ศิลปะร่วมสมัย: สหรัฐอเมริกา. ภาพวาดอเมริกันร่วมสมัย - สิ่งที่น่าสนใจที่สุดในบล็อก ภาพวาดของศิลปินชาวอเมริกัน
หากคุณคิดว่าศิลปินที่ยิ่งใหญ่ล้วนแต่อยู่ในอดีต คุณก็ไม่รู้ว่าคุณคิดผิดแค่ไหน ในบทความนี้คุณจะได้เรียนรู้เกี่ยวกับศิลปินที่มีชื่อเสียงและมีความสามารถที่สุดในยุคของเรา และเชื่อฉันเถอะว่าผลงานของพวกเขาจะยังคงอยู่ในความทรงจำของคุณไม่ลึกไปกว่าผลงานของเกจิจากยุคก่อน ๆ
วอจเซียค บับสกี้
Wojciech Babski เป็นศิลปินร่วมสมัยชาวโปแลนด์ เขาสำเร็จการศึกษาที่ Silesian Polytechnic Institute แต่ก็เกี่ยวข้องกับตัวเองด้วย เมื่อเร็ว ๆ นี้เขาวาดภาพผู้หญิงเป็นหลัก มุ่งเน้นไปที่การแสดงออกของอารมณ์ มุ่งมั่นที่จะได้รับผลสูงสุดที่เป็นไปได้โดยใช้วิธีการง่ายๆ
ชอบสีแต่มักใช้เฉดสีดำและสีเทาเพื่อสร้างความประทับใจที่ดีที่สุด ไม่กลัวที่จะทดลองใช้เทคนิคใหม่ๆ ที่แตกต่างกัน ล่าสุดเขาได้รับความนิยมเพิ่มขึ้นในต่างประเทศ โดยเฉพาะในสหราชอาณาจักร ซึ่งเขาประสบความสำเร็จในการขายผลงานของเขา ซึ่งสามารถพบได้ในคอลเลกชันส่วนตัวมากมาย นอกจากศิลปะแล้ว เขายังสนใจจักรวาลวิทยาและปรัชญาอีกด้วย ฟังเพลงแจ๊ส ปัจจุบันอาศัยและทำงานในคาโตวีตเซ
วอร์เรน ช้าง
Warren Chang เป็นศิลปินชาวอเมริกันร่วมสมัย เกิดในปี 1957 และเติบโตในเมืองมอนเทอเรย์ รัฐแคลิฟอร์เนีย เขาสำเร็จการศึกษาเกียรตินิยมจาก Art Center College of Design ในพาซาดีนาในปี 1981 ซึ่งเขาได้รับ BFA ตลอดสองทศวรรษต่อมา เขาทำงานเป็นนักวาดภาพประกอบให้กับบริษัทต่างๆ ในแคลิฟอร์เนียและนิวยอร์ก ก่อนที่จะเริ่มต้นอาชีพศิลปินมืออาชีพในปี 2009
ภาพวาดที่เหมือนจริงของเขาแบ่งได้เป็น 2 ประเภทหลัก ได้แก่ ภาพวาดชีวประวัติภายใน และภาพวาดบุคคลในที่ทำงาน ความสนใจของเขาในการวาดภาพรูปแบบนี้ย้อนกลับไปถึงผลงานของศิลปินโยฮันเนส เวอร์เมียร์ ในศตวรรษที่ 16 และครอบคลุมถึงวิชาต่างๆ การถ่ายภาพบุคคล ภาพเหมือนของสมาชิกในครอบครัว เพื่อน นักเรียน การตกแต่งภายในในสตูดิโอ ห้องเรียน และบ้าน เป้าหมายของเขาคือการสร้างอารมณ์และอารมณ์ในภาพวาดที่เหมือนจริงของเขาผ่านการปรุงแต่งของแสงและการใช้สีที่ไม่ออกเสียง
ช้างเริ่มมีชื่อเสียงหลังจากเปลี่ยนมาใช้วิจิตรศิลป์แบบดั้งเดิม ตลอด 12 ปีที่ผ่านมา เขาได้รับรางวัลและเกียรติยศมากมาย โดยรางวัลอันทรงเกียรติที่สุดคือ Master Signature จาก Oil Painters of America ซึ่งเป็นชุมชนภาพวาดสีน้ำมันที่ใหญ่ที่สุดในสหรัฐอเมริกา มีเพียง 1 คนจาก 50 คนเท่านั้นที่มีโอกาสได้รับรางวัลนี้ ปัจจุบัน Warren อาศัยอยู่ที่มอนเทอเรย์และทำงานในสตูดิโอของเขา และเขายังสอน (รู้จักกันในชื่อครูที่มีพรสวรรค์) ที่ San Francisco Academy of Art
ออเรลิโอ บรูนี่
ออเรลิโอ บรูนีเป็นศิลปินชาวอิตาลี เกิดที่เมืองแบลร์ วันที่ 15 ตุลาคม พ.ศ. 2498 เขาได้รับประกาศนียบัตรด้านฉากจากสถาบันศิลปะในสโปเลโต ในฐานะศิลปิน เขาเรียนรู้ด้วยตนเอง ในขณะที่เขา "สร้างบ้านแห่งความรู้" อย่างอิสระบนรากฐานที่วางไว้ในโรงเรียน เขาเริ่มวาดภาพด้วยสีน้ำมันเมื่ออายุ 19 ปี ปัจจุบันอาศัยและทำงานในแคว้นอุมเบรีย
ภาพวาดยุคแรกๆ ของบรูนีมีรากฐานมาจากลัทธิเหนือจริง แต่เมื่อเวลาผ่านไป เขาเริ่มมุ่งเน้นไปที่ความใกล้ชิดของแนวโรแมนติกและสัญลักษณ์ที่เป็นโคลงสั้น ๆ เสริมการผสมผสานนี้เข้ากับความซับซ้อนและความบริสุทธิ์ของตัวละครของเขา วัตถุที่เคลื่อนไหวและไม่มีชีวิตได้รับศักดิ์ศรีที่เท่าเทียมกันและดูเกือบจะสมจริงเกินไป แต่ในขณะเดียวกันก็ไม่ได้ซ่อนอยู่หลังม่าน แต่ช่วยให้คุณมองเห็นแก่นแท้ของจิตวิญญาณของคุณ ความเก่งกาจและความซับซ้อน ความเย้ายวนและความเหงา ความรอบคอบและประสิทธิผลเป็นจิตวิญญาณของ Aurelio Bruni ซึ่งหล่อเลี้ยงด้วยความงดงามของศิลปะและความกลมกลืนของดนตรี
อเล็กซานเดอร์ บาลอส
Alkasander Balos เป็นศิลปินร่วมสมัยชาวโปแลนด์ที่เชี่ยวชาญด้านการวาดภาพสีน้ำมัน เกิดในปี 1970 ในเมืองกลิวิซ ประเทศโปแลนด์ แต่ตั้งแต่ปี 1989 เขาอาศัยและทำงานในสหรัฐอเมริกา ในเมืองชาสตา รัฐแคลิฟอร์เนีย
เมื่อตอนเป็นเด็ก เขาศึกษาศิลปะภายใต้การแนะนำของแจน พ่อของเขา ซึ่งเป็นศิลปินและประติมากรที่เรียนรู้ด้วยตนเอง ดังนั้นตั้งแต่อายุยังน้อย กิจกรรมทางศิลปะจึงได้รับการสนับสนุนอย่างเต็มที่จากพ่อแม่ทั้งสอง ในปี 1989 เมื่ออายุได้ 18 ปี Balos ออกจากโปแลนด์ไปยังสหรัฐอเมริกา โดยที่ครูในโรงเรียนและศิลปินพาร์ทไทม์ Katie Gaggliardi สนับสนุนให้ Alkasander ลงทะเบียนเรียนในโรงเรียนศิลปะ จากนั้น Balos ก็ได้รับทุนการศึกษาเต็มจำนวนจากมหาวิทยาลัยมิลวอกี รัฐวิสคอนซิน ซึ่งเขาศึกษาการวาดภาพกับศาสตราจารย์ปรัชญา Harry Rosin
หลังจากสำเร็จการศึกษาระดับปริญญาตรีในปี 1995 บาลอสก็ย้ายไปชิคาโกเพื่อศึกษาที่ School of Fine Arts ซึ่งมีพื้นฐานมาจากผลงานของ Jacques-Louis David ความสมจริงเชิงเปรียบเทียบและการวาดภาพบุคคลถือเป็นผลงานส่วนใหญ่ของ Balos ในช่วงทศวรรษที่ 90 และต้นทศวรรษ 2000 ปัจจุบัน บาลอสใช้ร่างมนุษย์เพื่อเน้นย้ำถึงคุณลักษณะและข้อบกพร่องของการดำรงอยู่ของมนุษย์ โดยไม่ต้องเสนอวิธีแก้ปัญหาใดๆ
การจัดองค์ประกอบภาพเขียนของเขามุ่งหมายให้ผู้ชมตีความอย่างอิสระ จากนั้นภาพเขียนจะได้รับความหมายทางโลกและอัตนัยที่แท้จริง ในปี 2005 ศิลปินย้ายไปอยู่ที่แคลิฟอร์เนียตอนเหนือ นับตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา หัวข้องานของเขาก็ขยายออกไปอย่างมาก และตอนนี้มีวิธีการวาดภาพที่อิสระมากขึ้น รวมถึงนามธรรมและสไตล์มัลติมีเดียต่างๆ ที่ช่วยแสดงความคิดและอุดมคติของการดำรงอยู่ผ่านการวาดภาพ
อลิสสา มังค์
Alyssa Monks เป็นศิลปินชาวอเมริกันร่วมสมัย เกิดเมื่อปี 1977 ในเมืองริดจ์วูด รัฐนิวเจอร์ซีย์ ฉันเริ่มสนใจการวาดภาพตั้งแต่ยังเป็นเด็ก เธอศึกษาที่ The New School ในนิวยอร์กและมหาวิทยาลัย Montclair State และสำเร็จการศึกษาระดับปริญญาตรีจากวิทยาลัยบอสตันในปี 1999 ในเวลาเดียวกัน เธอศึกษาการวาดภาพที่ Lorenzo de' Medici Academy ในฟลอเรนซ์
จากนั้นเธอก็ศึกษาต่อในหลักสูตรปริญญาโทที่ New York Academy of Art ในภาควิชา Figurative Art ซึ่งสำเร็จการศึกษาในปี 2544 เธอสำเร็จการศึกษาจาก Fullerton College ในปี 2549 บางครั้งเธอบรรยายในมหาวิทยาลัยและสถาบันการศึกษาทั่วประเทศ โดยสอนการวาดภาพที่ New York Academy of Art เช่นเดียวกับ Montclair State University และ Lyme Academy of Art College
“การใช้ฟิลเตอร์ เช่น แก้ว ไวนิล น้ำ และไอน้ำ ฉันสามารถบิดเบือนร่างกายมนุษย์ได้ ฟิลเตอร์เหล่านี้ช่วยให้คุณสร้างพื้นที่ขนาดใหญ่ของการออกแบบเชิงนามธรรม โดยมีเกาะหลากสีที่มองผ่าน - ส่วนต่างๆ ของร่างกายมนุษย์
ภาพวาดของฉันเปลี่ยนมุมมองสมัยใหม่ของท่าทางและท่าทางดั้งเดิมของผู้หญิงอาบน้ำที่จัดตั้งขึ้นแล้ว พวกเขาสามารถบอกผู้ชมที่เอาใจใส่ได้มากมายเกี่ยวกับสิ่งที่ดูเหมือนเห็นได้ชัดเจนในตัวเอง เช่น ประโยชน์ของการว่ายน้ำ การเต้นรำ และอื่นๆ ตัวละครของฉันกดตัวเองแนบกับกระจกหน้าต่างห้องอาบน้ำ บิดเบือนร่างกายของตัวเอง โดยตระหนักว่าสิ่งเหล่านี้มีอิทธิพลต่อการจ้องมองของผู้ชายที่ฉาวโฉ่ต่อผู้หญิงที่เปลือยเปล่า ชั้นสีหนาผสมกันเพื่อเลียนแบบแก้ว ไอน้ำ น้ำ และเนื้อจากระยะไกล อย่างไรก็ตาม เมื่อมองอย่างใกล้ชิด คุณสมบัติทางกายภาพอันน่าทึ่งของสีน้ำมันก็ปรากฏชัดเจน จากการทดลองโดยใช้สีและสีหลายชั้น ฉันพบจุดที่ฝีแปรงแบบนามธรรมกลายเป็นอย่างอื่น
เมื่อฉันเริ่มวาดภาพร่างกายมนุษย์ครั้งแรก ฉันรู้สึกทึ่งและหมกมุ่นอยู่กับมันทันที และเชื่อว่าฉันต้องทำให้ภาพวาดของฉันสมจริงที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ ฉัน “ยอมรับ” ความสมจริงจนกระทั่งมันเริ่มคลี่คลายและเผยให้เห็นความขัดแย้งในตัวเอง ตอนนี้ฉันกำลังสำรวจความเป็นไปได้และศักยภาพของรูปแบบการวาดภาพที่ซึ่งการวาดภาพเป็นตัวแทนและนามธรรมมาบรรจบกัน หากทั้งสองรูปแบบสามารถอยู่ร่วมกันได้ในเวลาเดียวกัน ฉันจะทำเช่นนั้น”
อันโตนิโอ ฟิเนลลี
ศิลปินชาวอิตาลี – “ ผู้สังเกตการณ์เวลา” – อันโตนิโอ ฟิเนลลี เกิดเมื่อวันที่ 23 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2528 ปัจจุบันอาศัยและทำงานในอิตาลีระหว่างโรมและกัมโปบาสโซ ผลงานของเขาได้รับการจัดแสดงในแกลเลอรี่หลายแห่งในอิตาลีและต่างประเทศ: โรม, ฟลอเรนซ์, โนวารา, เจนัว, ปาแลร์โม, อิสตันบูล, อังการา, นิวยอร์ก และยังสามารถพบได้ในคอลเลกชันส่วนตัวและสาธารณะ
ภาพวาดดินสอ " ผู้สังเกตการณ์เวลา“อันโตนิโอ ฟิเนลลีพาเราเดินทางสู่โลกชั่วนิรันดร์ผ่านโลกภายในแห่งกาลเวลาของมนุษย์และการวิเคราะห์โลกนี้อย่างถี่ถ้วนที่เกี่ยวข้อง องค์ประกอบหลักคือการเดินผ่านกาลเวลาและร่องรอยที่ทิ้งไว้บนผิวหนัง
ฟิเนลลีวาดภาพคนทุกวัย เพศ และสัญชาติ ซึ่งการแสดงออกทางสีหน้าบ่งบอกถึงการผ่านกาลเวลา และศิลปินยังหวังที่จะพบหลักฐานของความไร้ความปรานีแห่งกาลเวลาบนร่างของตัวละครของเขา อันโตนิโอให้คำจำกัดความผลงานของเขาด้วยชื่อทั่วไปว่า "ภาพเหมือนตนเอง" เพราะในภาพวาดดินสอของเขาเขาไม่เพียงแต่พรรณนาถึงบุคคลเท่านั้น แต่ยังช่วยให้ผู้ชมได้ไตร่ตรองถึงผลลัพธ์ที่แท้จริงของกาลเวลาที่ผ่านไปในตัวบุคคลอีกด้วย
ฟลามิเนีย คาร์โลนี
Flaminia Carloni เป็นศิลปินชาวอิตาลีวัย 37 ปี เป็นลูกสาวของนักการทูต เธอมีลูกสามคน เธออาศัยอยู่ในโรมเป็นเวลาสิบสองปี และสามปีในอังกฤษและฝรั่งเศส เธอได้รับปริญญาด้านประวัติศาสตร์ศิลปะจาก BD School of Art จากนั้นเธอก็ได้รับประกาศนียบัตรในฐานะนักบูรณะงานศิลปะ ก่อนที่จะค้นพบอาชีพและอุทิศตนให้กับการวาดภาพ เธอทำงานเป็นนักข่าว นักวาดภาพ นักออกแบบ และนักแสดง
ความหลงใหลในการวาดภาพของ Flaminia เกิดขึ้นในวัยเด็ก สื่อหลักของเธอคือน้ำมัน เพราะเธอชอบ "coiffer la pate" และชอบเล่นกับวัสดุด้วย เธอจำเทคนิคที่คล้ายกันในผลงานของศิลปิน Pascal Torua Flaminia ได้รับแรงบันดาลใจจากปรมาจารย์ด้านการวาดภาพผู้ยิ่งใหญ่ เช่น Balthus, Hopper และ François Legrand รวมถึงการเคลื่อนไหวทางศิลปะที่หลากหลาย เช่น สตรีทอาร์ต ความสมจริงแบบจีน สถิตยศาสตร์ และความสมจริงแบบเรอเนซองส์ ศิลปินคนโปรดของเธอคือคาราวัจโจ ความฝันของเธอคือการค้นพบพลังแห่งศิลปะในการบำบัด
เดนิส เชอร์นอฟ
Denis Chernov เป็นศิลปินชาวยูเครนผู้มีความสามารถ เกิดในปี 1978 ในเมือง Sambir ภูมิภาค Lviv ประเทศยูเครน หลังจากสำเร็จการศึกษาจาก Kharkov Art School ในปี 1998 เขายังคงอยู่ที่ Kharkov ซึ่งปัจจุบันเขาอาศัยและทำงานอยู่ นอกจากนี้เขายังศึกษาที่ Kharkov State Academy of Design and Arts, Department of Graphic Arts โดยสำเร็จการศึกษาในปี 2547
เขามีส่วนร่วมในนิทรรศการศิลปะเป็นประจำจนถึงปัจจุบันมีมากกว่าหกสิบรายการทั้งในยูเครนและต่างประเทศ ผลงานของเดนิส เชอร์นอฟส่วนใหญ่ถูกเก็บไว้ในคอลเลกชันส่วนตัวในยูเครน รัสเซีย อิตาลี อังกฤษ สเปน กรีซ ฝรั่งเศส สหรัฐอเมริกา แคนาดา และญี่ปุ่น ผลงานบางส่วนถูกขายที่ Christie's
เดนิสทำงานในเทคนิคกราฟิกและการระบายสีที่หลากหลาย ภาพวาดดินสอเป็นหนึ่งในวิธีการวาดภาพที่เขาชื่นชอบมากที่สุด รายการธีมในภาพวาดดินสอของเขานั้นมีความหลากหลายมาก เขาวาดภาพทิวทัศน์ ภาพบุคคล ภาพเปลือย การเรียบเรียงประเภท ภาพประกอบในหนังสือ การสร้างใหม่ทางวรรณกรรมและประวัติศาสตร์ และจินตนาการ
"หนังสือให้ความรู้สึกถึงความพึงพอใจส่วนบุคคลและความคิดสร้างสรรค์อย่างมาก เมื่อฉันกำลังเขียนหนังสือ ฉันหวังว่าโทรศัพท์จะไม่ดังขึ้น ความพึงพอใจของฉันมาจากการขีดเขียนลงบนกระดาษจริงๆ"
Pinkney Jerry นักวาดภาพประกอบหนังสือเด็กชาวอเมริกัน เกิดเมื่อวันที่ 22 ธันวาคม พ.ศ. 2482 ในเมืองเจอร์แมนทาวน์ ในโรงเรียนมัธยม ความรักและพรสวรรค์ในการวาดภาพของเขาถูกสังเกตเห็นโดยนักเขียนการ์ตูน John Liney ผู้ซึ่งสนับสนุนให้เขามีอาชีพเป็นศิลปิน หลังจากสำเร็จการศึกษาจาก Dobbins Vocational School แล้ว Pinkney ก็ได้รับทุนเต็มจำนวนไปศึกษาที่ Philadelphia Museum College of Art ต่อมาเขาย้ายไปบอสตัน ซึ่งเขาทำงานด้านการออกแบบและภาพประกอบ ในที่สุดก็เปิดสตูดิโอของตัวเองชื่อ Jerry Pinkney Studio และต่อมาก็ย้ายไปนิวยอร์ก Pinkney Jerry ยังคงอาศัยและทำงานในนิวยอร์ก ตลอดหลายปีที่ผ่านมาในอาชีพสร้างสรรค์ของเขา เขาได้จัดสัมมนาที่มหาวิทยาลัยและโรงเรียนศิลปะทั่วประเทศ
"ฉันอยากจะแสดงให้เห็นว่าศิลปินชาวอเมริกันเชื้อสายแอฟริกันสามารถทำอะไรในประเทศนี้ในระดับชาติในด้านทัศนศิลป์ ฉันต้องการที่จะเป็นแบบอย่างที่ดีสำหรับครอบครัวของฉันและสำหรับชาวอเมริกันเชื้อสายแอฟริกันคนอื่นๆ"
ต้นฉบับนำมาจาก วานาติก05 ใน AMERICAN PAINTING – 5 (ประเพณีที่สมจริงในศตวรรษที่ 20)
ในปีพ.ศ. 2456 สมาคมจิตรกรและประติมากรอเมริกันได้จัดนิทรรศการศิลปะสมัยใหม่ครั้งใหญ่ระดับนานาชาติครั้งแรกในชื่อ Armory Show ที่คลังอาวุธของ National Guard บนถนนเล็กซิงตันอเวนิว มันกลายเป็นเหตุการณ์สำคัญในประวัติศาสตร์ศิลปะอเมริกัน ทำให้เกิดอารมณ์ที่แตกต่างกัน: ความประหลาดใจ ความชื่นชม ความขุ่นเคือง การบูชาและการปฏิเสธโดยสิ้นเชิงในหมู่ประชาชนชาวอเมริกัน คุ้นเคยกับความสมจริง ในระดับหนึ่งถึงอิมเพรสชั่นนิสม์ แต่ไม่ใช่ศิลปะยุโรปแนวหน้า ที่เห็นในนิทรรศการครั้งนี้ ภาพวาด ประติมากรรม และงานตกแต่งกว่า 1,300 ชิ้นโดยศิลปินยุโรปและอเมริการ่วมสมัยมากกว่า 300 คนไม่เพียงแต่มาเยือนนิวยอร์กเท่านั้น แต่ยังรวมถึงชิคาโกและวอชิงตันด้วย
บทวิจารณ์ของนิทรรศการรวมถึงการกล่าวหาว่าผิดศีลธรรม ไม่เป็นมืออาชีพ ความบ้าคลั่ง การหลอกลวง งานหลายชิ้นถูกเรียกว่าการ์ตูนล้อเลียนและการล้อเลียนการวาดภาพ และธีโอดอร์ รูสเวลต์กล่าวว่า: "นี่ไม่ใช่ศิลปะเลย!"
อย่างไรก็ตาม เจ้าหน้าที่พลเรือนไม่ได้เข้าไปแทรกแซงและไม่พยายามที่จะปิดนิทรรศการ และเรื่องอื้อฉาวที่อยู่รอบ ๆ นิทรรศการนี้มีส่วนทำให้การขายผลงานมากมายที่สามารถพบได้ในพิพิธภัณฑ์ของอเมริกาประสบความสำเร็จในปัจจุบัน และ MoMA (พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่) ก็สามารถ โดยทั่วไปถือเป็นทายาทและผู้สืบทอดของนิทรรศการศิลปะร่วมสมัยครั้งแรกนั้น
มันมีอิทธิพลทางอ้อมต่อศิลปินในการเคลื่อนไหวที่สมจริง และประเพณีที่สมจริงไม่เคยตายในอเมริกาเท่านั้น มันไม่เพียงแต่มีส่วนทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงในเทคนิคการวาดภาพและธีมเท่านั้น แต่ยังทำให้เกิดเทรนด์ใหม่ในการวาดภาพ เช่น “ความสมจริงที่มหัศจรรย์”*
และหน่อของมันคือ "ลัทธิแม่นยำ"** ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของศิลปินชาวอเมริกัน
และขบวนการทางศิลปะ “regionalism”*** (หรือ ภูมิภาคนิยม) ที่เกิดในอเมริกา
เราจะพูดถึงศิลปิน ตัวแทนของงานศิลปะแนวสมจริงด้านต่างๆ ในอเมริกาแห่งศตวรรษที่ 20
ชาร์ลส์ เบิร์ชฟิลด์(พ.ศ. 2436-2510) นักวาดภาพสีน้ำที่โดดเด่นที่สุดคนหนึ่งในอเมริกา ซึ่งวาดภาพเขียนบนขาตั้งโดยใช้เทคนิคพู่กันแห้ง ในช่วงต้น (ภายในปี พ.ศ. 2458) ได้พัฒนาสไตล์นีโอเรียลลิสต์ของเขาเอง โดยผสมผสานเทรนด์สมัยใหม่ ภาพวาดจีนแบบดั้งเดิม และองค์ประกอบของลัทธิโฟวิสม์ .
ตลอดชีวิตการสร้างสรรค์ของเขา เขาเปลี่ยนทิศทางและเทคนิค วาดภาพทิวทัศน์และภาพวาดเกี่ยวกับวัตถุทางประวัติศาสตร์ ฉากที่สังเกตจากหน้าต่างบ้านของเขา และดอกไม้ "ภาพหลอน" ด้วยจิตวิญญาณแห่งความสมจริงที่มีมนต์ขลัง ทิวทัศน์ของธรรมชาติและพลังอันศักดิ์สิทธิ์ของมัน
เพื่อเป็นเกียรติแก่เขา ศูนย์ธรรมชาติและศิลปะถูกสร้างขึ้นในบัฟฟาโลในปี 2509 เรียกว่าศูนย์ศิลปะ Birchfield Penny ซึ่งรวมถึงคอลเลกชันผลงานของศิลปินที่ใหญ่ที่สุดในโลกด้วย
เรจินัลด์ มาร์ช(พ.ศ. 2441-2497) เกิดที่ปารีส ในครอบครัวศิลปินที่ร่ำรวย เป็นลูกศิษย์ของดี. สโลน ซึ่งเป็นที่รู้จักในฐานะจิตรกรและนักวาดภาพประกอบฉากในเมือง ชีวิตบนท้องถนน และชายหาดของนิวยอร์ก
ภาพวาดของเขาโดดเด่นด้วยความละเอียดรอบคอบของสารคดี เต็มไปด้วยความรักที่น่าขันต่อตัวละคร เขาวาดภาพล้อเลียนและเพลงโวเดอวิลล์เป็นจำนวนมาก โดยพิจารณาว่าเป็น "โรงละครของคนธรรมดาสามัญที่แสดงออกถึงอารมณ์ขันและจินตนาการของคนยากจน แก่และน่าเกลียด"
เขาทำงานด้านน้ำมันและหมึก สีน้ำ เทมเพอราไข่ และเริ่มต้นชีวิตสร้างสรรค์ด้วยการพิมพ์หิน สไตล์ของเขาสามารถจัดได้ว่าเป็น "ความสมจริงทางสังคม" โดยเฉพาะอย่างยิ่งที่เห็นได้ชัดในช่วงภาวะเศรษฐกิจตกต่ำครั้งใหญ่ และการอุทิศตนต่อปรมาจารย์ผู้เก่าแก่ซึ่งเขาบูชาผลงานของเขาได้นำไปสู่การสร้างผลงานที่มีอุปมาอุปมัยทางศาสนา
ไม่นานก่อนที่เขาจะเสียชีวิตด้วยอาการหัวใจวาย มาร์ชได้รับเหรียญทองสาขาภาพพิมพ์จาก American Academy of Arts
แฟร์ฟิลด์ พอร์เตอร์(พ.ศ. 2450-2518) เกิดมาในครอบครัวสถาปนิกและกวี เรียนที่ Harvard และ League of American Students ยึดมั่นในทิศทางที่สมจริงมาตลอดชีวิต วาดภาพทิวทัศน์และภาพครอบครัวและเพื่อน ๆ เป็นหลัก พยายามเผยให้เห็นความผิดปกติ ในชีวิตธรรมดาและทำให้มันสวยงามยิ่งขึ้น
ผลงานของเขาแสดงให้เห็นถึงอิทธิพลของบิดาสถาปนิกของเขา ผลงานของ Velázquez และศิลปินในเวลาต่อมาอย่าง Bonnard และ Vuillard เขาเชื่อว่า "ลัทธิอิมเพรสชันนิสม์สามารถสร้างภาพความเป็นจริงขึ้นมาใหม่ได้"
บางทีการขาดครูสอนวาดภาพสีน้ำมันที่ดีทัศนคติที่ระมัดระวังต่อราคะและความเป็นธรรมชาติที่มีอยู่ในชาวอเมริกันจำนวนมากในช่วงหลายปีที่ผ่านมาช่วยอธิบายลักษณะที่ค่อนข้างดึกดำบรรพ์ของผลงานของ Porter ความอึดอัดใจความแข็งของร่างของเขาลักษณะคงที่
และเฉพาะในผลงานต่อมาของเขาเท่านั้นที่เขาเริ่มข้ามพรมแดนระหว่างอิมเพรสชั่นนิสต์และโฟวิสม์ ภาพวาดของเขาจะเป็นอิสระมากขึ้น สีสันก็สว่างขึ้น และงานของเขาก็มีแสงสว่างมากขึ้น
เอ็ดเวิร์ด ฮอปเปอร์(พ.ศ. 2425-2510) เกิดที่เมือง Nyack ซึ่งเป็นศูนย์กลางการสร้างเรือยอทช์บนแม่น้ำฮัดสัน ในครอบครัวที่ร่ำรวยซึ่งมีเชื้อสายดัตช์ ความสามารถทางศิลปะของฮอปเปอร์แสดงออกมาเมื่ออายุ 5 ขวบ พ่อแม่ของเขาปลูกฝังให้เขารักงานศิลปะฝรั่งเศสและรัสเซียและสนับสนุนให้เขาหลงใหลในการวาดภาพและความสนใจที่หลากหลาย
ฮอปเปอร์ทำงานในปากกาและหมึก ถ่าน สีน้ำ น้ำมันและการพิมพ์หิน วาดภาพบุคคลและทิวทัศน์ท้องทะเล การ์ตูนการเมือง และภาพวาดจากชีวิต ในงานของฮอปเปอร์ เราสามารถมองเห็นอิทธิพลของโรเบิร์ต เฮนรี ครูคนหนึ่งของเขา และมาเนต์และเดกาส์
วิลเลียม เชส และแรมแบรนดท์ โดยเฉพาะอย่างยิ่ง "Night Watch" ของเขา และในขณะที่อาศัยอยู่ในปารีส วาดภาพตามท้องถนน ในร้านกาแฟและโรงละคร เขายังคงอยู่ในประเพณีของงานศิลปะที่สมจริง แม้ว่านักวิจัยบางคนจะถือว่างานของเขามีความแม่นยำเนื่องจากมีความชัดเจน ลักษณะเส้นที่ชัดเจนของงานของเขา รูปทรงเรขาคณิต กลไก ความปลอดเชื้อ และความว่างเปล่า
เขาบอกว่า “สิ่งที่เขาชอบในการวาดภาพคือแสงแดดที่ส่องผนังบ้าน” ในช่วงภาวะเศรษฐกิจตกต่ำครั้งใหญ่ Hopper มีโชคดีกว่าศิลปินคนอื่นๆ เขายังคงจัดแสดงผลงานทุกปีและขายดีตลอดชีวิต
ผลงานของเขาไม่เพียงมีอิทธิพลอย่างมากต่อทัศนศิลป์เท่านั้น แต่ยังรวมถึงภาพยนตร์ด้วยองค์ประกอบทางภาพยนตร์และการใช้แสงและความมืดอย่างน่าทึ่ง
พอล แคดมัส(พ.ศ. 2447-2542) ตัวแทนของขบวนการ "ความสมจริงที่มีมนต์ขลัง" ผสมผสานองค์ประกอบระหว่างกามารมณ์และการวิจารณ์สังคมในงานของเขา
ได้รับชื่อเสียงอื้อฉาวด้วยลวดลายรักร่วมเพศที่โจ่งแจ้งในภาพวาดและภาพร่างชายเปลือยเปล่า
เขาเกิดมาในครอบครัวที่ยากจนของศิลปิน พ่อของเขาสนับสนุนให้เด็กชายวาดรูป และเมื่ออายุ 14 ปี เขาได้เข้าเรียนหลักสูตรที่ National Academy of Design จากนั้นจึงเข้าเรียนที่ Academy เขาเดินทางไปกับเพื่อน ๆ บ่อยครั้ง วาดภาพผืนผ้าใบขนาดใหญ่ที่สะท้อนถึงความประทับใจของเขาที่มีต่อยุโรป วาดภาพหลายร่างจากชีวิตของชาวประมง กะลาสีเรือ ฉากชีวิตในเมือง
และหลังจากพบกับนักแสดงและนักบัลเล่ต์ Kirsten แล้ว Cadmus ก็เริ่มผลิตผลงานมากมายในธีมบัลเล่ต์ซึ่งส่วนใหญ่เป็นภาพนักเต้น
Paul Cadmus มีอายุยืนยาวและเสียชีวิตเมื่ออายุ 95 ปีในอ้อมแขนของเพื่อนและนางแบบประจำของเขาซึ่งอยู่เคียงข้างเขาตลอด 35 ปีสุดท้ายของชีวิต Cadmus ชอบพูดซ้ำคำพูดของ Ingres: “ ผู้คนบอกว่าภาพวาดของฉันไม่เหมาะกับเวลานี้ บางทีพวกเขาอาจเข้าใจผิดและฉันเป็นเพียงคนเดียวที่ตามทันเวลา”
อีวาน (อีวาน) อัลไบรท์(พ.ศ. 2440-2526) หนึ่งในตัวแทนที่มีชื่อเสียงที่สุดของความสมจริงด้านเวทมนตร์ เกิดมาพร้อมกับน้องชายฝาแฝดของเขาในครอบครัวของศิลปิน
พี่น้องแยกจากกันไม่ได้ตลอดชีวิต ทั้งคู่ศึกษาที่สถาบันศิลปะชิคาโก น้องชายมัลวินเป็นช่างแกะสลัก และอีวานกลายเป็นจิตรกร แต่เริ่มต้นจากการเป็นสถาปนิก และในช่วงสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง เขาได้วาดภาพทางการแพทย์ให้กับโรงพยาบาล ในเมืองน็องต์ เขามักจะเรียกร้องอย่างมากเกี่ยวกับงานของเขา โดยเขียนรายละเอียดทั้งหมดอย่างระมัดระวัง และอุทิศผลงานหลายชิ้นของเขาให้กับหัวข้อที่ซับซ้อน เช่น ชีวิตและความตาย วัตถุและจิตวิญญาณ ผลกระทบของเวลาต่อรูปลักษณ์ภายนอกและโลกภายในของบุคคล
งานดังกล่าวต้องใช้เวลามากและยอดขายจึงหายาก อัลไบรท์สร้างสีและถ่านของตัวเอง และหมกมุ่นอยู่กับการจัดแสงจนถึงจุดที่เขาสวมเสื้อผ้าสีดำและทาสีสตูดิโอของเขาเป็นสีดำเพื่อป้องกันแสงสะท้อน
เขาวาดภาพในลักษณะที่เหมือนจริงแต่มีรายละเอียดเกินจริง เขาชอบที่จะสังเกตกาลเวลาและวาดภาพตัวเองมากกว่า 20 ภาพในช่วง 3 ปีสุดท้ายของชีวิตเพียงลำพังเพื่อสะท้อนถึงการเปลี่ยนแปลงที่เกิดขึ้นในตัวบุคคล
จอร์จ แคลร์ ทูเกอร์จูเนียร์ (พ.ศ. 2463-2554) ซึ่งผลงานของเขาเป็นตัวแทนของทิศทางของสัจนิยมสังคมนิยมและความสมจริงที่มีมนต์ขลัง เกิดมาในครอบครัวที่มีรากฐานมาจากภาษาอังกฤษ ฝรั่งเศส สเปน คิวบาและอเมริกัน โดยการยืนกรานของพ่อแม่ของเขา เขาจึงศึกษาวรรณคดีอังกฤษที่มหาวิทยาลัยฮาร์วาร์ด แต่อุทิศเวลาส่วนใหญ่ให้กับการวาดภาพ
หลังจากรับราชการในนาวิกโยธินซึ่งเขาถูกปลดประจำการเนื่องจากสุขภาพย่ำแย่ เขาได้เข้าเรียนหลักสูตรที่สมาคมนักศึกษาศิลปะ ทำงานเกี่ยวกับอุบาทว์ไข่เป็นจำนวนมาก และชื่นชมศิลปะในยุคเรอเนซองส์ของอิตาลี
ภาพวาดของ Tooker พรรณนาถึงฉากชีวิตประจำวันของชาวอเมริกัน ร่างมนุษย์ในภาพวาดเหล่านี้มักไม่มีเชื้อชาติหรืออัตลักษณ์ทางเพศที่เจาะจง แสดงออกถึงความเหงา ความโดดเดี่ยว และไม่เปิดเผยตัวตน
เขาให้ความสนใจเป็นอย่างมากกับการปฏิบัติตามสัดส่วนทางเรขาคณิตและความสมมาตรด้วยเหตุนี้เขาจึงวาดภาพช้ามาก - ไม่เกินสองภาพต่อปี นับตั้งแต่นิทรรศการใหญ่ครั้งแรกของเขาในปี 1951 Tooker ได้จัดแสดงอย่างต่อเนื่องและประสบความสำเร็จ และผลงานของเขาอยู่ในพิพิธภัณฑ์สำคัญๆ ในอเมริกา
ปีเตอร์ บลูม(ปีเตอร์ บลูม) - (พ.ศ. 2449-2535) ศิลปินและประติมากรซึ่งมีผลงานประกอบด้วยองค์ประกอบของลัทธิความแม่นยำ ความพิถีพิถัน ลัทธิเขียนภาพแบบคิวบิสม์ สถิตยศาสตร์ และศิลปะพื้นบ้าน เขาเกิดในรัสเซียในครอบครัวชาวยิวที่อพยพไปอเมริกาในปี 1912 และตั้งรกรากที่บรูคลิน
หลังจากเรียนศิลปะในสถาบันการศึกษาต่างๆ เขาได้เปิดสตูดิโอของตัวเองภายใต้การอุปถัมภ์ของครอบครัวร็อคกี้เฟลเลอร์ เช่นเดียวกับผู้ร่วมสมัยแนวสัจนิยมหลายๆ คน เขาเป็นแฟนตัวยงของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา เดินทางไปทั่วอิตาลี ภาพวาดชิ้นแรกของเขาซึ่งได้รับการยอมรับในปี 1934 คือ "เมืองอันเป็นนิรันดร์" ซึ่งใครๆ ก็สามารถแยกแยะภาพลักษณ์ของมุสโสลินีได้ราวกับแจ็ค- ในกล่อง โผล่ออกมาจากโคลอสเซียม
ผลงานของเขาซึ่งมักแสดงถึงการทำลายล้างสามารถตีความได้ว่าเป็นสัญลักษณ์ของการฟื้นฟูและการต่ออายุหลังสงครามโลกครั้งที่สอง โดยเห็นได้จากก้อนหิน คานใหม่ และร่างของคนทำงาน
สไตล์ทางศิลปะของบลูมเป็นลูกผสมที่น่าสนใจระหว่างการเคลื่อนไหวทางศิลปะที่แตกต่างกันของศิลปะอเมริกันและยุโรป เขาถูกเรียกว่า "ศิลปินในเทพนิยาย"
แอนดรูว์ นีเวลล์ ไวเอธ(พ.ศ. 2460-2552) ตัวแทนของแนวสัจนิยมแนวภูมิภาคนิยม เกิดมาในครอบครัวของนักวาดภาพประกอบที่ใส่ใจในการพัฒนาพรสวรรค์ของลูกทั้งห้าคน โดยคุ้นเคยกับวรรณกรรม ดนตรี และการศึกษาธรรมชาติที่ดี . พ่อเองก็สอนลูก ๆ ที่บ้านและพวกเขาก็มีความสามารถทั้งหมด: ศิลปิน นักดนตรี นักแต่งเพลง นักประดิษฐ์
บ้านของพวกเขาเป็นสถานที่ที่สร้างสรรค์ ซึ่งคนดังอย่าง Scott Fitzgerald และ Mary Pickford มักมาเยี่ยมเยียน ไวเอธเองก็ถือว่าตัวเองเป็นนักนามธรรมและให้ความสำคัญกับการรับรู้ถึงความหมายอันลึกซึ้งในวัตถุที่เรียบง่าย ธีมที่เขาชื่นชอบในภาพวาดของเขาคือโลกและผู้คนรอบตัวเขา
ภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดของเขาคือ Christina's World แสดงให้เห็นเด็กผู้หญิงคนหนึ่งจากฟาร์มใกล้เคียง ซึ่งพิการด้วยโรคโปลิโอ กำลังคลานตามลำพังไปยังบ้านที่อยู่ห่างไกล
Helga Testorf อุทิศภาพวาดและภาพวาด 247 ชิ้นให้กับผู้หญิงคนหนึ่ง เขาศึกษาเธอในสภาพแวดล้อมและสภาวะทางอารมณ์ที่หลากหลาย ซึ่งเป็นประสบการณ์ที่ไม่เหมือนใครในศิลปะอเมริกัน
แม้ว่าไวเอธจะผลิตผลงานที่ยอดเยี่ยมทางเทคนิคมากมายและมีผู้ติดตามจำนวนมาก แต่งานศิลปะของเขาก็ถือเป็นข้อขัดแย้ง โดยนักวิจารณ์ศิลปะ โรเซนบลัม อธิบายว่าเขาเป็นศิลปินที่ "ถูกประเมินเกินจริงและประเมินต่ำเกินไป"
แกรนท์ วู้ด(พ.ศ. 2434-2485) หนึ่งในตัวแทนที่มีชื่อเสียงที่สุดของลัทธิภูมิภาคนิยม เกิดที่ไอโอวา สูญเสียพ่อไปตั้งแต่เนิ่นๆ ทำงานในร้านฮาร์ดแวร์ เรียนที่โรงเรียนศิลปะ และจากนั้นที่สถาบันศิลปะแห่งชิคาโก
Young Grant เดินทางไปยุโรป 4 ครั้งเพื่อศึกษารูปแบบการวาดภาพ โดยให้ความสนใจเป็นพิเศษกับอิมเพรสชันนิสม์และโพสต์อิมเพรสชันนิสม์ แต่เขาชื่นชมผลงานของ Van Eyck และใฝ่ฝันที่จะผสมผสานวิธีการสมัยใหม่เข้ากับความชัดเจน ความแม่นยำ และความลึกของศิลปะยุคกลางในงานของเขา .
ไม่ใช่เพื่ออะไรที่ภาพวาดที่โด่งดังที่สุดของเขาถูกเรียกว่า "American Gothic" มันสะท้อนถึงมุมมองดั้งเดิมของศตวรรษที่ 19 เกี่ยวกับบทบาทของชายและหญิงในอเมริกา ภาพวาดนี้ได้รับการตอบรับอย่างคลุมเครือ บางคนคิดว่ามันเป็นภาพล้อเลียนและหนังสือพิมพ์ก็ล้อเลียน ในทางที่แตกต่าง.
ต่อมา ขณะสอนศิลปะที่มหาวิทยาลัยไอโอวา วูดกลายเป็นบุคคลสำคัญในสังคมวัฒนธรรมของมหาวิทยาลัย แต่เนื่องจากข่าวลือเรื่องรักร่วมเพศกับเลขาส่วนตัวของเขา วูดจึงถูกไล่ออกและเสียชีวิตในไม่ช้าด้วยโรคมะเร็งตับอ่อน
โธมัส ฮาร์ท (ฮาร์ท) เบนตัน(พ.ศ. 2432-2518) เกิดมาในครอบครัวนักการเมือง พ่อของเขา ผู้พัน ทนายความ และผู้ใจบุญ ได้รับเลือกเข้าสู่สภาคองเกรสสี่ครั้ง พ่อต้องการให้ลูกชายเดินตามรอยของเขา แต่เด็กชายสนใจศิลปะ แม่ของเขาสนับสนุนทางเลือกของเขา และเขาเข้าเรียนที่สถาบันศิลปะแห่งชิคาโก จากนั้นไปปารีสเพื่อศึกษาต่อที่ Julian Academy
เมื่อกลับมาอเมริกาและวาดภาพต่อ เขารับราชการในกองทัพเรือสหรัฐฯ ระหว่างสงครามโลกครั้งที่ 1 โดยทำงานเกี่ยวกับภาพลายพรางของเรือและอู่ต่อเรือ ซึ่งจำเป็นต้องมีการแสดงภาพสารคดีที่สมจริง และต่อมามีอิทธิพลต่อสไตล์ของเขา ในช่วงต้นทศวรรษ 1920 เบนตันประกาศตัวเองว่าเป็น "ศัตรูของลัทธิสมัยใหม่" และกลายเป็นหนึ่งในตัวแทนชั้นนำของลัทธิภูมิภาคนิยม และยึดมั่นในมุมมอง "ฝ่ายซ้าย"
เขาเริ่มสนใจ El Greco อิทธิพลของงานของเขาปรากฏให้เห็นในงานจิตรกรรมฝาผนังขนาดใหญ่ที่แสดงถึงขั้นตอนและเหตุการณ์ต่าง ๆ ในชีวิตของประเทศ
เบนตันสอนที่ Art Student League ในนิวยอร์ก ซึ่งนักเรียนของเขาหลายคนกลายเป็นศิลปินที่มีชื่อเสียง (Hopper, Pollack, Marsh) แต่ถูกไล่ออกเนื่องจากกล่าวประณามเกี่ยวกับอิทธิพลที่ไม่เหมาะสมของคนรักร่วมเพศในโลกศิลปะ หลังสงครามโลกครั้งที่สอง ภูมิภาคนิยมในฐานะขบวนการสูญเสียความเกี่ยวข้อง เบนตันยังคงวาดภาพจิตรกรรมฝาผนังต่อไป
ทำงานอย่างแข็งขันต่อไปอีกประมาณ 30 ปี แต่ไม่ได้รับความนิยมอีกต่อไป
จอห์น สจ๊วต แครี่(พ.ศ. 2440-2489) เกิดในฟาร์มแห่งหนึ่งในรัฐแคนซัสดูแลสัตว์ชอบกรีฑาและตั้งแต่วัยเด็กเขาถูกรายล้อมไปด้วยภาพวาดของ Rubens และDoréซึ่งมีบทบาทในการเลือกสไตล์ศิลปะในเวลาต่อมา
จอห์นศึกษาที่สถาบันศิลปะแห่งชิคาโก ทำงานเป็นนักวาดภาพประกอบนิตยสาร และใช้เวลาหนึ่งปีในปารีสเพื่อศึกษาผลงานของ Courbet, Daumier, Titian และ Rubens เมื่อกลับมาที่สหรัฐอเมริกา เขาทำงานในสตูดิโอมาระยะหนึ่ง เดินทางไปกับคณะละครสัตว์ ได้รับแต่งตั้งให้เป็นศิลปินคนแรกที่มหาวิทยาลัยวิสคอนซิน-แมดิสัน และเดินทางไปทั่วประเทศเพื่อส่งเสริมการพัฒนาศิลปะในชุมชนเกษตรกรรม
เขาได้วาดภาพฝาผนังให้กับกระทรวงยุติธรรมในวอชิงตันและสำหรับศาลากลางในแคนซัส แครีเป็นหนึ่งในสามเสาหลัก (เบนตันและวูด) ของลัทธิภูมิภาคนิยมอเมริกัน ซึ่งมีความเกี่ยวข้องโดยเฉพาะในช่วงภาวะเศรษฐกิจตกต่ำครั้งใหญ่
เขาบรรยายถึงฉากการทำงาน ครอบครัว และที่ดิน และการรับมือกับภัยพิบัติทางธรรมชาติเพื่อแสดงให้โลกเห็นถึงความอุตสาหะ การทำงานหนัก และความศรัทธาของผู้คน ซึ่งแคร์รีเชื่อว่าเป็นแก่นแท้ของชีวิตชาวอเมริกัน
พูดตามตรงฉันไม่ได้รับแรงบันดาลใจจากศิลปินแนวสัจนิยมโดยทั่วไปมากนัก ฉันมีความสนใจในงานของตัวแทนแห่งความสมจริงที่มีมนต์ขลังเพียงรายบุคคล (Cadmus, Blume, Hopper) แต่โดยทั่วไปแล้วช่วงเวลานี้ในศิลปะอเมริกันไม่ได้ใกล้เคียงกับฉัน ฉันจะทำอย่างไร
ส่วนถัดไปและส่วนสุดท้ายจะเน้นไปที่ศิลปะอเมริกันร่วมสมัย ตอนจบตามมา...
เช่นเคย สไลด์โชว์พร้อมรูปภาพและเพลงเพราะๆ อีกมากมาย:
* ความสมจริงเวทย์มนตร์- ในฐานะที่เป็นขบวนการทางศิลปะ ความสมจริงที่มีมนต์ขลังได้พัฒนาบนแผ่นดินอเมริกา และกลายเป็นสิ่งที่เทียบเท่ากับลัทธิเหนือจริงของยุโรป ในหลาย ๆ ด้านการสนองรสนิยมและความต้องการของผู้ชมชาวอเมริกันผลงานของปรมาจารย์แห่งความสมจริงด้านเวทมนตร์มีลักษณะที่น่าตกตะลึงและน่าตกใจในความตรงไปตรงมาในขณะที่ผสมผสานกับธรรมชาติของสถานการณ์และภาพล้อเลียนของความเป็นจริง เหมือนความฝันกระสับกระส่ายหรืออาการเพ้อหลอนประสาทมากกว่า
**ลัทธิความแม่นยำหรือ preciginism (ความแม่นยำภาษาอังกฤษ - ความแม่นยำความชัดเจน) - ลักษณะทิศทางของการวาดภาพอเมริกันในยุค 30 ซึ่งเป็นประเภทของความสมจริงที่มีมนต์ขลัง หัวข้อหลักสำหรับนักเน้นความแม่นยำคือภาพลักษณ์ของเมือง ธีมหลักคือสุนทรียศาสตร์เชิงกลไก พื้นที่ของภาพเขียนปลอดเชื้อ ให้ความรู้สึกเหมือนมีอากาศถูกสูบออกมา ไม่มีบุคคลอยู่ในนั้น
***ภูมิภาคนิยมหรือ ภูมิภาคนิยม (จากภาษาอังกฤษในระดับภูมิภาค - ท้องถิ่น) - การเคลื่อนไหวทางศิลปะในงานศิลปะของสหรัฐอเมริกาในปี พ.ศ. 2463-2483 ซึ่งมีพื้นฐานมาจากความปรารถนาที่จะสร้างงานศิลปะอเมริกันอย่างแท้จริงซึ่งตรงข้ามกับการเคลื่อนไหวแนวหน้าที่มาจากยุโรป ศิลปินระดับภูมิภาคได้รับแรงบันดาลใจจากแนวคิดเกี่ยวกับอัตลักษณ์ประจำชาติ โดยเน้นที่การวาดภาพอเมริกาที่ "แท้จริง" ธีมของผลงาน ได้แก่ ภูมิทัศน์ของอเมริกา ฉากจากชีวิตของเกษตรกร ชีวิตในเมืองเล็กๆ ตอนต่างๆ จากประวัติศาสตร์ ตำนานท้องถิ่น และเรื่องราวพื้นบ้าน
ในปี พ.ศ. 2319 อเมริกาประกาศเอกราช และตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา การพัฒนาศิลปกรรมแห่งชาติก็เริ่มขึ้นจริง ๆ ซึ่งออกแบบมาเพื่อสะท้อนถึงประวัติศาสตร์ของประเทศ
ศิลปินแห่งศตวรรษที่ 18 ส่วนใหญ่เรียนด้วยตนเองและอิงตามสไตล์ศิลปะอังกฤษ
และในศตวรรษที่ 19 โรงเรียนสอนวาดภาพแห่งแรกได้ถูกสร้างขึ้นแล้ว - โรงเรียนแม่น้ำฮัดสัน
โรงเรียนแม่น้ำฮัดสัน
โรงเรียนแม่น้ำฮัดสันเป็นชื่อของกลุ่มจิตรกรภูมิทัศน์ชาวอเมริกัน งานของพวกเขาได้รับการพัฒนาในรูปแบบของแนวโรแมนติก ภาพวาดแสดงถึงหุบเขาแม่น้ำฮัดสันและบริเวณโดยรอบ ศิลปินมักวาดภาพสัตว์ป่าอเมริกันและตั้งคำถามถึงความเป็นไปได้ของความก้าวหน้าทางเทคโนโลยี
โธมัส โคล "อ็อกซ์โบว์" (1836) พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิตัน (นิวยอร์ก)
โรงเรียนแม่น้ำฮัดสันไม่ใช่ปรากฏการณ์ที่เป็นเนื้อเดียวกันในการวาดภาพในเวลานั้น: ตัวอย่างเช่นมีหน่อในรูปแบบของอิมเพรสชั่นนิสต์ซึ่งเรียกว่า ความส่องสว่าง- การส่องสว่างให้ความสนใจอย่างมากต่อการรับรู้แสงของศิลปิน การส่องสว่างนั้นแตกต่างจากอิมเพรสชั่นนิสต์ตรงที่การใส่ใจในรายละเอียดมากขึ้นและมีการสร้างฝีแปรงที่ซ่อนอยู่ แต่โดยทั่วไปแล้วทั้งสองสไตล์นี้จะคล้ายกัน
ฟิทซ์เฮนรี่เลน "เรือในสายหมอก" (2403)
ผู้ก่อตั้งโรงเรียนคือศิลปินโทมัสโคล เขาออกเดินทางบนแม่น้ำฮัดสันในฤดูใบไม้ร่วงปี พ.ศ. 2368 จากนั้นแอชเชอร์ บราวน์ ดูแรนต์เพื่อนสนิทของเขาเข้าร่วมด้วย ศิลปินคนอื่นๆ ของโรงเรียน:
อัลเบิร์ต เบียร์สตัดท์
จอห์น วิลเลียม คาซิลิเยร์
โบสถ์เฟรเดริก เอ็ดวิน
โทมัส โคล
ซามูเอล โคลแมน
แจสเปอร์ ฟรานซิส ครอปซีย์
โธมัส โดตี
โรเบิร์ต สก็อตต์ ดันแคนสัน
แซนฟอร์ด โรบินสัน กิฟฟอร์ด
เจมส์ แมคดูกัล ฮาร์ต
วิลเลียม ฮาร์ต
วิลเลียม สแตนลีย์ ฮาเซลไทน์
มาร์ติน จอห์นสัน เฮดี และคณะ
ภาพวาดของศิลปินโรงเรียนฮัดสันโดดเด่นด้วยความเรียบง่ายและเป็นธรรมชาติ
โธมัส โคล (1801-1848)
โธมัส โคล เกิดที่อังกฤษ ในปี พ.ศ. 2361 ครอบครัวของเขาอพยพไปอยู่ที่สหรัฐอเมริกา โคลเรียนรู้พื้นฐานของอาชีพของเขาจากสไตน์ ศิลปินวาดภาพเหมือนนักเดินทาง แต่การถ่ายภาพบุคคลไม่ประสบความสำเร็จสำหรับเขา และเขาเริ่มวาดภาพทิวทัศน์ นอกจากนี้เขายังประสบความสำเร็จในการวาดภาพเปรียบเทียบเช่นชุด "การเดินทางแห่งชีวิต" ซึ่งประกอบด้วยภาพวาดเกี่ยวกับสี่ช่วงชีวิตของบุคคล: วัยเด็ก เยาวชน วุฒิภาวะ และวัยชรา วัฏจักรนี้ถูกเก็บไว้ในหอศิลป์แห่งชาติ (วอชิงตัน สหรัฐอเมริกา)
ต. โคล "วัยเด็ก"
ในภาพวาดแรก ศิลปินวาดภาพเด็กในเรือที่ลอยไปตามแม่น้ำแห่งชีวิต เรือลำนี้มีนางฟ้าคอยนำทาง เพราะ... เด็กยังไม่สามารถเป็นอิสระได้ ขอบฟ้าของเขาเหมือนกับในภาพวาดที่มีจำกัด รูปร่างที่หัวเรือถือนาฬิกาทรายซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของเวลา
ที.โคล "เยาวชน"
เรือลำเดียวกัน แต่มีชายหนุ่มอยู่ในนั้นแล้ว เขาควบคุมเรือด้วยตัวเขาเองแล้ว แต่นางฟ้าก็ยังไม่ทิ้งเขาไป - เขาเฝ้าดูเขาจากฝั่ง
ทูตสวรรค์ยังคงเฝ้าดูชายคนนั้นต่อไป แต่เขาจมอยู่กับปัญหาของตัวเองที่ครอบงำเขา - สิ่งนี้เน้นไปที่การระบายสีที่มืดมนของภาพ ต้นไม้ที่ล้มลงเนื่องจากพายุ...
ที. โคล "วัยชรา"
และตอนนี้การเดินทางในชีวิตของบุคคลกำลังจะสิ้นสุดลง ร่างที่มีนาฬิกาทรายไม่ได้อยู่บนเรืออีกต่อไป - เวลาของชีวิตบนโลกสิ้นสุดลงแล้ว และเรือก็ทรุดโทรมไปหมด...
เทวดาผู้พิทักษ์ลงมาหาเขาเพื่อนำทางเขาไปสู่อีกโลกหนึ่ง และเทวดาองค์อื่นก็มองเห็นได้ในระยะไกล โคลกล่าวถึงภาพนี้: “พันธนาการของการดำรงอยู่ทางร่างกายหลุดออกไป และจิตใจก็สามารถเห็นแวบหนึ่งของชีวิตนิรันดร์ได้แล้ว”
วินสโลว์ โฮเมอร์ (1836-1910)
ภาพถ่ายจากปี 1880
ศิลปินและกราฟิกชาวอเมริกัน ผู้ก่อตั้งการวาดภาพแบบสมจริง เป็นที่รู้จักดีที่สุดจากทิวทัศน์ท้องทะเลของเขา เขาวาดภาพด้วยสีน้ำมันและสีน้ำ งานของเขามีอิทธิพลต่อการพัฒนาจิตรกรรมอเมริกันในเวลาต่อมาทั้งหมด
โฮเมอร์ได้รับอิทธิพลจากการเคลื่อนไหวทางศิลปะต่างๆ แต่มีพื้นฐานมาจากวิชาอเมริกันล้วนๆ
ภาพวาดของเขาในยุคแรกนั้นสว่างและเงียบสงบ ในขณะที่ยุคสุดท้ายโดดเด่นด้วยโทนสีมืดและธีมที่น่าเศร้า
W. Homer “สัญญาณหมอก” พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์บอสตัน (สหรัฐอเมริกา)
หัวข้อของภาพวาดคือการต่อสู้ของมนุษย์กับทะเล ความสัมพันธ์ระหว่างชีวิตมนุษย์ที่เปราะบางกับธรรมชาตินิรันดร์
โธมัส คาวเพิร์ธเวต เอคินส์ (เอคินส์) (1844-1916)
ศิลปิน ช่างภาพ ครู ตัวแทนชั้นนำของการวาดภาพแบบสมจริงของอเมริกา
ที. เอคินส์. ภาพเหมือนตนเอง (1902)
เขาสำเร็จการศึกษาจากสถาบันวิจิตรศิลป์แห่งเพนซิลเวเนีย และพัฒนาทักษะของเขาเพิ่มเติมในยุโรป โดยส่วนใหญ่อยู่ในปารีสภายใต้การแนะนำของฌอง ลีออน เกอโรม เขาสอนที่ Academy of Fine Arts และเป็นผู้อำนวยการ
เขาให้ความสนใจอย่างมากกับการศึกษาและการพรรณนาภาพเปลือยโดยแสดงความคิดอิสระซึ่งเขาถูกไล่ออก ในภาพวาดและภาพถ่ายของ Eakins ร่างกายที่เปลือยเปล่าและกึ่งเปลือยเป็นจุดศูนย์กลาง เขาเป็นเจ้าของภาพนักกีฬามากมาย เอคินส์มีความสนใจเป็นพิเศษในการถ่ายทอดการเคลื่อนไหวของร่างกายมนุษย์
ต. เอกินส์ "ว่ายน้ำ" (2438)
เขาวาดภาพบุคคลในสภาพแวดล้อมที่มีหลายร่าง
ผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ “The Gross Clinic”
ต. เอกินส์ "คลินิกรวม" (2418)
ภาพวาดนี้แสดงให้เห็นถึงศัลยแพทย์ชื่อดังชาวฟิลาเดลเฟีย ซามูเอล กรอสส์ ซึ่งเป็นผู้นำการผ่าตัดต่อหน้านักศึกษาในสถาบันการแพทย์ ศิลปินวาดภาพดร. กรอสส์ว่าเป็นอัจฉริยะด้านความคิดของมนุษย์ แต่ภาพดังกล่าวทำให้คนรุ่นเดียวกันตกตะลึงด้วยความสมจริง
T. Eakins ยังเป็นที่รู้จักจากภาพบุคคลที่สำคัญหลายภาพ รวมถึงภาพเหมือนของกวีและนักประชาสัมพันธ์ชาวอเมริกัน Walt Whitman (พ.ศ. 2430-2431) ซึ่งกวีเองก็ถือว่าดีที่สุด
ที. เอคินส์. ภาพเหมือนของวิทแมน (2430)
เจมส์ แอบบอตต์ แมคนีล วิสต์เลอร์ (1834-1903)
ศิลปินแองโกล-อเมริกัน จิตรกรภาพบุคคล ช่างแกะสลัก และช่างพิมพ์หิน บรรพบุรุษของอิมเพรสชันนิสม์และสัญลักษณ์นิยม
ดี. วิสต์เลอร์. ภาพเหมือน. สถาบันศิลปะ (ดีทรอยต์)
เกิดที่เมืองโลเวลล์ รัฐแมสซาชูเซตส์ พ่อของเขา George Washington Whistler ซึ่งเป็นวิศวกรการรถไฟชื่อดัง ได้รับเชิญให้สร้างถนนในรัสเซียในปี 1842 เขาเป็นผู้ออกแบบทางรถไฟ Nikolaev ในรัสเซีย เจมส์เข้าเรียนที่ Academy of Arts ในสหรัฐอเมริกาเขาเรียนที่โรงเรียนเตรียมทหาร แต่ถูกไล่ออกเนื่องจากผลการเรียนไม่ดี
D. Whistler “การจัดเรียงเป็นสีเทาและสีดำ แม่ของศิลปิน (2414) พิพิธภัณฑ์ออร์แซ (ปารีส)
นี่คือผลงานที่โด่งดังที่สุดของ James Whistler
เขาศึกษาการวาดภาพในปารีส จากนั้นในเวนิส (เขาศึกษาภาพร่างสีน้ำและการแกะสลัก)
ในช่วงแรกของการทำงาน วิสต์เลอร์มีความใกล้ชิดกับลัทธิอิมเพรสชันนิสม์ด้วยความปรารถนาที่จะบันทึกความประทับใจครั้งแรกของวัตถุ ไม่ว่าจะเป็นทิวทัศน์หรือบุคคล แต่ในหลายประเด็นเขาไม่เห็นด้วยกับแนวอิมเพรสชั่นนิสต์: เขาไม่เห็นด้วยกับลัทธิ Plein Air และคิดถึงโทนสีล่วงหน้า ในผลงานชิ้นหลังของเขา วิสต์เลอร์ใช้สีโปร่งใสคล้ายสีน้ำที่เจือจางมาก ซึ่งสื่อถึงความรู้สึกของการเคลื่อนไหวที่ไม่มั่นคงของสภาพแวดล้อมในชั้นบรรยากาศ
D. Whistler “ซิมโฟนีในมหาสมุทรสีเทาและสีเขียว” (2409-2415)
ประเภทในชีวิตประจำวัน
การพัฒนาที่ยิ่งใหญ่ในการวาดภาพอเมริกันในศตวรรษที่ 19 ได้รับประเภทครัวเรือน ในตอนแรกประเภทนี้มีพื้นฐานมาจากการบรรยายภาพชีวิตในต่างจังหวัดด้วยไพ่ การเต้นรำ ฯลฯ
อีสต์แมนจอห์นสัน ความสุขของ Stagecoach ที่ถูกทิ้งร้าง (2414)
แต่หลังจากการปฏิวัติอุตสาหกรรมและการขยายตัวของเมืองเริ่มขึ้นในสหรัฐอเมริกา ศิลปินก็เริ่มวาดภาพชีวิตของผู้อยู่อาศัยในเมืองใหญ่
John Gast "ความก้าวหน้าของอเมริกา" (ประมาณปี 1872)
ภาพวาดนี้แสดงถึงโคลอมเบียเชิงเปรียบเทียบโดยมีตำราเรียนอยู่ในมือ เธอนำอารยธรรมไปทางทิศตะวันตกพร้อมกับผู้ตั้งถิ่นฐานชาวอเมริกัน โดยขึงสายโทรเลขตลอดทาง ภาพแสดงกิจกรรมทางเศรษฐกิจประเภทต่างๆ ของผู้ตั้งถิ่นฐานกลุ่มแรก ประวัติความเป็นมาของการขนส่ง มีการแสดงภาพชาวอินเดียและสัตว์ป่าที่กำลังหลบหนีจากผู้ตั้งถิ่นฐาน
“โรงเรียนถังขยะ”
ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 สหรัฐอเมริกาประสบกับการเติบโตอย่างรวดเร็วของเมืองใหญ่ กล้องในยุคนั้นยังไม่สามารถนำมาใช้ถ่ายภาพเหตุการณ์ได้อย่างรวดเร็ว หนังสือพิมพ์ข่าวจึงจ้างศิลปินมาวาดภาพ สิ่งนี้ได้ก่อตั้งโรงเรียนถังขยะขึ้น ซึ่งรวมถึง Robert Henry, Glenn Coleman, Jerome Myers และ George Bellows ประเด็นหลักของภาพร่างของสตูดิโอคือท้องถนนซึ่งมีตัวแทนทั่วไป ได้แก่ เด็กเร่ร่อน โสเภณี นักแสดงข้างถนน และผู้อพยพ ต้นกำเนิด การศึกษา และมุมมองทางการเมืองของศิลปินเหล่านี้มีความหลากหลาย แต่โรเบิร์ตเฮนรี่เชื่อว่าชีวิตและกิจกรรมของคนจน ชนชั้นกรรมาชีพ และชนชั้นกลางมีค่าควรแก่การแสดงให้เห็นในการวาดภาพ - นี่คือความเป็นจริงของเวลา
George Bellows "ความช่วยเหลือของพยาบาล Edith Cavell" (1918)
“โรงเรียนถังขยะ” ปฏิวัติทัศนศิลป์ของสหรัฐอเมริกาเป็นผู้บุกเบิก
เนื้อหาของบทความ
จิตรกรรมอเมริกันผลงานจิตรกรรมอเมริกันชิ้นแรกที่มาหาเรามีอายุย้อนกลับไปในศตวรรษที่ 16; สิ่งเหล่านี้เป็นภาพร่างที่ทำโดยผู้เข้าร่วมการสำรวจวิจัย อย่างไรก็ตามศิลปินมืออาชีพปรากฏตัวในอเมริกาเมื่อต้นศตวรรษที่ 18 เท่านั้น แหล่งรายได้ที่มั่นคงเพียงแห่งเดียวสำหรับพวกเขาคือภาพเหมือน ประเภทนี้ยังคงครองตำแหน่งผู้นำในการวาดภาพอเมริกันจนถึงต้นศตวรรษที่ 19
ยุคอาณานิคม.
ภาพบุคคลกลุ่มแรกซึ่งดำเนินการโดยใช้เทคนิคการวาดภาพสีน้ำมันมีอายุย้อนกลับไปในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17 ในเวลานี้ชีวิตของผู้ตั้งถิ่นฐานค่อนข้างสงบ ชีวิตมั่นคง และมีโอกาสฝึกฝนศิลปะปรากฏขึ้น ผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดคือภาพบุคคล นางฟริกและลูกสาวแมรี่(ค.ศ. 1671–1674, แมสซาชูเซตส์, พิพิธภัณฑ์ศิลปะวูสเตอร์) วาดโดยศิลปินชาวอังกฤษที่ไม่รู้จัก ในช่วงทศวรรษที่ 1730 เมืองต่างๆ บนชายฝั่งตะวันออกมีศิลปินหลายคนที่ทำงานในลักษณะที่ทันสมัยและสมจริงมากขึ้น: Henrietta Johnston ใน Charleston (1705), Justus Englehardt Kuhn ใน Annapolis (1708), Gustav Hesselius ใน Philadelphia (1712), John Watson ใน Perth Amboy ในรัฐนิวเจอร์ซีย์ (1714), Peter Pelham (1726) และ John Smibert (1728) ในบอสตัน ภาพวาดของสองภาพหลังมีอิทธิพลสำคัญต่องานของจอห์น ซิงเกิลตัน คอปลีย์ (ค.ศ. 1738–1815) ซึ่งถือเป็นศิลปินชาวอเมริกันรายใหญ่คนแรก จากการแกะสลักจากคอลเลกชัน Pelham เด็กหนุ่ม Copley ได้รับความเข้าใจเกี่ยวกับการวาดภาพบุคคลในพิธีการของอังกฤษและภาพวาดของ Godfrey Kneller ปรมาจารย์ชาวอังกฤษชั้นนำที่ทำงานประเภทนี้เมื่อต้นศตวรรษที่ 18 ในรูปภาพ เด็กชายกับกระรอก(ค.ศ. 1765, บอสตัน, พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์) คอปลีย์สร้างภาพบุคคลที่เหมือนจริงอย่างน่าอัศจรรย์ อ่อนโยนและแม่นยำอย่างน่าประหลาดใจในการถ่ายทอดพื้นผิวของวัตถุ เมื่อคอปลีย์ส่งงานนี้ไปลอนดอนในปี พ.ศ. 2308 โจชัว เรย์โนลด์สแนะนำให้เขาศึกษาต่อในอังกฤษ อย่างไรก็ตามคอปลีย์ยังคงอยู่ในอเมริกาจนถึงปี พ.ศ. 2317 และยังคงวาดภาพบุคคลต่อไปโดยพิจารณารายละเอียดและความแตกต่างทั้งหมดอย่างระมัดระวัง จากนั้นเขาก็เดินทางไปยุโรปและตั้งรกรากในลอนดอนในปี พ.ศ. 2318; ในสไตล์ของเขากิริยาท่าทางและคุณลักษณะของลักษณะอุดมคติของภาพวาดภาษาอังกฤษในยุคนั้นปรากฏขึ้น ผลงานที่ดีที่สุดในบรรดาผลงานที่คอปลีย์ผลิตในอังกฤษ ได้แก่ ภาพวาดบุคคลขนาดใหญ่ที่เป็นทางการซึ่งชวนให้นึกถึงผลงานของเบนจามิน เวสต์ รวมถึงภาพวาดด้วย บรู๊ค วัตสันและฉลาม(พ.ศ. 2321 บอสตัน พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์)
สงครามประกาศอิสรภาพและต้นศตวรรษที่ 19
ซึ่งแตกต่างจากคอปลีย์และเวสต์ซึ่งยังคงอยู่ในลอนดอนอย่างถาวร จิตรกรภาพเหมือน กิลเบิร์ต สจ๊วต (พ.ศ. 2298–2371) กลับมาที่อเมริกาในปี พ.ศ. 2335 โดยมีอาชีพในลอนดอนและดับลิน ในไม่ช้าเขาก็กลายเป็นปรมาจารย์ชั้นนำของประเภทนี้ในสาธารณรัฐรุ่นเยาว์ สจ๊วร์ตวาดภาพบุคคลสำคัญทางการเมืองและสาธารณะเกือบทั้งหมดในอเมริกา ผลงานของเขาถูกแสดงอย่างมีชีวิตชีวา อิสระ และร่างภาพ แตกต่างอย่างมากจากสไตล์งานอเมริกันของ Copley
เบนจามิน เวสต์ยินดีรับศิลปินรุ่นเยาว์ชาวอเมริกันเข้ามาในสตูดิโอของเขาในลอนดอน นักเรียนของเขา ได้แก่ Charles Wilson Peale (1741–1827) และ Samuel F. B. Morse (1791–1872) Peale กลายเป็นผู้ก่อตั้งราชวงศ์จิตรกรและองค์กรศิลปะครอบครัวในฟิลาเดลเฟีย เขาวาดภาพบุคคล มีส่วนร่วมในการวิจัยทางวิทยาศาสตร์ และเปิดพิพิธภัณฑ์ประวัติศาสตร์ธรรมชาติและจิตรกรรมในฟิลาเดลเฟีย (พ.ศ. 2329) จากลูกทั้งสิบเจ็ดคนของเขา หลายคนกลายเป็นศิลปินและนักธรรมชาติวิทยา มอร์ส ซึ่งเป็นที่รู้จักกันดีในฐานะผู้ประดิษฐ์โทรเลข ได้วาดภาพบุคคลที่สวยงามหลายภาพ และเป็นหนึ่งในภาพวาดที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในภาพวาดของอเมริกา - หอศิลป์ลูฟวร์- ในงานนี้ มีการจำลองผืนผ้าใบประมาณ 37 ชิ้นในรูปแบบย่อส่วนด้วยความแม่นยำอันน่าทึ่ง งานนี้เหมือนกับกิจกรรมอื่นๆ ของมอร์ส โดยมีเป้าหมายในการแนะนำประเทศรุ่นใหม่ให้รู้จักกับวัฒนธรรมอันยิ่งใหญ่ของยุโรป
Washington Alston (1779–1843) เป็นหนึ่งในศิลปินชาวอเมริกันกลุ่มแรกๆ ที่แสดงความเคารพต่อยวนใจ; ในระหว่างการเดินทางอันยาวนานทั่วยุโรป เขาได้วาดภาพพายุทะเล ฉากบทกวีภาษาอิตาลี และภาพบุคคลที่ซาบซึ้ง
ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 สถาบันศิลปะอเมริกันแห่งแรกเปิดขึ้น โดยให้การฝึกอบรมวิชาชีพแก่นักเรียนและมีส่วนร่วมโดยตรงในการจัดนิทรรศการ: Pennsylvania Academy of Arts ในฟิลาเดลเฟีย (1805) และ National Academy of Drawing ในนิวยอร์ก (1825) ซึ่งมีประธานาธิบดีคนแรกคือ S. R. Morse . ในช่วงทศวรรษที่ 1820 และ 1830 จอห์น ทรัมบุลล์ (1756–1843) และจอห์น แวนเดอร์ลิน (1775–1852) วาดภาพองค์ประกอบขนาดใหญ่ของหัวข้อจากประวัติศาสตร์อเมริกาที่ตกแต่งผนังศาลากลาง Rotunda ในวอชิงตัน
ในช่วงทศวรรษที่ 1830 ภูมิทัศน์กลายเป็นประเภทที่โดดเด่นของการวาดภาพอเมริกัน โธมัส โคล (1801–1848) วาดภาพธรรมชาติอันบริสุทธิ์ของภาคเหนือ (นิวยอร์ก) เขาแย้งว่าภูเขาที่สภาพอากาศแปรปรวนและป่าในฤดูใบไม้ร่วงที่สดใสเป็นหัวข้อที่เหมาะสมสำหรับศิลปินชาวอเมริกันมากกว่าซากปรักหักพังของยุโรปที่งดงาม โคลยังวาดภาพทิวทัศน์หลายแห่งที่เปี่ยมไปด้วยความหมายทางจริยธรรมและศาสนา ในนั้นมีภาพวาดขนาดใหญ่สี่ภาพ เส้นทางชีวิต(พ.ศ. 2385, วอชิงตัน, หอศิลป์แห่งชาติ) - องค์ประกอบเชิงเปรียบเทียบที่แสดงภาพเรือลำหนึ่งแล่นไปตามแม่น้ำซึ่งมีเด็กชายนั่งอยู่ จากนั้นเป็นชายหนุ่ม จากนั้นเป็นชาย และในที่สุดก็เป็นชายชรา จิตรกรภูมิทัศน์หลายคนติดตามตัวอย่างของโคลและบรรยายถึงธรรมชาติของชาวอเมริกันในงานของพวกเขา พวกเขามักจะรวมกันเป็นกลุ่มเดียวที่เรียกว่า "โรงเรียนแม่น้ำฮัดสัน" (ซึ่งไม่เป็นความจริงเนื่องจากพวกเขาทำงานทั่วประเทศและเขียนในรูปแบบที่แตกต่างกัน)
ในบรรดาจิตรกรประเภทชาวอเมริกัน ที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ William Sidney Mount (1807–1868) ผู้ซึ่งวาดฉากจากชีวิตของชาวนาในลองไอส์แลนด์ และ George Caleb Bingham (1811–1879) ซึ่งมีภาพวาดที่อุทิศให้กับชีวิตของชาวประมงจาก ริมฝั่งแม่น้ำมิสซูรีและการเลือกตั้งในเมืองเล็กๆ ในจังหวัด
ก่อนสงครามกลางเมือง ศิลปินที่ได้รับความนิยมมากที่สุดคือ Frederick Edwin Church (1826–1900) ซึ่งเป็นลูกศิษย์ของ Cole's เขาวาดภาพผลงานขนาดใหญ่เป็นส่วนใหญ่ และบางครั้งก็ใช้ลวดลายที่เป็นธรรมชาติมากเกินไปเพื่อดึงดูดและทำให้สาธารณชนตะลึง คริสตจักรเดินทางไปยังสถานที่แปลกตาและอันตรายที่สุด รวบรวมวัสดุเพื่อแสดงภูเขาไฟในอเมริกาใต้และภูเขาน้ำแข็งในทะเลทางเหนือ ผลงานที่โด่งดังที่สุดชิ้นหนึ่งของเขาคือภาพวาด Niagara Falls (1857, Washington, Corcoran Gallery)
ในช่วงทศวรรษที่ 1860 ผืนผ้าใบขนาดมหึมาของอัลเบิร์ต เบียร์สตัดท์ (พ.ศ. 2373-2445) กระตุ้นให้เกิดความชื่นชมอย่างกว้างขวางในความงามของเทือกเขาร็อคกี้ ด้วยทะเลสาบที่ใสสะอาด ป่าไม้ และยอดเขาที่มีลักษณะคล้ายหอคอย
ยุคหลังสงครามและช่วงเปลี่ยนศตวรรษ
หลังสงครามกลางเมือง การศึกษาจิตรกรรมในยุโรปเริ่มเป็นที่นิยม ในเมืองดุสเซลดอร์ฟ มิวนิก และโดยเฉพาะปารีส มีความเป็นไปได้ที่จะได้รับการศึกษาขั้นพื้นฐานมากกว่าในอเมริกา James McNeil Whistler (1834–1903), Mary Cassatt (1845–1926) และ John Singer Sargent (1856–1925) ศึกษาที่ปารีส อาศัยและทำงานในฝรั่งเศสและอังกฤษ วิสต์เลอร์อยู่ใกล้กับอิมเพรสชั่นนิสต์ชาวฝรั่งเศส ในภาพวาดของเขาเขาให้ความสนใจเป็นพิเศษกับการผสมสีและองค์ประกอบที่แสดงออกและพูดน้อย Mary Cassatt ตามคำเชิญของ Edgar Degas เข้าร่วมในนิทรรศการอิมเพรสชั่นนิสต์ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2422 ถึง พ.ศ. 2429 ซาร์เจนท์วาดภาพบุคคลที่มีชื่อเสียงที่สุดของโลกเก่าและโลกใหม่ด้วยท่าทางที่กล้าหาญ หุนหันพลันแล่น และไม่ชัดเจน
ด้านตรงข้ามของสเปกตรัมโวหารกับอิมเพรสชั่นนิสม์ในศิลปะปลายศตวรรษที่ 19 ครอบครองโดยศิลปินสัจนิยมที่วาดภาพหุ่นนิ่งมายา: William Michael Harnett (1848–1892), John Frederick Peto (1854–1907) และ John Haeberl (1856–1933)
ศิลปินหลักสองคนในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 ได้แก่ Winslow Homer (1836–1910) และ Thomas Eakins (1844–1916) ไม่ได้อยู่ในขบวนการทางศิลปะใด ๆ ที่ทันสมัยในเวลานั้น โฮเมอร์เริ่มอาชีพสร้างสรรค์ของเขาในช่วงทศวรรษที่ 1860 โดยแสดงภาพประกอบนิตยสารนิวยอร์ก ในช่วงทศวรรษที่ 1890 เขามีชื่อเสียงในฐานะศิลปินที่มีชื่อเสียง ภาพวาดยุคแรกของเขาเป็นภาพชีวิตในหมู่บ้านที่เต็มไปด้วยแสงแดดจ้า ต่อมาโฮเมอร์เริ่มหันไปใช้ภาพและธีมที่ซับซ้อนและน่าทึ่งมากขึ้น: ในภาพ กัลฟ์สตรีม(1899, Metropolitan) บรรยายถึงความสิ้นหวังของกะลาสีเรือผิวดำที่นอนอยู่บนดาดฟ้าเรือในทะเลที่มีพายุและมีปลาฉลามรบกวน ในช่วงชีวิตของเขา Thomas Eakins ถูกวิพากษ์วิจารณ์อย่างรุนแรงถึงความเป็นกลางและความตรงไปตรงมามากเกินไป ปัจจุบันผลงานของเขาได้รับการยกย่องอย่างสูงจากภาพวาดที่เข้มงวดและชัดเจน พู่กันของเขาประกอบด้วยภาพนักกีฬาและภาพบุคคลอันจริงใจที่เต็มไปด้วยความเห็นอกเห็นใจ
ศตวรรษที่ยี่สิบ
ในช่วงต้นศตวรรษ การเลียนแบบอิมเพรสชันนิสม์ของฝรั่งเศสมีคุณค่ามากที่สุด รสนิยมสาธารณะถูกท้าทายโดยกลุ่มศิลปินแปดคน: Robert Henry (1865–1929), W. J. Glackens (1870–1938), John Sloan (1871–1951), J. B. Lax (1867–1933), Everett Shinn (1876–1953) , เอ.บี. เดวีส์ (1862–1928), มอริซ เพรนเดอร์กาสต์ (1859–1924) และเออร์เนสต์ ลอว์สัน (1873–1939) นักวิจารณ์เรียกพวกเขาว่าเป็นโรงเรียน "ถังขยะ" เนื่องจากชอบวาดภาพสลัมและเรื่องน่าเบื่ออื่นๆ
ในปี พ.ศ. 2456 มีสิ่งที่เรียกว่า “Armory Show” จัดแสดงผลงานของปรมาจารย์จากหลากหลายสาขาหลังอิมเพรสชันนิสม์ ศิลปินชาวอเมริกันถูกแบ่งแยก: บางคนหันมาสำรวจความเป็นไปได้ของสีและนามธรรมที่เป็นทางการ ส่วนคนอื่น ๆ ยังคงอยู่ในอกของประเพณีที่สมจริง กลุ่มที่สอง ได้แก่ Charles Burchfield (พ.ศ. 2436–2510), Reginald Marsh (พ.ศ. 2441–2497), Edward Hopper (พ.ศ. 2425–2510), Fairfield Porter (พ.ศ. 2450–2518), Andrew Wyeth (เกิด พ.ศ. 2460) และคนอื่น ๆ ภาพวาดของ Ivan Albright (1897–1983), George Tooker (เกิดปี 1920) และ Peter Bloom (1906–1992) เขียนในรูปแบบของ "ความสมจริงที่มีมนต์ขลัง" (ความคล้ายคลึงกับธรรมชาติในผลงานของพวกเขานั้นเกินจริง และความเป็นจริงก็คือ ชวนให้นึกถึงความฝันหรือภาพหลอนมากขึ้น) ศิลปินคนอื่นๆ เช่น Charles Sheeler (1883–1965), Charles Demuth (1883–1935), Lionel Feininger (1871–1956) และ Georgia O'Keeffe (1887–1986) ผสมผสานองค์ประกอบระหว่างความสมจริง ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม และการแสดงออกในผลงานของพวกเขา ผลงานและการเคลื่อนไหวอื่น ๆ ของศิลปะยุโรป มุมมองทางทะเลของ John Marin (พ.ศ. 2413-2596) และ Marsden Hartley (พ.ศ. 2420-2486) ยังคงใกล้เคียงกับการแสดงออก การเชื่อมต่อกับโลกที่มองเห็น แม้ว่ารูปแบบจะแตกต่างออกไป ผลงานของเขาจะบิดเบี้ยวอย่างมากและนำไปสู่การกำหนดสัญลักษณ์ที่เกือบจะสุดโต่ง
หลังสงครามโลกครั้งที่ 2 การวาดภาพแบบไม่มีวัตถุประสงค์กลายเป็นทิศทางสำคัญในศิลปะอเมริกัน ตอนนี้ความสนใจหลักไปที่พื้นผิวของภาพแล้ว มันถูกมองว่าเป็นเวทีสำหรับการปฏิสัมพันธ์ของเส้น มวล และจุดสี การแสดงออกเชิงนามธรรมครอบครองสถานที่สำคัญที่สุดในรอบหลายปีเหล่านี้ กลายเป็นการเคลื่อนไหวครั้งแรกในการวาดภาพที่เกิดขึ้นในสหรัฐอเมริกาและมีความสำคัญระดับนานาชาติ ผู้นำของขบวนการนี้คือ Arshile Gorky (1904–1948), Willem de Kooning (Kooning) (1904–1997), Jackson Pollock (1912–1956), Mark Rothko (1903–1970) และ Franz Kline (1910–1962) การค้นพบที่น่าสนใจที่สุดประการหนึ่งของการแสดงออกทางนามธรรมคือวิธีการทางศิลปะของ Jackson Pollock ซึ่งหยดหรือโยนสีลงบนผืนผ้าใบเพื่อสร้างเขาวงกตที่ซับซ้อนของรูปแบบเชิงเส้นแบบไดนามิก ศิลปินคนอื่นๆ ของขบวนการนี้ -