Patung Yunani kuno yang terkenal. Fitur patung dan arsitektur Yunani kuno

PERKENALAN

Para humanis Italia pada zaman Renaisans menyebut budaya Yunani-Romawi antik (dari kata Latin antik - kuno) sebagai budaya paling awal yang mereka kenal. Dan nama ini tetap melekat hingga hari ini, meskipun lebih banyak budaya kuno telah ditemukan sejak saat itu. Ia telah dilestarikan sebagai sinonim untuk zaman klasik, yaitu dunia di mana peradaban Eropa kita muncul. Ini telah dilestarikan sebagai sebuah konsep yang justru memisahkan budaya Yunani-Romawi dari dunia budaya Timur Kuno.

Penciptaan penampilan manusia yang digeneralisasikan, diangkat menjadi norma yang indah—kesatuan keindahan fisik dan spiritual—hampir merupakan satu-satunya tema seni dan kualitas utama budaya Yunani secara keseluruhan. Ini memberikan budaya Yunani yang paling langka kekuatan artistik dan kunci budaya dunia di masa depan.

Kebudayaan Yunani kuno mempunyai pengaruh yang sangat besar terhadap perkembangan peradaban Eropa. Prestasi seni rupa Yunani sebagian menjadi dasar gagasan estetika era-era berikutnya. Tanpa filsafat Yunani, khususnya Plato dan Aristoteles, perkembangan teologi abad pertengahan maupun filsafat zaman kita tidak akan mungkin terjadi. Telah mencapai zaman kita dalam fitur utamanya sistem Yunani pendidikan. Mitologi dan sastra Yunani kuno telah menginspirasi penyair, penulis, seniman, dan komposer selama berabad-abad. Sulit untuk melebih-lebihkan pengaruh patung kuno terhadap pematung di era berikutnya.

Arti penting kebudayaan Yunani kuno begitu besar sehingga tidak sia-sia kita menyebut masa kejayaannya sebagai “zaman keemasan” umat manusia. Dan sekarang, ribuan tahun kemudian, kita mengagumi proporsi arsitektur yang ideal, kreasi pematung, penyair, sejarawan, dan ilmuwan yang tak tertandingi. Budaya ini adalah yang paling manusiawi; masih memberikan kebijaksanaan, keindahan, dan keberanian kepada manusia.

Periode di mana sejarah dan seni dunia kuno biasanya terbagi.

Periode kuno- Budaya Aegea: abad III milenium-XI. SM e.

Periode Homer dan Archaic Awal: Abad XI-VIII. SM e.

Periode kuno : abad VII-VI. SM e.

Periode klasik: dari abad ke-5 sampai sepertiga terakhir abad ke-4. SM e.

Periode Helenistik: sepertiga terakhir abad ke-4-1. SM e.

Masa perkembangan suku-suku Italia; budaya Etruria: Abad VIII-II. SM e.

Masa kerajaan Roma kuno: abad VIII-VI. SM e.

Periode Republik Roma kuno: Abad V-I SM e.

Masa kekaisaran Roma kuno: abad ke-1-5. N. e.

Dalam karya saya, saya ingin mempertimbangkan patung Yunani dari periode Archaic, Classical dan Late Classical, patung dari periode Helenistik, serta patung Romawi.

KUNO

Seni Yunani berkembang di bawah pengaruh tiga aliran budaya yang sangat berbeda:

Laut Aegea, rupanya masih mempertahankan vitalitasnya di Asia Kecil dan sekitarnya bernapas mudah menjawab kebutuhan spiritual Hellene kuno di semua periode perkembangannya;

Dorian, agresif (dihasilkan oleh gelombang invasi Dorian utara), cenderung melakukan penyesuaian ketat terhadap tradisi gaya yang muncul di Kreta, untuk meredam imajinasi bebas dan dinamisme tak terkendali dari pola dekoratif Kreta (sudah sangat disederhanakan di Mycenae ) dengan skema geometris paling sederhana, keras kepala, kaku dan angkuh;

Eastern, yang membawa ke Hellas muda, seperti sebelumnya ke Kreta, contoh kreativitas artistik Mesir dan Mesopotamia, kekonkritan lengkap bentuk plastik dan gambar, dan keterampilan visualnya yang luar biasa.

Kreativitas seni Hellas untuk pertama kalinya dalam sejarah dunia menetapkan realisme sebagai norma mutlak seni. Namun realisme tidak terletak pada peniruan alam secara persis, namun pada penyelesaian apa yang tidak dapat dicapai oleh alam. Jadi, mengikuti rencana alam, seni harus berjuang untuk kesempurnaan yang hanya diisyaratkannya, tetapi tidak dicapainya sendiri.

Pada akhir abad ke-7 - awal abad ke-6. SM e. Pergeseran terkenal terjadi dalam seni Yunani. Dalam lukisan vas, fokusnya mulai tertuju pada orangnya, dan citranya menjadi semakin nyata. Ornamen tanpa plot kehilangan makna sebelumnya. Pada saat yang sama, dan ini merupakan peristiwa yang sangat penting, sebuah patung monumental muncul, yang tema utamanya, sekali lagi, adalah manusia.

Sejak saat itu, seni rupa Yunani dengan tegas memasuki jalur humanisme, di mana ia ditakdirkan untuk meraih kejayaan yang tak pernah padam.

Melalui jalur ini, seni untuk pertama kalinya memperoleh tujuan yang khusus dan melekat. Tujuannya bukan untuk mereproduksi sosok orang yang meninggal untuk memberikan perlindungan yang menyelamatkan bagi "Ka" -nya, bukan untuk menegaskan kekuatan mapan yang tidak dapat diganggu gugat dalam monumen yang mengagungkan kekuatan ini, bukan untuk secara ajaib mempengaruhi kekuatan alam yang diwujudkan oleh sang seniman. dalam gambar tertentu. Tujuan seni adalah untuk menciptakan keindahan yang setara dengan kebaikan, setara dengan kesempurnaan rohani dan jasmani seseorang. Dan ngomong-ngomong tentang nilai pendidikan seni, maka itu meningkat tak terkira. Sebab keindahan ideal yang diciptakan oleh seni menimbulkan keinginan untuk memperbaiki diri dalam diri seseorang.

Mengutip Lessing: “Di mana, berkat orang-orang cantik, patung-patung indah muncul, patung-patung indah ini, pada gilirannya, memberikan kesan pada orang-orang cantik, dan negara berhutang patung-patung indah untuk orang-orang cantik.”

Patung-patung Yunani pertama yang sampai kepada kita masih jelas mencerminkan pengaruh Mesir. Frontalitas dan pada awalnya dengan takut-takut mengatasi kekakuan gerakan - dengan kaki kiri dimajukan atau tangan menempel di dada. Ini patung batu, paling sering terbuat dari marmer, yang kaya akan Hellas, memiliki pesona yang tidak dapat dijelaskan. Mereka menunjukkan nafas muda, dorongan inspirasi dari sang seniman, keyakinannya yang menyentuh bahwa melalui usaha yang gigih dan telaten, peningkatan keterampilan yang terus-menerus, seseorang dapat sepenuhnya menguasai materi yang diberikan kepadanya oleh alam.

Di patung marmer raksasa (awal abad ke-6 SM), empat kali tinggi manusia, kita membaca tulisan bangga: “Saya semua, patung dan alasnya, diambil dari satu blok.”

Siapa yang digambarkan oleh patung-patung kuno itu?

Mereka adalah pemuda telanjang (kuro), atlet, pemenang kompetisi. Ini adalah gonggongan - wanita muda dengan tunik dan jubah.

Ciri penting: bahkan pada awal seni Yunani, gambar pahatan para dewa berbeda, dan itupun tidak selalu, dari gambar manusia hanya dalam lambang. Jadi, dalam patung pemuda yang sama, kita terkadang cenderung mengenali sekadar seorang atlet, atau Phoebus-Apollo sendiri, dewa cahaya dan seni.

...Jadi, patung kuno awal masih mencerminkan kanon yang dikembangkan di Mesir atau Mesopotamia.

Frontal dan tenang adalah kouros tinggi, atau Apollo, yang dipahat sekitar 600 SM. e. (New York, Museum Seni Metropolitan). Wajahnya dibingkai oleh rambut panjang, dijalin dengan cerdik "dalam sangkar", seperti wig kaku, dan bagi kami tampaknya dia terbentang di depan kami, memamerkan bahu bersudutnya yang terlalu lebar, imobilitas bujursangkarnya. lengan dan pinggulnya yang sempit dan halus.

Patung Hera dari pulau Samos, kemungkinan dibuat pada awal kuartal kedua abad ke-6. SM e. (Paris, Louvre). Pada marmer ini kita terpikat oleh keagungan sosoknya, yang terpahat dari bawah hingga pinggang dalam bentuk tiang bundar. Beku, keagungan yang tenang. Kehidupan nyaris tidak terlihat di bawah lipatan chiton yang sejajar, di bawah lipatan jubah yang ditata secara dekoratif.

Dan inilah yang membedakan seni Hellas di jalur yang dibukanya: kecepatan luar biasa dalam peningkatan metode penggambaran, bersama dengan perubahan radikal dalam gaya seni itu sendiri. Namun tidak seperti di Babilonia, dan tentu saja tidak seperti di Mesir, yang gayanya berubah secara perlahan selama ribuan tahun.

Pertengahan abad ke-6 SM e. Hanya beberapa dekade yang memisahkan "Apollo of Tenea" (Munich, Glyptothek) dari patung-patung yang disebutkan sebelumnya. Namun betapa lebih lincah dan anggunnya sosok pemuda yang sudah disinari keindahan ini! Dia belum bergerak, tapi dia sudah siap untuk bergerak. Bentuk pinggul dan bahunya lebih lembut, lebih terukur, dan senyumannya mungkin yang paling berseri-seri, dengan polosnya bersukacita di zaman kuno.

“Moschophorus” yang terkenal yang berarti pembawa anak sapi (Athena, Museum Arkeologi Nasional). Ini adalah seorang Hellene muda yang membawa seekor anak sapi ke altar dewa. Tangan-tangan yang menekan kaki-kaki seekor binatang yang bertumpu pada bahunya ke dadanya, kombinasi salib dari lengan-lengan ini dan kaki-kaki ini, moncong lemah lembut dari tubuh yang ditakdirkan untuk disembelih, tatapan penuh perhatian dari sang pendonor, dipenuhi dengan makna yang tak terlukiskan - semua ini menciptakan suatu keseluruhan yang sangat harmonis dan tidak dapat dipisahkan secara internal yang menyenangkan kita dengan harmoninya yang utuh, musikalitas yang terdengar seperti marmer.

“Kepala Rampin” (Paris, Louvre), dinamai menurut nama pemilik pertamanya (Museum Athena menyimpan patung marmer tanpa kepala yang ditemukan secara terpisah, yang tampaknya cocok dengan kepala Louvre). Inilah gambaran pemenang lomba yang dibuktikan dengan karangan bunga. Senyumnya sedikit dipaksakan, namun lucu. Gaya rambut yang dikerjakan dengan sangat hati-hati dan elegan. Tetapi hal utama dalam gambar ini adalah sedikit menoleh: ini sudah merupakan pelanggaran frontalitas, emansipasi dalam gerakan, pertanda kebebasan sejati yang pemalu.

Kouros “Strangford” pada akhir abad ke-6 sungguh luar biasa. SM e. (London, Museum Inggris). Senyumnya tampak penuh kemenangan. Tapi bukankah itu karena tubuhnya begitu ramping dan nyaris leluasa muncul di hadapan kita dengan segala keindahannya yang berani dan sadar?

Kami lebih beruntung dengan koros dibandingkan dengan kouro. Pada tahun 1886, empat belas inti marmer digali dari tanah oleh para arkeolog. Dimakamkan oleh orang Athena selama penghancuran kota mereka oleh tentara Persia pada tahun 480 SM. e., sebagian kulit kayu mempertahankan warnanya (beraneka ragam dan sama sekali tidak naturalistik).

Secara keseluruhan, patung-patung ini memberi kita gambaran yang jelas tentang patung Yunani pada paruh kedua abad ke-6. SM e. (Athena, Museum Acropolis).

Entah secara misterius dan penuh perasaan, lalu dengan polos dan bahkan naif, lalu gonggongan itu tersenyum dengan jelas genit. Sosok mereka ramping dan megah, gaya rambut rumit mereka kaya. Kita telah melihat bahwa patung kouros kontemporer secara bertahap melepaskan diri dari batasan sebelumnya: tubuh telanjang menjadi lebih hidup dan harmonis. Kemajuan yang tak kalah signifikan terlihat pada seni pahat wanita: lipatan jubah ditata semakin apik untuk menyampaikan gerak sosok, sensasi kehidupan tubuh yang terbungkus.

Peningkatan yang terus-menerus dalam realisme mungkin merupakan ciri paling khas dari perkembangan seluruh seni Yunani pada masa itu. Kesatuan rohaninya yang mendalam teratasi fitur gaya, ciri khas berbagai daerah di Yunani.

Putihnya marmer bagi kita tampaknya tidak dapat dipisahkan dari keindahan ideal yang diwujudkan oleh patung batu Yunani. Kehangatan tubuh manusia terpancar bagi kita melalui warna putih ini, secara menakjubkan mengungkapkan semua kelembutan pemodelan dan, sesuai dengan gagasan yang tertanam dalam diri kita, idealnya selaras dengan pengekangan batin yang mulia, kejernihan klasik dari citra kecantikan manusia yang diciptakan oleh pematung.

Ya, warna putih ini menawan, tetapi dihasilkan oleh waktu, yang mengembalikan warna alami marmer. Waktu telah mengubah penampilan patung-patung Yunani, namun tidak merusaknya. Karena keindahan patung-patung ini seolah mengalir dari jiwanya. Waktu hanya menyinari keindahan ini dengan cara baru, mengecilkan sesuatu di dalamnya, dan tanpa sadar menekankan sesuatu. Namun dibandingkan dengan karya seni yang dikagumi oleh orang-orang Hellenes kuno, relief dan patung kuno yang sampai kepada kita masih kekurangan waktu dalam sesuatu yang sangat penting, dan oleh karena itu gagasan kita tentang patung Yunani belum lengkap.

Seperti sifat Hellas itu sendiri, seni Yunani juga cerah dan penuh warna. Ringan dan ceria, bersinar meriah di bawah sinar matahari dalam berbagai kombinasi warnanya, menggemakan emas matahari, ungu matahari terbenam, birunya laut yang hangat, dan kehijauan perbukitan di sekitarnya.

Detail arsitektur dan dekorasi pahatan candi dicat dengan cerah, sehingga seluruh bangunan terlihat elegan dan meriah. Pewarnaan yang kaya meningkatkan realisme dan ekspresi gambar - meskipun, seperti kita ketahui, warna yang dipilih tidak benar-benar sesuai dengan kenyataan - warna ini menarik dan menghibur mata, membuat gambar menjadi lebih jelas, mudah dipahami, dan dapat dihubungkan. Dan hampir semua patung kuno yang sampai kepada kita telah kehilangan warnanya sama sekali.

Seni Yunani pada akhir abad ke-6 dan awal abad ke-5. SM e. pada dasarnya tetap kuno. Bahkan kuil Doric Poseidon yang megah di Paestum, dengan barisan tiangnya yang terpelihara dengan baik, dibangun dari batu kapur pada kuartal kedua abad ke-5, tidak menunjukkan emansipasi bentuk arsitektur yang utuh. Sifat masif dan jongkok, ciri khas arsitektur kuno, menentukan tampilannya secara keseluruhan.

Hal yang sama berlaku untuk patung Kuil Athena di pulau Aegina, yang dibangun setelah tahun 490 SM. e. Pedimennya yang terkenal dihiasi dengan patung marmer, beberapa di antaranya masih sampai kepada kita (Munich, Glyptothek).

Pada pedimen sebelumnya, pematung menyusun gambar-gambar tersebut dalam sebuah segitiga, mengubah skalanya sesuai dengan itu. Sosok pedimen Aegina memiliki skala yang sama (hanya Athena sendiri yang lebih tinggi dari yang lain), yang sudah menandai kemajuan signifikan: mereka yang lebih dekat ke tengah berdiri dengan ketinggian penuh, mereka yang berada di samping digambarkan sedang berlutut dan berbaring. Plot komposisi harmonis ini dipinjam dari Iliad. Sosok individu itu indah, misalnya prajurit yang terluka dan pemanah yang menarik tali busurnya. Keberhasilan yang tidak diragukan lagi telah dicapai dalam gerakan-gerakan pembebasan. Namun ada yang merasa bahwa keberhasilan ini diraih dengan susah payah, bahwa ini masih sekedar ujian. Senyuman kuno masih terlihat aneh di wajah para pejuang. Keseluruhan komposisinya belum cukup koheren, terlalu simetris secara tegas, dan belum terinspirasi oleh satu hembusan nafas bebas.

BUNGA BESAR

Sayangnya, kita tidak dapat membanggakan pengetahuan yang cukup tentang seni Yunani pada periode ini dan periode paling cemerlang berikutnya. Memang hampir seluruh patung Yunani abad ke-5. SM e. mati. Jadi, berdasarkan salinan marmer Romawi kemudian dari aslinya yang hilang, terutama perunggu, kita sering kali dipaksa untuk menilai karya para jenius besar, yang sulit ditemukan padanannya di seluruh sejarah seni.

Kita tahu, misalnya, bahwa Pythagoras dari Rhegium (480-450 SM) adalah seorang pematung terkenal. Dengan emansipasi figur-figurnya, yang seolah-olah mencakup dua gerakan (gerakan awal dan gerakan di mana bagian dari figur tersebut akan muncul suatu saat), ia memberikan kontribusi yang kuat terhadap perkembangan seni pahat realistik.

Orang-orang sezamannya mengagumi penemuannya, vitalitas dan kebenaran gambarnya. Namun, tentu saja, beberapa salinan karya Romawi yang sampai kepada kita (seperti “The Boy Taking out a Thorn.” Roma, Palazzo Conservatori) tidak cukup untuk menilai sepenuhnya karya inovator pemberani ini.

"Kusir" yang sekarang terkenal di dunia adalah contoh yang langka patung perunggu, sebuah fragmen komposisi grup yang kemungkinan masih ada yang ditampilkan sekitar tahun 450 SM. Seorang pria muda ramping, seperti tiang yang berbentuk manusia (lipatan vertikal jubahnya semakin meningkatkan kemiripan ini). Kelurusan sosoknya agak kuno, tetapi keagungan ketenangannya secara keseluruhan sudah mengungkapkan cita-cita klasik. Ini adalah pemenang dalam kompetisi. Ia dengan penuh percaya diri memimpin kereta, dan begitulah kekuatan seninya sehingga kita bisa menebak teriakan antusias penonton yang menyemangati jiwanya. Tapi, penuh keberanian dan keberanian, dia terkendali dalam kemenangannya - wajahnya yang cantik tidak dapat diganggu. Seorang pemuda yang sederhana, meskipun sadar akan kemenangannya, diterangi oleh kemuliaan. Gambar ini adalah salah satu yang paling menawan dalam seni dunia. Tapi kita bahkan tidak tahu nama penciptanya.

...Pada tahun 70-an abad ke-19, para arkeolog Jerman melakukan penggalian di Olympia di Peloponnese. Pada zaman kuno, kompetisi olahraga pan-Yunani diadakan di sana, Pertandingan Olimpiade yang terkenal, yang menurutnya orang Yunani menyimpan kronologinya. Kaisar Bizantium melarang pertandingan tersebut dan menghancurkan Olympia dengan semua kuil, altar, serambi, dan stadionnya.

Penggalian yang dilakukan sangat besar: selama enam tahun berturut-turut, ratusan pekerja menemukan area luas yang tertutup sedimen berusia berabad-abad. Hasilnya melebihi semua ekspektasi: seratus tiga puluh patung marmer dan relief, tiga belas ribu benda perunggu, enam ribu koin/hingga seribu prasasti, ribuan barang tembikar digali dari dalam tanah. Sungguh menggembirakan bahwa hampir semua monumen dibiarkan di tempatnya dan, meskipun bobrok, kini dipamerkan di bawah langit biasanya, di tanah yang sama tempat monumen itu dibuat.

Metope dan pedimen Kuil Zeus di Olympia tidak diragukan lagi merupakan patung paling penting yang masih ada pada kuartal kedua abad ke-5. SM e. Untuk memahami pergeseran besar yang terjadi dalam seni dalam waktu singkat ini - hanya sekitar tiga puluh tahun, cukuplah membandingkan, misalnya, pedimen barat Kuil Olimpiade dan pedimen Aegina, yang sangat mirip dengan pedimen pada umumnya. skema komposisi, yang telah kita pertimbangkan. Di sana-sini terdapat sosok sentral yang tinggi, di setiap sisinya terdapat kelompok-kelompok kecil pejuang yang ditempatkan secara merata.

Plot pedimen Olimpiade: pertempuran suku Lapith dengan para centaur. Menurut mitologi Yunani, centaur (setengah manusia, setengah kuda) mencoba menculik istri penduduk pegunungan Lapith, tetapi mereka menyelamatkan istri mereka dan menghancurkan centaur dalam pertempuran sengit. Plot ini telah digunakan lebih dari satu kali oleh seniman Yunani (khususnya, dalam lukisan vas) sebagai personifikasi kemenangan budaya (diwakili oleh suku Lapith) atas barbarisme, atas kekuatan gelap yang sama dari Binatang dalam gambar seorang akhirnya mengalahkan centaur yang menendang. Setelah kemenangan atas Persia, pertempuran mitologis ini memperoleh makna khusus pada pedimen Olimpiade.

Tidak peduli seberapa rusaknya patung marmer pedimen, suara ini sepenuhnya sampai kepada kita - dan sungguh megah! Sebab, berbeda dengan pedimen Aegina, yang figur-figurnya tidak menyatu secara organik, di sini semuanya dipenuhi dengan satu ritme, satu tarikan napas. Seiring dengan gaya kuno, senyuman kuno benar-benar hilang. Apollo menguasai pertempuran sengit dan menentukan hasilnya. Hanya dia, dewa cahaya, yang tenang di tengah badai yang mengamuk di dekatnya, di mana setiap gerak tubuh, setiap wajah, setiap dorongan hati saling melengkapi, membentuk satu kesatuan yang tak terpisahkan, indah dalam harmoni dan penuh dinamisme.

Sosok agung pedimen timur dan metope Kuil Zeus Olympia juga seimbang secara internal. Kita tidak tahu persis nama-nama pematung (ternyata ada beberapa) yang menciptakan patung-patung yang semangat kebebasannya merayakan kemenangannya atas yang kuno.

Cita-cita klasik ditegaskan dengan penuh kemenangan dalam seni pahat. Perunggu menjadi bahan favorit pematung, karena logam lebih lembut daripada batu dan lebih mudah untuk memberikan posisi apa pun pada suatu gambar, bahkan yang paling berani, seketika, bahkan terkadang “imajiner”. Dan ini sama sekali tidak melanggar realisme. Lagi pula, seperti kita ketahui, prinsip seni klasik Yunani adalah reproduksi alam, yang dikoreksi dan ditambah secara kreatif oleh sang seniman, mengungkapkan di dalamnya lebih dari apa yang dilihat mata. Bagaimanapun, Pythagoras dari Regius tidak berdosa melawan realisme, menangkap dua gerakan berbeda dalam satu gambar!..

Pematung hebat Myron, yang bekerja pada pertengahan abad ke-5. SM di Athena, terciptalah sebuah patung yang mempunyai pengaruh besar terhadap perkembangan seni rupa. Ini adalah "Discobolus" perunggunya, yang kita ketahui dari beberapa salinan marmer Romawi, sangat rusak sehingga hanya keseluruhannya saja

memungkinkan kami untuk menciptakan kembali gambar yang hilang.

Pelempar cakram (atau disebut pelempar cakram) ditangkap pada saat sambil melemparkan kembali tangannya dengan cakram yang berat, ia siap melemparkannya ke kejauhan. Ini adalah momen klimaks, yang secara nyata menandakan momen berikutnya, ketika piringan itu melesat ke udara dan sosok atlet itu tegak lurus: sebuah celah instan antara dua gerakan yang kuat, seolah-olah menghubungkan masa kini dengan masa lalu dan masa depan. Otot pelempar cakram sangat tegang, badannya melengkung, namun wajah mudanya tetap tenang. Kreativitas yang luar biasa! Ekspresi wajah yang tegang mungkin lebih bisa dipercaya, tetapi keagungan gambar tersebut terletak pada kontras antara dorongan fisik dan kedamaian mental.

“Sama seperti kedalaman laut yang selalu tetap tenang, tidak peduli seberapa besar amukan laut di permukaan, demikian pula gambaran yang diciptakan oleh orang Yunani mengungkapkan jiwa yang agung dan kuat di tengah segala gangguan nafsu.” Inilah yang ditulis oleh sejarawan seni terkenal Jerman Winckelmann, pendiri sebenarnya penelitian ilmiah tentang warisan seni dunia kuno, dua abad lalu. Dan ini tidak bertentangan dengan apa yang kami katakan tentang para pahlawan Homer yang terluka, yang memenuhi udara dengan ratapan mereka. Mari kita ingat penilaian Lessing tentang batas-batas seni rupa dalam puisi, kata-katanya bahwa “seniman Yunani hanya menggambarkan keindahan.” Hal ini tentu saja terjadi pada era kemakmuran besar.

Namun apa yang indah dalam deskripsi mungkin tampak jelek dalam gambar (para tetua memandang Helen!). Dan oleh karena itu, ia juga mencatat, seniman Yunani mengurangi kemarahan menjadi lebih parah: bagi penyair, Zeus yang marah melontarkan petir, bagi seniman ia hanya tegas.

Ketegangan akan merusak ciri-ciri pelempar cakram, akan mengganggu keindahan cerah dari citra ideal seorang atlet yang percaya diri dengan kekuatannya, warga negara polisnya yang berani dan sempurna secara fisik, seperti yang dihadirkan Myron dalam patungnya.

Dalam seni Myron, patung menguasai gerakan, betapapun rumitnya gerakan itu.

Seni pematung hebat lainnya - Polykleitos - menetapkan keseimbangan sosok manusia saat istirahat atau dengan langkah lambat dengan penekanan pada satu kaki dan lengan yang terangkat. Contoh tokoh seperti itu adalah tokohnya yang terkenal

"Doriphoros" - pembawa tombak muda (salinan marmer Romawi dari perunggu asli. Napoli, Museum Nasional). Dalam gambar ini terdapat kombinasi harmonis antara kecantikan fisik dan spiritualitas yang ideal: atlet muda, juga, tentu saja, mempersonifikasikan warga negara yang luar biasa dan gagah berani, bagi kita tampaknya tenggelam dalam pikirannya - dan seluruh sosoknya dipenuhi dengan bangsawan klasik Hellenic murni. .

Ini bukan hanya sebuah patung, tetapi sebuah kanon dalam arti sebenarnya.

Polykleitos berupaya menentukan secara akurat proporsi sosok manusia, sesuai dengan gagasannya tentang kecantikan ideal. Berikut beberapa hasil perhitungannya: kepala - 1/7 dari total tinggi badan, wajah dan tangan - 1/10, kaki - 1/6. Namun, bagi orang sezamannya, sosoknya tampak “persegi”, terlalu besar. Kesan yang sama, terlepas dari segala keindahannya, diberikan kepada kita oleh “Doriphoros” -nya.

Polykleitos menguraikan pemikiran dan kesimpulannya dalam sebuah risalah teoretis (yang belum sampai kepada kita), yang ia beri nama “Canon”; nama yang sama diberikan pada zaman kuno kepada "Doriphoros" sendiri, yang dipahat sesuai dengan risalah.

Polykleitos menciptakan patung yang relatif sedikit, sepenuhnya terserap dalam karya teoretisnya. Dan ketika dia mempelajari “aturan” yang menentukan kecantikan manusia, generasi mudanya, Hippocrates, dokter zaman dahulu yang terhebat, mengabdikan seluruh hidupnya untuk mempelajari sifat fisik manusia.

Untuk mengungkapkan sepenuhnya segala kemungkinan manusia - itulah tujuan seni, puisi, filsafat dan ilmu pengetahuan di era yang hebat ini. Belum pernah sebelumnya dalam sejarah ras manusia Kesadaran bahwa manusia adalah mahkota alam belum merasuk begitu dalam ke dalam jiwa. Kita telah mengetahui bahwa orang yang sezaman dengan Polykleitos dan Hippocrates, Sophocles yang agung, dengan sungguh-sungguh menyatakan kebenaran ini dalam tragedi Antigone-nya.

Manusia memahkotai alam - inilah yang diklaim oleh monumen seni Yunani pada masa kejayaannya, menggambarkan manusia dengan segala keberanian dan keindahannya.

Voltaire menyebut era berkembangnya budaya terbesar di Athena sebagai "zaman Pericles". Konsep “abad” di sini tidak boleh dipahami secara harfiah, karena yang kita bicarakan hanya beberapa dekade saja. Namun dari segi signifikansinya, periode singkat dalam sejarah ini layak mendapatkan definisi seperti itu.

Kemuliaan tertinggi Athena, pancaran sinar kota ini dalam budaya dunia terkait erat dengan nama Pericles. Dia mengurus dekorasi Athena, melindungi semua seni, menarik seniman terbaik ke Athena, dan merupakan teman dan pelindung Phidias, yang kejeniusannya mungkin menandai tingkat tertinggi di seluruh warisan artistik dunia kuno.

Pertama-tama, Pericles memutuskan untuk merestorasi Acropolis Athena, yang dihancurkan oleh Persia, atau lebih tepatnya, di reruntuhan Acropolis lama, yang masih kuno, untuk membuat yang baru, yang mengekspresikan cita-cita artistik Hellenisme yang sepenuhnya dibebaskan.

Acropolis berada di Hellas seperti halnya Kremlin di Rus Kuno: sebuah benteng perkotaan yang berisi kuil-kuil dan lembaga-lembaga publik lainnya di dalam temboknya dan berfungsi sebagai tempat perlindungan bagi penduduk sekitar selama perang.

Akropolis yang terkenal adalah Akropolis Athena dengan kuil Parthenon dan Erechtheion serta bangunan Propylaea, monumen arsitektur Yunani terbesar. Meski dalam keadaan bobrok, mereka tetap memberikan kesan yang tak terhapuskan.

Beginilah cara arsitek terkenal Rusia A.K. Burov: “Saya menaiki pendekatan zigzag... berjalan melewati serambi - dan berhenti. Lurus ke depan dan sedikit ke kanan, di atas batu marmer biru menjulang yang ditutupi retakan - platform Acropolis, seolah-olah dari ombak yang mendidih, Parthenon tumbuh dan melayang ke arahku. Saya tidak ingat berapa lama saya berdiri tak bergerak... Parthenon, meski tetap tidak berubah, terus berubah... Saya mendekat, saya berjalan mengelilinginya dan masuk ke dalam. Aku tinggal di dekatnya, di dalam dia, dan bersamanya sepanjang hari. Matahari terbenam di laut. Bayangannya terletak sepenuhnya secara horizontal, sejajar dengan lapisan dinding marmer Erechtheion.

Bayangan hijau menebal di bawah serambi Parthenon. Kilatan kemerahan itu hilang untuk terakhir kalinya dan padam. Parthenon sudah mati. Bersama dengan Phoebus. Sampai hari berikutnya."

Kita tahu siapa yang menghancurkan Acropolis lama. Kita tahu siapa yang meledakkan dan siapa yang menghancurkan yang baru, yang didirikan atas kehendak Pericles.

Sangat menakutkan untuk mengatakan bahwa tindakan biadab baru ini, yang memperburuk kerja waktu yang merusak, tidak dilakukan sama sekali di masa lalu. zaman kuno dan bahkan bukan karena fanatisme agama, seperti kekalahan kejam di Olympia.

Pada tahun 1687, selama perang antara Venesia dan Turki, yang kemudian menguasai Yunani, sebuah bola meriam Venesia yang terbang ke Acropolis meledakkan gudang bubuk yang dibangun oleh Turki di... Parthenon. Ledakan tersebut menyebabkan kerusakan yang sangat parah.

Ada baiknya bahwa tiga belas tahun sebelum bencana ini, seorang seniman yang menemani duta besar Prancis mengunjungi Athena berhasil membuat sketsa bagian tengah pedimen barat Parthenon.

Cangkang Venesia menghantam Parthenon, mungkin secara tidak sengaja. Tetapi serangan yang sepenuhnya sistematis terhadap Acropolis Athena diorganisir pada saat itu juga awal XIX abad.

Operasi ini dilakukan oleh penikmat seni “paling tercerahkan”, Lord Elgin, seorang jenderal dan diplomat yang menjabat sebagai utusan Inggris di Konstantinopel. Dia menyuap pihak berwenang Turki dan, mengambil keuntungan dari kerjasama mereka di tanah Yunani, tidak ragu-ragu untuk merusak atau bahkan menghancurkan. monumen terkenal arsitektur, hanya untuk memiliki dekorasi pahatan yang sangat berharga. Dia menyebabkan kerusakan yang tidak dapat diperbaiki pada Acropolis: dia memindahkan hampir semua patung pedimen yang masih ada dari Parthenon dan memecahkan sebagian dekorasi terkenal dari dindingnya. Pada saat yang sama, pedimennya roboh dan patah. Khawatir akan kemarahan rakyat, Lord Elgin membawa semua barang rampasannya ke Inggris pada malam hari. Banyak orang Inggris (khususnya, Byron dalam puisinya yang terkenal “Childe Harold”) mengecam keras dia atas perlakuan barbar terhadap monumen seni besar dan metode yang tidak pantas dalam memperoleh nilai seni. Meski demikian, pemerintah Inggris memperoleh koleksi unik perwakilan diplomatiknya - dan patung Parthenon kini menjadi kebanggaan utama British Museum di London.

Setelah merampas monumen seni terbesar, Lord Elgin memperkaya kosakata seni dengan istilah baru: vandalisme semacam itu kadang-kadang disebut “Elginisme”.

Apa yang begitu mengejutkan kita dalam panorama megah barisan tiang marmer dengan jalur dan pedimen rusak, menjulang di atas laut dan di atas rumah-rumah rendah di Athena, dalam patung-patung yang dimutilasi yang masih dipamerkan di tebing curam Acropolis atau dipamerkan? di negeri asing sebagai nilai museum yang langka?

Filsuf Yunani Heraclitus, yang hidup pada malam kemakmuran tertinggi Hellas, memiliki pepatah terkenal berikut: “Kosmos ini, sama untuk segala sesuatu yang ada, tidak diciptakan oleh dewa atau manusia mana pun, tetapi selalu demikian, adalah dan akan menjadi api yang hidup kekal, yang menyala-nyala, yang dapat dipadamkan.” Dan dia memang benar

Beliau mengatakan bahwa “apa yang berbeda akan menyatu,” bahwa harmoni yang paling indah lahir dari pertentangan, dan “semuanya terjadi melalui perjuangan.”

Seni klasik Hellas secara akurat mencerminkan ide-ide ini.

Bukankah dalam permainan kekuatan-kekuatan yang berlawanan muncul keselarasan keseluruhan tatanan Doric (hubungan antara kolom dan entablature), begitu pula dengan patung Doryphorus (vertikal kaki dan pinggul dibandingkan dengan horizontal bahu). dan otot perut dan dada)?

Kesadaran akan kesatuan dunia dalam segala metamorfosisnya, kesadaran akan keteraturan abadinya mengilhami para pembangun Acropolis, yang ingin membangun keharmonisan dunia yang tidak pernah diciptakan, selalu muda ini dalam kreativitas artistik, memberikan satu dan lengkap kesan keindahan.

Acropolis Athena adalah sebuah monumen yang menyatakan keyakinan manusia akan kemungkinan harmoni yang mendamaikan, bukan dalam khayalan, tetapi di dunia yang sangat nyata, keyakinan akan kemenangan keindahan, pada panggilan manusia untuk menciptakannya dan melayaninya. nama kebaikan. Dan oleh karena itu monumen ini selamanya muda, seperti dunia, selamanya menggairahkan dan menarik perhatian kita. Dalam keindahannya yang tak pernah pudar, terdapat penghiburan dalam keraguan dan seruan cerah: bukti bahwa keindahan tampak bersinar di atas nasib umat manusia.

Acropolis adalah perwujudan cemerlang dari kemauan kreatif dan pikiran manusia, yang membangun keteraturan harmonis dalam kekacauan alam. Dan oleh karena itu, gambaran Acropolis menguasai imajinasi kita atas seluruh alam, sama seperti ia berkuasa di bawah langit Hellas, di atas sebongkah batu tak berbentuk.

...Kekayaan Athena dan posisi dominannya memberi Pericles banyak peluang dalam pembangunan yang direncanakannya. Untuk mendekorasi kota yang terkenal itu, atas kebijaksanaannya sendiri, ia menarik dana dari perbendaharaan kuil, dan bahkan dari perbendaharaan umum negara-negara kesatuan maritim.

Pegunungan marmer seputih salju, yang ditambang di dekatnya, dikirim ke Athena. Arsitek, pematung, dan pelukis Yunani terbaik menganggap bekerja demi kejayaan ibu kota seni Hellenic yang diakui secara umum adalah suatu kehormatan.

Kita tahu bahwa beberapa arsitek ikut serta dalam pembangunan Acropolis. Tapi, menurut Plutarch, Phidias bertanggung jawab atas segalanya. Dan kami merasakan keseluruhan kompleks kesatuan desain dan satu prinsip panduan, yang meninggalkan bekas bahkan pada detail monumen terpenting.

Konsep umum ini merupakan ciri seluruh pandangan dunia Yunani, prinsip dasar estetika Yunani.

Bukit tempat monumen Acropolis didirikan bahkan tidak memiliki garis besar, dan tingkatnya tidak sama. Para pembangun tidak berkonflik dengan alam, tetapi, setelah menerima alam apa adanya, mereka ingin memuliakan dan menghiasinya dengan karya seni mereka untuk menciptakan ansambel artistik yang sama cerahnya di bawah langit cerah, dengan garis besar yang jelas dengan latar belakang alam. pegunungan di sekitarnya. Sebuah ansambel yang harmoninya lebih sempurna daripada alam! Di bukit yang tidak rata, keutuhan ansambel ini dirasakan secara bertahap. Setiap monumen menjalani kehidupannya sendiri di dalamnya, sangat individual, dan keindahannya kembali terlihat di mata bagian-bagiannya, tanpa mengganggu kesatuan kesan. Saat mendaki Acropolis, Anda bahkan sekarang, terlepas dari semua kehancurannya, dengan jelas melihat pembagiannya menjadi beberapa bagian yang dibatasi dengan tepat; Anda mengamati setiap monumen, berjalan mengelilinginya dari semua sisi, di setiap langkah, di setiap belokan, menemukan beberapa fitur baru di dalamnya, perwujudan baru dari harmoni umumnya. Pemisahan dan komunitas; individualitas yang paling cemerlang dari yang khusus, dengan mulus menyatu ke dalam kesatuan harmoni dari keseluruhan. Dan fakta bahwa komposisi ansambel, yang mematuhi alam, tidak didasarkan pada simetri, semakin meningkatkan kebebasan internalnya dengan keseimbangan sempurna dari bagian-bagian komponennya.

Jadi, Phidias bertanggung jawab atas segalanya dalam perencanaan ansambel ini, yang mungkin tidak ada bandingannya dalam hal signifikansi artistik di seluruh dunia. Apa yang kita ketahui tentang Phidias?

Sebagai penduduk asli Athena, Phidias mungkin lahir sekitar 500 SM. dan meninggal setelah tahun 430. Pematung terhebat, tidak diragukan lagi arsitek terhebat, karena seluruh Acropolis dapat dihormati sebagai ciptaannya, ia juga bekerja sebagai pelukis.

Pencipta patung-patung besar, rupanya ia juga sukses dalam seni plastik bentuk-bentuk kecil, seperti seniman terkenal Hellas lainnya, tak segan-segan menampilkan dirinya secara maksimal. berbagai jenis seni, bahkan dihormati oleh orang-orang kecil: misalnya, kita tahu bahwa patung-patung ikan, lebah, dan jangkrik dicetak dengannya.

Seorang seniman hebat, Phidias juga seorang pemikir hebat, eksponen sejati dalam seni kejeniusan filosofis Yunani, dorongan tertinggi dari semangat Yunani. Para penulis kuno bersaksi bahwa dalam gambarnya ia mampu menyampaikan kehebatan manusia super.

Gambaran manusia super seperti itu, jelas, adalah patung Zeus setinggi tiga belas meter, yang dibuat untuk kuil di Olympia. Dia meninggal di sana bersama dengan banyak monumen paling berharga lainnya. Patung gading dan emas ini dianggap sebagai salah satu dari “tujuh keajaiban dunia”. Ada informasi, rupanya datang dari Phidias sendiri, bahwa keagungan dan keindahan gambar Zeus terungkap kepadanya dalam ayat-ayat Iliad berikut ini:

Sungai, dan sebagai tanda Zeus hitam

menggoyangkan alisnya:

Rambut cepat wangi

bangkit dari Kronid

Di sekitar kepala abadi, dan bergetar

Olympus memiliki banyak bukit.

...Seperti banyak orang jenius lainnya, Phidias tidak luput dari rasa iri dan fitnah yang jahat selama hidupnya. Dia dituduh mengambil sebagian dari emas yang dimaksudkan untuk menghiasi patung Athena di Acropolis - begitulah cara para penentang partai demokratis berusaha mendiskreditkan pemimpinnya, Pericles, yang mempercayakan Phidias untuk membangun kembali Acropolis. Phidias diusir dari Athena, tapi dia tidak bersalah segera terbukti. Namun - seperti yang mereka katakan saat itu - setelah dia... dewi dunia Irina sendiri "meninggalkan" Athena. Dalam komedi terkenal “Peace” karya Aristophanes kontemporer besar Phidias, dikatakan dalam hal ini bahwa, jelas, dewi perdamaian dekat dengan Phidias dan “karena dia begitu cantik karena dia ada hubungannya dengan dia.”

...Athena, dinamai putri Zeus Athena, adalah pusat utama pemujaan dewi ini. Acropolis didirikan untuk kemuliaannya.

Menurut mitologi Yunani, Athena muncul dengan senjata lengkap dari kepala ayah para dewa. Ini adalah putri kesayangan Zeus, yang tidak bisa dia tolak apa pun.

Dewi perawan abadi dari langit yang murni dan bercahaya. Bersama Zeus dia mengirimkan guntur dan kilat, tetapi juga panas dan cahaya. Dewi prajurit, memukul mundur pukulan musuh. Pelindung pertanian, majelis publik, dan kewarganegaraan. Perwujudan akal murni, kebijaksanaan tertinggi; dewi pemikiran, ilmu pengetahuan dan seni. Bermata terang, dengan wajah bulat-oval terbuka, biasanya Loteng.

Mendaki bukit Acropolis, Hellene kuno memasuki kerajaan dewi berwajah banyak ini, yang diabadikan oleh Phidias.

Sebagai murid dari pematung Hegias dan Ageladas, Phidias sepenuhnya menguasai pencapaian teknis para pendahulunya dan bahkan melangkah lebih jauh dari mereka. Namun meskipun kepiawaian Phidias sang pematung menandai teratasinya segala kesulitan yang dihadapinya dalam penggambaran seseorang secara realistis, hal itu tidak terbatas pada kesempurnaan teknis. Kemampuan menyampaikan volume dan emansipasi figur serta pengelompokannya yang serasi tidak dengan sendirinya memunculkan kepakan sayap yang sesungguhnya dalam seni.

Siapapun yang “tanpa kegilaan yang diturunkan oleh Muses mendekati ambang kreativitas, dengan keyakinan bahwa, berkat ketangkasan saja, dia akan menjadi penyair yang hebat, dia lemah,” dan segala sesuatu yang diciptakan olehnya “akan dikalahkan oleh kreasi orang-orang yang panik.” Inilah yang dikatakan oleh salah satu filsuf terbesar dunia kuno, Plato.

...Di atas lereng curam bukit suci, arsitek Mnesicles mendirikan bangunan marmer putih Propylaea yang terkenal dengan serambi Doric yang terletak di tingkat berbeda, dihubungkan oleh barisan tiang Ionik internal. Imajinasi yang menakjubkan, keharmonisan Propylaea yang megah - pintu masuk seremonial ke Acropolis, segera memperkenalkan pengunjung ke dunia keindahan yang bersinar, yang ditegaskan oleh kejeniusan manusia.

Di sisi lain Propylaea tumbuh patung perunggu raksasa Athena Promachos, yang berarti Athena sang Prajurit, yang dipahat oleh Phidias. Putri Thunderer yang tak kenal takut dipersonifikasikan di sini, di Acropolis Square, kekuatan militer dan kejayaan kotanya. Dari alun-alun ini, jarak yang sangat jauh terbuka untuk mata, dan para pelaut yang mengitari ujung selatan Attica dengan jelas melihat helm tinggi dan tombak dewi prajurit berkilauan di bawah sinar matahari.

Kini alun-alun tersebut kosong, karena yang tersisa dari patung tersebut, yang menimbulkan kekaguman yang tak terlukiskan di zaman dahulu, hanyalah bekas alasnya. Dan di sebelah kanan, di belakang alun-alun, adalah Parthenon, ciptaan paling sempurna dari semua arsitektur Yunani, atau, lebih tepatnya, apa yang telah dilestarikan dari kuil besar, di bawah bayang-bayang pernah berdiri patung Athena lainnya, juga dipahat oleh Phidias, tapi bukan pejuang, tapi Athena sang Perawan: Athena Parthenos.

Seperti Olympian Zeus, itu adalah patung chryso-elephantine: terbuat dari emas (dalam bahasa Yunani - "chrysos") dan gading (dalam bahasa Yunani - "elephas"), dilengkapi dengan bingkai kayu. Secara total, sekitar seribu dua ratus kilogram logam mulia digunakan untuk produksinya.

Di bawah sinar panas dari baju besi dan jubah emas, gading di wajah, leher dan tangan dewi agung yang tenang dengan Nike (Victory) bersayap seukuran manusia di telapak tangannya yang terentang menyala.

Bukti dari penulis kuno, salinan yang lebih kecil (Athena Varvakion, Athena, Museum Arkeologi Nasional) dan koin serta medali dengan gambar Athena Phidias memberi kita gambaran tentang mahakarya ini.

Tatapan sang dewi tenang dan jernih, dan wajahnya diterangi dengan cahaya batin. Citra murninya tidak mengungkapkan ancaman, tetapi kesadaran gembira akan kemenangan, yang membawa kemakmuran dan perdamaian bagi masyarakat.

Teknik chryso-elephantine dianggap sebagai puncak seni. Menempatkan piring emas dan gading di atas kayu membutuhkan keahlian terbaik. Seni pematung yang hebat dipadukan dengan seni perhiasan yang telaten. Dan sebagai hasilnya - betapa cemerlang, betapa bersinarnya cahaya di senja cella, di mana gambar dewa berkuasa sebagai ciptaan tertinggi tangan manusia!

Parthenon dibangun (447-432 SM) oleh arsitek Ictinus dan Callicrates di bawah arahan umum Phidias. Sesuai dengan Pericles, ia ingin mewujudkan gagasan demokrasi yang penuh kemenangan di monumen terbesar di Acropolis ini. Karena dewi yang dimuliakannya, seorang pejuang dan seorang gadis, dihormati oleh orang Athena sebagai warga pertama kota mereka; menurut legenda kuno, mereka sendiri memilih dewi surgawi ini sebagai pelindung negara Athena.

Puncak arsitektur kuno, Parthenon telah dikenal di zaman kuno sebagai monumen gaya Doric yang paling luar biasa. Gaya ini sangat ditingkatkan di Parthenon, di mana tidak ada lagi jejak kekar dan kebesaran Doric yang menjadi ciri khas banyak kuil Doric awal. Kolom-kolomnya (delapan pada fasad dan tujuh belas pada sisi), lebih ringan dan lebih tipis secara proporsional, sedikit condong ke dalam dengan sedikit lengkungan cembung pada horizontal alas dan langit-langit. Penyimpangan halus dari kanon ini sangatlah penting. Tanpa mengubah hukum dasarnya, tatanan Doric di sini tampaknya menyerap keanggunan Ionic yang santai, yang secara keseluruhan menciptakan tali arsitektur yang kuat dan bersuara penuh dengan kejernihan dan kemurnian sempurna yang sama seperti gambar perawan Athena Parthenos. Dan akord ini memperoleh resonansi yang lebih besar berkat warna-warna cerah dari dekorasi relief metope, yang menonjol secara harmonis dengan latar belakang merah dan biru.

Empat kolom Ionic (yang belum sampai kepada kita) menjulang di dalam kuil, dan di dinding luarnya terdapat dekorasi Ionic yang terus menerus. Jadi di balik barisan tiang kuil yang megah dengan metope Doric yang kuat, inti ionik yang tersembunyi terungkap kepada pengunjung. Perpaduan harmonis antara dua gaya, yang saling melengkapi, dicapai dengan memadukannya dalam satu monumen dan, yang lebih luar biasa lagi, dengan perpaduan organiknya dalam motif arsitektur yang sama.

Semuanya menunjukkan bahwa patung pedimen Parthenon dan dekorasi reliefnya dibuat, jika tidak seluruhnya oleh Phidias sendiri, maka di bawah pengaruh langsung kejeniusannya dan sesuai dengan kemauan kreatifnya.

Sisa-sisa pedimen dan dekorasi ini mungkin yang paling berharga, terbesar yang bertahan hingga hari ini dari semua patung Yunani. Kami telah mengatakan bahwa sekarang sebagian besar mahakarya ini, sayangnya, bukan menghiasi Parthenon, yang merupakan bagian integralnya, tetapi British Museum di London.

Patung Parthenon adalah gudang keindahan sejati, perwujudan aspirasi tertinggi jiwa manusia. Konsep sifat ideologis seni mungkin menemukan ekspresi yang paling mencolok di dalamnya. Karena gagasan besar mengilhami setiap gambar di sini, hidup di dalamnya, menentukan seluruh keberadaannya.

Para pematung pedimen Parthenon memuliakan Athena, menegaskan posisinya yang tinggi di antara dewa-dewa lainnya.

Dan inilah angka-angka yang masih hidup. Ini adalah patung bundar. Dengan latar belakang arsitektur, selaras sempurna dengannya, patung marmer para dewa menonjol dalam volume penuhnya, terukur, tanpa usaha apa pun, ditempatkan dalam segitiga pedimen.

Seorang pemuda yang sedang berbaring, pahlawan atau dewa (mungkin Dionysus), dengan wajah dipukuli, tangan dan kaki patah. Betapa bebasnya, betapa alaminya dia duduk di bagian pedimen yang diberikan kepadanya oleh pematung. Ya, ini adalah emansipasi penuh, kemenangan energi dari mana kehidupan dilahirkan dan seseorang tumbuh. Kami percaya pada kekuatannya, pada kebebasan yang diperolehnya. Dan kita terpesona oleh keselarasan garis dan volume dari sosok telanjangnya, yang dengan gembira dijiwai dengan kemanusiaan yang mendalam dari gambarnya, yang secara kualitatif dibawa ke kesempurnaan, yang bagi kita memang tampak seperti manusia super.

Tiga dewi tanpa kepala. Dua orang sedang duduk, dan yang ketiga berbaring, bersandar pada lutut tetangganya. Lipatan pakaian mereka secara akurat memperlihatkan keharmonisan dan kelangsingan sosoknya. Tercatat bahwa dalam patung besar Yunani abad ke-5. SM e. gorden menjadi “gema tubuh”. Ada yang mungkin berkata, “gema jiwa”. Memang, dalam kombinasi lipatan, keindahan fisik terhembus di sini, dengan murah hati menampakkan dirinya dalam kabut jubah yang bergelombang, sebagai perwujudan keindahan spiritual.

Dekorasi ionik Parthenon, panjangnya seratus lima puluh sembilan meter, di mana lebih dari tiga ratus lima puluh sosok manusia dan sekitar dua ratus lima puluh hewan (kuda, sapi kurban, dan domba) digambarkan dengan relief rendah, dapat dihormati sebagai salah satu monumen seni paling luar biasa yang diciptakan pada abad Phidias yang jenius dan tercerahkan.

Subyek dekorasi: Prosesi Panathenaic. Setiap empat tahun, gadis-gadis Athena dengan sungguh-sungguh menghadiahkan kepada para pendeta kuil peplos (jubah) yang telah mereka sulam untuk Athena. Seluruh masyarakat mengambil bagian dalam upacara ini. Namun pematung tersebut tidak hanya menggambarkan warga Athena: Zeus, Athena, dan dewa-dewa lain menerima mereka secara setara. Tampaknya tidak ada garis yang ditarik antara dewa dan manusia: keduanya sama-sama cantik. Identitas ini seolah-olah diumumkan oleh pematung di dinding tempat suci.

Tidak mengherankan jika pencipta semua kemegahan marmer ini sendiri merasa setara dengan penghuni surga yang digambarkannya. Dalam adegan pertempuran, di perisai Athena Parthenos, Phidias mencetak gambarnya sendiri berupa seorang lelaki tua yang mengangkat batu dengan kedua tangannya. Keberanian yang belum pernah terjadi sebelumnya memberikan senjata baru ke tangan musuh-musuhnya, yang menuduh seniman dan pemikir besar itu tidak bertuhan.

Fragmen dekorasi Parthenon adalah warisan budaya Hellas yang paling berharga. Mereka mereproduksi dalam imajinasi kita seluruh prosesi ritual Panathenaic, yang dalam keragamannya yang tak ada habisnya dianggap sebagai prosesi khidmat umat manusia itu sendiri.

Bangkai kapal yang paling terkenal: "Riders" (London, British Museum) dan "Girls and Elders" (Paris, Louvre).

Kuda dengan moncong menghadap ke atas (mereka digambarkan dengan sangat jujur ​​​​sehingga kita seolah-olah mendengar suara meringkiknya yang keras). Para remaja putra duduk di atasnya dengan kaki lurus terentang, membentuk satu garis, kadang lurus, kadang melengkung indah, beserta sosoknya. Dan pergantian diagonal ini, gerakan yang serupa tetapi tidak berulang, kepala yang indah, moncong kuda, kaki manusia dan kuda yang diarahkan ke depan, menciptakan ritme terpadu tertentu yang memikat pemirsa, di mana dorongan ke depan yang stabil dipadukan dengan keteraturan mutlak.

Anak perempuan dan orang tua adalah sosok lurus yang saling berhadapan dengan harmoni yang mencolok. Pada anak perempuan, kaki yang sedikit menonjol menandakan gerakan ke depan. Mustahil membayangkan komposisi figur manusia yang lebih jelas dan ringkas. Lipatan jubah yang halus dan dibuat dengan hati-hati, seperti seruling kolom Doric, memberikan keagungan alami pada wanita muda Athena. Kami percaya bahwa mereka adalah perwakilan umat manusia yang paling berharga.

Pengusiran dari Athena dan kemudian kematian Phidias tidak mengurangi pancaran kejeniusannya. Ini menghangatkan seluruh seni Yunani pada sepertiga terakhir abad ke-5. SM Polykleitos Agung dan pematung terkenal lainnya, Cresilaus (penulis potret heroik Pericles, salah satu patung potret Yunani paling awal) dipengaruhi olehnya. Seluruh periode keramik Loteng diberi nama Phidias. Di Sisilia (di Syracuse) koin-koin indah dicetak, di mana kita dengan jelas mengenali gema kesempurnaan plastik dari patung Parthenon. Dan di wilayah Laut Hitam Utara kita, telah ditemukan karya seni yang mungkin paling jelas mencerminkan dampak kesempurnaan ini.

...Di sebelah kiri Parthenon, di sisi lain bukit suci, menjulang Erechtheion. Kuil ini, didedikasikan untuk Athena dan Poseidon, dibangun setelah Phidias meninggalkan Athena. Sebuah mahakarya paling elegan dari gaya Ionic. Enam gadis marmer ramping di peplos - caryatids terkenal - berfungsi sebagai kolom di serambi selatannya. Ibukota yang bertumpu pada kepala mereka menyerupai keranjang tempat para pendeta membawa benda-benda suci pemujaan.

Waktu dan orang-orang tidak menyia-nyiakan kuil kecil ini, gudang banyak harta karun, yang diubah menjadi gereja Kristen pada Abad Pertengahan, dan di bawah pemerintahan Turki menjadi harem.

Sebelum mengucapkan selamat tinggal pada Acropolis, yuk kita lihat dulu relief langkan candi Nike Apteros yakni. Kemenangan Tanpa Sayap (tanpa sayap sehingga tidak pernah terbang jauh dari Athena), tepat sebelum Propylaea (Athena, Museum Acropolis). Dilakukan pada dekade terakhir abad ke-5, relief ini menandai transisi dari seni Phidias yang berani dan megah ke seni yang lebih liris, menyerukan kenikmatan keindahan yang tenang. Salah satu Kemenangan (ada beberapa di antaranya di langkan) melepaskan ikatan sandalnya. Gestur dan kakinya yang terangkat membuat jubahnya terlihat basah, begitu lembut hingga menyelimuti seluruh tubuhnya. Kita dapat mengatakan bahwa lipatan-lipatan gorden, yang kini terhampar dalam aliran sungai yang lebar, kini saling bertabrakan, melahirkan dalam chiaroscuro marmer yang berkilauan puisi kecantikan wanita yang paling menawan.

Setiap kebangkitan sejati kejeniusan manusia memiliki esensi yang unik. Karya agung bisa saja setara, namun tidak identik. Tidak akan pernah ada Nika lain seperti dia dalam seni Yunani. Sayangnya, kepalanya hilang, lengannya patah. Dan, melihat gambaran yang terluka ini, menjadi menakutkan untuk memikirkan betapa banyak keindahan unik, yang tidak terlindungi atau sengaja dihancurkan, binasa untuk kita tanpa dapat ditarik kembali.

KLASIK TERAKHIR

Era baru dalam sejarah politik Hellas tidak cerah dan tidak kreatif. Jika abad V. SM ditandai dengan masa kejayaan negara-kota Yunani, kemudian pada abad ke-4. Dekomposisi bertahap mereka terjadi seiring dengan merosotnya gagasan negara demokratis Yunani.

Pada tahun 386, Persia, yang telah dikalahkan sepenuhnya oleh Yunani di bawah kepemimpinan Athena pada abad sebelumnya, memanfaatkan perang internecine yang melemahkan negara-negara kota Yunani untuk memaksakan perdamaian pada mereka, yang menurutnya semua kota di Yunani Pesisir Asia Kecil berada di bawah kendali raja Persia. Kekuatan Persia menjadi penengah utama di dunia Yunani; itu tidak mengizinkan penyatuan nasional Yunani.

Perang internecine menunjukkan bahwa negara-negara Yunani tidak mampu bersatu sendiri.

Sementara itu, unifikasi merupakan kebutuhan ekonomi bagi masyarakat Yunani. Kekuatan tetangga Balkan, Makedonia, yang telah diperkuat pada saat itu, yang rajanya Philip II mengalahkan Yunani di Chaeronea pada tahun 338, mampu menyelesaikan tugas sejarah ini. Pertempuran ini menentukan nasib Hellas: ia bersatu, tetapi di bawah kekuasaan asing. Dan putra Philip II, komandan agung Alexander Agung, memimpin orang-orang Yunani dalam kampanye kemenangan melawan musuh leluhur mereka - Persia.

Ini adalah periode klasik terakhir kebudayaan Yunani. Pada akhir abad ke-4. SM Dunia kuno akan memasuki era yang tidak lagi disebut Hellenic, melainkan Helenistik.

Dalam seni klasik akhir, kita dengan jelas mengenali tren baru. Di era kemakmuran besar, citra manusia ideal diwujudkan dalam warga negara kota yang gagah berani dan cantik.

Runtuhnya polis mengguncang gagasan ini. Keyakinan yang membanggakan akan kekuatan manusia yang mampu menaklukkan segalanya tidak hilang sama sekali, namun terkadang hal itu tampak kabur. Timbul pikiran-pikiran yang menimbulkan kecemasan atau kecenderungan untuk menikmati hidup dengan tenang. Minat terhadap dunia individu manusia semakin meningkat; pada akhirnya hal ini menandai penyimpangan dari generalisasi kuat di masa lalu.

Keagungan pandangan dunia, yang diwujudkan dalam patung-patung Acropolis, secara bertahap menjadi lebih kecil, namun persepsi umum tentang kehidupan dan keindahan diperkaya. Kemuliaan para dewa dan pahlawan yang tenang dan agung, seperti yang digambarkan Phidias, memberi jalan bagi identifikasi pengalaman, nafsu, dan dorongan yang kompleks dalam seni.

Yunani abad ke-5 SM menghargai kekuatan sebagai landasan prinsip yang sehat, berani, kemauan yang kuat dan energi vital- dan oleh karena itu patung seorang atlet, pemenang suatu kompetisi, baginya melambangkan penegasan kekuatan dan keindahan manusia. Seniman abad ke-4 SM tertarik untuk pertama kalinya oleh pesona masa kanak-kanak, kebijaksanaan masa tua, pesona feminitas yang abadi.

Penguasaan besar yang dicapai seni Yunani pada abad ke-5 masih hidup hingga abad ke-4. SM, sehingga monumen artistik klasik akhir yang paling terinspirasi ditandai dengan cap kesempurnaan tertinggi yang sama.

Abad ke-4 mencerminkan tren baru dalam pembangunannya. Arsitektur Yunani Klasik Akhir ditandai oleh keinginan tertentu akan kemegahan, bahkan kemegahan, serta kelembutan dan keanggunan dekoratif. Tradisi seni Yunani murni terkait dengan pengaruh timur yang datang dari Asia Kecil, di mana kota-kota Yunani berada di bawah kekuasaan Persia. Seiring dengan tatanan arsitektur utama - Doric dan Ionic, tatanan ketiga - Korintus, yang muncul kemudian, semakin banyak digunakan.

Kolom Korintus adalah yang paling megah dan dekoratif. Kecenderungan realistis di dalamnya mengatasi skema geometris abstrak asli ibu kota, yang dibalut tatanan Korintus dalam jubah alam berbunga - dua baris daun acanthus.

Isolasi kebijakan dihapuskan. Bagi dunia kuno, era despotisme kepemilikan budak yang kuat namun rapuh telah tiba. Arsitektur diberi tugas yang berbeda dibandingkan pada zaman Pericles.

Salah satu monumen arsitektur Yunani klasik akhir yang paling megah adalah makam penguasa provinsi Caria Mausolus di Persia, yang belum sampai kepada kita di kota Halicarnassus (di Asia Kecil), dari mana kata "mausoleum" berasal. .

Mausoleum Halicarnassus menggabungkan ketiga ordo tersebut. Itu terdiri dari dua tingkatan. Yang pertama menampung kamar mayat, yang kedua adalah kuil kamar mayat. Di atas tingkatannya ada piramida tinggi yang di atasnya terdapat kereta empat kuda (quadriga). Harmoni linier arsitektur Yunani terungkap dalam monumen berukuran sangat besar ini (tampaknya tingginya mencapai empat puluh hingga lima puluh meter), kekhidmatannya mengingatkan pada struktur pemakaman para penguasa timur kuno. Mausoleum ini dibangun oleh arsitek Satyr dan Pythias, dan dekorasi pahatannya dipercayakan kepada beberapa ahli, termasuk Skopas, yang mungkin memainkan peran utama di antara mereka.

Scopas, Praxiteles dan Lysippos adalah pematung Yunani terbesar pada zaman klasik akhir. Dalam hal pengaruhnya terhadap seluruh perkembangan seni kuno selanjutnya, karya ketiga jenius ini dapat dibandingkan dengan patung Parthenon. Masing-masing dari mereka mengungkapkan pandangan dunia individu mereka yang cerah, cita-cita kecantikan mereka, pemahaman mereka tentang kesempurnaan, yang melalui pribadi, yang hanya diungkapkan oleh mereka, mencapai puncak abadi - universal. Terlebih lagi, sekali lagi, dalam karya setiap orang, hal pribadi ini selaras dengan zamannya, mewujudkan perasaan-perasaan itu, keinginan-keinginan orang-orang sezamannya, yang paling sesuai dengan perasaannya sendiri.

Seni Skopas menghembuskan gairah dan dorongan hati, kecemasan, perjuangan melawan kekuatan musuh, keraguan mendalam dan pengalaman sedih. Semua ini jelas merupakan ciri khasnya dan, pada saat yang sama, dengan jelas mengungkapkan suasana hati tertentu pada masanya. Secara temperamen, Skopas dekat dengan Euripides, sama seperti persepsi mereka tentang nasib menyedihkan Hellas.

...Berasal dari pulau Paros yang kaya marmer, Skopas (c. 420 - c. 355 SM) bekerja di Attica, di kota-kota Peloponnese, dan di Asia Kecil. Kreativitasnya, yang sangat luas baik dalam jumlah karya maupun materi pelajaran, nyaris musnah tanpa bekas.

Dari dekorasi pahatan kuil Athena di Tegea, yang dibuat olehnya atau di bawah pengawasan langsungnya (Skopas, yang terkenal tidak hanya sebagai pematung, tetapi juga sebagai arsitek, juga merupakan pembangun kuil ini), hanya beberapa fragmen yang tersisa. . Tapi lihat saja kepala seorang pejuang yang terluka (Athena, Museum Arkeologi Nasional) yang hancur untuk merasakan kekuatan besar dari kejeniusannya. Untuk kepala dengan alis melengkung, mata mengarah ke atas dan mulut sedikit terbuka, kepala di mana segala sesuatu - baik penderitaan maupun kesedihan - tampaknya mengungkapkan tragedi tidak hanya Yunani di abad ke-4. SM, terkoyak oleh kontradiksi dan diinjak-injak oleh penjajah asing, namun juga merupakan tragedi primordial seluruh umat manusia dalam perjuangannya yang tiada henti, dimana kemenangan tetap mengikuti kematian. Jadi, bagi kita, tampaknya hanya sedikit yang tersisa dari kegembiraan hidup yang pernah menerangi kesadaran Hellene.

Fragmen dekorasi makam Mausolus, yang menggambarkan pertempuran Yunani dengan Amazon (London, British Museum) ... Tidak diragukan lagi ini adalah karya Skopas atau bengkelnya. Kejeniusan pematung hebat bernafas di reruntuhan ini.

Mari kita bandingkan dengan pecahan dekorasi Parthenon. Baik di sana maupun di sini ada kebebasan bergerak. Namun di sana, emansipasi menghasilkan keteraturan yang megah, dan di sini terjadi badai yang nyata: sudut-sudut figur, ekspresi gerak tubuh, pakaian yang berkibar lebar menciptakan dinamisme liar yang belum pernah terjadi sebelumnya dalam seni kuno. Di sana, komposisinya dibangun di atas koherensi bertahap bagian-bagiannya, di sini - di atas kontras yang paling tajam.

Namun kejeniusan Phidias dan kejeniusan Skopas terkait dalam sesuatu yang sangat signifikan, hampir pada hal yang utama. Komposisi kedua friezes tersebut sama-sama serasi, serasi, dan gambarnya sama-sama spesifik. Bukan tanpa alasan Heraclitus mengatakan bahwa harmoni terindah lahir dari kontras. Scopas menciptakan komposisi yang kesatuan dan kejelasannya sama sempurnanya dengan komposisi Phidias. Terlebih lagi, tidak ada satupun figur yang larut di dalamnya atau kehilangan makna plastisnya yang independen.

Hanya ini yang tersisa dari Skopas sendiri atau murid-muridnya. Hal-hal lain yang berkaitan dengan karyanya kemudian merupakan salinan Romawi. Namun, salah satunya mungkin memberi kita gambaran paling jelas tentang kejeniusannya.

Batu Parian adalah bacchante.

Tapi pematung itu memberi batu itu jiwa.

Dan, seperti wanita mabuk, dia melompat dan bergegas

dia menari.

Setelah menciptakan maenad ini, dalam hiruk pikuk,

dengan seekor kambing mati,

Anda membuat keajaiban dengan pahat berhala,

Skopas.

Jadi, seorang penyair Yunani tak dikenal mengagungkan patung Maenad, atau Bacchae, yang hanya bisa kita nilai dari salinan kecilnya (Museum Dresden).

Pertama-tama, kami mencatat karakteristik inovasi yang sangat penting bagi pembangunan seni realistis: tidak seperti patung abad ke-5. SM, patung ini dirancang sepenuhnya untuk dilihat dari semua sisi, dan seseorang harus berjalan mengelilinginya untuk melihat semua aspek gambar yang dibuat oleh senimannya.

Sambil menundukkan kepalanya dan menekuk seluruh tubuhnya, wanita muda itu bergegas dalam tarian Bacchic yang penuh badai - untuk kemuliaan dewa anggur. Dan meskipun salinan marmernya juga hanya sebuah pecahan, mungkin tidak ada monumen seni lain yang menyampaikan kesedihan kemarahan tanpa pamrih dengan kekuatan seperti itu. Ini bukanlah peninggian yang menyakitkan, tapi peninggian yang menyedihkan dan penuh kemenangan, meskipun berkuasa nafsu manusia hilang di dalamnya.

Jadi, pada abad terakhir karya klasik, semangat Hellenic yang kuat mampu mempertahankan semua keagungan primordialnya bahkan dalam hiruk-pikuk yang ditimbulkan oleh nafsu yang membara dan ketidakpuasan yang menyakitkan.

...Praxiteles (penduduk asli Athena, bekerja pada 370-340 SM) mengungkapkan awal yang sama sekali berbeda dalam karyanya. Kita tahu lebih banyak tentang pematung ini daripada saudara-saudaranya.

Seperti Scopas, Praxiteles meremehkan perunggu, menciptakan karya terbesarnya dari marmer. Kita tahu bahwa dia kaya dan menikmati ketenaran yang luar biasa, yang pada suatu waktu bahkan melampaui kejayaan Phidias. Kita juga tahu bahwa dia mencintai Phryne, pelacur terkenal, dituduh melakukan penistaan ​​​​dan dibebaskan oleh hakim Athena, yang mengagumi kecantikannya, yang mereka akui layak untuk dipuja secara nasional. Phryne menjadikannya sebagai model patung dewi cinta Aphrodite (Venus). Sarjana Romawi Pliny menulis tentang penciptaan patung-patung ini dan pemujaannya, dengan jelas menciptakan kembali suasana era Praxiteles:

“...Yang lebih tinggi dari semua karya tidak hanya Praxiteles, tetapi secara umum ada di Alam Semesta, adalah Venus karyanya. Untuk melihatnya, banyak yang berenang ke Knidus. Praxiteles secara bersamaan membuat dan menjual dua patung Venus, tetapi satu patung ditutupi dengan pakaian - patung itu disukai oleh penduduk Kos, yang memiliki hak untuk memilih. Praxiteles mengenakan harga yang sama untuk kedua patung tersebut. Namun penduduk Kos menganggap patung ini serius dan sederhana; orang Cnidia membeli apa yang mereka tolak. Dan ketenarannya jauh lebih tinggi. Raja Nicomedes kemudian ingin membelinya dari Cnidian, berjanji akan mengampuni negara Cnidian atas semua hutang besar yang mereka miliki. Namun orang Cnidian lebih memilih untuk memindahkan semuanya daripada berpisah dengan patung tersebut. Dan tidak sia-sia. Bagaimanapun, Praxiteles menciptakan kejayaan Cnidus dengan patung ini. Bangunan tempat patung ini berada semuanya terbuka sehingga bisa dilihat dari segala sisi. Selain itu, mereka percaya bahwa patung itu dibangun dengan partisipasi baik dari sang dewi sendiri. Dan di satu sisi, kegembiraan yang ditimbulkannya juga tidak kalah…”

Praxiteles adalah penyanyi kecantikan wanita yang terinspirasi, sangat dihormati oleh orang Yunani abad ke-4. SM Dalam permainan hangat cahaya dan bayangan, yang belum pernah terjadi sebelumnya, keindahan tubuh wanita terpancar di bawah gigi serinya.

Waktu telah lama berlalu ketika seorang wanita tidak digambarkan telanjang, tetapi kali ini Praxiteles menampilkan bukan hanya seorang wanita, tetapi seorang dewi di marmer, dan ini pada awalnya menimbulkan kecaman yang mengejutkan.

Cnidus Aphrodite hanya kita ketahui dari salinan dan pinjaman. Dalam dua salinan marmer Romawi (di Roma dan di Glyptothek Munich) salinannya telah sampai kepada kita secara keseluruhan, jadi kita mengetahui tampilan umumnya. Namun replika utuh ini bukanlah yang terbaik. Beberapa yang lain, meskipun dalam reruntuhan, memberikan gambaran yang lebih jelas tentang karya besar ini: kepala Aphrodite di Louvre di Paris, dengan ciri-ciri yang begitu manis dan spiritual; torsonya, juga di Louvre dan di Museum Naples, di mana kita menebak feminitas mempesona dari aslinya, dan bahkan salinan Romawi, diambil bukan dari aslinya, tetapi dari patung Helenistik yang diilhami oleh kejeniusan Praxiteles, “Venus dari Khvoshchinsky” (dinamai menurut nama kolektor Rusia yang memperolehnya), di mana, menurut kami, marmer memancarkan panas tubuh yang indah dewi (fragmen ini adalah kebanggaan departemen antik Museum Seni Rupa A.S. Pushkin).

Apa yang membuat orang-orang sezaman pematung begitu senang dengan gambaran dewi paling menawan ini, yang, setelah melepas pakaiannya, bersiap untuk terjun ke dalam air?

Apa yang membuat kita senang bahkan dengan salinan rusak yang menyampaikan beberapa fitur dari aslinya yang hilang?

Dengan pemodelan terbaik, di mana ia melampaui semua pendahulunya, menghidupkan marmer dengan sorotan cahaya yang berkilauan dan memberikan batu halus beludru halus dengan keahlian yang hanya melekat pada dirinya, Praxiteles menangkap kontur halus dan proporsi ideal tubuh dewi, dalam kealamian posenya yang menyentuh, dalam tatapannya, "basah dan berkilau", menurut kesaksian orang dahulu, prinsip-prinsip besar yang diungkapkan Aphrodite dalam mitologi Yunani, prinsip-prinsip abadi dalam kesadaran dan mimpi umat manusia: Kecantikan dan Cinta.

Praxiteles kadang-kadang diakui sebagai eksponen paling mencolok dalam seni kuno dari tren filosofis tersebut, yang melihat kesenangan (apa pun isinya) kebaikan tertinggi dan tujuan alami dari semua aspirasi manusia, yaitu. hedonisme. Namun karya seninya sudah menggambarkan filosofi yang berkembang pada akhir abad ke-4. SM “di hutan Epicurus,” demikian Pushkin menyebut taman Athena tempat Epicurus mengumpulkan murid-muridnya...

Tidak adanya penderitaan, keadaan pikiran yang tenteram, pembebasan manusia dari rasa takut akan kematian dan ketakutan akan para dewa - menurut Epicurus, inilah syarat utama untuk menikmati hidup yang sejati.

Bagaimanapun, dengan ketenangan mereka, keindahan gambar yang diciptakan oleh Praxiteles, kemanusiaan lembut para dewa yang ia pahat, menegaskan manfaat pembebasan dari ketakutan ini di era yang sama sekali tidak tenteram dan penuh belas kasihan.

Citra seorang atlet jelas tidak menarik minat Praxiteles, sama seperti ia tidak tertarik pada motif sipil. Dia berusaha untuk mewujudkan dalam marmer cita-cita seorang pemuda cantik secara fisik, tidak berotot seperti Polykleitos, sangat ramping dan anggun, tersenyum gembira, tetapi sedikit licik, tidak terlalu takut pada siapa pun, tetapi tidak mengancam siapa pun, bahagia dan penuh dengan kebahagiaan. kesadaran akan keharmonisan seluruh makhluknya.

Gambaran ini, tampaknya, sesuai dengan pandangan dunianya sendiri dan oleh karena itu sangat disayanginya. Kami menemukan konfirmasi tidak langsung tentang hal ini dalam sebuah anekdot yang menghibur.

Hubungan cinta antara artis terkenal dan kecantikan tiada tara seperti Phryne sangat membuat terpesona orang-orang sezamannya. Pikiran orang Athena yang hidup sangat canggih dalam menebak-nebak tentang mereka. Misalnya, dilaporkan bahwa Phryne meminta Praxiteles untuk memberinya patung terbaiknya sebagai tanda cinta. Dia setuju, tapi menyerahkan pilihan padanya, dengan licik menyembunyikan karya mana yang dia anggap paling sempurna. Kemudian Phryne memutuskan untuk mengakalinya. Suatu hari, seorang budak yang diutus olehnya berlari ke Praxiteles dengan berita buruk bahwa bengkel sang seniman telah terbakar... “Jika api menghancurkan Eros dan Satyr, maka semuanya hilang!” - Praxiteles berseru dengan sedih. Jadi Phryne mengetahui penilaian penulisnya sendiri...

Kita tahu dari reproduksi patung-patung ini, yang menikmati ketenaran luar biasa di dunia kuno. Setidaknya seratus lima puluh salinan marmer “The Resting Satyr” telah sampai kepada kita (lima di antaranya ada di Hermitage). Ada banyak sekali patung antik, patung yang terbuat dari marmer, tanah liat atau perunggu, prasasti penguburan, dan segala jenis benda seni terapan yang terinspirasi oleh kejeniusan Praxiteles.

Dua putra dan seorang cucu melanjutkan karya Praxiteles di bidang seni pahat, yang merupakan putra seorang pematung. Namun kesinambungan kekeluargaan ini, tentu saja, dapat diabaikan jika dibandingkan dengan kesinambungan artistik secara umum sejak karyanya.

Dalam hal ini, contoh Praxiteles sangat ilustratif, namun jauh dari pengecualian.

Meskipun kesempurnaan dari karya asli yang benar-benar hebat itu unik, sebuah karya seni yang mengungkapkan “variasi keindahan” baru akan abadi bahkan jika karya tersebut dihancurkan. Kami tidak memiliki salinan persis dari patung Zeus di Olympia atau Athena Parthenos, tetapi kehebatan gambar-gambar ini, yang menentukan kandungan spiritual dari hampir semua seni Yunani pada masa kejayaannya, terlihat jelas bahkan dalam miniatur perhiasan dan koin. waktu itu. Mereka tidak akan berada dalam gaya ini tanpa Phidias. Sama seperti tidak akan ada patung pemuda ceroboh yang malas bersandar di pohon, tidak ada dewi marmer telanjang yang menawan dengan keindahan lirisnya, yang menghiasi vila dan taman bangsawan dalam jumlah besar di zaman Helenistik dan Romawi, seperti halnya tidak akan ada lagi patung-patung di masa depan. tidak ada gaya Praxitelean sama sekali, tidak ada kebahagiaan manis Praxitelean, yang sudah lama ada dalam seni kuno - jika bukan karena "Satyr Istirahat" yang asli dan "Aphrodite dari Cnidus" yang asli, sekarang entah di mana dan bagaimana hilang. Mari kita katakan lagi: kehilangan mereka tidak dapat diperbaiki, namun semangat mereka tetap hidup bahkan dalam karya peniru yang paling biasa, dan karena itu hidup untuk kita juga. Namun jika karya-karya ini tidak dilestarikan, semangat ini entah bagaimana akan terpancar dalam ingatan manusia, dan hanya akan bersinar kembali pada kesempatan pertama.

Dengan mempersepsikan keindahan sebuah karya seni, seseorang menjadi kaya secara spiritual. Hubungan hidup antar generasi tidak pernah terputus sepenuhnya. Cita-cita kuno tentang keindahan ditolak mentah-mentah oleh ideologi abad pertengahan, dan karya-karya yang mewujudkannya dihancurkan tanpa ampun. Namun kemenangan kebangkitan cita-cita ini di zaman humanisme membuktikan bahwa cita-cita ini tidak pernah sepenuhnya dimusnahkan.

Hal yang sama dapat dikatakan tentang kontribusi setiap seniman hebat terhadap seni. Bagi seorang jenius, mewujudkan gambaran baru keindahan yang lahir dalam jiwanya, memperkaya umat manusia selamanya. Dan sejak zaman kuno, ketika untuk pertama kalinya gambar-gambar binatang yang hebat dan agung itu diciptakan di sebuah gua Paleolitik, dari mana semua seni rupa berasal, dan ke dalamnya nenek moyang kita yang jauh menaruh seluruh jiwa dan semua mimpinya, diterangi inspirasi kreatif.

Kemajuan cemerlang dalam seni saling melengkapi, memperkenalkan sesuatu yang baru yang tidak pernah mati. Hal baru ini terkadang meninggalkan jejaknya di seluruh era. Begitu pula dengan Phidias, begitu pula dengan Praxiteles.

Namun, apakah semua yang diciptakan Praxiteles sendiri musnah?

Menurut penulis kuno, diketahui bahwa patung Praxiteles “Hermes with Dionysus” berdiri di kuil di Olympia. Selama penggalian pada tahun 1877, ditemukan patung marmer kedua dewa yang relatif sedikit rusak di sana. Pada awalnya, tidak ada yang meragukan bahwa ini adalah Praxiteles yang asli, dan bahkan sekarang pengarangnya diakui oleh banyak ahli. Namun, studi yang cermat tentang teknik pemrosesan marmer itu sendiri telah meyakinkan beberapa ilmuwan bahwa patung yang ditemukan di Olympia adalah salinan Helenistik yang sangat bagus, menggantikan aslinya, yang mungkin diambil oleh orang Romawi.

Patung yang hanya disebutkan oleh satu penulis Yunani ini rupanya tidak dianggap sebagai mahakarya Praxiteles. Namun, kelebihannya tidak diragukan lagi: pemodelan yang luar biasa halus, garis-garis lembut, permainan cahaya dan bayangan Praxitelean yang indah dan murni, komposisi yang sangat jernih dan seimbang sempurna dan, yang paling penting, pesona Hermes dengan tatapannya yang melamun dan sedikit linglung. dan pesona kekanak-kanakan Dionysus kecil. Dan, bagaimanapun, dalam pesona ini terdapat rasa manis tertentu yang terlihat, dan kami merasakan bahwa di seluruh patung, bahkan pada sosok dewa yang sangat ramping dan melengkung rapi dalam lekukan halusnya, keindahan dan keanggunannya sedikit melewati batas. keindahan dan keanggunan dimulai. Seni Praxiteles sangat dekat dengan garis ini, tetapi tidak melanggarnya dalam sebagian besar ciptaan spiritualnya.

Warna nampaknya memainkan peranan besar dalam keseluruhan penampilan patung Praxiteles. Kita tahu bahwa beberapa di antaranya dilukis (dengan menggosokkan cat lilin yang meleleh, yang dengan lembut menghidupkan putihnya marmer) oleh Nikias sendiri, pelukis terkenal pada masa itu. Seni canggih Praxiteles memperoleh ekspresi dan emosi yang lebih besar berkat warna. Perpaduan harmonis antara dua seni besar barangkali terwujud dalam karya-karyanya.

Mari kita tambahkan bahwa di wilayah Laut Hitam Utara kita, dekat muara Dnieper dan Bug (di Olbia), ditemukan alas patung dengan tanda tangan Praxiteles yang agung. Sayangnya, patung itu sendiri tidak ada di dalam tanah.

...Lysippos bekerja pada sepertiga terakhir abad ke-4. SM e., pada masa Alexander Agung. Karyanya seolah melengkapi seni klasik akhir.

Perunggu adalah bahan favorit pematung ini. Kita tidak tahu aslinya, jadi kita bisa menilai dia hanya dari salinan marmer yang masih ada, yang jauh dari mencerminkan keseluruhan karyanya.

Jumlah monumen seni Hellas Kuno yang belum sampai kepada kita sangatlah banyak. Nasib warisan seni Lysippos yang sangat besar adalah bukti buruknya.

Lysippos dianggap sebagai salah satu seniman paling produktif pada masanya. Mereka mengatakan bahwa dia menyisihkan satu koin dari hadiah untuk setiap pesanan yang diselesaikan: setelah kematiannya ada sebanyak satu setengah ribu pesanan. Sementara itu, di antara karyanya terdapat kelompok seni pahat yang jumlahnya mencapai dua puluh sosok, dan beberapa patungnya tingginya melebihi dua puluh meter. Manusia, elemen, dan waktu menghadapi semua ini tanpa ampun. Namun tidak ada kekuatan yang mampu menghancurkan semangat seni Lysippos, menghapus jejak yang ditinggalkannya.

Menurut Pliny, Lysippos mengatakan bahwa, tidak seperti pendahulunya, yang menggambarkan orang sebagaimana adanya, dia, Lysippos, berusaha menggambarkan mereka sebagaimana adanya. Dengan ini, ia menegaskan prinsip realisme, yang telah lama berjaya dalam seni Yunani, tetapi ingin ia selesaikan sepenuhnya sesuai dengan prinsip estetika kontemporernya, filsuf zaman kuno terbesar, Aristoteles.

Inovasi Lysippos terletak pada kenyataan bahwa ia menemukan kemungkinan-kemungkinan realistis yang sangat besar dalam seni patung yang belum pernah digunakan. Dan nyatanya, sosok-sosoknya tidak kita anggap diciptakan “untuk pertunjukan”; mereka tidak berpose untuk kita, tetapi ada dengan sendirinya, sebagaimana mata sang seniman menangkap mereka dalam segala kompleksitas gerakan yang paling beragam, mencerminkan satu atau beberapa gerakan. dorongan emosional lainnya. Perunggu, yang dapat dengan mudah berubah bentuk apa pun saat dicor, paling cocok untuk memecahkan masalah pahatan seperti itu.

Alas tersebut tidak mengisolasi sosok Lysippos dari lingkungannya; mereka benar-benar hidup di dalamnya, seolah-olah menonjol dari kedalaman spasial tertentu, di mana ekspresinya termanifestasi dengan sama jelasnya, meski berbeda, dari sisi mana pun. Oleh karena itu, mereka sepenuhnya tiga dimensi, terbebaskan sepenuhnya. Sosok manusia dikonstruksi oleh Lysippos dengan cara baru, bukan dalam sintesis plastiknya, seperti pada patung Myron atau Polykleitos, tetapi dalam aspek sekilas tertentu, persis seperti yang tampak (tampak) bagi seniman pada saat tertentu dan sebagai hal ini belum terjadi di masa lalu dan tidak akan terjadi di masa depan.

Fleksibilitas figur yang luar biasa, kompleksitas itu sendiri, dan terkadang kontras gerakan - semua ini tertata secara harmonis, dan tidak ada apa pun dalam master ini yang sedikit pun menyerupai kekacauan alam. Pertama-tama, dalam menyampaikan kesan visual, ia menundukkan kesan tersebut pada suatu tatanan tertentu, yang ditetapkan untuk selamanya sesuai dengan semangat seninya. Dialah, Lysippos, yang melanggar kanon sosok manusia Polykleitan yang lama untuk menciptakan sosok manusianya sendiri, yang baru, jauh lebih ringan, lebih cocok untuk seni dinamisnya, yang menolak semua imobilitas internal, semua beban. Pada kanon baru ini, kepalanya tidak lagi 1,7, melainkan hanya 1/8 dari total tinggi.

Pengulangan marmer dari karyanya yang sampai kepada kita, secara umum, memberikan gambaran yang jelas tentang pencapaian realistis Lysippos.

"Apoxiomen" yang terkenal (Roma, Vatikan). Namun, atlet muda ini sama sekali tidak sama dengan patung abad sebelumnya, di mana citranya memancarkan kesadaran bangga akan kemenangan. Lysippos menunjukkan kepada kita atlet tersebut setelah kompetisi, dengan hati-hati membersihkan tubuhnya dari minyak dan debu dengan pengikis logam. Gerakan tangan yang sama sekali tidak tajam dan terkesan tidak ekspresif bergema di seluruh gambar, memberinya vitalitas yang luar biasa. Dia terlihat tenang di luar, tapi kami merasa dia telah melalui kegembiraan yang luar biasa, dan kelelahan akibat stres yang ekstrim terlihat di wajahnya. Gambaran ini, seolah-olah diambil dari realitas yang selalu berubah, sangat manusiawi, sangat mulia dalam kemudahannya.

“Hercules dengan Singa” (St. Petersburg, Museum State Hermitage). Inilah kesedihan penuh gairah perjuangan hidup dan mati, lagi-lagi seolah dilihat dari luar oleh sang seniman. Keseluruhan patung itu tampaknya dipenuhi dengan gerakan yang keras dan intens, yang secara tak tertahankan menggabungkan sosok manusia dan binatang yang kuat menjadi satu kesatuan yang indah dan harmonis.

Dari cerita berikut ini kita bisa menilai kesan apa yang ditimbulkan oleh patung-patung Lysippos terhadap orang-orang sezamannya. Alexander Agung sangat menyukai patungnya "Feasting Hercules" (salah satu pengulangannya juga ada di Hermitage) sehingga dia tidak berpisah dengannya dalam kampanyenya, dan ketika jam terakhirnya tiba, dia memerintahkannya untuk ditempatkan di depan. dia.

Lysippos adalah satu-satunya pematung yang diakui oleh penakluk terkenal itu layak untuk menangkap ciri-cirinya.

“Patung Apollo adalah cita-cita seni tertinggi di antara semua karya yang telah dilestarikan sejak zaman kuno.” Winckelmann menulis ini.

Siapa penulis patung yang begitu menyenangkan nenek moyang terkenal dari beberapa generasi ilmuwan - “barang antik”? Tak satu pun dari pematung yang karya seninya bersinar paling cemerlang hingga saat ini. Bagaimana ini mungkin dan apa kesalahpahamannya?

Apollo yang dibicarakan Winckelmann adalah "Apollo Belvedere" yang terkenal: salinan marmer Romawi dari perunggu asli karya Leochares (sepertiga terakhir abad ke-4 SM), dinamai berdasarkan galeri tempat ia dipamerkan sejak lama (Roma , Vatikan). Patung ini pernah menimbulkan banyak kekaguman.

Kami mengenali di Belvedere "Apollo" sebagai cerminan karya klasik Yunani. Tapi itu hanya refleksi. Kita tahu dekorasi Parthenon, yang tidak diketahui Winckelmann, dan oleh karena itu, dengan segala keefektifannya yang tidak diragukan lagi, patung Leochares bagi kita tampak dingin secara internal, agak teatrikal. Meskipun Leochares sezaman dengan Lysippos, karya seninya, yang kehilangan makna sebenarnya dari isinya, berbau akademisisme dan menandai kemunduran dalam kaitannya dengan karya klasik.

Ketenaran patung-patung semacam itu terkadang menimbulkan kesalahpahaman tentang semua seni Hellenic. Ide ini belum terhapus hingga hari ini. Beberapa seniman cenderung meremehkan pentingnya warisan seni Hellas dan dalam pencarian estetika mereka beralih ke dunia budaya yang sama sekali berbeda, menurut mereka, lebih selaras dengan pandangan dunia zaman kita. (Cukuplah dikatakan bahwa eksponen otoritatif dari selera estetika Barat paling modern, seperti penulis dan ahli teori seni Prancis Andre Malraux, memasukkan dalam karyanya “The Imaginary Museum of World Sculpture” setengah dari jumlah reproduksi monumen pahatan Hellas Kuno seperti yang disebut peradaban primitif Amerika, Afrika, dan Oseania!) Tetapi saya dengan keras kepala ingin percaya bahwa keindahan agung Parthenon akan kembali berjaya dalam kesadaran umat manusia, membangun di dalamnya cita-cita abadi humanisme.

Sebagai penutup tinjauan singkat seni klasik Yunani ini, saya ingin menyebutkan monumen luar biasa lainnya yang disimpan di Hermitage. Ini adalah vas Italia yang terkenal di dunia dari abad ke-4. SM e. , ditemukan di dekat kota kuno Cuma (di Campania), disebut “Ratu Vas” karena kesempurnaan komposisi dan kekayaan dekorasi, dan meskipun mungkin tidak dibuat di Yunani sendiri, mencerminkan pencapaian tertinggi seni pahat Yunani. Hal utama dalam vas pernis hitam dari Qom adalah proporsinya yang benar-benar sempurna, kontur ramping, keselarasan bentuk secara umum, dan relief multi-figur yang sangat indah (melestarikan jejak warna cerah), yang didedikasikan untuk pemujaan dewi kesuburan Demeter, sang misteri Eleusinian yang terkenal, di mana pemandangan paling gelap digantikan oleh penglihatan cerah, melambangkan kematian dan kehidupan, layu abadi dan kebangkitan alam. Relief-relief ini merupakan gema dari patung monumental para empu Yunani terbesar abad ke-5 dan ke-4. SM Jadi, semua sosok yang berdiri menyerupai patung aliran Praxiteles, dan yang duduk menyerupai aliran Phidias.

PATUNG PERIODE HELLENISME

Dengan kematian Alexander Agung, zaman Hellenisme dimulai.

Waktunya belum tiba untuk pembentukan satu kerajaan pemilik budak, dan Hellas belum ditakdirkan untuk menguasai dunia. Kesedihan bernegara bukanlah kekuatan pendorongnya, sehingga ia sendiri pun tidak mampu bersatu.

Misi sejarah besar Hellas adalah budaya. Setelah memimpin orang-orang Yunani, Alexander Agung adalah pelaksana misi ini. Kerajaannya runtuh, tetapi budaya Yunani tetap ada di negara-negara yang muncul di Timur setelah penaklukannya.

Pada abad-abad sebelumnya, pemukiman Yunani menyebarkan pancaran budaya Hellenic ke negeri asing.

Pada abad-abad Hellenisme, negeri-negeri asing menghilang; pancaran cahaya Hellas tampak mencakup segalanya dan menaklukkan segalanya.

Warga negara dari kebijakan bebas memberi jalan kepada “warga dunia” (kosmopolitan), yang aktivitasnya terjadi di alam semesta, “ekumene”, sebagaimana dipahami umat manusia pada masa itu. Di bawah kepemimpinan spiritual Hellas. Dan hal ini terjadi, terlepas dari pertikaian berdarah antara “diadochi” – penerus Alexander yang tak pernah puas dalam nafsu mereka akan kekuasaan.

Itu saja. Namun, “warga dunia” yang baru dibentuk dipaksa untuk menggabungkan panggilan tinggi mereka dengan nasib rakyat tak berdaya dari para penguasa yang juga baru dibentuk, yang memerintah dengan cara lalim oriental.

Kemenangan Hellas tidak lagi diperdebatkan oleh siapapun; Namun, hal itu menyembunyikan kontradiksi yang mendalam: semangat cerah Parthenon ternyata menjadi pemenang sekaligus yang ditaklukkan.

Arsitektur, patung, dan lukisan berkembang pesat di seluruh dunia Helenistik yang luas. Perencanaan kota dalam skala yang belum pernah terjadi sebelumnya di negara-negara baru yang menegaskan kekuasaan mereka, kemewahan istana kerajaan, dan pengayaan kaum bangsawan pemilik budak dalam perdagangan internasional yang berkembang pesat memberi para seniman pesanan dalam jumlah besar. Mungkin, lebih dari sebelumnya, seni didorong oleh mereka yang berkuasa. Dan bagaimanapun juga, kreativitas artistik belum pernah begitu luas dan beragam. Tapi bagaimana kita bisa mengevaluasi kreativitas ini dibandingkan dengan apa yang dihasilkan dalam seni kuno, masa kejayaan dan akhir klasik, yang kelanjutannya adalah seni Helenistik?

Para seniman harus menyebarkan pencapaian seni Yunani ke seluruh wilayah yang ditaklukkan oleh Alexander dengan formasi negara multi-suku baru mereka dan pada saat yang sama, dalam kontak dengan budaya kuno Timur, melestarikan pencapaian ini dalam kemurnian, mencerminkan kehebatan. dari cita-cita artistik Yunani. Pelanggan - raja dan bangsawan - ingin mendekorasi istana dan taman mereka dengan karya seni yang semirip mungkin dengan yang dianggap kesempurnaan pada era besar kekuasaan Alexander. Tidak mengherankan bahwa semua ini tidak menarik pematung Yunani ke jalur pencarian baru, mendorongnya untuk sekadar “membuat” patung yang tampaknya tidak lebih buruk dari patung asli Praxiteles atau Lysippos. Dan hal ini, pada gilirannya, mau tidak mau mengarah pada peminjaman bentuk yang sudah ditemukan (dengan adaptasi terhadap isi internal yang diungkapkan bentuk ini dari penciptanya), yaitu. dengan apa yang kita sebut akademisme. Atau ke eklektisisme, yaitu. kombinasi ciri-ciri individu dan temuan seni dari berbagai master, terkadang mengesankan, spektakuler karena kualitas sampelnya yang tinggi, tetapi kurang kesatuan, integritas internal dan tidak kondusif untuk penciptaan miliknya sendiri, tepatnya miliknya sendiri - ekspresif dan bahasa artistik yang lengkap, gayanya sendiri.

Banyak sekali patung-patung dari periode Helenistik yang bahkan lebih menunjukkan kepada kita kekurangan-kekurangan yang telah diramalkan oleh Belvedere Apollo. Hellenisme berkembang dan, sampai batas tertentu, melengkapi kecenderungan dekaden yang muncul di akhir karya klasik akhir.

Pada akhir abad ke-2. SM Seorang pematung bernama Alexander atau Agesander bekerja di Asia Kecil: pada prasasti pada satu-satunya patung karyanya yang sampai kepada kita, tidak semua huruf terpelihara. Patung ini, ditemukan pada tahun 1820 di Pulau Milos (di Laut Aegea), menggambarkan Aphrodite-Venus dan sekarang dikenal di seluruh dunia sebagai “Venus Milos” Ini bukan hanya monumen Helenistik, tetapi monumen Helenistik akhir, yang berarti monumen ini dibuat di era yang ditandai dengan kemunduran seni.

Namun tidak mungkin untuk menempatkan “Venus” ini setara dengan banyak patung dewa dan dewi lainnya, kontemporer atau bahkan lebih awal, yang menunjukkan keahlian teknis yang luar biasa, tetapi tidak orisinalitas desainnya. Namun, tampaknya tidak ada sesuatu yang orisinal di dalamnya, sesuatu yang belum pernah diungkapkan pada abad-abad sebelumnya. Gema jauh dari Aphrodite Praxiteles... Namun, dalam patung ini segala sesuatunya begitu serasi dan serasi, gambaran dewi cinta, pada saat yang sama, begitu agung dan begitu menawan feminin, seluruh penampilannya begitu marmer yang murni dan bermodel indah bersinar begitu lembut sehingga tampak bagi kita: pahat, pematung era seni Yunani yang hebat, tidak dapat mengukir apa pun yang lebih sempurna.

Apakah ketenarannya disebabkan oleh fakta bahwa patung-patung Yunani paling terkenal, yang dikagumi oleh orang-orang zaman dahulu, telah hilang dan tidak dapat diperbaiki lagi? Patung seperti Venus de Milo, kebanggaan Louvre di Paris, mungkin tidak unik. Tak seorang pun di kalangan “ekumene” pada masa itu, atau setelahnya, di era Romawi, menyanyikannya dalam bentuk syair, baik dalam bahasa Yunani atau Latin. Namun betapa banyak kalimat antusias, curahan syukur yang dipersembahkan untuknya

sekarang di hampir semua bahasa di dunia.

Ini bukan salinan Romawi, tapi asli Yunani, meski bukan dari era klasik. Ini berarti bahwa cita-cita artistik Yunani kuno begitu tinggi dan kuat sehingga di bawah pahat seorang ahli yang berbakat, cita-cita itu menjadi hidup dalam segala kejayaannya bahkan di masa akademis dan eklektisisme.

Kelompok patung megah seperti "Laocoon bersama putra-putranya" (Roma, Vatikan) dan "Farnese Bull" (Napoli, Museum Nasional Romawi), yang membangkitkan kekaguman yang tak terbatas dari banyak generasi perwakilan budaya Eropa yang paling tercerahkan, sekarang, ketika keindahan Parthenon telah terungkap, bagi kami tampaknya terlalu teatrikal, kelebihan beban, dipecah menjadi detail.

Namun, mungkin berasal dari aliran Rhodian yang sama dengan kelompok ini, tetapi dipahat oleh seniman yang tidak kita kenal pada periode Hellenisme sebelumnya, “Nike dari Samothrace” (Paris, Louvre) adalah salah satu puncak seni. Patung ini berdiri di haluan kapal tugu batu. Dengan kepakan sayapnya yang kuat, Nika-Victory melaju tak terkendali ke depan, menembus angin, di mana jubahnya berkibar dengan berisik (sepertinya kita mendengarnya). Kepalanya patah, tetapi keagungan gambarnya mencapai kita sepenuhnya.

Seni potret sangat umum di dunia Helenistik. “Orang-orang terkemuka” bertambah banyak, setelah berhasil melayani para penguasa (diadochi) atau yang telah naik ke puncak masyarakat berkat eksploitasi kerja paksa yang lebih terorganisir dibandingkan di wilayah Hellas yang sebelumnya terfragmentasi: mereka ingin menanamkan ciri-ciri mereka untuk anak cucu . Potret itu menjadi semakin individual, tetapi pada saat yang sama, jika kita memiliki wakil kekuasaan tertinggi di hadapan kita, maka superioritasnya dan eksklusivitas posisi yang didudukinya ditekankan.

Dan ini dia, penguasa utama - Diadokh. Patung perunggunya (Roma, Museum Pemandian) adalah contoh seni Helenistik yang paling cemerlang. Kita tidak tahu siapa penguasa ini, tapi sekilas terlihat jelas bagi kita bahwa ini bukanlah gambaran umum, melainkan potret. Ciri khasnya, ciri-ciri individu yang tajam, mata sedikit menyipit, dan fisik yang sama sekali tidak ideal. Pria ini ditangkap oleh seniman dalam semua orisinalitas ciri-ciri pribadinya, penuh dengan kesadaran akan kekuatannya. Dia mungkin seorang penguasa yang terampil, mampu bertindak sesuai dengan keadaan, tampaknya dia pantang menyerah dalam mengejar tujuan yang diinginkan, mungkin kejam, tapi mungkin terkadang murah hati, karakternya cukup kompleks dan memerintah di dunia Helenistik yang sangat kompleks, di mana keutamaan budaya Yunani harus dipadukan dengan penghormatan terhadap budaya lokal kuno.

Dia benar-benar telanjang pahlawan kuno atau tuhan. Pergantian kepala, begitu alami, sepenuhnya terbebaskan, dan tangan terangkat tinggi bertumpu pada tombak, memberikan keagungan yang membanggakan pada sosok itu. Realisme dan pendewaan yang tajam. Pendewaan bukanlah pahlawan yang ideal, tetapi pendewaan individu yang paling spesifik terhadap penguasa duniawi yang diberikan kepada manusia... oleh takdir.

...Orientasi umum seni klasik akhir terletak pada dasar seni Helenistik. Kadang-kadang ia berhasil mengembangkan arah ini, bahkan memperdalamnya, tetapi, seperti yang telah kita lihat, kadang-kadang ia menghancurkannya atau membawanya ke ekstrem, kehilangan rasa proporsional dan cita rasa artistik sempurna yang menandai semua seni Yunani pada era klasik.

Aleksandria, tempat bersilangannya jalur perdagangan dunia Helenistik, adalah pusat dari seluruh kebudayaan Helenistik, “Athena baru”.

Di kota besar pada waktu itu dengan populasi setengah juta jiwa, yang didirikan oleh Alexander di muara Sungai Nil, ilmu pengetahuan, sastra, dan seni berkembang, dilindungi oleh Ptolemeus. Mereka mendirikan “Museum”, yang menjadi pusat kehidupan seni dan ilmiah selama berabad-abad, perpustakaan terkenal, terbesar di dunia kuno, berisi lebih dari tujuh ratus ribu gulungan papirus dan perkamen. Mercusuar Alexandria setinggi seratus dua puluh meter dengan menara dilapisi marmer, delapan sisinya terletak searah mata angin utama, dengan patung penunjuk arah cuaca, dengan kubah di atasnya dengan patung perunggu penguasa lautan. Poseidon, memiliki sistem cermin yang mempertegas cahaya api yang menyala di dalam kubah, sehingga bisa dilihat dari jarak enam puluh kilometer. Mercusuar ini dianggap sebagai salah satu dari “tujuh keajaiban dunia”. Kita mengetahuinya dari gambar pada koin kuno dan dari penjelasan rinci tentang seorang musafir Arab yang mengunjungi Alexandria pada abad ke-13: seratus tahun kemudian, mercusuar tersebut hancur akibat gempa bumi. Jelas bahwa hanya kemajuan luar biasa dalam pengetahuan presisi yang memungkinkan dibangunnya struktur megah ini, yang memerlukan perhitungan paling rumit. Bagaimanapun, Alexandria, tempat Euclid mengajar, adalah tempat lahirnya geometri yang dinamai menurut namanya.

Seni Aleksandria sangat beragam. Patung Aphrodite berasal dari Praxiteles (kedua putranya bekerja sebagai pematung di Aleksandria), tetapi patung tersebut kurang megah dibandingkan prototipenya dan sangat anggun. Pada cameo Gonzaga terdapat gambar umum yang terinspirasi oleh kanon klasik. Tetapi tren yang sama sekali berbeda muncul dalam patung-patung orang tua: realisme Yunani yang cerah di sini berubah menjadi naturalisme yang hampir terang-terangan dengan gambaran yang paling kejam dari kulit yang lembek, keriput, pembuluh darah yang bengkak, segala sesuatu yang tidak dapat diperbaiki yang dibawa oleh usia tua ke dalam penampilan manusia. Karikatur tumbuh subur, lucu namun terkadang menyengat. Genre sehari-hari (terkadang dengan bias terhadap hal-hal aneh) dan potret menjadi semakin meluas. Relief muncul dengan pemandangan pedesaan yang ceria, gambar anak-anak yang menawan, terkadang meramaikan patung alegoris yang megah dengan suami yang berbaring dengan anggun, mirip dengan Zeus dan melambangkan Sungai Nil.

Keberagaman, tetapi juga hilangnya kesatuan batin seni, keutuhan cita-cita seni, yang seringkali mereduksi signifikansi gambar. Mesir Kuno belum mati.

Berpengalaman dalam politik pemerintahan, kaum Ptolemeus menekankan rasa hormat mereka terhadap budayanya, meminjam banyak adat istiadat Mesir, mendirikan kuil untuk dewa-dewa Mesir dan... menganggap diri mereka sebagai salah satu tuan rumah para dewa tersebut.

Dan seniman Mesir tidak mengkhianati cita-cita artistik kuno mereka, kanon kuno mereka, bahkan dalam gambaran penguasa asing baru di negara mereka.

Monumen seni Ptolemeus Mesir yang luar biasa adalah patung Ratu Arsinoe II yang terbuat dari basal hitam. Terselamatkan oleh ambisi dan kecantikannya, Arsinoe, yang menurut adat kerajaan Mesir, dinikahi saudara laki-lakinya Ptolemy Philadelphus. Juga potret yang diidealkan, tetapi tidak dalam gaya Yunani klasik, tetapi dalam gaya Mesir. Gambar ini berasal dari monumen pemujaan pemakaman para firaun, dan bukan pada patung dewi cantik Hellas. Arsinoe juga cantik, namun sosoknya, terkendala oleh tradisi kuno, bersifat frontal dan terkesan beku, seperti pada patung potret ketiga kerajaan Mesir; batasan ini secara alami selaras dengan isi internal gambar, yang sama sekali berbeda dari yang ada dalam karya klasik Yunani.

Di atas dahi ratu terdapat ular kobra suci. Dan mungkin kebulatan lembut dari bentuk tubuh mudanya yang ramping, yang tampak telanjang bulat di balik jubah tipis dan transparan, entah bagaimana mencerminkan, mungkin, nafas hangat Hellenisme dengan kebahagiaan tersembunyinya.

Kota Pergamon, ibu kota negara Helenistik yang luas di Asia Kecil, terkenal, seperti Aleksandria, karena perpustakaannya yang kaya (perkamen, dalam bahasa Yunani “kulit Pergamus” - penemuan Pergamon), kekayaan seninya, budaya tinggi, dan kemegahannya. Pematung Pergamon menciptakan patung-patung indah Galia yang terbunuh. Patung-patung ini menelusuri inspirasi dan gayanya hingga Skopas. Dekorasi Altar Pergamon juga berasal dari Skopas, tetapi ini sama sekali bukan karya akademis, melainkan sebuah monumen seni, yang menandai kepakan sayap besar yang baru.

Fragmen dekorasi tersebut ditemukan pada kuartal terakhir abad ke-19 oleh para arkeolog Jerman dan dibawa ke Berlin. Pada tahun 1945, mereka dibawa oleh Tentara Soviet dari pembakaran Berlin, kemudian disimpan di Hermitage, dan pada tahun 1958 mereka kembali ke Berlin dan sekarang dipamerkan di sana di Museum Pergamon.

Dekorasi pahatan sepanjang seratus dua puluh meter membatasi dasar altar marmer putih dengan tiang-tiang ionik ringan dan tangga lebar yang menjulang di tengah-tengah struktur besar berbentuk U.

Tema patungnya adalah “gigantomachy”: pertempuran para dewa dengan raksasa, yang secara alegoris menggambarkan pertempuran Hellenes dengan kaum barbar. Ini adalah patung dengan relief sangat tinggi, hampir berbentuk lingkaran.

Kita tahu bahwa sekelompok pematung mengerjakan dekorasi tersebut, di antaranya bukan hanya orang Pergamon. Namun kesatuan rencana terlihat jelas.

Kita dapat mengatakan tanpa syarat: di seluruh seni pahat Yunani tidak pernah ada gambaran pertempuran yang begitu megah. Pertarungan yang mengerikan dan tanpa ampun untuk hidup dan mati. Pertarungan yang benar-benar dahsyat - karena para raksasa yang memberontak melawan para dewa, dan para dewa sendiri yang mengalahkan mereka, bertubuh manusia super, dan karena keseluruhan komposisinya sangat besar dalam kesedihan dan ruang lingkupnya.

Kesempurnaan bentuk, permainan cahaya dan bayangan yang menakjubkan, kombinasi harmonis dari kontras yang paling tajam, dinamisme yang tiada habisnya dari setiap figur, setiap kelompok dan seluruh komposisi selaras dengan seni Skopas, setara dengan pencapaian plastik tertinggi dari karya tersebut. abad ke-4. Ini adalah seni Yunani yang hebat dengan segala kemegahannya.

Namun semangat patung-patung ini terkadang membawa kita menjauh dari Hellas. Kata-kata Lessing bahwa seniman Yunani menjinakkan manifestasi nafsu untuk menciptakan gambar yang indah dan tenang tidak berlaku untuk mereka dengan cara apa pun. Benar, prinsip ini sudah dilanggar di zaman klasik akhir. Namun, meski seolah dipenuhi dengan dorongan yang paling kejam, sosok pejuang dan Amazon dalam dekorasi makam Mausolus bagi kita tampak terkendali dibandingkan dengan sosok “gigantomachy” Pergamon.

Tema sebenarnya dari dekorasi Pergamon bukanlah kemenangan awal yang cerah atas kegelapan dunia bawah, tempat para raksasa melarikan diri. Kita melihat kemenangan para dewa, Zeus dan Athena, tapi kita dikejutkan oleh hal lain yang tanpa sadar menangkap kita saat kita melihat keseluruhan badai ini. Kegembiraan dalam pertempuran, liar, tanpa pamrih - inilah yang mengagungkan marmer dekorasi Pergamon. Dalam kegembiraan ini, sosok-sosok raksasa dari para pejuang saling bergulat dengan panik. Wajah mereka berubah bentuk, dan sepertinya kita mendengar jeritan mereka, raungan geram atau gembira, jeritan dan rintihan yang memekakkan telinga.

Seolah-olah suatu kekuatan unsur tercermin di sini dalam marmer, kekuatan liar dan gigih yang suka menabur kengerian dan kematian. Bukankah dialah yang sejak zaman kuno telah menampakkan diri kepada manusia dalam rupa Binatang yang mengerikan? Tampaknya dia sudah selesai di Hellas, tetapi sekarang dia jelas dibangkitkan di sini, di Pergamon Helenistik. Tidak hanya pada semangatnya, tapi juga pada penampilannya. Kita melihat wajah singa, raksasa dengan ular yang menggeliat bukannya kaki, monster yang seolah-olah dihasilkan oleh imajinasi yang memanas dari kengerian yang tidak diketahui yang terbangun.

Bagi orang Kristen mula-mula, altar Pergamon tampak seperti “takhta Setan”!..

Apakah para perajin Asia, yang masih tunduk pada visi, impian, dan ketakutan Timur Kuno, berpartisipasi dalam pembuatan dekorasi tersebut? Atau apakah tuan-tuan Yunani itu sendiri yang diilhami oleh mereka di bumi ini? Asumsi terakhir tampaknya lebih mungkin terjadi.

Dan inilah jalinan cita-cita Hellenic tentang bentuk sempurna yang harmonis, menyampaikan dunia yang terlihat dalam keindahannya yang agung, cita-cita seseorang yang menyadari dirinya sebagai mahkota alam, dengan pandangan dunia yang sama sekali berbeda, yang kita kenali dalam lukisan. gua-gua Paleolitik, yang selamanya menangkap kekuatan banteng yang hebat, dan pada wajah berhala batu Mesopotamia yang belum terpecahkan, dan pada plakat “hewan” Scythian, mungkin untuk pertama kalinya, ditemukan perwujudan organik yang begitu lengkap dalam gambaran tragis dari Altar Pergamon.

Gambar-gambar ini tidak menghibur, seperti gambar Parthenon, tetapi di abad-abad berikutnya kesedihan mereka yang gelisah akan selaras dengan banyak karya seni tertinggi.

Pada akhir abad ke-1. SM Roma menegaskan dominasinya di dunia Helenistik. Namun sulit untuk mendefinisikan, bahkan secara kondisional, aspek terakhir dari Hellenisme. Bagaimanapun, dampaknya terhadap budaya masyarakat lain. Roma mengadopsi budaya Hellas dengan caranya sendiri dan menjadi Helenisasi. Cahaya Hellas tidak memudar baik di bawah pemerintahan Romawi maupun setelah jatuhnya Roma.

Dalam bidang seni rupa Timur Tengah, khususnya Byzantium, warisan zaman dahulu sebagian besar berasal dari Yunani, bukan Romawi. Tapi bukan itu saja. Semangat Hellas bersinar dalam lukisan Rusia kuno. Dan semangat ini menerangi Renaisans besar di Barat.

Patung Romawi

Tanpa landasan yang diletakkan oleh Yunani dan Roma, tidak akan ada Eropa modern.

Baik orang Yunani maupun Romawi memiliki panggilan sejarahnya masing-masing - mereka saling melengkapi, dan landasan Eropa modern adalah tujuan bersama mereka.

Warisan seni Roma sangat berarti dalam landasan budaya Eropa. Terlebih lagi, warisan ini hampir menentukan bagi seni Eropa.

...Di Yunani yang ditaklukkan, orang Romawi awalnya berperilaku seperti orang barbar. Dalam salah satu sindirannya, Juvenal menunjukkan kepada kita seorang pejuang Romawi yang kasar pada masa itu, “yang tidak tahu bagaimana menghargai seni orang Yunani,” yang “seperti biasa” memecahkan “cangkir yang dibuat oleh seniman terkenal” menjadi potongan-potongan kecil secara berurutan. untuk menghiasi perisai atau baju besinya dengan mereka.

Dan ketika orang-orang Romawi mendengar tentang nilai karya seni, kehancurannya berubah menjadi perampokan - secara besar-besaran, tampaknya, tanpa seleksi apa pun. Bangsa Romawi mengambil lima ratus patung dari Epirus di Yunani, dan setelah mengalahkan bangsa Etruria bahkan sebelum itu, mereka mengambil dua ribu dari Veii. Tidak mungkin ini semua adalah mahakarya.

Secara umum diterima bahwa jatuhnya Korintus pada tahun 146 SM. Periode sejarah kuno Yunani yang sebenarnya berakhir. Kota berkembang di tepi Laut Ionia ini, salah satu pusat utama kebudayaan Yunani, dihancurkan oleh tentara konsul Romawi Mummius. Kapal konsuler memindahkan harta seni yang tak terhitung jumlahnya dari istana dan kuil yang terbakar, sehingga, seperti yang ditulis Pliny, seluruh Roma dipenuhi dengan patung.

Bangsa Romawi tidak hanya membawa berbagai macam patung Yunani (selain itu, mereka membawa obelisk Mesir), tetapi juga menyalin patung asli Yunani dalam skala besar. Dan untuk ini saja kita patut berterima kasih kepada mereka. Namun, apa sebenarnya kontribusi Romawi terhadap seni patung? Di sekitar batang Kolom Trajan, didirikan pada awal abad ke-2. SM e. di Forum Trajan, di atas makam kaisar ini, sebuah relief melingkar seperti pita lebar, mengagungkan kemenangannya atas bangsa Dacia, yang kerajaannya (sekarang Rumania) akhirnya ditaklukkan oleh Romawi. Para seniman yang menciptakan relief ini tidak hanya berbakat, tetapi juga sangat mengenal teknik para ahli Helenistik. Namun ini adalah karya khas Romawi.

Di hadapan kita adalah yang paling detail dan teliti cerita. Ini adalah sebuah narasi, bukan gambaran umum. Dalam relief Yunani, kisah peristiwa nyata disajikan secara alegoris, biasanya dijalin dengan mitologi. Pada relief Romawi, sejak zaman Republik, keinginan untuk seakurat mungkin terlihat jelas, lebih spesifik menyampaikan jalannya peristiwa dalam urutan logisnya, beserta ciri-ciri orang yang berpartisipasi di dalamnya. Pada relief Kolom Trajan kita melihat kamp Romawi dan barbar, persiapan kampanye, penyerangan terhadap benteng, penyeberangan, dan pertempuran tanpa ampun. Segalanya tampak sangat akurat: jenis tentara Romawi dan Dacia, senjata dan pakaian mereka, jenis benteng - sehingga relief ini dapat berfungsi sebagai semacam ensiklopedia pahatan kehidupan militer pada masa itu. Dalam desain umumnya, keseluruhan komposisi agak menyerupai narasi relief yang sudah dikenal tentang eksploitasi kejam raja-raja Asiria, tetapi dengan kekuatan gambar yang lebih kecil, meskipun dengan pengetahuan anatomi yang lebih baik dan kemampuan, yang berasal dari Yunani, untuk mengatur figur dengan lebih bebas. di luar angkasa. Relief rendah, tanpa identifikasi plastik apa pun pada gambar tersebut, mungkin terinspirasi oleh lukisan yang tidak dilestarikan. Gambar Trajan sendiri diulang setidaknya sembilan puluh kali, wajah para pejuang sangat ekspresif.

Konkrit dan ekspresif inilah yang menjadi ciri khas semua patung potret Romawi, di mana, mungkin, orisinalitas kejeniusan artistik Romawi paling jelas termanifestasi.

Bagian murni Romawi yang termasuk dalam perbendaharaan budaya dunia didefinisikan secara sempurna (tepatnya sehubungan dengan potret Romawi) oleh penikmat seni kuno terbesar O.F. Waldhauer: “...Roma ada sebagai individu; Roma ada dalam bentuk ketat di mana gambar-gambar kuno dihidupkan kembali di bawah pemerintahannya; Roma berada dalam organisme besar yang menyebarkan benih-benih kebudayaan kuno, memberi mereka kesempatan untuk membuahi masyarakat baru yang masih barbar, dan, akhirnya, Roma sedang menciptakan dunia yang beradab berdasarkan unsur-unsur budaya Hellenic dan memodifikasinya. sesuai dengan tugas baru, hanya Roma yang dapat menciptakan... era patung potret yang hebat...".

Potret Romawi mempunyai latar belakang yang kompleks. Hubungannya dengan potret Etruria, begitu juga dengan potret Helenistik, terlihat jelas. Akar Romawi juga cukup jelas: potret Romawi pertama yang terbuat dari marmer atau perunggu hanyalah reproduksi persis dari topeng lilin yang diambil dari wajah almarhum. Ini bukanlah seni dalam pengertian biasanya.

Di masa-masa berikutnya, akurasi tetap menjadi inti potret artistik Romawi. Presisi terinspirasi oleh inspirasi kreatif dan keahlian luar biasa. Warisan seni Yunani tentu saja berperan di sini. Namun kita dapat mengatakan tanpa berlebihan: seni potret individual yang cerah, disempurnakan, sepenuhnya mengungkapkan dunia batin seseorang, pada dasarnya adalah pencapaian Romawi. Bagaimanapun, dalam hal ruang lingkup kreativitas, kekuatan dan kedalaman penetrasi psikologis.

Potret Romawi mengungkapkan kepada kita semangat Roma Kuno dalam segala aspek dan kontradiksinya. Potret Romawi, seolah-olah, adalah sejarah Roma, yang diceritakan secara langsung, sejarah kebangkitannya yang belum pernah terjadi sebelumnya, dan kematian yang tragis: “Seluruh sejarah kejatuhan Romawi diungkapkan di sini melalui alis, dahi, bibir” (Herzen).

Di antara kaisar Romawi ada tokoh bangsawan, negarawan besar, ada juga orang ambisius yang rakus, ada monster, lalim,

tergila-gila dengan kekuatan yang tidak terbatas, dan dalam kesadaran bahwa segala sesuatu diperbolehkan bagi mereka, yang menumpahkan lautan darah, adalah para tiran yang suram, yang dengan pembunuhan pendahulunya mencapai pangkat tertinggi dan karena itu menghancurkan semua orang yang mengilhami mereka dengan kecurigaan sekecil apa pun. Seperti yang telah kita lihat, moral yang lahir dari otokrasi yang didewakan terkadang mendorong bahkan orang yang paling tercerahkan sekalipun untuk melakukan tindakan yang paling kejam.

Selama periode kekuasaan terbesar kekaisaran, sistem kepemilikan budak yang terorganisir dengan ketat, di mana kehidupan seorang budak dianggap bukan apa-apa dan dia diperlakukan seperti hewan pekerja, meninggalkan jejaknya pada moralitas dan kehidupan tidak hanya kaisar dan kaisar. bangsawan, tapi juga warga negara biasa. Dan pada saat yang sama, didorong oleh kesedihan kenegaraan, keinginan untuk merampingkan kehidupan sosial di seluruh kekaisaran dengan cara Romawi semakin meningkat, dengan keyakinan penuh bahwa tidak ada sistem yang lebih tahan lama dan bermanfaat. Namun keyakinan tersebut ternyata tidak berdasar.

Peperangan yang terus-menerus, pertikaian internal, pemberontakan di tingkat provinsi, pelarian budak, dan kesadaran akan pelanggaran hukum semakin menggerogoti fondasi “dunia Romawi” seiring berjalannya waktu. Provinsi-provinsi yang ditaklukkan semakin menunjukkan tekad mereka. Dan pada akhirnya mereka melemahkan kekuatan pemersatu Roma. Provinsi-provinsi menghancurkan Roma; Roma sendiri berubah menjadi kota provinsi, mirip dengan kota lain, memiliki hak istimewa, tetapi tidak lagi dominan, tidak lagi menjadi pusat kerajaan dunia... Negara Romawi berubah menjadi mesin raksasa yang kompleks semata-mata untuk menyedot jus dari rakyatnya.

Tren baru yang datang dari Timur, cita-cita baru, pencarian kebenaran baru melahirkan keyakinan baru. Kemunduran Roma akan datang, kemunduran dunia kuno dengan ideologi dan struktur sosialnya.

Semua ini tercermin dalam patung potret Romawi.

Pada masa republik, ketika moral lebih keras dan sederhana, keakuratan dokumenter dari gambar tersebut, yang disebut “verism” (dari kata verus - benar), belum diimbangi oleh pengaruh Yunani yang memuliakan. Pengaruh ini terwujud pada zaman Augustus, kadang-kadang bahkan merugikan kejujuran.

Patung Augustus berukuran penuh yang terkenal, di mana ia ditampilkan dalam segala kemegahan kekuasaan kekaisaran dan kejayaan militer (patung dari Prima Porta, Roma, Vatikan), serta gambarnya dalam bentuk Jupiter sendiri (Hermitage), dari tentu saja, potret seremonial yang diidealkan yang menyamakan penguasa duniawi dengan penguasa surgawi. Namun, mereka mengungkapkan ciri-ciri individu Augustus, keseimbangan relatif dan signifikansi kepribadiannya yang tidak diragukan lagi.

Banyak potret penggantinya, Tiberius, juga diidealkan.

Mari kita lihat potret pahatan Tiberius di masa mudanya (Kopenhagen, Glyptothek). Gambar yang dimuliakan. Dan pada saat yang sama, tentu saja, individu. Sesuatu yang tidak simpatik dan pemarah muncul di wajahnya. Mungkin, jika ditempatkan dalam kondisi yang berbeda, orang ini secara lahiriah akan menjalani hidupnya dengan cukup baik. Tapi ketakutan abadi dan kekuatan tak terbatas. Dan bagi kita tampaknya sang seniman menangkap dalam gambarnya sesuatu yang bahkan tidak dikenali oleh Augustus yang berwawasan luas ketika menunjuk Tiberius sebagai penggantinya.

Namun potret penerus Tiberius, Caligula (Kopenhagen, Glyptothek), seorang pembunuh dan penyiksa, yang akhirnya ditikam sampai mati oleh orang kepercayaannya, sudah benar-benar mengungkap, dengan segala pengendaliannya yang mulia. Tatapannya mengerikan, dan Anda merasa bahwa tidak ada belas kasihan dari penguasa yang sangat muda ini (dia mengakhiri hidupnya yang mengerikan pada usia dua puluh sembilan tahun) dengan bibir terkatup rapat, yang senang mengingatkannya bahwa dia bisa melakukan apa saja: dan dengan siapa pun. Melihat potret Caligula, kami percaya semua cerita tentang kekejamannya yang tak terhitung jumlahnya. “Dia memaksa para ayah untuk hadir pada saat eksekusi anak laki-laki mereka,” tulis Suetonius, “dia mengirimkan tandu untuk salah satu dari mereka ketika dia mencoba menghindar karena kesehatannya yang buruk; yang lainnya, segera setelah tontonan eksekusi, mengundangnya ke meja dan dengan segala macam basa-basi memaksanya untuk bercanda dan bersenang-senang.” Dan sejarawan Romawi lainnya, Dion, menambahkan bahwa ketika ayah salah satu orang yang dieksekusi “bertanya apakah dia boleh setidaknya menutup matanya, dia memerintahkan ayahnya untuk dibunuh juga”. Dan juga dari Suetonius: “Ketika harga sapi yang digunakan untuk menggemukkan hewan liar untuk dijadikan tontonan menjadi lebih mahal, ia memerintahkan agar para penjahat dibuang ke sana untuk dicabik-cabik; dan, berkeliling penjara karena hal ini, dia tidak melihat siapa yang harus disalahkan atas apa, tetapi langsung memerintahkan, berdiri di depan pintu, untuk membawa semua orang pergi…” Yang tidak menyenangkan dalam kekejamannya adalah wajah Nero yang memiliki alis rendah, monster paling terkenal di Roma Kuno (marmer, Roma, Museum Nasional).

Gaya potret pahatan Romawi berubah seiring dengan sikap umum pada zaman itu. Kebenaran dokumenter, kemegahan, mencapai titik pendewaan, realisme paling tajam, kedalaman penetrasi psikologis silih berganti menguasai dirinya, bahkan saling melengkapi. Namun selama gagasan Romawi masih hidup, kekuatan gambarnya tidak mengering.

Kaisar Hadrian mendapatkan reputasi sebagai penguasa yang bijaksana; diketahui bahwa dia adalah seorang penikmat seni yang tercerahkan, pengagum setia warisan klasik Hellas. Ciri-cirinya, diukir di marmer, tatapannya yang penuh perhatian, bersama dengan sedikit sentuhan kesedihan, melengkapi gagasan kita tentang dirinya, sama seperti potretnya melengkapi gagasan kita tentang Caracalla, benar-benar menangkap intisari kekejaman terhadap binatang, yang paling tak terkendali. , kekuatan kekerasan. Namun “filsuf di atas takhta” yang sebenarnya, seorang pemikir yang penuh dengan kemuliaan spiritual, tampaknya adalah Marcus Aurelius, yang mengajarkan sikap tabah dan penolakan terhadap barang-barang duniawi dalam tulisannya.

Gambar yang benar-benar tak terlupakan dalam ekspresifnya!

Namun potret Romawi membangkitkan di hadapan kita tidak hanya gambaran kaisar.

Mari kita berhenti di Hermitage di depan potret seorang Romawi yang tidak dikenal, mungkin dibuat pada akhir abad ke-1. Ini adalah mahakarya yang tidak diragukan lagi di mana ketepatan gambar Romawi dipadukan dengan keahlian tradisional Hellenic, sifat dokumenter gambar dengan spiritualitas batin. Kita tidak tahu siapa penulis potret itu - apakah seorang Yunani, yang memberikan bakatnya kepada Roma dengan pandangan dunia dan seleranya, seorang seniman Romawi atau seniman lain, subjek kekaisaran, terinspirasi oleh model Yunani, tetapi berakar kuat di tanah Romawi - sama seperti penulisnya yang tidak diketahui (kebanyakan, mungkin, budak) dan patung luar biasa lainnya yang dibuat di era Romawi.

Sudah terekam dalam gambar ini orang tua, yang telah melihat banyak hal dalam hidupnya dan mengalami banyak hal, yang dalam dirinya seseorang dapat menebak semacam penderitaan yang menyakitkan, mungkin dari pemikiran yang mendalam. Gambaran itu begitu nyata, jujur, diambil dengan begitu gigih dari tengah-tengah umat manusia dan dengan begitu terampil terungkap esensinya sehingga kita seolah-olah pernah bertemu dengan orang Romawi ini, mengenalnya, itu hampir persis sama - bahkan jika perbandingan kita tidak terduga - seperti yang kita ketahui, misalnya, pahlawan novel Tolstoy.

Dan daya persuasif yang sama terdapat dalam mahakarya terkenal lainnya dari Hermitage, sebuah potret marmer seorang wanita muda, yang secara konvensional diberi nama “Suriah” berdasarkan tipe wajahnya.

Ini sudah paruh kedua abad ke-2: wanita yang digambarkan sezaman dengan Kaisar Marcus Aurelius.

Kita tahu bahwa itu adalah era revaluasi nilai-nilai, meningkatnya pengaruh Timur, suasana romantis baru, mistisisme yang semakin matang, yang menandakan krisis kebanggaan kekuatan besar Romawi. "Waktu kehidupan manusia- sebentar, - tulis Marcus Aurelius, - hakikatnya adalah aliran abadi; perasaannya tidak jelas; struktur seluruh tubuh mudah rusak; jiwa tidak stabil; nasib itu misterius; ketenaran tidak bisa diandalkan."

Gambaran “Wanita Suriah” bernafaskan kontemplasi melankolis yang menjadi ciri khas banyak potret masa ini. Tapi mimpinya yang penuh perhatian - kami merasakannya - sangat individual, dan sekali lagi dia sendiri tampak akrab bagi kita sejak lama, bahkan hampir sayang, seperti pahat vital sang pematung, dengan kerja canggih, mengekstraksi fitur-fiturnya yang mempesona dan spiritual dari marmer putih. dengan warna kebiruan yang lembut.

Dan inilah kaisarnya lagi, tapi seorang kaisar istimewa: Philip si Arab, yang muncul di puncak krisis abad ke-3. - "lompatan kekaisaran" yang berdarah - dari jajaran legiun provinsi. Ini adalah potret resminya. Keseriusan gambaran keprajuritan menjadi lebih signifikan: pada saat itulah, secara umum, tentara menjadi benteng kekuasaan kekaisaran.

Alis berkerut. Pandangan yang mengancam dan waspada. Hidung berat dan berdaging. Kerutan dalam di pipi, membentuk segitiga dengan garis horizontal tajam pada bibir tebal. Leher yang kuat, dan di bagian dada terdapat lipatan toga yang melintang lebar, yang akhirnya membuat seluruh patung marmer benar-benar besar, kekuatan singkat, dan integritas granit.

Inilah yang ditulis Waldhauer tentang potret indah ini, yang juga disimpan di Hermitage kami: “Tekniknya disederhanakan hingga ekstrem... Fitur wajah dikembangkan dengan garis-garis yang dalam dan hampir kasar dengan penolakan total terhadap pemodelan permukaan yang detail. Kepribadian, dengan demikian, dicirikan tanpa ampun, menonjolkan ciri-ciri yang paling penting.”

Sebuah gaya baru, cara baru untuk mencapai ekspresi yang monumental. Bukankah ini pengaruh dari apa yang disebut sebagai pinggiran kekaisaran yang barbar, yang semakin merambah ke provinsi-provinsi yang menjadi saingan Roma?

Dalam gaya umum patung Philip the Arab, Waldhauer mengenali fitur-fitur yang akan dikembangkan sepenuhnya dalam potret pahatan abad pertengahan katedral Prancis dan Jerman.

Roma kuno menjadi terkenal karena prestasi dan pencapaiannya yang mengejutkan dunia, namun kemundurannya sangat suram dan menyakitkan.

Seluruh era sejarah telah berakhir. Sistem yang ketinggalan jaman harus digantikan dengan sistem baru yang lebih maju; masyarakat budak - merosot menjadi masyarakat feodal.

Pada tahun 313, agama Kristen yang telah lama dianiaya, diakui sebagai agama negara di Kekaisaran Romawi, yang pada akhir abad ke-4. menjadi dominan di seluruh Kekaisaran Romawi.

Kekristenan, dengan ajarannya tentang kerendahan hati, asketisme, dengan mimpinya tentang surga bukan di bumi, tetapi di surga, menciptakan mitologi baru, yang para pahlawannya, para penganut agama baru, yang menerima mahkota kemartiran untuk itu, mengambil tempat yang dulunya milik para dewa dan dewi yang mempersonifikasikan prinsip yang meneguhkan kehidupan, cinta duniawi, dan kegembiraan duniawi. Ini menyebar secara bertahap, dan oleh karena itu, bahkan sebelum kemenangannya yang disahkan, ajaran Kristen dan sentimen sosial yang mempersiapkannya secara radikal merusak cita-cita keindahan yang pernah bersinar terang di Acropolis Athena dan yang diterima dan disetujui oleh Roma di seluruh dunia. di bawah kendalinya.

Gereja Kristen mencoba untuk mewujudkan keyakinan agama yang tak tergoyahkan dalam bentuk konkretnya, sebuah pandangan dunia baru di mana Timur, dengan ketakutannya akan kekuatan alam yang belum terpecahkan, perjuangan abadi melawan Binatang, mendapat tanggapan di antara mereka yang kurang beruntung di seluruh dunia kuno. Dan meskipun elit penguasa dunia ini berharap untuk menyatukan kekuatan Romawi yang sudah tua dengan agama universal yang baru, pandangan dunia, yang lahir dari perlunya transformasi sosial, merusak kesatuan kekaisaran bersama dengan budaya kuno yang menjadi asal muasal kenegaraan Romawi.

Senja dunia kuno, senja seni kuno yang agung. Di seluruh kekaisaran, menurut kanon lama, istana megah, forum, pemandian, dan gapura kemenangan masih dibangun, tetapi ini hanyalah pengulangan dari apa yang dicapai pada abad-abad sebelumnya.

Kepala kolosal - sekitar satu setengah meter - dari patung Kaisar Konstantinus, yang pada tahun 330 memindahkan ibu kota kekaisaran ke Bizantium, yang menjadi Konstantinopel - "Roma Kedua" (Roma, Palazzo Konservatif). Wajahnya dibangun dengan benar, harmonis, menurut model Yunani. Tetapi hal utama dalam wajah ini adalah matanya: sepertinya jika Anda menutupnya, tidak akan ada wajah itu sendiri... Apa yang ada dalam potret Fayum atau potret Pompeian seorang wanita muda memberikan ekspresi yang terinspirasi pada gambar itu, berikut adalah diambil secara ekstrim, melelahkan seluruh gambar. Keseimbangan kuno antara roh dan tubuh jelas-jelas dilanggar demi kepentingan tubuh. Bukan wajah manusia yang hidup, melainkan simbol. Simbol kekuatan, tercetak dalam tatapan, kekuatan yang menundukkan segala sesuatu yang duniawi, tanpa ekspresi, pantang menyerah, dan sangat tinggi. Tidak, meskipun gambar kaisar tetap mempertahankan fitur potret, itu bukan lagi patung potret.

Lengkungan kemenangan Kaisar Konstantin di Roma sangat mengesankan. Komposisi arsitekturalnya dijaga ketat dalam gaya Romawi klasik. Namun dalam narasi relief yang mengagungkan kaisar, gaya ini menghilang nyaris tanpa bekas. Reliefnya sangat rendah sehingga sosok-sosok kecil itu tampak datar, tidak terpahat, melainkan tergores. Mereka berbaris secara monoton, saling menempel. Kami memandang mereka dengan takjub: ini adalah dunia yang sama sekali berbeda dari dunia Hellas dan Roma. Tidak ada kebangunan rohani - dan frontalitas yang tampaknya selalu diatasi selamanya dibangkitkan!

Patung porfiri dari rekan penguasa kekaisaran - raja wilayah yang memerintah pada waktu itu di bagian terpisah kerajaan. Kelompok patung ini menandai akhir dan awal.

Akhir - karena dengan tegas diakhiri dengan cita-cita keindahan Hellenic, kebulatan bentuk yang halus, keselarasan sosok manusia, keanggunan komposisi, kelembutan pemodelan. Kekasaran dan kesederhanaan yang diberikan ekspresi khusus potret Pertapaan Philip si Arab, di sini seolah-olah menjadi tujuan tersendiri. Hampir berbentuk kubik, kepala diukir dengan kasar. Bahkan tidak ada sedikit pun potret, seolah-olah individualitas manusia sudah tidak layak lagi untuk digambarkan.

Pada tahun 395 Kekaisaran Romawi terpecah menjadi Barat - Latin dan Timur - Yunani. Pada tahun 476, Kekaisaran Romawi Barat jatuh di bawah serangan Jerman. Era sejarah baru yang disebut Abad Pertengahan telah tiba.

Halaman baru telah terbuka dalam sejarah seni rupa.

REFERENSI

1. Britova N. N. Potret patung Romawi: Esai. – M., 1985
2. Brunov N.I. Monumen Akropolis Athena. – M., 1973
3. Dmitrieva N.A. Sejarah singkat seni – M., 1985
4. Lyubimov L.D. Seni Dunia Kuno. – M., 2002
5. Chubova A.P. Master kuno: Pematung dan pelukis. – L., 1986

Hari ini saya ingin mengangkat topik yang, berdasarkan pengalaman, terkadang menimbulkan reaksi yang sulit dan jauh dari ambigu - berbicara tentang patung kuno, dan lebih khusus lagi, tentang penggambaran tubuh manusia di dalamnya.

Upaya mengenalkan anak pada patung kuno Kadang-kadang mereka menghadapi kesulitan yang tidak terduga ketika orang tua tidak berani memperlihatkan patung telanjang kepada anak-anak mereka, mengingat gambar-gambar tersebut hampir bersifat pornografi. Saya tidak bermaksud mengklaim universalitas metode ini, tetapi di masa kanak-kanak saya, masalah seperti itu bahkan tidak muncul, karena - berkat ibu saya yang bijak - edisi legenda dan mitos Yunani Kuno yang sangat bagus oleh Kuna, banyak diilustrasikan dengan foto karya para empu kuno, muncul dalam hidup saya ketika saya berumur lima atau enam tahun, jauh sebelum gadis itu mulai tertarik pada segala macam isu spesifik gender.

Jadi perjuangan para Olympian dengan para Titan dan eksploitasi Hercules menetap di kepala saya di suatu tempat di rak yang sama dengan Ratu Salju dan angsa liar dan dikenang tidak hanya sebagai cerita yang aneh, tetapi segera memperoleh perwujudan visual dan diikat - mungkin tidak secara sadar pada saat itu - pada pose, gerak tubuh, wajah tertentu - plastisitas dan ekspresi wajah manusia. Pada saat yang sama, ibu saya segera menemukan jawaban yang sederhana dan dapat dimengerti atas semua pertanyaan anak-anak - bahwa, pertama, di Yunani Kuno panas, dan kedua, patung-patung itu bukan manusia dan sekarang tidak dingin sama sekali.

Mengenai pertanyaan orang dewasa, kita harus ingat bahwa gagasan pembagian manusia menjadi jiwa dan tubuh, yang dalam antropologi Kristen pada akhirnya mengarah pada gagasan subordinasi tubuh terhadap jiwa (dan bahkan kemudian, di beberapa cabang Protestan, bahkan - sampai pada tabu yang ketat terhadap fisik), pertama kali dirumuskan dengan jelas, mungkin hanya oleh Plato. Dan sebelum itu, orang-orang Yunani, setidaknya selama beberapa abad, mencapai gagasan bahwa jiwa bukan hanya roh, nafas, tetapi sesuatu yang bersifat pribadi dan, bisa dikatakan, “diam”, secara bertahap berpindah dari konsep θυμός ke konsep konsep ψυχή. Jadi, terutama sejak para dewa menjadi antropomorfik, para empu Yunani tidak punya cara lain untuk menceritakan berbagai aspek kehidupan selain dengan menggambarkan tubuh manusia.

Jadi, sebagian besar seni pahat Yunani adalah ilustrasi mitos, yang pada zaman dahulu tidak hanya sekedar “dongeng tentang para dewa”, tetapi juga sebagai sarana penyampaian. informasi penting tentang struktur dunia, prinsip-prinsip kehidupan, apa yang boleh dan tidak boleh dilakukan. Artinya, “ilustrasi 3D” seperti itu jauh lebih penting bagi orang-orang zaman dahulu daripada bagi saya sebagai seorang anak. Namun, mungkin, jauh lebih penting daripada memahami mitos, bagi kita ada kesempatan lain yang diberikan patung Yunani kepada penciptanya - untuk mempelajari dan mengenal manusia itu sendiri. Dan jika karakter utama seni primitif adalah berbagai binatang, maka sejak zaman Paleolitikum dan sepanjang zaman kuno, manusia pasti menjadi seperti itu.

Semua upaya para seniman dalam periode yang agak panjang ini pertama-tama ditujukan untuk menangkap dan menyampaikan ciri-ciri anatomi paling umum dari struktur tubuh manusia, dan kemudian manifestasi dinamisnya yang lebih kompleks - gerakan, gerak tubuh, ekspresi wajah. Dengan demikian, seni Eropa memulai perjalanan panjangnya dari “Venus Paleolitik” yang kasar dan hanya samar-samar mirip manusia hingga karya Myron, yang sempurna dalam proporsinya, dan lebih jauh lagi; sebuah jalan yang secara konvensional dapat disebut jalan menuju seseorang - pertama menuju tubuhnya, dan kemudian menuju jiwanya - namun, masih dalam arti kata psikologis. Mari kita juga melalui beberapa tahapannya.

Venus Paleolitik. Sekitar 30 ribu tahun yang lalu

Gambar humanoid pertama di Eropa, sebagaimana disebutkan di atas, adalah “ Venus paleolitikum“—Patung kecil yang terbuat dari gading mamut atau batu lunak. Ciri-ciri gambar mereka - hampir tidak adanya lengan, dan kadang-kadang bahkan kaki dan kepala, bagian tengah tubuh yang mengalami hipertrofi - menunjukkan bahwa apa yang kita lihat, kemungkinan besar, bukanlah gambaran lengkap dari tubuh manusia, tetapi hanya upaya untuk menyampaikan salah satu fungsinya - melahirkan anak. Hubungan “Venus” dengan kultus kesuburan dikemukakan oleh sebagian besar peneliti; kita hanya membutuhkannya sebagai titik awal perjalanan kita.

Perhentian berikutnya adalah kouros dan kors (secara harfiah berarti laki-laki dan perempuan) - gambar manusia yang diukir di kebijakan kota kuno pada abad ke 7-6 SM.

Kouros, senyum kuno. Kouros dan kora

Seperti yang bisa kita lihat, patung-patung seperti itu, yang digunakan, misalnya, sebagai monumen bagi para atlet terkenal, menyampaikan penampakan tubuh manusia dengan lebih detail, namun patung-patung itu juga merupakan semacam “skema seseorang”. Jadi, misalnya, semua kouro yang banyak, untuk beberapa alasan yang tidak dapat dijelaskan, berdiri dalam posisi yang sama - dengan tangan ditekan ke tubuh, kaki kiri diluruskan ke depan; kecurigaan terbaru terhadap potret akhirnya hilang ketika melihat wajah mereka - dengan ekspresi absen yang sama dan bibir terentang menjadi menakutkan - yang disebut. kuno - senyuman.

Perhentian berikutnya. abad V SM, Yunani kuno. Patung Myron dan Polykleitos, memukau penonton dengan kesempurnaan proporsinya.

Miron. Pelempar cakram 455 SM, Polykleitos. Doryphoros (penombak) (450-440 SM) dan Amazon yang Terluka (430 SM)

Sungguh, Anda bertanya, apakah ini sebuah skema lagi? Dan bayangkan saja, jawabannya adalah ya. Kami memiliki setidaknya dua bukti mengenai hal ini. Pertama, pecahan dari apa yang disebut telah mencapai zaman kita. "Kanon Polikleitos". Dalam risalah matematika ini, pematung yang merupakan pengikut gerakan Pythagoras ini mencoba menghitung proporsi ideal tubuh laki-laki. Rupanya, patung tersebut kemudian menjadi ilustrasi perhitungan tersebut. Dan bukti kedua adalah... literatur Yunani yang luas pada masa itu. Dari situ kita dapat memperoleh, misalnya, baris-baris berikut dari Sappho:

Dia yang cantik itu baik.

Dan orang yang baik hati akan segera menjadi cantik.

Terlebih lagi, di antara semua pahlawan Iliad karya Homer, hanya Thersites yang “berbicara iseng” yang menolak untuk ikut serta dalam perang tanpa akhir yang di dalamnya para dewa mendorong para pahlawan. Penulis tidak menyesal cat hitam untuk karakter yang membuat marah tentara dengan pidatonya dan membenci semua orang; tetapi bukan kebetulan bahwa Thersites berubah menjadi monster yang mengerikan atas kehendak penulisnya:

Orang yang paling jelek, dia datang ke Ilion di antara suku Danae;
Dia juling dan timpang; benar-benar bungkuk dari belakang
Bahu bertemu di dada; kepalanya terangkat
Menunjuk ke atas, dan hanya sedikit berserakan bulu halus.

Jadi, kita dapat mengatakan bahwa orang Yunani pada zaman kuno adalah pendukung gagasan bahwa kecantikan luar adalah manifestasi yang sangat diperlukan dari keindahan dan harmoni batin, dan, oleh karena itu, dengan cermat menghitung parameter tubuh manusia ideal, mereka mencoba menggambarkan, tidak kurang, jiwa yang sempurna, begitu sempurna hingga dia tampak tak bernyawa.

Memang, jawablah saya satu pertanyaan sederhana saja: ke manakah piringan yang dilempar oleh pelempar cakram selanjutnya akan terbang? Semakin lama anda memandang patung tersebut maka semakin jelas anda memahami bahwa piringan tersebut tidak akan dilempar kemana-mana, karena posisi tangan atlet yang ditarik sama sekali tidak menyiratkan adanya ayunan untuk melempar, otot-otot dadanya tidak menunjukkan adanya. ketegangan khusus, wajahnya benar-benar tenang; terlebih lagi, posisi kaki yang digambarkan tidak memungkinkan seseorang untuk melakukan tidak hanya hal yang diperlukan untuk melakukan lompatan dengan putaran, tetapi bahkan - satu langkah sederhana. Artinya, ternyata pelempar cakram, meskipun posenya tampak rumit, benar-benar statis, sempurna, mati. Seperti Amazon yang terluka, dalam penderitaannya, dengan anggun bersandar pada ibu kota yang muncul di dekatnya pada saat yang tepat.

Akhirnya, abad IV. SM memperkenalkan suasana baru ke dalam patung Yunani. Pada saat ini, negara-kota Yunani sedang mengalami kemunduran - kita dapat berasumsi bahwa alam semesta kecil manusia purba secara bertahap mengakhiri keberadaannya. Filsafat Yunani dengan tegas beralih ke pencarian landasan baru kebahagiaan manusia, menawarkan pilihan Sinisme Antisthenes atau hedonisme Aristippus; dengan satu atau lain cara, mulai sekarang seseorang harus menghadapi sendiri masalah makna terdalam hidupnya. Karakter individu manusia yang sama muncul ke permukaan dalam seni pahat, di mana ekspresi wajah yang bermakna dan gerakan nyata muncul untuk pertama kalinya.

Lysippos Resting Hermes abad ke-4 SM, Maenad dari Skopas, abad ke-4. SM, Artemis dari Gabii 345 SM

Rasa sakit dan ketegangan terekspresikan dalam pose Maenad of Skopas, dan wajahnya menghadap ke langit dengan mata terbuka lebar. Tenggelam dalam pikiran, dengan sikap anggun dan akrab, Artemis dari Gabius Praxiteles mengikatkan fibula di bahunya. Hermes Lysippos yang sedang beristirahat juga jelas sedang berpikir keras, dan proporsi tubuhnya yang terlalu memanjang dan sepenuhnya non-klasik membuat sosoknya ringan, memberikan dinamika tertentu bahkan pada pose yang hampir statis ini. Tampaknya masih sedikit lagi, dan pemuda itu akan membuat beberapa keputusan penting dan melanjutkan perjalanan. Jadi, untuk pertama kalinya, jiwa mulai muncul melalui garis besar tubuh marmer dan perunggu yang indah.

Ngomong-ngomong, sebagian besar patung yang kami periksa hari ini telanjang. Tapi apakah ada yang memperhatikan ini?

Saat menerbitkan ulang materi dari situs Matrony.ru, diperlukan tautan aktif langsung ke teks sumber materi.

Karena kamu di sini...

...kami punya permintaan kecil. Portal Matrona aktif berkembang, audiens kami bertambah, tetapi kami tidak memiliki cukup dana untuk kantor editorial. Banyak topik yang ingin kami angkat dan menarik bagi Anda, pembaca kami, tetap terungkap karena keterbatasan keuangan.

Tidak seperti kebanyakan media, kami sengaja tidak berlangganan berbayar, karena kami ingin materi kami tersedia untuk semua orang.

Tetapi. Matron adalah artikel harian, kolom dan wawancara, terjemahan artikel berbahasa Inggris terbaik tentang keluarga dan pendidikan, editor, hosting dan server. Jadi Anda dapat memahami mengapa kami meminta bantuan Anda.

Misalnya, 50 rubel sebulan - banyak atau sedikit? Secangkir kopi?

Tidak banyak untuk anggaran keluarga. Untuk Matron - banyak.

Jika setiap orang yang membaca Matrona mendukung kami dengan 50 rubel sebulan, mereka akan memberikan kontribusi besar terhadap pengembangan publikasi dan munculnya materi baru yang relevan dan menarik tentang kehidupan seorang wanita di dunia modern, keluarga, membesarkan anak, realisasi diri kreatif dan makna spiritual.

7 rangkaian komentar

5 Balasan rangkaian pesan

0 Pengikut

Komentar yang paling banyak bereaksi Rangkaian komentar terpanas baru

0 tua

tua 0 tua

tua 0 tua

populer

Myron, yang hidup pada pertengahan abad ke-5. SM e, kita ketahui dari gambar dan salinan Romawi. Master brilian ini menguasai plastisitas dan anatomi dengan sangat baik, dan dengan jelas menyampaikan kebebasan bergerak dalam karya-karyanya (“Discobolus”). Karyanya “Athena dan Marsyas” juga dikenal, yang dibuat berdasarkan mitos tentang dua karakter tersebut. Menurut legenda, Athena menemukan seruling, tetapi saat memainkannya dia menyadari betapa buruknya ekspresi wajahnya berubah; karena marah dia melemparkan instrumen itu dan mengutuk semua orang yang memainkannya. Dia diawasi sepanjang waktu oleh dewa hutan Marsyas, yang takut akan kutukan. Sang pematung mencoba menampilkan pergulatan dua hal yang berlawanan: ketenangan di hadapan Athena dan kebiadaban di hadapan Marsyas. Penikmat seni modern masih mengagumi karya dan patung hewannya. Misalnya, sekitar 20 epigram pada patung perunggu dari Athena telah bertahan.

Polykleitos, yang bekerja di Argos, pada paruh kedua abad ke-5. SM e, adalah perwakilan terkemuka dari aliran Peloponnesia. Patung periode klasik kaya akan karya agungnya. Dia adalah ahli patung perunggu dan ahli teori seni yang hebat. Polykleitos lebih suka menggambarkan atlet yang mana orang biasa selalu melihat yang ideal. Di antara karyanya adalah patung terkenal "Doryphoros" dan "Diadumen". Pekerjaan pertama adalah seorang pejuang yang kuat dengan tombak, perwujudan dari martabat yang tenang. Yang kedua adalah seorang pemuda kurus dengan perban pemenang kompetisi di kepalanya.

Phidias adalah perwakilan terkemuka lainnya dari pencipta patung. Namanya bergema cemerlang pada masa kejayaan seni klasik Yunani. Patungnya yang paling terkenal adalah patung kolosal Athena Parthenos dan Zeus di Kuil Olimpiade yang terbuat dari kayu, emas dan gading, serta Athena Promachos, terbuat dari perunggu dan terletak di alun-alun Acropolis Athena. Karya seni ini telah hilang dan tidak dapat diperbaiki lagi. Hanya deskripsi dan salinan kecil Romawi yang memberi kita gambaran samar tentang kemegahan patung monumental ini.

Athena Parthenos, patung mencolok dari zaman klasik, dibangun di Kuil Parthenon. Basisnya terbuat dari kayu setinggi 12 meter, tubuh dewi dilapisi dengan pelat gading, dan pakaian serta senjatanya sendiri terbuat dari emas. Perkiraan berat patung itu adalah dua ribu kilogram. Anehnya, kepingan emas tersebut dikeluarkan dan ditimbang kembali setiap empat tahun, karena merupakan dana emas negara. Phidias menghiasi perisai dan alasnya dengan relief yang menggambarkan dirinya dan Pericles dalam pertempuran dengan Amazon. Untuk ini dia dituduh melakukan penistaan ​​dan dikirim ke penjara, di mana dia meninggal.

Patung Zeus adalah mahakarya patung lainnya dari zaman klasik. Tingginya empat belas meter. Patung itu menggambarkan dewa tertinggi Yunani yang duduk dengan dewi Nike di tangannya. Patung Zeus, menurut banyak sejarawan seni, adalah ciptaan Phidias yang terbesar. Itu dibangun menggunakan teknik yang sama seperti saat membuat patung Athena Parthenos. Sosok itu terbuat dari kayu, digambarkan telanjang sampai pinggang dan dilapisi pelat gading, serta pakaiannya dilapisi lembaran emas. Zeus duduk di singgasana dan di tangan kanannya ia memegang sosok dewi kemenangan Nike, dan di tangan kirinya terdapat sebuah tongkat yang merupakan lambang kekuasaan. Orang Yunani kuno menganggap patung Zeus sebagai keajaiban dunia lainnya.

Athena Promachos (sekitar 460 SM), patung perunggu Yunani kuno setinggi 9 meter, dibangun tepat di antara reruntuhan setelah Persia menghancurkan Acropolis. Phidias “melahirkan” Athena yang sama sekali berbeda - dalam bentuk seorang pejuang, pelindung kotanya yang penting dan ketat. Dia memiliki tombak yang kuat di tangan kanannya, perisai di tangan kirinya, dan helm di kepalanya. Athena dalam gambar ini mewakili kekuatan militer Athena. Patung Yunani kuno ini tampaknya menguasai kota, dan setiap orang yang melakukan perjalanan melalui laut di sepanjang pantai dapat melihat bagian atas tombak dan puncak helm patung yang berkilauan di bawah sinar matahari, ditutupi dengan emas. Selain patung Zeus dan Athena, Phidias membuat gambar perunggu dewa lain menggunakan teknik chrysoelephantine, dan mengikuti kompetisi memahat. Dia juga pemimpin pekerjaan konstruksi besar, misalnya pembangunan Acropolis.

Patung Yunani kuno mencerminkan keindahan fisik dan batin serta keharmonisan manusia. Sudah pada abad ke-4, setelah penaklukan Alexander Agung di Yunani, nama-nama baru pematung berbakat seperti Scopas, Praxiteles, Lysippos, Timothy, Leochares dan lain-lain mulai dikenal. Para pencipta zaman ini mulai lebih memperhatikan keadaan batin manusia, miliknya keadaan psikologis dan emosi. Semakin banyak pematung yang menerima pesanan individu dari warga kaya, di mana mereka meminta untuk menggambarkan tokoh terkenal.

Pematung terkenal pada masa klasik adalah Scopas, yang hidup pada pertengahan abad ke-4 SM. Dia berinovasi dengan mengungkapkan dunia batin seseorang, mencoba menggambarkan dalam patung emosi kegembiraan, ketakutan, kebahagiaan. Ini orang yang berbakat bekerja di banyak kota Yunani. Patung-patungnya pada periode klasik kaya akan gambar dewa dan berbagai pahlawan, komposisi dan relief bertema mitologi. Ia tidak takut bereksperimen dan menggambarkan orang dalam berbagai pose kompleks, mencari kemungkinan artistik baru untuk menggambarkan perasaan baru di wajah manusia (gairah, amarah, amarah, ketakutan, kesedihan). Ciptaan patung bundar yang luar biasa adalah patung Maenad; salinan Romawinya kini telah dilestarikan. Sebuah karya bantuan baru dan beragam bisa disebut Amazonomachy, yang menghiasi mausoleum Halicarnassus di Asia Kecil.

Praxiteles adalah seorang pematung terkemuka pada periode klasik yang tinggal di Athena sekitar tahun 350 SM. Sayangnya, hanya patung Hermes dari Olympia yang sampai kepada kita, dan kita mengetahui karya lainnya hanya dari salinan Romawi. Praxiteles, seperti Scopas, mencoba menyampaikan perasaan orang lain, tetapi dia lebih suka mengungkapkan emosi yang “lebih ringan” dan menyenangkan bagi orang tersebut. Dia mentransfer emosi liris, mimpi ke dalam patung, dan mengagungkan keindahan tubuh manusia. Pematung tidak membentuk sosok yang sedang bergerak. Di antara karyanya, perlu diperhatikan "The Resting Satyr", "Aphrodite of Cnidus", "Hermes with the Child Dionysus", "Apollo Killing the Lizard".

Karya yang paling terkenal adalah patung Aphrodite dari Knidos. Dibuat atas pesanan warga Pulau Kos sebanyak dua rangkap. Yang pertama berpakaian, dan yang kedua telanjang. Penduduk Kos lebih menyukai pakaian Aphrodite, dan orang Cnidian memperoleh salinan kedua. Patung Aphrodite di tempat suci Knidos tetap menjadi tempat ziarah sejak lama. Scopas dan Praxiteles adalah orang pertama yang berani menggambarkan Aphrodite telanjang. Dewi Aphrodite dalam gambarnya sangat manusiawi, dia bersiap untuk berenang. Dia adalah perwakilan yang sangat baik dari patung Yunani kuno. Patung dewi menjadi model bagi banyak pematung selama lebih dari setengah abad.

Patung "Hermes dengan Anak Dionysus" (di mana ia menghibur anak dengan selentingan) adalah satu-satunya patung asli. Rambutnya berwarna merah kecokelatan, jubahnya berwarna biru cerah, seperti milik Aphrodite, menonjolkan putihnya tubuh marmer. Seperti karya Phidias, karya Praxiteles ditempatkan di kuil dan tempat suci terbuka serta bersifat pemujaan. Namun karya Praxiteles tidak melambangkan kekuatan dan kekuasaan kota sebelumnya serta keberanian penduduknya. Scopas dan Praxiteles sangat mempengaruhi orang-orang sezamannya. Gaya realistis mereka telah digunakan oleh banyak seniman dan sekolah selama berabad-abad.

Lysippos (paruh kedua abad ke-4 SM) adalah salah satu pematung terhebat pada periode klasik. Dia lebih suka bekerja dengan perunggu. Hanya salinan Romawi yang memberi kita kesempatan untuk mengenal karyanya. Karya terkenalnya antara lain Hercules with a Hind, Apoxyomenos, Hermes Resting, dan The Wrestler. Lysippos melakukan perubahan proporsi, ia menggambarkan kepala yang lebih kecil, tubuh yang lebih kering, dan kaki yang lebih panjang. Semua karyanya bersifat individual, dan potret Alexander Agung juga bersifat manusiawi.

Biasanya patung-patung pada masa itu diukir dari batu kapur atau batu, kemudian ditutup dengan cat dan dihias dengan batu-batu berharga yang indah, unsur emas, perunggu atau perak. Jika patungnya kecil, maka terbuat dari terakota, kayu atau perunggu.

Patung Yunani Kuno pada abad-abad pertama keberadaannya mengalami pengaruh yang cukup serius dari seni rupa Mesir. Hampir semua karya patung Yunani kuno menggambarkan pria setengah telanjang dengan tangan terkulai. Setelah beberapa waktu, patung-patung Yunani mulai bereksperimen sedikit dengan pakaian, pose, dan mulai memberikan ciri-ciri tersendiri pada wajah mereka.

Selama periode klasik, seni pahat mencapai puncaknya. Para master telah belajar tidak hanya memberikan pose alami pada patung, tetapi bahkan menggambarkan emosi yang seharusnya dialami seseorang. Itu bisa berupa perhatian, keterpisahan, kegembiraan atau kekerasan, serta kesenangan.

Selama periode ini, penggambaran menjadi mode pahlawan mitos dan dewa, serta orang-orang nyata yang memegang posisi bertanggung jawab - negarawan, jenderal, ilmuwan, atlet, atau sekadar orang kaya yang ingin mengabadikan diri mereka selama berabad-abad.

Banyak perhatian pada waktu itu diberikan pada tubuh telanjang, karena konsep baik dan jahat yang ada pada waktu itu dan di daerah itu memaknai kecantikan luar sebagai cerminan kesempurnaan spiritual seseorang.

Perkembangan seni patung pada umumnya ditentukan oleh kebutuhan, serta tuntutan estetika masyarakat yang ada pada saat itu. Lihat saja patung-patung pada masa itu dan Anda akan memahami betapa penuh warna dan semarak seni pada masa itu.

Pematung hebat Myron menciptakan sebuah patung yang mempunyai pengaruh besar terhadap perkembangan seni rupa. Ini adalah patung Pelempar Cakram yang terkenal - pelempar cakram. Laki-laki itu tertangkap pada saat tangannya terlempar sedikit ke belakang, terdapat sebuah piringan berat di dalamnya, yang siap ia lempar ke kejauhan.

Pematung mampu menangkap atlet pada momen klimaks, yang menandakan momen berikutnya, ketika proyektil melesat tinggi ke udara dan atlet berdiri tegak. Dalam patung ini, Myron menguasai gerakan.

Populer di lain waktu menguasai – Polikleitos, yang keseimbangan yang ditetapkan sosok manusia dengan kecepatan lambat dan istirahat. Pematung berusaha untuk menemukan yang sempurna proporsi yang benar, di mana tubuh manusia dapat dibangun saat membuat patung. Pada akhirnya, terciptalah sebuah citra yang menjadi norma tertentu dan terlebih lagi menjadi teladan untuk ditiru.

Dalam proses penciptaan karyanya, Polycletus secara matematis menghitung parameter seluruh bagian tubuh, serta hubungannya satu sama lain. Satuannya adalah tinggi badan manusia, dimana kepala sepertujuh, tangan dan wajah sepersepuluh, dan kaki seperenam.

Polykleitos mewujudkan cita-citanya sebagai seorang atlet dalam patung seorang pemuda dengan tombak. Gambar tersebut dengan sangat harmonis memadukan kecantikan fisik yang ideal, serta spiritualitas. Pematung dengan sangat jelas mengungkapkan dalam komposisi ini cita-cita zaman itu - kepribadian yang sehat, beragam, dan holistik.

Patung Athena setinggi dua belas meter diciptakan oleh Phidias. Selain itu, ia menciptakan patung kolosal dewa Zeus untuk kuil yang terletak di Olympia.

Seni master Skopas menghembuskan dorongan dan semangat, perjuangan dan kegelisahan, serta peristiwa yang mendalam. Karya seni terbaik pematung ini adalah patung Maenad. Pada saat yang sama, Praxiteles berkarya, yang dalam ciptaannya menyanyikan kegembiraan hidup, serta keindahan sensual tubuh manusia.

Lissip menciptakan sekitar 1.500 patung perunggu, di antaranya hanyalah gambar dewa yang sangat besar. Selain itu, ada kelompok yang menampilkan seluruh jerih payah Hercules. Selain gambar-gambar mitologis, patung-patung sang empu juga menggambarkan peristiwa-peristiwa pada masa itu, yang kemudian tercatat dalam sejarah.

Arsitektur dan patung Yunani Kuno

Kota-kota di dunia kuno pada masa itu, pada umumnya, muncul di dekat batu, hal ini juga berlaku untuk kota Athena yang terkenal. Sebuah benteng dibangun di atas batu sehingga ada tempat untuk bersembunyi ketika musuh menyerang; bangunan itu juga disebut akropolis. Batuan tersebut menjulang sekitar 150 meter di atas Athena dan juga berfungsi sebagai struktur pertahanan alami. Dengan demikian, seiring berjalannya waktu, kota atas mulai terbentuk, tampak seperti benteng dengan berbagai bangunan pertahanan, keagamaan, dan umum.

Acropolis dapat diklasifikasikan sebagai salah satu tempat yang oleh semua orang disebut unik dan megah.

Ukurannya tidak besar; hanya dalam beberapa menit Anda dapat berjalan keliling kota dari satu ujung ke ujung lainnya. Tembok kota terjal dan sangat curam. Ada empat kreasi utama yang terletak di tempat indah ini.

Pertama-tama, ini adalah jalan yang berbentuk zigzag, yang mengarah dari kaki candi ke satu-satunya pintu masuknya, inilah Propylaea yang monumental - daya tarik kedua kota ini. Namun sebelum melewati gerbang tersebut, Anda bisa berbelok ke kanan, karena di tempat ini menjulang kuil dewi kemenangan Nike yang dicat dengan kolom.

Ini adalah bangunan ringan, luar biasa indah dan lapang, yang menonjol dengan latar belakang langit biru dengan warna putihnya. Dewi pada masa itu digambarkan sebagai seorang wanita cantik yang mempunyai sayap besar, yang melambangkan bahwa kemenangan sebagai sebuah fenomena tidaklah konstan, ia terbang dari satu objek ke objek lainnya. Namun orang Athena menggambarkan Nike tanpa sayap sehingga dia tidak akan pernah bisa meninggalkan kota.

Tepat di luar Propylaea adalah Athena sang Prajurit, yang menyapa para pelancong dengan tombaknya, yang berfungsi sebagai mercusuar bagi para pelaut. Di Acropolis juga terdapat ansambel candi yang disebut Erechtheion, yang dirancang sebagai beberapa tempat suci yang terhubung, yang terletak pada tingkat yang berbeda, karena batunya tidak mulus.

Serambi utara ansambel kuil mengarah ke tempat suci Athena, tempat disimpannya patung dewi yang terbuat dari kayu. Pintu dari tempat suci ini mengarah langsung ke halaman kecil tempat tumbuhnya pohon suci, yang muncul setelah Athena menyentuh batu dengan pedangnya di tempat ini.

Melalui serambi yang terletak di sisi timur, seseorang dapat masuk ke tempat suci Poseidon; ia juga menghantam batu dengan pedangnya dan meninggalkan tiga aliran sungai. Acropolis diberikan sebagai contoh sebagai perpaduan seni pahat dan arsitektur pada masa itu. Namun ada juga ciri-ciri seni dan budaya yang lebih umum pada masa itu, lebih lanjut di bawah ini.

Fitur arsitektur Yunani Kuno

Arsitektur Yunani kuno dibedakan oleh kesesuaian bentuknya yang lengkap, serta landasan konstruktifnya, yang merupakan satu kesatuan. Elemen struktural utama adalah balok-balok batu yang berfungsi sebagai dasar dinding. Detail seperti kolom diolah dengan berbagai profil, dilengkapi dengan detail dekoratif dan diperkaya dengan pahatan.

Para master Yunani kuno menyempurnakan dan menyempurnakan karya mereka. Meski berukuran sangat besar, bangunan-bangunan tersebut dapat disebut sebagai karya seni nyata, termasuk perhiasan. Hal ini didasarkan pada kenyataan bahwa tidak ada hal sekunder bagi para empu ketika bekerja.

Arsitektur Yunani Kuno sangat erat kaitannya dengan filsafat pada masa itu, karena didasarkan pada gagasan-gagasan tertentu tentang keindahan dan kekuatan manusia, yang berada dalam kesatuan yang utuh, serta keseimbangan yang harmonis dengan lingkungan alam dan sosial. Pasalnya di Yunani saat itu terjadi perkembangan yang pesat kehidupan sosial, maka seni, khususnya arsitektur, memiliki karakter sosial yang menonjol seperti ini.

Arsitektur berkembang dalam dua aliran gaya - Ionik dan Dorik. Gaya terakhir adalah yang paling sederhana, ditandai dengan bentuk-bentuk singkat. Ciri pembeda utamanya adalah kesederhanaan dan gaya. Gaya Ionic jauh lebih kompleks karena memiliki lebih banyak detail. Ciri-ciri yang paling penting termasuk proporsi yang ringan, dekorasi yang relatif, keanggunan dan diferensiasi bentuk.

Gaya ini atau itu paling jelas diekspresikan di kuil-kuil. Biasanya, kuil-kuil Mesir kuno dibedakan dari ukurannya yang kecil dan sepadan dengan manusianya. Semua kebaktian diadakan secara ketat di luar tembok kuil, karena kuil itu dianggap secara eksklusif sebagai rumah para dewa. Biasanya bentuk candi adalah persegi panjang, dikelilingi sepanjang perimeternya oleh kolom dan atap pelana. Pintu masuknya biasanya dihiasi dengan pedimen berbentuk segitiga. Di tengah aula candi terdapat patung dewa yang dipersembahkan oleh tempat suci ini atau itu. Ada tiga gaya utama struktur tersebut.

Yang paling sederhana adalah distilat, yang terdiri dari tempat suci berbentuk persegi panjang itu sendiri. Dalam hal ini, fasad depan adalah loggia dengan bukaan tengah. Sisi-sisinya dipagari oleh tembok yang disebut anta, dan di antara keduanya ada dua tiang. Gaya kedua adalah prostyle. Ini sedikit mirip dengan aula pertemuan, tetapi berbeda karena ia memiliki empat kolom, bukan dua. Dan gaya terakhir adalah amphiprostyle, seolah-olah bergaya ganda, dimana terdapat serambi dengan empat kolom, yang terletak pada fasad depan dan belakang bangunan.

Selain kuil, semua empu Yunani kuno membangunnya jumlah yang sangat besar struktur arsitektur lain yang memiliki tujuan umum: palaestras, stadion, teater, dan sebagainya. Sedangkan untuk teaternya terletak di lereng pegunungan. Pada saat yang sama, panggung khusus dibuat melintasi lereng, ditujukan untuk penonton. Di depan mereka, sebuah panggung sedang didirikan di bawah untuk para aktor tampil.

Sebagai aturan, paling banyak Teater Bolshoi mampu menampung lebih dari 25 ribu orang.

Sedangkan untuk bangunan tempat tinggal, di tengahnya terdapat halaman berbentuk persegi panjang, di mana jendela dan pintu tempat terbuka. Lantai utama dimaksudkan untuk makan dan pesta, dan lantai atas biasanya milik perwakilan dari separuh umat manusia.

Ada periode khusus di Yunani Kuno yang ditandai dengan perencanaan kota. Pada saat ini, banyak pusat perbelanjaan dan gedung untuk berbagai keperluan didirikan, dan semua itu dilakukan dengan sangat cepat dan dalam skala besar. Berdasarkan hal tersebut, maka perlu dikembangkan teknik-teknik tertentu juga landasan teoritis agar dapat segera melaksanakan proses konstruksi.

Perkembangan baru pada masa itu dipadukan dalam risalah arsitektur khusus. Penulisnya berupaya menciptakan metode konstruksi yang paling rasional, baik dari segi perencanaan teknis maupun arsitektur. Sekitar waktu yang sama, tata letak dasar kota dikembangkan, yang dibagi menjadi blok-blok yang sama dengan kotak persegi panjang.

Biasanya, ada yang berlokasi di pusat kota bangunan umum: dewan kota, majelis rakyat, basilika, sekolah, gimnasium dan kuil. Alun-alun pusat kota pada masa itu bersifat pasar atau agora. Selama proses konstruksi, alun-alun itu sendiri dan jalan-jalannya secara khusus dibatasi oleh serambi yang menciptakan keteduhan, dan di sepanjang kontur kota dikelilingi oleh tembok yang berfungsi sebagai pertahanan.

Komposisi umum

Secara umum komposisi bangunan dan struktur publik cukup beragam, tidak hanya di dalamnya penampilan, tetapi juga untuk tujuan fungsional. Namun ada satu teknik tata ruang umum yang diutamakan, misalnya penggunaan tema halaman peristyle, yang dalam komposisi berbeda tetap mempertahankan tujuan komposisi bangunan pusat.

Biasanya, orang Yunani kuno, antara lain, menggunakan penutup balok pada bangunan dan kuil mereka. Biasanya jarak antar penyangga tidak lebih dari 10 meter. Sistem konstruksi tiang dan balok khusus adalah sistem tatanan. Itu digunakan tidak hanya dalam desain serambi luar, tetapi juga di bagian dalam bangunan, di interiornya.

Perlu dicatat bahwa Acropolis Athena dengan sangat indah memadukan harmoni dan keseimbangan massa.

Selain itu, interaksi antara struktur individu telah dipikirkan. Konsistensi diperhitungkan ketika mengamati bangunan di luar dan di dalam kompleks.

Semua master Yunani kuno perhatian yang cermat mereka memperhatikan kondisi alam, dengan kata lain, mereka berusaha memperkenalkan bangunan mereka ke interior sekitarnya dengan sangat hati-hati dan dengan hasil artistik yang semaksimal mungkin. Menciptakan kesan abadi akan keindahan dan keharmonisan yang agung difasilitasi oleh penggunaan aktif patung-patung, baik di dalam maupun di luar.

Teman sekelas

Seni Yunani Kuno menjadi penopang dan landasan tumbuhnya seluruh peradaban Eropa. Patung Yunani Kuno adalah topik khusus. Tanpa patung kuno tidak akan ada mahakarya cemerlang Renaisans, dan perkembangan lebih lanjut dari seni ini sulit dibayangkan. Dalam sejarah perkembangan seni pahat kuno Yunani, tiga tahapan besar dapat dibedakan: kuno, klasik, dan Helenistik. Masing-masing memiliki sesuatu yang penting dan istimewa. Mari kita lihat masing-masingnya.

Seni kuno. Ciri-ciri: 1) posisi depan statis dari gambar-gambar tersebut, mengingatkan pada patung Mesir kuno: lengan diturunkan, satu kaki dimajukan; 2) Patung tersebut menggambarkan pemuda (“kouros”) dan gadis (“koros”), dengan senyuman tenang di wajah mereka (kuno); 3) Kuros digambarkan telanjang, kors selalu berpakaian dan patungnya dilukis; 4) Keahlian dalam menggambarkan helaian rambut, dan pada pahatan selanjutnya, lipatan gorden pada sosok perempuan.

Periode Archaic berlangsung selama tiga abad - dari abad ke-8 hingga ke-6 SM. e. Ini adalah periode pembentukan fondasi patung kuno, pembentukan kanon dan tradisi. Periode ini secara konvensional menunjukkan kerangka seni kuno awal. Faktanya, permulaan zaman kuno sudah dapat dilihat pada patung-patung abad ke-9 SM, dan banyak tanda-tanda zaman kuno dapat dilihat pada monumen-monumen abad ke-4 SM. Para pengrajin zaman dahulu menggunakan berbagai bahan untuk pekerjaan mereka. Patung-patung yang terbuat dari kayu, batu kapur, terakota, basal, marmer dan perunggu telah dilestarikan. Patung kuno dapat dibagi menjadi dua komponen mendasar: kora (figur perempuan) dan kouros ( sosok laki-laki). Senyuman kuno adalah jenis senyuman khusus yang digunakan oleh pematung kuno Yunani, khususnya pada kuartal kedua abad ke-6. SM e. , mungkin untuk menunjukkan bahwa subjek gambar itu hidup. Senyuman ini datar dan terlihat agak tidak natural, meski sekaligus merupakan tanda evolusi seni pahat menuju realisme dan pencariannya.

Cora Yang umum pada hampir semua patung wanita adalah sudut pandangnya. Paling sering, korteks tampak tegak di depan, lengan sering diturunkan di sepanjang tubuh, lebih jarang disilangkan di dada atau memegang atribut suci (tombak, perisai, pedang, tongkat, buah, dll.). Senyuman kuno terlihat di wajahnya. Proporsi tubuh cukup tersampaikan, meskipun gambaran umum dan generalisasi gambarnya. Semua patung harus dilukis.

Patung Kuros Laki-laki pada masa itu dibedakan dengan pose frontal yang ketat, seringkali dengan kaki kiri dijulurkan ke depan. Lengan diturunkan di sepanjang tubuh, tangan dikepalkan, lebih jarang ada patung dengan tangan terentang ke depan, seolah sedang mengulurkan pengorbanan. Kondisi lain yang sangat diperlukan untuk patung laki-laki kuno adalah simetri tubuh yang tepat. Secara eksternal, patung laki-laki memiliki banyak kesamaan Patung Mesir, yang menunjukkan pengaruh kuat estetika dan tradisi Mesir seni antik. Diketahui bahwa kouroi paling awal terbuat dari kayu, namun tidak ada satu pun patung kayu yang bertahan. Belakangan, orang Yunani belajar mengolah batu, sehingga semua kouroi yang masih hidup terbuat dari marmer.

Seni klasik. Ciri-ciri: 1) Pencarian cara untuk menggambarkan sosok manusia yang bergerak, serasi dalam proporsinya, telah selesai; posisi "contraposto" dikembangkan - keseimbangan gerakan bagian tubuh saat istirahat (sosok berdiri bebas dengan dukungan pada satu kaki); 2) Pematung Polykleitos mengembangkan teori contrapposto, mengilustrasikan karyanya dengan patung yang berdiri pada posisi ini; 3) Pada abad ke-5. SM e. orang tersebut digambarkan serasi, ideal, biasanya muda atau setengah baya, ekspresi wajah tenang, tanpa kerutan dan lipatan wajah, gerakan terkendali, harmonis; 4) Pada abad ke-4. SM e. dinamisme yang lebih besar, bahkan ketajaman, tampak pada plastisitas figurnya; gambar pahatan mulai mencerminkan karakteristik individu dari wajah dan tubuh; potret pahatan muncul.

Abad ke-5 dalam sejarah seni patung Yunani periode klasik dapat disebut sebagai “langkah maju”. Perkembangan seni pahat di Yunani Kuno pada periode ini dikaitkan dengan nama-nama empu terkenal seperti Myron, Polykleitos dan Phidias. Dalam ciptaannya, gambar menjadi lebih realistis, bahkan bisa dikatakan “hidup”, dan skematisme yang menjadi ciri khas patung kuno semakin berkurang. Namun “pahlawan” utama tetaplah dewa dan manusia “ideal”. Kebanyakan orang mengasosiasikan patung pada zaman ini dengan seni plastik kuno. Karya-karya Yunani klasik dibedakan oleh harmoni, proporsi ideal (yang menunjukkan pengetahuan yang sangat baik tentang anatomi manusia), serta konten dan dinamika internal.

Polykleitos, yang bekerja di Argos, pada paruh kedua abad ke-5. SM e, adalah perwakilan terkemuka dari aliran Peloponnesia. Patung periode klasik kaya akan karya agungnya. Dia adalah ahli patung perunggu dan ahli teori seni yang hebat. Polykleitos lebih suka menggambarkan atlet, yang orang biasa selalu melihat cita-citanya. Di antara karyanya adalah patung terkenal "Doryphoros" dan "Diadumen". Pekerjaan pertama adalah seorang pejuang yang kuat dengan tombak, perwujudan dari martabat yang tenang. Yang kedua adalah seorang pemuda kurus dengan perban pemenang kompetisi di kepalanya.

Myron, yang hidup pada pertengahan abad ke-5. SM e, kita ketahui dari gambar dan salinan Romawi. Master brilian ini menguasai plastisitas dan anatomi dengan sangat baik, dan dengan jelas menyampaikan kebebasan bergerak dalam karya-karyanya (“Discobolus”).

Sang pematung mencoba menampilkan pergulatan dua hal yang berlawanan: ketenangan di hadapan Athena dan kebiadaban di hadapan Marsyas.

Phidias adalah perwakilan terkemuka lainnya dari pencipta patung periode klasik. Namanya bergema cemerlang pada masa kejayaan seni klasik Yunani. Patungnya yang paling terkenal adalah patung kolosal Athena Parthenos dan Zeus di Kuil Olimpiade, Athena Promachos yang terletak di alun-alun Acropolis Athena. Karya seni ini telah hilang dan tidak dapat diperbaiki lagi. Hanya deskripsi dan salinan kecil Romawi yang memberi kita gambaran samar tentang kemegahan patung monumental ini.

Patung Yunani kuno mencerminkan keindahan fisik dan batin serta keharmonisan manusia. Pada abad ke-4, setelah penaklukan Alexander Agung melawan Yunani, nama-nama baru pematung berbakat mulai dikenal. Para pencipta zaman ini mulai lebih memperhatikan keadaan batin seseorang, keadaan psikologis dan emosinya.

Pematung terkenal pada masa klasik adalah Scopas, yang hidup pada pertengahan abad ke-4 SM. Ia memperkenalkan inovasi dengan mengungkap dunia batin seseorang, mencoba menggambarkan emosi kegembiraan, ketakutan, dan kebahagiaan dalam patung. Ia tidak takut bereksperimen dan menggambarkan orang dalam berbagai pose kompleks, mencari kemungkinan artistik baru untuk menggambarkan perasaan baru di wajah manusia (gairah, amarah, amarah, ketakutan, kesedihan). Ciptaan patung bundar yang luar biasa adalah patung Maenad; salinan Romawinya kini telah dilestarikan. Sebuah karya bantuan baru dan beragam bisa disebut Amazonomachy, yang menghiasi mausoleum Halicarnassus di Asia Kecil.

Praxiteles adalah seorang pematung terkemuka pada periode klasik yang tinggal di Athena sekitar tahun 350 SM. Sayangnya, hanya patung Hermes dari Olympia yang sampai kepada kita, dan kita mengetahui karya lainnya hanya dari salinan Romawi. Praxiteles, seperti Scopas, mencoba menyampaikan perasaan orang lain, tetapi dia lebih suka mengungkapkan emosi yang “lebih ringan” dan menyenangkan bagi orang tersebut. Dia mentransfer emosi liris, mimpi ke dalam patung, dan mengagungkan keindahan tubuh manusia. Pematung tidak membentuk sosok yang sedang bergerak.

Di antara karyanya, perlu diperhatikan "The Resting Satyr", "Aphrodite of Cnidus", "Hermes with the Child Dionysus", "Apollo Killing the Lizard".

Lysippos (paruh kedua abad ke-4 SM) adalah salah satu pematung terhebat pada periode klasik. Dia lebih suka bekerja dengan perunggu. Hanya salinan Romawi yang memberi kita kesempatan untuk mengenal karyanya.

Karya terkenalnya antara lain Hercules with a Hind, Apoxyomenos, Hermes Resting, dan The Wrestler. Lysippos melakukan perubahan proporsi, ia menggambarkan kepala yang lebih kecil, tubuh yang lebih kering, dan kaki yang lebih panjang. Semua karyanya bersifat individual, dan potret Alexander Agung juga bersifat manusiawi.

Patung kecil pada periode Helenistik tersebar luas dan terdiri dari patung-patung orang yang terbuat dari tanah liat (terakota). Mereka disebut terakota Tanagra sesuai dengan tempat produksinya, kota Tanagra di Boeotia.

Seni Helenistik. Ciri-ciri: 1) Hilangnya keselarasan dan gerak-gerik masa klasik; 2) Pergerakan tokoh memperoleh dinamisme yang nyata; 3) Penggambaran manusia dalam seni patung cenderung menyampaikan ciri-ciri individu, keinginan terhadap naturalisme, penyimpangan dari harmonisasi alam; 4) Dekorasi pahatan candi tetap “heroik” yang sama; 5) Kesempurnaan dalam menyampaikan bentuk, volume, lipatan, dan “vitalitas” alam.

Pada masa itu, patung menghiasi rumah-rumah pribadi, gedung-gedung publik, alun-alun, dan akropolis. Patung Helenistik dicirikan oleh refleksi dan pengungkapan semangat kecemasan dan ketegangan, keinginan untuk kemegahan dan sandiwara, dan terkadang naturalisme kasar. Sekolah Pergamon mengembangkan prinsip-prinsip artistik Skopas dengan minatnya pada manifestasi perasaan yang penuh kekerasan dan transmisi gerakan cepat. Salah satu bangunan Hellenisme yang menonjol adalah dekorasi monumental Altar Pergamon, yang dibangun oleh Eumenes 2 untuk menghormati kemenangan atas Galia pada tahun 180 SM. e. Basisnya ditutupi dengan dekorasi sepanjang 120 m, dibuat dengan teknik relief tinggi dan menggambarkan pertempuran para dewa Olympian dan raksasa pemberontak dengan ular sebagai pengganti kaki.

Keberanian diwujudkan dalam kelompok patung “The Dying Gaul” dan “The Gaul Killingself and His Wife.” Patung Hellenisme yang luar biasa - Aphrodite dari Milan oleh Agesndra - setengah telanjang, tegas dan sangat tenang.