Seni musik Abad Pertengahan. Konten figuratif dan semantik

Abad Pertengahan adalah era kebudayaan terpanjang dalam sejarah Eropa Barat. Ini mencakup sembilan abad - dari abad ke-6 hingga ke-14. Inilah masa dominasi Gereja Katolik, yang sejak awal menjadi pelindung seni. Kata gereja (doa) di berbagai negara di Eropa dan di strata sosial yang berbeda terkait erat dengan musik: mazmur, himne, paduan suara dibunyikan - melodi yang terkonsentrasi dan terpisah, jauh dari kesibukan sehari-hari.

Juga, atas perintah gereja, kuil-kuil megah didirikan, dihiasi dengan patung-patung dan jendela kaca patri berwarna-warni; Berkat perlindungan gereja, arsitek dan seniman, pematung dan penyanyi mengabdikan diri pada seni yang sangat mereka cintai, yaitu Gereja Katolik mendukung mereka secara finansial. Dengan demikian, bagian terpenting dari seni pada umumnya dan musik pada khususnya berada di bawah yurisdiksi agama Katolik.

Nyanyian gereja di semua negara Eropa Barat dibunyikan dalam bahasa Latin yang ketat, dan untuk lebih memperkuat persatuan dan komunitas dunia Katolik, Paus Gregorius I, yang naik takhta pada awal abad ke-4, mengumpulkan semua himne gereja dan ditentukan untuk pelaksanaan masing-masing dari mereka pada hari tertentu dalam kalender gereja. Melodi yang dikumpulkan oleh Paus disebut nyanyian Gregorian, dan tradisi menyanyi yang berdasarkan melodi tersebut disebut nyanyian Gregorian.

Dalam pengertian melodi, nyanyian Gregorian berorientasi pada octoiche, sebuah sistem delapan mode. Mode itulah yang sering kali menjadi satu-satunya indikasi bagaimana paduan suara harus dibawakan. Semua mode merupakan satu oktaf dan merupakan modifikasi dari sistem trichord kuno. Fretnya hanya berupa penomoran, konsep “Dorian”, “Lydian” dan seterusnya. dikecualikan. Setiap fret mewakili hubungan dua tetrachord.

Paduan suara Gregorian secara ideal sesuai dengan tujuan doa mereka: melodi santai terdiri dari motif yang mengalir satu sama lain, garis melodi terbatas pada tessitura, interval antar suara kecil, pola ritme juga halus, paduan suara dibangun atas dasar tangga nada diatonis. Nyanyian Gregorian dinyanyikan oleh paduan suara laki-laki satu suara dan diajarkan nyanyian tersebut terutama dalam tradisi lisan. Sumber tertulis Gregorianisme adalah contoh notasi nonnumerik (simbol khusus ditempatkan di atas teks Latin), namun notasi musik jenis ini hanya menunjukkan perkiraan nada suara, arah umum garis melodi dan tidak menyentuh nada. sisi ritmis sama sekali dan karena itu dianggap sulit untuk dibaca. Penyanyi yang membawakan paduan suara gereja tidak selalu dididik dan mempelajari keahliannya secara lisan.

Nyanyian Gregorian menjadi simbol zaman yang luas, yang mencerminkan pemahamannya tentang kehidupan dan dunia. Makna dan isi paduan suara mencerminkan gagasan manusia abad pertengahan tentang esensi keberadaan. Dalam pengertian ini, Abad Pertengahan sering disebut sebagai “masa muda kebudayaan Eropa”, ketika, setelah jatuhnya Roma kuno pada tahun 476, suku-suku barbar, Galia, dan Jerman menyerbu Eropa dan mulai membangun kembali kehidupan mereka. Kepercayaan mereka pada orang-orang kudus Kristen dicirikan oleh kesederhanaan, kesederhanaan, dan melodi nyanyian Gregorian didasarkan pada prinsip kealamian yang sama. Paduan suara yang monoton mencerminkan gagasan manusia abad pertengahan tentang ruang, yang dibatasi oleh bidang penglihatannya. Selain itu, gagasan tentang waktu dikaitkan dengan gagasan tentang pengulangan dan kekekalan.

Nyanyian Gregorian, sebagai gaya musik yang dominan, akhirnya menyebar ke seluruh Eropa pada abad ke-9. Pada saat yang sama, penemuan terbesar terjadi dalam seni musik, yang mempengaruhi seluruh sejarah selanjutnya: ilmuwan-biksu, musisi Italia Guido dari Arezzo (Aretinsky) menemukan notasi musik, yang kita gunakan hingga hari ini. Mulai saat ini nyanyian Gregorian dapat dinyanyikan dari nada-nadanya, dan memasuki fase baru perkembangannya.

Dari abad ke-7 hingga ke-9, konsep “musik” dan “nyanyian Gregorian” tidak dapat dipisahkan. Mempelajari melodi paduan suara, musisi dan penyanyi abad pertengahan ingin menghiasinya, tetapi mengubah nyanyian gereja tidak diperbolehkan. Sebuah solusi ditemukan: di atas melodi paduan suara, pada jarak yang sama dari semua bunyinya, ditambahkan suara kedua, yang persis mengulangi pola melodi paduan suara tersebut. Melodinya seakan menebal, berlipat ganda. Komposisi dua suara pertama ini disebut organum, karena suara bagian bawah yang dibunyikan paduan suara disebut vox Principalis (suara utama), dan suara tambahan di bagian atas disebut vox organalis (suara tambahan). Suara organum membangkitkan asosiasi dengan akustik kuil: suaranya menggelegar dan dalam. Selanjutnya pada abad 11-13, dua suara berkembang menjadi tiga suara (triptum) dan empat suara.

Bentuk ritme organum adalah contoh ritme modal. Ada enam di antaranya: iambik (l ¡), trocheus (trochee) (¡ l), daktil (¡ . l¡), anapest (l¡¡ . ), spondee (¡ . ¡ . ), tritrakium (l l l).

Selain seni gereja, dengan berkembangnya kota-kota dan perekonomian Eropa, Abad Pertengahan menyaksikan lahirnya seni baru. Masyarakat awam (penduduk kota, petani) sering melihat aktor dan pemusik keliling di pemukiman mereka yang menari dan menampilkan pertunjukan teater dengan berbagai topik: tentang malaikat dan Theotokos Yang Mahakudus atau tentang setan dan siksa neraka. Seni sekuler baru ini tidak sesuai dengan selera para pendeta pertapa gereja, yang menemukan intrik iblis dalam nyanyian dan pertunjukan yang sembrono.

Berkembangnya kota-kota abad pertengahan dan kastil feodal, minat pada seni sekuler yang mencakup semua kelas, menyebabkan munculnya sekolah puisi dan musik sekuler profesional pertama - sekolah penyanyi, yang muncul di selatan Prancis pada abad ke-12. . Penyair dan musisi Jerman serupa disebut minnesingers (meistersingers), dan Prancis utara disebut trouvères. Sebagai penulis puisi, penyair troubadour bertindak secara bersamaan sebagai komposer dan penyanyi.

Musik lagu-lagu para penyanyi tumbuh dari puisi dan ditiru dengan kesederhanaan, keceriaan, dan kecerobohannya. Isi dari lagu-lagu tersebut membahas semua topik kehidupan: cinta dan perpisahan, permulaan musim semi dan kegembiraannya, kehidupan ceria siswa sekolah yang mengembara, lelucon Keberuntungan dan wataknya yang berubah-ubah, dll. Irama, pembagian yang jelas ke dalam frasa musik, penekanan , periodisitas - semua ini adalah lagu khas para pengacau.

Nyanyian Gregorian dan lirik troubadour adalah dua tren independen dalam musik abad pertengahan, namun, dengan segala kontrasnya, ciri-ciri umum dapat dicatat: kedekatan internal dengan kata, kecenderungan penampilan vokal yang halus dan berbunga-bunga.

Puncak dari polifoni awal (polifoni) adalah sekolah Notre Dame. Para musisi yang tergabung di dalamnya bekerja di Paris di Katedral Notre Dame pada abad ke-12-13. Mereka berhasil menciptakan struktur polifonik yang membuat seni musik menjadi lebih mandiri, tidak terlalu bergantung pada pengucapan teks Latin. Musik tidak lagi dianggap sebagai pendukung dan penghiasnya; kini ditujukan khusus untuk didengarkan, meskipun organum para master sekolah ini masih dibawakan di gereja. Sekolah Notre Dame dipimpin oleh komposer profesional: pada paruh kedua abad ke-12 - Leonin, pada pergantian abad ke-12-13 - muridnya Perotin.

Konsep "komposer" pada Abad Pertengahan ada dengan latar belakang budaya musik dan kata itu sendiri berasal dari "compose" - yaitu. menggabungkan, menciptakan sesuatu yang baru dari unsur-unsur yang diketahui. Profesi komposer baru muncul pada abad ke-12 (dalam karya-karya penyanyi dan master sekolah Notre Dame). Misalnya, kaidah komposisi yang ditemukan oleh Leonin tergolong unik karena, dimulai dengan kajian mendalam terhadap materi musik yang diciptakan sebelumnya, sang komposer kemudian mampu memadukan tradisi nyanyian Gregorian yang ketat dengan norma-norma bebas seni penyanyi.

Di organum Perotin, cara untuk memperpanjang bentuk musik telah ditemukan. Dengan demikian, jalinan musik dibagi menjadi motif-motif pendek yang dibangun berdasarkan prinsip kesamaan (semuanya mewakili versi yang cukup mirip satu sama lain). Perotin memindahkan motif-motif ini dari satu suara ke suara lainnya, menciptakan sesuatu seperti rantai motivasi. Dengan menggunakan kombinasi dan permutasi seperti itu, Perotin memungkinkan organum tumbuh dalam skala besar. Suara nyanyian Gregorian, yang ditempatkan dalam suara cantus firmus, terletak pada jarak yang sangat jauh satu sama lain - dan ini juga berkontribusi pada perluasan bentuk musik. Maka muncullah genre baru - MOTET; Biasanya, ini adalah komposisi tiga suara yang tersebar luas pada abad ke-13. Keindahan genre baru ini terletak pada kombinasi simultan dari baris-baris melodi yang berbeda, meskipun sebenarnya merupakan varian, duplikasi, cerminan dari melodi utama - cantus firmus. Motet seperti itu disebut "dipesan".

Namun, motet lebih populer di kalangan masyarakat, yang berbeda dengan motet di cantus firmus, membesar-besarkan prinsip ketidaksesuaian: beberapa di antaranya bahkan disusun berdasarkan teks dalam bahasa berbeda.

Motif abad pertengahan dapat memiliki konten spiritual dan sekuler: cinta, sindiran, dll.

Polifoni awal ada tidak hanya sebagai seni vokal, tetapi juga sebagai seni instrumental. Musik tari digubah untuk karnaval dan hari raya, dan lagu-lagu penyanyi juga diiringi dengan permainan alat musik. Fantasi instrumental yang unik, mirip dengan motet, juga populer.

Abad ke-14 dalam seni Eropa Barat disebut sebagai “musim gugur” Abad Pertengahan. Era baru telah tiba di Italia - Renaisans; Dante, Petrarch, Giotto - ahli besar awal Renaisans - telah menciptakan. Negara-negara Eropa lainnya sedang merangkum hasil Abad Pertengahan dan merasakan lahirnya tema baru dalam seni - tema individualitas.

Masuknya musik abad pertengahan ke era baru ditandai dengan munculnya risalah Philippe de Vitry “Ars Nova” - “New Art”. Di dalamnya, ilmuwan dan musisi mencoba menguraikan gambaran baru tentang musik yang indah. Nama risalah ini memberi nama pada seluruh budaya musik abad ke-14. Mulai sekarang, musik harus meninggalkan suara-suara yang sederhana dan kasar dan mengupayakan kelembutan dan pesona suara: alih-alih harmoni Ars antiqua yang kosong dan dingin, disarankan untuk menggunakan harmoni yang penuh dan merdu.

Disarankan untuk meninggalkan ritme monoton (modal) di masa lalu dan menggunakan notasi mensural (pengukuran) yang baru ditemukan, ketika bunyi pendek dan panjang berhubungan satu sama lain sebagai 1:3 atau 1:2. Ada banyak durasi seperti itu - maxima, longa, brevis, semibrevis; masing-masing memiliki garis besarnya sendiri: suara yang lebih panjang tidak diarsir, suara yang lebih pendek digambarkan dalam warna hitam.

Irama menjadi lebih fleksibel, bervariasi, dan sinkopasi dapat digunakan. Pembatasan penggunaan mode selain mode gereja diatonis menjadi kurang ketat: perubahan, peningkatan, dan penurunan nada musik dapat digunakan.

Seni musik Abad Pertengahan. Konten figuratif dan semantik. Kepribadian.

Abad Pertengahan- periode panjang perkembangan manusia yang mencakup lebih dari seribu tahun.

Jika kita melihat lingkungan kiasan dan emosional dari periode “Abad Pertengahan Kegelapan”, sebagaimana sering disebut, kita akan melihat bahwa periode tersebut dipenuhi dengan kehidupan spiritual yang intens, ekstase kreatif, dan pencarian kebenaran. Gereja Kristen mempunyai pengaruh yang kuat terhadap pikiran dan hati. Tema, alur dan gambaran Kitab Suci dipahami sebagai kisah yang terbentang sejak penciptaan dunia melalui kedatangan Kristus hingga Hari Pembalasan. Kehidupan duniawi dianggap sebagai perjuangan terus menerus antara kekuatan gelap dan terang, dan jiwa manusia adalah arena perjuangan ini. Harapan akan akhir dunia meresapi pandangan dunia orang-orang abad pertengahan; hal itu mewarnai seni periode ini dengan nada dramatis. Dalam kondisi seperti ini, budaya musik berkembang dalam dua lapisan yang kuat. Di satu sisi, musik gereja profesional, yang telah melalui jalur perkembangan yang luar biasa sepanjang periode abad pertengahan; di sisi lain, kreativitas musik rakyat, yang dianiaya oleh perwakilan gereja “resmi”, dan musik sekuler, yang ada sebagai musik amatir hampir sepanjang periode abad pertengahan. Terlepas dari antagonisme kedua gerakan ini, keduanya mengalami pengaruh timbal balik, dan pada akhir periode ini, hasil interpenetrasi musik sekuler dan gereja menjadi sangat nyata. Dari segi kandungan emosional dan semantik, ciri paling khas dari musik abad pertengahan adalah dominasi prinsip-prinsip ideal, spiritual dan didaktik - baik dalam genre sekuler maupun gereja.

Kandungan emosional dan semantik musik gereja Kristen ditujukan untuk memuji Ketuhanan, mengingkari harta duniawi demi pahala setelah kematian, dan mendakwahkan asketisme. Musik memusatkan pada dirinya sendiri apa yang diasosiasikan dengan ekspresi "murni", tanpa bentuk material "kopral" apa pun yang memperjuangkan cita-cita. Dampak musik diperkuat oleh akustik gereja dengan kubahnya yang tinggi, memantulkan suara dan menciptakan efek kehadiran Ilahi. Perpaduan musik dengan arsitektur terlihat jelas dengan munculnya gaya Gotik. Musik polifonik yang berkembang saat ini menciptakan suara-suara yang membumbung tinggi dan bebas, mengulangi garis-garis arsitektur kuil Gotik, menciptakan perasaan ruang yang tak terhingga. Contoh musik Gotik yang paling mencolok diciptakan oleh komposer Katedral Notre Dame - Master Leonin dan Master Perotin, yang dijuluki Agung.

Seni musik Abad Pertengahan. Genre. Fitur bahasa musik.

Pembentukan genre sekuler selama periode ini dipersiapkan oleh kreativitas musisi pengembara - pemain sulap, penyanyi, dan shpilman, yang merupakan penyanyi, aktor, pemain sirkus, dan instrumentalis semuanya digabung menjadi satu. Para pemain sulap, shpilman, dan penyanyi juga bergabung vagantas dan goliard- siswa yang tidak beruntung dan biksu buronan yang membawa literasi dan pengetahuan tertentu ke lingkungan “artistik”. Lagu daerah dinyanyikan tidak hanya dalam bahasa nasional yang sedang berkembang (Prancis, Jerman, Inggris dan lain-lain), tetapi juga dalam bahasa Latin. Siswa dan anak sekolah yang bepergian (vagantes) sering kali memiliki keterampilan yang hebat dalam syair Latin, yang memberikan kepedihan khusus pada lagu-lagu mereka yang menuduh yang ditujukan terhadap penguasa feodal sekuler dan Gereja Katolik. Lambat laun, seniman keliling mulai membentuk guild dan menetap di kota.

Pada periode yang sama, lapisan “intelektual” yang unik muncul—kesatriaan, yang di antaranya (selama periode gencatan senjata) minat terhadap seni juga berkobar. Kastil berubah menjadi pusat budaya ksatria. Seperangkat aturan perilaku ksatria sedang disusun, yang membutuhkan perilaku “sopan” (halus, sopan). Pada abad ke-12 di Provence, di istana tuan tanah feodal, seni muncul pengacau, yang merupakan ekspresi khas dari budaya ksatria sekuler baru yang menyatakan pemujaan terhadap cinta duniawi, kenikmatan alam, dan kegembiraan duniawi. Dari segi gambar, seni musik dan puisi para penyanyi mengenal banyak ragam, terutama terkait dengan lirik cinta atau militer, lagu-lagu dinas yang mencerminkan sikap pengikut terhadap tuannya. Seringkali lirik cinta para pengacau berbentuk pelayanan feodal: penyanyi mengakui dirinya sebagai pengikut seorang wanita, yang biasanya adalah istri tuannya. Dia menyanyikan kebajikan, kecantikan dan kebangsawanannya, mengagungkan dominasinya dan "merana" untuk tujuan yang tidak dapat dicapai. Tentu saja, ada banyak konvensi dalam hal ini, yang ditentukan oleh etika pengadilan pada waktu itu. Namun, seringkali di balik bentuk-bentuk pelayanan ksatria yang konvensional terdapat perasaan yang tulus, yang diungkapkan dengan jelas dan mengesankan dalam gambaran puitis dan musikal. Seni para pengacau dalam banyak hal telah maju pada masanya. Perhatian terhadap pengalaman pribadi seniman dan penekanan pada dunia batin individu yang penuh kasih dan penderitaan menunjukkan bahwa para pengacau secara terbuka menentang kecenderungan asketis ideologi abad pertengahan. Troubadour mengagungkan cinta duniawi yang sejati. Dia melihat dalam dirinya “sumber dan asal mula segala barang.”

Kreativitas berkembang di bawah pengaruh puisi para pengacau Trouvères, yang lebih demokratis (kebanyakan truvères berasal dari penduduk kota). Tema yang sama dikembangkan di sini, dan gaya artistik lagunya pun serupa. Di Jerman satu abad kemudian (abad ke-13) dibentuklah sekolah Penambang, di mana, lebih sering daripada di antara penyanyi dan penyanyi, lagu-lagu yang berisi konten moral dan membangun dikembangkan, motif cinta sering kali bernuansa religius dan dikaitkan dengan pemujaan terhadap Perawan Maria. Struktur emosional lagu-lagu tersebut lebih serius dan mendalam. Para Minnesingers sebagian besar bertugas di pengadilan, tempat mereka mengadakan kompetisi. Nama Wolfram von Eschenbach, Walter von der Vogelweide, dan Tannhäuser, pahlawan legenda terkenal, sudah terkenal. Dalam opera Wagner berdasarkan legenda ini, adegan sentralnya adalah adegan kompetisi menyanyi, di mana sang pahlawan mengagungkan perasaan dan kesenangan duniawi hingga membuat marah semua orang. Libretto "Tannhäuser" yang ditulis oleh Wagner adalah contoh wawasan luar biasa tentang pandangan dunia suatu era yang mengagungkan cita-cita moral, cinta ilusi dan terus-menerus berjuang secara dramatis melawan nafsu berdosa.

Genre gereja

Nyanyian Gregorian. Di gereja Kristen mula-mula terdapat banyak varian nyanyian gereja dan teks Latin. Timbul kebutuhan untuk menciptakan satu ritual pemujaan dan musik liturgi yang sesuai. Proses ini selesai pada pergantian abad ke-6 dan ke-7. Melodi Gereja Paus Gregorius I., dipilih, dikanonisasi, didistribusikan dalam tahun gereja, merupakan satu set resmi - antiphonary. Melodi paduan suara yang termasuk di dalamnya menjadi dasar nyanyian liturgi Gereja Katolik dan disebut nyanyian Gregorian. Itu dibawakan dalam satu suara oleh paduan suara atau ansambel suara laki-laki. Perkembangan melodi terjadi secara perlahan dan didasarkan pada variasi melodi awal. Irama bebas melodi tunduk pada ritme kata-katanya. Teks-teksnya berbentuk prosa dalam bahasa Latin, yang bunyinya menciptakan keterpisahan dari segala sesuatu yang duniawi. Gerakan melodinya halus; jika muncul lompatan-lompatan kecil, segera diimbangi dengan gerakan ke arah yang berlawanan. Melodi nyanyian Gregorian sendiri terbagi dalam tiga kelompok: pembacaan, di mana setiap suku kata dalam teks berhubungan dengan satu suara nyanyian, mazmur, di mana nyanyian beberapa suku kata diperbolehkan, dan kegembiraan, ketika suku kata dinyanyikan dalam pola melodi yang kompleks, paling sering “Haleluya” (“Alhamdulillah”). Yang sangat penting, seperti dalam bentuk seni lainnya, adalah simbolisme spasial (dalam hal ini, “atas” dan “bawah”). Keseluruhan gaya nyanyian monofonik ini, tidak adanya “latar belakang” atau “perspektif suara” di dalamnya, mengingatkan pada prinsip gambar planar dalam lukisan abad pertengahan.
Nyanyian pujian . Masa kejayaan pembuatan himne dimulai pada abad ke-6. Nyanyian pujian, yang dibedakan oleh kedekatan emosional yang lebih besar, membawa semangat seni duniawi di dalamnya. Mereka didasarkan pada melodi lagu yang mirip dengan melodi folk. Pada akhir abad ke-5 mereka diusir dari gereja, tetapi selama berabad-abad mereka tetap ada sebagai musik non-liturgi. Kembalinya mereka ke penggunaan gereja (abad ke-9) adalah semacam konsesi terhadap perasaan duniawi orang percaya. Berbeda dengan paduan suara, himne didasarkan pada teks puisi yang disusun secara khusus (dan tidak dipinjam dari kitab suci). Hal ini menentukan struktur nada yang lebih jelas, serta kebebasan melodi yang lebih besar, tidak tunduk pada setiap kata dalam teks.
Massa. Ritual Misa telah berkembang selama berabad-abad. Urutan bagian-bagiannya ditentukan ciri-ciri utamanya pada abad ke-9, tetapi massa baru memperoleh bentuk akhirnya pada abad ke-11. Proses pembentukan musiknya juga panjang. Jenis nyanyian liturgi yang paling kuno adalah mazmur; berkaitan langsung dengan tindakan liturgi itu sendiri, dibunyikan sepanjang kebaktian dan dibawakan oleh para imam dan paduan suara gereja. Pengenalan himne memperkaya gaya musik Misa. Nyanyian himne dibunyikan pada momen-momen tertentu dalam ritual, mengungkapkan perasaan kolektif umat. Mula-mula dinyanyikan oleh umat paroki sendiri, kemudian oleh paduan suara gereja profesional. Dampak emosional dari himne tersebut begitu kuat sehingga lambat laun mulai menggantikan mazmur, menempati tempat dominan dalam musik massa. Dalam bentuk himne-himne itulah lima bagian utama Misa (yang disebut Biasa) terbentuk.
I. "Kyrie eleison"(“Tuhan, kasihanilah”) - permohonan pengampunan dan belas kasihan;
II. "Gloria"(“Glory”) - himne terima kasih kepada pencipta;
AKU AKU AKU. "Kredo"(“Saya Percaya”) adalah bagian sentral dari liturgi, yang menguraikan prinsip-prinsip dasar doktrin Kristen;
IV. "Tempat Suci"(“Kudus”) - seruan khusyuk yang diulang tiga kali, diikuti dengan seruan penyambutan “Hosanna”, yang membingkai episode utama “Benediktus” (“Berbahagialah dia yang datang”);
V. "Agnus Dei"(“Anak Domba Allah”) - permohonan belas kasihan lainnya yang ditujukan kepada Kristus, yang mengorbankan dirinya sendiri; Bagian terakhir diakhiri dengan kata-kata: “Dona nobis pacem” (“Beri kami kedamaian”).
Genre sekuler

Musik vokal
Seni musik dan puisi abad pertengahan sebagian besar bersifat amatir. Ini mengasumsikan universalisme yang cukup: orang yang sama adalah seorang komposer, penyair, penyanyi, dan instrumentalis, karena lagu tersebut sering dibawakan dengan diiringi kecapi atau biola. Lirik lagu yang puitis, terutama contoh seni ksatria, sangat menarik. Adapun musiknya dipengaruhi oleh nyanyian Gregorian, musik para pemusik pengembara, serta musik masyarakat timur. Seringkali para pemainnya, dan terkadang penulis musik lagu-lagu penyanyi, adalah pemain sulap yang bepergian bersama para ksatria, mengiringi nyanyian mereka dan melakukan fungsi sebagai pelayan dan asisten. Berkat kerjasama ini, batas antara kreativitas musik folk dan ksatria menjadi kabur.
Musik dansa Bidang di mana pentingnya musik instrumental terwujud dengan kuat adalah musik dansa. Sejak akhir abad ke-11, sejumlah genre musik dan tari telah muncul, yang ditujukan khusus untuk pertunjukan instrumen. Tidak ada satu pun festival panen, tidak ada satu pun pernikahan atau perayaan keluarga lainnya yang lengkap tanpa tarian. Tarian sering kali dibawakan dengan nyanyian para penarinya sendiri atau dengan iringan terompet, di beberapa negara - dengan iringan orkestra yang terdiri dari terompet, gendang, bel, dan simbal.
Branle Tarian rakyat Perancis. Pada Abad Pertengahan, ini paling populer di kota-kota dan desa-desa. Segera setelah kemunculannya, ia menarik perhatian kaum bangsawan dan menjadi tempat dansa ballroom. Berkat gerakannya yang sederhana, dedak bisa ditarikan oleh semua orang. Pesertanya berpegangan tangan membentuk lingkaran tertutup, yang dapat dipecah menjadi garis-garis, berubah menjadi gerakan zigzag. Ada banyak jenis dedak: sederhana, ganda, ceria, kuda, dedak tukang cuci, dedak dengan obor, dll. Berdasarkan pergerakan dedak, gavotte, paspier, dan bourre dibangun, dan dari dedak tersebut perlahan-lahan tambang muncul.
Stella Tarian ini dibawakan oleh para peziarah yang datang ke vihara untuk memuja patung Bunda Maria. Dia berdiri di puncak gunung, diterangi oleh matahari, dan sepertinya ada cahaya yang tidak wajar mengalir darinya. Dari sinilah nama tarian tersebut berasal (stella - dari bahasa latin bintang). Orang-orang menari serentak, dikejutkan oleh kemegahan dan kemurnian Bunda Allah.
Karol Populer pada abad ke-12. Karol adalah lingkaran terbuka. Pada saat pertunjukan raja, para penari bernyanyi sambil berpegangan tangan. Di depan para penari adalah penyanyi. Bagian refrainnya dinyanyikan oleh seluruh peserta. Irama tariannya halus dan lambat, kemudian dipercepat dan berubah menjadi lari.
Tarian Kematian Pada akhir Abad Pertengahan, tema kematian menjadi cukup populer dalam budaya Eropa. Wabah wabah yang memakan banyak korban jiwa juga mempengaruhi sikap terhadap kematian. Jika sebelumnya merupakan pembebasan dari penderitaan duniawi, maka pada abad ke-13. dia dianggap ngeri. Kematian digambarkan dalam gambar dan ukiran sebagai gambaran yang menakutkan, dan dibahas dalam lirik lagu. Tarian ini dibawakan secara melingkar. Para penari mulai bergerak, seolah-olah ditarik oleh kekuatan yang tidak diketahui. Lambat laun mereka dikuasai oleh musik yang dimainkan oleh pembawa pesan Maut, mereka mulai menari dan pada akhirnya mereka terjatuh dan mati.
tarian bass Tarian dan prosesi pejalan kaki. Mereka bersifat seremonial dan secara teknis sederhana. Mereka yang berkumpul untuk pesta dengan pakaian terbaiknya berjalan di depan pemiliknya, seolah-olah memperagakan diri dan kostumnya - inilah makna dari tarian tersebut. Prosesi tari sudah menjadi bagian dari kehidupan istana; tidak ada satu festival pun yang dapat berlangsung tanpanya.
sangat (estampidas) Tarian berpasangan diiringi musik instrumental. Kadang-kadang “estampi” dilakukan oleh tiga orang: satu laki-laki memimpin dua perempuan. Musik memainkan peran besar. Ini terdiri dari beberapa bagian dan menentukan sifat gerakan dan jumlah pukulan per bagian.

Masalah:

Guiraut Riquier 1254-1292

Guiraut Riquier adalah seorang penyair Provençal yang sering disebut sebagai "troubadour terakhir". Seorang master yang produktif dan terampil (48 melodinya bertahan), namun, ia tidak asing dengan tema-tema spiritual dan secara signifikan memperumit penulisan vokalnya, menjauh dari penulisan lagu. Selama bertahun-tahun dia berada di pengadilan di Barcelona. Berpartisipasi dalam perang salib. Posisinya dalam kaitannya dengan seni juga menarik. Korespondensinya dengan pelindung seni terkenal Alphonse the Wise, Raja Kastilia dan Leon, diketahui. Di dalamnya, dia mengeluh bahwa orang-orang yang tidak jujur, yang “memalukan gelar pemain sulap,” sering kali disalahartikan sebagai pengacau yang berpengetahuan luas. Hal ini “memalukan dan berbahaya” bagi perwakilan “seni puisi dan musik tingkat tinggi, yang tahu cara menulis puisi dan menciptakan karya yang instruktif dan abadi.” Dengan kedok jawaban raja, Ricoeur mengusulkan sistematisasinya: 1) "dokter seni puisi" - penyanyi terbaik, "menerangi jalan bagi masyarakat", penulis "puisi dan kanson teladan, cerita pendek yang anggun, dan karya didaktik ” dalam bahasa lisan; 2) penyanyi, yang mengarang lagu dan musik untuk mereka, menciptakan melodi tarian, balada, album, dan sirvent; 3) pemain sulap, yang memenuhi selera para bangsawan: mereka memainkan berbagai alat musik, bercerita dan dongeng, menyanyikan puisi dan kanson orang lain; 4) badut (badut) “menunjukkan seni rendahan mereka di jalanan dan alun-alun dan menjalani gaya hidup yang tidak layak.” Mereka menampilkan kera, anjing, dan kambing terlatih, memperagakan boneka, dan meniru kicauan burung. Buffon memainkan instrumen atau merengek di depan rakyat jelata untuk mendapatkan bantuan kecil... bepergian dari satu pengadilan ke pengadilan lainnya, tanpa rasa malu, dengan sabar menanggung segala macam penghinaan dan membenci aktivitas yang menyenangkan dan mulia.

Riquier, seperti banyak pengacau lainnya, khawatir dengan pertanyaan tentang kebajikan ksatria. Dia menganggap kemurahan hati sebagai kebajikan tertinggi. “Saya sama sekali tidak menjelek-jelekkan keberanian dan kecerdasan, namun kemurahan hati melampaui segalanya.”

Perasaan pahit dan frustrasi meningkat tajam menjelang akhir abad ke-13, ketika runtuhnya Perang Salib menjadi kenyataan yang tidak dapat dihindari dan tidak dapat diabaikan. “Sudah waktunya aku berhenti bernyanyi!” - dalam ayat-ayat ini (berasal dari tahun 1292) dia mengungkapkan kekecewaannya atas akibat buruk dari upaya perang salib di Giraut Riquier:
“Waktunya telah tiba bagi kita – untuk mengikuti tentara – untuk meninggalkan Tanah Suci!” Puisi “Sudah waktunya aku menyelesaikan dengan lagu” (1292) dianggap sebagai lagu penyanyi terakhir.

Komposer, musisi

Guillaume de Machaut c. 1300 - 1377

Machaut adalah seorang penyair, musisi dan komposer Perancis. Ia bertugas di istana raja Ceko, dan dari tahun 1337 ia menjadi kanon Katedral Reims. Salah satu musisi paling terkemuka di akhir Abad Pertengahan, tokoh utama dalam Ars nova Prancis. Ia dikenal sebagai komposer multi-genre: motif, balada, vireles, lays, rondo, kanon, dan bentuk lagu (lagu dan tarian) lainnya telah sampai kepada kita. Musiknya dibedakan oleh ekspresi halus dan sensualitas halus. Selain itu, Machaut menciptakan misa penulis pertama dalam sejarah (untuk penobatan Raja Charles V di Reims pada tahun 1364. Ini adalah misa penulis pertama dalam sejarah musik - sebuah karya lengkap dan lengkap dari seorang komposer terkenal. Dalam seninya, garis-garis penting yang ada di satu sisi, dari budaya musik dan puisi para penyanyi dan trouvères berdasarkan lagu-lagu kunonya, di sisi lain, dari aliran polifoni Prancis pada abad ke-12-13.

Leonin (pertengahan abad ke-12)

Leonin adalah seorang komposer yang luar biasa, bersama dengan Perotin berasal dari sekolah Notre Dame. Sejarah telah melestarikan bagi kita nama pencipta “Buku Besar Organum” yang dulunya terkenal ini, yang dirancang untuk lingkaran tahunan nyanyian gereja. Organum Leonin menggantikan nyanyian paduan suara secara serempak dengan nyanyian dua suara dari solois. Organum dua suaranya dibedakan oleh pengembangan yang cermat, “koherensi” suara yang harmonis, yang tidak mungkin terjadi tanpa pemikiran dan perekaman awal: dalam seni Leonin, bukan lagi penyanyi-improvisasi, tetapi komposer yang tampil kedepan. Inovasi utama Leonin adalah rekaman ritmis, yang memungkinkan terciptanya ritme yang jelas dari suara atas yang sebagian besar bergerak. Karakter suara atas dibedakan oleh kemurahan hati melodinya.

Perotin

Perotin, Perotinus - Komposer Perancis pada akhir abad ke-12 - sepertiga pertama abad ke-13. Dalam risalah kontemporer ia disebut "Master Perotin Agung" (yang sebenarnya dimaksud tidak diketahui, karena ada beberapa musisi yang dapat dikaitkan dengan nama ini). Perotin mengembangkan jenis nyanyian polifonik yang muncul dalam karya pendahulunya Leonin, yang juga berasal dari sekolah Paris, atau Notre Dame. Perotin menciptakan contoh organum melismatik yang tinggi. Dia tidak hanya menulis karya 2 suara (seperti Leonin), tetapi juga karya 3 dan 4 suara, dan, tampaknya, dia memperumit dan memperkaya polifoni secara ritmis dan bertekstur. Organum 4 suaranya belum mematuhi hukum polifoni yang ada (imitasi, kanon, dll). Dalam karya Perotin, tradisi nyanyian polifonik Gereja Katolik berkembang.

Josquin des Pres ca. 1440-1524

Komposer Perancis-Flemish. Sejak usia muda dia adalah anggota paduan suara gereja. Ia bertugas di berbagai kota di Italia (pada 1486-99 sebagai ketua paduan suara kapel kepausan di Roma) dan Prancis (Cambrai, Paris). Dia adalah musisi istana untuk Louis XII; menerima pengakuan sebagai master tidak hanya musik kultus, tetapi juga lagu-lagu sekuler yang mengantisipasi chanson Prancis. Tahun-tahun terakhir hidupnya dia menjadi rektor katedral di Condé-sur-Escaut. Josquin Despres adalah salah satu komposer terbesar Renaisans, yang memiliki pengaruh beragam terhadap perkembangan seni Eropa Barat selanjutnya. Secara kreatif merangkum pencapaian sekolah Belanda, ia menciptakan karya-karya inovatif bergenre spiritual dan sekuler (massa, motet, mazmur, frottoles) yang dijiwai dengan pandangan dunia humanistik, menundukkan teknik polifonik tinggi pada tugas-tugas artistik baru. Melodi karya-karyanya, terkait dengan asal usul genre, lebih kaya dan beragam dibandingkan melodi master Belanda sebelumnya. Gaya polifonik Josquin Despres yang “diklarifikasi”, bebas dari kompleksitas kontrapuntal, merupakan titik balik dalam sejarah penulisan paduan suara.

Genre vokal

Seluruh era secara keseluruhan dicirikan oleh dominasi genre vokal yang jelas, dan khususnya vokal polifoni. Penguasaan polifoni yang luar biasa kompleks dalam gaya yang ketat, keilmuan yang tulus, dan teknik virtuoso hidup berdampingan dengan seni penyebaran sehari-hari yang cerah dan segar. Musik instrumental memperoleh kebebasan tertentu, namun ketergantungan langsungnya pada bentuk vokal dan sumber sehari-hari (tarian, lagu) hanya akan diatasi sedikit kemudian. Genre musik utama tetap dikaitkan dengan teks verbal. Hakikat humanisme Renaisans tercermin dalam komposisi lagu paduan suara bergaya frottol dan villanelle.
Genre tari

Selama Renaisans, tarian sehari-hari menjadi sangat penting. Banyak bentuk tarian baru bermunculan di Italia, Prancis, Inggris, dan Spanyol. Berbagai lapisan masyarakat memiliki tariannya sendiri, mengembangkan cara pertunjukannya, dan aturan perilaku selama pesta, malam, dan perayaan. Tarian Renaisans lebih kompleks daripada tarian sederhana di akhir Abad Pertengahan. Tarian dengan komposisi tari bulat dan baris-baris digantikan oleh tari berpasangan (duet), yang dibangun di atas gerakan dan figur yang kompleks.
Volta - tarian berpasangan asal Italia. Namanya berasal dari kata Italia voltare, yang berarti “berputar”. Meterannya tiga ketukan, temponya sedang-cepat. Pola utama tariannya adalah sang pria dengan cepat dan tajam membalikkan wanita yang menari bersamanya ke udara. Lift ini biasanya dilakukan dengan sangat tinggi. Hal ini membutuhkan kekuatan dan ketangkasan yang besar dari sang pria, karena meskipun gerakannya tajam dan terburu-buru, pengangkatan harus dilakukan dengan jelas dan indah.
Galliard - tarian kuno asal Italia, tersebar luas di Italia, Inggris, Prancis, Spanyol, dan Jerman. Tempo galliard awal cukup cepat, meterannya tiga ketukan. Galliard sering kali dibawakan setelah pavane, yang terkadang dihubungkan secara tematis. Galliard abad ke-16 dipertahankan dalam tekstur melodi-harmonik dengan melodi pada suara atas. Melodi Galliard sangat populer di kalangan masyarakat Prancis. Selama serenade, siswa Orléans memainkan melodi galliard dengan kecapi dan gitar. Seperti halnya lonceng, galliard mempunyai karakter semacam dialog tari. Pria itu berpindah-pindah aula bersama istrinya. Saat sang pria tampil solo, sang wanita tetap di tempatnya. Solo pria terdiri dari berbagai gerakan yang kompleks. Setelah itu, dia kembali mendekati wanita itu dan melanjutkan tariannya.
Pavana - tarian istana abad 16-17. Temponya agak lambat, ukuran 4/4 atau 2/4. Tidak ada konsensus di berbagai sumber tentang asal usulnya (Italia, Spanyol, Prancis). Versi yang paling populer adalah tarian Spanyol yang meniru gerakan berjalan burung merak dengan ekor yang tergerai indah. Dekat dengan bassdance. Berbagai prosesi seremonial diiringi musik pavan: masuknya penguasa ke kota, perpisahan pengantin bangsawan ke gereja. Di Prancis dan Italia, pavane ditetapkan sebagai tarian istana. Karakter pavan yang khidmat membuat masyarakat istana bersinar dengan keanggunan dan keanggunan perilaku dan gerakannya. Rakyat dan kaum borjuis tidak menampilkan tarian ini. Pavane, seperti halnya minuet, dilakukan secara ketat menurut tingkatan. Raja dan ratu memulai tariannya, lalu Dauphin dan seorang wanita bangsawan masuk ke dalamnya, lalu para pangeran, dan seterusnya. Para angkuh melakukan pavane dengan pedang dan jubah. Para wanita mengenakan gaun formal dengan celana panjang yang tebal, yang harus dikontrol dengan terampil selama bergerak tanpa mengangkatnya dari lantai. Pergerakan tren membuat gerakan menjadi indah, memberikan kemegahan dan kekhidmatan pada pavan. Para pelayan ratu membawa kereta di belakangnya. Sebelum tarian dimulai, orang-orang harus berjalan mengelilingi aula. Di akhir tarian, pasangan kembali berjalan mengelilingi aula dengan membungkuk dan memberi hormat. Namun sebelum mengenakan topinya, sang pria harus meletakkan tangan kanannya di belakang bahu wanita tersebut, tangan kirinya (memegang topi) di pinggang wanita tersebut dan mencium pipinya. Selama tarian, mata wanita itu tertunduk; hanya dari waktu ke waktu dia memandangi suaminya. Pavan bertahan paling lama di Inggris dan sangat populer.
Allemande - tarian lambat asal Jerman dalam waktu 4 ketukan. Itu termasuk dalam tarian massal “rendah”, non-lompatan. Para pemain berdiri berpasangan satu demi satu. Jumlah pasangan tidak dibatasi. Pria itu memegang tangan wanita itu. Tiang tersebut bergerak mengelilingi aula, dan ketika sampai di ujung, para peserta berputar di tempat (tanpa melepaskan tangan) dan melanjutkan menari ke arah yang berlawanan.
Kuranta - tarian istana asal Italia. Loncengnya sederhana dan rumit. Yang pertama terdiri dari langkah-langkah meluncur sederhana, yang dilakukan terutama ke depan. Lonceng kompleks bersifat pantomim: tiga pria mengundang tiga wanita untuk berpartisipasi dalam tarian. Para wanita dibawa ke sudut seberang aula dan diminta menari. Para wanita menolak. Tuan-tuan, setelah ditolak, pergi, tetapi kemudian kembali lagi dan berlutut di depan para wanita. Baru setelah adegan pantomim barulah tarian dimulai. Ada berbagai jenis lonceng tipe Italia dan Prancis. Lonceng Italia merupakan tarian lincah dalam tempo 3/4 atau 3/8 dengan ritme sederhana dalam tekstur melodi-harmonik. Perancis - tarian khusyuk ("tarian sopan santun"), prosesi yang halus dan bangga. Meter 3/2, tempo sedang, tekstur polifonik cukup berkembang.
Sarabande - tarian populer abad 16 - 17. Berasal dari tarian wanita Spanyol dengan alat musik. Awalnya diiringi nyanyian. Koreografer dan guru terkenal Carlo Blasis, dalam salah satu karyanya, memberikan gambaran singkat tentang sarabande: “Dalam tarian ini, setiap orang memilih seorang wanita yang tidak dia pedulikan. Musik memberi sinyal, dan dua kekasih menampilkan sebuah tarian , mulia, terukur, namun pentingnya tarian ini tidak sedikit pun mengganggu kesenangan, dan kesopanan membuatnya semakin anggun; mata semua orang dengan senang hati mengikuti para penari yang menampilkan berbagai figur, mengekspresikan semua fase dengan gerakan mereka dari cinta." Awalnya, tempo sarabande cukup cepat; kemudian (dari abad ke-17) muncul sarabande Perancis yang lambat dengan pola ritme yang khas: ...... Di tanah kelahirannya, sarabande termasuk dalam kategori tarian cabul dan masuk dalam kategori tarian cabul. 1630. dilarang oleh Dewan Kastilia.
Zhiga - tarian asal Inggris, tercepat, tiga ketukan, berubah menjadi kembar tiga. Awalnya, jig adalah tarian berpasangan; menyebar di kalangan pelaut sebagai tarian solo yang sangat cepat dan bersifat komik. Kemudian muncul dalam musik instrumental sebagai bagian akhir dari rangkaian tari kuno.

Genre vokal

Ciri-ciri Barok paling jelas terlihat dalam genre-genre di mana musik terjalin dengan seni lainnya. Pertama-tama, ini adalah opera, oratorio, dan genre musik sakral seperti passion dan kantata. Musik yang dipadukan dengan kata-kata, dan dalam opera - dengan kostum dan pemandangan, yaitu dengan unsur seni lukis, seni terapan, dan arsitektur, dimaksudkan untuk mengekspresikan dunia spiritual kompleks seseorang, peristiwa kompleks dan beragam yang dialaminya. Kedekatan para pahlawan, dewa, tindakan nyata dan tidak nyata, semua jenis sihir adalah hal yang wajar untuk cita rasa barok, mereka adalah ekspresi tertinggi dari variabilitas, dinamisme, transformasi bukan elemen eksternal, murni dekoratif, tetapi merupakan bagian tak terpisahkan dari sistem artistik.

Opera.

Genre opera mendapatkan popularitas terbesar di Italia. Sejumlah besar gedung opera dibuka, mewakili fenomena unik dan menakjubkan. Kotak-kotak yang tak terhitung jumlahnya yang dilapisi beludru tebal dan parter yang dipagari dengan penghalang (di mana pada saat itu orang berdiri, bukan duduk) menarik hampir seluruh penduduk kota selama 3 musim opera. Kotak-kotak itu dibeli sepanjang musim oleh keluarga bangsawan, kios-kios dipenuhi orang-orang biasa, kadang-kadang diterima secara gratis - tetapi semua orang merasa nyaman, dalam suasana perayaan yang berkelanjutan. Di dalam kotak terdapat prasmanan, sofa, dan meja kartu untuk bermain "Firaun"; masing-masing terhubung ke ruangan khusus tempat makanan disiapkan. Masyarakat pergi ke kotak tetangga sebagai tamu; Di sini perkenalan dimulai, hubungan cinta dimulai, berita terbaru dipertukarkan, permainan kartu dimainkan untuk mendapatkan banyak uang, dll. Dan di atas panggung sebuah tontonan mewah dan memabukkan terbentang, dirancang untuk mempengaruhi pikiran dan perasaan penonton, untuk mempesona. mata dan telinga. Keberanian dan keberanian para pahlawan zaman kuno, petualangan luar biasa dari karakter mitologis muncul di hadapan para pendengar yang mengagumi semua kemegahan desain musik dan dekoratif yang dicapai selama hampir satu abad keberadaan gedung opera.

Muncul pada akhir abad ke-16 di Florence, dalam lingkaran (“camerata”) ilmuwan humanis, penyair dan komposer, opera segera menjadi genre musik terkemuka di Italia. Peran yang sangat penting dalam perkembangan opera dimainkan oleh C. Monteverdi, yang bekerja di Mantua dan Venesia. Dua karya panggungnya yang paling terkenal, Orpheus dan The Coronation of Poppea, ditandai dengan kesempurnaan dramaturgi musikal yang menakjubkan. Ketika Monteverdi masih hidup, sebuah sekolah opera baru muncul di Venesia, dipimpin oleh F. Cavalli dan M. Cesti. Dengan dibukanya teater umum pertama, San Cassiano, di Venesia pada tahun 1637, siapa pun yang membeli tiket dapat menonton opera tersebut. Lambat laun, pentingnya momen-momen spektakuler dan spektakuler dalam aksi panggung meningkat hingga merugikan cita-cita kuno tentang kesederhanaan dan kealamian yang mengilhami para pionir genre opera. Teknik pementasan sedang mengalami perkembangan besar-besaran, memungkinkan untuk mewujudkan petualangan para pahlawan yang paling fantastis di atas panggung - hingga bangkai kapal, penerbangan udara, dll. Pemandangan megah dan penuh warna, menciptakan ilusi perspektif (panggung di teater Italia berbentuk oval), membawa pemirsa ke istana dongeng dan ke laut, ke ruang bawah tanah misterius dan taman ajaib.

Pada saat yang sama, dalam musik opera, penekanannya semakin besar pada prinsip vokal solo, yang mensubordinasikan elemen ekspresi lainnya; Hal ini kemudian menimbulkan ketertarikan pada keahlian vokal mandiri dan penurunan ketegangan aksi dramatis, yang seringkali hanya menjadi dalih untuk menunjukkan kemampuan vokal fenomenal penyanyi solo. Sesuai dengan adat, penyanyi castrati tampil sebagai solois, membawakan peran pria dan wanita. Penampilan mereka memadukan kekuatan dan kecemerlangan suara laki-laki dengan ringan dan mobilitas suara perempuan. Penggunaan suara tinggi seperti itu di bagian-bagian yang bersifat berani dan heroik merupakan hal yang tradisional pada saat itu dan tidak dianggap sebagai hal yang tidak wajar; ini tersebar luas tidak hanya di Roma kepausan, di mana perempuan secara resmi dilarang tampil di opera, tetapi juga di kota-kota lain di Italia.

Dari paruh kedua abad ke-17. Peran utama dalam sejarah teater musikal Italia diberikan kepada opera Neapolitan. Prinsip dramaturgi opera yang dikembangkan oleh komposer Neapolitan menjadi universal, dan opera Neapolitan diidentikkan dengan jenis opera seria Italia nasional. Konservatori, yang tumbuh dari panti asuhan menjadi lembaga pendidikan musik khusus, memainkan peran besar dalam perkembangan sekolah opera Neapolitan. Mereka memberikan perhatian khusus pada pelatihan dengan penyanyi, termasuk pelatihan di udara, di atas air, di tempat ramai yang bising, dan di mana gema seolah-olah mengendalikan penyanyi. Sederet vokalis virtuoso yang brilian - lulusan konservatori - menyebarkan kejayaan musik Italia dan “nyanyian indah” (bel canto) ke seluruh dunia. Untuk opera Neapolitan, konservatori merupakan cadangan permanen personel profesional dan merupakan kunci pembaruan kreatifnya. Di antara sekian banyak komposer opera Italia era Barok, fenomena yang paling menonjol adalah karya Claudio Monteverdi. Karya-karyanya selanjutnya menetapkan prinsip-prinsip dasar dramaturgi opera dan berbagai bentuk nyanyian solo opera, yang diikuti oleh sebagian besar komposer Italia pada abad ke-17.

Pencipta opera nasional Inggris yang sebenarnya dan satu-satunya adalah Henry Purcell. Dia menulis sejumlah besar karya teater, di antaranya satu-satunya opera adalah “Dido dan Aeneas.” "Dido and Aeneas" hampir merupakan satu-satunya opera Inggris tanpa sisipan dan dialog lisan, di mana aksi dramatisnya diatur ke musik dari awal hingga akhir. Semua karya musik dan teater Purcell lainnya berisi dialog lisan (di zaman kita, karya seperti itu disebut "musikal").

"Opera adalah habitatnya yang menyenangkan - negeri transformasi; dalam sekejap mata manusia menjadi dewa, dan dewa menjadi manusia. Di sana pengelana tidak perlu berkeliling negara, karena negara itu sendiri yang melakukan perjalanan sebelum dia. Apakah Anda bosan? gurun yang mengerikan? Seketika suara peluit membawa Anda ke taman Idylls; yang lain membawa Anda dari neraka ke kediaman para dewa: yang lain - dan Anda menemukan diri Anda di perkemahan peri Opera yang mempesona seperti peri dongeng kami, tapi seni mereka lebih natural..." (Dufresny).

“Opera adalah pertunjukan yang aneh sekaligus megah, di mana mata dan telinga lebih terpuaskan daripada pikiran; di mana ketundukan pada musik menyebabkan absurditas yang lucu, ketika sebuah kota dihancurkan, arias dinyanyikan, dan kuburan menari-nari di mana-mana; istana Pluto dan Matahari dapat dilihat, serta para dewa, setan, penyihir, monster, sihir, istana yang dibangun dan dihancurkan dalam sekejap mata. Keanehan seperti itu ditoleransi dan bahkan dikagumi, karena opera adalah negeri para peri " (Voltaire, 1712).

Oratorio

Oratorio, termasuk oratorio spiritual, sering dianggap oleh orang-orang sezamannya sebagai opera tanpa kostum dan pemandangan. Namun, oratorio dan gairah pemujaan dilakukan di gereja-gereja, di mana kuil itu sendiri dan jubah para pendeta berfungsi sebagai dekorasi dan kostum.

Oratorio, pertama-tama, adalah genre spiritual. Kata oratorio sendiri (oratorio Italia) berasal dari bahasa Latin Akhir oratorium - "ruang doa", dan bahasa Latin ogo - "Saya berkata, saya berdoa". Oratorio berasal bersamaan dengan opera dan kantata, tetapi di gereja. Pendahulunya adalah drama liturgi. Perkembangan aksi gereja ini berjalan dalam dua arah. Di satu sisi, karakternya semakin populer, lambat laun berubah menjadi pertunjukan komik. Di sisi lain, keinginan untuk menjaga keseriusan komunikasi doa dengan Tuhan sepanjang waktu mendorong ke arah eksekusi yang statis, bahkan dengan alur yang paling berkembang dan dramatis sekalipun. Hal ini pada akhirnya menyebabkan munculnya oratorio sebagai genre independen, pertama murni kuil, dan kemudian konser.

Abstrak pada mata pelajaran “Musik”, kelas 7

Selama Abad Pertengahan, jenis budaya musik baru muncul di Eropa - feodal, menggabungkan seni profesional, pembuatan musik amatir, dan cerita rakyat. Karena gereja mendominasi semua bidang kehidupan spiritual, dasar seni musik profesional adalah aktivitas musisi di gereja dan biara. Seni profesional sekuler pada awalnya hanya diwakili oleh penyanyi yang menciptakan dan menampilkan kisah-kisah epik di istana, di rumah bangsawan, di antara para pejuang, dll. (penyair, skald, dll.). Seiring waktu, bentuk-bentuk pembuatan musik kesatria amatir dan semi-profesional berkembang: di Prancis - seni penyanyi dan trouvères (Adam de la Halle, abad XIII), di Jerman - penambang (Wolfram von Eschenbach, Walter von der Vogelweide, Abad XII-XIII), serta pengrajin perkotaan. Di kastil dan kota feodal, semua jenis genre, genre, dan bentuk lagu dibudidayakan (epik, "fajar", rondo, balada, dll.).

Alat-alat musik baru mulai memasuki kehidupan sehari-hari, termasuk yang datang dari Timur (viol, kecapi, dll), dan ansambel (komposisi yang tidak stabil) bermunculan. Cerita rakyat tumbuh subur di kalangan petani. Ada juga “profesional rakyat”: pendongeng, seniman keliling (pemain sulap, pantomim, penyanyi, shpilman, badut). Musik terutama menjalankan fungsi terapan dan spiritual-praktis. Kreativitas muncul dalam kesatuan dengan kinerja (biasanya dalam satu orang) dan dengan persepsi. Kolektivitas mendominasi baik isi musik maupun bentuknya; prinsip individu berada di bawah prinsip umum, tanpa menonjol darinya (seorang musisi ulung adalah perwakilan terbaik dari komunitas). Tradisi ketat dan kanonisitas berkuasa dalam segala hal. Konsolidasi, pelestarian dan penyebaran tradisi dan standar (tetapi juga pembaruan bertahap) difasilitasi oleh transisi dari neuma, yang hanya secara kasar menunjukkan sifat gerakan melodi, ke notasi linier (Guido d'Arezzo, abad XI), yang memungkinkan untuk merekam tinggi nada secara akurat, dan kemudian durasinya.

Lambat laun, meski perlahan, isi musik, genre, bentuk, dan sarana ekspresinya semakin diperkaya. Di Eropa Barat dari abad 6-7. Sistem musik gereja satu suara (monodik) yang diatur secara ketat berdasarkan mode diatonis (nyanyian Gregorian), menggabungkan pembacaan (mazmur) dan nyanyian (himne). Pada pergantian milenium ke-1 dan ke-2, polifoni mulai bermunculan. Genre vokal (paduan suara) dan vokal-instrumental (paduan suara dan organ) baru sedang dibentuk: organum, motet, konduksi, lalu massa. Di Prancis, pada abad ke-12, sekolah komposer (kreatif) pertama dibentuk di Katedral Notre Dame (Leonin, Perotin). Pada pergantian Renaisans (gaya ars nova di Perancis dan Italia, abad XIV) dalam musik profesional, monofoni digantikan oleh polifoni, musik mulai secara bertahap melepaskan diri dari fungsi praktis murni (pelayanan ritual gereja), pentingnya genre sekuler , termasuk lagu, bertambah di dalamnya (Guillaume de Masho). Banyak ahli musik (termasuk Pierre Aubry) mengabdikan karyanya pada musik abad pertengahan di Eropa.

Musik era abad pertengahan - periode pengembanganbudaya musik, mencakup jangka waktu sekitar Abad V sampai XIV Masehi .
Selama Abad Pertengahan di Eropa jenis budaya musik baru sedang muncul - feodal , menggabungkan seni profesional, pembuatan musik amatir dan cerita rakyat Karena gereja mendominasi di semua bidang kehidupan spiritual, dasar seni musik profesional adalah aktivitas musisi di kuil dan biara . Seni profesional sekuler pada awalnya hanya diwakili oleh penyanyi yang menciptakan dan menampilkan kisah-kisah epik di istana, di rumah bangsawan, di kalangan pejuang, dll. ( penyair, skald dan sebagainya.). Seiring waktu, bentuk permainan musik amatir dan semi-profesional berkembang ksatria: di Prancis - seni penyanyi dan trouvères (Adam de la Halle, abad XIII), di Jerman - para penambang ( Wolfram von Eschenbach, Walter von der Vogelweide, abad XII - XIII ), serta perkotaan pengrajin Di kastil feodal dan di kota-kota segala jenis genera dibudidayakan, genre dan bentuk lagu (epik, “fajar”, rondo, le, virele, balada, canzones, laudas, dll.).
Hal-hal baru datang ke dalam kehidupan sehari-harialat-alat musik, termasuk mereka yang berasal Timur (viol, kecapi dll.), ansambel (komposisi yang tidak stabil) muncul. Cerita rakyat tumbuh subur di kalangan petani. Ada juga “profesional rakyat”: pendongeng , artis synth keliling ( pemain sulap, pantomim, penyanyi, shpilman, badut ). Musik kembali menjalankan fungsi-fungsi terapan dan spiritual-praktis. Kreativitas bertindak dalam kesatuan denganpertunjukan(biasanya satu orang).
Baik dari segi isi musik maupun bentuknya mendominasi kolektivitas ; prinsip individu berada di bawah prinsip umum, tanpa menonjol darinya (seorang musisi ulung adalah perwakilan terbaik komunitas ). Ketat berkuasa dalam segala hal tradisionalitas dan kanonik . Konsolidasi, pelestarian dan distribusi tradisi dan standar.
Lambat laun, meski perlahan, konten musiknya diperkaya genre, bentuk , sarana ekspresi. DI DALAM Eropa Barat dari abad ke-6 - ke-7 . sistem yang diatur secara ketat sedang muncul bersuara tunggal (monodik) ) berbasis musik gereja mode diatonis ( Nyanyian Gregorian), menggabungkan pembacaan (mazmur) dan nyanyian (himne ). Pada pergantian milenium ke-1 dan ke-2, polifoni . Yang baru sedang dibentuk vokal (paduan suara ) dan vokal-instrumental (paduan suara dan organ) genre: organum, motet, konduksi, lalu massa. Di Perancis pada abad ke-12 yang pertama terbentuk sekolah komposer (kreatif) di Katedral Notre Dame(Leonin, Perotin). Pada pergantian zaman Renaisans (gaya ars nova di Perancis dan Italia, abad ke-14) masuk musik profesionalmonofoni sedang digantikan polifoni , musik mulai secara bertahap melepaskan diri dari fungsi praktis murni (pelayanan gereja ritual ), itu meningkatkan maknanya sekuler genre, termasuk lagu ( Guillaume de Machaut).

Kebangkitan.

Musik pada periode abad XV-XVII.
Pada Abad Pertengahan, musik adalah hak prerogatif Gereja, sehingga sebagian besar karya musik bersifat sakral, berdasarkan nyanyian gereja (nyanyian Gregorian), yang telah menjadi bagian dari agama sejak awal Kekristenan. Pada awal abad ke-17, lagu-lagu kultus, dengan partisipasi langsung Paus Gregorius I, akhirnya dikanonisasi. Nyanyian Gregorian dibawakan oleh penyanyi profesional. Setelah berkembangnya polifoni dalam musik gereja, nyanyian Gregorian tetap menjadi dasar tematik karya keagamaan polifonik (misa, motet, dll).

Abad Pertengahan disusul oleh Renaisans yang merupakan era penemuan, inovasi dan eksplorasi bagi para musisi, era renaisans seluruh lapisan manifestasi kehidupan budaya dan ilmu pengetahuan mulai dari musik dan lukisan hingga astronomi dan matematika.
Meskipun sebagian besar musik masih bersifat religius, melemahnya kontrol gereja terhadap masyarakat membuka kebebasan yang lebih besar bagi komposer dan pemain untuk mengekspresikan bakat mereka.
Dengan ditemukannya mesin cetak, lembaran musik dapat dicetak dan didistribusikan, dan sejak saat itulah apa yang kita sebut musik klasik dimulai.
Pada periode ini, alat musik baru bermunculan. Alat musik yang paling populer adalah yang dapat dimainkan oleh pecinta musik dengan mudah dan sederhana, tanpa memerlukan keahlian khusus.
Pada saat itulah biola, pendahulu biola, muncul. Berkat fretnya (strip kayu di leher), permainan ini mudah dimainkan, dan suaranya tenang, lembut, dan terdengar bagus di aula kecil.
Alat musik tiup juga populer - perekam, seruling, dan klakson. Musik paling rumit ditulis untuk harpsichord yang baru dibuat, virginel (harpsichord Inggris, dibedakan dari ukurannya yang kecil) dan organ. Pada saat yang sama, para musisi tidak lupa menciptakan musik yang lebih sederhana dan tidak memerlukan keterampilan pertunjukan yang tinggi. Pada saat yang sama, perubahan terjadi dalam penulisan musik: balok kayu yang berat digantikan oleh jenis logam bergerak yang ditemukan oleh Ottaviano Petrucci dari Italia. Karya musik yang diterbitkan dengan cepat terjual habis, dan semakin banyak orang mulai terlibat dalam musik.
Akhir Renaisans ditandai dengan peristiwa terpenting dalam sejarah musik - kelahiran opera. Sekelompok humanis, musisi, dan penyair berkumpul di Florence di bawah perlindungan pemimpin mereka, Count Giovanni De Bardi (1534 - 1612). Kelompok ini disebut "camerata", anggota utamanya adalah Giulio Caccini, Pietro Strozzi, Vincenzo Galilei (ayah dari astronom Galileo Galilei), Giloramo Mei, Emilio de Cavalieri dan Ottavio Rinuccini di masa mudanya.
Pertemuan kelompok pertama yang terdokumentasi terjadi pada tahun 1573, dan tahun-tahun kerja paling aktif"Kamera Florentine "adalah tahun 1577 - 1582. Mereka percaya bahwa musik telah "memburuk" dan berusaha untuk kembali ke bentuk dan gaya Yunani kuno, percaya bahwa seni musik dapat ditingkatkan dan, dengan demikian, masyarakat juga akan meningkat. Camerata mengkritik musik yang ada karena penggunaan polifoni yang berlebihan dengan mengorbankan kejelasan teks dan hilangnya komponen puitis dari karya tersebut dan mengusulkan untuk menciptakan gaya musik baru di mana teks dalam gaya monodik diiringi oleh musik instrumental bentuk musik vokal baru - resitatif, pertama kali digunakan oleh Emilio de Cavalieri, yang kemudian berhubungan langsung dengan perkembangan opera.
Yang pertama diakui secara resmiopera , sesuai dengan standar modern, adalah opera "Daphne" (Daphne), pertama kali dipresentasikan pada tahun 1598. Penulis "Daphne" adalah Jacopo Peri dan Jacopo Corsi, libretto oleh Ottavio Rinuccini. Opera ini tidak bertahan. Opera pertama yang bertahan adalah "Eurydice" (1600) oleh penulis yang sama - Jacopo Peri dan Ottavio Rinuccini. Persatuan kreatif ini juga melahirkan banyak karya yang sebagian besar hilang.

Musik Barok awal (1600-1654)

Penciptaan gaya resitatifnya oleh komposer Italia Claudio Monteverdi (1567-1643) dan perkembangan opera Italia yang konsisten dapat dianggap sebagai titik transisi konvensional antara era Barok dan Renaisans. Awal mula pertunjukan opera di Roma dan khususnya di Venesia berarti pengakuan dan penyebaran genre baru ke seluruh negeri. Semua ini hanyalah bagian dari proses yang lebih besar yang mencakup semua seni, dan secara khusus termanifestasi dengan jelas dalam arsitektur dan lukisan.
Komposer Renaisans memperhatikan penjabaran setiap bagian dari sebuah karya musik, hampir tidak memperhatikan perbandingan bagian-bagian tersebut. Secara terpisah, setiap bagian mungkin terdengar bagus, namun hasil harmonis dari penambahan tersebut lebih merupakan masalah kebetulan daripada keteraturan. Kemunculan figur bass menunjukkan perubahan signifikan dalam pemikiran musik—yaitu harmoni, yaitu "menyatukan bagian-bagian menjadi satu kesatuan", sama pentingnya dengan bagian melodi (polifoni) itu sendiri. Polifoni dan harmoni semakin tampak seperti dua sisi dari ide yang sama dalam menciptakan musik merdu: dalam mengarang, rangkaian harmonik diberi perhatian yang sama seperti tritone dalam menciptakan disonansi. Pemikiran harmonis juga ada di kalangan beberapa komposer zaman sebelumnya, misalnya Carlo Gesualdo, namun pada zaman Barok menjadi diterima secara umum.
Dia memberi label pada bagian-bagian karya di mana modalitas dan nada suara tidak dapat dipisahkan dengan jelas sebagai campuran mayor atau campuran minor (kemudian dia memperkenalkan istilah “monal mayor” dan “monal minor” untuk masing-masing konsep ini). Tabel tersebut menunjukkan bagaimana harmoni nada pada periode awal Barok praktis menggantikan harmoni era sebelumnya.
Italia menjadi pusat gaya baru. Kepausan, meskipun terjebak dalam perjuangan melawan Reformasi, namun memiliki sumber daya keuangan yang sangat besar yang diperoleh kembali melalui kampanye militer Habsburg, mencari peluang untuk menyebarkan iman Katolik melalui perluasan pengaruh budaya. Dengan kemegahan, kemegahan dan kompleksitas arsitektur, seni rupa dan musik, agama Katolik seolah berdebat dengan Protestantisme asketis. Republik dan kerajaan Italia yang kaya juga berkompetisi secara aktif di bidang seni rupa. Salah satu pusat seni musik yang penting adalah Venesia, yang pada saat itu berada di bawah naungan sekuler dan gereja.
Tokoh penting pada periode Barok awal, yang posisinya berpihak pada Katolik, menentang berkembangnya pengaruh ideologi, budaya dan sosial Protestantisme, adalah Giovanni Gabrieli. Karya-karyanya termasuk dalam gaya “High Renaissance” (masa kejayaan Renaissance). Namun, beberapa inovasinya di bidang instrumentasi (menugaskan tugas khusus pada instrumen tertentu) dengan jelas menunjukkan bahwa ia adalah salah satu komposer yang mempengaruhi munculnya gaya baru.
Salah satu syarat yang dikenakan gereja terhadap komposisi musik sakral adalah teks dalam karya vokal dapat terbaca. Hal ini memerlukan peralihan dari polifoni ke teknik musik yang mengutamakan kata-kata. Vokalnya menjadi lebih kompleks dan kemerahan dibandingkan dengan iringannya. Inilah bagaimana homofoni berkembang.
Monteverde Claudio(1567-1643), komposer Italia. Tidak ada yang lebih menarik baginya selain paparan dunia batin dan spiritual seseorang dalam benturan dan konflik dramatisnya dengan dunia luar. Monteverdi adalah pendiri sebenarnya dari dramaturgi konflik yang bersifat tragis. Dia adalah penyanyi sejati jiwa manusia. Dia terus-menerus mengupayakan ekspresi musik yang alami. “Ucapan manusia adalah simpanan harmoni, dan bukan pelayannya.”
"Orpheus" (1607) - Musik opera difokuskan untuk mengungkap dunia batin pahlawan tragis. Perannya sangat beragam, menggabungkan berbagai aliran dan genre genre yang emosional dan ekspresif. Dia dengan antusias berseru ke hutan dan pantai asalnya atau berduka atas hilangnya Eurydice-nya dalam lagu-lagu daerah yang tidak berseni.

Musik Barok dewasa (1654-1707)

Masa sentralisasi kekuasaan tertinggi di Eropa sering disebut Absolutisme. Absolutisme mencapai puncaknya di bawah raja Prancis Louis XIV. Bagi seluruh Eropa, istana Louis adalah panutan. Termasuk musik yang dibawakan di istana. Meningkatnya ketersediaan alat musik (khususnya keyboard) memberikan dorongan bagi berkembangnya musik kamar.
Barok dewasa berbeda dari barok awal dalam penyebaran luas gaya baru dan meningkatnya pemisahan bentuk musik, terutama dalam opera. Seperti dalam sastra, kemampuan mengalirkan karya musik telah menghasilkan khalayak yang lebih luas; pertukaran antar pusat budaya musik semakin intensif.
Perwakilan luar biasa dari komposer istana istana Louis XIV adalah Giovanni Battista Lulli (1632-1687). Pada usia 21 tahun, ia menerima gelar "komposer istana musik instrumental". Karya kreatif Lully sejak awal berhubungan erat dengan teater. Mengikuti organisasi musik kamar istana dan komposisi “airs de cour”, ia mulai menulis musik balet. Louis XIV sendiri menari balet, yang saat itu menjadi hiburan favorit para bangsawan istana. Lully adalah penari yang hebat. Dia memiliki kesempatan untuk berpartisipasi dalam produksi, menari bersama raja. Ia dikenal karena kolaborasinya dengan Moliere, yang dramanya ia tulis musiknya. Namun hal utama dalam karya Lully tetap menulis opera. Anehnya, Lully menciptakan opera Prancis yang lengkap; apa yang disebut tragedi liris di Prancis (French tragedie lyrique), dan mencapai kematangan kreatif yang tidak diragukan lagi pada tahun-tahun pertama karyanya di gedung opera. Lully sering menggunakan kontras antara suara megah bagian orkestra dan resitatif dan arias sederhana. Bahasa musik Lully tidak terlalu rumit, tetapi, tentu saja, baru: kejernihan harmoni, energi ritme, kejelasan pembagian bentuk, kemurnian tekstur berbicara tentang kemenangan prinsip-prinsip pemikiran homofonik. Dalam banyak hal, kesuksesannya juga difasilitasi oleh kemampuannya memilih musisi untuk orkestra, dan bekerja dengan mereka (dia melakukan latihan sendiri). Elemen integral dari karyanya adalah perhatian pada harmoni dan instrumen solo.
Di Inggris, Barok yang matang ditandai dengan kejeniusan Henry Purcell (1659-1695). Ia meninggal dalam usia muda, pada usia 36 tahun, setelah menulis banyak karya dan dikenal luas semasa hidupnya. Purcell akrab dengan karya Corelli dan komposer Barok Italia lainnya. Namun, pelindung dan pelanggannya adalah orang-orang yang berbeda dengan bangsawan sekuler dan gerejawi Italia dan Prancis, sehingga tulisan Purcell sangat berbeda dengan aliran Italia. Purcell bekerja dalam berbagai genre; dari himne religi sederhana hingga musik marching, dari karya vokal format besar hingga musik yang dipentaskan. Katalognya berisi lebih dari 800 karya. Purcell menjadi salah satu komposer musik keyboard pertama, yang pengaruhnya meluas hingga zaman modern.
Berbeda dengan komposer di atas, Dietrich Buxtehude (1637-1707) bukan komposer istana. Buxtehude bekerja sebagai organis, pertama di Helsingborg (1657-1658), kemudian di Elsinore (1660-1668), dan kemudian, mulai tahun 1668, di gereja St. Louis. Maria di Lübeck. Dia menghasilkan uang bukan dengan menerbitkan karyanya, tetapi dengan menampilkannya, dan dia lebih suka mengarang musik berdasarkan teks-teks gereja dan menampilkan karya organnya sendiri daripada perlindungan kaum bangsawan. Sayangnya, tidak semua karya komposer ini bertahan. Musik Buxtehude sebagian besar dibangun berdasarkan skala rencananya, kekayaan dan kebebasan berimajinasi, kecenderungan untuk pathos, drama, dan intonasi yang agak oratoris. Karyanya mempunyai pengaruh yang kuat terhadap komposer seperti J. S. Bach dan Telemann.

Musik Barok Akhir (1707-1760)

Garis pasti antara barok dewasa dan barok akhir masih menjadi bahan perdebatan; itu terletak antara tahun 1680 dan 1720. Kompleksitas definisinya sebagian besar disebabkan oleh fakta bahwa di berbagai negara gaya berubah secara tidak sinkron; inovasi yang sudah diterima sebagai aturan di suatu tempat merupakan penemuan baru di tempat lain
Bentuk-bentuk yang ditemukan pada periode sebelumnya mencapai kematangan dan variabilitas yang besar; konsert, suite, sonata, konsert grosso, oratorio, opera dan balet tidak lagi mempunyai ciri nasional yang jelas. Pola karya yang diterima secara umum berlaku di mana-mana: bentuk dua bagian berulang (AABB), bentuk tiga bagian sederhana (ABC), dan rondo.
Antonio Vivaldi (1678-1741) - Komposer Italia, lahir di Venesia. Pada tahun 1703 ia ditahbiskan menjadi imam Katolik. Kepada genre-genre instrumental yang saat itu masih berkembang (baroque sonata dan baroque konserto), Vivaldi memberikan kontribusinya yang paling signifikan. Vivaldi menyusun lebih dari 500 konserto. Ia juga memberikan judul terprogram untuk beberapa karyanya, seperti "Seasons" yang terkenal.
Domenico Scarlatti (1685-1757) adalah salah satu komposer dan pemain keyboard terkemuka pada masanya. Tapi mungkin komposer istana yang paling terkenal adalah George Frideric Handel (1685-1759). Ia lahir di Jerman, belajar selama tiga tahun di Italia, tetapi pada tahun 1711 ia meninggalkan London, di mana ia memulai karirnya yang cemerlang dan sukses secara komersial sebagai komposer opera independen, memenuhi perintah untuk kaum bangsawan. Memiliki tenaga yang tak kenal lelah, Handel mengerjakan ulang materi komposer lain, dan terus-menerus mengerjakan ulang komposisinya sendiri. Misalnya, ia dikenal berkali-kali mengolah ulang oratorio terkenal "Mesias" sehingga kini tidak ada versi yang bisa disebut "asli".
Setelah kematiannya, ia diakui sebagai komposer terkemuka Eropa, dan dipelajari oleh musisi era klasik. Handel memadukan kekayaan tradisi improvisasi dan tandingan dalam musiknya. Seni dekorasi musik mencapai tingkat perkembangan yang sangat tinggi dalam karya-karyanya. Dia melakukan perjalanan ke seluruh Eropa untuk mempelajari musik komposer lain, dan karena itu memiliki lingkaran kenalan yang sangat luas di antara komposer gaya lain.
Johann Sebastian Bach lahir 21 Maret 1685 di Eisenach, Jerman. Semasa hidupnya, ia menggubah lebih dari 1.000 karya dalam berbagai genre, kecuali opera. Namun semasa hidupnya ia tidak mencapai kesuksesan berarti. Berkali-kali berpindah-pindah, Bach berpindah-pindah posisi yang tidak terlalu tinggi: di Weimar ia adalah musisi istana untuk Adipati Weimar Johann Ernst, kemudian menjadi pengurus organ di Gereja St. Louis. Boniface di Arnstadt, beberapa tahun kemudian menerima posisi organis di Gereja St. Louis. Blasius di Mühlhausen, tempat dia bekerja hanya sekitar satu tahun, setelah itu dia kembali ke Weimar, di mana dia menggantikan organ istana dan penyelenggara konser. Dia bertahan di posisi ini selama sembilan tahun. Pada tahun 1717, Leopold, Adipati Anhalt-Köthen, mempekerjakan Bach sebagai bandmaster, dan Bach mulai tinggal dan bekerja di Köthen. Pada tahun 1723 Bach pindah ke Leipzig, di mana dia tinggal sampai kematiannya pada tahun 1750. Pada tahun-tahun terakhir hidupnya dan setelah kematian Bach, ketenarannya sebagai komposer mulai menurun: gayanya dianggap kuno dibandingkan dengan klasisisme yang sedang berkembang. Ia lebih dikenal dan dikenang sebagai pemain, guru dan ayah dari Bach yang lebih muda, terutama Carl Philipp Emmanuel, yang musiknya lebih terkenal.
Hanya penampilan St. Matthew Passion oleh Mendelssohn, 79 tahun setelah kematian J. S. Bach, yang menghidupkan kembali minat terhadap karyanya. Sekarang J. S. Bach adalah salah satu komposer paling populer
Klasisisme
Klasisisme adalah gaya dan tren seni rupa abad ke-17 - awal abad ke-19.
Kata ini berasal dari bahasa Latin classicus - teladan. Klasisisme didasarkan pada keyakinan akan rasionalitas keberadaan, pada kenyataan bahwa sifat manusia itu harmonis. Kaum klasik melihat cita-cita mereka dalam seni kuno, yang mereka anggap sebagai bentuk kesempurnaan tertinggi.
Pada abad kedelapan belas, tahap baru dalam perkembangan kesadaran sosial dimulai - Zaman Pencerahan. Tatanan sosial yang lama sedang dihancurkan; gagasan penghormatan terhadap martabat manusia, kebebasan dan kebahagiaan menjadi sangat penting; individu memperoleh kemandirian dan kedewasaan, menggunakan kecerdasan dan pemikiran kritisnya. Cita-cita era Barok dengan kemegahan, kemegahan dan kekhidmatannya digantikan oleh gaya hidup baru yang berlandaskan kealamian dan kesederhanaan. Waktunya telah tiba untuk pandangan idealis Jean-Jacques Rousseau, yang menyerukan kembalinya alam, kebajikan alami, dan kebebasan. Bersamaan dengan alam, Zaman Purbakala juga diidealkan, karena diyakini bahwa pada zaman Purbakala manusia berhasil mewujudkan seluruh cita-cita manusia. Seni kuno disebut klasik, diakui sebagai keteladanan, paling jujur, sempurna, harmonis dan, berbeda dengan seni zaman Barok, dianggap sederhana dan mudah dipahami. Fokusnya, bersama aspek penting lainnya, adalah pendidikan, kedudukan masyarakat awam dalam tatanan sosial, kejeniusan sebagai milik manusia.

Akal sehat juga berkuasa dalam seni. Ingin menekankan tujuan tinggi seni, peran sosial dan sipilnya, filsuf pencerahan Perancis Denis Diderot menulis: “Setiap karya patung atau lukisan harus mengungkapkan suatu aturan besar dalam hidup, harus mengajarkan.”

Teater sekaligus merupakan buku pelajaran kehidupan dan kehidupan itu sendiri. Selain itu, dalam teater, aksinya sangat teratur dan terukur; itu dibagi menjadi babak dan adegan, yang, pada gilirannya, dibagi menjadi replika karakter individu, menciptakan cita-cita seni yang sangat disayangi abad ke-18, di mana segala sesuatu ada pada tempatnya dan tunduk pada hukum logis.
Musik klasisisme sangat teatrikal; sepertinya meniru seni teater, menirunya.
Membagi sonata dan simfoni klasik menjadi bagian-bagian besar - bagian-bagian, yang masing-masingnya terdapat banyak "peristiwa" musik - mirip dengan membagi sebuah drama menjadi aksi dan adegan.
Dalam musik zaman klasik sering kali tersirat alur, suatu aksi tertentu yang terbentang di hadapan pendengarnya seperti halnya aksi teatrikal yang terbentang di hadapan penonton.
Pendengar tinggal menghidupkan imajinasinya dan mengenali karakter komedi klasik atau tragedi dalam “pakaian musik”.
Seni teater juga membantu menjelaskan perubahan besar dalam pertunjukan musik yang terjadi pada abad ke-18. Sebelumnya, tempat utama di mana musik dibunyikan adalah kuil: di dalamnya seseorang berada di bawah, di sebuah ruang yang luas, di mana musik seolah membantunya melihat ke atas dan mengabdikan pikirannya kepada Tuhan. Sekarang, di abad ke-18, musik terdengar di salon aristokrat, di ballroom bangsawan, atau di alun-alun kota. Pendengar Zaman Pencerahan tampaknya memperlakukan musik berdasarkan nama depan dan tidak lagi merasakan kegembiraan dan rasa takut yang diilhami dalam dirinya ketika musik itu dibunyikan di gereja.
Musik tidak lagi memiliki suara organ yang kuat dan khusyuk, dan peran paduan suara telah berkurang. Musik gaya klasik terdengar ringan, bunyinya jauh lebih sedikit, seolah-olah “beratnya lebih ringan” dibandingkan musik berat dan berlapis-lapis di masa lalu. Suara organ dan paduan suara digantikan oleh suara orkestra simfoni; arias yang luhur digantikan oleh musik yang ringan, berirama, dan menarik.
Berkat keyakinan yang tak terbatas terhadap kemampuan pikiran manusia dan kekuatan pengetahuan, abad ke-18 mulai disebut sebagai Zaman Akal atau Zaman Pencerahan.
Masa kejayaan Klasisisme dimulai pada tahun 80-an abad kedelapan belas. Pada tahun 1781, J. Haydn menciptakan beberapa karya inovatif, termasuk karya String Quartet op. 33; Pertunjukan perdana opera V.A. sedang berlangsung. "Penculikan dari Seraglio" karya Mozart; Drama F. Schiller "The Robbers" dan "Critique of Pure Reason" karya I. Kant diterbitkan.

Perwakilan paling cemerlang dari periode klasik adalah para komposer Sekolah Klasik Wina Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart dan Ludwig van Beethoven. Seni mereka mengagumi kesempurnaan teknik komposisi, orientasi kreativitas humanistik dan keinginan, terutama terlihat dalam musik W. A. Mozart, untuk menampilkan keindahan sempurna melalui musik.

Konsep Sekolah Klasik Wina muncul segera setelah kematian L. Beethoven. Seni klasik dibedakan oleh keseimbangan halus antara perasaan dan akal, bentuk dan isi. Musik Renaisans mencerminkan semangat dan nafas zamannya; di era Barok, subjek yang ditampilkan dalam musik adalah kondisi manusia; musik zaman Klasik mengagungkan tindakan dan perbuatan manusia, emosi dan perasaan yang dialaminya, pikiran manusia yang penuh perhatian dan holistik.

Ludwig Van Beethoven (1770–1827)
Komposer Jerman sering dianggap sebagai komposer terhebat sepanjang masa.
Karyanya diklasifikasikan sebagai klasisisme dan romantisme.
Berbeda dengan pendahulunya Mozart, Beethoven mengalami kesulitan dalam mengarang. Buku catatan Beethoven menunjukkan bagaimana secara bertahap, selangkah demi selangkah, komposisi megah muncul dari sketsa yang tidak pasti, ditandai dengan logika konstruksi yang meyakinkan dan keindahan yang langka. Logikalah yang menjadi sumber utama kehebatan Beethoven, kemampuannya yang tak tertandingi dalam menata unsur-unsur kontras menjadi satu kesatuan yang monolitik. Beethoven menghapus caesura tradisional di antara bagian-bagian bentuk, menghindari simetri, menggabungkan bagian-bagian siklus, dan mengembangkan konstruksi yang diperluas dari motif tematik dan ritmis, yang sekilas tidak mengandung sesuatu yang menarik. Dengan kata lain, Beethoven menciptakan ruang musik dengan kekuatan pikirannya, kemauannya sendiri. Ia mengantisipasi dan menciptakan gerakan-gerakan artistik yang menjadi penentu seni musik abad ke-19.

Romantisme.
mencakup kira-kira tahun 1800-1910
Komposer romantis mencoba mengekspresikan kedalaman dan kekayaan dunia batin seseorang dengan bantuan sarana musik. Musik menjadi lebih menonjol dan individual. Genre lagu sedang dikembangkan, termasuk balada.
Perwakilan utama romantisme dalam musik adalah: Austria - Franz Schubert ; di Jerman - Ernest Theodor Hoffmann, Carl Maria Weber,Richard Wagner, Felix Mendelssohn, Robert Schumann, Ludwig Spohr; V
dll.................

Mengirimkan karya bagus Anda ke basis pengetahuan itu sederhana. Gunakan formulir di bawah ini

Pelajar, mahasiswa pascasarjana, ilmuwan muda yang menggunakan basis pengetahuan dalam studi dan pekerjaan mereka akan sangat berterima kasih kepada Anda.

Diposting pada http://www.allbest.ru/

Konservatorium Negara Petrozavodsk (Akademi) dinamai menurut namanya. AK. Glazunov

Karangan

Dengan topik: “Musik Abad Pertengahan”

Diselesaikan oleh: siswi Ilyina Yulia

Guru: A.I. Tokunov

Perkenalan

Musik Abad Pertengahan merupakan masa perkembangan budaya musik yang meliputi kurun waktu kurang lebih pada abad ke-5 sampai dengan abad ke-14 Masehi.

Abad Pertengahan adalah era besar dalam sejarah umat manusia, masa dominasi sistem feodal.

Periodisasi kebudayaan:

Abad Pertengahan Awal - abad V - X.

Abad Pertengahan yang Dewasa - abad XI - XIV.

Pada tahun 395, Kekaisaran Romawi terpecah menjadi dua bagian: Barat dan Timur. Di bagian Barat, di reruntuhan Roma, pada abad ke 5-9 terdapat negara-negara barbar: Ostrogoth, Visigoth, Frank, dll. Pada abad ke-9, akibat runtuhnya kekaisaran Charlemagne, tiga negara bagian adalah dibentuk di sini: Prancis, Jerman, Italia. Ibu kota bagian Timur adalah Konstantinopel, yang didirikan oleh Kaisar Konstantinus di situs koloni Yunani Byzantium - itulah nama negaranya.

Selama Abad Pertengahan, jenis budaya musik baru muncul di Eropa - feodal, menggabungkan seni profesional, pembuatan musik amatir, dan cerita rakyat. Karena gereja mendominasi semua bidang kehidupan spiritual, dasar seni musik profesional adalah aktivitas musisi di gereja dan biara. Seni profesional sekuler pada awalnya hanya diwakili oleh penyanyi yang menciptakan dan menampilkan kisah-kisah epik di istana, di rumah bangsawan, di antara para pejuang, dll. (penyair, skald, dll.). Seiring waktu, bentuk-bentuk pembuatan musik kesatria amatir dan semi-profesional berkembang: di Prancis - seni penyanyi dan trouvères (Adam de la Halle, abad XIII), di Jerman - penambang (Wolfram von Eschenbach, Walter von der Vogelweide, Abad XII-XIII), dan juga pengrajin perkotaan. Di kastil dan kota feodal, semua jenis lagu, genre, dan bentuk lagu dibudidayakan (epik, "fajar", rondo, le, virele, balada, canzones, laudas, dll.).

Basis material Abad Pertengahan adalah hubungan feodal. Budaya abad pertengahan terbentuk di lingkungan pedesaan. Selanjutnya, basis sosial budaya menjadi lingkungan perkotaan - kaum burgher. Dengan terbentuknya negara, terbentuklah kelas-kelas utama: ulama, bangsawan, dan rakyat.

Seni Abad Pertengahan berhubungan erat dengan gereja. Doktrin Kristen merupakan landasan filsafat, etika, estetika, dan seluruh kehidupan spiritual saat ini. Dipenuhi dengan simbolisme keagamaan, seni diarahkan dari duniawi, sementara - ke spiritual, abadi.

Selain budaya resmi gereja (tinggi), ada juga budaya sekuler (bawah) - cerita rakyat (strata sosial bawah) dan ksatria (sopan).

Pusat utama musik profesional pada awal Abad Pertengahan adalah katedral, sekolah menyanyi yang menyertainya, dan biara - satu-satunya pusat pendidikan pada waktu itu. Mereka belajar bahasa Yunani dan Latin, aritmatika dan musik.

Pusat utama musik gereja di Eropa Barat pada Abad Pertengahan adalah Roma. Pada akhir abad ke-6 - awal abad ke-7. Variasi utama musik gereja Eropa Barat terbentuk - nyanyian Gregorian, dinamai Paus Gregorius I, yang melakukan reformasi nyanyian gereja, berkumpul dan mengorganisir berbagai nyanyian gereja. Nyanyian Gregorian adalah nyanyian Katolik monofonik yang menggabungkan tradisi nyanyian berusia berabad-abad dari berbagai masyarakat Timur Tengah dan Eropa (Suriah, Yahudi, Yunani, Romawi, dll.). Itu adalah melodi tunggal yang halus dan monofonik yang dimaksudkan untuk mempersonifikasikan satu kehendak, mengarahkan perhatian umat paroki sesuai dengan ajaran Katolik. Karakter musiknya ketat, impersonal. Paduan suara dibawakan oleh paduan suara (sesuai dengan namanya), beberapa bagian oleh seorang solois. Gerakan progresif berdasarkan mode diatonis mendominasi. Nyanyian Gregorian memungkinkan adanya banyak gradasi, mulai dari mazmur paduan suara yang sangat lambat dan diakhiri dengan kegembiraan (nyanyian suku kata yang melismatik), yang membutuhkan keterampilan vokal virtuoso untuk penampilannya.

Nyanyian Gregorian menjauhkan pendengarnya dari kenyataan, membangkitkan kerendahan hati, dan mengarah pada kontemplasi dan pelepasan mistik. Dampak ini juga difasilitasi oleh teks dalam bahasa Latin yang tidak dapat dipahami oleh sebagian besar umat paroki. Irama nyanyian ditentukan oleh teks. Kabur, tidak terbatas, ditentukan oleh sifat aksen bacaannya.

Beragam jenis nyanyian Gregorian disatukan dalam kebaktian utama Gereja Katolik - Misa, di mana lima bagian stabil didirikan:

Kyrie eleison (Tuhan kasihanilah)

Gloria (kemuliaan)

Kredo (saya percaya)

Suci (suci)

Agnus Dei (domba Tuhan).

Seiring berjalannya waktu, unsur musik rakyat mulai meresap ke dalam nyanyian Gregorian melalui himne, sequence, dan kiasan. Jika mazmur dibawakan oleh paduan suara penyanyi dan pendeta profesional, maka himne pada mulanya dibawakan oleh umat paroki. Mereka dimasukkan ke dalam ibadah resmi (mereka memiliki ciri-ciri musik rakyat). Namun tak lama kemudian bagian himne dari misa mulai menggantikan bagian mazmur, yang menyebabkan munculnya misa polifonik.

Urutan pertama merupakan subteks melodi hari jadi sehingga satu bunyi melodi memiliki suku kata tersendiri. Urutannya menjadi genre yang tersebar luas (yang paling populer adalah “Veni, sancte spiritus”, “Dies irae”, “Stabat mater”). “Dies irae” digunakan oleh Berlioz, Liszt, Tchaikovsky, Rachmaninov (sangat sering sebagai simbol kematian).

Contoh pertama polifoni berasal dari biara - organum (gerakan paralel kelima atau keempat), gimmel, fauburdon (akord keenam paralel), konduksi. Komposer: Leonin dan Perotin (abad 12-13 - Katedral Notre Dame).

Pembawa musik rakyat sekuler pada Abad Pertengahan adalah pantomim, pemain sulap, penyanyi di Perancis, spilman di negara-negara kebudayaan Jerman, hoglar di Spanyol, dan badut di Rus. Seniman keliling ini adalah ahli universal: mereka menggabungkan nyanyian, tarian, memainkan berbagai alat musik dengan sihir, seni sirkus, dan teater boneka.

Sisi lain dari budaya sekuler adalah budaya ksatria (sopan) (budaya tuan tanah feodal sekuler). Hampir semua bangsawan adalah ksatria - dari pejuang miskin hingga raja. Sebuah kode ksatria khusus sedang dibentuk, yang menurutnya ksatria, bersama dengan keberanian dan keberanian, harus memiliki sopan santun, berpendidikan, murah hati, murah hati, dan setia melayani Wanita Cantik. Semua aspek kehidupan ksatria tercermin dalam seni musik dan puisi para penyanyi (Provence - Prancis selatan), trouvères (Prancis utara), dan penambang (Jerman). Seni penyanyi diasosiasikan terutama dengan lirik cinta. Genre lirik cinta yang paling populer adalah canzona (di antara Minnesingers - "Lagu Pagi" - album).

Trouvères, dengan memanfaatkan pengalaman para penyanyi secara ekstensif, menciptakan genre asli mereka sendiri: "lagu tenun", "Lagu Mei". Area penting dari genre musik troubadour, trouvères, dan minnesingers adalah genre lagu dan tarian: rondo, balada, virele (bentuk refrain), serta epik heroik (epik Prancis “The Song of Roland”, Jerman - “Lagu dari Nibelung”). Lagu-lagu Tentara Salib tersebar luas di kalangan Minnesingers.

Ciri ciri seni troubadours, trouvères dan minnesingers:

Monofoni merupakan konsekuensi dari keterkaitan melodi dengan teks puisi, yang berasal dari hakikat seni musik dan puisi. Monofoni juga berhubungan dengan fokus pada ekspresi individual dari pengalaman seseorang, pada penilaian pribadi terhadap isi pernyataan (seringkali ekspresi pengalaman pribadi dibingkai dengan menggambarkan gambar alam).

Terutama penampilan vokal. Peran instrumen tidak signifikan: hanya sebatas penampilan perkenalan, selingan, dan penutup yang membingkai melodi vokal.

Seni kesatria belum bisa dikatakan profesional, tetapi untuk pertama kalinya dalam kondisi pembuatan musik sekuler, arah musik dan puisi yang kuat diciptakan dengan sarana ekspresif yang kompleks dan penulisan musik yang relatif sempurna.

Salah satu pencapaian penting Abad Pertengahan yang matang, mulai abad 10-11, adalah perkembangan kota (budaya burgher). Ciri-ciri utama budaya urban adalah anti-gereja, orientasi cinta kebebasan, keterkaitan dengan cerita rakyat, serta sifat tawa dan karnavalnya. Gaya arsitektur Gotik berkembang. Genre polifonik baru sedang dibentuk: dari abad 13-14 hingga 16. - motet (dari bahasa Prancis - "kata". Motet dicirikan oleh ketidaksamaan melodi suara yang secara bersamaan melantunkan teks yang berbeda - seringkali bahkan dalam bahasa yang berbeda), madrigal (dari bahasa Italia - "lagu dalam bahasa ibu", yaitu teks Italia. cinta-liris, pastoral), caccia (dari bahasa Italia - "berburu" - karya vokal berdasarkan teks yang menggambarkan perburuan).

Musisi folk yang berpindah-pindah berpindah dari gaya hidup nomaden ke gaya hidup menetap, menghuni seluruh blok kota dan membentuk “perkumpulan musisi” yang unik. Mulai dari abad ke-12, para musisi folk bergabung dengan para gelandangan dan goliard - orang-orang yang tidak memiliki kelas dari kelas yang berbeda (siswa sekolah, biksu buronan, ulama pengembara). Tidak seperti pemain sulap yang buta huruf - perwakilan khas seni tradisi lisan - gelandangan dan goliard melek huruf: mereka tahu bahasa Latin dan aturan syair klasik, menggubah musik - lagu (berbagai gambar dikaitkan dengan sains sekolah dan kehidupan siswa) dan bahkan komposisi kompleks seperti konduksi dan motet.

Universitas telah menjadi pusat budaya musik yang signifikan. Musik, atau lebih tepatnya akustik musik, bersama dengan astronomi, matematika, dan fisika, termasuk dalam kuadrium, yaitu. siklus empat disiplin ilmu yang dipelajari di universitas.

Jadi, di kota abad pertengahan terdapat pusat budaya musik dengan sifat dan orientasi sosial yang berbeda: asosiasi musisi folk, musik istana, musik biara dan katedral, praktik musik universitas.

Teori musik Abad Pertengahan erat kaitannya dengan teologi. Dalam beberapa risalah teori musik yang sampai kepada kita, musik dipandang sebagai “pelayan gereja”. Di antara risalah terkemuka pada awal Abad Pertengahan, 6 buku “On Music” oleh Agustinus, 5 buku oleh Boethius “On the Building of Music”, dll menonjol doktrin peran kosmik musik, dll.

Sistem mode abad pertengahan dikembangkan oleh perwakilan seni musik profesional gereja - itulah sebabnya nama "mode gereja" diberikan pada mode abad pertengahan. Mode Ionia dan Aeolian ditetapkan sebagai mode utama.

Teori musik Abad Pertengahan mengedepankan doktrin hexachords. Dalam setiap mode, 6 langkah digunakan dalam latihan (misalnya: do, re, mi, fa, sol, la). Si kemudian dihindari karena bersama dengan F, itu membentuk perpindahan ke peningkatan keempat, yang dianggap sangat disonan dan secara kiasan disebut “iblis dalam musik.”

Rekaman non-mutual digunakan secara luas. Guido Aretinsky memperbaiki sistem notasi musik. Inti dari reformasinya adalah sebagai berikut: adanya empat garis, perbandingan ketiga antar garis, tanda kunci (aslinya alfabet) atau pewarnaan garis. Dia juga memperkenalkan notasi suku kata untuk enam derajat pertama modus: ut, re, mi, fa, sol, la.

Notasi mensural diperkenalkan, di mana setiap nada diberi ukuran ritme tertentu (Latin mensura - ukuran, pengukuran). Nama durasi: maxima, longa, brevis, dll.

Abad ke-14 merupakan masa transisi antara Abad Pertengahan dan Renaisans. Seni Perancis dan Italia abad ke-14 disebut “Ars nova” (dari bahasa Latin - seni baru), dan di Italia memiliki semua sifat awal Renaisans. Ciri-ciri utama: penolakan untuk menggunakan genre musik gereja secara eksklusif dan beralih ke genre ruang vokal-instrumental sekuler (balada, caccia, madrigal), pemulihan hubungan dengan lagu sehari-hari, dan penggunaan berbagai alat musik. Ars nova adalah kebalikan dari apa yang disebut. ars antiqua (lat. ars antiqua - seni lama), artinya seni musik sebelum awal abad ke-14. Perwakilan terbesar dari ars nova adalah Guillaume de Machaut (abad ke-14, Prancis) dan Francesco Landino (abad ke-14, Italia).

Dengan demikian, budaya musik Abad Pertengahan, meskipun memiliki keterbatasan dana, mewakili tingkat yang lebih tinggi dibandingkan dengan musik Dunia Kuno dan mengandung prasyarat bagi berkembangnya seni musik selama Renaisans.

musik abad pertengahan penyanyi Gregorian

1. Dasar-dasar

masalah(Penyanyi Prancis, dari Ox. trobar - untuk menulis puisi) atau, sebagaimana sering disebut, penyanyi - ini adalah penyair dan penyanyi Abad Pertengahan, yang karyanya mencakup periode dari abad kesebelas hingga abad ketiga belas, dan masa kejayaannya dimulai pada abad kedua belas, dan berakhir pada awal abad ketiga belas. Seni penyanyi berasal dari bagian selatan Perancis, pusat utamanya adalah wilayah Provence. Para pengacau menyusun puisi mereka dalam dialek Oc, bahasa Romawi yang tersebar luas di Prancis selatan Loire, serta di wilayah Italia dan Spanyol yang berbatasan dengan Prancis. Troubadours adalah peserta aktif dalam kehidupan sosial, agama dan politik masyarakat. Mereka dianiaya karena mengkritik gereja. Perang Salib Albigensian pada 1209-1229 mengakhiri karya seni mereka. Seni para troubadour terkait dengan kreativitas para trouvères. Muncul di wilayah selatan Prancis dalam kondisi sejarah yang sama dengan musik para troubadour, karya liris para trouvères memiliki banyak kesamaan dengannya. Terlebih lagi, para trouvères berada di bawah pengaruh langsung dan sangat kuat dari puisi para troubadour, yang disebabkan oleh pertukaran sastra yang intensif.

Penambang- Penyair dan penyanyi liris Jerman yang menyanyikan cinta ksatria, cinta untuk Nyonya, pelayanan kepada Tuhan dan tuan, dan Perang Salib. Lirik Minnesingers masih bertahan hingga saat ini, misalnya dalam Naskah Heidelberg. Kata "Minnezang" digunakan dalam beberapa arti. Dalam arti luas, konsep minnesang menyatukan beberapa genre: lirik ksatria sekuler, puisi cinta (dalam bahasa Latin dan Jerman) dari para gelandangan dan spielman, serta “puisi desa yang sopan (sopan)” (Jerman höfische Dorfpoesie). Dalam arti sempit, minnesang dipahami sebagai gaya lirik ksatria Jerman yang sangat spesifik - sastra istana yang muncul di bawah pengaruh penyanyi Provence, Prancis, dan Flemish.

musik daerah(atau cerita rakyat, cerita rakyat Inggris) - kreativitas musik dan puisi masyarakat. Ini adalah bagian integral dari cerita rakyat dan pada saat yang sama termasuk dalam proses sejarah pembentukan dan pengembangan budaya musik kultus dan sekuler, profesional dan massa. Pada konferensi International Council of Folk Music (awal 1950-an), musik folk didefinisikan sebagai produk tradisi musik, yang terbentuk dalam proses transmisi lisan oleh tiga faktor - kontinuitas (kontinuitas), variasi (variabilitas) dan selektivitas (seleksi). lingkungan hidup). Tradisi musik lisan dan tertulis dibedakan. Sejak berkembangnya tradisi musik tertulis, terdapat pengaruh timbal balik budaya yang konstan. Dengan demikian, musik rakyat ada dalam suatu wilayah tertentu dan pada waktu sejarah tertentu, yaitu dibatasi oleh ruang dan waktu, sehingga terciptalah sistem dialek musik rakyat dalam setiap budaya musik rakyat.

Nyanyian Gregorian(Latin cantus gregorianus; nyanyian Gregorian Inggris, nyanyian Prancis grеgorien, gregorianischer Gesang Jerman, canto gregoriano Italia), nyanyian Gregorian [cantus planus - nyanyian liturgi tradisional Gereja Katolik Roma Agung (Paus tahun 590-604), yang menurut tradisi abad pertengahan adalah penulis sebagian besar nyanyian liturgi Romawi. Pada kenyataannya, peran Gregorius tampaknya hanya terbatas pada penyusunan rutinitas liturgi, mungkin antiphonary. Kata chorale dalam bahasa Rusia digunakan dengan banyak arti (seringkali dalam arti aransemen empat suara dari lagu-lagu gereja Lutheran, juga dalam karya musikologis - dalam frasa “gudang paduan suara” [menyiratkan polifoni]), oleh karena itu, untuk menunjukkan liturgi monodi umat Katolik, disarankan untuk menggunakan istilah abad pertengahan yang otentik cantus planus ( yang dapat diterjemahkan dalam bahasa Rusia sebagai “nyanyian halus”, “nyanyian merata”, dll.).

Menurut derajat teks nyanyian (liturgi), nyanyian dibagi menjadi suku kata (1 nada per suku kata teks), neumatik (2-3 nada per suku kata) dan melismatik (jumlah nada per suku kata tidak terbatas). Jenis pertama mencakup seruan resitatif, mazmur dan sebagian besar antifon resmi, yang kedua - terutama introit, communio (antifon partisipatif) dan beberapa himne Misa biasa, yang ketiga - tanggapan besar resmi dan misa (yaitu bertahap), traktat , Haleluya, dll.

Musik suci Bizantium. Rasul Paulus bersaksi bahwa orang-orang Kristen mula-mula bernyanyi untuk Tuhan dalam mazmur, himne dan nyanyian rohani (Ef. 5:19). Oleh karena itu, musik selalu digunakan di Gereja. Sejarawan Gereja Eusebius menulis bahwa mazmur dan himne diciptakan oleh orang-orang percaya “sejak awal untuk memuliakan Tuhan.” Selain bahasa Yunani kuno untuk menyusun himne, penyair Kristen juga menggunakan musik Yunani kuno, yang kemudian tersebar luas di seluruh dunia yang tercerahkan. Para Bapa Agung pada tiga abad pertama, seperti St. Ignatius sang Pembawa Tuhan, St. Justin sang Filsuf, St. Irenaeus, St. Gregorius Uskup Neocaesarea, pembuat mukjizat, menunjukkan minat khusus pada mazmur. Tempat khusus dalam tradisi menyanyi ditempati oleh St. John dari Damaskus (676-756), yang, selain menulis nyanyian yang indah, juga mensistematisasikan musik gereja. Dia membagi musik menjadi delapan suara: plagal pertama, kedua, ketiga, keempat, plagal pertama, plagal kedua, plagal ketiga (atau varis) dan plagal keempat, dan menetapkan cara merekam musik menggunakan tanda-tanda khusus. Santo Yohanes dari Damaskus membatasi komposisi musik duniawi yang tidak sah dan menganjurkan kesederhanaan dan kesalehan di dalamnya.

2. Alat musik Eropa abad pertengahan

Shalmei muncul pada abad ke-13; strukturnya dekat dengan krumhorn. Untuk kenyamanan, tikungan khusus yang disebut "pirouette" dibuat di bagian atas laras (saksofon modern memiliki sesuatu yang serupa). Dari delapan lubang jari, satu ditutup dengan katup, yang juga memudahkan permainan. Selanjutnya, katup mulai digunakan di semua alat musik tiup kayu. Suara selendangnya tajam dan nyaring, dan bahkan jenis instrumen bernada rendah pun terasa nyaring dan melengking bagi pendengar modern.

Seruling memanjang dengan berbagai nada sangat populer. Disebut memanjang karena, tidak seperti seruling melintang modern, pemainnya memegangnya secara vertikal dan bukan horizontal. Seruling tidak menggunakan buluh, sehingga terdengar lebih pelan dibandingkan alat musik tiup lainnya, namun timbrenya sangat lembut dan kaya akan nuansa. Alat musik gesek Abad Pertengahan - rebec dan fidel. Mereka memiliki dua hingga lima senar, tetapi biola memiliki tubuh yang lebih bulat, samar-samar mengingatkan pada buah pir, sedangkan rebeck (timbre serupa) memiliki bentuk yang lebih memanjang. Dari abad ke-11 Instrumen trumshait diketahui memiliki desain orisinal. Nama ini berasal dari dua kata Jerman: Trumme - "pipa" dan Scheit - "log". Terompet memiliki badan yang panjang berbentuk baji dan satu senar. Pada abad ke-17 Senar beresonansi tambahan mulai diregangkan di dalam tubuh. Mereka tidak dimainkan dengan busur, tetapi ketika dimainkan pada senar utama, mereka bergetar, dan ini menambah nuansa tambahan pada timbre suaranya. Terdapat dudukan khusus untuk senar, yang salah satu kakinya lebih pendek dari yang lain, sehingga dudukannya tidak pas dengan badan. Selama permainan, di bawah pengaruh getaran senar, ia mengenai tubuh, dan dengan demikian terciptalah efek “iringan perkusi” yang asli.

Selain alat musik membungkuk, kelompok alat musik petik juga mencakup alat musik petik - harpa dan sitar. Harpa abad pertengahan bentuknya mirip dengan harpa modern, tetapi ukurannya jauh lebih kecil. Kecapi agak mirip harpa, tetapi strukturnya lebih rumit. Tonjolan bulat kecil dibuat di salah satu sisi kotak kayu (berbentuk kotak persegi panjang). Leher (dari Griff Jerman - "pegangan") - pelat kayu untuk mengencangkan senar - dipisahkan oleh tonjolan logam khusus - fret. Berkat mereka, pemain secara akurat menekan nada yang tepat dengan jarinya. Sitar memiliki tiga puluh hingga empat puluh senar, empat atau lima di antaranya terbuat dari logam, sisanya adalah otot. Untuk memainkan senar logam digunakan bidal (diletakkan di jari), dan untaiannya dipetik dengan jari. (Sitar muncul pada pergantian abad ke-12-13, tetapi menjadi sangat populer pada abad ke-15-16.

3. Musik di Rus Kuno

Seni Abad Pertengahan dengan segala keragamannya, ia memiliki beberapa ciri umum yang ditentukan oleh tempatnya dalam kehidupan, dalam sistem bentuk kesadaran sosial, tujuan praktis spesifiknya, dan sifat fungsi ideologis yang dijalankannya. Seni, seperti ilmu pengetahuan, moralitas, dan filsafat abad pertengahan, ditempatkan untuk melayani agama dan diharapkan membantu memperkuat otoritas dan kekuasaannya atas kesadaran masyarakat, menjelaskan dan mempromosikan prinsip-prinsip iman Kristen. Perannya ternyata bersifat terapan dan subordinat. Ia dianggap hanya sebagai salah satu komponen dari tindakan ritual yang rumit dan megah itu, yaitu ibadah di gereja Kristen. Di luar ritual liturgi, seni dianggap berdosa dan merugikan jiwa manusia.

Nyanyian gereja dikaitkan dengan kultus lebih dekat daripada semua seni lainnya. Kebaktian dapat dilakukan tanpa ikon, di luar lingkungan kuil yang mewah, dalam suasana yang sederhana dan sederhana. Para pendeta tidak harus mengenakan jubah yang megah dan penuh hiasan. Tapi nyanyian sudah menjadi bagian integral dari ritual doa di komunitas Kristen paling kuno, yang menolak segala kemewahan dan dekorasi.

Peran dominan dalam nyanyian adalah milik teks; melodi hanya dimaksudkan untuk memfasilitasi persepsi “kata-kata ilahi”. Persyaratan ini menentukan sifat nyanyian gereja. Pertunjukannya harus secara monofonik, serempak dan tanpa iringan instrumen. Masuknya alat musik untuk ikut serta dalam ibadah, serta berkembangnya polifoni paduan suara dalam musik gereja Katolik pada masa itu akhir Abad Pertengahan , merupakan pelanggaran terhadap norma-norma asketis seni Kristen yang ketat, yang dipaksa untuk beradaptasi dengan tuntutan baru pada masa itu dengan mengorbankan konsesi dan kompromi tertentu. Diketahui bahwa otoritas Katolik kemudian berulang kali mengajukan pertanyaan untuk kembali ke kesederhanaan suci cantus planus Gregorian. Gereja Kristen Timur mempertahankan tradisi nyanyian a cappella serempak hingga pertengahan abad ke-17, dan di beberapa negara lebih lama lagi, namun penggunaan alat musik tetap dilarang di dalamnya hingga saat ini. Nyanyian gereja seharusnya dibawakan secara sederhana dan terkendali, tanpa ekspresi yang berlebihan, karena hanya nyanyian seperti itu yang mendekatkan umat kepada Tuhan.

Gereja, yang memonopoli bidang pencerahan dan pendidikan pada Abad Pertengahan, merupakan satu-satunya pemilik penulisan musik dan sarana pengajaran musik. Tulisan non-linier abad pertengahan, variasinya adalah spanduk Rusia, dimaksudkan hanya untuk merekam nyanyian gereja. Nyanyian gereja, yang berkembang dalam kerangka tradisi monofonik, bertahan di Rusia hingga paruh kedua abad ke-17 sebagai satu-satunya jenis seni musik tertulis berdasarkan premis teoretis yang dikembangkan dan sejumlah aturan komposisi dan teknis.

Seni Abad Pertengahan ditandai dengan kegigihan tradisi yang besar. Salah satu akibat dari hal ini adalah lemahnya ekspresi prinsip personal dan individual. Dari luar, hal ini terlihat dari kenyataan bahwa sebagian besar karya seni tetap anonim. Pencipta karya-karya ini, pada umumnya, tidak menandatanganinya atau menunjukkan kepengarangannya secara tersembunyi dan terenkripsi. Teks yang sudah selesai dan lengkap tidak tetap tidak tersentuh. Dalam korespondensi, dapat mengalami perubahan, pengurangan, atau sebaliknya perluasan melalui sisipan yang dipinjam dari sumber lain. Juru tulis bukanlah seorang penyalin mekanis, namun sampai batas tertentu merupakan rekan penulis, yang memberikan interpretasinya sendiri terhadap apa yang ditulis, memberikan komentarnya sendiri, dan dengan bebas menghubungkan bagian-bagian teks yang berbeda. Hasilnya, karya tersebut pada dasarnya menjadi produk kreativitas kolektif, dan untuk mengungkap fondasi aslinya di bawah banyak lapisan selanjutnya, sering kali diperlukan upaya yang sangat besar.

Komposer abad pertengahan berurusan dengan sejumlah formula melodi, yang ia hubungkan dan gabungkan, mengikuti aturan dan regulasi komposisi tertentu. Rumusnya juga bisa berupa melodi yang utuh dan utuh. Apa yang disebut “bernyanyi serupa”, yang terutama tersebar luas pada abad-abad pertama seni menyanyi Rusia, terdiri dari fakta bahwa beberapa nada yang diterima dalam penggunaan gereja menjadi model untuk menyanyikan berbagai teks liturgi. Rumus melodi, yang berfungsi sebagai unit struktural utama nyanyian znamenny, disebut nyanyian, dan metode pembuatan melodi berdasarkan penggabungan dan pengulangan nyanyian individu yang dimodifikasi biasanya didefinisikan sebagai varian nyanyian.

Terlepas dari aturan ketat yang harus dipatuhi oleh seniman abad pertengahan dan kebutuhan untuk secara ketat mengikuti model yang dikanonisasi, kemungkinan kreativitas pribadi tidak sepenuhnya dikesampingkan. Namun hal itu terungkap bukan dalam pengingkaran terhadap tradisi dominan dan penegasan prinsip estetika baru, melainkan dalam penguasaan nuansa halus, detail, kebebasan dan fleksibilitas dalam penggunaan skema standar umum. Dalam musik, pemikiran ulang formula melodi yang konstan dicapai melalui nuansa intonasi. Mengganti beberapa interval dengan yang lain, perubahan kecil pada lekukan garis melodi, penataan ulang dan pergeseran aksen ritme mengubah struktur ekspresif melodi tanpa mengganggu struktur dasarnya. Beberapa dari perubahan ini dikonsolidasikan dalam praktik dan memperoleh karakter tradisional. Berakumulasi secara bertahap, mereka mengarah pada pembentukan varian lokal, sekolah dan perilaku individu, yang memiliki ciri khas tersendiri.

4. Rakyat dan profesional danseni

Gereja Kristen, baik di Barat maupun di Timur, yang berusaha memonopoli segala cara untuk mempengaruhi jiwa manusia dan menempatkannya sepenuhnya demi tujuan mereka sendiri, sangat memusuhi permainan, nyanyian, dan tarian rakyat tradisional, dengan menyatakan bahwa mereka berdosa, berpaling dari iman dan takwa yang sejati. Khotbah dan ajaran agama abad pertengahan penuh dengan kecaman keras terhadap mereka yang menikmati hiburan yang berbahaya bagi jiwa, dan mengancam mereka dengan kutukan dan siksaan abadi di dunia berikutnya. Salah satu alasan sikap intoleran terhadap kesenian rakyat adalah hubungannya dengan kepercayaan dan ritual pagan, yang terus hidup di kalangan masyarakat lama setelah adopsi agama Kristen. Dalam literatur keagamaan dan pendidikan Rusia, menyanyikan lagu, menari, dan memainkan alat musik biasanya disamakan dengan “penyembahan berhala”, “pengorbanan berhala”, dan doa yang dipanjatkan kepada “dewa terkutuk” kekafiran .

Namun semua kecaman dan larangan tersebut tidak mampu menghilangkan kecintaan masyarakat terhadap seni daerahnya. Jenis kesenian rakyat tradisional terus hidup dan berkembang, eksis secara luas di berbagai lapisan masyarakat. Cerita rakyat dalam beragam bentuk dan manifestasinya mencakup lingkup kehidupan yang lebih luas, dan andilnya dalam seni budaya abad pertengahan lebih penting daripada sistem seni zaman modern. Cerita rakyat mengisi kekosongan yang diciptakan oleh tidak adanya bentuk tertulis dari kreativitas musik sekuler. Lagu rakyat, seni “pemain” rakyat - pemain alat musik - tersebar luas tidak hanya di kalangan kelas pekerja bawah, tetapi juga di lapisan masyarakat atas, hingga istana pangeran.

Di bawah pengaruh lagu-lagu daerah, struktur intonasi khas nyanyian gereja Rusia juga berkembang, yang seiring waktu beralih dari model Bizantium, mengembangkan bentuk melodi asli nasionalnya sendiri. Di sisi lain, jejak pengaruh pandangan agama Kristen dan gaya seni gereja dapat ditemukan dalam struktur figuratif, puitis, dan musik lagu-lagu rakyat Rusia, seperti yang telah berulang kali ditunjukkan oleh para ahli cerita rakyat.

Salah satu ciri utama cerita rakyat adalah kolektivitas. Biasanya, karya seni rakyat tidak dikaitkan dengan kepribadian salah satu penulis dan dianggap sebagai milik, jika bukan milik seluruh rakyat, maka milik kelompok sosial tertentu, korporasi (misalnya, epik pasukan militer) atau teritorial. masyarakat. Hal ini tidak mengecualikan partisipasi kreativitas pribadi dalam penciptaan dan pelaksanaannya.

Dalam musik Rus Kuno tidak ada sosok yang bisa dibandingkan dengan Palestrina, Orlando Lasso atau Schutz. Mereka tidak dapat maju dalam kondisi saat itu dengan cara hidup dan pandangan dunia yang berlaku. Signifikansi warisan musik Rusia kuno tidak ditentukan oleh keberanian individu yang luar biasa, tetapi oleh karakter umum dan holistik, yang mencerminkan penampilan berani, tegas, dan terkendali dari orang-orang yang menciptakannya. Para ahli Abad Pertengahan Rusia, tanpa melanggar norma dan batasan ketat yang ditentukan oleh kanon, mencapai kesempurnaan estetika, kekayaan dan kecerahan warna yang luar biasa dalam karya mereka, dikombinasikan dengan kedalaman dan kekuatan ekspresi. Banyak contoh seni ini, dengan keindahannya yang luhur dan unik, merupakan manifestasi terbesar dari kejeniusan seni nasional.

Sumber

https://ru.wikipedia.org/wiki/Music_of Abad Pertengahan

http://medmus.ru/

http://www.webkursovik.ru/kartgotrab.asp?id=-49105

http://arsl.ru/?page=27

http://www.letopis.info/themes/music/rannjaja_muziyka..

http://ivanikov.narod.ru/page/page7.html

http://www.medieval-age.ru/peacelife/art/myzykanarusi.html

Diposting di Allbest.ru

...

Dokumen serupa

Musik vokal, instrumental dan vokal-instrumental. Genre utama dan arah musik musik vokal dan instrumental. Popularitas musik instrumental pada masa Renaisans. Munculnya pemain virtuoso pertama.

presentasi, ditambahkan 29/04/2014

Musik rakyat Abad Pertengahan. Tahapan perkembangan monodi abad pertengahan abad 11-13. Munculnya gaya baru - polifoni. Perwakilan dari budaya musik rakyat Abad Pertengahan. Pentingnya kelas solfeggio. Konsep ritme, ketukan dan meteran dalam musik.

abstrak, ditambahkan 14/01/2010

Musik zaman kuno di Yunani, perannya dalam kehidupan publik dan pribadi. Alat musik petik dan tiup senar dari Yunani kuno. Teori musik Pythagoras. Seni musik Mesir kuno. Konsep interval musik, ragam dan peredarannya.

abstrak, ditambahkan 14/01/2010

Fitur musik Rusia abad ke-18. Barok adalah era ketika gagasan tentang musik apa yang seharusnya terbentuk; bentuk-bentuk musik ini tidak kehilangan relevansinya saat ini. Perwakilan hebat dan karya musik era Barok.

abstrak, ditambahkan 14/01/2010

Musik menduduki salah satu tempat terpenting dalam sistem seni India Kuno. Asal usulnya kembali ke ritual rakyat dan keagamaan. Ide kosmologis India Kuno mempengaruhi bidang musik vokal dan instrumental. Alat musik India.

tes, ditambahkan 15/02/2010

Asal usul musik rock, pusat asal usulnya, komponen musik dan ideologinya. Musik rock tahun 60an, munculnya musik keras dan kebangkitan garage rock. Budaya musik alternatif. Musik rock tahun 2000-an dan musik luar sepanjang masa.

abstrak, ditambahkan 01/09/2010

Pengertian musik etnik, kategori dan ciri khas bunyinya. Penampil terkenal musik putra Afro-Kuba dan bolero Ibrahim Ferrer sebagai contoh pemain etno. Mempopulerkan musik etnik di Rusia. Contoh alat musik etnik.

presentasi, ditambahkan 25/12/2011

Musik rap merupakan salah satu unsur hip-hop, suatu bentuk lirik berima yang dibacakan secara ritmis pada alat musik. Sejarah musik rap. Rap Sekolah Tua, rekaman pertama. Akar hip-hop. Penetrasi hip-hop ke Rusia. Artis rap Rusia.

artikel, ditambahkan 27/04/2010

Musik adalah salah satu bentuk seni, perannya dalam kehidupan manusia. Musik dan seni lainnya. Sifat sarana musik yang temporal dan sehat. Gambar yang melekat dalam musik. Musik dalam budaya spiritual. Dampak dari berubahnya kondisi eksistensi musik di masyarakat.

abstrak, ditambahkan 26/01/2010

Seni yang mencerminkan realitas dalam gambar artistik yang sehat. Hubungan antara musik dan usia. Menentukan hubungan antara karakter dan musik. Genre musik utama. Fleksibilitas musik dan pentingnya dalam kehidupan manusia modern.