Kép a művészetben. Művészi kép

A művészet az esztétika elméletében a legfontosabb helyet foglalja el. Tanulmányozza az életben betöltött szerepét, fejlődési mintáit és jellemzőit. Az esztétika a művészetet a világ esztétikai feltárásának egy formájának tekinti. A művészet az élet és a gondolkodás művészi képek formájában való tükrözésének eszköze. A művészi képek forrása a valóság. A világot tükröző művész képletesen és érzelmesen gondolkodik, alkotásaival az emberek érzéseire, elméjére hatva igyekszik hasonló érzelmeket, gondolatokat kiváltani bennük.

A művészet sajátossága, hogy esztétikai érdemei, a művészi képrendszer hatására hat az emberre. A művészi kép nemcsak az érzékszervi-konkrét gondolkodás képanyagával, hanem absztrakt fogalmakkal is társul, benne van az értelmes művésziség mélysége és eredetisége.

Egy művészi kép lényegében bizonyos szinteket lehet megkülönböztetni. Ideális a művészi gondolkodás elvont szintje, amikor a művészi ötlet megvalósul, a képalkotás pedig intellektuális művelet. Következő szint- ez mentális, amikor a művészi kreativitás tudattalan mechanizmusainak szerepe jelentős. Ez a művészi érzések és érzelmek szintje, amelynek köszönhetően az alkotás képei az észlelés folyamatában tapasztalhatók. Egy művészi kép a hozzá való esztétikai hozzáállással, az érzésekkel, az értékelésekkel, az igényekkel társul. Végül a művészi kép létének harmadik szintje az anyagi, i.e. milyen anyagú „burokban” jelenik meg a kép: színben, hangban, szavakban, ezek kombinációiban.

A művészi kép tanulmányozásakor figyelembe kell venni ezeket a szinteket: ideális, mentális, anyagi.

A művészetben a természetábrázolás pontossága önmagában nem hoz létre alkotást, csak akkor jön létre, amikor a képből művészi kép lesz, amelyben egy adott tárgyat, jelenséget az alkotó gondolata, érzése világít meg.

A művészi kép a szerző bizonyos kreatív orientációjának eredménye, és tehetségének természetéhez kapcsolódik. A művészet alapvetően az érzékszervi észlelt valóság képe, de művészi általánosításának mértéke változó. A művészi kép természetének helyes megértéséhez olyan fontos szempontokat is figyelembe kell venni, mint a művész látásmódjának egyénisége és esztétikai ideálja.

Ez a két pont összefügg egymással és ugyanakkor viszonylag független. Az esztétikai ideál a szerző számára irányadó, látásmódját irányítja, egy adott történelmi idő egyedisége határozza meg. Ugyanakkor minden alkotó a maga módján látja a világot, és a szerző művészi látásmódjának egyénisége gazdagítja az esztétikai látásmód egészét, kibővítve a világ észlelésének skáláját. A művész látásmódjának egyénisége lehet alig észrevehető, vagy éppen ellenkezőleg, világosan kifejezhető, de mindenesetre tehetséges munka művészet ez kötelező.

MŰVÉSZI KÉP - az esztétika és művészettörténet egyik legfontosabb fogalma, amely a valóság és a művészet kapcsolatának kijelölésére szolgál, és a legkoncentráltabban fejezi ki a művészet egészének sajátosságait. A művészi képet általában úgy definiálják, mint a művészetben a valóságot tükröző formát vagy eszközt, amelynek jellemzője egy absztrakt ötlet konkrét érzéki formában való kifejezése. Ez a meghatározás lehetővé teszi, hogy kiemeljük a művészi-imaginatív gondolkodás sajátosságait a szellemi tevékenység más alapvető formáival összehasonlítva.

Egy igazán művészi alkotást mindig a nagy gondolati mélység és a felmerülő problémák jelentősége jellemez. A művészi kép, mint a valóság tükrözésének legfontosabb eszköze, a művészet valósághűségének és realizmusának kritériumait koncentrálja. A való világot és a művészet világát összekapcsolva a művészi kép egyrészt tényleges gondolatok, érzések, élmények reprodukcióját adja, másrészt ezt a konvenció által jellemzett eszközökkel teszi. Az őszinteség és a konvencionálisság együtt létezik a képben. Ezért nemcsak a nagy realista művészek munkáit különböztetik meg élénk művészi képeik, hanem azokat is, amelyek teljes mértékben fikcióra épülnek ( népmese, fantasy történet stb.). A képzetek akkor pusztulnak el és tűnnek el, amikor a művész szolgai módon másolja a valóság tényeit, vagy amikor teljesen elkerüli a tények ábrázolását, és ezáltal megszakítja a valósággal való kapcsolatot, különféle szubjektív állapotainak reprodukálására koncentrál.

A művészi kép tehát a valóság művészetben való tükröződése következtében a művész gondolatának terméke, de a képben rejlő gondolatnak vagy ideának mindig van sajátos érzékszervi kifejezése. A képek egyaránt vonatkoznak az egyes kifejező technikákra, metaforákra, összehasonlításokra és integrált struktúrákra (szereplők, személyiségek, a mű egésze stb.). De ezen túl van az irányok, stílusok, modorok stb. figuratív struktúrája is (képek középkori művészet, reneszánsz, barokk). Egy művészi kép lehet egy műalkotás része, de egyenrangú is lehet vele, sőt felülmúlhatja azt.

Különösen fontos a művészi kép és a műalkotás kapcsolatának megteremtése. Néha ezeket az ok-okozati összefüggések szempontjából veszik figyelembe. Ebben az esetben a művészi kép valami származtatottként jelenik meg műalkotás. Ha a műalkotás az anyag, a forma, a tartalom egysége, vagyis mindannak, amivel a művész a művészi hatás elérése érdekében dolgozik, akkor a művészi kép csak passzív eredményként, az alkotó tevékenység fix eredményeként értendő. Mindeközben az aktivitási szempont egyformán velejárója a műalkotásnak és a művészi képnek. Amikor egy művészi képen dolgozik, a művész gyakran túllép az eredeti terv, esetenként az anyag korlátain, vagyis az alkotási folyamat gyakorlata a művészi kép magját módosítja. A mester művészete itt szervesen egybeolvad a művészi arculat alapjául szolgáló világnézettel és esztétikai ideállal.

A művészi kép kialakításának fő szakaszai vagy szintjei a következők:

Kép-terv

Műalkotás

Kép-észlelés.

Mindegyikük egy bizonyos minőségi állapotról tanúskodik a művészi gondolkodás fejlődésében. Így az alkotási folyamat további menete nagyban függ az ötlettől. Itt jön létre a művész „belátása”, amikor a leendő alkotás „hirtelen” fő vonásaiban jelenik meg számára. Természetesen ez egy diagram, de az ábra vizuális és figuratív. Megállapítást nyert, hogy az imázsterv egyformán fontos és szükséges szerepet játszik mind a művész, mind a tudós alkotói folyamatában.

A következő szakasz az arculatterv anyagban való konkretizálásához kapcsolódik. Hagyományosan képalkotásnak nevezik. Ez ugyanolyan fontos szintje a kreatív folyamatnak, mint az ötlet. Itt kezdenek működni az anyag természetéhez kapcsolódó törvényszerűségek, és csak itt kap valódi létezést a mű.

Az utolsó szakasz, amelynek megvannak a maga törvényei, a műalkotás észlelésének szakasza. Itt a képszerűség nem más, mint az újraalkotás képessége, hogy az anyagban (színben, hangban, szóban) meglátjuk egy műalkotás ideológiai tartalmát. Ez a látás és tapasztalás képessége erőfeszítést és felkészülést igényel. Az észlelés bizonyos mértékig társalkotás, melynek eredménye egy olyan művészi kép, amely mélyen izgathatja és sokkolhatja az embert, ugyanakkor hatalmas nevelő hatással van rá.

Bevezetés

A művészi kép a művészi kreativitás univerzális kategóriája: az élet reprodukciójának, értelmezésének és elsajátításának egy formája, amely a művészetben rejlik esztétikailag ható tárgyak létrehozásán keresztül. A kép gyakran egy művészi egész eleme vagy része, általában egy töredéke, amely mintegy önálló életés tartalom (például karakter az irodalomban, szimbolikus képek). De általánosabb értelemben a művészi kép a mű létmódja, kifejezőképességének, lenyűgöző energiájának és jelentőségének oldaláról nézve.

Más esztétikai kategóriák mellett ez is viszonylag késői eredetű, bár a művészi kép elméletének kezdetei Arisztotelész „mimézisről” szóló tanításában keresendők – a művész szabad életutánzásáról abban a képességében, hogy integrált, belső elrendezettséget hoz létre. tárgyak és az ehhez kapcsolódó esztétikai élvezet. Míg a művészet öntudatában (az ősi hagyományból eredően) közelebb került a mesterséghez, készséghez, ügyességhez, és ennek megfelelően a művészetek seregében a plasztikai művészeteké volt a vezető hely, addig az esztétikai gondolkodás megelégedett a kánon fogalmaival, majd stílus és forma, amelyen keresztül a művésznek az anyaghoz való átformáló attitűdje világított meg. Az a tény, hogy a művészileg átalakított anyag egy bizonyos, a gondolathoz némileg hasonló eszményi formációt ragad meg és hordoz magában, csak a „spirituálisabb” művészetek – az irodalom és a zene – előtérbe kerülésével kezdett megvalósulni. A hegeliánus és a poszthegeli esztétika (beleértve V. G. Belinskyt is) széles körben alkalmazta a művészi kép kategóriáját, rendre szembeállítva a képet mint a művészi gondolkodás termékét az absztrakt, tudományos-fogalmi gondolkodás eredményeivel - szillogizmussal, következtetéssel, bizonyítékkal, formulával.

A művészi kép kategóriájának egyetemessége azóta is többször vitatott, hiszen a fogalom szemantikájába foglalt objektivitás és egyértelműség szemantikai konnotációja mintha alkalmazhatatlanná tette volna a „nem objektív”, nem vizuális művészetekre. A modern, főleg hazai esztétika azonban jelenleg széles körben a művészi kép elméletéhez folyamodik, mint a legígéretesebbhez, amely segít feltárni a művészeti tények eredeti természetét.

A munka célja: A művészi kép fogalmának elemzése és létrehozásának fő eszközeinek meghatározása.

Bővítse a művészi kép fogalmát.

Fontolja meg a művészi kép létrehozásának eszközeit

Elemezze a művészi képek jellemzőit W. Shakespeare műveinek példáján!

A tanulmány tárgya a művészi kép pszichológiája Shakespeare műveinek példáján.

A kutatási módszer a téma szakirodalmának elméleti elemzése.

1. A művészi kép pszichológiája

1 A művészi kép fogalma

Az ismeretelméletben a „kép” fogalmát tág értelemben használják: a kép az objektív valóság emberi elmében való tükröződésének szubjektív formája. A reflexió empirikus szakaszában az emberi tudatot képek-benyomások, képek-koncepciók, képzelet- és emlékképek jellemzik. Csak ezen az alapon, általánosításon és absztrakción keresztül születnek kép-fogalmak, képzet-következtetések és ítéletek. Lehetnek vizuális - szemléltető képek, diagramok, modellek - és nem vizuális - absztraktok.

A tág ismeretelméleti jelentés mellett a „kép” fogalmának szűkebb jelentése is van. A kép egy integrált tárgy, jelenség, személy, „arcának” sajátos megjelenése.

Az emberi tudat újrateremti az objektivitás képeit, rendszerezve a mozgások sokféleségét és a környező világ összefüggéseit. Az emberi megismerés és gyakorlat a jelenségek látszólag entrópikus sokféleségét a kapcsolatok rendezett vagy célszerű összefüggéséhez vezeti, és ezáltal képeket alkot. emberi világ, az úgynevezett környezet, lakópark, nyilvános szertartások, sportrituálé stb. Az eltérő benyomások szintézise be holisztikus képek megszünteti a bizonytalanságot, kijelöl egy-egy szférát, megnevez egy-egy körülhatárolt tartalmat.

Az emberi fejben megjelenő tárgy ideális képe egy bizonyos rendszer. Azonban a Gestalt-filozófiával szemben, amely bevezette ezeket a fogalmakat a tudományba, hangsúlyozni kell, hogy a tudat képe lényegében másodlagos, az objektív jelenségek törvényszerűségeit tükröző gondolkodás terméke, az objektivitás tükrözésének szubjektív formája. , és nem pusztán spirituális konstrukció a tudatfolyamon belül.

A művészi kép nemcsak a gondolat egy speciális formája, hanem a valóság képe, amely a gondolkodás során keletkezik. A művészetkép fő értelme, funkciója és tartalma abban rejlik, hogy a kép sajátos arccal ábrázolja a valóságot, annak tárgyi, tárgyi világát, az embert és környezetét, ábrázolja az emberek társadalmi és személyes életének eseményeit, kapcsolatait. , külső és lelki-pszichológiai jellemzőik.

Az esztétikában évszázadok óta vitatható kérdés, hogy egy művészi kép a valóság közvetlen benyomásainak öntvénye-e, vagy a megjelenési folyamatban az absztrakt gondolkodás szakasza és az ehhez kapcsolódó absztrakciós folyamatok közvetítik-e a valóságból. konkrét elemzéssel, szintézissel, következtetéssel, következtetéssel, azaz érzékszervi adatbenyomások feldolgozásával. A művészet és a primitív kultúrák genezisének kutatói a „logikai előtti gondolkodás” időszakát azonosítják, de a „gondolkodás” fogalma még a korabeli művészet későbbi szakaszaira sem alkalmazható. Az ókori mitológiai művészet érzéki-érzelmi, intuitív-figuratív jellege okot adott K. Marxnak arra, hogy azt mondja, korai szakaszaiban Az emberi kultúra fejlődését a természeti anyagok öntudatlanul művészi feldolgozása jellemezte.

Az emberi munkavégzés folyamatában nemcsak a kéz és az emberi test más részeinek funkcióinak motoros készségeinek fejlesztése történt, hanem ennek megfelelően az emberi érzékiség, gondolkodás és beszéd fejlődésének folyamata is.

Modern tudomány azzal érvel, hogy a gesztusok, jelzések, jelek nyelve ősi ember még mindig csak az érzések és érzelmek nyelve volt, és csak később az elemi gondolatok nyelve.

A primitív gondolkodást az első jelzés közvetlensége és elemisége jellemezte, mint egy adott helyzetről, egy konkrét jelenség helyéről, mennyiségéről, mennyiségéről és közvetlen hasznáról való gondolkodás.

Csak a hangos beszéd és a második jelzőrendszer megjelenésével kezd kialakulni a diszkurzív és logikus gondolkodás.

Emiatt az emberi gondolkodás fejlődésének egyes fázisaiban vagy szakaszaiban különbségekről beszélhetünk. Először is a vizuális, konkrét, első jelzésű gondolkodás fázisa, amely közvetlenül tükrözi a pillanatnyi helyzetet. Másodszor, ez az imaginatív gondolkodás fázisa, amely túllép azon, amit a képzeletnek és a képzeletnek köszönhetően közvetlenül tapasztalunk. elemi ötletek, valamint egyes konkrét dolgok külső képe, illetve ezen a képen (kommunikációs forma) keresztül történő további érzékelése, megértése.

A gondolkodás más spirituális és mentális jelenségekhez hasonlóan az antropogenezis történetében alacsonyabbról magasabbra fejlődik. A primitív gondolkodás prelogikai, prelogikai természetére utaló számos tény felfedezése számos értelmezési lehetőséget adott. Az ókori kultúra híres kutatója, K. Levy-Bruhl megjegyezte, hogy a primitív gondolkodás más irányultságú, mint a modern gondolkodás, különösen „prelogikus”, abban az értelemben, hogy „megbékél” az ellentmondással.

A múlt század közepén a nyugati esztétikában elterjedt következtetés az, hogy a prelogikus gondolkodás létezésének ténye alapot ad arra a következtetésre, hogy a művészet természete azonos a tudattalanul mitologizáló tudattal. Az elméletek egész galaxisa igyekszik azonosítani a művészi gondolkodást a lelki folyamat logikai előtti formáinak elemi-figuratív mitológiájával. Ez E. Cassirer gondolatait érinti, aki a kultúra történetét két korszakra osztotta: egyrészt a szimbolikus nyelv, a mítosz és a költészet korszakára, másrészt az elvont gondolkodás és a racionális nyelv korszakára, miközben a mitológiát abszolutizálni próbálta. ideális ősalap a történelem művészi gondolkodásában.

Cassirer azonban csak a mitológiai gondolkodásra, mint a szimbolikus formák őstörténetére hívta fel a figyelmet, de utána A.-N. Whitehead, G. Reed, S. Langer a nem-fogalmi gondolkodást általában a költői tudat lényegeként próbálta abszolutizálni.

A hazai pszichológusok éppen ellenkezőleg, úgy vélik, hogy a modern ember tudata egy többoldalú pszichológiai egység, ahol az érzékszervi és a racionális oldal fejlődési szakaszai összefüggenek, kölcsönösen függenek egymástól és kölcsönösen függenek egymástól. A tudat érzékszervi aspektusainak fejlődésének mértéke történelmi személy létezésének folyamatában megfelelt az elme evolúciós fokának.

Számos érv szól amellett, hogy a művészi kép érzéki-empirikus jellege, mint fő jellemzője.

Példaként nézzük meg A.K. könyvét. Voronszkij: A világlátás művészete. A 20-as években jelent meg, és nagyon népszerű volt. A mű megírásának indítéka a kézműves, plakát, didaktikus, manifesztáló, „új” művészet elleni tiltakozás volt.

Voronszkij pátosza a művészet „titkára” összpontosul, amit a művész közvetlen benyomás megragadásának képességében, a tárgy észlelésének „elsődleges” érzelmében látott: „A művészet csak az élettel kerül kapcsolatba. Amint a néző, az olvasó elméje működni kezd, az esztétikai érzés minden varázsa, minden ereje eltűnik.”

Voronszkij jelentős tapasztalatra, érzékeny megértésre és mély művészeti ismeretekre támaszkodva alakította ki nézőpontját. Elszigetelte az esztétikai érzékelés aktusát a mindennapoktól és a mindennapi élettől, hisz a világot „közvetlenül”, azaz előre megfontolt gondolatok és ötletek közvetítése nélkül látni csak az igazi inspiráció boldog pillanataiban lehetséges. Ritka az észlelés frissessége, tisztasága, de éppen ez a közvetlen érzés a művészi kép forrása.

Voronszkij ezt a felfogást „irrelevánsnak” nevezte, és szembeállította a művészettől idegen jelenségekkel: az interpretációval és az „értelmezéssel”.

A világ művészi felfedezésének problémáját Voronszkij „összetett alkotó érzésként” határozza meg, amikor az elsődleges benyomás valósága feltárul, függetlenül attól, hogy az ember mit tud róla.

A művészet „elhallgatja az értelmet; biztosítja, hogy az ember higgyen legprimitívebb, legközvetlenebb benyomásainak erejében”6.

A 20. század 20-as éveiben íródott Voronszkij munkája a művészet titkainak felkutatására irányul a naiv, tiszta antropologizmusban, „lényegtelen”, nem az észhez vonzódva.

Az azonnali, érzelmi és intuitív benyomások soha nem veszítik el jelentőségüket a művészetben, de vajon elegendőek-e a művészethez?

A művészet művészi képének létrehozása, ha nem vázlatról vagy előzetes vázlatról stb. beszélünk, hanem egy kész művészi képről, csak szép, azonnali, intuitív benyomás megörökítésével lehetetlen. Ennek a benyomásnak a képe a művészetben csekély jelentőséggel bír, ha nem gondolat ihlette. A művészet művészi képe egyszerre a benyomás eredménye és a gondolat terméke.

V.S. Szolovjov kísérletet tett arra, hogy „elnevezze” azt, ami szép a természetben, nevet adjon a szépségnek. Elmondta, hogy a természet szépsége a nap-, hold-, asztrálfény, a fényváltozások nappal és éjszaka, a fény visszaverődése vízen, fákon, füvön és tárgyakon, a villámlás fényjátéka, a nap, a hold.

Ezek a természeti jelenségek esztétikai érzéseket és esztétikai élvezetet váltanak ki. És bár ezek az érzések a dolgok fogalmához is kapcsolódnak, például a zivatarról, az univerzumról, mégis elképzelhető, hogy a természet képei a művészetben érzéki benyomások képei.

Lehetséges érzékszervi benyomás, a szépség meggondolatlan élvezete, beleértve a hold és a csillagok fényét, és ezek az érzések képesek újra és újra felfedezni valami szokatlant, de a művészet művészi képe magába szívja a lelki jelenségek széles skáláját, érzéki és intellektuális. Következésképpen a művészetelméletnek nincs oka bizonyos jelenségek abszolutizálására.

Egy műalkotás figuratív szférája a tudat számos szintjén egyszerre alakul ki: érzések, intuíció, képzelet, logika, fantázia, gondolat. Egy műalkotás vizuális, verbális vagy hangos ábrázolása nem a valóság mása, még akkor sem, ha optimális esetben életszerű. A művészi ábrázolás világosan feltárja a gondolkodás által közvetített másodlagos mivoltát, a gondolkodásnak a művészi valóság megteremtésének folyamatában való részvétele miatt.

A művészi kép a súlypont, az érzés és a gondolat, az intuíció és a képzelet szintézise; A művészet figuratív szféráját a spontán önfejlődés jellemzi, melynek több kondicionáló vektora van: magának az életnek a „nyomása”, a fantázia „repülése”, a gondolkodás logikája, a mű intrastrukturális összefüggéseinek kölcsönös hatása. , ideológiai irányzatok és a művész gondolkodásának iránya.

A gondolkodás funkciója az egyensúly fenntartásában és mindezen egymásnak ellentmondó tényezők összehangolásában is megnyilvánul. A művész gondolkodása a kép és a mű épségén dolgozik. A kép benyomások eredménye, a kép a művész képzeletének és fantáziájának gyümölcse és egyben gondolatainak terméke. Csak mindezen oldalak egységében és kölcsönhatásában jön létre a művésziség sajátos jelensége.

Az elmondottak alapján egyértelmű, hogy a kép releváns és nem azonos az élettel. És számtalan művészi kép létezhet ugyanabból az objektivitási szférából.

A gondolkodás terméke lévén a művészi kép a tartalom ideológiai kifejezésének középpontjában áll.

A művészi kép a valóság bizonyos aspektusainak „reprezentálójaként” bír jelentéssel, ebből a szempontból összetettebb és sokrétűbb fogalom, mint gondolati forma, a kép tartalmában különbséget kell tenni a kép különböző összetevői között. jelentése. A teljes hosszúságú műalkotás jelentése összetett - „összetett” jelenség, a művészi elsajátítás eredménye, vagyis a tudás, az esztétikai tapasztalat és a valóság anyagára való reflexió. A jelentés nem létezik egy műben, mint valami elszigetelt, leírt vagy kifejezett. A képekből és a mű egészéből „következik”. Egy mű jelentése azonban a gondolkodás terméke, és ezért különleges ismérve.

Művészi érzék az alkotások a művész kreatív gondolkodásának végtermékei. A jelentés a képhez tartozik, ezért a mű szemantikai tartalma sajátos, képeivel azonos karakterű.

Ha egy művészi kép informatívságáról beszélünk, akkor ez nem csak bizonyosságot és jelentését kimondó jelentés, hanem esztétikai, érzelmi és intonációs jelentés is. Mindezt általában redundáns információnak nevezik.

A művészi kép egy tárgy sokoldalú idealizálása, legyen az anyagi vagy spirituális, valós vagy képzeletbeli; nem redukálható szemantikai egyértelműségre, és nem azonos a jelinformációval.

A kép magában foglalja az információs elemek objektív inkonzisztenciáját, az oppozíciót és az alternatív jelentést, amely a kép jellegére jellemző, mivel az általános és az egyén egységét képviseli. A jelölt és a jelző, vagyis a jelhelyzet csak a kép eleme vagy képrészlete (képtípus) lehet.

Mivel az információ fogalma nemcsak technikai és szemantikai, hanem tágabb filozófiai jelentést is kapott, a műalkotást az információ sajátos jelenségeként kell értelmezni. Ez a sajátosság különösen abban nyilvánul meg, hogy a műalkotás, mint művészet vizuális-leíró, figuratív cselekménytartalma önmagában és az ötletek „tárolójaként” is informatív.

Így az életábrázolás és az ábrázolás módja önmagában is tele van jelentéssel. És az a tény, hogy a művész kiválasztott bizonyos képeket, valamint az, hogy a képzelet és a fantázia erejével kifejező elemeket adott hozzájuk - mindez önmagáért beszél, mert ez nem csak a képzelet és a készség terméke, hanem termék is a művész gondolkodásáról.

A műalkotásnak annyiban van jelentése, amennyiben tükrözi a valóságot, és amennyiben a visszatükrözés a valóságról való gondolkodás eredménye.

A művészeti gondolkodásnak a művészetben több szférája van, és az elképzelések közvetlen kifejezésének igénye, egy speciális költői nyelv kialakítása az ilyen kifejezésekhez.

2 A művészi kép létrehozásának eszközei

Az érzéki konkrétsággal rendelkező művészi kép különállóként, egyediként személyesíthető meg, ellentétben a művészet előtti képpel, amelyben a megszemélyesítés diffúz, művészileg fejletlen jellegű, ezért nincs egyediség. A megszemélyesítés a fejlett művészi és képzeletbeli gondolkodásban alapvető fontosságú.

A termelés és a fogyasztás művészi-imaginatív interakciója azonban sajátos, hiszen a művészi kreativitás bizonyos értelemben öncél is, vagyis viszonylag önálló szellemi és gyakorlati szükséglet. Nem véletlen, hogy a művészet teoretikusai és művelői gyakran megfogalmazták azt a gondolatot, hogy a néző, a hallgató és az olvasó mintegy cinkosai a művész alkotói folyamatának.

A szubjektum-tárgy viszonyok sajátosságaiban, a művészi és a figuratív felfogásban legalább három jelentős vonás különíthető el.

Az első, hogy a művészi kép, amely a művésznek bizonyos társadalmi igényekre adott válaszaként, a közönséggel folytatott párbeszédként születik meg, a nevelés során a művészi kultúrában saját életet nyer, ettől a dialógustól függetlenül, hiszen egyre többbe kerül. új párbeszédek, amelyek lehetőségeiről a szerző talán nem is tudott az alkotás folyamatáról. A nagyszerű művészi képek objektív szellemi értékként továbbra is élnek nemcsak az utódok művészi emlékezetében (például szellemi hagyományok hordozójaként), hanem valódi, kortárs erőként is, amely arra ösztönzi az embert. közösségi munka.

A művészi képben rejlő és felfogásában megnyilvánuló szubjektum-tárgy viszonyok második jelentős vonása, hogy a művészetben az alkotásba és a fogyasztásba való „elágazás” más, mint az anyagi termelési szférában. Ha az anyagi termelés területén a fogyasztó csak a termelés termékével foglalkozik, és nem ennek a terméknek a létrehozásának folyamatával, akkor a művészi kreativitásban, a művészi képek észlelésének aktusában az alkotási folyamat hatása aktívan részt vesz. . A fogyasztó számára viszonylag nem fontos, hogy az anyaggyártás termékeiben hogyan érik el az eredményt, míg a művészi és figuratív felfogásban rendkívül jelentős, és ez az egyik fő szempont. művészi folyamat.

Ha az anyagi termelés területén az alkotás és a fogyasztás folyamata viszonylag független, mint az emberi élet bizonyos formája, akkor a művészi- képzeletbeli termelést és fogyasztást teljesen lehetetlen szétválasztani anélkül, hogy a művészet sajátosságainak megértését ne sértsük. Erről szólva szem előtt kell tartani, hogy a határtalan művészi és figurális potenciál csak az történelmi folyamat fogyasztás. Nem merülhet ki csupán az „eldobható használat” közvetlen érzékelésében.

A művészi kép észlelésében rejlő szubjektum-objektum kapcsolatoknak van egy harmadik sajátossága is. Lényege a következőkben rejlik: ha az anyagi termelés termékeinek fogyasztása során a termelés folyamatainak érzékelése semmiképpen sem szükséges, és nem határozza meg a fogyasztás aktusát, akkor a művészetben a művészi képek létrehozásának folyamata tűnik. hogy „életre keljenek” fogyasztásuk folyamatában. Ez a legnyilvánvalóbb a művészi kreativitás azon típusaiban, amelyek a teljesítményhez kapcsolódnak. Zenéről, színházról beszélünk, vagyis azokról a művészeti ágakról, amelyekben a politika bizonyos mértékig az alkotói aktus tanúja. Sőt, be különböző formák ez minden művészettípusban jelen van, egyeseknél jobban, másoknál kevésbé nyilvánvaló, és abban fejeződik ki, hogy egy műalkotás mit és hogyan fog fel. Ezen az egységen keresztül a közönség nemcsak az előadó képességeit érzékeli, hanem a művészi és figuratív hatás közvetlen erejét is értelmes jelentésében.

A művészi kép egy konkrét, érzékszervi formában feltáruló általánosítás, amely számos jelenséghez elengedhetetlen. Az univerzális (tipikus) és az egyéni (individuális) dialektikája a gondolkodásban megfelel dialektikus áthatolásuk a valóságban. A művészetben ez az egység nem egyetemességében, hanem egyéniségében fejeződik ki: az általános az egyénben és az egyénen keresztül nyilvánul meg. A költői ábrázolás figuratív, és nem egy elvont lényeget, nem véletlenszerű létezést tár fel, hanem olyan jelenséget, amelyben a szubsztanciális megjelenése, egyénisége révén ismerhető meg. Tolsztoj Anna Karenina című regényének egyik jelenetében Karenin el akar válni feleségétől, és ügyvédhez megy. Egy bizalmas beszélgetés zajlik egy hangulatos, szőnyegekkel borított irodában. Hirtelen egy lepke repül át a szobán. És bár Karenin története életének drámai körülményeiről szól, az ügyvéd már nem hallgat semmire, fontos, hogy elkapja a szőnyegét fenyegető lepkét. Egy apró részletnek nagy jelentősége van: az emberek többnyire közömbösek egymás iránt, és a dolgoknak van értelme számukra. kitűnő érték mint a személyiség és annak sorsa.

A klasszicizmus művészetét az általánosítás jellemzi - a művészi általánosítás a hős sajátos jellemzőjének kiemelésével és abszolutizálásával. A romantikát az idealizálás jellemzi - általánosítás az ideálok közvetlen megtestesülésén keresztül, rákényszerítve azokat a valós anyagra. A realista művészet jellemzője a tipizálás – a művészi általánosítás az individualizáláson keresztül a lényeges személyiségjegyek kiválasztásával. BAN BEN realista művészet Minden ábrázolt személy egy típus, de egyben teljesen határozott személyiség - „ismerős idegen”.

A marxizmus különös jelentőséget tulajdonít a tipizálás fogalmának. Ezt a problémát először K. Marx és F. Engels vetette fel F. Lassalle-lel folytatott levelezésében „Franz von Sickingen” című drámájáról.

A 20. században eltűnnek a művészetről és a művészi arculatról alkotott régi elképzelések, és megváltozik a „tipizálás” fogalmának tartalma is.

A művészi és a figuratív tudat e megnyilvánulásának két, egymással összefüggő megközelítése létezik.

Először is, a lehető legközelebb a valósághoz. Hangsúlyozni kell, hogy a dokumentarizmus, mint az élet részletes, valósághű, megbízható tükrözésére való vágy, nemcsak a 20. század művészeti kultúrájának vezető irányzatává vált. Modern művészet tökéletesítette ezt a jelenséget, töltötte meg korábban ismeretlen szellemi és erkölcsi tartalommal, nagymértékben meghatározva a korszak művészi és figurális hangulatát. Meg kell jegyezni, hogy az ilyen típusú figuratív konvenciók iránti érdeklődés ma is fennáll. Ez az újságírás, a non-fiction mozi, a művészi fotográfia elképesztő sikereinek köszönhető, valamint a különböző történelmi események résztvevőinek leveleinek, naplóinak és emlékiratainak közzététele.

Másodszor, a konvenció maximális erősítése, és a valósággal való nagyon kézzelfogható kapcsolat jelenlétében. A művészi kép e konvenciórendszere magában foglalja az alkotási folyamat integratív szempontjainak előtérbe helyezését, nevezetesen: kiválasztás, összehasonlítás, elemzés, amelyek szerves összefüggésben jelennek meg a jelenség egyéni jellemzőivel. A tipizálás általában a valóság minimális esztétikai deformációját feltételezi, ezért a művészettörténetben ez az elv az életszerű, a világot „magában az élet formáiban” teremtő elnevezést kapta.

Egy ősi indiai példabeszéd a vak emberekről mesél, akik meg akarták tudni, milyen egy elefánt, és elkezdték érezni. Egyikük megragadta az elefánt lábát, és azt mondta: "Az elefánt olyan, mint egy oszlop"; egy másik megtapogatta az óriás hasát, és úgy döntött, hogy az elefánt egy kancsó; a harmadik megérintette a farkát, és rájött: „Az elefánt a hajó kötéle”; a negyedik felkapta a törzsét, és kijelentette, hogy az elefánt egy kígyó. Kísérleteik, hogy megértsék, mi az elefánt, nem jártak sikerrel, mert nem a jelenség egészét és lényegét értették, hanem annak alkotórészeit és véletlenszerű tulajdonságait. Az a művész, aki a valóság véletlenszerű vonásait tipikus típussá emeli, úgy viselkedik, mint egy vak, aki az elefántot csak azért téveszti össze kötéllel, mert nem tudott mást megragadni, csak a farkát. Az igazi művész megragadja azt, ami a jelenségekben jellemző és lényeges. A művészet anélkül képes, hogy elszakadna a jelenségek konkrét érzékszervi természetétől, tág általánosításokat, világfogalmat alkot.

A tipizálás a világ művészi felfedezésének egyik fő törvénye. A művészet nagyrészt a valóság művészi általánosításának, az életjelenségekre jellemző és lényeges azonosításának köszönhetően a világ megértésének és átalakításának erőteljes eszközévé válik. Shakespeare művészi képe

A művészi kép a racionális és az érzelmi egysége. Az érzelmesség a művészi kép történelmileg korai alapelve. Az ókori indiánok azt hitték, hogy a művészet akkor születik, amikor az ember nem tudja visszatartani elsöprő érzéseit. A Ramayana megalkotójáról szóló legenda elmeséli, hogyan sétált a bölcs Valmiki egy erdei ösvényen. A fűben látott két gázlót, akik gyengéden kiáltoznak egymásnak. Hirtelen megjelent egy vadász, és egy nyíllal átszúrta az egyik madarat. A haragtól, bánattól és együttérzéstől elöntött Valmiki megátkozta a vadászt, és a szívéből kiszabadult érzelmektől hemzsegő szavak spontán módon költői strófává formálódtak ezentúl a kanonikus „sloka”-mérővel. Ezzel a verssel Brahma isten ezt követően megparancsolta Valmikinek, hogy énekelje el Ráma hőstetteit. Ez a legenda a költészet eredetét az érzelmekben gazdag, izgatott, gazdag intonációjú beszédből magyarázza.

Egy maradandó mű létrehozásához nemcsak a valóság széles köre fontos, hanem egy olyan mentális és érzelmi hőmérséklet is, amely elegendő a létezés benyomásainak felolvasztásához. Egy nap, miközben a condottiere figuráját ezüstbe öntötte, az olasz szobrász, Benvenuto Cellini váratlan akadályba ütközött: amikor a fémet a formába öntötték, kiderült, hogy nincs elég fém. A művész polgártársaihoz fordult, ők ezüst kanalakat, villákat, késeket, tálcákat vittek a műhelyébe. Cellini elkezdte ezeket az edényeket az olvadt fémbe dobni. A munka végeztével egy gyönyörű szobor jelent meg a nézők szeme előtt, de a lovas füléből egy villa nyele, a ló farából pedig egy kanáldarab állt ki. Amíg a városiak edényeket hordtak, a formába öntött fém hőmérséklete leesett... Ha a mentális-érzelmi hőmérséklet nem elég az olvasztáshoz létfontosságú anyag egységes egésszé (művészi valóságba), akkor a műből „villák” állnak ki, amelyekbe a művészetet észlelő belebotlik.

A világképben a fő dolog az ember világhoz való hozzáállása, ezért egyértelmű, hogy ez nem csupán nézet- és eszmerendszer, hanem a társadalom állapota (osztály, társadalmi csoport, nemzet). A világkép, mint az ember világról alkotott társadalmi tükröződésének speciális horizontja, a társadalmi tudathoz kapcsolódik, mint a társadalmi az általánoshoz.

Kreatív tevékenység Minden művész függ a világnézetétől, vagyis a valóság különböző jelenségeihez, így a különböző társadalmi csoportok közötti kapcsolatok területéhez való, konceptuálisan megfogalmazott attitűdjétől. De ez csak a tudatosság alkotói folyamatban való részvételének mértékével arányosan fordul elő. Ugyanakkor itt jelentős szerep jut a művész pszichéjének tudattalan területéhez. A tudattalan intuitív folyamatok természetesen jelentős szerepet játszanak a művész művészi és figuratív tudatában. Ezt az összefüggést G. Schelling hangsúlyozta: „A művészet... a tudatos és tudattalan tevékenység azonosságán alapul.”

A művész világképe mint közvetítő kapocs önmaga és egy társadalmi csoport társadalmi tudata között ideológiai elemet tartalmaz. Magán az egyéni tudaton belül pedig a világképet mintegy felemelkedik bizonyos érzelmi és pszichológiai szintek: attitűd, világkép, világkép. A világkép nagyobb mértékben ideológiai jelenség, míg a világkép szociálpszichológiai jellegű, amely egyetemes és specifikus történeti vonatkozásokat egyaránt tartalmaz. A hozzáállás beletartozik a területbe hétköznapi tudatés magában foglalja egy személy (beleértve a művészt) lelkiállapotát, tetszését és nemtetszését, érdeklődését és ideáljait. Különleges szerepet játszik abban kreativ munka, hiszen csak abban valósítja meg a szerző világképét, rávetítve azt műveinek művészi és figurális anyagára.

Egyes művészeti ágak jellege meghatározza, hogy némelyikben a szerzőnek csak a világról alkotott felfogása révén sikerül megragadnia világképét, míg másoknál a világkép közvetlenül behatol az általuk létrehozott művészi alkotások szövetébe. A zenei kreativitás tehát csak közvetve, az általa alkotott zenei képzetrendszeren keresztül képes kifejezni a termelő tevékenység alanya világképét. Az irodalomban a szerző-művésznek lehetősége van a szó segítségével, amelyet természeténél fogva általánosító képességgel ruház fel, hogy közvetlenebb módon fejezze ki elképzeléseit és nézeteit a valóság ábrázolt jelenségeinek különböző aspektusairól.

A múlt sok művészét világnézete és tehetségének természete közötti ellentmondás jellemezte. Tehát M.F. Dosztojevszkij nézetei szerint liberális monarchista volt, aki szintén egyértelműen arra törekedett, hogy kortárs társadalmának minden baját feloldja a vallás és a művészet segítségével végzett spirituális gyógyítása révén. De ugyanakkor az íróról kiderült, hogy a legritkább reális művészi tehetség tulajdonosa. Ez pedig lehetővé tette számára, hogy felülmúlhatatlan példákat alkosson korának legdrámaibb ellentmondásairól a legigazabb képekről.

Ám az átmeneti korszakokban a legtehetségesebb művészek többségének maga a világnézete is belső ellentmondásosnak bizonyul. Például L.N. társadalmi-politikai nézetei. Tolsztoj bonyolultan egyesítette az utópisztikus szocializmus eszméit, amelyek magukban foglalták a polgári társadalom kritikáját és a teológiai küldetéseket és jelszavakat. Ezen túlmenően számos jelentős művész világképe országa társadalmi-politikai helyzetében bekövetkezett változások hatására esetenként nagyon összetett fejlődésen megy keresztül. Így Dosztojevszkij spirituális evolúciójának útja nagyon nehéz és összetett volt: a 40-es évek utópisztikus szocializmusától a 19. század 60-80-as éveinek liberális monarchizmusáig.

A művész világképének belső inkonzisztenciájának okai az alkotóelemek heterogenitásában, viszonylagos autonómiájában és az alkotási folyamatban betöltött jelentőségükben rejlenek. Ha egy természettudós számára tevékenysége sajátosságai miatt világnézetének természetrajzi összetevői meghatározóak, akkor a művész számára a esztétikai nézetekés a hiedelmek. Ráadásul a művész tehetsége közvetlenül kapcsolódik meggyőződéséhez, vagyis az „intellektuális érzelmekhez”, amelyek a tartós művészi képek létrehozásának motívumaivá váltak.

A modern művészi és figuratív tudatnak antidogmatikusnak kell lennie, vagyis egyetlen elv, szemlélet, megfogalmazás, értékelés minden abszolutizálásának határozott elutasítása jellemezhető. A leghitelesebb véleményeket és kijelentéseket sem szabad isteníteni, a végső igazsággá válni, művészi mércékké és sztereotípiákká válni. A dogmatikai megközelítésnek a művészi kreativitás „kategorikus imperatívuszához” való emelése elkerülhetetlenül abszolutizálja az osztálykonfrontációt, amely egy sajátos történelmi kontextusban végső soron az erőszak igazolását eredményezi, és nem csak az elméletben, hanem a művészeti gyakorlatban is eltúlozza annak szemantikai szerepét. Az alkotási folyamat dogmatizálása akkor is megnyilvánul, amikor bizonyos technikák és attitűdök az egyetlen lehetséges művészi igazság jellegét nyerik el.

A modern orosz esztétikának is meg kell szabadulnia a rá hosszú évtizedek óta oly jellemző epigonizmustól. Mindenkinek és mindenkinek meg kell szabadulnia attól a módszertől, hogy a művészi és figurális sajátosságok kérdéseiben végtelenül klasszikusokat idézzen, mások kritikátlan észlelésétől, még a legcsábítóbb nézőpontok, ítéletek és következtetések is, és törekedjenek a sajátja kifejezésére, személyes nézetek és meggyőződések modern kutató, ha igazi tudós akar lenni, és nem funkcionárius egy tudományos osztályon, nem hivatalnok valakinek vagy valaminek a szolgálatában. A műalkotások létrehozásában az epigonizmus bármely művészeti iskola vagy irány elveinek, módszereinek mechanikus ragaszkodásában nyilvánul meg, a megváltozott történelmi helyzet figyelembevétele nélkül. Eközben az epigonizmusnak semmi köze a klasszikus zene igazán kreatív elsajátításához művészeti örökségés hagyományok.

Így fogalmazódott meg a világesztétikai gondolat különféle árnyalatok a "művészi kép" fogalma. BAN BEN tudományos irodalom Ennek a jelenségnek olyan jellegzetességei találhatók, mint „a művészet titka”, „a művészet sejtje”, „a művészet egysége”, „képalkotás” stb. Mindazonáltal, függetlenül attól, hogy milyen jelzőkkel ítélik meg ezt a kategóriát, emlékezni kell arra, hogy a művészi kép a művészet lényege, egy értelmes forma, amely minden típusában és műfajában benne van.

A művészi kép az objektív és a szubjektív egysége. A kép magában foglalja a valóság anyagát, amelyet a művész alkotó képzelete dolgoz fel, az ábrázolthoz való viszonyát, valamint a személyiség és az alkotó minden gazdagságát.

A műalkotás létrehozásának folyamatában a művész mint egyén a művészi kreativitás alanyaként lép fel. Ha művészi-figuratív felfogásról beszélünk, akkor az alkotó által alkotott művészi kép tárgyként hat, és ennek a kapcsolatnak a néző, hallgató, olvasó a tárgya.

A művész képekben gondolkodik, amelyek természete konkrét és érzéki. Ez összekapcsolja a művészet képeit magával az élet formáival, bár ez a kapcsolat nem értelmezhető szó szerint. Olyan formák, mint pl művészi szó, zenei hangzás vagy építészeti együttes, magában az életben nem létezik és nem is létezhet.

A művészi kép fontos szerkezetformáló összetevője a kreativitás alanyának világképe és a művészi gyakorlatban betöltött szerepe. A világkép egy nézetrendszer az objektív világról és az embernek abban elfoglalt helyéről, az embernek az őt körülvevő valósághoz és önmagához való viszonyulásáról, valamint az emberek alapvető élethelyzeteiről, hiedelmeiről, eszméiről, megismerési és tevékenységi elveiről, ill. ezek a nézetek által meghatározott értékorientációk. Ugyanakkor leggyakrabban úgy gondolják, hogy a társadalom különböző rétegeinek világképe az ideológia terjedésének eredményeként alakul ki, az egyik vagy másik társadalmi réteg képviselőinek tudásának hiedelmekké alakítása során. A világnézetet az ideológia, a vallás, a tudomány és a szociálpszichológia kölcsönhatásának eredményének kell tekinteni.

A modern művészi és figuratív tudat nagyon jelentős és fontos jellemzője a dialogizmus, vagyis a folyamatos párbeszédre való összpontosítás, amely konstruktív polémia, kreatív vita bármely képviselővel. művészeti iskolák, hagyományok, módszerek. A párbeszéd konstruktivitása a vitázó felek folyamatos lelki kölcsönös gazdagításából kell, hogy álljon, és legyen kreatív, valóban párbeszédes jellegű. A művészet létét a művész és a befogadó (néző, hallgató, olvasó) örök párbeszéde határozza meg. Az őket kötelező szerződés felbonthatatlan. Van egy újonnan született művészi kép új kiadás, a párbeszéd új formája. A művész teljes mértékben törleszti adósságát a címzett felé, ha valami újat ad neki. A művésznek ma minden eddiginél nagyobb lehetősége van újat és új módon mondani.

A művészi és fantáziadús gondolkodás fejlesztésének valamennyi felsorolt ​​iránya el kell, hogy vezessen a pluralizmus elvének a művészetben való megerősítéséhez, vagyis a többszörös és sokféle, köztük az egymásnak ellentmondó nézőpontok és álláspontok együttélése és komplementaritása elvének megerősítéséhez. , nézetek és hiedelmek, irányok és iskolák, mozgalmak és tanítások .

2. A művészi képek jellemzői W. Shakespeare műveinek példáján

2.1 William Shakespeare művészi képeinek jellemzői

William Shakespeare műveit irodalomórákon tanulják a középiskola 8. és 9. osztályában. A 8. osztályban a diákok a „Rómeó és Júlia”, a 9. osztályban a „Hamlet” és Shakespeare szonettjeit tanulják.

Shakespeare tragédiái a középkor és a modern idők, a feudális múlt és a feltörekvő burzsoá világ közötti „romantikus művészeti forma konfliktusainak klasszikus megoldásának” példái. Shakespeare szereplői „belsőleg következetesek, hűek önmagukhoz és szenvedélyeikhez, és mindenben, ami velük történik, szilárd elhatározásuk szerint viselkednek”.

Shakespeare hősei „önálló egyének”, akik olyan célt tűznek ki maguk elé, amelyet csak „saját egyéniségük szab meg”, és ezt „a szenvedély megingathatatlan következetességével, mellékreflexiók nélkül valósítják meg”. Minden tragédia középpontjában ez a fajta karakter áll, körülötte pedig kevésbé előkelő és energikusak.

A modern darabokban egy lágyszívű karakter gyorsan kétségbeesésbe esik, de a dráma még veszélyben sem viszi halálba, amivel a közönség nagyon elégedett. Amikor az erény és a bűn szembekerül egymással a színpadon, a lánynak győznie kell, és a férfit meg kell büntetni. Shakespeare-ben a hős „pontosan az önmagához és céljaihoz való határozott hűség következtében hal meg”, amit „tragikus végkifejletnek” neveznek.

Shakespeare nyelvezete metaforikus, hőse a „bánat” vagy „gonosz szenvedély”, sőt a „nevetséges közönség” fölött áll. Bármilyenek is legyenek Shakespeare karakterei, ők „a képzelet szabad ereje és a zseni szelleme… gondolkodásuk felülmúlja őket, mint amilyenek a stációjuk és a határozott céljaik”. De a „belső tapasztalat analógját” keresve ez a hős „nem mindig mentes a túlzásoktól, időnként ügyetlen”.

Shakespeare humora is figyelemre méltó. Bár komikus képei „elmerülnek vulgaritásukban”, és „nincs bennük lapos poénok hiánya”, ugyanakkor „intelligenciát mutatnak”. A „zsenialitásuk” „nagy emberré” teheti őket.

A shakespeare-i humanizmus lényeges pontja az ember megértése a mozgásban, a fejlődésben, a formációban. Ez határozza meg a hős művészi jellemzésének módszerét is. Ez utóbbi Shakespeare-nél mindig nem dermedt, mozdulatlan állapotban, nem egy pillanatfelvétel szobrában, hanem mozgásban, az egyén történetében jelenik meg. Mély dinamizmus különbözteti meg Shakespeare ideológiai és művészi emberfogalmát és a művészi emberábrázolás módszerét. Általában egy angol drámaíró hőse más és más a drámai cselekmény különböző fázisaiban, különböző felvonásokban és jelenetekben.

Shakespeare embere képességeinek teljességében, történelmének, sorsának teljes kreatív perspektívájában mutatkozik meg. Shakespeare-ben nem csak az a fontos, hogy megmutassa az embert a belső alkotó mozgásában, hanem a mozgás irányát is. Ez az irány a legmagasabb és legteljesebb feltárása minden emberi potenciálnak, minden belső erejének. Ez az irány - számos esetben az ember újjászületése, belső lelki növekedése, egy hős létének valamely magasabb szintjére való felemelkedése (Henry herceg, Lear király, Prospero stb.). (Shakespeare „Lear királyát” a 9. osztályos tanulók tanulmányozzák tanórán kívüli tevékenységek).

„Nincs senkit hibáztatható a világon” – hirdeti Lear király élete viharos megrázkódtatásai után. Shakespeare-ben ez a kifejezés a társadalmi igazságtalanság mély tudatát jelenti, az egész társadalmi rendszer felelősségét szegény Tomok számtalan szenvedéséért. Shakespeare-nél ez a társadalmi felelősségtudat a hős élményeivel összefüggésben széles perspektívát nyit meg kreatív növekedés személyiség, végső erkölcsi újjászületése. Számára ez a gondolat platformként szolgál a megerősítéshez legjobb tulajdonságait hősének, hogy megerősítse hősiesen személyes lényegiségét. Shakespeare személyiségének minden gazdag, sokszínű változása és átalakulása mellett ennek a személyiségnek a hősi magja megingathatatlan. Shakespeare személyiségének és sorsának tragikus dialektikája pozitív gondolatának világosságához és világosságához vezet. Shakespeare „Lear királyában” a világ összeomlik, de maga az ember él és változik, vele együtt az egész világ. A fejlődés, a minőségi változás Shakespeare-nél teljes és sokrétű.

Shakespeare-nek van egy 154 szonettből álló ciklusa, amelyet (a szerző tudta vagy beleegyezése nélkül) adtak ki 1609-ben, de nyilvánvalóan az 1590-es években íródott, és a reneszánsz nyugat-európai lírájának egyik legragyogóbb példája volt. Az angol költők körében népszerűvé vált forma Shakespeare tolla alatt új arculatokkal szikrázott, érzelmek és gondolatok széles skáláját tartalmazza – a meghitt élményektől a mély filozófiai gondolatokig és általánosításokig.

A kutatók régóta felhívják a figyelmet a szonettek és Shakespeare dramaturgiája közötti szoros kapcsolatra. Ez a kapcsolat nemcsak a lírai elem és a tragikum szerves összeolvadásában nyilvánul meg, hanem abban is, hogy a Shakespeare tragédiáit inspiráló szenvedély-ideák szonettjeiben is élnek. Akárcsak tragédiáiban, Shakespeare is érinti szonettjeiben azokat az alapvető létproblémákat, amelyek évszázadok óta nyugtalanítják az emberiséget; beszél a boldogságról és az élet értelméről, az idő és az örökkévalóság kapcsolatáról, az emberi szépség gyarlóságáról és annak gyarlóságáról. nagyság, a művészetről, amely képes legyőzni az idő kérlelhetetlen múlását. , a költő magas küldetéséről.

A szonettek egyik központi eleme, a szerelem örök, kimeríthetetlen témája szorosan összefonódik a barátság témájával. A szerelemben és a barátságban a költő igazi forrásra lel kreatív inspiráció függetlenül attól, hogy örömet és boldogságot, vagy a féltékenység, a szomorúság és a lelki gyötrelem kínjait okozzák-e neki.

A reneszánsz irodalomban a barátság, különösen a férfibarátság témája foglalkoztat fontos hely: Őt az emberiség legmagasabb megnyilvánulásának tekintik. Az ilyen barátságban az értelem diktátuma harmonikusan egyesül a lelki hajlamokkal, mentes az érzéki elvtől.

Shakespeare képe a Szeretettről hangsúlyozottan nem szokványos. Ha Petrarch és angol követői szonettjei általában egy aranyhajú, angyali szépséget dicsőítettek, büszkén és elérhetetlenül, akkor Shakespeare éppen ellenkezőleg, féltékeny szemrehányást tesz egy sötét barnának - következetlen, csak a szenvedély hangjának engedelmeskedik.

A bánat vezérmotívuma minden földi gyarlóságáról, az egész cikluson áthaladva, a világ tökéletlenségéről, amelyet a költő egyértelműen felismert, nem sérti világnézetének harmóniáját. A túlvilági boldogság illúziója idegen tőle – az emberi halhatatlanságot látja a dicsőségben és az utódokban, azt tanácsolja barátjának, hogy lássa gyermekeiben újjáéledő fiatalságát.

Következtetés

Tehát a művészi kép a valóság általánosított művészi tükröződése, egy konkrét egyéni jelenség formájába öltözve. A művészi képet a következők jellemzik: hozzáférhetőség a közvetlen észleléshez és az emberi érzésekre gyakorolt ​​közvetlen hatás.

Minden művészi kép nem teljesen konkrét, egyértelműen rögzített megalapozó mozzanatokat ruháznak fel benne a hiányos határozottság, félmegnyilvánulás elemével. Ez a művészi kép bizonyos „elégtelensége” az élet valóságához képest (a művészet valósággá törekszik, de saját határai áttörik), de egyben olyan előny is, amely biztosítja a kétértelműségét a kiegészítő elemek halmazában. értelmezések, amelyeknek csak a művész által biztosított hangsúlyozás szab határt.

A művészi kép belső formája személyes, kitörölhetetlen nyomát viseli a szerző eszmei szellemének, elszigetelő és megvalósító kezdeményezésének, amelynek köszönhetően a kép felbecsült emberi valóságként jelenik meg, kulturális érték egyéb értékek mellett történelmileg relatív irányzatok és eszmék kifejezője. De mint az anyag látható újraélesztésének elvén kialakult „organizmus”, művészi oldalról a művészi kép az esztétikailag harmonizáló léttörvények végső cselekvésének színtere, ahol nincs „rossz végtelenség” és indokolatlan vég. , ahol a tér látható és az idő visszafordítható, ahol a véletlen nem, abszurd, de a szükség nem megterhelő, ahol a világosság győz a tehetetlenség felett. S ebben a természetben a művészi érték nemcsak a relatív szociokulturális értékek világához tartozik, hanem az örök jelentés fényében ismert életértékek világához is, emberi Univerzumunk ideális életlehetőségeinek világához. Ezért egy művészi feltevést – a tudományos hipotézissel ellentétben – nem lehet szükségtelenként elvetni és mással helyettesíteni, még akkor sem, ha alkotójának történelmi korlátai nyilvánvalónak tűnnek.

A művészi feltételezés szuggesztív erejét tekintve mind a kreativitás, mind a művészet észlelése mindig kognitív és etikai kockázattal jár, és a műalkotás értékelésekor ugyanilyen fontos: alárendelni magát a szerzői szándéknak, az esztétikai tárgy újrateremtésére. szerves épségében és önigazolásában, és anélkül, hogy teljesen alávetné magát ennek a gondolatnak, megőrizze saját nézőpontjának szabadságát, amelyet a valós élet és a spirituális tapasztalat biztosítja.

Shakespeare egyes műveinek tanulmányozásakor a tanárnak fel kell hívnia a tanulók figyelmét az általa létrehozott képekre, idézeteket kell adnia a szövegekből, és következtetéseket kell levonnia az ilyen irodalomnak az olvasók érzéseire és cselekedeteire gyakorolt ​​​​hatására vonatkozóan.

Befejezésül még egyszer szeretnénk hangsúlyozni, hogy Shakespeare művészi képei igen örök értékés mindig aktuális lesz, időtől és helytől függetlenül, mert műveiben örök kérdéseket tesz fel, amelyek mindig is aggasztották és aggasztották az egész emberiséget: hogyan lehet harcolni a gonosz ellen, milyen eszközökkel és lehetséges-e legyőzni? Megéri-e egyáltalán élni, ha az élet tele van gonoszsággal, és lehetetlen legyőzni? Mi az igaz az életben és mi a hazugság? Hogyan lehet megkülönböztetni az igaz érzéseket a hamisaktól? Lehet a szerelem örökkévaló? Mi az emberi élet általános értelme?

Kutatásunk igazolja a választott téma relevanciáját, gyakorlati irányultságú és a pedagógiai szakos hallgatók számára is ajánlható oktatási intézmények az „Irodalomtanítás az iskolában” tantárgy keretében.

Bibliográfia

1. Hegel. Előadások az esztétikáról. - Művek, XIII. 392. o.

Monrose L.A. A reneszánsz tanulmányozása: poétika és kultúrapolitika // Új Irodalmi Szemle. - 42. sz. - 2000.

Rank O. A művészi kreativitás esztétikája és pszichológiája // Más partok. - 7. sz. - 2004. 25. o.

Hegel. Előadások az esztétikáról. - Művek, XIII. 393. o.

Kaganovich S. Új megközelítések a iskolai elemzés költői szöveg // Irodalomtanítás. - 2003. március. 11. o.

Kirilova A.V. Kulturológia. Módszertani kézikönyv a "Szociokulturális szolgáltatás és turizmus" szakos hallgatóknak levelezési űrlap kiképzés. - Novoszibirszk: NSTU, 2010. - 40 p.

Zharkov A.D. A kulturális és szabadidős tevékenységek elmélete és technológiája: Tankönyv / A.D. Zsarkov. - M.: MGUKI Kiadó, 2007. - 480 p.

Tikhonovskaya G.S. Forgatókönyvírói és rendezői technológiák kulturális és szabadidős programok készítéséhez: Monográfia. -M.: Kiadó MGUKI, 2010. - 352 p.

Kutuzov A.V. Kulturológia: tankönyv. juttatás. 1. rész / A.V. Kutuzov; GOU VPO RPA, Oroszország Igazságügyi Minisztériumának északnyugati (Szentpétervári) ága. - M.; St. Petersburg: GOU VPO RPA, Oroszország Igazságügyi Minisztériuma, 2008. - 56 p.

Az orosz nyelv stilisztikája. Kozhina M.N., Duskaeva L.R., Salimovsky V.A. (2008, 464 o.)

Beljajeva N. Shakespeare. „Hamlet”: hős- és műfaji problémák // Irodalomtanítás. - 2002. március. 14. o.

Ivanova S. Shakespeare „Hamlet” tragédiájának tanulmányozásának tevékenységi megközelítéséről // I'm I'm to a I'm I'm to a I'm I'm to a I'm I'm to a I'm I'm to a I'm I'm to a I'm I'm to a I'm I'm to a I'm I'm to a I'm I'm to a Irodalomlecke. - 2001. augusztus. 10. o.

Kireev R. Shakespeare körül // Irodalomtanítás. - 2002. március 7. o.

Kuzmina N. „Szeretlek, a szonett teljessége!...” // Irodalomórára megyek. - 2001. november. 19. o.

Shakespeare Enciklopédia / Szerk. S. Wells. - M.: Raduga, 2002. - 528 p.

Korrepetálás

Segítségre van szüksége egy téma tanulmányozásához?

Szakértőink tanácsot adnak vagy oktatói szolgáltatásokat nyújtanak az Önt érdeklő témákban.
Nyújtsa be jelentkezését a téma megjelölésével, hogy tájékozódjon a konzultáció lehetőségéről.

CÉLOK:

• képet adjon a műalkotás lényegéről és szerkezetéről;
• fejleszteni kell a műalkotások elemzési készségeit;
• fejlessze a művészi képalkotás különböző módjai közötti különbségtétel képességét, valamint azok magyarázatának és igazolásának képességét.

TERV:

1) A műalkotás jellemzői.

2) A művészi kép fogalma és sajátossága.

3) A művészi általánosítás alaptípusai.

1.A műalkotás jellemzői

A műalkotás jellemzőinek kérdése az, hogy mit hoznak létre és érzékelnek a művészetben.

A műalkotás összetett képződmény, jellemzői tartalmilag és fenomenológiailag is különböző jelenségekhez kapcsolódnak. Ezért egy műalkotás elemzése nagy nehézséget jelent, ezeket a szinteket és dialektikájukat fenn kell tartani.

Az esztétika módszertant ad egy műalkotás elemzésére és észlelésére.

A műalkotás háromszintű rendszernek tekinthető. A munka sajátossága e szintek megléte és kölcsönhatásaként tárulhat fel. Természetesen a műalkotás mindenekelőtt műalkotás, termék emberi tevékenység, és erről még nincs semmi konkrét. De van egy művészi műtárgynak két fontos jellemzője: egy műtárgy, ami egy különleges dolog, és egy szöveg – egy tárgy. A második egy műtárgy – egy szöveg, amely bizonyos információkat megtestesít és közvetít; ez egy tudatosan megfogalmazott üzenet, amelyet egy személy annak a személynek szánt, aki érzékelni fogja. A műalkotás tehát bizonyos információk modellezése és továbbítása. A művész szöveget hoz létre, és tudja, hogy a szöveget önmagától üzenetként hozza létre másoknak. Az irodalmi információ olyan szöveg, amelyet az embernek el kell tudni olvasni. A művészet az egyik ember és a másik közötti érintkezés formája . Az irodalmi szövegek másik fontos jellemzője az esztétikai minőség. Maga a szöveg esztétikai rendszerezése az alkotó azon igényén alapul, hogy valami tökéleteset hozzon létre, és ez az esztétikai minőség az észlelő számára jön létre. És bár a modern művészet befogadója akkor válik a gyakorlati tevékenység alanyává, ha részt vesz például egy happeningben, a tevékenység itt is kontemplatív, társkreatív, nem pedig gyakorlati eredmény elérését célozza. A modern művészet művészi szövegei egyre titkosítottabbá válnak, és ennek ellenére ez a szöveg természeténél fogva továbbra is a nyilvánossághoz intézett üzenet marad.

Mit közvetít a szöveg a művészi tevékenység termékeként?

Itt is két szint van. Azonnal térjünk át az információ szintjére a tiszta formájában a műalkotás tartalmára. A modern művészetben az információ már nem objektív-kognitív jellegű, a művészet már nem közvetít a valóságról szóló tudást. A huszadik században az esztétika arra a következtetésre jutott, amit a művészet hoz értékes információ, információk a világ jelentőségéről az ember számára és az embernek a világhoz való viszonyáról. De az értékinformációnak is vannak bizonyos sajátosságai a művészetben. Ha ez az információ testi motiváló jellegű (a póznán a felirat: ne avatkozz be – megöl), ez nem elég. A művészet modellezi és közvetíti szellemi és érték információ, információ, amely az emberi szellem életét hordozza.

Az információ második jellemzője, hogy a művészet egyediséget nyújt spirituális-érték információszintézis. Az általunk művészinek nevezett információ különböző típusú információk fúziója: esztétikai jellegű információ, ideológiai jellegű információ. Ez egy kortárs művészeti alkotás, amely iránymutatót hordoz a világnézeti értelmezés felé. A kortárs művészet gyakran az emberi tudat bizonyos állapotait, szándékait modellezi, de a művészet holisztikus tudattípust modellez, ez a sajátos feladata.

A művészet tehát a szövegek segítségével egy különleges valóságot modellez, egy bizonyos tudatot tesz láthatóvá. De ami a legfontosabb, hogyan jelenik meg az ember előtt, hogyan adatik meg nekünk, és hogyan tárul fel a művészi tevékenységben.

A művészet különleges, önmagában értékes valóságként létezik, amely éppoly feltételes, mint feltétel nélküli. Olyan művészi világot észlelünk, amely nem kívülálló rajtunk, hanem erőteljesen megragad, önmaga részévé tesz, és minél jobban vonzunk, annál határozottabban mondjuk, hogy ez egy művészi világ. Az ember kezdi úgy érezni, hogy különleges életet él, és ez minden műalkotásra vonatkozik. Miért létezik a valóság, mi a művészet lényege?

2. A művészi kép fogalma, sajátossága

A művészet szociokulturális szükségszerűségéből fakad fő vonásai: a művészet és a valóság sajátos viszonya és az ideális fejlődés sajátos módszere, amelyet a művészetben találunk, és amelyet művészi képnek nevezünk. A kultúra más szférái - politika, pedagógia - a művészi arculat felé fordulnak a tartalom „elegáns és feltűnésmentes” kifejezése érdekében.

A művészi kép a művészi tudat struktúrája, a világ, a létezés és a művészetben való kommunikáció művészi feltárásának módja és tere. A művészi kép ideális struktúraként létezik a műalkotással, az anyagi valósággal szemben, amelynek észlelése művészi képet eredményez.

A művészi kép megértésének problémája az, hogy a fogalomkép kezdeti szemantikája megragadja a művészet ismeretelméleti viszonyát a valósághoz, azt a viszonyt, amely a művészetet a való élettel egyfajta hasonlatossággá, prototípussá teszi. A 20. század életszerűséget felhagyó művészete számára figuratív jellege megkérdőjelezhetővé válik.

A huszadik század művészetének és esztétikájának tapasztalatai mégis azt sugallják, hogy a „művészi kép” kategória szükséges, hiszen a művészi kép a művészi tudat fontos aspektusait tükrözi. A művészi kép kategóriájában a legfontosabb sajátos jellemzők művészet, a művészi kép megléte kijelöli a művészet határait.

Ha funkcionálisan közelítjük meg a művészi képet, akkor az a következőképpen jelenik meg: egyrészt a művészetben rejlő ideális művészeti tevékenységet jelző kategória; másodszor, ez a tudat szerkezete, amelynek köszönhetően a művészet két fontos problémát old meg: a világ elsajátítása - ebben az értelemben a művészi kép a világ elsajátításának módja; és a művészi információk közvetítése. Így a művészi kép a művészet teljes területét körvonalazó kategóriává válik.

Egy műalkotásban két réteg különböztethető meg: anyagi-érzéki (művészi szöveg) és érzéki-érzékfeletti (művészi kép). Egy műalkotás az egységük.

Egy műalkotásban a művészi kép egy potenciális, lehetséges, az észleléssel korrelált világban létezik. Az észlelő számára a művészi kép újjá születik. Az észlelés annyiban művészi, amennyire hatással van a művészi képre.

A művészi kép a művészi tudat és a művészi információ sajátos szubsztrátumaként (szubsztanciájaként) működik. A művészi kép a művészi tevékenység sajátos tere és termékei. A hősökkel kapcsolatos tapasztalatok ezen a téren történnek. A művészi kép egy különleges, sajátos valóság, egy műalkotás világa. Szerkezetében összetett, léptéke változatos. Egy művészi kép csak absztrakcióban fogható fel egyén feletti struktúraként, a valóságban egy művészi kép „kötődik” ahhoz a szubjektumhoz, amely létrehozta vagy észleli; ez a művész vagy az észlelő tudatának képe.

A művészi kép a világhoz való egyéni attitűdön keresztül valósul meg, ami a művészi kép változatos sokrétűségéhez vezet, amely az észlelés szintjén létezik. És az előadóművészetben - és az előadás szintjén. Ebben az értelemben indokolt a „Puskinom”, „Az én Chopinom” kifejezések használata stb.. És ha felteszed a kérdést, hol létezik (Chopin fejében, hangjegyekben, előadásban) az igazi Chopin-szonáta? Erre aligha adható egyértelmű válasz. Amikor „változatos multiplicitásról” beszélünk, „invariánst” értünk. Egy kép, ha művészi, rendelkezik bizonyos jellemzőkkel. Közvetlenül adott személynek a művészi kép jellemzője az integritás. A művészi kép nem összegzés, hanem a művész, majd egy ugrásszerűen az észlelő fejében születik meg. Az alkotó tudatában önjáró valóságként él. (M. Tsvetaeva - „A műalkotás születik, nem jön létre”). A művészi kép minden egyes töredéke rendelkezik önmozgás minőségével. Az inspiráció egy személy mentális állapota, amelyben képek születnek. A képek sajátos művészi valóságként jelennek meg.

Ha rátérünk a művészi kép sajátosságaira, akkor felmerül a kérdés: a kép kép? Beszélhetünk-e a művészetben látottak és az objektív világ közötti megfelelésről, mert fő kritérium a képanyag a levelezés.

A régi, dogmatikus képértelmezés a levelezés értelmezéséből indul ki, és bajba kerül. A matematikában a megfeleltetésnek két értelmezése van: 1) izomorf - egy az egyhez, az objektum egy másolat. 2) homomorf - részleges, hiányos megfeleltetés. Milyen valóságot teremt számunkra a művészet? A művészet mindig átalakulás. A kép az értékvalósággal foglalkozik – ez tükröződik a művészetben. Vagyis a művészet prototípusa a szubjektum és tárgy lelki-érték kapcsolata. Nagyon összetett szerkezetűek, rekonstrukciójuk fontos művészeti feladata. Még a legrealisztikusabb művek sem adnak egyszerűen másolatokat, ami nem tagadja a levelezés kategóriáját.

A művészet tárgya nem tárgy, mint „önmagában lévő dolog”, hanem a szubjektum számára jelentős, azaz értékes objektivitással rendelkező tárgy. A témában fontos az attitűd, a belső állapot. Egy tárgy értéke csak a szubjektum állapotához viszonyítva tárható fel. Ezért a művészi kép feladata, hogy megtalálja a módját, hogyan kapcsolja össze a szubjektumot és az objektumot. Egy tárgy értékjelentősége az alany számára a nyilvánvaló jelentése.

A művészi kép a szellemi-érték viszonyok valóságának képe, nem pedig önmagában tárgynak. A kép sajátosságát pedig az a feladat határozza meg, hogy egy másik személy tudatában e különleges valóság megvalósításának módja legyen. A képek minden alkalommal egy-egy művészeti forma nyelvezetét használva bizonyos szellemi-érték összefüggések rekreációi. Ebben az értelemben beszélhetünk a kép sajátosságáról általában és a művészi kép feltételességéről a nyelv által, amellyel létrejön.

A művészettípusokat két nagy osztályra osztják - finom és nem finom, amelyekben a művészi kép különböző módon létezik.

A művészetek első osztályában a művészi nyelvek, az értékviszonyok a tárgyak újraalkotásán keresztül modelleződnek, a szubjektív oldal pedig közvetetten tárul fel. Az ilyen művészi képek azért élnek, mert a művészet olyan nyelvet használ, amely újrateremt egy érzékszervi struktúrát – a vizuális művészetet.

A művészetek második osztálya nyelvük segítségével olyan valóságot modellez, amelyben a szubjektum állapota egységben adatik meg szemantikai, értékreprezentációjával, a nem képzőművészet. Az építészet „fagyott zene” (Hegel).

A művészi kép az axiológiai valóság sajátos ideális modellje. A művészi kép modellezési feladatokat lát el (ami mentesíti a teljes megfelelés kötelezettsége alól). A művészi kép a művészi tudatban rejlő valóságábrázolási mód, egyben szellemi és értékviszonyok modellje. Ezért működik a művészi kép egységként:

Cél - Szubjektív

Tárgy – Érték

Érzéki – Érzékfeletti

Érzelmi – Racionális

Tapasztalatok – Elmélkedések

Tudatos – Eszméletlen

Testi - Spirituális (Idealitásával a kép nemcsak a lelki és mentális, hanem a fizikai és mentális (pszichoszomatikus) is elnyeli, ami megmagyarázza az emberre gyakorolt ​​hatásának hatékonyságát).

A szellemi és a fizikai kombinációja a művészetben a világgal való egyesülés kifejeződésévé válik. Pszichológusok bebizonyították, hogy az észlelés során a művészi képpel való azonosulás történik (az áramlatai áthaladnak rajtunk). A tantrizmus összeolvad a világgal. A szellemi és a testi egysége spiritualizálja, humanizálja a testiséget (egyél mohón és táncolj mohón). Ha éhesnek érezzük magunkat egy csendélet előtt, akkor a művészet nem gyakorolt ​​ránk spirituális hatást.

Milyen módokon tárul fel a szubjektív, az axiológiai (intonáció) és az érzékfeletti? Az általános szabály itt: minden, ami nincs ábrázolva, az ábrázoltakon keresztül tárul fel, a szubjektív - az objektíven, az értékalapú - az objektíven keresztül stb. Mindez az expresszivitásban valósul meg. Miért történik ez? Két lehetőség: először - a művészet az adott értékjelentéshez kapcsolódó valóságot koncentrálja. Ez oda vezet, hogy a művészi kép soha nem adja meg számunkra a tárgy teljes ábrázolását. A. Baumgarten a művészi képet „sűrített univerzumnak” nevezte.

Példa: Petrov-Vodkin „Fiúk játszanak” - nem a természet sajátosságai, az egyéniség érdekli (elmosódik az arc), hanem az egyetemes értékek. Az „eldobott” itt nem számít, mert elvesz a lényegtől.

A második eset a szubtext. Mintha kettős képpel van dolgunk. Ez az alszöveg az, amelyik a legkifejezőbb. A szubtext megmozgatja a képzeletünket, a képzelet pedig a miénket személyes tapasztalat- így kapcsolunk be.

A művészet másik fontos funkciója az átalakulás. Változnak a tér körvonalai, színösszeállítás, arányok emberi testek, időbeli rend (a pillanat megáll). A művészet lehetőséget ad arra, hogy egzisztenciálisan kapcsolódjunk az időhöz (M. Proust „Az elveszett idő nyomában”).

Minden művészi kép az életszerű és a konvencionális egysége. A konvencionálisság a művészi figuratív tudat jellemzője. De minimális életszerűség szükséges, hiszen kommunikációról beszélünk. Különböző típusok a művészetek különböző fokú életszerűséggel és konvencionálissággal rendelkeznek. Az absztrakcionizmus egy új valóság felfedezésére tett kísérlet, de megőrzi a világgal való hasonlóság elemét.

Feltételezés – (érzelmek) feltétel nélkülisége. A tárgyterv feltételességének köszönhetően felmerül az értékterv feltétlensége. A világkép nem függ a tárgytól: Petrov-Vodkin „A vörös ló fürdőzése” (1913) - ezen a képen a művész szerint a polgárháború előérzete fejeződött ki. A világ átalakítása a művészetben a művész világnézetének megtestesülésének módja.

A művészi és figuratív tudat másik univerzális mechanizmusa: a világ átalakulásának sajátossága, amelyet a metafora elvének nevezhetünk (egyik tárgy feltételes hasonlítása a másikhoz; B. Pasternak: „... olyan volt, mint egy lökés egy kard...” – Leninről). A művészet más jelenségeket tár fel valamely valóság tulajdonságaiként. Az adott jelenséghez közel álló tulajdonságok rendszerébe beépül, és egyben ellentéte is, azonnal létrejön egy bizonyos értékszemantikai mező. Majakovszkij - „A város pokla”: a lélek egy kölyökkutya egy kötéldarabbal. A metafora elve az egyik tárgy feltételes hasonlítása a másikhoz, és minél távolabb vannak a tárgyak, annál inkább telítődik a metafora jelentéssel.

Ez az elv nemcsak a közvetlen metaforákban működik, hanem az összehasonlításokban is. Pasternak: a metaforának köszönhetően a művészet óriási problémákat old meg, amelyek meghatározzák a művészet sajátosságát. Az egyik belép a másikba, és telíti a másikat. Egy sajátos művészi nyelvezetnek köszönhetően (Voznyeszenszkijnél: Goja vagyok, majd én vagyok a torok, én vagyok a hang, éhség) minden következő metafora tartalommal tölti meg a másikat: a költő a torok, amelynek segítségével a világ bizonyos állapotai hangzanak el. Ezen kívül a belső rím és a rendszeren keresztül a hangsúly és a összhangzatok alliterációja. A metaforában a legyező elve működik - az olvasó kibontja a legyezőt, amely már összehajtogatott formában tartalmaz mindent. Ez a trópusok teljes rendszerében működik: bizonyos hasonlóságot teremt mind az epitetákban (kifejező melléknév - fa rubel), mind a hiperbolákban (túlzott méret), a szinekdochákban - csonka metaforákban. Eisensteinnek van az orvos pinceje a "Potyomkin csatahajó" című filmben: amikor az orvost kidobják a fedélzetre, az árbocon marad. Egy másik technika az összehasonlítás, amely egy kiterjesztett metafora. Zabolotskytól: „Az egyenes, kopasz férjek úgy ülnek, mint a puskalövés.” Ennek eredményeként a modellezett objektumot expresszív kapcsolatokkal és expresszív kapcsolatokkal növi be.

Fontos figuratív eszköz a ritmus, amely szemantikai szegmenseket tesz egyenlővé, amelyek mindegyike sajátos tartalmat hordoz. A telített tér egyfajta ellaposodása, gyűrődése tapasztalható. Yu. Tynyanov - a verssorozat feszessége. A gazdag kapcsolatrendszer egységes rendszerének kialakítása eredményeként egy bizonyos értékenergia keletkezik, amely a vers akusztikai telítettségében realizálódik, ill. bizonyos jelentése, állapot. Ez az elv egyetemes minden művészeti típussal kapcsolatban; ennek következtében költőileg szervezett valósággal van dolgunk. A metafora elvének plasztikus megtestesülése Picassóban: „A nő egy virág”. A metafora a művészi információ kolosszális koncentrációját hozza létre.

3. A művészi általánosítás főbb típusai

A művészet nem a valóság újramondása, hanem az erő vagy a vágy képe, amelyen keresztül megvalósul az ember figuratív viszonya a világhoz.

Az általánosítás a művészet sajátosságainak megvalósulásává válik: a konkrét általánosabb jelentést kap. A művészi és figuratív általánosítás sajátossága: a művészi kép összekapcsolja a tárgyat és az értéket. A művészet célja nem a formális logikai általánosítás, hanem a jelentéskoncentráció. A művészet értelmet ad az ilyen típusú tárgyaknak , a művészet értelmet ad az élet értéklogikájának. A művészet a sorsról, az életről a maga emberi teljességében mesél. Ugyanígy általánosítanak az emberi reakciók, ezért a művészettel kapcsolatban attitűdről és világnézetről is beszélnek, ez pedig mindig szemléleti modell.

Az általánosítás a történések átalakulása miatt következik be. Az absztrakció egy fogalomban elterelő, az elmélet a fogalmak logikai szerveződésének rendszere. A fogalom a jelenségek nagy csoportjainak reprezentációja. Az általánosítás a tudományban az egyéntől az univerzális felé való elmozdulás, az absztrakciókban való gondolkodás. A művészetnek meg kell őriznie az érték sajátosságát, és általánosítania kell anélkül, hogy ettől a sajátosságtól elvonna, ezért a kép az egyén és az általános szintézise, ​​az individualitás pedig megtartja elkülönülését a többi tárgytól. Ez az objektum kiválasztása, átalakítása miatt következik be. Ha a világművészet egyes szakaszait nézzük, a művészi általánosítás módszereinek kialakult tipológiai jellemzőit találjuk.

A művészeti általánosítás három fő művészettörténeti típusát az általános tartalmi különbsége, az egyéniség eredetisége, valamint az általános és az egyén kapcsolatának logikája jellemzi. Kiemeljük a következő típusokat:

1) Idealizálás. Az idealizációt, mint a művészeti általánosítás egyik fajtáját az ókorban, a középkorban és a klasszicizmus korában találjuk. Az idealizálás lényege egy speciális általánosság. A bizonyos tisztaságra hozott értékek általánosításként működnek. A feladat az ideális eszenciák elkülönítése az érzékszervi megtestesülés előtt. Ez benne van a művészi tudat azon típusaiban, amelyek az eszmény felé orientálódnak. A klasszicizmusban az alacsony és a magas műfaj szigorúan elkülönül. Magas műfajok képviseli például N. Poussin „A flóra királysága” című festménye: az entitások alapvető létezéseként bemutatott mítosz. Az egyén itt nem tölt be önálló szerepet, az egyedi tulajdonságok kiesnek belőle, és megjelenik a legkülönlegesebb harmónia képe. Egy ilyen általánosítással kimaradnak a valóság pillanatnyi, mindennapi jellemzői. A mindennapi környezet helyett egy ideális táj jelenik meg, mintha álomállapotban lenne. Ez az idealizálás logikája, ahol a spirituális lényeg megerősítése a cél.

2) Tipizálás. A realizmusra jellemző művészi általánosítás típusa. A művészet sajátossága e valóság teljességének feltárása. A mozgás logikája itt a sajátostól az általános felé halad, olyan mozgás, amely megtartja magának a konkrétnak a kimenő jelentőségét. Innen a tipizálás sajátosságai: feltárni az általánosságokat az élet törvényeiben. Olyan kép jön létre, amely számára természetes ebből az osztályból jelenségek. Típus - a legtöbb megtestesülése jellegzetes vonásait egy adott jelenségosztályról, ahogyan azok a valóságban léteznek. Innen ered a kapcsolat a tipizálás és a művészi gondolkodás historizmusa között. Balzac a társaság titkárának nevezte magát. Marx többet tanult Balzac regényeiből, mint a politikai közgazdászok írásaiból. Az orosz nemes karakterének tipológiai jellemzője a rendszerből való kiesés, plusz személy. Az általános itt különleges egyént igényel, empirikusan teljes vérű, egyedi tulajdonságokkal rendelkező. Az egyedi, utánozhatatlan sajátosság és az általános kombinációja. Itt az individualizáció a tipizálás másik oldalává válik. Amikor tipizálásról beszélnek, rögtön individualizációról beszélnek. A tipikus képek észlelésekor élni kell az életüket, ekkor merül fel ennek a konkrétnak a belső értéke. Egyedi emberek képei jelennek meg, amelyeket a művész egyénileg ír ki. Így gondolkodik a művészet, tipizálva a valóságot.

A 20. század művészeti gyakorlata mindent összekevert, és a realizmus már régen nem az utolsó lehetőség. A 20. század a művészi általánosítás minden módszerét keverte: megtalálható a naturalista torzítású tipizálás, ahol a művészet szó szerinti tükörré válik. Konkrétumokba esés, ami még sajátos mitológiai valóságot is teremt. Például a hiperrealizmus, amely titokzatos, furcsa és komor valóságot teremt.

De a 20. század művészetében a művészi általánosítás új módja is megjelenik. A. Gulyga rendelkezik ennek a művészi általánosítási módszernek a pontos elnevezése - a tipologizálás. Példa erre E. Neizvestny grafikai munkái. Picassónak van egy portréja G. Steinről - transzfer rejtett jelentése férfi, arcmaszk. Ezt a portrét látva a modell azt mondta: Nem vagyok ilyen; Picasso azonnal válaszolt: Ilyen leszel. És tényleg olyan lett, ahogy öregedett. Nem véletlen, hogy a 20. századi művészetet lenyűgözik az afrikai maszkok. Egy tárgy érzékszervi formájának sematizálása. Picasso "Les Demoiselles d'Avignon".

A tipologizálás lényege: a tipologizálás az elosztás korszakában született tudományos tudás; ez egy művészi általánosítás, amely egy többtudós tudatra irányul. A tipológia idealizálja az általánost, de az idealizálással ellentétben a művész nem azt ábrázolja, amit lát, hanem azt, amit tud. A tipológia többet mond az általánosról, mint az egyénről. Az egyes szám eléri a léptéket és a klisét, miközben megtart némi plasztikus kifejezőkészséget. A színházban bemutathatja a birodalmi, a hlesztakovizmus fogalmát. Egy általánosított gesztus művészete, egy klisés forma, ahol a részletek nem empirikus, hanem szupraempirikus valóságot modelleznek. Picasso „Gyümölcs” - egy alma diagramja, portré „Nő” - egy nő arcának diagramja. Kolosszális társadalmi tapasztalatokat hordozó mitológiai valóság. Picasso „Madarat fogakban tartó macska” egy festmény, amelyet a háború alatt festett. Picasso munkásságának csúcsa azonban Guernica. Dora Maar portréja - tipológiai kép, elemző kezdet, analitikusan dolgozik egy személy képével.

Név jellemvonások művészi kép?

Miben különbözik a világ művészi ismerete a tudományos tudástól?

Nevezze meg és jellemezze a művészeti általánosítás főbb típusait!

Irodalom

• Bychkov V.V. Esztétika: Tankönyv. M.: Gardariki, 2002. - 556 p.
• Kagan M.S. Az esztétika mint filozófiai tudomány. Szentpétervár, TK Petropolis LLP, 1997. - P.544.

Létrehozva tehetséges művész, „mély nyomot” hagy a néző vagy olvasó szívében és elméjében. Mi az, ami ilyen erős hatással van arra, hogy mélyen átélje és átérezze, amit lát, olvas vagy hall? Ez egy művészi kép az irodalomban és a művészetben, amelyet az alkotó készsége és személyisége hozott létre, aki képes volt elképesztően újragondolni és átalakítani a valóságot, összhangzóvá és közelivé téve saját személyes érzéseinkhez.

Művészi kép

Az irodalomban és a művészetben ez bármely művész, zeneszerző vagy író által általánosított és kreatívan újraalkotott jelenség egy művészeti témában. Vizuális és érzéki, i.e. érthető és nyitott az észlelésre, és képes mély érzelmi élményeket okozni. Ezek a jellemzők a kép velejárói, mert a művész nem egyszerűen másolja az életjelenségeket, hanem sajátos jelentéssel tölti fel, egyedi technikák segítségével színezi, tágasabbá, integráltabbá, terjedelmesebbé teszi. Természetesen a tudományos kreativitással ellentétben a művészi kreativitás nagyon szubjektív, elsősorban a szerző személyisége, képzelőereje, fantáziája, műveltsége, humorérzéke vonzza az embert. Élénk kép az irodalomban és a művészetben is a kreativitás teljes szabadságának köszönhetően jön létre, amikor a művészi lelemény határtalan tárháza és határtalan kifejezési módjai megnyílnak az alkotó előtt, amelyek segítségével alkotja meg alkotását.

A művészi kép eredetisége

A művészeti képet a művészetben és az irodalomban elképesztő integritás jellemzi, ellentétben a tudományos alkotással. A jelenséget nem bontja fel alkotórészeire, hanem mindent belső és külső, személyes és társadalmi oszthatatlan integritásában vesz figyelembe. Eredetiség és mélység művészeti világ abban is megnyilvánulnak, hogy a műalkotások képei nemcsak emberek, hanem természet, élettelen tárgyak, városok és országok, egyéni jellemvonások és személyiségjegyek is, amelyek gyakran fantasztikus lények megjelenését kölcsönzik, vagy éppen ellenkezőleg. , nagyon hétköznapi, mindennapi tárgyak. A művészek festményein ábrázolt tájak és csendéletek egyben munkáik képei is. Aivazovsky, befesti a tengert más időévről-napra egy nagyon tágas művészi képet hozott létre, amely a szín és a fény legkisebb árnyalataiban nemcsak a szépséget közvetítette tengeri tájkép, a művész világnézete, hanem felébresztette a néző fantáziáját is, tisztán személyes szenzációkat keltve benne.

A kép mint a valóság tükörképe

A művészi kép az irodalomban és a művészetben lehet nagyon érzéki és racionális, nagyon szubjektív és személyes vagy tényszerű. De mindenesetre a való élet tükre (még a fantasztikus alkotásokban is), hiszen az alkotó és a néző hajlamos képekben gondolkodni, a világot képláncként érzékelni.

Minden művész alkotó. Nemcsak a valóságot tükrözi, és egzisztenciális kérdésekre próbál választ adni, hanem új, számára és az általa élt idő szempontjából fontos jelentéseket is alkot. Ezért a művészi kép az irodalomban és a művészetben nagyon tágas, és nemcsak az objektív világ problémáit tükrözi, hanem az azt alkotó szerző szubjektív tapasztalatait és gondolatait is.

A művészet és az irodalom, mint az objektív világ tükörképe, vele együtt nő és fejlődik. Változnak az idők és korszakok, új irányok és trendek jelennek meg. Az átívelő művészi képek áthaladnak az időn, átalakulnak és változnak, ugyanakkor újak keletkeznek a kor igényeire, a történelmi változásokra és a személyi változásokra válaszul, mert a művészet és az irodalom mindenekelőtt a valóság tükre. állandóan változó és időarányos képrendszeren keresztül.