เรื่องราวเกี่ยวกับดนตรีแจ๊ส ฮีโร่คนแรกของดนตรีแจ๊ส

วัตถุประสงค์ของบทเรียน: เพื่อแนะนำคุณลักษณะของดนตรีแจ๊ส

วัตถุประสงค์ของบทเรียน:

ทางการศึกษา:

สร้างแนวคิดเกี่ยวกับขั้นตอนการพัฒนาดนตรีแจ๊ส

การพัฒนา:

สอนให้ติดตามการพัฒนาความคิดทางดนตรีจากการแสดงด้นสด
การเรียนรู้เชิงปฏิบัติของจังหวะหลายจังหวะ การแกว่ง;
คำศัพท์ดนตรีแจ๊ส

ทางการศึกษา:

เพื่อให้นักศึกษาสนใจในความงดงามของดนตรีแจ๊สและทักษะของนักแสดง

วาจา;
ภาพ;
วิธีทำความเข้าใจผลงานดนตรีแบบน้ำเสียง
การวิเคราะห์ผลงานดนตรีอย่างมีความหมาย

อุปกรณ์:

ศูนย์ดนตรี เปียโน มัลติมีเดีย การบันทึกเสียง เนื้อเพลง

ความคืบหน้าของบทเรียน

ดนตรีแจ๊สเป็นดนตรีแห่งชัยชนะและชัยชนะ
มาร์ติน ลูเธอร์ คิง

หัวใจของดนตรีนี้คือสิ่งที่รู้สึกได้แต่อธิบายไม่ได้
แอล. โคลเลอร์

บทเพลง: “เซนต์. Louis Blues” (WC Handy) <Приложение 1 >

ครู: คุณคุ้นเคยกับแนวดนตรีนี้หรือไม่?

นักเรียน: นี่คือดนตรีแจ๊ส

ครู: พยายามนิยามว่าแจ๊สคืออะไร? เพลงเบาหรือจริงจัง? สมัยใหม่หรือโบราณ? โฟล์คหรือนักแต่งเพลง?

คำตอบของนักเรียน

ครู: นักประวัติศาสตร์แจ๊สชาวอเมริกัน B. Ulanov พยายามหาคำตอบสำหรับคำถามเหล่านี้จากนักดนตรีที่ได้รับการยอมรับในประเภทนี้ในปี 1935 และไม่มีใครสามารถให้คำจำกัดความที่แน่นอนได้ แต่จากผลการสำรวจ B. Ulanov ให้นิยามดนตรีแจ๊สดังนี้: “นี่คือเพลงใหม่ที่มีจังหวะและทำนองพิเศษและมีการแสดงด้นสดอยู่ตลอดเวลา”

ดังนั้นเราจึงเริ่มต้นการเดินทางของเราไปยังประเทศ "แจ๊ส" ที่สวยงามลึกลับและมีเอกลักษณ์

ภาพประกอบดนตรีใด ๆ ของเสียงดนตรีแจ๊ส

การตั้งถิ่นฐานครั้งแรกของอาณานิคมอังกฤษปรากฏในอเมริกาเหนือเฉพาะตอนต้นศตวรรษที่ 17 เท่านั้น แต่จำนวนประชากรเพิ่มขึ้นอย่างรวดเร็ว คลื่นลูกแรก (อังกฤษ) ของการอพยพตามมาด้วยคลื่นลูกอื่น ชาวเยอรมัน ดัตช์ สวิส และฝรั่งเศส ฮิวเกนอตส์เริ่มเข้ามาสู่สหรัฐอเมริกาในอนาคต โดยเปลี่ยนอาณานิคมเหล่านี้ให้กลายเป็น "หม้อน้ำทางชาติพันธุ์" ขนาดมหึมา

เมื่ออเมริกากลายเป็นที่หลบภัยของผู้ที่ถูกข่มเหงจากโลกเก่า ดนตรีที่ได้ยินในยุโรปก็มาจบลงที่โลกใหม่: เพลงสดุดีจากพระคัมภีร์ เพลงสวดอันหนักหน่วงของอังกฤษ เพลงบัลลาดของสก็อตแลนด์โบราณ มาดริกัลของอิตาลี และเพลงโรแมนติกของสเปน ผลก็คือ ดนตรีที่ข้ามมหาสมุทรกลับกลายเป็นเสียงก้องกังวานของยุโรปโบราณ ไม่มีความแปลกใหม่อยู่ในนั้น

เรือทาสที่บรรทุก “สินค้าสีดำที่มีชีวิต” ไว้ในกระเป๋า ยังนำอัจฉริยภาพด้านจังหวะโดยกำเนิดของคนผิวดำ สมบัติของจังหวะดนตรีแอฟริกัน ศิลปะการตีกลองที่มีอายุนับพันปี ( การฟังตัวอย่างจังหวะหลายจังหวะบนเครื่องเพอร์คัชชัน)

เรามาลองรวมรูปแบบจังหวะง่ายๆ หลายๆ รูปแบบเข้าด้วยกันเป็นหนึ่งเดียว

นักเรียน: ทำซ้ำรูปแบบจังหวะต่างๆ เป็นกลุ่ม แล้วรวมเข้าด้วยกันในภายหลัง

ครู: นอกจากจังหวะแล้ว ชาวยุโรปยังหลงใหลกับลักษณะการร้องเพลงของชาวแอฟริกัน - ความแปลกประหลาดของเสียงเดี่ยวซึ่งคณะนักร้องประสานเสียงสะท้อน: การโทรและการตอบรับ การแสดงเดี่ยวผสมผสานกับการแสดงร้องเพลงประสานเสียงร้องตะโกนและถอนหายใจน้ำเสียงที่เร่าร้อนและเจาะลึก

“ปล่อยให้พวกเขาหอน” ผู้ดูแลผิวขาวยอมจำนนต่อการร้องเพลงของคนผิวดำ

“ปล่อยให้พวกเขาส่งเสียงหอนเถิด” พวกเจ้าของทาสและชาวสวนก็ถ่อมตัวเช่นกัน - ท้ายที่สุดแล้ว ทาสก็ไม่มีอะไรนอกจากเพิง ฝ่ามือ กล่องเปล่า กระดาน กระป๋องและไม้ ปล่อยให้พวกเขาร้องเพลงและเคาะไปก็ไม่อันตราย”

ดยุค เอลลิงตัน นักดนตรีแจ๊สชาวอเมริกันผู้ยิ่งใหญ่กล่าวว่า “ด้วยความกลัวความเงียบของทาสผิวดำ เจ้าของทาสจึงบังคับให้พวกเขาร้องเพลง โดยต้องการป้องกันไม่ให้พวกเขาพูด และดังนั้นจึงสมรู้ร่วมคิดในแผนการแก้แค้นและการกบฏ”

และเพลงที่ไม่ธรรมดาก็ลอยไปทั่วรัฐทางตอนใต้: ไพเราะเหมือนคำสั่งที่ควรจะทำให้งานพังทลายง่ายขึ้น เพลงดังกล่าวจะถูกเรียกว่า "hollers" - "screams songs" ในภายหลัง

<รูปที่ 1>

<รูปที่ 2>

การเปลี่ยนทาสผิวดำมาเป็นคริสต์ศาสนา นักบวชชาวอเมริกันไม่มีปัญหามากนักในการโน้มน้าวผู้คนที่ไม่รู้หนังสือว่าพระเจ้าทรงส่งความทรมานทางโลกทั้งหมดมา และสำหรับการทรมานนี้พวกเขาจะได้รับความสุขจากสวรรค์หลังความตาย แต่การร้องเพลงสดุดีทางศาสนาไม่สามารถเปลี่ยนคริสเตียนที่เพิ่งเปลี่ยนใจเลื่อมใสให้กลายเป็นคนถ่อมตัวและเชื่อฟังได้ ในทางกลับกัน บทสวดทางศาสนาดูเหมือนจะระเบิดด้วยจังหวะอันเร่าร้อนและติดเชื้อของคนผิวดำ ในคริสตจักรเล็ก ๆ ทางตอนใต้ของอเมริกา มีเพลงต่าง ๆ ดังขึ้น: นักร้องหรือนักร้องที่ร้องด้นสดในหัวข้อพระคัมภีร์ถามพระเจ้าว่า: "ทางออกอยู่ที่ไหน" ศิลปินเดี่ยวถามคำถามอย่างกล้าหาญ บางครั้งคณะนักร้องประสานเสียงก็ตอบเพื่อพระเจ้า นักบวชก็ปรบมือให้เต็มโบสถ์ กระทืบเท้าตามจังหวะ และตีกลอง และดนตรีที่ร้อนแรง คมชัด เป็นจังหวะนี้ทำให้เกิดความรู้สึกถึงความสามัคคี การยกระดับความเข้มแข็ง และความปีติยินดีทางจิตวิญญาณ

นี่คือลักษณะที่เพลงจิตวิญญาณของชาวนิโกร "จิตวิญญาณ" ปรากฏขึ้นซึ่งนักร้องพูดกับพระเจ้าอย่างเท่าเทียมโดยชักชวนให้เขาลงมายังโลกและลงโทษความชั่วร้ายและโหดร้าย ดนตรีทำให้ผู้คนกลับมามีความภาคภูมิใจในตนเอง

จิตวิญญาณไปไกลกว่าคริสตจักรและคอนเสิร์ตครั้งแรกที่มีการแสดงเพลงนี้เกิดขึ้นในปี พ.ศ. 2414

Mahelia Jackson ถือว่าเป็นหนึ่งในนักแสดงที่ดีที่สุดอย่างถูกต้อง

<รูปที่ 3>

เสียงเหมือนจิตวิญญาณ “คำอธิษฐานของพระเจ้า”ดำเนินการโดยเอ็ม. แจ็คสัน<Приложение 2 >

ครู: คุณรู้สึกอย่างไร? นักร้องกำลังบอกเราเกี่ยวกับอะไร? เราสามารถจัดงานนี้ว่าเป็นดนตรีเบา ๆ ได้หรือไม่?

คำตอบของนักเรียน

ครู: ทีนี้มาฟังอีกชิ้นกัน

เสียงที่แสดงโดย Louis Armstrong

< รูปที่ 4>

งานนี้สามารถจัดเป็นประเภทจิตวิญญาณได้หรือไม่?

เสียง “บางครั้งฉันก็รู้สึกเหมือนเป็นลูกไม่มีแม่”ดำเนินการโดย Nemov E.N. (กีตาร์)

มีอะไรเปลี่ยนแปลงบ้าง? การแสดงใดที่คุณชอบมากที่สุด และเพราะเหตุใด

ครู: คุณคิดว่าจิตวิญญาณเป็นดนตรีแจ๊สหรือไม่?

คำตอบของนักเรียน

ครู: จิตวิญญาณเป็นผู้บุกเบิกดนตรีใหม่ แต่แหล่งที่มาหลักคือเพลงบลูส์ซึ่งเป็นเพลงสารภาพซึ่งมีทุกสิ่งที่ประกอบขึ้นเป็นชีวิตและความโชคร้ายของผู้สร้าง: ความรักที่หลอกลวงและการแยกจากกัน โหยหาบ้านที่ไม่มีอยู่จริง ความเกลียดชังงานที่ทำลายล้างอย่างทาส ความยากจนชั่วนิรันดร์ การขาดเงิน ความหิวโหย - ทุกสิ่งอาจกลายเป็นความเศร้าโศก ในยุค 30 วิลเลียม คริสโตเฟอร์ เฮนดี “บิดาแห่งดนตรีบลูส์” กล่าวว่า “เดอะบลูส์คือประวัติศาสตร์ของเรา เป็นคำตอบว่าเรามาจากไหน และสิ่งที่เราได้สัมผัสมา ความบลูส์เกิดขึ้นจากความอัปยศอดสูและความต้องการของเรา จากความหวังของเรา”

เมื่อต้นศตวรรษที่ 20 แนวเพลงบลูส์รูปแบบหนึ่งได้พัฒนาขึ้น:

ข้อความบทกวีเป็นสามบรรทัดโดยบรรทัดแรกซ้ำ:

ฉันกลายเป็นคนไร้บ้าน - ตายซะจะดีกว่า
ฉันกลายเป็นคนไร้บ้าน - ตายซะจะดีกว่า
ไม่มีสถานที่ใดในโลกที่ฉันสามารถอบอุ่นหัวใจได้อีกแล้ว

แต่ละวลี (ประโยคทำนองสั้น) มี 4 มาตรการ มีบาร์ทั้งหมด 12 บาร์ซึ่งประกอบเป็น "สแควร์" แจ๊สคลาสสิก

Louis Armstrong มีเพลงเก่าหนึ่งเพลงที่รวมอยู่ในอัลบั้มที่ดีที่สุดทั้งหมด: "ดำและน้ำเงิน". <Приложение 3 >

ชื่อนี้แปลได้ว่า "ดำและเศร้า"

ลองสัมผัสถึงอารมณ์ของเพลง

คำตอบของนักเรียน

บาปเดียวของฉันคือฉันเป็นคนผิวดำ
ฉันจะทำอย่างไร? ใครจะช่วยฉัน?
ฉันละอายใจมาก
ฉันโกรธมาก
และทั้งหมดเพราะฉันเป็นคนผิวดำ...

คุณใส่ใจกับเครื่องดนตรีชนิดใดที่ฟัง?

คุณคิดว่าเครื่องดนตรีของยุโรปล้วนๆ อาจปรากฏในหมู่ทาสที่ไม่รู้หนังสือเมื่อใด

คำตอบของนักเรียน

ครู: เมื่อสงครามกลางเมืองสิ้นสุดลงในปี พ.ศ. 2408 นักดนตรีวงดนตรีทหารกลับมาบ้าน และเครื่องดนตรีทองเหลืองราคาถูกจำนวนมากก็ปรากฏในร้านขายของมือสอง พวกมันราคาถูกมากจนแม้แต่คนจนก็สามารถซื้อพวกมันได้ นี่คือลักษณะของวงดนตรีทองเหลืองสีดำวงแรก ซึ่งนักดนตรีไม่รู้จักตัวโน้ต แต่เล่นได้อย่างชำนาญจนดูเหมือนเครื่องดนตรีได้กลายเป็นส่วนเสริมของเสียงของพวกเขา

มาฟังบลูส์อื่นกันดีกว่า: “รอยัล การ์เด้น บลูส์” (ซี.วิลเลียมส์)

ให้ความสนใจกับเครื่องดนตรีที่มีเสียงและตั้งชื่อมัน

นักเรียน: ทรัมเป็ต คลาริเน็ต ทรอมโบน และเครื่องเคาะจังหวะ: กลอง ดับเบิลเบส จังหวะ - กีตาร์ เปียโน

ครู: การเรียบเรียงของวงออเคสตรานี้เป็นของแจ๊สสไตล์แรกสุดซึ่งไม่เพียงแต่คนผิวดำชื่นชอบเท่านั้น แต่ยังรวมถึงคนผิวขาวที่ "บริสุทธิ์" ด้วย ในเวลานั้นเรือกลไฟพายตลก ๆ แล่นไปตามแม่น้ำมิสซิสซิปปี้ซึ่งมีวงออเคสตราสีดำตัวเล็กเล่นอยู่เสมอ เพลงใหม่แพร่กระจายมากขึ้นเรื่อยๆ เพลงของพวกเขามีความน่าสนใจและหลากหลายมากขึ้น และตอนนี้วงออเคสตรา "สีขาว" เริ่มเล่นดนตรีสีดำ แต่พวกเขาไม่อยากสับสนจริงๆ แล้วพวกเขาก็เกิดแนวคิดที่จะเพิ่มคำว่า "Dixieland" เป็นชื่อของวงออเคสตราซึ่งควรจะเป็น หมายความว่ามีเพียงนักดนตรีผิวขาวเท่านั้นที่เล่นในวงออเคสตรา

เราสามารถฟังสิ่งที่วงออเคสตราวงแรกๆ ฟังดูเหมือน: วงดนตรีแจ๊ส Dixieland ดั้งเดิม- วงดนตรีแจ๊สจากนิวออร์ลีนส์ที่บันทึกเสียงดนตรีแจ๊สครั้งแรกในปี พ.ศ. 2460

< Рисунок 5>

“Down in Old New Orleans” (ฟังส่วน)

วงออเคสตราประกอบด้วย: กลอง, ทรอมโบน, คอร์เน็ต, คลาริเน็ต, เปียโน

เวลาผ่านไปน้อยมากและวงออเคสตราก็เริ่มรวมตัวนักดนตรีไม่ใช่ด้วยสีผิว แต่ด้วยทักษะ ความสามารถในการแสดงด้นสด ซึ่งเป็นส่วนสำคัญของความเป็นมืออาชีพของนักดนตรีแจ๊ส

และเขาคาดการณ์ว่าเพลงบลูส์ใหม่จะเกิดขึ้นและนักร้องใหม่จะมา ทั้งขาวดำ การเคลื่อนไหวใหม่ของดนตรีสีดำจะปรากฏขึ้น - จังหวะและบลูส์

ครู: ถึงเวลาแล้วที่จะพยายามแสดงเพลงที่มีสไตล์ใกล้เคียงกับดนตรีแจ๊สมาก มาเรียนรู้กันเถอะ “เปียโนเก่า”(ดนตรีโดย M. Minkov ศิลปะโดย D. Ivanov) จากภาพยนตร์เรื่อง "We are from Jazz" (งานร้องและร้องประสานเสียงในเพลง)

ครู: เราจะสนทนาต่อไปเกี่ยวกับการพัฒนาดนตรีแจ๊สในโลกและในประเทศของเราในบทเรียนหน้า ขอบคุณสำหรับการทำงานของคุณ!

วรรณกรรม

1.แอล.มาร์กฮาเซฟ. ในประเภทแสง

2. ก. เลวาเชวา ดนตรีและนักดนตรี

3. วี. โคเนน การกำเนิดของเพลงบลูส์

4. วีดิทัศน์ “ประวัติศาสตร์ดนตรีแจ๊ส”

แจ๊ส- คำว่าดนตรีแจ๊สซึ่งปรากฏเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 เริ่มแสดงถึงประเภทของดนตรีใหม่

เพลงที่ฟังครั้งแรกเช่นเดียวกับวงออเคสตราที่เล่นเพลงนี้

ดำเนินการ นี่คือเพลงประเภทไหนและปรากฏได้อย่างไร?

ดนตรีแจ๊สเกิดขึ้นในสหรัฐอเมริกาท่ามกลางประชากรผิวดำที่ถูกกดขี่และถูกตัดสิทธิ์

ท่ามกลางลูกหลานของทาสผิวดำที่เคยถูกบังคับให้พรากจากบ้านเกิดของตน

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 17 เรือทาสลำแรกที่มีสัตว์มีชีวิตมาถึงอเมริกา

สินค้า เศรษฐีทางตอนใต้ของอเมริกาเข้ายึดครองอย่างรวดเร็ว

ใช้แรงงานทาสทำงานหนักในสวนของตน ฉีกขาด

จากบ้านเกิด พลัดพรากจากคนที่รัก เหนื่อยจากงานหนัก

ทาสผิวดำพบความปลอบใจในเสียงเพลง

คนผิวดำเป็นนักดนตรีที่น่าอัศจรรย์

ความรู้สึกด้านจังหวะของพวกเขามีความละเอียดอ่อนและซับซ้อนเป็นพิเศษ

ในช่วงเวลาพักผ่อนที่หายาก คนผิวดำร้องเพลงพร้อมกับปรบมือ

ตีกล่องเปล่า กระป๋อง - ทุกอย่างที่อยู่ในมือ

ในตอนแรกมันเป็นเพลงแอฟริกันจริงๆ ผู้ซึ่งเป็นทาส

นำมาจากบ้านเกิดของพวกเขา แต่หลายปีและหลายทศวรรษผ่านไป ในความทรงจำของคนรุ่น

ความทรงจำเกี่ยวกับดนตรีของประเทศบรรพบุรุษของเราถูกลบออกไป สิ่งที่เหลืออยู่ก็เกิดขึ้นเอง

ความกระหายในดนตรี ความกระหายในการเคลื่อนไหวในเสียงดนตรี ความรู้สึกของจังหวะ อารมณ์ บน

หูรับรู้ถึงสิ่งที่กำลังฟังอยู่รอบ ๆ - ดนตรีของคนผิวขาว และพวกเขาก็ร้องเพลง

ส่วนใหญ่เป็นเพลงสวดของศาสนาคริสต์ และคนผิวดำก็เริ่มร้องเพลงพวกเขาด้วย แต่

ร้องเพลงในแบบของคุณเอง ลงทุนในความเจ็บปวดทั้งหมดของคุณ และความหวังอันแรงกล้าทั้งหมดของคุณ

ชีวิตที่ดีขึ้น อย่างน้อยก็เหนือความตาย

นี่คือวิธีที่เพลงจิตวิญญาณของชาวนิโกรเกิดขึ้น

จิตวิญญาณ

และในตอนท้ายของศตวรรษที่ 19 เพลงอื่น ๆ ก็ปรากฏขึ้น - เพลงร้องเรียนเพลง

ประท้วง. พวกเขาเริ่มถูกเรียกว่าบลูส์ เพลงบลูส์พูดถึงความต้องการ เกี่ยวกับความยากลำบาก

งานเกี่ยวกับความหวังที่ผิดหวัง

นักร้องบลูส์มักจะร่วมด้วย

ตัวคุณเองด้วยเครื่องดนตรีแบบโฮมเมด เช่น พวกเขาปรับตัว

คอและเชือกสำหรับกล่องเก่า

หลังจากนั้นพวกเขาก็สามารถซื้อเพื่อตัวเองได้

กีตาร์ตัวจริง

คนผิวดำชอบเล่นในวงออเคสตรา แต่ที่นี่เครื่องดนตรีก็ยังต้องมี

ประดิษฐ์ตัวเอง งานนี้เป็นงานที่เกี่ยวข้องกับหวีที่ห่อด้วยกระดาษทิชชู่ เส้นเลือด

แล้วเอาฟักทองแห้งมาผูกไว้แทนลำตัว

อ่างล้างหน้า

หลังจากสิ้นสุดสงครามกลางเมืองในปี พ.ศ. 2404 - 2408 สหรัฐอเมริกาก็ล่มสลาย

วงดนตรีทองเหลืองของหน่วยทหาร เครื่องดนตรีที่เหลืออยู่ก็จบลงที่

ร้านขายขยะที่พวกเขาขายกันอย่างไร้ราคา จากนั้นคนผิวดำก็ในที่สุด

ก็ได้เครื่องดนตรีจริงมา เริ่มปรากฏให้เห็นทั่วทุกแห่ง

วงดนตรีทองเหลืองสีดำ

คนขุดถ่านหิน ช่างก่ออิฐ ช่างไม้ คนเร่ขายใน

ในเวลาว่างพวกเขารวมตัวกันและเล่นเพื่อความสุขของตัวเอง เล่นแล้ว

สำหรับโอกาสใดๆ: วันหยุด งานแต่งงาน ปิกนิก งานศพ

นักดนตรีผิวดำเล่นดนตรีและเต้นรำ พวกเขาเล่นเลียนแบบท่าทาง

เรียบเรียงตามข่าวลือ

อันเป็นผลมาจากการถ่ายทอดเสียงร้องของพวกนิโกรและจังหวะของพวกนิโกร

ดนตรีออเคสตราแนวใหม่ถือกำเนิดขึ้นในวงการดนตรี - แจ๊ส

คุณสมบัติหลักของดนตรีแจ๊สคือการด้นสดและเสรีภาพในจังหวะ

ทำนองเพลงหายใจฟรี

นักดนตรีแจ๊สจะต้องสามารถแสดงดนตรีสดได้

ร่วมกันหรือเดี่ยวโดยมีพื้นหลังของการซ้อมดนตรี แล้วไงล่ะ?

เกี่ยวข้องกับจังหวะดนตรีแจ๊ส (แสดงด้วยคำว่า swing จากวงสวิงภาษาอังกฤษ

Swinging) จากนั้นนักดนตรีแจ๊สชาวอเมริกันคนหนึ่งเขียนเกี่ยวกับเรื่องนี้ดังนี้:

“มันเป็นความรู้สึกของจังหวะที่เป็นแรงบันดาลใจที่ทำให้นักดนตรีรู้สึก

ความสะดวกและอิสระในการแสดงด้นสดและให้ความรู้สึกถึงการเคลื่อนไหวที่ไม่อาจหยุดยั้งได้

แม้ว่าวงออเคสตราทั้งหมดจะก้าวไปข้างหน้าด้วยความเร็วที่เพิ่มขึ้นเรื่อยๆ

ในความเป็นจริงจังหวะยังคงเหมือนเดิม "

นับตั้งแต่มีต้นกำเนิดในเมืองนิวออร์ลีนส์ทางตอนใต้ของอเมริกา ดนตรีแจ๊ส

ฉันมาไกลมากแล้ว แพร่กระจายไปยังอเมริกาก่อนแล้วจึงแพร่กระจาย

ทั่วทุกมุมโลก ศิลปะของคนผิวดำยุติลงแล้ว ในไม่ช้าพวกเขาก็มาสู่ดนตรีแจ๊ส

นักดนตรีผิวขาว ทุกคนรู้จักชื่อของปรมาจารย์ดนตรีแจ๊สที่โดดเด่น นี่คือหลุยส์

อาร์มสตรอง, ดยุค เอลลิงตัน, เบนี กู๊ดแมน, เกลน มิลเลอร์ นี่คือนักร้องเอลล่า

ฟิตซ์เจอรัลด์ และเบสซี่ สมิธ.

ดนตรีแจ๊สมีอิทธิพลต่อดนตรีซิมโฟนิกและโอเปร่า นักแต่งเพลงชาวอเมริกัน

George Gershwin เขียนเพลง "Rhapsody in Blue" สำหรับเปียโนด้วย

วงออเคสตราใช้องค์ประกอบของดนตรีแจ๊สในโอเปร่า Porgy และ Bess

บ้านเรามีดนตรีแจ๊สด้วย

คนแรกเกิดขึ้นอีกครั้งในวัยยี่สิบ นี้

มีวงดนตรีแจ๊สละครที่ดำเนินการโดย Leonid Utesov บน

เป็นเวลาหลายปีที่นักแต่งเพลง Dunaevsky เชื่อมโยงโชคชะตาที่สร้างสรรค์ของเขากับเขา

คุณคงเคยได้ยินวงออเคสตรานี้เหมือนกัน ฟังดูร่าเริงมาจนถึงตอนนี้

ตั้งแต่ภาพยนตร์เรื่อง "Jolly Fellows" ที่ประสบความสำเร็จ

ดนตรีแจ๊สไม่มีองค์ประกอบถาวรต่างจากวงซิมโฟนีออร์เคสตรา แจ๊ส

มันเป็นวงดนตรีเดี่ยวเสมอ และถึงแม้ว่าการประพันธ์เพลงของทั้งสองแจ๊สจะบังเอิญก็ตาม

ส่วนรวมจะเหมือนกัน ท้ายที่สุดแล้ว พวกเขาไม่สามารถเหมือนกันทั้งหมดได้: ในท้ายที่สุด

ในกรณีหนึ่ง นักเล่นเดี่ยวที่ดีที่สุดจะเป็นเช่น นักเล่นทรัมเป็ต และอีกคนหนึ่งจะเป็น

ต้นกำเนิดของดนตรีแจ๊สมีความเชื่อมโยงกับดนตรีบลูส์ มันเกิดขึ้นในตอนท้ายของศตวรรษที่ 19 โดยเป็นการผสมผสานระหว่างจังหวะแอฟริกันและความกลมกลืนของยุโรป แต่ควรค้นหาต้นกำเนิดของมันตั้งแต่ช่วงเวลาที่นำเข้าทาสจากแอฟริกาไปยังดินแดนของโลกใหม่ ทาสที่นำมานั้นไม่ได้มาจากครอบครัวเดียวกันและมักจะไม่เข้าใจกันด้วยซ้ำ ความจำเป็นในการรวมเข้าด้วยกันนำไปสู่การรวมหลายวัฒนธรรมเข้าด้วยกัน และเป็นผลให้เกิดการสร้างวัฒนธรรมเดียว (รวมถึงดนตรี) ของชาวแอฟริกันอเมริกัน กระบวนการผสมผสานวัฒนธรรมดนตรีแอฟริกันและยุโรป (ซึ่งทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงอย่างรุนแรงในโลกใหม่ด้วย) เกิดขึ้นตั้งแต่ศตวรรษที่ 18 และในศตวรรษที่ 19 นำไปสู่การกำเนิดของ "โปรโตแจ๊ส" จากนั้นจึงแจ๊สในดนตรีที่เป็นที่ยอมรับโดยทั่วไป ความรู้สึก.

แจ๊สนิวออร์ลีนส์

คำว่านิวออร์ลีนส์หรือดนตรีแจ๊สดั้งเดิมมักหมายถึงสไตล์ของนักดนตรีที่แสดงดนตรีแจ๊สในนิวออร์ลีนส์ระหว่างปี 1900 ถึง 1917 เช่นเดียวกับนักดนตรีนิวออร์ลีนส์ที่เล่นและบันทึกเสียงในชิคาโกตั้งแต่ปี 1917 ถึง 1920 ประวัติศาสตร์ดนตรีแจ๊สในยุคนี้เรียกอีกอย่างว่ายุคดนตรีแจ๊ส และแนวคิดนี้ยังใช้เพื่ออธิบายดนตรีที่แสดงในช่วงเวลาประวัติศาสตร์ต่างๆ โดยตัวแทนของการฟื้นฟูนิวออร์ลีนส์ซึ่งพยายามแสดงดนตรีแจ๊สในรูปแบบเดียวกับนักดนตรีของโรงเรียนนิวออร์ลีนส์

พัฒนาการของดนตรีแจ๊สในสหรัฐอเมริกาในช่วงไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 20

หลังจากการปิด Storyville ไปแล้ว ดนตรีแจ๊สจากแนวเพลงโฟล์กระดับภูมิภาคก็เริ่มกลายมาเป็นขบวนการดนตรีระดับชาติ และแพร่กระจายไปยังจังหวัดทางตอนเหนือและตะวันออกเฉียงเหนือของสหรัฐอเมริกา แต่แน่นอนว่าการแพร่กระจายอย่างกว้างขวางนั้นไม่สามารถอำนวยความสะดวกได้โดยการปิดย่านบันเทิงเพียงแห่งเดียวเท่านั้น เช่นเดียวกับนิวออร์ลีนส์ เซนต์หลุยส์ แคนซัสซิตี้ และเมมฟิส มีความสำคัญในการพัฒนาดนตรีแจ๊สตั้งแต่แรกเริ่ม Ragtime มีต้นกำเนิดในเมืองเมมฟิสในศตวรรษที่ 19 จากนั้นได้แพร่กระจายไปทั่วทวีปอเมริกาเหนือในช่วงปี ค.ศ. 1903 ในทางกลับกัน การแสดงของนักร้องประสานเสียงที่มีการเคลื่อนไหวทางดนตรีทุกประเภทของคติชนแอฟริกันอเมริกันตั้งแต่จิ๊กไปจนถึงแร็กไทม์ ได้แพร่กระจายอย่างรวดเร็วไปทุกที่และเตรียมหนทางสำหรับการมาถึงของดนตรีแจ๊ส ดาราดนตรีแจ๊สในอนาคตหลายคนเริ่มต้นอาชีพการแสดงละครเพลง ก่อนที่ Storyville จะปิดตัวลง นักดนตรีในนิวออร์ลีนส์ได้ออกทัวร์ร่วมกับคณะละครที่เรียกว่า "vaudeville" Jelly Roll Morton ไปเที่ยวเป็นประจำในแอละแบมา ฟลอริดา และเท็กซัสตั้งแต่ปี 1904 ตั้งแต่ปีพ. ศ. 2457 เขามีสัญญาให้แสดงในชิคาโก ในปี 1915 วงออเคสตรา Dixieland สีขาวของ Thom Browne ก็ย้ายไปชิคาโกด้วย “Creole Band” อันโด่งดังซึ่งนำโดยนักคอร์เนต์ชาวนิวออร์ลีนส์ Freddie Keppard ยังได้ทัวร์คอนเสิร์ตครั้งใหญ่ในชิคาโกด้วย หลังจากแยกตัวจากวง Olympia Band ครั้งหนึ่ง ศิลปินของ Freddie Keppard แล้วในปี 1914 ประสบความสำเร็จในการแสดงละครที่ดีที่สุดในชิคาโก และได้รับข้อเสนอให้ทำการบันทึกเสียงการแสดงของพวกเขาก่อนที่จะมีวงดนตรีแจ๊ส Original Dixieland Jazz Band ซึ่ง Freddie Keppard สายตาสั้นถูกปฏิเสธ

พื้นที่ที่อิทธิพลของดนตรีแจ๊สได้รับอิทธิพลจากวงออเคสตราที่เล่นบนเรือสำราญที่ล่องไปตามแม่น้ำมิสซิสซิปปี้ขยายออกไปอย่างมีนัยสำคัญ นับตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 19 การเดินทางทางแม่น้ำจากนิวออร์ลีนส์ไปยังเซนต์พอลได้รับความนิยม ครั้งแรกสำหรับวันหยุดสุดสัปดาห์ และต่อมาตลอดทั้งสัปดาห์ ตั้งแต่ปี 1900 เป็นต้นมา วงออร์เคสตราของนิวออร์ลีนส์ได้แสดงบนเรือล่องแม่น้ำเหล่านี้ และดนตรีของพวกเขาก็กลายเป็นความบันเทิงที่ดึงดูดใจที่สุดสำหรับผู้โดยสารในระหว่างการทัวร์ชมแม่น้ำ ภรรยาในอนาคตของหลุยส์ อาร์มสตรอง นักเปียโนแจ๊สคนแรก ลิล ฮาร์ดิน เริ่มต้นในวงออร์เคสตรา "Suger Johnny" วงหนึ่ง

นักดนตรีแจ๊สแห่งนิวออร์ลีนส์ในอนาคตหลายคนได้แสดงในวงออร์เคสตราเรือล่องแม่น้ำของนักเปียโนอีกคนหนึ่งชื่อ Faiths Marable เรือกลไฟที่แล่นไปตามแม่น้ำมักจะจอดที่สถานีที่ผ่าน ซึ่งมีวงออร์เคสตราจัดคอนเสิร์ตให้กับประชาชนในท้องถิ่น คอนเสิร์ตเหล่านี้เองที่กลายเป็นการเปิดตัวอย่างสร้างสรรค์ของ Bix Beiderbeck, Jess Stacy และคนอื่นๆ อีกมากมาย เส้นทางที่มีชื่อเสียงอีกเส้นทางหนึ่งวิ่งเลียบมิสซูรีไปยังแคนซัสซิตี ในเมืองนี้ ซึ่งต้องขอบคุณรากฐานอันแข็งแกร่งของนิทานพื้นบ้านแอฟริกันอเมริกัน ดนตรีบลูส์จึงพัฒนาและเป็นรูปเป็นร่างในที่สุด การเล่นดนตรีแจ๊สของนิวออร์ลีนส์ที่เชี่ยวชาญทำให้มีสภาพแวดล้อมที่อุดมสมบูรณ์เป็นพิเศษ ในช่วงต้นทศวรรษ 2010 ศูนย์กลางหลักในการพัฒนาดนตรีแจ๊สคือชิคาโก ซึ่งด้วยความพยายามของนักดนตรีหลายคนที่รวมตัวกันจากส่วนต่างๆ ของสหรัฐอเมริกา จึงได้สร้างสรรค์สไตล์ที่ได้รับชื่อเล่นว่าแจ๊สชิคาโก

แกว่ง

คำนี้มีสองความหมาย ประการแรก มันเป็นวิธีการแสดงออกในดนตรีแจ๊ส ลักษณะเฉพาะของการเต้นเป็นจังหวะโดยพิจารณาจากความเบี่ยงเบนคงที่ของจังหวะจากจังหวะที่รองรับ ด้วยเหตุนี้ ความรู้สึกถึงพลังงานภายในอันยิ่งใหญ่จึงถูกสร้างขึ้น ซึ่งอยู่ในสภาวะสมดุลที่ไม่เสถียร ประการที่สอง รูปแบบของดนตรีแจ๊สออเคสตราซึ่งเกิดขึ้นในช่วงเปลี่ยนทศวรรษที่ 1920 และ 30 อันเป็นผลมาจากการสังเคราะห์ดนตรีแจ๊สในรูปแบบนิโกรและยุโรป

นักแสดง: โจ พาส, แฟรงค์ ซินาตร้า, เบนนี่ กู๊ดแมน, นอราห์ โจนส์, มิเชล เลแกรนด์, ออสการ์ ปีเตอร์สัน, ไอค์ ควิเบก, เปาลินโญ่ ดา คอสต้า, วินตัน มาร์ซาลิส เซปเต็ต, มิลส์ บราเธอร์ส, สเตฟาน กรัปเปลลี

ตะบัน

สไตล์ดนตรีแจ๊สที่พัฒนาขึ้นในช่วงต้นถึงกลางทศวรรษที่ 40 ของศตวรรษที่ 20 และนำไปสู่ยุคของดนตรีแจ๊สสมัยใหม่ โดดเด่นด้วยจังหวะที่รวดเร็วและการแสดงด้นสดที่ซับซ้อนโดยอาศัยการเปลี่ยนแปลงของความสามัคคีมากกว่าทำนอง การแสดงที่ก้าวไปอย่างรวดเร็วเป็นพิเศษได้รับการแนะนำโดย Parker และ Gillespie เพื่อไม่ให้ผู้ที่ไม่ใช่มืออาชีพอยู่ห่างจากการแสดงด้นสดใหม่ๆ เหนือสิ่งอื่นใด ลักษณะเด่นของ bebopers ทุกคนคือพฤติกรรมและรูปลักษณ์ที่น่าตกใจ: ทรัมเป็ตโค้งของ "Dizzy" Gillespie, พฤติกรรมของ Parker และ Gillespie, หมวกไร้สาระของ Monk ฯลฯ ปรากฏว่าเป็นปฏิกิริยาตอบสนองต่อการแพร่กระจายของวงสวิงอย่างกว้างขวาง บีบอปยังคงพัฒนาหลักการในการใช้วิธีแสดงออก แต่ในขณะเดียวกันก็ค้นพบแนวโน้มที่ขัดแย้งกันหลายประการ

แตกต่างจากวงสวิงซึ่งส่วนใหญ่เป็นดนตรีของวงออเคสตร้าเต้นรำเชิงพาณิชย์ขนาดใหญ่ บีบอปเป็นการเคลื่อนไหวเชิงสร้างสรรค์แนวทดลองในดนตรีแจ๊ส โดยส่วนใหญ่เกี่ยวข้องกับการฝึกซ้อมของวงดนตรีขนาดเล็ก (คอมโบ) และแนวต่อต้านการค้า ช่วงบีบอปถือเป็นการเปลี่ยนแปลงครั้งสำคัญในการเน้นดนตรีแจ๊สจากเพลงแดนซ์ยอดนิยมไปเป็น "ดนตรีสำหรับนักดนตรี" ที่มีความเป็นศิลปะ สติปัญญาสูง แต่มีการผลิตในปริมาณน้อย นักดนตรีบ็อปชอบการแสดงด้นสดที่ซับซ้อนโดยอาศัยคอร์ดดีดแทนท่วงทำนอง

ผู้ยุยงหลักของการเกิดคือ: นักเป่าแซ็กโซโฟน Charlie Parker, นักเป่าแตร Dizzy Gillespie, นักเปียโน Bud Powell และ Thelonious Monk, มือกลอง Max Roach ฟัง Chick Corea, Michel Legrand, Joshua Redman Elastic Band, Jan Garbarek, Charles Mingus, Modern Jazz Quartet

วงใหญ่

วงดนตรีขนาดใหญ่ที่มีรูปแบบคลาสสิกและเป็นที่ยอมรับเป็นที่รู้จักในวงการดนตรีแจ๊สมาตั้งแต่ช่วงปีแรกๆ แบบฟอร์มนี้ยังคงมีความเกี่ยวข้องจนถึงสิ้นทศวรรษปี ค.ศ. 1920 ตามกฎแล้ว นักดนตรีที่เข้าร่วมวงดนตรีใหญ่ๆ ส่วนใหญ่อยู่ในช่วงวัยรุ่น จะเล่นท่อนที่เฉพาะเจาะจงมาก ไม่ว่าจะจดจำในการซ้อมหรือจากโน้ตก็ตาม การเรียบเรียงอย่างระมัดระวังประกอบกับท่อนทองเหลืองขนาดใหญ่และเครื่องเป่าลมไม้ทำให้เกิดเสียงประสานของดนตรีแจ๊สที่เข้มข้น และสร้างเสียงที่ดังอย่างเร้าใจซึ่งกลายเป็นที่รู้จักในชื่อ "เสียงของวงดนตรีขนาดใหญ่"

วงดนตรีขนาดใหญ่กลายเป็นเพลงยอดนิยมในยุคนั้น และโด่งดังถึงจุดสูงสุดในช่วงกลางปี เพลงนี้กลายเป็นที่มาของความคลั่งไคล้การเต้นสวิง ผู้นำของวงออเคสตราแจ๊สชื่อดัง Duke Ellington, Benny Goodman, Count Basie, Artie Shaw, Chick Webb, Glenn Miller, Tommy Dorsey, Jimmy Lunsford, Charlie Barnett แต่งหรือเรียบเรียงและบันทึกขบวนพาเหรดเพลงฮิตที่ได้ยินไม่เพียงแต่ใน วิทยุ แต่ยังมีอยู่ทุกที่ในห้องเต้นรำ วงดนตรีขนาดใหญ่หลายวงจัดแสดงผลงานเดี่ยวเดี่ยวของพวกเขา ซึ่งทำให้ผู้ชมตกอยู่ในอาการฮิสทีเรียระหว่าง "การต่อสู้ของวงดนตรี" ที่ได้รับการโปรโมตอย่างดี

แม้ว่าความนิยมของวงดนตรีใหญ่จะลดลงอย่างมากหลังสงครามโลกครั้งที่สอง แต่วงออเคสตราที่นำโดย Basie, Ellington, Woody Herman, Stan Kenton, Harry James และคนอื่นๆ อีกหลายคนได้ออกทัวร์และบันทึกเสียงบ่อยครั้งในช่วงไม่กี่ทศวรรษถัดมา ดนตรีของพวกเขาค่อยๆ เปลี่ยนไปภายใต้อิทธิพลของเทรนด์ใหม่ กลุ่มต่างๆ เช่น วงดนตรีที่นำโดย Boyd Rayburn, Sun Ra, Oliver Nelson, Charles Mingus, Tad Jones-Mal Lewis ได้สำรวจแนวคิดใหม่ๆ ในความกลมกลืน การใช้เครื่องดนตรี และเสรีภาพในการแสดงด้นสด ปัจจุบันวงดนตรีขนาดใหญ่ถือเป็นมาตรฐานในการศึกษาดนตรีแจ๊ส วงออเคสตราสำหรับการแสดงละคร เช่น Lincoln Center Jazz Orchestra, Carnegie Hall Jazz Orchestra, Smithsonian Jazz Masterpiece Orchestra และ Chicago Jazz Ensemble มักจะเล่นการเรียบเรียงดนตรีต้นฉบับของวงดนตรีขนาดใหญ่เป็นประจำ

ในปี 2008 หนังสือมาตรฐานของ George Simon เรื่อง "Big Bands of the Swing Era" ได้รับการตีพิมพ์เป็นภาษารัสเซีย ซึ่งเป็นสารานุกรมที่เกือบจะสมบูรณ์ของวงดนตรีขนาดใหญ่ทั้งหมดในยุคทองตั้งแต่ต้นทศวรรษที่ 20 ถึง 60 ของศตวรรษที่ 20

กระแสหลัก

นักเปียโน ดยุค เอลลิงตัน

หลังจากการสิ้นสุดของความนิยมของวงออเคสตราขนาดใหญ่ในยุคของวงดนตรีขนาดใหญ่ เมื่อดนตรีของวงออเคสตราขนาดใหญ่เริ่มที่จะอัดแน่นไปด้วยวงดนตรีแจ๊สขนาดเล็กบนเวที เพลงสวิงก็ยังคงได้ยินต่อไป หลังจากการแสดงคอนเสิร์ตในห้องบอลรูม นักสวิงเดี่ยวที่มีชื่อเสียงหลายคนชอบเล่นสนุกในคลับเล็กๆ บนถนน 52nd Street ในนิวยอร์ก และคนเหล่านี้ไม่เพียงแต่ทำงานเป็น "ไซด์เมน" ในวงออเคสตราขนาดใหญ่เช่น Ben Webster, Coleman Hawkins, Lester Young, Roy Eldridge, Johnny Hodges, Buck Clayton และคนอื่น ๆ ผู้นำของวงดนตรีใหญ่เอง - Duke Ellington, Count Basie, Benny Goodman, Jack Teagarden, Harry James, Gene Krupa ซึ่งในตอนแรกเป็นศิลปินเดี่ยวและไม่ใช่แค่วาทยากรเท่านั้นยังมองหาโอกาสในการเล่นแยกจากกลุ่มใหญ่ของพวกเขาในกลุ่มเล็ก ๆ องค์ประกอบ. นักดนตรีเหล่านี้ยึดมั่นในท่าทางการสวิงแบบดั้งเดิมโดยไม่ยอมรับเทคนิคที่เป็นนวัตกรรมใหม่ของบีบอปที่กำลังจะมาถึง ขณะเดียวกันก็แสดงจินตนาการที่ไม่สิ้นสุดเมื่อแสดงส่วนด้นสด ดาราวงสวิงหลักแสดงและบันทึกเสียงอย่างต่อเนื่องเป็นกลุ่มเล็กๆ ที่เรียกว่า "คอมโบ" ซึ่งภายในนั้นมีพื้นที่สำหรับการแสดงด้นสดมากขึ้น ด้วยจุดเริ่มต้นของการเพิ่มขึ้นของ bebop รูปแบบของทิศทางของคลับแจ๊สในช่วงปลายทศวรรษ 1920 จึงได้รับชื่อกระแสหลักหรือการเคลื่อนไหวหลัก การแสดงดนตรีที่เก่งที่สุดในยุคนั้นบางส่วนสามารถได้ยินได้ในรูปแบบที่ไพเราะในการแสดงดนตรีสด เมื่อการแสดงคอร์ดด้นสดมีความสำคัญเหนือกว่าวิธีการระบายสีทำนองเพลงของยุคสวิง แนวเพลงฟรีสไตล์ในช่วงปลายยุค 's และ ' กลับมาอีกครั้ง โดยเป็นกระแสหลักที่ซึมซับองค์ประกอบของดนตรีแจ๊สเท่ๆ บีบอป และฮาร์ดบ็อบ คำว่า "กระแสหลักร่วมสมัย" หรือโพสต์-บีบอป ถูกนำมาใช้ในปัจจุบันสำหรับเกือบทุกสไตล์ที่ไม่มีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับสไตล์ดนตรีแจ๊สในอดีต

แจ๊สอีสาน. ก้าวย่าง

หลุยส์ อาร์มสตรอง นักเป่าแตรและนักร้อง

แม้ว่าประวัติศาสตร์ของดนตรีแจ๊สจะเริ่มต้นขึ้นในนิวออร์ลีนส์ด้วยการถือกำเนิดของศตวรรษที่ 20 แต่ดนตรีก็เริ่มได้รับความนิยมอย่างมากในช่วงปีแรกๆ เมื่อนักเป่าแตร หลุยส์ อาร์มสตรอง ออกจากนิวออร์ลีนส์เพื่อสร้างดนตรีแนวปฏิวัติใหม่ในชิคาโก การอพยพของปรมาจารย์ด้านดนตรีแจ๊สแห่งนิวออร์ลีนส์ไปยังนิวยอร์ก ซึ่งเริ่มขึ้นหลังจากนั้นไม่นาน ถือเป็นแนวโน้มของการเคลื่อนไหวอย่างต่อเนื่องของนักดนตรีแจ๊สจากทางใต้สู่ทางเหนือ ชิคาโกนำดนตรีของนิวออร์ลีนส์มาทำให้ร้อนแรง โดยเพิ่มความเข้มข้นไม่เพียงแต่จากความพยายามของวงดนตรี Hot Five และ Hot Seven อันโด่งดังของ Armstrong เท่านั้น แต่ยังรวมถึงวงดนตรีอื่นๆ ด้วย รวมถึงปรมาจารย์อย่าง Eddie Condon และ Jimmy McPartland ซึ่งเป็นทีมงานที่ Austin High โรงเรียนช่วยฟื้นฟูโรงเรียนในนิวออร์ลีนส์ ชาวชิคาโกที่มีชื่อเสียงคนอื่นๆ ที่ก้าวข้ามขีดจำกัดของดนตรีแจ๊สสไตล์นิวออร์ลีนส์คลาสสิก ได้แก่ นักเปียโน Art Hodes มือกลอง Barrett Deems และนักคลาริเน็ต Benny Goodman อาร์มสตรองและกู๊ดแมนซึ่งในที่สุดก็ย้ายไปนิวยอร์ค ได้สร้างกลุ่มคนสำคัญที่นั่นซึ่งช่วยให้เมืองนี้กลายเป็นเมืองหลวงแห่งดนตรีแจ๊สที่แท้จริงของโลก และในขณะที่ชิคาโกยังคงเป็นศูนย์บันทึกเสียงเป็นหลักในช่วงไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 20 นิวยอร์กก็กลายเป็นสถานที่แสดงดนตรีแจ๊สที่สำคัญ โดยมีคลับในตำนานเช่น Minton Playhouse, Cotton Club, the Savoy และ Village Vanguard และยังมีเวทีอื่นๆ อีกด้วย อย่างคาร์เนกี้ ฮอลล์

สไตล์แคนซัสซิตี้

ในช่วงยุคเศรษฐกิจตกต่ำครั้งใหญ่และการห้าม วงการเพลงแจ๊สในแคนซัสซิตี้กลายเป็นเมืองสำคัญของดนตรีแนวใหม่ในช่วงปลายทศวรรษ 1900 และ 1900 สไตล์ที่เฟื่องฟูในแคนซัสซิตีโดดเด่นด้วยบทละครแนวบลูส์ที่จริงใจซึ่งแสดงโดยวงดนตรีขนาดใหญ่และวงดนตรีวงสวิงขนาดเล็กที่นำเสนอโซโลที่มีพลังสูงซึ่งแสดงสำหรับผู้อุปถัมภ์ของเถื่อน มันอยู่ในบวบเหล่านี้ที่สไตล์ของ Count Basie ผู้ยิ่งใหญ่ซึ่งเริ่มต้นในแคนซัสซิตีในวงออเคสตราของ Walter Page และต่อมากับ Benny Mouthen ตกผลึก วงออเคสตราทั้งสองนี้เป็นตัวแทนทั่วไปของสไตล์แคนซัสซิตี ซึ่งมีพื้นฐานมาจากรูปแบบบลูส์ที่แปลกประหลาด เรียกว่า "เออร์เบิร์นบลูส์" และก่อตั้งขึ้นจากการเล่นของออเคสตร้าที่กล่าวมาข้างต้น วงการดนตรีแจ๊สในแคนซัสซิตี้ยังโดดเด่นด้วยกาแล็กซีของปรมาจารย์ด้านโวคอลบลูส์ที่โดดเด่นซึ่ง "ราชา" ที่ได้รับการยอมรับในหมู่นั้นเป็นศิลปินเดี่ยวของวงออเคสตรา Count Basie เป็นเวลานานซึ่งเป็นนักร้องบลูส์ชื่อดัง Jimmy Rushing Charlie Parker นักเป่าแซ็กโซโฟนอัลโตผู้โด่งดัง เกิดในแคนซัสซิตี้ เมื่อเขามาถึงนิวยอร์ก เขาใช้เทคนิคบลูส์อันเป็นเอกลักษณ์ที่เขาได้เรียนรู้จากวงออร์เคสตร้าในแคนซัสซิตี้อย่างกว้างขวาง และต่อมาได้กลายมาเป็นจุดเริ่มต้นหนึ่งในการทดลองวงบ็อบเปอร์ในปี 2010

เวสต์โคสต์แจ๊ส

ศิลปินที่หลงใหลในขบวนการดนตรีแจ๊สสุดเจ๋งในช่วงทศวรรษ 1950 ได้ทำงานอย่างกว้างขวางในสตูดิโอบันทึกเสียงในลอสแอนเจลิส โดยได้รับอิทธิพลส่วนใหญ่จากโนเน็ตของไมลส์ เดวิส นักแสดงจากลอสแอนเจลีสเหล่านี้ได้พัฒนาสิ่งที่เรียกว่า "เวสต์โคสต์แจ๊ส" หรือ แจ๊สฝั่งตะวันตก- ในฐานะสตูดิโอบันทึกเสียง คลับต่างๆ เช่น Lighthouse ใน Hermosa Beach และ the Haig ในลอสแองเจลิสมักนำเสนอปรมาจารย์ชั้นนำของเขา รวมถึงนักเป่าแตร Shorty Rogers นักเป่าแซ็กโซโฟน Art Pepper และ Bud Schenk มือกลอง Shelley Mann และนักคลาริเน็ต Jimmy Giuffre

คูล (แจ๊สสุดเท่)

ความเข้มข้นและความกดดันสูงของบีบอปเริ่มลดลงตามการพัฒนาของดนตรีแจ๊สสุดเท่ ในช่วงปลายและช่วงปีแรกๆ นักดนตรีเริ่มพัฒนาแนวทางการแสดงด้นสดที่มีความรุนแรงน้อยลงและนุ่มนวลขึ้น โดยจำลองมาจากการเล่นที่เบาและแห้งของนักเป่าแซ็กโซโฟนเทเนอร์ เลสเตอร์ ยัง ซึ่งเขาเคยใช้ในยุคสวิง ผลลัพธ์ที่ได้คือเสียงที่แยกออกจากกันและสม่ำเสมอ โดยอิงจาก "ความเย็น" ทางอารมณ์ Trumpeter Miles Davis ผู้บุกเบิกเพลงบีบอปในยุคแรกๆ ที่ทำให้เพลงบี๊บเย็นลง กลายเป็นผู้ริเริ่มที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของแนวเพลงประเภทนี้ โนเน็ตของเขาซึ่งบันทึกอัลบั้ม "The Birth of a Cool" ในปี 1950 ถือเป็นศูนย์รวมของการแต่งเนื้อร้องและความยับยั้งชั่งใจของดนตรีแจ๊สสุดเท่ นักดนตรีที่มีชื่อเสียงคนอื่นๆ ในโรงเรียนดนตรีแจ๊สสุดเจ๋ง ได้แก่ นักเป่าแตร Chet Baker, นักเปียโน George Shearing, John Lewis, Dave Brubeck และ Lenny Tristano, นักไวบราโฟน Milt Jackson และนักแซ็กโซโฟน Stan Getz, Lee Konitz, Zoot Sims และ Paul Desmond ผู้เรียบเรียงมีส่วนสำคัญต่อการเคลื่อนไหวดนตรีแจ๊สสุดเจ๋ง โดยเฉพาะ Ted Dameron, Claude Thornhill, Bill Evans และนักเป่าแซ็กโซโฟนบาริโทน Gerry Mulligan การเรียบเรียงของพวกเขาเน้นไปที่การใช้สีสันของเครื่องดนตรีและสโลว์โมชัน บนความกลมกลืนที่เยือกแข็งซึ่งสร้างภาพลวงตาของอวกาศ ความไม่ลงรอยกันยังมีบทบาทบางอย่างในดนตรีของพวกเขา แต่มีบุคลิกที่นุ่มนวลและสงบลง รูปแบบดนตรีแจ๊ซสุดคูลเหลือพื้นที่สำหรับวงดนตรีที่ค่อนข้างใหญ่ เช่น โนเน็ตและเต็นท์ ซึ่งเริ่มพบเห็นได้ทั่วไปในช่วงเวลานี้มากกว่าในยุคบีบอปตอนต้น ผู้เรียบเรียงบางคนทดลองใช้เครื่องมือดัดแปลง ซึ่งรวมถึงเครื่องดนตรีทองเหลืองรูปทรงกรวย เช่น เขาสัตว์และทูบา

ดนตรีแจ๊สแบบก้าวหน้า

ควบคู่ไปกับการเกิดขึ้นของ bebop แนวเพลงใหม่กำลังพัฒนาในหมู่ดนตรีแจ๊ส - ดนตรีแจ๊สแบบโปรเกรสซีฟหรือเพียงแค่โปรเกรสซีฟ ความแตกต่างที่สำคัญของแนวเพลงนี้คือความปรารถนาที่จะหลีกหนีจากความคิดโบราณที่แช่แข็งของวงดนตรีขนาดใหญ่และเทคนิคที่ล้าสมัยและล้าสมัยของสิ่งที่เรียกว่า ซิมโฟแจ๊สเปิดตัวในปี 2000 โดย Paul Whiteman ผู้สร้างที่ก้าวหน้าไม่ได้พยายามปฏิเสธประเพณีดนตรีแจ๊สที่พัฒนาขึ้นในขณะนั้นอย่างถึงรากถึงโคน พวกเขาค่อนข้างพยายามที่จะอัปเดตและปรับปรุงโมเดลวลีสวิงโดยแนะนำความสำเร็จล่าสุดของซิมโฟนิซึมของยุโรปในด้านโทนเสียงและความกลมกลืน

การมีส่วนร่วมที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในการพัฒนาแนวคิด "ก้าวหน้า" เกิดขึ้นโดยนักเปียโนและผู้ควบคุมวง Stan Kenton ดนตรีแจ๊สแบบโปรเกรสซีฟในช่วงต้นทศวรรษ 1920 เริ่มต้นจากผลงานชิ้นแรกของเขา เสียงดนตรีที่แสดงโดยวงออเคสตราชุดแรกของเขาใกล้เคียงกับ Rachmaninov และการเรียบเรียงก็มีลักษณะของแนวโรแมนติกตอนปลาย อย่างไรก็ตาม ในแง่ของแนวเพลง มันใกล้เคียงกับดนตรีแจ๊สซิมโฟนิกมากที่สุด ต่อมาในช่วงหลายปีของการสร้างซีรีส์ที่มีชื่อเสียงในอัลบั้ม "Artistry" ของเขา องค์ประกอบดนตรีแจ๊สไม่ได้มีบทบาทในการสร้างสีสันอีกต่อไป แต่ได้ถูกถักทอเข้ากับเนื้อหาทางดนตรีอย่างเป็นธรรมชาติแล้ว นอกจาก Kenton แล้ว เครดิตสำหรับเรื่องนี้ยังเป็นของ Pete Rugolo ผู้เรียบเรียงที่ดีที่สุดของเขา ซึ่งเป็นลูกศิษย์ของ Darius Milhaud เสียงไพเราะสมัยใหม่ (สำหรับหลายปีที่ผ่านมา) เทคนิคการเล่นแซกโซโฟนเฉพาะในการเล่นแซ็กโซโฟน ฮาร์โมนีที่หนา วินาทีและบล็อกที่พบบ่อย พร้อมด้วยเสียงหลายเสียงและการเต้นเป็นจังหวะแจ๊ส - นี่คือคุณสมบัติที่โดดเด่นของเพลงนี้ซึ่ง Stan Kenton เข้ามา ประวัติศาสตร์ดนตรีแจ๊สมาหลายปี ในฐานะหนึ่งในผู้ริเริ่มที่ค้นพบเวทีทั่วไปสำหรับวัฒนธรรมซิมโฟนิกของยุโรปและองค์ประกอบของบีบอป โดยเฉพาะอย่างยิ่งที่เห็นได้ชัดเจนในท่อนที่นักดนตรีเดี่ยวดูเหมือนจะต่อต้านเสียงของวงออเคสตราที่เหลือ ควรสังเกตว่า Kenton ให้ความสนใจอย่างมากกับท่อนด้นสดของศิลปินเดี่ยวในการเรียบเรียงของเขารวมถึงมือกลองชื่อดังระดับโลก Shelley Maine, มือเบสคู่ Ed Safransky, นักทรอมโบน Kay Winding, June Christie หนึ่งในนักร้องแจ๊สที่เก่งที่สุดในช่วงหลายปีที่ผ่านมา Stan Kenton ยังคงซื่อสัตย์ต่อแนวเพลงที่เขาเลือกตลอดอาชีพของเขา

นอกจากสแตน เคนตันแล้ว บอยด์ เรย์เบิร์น และกิล อีแวนส์ ผู้เรียบเรียงและนักดนตรีเครื่องดนตรีที่น่าสนใจก็มีส่วนในการพัฒนาแนวเพลงนี้ด้วย การยกย่องสรรเสริญของการพัฒนาแบบก้าวหน้าพร้อมกับซีรีส์ "Artistry" ที่กล่าวถึงแล้วยังถือเป็นซีรีส์อัลบั้มที่บันทึกโดยวงดนตรีใหญ่ Gil Evans ร่วมกับวงดนตรี Miles Davis ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาเช่น "Miles ข้างหน้า” “พอร์จี้และเบส” และ “ภาพวาดภาษาสเปน” ไม่นานก่อนที่เขาจะเสียชีวิต ไมลส์ เดวิส หันมาใช้แนวเพลงนี้อีกครั้ง โดยบันทึกการเรียบเรียงเพลงเก่าๆ ของกิล อีแวนส์ร่วมกับวง Quincy Jones Big Band

ฮาร์ดป็อบ

Hard bop (อังกฤษ - hard, hard bop) เป็นดนตรีแจ๊สประเภทหนึ่งที่เกิดขึ้นในยุค 50 ศตวรรษที่ XX จากป็อบ โดดเด่นด้วยจังหวะที่แสดงออกและโหดร้ายซึ่งมีพื้นฐานมาจากเพลงบลูส์ หมายถึงสไตล์ของดนตรีแจ๊สสมัยใหม่ ในช่วงเวลาเดียวกับที่แจ๊สเจ๋งๆ หยั่งรากในฝั่งตะวันตก นักดนตรีแจ๊สจากดีทรอยต์ ฟิลาเดลเฟีย และนิวยอร์กก็เริ่มพัฒนารูปแบบบีบ็อปแบบเก่าให้หนักขึ้นและหนักขึ้น เรียกว่า Hard Bop หรือ Hard Bebop ฮาร์ดบ็อบในทศวรรษปี 1950 และ 1960 มีความคล้ายคลึงกับบีบ็อปแบบดั้งเดิมอย่างใกล้ชิดในด้านความดุดันและความต้องการทางเทคนิค โดยอาศัยรูปแบบเพลงมาตรฐานน้อยลง และเริ่มให้ความสำคัญกับองค์ประกอบเพลงบลูส์และการขับเคลื่อนจังหวะมากขึ้น การเล่นโซโล่เดี่ยวหรือความเชี่ยวชาญในการแสดงด้นสดร่วมกับความรู้สึกประสานเสียงที่แข็งแกร่งเป็นคุณสมบัติที่มีความสำคัญยิ่งสำหรับนักแสดงในเครื่องดนตรีประเภทลม ในส่วนของจังหวะ การมีส่วนร่วมของกลองและเปียโนเริ่มสังเกตเห็นได้ชัดเจนยิ่งขึ้น และเสียงเบสก็มีความลื่นไหลและฟังกี้มากขึ้น ความรู้สึก (นำมาจากแหล่งที่มา “วรรณกรรมดนตรี” โดย Kolomiets Maria )

แจ๊สแบบโมดัล

โซลแจ๊ส

ร่อง

สไตล์กรูฟที่สืบเชื้อสายมาจากโซลแจ๊ส มีท่วงทำนองบลูซี่และการเน้นจังหวะที่ยอดเยี่ยม บางครั้งเรียกอีกอย่างว่า "ฟังค์" กรู๊ฟจะเน้นไปที่การรักษารูปแบบจังหวะที่มีลักษณะต่อเนื่อง แต่งแต้มด้วยเครื่องดนตรีสีอ่อนและบางครั้งก็แต่งเป็นโคลงสั้น ๆ

ผลงานที่แสดงในรูปแบบกรู๊ฟเต็มไปด้วยอารมณ์สนุกสนานชวนให้ผู้ฟังมาเต้นทั้งเวอร์ชั่นช้า บลูส์ และจังหวะเร็ว การแสดงเดี่ยวยังคงอยู่ภายใต้จังหวะและเสียงโดยรวมอย่างเคร่งครัด เลขชี้กำลังที่มีชื่อเสียงที่สุดของรูปแบบนี้คือนักออร์แกน Richard "Groove" Holmes และ Shirley Scott นักเล่นแซ็กโซโฟนเทเนอร์ ยีน เอมมอนส์ และนักเป่าแซ็กโซโฟน/อัลโตแซ็กโซโฟน ลีโอ ไรท์

แจ๊สฟรี

ออร์เน็ตต์ โคลแมน นักเป่าแซ็กโซโฟน

บางทีการเคลื่อนไหวที่เป็นที่ถกเถียงกันมากที่สุดในประวัติศาสตร์ดนตรีแจ๊สอาจเกิดขึ้นพร้อมกับการกำเนิดของดนตรีแจ๊สฟรี หรือ "สิ่งใหม่" ตามที่เรียกกันในเวลาต่อมา แม้ว่าองค์ประกอบของดนตรีแจ๊สฟรีจะมีอยู่ในโครงสร้างทางดนตรีของดนตรีแจ๊สมานานก่อนที่จะมีการบัญญัติศัพท์นี้ขึ้นมา แต่องค์ประกอบดั้งเดิมส่วนใหญ่อยู่ใน "การทดลอง" ของนักประดิษฐ์เช่น Coleman Hawkins, Pee Wee Russell และ Lenny Tristano แต่เพียงมุ่งสู่จุดสิ้นสุดของ ความพยายามของผู้บุกเบิกเช่นนักเป่าแซ็กโซโฟน Ornette Coleman และนักเปียโน Cecil Taylor ทิศทางนี้เป็นรูปเป็นร่างในรูปแบบอิสระ

สิ่งที่นักดนตรีสองคนนี้ พร้อมด้วยคนอื่นๆ รวมถึง John Coltrane, Albert Ayler และวงดนตรีอย่าง Sun Ra Arkestra และกลุ่มที่ชื่อว่า The Revolutionary Ensemble ประสบความสำเร็จคือการเปลี่ยนแปลงโครงสร้างและความรู้สึกของดนตรีที่หลากหลาย ในบรรดานวัตกรรมที่นำเสนอด้วยจินตนาการและดนตรีที่ยอดเยี่ยมคือการละทิ้งความก้าวหน้าของคอร์ดซึ่งทำให้ดนตรีเคลื่อนไหวไปในทิศทางใดก็ได้ พบการเปลี่ยนแปลงพื้นฐานอีกประการหนึ่งในด้านจังหวะซึ่งมีการแก้ไขหรือเพิกเฉยต่อ "สวิง" โดยสิ้นเชิง กล่าวอีกนัยหนึ่ง ชีพจร มิเตอร์ และกรูฟไม่ใช่องค์ประกอบสำคัญในการอ่านดนตรีแจ๊สอีกต่อไป องค์ประกอบสำคัญอีกประการหนึ่งเกี่ยวข้องกับความไม่มีตัวตน ปัจจุบัน คำพูดทางดนตรีไม่ได้ขึ้นอยู่กับระบบวรรณยุกต์แบบเดิมๆ อีกต่อไป เสียงที่ดังทะลุทะลวง เห่า และกระตุกทำให้โลกแห่งเสียงใหม่นี้เต็มไปด้วยความสมบูรณ์

ดนตรีแจ๊สฟรียังคงมีอยู่ในปัจจุบันในฐานะรูปแบบการแสดงออกที่เป็นไปได้ และในความเป็นจริงแล้ว ไม่ได้เป็นสไตล์ที่ก่อให้เกิดความขัดแย้งเหมือนในสมัยแรกๆ อีกต่อไป

ความคิดสร้างสรรค์

การเกิดขึ้นของทิศทาง "สร้างสรรค์" เกิดจากการแทรกซึมขององค์ประกอบของการทดลองและเปรี้ยวจี๊ดเข้าสู่ดนตรีแจ๊ส จุดเริ่มต้นของกระบวนการนี้ส่วนหนึ่งเกิดขึ้นพร้อมกับการเกิดขึ้นของดนตรีแจ๊สฟรี องค์ประกอบของดนตรีแจ๊สแนวหน้าซึ่งเข้าใจว่าเป็นการเปลี่ยนแปลงและนวัตกรรมที่นำมาใช้ในดนตรีนั้นเป็น "การทดลอง" มาโดยตลอด ดังนั้นรูปแบบใหม่ของการทดลองนิยมที่นำเสนอโดยดนตรีแจ๊สในยุค 50, 60 และ 70 ถือเป็นการฉีกแนวจากประเพณีที่ต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง โดยนำเสนอองค์ประกอบใหม่ๆ ของจังหวะ โทนเสียง และโครงสร้าง ที่จริงแล้ว ดนตรีแนวเปรี้ยวจี๊ดกลายมีความหมายเหมือนกันกับรูปแบบที่เปิดกว้าง ซึ่งมีมากกว่านั้น จำแนกลักษณะได้ยากกว่าดนตรีแจ๊สฟรี โครงสร้างคำพูดที่วางแผนไว้ล่วงหน้าผสมกับวลีเดี่ยวที่อิสระกว่า ซึ่งส่วนหนึ่งชวนให้นึกถึงดนตรีแจ๊สฟรี โครงสร้างของผลงานได้รับการออกแบบเพื่อให้โซโลเป็นผลจากการเรียบเรียง ซึ่งนำไปสู่กระบวนการทางดนตรีที่ปกติจะถือว่าเป็นรูปแบบหนึ่งของนามธรรมหรือแม้แต่ความโกลาหลก็สามารถรวมอยู่ในละครเพลงได้ แต่สิ่งนี้ไม่จำเป็นเลยในช่วงปีแรก ๆ ผู้บุกเบิกกระแสนี้ ได้แก่ นักเปียโน Lenny Tristano นักเป่าแซ็กโซโฟน Jimmy Joffrey และผู้แต่งเพลง / ผู้เรียบเรียง / วาทยกร Gunther Schuller ผู้เชี่ยวชาญล่าสุด ได้แก่ นักเปียโน Paul Bley และ Andrew Hill นักเป่าแซ็กโซโฟน Anthony Braxton และ Sam Rivers มือกลอง Sunny Murray และ Andrew Cyrille และสมาชิกของชุมชน AACM (Association for the Advancement of Creative Musicians) เช่น Art Ensemble of Chicago

ฟิวชั่น

เริ่มต้นไม่เพียงแต่จากการผสมผสานของดนตรีแจ๊สกับป็อปและร็อคเท่านั้น แต่ยังรวมไปถึงดนตรีที่เกิดจากพื้นที่ต่างๆ เช่น โซล ฟังก์และริธึมและบลูส์ ฟิวชั่น (หรือฟิวชั่นตามตัวอักษร) เป็นแนวดนตรีที่เกิดขึ้นในตอนท้าย - x ซึ่งเดิมเรียกว่าแจ๊ส -หิน. นักดนตรีและวงดนตรีส่วนบุคคล เช่น Eleventh House ของแลร์รี คอรีเอลล์ มือกลอง โทนี่ วิลเลียมส์ ไลฟ์ไทม์ และไมลส์ เดวิส เป็นผู้นำในการแนะนำองค์ประกอบต่างๆ เช่น อิเล็กทรอนิกา จังหวะร็อค และเพลงที่ขยายออกไป โดยขจัดสิ่งที่แจ๊ส "ยืนอยู่" ออกไปจากเพลงแจ๊สส่วนใหญ่ จุดเริ่มต้น ได้แก่ จังหวะสวิง และอิงจากดนตรีบลูส์เป็นหลัก ซึ่งเพลงดังกล่าวมีทั้งเนื้อหาแนวบลูส์และมาตรฐานยอดนิยม คำว่าฟิวชั่นถูกนำมาใช้ไม่นานหลังจากวงออเคสตราต่างๆ เกิดขึ้น เช่น วง Mahavishnu Orchestra, Weather Report และวงดนตรี Return To Forever ของ Chick Corea ตลอดดนตรีของวงดนตรีเหล่านี้ ยังคงเน้นที่ดนตรีด้นสดและทำนอง ซึ่งเชื่อมโยงการฝึกฝนของพวกเขากับประวัติศาสตร์ดนตรีแจ๊สอย่างแน่นหนา แม้ว่าผู้ว่าจะอ้างว่าพวกเขา "ขายหมด" ให้กับพ่อค้าเพลงแล้วก็ตาม ในความเป็นจริง เมื่อฟังการทดลองในช่วงแรกๆ เหล่านี้ แทบจะไม่ดูเหมือนเป็นเชิงพาณิชย์เลย โดยเป็นการเชิญชวนให้ผู้ฟังเข้าร่วมในดนตรีที่มีลักษณะการสนทนาที่ได้รับการพัฒนาอย่างมาก ในช่วงกลาง ฟิวชั่นได้พัฒนาไปสู่รูปแบบหนึ่งของดนตรีที่ฟังง่ายและ/หรือจังหวะและบลูส์ ในเชิงองค์ประกอบหรือจากมุมมองของการแสดงเขาสูญเสียความเฉียบคมส่วนสำคัญหรือแม้กระทั่งสูญเสียมันไปโดยสิ้นเชิง ในยุคนี้ นักดนตรีแจ๊สได้เปลี่ยนรูปแบบดนตรีแห่งการผสมผสานให้เป็นสื่อที่แสดงออกอย่างแท้จริง ศิลปินเช่นมือกลอง Ronald Shannon Jackson มือกีตาร์ Pat Metheny, John Scofield, John Abercrombie และ James "Blood" Ulmer รวมถึงนักเป่าแซ็กโซโฟน/นักทรัมเป็ตมากประสบการณ์ Ornette Coleman ได้สร้างสรรค์เพลงนี้ในมิติที่แตกต่างกัน

โพสต์บอป

มือกลอง อาร์ต เบลคกี้

ยุคหลังบ็อบครอบคลุมถึงดนตรีที่แสดงโดยนักดนตรีแจ๊สที่ยังคงสร้างสรรค์ผลงานในสาขาบีบอป โดยห่างไกลจากการทดลองดนตรีแจ๊สฟรีที่พัฒนาขึ้นในช่วงเวลาเดียวกันในทศวรรษ 1960 เช่นเดียวกับฮาร์ดบ็อบที่กล่าวมาข้างต้น ฟอร์มนี้อาศัยจังหวะ โครงสร้างวงดนตรี และพลังของบีบอป การผสมผสานแตรแบบเดียวกัน และละครเพลงแบบเดียวกัน รวมถึงการใช้องค์ประกอบละติน ดนตรีโพสต์บ็อปที่โดดเด่นคือการใช้องค์ประกอบของฟังค์ กรูฟ หรือโซล ซึ่งเปลี่ยนรูปแบบด้วยจิตวิญญาณแห่งยุคใหม่ โดยโดดเด่นด้วยความโดดเด่นของดนตรีป็อป บ่อยครั้งประเภทย่อยนี้มักทดลองกับบลูส์ร็อค ปรมาจารย์เช่นนักเป่าแซ็กโซโฟน Hank Mobley นักเปียโน Horace Silver มือกลอง Art Blakey และนักเป่าแตร Lee Morgan เริ่มต้นเพลงนี้ในช่วงกลางและคาดหวังว่าสิ่งที่จะกลายเป็นรูปแบบที่โดดเด่นของดนตรีแจ๊สในปัจจุบัน นอกจากท่วงทำนองที่เรียบง่ายและจังหวะที่มีชีวิตชีวามากขึ้นแล้ว ผู้ฟังยังสามารถได้ยินร่องรอยของข่าวประเสริฐ จังหวะ และบลูส์ที่ปะปนกันที่นี่ สไตล์นี้ซึ่งมีการเปลี่ยนแปลงบางอย่างในช่วงทศวรรษ 1970 ถูกนำมาใช้ในระดับหนึ่งเพื่อสร้างโครงสร้างใหม่เป็นองค์ประกอบการจัดวาง นักเป่าแซ็กโซโฟน Joe Henderson นักเปียโน McCoy Tyner และแม้แต่นักเป่าชื่อดังอย่าง Dizzy Gillespie ก็สร้างสรรค์ดนตรีในแนวเพลงที่มีทั้งความเป็นมนุษย์และน่าสนใจที่กลมกลืนกัน นักแต่งเพลงที่สำคัญที่สุดคนหนึ่งที่เกิดขึ้นในช่วงเวลานี้คือนักเป่าแซ็กโซโฟน Wayne Shorter สั้นกว่าเมื่อได้เข้าเรียนในวงดนตรีของ Art Blakey ได้บันทึกอัลบั้มที่แข็งแกร่งจำนวนหนึ่งภายใต้ชื่อของเขาเองตลอดอาชีพการงานของเขา พร้อมด้วยมือคีย์บอร์ด Herbie Hancock แล้ว Shorter ได้ช่วย Miles Davis สร้างกลุ่มวงดนตรี (กลุ่มโพสต์บ็อบแนวทดลองและมีอิทธิพลสูงที่สุดคือ Davis Quintet เนื้อเรื่อง John Coltrane) ซึ่งกลายเป็นหนึ่งในกลุ่มที่สำคัญที่สุดในประวัติศาสตร์ดนตรีแจ๊ส

แจ๊สแอซิด

แจ๊ส มานุช

การแพร่กระจายของดนตรีแจ๊ส

ดนตรีแจ๊สดึงดูดความสนใจของนักดนตรีและผู้ฟังทั่วโลกมาโดยตลอด โดยไม่คำนึงถึงสัญชาติ ก็เพียงพอแล้วที่จะติดตามผลงานในยุคแรกๆ ของนักเป่าแตร Dizzy Gillespie และการสังเคราะห์ประเพณีดนตรีแจ๊สของเขากับดนตรีของชาวคิวบาผิวดำในทศวรรษ 1960 หรือการผสมผสานระหว่างดนตรีแจ๊สกับดนตรีญี่ปุ่น ยูเรเชียน และตะวันออกกลางในเวลาต่อมา ซึ่งมีชื่อเสียงในผลงานของนักเปียโน Dave Brubeck เช่นเดียวกับนักแต่งเพลงและผู้นำดนตรีแจ๊สที่ยอดเยี่ยม Duke Ellington Orchestra ซึ่งผสมผสานมรดกทางดนตรีของแอฟริกา ละตินอเมริกา และตะวันออกไกล ดนตรีแจ๊สไม่เพียงแต่ซึมซับประเพณีดนตรีตะวันตกเท่านั้น ตัวอย่างเช่น เมื่อศิลปินต่างๆ เริ่มลองทำงานกับองค์ประกอบทางดนตรีของอินเดีย ตัวอย่างของความพยายามเหล่านี้สามารถได้ยินได้ในบันทึกของนักเป่าขลุ่ย Paul Horne ที่ทัชมาฮาล หรือในสตรีมของ "ดนตรีโลก" ที่นำเสนอโดยกลุ่ม Oregon หรือโครงการ Shakti ของ John McLaughlin ดนตรีของ McLaughlin ซึ่งเดิมเป็นดนตรีแจ๊สเป็นส่วนใหญ่ เริ่มใช้เครื่องมือใหม่ที่มีต้นกำเนิดจากอินเดีย เช่น khatam หรือ tabla ในขณะที่ทำงานร่วมกับ Shakti ได้แนะนำจังหวะที่สลับซับซ้อน และใช้รูปแบบ raga ของอินเดียอย่างแพร่หลาย Art Ensemble of Chicago เป็นผู้บุกเบิกในยุคแรกในการผสมผสานระหว่างรูปแบบแอฟริกันและแจ๊ส ในเวลาต่อมา โลกได้รู้จักกับนักเป่าแซ็กโซโฟน/นักแต่งเพลง จอห์น ซอร์น และการสำรวจวัฒนธรรมดนตรีของชาวยิว ทั้งในและนอกวงมาซาดาออร์เคสตรา ผลงานเหล่านี้เป็นแรงบันดาลใจให้กับนักดนตรีแจ๊สคนอื่นๆ ทั้งกลุ่ม เช่น นักคีย์บอร์ด John Medeski ซึ่งบันทึกเสียงร่วมกับนักดนตรีชาวแอฟริกัน Salif Keita นักกีตาร์ Marc Ribot และมือเบส Anthony Coleman นักเป่าแตร Dave Douglas ผสมผสานอิทธิพลของบอลข่านเข้ากับดนตรีของเขาอย่างกระตือรือร้น ในขณะที่วง Asian-American Jazz Orchestra ได้กลายเป็นผู้นำเสนอชั้นนำของการบรรจบกันของดนตรีแจ๊สและรูปแบบดนตรีของเอเชีย ในขณะที่กระแสโลกาภิวัตน์ของโลกยังคงดำเนินต่อไป ดนตรีแจ๊สยังคงได้รับอิทธิพลจากประเพณีดนตรีอื่นๆ เป็นแหล่งอาหารอันอุดมสมบูรณ์สำหรับการวิจัยในอนาคต และเป็นการพิสูจน์ว่าดนตรีแจ๊สคือดนตรีระดับโลกอย่างแท้จริง

ดนตรีแจ๊สในสหภาพโซเวียตและรัสเซีย

ครั้งแรกใน RSFSR
วงออเคสตราประหลาด
วงดนตรีแจ๊สของ Valentin Parnakh

ในจิตสำนึกของมวลชน ดนตรีแจ๊สเริ่มได้รับความนิยมอย่างกว้างขวางในช่วงทศวรรษที่ 30 โดยส่วนใหญ่ต้องขอบคุณวงดนตรีเลนินกราดที่นำโดยนักแสดงและนักร้อง Leonid Utesov และนักเป่าแตร B. Skomorovsky ภาพยนตร์ตลกยอดนิยมที่มีส่วนร่วมของเขา "Jolly Fellows" (1934 ชื่อดั้งเดิม "Jazz Comedy") อุทิศให้กับประวัติศาสตร์ของนักดนตรีแจ๊สและมีเพลงประกอบที่เกี่ยวข้อง (เขียนโดย Isaac Dunaevsky) Utyosov และ Skomorovsky ได้สร้างรูปแบบดั้งเดิมของ "thea-jazz" (ละครแจ๊ส) โดยอาศัยการผสมผสานของดนตรีกับโรงละคร โอเปเรตต้า หมายเลขเสียงร้อง และองค์ประกอบของการแสดงที่มีบทบาทอย่างมาก

เอ็ดดี้ รอสเนอร์ นักแต่งเพลง นักดนตรี และผู้นำวงออเคสตรามีส่วนสำคัญในการพัฒนาดนตรีแจ๊สของโซเวียต หลังจากเริ่มต้นอาชีพในเยอรมนี โปแลนด์ และประเทศอื่นๆ ในยุโรป รอสเนอร์ย้ายไปที่สหภาพโซเวียต และกลายเป็นหนึ่งในผู้บุกเบิกวงสวิงในสหภาพโซเวียต และเป็นผู้ก่อตั้งดนตรีแจ๊สเบลารุส กลุ่มมอสโกในยุค 30 และ 40 นำโดย Alexander Tsfasman และ Alexander Varlamov ก็มีบทบาทสำคัญในการทำให้เป็นที่นิยมและการพัฒนาสไตล์สวิง All-Union Radio Jazz Orchestra ดำเนินการโดย A. Varlamov เข้าร่วมในรายการโทรทัศน์โซเวียตรายการแรก การเรียบเรียงเพลงเดียวที่รอดพ้นจากเวลานั้นคือวงออเคสตราของ Oleg Lundstrem วงดนตรีขนาดใหญ่ที่เป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวางในปัจจุบันนี้เป็นหนึ่งในวงดนตรีแจ๊สที่ดีที่สุดไม่กี่วงของชาวรัสเซียพลัดถิ่น ซึ่งแสดงในปี 1935-1947 ในประเทศจีน

ทัศนคติของทางการโซเวียตที่มีต่อดนตรีแจ๊สนั้นคลุมเครือ: ตามกฎแล้วนักแสดงแจ๊สในประเทศไม่ได้ถูกห้าม แต่การวิพากษ์วิจารณ์ดนตรีแจ๊สอย่างรุนแรงเช่นนี้แพร่หลายในบริบทของการต่อต้านวัฒนธรรมตะวันตกโดยทั่วไป ในช่วงปลายยุค 40 ในระหว่างการต่อสู้กับลัทธิสากลนิยม ดนตรีแจ๊สในสหภาพโซเวียตกำลังเผชิญกับช่วงเวลาที่ยากลำบากเป็นพิเศษ เมื่อกลุ่มที่แสดงดนตรี "ตะวันตก" ถูกข่มเหง เมื่อเริ่ม "ละลาย" การข่มเหงนักดนตรีก็หยุดลง แต่การวิพากษ์วิจารณ์ยังคงดำเนินต่อไป

จากการวิจัยประวัติศาสตร์และศาสตราจารย์วัฒนธรรมอเมริกัน เพนนี แวน เอสเชน กระทรวงการต่างประเทศสหรัฐฯ พยายามใช้ดนตรีแจ๊สเป็นอาวุธในอุดมคติเพื่อต่อต้านสหภาพโซเวียต และต่อต้านการขยายอิทธิพลของโซเวียตไปสู่โลกที่สาม

หนังสือเล่มแรกเกี่ยวกับดนตรีแจ๊สในสหภาพโซเวียตจัดพิมพ์โดยสำนักพิมพ์เลนินกราด Academia ในปี 2469 รวบรวมโดยนักดนตรี Semyon Ginzburg จากการแปลบทความโดยนักแต่งเพลงชาวตะวันตกและนักวิจารณ์เพลงรวมถึงเนื้อหาของเขาเองและถูกเรียกว่า " วงดนตรีแจ๊สและดนตรีสมัยใหม่» .
หนังสือเล่มต่อไปเกี่ยวกับดนตรีแจ๊สตีพิมพ์ในสหภาพโซเวียตในช่วงต้นทศวรรษ 1960 เท่านั้น เขียนโดย Valery Mysovsky และ Vladimir Feiertag เรียกว่า " แจ๊ส” และโดยพื้นฐานแล้วเป็นการรวบรวมข้อมูลที่สามารถหาได้จากแหล่งต่างๆ ในขณะนั้น ตั้งแต่นั้นเป็นต้นมางานเริ่มในสารานุกรมแจ๊สในภาษารัสเซียฉบับแรกซึ่งตีพิมพ์ในปี 2544 โดยสำนักพิมพ์ Skifia ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเท่านั้น สารานุกรม” แจ๊ส ศตวรรษที่ XX การอ้างอิงสารานุกรม"จัดทำโดย Vladimir Feyertag นักวิจารณ์ดนตรีแจ๊สที่น่าเชื่อถือที่สุดคนหนึ่งซึ่งมีชื่อบุคคลในดนตรีแจ๊สมากกว่าหนึ่งพันชื่อและได้รับการยอมรับอย่างเป็นเอกฉันท์ว่าเป็นหนังสือภาษารัสเซียหลักเกี่ยวกับดนตรีแจ๊ส ในปี พ.ศ. 2551 สารานุกรมฉบับพิมพ์ครั้งที่ 2” แจ๊ส การอ้างอิงสารานุกรม" ซึ่งเป็นที่ที่ประวัติศาสตร์ดนตรีแจ๊สดำเนินมาจนถึงศตวรรษที่ 21 มีการเพิ่มภาพถ่ายหายากหลายร้อยภาพ และรายชื่อชื่อดนตรีแจ๊สก็เพิ่มขึ้นเกือบหนึ่งในสี่

แจ๊สละตินอเมริกา

การผสมผสานขององค์ประกอบจังหวะละตินมีอยู่ในดนตรีแจ๊สเกือบตั้งแต่จุดเริ่มต้นของการหลอมรวมวัฒนธรรมที่เริ่มต้นในนิวออร์ลีนส์ Jelly Roll Morton พูดถึง "รสชาติแบบสเปน" ในการบันทึกในช่วงกลางถึงปลายเดือน Duke Ellington และหัวหน้าวงดนตรีแจ๊สคนอื่นๆ ก็ใช้รูปแบบละตินเช่นกัน Mario Bausa ผู้ให้กำเนิดดนตรีแจ๊สละตินรายใหญ่ (แม้ว่าจะไม่เป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวาง) ได้นำดนตรีแนวคิวบาจากเมืองฮาวานาบ้านเกิดของเขามาสู่วงออเคสตราของ Chick Webb ในทศวรรษต่อมา 10 ปีต่อมาเขาได้นำดนตรีดังกล่าวมาสู่วงออเคสตราของ Don Redman เฟลตเชอร์ เฮนเดอร์สัน และแค็บ คัลโลเวย์ การทำงานร่วมกับนักเป่าแตร Dizzy Gillespie ในวง Calloway Orchestra ตั้งแต่ช่วงปลายยุค Bausa ได้แนะนำแนวทางที่เชื่อมโยงโดยตรงกับวงดนตรีใหญ่ของ Gillespie ในช่วงกลาง "เรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ " ของ Gillespie กับรูปแบบดนตรีละตินดำเนินต่อไปตลอดชีวิตการทำงานอันยาวนานของเขา ในปี 2010 Bausa ยังคงสานต่ออาชีพของเขาด้วยการเป็นผู้อำนวยการดนตรีของ Machito Orchestra ของ Afro-Cuban โดยมีพี่เขยของเขา Frank "Machito" Grillo นักเคาะจังหวะ ในช่วงทศวรรษที่ 1950-1960 มีการเกี้ยวพาราสีกันอย่างยาวนานระหว่างจังหวะแจ๊สและละติน โดยส่วนใหญ่อยู่ในทิศทางของบอสซาโนวา ซึ่งทำให้การสังเคราะห์นี้สมบูรณ์ขึ้นด้วยองค์ประกอบของแซมบ้าของบราซิล การผสมผสานสไตล์แจ๊สสุดเท่ที่พัฒนาโดยนักดนตรีฝั่งตะวันตก จังหวะคลาสสิกของยุโรปและจังหวะบราซิลที่เย้ายวนใจ บอสซาโนวา หรือที่เรียกอีกอย่างว่า "ดนตรีแจ๊สบราซิล" กลายเป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวางในสหรัฐอเมริกาประมาณปี 1995 จังหวะกีตาร์อะคูสติกที่ละเอียดอ่อนแต่สะกดจิตคั่นด้วยท่วงทำนองง่ายๆ ที่ร้องทั้งในภาษาโปรตุเกสและภาษาอังกฤษ ค้นพบโดยชาวบราซิล João Gilberto และ Antonio Carlos Jobin สไตล์นี้กลายเป็นทางเลือกในการเต้นแทนฮาร์ดป็อปและฟรีแจ๊สในช่วงทศวรรษ 1980 ซึ่งขยายความนิยมอย่างมากผ่านการบันทึกเสียงและการแสดงของนักดนตรีชายฝั่งตะวันตก เช่น นักกีตาร์ Charlie Byrd และนักเป่าแซ็กโซโฟน Stan Getz การผสมผสานทางดนตรีของอิทธิพลของละตินแพร่กระจายผ่านทางดนตรีแจ๊สและไกลออกไปสู่ 's และ 's รวมถึงไม่เพียงแต่ออเคสตร้าและกลุ่มที่มีการแสดงด้นสดลาตินชั้นยอดเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการผสมผสานระหว่างนักแสดงพื้นเมืองและละติน ทำให้เกิดดนตรีบนเวทีที่น่าตื่นเต้นที่สุด . ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาดนตรีแจ๊สละตินครั้งใหม่นี้ได้รับแรงหนุนจากนักแสดงต่างชาติที่หลั่งไหลเข้ามาอย่างต่อเนื่องจากบรรดาผู้แปรพักตร์ชาวคิวบา เช่น นักเป่าแตร Arturo Sandoval นักเป่าแซ็กโซโฟนและนักปี่ชวา Paquito D'Rivera และคนอื่นๆ ซึ่งหนีจากระบอบการปกครองของฟิเดล คาสโตรเพื่อค้นหาโอกาสที่ยิ่งใหญ่กว่า ซึ่งพวกเขาหวังว่าจะพบได้ในนิวยอร์กและฟลอริดา เชื่อกันว่าคุณสมบัติที่เข้มข้นและสามารถเต้นได้มากขึ้นของดนตรีแจ๊สลาตินแบบหลายจังหวะทำให้ผู้ฟังแจ๊สขยายวงกว้างขึ้นอย่างมาก จริงอยู่ โดยยังคงรักษาสัญชาตญาณขั้นต่ำไว้สำหรับการรับรู้ทางปัญญา

แจ๊สในโลกสมัยใหม่

ส่วนนี้อาจมีงานวิจัยต้นฉบับ

แจ๊ส - ศิลปะดนตรีรูปแบบหนึ่งที่เกิดขึ้นในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 ในสหรัฐอเมริกาในนิวออร์ลีนส์อันเป็นผลมาจากการสังเคราะห์วัฒนธรรมแอฟริกันและยุโรปและต่อมาก็แพร่หลาย ต้นกำเนิดของดนตรีแจ๊สคือดนตรีบลูส์และดนตรีพื้นบ้านของชาวแอฟริกันอเมริกันอื่นๆ ลักษณะเฉพาะของภาษาดนตรีแจ๊สในขั้นต้นคือการด้นสด, จังหวะหลายจังหวะตามจังหวะที่ประสานกัน และชุดเทคนิคเฉพาะสำหรับการแสดงพื้นผิวเป็นจังหวะ - การสวิง การพัฒนาดนตรีแจ๊สเพิ่มเติมเกิดขึ้นเนื่องจากการพัฒนารูปแบบจังหวะและฮาร์โมนิคใหม่ๆ โดยนักดนตรีและนักแต่งเพลงแจ๊ส ประเภทของดนตรีแจ๊สได้แก่: แจ๊สอาวองการ์ด, บีบอป, แจ๊สคลาสสิก, คูล, แจ๊สโมดัล, สวิง, แจ๊สสมูท, โซลแจ๊ส, ฟรีแจ๊ส, ฟิวชั่น, ฮาร์ดป็อบ และอื่นๆ อีกมากมาย

ประวัติความเป็นมาของการพัฒนาดนตรีแจ๊ส

วงดนตรีแจ๊ส Vilex College รัฐเท็กซัส

ดนตรีแจ๊สถือกำเนิดขึ้นจากการผสมผสานระหว่างวัฒนธรรมทางดนตรีและประเพณีของชาติต่างๆ เดิมทีมาจากแอฟริกา ดนตรีแอฟริกันมีลักษณะเป็นจังหวะที่ซับซ้อนมาก ดนตรีจะมาพร้อมกับการเต้นรำเสมอซึ่งประกอบด้วยการกระทืบและปรบมืออย่างรวดเร็ว บนพื้นฐานนี้ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 19 แนวดนตรีอีกประเภทหนึ่งก็เกิดขึ้น - แร็กไทม์ ต่อจากนั้นจังหวะแร็กไทม์รวมกับองค์ประกอบบลูส์ทำให้เกิดทิศทางดนตรีใหม่ - แจ๊ส

เพลงบลูส์เกิดขึ้นเมื่อปลายศตวรรษที่ 19 โดยเป็นการผสมผสานระหว่างจังหวะแอฟริกันและความกลมกลืนของยุโรป แต่ควรค้นหาต้นกำเนิดตั้งแต่ช่วงเวลาที่นำเข้าทาสจากแอฟริกาไปยังดินแดนของโลกใหม่ ทาสที่นำมานั้นไม่ได้มาจากครอบครัวเดียวกันและมักจะไม่เข้าใจกันด้วยซ้ำ ความจำเป็นในการรวมเข้าด้วยกันนำไปสู่การรวมหลายวัฒนธรรมเข้าด้วยกัน และเป็นผลให้เกิดการสร้างวัฒนธรรมเดียว (รวมถึงดนตรี) ของชาวแอฟริกันอเมริกัน กระบวนการผสมผสานวัฒนธรรมดนตรีแอฟริกันและยุโรป (ซึ่งทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงอย่างรุนแรงในโลกใหม่) เกิดขึ้นตั้งแต่ศตวรรษที่ 18 และในศตวรรษที่ 19 นำไปสู่การเกิดขึ้นของ "โปรโตแจ๊ส" จากนั้นจึงแจ๊สในความหมายที่ยอมรับกันโดยทั่วไป . แหล่งกำเนิดของดนตรีแจ๊สคือทางตอนใต้ของอเมริกา และโดยเฉพาะอย่างยิ่งในนิวออร์ลีนส์
กุญแจสำคัญของความเยาว์วัยชั่วนิรันดร์ในดนตรีแจ๊สคือการด้นสด
ลักษณะเฉพาะของสไตล์คือการแสดงเฉพาะตัวของนักดนตรีแจ๊สอัจฉริยะ กุญแจสำคัญของความเยาว์วัยชั่วนิรันดร์ในดนตรีแจ๊สคือการด้นสด หลังจากการเกิดขึ้นของนักแสดงที่เก่งกาจซึ่งใช้ชีวิตทั้งชีวิตในจังหวะดนตรีแจ๊สและยังคงเป็นตำนาน - หลุยส์ อาร์มสตรอง ศิลปะการแสดงดนตรีแจ๊สมองเห็นขอบเขตที่แปลกใหม่: การแสดงเดี่ยวร้องหรือบรรเลงกลายเป็นศูนย์กลางของการแสดงทั้งหมด เปลี่ยนแนวความคิดของดนตรีแจ๊สไปโดยสิ้นเชิง ดนตรีแจ๊สไม่ได้เป็นเพียงการแสดงดนตรีบางประเภทเท่านั้น แต่ยังเป็นยุคที่ร่าเริงและมีเอกลักษณ์อีกด้วย

แจ๊สนิวออร์ลีนส์

คำว่านิวออร์ลีนส์มักหมายถึงรูปแบบของนักดนตรีแจ๊สที่เล่นดนตรีแจ๊สในนิวออร์ลีนส์ระหว่างปี 1900 ถึง 1917 เช่นเดียวกับนักดนตรีนิวออร์ลีนส์ที่เล่นและบันทึกเสียงในชิคาโกตั้งแต่ปี 1917 ถึง 1920 ประวัติศาสตร์ดนตรีแจ๊สในยุคนี้เรียกอีกอย่างว่ายุคดนตรีแจ๊ส และแนวคิดนี้ยังใช้เพื่ออธิบายดนตรีที่แสดงในช่วงเวลาประวัติศาสตร์ต่างๆ โดยตัวแทนของการฟื้นฟูนิวออร์ลีนส์ซึ่งพยายามแสดงดนตรีแจ๊สในรูปแบบเดียวกับนักดนตรีของโรงเรียนนิวออร์ลีนส์

โฟล์คและแจ๊สของชาวแอฟริกันอเมริกันมีเส้นทางที่แตกต่างกันนับตั้งแต่เปิด Storyville ซึ่งเป็นย่านโคมแดงของนิวออร์ลีนส์ซึ่งขึ้นชื่อในด้านสถานบันเทิง ผู้ที่ต้องการสนุกสนานและสนุกสนานจะได้รับโอกาสอันน่าดึงดูดใจมากมาย โดยมีทั้งฟลอร์เต้นรำ คาบาเร่ต์ รายการวาไรตี้ ละครสัตว์ บาร์ และสแน็คบาร์ และทุกที่ในสถานประกอบการเหล่านี้ก็มีเสียงดนตรีและนักดนตรีที่เชี่ยวชาญดนตรีที่ประสานกันใหม่ก็สามารถหางานทำได้ ด้วยจำนวนนักดนตรีที่เพิ่มขึ้นทีละน้อยที่ทำงานอย่างมืออาชีพในสถานบันเทิงของ Storyville จำนวนวงดนตรีทองเหลืองที่เดินขบวนและตามท้องถนนก็ลดลง และในสถานที่ของพวกเขาที่เรียกว่าวงดนตรี Storyville ก็ปรากฏตัวขึ้น การแสดงดนตรีที่กลายเป็นปัจเจกบุคคลมากขึ้น เมื่อเทียบกับการเล่นของวงทองเหลือง การเรียบเรียงเหล่านี้มักเรียกว่า "คอมโบออเคสตร้า" กลายเป็นผู้ก่อตั้งสไตล์แจ๊สคลาสสิกของนิวออร์ลีนส์ ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2453 ถึง พ.ศ. 2460 ไนต์คลับของ Storyville มีบรรยากาศที่เหมาะสำหรับการเล่นดนตรีแจ๊ส
ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2453 ถึง พ.ศ. 2460 ไนต์คลับของ Storyville มีบรรยากาศที่เหมาะสำหรับการเล่นดนตรีแจ๊ส
พัฒนาการของดนตรีแจ๊สในสหรัฐอเมริกาในช่วงไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 20

หลังจากการปิด Storyville ไปแล้ว ดนตรีแจ๊สจากแนวเพลงพื้นบ้านระดับภูมิภาคก็เริ่มกลายเป็นกระแสดนตรีระดับชาติ และแพร่กระจายไปยังจังหวัดทางตอนเหนือและตะวันออกเฉียงเหนือของสหรัฐอเมริกา แต่แน่นอนว่าการแพร่ขยายออกไปในวงกว้างนั้นไม่สามารถอำนวยความสะดวกได้โดยการปิดย่านบันเทิงเพียงแห่งเดียวเท่านั้น เช่นเดียวกับนิวออร์ลีนส์ เซนต์หลุยส์ แคนซัสซิตี้ และเมมฟิส มีบทบาทสำคัญในการพัฒนาดนตรีแจ๊สตั้งแต่แรกเริ่ม Ragtime มีต้นกำเนิดในเมืองเมมฟิสในศตวรรษที่ 19 จากนั้นได้แพร่กระจายไปทั่วทวีปอเมริกาเหนือในช่วงปี พ.ศ. 2433-2446

ในทางกลับกัน การแสดงของนักร้องประสานเสียงที่มีการเคลื่อนไหวทางดนตรีทุกประเภทของคติชนแอฟริกันอเมริกันตั้งแต่จิ๊กไปจนถึงแร็กไทม์ได้แพร่กระจายอย่างรวดเร็วไปทุกที่และเตรียมหนทางสำหรับการมาถึงของดนตรีแจ๊สด้วยโมเสกสีสันสดใส ดาราดนตรีแจ๊สในอนาคตหลายคนเริ่มต้นอาชีพการแสดงละครเพลง ก่อนที่ Storyville จะปิดตัวลง นักดนตรีในนิวออร์ลีนส์ได้ออกทัวร์ร่วมกับคณะละครที่เรียกว่า "vaudeville" Jelly Roll Morton ไปเที่ยวเป็นประจำในแอละแบมา ฟลอริดา และเท็กซัสตั้งแต่ปี 1904 ตั้งแต่ปีพ. ศ. 2457 เขามีสัญญาให้แสดงในชิคาโก ในปี 1915 วงออเคสตรา Dixieland สีขาวของ Thom Browne ก็ย้ายไปชิคาโกด้วย “Creole Band” อันโด่งดังซึ่งนำโดยนักคอร์เนต์ชาวนิวออร์ลีนส์ Freddie Keppard ยังได้ทัวร์คอนเสิร์ตครั้งใหญ่ในชิคาโกด้วย หลังจากแยกตัวจากวง Olympia Band ครั้งหนึ่ง ศิลปินของ Freddie Keppard แล้วในปี 1914 ประสบความสำเร็จในการแสดงละครที่ดีที่สุดในชิคาโก และได้รับข้อเสนอให้ทำการบันทึกเสียงการแสดงของพวกเขาก่อนที่จะมีวงดนตรีแจ๊ส Original Dixieland Jazz Band ซึ่ง Freddie Keppard สายตาสั้นถูกปฏิเสธ พื้นที่ที่ครอบคลุมโดยอิทธิพลของดนตรีแจ๊สได้รับการขยายออกไปอย่างมีนัยสำคัญโดยวงออเคสตราที่เล่นโดยเรือกลไฟเพื่อความสุขที่แล่นไปตามแม่น้ำมิสซิสซิปปี้

นับตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 19 การเดินทางทางแม่น้ำจากนิวออร์ลีนส์ไปยังเซนต์พอลได้รับความนิยม ครั้งแรกสำหรับวันหยุดสุดสัปดาห์ และต่อมาตลอดทั้งสัปดาห์ ตั้งแต่ปี 1900 เป็นต้นมา วงออร์เคสตราของนิวออร์ลีนส์ได้แสดงบนเรือล่องแม่น้ำเหล่านี้ และดนตรีของพวกเขาก็กลายเป็นความบันเทิงที่ดึงดูดใจที่สุดสำหรับผู้โดยสารในระหว่างการทัวร์ชมแม่น้ำ ภรรยาในอนาคตของหลุยส์ อาร์มสตรอง นักเปียโนแจ๊สคนแรก ลิล ฮาร์ดิน เริ่มต้นในวงออร์เคสตรา "Suger Johnny" วงหนึ่ง นักเปียโนอีกคนคือวงออร์เคสตราเรือล่องแม่น้ำของ Fates Marable นำเสนอนักดนตรีแจ๊สชาวนิวออร์ลีนส์ในอนาคตมากมาย

เรือกลไฟที่แล่นไปตามแม่น้ำมักจะจอดที่สถานีที่ผ่าน ซึ่งมีวงออร์เคสตราจัดคอนเสิร์ตให้กับประชาชนในท้องถิ่น คอนเสิร์ตเหล่านี้เองที่กลายเป็นการเปิดตัวอย่างสร้างสรรค์ของ Bix Beiderbeck, Jess Stacy และคนอื่นๆ อีกมากมาย เส้นทางที่มีชื่อเสียงอีกเส้นทางหนึ่งวิ่งผ่านมิสซูรีไปยังแคนซัสซิตี ในเมืองนี้ ซึ่งต้องขอบคุณรากฐานอันแข็งแกร่งของนิทานพื้นบ้านแอฟริกันอเมริกัน ดนตรีบลูส์จึงพัฒนาและเป็นรูปเป็นร่างในที่สุด การเล่นดนตรีแจ๊สของนิวออร์ลีนส์ที่เชี่ยวชาญทำให้มีสภาพแวดล้อมที่อุดมสมบูรณ์เป็นพิเศษ ในช่วงต้นทศวรรษที่ 1920 ชิคาโกกลายเป็นศูนย์กลางหลักสำหรับการพัฒนาดนตรีแจ๊ส โดยที่ความพยายามของนักดนตรีหลายคนที่รวมตัวกันจากส่วนต่างๆ ของสหรัฐอเมริกา จึงได้สร้างสรรค์สไตล์ที่มีชื่อเล่นว่าแจ๊สชิคาโก

วงใหญ่

วงดนตรีขนาดใหญ่รูปแบบคลาสสิกที่ก่อตั้งขึ้นเป็นที่รู้จักในวงการดนตรีแจ๊สมาตั้งแต่ต้นทศวรรษ 1920 แบบฟอร์มนี้ยังคงมีความเกี่ยวข้องจนถึงสิ้นทศวรรษที่ 1940 ตามกฎแล้ว นักดนตรีที่เข้าร่วมวงดนตรีใหญ่ๆ ส่วนใหญ่อยู่ในช่วงวัยรุ่น จะเล่นท่อนที่เฉพาะเจาะจงมาก ไม่ว่าจะจดจำในการซ้อมหรือจากโน้ตก็ตาม การเรียบเรียงอย่างระมัดระวังประกอบกับท่อนทองเหลืองขนาดใหญ่และเครื่องเป่าลมไม้ทำให้เกิดเสียงประสานของดนตรีแจ๊สที่เข้มข้น และสร้างเสียงที่ดังอย่างเร้าใจซึ่งกลายเป็นที่รู้จักในชื่อ "เสียงของวงดนตรีขนาดใหญ่"

วงดนตรีขนาดใหญ่กลายเป็นเพลงยอดนิยมในยุคนั้น และมีชื่อเสียงสูงสุดในช่วงกลางทศวรรษที่ 1930 เพลงนี้กลายเป็นที่มาของความคลั่งไคล้การเต้นสวิง ผู้นำของวงออเคสตราแจ๊สชื่อดัง Duke Ellington, Benny Goodman, Count Basie, Artie Shaw, Chick Webb, Glenn Miller, Tommy Dorsey, Jimmy Lunsford, Charlie Barnett แต่งหรือเรียบเรียงและบันทึกขบวนพาเหรดเพลงฮิตที่ได้ยินไม่เพียงแต่ใน วิทยุ แต่ยังมีอยู่ทุกที่ในห้องเต้นรำ วงดนตรีขนาดใหญ่หลายวงจัดแสดงผลงานเดี่ยวเดี่ยวของพวกเขา ซึ่งทำให้ผู้ชมตกอยู่ในอาการฮิสทีเรียระหว่าง "การต่อสู้ของวงดนตรี" ที่ได้รับการโปรโมตอย่างดี
วงดนตรีขนาดใหญ่หลายวงได้แสดงผลงานเดี่ยวแบบด้นสดของพวกเขา ซึ่งนำพาผู้ชมไปสู่สภาวะที่เกือบจะเป็นโรคฮิสทีเรีย
แม้ว่าความนิยมของวงดนตรีใหญ่จะลดลงอย่างมากหลังสงครามโลกครั้งที่สอง แต่วงออเคสตราที่นำโดย Basie, Ellington, Woody Herman, Stan Kenton, Harry James และคนอื่นๆ อีกหลายคนได้ออกทัวร์และบันทึกเสียงบ่อยครั้งในช่วงไม่กี่ทศวรรษถัดมา ดนตรีของพวกเขาค่อยๆ เปลี่ยนไปภายใต้อิทธิพลของเทรนด์ใหม่ วงดนตรีต่างๆ เช่น วงดนตรีที่นำโดย Boyd Rayburn, Sun Ra, Oliver Nelson, Charles Mingus และ Tad Jones-Mal Lewis ได้สำรวจแนวคิดใหม่ๆ ในความกลมกลืน การใช้เครื่องดนตรี และเสรีภาพในการแสดงด้นสด ปัจจุบัน วงดนตรีขนาดใหญ่เป็นมาตรฐานในการศึกษาดนตรีแจ๊ส วงออเคสตราสำหรับการแสดงละคร เช่น Lincoln Center Jazz Orchestra, Carnegie Hall Jazz Orchestra, Smithsonian Jazz Masterpiece Orchestra และ Chicago Jazz Ensemble มักจะเล่นการเรียบเรียงดนตรีต้นฉบับของวงดนตรีขนาดใหญ่เป็นประจำ

แจ๊สตะวันออกเฉียงเหนือ

แม้ว่าประวัติศาสตร์ของดนตรีแจ๊สจะเริ่มต้นขึ้นในนิวออร์ลีนส์ด้วยการถือกำเนิดของศตวรรษที่ 20 แต่ดนตรีก็เริ่มได้รับความนิยมอย่างมากในช่วงต้นทศวรรษ 1920 เมื่อนักเป่าแตร หลุยส์ อาร์มสตรอง ออกจากนิวออร์ลีนส์เพื่อสร้างดนตรีแนวใหม่ที่ปฏิวัติวงการในชิคาโก การอพยพของปรมาจารย์ด้านดนตรีแจ๊สแห่งนิวออร์ลีนส์ไปยังนิวยอร์ก ซึ่งเริ่มขึ้นหลังจากนั้นไม่นาน ถือเป็นแนวโน้มของการเคลื่อนไหวอย่างต่อเนื่องของนักดนตรีแจ๊สจากทางใต้สู่ทางเหนือ

หลุยส์ อาร์มสตรอง

ชิคาโกนำดนตรีของนิวออร์ลีนส์มาสร้างความร้อนแรง โดยไม่เพียงแต่เพิ่มความเข้มข้นของวงดนตรี Hot Five และ Hot Seven อันโด่งดังของ Armstrong เท่านั้น แต่ยังรวมไปถึงวงอื่นๆ อีกด้วย รวมถึงปรมาจารย์อย่าง Eddie Condon และ Jimmy McPartland ซึ่งเป็นทีมงานที่ Austin High School ช่วยฟื้นฟูโรงเรียนในนิวออร์ลีนส์ ชาวชิคาโกที่มีชื่อเสียงคนอื่นๆ ที่ก้าวข้ามขีดจำกัดของดนตรีแจ๊สคลาสสิกในนิวออร์ลีนส์ ได้แก่ นักเปียโน Art Hodes มือกลอง Barrett Deems และนักคลาริเน็ต Benny Goodman อาร์มสตรองและกู๊ดแมนซึ่งในที่สุดก็ย้ายไปนิวยอร์ค ได้สร้างมวลชนสำคัญที่นั่นซึ่งช่วยให้เมืองนี้กลายเป็นเมืองหลวงแห่งดนตรีแจ๊สอย่างแท้จริงของโลก และในขณะที่ชิคาโกยังคงเป็นศูนย์บันทึกเสียงเป็นหลักในช่วงไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 20 นิวยอร์กก็กลายเป็นสถานที่แสดงดนตรีแจ๊สที่สำคัญ โดยมีคลับในตำนานเช่น Minton Playhouse, Cotton Club, the Savoy และ Village Vanguard และยังมีเวทีอื่นๆ อีกด้วย อย่างคาร์เนกี้ ฮอลล์

สไตล์แคนซัสซิตี้

ในช่วงยุคเศรษฐกิจตกต่ำครั้งใหญ่และการห้าม วงการดนตรีแจ๊สในแคนซัสซิตี้กลายเป็นเมืองสำคัญของดนตรีแนวใหม่ในช่วงปลายทศวรรษ 1920 และ 1930 สไตล์ที่เฟื่องฟูในแคนซัสซิตีโดดเด่นด้วยการแสดงดนตรีแนวบลูส์ที่จริงใจซึ่งแสดงโดยวงดนตรีขนาดใหญ่และวงสวิงเล็ก ๆ ที่นำเสนอโซโลที่มีพลังสูงซึ่งแสดงสำหรับลูกค้าที่ขายเหล้าเถื่อน มันอยู่ในบวบเหล่านี้ที่สไตล์ของ Count Basie ผู้ยิ่งใหญ่ซึ่งเริ่มต้นในแคนซัสซิตีในวงออเคสตราของ Walter Page และต่อมากับ Benny Mouthen ตกผลึก วงออเคสตราทั้งสองนี้เป็นตัวแทนทั่วไปของสไตล์แคนซัสซิตี ซึ่งมีพื้นฐานมาจากรูปแบบบลูส์ที่เป็นเอกลักษณ์ เรียกว่า "เออร์เบิร์นบลูส์" และก่อตั้งขึ้นจากการเล่นของออเคสตร้าที่กล่าวมาข้างต้น วงการดนตรีแจ๊สในแคนซัสซิตี้ยังโดดเด่นด้วยกาแล็กซีของปรมาจารย์ด้านโวคอลบลูส์ที่โดดเด่นซึ่ง "ราชา" ที่ได้รับการยอมรับซึ่งเป็นศิลปินเดี่ยวของวงออเคสตรา Count Basie เป็นเวลานานซึ่งเป็นนักร้องบลูส์ชื่อดัง Jimmy Rushing ชาร์ลี ปาร์กเกอร์ นักเป่าแซ็กโซโฟนอัลโตผู้โด่งดัง เกิดในแคนซัสซิตี้ เมื่อเขามาถึงนิวยอร์ก เขาใช้ “เทคนิค” บลูส์อันเป็นเอกลักษณ์ที่เขาได้เรียนรู้จากวงออเคสตราในแคนซัสซิตี้อย่างกว้างขวาง และต่อมาได้ก่อให้เกิดจุดเริ่มต้นหนึ่งในการทดลองดนตรีบอปเปอร์ใน ทศวรรษที่ 1940

เวสต์โคสต์แจ๊ส

ศิลปินที่หลงใหลในขบวนการดนตรีแจ๊สสุดเจ๋งในช่วงทศวรรษ 1950 ได้ทำงานอย่างกว้างขวางในสตูดิโอบันทึกเสียงในลอสแอนเจลิส โดยได้รับอิทธิพลส่วนใหญ่จากโนเน็ตของไมลส์ เดวิส นักแสดงจากลอสแอนเจลิสเหล่านี้ได้พัฒนาสิ่งที่ปัจจุบันเรียกว่า "แจ๊สชายฝั่งตะวันตก" ดนตรีแจ๊สฝั่งตะวันตกมีความนุ่มนวลกว่าเสียงบีบ็อพอันดุเดือดที่เกิดขึ้นก่อนหน้านี้มาก ดนตรีแจ๊สฝั่งตะวันตกส่วนใหญ่เขียนออกมาอย่างละเอียด เส้นความแตกต่างที่มักใช้ในการเรียบเรียงเหล่านี้ดูเหมือนจะเป็นส่วนหนึ่งของอิทธิพลของยุโรปที่แทรกซึมอยู่ในดนตรีแจ๊ส อย่างไรก็ตาม เพลงนี้มีพื้นที่เหลือมากสำหรับการแสดงเดี่ยวแบบเชิงเส้นแบบยาว แม้ว่า West Coast Jazz จะแสดงในสตูดิโอบันทึกเสียงเป็นหลัก แต่คลับต่างๆ เช่น Lighthouse ใน Hermosa Beach และ the Haig ในลอสแอนเจลิส มักแสดงโดยปรมาจารย์หลักๆ ของวง เช่น นักเป่าแตร Shorty Rogers นักเป่าแซ็กโซโฟน Art Pepper และ Bud Schenk มือกลอง Shelley Mann และนักคลาริเน็ต Jimmy Giuffre .

การแพร่กระจายของดนตรีแจ๊ส

เดฟ บรูเบค

ดนตรีแจ๊สไม่เพียงแต่ซึมซับประเพณีดนตรีตะวันตกเท่านั้น ตัวอย่างเช่น เมื่อศิลปินต่างๆ เริ่มลองทำงานกับองค์ประกอบทางดนตรีของอินเดีย ตัวอย่างของความพยายามเหล่านี้สามารถได้ยินได้ในบันทึกของนักเป่าขลุ่ย Paul Horne ที่ทัชมาฮาล หรือในสตรีมของ "ดนตรีโลก" ที่นำเสนอโดยกลุ่ม Oregon หรือโครงการ Shakti ของ John McLaughlin ดนตรีของ McLaughlin ซึ่งก่อนหน้านี้ส่วนใหญ่เป็นดนตรีแจ๊ส ในช่วงเวลาที่เขาอยู่กับ Shakti เริ่มแนะนำเครื่องดนตรีใหม่ๆ ที่มีต้นกำเนิดจากอินเดีย เช่น khatam หรือ tabla แนะนำจังหวะที่สลับซับซ้อน และใช้รูปแบบ raga ของอินเดียอย่างกว้างขวาง
ในขณะที่โลกาภิวัฒน์ของโลกดำเนินต่อไป ดนตรีแจ๊สยังคงได้รับอิทธิพลจากประเพณีดนตรีอื่นๆ
Art Ensemble of Chicago เป็นผู้บุกเบิกในยุคแรกในการผสมผสานระหว่างรูปแบบแอฟริกันและแจ๊ส ในเวลาต่อมา โลกได้รู้จักกับนักเป่าแซ็กโซโฟน/นักแต่งเพลง จอห์น ซอร์น และการสำรวจวัฒนธรรมดนตรีของชาวยิว ทั้งในและนอกวงมาซาดาออร์เคสตรา ผลงานเหล่านี้เป็นแรงบันดาลใจให้กับนักดนตรีแจ๊สคนอื่นๆ ทั้งกลุ่ม เช่น นักคีย์บอร์ด John Medeski ซึ่งบันทึกเสียงร่วมกับนักดนตรีชาวแอฟริกัน Salif Keita นักกีตาร์ Marc Ribot และมือเบส Anthony Coleman นักเป่าแตร Dave Douglas ผสมผสานอิทธิพลของบอลข่านเข้ากับดนตรีของเขาอย่างกระตือรือร้น ในขณะที่วง Asian-American Jazz Orchestra ได้กลายเป็นผู้นำเสนอชั้นนำของการบรรจบกันของดนตรีแจ๊สและรูปแบบดนตรีของเอเชีย ในขณะที่กระแสโลกาภิวัตน์ของโลกยังคงดำเนินต่อไป ดนตรีแจ๊สยังคงได้รับอิทธิพลจากประเพณีทางดนตรีอื่นๆ อย่างต่อเนื่อง ซึ่งเป็นแหล่งอาหารอันอุดมสมบูรณ์สำหรับการวิจัยในอนาคต และแสดงให้เห็นว่าดนตรีแจ๊สเป็นดนตรีระดับโลกอย่างแท้จริง

ดนตรีแจ๊สในสหภาพโซเวียตและรัสเซีย

วงดนตรีแจ๊สวงแรกของ Valentin Parnakh ใน RSFSR

วงการดนตรีแจ๊สเกิดขึ้นในสหภาพโซเวียตในช่วงทศวรรษปี ค.ศ. 1920 พร้อมกับความรุ่งเรืองในสหรัฐอเมริกา วงดนตรีแจ๊สวงแรกในโซเวียตรัสเซียถูกสร้างขึ้นในกรุงมอสโกในปี 1922 โดยกวี นักแปล นักเต้น และนักแสดงละคร Valentin Parnakh และถูกเรียกว่า "วงออเคสตราประหลาดแห่งแรกของวงดนตรีแจ๊สของ Valentin Parnakh ใน RSFSR" วันเกิดของดนตรีแจ๊สรัสเซียตามประเพณีถือเป็นวันที่ 1 ตุลาคม พ.ศ. 2465 เมื่อมีการจัดคอนเสิร์ตครั้งแรกของกลุ่มนี้ วงดนตรีแจ๊สมืออาชีพกลุ่มแรกที่แสดงทางวิทยุและบันทึกแผ่นเสียงถือเป็นวงออเคสตราของนักเปียโนและนักแต่งเพลง Alexander Tsfasman (มอสโก)

วงดนตรีแจ๊สโซเวียตยุคแรก ๆ ที่เชี่ยวชาญการแสดงการเต้นรำตามแฟชั่น (foxtrot, Charleston) ในจิตสำนึกของมวลชน ดนตรีแจ๊สเริ่มได้รับความนิยมอย่างกว้างขวางในช่วงทศวรรษที่ 30 โดยส่วนใหญ่ต้องขอบคุณวงดนตรีเลนินกราดที่นำโดยนักแสดงและนักร้อง Leonid Utesov และนักเป่าแตร B. Skomorovsky ภาพยนตร์ตลกยอดนิยมที่มีส่วนร่วมของเขาเรื่อง Jolly Guys (1934) อุทิศให้กับประวัติศาสตร์ของนักดนตรีแจ๊สและมีเพลงประกอบที่เกี่ยวข้อง (เขียนโดย Isaac Dunaevsky) Utesov และ Skomorovsky ได้สร้างสไตล์ดั้งเดิมของ "thea-jazz" (ละครแจ๊ส) โดยอาศัยการผสมผสานของดนตรีกับโรงละคร โอเปเรตต้า หมายเลขเสียงร้อง และองค์ประกอบของการแสดงที่มีบทบาทอย่างมาก เอ็ดดี้ รอสเนอร์ นักแต่งเพลง นักดนตรี และผู้นำวงออเคสตรามีส่วนสำคัญในการพัฒนาดนตรีแจ๊สของโซเวียต หลังจากเริ่มต้นอาชีพในเยอรมนี โปแลนด์ และประเทศอื่นๆ ในยุโรป รอสเนอร์ย้ายไปที่สหภาพโซเวียต และกลายเป็นหนึ่งในผู้บุกเบิกวงสวิงในสหภาพโซเวียต และเป็นผู้ก่อตั้งดนตรีแจ๊สเบลารุส
ในจิตสำนึกของมวลชน ดนตรีแจ๊สเริ่มได้รับความนิยมอย่างกว้างขวางในสหภาพโซเวียตในช่วงทศวรรษที่ 30
ทัศนคติของทางการโซเวียตที่มีต่อดนตรีแจ๊สนั้นคลุมเครือ: ตามกฎแล้วนักแสดงแจ๊สในประเทศไม่ได้ถูกห้าม แต่การวิพากษ์วิจารณ์ดนตรีแจ๊สอย่างรุนแรงเช่นนี้แพร่หลายในบริบทของการวิพากษ์วิจารณ์วัฒนธรรมตะวันตกโดยรวม ในช่วงปลายทศวรรษที่ 40 ในระหว่างการต่อสู้กับลัทธิสากลนิยม ดนตรีแจ๊สในสหภาพโซเวียตกำลังเผชิญกับช่วงเวลาที่ยากลำบากเป็นพิเศษ เมื่อกลุ่มที่แสดงดนตรี "ตะวันตก" ถูกข่มเหง เมื่อเริ่มมีอาการ Thaw การปราบปรามนักดนตรีก็ยุติลง แต่การวิพากษ์วิจารณ์ยังคงดำเนินต่อไป จากการวิจัยศาสตราจารย์ประวัติศาสตร์และวัฒนธรรมอเมริกัน เพนนี แวน เอสเชน กระทรวงการต่างประเทศสหรัฐฯ พยายามใช้ดนตรีแจ๊สเป็นอาวุธทางอุดมการณ์เพื่อต่อต้านสหภาพโซเวียต และต่อต้านการขยายอิทธิพลของโซเวียตไปสู่ประเทศโลกที่สาม ในช่วงทศวรรษที่ 50 และ 60 ในมอสโกวงออเคสตราของ Eddie Rosner และ Oleg Lundstrem กลับมาทำกิจกรรมต่อโดยมีการเรียบเรียงใหม่ซึ่งมีวงออเคสตราของ Joseph Weinstein (เลนินกราด) และ Vadim Ludvikovsky (มอสโก) รวมถึง Riga Variety Orchestra (REO) โดดเด่น

วงดนตรีขนาดใหญ่ได้นำกาแล็กซีของผู้เรียบเรียงที่มีความสามารถและศิลปินเดี่ยว-อิมโพรไวเซอร์ ซึ่งผลงานของเขาได้นำแจ๊สโซเวียตไปสู่ระดับใหม่ในเชิงคุณภาพและนำมาซึ่งใกล้กับมาตรฐานโลกมากขึ้น ในหมู่พวกเขา ได้แก่ Georgy Garanyan, Boris Frumkin, Alexey Zubov, Vitaly Dolgov, Igor Kantyukov, Nikolay Kapustin, Boris Matveev, Konstantin Nosov, Boris Rychkov, Konstantin Bakholdin การพัฒนาแชมเบอร์และคลับแจ๊สเริ่มต้นจากความหลากหลายของโวหาร (Vyacheslav Ganelin, David Goloshchekin, Gennady Golshtein, Nikolay Gromin, Vladimir Danilin, Alexey Kozlov, Roman Kunsman, Nikolay Levinovsky, เยอรมัน Lukyanov, Alexander Pishchikov, Alexey Kuznetsov, Victor ฟรีดแมน, อันเดรย์ ตอฟมายาน, อิกอร์ บริล, เลโอนิด ชิซิก ฯลฯ)

คลับแจ๊ส "บลูเบิร์ด"

ปรมาจารย์ด้านดนตรีแจ๊สโซเวียตที่กล่าวมาข้างต้นหลายคนเริ่มอาชีพสร้างสรรค์บนเวทีของสโมสรแจ๊สมอสโกในตำนาน "Blue Bird" ซึ่งมีตั้งแต่ปี 2507 ถึง 2552 ค้นพบชื่อใหม่ของตัวแทนของดาราแจ๊สรัสเซียยุคใหม่ (พี่น้อง Alexander และ Dmitry Bril, Anna Buturlina, Yakov Okun, Roman Miroshnichenko และคนอื่น ๆ ) ในยุค 70 วงดนตรีแจ๊สทั้งสามคน "Ganelin-Tarasov-Chekasin" (GTC) ซึ่งประกอบด้วยนักเปียโน Vyacheslav Ganelin มือกลอง Vladimir Tarasov และนักเป่าแซ็กโซโฟน Vladimir Chekasin ซึ่งมีอยู่จนถึงปี 1986 กลายเป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวาง ในยุค 70 และ 80 วงดนตรีแจ๊สจากอาเซอร์ไบจาน "Gaya" และวงดนตรีนักร้องและเครื่องดนตรีจอร์เจีย "Orera" และ "Jazz Chorale" ก็มีชื่อเสียงเช่นกัน

หลังจากที่ความสนใจในดนตรีแจ๊สลดลงในช่วงทศวรรษที่ 90 ดนตรีแจ๊สก็เริ่มได้รับความนิยมอีกครั้งในวัฒนธรรมของเยาวชน เทศกาลดนตรีแจ๊ส เช่น “Usadba Jazz” และ “Jazz in the Hermitage Garden” จัดขึ้นทุกปีในมอสโก สถานที่คลับแจ๊สที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในมอสโกคือคลับแจ๊ส "Union of Composers" เชิญนักดนตรีแจ๊สและบลูส์ชื่อดังระดับโลก

แจ๊สในโลกสมัยใหม่

โลกแห่งดนตรีสมัยใหม่มีความหลากหลายพอๆ กับสภาพอากาศและภูมิศาสตร์ที่เราสัมผัสได้จากการเดินทาง แต่วันนี้เรากำลังเห็นการผสมผสานของวัฒนธรรมโลกจำนวนมากขึ้นเรื่อยๆ ซึ่งนำเราเข้าใกล้สิ่งที่สำคัญซึ่งกำลังกลายเป็น "ดนตรีโลก" (ดนตรีโลก) อยู่ตลอดเวลา ดนตรีแจ๊สในปัจจุบันอดไม่ได้ที่จะรับอิทธิพลจากเสียงที่แทรกซึมเข้ามาจากเกือบทุกมุมโลก การทดลองแบบยุโรปที่มีโทนเสียงคลาสสิกยังคงมีอิทธิพลต่อดนตรีของผู้บุกเบิกรุ่นเยาว์ เช่น Ken Vandermark นักเป่าแซ็กโซโฟนแจ๊สแนวหน้าอิสระ ซึ่งเป็นที่รู้จักจากผลงานของเขาร่วมกับนักเป่าแซ็กโซโฟนที่มีชื่อเสียงในยุคเดียวกันอย่าง Mats Gustafsson, Evan Parker และ Peter Brotzmann นักดนตรีรุ่นใหม่และดั้งเดิมอื่นๆ ที่ยังคงค้นหาตัวตนของตัวเองต่อไป ได้แก่ นักเปียโน Jackie Terrasson, Benny Green และ Braid Meldoa, นักแซ็กโซโฟน Joshua Redman และ David Sanchez และมือกลอง Jeff Watts และ Billy Stewart

ประเพณีด้านเสียงแบบเก่าได้รับการสืบทอดอย่างรวดเร็วโดยศิลปิน เช่น นักเป่าแตร Wynton Marsalis ซึ่งทำงานร่วมกับทีมผู้ช่วย ทั้งในกลุ่มเล็กๆ ของเขาเองและใน Lincoln Center Jazz Orchestra ที่เขาเป็นผู้นำ ภายใต้การอุปถัมภ์ของเขา นักเปียโน Marcus Roberts และ Eric Reed นักเป่าแซ็กโซโฟน Wes “Warmdaddy” Anderson นักเป่าแตร Marcus Printup และนักไวบราโฟน Stefan Harris เติบโตจนกลายเป็นนักดนตรีผู้ยิ่งใหญ่ มือเบส Dave Holland ยังเป็นผู้ค้นพบพรสวรรค์รุ่นเยาว์ที่ยอดเยี่ยมอีกด้วย การค้นพบมากมายของเขารวมถึงศิลปินต่างๆ เช่น นักเป่าแซ็กโซโฟน/มือเบส M สตีฟ โคลแมน นักเป่าแซ็กโซโฟน สตีฟ วิลสัน นักไวบราโฟน สตีฟ เนลสัน และมือกลอง บิลลี่ คิลสัน ผู้ให้คำปรึกษาที่ยอดเยี่ยมสำหรับพรสวรรค์รุ่นเยาว์ ได้แก่ นักเปียโน Chick Corea มือกลอง Elvin Jones และนักร้อง Betty Carter โอกาสที่เป็นไปได้ในการพัฒนาต่อไปของดนตรีแจ๊สในปัจจุบันค่อนข้างมาก เนื่องจากวิธีในการพัฒนาความสามารถและวิธีการในการแสดงออกของดนตรีแจ๊สนั้นไม่อาจคาดเดาได้ โดยทวีคูณด้วยความพยายามร่วมกันของแนวเพลงแจ๊สต่างๆ ที่ได้รับการสนับสนุนในปัจจุบัน

แจ๊สเป็นทิศทางดนตรีที่เกิดขึ้นในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 ในสหรัฐอเมริกา ลักษณะเฉพาะของดนตรีแจ๊ส ได้แก่ การแสดงด้นสด การแสดงจังหวะหลายจังหวะตามจังหวะที่ประสานกัน และชุดเทคนิคเฉพาะสำหรับการแสดงพื้นผิวเป็นจังหวะ - การสวิง

แจ๊สเป็นดนตรีประเภทหนึ่งที่เกิดขึ้นจากดนตรีบลูส์และจิตวิญญาณของชาวแอฟริกันอเมริกัน เช่นเดียวกับจังหวะโฟล์คของชาวแอฟริกัน ผสานกับองค์ประกอบของความกลมกลืนและทำนองของยุโรป คุณสมบัติที่กำหนดของดนตรีแจ๊สคือ:
- จังหวะที่คมชัดและยืดหยุ่นตามหลักการของการซิงโครไนซ์
- การใช้เครื่องเพอร์คัชชันอย่างกว้างขวาง
- ความสามารถในการด้นสดที่พัฒนาอย่างมาก
- ลักษณะการแสดงที่แสดงออก โดดเด่นด้วยการแสดงออกที่ยอดเยี่ยม ความตึงเครียดแบบไดนามิกและเสียง จนถึงจุดแห่งความปีติยินดี

ที่มาของชื่อแจ๊ส

ที่มาของชื่อยังไม่ชัดเจนนัก การสะกดคำสมัยใหม่ - แจ๊ส - ก่อตั้งขึ้นในช่วงทศวรรษปี ค.ศ. 1920 ก่อนหน้านี้รู้จักตัวเลือกอื่น: chas, jasm, gism, jas, jass, jaz ที่มาของคำว่า "แจ๊ส" มีหลายเวอร์ชัน ได้แก่:
- จากภาษาฝรั่งเศส jaser (เพื่อแชท, พูดอย่างรวดเร็ว);
- จากการไล่ล่าภาษาอังกฤษ (ไล่ล่าไล่ตาม);
- จากแอฟริกัน jaiza (ชื่อของเสียงกลองบางประเภท);
- จากภาษาอาหรับ jazib (ผู้ล่อลวง); จากชื่อนักดนตรีแจ๊สในตำนาน - chas (จาก Charles), jas (จาก Jasper);
- จากเสียงแจ๊สสร้างเสียงเลียนแบบเสียงฉาบทองแดงของแอฟริกาเป็นต้น

มีเหตุผลที่ทำให้เชื่อได้ว่าคำว่า "แจ๊ส" ถูกใช้ตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 19 เป็นชื่อแห่งความยินดีและให้กำลังใจในหมู่คนผิวดำ แหล่งอ้างอิงบางแห่งระบุว่าในช่วงทศวรรษที่ 1880 มีการใช้เพลงนี้ในหมู่ชาวนิวออร์ลีนส์ครีโอล ซึ่งใช้ความหมายว่า "เร่งความเร็ว" "เร่งความเร็ว" โดยอ้างอิงถึงดนตรีที่ประสานกันอย่างรวดเร็ว

ตามคำกล่าวของ M. Stearns ในปี 1910 คำนี้ถูกใช้ในชิคาโกและ “มีความหมายไม่สมควรนัก” คำว่าแจ๊สปรากฏในสิ่งพิมพ์เป็นครั้งแรกในปี พ.ศ. 2456 (ในหนังสือพิมพ์ซานฟรานซิสโกฉบับหนึ่ง) ในปี 1915 มันกลายเป็นส่วนหนึ่งของชื่อวงออเคสตราแจ๊สของ T. Brown - TORN BROWN'S DIXIELAND JASS BAND ซึ่งแสดงในชิคาโกและในปี 1917 ปรากฏบนแผ่นเสียงแผ่นเสียงที่บันทึกโดยวงออเคสตรานิวออร์ลีนส์ที่มีชื่อเสียง ORIGINAL DIXIELAND JAZZ (JASS) BAND .

สไตล์แจ๊ส

แจ๊สโบราณ (แจ๊สยุคแรก แจ๊สยุคแรก แจ๊สอาร์เคอิกเยอรมัน)
แจ๊สโบราณเป็นชุดของแจ๊สประเภทดั้งเดิมที่เก่าแก่ที่สุด สร้างขึ้นโดยวงดนตรีเล็กๆ ในกระบวนการด้นสดโดยรวมในธีมของบลูส์ แร็กไทม์ รวมถึงเพลงและการเต้นรำของยุโรป

Blues (บลูส์ จากภาษาอังกฤษ บลูเดวิลส์)
เพลงบลูส์เป็นเพลงพื้นบ้านสีดำประเภทหนึ่งซึ่งมีทำนองมาจากรูปแบบ 12 บาร์ที่ชัดเจน
เพลงบลูส์ร้องเพลงเกี่ยวกับความรักที่ถูกหลอก เกี่ยวกับความต้องการ และเพลงบลูส์มีลักษณะเป็นทัศนคติที่สงสารตัวเอง ในขณะเดียวกัน เนื้อเพลงบลูส์ก็เต็มไปด้วยลัทธิสโตอิก การเยาะเย้ยที่อ่อนโยน และอารมณ์ขัน
ในดนตรีแจ๊ส บลูส์พัฒนาเป็นเพลงเต้นรำบรรเลง

Boogie-woogie (บูกี้-วูกี)
บูกี-วูกีเป็นสไตล์เปียโนบลูส์ที่มีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยเบสที่ทำซ้ำซึ่งกำหนดความเป็นไปได้ด้านจังหวะและทำนองของการแสดงด้นสด

พระวรสาร (จากพระกิตติคุณอังกฤษ - พระกิตติคุณ)
ดนตรีกอสเปลเป็นเพลงทางศาสนาของคนผิวดำในอเมริกาเหนือที่มีเนื้อร้องอิงจากพันธสัญญาใหม่

แร็กไทม์
Ragtime คือเพลงเปียโนที่มีพื้นฐานมาจาก "การตี" ของจังหวะที่ไม่ตรงกันสองท่อน:
- ราวกับว่าทำนองขาด (ซิงโครไนซ์อย่างรวดเร็ว)
- คลอชัดเจน ค้ำจุนในลักษณะก้าวอย่างรวดเร็ว.

วิญญาณ
Soul คือดนตรีสีดำที่เกี่ยวข้องกับประเพณีบลูส์
โซลเป็นสไตล์หนึ่งของดนตรีแนวโวคอลแบล็กที่เกิดขึ้นหลังสงครามโลกครั้งที่สองบนพื้นฐานของจังหวะและบลูส์และประเพณีกอสเปล

โซลแจ๊ส
โซลแจ๊สเป็นฮาร์ดบ็อบประเภทหนึ่ง ซึ่งมีจุดเด่นอยู่ที่แนวเพลงบลูส์และนิทานพื้นบ้านของชาวแอฟริกันอเมริกัน
จิตวิญญาณ
จิตวิญญาณ - ประเภทจิตวิญญาณที่เก่าแก่ของการร้องเพลงประสานเสียงของคนผิวดำในอเมริกาเหนือ เพลงทางศาสนาที่มีเนื้อร้องจากพันธสัญญาเดิม

ถนนร้องไห้
Street edge เป็นแนวเพลงพื้นบ้านที่เก่าแก่ เป็นเพลงเดี่ยวในเมืองของพ่อค้าเร่ขายของตามท้องถนนซึ่งมีหลากหลายเพลง

ดิกซี่แลนด์, ดิกซี่ (ดิกซี่แลนด์, ดิกซี่)
Dixieland คือการแสดงสไตล์นิวออร์ลีนส์ที่ทันสมัย โดดเด่นด้วยการแสดงด้นสดโดยรวม
Dixieland เป็นกลุ่มนักดนตรีแจ๊ส (ผิวขาว) ที่นำสไตล์การแสดงแจ๊สสีดำมาใช้

ซง (จากเพลงภาษาอังกฤษ - เพลง)
Zong - ในโรงละครของ B. Brecht - เพลงบัลลาดที่แสดงในรูปแบบของการสลับฉากหรือบทวิจารณ์ของผู้แต่ง (ล้อเลียน) เกี่ยวกับธรรมชาติที่แปลกประหลาดด้วยธีมพเนจรพเนจรใกล้กับจังหวะแจ๊ส

การแสดงด้นสด
การแสดงด้นสดในดนตรีเป็นศิลปะแห่งการสร้างสรรค์หรือตีความดนตรีอย่างเป็นธรรมชาติ

Cadenza (ภาษาอิตาลี cadenza จากภาษาละติน Cado - ตอนจบ)
Cadenza เป็นการแสดงด้นสดโดยธรรมชาติของความสามารถพิเศษ โดยแสดงในคอนเสิร์ตบรรเลงสำหรับศิลปินเดี่ยวและวงออเคสตรา บางครั้ง cadenzas แต่งโดยนักแต่งเพลง แต่บ่อยครั้งที่พวกเขาถูกปล่อยให้ขึ้นอยู่กับดุลยพินิจของนักแสดง

ซิ
Scat - ในดนตรีแจ๊ส - ประเภทของการแสดงดนตรีด้นสดโดยที่เสียงนั้นเทียบได้กับเครื่องดนตรี
Scat - การร้องเพลงบรรเลง - เทคนิคการร้องเพลงแบบพยางค์ (ไม่มีข้อความ) โดยอาศัยการเปล่งพยางค์ที่ไม่เกี่ยวข้องหรือการผสมเสียง

ร้อน
ดนตรีแจ๊สสุดฮอต - ลักษณะของนักดนตรีที่แสดงด้นสดด้วยพลังงานสูงสุด

ดนตรีแจ๊สสไตล์นิวออร์ลีนส์
ดนตรีแจ๊สสไตล์นิวออร์ลีนส์เป็นดนตรีที่มีจังหวะสองจังหวะที่ชัดเจน การปรากฏตัวของทำนองเพลงอิสระสามบรรทัดซึ่งแสดงพร้อมกันบนคอร์เน็ต (ทรัมเป็ต) ทรอมโบนและคลาริเน็ตพร้อมด้วยกลุ่มจังหวะ: เปียโนแบนโจหรือกีตาร์ดับเบิลเบสหรือทูบา
ในผลงานของดนตรีแจ๊สนิวออร์ลีนส์ ธีมดนตรีหลักถูกทำซ้ำหลายครั้งในรูปแบบต่างๆ

เสียง
เสียงเป็นหมวดหมู่โวหารของดนตรีแจ๊สที่แสดงลักษณะเฉพาะของคุณภาพเสียงของเครื่องดนตรีหรือเสียงแต่ละอย่าง
เสียงถูกกำหนดโดยวิธีการผลิตเสียง ประเภทของเสียงโจมตี ลักษณะของน้ำเสียง และการตีความเสียงต่ำ เสียงเป็นรูปแบบเฉพาะตัวของการสำแดงเสียงในอุดมคติของดนตรีแจ๊ส

สวิง สวิงคลาสสิค (สวิง สวิงคลาสสิค)
สวิงเป็นดนตรีแจ๊ส เรียบเรียงสำหรับวงดนตรีป๊อปและแดนซ์ขนาดใหญ่ (วงดนตรีขนาดใหญ่)
การสวิงมีลักษณะพิเศษคือการเรียกเครื่องดนตรีประเภทลมสามกลุ่ม ได้แก่ แซ็กโซโฟน ทรัมเป็ต และทรอมโบน ซึ่งสร้างเอฟเฟกต์ของการสวิงเป็นจังหวะ นักแสดงวงสวิงปฏิเสธการแสดงด้นสดโดยรวม
สวิงถึงจุดสูงสุดในปี พ.ศ. 2481-2485

หวาน
Sweet เป็นลักษณะของเพลงเชิงพาณิชย์เพื่อความบันเทิงและการเต้นรำที่มีลักษณะซาบซึ้ง ไพเราะ และไพเราะ เช่นเดียวกับรูปแบบที่เกี่ยวข้องของดนตรีแจ๊สเชิงพาณิชย์และเพลงยอดนิยม "แจ๊ส"

ซิมโฟนิกแจ๊ส
ซิมโฟนิกแจ๊สเป็นสไตล์แจ๊สที่ผสมผสานคุณลักษณะของดนตรีซิมโฟนิกเข้ากับองค์ประกอบของดนตรีแจ๊ส

แจ๊สสมัยใหม่
แจ๊สสมัยใหม่เป็นชุดของสไตล์และกระแสของดนตรีแจ๊สที่เกิดขึ้นตั้งแต่ปลายทศวรรษที่ 1930 หลังจากสิ้นสุดยุคสไตล์คลาสสิกและ "ยุคสวิง"

แจ๊สแอฟโฟร-คิวบา (เยอรมัน: แจ๊สแอโฟรคูบานิสเชอร์)
แจ๊สแอฟโฟร-คิวบาเป็นสไตล์ดนตรีแจ๊สที่พัฒนาขึ้นในช่วงปลายทศวรรษที่ 1940 จากการผสมผสานระหว่างองค์ประกอบบีบ็อปเข้ากับจังหวะของคิวบา

บีบอป, ป็อบ (บีบอป; ป็อบ)
บีบอปเป็นดนตรีแจ๊สสมัยใหม่สไตล์แรกที่เกิดขึ้นในต้นทศวรรษที่ 1930
Bebop เป็นทิศทางของดนตรีแจ๊สสีดำของวงดนตรีเล็ก ๆ ซึ่งมีลักษณะดังนี้:
- การแสดงเดี่ยวฟรีตามลำดับคอร์ดที่ซับซ้อน
- การใช้ดนตรีบรรเลง
- ความทันสมัยของดนตรีแจ๊สร้อนเก่า
- ทำนองเป็นพักๆ ทำนองไม่คงที่ พยางค์ขาด และมีจังหวะที่ตื่นเต้นเร้าใจ

คอมโบ
Combo คือวงออเคสตราแจ๊สสมัยใหม่ขนาดเล็ก ซึ่งเครื่องดนตรีทั้งหมดเป็นศิลปินเดี่ยว

แจ๊สเย็น (แจ๊สเย็น; แจ๊สเย็น)
แจ๊สคูลเป็นสไตล์ของแจ๊สสมัยใหม่ที่เกิดขึ้นในช่วงต้นทศวรรษที่ 50 โดยปรับปรุงและทำให้ความสามัคคีของบ็อบซับซ้อนขึ้น
Polyphony ถูกนำมาใช้กันอย่างแพร่หลายในดนตรีแจ๊สแนวคูล

ก้าวหน้า
โปรเกรสซีฟเป็นแนวทางสไตล์ในดนตรีแจ๊สที่เกิดขึ้นในช่วงต้นทศวรรษ 1940 โดยมีพื้นฐานมาจากประเพณีของวงสวิงและบ็อบคลาสสิก ซึ่งเกี่ยวข้องกับการฝึกซ้อมของวงดนตรีขนาดใหญ่และออร์เคสตร้าซิมโฟนิกขนาดใหญ่ ใช้ทำนองและจังหวะละตินอเมริกากันอย่างแพร่หลาย

แจ๊สฟรี
ฟรีแจ๊สเป็นสไตล์หนึ่งของดนตรีแจ๊สสมัยใหม่ที่เกี่ยวข้องกับการทดลองที่รุนแรงในด้านความกลมกลืน รูปแบบ จังหวะ และเทคนิคการแสดงด้นสด
ดนตรีแจ๊สฟรีมีลักษณะดังนี้:
- การแสดงด้นสดแบบเดี่ยวและแบบกลุ่มฟรี
- การใช้โพลีเมทรีและโพลิริทึม โพลิโทนาลิตีและอะโตนาลิตี เทคนิคอนุกรมและโดเดคาโฟนิก รูปแบบอิสระ เทคนิคโมดัล ฯลฯ

ฮาร์ดบ๊อบ
ฮาร์ดบ็อบเป็นดนตรีแจ๊สสไตล์หนึ่งที่พัฒนามาจากบีบอปในต้นทศวรรษ 1950 ฮาร์ดป็อบแตกต่าง:
- สีที่มืดมนและหยาบกร้าน
- จังหวะที่แสดงออกและเข้มงวด
- เสริมสร้างองค์ประกอบบลูส์อย่างกลมกลืน

ดนตรีแจ๊สสไตล์ชิคาโก (ชิคาโก-นิ่ง)
ดนตรีแจ๊สสไตล์ชิคาโกเป็นรูปแบบหนึ่งของดนตรีแจ๊สสไตล์นิวออร์ลีนส์ ซึ่งมีลักษณะเฉพาะดังนี้:
- การจัดองค์ประกอบที่เข้มงวดยิ่งขึ้น
- การแสดงด้นสดเดี่ยวที่เข้มข้นขึ้น (ตอนอัจฉริยะที่แสดงโดยเครื่องดนตรีต่างๆ)

วงออเคสตราวาไรตี้
วงป๊อปออร์เคสตราเป็นวงดนตรีแจ๊สประเภทหนึ่ง
วงดนตรีบรรเลงเพื่อความบันเทิง ดนตรีเต้นรำ และบทเพลงจากละครแจ๊ส
ที่มาพร้อมกับนักแสดงเพลงยอดนิยมและปรมาจารย์แนวป๊อปคนอื่น ๆ
โดยปกติแล้ว วงออเคสตราป๊อปจะประกอบด้วยกลุ่มเครื่องดนตรีกกและทองเหลือง เปียโน กีตาร์ ดับเบิลเบส และชุดกลอง

ภูมิหลังทางประวัติศาสตร์เกี่ยวกับดนตรีแจ๊ส

เชื่อกันว่าดนตรีแจ๊สซึ่งเป็นขบวนการอิสระได้ถือกำเนิดขึ้นในนิวออร์ลีนส์ระหว่างปี 1900 ถึง 1917 ตำนานที่รู้จักกันดีเล่าว่าตั้งแต่นิวออร์ลีนส์ ดนตรีแจ๊สแพร่กระจายไปตามแม่น้ำมิสซิสซิปปี้ ไปจนถึงเมมฟิส เซนต์หลุยส์ และในที่สุดก็ถึงชิคาโก ความถูกต้องของตำนานนี้เพิ่งถูกตั้งคำถามโดยนักประวัติศาสตร์แจ๊สจำนวนหนึ่ง และในปัจจุบันเชื่อกันว่าดนตรีแจ๊สมีต้นกำเนิดในวัฒนธรรมย่อยของคนผิวดำพร้อมๆ กันในสถานที่ต่างๆ ในอเมริกา โดยหลักๆ ในนิวยอร์ก แคนซัสซิตี้ ชิคาโก และเซนต์หลุยส์ และดูเหมือนว่าตำนานเก่าแก่นั้นอยู่ไม่ไกลจากความจริง

ประการแรก ได้รับการสนับสนุนจากคำให้การของนักดนตรีเก่าที่อาศัยอยู่ในช่วงเวลาที่ดนตรีแจ๊สออกจากสลัมสีดำ พวกเขาทั้งหมดยืนยันว่านักดนตรีในนิวออร์ลีนส์เล่นดนตรีที่พิเศษมาก ซึ่งนักแสดงคนอื่นๆ ก็ลอกเลียนได้ทันที ความจริงที่ว่านิวออร์ลีนส์เป็นแหล่งกำเนิดของดนตรีแจ๊สก็ได้รับการยืนยันจากการบันทึกเช่นกัน บันทึกดนตรีแจ๊สที่บันทึกก่อนปี 1924 จัดทำโดยนักดนตรีจากนิวออร์ลีนส์

ดนตรีแจ๊สคลาสสิกกินเวลาตั้งแต่ปี พ.ศ. 2433 ถึง พ.ศ. 2472 และจบลงด้วยการเริ่มต้นของ "ยุคสวิง" ดนตรีแจ๊สคลาสสิกมักประกอบด้วย: สไตล์นิวออร์ลีนส์ (แสดงโดยสไตล์นิโกรและครีโอล), สไตล์นิวออร์ลีนส์-ชิคาโก (ซึ่งเกิดขึ้นในชิคาโกหลังปี พ.ศ. 2460 ที่เกี่ยวข้องกับการย้ายมาที่นี่ของนักดนตรีแจ๊สนิโกรชั้นนำส่วนใหญ่ในนิวออร์ลีนส์), ดิกซีแลนด์ (ใน นิวออร์ลีนส์และชิคาโก ) เปียโนแจ๊สหลากหลายประเภท (บาร์เรลเฮาส์ บูกี้-วูกี ฯลฯ ) รวมถึงสไตล์ของดนตรีแจ๊สที่เกี่ยวข้องกับช่วงเวลาเดียวกันที่เกิดขึ้นในเมืองอื่น ๆ ในภาคใต้และมิดเวสต์ของ สหรัฐอเมริกา แจ๊สคลาสสิกร่วมกับรูปแบบโวหารโบราณบางรูปแบบ บางครั้งเรียกว่าแจ๊สแบบดั้งเดิม

แจ๊สในรัสเซีย

วงดนตรีแจ๊สวงแรกในโซเวียตรัสเซียถูกสร้างขึ้นในกรุงมอสโกในปี 1922 โดยกวี นักแปล นักเต้น และนักแสดงละคร Valentin Parnakh และถูกเรียกว่า "วงออเคสตราประหลาดแห่งแรกของวงดนตรีแจ๊สของ Valentin Parnakh ใน RSFSR" วันเกิดของดนตรีแจ๊สรัสเซียตามประเพณีถือเป็นวันที่ 1 ตุลาคม พ.ศ. 2465 เมื่อมีการจัดคอนเสิร์ตครั้งแรกของกลุ่มนี้

ทัศนคติของทางการโซเวียตที่มีต่อดนตรีแจ๊สนั้นคลุมเครือ ในตอนแรก นักแสดงแจ๊สในประเทศไม่ได้ถูกห้าม แต่มีการวิพากษ์วิจารณ์ดนตรีแจ๊สและวัฒนธรรมตะวันตกอย่างรุนแรง ในช่วงปลายทศวรรษที่ 40 ในระหว่างการต่อสู้กับลัทธิสากลนิยม วงดนตรีแจ๊สที่แสดงดนตรี "ตะวันตก" ถูกข่มเหง เมื่อเริ่มมีอาการ Thaw การปราบปรามนักดนตรีก็ยุติลง แต่การวิพากษ์วิจารณ์ยังคงดำเนินต่อไป

หนังสือเล่มแรกเกี่ยวกับดนตรีแจ๊สในสหภาพโซเวียตจัดพิมพ์โดยสำนักพิมพ์เลนินกราด Academia ในปี 2469 รวบรวมโดยนักดนตรี Semyon Ginzburg จากการแปลบทความของนักแต่งเพลงชาวตะวันตกและนักวิจารณ์เพลงรวมถึงเนื้อหาของเขาเองและถูกเรียกว่า "วงดนตรีแจ๊สและดนตรีสมัยใหม่" หนังสือเล่มต่อไปเกี่ยวกับดนตรีแจ๊สได้รับการตีพิมพ์ในสหภาพโซเวียตในช่วงต้นเท่านั้น ทศวรรษ 1960 เขียนโดย Valery Mysovsky และ Vladimir Feyertag เรียกว่า "Jazz" และเป็นการรวบรวมข้อมูลที่สามารถรับได้จากแหล่งต่างๆ ในขณะนั้น