วงดนตรีแจ๊สกลุ่มแรก ภาพร่างของสเปน

การทำความเข้าใจว่าใครเป็นใครในดนตรีแจ๊สไม่ใช่เรื่องง่าย ทิศทางนี้ประสบความสำเร็จในเชิงพาณิชย์ดังนั้นพวกเขาจึงมักจะตะโกนเกี่ยวกับ "คอนเสิร์ตเดียวของ Vasya Pupkin ในตำนาน" จากรอยแตกทั้งหมดและบุคคลสำคัญจริงๆก็เข้าไปในเงามืด ภายใต้แรงกดดันของผู้ชนะรางวัลแกรมมี่และโฆษณาจากวิทยุ Jazz เป็นเรื่องง่ายที่จะสูญเสียทิศทางและยังคงไม่แยแสกับสไตล์ หากคุณต้องการเรียนรู้ที่จะเข้าใจดนตรีประเภทนี้และอาจรักดนตรีประเภทนี้ด้วย ให้เรียนรู้กฎที่สำคัญที่สุด: อย่าไว้ใจใครเลย

เราจะต้องตัดสินเกี่ยวกับปรากฏการณ์ใหม่ๆ ด้วยความระมัดระวัง หรือเหมือนกับ Hugues Panasier นักดนตรีชื่อดังที่วาดเส้นและสร้างแบรนด์ดนตรีแจ๊สทั้งหมดหลังยุค 50 โดยเรียกมันว่า "ไม่จริง" ในที่สุด เขาได้รับการพิสูจน์แล้วว่าคิดผิด แต่สิ่งนี้ไม่ได้ส่งผลกระทบต่อความนิยมในหนังสือของเขา The History of Authentic Jazz

เป็นการดีกว่าที่จะปฏิบัติต่อปรากฏการณ์ใหม่ด้วยความสงสัยอย่างเงียบ ๆ ดังนั้นคุณจะผ่านไปได้ในฐานะหนึ่งในพวกเราเองอย่างแน่นอน: การหัวสูงและการยึดติดกับสิ่งเก่าเป็นหนึ่งในลักษณะที่โดดเด่นที่สุดของวัฒนธรรมย่อย

เมื่อพูดถึงดนตรีแจ๊ส มักจะนึกถึง Louis Armstrong และ Ella Fitzgerald ดูเหมือนว่าคุณจะไม่ผิดที่นี่ แต่คำพูดดังกล่าวเผยให้เห็นนักบวช สิ่งเหล่านี้คือบุคคลสำคัญ และหากยังสามารถพูดถึงฟิตซ์เจอรัลด์ได้ในบริบทที่เหมาะสม อาร์มสตรองก็คือชาร์ลี แชปลินแห่งดนตรีแจ๊ส คุณจะไม่ไปพูดคุยกับคอหนังแนวอาร์ตเฮาส์เกี่ยวกับชาร์ลี แชปลินใช่ไหม? และถ้าคุณทำ อย่างน้อยก็ไม่ใช่ตั้งแต่แรก การกล่าวถึงชื่ออันโด่งดังทั้งสองนั้นเป็นไปได้ในบางกรณี แต่หากคุณไม่มีอะไรในกระเป๋านอกจากเอซทั้งสองนี้ ให้ยึดมั่นไว้และรอสถานการณ์ที่ถูกต้อง

ในหลายทิศทางมีปรากฏการณ์ที่ทันสมัยและไม่ทันสมัยมากนัก แต่โดยส่วนใหญ่ ในระดับที่มากขึ้นนี่เป็นเรื่องปกติของดนตรีแจ๊ส ฮิปสเตอร์วัยผู้ใหญ่ที่คุ้นเคยกับการค้นหาของหายากและแปลก ๆ จะไม่เข้าใจว่าทำไมดนตรีแจ๊สของเช็กในยุค 40 จึงไม่น่าสนใจ คุณจะไม่พบสิ่งที่ "ผิดปกติ" ตามอัตภาพและแสดง "ความรู้อันลึกซึ้ง" ของคุณได้ที่นี่ หากต้องการจินตนาการถึงสไตล์ในแง่ทั่วไป เราควรระบุทิศทางหลักตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 19

แร็กไทม์และบลูส์บางครั้งเรียกว่าโปรโต-แจ๊ส และหากแบบแรกซึ่งไม่ใช่รูปแบบที่สมบูรณ์อย่างสมบูรณ์จากมุมมองสมัยใหม่ ก็น่าสนใจเพียงเพราะข้อเท็จจริงของประวัติศาสตร์ดนตรี บลูส์ก็ยังคงมีความเกี่ยวข้อง

Ragtimes โดย สก็อตต์ จอปลิน

และถึงแม้ว่านักวิจัยจะอ้างถึงสภาพจิตใจของชาวรัสเซียและความรู้สึกสิ้นหวังโดยสิ้นเชิงว่าเป็นสาเหตุของความรักต่อเพลงบลูส์ในยุค 90 ที่พุ่งสูงขึ้น แต่ในความเป็นจริงแล้วทุกอย่างสามารถทำได้ง่ายกว่ามาก

คัดสรรเพลงบลูส์ยอดนิยมกว่า 100 เพลง

บูกี้-วูกี้สุดคลาสสิค

เช่นเดียวกับในวัฒนธรรมยุโรป ชาวแอฟริกันอเมริกันแบ่งดนตรีออกเป็นฆราวาสและจิตวิญญาณ และหากเพลงบลูส์อยู่ในกลุ่มแรก จิตวิญญาณและข่าวประเสริฐก็จะอยู่ในกลุ่มที่สอง

จิตวิญญาณมีความเข้มงวดมากกว่าเพลงพระกิตติคุณซึ่งร้องโดยคณะนักร้องประสานเสียงของผู้ศรัทธา มักจะมาพร้อมกับการปรบมือในจังหวะคู่ซึ่งเป็นลักษณะสำคัญของดนตรีแจ๊สทุกสไตล์และเป็นปัญหาสำหรับผู้ฟังชาวยุโรปจำนวนมากที่ปรบมืออย่างไม่เหมาะสม เพลงจากโลกเก่ามักทำให้เราพยักหน้าไปกับจังหวะแปลกๆ ในดนตรีแจ๊สมันเป็นอีกทางหนึ่ง ดังนั้น หากคุณไม่แน่ใจว่าคุณรู้สึกถึงจังหวะจังหวะที่สองและสี่ที่ผิดปกตินี้สำหรับคนยุโรป ก็ควรงดการปรบมือจะดีกว่า หรือดูว่านักแสดงทำเองอย่างไรแล้วลองทำซ้ำดู

ฉากจากภาพยนตร์เรื่อง "12 Years a Slave" กับการแสดงสุดคลาสสิกทางจิตวิญญาณ

การแสดงจิตวิญญาณร่วมสมัยโดย Take 6

เพลงกอสเปลมักดำเนินการโดยนักร้องคนเดียวและมีอิสระมากกว่าจิตวิญญาณ ดังนั้นเพลงเหล่านี้จึงได้รับความนิยมในฐานะประเภทคอนเสิร์ต

พระกิตติคุณคลาสสิกดำเนินการโดย Mahalia Jackson

พระกิตติคุณร่วมสมัยจากภาพยนตร์เรื่อง Joyful Noise

ในช่วงทศวรรษที่ 1910 ดนตรีแจ๊สแบบดั้งเดิมหรือแบบนิวออร์ลีนส์ได้ถือกำเนิดขึ้น ดนตรีที่เกิดขึ้นนั้นดำเนินการโดยวงออเคสตราข้างถนนซึ่งได้รับความนิยมอย่างมากในเวลานั้น ความสำคัญของเครื่องดนตรีมีเพิ่มมากขึ้น เหตุการณ์สำคัญแห่งยุคคือการเกิดขึ้นของวงดนตรีแจ๊ส วงออเคสตราขนาดเล็ก จำนวน 9-15 คน ความสำเร็จของกลุ่มคนผิวดำเป็นแรงบันดาลใจให้ชาวอเมริกันผิวขาวที่สร้างสิ่งที่เรียกว่า Dixielands

ดนตรีแจ๊สแบบดั้งเดิมมีความเกี่ยวข้องกับภาพยนตร์เกี่ยวกับพวกอันธพาลชาวอเมริกัน นี่เป็นเพราะความจริงที่ว่ามัน ความมั่งคั่งมาถึงแล้วในช่วงห้ามและภาวะเศรษฐกิจตกต่ำครั้งใหญ่ หนึ่งในตัวแทนที่โดดเด่นของสไตล์นี้คือหลุยส์อาร์มสตรองที่กล่าวถึงแล้ว

ลักษณะเด่นของวงดนตรีแจ๊สแบบดั้งเดิมคือตำแหน่งแบนโจที่มั่นคง ตำแหน่งผู้นำของทรัมเป็ต และการมีส่วนร่วมอย่างเต็มที่ของคลาริเน็ต เครื่องดนตรีสองชิ้นสุดท้ายจะถูกแทนที่ด้วยแซ็กโซโฟนเมื่อเวลาผ่านไปซึ่งจะกลายเป็นผู้นำถาวรของวงออเคสตราดังกล่าว โดยธรรมชาติของดนตรีแล้ว ดนตรีแจ๊สแบบดั้งเดิมมีความคงที่มากกว่า

เจลลี่โรล วงดนตรีมอร์ตันแจ๊ส

วงดนตรีแจ๊ส Dixieland สมัยใหม่ของ Dixieland Marshall

ดนตรีแจ๊สมีอะไรผิดปกติ และเหตุใดจึงเป็นเรื่องปกติที่จะบอกว่าไม่มีใครรู้วิธีเล่นเพลงนี้?

มันเป็นเรื่องของต้นกำเนิดแอฟริกันของเธอ แม้ว่าในช่วงกลางศตวรรษที่ 20 คนผิวขาวจะปกป้องสิทธิ์ของตนในรูปแบบนี้ แต่ก็ยังเชื่อกันอย่างกว้างขวางว่าชาวแอฟริกันอเมริกันมีความรู้สึกพิเศษเกี่ยวกับจังหวะที่ช่วยให้พวกเขาสร้างความรู้สึกของการแกว่งซึ่งเรียกว่า "การแกว่ง" ( จากภาษาอังกฤษถึงแกว่ง - "แกว่ง") ") การโต้เถียงกับสิ่งนี้ถือเป็นความเสี่ยง นักเปียโนผิวขาวผู้ยิ่งใหญ่ส่วนใหญ่ในช่วงทศวรรษ 1950 จนถึงปัจจุบันมีชื่อเสียงในด้านสไตล์หรือการแสดงด้นสดทางปัญญาที่ทรยศต่อความรู้ทางดนตรีอันลึกซึ้ง

ดังนั้นหากในการสนทนาคุณพูดถึงผู้เล่นแจ๊สสีขาวคุณไม่ควรพูดอะไรเช่น "เขาแกว่งได้เก่งแค่ไหน" เพราะท้ายที่สุดแล้วเขาแกว่งตามปกติหรือไม่เลยนั่นคือการเหยียดเชื้อชาติแบบย้อนกลับ

และคำว่า "สวิง" เองก็หมดแรงเกินไป ควรออกเสียงที่สุดท้ายเมื่อเหมาะสมที่สุด

นักดนตรีแจ๊สทุกคนจะต้องสามารถแสดง "มาตรฐานดนตรีแจ๊ส" ได้ (ทำนองหลักหรือทำนองที่เขียวชอุ่มตลอดปี) ซึ่งแบ่งออกเป็นวงดนตรีและวงดนตรี ตัวอย่างเช่น In the Mood มีแนวโน้มที่จะเป็นหนึ่งในกลุ่มแรกๆ

ในอารมณ์ บรรเลงโดยวง Glenn Miller Orchestra

ในเวลาเดียวกันผลงานอันโด่งดังของ George Gershwin ก็ปรากฏตัวขึ้นซึ่งถือเป็นทั้งดนตรีแจ๊สและวิชาการในเวลาเดียวกัน ได้แก่ Rhapsody in Blue (หรือ Rhapsody in Blue) เขียนในปี 1924 และโอเปร่า Porgy and Bess (1935) ซึ่งโด่งดังจากเพลง Aria Summertime ก่อนเกิร์ชวิน นักแต่งเพลงเช่น Charles Ives และ Antonin Dvorak (ซิมโฟนี "From the New World") ใช้ประสานเสียงดนตรีแจ๊ส

จอร์จ เกิร์ชวิน. พอร์จี้และเบส อาเรีย ซัมเมอร์ไทม์. ดำเนินการโดย Maria Callas

จอร์จ เกิร์ชวิน. พอร์จี้และเบส อาเรีย ซัมเมอร์ไทม์. การแสดงดนตรีแจ๊สโดย Frank Sinatra

จอร์จ เกิร์ชวิน. พอร์จี้และเบส อาเรีย ซัมเมอร์ไทม์. เวอร์ชั่นร็อค. ขับร้องโดย เจนิส จอปลิน

จอร์จ เกิร์ชวิน. แรปโซดีในสไตล์บลูส์ ดำเนินการโดยลีโอนาร์ด เบิร์นสไตน์และวงออเคสตราของเขา

นักแต่งเพลงชาวรัสเซียที่มีชื่อเสียงที่สุดคนหนึ่งเช่น Gershwin ที่เขียนในสไตล์แจ๊สคือ Nikolai Kapustin .

ทั้งสองค่ายมองความสงสัยในการทดลองดังกล่าว: นักเล่นดนตรีแจ๊สเชื่อมั่นว่างานเขียนที่ไม่มีการแสดงด้นสดจะไม่ใช่ดนตรีแจ๊ส "ตามคำจำกัดความ" อีกต่อไป และนักประพันธ์เชิงวิชาการมองว่าวิธีแสดงออกของดนตรีแจ๊สนั้นเล็กน้อยเกินกว่าจะทำงานร่วมกับพวกเขาอย่างจริงจัง

อย่างไรก็ตามนักแสดงคลาสสิกเล่น Kapustin ด้วยความยินดีและพยายามแสดงด้นสดในขณะที่ "คู่หู" ของพวกเขาทำตัวฉลาดกว่าและไม่รุกล้ำดินแดนของคนอื่น นักเปียโนเชิงวิชาการที่จัดแสดงการแสดงด้นสดกลายเป็นมีมในแวดวงดนตรีแจ๊สมายาวนาน

นับตั้งแต่ช่วงทศวรรษที่ 20 เป็นต้นมา จำนวนลัทธิและบุคคลสำคัญในประวัติศาสตร์ของขบวนการนี้มีจำนวนเพิ่มมากขึ้น และเป็นการยากมากขึ้นที่จะระบุชื่อมากมายเหล่านี้ไว้ในหัว อย่างไรก็ตาม บางส่วนสามารถรับรู้ได้จากลักษณะเสียงหรือลักษณะการแสดงของพวกเขา หนึ่งในนักร้องที่น่าจดจำคือ Billie Holiday

ทั้งหมดของฉัน. ขับร้องโดย บิลลี ฮอลิเดย์

ในยุค 50 กำลังมา ยุคใหม่เรียกว่า "โมเดิร์นแจ๊ส" นี่คือสิ่งที่นักดนตรี Hugues Panassier ดังกล่าวข้างต้นปฏิเสธ ทิศทางนี้เปิดขึ้นด้วยสไตล์บีบอป: คุณลักษณะเฉพาะของมันคือความเร็วสูงและการเปลี่ยนแปลงความสามัคคีบ่อยครั้ง ดังนั้นจึงต้องใช้ทักษะการแสดงที่ยอดเยี่ยมซึ่งมีอยู่ในนั้น บุคลิกที่โดดเด่นเช่น Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk และ John Coltrane

Bebop ถูกสร้างขึ้นให้เป็นแนวเพลงชั้นยอด นักดนตรีจากท้องถนนคนใดก็ตามสามารถมาร่วมแสดงดนตรีสดในค่ำคืนแห่งการแสดงด้นสด ดังนั้นผู้บุกเบิกของบีบ็อพจึงแนะนำจังหวะที่รวดเร็วเพื่อกำจัดมือสมัครเล่นและมืออาชีพที่อ่อนแอ ความหัวสูงนี้ส่วนหนึ่งเกิดขึ้นจากแฟนเพลงนี้ ซึ่งถือว่าทิศทางโปรดของพวกเขาคือจุดสุดยอดของการพัฒนาดนตรีแจ๊ส เป็นเรื่องปกติที่จะปฏิบัติต่อบีบอปด้วยความเคารพ แม้ว่าคุณจะไม่รู้อะไรเลยก็ตาม

ขั้นบันไดยักษ์. ขับร้องโดย จอห์น โคลเทรน

เป็นเรื่องเก๋อย่างยิ่งที่ได้ชื่นชมการแสดงท่าทางหยาบคายที่น่าตกใจและจงใจของ Thelonious Monk ซึ่งตามข่าวซุบซิบเล่นผลงานวิชาการที่ซับซ้อนได้อย่างยอดเยี่ยม แต่ซ่อนมันไว้อย่างระมัดระวัง

รอบเที่ยงคืน. ขับร้องโดย เทโลเนียส มังค์

อย่างไรก็ตาม การพูดคุยเรื่องซุบซิบเกี่ยวกับนักแสดงแจ๊สนั้นไม่ถือว่าน่าละอาย แต่ในทางกลับกัน มันบ่งบอกถึงการมีส่วนร่วมอย่างลึกซึ้งและบ่งบอกถึงประสบการณ์การฟังที่ยาวนาน ดังนั้นคุณควรรู้ว่าการติดยาของ Miles Davis ส่งผลต่อพฤติกรรมบนเวทีของเขา Frank Sinatra มีความเกี่ยวข้องกับมาเฟียและมีโบสถ์แห่งหนึ่งตั้งชื่อตาม John Coltrane ในซานฟรานซิสโก

ภาพจิตรกรรมฝาผนัง "Dancing Saints" จากโบสถ์ในซานฟรานซิสโก

นอกจากบีบอปแล้ว ยังมีอีกสไตล์หนึ่งเกิดขึ้นไปในทิศทางเดียวกัน - แจ๊สสุดเจ๋ง(แจ๊สสุดเท่) ซึ่งโดดเด่นด้วยเสียง "เย็น" ตัวละครปานกลางและจังหวะที่สบาย ๆ หนึ่งในผู้ก่อตั้งคือ เลสเตอร์ ยังแต่ยังมีนักดนตรีผิวขาวจำนวนมากในช่องนี้: เดฟ บรูเบค , บิล อีแวนส์(เพื่อไม่ให้สับสนกับ กิล อีแวนส์), สแตน เก็ตซ์ฯลฯ

ใช้เวลาห้า ขับร้องโดยวงเดฟ บรูเบค

หากทศวรรษที่ 50 แม้จะมีการตำหนิจากพรรคอนุรักษ์นิยม แต่ก็เปิดทางไปสู่การทดลอง แต่ในยุค 60 พวกเขาก็กลายเป็นบรรทัดฐาน ในเวลานี้ Bill Evans ได้บันทึกผลงานคลาสสิกสองอัลบั้มร่วมกับ Stan Kenton ตัวแทนวงซิมโฟนีออร์เคสตรา แจ๊สก้าวหน้าสร้างการเรียบเรียงดนตรีที่หลากหลายซึ่งมีความกลมกลืนเมื่อเปรียบเทียบกับของ Rachmaninov และในบราซิลก็มีดนตรีแจ๊สในเวอร์ชันของตัวเองซึ่งแตกต่างอย่างสิ้นเชิงจากสไตล์อื่น ๆ - บอสซาโนวา .

กรานาโดส เรียบเรียงดนตรีแจ๊สเพลง “Mach and the Nightingale” โดยนักแต่งเพลงชาวสเปน Granados บรรเลงโดยบิล อีแวนส์ พร้อมด้วยวงซิมโฟนีออร์เคสตรา

มาลากูน่า บรรเลงโดยวง Stan Kenton Orchestra

หญิงสาวจากอิปาเนมา ขับร้องโดย แอสทรูด กิลแบร์โต และ สแตน เก็ตซ์

การรักบอสซาโนวานั้นง่ายพอๆ กับการรัก ความเรียบง่าย ในดนตรีวิชาการสมัยใหม่

ต้องขอบคุณเสียงที่ไม่เกะกะและ "เป็นกลาง" ที่ทำให้ดนตรีแจ๊สบราซิลเลียนเข้าถึงลิฟต์และล็อบบี้ของโรงแรมเป็นเพลงแบ็คกราวนด์ แม้ว่าสิ่งนี้จะไม่ลดความสำคัญของสไตล์ดังกล่าวก็ตาม มันคุ้มค่าที่จะบอกว่าคุณรัก Bossa Nova ก็ต่อเมื่อคุณรู้จักตัวแทนของมันเป็นอย่างดีเท่านั้น

จุดเปลี่ยนสำคัญเกิดขึ้นในสไตล์ออเคสตรายอดนิยม - แจ๊สไพเราะ ในยุค 40 ดนตรีแจ๊สที่ผสมผสานกับเสียงไพเราะเชิงวิชาการกลายเป็นปรากฏการณ์ที่ทันสมัยและเป็นมาตรฐานของค่าเฉลี่ยสีทองระหว่างสองสไตล์ที่มีภูมิหลังที่แตกต่างกันโดยสิ้นเชิง

โชคดีเป็นผู้หญิง ดำเนินการโดย Frank Sinatra พร้อมวงออเคสตราแจ๊สซิมโฟนิก

ในยุค 60 เสียงของวงออเคสตราแจ๊สซิมโฟนิกได้สูญเสียความแปลกใหม่ไป ซึ่งนำไปสู่การทดลองเรื่องความสามัคคีโดย Stan Kenton การเรียบเรียงโดย Bill Evans และอัลบั้มเฉพาะเรื่องของ Gil Evans เช่น Sketches of Spain และ Miles Ahead

ภาพร่างของสเปน บรรเลงโดย Miles Davis ร่วมกับ Gil Evans Orchestra

การทดลองในสาขาดนตรีแจ๊สไพเราะยังคงมีความเกี่ยวข้องในปัจจุบันโดยมีโครงการที่น่าสนใจที่สุด ปีที่ผ่านมาวงออเคสตรา Metropole Orkest, The Cinematic Orchestra และ Snarky Puppy กลายเป็นสมาชิกของกลุ่มนี้

หายใจ. บรรเลงโดย The Cinematic Orchestra

เกรเทล. ดำเนินการโดย Snarky Puppy และ Metropole Orkest (รางวัลแกรมมี่, 2014)

ประเพณีของบีบอปและแจ๊สคูลผสมผสานกันเป็นทิศทางที่เรียกว่าฮาร์ดบ็อบ ซึ่งเป็นเวอร์ชันปรับปรุงของบีบอป แม้ว่าจะค่อนข้างยากที่จะแยกแยะความแตกต่างจากที่อื่นด้วยหูก็ตาม Jazz Messengers, Sonny Rollins, Art Blakey และนักดนตรีคนอื่นๆ ที่เดิมเล่นบีบอป ถือเป็นนักแสดงที่โดดเด่นในสไตล์นี้

ฮาร์ดบอป. ดำเนินการโดยวงออเคสตรา แจ๊สผู้ส่งสาร

คราง. ดำเนินการโดย อาร์ต เบลคีย์ และ The Jazz Messengers

การแสดงด้นสดอย่างเข้มข้นด้วยจังหวะที่รวดเร็วต้องใช้ความเฉลียวฉลาด ซึ่งนำไปสู่การค้นหาในสนาม ลดา- จึงบังเกิด แจ๊สแบบกิริยา- มักถูกแยกออกเป็นสไตล์อิสระ แม้ว่าการแสดงด้นสดที่คล้ายกันจะพบได้ในแนวเพลงอื่นๆ ก็ตาม ผลงานโมดอลที่ได้รับความนิยมมากที่สุดคือเพลง "So What?" ไมล์ส เดวิส.

แล้วไงล่ะ? ขับร้องโดย ไมลส์ เดวิส

ในขณะที่ผู้เล่นดนตรีแจ๊สผู้ยิ่งใหญ่กำลังหาวิธีทำให้ดนตรีที่ซับซ้อนอยู่แล้วซับซ้อนยิ่งขึ้น นักเขียนและนักแสดงตาบอด เรย์ ชาร์ลส์และเดินตามเส้นทางของหัวใจ ผสมผสานดนตรีแจ๊ส โซล กอสเปล จังหวะและบลูส์ในงานของพวกเขา

ปลายนิ้ว ขับร้องโดย สตีวี วันเดอร์

ฉันพูดอะไร. ดำเนินการโดยเรย์ ชาร์ลส์

ในเวลาเดียวกัน นักออร์แกนแจ๊สก็ทำเสียงดังโดยเล่นดนตรีด้วยออร์แกนไฟฟ้าของแฮมมอนด์

จิมมี่ สมิธ

ในช่วงกลางทศวรรษที่ 60 Soul Jazz ปรากฏขึ้นซึ่งผสมผสานประชาธิปไตยแห่งวิญญาณเข้ากับสติปัญญาของบีบอป แต่ในอดีตมันมักจะเกี่ยวข้องกับอย่างหลังโดยนิ่งเงียบเกี่ยวกับความสำคัญของอดีต บุคคลที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในโซลแจ๊สคือ Ramsey Lewis

ฝูงชน 'ใน' ดำเนินการโดยแรมซีย์ ลูวิส ทรีโอ

หากตั้งแต่ต้นทศวรรษที่ 50 มีเพียงความรู้สึกถึงการแบ่งดนตรีแจ๊สออกเป็นสองสาขาเท่านั้นในยุค 70 สิ่งนี้อาจเรียกได้ว่าเป็นข้อเท็จจริงที่หักล้างไม่ได้แล้ว จุดสุดยอดของเทรนด์ชนชั้นสูงคือ

ต่อจากนั้นจังหวะแร็กไทม์รวมกับองค์ประกอบบลูส์ทำให้เกิดทิศทางดนตรีใหม่ - แจ๊ส

ต้นกำเนิดของดนตรีแจ๊สมีความเชื่อมโยงกับดนตรีบลูส์ มันเกิดขึ้นในตอนท้ายของศตวรรษที่ 19 โดยเป็นการผสมผสานระหว่างจังหวะแอฟริกันและความกลมกลืนของยุโรป แต่ควรค้นหาต้นกำเนิดของมันตั้งแต่ช่วงเวลาที่นำเข้าทาสจากแอฟริกาไปยังดินแดนของโลกใหม่ ทาสที่นำมานั้นไม่ได้มาจากครอบครัวเดียวกันและมักจะไม่เข้าใจกันด้วยซ้ำ ความจำเป็นในการรวมเข้าด้วยกันนำไปสู่การรวมหลายวัฒนธรรมเข้าด้วยกัน และเป็นผลให้เกิดการสร้างวัฒนธรรมเดียว (รวมถึงดนตรี) ของชาวแอฟริกันอเมริกัน กระบวนการผสมผสานวัฒนธรรมดนตรีแอฟริกันและยุโรป (ซึ่งทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงอย่างรุนแรงในโลกใหม่ด้วย) เกิดขึ้นตั้งแต่ศตวรรษที่ 18 และในศตวรรษที่ 19 นำไปสู่การกำเนิดของ "โปรโตแจ๊ส" จากนั้นจึงแจ๊สในดนตรีที่เป็นที่ยอมรับโดยทั่วไป ความรู้สึก.

แจ๊สนิวออร์ลีนส์

คำว่านิวออร์ลีนส์หรือดนตรีแจ๊สดั้งเดิมมักหมายถึงสไตล์ของนักดนตรีที่แสดงดนตรีแจ๊สในนิวออร์ลีนส์ระหว่างปี 1900 ถึง 1917 เช่นเดียวกับนักดนตรีนิวออร์ลีนส์ที่เล่นและบันทึกเสียงในชิคาโกตั้งแต่ปี 1917 ถึง 1920 ประวัติศาสตร์ดนตรีแจ๊สในยุคนี้เรียกอีกอย่างว่ายุคดนตรีแจ๊ส และแนวคิดนี้ยังใช้เพื่ออธิบายดนตรีที่แสดงในช่วงเวลาประวัติศาสตร์ต่างๆ โดยตัวแทนของการฟื้นฟูนิวออร์ลีนส์ซึ่งพยายามแสดงดนตรีแจ๊สในรูปแบบเดียวกับนักดนตรีของโรงเรียนนิวออร์ลีนส์

พัฒนาการของดนตรีแจ๊สในสหรัฐอเมริกาในช่วงไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 20

หลังจากการปิด Storyville ไปแล้ว ดนตรีแจ๊สจากแนวเพลงโฟล์กระดับภูมิภาคก็เริ่มกลายมาเป็นขบวนการดนตรีระดับชาติ และแพร่กระจายไปยังจังหวัดทางตอนเหนือและตะวันออกเฉียงเหนือของสหรัฐอเมริกา แต่แน่นอนว่าการแพร่กระจายอย่างกว้างขวางนั้นไม่สามารถอำนวยความสะดวกได้โดยการปิดย่านบันเทิงเพียงแห่งเดียวเท่านั้น เช่นเดียวกับนิวออร์ลีนส์ เซนต์หลุยส์ แคนซัสซิตี้ และเมมฟิส มีความสำคัญในการพัฒนาดนตรีแจ๊สตั้งแต่แรกเริ่ม Ragtime มีต้นกำเนิดในเมืองเมมฟิสในศตวรรษที่ 19 จากนั้นได้แพร่กระจายไปทั่วทวีปอเมริกาเหนือในช่วงปี ค.ศ. 1903 ในทางกลับกัน การแสดงของนักร้องประสานเสียงที่มีการเคลื่อนไหวทางดนตรีทุกประเภทของคติชนแอฟริกันอเมริกันตั้งแต่จิ๊กไปจนถึงแร็กไทม์ ได้แพร่กระจายอย่างรวดเร็วไปทุกที่และเตรียมหนทางสำหรับการมาถึงของดนตรีแจ๊ส ดาราดนตรีแจ๊สในอนาคตหลายคนเริ่มต้นอาชีพการแสดงละครเพลง ก่อนที่ Storyville จะปิดตัวลง นักดนตรีในนิวออร์ลีนส์ได้ออกทัวร์ร่วมกับคณะที่เรียกว่า "vaudeville" Jelly Roll Morton ไปเที่ยวเป็นประจำในแอละแบมา ฟลอริดา และเท็กซัสตั้งแต่ปี 1904 ตั้งแต่ปีพ. ศ. 2457 เขามีสัญญาให้แสดงในชิคาโก ในปี 1915 วงออเคสตรา Dixieland สีขาวของ Thom Browne ก็ย้ายไปชิคาโกด้วย “Creole Band” อันโด่งดังซึ่งนำโดยนักคอร์เนต์ชาวนิวออร์ลีนส์ Freddie Keppard ได้ออกทัวร์การแสดงครั้งใหญ่ในชิคาโกด้วย หลังจากที่แยกตัวออกจากวง Olympia ศิลปินของ Freddie Keppard แล้วในปี 1914 ก็ประสบความสำเร็จในการแสดงละครที่ดีที่สุดในชิคาโก และได้รับข้อเสนอให้ทำการบันทึกเสียงการแสดงของพวกเขาก่อนที่จะมีวงดนตรีแจ๊ส Original Dixieland ซึ่ง Freddie Keppard มีสายตาสั้น ถูกปฏิเสธ

พื้นที่ที่อิทธิพลของดนตรีแจ๊สได้รับอิทธิพลจากวงออเคสตราที่เล่นบนเรือสำราญที่ล่องไปตามแม่น้ำมิสซิสซิปปี้ขยายออกไปอย่างมีนัยสำคัญ นับตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 19 การเดินทางทางแม่น้ำจากนิวออร์ลีนส์ไปยังเซนต์พอลได้รับความนิยม ครั้งแรกสำหรับวันหยุดสุดสัปดาห์ และต่อมาตลอดทั้งสัปดาห์ ตั้งแต่ปี 1900 เป็นต้นมา วงออร์เคสตราของนิวออร์ลีนส์ได้แสดงบนเรือล่องแม่น้ำเหล่านี้ และดนตรีของพวกเขาก็กลายเป็นความบันเทิงที่ดึงดูดใจที่สุดสำหรับผู้โดยสารในระหว่างการทัวร์ชมแม่น้ำ ภรรยาในอนาคตของหลุยส์ อาร์มสตรอง นักเปียโนแจ๊สคนแรก ลิล ฮาร์ดิน เริ่มต้นจากวงออร์เคสตรา "Suger Johnny" วงหนึ่ง

นักดนตรีแจ๊สแห่งนิวออร์ลีนส์ในอนาคตหลายคนแสดงในวงออร์เคสตราเรือล่องแม่น้ำของนักเปียโนอีกคนชื่อ Faiths Marable เรือกลไฟที่แล่นไปตามแม่น้ำมักจะจอดที่สถานีที่ผ่าน ซึ่งมีวงออร์เคสตราจัดคอนเสิร์ตให้กับประชาชนในท้องถิ่น คอนเสิร์ตเหล่านี้เองที่กลายเป็นการเปิดตัวอย่างสร้างสรรค์ของ Bix Beiderbeck, Jess Stacy และคนอื่นๆ อีกมากมาย เส้นทางที่มีชื่อเสียงอีกเส้นทางหนึ่งวิ่งผ่านมิสซูรีไปยังแคนซัสซิตี ในเมืองนี้ ซึ่งต้องขอบคุณรากฐานอันแข็งแกร่งของนิทานพื้นบ้านแอฟริกันอเมริกัน ดนตรีบลูส์จึงพัฒนาและเป็นรูปเป็นร่างในที่สุด การเล่นดนตรีแจ๊สของนิวออร์ลีนส์ที่เชี่ยวชาญทำให้มีสภาพแวดล้อมที่อุดมสมบูรณ์เป็นพิเศษ ในช่วงต้นทศวรรษ 2010 ศูนย์กลางหลักในการพัฒนาดนตรีแจ๊สคือชิคาโก ซึ่งด้วยความพยายามของนักดนตรีหลายคนที่รวมตัวกันจากส่วนต่างๆ ของสหรัฐอเมริกา จึงได้สร้างสรรค์สไตล์ที่ได้รับชื่อเล่นว่าแจ๊สชิคาโก

แกว่ง

นักแสดง: โจ พาส, แฟรงค์ ซินาตร้า, เบนนี่ กู๊ดแมน, นอราห์ โจนส์, มิเชล เลแกรนด์, ออสการ์ ปีเตอร์สัน, ไอค์ ควิเบก, เปาลินโญ่ ดา คอสต้า, วินตัน มาร์ซาลิส เซปเต็ต, มิลส์ บราเธอร์ส, สเตฟาน กรัปเปลลี

ตะบัน

สไตล์ดนตรีแจ๊สที่พัฒนาขึ้นในช่วงต้นถึงกลางทศวรรษที่ 40 ของศตวรรษที่ 20 และนำไปสู่ยุคของดนตรีแจ๊สสมัยใหม่ โดดเด่นด้วยจังหวะที่รวดเร็วและการแสดงด้นสดที่ซับซ้อนโดยอาศัยการเปลี่ยนแปลงของความสามัคคีมากกว่าทำนอง Parker และ Gillespie นำเสนอจังหวะการแสดงที่รวดเร็วเป็นพิเศษ เพื่อไม่ให้ผู้ที่ไม่ใช่มืออาชีพอยู่ห่างจากการแสดงด้นสดใหม่ๆ เหนือสิ่งอื่นใด ลักษณะเด่นของ bebopers ทุกคนคือพฤติกรรมและรูปลักษณ์ที่น่าตกใจ: ทรัมเป็ตโค้งของ "Dizzy" Gillespie, พฤติกรรมของ Parker และ Gillespie, หมวกไร้สาระของ Monk เป็นต้น เกิดขึ้นจากปฏิกิริยาตอบสนองต่อการแพร่กระจายของวงสวิงอย่างกว้างขวาง บีบอปยังคงพัฒนาหลักการในการใช้วิธีแสดงออก แต่ในขณะเดียวกันก็ค้นพบแนวโน้มที่ขัดแย้งกันหลายประการ

ต่างจากวงสวิงซึ่งส่วนใหญ่เป็นดนตรีเชิงพาณิชย์ขนาดใหญ่ วงออเคสตราเต้นรำ, บีบอป เป็นการเคลื่อนไหวเชิงสร้างสรรค์แนวทดลองในดนตรีแจ๊ส ซึ่งส่วนใหญ่เกี่ยวข้องกับการฝึกซ้อมของวงดนตรีขนาดเล็ก (คอมโบ) และแนวต่อต้านการค้าขาย ช่วงบีบอปถือเป็นการเปลี่ยนแปลงครั้งสำคัญในการเน้นดนตรีแจ๊สจากเพลงแดนซ์ยอดนิยมไปเป็น "ดนตรีสำหรับนักดนตรี" ที่มีความเป็นศิลปะ สติปัญญาสูง แต่มีการผลิตในปริมาณน้อย นักดนตรีบ็อปชอบการแสดงด้นสดที่ซับซ้อนโดยอาศัยคอร์ดดีดแทนท่วงทำนอง

ผู้ยุยงหลักของการเกิดคือ: นักเป่าแซ็กโซโฟน Charlie Parker, นักเป่าแตร Dizzy Gillespie, นักเปียโน Bud Powell และ Thelonious Monk, มือกลอง Max Roach ฟัง Chick Corea, Michel Legrand, Joshua Redman Elastic Band, Jan Garbarek, Charles Mingus, Modern Jazz Quartet

วงใหญ่

วงดนตรีขนาดใหญ่ที่มีรูปแบบคลาสสิกและเป็นที่ยอมรับเป็นที่รู้จักในวงการดนตรีแจ๊สมาตั้งแต่ช่วงปีแรกๆ แบบฟอร์มนี้ยังคงมีความเกี่ยวข้องจนถึงสิ้นทศวรรษปี ค.ศ. 1920 ตามกฎแล้ว นักดนตรีที่เข้าร่วมวงดนตรีใหญ่ๆ ส่วนใหญ่อยู่ในช่วงวัยรุ่น จะเล่นท่อนที่เฉพาะเจาะจงมาก ไม่ว่าจะจดจำในการซ้อมหรือจากโน้ตก็ตาม การเรียบเรียงอย่างระมัดระวังประกอบกับท่อนทองเหลืองขนาดใหญ่และเครื่องเป่าลมไม้ทำให้เกิดเสียงประสานของดนตรีแจ๊สที่เข้มข้น และสร้างเสียงที่ดังอย่างเร้าใจซึ่งกลายเป็นที่รู้จักในชื่อ "เสียงของวงดนตรีขนาดใหญ่"

วงดนตรีขนาดใหญ่กลายเป็นเพลงยอดนิยมในยุคนั้น และโด่งดังถึงจุดสูงสุดในช่วงกลางปี เพลงนี้กลายเป็นที่มาของความคลั่งไคล้การเต้นสวิง ผู้นำของวงออเคสตราแจ๊สชื่อดัง Duke Ellington, Benny Goodman, Count Basie, Artie Shaw, Chick Webb, Glenn Miller, Tommy Dorsey, Jimmy Lunsford, Charlie Barnett แต่งหรือเรียบเรียงและบันทึกขบวนพาเหรดเพลงฮิตที่ได้ยินไม่เพียงแต่ใน วิทยุ แต่ยังมีอยู่ทุกที่ในห้องเต้นรำ วงดนตรีขนาดใหญ่หลายวงจัดแสดงผลงานเดี่ยวเดี่ยวของพวกเขา ซึ่งทำให้ผู้ชมตกอยู่ในอาการฮิสทีเรียระหว่าง "การต่อสู้ของวงดนตรี" ที่ได้รับการโปรโมตอย่างดี

แม้ว่าความนิยมของวงดนตรีใหญ่จะลดลงอย่างมากหลังสงครามโลกครั้งที่สอง แต่วงออเคสตราที่นำโดย Basie, Ellington, Woody Herman, Stan Kenton, Harry James และคนอื่นๆ อีกหลายคนได้ออกทัวร์และบันทึกเสียงบ่อยครั้งในช่วงไม่กี่ทศวรรษถัดมา ดนตรีของพวกเขาค่อยๆ เปลี่ยนไปภายใต้อิทธิพลของเทรนด์ใหม่ กลุ่มต่างๆ เช่น วงดนตรีที่นำโดย Boyd Rayburn, Sun Ra, Oliver Nelson, Charles Mingus, Tad Jones-Mal Lewis ได้สำรวจแนวคิดใหม่ๆ ในความกลมกลืน การใช้เครื่องดนตรี และเสรีภาพในการแสดงด้นสด ปัจจุบันวงดนตรีขนาดใหญ่เป็นมาตรฐานในการศึกษาดนตรีแจ๊ส วงออเคสตราสำหรับการแสดงละคร เช่น Lincoln Center Jazz Orchestra, Carnegie Hall Jazz Orchestra, Smithsonian Jazz Masterpiece Orchestra และ Chicago Jazz Ensemble มักจะเล่นการเรียบเรียงดนตรีต้นฉบับของวงดนตรีขนาดใหญ่เป็นประจำ

ในปี 2008 หนังสือมาตรฐานของ George Simon เรื่อง "Big Bands of the Swing Era" ได้รับการตีพิมพ์เป็นภาษารัสเซีย ซึ่งเป็นสารานุกรมที่เกือบจะสมบูรณ์ของวงดนตรีขนาดใหญ่ทั้งหมดในยุคทองตั้งแต่ต้นทศวรรษที่ 20 ถึง 60 ของศตวรรษที่ 20

กระแสหลัก

นักเปียโน ดยุค เอลลิงตัน

หลังจากการสิ้นสุดของความนิยมของวงออเคสตราขนาดใหญ่ในยุคของวงดนตรีขนาดใหญ่ เมื่อดนตรีของวงออเคสตราขนาดใหญ่เริ่มที่จะอัดแน่นไปด้วยวงดนตรีแจ๊สขนาดเล็กบนเวที เพลงสวิงก็ยังคงได้ยินต่อไป หลังจากการแสดงคอนเสิร์ตในห้องบอลรูม นักสวิงเดี่ยวที่มีชื่อเสียงหลายคนชอบเล่นสนุกในคลับเล็กๆ บนถนน 52nd Street ในนิวยอร์ก และคนเหล่านี้ไม่เพียงแต่ทำงานเป็น "ไซด์เมน" ในวงออเคสตราขนาดใหญ่เช่น Ben Webster, Coleman Hawkins, Lester Young, Roy Eldridge, Johnny Hodges, Buck Clayton และคนอื่น ๆ ผู้นำของวงดนตรีใหญ่เอง - Duke Ellington, Count Basie, Benny Goodman, Jack Teagarden, Harry James, Gene Krupa ซึ่งในตอนแรกเป็นศิลปินเดี่ยวและไม่ใช่แค่วาทยากรเท่านั้นยังมองหาโอกาสในการเล่นแยกจากกลุ่มใหญ่ของพวกเขาในกลุ่มเล็ก ๆ องค์ประกอบ. ไม่ยอมรับเทคนิคที่เป็นนวัตกรรมใหม่ของบีบอปที่กำลังจะมาถึง นักดนตรีเหล่านี้จึงยึดมั่นในท่าทางการสวิงแบบดั้งเดิม ขณะเดียวกันก็แสดงจินตนาการที่ไม่สิ้นสุดเมื่อแสดงส่วนด้นสด ดาราวงสวิงหลักแสดงและบันทึกเสียงอย่างต่อเนื่องเป็นกลุ่มเล็กๆ ที่เรียกว่า "คอมโบ" ซึ่งภายในนั้นมีพื้นที่สำหรับการแสดงด้นสดมากขึ้น ด้วยจุดเริ่มต้นของการเพิ่มขึ้นของ bebop รูปแบบของทิศทางของคลับแจ๊สในช่วงปลายทศวรรษ 1920 จึงได้รับชื่อกระแสหลักหรือการเคลื่อนไหวหลัก การแสดงดนตรีที่เก่งที่สุดในยุคนั้นบางส่วนสามารถได้ยินได้ในรูปแบบที่ไพเราะในการแสดงดนตรีสด เมื่อการแสดงคอร์ดด้นสดมีความสำคัญเหนือกว่าวิธีการระบายสีทำนองเพลงของยุคสวิง เกิดขึ้นใหม่เป็น ฟรีสไตล์ในช่วงปลายของ 's และ ' กระแสหลักได้ซึมซับองค์ประกอบของดนตรีแจ๊สเท่ๆ บีบอป และฮาร์ดป็อบ คำว่า "กระแสหลักร่วมสมัย" หรือโพสต์-บีบอป ถูกนำมาใช้ในปัจจุบันสำหรับเกือบทุกสไตล์ที่ไม่มีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับสไตล์ดนตรีแจ๊สในอดีต

แจ๊สอีสาน. ก้าวย่าง

หลุยส์ อาร์มสตรอง นักเป่าแตรและนักร้อง

แม้ว่าประวัติศาสตร์ของดนตรีแจ๊สจะเริ่มต้นขึ้นในนิวออร์ลีนส์ด้วยการถือกำเนิดของศตวรรษที่ 20 แต่ดนตรีเริ่มได้รับความนิยมอย่างมากในช่วงต้นทศวรรษ 1980 เมื่อนักเป่าแตร หลุยส์ อาร์มสตรอง ออกจากนิวออร์ลีนส์เพื่อสร้างดนตรีแนวใหม่ที่ปฏิวัติวงการในชิคาโก การอพยพของปรมาจารย์ด้านดนตรีแจ๊สจากนิวออร์ลีนส์ไปยังนิวยอร์ก ซึ่งเริ่มขึ้นหลังจากนั้นไม่นาน ถือเป็นกระแสนิยม การเคลื่อนไหวอย่างต่อเนื่องนักดนตรีแจ๊สจากใต้สู่เหนือ ชิคาโกนำดนตรีของนิวออร์ลีนส์มาทำให้ร้อนแรง โดยเพิ่มความเข้มข้นไม่เพียงแต่จากความพยายามของวงดนตรี Hot Five และ Hot Seven อันโด่งดังของ Armstrong เท่านั้น แต่ยังรวมถึงวงดนตรีอื่นๆ ด้วย รวมถึงปรมาจารย์อย่าง Eddie Condon และ Jimmy McPartland ซึ่งเป็นทีมงานที่ Austin High โรงเรียนช่วยฟื้นฟูโรงเรียนในนิวออร์ลีนส์ ชาวชิคาโกที่มีชื่อเสียงคนอื่นๆ ที่ก้าวข้ามขีดจำกัดของดนตรีแจ๊สสไตล์นิวออร์ลีนส์คลาสสิก ได้แก่ นักเปียโน Art Hodes มือกลอง Barrett Deems และนักคลาริเน็ต Benny Goodman อาร์มสตรองและกู๊ดแมนซึ่งในที่สุดก็ย้ายไปนิวยอร์ค ได้สร้างกลุ่มคนสำคัญที่นั่นซึ่งช่วยให้เมืองนี้กลายเป็นเมืองหลวงแห่งดนตรีแจ๊สที่แท้จริงของโลก และในขณะที่ชิคาโกยังคงเป็นศูนย์บันทึกเสียงเป็นหลักในช่วงไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 20 นิวยอร์กก็กลายเป็นสถานที่แสดงดนตรีแจ๊สที่สำคัญ โดยมีคลับในตำนานเช่น Minton Playhouse, Cotton Club, the Savoy และ Village Vanguard และยังมีเวทีอื่นๆ อีกด้วย อย่างคาร์เนกี้ ฮอลล์

สไตล์แคนซัสซิตี้

ในช่วงยุคเศรษฐกิจตกต่ำครั้งใหญ่และการห้าม วงการเพลงแจ๊สในแคนซัสซิตี้กลายเป็นเมืองสำคัญของดนตรีแนวใหม่ในช่วงปลายทศวรรษ 1900 และ 1900 สไตล์ที่เฟื่องฟูในแคนซัสซิตีโดดเด่นด้วยการแสดงดนตรีแนวบลูส์ที่เต็มไปด้วยจิตวิญญาณซึ่งแสดงโดยวงดนตรีขนาดใหญ่และวงสวิงเล็ก ๆ ที่แสดงโซโลที่มีพลังสูง แสดงสำหรับลูกค้าที่ขายเหล้าเถื่อนที่ขายเครื่องดื่มแอลกอฮอล์ที่ผิดกฎหมาย มันอยู่ในบวบเหล่านี้ที่สไตล์ของ Count Basie ผู้ยิ่งใหญ่ซึ่งเริ่มต้นในแคนซัสซิตีในวงออเคสตราของ Walter Page และต่อมากับ Benny Mouthen ตกผลึก วงออเคสตราทั้งสองนี้เป็นตัวแทนทั่วไปของสไตล์แคนซัสซิตี ซึ่งมีพื้นฐานมาจากรูปแบบบลูส์ที่แปลกประหลาด เรียกว่า "เออร์เบิร์นบลูส์" และก่อตั้งขึ้นจากการเล่นของออเคสตร้าที่กล่าวมาข้างต้น วงการดนตรีแจ๊สในแคนซัสซิตี้ยังโดดเด่นด้วยกาแล็กซีของปรมาจารย์ด้านโวคอลบลูส์ที่โดดเด่นซึ่ง "ราชา" ที่ได้รับการยอมรับในหมู่นั้นเป็นศิลปินเดี่ยวของวงออเคสตรา Count Basie เป็นเวลานานซึ่งเป็นนักร้องบลูส์ชื่อดัง Jimmy Rushing Charlie Parker นักเป่าแซ็กโซโฟนอัลโตผู้โด่งดัง เกิดในแคนซัสซิตี้ เมื่อเขามาถึงนิวยอร์ก เขาใช้เทคนิคบลูส์อันเป็นเอกลักษณ์ที่เขาได้เรียนรู้จากวงออร์เคสตร้าในแคนซัสซิตี้อย่างกว้างขวาง และต่อมาได้กลายมาเป็นจุดเริ่มต้นหนึ่งในการทดลองวงบ็อบเปอร์ในปี 2010

เวสต์โคสต์แจ๊ส

ศิลปินที่หลงใหลในขบวนการดนตรีแจ๊สสุดเจ๋งในช่วงทศวรรษ 1950 ได้ทำงานอย่างกว้างขวางในสตูดิโอบันทึกเสียงในลอสแอนเจลิส โดยได้รับอิทธิพลส่วนใหญ่จากโนเน็ตของไมลส์ เดวิส นักแสดงจากลอสแอนเจลิสเหล่านี้ได้พัฒนาสิ่งที่ปัจจุบันเรียกว่า "แจ๊สชายฝั่งตะวันตก" หรือ แจ๊สฝั่งตะวันตก- ในฐานะสตูดิโอบันทึกเสียง คลับต่างๆ เช่น Lighthouse ใน Hermosa Beach และ the Haig ในลอสแองเจลิสมักนำเสนอปรมาจารย์ชั้นนำของเขา รวมถึงนักเป่าแตร Shorty Rogers นักเป่าแซ็กโซโฟน Art Pepper และ Bud Schenk มือกลอง Shelley Mann และนักคลาริเน็ต Jimmy Giuffre

คูล (แจ๊สสุดเท่)

ความเข้มข้นและความกดดันสูงของบีบอปเริ่มลดลงตามการพัฒนาของดนตรีแจ๊สสุดเท่ ในช่วงปลายและช่วงปีแรกๆ นักดนตรีเริ่มพัฒนาแนวทางการแสดงด้นสดที่มีความรุนแรงน้อยลงและนุ่มนวลขึ้น โดยจำลองมาจากการเล่นที่เบาและแห้งของนักเป่าแซ็กโซโฟนเทเนอร์ เลสเตอร์ ยัง ซึ่งเขาเคยใช้ในยุคสวิง ผลลัพธ์ที่ได้คือเสียงที่แยกออกจากกันและสม่ำเสมอ โดยอิงจาก "ความเย็น" ทางอารมณ์ Trumpeter Miles Davis ผู้บุกเบิกเพลงบีบอปในยุคแรกๆ ที่ทำให้เพลงบี๊บเย็นลง กลายเป็นผู้ริเริ่มที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของแนวเพลงประเภทนี้ โนเน็ตของเขาซึ่งบันทึกอัลบั้ม "The Birth of a Cool" ในปี 1950 ถือเป็นศูนย์รวมของการแต่งเนื้อร้องและความยับยั้งชั่งใจของดนตรีแจ๊สสุดเท่ นักดนตรีที่มีชื่อเสียงคนอื่นๆ ในโรงเรียนดนตรีแจ๊สสุดเจ๋ง ได้แก่ นักเป่าแตร Chet Baker, นักเปียโน George Shearing, John Lewis, Dave Brubeck และ Lenny Tristano, นักไวบราโฟน Milt Jackson และนักแซ็กโซโฟน Stan Getz, Lee Konitz, Zoot Sims และ Paul Desmond ผู้เรียบเรียงมีส่วนสำคัญต่อการเคลื่อนไหวดนตรีแจ๊สสุดเจ๋ง โดยเฉพาะ Ted Dameron, Claude Thornhill, Bill Evans และนักเป่าแซ็กโซโฟนบาริโทน Gerry Mulligan การเรียบเรียงของพวกเขาเน้นไปที่การใช้สีสันของเครื่องดนตรีและสโลว์โมชัน บนความกลมกลืนที่เยือกแข็งซึ่งสร้างภาพลวงตาของอวกาศ ความไม่ลงรอยกันยังมีบทบาทบางอย่างในดนตรีของพวกเขา แต่มีบุคลิกที่นุ่มนวลและสงบลง รูปแบบดนตรีแจ๊ซสุดคูลเหลือพื้นที่สำหรับวงดนตรีที่ค่อนข้างใหญ่ เช่น โนเน็ตและเต็นท์ ซึ่งเริ่มพบเห็นได้ทั่วไปในช่วงเวลานี้มากกว่าในยุคบีบอปตอนต้น ผู้เรียบเรียงบางคนทดลองใช้เครื่องมือดัดแปลง ซึ่งรวมถึงเครื่องดนตรีทองเหลืองรูปทรงกรวย เช่น เขาสัตว์และทูบา

ดนตรีแจ๊สแบบก้าวหน้า

ควบคู่ไปกับการเกิดขึ้นของ bebop แนวเพลงใหม่กำลังพัฒนาในหมู่ดนตรีแจ๊ส - ดนตรีแจ๊สแบบโปรเกรสซีฟหรือเพียงแค่โปรเกรสซีฟ ความแตกต่างที่สำคัญของแนวเพลงนี้คือความปรารถนาที่จะหลีกหนีจากความคิดโบราณที่แช่แข็งของวงดนตรีขนาดใหญ่และเทคนิคที่ล้าสมัยและล้าสมัยของสิ่งที่เรียกว่า ซิมโฟแจ๊สเปิดตัวในปี 2000 โดย Paul Whiteman ผู้สร้างที่ก้าวหน้าไม่ได้พยายามปฏิเสธประเพณีดนตรีแจ๊สที่พัฒนาขึ้นในขณะนั้นอย่างถึงที่สุด ซึ่งต่างจาก Boppers พวกเขาค่อนข้างพยายามที่จะอัปเดตและปรับปรุงโมเดลวลีสวิงโดยแนะนำความสำเร็จล่าสุดของซิมโฟนิซึมของยุโรปในด้านโทนเสียงและความกลมกลืน

การมีส่วนร่วมที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในการพัฒนาแนวคิด "ก้าวหน้า" เกิดขึ้นโดยนักเปียโนและผู้ควบคุมวง Stan Kenton ดนตรีแจ๊สแบบโปรเกรสซีฟในช่วงต้นทศวรรษ 1920 เริ่มต้นจากผลงานชิ้นแรกของเขา เสียงดนตรีที่แสดงโดยวงออเคสตราชุดแรกของเขาใกล้เคียงกับ Rachmaninov และการเรียบเรียงก็มีลักษณะของแนวโรแมนติกตอนปลาย อย่างไรก็ตาม ในแง่ของแนวเพลง มันใกล้เคียงกับดนตรีแจ๊สซิมโฟนิกมากที่สุด ต่อมาในช่วงหลายปีของการสร้างซีรีส์ที่มีชื่อเสียงในอัลบั้ม "Artistry" ของเขาองค์ประกอบของดนตรีแจ๊สก็หยุดมีบทบาทในการสร้างสีสัน แต่ได้ถูกถักทออย่างเป็นธรรมชาติแล้ว วัสดุดนตรี- นอกจาก Kenton แล้ว เครดิตสำหรับเรื่องนี้ยังเป็นของ Pete Rugolo ผู้เรียบเรียงที่ดีที่สุดของเขา ซึ่งเป็นลูกศิษย์ของ Darius Milhaud เสียงไพเราะสมัยใหม่ (สำหรับหลายปีที่ผ่านมา) เทคนิคการเล่นแซกโซโฟนเฉพาะในการเล่นแซ็กโซโฟน ฮาร์โมนีที่หนา วินาทีและบล็อกที่พบบ่อย พร้อมด้วยเสียงหลายเสียงและการเต้นเป็นจังหวะแจ๊ส - นี่คือคุณสมบัติที่โดดเด่นของเพลงนี้ซึ่ง Stan Kenton เข้ามา ประวัติศาสตร์ดนตรีแจ๊สมาหลายปี ในฐานะหนึ่งในผู้ริเริ่มที่ค้นพบเวทีทั่วไปสำหรับวัฒนธรรมซิมโฟนิกของยุโรปและองค์ประกอบของบีบอป โดยเฉพาะอย่างยิ่งที่เห็นได้ชัดเจนในท่อนที่นักดนตรีเดี่ยวดูเหมือนจะต่อต้านเสียงของวงออเคสตราที่เหลือ ควรสังเกตว่า Kenton ให้ความสนใจอย่างมากกับท่อนด้นสดของศิลปินเดี่ยวในการเรียบเรียงของเขารวมถึงมือกลองชื่อดังระดับโลก Shelley Maine, มือเบสคู่ Ed Safransky, นักทรอมโบน Kay Winding, June Christie หนึ่งในนักร้องแจ๊สที่เก่งที่สุดในช่วงหลายปีที่ผ่านมา Stan Kenton ยังคงซื่อสัตย์ต่อแนวเพลงที่เขาเลือกตลอดอาชีพของเขา

นอกจากสแตน เคนตันแล้ว บอยด์ เรย์เบิร์น และกิล อีแวนส์ ผู้เรียบเรียงและนักดนตรีเครื่องดนตรีที่น่าสนใจก็มีส่วนในการพัฒนาแนวเพลงนี้ด้วย การยกย่องสรรเสริญของการพัฒนาแบบก้าวหน้าพร้อมกับซีรีส์ "Artistry" ที่กล่าวถึงแล้วยังถือเป็นซีรีส์อัลบั้มที่บันทึกโดยวงดนตรีใหญ่ Gil Evans ร่วมกับวงดนตรี Miles Davis ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาเช่น "Miles ข้างหน้า” “พอร์จี้และเบส” และ “ภาพวาดภาษาสเปน” ไม่นานก่อนที่เขาจะเสียชีวิต ไมลส์ เดวิส หันมาใช้แนวเพลงนี้อีกครั้ง โดยบันทึกการเรียบเรียงเพลงเก่าๆ ของกิล อีแวนส์ร่วมกับวง Quincy Jones Big Band

ฮาร์ดป็อบ

Hard bop (อังกฤษ - hard, hard bop) เป็นดนตรีแจ๊สประเภทหนึ่งที่เกิดขึ้นในยุค 50 ศตวรรษที่ XX จากป็อบ โดดเด่นด้วยจังหวะที่แสดงออกและโหดร้ายซึ่งมีพื้นฐานมาจากเพลงบลูส์ หมายถึงสไตล์ดนตรีแจ๊สสมัยใหม่ ในช่วงเวลาเดียวกับที่ดนตรีแจ๊สสุดเท่หยั่งรากในชายฝั่งตะวันตก นักดนตรีแจ๊สดีทรอยต์ ฟิลาเดลเฟีย และนิวยอร์กเริ่มพัฒนารูปแบบบีบอปแบบเก่าให้หนักขึ้นและหนักขึ้น ซึ่งเรียกว่าฮาร์ดบ็อปหรือฮาร์ดบีบอป ฮาร์ดบ็อบในทศวรรษปี 1950 และ 1960 มีความคล้ายคลึงกับบีบ็อปแบบดั้งเดิมอย่างใกล้ชิดในด้านความดุดันและความต้องการทางเทคนิค โดยอาศัยรูปแบบเพลงมาตรฐานน้อยลง และเริ่มให้ความสำคัญกับองค์ประกอบเพลงบลูส์และการขับเคลื่อนจังหวะมากขึ้น การเล่นโซโล่เดี่ยวหรือความเชี่ยวชาญในการแสดงด้นสดพร้อมกับความรู้สึกประสานเสียงที่แข็งแกร่งเป็นคุณสมบัติที่มีความสำคัญยิ่งสำหรับผู้เล่นลม กลอง และเปียโนมีความโดดเด่นมากขึ้นในส่วนของจังหวะ และเสียงเบสก็ให้ความรู้สึกที่ลื่นไหลและฟังกี้มากขึ้น (นำมาจากแหล่งที่มา " วรรณกรรมดนตรี» โคโลเมียตส์ มาเรีย)

แจ๊สแบบโมดัล

โซลแจ๊ส

ร่อง

สไตล์กรูฟที่สืบเชื้อสายมาจากโซลแจ๊ส มีท่วงทำนองบลูซี่และการเน้นจังหวะที่ยอดเยี่ยม บางครั้งเรียกอีกอย่างว่า "ฟังค์" กรู๊ฟจะเน้นไปที่การรักษารูปแบบจังหวะที่มีลักษณะต่อเนื่อง แต่งแต้มด้วยเครื่องดนตรีสีอ่อนและบางครั้งก็แต่งเป็นโคลงสั้น ๆ

ผลงานที่แสดงในรูปแบบกรู๊ฟเต็มไปด้วยอารมณ์สนุกสนานชวนให้ผู้ฟังมาเต้นทั้งเวอร์ชั่นช้า บลูส์ และจังหวะเร็ว การแสดงเดี่ยวยังคงอยู่ภายใต้จังหวะและเสียงโดยรวมอย่างเคร่งครัด เลขชี้กำลังที่มีชื่อเสียงที่สุดของรูปแบบนี้คือนักออร์แกน Richard "Groove" Holmes และ Shirley Scott นักเล่นแซ็กโซโฟนเทเนอร์ ยีน เอมมอนส์ และนักเป่าแซ็กโซโฟน/อัลโตแซ็กโซโฟน ลีโอ ไรท์

แจ๊สฟรี

ออร์เน็ตต์ โคลแมน นักเป่าแซ็กโซโฟน

บางทีการเคลื่อนไหวที่เป็นที่ถกเถียงกันมากที่สุดในประวัติศาสตร์ดนตรีแจ๊สอาจเกิดขึ้นพร้อมกับการกำเนิดของดนตรีแจ๊สฟรี หรือ "สิ่งใหม่" ตามที่เรียกกันในเวลาต่อมา แม้ว่าองค์ประกอบของดนตรีแจ๊สฟรีจะมีอยู่ในโครงสร้างทางดนตรีของดนตรีแจ๊สมานานก่อนที่คำนี้จะถูกบัญญัติขึ้นมา แต่องค์ประกอบดั้งเดิมส่วนใหญ่อยู่ใน "การทดลอง" ของนักประดิษฐ์เช่น Coleman Hawkins, Pee Wee Russell และ Lenny Tristano แต่เพียงแต่มุ่งสู่จุดสิ้นสุดของ ความพยายามของผู้บุกเบิกเช่นนักเป่าแซ็กโซโฟน Ornette Coleman และนักเปียโน Cecil Taylor ทิศทางนี้เป็นรูปเป็นร่างในรูปแบบอิสระ

สิ่งที่นักดนตรีสองคนนี้ พร้อมด้วยคนอื่นๆ รวมถึง John Coltrane, Albert Ayler และวงดนตรีอย่าง Sun Ra Arkestra และกลุ่มที่ชื่อว่า The Revolutionary Ensemble ประสบความสำเร็จคือการเปลี่ยนแปลงโครงสร้างและความรู้สึกของดนตรีที่หลากหลาย ในบรรดานวัตกรรมที่นำเสนอด้วยจินตนาการและดนตรีที่ยอดเยี่ยมคือการละทิ้งความก้าวหน้าของคอร์ดซึ่งทำให้ดนตรีเคลื่อนไหวไปในทิศทางใดก็ได้ พบการเปลี่ยนแปลงพื้นฐานอีกประการหนึ่งในด้านจังหวะซึ่งมีการแก้ไขหรือเพิกเฉยต่อ "สวิง" โดยสิ้นเชิง กล่าวอีกนัยหนึ่ง ชีพจร มิเตอร์ และกรูฟไม่ใช่องค์ประกอบสำคัญในการอ่านดนตรีแจ๊สอีกต่อไป องค์ประกอบสำคัญอีกประการหนึ่งเกี่ยวข้องกับความไม่มีตัวตน ในปัจจุบัน คำพูดทางดนตรีไม่ได้ขึ้นอยู่กับระบบวรรณยุกต์แบบเดิมๆ อีกต่อไป เสียงที่ดังทะลุทะลวง เห่า และกระตุกทำให้โลกแห่งเสียงใหม่นี้เต็มไปด้วยความสมบูรณ์

ดนตรีแจ๊สฟรียังคงมีอยู่ในปัจจุบันในฐานะรูปแบบการแสดงออกที่เป็นไปได้ และในความเป็นจริงแล้ว ไม่ได้เป็นสไตล์ที่ก่อให้เกิดความขัดแย้งเหมือนในสมัยแรกๆ อีกต่อไป

ความคิดสร้างสรรค์

การเกิดขึ้นของทิศทาง "สร้างสรรค์" เกิดจากการแทรกซึมขององค์ประกอบของการทดลองและเปรี้ยวจี๊ดเข้าสู่ดนตรีแจ๊ส จุดเริ่มต้นของกระบวนการนี้ส่วนหนึ่งเกิดขึ้นพร้อมกับการเกิดขึ้นของดนตรีแจ๊สฟรี องค์ประกอบของดนตรีแจ๊สแนวหน้าซึ่งเข้าใจว่าเป็นการเปลี่ยนแปลงและนวัตกรรมที่นำมาใช้ในดนตรีนั้นเป็น "การทดลอง" มาโดยตลอด ดังนั้นรูปแบบใหม่ของการทดลองนิยมที่นำเสนอโดยดนตรีแจ๊สในยุค 50, 60 และ 70 ถือเป็นการฉีกแนวจากประเพณีที่ต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง โดยนำเสนอองค์ประกอบใหม่ๆ ของจังหวะ โทนเสียง และโครงสร้าง ที่จริงแล้ว ดนตรีแนวเปรี้ยวจี๊ดกลายมีความหมายเหมือนกันกับรูปแบบที่เปิดกว้าง ซึ่งมีมากกว่านั้น จำแนกลักษณะได้ยากกว่าดนตรีแจ๊สฟรี โครงสร้างคำพูดที่วางแผนไว้ล่วงหน้าผสมกับวลีเดี่ยวที่อิสระกว่า ซึ่งส่วนหนึ่งชวนให้นึกถึงดนตรีแจ๊สฟรี โครงสร้างของผลงานได้รับการออกแบบเพื่อให้โซโลเป็นผลจากการเรียบเรียง ซึ่งนำไปสู่กระบวนการทางดนตรีที่ปกติจะถือว่าเป็นรูปแบบหนึ่งของนามธรรมหรือแม้แต่ความโกลาหลก็สามารถรวมอยู่ในละครเพลงได้ แต่สิ่งนี้ไม่จำเป็นเลยในช่วงปีแรก ๆ ผู้บุกเบิกกระแสนี้ ได้แก่ นักเปียโน Lenny Tristano นักเป่าแซ็กโซโฟน Jimmy Joffrey และผู้แต่งเพลง / ผู้เรียบเรียง / วาทยกร Gunther Schuller ผู้เชี่ยวชาญล่าสุด ได้แก่ นักเปียโน Paul Bley และ Andrew Hill นักเป่าแซ็กโซโฟน Anthony Braxton และ Sam Rivers มือกลอง Sunny Murray และ Andrew Cyrille และสมาชิกของชุมชน AACM (Association for the Advancement of Creative Musicians) เช่น Art Ensemble of Chicago

ฟิวชั่น

จุดเริ่มต้นไม่เพียงแต่จากการผสมผสานของดนตรีแจ๊สกับป็อปและร็อคเท่านั้น แต่ยังรวมไปถึงดนตรีที่เกิดจากพื้นที่ต่างๆ เช่น โซล ฟังก์และริธึมและบลูส์ ฟิวชั่น (หรือฟิวชั่นตามตัวอักษร) เป็นแนวดนตรีที่เกิดขึ้นในตอนท้าย - x ซึ่งเดิมเรียกว่าแจ๊ส -หิน. นักดนตรีและวงดนตรีส่วนบุคคล เช่น Eleventh House ของแลร์รี คอรีเอลล์ มือกลอง โทนี่ วิลเลียมส์ ไลฟ์ไทม์ และไมลส์ เดวิส เป็นผู้นำในการแนะนำองค์ประกอบต่างๆ เช่น อิเล็กทรอนิกา จังหวะร็อค และเพลงที่ขยายออกไป โดยขจัดสิ่งที่แจ๊ส "ยืนอยู่" ออกไปจากเพลงแจ๊สส่วนใหญ่ จุดเริ่มต้น ได้แก่ จังหวะสวิง และอิงจากดนตรีบลูส์เป็นหลัก ซึ่งเพลงดังกล่าวมีทั้งเนื้อหาแนวบลูส์และมาตรฐานยอดนิยม คำว่าฟิวชั่นถูกนำมาใช้ไม่นานหลังจากวงออเคสตราต่างๆ เกิดขึ้น เช่น วง Mahavishnu Orchestra, Weather Report และวงดนตรี Return To Forever ของ Chick Corea ตลอดดนตรีของวงดนตรีเหล่านี้ ยังคงเน้นที่ดนตรีด้นสดและทำนอง ซึ่งเชื่อมโยงการฝึกฝนของพวกเขากับประวัติศาสตร์ดนตรีแจ๊สอย่างแน่นหนา แม้ว่าผู้ว่าจะอ้างว่าพวกเขา "ขายหมด" ให้กับพ่อค้าเพลงแล้วก็ตาม อันที่จริง เมื่อได้ยินกันทุกวันนี้ การทดลองในช่วงแรกๆ เหล่านี้แทบจะไม่ดูเหมือนเป็นเชิงพาณิชย์ โดยเป็นการเชิญชวนให้ผู้ฟังมีส่วนร่วมในดนตรีที่เป็นดนตรีที่มีการสนทนาสูง ในช่วงกลาง ฟิวชั่นได้พัฒนาไปสู่รูปแบบหนึ่งของดนตรีที่ฟังง่ายและ/หรือจังหวะและบลูส์ ในเชิงองค์ประกอบหรือจากมุมมองของการแสดงเขาสูญเสียความเฉียบคมส่วนสำคัญหรือแม้กระทั่งสูญเสียมันไปโดยสิ้นเชิง ในยุคนี้ นักดนตรีแจ๊สได้เปลี่ยนรูปแบบดนตรีแห่งการผสมผสานให้เป็นสื่อที่แสดงออกอย่างแท้จริง ศิลปินเช่นมือกลอง Ronald Shannon Jackson มือกีตาร์ Pat Metheny, John Scofield, John Abercrombie และ James "Blood" Ulmer รวมถึงนักเป่าแซ็กโซโฟน/นักทรัมเป็ตมากประสบการณ์ Ornette Coleman ได้สร้างสรรค์เพลงนี้ในมิติที่แตกต่างกัน

โพสต์บอป

มือกลอง อาร์ต เบลคกี้

ยุคหลังบ็อบครอบคลุมถึงดนตรีที่แสดงโดยนักดนตรีแจ๊สที่ยังคงสร้างสรรค์ผลงานในสาขาบีบอป โดยห่างไกลจากการทดลองดนตรีแจ๊สฟรีที่พัฒนาขึ้นในช่วงเวลาเดียวกันในทศวรรษ 1960 เช่นเดียวกับฮาร์ดบ็อบที่กล่าวมาข้างต้น ฟอร์มนี้อาศัยจังหวะ โครงสร้างวงดนตรี และพลังของบีบอป การผสมผสานแตรแบบเดียวกัน และละครเพลงแบบเดียวกัน รวมถึงการใช้องค์ประกอบละติน ดนตรีโพสต์บ็อปที่โดดเด่นคือการใช้องค์ประกอบของฟังค์ กรูฟ หรือโซล ซึ่งเปลี่ยนรูปแบบด้วยจิตวิญญาณแห่งยุคใหม่ โดยโดดเด่นด้วยความโดดเด่นของดนตรีป็อป บ่อยครั้งประเภทย่อยนี้มักทดลองกับบลูส์ร็อค ปรมาจารย์เช่นนักเป่าแซ็กโซโฟน Hank Mobley นักเปียโน Horace Silver มือกลอง Art Blakey และนักเป่าแตร Lee Morgan เริ่มต้นเพลงนี้ในช่วงกลางและคาดหวังว่าสิ่งที่จะกลายเป็นรูปแบบที่โดดเด่นของดนตรีแจ๊สในปัจจุบัน นอกจากท่วงทำนองที่เรียบง่ายและจังหวะที่มีชีวิตชีวามากขึ้นแล้ว ผู้ฟังยังสามารถได้ยินร่องรอยของข่าวประเสริฐ จังหวะ และบลูส์ที่ปะปนกันที่นี่ สไตล์นี้ซึ่งมีการเปลี่ยนแปลงบางอย่างในช่วงทศวรรษ 1970 ถูกนำมาใช้ในระดับหนึ่งเพื่อสร้างโครงสร้างใหม่เป็นองค์ประกอบการจัดวาง นักเป่าแซ็กโซโฟน Joe Henderson นักเปียโน McCoy Tyner และแม้แต่นักเป่าชื่อดังอย่าง Dizzy Gillespie ก็สร้างสรรค์ดนตรีในแนวเพลงที่มีทั้งความเป็นมนุษย์และน่าสนใจที่กลมกลืนกัน นักแต่งเพลงที่สำคัญที่สุดคนหนึ่งที่เกิดขึ้นในช่วงเวลานี้คือนักเป่าแซ็กโซโฟน Wayne Shorter สั้นกว่าเมื่อได้เข้าเรียนในวงดนตรีของ Art Blakey ได้บันทึกอัลบั้มที่แข็งแกร่งจำนวนหนึ่งภายใต้ชื่อของเขาเอง ชื่อของตัวเอง- พร้อมด้วยมือคีย์บอร์ด Herbie Hancock แล้ว Shorter ได้ช่วย Miles Davis สร้างวง quintet (วงดนตรีแนวโพสต์บ็อปแนวทดลองและทรงอิทธิพลที่สุดในช่วงปี 2000 คือ Davis Quintet เนื้อเรื่อง John Coltrane) ซึ่งกลายเป็นหนึ่งในกลุ่มที่สำคัญที่สุดในประวัติศาสตร์ดนตรีแจ๊ส

แจ๊สแอซิด

แจ๊ส มานุช

การแพร่กระจายของดนตรีแจ๊ส

ดนตรีแจ๊สดึงดูดความสนใจของนักดนตรีและผู้ฟังทั่วโลกมาโดยตลอด โดยไม่คำนึงถึงสัญชาติ ก็เพียงพอแล้วที่จะติดตามผลงานในยุคแรกๆ ของนักเป่าแตร Dizzy Gillespie และการสังเคราะห์ประเพณีดนตรีแจ๊สของเขากับดนตรีของชาวคิวบาผิวดำในทศวรรษ 1960 หรือการผสมผสานระหว่างดนตรีแจ๊สกับดนตรีญี่ปุ่น ยูเรเชียน และตะวันออกกลางในเวลาต่อมา ซึ่งมีชื่อเสียงในผลงานของนักเปียโน Dave Brubeck เช่นเดียวกับนักแต่งเพลงและผู้นำดนตรีแจ๊สที่ยอดเยี่ยม Duke Ellington Orchestra ซึ่งผสมผสานมรดกทางดนตรีของแอฟริกา ละตินอเมริกา และตะวันออกไกล ดนตรีแจ๊สไม่เพียงแต่ซึมซับประเพณีดนตรีตะวันตกเท่านั้น เช่น เมื่อศิลปินต่างๆ เริ่มลองร่วมงานด้วย องค์ประกอบทางดนตรีอินเดีย. ตัวอย่างของความพยายามเหล่านี้สามารถได้ยินได้ในบันทึกของนักเป่าขลุ่ย Paul Horne ที่ทัชมาฮาล หรือในสตรีมของ "ดนตรีโลก" ที่นำเสนอโดยกลุ่ม Oregon หรือโครงการ Shakti ของ John McLaughlin ดนตรีของ McLaughlin ซึ่งเดิมเป็นดนตรีแจ๊สเป็นส่วนใหญ่ เริ่มใช้เครื่องมือใหม่ที่มีต้นกำเนิดจากอินเดีย เช่น khatam หรือ tabla ในขณะที่ทำงานร่วมกับ Shakti ได้แนะนำจังหวะที่สลับซับซ้อน และใช้รูปแบบ raga ของอินเดียอย่างแพร่หลาย Art Ensemble of Chicago เป็นผู้บุกเบิกในยุคแรกในการผสมผสานรูปแบบแอฟริกันและแจ๊ส ในเวลาต่อมา โลกได้รู้จักกับนักเป่าแซ็กโซโฟน/นักแต่งเพลง จอห์น ซอร์น และการสำรวจวัฒนธรรมดนตรีของชาวยิว ทั้งในและนอกวงมาซาดาออร์เคสตรา ผลงานเหล่านี้เป็นแรงบันดาลใจให้กับนักดนตรีแจ๊สคนอื่นๆ ทั้งกลุ่ม เช่น นักคีย์บอร์ด John Medeski ซึ่งบันทึกเสียงร่วมกับนักดนตรีชาวแอฟริกัน Salif Keita นักกีตาร์ Marc Ribot และมือเบส Anthony Coleman นักเป่าแตร Dave Douglas ผสมผสานอิทธิพลของบอลข่านเข้ากับดนตรีของเขาอย่างกระตือรือร้น ในขณะที่วง Asian-American Jazz Orchestra ได้กลายเป็นผู้นำเสนอชั้นนำของการบรรจบกันของดนตรีแจ๊สและรูปแบบดนตรีของเอเชีย ในขณะที่กระแสโลกาภิวัตน์ของโลกยังคงดำเนินต่อไป ดนตรีแจ๊สยังคงได้รับอิทธิพลจากประเพณีดนตรีอื่นๆ เป็นแหล่งอาหารอันอุดมสมบูรณ์สำหรับการวิจัยในอนาคต และเป็นการพิสูจน์ว่าดนตรีแจ๊สคือดนตรีระดับโลกอย่างแท้จริง

ดนตรีแจ๊สในสหภาพโซเวียตและรัสเซีย

ครั้งแรกใน RSFSR
วงออเคสตราประหลาด
วงดนตรีแจ๊สของ Valentin Parnakh

ในจิตสำนึกของมวลชน ดนตรีแจ๊สเริ่มได้รับความนิยมอย่างกว้างขวางในช่วงทศวรรษที่ 30 โดยส่วนใหญ่ต้องขอบคุณวงดนตรีเลนินกราดที่นำโดยนักแสดงและนักร้อง Leonid Utesov และนักเป่าแตร B. Skomorovsky ภาพยนตร์ตลกยอดนิยมที่มีส่วนร่วมของเขา "Jolly Fellows" (1934 ชื่อดั้งเดิม "Jazz Comedy") อุทิศให้กับประวัติศาสตร์ของนักดนตรีแจ๊สและมีเพลงประกอบที่เกี่ยวข้อง (เขียนโดย Isaac Dunaevsky) Utyosov และ Skomorovsky ได้สร้างรูปแบบดั้งเดิมของ "thea-jazz" (ละครแจ๊ส) โดยอาศัยการผสมผสานของดนตรีกับโรงละคร โอเปเรตต้า หมายเลขเสียงร้อง และองค์ประกอบของการแสดงที่มีบทบาทอย่างมาก

ผลงานที่โดดเด่นในการพัฒนา แจ๊สโซเวียตสนับสนุนโดย Eddie Rosner - นักแต่งเพลง นักดนตรี และผู้นำวงออเคสตรา เริ่มต้นอาชีพของเขาในเยอรมนี โปแลนด์ และอื่นๆ ประเทศในยุโรป Rosner ย้ายไปที่สหภาพโซเวียตและกลายเป็นหนึ่งในผู้บุกเบิกวงสวิงในสหภาพโซเวียตและเป็นผู้ก่อตั้งดนตรีแจ๊สเบลารุส กลุ่มมอสโกในยุค 30 และ 40 นำโดย Alexander Tsfasman และ Alexander Varlamov ก็มีบทบาทสำคัญในการทำให้เป็นที่นิยมและการพัฒนาสไตล์สวิง All-Union Radio Jazz Orchestra ดำเนินการโดย A. Varlamov เข้าร่วมในรายการโทรทัศน์โซเวียตรายการแรก การเรียบเรียงเพลงเดียวที่รอดพ้นจากเวลานั้นคือวงออเคสตราของ Oleg Lundstrem วงดนตรีขนาดใหญ่ที่เป็นที่รู้จักกันอย่างแพร่หลายในปัจจุบันนี้เป็นหนึ่งในวงดนตรีไม่กี่วงและดีที่สุด วงดนตรีแจ๊สชาวรัสเซียพลัดถิ่น พูดในปี 1935-1947 ในประเทศจีน

ทัศนคติของทางการโซเวียตที่มีต่อดนตรีแจ๊สนั้นคลุมเครือ: ตามกฎแล้วนักแสดงแจ๊สในประเทศไม่ได้ถูกห้าม แต่การวิพากษ์วิจารณ์ดนตรีแจ๊สอย่างรุนแรงเช่นนี้แพร่หลายในบริบทของการต่อต้านวัฒนธรรมตะวันตกโดยทั่วไป ในช่วงปลายยุค 40 ในระหว่างการต่อสู้กับลัทธิสากลนิยม ดนตรีแจ๊สในสหภาพโซเวียตกำลังเผชิญกับช่วงเวลาที่ยากลำบากเป็นพิเศษ เมื่อกลุ่มที่แสดงดนตรี "ตะวันตก" ถูกข่มเหง เมื่อเริ่ม "ละลาย" การข่มเหงนักดนตรีก็หยุดลง แต่การวิพากษ์วิจารณ์ยังคงดำเนินต่อไป

จากการวิจัยประวัติศาสตร์และศาสตราจารย์วัฒนธรรมอเมริกัน เพนนี แวน เอสเชน กระทรวงการต่างประเทศสหรัฐฯ พยายามใช้ดนตรีแจ๊สเป็นอาวุธในอุดมคติเพื่อต่อต้านสหภาพโซเวียต และต่อต้านการขยายอิทธิพลของโซเวียตไปสู่โลกที่สาม

หนังสือเล่มแรกเกี่ยวกับดนตรีแจ๊สในสหภาพโซเวียตจัดพิมพ์โดยสำนักพิมพ์เลนินกราด Academia ในปี 2469 รวบรวมโดยนักดนตรี Semyon Ginzburg จากการแปลบทความโดยนักแต่งเพลงชาวตะวันตกและนักวิจารณ์เพลงรวมถึงเนื้อหาของเขาเองและถูกเรียกว่า " วงดนตรีแจ๊สและ ดนตรีสมัยใหม่ » .
หนังสือเล่มต่อไปเกี่ยวกับดนตรีแจ๊สตีพิมพ์ในสหภาพโซเวียตในช่วงต้นทศวรรษ 1960 เท่านั้น เขียนโดย Valery Mysovsky และ Vladimir Feiertag เรียกว่า " แจ๊ส” และโดยพื้นฐานแล้วเป็นการรวบรวมข้อมูลที่สามารถหาได้จากแหล่งต่างๆ ในขณะนั้น ตั้งแต่นั้นเป็นต้นมางานเริ่มในสารานุกรมแจ๊สในภาษารัสเซียฉบับแรกซึ่งตีพิมพ์ในปี 2544 โดยสำนักพิมพ์ Skifia ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเท่านั้น สารานุกรม” แจ๊ส ศตวรรษที่ XX หนังสืออ้างอิงสารานุกรม"จัดทำโดย Vladimir Feyertag นักวิจารณ์ดนตรีแจ๊สที่น่าเชื่อถือที่สุดคนหนึ่งซึ่งมีชื่อบุคคลในดนตรีแจ๊สมากกว่าหนึ่งพันชื่อและได้รับการยอมรับอย่างเป็นเอกฉันท์ว่าเป็นหนังสือภาษารัสเซียหลักเกี่ยวกับดนตรีแจ๊ส เมื่อปี พ.ศ. 2551 สารานุกรมฉบับพิมพ์ครั้งที่ 2” แจ๊ส หนังสืออ้างอิงสารานุกรม" ซึ่งเป็นที่ที่ประวัติศาสตร์ดนตรีแจ๊สดำเนินมาจนถึงศตวรรษที่ 21 มีการเพิ่มภาพถ่ายหายากหลายร้อยภาพ และรายชื่อชื่อดนตรีแจ๊สก็เพิ่มขึ้นเกือบหนึ่งในสี่

แจ๊สละตินอเมริกา

การผสมผสานขององค์ประกอบจังหวะละตินมีอยู่ในดนตรีแจ๊สเกือบตั้งแต่จุดเริ่มต้นของการหลอมรวมวัฒนธรรมที่เริ่มต้นในนิวออร์ลีนส์ Jelly Roll Morton พูดถึง "รสชาติแบบสเปน" ในการบันทึกในช่วงกลางถึงปลายเดือน Duke Ellington และหัวหน้าวงดนตรีแจ๊สคนอื่นๆ ก็ใช้รูปแบบละตินเช่นกัน มาริโอ โบซา ผู้ให้กำเนิดดนตรีแจ๊สละตินรายใหญ่ (แม้ว่าจะไม่เป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวาง) ได้นำดนตรีแนวคิวบาจากฮาวานาบ้านเกิดของเขามาสู่วงออเคสตราของชิก เวบบ์ในยุค 's และอีกหนึ่งทศวรรษต่อมา เขาก็นำมันไปฟังในวงออเคสตราของดอน เรดแมน, เฟลทเชอร์ เฮนเดอร์สัน และแค็บ คัลโลเวย์ การทำงานร่วมกับนักเป่าแตร Dizzy Gillespie ในวง Calloway Orchestra ตั้งแต่ช่วงปลายยุค Bausa ได้แนะนำแนวทางที่เชื่อมโยงโดยตรงกับวงดนตรีใหญ่ของ Gillespie ในช่วงกลาง "เรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ " ของ Gillespie กับรูปแบบดนตรีละตินดำเนินต่อไปตลอดชีวิตการทำงานอันยาวนานของเขา ในปี 2010 Bausa ยังคงสานต่ออาชีพของเขาด้วยการเป็นผู้อำนวยการดนตรีของ Machito Orchestra ของ Afro-Cuban โดยมีพี่เขยของเขา Frank "Machito" Grillo นักเคาะจังหวะ ในช่วงทศวรรษที่ 1950-1960 มีการเกี้ยวพาราสีกันอย่างยาวนานระหว่างจังหวะแจ๊สและละติน โดยส่วนใหญ่อยู่ในทิศทางของบอสซาโนวา ซึ่งทำให้การสังเคราะห์นี้สมบูรณ์ขึ้นด้วยองค์ประกอบของแซมบ้าของบราซิล การผสมผสานสไตล์แจ๊สสุดเท่ที่พัฒนาโดยนักดนตรีฝั่งตะวันตก จังหวะคลาสสิกของยุโรปและจังหวะบราซิลที่เย้ายวนใจ บอสซาโนวา หรือที่เรียกอีกอย่างว่า "ดนตรีแจ๊สบราซิล" กลายเป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวางในสหรัฐอเมริกาประมาณปี 1995 จังหวะที่ละเอียดอ่อนแต่สะกดจิต กีตาร์อะคูสติกเน้นท่วงทำนองเรียบง่ายที่ร้องทั้งภาษาโปรตุเกสและภาษาอังกฤษ ค้นพบโดยชาวบราซิล João Gilberto และ Antonio Carlos Jobin สไตล์นี้กลายเป็นทางเลือกในการเต้นแทนฮาร์ดป็อปและฟรีแจ๊สในช่วงทศวรรษ 1980 ซึ่งขยายความนิยมอย่างมากผ่านการบันทึกเสียงและการแสดงของนักดนตรีชายฝั่งตะวันตก เช่น นักกีตาร์ Charlie Byrd และนักเป่าแซ็กโซโฟน Stan Getz การผสมผสานทางดนตรีของอิทธิพลของละตินแพร่กระจายผ่านทางดนตรีแจ๊สและไกลออกไปสู่ 's และ 's รวมถึงไม่เพียงแต่ออเคสตร้าและวงดนตรีที่มีการแสดงด้นสดลาตินชั้นยอดเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการผสมผสานระหว่างนักแสดงพื้นเมืองและละติน ทำให้เกิดดนตรีบนเวทีที่น่าตื่นเต้นที่สุด . ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาดนตรีแจ๊สลาตินใหม่นี้ได้รับแรงหนุนจากการไหลเข้าของดนตรีแจ๊สอย่างต่อเนื่อง นักแสดงต่างชาติจากบรรดาผู้แปรพักตร์ชาวคิวบา เช่น นักเป่าแตร อาร์ตูโร แซนโดวัล นักเป่าแซ็กโซโฟนและนักปี่ชวา Paquito D'Rivera และคนอื่นๆ ที่หนีออกจากระบอบการปกครองของฟิเดล คาสโตรเพื่อค้นหาโอกาสที่มากขึ้น ซึ่งพวกเขาหวังว่าจะพบในนิวยอร์กและฟลอริดา เชื่อกันว่าคุณสมบัติที่เข้มข้นและสามารถเต้นได้มากขึ้นของดนตรีแจ๊สลาตินแบบหลายจังหวะทำให้ผู้ฟังแจ๊สขยายวงกว้างขึ้นอย่างมาก จริงอยู่โดยยังคงรักษาสัญชาตญาณขั้นต่ำไว้สำหรับการรับรู้ทางปัญญา

แจ๊สในโลกสมัยใหม่

ส่วนนี้อาจมีงานวิจัยต้นฉบับ

แจ๊สเป็นดนตรีประเภทพิเศษที่ได้รับความนิยมเป็นพิเศษในสหรัฐอเมริกา ในขั้นต้นดนตรีแจ๊สเป็นดนตรีของพลเมืองผิวดำของสหรัฐอเมริกา แต่ต่อมาทิศทางนี้ได้ซึมซับสไตล์ดนตรีที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงซึ่งพัฒนาขึ้นในหลายประเทศ เราจะพูดถึงการพัฒนานี้

ลักษณะที่สำคัญที่สุดของดนตรีแจ๊สทั้งในยุคแรกและปัจจุบันคือจังหวะ ท่วงทำนองแจ๊สผสมผสานองค์ประกอบของดนตรีแอฟริกันและยุโรป แต่ดนตรีแจ๊สได้รับความกลมกลืนมาด้วย อิทธิพลของยุโรป- องค์ประกอบพื้นฐานประการที่สองของดนตรีแจ๊สจนถึงทุกวันนี้คือการด้นสด ดนตรีแจ๊สมักเล่นโดยไม่มีทำนองที่เตรียมไว้: เฉพาะในระหว่างเกมเท่านั้นที่นักดนตรีเลือกทิศทางใดทิศทางหนึ่งโดยให้แรงบันดาลใจแก่เขา ดังนั้นต่อหน้าต่อตาผู้ฟังในขณะที่นักดนตรีกำลังเล่นดนตรีก็ถือกำเนิดขึ้น

หลายปีที่ผ่านมา ดนตรีแจ๊สได้เปลี่ยนแปลงไป แต่ก็ยังคงรักษาคุณสมบัติพื้นฐานไว้ได้ การสนับสนุนอันล้ำค่าในทิศทางนี้เกิดขึ้นจาก "บลูส์" ที่รู้จักกันดี - ท่วงทำนองที่ดึงออกมาซึ่งเป็นลักษณะของคนผิวดำเช่นกัน ณ จุดนี้ เพลงบลูส์ส่วนใหญ่เป็น ส่วนสำคัญรูปแบบของดนตรีแจ๊ส ในความเป็นจริง ดนตรีบลูส์มีอิทธิพลพิเศษไม่เพียงแต่ในดนตรีแจ๊สเท่านั้น ร็อกแอนด์โรล คันทรี่และตะวันตกก็ใช้ลวดลายของบลูส์ด้วย

เมื่อพูดถึงดนตรีแจ๊สจำเป็นต้องพูดถึงเมืองนิวออร์ลีนส์ในอเมริกา Dixieland หรือที่เรียกกันว่าดนตรีแจ๊สนิวออร์ลีนส์ เป็นวงดนตรีแนวแรกที่ผสมผสานแนวเพลงบลูส์ เพลงคริสตจักรสีดำ และองค์ประกอบของดนตรีพื้นบ้านของยุโรป
ต่อมาวงสวิงก็ปรากฏขึ้น (เรียกอีกอย่างว่าแจ๊สในสไตล์ "บิ๊กแบนด์") ซึ่งก็ได้รับการพัฒนาอย่างกว้างขวางเช่นกัน ในช่วงทศวรรษที่ 40 และ 50 "ดนตรีแจ๊สสมัยใหม่" ได้รับความนิยมอย่างมาก ซึ่งเป็นการผสมผสานระหว่างท่วงทำนองและเสียงประสานที่ซับซ้อนมากกว่าดนตรีแจ๊สยุคแรก แนวทางใหม่ในการเข้าจังหวะได้เกิดขึ้นแล้ว นักดนตรีพยายามสร้างผลงานใหม่โดยใช้จังหวะที่แตกต่างกันดังนั้นเทคนิคการตีกลองจึงซับซ้อนมากขึ้น

ดนตรีแจ๊ส "คลื่นลูกใหม่" กวาดล้างโลกในยุค 60 ถือเป็นดนตรีแจ๊สแห่งการแสดงด้นสดที่กล่าวมาข้างต้น เมื่อออกไปแสดง วงออเคสตราไม่สามารถคาดเดาได้ว่าการแสดงของพวกเขาจะเป็นไปในทิศทางใดและในจังหวะใด ไม่มีผู้เล่นแจ๊สคนใดรู้ล่วงหน้าว่าเมื่อใดจะมีการเปลี่ยนแปลงจังหวะและความเร็วของการแสดง และต้องกล่าวด้วยว่าพฤติกรรมดังกล่าวของนักดนตรีไม่ได้หมายความว่าดนตรีนั้นทนไม่ไหว แต่กลับกลายเป็นแนวทางใหม่ในการแสดงท่วงทำนองที่มีอยู่แล้ว เมื่อติดตามพัฒนาการของดนตรีแจ๊ส เราจึงมั่นใจได้ว่าเป็นดนตรีที่เปลี่ยนแปลงอยู่ตลอดเวลา แต่ก็ไม่สูญเสียรากฐานตลอดหลายปีที่ผ่านมา

สรุป:

ในตอนแรก ดนตรีแจ๊สเป็นดนตรีของคนผิวดำ
สองหลักการของท่วงทำนองแจ๊สทั้งหมด: จังหวะและด้นสด;
บลูส์ - มีส่วนช่วยอย่างมากในการพัฒนาดนตรีแจ๊ส
แจ๊สนิวออร์ลีนส์ (Dixieland) ผสมผสานบลูส์ เพลงคริสตจักร และยุโรป เพลงพื้นบ้าน;
สวิงเป็นทิศทางของดนตรีแจ๊ส
ด้วยการพัฒนาของดนตรีแจ๊ส จังหวะจึงมีความซับซ้อนมากขึ้น และในยุค 60 วงออเคสตร้าแจ๊สก็กลับมาดื่มด่ำกับการแสดงด้นสดอีกครั้งระหว่างการแสดง

อิบราเชวา อลีนา และกัซกีเรวา มาลิกา

การนำเสนอในหัวข้อ "แจ๊ส" ซึ่งพูดถึงที่มาของนวัตกรรมของดนตรีแจ๊สและความหลากหลายของดนตรีแจ๊ส

ดาวน์โหลด:

ดูตัวอย่าง:

หากต้องการใช้ตัวอย่างการนำเสนอ ให้สร้างบัญชีสำหรับตัวคุณเอง ( บัญชี) Google และเข้าสู่ระบบ: https://accounts.google.com

คำอธิบายสไลด์:

การเคลื่อนไหวหลัก ดนตรีแจ๊สหลากหลาย เรียบเรียงโดย: Alina Ibrasheva และ Malika Gazgireeva ชั้นประถมศึกษาปีที่ 7 โรงเรียนหมายเลข 28 ครู: Kolotova Tamara Gennadievna

ดนตรีแจ๊สเป็นศิลปะดนตรีรูปแบบหนึ่งที่เกิดขึ้นในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 ในสหรัฐอเมริกา เป็นผลจากการสังเคราะห์วัฒนธรรมแอฟริกันและยุโรป และต่อมาก็แพร่หลาย ลักษณะเฉพาะของภาษาดนตรีแจ๊สในขั้นต้นคือการด้นสด, จังหวะหลายจังหวะตามจังหวะที่ประสานกัน และชุดเทคนิคเฉพาะสำหรับการแสดงพื้นผิวเป็นจังหวะ - การสวิง แจ๊สคืออะไร?

ต้นกำเนิดของดนตรีแจ๊สมีความเชื่อมโยงกับดนตรีบลูส์ มันเกิดขึ้นในตอนท้ายของศตวรรษที่ 19 โดยเป็นการผสมผสานระหว่างจังหวะแอฟริกันและความกลมกลืนของยุโรป แต่ควรค้นหาต้นกำเนิดของมันตั้งแต่ช่วงเวลาที่นำเข้าทาสจากแอฟริกาไปยังดินแดนของโลกใหม่ ดนตรีแอฟริกันมีลักษณะเป็นจังหวะที่ซับซ้อนมาก ดนตรีจะมาพร้อมกับการเต้นรำเสมอซึ่งประกอบด้วยการกระทืบและปรบมืออย่างรวดเร็ว ความจำเป็นในการรวมเข้าด้วยกันนำไปสู่การรวมหลายวัฒนธรรมเข้าด้วยกัน - เพื่อสร้างวัฒนธรรมเดียวของชาวแอฟริกันอเมริกัน กระบวนการผสมผสานวัฒนธรรมแอฟริกันและยุโรปเกิดขึ้นตั้งแต่ศตวรรษที่ 18 และในศตวรรษที่ 19 นำไปสู่การกำเนิดของ "โปรโตแจ๊ส" จากนั้นก็เป็นแจ๊ส ต้นกำเนิด

คำนี้มีสองความหมาย ประการแรก มันเป็นวิธีการแสดงออกในดนตรีแจ๊ส ลักษณะเฉพาะของการเต้นเป็นจังหวะโดยพิจารณาจากความเบี่ยงเบนคงที่ของจังหวะจากจังหวะที่รองรับ ด้วยเหตุนี้ ความรู้สึกถึงพลังงานภายในอันยิ่งใหญ่จึงถูกสร้างขึ้น ซึ่งอยู่ในสภาวะสมดุลที่ไม่เสถียร ประการที่สอง รูปแบบของดนตรีแจ๊สออเคสตราซึ่งพัฒนาขึ้นในช่วงเปลี่ยนทศวรรษที่ 1920 และ 30 อันเป็นผลมาจากการสังเคราะห์ดนตรีแจ๊สในรูปแบบนิโกรและยุโรป นักแสดง: โจ พาส, แฟรงค์ ซินาตร้า, เบนนี่ กู๊ดแมน, นอราห์ โจนส์, มิเชล เลแกรนด์, ออสการ์ ปีเตอร์สัน, ไอค์ ควิเบก, เปาลินโญ่ ดา คอสต้า, วินตัน มาร์ซาลิส เซปเต็ต, มิลส์ บราเธอร์ส, สเตฟาน กรัปเปลลี แกว่ง

สไตล์ดนตรีแจ๊ส แนวทางสร้างสรรค์เชิงทดลองในดนตรีแจ๊ส ซึ่งส่วนใหญ่เกี่ยวข้องกับการฝึกฝนวงดนตรีขนาดเล็ก (คอมโบ) ซึ่งพัฒนาขึ้นในช่วงต้นถึงกลางทศวรรษที่ 40 ของศตวรรษที่ 20 และนำไปสู่ยุคของดนตรีแจ๊สสมัยใหม่ โดดเด่นด้วยจังหวะที่รวดเร็วและการแสดงด้นสดที่ซับซ้อน ช่วงบีบอปถือเป็นการเปลี่ยนแปลงครั้งสำคัญในการเน้นดนตรีแจ๊สจากเพลงแดนซ์ยอดนิยมไปสู่เพลงที่มีศิลปะขั้นสูง นักดนตรีหลัก: นักเป่าแซ็กโซโฟน Charlie Parker, นักเป่าแตร Dizzy Gillespie, นักเปียโน Bud Powell และ Thelonious Monk, มือกลอง Max Roach ตะบัน

วงดนตรีขนาดใหญ่รูปแบบคลาสสิกที่ก่อตั้งขึ้นเป็นที่รู้จักในวงการดนตรีแจ๊สมาตั้งแต่ต้นทศวรรษ 1920 แบบฟอร์มนี้ยังคงมีความเกี่ยวข้องจนถึงช่วงปลายทศวรรษที่ 1940 นักดนตรีที่เข้าร่วมวงดนตรีใหญ่ๆ ส่วนใหญ่เล่นท่อนที่เฉพาะเจาะจงมาก ไม่ว่าจะจดจำในการซ้อมหรือจากโน้ตก็ตาม การเรียบเรียงอย่างระมัดระวังประกอบกับท่อนทองเหลืองขนาดใหญ่และเครื่องเป่าลมไม้ทำให้เกิดเสียงประสานของดนตรีแจ๊สที่เข้มข้น และสร้างเสียงที่ดังอย่างเร้าใจซึ่งกลายเป็นที่รู้จักในชื่อ "เสียงของวงดนตรีขนาดใหญ่" ที่มีชื่อเสียงที่สุด: Benny Goodman, Count Basie, Artie Shaw, Chick Webb, Glen Miller, Tommy Dorsey, Jimmy Lunsford วงใหญ่

หลังจากการสิ้นสุดของความนิยมของวงออเคสตราขนาดใหญ่ในยุคของวงดนตรีขนาดใหญ่ เมื่อดนตรีของวงออเคสตราขนาดใหญ่บนเวทีเริ่มอัดแน่นไปด้วยวงดนตรีแจ๊สขนาดเล็ก เพลงสวิงก็ยังคงได้ยินต่อไป หลังจากการแสดงคอนเสิร์ตในห้องบอลรูม นักสวิงเดี่ยวที่มีชื่อเสียงหลายคนชอบเล่นสนุกในคลับเล็กๆ บนถนน 52nd Street ในนิวยอร์ก ยิ่งไปกว่านั้น คนเหล่านี้ไม่เพียงแต่ทำงานเป็น "ผู้ควบคุมวง" ในวงออเคสตราขนาดใหญ่ เช่น เบ็น เว็บสเตอร์, โคลแมน ฮอว์กินส์ ซึ่งในตอนแรกเป็นศิลปินเดี่ยว และไม่ใช่แค่วาทยากรเท่านั้น ยังมองหาโอกาสที่จะเล่นแยกจากวงดนตรีใหญ่ของพวกเขาในวงเล็ก ๆ องค์ประกอบ. กระแสหลัก

แม้ว่าประวัติศาสตร์ของดนตรีแจ๊สจะเริ่มต้นขึ้นในนิวออร์ลีนส์ด้วยการถือกำเนิดของศตวรรษที่ 20 แต่ดนตรีก็เริ่มได้รับความนิยมอย่างมากในช่วงต้นทศวรรษ 1920 เมื่อนักเป่าแตร หลุยส์ อาร์มสตรอง ออกจากนิวออร์ลีนส์เพื่อสร้างดนตรีแนวใหม่ที่ปฏิวัติวงการในชิคาโก การอพยพของปรมาจารย์ด้านดนตรีแจ๊สแห่งนิวออร์ลีนส์ไปยังนิวยอร์ก ซึ่งเริ่มขึ้นหลังจากนั้นไม่นาน ถือเป็นแนวโน้มของการเคลื่อนไหวอย่างต่อเนื่องของนักดนตรีแจ๊สจากทางใต้สู่ทางเหนือ ชิคาโกนำดนตรีของนิวออร์ลีนส์มาสร้างความร้อนแรง โดยไม่เพียงแต่เพิ่มความเข้มข้นจากวงดนตรี Hot Five และ Hot Seven อันโด่งดังของ Armstrong เท่านั้น แต่ยังรวมถึงวงดนตรีอื่นๆ ด้วย แจ๊สอีสาน. ก้าวย่าง

ความเข้มข้นและความกดดันสูงของบีบอปเริ่มลดลงตามการพัฒนาของดนตรีแจ๊สสุดเท่ เริ่มต้นในช่วงปลายทศวรรษที่ 1940 และต้นทศวรรษ 1950 นักดนตรีเริ่มพัฒนาแนวทางการแสดงด้นสดที่มีความรุนแรงน้อยลงและนุ่มนวลขึ้น โดยจำลองมาจากการเล่นแบบแห้งๆ เบาๆ ของนักเป่าแซ็กโซโฟนเทเนอร์ เลสเตอร์ ยัง ในช่วงที่เขาเล่นสวิง ผลลัพธ์ที่ได้คือเสียงที่แยกออกจากกันและสม่ำเสมอ โดยอิงจาก "ความเย็น" ทางอารมณ์ Trumpeter Miles Davis หนึ่งในผู้บุกเบิกบีบ็อพที่ทำให้เย็นลง กลายเป็นผู้ริเริ่มที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของแนวเพลงประเภทนี้ โนเน็ตของเขาซึ่งบันทึกอัลบั้ม "The Birth of a Cool" ในปี พ.ศ. 2492-2493 ถือเป็นศูนย์รวมของการแต่งบทเพลงและความยับยั้งชั่งใจของดนตรีแจ๊สสุดเท่ คูล (แจ๊สสุดเท่)

ควบคู่ไปกับการเกิดขึ้นของ bebop แนวเพลงใหม่กำลังพัฒนาในหมู่ดนตรีแจ๊ส - ดนตรีแจ๊สแบบโปรเกรสซีฟหรือเพียงแค่โปรเกรสซีฟ ความแตกต่างที่สำคัญของแนวเพลงนี้คือความปรารถนาที่จะหลีกหนีจากความคิดโบราณที่แช่แข็งของวงดนตรีขนาดใหญ่และเทคนิคที่ล้าสมัยและล้าสมัยของสิ่งที่เรียกว่า ซิมโฟนิกแจ๊ส เปิดตัวในปี ค.ศ. 1920 โดยพอล ไวท์แมน ผู้สร้างที่ก้าวหน้าไม่ได้พยายามปฏิเสธประเพณีดนตรีแจ๊สที่พัฒนาขึ้นในขณะนั้นอย่างถึงที่สุด ซึ่งต่างจาก Boppers การมีส่วนร่วมที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในการพัฒนาแนวคิด "ก้าวหน้า" เกิดขึ้นโดยนักเปียโนและผู้ควบคุมวง Stan Kenton ดนตรีแจ๊สแบบก้าวหน้าในช่วงต้นทศวรรษที่ 1940 เริ่มต้นจากผลงานชิ้นแรกของเขา เสียงดนตรีที่แสดงโดยวงออเคสตราชุดแรกของเขาใกล้เคียงกับรัคมานินอฟและการเรียบเรียงก็มีลักษณะของแนวโรแมนติกตอนปลาย ดนตรีแจ๊สแบบก้าวหน้า

โซลแจ๊ส (อังกฤษโซล - โซล) - ดนตรีโซลในความหมายกว้างบางครั้งเรียกว่าดนตรีสีดำทั้งหมดที่เกี่ยวข้องกับประเพณีบลูส์ โดดเด่นด้วยการพึ่งพาประเพณีของเพลงบลูส์และนิทานพื้นบ้านของชาวแอฟริกันอเมริกัน โซลแจ๊สเป็นเครือญาติใกล้ชิดของฮาร์ดบ็อป โดยมีมินิฟอร์แมตออร์แกนขนาดเล็กเกิดขึ้นในช่วงกลางทศวรรษ 1950 และยังคงแสดงต่อไปจนถึงทศวรรษ 1970 ดนตรีโซล-แจ๊สมีพื้นฐานมาจากเพลงบลูส์และกอสเปลที่สอดประสานกับจิตวิญญาณของชาวแอฟริกันอเมริกัน โซลแจ๊ส

บางทีการเคลื่อนไหวที่เป็นที่ถกเถียงกันมากที่สุดในประวัติศาสตร์ดนตรีแจ๊สอาจเกิดขึ้นพร้อมกับการกำเนิดของดนตรีแจ๊สฟรี หรือ "สิ่งใหม่" ตามที่เรียกกันในเวลาต่อมา แม้ว่าองค์ประกอบของดนตรีแจ๊สฟรีจะมีอยู่ในโครงสร้างทางดนตรีของดนตรีแจ๊สมานานก่อนที่จะมีการบัญญัติคำนี้ขึ้นมา แต่ก็เป็นองค์ประกอบดั้งเดิมที่สุดใน "การทดลอง" ของนักประดิษฐ์เช่น Coleman Hawkins, Pee Wee Russell และ Lenny Tristano แต่ไม่ถึงช่วงปลายทศวรรษปี 1950 จนถึงช่วงปลายทศวรรษปี 1950 ความพยายามของผู้บุกเบิกเช่นนักเป่าแซ็กโซโฟน Ornette Coleman และนักเปียโน Cecil Taylor ทิศทางนี้เป็นรูปเป็นร่างในรูปแบบอิสระ แจ๊สฟรี

คำว่าแจ๊สกรดหรือแจ๊สกรดถูกใช้อย่างหลวม ๆ เพื่ออ้างถึงดนตรีที่หลากหลายมาก แม้ว่าแจ๊สแอซิดจะไม่ได้จัดประเภทอย่างถูกต้องตามกฎหมายว่าเป็นสไตล์แจ๊สที่พัฒนามาจากโครงสร้างทั่วไปของประเพณีดนตรีแจ๊ส แต่ก็ไม่สามารถละเลยได้อย่างสมบูรณ์เมื่อวิเคราะห์ความหลากหลายของแนวเพลงแจ๊ส เกิดขึ้นในปี 1987 ในวงการเต้นรำของอังกฤษ ดนตรีแจ๊สแบบกรดเป็นดนตรี สไตล์เครื่องดนตรีส่วนใหญ่ถูกสร้างขึ้นบนพื้นฐานของฟังค์ พร้อมด้วยการเพิ่มเพลงแจ๊สคลาสสิกที่คัดสรรมาแล้ว ฮิปฮอป โซล และกรู๊ฟละติน จริงๆ แล้ว สไตล์นี้คือหนึ่งในการฟื้นฟูดนตรีแจ๊สที่หลากหลาย ซึ่งได้รับแรงบันดาลใจในกรณีนี้ไม่มากนักจากการแสดงของทหารผ่านศึกที่ยังมีชีวิต แต่จากบันทึกเก่าๆ ของดนตรีแจ๊สในช่วงปลายทศวรรษ 1960 และแจ๊สฟังก์ยุคแรกๆ จากต้นทศวรรษ 1970 แจ๊สแอซิด

วิวัฒนาการมาจากสไตล์ฟิวชั่น สมูทแจ๊สละทิ้งโซโลที่มีพลังและการเพิ่มไดนามิกของสไตล์ก่อนหน้านี้ แจ๊สสมูทมีความโดดเด่นด้วยเสียงขัดเงาที่เน้นโดยเจตนาเป็นหลัก การแสดงด้นสดยังถูกแยกออกจากคลังแสงดนตรีของประเภทนี้เป็นส่วนใหญ่ ผสานกับเสียงซินธ์หลายตัวรวมกับตัวอย่างจังหวะ เสียงที่แวววาวทำให้เกิดชุดอุปกรณ์ดนตรีที่ทันสมัยและขัดเกลาสูง โดยที่ความสามัคคีของวงดนตรีมีความสำคัญมากกว่าส่วนประกอบต่างๆ ที่มีชื่อเสียงที่สุด: Michael Franks, Chris Botti, Dee Dee Bridgewater, Larry Carlton, Stanley Clarke, Bob James, Al Jarreau, Diana Krall, Bradley Lighton, Lee Ritenour, Dave Grusin, Jeff Lorber, Chuck Loeb แจ๊สสมูท

ขอบคุณสำหรับความสนใจของคุณ

แจ๊ส– ปรากฏการณ์อันเป็นเอกลักษณ์ในวัฒนธรรมดนตรีโลก รูปแบบศิลปะที่หลากหลายนี้มีต้นกำเนิดในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ (19 และ 20) ในสหรัฐอเมริกา ดนตรีแจ๊สได้กลายเป็นผลงานของวัฒนธรรมของยุโรปและแอฟริกา ซึ่งเป็นการผสมผสานระหว่างกระแสและรูปแบบอันเป็นเอกลักษณ์จากสองภูมิภาคของโลก ต่อมาดนตรีแจ๊สได้แพร่กระจายออกไปนอกสหรัฐอเมริกาและได้รับความนิยมในเกือบทุกที่ เพลงนี้มีพื้นฐานมาจากภาษาแอฟริกัน เพลงพื้นบ้านจังหวะและสไตล์ ในประวัติศาสตร์ของการพัฒนา ทิศทางนี้ดนตรีแจ๊สเป็นที่รู้จักมีหลากหลายรูปแบบและหลายประเภท ซึ่งปรากฏเมื่อมีการฝึกฝนจังหวะและฮาร์โมนิกรูปแบบใหม่ๆ

ลักษณะของดนตรีแจ๊ส

การสังเคราะห์วัฒนธรรมทางดนตรีทั้งสองเข้าด้วยกันทำให้ดนตรีแจ๊สกลายเป็นปรากฏการณ์ใหม่อย่างรุนแรงในศิลปะโลก คุณสมบัติเฉพาะของเพลงใหม่นี้คือ:

จังหวะที่ประสานกันทำให้เกิดเป็นจังหวะหลายจังหวะ
เสียงดนตรีเป็นจังหวะเป็นจังหวะ
การเบี่ยงเบนที่ซับซ้อนจากจังหวะ - สวิง
การแสดงด้นสดอย่างต่อเนื่องในการเรียบเรียง
ความหลากหลายของฮาร์โมนิค จังหวะ และจังหวะ

พื้นฐานของดนตรีแจ๊ส โดยเฉพาะอย่างยิ่งในช่วงแรกของการพัฒนาคือการด้นสดผสมผสานกับรูปแบบที่รอบคอบ (ในเวลาเดียวกัน รูปแบบขององค์ประกอบไม่จำเป็นต้องได้รับการแก้ไขที่ไหนสักแห่ง) และจากเพลงแอฟริกันนี้ สไตล์ใหม่ได้นำคุณลักษณะเฉพาะดังต่อไปนี้:

ทำความเข้าใจเครื่องดนตรีแต่ละชนิดว่าเป็นเครื่องเพอร์คัชชัน
น้ำเสียงสนทนายอดนิยมเมื่อทำการเรียบเรียง
การเลียนแบบการสนทนาที่คล้ายกันเมื่อเล่นเครื่องดนตรี

โดยทั่วไปแล้ว ดนตรีแจ๊สทุกสไตล์มีความโดดเด่นตามลักษณะท้องถิ่นของตนเอง ดังนั้นจึงมีเหตุผลที่จะพิจารณาสิ่งเหล่านี้ในบริบทของการพัฒนาทางประวัติศาสตร์

การเกิดขึ้นของดนตรีแจ๊ส แร็กไทม์ (ค.ศ. 1880-1910)

เชื่อกันว่าดนตรีแจ๊สมีต้นกำเนิดมาจากทาสผิวดำที่นำเข้าจากแอฟริกาไปยังสหรัฐอเมริกาในศตวรรษที่ 18 เนื่องจากชาวแอฟริกาที่เป็นเชลยไม่ได้มีเผ่าเดียวเป็นตัวแทน พวกเขาจึงต้องแสวงภาษาร่วมกับญาติของตนในโลกใหม่. การรวมตัวกันดังกล่าวนำไปสู่การเกิดขึ้นของวัฒนธรรมแอฟริกันที่เป็นหนึ่งเดียวในอเมริกา ซึ่งรวมถึงวัฒนธรรมทางดนตรีด้วย เฉพาะในช่วงทศวรรษที่ 1880-1890 เท่านั้นที่ทำครั้งแรก เพลงแจ๊ส- สไตล์นี้ได้รับแรงผลักดันจากความต้องการเพลงแดนซ์ยอดนิยมทั่วโลก เนื่องจากศิลปะดนตรีแอฟริกันมีอยู่มากมายด้วยการเต้นเป็นจังหวะดังกล่าว จึงเป็นเหตุให้แนวทางใหม่เกิดขึ้น. ชาวอเมริกันชนชั้นกลางหลายพันคนที่ไม่สามารถเรียนรู้การเต้นรำคลาสสิกของชนชั้นสูงได้เริ่มเต้นรำกับเปียโนแร็กไทม์ Ragtime ได้แนะนำดนตรีแจ๊สในอนาคตหลายรูปแบบ ดังนั้นตัวแทนหลักของสไตล์นี้ Scott Joplin จึงเป็นผู้เขียนองค์ประกอบ "3 ต่อ 4" (รูปแบบจังหวะข้ามเสียงที่มี 3 และ 4 หน่วยตามลำดับ)

นิวออร์ลีนส์ (ค.ศ. 1910-1920)

ดนตรีแจ๊สคลาสสิกปรากฏขึ้นเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 ในรัฐทางตอนใต้ของอเมริกา และโดยเฉพาะในนิวออร์ลีนส์ (ซึ่งก็สมเหตุสมผลเพราะการค้าทาสแพร่หลายในภาคใต้)

วงออร์เคสตราแอฟริกันและครีโอลเล่นที่นี่ โดยสร้างสรรค์ดนตรีของพวกเขาภายใต้อิทธิพลของแร็กไทม์ บลูส์ และเพลงของคนงานผิวดำ หลังจากปรากฏตัวในเมืองใหญ่มากมาย เครื่องดนตรีกลุ่มสมัครเล่นเริ่มมีกลุ่มออกมาจากวงดนตรีทหาร นักดนตรีในตำนานของนิวออร์ลีนส์ซึ่งเป็นผู้สร้างวงออเคสตราของเขาเองคือ King Oliver ก็เรียนรู้ด้วยตนเองเช่นกัน วันสำคัญในประวัติศาสตร์ดนตรีแจ๊สคือวันที่ 26 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2460 เมื่อวงดนตรีแจ๊ส Dixieland ดั้งเดิมออกแผ่นเสียงชุดแรก คุณสมบัติหลักของสไตล์นี้ถูกวางไว้ในนิวออร์ลีนส์: จังหวะของเครื่องเพอร์คัชชัน, โซโลที่เชี่ยวชาญ, การแสดงด้นสดด้วยพยางค์ - ซิ

ชิคาโก (พ.ศ. 2453-2463)

ในช่วงทศวรรษที่ 1920 ซึ่งศิลปินคลาสสิกเรียกว่า "Roaring Twenties" ดนตรีแจ๊สค่อยๆ เข้าสู่วัฒนธรรมมวลชน โดยสูญเสียชื่อที่ "น่าละอาย" และ "ไม่เหมาะสม" วงออร์เคสตราเริ่มแสดงในร้านอาหารและย้ายจากรัฐทางใต้ไปยังส่วนอื่นๆ ของสหรัฐอเมริกา ชิคาโกกลายเป็นศูนย์กลางของดนตรีแจ๊สทางตอนเหนือของประเทศ ซึ่งการแสดงฟรีทุกคืนโดยนักดนตรีได้รับความนิยม (ในระหว่างการแสดงดังกล่าว มีการแสดงด้นสดและศิลปินเดี่ยวจากภายนอกอยู่บ่อยครั้ง) การเรียบเรียงที่ซับซ้อนมากขึ้นจะปรากฏในรูปแบบของดนตรี ไอคอนดนตรีแจ๊สในเวลานี้คือ หลุยส์ อาร์มสตรอง ซึ่งย้ายจากนิวออร์ลีนส์ไปชิคาโก ต่อจากนั้นรูปแบบของทั้งสองเมืองเริ่มที่จะรวมเข้าเป็นดนตรีแจ๊สประเภทเดียว - Dixieland คุณสมบัติหลักของสไตล์นี้คือการแสดงด้นสดโดยรวมซึ่งยกระดับแนวคิดหลักของดนตรีแจ๊สให้สมบูรณ์แบบ

สวิงและวงดนตรีขนาดใหญ่ (ค.ศ. 1930-1940)

ความนิยมดนตรีแจ๊สที่เพิ่มขึ้นอย่างต่อเนื่องทำให้เกิดความต้องการให้วงออเคสตราขนาดใหญ่เล่นเพลงเต้นรำ นี่คือลักษณะที่วงสวิงปรากฏขึ้นซึ่งแสดงถึงความเบี่ยงเบนของลักษณะทั้งสองทิศทางจากจังหวะ วงสวิงกลายเป็นทิศทางสไตล์หลักในยุคนั้นโดยแสดงออกมาในผลงานของวงออเคสตรา การแสดงดนตรีประกอบการเต้นที่กลมกลืนกันจำเป็นต้องมีการเล่นวงออเคสตราที่ประสานกันมากขึ้น นักดนตรีแจ๊สได้รับการคาดหวังให้มีส่วนร่วมเท่าๆ กัน โดยไม่มีการแสดงด้นสดมากนัก (ยกเว้นการแสดงเดี่ยว) ดังนั้นการแสดงด้นสดโดยรวมของ Dixieland จึงกลายเป็นเรื่องในอดีตไปแล้ว ในช่วงทศวรรษที่ 1930 กลุ่มที่คล้ายกันก็เจริญรุ่งเรืองซึ่งเรียกว่าวงดนตรีขนาดใหญ่ ลักษณะเฉพาะของวงออเคสตราในยุคนั้นคือการแข่งขันระหว่างกลุ่มเครื่องดนตรีและส่วนต่างๆ ตามเนื้อผ้ามีสามคน: แซกโซโฟน, ทรัมเป็ต, กลอง นักดนตรีแจ๊สและวงออเคสตราที่มีชื่อเสียงที่สุด ได้แก่ Glenn Miller, Benny Goodman, Duke Ellington นักดนตรีคนสุดท้ายมีชื่อเสียงในด้านความมุ่งมั่นต่อคติชนผิวดำ

บีบ็อพ (ค.ศ. 1940)

การที่สวิงออกจากประเพณีดนตรีแจ๊สในยุคแรกๆ และโดยเฉพาะอย่างยิ่ง ท่วงทำนองและสไตล์แอฟริกันคลาสสิก ทำให้เกิดความไม่พอใจในหมู่ผู้เชี่ยวชาญด้านประวัติศาสตร์ วงดนตรีขนาดใหญ่และนักแสดงวงสวิงที่ทำงานเพื่อสาธารณะมากขึ้น เริ่มถูกต่อต้านโดยดนตรีแจ๊สของนักดนตรีผิวดำกลุ่มเล็กๆ ผู้ทดลองได้แนะนำท่วงทำนองที่เร็วเป็นพิเศษ นำการแสดงด้นสดที่ยาวนาน จังหวะที่ซับซ้อน และการควบคุมเครื่องดนตรีโซโลอันชาญฉลาดกลับมาอีกครั้ง รูปแบบใหม่ซึ่งวางตำแหน่งตัวเองเป็นพิเศษเริ่มถูกเรียกว่าบีบ็อพ ไอคอนของยุคนี้คือนักดนตรีแจ๊สผู้อุกอาจ: Charlie Parker และ Dizzy Gillespie การจลาจลของชาวอเมริกันผิวดำที่ต่อต้านการนำดนตรีแจ๊สไปสู่เชิงพาณิชย์ ความปรารถนาที่จะคืนความใกล้ชิดและเอกลักษณ์ให้กับเพลงนี้กลายเป็นประเด็นสำคัญ จากช่วงเวลานี้และจากสไตล์นี้ ประวัติศาสตร์ของดนตรีแจ๊สสมัยใหม่ก็เริ่มต้นขึ้น ขณะเดียวกัน ผู้นำวงใหญ่ก็มาเล่นออเคสตร้าเล็กๆ ด้วย เพื่อต้องการหยุดพักจากห้องโถงใหญ่ ในวงดนตรีที่เรียกว่าคอมโบ นักดนตรีดังกล่าวยึดถือสไตล์สวิง แต่ได้รับอิสระในการแสดงด้นสด

แจ๊สคูล ฮาร์ดป็อป โซลแจ๊ส และแจ๊สฟังค์ (ช่วงปี 1940-1960)

ในคริสต์ทศวรรษ 1950 แนวเพลง เช่น แจ๊ส เริ่มพัฒนาไปในสองทิศทางที่ตรงกันข้าม ผู้สนับสนุนดนตรีคลาสสิกบีบ็อปแบบ "คูลดาวน์" นำดนตรีเชิงวิชาการ โพลีโฟนี และการเรียบเรียงกลับคืนสู่แฟชั่น ดนตรีแจ๊สแนวคูลกลายเป็นที่รู้จักในเรื่องความยับยั้งชั่งใจ ความแห้งกร้าน และความเศร้าโศก ตัวแทนหลักของทิศทางดนตรีแจ๊สนี้คือ: Miles Davis, Chet Baker, Dave Brubeck แต่ทิศทางที่สองกลับตรงกันข้ามเริ่มพัฒนาแนวคิดของบีบอป สไตล์ฮาร์ดป็อบเป็นการสั่งสอนแนวคิดในการกลับคืนสู่ต้นกำเนิดของดนตรีสีดำ ท่วงทำนองพื้นบ้านแบบดั้งเดิม จังหวะที่สดใสและดุดัน โซโลที่ระเบิดอารมณ์ และการแสดงด้นสดได้กลับมาสู่แฟชั่นอีกครั้ง เป็นที่รู้จักในสไตล์ฮาร์ดบ็อป ได้แก่ Art Blakey, Sonny Rollins, John Coltrane สไตล์นี้ได้รับการพัฒนาแบบออร์แกนิกควบคู่ไปกับโซลแจ๊สและแจ๊สฟังค์ สไตล์เหล่านี้เข้าใกล้เพลงบลูส์มากขึ้น ทำให้จังหวะเป็นส่วนสำคัญของการแสดง โดยเฉพาะดนตรีแจ๊สฟังค์ได้รับการแนะนำโดย Richard Holmes และ Shirley Scott

เพลงฟรี (พ.ศ. 2503-ปัจจุบัน)

หลังจาก "แจ๊สเรเนซองส์" ในช่วงกลางทศวรรษ 1950 เมื่อสไตล์นี้มีความเท่าเทียมกับดนตรีสไตล์อื่นๆ ก็เกิดการปลดปล่อยดนตรีแจ๊สขึ้นมา มีการทดลองเพื่อค้นหาการแสดงด้นสดใหม่ มีแนวเพลงใหม่เกิดขึ้น (ฟิวชั่น - ผสมผสานกับดนตรีร็อค - ดนตรีแจ๊สร็อคและป็อป - แจ๊สป๊อป, แจ๊สฟรี - ปฏิเสธที่จะควบคุมโทนและจังหวะ) ผู้สร้างเพลงใหม่ ได้แก่ Ornette Coleman, Cecil Taylor, Pat Metheny, Wayne Shorter, Lee Wrightnaur ดนตรีแจ๊สพัฒนาขึ้นในสหภาพโซเวียตและจากนั้นใน CIS ซึ่งตัวแทนหลักคือ Valentin Parnakh (ผู้สร้างวงออเคสตราชุดแรกในประเทศ), Alexander Varlamov, Oleg Lundstrem, Konstantin Orbelyan ในโลกสมัยใหม่ การทดลองที่คล้ายกันในดนตรีแจ๊สยังคงดำเนินต่อไป สไตล์ใหม่ทั้งหมดถูกสร้างขึ้นโดยการผสมผสานวัฒนธรรมใหม่และผสมผสานกับสไตล์อื่น ๆ ปัจจุบันกำลังพัฒนานักเตะพรสวรรค์อย่างแมตส์ กุสตาฟสัน, อีวาน ปาร์กเกอร์, เบนนี่ กรีน, ชิค คอเรีย, เอลวิน โจนส์

แจ๊สเป็นขบวนการทางดนตรีที่มีต้นกำเนิดในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 ในสหรัฐอเมริกา การเกิดขึ้นนี้เป็นผลมาจากการผสมผสานระหว่างสองวัฒนธรรม: แอฟริกันและยุโรป การเคลื่อนไหวนี้จะรวมจิตวิญญาณ (บทสวดของโบสถ์) คนผิวดำชาวอเมริกัน, จังหวะลูกทุ่งแอฟริกันและทำนองที่กลมกลืนของยุโรป คุณสมบัติที่เป็นลักษณะเฉพาะของมันคือ: จังหวะที่ยืดหยุ่นซึ่งยึดตามหลักการของการซิงโครไนซ์ การใช้เครื่องเพอร์คัชชัน การแสดงด้นสด และลักษณะการแสดงที่แสดงออก โดดเด่นด้วยเสียงและความตึงเครียดแบบไดนามิก ซึ่งบางครั้งก็ถึงจุดแห่งความปีติยินดี เดิมทีแจ๊สเป็นการผสมผสานระหว่างองค์ประกอบแร็กไทม์และบลูส์ ในความเป็นจริงมันเติบโตจากสองทิศทางนี้ ประการแรกความแปลกประหลาดของสไตล์แจ๊สคือการเล่นเฉพาะบุคคลและเป็นเอกลักษณ์ของนักดนตรีแจ๊สที่ยอดเยี่ยมและการแสดงด้นสดทำให้การเคลื่อนไหวนี้มีความเกี่ยวข้องอย่างต่อเนื่อง

หลังจากที่ดนตรีแจ๊สได้ก่อตั้งขึ้น กระบวนการพัฒนาและดัดแปลงอย่างต่อเนื่องก็เริ่มขึ้น ซึ่งนำไปสู่การกำเนิดของทิศทางต่างๆ ปัจจุบันมีประมาณสามสิบคน

แจ๊สนิวออร์ลีนส์ (ดั้งเดิม)

สไตล์นี้มักจะหมายถึงดนตรีแจ๊สที่แสดงระหว่างปี 1900 ถึง 1917 อย่างแน่นอน อาจกล่าวได้ว่าเกิดขึ้นพร้อมกับการเปิด Storyville (ย่านโคมแดงของนิวออร์ลีนส์) ซึ่งได้รับความนิยมเนื่องจากมีบาร์และสถานประกอบการที่คล้ายกันซึ่งนักดนตรีที่เล่นดนตรีประสานกันสามารถหางานทำได้ตลอดเวลา วงออเคสตร้าข้างถนนที่แพร่หลายก่อนหน้านี้เริ่มถูกแทนที่ด้วยวงที่เรียกว่า "วงดนตรี Storyville" ซึ่งการเล่นได้รับความเป็นเอกเทศมากขึ้นเมื่อเทียบกับรุ่นก่อน วงดนตรีเหล่านี้ต่อมาได้กลายเป็นผู้ก่อตั้งดนตรีแจ๊สคลาสสิกของนิวออร์ลีนส์ ตัวอย่างที่ชัดเจนของนักแสดงสไตล์นี้คือ: Jelly Roll Morton (“His Red พริกร้อน"), Buddy Bolden (“ Funky Butt”), Kid Ory พวกเขาเป็นผู้ดำเนินการเปลี่ยนดนตรีพื้นบ้านแอฟริกันเป็นรูปแบบดนตรีแจ๊สยุคแรก

ชิคาโก้แจ๊ส.

ในปีพ.ศ. 2460 ก้าวสำคัญต่อไปในการพัฒนาดนตรีแจ๊สได้เริ่มต้นขึ้น โดยการปรากฏตัวของผู้อพยพจากนิวออร์ลีนส์ในชิคาโก วงออเคสตร้าแจ๊สใหม่กำลังถูกสร้างขึ้น การเล่นเป็นการนำองค์ประกอบใหม่ๆ มาสู่ดนตรีแจ๊สแบบดั้งเดิมในยุคแรกๆ นี่คือรูปแบบการแสดงอิสระของโรงเรียนการแสดงในชิคาโกซึ่งแบ่งออกเป็นสองทิศทาง: ดนตรีแจ๊สสุดฮอตของนักดนตรีผิวดำและ Dixieland ของคนผิวขาว คุณสมบัติหลักของสไตล์นี้: แต่ละท่อนเดี่ยว, การเปลี่ยนแปลงในแรงบันดาลใจอันร้อนแรง (การแสดงความสุขแบบอิสระดั้งเดิมเริ่มกังวลมากขึ้น, เต็มไปด้วยความตึงเครียด), การสังเคราะห์ (ดนตรีไม่เพียงรวมองค์ประกอบดั้งเดิมเท่านั้น แต่ยังรวมถึงแร็กไทม์ด้วย เช่นเดียวกับเพลงฮิตของอเมริกาที่มีชื่อเสียง ) และการเปลี่ยนแปลงใน การเล่นเครื่องดนตรี(บทบาทของเครื่องดนตรีและเทคนิคการแสดงเปลี่ยนไป) บุคคลพื้นฐานของการเคลื่อนไหวนี้ (“What Wonderful World”, “Moon Rivers”) และ (“Someday Sweetheart”, “Ded Man Blues”)

สวิงเป็นสไตล์ออเคสตราของดนตรีแจ๊สในช่วงทศวรรษปี ค.ศ. 1920 และ 30 ซึ่งเติบโตโดยตรงจากโรงเรียนในชิคาโก และดำเนินการโดยวงดนตรีขนาดใหญ่ (The Original Dixieland Jazz Band) โดดเด่นด้วยความโดดเด่นของดนตรีตะวันตก แยกส่วนของแซ็กโซโฟน ทรัมเป็ต และทรอมโบนปรากฏในออเคสตร้า แบนโจถูกแทนที่ด้วยกีตาร์ ทูบา และซาโซโฟน - ดับเบิลเบส ดนตรีหลุดจากการแสดงด้นสดโดยรวม นักดนตรีเล่นโดยยึดมั่นในโน้ตที่เขียนไว้ล่วงหน้าอย่างเคร่งครัด เทคนิคที่เป็นลักษณะเฉพาะคือการโต้ตอบของท่อนจังหวะกับเครื่องดนตรีอันไพเราะ ตัวแทนของทิศทางนี้: , (“ Creole Love Call”, “ The Mooche”), Fletcher Henderson (“ When Buddha Smiles”), Benny Goodman And His Orchestra, .

Bebop คือขบวนการดนตรีแจ๊สสมัยใหม่ที่เริ่มขึ้นในยุค 40 และเป็นขบวนการแนวทดลองและต่อต้านการค้า ซึ่งแตกต่างจากวงสวิง มันเป็นสไตล์ที่ชาญฉลาดมากกว่าที่เน้นการแสดงด้นสดที่ซับซ้อนมากและเน้นที่ความสามัคคีมากกว่าทำนอง ดนตรีสไตล์นี้ยังโดดเด่นด้วยจังหวะที่เร็วมาก ตัวแทนที่ฉลาดที่สุดคือ: Dizzy Gillespie, Thelonious Monk, Max Roach, Charlie Parker (“ Night In Tunisia”, “ Manteca”) และ Bud Powell

กระแสหลัก

ประกอบด้วย 3 การเคลื่อนไหว: Stride (แจ๊สตะวันออกเฉียงเหนือ), สไตล์แคนซัสซิตี้ และแจ๊สชายฝั่งตะวันตก การก้าวย่างอันร้อนแรงครองตำแหน่งสูงสุดในชิคาโก นำโดยปรมาจารย์เช่น Louis Armstrong, Andy Condon และ Jimmy Mac Partland แคนซัสซิตีโดดเด่นด้วยบทละครแนวบลูส์ ดนตรีแจ๊สฝั่งตะวันตกพัฒนาขึ้นในลอสแอนเจลิสภายใต้การนำของเขา และในที่สุดก็พัฒนาเป็นดนตรีแจ๊สสุดเท่ แจ๊สคูล (แจ๊สเย็น) ถือกำเนิดขึ้นในลอสแองเจลีสในช่วงทศวรรษที่ 50 โดยเป็นจุดหักเหของดนตรีสวิงและบีบ็อพที่ไดนามิกและหุนหันพลันแล่น เลสเตอร์ยังถือเป็นผู้ก่อตั้งสไตล์นี้ เขาเป็นผู้แนะนำรูปแบบการผลิตเสียงที่ไม่ธรรมดาสำหรับดนตรีแจ๊ส สไตล์นี้โดดเด่นด้วยการใช้งานเครื่องดนตรีไพเราะ

และความยับยั้งชั่งใจทางอารมณ์ ปรมาจารย์เช่น Miles Davis (“Blue In Green”), Gerry Mulligan (“Walking Shoes”), Dave Brubeck (“Pick Up Sticks”), Paul Desmond ทิ้งร่องรอยไว้ในเส้นเลือดนี้ Avante-Garde เริ่มมีการพัฒนาในยุค 60 สไตล์ล้ำหน้านี้มีพื้นฐานมาจากการฉีกแนวจากแบบดั้งเดิมและโดดเด่นด้วยการใช้เทคนิคทางเทคนิคใหม่ๆ และวิธีการแสดงออก สำหรับนักดนตรีในขบวนการนี้ การแสดงออกซึ่งแสดงผ่านดนตรีมาเป็นอันดับแรก นักแสดงของการเคลื่อนไหวนี้ ได้แก่ Sun Ra (“Kosmos in Blue”, “Moon Dance”), Alice Coltrane (“Ptah The El Daoud”), Archie Shepp

ดนตรีแจ๊สแบบก้าวหน้าเกิดขึ้นคู่ขนานกับบีบอปในช่วงทศวรรษที่ 40 แต่มีความโดดเด่นด้วยเทคนิคสแตคคาโตแซกโซโฟน ซึ่งเป็นการผสมผสานที่ซับซ้อนของโพลีโทนลิตี้กับการเต้นเป็นจังหวะและองค์ประกอบของดนตรีแจ๊สซิมโฟนิก ผู้ก่อตั้งเทรนด์นี้สามารถเรียกได้ว่า Stan Kenton ตัวแทนที่โดดเด่น: กิล อีแวนส์ และ บอยด์ เรย์เบิร์น

ฮาร์ดบ็อบเป็นดนตรีแจ๊สประเภทหนึ่งที่มีต้นกำเนิดมาจากบีบอป ดีทรอยต์, นิวยอร์ก, ฟิลาเดลเฟีย - สไตล์นี้เกิดในเมืองเหล่านี้ ในความก้าวร้าวมันชวนให้นึกถึงบีบอปมาก แต่องค์ประกอบบลูส์ยังคงมีอิทธิพลเหนือกว่า นักแสดงที่โดดเด่น ได้แก่ Zachary Breaux (“Uptown Groove”), Art Blakey และ The Jass Messengers

โซลแจ๊ส

คำนี้มักใช้เพื่ออธิบายดนตรีของคนผิวดำทั้งหมด โดยนำเอาเพลงบลูส์ดั้งเดิมและนิทานพื้นบ้านของชาวแอฟริกันอเมริกันมาใช้ เพลงนี้มีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยตัวเลขเบสของออสตินาโตและตัวอย่างที่ทำซ้ำเป็นจังหวะซึ่งทำให้ได้รับความนิยมอย่างกว้างขวางในหมู่ประชากรกลุ่มต่างๆ เพลงฮิตในทิศทางนี้ ได้แก่ การเรียบเรียงของ Ramsey Lewis "The In Crowd" และ Harris-McCain "Compared To What"

Groove (aka funk) เป็นหน่อของโซล แต่โดดเด่นด้วยจังหวะที่เน้น โดยพื้นฐานแล้ว ดนตรีในทิศทางนี้จะมีการใส่สีหลัก และในโครงสร้างจะประกอบด้วยส่วนต่างๆ ที่กำหนดไว้อย่างชัดเจนสำหรับเครื่องดนตรีแต่ละชิ้น การแสดงเดี่ยวเข้ากันได้อย่างลงตัวกับเสียงโดยรวมและไม่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวจนเกินไป นักแสดงสไตล์นี้คือ Shirley Scott, Richard "Groove" Holmes, Gene Emmons, Leo Wright

ความคิดสร้างสรรค์ปรากฏขึ้นเนื่องจากรูปแบบดนตรีแจ๊สที่ล้ำหน้าและแนวทดลองอย่างกว้างขวาง ดนตรีประเภทนี้เป็นเรื่องยากที่จะอธิบายลักษณะในบางแง่ เนื่องจากมีหลายแง่มุมเกินไปและรวมองค์ประกอบหลายอย่างของการเคลื่อนไหวก่อนหน้านี้เข้าด้วยกัน ผู้ติดตามคนแรกของสไตล์นี้ ได้แก่ Lenny Tristano (“Line Up”), Gunter Schuller, Anthony Braxton, Andrew Cirilla (“The Big Time Stuff”)

ฟิวชั่นผสมผสานองค์ประกอบของการเคลื่อนไหวทางดนตรีเกือบทั้งหมดที่มีอยู่ในเวลานั้น การพัฒนาที่กระตือรือร้นที่สุดเริ่มต้นขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 70 ฟิวชั่นเป็นสไตล์เครื่องดนตรีที่เป็นระบบ มีลักษณะเฉพาะด้วยลายเซ็นเวลาที่ซับซ้อน จังหวะ การเรียบเรียงที่ยาว และไม่มีเสียงร้อง รูปแบบนี้ออกแบบมาสำหรับมวลที่กว้างน้อยกว่าจิตวิญญาณและเป็นสิ่งที่ตรงกันข้ามโดยสิ้นเชิง ผู้นำเทรนด์นี้คือ Larry Corall และวง Eleventh, Tony Williams และ Lifetime (“Bobby Truck Tricks”)

แจ๊สกรด (แจ๊สกรูฟ" หรือ "คลับแจ๊ส") ถือกำเนิดขึ้นในบริเตนใหญ่ในช่วงปลายยุค 80 (รุ่งเรืองในปี 1990 - 1995) และผสมผสานเพลงฟังค์แห่งยุค 70 ดนตรีฮิปฮอปและแดนซ์แห่งยุค 90 การเกิดขึ้นของสไตล์นี้ถูกกำหนดโดยการใช้ตัวอย่างแจ๊สฟังค์อย่างแพร่หลาย ผู้ก่อตั้งคือ DJ Giles Peterson นักแสดงในทิศทางนี้ ได้แก่ Melvin Sparks (“Dig Dis”), RAD, Smoke City (“Flying Away”), Incognito และ Brand New Heavies

โพสต์-บ็อปเริ่มพัฒนาในช่วงทศวรรษที่ 50 และ 60 และมีโครงสร้างคล้ายกับฮาร์ดบ็อป โดดเด่นด้วยการปรากฏตัวขององค์ประกอบของโซล ฟังค์ และกรู๊ฟ บ่อยครั้งเมื่ออธิบายลักษณะของทิศทางนี้ พวกเขาจะวาดเส้นขนานกับบลูส์ร็อค Hank Moblin, Horace Silver, Art Blakey (“Like Someone In Love”) และ Lee Morgan (“Yesterday”), Wayne Shorter ทำงานในรูปแบบนี้

สมูทแจ๊สเป็นสไตล์แจ๊สสมัยใหม่ที่เกิดขึ้นจากการเคลื่อนไหวแบบฟิวชั่น แต่แตกต่างไปจากการตั้งใจขัดเกลาเสียง ลักษณะพิเศษของพื้นที่นี้คือการใช้เครื่องมือไฟฟ้าอย่างแพร่หลาย นักแสดงชื่อดัง: Michael Franks, Chris Botti, Dee Dee Bridgewater (“All Of Me”, “God Bless The Child”), Larry Carlton (“Dont Give It Up”)

Jazz-manush (ยิปซีแจ๊ส) เป็นขบวนการดนตรีแจ๊สที่เชี่ยวชาญด้านการแสดงกีตาร์ ผสมผสานเทคนิคกีตาร์ของชนเผ่ายิปซีกลุ่มมานุชและวงสวิง ผู้ก่อตั้งเทรนด์นี้คือพี่น้อง Ferre และ... นักแสดงที่มีชื่อเสียงที่สุด: Andreas Oberg, Barthalo, Angelo Debarre, Bireli Largen (“Stella By Starlight”, “Fiso Place”, “Autumn Leaves”)

ดนตรีแจ๊สมีต้นกำเนิดจากการผสมผสานระหว่างวัฒนธรรมดนตรีของยุโรปและแอฟริกา โดยเริ่มต้นจากโคลัมบัส ซึ่งเปิดกว้างให้กับอเมริกาแก่ชาวยุโรป วัฒนธรรมแอฟริกันซึ่งแสดงโดยทาสผิวดำที่ขนส่งจากชายฝั่งตะวันตกของแอฟริกาไปยังอเมริกาให้การแสดงดนตรีแจ๊สด้นสด ความเป็นพลาสติกและจังหวะ วัฒนธรรมยุโรป - ทำนองและความกลมกลืนของเสียง มาตรฐานรองและหลัก

ยังคงมีข้อถกเถียงกันว่าดนตรีแจ๊สถูกแสดงครั้งแรกที่ใด นักประวัติศาสตร์บางคนเชื่อว่าการเคลื่อนไหวทางดนตรีนี้เกิดขึ้นทางตอนเหนือของสหรัฐอเมริกา ซึ่งมิชชันนารีโปรเตสแตนต์เปลี่ยนคนผิวดำให้นับถือศาสนาคริสต์ และในทางกลับกัน พวกเขาก็ได้สร้างบทสวดจิตวิญญาณประเภทพิเศษที่เรียกว่า "จิตวิญญาณ" ซึ่งมีลักษณะเฉพาะด้วยอารมณ์และการแสดงด้นสด บางคนเชื่อว่าดนตรีแจ๊สมีต้นกำเนิดทางตอนใต้ของสหรัฐอเมริกา ซึ่งเป็นที่ซึ่งมีชาวอเมริกันเชื้อสายแอฟริกัน ดนตรีพื้นบ้านจัดการเพื่อรักษาเอกลักษณ์ของพวกเขาเพียงเพราะความจริงที่ว่าความคิดเห็นของชาวยุโรปชาวยุโรปที่อาศัยอยู่ในส่วนนี้ของแผ่นดินใหญ่ไม่อนุญาตให้พวกเขามีส่วนร่วมในวัฒนธรรมต่างประเทศซึ่งพวกเขาปฏิบัติด้วยความดูถูก

แม้จะมีความแตกต่างในมุมมองของนักประวัติศาสตร์ แต่ไม่ต้องสงสัยเลยว่าดนตรีแจ๊สมีต้นกำเนิดในสหรัฐอเมริกา และศูนย์กลางของดนตรีแจ๊สคือนิวออร์ลีนส์ซึ่งมีนักผจญภัยที่มีความคิดอิสระอาศัยอยู่ เมื่อวันที่ 26 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2460 ที่สตูดิโอ Victor มีการบันทึกแผ่นเสียงแผ่นแรกของวงดนตรีแจ๊ส Original Dixieland พร้อมดนตรีแจ๊ส

หลังจากที่ดนตรีแจ๊สได้ฝังแน่นอยู่ในจิตใจของผู้คน ทิศทางต่างๆ ของดนตรีแจ๊สก็เริ่มปรากฏออกมา วันนี้มีมากกว่า 30 ตัว
บางส่วน:

จิตวิญญาณ

หนึ่งในผู้ก่อตั้งดนตรีแจ๊สคือ Spirituals (อังกฤษ: Spirituals, Spiritual music) - เพลงจิตวิญญาณของชาวแอฟริกันอเมริกัน ประเภทของจิตวิญญาณเกิดขึ้นได้อย่างไรในช่วงสุดท้าย หนึ่งในสามของ XIXหลายศตวรรษในสหรัฐอเมริกาเป็นเพลงทาสที่ได้รับการดัดแปลงในหมู่คนผิวดำทางตอนใต้ของอเมริกา (ในหลายปีที่ผ่านมามีการใช้คำว่า "jubiliz")
แหล่งที่มาของจิตวิญญาณของชาวนิโกรคือเพลงสวดทางวิญญาณที่ผู้ตั้งถิ่นฐานผิวขาวนำมาสู่อเมริกา หัวข้อเรื่องจิตวิญญาณเป็นเรื่องราวในพระคัมภีร์ซึ่งปรับให้เข้ากับเงื่อนไขเฉพาะของชีวิตประจำวันและชีวิตประจำวันของคนผิวดำ และอยู่ภายใต้การประมวลผลของนิทานพื้นบ้าน พวกเขาผสมผสานองค์ประกอบที่เป็นลักษณะเฉพาะของประเพณีการแสดงของชาวแอฟริกัน (การแสดงด้นสดโดยรวม จังหวะที่มีลักษณะเฉพาะพร้อมจังหวะที่เด่นชัด เสียงกลิสแซนด์ คอร์ดที่ไม่มีอารมณ์ อารมณ์ความรู้สึกพิเศษ) เข้ากับลักษณะทางโวหารของเพลงสวดแบบอเมริกันที่เคร่งครัดซึ่งเกิดขึ้นบนพื้นฐานของแองโกล-เซลติก จิตวิญญาณมีโครงสร้างคำถามและคำตอบ แสดงในบทสนทนาระหว่างนักเทศน์และนักบวช จิตวิญญาณมีอิทธิพลอย่างมากต่อต้นกำเนิด การก่อตัว และการพัฒนาของดนตรีแจ๊ส นักดนตรีแจ๊สหลายคนใช้เพลงเหล่านี้เป็นธีมสำหรับการแสดงด้นสด

บลูส์

เพลงที่แพร่หลายมากที่สุดเพลงหนึ่งคือเพลงบลูส์ ซึ่งเป็นเพลงที่สืบทอดมาจากการทำดนตรีทางโลกของคนผิวดำในอเมริกา คำว่า "สีน้ำเงิน" นอกเหนือจากความหมายที่รู้จักกันดีของ "สีน้ำเงิน" แล้วยังมีตัวเลือกการแปลมากมายที่แสดงถึงลักษณะเฉพาะของสไตล์ดนตรี: "เศร้า", "เศร้าโศก" "Blues" เกี่ยวข้องกับสำนวนภาษาอังกฤษ "blue Devils" ซึ่งแปลว่า "เมื่อแมวข่วนดวงวิญญาณ" เพลงบลูส์เป็นเพลงที่ไม่เร่งรีบและไม่เร่งรีบ และเนื้อเพลงมักจะมีการพูดน้อยและความคลุมเครืออยู่เสมอ ปัจจุบัน เพลงบลูส์มักใช้เฉพาะในรูปแบบเครื่องดนตรีเท่านั้น เช่น ดนตรีแจ๊สด้นสด มันเป็นเพลงบลูส์ที่กลายเป็นพื้นฐานสำหรับการแสดงที่โดดเด่นมากมายของ Louis Armstrong และ Duke Ellington

แร็กไทม์

Ragtime เป็นอีกหนึ่งทิศทางเฉพาะของดนตรีแจ๊สที่ปรากฏในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 ชื่อของสไตล์นี้แปลว่า "เวลาที่ฉีกขาด" และคำว่า "ผ้าขี้ริ้ว" หมายถึงเสียงที่ปรากฏระหว่างจังหวะของการวัด Ragtime ก็เหมือนกับดนตรีแจ๊สทั่วไปที่เป็นงานอดิเรกทางดนตรีของชาวยุโรปอีกประเภทหนึ่งที่ชาวแอฟริกันอเมริกันยึดครองและแสดงในแบบของพวกเขาเอง เรากำลังพูดถึงโรงเรียนเปียโนสุดโรแมนติกซึ่งเป็นที่นิยมในยุโรปในขณะนั้น ซึ่งมีละครหลายเรื่อง เช่น Schubert, Chopin และ Liszt เพลงนี้ฟังในสหรัฐอเมริกา แต่ในการตีความคนผิวดำแอฟริกันอเมริกัน ทำให้เกิดจังหวะ ไดนามิก และความเข้มข้นที่ซับซ้อนมากขึ้น ต่อมาแร็กไทม์ด้นสดเริ่มกลายเป็นโน้ตเพลง และความนิยมก็เพิ่มขึ้นจากการที่ทุกครอบครัวที่เคารพตนเองต้องมีเปียโน รวมถึงเปียโนกลไกด้วย ซึ่งสะดวกมากสำหรับการเล่นเมโลดี้แร็กไทม์ที่ซับซ้อน เมืองที่แร็กไทม์เป็นจุดหมายปลายทางทางดนตรีที่ได้รับความนิยมมากที่สุดคือเมืองเซนต์หลุยส์และแคนซัสซิตี และเมืองเซดาเลีย (มิสซูรี) ในเท็กซัส อยู่ในสภาพนี้ที่นักแสดงและนักแต่งเพลงแนวแร็กไทม์ที่โด่งดังที่สุดคือ Scott Joplin ถือกำเนิดขึ้น เขามักจะแสดงที่ Maple Leaf Club ซึ่งเป็นที่มาของชื่อเพลงแร็กไทม์อันโด่งดัง "Maple Leaf Rag" ซึ่งเขียนขึ้นในปี พ.ศ. 2440 นักเขียนและนักแสดงแร็กไทม์ที่มีชื่อเสียงคนอื่นๆ ได้แก่ James Scott และ Joseph Lamb

แกว่ง

ในช่วงต้นทศวรรษ 1930 วิกฤตเศรษฐกิจในสหรัฐอเมริกานำไปสู่การล่มสลายของ จำนวนมากวงดนตรีแจ๊ส ส่วนใหญ่ยังคงมีวงดนตรีออเคสตร้าเล่นเพลงเต้นรำเชิงพาณิชย์หลอกแจ๊ส ขั้นตอนสำคัญในการพัฒนาโวหารคือวิวัฒนาการของดนตรีแจ๊สไปสู่ทิศทางใหม่ที่สะอาดและราบรื่นที่เรียกว่าสวิง (จากภาษาอังกฤษ "สวิง" - "สวิง") ดังนั้นจึงมีความพยายามที่จะกำจัดคำสแลง "แจ๊ส" ในเวลานั้นโดยแทนที่ด้วย "สวิง" ใหม่ คุณสมบัติหลักของวงสวิงคือการด้นสดที่สดใสของศิลปินเดี่ยวโดยมีฉากหลังของคลอที่ซับซ้อน

นักดนตรีแจ๊สผู้ยิ่งใหญ่บนวงสวิง:

“สวิงคือสิ่งที่ตามความเข้าใจของฉัน จังหวะที่แท้จริงคืออะไร” หลุยส์ อาร์มสตรอง.
“วงสวิงเป็นความรู้สึกของการเร่งความเร็วจังหวะแม้ว่าคุณจะยังเล่นอยู่ในจังหวะเดิมก็ตาม” เบนนี่ กู๊ดแมน.
“วงออเคสตราจะแกว่งไกวหากการตีความโดยรวมของมันถูกบูรณาการเป็นจังหวะ” จอห์น แฮมมอนด์.
“การสวิงต้องรู้สึกได้ มันเป็นความรู้สึกที่สามารถส่งต่อให้ผู้อื่นได้” เกลนน์ มิลเลอร์.

สวิงต้องการให้นักดนตรีมีเทคนิคที่ดี มีความรู้เรื่องความสามัคคี และหลักการจัดวงดนตรี รูปแบบหลักของการทำดนตรีประเภทนี้คือวงออเคสตราขนาดใหญ่หรือวงดนตรีขนาดใหญ่ ซึ่งได้รับความนิยมอย่างไม่น่าเชื่อในหมู่ประชาชนทั่วไปในช่วงครึ่งหลังของทศวรรษที่ 30 องค์ประกอบของวงออเคสตราค่อยๆได้มา แบบฟอร์มมาตรฐานและรวมตั้งแต่ 10 ถึง 20 คน

บูกี้-วูกี้

ในช่วงยุคสวิง การแสดงบลูส์ในรูปแบบเฉพาะบนเปียโน เรียกว่า "บูกี้-วูกี" ได้รับความนิยมและการพัฒนาเป็นพิเศษ สไตล์นี้มีต้นกำเนิดในแคนซัสซิตีและเซนต์หลุยส์ จากนั้นจึงแพร่กระจายไปยังชิคาโก Boogie-woogie ถูกนำมาใช้โดยนักเปียโนภาคใต้จากผู้เล่นแบนโจและกีตาร์ โดยทั่วไปนักเปียโน Boogie-woogie จะผสมเบสแบบวอล์กกิ้งเบสเข้ากับมือซ้ายและดนตรีด้นสดประสานเสียงบลูส์ด้วยมือขวา สไตล์นี้ปรากฏในทศวรรษที่สองของศตวรรษนี้ เมื่อนักเปียโน Jimmy Yancey เล่น แต่ได้รับความนิยมอย่างมากจากการปรากฏตัวของอัจฉริยะสามคนอย่าง "Mid Lax" Lewis, Pete Johnson และ Albert Ammons ซึ่งเปลี่ยนบูกี้วูกีจากเพลงแดนซ์เป็นดนตรีคอนเสิร์ต การใช้บูกี้-วูกีเพิ่มเติมเกิดขึ้นในรูปแบบของวงสวิง ต่อมาเป็นวงดนตรีริธึมและบลูส์ และมีอิทธิพลอย่างมากต่อการปรากฏตัวของร็อกแอนด์โรล

ตะบัน

ในช่วงต้นทศวรรษที่ 40 นักดนตรีที่มีความคิดสร้างสรรค์หลายคนเริ่มรู้สึกถึงความซบเซาในการพัฒนาดนตรีแจ๊สซึ่งเกิดขึ้นเนื่องจากการเกิดขึ้นของการเต้นรำที่ทันสมัยและวงออเคสตราแจ๊สจำนวนมาก พวกเขาไม่ได้มุ่งมั่นที่จะแสดงจิตวิญญาณที่แท้จริงของดนตรีแจ๊ส แต่ใช้การเตรียมการและเทคนิคที่เลียนแบบมาจากวงดนตรีที่ดีที่สุด ความพยายามที่จะหลุดพ้นจากการหยุดชะงักเกิดขึ้นโดยนักดนตรีรุ่นเยาว์ ซึ่งส่วนใหญ่เป็นนักดนตรีชาวนิวยอร์ก รวมถึงนักเป่าแซ็กโซโฟนอัลโต ชาร์ลี ปาร์กเกอร์ นักเป่าแตร Dizzy Gillespie มือกลอง Kenny Clarke นักเปียโน Thelonious Monk ในการทดลองของพวกเขา รูปแบบใหม่เริ่มปรากฏขึ้นทีละน้อย ซึ่งด้วยมืออันเบาของกิลเลสปี ได้รับชื่อ "บีบอป" หรือเรียกง่ายๆ ว่า "ป็อบ" ตามตำนานของเขา ชื่อนี้ถูกสร้างขึ้นจากการรวมกันของพยางค์ซึ่งเขาร้องเพลงลักษณะของป็อบ ช่วงเวลาดนตรี- บลูส์ที่ห้า ซึ่งปรากฏในป็อบนอกเหนือจากบลูส์ที่สามและเจ็ด ความแตกต่างที่สำคัญของสไตล์ใหม่คือความสามัคคีที่ซับซ้อนมากขึ้นซึ่งสร้างขึ้นจากหลักการที่แตกต่างกัน Parker และ Gillespie นำเสนอจังหวะการแสดงที่รวดเร็วเป็นพิเศษ เพื่อไม่ให้ผู้ที่ไม่ใช่มืออาชีพอยู่ห่างจากการแสดงด้นสดใหม่ๆ ความยากในการสร้างวลีเมื่อเทียบกับการแกว่งอยู่ที่จังหวะเริ่มต้นเป็นหลัก วลีด้นสดใน bebop อาจเริ่มต้นด้วยจังหวะที่ซิงโครไนซ์ บางทีอาจเป็นจังหวะที่สอง บ่อยครั้งมีการใช้วลีนี้แล้ว หัวข้อที่รู้จักกันดีหรือโครงข่ายฮาร์มอนิก (มานุษยวิทยา) เหนือสิ่งอื่นใด คุณลักษณะที่โดดเด่นของนักบีบ็อปทุกคนก็คือพฤติกรรมที่น่าตกใจของพวกเขา ทรัมเป็ตโค้งของ "Dizzy" Gillespie พฤติกรรมของ Parker และ Gillespie หมวกไร้สาระของ Monk ฯลฯ การปฏิวัติที่บีบ็อพเกิดขึ้นกลับกลายเป็นผลที่ตามมามากมาย ในช่วงแรกของความคิดสร้างสรรค์สิ่งต่อไปนี้ถือเป็น boppers: Erroll Garner, Oscar Peterson, Ray Brown, George Shearing และคนอื่น ๆ อีกมากมาย ในบรรดาผู้ก่อตั้ง bebop มีเพียงชะตากรรมของ Dizzy Gillespie เท่านั้นที่ประสบความสำเร็จ เขาทำการทดลองต่อไป ก่อตั้งสไตล์ Cubano ทำให้ดนตรีแจ๊สลาตินเป็นที่นิยม และค้นพบดาวเด่นของดนตรีแจ๊สลาตินอเมริกาไปทั่วโลก - Arturo Sandoval, Paquito DeRivero, Chucho Valdez และอื่นๆ อีกมากมาย

นักดนตรีแจ๊สได้รับการยอมรับอย่างรวดเร็วว่าเป็นดนตรีที่ต้องอาศัยความสามารถด้านดนตรีและความรู้เกี่ยวกับฮาร์โมนีที่ซับซ้อน พวกเขาแต่งทำนองที่ซิกแซกและหมุนวนเพื่อตอบสนองต่อการเปลี่ยนแปลงคอร์ด เพิ่มความซับซ้อน- ศิลปินเดี่ยวในการแสดงด้นสดใช้โน้ตที่ไม่สอดคล้องกับโทนเสียง ทำให้เกิดดนตรีที่แปลกใหม่และมีเสียงที่คมชัดยิ่งขึ้น การอุทธรณ์ของการซิงโครไนซ์ได้นำไปสู่สำเนียงที่ไม่เคยมีมาก่อน บีบอปเหมาะที่สุดสำหรับการเล่นเป็นกลุ่มเล็กๆ เช่น วงควอเต็ตและควินเตต ซึ่งพิสูจน์แล้วว่าเหมาะสำหรับทั้งเหตุผลทางเศรษฐกิจและศิลปะ ดนตรีแจ๊สเจริญรุ่งเรืองในคลับแจ๊สของเมือง ซึ่งผู้ชมมาฟังศิลปินเดี่ยวที่สร้างสรรค์แทนที่จะเต้นตามเพลงฮิตที่พวกเขาชื่นชอบ กล่าวโดยสรุป นักดนตรีบีบอปกำลังเปลี่ยนดนตรีแจ๊สให้กลายเป็นรูปแบบศิลปะที่อาจดึงดูดสติปัญญามากกว่าประสาทสัมผัสเล็กน้อย

ในยุคบีบ็อปทำให้มีดาราแจ๊สหน้าใหม่เข้ามา รวมถึงนักเป่าแตร Clifford Brown, Freddie Hubbard และ Miles Davis นักเป่าแซ็กโซโฟน Dexter Gordon, Art Pepper, Johnny Griffin, Pepper Adams, Sonny Stitt และ John Coltrane และนักทรอมโบน JJ Johnson

Bebop ผ่านการเปลี่ยนแปลงหลายครั้งในช่วงทศวรรษ 1950 และ 1960 รวมถึงฮาร์ดป็อป คูลแจ๊ส และโซลแจ๊ส รูปแบบของวงดนตรีเล็กๆ (คอมโบ) มักจะประกอบด้วยเครื่องลม เปียโน ดับเบิลเบส และกลอง หนึ่งเครื่องขึ้นไป (โดยปกติจะไม่เกินสามเครื่อง) ยังคงเป็นเพลงแจ๊สมาตรฐานในปัจจุบัน

ดนตรีแจ๊สแบบก้าวหน้า

ควบคู่ไปกับการเกิดขึ้นของ bebop แนวเพลงใหม่กำลังพัฒนาในหมู่ดนตรีแจ๊ส - ดนตรีแจ๊สแบบโปรเกรสซีฟหรือเพียงแค่โปรเกรสซีฟ ความแตกต่างที่สำคัญของแนวเพลงนี้คือความปรารถนาที่จะหลีกหนีจากความคิดโบราณที่แช่แข็งของวงดนตรีขนาดใหญ่และเทคนิคที่ล้าสมัยและล้าสมัยของสิ่งที่เรียกว่า ซิมโฟนิกแจ๊ส เปิดตัวในปี ค.ศ. 1920 โดยพอล ไวท์แมน ผู้สร้างที่ก้าวหน้าไม่ได้พยายามปฏิเสธประเพณีดนตรีแจ๊สที่พัฒนาขึ้นในขณะนั้นอย่างถึงที่สุด ซึ่งต่างจาก Boppers พวกเขาค่อนข้างพยายามที่จะอัปเดตและปรับปรุงโมเดลวลีสวิงโดยแนะนำความสำเร็จล่าสุดของซิมโฟนิซึมของยุโรปในด้านโทนเสียงและความกลมกลืน

การมีส่วนร่วมที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในการพัฒนาแนวคิด "ก้าวหน้า" เกิดขึ้นโดยนักเปียโนและผู้ควบคุมวง Stan Kenton ดนตรีแจ๊สแบบก้าวหน้าในช่วงต้นทศวรรษที่ 1940 เริ่มต้นจากผลงานชิ้นแรกของเขา เสียงดนตรีที่แสดงโดยวงออเคสตราชุดแรกของเขาใกล้เคียงกับรัคมานินอฟและการเรียบเรียงก็มีลักษณะของแนวโรแมนติกตอนปลาย อย่างไรก็ตาม ในแง่ของแนวเพลง มันใกล้เคียงกับดนตรีแจ๊สซิมโฟนิกมากที่สุด ต่อมาในช่วงหลายปีของการสร้างซีรีส์ที่มีชื่อเสียงในอัลบั้ม "Artistry" ของเขา องค์ประกอบดนตรีแจ๊สไม่ได้มีบทบาทในการสร้างสีสันอีกต่อไป แต่ได้ถูกถักทอเข้ากับเนื้อหาทางดนตรีอย่างเป็นธรรมชาติแล้ว นอกจาก Kenton แล้ว เครดิตสำหรับเรื่องนี้ยังเป็นของ Pete Rugolo ผู้เรียบเรียงที่ดีที่สุดของเขา ซึ่งเป็นลูกศิษย์ของ Darius Milhaud เสียงไพเราะสมัยใหม่ (สำหรับหลายปีที่ผ่านมา) เทคนิคการเล่นแซกโซโฟนเฉพาะในการเล่นแซ็กโซโฟน ฮาร์โมนีที่หนา วินาทีและบล็อกที่พบบ่อย พร้อมด้วยเสียงหลายเสียงและการเต้นเป็นจังหวะแจ๊ส - นี่คือคุณสมบัติที่โดดเด่นของเพลงนี้ซึ่ง Stan Kenton เข้ามา ประวัติศาสตร์ดนตรีแจ๊สมาหลายปี ในฐานะหนึ่งในผู้ริเริ่มที่ค้นพบเวทีทั่วไปสำหรับวัฒนธรรมซิมโฟนิกของยุโรปและองค์ประกอบของบีบอป โดยเฉพาะอย่างยิ่งที่เห็นได้ชัดเจนในท่อนที่นักดนตรีเดี่ยวดูเหมือนจะต่อต้านเสียงของวงออเคสตราที่เหลือ ควรสังเกตว่า Kenton ให้ความสนใจอย่างมากกับท่อนด้นสดของศิลปินเดี่ยวในการเรียบเรียงของเขารวมถึงมือกลองชื่อดังระดับโลก Shelley Maine, มือเบสคู่ Ed Safransky, นักทรอมโบน Kay Winding, June Christie หนึ่งในนักร้องแจ๊สที่เก่งที่สุดในช่วงหลายปีที่ผ่านมา Stan Kenton ยังคงซื่อสัตย์ต่อแนวเพลงที่เขาเลือกตลอดอาชีพของเขา

นอกจากสแตน เคนตันแล้ว ผู้เรียบเรียงและนักดนตรีที่น่าสนใจอย่าง Boyd Rayburn และ Bill Evans ก็มีส่วนในการพัฒนาแนวเพลงนี้ด้วย การยกย่องสรรเสริญของการพัฒนาแบบก้าวหน้าพร้อมกับซีรีส์ "Artistry" ที่กล่าวถึงแล้วยังถือเป็นชุดอัลบั้มที่บันทึกโดยวงดนตรีใหญ่ Bill Evans ร่วมกับวงดนตรี Miles Davis ในปี 1950-1960 เช่น "Miles Ahead", "Porgy and Bess" และ "ภาพวาดภาษาสเปน" ไม่นานก่อนที่เขาจะเสียชีวิต ไมลส์ เดวิส หันมาฟังเพลงแนวนี้อีกครั้ง โดยบันทึกการเรียบเรียงเพลงเก่าๆ ของบิล อีแวนส์ร่วมกับวง Quincy Jones Big Band

ฮาร์ดป็อบ

ในช่วงเวลาเดียวกับที่แจ๊สเจ๋งๆ หยั่งรากในฝั่งตะวันตก นักดนตรีแจ๊สจากดีทรอยต์ ฟิลาเดลเฟีย และนิวยอร์กก็เริ่มพัฒนารูปแบบบีบ็อปแบบเก่าให้หนักขึ้นและหนักขึ้น เรียกว่า Hard Bop หรือ Hard Bebop มีลักษณะคล้ายกับบีบอปแบบดั้งเดิมอย่างใกล้ชิดในด้านความดุดันและความต้องการทางเทคนิค ฮาร์ดบ็อปในช่วงทศวรรษปี 1950 และ 1960 อาศัยรูปแบบเพลงมาตรฐานน้อยลง และเริ่มให้ความสำคัญกับองค์ประกอบบลูส์และการขับเคลื่อนจังหวะมากขึ้น ทักษะการเล่นโซโล่เดี่ยวหรือการแสดงด้นสดที่ร้อนแรงพร้อมกับความรู้สึกประสานเสียงที่เข้มข้นมีความสำคัญยิ่งสำหรับนักเล่นวินด์ กลอง และเปียโน มีความโดดเด่นมากขึ้นในส่วนของจังหวะ และเสียงเบสก็ให้ความรู้สึกที่ลื่นไหลและฟังกี้มากขึ้น

ในปี 1955 มือกลอง Art Blakey และนักเปียโน Horace Silver ได้ก่อตั้ง The Jazz Messengers ซึ่งเป็นวงดนตรีฮาร์ดบ็อปที่มีอิทธิพลมากที่สุด วงดนตรีแจ๊สที่ได้รับการปรับปรุงและพัฒนาอย่างต่อเนื่อง ซึ่งประสบความสำเร็จมาจนถึงทศวรรษ 1980 ได้นำนักดนตรีแจ๊สแนวนี้มามากมาย เช่น นักเป่าแซ็กโซโฟน Hank Mobley, Wayne Shorter, Johnny Griffin และ Branford Marsalis รวมถึงนักเป่าแตร Donald Byrd, Woody Shaw วินตัน มาร์ซาลิส และลี มอร์แกน หนึ่งในเพลงแจ๊สฮิตที่ยิ่งใหญ่ที่สุดตลอดกาล เพลง "The Sidewinder" ของลี มอร์แกนในปี 1963 ได้รับการแสดงแม้ว่าจะค่อนข้างเรียบง่าย ในสไตล์การเต้นบีบอปที่หนักแน่นอย่างเด็ดเดี่ยว

โซลแจ๊ส

โซลแจ๊สซึ่งเป็นญาติสนิทของฮาร์ดบอปนำเสนอด้วยมินิฟอร์แมตขนาดเล็กที่มีออร์แกนซึ่งเกิดขึ้นในช่วงกลางทศวรรษ 1950 และยังคงแสดงต่อไปจนถึงทศวรรษ 1970 ดนตรีโซล-แจ๊สมีพื้นฐานมาจากเพลงบลูส์และกอสเปลที่สอดประสานกับจิตวิญญาณของชาวแอฟริกันอเมริกัน นักออร์แกนแจ๊สผู้ยิ่งใหญ่ส่วนใหญ่ปรากฏตัวบนเวทีในยุคโซลแจ๊ส: Jimmy McGriff, Charles Earland, Richard "Groove" Holmes, Les McCain, Donald Patterson, Jack McDuff และ Jimmy "Hammond" Smith พวกเขาทั้งหมดเป็นผู้นำวงดนตรีของตัวเองในช่วงทศวรรษ 1960 โดยมักจะเล่นในสถานที่เล็กๆ ในรูปแบบทรีโอ เทเนอร์แซกโซโฟนยังเป็นบุคคลสำคัญในวงดนตรีเหล่านี้อีกด้วย โดยเพิ่มเสียงของมันเข้าไป เหมือนกับเสียงของนักเทศน์พระกิตติคุณ ผู้ทรงคุณวุฒิเช่น Gene Emmons, Eddie Harris, Stanley Turrentine, Eddie "Tetanus" Davis, Houston Person, Hank Crawford และ David "Nump" Newman รวมถึงสมาชิกของวงดนตรี Ray Charles ในช่วงปลายทศวรรษ 1950 และ 1960 มักถูกมองว่าเป็น ตัวแทนสไตล์โซลแจ๊ส เช่นเดียวกับ Charles Mingus เช่นเดียวกับฮาร์ดบอป โซลแจ๊สแตกต่างจากแจ๊สเวสต์โคสต์ ดนตรีทำให้เกิดความหลงใหลและความรู้สึกร่วมกันอย่างแข็งแกร่งมากกว่าความเหงาและความเย็นชาทางอารมณ์ที่เกี่ยวข้องกับดนตรีแจ๊สเวสต์โคสต์ ท่วงทำนองที่รวดเร็วของโซลแจ๊สด้วยการใช้เบสออสตินาโตบ่อยครั้งและตัวอย่างจังหวะซ้ำๆ ทำให้เพลงนี้เข้าถึงได้ง่ายสำหรับคนทั่วไป เพลงฮิตที่เกิดจากโซลแจ๊ส ได้แก่ การแต่งเพลงของนักเปียโน Ramsey Lewis (“ The In Crowd” - 1965) และ Harris-McCain“ Compared To What” - 1969 ไม่ควรสับสนระหว่างโซลแจ๊สกับสิ่งที่เรียกว่า "ดนตรีโซล" แม้ว่าจะได้รับอิทธิพลบางส่วนจากกอสเปล แต่โซลแจ๊สก็เติบโตมาจากบีบอป และต้นกำเนิดของดนตรีโซลกลับไปสู่จังหวะและบลูส์โดยตรง ซึ่งได้รับความนิยมในช่วงต้นทศวรรษ 1960

แจ๊สสุดเจ๋ง

คำว่าเท่นั้นปรากฏขึ้นหลังจากการเปิดตัวอัลบั้ม "Birth of the Cool" (บันทึกในปี 1949 - 50) โดยนักดนตรีแจ๊สชื่อดัง Miles Davis
ในแง่ของวิธีการผลิตเสียงและความประสานกัน Cool Jazz มีความเหมือนกันมากกับ Modal Jazz มีลักษณะเฉพาะคือการยับยั้งชั่งใจทางอารมณ์ แนวโน้มในการสร้างสายสัมพันธ์กับดนตรีของนักแต่งเพลง (การเสริมสร้างบทบาทของการเรียบเรียง รูปแบบและความกลมกลืน การประสานเสียงของเนื้อสัมผัส) และการแนะนำเครื่องดนตรีซิมโฟนีออร์เคสตรา
ตัวแทนที่โดดเด่นของดนตรีแจ๊สสุดเท่ ได้แก่ นักเป่าแตร Miles Davis และ Chet Baker นักเป่าแซ็กโซโฟน Paul Desmond, Jerry Mulligen และ Stan Getz นักเปียโน Bill Evans และ Dave Brubeck
ผลงานชิ้นเอกของดนตรีแจ๊สสุดเจ๋ง ได้แก่ "Take Five" โดย Paul Desmond, "My Funny Valentine" โดย Gerry Mulligen, "`Round Midnight" โดย Thelonious Monk แสดงโดย Miles Davis

แจ๊สแบบโมดัล

Modal jazz การเคลื่อนไหวที่เกิดขึ้นในทศวรรษ 1960 เป็นไปตามหลักกิริยาของการเรียบเรียงดนตรี ต่างจากดนตรีแจ๊สแบบดั้งเดิม ในดนตรีแจ๊สแบบโมดัล พื้นฐานฮาร์มอนิกจะถูกแทนที่ด้วยโหมดต่างๆ - Dorian, Phrygian, Lydian, pentatonic และสเกลอื่น ๆ ทั้งที่มีต้นกำเนิดจากยุโรปและไม่ใช่ยุโรป ด้วยเหตุนี้ ดนตรีแจ๊สแบบโมดัลจึงได้พัฒนาการแสดงด้นสดประเภทพิเศษ: นักดนตรีแสวงหาแรงจูงใจในการพัฒนาไม่ใช่การเปลี่ยนคอร์ด แต่เน้นไปที่คุณลักษณะของโหมด ในการเล่นซ้อนทับหลายรูปแบบ เป็นต้น ทิศทางนี้แสดงโดยนักดนตรีที่โดดเด่นเช่น Thelonious Monk, Miles Davis, John Coltrane, George Russell, Don Cherry

แจ๊สฟรี

บางทีการเคลื่อนไหวที่เป็นที่ถกเถียงกันมากที่สุดในประวัติศาสตร์ดนตรีแจ๊สอาจเกิดขึ้นพร้อมกับการกำเนิดของดนตรีแจ๊สฟรี หรือ "สิ่งใหม่" ตามที่เรียกกันในเวลาต่อมา แม้ว่าองค์ประกอบของดนตรีแจ๊สฟรีจะมีอยู่ในโครงสร้างทางดนตรีของดนตรีแจ๊สมานานก่อนที่จะมีการบัญญัติคำนี้ขึ้นมา แต่ก็เป็นองค์ประกอบดั้งเดิมที่สุดใน "การทดลอง" ของนักประดิษฐ์เช่น Coleman Hawkins, Pee Wee Russell และ Lenny Tristano แต่ไม่ถึงช่วงปลายทศวรรษปี 1950 จนถึงช่วงปลายทศวรรษปี 1950 ความพยายามของผู้บุกเบิกเช่นนักเป่าแซ็กโซโฟน Ornette Coleman และนักเปียโน Cecil Taylor ทิศทางนี้เป็นรูปเป็นร่างในรูปแบบอิสระ

สิ่งที่นักดนตรีสองคนนี้ พร้อมด้วยคนอื่นๆ รวมถึง John Coltrane, Albert Ayler และวงดนตรีอย่าง Sun Ra Arkestra และกลุ่มที่ชื่อว่า The Revolutionary Ensemble ประสบความสำเร็จคือการเปลี่ยนแปลงโครงสร้างและความรู้สึกของดนตรีที่หลากหลาย ในบรรดานวัตกรรมที่นำเสนอด้วยจินตนาการและดนตรีที่ยอดเยี่ยมคือการละทิ้งความก้าวหน้าของคอร์ดซึ่งทำให้ดนตรีเคลื่อนไหวไปในทิศทางใดก็ได้ พบการเปลี่ยนแปลงพื้นฐานอีกประการหนึ่งในด้านจังหวะซึ่งมีการแก้ไขหรือเพิกเฉยต่อ "สวิง" โดยสิ้นเชิง กล่าวอีกนัยหนึ่ง ชีพจร มิเตอร์ และกรูฟไม่ใช่องค์ประกอบสำคัญในการอ่านดนตรีแจ๊สอีกต่อไป องค์ประกอบสำคัญอีกประการหนึ่งเกี่ยวข้องกับความไม่มีตัวตน ปัจจุบัน การแสดงออกทางดนตรีไม่ได้ขึ้นอยู่กับระบบโทนเสียงแบบเดิมๆ อีกต่อไป เสียงที่ดังทะลุทะลวง เห่า และกระตุกทำให้โลกแห่งเสียงใหม่นี้เต็มไปด้วยความสมบูรณ์ ดนตรีแจ๊สฟรียังคงมีอยู่ในปัจจุบันในฐานะรูปแบบการแสดงออกที่เป็นไปได้ และในความเป็นจริงแล้ว ไม่ได้เป็นสไตล์ที่ก่อให้เกิดความขัดแย้งเหมือนในสมัยแรกๆ อีกต่อไป

ฟังก์

ฟังค์เป็นอีกแนวเพลงแจ๊สยอดนิยมในยุค 70 และ 80 ผู้ก่อตั้งสไตล์นี้คือ James Brown และ George Clinton ในทางฟังก์ ชุดสำนวนดนตรีแจ๊สที่หลากหลายจะถูกแทนที่ด้วยวลีดนตรีง่ายๆ ซึ่งประกอบด้วยเสียงกรีดร้องและเสียงครวญครางของบลูส์ที่นำมาจากโซโลแซ็กโซโฟนของศิลปินเช่น King Curtis, Junior Walker, David Sanborn, Paul Butterfield คำว่า funk ถือเป็นคำสแลง ซึ่งหมายถึงการเต้นรำในลักษณะที่ทำให้เปียกมาก นักดนตรีแจ๊สมักใช้วิธีนี้โดยขอให้ผู้ฟังเต้นและเคลื่อนไหวอย่างแข็งขันไปกับดนตรีของพวกเขา ด้วยเหตุนี้ คำว่า "ฟังก์" จึงกลายมาเข้ากับแนวดนตรี การวางแนวการเต้นของฟังค์เป็นตัวกำหนดมัน คุณสมบัติทางดนตรีเช่นจังหวะขาดและเสียงร้องที่เด่นชัด

การก่อตัวของแนวเพลงเกิดขึ้นในช่วงกลางทศวรรษที่ 80 และเกี่ยวข้องกับแฟชั่นในการใช้ตัวอย่างจากแจ๊สฟังค์ในยุค 70 ในหมู่ดีเจที่เล่นในไนท์คลับในสหราชอาณาจักร หนึ่งในผู้นำเทรนด์ของประเภทนี้ถือเป็น DJ Gills Peterson ซึ่งมักได้รับเครดิตจากการเป็นผู้แต่งชื่อ "acid jazz" ในสหรัฐอเมริกา คำว่า "acid jazz" แทบไม่เคยถูกใช้เลย คำว่า "groove jazz" และ "club jazz" นั้นเป็นเรื่องปกติมากกว่า

แจ๊สกรด (แจ๊สกรด)

ความนิยมสูงสุดของเอซิดแจ๊สเกิดขึ้นในช่วงครึ่งแรกของทศวรรษที่ 90 ในเวลานั้น นอกเหนือจากการสังเคราะห์ดนตรีเต้นรำและแจ๊สแล้ว ทิศทางนี้ยังรวมถึงแจ๊สฟังก์แห่งยุค 90 (Jamiroquai, The Brand New Heavies, James Taylor Quartet, Solsonics) ฮิปฮอปพร้อมองค์ประกอบดนตรีแจ๊ส (บันทึกโดยนักดนตรีสด หรือตัวอย่างแจ๊ส) (US3, Guru, Digable Planets) การทดลองของนักดนตรีแจ๊สกับดนตรีฮิปฮอป (Doo Bop โดย Miles Davis, Rock It โดย Herbie Hancock) เป็นต้น หลังจากทศวรรษ 1990 ความนิยมของดนตรีแจ๊สกรดลดลง และ ประเพณีของประเภทนี้ยังคงดำเนินต่อไปในดนตรีแจ๊สใหม่

บรรพบุรุษโดยตรงในแง่ของประสาทหลอนคือ Acid Rock

คำว่า "acid jazz" เชื่อกันว่ามาจาก Gilles Petterson ดีเจจากลอนดอนและเป็นผู้ก่อตั้งค่ายเพลงชื่อเดียวกัน ในช่วงปลายทศวรรษที่ 80 คำนี้ได้รับความนิยมในหมู่ดีเจชาวอังกฤษที่เล่นเพลงคล้าย ๆ กันและใช้เป็นเรื่องตลก ซึ่งหมายความว่าดนตรีของพวกเขาเป็นทางเลือกนอกเหนือจากบ้านกรดที่โด่งดังในขณะนั้น ดังนั้นคำนี้ไม่มีความสัมพันธ์โดยตรงกับ "กรด" (นั่นคือ LSD) ตามเวอร์ชันอื่นผู้เขียนคำว่า "acid jazz" คือ Chris Bangs ชาวอังกฤษซึ่งเป็นที่รู้จักในฐานะหนึ่งในสมาชิกของดูโอ "Soundscape UK"

แจ๊สเป็นสไตล์ของการแสดงด้นสด ดนตรีด้นสดประเภทที่สำคัญที่สุดคือคติชน แต่ต่างจากดนตรีแจ๊สตรงที่ดนตรีปิดและมุ่งเป้าไปที่การอนุรักษ์ขนบธรรมเนียมประเพณี ดนตรีแจ๊สถูกครอบงำด้วยความคิดสร้างสรรค์ ซึ่งเมื่อรวมกับการแสดงด้นสดแล้ว ได้ก่อให้เกิดสไตล์และเทรนด์มากมาย นี่คือวิธีที่เพลงของทาสแอฟริกัน - อเมริกันผิวคล้ำมาสู่ยุโรปและกลายเป็นผลงานออเคสตราที่ซับซ้อนในสไตล์บลูส์, แร็กไทม์, บูกี้ - วูกี ฯลฯ แจ๊สกลายเป็นแหล่งความคิดและวิธีการที่มีอิทธิพลอย่างแข็งขันในเพลงอื่น ๆ เกือบทั้งหมด ประเภทของดนตรี ตั้งแต่เพลงยอดนิยมและเชิงพาณิชย์ไปจนถึงเพลงเชิงวิชาการแห่งศตวรรษของเรา

บทความนี้มีข้อความที่ตัดตอนมาจากบทความ "เกี่ยวกับดนตรีแจ๊ส" - ชมรม "สหภาพนักประพันธ์เพลง" และสารสกัดจากวิกิพีเดีย

กระแสหลัก –ชั้นนำสไตล์แจ๊สหลักที่ปรากฏในยุค 30 ของศตวรรษที่ 20 ในหมู่ผู้นำของกลุ่มดนตรีแจ๊สซึ่งส่วนใหญ่เป็นวงดนตรีขนาดใหญ่ นักดนตรีแจ๊สชั้นนำได้รวมตัวกันในคลับต่างๆ เพื่อเล่นดนตรีแจ๊ส คลับแจ๊สนี้แสดงโดยนักดนตรีแจ๊สชั้นนำกลุ่มเล็กๆ และบันทึกเสียงในสตูดิโอ กลายเป็นที่รู้จักในฐานะดนตรีกระแสหลัก นี่คือดนตรีแจ๊สแบบดั้งเดิมที่ไม่มีนวัตกรรมใดๆ หลังจากการถือกำเนิดของดนตรีแจ๊สแนวหน้า กระแสหลักก็ได้รับการฟื้นฟูด้วยคุณภาพใหม่ในช่วงทศวรรษที่ 70-80 ของศตวรรษที่ 20 เท่านั้น ในปัจจุบัน กระแสหลักสมัยใหม่หมายถึงดนตรีแจ๊สสมัยใหม่ที่ห่างไกลจากดนตรีแจ๊สแบบดั้งเดิม

ดนตรีแจ๊สแคนซัสซิตี้ก่อตัวขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 20 - 30 ของศตวรรษที่ผ่านมา นี่เป็นช่วงเวลาของวิกฤตเศรษฐกิจในสหรัฐอเมริกาหรือที่เรียกว่า Great Depression นี่คือสไตล์แจ๊สที่มีรสชาติบลูส์เด่นชัด ที่เรียกว่า "เออร์เบิร์นบลูส์" ตัวแทนที่ฉลาดที่สุดของสไตล์นี้คือ Count Basie ซึ่งเริ่มอาชีพของเขาในฐานะนักดนตรีแจ๊สในวงออเคสตราของ Walter Page และ Benny Mouthen นักร้องนำ Jimmy Rushing และนักเป่าแซ็กโซโฟนอัลโต Charlie Parker

แจ๊สสุดเจ๋ง (แจ๊สสุดเจ๋ง)ก่อตัวขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 40-50 ของศตวรรษที่ 20 นี่คือดนตรีแจ๊สสไตล์ที่ไพเราะและไพเราะ พร้อมด้วยการแสดงด้นสดที่ละเอียดอ่อนยิ่งขึ้น ปราศจากแรงกดดันและความดุดันบางประการที่เป็นลักษณะของดนตรีแจ๊สในยุคแรกๆ ตัวแทนของดนตรีแจ๊สสุดเท่ ได้แก่ นักเป่าแซ็กโซโฟน Lester Young, นักเป่าแตร Miles Davis, นักเป่าแตร Chit Baker, นักเปียโนแจ๊ส George Shearing, Dave Brubeck, Leni Tristano ปรมาจารย์ของสไตล์แจ๊สสุดเท่คือนักไวบราโฟนที่น่าทึ่ง Milt Jackson ปรมาจารย์แซ็กโซโฟน Stan Getz, Paul Desmond นักทำนองและผู้เรียบเรียง Ted Dameron, Claude Thornhill และ Gil Evans มีบทบาทสำคัญในการสร้างสไตล์นี้

เวสต์โคสต์แจ๊สปรากฏตัวในยุค 50 ของศตวรรษที่ 20 ในลอสแองเจลิส ผู้ก่อตั้งถือเป็นนักดนตรีของ Miles Davis นักดนตรีแจ๊สชื่อดัง สไตล์นี้นุ่มนวลกว่าแจ๊สสุดเท่ด้วยซ้ำ ไม่ใช่ดนตรีที่ไพเราะดุดันสงบและไพเราะเลยซึ่งมีพื้นที่ขนาดใหญ่สำหรับการแสดงด้นสด นักแสดงแจ๊สฝั่งตะวันตกที่โดดเด่น ได้แก่ Shorty Rogers (ทรัมเป็ต), Art Pepper, Bud Schenk (แซกโซโฟน), Shelley Main (กลอง), Jimmy Joffrey (คลาริเน็ต)

โปรเกรสซีฟแจ๊สพัฒนาขึ้นในช่วงปลายทศวรรษที่ 40 ของศตวรรษที่ 20 ส่วนใหญ่เป็นดนตรีแจ๊สเชิงทดลอง ดนตรีที่เน้นไปที่ความสำเร็จด้านซิมโฟนิกของนักประพันธ์เพลงชาวยุโรป ในการทดลองในด้านโทนเสียงและความกลมกลืน ผู้ที่ติดตามดนตรีแจ๊สสไตล์นี้มุ่งมั่นที่จะหลีกหนีจากรูปแบบและเทคนิคที่เจาะลึกของดนตรีแจ๊สแบบดั้งเดิม พวกเขามุ่งเน้นไปที่การค้นหาและประยุกต์รูปแบบใหม่ของวงสวิงในดนตรีแจ๊ส ซึ่งเป็นเทคนิคเฉพาะในการแสดงดนตรี เครื่องมือต่างๆ, ความหลากหลาย, จังหวะการเปลี่ยนแปลง การพัฒนาสไตล์นี้เกี่ยวข้องกับชื่อของนักเปียโน Stan Kenton และวงออเคสตราของเขาซึ่งบันทึกอัลบั้ม "Artistry" ทั้งชุด ผู้เรียบเรียง Pete Rugolo, Boyd Rayburn และ Gil Evans, มือกลอง Shelley Maine, มือเบส Ed Safransky, นักทรอมโบน Kay Winding และนักร้อง June Christie มีส่วนสนับสนุนอย่างมากต่อดนตรีแจ๊สแบบก้าวหน้า Gil Evans Big Band และนักดนตรีที่นำโดย Miles Davis ได้บันทึกชุดเพลงทั้งชุดในรูปแบบนี้: "Miles Ahead" "Porgy and Bess" "Spanish Sketches"

แจ๊สแบบโมดัลปรากฏในช่วงปี 1950 รูปร่างหน้าตาของมันมีความเกี่ยวข้องกับชื่อของนักดนตรีทดลอง: นักเป่าแตร Miles Davis และนักเป่าแซ็กโซโฟนเทเนอร์ John Coltrane นักดนตรีเหล่านี้ยืมรูปแบบบางอย่างจากดนตรีคลาสสิก ซึ่งกลายเป็นพื้นฐานในการสร้างทำนองเพลงแจ๊สและมาแทนที่คอร์ด สไตล์แจ๊สนี้มีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยการเบี่ยงเบนไปจากโทนเสียงซึ่งทำให้ดนตรีมีความตึงเครียดเป็นพิเศษ การใช้สเกลของชาติแอฟริกัน อินเดีย อาหรับและอื่น ๆ ความสม่ำเสมอและจังหวะที่ไม่สอดคล้องกัน ดนตรีเริ่มสร้างขึ้นจากทำนองโดยเฉพาะซึ่งมีพื้นฐานมาจากการใช้เฟรต

โซลแจ๊สปรากฏในยุค 50 ของศตวรรษที่ผ่านมา โซลแจ๊สเลือกออร์แกนเป็นเครื่องดนตรีหลัก โซลแจ๊สมีพื้นฐานมาจากบลูส์และกอสเปล ดนตรีแจ๊สสไตล์นี้โดดเด่นด้วยอารมณ์ความรู้สึก ความหลงใหล การใช้จังหวะที่รวดเร็ว และการเปลี่ยนผ่านทางดนตรีที่น่าตื่นเต้นและจังหวะเบส ประชาชนที่ฟังเพลงนี้รู้สึกถึงความสามัคคีเป็นพิเศษอย่างแน่นอน สไตล์นี้ตรงกันข้ามกับดนตรีแจ๊สสุดเท่ที่คลุมเครือและมีเนื้อหาเศร้าๆ โดยสิ้นเชิง ดาราออร์แกนสไตล์นี้ ได้แก่ Jimmy McGriff, Charles Earland, Richard "Groove" Holmes, Les McCain, Donald Patterson, Jack McDuff และ Jimmy "Hammond" Smith นักดนตรีที่แสดงดนตรีโซล-แจ๊สก่อตั้งวงทรีโอหรือวงควอร์เตต แต่ไม่มีอะไรมากไปกว่านี้ เทเนอร์แซ็กโซโฟนมีบทบาทสำคัญในโซลแจ๊สไม่แพ้กัน นักเป่าแซ็กโซโฟนที่มีชื่อเสียง ได้แก่ Gene Emmons, Eddie Harris, Stanley Turrentine, Eddie "Tetanus" Davis, Houston Person, Hank Crawford และ David "Dumb" Newman โซลแจ๊สไม่เหมือนกับดนตรีโซล เหล่านี้เป็นสไตล์ดนตรีที่มีต้นกำเนิดที่แตกต่างกัน ทิศทางดนตรี: โซลแจ๊สพบได้ในกอสเปลและบีบอป และดนตรีโซลพบได้ในจังหวะและบลูส์ ซึ่งเข้าถึงจุดสูงสุดในทศวรรษ 1960 เท่านั้น

ร่องกลายเป็นโซลแจ๊สประเภทหนึ่ง สไตล์แจ๊สนี้มักเรียกกันว่า ฟังค์- สไตล์นี้โดดเด่นด้วยจังหวะการเต้นที่สดใส (ช้าหรือเร็ว) การแต่งเนื้อร้อง ทำนองเชิงบวก ซึ่งมีเฉดสีบลูส์ นี่คือดนตรีเชิงบวกที่สร้างอารมณ์ที่ดีและกระตุ้นให้ผู้ฟังไม่ต้องยืนนิ่งและเริ่มเคลื่อนไหวไปตามจังหวะที่น่าตื่นเต้น สไตล์นี้ไม่ใช่เรื่องแปลกสำหรับการแสดงด้นสด ซึ่งไม่ได้หลงไปจากเสียงรวม นักดนตรีที่มีชื่อเสียงในสไตล์นี้คือผู้เชี่ยวชาญด้านออร์แกน Richard “Groove” Holmes และ Shirley Scott, Gene Emmons (เทเนอร์แซกโซโฟน) และ Leo Wright (ฟลุต, อัลโตแซ็กโซโฟน)

ฟรีแจ๊ส ("สิ่งใหม่")ปรากฏในช่วงปลายทศวรรษที่ 50 ของศตวรรษที่ 20 อันเป็นผลมาจากการทดลองที่ทำให้สามารถค้นหารูปแบบดนตรีที่ยืดหยุ่นมากโดยปราศจากความก้าวหน้าของคอร์ดโดยสิ้นเชิง นอกจากนี้นักดนตรียังเพิกเฉยต่อวงสวิง การปฏิวัติจังหวะที่แท้จริงคือการไม่ใส่ใจต่อจังหวะ มิเตอร์ และกรู๊ฟ ซึ่งเคยเป็นพื้นฐานของจังหวะแจ๊สมาก่อน ในรูปแบบนี้พวกเขากลายเป็นเรื่องรอง ดนตรีแจ๊สฟรีละทิ้งระบบโทนเสียงตามปกติ ผู้ก่อตั้งดนตรีแจ๊สฟรี ได้แก่ นักเป่าแซ็กโซโฟน Ornette Coleman และนักเปียโน Cecil Taylor และต่อมาคือ Sun Ra Arkestra และ The Revolutionary Ensemble

ดนตรีแจ๊สที่สร้างสรรค์เป็นหนึ่งในดนตรีแจ๊สแนวอาวองการ์ด สไตล์นี้ถือกำเนิดขึ้นเช่นเดียวกับสไตล์อื่น ๆ อันเป็นผลมาจากกิจกรรมทดลองของนักดนตรีในยุค 60 และ 70 ของศตวรรษที่ 20 ก็ไม่ต่างจากฟรีแจ๊สมากนัก ในเพลงนี้ ไม่สามารถแยกความแตกต่างระหว่างธีมและการแสดงด้นสดได้ องค์ประกอบด้นสดผสมผสานกับการจัดเตรียมต่างๆ ไหลออกมาอย่างราบรื่น เป็นไปไม่ได้ที่จะเข้าใจว่าจุดเริ่มต้นและจุดสิ้นสุดของการแสดงด้นสดของศิลปินเดี่ยวอยู่ที่ใด ผู้ก่อตั้งดนตรีแจ๊สเชิงสร้างสรรค์ ได้แก่ นักเปียโน Leni Tristano นักเป่าแซ็กโซโฟน Jimmy Joffrey และนักประพันธ์เพลง Gunther Schuler สไตล์นี้เล่นโดยนักเปียโน Paul Bley, Andrew Hill, ผู้เชี่ยวชาญด้านแซกโซโฟน Anthony Braxton และ Sam Rivers รวมถึงนักดนตรีจาก Art Ensemble of Chicago

ฟิวชั่น (โลหะผสม)เป็นสไตล์แจ๊สที่มีอายุย้อนกลับไปในทศวรรษปี 1960 เมื่อดนตรีแจ๊สเริ่มผสมผสานกับดนตรียอดนิยมและร็อค และยังได้รับอิทธิพลจากโซล ฟังค์ จังหวะและบลูส์อีกด้วย ในตอนแรก ชื่อฟิวชั่นถูกนำไปใช้กับแจ๊สร็อค โดยตัวแทนที่โดดเด่นคือวง "Eleventh House" และ "Lifetime" การปรากฏตัวของฟิวชั่นยังเกี่ยวข้องกับวงออเคสตรา "Mahavishnu Orchestra" และ "Weather Report" ฟิวชั่น คือ การผสมผสานของดนตรีแจ๊ส สวิง บลูส์ ร็อค ป็อป ริธึม และบลูส์ ฟิวชั่นคือความบันเทิง คือ การแสดงดอกไม้ไฟหลากหลายสไตล์ มันสว่าง หลากหลาย สว่าง เพลงที่น่าสนใจ- ฟิวชั่นนั้นเป็นการทดลองในหลาย ๆ ด้าน และฉันต้องบอกว่าเป็นการทดลองที่ประสบความสำเร็จ นักดนตรีที่มีชื่อเสียงในสไตล์แจ๊สนี้คือมือกลอง Ronald Shannon Jackson, มือกีตาร์ Pat Metheny, John Scofield, John Abercrombie และ James "Blood" Ulmer นักเป่าแซ็กโซโฟนและนักเป่าแตร Ornette Coleman

โพสต์บีบอปเป็นสไตล์ดนตรีแจ๊สที่เกิดขึ้นในคริสต์ทศวรรษ 1960 โดยมีดนตรียอดนิยมเพิ่มมากขึ้น โพสต์-บีป็อป ก่อตั้งขึ้นบนพื้นฐานของฟังค์ (กรูฟ, โซล) โดยใช้องค์ประกอบเฉพาะของดนตรีลาติน ตัวแทนของโพสต์-บีบอป ได้แก่ นักเป่าแซ็กโซโฟน โจ เฮนเดอร์สัน, นักเปียโน แม็กคอย ไทเนอร์, ดิซซี่ กิลเลสปี และนักเป่าแซ็กโซโฟน เวย์น ชอร์ตเตอร์

แจ๊สแอซิด– สไตล์แจ๊สนี้ไม่ค่อยปรากฏในปี 1987 มีพื้นฐานมาจากฟังค์ซึ่งผสมผสานกับองค์ประกอบของบีบอป ฮิปฮอป โซล และลาติน นี้ เพลงเต้นรำสหราชอาณาจักรซึ่งมีจังหวะแต่ไม่มีการด้นสดอย่างแน่นอน นี่คือสาเหตุที่หลายๆ คนไม่รวมแจ๊สแอซิดไว้ในรายการสไตล์แจ๊ส ตัวแทนที่โดดเด่นของดนตรีแจ๊สกรด ได้แก่ "Groove Collective", "Guru", James Taylor และทั้งสามคน "Medeski, Martin & Wood" ในช่วงเริ่มต้นของการสร้างสรรค์

แจ๊สสมูท– ญาติของดนตรีแจ๊สนี้เกิดขึ้นบนพื้นฐานของสไตล์ฟิวชั่น แจ๊สสมูทมีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยการไม่มีท่อนโซโลและการแสดงด้นสด เสียงของทั้งวงมีความสำคัญมากกว่าเสียงของตัวแทนแต่ละคน แจ๊สสมูทจะแสดงโดยใช้เครื่องสังเคราะห์เสียง วิโอลา แซกโซโฟนซาปราโน กีตาร์ กีตาร์เบส และกลอง ตัวแทนของสไตล์นี้คือ Chris Botti, Dee Dee Bridgewater, Larry Carlton, Stanley Clarke, Al Di Meola, Bob James, Al Jarreau, Diana Krall, Bradley Lighton, Lee Ritenour, Dave Grusin

คำว่า "แจ๊ส" ถูกใช้ครั้งแรกในช่วงกลางทศวรรษ 1910 ในสมัยนั้น คำนี้ใช้เพื่อหมายถึงวงออเคสตราขนาดเล็กและดนตรีที่พวกเขาแสดง

คุณสมบัติหลักของดนตรีแจ๊สคือวิธีการสร้างเสียงและน้ำเสียงที่แหวกแนว ธรรมชาติของการถ่ายทอดทำนองแบบด้นสดตลอดจนการพัฒนา การเต้นเป็นจังหวะคงที่ อารมณ์ที่เข้มข้น

ดนตรีแจ๊สมีหลายสไตล์ โดยสไตล์แรกเกิดขึ้นระหว่างปี 1900 ถึง 1920 สไตล์นี้เรียกว่านิวออร์ลีนส์โดดเด่นด้วยการแสดงด้นสดโดยรวมของกลุ่มไพเราะของวงออเคสตรา (คอร์เน็ต, คลาริเน็ต, ทรอมโบน) กับพื้นหลังของกลุ่มจังหวะสี่จังหวะ (กลอง, ลมหรือเครื่องสาย, เบส, แบนโจ, และในบางกรณีก็เป็นเปียโน)

สไตล์นิวออร์ลีนส์เรียกว่าคลาสสิกหรือแบบดั้งเดิม นี่คือ Dixieland ซึ่งเป็นความหลากหลายสไตล์ที่เกิดขึ้นจากการเลียนแบบดนตรีนิวออร์ลีนส์สีดำซึ่งร้อนแรงและมีพลังมากกว่า ความแตกต่างระหว่างสไตล์ Dixieland และ New Orleans นี้ค่อยๆ หายไป

สไตล์นิวออร์ลีนส์มีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยการแสดงด้นสดโดยรวมโดยเน้นเสียงนำอย่างชัดเจน สำหรับท่อนคอรัสด้นสด จะใช้โครงสร้างบลูส์ที่ไพเราะ-ฮาร์โมนิก

ในบรรดาวงออเคสตราหลายวงที่หันมาใช้สไตล์นี้ มีใครสามารถเน้นวงดนตรี Creole Jazz ของ J. King Oliver ได้ นอกจาก Oliver (นักเล่นคอร์เนต์) แล้ว ยังรวมถึงนักคลาริเน็ตที่มีความสามารถ Johnny Dodds และ Louis Armstrong ที่ไม่มีใครเทียบได้ซึ่งต่อมาได้กลายเป็นผู้ก่อตั้งวงออเคสตราของเขาเอง - "Hot Five" และ "Hot Seven" ซึ่งแทนที่จะใช้คลาริเน็ตเขาเอาทรัมเป็ต .

สไตล์นิวออร์ลีนส์นำดาราตัวจริงจำนวนหนึ่งมาสู่โลกซึ่งมีอิทธิพลอย่างมากต่อนักดนตรีในรุ่นต่อ ๆ ไป ควรกล่าวถึงนักเปียโน J. Roll Morton และนักคลาริเน็ต Jimmy Noone แต่ดนตรีแจ๊สไปไกลเกินขอบเขตของนิวออร์ลีนส์โดยส่วนใหญ่ต้องขอบคุณ Louis Armstrong และนักคลาริเน็ต Sidney Bechet พวกเขาเป็นผู้ที่สามารถพิสูจน์ให้โลกเห็นว่าดนตรีแจ๊สเป็นศิลปะของศิลปินเดี่ยวเป็นหลัก

วงออเคสตราหลุยส์ อาร์มสตรอง

ในช่วงทศวรรษที่ 1920 สไตล์ชิคาโกเกิดขึ้นพร้อมกับลักษณะเฉพาะของการเต้นรำ สิ่งสำคัญที่นี่คือการแสดงด้นสดเดี่ยว ตามการนำเสนอโดยรวมของธีมหลัก นักดนตรีผิวขาวซึ่งหลายคนมีการศึกษาด้านดนตรีมืออาชีพมีส่วนสำคัญในการพัฒนาสไตล์นี้ ต้องขอบคุณพวกเขาที่ทำให้ดนตรีแจ๊สเต็มไปด้วยองค์ประกอบของความสามัคคีแบบยุโรปและเทคนิคการแสดง ตรงกันข้ามกับสไตล์นิวออร์ลีนส์สุดฮอตที่พัฒนาในอเมริกาตอนใต้ สไตล์ชิคาโกทางตอนเหนือที่มากกว่านั้นดูเท่กว่ามาก

ในบรรดานักแสดงผิวขาวที่โดดเด่น จำเป็นต้องสังเกตนักดนตรีซึ่งในช่วงปลายทศวรรษ 1920 ไม่ได้ด้อยกว่าในด้านทักษะเมื่อเทียบกับเพื่อนร่วมงานผิวดำของพวกเขา คนเหล่านี้คือนักคลาริเน็ต Pee Wee Russell, Frank Teschemacher และ Benny Goodman นักทรอมโบน Jack Teagarden และแน่นอน ดาวที่สว่างที่สุดแจ๊สอเมริกัน - นักคอร์เนต์ Bix Beiderbeck