Bagaimana dunia seni Renaisans Italia diungkapkan? Ciri-ciri singkat zaman Renaisans

Ada orang yang berpendapat: jika seseorang tidak tertarik pada seni, dia tidak ada hubungannya di Italia. Kedengarannya terlalu kategoris, tetapi ada benarnya juga: berada di Italia dan melewati seni Italia berarti merampok diri sendiri. Menurut para ahli, dua pertiga dari seluruh karya seni rupa terkonsentrasi di Italia. Coba pikirkan: di Italia kecil - dua pertiganya, dan di seluruh dunia - sepertiga sisanya.

Bagi kami, Tuscany akan selamanya menjadi tempat kelahiran Renaisans, yang memberikan lusinan nama cemerlang kepada dunia. Raksasa seperti Giotto di Bondone, Michelangelo Buanarotti, Leonardo da Vinci, Sandro Botticelli lahir di sini, dan di Tuscan Florence para seniman Raphael Santi, Perugino, Verrocchio, Ghirlandaio dibentuk. Di seluruh dunia, mengikuti orang Italia, para genius Tuscan dipanggil bukan dengan nama belakang mereka, tetapi hanya dengan nama depan mereka: Giotto, Leonardo, Raphael, Michelangelo... Seperti, katakanlah, kami - Alexander Sergeevich...

Kita tidak akan melihat begitu dekat pada abad-abad yang jauh dari kita jika Renaisans hanyalah salah satu tahapan dalam perkembangan seni rupa. Tidak, Renaisans pada abad 15-16 berarti perubahan revolusioner dalam cara hidup: ini adalah kebangkitan umat manusia dari Abad Pertengahan dengan hubungan feodalnya, peralihan dari perintah sistem ke kesadaran akan nilai-nilai. individu, kebebasan dan keindahannya. Republik-kota perdagangan yang berkembang di Tuscany, yang penduduknya - pedagang, pengrajin, bankir - tidak terlibat dalam hubungan abad pertengahan yang kaku, dengan tegas beralih ke makna yang masih menjadi dasar gaya hidup Eropa Barat. Berbeda dengan gereja, pusat kebudayaan sekuler mulai diciptakan. Saat itulah pencetakan dimulai di Eropa. Ide-ide humanisme terbentuk dan mulai mendominasi filsafat dan kesadaran masyarakat.

Saat Anda berjalan melalui museum dan istana Florence, berkendara di antara perbukitan Tuscan yang ditutupi kebun anggur dan kebun zaitun, Anda pasti memikirkan mengapa Renaisans dimulai di sini di Tuscany. Apa alasannya? Mengapa negeri ini melahirkan begitu banyak talenta raksasa dalam waktu singkat?

Apakah faktanya tanah ini begitu murah hati dan disukai manusia? Atau apakah yang sederhana, yang duniawi, hidup berdampingan begitu erat dengan yang indah dan agung? Atau mungkin alasannya adalah temperamen alami Tuscan, seni dan rasa keindahan? Atau apakah semuanya lebih sederhana, dan ini semua tentang anggur yang nikmat dan makanan lezat yang memberi seseorang rasa ringan, optimisme, dan vitalitas yang tak kenal lelah? Bagaimana kita bisa menjelaskan fakta bahwa para penguasa Tuscan dan orang-orang kaya, pertama-tama Medici, yang mengetahui banyak tentang seni, dari generasi ke generasi membayar untuk bakat dan inovasi, tetapi tidak membayar untuk hal-hal vulgar dan rutinitas?

Periode Renaisans

Biasanya, awal Renaisans dianggap sebagai paruh pertama abad ke-15, tetapi terkadang peneliti mengidentifikasi apa yang disebut Proto-Renaisans abad ke-13-14, terkait dengan aktivitas Giotto, di Combio, Cimabue , dan keluarga Pisano, yang mengantisipasi dan meletakkan dasar bagi Renaisans berikutnya.

Renaisans Awal dimulai pada tahun 1420-1500. (Abad XIV) Selama periode ini, pendekatan, teknik, dan pandangan baru terhadap seni baru saja berkembang melalui kanon yang berusia berabad-abad. Inilah masa kejayaan Gerlandaio, Verrocchio, Fra Filippo Lippi.

Renaisans Tinggi dimulai pada tahun 1500-1527. Periode seni ini dikaitkan dengan kemunculan Paus Julius II yang baru di Vatikan. Atas inisiatif Julius II, banyak istana dan kuil baru dibangun di Roma pada tahun-tahun itu, termasuk gereja Katolik utama, Katedral Santo Petrus, dan lukisan dinding serta patung yang indah dibuat. Warisan Abad Pertengahan telah sepenuhnya dihilangkan; keindahan awal Renaisans awal digantikan oleh ketenangan dan martabat yang matang. Arsitektur, patung, dan lukisan hidup selaras dan saling melengkapi. Perintah muluk Julius II dilaksanakan oleh Raphael, Michelangelo, Perugino, Leonardo. Pada saat yang sama, Botticelli menciptakan karya terbaiknya di Florence.

Banyak peneliti mengakhiri Renaisans dengan tahun 1527 - tahun penjarahan Roma oleh tentara tentara bayaran pemberontak dan pengusiran Medici dari Florence di bawah pengaruh khotbah Savonarola yang menuduh secara sosial. Namun yang lebih sering adalah Renaisans Akhir dari tahun 1527 hingga 1620-an. Sebagian besar seniman terkemuka Renaisans meninggal dunia, tingkah laku memperoleh kekuatan dalam seni, tetapi Michelangelo, Correggio, Titian dan Palladio, yang terus berkarya, memperpanjang Renaisans selama beberapa dekade lagi.

Renaisans dalam seni visual

Seni Renaisans menggantikan seni abad pertengahan, yang didominasi oleh kanon lukisan ikon Bizantium. Mayoritas subjek gambar adalah agama, bahkan dalam kasus di mana pelanggannya bukan orang gereja. Para pahlawan biasanya adalah orang-orang suci, sering kali Perawan Maria dikelilingi oleh para malaikat. Tokoh-tokohnya diidealkan (orang suci tidak seharusnya mempunyai darah dan daging), perasaan tokohnya skematis: pertobatan, kerendahan hati, kelembutan beragama, ketakutan beragama; komposisinya datar dan tidak memiliki latar belakang; alur cerita yang pathos ditekankan oleh latar belakang emas yang halus. Seni menuntut penyerahan diri pada takdir dan tidak ada hubungannya dengan kehidupan - pada kenyataannya, tidak ada hal lain yang diperlukan dari seni.

Memberontak melawan kanon, seniman Renaisans semakin beralih ke seni klasik Romawi kuno dan menghidupkan kembali cita-citanya - oleh karena itu, istilah Renaisans itu sendiri. Tema semakin menjadi hal sehari-hari, tokoh-tokoh dalam lukisan mengalami perasaan yang akrab bagi semua orang: marah, gembira, putus asa, cinta keibuan, melankolis, kasih sayang. Bahkan orang-orang kudus digambarkan oleh seniman sebagai manusia yang hidup, bukannya tanpa emosi duniawi. Ruang-ruang lukisan dipenuhi dengan pemandangan asli Tuscan, perbukitan hijau dan kebun zaitun, kebun anggur dan hutan. Subyek gambarnya kini semakin menjadi tubuh telanjang.

Pada bagian ini kami telah mencoba memberikan beberapa informasi tentang tokoh-tokoh paling penting di Italia, terutama Renaisans Florentine, mencoba fokus pada apa yang membuat setiap seniman berbeda dari yang lain dan di mana karyanya dapat ditemukan di Tuscany.

"Renaissance" (dalam bahasa Prancis "Renaissance", dalam bahasa Italia "Rinascimento") adalah istilah yang pertama kali diperkenalkan oleh Giorgio Vasari, seorang arsitek, pelukis, dan sejarawan seni abad ke-16, untuk mendefinisikan era sejarah yang ditentukan oleh tahap awal zaman. perkembangan hubungan borjuis di Eropa Barat. Gerakan kebudayaan yang megah ini dipanggil, dengan menghidupkan kembali zaman kuno ke kehidupan baru setelah seribu tahun terlupakan dan menghidupkan kembali yang terbaik di Abad Pertengahan yang memudar, untuk membuka prospek bagi perkembangan kebudayaan Barat Zaman Baru.

Budaya Renaisans, yang terutama terkait dengan munculnya borjuasi dalam masyarakat feodal, berasal dari Italia. Istilah “Renaisans” dalam kaitannya dengan kebudayaan zaman ini bukanlah suatu kebetulan. Di Italia, tempat kelahiran zaman kuno, cita-cita kuno tentang orang yang cantik dan harmonis dihidupkan kembali. Manusia kembali menjadi tema utama seni. Sejak jaman dahulu muncul kesadaran bahwa bentuk paling sempurna di alam adalah tubuh manusia. Tentu saja ini tidak berarti bahwa Renaisans mengulangi periode seni kuno. Sebagaimana dicatat dengan tepat oleh para sejarawan seni, perlu diingat bahwa umat manusia tidak pernah sepenuhnya berpisah dengan zaman kuno, kecuali pada abad-abad barbarisme yang paling dalam (abad VI-VIII), dan kemudian, seperti kita ketahui, pada akhir abad ke-8. -disebut “kebangkitan Carolingian”, tidak peduli seberapa konvensional istilah ini, kemudian “Ottonian” pada akhir abad ke-10-11. Ya, dan pada Abad Pertengahan yang tinggi, orang Gotik mengetahui filsafat kuno, menghormati Aristoteles, sejarah, dan puisi. Di balik budaya Renaisans terdapat milenium Abad Pertengahan, agama Kristen, pandangan dunia baru yang memunculkan cita-cita estetika baru, memperkaya seni dengan subjek baru dan gaya bahasa baru. Budaya humanistik Renaisans dipenuhi dengan impian manusia baru dan perkembangan spiritual barunya. Renaisans dicirikan oleh persepsi zaman kuno sebagai masa lalu yang jauh dan oleh karena itu sebagai “sebuah cita-cita yang dapat dirindukan”, dan bukan sebagai “realitas yang dapat digunakan, tetapi juga ditakuti” (E. Panofsky).

Jaman dahulu pada masa ini memperoleh makna tersendiri. Sikap terhadapnya, sebagaimana dicatat dengan benar, menjadi tidak hanya dan tidak terlalu mendidik tetapi juga romantis, bahkan di antara para ahli zaman kuno seperti Mantegna. Sejak zaman kuno, Renaisans mulai memandang manusia sebagai mikrokosmos, “kemiripan kecil ruang besar- makrokosmos”, dengan segala keanekaragamannya. Bagi kaum humanis Italia, yang utama adalah fokus seseorang pada dirinya sendiri. Orang tersebut menjadi terbuka terhadap dunia. Nasibnya sebagian besar ada di tangannya sendiri - di sini perbedaan mendasar dari persepsi seseorang di dunia kuno, di mana ia dinilai menurut tingkat keterlibatannya dalam dunia para dewa. Dan seniman di Renaisans dianggap terutama sebagai individu, sebagai pribadi, seperti itu.

Renaisans sama sekali bukan kembalinya ke zaman kuno; ia menciptakan kebudayaan baru, mendekatkan Zaman Baru. Penghitungan mundur Zaman Baru dari Renaisans hanya dilakukan oleh para sejarawan seni dan budaya (dalam sejarah, ini masih Abad Pertengahan, dan Zaman Baru dimulai dengan revolusi abad ke-17), karena Renaisans “mengubah pikiran, bukan kehidupan. , imajinasi, bukan kenyataan, budaya, tetapi bukan peradaban."

Kerangka kronologis Renaisans Italia mencakup waktu dari detik setengah XIII hingga paruh pertama abad ke-16. Dalam periode ini, Renaisans dibagi menjadi beberapa tahap: paruh kedua abad XIII-XIV - Proto-Renaissance (pra-Renaissance) dan Trecento; Abad XV - awal Renaisans (Quattrocento); akhir tanggal 15 - sepertiga pertama abad ke-16 - Renaisans Tinggi (istilah Cinquecento lebih jarang digunakan dalam sains).

Pada tahun 1527, Roma dijarah oleh landsknecht Jerman; dari tahun 1530, Florence, dari sebuah negara kota yang bebas, sebuah komune kota, menjadi kota pusat biasa dari sebuah kadipaten feodal. Reaksi feodal-Katolik (Kontra-Reformasi) dimulai, dan tahun 1530 dapat dianggap sebagai tanggal akhir perkembangan Renaisans. Justru berkembang, karena pengaruh seni Renaisans meluas hingga seluruh abad ke-16. Selain itu, beberapa daerah di Italia umumnya tertinggal dalam perkembangan ini dan budaya, misalnya Republik Venesia, masih tetap mengikuti arus Renaisans sepanjang abad ke-16.

Gambaran perkembangan budaya Renaisans Italia sangat bervariasi, hal ini disebabkan oleh perbedaan tingkat perkembangan ekonomi dan politik di berbagai kota di Italia, untuk berbagai tingkat kekuatan dan kekuatan kaum borjuis di negara-negara kota, komune kota ini, berbagai tingkat hubungannya dengan tradisi feodal.

Terkemuka sekolah seni dalam seni Renaisans Italia berada pada abad ke-14. seperti Siena dan Florentine, pada abad ke-15 - Florentine, Umbria, Paduan, Venesia, pada abad ke-16 - Romawi dan Venesia.

Dari paruh kedua abad ke-13 - awal abad ke-14. Dalam perjuangan melawan tuan tanah feodal setempat, kaum burgher Florentine semakin kuat. Florence adalah salah satu negara pertama yang berubah menjadi republik kaya dengan konstitusi yang diadopsi pada tahun 1293, dengan cara hidup borjuis yang berkembang pesat dan budaya borjuis yang baru muncul. Republik Florentine berdiri selama hampir seratus lima puluh tahun, mengumpulkan kekayaan dari perdagangan wol dan sutra dan menjadi terkenal karena pabriknya.

Perubahan seni rupa Italia terutama tercermin dalam seni pahat. Mereka disiapkan oleh karya pahatan master Niccolò Pisano (relief mimbar Baptistery di kota Pisa), di mana pengaruh zaman kuno dapat ditelusuri dengan jelas. Kemudian dalam lukisan monumental - dalam mosaik dan lukisan dinding karya Pietro Cavallini (gereja Romawi Santa Maria di Trastevere dan Santa Cecilia di Trastevere). Namun awal sebenarnya dari era baru dikaitkan dengan nama pelukis Giotto di Bondone (1266?-1337). Dari karya Giotto, yang paling terpelihara adalah lukisan dinding Kapel del Arena, atau Kapel Scrovegni (dinamai menurut nama pelanggan) di kota Padua (1303-1306). Lukisan Giotto selanjutnya di Gereja Santa Croce di Florence (Kapel Peruzzi dan Kapel Bardi). Di Chapel del Arena, lukisan dinding disusun dalam tiga baris di sepanjang dinding kosong. Bagian dalam kapel satu bagian sederhana diterangi oleh lima jendela di dinding seberangnya. Di bawah, pada dasar kotak merah muda dan abu-abu yang ditiru dengan indah, ada 14 figur alegoris tentang keburukan dan kebajikan. Di atas pintu masuk kapel ada lukisan “ Penghakiman Terakhir", di dinding seberangnya adalah tempat Kabar Sukacita. Giotto menghubungkan 38 adegan dari kehidupan Kristus dan Maria menjadi satu kesatuan yang harmonis, menciptakan siklus epik yang megah. Kisah-kisah Injil disajikan Giotto sebagai peristiwa nyata. Berbicara tentang masalah dalam bahasa yang hidup, orang-orang yang menarik setiap saat: tentang kebaikan dan saling pengertian (“Pertemuan Maria dan Elizabeth”, “Pertemuan Joachim dan Anna di Gerbang Emas”), penipuan dan pengkhianatan (“Ciuman Yudas”, “Pencambukan Kristus” ), tentang kedalaman kesedihan, kelembutan, kerendahan hati dan kekal yang menyita semua cinta ibu("Ratapan"). Adegan-adegannya penuh dengan ketegangan internal, seperti “The Raising of Lazarus”, dan terkadang tajam dalam tragedinya, seperti komposisi “Carrying the Cross”.

Alih-alih memisahkan figur individu dan adegan individu yang menjadi ciri khas lukisan abad pertengahan, Giotto berhasil menciptakan cerita yang koheren, narasi utuh tentang kehidupan batin para pahlawan yang kompleks. Berkat pemilihan detail yang ketat, dia fokus pada hal-hal penting. Alih-alih latar belakang emas konvensional seperti mosaik Bizantium, Giotto memperkenalkan latar belakang lanskap. Angka-angka tersebut, meskipun masih masif dan tidak aktif, namun memperoleh volume dan pergerakan yang natural. Muncul ruang tiga dimensi, yang dicapai bukan dengan pendalaman perspektif (solusi perspektif masih soal masa depan), melainkan dengan penataan figur-figur tertentu yang berjauhan satu sama lain pada bidang dinding (“ Penampakan Malaikat di St. Anne”). Namun, keinginan untuk menyampaikan anatomi sosok manusia dengan benar sudah terlihat (“Perjamuan Terakhir”, “Kelahiran Kristus”). Dan jika dalam lukisan Bizantium sosok-sosok itu seolah melayang dan menggantung di angkasa, maka para pahlawan lukisan dinding Giott menemukan landasan kokoh di bawah kaki mereka (“Keberangkatan Maria ke Rumah Yusuf”). Giotto memperkenalkan fitur sehari-hari ke dalam gambarnya, menciptakan kesan keaslian situasi dan menyampaikan suasana hati tertentu. Karakternya dikarakterisasi dengan jelas tipe manusia. Dalam salah satu lukisan dinding paling ekspresif dari siklus Ciuman Yudas, Giotto menempatkan sosok Kristus dan Yudas di tengah komposisi dengan latar belakang tombak yang terangkat dan tangan yang terangkat serta mengungkapkan idenya dengan mengontraskan keduanya. profil yang berbeda: yang mulia, jernih dalam bentuk yang sempurna, wajah Kristus yang hampir antik dan cantik, dan yang jelek dan menjijikkan, dengan dahi cembung yang jelek dan dagu yang terpotong secara merosot - wajah Yudas. Lebih dari satu generasi seniman akan belajar dari Giotto tentang kekayaan dramatis, ekspresi psikologis dan emosional. Dia bahkan berhasil mengubah sifat buruk dan kebajikan menjadi karakter manusia yang hidup, mengatasi alegorisme tradisional abad pertengahan. Gambaran Giotto sangat megah dan monumental, bahasanya tegas dan singkat, namun dapat dimengerti oleh semua orang yang memasuki kapel. Bukan tanpa alasan bahwa lukisan kapel kemudian disebut sebagai “injil bagi mereka yang buta huruf”. Pencarian Giotto untuk menyampaikan ruang, plastisitas figur, dan ekspresi gerakan menjadikan karya seninya menjadi panggung utuh di Renaisans.

Giotto di Bondone. Ciuman Yudas. Lukisan dinding Kapel del Arena. Padua

Giotto bukan hanya seorang pelukis: menurut desainnya, menara lonceng Katedral Florence yang indah dibangun, yang hingga hari ini menghiasi Florence dengan siluet cahayanya, kontras dengan kubah katedral yang kuat.

Pada masa Trecento, kota Siena juga menjadi pusat seni budaya. Seni Siena tidak memiliki karakter burgher seperti di Florence. Budaya Siena bersifat aristokrat, diresapi dengan pandangan dunia feodal dan semangat gereja. Karya-karya sekolah Siena elegan, dekoratif, meriah, tetapi juga jauh lebih kuno daripada karya Florentine, penuh dengan Gotik. Jadi, dalam seni Duccio di Buoninsegna (sekitar 1250-1319), “bunga pertama taman ini”, menurut Berenson, masih banyak ciri-ciri Bizantium; Ini terutama komposisi altar, lukisan tempera di atas papan, dengan latar belakang emas dengan elemen Gotik, dalam bingkai arsitektur berupa wimperg dan lengkungan runcing. Dalam Madonnas-nya (“Maesta” - “Glorification of Mary” yang terkenal), meskipun desain dan komposisinya kuno, ada banyak ketulusan, perasaan liris, dan spiritualitas yang tinggi. Ini diciptakan dengan bantuan ritme yang lembut dan halus (baik linier maupun plastis), memberikan karya Duccio musikalitas indah yang istimewa.

Salah satu master terkenal dari Siena Trecento adalah Simone Martini (1284-1344). Mungkin masa tinggalnya yang lama di Avignon memberi karya seninya beberapa ciri Gotik Utara: Figur Martini memanjang dan, biasanya, disajikan dengan latar belakang emas. Namun pada saat yang sama, Simone Martini mencoba memodelkan bentuk dengan chiaroscuro, memberikan gerakan natural pada figurnya, mencoba menyampaikan kesan tertentu. kondisi psikologis, seperti yang dia lakukan pada gambar Madonna dari adegan Kabar Sukacita.

Pada tahun 1328, Simone Martini ditugaskan untuk melukis lukisan dinding di gedung pemerintahan kota Siena - Palazzo Publica: Martini melukis sosok Siena condottiere Guidoriccio da Fogliano, kepala pasukan tentara bayaran, menunggang kuda, dengan latar belakang menara Siena. Ada sesuatu yang tak tergoyahkan dalam kiprah kuda yang kokoh dan sosok pejuang yang duduk tegak, mengekspresikan semangat Renaisans itu sendiri dengan keyakinannya pada kemampuan manusia, pada kemauan manusia, pada hak yang kuat. Latar belakang lanskap lukisan dinding yang singkat dan keras dengan sempurna menyampaikan tampilan umum lanskap Siena dengan perbukitan merah dan langit biru cerah, dan hingga hari ini mengejutkan dengan ketepatan gambar umumnya.

Di Palazzo Publice yang sama, master Siena lainnya, Ambrogio Lorenzetti (sekitar 1280-1348), melukis lukisan dinding. Di dua dinding terdapat pemandangan yang menunjukkan “Pengaruh Pemerintahan yang Baik dan Buruk.” Sosok alegoris “pemerintahan yang baik” dikelilingi oleh alegori kebajikan, di antaranya yang terpelihara dengan baik (lukisan dinding umumnya dalam kondisi buruk) adalah sosok “Perdamaian” dalam pakaian antik dengan karangan bunga laurel di kepalanya. Namun hal yang paling menarik dalam siklus lukisan ini bukanlah alegori yang membangun, melainkan pemandangan kehidupan sehari-hari yang benar-benar nyata, baik perkotaan maupun pedesaan: pasar, toko pedagang, keledai yang memuat banyak barang, iring-iringan warga kota kaya, kebun anggur , membajak petani, gambaran hasil panen. Mungkin adegan yang paling menawan adalah tarian melingkar anak laki-laki dan perempuan berpakaian rapi menari di alun-alun kota. Berkat pelestarian yang memuaskan pada bagian lukisan dinding ini, seseorang dapat memberi penghormatan kepada keahlian sang seniman, dengan cinta yang besar menyampaikan suasana adegan itu sendiri, dan ciri-ciri kehidupan sehari-hari, perabotan, dan kostum - segala sesuatu yang membentuk aroma berharga pada zaman tersebut; rasakan bakat warna terbaiknya (karena pertama-tama, lukisan dinding itu mencolok dengan warnanya yang indah, tidak bersuara, dan selaras secara halus).

Lorenzetti meninggal pada tahun 1348, ketika wabah penyakit membinasakan penduduk Italia. Peristiwa tragis tahun 1348 ini terinspirasi dari lukisan dinding di dinding pemakaman Pisa Campo Santo yang belum diketahui penulisnya (Orcagna? Traini? Vitale da Bologna?). Ditulis dengan tema kematian (memento mori), yang umum pada Abad Pertengahan, “Kemenangan Kematian” dengan penggambaran tradisional kematian dengan sabit, perjuangan malaikat dan iblis untuk jiwa manusia berada di bawah kendali sang master. memasuki kejayaan hidup: iring-iringan bapak dan ibu yang cemerlang tidak dibayangi oleh pemandangan peti mati yang terbuka; laki-laki dan perempuan dalam adegan “Taman Cinta” dengan antusias mendengarkan musik, meskipun kematian datang dalam bentuk kelelawar dengan sabit. Pemandangan hutan jeruk, kostum sekuler yang kaya, dan penggambaran detail spesifik yang penuh kasih mengubah plot tragis menjadi karya seni sekuler, penuh kegembiraan dan kegembiraan hidup. Dengan kunci mayor tersebut, perkembangan seni Trecento berakhir.

Tanda-tanda budaya borjuis yang baru dan munculnya pandangan dunia borjuis yang baru secara khusus terlihat jelas pada abad ke-15, pada periode Quattrocento. Namun justru karena proses pembentukan budaya baru dan pandangan dunia baru belum selesai pada periode ini (hal ini terjadi kemudian, di era dekomposisi terakhir dan runtuhnya hubungan feodal), abad ke-15 penuh dengan kebebasan berkreasi, keberanian yang berani, dan kekaguman terhadap individualitas manusia. Ini benar-benar zaman humanisme. Apalagi ini adalah era yang penuh keyakinan akan kekuatan pikiran yang tak terbatas, era intelektualisme. Persepsi terhadap realitas diuji melalui pengalaman, eksperimen, dan dikendalikan oleh akal. Oleh karena itu semangat keteraturan dan ukuran yang menjadi ciri khas seni Renaisans. Geometri, matematika, anatomi, studi tentang proporsi tubuh manusia sangat penting bagi seniman; saat itulah mereka mulai mempelajari dengan cermat struktur manusia; pada abad ke-15 Seniman Italia juga memecahkan masalah perspektif bujursangkar, yang sudah matang dalam seni Trecento.

Dalam formasi budaya sekuler Zaman kuno memainkan peran besar di Quattrocento. Abad ke-15 menunjukkan hubungan langsung dengan budaya Renaisans. Akademi Platonis didirikan di Florence; Perpustakaan Laurentian berisi banyak koleksi manuskrip kuno. Museum seni pertama muncul, penuh dengan patung, pecahan arsitektur kuno, kelereng, koin, dan keramik. Roma kuno sedang dipulihkan. Keindahan Laocoon yang menderita, kecantikan Apollo (Belvedere) dan Venus (Medica) akan segera muncul di hadapan Eropa yang tercengang.

Namun, kita tidak boleh lupa bahwa pengaruh zaman kuno terletak pada tradisi Abad Pertengahan yang telah berusia berabad-abad dan kuat, pada seni Kristen. Plot pagan dan Kristen saling terkait dan diubah, memberikan karakter yang sangat kompleks pada budaya Renaisans. Quattrocento mengambil subjek dan gambarnya dari Kitab Suci, dari mitologi kuno, dari legenda kesatria, dari pengamatan sang seniman terhadap kehidupan sesaat. Seperti yang pernah ditulis secara puitis oleh P. Muratov, “bagi mereka, kisah Ester, kisah Griselda, dan kisah Eurydice terjadi di negara yang sama. Burung-burung cantik, naga, orang bijak oriental, bidadari, pahlawan kuno, dan hewan ajaib tinggal di sana, dan negara ini hanyalah negara dongeng.”

Namun di Quattrocento estetika seni Renaisans, sejenis budaya Renaisans, mulai terbentuk.

Sekolah Florentine abad ke-15. Peran pertama dalam Quattrocento jatuh ke tangan Florence. Sebuah kota yang didirikan di tanah budaya kuno Villanova, saat itu bangsa Etruria, pada abad ke-4. masuk Kristen (tempat pembaptisannya yang terkenal dimulai pada tahun 488), dari abad ke-12. Sudah menjadi komune kota yang kaya, yang meninggalkan jejaknya pada seni Trecento dengan patung keluarga Guisano dan kejeniusan Dante dan Giotto, Florence menjadi pusat utama budaya Renaisans di era Quattrocento. Sejak 1434, kekuasaan di Florence diberikan kepada Cosimo de' Medici, pendiri dinasti perbankan pelindung seni bangsawan, keturunan dokter (bukan tanpa alasan gambar tiga pil dilestarikan di lambang mereka). Bersama mereka dimulailah “zaman budaya medis”.

Dalam arsitektur Italia baru pada abad ke-15. Ciri-ciri gaya baru mulai terlihat. Philippe Brunelleschi (1377-1446) menyelesaikan Katedral Florence dengan kubah raksasa pada tahun 1434, sebuah bangunan yang umumnya bergaya Gotik yang didirikan pada tahun 1295 oleh Arnolfo di Cambio (pada tahun 1334 Giotto mendirikan campanile yang telah disebutkan di dekatnya - menara lonceng setinggi 32 m). Lentera berbentuk kubah segi delapan (diameternya 43 m - tak kalah dengan Roman Pantheon) yang masih mendominasi panorama kota, memiliki pilaster berkarakter antik dengan lengkungan setengah lingkaran yang menjadi sandaran langit-langit lentera. Kapel Pazzi di Gereja Santa Croce, dibangun oleh Brunelleschi antara tahun 1430 dan 1443, berbentuk persegi panjang, dengan enam kolom Korintus di fasadnya, sebuah cornice pada pilaster berpasangan, sebuah serambi yang dimahkotai dengan kubah bulat, memiliki ciri-ciri kejelasan yang konstruktif , kesederhanaan kuno, harmoni dan proporsionalitas, yang menjadi ciri khas semua seni Renaisans. Ciri-ciri ini terlihat lebih jelas dalam arsitektur sekuler, misalnya, di gedung Panti Asuhan di Florence, juga dibangun oleh Brunelleschi, di mana galeri di lantai pertama, yang di lantai dua berubah menjadi dinding halus dengan cornice. dan jendela, menjadi model untuk semua arsitektur Renaisans. Quattrocento juga menciptakan citranya sendiri tentang istana kota sekuler (palazzo): biasanya berlantai tiga, dengan tampilan seperti benteng berkat pasangan bata dari batu yang dipahat kasar, terutama menekankan lantai pertama, tetapi pada saat yang sama waktu yang jelas dan tepat dalam desainnya. Ini adalah Palazzo Pitti, yang pembangunannya dimulai pada tahun 1469 sesuai dengan desain Leon Battista Alberti; Palazzo Medici (Riccardi), dibangun lebih awal oleh Michelzo da Bartolomeo; Palazzo Rucellai, dirancang oleh Alberti. Kejelasan pembagian lantai, gaya pedesaan, peran pilaster yang besar, jendela ganda (berpasangan), dan cornice yang ditonjolkan menjadi ciri khas istana ini. Selanjutnya, jenis ini, setelah dimodifikasi, dikembangkan di tanah Romawi dan Venesia. Beralih pada pemanfaatan peninggalan kuno, hingga sistem tatanan, arsitektur Renaisans terungkap panggung baru dalam arsitektur. Arsitektur sekuler palazzo dicirikan oleh kombinasi tidak dapat diaksesnya benteng eksternal dan kekuatan dengan suasana internal kenyamanan vila-vila Italia awal. Dalam arsitektur gereja, satu ciri lagi yang perlu diperhatikan: fasad gereja dan campanile dihadapkan dengan marmer multi-warna, menyebabkan fasad menjadi "bergaris" - ciri khas Quattrocento Italia, dan berkembang terutama di Florence.

Arnolfo di Cambio, F. Brunelleschi. Katedral Santa Maria del Fiore di Florence (dengan menara lonceng Giotto)

Tahun kelahiran patung Quattrocento yang baru dapat dianggap tahun 1401, ketika sebuah organisasi serikat pedagang mengumumkan kompetisi untuk dekorasi pahatan pintu pembaptisan Katedral Florence. Dari tiga pintu tempat pembaptisan, satu sudah didekorasi pada tahun 30-an abad ke-14. relief pahatan oleh Andrea Pisano. Masih ada dua lagi yang harus diselesaikan. Kompetisi ini dihadiri oleh para master seperti arsitek Brunelleschi, Jacopo della Quercia, Lorenzo Ghiberti dan lain-lain. Kompetisi tidak mengungkapkan pemenangnya. Hanya diketahui bahwa desain Brunelleschi dan Ghiberti jauh lebih unggul dibandingkan pesaing lainnya, dan mereka ditawari untuk mengerjakan pintu tersebut di masa depan “dengan pijakan yang setara.” Brunelleschi menolak tawaran tersebut dan perintah sepenuhnya diserahkan kepada Ghiberti. Lorenzo Ghiberti (1381-1455), terkenal dalam seni dan sebagai ahli teori, penulis tiga buku “Komentar” - yang pertama dalam sejarah seni Renaisans, menciptakan komposisi multi-gambar yang kompleks pada subjek alkitabiah yang terungkap dengan latar belakang lanskap dan arsitektur . Ada banyak pengaruh gotik dalam gaya pertunjukannya. Seni Ghiberti bersifat aristokrat dan berjiwa halus, penuh dengan efek eksternal, yang lebih sesuai dengan selera pelanggan daripada seni Quercia yang demokratis dan berani. Pematung yang ditakdirkan untuk memecahkan banyak masalah seni plastik Eropa selama berabad-abad yang akan datang - patung bundar, monumen, monumen berkuda - adalah Donato di Niccolo di Betto Barda, yang dikenal dalam sejarah seni sebagai Donatello (1386?-1466). Jalur kreatif Donatello sangat sulit. Kenangan Gotik juga terlihat dalam karya seninya, misalnya pada sosok marmer David (karya awal pematung). Dalam sosok Rasul Markus untuk gereja Orsan Michele di Florentine (10-an abad ke-15), Donatello memecahkan masalah pementasan sosok manusia setinggi mungkin sesuai dengan hukum plastisitas, yang dikembangkan pada zaman kuno oleh Polycletus, tetapi diserahkan terlupakan di Abad Pertengahan. Rasul berdiri bersandar pada kaki kanannya, sedangkan kaki kirinya didorong ke belakang dan ditekuk di lutut, hanya sedikit menjaga keseimbangan sosoknya. Gerakan ini dipertegas oleh lipatan jubah yang jatuh di sepanjang kaki kanan, dan pola rumit garis-garis fleksibel lipatan tersebut, tersebar di sepanjang kaki kiri.

Donatello. St.George. Florence. Museum Nasional

Untuk ceruk lain di gedung yang sama, atas perintah bengkel pembuat senjata, Donatello membuat patung St. George, yang mewujudkan cita-cita Renaisans awal yang sudah diungkapkan dengan jelas, rasa kesadaran diri dan kepercayaan diri pada citra individu yang cerah ini ditekankan. dengan pose bebas dan tenang dari sosok tersebut, mengingatkan pada kolom, yang menghadirkan “St. George” dengan contoh terbaik patung Yunani dari zaman klasik tinggi. Ini “bukan dewa zaman dahulu yang dimanusiakan, tetapi manusia yang didewakan di era baru,” menurut salah satu peneliti (N. Punin).

Awal realistis seni Donatello sepenuhnya diungkapkan dalam gambar para nabi untuk menara lonceng Giotto (1416-1430), yang ia buat dari individu-individu tertentu, yang menjadikan gambar-gambar ini, pada kenyataannya, potret orang-orang sezamannya. Donatello juga secara khusus terlibat dalam potret. Salah satu patung potret pertama, khas Renaisans, dianggap sebagai potret Niccolo Uzano, seorang tokoh politik di Florence pada tahun-tahun itu, yang dibuat oleh Donatello di terakota.

Perjalanan Donatello ke Roma pada tahun 1432 bersama Brunelleschi dan studi tentang monumen kuno di sana menginspirasi Donatello untuk menciptakan serangkaian karya yang berjiwa pagan, mirip dengan patung kuno, seperti malaikat marmer di panggung bernyanyi Katedral Florence . Kombinasi kompleks dari pengaruh kuno (dalam interpretasi bentuk, lipatan pakaian) dan suasana yang sangat khusyuk dan sangat religius adalah relief “Annunciation” dari Gereja Santa Croce di Florence.

Dalam perunggu “David” (30-an), Donatello kembali kembali ke tradisi kuno, tetapi klasik Yunani akhir. Seorang gembala sederhana, pemenang Goliat raksasa, yang menyelamatkan penduduk Yudea dari kuk orang Filistin dan kemudian menjadi raja, David menjadi salah satu gambar favorit seni Renaisans. Donatello menggambarkannya sebagai orang yang sangat muda, cantik ideal, seperti Praxitelean Hermes. Namun Donatello tidak takut untuk memperkenalkan detail sehari-hari seperti topi gembala - sebuah tanda asal usulnya yang sederhana.

S. Botticelli. Kelahiran Venus. Florence, Uffizi

Donatello juga mendapat kehormatan untuk menciptakan monumen berkuda pertama di zaman Renaisans. Pada tahun 1443-1453 di Padua ia membuat patung berkuda dari condottiere Erasmo di Narni, yang dijuluki Gattamelata (“kucing beraneka ragam”). Pemodelan bentuk yang luas dan bebas menciptakan gambaran monumental seorang komandan militer, kepala pasukan tentara bayaran, seorang kondottier dengan tongkat marshal di tangannya, mengenakan baju besi, tetapi telanjang (omong-omong, terbuat dari topeng dan karena itu secara ekspresif potret) kepala, di atas kuda yang berat dan agung. Kaki kiri depan kuda bertumpu pada intinya. Ibarat penunggang kuda, alasnya sederhana, jelas dan tegas. Citra Gattamelata tidak diragukan lagi dieksekusi di bawah pengaruh solusi spasial kuno, khususnya citra Marcus Aurelius.

Monumen Gattamelata berdiri di alun-alun di depan Katedral St. Louis Padua. Anthony, yang relief altarnya juga dibuat oleh Donatello (1445-1450). Menggunakan tradisi terbaik seni abad pertengahan dan mempelajari patung kuno, Donatello sampai pada keputusannya sendiri, pada gambaran kemanusiaan yang mendalam dan realisme sejati, yang menjelaskan pengaruhnya yang sangat besar pada semua seni pahat Eropa berikutnya. Tak heran ia disebut sebagai salah satu dari tiga bapak Renaisans, bersama Brunelleschi dan Masaccio.

Murid Donatello yang paling terkenal adalah Andrea Verrocchio (1436-1488), yang juga seorang pelukis (sebagai pelukis ia lebih dikenal sebagai guru Leonardo). Verrocchio terinspirasi oleh tema yang sama dengan Donatello. Tapi "David" perunggu karya Verrocchio, yang sudah dibuat di akhir Florentine Quattrocento, lebih halus, elegan, dan pemodelan bentuknya sangat detail. Semua ini membuat patung itu kurang monumental dibandingkan gambar Donatello.

Untuk alun-alun Venesia dekat gereja San Giovanni e Paolo Verrocchio menciptakan monumen berkuda condottiere Colleoni. Ada sandiwara tertentu dalam pose pengendara dan gaya berjalan kudanya yang berjingkrak. Profil alas tinggi tersebut dilipat, didesain agar siluet pengendara terlihat jelas di langit, di tengah alun-alun kecil yang dikelilingi gedung-gedung tinggi. Ciri-ciri kecanggihan Verrocchio sepenuhnya konsisten dengan aristokratisasi selera yang menjadi ciri khas Florence pada akhir abad ke-15, meskipun tidak diragukan lagi, berkat bakat Verrocchio, monumennya memiliki keagungan dan integritas gambar monumental. Condottiere Verrocchio bukanlah gambaran orang tertentu, melainkan ciri tipe umum pada zaman itu.

Peran utama dalam lukisan Florentine Quattrocento jatuh ke tangan seniman Tommaso di Giovanni di Simone Cassai Guidi, yang dikenal sebagai Masaccio (1401-1428). Kita dapat mengatakan bahwa Masaccio memecahkan masalah-masalah yang paling mendesak tersebut seni bergambar, yang dipentaskan satu abad sebelumnya oleh Giotto. Sudah dalam dua adegan utama lukisan di Kapel Brancacci di gereja Santa Maria del Carmine di Florentine - “Il tribute” dan “Pengusiran Adam dan Hawa dari Surga” - Masaccio menunjukkan dirinya sebagai seniman yang sesuai dengan keinginannya. jelas bagaimana menempatkan figur dalam ruang , bagaimana menghubungkannya satu sama lain dan dengan lanskap, apa hukum anatomi tubuh manusia. Adegan Masaccio penuh dengan drama, kebenaran hidup: dalam “Expulsion from Paradise,” Adam menutupi wajahnya dengan tangan karena malu. Eva terisak, menundukkan kepalanya karena putus asa. Dalam adegan “Pajak”, tiga adegan digabungkan: Kristus bersama murid-murid-Nya di gerbang kota, dihentikan oleh seorang pemungut pajak, adalah komposisi sentral; Petrus, atas perintah Kristus, menangkap ikan untuk mendapatkan koin yang diperlukan untuk pembayaran (didrachm, atau statir, maka nama lain dari lukisan dinding itu - "Keajaiban dengan statir") - komposisi di sebelah kiri; tempat pembayaran pajak kepada pemungut pajak ada di sebelah kanan. Prinsip menghubungkan tiga adegan dalam satu bidang masih kuno, tetapi cara adegan-adegan ini ditulis - dengan mempertimbangkan perspektif linier dan udara - merupakan wahyu sejati baik bagi orang-orang sezaman Masaccio maupun bagi semua master berikutnya. Masaccio adalah orang pertama yang memecahkan masalah utama Quattrocento - perspektif linier dan udara. Perbukitan dan pepohonan memanjang ke kejauhan, membentuk lingkungan alami tempat para pahlawan tinggal dan sosok-sosok tersebut terhubung secara organik. Secara alami, kelompok sentral terletak di lanskap - Yesus dan murid-muridnya. Di antara sosok-sosok itu tercipta semacam lingkungan udara. Masaccio tidak segan-segan menyampaikan ciri-ciri potret kepada sekelompok murid Kristus di tengah: pada sosok paling kanan, orang-orang sezaman melihat Masaccio sendiri, pada wajah di sebelah kiri Kristus mereka melihat kemiripan dengan Donatello. Pencahayaannya juga alami: sesuai dengan cahaya asli yang jatuh dari sisi kanan kapel.

Sejak kemunculannya, lukisan dinding Masaccio berkontribusi pada fakta bahwa gereja Santa Maria del Carmine berubah menjadi semacam akademi, tempat generasi seniman belajar, hingga Michelangelo, yang tidak diragukan lagi dipengaruhi oleh Masaccio. Kemampuan Masaccio untuk menggabungkan figur dan lanskap menjadi satu aksi, untuk secara dramatis dan pada saat yang sama menyampaikan kehidupan alam dan manusia secara alami - inilah kelebihan besar sang pelukis, yang menentukan tempatnya dalam seni. Dan ini lebih mengejutkan karena Masaccio hidup di dunia selama lebih dari seperempat abad.

Sejumlah seniman mengikuti Masaccio mengembangkan masalah perspektif, gerak dan anatomi tubuh manusia, sehingga dalam ilmu pengetahuan mereka mendapat nama perspektif dan analis. Ini adalah pelukis seperti Paolo Uccello, Andrea Castagno, dan pelukis Umbria Domenico Veneziano.

Ada juga gerakan yang lebih kuno di kalangan seniman Florentine, yang mengekspresikan selera konservatif. Beberapa dari seniman ini adalah biksu, itulah sebabnya dalam sejarah seni mereka disebut seniman monastik. Salah satu yang paling terkenal di antara mereka adalah fra (yaitu saudara laki-laki - alamat seorang biarawan kepada seorang biarawan) Giovanni Beato Angelico da Fiesole (1387-1455). Dan meskipun dia adalah seorang biarawan dari ordo Dominikan yang suram, tidak ada yang kasar atau asketis dalam karya seninya. Gambar-gambar Madonna-nya, yang dilukis menurut tradisi abad pertengahan, sering kali dengan latar belakang emas, penuh dengan lirik, kedamaian, dan kontemplasi, dan latar belakang lanskap dipenuhi dengan rasa keceriaan yang mencerahkan, ciri khas Renaisans. Perasaan ini semakin diperkuat dalam karya murid Beato Angelico Benozzo Gozzoli (1420-1498), misalnya dalam lukisan dindingnya yang terkenal di Palazzo Medici (Riccardi) “Procession of the Magi”, yang komposisinya ia memperkenalkan gambar keluarga penguasa Florence, Cosimo Medici.

Kekuasaan di Florence diberikan kepada bankir ini, sebagaimana telah disebutkan, pada tahun 1434. Selama bertahun-tahun, dinasti Medici berdiri di depan Florence, yang berubah dari bentuk pemerintahan demokratis menjadi bentuk pemerintahan aristokrat, yang mempengaruhi perkembangan seni. waktu itu.

Budaya medis sangat sekuler. Hanya di Italia abad ke-15. orang dapat membayangkan kekasihnya, Lucrezia Buti, yang pernah diculik dari biara, dan anak-anaknya dalam gambar Madonna dan Kristus bersama John, sebagai Filippo Lippi (1406-1469), artis favorit Cosimo de' Medici, lakukan dalam salah satu karyanya. Legenda pun bermunculan tentang kehidupan Lippi. Dia sendiri adalah seorang biarawan, tetapi meninggalkan biara, menjadi seniman pengembara, menculik seorang biarawati dari biara dan meninggal, menurut Vasari, diracuni oleh kerabat seorang wanita muda yang dia cintai di usia tua. Tema religi yang diwujudkan oleh seniman Florentine Quattrocento berubah menjadi karya sekuler dengan banyak detail sehari-hari, dengan potret orang-orang sezaman, penuh dengan perasaan dan pengalaman manusia yang hidup.

Pada paruh kedua abad ke-15. Dengan menguatnya peran bangsawan dalam seni, keanggunan dan kemewahan menjadi semakin penting. Adegan Injil yang digambarkan oleh Domenico Ghirlandaio (1449-1494) di dinding Gereja Santa Maria Novella sebenarnya merupakan interpretasi adegan-adegan kehidupan lapisan atas masyarakat Florentine.

Seni Florentine mencapai kecanggihan tertentu pada akhir abad ini, pada masa pemerintahan cucu Cosimo, Lorenzo de' Medici, yang dijuluki Yang Luar Biasa (1449-1492). Seorang politisi yang sadar dan bahkan kejam, seorang tiran sejati, Lorenzo sekaligus salah satu orang paling terpelajar pada masanya. Penyair, filsuf, humanis, dermawan, berpandangan pagan, namun rentan terhadap pengagungan agama, ia mengubah istananya menjadi pusat budaya artistik pada masa itu, di mana para penulis seperti Poliziano, ilmuwan dan filsuf seperti Pico della Mirandola, hebat seniman seperti Botticelli dan Michelangelo. Perburuan, karnaval, turnamen saling mengikuti, peserta mengekspresikan diri dalam seni lukis, musik, patung, kefasihan dan puisi. Namun banyak hal yang kontradiktif dalam budaya istana Lorenzo yang Agung; terlalu dimanjakan, diresapi sentimen dekadensi, dan terbatas pada lingkungan sosial yang sempit.

Seniman paling khas dari mendiang Florentine Quattrocento, eksponen cita-cita estetika istana Lorenzo Medici, adalah Sandro Botticelli (Alessandro di Mariano Filipepi, 1445-1510), murid Philippe Lippi. Galeri Uffizi menyimpan dua lukisannya yang terkenal: The Birth of Venus (c. 1483-1484) dan Spring (Primavera; c. 1477-1478). Yang pertama, Botticelli menggambarkan bagaimana seorang dewi cantik, yang lahir dari buih laut, di bawah hembusan angin dalam cangkang meluncur di sepanjang permukaan laut hingga ke pantai. Di sini semua ciri utama tulisan Botticelli tercermin: dekorasi, keanggunan, sifat liris dan romantis dari gambar-gambarnya, kemampuannya yang luar biasa untuk menciptakan lanskap yang fantastis, impasto, hampir lega, mengaplikasikan cat, ciri khasnya “Gotik” ( sosok memanjang tanpa bobot, seolah tidak menyentuh tanah) . Botticelli menciptakan tipe wajah yang sangat spesifik, terutama untuk wanita: oval memanjang, bibir montok, mata tampak berlinang air mata. Tipe yang sama kita jumpai dalam “Musim Semi” yang temanya terinspirasi dari salah satu puisi Poliziano. Botticelli tidak menyukai plot yang spesifik dan dijelaskan. Dalam lukisan “Primavera” sosok Musim Semi, Madonna, Merkurius, Tiga Rahmat, bidadari, marshmallow, dll. digabungkan menjadi satu komposisi, dihadirkan di tengah alam yang fantastis, gambaran yang mampu disampaikan Botticelli dalam karyanya caranya sendiri, seperti taman ajaib. Namun wajah Musim Semi, yang berhamburan bunga dari ujungnya, membeku dalam ketidakterikatan, hampir tragis, yang sama sekali tidak terkait dengan kegembiraan yang dibawanya. Gambarannya tentang Madonna diberkahi dengan ciri-ciri yang sama; "Salome", "Exiled", dll. miliknya dicirikan dengan lebih tragis dan gugup.

Pada tahun 80-an, bersama dengan Ghirlandaio dan Perugino, Botticelli melukis dinding Kapel Sistina, dan dengan demikian lukisan dindingnya ditakdirkan untuk bersaing selama berabad-abad dengan lukisan Michelangelo yang diselesaikan setengah abad kemudian. Karya-karya terbaru Botticelli, terutama Ratapan, terinspirasi oleh gambaran dan nasib tragis Savonarola, yang di bawah pengaruhnya sang seniman berada di tahun 80an dan 90an. Khotbah yang penuh semangat dari biarawan Dominika, yang ditujukan tidak hanya terhadap tiran Medici, korupsi kepausan dan kemerosotan agama, tetapi juga terhadap seluruh budaya Renaisans, menyebabkan api unggun fanatik di Savonarola, tempat kreasi abadi dari Budaya Renaisans dan karya Botticelli dibakar. Selama sepuluh tahun terakhir dia tidak menulis apa pun, berada dalam kesedihan yang tragis setelah eksekusi Savonarola.

Pada akhir abad ke-15. Florence, seperti semua kota terkemuka di Italia, memasuki masa krisis ekonomi dan sosial politik. Pada usia 30-an abad ke-16, Florence kehilangan kemerdekaannya sebagai komune kota, hanya tersisa kota utama Kadipaten Tuscany, dan tidak lagi menjadi pusat kehidupan artistik. Namun aliran Quattrocento di Florentine meninggalkan jejaknya pada semua seni Renaisans. Ini adalah yang pertama memecahkan masalah perspektif linier dan udara, anatomi tubuh manusia, gambar akurat, dan gerakan alami; warna, bagaimanapun, bukanlah sisi terkuat dari karya para master Florentine.

Sekolah Umbria abad ke-15. Di sebelah timur laut Tuscany adalah tanah Umbria. Di sini, di abad ke-15. Tidak ada kota sebesar itu, ruang-ruang besar ditempati oleh pemilik tanah, dan oleh karena itu tradisi feodal abad pertengahan hidup lebih lama dalam seni dan diekspresikan lebih jelas. Karakter seni Umbria abad ke-14 yang sopan dan sopan. sangat dekat dengan Siena. Melalui Venesia, kota-kota Umbria memelihara hubungan dengan Eropa Utara dan Byzantium. Seni Umbria bersifat dekoratif, penuh hiasan, liris, melamun, dan sangat religius; Berbeda dengan Tuscany, warna memainkan peran utama di dalamnya.

Semua ciri ini sudah terlihat jelas dalam karya-karya master Umbria seperti Gentile de Fabriano, calon guru Raphael Perugino, Pinturicchio, Melozzo da Forli. Namun penguasa Umbria terbesar di abad ke-15. adalah Piero della Francesca (1420?-1492). Ia belajar dengan Domenico Veneziano, bekerja di Florence, akrab dengan Brunelleschi dan Ghiberti, tertarik pada masalah perspektif seperti Florentines, dan bahkan meninggalkan risalah tentang topik ini. Hingga Titian, Piero della Francesca adalah salah satu pewarna terhebat. Dia mengembangkan hubungan warna dengan cara yang paling halus, menggunakan teknik valer, yaitu, dia tahu bagaimana menyampaikan celah warna yang berbeda dan menggabungkan warna dengan lingkungan cahaya-udara, sehingga sejarawan seni kemudian menjulukinya sebagai salah satu pelukis udara plein pertama. (yaitu, bekerja di udara terbuka) di seluruh seni Eropa Barat. Francesca adalah seorang monumentalis terhebat, seorang ahli yang bukan hanya ahli dalam lukisan kuda-kuda (walaupun ia meninggalkan potret, misalnya potret Adipati Urbino Federigo de Montefeltro dan istrinya Battista Sforza, yang disimpan di Galeri Uffizi - 1465), tetapi seorang yang monumental dan lukisan dekoratif. Bakatnya sebagai seorang monumentalis terlihat sempurna dalam lukisan dinding di Gereja San Francesco di Arezzo, yang dilukis pada tahun 50-60an (“Mimpi Konstantinus”, “Kedatangan Ratu Sheba kepada Raja Salomo”, dll.) , dengan rasa ritme linier dan plastis yang luar biasa, dengan kesederhanaan bentuk yang ekstrem untuk meningkatkan kesungguhan epik, keagungan gambar, ditinggikan di atas yang acak dan biasa. Francesca, sebagai seniman Quattrocento sejati, percaya pada misi tinggi manusia, pada kemampuannya untuk berkembang.

Sekolah Padua abad ke-15. Kreativitas para master Paduan berkembang di bawah tanda kekaguman terhadap seni kuno. Andrea Mantegna (1431-1506), seniman terhebat dari sekolah Paduan, adalah seorang siswa dan anak angkat Francesco Squarcione, kolektor dan ahli seni kuno, yang menyampaikan kepadanya kekagumannya terhadap “keagungan zaman dahulu”. Padua terletak di Italia utara, hubungannya dengan Jerman dan Prancis cukup dekat pada abad ke-15, dan ciri-ciri Gotik dalam seni Quattrocento cukup alami. Padua juga mendapat pengaruh besar dari sekolah Florentine. Giotto, Uccello, Donatello, dan F. Lippi bekerja di sini. Namun yang terpenting, pengaruh zaman kuno yang telah disebutkan, terutama pengaruh Romawi, mempengaruhi aliran Padua. Mantegna memperkenalkan gambar monumen kuno ke dalam komposisinya. Seperti Francesca, Mantegna pada dasarnya adalah seorang muralis. Di Kapel Ovetari Gereja Eremitani Padua (akhir tahun 40an - 50an), Mantegna menyajikan kisah St. Yakub seolah-olah aksinya terjadi di suatu kota di Kekaisaran Romawi. Semua komposisi memukau dengan keberanian solusi spasial. Berbeda dengan Francesca, sosok Mantegna tampak menonjol dari tembok, menghancurkan pesawat, selalu ditampilkan dalam sudut yang rumit, seperti misalnya; berdiri dengan punggungnya di hadapan hadirin seorang pejuang, dengan takjub merenungkan mukjizat yang dilakukan St. Yakub.

Di istana penguasa Mantuan, Castello di Corto, yang ditugaskan oleh pelindung seni dan pencinta barang antik Lodovico Gonzaga, Mantegna melukis “ruang pernikahan” (Camera degli Sposi), yang menggambarkan potret keluarga Gonzaga dan pemandangan dari kehidupan istana Mantua. Lukisan langit-langit, yang menggambarkan galeri bundar di tengah-tengah kubah dengan orang-orang melihat melalui pagar, sebenarnya adalah dekorasi ilusionis pertama dalam seni Eropa Barat. Awan yang dilukis dengan indah semakin meningkatkan kesan terobosan ke langit.

Kecintaan Mantegna terhadap zaman kuno, yang terutama terlihat dalam 9 panel grisaille persiapan bertema “The Triumphs of Caesar” dan dalam karya terakhirnya “Parnassus,” dipadukan dengan pemahaman halus tentang spesifikasi teknik dan genre serta dengan a pemikiran ulang kreatif tentang tradisi Gotik Utara. Hal ini terlihat jelas dalam salah satu karyanya yang paling terkenal - “Penyaliban” dari gambar altar Gereja San Zeno di Verona. Keparahan dan tragedi muncul dari persilangan dengan para martir, dari kelompok di sebelah kiri yang dipimpin oleh Maria, membeku, membatu dalam penderitaannya, dari seluruh lanskap berbatu tak bernyawa, di mana puncak gunung berwarna merah darah menyala dengan latar belakang hijau tua. langit memberikan karakter yang tidak menyenangkan. Drama tentang apa yang terjadi ditegaskan oleh sekelompok tentara Romawi yang memerankan pakaian Kristus. Mantegna mempunyai gambar yang jelas, kontur yang kaku, proporsi yang disesuaikan secara anatomi, perspektif yang berani, warna yang dingin, menekankan keparahan dan penderitaan yang terkendali dari gambarnya. Seorang visioner hebat, inovator yang berani, Mantegna adalah penyanyi dengan kepribadian heroik. Mantegna banyak mengukir (pada tembaga) dan mempunyai pengaruh besar pada Dürer.

Di antara orang-orang sezaman Mantegna, seniman Ferrara dan Bologna (Cosimo Tura, Francesco Cossa, Lorenzo Costa, dll.) paling dekat dengan sekolah Paduan. Ferrara, sebuah kota di timur laut Italia, sampai batas tertentu bahkan merupakan saingan Venesia. Tetapi cara hidup feodal-aristokratis berkontribusi pada pelestarian jangka panjang tradisi Gotik dalam seni (walaupun di istana Dukes of Este mereka sangat menghargai dan mempelajari barang antik dengan cermat dan bahkan memperkenalkannya ke dalam kehidupan sehari-hari. bahasa Latin). Karya Cosimo Tour dan komposisi ekspresif altarnya menunjukkan pengaruh master Italia (Mantegna, Piero della Francesca) dan Belanda (Rogier van der Weyden). Francesco Cossa menjadi terkenal karena lukisan dinding istana pedesaan Dukes of Este "Schifanoia" ("Tidak membosankan") dengan adegan perburuan, kompetisi, kemenangan, yang menyampaikan semua kemegahan kehidupan istana, Lorenzo Costa, sebagai tambahan lukisan monumental, terlibat dalam potret (lihat potretnya tentang seorang wanita di Pertapaan) .

Sekolah Venesia abad ke-15. Selama Renaisans, Venesia berkembang agak berbeda dibandingkan kota-kota Italia lainnya. Posisi geografisnya yang menguntungkan di pulau-pulau di Laut Adriatik Barat Laut, armadanya yang kuat dan jalur perdagangan terbuka dengan Timur, terutama dengan Bizantium (sampai abad ke-10, Venesia umumnya merupakan bagian dari Kekaisaran Bizantium), dengan cepat menjadikannya kaya. Perang Salib membawa pendapatan baru bagi Republik Venesia. Namun sejak akhir abad ke-13. proses aristokratisasi sistem politiknya dimulai. Patricianisme menunda tumbuhnya budaya baru yang lebih burgher, dan dengan demikian Renaisans di Venesia tertunda hampir setengah abad.

Quattrocento di Venesia dimulai dengan nama seniman seperti Pisanello dan Gentile de Fabriano, yang bersama-sama melukis Istana Doge; menemukan ekspresi penuhnya dalam karya master seperti Vittorio Carpaccio. Rangkaian lukisannya mengenai subjek keagamaan dalam minyak di atas kanvas untuk sekolah-sekolah Venesia - masyarakat awam (scuolo) menggambarkan kehidupan Venesia yang beraneka ragam, kerumunan Venesia kontemporer, dan lanskap Venesia. Namun jalur perkembangan awal Renaisans paling jelas terlihat dalam karya keluarga Bellini: Jacopo Bellini dan kedua putranya - Gentile dan Giovanni. Yang paling terkenal dalam seni adalah yang terakhir, sering disebut Gianbellino (1430-1516) di tanah airnya. Dia memulai dengan gaya yang keras dalam semangat Paduan, tetapi kemudian beralih ke keindahan yang lembut, warna emas yang kaya, rahasianya, serta perasaan yang halus, dia sampaikan kepada muridnya Titian.

Madonna karya Gianbellino, “sangat sederhana, serius, tidak sedih atau tersenyum, tetapi selalu tenggelam dalam perhatian yang seimbang dan penting” (P. Muratov), ​​​​tampaknya larut dalam lanskap, selalu organik dengannya (“Madonna dengan Pepohonan”). Lukisan alegorisnya penuh dengan suasana filosofis dan kontemplatif, kadang-kadang bahkan tidak cocok untuk penguraian plot apa pun, tetapi dengan sempurna menyampaikan esensi dari prinsip figuratif (“Jiwa Api Penyucian”). Saudara-saudara Bellini, seperti Antonello da Messina, juga dikenal dalam sejarah seni karena kemajuannya teknologi minyak, yang baru-baru ini diketahui oleh para master Italia.

Sekolah Venesia menyelesaikan pengembangan seni Quattrocento. Abad ke-15 membawa kebangkitan sejati tradisi kuno ke negara Italia, tetapi atas dasar baru - dipahami dan dipahami oleh orang-orang di era baru. Masing-masing bentuk seni meninggalkan beberapa solusi penting terhadap permasalahan baru; arsitektur - jenis palazzo sekuler; patung adalah gambar seseorang, bukan dewa, seperti pada zaman dahulu; lukisan mengembangkan gambaran religius tentang subjek Kristen atau kuno, tetapi memberinya ciri-ciri sekuler. Semua ini merupakan kontribusi penting Quattrocento terhadap seni Renaisans.

Sejak akhir abad ke-15, Italia mulai mengalami segala akibat persaingan ekonomi yang tidak menguntungkan dengan Portugal, Spanyol, dan Belanda. Kota-kota utara Eropa mengadakan serangkaian kampanye militer melawan Italia, yang terpecah-pecah dan kehilangan kekuatannya. Masa sulit ini menghidupkan gagasan untuk menyatukan negara, sebuah gagasan yang sangat menggairahkan para pemikir terbaik Italia.

Diketahui bahwa periode-periode tertentu berkembangnya seni mungkin tidak bersamaan perkembangan umum masyarakat, status material dan ekonominya. Selama masa-masa sulit bagi Italia, “zaman keemasan” Renaisans Italia yang berumur pendek dimulai - yang disebut Renaisans Tinggi, titik tertinggi berkembangnya seni Italia. Dengan demikian, Renaisans Tinggi bertepatan dengan periode perjuangan sengit kota-kota Italia untuk meraih kemerdekaan. Seni masa ini diresapi dengan humanisme, keyakinan pada kekuatan kreatif manusia, pada kemungkinan kemampuannya yang tidak terbatas, pada struktur dunia yang masuk akal, pada kejayaan kemajuan. Dalam seni rupa, permasalahan kewajiban sipil, kualitas moral yang tinggi, perbuatan heroik, citra manusia pahlawan yang cantik, berkembang secara harmonis, kuat jiwa dan raganya yang berhasil melampaui taraf kehidupan sehari-hari mengemuka. Pencarian cita-cita seperti itu membawa seni pada sintesis, generalisasi, penemuan pola-pola umum fenomena, hingga identifikasi hubungan logisnya. Seni Renaisans Tinggi meninggalkan detail-detail khusus dan tidak penting atas nama gambaran umum, atas nama keinginan untuk sintesis harmonis dari aspek-aspek indah kehidupan. Inilah salah satu perbedaan utama antara Renaisans Tinggi dan Renaisans Awal.

Leonardo da Vinci (1452-1519) adalah seniman pertama yang secara jelas mewujudkan perbedaan ini. Ia dilahirkan di Anchiano, dekat desa Vinci; ayahnya adalah seorang notaris yang pindah ke Florence pada tahun 1469. Guru pertama Leonardo adalah Andrea Verrocchio. Sosok bidadari dalam lukisan guru “Baptisan” sudah dengan jelas menunjukkan perbedaan persepsi seniman tentang dunia masa lalu dan era baru: tidak ada kerataan frontal Verrocchio, model volume terpotong terbaik dan spiritualitas yang luar biasa dari gambar. Para peneliti memberi tanggal pada “Madonna dengan Bunga” (“Benois Madonna,” demikian sebutan sebelumnya, menurut nama pemiliknya) pada saat Verrocchio meninggalkan bengkel. Selama periode ini, Leonardo tidak diragukan lagi dipengaruhi oleh Botticelli untuk beberapa waktu. “Annunciation” -nya secara detail masih mengungkapkan hubungan erat dengan Quattrocento, namun ketenangan, keindahan sempurna dari sosok Maria dan Malaikat Agung, struktur warna lukisan, dan keteraturan komposisi berbicara tentang pandangan dunia seniman baru. era, ciri khas High Renaissance.

Dari tahun 80-an abad ke-15. Dua komposisi Leonardo yang belum selesai masih ada: “The Adoration of the Magi” dan “St. Jerome." Mungkin pada pertengahan tahun 80-an, "Madonna Litta" juga diciptakan menggunakan teknik tempera kuno, yang dalam gambarnya ekspresi tipe kecantikan wanita Leonardo: kelopak mata yang berat dan setengah terkulai serta senyuman halus memberikan spiritualitas khusus pada wajah Madonna.

Leonardo da Vinci. Potret diri. Turin, perpustakaan

Florence, bagaimanapun, tampaknya tidak terlalu menyambut sang seniman selama tahun-tahun ini, dan pada tahun 1482, setelah mengetahui bahwa Adipati Milan Lodovico Sforza, lebih dikenal sebagai Lodovico Moro, sedang mencari seorang pematung untuk membuat monumen untuk ayahnya. Francesco Sforza, Leonardo menawarkan jasanya Duke dan berangkat ke Milan. Perhatikan bahwa dalam sebuah surat kepada Moreau, Leonardo pertama-tama mencantumkan jasa-jasanya sebagai seorang insinyur militer (pembangun jembatan, pembuat benteng, "artileri", pembuat kapal), pekerja reklamasi lahan, arsitek, dan baru kemudian sebagai pematung dan pelukis.

Menggabungkan prinsip-prinsip ilmiah dan kreatif, memiliki pemikiran logis dan artistik, Leonardo menghabiskan seluruh hidupnya terlibat dalam penelitian ilmiah bersama dengan seni rupa; terganggu, dia tampak lamban dan meninggalkan sedikit karya seni. Di istana Milan, Leonardo bekerja sebagai seniman, ilmuwan teknis, penemu, ahli matematika, dan ahli anatomi. Pada saat yang sama, setelah mengabdi pada Moreau, ia tampaknya diciptakan untuk kehidupan sosial, mirip dengan yang dipimpin oleh bangsawan Milan.

Penguatan dan dekorasi benteng Milan (Castello Sforzesso), desain perayaan terus-menerus dan banyak pernikahan, serta studi ilmiah menjauhkan Leonardo dari seni. Dengan semua ini, periode Milan, yang berlangsung dari tahun 1482 hingga 1499, adalah salah satu periode paling bermanfaat dalam karya sang master, yang menandai awal kematangan artistiknya. Sejak saat itulah Leonardo menjadi seniman terkemuka di Italia: dalam arsitektur ia sibuk merancang kota yang ideal, dalam seni pahat - membuat monumen berkuda, dalam seni lukis - melukis gambar altar besar. Dan setiap ciptaan yang diciptakannya merupakan penemuan seni.

Pertama sebuah karya yang bagus, yang dia bawakan di Milan, adalah "Madonna of the Rocks" (atau "Madonna of the Grotto"). Ini adalah komposisi altar monumental pertama dari High Renaissance, menarik juga karena sepenuhnya mengekspresikan ciri-ciri gaya penulisan Leonardo. Setelah menciptakan dalam gambar Madonna dengan bayi Kristus dan Yohanes dan seorang malaikat gambaran yang digeneralisasi, kolektif, idealnya indah sambil mempertahankan semua fitur persuasif yang vital, Leonardo, seolah-olah, merangkum semua pencarian era Quattrocento dan mengalihkan pandangannya ke masa depan.

Leonardo da Vinci. Madonna di gua. Paris, Louvre

Komposisi gambarnya konstruktif, logis, dan diverifikasi secara ketat. Kelompok empat orang itu membentuk semacam piramida, namun gerak tangan Maria dan jari telunjuk bidadari menciptakan gerakan melingkar di dalam lukisan, dan pandangan secara alami berpindah dari satu ke yang lain. Kedamaian terpancar dari sosok Madonna dan bidadari, namun pada saat yang sama juga menginspirasi rasa misteri tertentu, misteri yang mengganggu, ditegaskan oleh pemandangan fantastis dari gua itu sendiri dan latar belakang lanskap. Sebenarnya, ini bukan lagi sekadar latar lanskap, melainkan lingkungan tertentu tempat orang-orang yang digambarkan berinteraksi. Penciptaan lingkungan ini juga difasilitasi oleh kualitas khusus lukisan Leonardo, yang disebut “sfumato”: kabut lapang yang menyelimuti semua benda, melembutkan kontur, membentuk suasana lapang terang tertentu.

Karya terbesar Leonardo di Milan, pencapaian tertinggi seninya, adalah lukisan dinding ruang makan biara Santa Maria della Grazie dengan tema Perjamuan Terakhir (1495-1498). Kristus bertemu dengan murid-muridnya untuk terakhir kalinya saat makan malam untuk mengumumkan kepada mereka pengkhianatan salah satu dari mereka. “Sesungguhnya Aku berkata kepadamu, salah satu dari kalian akan mengkhianati Aku.” Leonardo menggambarkan momen reaksi kedua belas orang terhadap perkataan gurunya. Reaksi ini berbeda, tetapi tidak ada pengaruh eksternal dalam gambar, semuanya penuh dengan gerakan internal yang terkendali. Sang seniman mengubah komposisinya berkali-kali, tetapi tidak mengubah prinsip utama: komposisinya didasarkan pada perhitungan matematis yang tepat. Tiga belas orang duduk di meja panjang, sejajar dengan garis kanvas: dua orang berada di profil penonton di sisi meja, dan sebelas orang menghadap. Kunci komposisinya adalah sosok Kristus, ditempatkan di tengah, dengan latar belakang pintu, di belakangnya terbuka lanskap; Mata Kristus tertunduk, di wajahnya ada ketundukan pada kehendak yang lebih tinggi, kesedihan, kesadaran akan keniscayaan nasib yang menantinya. Dua belas orang sisanya dibagi menjadi empat kelompok yang masing-masing terdiri dari tiga orang. Semua wajah diterangi, kecuali wajah Yudas, menghadap penonton dan membelakangi sumber cahaya, yang sesuai dengan rencana Leonardo: untuk membedakannya dari siswa lain, untuk menjadikan esensinya yang hitam dan berbahaya. hampir nyata secara fisik.

Leonardo da Vinci. Perjamuan Terakhir. Lukisan ruang makan biara Santa Maria della Grazie di Milan

Bagi Leonardo, seni dan sains tidak dapat dipisahkan. Saat berkecimpung dalam seni, ia melakukan penelitian ilmiah, eksperimen, observasi, ia melewati perspektif ke dalam bidang optik dan fisika, melalui masalah proporsi ke dalam anatomi dan matematika, dll. “Perjamuan Terakhir” melengkapi seluruh tahapan dalam karya ilmiah sang seniman. riset. Ini juga merupakan tahap baru dalam seni. Banyak seniman Quattrocento melukis Perjamuan Terakhir. Bagi Leonardo, hal yang utama adalah mengungkapkan, melalui reaksi orang-orang, karakter, temperamen, dan individualitas yang berbeda, pertanyaan-pertanyaan abadi umat manusia: tentang cinta dan kebencian, pengabdian dan pengkhianatan, kemuliaan dan kekejaman, keserakahan, itulah yang menjadikan Leonardo sebagai manusia. bekerja sangat modern, sangat mengasyikkan hingga saat ini. Orang-orang menunjukkan diri mereka dengan cara yang berbeda-beda pada saat guncangan emosional: murid terkasih Kristus, Yohanes, terkulai, dengan lemah lembut menurunkan matanya, Petrus mengambil pisau, Yakub merentangkan tangannya dengan bingung, Andrei dengan kejang mengangkat tangannya. Hanya Kristus yang tetap berada dalam keadaan damai total dan mementingkan diri sendiri, yang sosoknya merupakan pusat semantik, spasial, dan berwarna dari gambar tersebut, yang memberikan kesatuan pada keseluruhan komposisi. Bukan suatu kebetulan bahwa warna biru dan merah yang mendominasi lukisan itu terdengar paling intens pada pakaian Kristus: jubah biru, tunik merah.

Berbeda dengan kebanyakan karya Quattrocento, lukisan Leonardo tidak mengandung teknik ilusi apa pun yang memungkinkan ruang nyata berubah menjadi apa yang digambarkan. Namun lukisan yang terletak di sepanjang dinding ruang makan menundukkan seluruh interiornya. Dan kemampuan Leonardian untuk menaklukkan ruang secara luas membuka jalan bagi Raphael dan Michelangelo.

Nasib mural Leonardo sungguh tragis: ia sendiri berkontribusi terhadap kehancurannya yang cepat dengan bereksperimen dengan mencampurkan tempera dan minyak, bereksperimen dengan cat dan cat dasar. Belakangan, sebuah pintu rusak di dinding dan kelembapan serta uap mulai menembus ke dalam ruang makan, yang tidak berkontribusi pada pelestarian lukisan itu. Mereka yang menyerbu pada akhir abad ke-18. Di Italia, kaum Bonapartis membangun kandang, gudang gandum, dan kemudian penjara di ruang makan. Selama Perang Dunia Kedua, sebuah bom menghantam ruang makan, dan tembok tersebut secara ajaib selamat, sementara dinding seberang dan sampingnya runtuh. Pada tahun 50-an, lukisan itu dibersihkan dari lapisan-lapisan dan dipugar secara mendasar.

Leonardo mengambil cuti dari mempelajari anatomi, geometri, benteng, reklamasi lahan, linguistik, versifikasi, dan musik untuk mengerjakan “The Horse,” sebuah monumen berkuda untuk Francesco Sforza, yang terutama ia datangi ke Milan dan diselesaikannya dalam ukuran penuh. di awal tahun 90an di tanah liat. Monumen itu tidak ditakdirkan untuk diwujudkan dalam perunggu: pada tahun 1499 Prancis menginvasi Milan dan pasukan panah Gascon menembak monumen berkuda tersebut. Kita dapat menilai patung Leonardo dari gambarnya yang dibuat pada berbagai tahap pengerjaan. Monumen, yang tingginya sekitar 7 m, seharusnya 1,5 kali lebih tinggi dari patung berkuda Donatello dan Verrocchio; bukan tanpa alasan orang-orang sezaman menyebutnya “raksasa besar”. Dari komposisi dinamis dengan penunggang kuda yang sedang membesarkan menginjak-injak musuh, Leonardo beralih ke solusi yang lebih tenang pada sosok Sforza yang duduk khidmat di atas kuda perkasa.

Pada tahun 1499, tahun-tahun pengembaraan Leonardo dimulai: Mantua, Venesia dan, akhirnya, kampung halaman sang seniman di Florence, tempat ia melukis karton “St. Anna dengan Maria di pangkuannya,” yang darinya ia menciptakan lukisan cat minyak di Milan (tempat ia kembali pada tahun 1506). Leonardo menghabiskan waktu singkat dalam pelayanan Caesar Borgia, dan pada musim semi 1503 ia kembali ke Florence, di mana ia menerima dari Pietro Soderini, yang sekarang menjadi Gonfaloniere seumur hidup, perintah untuk mengecat dinding aula baru Palazzo Signoria. (dinding seberangnya akan dicat oleh Michelangelo). Leonardo membuat karton bertema pertempuran Milan dan Florentine di Anghiari - momen pertempuran sengit memperebutkan spanduk, Michelangelo - Pertempuran Cascina - momen ketika, setelah sinyal alarm, tentara muncul dari kolam. Orang-orang sezaman meninggalkan bukti bahwa karton kedua sukses besar justru karena karton tersebut menggambarkan bukan kemarahan, kemarahan, dan kegembiraan yang ganas, hampir seperti binatang, dari orang-orang yang bergulat sampai mati, seperti dalam Leonardo, tetapi pemuda cantik dan sehat yang bergegas untuk berpakaian dan bergabung dalam pertempuran - luhur gambaran kepahlawanan dan keberanian. Namun kedua karton tersebut tidak diawetkan, tidak diwujudkan dalam lukisan, dan kita mengetahui rencana Leonard hanya dari beberapa gambar.

Di Florence, Leonardo memulai lukisan lain: potret istri pedagang del Giocondo, Mona Lisa, yang menjadi salah satu lukisan paling terkenal di dunia. Ratusan halaman telah ditulis tentang potret itu: bagaimana Leonardo mengatur sesinya, mengundang musisi agar senyum di wajah sang model tidak pudar, berapa lama (seperti tipikal Leonardo) ia menunda pekerjaannya, bagaimana ia berusaha menyampaikan secara menyeluruh. setiap fitur dari wajah yang hidup ini. Potret Mona Lisa Gioconda merupakan langkah menentukan menuju perkembangan seni Renaisans. Untuk pertama kalinya, genre potret sejajar dengan komposisi bertema religi dan mitologi. Terlepas dari semua kesamaan fisiognomi yang tidak dapat disangkal, potret Quattrocento dibedakan oleh, jika bukan karena kendala eksternal, maka kendala internal. Keagungan Mona Lisa tersampaikan hanya dengan penjajaran sosoknya yang sangat besar, didorong kuat ke tepi kanvas, dengan lanskap dengan bebatuan dan aliran sungai yang terlihat seolah-olah dari jauh, meleleh, memikat, sulit dipahami, dan oleh karena itu, meskipun semua realita motifnya, aduhai. Sifat sulit dipahami yang sama juga terlihat dalam penampilan Gioconda, di wajahnya, di mana seseorang merasakan prinsip berkemauan keras, kehidupan intelektual yang intens, dalam pandangannya, cerdas dan berwawasan luas, seolah-olah terus-menerus memperhatikan penonton, dalam dirinya yang nyaris tidak terlihat. senyuman yang terlihat dan mempesona.

Dalam potret Mona Lisa, tingkat generalisasi telah dicapai yang, dengan tetap menjaga semua keunikan individualitas yang digambarkan, memungkinkan kita untuk menganggap gambar tersebut sebagai ciri khas High Renaissance. Dan inilah, pertama-tama, perbedaan antara potret Leonard dan potret awal Renaisans. Generalisasi ini, yang gagasan utamanya adalah rasa pentingnya diri sendiri, hak tinggi atas kehidupan spiritual yang mandiri, dicapai melalui sejumlah momen formal tertentu: kontur halus sosok, dan pemodelan lembut sosok tersebut. wajah dan tangan, diselimuti "sfumato" Leonardo. Pada saat yang sama, tanpa pernah merinci secara detail, tanpa membiarkan satu pun nada naturalistik, Leonardo menciptakan perasaan seperti tubuh yang hidup sehingga memungkinkan Vasari berseru bahwa seseorang dapat melihat denyut nadi berdetak di lekuk leher Mona Lisa.

Pada tahun 1506 Leonardo berangkat ke Milan yang sudah menjadi milik Prancis. Tahun-tahun terakhir di rumah - ini adalah tahun-tahun pengembaraan antara Florence, Roma, Milan, namun penuh, penelitian ilmiah, dan kegiatan kreatif, terutama melukis. Terbebani oleh kegelisahannya sendiri, perasaan kurang pengakuan, perasaan kesepian di kota asalnya Florence, terkoyak, seperti seluruh Italia, oleh musuh eksternal dan internal, Leonardo pada tahun 1515, atas saran raja Prancis Francis I, berangkat ke Prancis selamanya.

Leonardo adalah seniman terhebat pada masanya, seorang jenius yang membuka cakrawala seni baru. Ia meninggalkan sedikit karya, namun masing-masing karya merupakan panggung dalam sejarah kebudayaan. Leonardo juga dikenal sebagai ilmuwan serba bisa. Penemuan ilmiahnya, misalnya penelitiannya di bidang pesawat terbang, menarik perhatian di zaman astronotika kita. Ribuan halaman manuskrip Leonardo, yang mencakup setiap bidang pengetahuan, menjadi saksi universalitas kejeniusannya.

Ide-ide seni monumental Renaisans, yang menggabungkan tradisi zaman kuno dan semangat Kekristenan, terungkap paling jelas dalam karya Raphael (1483-1520). Dalam karya seninya, dua tugas utama menemukan solusi yang matang: kesempurnaan plastik tubuh manusia, yang mengekspresikan keharmonisan batin dari kepribadian yang dikembangkan secara komprehensif, di mana Raphael mengikuti zaman kuno, dan komposisi multi-figur kompleks yang menyampaikan semua keragaman. dunia. Masalah-masalah ini diselesaikan oleh Leonardo dalam “The Last Supper” dengan logika khasnya. Raphael memperkaya kemungkinan-kemungkinan ini, mencapai kebebasan luar biasa dalam menggambarkan ruang dan pergerakan sosok manusia di dalamnya, keselarasan sempurna antara lingkungan dan manusia. Fenomena kehidupan yang beragam di bawah kuas Raphael secara sederhana dan alami terbentuk menjadi komposisi arsitektur yang jelas, namun di balik semua ini berdiri ketelitian yang ketat pada setiap detail, logika konstruksi yang sulit dipahami, dan pengendalian diri yang bijaksana, yang menjadikan karya-karyanya klasik. Tak satu pun dari para ahli Renaisans yang memahami esensi pagan zaman kuno sedalam dan sealami Raphael; Bukan tanpa alasan ia dianggap sebagai seniman yang paling banyak menghubungkan tradisi kuno dengan seni Eropa Barat era modern.

Rafael Santi lahir pada tahun 1483 di kota Urbino, salah satu pusat seni budaya di Italia, di istana Adipati Urbino, dalam keluarga pelukis dan penyair istana, yang merupakan guru pertama dari calon master. . Periode awal Karya Raphael secara sempurna dicirikan oleh lukisan kecil dalam bentuk tondo “Madonna Conestabile”, dengan kesederhanaan dan keringkasan detail yang dipilih secara ketat (terlepas dari sifat takut-takut komposisinya) dan keistimewaan yang melekat pada semua karya Raphael, lirik halus. dan rasa damai. Pada tahun 1500, Raphael meninggalkan Urbino menuju Perugia untuk belajar di bengkel seniman Umbria terkenal Perugino, yang di bawah pengaruhnya The Betrothal of Mary (1504) ditulis. Rasa ritme, proporsionalitas massa plastik, interval spasial, hubungan antara figur dan latar belakang, koordinasi nada dasar (dalam “The Betrothal” berwarna emas, merah dan hijau dikombinasikan dengan latar belakang langit biru lembut) menciptakan harmoni yang sudah terlihat pada karya-karya awal Raphael dan membedakannya dengan seniman-seniman era sebelumnya. Pada tahun 1504, Raphael pindah ke Florence, suasana artistiknya sudah dipenuhi dengan tren High Renaissance dan berkontribusi pada pencariannya akan citra harmonis yang sempurna.

Sepanjang hidupnya, Raphael mencari gambar ini di Madonna; berbagai karyanya yang menafsirkan gambar Madonna membuatnya terkenal di seluruh dunia. Kelebihan sang seniman, pertama-tama, adalah ia mampu mewujudkan semua nuansa perasaan paling halus dalam gagasan keibuan, menggabungkan lirik dan emosi yang mendalam dengan keagungan yang monumental. Hal ini terlihat dalam semua Madonna-nya, dimulai dengan “Madonna Conestabile” yang pemalu dan muda: dalam “Madonna of the Greens”, “Madonna with the Goldfinch”, “Madonna in the Armchair” dan terutama di puncak semangat dan keterampilan Raphael. - di "Sistine Madonna". Tidak diragukan lagi, ini adalah cara untuk mengatasi penafsiran sederhana tentang cinta keibuan yang tenang dan cerah terhadap sebuah gambar yang dipenuhi dengan spiritualitas dan tragedi yang tinggi, dibangun di atas ritme harmonik yang sempurna: plastis, penuh warna, linier. Tapi itu juga merupakan jalan idealisasi yang konsisten. Namun, dalam “The Sistine Madonna” prinsip idealisasi ini diturunkan ke latar belakang dan memberi jalan pada perasaan tragis yang terpancar dari wanita muda cantik ideal ini dengan bayi Tuhan di pelukannya, yang dia berikan untuk menebus dosa manusia. Tatapan Madonna, yang diarahkan ke masa lalu, atau lebih tepatnya melalui penonton, penuh dengan antisipasi sedih atas nasib tragis putranya (yang tatapannya juga serius kekanak-kanakan). “The Sistine Madonna” adalah salah satu karya Raphael yang paling sempurna dari segi bahasa: sosok Maria dan Anak, yang bersiluet tegas di langit, disatukan oleh ritme gerakan yang sama dengan sosok St. Orang-orang barbar dan Paus Sixtus II, yang gerakannya ditujukan kepada Madonna, serta pandangan dua malaikat (lebih mirip putti, yang merupakan ciri khas Renaisans), berada di bagian bawah komposisi. Sosok-sosok tersebut juga disatukan oleh warna emas yang sama, seolah melambangkan pancaran sinar Ilahi. Namun yang utama adalah tipe wajah Madonna, yang mewujudkan sintesis cita-cita kuno tentang kecantikan dengan spiritualitas cita-cita Kristiani, yang menjadi ciri khas pandangan dunia High Renaissance.

« Sistina Madonna" - karya selanjutnya dari Raphael. Sebelumnya, pada tahun 1509, Paus Julius II mengundang seniman muda tersebut ke Roma untuk melukis ruang pribadi kepausan (stanza) di Istana Vatikan. Pada awal abad ke-16. Roma menjadi pusat kebudayaan utama Italia. Seni Renaisans Tinggi mencapai puncaknya di kota ini, di mana, atas kehendak Paus Julius II dan Leo X yang menggurui, seniman seperti Bramante, Michelangelo dan Raphael bekerja secara bersamaan. Seni berkembang di bawah tanda persatuan nasional (karena para paus bermimpi menyatukan negara di bawah pemerintahan mereka), berdasarkan tradisi kuno, dan mengekspresikan ideologi humanisme. Program ideologi umum pengecatan ruang kepausan adalah untuk mengagungkan otoritas Gereja Katolik dan pemimpinnya, Paus.

Raphael melukis dua bait pertama. Di Stanza della Segnatura (ruang tanda tangan, stempel), ia melukis empat alegori fresco dari bidang utama aktivitas spiritual manusia: filsafat, puisi, teologi, dan yurisprudensi. Seni Abad Pertengahan dan awal Renaisans adalah hal yang umum untuk menggambarkan ilmu pengetahuan dan seni dalam bentuk figur alegoris individu. Raphael menyelesaikan tema-tema ini dalam bentuk komposisi multi-figur, terkadang mewakili potret kelompok nyata, menarik baik karena individualisasi maupun kekhasannya. Dalam potret-potret inilah Raphael mewujudkan cita-cita humanistik manusia intelektual sempurna, menurut Renaisans. Program resmi lukisan Stanza della Segnatura merupakan cerminan dari gagasan mendamaikan agama Kristen dengan budaya kuno. Implementasi artistik dari program ini oleh Raphael - putra pada masanya - menghasilkan kemenangan pihak sekuler atas pihak gerejawi. Dalam lukisan dinding “The School of Athens,” yang melambangkan filsafat, Raphael menampilkan Plato dan Aristoteles dikelilingi oleh para filsuf dan ilmuwan dari periode sejarah yang berbeda. Gestur mereka (yang satu menunjuk ke langit, yang lain ke bumi) mencirikan hakikat perbedaan ajaran mereka. Di sebelah kanan, dalam gambar Euclid, Raphael menggambarkan arsitek kontemporernya yang hebat, Bramante; Berikutnya adalah astronom dan matematikawan terkenal; di ujung kelompok kanan sang seniman melukis dirinya sendiri. Di tangga ia menggambarkan pendiri sekolah Sinis, Diogenes, di kelompok kiri - Socrates, Pythagoras, di latar depan, dalam keadaan berpikir mendalam, Heraclitus dari Ephesus. Menurut beberapa peneliti, gambar Plato yang agung dan indah terinspirasi oleh penampilan luar biasa Leonardo, dan di Heraclitus Raphael menangkap Michelangelo. Namun betapapun ekspresifnya individualitas yang digambarkan Raphael, hal utama dalam lukisan itu tetap ada suasana umum spiritualitas yang tinggi, rasa akan kekuatan dan keperkasaan jiwa dan pikiran manusia.

Raphael. Madonna di kursi. Florence, Galeri Pitti

Plato dan Aristoteles, seperti orang bijak kuno lainnya, seharusnya melambangkan simpati para paus di zaman kuno pagan. Ditempatkan secara bebas dalam ruang, dalam ragam ritme dan gerak, masing-masing kelompok dipersatukan oleh tokoh Aristoteles dan Plato. Logika, stabilitas mutlak, kejelasan dan kesederhanaan komposisi memberikan kesan integritas luar biasa dan harmoni yang menakjubkan kepada pemirsa. Dalam lukisan dinding "Parnassus", yang mempersonifikasikan puisi, Apollo digambarkan dikelilingi oleh renungan dan penyair - dari Homer dan Sappho hingga Dante. Kompleksitas komposisinya adalah fresco “Parnassus” ditempatkan pada dinding yang pecah oleh bukaan jendela. Gambar sosok perempuan, bertumpu pada platina, Raphael dengan terampil menghubungkan keseluruhan komposisi dengan bentuk jendela. Gambaran Dante diulang dua kali dalam lukisan dinding Raphael: sekali lagi ia menggambarkan penyair besar dalam sebuah alegori teologi, yang sering secara keliru disebut “Disputa,” di antara para seniman dan filsuf Quattrocento (Fra Angelico, Savonarola, dll. ). Lukisan dinding keempat Stanza della Segnatura “Ukuran, Kebijaksanaan dan Kekuatan” didedikasikan untuk yurisprudensi.

Di ruang kedua, yang disebut "Stanza of Eliodorus", Raphael melukis lukisan dinding tentang adegan sejarah dan legendaris yang memuliakan para paus Roma: "Pengusiran Eliodorus" - berdasarkan plot Alkitab tentang bagaimana hukuman Tuhan dalam bentuk sebuah malaikat - seorang penunggang kuda cantik berbaju besi emas - menimpa pemimpin Suriah Eliodor, yang mencoba mencuri emas dari Kuil Yerusalem, yang ditujukan untuk para janda dan anak yatim piatu. Bukan suatu kebetulan bahwa Raphael, yang bekerja atas perintah Julius II, membahas topik ini: Prancis sedang mempersiapkan kampanye di Italia dan Paus mengingatkan akan hukuman Tuhan terhadap semua yang melanggar batas Roma. Bukan tanpa alasan Raphael memasukkan ke dalam komposisi gambar Paus sendiri, yang digendong di kursi

Michelangelo. Pieta. Roma, St. Petra

kepada penjahat yang dikalahkan. Lukisan-lukisan dinding lainnya juga didedikasikan untuk pemuliaan para paus dan kekuatan ajaib mereka: "Misa di Bolsena", "Pertemuan Paus Leo I dengan Attila" - dan pada Paus pertama ciri-ciri Julius II diberikan, dan ini adalah salah satu karyanya potret paling ekspresif, dan yang terakhir - Leo X. Dalam lukisan dinding bait kedua, Raphael menaruh perhatian besar bukan pada arsitektur linier, tetapi pada peran warna dan cahaya. Hal ini khususnya terlihat pada lukisan dinding “Pembebasan Rasul Petrus dari Penjara.” Penampakan tiga kali lipat malaikat dalam tiga adegan yang digambarkan pada bidang dinding yang sama, dalam satu komposisi (yang merupakan teknik kuno), disajikan dalam pencahayaan kompleks dari berbagai sumber cahaya: bulan, obor, pancaran cahaya yang memancar dari malaikat, menciptakan ketegangan emosional yang besar. Ini adalah salah satu lukisan dinding yang paling dramatis dan halus. Lukisan dinding bait Vatikan yang tersisa dilukis oleh murid-murid Raphael berdasarkan sketsanya.

Para siswa juga membantu Raphael melukis loggia Vatikan yang bersebelahan dengan kamar Paus, dilukis menurut sketsanya dan di bawah pengawasannya dengan motif ornamen kuno, yang sebagian besar diambil dari gua-gua kuno yang baru ditemukan (oleh karena itu dinamakan “grotesques”).

Raphael menampilkan karya-karya dari berbagai genre. Bakatnya sebagai dekorator, serta sutradara dan pendongeng, diwujudkan sepenuhnya dalam serangkaian delapan karton untuk permadani Kapel Sistina dengan adegan-adegan dari kehidupan rasul Petrus dan Paulus (“Tangkapan Ikan yang Ajaib,” untuk contoh). Lukisan-lukisan ini sepanjang abad 16-18. berfungsi sebagai semacam standar bagi kaum klasik. Pemahaman mendalam Raphael tentang esensi zaman kuno terutama terlihat dalam lukisan Villa Farnesina Romawi, yang dibangun sesuai dengan desainnya (fresco "The Triumph of Galatea", adegan dari kisah Apuleius tentang Cupid dan Psyche).

Michelangelo. Pieta. Pecahan. Roma, St. Petra

Raphael juga merupakan pelukis potret terhebat pada masanya, yang menciptakan suatu jenis gambaran di mana individu berada dalam kesatuan yang erat dengan ciri khasnya, di mana, selain ciri-ciri tertentu, muncul pula gambaran manusia pada zaman itu, yang memungkinkan kita melihat potret sejarah-tipe dalam potret Raphael (“Paus Julius II”, “Lion X”, teman seniman penulis Castiglione, “Donna Velata” yang cantik, dll.). Dan dalam gambar potretnya, sebagai suatu peraturan, keseimbangan dan harmoni batin mendominasi.

Di penghujung hayatnya, Raphael dibebani secara tidak proporsional dengan berbagai pekerjaan dan perintah. Bahkan sulit membayangkan semua ini bisa dilakukan oleh satu orang. Ia adalah tokoh sentral dalam kehidupan artistik Roma; setelah kematian Bramante (1514), ia menjadi kepala arsitek Katedral St. Louis. Peter, bertanggung jawab atas penggalian arkeologi di Roma dan sekitarnya serta perlindungan monumen kuno. Hal ini mau tidak mau memerlukan keterlibatan siswa dan staf asisten dalam jumlah besar ketika melaksanakan pesanan dalam jumlah besar. Raphael meninggal pada tahun 1520; kematian dininya tidak terduga bagi orang-orang sezamannya. Abunya dikuburkan di Pantheon.

Master terbesar ketiga dari High Renaissance - Michelangelo - hidup lebih lama dari Leonardo dan Raphael. Paruh pertama karir kreatifnya terjadi pada masa kejayaan seni High Renaissance, dan paruh kedua pada masa Kontra-Reformasi dan awal terbentuknya seni Barok. Dari galaksi cemerlang seniman High Renaissance, Michelangelo melampaui semua orang dengan kekayaan gambarnya, kesedihan sipil, dan kepekaan terhadap perubahan suasana hati publik. Oleh karena itu perwujudan kreatif dari runtuhnya ide-ide Renaisans.

Michelangelo Buonarroti (1475-1564) lahir di Caprese, dalam keluarga seorang podesta (gubernur kota, hakim). Pada tahun 1488, di Florence, tempat keluarganya pindah, ia memasuki bengkel Ghirlandaio, setahun kemudian - ke bengkel patung di biara San Marco bersama salah satu murid Donatello. Selama tahun-tahun ini, dia menjadi dekat dengan Lorenzo de' Medici, yang kematiannya meninggalkan bekas yang mendalam pada dirinya. Di taman Medici dan di rumah Medici Michelangelo mulai mempelajari patung kuno dengan cermat. Reliefnya “Battle of the Centaur” sudah merupakan karya High Renaissance dalam harmoni internalnya. Pada tahun 1496, seniman muda ini berangkat ke Roma, di mana ia menciptakan karya pertamanya yang membuatnya terkenal: "Bacchus" dan "Pieta". Secara harfiah ditangkap oleh gambaran zaman kuno, Michelangelo menggambarkan dewa anggur kuno sebagai seorang pemuda telanjang, seolah-olah sedikit terhuyung-huyung, mengalihkan pandangannya ke semangkuk anggur. Tubuh telanjang indah kini dan selamanya menjadi subjek seni utama Michelangelo. Patung kedua - "Pieta" - membuka serangkaian karya master tentang subjek ini dan menempatkannya di antara pematung pertama Italia.

Michelangelo. Kapel Medici dengan makam Giuliano di Gereja San Lorenzo di Florence

Michelangelo. Kejatuhan dan Pengusiran dari Surga. Lukisan dinding langit-langit Kapel Sistina

Michelangelo menggambarkan Kristus bersujud di pangkuan Maria. Wajah Madonna yang muda dan cantik sempurna itu sedih, tetapi sangat terkendali. Untuk memposisikan tubuh laki-laki besar di pangkuan Madonna, pematung mengalikan jumlah lipatan jubah yang jatuh dari pangkuan Maria. Angka-angka tersebut membentuk komposisi piramida, memberikan stabilitas dan kelengkapan kelompok. Pada saat yang sama, bahkan dalam hal ini pekerjaan awal Michelangelo memiliki ciri-ciri yang bukan merupakan ciri seni Renaisans atau, katakanlah, tidak biasa: dalam perspektif kuat yang tidak biasa, kepala Kristus terlempar ke belakang, bahu kanannya menghadap ke luar, bagian kiri komposisi, dimuat lebih dari kanan, diperlukan desain alas yang rumit dan asimetris, lebih tinggi di bagian kanan. Semuanya memberi kelompok itu ketegangan internal yang tidak biasa dalam seni Renaisans. Namun, ciri dominan dalam komposisi ini adalah ciri khas High Renaissance: keutuhan citra heroik, kejelasan klasik bahasa artistik monumental.

Kembali ke Florence pada tahun 1501, Michelangelo, atas nama Signoria, berusaha untuk memahat sosok David dari balok marmer yang dirusak di hadapannya oleh pematung yang tidak beruntung. Pada tahun 1504, Michelangelo menyelesaikan patung terkenal itu, yang oleh orang Florentine disebut "Raksasa" dan ditempatkan di depan Palazzo Vecchia, balai kota. Pembukaan monumen berubah menjadi perayaan nasional. Gambaran David menginspirasi banyak seniman Quattrocento. Namun Michelangelo menggambarkannya bukan sebagai anak laki-laki, seperti dalam Donatello dan Verrocchio, tetapi sebagai seorang pemuda yang sedang mengembangkan kekuatannya, dan bukan setelah pertempuran, dengan kepala raksasa di kakinya, tetapi sebelum pertempuran, pada saat itu. tegangan kekuatan tertinggi. Dalam gambar David yang cantik, di wajahnya yang tegas, sang pematung menyampaikan kekuatan gairah yang luar biasa, kemauan yang pantang menyerah, keberanian sipil, dan kekuatan yang tak terbatas. orang bebas. Florentines melihat David sebagai pahlawan yang dekat dengan mereka, warga negara republik dan pembelanya. Signifikansi sosial dari patung itu segera dipahami.

Pada tahun 1504, Michelangelo (sebagaimana telah disebutkan sehubungan dengan Leonardo) mulai mengerjakan lukisan “Aula Lima Ratus” di Palazzo Signoria, tetapi gambar dan karton untuk “Pertempuran Cascina” -nya tidak bertahan, seperti karya Leonardo.

Pada tahun 1505, Paus Julius II mengundang Michelangelo ke Roma untuk membangun makamnya. Ide pematungnya luar biasa: dia ingin membuat monumen-makam kolosal, dihiasi dengan empat puluh patung lebih besar dari ukuran aslinya. Dia menghabiskan delapan bulan di pegunungan Carrara, mengawasi ekstraksi marmer, tetapi ketika dia kembali ke Roma, dia mengetahui bahwa Paus telah membatalkan rencananya. Michelangelo yang marah berangkat ke Florence, tetapi, atas permintaan Paus, di bawah tekanan dari otoritas Florentine, yang takut akan komplikasi dengan Roma, dia terpaksa kembali ke Roma lagi, kali ini dengan cara yang sama muluknya, tetapi, untungnya, menyadari rencana - mengecat langit-langit Kapel Sistina di istana Vatikan

Michelangelo mengerjakan lukisan langit-langit Kapel Sistina sendirian, dari tahun 1508 hingga 1512, mengecat area seluas sekitar 600 meter persegi. m (48x13 m) pada ketinggian 18 m.

Michelangelo mendedikasikan bagian tengah langit-langit untuk adegan sejarah sakral, mulai dari penciptaan dunia. Komposisi-komposisi ini dibingkai oleh lukisan cornice yang sama, tetapi menciptakan ilusi arsitektur, dan dipisahkan, juga oleh batang-batang yang indah. Persegi panjang yang indah menekankan dan memperkaya arsitektur langit-langit yang sebenarnya. Di bawah cornice yang indah, Michelangelo melukis para nabi dan saudara kandung (masing-masing gambar berukuran sekitar tiga meter), di lunettes (lengkungan di atas jendela) ia menggambarkan episode-episode dari Alkitab dan nenek moyang Kristus sebagai orang biasa sibuk dengan aktivitas sehari-hari.

Kesembilan komposisi sentral mengungkap peristiwa hari-hari pertama penciptaan, kisah Adam dan Hawa, banjir global, dan semua adegan ini, pada kenyataannya, adalah sebuah himne bagi manusia, kekuatan yang melekat dalam dirinya, kekuatan dan keindahannya. . Tuhan, pertama-tama, adalah pencipta yang tidak mengenal hambatan dalam perjalanan menuju penciptaan, gambaran yang dekat dengan gagasan era humanistik tentang pencipta (adegan “Penciptaan Matahari dan Bulan”). Adam idealnya cantik dalam adegan “Penciptaan Adam”; ia masih kehilangan kemauan, namun sentuhan tangan pencipta, seperti percikan listrik, menusuknya dan menyulut kehidupan dalam tubuh indah ini. Bahkan situasi banjir yang tragis tidak dapat menggoyahkan keyakinan akan kekuatan manusia. Kebesaran, kekuasaan dan kemuliaan diekspresikan dalam gambaran para nabi dan saudara kandung: inspirasi kreatif - dalam pribadi Yehezkiel, yang mendengar suara Tuhan; kontemplasi - dalam gambar Sibyl Erythraean; kebijaksanaan, perhatian filosofis dan keterpisahan dari kesombongan duniawi - dalam sosok Zakharia; refleksi sedih - Yeremia. Dengan jumlah figur yang banyak, lukisan langit-langit Sistine terlihat jelas dan mudah terlihat. Itu tidak menghancurkan bidang lengkungan, tetapi mengungkapkan struktur tektoniknya. Sarana ekspresi utama Michelangelo adalah menekankan plastisitas, presisi dan kejelasan garis dan volume. Prinsip plastik dalam lukisan Michelangelo selalu mendominasi gambar, membenarkan gagasan seniman bahwa “lukisan terbaik adalah lukisan yang paling dekat dengan relief”.

Segera setelah pekerjaan di Sistine selesai, Julius II meninggal dan ahli warisnya kembali ke gagasan tentang batu nisan. Pada tahun 1513-1516. Michelangelo menampilkan sosok Musa dan budak (tawanan) untuk batu nisan ini. Sesuai rancangannya, murid-murid pematung tersebut kemudian membangun sebuah makam dinding, yang di tingkat bawahnya ditempatkan sosok Musa. Gambaran Musa adalah salah satu yang paling kuat dalam karya seorang guru yang matang. Dia menanamkan dalam dirinya impian akan seorang pemimpin yang bijaksana, berani, penuh dengan kekuatan, ekspresi, kualitas kemauan yang sangat besar, yang sangat diperlukan untuk penyatuan tanah airnya. Sosok budak tidak disertakan dalam versi final makam tersebut. Mungkin mereka memiliki semacam makna alegoris (seni di penangkaran setelah kematian Paus? - ada interpretasi seperti itu). "The Bound Slave", "The Dying Slave" menyampaikan keadaan seseorang yang berbeda, tahapan perjuangan yang berbeda: dorongan kuat dalam keinginan untuk membebaskan dirinya dari belenggu, ketidakberdayaan ("The Bound Slave"), nafas terakhir, sekarat hidup dalam tubuh yang indah namun sudah mati rasa (“Budak yang Sekarat” ").

Dari tahun 1520 hingga 1534 Michelangelo mengerjakan salah satu karya paling penting dan tragis karya patung- di atas makam Medici (gereja Florentine San Lorenzo), mengungkapkan semua pengalaman yang menimpa sang master sendiri dan miliknya kampung halaman, dan seluruh negara secara keseluruhan. Sejak akhir tahun 20-an, Italia benar-benar terkoyak oleh musuh eksternal dan internal. Pada tahun 1527, tentara bayaran mengalahkan Roma, Protestan menjarah tempat suci Katolik kota abadi. Kaum borjuis Florentine menggulingkan Medici, yang kembali memerintah sejak tahun 1510, setelah kematian Pietro Soderini, namun Paus tetap bergerak menuju Florence. Florence bersiap untuk pertahanan, Michelangelo memimpin pembangunan benteng militer, mengalami suasana kebingungan, putus asa, pergi, benar-benar melarikan diri dari Florence, setelah mengetahui tentang pengkhianatan yang akan terjadi terhadap condottiere-nya, kembali ke kampung halamannya lagi untuk menyaksikan kekalahannya. Dalam teror mengerikan yang dimulai, banyak teman Michelangelo meninggal, dan dia sendiri terpaksa hidup di pengasingan selama beberapa waktu.

Dalam suasana pesimisme yang parah, dalam keadaan religiusitas yang semakin meningkat, Michelangelo bekerja di makam Medici. Dia sendiri membangun perluasan ke gereja Florentine San Lorenzo - sebuah ruangan kecil tapi sangat tinggi, ditutupi dengan kubah, dan menghiasi dua dinding sakristi (interiornya) dengan batu nisan pahatan. Satu dinding dihiasi dengan sosok Lorenzo, sebaliknya dengan Giuliano, dan di bawah kaki mereka terdapat sarkofagus yang dihiasi dengan gambar pahatan alegoris - simbol waktu yang mengalir deras: "Pagi" dan "Malam" di batu nisan Lorenzo, "Malam" dan “Hari” di batu nisan Giuliano. Kedua gambar - Lorenzo dan Giuliano - tidak memiliki kemiripan potret, yang berbeda dengan solusi tradisional abad ke-15. Michelangelo menonjolkan ekspresi kelelahan dan melankolis di wajah Giuliano dan pemikiran berat yang nyaris putus asa di diri Lorenzo, mengingat tidak perlu menyampaikan ciri-ciri wajah para model secara akurat. Baginya, gagasan filosofis yang memperbandingkan hidup dan mati, yang dibalut dalam bentuk puisi, lebih penting. Perasaan tidak nyaman dan cemas terpancar dari gambaran Lorenzo dan Giuliano. Hal ini dicapai dengan komposisi itu sendiri: figur-figur tersebut ditanam di ruang relung yang sempit, seolah-olah dihimpit oleh pilaster. Irama gelisah ini semakin diperkuat oleh pose figur-figur alegoris pada waktu itu: tubuh-tubuh melengkung yang tegang tampak berguling-guling dari tutup sarkofagus yang miring, tidak mendapat dukungan, kepala mereka melintasi cornice, mengganggu tektonik dinding. Semua nada disonan ini, yang menekankan keadaan kehancuran, melanggar harmoni arsitektur Renaisans dan merupakan pertanda era baru dalam seni. Di Kapel Medici, bentuk arsitektur dan gambar plastik berada dalam hubungan yang tidak dapat dipisahkan, mengekspresikan satu gagasan.

Bahkan Paus Klemens VII, sesaat sebelum kematiannya, memanfaatkan salah satu kunjungan Michelangelo ke Roma, menyarankan agar ia mengecat dinding altar Kapel Sistina dengan gambar “Penghakiman Terakhir”. Saat itu sibuk dengan patung untuk Kapel Medici di Florence, pematung itu menolak. Paulus III, segera setelah pemilihannya, mulai terus-menerus menuntut agar Michelangelo memenuhi rencana ini, dan pada tahun 1534, menghentikan pekerjaan makam, yang baru ia selesaikan pada tahun 1545, Michelangelo berangkat ke Roma, di mana ia memulai pekerjaan keduanya di Kapel Sistina. - untuk melukis “The Last Judgment” (1535-1541) - sebuah ciptaan megah yang mengungkapkan tragedi umat manusia. Ciri-ciri sistem artistik baru tampak lebih jelas dalam karya Michelangelo ini. Penghakiman kreatif, Kristus yang menghukum ditempatkan di tengah komposisi, dan di sekelilingnya dalam gerakan melingkar yang berputar digambarkan orang-orang berdosa yang melemparkan dirinya ke neraka, orang-orang benar naik ke surga, dan orang mati bangkit dari kubur mereka menuju penghakiman Tuhan. Semuanya penuh kengerian, keputusasaan, kemarahan, kebingungan. Bahkan Maria, yang membela umat, takut pada putranya yang tangguh dan berpaling dari tangannya, yang mau tidak mau memisahkan orang berdosa dari orang benar. Sudut kompleks dari tubuh yang saling terkait dan terpelintir, dinamisme ekstrem, peningkatan ekspresi, menciptakan ekspresi kecemasan, kecemasan, kebingungan - semua ini adalah fitur yang sangat asing bagi High Renaissance, seperti interpretasi dari tema “Penghakiman Terakhir ” asing baginya (alih-alih kemenangan keadilan atas kejahatan - bencana, keruntuhan dunia).

Pelukis, pematung, penyair, Michelangelo juga seorang arsitek yang brilian. Ia menyelesaikan tangga Perpustakaan Florentine Laurentian, merancang Capitol Square di Roma, mendirikan Gerbang Pius (Porta Pia), dan sejak tahun 1546 ia mengerjakan Katedral St. Louis. Peter, dimulai oleh Bramante. Michelangelo memiliki gambar dan gambar kubah, yang dibuat setelah kematian sang master dan masih menjadi salah satu fitur dominan utama dalam panorama kota.

Dua dekade terakhir kehidupan Michelangelo bertepatan dengan periode ketika ciri-ciri pemikiran bebas dari era humanistik besar Renaisans diberantas di Italia. Atas desakan Inkuisisi, yang menganggap sejumlah tubuh telanjang di lukisan dinding “The Last Judgment” tidak pantas, murid Michelangelo, Daniele de Volterra, mencatat beberapa di antaranya. Tahun-tahun terakhir kehidupan Michelangelo adalah tahun-tahun kehilangan harapan, kehilangan orang-orang terkasih dan teman-teman, saat-saat kesepian spiritualnya. Namun ini juga merupakan masa penciptaan karya-karya paling kuat dalam hal tragedi pandangan dunia dan keringkasan ekspresi, yang membuktikan kejeniusannya yang abadi. Ini sebagian besar adalah komposisi dan gambar pahatan (dalam grafis, Michelangelo adalah master yang sama hebatnya dengan Leonardo dan Raphael) dengan tema “Ratapan” dan “Penyaliban”.

Michelangelo meninggal di Roma pada usia 89 tahun. Jenazahnya dibawa pada malam hari ke Florence dan dimakamkan di gereja tertua di kampung halamannya di Santa Croce. Signifikansi historis seni Michelangelo, dampaknya terhadap orang-orang sezamannya dan era-era berikutnya sulit ditaksir terlalu tinggi. Beberapa peneliti asing menafsirkannya sebagai seniman dan arsitek Barok pertama. Namun yang terpenting, dia menarik sebagai pembawa tradisi realistik besar Renaisans.

Jika karya Michelangelo pada paruh kedua sudah memiliki ciri-ciri era baru, maka bagi Venesia seluruh abad ke-16 masih berada di bawah tanda Cinquecento. Venesia, yang berhasil mempertahankan kemerdekaannya, tetap setia pada tradisi Renaisans lebih lama.

Dari bengkel Gianbellino muncul dua seniman besar High Venetian Renaissance: Giorgione dan Titian.

Giorgio Barbarelli da Castelfranco, dijuluki Giorgione (1477-1510), adalah pengikut langsung gurunya dan seniman khas High Renaissance. Dia adalah orang pertama di tanah Venesia yang beralih ke tema sastra dan subjek mitologi. Pemandangan alam, alam dan indahnya tubuh telanjang manusia baginya menjadi subjek seni dan objek pemujaan. Dengan rasa harmoni, proporsi sempurna, ritme linier yang indah, lukisan cahaya lembut, spiritualitas dan ekspresi psikologis dari gambar-gambarnya serta logika dan rasionalisme, Giorgione dekat dengan Leonardo, yang tidak diragukan lagi memiliki pengaruh langsung padanya ketika dia bepergian dari Milan pada tahun 1500. di Venesia. Tapi Giorgione lebih emosional daripada master Milan yang hebat, dan seperti seniman Venesia pada umumnya, dia tidak terlalu tertarik pada perspektif linier melainkan pada perspektif lapang dan terutama pada masalah warna.

Sudah dalam karya pertama yang diketahui, “Madonna of Castelfranco” (sekitar tahun 1505), Giorgione muncul sebagai seniman yang sudah mapan; Citra Madonna penuh dengan puisi, lamunan penuh makna, diresapi dengan suasana kesedihan yang menjadi ciri khas semua citra perempuan Giorgione. Selama lima tahun terakhir hidupnya (Giorgione meninggal karena wabah, yang sering terjadi di Venesia), sang seniman menciptakan karya terbaiknya, dieksekusi dengan teknik minyak, yang utama di sekolah Venesia pada periode ketika mosaik menjadi sesuatu dari masa lalu bersama dengan seluruh sistem artistik abad pertengahan, dan lukisan dinding itu ternyata tidak stabil di iklim Venesia yang lembab. Dalam lukisan “The Thunderstorm” tahun 1506, Giorgione menggambarkan manusia sebagai bagian dari alam. Seorang wanita menyusui seorang anak, seorang pria muda dengan tongkat (yang dapat disalahartikan sebagai pejuang dengan tombak) tidak disatukan oleh tindakan apa pun, tetapi disatukan dalam lanskap megah ini oleh suasana hati yang sama, keadaan pikiran yang sama. Giorgione memiliki palet yang halus dan kaya luar biasa. Warna kalem dari pakaian oranye-merah pemuda itu, kemeja putih kehijauan, menggemakan jubah putih wanita, tampaknya diselimuti oleh udara semi-senja yang merupakan ciri khas pencahayaan sebelum badai. Warna hijau memiliki banyak corak: zaitun di pepohonan, hampir hitam di kedalaman air, kelam di awan. Dan semua ini disatukan oleh satu nada bercahaya, menyampaikan kesan ketidakstabilan, kegelisahan, kegelisahan, tetapi juga kegembiraan, seperti keadaan seseorang dalam mengantisipasi badai petir yang akan datang.

Perasaan terkejut yang sama terhadap dunia spiritual manusia yang kompleks juga ditimbulkan oleh gambaran Judith, yang menggabungkan ciri-ciri yang tampaknya tidak cocok: keagungan yang berani dan puisi yang halus. Lukisan itu dicat dengan warna kuning dan merah oker, dalam satu warna emas. Pemodelan wajah dan tangan hitam-putih yang lembut agak mengingatkan pada “sfumato” Leonard. Pose Judith yang berdiri di dekat langkan benar-benar tenang, wajahnya tenteram dan penuh perhatian: seorang wanita cantik dengan latar belakang alam yang indah. Tapi di tangannya pedang bermata dua berkilau dingin, dan kakinya yang lembut bertumpu pada kepala Holofernes yang sudah mati. Kontras ini menimbulkan perasaan kebingungan dan dengan sengaja merusak keutuhan gambaran indah.

Giorgione. Konser negara. Paris, Louvre

Titian. Venus dari Urbino. Florence, Galeri Uffvdi

Gambaran “Venus Tidur” (sekitar 1508-1510) dipenuhi dengan spiritualitas dan puisi. Tubuhnya ditulis dengan mudah, bebas, anggun, bukan tanpa alasan para peneliti berbicara tentang “musikalitas” ritme Giorgione; ini bukannya tanpa pesona sensual. Tapi wajah dengan mata tertutup itu suci dan tegas; dibandingkan dengan itu, Venus Titian tampak seperti dewi kafir sejati. Giorgione tidak punya waktu untuk menyelesaikan pengerjaan “Sleeping Venus”; menurut orang-orang sezamannya, latar belakang lanskap dalam gambar itu dilukis oleh Titian, seperti dalam karya master selanjutnya - “Konser Pedesaan” (1508-1510). Lukisan ini, yang menggambarkan dua pria berpakaian megah dan dua wanita telanjang, salah satunya mengambil air dari sumur, dan yang lainnya memainkan pipa, adalah karya Giorgione yang paling ceria dan penuh darah. Namun perasaan gembira yang hidup dan alami ini tidak terkait dengan tindakan tertentu apa pun, ia penuh dengan kontemplasi yang mempesona dan suasana hati yang melamun. Kombinasi ciri-ciri ini menjadi ciri khas Giorgione sehingga “Konser Pedesaan” dapat dianggap sebagai karyanya yang paling khas. Kegembiraan sensual Giorgione selalu dipuitiskan dan dispiritualisasikan.

Titian. Potret Ippolito Riminaldi. Florence, Galeri Pitti

Titian Vecellio (1477?-1576) adalah seniman terhebat Renaisans Venesia. Dia menciptakan karya-karya tentang subjek mitologi dan Kristen, bekerja dalam genre potret, bakat warnanya luar biasa, daya cipta komposisinya tidak ada habisnya, dan umur panjangnya yang bahagia memungkinkan dia meninggalkan warisan kreatif yang kaya yang memiliki pengaruh besar pada keturunannya. Titian lahir di Cadore, sebuah kota kecil di kaki Pegunungan Alpen, dalam keluarga militer, belajar, seperti Giorgione, dengan Gianbellino, dan karya pertamanya (1508) adalah lukisan bersama dengan Giorgione tentang lumbung halaman Jerman di Venesia. Setelah kematian Giorgione pada tahun 1511, Titian mengecat beberapa ruangan di Padua untuk scuolo, persaudaraan filantropis, di mana pengaruh Giotto, yang pernah bekerja di Padua, dan Masaccio tidak diragukan lagi sangat terasa. Kehidupan di Padua tentu saja memperkenalkan sang seniman pada karya Mantegna dan Donatello. Ketenaran datang ke Titian lebih awal. Sudah pada tahun 1516 ia menjadi pelukis pertama republik, dari tahun 20-an - seniman paling terkenal di Venesia, dan kesuksesan tidak meninggalkannya sampai akhir hayatnya. Sekitar tahun 1520, Duke of Ferrara memerintahkan kepadanya serangkaian lukisan di mana Titian tampil sebagai penyanyi zaman kuno, yang berhasil merasakan dan, yang paling penting, mewujudkan semangat paganisme (“Bacchanalia”, “Feast of Venus”, “Bacchus dan Ariadne”).

Venesia pada tahun-tahun ini adalah salah satu pusat kebudayaan dan ilmu pengetahuan maju. Titian menjadi sosok paling cemerlang dalam kehidupan seni Venesia; bersama dengan arsitek Jacopo Sansovino dan penulis Pietro Aretino, ia membentuk semacam tiga serangkai yang memimpin seluruh kehidupan intelektual republik. Para bangsawan Venesia yang kaya menugaskan Titian untuk membuat altar, dan dia menciptakan ikon-ikon besar: "Asumsi Maria", "Madonna dari Pesaro" (dinamai menurut nama pelanggan yang digambarkan di latar depan) dan banyak lagi - sejenis komposisi monumental tertentu tentang subjek keagamaan , yang sekaligus berperan tidak hanya sebagai gambar altar, tetapi juga panel dekoratif. Dalam The Madonna of Pesaro, Titian mengembangkan prinsip desentralisasi komposisi, yang tidak diketahui oleh aliran Florentine dan Romawi. Dengan menggeser sosok Madonna ke kanan, ia mengkontraskan dua pusat: pusat semantik, yang dipersonifikasikan oleh sosok Madonna, dan pusat spasial, ditentukan oleh titik hilang, ditempatkan jauh ke kiri, bahkan di luar bingkai. , yang menciptakan intensitas emosional dalam karya tersebut. Rangkaian gambar yang nyaring: seprai putih Mary, karpet hijau, biru, merah tua, pakaian emas yang akan datang - tidak bertentangan, tetapi muncul dalam kesatuan yang harmonis dengan karakter cerah para model. Dibesarkan dengan lukisan Carpaccio yang “berhias” dan pewarnaan Gianbellino yang indah, Titian selama periode ini menyukai subjek di mana ia dapat menunjukkan jalan Venesia, kemegahan arsitekturnya, dan kerumunan orang yang penuh rasa ingin tahu. Beginilah salah satu komposisi terbesarnya, “Persembahan Maria ke dalam Kuil” (sekitar tahun 1538), dibuat - langkah selanjutnya setelah “Madonna dari Pesaro” dalam seni menggambarkan adegan kelompok, yang dengan terampil digabungkan oleh Titian. kealamian vital dengan kegembiraan yang luar biasa. Titian banyak menulis tentang subjek mitologi, terutama setelah perjalanannya ke Roma pada tahun 1545, di mana semangat zaman kuno tampaknya dipahami olehnya dengan sangat lengkap. Saat itulah versi "Danae" miliknya muncul (versi awal adalah tahun 1545; yang lainnya sekitar tahun 1554), di mana ia, dengan ketat mengikuti alur mitos, menggambarkan seorang putri, yang menantikan kedatangan Zeus, dan seorang pelayan, dengan rakus menangkap Hujan Emas. Danae cantik sesuai dengan cita-cita kecantikan kuno yang diikuti oleh master Venesia. Dalam semua varian ini, penafsiran Titian terhadap gambar itu mengandung awal duniawi dan duniawi, sebuah ekspresi kegembiraan hidup yang sederhana. “Venus” miliknya (sekitar tahun 1538), di mana banyak peneliti melihat potret Duchess Eleanor dari Urbino, komposisinya mirip dengan karya Giorgionev. Namun pengenalan pemandangan sehari-hari di interior alih-alih latar belakang lanskap, tampilan penuh perhatian dari mata model yang terbuka lebar, anjing di kakinya adalah detail yang menyampaikan perasaan tersebut. kehidupan nyata di bumi, bukan di Olympus.

Titian. Pieta. Venesia, Museum Akademi Seni Rupa

Sepanjang hidupnya, Titian berkecimpung di bidang seni potret. Model-modelnya (terutama dalam potret kreativitas periode awal dan pertengahan) selalu menekankan keagungan penampilan, keagungan postur, pengekangan postur dan gerak tubuh, diciptakan oleh skema warna yang sama mulianya, dan sedikit detail yang dipilih secara ketat (potret). pemuda dengan sarung tangan, potret Ippolito Riminaldi, Pietro Aretino, putri Lavinia).

Jika potret-potret Titian selalu dibedakan berdasarkan kompleksitas karakternya dan intensitas keadaan batinnya, maka pada tahun-tahun kedewasaan kreatifnya ia menciptakan gambar-gambar yang sangat dramatis, karakter-karakter yang kontradiktif, disajikan dalam konfrontasi dan bentrokan, digambarkan dengan kekuatan Shakespeare yang sesungguhnya (sebuah kelompok potret Paus Paulus III bersama keponakannya Ottavio dan Alexander Farnese, 1545-1546). Potret kelompok yang begitu rumit baru dikembangkan pada era Barok abad ke-17, seperti halnya potret berkuda potret upacara seperti "Charles V di Pertempuran Mühlberg" karya Titian menjadi dasar komposisi perwakilan tradisional potret Van Dyck.

Menjelang akhir hayat Titian, karyanya mengalami perubahan yang signifikan. Dia masih banyak menulis tentang subjek kuno (“Venus dan Adonis”, “Gembala dan Nimfa”, “Diana dan Actaeon”, “Jupiter dan Antiope”), tetapi semakin beralih ke tema Kristen, ke adegan kemartiran di mana penyembah berhala keceriaan, harmoni kuno digantikan oleh sikap tragis (“Pencambukan Kristus”, “Maria Magdalena yang Bertobat”, “St. Sebastian”, “Ratapan”),

Teknik melukis juga berubah: warna-warna terang keemasan dan kaca tipis memberi jalan pada lukisan impasto yang kuat, penuh badai. Pengalihan tekstur dunia objektif, materialitasnya dicapai dengan sapuan luas dalam palet terbatas. "St. Sebastian” sebenarnya hanya ditulis dengan warna oker dan jelaga. Sapuan kuas tidak hanya menyampaikan tekstur material, gerakannya membentuk bentuk itu sendiri, menciptakan plastisitas pada gambar.

Kedalaman kesedihan yang tak terukur dan keindahan agung manusia tersampaikan di dalamnya pekerjaan terakhir Ratapan Titian, diselesaikan setelah kematian artis oleh muridnya. Madonna yang menggendong putranya berlutut membeku dalam kesedihan, Magdalena mengangkat tangannya dengan putus asa, dan lelaki tua itu tenggelam dalam pemikiran yang mendalam dan menyedihkan. Cahaya abu-abu kebiruan yang berkelap-kelip menyatukan bintik-bintik warna kontras dari pakaian para pahlawan, rambut emas Maria Magdalena, patung-patung yang hampir menyerupai pahatan di relung dan pada saat yang sama menciptakan kesan hari yang memudar, berlalu, permulaan. senja, meningkatkan suasana tragis.

Titian meninggal pada usia tua, setelah hidup hampir satu abad, dan dimakamkan di gereja Venesia dei Frari, yang dihiasi dengan altarnya. Dia mempunyai banyak murid, tetapi tidak ada satupun yang setara dengan gurunya. Pengaruh Titian yang sangat besar mempengaruhi lukisan abad berikutnya, dan sebagian besar dialami oleh Rubens dan Velazquez.

Sepanjang abad ke-16, Venesia tetap menjadi benteng terakhir kemerdekaan dan kebebasan negara; sebagaimana telah disebutkan, Venesia tetap setia pada tradisi Renaisans untuk waktu yang lama. Namun di penghujung abad ini, ciri-ciri mendekati era baru seni rupa, arah seni baru, sudah terlihat jelas di sini. Hal ini terlihat pada karya dua seniman besar paruh kedua abad ini - Paolo Veronese dan Jacopo Tintoretto.

Veronese. Pernikahan di Kana di Galilea. Pecahan. Paris, Louvre

Paolo Cagliari, dijuluki Veronese (ia lahir di Verona, 1528-1588), ditakdirkan untuk menjadi penyanyi terakhir Venesia yang meriah dan gembira di abad ke-16. Dia mulai dengan membuat lukisan untuk palazzo Verona dan gambar untuk gereja Verona, tetapi ketenaran datang kepadanya ketika pada tahun 1553 dia mulai mengerjakan lukisan untuk Istana Doge Venesia. Mulai saat ini, kehidupan Veronese selamanya terhubung dengan Venesia. Dia melukis, tetapi lebih sering dia melukis lukisan cat minyak besar di atas kanvas untuk para bangsawan Venesia, gambar altar untuk gereja-gereja Venesia, yang ditugaskan oleh mereka atau atas perintah resmi republik. Dia memenangkan kompetisi untuk proyek dekorasi St. Merek. Ketenaran menemaninya sepanjang hidupnya. Tapi tidak peduli apa yang ditulis Veronese: “Pernikahan di Kana di Galilea” untuk ruang makan biara San Giorgio Maggiore (1562-1563; ukuran 6,6x9,9 m, menggambarkan 138 gambar); lukisan tentang subjek alegoris, mitologis, sekuler; apakah potret, lukisan bergenre, lanskap; “Pesta di Simon orang Farisi” (1570) atau “Pesta di Rumah Lewi” (1573), yang kemudian ditulis ulang atas desakan Inkuisisi, semuanya berukuran besar lukisan dekoratif Venesia yang meriah, di mana kerumunan orang Venesia yang mengenakan kostum elegan digambarkan dengan latar belakang perspektif lanskap arsitektur Venesia yang dilukis secara luas, seolah-olah dunia bagi sang seniman adalah ekstravaganza cemerlang yang terus-menerus, sebuah aksi teatrikal yang tak ada habisnya. Di balik semua ini terdapat pengetahuan yang luar biasa tentang alam, semuanya dieksekusi dalam satu warna yang begitu indah (mutiara perak dengan biru) dengan segala kecerahan dan keragaman pakaian yang kaya, begitu terinspirasi oleh bakat dan temperamen sang seniman, sehingga aksi teatrikal memperoleh keyakinan yang nyata. Ada rasa joie de vivre yang sehat dalam bahasa Veronese. Latar belakang arsitekturalnya yang kuat tidak kalah harmonisnya dengan Raphael, tetapi gerakan kompleks, sudut figur yang tidak terduga, peningkatan dinamika dan kemacetan dalam komposisi adalah ciri-ciri yang muncul di akhir kreativitas, hasrat terhadap gambar ilusionis berbicara tentang permulaan seni. dengan kemungkinan dan ekspresi lain.

Sikap tragis diwujudkan dalam karya seniman lain - Jacopo Robusti, yang dikenal dalam seni sebagai Tintoretto (1518-1594) (“Tintoretto” adalah seorang pencelup: ayah seniman adalah seorang pencelup sutra). Tintoretto menghabiskan waktu yang sangat singkat di bengkel Titian, namun menurut orang-orang sezamannya, moto tergantung di pintu bengkelnya: “Menggambar oleh Michelangelo, mewarnai oleh Titian.” Namun Tintoretgo mungkin merupakan pewarna yang lebih baik daripada gurunya, meskipun, tidak seperti Titian dan Veronese, pengakuannya tidak pernah lengkap. Berbagai karya Tintoretto, yang sebagian besar ditulis tentang keajaiban mistik, penuh dengan kecemasan, kegelisahan, dan kebingungan. Sudah dalam lukisan pertama yang membuatnya terkenal, “Keajaiban St. Markus” (1548), ia menampilkan sosok orang suci dalam perspektif yang begitu kompleks, dan semua orang dalam keadaan sedih dan gerakan kekerasan yang sedemikian rupa sehingga tidak mungkin terjadi dalam seni Renaisans Tinggi pada periode klasiknya. Seperti Veronese, Tintoretto banyak menulis untuk Istana Doge, gereja-gereja Venesia, dan terutama untuk persaudaraan filantropis. Dua kitaran terbesarnya dilakukan untuk Scuolo di San Rocco dan Scuolo di San Marco.

Tintoretto. Keajaiban St. Merek. Venesia, Museum Akademi Seni Rupa

Prinsip penggambaran Tintoretto seolah-olah dibangun di atas kontradiksi yang mungkin membuat takut orang-orang sezamannya: gambar-gambarnya jelas bersifat demokratis, aksinya berlangsung dalam setting yang paling sederhana, tetapi subjeknya mistis, penuh perasaan luhur. , mengungkapkan fantasi gembira sang master, dan dieksekusi dengan kecanggihan tingkah laku. Ia juga memiliki gambaran romantis yang halus, ditutupi dengan perasaan liris (“The Rescue of Arsinoe”, 1555), namun bahkan di sini suasana kecemasan disampaikan oleh kilatan warna dingin kehijauan-abu-abu yang berfluktuasi, tidak stabil, dan dingin. Komposisinya “Introduction to the Temple” (1555) tidak biasa, karena melanggar semua norma konstruksi klasik yang diterima. Patung Maria kecil yang rapuh ditempatkan di tangga tangga yang curam, di puncaknya imam besar menunggunya. Perasaan akan besarnya ruang, kecepatan gerak, kekuatan suatu perasaan memberikan arti khusus pada apa yang digambarkan. Unsur-unsur mengerikan dan kilatan petir biasanya mengiringi aksi dalam lukisan Tintoretto, menambah drama peristiwa (“Penculikan Tubuh St. Markus”).

Sejak tahun 60an, komposisi Tintoretto menjadi lebih sederhana. Dia tidak lagi menggunakan kontras titik warna, tetapi membangun skema warna berdasarkan transisi guratan yang sangat beragam, terkadang berkedip, terkadang memudar, yang meningkatkan drama dan kedalaman psikologis dari apa yang terjadi. Beginilah cara dia menulis “Perjamuan Terakhir” untuk persaudaraan St. Markus (1562-1566).

Dari tahun 1565 hingga 1587 Tintoretto mengerjakan dekorasi Scuolo di San Rocco. Siklus raksasa lukisan-lukisan ini (beberapa lusin kanvas dan beberapa kap lampu), menempati dua lantai ruangan, dipenuhi dengan emosi yang menusuk, perasaan manusiawi yang mendalam, terkadang perasaan kesepian yang pedas, keasyikan manusia dalam ruang tanpa batas, rasa tidak berartinya manusia. sebelum kehebatan alam. Semua sentimen ini sangat asing bagi seni humanistik pada zaman Renaisans Tinggi. Dalam salah satu versi terakhir The Last Supper, Tintoretto sudah menghadirkan sistem sarana ekspresif Barok yang hampir mapan. Meja diletakkan secara diagonal, kerlap-kerlip cahaya dibiaskan di piring dan mengambil sosok dari kegelapan, chiaroscuro yang tajam, banyaknya sosok yang disajikan dalam sudut yang rumit - semua ini menciptakan kesan semacam lingkungan yang bergetar, perasaan ketegangan yang ekstrem. Sesuatu yang hantu, tidak nyata terasa di lanskap selanjutnya untuk Scuolo di San Rocco yang sama (“Penerbangan ke Mesir”, “St. Mary of Egypt”). Pada periode terakhir karyanya, Tintoretto bekerja untuk Istana Doge (komposisi "Paradise", setelah tahun 1588).

Tintoretto melakukan banyak pekerjaan potret. Dia menggambarkan para bangsawan Venesia, yang menarik diri dalam kebesaran mereka, dan para doge Venesia yang bangga. Gaya lukisannya mulia, terkendali dan agung, begitu pula penafsirannya terhadap model. Sang master menggambarkan dirinya dalam potret dirinya yang penuh dengan pikiran berat, kecemasan yang menyakitkan, dan kebingungan mental. Namun karakter inilah yang diberi kekuatan dan keagungan oleh penderitaan moral.

Sebagai penutup tinjauan Renaisans Venesia, tidak mungkin untuk tidak menyebutkan arsitek terhebat yang lahir dan bekerja di Vicenza dekat Venesia dan yang meninggalkan contoh luar biasa dari pengetahuannya dan memikirkan kembali arsitektur kuno - Andrea Palladio (1508-1580, Villa Cornaro di Piombino, Villa Rotonda di Vicenza, diselesaikan setelah kematiannya oleh mahasiswa desainnya, banyak bangunan di Vicenza). Hasil kajiannya tentang jaman dahulu adalah buku “Roman Antiquities” (1554), “Four Books on Architecture” (1570-1581), namun jaman dahulu adalah “organisme hidup” baginya, menurut pengamatan wajar peneliti. “Hukum arsitektur hidup dalam jiwanya secara naluriah seperti hukum naluri ayat yang hidup dalam jiwa Pushkin. Seperti Pushkin, dia adalah normanya sendiri” (P. Muratov).

Pada abad-abad berikutnya, pengaruh Palladio sangat besar, bahkan memunculkan nama “Palladianisme”. “Palladian Renaissance” di Inggris dimulai oleh Inigo Jones, berlanjut sepanjang abad ke-17, dan hanya Bro. Adams mulai menjauh darinya; di Perancis, ciri-cirinya dibawa oleh karya Blondels St. dan Jr.; di Rusia, “Palladian” adalah (sudah pada abad ke-18) N. Lvov, br. Neyolovs, C. Cameron dan yang terpenting J. Quarenghi. Di perkebunan Rusia arsitektur abad ke-19 berabad-abad bahkan di era Art Nouveau, rasionalitas dan kelengkapan gaya Palladio terwujud dalam gambaran arsitektur neoklasikisme.

Kota-kota utara Eropa (utara dalam kaitannya dengan Italia) tidak memiliki kemerdekaan yang sama dengan kota-kota Italia; mereka lebih bergantung pada kekuasaan tuan, raja atau kaisar besar, pada seluruh sistem feodalisme yang dikembangkan secara klasik. Hal ini tidak diragukan lagi mempengaruhi sifat budaya Eropa Utara pada masa Renaisans. Seni Renaisans Utara lebih dipengaruhi oleh pandangan dunia abad pertengahan. Ia memiliki lebih banyak perasaan religius, simbolisme, bentuknya lebih konvensional, lebih kuno, lebih terhubung dengan Gotik dan, tentu saja, kurang akrab dengan zaman kuno, yang hanya menjadi dekat melalui Italia pada akhir abad ke-15. Renaisans Utara tertinggal satu abad di belakang Italia dan dimulai ketika Italia memasuki fase tertinggi perkembangannya.

Namun, kota-kota di utara mengambil bagian dalam perjuangan sosial-politik yang kompleks, yang merupakan ciri khas seluruh sejarah Eropa Utara pada abad ke-15-16. Ketika kota-kota di Italia kehilangan kemerdekaannya, kota-kota di utara, yang diperkuat oleh perjuangan terus-menerus melawan tuan tanah feodal, tetap mempertahankan kepentingannya pada akhir abad ke-16 dan ke-17. dan menjadi pusat gerakan progresif selama pembentukan negara-negara absolut nasional.

Mari kita ingat juga bahwa peralihan dari Abad Pertengahan ke Zaman Baru terjadi tidak hanya melalui Renaisans, yang berupaya menghidupkan kembali kebudayaan kuno, namun juga melalui Reformasi, yang menyerukan Gereja Katolik untuk kembali ke “zaman para rasul”.

Baik Renaisans maupun Reformasi memiliki kesamaan - keduanya merupakan reaksi terhadap krisis di akhir Abad Pertengahan. Namun mereka memahami jalan keluar dari krisis ini secara berbeda dan oleh karena itu, sebagaimana disebutkan dengan benar, mereka bergerak ke arah yang berbeda. Di sini kita tidak berbicara tentang perbedaan pandangan antara Protestan (Lutheran, dan terlebih lagi Calvinis sebagai cabang Protestanisme yang sangat radikal) dan Katolik mengenai gereja dan iman. Namun jangan lupa bahwa Reformasi juga merupakan reaksi terhadap Renaisans, dengan gagasannya tentang manusia sebagai kebenaran yang paling berharga (“di atas segalanya kebenaran adalah manusia itu sendiri”). Ketidaksesuaian antara Renaisans dan Reformasi ini sudah terlihat jelas dan jelas terungkap dalam perselisihan terkenal (1524-1525) antara humanis terhebat abad ke-16. Erasmus dari Rotterdam dan reformis pertama Martin Luther. “Secara pribadi, Renaisans dan Reformasi akan saling bertentangan dan berjalan ke arah yang berbeda” (P. Sapronov).

Seni Renaisans Utara tidak dapat dipahami tanpa memperhitungkan gerakan Reformasi, yang pengaruhnya langsung dan nyata. Karena merasa tidak berartinya manusia di hadapan Tuhan, tidak dapat dibandingkan dengan Tuhan, Reformasi sampai batas tertentu menolak seni; di gereja Protestan tidak ada ukiran, tidak ada patung, tidak ada kaca patri, yang ada hanyalah dinding, bangku, dan salib kosong. Dan seorang penggembala, yang sama sekali tidak sama dengan pendeta - perantara antara orang awam dengan Tuhan, tetapi hanya wakil masyarakat yang dipilihnya untuk melakukan ibadah. Reformasi mendekati Renaisans, tetapi proses ini, tentu saja, tidak bersifat sesaat, dan Reformasi berhasil memanifestasikan dirinya dengan kekuatan orisinal yang besar di Eropa utara. Pengaruh Reformasi dengan realisme dan pragmatismenya mempengaruhi seni Renaisans Utara dalam perhatian dan kecintaannya pada kenyataan, keakuratan detail, minat untuk menggambarkan sesuatu yang sengaja dibuat kasar, kadang-kadang bahkan sangat jelek, jelek (yang dulunya benar-benar tidak dapat diterima untuk Renaisans Italia) - ini luar biasa hidup berdampingan dengan perasaan mistis, tidak nyata, dengan dinamisme dan atetonisitas bentuk-bentuk yang menyatukan Renaisans Utara, di satu sisi, dengan Gotik, dan di sisi lain, dengan Renaisans Utara. seni masa depan Barok, bahkan mungkin lebih kuat dari Italia. Beberapa peneliti umumnya menolak Renaisans di Eropa Utara, di mana Gotik hanya “dengan lancar” bertransisi ke Barok, mengingat Renaisans Utara hanyalah “musim gugur Abad Pertengahan” (J. Huizinga).

Menarik untuk dicatat bahwa tunas pertama seni Renaisans baru di Belanda diamati pada tahun miniatur buku, tampaknya, sebagian besar terkait dengan tradisi abad pertengahan.

Renaisans Belanda dalam seni lukis dimulai dengan "Ghent Altarpiece" karya saudara Hubert (meninggal tahun 1426) dan Jan (c. 1390-1441) van Eyck, diselesaikan oleh Jan van Eyck pada tahun 1432. The Ghent Altarpiece (Ghent, Gereja St. Louis) Bavo) adalah ruang lipat dua tingkat, pada 12 papannya (bila dibuka) disajikan 12 adegan. Di puncak adalah Kristus bertahta dengan kehadiran Maria dan Yohanes, para malaikat bernyanyi dan memainkan musik, serta Adam dan Hawa; di bawah pada lima papan adalah adegan “Adorasi Anak Domba.”

Dalam penyampaian perspektif, dalam menggambar, dalam ilmu anatomi, lukisan Van Eyck tentu saja tidak bisa dibandingkan dengan apa yang dilakukan Masaccio pada waktu yang hampir bersamaan. Namun mengandung ciri-ciri lain yang tidak kalah pentingnya bagi seni: para empu Belanda sepertinya baru pertama kali memandang dunia, yang mereka sampaikan dengan sangat hati-hati dan detail; Setiap helai rumput, setiap helai kain mewakili sebuah karya seni yang tinggi bagi mereka. Hal ini mencerminkan prinsip seni lukis miniatur Belanda. Dalam suasana hati para bidadari yang bernyanyi terdapat banyak perasaan religius, spiritualitas, dan ketegangan emosional yang sejati. Keluarga Van Eyck meningkatkan teknik perminyakan mereka: minyak memungkinkan penyampaian yang lebih komprehensif kecemerlangan, kedalaman, dan kekayaan dunia objektif, yang menarik perhatian seniman Belanda, dan kemerduannya yang penuh warna.

Dari sekian banyak Madonna karya Jan van Eyck, yang paling terkenal adalah “Madonna of Chancellor Rollin” (sekitar tahun 1435), dinamakan demikian karena donornya, Chancellor Rollin, digambarkan di depan Madonna yang sedang memujanya. Di balik jendela besar berlengkung tiga yang terbuka di latar belakang, van Eyck melukis pemandangan kota yang halus dengan sungai, jembatan, dan bukit-bukit yang membentang di kejauhan. Pola pakaian, pola lantai yang rumit, dan jendela kaca patri ditampilkan dengan perhatian dan cinta yang luar biasa. Dengan latar belakang ini, sosok tenang Madonna dan Anak serta Rektor yang sedang berlutut terlihat jelas. Dalam “Madonna of Canon van der Paele” (1436) segalanya menjadi lebih masif. Bentuknya menjadi lebih besar, lebih berat, dan statis menjadi lebih terasa. Pandangan kanon, yang diperkenalkan kepada Maria oleh St. George tegas, bahkan murung. Penting bagi seniman Belanda ini untuk memperkenalkan detail sehari-hari seperti kacamata yang dilepas di tangan pendonor, dan buku doa yang diletakkan dengan jari. Namun ciri-ciri duniawi ini semakin menekankan keadaannya yang mementingkan diri sendiri, ketabahan batin, dan keteguhan rohani. Bintik-bintik merah, biru, dan putih yang nyaring pada jubah juga tidak begitu banyak mengungkapkan hubungan warna yang sebenarnya, melainkan menyampaikan suasana spiritual dari pemandangan tersebut.

Jan van Eyck banyak bekerja dan berhasil dalam potret, selalu tetap akurat, menciptakan gambar yang sangat individual, tetapi tanpa kehilangan karakteristik umum seseorang sebagai bagian dari alam semesta di balik detailnya (“Man with a Carnation”; “Man in a Turban”, 1433; potret istri seniman Margarita van Eyck, 1439). Alih-alih tindakan aktif, yang menjadi ciri potret Renaisans Italia, van Eyck mengedepankan kontemplasi sebagai kualitas yang menentukan tempat seseorang di dunia, membantu memahami keindahan keanekaragamannya yang tak ada habisnya. Dalam potret ganda pasangan Arnolfini (1434) - Giovanni Arnolfini, seorang pedagang dari Lucca, perwakilan kepentingan rumah Medici di Bruges, dan istrinya - objek ruangan tempat model digambarkan, menurut tradisi abad pertengahan, diberkahi dengan makna simbolis (apel di dekat jendela di peti, ada lilin yang menyala di lampu gantung, seekor anjing di kaki - simbol kesetiaan dalam perkawinan). Namun dengan menempatkan pasangan muda dalam setting rumahnya, sang seniman berkesempatan menyampaikan keindahan dunia objektif. Ia dengan kagum menggambarkan cermin cembung dalam bingkai kayu, lampu gantung perunggu, kanopi tempat tidur berwarna merah yang terlihat seperti rumah, bulu anjing berbulu lebat, berwarna coklat dan hijau, dipadukan dalam harmoni gambar yang halus, pakaian para model. berdiri di depan penonton, berukuran besar dengan gaya saat itu.

Hubert dan Jan van Eyck. Altar Ghent. Bentuk umum. Ghent, Gereja St Bavona

Seni karya van Eyck bersaudara, yang menempati tempat luar biasa dalam sejarah modern budaya seni, sangat penting bagi perkembangan lebih lanjut Renaisans Belanda. Pada tahun 40-an abad ke-15. Dalam seni rupa Belanda, warna-warni panteistik dan kejernihan harmonis yang menjadi ciri khas Van Eyck perlahan-lahan menghilang. Namun jiwa manusia terungkap lebih dalam segala rahasianya. Seni Belanda banyak berhutang budi kepada Rogier van der Weyden (1400?-1464) dalam memecahkan masalah tersebut. Pada akhir tahun 40-an, Rogier van der Weyden melakukan perjalanan ke Italia. Ilmuwan dan filsuf Nikolai Kuzansky menyebutnya sebagai seniman terhebat, dan Durer sangat menghargai karyanya. "The Descent from the Cross" adalah karya khas Weiden. Komposisinya dibangun secara diagonal. Gambarnya kaku, gambarnya disajikan dalam sudut lancip. Pakaiannya tergantung lemas atau terpelintir tertiup angin. Wajah-wajah berubah karena kesedihan. Semuanya mengandung cap observasi analitis yang dingin, observasi yang nyaris tanpa ampun. Kekejaman yang sama, terkadang mencapai titik ketajaman yang mengerikan, merupakan ciri khas potret Rogier van der Weyden. Mereka dibedakan dari potret van Eyck karena keabadiannya, keterasingannya dari lingkungan. Ekspresi Weiden, spiritualisme, dan terkadang pelestarian latar belakang emas pada gambar altarnya memungkinkan beberapa peneliti untuk berbicara tentang dia sebagai penguasa akhir Abad Pertengahan. Namun hal ini tidak benar, karena pemahamannya tentang esensi spiritual manusia merupakan langkah selanjutnya setelah seni van Eyck.

R.van der Weyden. Turun dari Salib. Madrid, Prado

Pada paruh kedua abad ke-15. menyumbang kreativitas seorang master dengan bakat luar biasa Mobil van Hugo der Hus (c. 1435-1482), yang sebagian besar hidupnya dihabiskan di Ghent. Adegan sentral dari gambar altar Portinari yang megah dan monumental (dinamai menurut nama pelanggan) adalah adegan pemujaan terhadap bayi. Sang seniman menyampaikan keterkejutan emosional para gembala dan malaikat, yang ekspresi wajahnya menunjukkan bahwa mereka seolah-olah meramalkan arti sebenarnya dari peristiwa tersebut. Penampilan Maria yang sedih dan lembut, kekosongan ruang yang hampir terasa secara fisik di sekitar sosok bayi dan ibu yang membungkuk ke arahnya, semakin mempertegas suasana keanehan dari apa yang terjadi. Di panel samping pelanggan diwakili dengan santo pelindung mereka: di sebelah kiri adalah bagian laki-laki, ditulis lebih padat, statis, ditandai lebih lugas; di sebelah kanan adalah seorang wanita, digambarkan dengan latar belakang pepohonan yang telanjang dan transparan, dalam suasana seolah jenuh dengan udara. Lukisan Hugo van der Goes mempunyai pengaruh yang pasti terhadap Florentine Quattrocento. Karya-karya Hus selanjutnya semakin memperoleh ciri-ciri ketidakharmonisan, kebingungan, gangguan mental, tragedi, perpecahan dengan dunia, yang merupakan cerminan dari keadaan menyakitkan sang seniman sendiri (“Kematian Maria”).

I.Bosch. Taman Kenikmatan. Fragmen triptych. Madrid, Prado

Karya Hans Memling (1433-1494), yang menjadi terkenal karena gambaran lirisnya tentang Madonnas, terkait erat dengan kota Bruges. Memling adalah murid Rogier van der Weyden, tetapi karyanya sama sekali tidak memiliki kekakuan tulisan gurunya dan kekejaman penokohannya. Komposisi Memling jelas dan terukur, gambarnya puitis dan lembut. Yang luhur hidup berdampingan dengan keseharian. Salah satu karya Memling yang paling khas adalah peninggalan St. Ursula (sekitar tahun 1489), yang dalam gambar-gambar indahnya kontemplasi perasaan Van Eyck hidup berdampingan dengan minat pada alam yang vital, yang menunjukkan menguatnya kecenderungan burgher dalam seni Belanda.

Kehidupan sosial Belanda pada paruh kedua abad ke-15 dan awal abad ke-16. penuh dengan kontradiksi dan konflik sosial yang akut. Dalam kondisi seperti inilah ia lahir seni yang kompleks Hieronymus Bosch (1450-1516), pencipta visi mistik yang gelap, di mana ia beralih ke alegorisme abad pertengahan dan realitas konkret yang hidup. Di Bosch, demonologi hidup berdampingan dengan humor rakyat yang sehat, perasaan halus tentang alam dengan analisis dingin tentang sifat buruk manusia dan dengan keanehan tanpa ampun dalam penggambaran manusia (“Kapal Orang Bodoh”). Pada gambar altar, ia mampu memberikan tafsir terhadap pepatah Belanda yang mengibaratkan dunia seperti tumpukan jerami, yang setiap orang dapat merampasnya. Dalam salah satu karyanya yang paling megah, “The Garden of Delights,” Bosch menciptakan gambaran grafis tentang kehidupan manusia yang penuh dosa. Fantasi Bosch menciptakan makhluk dari kombinasi berbagai bentuk hewan atau makhluk hidup dan benda-benda dari dunia anorganik, sekaligus melestarikannya. perasaan akut kenyataan, yang dipenuhi dengan pandangan dunia tragis sang seniman, sebuah firasat akan semacam bencana universal. Dalam karya mendiang Bosch ("St. Anthony") tema kesepian semakin diintensifkan. Karya Bosch mengakhiri tahap pertama seni besar Belanda - abad ke-15, “masa pencarian, wawasan, kekecewaan, dan penemuan cemerlang”. Batasan antara abad ke-15 dan ke-16 dalam seni rupa Belanda jauh lebih terlihat dibandingkan, katakanlah, antara Quattrocento dan Renaisans Tinggi di Italia, yang merupakan konsekuensi organik dan logis dari seni zaman sebelumnya. Seni Belanda abad ke-16. semakin meninggalkan penggunaan tradisi abad pertengahan, yang sangat diandalkan oleh para seniman abad yang lalu.

Puncak Renaisans Belanda, tidak diragukan lagi, adalah karya Pieter Bruegel the Elder, yang dijuluki Petani (1525/30-1569). Ia belajar di Antwerp, yaitu pada abad ke-16. tidak hanya menjadi pusat komersial dan ekonomi, tetapi juga pusat kebudayaan Belanda, melampaui Bruges. Bruegel melakukan perjalanan ke Italia dan dekat dengan kalangan intelektual Belanda yang paling maju. Dalam karya-karya awal Bruegel, pengaruh Bosch terlihat jelas ("Dapur Orang Kurus", "Dapur Orang Gemuk" - dalam ironi pedasnya, observasi yang tajam, dan keputusan yang tegas). Nama Bruegel dikaitkan dengan pembentukan akhir lanskap dalam lukisan Belanda sebagai genre independen. Evolusinya sebagai seniman lanskap (baik dalam seni lukis maupun grafis) dapat ditelusuri dari lanskap panorama, menangkap detail-detail kecil dalam upaya menunjukkan ketidakterbatasan dan keagungan dunia, hingga lanskap yang lebih umum, singkat, dan filosofis. dalam pemahaman. “Pemandangan Musim Dingin” dari siklus “Musim” (nama lain adalah “Pemburu di Salju”, 1565) mendapatkan ketenaran khusus di kalangan keturunannya: wawasan halus tentang alam, lirik, dan kesedihan yang menyakitkan terpancar dari siluet pepohonan berwarna coklat tua, sosok-sosok pemburu dan anjing dengan latar belakang salju putih dan bukit-bukit yang terbentang di kejauhan, sosok-sosok kecil manusia di atas es dan dari seekor burung terbang yang tampak tidak menyenangkan dalam kesunyian yang tegang dan hampir terasa nyaring ini.

P. Bruegel Muzhitsky. Musim Dingin (Pemburu di Salju). Wina, Museum Kunsthistorisches

Dalam lukisan bergenre, Bruegel mengalami evolusi yang sama seperti pada lukisan pemandangan. Dalam “Pertempuran Karnaval dan Prapaskah” (1559), ia mengungkapkan besarnya dunia melalui banyaknya orang: alun-alun dipenuhi oleh orang-orang yang mummer, bersuka ria, pengemis, dan pedagang. Karya-karyanya selanjutnya adalah hari libur desa, pekan raya, tarian - dibangun berdasarkan pemilihan hal utama yang paling ketat, lengkap dalam warna. Komposisi yang dekoratif, ceria, penuh folk, dan sangat ceria ini menunjukkan lahirnya genre petani sehari-hari (“ Tarian petani", 1565).

Pada awal tahun 60an, Bruegel menciptakan sejumlah karya tragis yang melampaui semua phantasmagoria Bosch dalam hal kekuatan ekspresif. Dalam bahasa alegoris, Bruegel mengungkapkan tragedi kehidupan modern di seluruh negeri, di mana ekses para penindas Spanyol telah mencapai titik tertingginya. Dia beralih ke topik-topik keagamaan, mengungkapkan peristiwa-peristiwa topikal di dalamnya. Jadi, “The Bethlehem Massacre of the Innocents” (1566) adalah gambaran pembantaian yang dilakukan oleh orang-orang Spanyol di sebuah desa Belanda. Para prajurit bahkan digambarkan mengenakan pakaian Spanyol. Plot keagamaan memiliki makna ganda dan menjadi lebih tragis. Salah satu karya terakhir Bruegel adalah lukisan “The Blind” (1568). Lima orang cacat mengerikan yang ditakdirkan oleh takdir, tidak memahami apa yang terjadi pada mereka, terbang ke jurang mengejar pemimpin yang tersandung. Hanya satu dari mereka yang menghadap penonton: rongga mata kosong dan seringai mengerikan di mulut menatap kami. Topeng manusia ini tampak lebih menakutkan dengan latar belakang lanskap yang tenang dan tenteram dengan gereja, bukit-bukit sepi, dan pepohonan hijau. “Buta” tentu mempunyai makna simbolis. Alam itu abadi, sama seperti dunia ini abadi, dan jalan orang buta adalah jalan hidup semua orang. Nada lukisan abu-abu baja dengan nuansa ungu meningkatkan keadaan keputusasaan. Ini adalah salah satu karya di mana sang seniman mengekspresikan pandangan dunianya yang tragis dan semangat pada masanya. Bruegel meninggal lebih awal. Namun dalam seninya ia berhasil memusatkan perhatian pada prestasi seni lukis Belanda era sebelumnya. Dalam dekade terakhir abad ke-16. tidak ada lagi seorang seniman pun di dalamnya yang setara dengan master ini. Perjuangan heroik Belanda untuk kemerdekaannya, yang dimulai pada masa hidup Bruegel, baru berakhir pada abad berikutnya, ketika Belanda terpecah menjadi dua bagian, dan seni Belanda - masing-masing menjadi dua aliran: Flemish dan Belanda.

P. Bruegel Muzhitsky. Buta. Napoli, Museum Capodimonte

Pada masa Renaisans Belanda juga terdapat gerakan Italiaisasi, yang disebut Romanisme. Seniman gerakan ini mengikuti (jika mungkin) tradisi aliran Romawi dan, yang terpenting, Raphael. Karya-karya master seperti J. Gossaert, P. Cook van Aalst, J. Scorell, F. Floris dan lain-lain secara mengejutkan menggabungkan keinginan untuk idealisasi, untuk plastisitas bentuk Italia dengan kecintaan murni Belanda terhadap detail, narasi, dan naturalisme. Seperti yang dikatakan dengan benar (V. Vlasov), hanya kejeniusan Rubens yang mampu mengatasi sifat meniru para novelis Belanda - sudah pada abad ke-17.

Pada pergantian abad XIV-XV. Jerman bahkan lebih terfragmentasi dibandingkan periode-periode sebelumnya, yang berkontribusi pada bertahannya fondasi feodal di dalamnya.

Perkembangan kota-kota di Jerman terlambat bahkan dibandingkan dengan Belanda, dan Renaisans Jerman terbentuk satu abad kemudian dibandingkan dengan Renaisans Italia. Berdasarkan contoh karya banyak seniman abad ke-15. Anda dapat menelusuri bagaimana Renaisans terbentuk di Jerman: Konrad Witz, Michael Pacher, lalu Martin Schongauer. Unsur naratif muncul dalam gambar altarnya, keinginan untuk mengungkapkan perasaan manusia pada plot keagamaan (altar St. Wolfgang M. Pacher di Gereja St. Wolfgang di kota dengan nama yang sama, 1481). Namun pemahaman tentang ruang, pengenalan latar belakang emas, fragmentasi gambar, ritme putus-putus yang gelisah (“angin metafisik”, menurut ucapan jenaka salah satu peneliti), serta penulisan yang cermat dari pokok bahasan. dan khususnya - semua ini menunjukkan kurangnya konsistensi dalam pandangan dunia artistik para master ini dan hubungan dekat dengan tradisi abad pertengahan. “Religiusitas yang semakin dalam” (istilah G. Wölfflin), yang membawa Jerman pada Reformasi, mempunyai pengaruh yang sangat besar terhadap seni. Gagasan tentang keharmonisan dan rahmat Ilahi di seluruh dunia seolah-olah menyebar ke setiap objek, setiap helai rumput yang keluar dari bawah kuas sang seniman. Dan bahkan di Dürer, seperti yang akan kita lihat di bawah, yang paling “Italia” dari semuanya Pelukis Jerman, keinginannya untuk menciptakan gambar yang idealnya indah hidup berdampingan dengan kegemarannya pada detail naturalistik dan ekspresi bentuk gotik.

Abad ke-16 di Jerman dimulai dengan gerakan kuat kaum tani, ksatria dan burgher melawan kekuasaan pangeran dan Katolik Roma. Tesis pemimpin Reformasi Jerman di masa depan, Martin Luther, yang menentang penjualan surat pengampunan dosa pada tahun 1517 “memiliki efek yang membara seperti sambaran petir pada tong mesiu.” Gerakan di Jerman dikalahkan pada tahun 1525, tetapi masa perang petani adalah periode pertumbuhan spiritual yang tinggi dan berkembangnya humanisme Jerman, ilmu-ilmu sekuler, dan budaya Jerman. Karya seniman terpenting Renaisans Jerman, Albrecht Dürer (1471-1528), bertepatan dengan masa ini.

Karya Dürer seolah memadukan pencarian banyak empu Jerman: pengamatan terhadap alam, manusia, masalah hubungan benda-benda dalam ruang, keberadaan sosok manusia dalam lanskap, dalam lingkungan spasial. Dalam hal keserbagunaan, skala bakat, dan luasnya persepsi realitas, Dürer adalah seniman khas Renaisans Tinggi (walaupun gradasi periode seperti itu jarang diterapkan pada seni Renaisans Utara). Dia adalah seorang pelukis, pengukir, matematikawan, ahli anatomi, perspektif, dan insinyur. Dia melakukan perjalanan ke Italia dua kali, sekali ke Belanda, dan berkeliling negara asalnya. Warisannya terdiri dari sekitar 80 karya kuda-kuda, lebih dari dua ratus ukiran, lebih dari 1000 gambar, patung, dan bahan tulisan tangan. Dürer adalah humanis terhebat di zaman Renaisans, tetapi cita-citanya tentang manusia berbeda dengan cita-cita Italia. Gambaran Dürer yang sangat nasional penuh dengan kekuatan, tetapi juga keraguan, terkadang pemikiran yang berat; mereka tidak memiliki harmoni yang jelas seperti Raphael atau Leonardo. Bahasa artistiknya rumit dan alegoris.

Dürer lahir di Nuremberg dalam keluarga seorang tukang emas, yang merupakan guru pertamanya. Kemudian, bersama seniman Wolgemut, ia menjalani secara berturut-turut semua tahapan kerajinan dan pendidikan seni yang menjadi ciri khas akhir Abad Pertengahan. Dürer tidak memiliki lingkungan kreatif seperti yang dimiliki Masaccio, Donatello, Piero della Francesca atau Ghirlandaio. Ia tumbuh dalam suasana artistik di mana tradisi abad pertengahan masih hidup, dan seni dicirikan oleh naturalisme yang naif, pemrosesan bentuk yang mendetail, dan warna-warna cerah. Sudah pada tahun 1490, Dürer meninggalkan Wolgemut dan memulai kehidupan kreatif yang mandiri. Dia sering bepergian keliling Jerman dan Swiss, banyak mengukir baik pada kayu maupun tembaga dan segera menjadi salah satu ahli ukiran terbesar di Eropa. Tema kematian sering menjadi tema dalam lembaran grafisnya. Dürer adalah seorang filsuf, tetapi filosofinya tidak memiliki keceriaan dan optimisme ceria dari Renaisans Italia. Pada pertengahan tahun 90-an, Dürer melakukan perjalanan pertama ke Italia, ke Venesia, dan mempelajari monumen kuno. Di antara seniman kontemporer, Mantegna memberikan kesan terbesar pada dirinya dengan gambarnya yang jelas, proporsi yang tepat, dan pandangan dunianya yang tragis. Pada akhir tahun 90-an, Dürer menghasilkan serangkaian ukiran kayu bertema Kiamat, di mana gambar abad pertengahan terjalin dengan peristiwa yang terinspirasi oleh zaman modern; beberapa saat kemudian dia menciptakan Kecil dan Besar (sesuai dengan ukuran papan) “The Passion of Christ” dan beberapa potret diri yang indah. Dürer adalah orang pertama di Jerman yang berhasil mengembangkan masalah perspektif, anatomi, dan proporsi.

A.Durer. Potret diri. Munich, Alte Pinakothek

Dalam potret diri Dürer terlihat bagaimana dari membenahi hal-hal yang sangat spesifik (potret tahun 1493), ia menciptakan gambar yang lebih integral, totok, jelas dipengaruhi oleh kesan Italia (1498), dan menghasilkan gambar yang penuh dengan pemikiran filosofis, kecerdasan tinggi, kegelisahan batin, jadi ciri khasnya orang yang berpikir Jerman dari periode sejarah yang tragis itu (1500).

Pada tahun 1505, Dürer kembali melakukan perjalanan ke Venesia, di mana ia mengagumi warna Venesia: Gianbellino, Titian, Giorgione. “Dan apa yang saya suka 11 tahun lalu, sekarang saya tidak suka sama sekali,” tulisnya dalam buku hariannya.

A.Durer. St Jerome di selnya. Ukiran tembaga

M.Grunewald. Kalvari. Fragmen bagian tengah Altar Isenheim. Colmar, museum

Dalam lukisan “Pesta Rosario” (nama lain adalah “Madonna dengan Rosario”, 1506), meskipun komposisi multi-figurnya agak berlebihan, pewarnaannya sepenuhnya dipengaruhi oleh Venesia.

Sekembalinya ke rumah, Dürer, tidak diragukan lagi di bawah pengaruh seni Italia, menulis “Adam” dan “Eve” (1507), di mana ia mengungkapkan pemahaman nasionalnya tentang keindahan dan keharmonisan tubuh manusia. Namun kepatuhan langsung terhadap kanon klasik bukanlah cara Durer. Ia dicirikan oleh gambaran yang lebih individual dan dramatis.

Tiga ukiran Durer yang paling terkenal berasal dari pertengahan tahun 10-an: “Penunggang Kuda, Kematian dan Iblis,” 1513; "St. Jerome" dan "Melancholy", 1514 (pemotong, ukiran tembaga). Yang pertama menggambarkan seorang penunggang kuda yang bergerak maju dengan mantap, terlepas dari kenyataan bahwa kematian dan iblis menggoda dan menakutinya; yang kedua - duduk di sel di meja dan sibuk dengan pekerjaan St. Jerome. Di latar depan ada seekor singa, lebih mirip dengan singa tua yang tergeletak di sana, anjing yang baik. Banyak penelitian telah ditulis tentang ukiran ini. Mereka diberi interpretasi yang berbeda: mereka dipandang sebagai upaya untuk mencerminkan posisi ksatria, pendeta, burgher, dan dalam citra St. Jerome dipandang sebagai penulis humanis, ilmuwan era Renaisans baru. Ukiran ketiga adalah “Melankolis”. Seorang wanita bersayap yang dikelilingi oleh atribut sains dan alkimia abad pertengahan: jam pasir, peralatan kerajinan, timbangan, lonceng, " kotak ajaib", kelelawar, dll. - penuh dengan kecemasan suram, tragedi, depresi, ketidakpercayaan pada kemenangan akal dan kekuatan pengetahuan, ditutupi dengan suasana mistis, tidak diragukan lagi mencerminkan suasana umum yang menjadi ciri seluruh suasana di tanah air sang seniman. hidup menjelang Reformasi dan perang petani.

Pada tahun 20-an, Dürer berkeliling Belanda, terpesona oleh lukisan Jan van Eyck, Rogier van der Weyden, tetapi mengikuti jalannya sendiri, hanya mengembangkan gayanya sendiri. Selama periode ini, ia melukis potret terbaiknya dari perwakilan kaum intelektual Jerman yang paling dekat dengannya: seniman van Orley, potret grafis Erasmus dari Rotterdam - gambar-gambarnya ekspresif secara psikologis dan dicetak serta bentuknya singkat. Dalam bahasa visual Dürer, semua fragmentasi, variegasi warna-warni, dan kekakuan linier menghilang. Potret-potret tersebut memiliki komposisi yang integral dan bentuk yang plastis. Spiritualitas yang tinggi dan kekuatan jiwa yang tulus membedakan setiap wajah. Beginilah cara seniman memadukan cita-cita dengan yang konkrit dan individual.

Pada tahun 1526, ia menciptakan lukisan terakhirnya, “Empat Rasul,” kuda-kuda dalam bentuk dan tujuan, namun benar-benar monumental dalam keagungan gambarnya. Beberapa peneliti melihatnya sebagai gambaran empat karakter, empat temperamen. Dürer memberikan karakteristik yang sangat individual pada tipe rasul kanonik, tanpa menghilangkan sintesis dan generalisasi dari mereka, yang selalu menjadi salah satu tugas High Renaissance. Karya tersebut ditulis pada dua papan, dari kiri ke atas latar depan Dürer menominasikan Peter, yang tidak terlalu dihormati oleh Gereja Katolik, tetapi John, rasul-filsuf yang paling dekat dengan pandangan dunia Dürer sendiri. Dalam diri para rasul, dalam karakternya yang berbeda-beda, ia menilai seluruh umat manusia, menyatakan kebijaksanaan manusia, ketinggian semangat dan moralitas. Dalam karyanya tersebut, Dürer mengungkapkan harapannya bahwa masa depan adalah milik para wakil umat manusia yang terbaik, para humanis yang mampu memimpin masyarakat.

Sebagai perwakilan sejati era Renaisans, seperti banyak seniman Italia, Dürer meninggalkan karya teoretis yang signifikan: sebuah risalah tentang proporsi dan perspektif “Panduan Pengukuran”, “Doktrin Proporsi Tubuh Manusia”, “Tentang Penguatan dan Pertahanan Kota”.

Dürer tidak diragukan lagi adalah ahli Renaisans Jerman yang paling mendalam dan signifikan. Yang paling dekat dengannya dalam hal tugas dan arahan adalah Hans Baldung Green, yang paling jauh, kebalikannya adalah Matthias Grunewald (1457?-1530?), penulis “Isenheim Altarpiece” yang terkenal, dieksekusi sekitar tahun 1516. untuk salah satu gereja di kota Colmar, sebuah karya yang secara mengejutkan memadukan mistisisme dan keagungan dengan detail realistis yang diamati dengan cermat. Kegugupan dan ekspresi karya Grunewald terutama disebabkan oleh pewarnaannya yang menakjubkan, sangat berani, dibandingkan dengan skema warna Dürer yang tampak kasar, dingin, dan rasional. Dalam "Kalvari" - bagian tengah altar - sang seniman hampir secara natural menggambarkan lengan dan kaki Juruselamat yang sempit, luka berdarah, dan kematian di wajahnya. Penderitaan Maria, Yohanes, Magdalena menjadi gila. Warnanya, yang kecemerlangannya mengingatkan pada kaca patri Gotik, membentuk noda pakaian, darah mengalir ke seluruh tubuh Kristus, menciptakan cahaya misterius dan tidak nyata, menghilangkan semua sosok, memperburuk suasana mistis.

Hans Holbein the Younger (1497-1543) sama sekali kurang terlibat dalam lukisan religius; ia kurang dikaitkan dengan tradisi abad pertengahan dibandingkan pelukis Jerman lainnya. Bagian terkuat dari karya Holbein adalah potret, selalu dilukis dari kehidupan, sangat jujur, terkadang tanpa ampun dalam karakterisasinya, sangat tenang, tetapi gayanya indah. solusi warna. Pada periode awal, potret lebih bersifat “situasial”, seremonial (potret Burgomaster Mayer, potret istri Burgomaster Mayer, 1516), pada periode selanjutnya komposisinya lebih sederhana. Wajah, yang memenuhi hampir seluruh bidang gambar, dicirikan oleh sikap dingin analitis. Holbein menghabiskan tahun-tahun terakhir hidupnya di Inggris di istana Henry VIII, di mana dia menjadi pelukis istana dan di mana dia melukis potret terbaiknya (potret Thomas More, 1527; potret Sir Morett de Saulier, 1534-1535; potret dari Henry VIII, 1536; potret Jane Seymour, 1536, dll.). Potret Holbein, yang dibuat dengan cat air, arang, dan pensil, sangat brilian dalam pengerjaannya. Seniman grafis terbesar pada masanya, ia banyak bekerja di bidang ukiran. Seri ukiran kayunya “The Triumph of Death” (“Dance of Death”) sangat terkenal. Karya Holbein tidak hanya penting bagi Jerman, namun juga memainkan peran yang sangat penting peran penting dalam pembentukan sekolah seni lukis potret Inggris.

Penerus tradisi Dürer terbaik di bidang lanskap adalah seniman dari sekolah Danube Albrecht Altdorfer (1480-1538), seorang ahli liris dan halus yang luar biasa, yang karyanya lanskap muncul sebagai genre independen. Artis Terakhir Seniman Renaisans Jerman Lucas Cranach (1472-1553) dekat dengan Altdorfer karena kepekaannya terhadap alam yang selalu hadir dalam lukisan religinya. Cranach awal mendapatkan popularitas yang luas, diundang ke istana Pemilih Saxony, mengadakan lokakarya yang luas dan banyak siswa, itulah sebabnya di museum-museum kecil Saxony dan Thuringia, di istana-istana (Gotha, Eisenach, dll.) untuk Saat ini banyak sekali karya-karya dari kalangan Cranach, yang tidak selalu memungkinkan untuk memilih karya-karya senimannya sendiri. Lucas Cranach menulis terutama tentang subjek keagamaan; gayanya dicirikan oleh kelembutan dan lirik; Madonna-nya mencerminkan keinginan untuk mewujudkan impian Renaisans tentang orang yang idealnya cantik. Namun pada patahan figur-figur yang memanjang, pada kerapuhannya yang menonjol, pada cara penulisannya yang istimewa dan elegan, ciri-ciri tingkah laku sudah terlihat, yang menandakan berakhirnya Renaisans Jerman.

Bahkan pada masa Perang Seratus Tahun, proses terbentuknya bangsa Perancis dan munculnya negara nasional Perancis dimulai. Penyatuan politik negara ini diselesaikan terutama pada masa pemerintahan Louis XI. Pada pertengahan abad ke-15. juga berlaku untuk awal Renaisans Perancis, pada tahap awalnya masih erat kaitannya dengan seni Gotik. Kampanye raja-raja Perancis di Italia diperkenalkan seniman Perancis dengan seni Italia, dan dari akhir abad ke-15. perpecahan yang menentukan dengan tradisi Gotik dimulai, seni Italia dipikirkan kembali sehubungan dengan tugas-tugas nasionalnya sendiri. Renaisans Prancis bersifat budaya istana. (Karakter rakyat paling banyak dimanifestasikan dalam sastra Renaisans Prancis, terutama dalam karya François Rabelais, dengan citranya yang penuh darah, kecerdasan dan keceriaan khas Galia.)

Seperti dalam seni rupa Belanda, kecenderungan realistik terutama terlihat pada miniatur buku-buku teologis dan sekuler. Seniman besar pertama Renaisans Prancis adalah Jean Fouquet (c. 1420-1481), pelukis istana Charles VII dan Louis XI. Baik dalam potret (potret Charles VII, sekitar tahun 1445) maupun dalam komposisi keagamaan (diptych dari Melun), tulisan yang cermat dipadukan dengan monumentalitas dalam penafsiran gambar. Monumentalitas ini tercipta dari kejar-kejaran bentuk, ketertutupan dan keutuhan siluet, sifat statis pose, dan singkatnya warna. Faktanya, Madonna dari diptych Melun dilukis hanya dalam dua warna - merah cerah dan biru (modelnya adalah kekasih Charles VII - sebuah fakta yang mustahil dalam seni abad pertengahan). Kejelasan komposisi dan keakuratan gambar yang sama, kemerduan warna merupakan ciri khas dari banyak miniatur karya Fouquet (Boccaccio. “Kehidupan J. Fouquet. Potret Charles VII. Fragmen, pria terkenal Dan wanita", Paris, Louvre sekitar tahun 1458). Pinggiran manuskrip dipenuhi dengan gambar kerumunan kontemporer Fouquet dan lanskap kota asalnya, Touraine.

J.Fouquet. Potret Charles VII. Pecahan. Paris, Louvre

Tahap pertama seni plastik Renaisans juga dikaitkan dengan tanah air Fouquet, kota Tours. Motif antik dan Renaisans muncul pada relief Michel Colombe (1430/31-1512). Batu nisannya dibedakan oleh penerimaan kematian yang bijaksana, selaras dengan suasana prasasti kuno kuno dan klasik (makam Duke Francis II dari Brittany dan istrinya Marguerite de Foix, 1502-1507, Nantes, katedral).

Sejak awal abad ke-16, Prancis telah menjadi negara absolut terbesar Eropa Barat. Halaman menjadi pusat kebudayaan, terutama di bawah pemerintahan Francis I, seorang penikmat seni dan pelindung Leonardo. Diundang oleh saudara perempuan raja Margaret dari Navarre, tingkah laku Italia Rosso dan Primaticcio menjadi pendiri sekolah Fontainebleau (“Fontainebleau adalah Roma baru,” tulis Vasari). Kastil di Fontainebleau, banyak kastil di sepanjang sungai Loire dan Cher (Blois, Chambord, Chenonceau), rekonstruksi istana Louvre lama (arsitek Pierre Lescaut dan pematung Jean Goujon) adalah bukti pertama pembebasan dari tradisi Gotik dan penggunaan bentuk Renaisans dalam arsitektur (pertama kali digunakan dalam sistem tatanan kuno Louvre). Dan meskipun kastil-kastil di Loire secara lahiriah masih mirip dengan kastil-kastil abad pertengahan dalam detailnya (parit, menara, jembatan gantung), dekorasi interiornya adalah Renaisans, bahkan agak tingkah laku. Kastil Fontainebleau dengan lukisan, model ornamen, dan patung bundarnya merupakan bukti kemenangan budaya yang berbentuk Italia, subjeknya kuno, dan semangat Galia murni.

J.Clouet. Potret Francis I. Paris, Louvre

Abad ke-16 merupakan masa kejayaan cemerlang seni potret Perancis, baik lukisan maupun pensil (pensil Italia, optimis, cat air). Pelukis Jean Clouet (sekitar 1485/88-1541), seniman istana Francis I, yang rombongannya, serta rajanya sendiri, ia abadikan dalam galeri potretnya, menjadi sangat terkenal dalam genre ini. Berukuran kecil, dilukis dengan cermat, potret Clouet tetap memberikan kesan beragam dalam karakteristik dan bentuk seremonial. Dalam kemampuannya memperhatikan hal terpenting dalam sebuah model, tanpa memiskinkannya dan menjaga kompleksitasnya, putranya François Clouet (sekitar tahun 1516-1572), seniman terpenting Prancis pada abad ke-16, melangkah lebih jauh. Warna Clouet mengingatkan pada enamel berharga dalam intensitas dan kemurniannya (potret Elizabeth dari Austria, sekitar tahun 1571). Dalam penguasaan potret pensil, optimis, dan cat airnya yang luar biasa, Clouet memotret seluruh istana Prancis pada pertengahan abad ke-16. (potret Henry II, Mary Stuart, dll).

Kemenangan pandangan dunia Renaisans dalam seni pahat Prancis dikaitkan dengan nama Jean Goujon (sekitar 1510-1566/68), yang karyanya paling terkenal adalah relief Fountain of the Innocents di Paris (bagian arsitektur - Pierre Lescaut; 1547- 1549). Sosok-sosok yang ringan dan langsing, yang lipatan pakaiannya digaungkan oleh aliran air dari kendi, ditafsirkan dengan musikalitas yang luar biasa, dipenuhi dengan puisi, dicetak dan dipoles serta bentuknya yang singkat dan terkendali. Rasa proporsional, keanggunan, harmoni, dan kehalusan rasa selanjutnya akan selalu dikaitkan dengan seni Prancis.

Dalam karya kontemporer muda Goujon, Germain Pilon (1535-1590), alih-alih gambar ideal yang indah, jelas secara harmonis, yang muncul adalah gambar konkret yang hidup, dramatis, dan sangat agung (lihat batu nisannya). Kekayaan bahasa plastiknya memberikan analisis yang dingin, mencapai titik karakterisasi tanpa ampun, yang analoginya hanya dapat ditemukan di Holbein. Ekspresi seni dramatis Pilon merupakan ciri khas akhir Renaisans dan menunjukkan akan segera berakhirnya era Renaisans di Prancis.

J.Goujon. Nimfa. Relief Air Mancur Orang Tak Bersalah di Paris. Batu

Ciri-ciri krisis cita-cita artistik Kebangkitan terutama termanifestasi dengan jelas dalam tingkah laku, yang muncul pada akhir Renaisans (dari maniera - teknik, atau, lebih tepatnya, manierismo - kepura-puraan, tingkah laku), - tiruan yang jelas, seolah-olah gaya itu nomor dua meskipun semua keahlian teknik dan kecanggihan bentuk, estetika gambar, hiperbolisasi detail individu, bahkan terkadang diungkapkan dalam judul karya, seperti misalnya dalam “Madonna Berleher Panjang” karya Parmigianino, perasaan yang berlebihan, pelanggaran harmoni proporsi, keseimbangan bentuk - ketidakharmonisan, deformasi, yang dengan sendirinya asing dengan sifat seni Renaisans Italia.

Mannerisme biasanya dibagi menjadi awal dan dewasa. Tingkah laku awal - berpusat di Florence. Ini adalah karya para master seperti J. Pontormo, D. Rosso, A. de Volterra, G. Romano. Lukisan-lukisan terakhir di Palazzo del Te di Mantua penuh dengan efek yang tidak terduga, hampir menakutkan, komposisinya berlebihan, keseimbangannya terganggu, gerakannya berlebihan dan kejang - tetapi semuanya secara teatrikal dangkal, sangat menyedihkan dan tidak menyentuh hati. (lihat lukisan dinding "Kematian Para Raksasa", misalnya).

Tingkah laku yang dewasa lebih anggun, canggih, dan aristokrat. Pusatnya adalah Parma dan Bologna (Primaticcio, dari tahun 1531 ia menjadi kepala sekolah Fontainebleau di Prancis), Roma dan Florence (Bronzino, murid Pontormo; D. Vasari; pematung dan perhiasan B. Cellini), serta Parma (Parmigianino yang telah disebutkan, Madonna-nya selalu digambarkan dengan tubuh memanjang dan kepala kecil, dengan jari-jari yang rapuh dan tipis, dengan gerakan yang sopan dan sok, warnanya selalu dingin dan gambarnya dingin).

Mannerisme terbatas di Italia, menyebar ke Spanyol, Jerman, Belanda, Prancis, mempengaruhi seni lukis mereka dan khususnya seni terapan, di mana imajinasi tak terkendali dari para tingkah laku menemukan lahan subur dan bidang aktivitas yang luas.

Filsafat Renaisans

Kebangkitan, disebut renaisans periode transisi dari Abad Pertengahan hingga Zaman Baru, yang mencakup beberapa abad (Italia abad 14-16, negara-negara Eropa lainnya abad 15-16), ketika Abad Pertengahan dalam bentuk ekonomi, sosial, politik, spiritual telah kehabisan tenaga, dan yang baru sistem borjuis belum terbentuk dengan sendirinya.

Ini adalah era pembentukan ekonomi uang-komoditas sederhana, meningkatnya peran sosial dan politik kota-kota, yang didominasi oleh tenaga kerja perajin yang bebas dan mandiri, perdagangan dan perbankan berkembang, dan pabrik-pabrik bermunculan. Situasi spiritual dalam masyarakat juga berubah. Budaya sekuler perkotaan sedang muncul, yang tokoh-tokohnya—seniman, penulis, filsuf—menjadi sasaran revisi signifikan terhadap pandangan agama, moral, dan estetika tradisional Abad Pertengahan, namun tidak sepenuhnya melepaskan diri dari pandangan tersebut. Dalam mencari cita-cita, sebagian besar perwakilan budaya sekuler zaman ini banyak beralih ke nilai-nilai budaya kuno, sebagai sumber spiritual pandangan dunia baru, terbebas dari skolastik abad pertengahan.

Berbeda dengan kebudayaan abad pertengahan yang ditujukan kepada Tuhan, kebudayaan baru ditujukan kepada manusia. Hal ini didasarkan pada prinsip-prinsip antroposentrisme, gagasan tentang orang yang bebas dan kuat yang menegaskan individualitas dan kemandiriannya. Pada saat yang sama, hal ini sering kali memunculkan absolutisasi individualisme dan nihilisme moral. Berbagai kebutuhan baru dari kepribadian manusia terungkap dalam humanisme(Latin humanus - manusiawi, manusiawi, terpelajar), tidak hanya ada sebagai pandangan dunia, tetapi juga sebagai gerakan sosial-politik, praktik sosial di bidang politik, moralitas, dan bidang kehidupan masyarakat lainnya.

Semua kontradiksi di era transisi ini, perubahan kehidupan spiritual masyarakat terungkap sepenuhnya dalam filsafat Renaisans, dan terutama dalam filsafat Italia.

Ide dasar Renaisans Italia awal.

Pemikiran filosofis Renaisans Italia awal berkembang bersamaan dengan skolastik abad pertengahan. Dengan berdebat dengan perwakilannya, kaum humanis Italia berupaya menghidupkan kembali gagasan dan semangat budaya kuno, sambil melestarikan prinsip-prinsip dasar doktrin Kristen.

Dalam karya penyair besar yang menginspirasi gerakan humanistik Dante Alighieri(1265-1321) untuk pertama kalinya muncul unsur-unsur yang berbeda dari pandangan dunia abad pertengahan. Tanpa mengingkari dogma skolastik, Dante mencoba memikirkan kembali hakikat hubungan antara Tuhan dan manusia. Ia percaya bahwa yang ilahi dan manusia ada dalam kesatuan. Tuhan tidak bisa menentang kreativitas manusia. Keberadaan manusia di satu sisi dikondisikan oleh Tuhan, dan di sisi lain oleh alam. Dante senantiasa menekankan bahwa manusia adalah produk realisasi kemampuan pikirannya sendiri, yang diwujudkan dalam kegiatan praktisnya.

Pendiri gerakan humanistik, penyair dan pemikir Francesco Petrarca(1304-1374) menganggap tugas utama adalah pengembangan “seni hidup”. Dari sudut pandang Petrarch, seseorang berhak atas kebahagiaan dalam kehidupan nyata di dunia, dan tidak hanya di dunia lain, seperti yang dinyatakan oleh dogma-dogma agama. Berdasarkan konsep etika Stoicisme, Petrarch menekankan martabat pribadi manusia, keunikan dunia batin manusia dengan harapan, pengalaman dan kecemasannya. Pada saat yang sama, kecenderungan individualistis yang menjadi ciri filsafat Renaisans mendapat tempat dalam karya Petrarch. Ia percaya bahwa kemajuan pribadi hanya mungkin terjadi jika hal itu diisolasi dari “rakyat jelata yang bodoh”. Hanya dalam kasus ini, dalam pergumulan seseorang minat Anda sendiri dan konfrontasi terus-menerus dengan dunia luar, orang yang kreatif dapat mencapai kemandirian penuh, pengendalian diri dan ketenangan pikiran.

Lukisan dinding Masaccio "The Miracle of the Stater": perspektif langsung, ditemukan oleh Brunneleschi, diyakini digunakan di sini untuk pertama kalinya

Mengapa Italia? Ya, karena dari situlah semuanya dimulai. Di sinilah seluruh Renaisans Eropa berasal. (Rusia “merindukan” era ini dengan terhubung ke mode Eropa, dimulai hanya pada masa Peter I.) Renaisans Italia-lah yang memberi dunia galaksi para genius, dan dengan Italia pada abad ke-14 hingga ke-16 kita mengasosiasikan konsep tersebut. dari “seni Renaisans”.

Leonardo da Vinci (potret diri) dan "Manusia Vitruvian" miliknya. Menurut Leonardo, proporsi tubuh manusia adalah ideal, dan untuk membangun suatu bangunan yang harmonis perlu menggunakan pengetahuan tentang proporsi tersebut.

Itu adalah masa berkembangnya budaya yang luar biasa. Namun apa yang memberikan dorongan yang begitu kuat? Bagaimana kebangkitan Renaisans yang semarak muncul dari estetika asketis Abad Pertengahan?

Sejarah akan membantu Anda menemukan jawabannya, yaitu sejarah negara Bizantium. Dibentuk pada tahun 395 Masehi. setelah pembagian terakhir Kekaisaran Romawi. Segera Kekaisaran Romawi, yang tersiksa oleh serangan barbar, tidak ada lagi, dan Byzantium tumbuh lebih kuat dan menjadi kerajaan yang kuat - pewaris budaya kuno (Yunani). Antara lain, negara ini adalah negara yang sangat kaya, dan atas “dasar” ini “superstruktur” budaya berkembang dengan baik. Ia ada selama berabad-abad, tetapi pada abad ke-12 mulai kehilangan tanah, pada tahun 1204 ia selamat dari penaklukan Konstantinopel oleh tentara salib, dan akhirnya jatuh di bawah gempuran Kesultanan Utsmaniyah pada abad ke-14.

Bersama dengan harta karun, karya seni, dan perpustakaan yang dijarah oleh tentara salib, budaya Bizantium, pewaris langsung zaman kuno, “diekspor” ke bagian “Latin”, Katolik di Eropa. Melarikan diri dari para penakluk, pembawa budaya ini, orang-orang paling terpelajar pada masanya, datang ke Semenanjung Apennine. Berkat mereka, zaman kuno menjadi sangat modis. Dan karena sejumlah besar contoh arsitektur Romawi kuno telah dilestarikan di Italia, ini dia - contoh untuk diikuti!

Cita-cita terlihat pada tatanan kuno dengan proporsinya yang harmonis, dengan simetrinya. Oleh karena itu, mereka mereproduksinya dalam versi Romawi asli mereka yang agak membosankan; kastil kaum bangsawan tampak keras - tetapi mereka dengan sempurna mewujudkan gagasan tentang kekuasaan dan kekuatan. “Perwakilan” gaya yang khas adalah Palazzo Pitti dan Palazzo Rucellai.

Palazzo Rucellai yang dirancang oleh Leon Battista Alberti (1402-1472) merupakan sebuah inovasi pada masanya. Fasadnya, yang “rusak” karena pengusiran ke desa dan deretan pilaster yang jelas, belum pernah digunakan sebelumnya

Jendelanya didesain seperti pintu kecil: memiliki “arcade” sendiri, dan “langit-langit” ditopang oleh sebuah kolom. Ukiran batu dipadukan dengan dekorasi plesteran yang cermat: singa di lambang, pita di atas lambang, ibu kota dengan tatanan komposit, pola dekorasi yang elegan

Palazzo khas pada masa itu berbentuk persegi panjang. (Dalam salah satu artikel blog kami, kami mengenang Andrea Palladio, pendiri klasisisme; jadi, arsitek unik ini, pada zamannya, hidup pada masa Renaisans.)

Ngomong-ngomong, saat itulah gaya Gotik disebut “Gotik”, yaitu “barbar”, dan mereka akhirnya meninggalkannya. Tidak hanya bangsawan, bahkan para paus pun menginginkan katedral terpenting dan kediaman kepausan dibangun dan didekorasi secara mewah dengan cara baru. Ukiran batu, plesteran, patung, lukisan - semua ini termasuk dalam gudang gaya baru.

Kubah Katedral St. Peter di Vatikan. Kubahnya dibangun sesuai dengan desain Michelangelo. Bramante (yang memulai pembangunan), Raphael, Michelangelo, dan kemudian Bernini, seorang ahli era Barok, mengambil bagian dalam pembangunan dan dekorasi gedung megah ini.

Ngomong-ngomong, gereja ini menjadi salah satu pelanggan paling berpengaruh dan kaya, berkat karya arsitektur seperti Katedral St. Petersburg yang kita miliki saat ini. Peter dan Kuil Tempieto (di Roma), ansambel Capitol Square, Katedral Florence. (Serta mahakarya lukisan, seperti lukisan dinding terkenal Leonardo da Vinci “Perjamuan Terakhir” di Gereja Santa Maria delle Grazia di Milan dan lukisan Michelangelo di Kapel Sistina.)

Katedral St. Petra

Patung pada fasad Katedral St. Petra

Interior Kapel Sistina dengan lukisan karya Michelangelo

Detail lukisan langit-langit Kapel Sistina

Capitoline Square di Roma adalah karya luar biasa lainnya dari Michelangelo

"David" oleh Michelangelo

Michelangelo Buonarotti (1475-1564)

"Perjamuan Terakhir", Leonardo da Vinci. Lukisan dinding di Gereja Santa Maria Delle Grazie (Milan)

Leonardo da Vinci

Gereja Santa Maria Delle Grazia (Milan), altarnya dirancang oleh Bramante

Donato Bramante (1444-1514) adalah salah satu arsitek paling penting dari Renaisans Italia. Secara khusus, dialah yang mulai membangun Katedral St. Petrav Roma. Dia bekerja di Milan selama 20 tahun. Di sana ia bertemu Leonardo da Vinci, yang ide perencanaan kotanya memberikan pengaruh besar padanya

Tempieto (1502) dianggap sebagai mahakarya Bramante

Palazzo Cancelleria (dirancang oleh Bramante)

Selain arsitektur, interiornya juga mengalami perubahan. Seni dekorasi plesteran dan teknologi pembuatan cetakan plesteran sendiri dikembangkan pada interior Romawi, yang diwarisi oleh interior Renaisans. Kolom tatanan Tuscan yang singkat dan kasar, serta gaya Korintus dan komposit yang subur dipinjam dari gudang senjata Roma Kuno (dimahkotai dengan plesteran plester mewah, dari kejauhan mengingatkan pada keranjang dengan setumpuk bunga). Langit-langitnya juga dikerjakan menggunakan cetakan plesteran gipsum, membaginya menjadi persegi panjang cembung. Semuanya dicat di atasnya dan ditutup dengan daun emas. Pengrajin “mengingat” teknologi Romawi “plesteran” - membuat plesteran dengan serpihan marmer yang meniru marmer.

Museum Vatikan. Interior museum ini biasanya bergaya Renaisans: mosaik Florentine di lantai, plesteran plester berlapis emas dan dicat di langit-langit, dekorasi plesteran di dinding, tidak dapat dibedakan dari marmer, dan banyak patung antik

Interior Katedral St. Petra

Plesteran arcade dan plester pada dekorasi kolom (Palazzo Rucellai)

Berdasarkan ornamen tradisional Romawi kuno - gelombang Yunani bergaya, daun acanthus, lumba-lumba, ikan dan kerang - dan tanaman merambat Bizantium, para ahli Renaisans menciptakan gaya mereka sendiri, yang ditandai dengan kebebasan berkreasi yang luar biasa. Topeng, kepala singa, rumput ikal, dedaunan dipadukan dalam satu pola. Ornamen Renaisans memadukan fantasi dan kekerasan, dan yang terpenting, ornamen tersebut sarat dengan vitalitas luar biasa yang mampu disampaikan oleh dunia kuno hingga Renaisans.

Ornamen dekorasi Palazzo Ruccellai

Adapun furniturnya, sebagian melanjutkan tradisi Abad Pertengahan - peti besar (dari mana kabinet rendah Italia - credenza nantinya akan "tumbuh"), kursi kasar, meja berat. Namun, di sisi lain, saat ini muncul lemari-lemari yang menyerupai miniatur palazzo, dan penemuan kayu lapis memungkinkan untuk menghiasi permukaan furnitur dengan marquetry - seanggun dinding dan langit-langit, didekorasi secara megah dengan plesteran plester. Para empu pada masa itu menciptakan “sistem refrain” pada interior, mengulangi dan memvariasikan motif dekoratif serupa pada furnitur, dekorasi dinding, dan kain, sehingga ruangan terlihat sangat serasi.

Credenza dalam gaya Renaisans, pekerjaan modern(Pabrik Mascheroni). Mengapa bukan palazzo?

Renaisans Italia

Budaya Renaisans berasal dari Italia. Secara kronologis, Renaisans Italia biasanya dibagi menjadi 4 tahap: Proto-Renaissance (Pra-Renaissance) - paruh kedua abad ke-13-14; awal Renaisans - abad XV; Renaisans Tinggi - akhir abad ke-15. - sepertiga pertama abad ke-16; kemudian Renaisans - akhir abad ke-16.

Proto-Renaissance adalah persiapan untuk Renaisans; hal ini terkait erat dengan Abad Pertengahan, dengan tradisi Romawi, Gotik, dan Bizantium. Dan bahkan dalam karya seniman yang inovatif pun tidak mudah untuk menarik garis yang jelas antara yang lama dan yang baru. Awal era baru dikaitkan dengan nama Giotto di Bondone (1266 - 1337). Seniman Renaisans menganggapnya sebagai pembaharu seni lukis. Giotto menguraikan jalur perkembangannya: peningkatan aspek realistis, pengisian bentuk-bentuk keagamaan dengan konten sekuler, transisi bertahap dari gambar datar ke gambar tiga dimensi dan relief.

Master terbesar Renaisans Awal - F. Brunelleschi (1377-1446), Donatello (1386-1466), Verrocchio (1436-1488), Masaccio (1401-1428), Mantegna (1431-1506), S. Botticelli (1444 -1510) . Lukisan pada masa ini menghasilkan kesan pahatan; sosok-sosok dalam lukisan para seniman menyerupai patung. Dan ini bukanlah suatu kebetulan. Para ahli Renaisans Awal berusaha mengembalikan objektivitas dunia, yang hampir hilang dalam lukisan abad pertengahan, dengan menekankan volume, plastisitas, dan kejelasan bentuk. Masalah warna menjadi latar belakang. Seniman abad ke-15 menemukan hukum perspektif dan membangun komposisi multi-figur yang kompleks. Namun, mereka terbatas pada perspektif linier dan hampir tidak memperhatikan lingkungan udara. Dan latar belakang arsitektur lukisan mereka agak mirip dengan gambar.

Pada masa Renaisans Tinggi, geometriisme yang melekat pada Renaisans Awal tidak berakhir, bahkan semakin dalam. Tetapi sesuatu yang baru ditambahkan ke dalamnya: spiritualitas, psikologi, keinginan untuk menyampaikan dunia batin seseorang, perasaannya, suasana hatinya, keadaannya, karakternya, temperamennya. Perspektif udara sedang dikembangkan, materialitas bentuk dicapai tidak hanya melalui volume dan plastisitas, tetapi juga melalui chiaroscuro. Seni High Renaissance paling banyak diungkapkan oleh tiga seniman: Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo. Mereka melambangkan nilai-nilai utama Renaisans Italia: Kecerdasan, Harmoni, dan Kekuatan.

Istilah Renaisans akhir biasanya diterapkan pada Renaisans Venesia. Hanya Venesia selama periode ini (paruh kedua abad ke-16) yang tetap merdeka; kerajaan-kerajaan Italia lainnya kehilangan kemerdekaan politiknya. Kebangkitan Venesia memiliki ciri khas tersendiri. Dia kurang tertarik pada penelitian ilmiah dan penggalian barang antik kuno. Renaisansnya memiliki asal-usul lain. Venesia telah lama menjalin hubungan dagang yang erat dengan Byzantium, Arab Timur, dan berdagang dengan India. Setelah mengolah kembali tradisi Gotik dan oriental, Venesia mengembangkan gaya khususnya sendiri, yang ditandai dengan lukisan penuh warna dan romantis. Bagi orang Venesia, masalah warna mengemuka; materialitas gambar dicapai melalui gradasi warna. Terbesar Tuan Venesia Renaisans tinggi dan akhir adalah Giorgione (1477-1510), Titian (1477-1576), Veronese (1528-1588), Tintoretto (1518-1594).

Renaisans Utara

Ia memiliki karakter yang aneh Renaisans Utara(Jerman, Belanda, Prancis). Renaisans Utara tertinggal satu abad di belakang Renaisans Italia dan dimulai ketika Italia memasuki tahap perkembangan tertinggi. Dalam seni Renaisans utara, lebih banyak pandangan dunia abad pertengahan, perasaan religius, simbolisme; bentuknya lebih konvensional, lebih kuno, dan kurang akrab dengan zaman kuno.

Dasar filosofis Renaisans utara adalah panteisme. Panteisme, tanpa secara langsung menyangkal keberadaan Tuhan, melarutkannya dalam alam, menganugerahi alam dengan sifat-sifat ketuhanan, seperti keabadian, ketidakterbatasan, dan ketidakterbatasan. Karena kaum panteis percaya bahwa di setiap partikel di dunia terdapat partikel Tuhan, mereka menyimpulkan: setiap bagian alam layak untuk digambar. Ide-ide seperti itu mengarah pada munculnya lanskap sebagai genre independen. Seniman Jerman - ahli lanskap A. Dürer, A. Altdorfer, L. Cranach menggambarkan keagungan, kekuatan, keindahan alam, menyampaikan spiritualitasnya.

Genre kedua yang berkembang dalam seni Renaisans Utara adalah potret. Potret independen, tidak terkait dengan aliran sesat, muncul di Jerman pada sepertiga terakhir abad ke-15. Era Dürer (1490-1530) merupakan masa kejayaannya yang luar biasa. Perlu dicatat bahwa potret Jerman berbeda dengan potret Renaisans Italia. Seniman Italia, dalam kekagumannya terhadap manusia, menciptakan cita-cita keindahan. Seniman Jerman acuh tak acuh terhadap keindahan; bagi mereka, hal utama adalah menyampaikan karakter, mencapai ekspresi emosional dari gambar, terkadang merugikan cita-cita, merugikan keindahan. Mungkin hal ini mencerminkan “estetika yang jelek” yang khas pada Abad Pertengahan, di mana keindahan spiritual bisa saja tersembunyi di balik penampilan yang jelek. Dalam Renaisans Italia, sisi estetika mengemuka, di utara - sisi etis. Ahli lukisan potret terhebat di Jerman adalah A. Durer, G. Holbein Jr., di Belanda - Jan van Eyck, Rogier van der Weyden, di Prancis - J. Fouquet, J. Clouet, F. Clouet.

Genre ketiga yang muncul dan berkembang terutama di Belanda adalah lukisan sehari-hari. Master lukisan bergenre terhebat adalah Pieter Bruegel the Elder. Ia melukis pemandangan otentik dari kehidupan petani, dan ia bahkan menempatkan kisah-kisah alkitabiah di lingkungan pedesaan Belanda pada saat itu. Seniman Belanda dibedakan oleh keahlian menulis mereka yang luar biasa, di mana setiap detail terkecil digambarkan dengan sangat hati-hati. Gambar seperti itu sangat menarik bagi yang melihatnya: semakin sering Anda melihatnya, semakin banyak hal menarik yang Anda temukan di sana.

Memberikan gambaran komparatif tentang Renaisans Italia dan Renaisans Utara, satu lagi perbedaan signifikan di antara keduanya harus disoroti. Renaisans Italia ditandai dengan keinginan untuk memulihkan budaya kuno, keinginan untuk emansipasi, pembebasan dari dogma gereja, dan pendidikan sekuler. Di Renaisans Utara, tempat utama ditempati oleh isu-isu perbaikan agama, pembaruan Gereja Katolik dan ajarannya. Humanisme utara menyebabkan Reformasi dan Protestantisme.

Ilmu

Perkembangan ilmu pengetahuan pada abad XIV-XVI sangat mempengaruhi pemikiran masyarakat tentang dunia dan tempat manusia di dalamnya. Penemuan geografis yang hebat, sistem heliosentris dunia, Nicolaus Copernicus, mengubah gagasan tentang ukuran Bumi dan tempatnya di Alam Semesta, dan karya Paracelsus dan Vesalius, di mana untuk pertama kalinya sejak jaman dahulu upaya dilakukan untuk mempelajari struktur manusia dan proses yang terjadi di dalamnya, meletakkan dasar pengobatan ilmiah dan anatomi.

Perubahan besar juga terjadi dalam ilmu-ilmu sosial. Dalam karya Jean Bodin dan Niccolò Machiavelli, proses sejarah dan politik pertama kali dilihat sebagai hasil interaksi berbagai kelompok masyarakat dan kepentingannya. Pada saat yang sama, upaya dilakukan untuk mengembangkan struktur sosial yang “ideal”: “Utopia” oleh Thomas More, “Kota Matahari” oleh Tommaso Campanella. Berkat ketertarikan pada zaman kuno, banyak teks kuno telah dipulihkan [ sumber tidak ditentukan 522 hari], banyak humanis mempelajari bahasa Latin klasik dan Yunani kuno.

Secara umum, mistisisme panteistik Renaisans yang berlaku pada era ini menciptakan latar belakang ideologis yang kurang menguntungkan bagi perkembangan ilmu pengetahuan. Pembentukan akhir metode ilmiah dan Revolusi Ilmiah berikutnya pada abad ke-17. terkait dengan gerakan Reformasi yang menentang Renaisans.