Olasz népzene: folklór folt. Olasz népdal „Happy”

Sok nép él együtt a világon, akik különböző nyelveket beszélnek. De az emberek a történelem során nem csak szavakkal beszéltek. Az ókorban dalokat és táncokat használtak az érzelmek és gondolatok spiritualizálására.

Táncművészet a kulturális fejlődés hátterében

Az olasz kultúra nagy jelentőséggel bír a világvívmányok hátterében. Gyors növekedésének kezdete egybeesik a születéssel új kor- Reneszánsz. Valójában a reneszánsz pontosan Olaszországban keletkezik, és egy ideig belsőleg fejlődik, anélkül, hogy más országokat érintene. Első sikereit a 14-15. században érte el. Később Olaszországból Európa-szerte elterjedtek. A folklór fejlődése is a 14. században kezdődik. A művészet friss szelleme, a világhoz és a társadalomhoz való másfajta hozzáállás, az értékrend változása közvetlenül tükröződött a néptáncokban.

Reneszánsz hatás: új lépések és bálok

A középkorban az olasz mozdulatokat zenére lépésben, simán, lengetve adták elő. A reneszánsz megváltoztatta az Istenhez való viszonyulást, ami a folklórban is megmutatkozott. Az olasz táncok energiát és élénk mozgást kaptak. A „pontos” lépések tehát az ember földi eredetét, a természet ajándékaival való kapcsolatát jelképezték. A „lábujjakon” vagy „ugrással” mozgás pedig azonosította az ember Isten utáni vágyát és dicsőítését. Az olasz táncörökség ezekre épül. Ezek kombinációját „balli”-nak vagy „ballo”-nak nevezik.

Olasz népi hangszerek a reneszánszból

Kíséretre folklórművek hangzottak el. Ehhez a következő eszközöket használták:

• Csembaló (olaszul "chembalo"). Első említés: Olaszország, XIV. század.
• Tambura (a tambura egy fajtája, a modern dob őse). A táncosok mozgás közben is használták.
• Hegedű (a 15. században keletkezett meghajolt hangszer). Olasz fajtája a viola.
• Lant (pengetős hangszer.)
• Pipák, furulyák és oboák.

Tánc változatosság

Az olasz zenei világ változatosabbá vált. Az új hangszerek és dallamok megjelenése lendületes mozdulatokat ösztönzött ütemre. A nemzeti olasz táncok keletkeztek és fejlődtek. Nevüket gyakran területi elv alapján alakították ki. Sok fajta volt belőlük. A ma ismert főbb olasz táncok a bergamasca, galliarda, saltarella, pavana, tarantella és pizzica.

Bergamasca: pont klasszikus

A Bergamasca a 16-17. századi népszerű olasz néptánc, amely később kiment a divatból, de ennek megfelelő zenei örökséget hagyott maga után. Őshonos régió: Észak-Olaszország, Bergamo tartomány. A zene ebben a táncban vidám és ritmikus. Az időmérő egy összetett négyütemű mérő. A mozgások egyszerűek, gördülékenyek, párosak, a párok közötti váltás lehetséges a folyamat során. A néptáncot kezdetben a reneszánsz korában szerették az udvarban.

Első irodalmi említése William Shakespeare Szentivánéji álom című drámájában történt. A 18. század végén Bergamasca zökkenőmentesen vált át a táncfolklórból a kulturális örökséggé. Sok zeneszerző alkalmazta ezt a stílust művei megírása során: Marco Uccellini, Solomone Rossi, Girolamo Frescobaldi, Johann Sebastian Bach.

Végére XIX század a bergamasca másfajta értelmezése jelent meg. Komplex vegyes méter és gyorsabb tempó jellemezte (A. Piatti, C. Debussy). Mára megőrizték a folklór Bergamasque visszhangját, amelyet sikeresen próbálnak megtestesíteni balett- és színházi produkciókban, megfelelő stílusos zenei kísérettel.

Galliard: vidám táncok

A Galliarda egy ősi olasz tánc, az egyik első néptánc. A 15. században jelent meg. Lefordítva azt jelenti: „vidám”. Valójában nagyon vidám, energikus és ritmikus. Öt lépés és ugrás összetett kombinációja. Ez egy páros néptánc, amely Olaszországban, Franciaországban, Angliában, Spanyolországban és Németországban arisztokrata bálokon vált népszerűvé.

A 15-16. században komikus formája és vidám, spontán ritmusa miatt vált divatossá a galliard. Elveszett népszerűsége az evolúció és a standard prim Court táncstílusba való átalakulás miatt. A 17. század végén teljesen áttért a zenére.

Az elsődleges galliardra jellemző mérsékelt ütemben, méter hossza - egyszerű háromkaréjos. A későbbi időszakokban a megfelelő ritmussal adják elő. Ezt a galliardot a zenei méter összetett hossza jellemezte. Az ilyen stílusú híres modern alkotásokat lassabb és nyugodtabb tempó jellemzi. Műveikben galliard zenét használó zeneszerzők: V. Galileo, V. Brake, B. Donato, W. Bird és mások.

Saltarella: esküvői mulatság

A saltarella (saltarello) a legősibb olasz tánc. Elég vidám és ritmikus. Lépések, ugrások, forgatások és meghajlások kombinációja kíséri. Eredete: Olasz saltare - "ugrani". Az ilyen típusú népművészet első említése a 12. századból származik. Eredetileg társas tánc volt, zenével kísérve egyszerű két-három ütemben. A 18. századtól kezdve fokozatosan saltarellává alakult összetett méretű zenére. A stílus a mai napig megmaradt.

A 19-20. században tömeges olasz násztáncsá alakult át, amelyet esküvői ünnepségeken táncoltak. Egyébként akkoriban gyakran az aratáshoz időzítették. XXI-ben - néhány karneválon fellépett. Az ilyen stílusú zenét számos szerző kompozícióiban fejlesztették ki: F. Mendelssohn, G. Berlioz, A. Castellono, R. Barto, B. Bazurov.

Pavan: kecses ünnepélyesség

Pavana - régi olasz társastánc, amelyet kizárólag a bíróságon végeztek. Egy másik név ismert - padovana (a Padova névből; a latin pava - páva). Ez a tánc lassú, kecses, ünnepélyes, díszes. A mozdulatok kombinációja egyszerű és kettős lépésekből, görcsökből és a partnerek egymáshoz viszonyított helyzetének időszakos megváltoztatásából áll. Nemcsak bálokon táncolták, hanem körmenetek vagy szertartások elején is.

Az olasz pavane más országok pályalabdáiba bekerülve megváltozott. Egyfajta táncos „dialektus” lett belőle. Így a spanyol befolyás a „pavanilla”, a francia befolyás pedig a „passamezzo” kialakulásához vezetett. A zene, amelyre a lépéseket adták, lassú volt, két ütemű. hangsúlyozzák a kompozíció ritmusát és fontos pillanatait. A tánc fokozatosan kiment a divatból, megőrizték a zenei örökség alkotásaiban (P. Attenyan, I. Shein, C. Saint-Saens, M. Ravel).

Tarantella: az olasz temperamentum megszemélyesítője

A Tarantella egy olaszországi néptánc, amely a mai napig fennmaradt. Szenvedélyes, energikus, ritmikus, vidám, fáradhatatlan. Az olasz tarantella tánc a helyiek ismertetőjele. Ez ugrások kombinációjából áll (beleértve az oldalt is), váltakozó lábdobással előre és hátra. Taranto városáról kapta a nevét. Van egy másik verzió is. Azt mondták, hogy az emberek, akiket megharaptak, ki voltak téve egy betegségnek - a tarantizmusnak. A betegség nagyon hasonlított a veszettséghez, amelyet megállás nélküli gyors mozgással próbáltak gyógyítani.

A zene egyszerű három ütemben vagy összetett ütemben szólal meg. Gyors és vidám. Jellemzők:

1. Alaphangszerek (beleértve a billentyűket is) kombinációja további hangszerekkel, amelyek a táncosok kezében vannak (tamburinok és kasztnikák).
2. A standard zene hiánya.
3. Hangszerek improvizációja ismert ritmuson belül.

A mozgásokban rejlő ritmikusságot F. Schubert, F. Chopin, F. Mendelssohn, P. Csajkovszkij kompozícióiban használták fel. A Tarantella ma is színes néptánc, melynek alapjait minden hazafi ismeri. A 21. században pedig továbbra is tömegesen táncolják vidám családi ünnepségeken és pompás esküvőkön.

Pizzica: fülbemászó táncharc

A Pizzica egy gyors olasz tánc, amely a tarantellából származik. Saját jellegzetes jegyeinek megjelenése miatt vált az olasz folklór táncirányzatává. Ha a tarantella elsősorban tömegtánc, akkor a pizzica kizárólag páros tánc lett. Még élénkebb és energikusabb, kapott néhány harcias hangot. A két táncos mozdulatai egy párbajhoz hasonlítanak, amelyben vidám riválisok küzdenek.

Gyakran hölgyek adják elő több úrral felváltva. A fiatal hölgy ugyanakkor energikus mozdulatokkal kifejezte eredetiségét, függetlenségét, lendületes nőiességét, ennek eredményeként mindegyiket elutasítva. Az urak engedtek a nyomásnak, kifejezve csodálatukat a nő iránt. Olyan egyéni különleges karakter csak a pizzára jellemző. Valamilyen módon jellemzi a szenvedélyes olasz természetet. A 18. században népszerűvé vált pizzica a mai napig nem veszítette el. Továbbra is előadják vásárokon és karneválokon, családi ünnepeken, valamint színházi és balettelőadásokon.

Valami új megjelenése megfelelő zenei kíséret megalkotásához vezetett. Megjelenik a „Pizzicato” - a művek meghajolt hangszereken történő előadásának módja, de nem magával az íjjal, hanem az ujjak pengetésével. Ennek eredményeként teljesen más hangok és dallamok jelennek meg.

Olasz táncok a világkoreográfia történetében

A népművészetből eredő, arisztokratikus báltermekbe behatoló tánc népszerűvé vált a társadalomban. Szükség volt a lépések rendszerezésére, pontosítására az amatőr és profi képzés érdekében. Az első elméleti koreográfusok olaszok voltak: Domenico da Piacenza (XIV-XV.), Guglielmo Embreo, Fabrizio Caroso (XVI). Ezek a művek a mozdulatok csiszolásával és stilizációjával együtt a balett világméretű fejlődésének alapjául szolgáltak.

Eközben az eredeteknél vidám, egyszerű vidéki és városi lakosok táncoltak saltarellával vagy tarantellával. Az olaszok temperamentuma szenvedélyes és élénk. A reneszánsz korszak titokzatos és fenséges. Ezek a tulajdonságok jellemzik az olasz táncokat. Hagyatékuk az alapja a táncművészet fejlődésének a világ egészében. Vonásaik egy egész nép történelmét, jellemét, érzelmeit és pszichológiáját tükrözik évszázadokon át.

Az olasz zene eredete az ókori Róma zenei kultúrájába nyúlik vissza (lásd az ókori római zene). A zene lényeket játszott. szerep a társadalomban, az államban a Római Birodalom élete, a mindennapi életben változatos. a lakosság rétegei; a zene gazdag és változatos volt. eszközöket. Az ókori római zene mintái nem jutottak el hozzánk, de dep. elemei a középkorban is fennmaradtak. Krisztus himnuszok és népi zene hagyományok. A 4. században, amikor a kereszténységet állammá nyilvánították. vallás, Róma Bizánccal együtt a liturgikus fejlődés egyik központja lett. először énekelni melynek alapja a Szíriából és Palesztinából eredő zsoltárírás volt. Ambrose milánói érsek megszilárdította a himnuszok antifonikus éneklésének gyakorlatát (lásd Antifóna), melódiájukat közelebb hozva a narrációhoz. eredet. Különleges nyugati keresztény hagyomány fűződik nevéhez. templom éneklés, ambróziánus néven (lásd ambrózi ének). In con. A 6. században I. Gergely pápa alatt Krisztus szilárd formáit fejlesztették ki. liturgia és zenéje el van rendelve. oldal. Az énekesnő ezzel egy időben alkotott Rómában. az iskola („schola cantorum”) egyfajta egyházi énekakadémia lett. perek és felsőbb jogalkotók. hatóság ezen a területen. Gregory I nevéhez fűződik az alapelvek egységesítése és rögzítése. liturgikus énekek. Későbbi kutatások azonban megállapították, hogy dallamos. stílusát és formáit az ún A gregorián ének végül csak a 8-9. században öltött formát. Római Katolikus. az istentisztelet egységességére törekvő egyház ezt a monogolstílust terjesztette. énekkar énekelve minden Krisztushoz megtért nép között. hit. Ez a folyamat a végére befejeződött. 11. században, amikor a gregorián liturgia a hozzá tartozó énekléssel. szabályozást hoztak létre a közép- és nyugati országokban. és Yuzh. Európa. Ugyanakkor a gregorián ének változhatatlanságba fagyott továbbfejlődése is megállt. formák.

A végétől 1. évezred Kr.u az olasz területre irányuló gyakori ellenséges inváziók, valamint a pápaság fokozott elnyomása következtében, amely megzavarta a kreativitás szabad kifejezését. kezdeményezés, az I. m.-ben hosszú időszak jön. stagnálás, megszűnik érezhető szerepe az általános zenében. európai fejlődés országok Az Európában végbement legfontosabb változások. az 1. és 2. évezred fordulójának zenéje gyengén és gyakran megkésve tükröződik a történelmi zenében.Míg a Nyugat tudós-zenészei. és Észak-Nyugat Európa már a 9. században. indoklást adott korai formák polifónia, a legkiemelkedőbb olasz. zene Guido d'Arezzo középkori teoretikusa (XI. század) az egyfejű gregorián énekre fordította a fő figyelmet, csak röviden érintette az orgonumot.A 12. században a többszólamú éneklés bekerült néhány olasz templom liturgikus gyakorlatába, de kevés ismert. A példák nem utalnak arra, hogy Olaszország önállóan járult volna hozzá a korszak többszólamú műfajainak fejlődéséhez A történelmi zene 13.-14. század végi új felemelkedése a kora reneszánszhoz köthető, amely a humanista irányzatok növekedését, a kezdeteket tükrözte. az emberi személyiség emancipációja a vallási dogmák elnyomása alól, a világ szabadabb és közvetlenebb felfogása a feudális urak hatalmának meggyengülése és a korai kapitalista viszonyok kialakulása idején A kora reneszánsz fogalma megfelel a definíciónak. A mozgalom fő központjai Közép- és Észak-Olaszország városai - Firenze, Velence, Padova - társadalmi rendszerükben és kultúrájukban fejlettebbek voltak, mint a déli régiók, ahol még feudális viszonyok uralkodtak. szilárdan megőrzött városok vonzották a legtehetségesebb zeneszerzőket és előadó zenészeket. Itt új műfajok és stílusirányzatok jelentek meg.

A fokozott kifejezésmód iránti vágy megnyilvánult a dalszövegekben. himnuszok a szabadon értelmezett vallásról. A téma a laudah, amelyet a mindennapi életben és a vallások idején énekeltek. felvonulások. Már a végén. 12. század „Laudista testvériségek” keletkeztek, amelyek száma a 13. és különösen a 14. században növekedett. A laudákat a ferences rend szerzetesei között termesztették, amely ellentétes volt a hivatalossággal. Római egyház, néha a társadalmi tiltakozás indítékait tükrözték. A laud dallama a narhoz kapcsolódik. eredet, a ritmus más. tisztaság, szerkezet tisztasága, uralkodó fő színezés. Néhányan közel állnak a tánchoz. dalok.

Firenzében a világi sokszög új műfajai jelentek meg. wok házi amatőr előadásra szánt zene: madrigál, caccia, ballata. 2 vagy 3 gólos volt. strofikus dallamelsőséggel rendelkező dalok. felső hang, amelyet a ritmus különböztetett meg. mobilitás, színes átjárók bősége. Madrigal - arisztokrata. a poétika és a zene kifinomultságával jellemezhető műfaj. épület. A finom erotika uralta. témákat is megtestesítenek, szatirikusan is. motívumok, néha politikai töltetűek. A caccia tartalma eleinte vadászképekből állt (innen a név is: caccia – vadászat), de aztán témái kibővültek, és sokrétű műfaji jelenetek. Az Ars nova világi műfajai közül a legnépszerűbb a balata (tartalmában egy madrigálhoz hasonló táncdal).

Széles körű fejlődés a 14. századi Itáliában. instr. zene. Alapvető Az akkori hangszerek a lant, hárfa, fidel, furulya, oboa, trombita és különféle orgonák voltak. típus (pozitívok, hordozhatóak). Énekkísérésre és szóló- vagy együttes játékra használták.

Olaszország felemelkedése. Az Ars nova közepén fordul elő. 14. század A 40-es években kibontakozik a kreativitás. legkiemelkedőbb mestereinek – a firenzei Giovanninak és a bolognai Jacoponak – tevékenysége. A vak virtuóz orgonista és zeneszerző különösen híressé vált. F. Landino sokrétű tehetség, költő, zenész és tudós, akit olasz körökben tiszteltek. humanisták. Munkásságában felerősödött a kapcsolat az emberekkel. eredetének köszönhetően a dallam nagyobb szólásszabadságot, olykor kifinomult kifinomultságot, virágosságot és ritmust kapott. sokféleség.

A korszakban Magas reneszánsz(XVI. század) I. m. az európaiak körében vezető pozíciót foglalt el. zene termények A művészetek általános fellendülésének légkörében. kultúra, zenélés intenzíven fejlődött a különböző a társadalom rétegei. Központjai a templommal együtt voltak. mesterségek kápolnái. céhegyesületek, az irodalom és művészet felvilágosult szerelmeseinek körei, amelyek olykor az ókornak nevezik magukat. akadémiák mintájára. Többes számban iskolákat hoztak létre azokban a városokban, amelyek hozzájárultak a függetlenséghez. Közülük a legnagyobb és legbefolyásosabb a római és a velencei iskola. A katolicizmus központjában - Rómában - a reneszánsz mozgalom által életre keltett új művészi formák gyakran szembesültek az egyház ellenállásával. hatóság. De a tilalmak és feljelentések ellenére az egész 15. században. római katolikus nyelven sokcélú szilárdan meghonosodott az istentiszteletben. éneklés. Ezt elősegítette a francia-flamand iskola, G. Dufay, Josquin Despres és más zeneszerzők tevékenysége, akik különböző időpontokban szolgáltak a pápai kápolnában. BAN BEN Sixtus-kápolna(alapítva 1473) és kórusát. a Szt. Katedrális kápolnája. Péter, a gyülekezet legjobb mesterei koncentráltak. nem csak Olaszországból, hanem más országokból is énekel. Egyházi kérdések az éneklés kiemelt figyelmet kapott. figyelmet a tridenti zsinaton (1545-63), amelynek határozatai elítélték a „figuratív” többszólamúság iránti túlzott szenvedélyt. zene, ami megnehezítette a „szent szavak” megértését, az egyszerűség és a világosság igénye hangzott el; megtiltották a világi dallamok beillesztését a liturgiába. zene. De az egyház kívánságával ellentétben. A hatóságoknak, hogy minden újítást kizárjanak a kultikus éneklésből, és lehetőség szerint visszavezessék a gregorián ének hagyományaihoz, a római iskola zeneszerzői magasan fejlett többszólamú hangot hoztak létre. olyan művészet, amelyben a francia-flamand polifónia legjobb vívmányait a reneszánsz esztétika jegyében valósították meg és értelmezték újra. Termelésben ennek az iskolának a zeneszerzői egy összetett utánzat. technikát akkord-harmóniával kombinálták. raktár, több fejes a textúra harmonikus eufónia jelleget kapott, a dallamkezdet önállóbbá vált, gyakran a felső szólam került előtérbe. A római iskola legnagyobb képviselője Palestrina. Tökéletesen kiegyensúlyozott, felvilágosult hangulatú, harmonikus művészetét olykor Raphael munkásságához hasonlítják. A kórus csúcsának lenni. szigorú stílus polifóniája, Palestrina zenéje a homofon gondolkodás fejlett elemeit is tartalmazza. A horizontális és vertikális elvek egyensúlyának vágya ugyanebben az iskolában más zeneszerzőkre is jellemző volt: C. Festa, G. Animucci (aki 1555-71-ben állt a Szent Péter-kápolna élén), Clemens, a Pápa, Palestrina tanítványai és követői – J. Nanino, F. Anerio és mások A spanyol is csatlakozott a római iskolához. zeneszerzők, akik a pápai kápolnában dolgoztak: C. Morales, B. Escobedo, T. L. de Victoria (a „spanyol Palestrina” becenevet kapta).

A velencei iskola alapítója A. Willaert (származása szerint holland), aki 1527-ben a Szent István-székesegyház kápolnáját vezette. Mark és 35 évig volt a vezetője. Utódai C. de Pope és a spanyol C. Merulo voltak. Ez az iskola legnagyobb virágzását A. Gabrieli és unokaöccse, G. Gabrieli munkásságában érte el. Palestrina és a római iskola más zeneszerzőinek szigorú és visszafogott írásmódjával ellentétben a velenceiek művészetét buja hangpaletta és élénk színek bősége jellemezte. hatások. A többszólamúság elve különösen fontos volt számukra. Két kórus kontrasztja, hangszerelésben. V különböző oldalak templom, egy dinamika alapjául szolgált. és színes kontrasztokat. Az állandóan változó szólamok száma elérte a 20-at G. Gabrieli Kontraszt kórusnál. hangszerváltásokkal egészült ki. hangszíneket, a hangszerek pedig nemcsak a kórus szólamát sokszorosították, hanem önállóan is felléptek. és az összekötő epizódokat. Harmonikus a nyelvet számos, az akkoriban gyakran merész kromatizmus telítette, ami fokozott kifejezésmódot adott neki.

A velencei iskola mestereinek kreativitása játszott nagy szerepet illetve új eszközformák kidolgozásában. zene. A 16. században Maga a hangszerek összetétele is jelentősen gazdagodott, kifejezésmódjuk bővült. lehetőségeket. Megnőtt a dallamos, meleg hangzású meghajolt hangszerek jelentősége. Ebben az időszakban alakult ki a klasszikus. brácsa típus; hegedű, korábban elterjedt. a népéletben prof. zene eszköz. Szólóhangszerként a lant és az orgona továbbra is vezető szerepet töltött be. 1507-09-ben O. Petrucci zenei kiadó publikált. 3 darab lant gyűjtemény, még megőrizve. a wok-függőség jelei. motetta típusú többszólamúság. A jövőben ez a függőség gyengül, speciális eszközöket fejlesztenek ki. prezentációs technikák. századra jellemző. műfajok szóló hangszer Zene - ricercar, fantasia, canzone, capriccio. 1549-ben megjelent org. Richercars Villarta. Őt követően ezt a műfajt G. Gabrieli fejlesztette ki, néhány ricercars, akiknek bemutatása közel áll a fúgához. In org. A velencei mesterek tokkátái a virtuozitást és a szabad képzeletre való hajlamot tükrözik. 1551-ben könyvgyűjtemény jelent meg Velencében. billentyűs táncdarabok karakter.

Az első független államok kialakulása A. és J. Gabrieli nevéhez fűződik. kamaraegyüttes és zenekar mintái. zene. Kompozícióik különböző hangszerekre. kompozíciók (3-tól 22 partiig) gyűjteménybe kerültek. "Canzones and Sonatas" ("Canzoni e sonate...", 1615-ben jelent meg a zeneszerzők halála után). Ezek a darabok a különböző szembeállítás elvén alapulnak. instr. csoportok (mindkettő homogén - fúvós, fafúvós, rézfúvós és vegyes), amelyek aztán egymás után kaptak. megtestesítője a koncert műfajában.

A reneszánsz eszmék legteljesebb és legélénkebb kifejezése a zenében a madrigál volt, új virágzás amely a 16. században érkezett. A világi zenélés e legfontosabb műfajára a reneszánsz idején sokan figyeltek. zeneszerzők. A madrigálokat a velenceiek írták A. Willart, C. de Pope, A. Gabrieli, valamint a római iskola mesterei C. Festa és Palestrina. Madrigalisták iskolái léteztek Milánóban, Firenzében, Ferrarában, Bolognában és Nápolyban. Madrigál 16. század nagyobb gazdagságában és költői kifinomultságában különbözött az Ars nova korszak madrigáljától. tartalom, de alapvető szférája megmaradt a sokszor pásztorszerűen színezett szerelmi dalszövegek, a természet szépségeinek lelkes ünneplésével kombinálva. F. Petrarch költészete nagy hatással volt a madrigál fejlődésére (sok versét különböző szerzők zenésítették meg). A madrigalista zeneszerzők L. Ariosto, T. Tasso és a reneszánsz más jelentős költőinek műveihez fordultak. századi madrigálokban. 4 vagy 5 gólos gólok érvényesültek. a polifónia és a homofónia elemeit összekötő raktár. Vezető dallamjátékos A hangot a kifejezés finomsága különböztette meg. árnyalatok, a költői részletek rugalmas átadása. szöveg. A teljes kompozíció szabad volt, és nem engedelmeskedett a strofikus vonalaknak. elv. századi madrigálmesterek közül. Kiemelkedett a holland J. Arkadelt, aki Rómában és Firenzében dolgozott. 1538-44-ben megjelent madrigáljait (6 könyv) sokszor újranyomták és különféle kiadásokban sokszorosították. nyomtatott és kézírásos találkozók. Ennek a műfajnak a legmagasabb virágzása a kreativitáshoz kapcsolódik. L. Marenzio, C. Monteverdi és C. Gesualdo di Venosa tevékenysége. 16 - kezdet 17. századok Ha Marenziót a finomítási szféra jellemzi. lírai képeket, majd a Gesualdo di Venosában és a Monteverdiben a madrigált dramatizálják és elmélyült lélektani elemekkel ruházzák fel. kifejezést, a harmonikus új, szokatlan eszközeit alkalmazták. nyelv, kihegyezett intonáció. a wok kifejezőképessége. melodica. Az I. m. gazdag rétege az emberek. dalok és táncok, melyeket a dallamok dallamossága, elevensége és tüzes ritmusai különböztetnek meg. Olasznak a táncokat a 6/8, 12/8-as időjelek és a gyors, gyakran gyors tempó jellemzi: saltarello (13-14. századi hanglemezek őrződnek meg), rokon lombarda (lombardiai tánc) és forlana (velencei, friuli tánc) ), tarantella (dél-olasz tánc, amely nemzetivé vált). A tarantella mellett népszerű a siciliana (a méret azonos, de a tempó mérsékelt, a dallam karaktere más - pásztorszerű). A szicíliaiak közel vannak a barcarolle-hoz (a velencei gondolások éneke) és a toszkán rispetto-hoz (dicsérő ének, szerelmi vallomás). A lamento dalok (a siralom egy fajtája) széles körben ismertek. A dallam plaszticitása, dallamossága, élénk líraisága, sokszor hangsúlyos érzékenysége jellemző az Olaszországban elterjedt nápolyi dalokra.

Nar. zene is hatott prof. zene Teremtés. A legnagyobb egyszerűség és az emberközelség. A frottola és villanelle műfaja eredetében különbözött.

A reneszánsz lendületet adott a zeneelmélet fejlődésének. gondolatok Olaszországban. Az alapozás modern. a harmónia tanát G. Zarlino fektette le. Századközép A módok doktrínáját egy új hangrendszerrel állította szembe, két alapelvvel. modális hangulatok - dúr és moll. Ítéleteiben Zarlino elsősorban a közvetlen auditív észlelésre támaszkodott, nem pedig elvont skolasztikus számításokra és numerikus műveletekre.

Az I. m. legnagyobb eseménye a 16-17. század fordulóján. ott volt az opera megjelenése. Az opera, amely már a reneszánsz végén megjelent, mégis teljes mértékben kapcsolódik eszméihez és kultúrájához. Opera, mint önálló. A műfaj egyrészt a színházból nőtt ki. századi előadások zenével kísérve, másrészt - egy madrigálból. Sokan készítettek zenét a tévéhez. híres zeneszerzők 16. század Így A. Gabrieli kórusokat írt Szophoklész „Oidipusz” (1585, Vicenza) tragédiájához. Az opera egyik elődje A. Poliziano "Orpheus meséje" című darabja (1480, Mantova). A madrigál a rugalmas kifejezésmódot fejlesztette ki. a költőiség megtestesítői szöveg a zenében. Az a bevett gyakorlat, hogy egy énekes madrigált ad elő hangszerekkel. ellenállás közelebb hozta őket a wok típushoz. monody, amely az első olasz alapja lett. oper. In con. 16. század felmerült a madrigálvígjáték műfaja, amelyben a mimich. a színészi játékot wok kísérte. epizódok madrigál stílusban. Ennek a műfajnak tipikus példája O. Vecchi „Amphiparnassus” (1594).

1581-ben megjelent egy polemikus. V. Galilei „Beszélgetés az ókori és modern zenéről” című értekezése („Dialogo della musica antica et délia moderna”), amelyben a kántáló hang. deklamáció (az ókori mintát követve) szembehelyezkedett a középkori „barbársággal”. polifónia. Az általa megzenésített részlet Dante "Isteni színjátékából" illusztrálja ezt a koncepciót. stílus. Galilea gondolatai támogatásra találtak a költők, zenészek és humanista tudósok egy csoportja körében, akik 1580-ban egyesültek a felvilágosult firenzei G. Bardi gróf kezdeményezésére (az úgynevezett firenzei Camerata). Ennek a körnek a figurái hozták létre az első operákat - J. Peri „Daphne” (1597-98) és „Eurydice” (1600) – O. Rinuccini szövegére. Egyéni wok. ezeknek az operáknak a részei op. basso continuo deklamációban tartanak fenn. módon a kórusokban megmarad a madrigál szerkezet.

Számos évekkel később az „Eurydice” zenéjét az énekes és a zeneszerző egymástól függetlenül komponálta. G. Caccini, aki egyben a gyűjtemény szerzője is volt. szóló kamaradalok kísérettel "Új zene" ("Le nuove musiche", 1601), fő. ugyanazon a stilisztikán. elveket. Ezt az írásmódot „új stílusnak” (Stile nuovo) vagy „figuratív stílusnak” (Stile rарpresentativo) nevezték.

Prod. A firenzeiek bizonyos mértékig racionálisak, jelentésük főleg kísérleti. Hiteles élet Az operát egy zseniális zene ihlette. drámaíró, hatalmas tragikus tehetségű művész K. Monteverdi. Felnőtt korában fordult az opera műfaja felé, már számos mű szerzője volt. spirituális op. és világi madrigálok. Első operái, az "Orpheus" (1607) és az "Ariadné" (1608) megjelentek. Mantovában. Monteverdi hosszú szünet után ismét operaszerzőként lépett fel Velencében. Operai kreativitásának csúcsa a „Poppea koronázása” (1642), prod. valóban Shakespeare-i hatalom, amelyet a drámaiság mélysége különböztet meg. kifejezések, mesteri jellemformálás, a konfliktushelyzetek élessége és intenzitása.

Velencében az opera túllépett a szűk arisztokratán. ínyencek köre és nyilvános látványosság lett. Az első középület 1637-ben nyílt meg itt. opera t-r"San Cassiano" (1637-1800 között legalább 16 ilyen t-trovat hoztak létre). Demokratikusabb. A közönség összetétele is befolyásolta a művek karakterét. Mitológiai a szubjektum átadta helyét a történelem uralkodó helyének. történetek valós eseményekkel. arcok, drámák és hősies. az eleje összefonódott a vígjátékkal, sőt néha durván bohózattal. Wok. a dallam nagyobb dallamosságot kapott, a recitatív jeleneteken belül szakaszok alakultak ki. arious típusú epizódok. Ezeket a Monteverdi késői operáira jellemző vonásokat F. Cavalli, 42 opera szerzőjének munkája továbbfejlesztette, amelyek közül a Jason című opera (1649) nyerte el a legnagyobb népszerűséget.

A római opera az itt uralkodó katolikusok hatására sajátos színezetet kapott. trendek. Az antikkal együtt mitológiai cselekmények ("Orpheus halála" - "La morte d"Orfeo", S. Landi, 1619; "Adonis lánca" - "La Caténa d"Adone", D. Mazzocchi, 1626) az opera vallást is tartalmazott. Krisztusban értelmezett témák. moralizáló terv. A legtöbb azt jelenti. prod. Római iskola - Landi "Szent Alekszej" című operája (1632), amelyet dallamossága jellemez. a zene gazdagsága és drámaisága, a kidolgozott kórustextúrák bősége. Epizódok. A képregények első példái Rómában jelentek meg. opera műfaja: V. Mazzocchi és M. Marazzoli „Reménykedjék a szenvedő” („Che sofre, speri”, 1639) és A. M. Abbatini és „Minden felhőnek van ezüst bélése” („Dal male il bene”, 1653) Marazzoli.

K ser. 17. század opera szinte teljesen eltávolodott a firenzei Camerata által szorgalmazott reneszánsz esztétika elveitől. Ezt bizonyítja a velencei operaiskolához kötődő M. A. Chesti munkája. Írásaiban izgatott drámák vannak. A recitativót egy lágy dallamos dallam állítja szembe, és megnőtt a lekerekített wok szerepe. számok (gyakran a cselekvés drámai indokoltságának rovására). Becsületopera" Aranyalma"("Il porno d"oro", 1667), amelyet Bécsben, I. Lipót császár esküvője alkalmából pompával rendeztek meg, az ünnepélyes adventek prototípusa lett. előadások, amelyek ettől kezdve terjedtek el Európában. „Ez már nem tisztán olasz opera – írja R. Rolland –, ez egyfajta nemzetközi udvari opera.”

A végétől 17. század vezető szerepet tölt be Olaszország fejlődésében. az opera Nápolyba került. A nápolyi operaiskola első jelentős képviselője F. Provenzale volt, de igazi feje A. Scarlatti volt. Számos operamű (több mint 100) szerzője alakította ki az olasz nyelv jellegzetes szerkezetét. lények nélkül megőrzött opera seria. végéig változik 18. század Fő egy ilyen típusú operában a hely az áriához tartozik, általában egy 3 részes da capo; a recitativ szolgálati szerepet kap, a kórusok és az együttesek jelentősége minimálisra csökken. De fényes dallamos. Scarlatti ajándéka, többszólamú készség. levelek, kétségtelenül drámai. Az ösztön minden korlát ellenére lehetővé tette a zeneszerző számára, hogy erőteljes, lenyűgöző hatást érjen el. Scarlatti fejlesztette és gazdagította mind az éneket, mind az instrumentálist. operaformák. Tipikus olasz szerkezetet alakított ki. operanyitány (vagy az akkori terminológia szerint szimfónia) gyors külső szakaszokkal és lassú középső epizóddal, amely önálló szimfónia prototípusává vált. konc. művek.

Az operával szoros kapcsolatban egy új, nem liturgikus műfaj alakult ki. vallási per - oratórium. A vallásokból kibontakozó. sokszögek éneklésével kísért felolvasások. laud, függetlenséget szerzett. befejezett forma G. Carissimi műveiben. Többnyire bibliai témájú oratóriumaiban a középre kialakult operai formákat gazdagította. 17. század, a kórus eredményei. konc. stílus. A Carissimi után ezt a műfajt kidolgozó zeneszerzők közül kiemelkedett A. Stradella (személyisége kalandos életrajza miatt vált legendássá). Drámai elemeket vitt be az oratóriumba. pátosz és jellemzés. A nápolyi iskola szinte minden zeneszerzője figyelmet fordított az oratórium műfajára, bár az operához képest az oratórium másodlagos helyet foglalt el munkáiban.

Az oratóriumhoz kapcsolódó műfaj az egy-, esetenként 2-3 szólamú kamarakantáta kísérettel. basso continuo. Az oratóriumtól eltérően a világi szövegek domináltak benne. Ennek a műfajnak a legkiemelkedőbb mesterei Carissimi és L. Rossi (a római operaiskola egyik képviselője). Az oratóriumhoz hasonlóan a játszott kantáta is jelent. szerepe a wok fejlesztésében. a nápolyi operára jellemzővé vált formák.

A vallásos zene terén a XVII. a külső, hivalkodó nagyság vágya uralta, elérte ch. arr. mennyiségek miatt. hatás. A velencei iskola mesterei által kidolgozott többszínűség elve hiperbolikussá vált. skála. Egyes produkciókban. legfeljebb tizenkét 4 gólt használtak. kórusok Óriási kórus. a kompozíciókat számos. és változatos hangszercsoportok. Ezt a buja barokk stílust különösen Rómában fejlesztették ki, felváltva Palestrina és követői szigorú, visszafogott stílusát. A késő római iskola legkiemelkedőbb képviselői G. Allegri (a híres „Miserere” szerzője, amelyet W. A. ​​Mozart fülön jegyez le), P. Agostini, A. M. Abbatini, O. Benevoli. Ugyanakkor az ún „koncertstílus”, közel áll a korai Italo arioso-recitatív énekéhez. operák, amelyekre példa A. Banchieri (1595) és L. Viadana (1602) spirituális koncertjei. (Mint utóbb kiderült, Viadana nevéhez fűződik a digitális basszusgitár feltalálása.) C. Monteverdi, Marco da Galliano, F. Cavalli, G. Legrenzi és más zeneszerzők ugyanígy írtak, áttérve A templom. opera vagy kamarakantáta zenei elemei.

Intenzív keresés a zene új formái és eszközei után. kifejezőkészség, amelyet a gazdag és sokoldalú humanista megtestesülésének vágya diktál. tartalommal, az eszközök területén végzett. zene. Az org egyik legnagyobb mestere. a Bach előtti időszak billentyűs zenéje pedig G. Frescobaldi, a kiemelkedő kreativitású zeneszerző volt. egyéniség, zseniális orgona- és csembalóvirtuóz, hazájában és Európa más részein is híres. országok. Behozta a hagyományba. ricercar formák, fantáziák, toccaták, intenzív expresszivitás és érzésszabadság jegyei, melodikussal gazdagítva. és harmonikus nyelv, többszólamúság alakult ki. számla. Az ő prod. klasszikus kristályosodott. egyfajta fúga, világosan azonosított hangviszonyokkal és az átfogó terv teljességével. Frescobaldi kreativitása Olaszország csúcsa. org. per Újító eredményei Olaszországban nem találtak kiemelkedő követőkre, azokat más országok zeneszerzői folytatták és fejlesztették. Olaszul instr. zene a 2. feléből. 17. század A főszerep a vonós hangszerekre és mindenekelőtt a hegedűre szállt. Ez a hegedű-előadóművészet felvirágzásának és magának a hangszernek a fejlődésének volt köszönhető. A 17-18. Olaszországban híres dinasztiák hegedűkészítők(Amati, Stradivari, Guarneri családok), akiknek hangszerei a mai napig felülmúlhatatlanok maradtak. A kiemelkedő hegedűvirtuózok nagyrészt zeneszerzők is voltak, munkájukban a szólóhegedű-előadás új technikáit szilárdították meg, új múzsákat fejlesztettek ki. formák.

század fordulóján a 16-17. Velencében a triószonáta – többszólamú mű – műfaja fejlődött ki. 2 szólóhangszerre (általában hegedű, de ezek helyettesíthetők a megfelelő tessitura más hangszereivel) és egy basszusgitárra. Ennek a műfajnak 2 változata volt (mindkettő a világi kamarazene területéhez tartozott): „templomi szonáta” („sonata da chiesa”) - egy 4 részes ciklus, amelyben lassú és gyors részek váltották egymást, valamint „kamaraszonáta” („sonata da camera”), amely több részből áll. táncol karakter, közel a lakosztályhoz. Különösen fontos e műfajok továbbfejlesztésében. A bolognai iskola szerepet játszott, a hegedűművészet mestereinek ragyogó galaxisát állította elő. Vezető képviselői közül M. Caccati, G. Vitali, G. Bassani. A hegedű- és kamarazene történetében egy korszakot fémjelzett A. Corelli (Bassani tanítványa) munkássága. Tevékenységének érett korszaka Rómához köthető, ahol létrehozta saját iskoláját, amelyet olyan nevek képviseltek, mint P. Locatelli, F. Geminiani, G. Somis. Corelli munkája fejezte be a trió-szonáta formálását. Kiterjesztette, gazdagította a beteljesülést. íjas hangszerek képességei. Van egy szólóhegedűre írt szonátaciklusa is, op. csembaló. Ez az új műfaj, amely későn jelent meg 17. század, a végét jelentette. jóváhagyás monodich. elv az instr. zene. Corelli kortársával, G. Torellivel együtt alkotta meg a concerto grosso-t – a kamarazenekari zenélés legfontosabb formáját a 18. század közepéig.

K con. 17 - kezdet 18. századok fokozott nemzetközi dicsőség és tekintély I. m. Mn. külföldi a zenészek Olaszországba özönlöttek, hogy befejezzék tanulmányaikat és bizonyítványt szerezzenek, ami biztosította az elismerést hazájukban. Tanárként különösen híres volt egy hatalmas műveltségű zenészről, comp. és J.B. Martini teoretikus (más néven Padre Martini). Tanácsait K. V. Gluck, W. A. ​​Mozart, A. Gretry használta. Neki köszönhető a Bolognai Filharmonikusoknak. Az akadémia Európa egyik legnagyobb zenei központjává vált. oktatás.

olasz századi zeneszerzők alapvető figyelmet fordítottak az operára. Csak néhányan maradtak távol az operaszínháztól, amely a társadalom minden szintjéről széles közönséget vonzott. Ennek az évszázadnak a gigantikus volumenű operaprodukcióját különböző típusú zeneszerzők készítették. tehetségskálán, akik között sok tehetséges művész volt. Az opera népszerűségét elősegítette magas szint vok.-előadni. kultúra. Az énekesek készülődtek. arr. télikertekben - árvaházakban, amelyek a 16. században keletkeztek. Nápolyban és Velencében - Olaszország fő központjaiban. operaélet a 18. században. 4 télikert volt, amelyekben múzsák voltak. az oktatást jelentős zeneszerzők vezették. Énekes és zeneszerző. F. Pistocchi külön céget alapított Bolognában (1700 körül). énekes iskola. Kiváló wok. a tanár N. Porpora, a nápolyi iskola egyik legtermékenyebb operaszerzője volt. A bel canto művészet híres mesterei közül a XVIII. - a fő férjek előadói. Az opera seria szerepei A. Bernacchi, Caffarelli, F. Bernardi (becenevén Senesino), Farinelli, G. Crescentini kasztrált énekesek voltak, akik virtuóz énektudással rendelkeztek. a technika lágy és könnyű hangszínnel kombinálva; énekesek F. Bordoni, F. Cuzzoni, C. Gabrielli, V. Tesi.

olasz az opera kiváltságokat élvezett. helyzet Európa nagy részén. nagybetűk Vonzódni fog. ereje abban is megnyilvánult, hogy sokan Más országok zeneszerzői olasz nyelvű operákat készítettek. szövegek a nápolyi iskola szellemében és hagyományaiban. Hozzá csatlakozott a spanyol D. Perez és D. Terradellas, a német I. A. Hasse és a cseh J. Myslivecek. Ez azt jelenti, hogy ugyanazzal az iskolával összhangban folyt. része G. F. Handel és K. W. Gluck tevékenységének. Olasznak Az operajeleneteket oroszok írták. zeneszerzők - M. S. Berezovsky, P. A. Skokov, D. S. Bortnyansky.

A nápolyi operaiskola vezetőjének, A. Scarlattinak, az opera seria megalkotójának azonban már életében feltárultak benne rejlő művészi kvalitások. ellentmondásokat, ami kemény kritikára adott okot. ellene beszél. Kezdetben. 20-as évek 18. század megjelent egy szatirikus. zenei füzet B. Marcello teoretikus, akiben kigúnyolták az operakönyvtárosok abszurd konvencióit és a drámaszerzők lenézését. a cselekvés értelme, a primadonnák és kasztrati énekesek arrogáns tudatlansága. A mély etika hiánya miatt tartalma és a külső hatásokkal való visszaélés bírálta modern. im opera ital. oktató F. Algarotti „Esszé az operáról” („Saggio sopra l”opera in musica...”, 1754) és E. Arteaga enciklopédista „Az olasz zenés színház forradalma” („Le rivoluzioni del teatro” című művében) musicale italiano dalla sua origine fino al presente", v. 1-3, 1783-86).

A librettista költők, A. Zeno és P. Metastasio stabil történelmi és mitológiai struktúrát alakítottak ki. opera seria, amelyben a drámák jellegét szigorúan szabályozták. cselszövés, a szereplők száma és kapcsolatai, a szóló wok típusai. számok és helyük a színpadon. akció. A klasszicista dráma törvényszerűségeit követve adták az operának a kompozíció egységét, harmóniáját, megszabadítva a tragédia zűrzavarától. elemek komédiával és bohózattal. Ugyanabban az időben, operaszövegek Ezeket a drámaírókat arisztokratikus vonások jellemzik. vitézség, mesterkélt, modoros, rafinált nyelven írva. Opera Seria, spanyol a vágást gyakran az adventhez időzítették. ünnepségek, kötelezően sikeres befejezéssel kellett végződniük, hőseinek érzései feltételesek és valószínűtlenek voltak.

Mind R. 18. század Megnyilvánult a tendencia az opera seria kialakult kliséinek leküzdésére, valamint a zene és a dráma szorosabb kapcsolatára. akció. Ez a kísért recitativó szerepének megnövekedéséhez és az ork gazdagodásához vezetett. színek, a kórus bővítése és dramatizálása. jelenetek Ezek az újító tendenciák a Gluck operareformját részben előkészítő N. Jommelli és T. Traetta munkáiban kaptak legélénkebb kifejezést. Az „Iphigenia in Tauris” című operában G. Abert szerint Traettának sikerült „Gluck zenés drámájának kapujába jutnia”. Az úgynevezett zeneszerzők ugyanezt az utat járták be. „Új nápolyi iskola” G. Sarti, P. Guglielmi és mások. A. Sacchini és A. Salieri Gluck reformjának elszánt hívei és követői voltak.

A legerősebb ellenzék feltételesen hősies. Az Opera Seriát egy új demokrata állította össze opera buffa műfaj. 17 évesen és elején 18. századok komikus az operát csak elszigetelt példák képviselték. Mennyire függetlenek. a műfaj a nápolyi iskola idősebb mestereivel L. Vincivel és L. Leóval kezdett kialakulni. Az első klasszikus. az operabuffa egyik példája Pergolesi „A szolgáló-úrnő” című műve (eredetileg a „Büszke fogoly”, 1733-as opera-sorozatának felvonásai közt használták). A képek valósághűsége, a zene elevensége, megrendítősége. jellemzői hozzájárultak ahhoz, hogy G.B. Pergolesi közjátéka sokaknál a legszélesebb körben elterjedt. országokban, különösen Franciaországban, ahol a posztja van. 1752-ben lendületet adott a heves esztétika kialakulásának. polémiát (lásd "Buffonok háborúja"), és hozzájárult a franciák kialakulásához. nemzeti amolyan komikus operák.

Anélkül, hogy elveszítené a kapcsolatot az emberekkel. gyökerek, olasz Az opera buffa később fejlettebb formákat fejlesztett ki. Az opera seria-val ellentétben a szólóének volt a domináns. elején, képregényben Az együttesek nagyon fontossá váltak az operában. A legfejlettebb együttesek élénk, gyorsan kibontakozó finálékba kerültek, amelyek egyfajta csomópontot jelentettek komikus intrika. N. Logroshinót tartják az ilyen típusú hatásos döntős együttesek alkotójának. C. Goldoni, a nagy olasz származású, gyümölcsöző hatással volt az opera buffa fejlődésére. századi humorista, aki munkáiban gondolatokat tükrözött oktatási realizmus. Számos operakönyvtáros szerzője volt, amelyek többségének zenéjét az egyik kiemelkedő olasz mester írta. komikus operái a velencei B. Galuppitól. A 60-as években 18. század az operában buffa szentimentalista irányzatok jelennek meg (például N. Piccinni operája Goldoni „Cecchina, avagy a jó lánya” szövege alapján, 1760, Róma). Az Opera buffa megközelíti a típust" polgári dráma", vagy "könnyes vígjáték", amely a harmadik állapot erkölcsi eszméit tükrözi a Nagy Francia Forradalom előestéjén.

N. Piccinni, G. Paisiello és D. Cimarosa munkássága az opera buffa fejlődésének utolsó, legmagasabb állomása a 18. században. Produkcióik a komikus elemeket érzékenységgel ötvözik. szánalmas, dallamos. a változatos formai gazdagság, a zene élénksége, kecsessége és mozgékonysága megmaradt az operarepertoárban. Ezek a zeneszerzők sok tekintetben közeledtek Mozarthoz, és elkészítették az egyik legnagyobb olasz művét. a következő század operaszerzői G. Rossini. Az opera buffa bizonyos vonásait a későbbi opera seria átvette, ami a formák nagyobb rugalmasságát, a dallamok egyszerűségét és spontaneitását eredményezte. kifejezéseket.

Eszközök. A hozzájárulást olasz nyújtotta. századi zeneszerzők fejlesztésében különféle hangszer műfajok zene. A hegedűkészítés területén Corelli után a legnagyobb mester G. Tartini volt. Elődei nyomán folytatva a szólóhegedűszonáta és a triószonáta műfajának ápolását, új, ragyogó kifejezőerővel töltötte meg azokat, gazdagította a hegedűelőadás technikáit, kibővítette hangzásának akkoriban megszokott skáláját. Tartini saját iskolát hozott létre Padova néven (Padova városáról kapta a nevét, ahol élete nagy részét töltötte). Tanítványai P. Nardini, P. Alberghi, D. Ferrari voltak. A 2. félidőben. 18. század mesterien bontakozott ki és előadta. és kreatív G. Pugnani, a legnagyobb olasz tevékenysége. klasszikus hegedűművész korszak. A sok közül. diákok, különösen híressé vált J.B. Viotti, akinek munkáiban olykor érződik a romantika. trendek.

Az ork műfajban. concerto grosso, mint merész és eredeti. az újító művész A. Vivaldi volt. Ezt a formát dramatizálta, dinamikával együtt vezette be. nagy és kis hangszercsoportok (tutti és concertino) tematikus szembeállítása. ellentétek az osztályon belül részeket, kialakította a ciklus 3 részes szerkezetét, a klasszikusban megőrizve. instr. koncert. (Vivaldi hegedűversenyeit J. S. Bach nagyra értékelte, néhányat klavierre és orgonára is hangszerelt.)

G.B. Pergolesi trió-szonátáiban preklasszikus vonások figyelhetők meg. "gáláns" stílusban. Könnyed, átlátszó textúrájuk szinte teljesen homofonikus, a dallamot lágy dallamosság és kecsesség jellemzi. Az egyik zeneszerző, aki közvetlenül előkészítette a klasszikus zene virágzását. instr. zene, G. Sammartini volt (78 szimfónia, számos szonáta és versenymű szerzője különböző hangszerek), kreativitásának jellegét tekintve közel áll a mannheimi és a korai bécsi iskolák képviselőihez. L. Boccherini munkáiban a gáláns érzékenység elemeit ötvözte a preromantikával. izgatja a pátosz és az emberekhez való közelség. források. Észre fogják venni. csellóművész, a szólógordonka irodalmat gazdagította, a komolyzene egyik megteremtője volt. típusú íjnégyes.

A művész élő és gazdag alkotó. fantasy, D. Scarlatti bővítette és aktualizálta a clavier zene figurális szerkezetét és kifejezőeszközeit. Csembalóra írt szonátái (a szerző „gyakorlatoknak” nevezte őket - „Essercizi per gravicembalo”), amelyek karakterük és előadásmódjuk sokszínűségében feltűnőek, a kor klavierművészetének egyfajta enciklopédiája. Scarlatti világos és tömör szonátáiban a tematikus témák kiéleződnek. a kontrasztok egyértelműen meghatározottak. szakaszai a szonáta-kiállításnak. Scarlatti után billentyűs szonáta B. Galuppi, D. Alberti (akinek nevéhez fűződik az albertai basszusok definíciója), G. Rutini, P. Paradisi, D. Cimarosa munkáiban fejlesztették ki. M. Clementi, miután elsajátította D. Scarlatti modorának bizonyos aspektusait (amely különösen 12 scarlatti stílusú szonáta megalkotásában nyilvánult meg), majd közel került a fejlett klasszikus zene mestereihez. stílusban, és néha eljut a romantika eredetéhez. virtuozitás.

A hegedűkészítés történetében új korszakot nyitott N. Paganini. Előadóként és zeneszerzőként tipikusan romantikus művész volt. raktár Játéka ellenállhatatlan benyomást keltett a hatalmas virtuozitás és a tüzes képzelet és szenvedély kombinációjával. Mn. prod. Paganini ("24 Caprices" szólóhegedűre, versenyművek hegedűre és zenekarra stb.) továbbra is felülmúlhatatlan példái a virtuóz hegedűirodalomnak. Nemcsak a 19. századi hegedűzene teljes későbbi fejlődését befolyásolták, hanem a romantikus mozgalom legnagyobb képviselőinek munkásságát is. zongoraművészet - F. Chopin, R. Schumann, F. Liszt.

Paganini volt az utolsó a nagy olaszok közül. a szerszámok területén dolgozó mesterek. zene. A 19. században a zeneszerzők és a közönség figyelme szinte teljes egészében az operára összpontosult. század fordulóján a XVIII-XIX. Az olasz opera az ismert stagnálás időszakát élte át. Hagyományos az opera seria és opera buffa típusai ekkorra már kimerítették képességeiket és nem tudtak fejlődni. A legnagyobb olasz kreativitása. operaszerző ez idő G. Spontini Olaszországon kívül (Franciaországban és Németországban) zajlott. S. Mayr (nemzetileg német) próbálkozásai az opera seria hagyományainak támogatására (bizonyos kölcsönelemek beoltásával) eklektikusnak bizonyultak. Az opera buffa felé vonzódó F. Paer semmi lényeges újdonsággal nem járult hozzá ehhez a műfajhoz Paisiello és Cimarosa munkásságához képest. (A zenetörténetben Paer neve megmaradt a J. Bouilly „Leonora, avagy házastársi szerelem” szövege alapján készült opera szerzőjeként, amely forrásul szolgált Beethoven „Fidelio” könyvtárosának. )

Olaszország nagy virágzása. operák a 19. században G. Rossini, a kimeríthetetlen dallamossággal tehetséges zeneszerző tevékenységéhez kapcsolódott. találékonyság, élénk, harsány temperamentum és összetéveszthetetlen dramaturgia. ösztön. Munkássága Olaszország általános felemelkedését tükrözte. kultúra, amelyet a hazafiasság növekedése okoz. nemzeti felszabadulás törekvéseit. Mélyen demokratikus, emberek. Eredete szerint Rossini operaművét címezték széles körre hallgatók. Felelevenítette a nemzeti típusú opera buffa, és új életet lehelt bele, kiélezve és elmélyítve az akció jellegzetességeit. személyeket, közelebb hozva őket a valósághoz. "A sevillai borbély" (1816) az olasz nyelv csúcsa. komikus operák. Rossini ötvözi a komikus kezdetet a szatirikussal, szabadon. Egyes operái közvetlen utalásokat tartalmaznak a társadalmakra. és politikai az akkori helyzetet. Az operákban vannak hősdrámák. karakterét, túltette magát az opera seria fagyos kliséin, különös tekintettel a kórusra. a kezdet. A narratívákat széles körben fejlesztik. jelenetek Rossini utolsó, a „William Tell” című operájában (1829) a nemzeti felszabadulásról. a cselekmény romantikusan értelmezve. terv.

A romantika élénk kifejezést kap. V. Bellini és G. Donizetti munkásságának trendjei, akiknek tevékenysége a 30-as években kezdődött. században, amikor a nemzeti mozgalom A reneszánsz (Risorgimento) Olaszországban az egységért és a politikai harc döntő szakaszába lépett. az ország függetlensége. Bellini „Norma” (1831) és „A puritánok” (1835) című operájában egyértelműen hallatszik a nemzeti felszabadulás. motívumok, bár a fő hangsúlyt a szereplők személyes drámájára helyezte a zeneszerző. Bellini a kifejezés mestere volt. romantikus cantilena, amely felkeltette M. I. Glinka és F. Chopin csodálatát. Donizetti erős drámákra vágyik. effektusok és akut helyzetek olykor zökkenőmentes melodrámát eredményeztek. Ezért az ő nagy romantikája. operák („Lucretia Borgia”, V. Hugo szerint, 1833; „Luciadi Lammermoor”, V. Scott szerint, 1835) kevésbé életképesnek bizonyultak, mint a produkció. vígjáték műfaja ("Elisir of Love", 1832; "Don Pasquale", 1843), amelyben hagyományok. Olasz típusú Az opera buffa új vonásokat kapott: megnőtt a műfaji háttér jelentősége, a dallam a mindennapi romantika és a dal intonációival gazdagodott.

J. S. Mercadante, G. Pacini és néhány más, ugyanebben az időszakban született zeneszerző munkássága egymástól függetlenül nem különbözött egymástól. egyéni vonásait, hanem az operai forma dramatizálására és a zenei kifejezés gazdagítására irányuló általános tendenciát tükrözte. alapok. Ebben a tekintetben közvetlenek voltak. G. Verdi elődei - nemcsak Olaszország, hanem a világzene egyik legnagyobb opera drámaírója. t-ra.

Verdi korai operái, amelyek a 40-es években jelentek meg a színpadon. századi, stilisztikailag még nem teljesen független („Nabucco”, „Lombardok az első keresztes hadjárat", "Ernani"), hazafias pátosszal, romantikus érzelmek feldobásával, hősiesség szellemével és szabadságszeretetével keltették fel a közönség lelkes lelkesedését. Az 50-es évek alkotásaiban ("Rigoletto", "Il Trovatore", " La Traviata") a képek nagy lélektani mélységét, a heveny, heves lelki konfliktusok megtestesítőjének erejét és hitelességét ért el. Verdi vokális írása megszabadult a külső virtuozitástól, a passzornamentációtól, a dallamvonal szervesen szerves elemévé vált, kifejező értelmet kapott. A 60-70-es évek operáiban ("Don Carlos", "Aida") a zenei drámai cselekmény széles rétegeinek további azonosítására, a zenekar szerepének erősítésére, a zenei nyelv gazdagítására törekszik. operák - "Othello" (1886) Verdi olyan komplett zenedrámák megalkotásáig jutott, amelyekben a zene elválaszthatatlanul kapcsolódik a cselekményhez, és rugalmasan közvetíti annak pszichológiai árnyalatait.

Verdi követői, köztük A. Ponchielli, a La Gioconda (1876) című népszerű opera szerzője nem tudta új lényekkel gazdagítani operai elveit. eredményeket. Verdi munkássága ugyanakkor a wagneri zenedrámák hívei ellenállásába ütközött. reformokat. A wagnerismusnak azonban nem volt mély gyökerek Olaszországban Wagner hatása egyes zeneszerzőknél nem annyira az operadramaturgia elveiben, mint inkább a harmonikus technikákban volt érezhető. és ork. leveleket. A wagneri irányzatok tükröződtek Boito „Mefisztó” című operájában (1868), aki később eltávolodott Wagner iránti szenvedélyének szélsőségeitől.

In con. 19. század A verizmus elterjedt Olaszországban. Mascagni „Honor Rusticana” (1890) és Leoncavallo „Pagliacci” (1892) című operájának óriási sikere hozzájárult ahhoz, hogy ez a mozgalom dominánssá váljon Olaszországban. operai kreativitás. A verizmust U. Giordano (művei közül a leghíresebb az André Chénier című opera, 1896) és F. Cilea támogatta.

A legnagyobb olasz munkássága is ehhez az irányzathoz kapcsolódott. operaszerző Verdi után - G. Puccini. A prod. általában dedikált hétköznapi emberek drámája, színes hétköznapi háttér előtt. Ugyanakkor Puccini operái mentesek a verizmusban rejlő naturalista természettől. jellemzői, nagyobb lélektani finomság jellemzi őket. az elemzés, a lelkes líra és az írás eleganciája. Hűnek lenni a legjobb olasz hagyományokhoz. bel canto – élezte ki Puccini a deklamációt. a wok kifejezőképessége. dallamok, az éneklésben a beszédárnyalatok részletesebb visszaadására törekedett. Színes harmonikus és ork. operáinak nyelvezete az impresszionizmus bizonyos elemeit tartalmazza. Első kiforrott produkcióikban. ("La Boheme", 1896; "Tosca", 1900) Puccini Olaszországhoz is kötődik. századi operahagyomány, később stílusa összetettebbé vált, kifejezőeszközei nagyobb élességre, koncentráltságra tettek szert. Különös jelenség Olaszországban. operaművészet - E. Wolf-Ferrari munkája, aki megpróbálta modernizálni a klasszikust. típusú opera buffa, hagyományait ötvözve. formák stílusával a késői romantika eszközeivel ("Kíváncsi nők", 1903; "Négy zsarnok", 1906, Goldoni elbeszélései alapján). R. Zandonai, főleg a verizmus útját követve, közel került néhány új múzsához. századi áramlatok.

Kiváló eredmények Olaszországban. operák 19-kor – korán 20. századok az énekes előadók ragyogó virágzásához kapcsolódtak. kultúra. olasz hagyományok A 19. században kialakult Bel canto több művészetében fejlődik tovább. énekesek generációi, akik világhírűek voltak. Előadásuk ugyanakkor új vonásokat kap, líraibbá és drámaiabban kifejezőbbé válik. Egy tisztán virtuóz stílus utolsó kiemelkedő képviselője, aki feláldozta a drámát. tartalmat a hangzás szépsége és technikaisága érdekében. hang mobilitás, volt A. Catalani. A mesterek között olasz. wok iskolák 1. fele 19. század, Rossini, Bellini és Donizetti – Giudita és Giulia Grisi, G. Pasta, G. Mario, G. B. Rubini énekesek – operaműve alapján alakult. A 2. félidőben. 19. század „Verdi” énekesek galaxisa alakul ki, köztük A. Bosio, B. és C. Marchisio, A. Patti, M. Battistini, A. Masini, G. Anselmi, F. Tamagno, E. Tamberlik és mások énekesei. a 20. század dicsőség Olaszországnak az operát A. Barbi, G. Bellincioni, A. Galli-Curci, T. Dal Monte, E. és L. Tetrazzini énekesek, G. De Luca, B. Gigli, E. Caruso, T. Skipa énekesek támogatták, Titta Ruffo és stb.

A végétől 19. század az opera jelentősége az olasz kreativitásban. a zeneszerzők száma gyengül, és a figyelem középpontjában a hangszerek területe kerül át. műfajok. Az aktív kreativitás újjáélesztése. az eszközök iránti érdeklődés a zenét G. Sgambati (Európában zongoristaként és karmesterként kapott elismerést) és G. Martucci tevékenysége népszerűsítette. De mindkét zeneszerző munkássága, amely Liszt F. és R. Wagner hatására fejlődött ki, nem volt elég önálló.

Az új esztétika hírnökeként. ötletek és stíluselvek nagy hatással egész Európa fejlődésére. század zenéje F. Busoni, korának egyik legnagyobb zongoristája, jelentős zeneszerző és művészetteoretikus adta elő. Felvetette az „új klasszicizmus” fogalmát, amelyet egyrészt szembeállított az impresszionisztikussal. a képek gördülékenysége, az árnyalatok megfoghatatlansága, másrészt a schönbergi atonalizmus „anarchiája” és „önkénye”. A kreativitásod Busoni az elveket olyan művekben valósította meg, mint a „Kontrapuntal Fantasy” (1921), az „Improvizáció Bach-korál témára” 2 fp-ig. (1916), valamint a „Harlekin, avagy ablak”, a „Turandot” operák (mindkettő 1917. után), amelyekben felhagyott a kidolgozott wok-tal. olaszaik stílusát. elődei, és igyekeztek közelebb kerülni az ókori emberek típusához. vígjáték vagy bohózat.

Az olasz kreativitás a neoklasszicizmussal összhangban fejlődött. zeneszerzők, néha egyesülve a név alatt. „az 1880-as évek csoportjai” – I. Pizzetti, J. F. Malipiero, A. Casella. Arra törekedtek, hogy felelevenítsék a nagy nemzeti hagyományait. zene múlt, a formák és a stilisztika felé fordulva. Olasz technikák Barokk és dallamos gregorián ének. Propaganista és kutató régizene, Malipiero publ. Gyűjtemény C. Monteverdi művei, instr. prod. A. Vivaldi és sokak elfeledett öröksége. olasz századi zeneszerzők. Műveiben az ókori barokk szonáta, ricercar stb. formáit használja. Operái fő. expresszben. wok deklamáció és az ork fukar eszközei. con., tükrözze azt, ami a 20-as években történt. reakció a verizmus ellen. Casella munkásságának neoklasszikus irányzatai az fp. „Partitában” nyilvánultak meg. zenekarral (1925), "Scarlattiana" szvittel (1926), néhány zenés színházzal. prod. (például "Orpheus meséje" kamaraopera, 1932). Ugyanakkor olaszra fordult. folklór (rapszódia "Olaszország" zenekarra, 1909). Színes orkja. a levél nagyrészt az orosz hatása alatt fejlődött ki. és francia iskolák (az orosz zene iránti szenvedély előtt tisztelgés volt Balakirev „Islamey” című művének hangszerelése). Pizzetti vallásos és moralizáló elemeket vitt be operáiba, és telítette a múzsákat. nyelvet a gregorián ének intonációival, anélkül, hogy egyúttal szakítana az italo hagyományokkal. századi operaiskola Számos különleges hely A zeneszerzők ebbe a csoportjába tartoznak O. Respighi, az ork mester munkái. hangfelvétel (kreativitásának kialakulását az N. A. Rimszkij-Korszakovval folytatott órák befolyásolták). A szimfóniában Respighi versei ("Római szökőkutak", 1916; "Róma Pineas", 1924) élénk képet adnak az emberekről. élet és természet. A neoklasszikus irányzatok csak részben tükröződtek későbbi munkáiban. Feltűnő szerep az I. m. 1. félidőben. 20. század F. Alfano, a verisztikus mozgalom legkiemelkedőbb képviselője alakítja (L. N. Tolsztoj regénye alapján készült „Feltámadás” opera, 1904), aki aztán impresszionizmussá fejlődött; M. Castelnuovo-Tedesco és V. Rieti, aki az elején. 2. világháború 1939-45 politikai szerint okok miatt elhagyták hazájukat és az Egyesült Államokban telepedtek le.

A 40-es évek fordulóján. 20. század észrevehető stíluseltolódások következnek be az I. m. A neoklasszicizmus irányzatait olyan mozgalmak váltják fel, amelyek valamilyen formában az új bécsi iskola alapelveit fejlesztik. A kreatív kreativitás jelzésértékű ebben a tekintetben. G. Petrassi evolúciója, aki A. Casella és I. F. Stravinsky hatására először a szabad atonalitás, majd a szigorú dodekafónia pozíciójába lépett. Ennek az időszaknak a legnagyobb zeneszerzője I.M. L. Dallapiccola, akinek munkássága a 2. világháború után keltett nagy figyelmet. Az ő prod. 40-es és 50-es évek megjelennek az expresszionizmus és a rokonság jegyei. A. Berg kreativitása. A legjobbak közülük a humanizmust testesítik meg. tiltakozás a zsarnokság és a kegyetlenség ellen ("Rabok énekei" kórus-triptichon, 1938-1941; opera "Fogoly", 1944-48), ami bizonyos antifasiszta irányultságot adott nekik.

A második világháború után kialakult fiatalabb nemzedék zeneszerzői közül L. Berio, S. Bussotti, F. Donatoni, N. Castiglioni, B. Maderna, R. Malipiero és mások váltak ismertté, munkásságukhoz sokféle fűződik. Az avantgardeizmus áramlatai - posztweberi szerializmus, szonorizmus (lásd: Soros zene, Sonorizmus), aleatorizmus, és tisztelgés az új hangeszközök formális keresése előtt. Berio és Maderna bázis. 1954-ben Milánóban a "Fonológiai Stúdió"-ban, amely kísérleteket végzett az elektronikus zene területén. Ugyanakkor e zeneszerzők egy része arra törekszik, hogy ötvözze az ún. a zene új kifejezőeszközei. avantgárd a 16-17. századi zene műfaji formáival és technikáival.

Különleges hely a modern időkben. I. m. L. Nono kommunista zeneszerző és aktív békeharcosé. Munkájában korunk legégetőbb témáival foglalkozik, igyekszik megtestesíteni a nemzetköziség eszméit. a munkások testvérisége és szolidaritása, tiltakozás az imperializmus ellen. elnyomás és agresszió. De az avantgárd művészet eszközei, amelyeket Nono használ, gyakran ütköznek a közvetlenség iránti vágyával. propaganda hatással van a hallgatók széles tömegeire.

Az avantgárd irányzatoktól eltekintve G.C. Menotti – olasz. az USA-ban élő és alkotó zeneszerző. Elsősorban az operához kötődő munkásságában a verizmus elemei bizonyos expresszionista színezetet kapnak, míg az igaz beszéd intonációjának keresése M. P. Muszorgszkijhoz való részleges közeledéséhez vezet.

A zenében élet Olaszországban fontos szerep tovább játssza az operai t-r-t. A világ egyik kiemelkedő operatársulata a milánói La Scala, amely 1778 óta létezik. Olaszország legrégebbi operaházai közé tartozik még a nápolyi San Carlo (alapítva 1737), a velencei Fenice (alapítva 1792). Nagy művészet. A Római Operaszínház jelentőségre tett szert (1880-ban nyílt meg Costanzi Színház néven; 1946-tól Római Opera). A legjelentősebb modernek között olasz operaművészek - G. Simionato, R. Scotto, A. Stella, R. Tebaldi, M. Freni énekesek; énekesek G. Becky, T. Gobbi, M. Del Monaco, F. Corelli, G. Di Stefano.

Nagy hatással volt az opera és a szimfónia fejlődésére. Az olaszországi kultúrát A. Toscanini, a 20. század egyik legnagyobb karmesterének tevékenysége befolyásolta. Az előadó zene jeles képviselői A művészek: P. Argento, V. De Sabata, G. Cantelli, T. Serafin, R. Fasano, V. Ferrero, C. Zecchi; zongoraművész A. Benedetti Michelangeli; J. DeVito hegedűművész; E. Mainardi csellóművész.

Elölről 20. század A zenekutatás intenzív fejlődésnek indult Olaszországban. és kritikus gondolat. Eszközök. hozzájárulás a zenetudományhoz. az örökséghez G. Barblan (az Olasz Zenetudományi Társaság elnöke), A. Bonaventura, G. M. Gatti, A. Della Corte, G. Pannain, G. Radiciotti, L. Torchi, F. Torrefranca és mások, M. Zafred zenetudósok járultak hozzá és M. Mila munkája elsősorban. a zene területén. kritikusok. Számos múzsát adnak ki Olaszországban. folyóiratok, beleértve "Rivista Musicale italiana" (Torino, Milánó, 1894-1932, 1936-1943, 1946-), "Musica d"oggi" (Milánó, 1919-40, 1958-), "La Rassegna Musicale" (Torino, 1928-40) Róma, 1941-1943, 1947-62), "Bolletino Bibliografico Musicale" (Milánó, 1926-33, 1952-), "Il Convegno Musicale" (Torino, 1964-) stb.

Számos enciklopédiát adtak ki, amelyeknek szentelték. zene és t-ru, beleértve "Enciclopedia della musica" (1-4. v., Mil., 1963-64), "Enciclopedia dello spettacolo" (1-9. v., Roma, 1954-62).

A különlegesek között zene uch. A legnagyobb intézmények a télikertek: "Santa Cecilia" Rómában (1876-ban alapították zenelíceumként, 1919 óta - télikert); G. B. Martini neve Bolognában (1942-től; 1804-ben alapították zenelíceumként, 1914-től konzervatóriumi rangot kapott); őket. Benedetto Marcello Velencében (1940-től, 1877-ben alapították zenelíceumként, 1916-tól egyenértékű felsőfokú iskolával); Milanskaya (alapítva 1808-ban, 1901-ben G. Verdiről nevezték el); őket. L. Cherubini Firenzében (1849-ben alapították zeneintézetként, majd zeneiskolaként, Zeneakadémián, 1912-től pedig konzervatóriumként). Prof. A zenészeket az egyetemek zenetörténeti intézetei, a Pápai Ambrosianus Szakrális Zenei Intézet stb. is képezik. Ezekben az iskolákban. intézményekben, valamint a Verdi-hagyatékot kutató Intézetben zenetudományt folytatnak. Munka. Az Internacionálét Velencében alapították. Olasz propagandaközpont zene, amely évente szervez nyári tanfolyamokat („Musical Vacations”) az ókori itáliai nyelv tanulmányozásáról. zene. Az Ambrosian Library és a Milánói Konzervatórium könyvtára kiterjedt kotta- és zenei könyvekkel rendelkezik. Az ősi hangszerek, kották és könyvek tárháza széles körben ismert (a Bolognai Filharmonikus Akadémia könyvtárában, G.B. Martini könyvtárában és a bolognai San Petronio kápolna archívumában található). A leggazdagabb anyagok az olasz történelemről. zenének megvan a Nemzeti. Marciana Könyvtár, D. Cini Alapítvány könyvtára és a Zene Múzeum. hangszerek a velencei konzervatóriumban.

Olaszországban számos. zene szervezése és végrehajtása. csapatok. Rendszeres szimfóniák koncerteket adnak: a La Scala és a Fenice, National zenekarok. Akadémia "Santa Cecilia", Olaszország. rádió és televízió Rómában, az "Afternoon Music Playing" ("Rommerigi musicali") társaság zenekara, amely elsősorban fellép. spanyolból modern zene, kamarazenekarok „Angelicum” és „Virtuosi of Rome”, az „Ambrosian Polyphony” társaság, amely a középkor, a reneszánsz és a barokk zenéjét népszerűsíti, valamint a bolognai „Comunale” bolognai színház zenekara kamarazenekarés más csoportok.

Számos rendezvényt tartanak Olaszországban. zene fesztiválok és versenyek: Int. modern fesztivál zene (1930-tól Velence), "Firenzei Musical May" (1933-tól), "Két világ ünnepe" Spoletóban (1958-tól, alapítója G.C. Menotti), "Új zene hete" (1960-tól Palermo), zongora című versenyt F. Busoni Bolzanóban (1949-től évente), zenei és táncverseny névadója. G. B. Viotti Vercelliben (1950-től évente), névadó verseny. A. Casella Nápolyban (1952-től 2 évente, 1960-ig zongoristák vettek részt, 1962-től - zeneszerzők is), hegedűverseny. N. Paganini Genovában (1954-től évente), zenekari verseny. karmesterek Rómában (1956-tól 3 évente, a "Santa Cecilia" Nemzeti Akadémia alapította), zongoraverseny. E. Pozzoli Seregnóban (1959-től kétévente), fiatal karmesterek versenye. G. Cantelli Novarában (1961-től 2 évente), "Verdi Voices" énekverseny Bussetóban (1961-től évente), kórusverseny. névadó kollektívák Guido d'Arezzo Arezzóban (1952-ben alapították, mint országos, 1953-tól - nemzetközi; évente, más néven "Polyfonico"), G. Casado csellóverseny Firenzében (1969-től 2 évente).

Az olaszok között zene társaság - Új Zenei Társaság (a Nemzetközi Kortárs Zenei Társaság szekciója; 1917-ben alapították National Music Society néven, 1919-ben átalakult Olasz Kortárs Zenei Társasággá, 1923-tól - Corporation), Zenei Szövetség könyvtárak, Zenetudományi Társaság stb. Olaszországban rengeteg munka folyik. zene „Ricordi and Co.” (alapítva 1808-ban) kiadó és kereskedelmi vállalat, amely számos helyen rendelkezik fiókkal. országok.

Irodalom: Ivanov-Boretsky M.V., Zenetörténeti antológia, 1. köt. 1-2, M., 1933-36; ő, Zenetörténeti anyagok és dokumentumok, 2. kötet, M., 1934; Kuznetsov K. A., Zenés és történelmi portrék, ser. 1, M., 1937; Livanova T., A nyugat-európai zene története 1789-ig, M. - L., 1940; Gruber R.I., Általános zenetörténet, első rész, M., 1956, 1965; Khokhlovkina A., Nyugat-Európai Opera. 18. vége - 19. század első fele. Esszék, M., 1962; Az európai művészettörténet története: az ókortól a 18. század végéig, M., 1963; Az európai művészettörténet története. 19. század első fele, M., 1965.

Kulturálisan patchwork Olaszország felülmúlhatatlan mestereket adott a világnak a művészet területén. De magukra az olasz zseniális alkotókra is hatással volt a népi kultúra, pl. dallamos olasz dalok. Szinte mindegyiknek van szerzője, ami azonban nem akadályozza meg őket abban, hogy népiesnek nevezzék őket.

Ez valószínűleg az olaszok zenélés iránti természetes szeretetének köszönhető. Ez az állítás Olaszország minden régiójára vonatkozik Dél-Nápolytól Észak-Velencéig, amit az országszerte megrendezett számos dalfesztivál is megerősít. Az olasz dalt az egész világon ismerik és szeretik: szüleink még mindig emlékeznek a „Bella Ciao” ​​és az „On the Road” című olasz népdalokra, amelyeket a muszlim Magomajev énekel, aki a dalok legjobb előadójaként ismert az országban.

Olasz népdalok ősidők óta

Ha az olasz nyelv a 10. századra fejlődött ki, akkor a kutatók az olasz népdalok megjelenését a 13. század legelejének tulajdonítják. Ezeket a dalokat utazó zsonglőrök és zsonglőrök énekelték a városi tereken ünnepek alatt. A téma számukra a szerelem vagy a család volt mindennapi történetek. Stílusuk kissé durva volt, ami a középkorban teljesen természetes.

A leghíresebb dal, ami eljutott hozzánk, a szicíliai Ciullo d'Alcamo „Contrasto” („Szerelmi vita”) címet viseli. Egy lány és egy belé szerelmes fiú párbeszédéről szól. Ezen kívül hasonló párbeszédes dalok ismertek: „A lélek és a test vita”, „A barna és a szőke vita”, „A frivol és a bölcs vita”, „A tél és a nyár vita” .

A reneszánsz idején az otthoni zenélés divatja terjedt el Olaszország lakosai között. A hétköznapi városlakók a zenebarátok köreiben gyűltek össze, ahol különféle hangszereken játszottak, szavakat, dallamokat komponáltak. Azóta a dalok széles körben elterjedtek a lakosság minden rétegében, és mindenhol hallhatóak Olaszországban.

Hangszerek és olasz népdalok

Beszélni valamiről folklór lehetetlen nem is beszélni a hangszerekről, amelyek kíséretében adták elő. Itt van néhány közülük:

• Hegedű, amely modern megjelenését a 15. században kapta. Ezt a népi eredetű hangszert nagyon szeretik az olaszok.
• A lant és pireneusi változata, a vihuela. Pengetős hangszerek, amelyek a 14. században egész Itáliában elterjedtek.
• Csörgődob. Egyfajta tambura, amely Provence-ból érkezett Olaszországba. A táncosnő elkísérte magát velük a tarantella előadása közben.
• Fuvola. A 11. században terjedt el. Nagyon gyakran használja az előadó egy tamburával együtt.
• A hordóorgona egy mechanikus fúvós hangszer, amely a 17. században vált népszerűvé Olaszországban. Különösen szerették az utazó zenészek között, emlékezzetek Papa Carlóra.

Olasz népdal „Santa Lucia” – a nápolyi zene születése

Nápoly a fővárosa a Campania régió, a legtöbb híres város Dél-Olaszországban és a lenyűgözően lírai nápolyi népdal, a gyönyörű „Santa Lucia” otthona.

A természet rendkívüli szépsége, enyhe éghajlata és kényelmes elhelyezkedése az azonos nevű öböl partján rendkívül vonzóvá tette ezt a várost és környékét számos hódító és egyszerű telepes számára. Ez a város több mint 2500 éve számos kultúrát befogadott és újraértelmezett, ami nem tudta, de hatással volt a régió zenei hagyományaira.

A nápolyi népdal születését a 13. század elejének tekintik, amikor is nagy népszerűségnek örvendett a Felkél a nap című dal. Ez az olasz reneszánsz hajnala. Az olasz városok rohamos fejlődésének ideje és az emberi tudat kialakulásának kezdete a sötét középkorból. Ekkorra az emberek már nem tartották bűnösnek a táncokat és a dalokat, és megengedték maguknak, hogy élvezzék az életet.

A XIV-XV században. A nép körében népszerűek voltak a humoros kuplék, melyek a nap témájában készültek. A 15. század második felében Nápolyban keletkezett a villanelle (olasz falusi ének) - több szólamú kuplék, lant kíséretében.

Az általunk ismert nápolyi népdal virágkora azonban a XIX. Ebben az időszakban jelent meg a leghíresebb olasz „Santa Lucia” dal, amelyet Teodoro Cottrau adott ki. A barcarolle műfajában íródott (a barka szóból), ami azt jelenti, hogy „hajós ének” vagy „dal a vízen”. A dalt nápolyi dialektusban énekelték, és Santa Lucia tengerparti város szépségének szentelték. Ez az első nápolyi mű, amelyet dialektusból olaszra fordítottak. Enrico Caruso, Elvis Presley, Robertino Loretti és sok más világhírű művész adta elő.

Eredeti nápolyi szöveg

Comme se fr?cceca la luna chiena…
lo mare ride, ll'aria? szeréna...
Vuje che facite ‘mmiez’a la via?
Santa Lucia! Santa Lucia!

II Stu viento frisco, fa risciatare, chi v?’ spassarse j?nno pe’ mare…
E’ pronta e lesta la varca mia… Santa Lucia!
Santa Lucia! III La t?nna ? posta pe’ f? az ár...
e quanno stace la panza chiena, non c’? la m?nema melanconia!

Santa Lucia! Santa Lucia!
P?zzo accostare la varca mia?
Santa Lucia!
Santa Lucia!…

Klasszikus olasz szöveg (Enrico Cossovich, 1849)

Sul mare luccica l'astro d'argento.

Sul mare luccica l'astro d'argento.
Placida? l'onda, prospero? il vento.

Santa Lucia! Venite all'agile barchetta mia, Santa Lucia! Santa Lucia!

Con questo zeffiro, cos? soave, Oh, com’? bello star sulla nave!
Su passegieri, venite via!
Santa Lucia!
Santa Lucia!

Su passegieri, venite via!
Santa Lucia!
Santa Lucia!

In fra le tende, bandir la cena In una sera cos? szeréna,

Santa Lucia!
Santa Lucia!
Chi non dimanda, chi non desia.
Santa Lucia!
Santa Lucia!


Mare s? placida, vento s? caro,
Scordar fa i triboli al marinaro,
E va gridando con allegria,
Santa Lucia! Santa Lucia!

E va gridando con allegria,
Santa Lucia! Santa Lucia!


O dolce Napoli, o suol beato,
Ove sorridere volle il creato,
Tu sei l'impero dell'armonia,
Santa Lucia! Santa Lucia!

Tu sei l'impero dell'armonia,
Santa Lucia! Santa Lucia!


Vagy che tardate? Bella? la sera.
Spira un'auretta fresca és leggiera.
Venite all'agile barchetta mia, Santa Lucia!
Santa Lucia!

Venite all'agile barchetta mia, Santa Lucia!
Santa Lucia!

Orosz szöveg

A tenger lélegzik egy kicsit
Álmos békében,
A szörf suttogása messziről hallatszik.
Nagy csillagok világítottak az égen, Santa Lucia, Santa Lucia!
Ó, micsoda este - Csillagok és tenger!
Enyhe szél fúj a hegyláb felől.

Arany álmokat idéz,
Santa Lucia, Santa Lucia!
Egy csónak, mint a hattyú
A távolba lebeg
Csillagok az égen
Fényesen világít.

Csodálatos dal
hallom az éjszakában
Santa Lucia,
Santa Lucia!
Este a tenger felett
Csupa bágyadtság
Csendben visszhangozunk
Ismerős a dal.

Ó, Nápolyom
A rokonok adták
Santa Lucia,
Santa Lucia!
Holdfény
Ragyog a tenger.

Kedvező szél
A vitorla felemelkedik.
A hajóm könnyű
Az evezők nagyok...
Santa Lucia,
Santa Lucia!

A függönyök mögött
Félreeső csónakok
Elkerülhető
Szerénytelen pillantások.
Hogyan lehet bezárva lenni
Ilyen éjjel?

Santa Lucia,
Santa Lucia!
Csodálatos Nápolyom,
Ó, kedves föld,
Ahol mosolyog
A menny boltozata értünk van.

Gyönyörködtet a lélekben
Földöntúlon zuhog...
Santa Lucia,
Santa Lucia!
Mi könnyű mályvacukrok vagyunk
Rohanjunk a távolba
És szárnyaljunk a víz felett, mint egy sirály.

Ó, ne veszítsd el
Arany óra...
Santa Lucia,
Santa Lucia!

A tenger nyugodt
Mindenki csodálja
És jaj a tengerészeknek
Azonnal elfelejtik
Csak énekelnek
A dalok lendületesek.

Santa Lucia,
Santa Lucia
mire vársz még?
Csend a tengeren.
Ragyog a hold
A kék kiterjedésben
A hajóm könnyű
Az evezők nagyok...

Santa Lucia,
Santa Lucia!
***

Hallgassa meg a Santa Lucia olasz népdalt Anastasia Kozhukhova előadásában:

Emellett egy másik nápolyi dal, a Dicitencello vuie is híres hazánkban, nálunk inkább a „Mondd el a lányokat a barátnődnek” néven. A dalt 1930-ban Rodolfo Falvo zeneszerző írta Enzo Fusco szövegével. Az orosz nyelvű változatot Szergej Lemesevtől Valerij Leontyevig a legtöbb hazai művész előadta. Az orosz mellett ezt a dalt sok más nyelvre is lefordították.

A nápolyi dalok példátlanul ismertek és kedveltek szerte a világon. Ezt bizonyítja egy incidens, amely az 1920-as antwerpeni olimpiai játékokon történt. Az olasz csapat díjátadóján kiderült, hogy a belga zenekarnál nem voltak az olasz himnusz hangjai. És akkor a zenekar felrobbant az „O my sun” („O sole mio”). A dallam legelső hangjainál a stadionban jelenlévő közönség énekelni kezdett a dal szavaira.

Nápoly és környéke dalhagyományairól szólva nem szabad megemlíteni a Piedigrotta fesztivált, amelyet minden évben szeptember elején rendeznek meg. A Piedigrotta egy Nápoly közelében található barlang, amely egykor pogány szentélyként szolgált. 1200-ban ennek a helynek a felszentelésére itt emelték fel a Mária-templomot, amely Piedigrotta néven vált ismertté, ami azt jelenti, hogy „a barlang lábánál”.

A Szűz Mária vallásos imádata és a tiszteletére rendezett ünnepségek idővel dalversennyé-fesztivállá alakultak. Ezen a zenei fesztiválon Nápoly legjobb népköltői és énekesei versenyeznek. Néha előfordul, hogy két dal ugyanannyi pontot ér el. És akkor a közönség két táborra oszlik, amelyek mindegyike készen áll arra, hogy ököllel megvédje kedvenc dallamát. Ha mindkét dal igazán jó, a barátság győz, és az egész város dúdolja ezeket a kedvenc dallamokat.

Olasz népdal „Happy”

A mű szerelmi dalszövegekhez kapcsolódik, de a szöveg szavai kiemelik a fiatalság árulkodóságát, könnyelműségét. Az elbeszélés egy lány szemszögéből szól, aki mintha barátjához fordulna, és azt kérdezi: vajon tudja-e, mi rejtőzik a bálokra vetett szépségek kacér pillantásai mögött? A lány maga még nem szerelmes senkibe, ezért a legboldogabbnak és „bájosabbnak, mint az összes királynő” tartja magát. Egy fiatal olasz nő százszorszépek és ibolyák között sétál, hallgatja a madarak csiripelését, és arról énekel nekik, milyen boldog, és örökké csak őket akarja szeretni.

Valóban pontosan megjegyezték, hogy amíg a másik személy iránti szereteted nem válik fájdalmas kötődéssé, van időd élvezni az életet, a természetet és mindenkit, aki körülvesz. Hol veheted mindezt észre, ha ég a féltékenység és a szorongás?

Hallgassa meg a „Happy” olasz népdalt orosz nyelven Anastasia Teplyakova előadásában:

Humor az olasz népdalokban: a tésztáról énekelünk

A könnyed és vidám olasz karakter hozzájárult a humoros dalok széleskörű elterjedéséhez. Az ilyen művek közül érdemes megemlíteni a „Tészta” című dalt, amelyet ennek az igazán olasz ételnek szenteltek. Ennek a dalnak az éneklésével árvák és szegény családok gyermekei azzal keresték kenyerüket, hogy alamizsnáért koldultak a járókelőktől. Az előadó nemétől függően a szövegnek férfi és női változata van. A dal tarantellás ritmusban készül.

A Tarantella egy néptánc, amelyet a 15. század óta adnak elő. A tarantella általában egy ritmikusan ismétlődő motívumra épül. Érdekes módon az erre a dallamra való táncolást gyógyító gyógymódnak tekintették a tarantula által megharapott emberek számára. A zenészek ősidők óta járják Olaszország útjait, és kifejezetten a „tarantizmusban” szenvedőknek adják elő ezt a dallamot.

Tészta (férfi változat) M. Ulitsky fordítása

1. A romok között élek.
Gyakrabban vidám, mint szomorú.
romok között élek.
Gyakrabban vidám, mint szomorú.

Szívesen adnék egy asztalt, egy ágyat, egy erkélyes házat tésztának.

2. Ez az ízletes étel a köznép jó barátja.
Ez az ízletes étel az egyszerű emberek jó barátja.

De fontos emberek is esznek tésztát szósszal.

3. Szeretnéd tudni, hogyan élte túl a haldokló vörös bohóc?
Szeretné tudni, hogyan élte túl a haldokló vörös bohóc?

Shutovskaya levette a koronáját, és tésztára cserélte.

4. Eléneklik a Tarantellánkat, kivel menjek vacsorázni?
A mi Tarantellánkat éneklik, kivel menjek vacsorázni?

Csak kiabálok: "Tészta!" - Azonnal megjelennek a társak.

Tészta (női változat)

Feketébb vagyok, mint egy olajbogyó
Egyedül bolyongok hajléktalanul
És egy tambura hangjára
Kész vagyok egész nap táncolni
Megtáncolom neked a Tarantellát,
Csak legyél támogató
Adj egy soldot és megveszem
Tészta, tészta.

Pulcinello barátom
Nyíl sebesítette meg a szívét,
Csak én nem akartam Pulcinello felesége lenni.
Majdnem agyonlőtte magát
Majdnem kivetettem magam az erkélyről
De kigyógyultam a szenvedélyből,
Csak lenyelni a tésztát.

Összegyűjtöttem a bátyámat kirándulni,
Szerette maga mögött hagyta,
Hogyan készíthetem a katonákat
Mindenki sértetlen volt?
Nehogy elsüljenek a fegyverek,
Ki kell venni az összes patront,
A golyók helyett hadd repüljenek ki
Tészta, tészta.

Ha egy kicsit szomorú vagy,
Ha betegség nyomaszt,
Vagy néha üres a gyomrom,
A tészta jó neked!
Viszlát, senoritas,
Jó utat, Signori Donna,
Biztos nagyon tele vagy
És tészta vár rám!

Maccheroni

1.Io mi sono un poveretto senza casa e senza letto.
Io mi sono un poveretto senza casa e senza letto.

Venderei i miei canzoni per un sol piatto da maccheroni.

2. Pulcinella mezzo spendo vole a fare il testimento.
Pulcinella mezzo költött pocok a fare il testimento.

Purche avesse dai padroni un grosso piatto di maccheroni.

3. Ho veduto un buon Tenente che cambiava col Sergente.
Ho veduto un buon Tenente che cambiava col Sergente.

Le spalline pe’galloni per un sol piatto di maccheroni.

4. Tarantella si e cantata,
due carlini si e pagata.
Tarantella si e cantata,
due carlini si e pagata.
Sono allegro, o compagnoni,
ne comperemo de' maccheroni.
Sono allegro, o compagnoni,
ne comperemo de' maccheroni.
***

Hallgassa meg a „Pasta” olasz népdalt orosz nyelven Anna Zhikhalenko előadásában:

Velencei dalok a vízen

Dél-Nápoly mellett Olaszország északi gyöngyszeme, Velence is pompás és elképesztő dalhagyományokkal rendelkezik. Mindenekelőtt a gondolisok dalairól beszélünk. Ezek a szerelmi motívumok a barcarolle műfajhoz tartoznak. Nagyon dallamosak és nyugodtak.

Erős és gyönyörű hang a gondolás mintha visszhangozná az evezők lassú csapását a vízen. Furcsa, de egészen a 18. századig a barcarolle nem kapott kellő figyelmet a hivatásos zenészek részéről. A következő évszázadban azonban ezt a mulasztást bőven pótolták. Csajkovszkij, Mendelssohn, Chopin, Glinka csak néhány zenei zsenik, akiket magával ragadott a velencei népdal, és annak motívumait beépítették halhatatlan műveikbe.

Sajnos a modernitás negatív hatással van a velencei hagyományokra, beleértve a barcarolle-t is. Például turisták kérésére a gondolisok gyakran éneklik az „O Sole Mio” nápolyi dalt, bár a Gondoliers Association ellenzi az előadást, mivel az nem velencei.

Az olasz partizánok dala „Bella Ciao”

A híres partizándal, a „Bella Ciao” ​​(“Búcsú szépség”) szintén hihetetlenül népszerű. Az Ellenállás tagjai énekelték a második világháború alatt. Igaz, nem volt elterjedt egész Itáliában, hanem csak az ország északi részén, az Appenninekben.

A dalszövegeket feltehetően egy mentős vagy orvos írta. A dallam pedig egyértelműen a „Sleeping Potion” című gyerekdalból származik. Bár Luciano Granozzi, a Catania Egyetem modern történelem professzora szerint a „Bella Ciao”-t 1945-ig csak néhány partizáncsoport adták elő Bologna környékén.

E picchia picchia
la porticella
E picchia picchia

E picchia picchia
la porticella dicendo: "Oi bella, mi vieni aprir."
Con una mano ápr?
la porta e con la bocca
la gli d? un bacin.
La gh'ha dato un bacio cos? tanto forte
la suoi mamma la l'ha küldte?.
Ma cos'hai fatto, figliola mia,
che tutto il mondo parla mal di te?
Lascia pure che
il mondo ‘l diga: io voglio amare chi mi ama me.
Io voglio amare quel giovanotto ch’l’ha
fatt sett'anni di prigion per me.
L'ha fatt sett'anni e sette
mesi e sette giorni di prigion per me.
E la prigione
én? tanto scura,
mi fa paura,
la mi fa morir

Bella Ciao (az egyik lehetőség)

Ma reggel felébresztettek

Ma reggel felébresztettek
És az ablakon keresztül láttam az ellenséget!
Ó, partizánok, vigyetek el
Ó, bella ciao, bella ciao, bella ciao, ciao, ciao!
Ó, partizánok, vigyetek el,
Úgy érzem, közel a halálom!
Ha az a sorsom, hogy a csatában meghalok
Ó, bella ciao, bella ciao, bella ciao, ciao, ciao!
Ha az a sors, hogy a csatában meghalok, temessetek el.
Magasan a hegyekbe temessetek el
Ó, bella ciao, bella ciao, bella ciao, ciao, ciao!
Magasan a hegyekbe temessetek el
Egy piros virág árnyékában!

Ó, bella ciao, bella ciao, bella ciao, ciao, ciao!
Egy járókelő elhalad és meglátja a virágot
„Gyönyörű” – mondja majd – „virág!”
Ez lesz a partizán emléke
Ó, bella ciao, bella ciao, bella ciao, ciao, ciao!
Ez lesz a partizán emléke
Micsoda szabadság bátran esni!
***

Hallgassa meg az olasz partizánok „Bella, Ciao” ​​dalát a Pyatnitsky kórus előadásában:

Mindenki kedvenc partizándala a „Fischia il vento” („Fúj a szél”) volt, markáns kommunista jellege volt. Ezért a háború vége után az olasz kormány ideológiai okokból elkezdte népszerűsíteni a „Bella Ciao” ​​című dalt. Ezért csak köszönetet kell mondanunk neki. A dal mindenesetre a negyvenes évek végén, az 1947 nyarán Prágában megrendezett I. Nemzetközi Ifjúsági és Diákfesztivál után szerzett világhírnevet. Ezt követően számos híres és nem is olyan híres énekesek foglalkoztak vele a világ minden tájáról.

Az olasz népzene témája olyan terjedelmes, hogy lehetetlen egy cikkben közvetíteni. Ez annak a ténynek köszönhető, hogy Olaszország egész történelme tükröződik a népdalokban. A hihetetlenül dallamos nyelv, a fényűző természet és az ország viharos fejlődéstörténete olyan kulturális jelenséget adott a világnak, mint az olasz népdal.

← ←Szeretnéd hallani, hogy a barátaid megköszönik, hogy érdekes és értékes anyagot osztottak meg velük?? Ezután kattintson most a bal oldalon található közösségi média gombok egyikére!
Iratkozzon fel az RSS-re, vagy kapjon új cikkeket e-mailben.

Az olaszok szóbeli népművészete gazdag különféle műfajú alkotásokban. Az ország északi vidékein gyakoriak a lírai-elbeszélő költemények. Az olasz folkloristák úgy vélik, hogy ezek a versek a kelta eposzból származnak.

Közép- és Dél-Olaszországot a lírai költemények jellemzik - strambotti . Ez a fajta szóbeli népművészet először Szicíliából származik, ezért az ilyen verseket szicíliainak is nevezik. Ugyanezen a szigeten elterjedtek a moralizáló tartalmú vallásos történetek, versek (oktávban), a népi bábszínház előadásait a mai napig megőrizték ( opera del pupi ). Témáik főleg a francia eposzból származnak.

Az ország minden vidékén van népmese ( fiabe ), novellák (gassop- ti ), közmondások ( közmondás ) és találós kérdések ( indovinelli ).

Az olasz népdalok nagyon dallamosak, ritmusa, dallama és tartalma régiónként változik. Az ország északi és északnyugati részén gyakoriak az epikus-lírai dalok, amelyeket canzone-nak neveznek. Különösen jellemzőek Piemontra. Lehetséges, hogy Piemont volt az a terület, ahonnan a Franciaországból származó kanzon átterjedt Olaszország többi részére. Trentino, Veneto és Friuli régióit egy-trófeás lírai dalok jellemzik villotti , két négysorból áll.

Az egész világ ismeri a velencei gondolisok - barcarolles - dalait, melyeket sima dallamuk és az evezőcsapásnak megfelelő ritmusuk különböztet meg.

A szicíliai dalok nagyon változatosak - marinara, furnarian, vicariot stb.

A déli régiókban, különösen Campaniában, elsősorban a lírai dalok terjedtek el - stornellek, amelyek általában két rímbe foglalt tizenegy szótagos versből állnak. Ennek az egész műfajnak a neve - "nápolyi cesni" - Campagna fővárosából, Nápolyból származik. Nápoly külvárosában - Piedigrotta - évente rendeznek versenyt legjobb dal. Az ország minden részéből érkeznek ide résztvevők és hallgatók.

Szardínia szigetén nagyon elterjedtek a lírai monosztróf dalok, amelyek mind formai, mind tartalmi szempontból sok közös vonást mutatnak a spanyol szövegekkel.

Umbria lakosainak szóbeli népművészetének fő műfaja az úgynevezett vallásos költészet, főleg dalok, amelyek Krisztus életének epizódjairól mesélnek.

Olaszország számos területén nagyon dallamos altatódalokat énekelnek.

Az elmúlt évtizedekben az olasz népdalok a rádióban sugárzott zenei adások hatására nagyrészt elvesztették hagyományosságukat: dallam jellege és szókincse egyaránt változik. Így fél évszázada a népdalban, főleg azokban, ahol az elválásról énekelnek, megjelenik a vasút és a gőzhajó, az utóbbi években pedig még a repülő is. A dalok elvesztik allegorikus nyelvezetüket. Változott az epikus-lírai dalok szókincse is, például szablyák és fegyverek helyett pisztolyok, géppuskák jelentek meg bennük.

Tánc. Hangszerek

Egyes helyeken ma is táncolnak olasz néptáncokat, amelyek változatosságukkal, szépségükkel és előadásmódjukkal tűnnek ki. Alig néhány évtizeddel ezelőtt a déliek körében nagy népszerűségnek örvendett a tarantella (valószínűleg ősi eredetű tánc), melynek előadását általában tamburaverés kísérte. Lazióban nagyon gyors tempójú tánc volt - saltarello,

Párban táncolták, gitár kíséretében. A lombard tartományokban ma is az úgynevezett Bergamascát, a velencei tartományokban pedig egy friuli eredetű táncot - a Furlanát - táncolnak. Szicíliára jellemző lassú tánc- Szicília. Szardínia egyes területein egy nagyon ősi (valószínűleg görög) eredetű tánc, az ún duru - duru , vagy ballo ban ben tondo (tánc körtáncban). Általában ugrálás és sikoltozás kíséri.

Délen egyes helyeken megőrizték a rituális pantomim táncokat, amelyeket egyes vallási ünnepeken adnak elő. Calabria, Szicília és Basilicata egyes falvainak parasztjai a "hajó" néven ismert pantomimot adják elő. Tizenkét ember alkot piramist: hatan állnak a földön, négyen a vállán, ketten pedig a legtetején. A piramis ritmikusan mozog, éneklő parasztok tömege veszi körül.

Hagyományos dalokat és táncokat adtak elő kísérettel népi hangszerek. Az északi régiókban a gitár volt a leggyakoribb; Toszkánában, Lazióban és Campaniában találtak leggyakrabban dudát. Szardínia szigetén a dalokat és táncokat egy háromcsövű pipa játéka kísérte launedda . Az ország minden régiójának falvaiban egycsövű sípát, harmonikát és közönséges szájharmonikát, a városokban pedig mandolint játszottak.

BAN BEN Utóbbi időben, különösen a háború utáni időszakban az ókori néptáncok egyre inkább átadják a helyét a moderneknek, melyeket lemezjátszóra vagy magnóra táncolnak.

Népművészet és kézművesség

Olaszország szinte minden régiója híres valamilyen népi díszítőművészetről, amelyet évszázadok óta művelnek itt, átadva a készségeket és érzés szépség nemzedékről nemzedékre.

Kerámia

A kerámiamesterek termékei rendkívül színesek. Ennek a produkciónak több évszázados hagyománya van Olaszországban. Már a Vlll - VII században. időszámításunk előtt e. A görög kerámia a görög gyarmatosítókkal együtt behatolt az Appenninek-félsziget déli részére is. 6. századtól időszámításunk előtt e. Elterjedt a görög fekete- és vörösalakú kerámia. A római korban virágmintás, leggyakrabban domborműves edények jelentek meg, amelyeket fémes fényű vörös lakkal vontak be.

A kora középkorban a fazekasság, mint a népi kézművesség sok más területe, hanyatlásnak indult.

Az olasz kerámiaművészet új erőteljes felemelkedése a 15. században kezdődött. Termelő központok művészi kerámia a középkorban volt Faenza, Siena, Caffaggiolo, Castel Durante és még néhányan.

A 16. század első negyedéből. Az olasz kerámiagyártás élén Faenza városa állt, melynek nevéből ered a nemzetközi „clayans” szó, amely szűken értelmezve a finoman porózus szilánkokkal rendelkező fehér égetett agyagból készült termékeket. A fajanszt gyakran mázas kerámiának is nevezik - majolikának, amelyet szintén nagy számban gyártottak és továbbra is Faenzában gyártanak. A „majolika” elnevezés az egyik Baleár-szigetről - Mallorcáról (olaszul - Majolica) - származik, ahonnan 1115-ben a genovaiak először hoztak spanyol-mór kerámiaedényeket és mázas táblákat az Appenninek-félszigetre, amelyek az olasz fazekasok modelljévé váltak.

A majolikagyártás virágkorában (XV-XVII. század) sárgás és fehéres agyagot használtak, engób és ólommáz helyett ólom- és ón-oxid keverékéből készült, nem porózus, átlátszatlan mázzal vonták be. A hajót rálőtték magas hőmérsékletű, a máz összeolvadt a rá felvitt festéssel, és egységes fényes réteggé alakult, amely szilárdan tapadt a termék agyag alapjához.

Amit majolikának neveznek Olaszországban, az magában foglal mindenféle vörös agyagból készült kerámiaterméket ( föld cotta ) és fehérből, nagy pórusú szilánkkal, átlátszó mázzal borítva ( vernice ) vagy átlátszatlan zománc ( smalto ). A modern Faenza keramikusok nemcsak a múlt híres modelljeit utánozzák, hanem új modelleket is készítenek és új technikákat sajátítanak el. Napjainkban sok faenzai kézműves absztrakt formájú, festményekkel díszített edényeket készít, amelyek motívumait a modern absztrakt festészetből merítik.

Az Állami Kerámiai Intézet Faenzában található. Különböző országok keramikusai érkeznek ide, hogy fejlesszék képességeiket. Van még Nemzetközi Múzeum kerámia, ahol az olasz művészi kerámiák gyűjteményei koncentrálódnak. A város minden évben kerámia kiállításnak ad otthont.

A modern Olaszországban azonban a kerámiagyártást főleg a déli és szigeti régiókban fejlesztették ki: Puglia, Szicília, Abruzzo, Molise, Calabria, Szardínia, Marche és néhány más. Ezeken a vidékeken működő műhelyek és kisüzemek a háztartási kerámiákon (főleg parasztok által vásárolt étkészletek és konyhai edények) mellett dekorációs tárgyakat (edények, vázák, figurák) is gyártanak, amelyeket gyakran exportálnak vagy adnak el külföldi turistáknak.

Az ország minden déli régiójában közös edényformák: tál; boccale - egy nagy bögre vízhez vagy borhoz; bgossa - nagy gömb alakú edény, kifolyóval és egy vagy két fogantyúval, amelyben leggyakrabban bort tárolnak; mindenféle kulacs vízhez és borhoz: gömb alakú, rövid nyakú és egy fogantyúval; hasonló hozzájuk, de fogantyú nélkül; hosszúkás forma két fogantyúval; lapos fogantyúk nélkül, hurkokkal a kötél befűzéséhez; perec alakú stb.

Mindezeket az edényeket általában színes zománcokkal és mázzal borítják, és máz- vagy máz alatti festékekkel festik, néha domborműves figurákkal díszítik.

Olaszország számos régiója, és gyakran a kerámiagyártás egyéni központja is rendelkezik jellemzők az edényformák megválasztásában és művészi díszítésében egyaránt.

A szicíliai kerámiagyártás fő központja Caltad-Girone. A Terranova, Licata, Ajira, Partinico, Canicatti és Schiatta műhelyeiből is sok kerámia kerül ki.

A kora középkorban már ismert szicíliai virágvázák nagyon színesek - kegyelem . Gyakran emberi fej formájúak. A szicíliai lombikok testét gyakran ugyanabban a formában készítik. Az edények gyakran egy teljes hosszúságú emberi alak formájúak. Ezek a polikróm palackok ( fiaschetti ) és lámpák ( lucerni ). Caltagironében ezen kívül (a 17. századtól a mai napig) készülnek a szentek égetetlen agyagfigurái - presepi , amelyeket vallási ünnepeken szokás a szoba sarkában elhelyezni, Jézus Krisztus életének jeleneteit utánozva.

A művészi kerámiákon kívül különféle háztartási edényeket gyártanak, például nagy kvartár vízszállításhoz, levesestálak, kicsik cannate vízhez, borhoz és még sok máshoz.

A művészi kerámiagyártás legnagyobb központjai Szardínián Oristano, Sassari és Cagliari. A leghíresebbek az egész országban az Oristan vázák. Formájuk és díszeik a kerámiába nyúlnak vissza Ókori Görögország(ezekkel a vázákkal analógokat fedeztek fel az apuliai Canosában végzett ásatások során). Ezek öntözőedények nagy méretek, virágok, állatok vagy emberek domborműveivel díszítve.

Dorgali (Sassari) kommunában hagyományos megjelenés kerámia - edények készítése vörös agyagból háziállatfigurák formájában: mosókancsó kakas, tyúk, liba stb. formájában. Általában karcos mintával (graffitivel) vannak ellátva, és többszínű zománccal borítják . Cagliariban, akárcsak Szicíliában, emberi alakok formájú edényeket készítenek, amelyek legtöbbször helyi népviseletben nőket ábrázolnak.

Pugliában számos nagy kerámiagyártó központ található: Grottaglie, Rutigliano, Sansevero, Cerintola és néhány más. A Grottaglie polikróm mázas terrakotta műalkotásait országszerte terjesztik; előállításuk és díszítésük technikájában megőrződnek középkori hagyományok. Különféle edényeket (boccali, brokkoli stb.) polikróm festéssel borítanak (dominálnak a növényi díszek) fehér engóbon. A Grottaglie dél minden részét ellátja étkészlettel és konyhai eszközökkel.

Pugliában is készítenek hímzést utánzó domborművel díszített edényeket. Ez a terület a többszínű zománccal bevont játékok gyártásáról is híres. Leggyakrabban ezek különböző állatok alakú sípok: madarak, kakasok, kutyák, kígyók stb.

Abruzzóban a hagyományos lapos és gyűrű alakú lombik, edények és brocchik színes festményekkel fehér engóbon. A Palena kerámiáit élénk színek és nagyon fényes zománc jellemzi. Az engób tetejére hárompengés bögrék, kis nyakú guggoló lombik, lapos perec alakú lombikok vannak festve, legtöbbször virágfüzérekkel. Kastelliben az edényeket gyakran bevonják sárga, kék vagy zöld zománccal. Sok közülük, különösen a szobrocskák vagy az emberalakú lámpák, közel állnak a szicíliaihoz.

A kerámiagyártás fő központjai Calabriában: Seminara, Rende, Visignano, Terranova di Sibari, Corigliano Calabro, Vibo Valentina, Squillace, S. Andrea Ionico. A szemináriumon a terrakotta edényeket (leggyakrabban perec alakú lombikokat) virágok, madarak és állatok domborművei díszítik. Az öntözés uralkodó színei a zöld, a sárga és a narancs. Hazánkban nagy népszerűségnek örvendenek a Szemináriumon készült hal alakú lombik és az elegáns, vörös agyagból készült, többszínű mázzal bevont játékok.

Fő modern központok az umbriai kerámiagyártás - Deruta és Gubbio - középkori, sőt etruszk minták másolatait állítja elő, valamint műhelyeket e terület más központjaiban: Assisiben, Ficulle-ban stb.

Toszkánában a kerámiagyártás fő központja a Monte San Savino. Itt készülnek a középkori majolikát lemásoló nagy ételek. Általában fehér engóbbal vannak bevonva, amelyre festést alkalmaznak.

Pesaro Marche régiójában a keramikusok különféle, nagyon fényes, sötét színű (fekete, gesztenye vagy kávé) zománcokkal borított háztartási edényeket készítenek: kézmelegítőket, serpenyőket, leveses tálakat aratók számára, palackokat a bor kiszállításához, ivóvizet. hajók.

A mai epizód az olasz népzenének – ennek az országnak a dalainak és táncainak, valamint a hangszereknek – szól.

Azok, akiket olaszoknak szoktunk nevezni, nagy és kis népek kultúrájának örökösei, akik ősidők óta élnek az Appenninek-félsziget különböző vidékein. A görögök és etruszkok, az itálok (rómaiak) és a gallok rányomták bélyegüket az olasz népzenére.

Eseménydús történelem és buja természet, mezőgazdasági munka és vidám karneválok, őszinteség és érzelmesség, gyönyörű nyelv és zenei ízlés, gazdag dallamkezdet és ritmusok változatossága, magas énekkultúra és a hangszeres együttesek ügyessége - mindez az olaszok zenéjében nyilvánult meg . És mindez megnyerte más népek szívét a félszigeten kívül.

Olasz népdalok

Ahogy mondani szokták, minden viccben van egy szemernyi humor: az olaszok ironikus megjegyzését önmagukról, mint a dalszerzés és az éneklés mestereiről, világhírük is megerősíti. Ezért az olasz népzenét elsősorban a dalok képviselik. A szóbeli énekkultúráról persze keveset tudunk, hiszen az első példákat a késő középkorban jegyezték fel.

Az olasz népdalok 13. század eleji megjelenése a reneszánszba való átmenethez kötődik. Ekkor megjelenik az érdeklődés a világi élet iránt, az ünnepek alatt a városlakók szívesen hallgatják a szerelemről éneklő, családi és hétköznapi történeteket mesélő mesterembereket és zsonglőröket. És maguk a falvak és városok lakói sem idegenkednek az egyszerű kísérettel való énekléstől és tánctól.

Később kialakultak a fő dalműfajok. Frottola(fordítva „népdal, szépirodalom”) a 15. század vége óta ismert Észak-Olaszországban. Ez lírai dal 3–4 szólamra, utánzó többszólamú elemekkel és élénk metrikus akcentussal.

Már a 16. században könnyed volt, táncolható, háromszólamú dallammal villanelle(fordítva „falusi dalnak”) elterjedt volt egész Olaszországban, de minden város másként nevezte: Veneziana, Neapoletana, Padovana, Romana, Toscanella és mások.

Őt helyettesíti canzonetta(fordítva „dal”) egy kis dal, amelyet egy vagy több hangon adnak elő. Ő volt az, aki a jövő híres ária műfajának alapítója lett. A villanelle táncolhatósága pedig átköltözött a műfajba balett, – könnyedebb összetételű és karakterű, táncra alkalmas dalok.

Az olasz népdalok legismertebb műfaja ma az nápolyi dal (Dél-olaszországi Campania régió). Énekelt, vidám vagy szomorú dallamot mandolin, gitár vagy nápolyi lant kísért. Ki ne hallotta volna a szerelem himnuszát? "O sole mio" vagy az élet himnuszát "Mikulás Lucia", vagy egy himnusz a felvonóhoz "Funiculi Funicula", amely a Vezúv tetejére viszi a szerelmeseket? Egyszerűségük csak látszólagos: előadásukkor nem csak az énekes készségeinek szintje, hanem lelkének gazdagsága is kiderül.

A műfaj aranykora ben kezdődött 19 közepe században. Ma pedig Nápolyban, Olaszország zenei fővárosában tartják a Piedigrotta dalszöveg-dalfesztivált-versenyt (Festa di Piedigrotta).

Egy másik felismerhető márka az északi Veneto régióból származik. velencei dal a vízen vagy velencei gondolás dal(a barca fordítása „csónak”), nyugodt tempóban előadva. A 6/8 és a kíséret textúrája általában hullámzást közvetít, a dallam gyönyörű előadását pedig az evezőcsapások visszhangozzák, könnyen vízbe jutva.

Olaszország néptáncai

Olaszország tánckultúrája a hétköznapi, színpadi tánc műfajaiban alakult ki, ill moreski(Moriscos). A moreszkeket az arabok táncolták (akiket így hívtak - lefordítva a szó „kis mórokat” jelent), akik keresztény hitre tértek, és Spanyolországból való deportálás után az Appenninek-szigeteken telepedtek le. A színpadi táncok olyan táncok voltak, amelyeket kifejezetten az ünnepekre rendeztek be. A legelterjedtebb műfaj pedig a hétköznapi vagy társasági tánc volt.

A műfajok eredete a középkorba, kialakításuk a 15. századba, a reneszánsz kezdetéig nyúlik vissza. Ez a korszak kegyelmet és kecsességet hozott a durva és szórakoztató olasz néptáncokhoz. Gyors, egyszerű és ritmikus mozgások könnyed ugrásokba való átmenetekkel, teli lábról lábujjra emelkedéssel (a földitől az isteni felé vezető lelki fejlődés szimbólumaként), a zenei kíséret vidámsága - ezek a táncok jellemző vonásai.

Vidám energikus galliard páros vagy egyéni táncosok előadásában. A tánc szókincsében egy ötlépéses alapmozgás, sok ugrás és ugrás szerepel. Idővel a tánc üteme lassabb lett.

Egy másik, a galliardhoz lélekben közel álló tánc az saltarella– Közép-Olaszországban született (Abruzzo, Molise és Lazio régió). Nevét a saltare ige adta – „ugrani”. Ennek a párosnak a táncát 6/8-ban zene kísérte. Csodálatos ünnepeken – esküvőkön vagy a betakarítás végén – adták elő. A tánc szókincse kettős lépések és meghajlások sorozatát foglalja magában, a ritmusba való átmenettel. Modern karneválokon táncolják.

Egy másik ősi tánc otthona bergamasca(Bargamasca) Bergamo városában és tartományban található (Lombardia, Olaszország északi régiója). Ezt a paraszttáncot szerették Németország, Franciaország és Anglia lakói. Vidám, élénk és ritmusos zene négyszeres méterekkel, lendületes mozdulatokkal minden osztályt magával ragadott. A táncot W. Shakespeare említette a Szentivánéji álom című vígjátékban.

Tarantella- a leghíresebb néptáncok. Különösen a dél-olaszországi Calabria és Szicília régiókban kedvelték. A név pedig Taranto városából (Apulia régió) származik. A város a nevét is adta a mérgező pókoknak - tarantuláknak, amelyek hatásától állítólag a tarantella hosszú, kimerítő kivégzése mentette meg őket.

Egy egyszerű, ismétlődő kíséret-motívum a hármasokon, a zene élénksége és az éles irányváltással járó különleges mozgásminta különbözteti meg ezt a párban, ritkábban szóló táncot. A tánc iránti szenvedély legyőzte az üldözést: Barberini bíboros megengedte, hogy az udvarban adják elő.

A néptáncok egy része gyorsan meghódította egész Európát, sőt az európai uralkodók udvarába is került. A Galliardot például Anglia uralkodója, I. Erzsébet imádta, és egész életében ezt táncolta örömére. A bergamasca pedig felemelte XIII. Lajos és udvaroncainak hangulatát.

Számos tánc műfaja és dallama folytatta életét a hangszeres zenében.

Hangszerek

Kíséretként dudát, sípokat, szájharmonikákat és közönséges szájharmonikákat, vonósokat használtak pengetős hangszerek– gitárok, hegedűk és mandolinok.

Az írásos bizonyítékok a 12. század óta említik a mandolát, talán a lant egyszerűbb változataként készült (görögből „kis lant”). Mandorának, „mandolnak”, „pandurinának”, „bandurinának” is nevezték, egy kis mandolát pedig mandolinnak. Ennek az ovális testű hangszernek négy duplahuzalos húrja volt egyhangúan hangolva, nem pedig egy oktávra.

A hegedű, Olaszország többi népi hangszere mellett, az egyik legkedveltebb lett. Az Amati, Guarneri és Stradivari családból származó olasz mesterek tökéletesítették a 17. - a 18. század első negyedében.

A 17. században a vándorművészek, hogy ne zavarjanak a zenéléssel, elkezdték használni a hordóorgonát - egy mechanikus fúvós hangszert, amely 6-8 hangfelvételt reprodukált. kedvenc művei. Nem volt más hátra, mint a fogantyú elfordítása és az utcákon történő szállítás vagy cipelés. Kezdetben a hordóorgonát az olasz Barbieri találta fel énekesmadarak kiképzésére, de idővel az Olaszországon kívüli városlakók fülét kezdte kedvelni.

A táncosok gyakran segítettek maguknak kiütni a tarantella tiszta ritmusát egy tambura segítségével, amely egyfajta tambura, amely Provence-ból érkezett az Appenninek-szigetekre. Az előadók gyakran használtak egy furulyát a tamburával.

Ilyen műfaji, valamint dallami sokszínűség, tehetség és zenei gazdagság Az olasz nép nem csak az akadémiai, különösen az opera- és a popzene felemelkedését biztosította Olaszországban, hanem más országok zeneszerzői is sikeresen kölcsönözték.

Legjobb értékelés népművészet amelyet az orosz zeneszerző, M.I. Glinka, aki egykor azt mondta, hogy a zene igazi alkotója az emberek, a zeneszerző pedig a hangszerelő szerepét tölti be.