรษที่ 7 จากช่วงเวลานี้ เทคนิคทางศิลปะที่เกิดขึ้นภายใต้อิทธิพลของราชวงศ์ถังต่อมาได้ก่อให้เกิดพื้นฐาน ประเภทภาพคาร่า-เอ๊ะ ประเภทนี้ยังคงได้รับความนิยมจนกระทั่งมีผลงานชิ้นแรกในสไตล์ยามาโตะ-เอะ จิตรกรรมฝาผนังและผลงานจิตรกรรมชิ้นเอกส่วนใหญ่เป็นของแปรง ผู้เขียนที่ไม่รู้จักปัจจุบันผลงานหลายชิ้นจากสมัยนั้นถูกเก็บไว้ในคลัง Sesoin

อิทธิพลที่เพิ่มขึ้นของนิกายพุทธศาสนาใหม่ๆ เช่น เทนได มีอิทธิพลต่อการวางแนวศาสนาที่กว้างขึ้น วิจิตรศิลป์ญี่ปุ่นในศตวรรษที่ 8 และ 9 ในศตวรรษที่ 10 ซึ่งมีความก้าวหน้าเป็นพิเศษในพุทธศาสนาญี่ปุ่น ประเภทของไรโกสุ "ภาพวาดต้อนรับ" ปรากฏขึ้น ซึ่งบรรยายถึงการมาถึงของพระพุทธเจ้าในสวรรค์ตะวันตก ตัวอย่างไรโกซุในช่วงแรกๆ ย้อนหลังไปถึงปี 1053 สามารถพบเห็นได้ที่วัดเบโดอิน ซึ่งยังคงอยู่ในเมืองอุจิ จังหวัดเกียวโต

การเปลี่ยนสไตล์

ในช่วงกลางยุคเฮอัน สไตล์คาราเอะของจีนถูกแทนที่ด้วยประเภทยามาโตะ-เอะ ซึ่งมาเป็นเวลานานได้กลายเป็นหนึ่งในประเภทจิตรกรรมญี่ปุ่นที่ได้รับความนิยมและเป็นที่ต้องการมากที่สุด รูปแบบภาพใหม่ส่วนใหญ่จะใช้ในการทาสีฉากกั้นพับและประตูบานเลื่อน เมื่อเวลาผ่านไป ยามาโตะ-เอะก็เปลี่ยนไปใช้ม้วนเอกิโมโนะแนวนอนด้วย ศิลปินที่ทำงานในประเภท emaki พยายามถ่ายทอดอารมณ์ของพล็อตที่เลือกในผลงานของพวกเขา ม้วนหนังสือเก็นจิโมโนกาตาริประกอบด้วยตอนหลายตอนที่ร้อยเข้าด้วยกัน โดยศิลปินในยุคนั้นใช้ฝีแปรงอย่างรวดเร็วและสีสันที่สดใสและสื่ออารมณ์

E-maki เป็นหนึ่งในตัวอย่างที่เก่าแก่และโดดเด่นที่สุดของ otoko-e ซึ่งเป็นรูปแบบการเป็นตัวแทน ภาพชาย- มีจุดเด่นที่ภาพเหมือนของผู้หญิง แยกประเภทออนนาเอ่อ ระหว่างประเภทเหล่านี้ ในความเป็นจริง เช่นเดียวกับระหว่างชายและหญิง จะเห็นความแตกต่างที่ค่อนข้างสำคัญ สไตล์อนนะเอะแสดงออกมาอย่างมีสีสันในการออกแบบ Tale of Genji โดยธีมหลักของภาพวาดคือเรื่องราวที่โรแมนติกและฉากจากชีวิตในศาล สไตล์โอโตโกะเอะของผู้ชายโดยหลักแล้วเป็นการนำเสนอเชิงศิลปะเกี่ยวกับการต่อสู้ทางประวัติศาสตร์และอื่นๆ เหตุการณ์สำคัญในชีวิตของจักรวรรดิ

โรงเรียนศิลปะคลาสสิกของญี่ปุ่นกลายเป็นพื้นที่อุดมสมบูรณ์สำหรับการพัฒนาและส่งเสริมแนวคิดเกี่ยวกับศิลปะร่วมสมัยในญี่ปุ่น ซึ่งสามารถเห็นอิทธิพลของวัฒนธรรมป๊อปและอะนิเมะได้อย่างชัดเจน ศิลปินชาวญี่ปุ่นที่มีชื่อเสียงที่สุดคนหนึ่งในยุคของเราเรียกว่าทาคาชิมูราคามิซึ่งมีผลงานที่อุทิศให้กับการวาดภาพฉากจากชีวิตชาวญี่ปุ่น ช่วงหลังสงครามและแนวความคิดในการหลอมรวมวิจิตรศิลป์และกระแสหลักอย่างสูงสุด

จากศิลปินชื่อดังชาวญี่ปุ่น โรงเรียนคลาสสิกเราสามารถตั้งชื่อได้ดังต่อไปนี้

ซูบุนที่ตึงเครียด

Syubun ทำงานเมื่อต้นศตวรรษที่ 15 โดยทุ่มเทเวลาอย่างมากในการศึกษาผลงานของปรมาจารย์ชาวจีนในราชวงศ์ซ่งชายคนนี้ยืนอยู่ที่จุดกำเนิดของประเภทภาพของญี่ปุ่น ชูบุนถือเป็นผู้ก่อตั้งภาพวาดหมึกขาวดำสไตล์ซูมิเอะ เขาใช้ความพยายามอย่างมากในการเผยแพร่แนวใหม่นี้ โดยเปลี่ยนให้เป็นหนึ่งในขอบเขตชั้นนำของการวาดภาพญี่ปุ่น ลูกศิษย์ของซูบุนเป็นศิลปินมากมายที่ต่อมามีชื่อเสียง รวมถึงเซสชูและผู้ก่อตั้งโรงเรียนสอนศิลปะชื่อดัง คาโนะ มาซาโนบุ ภูมิทัศน์หลายแห่งมีสาเหตุมาจาก Xubun แต่ผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขามักถูกมองว่าเป็น "การอ่านหนังสือในป่าไผ่"

โองาตะ โคริน (1658-1716)

โอกาตะ โครินเป็นหนึ่งในนั้น ศิลปินหลักในประวัติศาสตร์การวาดภาพของญี่ปุ่นผู้ก่อตั้งและหนึ่งในตัวแทนที่ฉลาดที่สุด สไตล์ศิลปะริมปา Korine ย้ายออกจากแบบแผนดั้งเดิมอย่างกล้าหาญในผลงานของเขาและก่อตัวเป็นของเขาเอง สไตล์ของตัวเองลักษณะสำคัญคือรูปแบบขนาดเล็กและอิมเพรสชั่นนิสม์ที่สดใสของโครงเรื่อง Korin เป็นที่รู้จักจากทักษะพิเศษในการวาดภาพธรรมชาติและการทำงานกับองค์ประกอบสีแบบนามธรรม “ดอกบ๊วยสีแดงขาว” ก็เป็นอีกดอกหนึ่ง ผลงานที่มีชื่อเสียงโอกาตะ โครินะ ภาพวาดของเขา "ดอกเบญจมาศ" "คลื่นแห่งมัตสึชิมะ" และอื่นๆ อีกมากมายก็เป็นที่รู้จักเช่นกัน

ฮาเซกาวะ โทฮาคุ (ค.ศ. 1539-1610)

Tohaku เป็นผู้ก่อตั้งโรงเรียนศิลปะ Hasegawa ของญี่ปุ่น สำหรับ ช่วงต้นความคิดสร้างสรรค์ของ Tohaku โดดเด่นด้วยอิทธิพลของสำนักจิตรกรรมญี่ปุ่นที่มีชื่อเสียง คาโน แต่เมื่อเวลาผ่านไป ศิลปินก็ได้สร้างสไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์ของตัวเองขึ้นมา ในหลาย ๆ ด้าน งานของ Tohaku ได้รับอิทธิพลจากผลงานของปรมาจารย์ Sesshu ที่ได้รับการยอมรับ โฮเซกาวะยังถือว่าตัวเองเป็นผู้สืบทอดคนที่ห้าของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่คนนี้ด้วยซ้ำ ภาพวาด "ต้นสน" ของฮาเซกาวะ โทฮาคุ ได้รับชื่อเสียงไปทั่วโลก ผลงานของเขา "เมเปิ้ล", "ต้นสนและพืชดอก" และอื่นๆ ก็เป็นที่รู้จักเช่นกัน

คาโนะ เอโทกุ (ค.ศ. 1543-1590)

รูปแบบโรงเรียนคาโนะครอบงำทัศนศิลป์ของญี่ปุ่นมาประมาณสี่ศตวรรษ และคาโนะ เอโทกุอาจเป็นหนึ่งในตัวแทนที่มีชื่อเสียงและโดดเด่นที่สุดของโรงเรียนศิลปะแห่งนี้ Eitoku ได้รับการสนับสนุนจากทางการ การอุปถัมภ์ของขุนนางและผู้อุปถัมภ์ที่ร่ำรวยไม่สามารถช่วยเสริมสร้างความเข้มแข็งให้กับโรงเรียนของเขาและความนิยมในผลงานของเขาได้อย่างไม่ต้องสงสัยเลย ศิลปินที่มีพรสวรรค์- ฉากกั้นเลื่อน Cypress แปดแผงซึ่งวาดโดย Eitoku Kano ถือเป็นผลงานชิ้นเอกที่แท้จริงและเป็นตัวอย่างที่ส่องประกายของขอบเขตและพลังของสไตล์ Monoyama ผลงานอื่น ๆ ของปรมาจารย์เช่น "นกและต้นไม้แห่งสี่ฤดู", "สิงโตจีน", "ฤาษีและนางฟ้า" และอื่น ๆ อีกมากมายดูน่าสนใจไม่น้อย

คัตสึชิกะ โฮะกุไซ (ค.ศ. 1760-1849)

โฮคุไซ – อาจารย์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดประเภทของอุกิโยะเอะ (ภาพพิมพ์แกะไม้ของญี่ปุ่น) ได้รับความคิดสร้างสรรค์ของโฮคุไซ การยอมรับระดับโลกชื่อเสียงของเขาในประเทศอื่นเทียบไม่ได้กับศิลปินเอเชียส่วนใหญ่ผลงานของเขา” คลื่นลูกใหญ่ในคานากาว่า" ได้กลายเป็นจุดเด่นของวิจิตรศิลป์ญี่ปุ่นในแวดวงศิลปะโลก ด้วยตัวคุณเอง เส้นทางที่สร้างสรรค์โฮะกุไซใช้นามแฝงมากกว่าสามสิบชื่อ หลังจากหกสิบ ศิลปินอุทิศตนให้กับงานศิลปะโดยสิ้นเชิง และครั้งนี้ถือเป็นครั้งที่ยิ่งใหญ่ที่สุด ช่วงเวลาที่มีผลความคิดสร้างสรรค์ของเขา ผลงานของโฮคุไซมีอิทธิพลต่อผลงานของปรมาจารย์ด้านอิมเพรสชันนิสม์ชาวตะวันตกและยุคหลังอิมเพรสชั่นนิสต์ รวมถึงผลงานของเรอนัวร์ โมเนต์ และแวนโก๊ะ

การวาดภาพขาวดำของญี่ปุ่นเป็นหนึ่งในปรากฏการณ์อันเป็นเอกลักษณ์ของศิลปะตะวันออก มีการทุ่มเทงานและการวิจัยมากมาย แต่มักถูกมองว่าเป็นสิ่งที่ธรรมดามากและบางครั้งก็เป็นของตกแต่ง โลกวิญญาณไม่เป็นเช่นนั้น ศิลปินชาวญี่ปุ่นร่ำรวยมากและเขาไม่สนใจองค์ประกอบด้านสุนทรียศาสตร์มากนัก แต่เกี่ยวกับองค์ประกอบทางจิตวิญญาณ

ศิลปะตะวันออกเป็นการสังเคราะห์จากภายนอกและภายใน ชัดเจนและโดยปริยาย

ในโพสต์นี้ฉันอยากจะให้ความสนใจไม่ใช่ประวัติศาสตร์ของการวาดภาพเอกรงค์ แต่ถึงแก่นแท้ของมัน นี่คือสิ่งที่เราจะพูดถึง

จอภาพ "ต้นสน" Hasegawa Tohaku, 1593

สิ่งที่เราเห็นในภาพวาดเอกรงค์เป็นผลมาจากปฏิสัมพันธ์ของศิลปินกับองค์ประกอบพื้นฐานสามประการ ได้แก่ กระดาษ พู่กัน หมึก ดังนั้นเพื่อที่จะเข้าใจงานได้อย่างถูกต้อง คุณต้องเข้าใจตัวศิลปินและทัศนคติของเขาด้วย

"ทิวทัศน์" เซะชู 1398กระดาษ สำหรับอาจารย์ชาวญี่ปุ่นมันไม่ง่ายเลยวัสดุชั่วคราว ซึ่งเขาอยู่ใต้บังคับบัญชาของเขา แต่ตรงกันข้าม - นี่คือ "พี่ชาย" ดังนั้นทัศนคติต่อเธอจึงพัฒนาขึ้นตามนั้น กระดาษเป็นส่วนหนึ่งของธรรมชาติที่อยู่รายรอบ ซึ่งชาวญี่ปุ่นปฏิบัติต่อด้วยความเคารพมาโดยตลอดและพยายามที่จะไม่ปราบ แต่ให้อยู่ร่วมกันอย่างสันติกับกระดาษ กระดาษในอดีตเป็นต้นไม้ที่ยืนต้นอยู่บริเวณหนึ่งเวลาที่แน่นอน

“เห็น” บางสิ่งรอบตัวเธอ และเธอก็เก็บมันไว้ทั้งหมด นี่คือวิธีที่ศิลปินชาวญี่ปุ่นรับรู้ถึงเนื้อหานี้ บ่อยครั้งก่อนที่จะเริ่มงาน อาจารย์มองกระดาษเปล่าแผ่นหนึ่งเป็นเวลานาน (ครุ่นคิด) จากนั้นจึงเริ่มวาดภาพเท่านั้น แม้กระทั่งในปัจจุบัน ศิลปินญี่ปุ่นยุคใหม่ที่ใช้เทคนิค Nihon-ga (ภาพวาดแบบญี่ปุ่นดั้งเดิม) ก็เลือกใช้กระดาษอย่างระมัดระวัง พวกเขาซื้อมันตามสั่งจากโรงงานกระดาษ ศิลปินแต่ละคนมีความหนา การซึมผ่านของความชื้น และพื้นผิวที่แน่นอน (ศิลปินหลายคนถึงกับทำข้อตกลงกับเจ้าของโรงงานที่จะไม่ขายกระดาษนี้ให้กับศิลปินคนอื่น) ดังนั้นภาพวาดแต่ละภาพจึงถูกมองว่าเป็นสิ่งที่มีเอกลักษณ์และมีชีวิตชีวา

"การอ่านในป่าไผ่" Xubun, 1446 เมื่อพูดถึงความสำคัญของเนื้อหานี้เป็นสิ่งที่ควรค่าแก่การกล่าวถึงต่อไปนี้วรรณกรรมญี่ปุ่น เช่น “Notes at the Bedside” โดย Sei Shonagon และ “Genji Monogotari” โดย Murasaki Shikibu: ทั้งใน “Notes” และ “Genji” คุณจะพบแผนการเมื่อข้าราชบริพารหรือคู่รักแลกเปลี่ยนข้อความกัน กระดาษที่ใช้เขียนข้อความเหล่านี้เป็นเวลาที่เหมาะสมของปี เฉดสี และลักษณะการเขียนข้อความที่สอดคล้องกับเนื้อผ้า

“มุราซากิ ชิกิบุที่ศาลเจ้าอิชิยามะ” เคียวเซ็น

แปรง- องค์ประกอบที่สองคือความต่อเนื่องของมือของอาจารย์ (อีกครั้งคือ วัสดุธรรมชาติ- ดังนั้นจึงมีการสั่งทำพู่กันด้วย แต่ส่วนใหญ่มักจะทำโดยศิลปินเอง เขาเลือกเส้นขนตามความยาวที่ต้องการ เลือกขนาดของแปรงและด้ามจับที่สะดวกสบายที่สุด ปรมาจารย์วาดภาพด้วยพู่กันของเขาเองเท่านั้น ไม่ใช้อย่างอื่น (จากประสบการณ์ส่วนตัว: ฉันอยู่ในชั้นเรียนปริญญาโทของศิลปินชาวจีน Jiang Shilun ผู้ชมขอให้แสดงให้เห็นว่านักเรียนของเขาที่อยู่ในชั้นเรียนปริญญาโทสามารถทำอะไรได้บ้าง และแต่ละคนก็หยิบพู่กันของอาจารย์ขึ้นมากล่าวว่า ผลลัพธ์จะไม่เป็นสิ่งที่พวกเขาคาดหวัง เนื่องจากแปรงไม่ใช่ของพวกเขา พวกเขาไม่คุ้นเคยและไม่รู้ว่าจะใช้อย่างถูกต้องอย่างไร)

ภาพร่างด้วยหมึก "ฟูจิ" โดยคัตสึชิกะ โฮคุไซ

มาสคาร่า- องค์ประกอบสำคัญประการที่สาม มาสคาร่ามีหลายประเภท: สามารถให้เอฟเฟกต์มันวาวหรือด้านหลังจากการอบแห้งสามารถผสมกับสีเงินหรือสีเหลืองสดได้ดังนั้นการเลือกมาสคาร่าที่ถูกต้องก็มีความสำคัญเช่นกัน

ยามาโมโตะ ไบสึ ปลายศตวรรษที่ 18 - 19

วิชาหลักของการวาดภาพเอกรงค์คือทิวทัศน์ ทำไมพวกเขาถึงไม่มีสี?

จับคู่หน้าจอ "ต้นสน" Hasegawa Tohaku

ประการแรก ศิลปินชาวญี่ปุ่นไม่สนใจในตัววัตถุ แต่โดยแก่นแท้แล้ว คือองค์ประกอบบางอย่างที่พบได้ทั่วไปในสิ่งมีชีวิตทุกชนิด และนำไปสู่ความกลมกลืนระหว่างมนุษย์กับธรรมชาติ ดังนั้นภาพจึงเป็นสัญญาณบ่งบอกถึงประสาทสัมผัสของเรา ไม่ใช่การมองเห็น การพูดน้อยเป็นแรงกระตุ้นสำหรับการสนทนาและทำให้เกิดความเชื่อมโยง เส้นและจุดมีความสำคัญในภาพ - เกิดขึ้น ภาษาศิลปะ- นี่ไม่ใช่เสรีภาพของนายที่ทิ้งเครื่องหมายตัวหนาไว้ในที่ที่เขาต้องการ แต่ในอีกที่หนึ่งตรงกันข้าม - ทุกสิ่งในภาพมีความหมายและความสำคัญในตัวเองและไม่ได้สุ่ม

ประการที่สอง สีมักจะมีบางอย่างอยู่เสมอ การระบายสีตามอารมณ์และบุคคลต่างๆ ในสภาวะต่างๆ จะรับรู้แตกต่างกัน ดังนั้นความเป็นกลางทางอารมณ์จึงทำให้ผู้ดูเข้าสู่บทสนทนาได้อย่างเหมาะสมที่สุด เพื่อวางตำแหน่งสำหรับการรับรู้ การไตร่ตรอง และความคิด

ประการที่สามนี่คือปฏิสัมพันธ์ของหยินและหยางการวาดภาพเอกรงค์ใด ๆ นั้นมีความกลมกลืนกันจากมุมมองของอัตราส่วนของหมึกต่อพื้นที่ที่ไม่มีใครแตะต้องของกระดาษ

เหตุใดพื้นที่กระดาษส่วนใหญ่จึงไม่ได้ใช้?

“ภูมิทัศน์” ซูบุน กลางศตวรรษที่ 15

ประการแรก พื้นที่ว่างจะทำให้ผู้ชมดื่มด่ำไปกับภาพ ประการที่สองภาพถูกสร้างขึ้นราวกับว่ามันลอยขึ้นสู่ผิวน้ำครู่หนึ่งและกำลังจะหายไป - สิ่งนี้เชื่อมโยงกับโลกทัศน์และโลกทัศน์ ประการที่สาม ในพื้นที่ที่ไม่มีหมึก พื้นผิวและสีของกระดาษจะปรากฏอยู่เบื้องหน้า (ซึ่งไม่สามารถมองเห็นได้ในการจำลองเสมอไป แต่ในความเป็นจริงแล้ว มันเป็นการทำงานร่วมกันของวัสดุทั้งสองเสมอ - กระดาษและหมึก)

เซะชู, 1446

ทำไมต้องเป็นแนวนอน?

“การไตร่ตรองถึงน้ำตก” กายามิ 1478

ตามโลกทัศน์ของญี่ปุ่น ธรรมชาติมีความสมบูรณ์แบบมากกว่ามนุษย์ ดังนั้นเขาจึงต้องเรียนรู้จากมัน ปกป้องมันในทุกวิถีทางที่เป็นไปได้ และไม่ทำลายหรือพิชิตมัน

ดังนั้นในภูมิประเทศหลายแห่ง คุณสามารถเห็นภาพผู้คนเล็กๆ น้อยๆ ได้ แต่จะไม่สำคัญเสมอไป มีขนาดเล็กเมื่อเทียบกับภูมิทัศน์นั้นเอง หรือภาพกระท่อมที่พอดีกับพื้นที่รอบตัวพวกเขา และไม่ได้สังเกตเห็นได้ชัดเจนเสมอไป - สิ่งเหล่านี้ล้วนเป็นสัญลักษณ์ของ โลกทัศน์

"ฤดูกาล: ฤดูใบไม้ร่วงและฤดูหนาว" เซสชู "ภูมิทัศน์" เซะชู 1481

โดยสรุป ฉันอยากจะบอกว่าภาพวาดญี่ปุ่นขาวดำนั้นไม่ใช่หมึกที่สาดอย่างวุ่นวาย ไม่ใช่อัตตาภายในของศิลปิน - มันเป็นระบบภาพและสัญลักษณ์ทั้งหมด มันเป็นแหล่งรวมความคิดเชิงปรัชญา และที่สำคัญที่สุด วิธีการสื่อสารและการประสานกันของตนเองและโลกรอบตัวเรา

ฉันคิดว่านี่คือคำตอบสำหรับคำถามหลักที่เกิดขึ้นในตัวผู้ชมเมื่อต้องเผชิญกับภาพวาดขาวดำของญี่ปุ่น ฉันหวังว่าพวกเขาจะช่วยให้คุณเข้าใจถูกต้องที่สุดและรับรู้เมื่อคุณพบกัน รักมั้ยภาพวาดญี่ปุ่น - คุณรู้จักศิลปินชื่อดังของญี่ปุ่นมากแค่ไหน? ให้เราพิจารณากับคุณในบทความนี้มากที่สุดศิลปินชื่อดัง

ญี่ปุ่นผู้สร้างผลงานในรูปแบบอุกิโยะเอะ (浮世絵) การวาดภาพลักษณะนี้พัฒนามาจากสมัยเอโดะ อักษรอียิปต์โบราณที่ใช้ในการเขียนสไตล์นี้ 浮世絵 หมายถึง "รูปภาพ (ภาพ) ของโลกที่เปลี่ยนแปลง" อย่างแท้จริง คุณสามารถอ่านเพิ่มเติมเกี่ยวกับทิศทางของการวาดภาพนี้ได้ฮิชิคาว่า โมโรโนบุ (菱川師宣, 1618-1694). เขาถือเป็นผู้ก่อตั้งประเภท ukiyo-e แม้ว่าในความเป็นจริงแล้วเขาเป็นเพียงผู้เชี่ยวชาญคนแรกที่ข้อมูลชีวประวัติชีวิตได้รับการเก็บรักษาไว้ โมโรโนบุถือกำเนิดในตระกูลปรมาจารย์ด้านการย้อมผ้าและการปักด้วยด้ายสีทองและเงินเป็นเวลานาน

หลังจากย้ายไปเอโดะ เขาได้ศึกษาเทคนิคการวาดภาพด้วยตัวเองก่อน จากนั้นจึงศึกษาต่อโดยศิลปินคัมบุน

เราเข้าถึงเราจากอัลบั้มของ Moronobu เป็นหลัก ซึ่งเขาบรรยายถึงประวัติศาสตร์และ วิชาวรรณกรรมและหนังสือที่มีลวดลายกิโมโน ปรมาจารย์ยังทำงานในประเภท shunga และในบรรดาผลงานแต่ละชิ้นที่มีภาพผู้หญิงสวย ๆ หลายคนก็รอดชีวิตมาได้

(鳥居清長, 1752-1815) ปรมาจารย์เซกิ (เซกิกุจิ) ชินสุเกะ (อิชิเบ) เป็นที่รู้จักในปลายศตวรรษที่ 18 โดยใช้นามแฝงว่า โทริอิ คิโยนางะ ซึ่งเขารับช่วงสืบทอดโรงเรียนอุกิโยะเอะของโทริอิจากโทริอิ คิโยมิตสึ ภายหลังการเสียชีวิตของโทริอิ คิโยนางะ

คิโยนากะเกิดในครอบครัวของพ่อค้าหนังสือ ชิราโกยะ อิชิเบ ประเภทของบิจินกะทำให้เขามีชื่อเสียงมากที่สุด แม้ว่าเขาจะเริ่มต้นด้วยยาคุชะ-เอะก็ตาม หัวข้อสำหรับการแกะสลักในประเภท Bijinga ถูกนำมาจาก ชีวิตประจำวัน: เดินเล่น ขบวนแห่ ท่องเที่ยวชมธรรมชาติ ในบรรดาผลงานมากมายของศิลปิน ซีรีส์ “การแข่งขันความงามทันสมัยจาก ย่านที่สนุกสนาน", พรรณนาถึงมินามิ หนึ่งใน "ย่านสนุกสนาน" ทางตอนใต้ของเอโดะ, "ภาพบุคคลงามทางตอนใต้ 12 ภาพ", "ร้านน้ำชา 10 ประเภท" คุณสมบัติที่โดดเด่นอาจารย์คือการศึกษารายละเอียดเกี่ยวกับมุมมองเบื้องหลังและการใช้เทคนิคที่มาจากตะวันตกเพื่อพรรณนาแสงและพื้นที่

คิโยนากะมีชื่อเสียงในช่วงแรกด้วยการนำซีรีส์ "ตัวอย่างแฟชั่น: โมเดลใหม่เหมือนใบไม้ในฤดูใบไม้ผลิ" กลับมาเปิดใหม่อีกครั้งในปี ค.ศ. 1782 โดยโคริวไซในช่วงทศวรรษปี 1770 ให้กับสำนักพิมพ์นิชิมูไร โยฮาจิ

(喜多川歌麿, 1753-1806). ปรมาจารย์ภาพอุคิโยเอะที่โดดเด่นรายนี้ได้รับอิทธิพลอย่างมากจากโทริอิ คิโยนางะ และผู้จัดพิมพ์สึทายะ จูซาบุโระ อันเป็นผลมาจากความร่วมมือระยะยาวกับกลุ่มหลังทำให้มีการตีพิมพ์อัลบั้มหนังสือพร้อมภาพประกอบและชุดภาพแกะสลักจำนวนมาก

แม้ว่าอูตามาโระจะใช้ชีวิตของช่างฝีมือธรรมดาๆ และพยายามพรรณนาถึงธรรมชาติ (“หนังสือแห่งแมลง”) แต่ชื่อเสียงก็มาถึงเขาในฐานะศิลปินที่อุทิศให้กับเกอิชาในย่านโยชิวาระ (“หนังสือรุ่นบ้านสีเขียวของโยชิวาระ” ").

อุทามาโระมีการแสดงออกถึงระดับสูงแล้ว สถานะของจิตใจบนกระดาษ เป็นครั้งแรกในงานแกะสลักไม้ของญี่ปุ่นที่เขาเริ่มใช้องค์ประกอบรูปปั้นครึ่งตัว

งานของอุตามาโระมีอิทธิพลต่ออิมเพรสชั่นนิสต์ชาวฝรั่งเศส และมีส่วนทำให้ชาวยุโรปสนใจภาพพิมพ์ของญี่ปุ่น

(葛飾北斎, 1760-1849). ชื่อจริงของโฮคุไซคือโทคิทาโร่ น่าจะเป็นปรมาจารย์ด้านภาพอุกิโยะที่เป็นที่รู้จักแพร่หลายมากที่สุดในโลก ตลอดอาชีพของเขาเขาใช้นามแฝงมากกว่าสามสิบ นักประวัติศาสตร์มักใช้นามแฝงเพื่อกำหนดเวลางานของเขา

ในตอนแรก โฮะคุไซทำงานเป็นช่างแกะสลัก ซึ่งงานของเขาถูกจำกัดด้วยความตั้งใจของศิลปิน ข้อเท็จจริงนี้มีผลกระทบอย่างมากต่อโฮคุไซ และเขาเริ่มมองหาตัวเองในฐานะศิลปินอิสระ

ในปี ค.ศ. 1778 เขาได้เป็นเด็กฝึกงานที่สตูดิโอคัตสึคาวะ ชุนโช ซึ่งเชี่ยวชาญด้านภาพพิมพ์ยาคุชะ-เอะ โฮะคุไซทั้งเก่งและเก่งมาก นักเรียนที่ขยันผู้ซึ่งแสดงความเคารพต่ออาจารย์อยู่เสมอ และด้วยเหตุนี้จึงได้รับความโปรดปรานเป็นพิเศษจากชุนโช ดังนั้น ผลงานอิสระชิ้นแรกของโฮคุไซจึงเป็นประเภทยาคุชะเอะในรูปแบบของภาพจุ่มและภาพสามมิติ และความนิยมของนักเรียนก็เท่ากับความนิยมของครู ในเวลานี้ นายน้อยได้พัฒนาพรสวรรค์ของเขามากจนรู้สึกคับแคบในโรงเรียนแห่งหนึ่ง และหลังจากอาจารย์ของเขาเสียชีวิต โฮะคุไซก็ออกจากสตูดิโอและศึกษาทิศทางของโรงเรียนอื่น: คาโนะ, โซทัตสึ (หรือโคเอ็ตสึ) ริมปะ, โทสะ.

ในช่วงเวลานี้ ศิลปินประสบปัญหาทางการเงินอย่างมาก แต่ในขณะเดียวกัน การก่อตัวของเขาในฐานะปรมาจารย์ก็เกิดขึ้น โดยปฏิเสธภาพลักษณ์ปกติที่สังคมเรียกร้องและค้นหาสไตล์ของตัวเอง

ในปี ค.ศ. 1795 ภาพประกอบสำหรับกวีนิพนธ์บทกวี "Keka Edo Murasaki" ได้เห็นแสงสว่างแห่งวัน จากนั้นโฮคุไซก็วาดภาพซูริโมโนะ ซึ่งเริ่มได้รับความนิยมในทันที และศิลปินหลายคนก็เริ่มเลียนแบบภาพวาดเหล่านั้น

ตั้งแต่ช่วงเวลานี้ Tokitaro เริ่มลงนามผลงานของเขาในชื่อ Hokusai แม้ว่าผลงานบางชิ้นของเขาจะถูกตีพิมพ์โดยใช้นามแฝง Tatsumasa, Tokitaro, Kako, Sorobek

ในปี 1800 ปรมาจารย์เริ่มเรียกตัวเองว่า Gakejin Hokusai ซึ่งแปลว่า "Hokusai ผู้บ้าคลั่งแห่งการวาดภาพ"

ชุดภาพประกอบที่มีชื่อเสียง ได้แก่ “ทิวทัศน์ 36 องศาของภูเขาไฟฟูจิ” ซึ่งภาพวาดที่โดดเด่นที่สุดคือ “ลมแห่งชัยชนะ” วันที่สดใส" หรือ "ฟูจิสีแดง" และ "คลื่นยักษ์แห่งคานากาว่า" "100 วิวภูเขาไฟฟูจิ" วางจำหน่ายในสามอัลบั้ม "มังงะของโฮคุไซ" (北斎漫画) ซึ่งเรียกว่า "สารานุกรม คนญี่ปุ่น- ศิลปินใส่มุมมองทั้งหมดของเขาเกี่ยวกับความคิดสร้างสรรค์และปรัชญาลงใน "มังงะ" “มังงะ” นั่นเอง แหล่งที่สำคัญที่สุดเพื่อศึกษาวิถีชีวิตของญี่ปุ่นในขณะนั้น เนื่องจากมีแง่มุมทางวัฒนธรรมมากมาย มีการตีพิมพ์ประเด็นทั้งหมดสิบสองประเด็นในช่วงชีวิตของศิลปิน และอีกสามประเด็นหลังจากการตายของเขา:

* 1815 - II, III

* 1817 - VI, VII

* พ.ศ. 2392 - สิบสาม (หลังจากศิลปินเสียชีวิต)

ศิลปะของโฮคุไซมีอิทธิพลต่อขบวนการยุโรป เช่น อาร์ตนูโว และอิมเพรสชันนิสม์ของฝรั่งเศส

(河鍋暁斎, 1831 -1889). ใช้นามแฝงว่า เซเซ เคียวไซ, ชูรันไซ, ไบกะ โดจิน และศึกษาที่โรงเรียนคาโนะ

เคียวไซค่อนข้างหน้าด้านซึ่งแตกต่างจากโฮคุไซ ซึ่งทำให้เขาทะเลาะวิวาทกับศิลปินสึโบยามะ โทซัง หลังเลิกเรียนเขากลายเป็นอาจารย์อิสระ แม้ว่าบางครั้งเขาจะไปโรงเรียนอีกห้าปีก็ตาม ในเวลานั้นเขาวาดภาพเคียวกะ หรือที่เรียกว่า "ภาพวาดสุดเพี้ยน"

ผลงานแกะสลักที่โดดเด่น ได้แก่ ภาพเขียนหนึ่งร้อยภาพของเคียวไซ ในฐานะนักวาดภาพประกอบ Kyosai สร้างสรรค์ภาพสำหรับเรื่องสั้นและนวนิยายโดยร่วมมือกับศิลปินคนอื่นๆ

ในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 ชาวยุโรปมักมาเยือนญี่ปุ่นบ่อยครั้ง ศิลปินคุ้นเคยกับผลงานบางชิ้น และผลงานหลายชิ้นของเขาขณะนี้อยู่ในบริติชมิวเซียม

(歌川広重, 1797-1858). เขาทำงานโดยใช้นามแฝง Ando Hiroshige (安藤広重) และเป็นที่รู้จักจากการแสดงลวดลายตามธรรมชาติและ ปรากฏการณ์ทางธรรมชาติ- เขาวาดภาพชิ้นแรกของเขา “ภูเขาไฟฟูจิในหิมะ” ซึ่งปัจจุบันถูกเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์ซันโทรี่ในโตเกียวเมื่ออายุสิบขวบ วิชา งานยุคแรกมีพื้นฐานมาจาก เหตุการณ์จริงเกิดขึ้นบนท้องถนน วงจรที่มีชื่อเสียงของเขา: "100 วิวเอโดะ", "36 วิวของภูเขาไฟฟูจิ", "53 สถานีโทไคโด", "69 สถานีคิโมไคโด", "100 สายพันธุ์ที่รู้จักเอโดะ” โมเนต์และศิลปินชาวรัสเซีย บิลิบิน ได้รับอิทธิพลอย่างมากจาก “53 สถานีของถนนโทไคโด” ที่วาดหลังจากเดินทางไปตามถนนชายฝั่งตะวันออก เช่นเดียวกับ “100 วิวแห่งเอโดะ” จากซีรีส์ประเภท kate-ga ที่มีงานแกะสลัก 25 ชิ้น งานที่มีชื่อเสียงที่สุดคือแผ่นงาน “นกกระจอกเหนือดอกเคมีเลียที่ปกคลุมไปด้วยหิมะ”

(歌川国貞 หรือที่รู้จักในชื่อ อุตะกาวะ โทโยคุนิที่ 3 (三代歌川豊)) หนึ่งในศิลปินภาพอุคิโยเอะที่โดดเด่นที่สุด

เขาให้ความสนใจเป็นพิเศษกับนักแสดงคาบูกิและโรงละครซึ่งคิดเป็นประมาณ 60% ของผลงานทั้งหมด ผลงานที่เป็นที่รู้จักคือผลงานประเภทบิจินกะและภาพเหมือนของนักมวยปล้ำซูโม่ เป็นที่ทราบกันว่าเขาสร้างจาก 20,000 ถึง 25,000 แปลงซึ่งรวมถึง 35,000-40,000 แผ่น เขาไม่ค่อยหันไปหาภูมิประเทศและนักรบ อุตะกาวะ คุนิโยชิ (歌川中芳, 1798 - 1861) กำเนิดในตระกูลคนย้อมผ้าไหม คุนิโยชิเริ่มเรียนรู้การวาดภาพเมื่ออายุสิบขวบขณะอาศัยอยู่กับครอบครัวศิลปินคุนินาโอะ จากนั้นเขาก็เรียนต่อกับคัตสึคาวะ ชุนเอ และเมื่ออายุ 13 ปี เขาได้เข้าเวิร์คช็อปโทคุโยนิเพื่อศึกษา ปีแรก ศิลปินหนุ่มสิ่งต่างๆ ไม่เป็นไปด้วยดี แต่หลังจากได้รับคำสั่งจากผู้จัดพิมพ์ Kagaya Kichibei ให้พิมพ์ห้าภาพสำหรับซีรีส์ 108 Suikoden Heroes สิ่งต่างๆ ก็เริ่มคลี่คลาย เขาสร้างตัวละครที่เหลือในซีรีส์นี้แล้วจึงย้ายไปยังตัวละครอื่นๆ งานต่างๆและสิบห้าปีต่อมา เขาก็เทียบได้กับอุตะกาวะ ฮิโรชิเกะ และอุตะกาวะ คูนิซาดะ

หลังจากการห้ามใช้รูปภาพในปี ค.ศ. 1842 ฉากละคร, นักแสดง, เกอิชาและโสเภณี, คุนิโยชิเขียนซีรีส์ "แมว" ของเขา, พิมพ์จากซีรีส์การศึกษาสำหรับแม่บ้านและเด็ก, พรรณนาถึงวีรบุรุษของชาติในซีรีส์ "ประเพณี, ศีลธรรมและความเหมาะสม" และในช่วงปลายทศวรรษที่ 1840 - ต้นทศวรรษที่ 1850 หลังจากที่อ่อนแอลง ข้อห้าม ศิลปินกลับคืนสู่ธีมคาบูกิ

(渓斎英泉, 1790-1848). เป็นที่รู้จักจากผลงานของเขาในประเภท Bijinga ผลงานที่ดีที่สุดของเขา ได้แก่ ภาพวาดบุคคลประเภทโอคุบิเอะ (“ หัวโต") ซึ่งถือเป็นตัวอย่างงานฝีมือในยุคบุนเซ (พ.ศ. 2361-2373) เมื่อประเภทภาพอุกิโยะกำลังเสื่อมถอยลง ศิลปินวาดภาพซูริโมโนะที่มีโคลงสั้น ๆ และอีโรติกมากมาย รวมถึงวงจรของทิวทัศน์ "Sixty-nine Stations of Kisokaido" ซึ่งเขาไม่สามารถทำให้เสร็จได้และเสร็จสมบูรณ์โดย Hiroshige

ความแปลกใหม่ในการวาดภาพบิจินกะนั้นอยู่ในอารมณ์ที่ไม่เคยเห็นมาก่อนในศิลปินคนอื่น จากผลงานของเขาทำให้เราเข้าใจถึงแฟชั่นในยุคนั้นได้ นอกจากนี้เขายังตีพิมพ์ชีวประวัติของ Forty-Seven Ronin และเขียนหนังสืออื่นๆ อีกหลายเล่ม รวมถึงประวัติภาพพิมพ์อุกิโยเอะ (Ukiyo-e ruiko) ซึ่งมีชีวประวัติของศิลปิน และใน “บันทึกของผู้เฒ่านิรนาม” เขาบรรยายตัวเองว่าเป็นคนขี้เมาที่เลวทรามและ อดีตเจ้าของซ่องแห่งหนึ่งในเนดซูที่ถูกไฟไหม้จนหมดสิ้นในช่วงทศวรรษปี 1830

ซูซูกิ ฮารุโนบุ (鈴木春信, 1724-1770) ชื่อจริงของศิลปินคือโฮซึมิ จิโรเบ เขาคือผู้ค้นพบการพิมพ์แบบอุกิโยะอี เขาเข้าเรียนที่โรงเรียนคาโนและศึกษาการวาดภาพ จากนั้น ภายใต้อิทธิพลของชิเกนากะ นิชิมูระ และโทริอิ คิโยมิตสึ การพิมพ์ภาพพิมพ์แกะไม้จึงกลายเป็นงานอดิเรกของเขา การแกะสลักด้วยสีสองหรือสามสีเกิดขึ้นตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 18 และฮารุโนบุเริ่มวาดภาพด้วยสิบสีโดยใช้กระดานสามแผ่นและรวมสามสีเข้าด้วยกัน ได้แก่ สีเหลือง สีน้ำเงิน และสีแดง

โดดเด่นในภาพ ฉากถนนและภาพเขียนประเภทซุงกา และในช่วงทศวรรษที่ 1760 เขาเป็นหนึ่งในคนกลุ่มแรกๆ ที่รับบทเป็นนักแสดงคาบูกิ ผลงานของเขามีอิทธิพลต่อ E. Manet และ E. Degas

(小原古邨, 1877 - 1945). ชื่อจริงของเขาคือ มาทาโอะ โอฮาระ เป็นภาพเหตุการณ์จากสงครามรัสเซีย-ญี่ปุ่นและสงครามจีน-ญี่ปุ่น อย่างไรก็ตาม หลังจากที่รูปถ่ายปรากฏ งานของเขาเริ่มขายได้ไม่ดี และเริ่มหาเลี้ยงชีพด้วยการสอนที่โรงเรียน วิจิตรศิลป์ในโตเกียว ในปี 1926 เออร์เนสต์ เฟลโลซา ภัณฑารักษ์ของแผนก ศิลปะญี่ปุ่นที่พิพิธภัณฑ์บอสตัน ชักชวนโอฮาราให้กลับไปวาดภาพ และศิลปินก็เริ่มวาดภาพนกและดอกไม้ และผลงานของเขาขายดีในต่างประเทศ

(伊藤若冲, 1716 - 1800). เขาโดดเด่นเหนือศิลปินคนอื่นๆ ในเรื่องความแปลกประหลาดและไลฟ์สไตล์ซึ่งประกอบด้วยมิตรภาพกับวัฒนธรรมและวัฒนธรรมมากมาย บุคคลสำคัญทางศาสนาในเวลานั้น เขาวาดภาพสัตว์ ดอกไม้ และนกในรูปแบบที่แปลกตามาก พระองค์ทรงมีชื่อเสียงมากและทรงรับสั่งเขียนฉากกั้นและภาพเขียนวัด

(鳥居清信, 1664-1729). หนึ่งในตัวแทนที่สำคัญที่สุดของยุคต้นของภาพอุกิโยะ แม้จะมีอิทธิพลอย่างมากจากอาจารย์ฮิชิกาวะ โมโนโรบุ แต่เขาก็เป็นผู้ก่อตั้งประเภทยาคุชะเอะในการพรรณนาโปสเตอร์และโปสเตอร์และคิดค้นสไตล์ของเขาเอง นักแสดงถูกแสดงด้วยท่าทางพิเศษในบทบาท วีรบุรุษผู้กล้าหาญและถูกทาสีในนั้น
สีส้มอันสูงส่งและดึงดูดคนร้ายเข้ามา สีฟ้า- เพื่อพรรณนาถึงความหลงใหล ศิลปินได้คิดค้นภาพวาดมิมิซึกากิแบบพิเศษ ซึ่งเป็นเส้นที่คดเคี้ยวซึ่งมีลายเส้นบางและหนาสลับกัน และรวมกับภาพกล้ามเนื้อแขนขาที่แปลกประหลาด

โทริอิ คิโยโนบุเป็นผู้ก่อตั้งราชวงศ์โทริอิแห่งศิลปิน ลูกศิษย์ของเขาคือ โทริอิ คิโยมาสุ โทริอิ คิโยชิเกะที่ 1 และโทริอิ คิโยมิทสึ

ศิลปินภาพอุกิโยะ-e ที่คุณชื่นชอบคือใคร?

โครงสร้างภาษาญี่ปุ่นแตกต่างจากภาษายุโรปใดๆ ซึ่งอาจทำให้เกิดปัญหาในการเรียนรู้ได้ อย่างไรก็ตาม ไม่ต้องกังวล! คุณได้พัฒนาหลักสูตร ““ ขึ้นมาเพื่อคุณโดยเฉพาะ ซึ่งคุณสามารถสมัครได้เลยตอนนี้!

ยาโยอิ คุซามะ ไม่น่าจะตอบได้ว่าอะไรคือรากฐานในอาชีพศิลปินของเธอ เธออายุ 87 ปี งานศิลปะของเธอได้รับการยอมรับไปทั่วโลก เร็วๆ นี้จะมีการจัดแสดงผลงานสำคัญๆ ของเธอในสหรัฐอเมริกาและญี่ปุ่น แต่เธอยังไม่ได้บอกทุกอย่างให้โลกรู้ “มันยังอยู่ในระหว่างทาง ฉันจะสร้างสิ่งนี้ขึ้นมาในอนาคต" คุซามะกล่าว เธอถูกเรียกว่าเป็นศิลปินที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดในญี่ปุ่น นอกจากนี้เธอยังเป็นศิลปินที่ยังมีชีวิตอยู่ซึ่งมีราคาแพงที่สุด: ในปี 2014 ภาพวาดของเธอ "White No. 28" ถูกขายในราคา 7.1 ล้านเหรียญสหรัฐ

คุซามะอาศัยอยู่ในโตเกียวและสมัครใจอยู่ในโรงพยาบาลจิตเวชมาเกือบสี่สิบปีแล้ว วันละครั้งเธอจะออกจากผนังเพื่อทาสี เธอตื่นนอนตอนตีสาม นอนไม่หลับและอยากใช้เวลาทำงานอย่างมีประสิทธิผล “ฉันแก่แล้ว แต่ฉันยังคงสร้างงานใหม่และงานที่ดีขึ้น มากกว่าที่ฉันเคยทำมาในอดีต จิตใจของฉันเต็มไปด้วยภาพ” เธอกล่าว

(ทั้งหมด 17 ภาพ)

ยาโยอิ คุซามะในนิทรรศการผลงานของเขาในลอนดอน เมื่อปี 1985 ภาพ: NILS JORGENSEN/REX/Shutterstock

ตั้งแต่เก้าโมงถึงหกโมงเย็น Kusama ทำงานในสตูดิโอสามชั้นของเขาด้วยความสะดวกสบายบนรถเข็น เธอเดินได้แต่อ่อนแอเกินไป ผู้หญิงทำงานบนผืนผ้าใบที่วางอยู่บนโต๊ะหรือจับจ้องไปที่พื้น สตูดิโอเต็มไปด้วยภาพวาดใหม่ๆ ผลงานที่สดใสเต็มไปด้วยจุดเล็กๆ ศิลปินเรียกสิ่งนี้ว่า "การเงียบตัวเอง" - การกล่าวซ้ำไม่รู้จบซึ่งจะกลบเสียงรบกวนในหัวของเธอ

ก่อนงานประกาศรางวัลศิลปะ Praemium Imperiale ที่กรุงโตเกียว ประจำปี 2549 ภาพ: Sutton-Hibbert/REX/Shutterstock

ฝั่งตรงข้ามจะเปิดเร็วๆ นี้ แกลเลอรี่ใหม่และพิพิธภัณฑ์ศิลปะของเธออีกแห่งหนึ่งกำลังถูกสร้างขึ้นทางตอนเหนือของโตเกียว นอกจากนี้ ยังมีการเปิดนิทรรศการสำคัญสองนิทรรศการผลงานของเธออีกด้วย “Yayoi Kusama: Infinity Mirrors” ซึ่งเป็นการรำลึกถึงอาชีพการงาน 65 ปีของเธอ เปิดที่พิพิธภัณฑ์ Hirshhorn ในกรุงวอชิงตันเมื่อวันที่ 23 กุมภาพันธ์และดำเนินไปจนถึงวันที่ 14 พฤษภาคม ก่อนที่จะเดินทางไปยังซีแอตเทิล ลอสแองเจลิส โตรอนโต และคลีฟแลนด์ นิทรรศการประกอบด้วยภาพวาด 60 ชิ้นโดยคุซามะ

ลายจุดของเธอครอบคลุมทุกอย่างตั้งแต่ชุด Louis Vuitton ไปจนถึงรถโดยสารในบ้านเกิดของเธอ ผลงานของ Kusama ขายได้หลายล้านดอลลาร์เป็นประจำและสามารถพบได้ทั่วโลก ตั้งแต่นิวยอร์กไปจนถึงอัมสเตอร์ดัม นิทรรศการผลงานของศิลปินชาวญี่ปุ่นได้รับความนิยมมากจนต้องมีมาตรการเพื่อป้องกันฝูงชนและการจลาจล ตัวอย่างเช่น ใน Hirshhorn จะมีการจำหน่ายตั๋วเข้าชมนิทรรศการในช่วงเวลาหนึ่งเพื่อควบคุมการไหลของผู้เข้าชม

การนำเสนอการออกแบบร่วมกันของ Louis Vuitton และ Yayoi Kusama ในนิวยอร์กในปี 2012 ภาพ: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock

แต่คุซามะยังคงต้องการการอนุมัติจากภายนอก เมื่อถูกถามในการให้สัมภาษณ์ว่าเธอบรรลุเป้าหมายในการเป็นคนรวยและมีชื่อเสียงเมื่อหลายสิบปีก่อนหรือไม่ เธอกล่าวด้วยความประหลาดใจว่า “ตอนที่ฉันยังเด็ก มันยากมากสำหรับฉันที่จะโน้มน้าวแม่ว่าฉันอยากเป็นศิลปิน จริงหรือที่ฉันรวยและมีชื่อเสียง?

คุซามะเกิดที่เมืองมัตสึโมโตะ บนภูเขาทางตอนกลางของญี่ปุ่น ในปี 1929 ในครอบครัวที่ร่ำรวยและอนุรักษ์นิยมซึ่งขายต้นกล้า แต่มันไม่ใช่ บ้านมีความสุข- แม่ของเธอดูถูกสามีนอกใจของเธอ จึงส่งคุซามะตัวน้อยไปสอดแนมเขา เด็กหญิงเห็นพ่อของเธออยู่กับผู้หญิงคนอื่น และสิ่งนี้ทำให้เธอรังเกียจเรื่องเพศตลอดชีวิต

หน้าต่างบูติกของ Louis Vuitton ออกแบบโดย Kusama ในปี 2012 ภาพ: Joe Schildhorn/BFA/REX/Shutterstock

เมื่อตอนเป็นเด็ก เธอเริ่มมีอาการประสาทหลอนทั้งทางสายตาและการได้ยิน ครั้งแรกที่เธอเห็นฟักทอง เธอจินตนาการว่ามันกำลังคุยกับเธอ ศิลปินในอนาคตจัดการกับนิมิตโดยสร้างรูปแบบซ้ำๆ เพื่อกลบความคิดในหัวของเธอ แม้กระทั่งในเรื่องนี้ เมื่ออายุยังน้อยศิลปะกลายเป็นการบำบัดแบบหนึ่งสำหรับเธอ ซึ่งต่อมาเธอเรียกว่า "เวชศาสตร์ศิลปะ"

ผลงานของ Yayoi Kusama จัดแสดงที่พิพิธภัณฑ์ศิลปะร่วมสมัย Whitney ในปี 2012 ภาพ: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock

แม่ของคุซามะต่อต้านความปรารถนาของลูกสาวในการเป็นศิลปินอย่างรุนแรง และยืนกรานให้เด็กสาวเดินตามเส้นทางดั้งเดิม “เธอไม่ยอมให้ฉันวาดรูป เธออยากให้ฉันแต่งงาน” ศิลปินกล่าวในการให้สัมภาษณ์ - เธอโยนงานของฉันทิ้งไป ฉันอยากจะโยนตัวเองลงใต้รถไฟ ฉันทะเลาะกับแม่ทุกวัน จิตใจฉันจึงเสียหาย”

ในปีพ.ศ. 2491 หลังจากสิ้นสุดสงคราม คุซามะได้เดินทางไปเกียวโตเพื่อศึกษาการวาดภาพนิฮงกะของญี่ปุ่นแบบดั้งเดิมโดยมีกฎเกณฑ์ที่เข้มงวด เธอเกลียดงานศิลปะประเภทนี้

หนึ่งในนิทรรศการจากนิทรรศการ ยาโยอิ คุซามะ ที่พิพิธภัณฑ์ศิลปะร่วมสมัยวิทนีย์ เมื่อปี พ.ศ. 2555 ภาพ: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock

เมื่อคุซามะอาศัยอยู่ที่มัตสึโมโตะ เธอพบหนังสือของจอร์เจีย โอคีฟ และรู้สึกทึ่งกับภาพวาดในนั้น เด็กหญิงคนนั้นไปที่สถานทูตอเมริกันในโตเกียวเพื่อค้นหาบทความเกี่ยวกับ O'Keefe ในสารบบที่นั่นและค้นหาที่อยู่ของเธอ คุซามะเขียนจดหมายถึงเธอและส่งภาพวาดให้เธอ และทำให้เธอประหลาดใจ ศิลปินชาวอเมริกันตอบเธอ

“ฉันไม่อยากจะเชื่อโชคของฉันเลย! เธอใจดีมากจนเธอตอบสนองต่อความรู้สึกที่ปะทุออกมาอย่างกะทันหันจากคนเจียมเนื้อเจียมตัว สาวญี่ปุ่นซึ่งเธอไม่เคยพบมาก่อนในชีวิตหรือแม้แต่เคยได้ยินชื่อมาก่อน” ศิลปินเขียนไว้ในอัตชีวประวัติของเธอ “Infinity Net”

Yayoi Kusama ในหน้าต่างบูติกของ Louis Vuitton ในนิวยอร์กในปี 2012 ภาพ: Nils Jorgensen/REX/Shutterstock

แม้ว่า O'Keeffe จะเตือนว่าชีวิตเป็นเรื่องยากมากสำหรับศิลปินรุ่นเยาว์ในสหรัฐอเมริกา ไม่ต้องพูดถึงเด็กสาวโสดในญี่ปุ่น แต่ Kusama ก็ผ่านพ้นไม่ได้ ในปีพ.ศ. 2500 เธอได้รับหนังสือเดินทางและวีซ่า เธอเย็บเงินดอลลาร์เข้ากับชุดของเธอเพื่อหลีกเลี่ยงการควบคุมเงินตราหลังสงครามอย่างเข้มงวด

สถานที่แรกคือซีแอตเทิล ซึ่งเธอจัดนิทรรศการในแกลเลอรีเล็กๆ จากนั้นคุซามะก็เดินทางไปนิวยอร์กซึ่งเธอรู้สึกผิดหวังอย่างขมขื่น “นิวยอร์กเป็นสถานที่ที่ชั่วร้ายและรุนแรงไม่เหมือนกับมัตสึโมโตะหลังสงคราม มันกลายเป็นเรื่องเครียดเกินไปสำหรับฉัน และในไม่ช้าฉันก็กลายเป็นโรคประสาท” ที่เลวร้ายยิ่งกว่านั้น คุซามะพบว่าตัวเองยากจนข้นแค้นโดยสิ้นเชิง ประตูเก่าทำหน้าที่เป็นเตียงของเธอ และเธอก็เอาหัวปลาและผักเน่าๆ จากถังขยะมาทำซุป

การติดตั้ง ห้องกระจกอินฟินิตี้ - รักตลอดไป (“ห้องที่มีกระจกอินฟินิตี้ - รักตลอดไป”) ภาพ: Tony Kyriacou/REX/Shutterstock

สถานการณ์ที่ยากลำบากนี้ทำให้ Kusama ทุ่มเทให้กับงานของเขามากยิ่งขึ้น เธอเริ่มสร้างสรรค์ภาพวาดชิ้นแรกในซีรีส์ Infinity Net ซึ่งครอบคลุมผืนผ้าใบขนาดใหญ่ (หนึ่งในนั้นสูง 10 เมตร) พร้อมด้วยคลื่นลูกเล็กที่ชวนให้หลงใหลซึ่งดูเหมือนจะไม่มีที่สิ้นสุด ศิลปินเองก็บรรยายไว้ดังนี้: “เครือข่ายสีขาวที่ห่อหุ้มจุดสีดำแห่งความตายอันเงียบงันโดยมีฉากหลังเป็นความมืดมิดที่สิ้นหวังแห่งความว่างเปล่า”

การติดตั้งโดย Yayoi Kusama ในงานเปิดอาคารใหม่ของพิพิธภัณฑ์ศิลปะร่วมสมัยการาจที่สวนสาธารณะกอร์กีในมอสโกในปี 2558 ภาพ: David X Prutting/BFA.com/REX/Shutterstock

การทำซ้ำๆ ครอบงำนี้ช่วยขับไล่โรคประสาทออกไป แต่ก็ไม่ได้ช่วยเสมอไป คุซามะป่วยเป็นโรคจิตอย่างต่อเนื่องและต้องเข้าโรงพยาบาลในนิวยอร์ก ด้วยความทะเยอทะยาน จุดมุ่งหมาย และการยอมรับบทบาทของสาวเอเชียที่แปลกหน้าในชุดกิโมโนอย่างมีความสุข เธอจึงเข้าร่วมกับฝูงชน ผู้มีอิทธิพลในงานศิลปะและสื่อสารกับศิลปินที่มีชื่อเสียงเช่น Mark Rothko และ Andy Warhol คุซามะกล่าวในภายหลังว่าวอร์ฮอลเลียนแบบงานของเธอ

ในไม่ช้า คุซามะก็ได้รับชื่อเสียงและจัดแสดงในแกลเลอรีที่มีผู้คนพลุกพล่าน นอกจากนี้ชื่อเสียงของศิลปินยังกลายเป็นเรื่องอื้อฉาวอีกด้วย

ในช่วงทศวรรษที่ 1960 ขณะที่ Kusama หมกมุ่นอยู่กับลายจุด เธอเริ่มจัดฉากในนิวยอร์กซิตี้ โดยสนับสนุนให้ผู้คนเปลื้องผ้าในสถานที่ต่างๆ เช่น Central Park และสะพานบรูคลิน และวาดภาพร่างกายด้วยลายจุด

ก่อนจัดแสดงที่ Art Basel ในฮ่องกงในปี 2013 ภาพ: Billy Farrell/BFA/REX/Shutterstock

หลายทศวรรษก่อนขบวนการ Occupy Wall Street คุซามะได้จัดเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นในย่านการเงินของนิวยอร์ก โดยประกาศว่าเธอต้องการ "ทำลายคนในวอลล์สตรีทด้วยลายจุด" ในช่วงเวลานี้ เธอเริ่มคลุมสิ่งของต่างๆ เช่น เก้าอี้ เรือ รถเข็นเด็ก โดยมีส่วนยื่นออกมาคล้ายลึงค์ “ฉันเริ่มสร้างอวัยวะเพศชายเพื่อรักษาความรู้สึกเกลียดชังทางเพศ” ศิลปินเขียนโดยอธิบายว่าสิ่งนี้เกิดขึ้นได้อย่างไร กระบวนการสร้างสรรค์ค่อยๆ เปลี่ยนสิ่งที่เลวร้ายให้กลายเป็นสิ่งที่คุ้นเคย

การติดตั้ง "ผ่านฤดูหนาว" ที่ Tate Gallery ในลอนดอน ภาพ: James Gourley/REX/Shutterstock

คุซามะไม่เคยแต่งงาน แม้ว่าเธอจะมีความสัมพันธ์แบบการแต่งงานกับศิลปินโจเซฟ คอร์เนลเป็นเวลาสิบปีในขณะที่อาศัยอยู่ในนิวยอร์ก “ฉันไม่ชอบเซ็กส์ และเขาก็ไร้สมรรถภาพ ดังนั้นเราจึงเข้ากันได้ดีมาก” เธอกล่าวในการให้สัมภาษณ์กับนิตยสาร Art

คุซามะมีชื่อเสียงมากขึ้นจากการแสดงตลกของเธอ เธอเสนอที่จะนอนกับประธานาธิบดีริชาร์ด นิกสันของสหรัฐอเมริกา หากเขาจะยุติสงครามในเวียดนาม “มาตกแต่งกันด้วยลายจุดกันเถอะ” เธอเขียนจดหมายถึงเขา ความสนใจในงานศิลปะของเธอก็จางหายไป เธอพบว่าตัวเองไม่เป็นที่โปรดปราน และปัญหาเรื่องเงินก็เริ่มต้นขึ้นอีกครั้ง

ยาโยอิ คุซามะ ระหว่างชมผลงานของเธอที่พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่วิทนีย์ในนิวยอร์ก เมื่อปี 2012 ภาพ: Steve Eichner/Penske Media/REX/Shutterstock

ข่าวการหลบหนีของคุซามะไปถึงญี่ปุ่น เธอเริ่มถูกเรียกว่า "ภัยพิบัติระดับชาติ" และแม่ของเธอบอกว่าจะดีกว่าถ้าลูกสาวของเธอเสียชีวิตด้วยโรคนี้ในวัยเด็ก ในช่วงต้นทศวรรษ 1970 คุซามะยากจนและล้มเหลวจึงเดินทางกลับญี่ปุ่น เธอลงทะเบียนในโรงพยาบาลจิตเวชซึ่งเธอยังมีชีวิตอยู่ และจมดิ่งลงสู่ความสับสนทางศิลปะ

ในปี 1989 ศูนย์ศิลปะร่วมสมัยในนิวยอร์กได้จัดแสดงผลงานย้อนหลังของเธอ นี่คือจุดเริ่มต้นของการฟื้นฟูความสนใจในงานศิลปะของคุซามะ แม้ว่าจะช้าก็ตาม เธอเติมเต็มห้องกระจกด้วยฟักทองสำหรับงานศิลปะจัดวางซึ่งจัดแสดงที่ Venice Biennale ในปี 1993 และมีนิทรรศการใหญ่ที่ MoMa ในนิวยอร์กในปี 1998 นี่คือที่ที่เธอเคยจัดฉากเหตุการณ์ที่เกิดขึ้น

ในนิทรรศการ My Eternal Soul จิตวิญญาณนิรันดร์") วี ศูนย์แห่งชาติศิลปะในโตเกียว กุมภาพันธ์ 2017 ภาพ: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

ในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมา ยาโยอิ คุซามะ ได้กลายเป็นปรากฏการณ์ระดับนานาชาติ แกลเลอรี่ที่ทันสมัยพิพิธภัณฑ์เทตในลอนดอนและพิพิธภัณฑ์วิทนีย์ในนิวยอร์กจัดงานย้อนหลังครั้งสำคัญซึ่งดึงดูดผู้เข้าชมจำนวนมาก และลวดลายลายจุดอันเป็นเอกลักษณ์ของเธอกลายเป็นที่รู้จักอย่างสูง

ในนิทรรศการ My Eternal Soul ที่ศูนย์ศิลปะแห่งชาติในกรุงโตเกียว กุมภาพันธ์ 2017 ภาพ: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

ศิลปินไม่มีแผนที่จะหยุดทำงาน แต่เริ่มคิดถึงการเสียชีวิตของเธอแล้ว “ฉันไม่รู้ว่าฉันสามารถอยู่รอดได้นานแค่ไหนแม้จะตายไปแล้ว มีคนรุ่นอนาคตที่เดินตามรอยเท้าของฉัน มันจะเป็นเกียรติสำหรับฉันหากผู้คนสนุกกับการดูงานของฉันและหากพวกเขาประทับใจกับงานศิลปะของฉัน”

แม้ว่างานศิลปะของเธอจะถูกนำไปใช้ในเชิงพาณิชย์ แต่คุซามะก็ยังคิดถึงหลุมศพในมัตสึโมโตะ ไม่ใช่ในห้องใต้ดินของครอบครัว แต่เธอก็สืบทอดมันมาจากพ่อแม่ของเธออยู่ดี และจะไม่เปลี่ยนมันให้เป็นศาลเจ้าได้อย่างไร “แต่ฉันยังไม่ตาย ฉันคิดว่าฉันจะมีชีวิตอยู่ต่อไปอีก 20 ปี” เธอกล่าว

ศิลปะและการออกแบบ

2643

01.02.18 09:02

วันนี้ ฉากศิลปะญี่ปุ่นมีความหลากหลายและเร้าใจมาก: ดูผลงานของปรมาจารย์จากประเทศ อาทิตย์อุทัยคุณจะตัดสินใจว่าคุณได้มาถึงดาวดวงอื่นแล้ว! แหล่งกำเนิดนวัตกรรมที่เปลี่ยนแปลงภูมิทัศน์ของอุตสาหกรรมในระดับโลก ต่อไปนี้เป็นรายชื่อศิลปินญี่ปุ่นร่วมสมัย 10 คนและผลงานสร้างสรรค์ของพวกเขา ตั้งแต่สิ่งมีชีวิตที่น่าทึ่งของ Takashi Murakami (ผู้ฉลองวันเกิดของเขาในวันนี้) ไปจนถึงจักรวาลที่เต็มไปด้วยสีสันของ Kusama

จากโลกอนาคตสู่กลุ่มดาวประ: ศิลปินญี่ปุ่นร่วมสมัย

Takashi Murakami: นักอนุรักษนิยมและคลาสสิก

มาเริ่มกันที่ฮีโร่แห่งโอกาสนี้เลย! ทาคาชิ มูราคามิคือหนึ่งในศิลปินร่วมสมัยที่โดดเด่นที่สุดของญี่ปุ่น โดยทำงานเกี่ยวกับภาพวาด ประติมากรรมขนาดใหญ่ และเสื้อผ้าแฟชั่น สไตล์ของมุราคามิได้รับอิทธิพลจากมังงะและอะนิเมะ เขาเป็นผู้ก่อตั้งขบวนการ Superflat ซึ่งสนับสนุนประเพณีทางศิลปะของญี่ปุ่นและ วัฒนธรรมหลังสงครามประเทศ. มุราคามิส่งเสริมเพื่อนร่วมรุ่นของเขาหลายคน และเราจะพบกับพวกเขาบางส่วนในวันนี้ด้วย ผลงาน “วัฒนธรรมย่อย” ของทาคาชิ มูราคามิถูกนำเสนอในตลาดศิลปะด้านแฟชั่นและศิลปะ เพลงแนวเร้าใจของเขา My Lonesome Cowboy (1998) ถูกขายในนิวยอร์กที่ Sotheby's ในปี 2008 ในราคา 15.2 ล้านเหรียญสหรัฐ มุราคามิร่วมมือกับโลก แบรนด์ที่มีชื่อเสียงมาร์ค จาคอบส์, หลุยส์ วิตตอง และ อิซเซ่ มิยาเกะ

อาชิมะและจักรวาลเหนือจริงของเธออย่างเงียบ ๆ

ชิโช อาชิมะเป็นสมาชิกของบริษัทผลิตผลงานศิลปะ Kaikai Kiki และขบวนการ Superflat (ก่อตั้งโดยทาคาชิ มูราคามิทั้งคู่) เป็นที่รู้จักจากทิวทัศน์เมืองที่น่าอัศจรรย์และสิ่งมีชีวิตป๊อปที่แปลกประหลาด ศิลปินสร้างสรรค์ความฝันเหนือจริงที่มีปีศาจ ผี และสาวงามอาศัยอยู่ โดยมีฉากหลังเป็นธรรมชาติที่แปลกประหลาด ผลงานของเธอมักจะมีขนาดใหญ่และพิมพ์ลงบนกระดาษ หนัง และพลาสติก ในปี 2549 ศิลปินร่วมสมัยชาวญี่ปุ่นคนนี้ได้เข้าร่วมงานศิลปะบนรถไฟใต้ดินในลอนดอน เธอสร้างส่วนโค้ง 17 ส่วนติดต่อกันสำหรับชานชาลา - ภูมิทัศน์อันมหัศจรรย์ค่อยๆ เปลี่ยนจากกลางวันเป็นกลางคืน จากในเมืองสู่ชนบท ปาฏิหาริย์นี้เกิดขึ้นที่สถานีรถไฟใต้ดิน Gloucester Road

จิฮารุ ชิมะ และเส้นด้ายอันไม่มีที่สิ้นสุด

ศิลปินอีกคนหนึ่งคือ ชิฮารุ ชิโอตะ ที่ทำงานด้านภาพจัดวางขนาดใหญ่สำหรับสถานที่สำคัญบางแห่ง เธอเกิดที่โอซาก้า แต่ตอนนี้อาศัยอยู่ที่เยอรมนี - ในกรุงเบอร์ลิน แก่นกลางในงานของเธอคือการลืมเลือนและความทรงจำ ความฝันและความเป็นจริง อดีตและปัจจุบัน และการเผชิญหน้ากับความวิตกกังวล มากที่สุด ผลงานที่มีชื่อเสียง Chiharu Shiota - เครือข่ายด้ายสีดำที่ไม่อาจทะลุผ่านได้ ครอบคลุมของใช้ในครัวเรือนและของใช้ส่วนตัวมากมาย - เช่นเก้าอี้เก่า ชุดแต่งงาน, เปียโนที่ถูกไฟไหม้ ในฤดูร้อนปี 2014 Shiota ผูกรองเท้าและรองเท้าบูทบริจาค (ซึ่งมีมากกว่า 300 คู่) เข้าด้วยกันด้วยเส้นด้ายสีแดงแล้วแขวนไว้บนตะขอ นิทรรศการ Chiharu ครั้งแรกในเมืองหลวงของเยอรมนีเกิดขึ้นระหว่างกรุงเบอร์ลิน สัปดาห์ศิลปะในปี 2559 และทำให้เกิดความฮือฮา

เฮ้ อาราคาวะ: ทุกที่ ไม่มีที่ไหนเลย

Hei Arakawa ได้รับแรงบันดาลใจจากสภาวะของการเปลี่ยนแปลง ช่วงเวลาแห่งความไม่มั่นคง องค์ประกอบแห่งความเสี่ยง และผลงานจัดวางของเขามักเป็นสัญลักษณ์ของมิตรภาพและการทำงานเป็นทีม หลักความเชื่อของศิลปินญี่ปุ่นร่วมสมัยถูกกำหนดโดยการแสดงที่ไม่มีกำหนด “ทุกที่ แต่ไม่มีที่ไหนเลย” ผลงานของเขาปรากฏขึ้นในสถานที่ที่ไม่คาดคิด ในปี 2013 ผลงานของ Arakawa ได้รับการจัดแสดงที่ Venice Biennale และในนิทรรศการศิลปะร่วมสมัยของญี่ปุ่นที่ Mori Museum of Art (โตเกียว) การติดตั้ง Hawaiian Presence (2014) เป็นความร่วมมือกับศิลปินชาวนิวยอร์ก Carissa Rodriguez และรวมอยู่ใน Whitney Biennial นอกจากนี้ ในปี 2014 อาราคาวะและโทมุน้องชายของเขาซึ่งแสดงเป็นดูโอ้ชื่อ United Brothers ได้เสนอ "ผลงาน" ของพวกเขา "The This Soup Taste Ambivalent" ให้กับผู้มาเยือน Frieze London ด้วยผักรากหัวไชเท้าฟุกุชิมะที่มี "กัมมันตภาพรังสี"

โคกิ ทานากะ: ความสัมพันธ์และการทำซ้ำ

ในปี 2015 Koki Tanaka ได้รับการยกย่องให้เป็น "ศิลปินแห่งปี" Tanaka สำรวจประสบการณ์ที่แบ่งปันระหว่างความคิดสร้างสรรค์และจินตนาการ ส่งเสริมการแลกเปลี่ยนระหว่างผู้เข้าร่วมโครงการ และสนับสนุนกฎเกณฑ์ใหม่ในการทำงานร่วมกัน การติดตั้งในศาลาญี่ปุ่นที่งาน Venice Biennale 2013 ประกอบด้วยวิดีโอของวัตถุที่เปลี่ยนพื้นที่ให้กลายเป็นเวทีสำหรับการแลกเปลี่ยนทางศิลปะ ผลงานศิลปะจัดวางของโคกิ ทานากะ (เพื่อไม่ให้สับสนกับนักแสดงชื่อเต็มของเขา) แสดงให้เห็นความสัมพันธ์ระหว่างวัตถุและการกระทำ เช่น วิดีโอมีบันทึกการแสดงท่าทางง่ายๆ กับวัตถุธรรมดาๆ (มีดหั่นผัก เบียร์เทลงในแก้ว , กางร่ม) ไม่มีอะไรสำคัญเกิดขึ้น มีแต่การทำซ้ำๆ และความสนใจอย่างครอบงำ ถึงรายละเอียดที่เล็กที่สุดทำให้ผู้ชมซาบซึ้งทางโลก

มาริโกะ โมริ และรูปร่างเพรียวบาง

มาริโกะ โมริ ศิลปินร่วมสมัยชาวญี่ปุ่นอีกคน “เสกสรร” วัตถุมัลติมีเดีย โดยผสมผสานวิดีโอ ภาพถ่าย และวัตถุเข้าด้วยกัน เธอโดดเด่นด้วยวิสัยทัศน์แห่งอนาคตที่เรียบง่ายและรูปแบบเหนือจริงที่ทันสมัย แก่นเรื่องที่เกิดขึ้นประจำในงานของโมริคือการตีข่าวตำนานตะวันตกด้วย วัฒนธรรมตะวันตก- ในปี 2010 มาริโกะได้ก่อตั้งมูลนิธิ Fau Foundation ซึ่งเป็นองค์กรไม่แสวงผลกำไรด้านการศึกษาด้านวัฒนธรรม ซึ่งเธอได้สร้างสรรค์ผลงานศิลปะจัดวางหลายชุดเพื่อเป็นเกียรติแก่หกทวีปที่มีผู้คนอาศัยอยู่ ล่าสุด การติดตั้งถาวรของมูลนิธิ "Ring: One with Nature" ได้ถูกสร้างขึ้นเหนือน้ำตกที่งดงามใน Resende ใกล้เมืองรีโอเดจาเนโร

เรียวจิ อิเคดะ: การสังเคราะห์เสียงและวิดีโอ

Ryoji Ikeda เป็นศิลปินสื่อและนักแต่งเพลงหน้าใหม่ที่ทำงานเกี่ยวกับเสียงในสภาวะ "ดิบ" ต่างๆ เป็นหลัก ตั้งแต่คลื่นไซน์ไปจนถึงเสียงรบกวน โดยใช้ความถี่ที่ขอบการได้ยินของมนุษย์ ผลงานศิลปะจัดวางอันน่าดื่มด่ำของเขาประกอบด้วยเสียงที่สร้างจากคอมพิวเตอร์ซึ่งแปลงโฉมเป็นภาพวิดีโอหรือรูปแบบดิจิทัล ศิลปะภาพและเสียงของอิเคดะใช้มาตราส่วน แสง เงา ระดับเสียง เสียงอิเล็กทรอนิกส์ และจังหวะ ห้องทดสอบที่มีชื่อเสียงของศิลปินประกอบด้วยโปรเจ็กเตอร์ 5 เครื่องที่ให้แสงสว่างในพื้นที่ยาว 28 เมตรและกว้าง 8 เมตร การตั้งค่าจะแปลงข้อมูล (ข้อความ เสียง ภาพถ่าย และภาพยนตร์) เป็นบาร์โค้ดและรูปแบบไบนารี่ของเลขหนึ่งและเลขศูนย์

Tatsuo Miyajima และเคาน์เตอร์ LED

ประติมากรร่วมสมัยชาวญี่ปุ่นและศิลปินจัดวาง Tatsuo Miyajima ใช้วงจรไฟฟ้า วิดีโอ คอมพิวเตอร์ และอุปกรณ์อื่นๆ ในงานศิลปะของเขา แนวคิดหลักของมิยาจิมะได้รับแรงบันดาลใจมาจาก ความคิดเห็นอกเห็นใจและคำสอนทางพระพุทธศาสนา ตัวนับ LED ในสถานที่ปฏิบัติงานนอกชายฝั่งของเขากะพริบอย่างต่อเนื่องซ้ำกันตั้งแต่ 1 ถึง 9 ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของการเดินทางจากชีวิตสู่ความตาย แต่หลีกเลี่ยงจุดสิ้นสุดที่แสดงด้วย 0 (ศูนย์ไม่เคยปรากฏในงานของ Tatsuo) ตัวเลขที่แพร่หลายในตาราง หอคอย และแผนภาพแสดงถึงความสนใจของมิยาจิมะในแนวคิดเรื่องความต่อเนื่อง ความเป็นนิรันดร์ การเชื่อมต่อ และการไหลเวียนของเวลาและอวกาศ เมื่อเร็วๆ นี้ "ลูกศรแห่งกาลเวลา" ของมิยาจิมะได้ถูกจัดแสดงในนิทรรศการเปิดครั้งแรก "Unfinished Thoughts Visible in New York"

นารา โยชิโมโตะ และเด็กชั่วร้าย

นารา โยชิโมโตะสร้างสรรค์ภาพวาด ประติมากรรม และภาพวาดของเด็กและสุนัข ซึ่งเป็นหัวข้อที่สะท้อนถึงความรู้สึกเบื่อหน่ายและความหงุดหงิดในวัยเด็ก และความเป็นอิสระอันดุเดือดที่เกิดขึ้นตามธรรมชาติสำหรับเด็กวัยหัดเดิน สุนทรียภาพของผลงานของ Yoshimoto ชวนให้นึกถึงภาพประกอบในหนังสือแบบดั้งเดิม ส่วนผสมของความตึงเครียดที่ไม่สงบ และความรักในพังก์ร็อกของศิลปิน ในปี 2011 พิพิธภัณฑ์ Asia Society ในนิวยอร์กได้เป็นเจ้าภาพจัดนิทรรศการเดี่ยวครั้งแรกของ Yoshimoto ในหัวข้อ “Yoshitomo Nara: Nothing’s Fool” ซึ่งครอบคลุมการทำงานตลอด 20 ปีของศิลปินชาวญี่ปุ่นร่วมสมัย การจัดแสดงนิทรรศการนี้มีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับวัฒนธรรมย่อยของเยาวชนทั่วโลก และความแปลกแยกของวัฒนธรรมเหล่านี้ ประท้วง.

ยาโยอิ คุซามะ และพื้นที่ที่เติบโตจนกลายเป็นรูปแบบที่แปลกประหลาด

ชีวประวัติที่สร้างสรรค์อันน่าทึ่งของ Yayoi Kusama ยาวนานถึงเจ็ดทศวรรษ ในช่วงเวลานี้ ผู้หญิงชาวญี่ปุ่นที่น่าทึ่งคนนี้ได้ศึกษาสาขาจิตรกรรม กราฟิก ภาพต่อกัน ประติมากรรม ภาพยนตร์ งานแกะสลัก ศิลปะสิ่งแวดล้อม ศิลปะจัดวาง ตลอดจนวรรณกรรม แฟชั่น และการออกแบบเสื้อผ้า Kusama พัฒนารูปแบบดอทอาร์ตที่โดดเด่นมากจนกลายมาเป็นเครื่องหมายการค้าของเธอ นิมิตลวงตาที่นำเสนอในผลงานของคุซามะ วัย 88 ปี (เมื่อโลกดูกว้างใหญ่ไพศาล แบบฟอร์มที่แปลกประหลาด) เป็นผลจากอาการประสาทหลอนที่เธอประสบมาตั้งแต่เด็ก ห้องที่มีจุดหลากสีสันและกระจก “อินฟินิตี้” ที่สะท้อนถึงกระจุกห้องนั้นสามารถจดจำได้และไม่สามารถสับสนกับสิ่งอื่นใดได้