เครื่องดนตรีพื้นบ้านของอิตาลี เพลงเวนิสบนน้ำ

ศิลปะพื้นบ้านแบบปากเปล่าของชาวอิตาลีอุดมไปด้วยผลงานหลากหลายประเภท ในพื้นที่ทางตอนเหนือของประเทศ บทกวีบรรยายเป็นเรื่องธรรมดา นักพื้นบ้านชาวอิตาลีเชื่อว่าบทกวีเหล่านี้มีต้นกำเนิดมาจากมหากาพย์ของชาวเซลติก

อิตาลีตอนกลางและตอนใต้มีลักษณะเฉพาะคือ บทกวี - สตรัมบอตติ . ช่องปากประเภทนี้ ศิลปะพื้นบ้านมีต้นกำเนิดครั้งแรกในซิซิลี ดังนั้นบทกวีดังกล่าวจึงเรียกว่าชาวซิซิลี บนเกาะเดียวกันก็มีอยู่ทั่วไป เรื่องราวทางศาสนาและบทกวี (เป็นอ็อกเทฟ) ที่มีเนื้อหาเกี่ยวกับศีลธรรมและการแสดงละครหุ่นพื้นบ้านยังคงอยู่มาจนถึงทุกวันนี้ ( โอเปร่า เดล ลูกสุนัข ). ธีมของพวกเขานำมาจากมหากาพย์ฝรั่งเศสเป็นหลัก

ในทุกภูมิภาคของประเทศก็มี นิทานพื้นบ้าน (เฟียบ ) เรื่องสั้น (อ้าปากค้าง- ที ) สุภาษิต ( สุภาษิต ) และปริศนา ( อินโดวิเนลลี ).

คนอิตาลีมีความไพเราะมาก เพลงพื้นบ้านจังหวะ ทำนอง และเนื้อหาที่แตกต่างกันไปในแต่ละภูมิภาค ทางภาคเหนือและตะวันตกเฉียงเหนือของประเทศ เพลงโคลงสั้น ๆ ที่ยิ่งใหญ่ที่เรียกว่า canzones เป็นเรื่องปกติ สิ่งเหล่านี้เป็นเรื่องปกติของ Piedmont โดยเฉพาะ เป็นไปได้ว่าพีดมอนต์เป็นพื้นที่ที่แคนโซนจากฝรั่งเศสแพร่กระจายไปยังส่วนอื่นๆ ของอิตาลี ภูมิภาคของ Trentino, Veneto และ Friuli มีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยบทเพลงบทเดียว วิลล็อตติ , ประกอบด้วยสอง quatrains

คนทั้งโลกรู้จักเพลงของเรือแจวเรือเวนิส - บาร์คาโรลส์ซึ่งโดดเด่นด้วยความนุ่มนวลของท่วงทำนองและจังหวะที่สอดคล้องกับจังหวะของพาย

เพลงซิซิลีมีความหลากหลายมาก - มารินารา, ฟูร์นาเรียน, วิคาริโอต ฯลฯ

ในภาคใต้โดยเฉพาะอย่างยิ่งในกัมปาเนียเพลงโคลงสั้น ๆ ส่วนใหญ่จะแพร่หลาย - สตอร์เนลส์ซึ่งประกอบด้วยบทกวีสิบเอ็ดพยางค์สองบท ชื่อของแนวเพลงนี้ทั้งหมด - "Neapolitan cesni" - มาจากเมืองหลักของ Campagna, Naples ที่ชานเมืองเนเปิลส์ - Piedigrotta - การแข่งขันเพื่อเพลงที่ดีที่สุดจัดขึ้นทุกปี ผู้เข้าร่วมและผู้ฟังมาที่นี่จากทั่วประเทศ

บนเกาะซาร์ดิเนีย เพลงโคลงสั้น ๆ เป็นเรื่องธรรมดามาก โดยมีความเหมือนกันมากทั้งในรูปแบบและเนื้อหากับเนื้อเพลงภาษาสเปน

ประเภทหลักของศิลปะพื้นบ้านแบบปากเปล่าของชาวอุมเบรียคือสิ่งที่เรียกว่าบทกวีทางศาสนาซึ่งส่วนใหญ่เป็นเพลงที่เล่าเกี่ยวกับตอนต่างๆ จากชีวิตของพระคริสต์

ในหลายพื้นที่ของอิตาลี มีการร้องเพลงกล่อมเด็กที่ไพเราะมาก

ในช่วงไม่กี่ทศวรรษที่ผ่านมา เพลงพื้นบ้านของอิตาลีภายใต้อิทธิพลของการออกอากาศทางวิทยุได้สูญเสียประเพณีไปมาก: ทั้งลักษณะของทำนองและคำศัพท์กำลังเปลี่ยนไป ด้วยเหตุนี้ เป็นเวลากว่าครึ่งศตวรรษแล้วที่เพลงโคลงสั้น ๆ พื้นบ้าน โดยเฉพาะอย่างยิ่งเพลงที่พวกเขาร้องเกี่ยวกับการจากลาได้ปรากฏให้เห็น ทางรถไฟและเรือกลไฟและเข้า ปีที่ผ่านมาแม้แต่เครื่องบิน เพลงสูญเสียภาษาเชิงเปรียบเทียบ คำศัพท์ของเพลงโคลงสั้น ๆ ที่ยิ่งใหญ่ก็เปลี่ยนไปเช่นแทนที่จะเป็นดาบและปืนปืนพกและปืนกลก็ปรากฏขึ้น

การเต้นรำ เครื่องดนตรี

ในบางสถานที่ การเต้นรำพื้นบ้านของอิตาลียังคงเต้นรำอยู่ โดยโดดเด่นด้วยความหลากหลาย ความสวยงาม และอารมณ์ในการแสดง เมื่อไม่กี่สิบปีที่ผ่านมา ทารันเทลลา (อาจเป็นการเต้นรำ) ต้นกำเนิดโบราณ) การแสดงซึ่งมักจะมาพร้อมกับการตีกลอง ในลาซิโอ การเต้นรำด้วยจังหวะเร็วมากเป็นเรื่องปกติ - ซัลตาเรลโล

มันถูกเต้นเป็นคู่พร้อมกับกีตาร์ ในจังหวัดลอมบาร์ดพวกเขายังคงเต้นรำที่เรียกว่า Bergamasca และในจังหวัดเวนิสพวกเขายังคงเต้นรำการเต้นรำที่มีต้นกำเนิดจาก Friulian - Furlana ซิซิลีมีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยการเต้นรำช้าๆ - ซิซิลีอานา ในบางพื้นที่ของซาร์ดิเนีย การเต้นรำที่มีต้นกำเนิดมาจากสมัยโบราณ (อาจเป็นภาษากรีก) เรียกว่า ดูรู - ดูรู , หรือ บัลโล ใน ทอนโด (เต้นรำเป็นการเต้นรำแบบกลม) มักจะมาพร้อมกับการกระโดดและกรีดร้อง

ในบางพื้นที่ทางภาคใต้ พิธีกรรมโขนยังคงอนุรักษ์ไว้ โดยแสดงในบางวัน วันหยุดทางศาสนา- ชาวนาในหมู่บ้านบางแห่งในคาลาเบรีย ซิซิลี และบาซิลิกาตาแสดงละครใบ้ที่เรียกว่า "เรือ" คนสิบสองคนประกอบกันเป็นปิรามิด โดยหกคนยืนอยู่บนพื้น สี่คนอยู่บนไหล่ และอีกสองคนอยู่ด้านบนสุด ปิรามิดเคลื่อนไหวเป็นจังหวะ ล้อมรอบด้วยฝูงชนชาวนาที่ร้องเพลง

มีการใช้เพลงและการเต้นรำแบบดั้งเดิมร่วมกับเครื่องดนตรีพื้นบ้าน ในภาคเหนือ กีตาร์เป็นเรื่องธรรมดาที่สุด ในทัสคานีลาซิโอและกัมปาเนียมักพบปี่สก็อต บนเกาะซาร์ดิเนีย มีการร้องเพลงและเต้นรำพร้อมกับการเล่นไปป์สามลำกล้องที่เรียกว่า ซักรีดดา . ในหมู่บ้านของทุกภูมิภาคของประเทศพวกเขาเล่นไปป์ลำกล้องเดียว ออร์แกนและออร์แกนธรรมดา และในเมือง - แมนโดลิน

ใน เมื่อเร็วๆ นี้โดยเฉพาะใน ช่วงหลังสงครามการเต้นรำพื้นบ้านโบราณกำลังหลีกทางให้กับการเต้นรำสมัยใหม่มากขึ้นเรื่อย ๆ ซึ่งเต้นรำกับเครื่องเล่นแผ่นเสียงหรือเครื่องบันทึกเทป

ศิลปะและงานฝีมือพื้นบ้าน

เกือบทุกภูมิภาคของอิตาลีมีชื่อเสียงในด้านศิลปะการตกแต่งพื้นบ้านบางประเภทซึ่งได้รับการฝึกฝนที่นี่มานานหลายศตวรรษโดยถ่ายทอดทักษะและ ความรู้สึกความงดงามจากรุ่นสู่รุ่น

เซรามิกส์

ผลิตภัณฑ์ของเซรามิกมาสเตอร์มีสีสันสวยงามมาก การผลิตนี้มีประเพณีเก่าแก่หลายศตวรรษในอิตาลี มีอยู่แล้วในศตวรรษ Vlll - VII พ.ศ จ. เครื่องปั้นดินเผาของกรีกก็แทรกซึมเข้าไปในตอนใต้ของคาบสมุทร Apennine พร้อมกับอาณานิคมของกรีกด้วย ตั้งแต่ศตวรรษที่ 6 พ.ศ จ. เซรามิกรูปดำและรูปสีแดงของกรีกเริ่มแพร่หลาย ใน เวลาโรมันจานที่มีลวดลายดอกไม้ปรากฏส่วนใหญ่มักเป็นแบบนูนเคลือบด้วยวานิชสีแดงพร้อมเงาโลหะ

ในช่วงยุคกลางตอนต้น เครื่องปั้นดินเผาก็เหมือนกับงานฝีมือพื้นบ้านอื่นๆ ที่กำลังเสื่อมถอยลง

ศิลปะเซรามิกของอิตาลีเพิ่มขึ้นอย่างทรงพลังครั้งใหม่เริ่มขึ้นในศตวรรษที่ 15 ศูนย์กลางการผลิตเครื่องเซรามิกเชิงศิลปะในยุคกลาง ได้แก่ ฟาเอนซา เซียนา คัฟแฟกจิโอโล คาสเทลดูรันเต และอื่นๆ อีกมากมาย

ตั้งแต่ไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 16 หัวหน้าฝ่ายผลิตเซรามิกของอิตาลีคือเมือง Faenza ซึ่งมีต้นกำเนิดมาจากชื่อสากลว่า "clayans" ในความหมายแคบ หมายถึง ผลิตภัณฑ์ที่ทำจากดินเผาสีขาวที่มีเศษที่มีรูพรุนละเอียด งานเผามักเรียกว่าเซรามิกเคลือบ - majolica ซึ่งผลิตและยังคงผลิตเป็นจำนวนมากใน Faenza ชื่อ "majolica" มาจากหนึ่งในหมู่เกาะแบลีแอริก - มายอร์ก้า (ในภาษาอิตาลี - Majolica) ซึ่งในปี 1115 ชาว Genoese ได้นำภาชนะเซรามิกแบบสเปน - มัวร์และแผ่นพื้นเคลือบเป็นครั้งแรกไปยังคาบสมุทร Apennine ซึ่งกลายเป็นต้นแบบของช่างปั้นหม้อชาวอิตาลี

ในช่วงรุ่งเรืองของการผลิต majolica (ศตวรรษที่ XV-XVII) มีการใช้ดินเหนียวสีเหลืองและสีขาวและแทนที่จะใช้เคลือบ engobe และตะกั่วกลับถูกเคลือบด้วยเคลือบทึบแสงที่ไม่มีรูพรุนซึ่งทำจากส่วนผสมของตะกั่วและดีบุกออกไซด์ เรือลำดังกล่าวถูกยิงที่ อุณหภูมิสูงการเคลือบที่หลอมรวมกับการทาสีและกลายเป็นชั้นมันเงาสม่ำเสมอซึ่งยึดติดกับฐานดินเหนียวของผลิตภัณฑ์อย่างแน่นหนา

สิ่งที่เรียกว่า majolica ในอิตาลีรวมถึงผลิตภัณฑ์เซรามิกทุกชนิดที่ทำจากดินเหนียวสีแดง ( เทอร์รา คอตต้า ) และจากสีขาวมีเศษรูพรุนขนาดใหญ่เคลือบด้วยกระจกใส ( เวอร์นิซ ) หรือเคลือบฟันทึบ ( มัลโต - ช่างเซรามิกสมัยใหม่ของ Faenza ไม่เพียงแต่เลียนแบบโมเดลที่มีชื่อเสียงในอดีตเท่านั้น แต่ยังสร้างโมเดลใหม่ๆ และเชี่ยวชาญเทคนิคใหม่ๆ อีกด้วย ปัจจุบันช่างฝีมือ Faenza จำนวนมากผลิตภาชนะรูปทรงนามธรรมตกแต่งด้วยภาพวาดซึ่งมีลวดลายมาจากภาพวาดนามธรรมสมัยใหม่

State Institute of Ceramics ตั้งอยู่ใน Faenza ช่างเซรามิกจาก ประเทศต่างๆมาที่นี่เพื่อพัฒนาทักษะของพวกเขา นอกจากนี้ยังมีพิพิธภัณฑ์เซรามิกนานาชาติที่รวบรวมคอลเลกชั่นเซรามิกศิลปะอิตาลีอย่างเข้มข้น ทุกปีเมืองจะจัดนิทรรศการเครื่องเซรามิก

ในอิตาลีสมัยใหม่ การผลิตเซรามิกได้รับการพัฒนา แต่ส่วนใหญ่อยู่ในภูมิภาคทางใต้และเกาะ: อาปูเลีย ซิซิลี อาบรุซโซ โมลีส คาลาเบรีย ซาร์ดิเนีย มาร์เช่ และอื่นๆ อีกมากมาย การประชุมเชิงปฏิบัติการและโรงงานขนาดเล็กในภูมิภาคเหล่านี้ผลิตนอกเหนือไปจากเครื่องเซรามิกในครัวเรือน (ภาชนะสำหรับรับประทานอาหารและในครัวที่ชาวนาซื้อเป็นหลัก) ของตกแต่ง (จาน แจกัน ตุ๊กตา) ซึ่งมักส่งออกหรือขายให้กับนักท่องเที่ยวชาวต่างชาติ

รูปแบบทั่วไปของเรือ ที่พบได้ทั่วไปในทุกพื้นที่ทางตอนใต้ของประเทศ: ชาม; boccale - แก้วน้ำขนาดใหญ่สำหรับใส่น้ำหรือไวน์ bgossa - ภาชนะทรงกลมขนาดใหญ่ที่มีพวยกาและที่จับหนึ่งหรือสองอันซึ่งส่วนใหญ่มักจะเก็บไวน์ กระติกน้ำและไวน์ทุกชนิด: ทรงกลมคอสั้นและมีด้ามจับเดียว คล้ายกับพวกเขา แต่ไม่มีที่จับ รูปร่างยาวพร้อมที่จับสองอัน แบนไม่มีที่จับมีห่วงสำหรับร้อยเชือก รูปเพรทเซล ฯลฯ

ภาชนะทั้งหมดนี้มักจะถูกเคลือบด้วยสีเคลือบและเคลือบสีสันสดใส และทาสีด้วยสีเคลือบหรือสีเคลือบด้านล่าง และบางครั้งก็ตกแต่งด้วยรูปแกะสลักนูน

หลายภูมิภาคของอิตาลี และมักเป็นศูนย์กลางการผลิตเซรามิกแต่ละแห่ง คุณสมบัติลักษณะทั้งการเลือกรูปทรงภาชนะและการตกแต่งอย่างมีศิลปะ

ศูนย์กลางหลักของการผลิตเซรามิกซิซิลีคือ Caltad-Girone มีเซรามิกจำนวนมากออกมาจากเวิร์คช็อปของ Terranova, Licata, Ajira, Partinico, Canicatti และ Schiatta

สีสันสวยงามเป็นที่รู้กันดีอยู่แล้วค่ะ ยุคกลางตอนต้นแจกันดอกไม้ซิซิลี - พระคุณ - มักทำเป็นรูปศีรษะมนุษย์ ตัวขวดซิซิลีมักทำในรูปแบบเดียวกัน บ่อยครั้งที่ภาชนะมีรูปร่างเหมือนมนุษย์เต็มตัว เหล่านี้คือขวดโพลีโครม ( เฟียสเชตติ ) และโคมไฟ ( ลูเซอร์นี - นอกจากนี้ใน Caltagirone (ตั้งแต่ศตวรรษที่ 17 จนถึงทุกวันนี้) ยังมีการสร้างรูปแกะสลักของนักบุญที่ไม่ได้ใช้ไฟ - พรีเซพี ซึ่งเป็นเรื่องปกติที่จะวางไว้ที่มุมห้องในวันหยุดทางศาสนาโดยเลียนแบบฉากจากชีวิตของพระเยซูคริสต์

นอกจากงานศิลปะเซรามิกแล้ว พวกเขายังผลิตภาชนะในครัวเรือนหลากหลายชนิด เช่น ภาชนะขนาดใหญ่ ควอร์เตอร์ สำหรับส่งน้ำ ชามซุป ขนาดเล็ก แคนเนท สำหรับน้ำและไวน์และอื่นๆ อีกมากมาย

ศูนย์กลางการผลิตเครื่องปั้นดินเผาเชิงศิลปะที่ใหญ่ที่สุดในซาร์ดิเนีย ได้แก่ Oristano, Sassari และ Cagliari แจกัน Oristan ที่มีชื่อเสียงที่สุดทั่วประเทศ รูปร่างและเครื่องประดับกลับไปสู่เครื่องปั้นดินเผา กรีกโบราณ(ความคล้ายคลึงกับแจกันเหล่านี้ถูกค้นพบระหว่างการขุดค้นใน Canosa ใน Apulia) เป็นภาชนะรดน้ำขนาดใหญ่ตกแต่งด้วยรูปดอกไม้ สัตว์ หรือคน

ในชุมชน Dorgali (Sassari) เครื่องปั้นดินเผาแบบดั้งเดิมคือการผลิตภาชนะจากดินเหนียวสีแดงในรูปของสัตว์เลี้ยง: ล้างขวดในรูปแบบของไก่, ไก่, ห่าน ฯลฯ มักจะเสร็จสิ้น มีลวดลายขีดข่วน (graffiti) และเคลือบด้วยสีเคลือบหลากสี ในกาลยารี เช่นเดียวกับในซิซิลี พวกเขาสร้างภาชนะเป็นรูปต่างๆ ร่างมนุษย์ซึ่งส่วนใหญ่มักเป็นภาพผู้หญิงในชุดพื้นเมืองของท้องถิ่น

ใน Puglia มีศูนย์กลางการผลิตเครื่องปั้นดินเผาขนาดใหญ่หลายแห่ง: Grottaglie, Rutigliano, Sansevero, Cerintola และอื่นๆ อีกมากมาย ผลงานศิลปะดินเผาเคลือบโพลีโครมของ Grottaglie จำหน่ายไปทั่วประเทศ ประเพณียุคกลางได้รับการอนุรักษ์ไว้ในเทคนิคการผลิตและการตกแต่ง ภาชนะต่างๆ (บอคคาลี บรอกโคลี ฯลฯ) เคลือบด้วยสีโพลีโครม (ส่วนใหญ่ เครื่องประดับดอกไม้) บนเอนโกเบสีขาว Grottaglie จำหน่ายเครื่องใช้บนโต๊ะอาหารและเครื่องครัวให้กับทุกพื้นที่ทางใต้

ใน Puglia พวกเขายังสร้างภาชนะที่ตกแต่งด้วยภาพนูนเลียนแบบการปัก บริเวณนี้ยังมีชื่อเสียงในด้านการผลิตของเล่นที่เคลือบด้วยสีเคลือบหลากสีอีกด้วย ส่วนใหญ่มักจะเป็นนกหวีดที่มีรูปร่างเป็นสัตว์ต่าง ๆ เช่น นก กระทง สุนัข งู ฯลฯ

ในอาบรุซโซ อาหารแบบดั้งเดิมได้แก่ขวดแบนและรูปวงแหวน จาน และบร็อคกี้ที่มีภาพวาดสีสันสดใสบนเอนโกเบสีขาว เซรามิกจาก Palena โดดเด่นด้วยสีสดใสและเคลือบมันเงามาก แก้วสามใบ, ขวดหมอบที่มีคอเล็ก, ขวดรูปเพรทเซลแบนถูกทาสีที่ด้านบนของ engobe ซึ่งส่วนใหญ่มักมีมาลัยดอกไม้ ที่ Kastelli ภาชนะมักถูกเคลือบด้วยสีเหลือง น้ำเงิน หรือเขียว หลายแห่งโดยเฉพาะตุ๊กตาหรือโคมไฟในรูปมนุษย์มีความใกล้ชิดกับซิซิลี

ศูนย์กลางหลักของการผลิตเซรามิกใน Calabria ได้แก่ Seminara, Rende, Visignano, Terranova di Sibari, Corigliano Calabro, Vibo Valentina, Squillace, S. Andrea Ionico ในการสัมมนา ภาชนะดินเผา (ส่วนใหญ่มักเป็นขวดรูปทรงเพรทเซล) ตกแต่งด้วยภาพนูนของดอกไม้ นก และสัตว์ต่างๆ สีเด่นของการรดน้ำคือสีเขียวสีเหลืองและสีส้ม ขวดรูปปลาที่ผลิตในงานสัมมนาและของเล่นหรูหราที่ทำจากดินเหนียวสีแดงเคลือบหลากสีเป็นที่นิยมอย่างมากในประเทศ

ศูนย์การผลิตเซรามิกหลักที่ทันสมัยในอุมเบรีย - เดรูตาและกุบบิโอ - ผลิตสำเนาของตัวอย่างยุคกลางและแม้แต่อิทรุสกันรวมถึงการประชุมเชิงปฏิบัติการในศูนย์อื่น ๆ ในพื้นที่นี้: อัสซีซี, ฟิคัลเล ฯลฯ

ในทัสคานี ศูนย์กลางหลักของการผลิตเซรามิกคือ Monte San Savino ที่นี่ทำอาหารจานใหญ่โดยเลียนแบบมาจอลิกาในยุคกลาง โดยปกติแล้วจะถูกปกคลุมไปด้วยเอนโกเบะสีขาว ซึ่งนอกเหนือจากการทาสีแล้ว

ในภูมิภาค Marche ของ Pesaro ช่างเซรามิกทำภาชนะใช้ในครัวเรือนหลายประเภทที่เคลือบด้วยสีเข้มมันวาวมาก (สีดำ เกาลัด หรือกาแฟ) เช่น เครื่องอุ่นมือ กระทะทอด ชามซุปสำหรับเก็บเกี่ยว ขวดสำหรับส่งไวน์ไปที่ทุ่งนา เครื่องดื่ม เรือ

มีคนจำนวนมากอยู่ร่วมกันในโลกที่พูดภาษาต่างกัน แต่ผู้คนตลอดประวัติศาสตร์ไม่ได้พูดเพียงคำพูดเท่านั้น ในสมัยโบราณ มีการใช้เพลงและการเต้นรำเพื่อสร้างจิตวิญญาณและความคิด

ศิลปะการเต้นท่ามกลางการพัฒนาวัฒนธรรม

วัฒนธรรมอิตาลีมีความสำคัญอย่างยิ่งต่อความสำเร็จระดับโลก จุดเริ่มต้นของการเติบโตอย่างรวดเร็วเกิดขึ้นพร้อมกับการกำเนิดของยุคใหม่ - ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา จริงๆ แล้ว ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเกิดขึ้นอย่างแม่นยำในอิตาลีและพัฒนาภายในมาระยะหนึ่งแล้ว โดยไม่ต้องแตะต้องประเทศอื่น ความสำเร็จครั้งแรกของเขาเกิดขึ้นในศตวรรษที่ 14-15 ต่อมาจากอิตาลีก็แพร่กระจายไปทั่วยุโรป พัฒนาการของนิทานพื้นบ้านก็เริ่มขึ้นในศตวรรษที่ 14 เช่นกัน จิตวิญญาณแห่งศิลปะที่สดใหม่ ทัศนคติที่แตกต่างต่อโลกและสังคม การเปลี่ยนแปลงค่านิยมสะท้อนให้เห็นโดยตรงในการเต้นรำพื้นบ้าน

อิทธิพลของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา: ก้าวใหม่และลูกบอล

ในยุคกลาง การเคลื่อนไหวดนตรีของอิตาลีดำเนินไปอย่างเป็นขั้นเป็นตอน ราบรื่น และโยกเยก ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเปลี่ยนทัศนคติต่อพระเจ้าซึ่งสะท้อนให้เห็นในนิทานพื้นบ้าน การเต้นรำแบบอิตาลีได้รับพลังและการเคลื่อนไหวที่มีชีวิตชีวา ดังนั้นขั้นตอน "ครบวงจร" จึงเป็นสัญลักษณ์ของการกำเนิดของมนุษย์ทางโลก ความเชื่อมโยงของเขากับของประทานแห่งธรรมชาติ และการเคลื่อนไหวแบบ "ด้วยเท้า" หรือ "ด้วยการกระโดด" บ่งบอกถึงความปรารถนาของบุคคลที่มีต่อพระเจ้าและการถวายเกียรติแด่พระองค์ มรดกการเต้นรำของอิตาลีนั้นมีพื้นฐานมาจากพวกเขา การรวมกันของพวกเขาเรียกว่า "balli" หรือ "ballo"

เครื่องดนตรีพื้นบ้านของอิตาลีตั้งแต่สมัยเรอเนซองส์

มีการแสดงผลงานนิทานพื้นบ้านร่วมด้วย ใช้เครื่องมือต่อไปนี้สำหรับสิ่งนี้:

• ฮาร์ปซิคอร์ด (ภาษาอิตาลี "เคมบาโล") กล่าวถึงครั้งแรก: อิตาลี ศตวรรษที่สิบสี่
• แทมบูรีน (แทมบูรีนชนิดหนึ่งซึ่งเป็นบรรพบุรุษของกลองสมัยใหม่) นักเต้นยังใช้มันในระหว่างการเคลื่อนไหว
• ไวโอลิน (เครื่องดนตรีประเภทโค้งที่มีต้นกำเนิดในศตวรรษที่ 15) ความหลากหลายของอิตาลีคือวิโอลา
• ลูท (เครื่องสายที่ดึงออกมา)
• ไปป์ ขลุ่ย และโอโบ

การเต้นรำที่หลากหลาย

โลกดนตรีของอิตาลีมีความหลากหลายมากขึ้น การปรากฏตัวของเครื่องดนตรีและท่วงทำนองใหม่ๆ ช่วยกระตุ้นการเคลื่อนไหวที่มีพลังตามจังหวะ ระดับชาติ การเต้นรำแบบอิตาลี- ชื่อของพวกเขาถูกสร้างขึ้น มักมีพื้นฐานมาจากหลักการอาณาเขต มีหลายพันธุ์ การเต้นรำหลักของอิตาลีที่รู้จักกันในปัจจุบัน ได้แก่ bergamasca, galliarda, saltarella, Pavana, Tarantella และ Pizzica

Bergamasca: แต้มคลาสสิก

Bergamasca เป็นการเต้นรำพื้นบ้านของอิตาลีที่ได้รับความนิยมในช่วงศตวรรษที่ 16-17 ซึ่งไม่ได้รับความนิยมในเวลาต่อมา แต่ยังคงทิ้งมรดกทางดนตรีไว้ ภูมิภาคพื้นเมือง: ทางตอนเหนือของอิตาลี จังหวัดแบร์กาโม ดนตรีในการเต้นรำครั้งนี้ร่าเริงและเป็นจังหวะ เครื่องวัดเวลาเป็นเครื่องวัดสี่จังหวะที่ซับซ้อน การเคลื่อนไหวนั้นเรียบง่าย ราบรื่น เป็นคู่กัน สามารถเปลี่ยนระหว่างคู่ได้ในระหว่างกระบวนการ ในตอนแรก การเต้นรำพื้นบ้านเป็นที่ชื่นชอบในศาลในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

มีการกล่าวถึงวรรณกรรมเรื่องแรกในละครเรื่อง A Midsummer Night's Dream ของวิลเลียม เชกสเปียร์ ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 18 Bergamasca ได้เปลี่ยนจากการเต้นรำพื้นบ้านไปสู่มรดกทางวัฒนธรรมได้อย่างราบรื่น นักแต่งเพลงหลายคนใช้สไตล์นี้ในกระบวนการเขียนผลงานของพวกเขา: Marco Uccellini, Solomone Rossi, Girolamo Frescobaldi, Johann Sebastian Bach

ถึง ปลายศตวรรษที่ 19หลายศตวรรษ การตีความ Bergamasca ที่แตกต่างออกไปก็ปรากฏขึ้น โดดเด่นด้วยมิเตอร์ผสมที่ซับซ้อนและจังหวะที่เร็วขึ้น (A. Piatti, C. Debussy) ทุกวันนี้เสียงสะท้อนของนิทานพื้นบ้าน Bergamasque ยังคงอยู่ซึ่งพวกเขาพยายามรวบรวมไว้ในบัลเล่ต์และประสบความสำเร็จ ผลงานละครโดยใช้ดนตรีประกอบโวหารที่เหมาะสม

Galliard: การเต้นรำที่ร่าเริง

Galliarda เป็นการเต้นรำแบบอิตาลีโบราณ ซึ่งเป็นหนึ่งในการเต้นรำพื้นบ้านยุคแรก ๆ ปรากฏในศตวรรษที่ 15 แปลได้ว่า "ร่าเริง" จริงๆแล้วเขาเป็นคนร่าเริง มีพลัง และมีจังหวะมาก เป็นการผสมผสานที่ซับซ้อนระหว่างห้าขั้นตอนและการกระโดด เป็นการเต้นรำพื้นบ้านแบบคู่ซึ่งได้รับความนิยมในบอลของชนชั้นสูงในอิตาลี ฝรั่งเศส อังกฤษ สเปน และเยอรมนี

ในศตวรรษที่ 15-16 Galliard กลายเป็นแฟชั่นเนื่องจากมี ในรูปแบบการ์ตูน, ร่าเริงเป็นจังหวะเป็นธรรมชาติ สูญเสียความนิยมเนื่องจากวิวัฒนาการและการเปลี่ยนแปลงไปสู่ข้าราชบริพารมาตรฐาน สไตล์การเต้น- ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 17 เธอเปลี่ยนมาฟังเพลงโดยสิ้นเชิง

ท่าน้ำหลักมีลักษณะเฉพาะคือ ก้าวปานกลาง, ความยาวเมตร - ไตรโลปธรรมดา ใน ช่วงต่อมาดำเนินการด้วยจังหวะที่เหมาะสม ท่าเทียบเรือนี้มีลักษณะพิเศษคือมีมิเตอร์ดนตรีที่มีความยาวซับซ้อน ผลงานสมัยใหม่ที่มีชื่อเสียงในสไตล์นี้โดดเด่นด้วยจังหวะที่ช้ากว่าและสงบกว่า นักแต่งเพลงที่ใช้ดนตรี Galliard ในผลงาน: V. Galileo, V. Brake, B. Donato, W. Bird และคนอื่น ๆ

Saltarella: ความสนุกสนานในงานแต่งงาน

Saltarella (saltarello) เป็นการเต้นรำแบบอิตาลีที่เก่าแก่ที่สุด มันค่อนข้างร่าเริงและเป็นจังหวะ ประกอบไปด้วยการก้าว การกระโดด การหมุน และการโค้งคำนับ ที่มา: จากภาษาอิตาลี saltare - "to jump" การกล่าวถึงศิลปะพื้นบ้านประเภทนี้ครั้งแรกเกิดขึ้นตั้งแต่ศตวรรษที่ 12 เดิมทีมันเป็นการเต้นรำทางสังคมพร้อมกับดนตรีในจังหวะสองหรือสามจังหวะที่เรียบง่าย ตั้งแต่ศตวรรษที่ 18 เป็นต้นมา ค่อยๆ เสื่อมถอยลงเป็นเพลงซัลตาเรลลาที่จับคู่กับดนตรีที่มีขนาดซับซ้อน สไตล์นี้ได้รับการเก็บรักษาไว้จนถึงทุกวันนี้

ในศตวรรษที่ 19-20 - กลายเป็นชาวอิตาลีจำนวนมาก เต้นรำงานแต่งงานซึ่งใช้เต้นรำในงานเฉลิมฉลองงานแต่งงาน อย่างไรก็ตามในเวลานั้นพวกเขามักจะถูกกำหนดเวลาให้ตรงกับการเก็บเกี่ยว ใน XXI - แสดงในงานรื่นเริงบางแห่ง ดนตรีในรูปแบบนี้ได้รับการพัฒนาในการแต่งเพลงของนักเขียนหลายคน: F. Mendelssohn, G. Berlioz, A. Castellono, R. Barto, B. Bazurov

Pavan : ความเคร่งขรึมอันสง่างาม

Pavana - ภาษาอิตาลีโบราณ เต้นรำบอลรูมซึ่งดำเนินการเฉพาะที่ศาลเท่านั้น รู้จักชื่ออื่น - ปาโดวานา (จากชื่อปาโดวาจากภาษาละตินปาวา - นกยูง) การเต้นรำนี้ช้าๆ สง่างาม เคร่งขรึม หรูหรา การรวมกันของการเคลื่อนไหวประกอบด้วยขั้นตอนง่ายๆและขั้นตอนคู่ curtsies และการเปลี่ยนแปลงตำแหน่งของคู่ค้าที่สัมพันธ์กันเป็นระยะ มีการเต้นรำไม่เพียงแต่ในงานเต้นรำเท่านั้น แต่ยังรวมถึงช่วงเริ่มต้นของขบวนแห่หรือพิธีการด้วย

พาเวนของอิตาลีเมื่อเข้าสู่ศาลของประเทศอื่นเปลี่ยนไป มันกลายเป็น "ภาษาถิ่น" การเต้นรำชนิดหนึ่ง ดังนั้นอิทธิพลของสเปนนำไปสู่การเกิดขึ้นของ "ปาวานิลลา" และอิทธิพลของฝรั่งเศสต่อ "ปัสซาเมซโซ" เพลงที่ใช้แสดงสเต็ปต่างๆ ช้า สองจังหวะ เน้นจังหวะและ จุดสำคัญองค์ประกอบ การเต้นรำค่อยๆล้าสมัยไปโดยได้รับการเก็บรักษาไว้ในผลงานทางดนตรี (P. Attenyan, I. Shein, C. Saint-Saens, M. Ravel)

Tarantella: ตัวตนของอารมณ์ชาวอิตาลี

Tarantella เป็นการเต้นรำพื้นบ้านของอิตาลีที่ยังคงอยู่มาจนถึงทุกวันนี้ เขามีความกระตือรือร้นกระตือรือร้นเป็นจังหวะสนุกสนานไม่เหน็ดเหนื่อย การเต้นรำทารันเทลลาของอิตาลีเป็นจุดเด่นของคนในท้องถิ่น ประกอบด้วยการผสมผสานของการกระโดด (รวมถึงด้านข้าง) โดยสลับขาไปข้างหน้าและข้างหลัง ตั้งชื่อตามเมืองทารันโต ยังมีอีกเวอร์ชั่นหนึ่ง พวกเขาบอกว่าคนที่ถูกกัดนั้นเป็นโรค - ทาแรนท์ โรคนี้คล้ายกับโรคพิษสุนัขบ้ามาก ซึ่งพวกเขาพยายามรักษาให้หายขาดด้วยกระบวนการเคลื่อนไหวอย่างรวดเร็วไม่หยุดหย่อน

ดนตรีจะแสดงด้วยจังหวะสามจังหวะง่ายๆ หรือลายเซ็นเวลาที่ซับซ้อน เธอรวดเร็วและสนุกสนาน คุณสมบัติ:

1. การผสมผสานระหว่างเครื่องดนตรีพื้นฐาน (รวมถึงคีย์บอร์ด) เข้ากับเครื่องดนตรีเพิ่มเติมซึ่งอยู่ในมือของนักเต้น (กลองและคาสทาเน็ต)
2. ขาดดนตรีมาตรฐาน
3. การด้นสดของเครื่องดนตรีในจังหวะที่รู้จัก

จังหวะที่มีอยู่ในการเคลื่อนไหวถูกนำมาใช้ในการเรียบเรียงโดย F. Schubert, F. Chopin, F. Mendelssohn, P. Tchaikovsky ทารันเทลลายังคงเป็นการเต้นรำพื้นบ้านที่มีสีสันในปัจจุบัน ซึ่งเป็นพื้นฐานที่ผู้รักชาติทุกคนรู้ และในศตวรรษที่ 21 ก็ยังคงเต้นรำกันอย่างสนุกสนานต่อไป วันหยุดของครอบครัวและงานแต่งงานที่หรูหรา

Pizzaca: การต่อสู้เต้นรำลวง

Pizzica เป็นการเต้นรำแบบอิตาลีที่รวดเร็วซึ่งมีต้นกำเนิดมาจากทารันเทลลา มันกลายเป็นเทรนด์การเต้นรำในนิทานพื้นบ้านของอิตาลีเนื่องจากมีลักษณะที่โดดเด่นของตัวเอง หากทาแรนเทลลาเป็นการเต้นรำมวลชนเป็นหลัก พิซซิกาก็จะกลายเป็นการเต้นรำสำหรับคู่รักโดยเฉพาะ ยิ่งมีชีวิตชีวาและมีพลังมากขึ้น การเคลื่อนไหวของนักเต้นทั้งสองมีลักษณะคล้ายกับการดวลที่คู่แข่งที่ร่าเริงต่อสู้กัน

มักทำโดยผู้หญิงและมีสุภาพบุรุษหลายคนตามลำดับ ในเวลาเดียวกัน ด้วยการแสดงการเคลื่อนไหวที่กระฉับกระเฉง หญิงสาวได้แสดงออกถึงความคิดริเริ่ม ความเป็นอิสระ และความเป็นผู้หญิงที่เข้มแข็งของเธอ ส่งผลให้เธอปฏิเสธพวกเธอแต่ละคน พวกสุภาพบุรุษยอมจำนนต่อแรงกดดัน แสดงความชื่นชมต่อผู้หญิงคนนั้น เป็นรายบุคคล ตัวละครพิเศษลักษณะเฉพาะของพิซซ่า ในทางใดทางหนึ่ง มันบ่งบอกถึงธรรมชาติอันน่าหลงใหลของอิตาลี หลังจากได้รับความนิยมในศตวรรษที่ 18 พิซซ่าก็ยังไม่แพ้ใครจนถึงทุกวันนี้ ยังคงแสดงในงานแสดงสินค้าและงานคาร์นิวัล งานเฉลิมฉลองของครอบครัว ตลอดจนการแสดงละครและบัลเล่ต์

การเกิดขึ้นของสิ่งใหม่นำไปสู่การสร้างดนตรีประกอบที่เหมาะสม “ Pizzacato” ปรากฏขึ้น - วิธีการแสดงเครื่องดนตรีแบบโค้งคำนับ แต่ไม่ใช่ด้วยตัวคันธนู แต่ใช้การถอนนิ้ว เป็นผลให้มีเสียงและท่วงทำนองที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง

การเต้นรำแบบอิตาลีในประวัติศาสตร์ท่าเต้นโลก

การเต้นรำมีต้นกำเนิดมาจากศิลปะพื้นบ้านที่แทรกซึมเข้าไปในห้องบอลรูมของชนชั้นสูง กลายเป็นที่นิยมในสังคม มีความจำเป็นต้องจัดระบบและระบุขั้นตอนเพื่อวัตถุประสงค์ของมือสมัครเล่นและ การฝึกอบรมสายอาชีพ- นักออกแบบท่าเต้นเชิงทฤษฎีคนแรกคือชาวอิตาลี: Domenico da Piacenza (XIV-XV), Guglielmo Embreo, Fabrizio Caroso (XVI) ผลงานเหล่านี้ควบคู่ไปกับการขัดเกลาการเคลื่อนไหวและสไตล์ของผลงานเหล่านี้ ทำหน้าที่เป็นพื้นฐานสำหรับการพัฒนาบัลเล่ต์ทั่วโลก

ในขณะเดียวกัน ต้นกำเนิดของผู้คนในชนบทและในเมืองที่เรียบง่ายร่าเริงร่าเริงกำลังเต้นรำกับ Saltarella หรือ Tarantella นิสัยของชาวอิตาลีมีความกระตือรือร้นและมีชีวิตชีวา ยุคเรอเนซองส์นั้นลึกลับและสง่างาม ลักษณะเหล่านี้เป็นลักษณะการเต้นรำของอิตาลี มรดกของพวกเขาเป็นพื้นฐานสำหรับการพัฒนาศิลปะการเต้นรำในโลกโดยรวม ลักษณะของพวกเขาเป็นการสะท้อนถึงประวัติศาสตร์ อุปนิสัย อารมณ์ และจิตวิทยาของผู้คนตลอดหลายศตวรรษที่ผ่านมา

ตอนนี้เป็นเนื้อหาเกี่ยวกับดนตรีพื้นบ้านของอิตาลี - บทเพลงและการเต้นรำของประเทศนี้ รวมถึงเครื่องดนตรี

ผู้ที่เราคุ้นเคยเรียกว่าชาวอิตาลีเป็นทายาทของวัฒนธรรมของชนชาติใหญ่และเล็กที่อาศัยอยู่มาตั้งแต่สมัยโบราณในภูมิภาคต่าง ๆ ของคาบสมุทร Apennine ชาวกรีกและอิทรุสกัน ตัวเอียง (โรมัน) และกอลได้ทิ้งร่องรอยไว้ในดนตรีพื้นบ้านของอิตาลี

ประวัติศาสตร์สำคัญและธรรมชาติอันเขียวชอุ่ม งานเกษตรกรรม และงานรื่นเริงที่สนุกสนาน ความจริงใจและอารมณ์ ภาษาที่สวยงามและรสนิยมทางดนตรี จุดเริ่มต้นอันไพเราะและจังหวะที่หลากหลาย วัฒนธรรมการร้องเพลงชั้นสูงและความเชี่ยวชาญของวงดนตรีบรรเลง - ทั้งหมดนี้แสดงออกมาในดนตรีของชาวอิตาลี และทั้งหมดนี้ชนะใจผู้คนนอกคาบสมุทร

เพลงพื้นบ้านของอิตาลี

อย่างที่พวกเขาพูดกันว่ามีอารมณ์ขันในทุกเรื่องตลก: คำพูดที่น่าขันของชาวอิตาลีเกี่ยวกับตัวเองในฐานะผู้เชี่ยวชาญด้านการแต่งเพลงและร้องเพลงได้รับการยืนยันจากชื่อเสียงระดับโลกของพวกเขา ดังนั้นดนตรีพื้นบ้านของอิตาลีจึงแสดงด้วยเพลงเป็นหลัก แน่นอนว่าเรารู้เพียงเล็กน้อยเกี่ยวกับวัฒนธรรมการร้องเพลงปากเปล่า เนื่องจากตัวอย่างแรกๆ ของเพลงนี้ถูกบันทึกไว้ในช่วงปลายยุคกลาง

การเกิดขึ้นของเพลงพื้นบ้านของอิตาลีใน ต้นศตวรรษที่สิบสามศตวรรษมีความเกี่ยวข้องกับการเปลี่ยนผ่านสู่ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา จากนั้นความสนใจในชีวิตทางโลกก็ปรากฏขึ้น ในช่วงวันหยุด ชาวเมืองสนุกกับการฟังนักดนตรีและนักเล่นกลที่ร้องเพลงเกี่ยวกับความรักและเล่าเรื่องราวครอบครัวและชีวิตประจำวัน และผู้อยู่อาศัยในหมู่บ้านและเมืองต่าง ๆ ก็ไม่รังเกียจที่จะร้องเพลงและเต้นรำเป็นเพลงธรรมดา ๆ

ต่อมาได้มีแนวเพลงหลักเกิดขึ้น ฟรอตโตลา(แปลว่า “เพลงพื้นบ้าน นิยาย”) เป็นที่รู้จักทางตอนเหนือของอิตาลีตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 15 นี่คือเพลงโคลงสั้น ๆ สำหรับเสียง 3-4 เสียงที่มีองค์ประกอบของพฤกษ์เลียนแบบและสำเนียงเมตริกที่สดใส

เมื่อถึงศตวรรษที่ 16 มันก็เบาเต้นได้พร้อมทำนองในสามเสียง วิลล่าเนล(แปลว่า "เพลงหมู่บ้าน") แพร่หลายไปทั่วอิตาลี แต่แต่ละเมืองเรียกมันแตกต่างกัน: Veneziana, Neapoletana, Padovana, Romana, Toscanella และอื่นๆ

เธอถูกแทนที่ด้วย แคนโซเนตตา(แปลว่า "เพลง") เป็นเพลงเล็ก ๆ ที่แสดงด้วยเสียงหนึ่งหรือหลายเสียง เธอคือผู้ที่กลายเป็นบรรพบุรุษแห่งอนาคต ประเภทที่มีชื่อเสียงอาเรียส และความสามารถในการเต้นของวิลลาเนลก็ขยับเข้าสู่แนวเพลง บัลเลต์โต, – เพลงที่มีองค์ประกอบและตัวละครเบากว่าเหมาะสำหรับการเต้น

แนวเพลงพื้นบ้านอิตาลีที่เป็นที่รู้จักมากที่สุดในปัจจุบันคือ เพลงเนเปิลส์ (แคว้นกัมปาเนียทางตอนใต้ของอิตาลี) ทำนองเพลงที่ร่าเริงหรือเศร้ามาพร้อมกับพิณกีตาร์หรือพิตเนเปิลส์ ใครไม่เคยได้ยินเพลงรักบ้าง? “โอ้ โซล มิโอะ”หรือเพลงสรรเสริญแห่งชีวิต "ซานตาลูเซีย"หรือเพลงสรรเสริญรถกระเช้า “ฟูนิคูลิ ฟูนิคูลา”ซึ่งพาคู่รักขึ้นไปบนยอดภูเขาไฟวิสุเวียส? ความเรียบง่ายของพวกเขาชัดเจนเท่านั้น: เมื่อแสดง ไม่เพียงแต่ระดับทักษะของนักร้องจะถูกเปิดเผย แต่ยังรวมถึงความมีชีวิตชีวาของจิตวิญญาณของเขาด้วย

ยุคทองของประเภทนี้เริ่มต้นขึ้นในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 และวันนี้ในเนเปิลส์ เมืองหลวงแห่งดนตรีของอิตาลี มีการจัดการแข่งขันเทศกาลเพลงเนื้อเพลง Piedigrotta (Festa di Piedigrotta)

อื่น แบรนด์ที่เป็นที่รู้จักอยู่ในภาคเหนือของเวเนโต เวนิส เพลงบนน้ำหรือ บาร์คาโรล(barca แปลว่า "เรือ") ดำเนินการอย่างสบายๆ 6/8 และเนื้อสัมผัสของดนตรีประกอบมักจะสื่อถึงการแกว่งไปมาบนคลื่น และการแสดงทำนองอันไพเราะก็สะท้อนผ่านเสียงพายที่ลงสู่น้ำได้อย่างง่ายดาย

การเต้นรำพื้นบ้านของอิตาลี

วัฒนธรรมการเต้นรำของอิตาลีพัฒนาขึ้นในรูปแบบต่างๆ ในชีวิตประจำวัน การเต้นรำตามฉาก และ มอสกี(โมริสโก). ชาวอาหรับเต้นรำ Moresques (ซึ่งถูกเรียกอย่างนั้น - แปลคำว่า "ทุ่งน้อย") ซึ่งเปลี่ยนมานับถือศาสนาคริสต์และตั้งรกรากอยู่ใน Apennines หลังจากถูกเนรเทศออกจากสเปน การเต้นรำแบบมีฉากเป็นการเต้นรำที่จัดขึ้นเป็นพิเศษสำหรับวันหยุด และประเภทที่พบบ่อยที่สุดคือการเต้นรำในชีวิตประจำวันหรือทางสังคม

ต้นกำเนิดของแนวเพลงมีมาตั้งแต่ยุคกลาง และการออกแบบมีขึ้นตั้งแต่ศตวรรษที่ 15 ซึ่งเป็นจุดเริ่มต้นของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ยุคนี้นำความสง่างามและความสง่างามมาสู่การเต้นรำพื้นบ้านของอิตาลีที่สนุกสนานและสนุกสนาน การเคลื่อนไหวที่รวดเร็วเรียบง่ายและเป็นจังหวะโดยเปลี่ยนเป็นการกระโดดแบบเบา ๆ ยกจากเท้าเต็มจรดปลายเท้า (ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของการพัฒนาทางจิตวิญญาณจากทางโลกสู่สวรรค์) ลักษณะที่ร่าเริงของดนตรีประกอบ - สิ่งเหล่านี้คือ คุณสมบัติลักษณะการเต้นรำเหล่านี้

ร่าเริงมีพลัง คนเก่งแสดงโดยคู่หรือนักเต้นแต่ละคน คำศัพท์การเต้นรำประกอบด้วยการเคลื่อนไหวห้าขั้นตอนพื้นฐาน การกระโดดและการกระโดดหลายครั้ง เมื่อเวลาผ่านไป จังหวะการเต้นก็ช้าลง

การเต้นรำที่ใกล้ชิดกับ Galliard อีกอย่างหนึ่งคือ ซัลตาเรลลา– เกิดในภาคกลางของอิตาลี (แคว้นอาบรุซโซ, โมลีเซ และลาซิโอ) ชื่อของมันถูกตั้งโดยคำกริยา saltare - "to jump" การเต้นรำของคู่นี้มาพร้อมกับดนตรีในเวลา 6/8 จัดแสดงในวันหยุดอันงดงาม - งานแต่งงานหรือหลังสิ้นสุดการเก็บเกี่ยว คำศัพท์ของการเต้นรำประกอบด้วยชุดของขั้นตอนคู่และคันธนูพร้อมการเปลี่ยนเป็นจังหวะ มีการเต้นรำในงานคาร์นิวัลสมัยใหม่

บ้านของการเต้นรำโบราณอีกแห่งหนึ่ง เบอร์กามาสก้า(bargamasca) ตั้งอยู่ในเมืองและจังหวัดแบร์กาโม (แคว้นลอมบาร์ดี ภาคเหนือของอิตาลี) การเต้นรำของชาวนานี้เป็นที่ชื่นชอบของชาวเยอรมนี ฝรั่งเศส และอังกฤษ เพลงที่ร่าเริงมีชีวิตชีวาและเป็นจังหวะด้วยมิเตอร์สี่เท่าและการเคลื่อนไหวที่กระฉับกระเฉงทำให้ผู้คนทุกชนชั้นหลงใหล การเต้นรำได้รับการกล่าวถึงโดย W. Shakespeare ในภาพยนตร์ตลกเรื่อง A Midsummer Night's Dream

ทารันเทลลา- การเต้นรำพื้นบ้านที่มีชื่อเสียงที่สุด พวกเขาชื่นชอบสิ่งนี้เป็นพิเศษในภูมิภาคทางตอนใต้ของอิตาลีอย่างคาลาเบรียและซิซิลี และชื่อนี้ได้มาจากเมืองทารันโต (แคว้นอาปูเลีย) เมืองนี้ยังตั้งชื่อให้กับแมงมุมพิษ - ทารันทูล่าจากผลที่ตามมาจากการที่การประหารชีวิตอันยาวนานและเหน็ดเหนื่อยของทาแรนเทลลาถูกกล่าวหาว่าช่วยชีวิตพวกมันได้

ลวดลายการบรรเลงซ้ำ ๆ ง่าย ๆ บนแฝดสามธรรมชาติที่มีชีวิตชีวาของดนตรีและรูปแบบการเคลื่อนไหวพิเศษที่เปลี่ยนทิศทางอย่างรวดเร็วทำให้การเต้นรำนี้โดดเด่นโดยแสดงเป็นคู่น้อยกว่า - เดี่ยว ความหลงใหลในการเต้นรำเอาชนะการข่มเหง: พระคาร์ดินัลบาร์เบรินีอนุญาตให้แสดงที่ศาล

การเต้นรำพื้นบ้านบางส่วนพิชิตทั่วยุโรปอย่างรวดเร็วและยังมาถึงราชสำนักของกษัตริย์ยุโรปด้วยซ้ำ ตัวอย่างเช่น Galliard ได้รับความชื่นชมจากผู้ปกครองแห่งอังกฤษ Elizabeth I และตลอดชีวิตของเธอเธอก็เต้นรำเพื่อความสุขของเธอ และแบร์กามาสกาก็ยกระดับจิตวิญญาณของพระเจ้าหลุยส์ที่ 13 และข้าราชบริพารของเขา

แนวเพลงและท่วงทำนองของการเต้นรำหลาย ๆ เพลงยังคงดำเนินต่อไปในดนตรีบรรเลง

เครื่องดนตรี

สำหรับการบรรเลงพวกเขาใช้ปี่, ไปป์, ฮาร์โมนิก้าและฮาร์โมนิก้าธรรมดา, เครื่องสายที่ดึงออกมา - กีตาร์, ไวโอลินและแมนโดลิน

ตามหลักฐานที่เป็นลายลักษณ์อักษร มีการกล่าวถึงแมนโดลามาตั้งแต่ศตวรรษที่ 12 บางทีอาจทำขึ้นเพื่อใช้เป็นพิณแบบเรียบง่ายกว่า (จากภาษากรีกแปลว่า "พิตเล็ก") มันถูกเรียกว่าแมนโดรา” “แมนโดล” “แพนดูรินา” “แบนดูรินา” และแมนโดลาตัวเล็กเรียกว่าแมนโดลิน เครื่องดนตรีที่มีลำตัวทรงรีนี้มีสายลวดคู่สี่สายที่ปรับจูนพร้อมกันแทนที่จะเป็นอ็อกเทฟ

ไวโอลินเป็นหนึ่งในเครื่องดนตรีพื้นบ้านของอิตาลี กลายเป็นหนึ่งในเครื่องดนตรีที่ได้รับความนิยมมากที่สุด และได้รับการปรุงแต่งจนสมบูรณ์แบบโดยปรมาจารย์ชาวอิตาลีจากตระกูล Amati, Guarneri และ Stradivari ในช่วงไตรมาสที่ 17 - ไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 18

ในศตวรรษที่ 17 ศิลปินเร่ร่อนเพื่อไม่ให้รบกวนการเล่นดนตรีจึงเริ่มใช้ออร์แกนถังซึ่งเป็นเครื่องดนตรีประเภทลมกลที่ผลิตเสียง 6-8 ที่บันทึกไว้ ผลงานที่ชื่นชอบ- ที่เหลือก็แค่หมุนที่จับแล้วขนย้ายหรือถือไปตามถนน ในขั้นต้น ออร์แกนถังถูกคิดค้นโดยชาวอิตาลี Barbieri เพื่อฝึกขับขาน แต่เมื่อเวลาผ่านไปก็เริ่มเป็นที่พอใจของชาวเมืองนอกอิตาลี

นักเต้นมักจะช่วยตัวเองในการตีจังหวะที่ชัดเจนของทารันเทลลาด้วยความช่วยเหลือของแทมบูรีนซึ่งเป็นแทมบูรีนชนิดหนึ่งที่มาถึง Apennines จากโพรวองซ์ บ่อยครั้งที่นักแสดงใช้ขลุ่ยร่วมกับแทมบูรีน

แนวเพลงดังกล่าวตลอดจนความหลากหลายทางดนตรี ความสามารถ และความมั่งคั่งทางดนตรีของชาวอิตาลีไม่เพียงทำให้วงการวิชาการ โดยเฉพาะโอเปร่าและเพลงป็อปมีเพิ่มขึ้นในอิตาลีเท่านั้น แต่ยังถูกยืมโดยนักแต่งเพลงจากประเทศอื่น ๆ อีกด้วย

การประเมินศิลปะพื้นบ้านที่ดีที่สุดมอบให้โดยนักแต่งเพลงชาวรัสเซีย M.I. กลินกาซึ่งเคยกล่าวไว้ว่าผู้สร้างดนตรีที่แท้จริงคือผู้คน และผู้แต่งรับบทเป็นผู้เรียบเรียง

แมนโดลินเป็นเครื่องดนตรีเครื่องสายที่ดึงออกมา ลักษณะของมันมีอายุย้อนไปถึงศตวรรษที่ 16 และบ้านเกิดของมันก็คืออิตาลีที่เต็มไปด้วยสีสัน แมนโดลินเป็นเครื่องดนตรีที่มีรูปร่างหน้าตาคล้ายกับพิตมาก เนื่องจากมีรูปทรงคล้ายลูกแพร์ด้วย มันแตกต่างจากพิตตรงที่มีสายน้อยกว่าและมีคอสั้นกว่า

โดยพื้นฐานแล้ว แมนโดลินจะมีสายคู่กันสี่สายเสมอ (รู้จักกันในชื่อเนเปิลส์แมนโดลิน) และพิตจะมีสายตั้งแต่หกสายขึ้นไป ขึ้นอยู่กับยุคสมัย นอกจากแมนโดลินประเภทนี้แล้ว ยังมีการรู้จักประเภทอื่น ๆ อีก:

• ซิซิลี - มีก้นแบนและสี่สายสามสาย
• Milanese - มีหกสาย ปรับเสียงอ็อกเทฟให้สูงกว่ากีตาร์
• Genoese – แมนโดลินห้าสาย;
• ฟลอเรนซ์.

วิธีการเล่นแมนโดลิน

โดยปกติแล้ว แมนโดลินจะเล่นโดยใช้ปิ๊ก หรือถ้าให้เจาะจงกว่านั้นคือปิ๊ก แม้ว่ามันจะเกิดขึ้นที่พวกเขาเล่นด้วยมือก็ตาม เสียงของพิณมีเอกลักษณ์เฉพาะตัว - การทำซ้ำของเสียง (ลูกคอ) อย่างรวดเร็วและซ้ำ ๆ นั้นอธิบายได้จากข้อเท็จจริงที่ว่าเมื่อคุณสัมผัสสายเสียงจะสลายไปอย่างรวดเร็วนั่นคือมันจะสั้น ด้วยเหตุนี้ เพื่อยืดเสียงให้ยาวขึ้นและได้โน้ตที่ยาวตามที่ควรจะเป็น จึงมีการใช้เครื่องสั่น

แมนโดลินกลายเป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวางนอกประเทศอิตาลีหนึ่งศตวรรษหลังจากต้นกำเนิด เครื่องดนตรีนี้ได้รับความนิยมอย่างมากและได้รับสถานะเป็นเครื่องดนตรีพื้นบ้านอย่างรวดเร็ว มันยังคงเดินไปรอบโลกและมีรากฐานมาจากวัฒนธรรมสมัยใหม่มากขึ้นเรื่อยๆ

เป็นที่ทราบกันดีว่านักแต่งเพลงชื่อดังอย่างโมสาร์ทใช้แมนโดลินในการขับร้องในโอเปร่าเรื่อง Don Giovanni

นอกจากนี้ วงดนตรี นักแต่งเพลง และนักร้องในปัจจุบันจำนวนมากใช้เครื่องดนตรีนี้เพื่อเพิ่ม "ความสนุก" ให้กับดนตรีของพวกเขา สู่การเรียบเรียงของคุณ

ด้วยความช่วยเหลือของแมนโดลิน คุณสามารถเล่นและเล่นโซโลได้อย่างสมบูรณ์แบบ ตัวอย่างเช่น รู้จักวงออร์เคสตราของชาวเนเปิลส์ ซึ่งเป็นเสียงที่ผสานจากแมนโดลินหลายตัว ขนาดที่แตกต่างกัน- แมนโดลินยังใช้ในวงดุริยางค์ซิมโฟนีและโอเปร่าอีกด้วย นอกจากแบนโจแล้ว แมนโดลินยังใช้ในดนตรีบลูแกรสส์อเมริกันและดนตรีพื้นบ้านอีกด้วย

ดังที่ได้กล่าวไปแล้ว แมนโดลินเป็นเครื่องดนตรีที่แปลกมากและเป็นที่ชื่นชอบของหลาย ๆ คนอย่างแน่นอนเพราะไพ่เด็ดของมันคือลูกคอซึ่งบางทีอาจไม่สามารถพบได้ในเครื่องดนตรีอื่น ๆ

แมนโดลินเป็นเครื่องดนตรีที่ได้รับความนิยมมากที่สุดชนิดหนึ่งในหมวดเครื่องดนตรีพื้นบ้าน บางทีเครื่องดนตรีเพียงไม่กี่ชิ้นก็สามารถอวดความนิยมได้ แต่ดั้งเดิมแล้วแมนโดลินถือเป็นเครื่องดนตรีพื้นบ้าน แม้ว่านักประพันธ์เพลงหลายคนจะใช้มันในงานของพวกเขา ทำให้พวกเขามีเสน่ห์และมีเอกลักษณ์พิเศษ แม้ว่าแมนโดลินมักใช้ในวงออเคสตรา แต่ก็ฟังดูดีในฐานะที่เป็นดนตรีอิสระ มีการจัดแสดง Etude และผลงานต่างๆ มากมาย พร้อมด้วยเครื่องดนตรีอื่นๆ

แมนโดลินมีชื่อเสียงที่ไหนอีก?

ค่อนข้างเร็ว แมนโดลินอพยพจากอิตาลีไปยังทางตอนเหนือของสหรัฐอเมริกา และกลายมาเป็นที่ยึดหลักในดนตรีท้องถิ่น ในยุโรปเครื่องดนตรีนี้เอาชนะชาวสแกนดิเนเวียซึ่งทำให้แมนโดลินมีเสียงที่เคร่งครัดเป็นพิเศษ

แมนโดลินมีอุปกรณ์ที่เกี่ยวข้องกัน เหล่านี้คือแมนโดลา บูซูกิ และแมนโดลินอ็อกเทฟ ความสามัคคีของร็อกแอนด์โรลสมัยใหม่มีความคล้ายคลึงกับแมนโดลินเดียวกันมาก

เป็นที่ทราบกันดีว่าสมาชิกของ Led Zeppelin ชอบเสียงพิณมากและใช้มันในทำนองของพวกเขา แม้แต่จิมมี่ เพจ ซึ่งเป็นสมาชิกของวง ก็ยังเสริมแมนโดลินด้วยแมนโดลาและคอกีตาร์ Paul McCartney ชอบเครื่องดนตรีที่ซับซ้อนนี้เช่นกัน

นอกจากเสียงที่ยอดเยี่ยมแล้ว แมนโดลินยังมีข้อดีที่ไม่อาจปฏิเสธได้อีกหลายประการ:

• โครงสร้างที่กลมกลืนกัน
• ความกะทัดรัด;
• ใช้ร่วมกับแมนโดลินอื่นหรือเครื่องดนตรีอื่น ๆ โดยสิ้นเชิง - กีตาร์ เครื่องบันทึก

การปรับจูนแมนโดลินค่อนข้างชวนให้นึกถึงการปรับจูนไวโอลิน:

• สายคู่แรกถูกปรับไปที่ E ของอ็อกเทฟที่ 2;
• คู่ที่สองอยู่ใน A ของอ็อกเทฟที่ 1
• D อ็อกเทฟที่ 1;
• สายคู่ที่สี่คือ G ของอ็อกเทฟเล็ก

ความนิยมของแมนโดลินมีเพิ่มมากขึ้นเรื่อยๆ เช่น สมาชิกกลุ่ม “อาเรีย” วาดิมีร์ โคลสตินิน การประพันธ์ดนตรี"สวรรค์ที่หายไป" ใช้แมนโดลิน นอกจากนี้ยังใช้ในโอเปร่าเมทัลของกลุ่ม Epidemic (เพลง "Walk Your Path") และใน Sergei Mavrin ("Makadash")

และเพลงดัง “Loosing my ศาสนา” โดย R.E.M. ด้วยเสียงอันเป็นเอกลักษณ์ของพิณ? ดูเหมือนว่าเธอจะเป็นที่รู้จักในเกือบทุกประเทศทั่วโลก

แมนโดลินเป็นเครื่องดนตรีที่ค่อนข้างลึกลับ ความลับสู่ความสำเร็จของเธอยังไม่ได้รับการเปิดเผยอย่างสมบูรณ์ แม้ว่าจะผ่านไปกว่าสี่ร้อยปีแล้วนับตั้งแต่ปรากฏตัว แต่ก็ไม่สูญเสียความนิยมอย่างแน่นอน แต่ในทางกลับกันกลับมีแฟน ๆ เพิ่มมากขึ้นเรื่อย ๆ ในยุคปัจจุบัน มีการใช้คำนี้บ่อยขึ้นเรื่อยๆ ในแนวดนตรีที่หลากหลาย

เป็นเรื่องที่น่าทึ่งมากที่แมนโดลินสามารถเข้ากับองค์ประกอบต่างๆ ได้อย่างลงตัว เน้นหรือเน้นเสียงของเครื่องดนตรีเกือบทุกชนิด เมื่อได้ยินเสียงของหลายสิ่งนี้ เครื่องมือวิเศษราวกับว่าคุณกำลังดำดิ่งสู่ยุคโบราณของอัศวินผู้กล้าหาญ สุภาพสตรีที่น่ารัก และราชาผู้ภาคภูมิใจ

วิดีโอ: เสียงแมนโดลินเป็นอย่างไร

ต้นกำเนิดของดนตรีอิตาลีย้อนกลับไป วัฒนธรรมดนตรีโรมโบราณ (ดู ดนตรีโรมันโบราณ) ดนตรีเล่นสิ่งมีชีวิต บทบาทในสังคมรัฐ ชีวิตของจักรวรรดิโรมันในชีวิตประจำวันต่างๆ ชั้นของประชากร ดนตรีมีความหลากหลายและหลากหลาย เครื่องมือ ตัวอย่างดนตรีโรมันโบราณยังมาไม่ถึงเรา แต่ถึงตอนนี้ องค์ประกอบของมันรอดมาได้ในยุคกลาง พระคริสต์ เพลงสวดและเพลงพื้นบ้าน ดนตรี ประเพณี ในศตวรรษที่ 4 เมื่อศาสนาคริสต์ถูกประกาศให้เป็นรัฐ ศาสนา โรมและไบแซนเทียมได้กลายเป็นหนึ่งในศูนย์กลางของการพัฒนาพิธีกรรม ร้องเพลงก่อน พื้นฐานคือเพลงสดุดีซึ่งมีต้นกำเนิดในซีเรียและปาเลสไตน์ อาร์ชบิชอปแอมโบรสชาวมิลานได้รวมการฝึกร้องเพลงสวดแบบต่อต้านเสียงร้อง (ดู Antiphon) เข้าด้วยกัน ทำให้ทำนองใกล้เคียงกับการบรรยายมากขึ้น ต้นกำเนิด ประเพณีคริสเตียนตะวันตกแบบพิเศษเกี่ยวข้องกับชื่อของเขา คริสตจักร ร้องเพลง เรียกว่า Ambrosian (ดู การร้องเพลง Ambrosian) ในการต่อต้าน ในศตวรรษที่ 6 ภายใต้สมเด็จพระสันตะปาปาเกรกอรีที่ 1 รูปแบบอันแข็งแกร่งของพระคริสต์ได้รับการพัฒนา พิธีสวดและดนตรีได้รับคำสั่ง ด้านข้าง. นักร้องสร้างขึ้นในเวลาเดียวกันในกรุงโรม โรงเรียน (“schola cantorum”) กลายเป็นสถาบันสำหรับการร้องเพลงในโบสถ์ คดีความและผู้บัญญัติกฎหมายที่สูงขึ้น ผู้มีอำนาจในพื้นที่นี้ Gregory ฉันได้รับเครดิตในการรวมและแก้ไขหลักการพื้นฐาน บทสวดพิธีกรรม อย่างไรก็ตามการวิจัยในเวลาต่อมาได้พิสูจน์แล้วว่าไพเราะ สไตล์และรูปแบบของสิ่งที่เรียกว่า ในที่สุดบทสวดเกรกอเรียนก็เกิดขึ้นในศตวรรษที่ 8-9 เท่านั้น โรมันคาทอลิก. คริสตจักรที่มุ่งมั่นเพื่อความสม่ำเสมอในการนมัสการได้เผยแพร่ monogols รูปแบบนี้ คอรัส ร้องเพลงท่ามกลางทุกชาติที่กลับใจใหม่สู่พระคริสต์ ศรัทธา. กระบวนการนี้เสร็จสมบูรณ์ในตอนท้าย คริสต์ศตวรรษที่ 11 เมื่อมีพิธีสวดเกรกอเรียนพร้อมบทสวดที่สอดคล้องกัน กฎระเบียบที่จัดตั้งขึ้นในประเทศตะวันออกกลางและตะวันตก และยูจ ยุโรป. ในเวลาเดียวกันการพัฒนาเพิ่มเติมของบทสวดเกรโกเรียนซึ่งถูกแช่แข็งจนไม่เปลี่ยนรูปก็หยุดลงเช่นกัน แบบฟอร์ม

จากจุดสิ้นสุด คริสต์สหัสวรรษที่ 1 อันเป็นผลมาจากศัตรูรุกรานดินแดนอิตาลีบ่อยครั้ง เช่นเดียวกับการกดขี่พระสันตะปาปาที่เพิ่มขึ้น ซึ่งขัดขวางการแสดงออกอย่างอิสระของความคิดสร้างสรรค์ ความคิดริเริ่มใน I. m. มีมาเป็นเวลานาน ความเมื่อยล้าก็หยุดมีบทบาทที่เห็นได้ชัดเจนในดนตรีทั่วไป การพัฒนาของยุโรป ประเทศ การเปลี่ยนแปลงที่สำคัญที่สุดที่เกิดขึ้นในยุโรป ดนตรีในช่วงเปลี่ยนผ่านของสหัสวรรษที่ 1 และ 2 มักสะท้อนให้เห็นอย่างช้าๆ ในดนตรีประวัติศาสตร์ ในขณะที่นักวิชาการ-นักดนตรีแห่งตะวันตก และทิศตะวันตกเฉียงเหนือ ยุโรปแล้วในศตวรรษที่ 9 ให้เหตุผล แบบฟอร์มในช่วงต้นพฤกษ์ซึ่งเป็นภาษาอิตาลีที่โดดเด่นที่สุด ดนตรี นักทฤษฎียุคกลาง Guido d'Arezzo (ศตวรรษที่ 11) ให้ความสนใจหลักกับบทสวดเกรโกเรียนแบบหัวเดียว โดยเน้นที่ออร์แกนัสเพียงช่วงสั้น ๆ เท่านั้น ในศตวรรษที่ 12 การร้องเพลงแบบโพลีโฟนิกได้เข้าสู่พิธีกรรมของโบสถ์อิตาลีบางแห่ง แต่มีน้อยคนที่รู้จัก ตัวอย่างไม่ได้บ่งบอกถึงการมีส่วนร่วมอย่างเป็นอิสระของอิตาลีในการพัฒนาแนวโพลีโฟนิกในยุคนั้น การรับรู้โลกที่เสรีและตรงไปตรงมามากขึ้นในช่วงเวลาที่อำนาจของระบบศักดินาอ่อนแอลงและการก่อตัวของความสัมพันธ์แบบทุนนิยมในยุคแรก ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้นสอดคล้องกับคำจำกัดความของ Ars Nova ที่เป็นที่ยอมรับในประวัติศาสตร์ดนตรี ขั้นพื้นฐาน ศูนย์กลางของขบวนการนี้คือเมืองศูนย์กลาง และเจ็ด อิตาลี - ฟลอเรนซ์, เวนิส, ปาดัว - มีความก้าวหน้าในด้านระบบสังคมและวัฒนธรรมมากกว่าทางใต้ ภูมิภาคที่ความสัมพันธ์ศักดินายังคงรักษาไว้อย่างมั่นคง เมืองเหล่านี้ดึงดูดนักแต่งเพลงและนักดนตรีที่มีความสามารถมากที่สุด แนวเพลงใหม่และเทรนด์โวหารเกิดขึ้นที่นี่

ความปรารถนาที่จะแสดงออกมากขึ้นแสดงออกมาในเนื้อเพลง เพลงสวดเกี่ยวกับศาสนาที่ตีความอย่างอิสระ เนื้อหาคือเพลงเลาดา ซึ่งร้องในชีวิตประจำวันและในศาสนา ขบวนแห่ ตอนจบแล้ว. ศตวรรษที่ 12 "ภราดรภาพผู้โง่เขลา" เกิดขึ้น จำนวนเพิ่มขึ้นในศตวรรษที่ 13 และโดยเฉพาะศตวรรษที่ 14 Laudas ได้รับการปลูกฝังในหมู่พระภิกษุของคณะฟรานซิสกันซึ่งต่อต้านเจ้าหน้าที่ คริสตจักรโรมัน บางครั้งพวกเขาก็สะท้อนถึงแรงจูงใจของการประท้วงทางสังคม ทำนองเพลงสรรเสริญมีความเกี่ยวข้องกับนาร์ ต้นกำเนิดจังหวะก็ต่างกัน ความชัดเจน, ความชัดเจนของโครงสร้าง, สีหลักที่โดดเด่น บางคนมีนิสัยใกล้ชิดกับการเต้น เพลง

ในฟลอเรนซ์ รูปหลายเหลี่ยมฆราวาสแนวใหม่เกิดขึ้น กระทะ ดนตรีสำหรับการแสดงสมัครเล่นที่บ้าน: มาดริกัล, คาเซีย, บัลลาตา มันเป็น 2- หรือ 3 ประตู สโตรฟิค เพลงที่มีความไพเราะอันดับหนึ่ง เสียงบนซึ่งโดดเด่นด้วยจังหวะ ความคล่องตัว ทางเดินหลากสีสันมากมาย Madrigal - ชนชั้นสูง ประเภทที่โดดเด่นด้วยความซับซ้อนของบทกวีและดนตรี อาคาร. มันถูกครอบงำด้วยความเร้าอารมณ์ที่ละเอียดอ่อน ธีมยังรวบรวมเสียดสี แรงจูงใจซึ่งบางครั้งก็ถูกตั้งข้อหาทางการเมือง เนื้อหาของ Caccia ในตอนแรกประกอบด้วยรูปภาพการล่าสัตว์ (เพราะฉะนั้นชื่อตัวเอง: Caccia - การล่าสัตว์) แต่จากนั้นธีมของมันก็ขยายและครอบคลุมฉากประเภทต่างๆ แนวเพลงฆราวาสที่ได้รับความนิยมมากที่สุดของ Ars nova คือ ballata (เพลงเต้นรำที่มีเนื้อหาคล้ายกับมาดริกัล)

การพัฒนาอย่างแพร่หลายในอิตาลีศตวรรษที่ 14 รับคำแนะนำ ดนตรี. ขั้นพื้นฐาน เครื่องดนตรีในสมัยนั้นได้แก่ พิณ พิณ ฟิเดล ฟลุต โอโบ ทรัมเป็ต และอวัยวะต่างๆ ประเภท (เชิงบวก แบบพกพา) ใช้ในการร้องเพลงและเล่นเดี่ยวหรือวงดนตรี

การเพิ่มขึ้นของอิตาลี อาสโนวาเกิดในช่วงกลาง ศตวรรษที่ 14 ในยุค 40 ความคิดสร้างสรรค์เผยออกมา กิจกรรมของปรมาจารย์ที่โดดเด่นที่สุด - Giovanni จากฟลอเรนซ์และ Jacopo จาก Bologna นักเล่นออร์แกนและนักแต่งเพลงที่เก่งกาจตาบอดมีชื่อเสียงเป็นพิเศษ F. Landino เป็นบุคคลที่มีความสามารถหลากหลาย กวี นักดนตรี และนักวิทยาศาสตร์ ซึ่งได้รับการนับถือในแวดวงชาวอิตาลี นักมานุษยวิทยา ในงานของเขา ความเชื่อมโยงกับผู้คนเพิ่มมากขึ้น ต้นกำเนิด ท่วงทำนองได้รับอิสระในการแสดงออกมากขึ้น บางครั้งมีความซับซ้อน ความสง่างาม และจังหวะ ความหลากหลาย.

ในยุคนั้น ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง(ศตวรรษที่ 16) I. m. เป็นผู้นำในหมู่ชาวยุโรป ดนตรี พืชผล ในบรรยากาศแห่งการตื่นตัวของศิลปะทั่วไป วัฒนธรรม การทำดนตรีมีการพัฒนาอย่างเข้มข้นในด้านต่างๆ ชั้นของสังคม มีศูนย์กลางอยู่ร่วมกับโบสถ์ โบสถ์แห่งงานฝีมือ สมาคมกิลด์กลุ่มผู้รักวรรณกรรมและศิลปะผู้รู้แจ้งซึ่งบางครั้งก็เรียกตัวเองตามสมัยโบราณ เป็นแบบอย่างตามสถาบันการศึกษา ในพหูพจน์ โรงเรียนถูกสร้างขึ้นในเมืองต่างๆ ที่มีส่วนทำให้เกิดอิสรภาพ สนับสนุนการพัฒนาศิลปะประวัติศาสตร์ โรงเรียนที่ใหญ่ที่สุดและมีอิทธิพลมากที่สุดคือโรงเรียนโรมันและเวนิส ในใจกลางของศาสนาคริสต์นิกายโรมันคาทอลิก - โรม รูปแบบศิลปะใหม่ๆ ที่ถูกทำให้มีชีวิตชีวาโดยขบวนการเรอเนซองส์มักเผชิญกับการต่อต้านจากคริสตจักร เจ้าหน้าที่. แต่ถึงแม้จะมีข้อห้ามและการบอกเลิกตลอดศตวรรษที่ 15 ในนิกายโรมันคาทอลิก หลายเป้าหมายได้รับการสถาปนาอย่างมั่นคงในการนมัสการ ร้องเพลง สิ่งนี้ได้รับการอำนวยความสะดวกโดยกิจกรรมของตัวแทนของโรงเรียน Franco-Flemish G. Dufay, Josquin Despres และนักแต่งเพลงคนอื่น ๆ ซึ่งรับใช้ในโบสถ์ของสมเด็จพระสันตะปาปาหลายครั้ง ใน โบสถ์ซิสทีน(ก่อตั้งเมื่อปี ค.ศ. 1473) และคณะนักร้องประสานเสียง โบสถ์ของอาสนวิหารเซนต์. เปโตร อาจารย์ที่ดีที่สุดของคริสตจักรเข้มข้น ร้องเพลงไม่เพียงแต่จากอิตาลีเท่านั้น แต่ยังมาจากประเทศอื่นๆ ด้วย ประเด็นคริสตจักร การร้องเพลงได้รับความสนใจเป็นพิเศษ ความสนใจในสภาเทรนต์ (1545-63) ซึ่งการตัดสินใจประณามความหลงใหลในโพลีโฟนิก "เป็นรูปเป็นร่าง" มากเกินไป ดนตรีทำให้ยากต่อการเข้าใจ "ถ้อยคำศักดิ์สิทธิ์" และเรียกร้องความเรียบง่ายและความชัดเจน ห้ามนำท่วงทำนองฆราวาสเข้ามาในพิธีกรรม ดนตรี. แต่ขัดกับความปรารถนาของคริสตจักร เจ้าหน้าที่เพื่อขับไล่นวัตกรรมทั้งหมดจากการร้องเพลงลัทธิและหากเป็นไปได้ให้กลับคืนสู่ประเพณีของการร้องเพลงเกรกอเรียนผู้แต่งของโรงเรียนโรมันได้สร้างพหูพจน์ที่พัฒนาอย่างมาก ศิลปะที่ความสำเร็จที่ดีที่สุดของพฤกษ์พฤกษ์ฝรั่งเศส-เฟลมิชถูกนำมาใช้และตีความใหม่ด้วยจิตวิญญาณของสุนทรียศาสตร์ยุคเรอเนซองส์ ในการผลิต นักแต่งเพลงของโรงเรียนนี้เป็นการลอกเลียนแบบที่ซับซ้อน เทคนิคผสมผสานกับคอร์ดฮาร์โมนิค คลังสินค้าหลายหัว พื้นผิวได้รับลักษณะของความไพเราะที่กลมกลืนจุดเริ่มต้นอันไพเราะมีความเป็นอิสระมากขึ้นเสียงบนมักจะมาข้างหน้า ตัวแทนที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของโรงเรียนโรมันคือปาเลสตรินา ศิลปะที่กลมกลืนและสมดุลอย่างสมบูรณ์แบบของเขาบางครั้งก็ถูกเปรียบเทียบกับผลงานของราฟาเอล เป็นจุดสูงสุดของคณะนักร้องประสานเสียง ดนตรีของปาเลสตรินามีองค์ประกอบที่พัฒนามาจากการคิดแบบโฮโมโฟนิค ความปรารถนาที่จะสมดุลระหว่างหลักการแนวนอนและแนวตั้งก็เป็นลักษณะของนักประพันธ์เพลงคนอื่น ๆ ในโรงเรียนเดียวกัน: C. Festa, G. Animucci (ซึ่งยืนอยู่ที่หัวของโบสถ์เซนต์ปีเตอร์ในปี 1555-71), Clemens the สมเด็จพระสันตะปาปา นักเรียน และผู้ติดตาม Palestrina - J. Nanino, F. Anerio และคนอื่นๆ ก็เข้าร่วมโรงเรียนโรมันด้วย นักแต่งเพลงที่ทำงานในโบสถ์ของสมเด็จพระสันตะปาปา: C. Morales, B. Escobedo, T. L. de Victoria (ได้รับฉายาว่า "Spanish Palestrina")

ผู้ก่อตั้งโรงเรียน Venetian คือ A. Willaert (ชาวดัตช์โดยกำเนิด) ซึ่งในปี 1527 เป็นหัวหน้าโบสถ์ของมหาวิหารเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก มาร์คและเป็นผู้นำมาเป็นเวลา 35 ปี ผู้สืบทอดของพระองค์คือ C. de Pope และชาวสเปน C. Merulo โรงเรียนแห่งนี้เจริญรุ่งเรืองที่สุดในผลงานของ A. Gabrieli และหลานชายของเขา G. Gabrieli ตรงกันข้ามกับสไตล์การเขียนที่เข้มงวดและเข้มงวดของ Palestrina และนักประพันธ์เพลงคนอื่น ๆ ของโรงเรียนโรมัน ศิลปะของชาวเวนิสนั้นโดดเด่นด้วยชุดเสียงที่เขียวชอุ่มและสีสันสดใสมากมาย ผลกระทบ หลักการของความหลากหลายมีความสำคัญเป็นพิเศษสำหรับพวกเขา จัดคณะนักร้องประสานเสียงสองชุดที่ตัดกัน ในด้านต่างๆ ของโบสถ์ ทำหน้าที่เป็นพื้นฐานสำหรับความมีชีวิตชีวา และสีสันที่ตัดกัน จำนวนเสียงที่แตกต่างกันอย่างต่อเนื่องถึง 20 เสียงสำหรับคณะนักร้องประสานเสียง G. Gabrieli เสียงดังเสริมด้วยการเปลี่ยนแปลงเครื่องมือ กลองและเครื่องดนตรีไม่เพียงแต่เลียนแบบเสียงของคณะนักร้องประสานเสียงเท่านั้น แต่ยังแสดงอย่างอิสระอีกด้วย และการเชื่อมต่อตอนต่างๆ ฮาร์มอนิก ภาษานี้เต็มไปด้วยโครมาติซึมจำนวนมากซึ่งมักจะเป็นตัวหนาในเวลานั้นซึ่งทำให้มีการแสดงออกที่เพิ่มขึ้น

เล่นความคิดสร้างสรรค์ของปรมาจารย์ของโรงเรียนเวนิส บทบาทใหญ่และในการพัฒนาเครื่องมือรูปแบบใหม่ๆ ดนตรี. ในศตวรรษที่ 16 องค์ประกอบของเครื่องดนตรีนั้นได้รับการเสริมแต่งอย่างมาก และการแสดงออกก็ได้ขยายออกไป ความเป็นไปได้ ความสำคัญของเครื่องดนตรีโค้งคำนับที่มีเสียงไพเราะและอบอุ่นเพิ่มมากขึ้น ในช่วงเวลานี้เองที่คลาสสิกได้ก่อตัวขึ้น ประเภทวิโอลา; ไวโอลินซึ่งแต่ก่อนแพร่หลาย ในชีวิตสมัยนิยมกลายเป็นศ. ดนตรี เครื่องมือ. ในฐานะเครื่องดนตรีเดี่ยว ลูตและออร์แกนยังคงครองตำแหน่งผู้นำต่อไป ในปี 1507-09 ผู้จัดพิมพ์เพลง O. Petrucci ได้ตีพิมพ์ คอลเลกชันเครื่องพิณ 3 ชิ้น ที่ยังคงเก็บรักษาไว้ สัญญาณของการติดกระทะ พฤกษ์ประเภทโมเท็ต ในอนาคตการพึ่งพาอาศัยกันนี้จะอ่อนแอลงและมีการพัฒนาเครื่องมือเฉพาะ เทคนิคการนำเสนอ ลักษณะของศตวรรษที่ 16 เครื่องดนตรีเดี่ยวประเภทต่างๆ ดนตรี - ricercar, fantasia, canzone, capriccio ในปี ค.ศ. 1549 ได้มีการปรากฏองค์กร ริเชอร์การ์ส วิลลาร์ต้า ตามเขาไป แนวเพลงนี้ได้รับการพัฒนาโดย G. Gabrieli นักปั้นข้าวบางคนซึ่งมีการนำเสนอที่ใกล้เคียงกับความทรงจำ ในองค์กร โทคาตาของปรมาจารย์ชาวเวนิสสะท้อนให้เห็นถึงความมีคุณธรรมและแนวโน้มที่จะจินตนาการอย่างอิสระ ในปี ค.ศ. 1551 มีการตีพิมพ์หนังสือชุดหนึ่งในเมืองเวนิส ชิ้นเต้นรำของคีย์บอร์ด อักขระ.

การเกิดขึ้นของรัฐอิสระแห่งแรกมีความเกี่ยวข้องกับชื่อของ A. และ J. Gabrieli ตัวอย่างวงดนตรีแชมเบอร์และออเคสตรา ดนตรี. การเรียบเรียงเครื่องดนตรีต่างๆ การเรียบเรียง (จาก 3 ถึง 22 ฝ่าย) ถูกรวมเข้าเป็นคอลเลกชัน "Canzones and Sonatas" ("Canzoni e sonate..." ตีพิมพ์ในปี 1615 หลังจากการเสียชีวิตของผู้แต่ง) บทละครเหล่านี้มีพื้นฐานอยู่บนหลักการของความแตกต่างที่แตกต่างกัน สถาบัน (ทั้งที่เป็นเนื้อเดียวกัน - โค้งคำนับ, เครื่องเป่าลมไม้, ทองเหลืองและผสม) ซึ่งได้รับต่อเนื่องกัน ศูนย์รวมในประเภทคอนเสิร์ต

การแสดงออกถึงแนวความคิดเรอเนซองส์ทางดนตรีที่สมบูรณ์และชัดเจนที่สุดคือเพลงมาดริกัล ซึ่งเป็นเพลงใหม่ที่เกิดขึ้นในศตวรรษที่ 16 หลายคนให้ความสนใจกับแนวเพลงทางโลกที่สำคัญที่สุดในช่วงยุคเรอเนซองส์ นักแต่งเพลง Madrigals เขียนโดย Venetians A. Willart, C. de Pope, A. Gabrieli และปรมาจารย์ของโรงเรียนโรมัน C. Festa และ Palestrina โรงเรียนของนักมาดริกาลิสต์มีอยู่ในมิลาน ฟลอเรนซ์ เฟอร์รารา โบโลญญา และเนเปิลส์ มาดริกัล ศตวรรษที่ 16 แตกต่างจากเพลงมาดริกัลในสมัยอาร์สโนวาตรงที่ความสมบูรณ์และความซับซ้อนทางบทกวีมากกว่า เนื้อหาแต่เป็นพื้นฐาน ทรงกลมของเขายังคงเป็นเนื้อเพลงรัก มักมีสีสันแบบชนบท ผสมผสานกับการเฉลิมฉลองความงามของธรรมชาติอย่างกระตือรือร้น บทกวีของ F. Petrarch มีอิทธิพลอย่างมากต่อพัฒนาการของมาดริกัล (บทกวีหลายบทของเขาถูกแต่งเป็นดนตรีโดยผู้แต่งหลายคน) นักแต่งเพลง Madrigalist หันมาสนใจผลงานของ L. Ariosto, T. Tasso และกวีสำคัญคนอื่นๆ ในยุคเรอเนซองส์ ในเพลงมาดริกัลของศตวรรษที่ 16 คะแนน 4 หรือ 5 ประตูได้รับชัยชนะ คลังสินค้าที่เชื่อมโยงองค์ประกอบของพหูพจน์และโฮโมโฟนี นักดนตรีเมโลดี้ชั้นนำ เสียงนั้นโดดเด่นด้วยการแสดงออกที่ละเอียดอ่อน เฉดสีการถ่ายทอดรายละเอียดบทกวีที่ยืดหยุ่น ข้อความ. องค์ประกอบโดยรวมนั้นฟรีและไม่เป็นไปตามเส้นสโตรฟิก หลักการ. ในบรรดาปรมาจารย์มาดริกัลแห่งศตวรรษที่ 16 Dutchman J. Arkadelt ซึ่งทำงานในโรมและฟลอเรนซ์มีความโดดเด่น มาดริกัลของเขาซึ่งตีพิมพ์ในปี 1538-44 (หนังสือ 6 เล่ม) ได้รับการพิมพ์ซ้ำหลายครั้งและทำซ้ำในฉบับต่างๆ พิมพ์และเขียนด้วยลายมือ การประชุม การออกดอกสูงสุดของประเภทนี้มีความเกี่ยวข้องกับความคิดสร้างสรรค์ กิจกรรมของ L. Marenzio, C. Monteverdi และ C. Gesualdo di Venosa ในท้ายที่สุด 16 - จุดเริ่มต้น ศตวรรษที่ 17 หาก Marenzio โดดเด่นด้วยขอบเขตของความประณีต โคลงสั้น ๆ จากนั้นใน Gesualdo di Venosa และ Monteverdi การแสดงมาดริกัลได้รับการสร้างสรรค์ขึ้นและเต็มไปด้วยจิตวิทยาเชิงลึก การแสดงออกพวกเขาใช้วิธีใหม่ที่แปลกใหม่ในการประสานกัน ภาษาน้ำเสียงที่คมชัดขึ้น การแสดงออกของกระทะ ทำนอง ชั้นรวยของฉันคือคน บทเพลงและการเต้นรำโดดเด่นด้วยความไพเราะของท่วงทำนองที่มีชีวิตชีวาและจังหวะที่ร้อนแรง สำหรับชาวอิตาลี การเต้นรำมีลักษณะเฉพาะคือเมตร 6/8, 12/8 และจังหวะที่รวดเร็วและมักจะรวดเร็ว: Saltarello (บันทึกจากศตวรรษที่ 13-14 ได้รับการเก็บรักษาไว้) ลอมบาร์ดาที่เกี่ยวข้อง (การเต้นรำของลอมบาร์เดีย) และฟอร์ลานา (การเต้นรำแบบเวนิส ฟรูเลียน) ), ทารันเทลลา (การเต้นรำของอิตาลีตอนใต้ ซึ่งกลายเป็นระดับชาติ) นอกจากทารันเทลลาแล้ว ซิซิลีอาน่ายังได้รับความนิยม (ขนาดเท่ากัน แต่จังหวะก็ปานกลางลักษณะของทำนองก็แตกต่าง - งานอภิบาล) ชาวซิซิลีอยู่ใกล้กับ barcarolle (เพลงของชาวเวนิส) และ Tuscan rispetto (เพลงสรรเสริญและสารภาพรัก) เพลง Lamento (เพลงคร่ำครวญประเภทหนึ่ง) เป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวาง ความเป็นพลาสติกและความไพเราะของท่วงทำนอง การแต่งบทเพลงที่สดใส และมักเน้นย้ำถึงความอ่อนไหวเป็นเรื่องปกติของเพลงเนเปิลส์ที่แพร่หลายในอิตาลี

นาร์ ดนตรียังมีอิทธิพลต่อศาสตราจารย์ ดนตรี การสร้าง ความเรียบง่ายและความใกล้ชิดกับผู้คนมากที่สุด ประเภทของฟรอตโตลาและวิลลาเนลมีต้นกำเนิดที่แตกต่างกัน

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเป็นแรงผลักดันให้เกิดการพัฒนาทฤษฎีดนตรี ความคิดในอิตาลี รากฐานมีความทันสมัย หลักคำสอนเรื่องความสามัคคีวางลงโดย G. Zarlino กลางศตวรรษ เขาเปรียบเทียบหลักคำสอนของโหมดกับระบบวรรณยุกต์ใหม่ที่มีพื้นฐาน 2 ประการ การผันคำกิริยา- หลักและรอง ในการตัดสินของเขา Zarlino อาศัยการรับรู้จากการได้ยินโดยตรงเป็นหลัก ไม่ใช่การคำนวณเชิงนามธรรมและการดำเนินการเชิงตัวเลข

เหตุการณ์ที่ใหญ่ที่สุดใน I. m. ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 16-17 มีการเกิดขึ้นของโอเปร่า โอเปร่าปรากฏตัวในตอนท้ายของยุคเรอเนซองส์ แต่อย่างไรก็ตาม โอเปร่ามีความเชื่อมโยงกับแนวคิดและวัฒนธรรมโดยสิ้นเชิง โอเปร่าเป็นแบบสแตนด์อโลน ในด้านหนึ่ง ประเภทนี้เติบโตขึ้นจากโรงละคร การแสดงของศตวรรษที่ 16 พร้อมด้วยดนตรีจากมาดริกัล หลายๆ คนสร้างสรรค์เพลงให้กับทีวี นักแต่งเพลงชื่อดังศตวรรษที่ 16 ดังนั้น A. Gabrieli จึงเขียนบทเพลงสำหรับโศกนาฏกรรมของ Sophocles เรื่อง "Oedipus" (1585, Vicenza) หนึ่งในรุ่นก่อนของโอเปร่าคือบทละครของ A. Poliziano เรื่อง The Tale of Orpheus (1480, Mantua) มาดริกัลพัฒนาวิธีการแสดงออกที่ยืดหยุ่น รูปลักษณ์ของบทกวี ข้อความในเพลง การปฏิบัติทั่วไปในการแสดงมาดริกัลโดยนักร้องคนเดียวพร้อมเครื่องดนตรี ความต้านทาน ทำให้พวกเขาเข้าใกล้ประเภทกระทะมากขึ้น monody ซึ่งเป็นพื้นฐานของชาวอิตาลีคนแรก โอเปร่า ในการต่อต้าน ศตวรรษที่ 16 ประเภทของเรื่องตลกมาดริกัลเกิดขึ้นซึ่งการเลียนแบบ การแสดงมาพร้อมกับกระทะ ตอนในสไตล์มาดริกัล ตัวอย่างทั่วไปของประเภทนี้คือ “Amphiparnassus” โดย O. Vecchi (1594)

ในปี ค.ศ. 1581 นักโต้เถียงก็ปรากฏตัวขึ้น บทความของ V. Galilei เรื่อง “การสนทนาเกี่ยวกับดนตรีโบราณและสมัยใหม่” (“Dialogo della musica antica et délia moderna”) ซึ่งมีเสียงสวดมนต์ การประกาศ (ตามแบบโบราณ) ต่อต้าน "ความป่าเถื่อน" ในยุคกลาง พฤกษ์ ข้อความที่ตัดตอนมาจาก "Divine Comedy" ของดันเต้ที่เขาแต่งเป็นดนตรีควรจะใช้เป็นตัวอย่างของแนวคิดนี้ สไตล์. ความคิดของกาลิลีได้รับการสนับสนุนจากกลุ่มกวี นักดนตรี และนักวิทยาศาสตร์ด้านมนุษยนิยมที่รวมตัวกันในปี 1580 ตามความคิดริเริ่มของเคานต์ G. Bardi ชาวฟลอเรนซ์ผู้รู้แจ้ง (หรือที่เรียกว่า Florentine Camerata) ร่างของวงกลมนี้สร้างโอเปร่าเรื่องแรก - "Daphne" (1597-98) และ "Eurydice" (1600) โดย J. Peri ถึงข้อความโดย O. Rinuccini กระทะเดี่ยว บางส่วนของโอเปร่าเหล่านี้พร้อมสหกรณ์ บาสโซต่อเนื่องได้รับการประกาศอย่างต่อเนื่อง ลักษณะโครงสร้างมาดริกัลยังคงอยู่ในคณะนักร้องประสานเสียง

หลาย หลายปีต่อมา เพลงสำหรับ "Eurydice" ได้รับการแต่งโดยนักร้องและนักแต่งเพลงโดยอิสระ G. Caccini ซึ่งเป็นผู้เขียนคอลเลกชันนี้ด้วย เพลงเดี่ยวแชมเบอร์พร้อมดนตรีประกอบ "ดนตรีใหม่" ("Le nuove musiche", 1601) หลัก บนสไตล์เดียวกัน หลักการ รูปแบบการเขียนนี้เรียกว่า "รูปแบบใหม่" (Stile nuovo) หรือ "รูปแบบที่เป็นรูปเป็นร่าง" (Stile rарpresentativo)

แยง. ชาวฟลอเรนซ์มีเหตุผลในระดับหนึ่งโดยส่วนใหญ่มีความหมาย ทดลอง ชีวิตที่แท้จริงโอเปร่าได้รับแรงบันดาลใจจากดนตรีอันไพเราะ นักเขียนบทละครศิลปินผู้มีพรสวรรค์อันน่าเศร้า C. Monteverdi เขาหันไปหาแนวโอเปร่าเมื่อโตเป็นผู้ใหญ่และมีผลงานมากมายอยู่แล้ว สหกรณ์จิตวิญญาณ และมาดริกัลฆราวาส โอเปร่าเรื่องแรกของเขา "Orpheus" (1607) และ "Ariadne" (1608) ได้รับการโพสต์ ในมันตัว หลังจากห่างหายไปนาน Monteverdi ก็ทำหน้าที่เป็นนักแต่งเพลงโอเปร่าในเมืองเวนิสอีกครั้ง จุดสุดยอดของความคิดสร้างสรรค์โอเปร่าของเขาคือ “The Coronation of Poppea” (1642) ผลิต พลังของเช็คสเปียร์อย่างแท้จริง โดดเด่นด้วยความลึกล้ำของละคร การแสดงออก การแกะสลักตัวละครอย่างเชี่ยวชาญ ความเฉียบคมและความตึงเครียดของสถานการณ์ความขัดแย้ง

ในเมืองเวนิส โอเปร่าก้าวไปไกลกว่าชนชั้นสูงแคบๆ แวดวงนักเลงและกลายเป็นปรากฏการณ์สาธารณะ อาคารสาธารณะแห่งแรกเปิดที่นี่ในปี 1637 โอเปร่าทีอาร์"San Cassiano" (ระหว่างปี 1637-1800 มีการสร้าง t-trov ดังกล่าวอย่างน้อย 16 รายการ) มีความเป็นประชาธิปไตยมากขึ้น องค์ประกอบของผู้ชมก็มีอิทธิพลต่อลักษณะของผลงานด้วย ตำนาน วัตถุดังกล่าวได้หลีกทางให้กับสถานที่ที่โดดเด่นแห่งประวัติศาสตร์ เรื่องราวที่มีการกระทำจริง ใบหน้า ดราม่า และกล้าหาญ จุดเริ่มต้นเกี่ยวพันกับเรื่องตลกขบขันและบางครั้งก็ตลกขบขันอย่างหยาบคาย กระทะ ท่วงทำนองได้รับความไพเราะมากขึ้นภายในฉากบรรยายส่วนต่างๆก็ปรากฏขึ้น ตอนประเภท arious คุณลักษณะเหล่านี้ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของโอเปร่าช่วงปลายของมอนเตเวร์ดีได้รับการพัฒนาเพิ่มเติมในผลงานของ F. Cavalli ผู้แต่งโอเปร่า 42 เรื่อง ซึ่งโอเปร่า Jason (1649) ได้รับความนิยมมากที่สุด

โอเปร่าในโรมได้รับการระบายสีที่แปลกประหลาดภายใต้อิทธิพลของชาวคาทอลิกที่ครอบงำที่นี่ แนวโน้ม พร้อมด้วยของโบราณ ตำนาน แผนการ ("The Death of Orpheus" - "La morte d"Orfeo" โดย S. Landi, 1619; "The Chain of Adonis" - "La Caténa d"Adone" โดย D. Mazzocchi, 1626) โอเปร่ารวมถึงศาสนาด้วย หัวข้อที่ตีความในพระคริสต์ แผนคุณธรรม หมายความถึงมากที่สุด. แยง. โรงเรียนโรมัน - โอเปร่า "Saint Alexei" โดย Landi (1632) ซึ่งโดดเด่นด้วยความไพเราะ ความมีชีวิตชีวาและบทละครของดนตรี ความหลากหลายของเนื้อร้องของคณะนักร้องประสานเสียงที่พัฒนาขึ้น ตอน ตัวอย่างหนังสือการ์ตูนเล่มแรกปรากฏในกรุงโรม ประเภทโอเปร่า: "ปล่อยให้ผู้ประสบภัยหวัง" ("Che soffre, speri", 1639) โดย V. Mazzocchi และ M. Marazzoli และ "เมฆทุกก้อนมีซับในสีเงิน" ("Dal male il bene", 1653) โดย A. M. Abbatini และ มารัซโซลี.

เคเซอร์ ศตวรรษที่ 17 โอเปร่าละทิ้งหลักการของสุนทรียศาสตร์ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเกือบทั้งหมดซึ่งสนับสนุนโดย Florentine Camerata นี่เป็นหลักฐานจากผลงานของ M. A. Chesti ที่เกี่ยวข้องกับโรงเรียนโอเปร่าเวนิส ในงานเขียนของเขามีละครที่ปั่นป่วน การบรรยายนั้นตรงกันข้ามกับทำนองที่ไพเราะนุ่มนวล และบทบาทของกระทะกลมก็เพิ่มขึ้น ตัวเลข (มักจะส่งผลเสียหายต่อเหตุผลอันน่าทึ่งของการกระทำ) โอเปร่าของ Honor "The Golden Apple" ("Il porno d"oro", 1667) ซึ่งจัดแสดงอย่างเอิกเกริกในกรุงเวียนนาเนื่องในโอกาสงานแต่งงานของจักรพรรดิลีโอโปลด์ที่ 1 กลายเป็นต้นแบบของการแสดงในราชสำนักซึ่งตั้งแต่นั้นเป็นต้นมาก็แพร่หลาย ในยุโรป “นี่ไม่ใช่โอเปร่าของอิตาลีล้วนๆ อีกต่อไป” อาร์. โรลแลนด์เขียน “เป็นโอเปร่าในราชสำนักระดับนานาชาติประเภทหนึ่ง”

จากจุดสิ้นสุด ศตวรรษที่ 17 บทบาทนำในการพัฒนาประเทศอิตาลี โอเปร่าไปเนเปิลส์ ตัวแทนหลักคนแรกของโรงเรียนโอเปร่าเนเปิลส์คือ F. Provenzale แต่หัวหน้าที่แท้จริงคือ A. Scarlatti ผู้เขียนผลงานโอเปร่ามากมาย (มากกว่า 100 ชิ้น) เขาได้สร้างโครงสร้างตามแบบฉบับของอิตาลี โอเปร่าเซเรีย อนุรักษ์ไว้โดยไม่มีสิ่งมีชีวิต เปลี่ยนแปลงไปจนจบ ศตวรรษที่ 18 หัวหน้า สถานที่ในโอเปร่าประเภทนี้เป็นของ อาเรีย โดยปกติจะเป็นดาคาโป 3 ส่วน การบรรยายได้รับบทบาทการบริการ ความสำคัญของคณะนักร้องประสานเสียงและวงดนตรีจะลดลงเหลือน้อยที่สุด แต่ไพเราะสดใส ของขวัญจากสการ์ลัตติ ทักษะการโพลีโฟนิก ตัวอักษรน่าทึ่งอย่างไม่ต้องสงสัย สัญชาตญาณอนุญาตให้ผู้แต่งบรรลุผลที่น่าประทับใจและแม้จะมีข้อจำกัดทั้งหมดก็ตาม Scarlatti พัฒนาและเพิ่มคุณค่าทั้งเสียงร้องและเครื่องดนตรี แบบฟอร์มโอเปร่า เขาได้พัฒนาโครงสร้างแบบอิตาลีโดยทั่วไป การทาบทามโอเปร่า (หรือซิมโฟนีตามคำศัพท์ที่ยอมรับในขณะนั้น) โดยมีท่อนนอกที่รวดเร็วและตอนกลางที่ช้า ซึ่งกลายเป็นต้นแบบของซิมโฟนีในฐานะอิสระ คอน ทำงาน

ด้วยการเชื่อมต่ออย่างใกล้ชิดกับโอเปร่า จึงได้มีการพัฒนาแนวเพลงที่ไม่ใช่พิธีกรรมแนวใหม่ เคร่งศาสนา คดีความ - oratorio มาจากศาสนา. การอ่านพร้อมกับการร้องเพลงโพลิกอล เชิดชู เธอได้รับอิสรภาพ ที่เสร็จเรียบร้อย ในรูปแบบผลงานของ G. Carissimi ในบทปราศรัยของเขาซึ่งเขียนตามหัวข้อพระคัมภีร์เป็นส่วนใหญ่ เขาได้เสริมรูปแบบโอเปร่าที่พัฒนาขึ้นโดยคนกลาง ศตวรรษที่ 17 ความสำเร็จของการขับร้อง คอน สไตล์. ในบรรดานักประพันธ์เพลงที่พัฒนาแนวเพลงนี้หลังจาก Carissimi นั้น A. Stradella มีความโดดเด่น (บุคลิกของเขากลายเป็นตำนานเนื่องจากประวัติการผจญภัยของเขา) เขาได้แนะนำองค์ประกอบของละครเข้าไปใน oratorio สิ่งที่น่าสมเพชและลักษณะเฉพาะ นักแต่งเพลงเกือบทั้งหมดของโรงเรียน Neapolitan ให้ความสนใจกับแนวเพลง oratorio แม้ว่าเมื่อเปรียบเทียบกับโอเปร่าแล้ว oratorio ก็ครองตำแหน่งรองในงานของพวกเขา

แนวเพลงที่เกี่ยวข้องกับ oratorio คือ Chamber Cantata สำหรับหนึ่งเสียง บางครั้งอาจมี 2 หรือ 3 เสียงพร้อมดนตรีประกอบ บาสโซต่อเนื่อง ต่างจาก oratorio ข้อความทางโลกมีอำนาจเหนือกว่า ปรมาจารย์ที่โดดเด่นที่สุดของประเภทนี้คือ Carissimi และ L. Rossi (หนึ่งในตัวแทนของโรงเรียนโอเปร่าโรมัน) เช่นเดียวกับออราโตริโอ แคนทาทาเล่นหมายถึง บทบาทในการพัฒนากระทะ รูปแบบที่กลายเป็นเรื่องปกติของโอเปร่าเนเปิลส์

ในด้านดนตรีทางศาสนาในคริสต์ศตวรรษที่ 17 ครอบงำด้วยความปรารถนาในความยิ่งใหญ่ภายนอกโอ้อวดบรรลุช. อ๊าก เนื่องจากปริมาณ ผล. หลักการของความหลากหลายซึ่งพัฒนาโดยปรมาจารย์ของโรงเรียนเวนิสกลายเป็นการผ่อนชำระ มาตราส่วน. ในการผลิตบางส่วน. ใช้ 4 ประตูมากถึงสิบสองประตู คณะนักร้องประสานเสียง คณะนักร้องประสานเสียงขนาดยักษ์ มีการเสริมองค์ประกอบมากมาย และกลุ่มเครื่องดนตรีที่หลากหลาย สไตล์บาโรกอันเขียวชอุ่มนี้ได้รับการพัฒนาโดยเฉพาะในโรม โดยแทนที่สไตล์ปาเลสตรินาและผู้ติดตามของเขาที่เข้มงวดและเข้มงวด ตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของโรงเรียนโรมันตอนปลายคือ G. Allegri (ผู้แต่ง "Miserere" ที่มีชื่อเสียงซึ่งบันทึกโดย W. A. ​​​​Mozart), P. Agostini, A. M. Abbatini, O. Benevoli ขณะเดียวกันก็เรียกว่า. “สไตล์คอนเสิร์ต” ใกล้เคียงกับการร้องเพลงแบบอ่านออกเสียงของอิตาโลยุคแรก โอเปร่าตัวอย่าง ได้แก่ คอนเสิร์ตทางจิตวิญญาณของ A. Banchieri (1595) และ L. Viadana (1602) (Viadana ได้รับเครดิตตามที่ปรากฏในภายหลังโดยไม่มีเหตุผลเพียงพอในการประดิษฐ์เบสแบบดิจิทัล) C. Monteverdi, Marco da Galliano, F. Cavalli, G. Legrenzi และนักแต่งเพลงคนอื่น ๆ เขียนในลักษณะเดียวกันโดยถ่ายโอนไปยัง คริสตจักร องค์ประกอบดนตรีของโอเปร่าหรือแชมเบอร์แคนทาทา

การค้นหารูปแบบและวิธีการทางดนตรีใหม่อย่างเข้มข้น การแสดงออกซึ่งกำหนดโดยความปรารถนาที่จะรวบรวมความเห็นอกเห็นใจที่ร่ำรวยและหลากหลาย เนื้อหาดำเนินการในด้านเครื่องมือ ดนตรี. หนึ่งในปรมาจารย์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดขององค์กร และดนตรีคีย์บอร์ดในยุคก่อนบาคคือ G. Frescobaldi นักแต่งเพลงที่มีความคิดสร้างสรรค์ที่ยอดเยี่ยม บุคลิกลักษณะเฉพาะตัว อัจฉริยะด้านออร์แกนและฮาร์ปซิคอร์ดที่เก่งกาจ ซึ่งมีชื่อเสียงในบ้านเกิดของเขาและในยุโรปอื่นๆ ประเทศ. พระองค์ทรงนำประเพณี รูปแบบของไรเซอร์คาร์ แฟนตาซี ทอคคาต้า รูปลักษณ์ที่แสดงออกอย่างเข้มข้นและอิสระแห่งความรู้สึก เสริมด้วยท่วงทำนองอันไพเราะ และกลมกลืนกัน ภาษาพหุนามที่พัฒนาแล้ว ใบแจ้งหนี้. ในผลิตภัณฑ์ของเขา ตกผลึกคลาสสิก ประเภทของความทรงจำที่มีความสัมพันธ์และความสมบูรณ์ของวรรณยุกต์ที่ระบุอย่างชัดเจน แผนทั่วไป- ความคิดสร้างสรรค์ของ Frescobaldi คือจุดสุดยอดของอิตาลี องค์กร คดีความ ความสำเร็จด้านนวัตกรรมของเขาไม่พบผู้ติดตามที่โดดเด่นในอิตาลี แต่ยังคงดำเนินต่อไปและพัฒนาโดยนักแต่งเพลงจากประเทศอื่น ในภาษาอิตาลี สถาบัน เพลงจากครึ่งหลัง ศตวรรษที่ 17 บทบาทนำส่งต่อไปยังเครื่องดนตรีโค้งคำนับและเหนือสิ่งอื่นใดคือไวโอลิน นี่เป็นเพราะความเจริญรุ่งเรืองของศิลปะการแสดงไวโอลินและการปรับปรุงตัวเครื่องดนตรีเอง ในศตวรรษที่ 17-18 ในอิตาลี ราชวงศ์ของช่างทำไวโอลินชื่อดังได้ถือกำเนิดขึ้น (ตระกูล Amati, Stradivari, Guarneri) ซึ่งเครื่องดนตรียังคงไม่มีใครเทียบได้จนถึงทุกวันนี้ นักดนตรีฝีมือดีที่โดดเด่นส่วนใหญ่ ได้แก่ นักประพันธ์เพลงในงานของพวกเขา เทคนิคใหม่ๆ สำหรับการแสดงไวโอลินเดี่ยวได้ถูกรวมเข้าด้วยกัน และพัฒนาท่วงทำนองใหม่ๆ แบบฟอร์ม

ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 16-17 ในเวนิส ประเภทของโซนาต้าทั้งสามได้รับการพัฒนาซึ่งเป็นงานที่มีหลายส่วน สำหรับเครื่องดนตรีเดี่ยว 2 ชิ้น (โดยปกติจะเป็นไวโอลิน แต่สามารถถูกแทนที่ด้วยเครื่องดนตรีอื่นของ tessitura ที่เกี่ยวข้อง) และเบส ประเภทนี้มีอยู่ 2 ประเภท (ทั้งคู่อยู่ในสาขาดนตรีแชมเบอร์ฆราวาส): "church sonata" ("sonata da chiesa") - วงจร 4 ส่วนซึ่งส่วนที่ช้าและเร็วสลับกันและ "chamber sonata" (“กล้องโซนาตาดา”) ประกอบด้วยหลายคำ เล่นเต้นรำ ตัวละครใกล้กับห้องชุด เป็นสิ่งสำคัญอย่างยิ่งในการพัฒนาแนวเพลงเหล่านี้เพิ่มเติม โรงเรียน Bolognese มีบทบาทในการนำเสนอกาแล็กซีอันยอดเยี่ยมของปรมาจารย์ด้านศิลปะไวโอลิน ในบรรดาตัวแทนอาวุโส ได้แก่ M. Caccati, G. Vitali, G. Bassani ยุคในประวัติศาสตร์ของไวโอลินและดนตรีแชมเบอร์ถูกทำเครื่องหมายโดยผลงานของ A. Corelli (ลูกศิษย์ของ Bassani) ช่วงวัยผู้ใหญ่กิจกรรมของเขาเกี่ยวข้องกับโรมซึ่งเขาได้สร้างโรงเรียนของตัวเองขึ้นมาโดยมีชื่อเช่น P. Locatelli, F. Geminiani, G. Somis งานของ Corelli เสร็จสิ้นการก่อตัวของโซนาตาทั้งสาม พระองค์ทรงขยายและเติมเต็มความสมบูรณ์ ความสามารถของเครื่องดนตรีโค้งคำนับ นอกจากนี้เขายังเป็นเจ้าของวงจรโซนาตาสำหรับไวโอลินเดี่ยวพร้อมสหกรณ์ ฮาร์ปซิคอร์ด แนวใหม่นี้ซึ่งเกิดขึ้นในช่วงปลาย ศตวรรษที่ 17 เป็นจุดสิ้นสุด การอนุมัติแบบโมโนดิช หลักการในผู้สอน ดนตรี. Corelli พร้อมด้วย G. Torelli ร่วมสมัยของเขาได้สร้างสรรค์คอนแชร์โตกรอสโซ ซึ่งเป็นรูปแบบที่สำคัญที่สุดของการทำดนตรีแชมเบอร์ออเคสตราจนถึงกลางศตวรรษที่ 18

เคคอน 17 - จุดเริ่มต้น ศตวรรษที่ 18 ระหว่างประเทศเพิ่มขึ้น สง่าราศีและอำนาจ I. Mn. ต่างชาติ นักดนตรีแห่กันไปที่อิตาลีเพื่อสำเร็จการศึกษาและได้รับใบรับรองซึ่งทำให้ได้รับการยอมรับในบ้านเกิดของพวกเขา ในฐานะครู เขามีชื่อเสียงเป็นพิเศษในเรื่องนักดนตรีผู้มีความรู้ความสามารถมากมาย และนักทฤษฎี J.B. Martini (รู้จักกันในชื่อ Padre Martini) คำแนะนำของเขาถูกใช้โดย K. V. Gluck, W. A. ​​Mozart, A. Gretry ขอบคุณเขา Bologna Philharmonic สถาบันแห่งนี้ได้กลายเป็นหนึ่งในศูนย์กลางทางดนตรีที่ใหญ่ที่สุดในยุโรป การศึกษา.

ภาษาอิตาลี นักประพันธ์เพลงแห่งศตวรรษที่ 18 ขั้นพื้นฐาน ให้ความสนใจกับโอเปร่า มีเพียงไม่กี่คนเท่านั้นที่ยังคงอยู่ห่างจากโรงละครโอเปร่า ซึ่งดึงดูดผู้ชมจำนวนมากจากทุกระดับของสังคม การผลิตโอเปร่าในศตวรรษนี้ซึ่งมีปริมาณมหาศาลถูกสร้างขึ้นโดยนักประพันธ์เพลงประเภทต่างๆ ขนาดของความสามารถซึ่งมีศิลปินที่มีพรสวรรค์มากมาย ความนิยมของโอเปร่าได้รับการอำนวยความสะดวกจากการแสดงเสียงร้องในระดับสูง วัฒนธรรม. นักร้องก็เตรียมตัว อ๊าก ในเรือนกระจก - สถานเลี้ยงเด็กกำพร้าที่เกิดขึ้นในศตวรรษที่ 16 ในเนเปิลส์และเวนิส - ศูนย์กลางหลักของอิตาลี ชีวิตโอเปร่าในศตวรรษที่ 18 มีเรือนกระจก 4 แห่งซึ่งมีรำพึงอยู่ การศึกษานำโดยนักประพันธ์เพลงรายใหญ่ นักร้องและคอมพ์ F. Pistocchi ก่อตั้งบริษัทพิเศษในโบโลญญา (ประมาณปี 1700) นักร้อง โรงเรียน. กระทะที่โดดเด่น ครูคือ N. Porpora หนึ่งในผู้มีผลงานมากที่สุด นักแต่งเพลงโอเปร่าโรงเรียนเนเปิลส์ ในบรรดาปรมาจารย์ด้านศิลปะ bel canto ที่มีชื่อเสียงในศตวรรษที่ 18 - นักแสดงของสามีหลัก บทบาทในซีรีส์โอเปร่า ได้แก่ นักร้อง Castrati A. Bernacchi, Caffarelli, F. Bernardi (ชื่อเล่น Senesino), Farinelli, G. Crescentini ซึ่งมีทักษะการร้องที่เก่งกาจ เทคนิคผสมผสานกับน้ำเสียงที่นุ่มนวลและเบา นักร้อง F. Bordoni, F. Cuzzoni, C. Gabrielli, V. Tesi

ภาษาอิตาลี โอเปร่าได้รับสิทธิพิเศษ สถานการณ์ในยุโรปส่วนใหญ่ เมืองหลวง เธอจะถูกดึงดูด ความแข็งแกร่งก็ปรากฏให้เห็นในความจริงที่ว่าหลายคน นักแต่งเพลงจากประเทศอื่นสร้างโอเปร่าเป็นภาษาอิตาลี ข้อความในจิตวิญญาณและประเพณีของโรงเรียนเนเปิลส์ เข้าร่วมโดยชาวสเปน D. Perez และ D. Terradellas, I. A. Hasse ชาวเยอรมัน และ J. Myslivecek ชาวเช็ก แปลว่าไหลไปตามโรงเรียนเดียวกัน ส่วนหนึ่งของกิจกรรมของ G.F. Handel และ K.W. Gluck สำหรับชาวอิตาลี ฉากโอเปร่าเขียนภาษารัสเซีย นักแต่งเพลง - M. S. Berezovsky, P. A. Skokov, D. S. Bortnyansky

อย่างไรก็ตามในช่วงชีวิตของหัวหน้าโรงเรียนโอเปร่าเนเปิลส์ A. Scarlatti ผู้สร้างซีรีส์โอเปร่าคุณสมบัติทางศิลปะโดยธรรมชาติของมันได้ถูกเปิดเผยแล้ว ความขัดแย้งซึ่งเป็นสาเหตุของการวิพากษ์วิจารณ์อย่างรุนแรง พูดออกมาต่อต้านเธอ ในการเริ่มต้น ยุค 20 ศตวรรษที่ 18 นักเสียดสีปรากฏตัวขึ้น แผ่นพับเพลง นักทฤษฎีบี. มาร์เชลโลซึ่งการประชุมที่ไร้สาระของบรรณารักษ์โอเปร่าและการดูหมิ่นผู้แต่งละครถูกเยาะเย้ย ความหมายของการกระทำ ความโง่เขลาอันเย่อหยิ่งของพรีมาดอนนาและนักร้องคาสตราติ เพราะขาดจรรยาบรรณลึกซึ้ง เนื้อหาและการใช้ผลกระทบภายนอกในทางที่ผิดถูกวิพากษ์วิจารณ์สมัยใหม่ ฉันกำลังแสดงโอเปร่าอิตตาล นักการศึกษา F. Algarotti ใน “Essay on Opera” (“Saggio sopra l”opera in musica...”, 1754) และนักสารานุกรม E. Arteaga ในผลงานของเขา “The Revolution of the Italian Musical Theatre” (“Le rivoluzioni del teatro ละครเพลง italiano dalla sua origine fino al Presente", v. 1-3, 1783-86)

กวีนักประพันธ์ A. Zeno และ P. Metastasio พัฒนาโครงสร้างที่มั่นคงของประวัติศาสตร์และตำนาน ละครโอเปร่าซึ่งมีการควบคุมลักษณะของละครอย่างเคร่งครัด อุบาย จำนวนและความสัมพันธ์ของตัวละคร ประเภทของกระทะเดี่ยว หมายเลขและตำแหน่งบนเวที การกระทำ. ตามกฎของละครคลาสสิก พวกเขาทำให้โอเปร่ามีเอกภาพและความกลมกลืนของการเรียบเรียง ปลดปล่อยมันจากความสับสนขององค์ประกอบที่น่าเศร้า องค์ประกอบที่มีความตลกขบขันและเรื่องตลก ในเวลาเดียวกัน บทละครโอเปร่าของนักเขียนบทละครเหล่านี้มีลักษณะเป็นชนชั้นสูง ความกล้าหาญ เขียนด้วยภาษาเทียม มีมารยาท ประณีต โอเปร่าเซเรีย, สเปน การตัดมักเกิดขึ้นให้ตรงกับการมาถึง การเฉลิมฉลองต้องจบลงด้วยการจบลงที่ประสบความสำเร็จความรู้สึกของฮีโร่นั้นมีเงื่อนไขและไม่น่าเชื่อ

ในช่วงกลาง. ศตวรรษที่ 18 มีแนวโน้มที่จะเอาชนะความคิดโบราณของละครโอเปร่าและความสัมพันธ์ที่ใกล้ชิดระหว่างดนตรีและละคร การกระทำ. สิ่งนี้นำไปสู่บทบาทที่เพิ่มขึ้นของการบรรยายควบคู่กับการเพิ่มคุณค่าของออร์ค สี การขยายและการแสดงละครของคณะนักร้องประสานเสียง ฉาก แนวโน้มเชิงนวัตกรรมเหล่านี้แสดงออกมาอย่างชัดเจนที่สุดในผลงานของ N. Jommelli และ T. Traetta ผู้ซึ่งเตรียมการปฏิรูปเชิงโอเปร่าของ Gluck บางส่วน ในโอเปร่าเรื่อง Iphigenia in Tauris Traetta จัดการตามคำพูดของ G. Abert "เพื่อก้าวไปสู่ประตูแห่งละครเพลงของ Gluck" นักแต่งเพลงที่เรียกว่าเดินตามเส้นทางเดียวกัน "โรงเรียนเนเปิลส์แห่งใหม่" G. Sarti, P. Guglielmi และคนอื่นๆ A. Sacchini และ A. Salieri เป็นผู้ยึดมั่นและติดตามการปฏิรูปของ Gluck

ฝ่ายค้านที่แข็งแกร่งที่สุดคือวีรบุรุษที่มีเงื่อนไข Opera Seria ถูกรวบรวมโดยประชาธิปไตยใหม่ ประเภทโอเปร่าบัฟฟา ตอนอายุ 17 และเริ่มต้น ศตวรรษที่ 18 การ์ตูน โอเปร่าแสดงด้วยตัวอย่างที่แยกออกมาเท่านั้น พวกเขาเป็นอิสระได้อย่างไร ประเภทนี้เริ่มเป็นรูปเป็นร่างร่วมกับอาจารย์อาวุโสของโรงเรียนเนเปิลส์ L. Vinci และ L. Leo คลาสสิครุ่นแรก. ตัวอย่างของนักแสดงโอเปร่าคือ "The Servant-Mistress" ของ Pergolesi (แต่เดิมใช้เป็นการแสดงสลับฉากระหว่างการแสดงโอเปร่าซีรีส์ของเขา "The Proud Captive", 1733) ความสมจริงของภาพ ความมีชีวิตชีวา และความฉุนเฉียวของดนตรี ลักษณะเฉพาะมีส่วนทำให้การสลับฉากของ G.B. Pergolesi ได้รับความนิยมอย่างกว้างขวางที่สุด ประเทศต่างๆ โดยเฉพาะในฝรั่งเศสซึ่งตำแหน่งของเธออยู่ ในปี ค.ศ. 1752 ทำหน้าที่เป็นแรงผลักดันให้เกิดสุนทรียภาพอันดุเดือด การทะเลาะวิวาท (ดู "สงครามบุฟฟอน") และมีส่วนทำให้เกิดการก่อตั้งฝรั่งเศส ระดับชาติ ชนิดของการ์ตูน โอเปร่า

โดยไม่ขาดการติดต่อกับผู้คน ราก, ภาษาอิตาลี โอเปร่าบัฟฟาภายหลังได้พัฒนารูปแบบที่พัฒนามากขึ้น ต่างจากละครโอเปร่าตรงที่เสียงร้องเดี่ยวมีความโดดเด่น จุดเริ่มต้นในการ์ตูน วงดนตรีมีความสำคัญอย่างยิ่งในโอเปร่า วงดนตรีที่ได้รับการพัฒนามากที่สุดถูกจัดวางไว้ในตอนจบที่มีชีวิตชีวาและเปิดเผยอย่างรวดเร็ว ซึ่งเป็นจุดรวมของการวางอุบายที่ตลกขบขัน N. Logroshino ถือเป็นผู้สร้างวงดนตรีสุดท้ายที่มีประสิทธิภาพประเภทนี้ C. Goldoni บุคคลสำคัญชาวอิตาลี มีอิทธิพลอย่างมากต่อพัฒนาการของนักแสดงโอเปร่า นักแสดงตลกแห่งศตวรรษที่ 18 ผู้สะท้อนความคิดในงานของเขา ความสมจริงทางการศึกษา- เขาเป็นนักเขียนบรรณารักษ์โอเปร่าจำนวนหนึ่ง ซึ่งส่วนใหญ่มีดนตรีที่แต่งโดยปรมาจารย์ชาวอิตาลีผู้มีชื่อเสียงคนหนึ่ง การ์ตูน โอเปร่าโดย Venetian B. Galuppi ในยุค 60 ศตวรรษที่ 18 ในโอเปร่า มีแนวโน้มผู้มีอารมณ์อ่อนไหวแบบบัฟฟา (เช่น โอเปร่าของ N. Piccinni ที่สร้างจากข้อความของ Goldoni เรื่อง "Cecchina หรือ the Good Daughter", 1760, Rome) Opera buffa เข้าใกล้ประเภท " ละครชนชั้นกลาง"หรือ" ตลกน้ำตาไหล "ซึ่งสะท้อนถึงอุดมคติทางศีลธรรมของฐานันดรที่สามในช่วงก่อนการปฏิวัติฝรั่งเศสครั้งใหญ่

ผลงานของ N. Piccinni, G. Paisiello และ D. Cimarosa ถือเป็นขั้นตอนสุดท้ายและสูงที่สุดในการพัฒนานักโอเปร่าในศตวรรษที่ 18 ผลงานของพวกเขาผสมผสานองค์ประกอบตลกเข้ากับความรู้สึกอ่อนไหว น่าสงสารไพเราะ ความสมบูรณ์ด้วยรูปแบบที่หลากหลาย ความมีชีวิตชีวา ความสง่างาม และความคล่องตัวของดนตรีได้รับการอนุรักษ์ไว้ในละครโอเปร่า นักแต่งเพลงเหล่านี้ติดต่อ Mozart และเตรียมผลงานของชาวอิตาลีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดคนหนึ่ง นักแต่งเพลงโอเปร่าแห่งศตวรรษหน้า G. Rossini คุณลักษณะบางประการของโอเปร่าบัฟฟาถูกนำมาใช้ในโอเปร่าซีรีส์รุ่นหลัง ซึ่งส่งผลให้รูปแบบมีความยืดหยุ่นมากขึ้น ความเรียบง่าย และความเป็นธรรมชาติของท่วงทำนอง การแสดงออก

วิธี. ผลงานนี้จัดทำโดยชาวอิตาลี นักประพันธ์เพลงแห่งศตวรรษที่ 18 ในการพัฒนาต่างๆ ประเภทเครื่องดนตรี ดนตรี. ในสาขาการทำไวโอลิน ปรมาจารย์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดรองจาก Corelli คือ G. Tartini โดยสานต่อตามรุ่นก่อนของเขาเพื่อปลูกฝังแนวเพลงโซโลไวโอลินโซนาต้าและทรีโอโซนาตา เขาเติมเต็มพวกมันด้วยการแสดงออกที่สดใสแบบใหม่ เสริมเทคนิคการแสดงไวโอลิน และขยายช่วงเสียงตามปกติในเวลานั้น ทาร์ตินีก่อตั้งโรงเรียนของตัวเองชื่อปาดัว (ตั้งชื่อตามเมืองปาดัวซึ่งเป็นที่ที่เขาใช้ชีวิตส่วนใหญ่) นักเรียนของเขาคือ P. Nardini, P. Alberghi, D. Ferrari ในครึ่งหลัง ศตวรรษที่ 18 เปิดเผยอย่างเชี่ยวชาญและดำเนินการ และสร้างสรรค์ กิจกรรมของ G. Pugnani ชาวอิตาลีที่ใหญ่ที่สุด นักไวโอลินคลาสสิก ยุค. ในบรรดามันมากมาย นักเรียน J.B. Viotti มีชื่อเสียงเป็นพิเศษซึ่งบางครั้งงานของเขาก็มีความรู้สึกโรแมนติก แนวโน้ม

ในประเภทออร์ค คอนแชร์โต้กรอสโซ่เป็นตัวหนาและเป็นต้นฉบับ ศิลปินที่มีนวัตกรรมคือ A. Vivaldi เขาสร้างรูปแบบนี้ขึ้นมาใหม่ นำเสนอมันไปพร้อมๆ กับไดนามิก เปรียบเทียบเครื่องดนตรีกลุ่มใหญ่และเล็ก (tutti และ concertino) ตามหัวข้อ ความขัดแย้งภายในแผนก ชิ้นส่วนสร้างโครงสร้างวงจร 3 ส่วนโดยคงไว้ในรูปแบบคลาสสิก สถาบัน คอนเสิร์ต. (ไวโอลินคอนแชร์โตของวิวาลดีได้รับการยกย่องอย่างสูงจาก J. S. Bach ซึ่งเป็นผู้เรียบเรียงบางส่วนสำหรับไวโอลินและออร์แกนด้วย)

ในโซนาตาทั้งสามของ G.B. Pergolesi คุณลักษณะก่อนคลาสสิกจะสังเกตเห็นได้ชัดเจน สไตล์ "กล้าหาญ" พื้นผิวที่เบาและโปร่งใสของพวกเขาเกือบจะเป็นโฮโมโฟนิกทั้งหมด ท่วงทำนองมีความโดดเด่นด้วยความไพเราะและความสง่างามที่นุ่มนวล หนึ่งในนักประพันธ์เพลงที่เตรียมการเบ่งบานของดนตรีคลาสสิกโดยตรง สถาบัน ดนตรีคือ G. Sammartini (ผู้แต่งซิมโฟนี 78 บท โซนาตาและคอนแชร์โตมากมาย เครื่องมือที่แตกต่างกัน) ในแง่ของธรรมชาติของความคิดสร้างสรรค์ของเขา ใกล้ชิดกับตัวแทนของ Mannheim และโรงเรียนเวียนนายุคแรก ๆ L. Boccherini ผสมผสานองค์ประกอบการทำงานของเขาในเรื่องความอ่อนไหวที่กล้าหาญเข้ากับลัทธิก่อนโรแมนติก ตื่นเต้นกับความน่าสมเพชและความใกล้ชิดกับผู้คน แหล่งที่มา พวกเขาจะสังเกตเห็น นักเล่นเชลโล เขาอุดมไปด้วยวรรณกรรมเชลโลเดี่ยว เป็นหนึ่งในผู้สร้างดนตรีคลาสสิก ประเภทของวงโบว์

ศิลปินมีชีวิตชีวาและสร้างสรรค์อย่างล้นหลาม แฟนตาซี D. Scarlatti ขยายและปรับปรุงโครงสร้างที่เป็นรูปเป็นร่างและวิธีการแสดงออกของดนตรีคลาเวียร์ โซนาตาสำหรับฮาร์ปซิคอร์ดของเขา (ผู้เขียนเรียกพวกเขาว่า "แบบฝึกหัด" - "Essercizi per Gravicembalo") ซึ่งโดดเด่นด้วยความหลากหลายของตัวละครและเทคนิคการนำเสนอเป็นสารานุกรมประเภทหนึ่งของศิลปะคลาเวียร์ในยุคนั้น บทเพลงของ Scarlatti มีรูปแบบที่ชัดเจนและกระชับ เน้นประเด็นเฉพาะเรื่อง มีการกำหนดความแตกต่างไว้อย่างชัดเจน ส่วนของนิทรรศการโซนาต้า ตามหลังสการ์ลัตติ โซนาต้าคีย์บอร์ดได้รับการพัฒนาในผลงานของ B. Galuppi, D. Alberti (ซึ่งมีชื่อเกี่ยวข้องกับคำจำกัดความของเบส Albertian), G. Rutini, P. Paradisi, D. Cimarosa M. Clementi ซึ่งเชี่ยวชาญบางแง่มุมของท่าทางของ D. Scarlatti (ซึ่งแสดงออกโดยเฉพาะอย่างยิ่งในการสร้างโซนาตา 12 ตัวของเขา "ในสไตล์ของ Scarlatti") จากนั้นก็กลายมาใกล้ชิดกับปรมาจารย์ด้านดนตรีคลาสสิกที่พัฒนาแล้ว สไตล์และบางครั้งก็เป็นที่มาของความโรแมนติก ความสามารถพิเศษ

เอ็น. ปากานินีเป็นผู้เปิดศักราชใหม่ในประวัติศาสตร์การผลิตไวโอลิน ในฐานะนักแสดงและนักแต่งเพลง เขาเป็นศิลปินแนวโรแมนติก คลังสินค้า การเล่นของเขาสร้างความประทับใจอย่างไม่อาจต้านทานได้ด้วยการผสมผสานความสามารถอันมหาศาลเข้ากับจินตนาการอันเร่าร้อนและความหลงใหล มน. แยง. ปากานินี ("24 Caprices" สำหรับไวโอลินเดี่ยว คอนแชร์โตสำหรับไวโอลินและวงออเคสตรา ฯลฯ) ยังคงเป็นตัวอย่างวรรณกรรมไวโอลินอัจฉริยะที่ไม่มีใครเทียบได้ พวกเขาไม่เพียงมีอิทธิพลต่อการพัฒนาดนตรีไวโอลินในศตวรรษที่ 19 เท่านั้น แต่ยังรวมถึงผลงานของตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของขบวนการโรแมนติกด้วย นักเปียโน - F. Chopin, R. Schumann, F. Liszt

ปากานินีเป็นคนสุดท้ายของชาวอิตาลีผู้ยิ่งใหญ่ ผู้เชี่ยวชาญที่ทำงานในด้านเครื่องมือ ดนตรี. ในศตวรรษที่ 19 ความสนใจของนักแต่งเพลงและสาธารณชนมุ่งเน้นไปที่โอเปร่าเกือบทั้งหมด ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 18-19 โอเปร่าในอิตาลีกำลังประสบกับช่วงเวลาแห่งความซบเซา แบบดั้งเดิม ประเภทของโอเปร่าเซเรียและโอเปร่าบัฟฟาได้หมดความสามารถไปแล้วและไม่สามารถพัฒนาได้ ความคิดสร้างสรรค์ที่ใหญ่ที่สุดของอิตาลี นักแต่งเพลงโอเปร่าในเวลานี้ G. Spontini เกิดขึ้นนอกอิตาลี (ในฝรั่งเศสและเยอรมนี) ความพยายามของ S. Mayr (ภาษาเยอรมันตามสัญชาติ) เพื่อสนับสนุนประเพณีของโอเปร่าเซเรีย (โดยการต่อกิ่งองค์ประกอบที่ยืมมาบางส่วน) กลายเป็นเรื่องผสมผสาน F. Paer ผู้หลงใหลในการแสดงโอเปร่า ไม่ได้มีส่วนแปลกใหม่อย่างมีนัยสำคัญในแนวเพลงนี้เมื่อเปรียบเทียบกับผลงานของ Paisiello และ Cimarosa (ในประวัติศาสตร์ดนตรี ชื่อของแพร์ยังคงรักษาไว้ในฐานะผู้แต่งโอเปร่าโดยอิงจากเนื้อร้องของ J. Bouilly “Leonora, or Conjugal Love” ซึ่งทำหน้าที่เป็นแหล่งที่มาของบรรณารักษ์ “Fidelio” โดย Beethoven .)

ความเจริญรุ่งเรืองสูงของอิตาลี โอเปร่าในศตวรรษที่ 19 มีความเกี่ยวข้องกับกิจกรรมของ G. Rossini นักแต่งเพลงที่มีพรสวรรค์ด้านความไพเราะไม่สิ้นสุด ความเฉลียวฉลาด มีชีวิตชีวา อารมณ์ร่าเริง และการแสดงละครที่ไม่ผิดเพี้ยน สัญชาตญาณ. งานของเขาสะท้อนให้เห็นถึงความเจริญรุ่งเรืองโดยทั่วไปของอิตาลี วัฒนธรรมที่เกิดจากการเติบโตของความรักชาติ การปลดปล่อยแห่งชาติ แรงบันดาลใจ ประชาชนมีประชาธิปไตยอย่างลึกซึ้ง ตามต้นกำเนิด งานโอเปร่าของ Rossini ถูกส่งไปยังผู้ฟังที่หลากหลาย พระองค์ทรงฟื้นฟูชาติ ประเภทของโอเปร่าบัฟฟาและสูดลมหายใจใหม่เข้าไปทำให้ลักษณะของแอ็คชั่นคมชัดขึ้นและทำให้ลึกซึ้งยิ่งขึ้น บุคคลให้เข้าใกล้ความเป็นจริงมากขึ้น "The Barber of Seville" ของเขา (1816) คือจุดสุดยอดของอิตาลี การ์ตูน โอเปร่า Rossini ผสมผสานการเริ่มต้นที่ตลกขบขันเข้ากับการเสียดสีเสรี โอเปร่าบางเรื่องของเขามีการพาดพิงถึงสังคมโดยตรง และทางการเมือง สถานการณ์ในขณะนั้น ในโอเปร่ามีละครที่กล้าหาญ ตัวละครเขาเอาชนะความคิดโบราณที่เยือกเย็นของโอเปร่าซีรีส์โดยเฉพาะอย่างยิ่งโดยให้ความสำคัญกับการขับร้องเป็นพิเศษ จุดเริ่มต้น เรื่องเล่ากำลังได้รับการพัฒนาอย่างกว้างขวาง ฉากในโอเปร่าเรื่องสุดท้ายของ Rossini เรื่อง William Tell (1829) เกี่ยวกับการปลดปล่อยแห่งชาติ โครงเรื่องตีความด้วยวิธีโรแมนติก วางแผน.

ยวนใจได้รับการแสดงออกที่สดใส แนวโน้มในการทำงานของ V. Bellini และ G. Donizetti ซึ่งกิจกรรมเริ่มขึ้นในยุค 30 คริสต์ศตวรรษที่ 19 เมื่อมีขบวนการระดับชาติ ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา (Risorgimento) ในอิตาลีเข้าสู่ขั้นเด็ดขาดในการต่อสู้เพื่อเอกภาพและการเมือง ความเป็นอิสระของประเทศ ในโอเปร่าของเบลลินีเรื่อง "Norma" (1831) และ "The Puritans" (1835) ได้ยินการปลดปล่อยของชาติอย่างชัดเจน แรงจูงใจแม้ว่าผู้แต่งจะเน้นไปที่ละครส่วนตัวของตัวละครเป็นหลัก เบลลินีเป็นผู้เชี่ยวชาญด้านการแสดงออก โรแมนติก cantilena ซึ่งกระตุ้นความชื่นชมของ M. I. Glinka และ F. Chopin Donizetti มีความปรารถนาที่จะมีละครที่แข็งแกร่ง ผลกระทบและสถานการณ์เฉียบพลันบางครั้งส่งผลให้เกิดเรื่องประโลมโลกที่หยิ่งทะนง ดังนั้นความโรแมนติกอันยิ่งใหญ่ของเขา โอเปร่า ("Lucretia Borgia" ตาม V. Hugo, 1833; "Luciadi Lammermoor" ตาม V. Scott, 1835) กลับกลายเป็นว่ามีประสิทธิภาพน้อยกว่าการผลิต ประเภทตลก ("Elisir of Love", 1832; "Don Pasquale", 1843) ซึ่งเป็นประเพณี ประเภทอิตาลี opera buffa ได้รับคุณสมบัติใหม่: ความสำคัญของพื้นหลังประเภทเพิ่มขึ้น, ท่วงทำนองที่อุดมไปด้วยน้ำเสียงของความโรแมนติกและเพลงในชีวิตประจำวัน

ผลงานของ J. S. Mercadante, G. Pacini และนักแต่งเพลงคนอื่น ๆ ในช่วงเวลาเดียวกันไม่ได้แตกต่างกันอย่างเป็นอิสระ ลักษณะเฉพาะของแต่ละบุคคล แต่สะท้อนถึงแนวโน้มทั่วไปต่อการแสดงละครในรูปแบบโอเปร่าและการตกแต่งการแสดงออกทางดนตรี กองทุน ในเรื่องนี้พวกเขาพูดตรง รุ่นก่อนของ G. Verdi - หนึ่งในนักเขียนบทละครโอเปร่าที่ยิ่งใหญ่ที่สุดไม่เพียง แต่ในอิตาลีเท่านั้น แต่ยังรวมถึงดนตรีระดับโลกด้วย t-ra.

โอเปร่ายุคแรกของ Verdi ซึ่งปรากฏบนเวทีในยุค 40 ศตวรรษที่ 19 ยังไม่มีอิสระทางโวหารอย่างสมบูรณ์ (“ Nabucco”, “ Lombards ในตอนแรก สงครามครูเสด", "Ernani") ปลุกเร้าความกระตือรือร้นของผู้ชมด้วยความสมเพชรักชาติความรู้สึกอิ่มเอิบโรแมนติกจิตวิญญาณแห่งความกล้าหาญและความรักในอิสรภาพ ในงานยุค 50 ("Rigoletto", "Il Trovatore", " La Traviata") เขาได้รับความลึกทางจิตใจอย่างมากในด้านภาพ ความแข็งแกร่ง และความจริงของความขัดแย้งทางจิตวิญญาณที่รุนแรงและรุนแรง งานเขียนของ Verdi ได้รับการปลดปล่อยจากความสามารถพิเศษภายนอก การตกแต่งข้อความ กลายเป็นองค์ประกอบที่สำคัญตามธรรมชาติของแนวทำนองดนตรี ซึ่งได้รับความสำคัญใน โอเปร่าแห่งยุค 60 และ 70 "Don Carlos", "Aida") เขามุ่งมั่นที่จะเปิดเผยละครเพลงในวงกว้างเพิ่มเติมเสริมสร้างบทบาทของวงออเคสตราเสริมสร้างภาษาในโอเปร่าครั้งสุดท้ายของเขา - "Otello " (พ.ศ. 2429) แวร์ดีมาถึงการสร้างละครที่สมบูรณ์ซึ่งดนตรีเชื่อมโยงกับฉากแอ็คชั่นอย่างแยกไม่ออกและถ่ายทอดเฉดสีทางจิตวิทยาทั้งหมดได้อย่างยืดหยุ่น

ผู้ติดตามของ Verdi รวมถึง A. Ponchielli ผู้แต่งโอเปร่ายอดนิยม La Gioconda (1876) ไม่สามารถเสริมหลักการโอเปร่าของเขาด้วยสิ่งมีชีวิตใหม่ๆ ได้ ความสำเร็จ ในเวลาเดียวกัน งานของ Verdi ได้พบกับการต่อต้านจากกลุ่มผู้ติดตามละครเพลงของ Wagnerian การปฏิรูป อย่างไรก็ตาม Wagnerism ไม่ได้หยั่งรากลึกในอิตาลี; อิทธิพลของ Wagner รู้สึกได้ในหมู่นักประพันธ์เพลงบางคนไม่มากนักในหลักการของละครโอเปร่า แต่ในเทคนิคของฮาร์โมนิกส์ และออร์ค ตัวอักษร แนวโน้มของวากเนอร์สะท้อนให้เห็นในโอเปร่าเรื่อง "หัวหน้าปีศาจ" โดย Boito (พ.ศ. 2411) ซึ่งต่อมาได้ย้ายออกจากความหลงใหลในวากเนอร์อย่างสุดขั้ว

ในการต่อต้าน ศตวรรษที่ 19 Verism เริ่มแพร่หลายในอิตาลี ความสำเร็จอันยิ่งใหญ่ของผลงาน "La Honor Rural" ของ Mascagni (พ.ศ. 2433) และ "Pagliacci" ของ Leoncavallo (พ.ศ. 2435) มีส่วนทำให้ขบวนการนี้มีความโดดเด่นในอิตาลี ความคิดสร้างสรรค์โอเปร่า Verism ได้รับการสนับสนุนจาก U. Giordano (ในบรรดาผลงานของเขาที่โด่งดังที่สุดคือโอเปร่า André Chénier, 1896) และ F. Cilea

งานของชาวอิตาลีที่ใหญ่ที่สุดก็เชื่อมโยงกับเทรนด์นี้เช่นกัน นักแต่งเพลงโอเปร่าหลัง Verdi - G. Puccini สินค้าของเขา มักจะทุ่มเท ละครของคนธรรมดาๆ ท่ามกลางสีสันในชีวิตประจำวัน ในขณะเดียวกัน โอเปร่าของปุชชินีก็ปราศจากธรรมชาติที่มีอยู่ในความจริง คุณสมบัติเหล่านี้มีความโดดเด่นด้วยความละเอียดอ่อนทางจิตวิทยาที่มากขึ้น การวิเคราะห์ บทร้องที่เต็มไปด้วยจิตวิญญาณ และความสง่างามของงานเขียน มีความซื่อสัตย์ ประเพณีที่ดีที่สุดภาษาอิตาลี เบล คันโต ปุชชินีก็ทำให้การประกาศรุนแรงขึ้น การแสดงออกของกระทะ ท่วงทำนองพยายามสร้างความแตกต่างในการพูดในการร้องเพลงที่มีรายละเอียดมากขึ้น สีสันที่กลมกลืนกัน และออร์ค ภาษาของโอเปร่าของเขามีองค์ประกอบบางอย่างของอิมเพรสชั่นนิสม์ ในผลงานที่ครบกำหนดครั้งแรกของพวกเขา ("La Boheme", 1896; "Tosca", 1900) ปุชชินีมีความเกี่ยวข้องกับอิตาลีด้วย ประเพณีโอเปร่าของศตวรรษที่ 19 ต่อมาสไตล์ของเขามีความซับซ้อนมากขึ้น วิธีการแสดงออกของเขาได้รับความคมชัดและสมาธิมากขึ้น ปรากฏการณ์ประหลาดในอิตาลี ศิลปะโอเปร่า - ผลงานของ E. Wolf-Ferrari ผู้พยายามปรับปรุงความคลาสสิกให้ทันสมัย ประเภทของละครโอเปร่าที่ผสมผสานประเพณีเข้าด้วยกัน รูปแบบที่มีโวหาร ใช้วิธีการโรแมนติกตอนปลาย ("Curious Women", 1903; "Four Tyrants", 1906 ขึ้นอยู่กับเรื่องราวของ Goldoni) R. Zandonai ซึ่งเดินตามเส้นทางแห่งความเป็นจริงเป็นหลัก กลายมาใกล้ชิดกับรำพึงใหม่ๆ บางส่วน กระแสน้ำแห่งศตวรรษที่ 20

ความสำเร็จอันสูงส่งในอิตาลี โอเปร่าตอนอายุ 19 ปี - ต้น ศตวรรษที่ 20 มีความเกี่ยวข้องกับการออกดอกอันสุกใสของนักร้องนำ วัฒนธรรม. ประเพณีของอิตาลี Bel canto ซึ่งพัฒนาขึ้นในศตวรรษที่ 19 ได้รับการพัฒนาเพิ่มเติมในงานศิลปะของหลาย ๆ คน นักร้องหลายรุ่นผู้มีชื่อเสียงไปทั่วโลก ในเวลาเดียวกัน การแสดงของพวกเขาได้รับคุณสมบัติใหม่ๆ กลายเป็นโคลงสั้น ๆ และแสดงออกได้อย่างน่าทึ่งมากขึ้น ตัวแทนที่โดดเด่นคนสุดท้ายของสไตล์อัจฉริยะล้วนๆผู้เสียสละละคร เนื้อหาเพื่อความสวยงามของเสียงและเทคนิค ความคล่องตัวด้านเสียงคือ A. Catalani ในบรรดาปรมาจารย์คือชาวอิตาลี กระทะ โรงเรียนครึ่งแรก ศตวรรษที่ 19 ก่อตั้งขึ้นบนพื้นฐานของผลงานโอเปร่าของ Rossini, Bellini และ Donizetti - นักร้อง Giudita และ Giulia Grisi, G. Pasta, นักร้อง G. Mario, G. B. Rubini ในครึ่งหลัง ศตวรรษที่ 19 กาแล็กซีของนักร้อง "แวร์ดี" กำลังเกิดขึ้นรวมถึงนักร้อง A. Bosio, B. และ C. Marchisio, A. Patti, นักร้อง M. Battistini, A. Masini, G. Anselmi, F. Tamagno, E. Tamberlik และคนอื่น ๆ . ในศตวรรษที่ 20 ความรุ่งโรจน์แก่อิตาลี โอเปร่าได้รับการสนับสนุนจากนักร้อง A. Barbi , G. Bellincioni , A. Galli-Curci , T. Dal Monte , E. และ L. Tetrazzini นักร้อง G. De Luca , B. Gigli , E. Caruso , T. Skipa , ทิตต้า รัฟโฟ และอื่นๆ

จากจุดสิ้นสุด ศตวรรษที่ 19 ความสำคัญของโอเปร่าในความคิดสร้างสรรค์ของอิตาลี ผู้แต่งกำลังอ่อนแอลงและมีแนวโน้มที่จะย้ายศูนย์กลางของความสนใจไปที่สาขาเครื่องดนตรี ประเภท การฟื้นตัวของความคิดสร้างสรรค์ที่กระตือรือร้น สนใจเครื่องมือ ดนตรีได้รับการส่งเสริมโดยกิจกรรมของ G. Sgambati (ได้รับการยอมรับในยุโรปในฐานะนักเปียโนและผู้ควบคุมวง) และ G. Martucci แต่ผลงานของนักแต่งเพลงทั้งสองซึ่งพัฒนาภายใต้อิทธิพลของ F. Liszt และ R. Wagner นั้นยังไม่เป็นอิสระเพียงพอ

เสมือนลางสังหรณ์แห่งสุนทรียภาพใหม่ๆ แนวคิดและหลักการโวหารมีอิทธิพลอย่างมากต่อการพัฒนาของยุโรปทั้งหมด ดนตรีแห่งศตวรรษที่ 20 แสดงผลโดย F. Busoni - หนึ่งในนั้น นักเปียโนที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในสมัยของเขาเป็นนักแต่งเพลงและนักทฤษฎีศิลปะคนสำคัญ เขาหยิบยกแนวคิดของ "คลาสสิกนิยมใหม่" ซึ่งเขาตรงกันข้ามกับอิมเพรสชันนิสต์ในแง่หนึ่ง ความลื่นไหลของภาพ ความคลาดเคลื่อนของเฉดสี ในทางกลับกัน "อนาธิปไตย" และ "ความเด็ดขาด" ของลัทธิ atonalism ของ Schoenberg ความคิดสร้างสรรค์ของคุณ Busoni นำหลักการไปใช้ในงานต่างๆ เช่น "Contrapuntal Fantasy" (1921), "การแสดงด้นสดในธีม Bach Chorale" เป็นเวลา 2 ชั่วโมง (พ.ศ. 2459) เช่นเดียวกับโอเปร่า "Harlequin หรือ Window", "Turandot" (ทั้งสองโพสต์ พ.ศ. 2460) ซึ่งเขาละทิ้งกระทะที่พัฒนาแล้ว ตามสไตล์ชาวอิตาลีของพวกเขา บรรพบุรุษและพยายามที่จะเข้าใกล้ประเภทของคนโบราณมากขึ้น ตลกหรือตลก

ความคิดสร้างสรรค์ของอิตาลีพัฒนาไปตามแนวนีโอคลาสสิก นักแต่งเพลงบางครั้งก็รวมกันภายใต้ชื่อ "กลุ่มแห่งทศวรรษ 1880" - I. Pizzetti, J. F. Malipiero, A. Casella พวกเขาพยายามที่จะรื้อฟื้นประเพณีของชาติผู้ยิ่งใหญ่ ดนตรี อดีตหันไปสู่รูปแบบและโวหาร เทคนิคอิตาลี บทสวดเกรโกเรียนสไตล์บาโรกและไพเราะ ผู้สนับสนุนและนักวิจัยดนตรียุคแรก Malipiero publ. ของสะสม ผลงานโดย C. Monteverdi, instr. แยง. ก. วิวาลดีและมรดกที่ถูกลืมของใครหลายคน ภาษาอิตาลี นักประพันธ์เพลงแห่งศตวรรษที่ 17-18 ในงานของเขา เขาใช้รูปแบบของโซนาตาบาโรกโบราณ ไรเซอร์คาร์ ฯลฯ โอเปร่าหลักของเขา บนรถด่วน กระทะ ประกาศและวิธีตระหนี่ของ orc ย้อนนึกถึงสิ่งที่เกิดขึ้นในยุค 20 ปฏิกิริยาต่อต้านความจริง แนวโน้มนีโอคลาสสิกของงานของ Casella แสดงให้เห็นใน "Partita" สำหรับ fp กับวงออเคสตรา (พ.ศ. 2468) ชุด "Scarlattiana" (พ.ศ. 2469) โรงละครดนตรีบางแห่ง แยง. (ตัวอย่างเช่น แชมเบอร์โอเปร่า "The Tale of Orpheus", 1932) ขณะเดียวกันเขาก็หันไปเป็นภาษาอิตาลี คติชน (แรปโซดีสำหรับวงออเคสตรา "อิตาลี", 2452) ออร์คหลากสีสันของมัน จดหมายได้รับการพัฒนาอย่างกว้างขวางภายใต้อิทธิพลของรัสเซีย และภาษาฝรั่งเศส โรงเรียน (เครื่องบรรณาการต่อความหลงใหลในดนตรีรัสเซียคือการเรียบเรียงเพลง "Islamey" ของ Balakirev) Pizzetti นำองค์ประกอบทางศาสนาและศีลธรรมมาสู่โอเปร่าของเขาและทำให้รำพึงรำพึง ภาษาที่มีน้ำเสียงของบทสวดเกรโกเรียน โดยไม่ขัดกับประเพณีของอิตาโลในเวลาเดียวกัน โรงเรียนโอเปร่าแห่งศตวรรษที่ 19 หลาย สถานที่พิเศษในกลุ่มนักแต่งเพลงกลุ่มนี้ถูกครอบครองโดยผลงานของ O. Respighi ปรมาจารย์แห่งออร์ค การบันทึกเสียง (การก่อตัวของความคิดสร้างสรรค์ของเขาได้รับอิทธิพลจากชั้นเรียนกับ N. A. Rimsky-Korsakov) ในวงซิมโฟนี บทกวีของ Respighi ("Roman Fountains", 1916; "Pineas of Rome", 1924) ให้ภาพที่สดใสของผู้คน ชีวิตและธรรมชาติ แนวโน้มนีโอคลาสสิกสะท้อนให้เห็นเพียงบางส่วนในตัวเขาเท่านั้น ความคิดสร้างสรรค์ล่าช้า- บทบาทที่เห็นได้ชัดเจนใน I. m. ครึ่งแรก ศตวรรษที่ 20 รับบทโดย F. Alfano ตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของขบวนการที่แท้จริง (โอเปร่า "การฟื้นคืนชีพ" ที่สร้างจากนวนิยายของ L.N. Tolstoy, 1904) ซึ่งต่อมาได้พัฒนาไปสู่อิมเพรสชั่นนิสต์ M. Castelnuovo-Tedesco และ V. Rieti ซึ่งในตอนแรก สงครามโลกครั้งที่ 2 พ.ศ. 2482-45 ตามการเมือง เหตุผลที่ละทิ้งบ้านเกิดและตั้งรกรากในสหรัฐอเมริกา

เมื่อถึงช่วงเปลี่ยนผ่านของยุค 40 ศตวรรษที่ 20 การเปลี่ยนแปลงโวหารที่เห็นได้ชัดเจนเกิดขึ้นใน I. m. แนวโน้มของนีโอคลาสสิกถูกแทนที่ด้วยแนวโน้มที่พัฒนาในรูปแบบใดรูปแบบหนึ่งตามหลักการของโรงเรียนเวียนนาใหม่ งานสร้างสรรค์เป็นสิ่งบ่งชี้ในเรื่องนี้ วิวัฒนาการของ G. Petrassi ผู้ซึ่งเคยประสบกับอิทธิพลของ A. Casella และ I. F. Stravinsky ได้ย้ายไปยังตำแหน่งแห่งความเป็นเอกเทศอย่างอิสระก่อนแล้วจึงไปสู่ลัทธิสิบสองโทที่เข้มงวด นักแต่งเพลงที่ใหญ่ที่สุดในยุคนี้คือ L. Dallapiccola ซึ่งผลงานของเขาได้รับความสนใจอย่างกว้างขวางหลังสงครามโลกครั้งที่ 2 ในผลิตภัณฑ์ของเขา 40 และ 50 ลักษณะของการแสดงออกและเครือญาติปรากฏขึ้น ความคิดสร้างสรรค์ของ A. Berg สิ่งที่ดีที่สุดของพวกเขารวบรวมมนุษยนิยม การประท้วงต่อต้านการปกครองแบบเผด็จการและความโหดร้าย (การร้องเพลงประสานเสียง "เพลงของนักโทษ", พ.ศ. 2481-2484; โอเปร่า "นักโทษ", พ.ศ. 2487-48) ซึ่งทำให้พวกเขามีแนวทางต่อต้านฟาสซิสต์

ในบรรดานักประพันธ์เพลงรุ่นใหม่ที่เกิดขึ้นหลังสงครามโลกครั้งที่สอง L. Berio, S. Bussotti, F. Donatoni, N. Castiglioni, B. Maderna, R. Malipiero และคนอื่น ๆ มีชื่อเสียงในงานของพวกเขา กระแสของลัทธิเปรี้ยวจี๊ด - อนุกรมนิยมหลังเวเบอเรียน, ลัทธิโซโนริซึม (ดูดนตรีอนุกรม, ลัทธิโซโนริซึม), aleatorism และเป็นเครื่องบรรณาการให้การค้นหาอย่างเป็นทางการสำหรับวิธีการเสียงใหม่ ฐานเบริโอและมาเดอร์นา ในปีพ. ศ. 2497 ในเมืองมิลาน "Studio of Phonology" ซึ่งทำการทดลองในสนาม ดนตรีอิเล็กทรอนิกส์- ในขณะเดียวกันนักประพันธ์เพลงเหล่านี้บางคนก็พยายามที่จะผสมผสานสิ่งที่เรียกว่า วิธีใหม่ในการแสดงออกทางดนตรี ล้ำหน้าด้วยรูปแบบประเภทและเทคนิคดนตรีของศตวรรษที่ 16-17

สถานที่พิเศษในยุคปัจจุบัน I. m. เป็นของนักแต่งเพลงคอมมิวนิสต์และนักสู้เพื่อสันติภาพ L. Nono ในงานของเขา เขาได้กล่าวถึงหัวข้อที่เร่งด่วนที่สุดในยุคของเรา โดยพยายามรวบรวมแนวคิดระดับนานาชาติ ความเป็นพี่น้องและความสามัคคีของคนงาน การประท้วงต่อต้านลัทธิจักรวรรดินิยม การกดขี่และความก้าวร้าว แต่วิธีการของศิลปะแนวหน้าซึ่งโนโนะใช้ มักจะขัดแย้งกับความปรารถนาของเขาที่จะมีความฉับไว การโฆษณาชวนเชื่อ กระทบต่อผู้ฟังในวงกว้าง

นอกเหนือจากแนวโน้มที่ล้ำสมัยแล้ว G.C. Menotti - ภาษาอิตาลี นักแต่งเพลงอาศัยและทำงานในสหรัฐอเมริกา ในงานของเขาที่เกี่ยวข้องกับโอเปร่าเป็นหลัก องค์ประกอบของ verism ได้รับการระบายสีแบบนิพจน์นิสต์ ในขณะที่การค้นหาน้ำเสียงพูดที่เป็นจริงนำเขาไปสู่การสร้างสายสัมพันธ์บางส่วนกับ M. P. Mussorgsky

ในด้านดนตรี โอเปร่ายังคงมีบทบาทสำคัญในชีวิตของอิตาลีต่อไป หนึ่งในบริษัทโอเปร่าที่โดดเด่นที่สุดในโลกคือ La Scala ในมิลาน ซึ่งมีมาตั้งแต่ปี 1778 โรงโอเปร่าที่เก่าแก่ที่สุดในอิตาลียังรวมถึง San Carlo ในเนเปิลส์ (ก่อตั้งในปี 1737), Fenice ในเวนิส (ก่อตั้งในปี 1792) ศิลปะขนาดใหญ่ โรงละครโอเปร่าโรมันได้รับความสำคัญ (เปิดในปี พ.ศ. 2423 ภายใต้ชื่อโรงละครคอสแทนซี ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2489 - โรงละครโอเปร่าโรมัน) ท่ามกลางความทันสมัยที่โดดเด่นที่สุด ภาษาอิตาลี ศิลปินโอเปร่า - นักร้อง G. Simionato, R. Scotto, A. Stella, R. Tebaldi, M. Freni; นักร้อง G. Becky, T. Gobbi, M. Del Monaco, F. Corelli, G. Di Stefano

อิทธิพลอย่างมากต่อการพัฒนาโอเปร่าและซิมโฟนี วัฒนธรรมในอิตาลีได้รับอิทธิพลจากกิจกรรมของ A. Toscanini หนึ่งในวาทยากรที่ยิ่งใหญ่ที่สุดแห่งศตวรรษที่ 20 ตัวแทนการแสดงดนตรีที่มีชื่อเสียง ศิลปินคือวาทยากร P. Argento, V. De Sabata, G. Cantelli, T. Serafin, R. Fasano, V. Ferrero, C. Zecchi; นักเปียโน A. Benedetti Michelangeli; นักไวโอลินเจ. เดอวิโต; นักเชลโล E. Mainardi

ตั้งแต่ต้น ศตวรรษที่ 20 การวิจัยด้านดนตรีได้รับการพัฒนาอย่างเข้มข้นในอิตาลี และที่สำคัญ คิด. วิธี. มีส่วนสนับสนุนการศึกษาดนตรี มรดกได้รับการสนับสนุนโดยนักดนตรี G. Barblan (ประธานสมาคมดนตรีวิทยาแห่งอิตาลี), A. Bonaventura, G. M. Gatti, A. Della Corte, G. Pannain, G. Radiciotti, L. Torchi, F. Torrefranca และคนอื่น ๆ . Zafred และ M. Mila ทำงานได้อย่างโดดเด่น ในสาขาดนตรี นักวิจารณ์ มีการเผยแพร่เพลงจำนวนหนึ่งในประเทศอิตาลี นิตยสารรวมถึง "Rivista Musicale italiana" (ตูริน, มิลาน, 1894-1932, 1936-1943, 1946-), "Musica d"oggi" (มิลาน, 1919-40, 1958-), "La Rassegna Musicale" (ตูริน, 1928-40 ; โรม, 2484-2486, 2490-62), "Bolletino Bibliografico Musicale" (มิลาน, 2469-36, 2495-), "Il Convegno Musicale" (ตูริน, 2507-) ฯลฯ

มีการเผยแพร่สารานุกรมจำนวนหนึ่งซึ่งอุทิศให้กับ เพลงและ t-ru รวมถึง "Enciclopedia della musica" (ข้อ 1-4, Mil., 1963-64), "Enciclopedia dello spettacolo" (ข้อ 1-9, Roma, 1954-62)

ท่ามกลางความพิเศษ ดนตรี เอ่อ สถาบันที่ใหญ่ที่สุดคือโรงเรียนสอนดนตรี: "Santa Cecilia" ในโรม (ก่อตั้งในปี พ.ศ. 2419 เพื่อเป็นสถานแสดงดนตรีและตั้งแต่ปี พ.ศ. 2462 - เรือนกระจก); ชื่อของ G. B. Martini ในโบโลญญา (ตั้งแต่ปี 1942 ก่อตั้งในปี 1804 ในฐานะสถานศึกษาดนตรีตั้งแต่ปี 1914 ได้รับสถานะเป็นเรือนกระจก) พวกเขา. Benedetto Marcello ในเวนิส (ตั้งแต่ปี 1940 ก่อตั้งในปี 1877 ในฐานะสถานแสดงดนตรีตั้งแต่ปี 1916 เท่ากับโรงเรียนอุดมศึกษา); Milanskaya (ก่อตั้งในปี 1808 ในปี 1901 ตั้งชื่อตาม G. Verdi); พวกเขา. L. Cherubini ในฟลอเรนซ์ (ก่อตั้งในปี พ.ศ. 2392 ในฐานะสถาบันดนตรี จากนั้นเป็นโรงเรียนดนตรี สถาบันดนตรี และจากปี พ.ศ. 2455 - เรือนกระจก) ศาสตราจารย์ นักดนตรียังได้รับการฝึกอบรมจากสถาบันประวัติศาสตร์ดนตรีในมหาวิทยาลัย สถาบันดนตรีศักดิ์สิทธิ์ Pontifical Ambrosian ฯลฯ ในโรงเรียนเหล่านี้ สถาบันต่างๆ เช่นเดียวกับที่สถาบันเพื่อการศึกษามรดกของ Verdi ก็มีการดำเนินการด้านดนตรีวิทยา งาน. The International ก่อตั้งขึ้นในเมืองเวนิส ศูนย์โฆษณาชวนเชื่อของอิตาลี ดนตรีซึ่งจัดหลักสูตรภาคฤดูร้อน (“Musical Vacations”) เป็นประจำทุกปีเกี่ยวกับการศึกษาภาษาอิตาลีโบราณ ดนตรี. ห้องสมุด Ambrosian และห้องสมุดของ Milan Conservatory มีคอลเลกชันแผ่นเพลงและหนังสือเกี่ยวกับดนตรีมากมาย คลังเก็บเครื่องดนตรีโบราณ แผ่นโน้ตเพลง และหนังสือเป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวาง (มีศูนย์กลางอยู่ที่ห้องสมุดของ Bologna Philharmonic Academy ในห้องสมุดของ G.B. Martini และในหอจดหมายเหตุของโบสถ์ San Petronio ในโบโลญญา) วัสดุที่ร่ำรวยที่สุดในประวัติศาสตร์อิตาลี ดนตรีมีชาติ ห้องสมุด Marciana, ห้องสมุดมูลนิธิ D. Cini และพิพิธภัณฑ์ดนตรี เครื่องมือที่ Conservatory ในเมืองเวนิส

ในอิตาลีก็มีมากมาย ดนตรี องค์กรและการดำเนินการ ทีม ซิมโฟนีปกติ คอนเสิร์ตจัดขึ้นโดย: ออเคสตราของ La Scala และ Fenice, National Academy "Santa Cecilia" ประเทศอิตาลี วิทยุและโทรทัศน์ในโรม ซึ่งเป็นวงออเคสตราของสมาคม "การเล่นดนตรียามบ่าย" ("Rommerigi Musicali") ซึ่งดำเนินการเป็นหลัก จากภาษาสเปน ทันสมัย ดนตรี, แชมเบอร์ออเคสตร้า "Angelicum" และ "Virtuosi of Rome", สังคม "Ambrosian Polyphony" ซึ่งส่งเสริมดนตรีในยุคกลาง, ยุคเรอเนซองส์และบาโรก รวมถึงวงออเคสตราของโรงละครโบโลญญา "Comunale", ห้องโบโลญญา วงออเคสตราและกลุ่มอื่นๆ

มีกิจกรรมมากมายที่จัดขึ้นในอิตาลี ดนตรี เทศกาลและการแข่งขัน: Int. เทศกาลสมัยใหม่ ดนตรี (ตั้งแต่ปี 1930, เวนิส), "Florentine Musical May" (ตั้งแต่ปี 1933), "Festival of Two Worlds" ใน Spoleto (ตั้งแต่ปี 1958 ก่อตั้งโดย G. C. Menotti), "Week เพลงใหม่"(ตั้งแต่ปี 1960, ปาแลร์โม), การแข่งขันเปียโน F. Busoni ในโบลซาโน (ตั้งแต่ปี 1949 ทุกปี), การแข่งขันดนตรีและนาฏศิลป์ G. B. Viotti ที่ Vercelli (ตั้งแต่ปี 1950 ทุกปี), การแข่งขัน A. Casella ในเนเปิลส์ (ตั้งแต่ปี 1952 ทุกๆ 2 ปี) จนกระทั่งปี 1960 นักเปียโนเข้าร่วมตั้งแต่ปี 1962 - นักแต่งเพลงด้วย) การแข่งขันไวโอลินของ N. Paganini ในเจนัว (ตั้งแต่ปี 1954 ทุกปี) การแข่งขันผู้ควบคุมวงออเคสตราในกรุงโรม (ตั้งแต่ปี 1956 ทุก ๆ 3 ปีก่อตั้งโดย National Academy "Santa Cecilia "), การแข่งขันเปียโน E. Pozzoli ในเซเรนโน (ตั้งแต่ปี 1959 ทุกๆ 2 ปี), การแข่งขัน G. Cantelli สำหรับผู้ควบคุมวงรุ่นเยาว์ในโนวารา (ตั้งแต่ปี 1961 ทุกๆ 2 ปี), การแข่งขันแกนนำ "Verdi Voices" ใน Busseto (ตั้งแต่ปี 1961) ทุกปี) การแข่งขันของกลุ่มนักร้องประสานเสียงที่ตั้งชื่อตาม Guido d'Arezzo ใน Arezzo (ก่อตั้งในปี 1952 เป็นระดับชาติตั้งแต่ปี 1953 - ระดับนานาชาติ; ทุกปีหรือที่เรียกว่า "Polyfonico" ") การแข่งขันเชลโลตั้งชื่อตาม G. Casado ในฟลอเรนซ์ (ตั้งแต่ปี 1969 ทุก ๆ 2 ปี)

ในหมู่ชาวอิตาลี ดนตรี สังคม - คอร์ปอเรชั่นดนตรีใหม่ (ส่วนหนึ่งของสมาคมดนตรีร่วมสมัยนานาชาติ; ก่อตั้งในปี พ.ศ. 2460 ในฐานะสมาคมดนตรีแห่งชาติ ในปี พ.ศ. 2462 ได้เปลี่ยนเป็นสมาคมดนตรีร่วมสมัยแห่งอิตาลี ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2466 - คอร์ปอเรชั่น) สมาคมดนตรี ห้องสมุด สมาคมดนตรีวิทยา ฯลฯ มีงานทำมากมายในอิตาลี ดนตรี สำนักพิมพ์และบริษัทการค้า "Ricordi and Co." (ก่อตั้งเมื่อปี พ.ศ. 2351) ซึ่งมีสาขาอยู่หลายแห่ง ประเทศ.

วรรณกรรม: Ivanov-Boretsky M.V. กวีนิพนธ์ดนตรี-ประวัติศาสตร์ เล่ม 1 1-2 ม. 2476-36; ของเขา วัสดุและเอกสารเกี่ยวกับประวัติศาสตร์ดนตรี เล่ม 2 ม. 2477; Kuznetsov K. A. ภาพถ่ายบุคคลทางดนตรีและประวัติศาสตร์, ser. 1 ม. 2480; Livanova T. ประวัติศาสตร์ ดนตรียุโรปตะวันตกจนถึงปี 1789 M. - L. , 1940; Gruber R.I. ประวัติศาสตร์ดนตรีทั่วไป ตอนที่หนึ่ง M. , 1956, 1965; Khokhlovkina A. , โอเปร่ายุโรปตะวันตก ปลายศตวรรษที่ 18 - ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 บทความ, M. , 1962; ประวัติศาสตร์ประวัติศาสตร์ศิลปะยุโรป: ตั้งแต่สมัยโบราณจนถึงปลายศตวรรษที่ 18, M. , 1963; ประวัติศาสตร์ประวัติศาสตร์ศิลปะยุโรป ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19, M. , 1965