โลกศิลปะของยุคเรอเนซองส์ของอิตาลีแสดงออกอย่างไร? ลักษณะโดยย่อของยุคเรอเนซองส์

มีคนแย้งว่า: ถ้าคน ๆ หนึ่งไม่สนใจงานศิลปะเขาก็ไม่มีอะไรทำในอิตาลี ฟังดูเข้มงวดเกินไป แต่ก็มีความจริงอยู่บ้าง การได้อยู่ในอิตาลีและส่งต่องานศิลปะของอิตาลีเป็นเพียงการปล้นตัวเอง ตามที่ผู้เชี่ยวชาญระบุว่า สองในสามของงานศิลปะทั้งหมดกระจุกตัวอยู่ในอิตาลี ลองคิดดู: ในอิตาลีขนาดเล็ก - สองในสามและในโลกกว้าง - ในสามที่เหลือ

สำหรับเรา ทัสคานีจะยังคงเป็นแหล่งกำเนิดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการ ซึ่งทำให้โลกมีชื่อที่ยอดเยี่ยมมากมาย ยักษ์ใหญ่เช่น Giotto di Bondone, Michelangelo Buanarotti, Leonardo da Vinci, Sandro Botticelli เกิดที่นี่และใน Tuscan Florence ศิลปิน Raphael Santi, Perugino, Verrocchio, Ghirlandaio ก็ได้ก่อตั้งขึ้น ตามชาวอิตาลี อัจฉริยะชาวทัสคันทั่วโลกไม่ได้ถูกเรียกด้วยนามสกุล แต่เรียกตามชื่อจริงเท่านั้น: Giotto, Leonardo, Raphael, Michelangelo... เช่นพูดเรา - Alexander Sergeevich...

เราจะไม่มองอย่างใกล้ชิดไปไกลหลายร้อยปีหากยุคเรอเนซองส์เป็นเพียงขั้นตอนหนึ่งของการพัฒนาศิลปะ ไม่ ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของศตวรรษที่ 15-16 หมายถึงการปฏิวัติวิถีชีวิต: เป็นการเกิดขึ้นของมนุษยชาติจากยุคกลางที่มีความสัมพันธ์เกี่ยวกับระบบศักดินา การเปลี่ยนจากเผด็จการของระบบไปสู่การตระหนักรู้ถึงคุณค่าของ ความเป็นปัจเจกบุคคล อิสรภาพและความงามของมัน สาธารณรัฐเมืองการค้าที่เจริญรุ่งเรืองในทัสคานีซึ่งมีประชากร - พ่อค้า, ช่างฝีมือ, นายธนาคาร - ไม่ได้เกี่ยวข้องกับความสัมพันธ์ในยุคกลางที่แข็งกระด้างและหันไปหาความหมายที่ยังคงเป็นพื้นฐานของวิถีชีวิตชาวยุโรปตะวันตกอย่างเด็ดขาด ตรงกันข้ามกับคริสตจักร เริ่มมีการสร้างศูนย์วัฒนธรรมทางโลก ตอนนั้นเองที่การพิมพ์เริ่มขึ้นในยุโรป แนวคิดเรื่องมนุษยนิยมก่อตัวและเริ่มแพร่หลายในปรัชญาและจิตสำนึกสาธารณะ

เมื่อคุณเดินผ่านพิพิธภัณฑ์และพระราชวังต่างๆ ในเมืองฟลอเรนซ์ คุณขับรถมาระหว่างเนินเขาทัสคานีที่ปกคลุมไปด้วยไร่องุ่นและสวนมะกอก คุณอดไม่ได้ที่จะคิดว่าเหตุใดยุคเรอเนซองส์จึงเริ่มต้นที่นี่ในทัสคานี สาเหตุคืออะไร? เหตุใดดินแดนแห่งนี้จึงให้กำเนิดพรสวรรค์ขนาดมหึมามากมายในเวลาอันสั้น?

เป็นความจริงที่ว่าดินนี้มีน้ำใจและเอื้ออำนวยต่อผู้คนมากหรือ? หรือว่าคนธรรมดาทางโลกอยู่ร่วมกันอย่างใกล้ชิดกับสิ่งสวยงามและประเสริฐ? หรือบางทีสาเหตุอาจเป็นเพราะอารมณ์ตามธรรมชาติของทัสคานี ศิลปะ และความรู้สึกแห่งความงาม? หรือทุกอย่างเรียบง่ายกว่า และทั้งหมดนี้เกี่ยวกับไวน์ชั้นเลิศและอาหารเลิศรสที่ช่วยให้บุคคลมีความเบาสบาย มองโลกในแง่ดี และมีชีวิตชีวาอย่างไม่รู้จักเหน็ดเหนื่อย เราจะอธิบายความจริงที่ว่าผู้ปกครองทัสคานีและคนรวยประการแรกคือเมดิชิที่รู้เรื่องศิลปะมากมายรุ่นแล้วรุ่นเล่าจ่ายเพื่อความสามารถและนวัตกรรม แต่ไม่ได้จ่ายสำหรับความหยาบคายและกิจวัตรประจำวัน?

ยุคเรอเนซองส์

ตามกฎแล้วจุดเริ่มต้นของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาถือเป็นช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 15 แต่บางครั้งนักวิจัยระบุสิ่งที่เรียกว่าโปรโตเรอเนซองส์ของศตวรรษที่ 13-14 ที่เกี่ยวข้องกับกิจกรรมของ Giotto, di Combio, Cimabue และตระกูลปิซาโนซึ่งคาดการณ์และวางรากฐานสำหรับยุคเรอเนซองส์ในเวลาต่อมา

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้นมีอายุย้อนไปถึงปี 1420-1500 (ศตวรรษที่ 14) ในช่วงเวลานี้ แนวทาง เทคนิค และมุมมองใหม่ๆ เกี่ยวกับศิลปะได้เติบโตขึ้นผ่านหลักคำสอนที่มีอายุหลายศตวรรษ นี่คือยุครุ่งเรืองของ Gerlandaio, Verrocchio, Fra Filippo Lippi

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูงมีอายุย้อนไปถึงปี 1500-1527 ศิลปะยุคนี้เกี่ยวข้องกับการปรากฏของสมเด็จพระสันตะปาปาจูเลียสที่ 2 องค์ใหม่ในนครวาติกัน เป็นความคิดริเริ่มของ Julius II ที่ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาพระราชวังและวัดใหม่หลายแห่งถูกสร้างขึ้นในโรม รวมถึงโบสถ์คาทอลิกหลัก อาสนวิหารเซนต์ปีเตอร์ ตลอดจนจิตรกรรมฝาผนังและประติมากรรมที่สวยงามได้ถูกสร้างขึ้น มรดกแห่งยุคกลางได้ถูกกำจัดออกไปอย่างสิ้นเชิง ความงามอันสนุกสนานของยุคเรอเนซองส์ตอนต้นถูกแทนที่ด้วยความสงบและศักดิ์ศรีของผู้ใหญ่ สถาปัตยกรรม ประติมากรรม และจิตรกรรมมีความสอดคล้องและส่งเสริมซึ่งกันและกัน คำสั่งอันยิ่งใหญ่ของ Julius II ดำเนินการโดย Raphael, Michelangelo, Perugino, Leonardo ในเวลาเดียวกัน บอตติเชลลีได้สร้างผลงานที่ดีที่สุดของเขาในฟลอเรนซ์

นักวิจัยหลายคนสิ้นสุดยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาด้วยปี 1527 ซึ่งเป็นปีแห่งการกระสอบกรุงโรมโดยกองทัพทหารรับจ้างที่ทรยศและการขับไล่เมดิชีออกจากฟลอเรนซ์ภายใต้อิทธิพลของคำเทศนาที่กล่าวหาสังคมของซาโวนาโรลา แต่บ่อยครั้งกว่านั้นเป็นเรื่องปกติที่จะแยกแยะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลายตั้งแต่ปี 1527 ถึงปี 1620 ศิลปินที่โดดเด่นในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาส่วนใหญ่เสียชีวิตไปแล้ว กิริยาท่าทางเริ่มแข็งแกร่งขึ้นในงานศิลปะ แต่ Michelangelo, Correggio, Titian และ Palladio ซึ่งยังคงสร้างสรรค์ต่อไปได้ขยายยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาออกไปอีกหลายทศวรรษ

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในทัศนศิลป์

ศิลปะเรอเนซองส์เข้ามาแทนที่ศิลปะในยุคกลาง ซึ่งหลักการเขียนภาพไอคอนไบแซนไทน์มีอิทธิพลเหนือ หัวข้อส่วนใหญ่อย่างท่วมท้นในภาพนี้เป็นเรื่องเกี่ยวกับศาสนา แม้ว่าลูกค้าจะไม่ใช่โบสถ์ก็ตาม วีรบุรุษมักเป็นนักบุญ โดยมากมักเป็นพระแม่มารีที่รายล้อมไปด้วยเหล่าเทวดา ร่างนั้นถูกทำให้เป็นอุดมคติ (นักบุญไม่ควรมีเนื้อและเลือด) ความรู้สึกของวีรบุรุษนั้นเป็นแผนผัง: การกลับใจ, ความอ่อนน้อมถ่อมตน, ความอ่อนโยนทางศาสนา, ความกลัวทางศาสนา; องค์ประกอบมีความเรียบและไม่มีพื้นหลัง ความน่าสมเพชสูงของโครงเรื่องถูกเน้นด้วยพื้นหลังสีทองเรียบ ศิลปะเรียกร้องให้ยอมจำนนต่อโชคชะตาและแทบไม่มีอะไรเหมือนกันกับชีวิตเลย อันที่จริง ไม่มีอะไรจำเป็นจากงานศิลปะอีกแล้ว

ศิลปินยุคเรอเนซองส์ที่กบฏต่อหลักการเริ่มหันไปหางานศิลปะคลาสสิกของโรมันโบราณมากขึ้นเรื่อย ๆ และฟื้นฟูอุดมคติของมัน - ดังนั้นในความเป็นจริงแล้วคำว่ายุคฟื้นฟูศิลปวิทยานั้นเอง ธีมกลายเป็นสิ่งของในชีวิตประจำวันมากขึ้น ตัวละครในภาพวาดมีประสบการณ์กับความรู้สึกที่ทุกคนคุ้นเคย: ความโกรธ ความสุข ความสิ้นหวัง ความรักของแม่ ความเศร้าโศก ความเห็นอกเห็นใจ แม้แต่นักบุญก็ถูกวาดภาพโดยศิลปินว่าเป็นคนที่มีชีวิตไม่ใช่ไร้อารมณ์ทางโลก พื้นที่ของภาพวาดเต็มไปด้วยทิวทัศน์ทัสคานี เนินเขาเขียวขจี สวนมะกอก ไร่องุ่น และป่าไม้ ตัวแบบของภาพกลายเป็นร่างที่เปลือยเปล่ามากขึ้นเรื่อยๆ

ในส่วนนี้เราได้พยายามให้ข้อมูลบางอย่างเกี่ยวกับบุคคลที่สำคัญที่สุดของชาวอิตาลีเป็นหลัก ฟลอเรนซ์เรอเนซองส์โดยพยายามมุ่งเน้นไปที่สิ่งที่ทำให้ศิลปินแต่ละคนแตกต่างจากคนอื่นๆ และผลงานของเขาสามารถพบได้ที่ไหนในทัสคานี

"เรอเนซองส์" (ในภาษาฝรั่งเศส "เรอเนซองส์" ในภาษาอิตาลี "Rinascimento") เป็นคำที่จอร์โจ วาซารี สถาปนิก จิตรกร และนักประวัติศาสตร์ศิลป์แห่งคริสต์ศตวรรษที่ 16 นำมาใช้เป็นครั้งแรก เพื่อนิยามยุคประวัติศาสตร์ที่ถูกกำหนดโดยยุคเริ่มต้นของ การพัฒนาความสัมพันธ์กระฎุมพีในยุโรปตะวันตก การเคลื่อนไหวทางวัฒนธรรมอันยิ่งใหญ่นี้ได้รับการเรียกร้อง โดยการฟื้นฟูสมัยโบราณให้มีชีวิตใหม่หลังจากการลืมเลือนมานับพันปี และฟื้นฟูสิ่งที่ดีที่สุดในยุคกลางที่กำลังจะเสื่อมถอย เพื่อเปิดโอกาสในการพัฒนาวัฒนธรรมตะวันตกในยุคใหม่

วัฒนธรรมของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาที่เกี่ยวข้องกับการเกิดขึ้นของชนชั้นกระฎุมพีในสังคมศักดินาเป็นหลักมีต้นกำเนิดในอิตาลี คำว่า “ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา” ที่เกี่ยวข้องกับวัฒนธรรมในยุคนี้ไม่ใช่เรื่องบังเอิญ ในอิตาลี ซึ่งเป็นแหล่งกำเนิดของสมัยโบราณ อุดมคติโบราณของคนที่สวยงามและกลมกลืนกำลังได้รับการฟื้นฟู มนุษย์กลายเป็นประเด็นหลักของศิลปะอีกครั้ง ตั้งแต่สมัยโบราณมามีการตระหนักว่ารูปแบบที่สมบูรณ์แบบที่สุดในธรรมชาติคือร่างกายมนุษย์ แน่นอนว่านี่ไม่ได้หมายความว่ายุคฟื้นฟูศิลปวิทยาจะซ้ำรอยยุคโบราณในงานศิลปะ ตามที่นักประวัติศาสตร์ศิลป์ระบุไว้อย่างถูกต้อง ควรจำไว้ว่ามนุษยชาติไม่เคยแยกจากสมัยโบราณอย่างสิ้นเชิง ยกเว้นในศตวรรษที่ลึกที่สุดของความป่าเถื่อน (ศตวรรษที่ VI-VIII) และดังที่เราทราบเมื่อสิ้นสุดศตวรรษที่ 8 - เรียกว่า "การฟื้นฟู Carolingian" ไม่ว่าคำนี้จะธรรมดาแค่ไหนก็ตาม ต่อมาเรียกว่า "Ottonian" ในปลายศตวรรษที่ 10-11 ใช่แล้ว ในยุคกลางตอนปลาย กอทิกรู้จักปรัชญาโบราณ นับถืออริสโตเติล ประวัติศาสตร์ และบทกวี เบื้องหลังวัฒนธรรมของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาคือสหัสวรรษของยุคกลาง ศาสนาคริสต์ โลกทัศน์ใหม่ ซึ่งก่อให้เกิดอุดมคติทางสุนทรีย์ใหม่ ทำให้ศิลปะมีเนื้อหาใหม่และรูปแบบใหม่ วัฒนธรรมเห็นอกเห็นใจของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยานั้นเต็มไปด้วยความฝันของมนุษย์คนใหม่และการพัฒนาทางจิตวิญญาณใหม่ของเขา ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาโดดเด่นด้วยการรับรู้สมัยโบราณว่าเป็นอดีตอันไกลโพ้นดังนั้นจึงเป็น "อุดมคติที่เราปรารถนา" และไม่ใช่ "ความเป็นจริงที่สามารถใช้ได้ แต่ยังน่าเกรงขาม" (อี. พานอฟสกี)

สมัยโบราณในเวลานี้ได้รับคุณค่าที่เป็นอิสระ ทัศนคติต่อสิ่งนี้เป็นไปตามที่ระบุไว้อย่างถูกต้อง ไม่เพียงแต่และไม่ได้รับการศึกษามากเท่าความโรแมนติก แม้แต่ในหมู่ผู้เชี่ยวชาญด้านสมัยโบราณอย่าง Mantegna ก็ตาม ตั้งแต่สมัยโบราณ ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเริ่มมองว่ามนุษย์เป็นเพียงพิภพเล็ก ๆ “ซึ่งมีความคล้ายคลึงเล็กน้อย พื้นที่ขนาดใหญ่- จักรวาลมหภาค” ในทุกความหลากหลาย สำหรับนักมานุษยวิทยาชาวอิตาลี สิ่งสำคัญคือการที่บุคคลนั้นมุ่งความสนใจไปที่ตัวเขาเอง บุคคลนั้นเปิดกว้างต่อโลก ชะตากรรมของเขาส่วนใหญ่อยู่ในมือของเขาเอง - ในเรื่องนี้ ความแตกต่างพื้นฐานจากการรับรู้ของบุคคลในโลกยุคโบราณซึ่งตนได้รับคุณค่าตามระดับการมีส่วนร่วมในโลกของเทพเจ้า และศิลปินในยุคเรอเนซองส์ถูกมองว่าเป็นปัจเจกบุคคลเป็นหลัก

ยุคเรอเนซองส์ไม่ได้กลับคืนสู่สมัยโบราณเลย แต่เป็นการสร้างวัฒนธรรมใหม่ และนำยุคใหม่เข้ามาใกล้ยิ่งขึ้น การนับถอยหลังของเวลาใหม่จากยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเป็นเพียงหนึ่งในนักประวัติศาสตร์ด้านศิลปะและวัฒนธรรมเท่านั้น (สำหรับประวัติศาสตร์นี่ยังคงเป็นยุคกลาง และเวลาใหม่เริ่มต้นด้วยการปฏิวัติของศตวรรษที่ 17) สำหรับยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา "จิตใจที่เปลี่ยนแปลง ไม่ใช่ชีวิต จินตนาการ ไม่ใช่ความจริง วัฒนธรรม แต่ไม่ใช่อารยธรรม"

กรอบลำดับเวลาของยุคเรอเนซองส์ของอิตาลีครอบคลุมเวลาตั้งแต่วินาที ครึ่งสิบสามไปจนถึงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 16 ภายในช่วงเวลานี้ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาแบ่งออกเป็นหลายขั้นตอน: ช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 13-14 - ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาดั้งเดิม (ก่อนยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา) และ Trecento; ศตวรรษที่ 15 - ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาต้น (Quattrocento); ปลายศตวรรษที่ 15 - หนึ่งในสามแรกของศตวรรษที่ 16 - ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง (คำว่า Cinquecento มักใช้น้อยในทางวิทยาศาสตร์)

ในปี ค.ศ. 1527 กรุงโรมถูกไล่ออกโดยดินแดนเยอรมัน ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1530 ฟลอเรนซ์จากเมืองรัฐอิสระ ชุมชนเมือง ได้กลายเป็นเมืองศูนย์กลางธรรมดาของขุนนางศักดินา ปฏิกิริยาศักดินา - คาทอลิก (ต่อต้านการปฏิรูป) เริ่มต้นขึ้นและปี ค.ศ. 1530 ถือได้ว่าเป็นวันสิ้นสุดของการพัฒนายุคฟื้นฟูศิลปวิทยาอย่างถูกต้อง การพัฒนาที่แม่นยำเพราะอิทธิพลของศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาขยายไปถึงศตวรรษที่ 16 ทั้งหมด นอกจากนี้ พื้นที่บางส่วนของอิตาลีมักจะล้าหลังในการพัฒนานี้และวัฒนธรรมของสาธารณรัฐเวนิสที่ยังคงอยู่ในกระแสหลักของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตลอดศตวรรษที่ 16

ภาพของการพัฒนาวัฒนธรรมเรอเนซองส์ของอิตาลีนั้นมีความหลากหลายมากซึ่งเนื่องมาจากระดับการพัฒนาทางเศรษฐกิจและการเมืองที่แตกต่างกันของเมืองต่าง ๆ ในอิตาลี องศาที่แตกต่างกันอำนาจและความเข้มแข็งของชนชั้นกระฎุมพีแห่งนครรัฐ ชุมชนเมือง และความเชื่อมโยงกับประเพณีศักดินาในระดับต่างๆ

เป็นผู้นำ โรงเรียนศิลปะในศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของอิตาลีอยู่ในศตวรรษที่ 14 เช่นเซียนาและฟลอเรนซ์ในศตวรรษที่ 15 - ฟลอเรนซ์, อุมเบรีย, ปาดวน, เวนิส, ในศตวรรษที่ 16 - โรมันและเวนิส

ตั้งแต่ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 13 - ต้นศตวรรษที่ 14 ในการต่อสู้กับขุนนางศักดินาในท้องถิ่น พวกเบอร์เกอร์ในเมืองฟลอเรนซ์ก็แข็งแกร่งขึ้น ฟลอเรนซ์เป็นหนึ่งในคนกลุ่มแรกๆ ที่กลายเป็นสาธารณรัฐที่ร่ำรวยโดยมีรัฐธรรมนูญที่ได้รับการรับรองในปี 1293 โดยมีวิถีชีวิตชนชั้นนายทุนที่พัฒนาอย่างรวดเร็วและวัฒนธรรมชนชั้นนายทุนที่กำลังเติบโต สาธารณรัฐฟลอเรนซ์ดำรงอยู่มาเกือบหนึ่งร้อยห้าสิบปี โดยรวบรวมความมั่งคั่งจากการค้าขนสัตว์และผ้าไหม และมีชื่อเสียงในด้านโรงงาน

การเปลี่ยนแปลงในศิลปะของอิตาลีสะท้อนให้เห็นเป็นหลักในงานประติมากรรม พวกเขาจัดทำขึ้นโดยผลงานประติมากรรมของปรมาจารย์Niccolò Pisano (ภาพนูนของธรรมาสน์แห่งศีลล้างบาปในเมืองปิซา) ซึ่งสามารถสืบย้อนอิทธิพลของสมัยโบราณได้อย่างชัดเจน จากนั้นในการวาดภาพที่ยิ่งใหญ่ - ในภาพโมเสคและจิตรกรรมฝาผนังโดย Pietro Cavallini (โบสถ์โรมันของ Santa Maria ใน Trastevere และ Santa Cecilia ใน Trastevere) แต่จุดเริ่มต้นที่แท้จริงของยุคใหม่มีความเกี่ยวข้องอย่างถูกต้องกับชื่อของจิตรกร Giotto di Bondone (1266?-1337) ผลงานของ Giotto สิ่งที่ดีที่สุดที่ได้รับการอนุรักษ์ไว้คือจิตรกรรมฝาผนังของ Chapel del Arena หรือโบสถ์ Scrovegni (ตั้งชื่อตามลูกค้า) ในเมืองปาดัว (1303-1306) ภาพวาดในเวลาต่อมาของจอตโตในโบสถ์ซานตาโครเชในฟลอเรนซ์ (โบสถ์เปรุซซีและโบสถ์บาร์ดี) ในชาเปลเดลอารีน่า จิตรกรรมฝาผนังจะจัดเรียงเป็นสามแถวตามแนวผนังว่างๆ ภายในโบสถ์เดี่ยวแบบโบสถ์เดี่ยวที่เรียบง่ายได้รับแสงสว่างจากหน้าต่างห้าบานบนผนังฝั่งตรงข้าม ด้านล่างบนฐานเลียนแบบที่งดงามซึ่งทำจากสี่เหลี่ยมสีชมพูและสีเทามีร่างความชั่วร้ายและคุณธรรมเชิงเปรียบเทียบ 14 ตัว เหนือทางเข้าอุโบสถมีภาพวาดอยู่” คำพิพากษาครั้งสุดท้าย"ที่ผนังฝั่งตรงข้ามเป็นฉากประกาศ จิออตโตเชื่อมโยงฉาก 38 ฉากจากชีวิตของพระคริสต์และพระนางมารีย์เข้าด้วยกันเป็นฉากเดียวที่กลมกลืนกัน ทำให้เกิดวงจรอันยิ่งใหญ่ที่ยิ่งใหญ่ Giotto นำเสนอเรื่องราวพระกิตติคุณเป็นเหตุการณ์จริง พูดคุยเกี่ยวกับปัญหาในการใช้ภาษาการใช้ชีวิต ผู้คนที่น่าตื่นเต้นตลอดเวลา: เกี่ยวกับความเมตตาและความเข้าใจซึ่งกันและกัน ("การพบปะของแมรี่และเอลิซาเบธ", "การพบกันของโจอาคิมและแอนนาที่ประตูทอง") การหลอกลวงและการทรยศ ("การจูบของยูดาส", "การเฆี่ยนตีของพระคริสต์" ) เกี่ยวกับความลึกของความโศกเศร้า ความอ่อนโยน ความอ่อนน้อมถ่อมตน และตราบชั่วนิรันดร์ ความรักของแม่(“คร่ำครวญ”) ฉากต่างๆ เต็มไปด้วยความตึงเครียดภายใน เช่น “The Raising of Lazarus” และบางครั้งก็เจาะลึกถึงโศกนาฏกรรมของพวกเขา เช่น องค์ประกอบ “Carrying the Cross”

แทนที่จะมีความแตกแยกระหว่างบุคคลและฉากแต่ละฉากที่มีลักษณะเฉพาะของภาพวาดในยุคกลาง Giotto สามารถสร้างเรื่องราวที่สอดคล้องกันซึ่งเป็นเรื่องเล่าทั้งหมดเกี่ยวกับชีวิตภายในที่ซับซ้อนของเหล่าฮีโร่ ต้องขอบคุณการเลือกรายละเอียดที่เข้มงวด เขาจึงมุ่งเน้นไปที่สิ่งจำเป็น แทนที่จะใช้พื้นหลังสีทองแบบเดิมๆ ของโมเสกไบเซนไทน์ Giotto กลับใช้พื้นหลังแนวนอน ตัวเลขเหล่านี้แม้จะยังคงมีขนาดใหญ่และไม่มีการใช้งาน แต่ก็ได้รับปริมาณและการเคลื่อนไหวตามธรรมชาติ พื้นที่สามมิติปรากฏขึ้นซึ่งไม่ได้เกิดขึ้นจากมุมมองที่ลึกขึ้น (การแก้ปัญหาของมุมมองยังคงเป็นเรื่องของอนาคต) แต่โดยการจัดเรียงตัวเลขที่ระยะห่างจากกันบนระนาบของผนัง (“ การปรากฏของทูตสวรรค์ต่อนักบุญอันนา”) อย่างไรก็ตามความปรารถนาที่จะถ่ายทอดกายวิภาคของร่างมนุษย์อย่างถูกต้องนั้นชัดเจนอยู่แล้ว (“ The Last Supper”, “ The Nativity of Christ”) และหากในการวาดภาพไบแซนไทน์ร่างนั้นดูเหมือนจะลอยและแขวนอยู่ในอวกาศ จิตรกรรมฝาผนังของเหล่าฮีโร่ของ Giott ก็พบพื้นแข็งอยู่ใต้ฝ่าเท้าของพวกเขา (“การจากไปของแมรี่สู่บ้านของโยเซฟ”) Giotto แนะนำคุณลักษณะในชีวิตประจำวันให้กับภาพของเขา สร้างความประทับใจถึงสถานการณ์ที่แท้จริงและถ่ายทอดอารมณ์บางอย่าง ตัวละครของเขามีเอกลักษณ์ชัดเจน ประเภทของมนุษย์- ในจิตรกรรมฝาผนังที่สื่อความหมายได้มากที่สุดแห่งหนึ่งของวงจรจูบแห่งยูดาส จิออตโตวางร่างของพระคริสต์และยูดาสไว้ตรงกลางองค์ประกอบ โดยมีหอกยกขึ้นและยกแขนขึ้นเป็นฉากหลัง และแสดงความคิดของเขาโดยเปรียบเทียบระหว่างทั้งสอง โปรไฟล์ที่แตกต่างกัน: ผู้สูงศักดิ์ ชัดเจนในรูปแบบที่ไร้ที่ติ ใบหน้าของพระคริสต์ที่เกือบจะสวยแบบโบราณ ใบหน้าที่น่าเกลียดและน่ารังเกียจ โดยมีหน้าผากนูนที่น่าเกลียด และคางที่ถูกตัดออกอย่างเสื่อมโทรม - ใบหน้าของยูดาส ศิลปินมากกว่าหนึ่งรุ่นจะได้เรียนรู้จากความร่ำรวยทางละครของ Giotto การแสดงออกทางจิตใจและอารมณ์ เขาสามารถเปลี่ยนความชั่วร้ายและคุณธรรมให้กลายเป็นตัวละครมนุษย์ที่มีชีวิตได้ โดยเอาชนะลัทธิเปรียบเทียบในยุคกลางแบบดั้งเดิม รูปภาพของ Giotto ดูสง่างามและยิ่งใหญ่ ภาษาของเขาเข้มงวดและพูดน้อย แต่ทุกคนที่เข้ามาในโบสถ์สามารถเข้าใจได้ ไม่ใช่เพื่ออะไรเลยที่ภาพวาดของโบสถ์น้อยถูกเรียกว่า "ข่าวประเสริฐสำหรับผู้ไม่รู้หนังสือ" ในเวลาต่อมา ภารกิจของ Giotto ในการถ่ายทอดอวกาศ ความเป็นพลาสติกของตัวเลข และการแสดงออกทางการเคลื่อนไหวทำให้งานศิลปะของเขากลายเป็นเวทีในยุคเรอเนซองส์

จิออตโต ดิ บอนโดเน่. จูบของยูดาส ภาพปูนเปียกของ Chapel del Arena ปาดัว

Giotto ไม่เพียงแต่เป็นจิตรกรเท่านั้น ตามการออกแบบของเขา หอระฆังอันงดงามของมหาวิหารฟลอเรนซ์ได้ถูกสร้างขึ้น ซึ่งจนถึงทุกวันนี้ยังประดับประดาเมืองฟลอเรนซ์ด้วยแสงผ่านภาพเงา ซึ่งตัดกันกับโดมอันทรงพลังของมหาวิหาร

ในช่วงสมัย Trecento เมืองเซียนาก็กลายเป็นศูนย์กลางของวัฒนธรรมทางศิลปะเช่นกัน ศิลปะเซียนาไม่มีลักษณะของชาวเมืองเหมือนในฟลอเรนซ์ วัฒนธรรมของเซียนาเป็นชนชั้นสูง เต็มไปด้วยโลกทัศน์เกี่ยวกับศักดินาและจิตวิญญาณแห่งความเป็นคริสตจักร ผลงานของโรงเรียนเซียนามีความสง่างาม ตกแต่ง รื่นเริง แต่ยังเก่าแก่กว่างานฟลอเรนซ์ซึ่งเต็มไปด้วยสไตล์โกธิก ดังนั้นในงานศิลปะของ Duccio di Buoninsegna (ประมาณปี 1250-1319) "ดอกไม้ดอกแรกของสวนนี้" ตามที่ Berenson กล่าว ยังคงมีลักษณะไบแซนไทน์อยู่มากมาย สิ่งเหล่านี้ส่วนใหญ่เป็นองค์ประกอบแท่นบูชา ภาพวาดสีฝุ่นบนกระดาน บนพื้นสีทองที่มีองค์ประกอบแบบโกธิก ในกรอบสถาปัตยกรรมในรูปแบบของวิมแปร์กและโค้งแหลม ในมาดอนน่าของเขา ("Maesta" ที่มีชื่อเสียง - "Glorification of Mary") แม้จะมีการออกแบบและองค์ประกอบที่เก่าแก่ แต่ก็ยังมีความจริงใจความรู้สึกโคลงสั้น ๆ และจิตวิญญาณที่สูงส่งมากมาย สิ่งนี้สร้างขึ้นโดยใช้จังหวะที่นุ่มนวลและนุ่มนวล (ทั้งแบบเชิงเส้นและแบบพลาสติก) ซึ่งทำให้ผลงานของ Duccio มีการแสดงละครเพลงที่พิเศษ

หนึ่งในปรมาจารย์ผู้โด่งดังของ Siena Trecento คือ Simone Martini (1284-1344) บางทีการที่เขาอยู่ในอาวิญงเป็นเวลานานอาจทำให้งานศิลปะของเขามีลักษณะบางอย่างของโกธิคตอนเหนือ: ร่างของ Martini นั้นยาวขึ้นและตามกฎแล้วจะแสดงบนพื้นหลังสีทอง แต่ในเวลาเดียวกัน Simone Martini พยายามสร้างแบบจำลองด้วย chiaroscuro ให้การเคลื่อนไหวตามธรรมชาติแก่ร่าง พยายามถ่ายทอดบางอย่าง สภาพจิตใจดังที่เขาทำในรูปของพระแม่มารีจากฉากการประกาศ

ในปี 1328 Simone Martini ได้รับมอบหมายให้ทาสีจิตรกรรมฝาผนังในอาคารรัฐบาลเมือง Siena - Palazzo Publica: Martini วาดภาพของ Siena condottiere Guidoriccio da Fogliano หัวหน้ากองทหารรับจ้างบนหลังม้าโดยมีฉากหลังเป็นหอคอย Siena มีบางสิ่งที่ไม่ย่อท้อในท่าเดินอันมั่นคงของม้าและท่านั่งตัวตรงของนักรบ แสดงออกถึงจิตวิญญาณของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาด้วยศรัทธาในความสามารถของมนุษย์ ในเจตจำนงของมนุษย์ ทางด้านขวาของผู้แข็งแกร่ง พื้นหลังภูมิทัศน์ที่กระชับและรุนแรงของจิตรกรรมฝาผนังสื่อถึงลักษณะทั่วไปของภูมิทัศน์เซียนาได้อย่างสมบูรณ์แบบด้วยเนินเขาสีแดงและท้องฟ้าสีฟ้าสดใส และจนถึงทุกวันนี้ยังสร้างความประหลาดใจให้กับความเที่ยงตรงของภาพโดยรวม

ใน Palazzo Publice เดียวกัน Ambrogio Lorenzetti ปรมาจารย์แห่งเซียนาอีกคน (ประมาณปี 1280-1348) วาดภาพจิตรกรรมฝาผนัง บนผนังทั้งสองมีฉากที่แสดงถึง “ผลของรัฐบาลที่ดีและไม่ดี” ตัวเลขเชิงเปรียบเทียบของ "รัฐบาลที่ดี" รายล้อมไปด้วยสัญลักษณ์เปรียบเทียบของคุณธรรมซึ่งมีรูปปั้น "สันติภาพ" ที่ได้รับการอนุรักษ์ไว้อย่างดี (โดยทั่วไปแล้วจิตรกรรมฝาผนังจะมีการอนุรักษ์ที่ไม่ดี) ในชุดโบราณที่มีพวงหรีดลอเรลบนศีรษะ แต่สิ่งที่น่าสนใจที่สุดในวัฏจักรของภาพวาดนี้ไม่ใช่สัญลักษณ์เปรียบเทียบ แต่เป็นฉากที่เกิดขึ้นจริงในชีวิตประจำวันทั้งในเมืองและในชนบท: ตลาด ร้านค้าของพ่อค้า ลาที่บรรทุกสินค้าเป็นก้อน ขบวนแห่ของชาวเมืองที่ร่ำรวย ไร่องุ่น , ชาวนาไถนา, ภาพการเก็บเกี่ยว บางทีฉากที่น่าหลงใหลที่สุดอาจเป็นการเต้นรำของชายหนุ่มและหญิงสาวที่แต่งตัวเก่งเต้นรำในจัตุรัสกลางเมือง ต้องขอบคุณการเก็บรักษาจิตรกรรมฝาผนังส่วนนี้ไว้อย่างน่าพอใจ เราจึงสามารถแสดงความเคารพต่อทักษะของศิลปินได้ ความรักที่ยิ่งใหญ่ถ่ายทอดอารมณ์ของฉากและคุณลักษณะของชีวิตประจำวัน เครื่องเรือน และการแต่งกาย - ทุกสิ่งที่ประกอบขึ้นเป็นกลิ่นหอมอันล้ำค่าแห่งยุค; สัมผัสได้ถึงพรสวรรค์ด้านสีสันที่ดีที่สุดของเขา (ประการแรก ภาพปูนเปียกสร้างความประหลาดใจด้วยสีที่ประณีต เงียบ และกลมกลืนกันอย่างละเอียด)

ลอเรนเซตติเสียชีวิตในปี 1348 เมื่อโรคระบาดคร่าชีวิตผู้คนในอิตาลี เหตุการณ์โศกนาฏกรรมในปี 1348 ได้รับแรงบันดาลใจจากจิตรกรรมฝาผนังบนผนังของสุสานปิซา Campo Santo ซึ่งยังไม่ได้ระบุผู้เขียน (Orcagna? Traini? Vitale da Bologna?) เขียนเกี่ยวกับหัวข้อเกี่ยวกับความตาย (ของที่ระลึก) ซึ่งเป็นเรื่องปกติในยุคกลาง "ชัยชนะแห่งความตาย" ด้วยการพรรณนาถึงความตายด้วยเคียวแบบดั้งเดิมที่เสริมสร้างความเข้มแข็ง การต่อสู้ของเทวดาและปีศาจเพื่อจิตวิญญาณมนุษย์อยู่ภายใต้การควบคุมของปรมาจารย์ ปัดเป่าสู่ชัยชนะของชีวิต: ขบวนแห่อันงดงามของสุภาพสตรีและสุภาพบุรุษไม่ได้ถูกบดบังด้วยโลงศพที่เปิดอยู่ เด็กชายและเด็กหญิงในฉาก "สวนแห่งความรัก" ฟังเพลงอย่างกระตือรือร้นแม้จะเข้าใกล้ความตายในรูปของค้างคาวพร้อมกับเคียวก็ตาม ภูมิทัศน์ของสวนส้ม เครื่องแต่งกายแบบฆราวาสที่หรูหรา และการพรรณนารายละเอียดเฉพาะด้วยความรักได้เปลี่ยนพล็อตเรื่องโศกนาฏกรรมให้กลายเป็นงานศิลปะฆราวาสที่เต็มไปด้วยความปีติยินดีและความสุขของชีวิต ด้วยคอร์ดที่สำคัญเช่นนี้ การพัฒนางานศิลปะของ Trecento จึงสิ้นสุดลง

สัญญาณของวัฒนธรรมกระฎุมพีใหม่และการเกิดขึ้นของโลกทัศน์ใหม่ของกระฎุมพีนั้นปรากฏให้เห็นอย่างชัดเจนเป็นพิเศษในศตวรรษที่ 15 ระหว่างยุคควอตโตรเชนโต แต่เนื่องจากกระบวนการสร้างวัฒนธรรมใหม่และโลกทัศน์ใหม่ยังไม่เสร็จสมบูรณ์ในช่วงเวลานี้ (สิ่งนี้เกิดขึ้นในภายหลังในยุคของการล่มสลายครั้งสุดท้ายและการล่มสลายของความสัมพันธ์เกี่ยวกับระบบศักดินา) ศตวรรษที่ 15 จึงเต็มไปด้วยเสรีภาพในการสร้างสรรค์ ความกล้าหาญและความชื่นชมในความเป็นปัจเจกบุคคลของมนุษย์ นี่คือยุคแห่งมนุษยนิยมอย่างแท้จริง อีกทั้งเป็นยุคที่เต็มไปด้วยศรัทธาในพลังแห่งจิตใจอันไร้ขีดจำกัด ยุคแห่งปัญญา การรับรู้ถึงความเป็นจริงได้รับการทดสอบด้วยประสบการณ์ การทดลอง และถูกควบคุมด้วยเหตุผล ด้วยเหตุนี้จิตวิญญาณแห่งความเป็นระเบียบและการวัดผลจึงเป็นลักษณะเฉพาะของศิลปะแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา เรขาคณิต คณิตศาสตร์ กายวิภาคศาสตร์ การศึกษาสัดส่วน ร่างกายมนุษย์มีความสำคัญอย่างยิ่งสำหรับศิลปิน เมื่อถึงเวลานั้นพวกเขาจึงเริ่มศึกษาโครงสร้างของมนุษย์อย่างรอบคอบ ในศตวรรษที่ 15 ศิลปินชาวอิตาลียังได้แก้ไขปัญหามุมมองที่เป็นเส้นตรงซึ่งได้พัฒนาแล้วในงานศิลปะของ Trecento

ข้อมูล วัฒนธรรมทางโลกสมัยโบราณมีบทบาทสำคัญใน Quattrocento ศตวรรษที่ 15 แสดงให้เห็นถึงความเชื่อมโยงโดยตรงกับวัฒนธรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา Platonic Academy ก่อตั้งขึ้นในฟลอเรนซ์ ห้องสมุด Laurentian มีคอลเลกชันต้นฉบับโบราณมากมาย พิพิธภัณฑ์ศิลปะแห่งแรกปรากฏขึ้น เต็มไปด้วยรูปปั้น เศษสถาปัตยกรรมโบราณ หินอ่อน เหรียญ และเครื่องเซรามิก กรุงโรมโบราณกำลังได้รับการบูรณะ ความงามของความทุกข์ทรมาน Laocoon, Apollo ที่สวยงาม (Belvedere) และ Venus (ยา) จะปรากฏขึ้นต่อหน้าชาวยุโรปที่ประหลาดใจในไม่ช้า

อย่างไรก็ตาม เราต้องไม่ลืมว่าอิทธิพลของสมัยโบราณนั้นซ้อนอยู่บนประเพณีอันยาวนานหลายศตวรรษและแข็งแกร่งของยุคกลางบนศิลปะคริสเตียน แผนการของ Pagan และ Christian มีความเกี่ยวพันและเปลี่ยนแปลงทำให้เกิดตัวละครที่ซับซ้อนเป็นพิเศษกับวัฒนธรรมของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา Quattrocento ดึงเนื้อหาและรูปภาพของเขาจากพระคัมภีร์ศักดิ์สิทธิ์ จากตำนานโบราณ จากตำนานของอัศวิน จากการสังเกตชีวิตชั่วขณะของศิลปินเอง ดังที่ P. Muratov เคยเขียนบทกวีว่า "สำหรับพวกเขา เรื่องราวของเอสเธอร์ เรื่องราวของกริเซลดา และเรื่องราวของยูริไดซ์เกิดขึ้นในประเทศเดียวกัน นกที่สวยงาม มังกร ปราชญ์ตะวันออก นางไม้ วีรบุรุษโบราณ และสัตว์วิเศษอาศัยอยู่ที่นั่น และประเทศนี้เป็นเพียงประเทศในเทพนิยาย”

แต่ใน Quattrocento นั้นเองที่สุนทรียศาสตร์ของศิลปะเรอเนซองส์ซึ่งเป็นประเภทของวัฒนธรรมเรอเนซองส์ได้เป็นรูปเป็นร่างขึ้นมา

โรงเรียนฟลอเรนซ์แห่งศตวรรษที่ 15 บทบาทแรกใน Quattrocento ตกอยู่ที่เมืองฟลอเรนซ์ เมืองที่ก่อตั้งขึ้นบนดินแดนแห่งวัฒนธรรมโบราณของวิลลาโนวา ซึ่งในขณะนั้นคือชาวอิทรุสกันในศตวรรษที่ 4 เปลี่ยนมานับถือศาสนาคริสต์ (สถานที่ทำพิธีศีลจุ่มอันโด่งดังของเขามีอายุย้อนไปถึงปี 488) ตั้งแต่ศตวรรษที่ 12 ชุมชนในเมืองที่ร่ำรวยซึ่งทิ้งร่องรอยไว้บนงานศิลปะของ Trecento พร้อมด้วยประติมากรรมของตระกูล Guisano และอัจฉริยะของ Dante และ Giotto ฟลอเรนซ์กลายเป็นศูนย์กลางหลักของวัฒนธรรมเรอเนซองส์ในยุคของ Quattrocento ตั้งแต่ปี 1434 อำนาจในฟลอเรนซ์ส่งต่อไปยัง Cosimo de 'Medici ผู้ก่อตั้งราชวงศ์การธนาคารของผู้อุปถัมภ์ศิลปะดยุกซึ่งสืบเชื้อสายมาจากแพทย์ (ไม่ใช่เพื่ออะไรเลยที่รูปของยาสามเม็ดจะถูกเก็บรักษาไว้ในแขนเสื้อ) “ยุคแห่งวัฒนธรรมการแพทย์” เริ่มขึ้นพร้อมกับพวกเขา

ในสถาปัตยกรรมของอิตาลีเฉพาะในศตวรรษที่ 15 คุณสมบัติของรูปแบบใหม่เริ่มปรากฏให้เห็น Philippe Brunelleschi (1377-1446) สร้างอาสนวิหารฟลอเรนซ์ด้วยโดมขนาดมหึมาในปี 1434 ซึ่งเป็นอาคารสไตล์โกธิกโดยทั่วไปที่ก่อตั้งในปี 1295 โดย Arnolfo di Cambio (ในปี 1334 Giotto ได้สร้างหอระฆังที่กล่าวถึงแล้วในบริเวณใกล้เคียง - หอระฆังสูง 32 เมตร) โคมไฟของโดมแปดเหลี่ยม (เส้นผ่านศูนย์กลาง 43 ม. - ไม่น้อยกว่าวิหารแพนธีออนของโรมัน) ซึ่งยังคงครอบงำทัศนียภาพของเมืองมีเสาที่มีลักษณะโบราณที่มีส่วนโค้งครึ่งวงกลมซึ่งเพดานของโคมไฟวางอยู่ โบสถ์ปาซซีที่โบสถ์ซานตาโครเช สร้างขึ้นโดยบรูเนลเลสกีระหว่างปี ค.ศ. 1430 ถึงปี ค.ศ. 1443 มีลักษณะเป็นรูปสี่เหลี่ยมผืนผ้า มีเสาโครินเธียน 6 ต้นอยู่ที่ด้านหน้า บัวบนเสาคู่ ระเบียงที่มีโดมทรงกลมประดับยอด มีลักษณะชัดเจนในเชิงสร้างสรรค์ ความเรียบง่ายแบบโบราณ ความกลมกลืน และสัดส่วน ซึ่งกลายมาเป็นลักษณะเฉพาะของศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาทั้งหมด ลักษณะเหล่านี้แสดงให้เห็นชัดเจนยิ่งขึ้นในสถาปัตยกรรมทางโลก เช่น ในอาคารสถานเลี้ยงเด็กกำพร้าในฟลอเรนซ์ ซึ่งสร้างโดย Brunelleschi เช่นกัน ซึ่งแกลเลอรีบนชั้นหนึ่งซึ่งบนชั้นสองกลายเป็นผนังเรียบพร้อมบัว และหน้าต่าง ถือเป็นแบบอย่างสำหรับสถาปัตยกรรมเรอเนซองส์ทั้งหมด Quattrocento ยังสร้างภาพลักษณ์ของตัวเองของพระราชวังในเมืองฆราวาส (วัง) ตามกฎแล้วมีสามชั้นที่มีลักษณะคล้ายป้อมปราการเนื่องจากการก่ออิฐของหินที่สกัดหยาบโดยเฉพาะอย่างยิ่งเน้นที่ชั้นแรก แต่ในเวลาเดียวกัน เวลาที่ชัดเจนและแม่นยำในการออกแบบ เหล่านี้คือ Palazzo Pitti ซึ่งก่อสร้างขึ้นในปี 1469 ตามการออกแบบของ Leon Battista Alberti; Palazzo Medici (Riccardi) สร้างขึ้นก่อนหน้านี้โดย Michelzo da Bartolomeo; Palazzo Rucellai ออกแบบโดย Alberti ความชัดเจนของการแบ่งพื้น ความเป็นชนบท การใช้เสาขนาดใหญ่ หน้าต่างคู่ (คู่) และบัวที่เน้นย้ำเป็นคุณลักษณะเฉพาะของพระราชวังเหล่านี้ นอกจากนี้ ประเภทนี้ที่ได้รับการปรับปรุงพบว่ามีการพัฒนาบนดินโรมันและเวนิส เผยให้เห็นถึงการใช้มรดกโบราณ สู่ระบบระเบียบ สถาปัตยกรรมเรอเนซองส์ เวทีใหม่ในด้านสถาปัตยกรรม สถาปัตยกรรมแบบฆราวาสของวังมีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยการผสมผสานระหว่างการเข้าไม่ถึงป้อมปราการภายนอกและพลังอำนาจ เข้ากับบรรยากาศภายในของความสะดวกสบายของวิลล่าสไตล์อิตาลียุคแรกๆ ในสถาปัตยกรรมของโบสถ์ ควรสังเกตคุณลักษณะอีกอย่างหนึ่ง: ด้านหน้าของโบสถ์และหอระฆังต้องเผชิญกับหินอ่อนหลากสี ทำให้ส่วนหน้ากลายเป็น "ลายทาง" ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของ Quattrocento ของอิตาลี และได้รับการพัฒนาในฟลอเรนซ์เป็นหลัก

อาร์โนลโฟ ดิ กัมบิโอ, เอฟ. บรูเนลเลสกี. อาสนวิหารซานตามาเรียเดลฟีโอเรในฟลอเรนซ์ (พร้อมหอระฆังของจอตโต)

ปีเกิดของประติมากรรม Quattrocento ใหม่ถือได้ว่าเป็นปี 1401 เมื่อองค์กรกิลด์ของพ่อค้าประกาศการแข่งขันเพื่อตกแต่งประติมากรรมประตูห้องศีลจุ่มของมหาวิหารฟลอเรนซ์ จากประตูทั้งสามบานของห้องศีลจุ่ม ประตูหนึ่งได้รับการตกแต่งแล้วในช่วงทศวรรษที่ 30 ของศตวรรษที่ 14 ประติมากรรมนูนต่ำนูนสูงโดย Andrea Pisano มีอีกสองที่ต้องทำให้เสร็จ การแข่งขันมีผู้เชี่ยวชาญเข้าร่วม เช่น สถาปนิก Brunelleschi, Jacopo della Quercia, Lorenzo Ghiberti และคนอื่นๆ การแข่งขันไม่เปิดเผยผู้ชนะ เป็นที่ทราบกันเพียงว่าการออกแบบของ Brunelleschi และ Ghiberti นั้นเหนือกว่าการออกแบบของคู่แข่งรายอื่นๆ มาก และพวกเขาก็ได้รับการเสนอให้ทำงานเกี่ยวกับประตูในอนาคต "ด้วยความเท่าเทียมกัน" บรูเนลเลสกีปฏิเสธข้อเสนอดังกล่าวและคำสั่งดังกล่าวก็ตกเป็นของกิแบร์ตีโดยสมบูรณ์ Lorenzo Ghiberti (1381-1455) ผู้มีชื่อเสียงในด้านศิลปะและในฐานะนักทฤษฎี ผู้แต่งหนังสือ "ข้อคิดเห็น" สามเล่ม - เล่มแรกในประวัติศาสตร์ศิลปะยุคเรอเนซองส์ ได้สร้างองค์ประกอบภาพที่ซับซ้อนหลายรูปแบบในหัวข้อพระคัมภีร์ที่เปิดเผยกับภูมิทัศน์และภูมิหลังทางสถาปัตยกรรม . สไตล์การแสดงมีอิทธิพลแบบโกธิกมากมาย งานศิลปะของ Ghiberti เป็นงานศิลปะของชนชั้นสูงและจิตวิญญาณที่ละเอียดอ่อน เต็มไปด้วยผลกระทบภายนอก ซึ่งเข้าถึงรสนิยมของลูกค้าได้มากกว่างานศิลปะที่กล้าหาญและประชาธิปไตยของ Quercia ประติมากรผู้ถูกกำหนดให้แก้ปัญหาต่างๆ มากมายเกี่ยวกับงานศิลปะพลาสติกของยุโรปมานานหลายศตวรรษต่อๆ ไป ไม่ว่าจะเป็นงานประติมากรรมทรงกลม อนุสาวรีย์ และอนุสาวรีย์ขี่ม้า คือ Donato di Niccolo di Betto Barda ซึ่งเป็นที่รู้จักในประวัติศาสตร์ศิลปะในชื่อ Donatello (1386?-1466) เส้นทางสร้างสรรค์ของ Donatello นั้นยากมาก ความทรงจำแบบโกธิกยังพบเห็นได้ในงานศิลปะของเขา เช่น ในรูปของเดวิดหินอ่อน (ผลงานในยุคแรกของประติมากร) ในรูปของเครื่องหมายอัครสาวกสำหรับโบสถ์ฟลอเรนซ์ของ Orsan Michele (ช่วงทศวรรษที่ 10 ของศตวรรษที่ 15) Donatello แก้ปัญหาการจัดฉากร่างมนุษย์ในความสูงเต็มตามกฎของความเป็นพลาสติกซึ่งพัฒนาขึ้นในสมัยโบราณโดย Polycletus แต่ส่งมอบ ไปสู่การลืมเลือนในยุคกลาง อัครสาวกยืนพิงขาขวา ส่วนขาซ้ายขยับไปข้างหลังและงอเข่า รักษาสมดุลของรูปร่างเพียงเล็กน้อยเท่านั้น การเคลื่อนไหวนี้เน้นไปที่รอยพับของเสื้อคลุมที่ตกลงไปตามขาขวา และรูปแบบที่ซับซ้อนของเส้นที่ยืดหยุ่นของรอยพับเหล่านี้ซึ่งกระจัดกระจายไปทางซ้าย

โดนาเทลโล. เซนต์จอร์จ ฟลอเรนซ์ พิพิธภัณฑสถานแห่งชาติ

สำหรับอีกช่องทางหนึ่งของอาคารเดียวกัน ตามคำสั่งของเวิร์คช็อปช่างทำปืน Donatello ดำเนินการรูปปั้นของนักบุญจอร์จ ซึ่งรวบรวมอุดมคติที่แสดงออกอย่างชัดเจนของยุคเรอเนซองส์ตอนต้น เน้นย้ำถึงการตระหนักรู้ในตนเองและความมั่นใจในภาพลักษณ์ที่สดใสของแต่ละคน โดยท่าทางที่สงบและอิสระของร่างชวนให้นึกถึงคอลัมน์ซึ่งนำ "นักบุญ จอร์จ” พร้อมตัวอย่างผลงานประติมากรรมกรีกชั้นสูงในยุคคลาสสิกชั้นสูง นี่ไม่ใช่ "เทพเจ้าแห่งยุคโบราณที่มีมนุษยธรรม แต่เป็นมนุษย์ผู้ศักดิ์สิทธิ์แห่งยุคใหม่" ตามที่นักวิจัยคนหนึ่ง (เอ็น. ปูนิน) กล่าว

จุดเริ่มต้นที่สมจริงของงานศิลปะของ Donatello แสดงออกมาอย่างสมบูรณ์ในภาพของศาสดาพยากรณ์สำหรับหอระฆังของ Giotto (1416-1430) ซึ่งเขาดำเนินการจากบุคคลเฉพาะซึ่งทำให้ภาพเหล่านี้ในความเป็นจริงเป็นภาพเหมือนของคนรุ่นเดียวกันของเขา โดนาเทลโลยังศึกษาภาพบุคคลโดยเฉพาะ รูปปั้นครึ่งตัวชิ้นแรกๆ ตามแบบฉบับของยุคเรอเนซองส์ ได้รับการพิจารณาอย่างถูกต้องว่าเป็นภาพเหมือนของ Niccolo Uzano บุคคลสำคัญทางการเมืองในฟลอเรนซ์ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา ซึ่งประหารชีวิตโดยโดนาเทลโลในดินเผา

การเดินทางของ Donatello ไปยังกรุงโรมในปี 1432 กับ Brunelleschi และการศึกษาอนุสรณ์สถานโบราณที่นั่นเป็นแรงบันดาลใจให้ Donatello สร้างผลงานทั้งชุดที่มีจิตวิญญาณนอกรีต ใกล้เคียงกับประติมากรรมโบราณ เช่น เทวดาหินอ่อนบนแท่นร้องเพลงของมหาวิหารฟลอเรนซ์ . การผสมผสานที่ซับซ้อนของอิทธิพลโบราณ (ในการตีความรูปแบบ รอยพับของเสื้อผ้า) และอารมณ์ทางศาสนาที่เคร่งขรึมและลึกซึ้งคือ "การประกาศ" โล่งใจจากโบสถ์ซานตาโครเชในฟลอเรนซ์

ในรูปบรอนซ์ "เดวิด" (ยุค 30) โดนาเทลโลกลับมาสู่ประเพณีโบราณอีกครั้ง แต่เป็นของกรีกคลาสสิกตอนปลาย คนเลี้ยงแกะที่เรียบง่ายซึ่งเป็นผู้ชนะของโกลิอัทยักษ์ผู้ช่วยชาวยูเดียจากแอกของฟิลิสเตียและต่อมาได้ขึ้นเป็นกษัตริย์เดวิดได้กลายเป็นหนึ่งในภาพศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาที่ชื่นชอบ โดนาเตลโลแสดงให้เห็นว่าเขายังเด็กมาก สวยตามแบบฉบับแพรซิเทเลียน แอร์เมส แต่โดนาเทลโลไม่กลัวที่จะแนะนำรายละเอียดในชีวิตประจำวันเช่นหมวกคนเลี้ยงแกะซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของต้นกำเนิดที่เรียบง่ายของเขา

เอส. บอตติเชลลี. การกำเนิดของดาวศุกร์ ฟลอเรนซ์, อุฟฟิซี

โดนาเทลโลยังได้รับเกียรติจากการสร้างอนุสาวรีย์ขี่ม้าแห่งแรกในยุคเรอเนซองส์ ในปี 1443-1453 ในปาดัว เขาได้หล่อรูปปั้นนักขี่ม้าของคอนโดเทียเร เอราสโม ดิ นาร์นี ซึ่งมีชื่อเล่นว่า กัตตาเมลาตา ("แมวหลากสี") การสร้างแบบจำลองที่กว้างและอิสระของแบบฟอร์มสร้างภาพลักษณ์ที่ยิ่งใหญ่ของผู้บัญชาการทหาร, หัวหน้ากองทหารรับจ้าง, ทหารรับจ้างที่มีกระบองของจอมพลอยู่ในมือ, สวมชุดเกราะ แต่เปลือยเปล่า (โดยวิธีการทำจากหน้ากาก และดังนั้นจึงเป็นภาพเหมือนที่ชัดเจน) ศีรษะบนหลังม้าที่หนักและสง่างาม ขาหน้าซ้ายของม้าวางอยู่บนแกนกลาง เช่นเดียวกับผู้ขี่ม้า ฐานนั้นเรียบง่าย ชัดเจน และเข้มงวด ไม่ต้องสงสัยเลยว่าภาพของ Gattamelata ดำเนินการภายใต้อิทธิพลของการแก้ปัญหาเชิงพื้นที่โบราณ โดยเฉพาะภาพของ Marcus Aurelius

อนุสาวรีย์ Gattamelata ตั้งอยู่บริเวณจัตุรัสหน้าอาสนวิหารปาดัวแห่งเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก แอนโธนีซึ่งมีการประหารชีวิตแท่นบูชาโดยโดนาเทลโล (1445-1450) ด้วยการใช้ประเพณีที่ดีที่สุดของศิลปะยุคกลางและศึกษาประติมากรรมโบราณ โดนาเทลโลจึงค้นพบวิธีแก้ปัญหาของเขาเอง เพื่อให้ได้ภาพความเป็นมนุษย์ที่ลึกซึ้งและความสมจริงที่แท้จริง ซึ่งอธิบายถึงอิทธิพลมหาศาลของเขาต่อประติมากรรมยุโรปที่ตามมาทั้งหมด ไม่น่าแปลกใจเลยที่เขาถูกเรียกว่าเป็นหนึ่งในสามบิดาแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ร่วมกับบรูเนลเลสคีและมาซาชโช

นักเรียนที่มีชื่อเสียงที่สุดของ Donatello คือ Andrea Verrocchio (1436-1488) ซึ่งเป็นจิตรกรด้วย (ในฐานะจิตรกร เขาเป็นที่รู้จักกันดีว่าเป็นครูของ Leonardo) Verrocchio ได้รับแรงบันดาลใจจากธีมเดียวกับ Donatello แต่ทองสัมฤทธิ์ "David" โดย Verrocchio ซึ่งดำเนินการที่ส่วนท้ายของ Florentine Quattrocento นั้นมีความประณีตและสง่างามมากกว่าการสร้างแบบจำลองของรูปแบบนั้นมีรายละเอียดอย่างมาก ทั้งหมดนี้ทำให้รูปปั้นนี้ดูยิ่งใหญ่น้อยกว่าภาพของโดนาเทลโล

สำหรับจัตุรัสเวนิสใกล้กับโบสถ์ San Giovanni e Paolo Verrocchio ได้สร้างอนุสาวรีย์ขี่ม้าของ condottiere Colleoni มีการแสดงละครบางอย่างในท่าทางของผู้ขี่และท่าเดินอันสง่างามของม้า โปรไฟล์ของฐานสูงพับได้รับการออกแบบให้มองเห็นภาพเงาของผู้ขับขี่กับท้องฟ้าได้ชัดเจน ตรงกลางจัตุรัสเล็กๆ ที่ล้อมรอบด้วยอาคารสูง คุณลักษณะอันซับซ้อนของ Verrocchio นั้นสอดคล้องกับรสนิยมของชนชั้นสูงซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของฟลอเรนซ์ในช่วงปลายศตวรรษที่ 15 แม้ว่าจะไม่ต้องสงสัยเลยว่าต้องขอบคุณพรสวรรค์ของ Verrocchio แต่อนุสาวรีย์ของเขามีทั้งความสง่างามและความสมบูรณ์ของภาพที่ยิ่งใหญ่ Condottiere Verrocchio ไม่ได้เป็นภาพลักษณ์ของบุคคลใดบุคคลหนึ่งมากนักในฐานะที่เป็นลักษณะทั่วไปของยุคนั้น

บทบาทนำในการวาดภาพของ Florentine Quattrocento ตกเป็นของศิลปิน Tommaso di Giovanni di Simone Cassai Guidi หรือที่รู้จักในชื่อ Masaccio (1401-1428) เราสามารถพูดได้ว่า Masaccio แก้ไขปัญหาเร่งด่วนที่สุดเหล่านั้นได้ ศิลปะภาพซึ่งจัดแสดงเมื่อศตวรรษก่อนโดยจิออตโต ในสองฉากหลักของภาพวาดในโบสถ์ Brancacci ของโบสถ์ Florentine แห่ง Santa Maria del Carmine - "Il tribute" และ "The Expulsion of Adam and Eve from Paradise" - Masaccio แสดงให้เห็นว่าตัวเองเป็นศิลปินที่เป็นเช่นนั้น ชัดเจน วิธีวางตัวเลขในอวกาศ วิธีเชื่อมโยงพวกมันเข้าด้วยกันและกับภูมิทัศน์ กฎของกายวิภาคศาสตร์ของร่างกายมนุษย์คืออะไร ฉากของมาซาชโชเต็มไปด้วยดราม่า ความจริงในชีวิต: ใน "Epulsion from Paradise" อดัมเอามือปิดหน้าด้วยความอับอาย เอวาสะอื้น และส่ายหน้าด้วยความสิ้นหวัง ในฉาก "ภาษี" มีสามฉากรวมกัน: พระคริสต์กับเหล่าสาวกของพระองค์ที่ประตูเมือง โดยมีคนเก็บภาษีหยุดไว้เป็นองค์ประกอบหลัก ปีเตอร์ตามคำสั่งของพระคริสต์จับปลาเพื่อเอาเหรียญที่จำเป็นสำหรับการชำระเงินออกมา (didrachm หรือ statir ดังนั้นชื่ออื่นของจิตรกรรมฝาผนัง - "ปาฏิหาริย์กับ statir") - องค์ประกอบทางด้านซ้าย; ฉากการเสียภาษีให้คนเก็บภาษีอยู่ทางขวามือ หลักการในการเชื่อมโยงสามฉากบนระนาบเดียวยังคงคร่ำครึ แต่วิธีการเขียนฉากเหล่านี้โดยคำนึงถึงมุมมองเชิงเส้นและทางอากาศเป็นการเปิดเผยที่แท้จริงทั้งสำหรับผู้ร่วมสมัยของ Masaccio และสำหรับปรมาจารย์ที่ตามมาทั้งหมด Masaccio เป็นคนแรกที่แก้ปัญหาหลักของ Quattrocento - มุมมองเชิงเส้นและทางอากาศ เนินเขาและต้นไม้ห่างออกไป ก่อให้เกิดสภาพแวดล้อมทางธรรมชาติที่เหล่าฮีโร่อาศัยอยู่และตัวละครต่างๆ เชื่อมโยงกันอย่างเป็นธรรมชาติ โดยธรรมชาติแล้วกลุ่มกลางจะตั้งอยู่ในแนวนอน - พระเยซูและสาวกของพระองค์ ระหว่างตัวเลขนั้น มีการสร้างสภาพแวดล้อมทางอากาศขึ้น มาซาชโชไม่กลัวที่จะถ่ายทอดลักษณะภาพเหมือนให้กับกลุ่มสาวกของพระคริสต์ที่อยู่ตรงกลาง: ในร่างสุดโต่งด้านขวาผู้ร่วมสมัยเห็นมาซาชโชเองเมื่อเผชิญหน้าทางด้านซ้ายของพระคริสต์พวกเขาเห็นความคล้ายคลึงกับโดนาเทลโล การจัดแสงยังเป็นธรรมชาติ โดยสอดคล้องกับแสงจริงที่ตกจากด้านขวาของห้องสวดมนต์

นับตั้งแต่วินาทีที่ปรากฏภาพจิตรกรรมฝาผนังของ Masaccio มีส่วนทำให้โบสถ์ Santa Maria del Carmine กลายเป็นสถาบันการศึกษาแบบหนึ่งที่ศิลปินรุ่นต่อรุ่นศึกษาจนถึง Michelangelo ซึ่งได้รับอิทธิพลจาก Masaccio อย่างไม่ต้องสงสัย ความสามารถของ Masaccio ในการเชื่อมโยงตัวเลขและภูมิทัศน์เข้าด้วยกันในการกระทำเดียวเพื่อถ่ายทอดชีวิตของธรรมชาติและผู้คนได้อย่างน่าทึ่งและในเวลาเดียวกัน - นี่คือข้อดีอันยิ่งใหญ่ของจิตรกรซึ่งกำหนดสถานที่ของเขาในงานศิลปะ และทั้งหมดนี้เป็นเรื่องที่น่าประหลาดใจยิ่งกว่านับตั้งแต่มาซาชโชอาศัยอยู่บนโลกนี้มานานกว่าหนึ่งในสี่ของศตวรรษเล็กน้อย

ศิลปินจำนวนหนึ่งตามมาซาชโชได้พัฒนาปัญหาเกี่ยวกับมุมมอง การเคลื่อนไหว และกายวิภาคของร่างกายมนุษย์ ดังนั้นในทางวิทยาศาสตร์พวกเขาจึงได้รับชื่อนักเปอร์สเปคทีฟและนักวิเคราะห์ เหล่านี้คือจิตรกรเช่น Paolo Uccello, Andrea Castagno และจิตรกร Umbrian Domenico Veneziano

นอกจากนี้ยังมีการเคลื่อนไหวที่คร่ำครึในหมู่ศิลปินชาวฟลอเรนซ์ซึ่งแสดงออกถึงรสนิยมแบบอนุรักษ์นิยม ศิลปินเหล่านี้บางคนเป็นพระภิกษุ ซึ่งเป็นเหตุผลว่าทำไมในประวัติศาสตร์ศิลปะจึงเรียกว่าศิลปินสงฆ์ หนึ่งในผู้ที่มีชื่อเสียงที่สุดในหมู่พวกเขาคือ fra (เช่นพี่ชาย - ที่อยู่ของพระภิกษุ) Giovanni Beato Angelico da Fiesole (1387-1455) แม้ว่าเขาจะเป็นพระสงฆ์ในคณะโดมินิกันที่มืดมน แต่ก็ไม่มีอะไรรุนแรงหรือนักพรตในงานศิลปะของเขา รูปภาพของพระแม่มารีของเขาซึ่งวาดตามประเพณีในยุคกลาง มักอยู่บนพื้นหลังสีทอง เต็มไปด้วยบทกวี ความสงบ และการไตร่ตรอง และพื้นหลังภูมิทัศน์ก็เต็มไปด้วยความรู้สึกรู้แจ้งของลักษณะร่าเริงของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ความรู้สึกนี้ได้รับความเข้มแข็งยิ่งขึ้นในผลงานของ Angelico Benozzo Gozzoli นักเรียนของ Beato (1420-1498) เช่นในจิตรกรรมฝาผนังที่มีชื่อเสียงของเขาใน Palazzo Medici (Riccardi) "Procession of the Magi" ในองค์ประกอบที่เขาแนะนำภาพลักษณ์ของ ครอบครัวของผู้ปกครองเมืองฟลอเรนซ์ คอสซิโม เมดิชิ

อำนาจในฟลอเรนซ์ส่งต่อไปยังนายธนาคารรายนี้ดังที่ได้กล่าวไว้แล้วในปี 1434 เป็นเวลาหลายปีที่ราชวงศ์เมดิชิยืนอยู่ที่หัวของฟลอเรนซ์ซึ่งเปลี่ยนจากรูปแบบการปกครองที่เป็นประชาธิปไตยไปสู่การปกครองแบบชนชั้นสูงซึ่งส่งผลต่อการพัฒนาศิลปะของ เวลานั้น

วัฒนธรรมการแพทย์เป็นเรื่องฆราวาสอย่างลึกซึ้ง เฉพาะในอิตาลีของศตวรรษที่ 15 ใครๆ ก็นึกถึง Lucrezia Buti ผู้เป็นที่รักซึ่งครั้งหนึ่งเคยถูกลักพาตัวจากอารามและลูกๆ ในรูปของพระแม่มารีและพระคริสต์ร่วมกับจอห์นในฐานะ Filippo Lippi (1406-1469) ศิลปินคนโปรดของ Cosimo de 'Medici ได้ทำในผลงานชิ้นหนึ่งของเขา ตำนานเกิดขึ้นเกี่ยวกับชีวิตของลิปปี้ ตัวเขาเองเป็นพระภิกษุ แต่ออกจากอารามกลายเป็นศิลปินเร่ร่อนลักพาตัวแม่ชีจากวัดและเสียชีวิตตามที่วาซารีกล่าวซึ่งวางยาพิษโดยญาติของหญิงสาวคนหนึ่งซึ่งเขาตกหลุมรักในวัยชรา ธีมทางศาสนาซึ่งรวบรวมโดยศิลปินของ Florentine Quattrocento กลายเป็นงานฆราวาสที่มีรายละเอียดในชีวิตประจำวันมากมายพร้อมภาพวาดของคนร่วมสมัยที่เต็มไปด้วยความรู้สึกและประสบการณ์ของมนุษย์ที่มีชีวิต

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 15 ด้วยการเสริมสร้างบทบาทของผู้ดีในงานศิลปะ ความสง่างามและความหรูหราจึงมีความสำคัญมากยิ่งขึ้น ฉากข่าวประเสริฐที่วาดโดยโดเมนิโก เกอร์ลันไดโอ (ค.ศ. 1449-1494) บนผนังของโบสถ์ซานตามาเรีย โนเวลลา จริงๆ แล้วเป็นตัวแทนของการตีความฉากจากชีวิตของชนชั้นสูงในสังคมฟลอเรนซ์

ศิลปะฟลอเรนซ์มีความซับซ้อนเป็นพิเศษในช่วงปลายศตวรรษ ในรัชสมัยของลอเรนโซ เด เมดิชี หลานชายของโคซิโม ซึ่งมีชื่อเล่นว่า Magnificent (1449-1492) นักการเมืองที่เงียบขรึมและโหดร้ายซึ่งเป็นเผด็จการที่แท้จริงลอเรนโซก็เป็นหนึ่งในคนที่มีการศึกษามากที่สุดในยุคของเขาในเวลาเดียวกัน กวี, นักปรัชญา, นักมนุษยนิยม, ผู้ใจบุญ, คนนอกรีตในทัศนคติ, มีแนวโน้มไปสู่ความสูงส่งทางศาสนา เขาเปลี่ยนศาลของเขาให้กลายเป็นศูนย์กลางของวัฒนธรรมทางศิลปะในยุคนั้น ที่ซึ่งนักเขียน เช่น Poliziano นักวิทยาศาสตร์และนักปรัชญา เช่น Pico della Mirandola ศิลปินผู้ยิ่งใหญ่เช่นบอตติเชลลีและไมเคิลแองเจโล การตามล่า งานรื่นเริง การแข่งขันต่างๆ ดำเนินไปอย่างต่อเนื่อง ผู้เข้าร่วมแสดงออกผ่านศิลปะการวาดภาพ ดนตรี ประติมากรรม วาจาไพเราะ และบทกวี แต่ในวัฒนธรรมของศาลของ Lorenzo the Magnificent มีสิ่งที่ขัดแย้งกันมากมาย มันถูกเอาอกเอาใจมากเกินไป เต็มไปด้วยอารมณ์เสื่อมโทรม ปิดในสภาพแวดล้อมทางสังคมที่แคบ

ศิลปินที่มีลักษณะทั่วไปมากที่สุดของ Florentine Quattrocento ผู้ล่วงลับไปแล้ว ซึ่งเป็นตัวแทนของอุดมคติทางสุนทรีย์ของราชสำนักของ Lorenzo Medici คือ Sandro Botticelli (Alessandro di Mariano Filipepi, 1445-1510) ซึ่งเป็นลูกศิษย์ของ Philippe Lippi หอศิลป์ Uffizi เป็นที่ตั้งของภาพวาดที่มีชื่อเสียงของเขาสองภาพ ได้แก่ The Birth of Venus (ประมาณปี 1483-1484) และ Spring (Primavera; ประมาณปี 1477-1478) ในตอนแรกบอตติเชลลีแสดงให้เห็นว่าเทพธิดาที่สวยงามซึ่งเกิดจากฟองของทะเลภายใต้ลมที่พัดในเปลือกหอยนั้นเหินไปตามพื้นผิวทะเลไปยังชายฝั่งได้อย่างไร คุณสมบัติหลักทั้งหมดของงานเขียนของบอตติเชลลีสะท้อนให้เห็นถึงที่นี่แล้ว: การตกแต่ง, ความสง่างาม, ลักษณะโคลงสั้น ๆ และโรแมนติกของภาพ, ความสามารถที่น่าทึ่งของเขาในการสร้างภูมิทัศน์ที่ยอดเยี่ยม, อิมพาสโต, เกือบจะโล่งใจ, การใช้สี, ลักษณะของเขา "ลัทธิกอทิก" ( ร่างไร้น้ำหนักยาวเหมือนไม่ได้สัมผัสพื้น) บอตติเชลลีสร้างใบหน้าที่เฉพาะเจาะจงมาก โดยเฉพาะสำหรับผู้หญิง: รูปวงรียาว ริมฝีปากอวบอิ่ม ดวงตาที่ดูเหมือนเปื้อนน้ำตา เราพบสิ่งเดียวกันใน "Spring" ซึ่งได้รับแรงบันดาลใจจากบทกวีของ Poliziano บอตติเชลลีไม่ชอบโครงเรื่องที่อธิบายโดยเฉพาะ ในภาพวาด“ Primavera” ร่างของ Spring, Madonna, Mercury, Three Graces, นางไม้, มาร์ชแมลโลว์ ฯลฯ รวมกันเป็นองค์ประกอบเดียวนำเสนอท่ามกลางธรรมชาติอันน่าอัศจรรย์ซึ่งเป็นภาพที่บอตติเชลลีสามารถถ่ายทอดในตัวเขาได้ ในแบบของตัวเองเหมือนสวนอันน่าหลงใหล แต่ใบหน้าของฤดูใบไม้ผลิที่ดอกไม้กระจัดกระจายจากชายเสื้อถูกแช่แข็งในการแยกออกมันเกือบจะเป็นเรื่องน่าเศร้าซึ่งไม่เกี่ยวข้องกับความสุขที่นำมาเลย ภาพมาดอนน่าของเขามีคุณสมบัติที่เหมือนกันเหล่านี้ "ซาโลเม", "ถูกเนรเทศ" ฯลฯ ของเขามีลักษณะที่น่าเศร้าและวิตกกังวลมากยิ่งขึ้น

ในยุค 80 ร่วมกับ Ghirlandaio และ Perugino บอตติเชลลีทาสีผนังของโบสถ์ Sistine และด้วยเหตุนี้จิตรกรรมฝาผนังของเขาจึงถูกกำหนดให้แข่งขันกันมานานหลายศตวรรษด้วยภาพวาดของ Michelangelo แล้วเสร็จในครึ่งศตวรรษต่อมา ผลงานล่าสุดของบอตติเชลลี ซึ่งส่วนใหญ่เป็นเพลงคร่ำครวญ ได้รับแรงบันดาลใจจากภาพลักษณ์และชะตากรรมอันน่าสลดใจของซาโวนาโรลา ภายใต้อิทธิพลที่ศิลปินพบว่าตัวเองอยู่ในช่วงทศวรรษที่ 80 และ 90 คำเทศนาอันเร่าร้อนของพระภิกษุโดมินิกัน ซึ่งไม่เพียงแต่มุ่งต่อต้านเผด็จการเมดิชิ การคอร์รัปชั่นของตำแหน่งสันตะปาปาและความเสื่อมถอยของศาสนาเท่านั้น แต่ยังต่อต้านวัฒนธรรมทั้งหมดของยุคเรอเนซองส์ด้วย นำไปสู่กองไฟที่บ้าคลั่งของซาโวนาโรลา ซึ่งการสร้างสรรค์ที่เป็นอมตะของ วัฒนธรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและผลงานของบอตติเชลลีถูกเผา ในช่วงสิบปีที่ผ่านมาเขาไม่ได้เขียนอะไรเลย อยู่ในความเศร้าโศกอันน่าสลดใจหลังจากการประหารชีวิตซาโวนาโรลา

ในช่วงปลายศตวรรษที่ 15 ฟลอเรนซ์ก็เหมือนกับเมืองชั้นนำอื่นๆ ในอิตาลี ที่เข้าสู่ยุควิกฤตทางเศรษฐกิจและสังคม-การเมือง ในช่วงทศวรรษที่ 30 ของศตวรรษที่ 16 ฟลอเรนซ์สูญเสียอิสรภาพในฐานะชุมชนเมือง โดยเหลือเพียงเมืองหลักของดัชชีแห่งทัสคานี และหยุดเป็นศูนย์กลางของชีวิตทางศิลปะ แต่โรงเรียน Florentine แห่ง Quattrocento ได้ทิ้งร่องรอยไว้ในศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาทั้งหมด เป็นคนแรกที่แก้ปัญหามุมมองเชิงเส้นและทางอากาศ กายวิภาคของร่างกายมนุษย์ การวาดภาพที่แม่นยำ และการเคลื่อนไหวตามธรรมชาติ อย่างไรก็ตาม สีไม่ใช่ด้านที่แข็งแกร่งที่สุดของผลงานของปรมาจารย์ชาวฟลอเรนซ์

โรงเรียนอัมเบรียนแห่งศตวรรษที่ 15 ทางตะวันออกเฉียงเหนือของทัสคานีคือดินแดนแห่งอุมเบรีย ที่นี่ในศตวรรษที่ 15 ไม่มีเมืองใหญ่เช่นนี้ เจ้าของที่ดินครอบครองพื้นที่ขนาดใหญ่ ดังนั้นประเพณีเกี่ยวกับศักดินาในยุคกลางจึงมีชีวิตยืนยาวในงานศิลปะและแสดงออกได้ชัดเจนยิ่งขึ้น ลักษณะที่สง่างามและกล้าหาญของศิลปะอุมเบรียแห่งศตวรรษที่ 14 ใกล้กับเซียนามาก เมืองต่างๆ ในแคว้นอุมเบรียนยังคงรักษาการเชื่อมต่อกับยุโรปเหนือและไบแซนเทียมผ่านทางเวนิส ศิลปะอัมเบรียเป็นงานตกแต่งที่หรูหรา โคลงสั้น ๆ ชวนฝัน และเคร่งศาสนาอย่างลึกซึ้ง ต่างจากทัสคานีตรงที่สีมีบทบาทสำคัญในสีนี้

คุณลักษณะทั้งหมดนี้ปรากฏชัดอยู่แล้วในผลงานของปรมาจารย์ชาวอุมเบรียนเช่น Gentile de Fabriano ครูในอนาคตของ Raphael Perugino, Pinturicchio, Melozzo da Forli แต่เป็นปรมาจารย์แห่งแคว้นอุมเบรียที่ใหญ่ที่สุดในศตวรรษที่ 15 ปิเอโร เดลลา ฟรานเชสกา (ค.ศ. 1420?-1492) เขาศึกษากับ Domenico Veneziano ทำงานในฟลอเรนซ์ คุ้นเคยกับ Brunelleschi และ Ghiberti สนใจปัญหาของมุมมองเช่น Florentines และยังทิ้งบทความเกี่ยวกับหัวข้อนี้ไว้เบื้องหลัง จนกระทั่งทิเชียน Piero della Francesca เป็นหนึ่งในนักวาดภาพสีที่ยิ่งใหญ่ที่สุด เขาพัฒนาความสัมพันธ์ของสีด้วยวิธีที่ละเอียดอ่อนที่สุด โดยใช้เทคนิควาเลอร์ กล่าวคือ เขารู้วิธีถ่ายทอดช่องสีต่างๆ และรวมสีเข้ากับสภาพแวดล้อมที่มีแสงและอากาศ ดังนั้นนักประวัติศาสตร์ศิลป์จึงเรียกเขาว่าหนึ่งในจิตรกรกลางแจ้งกลุ่มแรกๆ (เช่น การทำงานกลางแจ้ง) ในงานศิลปะของยุโรปตะวันตกทั้งหมด ฟรานเชสกาเป็นนักอนุรักษ์นิยมที่ยิ่งใหญ่ที่สุด ปรมาจารย์ไม่ได้วาดภาพขาตั้งเป็นหลัก (แม้ว่าเขาจะทิ้งภาพบุคคลไว้เบื้องหลัง เช่น ภาพเหมือนของดยุคแห่งอูร์บิโน เฟเดริโก เด มอนเตเฟลโตร และบัตติสตา สฟอร์ซา ภรรยาของเขา ซึ่งเก็บไว้ในหอศิลป์อุฟฟิซี - ค.ศ. 1465) แต่มีความยิ่งใหญ่ และภาพวาดตกแต่ง ของขวัญของเขาในฐานะนักอนุสาวรีย์นั้นมองเห็นได้ชัดเจนบนจิตรกรรมฝาผนังในโบสถ์ซานฟรานเชสโกในอาเรซโซซึ่งเขียนในยุค 50-60 (“ ความฝันของคอนสแตนติน”, “ การมาถึงของราชินีแห่งชีบาถึงกษัตริย์โซโลมอน” ฯลฯ ) ด้วยสัมผัสอันน่าทึ่งของจังหวะเชิงเส้นและพลาสติก ด้วยความเรียบง่ายของรูปแบบเพื่อยกระดับความเคร่งขรึมอันยิ่งใหญ่ ความสง่างามของภาพ ยกระดับเหนือความสุ่มธรรมดา Francesca ในฐานะศิลปิน Quattrocento ตัวจริง เชื่อในภารกิจอันสูงส่งของมนุษย์ในความสามารถของเขาที่จะปรับปรุง

โรงเรียนปาดัวแห่งศตวรรษที่ 15 ความคิดสร้างสรรค์ของปรมาจารย์ปาดวนพัฒนาขึ้นภายใต้สัญลักษณ์แห่งความชื่นชมในศิลปะโบราณ Andrea Mantegna (1431-1506) ศิลปินที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของโรงเรียนปาดวน เป็นนักเรียนและเป็นบุตรบุญธรรมของ Francesco Squarcione นักสะสมและนักเลง ศิลปะโบราณผู้ซึ่งถ่ายทอดให้เขาชื่นชมต่อ "ความยิ่งใหญ่อันยิ่งใหญ่แห่งสมัยโบราณ" ปาดัวตั้งอยู่ทางตอนเหนือของอิตาลี ความเชื่อมโยงกับเยอรมนีและฝรั่งเศสค่อนข้างใกล้ชิดกันในศตวรรษที่ 15 และลักษณะสถาปัตยกรรมโกธิกในงานศิลปะของ Quattrocento นั้นค่อนข้างเป็นธรรมชาติ ปาดัวยังได้รับอิทธิพลอย่างมากจากโรงเรียนฟลอเรนซ์ Giotto, Uccello, Donatello และ F. Lippi ทำงานที่นี่ แต่ที่สำคัญที่สุด อิทธิพลของสมัยโบราณที่กล่าวถึงแล้ว ซึ่งส่วนใหญ่เป็นโรมัน ส่งผลกระทบต่อโรงเรียนปาดัว Mantegna นำรูปภาพของอนุสรณ์สถานโบราณมาไว้ในผลงานของเขา เช่นเดียวกับฟรานเชสก้า Mantegna เป็นนักจิตรกรรมฝาผนังเป็นหลัก ในโบสถ์ Ovetari ของโบสถ์ Eremitani แห่งปาดัว (ปลายยุค 40 - 50) Mantegna นำเสนอเรื่องราวของนักบุญ ยาโคบราวกับว่าการกระทำเกิดขึ้นในเมืองหนึ่งของจักรวรรดิโรมัน องค์ประกอบทั้งหมดทำให้ประหลาดใจกับความกล้าหาญของการแก้ปัญหาเชิงพื้นที่ ซึ่งแตกต่างจากฟรานเชสก้า ร่างของ Mantegna ดูเหมือนจะยื่นออกมาจากผนัง ทำลายเครื่องบิน พวกมันจะถูกนำเสนอในมุมที่ซับซ้อนเสมอ เช่น ยืนหันหลังให้เขาแก่ผู้ฟังอย่างนักรบ เมื่อใคร่ครวญถึงปาฏิหาริย์ที่นักบุญ ยาโคบ.

ในวังของผู้ปกครอง Mantuan Castello di Corto ซึ่งได้รับมอบหมายจากผู้อุปถัมภ์ศิลปะและผู้ชื่นชอบโบราณวัตถุ Lodovico Gonzaga Mantegna วาดภาพ "ห้องแต่งงาน" (Camera degli Sposi) วาดภาพครอบครัว Gonzaga และฉากจากชีวิตในศาลของ มันตัว. ภาพปูนเปียกบนเพดานซึ่งแสดงภาพแกลเลอรีทรงกลมตรงกลางห้องนิรภัยโดยมีผู้คนมองผ่านราวบันได ที่จริงแล้วเป็นการตกแต่งที่ลวงตาชิ้นแรกในศิลปะยุโรปตะวันตก เมฆที่วาดอย่างชำนาญยิ่งช่วยเพิ่มความรู้สึกของการทะลุทะลวงสู่ท้องฟ้า

ความหลงใหลในสมัยโบราณของ Mantegna ซึ่งเห็นได้ชัดโดยเฉพาะอย่างยิ่งในแผง grisaille เตรียมการ 9 ชิ้นในหัวข้อ "The Triumphs of Caesar" และในงานชิ้นสุดท้ายของเขา "Parnassus" ผสมผสานกับความเข้าใจที่ลึกซึ้งเกี่ยวกับเทคนิคเฉพาะและประเภทและด้วย การคิดใหม่อย่างสร้างสรรค์เกี่ยวกับประเพณีของกอธิคเหนือ สิ่งนี้มองเห็นได้ชัดเจนในผลงานที่โด่งดังที่สุดชิ้นหนึ่งของเขา - "การตรึงกางเขน" จากรูปแท่นบูชาของโบสถ์ซานเซโนในเวโรนา ความรุนแรงและโศกนาฏกรรมเล็ดลอดออกมาจากไม้กางเขนพร้อมกับผู้พลีชีพจากกลุ่มทางซ้ายที่นำโดยแมรี่แช่แข็งกลายเป็นหินในความทุกข์ทรมานของเธอจากภูมิประเทศที่ไร้ชีวิตชีวาที่เต็มไปด้วยหินซึ่งยอดเขาสีแดงเลือดของภูเขาลุกเป็นไฟกับพื้นหลังสีเขียวเข้ม ของท้องฟ้าทำให้เกิดลักษณะที่เป็นลางไม่ดี เรื่องราวที่กำลังเกิดขึ้นเน้นย้ำโดยกลุ่มทหารโรมันที่สวมชุดของพระคริสต์ มานเทญามีภาพวาดที่ชัดเจน รูปร่างแข็ง สัดส่วนที่ได้รับการตรวจสอบทางกายวิภาค มุมมองที่ชัดเจน การใช้สีเย็น เน้นความรุนแรงและความทุกข์ทรมานจากภาพของเขา Mantegna ผู้มีวิสัยทัศน์กว้างไกล เป็นนักริเริ่มที่กล้าหาญ เป็นนักร้องที่มีบุคลิกที่กล้าหาญ Mantegna ทำการแกะสลักมากมาย (บนทองแดง) และมีอิทธิพลอย่างมากต่อDürer

ในบรรดาศิลปินรุ่นเดียวกันของ Mantegna ศิลปินของ Ferrara และ Bologna (Cosimo Tura, Francesco Cossa, Lorenzo Costa ฯลฯ ) อยู่ใกล้โรงเรียนปาดวนมากที่สุด เฟอร์รารา เมืองทางตะวันออกเฉียงเหนือของอิตาลี เคยเป็นคู่แข่งกับเวนิสในระดับหนึ่งด้วยซ้ำ แต่วิถีชีวิตของระบบศักดินา - ชนชั้นสูงมีส่วนช่วยในการรักษาประเพณีแบบกอธิคในงานศิลปะมายาวนาน (แม้ว่าที่ราชสำนักของดุ๊กแห่งเอสเตพวกเขาชื่นชมอย่างมากและศึกษาโบราณวัตถุอย่างรอบคอบและยังนำมันไปใช้อีกด้วย ละติน- ผลงานของ Cosimo Tour และองค์ประกอบที่แสดงออกถึงแท่นบูชาของเขาแสดงให้เห็นถึงอิทธิพลของปรมาจารย์ชาวอิตาลี (Mantegna, Piero della Francesca) และชาวดัตช์ (Rogier van der Weyden) Francesco Cossa มีชื่อเสียงจากจิตรกรรมฝาผนังในพระราชวังในชนบทของ Dukes of Este "Schifanoia" ("ไม่น่าเบื่อ") พร้อมฉากการล่าสัตว์ การแข่งขัน ชัยชนะ ถ่ายทอดความงดงามของชีวิตในราชสำนัก Lorenzo Costa นอกเหนือจากนั้น ภาพวาดที่ยิ่งใหญ่มีส่วนร่วมในการวาดภาพบุคคล (ดูภาพผู้หญิงของเขาในอาศรม) .

โรงเรียนเวนิสแห่งศตวรรษที่ 15 ในช่วงยุคเรอเนซองส์ เวนิสมีการพัฒนาค่อนข้างแตกต่างไปจากเมืองอื่นๆ ในอิตาลี ตำแหน่งทางภูมิศาสตร์ที่ได้เปรียบบนเกาะต่างๆ ของทะเลเอเดรียติกทางตะวันตกเฉียงเหนือ กองเรือที่ทรงพลังและเส้นทางการค้าที่เปิดกว้างกับตะวันออก โดยหลักอยู่ที่ไบแซนเทียม (จนถึงศตวรรษที่ 10 โดยทั่วไปเวนิสเป็นส่วนหนึ่งของจักรวรรดิไบแซนไทน์) ทำให้ร่ำรวยอย่างรวดเร็ว สงครามครูเสดนำรายได้ใหม่มาสู่สาธารณรัฐเวนิส แต่ตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 13 กระบวนการของการเป็นชนชั้นสูงของระบบการเมืองเริ่มขึ้น ลัทธิผู้รักชาติทำให้การงอกงามของวัฒนธรรมเบอร์เกอร์ใหม่ล่าช้าออกไป และด้วยเหตุนี้ ยุคเรอเนซองส์ในเวนิสจึงล่าช้าไปเกือบครึ่งศตวรรษ

Quattrocento ในเวนิสเริ่มต้นด้วยชื่อของศิลปินเช่น Pisanello และ Gentile de Fabriano ซึ่งร่วมกันวาดภาพพระราชวัง Doge; พบการแสดงออกอย่างเต็มรูปแบบในผลงานของปรมาจารย์เช่น Vittorio Carpaccio ชุดภาพวาดของเขาเกี่ยวกับหัวข้อทางศาสนาในรูปแบบสีน้ำมันบนผ้าใบสำหรับโรงเรียนในเมืองเวนิส - สังคมฆราวาส (scuolo) แสดงให้เห็นชีวิตที่หลากหลายของชาวเวนิส ฝูงชนชาวเวนิสร่วมสมัย และภูมิทัศน์ของชาวเมืองเวนิส แต่เส้นทางการพัฒนาของยุคเรอเนซองส์ตอนต้นนั้นชัดเจนที่สุดในผลงานของตระกูลเบลลินี: จาโคโปเบลลินีและลูกชายสองคนของเขา - คนต่างชาติและจิโอวานนี่ ศิลปะที่มีชื่อเสียงที่สุดคืออย่างหลังซึ่งมักเรียกว่า Gianbellino (1430-1516) ในบ้านเกิดของเขา เขาเริ่มต้นด้วยสไตล์ที่รุนแรงในจิตวิญญาณของชาวปาดวน แต่ต่อมาได้ย้ายไปสู่ภาพที่งดงามนุ่มนวล สีทองที่เข้มข้น ซึ่งความลับนั้นรวมถึงความรู้สึกที่ละเอียดอ่อนเขาได้ส่งต่อไปยังทิเชียนนักเรียนของเขา

Madonnas ของ Gianbellino "เรียบง่ายมากจริงจังไม่เศร้าหรือยิ้มแย้ม แต่หมกมุ่นอยู่กับความรอบคอบและสำคัญเสมอ" (P. Muratov) ดูเหมือนจะสลายไปในภูมิทัศน์และเป็นธรรมชาติอยู่เสมอ ("Madonna with Trees") ภาพวาดเชิงเปรียบเทียบของเขาเต็มไปด้วยอารมณ์เชิงปรัชญาและการไตร่ตรองบางครั้งพวกเขาก็ไม่สามารถถอดรหัสได้ด้วยโครงเรื่องใด ๆ แต่พวกเขาก็ถ่ายทอดสาระสำคัญของหลักการที่เป็นรูปเป็นร่าง (“ วิญญาณแห่งนรก”) ได้อย่างสมบูรณ์แบบ พี่น้องเบลลินี เช่น อันโตเนลโล ดา เมสซีนา เป็นที่รู้จักในประวัติศาสตร์ศิลปะในด้านการพัฒนา เทคโนโลยีน้ำมันซึ่งปรมาจารย์ชาวอิตาลีเพิ่งรู้จักกันเมื่อไม่นานมานี้

โรงเรียน Venetian เสร็จสิ้นการพัฒนาศิลปะของ Quattrocento ศตวรรษที่ 15 ได้นำการฟื้นฟูประเพณีโบราณมาสู่รัฐอิตาลีอย่างแท้จริง แต่บนพื้นฐานใหม่ - ผู้คนในยุคใหม่เข้าใจและเข้าใจ ศิลปะแต่ละรูปแบบได้ทิ้งแนวทางแก้ไขปัญหาสำคัญๆ ไว้เบื้องหลัง สถาปัตยกรรม - ประเภทของวังฆราวาส ประติมากรรมเป็นภาพของบุคคล ไม่ใช่เทพ เหมือนในสมัยโบราณ การวาดภาพได้พัฒนาภาพทางศาสนาของคริสเตียนหรือเรื่องโบราณ แต่กลับทำให้มีลักษณะทางโลก ทั้งหมดนี้เป็นส่วนสำคัญของ Quattrocento ต่อศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

ตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 15 อิตาลีเริ่มเผชิญกับผลที่ตามมาจากการแข่งขันทางเศรษฐกิจที่ไม่เอื้ออำนวยกับโปรตุเกส สเปน และเนเธอร์แลนด์ เมืองทางตอนเหนือของยุโรปได้จัดการรณรงค์ทางทหารต่ออิตาลีหลายครั้ง ซึ่งกระจัดกระจายและสูญเสียอำนาจ ช่วงเวลาที่ยากลำบากนี้ทำให้แนวคิดในการรวมประเทศเข้าด้วยกันเป็นแนวคิดที่ไม่สามารถกระตุ้นจิตใจที่ดีที่สุดของอิตาลีได้

เป็นที่ทราบกันดีว่าการออกดอกของงานศิลปะบางช่วงอาจไม่ตรงกัน การพัฒนาทั่วไปสังคม วัตถุ และสถานะทางเศรษฐกิจ ในช่วงเวลาที่ยากลำบากของอิตาลี "ยุคทอง" อายุสั้นของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการของอิตาลีเริ่มต้นขึ้น - ที่เรียกว่ายุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูงซึ่งเป็นจุดสูงสุดของการออกดอกของศิลปะอิตาลี ยุคเรอเนซองส์ขั้นสูงจึงเกิดขึ้นพร้อมกับช่วงเวลาแห่งการต่อสู้อันดุเดือดของเมืองต่างๆ ในอิตาลีเพื่อเอกราช ศิลปะในยุคนี้เต็มไปด้วยมนุษยนิยม ความศรัทธาในพลังสร้างสรรค์ของมนุษย์ ในความเป็นไปได้อันไร้ขอบเขตของความสามารถของเขา ในโครงสร้างที่สมเหตุสมผลของโลก ในชัยชนะแห่งความก้าวหน้า ในงานศิลปะปัญหาของหน้าที่พลเมือง, คุณสมบัติทางศีลธรรมสูง, การกระทำที่กล้าหาญ, ภาพลักษณ์ของวีรบุรุษฮีโร่ที่สวยงาม, ได้รับการพัฒนาอย่างกลมกลืน, แข็งแกร่งทั้งในด้านจิตวิญญาณและร่างกายที่สามารถยกระดับเหนือระดับชีวิตประจำวันได้มาถึงเบื้องหน้า การค้นหาศิลปะในอุดมคติดังกล่าวนำไปสู่การสังเคราะห์ การวางนัยทั่วไป การค้นพบรูปแบบทั่วไปของปรากฏการณ์ การระบุความสัมพันธ์เชิงตรรกะ ศิลปะแห่งยุคเรอเนซองส์สูงละทิ้งรายละเอียดและรายละเอียดที่ไม่มีนัยสำคัญในนามของภาพทั่วไป ในนามของความปรารถนาที่จะสังเคราะห์แง่มุมที่สวยงามของชีวิตอย่างกลมกลืน นี่เป็นหนึ่งในความแตกต่างที่สำคัญระหว่างยุคเรอเนซองส์สูงและยุคแรก

เลโอนาร์โด ดาวินชี (1452-1519) เป็นศิลปินคนแรกที่รวบรวมความแตกต่างนี้ได้อย่างชัดเจน เขาเกิดที่เมือง Anchiano ใกล้หมู่บ้าน Vinci; พ่อของเขาเป็นทนายความซึ่งย้ายไปฟลอเรนซ์ในปี 1469 ครูคนแรกของ Leonardo คือ Andrea Verrocchio ร่างของเทวดาในภาพวาดของอาจารย์เรื่อง "บัพติศมา" แสดงให้เห็นอย่างชัดเจนถึงความแตกต่างในการรับรู้ของศิลปินเกี่ยวกับโลกในยุคอดีตและยุคใหม่: ไม่มีความเรียบของส่วนหน้าของ Verrocchio ซึ่งเป็นแบบจำลองการตัดส่วนที่ดีที่สุดและจิตวิญญาณที่ไม่ธรรมดา ของภาพ นักวิจัยระบุวันที่ของ "Madonna with a Flower" ("Benois Madonna" ตามที่ก่อนหน้านี้เรียกตามชื่อเจ้าของ) จนถึงเวลาที่ Verrocchio ออกจากเวิร์คช็อป ในช่วงเวลานี้ Leonardo ได้รับอิทธิพลจาก Botticelli มาระยะหนึ่งอย่างไม่ต้องสงสัย รายละเอียด "การประกาศ" ของเขายังคงเผยให้เห็นความสัมพันธ์ใกล้ชิดกับ Quattrocento แต่ความสงบและความงามที่สมบูรณ์แบบของร่างของมารีย์และอัครเทวดา โครงสร้างสีของภาพวาด และความเป็นระเบียบเรียบร้อยขององค์ประกอบพูดถึงโลกทัศน์ของศิลปินยุคใหม่ ยุคสมัยซึ่งเป็นลักษณะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาชั้นสูง

ตั้งแต่ช่วงทศวรรษที่ 80 ของศตวรรษที่ 15 ผลงานประพันธ์ที่ยังสร้างไม่เสร็จของ Leonardo สองชิ้นรอดชีวิตมาได้: "The Adoration of the Magi" และ "St. เจอโรม” อาจเป็นช่วงกลางทศวรรษที่ 80 "มาดอนน่าลิตตา" ก็ถูกสร้างขึ้นโดยใช้เทคนิคอุบาทว์โบราณซึ่งมีการแสดงภาพความงามของผู้หญิงของเลโอนาร์โด: เปลือกตาที่หนักหน่วงลงครึ่งหนึ่งและรอยยิ้มอันละเอียดอ่อนทำให้ใบหน้าของมาดอนน่ามีจิตวิญญาณที่พิเศษ

เลโอนาร์โด ดา วินชี. ภาพเหมือนตนเอง ตูริน, ห้องสมุด

อย่างไรก็ตาม ฟลอเรนซ์ดูเหมือนจะไม่ค่อยให้การต้อนรับศิลปินนักในช่วงหลายปีที่ผ่านมา และในปี ค.ศ. 1482 เมื่อทราบว่าดยุคแห่งมิลาน โลโดวิโก สฟอร์ซา หรือที่รู้จักกันดีในชื่อโลโดวิโก โมโร กำลังมองหาช่างแกะสลักเพื่อสร้างอนุสาวรีย์ให้กับบิดาของเขา Francesco Sforza, Leonardo เสนอบริการของเขาให้กับ Duke และออกเดินทางไปมิลาน โปรดทราบว่าในจดหมายถึง Moreau ประการแรกเลโอนาร์โดกล่าวถึงข้อดีของเขาในฐานะวิศวกรทหาร (ผู้สร้างสะพาน ผู้สร้างป้อมปราการ "ปืนใหญ่" ผู้สร้างเรือ) ผู้บุกเบิกที่ดิน สถาปนิก และหลังจากนั้นในฐานะประติมากรและจิตรกรเท่านั้น

การผสมผสานหลักการทางวิทยาศาสตร์และความคิดสร้างสรรค์ มีทั้งความคิดเชิงตรรกะและศิลปะ เลโอนาร์โดใช้เวลาทั้งชีวิตในการวิจัยทางวิทยาศาสตร์ควบคู่ไปกับวิจิตรศิลป์ เขาดูเชื่องช้าและทิ้งงานศิลปะเล็กๆ น้อยๆ ไว้เบื้องหลัง ที่ศาลมิลาน เลโอนาร์โดทำงานเป็นศิลปิน ช่างเทคนิค นักประดิษฐ์ นักคณิตศาสตร์ และนักกายวิภาคศาสตร์ ในเวลาเดียวกัน เมื่อพบว่าตัวเองรับใช้ Moreau ดูเหมือนว่าเขาจะถูกสร้างขึ้นเพื่อชีวิตทางสังคม คล้ายกับที่นำโดยขุนนางชาวมิลาน

การเสริมความแข็งแกร่งและการตกแต่งป้อมปราการมิลาน (Castello Sforzesso) การออกแบบการเฉลิมฉลองอย่างต่อเนื่องและงานแต่งงานจำนวนมากและการศึกษาทางวิทยาศาสตร์ทำให้ Leonardo ห่างไกลจากงานศิลปะ ด้วยเหตุนี้ ยุคมิลานซึ่งกินเวลาตั้งแต่ปี ค.ศ. 1482 ถึง ค.ศ. 1499 จึงถือเป็นช่วงที่มีผลมากที่สุดงานหนึ่งของปรมาจารย์ซึ่งเป็นจุดเริ่มต้นของวุฒิภาวะทางศิลปะของเขา ตั้งแต่เวลานี้เองที่ Leonardo กลายเป็นศิลปินชั้นนำในอิตาลี: ในด้านสถาปัตยกรรมเขายุ่งอยู่กับการออกแบบเมืองในอุดมคติในประติมากรรม - การสร้างอนุสาวรีย์ขี่ม้าในการวาดภาพ - วาดภาพแท่นบูชาขนาดใหญ่ และผลงานสร้างสรรค์แต่ละชิ้นที่เขาสร้างขึ้นนั้นเป็นการค้นพบทางศิลปะ

อันดับแรก เป็นผลงานที่ยอดเยี่ยมซึ่งเขาแสดงในมิลานคือ "Madonna of the Rocks" (หรือ "Madonna of the Grotto") นี่เป็นองค์ประกอบแท่นบูชาชิ้นแรกในยุคเรอเนซองส์สูง ซึ่งน่าสนใจเช่นกันเพราะมันแสดงลักษณะการเขียนของเลโอนาร์โดได้อย่างเต็มที่ ด้วยการสร้างภาพลักษณ์ของพระแม่มารีพร้อมกับเด็กทารกพระคริสต์และยอห์นและทูตสวรรค์ซึ่งเป็นภาพรวมที่สวยงามโดยรวมและสวยงามในอุดมคติในขณะที่ยังคงรักษาคุณสมบัติทั้งหมดของการโน้มน้าวใจที่สำคัญเลโอนาร์โดเหมือนเดิมสรุปภารกิจทั้งหมดของยุค Quattrocento และ หันมองไปยังอนาคต

เลโอนาร์โด ดา วินชี. มาดอนน่าในถ้ำ ปารีส, พิพิธภัณฑ์ลูฟร์

องค์ประกอบของภาพมีความสร้างสรรค์ มีเหตุผล และตรวจสอบอย่างเข้มงวด กลุ่มคนสี่คนก่อตัวเป็นปิรามิด แต่ท่าทางของมือของแมรี่และนิ้วชี้ของนางฟ้าทำให้เกิดการเคลื่อนไหวเป็นวงกลมภายในภาพวาด และการจ้องมองก็เคลื่อนจากที่หนึ่งไปยังอีกที่หนึ่งโดยธรรมชาติ ความสงบสุขเล็ดลอดออกมาจากร่างของมาดอนน่าและทูตสวรรค์ แต่ในขณะเดียวกันพวกเขาก็สร้างแรงบันดาลใจให้กับความรู้สึกลึกลับความลึกลับที่น่ากังวลโดยเน้นด้วยมุมมองที่ยอดเยี่ยมของถ้ำและพื้นหลังภูมิทัศน์ อันที่จริง นี่ไม่ได้เป็นเพียงพื้นหลังแนวนอนอีกต่อไป แต่ยังเป็นสภาพแวดล้อมบางอย่างที่บุคคลในภาพโต้ตอบกัน การสร้างสภาพแวดล้อมนี้ยังได้รับการอำนวยความสะดวกด้วยคุณภาพพิเศษของภาพวาดของ Leonardo ซึ่งเรียกว่า "sfumato": หมอกที่โปร่งสบายที่ห่อหุ้มวัตถุทั้งหมด ทำให้รูปทรงนุ่มนวลขึ้น สร้างบรรยากาศที่โปร่งสบาย

ผลงานที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของเลโอนาร์โดในมิลานซึ่งเป็นความสำเร็จสูงสุดในงานศิลปะของเขาคือภาพวาดผนังโรงอาหารของอารามซานตามาเรีย เดลลา กราซี ในเรื่องพระกระยาหารมื้อสุดท้าย (ค.ศ. 1495-1498) พระคริสต์ทรงพบกับเหล่าสาวกของพระองค์เป็นครั้งสุดท้ายในมื้อเย็นเพื่อประกาศให้พวกเขาทราบถึงการทรยศของหนึ่งในพวกเขา “เราบอกความจริงแก่ท่านว่า หนึ่งในพวกท่านจะทรยศต่อข้าพเจ้า” เลโอนาร์โดพรรณนาถึงช่วงเวลาแห่งปฏิกิริยาของทั้งสิบสองคนต่อคำพูดของครู ปฏิกิริยานี้แตกต่างออกไป แต่ไม่มีผลกระทบจากภายนอกในภาพ ทุกอย่างเต็มไปด้วยการเคลื่อนไหวภายในที่ควบคุมไม่ได้ ศิลปินเปลี่ยนองค์ประกอบหลายครั้ง แต่ไม่ได้เปลี่ยนหลักการหลัก: องค์ประกอบขึ้นอยู่กับการคำนวณทางคณิตศาสตร์ที่แม่นยำ สิบสามคนนั่งอยู่ที่โต๊ะยาวขนานกับแนวผืนผ้าใบ: สองคนอยู่ในโปรไฟล์ต่อผู้ชมที่ด้านข้างโต๊ะ และสิบเอ็ดคนกำลังเผชิญหน้ากัน หัวใจสำคัญของการจัดองค์ประกอบภาพคือรูปปั้นของพระคริสต์ ซึ่งวางไว้ตรงกลาง โดยมีฉากหลังเป็นทางเข้าประตู ซึ่งด้านหลังเป็นทิวทัศน์ที่เปิดออก พระเนตรของพระคริสต์ลดต่ำลง ใบหน้าของเขายอมจำนนต่อเจตจำนงที่สูงขึ้น ความโศกเศร้า ความตระหนักรู้ถึงชะตากรรมที่รอเขาอยู่อย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ ที่เหลืออีกสิบสองคนแบ่งออกเป็นสี่กลุ่ม กลุ่มละสามคน ใบหน้าทั้งหมดได้รับการส่องสว่าง ยกเว้นใบหน้าของยูดาส หันหน้าไปทางผู้ชมและหันหลังให้กับแหล่งกำเนิดแสงซึ่งสอดคล้องกับแผนของเลโอนาร์โด: เพื่อแยกเขาออกจากนักเรียนคนอื่น ๆ เพื่อทำให้แก่นแท้ที่ทรยศดำของเขา เกือบจะจับต้องได้ทางกายภาพ

เลโอนาร์โด ดา วินชี. กระยาหารค่ำมื้อสุดท้าย ภาพวาดห้องโถงของอารามซานตามาเรีย เดลลา กราซีเอ ในมิลาน

สำหรับเลโอนาร์โด ศิลปะและวิทยาศาสตร์ดำรงอยู่อย่างแยกจากกันไม่ได้ ในขณะที่ทำงานด้านศิลปะเขาทำการวิจัยทางวิทยาศาสตร์ การทดลอง การสังเกต เขาผ่านมุมมองในสาขาทัศนศาสตร์และฟิสิกส์ ผ่านปัญหาเรื่องสัดส่วน - เข้าสู่กายวิภาคศาสตร์และคณิตศาสตร์ ฯลฯ “ The Last Supper” เสร็จสิ้นทั้งขั้นตอนในงานศิลปะของศิลปิน การวิจัยทางวิทยาศาสตร์ นอกจากนี้ยังเป็นเวทีใหม่ในงานศิลปะอีกด้วย ศิลปิน Quattrocento หลายคนวาดภาพ The Last Supper สำหรับ Leonardo สิ่งสำคัญคือการเปิดเผยคำถามนิรันดร์ของมนุษยชาติผ่านปฏิกิริยาของผู้คน ตัวละคร ลักษณะนิสัย และปัจเจกบุคคล: เกี่ยวกับความรักและความเกลียดชัง การอุทิศตนและการทรยศ ความสูงส่งและความถ่อมตัว ความโลภ ซึ่งเป็นสิ่งที่ทำให้ Leonardo's งานสมัยใหม่น่าตื่นเต้นมากจนถึงทุกวันนี้ ผู้คนแสดงตนในรูปแบบต่างๆ ในช่วงเวลาแห่งความตกตะลึงทางอารมณ์: จอห์นสาวกผู้เป็นที่รักของพระคริสต์ทุกคนต่างก้มหน้าก้มตาลดสายตาลงอย่างอ่อนโยน ปีเตอร์คว้ามีด ยาโคบกางมือของเขาด้วยความสับสน Andrei ยกมือขึ้นอย่างชักกระตุก มีเพียงพระคริสต์เท่านั้นที่อยู่ในสภาพแห่งความสงบสุขอย่างสมบูรณ์และการหมกมุ่นอยู่กับตนเองซึ่งร่างของเขาเป็นศูนย์กลางด้านความหมายเชิงพื้นที่และมีสีสันของภาพซึ่งให้ความเป็นเอกภาพขององค์ประกอบทั้งหมด ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่โทนสีน้ำเงินและสีแดงที่ครอบงำภาพวาดจะฟังดูเข้มข้นที่สุดในฉลองพระองค์ของพระคริสต์: เสื้อคลุมสีน้ำเงิน เสื้อคลุมสีแดง

ภาพวาดของเลโอนาร์โดแตกต่างจากผลงานหลายชิ้นของ Quattrocento ไม่มีเทคนิคลวงตาใดๆ ที่ทำให้พื้นที่จริงสามารถแปลงร่างเป็นภาพได้ แต่ภาพวาดที่อยู่ตามผนังโรงอาหารได้ทำลายพื้นที่ภายในทั้งหมด และความสามารถของลีโอนาร์เดียในการพิชิตอวกาศในวงกว้างได้ปูทางให้ราฟาเอลและมิเกลันเจโล

ชะตากรรมของจิตรกรรมฝาผนังของ Leonardo เป็นเรื่องที่น่าเศร้า: ตัวเขาเองมีส่วนทำให้การสลายตัวอย่างรวดเร็วโดยการทดลองผสมอุบาทว์และน้ำมันทดลองกับสีและสีรองพื้น ต่อมาประตูพังลงในผนัง และความชื้นและไอระเหยเริ่มซึมเข้าไปในโรงอาหาร ซึ่งไม่ได้มีส่วนช่วยในการดูแลรักษาภาพวาด พวกที่บุกเข้ามาเมื่อปลายศตวรรษที่ 18 ในอิตาลี พวก Bonapartists ได้สร้างโรงเก็บธัญพืชและโรงเก็บธัญพืช จากนั้นจึงสร้างคุกในโรงอาหาร ในช่วงสงครามโลกครั้งที่สอง ระเบิดถล่มโรงอาหาร และกำแพงรอดชีวิตมาได้เพียงปาฏิหาริย์ ในขณะที่กำแพงฝั่งตรงข้ามและด้านข้างพังทลายลง ในช่วงทศวรรษที่ 50 ภาพวาดถูกเคลียร์เป็นชั้นๆ และได้รับการบูรณะใหม่โดยพื้นฐาน

เลโอนาร์โดสละเวลาจากการศึกษากายวิภาคศาสตร์ เรขาคณิต ป้อมปราการ การบุกเบิกที่ดิน ภาษาศาสตร์ การแปลความหมาย และดนตรี เพื่อมาทำงานในภาพยนตร์เรื่อง “The Horse” ซึ่งเป็นอนุสรณ์สถานขี่ม้าของฟรานเชสโก สฟอร์ซา ซึ่งเขาเดินทางมาที่มิลานเป็นหลักและได้สร้างเสร็จสมบูรณ์ในขนาดเต็ม ในช่วงต้นยุค 90 ในดินเหนียว อนุสาวรีย์ไม่ได้ถูกกำหนดให้เป็นสำริด: ในปี 1499 ชาวฝรั่งเศสบุกมิลานและนักธนูหน้าไม้ของ Gascon ยิงอนุสาวรีย์ขี่ม้า เราสามารถตัดสินรูปปั้นของเลโอนาร์โดได้จากภาพวาดของเขาที่สร้างขึ้นในขั้นตอนต่างๆ ของงาน อนุสาวรีย์ที่มีความสูงประมาณ 7 ม. ควรจะสูงกว่ารูปปั้นนักขี่ม้าของ Donatello และ Verrocchio ถึง 1.5 เท่า โดยไม่มีเหตุผลที่คนรุ่นเดียวกันจะเรียกมันว่า "ยักษ์ใหญ่" จากองค์ประกอบแบบไดนามิกที่มีผู้ขี่ม้าบนหลังม้าที่เหยียบย่ำศัตรู Leonardo ได้ย้ายไปหาวิธีแก้ปัญหาที่สงบกว่าให้กับร่างของ Sforza โดยนั่งบนม้าที่ทรงพลังอย่างเคร่งขรึม

ในปี 1499 ปีแห่งการเร่ร่อนของเลโอนาร์โดเริ่มต้นขึ้น: มันตัว เวนิส และในที่สุด บ้านเกิดของศิลปินในฟลอเรนซ์ ซึ่งเขาวาดภาพกระดาษแข็ง "นักบุญ" แอนนากับแมรี่บนตักของเธอ” ซึ่งเขาสร้างภาพวาดสีน้ำมันในมิลาน (ซึ่งเขากลับมาในปี 1506) Leonardo ใช้เวลาสั้น ๆ ในการรับใช้ Caesar Borgia และในฤดูใบไม้ผลิปี 1503 เขากลับไปที่ฟลอเรนซ์ซึ่งเขาได้รับจาก Pietro Soderini ซึ่งปัจจุบันเป็น Gonfaloniere ตลอดชีวิตคำสั่งให้ทาสีผนังห้องโถงใหม่ของ Palazzo Signoria (ผนังด้านตรงข้ามเขียนโดยไมเคิลแองเจโล) Leonardo ทำกระดาษแข็งในธีมการต่อสู้ของชาวมิลานและชาวฟลอเรนซ์ที่ Anghiari - ช่วงเวลาของการต่อสู้ที่ดุเดือดเพื่อแย่งชิงธง Michelangelo - การต่อสู้ของ Cascina - ช่วงเวลาที่ทหารโผล่ออกมาจากสระน้ำตามสัญญาณเตือน ผู้ร่วมสมัยทิ้งหลักฐานว่ากระดาษแข็งแผ่นที่สองประสบความสำเร็จอย่างยิ่งใหญ่เพราะมันไม่ได้แสดงถึงความโกรธที่รุนแรงและเกือบจะเป็นสัตว์ร้ายความโกรธและความตื่นเต้นของผู้คนที่ต่อสู้จนตายเช่นเดียวกับในเลโอนาร์โด แต่เป็นเยาวชนที่สวยงามและมีสุขภาพดีรีบแต่งตัวและเข้าสู่การต่อสู้ - สะท้อนภาพความกล้าหาญและความกล้าหาญ แต่กระดาษแข็งทั้งสองชิ้นไม่ได้รับการเก็บรักษาไว้ ไม่ได้รวมอยู่ในภาพวาด และเรารู้เกี่ยวกับแผนของลีโอนาร์ดจากภาพวาดเพียงไม่กี่ภาพเท่านั้น

ในฟลอเรนซ์ เลโอนาร์โดเริ่มวาดภาพอีกภาพหนึ่ง: ภาพเหมือนของโมนาลิซ่า ภรรยาของพ่อค้า เดล จิโอคอนโด ซึ่งได้กลายเป็นหนึ่งในภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลก มีการเขียนหลายร้อยหน้าเกี่ยวกับภาพบุคคล: วิธีที่เลโอนาร์โดจัดเซสชั่นเชิญนักดนตรีเพื่อให้รอยยิ้มบนใบหน้าของนางแบบไม่จางหายไปนานแค่ไหน (ตามปกติสำหรับเลโอนาร์โด) เขาทำให้งานล่าช้าวิธีที่เขาพยายามถ่ายทอดอย่างละเอียด ทุกลักษณะของใบหน้าที่มีชีวิตนี้ ภาพเหมือนของ Mona Lisa Gioconda ถือเป็นก้าวสำคัญในการพัฒนาศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา เป็นครั้งแรกที่ประเภทภาพบุคคลอยู่ในระดับเดียวกับการแต่งเพลงในธีมทางศาสนาและตำนาน แม้จะมีความคล้ายคลึงกันทางโหงวเฮ้งที่ไม่อาจปฏิเสธได้ แต่การถ่ายภาพบุคคลของ Quattrocento ก็มีความโดดเด่นด้วยข้อจำกัดภายใน (หากไม่ใช่ภายนอก) ความสง่างามของโมนาลิซาถ่ายทอดผ่านเพียงการเทียบเคียงกันของรูปร่างใหญ่โตของเธอที่เด่นชัด ซึ่งถูกผลักออกไปจนสุดขอบผืนผ้าใบอย่างแรง โดยมีทิวทัศน์ที่มีโขดหินและลำธารมองเห็นได้ราวกับมาจากที่ไกล ละลาย มีเสน่ห์ เย้ายวนใจ และด้วยเหตุนี้ แม้ว่า ความเป็นจริงของแม่ลายทั้งหมดนั้นยอดเยี่ยมมาก ความหลบเลี่ยงแบบเดียวกันนี้ยังปรากฏอยู่ในรูปลักษณ์ของ Gioconda บนใบหน้าของเธอ ซึ่งเราสัมผัสได้ถึงหลักการที่มีความมุ่งมั่นอย่างแรงกล้า ชีวิตทางสติปัญญาที่เข้มข้นเมื่อมองดูเธอ ฉลาดและเฉียบแหลมราวกับเฝ้าดูผู้ดูอย่างต่อเนื่องในตัวเธอแทบจะไม่ รอยยิ้มที่น่าหลงใหลอย่างเห็นได้ชัด

ในภาพเหมือนของโมนาลิซา ได้มีการบรรลุถึงลักษณะทั่วไปในระดับหนึ่ง โดยในขณะที่ยังคงรักษาเอกลักษณ์เฉพาะตัวของความเป็นปัจเจกภาพไว้ทั้งหมด ช่วยให้เราสามารถพิจารณาภาพตามแบบฉบับของยุคเรอเนซองส์สูงได้ ก่อนอื่นเลย นี่คือความแตกต่างระหว่างภาพเหมือนของลีโอนาร์ดกับภาพเหมือนของยุคเรอเนซองส์ตอนต้น ลักษณะทั่วไปนี้ซึ่งเป็นแนวคิดหลักซึ่งเป็นความรู้สึกถึงความสำคัญของตนเองสิทธิอันสูงส่งในชีวิตฝ่ายวิญญาณที่เป็นอิสระนั้นเกิดขึ้นได้จากช่วงเวลาที่เป็นทางการหลายประการ: รูปร่างที่ราบรื่นของร่างและการสร้างแบบจำลองที่นุ่มนวลของ ใบหน้าและมือ ปกคลุมไปด้วย "sfumato" ของเลโอนาร์โด ในเวลาเดียวกัน เลโอนาร์โดสร้างความรู้สึกของร่างกายที่มีชีวิตโดยไม่ยอมให้ลงรายละเอียดแม้แต่นาทีเดียว โดยไม่ยอมให้โน้ตที่เป็นธรรมชาติแม้แต่นิดเดียว ซึ่งทำให้วาซารีร้องอุทานว่าใคร ๆ ก็เห็นชีพจรเต้นอยู่ในโพรงที่คอของโมนาลิซา

ในปี 1506 เลโอนาร์โดเดินทางไปมิลานซึ่งเป็นของชาวฝรั่งเศสอยู่แล้ว ปีที่ผ่านมาที่บ้าน - นี่เป็นปีแห่งการเร่ร่อนระหว่างฟลอเรนซ์, โรม, มิลาน, เต็มไปด้วย, การวิจัยทางวิทยาศาสตร์และการแสวงหาความคิดสร้างสรรค์ ส่วนใหญ่เป็นการวาดภาพ เต็มไปด้วยความไม่มั่นคงของเขาเองความรู้สึกขาดการยอมรับความรู้สึกเหงาในฟลอเรนซ์บ้านเกิดของเขาถูกฉีกขาดเช่นเดียวกับอิตาลีโดยศัตรูทั้งภายนอกและภายในเลโอนาร์โดในปี 1515 ตามคำแนะนำของกษัตริย์ฝรั่งเศสฟรานซิสที่ 1 ออกไปฝรั่งเศสตลอดไป

เลโอนาร์โดเป็นศิลปินที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคของเขา เป็นอัจฉริยะที่เปิดโลกทัศน์ใหม่ของศิลปะ เขาทิ้งผลงานไว้ไม่กี่ชิ้น แต่งานแต่ละชิ้นถือเป็นเวทีในประวัติศาสตร์วัฒนธรรม เลโอนาร์โดยังเป็นที่รู้จักในฐานะนักวิทยาศาสตร์ผู้รอบรู้ การค้นพบทางวิทยาศาสตร์ของเขา เช่น งานวิจัยของเขาในสาขาเครื่องบิน เป็นที่สนใจในยุคอวกาศของเรา ต้นฉบับของ Leonardo จำนวนหลายพันหน้าซึ่งครอบคลุมทุกสาขาความรู้เป็นพยานถึงความเป็นสากลของอัจฉริยะของเขา

แนวคิดเกี่ยวกับศิลปะที่ยิ่งใหญ่แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาซึ่งประเพณีของสมัยโบราณและจิตวิญญาณของศาสนาคริสต์ผสมผสานกันพบว่ามีการแสดงออกที่ชัดเจนที่สุดในผลงานของราฟาเอล (ค.ศ. 1483-1520) ในงานศิลปะของเขา งานหลักสองงานพบวิธีแก้ปัญหาที่สมบูรณ์: ความสมบูรณ์แบบของพลาสติกในร่างกายมนุษย์ การแสดงความสามัคคีภายในของบุคลิกภาพที่พัฒนาอย่างครอบคลุม ซึ่งราฟาเอลติดตามสมัยโบราณ และองค์ประกอบหลายร่างที่ซับซ้อนซึ่งสื่อถึงความหลากหลายทั้งหมดของ โลก. ปัญหาเหล่านี้ได้รับการแก้ไขโดย Leonardo ใน "The Last Supper" ด้วยตรรกะที่เป็นลักษณะเฉพาะของเขา ราฟาเอลเสริมสร้างความเป็นไปได้เหล่านี้ บรรลุอิสรภาพอันน่าทึ่งในการวาดภาพอวกาศและการเคลื่อนไหวของร่างมนุษย์ในนั้น ความกลมกลืนที่ไร้ที่ติระหว่างสิ่งแวดล้อมและมนุษย์ ปรากฏการณ์ชีวิตที่หลากหลายภายใต้พู่กันของราฟาเอลก่อตัวขึ้นอย่างเรียบง่ายและเป็นธรรมชาติจนกลายเป็นองค์ประกอบที่ชัดเจนทางสถาปัตยกรรม แต่เบื้องหลังทั้งหมดนี้คือความแม่นยำอันเข้มงวดของทุกรายละเอียด ตรรกะในการก่อสร้างที่เข้าใจยาก และความยับยั้งชั่งใจอย่างชาญฉลาด ซึ่งทำให้ผลงานของเขาคลาสสิก ไม่มีปรมาจารย์ยุคเรอเนสซองส์คนใดที่รับรู้แก่นแท้ของศาสนาอิสลามในสมัยโบราณอย่างลึกซึ้งและเป็นธรรมชาติเท่ากับราฟาเอล ไม่ใช่โดยไม่มีเหตุผลที่เขาถือเป็นศิลปินที่เชื่อมโยงประเพณีโบราณกับศิลปะยุโรปตะวันตกในยุคสมัยใหม่อย่างเต็มที่

Rafael Santi เกิดในปี 1483 ในเมือง Urbino ซึ่งเป็นหนึ่งในศูนย์กลางของวัฒนธรรมทางศิลปะในอิตาลีที่ราชสำนักของ Duke of Urbino ในครอบครัวของจิตรกรและกวีในราชสำนักซึ่งเป็นครูคนแรกของปรมาจารย์ในอนาคต . ช่วงต้นผลงานของราฟาเอลมีเอกลักษณ์อย่างสมบูรณ์แบบด้วยภาพวาดขนาดเล็กในรูปแบบของ tondo "Madonna Conestabile" ด้วยความเรียบง่ายและความกระชับของรายละเอียดที่คัดสรรมาอย่างเข้มงวด (แม้จะมีความขี้อายในการแต่งเพลง) และความพิเศษที่มีอยู่ในผลงานทั้งหมดของราฟาเอลบทกวีที่ละเอียดอ่อน และความรู้สึกสงบ ในปี 1500 ราฟาเอลออกจากเออร์บิโนไปยังเปรูเกียเพื่อศึกษาในเวิร์คช็อปของศิลปินชื่อดังชาวอุมเบรียน เปรูจิโน ซึ่งอยู่ภายใต้อิทธิพลของการเขียน The Betrothal of Mary (1504) ความรู้สึกของจังหวะ สัดส่วนของมวลพลาสติก ระยะห่างเชิงพื้นที่ ความสัมพันธ์ระหว่างตัวเลขกับพื้นหลัง การประสานกันของโทนสีพื้นฐาน (ใน “พิธีหมั้น” จะเป็นสีทอง สีแดง และสีเขียว ประกอบกับพื้นหลังสีฟ้าอ่อน) สร้างความกลมกลืนที่ ปรากฏชัดอยู่แล้วในผลงานยุคแรกๆ ของราฟาเอล และทำให้เขาแตกต่างจากศิลปินในยุคก่อน ในปี 1504 ราฟาเอลย้ายไปฟลอเรนซ์ซึ่งมีบรรยากาศทางศิลปะที่เต็มไปด้วยกระแสของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาขั้นสูงและมีส่วนทำให้เขาค้นหาภาพที่กลมกลืนกันอย่างสมบูรณ์แบบ

ตลอดชีวิตของเขา ราฟาเอลค้นหาภาพนี้ในพระแม่มารี ผลงานมากมายของเขาที่ตีความภาพพระแม่มารีทำให้เขามีชื่อเสียงไปทั่วโลก ข้อดีประการแรกของศิลปินคือเขาสามารถรวบรวมเฉดสีความรู้สึกที่ละเอียดอ่อนที่สุดในแนวคิดเรื่องการเป็นแม่เพื่อผสมผสานบทกวีและอารมณ์ความรู้สึกที่ลึกซึ้งเข้ากับความยิ่งใหญ่ที่ยิ่งใหญ่ สิ่งนี้สามารถมองเห็นได้ในมาดอนน่าทั้งหมดของเขา เริ่มต้นด้วย "มาดอนน่าคอนสตาบิล" ที่ขี้อายในวัยเยาว์: ใน "มาดอนน่าแห่งกรีน", "มาดอนน่ากับโกลด์ฟินช์", "มาดอนน่าในอาร์มแชร์" และโดยเฉพาะอย่างยิ่งที่จุดสุดยอดของจิตวิญญาณและทักษะของราฟาเอล - ใน "ซิสทีนมาดอนน่า" ไม่ต้องสงสัยเลยว่านี่คือวิธีที่จะเอาชนะการตีความที่เรียบง่ายของความรักของมารดาอันเงียบสงบและสดใสสำหรับภาพที่อิ่มตัวไปด้วยจิตวิญญาณและโศกนาฏกรรมระดับสูงซึ่งสร้างขึ้นจากจังหวะฮาร์มอนิกที่สมบูรณ์แบบ: พลาสติก, สีสัน, เส้นตรง แต่มันก็เป็นเส้นทางแห่งความอุดมคติที่สม่ำเสมอเช่นกัน อย่างไรก็ตาม ใน "The Sistine Madonna" หลักการอุดมคตินี้ถูกผลักไสออกไปเบื้องหลัง และเปิดทางให้กับความรู้สึกโศกเศร้าที่เล็ดลอดออกมาจากหญิงสาวที่สวยงามในอุดมคติคนนี้ โดยมีพระเจ้าทารกอยู่ในอ้อมแขนของเธอ ซึ่งเธอมอบให้เพื่อชดใช้บาปของมนุษย์ การจ้องมองของมาดอนน่าซึ่งมองผ่านหรือมองผ่านผู้ชมนั้นเต็มไปด้วยความคาดหวังอันโศกเศร้าต่อชะตากรรมอันน่าสลดใจของลูกชายของเธอ (ซึ่งการจ้องมองนั้นจริงจังแบบเด็ก ๆ เช่นกัน) “ The Sistine Madonna” เป็นหนึ่งในผลงานที่สมบูรณ์แบบที่สุดของราฟาเอลในแง่ของภาษา: ร่างของ Mary และ Child ซึ่งมีเงาอยู่กับท้องฟ้าอย่างเคร่งครัดถูกรวมเข้าด้วยกันด้วยจังหวะการเคลื่อนไหวร่วมกับร่างของนักบุญ คนป่าเถื่อนและพระสันตปาปาซิกตัสที่ 2 ซึ่งมีท่าทางจ่าหน้าถึงพระแม่มารี เช่นเดียวกับมุมมองของทูตสวรรค์สององค์ (คล้ายกับพระพุทธ ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของยุคเรอเนซองส์) อยู่ที่ส่วนล่างขององค์ประกอบ ตัวเลขดังกล่าวยังรวมกันเป็นสีทองทั่วไปราวกับแสดงถึงความเปล่งประกายอันศักดิ์สิทธิ์ แต่สิ่งสำคัญคือใบหน้าของมาดอนน่าซึ่งรวบรวมเอาการสังเคราะห์อุดมคติแห่งความงามโบราณเข้ากับจิตวิญญาณของอุดมคติของคริสเตียนซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของโลกทัศน์ของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง

« ซิสติน มาดอนน่า" - งานต่อมาของราฟาเอล ก่อนหน้านี้ในปี 1509 สมเด็จพระสันตะปาปาจูเลียสที่ 2 ทรงเชิญศิลปินหนุ่มมาที่โรมเพื่อวาดภาพห้องพระสันตะปาปาส่วนตัว (บท) ในวังวาติกัน ในตอนต้นของศตวรรษที่ 16 โรมกลายเป็นศูนย์กลางวัฒนธรรมหลักของอิตาลี ศิลปะแห่งยุคเรอเนซองส์ขั้นสูงเริ่มบานสะพรั่งยิ่งใหญ่ที่สุดในเมืองนี้ โดยที่ศิลปินอย่าง Bramante, Michelangelo และ Raphael ต่างก็ทำงานไปพร้อมๆ กันตามความตั้งใจของพระสันตะปาปา Julius II และ Leo X ศิลปะพัฒนาภายใต้สัญลักษณ์แห่งความสามัคคีในชาติ (สำหรับพระสันตะปาปาที่ใฝ่ฝันที่จะรวมประเทศเป็นหนึ่งเดียวกันภายใต้การปกครองของพวกเขา) สืบสานประเพณีโบราณ และแสดงออกถึงอุดมการณ์ของมนุษยนิยม โปรแกรมอุดมการณ์ทั่วไปสำหรับการวาดภาพห้องพระสันตะปาปาคือการเชิดชูอำนาจของคริสตจักรคาทอลิกและประมุขของคริสตจักร นั่นคือพระสันตะปาปา

ราฟาเอลวาดภาพสองบทแรก ใน Stanza della Segnatura (ห้องแห่งลายเซ็น, ตราประทับ) เขาได้วาดภาพจิตรกรรมฝาผนังสี่ภาพเกี่ยวกับขอบเขตหลักของกิจกรรมทางจิตวิญญาณของมนุษย์: ปรัชญา, บทกวี, เทววิทยา และนิติศาสตร์ เป็นเรื่องปกติที่ศิลปะในยุคกลางและเรอเนซองส์ตอนต้นจะพรรณนาวิทยาศาสตร์และศิลปะในรูปแบบของบุคคลเชิงเปรียบเทียบ ราฟาเอลแก้ไขธีมเหล่านี้ในรูปแบบของการจัดองค์ประกอบภาพหลายร่าง ซึ่งบางครั้งก็แสดงถึงการถ่ายภาพบุคคลกลุ่มจริงๆ ซึ่งน่าสนใจทั้งในด้านความเป็นปัจเจกบุคคลและลักษณะทั่วไป ในภาพบุคคลเหล่านี้ราฟาเอลได้รวบรวมอุดมคติทางมนุษยนิยมของผู้มีปัญญาที่สมบูรณ์แบบดังที่คิดขึ้นในยุคเรอเนซองส์ โปรแกรมอย่างเป็นทางการสำหรับการวาดภาพ Stanza della Segnatura เป็นภาพสะท้อนของแนวคิดในการปรองดองศาสนาคริสต์กับวัฒนธรรมโบราณ การนำโปรแกรมนี้ไปใช้อย่างมีศิลปะโดยราฟาเอล - บุตรชายในสมัยของเขา - ส่งผลให้ฆราวาสได้รับชัยชนะเหนือนักบวช ในภาพปูนเปียก "The School of Athens" ซึ่งแสดงถึงปรัชญา ราฟาเอลนำเสนอเพลโตและอริสโตเติลที่รายล้อมไปด้วยนักปรัชญาและนักวิทยาศาสตร์จากช่วงเวลาต่างๆ ของประวัติศาสตร์ ท่าทางของพวกเขา (อันหนึ่งชี้ขึ้นไปบนฟ้า อีกอันชี้ไปที่โลก) แสดงถึงแก่นแท้ของความแตกต่างในคำสอนของพวกเขา ทางด้านขวาในรูปของ Euclid ราฟาเอลบรรยายถึงสถาปนิกร่วมสมัยผู้ยิ่งใหญ่ของเขา Bramante; ถัดมาคือนักดาราศาสตร์และนักคณิตศาสตร์ชื่อดัง ที่ขอบสุดของกลุ่มด้านขวาศิลปินวาดภาพตัวเอง บนขั้นบันไดเขาวาดภาพผู้ก่อตั้งโรงเรียน Cynic ชื่อ Diogenes ในกลุ่มซ้าย - โสกราตีส, พีทาโกรัสในเบื้องหน้าในสภาวะแห่งความคิดอันลึกซึ้ง Heraclitus of Ephesus ตามที่นักวิจัยบางคนกล่าวว่าภาพลักษณ์อันงดงามและสวยงามของเพลโตได้รับแรงบันดาลใจจากรูปลักษณ์ที่ไม่ธรรมดาของเลโอนาร์โดและในเฮราคลิตุสราฟาเอลก็จับมิเกลันเจโล แต่ไม่ว่าราฟาเอลจะแสดงบุคลิกลักษณะเฉพาะตัวออกมาเพียงใด แต่สิ่งสำคัญในภาพวาดก็ยังคงอยู่ บรรยากาศทั่วไปจิตวิญญาณสูงความรู้สึกถึงความแข็งแกร่งและพลังของจิตวิญญาณและจิตใจของมนุษย์

ราฟาเอล. มาดอนน่าอยู่บนเก้าอี้ ฟลอเรนซ์, หอศิลป์ Pitti

เพลโตและอริสโตเติลก็เหมือนกับปราชญ์โบราณคนอื่นๆ ควรจะเป็นสัญลักษณ์ของความเห็นอกเห็นใจของพระสันตะปาปาในสมัยโบราณนอกรีต วางอย่างอิสระในอวกาศ ด้วยจังหวะและการเคลื่อนไหวที่หลากหลาย แต่ละกลุ่มจะรวมกันเป็นหนึ่งเดียวด้วยบุคคลสำคัญของอริสโตเติลและเพลโต ตรรกะ ความเสถียรที่สมบูรณ์ ความชัดเจน และความเรียบง่ายขององค์ประกอบทำให้ผู้ชมรู้สึกถึงความสมบูรณ์ที่ไม่ธรรมดาและความกลมกลืนที่น่าทึ่ง ในภาพปูนเปียก "Parnassus" ซึ่งแสดงตัวตนของบทกวี Apollo ล้อมรอบด้วยรำพึงและกวี - ตั้งแต่ Homer และ Sappho ไปจนถึง Dante ความซับซ้อนของการจัดองค์ประกอบคือภาพปูนเปียก "Parnassus" ถูกวางไว้บนผนังที่พังโดยการเปิดหน้าต่าง ภาพ รูปผู้หญิงราฟาเอลวางอยู่บนแผ่นแพลตแบนด์เชื่อมโยงองค์ประกอบโดยรวมกับรูปทรงของหน้าต่างอย่างชำนาญ ภาพของดันเต้ถูกทำซ้ำสองครั้งบนจิตรกรรมฝาผนังของราฟาเอล: อีกครั้งหนึ่งที่เขาพรรณนาถึงกวีผู้ยิ่งใหญ่ในสัญลักษณ์เปรียบเทียบของเทววิทยาซึ่งมักเรียกอย่างไม่ถูกต้องว่า "Disputa" ในหมู่ศิลปินและนักปรัชญาของ Quattrocento (Fra Angelico, Savonarola ฯลฯ ). ภาพปูนเปียกที่สี่ของ Stanza della Segnatura "การวัด ภูมิปัญญา และความแข็งแกร่ง" อุทิศให้กับนิติศาสตร์

ในห้องที่สองเรียกว่า "Stanza of Eliodorus" ราฟาเอลวาดภาพจิตรกรรมฝาผนังในเรื่องประวัติศาสตร์และตำนานที่เชิดชูพระสันตะปาปาแห่งโรม: "การขับไล่เอลิโอโดรัส" - บนโครงเรื่องในพระคัมภีร์เกี่ยวกับวิธีการลงโทษของพระเจ้าในรูปแบบของ นางฟ้า - นักขี่ม้าแสนสวยในชุดเกราะทองคำ - ล้มลงบนผู้นำชาวซีเรียเอลิโอดอร์ซึ่งพยายามขโมยทองคำจากวิหารเยรูซาเล็มซึ่งมีไว้สำหรับหญิงม่ายและเด็กกำพร้า ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ราฟาเอลซึ่งทำงานตามคำสั่งของจูเลียสที่ 2 หันมาที่หัวข้อนี้: ชาวฝรั่งเศสกำลังเตรียมการรณรงค์ในอิตาลีและสมเด็จพระสันตะปาปาทรงเตือนถึงการลงโทษของพระเจ้าต่อทุกคนที่บุกรุกกรุงโรม ไม่ใช่เพื่ออะไรเลยที่ราฟาเอลแนะนำภาพลักษณ์ของสมเด็จพระสันตะปาปาเองซึ่งถูกอุ้มไว้ในเก้าอี้เพื่อ

ไมเคิลแองเจโล ปีเอต้า โรม, เซนต์. เภตรา

สู่อาชญากรที่พ่ายแพ้ ภาพเฟรสโกอื่น ๆ ยังอุทิศให้กับการเชิดชูพระสันตะปาปาและพลังอันน่าอัศจรรย์ของพวกเขา: "พิธีมิสซาในโบลเซนา", "การประชุมของสมเด็จพระสันตะปาปาลีโอที่ 1 กับอัตติลา" - และในสมเด็จพระสันตะปาปาองค์แรกมีการมอบคุณลักษณะของจูเลียสที่ 2 และนี่คือหนึ่งในของเขา การถ่ายภาพบุคคลที่แสดงออกมากที่สุดและสุดท้าย - Leo X ในจิตรกรรมฝาผนังของบทที่สองราฟาเอลให้ความสนใจอย่างมากไม่ใช่สถาปัตยกรรมเชิงเส้น แต่รวมถึงบทบาทของสีและแสง สิ่งนี้เห็นได้ชัดเจนเป็นพิเศษในภาพปูนเปียก “การช่วยให้อัครสาวกเปโตรพ้นจากคุก” การปรากฏของทูตสวรรค์สามเท่าในสามฉากที่ปรากฎบนระนาบเดียวกันของผนังในองค์ประกอบเดียว (ซึ่งในตัวมันเองเป็นเทคนิคที่เก่าแก่) นำเสนอด้วยแสงที่ซับซ้อนของแหล่งกำเนิดแสงต่างๆ ได้แก่ ดวงจันทร์ คบเพลิง แสงที่เล็ดลอดออกมาจาก เทวดาที่สร้างความตึงเครียดทางอารมณ์อย่างมาก นี่เป็นหนึ่งในจิตรกรรมฝาผนังที่น่าทึ่งและละเอียดอ่อนที่สุด จิตรกรรมฝาผนังที่เหลือของบทวาติกันวาดโดยนักเรียนของราฟาเอลตามภาพร่างของเขา

นักเรียนยังช่วยราฟาเอลในการวาดภาพระเบียงวาติกันที่อยู่ติดกับห้องของสมเด็จพระสันตะปาปา โดยวาดตามภาพร่างของเขาและอยู่ภายใต้การดูแลของเขาด้วยลวดลายของเครื่องประดับโบราณ โดยส่วนใหญ่มาจากถ้ำโบราณที่เพิ่งค้นพบใหม่ (จึงเป็นที่มาของชื่อ "พิสดาร")

ราฟาเอลแสดงผลงานประเภทต่างๆ ของขวัญของเขาในฐานะนักตกแต่ง ตลอดจนผู้กำกับและนักเล่าเรื่อง ปรากฏให้เห็นอย่างสมบูรณ์ในชุดกระดาษแข็งแปดแผ่นสำหรับแขวนผ้าสำหรับโบสถ์ซิสทีนในฉากต่างๆ จากชีวิตของอัครสาวกเปโตรและพอล (“การจับปลาอย่างน่าอัศจรรย์” สำหรับ ตัวอย่าง). ภาพวาดเหล่านี้ตลอดช่วงศตวรรษที่ 16-18 ทำหน้าที่เป็นมาตรฐานสำหรับนักคลาสสิก ความเข้าใจอย่างลึกซึ้งของราฟาเอลเกี่ยวกับแก่นแท้ของสมัยโบราณปรากฏให้เห็นเป็นพิเศษในภาพวาดของคฤหาสน์โรมันฟาร์เนซินา ซึ่งสร้างขึ้นตามการออกแบบของเขา (ภาพปูนเปียก "The Triumph of Galatea" ซึ่งเป็นฉากจากนิทานของ Apuleius เรื่อง Cupid และ Psyche)

ไมเคิลแองเจโล ปีเอต้า แฟรกเมนต์ โรม, เซนต์. เภตรา

ราฟาเอลยังเป็นจิตรกรวาดภาพเหมือนที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคของเขา ผู้สร้างภาพที่บุคคลมีความเป็นหนึ่งเดียวกันอย่างใกล้ชิดกับแบบฉบับ โดยที่นอกเหนือไปจากคุณสมบัติเฉพาะบางอย่างแล้ว รูปภาพของชายในยุคนั้นก็ปรากฏขึ้น ซึ่งช่วยให้ เราจะได้เห็นภาพบุคคลในประวัติศาสตร์ประเภทต่างๆ ในภาพวาดของราฟาเอล (“สมเด็จพระสันตะปาปาจูเลียสที่ 2”, “สิงโตที่ 10”, เพื่อนของศิลปิน, นักเขียน Castiglione, “ดอนนา เวลาตา” ที่สวยงาม ฯลฯ) และตามกฎแล้วในภาพบุคคลของเขาจะมีความสมดุลและความกลมกลืนภายใน

ในช่วงบั้นปลายชีวิตของเขา ราฟาเอลมีงานและคำสั่งที่หลากหลายอย่างไม่สมส่วน เป็นเรื่องยากที่จะจินตนาการว่าทั้งหมดนี้สามารถทำได้โดยคนเพียงคนเดียว เขาเป็นบุคคลสำคัญในชีวิตศิลปะของโรม หลังจากการตายของ Bramante (1514) เขาก็กลายเป็นหัวหน้าสถาปนิกของอาสนวิหารเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ปีเตอร์ รับผิดชอบการขุดค้นทางโบราณคดีในกรุงโรมและบริเวณโดยรอบ และปกป้องอนุสรณ์สถานโบราณ สิ่งนี้ย่อมนำมาซึ่งการมีส่วนร่วมของนักเรียนและเจ้าหน้าที่ผู้ช่วยจำนวนมากเมื่อดำเนินการตามคำสั่งจำนวนมากอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ ราฟาเอลเสียชีวิตในปี 1520; การเสียชีวิตก่อนวัยอันควรของเขาเป็นเรื่องที่ไม่คาดคิดสำหรับคนรุ่นเดียวกัน ขี้เถ้าของเขาถูกฝังอยู่ในวิหารแพนธีออน

ปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่คนที่สามของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง - Michelangelo - อายุยืนกว่า Leonardo และ Raphael มาก ครึ่งแรกของอาชีพสร้างสรรค์ของเขาเกิดขึ้นในช่วงรุ่งเรืองของศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาขั้นสูงและครั้งที่สอง - ระหว่างการต่อต้านการปฏิรูปและจุดเริ่มต้นของการก่อตัวของศิลปะบาโรก ในบรรดากาแล็กซีอันยอดเยี่ยมของศิลปินในยุคเรอเนซองส์สูง มิเกลันเจโลแซงหน้าทุกคนด้วยความสมบูรณ์ของภาพ ความน่าสมเพชของพลเมือง และความอ่อนไหวต่อการเปลี่ยนแปลงในอารมณ์สาธารณะ จึงเป็นศูนย์รวมความคิดสร้างสรรค์ของการล่มสลายของแนวคิดยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

Michelangelo Buonarroti (1475-1564) เกิดที่ Caprese ในครอบครัวของ Podesta (ผู้ว่าราชการเมืองผู้พิพากษา) ในปี ค.ศ. 1488 ในเมืองฟลอเรนซ์ ซึ่งเป็นที่ที่ครอบครัวย้ายไป เขาได้เข้าไปในเวิร์คช็อปของ Ghirlandaio และอีกหนึ่งปีต่อมา - เข้าสู่เวิร์คช็อปงานประติมากรรมที่อาราม San Marco พร้อมกับลูกศิษย์คนหนึ่งของ Donatello ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา เขาได้ใกล้ชิดกับ Lorenzo de' Medici ซึ่งการเสียชีวิตของเขาได้ทิ้งร่องรอยไว้อย่างลึกซึ้ง อยู่ในสวน Medici และในบ้าน Medici ที่ Michelangelo เริ่มศึกษาประติมากรรมโบราณอย่างรอบคอบ ความโล่งใจของเขา "Battle of the Centaurs" เป็นผลงานของยุคเรอเนซองส์สูงในด้านความสามัคคีภายใน ในปี 1496 ศิลปินหนุ่มเดินทางไปโรมซึ่งเขาได้สร้างผลงานชิ้นแรกที่ทำให้เขาโด่งดัง: "Bacchus" และ "Pieta" มิเกลันเจโลบันทึกภาพโบราณวัตถุโดยแท้จริงแล้วพรรณนาถึงเทพเจ้าแห่งไวน์โบราณในฐานะชายหนุ่มที่เปลือยเปล่าราวกับเซเล็กน้อยโดยหันสายตาไปที่ชามไวน์ เรือนร่างที่สวยงามเปลือยเปล่าทั้งในปัจจุบันและตลอดไปกลายเป็นประเด็นหลักของงานศิลปะสำหรับไมเคิลแองเจโล ประติมากรรมชิ้นที่สอง - "Pieta" - เปิดผลงานทั้งชุดโดยปรมาจารย์ในหัวข้อนี้และนำเขาไปข้างหน้าในหมู่ช่างแกะสลักคนแรกของอิตาลี

ไมเคิลแองเจโล โบสถ์เมดิซีพร้อมหลุมศพของจูเลียโนในโบสถ์ซานลอเรนโซในฟลอเรนซ์

ไมเคิลแองเจโล การล่มสลายและการถูกขับออกจากสวรรค์ ภาพปูนเปียกบนเพดานโบสถ์ซิสทีน

Michelangelo พรรณนาถึงพระคริสต์ทรงสุญูดบนตักของมารีย์ ใบหน้าที่ยังเยาว์วัยที่สวยงามของมาดอนน่านั้นโศกเศร้า แต่ก็ยับยั้งชั่งใจมาก ในการวางร่างชายร่างใหญ่ไว้บนตักของมาดอนน่า ประติมากรจะคูณจำนวนพับของเสื้อคลุมที่ตกลงมาจากตักของแมรี่ ตัวเลขดังกล่าวก่อตัวเป็นปิรามิดในองค์ประกอบ ทำให้กลุ่มมีความมั่นคงและครบถ้วน ขณะเดียวกันแม้ในเรื่องนี้ ทำงานช่วงแรก Michelangelo มีคุณสมบัติที่ไม่เป็นลักษณะของศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาหรือพูดผิดปกติ: ในมุมมองที่แข็งแกร่งผิดปกติศีรษะของพระคริสต์ถูกโยนกลับไปไหล่ขวาของเขาถูกเปิดออกส่วนด้านซ้ายขององค์ประกอบโหลด มากกว่าทางขวา จำเป็นต้องมีการออกแบบฐานที่ไม่สมดุลที่ซับซ้อน และอยู่สูงกว่าทางด้านขวา ทั้งหมดนี้ทำให้กลุ่มมีความตึงเครียดภายในซึ่งไม่ธรรมดาสำหรับศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา อย่างไรก็ตาม ลักษณะเด่นในองค์ประกอบนี้คือลักษณะเฉพาะของยุคเรอเนซองส์สูง: ความสมบูรณ์ของภาพที่กล้าหาญ ความชัดเจนคลาสสิกของภาษาศิลปะที่ยิ่งใหญ่

เมื่อกลับมาที่ฟลอเรนซ์ในปี 1501 มิเกลันเจโลในนามของ Signoria ได้ดำเนินการแกะสลักร่างของเดวิดจากบล็อกหินอ่อนที่ได้รับความเสียหายต่อหน้าเขาโดยประติมากรผู้โชคร้าย ในปี 1504 ไมเคิลแองเจโลได้สร้างรูปปั้นอันโด่งดังซึ่งชาวฟลอเรนซ์เรียกว่า "ยักษ์" เสร็จ และวางไว้หน้า Palazzo Vecchia ซึ่งเป็นศาลากลาง การเปิดอนุสาวรีย์กลายเป็นการเฉลิมฉลองระดับชาติ ภาพลักษณ์ของเดวิดเป็นแรงบันดาลใจให้กับศิลปิน Quattrocento หลายคน แต่มิเกลันเจโลไม่ได้แสดงภาพเขาในฐานะเด็กผู้ชายเหมือนใน Donatello และ Verrocchio แต่เป็นชายหนุ่มที่เต็มเปี่ยมไปด้วยพละกำลังของเขา และไม่ใช่หลังจากการต่อสู้โดยมีหัวยักษ์อยู่ที่เท้าของเขา แต่ก่อนการต่อสู้ในขณะนี้ ของแรงตึงเครียดสูงสุด ในภาพที่สวยงามของเดวิดในใบหน้าที่ดุร้ายของเขาประติมากรถ่ายทอดพลังแห่งความหลงใหลอันมหาศาล, ความตั้งใจอันแน่วแน่, ความกล้าหาญของพลเมือง, พลังอันไร้ขอบเขต ผู้ชายอิสระ- ชาวฟลอเรนซ์มองเห็นดาวิดเป็นวีรบุรุษที่อยู่ใกล้พวกเขา เป็นพลเมืองของสาธารณรัฐและผู้พิทักษ์ ความสำคัญทางสังคมของงานประติมากรรมชิ้นนี้ได้รับการเข้าใจในทันที

ในปี 1504 Michelangelo (ดังที่ได้กล่าวไว้แล้วเกี่ยวกับ Leonardo) เริ่มทำงานในภาพวาด "Hall of the Five Hundred" ใน Palazzo Signoria แต่ภาพวาดและกล่องสำหรับ "Battle of Cascina" ของเขายังไม่รอดเช่น ผลงานของเลโอนาร์โด

ในปี 1505 สมเด็จพระสันตะปาปาจูเลียสที่ 2 เชิญมิเกลันเจโลไปที่โรมเพื่อสร้างหลุมฝังศพของเขา ความคิดของประติมากรนั้นยิ่งใหญ่: เขาต้องการสร้างอนุสาวรีย์ขนาดมหึมา - สุสานที่ตกแต่งด้วยรูปปั้นสี่สิบร่างที่ใหญ่กว่าขนาดจริง เขาใช้เวลาแปดเดือนบนภูเขาคาร์รารา ดูแลการสกัดหินอ่อน แต่เมื่อเขากลับมาที่โรม เขาก็รู้ว่าสมเด็จพระสันตะปาปาได้ละทิ้งแผนของเขาแล้ว Michelangelo ที่โกรธแค้นเดินทางไปฟลอเรนซ์ แต่ตามคำสั่งของสมเด็จพระสันตะปาปาภายใต้แรงกดดันจากเจ้าหน้าที่ชาวฟลอเรนซ์ซึ่งกลัวว่าจะเกิดความสับสนกับโรมเขาจึงถูกบังคับให้กลับไปที่โรมอีกครั้งคราวนี้เพื่อความยิ่งใหญ่ไม่แพ้กัน แต่โชคดีที่ตระหนักได้ แผน - ทาสีเพดานโบสถ์ Sistine ที่พระราชวังวาติกัน

Michelangelo ทำงานคนเดียวในการวาดภาพเพดานของโบสถ์ Sistine ตั้งแต่ปี 1508 ถึง 1512 โดยวาดภาพพื้นที่ประมาณ 600 ตารางเมตร ม. (48x13 ม.) ที่ความสูง 18 ม.

ไมเคิลแองเจโลอุทิศส่วนกลางของเพดานให้กับฉากประวัติศาสตร์อันศักดิ์สิทธิ์ เริ่มตั้งแต่การสร้างโลก องค์ประกอบเหล่านี้ถูกล้อมกรอบด้วยบัวที่ทาสีแบบเดียวกัน แต่สร้างภาพลวงตาของสถาปัตยกรรม และถูกแยกออกจากกันด้วยแท่งไม้ที่งดงาม สี่เหลี่ยมที่งดงามเน้นและเสริมสร้างสถาปัตยกรรมที่แท้จริงของเพดาน ภายใต้บัวที่งดงาม Michelangelo วาดภาพศาสดาพยากรณ์และพี่น้อง (แต่ละร่างสูงประมาณสามเมตร) ในรูปแบบ lunettes (ส่วนโค้งเหนือหน้าต่าง) เขาพรรณนาตอนต่างๆ จากพระคัมภีร์และบรรพบุรุษของพระคริสต์เป็น คนธรรมดายุ่งกับกิจกรรมในแต่ละวัน

องค์ประกอบหลักทั้งเก้าที่เปิดเผยเหตุการณ์ของวันแรกของการทรงสร้างเรื่องราวของอาดัมและเอวาน้ำท่วมโลกและฉากทั้งหมดนี้ในความเป็นจริงเป็นเพลงสรรเสริญของมนุษย์พลังที่มีอยู่ในตัวเขาพลังและความงามของเขา . ประการแรกพระเจ้าคือผู้สร้างที่ไม่มีอุปสรรคใด ๆ บนเส้นทางสู่การสร้างสรรค์ซึ่งเป็นภาพที่ใกล้เคียงกับความคิดของผู้สร้างในยุคมนุษยนิยม (ฉาก "การสร้างดวงอาทิตย์และดวงจันทร์") อดัมมีความสวยงามในฉาก “The Creation of Adam” เขายังคงปราศจากเจตจำนง แต่การสัมผัสจากมือของผู้สร้างเหมือนประกายไฟที่แทงเขาและจุดประกายชีวิตในร่างกายที่สวยงามนี้ แม้แต่สถานการณ์น้ำท่วมอันน่าสลดใจก็ไม่สามารถสั่นคลอนศรัทธาในพลังของมนุษย์ได้ ความยิ่งใหญ่ อำนาจ และความสูงส่งแสดงออกมาในรูปของผู้เผยพระวจนะและพี่น้อง: แรงบันดาลใจที่สร้างสรรค์ - ในบุคคลของเอเสเคียลผู้ได้ยินเสียงของพระเจ้า การไตร่ตรอง - ในรูปของ Erythraean Sibyl; ภูมิปัญญาความรอบคอบเชิงปรัชญาและการละทิ้งความไร้สาระทางโลก - ในรูปของเศคาริยาห์; ภาพสะท้อนอันโศกเศร้า - เยเรมีย์ ด้วยตัวเลขจำนวนมาก ภาพวาดเพดานซิสทีนจึงมีความชัดเจนและมองเห็นได้ง่าย มันไม่ได้ทำลายระนาบของส่วนโค้ง แต่เผยให้เห็นโครงสร้างเปลือกโลก วิธีการแสดงออกหลักของ Michelangelo เน้นที่ความเป็นพลาสติก ความแม่นยำ และความชัดเจนของเส้นและปริมาตร หลักการพลาสติกในภาพวาดของ Michelangelo มีอิทธิพลเหนือภาพเสมอ เป็นการยืนยันความคิดของศิลปินที่ว่า "ภาพวาดที่ดีที่สุดคือภาพที่อยู่ใกล้กับภาพนูนมากที่สุด"

ไม่นานหลังจากทำงานใน Sistine เสร็จ Julius II ก็เสียชีวิตและทายาทของเขาก็กลับมามีความคิดเรื่องหลุมศพอีกครั้ง ในปี ค.ศ. 1513-1516 ไมเคิลแองเจโลแสดงหุ่นของโมเสสและทาส (เชลย) สำหรับหลุมศพนี้ ตามการออกแบบของเขา นักเรียนของประติมากรได้สร้างสุสานบนผนังชั้นล่างซึ่งมีรูปของโมเสสตั้งอยู่ ภาพลักษณ์ของโมเสสเป็นหนึ่งในผลงานที่ทรงพลังที่สุดของปรมาจารย์ที่เป็นผู้ใหญ่ เขาลงทุนในความฝันของผู้นำที่ฉลาดและกล้าหาญซึ่งเต็มไปด้วยความแข็งแกร่งการแสดงออกและความมุ่งมั่นซึ่งจำเป็นมากสำหรับการรวมบ้านเกิดของเขาเข้าด้วยกัน ร่างทาสไม่รวมอยู่ในเวอร์ชันสุดท้ายของหลุมฝังศพ บางทีพวกเขาอาจมีความหมายเชิงเปรียบเทียบบางอย่าง (ศิลปะในการถูกจองจำหลังจากการสิ้นพระชนม์ของสมเด็จพระสันตะปาปา - มีการตีความเช่นนั้น) “ The Bound Slave”, “ The Dying Slave” สื่อถึงสถานะต่าง ๆ ของบุคคล, ขั้นตอนต่าง ๆ ของการต่อสู้: แรงกระตุ้นอันทรงพลังในความปรารถนาที่จะปลดปล่อยตัวเองจากโซ่ตรวน, ความไร้พลัง (“ The Bound Slave”), ลมหายใจสุดท้าย, กำลังจะตาย ชีวิตในร่างกายที่สวยงาม แต่มึนงงแล้ว (“ The Dying Slave” ")

ตั้งแต่ปี 1520 ถึง 1534 Michelangelo ทำงานในหนึ่งในสิ่งที่สำคัญและน่าเศร้าที่สุด งานประติมากรรม- เหนือหลุมฝังศพของ Medici (โบสถ์ฟลอเรนซ์แห่งซานลอเรนโซ) แสดงถึงประสบการณ์ทั้งหมดที่เกิดขึ้นกับทั้งอาจารย์เองและของเขา บ้านเกิดและทั้งประเทศโดยรวม ตั้งแต่ช่วงปลายทศวรรษที่ 20 อิตาลีถูกฉีกเป็นชิ้น ๆ จากศัตรูทั้งภายนอกและภายใน ในปี 1527 ทหารรับจ้างเอาชนะโรม ส่วนโปรเตสแตนต์ได้ปล้นสถานสักการะคาทอลิก เมืองนิรันดร์- ชนชั้นกระฎุมพีชาวฟลอเรนซ์โค่นล้มเมดิชีซึ่งปกครองอีกครั้งตั้งแต่ปี 1510 หลังจากการสิ้นพระชนม์ของปิเอโตร โซเดรินี แต่พระสันตะปาปาเดินทัพไปที่ฟลอเรนซ์ ฟลอเรนซ์กำลังเตรียมพร้อมสำหรับการป้องกัน Michelangelo เป็นหัวหน้าฝ่ายสร้างป้อมปราการทางทหาร พบกับอารมณ์ของความสับสน ความสิ้นหวัง การจากไป หนีจากฟลอเรนซ์อย่างแท้จริง เมื่อได้เรียนรู้เกี่ยวกับการทรยศต่อคอนโดตเทียร์ที่กำลังจะเกิดขึ้น กลับไปยังบ้านเกิดของเขาอีกครั้งเพื่อ เป็นพยานถึงความพ่ายแพ้ของมัน ท่ามกลางความหวาดกลัวอันน่าสยดสยองที่เริ่มต้นขึ้น เพื่อนของ Michelangelo หลายคนเสียชีวิต และตัวเขาเองถูกบังคับให้ต้องลี้ภัยอยู่ระยะหนึ่ง

ในอารมณ์ของการมองโลกในแง่ร้ายอย่างรุนแรง ในสภาวะที่มีความเคร่งศาสนามากขึ้น Michelangelo ทำงานในสุสานเมดิชิ ตัวเขาเองได้สร้างส่วนต่อขยายให้กับโบสถ์ซานลอเรนโซในเมืองฟลอเรนซ์ ซึ่งเป็นห้องเล็กๆ แต่สูงมาก ปกคลุมด้วยโดม และตกแต่งผนังสองด้านของห้องศักดิ์สิทธิ์ (ภายใน) ด้วยป้ายหลุมศพที่เป็นประติมากรรม ผนังด้านหนึ่งตกแต่งด้วยรูปปั้นของลอเรนโซ ตรงข้ามกับจูเลียโน และด้านล่างที่เท้าของพวกเขามีโลงศพที่ตกแต่งด้วยภาพประติมากรรมเชิงเปรียบเทียบ - สัญลักษณ์ของเวลาที่ไหลเร็ว: "เช้า" และ "เย็น" ในหลุมศพของลอเรนโซ "กลางคืน" และ “วัน” บนป้ายหลุมศพของ Giuliano ทั้งสองภาพ - Lorenzo และ Giuliano - ไม่มีภาพเหมือนซึ่งแตกต่างจากวิธีแก้ปัญหาแบบดั้งเดิมของศตวรรษที่ 15 Michelangelo เน้นย้ำถึงการแสดงออกของความเหนื่อยล้าและความเศร้าโศกเมื่อเผชิญกับ Giuliano และความคิดที่หนักหน่วงซึ่งเต็มไปด้วยความสิ้นหวังใน Lorenzo โดยพิจารณาว่าไม่จำเป็นต้องถ่ายทอดลักษณะที่ปรากฏบนใบหน้าของนางแบบอย่างถูกต้อง สำหรับเขาแล้วแนวคิดเชิงปรัชญาเกี่ยวกับชีวิตและความตายที่ตัดกันซึ่งสวมอยู่ในรูปแบบบทกวีมีความสำคัญมากกว่า ความรู้สึกไม่สบายใจและวิตกกังวลมาจากภาพของลอเรนโซและจูลิอาโน สิ่งนี้สามารถทำได้โดยการจัดองค์ประกอบเอง: ตัวเลขถูกปลูกในพื้นที่แคบของซอกราวกับถูกบีบด้วยเสา จังหวะที่กระสับกระส่ายนี้ทวีความรุนแรงยิ่งขึ้นด้วยท่าทางของตัวเลขเชิงเปรียบเทียบในช่วงเวลาของวัน: ร่างโค้งที่ตึงเครียดดูเหมือนจะกลิ้งออกจากฝาโลงศพที่ลาดเอียงโดยไม่พบสิ่งรองรับ หัวของพวกมันข้ามบัวรบกวนการแปรสัณฐานของผนัง บันทึกที่ไม่สอดคล้องกันทั้งหมดนี้เน้นย้ำถึงความแตกหักละเมิดความกลมกลืนทางสถาปัตยกรรมของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและเป็นผู้นำของศิลปะยุคใหม่ ในโบสถ์เมดิซี รูปแบบทางสถาปัตยกรรมและภาพพลาสติกมีความเชื่อมโยงกันอย่างไม่อาจละลายได้ ซึ่งแสดงถึงแนวคิดเดียว

แม้แต่สมเด็จพระสันตะปาปาเคลมองต์ที่ 7 ก่อนสิ้นพระชนม์ไม่นาน ทรงใช้ประโยชน์จากการเยือนกรุงโรมครั้งหนึ่งของมีเกลันเจโล ทรงแนะนำให้พระองค์ทาสีผนังแท่นบูชาของโบสถ์น้อยซิสทีนด้วยรูป "การพิพากษาครั้งสุดท้าย" ในขณะนั้นยุ่งอยู่กับรูปปั้นสำหรับโบสถ์เมดิซีในฟลอเรนซ์ ประติมากรปฏิเสธ ทันทีหลังจากการเลือกตั้งของเขา Paul III เริ่มเรียกร้องให้มีเกลันเจโลปฏิบัติตามแผนนี้อย่างต่อเนื่อง และในปี 1534 ขัดจังหวะงานบนหลุมฝังศพซึ่งเขาเสร็จในปี 1545 เท่านั้น Michelangelo เดินทางไปโรมซึ่งเขาเริ่มทำงานที่สองในโบสถ์ซิสทีน - เพื่อวาดภาพ "การพิพากษาครั้งสุดท้าย" (ค.ศ. 1535-1541) - สิ่งสร้างอันยิ่งใหญ่ที่แสดงถึงโศกนาฏกรรม เผ่าพันธุ์มนุษย์- คุณลักษณะของระบบศิลปะใหม่ปรากฏชัดเจนยิ่งขึ้นในผลงานของ Michelangelo นี้ การตัดสินที่สร้างสรรค์ พระคริสต์ผู้ลงโทษถูกวางไว้ตรงกลางขององค์ประกอบ และรอบตัวเขาในการเคลื่อนที่เป็นวงกลมเป็นภาพคนบาปที่โยนตัวเองลงนรก คนชอบธรรมขึ้นสู่สวรรค์ และคนตายที่ฟื้นคืนชีพจากหลุมศพไปสู่การพิพากษาของพระเจ้า ทุกอย่างเต็มไปด้วยความหวาดกลัว ความสิ้นหวัง ความโกรธ ความสับสน แม้แต่แมรี่ซึ่งยืนหยัดเพื่อประชาชนก็ยังกลัวลูกชายที่น่าเกรงขามของเธอและหันเหไปจากมือของเขาซึ่งแยกคนบาปออกจากคนชอบธรรมอย่างไม่สิ้นสุด มุมที่ซับซ้อนของร่างกายที่พันกันบิดเบี้ยวไดนามิกสุดขีดการแสดงออกที่เพิ่มขึ้นสร้างการแสดงออกของความวิตกกังวลความวิตกกังวลความสับสน - ทั้งหมดนี้เป็นคุณสมบัติที่แปลกแยกอย่างลึกซึ้งในยุคเรอเนซองส์สูงเช่นเดียวกับการตีความธีมของ "การพิพากษาครั้งสุดท้าย ” เป็นคนต่างด้าวสำหรับมัน (แทนที่จะเป็นชัยชนะแห่งความยุติธรรมเหนือความชั่วร้าย - ภัยพิบัติการล่มสลายของโลก)

จิตรกร ประติมากร กวี ไมเคิลแองเจโล ก็เป็นสถาปนิกที่เก่งกาจเช่นกัน เขาสร้างบันไดของห้องสมุด Florentine Laurentian เสร็จ ออกแบบจัตุรัส Capitol Square ในโรม สร้างประตู Pius (Porta Pia) และตั้งแต่ปี 1546 เขาได้ทำงานในมหาวิหารเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ปีเตอร์ เริ่มโดยบรามันเต ไมเคิลแองเจโลเป็นเจ้าของภาพวาดและภาพวาดของโดม ซึ่งประหารชีวิตหลังจากการสิ้นพระชนม์ของปรมาจารย์ และยังคงเป็นหนึ่งในองค์ประกอบหลักที่โดดเด่นในทัศนียภาพอันงดงามของเมือง

สองทศวรรษที่ผ่านมาในชีวิตของ Michelangelo ใกล้เคียงกับช่วงเวลาที่ลักษณะการคิดอย่างอิสระของยุคมนุษยนิยมที่ยิ่งใหญ่ของยุคเรอเนซองส์กำลังถูกกำจัดให้สิ้นซากในอิตาลี จากการยืนกรานของการสืบสวนซึ่งถือว่ามีศพเปลือยเปล่าจำนวนมากในภาพปูนเปียกคำพิพากษาครั้งสุดท้ายที่ลามกอนาจาร Daniele de Volterra นักเรียนของ Michelangelo ได้บันทึกร่างบางส่วนไว้ ปีสุดท้ายของชีวิตของ Michelangelo คือปีแห่งการสูญเสียความหวัง การสูญเสียคนที่รักและเพื่อนฝูง ช่วงเวลาแห่งความเหงาทางจิตวิญญาณโดยสมบูรณ์ แต่นี่ก็เป็นเวลาของการสร้างสรรค์ผลงานที่ทรงพลังที่สุดในแง่ของโศกนาฏกรรมของโลกทัศน์และการแสดงออกที่พูดน้อยซึ่งเป็นพยานถึงอัจฉริยะอมตะของเขา สิ่งเหล่านี้ส่วนใหญ่เป็นองค์ประกอบทางประติมากรรมและภาพวาด (ในกราฟิก Michelangelo เป็นปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่เช่นเดียวกับ Leonardo และ Raphael) ในหัวข้อ "คร่ำครวญ" และ "การตรึงกางเขน"

Michelangelo เสียชีวิตในกรุงโรมเมื่ออายุ 89 ปี ร่างของเขาถูกนำตัวไปยังฟลอเรนซ์ในเวลากลางคืนและฝังไว้ในโบสถ์ที่เก่าแก่ที่สุดในบ้านเกิดของเขาที่ซานตาโครเช ความสำคัญทางประวัติศาสตร์ของงานศิลปะของ Michelangelo ผลกระทบต่อผลงานร่วมสมัยของเขาและยุคต่อๆ ไปนั้นแทบจะประเมินค่าสูงไปไม่ได้เลย นักวิจัยชาวต่างชาติบางคนตีความว่าเขาเป็นศิลปินและสถาปนิกคนแรกของยุคบาโรก แต่เหนือสิ่งอื่นใดเขามีความน่าสนใจในฐานะผู้ถือประเพณีอันยิ่งใหญ่แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

หากงานของ Michelangelo ในช่วงครึ่งหลังมีลักษณะของยุคใหม่อยู่แล้วสำหรับเวนิสทั้งศตวรรษที่ 16 ก็ยังคงอยู่ภายใต้สัญลักษณ์ของ Cinquecento เวนิสซึ่งสามารถรักษาความเป็นอิสระได้ยังคงยึดมั่นต่อประเพณีของยุคเรอเนซองส์อีกต่อไป

จากเวิร์คช็อปของ Gianbellino มีศิลปินผู้ยิ่งใหญ่สองคนจาก High Venetian Renaissance: Giorgione และ Titian

Giorgio Barbarelli da Castelfranco ชื่อเล่น Giorgione (1477-1510) เป็นผู้ติดตามโดยตรงของอาจารย์ของเขาและเป็นศิลปินทั่วไปของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาขั้นสูง เขาเป็นคนแรกบนแผ่นดินเวนิสที่หันไปสนใจวรรณกรรมและวิชาในตำนาน ภูมิทัศน์ ธรรมชาติ และเรือนร่างมนุษย์ที่สวยงามเปลือยเปล่ากลายเป็นหัวข้อศิลปะและบูชาสำหรับเขา ด้วยความรู้สึกกลมกลืน สัดส่วนที่สมบูรณ์แบบ จังหวะเชิงเส้นอันงดงาม ภาพวาดแสงนุ่มนวล จิตวิญญาณและการแสดงออกทางจิตวิทยาของภาพของเขา และในเวลาเดียวกัน ตรรกะและเหตุผลนิยม Giorgione อยู่ใกล้กับ Leonardo ซึ่งไม่ต้องสงสัยเลยว่ามีอิทธิพลโดยตรงต่อเขาเมื่อ เขาเดินทางจากมิลานในปี 1500 ในเมืองเวนิส แต่จอร์โจเนมีอารมณ์มากกว่าปรมาจารย์ชาวมิลานผู้ยิ่งใหญ่ และเช่นเดียวกับศิลปินทั่วไปของเวนิส เขาไม่ได้สนใจมุมมองเชิงเส้นมากนักเหมือนกับมุมมองที่โปร่งสบายและสนใจปัญหาเรื่องสีเป็นหลัก

ในงานแรกที่รู้จักคือ "Madonna of Castelfranco" (ประมาณปี 1505) Giorgione ปรากฏตัวในฐานะศิลปินที่มีชื่อเสียงเต็มรูปแบบ ภาพของมาดอนน่าเต็มไปด้วยบทกวี ความเพ้อฝัน เต็มไปด้วยอารมณ์เศร้าที่เป็นลักษณะเฉพาะของภาพผู้หญิงทั้งหมดของจอร์โจเน ในช่วงห้าปีที่ผ่านมาในชีวิตของเขา (จอร์โจเนเสียชีวิตด้วยโรคระบาดซึ่งเป็นผู้มาเยือนเวนิสบ่อยครั้งโดยเฉพาะ) ศิลปินได้สร้างผลงานที่ดีที่สุดของเขาโดยใช้เทคนิคน้ำมันซึ่งเป็นผลงานหลักในโรงเรียนเวนิสในช่วงเวลาที่กระเบื้องโมเสคกลายเป็น กลายเป็นอดีตไปพร้อมกับระบบศิลปะยุคกลางทั้งหมด และภาพปูนเปียกกลับกลายเป็นว่าไม่มั่นคงในสภาพอากาศชื้นแบบเวนิส ในภาพวาดปี 1506 เรื่อง “พายุฝนฟ้าคะนอง” จอร์จิโอเนบรรยายภาพมนุษย์เป็นส่วนหนึ่งของธรรมชาติ ผู้หญิงที่กำลังให้นมลูก ชายหนุ่มที่มีไม้เท้า (ซึ่งอาจเข้าใจผิดว่าเป็นนักรบที่มีง้าวได้) จะไม่เป็นหนึ่งเดียวกันด้วยการกระทำใดๆ แต่ถูกรวมเป็นหนึ่งเดียวกันในภูมิประเทศอันงดงามนี้ด้วยอารมณ์ร่วม ซึ่งเป็นสภาพจิตใจที่เหมือนกัน Giorgione มีพาเลทท์ที่ละเอียดอ่อนและเข้มข้นเป็นพิเศษ โทนสีที่ไม่ออกเสียงของเสื้อผ้าสีส้มแดงของชายหนุ่ม เสื้อเชิ้ตสีขาวอมเขียวของเขาที่สะท้อนถึงเสื้อคลุมสีขาวของผู้หญิงคนนั้น ดูเหมือนจะถูกปกคลุมไปด้วยอากาศกึ่งพลบค่ำซึ่งเป็นลักษณะของแสงก่อนพายุ สีเขียวมีเฉดสีมากมาย: มะกอกบนต้นไม้, เกือบดำในระดับน้ำลึก, ตะกั่วในเมฆ และทั้งหมดนี้รวมเป็นน้ำเสียงที่ส่องสว่างเป็นหนึ่งเดียว สื่อถึงความรู้สึกไม่มั่นคง ความวิตกกังวล ความวิตกกังวล แต่ยังมีความสุขเช่นเดียวกับสภาพของบุคคลที่รอคอยพายุฝนฟ้าคะนองที่กำลังจะมาถึง

ความรู้สึกประหลาดใจแบบเดียวกันในโลกจิตวิญญาณที่ซับซ้อนของมนุษย์นั้นเกิดขึ้นจากภาพลักษณ์ของจูดิธ ซึ่งผสมผสานคุณสมบัติที่ดูเหมือนจะเข้ากันไม่ได้เข้าด้วยกัน: ความสง่างามที่กล้าหาญและบทกวีที่ละเอียดอ่อน ภาพวาดนี้ทาด้วยสีเหลืองและสีแดงสดเป็นสีทองเดียว ใบหน้าและมือสีดำและสีขาวที่นุ่มนวลนั้นชวนให้นึกถึง "sfumato" ของ Leonard บ้าง ท่าทางของจูดิธที่ยืนอยู่ข้างราวบันไดนั้นสงบอย่างยิ่ง ใบหน้าของเธอสงบและรอบคอบ: หญิงสาวสวยท่ามกลางธรรมชาติที่สวยงามเป็นฉากหลัง แต่ในมือของเธอมีดาบสองคมแวววาวอย่างเย็นชา และเท้าอันอ่อนโยนของเธอก็วางลงบนศีรษะที่ตายแล้วของโฮโลเฟอร์เนส ความแตกต่างนี้ทำให้เกิดความรู้สึกสับสนและจงใจทำลายความสมบูรณ์ของภาพอันงดงาม

จอร์โจเน. คอนเสิร์ตคันทรี่ ปารีส, พิพิธภัณฑ์ลูฟร์

ทิเชียน. วีนัสแห่งเออร์บิโน ฟลอเรนซ์, หอศิลป์ Uffvdi

ภาพลักษณ์ของ "ดาวศุกร์ที่กำลังหลับไหล" (ประมาณปี ค.ศ. 1508-1510) เต็มไปด้วยจิตวิญญาณและบทกวี ร่างกายของเธอเขียนได้ง่าย อิสระ และสง่างาม ไม่ใช่เพื่ออะไรที่นักวิจัยพูดถึง "ดนตรี" ของจังหวะของจอร์โจเน มันไม่ได้ขาดเสน่ห์เย้ายวน แต่ใบหน้าที่หลับตานั้นบริสุทธิ์และเข้มงวด เมื่อเปรียบเทียบกับใบหน้านั้น ดาวศุกร์ของทิเชียนก็ดูเหมือนเทพธิดานอกรีตที่แท้จริง Giorgione ไม่มีเวลาทำงานเรื่อง "Sleeping Venus" ให้เสร็จ ตามที่ผู้ร่วมสมัยกล่าวไว้ พื้นหลังแนวนอนในภาพถูกวาดโดยทิเชียน เช่นเดียวกับในงานชิ้นอื่นของปรมาจารย์ - "คอนเสิร์ตในชนบท" (1508-1510) ภาพวาดนี้แสดงให้เห็นสุภาพบุรุษสองคนในชุดที่งดงามและผู้หญิงเปลือยสองคน คนหนึ่งหยิบน้ำจากบ่อ และอีกคนหนึ่งเล่นท่อ ถือเป็นผลงานที่ร่าเริงและเต็มไปด้วยเลือดเนื้อที่สุดของจอร์จิโอเน แต่ความรู้สึกมีความสุขตามธรรมชาติที่มีชีวิตนี้ไม่ได้เกี่ยวข้องกับการกระทำใดๆ เป็นพิเศษ แต่เต็มไปด้วยการไตร่ตรองที่น่าหลงใหลและอารมณ์ชวนฝัน การผสมผสานคุณสมบัติเหล่านี้เข้าด้วยกันเป็นลักษณะเฉพาะของ Giorgione จนเป็น "คอนเสิร์ตในชนบท" ที่ถือได้ว่าเป็นผลงานที่ธรรมดาที่สุดของเขา ความสุขอันตระการตาของ Giorgione มักถูกแต่งแต้มด้วยบทกวีและจิตวิญญาณเสมอ

ทิเชียน. ภาพเหมือนของอิปโปลิโต ริมินัลดี ฟลอเรนซ์, หอศิลป์ Pitti

Titian Vecellio (1477?-1576) เป็นศิลปินที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเวนิส เขาสร้างผลงานทั้งในเรื่องเทพนิยายและคริสเตียน ทำงานในรูปแบบภาพเหมือน พรสวรรค์ด้านสีสันของเขานั้นยอดเยี่ยมมาก ความคิดสร้างสรรค์ในการเรียบเรียงของเขานั้นไม่สิ้นสุด และอายุขัยที่มีความสุขของเขาทำให้เขาสามารถทิ้งมรดกทางความคิดสร้างสรรค์อันมั่งคั่งซึ่งมีอิทธิพลอย่างมากต่อลูกหลานของเขา ทิเชียนเกิดที่เมือง Cadore เมืองเล็กๆ บนเชิงเทือกเขาแอลป์ ในครอบครัวทหาร ศึกษาเหมือนกับจอร์โจเนกับจานเบลลิโน งานชิ้นแรกของเขา (ค.ศ. 1508) เป็นภาพวาดร่วมกับจอร์โจเนแห่งโรงนาในลานบ้านเยอรมันใน เวนิส หลังจากการเสียชีวิตของจอร์โจเนในปี 1511 ทิเชียนได้ทาสีห้องหลายห้องในปาดัวเพื่อสกูโอโล ภราดรภาพผู้ใจบุญ ซึ่งรู้สึกถึงอิทธิพลของจิออตโตซึ่งครั้งหนึ่งเคยทำงานในปาดัว และมาซาชโช่ก็รู้สึกได้อย่างไม่ต้องสงสัย แน่นอนว่าชีวิตในปาดัวแนะนำให้ศิลปินรู้จักกับผลงานของ Mantegna และ Donatello ชื่อเสียงมาสู่ทิเชียนตั้งแต่เนิ่นๆ ในปี 1516 เขากลายเป็นจิตรกรคนแรกของสาธารณรัฐในช่วงทศวรรษที่ 20 ซึ่งเป็นศิลปินที่มีชื่อเสียงที่สุดของเวนิสและความสำเร็จก็ไม่ได้ละทิ้งเขาไปจนสิ้นอายุขัย ประมาณปี ค.ศ. 1520 ดยุคแห่งเฟอร์ราราได้สั่งให้เขาวาดภาพชุดหนึ่งซึ่งทิเชียนปรากฏเป็นนักร้องในสมัยโบราณซึ่งสามารถรู้สึกได้และที่สำคัญที่สุดคือรวบรวมจิตวิญญาณของลัทธินอกรีต (“ Bacchanalia”, “ Feast of Venus”, “ Bacchus” และเอเรียดเน”)

เวนิสในช่วงหลายปีที่ผ่านมาเป็นหนึ่งในศูนย์กลางของวัฒนธรรมและวิทยาศาสตร์ขั้นสูง ทิเชียนกลายเป็นบุคคลที่ฉลาดที่สุดในชีวิตศิลปะของเวนิส ร่วมกับสถาปนิก Jacopo Sansovino และนักเขียน Pietro Aretino เขาก่อตั้งกลุ่มผู้มีสามัคคีธรรมซึ่งเป็นผู้นำชีวิตทางปัญญาทั้งหมดของสาธารณรัฐ ผู้รักชาติชาวเวนิสผู้ร่ำรวยมอบหมายให้ทิเชียนทำแท่นบูชาและเขาสร้างไอคอนขนาดใหญ่: "การอัสสัมชัญของแมรี่", "มาดอนน่าแห่งเปซาโร" (ตั้งชื่อตามลูกค้าที่ปรากฎในเบื้องหน้า) และอีกมากมาย - องค์ประกอบอนุสรณ์สถานบางประเภทในหัวข้อทางศาสนา ซึ่งในเวลาเดียวกันไม่เพียงแต่มีบทบาทเป็นภาพแท่นบูชาเท่านั้น แต่ยังรวมถึงแผงตกแต่งด้วย ใน "พระแม่มารีแห่งเปซาโร" ทิเชียนได้พัฒนาหลักการของการกระจายอำนาจการแต่งเพลง ซึ่งโรงเรียนในฟลอเรนซ์และโรมันไม่รู้จัก ด้วยการขยับร่างของพระแม่มารีไปทางขวา เขาได้เปรียบเทียบจุดศูนย์กลางสองจุด: จุดศูนย์กลางความหมายซึ่งแสดงโดยร่างของพระแม่มารี และจุดเชิงพื้นที่ซึ่งกำหนดโดยจุดที่หายไป ซึ่งวางไว้ทางซ้ายไกล แม้จะอยู่นอกกรอบภาพก็ตาม ซึ่งสร้างอารมณ์อันเข้มข้นให้กับงาน ช่วงที่งดงามดังสนั่น: ผ้าคลุมเตียงสีขาวของ Mary, พรมสีเขียว, สีฟ้า, สีแดงเลือดนก, เสื้อผ้าสีทองของที่กำลังจะมาถึง - ไม่ขัดแย้งกัน แต่ปรากฏในความสามัคคีที่กลมกลืนกับตัวละครที่สดใสของนางแบบ ทิเชียนนำเสนอภาพวาด "หรูหรา" ของคาร์ปาชโชและสีสันอันงดงามของจิอันเบลลิโน ทิเชียนในช่วงเวลานี้ชอบวิชาที่เขาสามารถแสดงให้เห็นถนนเวนิส ความอลังการของสถาปัตยกรรม และฝูงชนที่รื่นเริงและอยากรู้อยากเห็น นี่คือวิธีการสร้างผลงานประพันธ์ที่ใหญ่ที่สุดชิ้นหนึ่งของเขา "The Presentation of Mary into the Temple" (ประมาณปี 1538) - ขั้นตอนต่อไปหลังจาก "Madonna of Pesaro" ในศิลปะการวาดภาพฉากกลุ่มซึ่ง Titian ผสมผสานอย่างชำนาญ ความเป็นธรรมชาติที่สำคัญพร้อมความอิ่มเอมใจอันยิ่งใหญ่ ทิเชียนเขียนเนื้อหาเกี่ยวกับตำนานมากมาย โดยเฉพาะอย่างยิ่งหลังจากการเดินทางไปโรมในปี 1545 ซึ่งดูเหมือนว่าเขาจะเข้าใจจิตวิญญาณของสมัยโบราณได้อย่างครบถ้วนสมบูรณ์ที่สุด ตอนนั้นเองที่เวอร์ชัน "Danae" ของเขาปรากฏขึ้น (เวอร์ชันแรกคือปี 1545 ส่วนเวอร์ชันอื่น ๆ ทั้งหมดอยู่ประมาณปี 1554) ซึ่งเขาทำตามแผนการในตำนานอย่างเคร่งครัดแสดงให้เห็นภาพเจ้าหญิงที่รอคอยการมาถึงของซุสอย่างยาวนานและ สาวใช้จับฝักบัวทองอย่างตะกละตะกลาม ดาเน่มีความสวยงามตามอุดมคติความงามแบบโบราณที่ปรมาจารย์ชาวเวนิสปฏิบัติตาม ในรูปแบบต่างๆ เหล่านี้ การตีความภาพโดยทิเชียนถือเป็นจุดเริ่มต้นทางเนื้อหนังและเป็นการแสดงออกถึงความสุขอันเรียบง่ายของการเป็น “วีนัส” ของเขา (ประมาณปี ค.ศ. 1538) ซึ่งนักวิจัยหลายคนเห็นภาพเหมือนของดัชเชสเอลีเนอร์แห่งอูร์บิโน มีองค์ประกอบใกล้เคียงกับภาพวาดของจอร์จิเนฟ แต่การนำฉากภายในในชีวิตประจำวันมาใช้แทนพื้นหลังแนวนอน การจ้องมองอย่างตั้งใจของนางแบบที่เบิกตากว้าง สุนัขที่เท้าของเธอเป็นรายละเอียดที่ถ่ายทอดความรู้สึก ชีวิตจริงบนโลก ไม่ใช่บนโอลิมปัส

ทิเชียน. ปีเอต้า เวนิส พิพิธภัณฑ์สถาบันวิจิตรศิลป์

ตลอดชีวิตของเขา ทิเชียนมีส่วนร่วมในการวาดภาพบุคคล แบบจำลองของเขา (โดยเฉพาะในการถ่ายภาพบุคคลของช่วงต้นและกลางของความคิดสร้างสรรค์) มักจะเน้นย้ำถึงความสูงส่งของรูปลักษณ์ ความสง่างามของท่าทาง ความยับยั้งชั่งใจของท่าทางและท่าทางที่สร้างขึ้นด้วยโทนสีที่สูงส่งไม่แพ้กัน และรายละเอียดที่เลือกสรรอย่างเข้มงวดเพียงเล็กน้อย (ภาพเหมือน ชายหนุ่มพร้อมถุงมือ ภาพเหมือนของอิปโปลิโต ริมินัลดี, ปิเอโตร อาเรติโน, ลูกสาวลาวิเนีย)

หากภาพของทิเชียนมีความโดดเด่นด้วยความซับซ้อนของตัวละครและความรุนแรงของสภาพภายในของพวกเขาอยู่เสมอ ในช่วงหลายปีแห่งความเป็นผู้ใหญ่เชิงสร้างสรรค์เขาสร้างภาพที่ดราม่าโดยเฉพาะตัวละครที่ขัดแย้งกันนำเสนอในการเผชิญหน้าและการปะทะกันซึ่งบรรยายด้วยพลังของเช็คสเปียร์อย่างแท้จริง (กลุ่ม ภาพเหมือนของสมเด็จพระสันตะปาปาปอลที่ 3 กับหลานชายของเขา ออตตาวิโอ และอเล็กซานเดอร์ ฟาร์เนเซ, ค.ศ. 1545-1546) ภาพกลุ่มที่ซับซ้อนดังกล่าวได้รับการพัฒนาเฉพาะในยุคบาโรกของศตวรรษที่ 17 เช่นเดียวกับนักขี่ม้า ภาพพิธีการเช่นเดียวกับ "Charles V at the Battle of Mühlberg" ของทิเชียนที่ใช้เป็นพื้นฐานสำหรับการจัดองค์ประกอบภาพบุคคลของ Van Dyck แบบดั้งเดิม

ในช่วงบั้นปลายชีวิตของทิเชียน งานของเขาได้รับการเปลี่ยนแปลงครั้งสำคัญ เขายังคงเขียนเรื่องโบราณมากมาย (“Venus and Adonis”, “The Shepherd and the Nymph”, “Diana and Actaeon”, “Jupiter and Antiope”) แต่หันมาใช้ธีมของคริสเตียนมากขึ้น ไปสู่ฉากการพลีชีพที่คนนอกรีต ความร่าเริงความสามัคคีในสมัยโบราณถูกแทนที่ด้วยทัศนคติที่น่าเศร้า ("การเฆี่ยนตีของพระคริสต์", "ผู้สำนึกผิดแมรีแม็กดาเลน", "นักบุญเซบาสเตียน", "คร่ำครวญ")

เทคนิคการวาดภาพก็เปลี่ยนไปเช่นกัน: สีของแสงสีทองและการเคลือบแสงทำให้ได้ภาพวาดอิมพาสโตที่ทรงพลังและมีพายุ การถ่ายโอนพื้นผิวของโลกวัตถุประสงค์ สาระสำคัญของมันเกิดขึ้นได้ด้วยการลากเส้นกว้างของจานสีที่จำกัด “เซนต์. ที่จริงแล้วเซบาสเตียน” เขียนด้วยสีเหลืองและเขม่าเท่านั้น ฝีแปรงไม่เพียงสื่อถึงพื้นผิวของวัสดุเท่านั้น แต่การเคลื่อนไหวของแปรงยังช่วยแกะสลักรูปทรงของตัวมันเอง ทำให้เกิดความเป็นพลาสติกของภาพที่วาดไว้

ความเศร้าโศกอันล้ำลึกอันล้ำลึกและความงามอันงดงามของมนุษย์ถูกถ่ายทอดเข้ามา งานสุดท้ายภาพคร่ำครวญของทิเชียน เสร็จสิ้นหลังจากศิลปินเสียชีวิตโดยลูกศิษย์ของเขา มาดอนน่าอุ้มลูกชายของเธอคุกเข่าด้วยความโศกเศร้า แม็กดาเลนยกมือขึ้นด้วยความสิ้นหวัง และชายชราครุ่นคิดอย่างลึกซึ้งและโศกเศร้า แสงสีเทาอมฟ้าที่กะพริบเป็นการรวบรวมจุดสีที่ตัดกันของเสื้อผ้าของฮีโร่ ผมสีทองของ Mary Magdalene รูปปั้นที่เกือบจะเหมือนประติมากรรมในซอกต่างๆ และในขณะเดียวกันก็สร้างความประทับใจของการซีดจางของวันที่ผ่านไป การโจมตี ยามพลบค่ำทำให้อารมณ์โศกเศร้ายิ่งขึ้น

ทิเชียนเสียชีวิตเมื่ออายุมาก โดยมีชีวิตอยู่มาเกือบศตวรรษ และถูกฝังไว้ในโบสถ์เวนิสแห่ง Frari ซึ่งตกแต่งด้วยแท่นบูชาของเขา เขามีนักเรียนมากมาย แต่ไม่มีคนใดเทียบได้กับครูเลย อิทธิพลมหาศาลของทิเชียนส่งผลต่อภาพวาดในศตวรรษหน้า และรูเบนส์และเบลัซเกซมีประสบการณ์เป็นส่วนใหญ่

ตลอดศตวรรษที่ 16 เวนิสยังคงเป็นฐานที่มั่นสุดท้ายของอิสรภาพและเสรีภาพของประเทศ ดังที่ได้กล่าวไปแล้ว เวนิสยังคงยึดมั่นในประเพณีของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยามาเป็นเวลานานที่สุด แต่ในตอนท้ายของศตวรรษ ลักษณะของยุคใหม่ในงานศิลปะที่กำลังใกล้เข้ามา ทิศทางทางศิลปะใหม่ ชัดเจนอยู่แล้วที่นี่ สิ่งนี้สามารถเห็นได้ในผลงานของศิลปินหลักสองคนในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษนี้ - Paolo Veronese และ Jacopo Tintoretto

เวโรนีส การแต่งงานในเมืองคานาแห่งกาลิลี แฟรกเมนต์ ปารีส, พิพิธภัณฑ์ลูฟร์

เปาโล กายารี ชื่อเล่น Veronese (เขาเกิดที่เมืองเวโรนา ค.ศ. 1528-1588) ถูกกำหนดให้เป็นนักร้องคนสุดท้ายของเทศกาลเวนิสที่รื่นเริงและครึกครื้นแห่งศตวรรษที่ 16 เขาเริ่มต้นด้วยการวาดภาพสำหรับพระราชวังเวโรนาและรูปภาพสำหรับโบสถ์เวโรนา แต่ชื่อเสียงมาสู่เขาเมื่อปี 1553 เขาเริ่มทำงานวาดภาพสำหรับพระราชวัง Venetian Doge จากนี้ไป ชีวิตของ Veronese จะเชื่อมโยงกับเวนิสตลอดไป เขาวาดภาพจิตรกรรมฝาผนัง แต่บ่อยครั้งที่เขาวาดภาพสีน้ำมันขนาดใหญ่บนผืนผ้าใบสำหรับขุนนางชาวเวนิส ภาพแท่นบูชาสำหรับโบสถ์เวนิสตามคำสั่งของตนเองหรือตามคำสั่งอย่างเป็นทางการของสาธารณรัฐ เขาชนะการแข่งขันโครงการตกแต่งของเซนต์ ยี่ห้อ. ชื่อเสียงมากับเขาตลอดชีวิต แต่ไม่ว่า Veronese จะเขียนอะไร: "การแต่งงานในคานาแห่งกาลิลี" สำหรับห้องโถงของอาราม San Giorgio Maggiore (1562-1563; ขนาด 6.6x9.9 ม., ภาพวาด 138 ร่าง); ภาพวาดเกี่ยวกับเชิงเปรียบเทียบ ตำนาน ฆราวาส; ไม่ว่าจะเป็นภาพบุคคล ภาพวาดประเภท ทิวทัศน์ “งานเลี้ยงที่ซีโมนเดอะฟาริสี” (1570) หรือ “งานเลี้ยงในบ้านเลวี” (1573) ซึ่งต่อมาเขียนใหม่ตามการยืนกรานของการสืบสวนล้วนเป็นเรื่องใหญ่โต ภาพวาดตกแต่งเทศกาลเวนิสที่ซึ่งฝูงชนชาวเวนิสแต่งกายด้วยเครื่องแต่งกายอันหรูหราถูกบรรยายโดยมีฉากหลังเป็นมุมมองที่วาดไว้กว้างของภูมิทัศน์ทางสถาปัตยกรรมของชาวเวนิส ราวกับว่าโลกของศิลปินเป็นงานมหกรรมที่ยอดเยี่ยมอย่างต่อเนื่องซึ่งเป็นการแสดงละครที่ไม่มีที่สิ้นสุด เบื้องหลังทั้งหมดนี้คือความรู้อันเป็นเลิศเกี่ยวกับธรรมชาติ ทุกสิ่งถูกรังสรรค์ด้วยสีเดียวอันวิจิตรงดงาม (สีเงินมุกกับสีน้ำเงิน) พร้อมด้วยความสว่างและความหลากหลายของเสื้อผ้าอันหรูหรา ซึ่งได้รับแรงบันดาลใจจากความสามารถและอารมณ์ของศิลปินที่การแสดงละคร การกระทำได้รับความโน้มน้าวใจเหมือนมีชีวิต มีความรู้สึกที่ดีต่อสุขภาพของ joie de vivre ในภาษา Veronese ภูมิหลังทางสถาปัตยกรรมอันทรงพลังของเขาไม่ได้ด้อยไปกว่าความกลมกลืนของราฟาเอล แต่การเคลื่อนไหวที่ซับซ้อน มุมของตัวเลขที่ไม่คาดคิด ไดนามิกที่เพิ่มขึ้น และความแออัดในองค์ประกอบเป็นคุณลักษณะที่ปรากฏในตอนท้ายของความคิดสร้างสรรค์ ความหลงใหลในภาพที่ลวงตาพูดถึงการเริ่มต้นของศิลปะ พร้อมความเป็นไปได้และการแสดงออกอื่น ๆ

ทัศนคติที่น่าเศร้าปรากฏในผลงานของศิลปินอีกคน - Jacopo Robusti ซึ่งเป็นที่รู้จักในงานศิลปะในชื่อ Tintoretto (1518-1594) (“ Tintoretto” เป็นคนย้อม: พ่อของศิลปินเป็นคนย้อมผ้าไหม) Tintoretto ใช้เวลาสั้นมากในเวิร์กช็อปของ Titian อย่างไรก็ตาม ตามคำกล่าวของคนรุ่นเดียวกัน คำขวัญดังกล่าวแขวนอยู่ที่ประตูเวิร์กช็อปของเขา: "วาดโดย Michelangelo ระบายสีโดย Titian" แต่ตินโทเรตโกอาจเป็นนักวาดภาพสีได้ดีกว่าครูของเขา แม้ว่าการจดจำของเขาจะไม่เหมือนกับทิเชียนและเวโรนีสก็ตาม ผลงานมากมายของ Tintoretto ซึ่งเขียนเกี่ยวกับปาฏิหาริย์ลึกลับเป็นหลัก เต็มไปด้วยความวิตกกังวล ความวิตกกังวล และความสับสน ในภาพวาดแรกที่ทำให้เขาโด่งดัง "ปาฏิหาริย์ของนักบุญมาระโก" (2091) เขานำเสนอร่างของนักบุญในมุมมองที่ซับซ้อนเช่นนี้และทุกคนอยู่ในสภาพที่น่าสมเพชและการเคลื่อนไหวที่รุนแรงซึ่ง คงเป็นไปไม่ได้ในศิลปะยุคเรอเนซองส์สูงในสมัยคลาสสิก เช่นเดียวกับ Veronese Tintoretto เขียนมากมายเกี่ยวกับวัง Doge, โบสถ์ Venetian แต่ที่สำคัญที่สุดคือเพื่อภราดรภาพผู้ใจบุญ สองรอบที่ใหญ่ที่สุดของเขาดำเนินการสำหรับ Scuolo di San Rocco และ Scuolo di San Marco

ตินโตเรตโต. ปาฏิหาริย์แห่งนักบุญ ยี่ห้อ. เวนิส พิพิธภัณฑ์สถาบันวิจิตรศิลป์

หลักการของการพรรณนาของ Tintoretto นั้นถูกสร้างขึ้นบนความขัดแย้งซึ่งอาจกลัวคนรุ่นราวคราวเดียวกัน: รูปภาพของเขามีลักษณะที่เป็นประชาธิปไตยอย่างชัดเจน การกระทำเกิดขึ้นในสภาพแวดล้อมที่เรียบง่ายที่สุด แต่วัตถุนั้นลึกลับและเต็มไปด้วยความรู้สึกสูงส่ง แสดงออกถึงจินตนาการอันเปี่ยมสุขของปรมาจารย์ และดำเนินการด้วยความประณีตทางมารยาท นอกจากนี้เขายังมีภาพที่โรแมนติกอย่างละเอียด ปกคลุมไปด้วยความรู้สึกที่ไพเราะ (“The Rescue of Arsinoe”, 1555) แต่ถึงแม้ที่นี่ อารมณ์ของความวิตกกังวลก็ยังถ่ายทอดได้ด้วยแสงที่ผันผวนและไม่มั่นคง แสงวูบวาบสีเขียวแกมเทาเย็นชา องค์ประกอบของเขา "Introduction to the Temple" (1555) เป็นเรื่องผิดปกติเนื่องจากฝ่าฝืนบรรทัดฐานการก่อสร้างคลาสสิกที่ยอมรับทั้งหมด รูปปั้นที่เปราะบางของแมรี่ตัวน้อยถูกวางไว้บนขั้นบันไดสูงชัน ซึ่งชั้นบนสุดซึ่งมีมหาปุโรหิตรอเธออยู่ ความรู้สึกของความใหญ่โตของอวกาศ ความเร็วของการเคลื่อนไหว ความแข็งแกร่งของความรู้สึกเดียว ให้ความสำคัญเป็นพิเศษกับสิ่งที่ปรากฎ องค์ประกอบที่น่าสยดสยองและแสงวาบของสายฟ้ามักจะมาพร้อมกับฉากแอ็คชั่นในภาพวาดของ Tintoretto ซึ่งช่วยเสริมดราม่าของเหตุการณ์นี้ (“The Abduction of the Body of St. Mark”)

นับตั้งแต่ทศวรรษที่ 60 การเรียบเรียงของ Tintoretto มีความเรียบง่ายมากขึ้น เขาไม่ใช้จุดสีที่ตัดกันอีกต่อไป แต่สร้างโทนสีจากการเปลี่ยนจังหวะที่หลากหลายผิดปกติ ตอนนี้กะพริบ ตอนนี้ซีดจาง ซึ่งช่วยเพิ่มละครและความลึกทางจิตวิทยาของสิ่งที่เกิดขึ้น นี่คือวิธีที่เขาเขียน “พระกระยาหารมื้อสุดท้าย” เพื่อภราดรภาพของนักบุญ มาระโก (1562-1566)

ตั้งแต่ปี 1565 ถึง 1587 Tintoretto ทำงานเกี่ยวกับการตกแต่ง Scuolo di San Rocco วงจรขนาดมหึมาของภาพวาดเหล่านี้ (ผืนผ้าใบหลายโหลและโป๊ะหลายดวง) ซึ่งครอบครองสองชั้นของห้องตื้นตันใจไปด้วยอารมณ์ความรู้สึกที่เจาะลึกความรู้สึกของมนุษย์ที่ลึกซึ้งบางครั้งความรู้สึกโดดเดี่ยวของการกัดกร่อนการดูดซึมของมนุษย์ในพื้นที่ไร้ขีด จำกัด ความรู้สึกของความไม่สำคัญของมนุษย์ ก่อนความยิ่งใหญ่ของธรรมชาติ ความรู้สึกทั้งหมดนี้แปลกแยกอย่างลึกซึ้งกับศิลปะมนุษยนิยมของยุคเรอเนสซองส์สูง ในหนึ่งในเวอร์ชันสุดท้ายของ The Last Supper Tintoretto ได้นำเสนอระบบการแสดงออกแบบบาโรกที่เกือบจะเป็นที่ยอมรับแล้ว โต๊ะวางในแนวทแยงมุมแสงริบหรี่หักเหในจานและร่างที่แย่งชิงจากความมืด chiaroscuro ที่คมชัดความหลากหลายของตัวเลขที่นำเสนอในมุมที่ซับซ้อน - ทั้งหมดนี้สร้างความประทับใจของสภาพแวดล้อมที่สั่นสะเทือนบางประเภทความรู้สึกของความตึงเครียดที่รุนแรง มีบางสิ่งที่ดูน่ากลัวและไม่สมจริงเกิดขึ้นในภาพทิวทัศน์ในเวลาต่อมาของเขาสำหรับเรื่อง Scuolo di San Rocco คนเดียวกัน (“Flight into Egypt”, “St. Mary of Egypt”) ในช่วงสุดท้ายของการสร้างสรรค์ของเขา Tintoretto ทำงานให้กับ Doge's Palace (ผลงาน "Paradise" หลังปี 1588)

Tintoretto ทำงานภาพเหมือนมากมาย เขาวาดภาพผู้รักชาติชาวเวนิสที่ถอนตัวจากความยิ่งใหญ่ของพวกเขาและสุนัขชาวเวนิสที่ภาคภูมิใจ สไตล์การวาดภาพของเขาสูงส่ง ยับยั้งชั่งใจ และสง่างาม เช่นเดียวกับการตีความแบบจำลองของเขา ปรมาจารย์วาดภาพตัวเองในภาพเหมือนตนเองที่เต็มไปด้วยความคิดหนักๆ ความวิตกกังวลอันเจ็บปวด และความสับสนทางจิต แต่นี่เป็นลักษณะที่ความทุกข์ทางศีลธรรมได้ให้ความเข้มแข็งและความยิ่งใหญ่

เมื่อสรุปการทบทวนยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเวนิส เป็นไปไม่ได้ที่จะไม่พูดถึงสถาปนิกที่ยิ่งใหญ่ที่สุดที่เกิดและทำงานในวิเชนซาใกล้เมืองเวนิส และผู้ที่ทิ้งตัวอย่างอันยอดเยี่ยมเกี่ยวกับความรู้ของเขาและการคิดใหม่เกี่ยวกับสถาปัตยกรรมโบราณ - Andrea Palladio (1508-1580, Villa Cornaro ใน Piombino, Villa Rotonda ในวิเชนซา, สร้างเสร็จหลังจากการตายของเขาโดยนักเรียนจากการออกแบบของเขา, อาคารหลายแห่งในวิเชนซา) ผลการศึกษาสมัยโบราณของเขาคือหนังสือ "Roman Antiquities" (1554), "Four Books on Architecture" (1570-1581) แต่โบราณวัตถุเป็น "สิ่งมีชีวิต" สำหรับเขา ตามข้อสังเกตที่ยุติธรรมของนักวิจัย “กฎแห่งสถาปัตยกรรมอาศัยอยู่ในจิตวิญญาณของเขา เช่นเดียวกับกฎแห่งบทกวีที่อาศัยอยู่ในจิตวิญญาณของพุชกิน เช่นเดียวกับพุชกินเขาเป็นบรรทัดฐานของเขาเอง” (P. Muratov)

ในศตวรรษต่อมา อิทธิพลของปัลลาดิโอมีมหาศาล กระทั่งทำให้เกิดชื่อ "ลัทธิปัลลาดี" “ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาแบบพัลลาเดียน” ในอังกฤษเริ่มต้นจากอินิโก โจนส์ ดำเนินต่อไปตลอดศตวรรษที่ 17 และมีเพียงพี่น้องเท่านั้น อดัมส์เริ่มถอยห่างจากเขา ในฝรั่งเศส ลักษณะของมันถูกดำเนินการโดยผลงานของ Blondels St. และจูเนียร์; ในรัสเซีย "ชาวพัลลาเดียน" คือ (แล้วในศตวรรษที่ 18) N. Lvov, br. Neyolovs, C. Cameron และที่สำคัญที่สุดคือ J. ควาเรงกี. ในที่ดินของรัสเซีย สถาปัตยกรรมของศตวรรษที่ 19ศตวรรษและแม้กระทั่งในยุคอาร์ตนูโว ความมีเหตุผลและความสมบูรณ์ของสไตล์ของปัลลาดิโอแสดงออกมาในภาพสถาปัตยกรรมของนีโอคลาสสิก

เมืองทางตอนเหนือของยุโรป (ทางตอนเหนือสัมพันธ์กับอิตาลี) ไม่มีเอกราชเช่นเดียวกับเมืองอิตาลี พวกเขาขึ้นอยู่กับอำนาจของขุนนางใหญ่ กษัตริย์ หรือจักรพรรดิมากกว่าในระบบศักดินาที่พัฒนาแบบคลาสสิกทั้งหมด สิ่งนี้ส่งผลกระทบต่อธรรมชาติของวัฒนธรรมของยุโรปเหนือในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาอย่างไม่ต้องสงสัย ศิลปะของยุคเรอเนซองส์ตอนเหนือได้รับอิทธิพลจากโลกทัศน์ในยุคกลางมากกว่า มีความรู้สึกทางศาสนา สัญลักษณ์ เป็นรูปแบบที่ธรรมดากว่า เก่าแก่กว่า เชื่อมโยงกับกอทิกมากกว่า และโดยธรรมชาติแล้ว ไม่ค่อยคุ้นเคยกับโบราณวัตถุ ซึ่งเข้าใกล้ได้เฉพาะในอิตาลีเมื่อปลายศตวรรษที่ 15 เท่านั้น ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาภาคเหนือตามหลังอิตาลีไปตลอดทั้งศตวรรษ และเริ่มต้นเมื่ออิตาลีเข้าสู่ช่วงสูงสุดของการพัฒนา

อย่างไรก็ตาม เมืองทางตอนเหนือมีส่วนร่วมในการต่อสู้ทางสังคมและการเมืองที่ซับซ้อนซึ่งเป็นลักษณะของประวัติศาสตร์ทั้งหมดของยุโรปเหนือในศตวรรษที่ 15-16 เมื่อเมืองต่างๆ ในอิตาลีสูญเสียเอกราช เมืองทางตอนเหนือซึ่งต่อสู้ดิ้นรนอย่างต่อเนื่องกับขุนนางศักดินายังคงรักษาความสำคัญไว้เมื่อสิ้นสุดศตวรรษที่ 16 และ 17 และกลายเป็นศูนย์กลางของการเคลื่อนไหวที่ก้าวหน้าในระหว่างการก่อตั้งรัฐสมบูรณาญาสิทธิราชย์แห่งชาติ

ขอให้เราระลึกด้วยว่าการเปลี่ยนผ่านจากยุคกลางไปสู่ยุคใหม่ไม่เพียงเกิดขึ้นผ่านยุคเรอเนซองส์ซึ่งพยายามฟื้นฟูวัฒนธรรมโบราณเท่านั้น แต่ยังผ่านการปฏิรูปด้วยซึ่งเรียกร้องให้คริสตจักรคาทอลิกกลับไปสู่ ​​"สมัยอัครสาวก"

ทั้งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการและการปฏิรูปมีบางอย่างที่เหมือนกัน - เป็นการตอบสนองต่อวิกฤติในยุคกลางตอนปลาย แต่พวกเขาเข้าใจทางออกจากวิกฤตแตกต่างออกไป ดังนั้น ดังที่ระบุไว้อย่างถูกต้อง พวกเขาเคลื่อนไหวไปในทิศทางที่ต่างกัน เราไม่ได้กำลังพูดถึงความแตกต่างในมุมมองของโปรเตสแตนต์ (นิกายลูเธอรัน และยิ่งกว่านั้น ผู้ที่ถือคาลวินซึ่งเป็นสาขาที่หัวรุนแรงสุดโต่งของนิกายโปรเตสแตนต์) และคาทอลิกเกี่ยวกับคริสตจักรและศรัทธา แต่อย่าลืมว่าการปฏิรูปก็เป็นปฏิกิริยาต่อยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาด้วยโดยมีแนวคิดที่ว่ามนุษย์เป็นความจริงที่มีค่าที่สุด (“ เหนือสิ่งอื่นใดคือมนุษย์เอง”) ความไม่ลงรอยกันของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและการปฏิรูปนี้มีความชัดเจนและแสดงออกมาอย่างชัดเจนในข้อพิพาทอันโด่งดัง (ค.ศ. 1524-1525) ระหว่างนักมนุษยนิยมที่ยิ่งใหญ่ที่สุดแห่งศตวรรษที่ 16 Erasmus of Rotterdam และ Martin Luther นักปฏิรูปคนแรก “ ในตัวพวกเขา ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและการปฏิรูปจะต่อต้านกันเองและไปในทิศทางที่ต่างกัน” (P. Sapronov)

ไม่สามารถเข้าใจศิลปะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนเหนือได้หากไม่คำนึงถึงขบวนการปฏิรูปซึ่งมีอิทธิพลโดยตรงและชัดเจน ในความรู้สึกของความไม่สำคัญของมนุษย์ต่อพระเจ้า ความไม่สมดุลของเขากับพระเจ้า การปฏิรูปปฏิเสธศิลปะไปบ้าง ในโบสถ์โปรเตสแตนต์ไม่มีการแกะสลัก ไม่มีรูปปั้น ไม่มีกระจกสี มีแต่ผนังเปลือย ม้านั่ง และไม้กางเขน และผู้เลี้ยงแกะซึ่งไม่เหมือนนักบวชเลย - เป็นคนกลางระหว่างฆราวาสกับพระเจ้า แต่เป็นเพียงตัวแทนของชุมชนที่ได้รับเลือกจากพวกเขาให้ทำหน้าที่รับใช้อันศักดิ์สิทธิ์ การปฏิรูปกำลังเข้าใกล้ยุคเรอเนซองส์ แต่กระบวนการนี้โดยธรรมชาติแล้วไม่ได้เกิดขึ้นชั่วขณะ และอย่างหลังก็สามารถประจักษ์ได้ด้วยพลังดั้งเดิมที่ยิ่งใหญ่ทางตอนเหนือของยุโรป อิทธิพลของการปฏิรูปด้วยความสมจริงและลัทธิปฏิบัตินิยมส่งผลต่อศิลปะยุคเรอเนซองส์ตอนเหนือด้วยความเอาใจใส่อย่างใกล้ชิดและความรักต่อความเป็นจริง เพื่อความถูกต้องของรายละเอียด โดยสนใจที่จะพรรณนาถึงสิ่งที่หยาบกระด้างอย่างจงใจ บางครั้งก็น่าเกลียดอย่างน่ารังเกียจ น่าเกลียดอย่างยิ่ง (ซึ่งเป็นอย่างยิ่ง) ไม่เป็นที่ยอมรับสำหรับยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของอิตาลี) - นี่เป็นสิ่งที่น่าทึ่งอยู่ร่วมกับความรู้สึกลึกลับไม่จริงกับพลวัตและความเป็นเอกภาพของรูปแบบซึ่งรวมเอายุคฟื้นฟูศิลปวิทยาภาคเหนือเข้าด้วยกันในด้านหนึ่งกับโกธิคและอีกด้านหนึ่งกับอนาคต ศิลปะบาโรกอาจจะมั่นคงกว่าอิตาลีเสียอีก โดยทั่วไปนักวิจัยบางคนปฏิเสธยุคเรอเนซองส์ในยุโรปเหนือ ซึ่งกอทิกเปลี่ยนไปสู่ยุคบาโรกอย่าง "ราบรื่น" โดยถือว่ายุคเรอเนซองส์ตอนเหนือเป็นเพียง "ฤดูใบไม้ร่วงของยุคกลาง" (เจ. ฮุยซิงกา)

เป็นที่น่าสนใจที่จะทราบว่ามีการพบเห็นการถ่ายภาพครั้งแรกของศิลปะเรอเนซองส์ใหม่ในเนเธอร์แลนด์ หนังสือจิ๋วดูเหมือนว่าจะเกี่ยวข้องกับประเพณีในยุคกลางมากที่สุด

จิตรกรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการของชาวดัตช์เริ่มต้นด้วย "ฉากแท่นบูชาเกนต์" โดยสองพี่น้องฮูเบิร์ต (เสียชีวิตในปี ค.ศ. 1426) และยาน (ราวปี ค.ศ. 1390-1441) ฟาน เอค สร้างเสร็จโดยยาน ฟาน เอคในปี ค.ศ. 1432 ภาพแท่นบูชาเกนต์ (เกนต์ โบสถ์เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก) Bavo) เป็นห้องพับสองชั้นบนกระดาน 12 แผ่นโดยนำเสนอ 12 ฉาก (เมื่อเปิด) ที่ด้านบนสุดคือพระคริสต์ทรงประทับบนบัลลังก์โดยมีมารีย์และยอห์นเข้าร่วม ทูตสวรรค์ร้องเพลงและเล่นดนตรี และอาดัมกับเอวา ด้านล่างบนกระดานห้าแผ่นคือฉาก “การนมัสการของพระเมษโปดก”

ในการถ่ายทอดมุมมอง ในการวาดภาพ ในความรู้เกี่ยวกับกายวิภาค แน่นอนว่าภาพวาดของฟาน เอคไม่สามารถเทียบได้กับสิ่งที่มาซาชโชกำลังทำเกือบจะในเวลาเดียวกัน แต่มันมีคุณสมบัติอื่น ๆ ที่สำคัญไม่น้อยสำหรับงานศิลปะ: ปรมาจารย์ชาวดัตช์ดูเหมือนจะมองโลกเป็นครั้งแรกซึ่งพวกเขาถ่ายทอดด้วยความเอาใจใส่และรายละเอียดเป็นพิเศษ ใบหญ้าทุกใบ ผ้าทุกชิ้นแสดงถึงงานศิลปะชั้นสูงสำหรับพวกเขา สิ่งนี้สะท้อนให้เห็นถึงหลักการของการวาดภาพขนาดจิ๋วของชาวดัตช์ ในอารมณ์ของเหล่าเทวดาร้องเพลง มีความรู้สึกทางศาสนา จิตวิญญาณ และความตึงเครียดทางอารมณ์อย่างแท้จริง Van Eycks ปรับปรุงเทคนิคการใช้น้ำมัน: น้ำมันทำให้สามารถถ่ายทอดความแวววาว ความลึก และความสมบูรณ์ของโลกแห่งวัตถุได้อย่างครอบคลุมยิ่งขึ้น ซึ่งดึงดูดความสนใจของศิลปินชาวดัตช์ และความดังอันไพเราะของสีนี้

ในบรรดามาดอนน่าหลายรูปโดย Jan van Eyck สิ่งที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ "Madonna of Chancellor Rollin" (ประมาณปี 1435) ที่ได้รับการตั้งชื่อเช่นนี้เพราะต่อหน้ามาดอนน่าผู้บริจาค Chancellor Rollin มีภาพบูชาเธออยู่ ด้านหลังหน้าต่างสามโค้งขนาดใหญ่ที่เปิดอยู่ด้านหลัง ฟาน เอควาดภาพทิวทัศน์เมืองอันละเอียดอ่อนด้วยแม่น้ำ สะพาน และเนินเขาที่ทอดยาวไปไกล ลวดลายของเสื้อผ้า ลวดลายที่ซับซ้อนของพื้นและหน้าต่างกระจกสีถูกถ่ายทอดออกมาด้วยความเอาใจใส่และความรักเป็นพิเศษ เมื่อเทียบกับพื้นหลังนี้ ร่างอันสงบของพระแม่มารีและพระกุมารและอธิการบดีที่คุกเข่าก็มองเห็นได้ชัดเจน ใน "Madonna of Canon van der Paele" (1436) ทุกอย่างมีขนาดใหญ่ขึ้น รูปร่างจะใหญ่ขึ้น หนักขึ้น และคงที่จะเด่นชัดขึ้น การจ้องมองของศีลซึ่งนักบุญนำเสนอต่อพระนางมารีย์ จอร์จเข้มงวดแม้จะมืดมน เป็นสิ่งสำคัญที่ศิลปินชาวดัตช์จะต้องแนะนำรายละเอียดในชีวิตประจำวัน เช่น การถอดแว่นตาในมือของผู้บริจาค ซึ่งเป็นหนังสือสวดมนต์ที่วางนิ้วไว้ แต่ลักษณะทางโลกเหล่านี้ยังเน้นย้ำถึงสภาวะการหมกมุ่นอยู่กับตนเอง ความแน่วแน่ภายใน และความหนักแน่นฝ่ายวิญญาณ จุดที่มีเสียงดังของสีแดง น้ำเงิน และขาวในชุดอาภรณ์ไม่ได้แสดงถึงความสัมพันธ์ของสีที่แท้จริงมากนัก เท่ากับสื่อถึงบรรยากาศทางจิตวิญญาณของฉากนั้น

ยาน ฟาน เอคทำงานอย่างหนักและประสบความสำเร็จในการถ่ายภาพบุคคล โดยยังคงความแม่นยำที่เชื่อถือได้อยู่เสมอ โดยสร้างภาพลักษณ์ที่ลึกซึ้งของแต่ละคน แต่ไม่สูญเสียลักษณะทั่วไปของบุคคลที่เป็นส่วนหนึ่งของจักรวาลเบื้องหลังรายละเอียด (“Man with a Carnation”; “Man in ผ้าโพกหัว”, 1433; ภาพเหมือนของภรรยาของศิลปิน Margarita van Eyck, 1439) แทนที่จะแสดงการกระทำที่กระตือรือร้นซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของภาพเหมือนในยุคเรอเนซองส์ของอิตาลี ฟาน เอคกลับใช้การไตร่ตรองในฐานะคุณสมบัติที่กำหนดสถานที่ของบุคคลในโลก ช่วยให้เข้าใจถึงความงดงามของความหลากหลายอันไม่มีที่สิ้นสุด ในภาพเหมือนคู่ของคู่สมรส Arnolfini (1434) - Giovanni Arnolfini พ่อค้าจาก Lucca ตัวแทนฝ่ายผลประโยชน์ของบ้าน Medici ใน Bruges และภรรยาของเขา - วัตถุของห้องที่มีการแสดงแบบจำลองตาม ประเพณีในยุคกลางที่กอปรด้วยความหมายเชิงสัญลักษณ์ (แอปเปิ้ลข้างหน้าต่างบนหน้าอก, การเผาไหม้มีเทียนในโคมระย้า, สุนัขที่เท้า - สัญลักษณ์ของความซื่อสัตย์ในชีวิตสมรส) แต่ด้วยการจัดวางคู่หนุ่มสาวไว้ในบ้าน ศิลปินจึงมีโอกาสถ่ายทอดความงดงามของโลกแห่งวัตถุประสงค์ได้ เขาวาดภาพกระจกนูนในกรอบไม้อย่างน่าชื่นชม โคมระย้าสีบรอนซ์ หลังคาสีแดงของเตียงที่ดูเหมือนบ้าน ขนปุยของสุนัข สีน้ำตาลและสีเขียว ผสมผสานกันอย่างลงตัวของภาพอันละเอียดอ่อน เสื้อผ้าของนางแบบ ยืนอยู่ต่อหน้าผู้ชม เทอะทะตามแบบสมัยนั้น

ฮูเบิร์ต และยาน ฟาน เอค แท่นบูชาเกนต์ มุมมองทั่วไป- เกนต์, โบสถ์เซนต์ บาโวน่า

ศิลปะของพี่น้องฟาน เอค ผู้ครอบครองสถานที่พิเศษในประวัติศาสตร์สมัยใหม่ วัฒนธรรมทางศิลปะมีความสำคัญอย่างยิ่งต่อการพัฒนายุคฟื้นฟูศิลปวิทยาดัตช์ต่อไป ในช่วงทศวรรษที่ 40 ของศตวรรษที่ 15 ในศิลปะดัตช์ คุณลักษณะของสีที่หลากหลายและความชัดเจนของฮาร์โมนิกของฟาน เอคจะค่อยๆ หายไป แต่จิตวิญญาณของมนุษย์ถูกเปิดเผยลึกลงไปในความลับทั้งหมด ศิลปะดัตช์เป็นหนี้ Rogier van der Weyden (14.00?-1464) เป็นอย่างมากในการแก้ปัญหาดังกล่าว ในช่วงปลายทศวรรษที่ 40 Rogier van der Weyden เดินทางไปอิตาลี นักวิทยาศาสตร์และนักปรัชญา Nikolai Kuzansky เรียกเขาว่าเป็นศิลปินที่ยิ่งใหญ่ที่สุดและ Durer ให้ความสำคัญกับงานของเขาอย่างมาก "การสืบเชื้อสายมาจากไม้กางเขน" เป็นผลงานตามแบบฉบับของไวเดน องค์ประกอบถูกสร้างขึ้นในแนวทแยง ภาพวาดมีความแข็ง ตัวเลขถูกนำเสนอในมุมที่คมชัด เสื้อผ้าอาจแขวนไม่เป็นระเบียบหรือบิดเป็นเกลียวตามลมบ้าหมู ใบหน้าบิดเบี้ยวด้วยความโศกเศร้า ทุกสิ่งทุกอย่างมีตราประทับของการสังเกตเชิงวิเคราะห์ที่เย็นชา การสังเกตที่เกือบจะไร้ความปราณี ความไร้ความปราณีแบบเดียวกันซึ่งบางครั้งก็ถึงจุดที่คมชัดอย่างแปลกประหลาดเป็นลักษณะของภาพวาดของ Rogier van der Weyden พวกเขาแตกต่างจากภาพวาดของฟาน เอคด้วยความเป็นอมตะ และการกีดกันจากสิ่งแวดล้อม การแสดงออก ลัทธิผีปิศาจของไวเดน และบางครั้งการรักษาพื้นหลังสีทองไว้ในรูปแท่นบูชาของเขาทำให้นักวิจัยบางคนสามารถพูดคุยเกี่ยวกับเขาในฐานะปรมาจารย์แห่งยุคกลางตอนปลาย แต่สิ่งนี้ไม่ถูกต้อง เพราะความเข้าใจของเขาเกี่ยวกับแก่นแท้ทางจิตวิญญาณของมนุษย์เป็นก้าวต่อไปหลังจากศิลปะของฟาน เอค

อาร์. ฟาน เดอร์ เวย์เดน. สืบเชื้อสายมาจากไม้กางเขน มาดริด, ปราโด

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 15 แสดงถึงความคิดสร้างสรรค์ของปรมาจารย์ที่มีความสามารถพิเศษ ฮิวโก้ แวนเดอร์ ฮุส (ค.ศ. 1435-1482) ซึ่งใช้ชีวิตส่วนใหญ่อยู่ในเกนต์ ฉากกลางของขนาดมหึมาและอนุสาวรีย์ในภาพ Portinari แท่นบูชา (ตั้งชื่อตามลูกค้า) คือฉากแห่งความรักของเด็กทารก ศิลปินสื่อถึงความตื่นตระหนกของคนเลี้ยงแกะและเทวดาซึ่งการแสดงออกทางสีหน้าบ่งบอกว่าพวกเขาดูเหมือนจะคาดเดาความหมายที่แท้จริงของเหตุการณ์ได้ รูปลักษณ์ที่โศกเศร้าและอ่อนโยนของแมรี่ความรู้สึกว่างเปล่ารอบร่างของทารกและแม่ที่โน้มตัวเข้าหาเขาเกือบจะรู้สึกว่างเปล่าช่วยเน้นย้ำถึงอารมณ์ที่ผิดปกติของสิ่งที่เกิดขึ้น ที่แผงด้านข้าง ลูกค้าจะแสดงแทนนักบุญอุปถัมภ์ ด้านซ้ายคือครึ่งหนึ่งของผู้ชาย เขียนด้วยความหนาแน่นมากขึ้น เป็นแบบคงที่ และมีลักษณะตรงไปตรงมามากขึ้น ด้านขวาเป็นภาพผู้หญิงตัดกับพื้นหลังของต้นไม้เปลือยเปล่าโปร่งใสในบรรยากาศราวกับอากาศอิ่มตัว ภาพวาดของ Hugo van der Goes มีอิทธิพลอย่างชัดเจนต่อ Florentine Quattrocento ผลงานในเวลาต่อมาของ Hus มีลักษณะของความไม่ลงรอยกัน ความสับสน ความแตกแยกทางจิตใจ โศกนาฏกรรม ความแตกแยกกับโลกมากขึ้นเรื่อย ๆ ซึ่งเป็นภาพสะท้อนของสภาพอันเจ็บปวดของศิลปินเอง (“ The Death of Mary”)

ผม. บอช. สวนแห่งความยินดี. ชิ้นส่วนของอันมีค่า มาดริด, ปราโด

ผลงานของ Hans Memling (1433-1494) ซึ่งมีชื่อเสียงจากผลงานภาพมาดอนน่าที่เป็นโคลงสั้น ๆ ของเขามีความเชื่อมโยงกับเมืองบรูจส์อย่างแยกไม่ออก Memling เป็นลูกศิษย์ของ Rogier van der Weyden แต่งานของเขาขาดความเข้มงวดในการเขียนของครูและความโหดเหี้ยมในการแสดงลักษณะนิสัยของเขาโดยสิ้นเชิง องค์ประกอบของ Memling มีความชัดเจนและวัดผล ภาพของเขาดูมีบทกวีและนุ่มนวล ประเสริฐอยู่ร่วมกับทุกวัน ผลงานที่โดดเด่นที่สุดชิ้นหนึ่งของ Memling คือของที่ระลึกของนักบุญ เออร์ซูลา (ประมาณปี ค.ศ. 1489) ซึ่งมีภาพที่งดงามราวกับภาพวาด การไตร่ตรองความรู้สึกของฟาน เอคอยู่ร่วมกับความสนใจในธรรมชาติอันสำคัญยิ่ง ซึ่งบ่งบอกถึงการเสริมสร้างความเข้มแข็งของแนวโน้มของชาวเมืองในศิลปะดัตช์

ชีวิตทางสังคมของประเทศเนเธอร์แลนด์ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 15 และต้นศตวรรษที่ 16 เต็มไปด้วยความขัดแย้งและความขัดแย้งทางสังคมอย่างรุนแรง ในสภาวะเช่นนี้ก็ถือกำเนิดขึ้น ศิลปะที่ซับซ้อนเฮียโรนีมัส บอช (ค.ศ. 1450-1516) ผู้สร้างนิมิตอันลึกลับอันมืดมน ซึ่งเขาหันไปหาทั้งการเปรียบเทียบในยุคกลางและการดำเนินชีวิตตามความเป็นจริงที่เป็นรูปธรรม ใน Bosch เรื่องอสูรวิทยาอยู่ร่วมกับอารมณ์ขันพื้นบ้านที่ดีต่อสุขภาพ ความรู้สึกอันละเอียดอ่อนของธรรมชาติพร้อมการวิเคราะห์ความชั่วร้ายของมนุษย์อย่างเย็นชา และด้วยความพิลึกพิลั่นอย่างไร้ความปรานีในการพรรณนาถึงผู้คน (“เรือแห่งความโง่เขลา”) ในภาพแท่นบูชาเขาสามารถตีความสุภาษิตดัตช์โดยเปรียบเทียบโลกกับกองหญ้าซึ่งทุกคนแย่งชิงมากที่สุดเท่าที่จะคว้าได้ ในผลงานที่ยิ่งใหญ่ที่สุดชิ้นหนึ่งของเขา “The Garden of Delights” บ๊อชสร้างภาพกราฟิกของชีวิตบาปของผู้คน จินตนาการของบ๊อชสร้างสิ่งมีชีวิตจากการผสมผสานระหว่างรูปสัตว์หรือสิ่งมีชีวิตและวัตถุต่างๆ ของโลกอนินทรีย์ และในขณะเดียวกันก็รักษาไว้ ความรู้สึกเฉียบพลันความเป็นจริงซึ่งเต็มไปด้วยโลกทัศน์อันน่าเศร้าของศิลปินซึ่งเป็นลางสังหรณ์ของหายนะสากลบางประเภท ในผลงานของ Bosch ผู้ล่วงลับ ("นักบุญแอนโธนี") หัวข้อเรื่องความเหงามีความเข้มข้นมากขึ้น งานของ Bosch ยุติขั้นตอนแรกของงานศิลปะอันยิ่งใหญ่ของเนเธอร์แลนด์ - ศตวรรษที่ 15 "ช่วงเวลาแห่งการค้นหา ความเข้าใจ ความผิดหวัง และการค้นพบที่ยอดเยี่ยม" ขอบเขตระหว่างศตวรรษที่ 15 ถึง 16 ในศิลปะของเนเธอร์แลนด์นั้นเห็นได้ชัดเจนกว่ามาก กล่าวคือ ระหว่าง Quattrocento และยุคเรอเนซองส์ชั้นสูงในอิตาลี ซึ่งเป็นผลสืบเนื่องเชิงตรรกะของศิลปะในยุคก่อน ศิลปะแห่งเนเธอร์แลนด์ในศตวรรษที่ 16 กำลังละทิ้งประเพณียุคกลางมากขึ้นเรื่อยๆ ซึ่งศิลปินในศตวรรษที่ผ่านมาพึ่งพาอาศัยกันอย่างมาก

ไม่ต้องสงสัยเลยว่าจุดสูงสุดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการดัตช์คือผลงานของ Pieter Bruegel the Elder ซึ่งมีชื่อเล่นว่า Peasant (1525/30-1569) เขาศึกษาที่เมืองแอนต์เวิร์ปซึ่งในศตวรรษที่ 16 ไม่เพียงแต่กลายเป็นศูนย์กลางทางการค้าและเศรษฐกิจเท่านั้น แต่ยังเป็นศูนย์กลางทางวัฒนธรรมของเนเธอร์แลนด์บดบังบรูจส์อีกด้วย บรูเกลเดินทางไปอิตาลีและใกล้ชิดกับกลุ่มปัญญาชนชาวดัตช์ที่ก้าวหน้าที่สุด ในงานยุคแรกๆ ของ Bruegel อิทธิพลของ Bosch เห็นได้ชัดเจน ("Kitchen of the Skinny", "Kitchen of the Fat" - ในการประชดที่กัดกร่อน การสังเกตอย่างกระตือรือร้น และคำตัดสินที่ชัดเจน) ชื่อของ Bruegel มีความเกี่ยวข้องกับการก่อตัวของภูมิทัศน์ขั้นสุดท้ายในการวาดภาพของชาวดัตช์ในฐานะประเภทอิสระ วิวัฒนาการของเขาในฐานะศิลปินภูมิทัศน์ (ทั้งในการวาดภาพและกราฟิก) สามารถสืบย้อนได้จากภูมิทัศน์แบบพาโนรามา โดยเก็บรายละเอียดเล็กๆ น้อยๆ เพื่อแสดงให้เห็นถึงความไม่มีที่สิ้นสุดและความยิ่งใหญ่ของโลก ไปจนถึงภูมิทัศน์ที่มีความเป็นภาพรวม กระชับ และปรัชญามากขึ้น ในความเข้าใจ “ทิวทัศน์ฤดูหนาว” จากวัฏจักร “ฤดูกาล” (อีกชื่อหนึ่งคือ “นักล่าในหิมะ” พ.ศ. 2108) ได้รับชื่อเสียงเป็นพิเศษในหมู่ลูกหลาน: ความเข้าใจอย่างลึกซึ้งเกี่ยวกับธรรมชาติ การแต่งบทเพลง และความโศกเศร้าอันเจ็บปวดที่เล็ดลอดออกมาจากเงาต้นไม้สีน้ำตาลเข้มเหล่านี้ ร่างของ นักล่าและสุนัขท่ามกลางหิมะสีขาวและเนินเขาที่ทอดยาวไปไกล ร่างเล็กๆ ของมนุษย์บนน้ำแข็งและจากนกบินที่ดูเป็นลางไม่ดีในความเงียบที่ตึงเครียดและแทบจะเห็นได้ชัดนี้

พี. บรูเกล มูชิตสกี้. ฤดูหนาว (นักล่าในหิมะ) เวียนนา, พิพิธภัณฑ์ Kunsthistorisches

ในการวาดภาพประเภทต่างๆ Bruegel มีวิวัฒนาการแบบเดียวกับการวาดภาพทิวทัศน์ ใน "การต่อสู้ของเทศกาลคาร์นิวัลและเข้าพรรษา" (1559) เขาแสดงออกถึงความใหญ่โตของโลกผ่านผู้คนหลากหลาย: จัตุรัสแห่งนี้เต็มไปด้วยมัมมี่ คนสำรวม ขอทาน และพ่อค้า ผลงานต่อมาของเขาคือ วันหยุดของหมู่บ้าน, งานแสดงสินค้า, การเต้นรำ - สร้างขึ้นจากการเลือกสิ่งสำคัญที่เข้มงวดที่สุดพร้อมสี องค์ประกอบที่ตกแต่งอย่างร่าเริง ร่าเริง เต็มไปด้วยพื้นบ้าน และร่าเริงจนติดใจเหล่านี้บ่งบอกถึงการกำเนิดของแนวเพลงชาวนาในชีวิตประจำวัน (“ การเต้นรำของชาวนา", 1565)

ในช่วงต้นทศวรรษที่ 60 Bruegel ได้สร้างผลงานที่น่าเศร้าจำนวนหนึ่งซึ่งเหนือกว่าความเพ้อฝันทั้งหมดของ Bosch ในแง่ของพลังในการแสดงออก ในภาษาเชิงเปรียบเทียบ Bruegel แสดงให้เห็นถึงโศกนาฏกรรมของชีวิตสมัยใหม่ทั่วทั้งประเทศซึ่งผู้กดขี่ชาวสเปนที่มากเกินไปได้มาถึงจุดสูงสุดแล้ว เขาหันไปสนใจเรื่องศาสนาโดยเปิดเผยเหตุการณ์เฉพาะในนั้น ดังนั้น “การสังหารหมู่ผู้บริสุทธิ์ที่เบธเลเฮม” (1566) จึงเป็นภาพการสังหารหมู่ที่ดำเนินการโดยชาวสเปนในหมู่บ้านชาวดัตช์ ทหารยังสวมชุดสเปนด้วยซ้ำ โครงเรื่องทางศาสนามีความหมายสองเท่าและกลายเป็นเรื่องน่าเศร้ามากยิ่งขึ้น ผลงานชิ้นสุดท้ายของ Bruegel คือภาพวาด "The Blind" (1568) คนพิการที่น่าสยดสยองห้าคนถึงวาระโดยโชคชะตาไม่เข้าใจว่าเกิดอะไรขึ้นกับพวกเขาจึงบินเข้าไปในหุบเขาตามผู้นำที่สะดุดล้ม มีเพียงคนเดียวเท่านั้นที่เผชิญหน้ากับผู้ชม: เบ้าตาที่ว่างเปล่าและรอยยิ้มปากร้ายกำลังมองมาที่เรา หน้ากากมนุษย์เหล่านี้ดูน่ากลัวยิ่งกว่าเมื่อมีฉากหลังเป็นภูมิทัศน์อันเงียบสงบ พร้อมด้วยโบสถ์ เนินเขารกร้าง และต้นไม้สีเขียว “คนตาบอด” มีความหมายเชิงสัญลักษณ์อย่างแน่นอน ธรรมชาติเป็นนิรันดร์ เช่นเดียวกับโลกที่เป็นนิรันดร์ และเส้นทางของคนตาบอดคือเส้นทางชีวิตของทุกคน โทนสีเทาเหล็กของภาพวาดด้วยเฉดสีม่วงช่วยเพิ่มสภาวะสิ้นหวัง นี่เป็นหนึ่งในผลงานที่ศิลปินได้แสดงทั้งโลกทัศน์ที่น่าเศร้าและจิตวิญญาณแห่งเวลาของเขา บรูเกลเสียชีวิตเร็ว แต่เขาสามารถมุ่งความสนใจไปที่งานศิลปะของเขาถึงความสำเร็จของการวาดภาพชาวดัตช์ในยุคก่อน ในทศวรรษสุดท้ายของศตวรรษที่ 16 ไม่มีศิลปินสักคนเดียวในนั้นที่เท่าเทียมกับปรมาจารย์คนนี้อีกต่อไป การต่อสู้อย่างกล้าหาญของเนเธอร์แลนด์เพื่อเอกราชซึ่งเริ่มต้นในช่วงชีวิตของบรูเกลสิ้นสุดลงในศตวรรษหน้าเท่านั้น เมื่อเนเธอร์แลนด์ถูกแบ่งออกเป็นสองส่วน และศิลปะดัตช์ตามลำดับ ออกเป็นสองโรงเรียน: เฟลมิชและดัตช์

พี. บรูเกล มูชิตสกี้. ตาบอด. เนเปิลส์, พิพิธภัณฑ์ Capodimonte

ในยุคเรอเนซองส์ของชาวดัตช์ยังมีการเคลื่อนไหวแบบอิตาลีที่เรียกว่าลัทธิโรมานิสม์ ศิลปินของขบวนการนี้ปฏิบัติตาม (ถ้าเป็นไปได้) ประเพณีของโรงเรียนโรมัน และเหนือสิ่งอื่นใดคือราฟาเอล ผลงานของปรมาจารย์เช่น J. Gossaert, P. Cook van Aalst, J. Scorell, F. Floris และคนอื่น ๆ ผสมผสานความปรารถนาในอุดมคติอย่างน่าประหลาดใจสำหรับความเป็นพลาสติกของอิตาลีที่มีความรักในรายละเอียดการเล่าเรื่องและความเป็นธรรมชาติของชาวดัตช์ล้วนๆ ตามที่กล่าวไว้อย่างถูกต้อง (V. Vlasov) มีเพียงอัจฉริยะของ Rubens เท่านั้นที่สามารถเอาชนะการเลียนแบบของนักประพันธ์ชาวดัตช์ได้ในศตวรรษที่ 17

ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ XIV-XV เยอรมนีมีความกระจัดกระจายมากกว่าช่วงก่อนๆ ซึ่งมีส่วนทำให้รากฐานของระบบศักดินายังคงอยู่ต่อไป

การพัฒนาเมืองต่างๆ ในเยอรมนีนั้นล่าช้าแม้จะสัมพันธ์กับเนเธอร์แลนด์ และยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของเยอรมันก็เป็นรูปเป็นร่างขึ้นมาเมื่อเปรียบเทียบกับเมืองอิตาลีในศตวรรษต่อมา จากตัวอย่างผลงานของศิลปินหลายคนในศตวรรษที่ 15 คุณสามารถติดตามว่ายุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเป็นรูปเป็นร่างในเยอรมนีได้อย่างไร: Konrad Witz, Michael Pacher และ Martin Schongauer องค์ประกอบการเล่าเรื่องปรากฏในภาพแท่นบูชาความปรารถนาที่จะเปิดเผยความรู้สึกของมนุษย์ในแผนการทางศาสนา (แท่นบูชาของนักบุญโวล์ฟกัง เอ็ม. ปาเชอร์ในโบสถ์เซนต์โวล์ฟกังในเมืองชื่อเดียวกัน พ.ศ. 1481) แต่ความเข้าใจเกี่ยวกับอวกาศ, การแนะนำพื้นหลังสีทอง, การกระจายตัวของภาพวาด, จังหวะที่กระสับกระส่ายของเส้นแบ่ง (“ ลมเลื่อนลอย” ตามคำพูดอันมีไหวพริบของนักวิจัยคนหนึ่ง) รวมถึงการเขียนที่พิถีพิถันจากหลัก และโดยเฉพาะอย่างยิ่ง - ทั้งหมดนี้บ่งบอกถึงการขาดความสอดคล้องในโลกทัศน์ทางศิลปะของปรมาจารย์เหล่านี้และการเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับประเพณีในยุคกลาง “ศาสนาที่ลึกซึ้งยิ่งขึ้น” (คำของ G. Wölfflin) ซึ่งนำชาวเยอรมันไปสู่การปฏิรูป มีอิทธิพลอย่างมากต่องานศิลปะ แนวคิดเรื่องความกลมกลืนและพระคุณอันศักดิ์สิทธิ์ไปทั่วโลกได้แพร่กระจายไปยังวัตถุทุกชิ้นใบหญ้าทุกใบที่ออกมาจากใต้พู่กันของศิลปิน และแม้แต่ในDürer ดังที่เราจะเห็นด้านล่างนี้ "อิตาลี" ที่สุดในบรรดาทั้งหมด จิตรกรชาวเยอรมันความปรารถนาของเขาที่จะสร้างภาพที่สวยงามในอุดมคติอยู่ร่วมกับความชอบในรายละเอียดที่เป็นธรรมชาติและการแสดงออกในรูปแบบโกธิค

ศตวรรษที่ 16 สำหรับเยอรมนีเริ่มต้นด้วยการเคลื่อนไหวอันทรงพลังของชาวนา อัศวิน และชาวเมืองที่ต่อต้านอำนาจของเจ้าชายและนิกายโรมันคาทอลิก วิทยานิพนธ์ของมาร์ติน ลูเทอร์ หัวหน้าฝ่ายปฏิรูปเยอรมันในอนาคต ซึ่งต่อต้านการขายตามใจชอบในปี 1517 “ทำให้เกิดเพลิงไหม้ราวกับสายฟ้าฟาดใส่ถังดินปืน” การเคลื่อนไหวในเยอรมนีพ่ายแพ้ในปี ค.ศ. 1525 แต่ช่วงเวลาของสงครามชาวนาเป็นช่วงเวลาของการเติบโตทางจิตวิญญาณในระดับสูงและการเบ่งบานของลัทธิมนุษยนิยมของชาวเยอรมัน วิทยาศาสตร์ทางโลก และวัฒนธรรมของเยอรมัน ผลงานของศิลปินที่สำคัญที่สุดแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาชาวเยอรมัน Albrecht Dürer (1471-1528) เกิดขึ้นพร้อมกับเวลานี้

งานของ Dürer ดูเหมือนจะผสมผสานการค้นหาของปรมาจารย์ชาวเยอรมันหลายคน เช่น การสังเกตธรรมชาติ มนุษย์ ปัญหาความสัมพันธ์ของวัตถุในอวกาศ การดำรงอยู่ของร่างมนุษย์ในภูมิประเทศ ในสภาพแวดล้อมเชิงพื้นที่ ในแง่ของความเก่งกาจ ขนาดของความสามารถ และความกว้างของการรับรู้ต่อความเป็นจริง ดูเรอร์เป็นศิลปินทั่วไปของยุคเรอเนซองส์สูง (แม้ว่าการไล่ระดับของยุคสมัยดังกล่าวจะไม่ค่อยนำไปใช้กับศิลปะของยุคเรอเนซองส์ตอนเหนือก็ตาม) เขาเป็นจิตรกร ช่างแกะสลัก นักคณิตศาสตร์ นักกายวิภาคศาสตร์ นักมองโลกทัศน์ และวิศวกร เขาเดินทางไปอิตาลีสองครั้ง ครั้งหนึ่งไปเนเธอร์แลนด์ และเดินทางไปทั่วประเทศบ้านเกิดของเขา มรดกของเขาประกอบด้วยงานขาตั้งประมาณ 80 ชิ้น งานแกะสลักมากกว่าสองร้อยชิ้น ภาพวาด ประติมากรรม และวัสดุที่เขียนด้วยลายมือมากกว่า 1,000 ชิ้น Dürerเป็นนักมนุษยนิยมที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา แต่อุดมคติของมนุษย์ของเขานั้นแตกต่างจากอุดมคติของอิตาลี ภาพระดับชาติอันลึกซึ้งของDürerเต็มไปด้วยความเข้มแข็ง แต่ยังมีข้อสงสัยซึ่งบางครั้งก็มีความคิดหนักแน่น พวกเขาขาดความกลมกลืนที่ชัดเจนของราฟาเอลหรือเลโอนาร์โด ภาษาศิลปะมีความซับซ้อนและเป็นเชิงเปรียบเทียบ

Dürer เกิดที่เมืองนูเรมเบิร์กในครอบครัวของช่างทองซึ่งเป็นครูคนแรกของเขา จากนั้นร่วมกับศิลปิน Wolgemut เขาได้ผ่านทุกขั้นตอนของงานฝีมือและการศึกษาด้านศิลปะของยุคกลางตอนปลายอย่างต่อเนื่อง ดูเรอร์ไม่มีสภาพแวดล้อมที่สร้างสรรค์เหมือนกับที่ Masaccio, Donatello, Piero della Francesca หรือ Ghirlandaio มี เขาเติบโตมาในบรรยากาศทางศิลปะที่ประเพณียุคกลางยังมีชีวิตอยู่ และศิลปะมีลักษณะที่เป็นธรรมชาติที่ไร้เดียงสา การประมวลผลรูปแบบโดยละเอียด และสีสันที่สดใส ในปี 1490 Dürerออกจาก Wolgemut และเริ่มชีวิตสร้างสรรค์ที่เป็นอิสระ เขาเดินทางไปทั่วเยอรมนีและสวิตเซอร์แลนด์บ่อยครั้ง แกะสลักทั้งบนไม้และบนทองแดง และในไม่ช้าก็กลายเป็นหนึ่งในปรมาจารย์ด้านการแกะสลักที่ใหญ่ที่สุดในยุโรป หัวข้อเรื่องความตายเป็นหัวข้อที่พบบ่อยในแผ่นกราฟิกของเขา Dürerเป็นนักปรัชญา แต่ปรัชญาของเขาปราศจากความร่าเริงและการมองโลกในแง่ดีอย่างร่าเริงของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของอิตาลี ในช่วงกลางทศวรรษที่ 90 Dürer เดินทางไปอิตาลีเป็นครั้งแรก ไปยังเวนิส และศึกษาอนุสรณ์สถานโบราณ ในบรรดาศิลปินร่วมสมัย Mantegna สร้างความประทับใจให้กับเขามากที่สุดด้วยภาพวาดที่ชัดเจน สัดส่วนที่แม่นยำ และโลกทัศน์ที่น่าเศร้าของเขา ในช่วงปลายทศวรรษที่ 90 Dürer ได้ผลิตชุดงานแกะสลักไม้ในธีมของ Apocalypse ซึ่งภาพในยุคกลางผสมผสานกับเหตุการณ์ที่ได้รับแรงบันดาลใจจากยุคปัจจุบัน หลังจากนั้นไม่นานเขาก็สร้าง "The Passion of Christ" ขนาดเล็กและขนาดใหญ่ (ตามขนาดของกระดาน) และภาพเหมือนตนเองที่งดงามหลายภาพ ดูเรอร์เป็นคนแรกในเยอรมนีที่ประสบความสำเร็จในการพัฒนาปัญหาด้านมุมมอง กายวิภาคศาสตร์ และสัดส่วน

อ. ดูเรอร์. ภาพเหมือนตนเอง มิวนิค, อัลเต้ ปินาโคเทค

ในการวาดภาพเหมือนตนเองของดูเรร์ เราจะเห็นได้ว่าจากการแก้ไขภาพเฉพาะที่แคบ (ภาพเหมือนของปี 1493) เขาไปสร้างภาพที่ครบถ้วนสมบูรณ์ยิ่งขึ้น เปี่ยมล้นไปด้วยเลือด ได้รับอิทธิพลอย่างชัดเจนจากความประทับใจของชาวอิตาลี (ค.ศ. 1498) และมาสู่ภาพที่เต็มไปด้วย ความคิดเชิงปรัชญา สติปัญญาสูง ความกระสับกระส่ายภายใน มีลักษณะเฉพาะของ กำลังคิดคนเยอรมนีจากยุคโศกนาฏกรรมแห่งประวัติศาสตร์ (ค.ศ. 1500)

ในปี 1505 Durer เดินทางไปเวนิสอีกครั้งซึ่งเขาชื่นชมสีสันของชาวเวนิส: Gianbellino, Titian, Giorgione “และสิ่งที่ฉันชอบเมื่อ 11 ปีที่แล้ว ตอนนี้ฉันไม่ชอบเลย” เขาเขียนไว้ในไดอารี่

อ. ดูเรอร์. นักบุญเจอโรมในห้องขังของเขา ทองแดงแกะสลัก

เอ็ม. กรูเนวาลด์. โกรธา ชิ้นส่วนของส่วนกลางของแท่นบูชาอิเซนไฮม์ กอลมาร์พิพิธภัณฑ์

ในภาพวาด "Feast of the Rosary" (อีกชื่อหนึ่งคือ "Madonna with the Rosary", 1506) แม้ว่าองค์ประกอบหลายร่างจะค่อนข้างล้นมือ แต่การระบายสีก็ได้รับอิทธิพลอย่างเต็มที่จากชาวเวนิส

เมื่อกลับถึงบ้าน Dürer ภายใต้อิทธิพลของศิลปะอิตาลีอย่างไม่ต้องสงสัย ได้เขียนว่า "Adam" และ "Eve" (1507) ซึ่งเขาแสดงออกถึงความเข้าใจในระดับชาติเกี่ยวกับความงามและความกลมกลืนของร่างกายมนุษย์ แต่การยึดมั่นในหลักคำสอนแบบคลาสสิกโดยตรงไม่ใช่วิถีทางของ Durer เขาโดดเด่นด้วยภาพที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวและน่าทึ่งมากกว่า

ภาพแกะสลัก Durer ที่มีชื่อเสียงที่สุดสามภาพมีอายุย้อนกลับไปในช่วงกลางทศวรรษที่ 10: “Horseman, Death and the Devil” ในปี 1513; “เซนต์. เจอโรม" และ "เศร้าโศก", 1514 (คัตเตอร์, แกะสลักทองแดง) ภาพแรกเป็นภาพของนักขี่ม้าที่กำลังเคลื่อนตัวไปข้างหน้าอย่างมั่นคง แม้ว่าความตายและปีศาจจะล่อลวงและทำให้เขาหวาดกลัวก็ตาม อย่างที่สอง - นั่งอยู่ในห้องขังที่โต๊ะและยุ่งอยู่กับงานของนักบุญ เจอโรม. เบื้องหน้ามีสิงโต คล้ายกับสิงโตตัวเก่านอนอยู่ที่นั่นมากกว่า สุนัขที่ดี- มีการเขียนงานวิจัยมากมายเกี่ยวกับการแกะสลักเหล่านี้ พวกเขาได้รับการตีความที่แตกต่างกัน: พวกเขาถูกมองว่าเป็นความพยายามที่จะสะท้อนตำแหน่งของอัศวิน นักบวช ชาวเมือง และในภาพของนักบุญ เจอโรมถูกมองว่าเป็นนักเขียนแนวมนุษยนิยม นักวิทยาศาสตร์แห่งยุคเรอเนซองส์ใหม่ การแกะสลักที่สามคือ "ความเศร้าโศก" ผู้หญิงมีปีกที่รายล้อมไปด้วยคุณลักษณะของวิทยาศาสตร์และการเล่นแร่แปรธาตุในยุคกลาง: นาฬิกาทราย เครื่องมืองานฝีมือ ตาชั่ง ระฆัง " จัตุรัสเวทย์มนตร์"ค้างคาว ฯลฯ - เต็มไปด้วยความวิตกกังวลที่มืดมนโศกนาฏกรรมความหดหู่ความไม่เชื่อในชัยชนะของเหตุผลและพลังแห่งความรู้ที่ปกคลุมไปด้วยอารมณ์ลึกลับสะท้อนถึงลักษณะอารมณ์ทั่วไปของบรรยากาศทั้งหมดที่ไม่ต้องสงสัยซึ่งบ้านเกิดของศิลปิน มีชีวิตอยู่ในช่วงก่อนการปฏิรูปและสงครามชาวนา

ในช่วงทศวรรษที่ 20 Dürerเดินทางไปทั่วเนเธอร์แลนด์ภายใต้มนต์สะกดของภาพวาดของ Jan van Eyck, Rogier van der Weyden แต่เดินตามเส้นทางของเขาเองโดยพัฒนาเฉพาะสไตล์ของเขาเองเท่านั้น ในช่วงเวลานี้ เขาวาดภาพตัวแทนของกลุ่มปัญญาชนชาวเยอรมันที่อยู่ใกล้เขามากที่สุดด้วยจิตวิญญาณ: ศิลปิน van Orley ภาพกราฟิก Erasmus of Rotterdam - ภาพเหล่านี้สื่อถึงความรู้สึกทางจิตวิทยา เรียบเรียง และกระชับในรูปแบบ ในภาษาภาพของดือเรอร์ ความแตกแยกทั้งหมด การแปรผันของสีสัน และความแข็งแกร่งเชิงเส้นหายไป ภาพถ่ายบุคคลเป็นส่วนสำคัญในการจัดองค์ประกอบภาพและรูปแบบพลาสติก จิตวิญญาณที่สูงส่งและความแข็งแกร่งที่แท้จริงของจิตวิญญาณทำให้ทุกใบหน้าแตกต่าง นี่คือวิธีที่ศิลปินผสมผสานอุดมคติเข้ากับคอนกรีตและปัจเจกบุคคล

ในปี 1526 เขาได้สร้างภาพวาดชิ้นสุดท้ายของเขา "The Four Apostles" ซึ่งเป็นขาตั้งในรูปแบบและจุดประสงค์ แต่กลับยิ่งใหญ่อย่างแท้จริงในความยิ่งใหญ่ของภาพ นักวิจัยบางคนเห็นภาพของตัวละครสี่ตัวสี่นิสัย ดูเรอร์ให้ลักษณะส่วนบุคคลที่ลึกซึ้งแก่อัครสาวกประเภทที่เป็นที่ยอมรับโดยไม่กีดกันการสังเคราะห์และลักษณะทั่วไปซึ่งเป็นหนึ่งในภารกิจของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาขั้นสูงเสมอมา งานเขียนบนกระดานสองแผ่นด้านซ้าย เบื้องหน้า Dürerเสนอชื่อ Peter ซึ่งไม่ได้รับความเคารพจากคริสตจักรคาทอลิกเป็นพิเศษ แต่เป็น John อัครสาวก-ปราชญ์ที่ใกล้ชิดกับโลกทัศน์ของDürerมากที่สุด ในอัครสาวก พระองค์ทรงประเมินความเป็นมนุษย์ทั้งหมด ด้วยอุปนิสัยที่แตกต่างกัน ทรงประกาศสติปัญญาของมนุษย์ ความสูงของจิตวิญญาณและศีลธรรม ในงานนี้ Dürer แสดงความหวังว่าอนาคตเป็นของตัวแทนที่ดีที่สุดของมนุษยชาติ นักมนุษยนิยมที่สามารถเป็นผู้นำผู้คนได้

ในฐานะตัวแทนที่แท้จริงของยุคเรอเนซองส์ เช่นเดียวกับศิลปินชาวอิตาลีหลายคน Durer ทิ้งผลงานทางทฤษฎีที่สำคัญไว้เบื้องหลัง: บทความเกี่ยวกับสัดส่วนและมุมมอง "คำแนะนำในการวัด", "หลักคำสอนเรื่องสัดส่วนของร่างกายมนุษย์", "ในการเสริมสร้างความเข้มแข็งและ การป้องกันเมือง”

Dürerเป็นปรมาจารย์แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเยอรมันที่ลึกซึ้งและสำคัญที่สุดอย่างไม่ต้องสงสัย คนที่ใกล้เคียงที่สุดในแง่ของงานและทิศทางคือ Hans Baldung Green คนที่ห่างไกลที่สุดและตรงกันข้ามคือ Matthias Grunewald (1457?-1530?) ผู้แต่ง "แท่นบูชา Isenheim" อันโด่งดัง ซึ่งประหารชีวิตราวปี 1516 สำหรับโบสถ์แห่งหนึ่งในเมืองกอลมาร์ ซึ่งเป็นผลงานที่ผสมผสานความลึกลับและความสูงส่งเข้ากับรายละเอียดที่สมจริงอย่างน่าประหลาดใจ ความประหม่าและการแสดงออกในงานของ Grunewald นั้นมีสาเหตุหลักมาจากการใช้สีที่น่าทึ่ง ซึ่งมีความหนาผิดปกติ เมื่อเปรียบเทียบกับโทนสีของ Dürer ที่ดูรุนแรง เย็นชา และมีเหตุผล ใน "คัลวารี" - ส่วนกลางของแท่นบูชา - ศิลปินวาดภาพแขนและขาที่คับแคบของพระผู้ช่วยให้รอด บาดแผลเลือดออก และความตายไหลลงบนใบหน้าของเขาอย่างเป็นธรรมชาติ ความทุกข์ทรมานของมารีย์ ยอห์น แม็กดาเลน รุนแรงจนบ้าคลั่ง สีซึ่งมีความแวววาวชวนให้นึกถึงกระจกสีแบบโกธิก หล่อหลอมคราบเสื้อผ้า เลือดไหลไปทั่วพระกายของพระคริสต์ ทำให้เกิดแสงที่ไม่จริงและลึกลับ ทำให้ร่างทั้งหมดไร้ความหมาย และทำให้อารมณ์ลึกลับรุนแรงขึ้น

Hans Holbein the Younger (1497-1543) ซึ่งมีความเกี่ยวข้องกับประเพณีในยุคกลางน้อยกว่าจิตรกรชาวเยอรมันคนอื่นๆ แทบไม่ได้มีส่วนร่วมในการวาดภาพทางศาสนาเลย ส่วนที่แข็งแกร่งที่สุดในงานของ Holbein คือภาพวาดที่วาดจากชีวิตเสมอ ตรงไปตรงมา บางครั้งก็ไร้ความปราณีในการแสดงลักษณะนิสัย มีสติเยือกเย็น แต่มีสไตล์ที่วิจิตรงดงาม สารละลายสี- ในช่วงแรกภาพบุคคลมีลักษณะเป็น "สถานการณ์" พิธีการมากกว่า (ภาพเหมือนของ Burgomaster Mayer ภาพเหมือนของภรรยาของ Burgomaster Mayer ปี 1516) ในช่วงต่อมามีการจัดองค์ประกอบที่เรียบง่ายกว่า ใบหน้าซึ่งเติมเต็มเกือบทั้งระนาบภาพนั้นมีลักษณะเย็นชาในการวิเคราะห์ Holbein ใช้เวลาปีสุดท้ายของชีวิตในอังกฤษที่ราชสำนักของ Henry VIII ซึ่งเขาเป็นจิตรกรในราชสำนักและเป็นที่ที่เขาวาดภาพเหมือนที่ดีที่สุดของเขา (ภาพเหมือนของ Thomas More, 1527; ภาพเหมือนของ Sir Morett de Saulier, 1534-1535; ภาพเหมือน ของเฮนรีที่ 8, 1536; ภาพเหมือนของเจน ซีมัวร์, 1536 ฯลฯ) ภาพวาดของ Holbein ที่ใช้สีน้ำ ถ่าน และดินสอ ถือเป็นงานฝีมือที่ยอดเยี่ยม ศิลปินกราฟิกที่ยิ่งใหญ่ที่สุดแห่งยุคเขาทำงานด้านการแกะสลักเป็นจำนวนมาก ผลงานแกะสลักไม้ชุด “The Triumph of Death” (“Dance of Death”) ของเขามีชื่อเสียงเป็นพิเศษ งานของโฮลไบน์มีความสำคัญไม่เพียงแต่สำหรับเยอรมนีเท่านั้น แต่ยังมีบทบาทอย่างมากอีกด้วย บทบาทที่สำคัญในการก่อตั้งโรงเรียนสอนวาดภาพเหมือนภาษาอังกฤษ

ผู้สืบสานประเพณีDürerที่ดีที่สุดในสาขาภูมิทัศน์คือศิลปินของโรงเรียนดานูบ Albrecht Altdorfer (1480-1538) ซึ่งเป็นปรมาจารย์ด้านโคลงสั้น ๆ ที่ละเอียดอ่อนและผิดปกติซึ่งมีภูมิทัศน์การทำงานกลายเป็นแนวเพลงอิสระ ศิลปินคนสุดท้าย Lucas Cranach ศิลปินยุคเรอเนซองส์ชาวเยอรมัน (ค.ศ. 1472-1553) มีความใกล้ชิดกับอัลท์ดอร์เฟอร์ด้วยสัมผัสแห่งธรรมชาติ ซึ่งมักปรากฏอยู่ในภาพวาดทางศาสนาของเขา Cranach ได้รับความนิยมอย่างกว้างขวางในช่วงแรก ได้รับเชิญไปยังราชสำนักของผู้มีสิทธิเลือกตั้งแห่งแซกโซนี มีการประชุมเชิงปฏิบัติการที่กว้างขวางและมีนักเรียนจำนวนมาก ซึ่งเป็นเหตุผลว่าทำไมในพิพิธภัณฑ์เล็ก ๆ ของแซกโซนีและทูรินเจีย ในพระราชวังปราสาท (Gotha, Eisenach ฯลฯ ) ทุกวันนี้มีผลงานมากมายในแวดวงของ Cranach ซึ่งไม่สามารถแยกแยะผลงานของศิลปินออกมาได้เสมอไป Lucas Cranach เขียนเกี่ยวกับหัวข้อทางศาสนาเป็นหลัก สไตล์ของเขาโดดเด่นด้วยความนุ่มนวลและการแต่งบทเพลง Madonnas ของเขาสะท้อนให้เห็นถึงความปรารถนาที่จะรวบรวมความฝันยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของบุคคลที่สวยงามในอุดมคติ แต่ในการแตกหักของร่างที่ยาวขึ้นในความเปราะบางที่เน้นย้ำในลักษณะการเขียนที่หรูหราเป็นพิเศษลักษณะของกิริยาท่าทางก็ปรากฏให้เห็นแล้วซึ่งบ่งบอกถึงการสิ้นสุดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเยอรมัน

แม้กระทั่งในช่วงสงครามร้อยปี กระบวนการก่อตั้งชาติฝรั่งเศสและการเกิดขึ้นของรัฐชาติฝรั่งเศสก็เริ่มต้นขึ้น การรวมประเทศทางการเมืองเสร็จสมบูรณ์ภายใต้พระเจ้าหลุยส์ที่ 11 เป็นหลัก ในช่วงกลางศตวรรษที่ 15 ใช้กับจุดเริ่มต้นด้วย ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาฝรั่งเศสในระยะแรกยังคงมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับศิลปะกอทิก ได้มีการแนะนำการรณรงค์ของกษัตริย์ฝรั่งเศสในอิตาลี ศิลปินชาวฝรั่งเศสด้วยศิลปะอิตาลีและตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 15 การทำลายประเพณีแบบโกธิกอย่างเด็ดขาดเริ่มต้นขึ้น ศิลปะอิตาลีได้รับการคิดใหม่โดยเกี่ยวข้องกับภารกิจประจำชาติของตนเอง ยุคเรอเนซองส์ของฝรั่งเศสมีลักษณะเฉพาะของวัฒนธรรมในราชสำนัก (ตัวละครพื้นบ้านปรากฏให้เห็นมากที่สุดในวรรณคดีเรอเนซองส์ของฝรั่งเศส โดยหลักๆ ในงานของ François Rabelais โดยมีจินตภาพที่เต็มไปด้วยเลือด ความเฉลียวฉลาดและความร่าเริงตามแบบฉบับของชาวฝรั่งเศส)

เช่นเดียวกับในศิลปะดัตช์ แนวโน้มที่เป็นจริงนั้นสังเกตได้จากหนังสือขนาดเล็กทั้งทางเทววิทยาและทางโลก ศิลปินหลักคนแรกของยุคเรอเนซองส์ฝรั่งเศสคือ Jean Fouquet (ราวปี ค.ศ. 1420-1481) จิตรกรในราชสำนักของ Charles VII และ Louis XI ทั้งในภาพวาดบุคคล (ภาพเหมือนของ Charles VII ประมาณปี 1445) และองค์ประกอบทางศาสนา (diptych จาก Melun) การเขียนอย่างระมัดระวังจะรวมกับความยิ่งใหญ่ในการตีความภาพ ความยิ่งใหญ่นี้ถูกสร้างขึ้นโดยการไล่ตามรูปแบบ ความใกล้ชิดและความสมบูรณ์ของภาพเงา ลักษณะคงที่ของท่าทาง และความพูดน้อยของสี ในความเป็นจริง Madonna of the Melun diptych ถูกทาสีด้วยสองสี - สีแดงสดและสีน้ำเงิน (แบบจำลองสำหรับเธอคือผู้เป็นที่รักของ Charles VII - ความจริงเป็นไปไม่ได้ในศิลปะยุคกลาง) ความชัดเจนขององค์ประกอบและความแม่นยำในการวาดภาพที่เหมือนกันความดังของสีเป็นลักษณะของเพชรประดับจำนวนมากโดย Fouquet (Boccaccio "ชีวิตของ J. Fouquet ภาพเหมือนของ Charles VII ชิ้นส่วน ผู้ชายที่มีชื่อเสียงและสตรี", ปารีส, พิพิธภัณฑ์ลูฟร์ ประมาณ ค.ศ. 1458) ขอบของต้นฉบับเต็มไปด้วยภาพฝูงชนร่วมสมัยของ Fouquet และภูมิทัศน์ของ Touraine บ้านเกิดของเขา

เจ. ฟูเกต์. ภาพเหมือนของพระเจ้าชาร์ลส์ที่ 7 แฟรกเมนต์ ปารีส, พิพิธภัณฑ์ลูฟร์

ขั้นตอนแรกของงานศิลปะพลาสติกยุคเรอเนซองส์ยังเกี่ยวข้องกับบ้านเกิดของ Fouquet ซึ่งก็คือเมืองตูร์อีกด้วย ลวดลายโบราณและเรอเนซองส์ปรากฏในภาพนูนของ Michel Colombe (1430/31-1512) ศิลาจารึกหลุมศพของเขามีความโดดเด่นด้วยการยอมรับความตายอย่างชาญฉลาด ซึ่งสอดคล้องกับอารมณ์ของศิลาจารึกโบราณที่เก่าแก่และคลาสสิก (หลุมฝังศพของดยุคฟรานซิสที่ 2 แห่งบริตตานีและมาร์เกอริต เดอ ฟัวซ์ ภรรยาของเขา, 1502-1507, น็องต์, มหาวิหาร)

นับตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 16 ฝรั่งเศสเป็นรัฐสมบูรณาญาสิทธิราชย์ที่ใหญ่ที่สุด ยุโรปตะวันตก- ลานภายในกลายเป็นศูนย์กลางของวัฒนธรรม โดยเฉพาะอย่างยิ่งภายใต้การนำของฟรานซิสที่ 1 ผู้เชี่ยวชาญด้านศิลปะและผู้อุปถัมภ์ของเลโอนาร์โด โดยได้รับเชิญจากน้องสาวของกษัตริย์ มาร์กาเร็ตแห่งนาวาร์ นักมารยาทชาวอิตาลี รอสโซ และปริมาติชิโอ กลายเป็นผู้ก่อตั้งโรงเรียนฟงแตนโบล (“ฟองเตนโบลคือโรมใหม่” วาซารีเขียน) ปราสาทในฟงแตนโบล ปราสาทหลายแห่งริมแม่น้ำลัวร์และแม่น้ำแชร์ (บลัวส์ ชอมฟอร์ด เชอนงโซ) การบูรณะพระราชวังลูฟวร์เก่า (สถาปนิก ปิแอร์ เลสคัต และประติมากร ฌ็อง กูฌง) เป็นหลักฐานแรกของการปลดปล่อยจากประเพณีกอทิกและการใช้งาน ของรูปแบบเรอเนซองส์ในสถาปัตยกรรม (ใช้ครั้งแรกในระบบคำสั่งโบราณของลูฟร์) และถึงแม้ว่าปราสาทบนแม่น้ำลัวร์จะยังคงมีลักษณะภายนอกคล้ายกับปราสาทในยุคกลางในรายละเอียด (คูน้ำ, ดอนจอน, สะพานชัก) แต่การตกแต่งภายในของพวกเขาเป็นแบบเรอเนซองส์แม้จะค่อนข้างมีมารยาทก็ตาม ปราสาทฟงแตนโบลที่มีภาพวาด แบบจำลองประดับ และประติมากรรมทรงกลมเป็นหลักฐานยืนยันชัยชนะของวัฒนธรรมที่มีรูปแบบแบบอิตาลี มีลักษณะแบบโบราณ และมีจิตวิญญาณแบบฝรั่งเศสล้วนๆ

เจ. คลูเอต์. ภาพเหมือนของฟรานซิสที่ 1 ปารีส พิพิธภัณฑ์ลูฟร์

ศตวรรษที่ 16 เป็นช่วงเวลาแห่งความรุ่งเรืองของการวาดภาพบุคคลชาวฝรั่งเศส ทั้งการวาดภาพและดินสอ (ดินสอของอิตาลี ร่าเริง สีน้ำ) จิตรกร Jean Clouet (ประมาณปี 1485/88-1541) ซึ่งเป็นศิลปินในราชสำนักของฟรานซิสที่ 1 ซึ่งมีผู้ติดตามรวมถึงตัวกษัตริย์เองที่เขากลายเป็นอมตะในแกลเลอรีภาพบุคคลของเขามีชื่อเสียงเป็นพิเศษในประเภทนี้ ภาพบุคคลของ Clouet มีขนาดเล็ก วาดอย่างประณีต แต่กลับให้ความรู้สึกว่ามีลักษณะและรูปแบบพิธีกรรมที่หลากหลาย ด้วยความสามารถในการสังเกตเห็นสิ่งที่สำคัญที่สุดในแบบจำลอง โดยไม่ทำให้แบบจำลองดูแย่ลงและยังคงรักษาความซับซ้อนไว้ได้ François Clouet ลูกชายของเขา (ประมาณปี 1516-1572) ซึ่งเป็นศิลปินคนสำคัญของฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 16 ได้ก้าวไปไกลกว่านั้นอีก สีของ Clouet ชวนให้นึกถึงเครื่องเคลือบอันล้ำค่าทั้งในด้านความเข้มข้นและความบริสุทธิ์ (ภาพเหมือนของเอลิซาเบธแห่งออสเตรีย ประมาณปี 1571) ด้วยความเชี่ยวชาญพิเศษของเขาในการวาดภาพบุคคลด้วยดินสอ ร่าเริง และสีน้ำ Clouet ยึดครองราชสำนักฝรั่งเศสทั้งหมดในช่วงกลางศตวรรษที่ 16 (ภาพเหมือนของเฮนรีที่ 2, แมรี สจ๊วต ฯลฯ)

ชัยชนะของโลกทัศน์ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในประติมากรรมฝรั่งเศสมีความเกี่ยวข้องกับชื่อของ Jean Goujon (ประมาณ 1510-1566/68) ซึ่งผลงานที่โด่งดังที่สุดคือภาพนูนต่ำนูนสูงของ Fountain of the Innocents ในปารีส (ส่วนสถาปัตยกรรม - Pierre Lescaut; 1547- 1549) รูปร่างที่เพรียวบาง รอยพับของเสื้อผ้าที่สะท้อนจากกระแสน้ำจากเหยือก ถูกตีความด้วยละครเพลงที่น่าทึ่ง เปี่ยมไปด้วยบทกวี ขัดเกลาและขัดเกลา และพูดน้อย และควบคุมในรูปแบบ ความรู้สึกถึงสัดส่วน ความสง่างาม ความกลมกลืน และความละเอียดอ่อนของรสนิยมต่อจากนี้ไปจะมีความเกี่ยวข้องกับศิลปะฝรั่งเศสอย่างสม่ำเสมอ

ในงานของ Germain Pilon ร่วมสมัยรุ่นน้องของ Goujon (1535-1590) แทนที่จะเป็นภาพที่สวยงามตามอุดมคติ ชัดเจนและกลมกลืน กลับกลายเป็นภาพคอนกรีตที่เหมือนจริง น่าทึ่ง และสูงส่งอย่างมืดมน (ดูป้ายหลุมศพของเขา) ความสมบูรณ์ของภาษาพลาสติกของเขาทำหน้าที่เป็นการวิเคราะห์ที่เย็นชาจนถึงจุดที่ไร้ความปราณีในการจำแนกลักษณะซึ่งอะนาล็อกของมันสามารถพบได้ใน Holbein เท่านั้น การแสดงออกของศิลปะการละครของ Pilon เป็นเรื่องปกติของยุคเรอเนซองส์ตอนปลายและบ่งบอกถึงการสิ้นสุดของยุคเรอเนซองส์ในฝรั่งเศสที่กำลังจะเกิดขึ้น

เจ. โกจอน. นางไม้. ความโล่งใจของน้ำพุแห่งความไร้เดียงสาในปารีส หิน

คุณสมบัติของภาวะวิกฤติ อุดมคติทางศิลปะการฟื้นฟูแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนโดยเฉพาะอย่างยิ่งในกิริยาท่าทางซึ่งเกิดขึ้นในตอนท้ายของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา (จาก maniera - เทคนิคหรือที่แม่นยำกว่านั้นคือ manierismo - การเสแสร้ง กิริยาท่าทาง) - การเลียนแบบที่ชัดเจนราวกับว่าสไตล์เป็นเรื่องรองแม้จะมีคุณธรรมของเทคนิคทั้งหมดก็ตาม และความซับซ้อนของรูปแบบ, การทำให้ภาพสวยงาม, การไฮเปอร์โบลาของรายละเอียดส่วนบุคคล, บางครั้งก็แสดงออกมาในชื่องานด้วยซ้ำ, เช่นใน "Madonna with a Long Neck" โดย Parmigianino, การพูดเกินจริงของความรู้สึก, การละเมิดความกลมกลืนของสัดส่วน, ความสมดุลของรูปแบบ - ความไม่ลงรอยกันการเสียรูปซึ่งในตัวมันเองนั้นต่างจากธรรมชาติของศิลปะในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของอิตาลี

ลักษณะนิสัยมักแบ่งออกเป็นช่วงต้นและวัยผู้ใหญ่ กิริยาท่าทางในยุคแรก - มีศูนย์กลางอยู่ที่เมืองฟลอเรนซ์ นี่คือผลงานของปรมาจารย์เช่น J. Pontormo, D. Rosso, A. de Volterra, G. Romano ภาพวาดของหลังใน Palazzo del Te ใน Mantua เต็มไปด้วยเอฟเฟกต์ที่ไม่คาดคิดและเกือบจะน่ากลัวการจัดองค์ประกอบมากเกินไปความสมดุลถูกรบกวนการเคลื่อนไหวที่เกินจริงและชักกระตุก - แต่ทุกอย่างเป็นเพียงการแสดงละครผิวเผินน่าสมเพชอย่างเย็นชาและไม่ได้สัมผัสหัวใจ (ดูจิตรกรรมฝาผนัง "The Death of Giants" เป็นต้น)

กิริยาท่าทางแบบผู้ใหญ่มีความสง่างาม ซับซ้อน และเป็นชนชั้นสูงมากกว่า ศูนย์กลางคือปาร์มาและโบโลญญา (Primaticcio ตั้งแต่ปี 1531 เขาเป็นหัวหน้าโรงเรียน Fontainebleau ในฝรั่งเศส) โรมและฟลอเรนซ์ (Bronzino นักเรียนของ Pontormo; D. Vasari; ประติมากรและนักอัญมณี B. Cellini) รวมถึงปาร์มา (เช่น Parmigianino ที่กล่าวถึงแล้ว Madonnas ของเขามักจะแสดงด้วยร่างกายที่ยาวและหัวเล็กด้วยนิ้วที่เปราะบางและบางมีการเคลื่อนไหวที่มีมารยาทและอวดดีมีสีเย็นชาและเย็นเสมอในภาพ)

ลัทธิมารยาทนิยมจำกัดอยู่เฉพาะในอิตาลี และแพร่กระจายไปยังสเปน เยอรมนี เนเธอร์แลนด์ ฝรั่งเศส มีอิทธิพลต่อการวาดภาพและโดยเฉพาะอย่างยิ่งศิลปะประยุกต์ ซึ่งจินตนาการที่ไร้ขีดจำกัดของนักลักษณะท่าทางพบว่ามีรากฐานที่ดีและมีกิจกรรมหลากหลาย

ปรัชญายุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

การฟื้นฟู ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา เรียกว่า ช่วงการเปลี่ยนแปลงตั้งแต่ยุคกลางจนถึงยุคใหม่ครอบคลุมหลายศตวรรษ (อิตาลี 14-16 ศตวรรษ ประเทศยุโรปอื่นๆ 15-16 ศตวรรษ) เมื่อยุคกลางในรูปแบบเศรษฐกิจ สังคม การเมือง จิตวิญญาณได้หมดสิ้นลงแล้ว และยุคใหม่ ระบบกระฎุมพียังไม่สถาปนาขึ้นเอง

นี่คือยุคของการก่อตัวของเศรษฐกิจสินค้าโภคภัณฑ์และเงินที่เรียบง่าย บทบาททางสังคมและการเมืองของเมืองที่เพิ่มขึ้น ซึ่งแรงงานช่างฝีมือที่เป็นอิสระและเป็นอิสระครอบงำ การค้าและการธนาคารเจริญรุ่งเรือง และโรงงานต่างๆ ก็ปรากฏขึ้น สถานการณ์ทางจิตวิญญาณในสังคมก็เปลี่ยนแปลงเช่นกัน วัฒนธรรมฆราวาสในเมืองกำลังอุบัติขึ้น ซึ่งบุคคลสำคัญ ไม่ว่าจะเป็นศิลปิน นักเขียน นักปรัชญา จะต้องได้รับการแก้ไขครั้งสำคัญเกี่ยวกับมุมมองทางศาสนา ศีลธรรม และสุนทรียศาสตร์แบบดั้งเดิมของยุคกลาง แต่ก็ไม่ได้แตกสลายไปอย่างสิ้นเชิง ในการค้นหาอุดมคติตัวแทนส่วนใหญ่ของวัฒนธรรมทางโลกในยุคนี้หันไปหาคุณค่าของวัฒนธรรมโบราณอย่างกว้างขวางในฐานะแหล่งทางจิตวิญญาณของโลกทัศน์ใหม่ซึ่งเป็นอิสระจากนักวิชาการในยุคกลาง

ต่างจากวัฒนธรรมยุคกลางซึ่งมุ่งตรงไปที่พระเจ้า วัฒนธรรมใหม่มุ่งตรงไปที่มนุษย์ มันขึ้นอยู่กับหลักการ มานุษยวิทยาความคิดของคนที่มีอิสระและเข้มแข็งที่ยืนยันถึงความเป็นปัจเจกและความเป็นอิสระของเขา ในเวลาเดียวกัน สิ่งนี้มักจะก่อให้เกิดความสมบูรณ์ของปัจเจกนิยมและการทำลายล้างทางศีลธรรม ความต้องการที่หลากหลายใหม่ๆ ของบุคลิกภาพของมนุษย์พบว่ามีการแสดงออกออกมา มนุษยนิยม(ละติน humanus - มนุษย์ มีมนุษยธรรม มีการศึกษา) ไม่เพียงดำรงอยู่ในฐานะโลกทัศน์เท่านั้น แต่ยังเป็นการเคลื่อนไหวทางสังคมและการเมือง การปฏิบัติทางสังคมในด้านการเมือง ศีลธรรม และด้านอื่น ๆ ของชีวิตสาธารณะ

ความขัดแย้งทั้งหมดของยุคเปลี่ยนผ่านนี้ การเปลี่ยนแปลงในชีวิตทางจิตวิญญาณของสังคมได้แสดงออกอย่างเต็มที่ในปรัชญาของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา และเหนือสิ่งอื่นใดในปรัชญาอิตาลี

แนวคิดพื้นฐานของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาอิตาลีตอนต้น

ความคิดเชิงปรัชญาของยุคเรอเนซองส์ของอิตาลีตอนต้นได้รับการพัฒนาควบคู่ไปกับลัทธินักวิชาการในยุคกลาง ด้วยการโต้เถียงกับตัวแทน นักมานุษยวิทยาชาวอิตาลีพยายามรื้อฟื้นความคิดและจิตวิญญาณของวัฒนธรรมโบราณ โดยรักษาหลักคำสอนพื้นฐานของหลักคำสอนของคริสเตียน

ในผลงานของกวีผู้ยิ่งใหญ่ผู้เป็นแรงบันดาลใจให้กับขบวนการเห็นอกเห็นใจ ดันเต้ อลิกิเอรี(1265-1321) เป็นครั้งแรกที่มีองค์ประกอบที่แตกต่างจากโลกทัศน์ในยุคกลางปรากฏขึ้น ดันเต้พยายามคิดใหม่เกี่ยวกับธรรมชาติของความสัมพันธ์ระหว่างพระเจ้ากับมนุษย์โดยไม่ปฏิเสธความเชื่อทางวิชาการ เขาเชื่อว่าพระเจ้าและมนุษย์มีความสามัคคีกัน พระเจ้าไม่สามารถต่อต้านความคิดสร้างสรรค์ของมนุษย์ได้ การดำรงอยู่ของมนุษย์ได้รับการกำหนดเงื่อนไขโดยพระเจ้า อีกด้านหนึ่งเป็นไปตามธรรมชาติ ดันเต้เน้นย้ำอยู่ตลอดเวลาว่ามนุษย์เป็นผลผลิตจากการตระหนักรู้ถึงความสามารถแห่งจิตใจของเขาเอง ซึ่งรับรู้ได้จากกิจกรรมภาคปฏิบัติของเขา

ผู้ก่อตั้งขบวนการเห็นอกเห็นใจ กวี และนักคิด ฟรานเชสโก เปตราร์ก้า(ค.ศ.1304-1374) ถือว่าภารกิจหลักคือการพัฒนา “ศิลปะการดำรงชีวิต” จากมุมมองของ Petrarch บุคคลมีสิทธิที่จะมีความสุขในชีวิตบนโลกจริง และไม่เพียงแต่ในโลกอื่นเท่านั้น ตามที่หลักคำสอนทางศาสนาอ้าง จากแนวคิดทางจริยธรรมของลัทธิสโตอิกนิยม Petrarch เน้นย้ำถึงศักดิ์ศรีของมนุษย์ ความเป็นเอกลักษณ์ของโลกภายในของมนุษย์ด้วยความหวัง ประสบการณ์ และความวิตกกังวลของเขา ในเวลาเดียวกัน แนวโน้มปัจเจกชนที่เป็นลักษณะเฉพาะของปรัชญาของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาก็พบว่ามีอยู่ในงานของ Petrarch เขาเชื่อว่าการปรับปรุงตนเองจะเป็นไปได้ก็ต่อเมื่อแยกตัวออกจาก "กลุ่มคนโง่เขลา" เฉพาะในกรณีนี้เท่านั้นในการต่อสู้ของบุคคลด้วย ความสนใจของคุณเองและการเผชิญหน้ากับโลกภายนอกอย่างต่อเนื่อง บุคลิกภาพที่สร้างสรรค์สามารถบรรลุถึงความเป็นอิสระอย่างสมบูรณ์ ควบคุมตนเอง และความอุ่นใจได้

จิตรกรรมฝาผนังของมาซาชโชเรื่อง "ปาฏิหาริย์แห่งสเตเตอร์": มุมมองตรงที่ค้นพบโดยบรูนเนเลสกี เชื่อกันว่าจะใช้ที่นี่เป็นครั้งแรก

ทำไมต้องอิตาลี? ใช่ เพราะนั่นคือจุดเริ่มต้นทั้งหมด นี่คือที่มาของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยายุโรปทั้งหมด (รัสเซีย "พลาด" ยุคนี้ด้วยการเชื่อมต่อกับแฟชั่นยุโรป เริ่มจาก Peter I เท่านั้น) เป็นยุคเรอเนซองส์ของอิตาลีที่ทำให้โลกมีกาแล็กซี่อัจฉริยะ และกับอิตาลีในศตวรรษที่ 14 - 16 ที่เราเชื่อมโยงแนวคิดนี้ ของ “ศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา”

เลโอนาร์โด ดา วินชี (ภาพเหมือนตนเอง) และ "วิทรูเวียนแมน" ของเขา ตามที่เลโอนาร์โดกล่าวไว้ สัดส่วนของร่างกายมนุษย์นั้นเหมาะสมที่สุด และเพื่อสร้างอาคารที่กลมกลืนกัน คุณจำเป็นต้องใช้ความรู้เกี่ยวกับสัดส่วนเหล่านี้

มันเป็นช่วงเวลาแห่งความเจริญรุ่งเรืองทางวัฒนธรรมที่ไม่ธรรมดา แต่อะไรทำให้เกิดแรงผลักดันอันทรงพลังเช่นนี้? ยุคเรอเนซองส์ที่มีชีวิตชีวาเกิดขึ้นจากสุนทรียศาสตร์อันศักดิ์สิทธิ์ในยุคกลางได้อย่างไร?

ประวัติศาสตร์จะช่วยคุณค้นหาคำตอบ นั่นคือ ประวัติศาสตร์ของรัฐไบแซนไทน์ ก่อตั้งในปีคริสตศักราช 395 หลังจากการแตกแยกครั้งสุดท้ายของจักรวรรดิโรมัน ในไม่ช้าจักรวรรดิโรมันซึ่งถูกทรมานจากการจู่โจมของอนารยชนก็หยุดดำรงอยู่และไบแซนเทียมก็แข็งแกร่งขึ้นและกลายเป็นอาณาจักรที่ทรงพลัง - ทายาทของวัฒนธรรมโบราณ (กรีก) เหนือสิ่งอื่นใด มันเป็นรัฐที่ร่ำรวยมากและบน "ฐาน" นี้ "โครงสร้างพื้นฐาน" ทางวัฒนธรรมก็พัฒนาได้ดี มันมีมานานหลายศตวรรษ แต่ในศตวรรษที่ 12 มันเริ่มสูญเสียที่ดินในปี 1204 มันรอดชีวิตจากการยึดกรุงคอนสแตนติโนเปิลโดยพวกครูเสดและในที่สุดมันก็ตกอยู่ภายใต้การโจมตีของจักรวรรดิออตโตมันในศตวรรษที่ 14

เมื่อรวมกับสมบัติ งานศิลปะ และห้องสมุดที่พวกครูเสดปล้นไป วัฒนธรรมไบแซนไทน์ซึ่งเป็นทายาทโดยตรงของสมัยโบราณก็ถูก "ส่งออก" ไปยัง "ละติน" ซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของคาทอลิกของยุโรป ผู้ที่หลบหนีจากผู้พิชิตพาหะของวัฒนธรรมนี้ซึ่งเป็นคนที่มีการศึกษามากที่สุดในยุคนั้นมาที่คาบสมุทร Apennine ต้องขอบคุณพวกเขาที่ทำให้โบราณวัตถุกลายเป็นแฟชั่นที่ทันสมัยอย่างไม่น่าเชื่อ และเนื่องจากมีตัวอย่างสถาปัตยกรรมโรมันโบราณจำนวนมากที่ได้รับการอนุรักษ์ไว้ในอิตาลี เขาจึงอยู่ที่นี่ - ตัวอย่างที่น่าติดตาม!

อุดมคตินั้นพบเห็นได้ในสมัยโบราณซึ่งมีสัดส่วนที่กลมกลืนกันและมีความสมมาตร พวกเขาทำซ้ำในเวอร์ชันโรมันดั้งเดิมที่ค่อนข้างครุ่นคิด ดังนั้นปราสาทของชนชั้นสูงจึงดูรุนแรง - แต่พวกเขาก็รวบรวมแนวคิดเรื่องพลังและพลังได้อย่างไร้ที่ติ “ตัวแทน” โดยทั่วไปของสไตล์นี้คือ Palazzo Pitti และ Palazzo Rucellai

Palazzo Rucellai ออกแบบโดย Leon Battista Alberti (1402-1472) ถือเป็นนวัตกรรมในยุคนั้น ด้านหน้าอาคารที่ “แตกหัก” จากการขึ้นสนิมและเสาหลักที่ชัดเจน ไม่เคยถูกนำมาใช้มาก่อน

หน้าต่างได้รับการออกแบบเหมือนประตูเล็ก ๆ โดยมี "อาร์เคด" ของตัวเองและ "เพดาน" รองรับด้วยเสา การแกะสลักหินผสมผสานกับการตกแต่งปูนปั้นอย่างพิถีพิถัน: สิงโตบนแขนเสื้อ, ริบบิ้นเหนือแขนเสื้อ, เมืองหลวงของคำสั่งผสม, ลวดลายผ้าสักหลาดที่หรูหรา

พระราชวังทั่วไปในสมัยนั้นเป็นรูปสี่เหลี่ยมผืนผ้าในแผน (ในบทความในบล็อกของเรา เรานึกถึง Andrea Palladio ผู้ก่อตั้งลัทธิคลาสสิก ดังนั้น สถาปนิกผู้มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวนี้จึงอาศัยอยู่ในยุคเรอเนซองส์ก่อนวัยอันควร)

ตอนนั้นเองที่สไตล์โกธิคถูกเรียกว่า "โกธิค" นั่นคือ "ป่าเถื่อน" และในที่สุดพวกเขาก็หันเหไปจากมัน ไม่เพียงแต่ขุนนางเท่านั้น แม้แต่พระสันตะปาปายังต้องการให้อาสนวิหารที่สำคัญที่สุดและที่ประทับของสมเด็จพระสันตะปาปาถูกสร้างขึ้นและตกแต่งอย่างหรูหราในรูปแบบใหม่ การแกะสลักหิน, ปูนปั้นปูนปลาสเตอร์, ประติมากรรม, ภาพวาด - ทั้งหมดนี้รวมอยู่ในคลังแสงของรูปแบบใหม่

โดมของอาสนวิหารเซนต์. ปีเตอร์อยู่ในวาติกัน โดมถูกสร้างขึ้นตามการออกแบบของไมเคิลแองเจโล Bramante (ผู้เริ่มก่อสร้าง), Raphael, Michelangelo และ Bernini ปรมาจารย์แห่งยุคบาโรกในเวลาต่อมา ได้มีส่วนร่วมในการก่อสร้างและตกแต่งอาคารหลังใหญ่โตแห่งนี้

อย่างไรก็ตามคริสตจักรได้กลายเป็นหนึ่งในลูกค้าที่มีอิทธิพลและร่ำรวยที่สุดซึ่งต้องขอบคุณสถาปัตยกรรมชิ้นเอกเช่นมหาวิหารเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในปัจจุบัน ปีเตอร์และวิหารเทมปิเอโต (ในโรม) ชุดของจัตุรัสแคปิตอล อาสนวิหารฟลอเรนซ์ (เช่นเดียวกับผลงานจิตรกรรมชิ้นเอก เช่น จิตรกรรมฝาผนังอันโด่งดังของเลโอนาร์โด ดา วินชี “The Last Supper” ในโบสถ์ซานตามาเรียเดลเลกราเซียในมิลาน และภาพวาดของไมเคิลแองเจโลในโบสถ์ซิสทีน)

อาสนวิหารเซนต์. เภตรา

ประติมากรรมบนด้านหน้าของอาสนวิหารเซนต์. เภตรา

ภายในโบสถ์ซิสทีนพร้อมภาพวาดของไมเคิลแองเจโล

รายละเอียดภาพวาดบนเพดานโบสถ์น้อยซิสทีน

จัตุรัส Capitoline ในกรุงโรมเป็นผลงานที่โดดเด่นอีกชิ้นหนึ่งของ Michelangelo

"เดวิด" โดย Michelangelo

มีเกลันเจโล บูโอนารอตติ (1475-1564)

"พระกระยาหารมื้อสุดท้าย", เลโอนาร์โด ดา วินชี. ปูนเปียกในโบสถ์ซานตามาเรียเดลเลกราซี (มิลาน)

เลโอนาร์โด ดา วินชี

โบสถ์ซานตามาเรีย เดลเล กราเซีย (มิลาน) แท่นบูชาที่ออกแบบโดยบรามันเต

Donato Bramante (1444-1514) เป็นหนึ่งในสถาปนิกที่สำคัญที่สุดในยุคเรอเนซองส์ของอิตาลี โดยเฉพาะอย่างยิ่งเขาคือผู้ที่เริ่มสร้างอาสนวิหารเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก เปตราฟ โรม. เขาทำงานในมิลานมา 20 ปี ที่นั่นเขาได้พบกับเลโอนาร์โด ดาวินชี ซึ่งแนวคิดการวางผังเมืองมีอิทธิพลอย่างมากต่อเขา

Tempieto (1502) ถือเป็นผลงานชิ้นเอกของ Bramante อย่างถูกต้อง

Palazzo Cancelleria (ออกแบบโดย Bramante)

นอกจากสถาปัตยกรรมแล้ว การตกแต่งภายในยังเปลี่ยนไปอีกด้วย ศิลปะการตกแต่งปูนปั้นและเทคโนโลยีในการปั้นปูนปั้นนั้นได้รับการพัฒนาในการตกแต่งภายในของโรมัน ซึ่งสืบทอดมาจากการตกแต่งภายในของยุคเรอเนซองส์ คอลัมน์ของคำสั่งทัสคานีที่พูดน้อยและหยาบรวมถึงรูปแบบโครินเธียนอันเขียวชอุ่มและรูปแบบคอมโพสิตถูกยืมมาจากคลังแสงของโรมโบราณ (พวกเขาสวมมงกุฎด้วยปูนปั้นปูนปลาสเตอร์แฟนซีชวนให้นึกถึงระยะห่างของตะกร้าที่มีดอกไม้เต็มแขน) เพดานยังใช้ปูนปั้นยิปซั่มโดยแบ่งเป็นสี่เหลี่ยมนูน ด้านบนทาสีและปิดทองทั้งหมด ช่างฝีมือ "จำ" เทคโนโลยีโรมันของ "ปูนปั้น" - สร้างปูนปั้นด้วยเศษหินอ่อนที่เลียนแบบหินอ่อน

พิพิธภัณฑ์วาติกัน โดยทั่วไปแล้วการตกแต่งภายในของพิพิธภัณฑ์จะเป็นยุคเรอเนซองส์: มีกระเบื้องโมเสกฟลอเรนซ์บนพื้น ปูนปั้นปูนปลาสเตอร์ปิดทองและทาสีบนเพดาน การตกแต่งปูนปั้นบนผนัง ซึ่งแยกไม่ออกจากหินอ่อน และประติมากรรมโบราณมากมาย

ภายในอาสนวิหารเซนต์. เภตรา

ปูนปั้นและปูนปลาสเตอร์ในการตกแต่งเสา (Palazzo Rucellai)

ขึ้นอยู่กับเครื่องประดับโรมันโบราณแบบดั้งเดิม - คลื่นกรีกเก๋ไก๋ ใบอะแคนทัส โลมา ปลาและเปลือกหอย - และเถาวัลย์ไบแซนไทน์ ปรมาจารย์ยุคเรอเนซองส์สร้างสไตล์ของตนเองโดยโดดเด่นด้วยอิสระในการสร้างสรรค์อันยิ่งใหญ่ หน้ากาก หัวสิงโต ลอนหญ้า ใบไม้ รวมกันเป็นลายเดียว เครื่องประดับในยุคเรอเนซองส์ผสมผสานระหว่างจินตนาการและความจริงจัง และที่สำคัญที่สุดคือพวกเขามีพลังอันน่าทึ่งที่โลกยุคโบราณสามารถถ่ายทอดไปสู่ยุคเรอเนซองส์ได้

เครื่องประดับผ้าสักหลาดของ Palazzo Ruccellai

สำหรับเฟอร์นิเจอร์นั้นส่วนหนึ่งยังคงรักษาประเพณีของยุคกลางไว้ - หีบขนาดใหญ่ (ซึ่งตู้เตี้ยของอิตาลี - credenza จะ "เติบโตในภายหลัง") เก้าอี้หยาบโต๊ะหนัก แต่ในทางกลับกัน ในเวลานี้ ตู้ดูเหมือนพระราชวังขนาดเล็กและการประดิษฐ์ไม้อัดทำให้สามารถตกแต่งพื้นผิวของเฟอร์นิเจอร์ด้วยการประดับมุกได้ - หรูหราราวกับผนังและเพดานที่ตกแต่งอย่างงดงามด้วยปูนปั้นปูนปลาสเตอร์ ปรมาจารย์ในยุคนั้นได้สร้าง "ระบบแห่งการละเว้น" ในการตกแต่งภายใน โดยใช้ลวดลายตกแต่งที่คล้ายกันในเฟอร์นิเจอร์ การตกแต่งผนัง และผ้า ซ้ำและหลากหลาย ทำให้พื้นที่ดูกลมกลืนกันมาก

Credenza ในสไตล์เรอเนซองส์ งานสมัยใหม่(โรงงานมาสเชโรนี) ทำไมไม่พาลาซโซ่ล่ะ?

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของอิตาลี

วัฒนธรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยามีต้นกำเนิดในอิตาลี ตามลำดับเวลายุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของอิตาลีมักจะแบ่งออกเป็น 4 ขั้นตอน: ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาดั้งเดิม (ก่อนยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา) - ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 13-14; ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาต้น - ศตวรรษที่ 15; ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง - ปลายศตวรรษที่ 15 - สามแรกของศตวรรษที่ 16 ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาภายหลัง - ปลายศตวรรษที่ 16

ยุคโปรโตเรอเนซองส์เป็นการเตรียมการสำหรับยุคเรอเนซองส์ มีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับยุคกลาง กับประเพณีโรมาเนสก์ กอทิก และไบแซนไทน์ และแม้แต่ในผลงานของศิลปินที่มีนวัตกรรม มันไม่ง่ายเลยที่จะขีดเส้นแบ่งที่ชัดเจนระหว่างสิ่งเก่ากับสิ่งใหม่ จุดเริ่มต้นของยุคใหม่มีความเกี่ยวข้องกับชื่อของ Giotto di Bondone (1266 - 1337) ศิลปินยุคเรอเนซองส์ถือว่าเขาเป็นนักปฏิรูปการวาดภาพ Giotto สรุปเส้นทางการพัฒนาที่เกิดขึ้น: การเพิ่มขึ้นของแง่มุมที่สมจริง, การเติมรูปแบบทางศาสนาด้วยเนื้อหาทางโลก, การเปลี่ยนอย่างค่อยเป็นค่อยไปจากภาพแบนไปเป็นสามมิติและภาพนูน

ปรมาจารย์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้น - F. Brunelleschi (1377-1446), Donatello (1386-1466), Verrocchio (1436-1488), Masaccio (1401-1428), Mantegna (1431-1506), S. Botticelli (1444) -1510) . ภาพวาดในยุคนี้สร้างความประทับใจทางประติมากรรม โดยภาพร่างของศิลปินมีลักษณะคล้ายกับรูปปั้น และนี่ไม่ใช่เรื่องบังเอิญ ปรมาจารย์แห่งยุคเรอเนซองส์ตอนต้นพยายามฟื้นฟูความเป็นกลางของโลก ซึ่งเกือบจะหายไปจากการวาดภาพในยุคกลาง โดยเน้นที่ปริมาตร ความปั้น และความชัดเจนของรูปแบบ ปัญหาเรื่องสีคลี่คลายลงสู่พื้นหลัง ศิลปินแห่งศตวรรษที่ 15 ค้นพบกฎแห่งมุมมองและสร้างองค์ประกอบที่ซับซ้อนหลายรูปแบบ อย่างไรก็ตาม สิ่งเหล่านี้จำกัดอยู่ที่เปอร์สเป็คทีฟเชิงเส้นเป็นหลัก และแทบจะไม่สังเกตเห็นสภาพแวดล้อมทางอากาศเลย และภูมิหลังทางสถาปัตยกรรมในภาพวาดของพวกเขาค่อนข้างคล้ายกับภาพวาด

ในยุคเรอเนซองส์สูง เรขาคณิตที่มีอยู่ในยุคเรอเนซองส์ตอนต้นไม่ได้สิ้นสุด แต่ยังลึกซึ้งยิ่งขึ้นอีกด้วย แต่มีการเพิ่มสิ่งใหม่เข้าไป: จิตวิญญาณ, จิตวิทยา, ความปรารถนาที่จะถ่ายทอดโลกภายในของบุคคล, ความรู้สึก, อารมณ์, สถานะ, ตัวละคร, อารมณ์ มุมมองทางอากาศกำลังได้รับการพัฒนา ความสำคัญของรูปแบบนั้นไม่เพียงเกิดขึ้นจากปริมาตรและความเป็นพลาสติกเท่านั้น แต่ยังได้รับจาก Chiaroscuro ด้วย ศิลปะแห่งยุคเรอเนซองส์ขั้นสูงแสดงออกมาอย่างเต็มที่โดยศิลปินสามคน ได้แก่ Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo พวกเขาแสดงถึงค่านิยมหลักของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของอิตาลี: ความฉลาดความสามัคคีและพลัง

คำว่ายุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลายมักจะใช้กับยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเวนิส มีเพียงเวนิสในช่วงเวลานี้ (ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 16) เท่านั้นที่ยังคงเป็นอิสระ ส่วนที่เหลือของอาณาเขตของอิตาลีสูญเสียเอกราชทางการเมือง การฟื้นฟูเวนิสมีลักษณะเป็นของตัวเอง เธอมีความสนใจเพียงเล็กน้อยในการวิจัยทางวิทยาศาสตร์และการขุดค้นโบราณวัตถุโบราณ ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยามีต้นกำเนิดอื่น เวนิสรักษาความสัมพันธ์ทางการค้าอย่างใกล้ชิดกับไบแซนเทียม อาหรับตะวันออก และมีการค้าขายกับอินเดียมายาวนาน หลังจากปรับปรุงประเพณีแบบโกธิกและตะวันออก เวนิสได้พัฒนารูปแบบพิเศษของตัวเอง ซึ่งโดดเด่นด้วยภาพวาดที่มีสีสันและโรแมนติก สำหรับชาวเวนิส ปัญหาเรื่องสีเป็นปัญหาสำคัญ ความสำคัญของภาพเกิดขึ้นได้จากการไล่สี ใหญ่ที่สุด ปรมาจารย์ชาวเมืองเวนิสยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูงและตอนปลาย ได้แก่ Giorgione (1477-1510), Titian (1477-1576), Veronese (1528-1588), Tintoretto (1518-1594)

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาภาคเหนือ

มันมีบุคลิกที่แปลกประหลาด ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาภาคเหนือ(เยอรมนี, เนเธอร์แลนด์, ฝรั่งเศส) ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาภาคเหนือล้าหลังชาวอิตาลีไปตลอดทั้งศตวรรษและเริ่มต้นเมื่ออิตาลีเข้าสู่ขั้นตอนสูงสุดของการพัฒนา ในศิลปะของยุคเรอเนซองส์ตอนเหนือนั้น มีโลกทัศน์ในยุคกลาง ความรู้สึกทางศาสนา สัญลักษณ์นิยมมากกว่า เป็นรูปแบบที่ธรรมดากว่า เก่าแก่กว่า และคุ้นเคยกับสมัยโบราณน้อยกว่า

พื้นฐานทางปรัชญาของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาภาคเหนือคือลัทธิแพนเทวนิยม ลัทธิแพนเทวนิยม ละลายพระองค์ในธรรมชาติโดยไม่ปฏิเสธโดยตรง และทำให้ธรรมชาติมีคุณลักษณะอันศักดิ์สิทธิ์ เช่น ความเป็นนิรันดร์ ความไม่มีที่สิ้นสุด และความไร้ขีดจำกัด เนื่องจากผู้เชื่อในพระเจ้าเชื่อว่าในทุกอนุภาคของโลกมีอนุภาคของพระเจ้า พวกเขาจึงสรุปว่า: ธรรมชาติทุกชิ้นมีค่าควรแก่การสร้างภาพลักษณ์ แนวคิดดังกล่าวนำไปสู่การเกิดขึ้นของภูมิทัศน์ในฐานะแนวเพลงอิสระ ศิลปินชาวเยอรมัน - ผู้เชี่ยวชาญด้านภูมิทัศน์ A. Dürer, A. Altdorfer, L. Cranach พรรณนาถึงความสง่างามพลังความงามของธรรมชาติถ่ายทอดจิตวิญญาณของมัน

ประเภทที่สองที่พัฒนาในศิลปะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาภาคเหนือคือ ภาพเหมือน.ภาพเหมือนอิสระที่ไม่เกี่ยวข้องกับลัทธิทางศาสนา เกิดขึ้นในเยอรมนีในช่วงสามช่วงสุดท้ายของศตวรรษที่ 15 ยุคของDürer (1490-1530) เป็นยุครุ่งเรืองอันน่าทึ่งของเขา ควรสังเกตว่าการวาดภาพเหมือนของชาวเยอรมันแตกต่างจากการวาดภาพเหมือนของเรอเนซองส์ของอิตาลี ศิลปินชาวอิตาลีที่ชื่นชมมนุษย์ได้สร้างสรรค์อุดมคติแห่งความงามขึ้นมา ศิลปินชาวเยอรมันไม่แยแสกับความงามสำหรับพวกเขาสิ่งสำคัญคือการถ่ายทอดลักษณะนิสัยเพื่อให้บรรลุถึงการแสดงออกทางอารมณ์ของภาพซึ่งบางครั้งก็ส่งผลเสียต่ออุดมคติไปสู่ความเสียหายต่อความงาม บางทีนี่อาจเผยให้เห็นเสียงสะท้อนของ "สุนทรียภาพแห่งความน่าเกลียด" ตามแบบฉบับของยุคกลาง ซึ่งความงามทางจิตวิญญาณอาจถูกซ่อนอยู่ในรูปลักษณ์ที่น่าเกลียด ในยุคเรอเนซองส์ของอิตาลี ด้านสุนทรีย์มาถึงเบื้องหน้าทางตอนเหนือ - ด้านจริยธรรม ปรมาจารย์ด้านการวาดภาพบุคคลที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในเยอรมนี ได้แก่ A. Durer, G. Holbein Jr. ในเนเธอร์แลนด์ - Jan van Eyck, Rogier van der Weyden ในฝรั่งเศส - J. Fouquet, J. Clouet, F. Clouet

ประเภทที่สามซึ่งเกิดขึ้นและพัฒนาในเนเธอร์แลนด์เป็นหลักคือการวาดภาพในชีวิตประจำวัน ปรมาจารย์ด้านการวาดภาพประเภทที่ยิ่งใหญ่ที่สุดคือ Pieter Bruegel the Elder เขาวาดภาพฉากที่แท้จริงจากชีวิตชาวนา และวางเรื่องราวในพระคัมภีร์ไว้ในชนบทของเนเธอร์แลนด์ในขณะนั้น ศิลปินชาวดัตช์มีความโดดเด่นด้วยความสามารถในการเขียนที่ไม่ธรรมดา โดยที่รายละเอียดเล็กๆ น้อยๆ ทั้งหมดได้รับการถ่ายทอดออกมาด้วยความเอาใจใส่อย่างที่สุด ภาพดังกล่าวเป็นที่น่าสนใจมากสำหรับผู้ชม: ยิ่งคุณมองมันมากเท่าไรคุณก็จะพบสิ่งที่น่าสนใจมากขึ้นเท่านั้น

การให้คำอธิบายเปรียบเทียบระหว่างยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของอิตาลีและภาคเหนือควรเน้นความแตกต่างที่สำคัญอีกประการหนึ่งระหว่างพวกเขา ยุคเรอเนซองส์ของอิตาลีมีลักษณะพิเศษคือความปรารถนาที่จะฟื้นฟูวัฒนธรรมโบราณ ความปรารถนาในการปลดปล่อย การปลดปล่อยจากความเชื่อของคริสตจักร และการศึกษาทางโลก ในยุคเรอเนซองส์ตอนเหนือ สถานที่สำคัญถูกครอบครองโดยประเด็นการปรับปรุงศาสนา การต่ออายุคริสตจักรคาทอลิก และคำสอน มนุษยนิยมภาคเหนือนำไปสู่การปฏิรูปและโปรเตสแตนต์

ศาสตร์

การพัฒนาความรู้ในศตวรรษที่ 14-16 มีอิทธิพลอย่างมากต่อความคิดของผู้คนเกี่ยวกับโลกและสถานที่ของมนุษย์ในโลก การค้นพบทางภูมิศาสตร์ครั้งยิ่งใหญ่ ระบบเฮลิโอเซนทริคของโลก นิโคเลาส์ โคเปอร์นิคัส ได้เปลี่ยนความคิดเกี่ยวกับขนาดของโลกและสถานที่ของมันในจักรวาล และผลงานของพาราเซลซัสและเวซาเลียส ซึ่งเป็นครั้งแรกนับตั้งแต่มีความพยายามในสมัยโบราณที่จะ ศึกษาโครงสร้างของมนุษย์และกระบวนการที่เกิดขึ้นในตัวเขาและวางรากฐาน ยาวิทยาศาสตร์และกายวิภาคศาสตร์

การเปลี่ยนแปลงที่สำคัญยังเกิดขึ้นในสังคมศาสตร์ด้วย ในงานของ Jean Bodin และ Niccolò Machiavelli กระบวนการทางประวัติศาสตร์และการเมืองเกิดขึ้นเป็นครั้งแรกอันเป็นผลมาจากปฏิสัมพันธ์ของกลุ่มคนต่างๆ และความสนใจของพวกเขา ในเวลาเดียวกัน มีการพยายามที่จะพัฒนาโครงสร้างทางสังคมที่ "อุดมคติ": "Utopia" โดย Thomas More, "City of the Sun" โดย Tommaso Campanella ต้องขอบคุณความสนใจในเรื่องโบราณวัตถุ ทำให้ตำราโบราณจำนวนมากได้รับการฟื้นฟู [ ไม่ระบุแหล่งที่มา 522 วัน] นักมานุษยวิทยาจำนวนมากศึกษาภาษาละตินคลาสสิกและกรีกโบราณ

โดยทั่วไปแล้วเวทย์มนต์ที่นับถือพระเจ้าในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาที่แพร่หลายในยุคนี้สร้างภูมิหลังทางอุดมการณ์ที่ไม่เอื้ออำนวยสำหรับการพัฒนาความรู้ทางวิทยาศาสตร์ การก่อตัวขั้นสุดท้ายของวิธีการทางวิทยาศาสตร์และการปฏิวัติทางวิทยาศาสตร์ที่ตามมาของศตวรรษที่ 17 เกี่ยวข้องกับขบวนการปฏิรูปที่ต่อต้านยุคเรอเนซองส์