ความงามอันน่าพิศวง: ผู้หญิงในการวาดภาพจากทิศทางที่แตกต่างกัน ผลงานจิตรกรรมคลาสสิกชิ้นเอกที่น่าตกตะลึง

ศิลปินและช่างภาพชาวจีน Dong Hong-Oai เกิดในปี 1929 และเสียชีวิตในปี 2004 เมื่ออายุ 75 ปี เขาทิ้งผลงานอันน่าทึ่งที่สร้างขึ้นในสไตล์การวาดภาพ - ภาพถ่ายที่น่าทึ่งซึ่งคล้ายกับผลงานแบบดั้งเดิม ภาพวาดจีน.

Dong Hong-Oai เกิดเมื่อปี 1929 ในเมืองกวางโจว มณฑลกวางตุ้ง ประเทศจีน เขาออกจากประเทศเมื่ออายุเจ็ดขวบหลังจากพ่อแม่ของเขาเสียชีวิตอย่างไม่คาดคิด

ในฐานะลูกคนสุดท้องในบรรดาลูก 24 คน ตงไปอาศัยอยู่ในชุมชนชาวจีนในเมืองไซง่อน ประเทศเวียดนาม ต่อมาเขาได้ไปเยือนประเทศจีนหลายครั้ง แต่ไม่เคยอยู่ในประเทศนั้นอีกเลย

เมื่อมาถึงไซ่ง่อน ตงก็กลายเป็นเด็กฝึกงานในสตูดิโอถ่ายภาพผู้อพยพชาวจีน ที่นั่นเขาได้เรียนรู้พื้นฐานการถ่ายภาพ นอกจากนี้ เขายังหลงรักการถ่ายภาพธรรมชาติ ซึ่งเขามักจะใช้กล้องตัวใดตัวหนึ่งจากสตูดิโอ ในปี 1950 เมื่ออายุ 21 ปี เขาเข้าเรียนที่มหาวิทยาลัยศิลปะแห่งชาติเวียดนาม

เมื่อปี พ.ศ. 2522 ระหว่าง สาธารณรัฐสังคมนิยมพรมแดนอันนองเลือดได้เปิดออกแล้วระหว่างเวียดนามและสาธารณรัฐประชาชนจีน รัฐบาลเวียดนามเริ่มนโยบายปราบปรามชาวจีนเชื้อสายจีนที่อาศัยอยู่ในประเทศ เป็นผลให้ดงกลายเป็นหนึ่งใน "ชาวเรือ" หลายล้านคนที่หนีออกจากเวียดนามในช่วงปลายทศวรรษที่ 70 และต้นทศวรรษที่ 80

เมื่ออายุ 50 ปี พูดภาษาอังกฤษไม่ได้ และไม่มีครอบครัวหรือเพื่อนในสหรัฐอเมริกา ดงมาถึงซานฟรานซิสโก เขายังสามารถซื้อห้องเล็กๆ สำหรับพัฒนาภาพถ่ายได้อีกด้วย

การขายรูปถ่ายของเขาที่งานแสดงสินค้าริมถนนในท้องถิ่น ทำให้ Dong สามารถหาเงินได้มากพอที่จะกลับไปถ่ายรูปที่จีนเป็นระยะๆ

นอกจากนี้เขายังมีโอกาสได้ศึกษาต่อภายใต้การแนะนำของ Long Chin-San ในประเทศไต้หวันอีกด้วย

หลง ชิน-ซาน ซึ่งเสียชีวิตในปี 1995 ขณะอายุ 104 ปี ได้พัฒนาสไตล์การถ่ายภาพโดยอาศัยการพรรณนาถึงธรรมชาติแบบจีนโบราณ

เป็นเวลาหลายศตวรรษแล้วที่ศิลปินจีนได้สร้างภูมิทัศน์สีเดียวอันงดงามโดยใช้พู่กันและหมึกที่เรียบง่าย

ภาพวาดเหล่านี้ไม่ควรสื่อถึงธรรมชาติอย่างชัดเจน แต่ควรสื่อถึงบรรยากาศทางอารมณ์ของธรรมชาติ ใน ปีที่ผ่านมาของอาณาจักรซ่งและจักรวรรดิหยวนตอนต้น ศิลปินเริ่มผสมผสานทั้งสามอย่างบนผืนผ้าใบผืนเดียว รูปร่างที่แตกต่างกันศิลปะ... บทกวี การประดิษฐ์ตัวอักษร และจิตรกรรม

เชื่อกันว่าการสังเคราะห์รูปแบบนี้ทำให้ศิลปินสามารถแสดงออกได้อย่างเต็มที่

Long Chin-San เกิดเมื่อปี พ.ศ. 2434 ศึกษาประเพณีการวาดภาพแบบคลาสสิกนี้อย่างแม่นยำ เมื่อถึงจุดหนึ่งในอาชีพการงานอันยาวนานของเขา Luhn เริ่มทดลองถ่ายทอดสไตล์ศิลปะอิมเพรสชั่นนิสต์มาสู่การถ่ายภาพ

ในขณะที่ยังคงรักษาแนวทางการขยายขนาดแบบเป็นชั้น เขาได้พัฒนาวิธีการแบบแบ่งชั้นฟิล์มเนกาทีฟที่สอดคล้องกับระยะห่างสามระดับ ลุงสอนวิธีนี้ให้ตง

พยายามเลียนแบบแบบดั้งเดิมให้ใกล้ชิดยิ่งขึ้น สไตล์จีนดงเพิ่มการประดิษฐ์ตัวอักษรให้กับภาพถ่าย

ผลงานใหม่ของตงซึ่งมีพื้นฐานมาจากภาพวาดจีนโบราณ เริ่มได้รับความสนใจจากนักวิจารณ์ในช่วงทศวรรษ 1990

เขาไม่จำเป็นต้องขายรูปถ่ายของเขาที่งานแสดงสินค้าริมถนนอีกต่อไป ตอนนี้เขาเป็นตัวแทนโดยตัวแทน และผลงานของเขาเริ่มวางขายในแกลเลอรีทั่วสหรัฐอเมริกา ยุโรป และเอเชีย

เขาไม่จำเป็นต้องพึ่งพาลูกค้ารายบุคคลอีกต่อไป ปัจจุบันงานของเขาเป็นที่ต้องการของไม่เพียงแต่โดยนักสะสมงานศิลปะส่วนตัวเท่านั้น แต่ยังรวมถึงผู้ซื้อองค์กรและพิพิธภัณฑ์ด้วย เขาอายุประมาณ 60 ปีเมื่อเขาประสบความสำเร็จทางการเงินในระดับหนึ่งเป็นครั้งแรกในชีวิต

Pictorialism คือการเคลื่อนไหวในการถ่ายภาพที่เกิดขึ้นราวปี 1885 หลังจากการนำเสนอกระบวนการถ่ายภาพบนแผ่นพิมพ์แบบเปียกอย่างกว้างขวาง การเคลื่อนไหวมาถึงจุดสูงสุดเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 และช่วงเวลาแห่งความเสื่อมถอยเกิดขึ้นในปี พ.ศ. 2457 หลังจากการเกิดขึ้นและการแพร่กระจายของลัทธิสมัยใหม่

คำว่า "pictorialism" และ "pictorialist" มีการใช้อย่างแพร่หลายหลังปี ค.ศ. 1900

ภาพนิยมเกี่ยวข้องกับแนวคิดที่ว่าการถ่ายภาพเชิงศิลปะควรเลียนแบบการวาดภาพและการแกะสลักในศตวรรษนั้น

ภาพถ่ายเหล่านี้ส่วนใหญ่เป็นภาพขาวดำหรือซีเปีย เทคนิคที่ใช้ ได้แก่ การโฟกัสที่ไม่เสถียร ฟิลเตอร์พิเศษและการเคลือบเลนส์ รวมถึงกระบวนการพิมพ์ที่แปลกใหม่

เป้าหมายของเทคนิคดังกล่าวคือการบรรลุ “การแสดงออกถึงตัวตนของผู้เขียน”

แม้จะมีเป้าหมายในการแสดงออก แต่ภาพถ่ายที่ดีที่สุดเหล่านี้ดำเนินไปคู่ขนานกับสไตล์อิมเพรสชั่นนิสต์ มากกว่าที่จะก้าวไปพร้อมกับภาพวาดสมัยใหม่

เมื่อมองย้อนกลับไป เรายังสามารถเห็นความคล้ายคลึงกันอย่างใกล้ชิดระหว่างองค์ประกอบภาพและหัวข้อภาพของภาพวาดและภาพถ่ายประเภท Pictorialist

ร่างกายที่เปลือยเปล่าของคุณควรเป็นของผู้ที่รักจิตวิญญาณที่เปลือยเปล่าของคุณเท่านั้น

ชาร์ลี แชปลิน

“ขาของผู้หญิงที่สวยงามได้พลิกประวัติศาสตร์มากกว่าหนึ่งหน้า” ชาวฝรั่งเศสกล่าว และพวกเขาก็พูดถูก ท้ายที่สุดแล้ว เราไม่ได้พูดถึงเพียงขนาดของรัฐเท่านั้น ในประวัติศาสตร์ส่วนตัวของ Francisco José de Goya ที่ไม่ธรรมดา คุณ Lucientes นี่คือสิ่งที่เกิดขึ้นจริงๆ พวกเขามั่นใจว่าผู้ร่วมสมัยของศิลปินที่รู้เกี่ยวกับความรักในความรักและความไม่มั่นคง: ทุกอย่างเปลี่ยนไปเมื่อเกจิพบกับดัชเชสมาเรียเทเรเซียกาเยตานาเดลปิลาร์เดอัลบาซึ่งเป็นทายาทของตระกูลขุนนางในสมัยโบราณ บางคนชื่นชมความงามอันน่าพิศวงของเธอซึ่งเรียกเธอว่าราชินีแห่งมาดริดเมื่อเปรียบเทียบเธอกับวีนัสโดยมั่นใจว่า: "ใคร ๆ ก็ต้องการเธอคนสเปน!" “เมื่อเธอเดินไปตามถนน ทุกคนมองออกไปนอกหน้าต่าง แม้แต่เด็กๆ ก็หยุดเล่นเกมเพื่อมองเธอ ดัชเชสไม่ต้องการสนใจกับความตื่นเต้นทั้งหมดนี้ เธอเลือกเพื่อนและศัตรูของเธอเองโดยไม่รู้สึกเขินอายเมื่อมีสามีอยู่ด้วย ความสำคัญพิเศษเรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ ของภรรยา ดังนั้นเธอจึงถือว่าความหลงใหลใหม่ของเธอที่มีต่อจิตรกรในศาลเป็นเพียงความปรารถนาธรรมดา อย่างไรก็ตามทั้งคู่ร่วมกันอุปถัมภ์ Goya เนื่องจากนอกเหนือจากชีวิตส่วนตัวที่วุ่นวายแล้วพวกเขายังมีส่วนร่วมในการทำบุญและการกุศลอีกด้วย เราได้พบกับฟรานซิสโกผ่านศิลปะของคาเยตาน่า

ความสัมพันธ์ของพวกเขายืนหยัดต่อการทดสอบของเวลาและความเจ็บป่วยร้ายแรงของศิลปินซึ่งส่งผลให้สูญเสียการได้ยิน เขาวาดภาพเหมือนของเธอ โดยจับภาพผู้หญิงที่เขารักจากมุมและการแต่งตัวที่แตกต่างกัน หนึ่งในนั้นคือ "ดัชเชสแห่งอัลบาในชุดดำ" - ตามหลักฐานที่ชัดเจนของความสัมพันธ์ใกล้ชิดของพวกเขา ความจริงก็คือหลังจากการบูรณะภาพวาดซึ่งดำเนินการในช่วงอายุหกสิบเศษของศตวรรษที่ยี่สิบบนวงแหวนแห่งความงามก็มีการค้นพบการแกะสลักที่มีชื่อของอัลบาและโกยา นิ้วอันสง่างามของดัชเชสชี้ไปที่ทรายซึ่งมีคำจารึกฝีปากชัดเจน: "มีเพียงโกยาเท่านั้น" เชื่อกันว่าผู้เขียนเก็บภาพวาดนี้ไว้ที่บ้าน “เพื่อการใช้งานส่วนตัว” และไม่เคยจัดแสดงเลย เช่นเดียวกับอัลบาเอง มีอีกสองคนที่เกิดหลังจากสามีตามกฎหมายของเธอเสียชีวิต มีความเห็นว่าเมื่อฝังสามีของเธอแล้ว หญิงม่ายที่ "เศร้าโศก" ก็ไปที่ที่ดินแห่งหนึ่งของเธอในอันดาลูเซียเพื่อเสียใจ และเพื่อไม่ให้รู้สึกเหงาเลยเธอจึงเชิญโกยามาร่วมด้วย ตอนนั้นเองที่เขียนเรื่อง “มาฆะเปลือย” และ “มาฆะแต่งตัว” (สมัยนั้นมหามีเป็นชื่อที่ตั้งให้แก่สาว ๆ ที่แต่งกายเกี้ยวพาราสีจากสังคมชั้นล่างทุกคน)

ฟรานซิสโก โกยา. ภาพเหมือนตนเอง

จริงอยู่ที่ความจริงที่ว่าบุคคลที่ปรากฎบนผืนผ้าใบทั้งสองนั้นเป็นดัชเชสที่น่าตกตะลึงยังคงเป็นที่สงสัยในหมู่คนจำนวนมาก เชื่อกันว่าหญิงสาวผู้สง่างามในสไตล์เปลือยเป็นหนึ่งในเมียน้อยของนายกรัฐมนตรีของ Queen Marie Louise, Manuel Godoy: "Machs" จบลงในคอลเลกชันของเขาในปี 1808 แหล่งข้อมูลอื่นอ้างว่าภาพนี้เป็นภาพรวม และมีเพียงคนอื่นเท่านั้นที่ไม่สงสัยว่ารำพึงของ Goya คือ Cayetana ซึ่งเขาวาดภาพเปลือยเพื่อทำให้เขารำคาญเมื่อเขารู้ว่า Alba มีความหลงใหลในคนอื่น อาจเป็นไปได้ว่าการวาดภาพเปลือยในสเปนในศตวรรษที่ 18 อาจทำให้ใครก็ตามเสียชีวิตได้ เมื่อค้นพบผืนผ้าใบในปี พ.ศ. 2356 ตำรวจศีลธรรมซึ่งเป็นตัวแทนของการสืบสวนที่เฝ้าดูอยู่ตลอดเวลาก็เรียกภาพเหล่านั้นว่า "อนาจาร" ทันที ผู้เขียนซึ่งปรากฏตัวในศาลถูกส่งตัวเข้าคุก แต่ไม่เคยเปิดเผยชื่อนางแบบของเขา ใครจะรู้ว่าชะตากรรมของเขาจะเป็นอย่างไรหากไม่ใช่เพราะคำวิงวอนของผู้อุปถัมภ์ระดับสูง...

แน่นอนว่าอัลบาจะต้องซาบซึ้งใจมาก การกระทำที่กล้าหาญอย่างไรก็ตาม เมื่อถึงเวลานั้นเธอเองก็ไปอยู่ในอีกโลกหนึ่งมาหลายปีแล้ว การเสียชีวิตของ Cayetana ซึ่งเป็นเรื่องที่ไม่คาดคิดสำหรับทุกคน และโดยเฉพาะสำหรับ Goya ทำให้มาดริดตกใจ ดัชเชสถูกพบในพระราชวังบูเอนาวิสตาของเธอในฤดูร้อนปี 1802 หลังจากงานเลี้ยงต้อนรับอันงดงามเมื่อวันก่อนเพื่อเป็นเกียรติแก่การหมั้นหมายของหลานสาวของเธอ (อัลบาไม่มีลูกของเธอเอง) ฟรานซิสโกอยู่ในหมู่แขก เขาได้ยินคาเยตานาพูดถึงสี พูดถึงสีที่มีพิษมากที่สุด เรื่องตลกเกี่ยวกับความตาย และในตอนเช้าก็มีข่าวลือแพร่สะพัดข่าวเศร้า ตอนนั้นเองที่ทุกคนที่รู้จักดัชเชสจำคำพูดของเธอเป็นการส่วนตัวว่าเธออยากตายตั้งแต่ยังเยาว์วัยและสวยงาม เหมือนกับที่พู่กันวิเศษของโกยาจับเธอไว้

หลังจากนั้นชาวเมืองก็พูดคุยกันถึงสาเหตุการเสียชีวิตของอัลบามาเป็นเวลานาน สันนิษฐานว่าเธอถูกวางยาพิษ อนิจจา ผู้หญิงคนนี้มีศัตรูมากมาย พวกเขายังบอกด้วยว่าเธอรับยาพิษด้วยตัวเอง แต่สำหรับโกยาสิ่งนี้ไม่สำคัญอีกต่อไป เขามีอายุยืนยาวกว่าผู้เป็นที่รักอันงดงามของเขาเป็นเวลาเกือบหนึ่งในสี่ของศตวรรษโดยนำความลับของ "มะค่า" ติดตัวไปด้วย แม้แต่ลูกหลานของอัลบาก็ล้มเหลวในการแก้ปัญหานี้ เพื่อล้างชื่อของ Cayetana พวกเขาได้ทำการศึกษาโดยหวังว่าจะพิสูจน์ด้วยขนาดของกระดูกว่าผืนผ้าใบแสดงถึงผู้หญิงอีกคน แต่ในกระบวนการ "ปฏิบัติการ" ปรากฎว่ามีการเปิดหลุมฝังศพของดัชเชสซ้ำแล้วซ้ำเล่าในระหว่างการหาเสียงของนโปเลียนดังนั้นการตรวจสอบดังกล่าวจึงไม่มีความหมายอย่างยิ่ง...

ผู้ที่เชื่อในเรื่องราวอันกระตือรือร้นของต้าหลี่เกี่ยวกับรำพึงราชินีเทพธิดา - กาล่าของเขาถูกเรียกว่ามีเสน่ห์และไม่อาจเข้าใจได้ คนที่ใจง่ายน้อยกว่าทุกวันนี้ยังถือว่าเธอเป็นวาลคิรีนักล่าที่หลงใหลอัจฉริยะคนหนึ่ง มีเพียงข้อเท็จจริงเดียวเท่านั้นที่ไม่มีข้อสงสัย: ความลึกลับที่ล้อมรอบชีวิตของผู้หญิงคนนี้ไม่เคยได้รับการแก้ไข

ซัลวาดอร์ ดาลี” อะตอมเลดา”, พ.ศ. 2490–2492 พิพิธภัณฑ์โรงละครดาลี, ฟิกเกอร์ส, สเปน

นับตั้งแต่ศิลปิน Salvador Dali พบเธอครั้งแรกในปี 1929 ประวัติศาสตร์ส่วนตัวของเขาจึงเริ่มต้นขึ้น ยุคใหม่ชื่อกาล่า. หลายปีต่อมา เกจิบรรยายถึงความประทับใจในวันนั้นในนวนิยายอัตชีวประวัติเรื่องหนึ่งของเขา อย่างไรก็ตาม คำที่พิมพ์ด้วยแบบอักษรตัวพิมพ์บนแผ่นสีขาวของหนังสือที่ตีพิมพ์เป็นพัน ๆ เล่มไม่ได้สื่อถึงความหลงใหลที่โหมกระหน่ำในจิตวิญญาณของเขาแม้แต่หนึ่งในร้อยในวันที่แดดจ้านั้น:“ ฉันเดินขึ้นไปที่หน้าต่างที่มองออกไปเห็น ชายหาด เธออยู่ที่นั่นแล้ว... กาล่า ภรรยาของเอลูอาร์ด มันเป็นเธอ! ฉันจำเธอได้จากหลังเปลือยของเธอ ร่างกายของเธออ่อนโยนเหมือนเด็ก เส้นไหล่เกือบจะกลมอย่างสมบูรณ์ และกล้ามเนื้อเอวซึ่งภายนอกเปราะบางและตึงเครียดเหมือนนักกีฬาวัยรุ่น แต่ส่วนโค้งของหลังส่วนล่างกลับดูเป็นผู้หญิงอย่างแท้จริง การผสมผสานที่สง่างามของลำตัวที่เพรียวบางและมีพลัง เอวต่อ และสะโพกที่นุ่มนวลทำให้เธอเป็นที่ต้องการมากยิ่งขึ้น” หลายทศวรรษต่อมา เขาไม่เคยเบื่อที่จะพูดซ้ำกับกาลาว่าเธอเป็นเทพของเขา กาลาเทีย กราดิวา นักบุญเฮเลนา... และถ้าแนวคิดเรื่องความศักดิ์สิทธิ์และไร้บาปไม่เกี่ยวข้องกับผู้เป็นที่รักของซัลวาดอร์ ชื่อเฮเลนาก็มีความเกี่ยวข้องโดยตรงกับ ของเธอ. ความจริงก็คือเธอถูกตั้งชื่อแบบนั้นตั้งแต่แรกเกิด แต่ดังที่ตำนานครอบครัวกล่าวไว้ว่ามีการเล่าขานซ้ำมากกว่าหนึ่งครั้งในชีวประวัติของ Elena Dyakonova - อนาคตของ Madame Dali - ตั้งแต่วัยเด็ก เด็กผู้หญิงชอบให้เรียกว่า... กาลินา

นี่คือวิธีที่เธอแนะนำตัวเองกับ Paul Eluard กวีชาวฝรั่งเศสผู้ทะเยอทะยาน เมื่อมีโอกาสพาพวกเขามาพบกันที่รีสอร์ทแห่งหนึ่งในสวิส “โอ้ กาล่า!” - ดูเหมือนเขาจะอุทาน ย่อชื่อให้สั้นลงและออกเสียงเข้าไป วิถีชาวฝรั่งเศสพร้อมเน้นพยางค์ที่สอง กับเขา มือเบาทุกคนเริ่มเรียกเธออย่างนั้น - "ชัยชนะวันหยุด" ตามที่กาลาฟังในการแปล หลังจากติดต่อกันสี่ปีและประชุมไม่บ่อยนัก พวกเขาก็แต่งงานกันและให้กำเนิดลูกสาวชื่อเซซิล ซึ่งขัดกับความปรารถนาของพ่อแม่ของพอล แต่อย่างที่คุณทราบ ศีลธรรมอันเสรีซึ่งเป็นพื้นฐาน ความสัมพันธ์ในครอบครัว, - ไม่ วิธีที่ดีที่สุดบันทึกการแต่งงาน อีกสี่ปีผ่านไป และศิลปิน Max Ernest ก็ปรากฏตัวในชีวิตของคู่รัก Eluard ซึ่งตั้งรกรากอยู่ในบ้านของทั้งคู่ในฐานะคนรักอย่างเป็นทางการของ Gala พวกเขาบอกว่าไม่มีใครพยายามซ่อนรักสามเส้า แล้วเธอก็ได้พบกับต้าหลี่

“เด็กน้อย เราจะไม่พรากจากกันอีกต่อไป” กาลา เอลูอาร์ดพูดง่ายๆ และเข้าสู่ชีวิตของเขาตลอดไป “ด้วยความรักที่ไม่มีใครเทียบได้และไม่มีที่สิ้นสุดของเธอ เธอทำให้ฉันหายจาก... ความบ้าคลั่ง” เขากล่าว พร้อมท่องชื่อและรูปลักษณ์ของผู้เป็นที่รักของเขาในทุก ๆ ด้าน ไม่ว่าจะเป็นร้อยแก้ว กวีนิพนธ์ ภาพวาด และประติมากรรม ความแตกต่างคือสิบปี - ตาม รุ่นอย่างเป็นทางการเธอเกิดเมื่อปี พ.ศ. 2437 และเขาเกิดเมื่อปี พ.ศ. 2447 พวกเขาไม่อายเลย ผู้หญิงคนนี้กลายเป็นแม่ภรรยาคู่รักอัลฟ่าและโอเมก้าสำหรับเขาโดยที่ศิลปินไม่สามารถจินตนาการถึงการมีอยู่ของเขาได้อีกต่อไป “กาล่าคือฉัน” เขายืนยันกับตัวเองและคนรอบข้างเมื่อเห็นภาพสะท้อนของเขาในตัวเธอ และลงนามในผลงานในชื่อ “กาล่า - ซัลวาดอร์ ดาลี” เป็นการยากที่จะบอกว่าความลับของพลังเวทย์มนตร์ของเธอที่มีต่อชายคนนี้คืออะไร: บางทีตัวเขาเองไม่เคยพยายามวิเคราะห์เลยจมอยู่ในความรู้สึกราวกับอยู่ในทะเลที่ไม่มีที่สิ้นสุด เช่นเดียวกับที่เป็นไปไม่ได้ที่จะเข้าใจว่าแท้จริงแล้วเธอเป็นใครและมาจากไหน: ข้อมูลที่มีการระบุไว้ในหนังสืออ้างอิงทั้งหมดเพิ่งถูกนักวิจัยตั้งคำถาม - และมีเหตุผลในเรื่องนี้ แต่มันสำคัญขนาดนั้นจริงๆเหรอ? ท้ายที่สุดแล้ว กาลาเป็นตำนานที่สร้างขึ้นโดยจินตนาการของต้าหลี่และความปรารถนาของเธอเองที่จะรักษามันไว้

กาลาเป็นเพียงรำพึงของฉัน อัจฉริยะของฉัน และชีวิตของฉัน หากไม่มีกาล่า ฉันก็ไม่มีอะไรเลย

ซัลวาดอร์ ดาลี

ในหนึ่งในภาพวาดบุคคลของเธอหลายสิบภาพซึ่งสร้างขึ้นในสไตล์เปลือย ศิลปินวาดภาพคนที่รักของเขาในฐานะนางเอกในตำนานที่สูดดมเรื่องราวที่เก่าแก่ราวกับโลก ความหมายใหม่- ดังนั้น "Atomic Leda" ของเขาจึงถือกำเนิดขึ้น

ตามตำนาน Leda ลูกสาวของ King Thestius แต่งงานกับ Tyndareus ผู้ปกครองแห่ง Sparta ด้วยความหลงใหลในความงามของเธอ ซุสจึงล่อลวงผู้หญิงคนนั้น โดยเข้ามาหาเธอในร่างของ... หงส์ เธอให้กำเนิดลูกแฝด Castor และ Polydeuces และลูกสาวหนึ่งคน คือ Helen ที่สวยงาม ซึ่งเป็นที่รู้จักในนาม Helen of Troy จากการเปรียบเทียบนี้ พ่อมดต้าหลี่เตือนผู้อื่นถึงเสน่ห์อันน่าพิศวงของกาลา-เอเลน่าอันเป็นที่รักของเขา: ซัลวาดอร์เองก็ไม่สงสัยในความพิเศษของข้อมูลภายนอกของเธอเป็นเวลาหนึ่งนาทีโดยพิจารณาว่าภรรยาของเขาสวยที่สุดในบรรดามนุษย์ นี่อาจเป็นเหตุผลว่าทำไมภาพเหมือนของงานกาลาครั้งที่ n นี้จึงถูกสร้างขึ้นตาม "สัดส่วนอันศักดิ์สิทธิ์" ของ Fra Luca Paccioli และการคำนวณบางอย่างสำหรับการวาดภาพนี้ตามคำขอของอาจารย์โดยนักคณิตศาสตร์ Matila Ghika ซึ่งแตกต่างจากผู้ที่เชื่อว่าวิทยาศาสตร์ที่แน่นอนอยู่นอกบริบททางศิลปะ Dali มั่นใจว่างานศิลปะที่สำคัญทุกชิ้นจะต้องขึ้นอยู่กับองค์ประกอบและด้วยการคำนวณ เป็นที่น่าสังเกตว่าเขาตรวจสอบอย่างรอบคอบไม่เพียง แต่ความสัมพันธ์ของวัตถุบนผืนผ้าใบเท่านั้น แต่ยังรวมถึงเนื้อหาภายในของภาพวาดด้วยซึ่งแสดงถึงความหลงใหลตาม ทฤษฎีสมัยใหม่... “ไม่สัมผัส” ของฟิสิกส์ภายในอะตอม Leda ของเขาไม่ได้สัมผัสหงส์ไม่ได้พักผ่อนบนที่นั่งที่ลอยอยู่ในอากาศทุกสิ่งลอยอยู่เหนือทะเลซึ่งไม่ได้สัมผัสฝั่ง... “ Atomic Leda” สร้างเสร็จในปี 1949 โดยเลี้ยง Gala ตามข้อมูลของ Dali สู่ระดับ “เทพีแห่งอภิปรัชญาของฉัน” ต่อจากนั้นเขาไม่เคยพลาดโอกาสที่จะประกาศบทบาทที่โดดเด่นของเธอในชีวิตของเขา

อย่างไรก็ตาม ในปีต่อ ๆ มา ความสัมพันธ์ของทั้งคู่ก็เย็นลง กาล่าตัดสินใจแยกทางกันและเขาได้มอบปราสาทให้เธอในหมู่บ้าน Pubol ของสเปนซึ่งเขาไม่กล้าไปเยี่ยมชมโดยไม่ได้รับอนุญาตเป็นลายลักษณ์อักษรจากภรรยาของเขาก่อน และในปีที่เธอเสียชีวิต ต้าหลี่ก็จากไปเช่นกัน แม้ว่าหลังจากการจากไปของเธอ เขายังคงอยู่บนโลกเป็นเวลาเจ็ดปี การดำรงอยู่ก็สูญเสียความหมายไป เพราะการเฉลิมฉลองชีวิตของเขาสิ้นสุดลงแล้ว

คาร์ล บรูลลอฟ “บัทเชบา” พ.ศ. 2375 รัฐ หอศิลป์ Tretyakov, มอสโก

เรื่องราวความซับซ้อนของชะตากรรมของบัทเชบาผู้มีเสน่ห์ดึงดูดความสนใจของนักประวัติศาสตร์ กวี และแม้แต่นักดาราศาสตร์มานานหลายศตวรรษ ดาวเคราะห์น้อยได้รับการตั้งชื่อเพื่อเป็นเกียรติแก่เธอ ไม่ทางใดก็ทางหนึ่ง มันเป็นลักษณะภายนอกที่ไม่ธรรมดาของเธอที่เป็นต้นเหตุของความเศร้าและความสุขทั้งหมดของเธอ บางคนกล่าวหาบัทเชบาว่ามีพฤติกรรมไม่เหมาะสม คนอื่นเชื่อว่าอาชญากรรมเพียงอย่างเดียวของผู้หญิงคนนี้ก็คือเธอสวยจนไม่อาจยอมรับได้

และเรื่องราวนี้เริ่มต้นขึ้น ซึ่งเปลี่ยนชีวิตของนางเอกไปอย่างสิ้นเชิง ประมาณเก้าร้อยปีก่อนคริสต์ศักราช... “เย็นวันหนึ่ง กษัตริย์เดวิดทรงลุกจากเตียง เดินบนหลังคาพระราชวัง และเห็น... ผู้หญิงคนหนึ่งอาบน้ำอยู่ และผู้หญิงคนนั้นก็สวยมาก และดาวิดก็ส่งคนไปดูว่าผู้หญิงคนนี้คือใคร พวกเขาพูดกับเขาว่า "นี่คือบัทเชบา บุตรสาวของเอลีอัม ภรรยาของอุรีอาห์คนฮิตไทต์" ดาวิดส่งคนรับใช้ไปรับเธอ และเธอก็มาหาเขา…” - นี่คือวิธีที่ Book of Books บรรยายถึงช่วงเวลาที่พวกเขาพบกัน เห็นได้ชัดว่าข่าวที่ว่าคนที่เขาชอบแต่งงานกับผู้บังคับบัญชาไม่ได้รบกวนกษัตริย์ ความรู้สึกใดที่ครอบครองบัทเชบาเองประวัติศาสตร์ก็เงียบงัน เพื่อกำจัดสามีของเธอ ดาวิดสั่งให้ “วางอุรียาห์ไว้ในที่ซึ่งการต่อสู้ที่รุนแรงที่สุดจะเกิดขึ้น และล่าถอยไปจากเขา เพื่อเขาจะพ่ายแพ้และตาย” พูดไม่ทันทำเลย ในไม่ช้าเอกอัครราชทูตได้แจ้งให้ดาวิดทราบว่าพระประสงค์ของพระองค์สำเร็จแล้ว ซึ่งหมายความว่าไม่มีสิ่งใดขัดขวางไม่ให้เขารับบัทเชบาเป็นภรรยาที่ชอบด้วยกฎหมาย

หลังจากครบกำหนดแล้วนางก็คลอดบุตรชายคนหนึ่งแทนกษัตริย์ ผู้ปกครองที่ชาญฉลาดคำนวณทุกอย่างอย่างระมัดระวังเพื่อเคลียร์หนทางสู่ความสุขในชีวิตสมรส เขาไม่ได้คำนึงถึงสิ่งเดียวเท่านั้น: การละเมิดพระบัญญัตินำมาซึ่งการลงโทษ เขาและผู้เป็นที่รักตอบบาปของตนอย่างเต็มที่ - ลูกหัวปีของพวกเขามีชีวิตอยู่เพียงไม่กี่วัน ทายาทคนที่สองของทั้งคู่คือโซโลมอนซึ่งมีชื่อเกี่ยวข้องกับตำนานและตำนานมากมาย แต่นั่นเป็นเรื่องราวที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง

จิตรกรยังให้ความสนใจกับโครงเรื่องและแสดงช่วงเวลาที่เป็นเวรเป็นกรรมสำหรับผู้หญิงในทุกวิถีทางที่เป็นไปได้ ในหมู่พวกเขาคือ "The Great Karl" เนื่องจาก Bryullov ถูกเรียกโดยคนรุ่นราวคราวเดียวกัน จริง​อยู่ ผู้​เป็น​เจ้า​แห่ง “แสง​และ​อากาศ” ไม่​ได้​ถูก​ดึงดูด​ด้วย​การ​บรรยาย​จาก​คัมภีร์​ไบเบิล​มาก​เท่า​กับ​โอกาส​ที่​จะ​อวด “ของ​ประทาน​เพื่อ​การ​ประดับ​ตกแต่ง” ของเขา. ภาพเงาที่ส่องสว่าง น้ำที่เท้าที่น่ารักของเธอ แมลงปอที่แทบจะมองไม่เห็นซึ่งมีปีกโปร่งใสอยู่ใกล้มือของเธอ... “ความขาวของผิวลายหินอ่อนนั้นถูกกำจัดโดยร่างของสาวใช้ผิวดำ เพิ่มความเร้าอารมณ์เล็กน้อยให้กับภาพ ” นักวิจารณ์ศิลปะเขียนเกี่ยวกับเธอ และพวกเขาจำราคะ...

มีข้อสันนิษฐานว่าแบบจำลองสำหรับภาพวาดนี้ซึ่งยังสร้างไม่เสร็จคือ Yulia Samoilova คู่รักที่สวยงามของศิลปินซึ่งเป็นคุณหญิงที่น่าตกใจซึ่งมีตำนานไม่น้อยไปกว่าผู้เข้าร่วมในมหากาพย์ทางประวัติศาสตร์นี้ “กลัวเธอคาร์ล! ผู้หญิงคนนี้ไม่เหมือนคนอื่นๆ เธอไม่เพียงเปลี่ยนความภักดีของเธอเท่านั้น แต่ยังเปลี่ยนพระราชวังที่เธออาศัยอยู่ด้วย แต่ฉันเห็นด้วยและคุณจะเห็นด้วยว่าเธอสามารถทำให้คุณคลั่งไคล้ได้” พวกเขากล่าวเจ้าชายกาการินซึ่งมีคนรู้จักเกิดขึ้นในบ้านเตือน Bryullov: เขากำลังเผชิญกับไฟ อย่างไรก็ตามเปลวไฟของ Yulia Pavlovna ซึ่งทำให้ใจของผู้อื่นไหม้เกรียมในกรณีของคาร์ลกลับกลายเป็นว่าเป็นผู้ให้ชีวิต ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาพวกเขาสนับสนุนซึ่งกันและกันโดยยังคงเป็นเพื่อนสนิท “ ฉันรักคุณมากกว่าที่อธิบายได้ ฉันกอดคุณและจะผูกพันทางจิตวิญญาณกับคุณจนถึงหลุมศพ Yulia Samoilova” - ข้อความดังกล่าวถูกส่งโดยเศรษฐีประหลาดถึง "Brishka ที่รัก" ประเทศต่างๆถึงที่ซึ่งตัวเขาเองอยู่ในขณะนั้น และพระองค์ประทานรูปลักษณ์อันเป็นที่รักของพระองค์ชั่วนิรันดร์ ทำให้เธอมีคุณสมบัติของผู้หญิงที่สวยที่สุดในผืนผ้าใบมากมายของเขา บางทีอาจมีเพียง Samoilova เท่านั้นที่สามารถยับยั้งอารมณ์รุนแรงและอารมณ์ร้อนของเกจิได้ - สำหรับเขาดูเหมือนว่าไม่มีกฎหมายอื่นใด “เบื้องหลังการปรากฏตัวของเทพเจ้ากรีกหนุ่ม มีจักรวาลซ่อนอยู่ซึ่งมีหลักการที่ไม่เป็นมิตรปะปนกันและปะทุขึ้นในภูเขาไฟแห่งความหลงใหลหรือไหลออกมาด้วยความแวววาวอันแสนหวาน เขาเป็นคนหลงใหลเขาไม่ได้ทำอะไรอย่างสงบเหมือนที่พวกเขาทำ คนธรรมดา- เมื่อความหลงใหลเดือดดาลในตัวเขา การระเบิดของพวกเขาช่างน่ากลัว และใครก็ตามที่ยืนอยู่ใกล้ ๆ ก็จะมีมากขึ้น” ศิลปินร่วมสมัยเขียนเกี่ยวกับ Bryullov คาร์ลเองไม่สนใจสิ่งที่พวกเขาพูดเกี่ยวกับตัวละครของเขาเพราะพรสวรรค์ของเขาไม่ต้องสงสัยเลย

อย่างไรก็ตาม นาง Samoilova เป็นหนึ่งในไม่กี่คนที่สนับสนุนเขาในช่วงเวลาแห่งความสิ้นหวังเมื่อหลังจากการแต่งงานที่ไร้สาระศิลปินวัยสี่สิบปีพบว่าตัวเองเป็นศูนย์กลางของความสนใจของทุกคนและความอยากรู้อยากเห็นที่ไร้ความปรานี ภรรยาของเขาคือเอมิเลีย ทิมม์ วัย 18 ปี ลูกสาวของชาวเมืองริกา “ฉันตกหลุมรักอย่างดูดดื่ม… พ่อแม่ของเจ้าสาว โดยเฉพาะพ่อ วางแผนจะแต่งงานกับฉันทันที… หญิงสาวเล่นบทคู่รักได้เก่งมาก จนฉันไม่สงสัยเลยว่าจะถูกหลอก...” เขา กล่าวในภายหลัง แล้วพวกเขาก็ "ใส่ร้ายฉันในที่สาธารณะ..." เหตุผลที่แท้จริงการ "ทะเลาะ" กับภรรยาที่เพิ่งสร้างใหม่ถือเป็นเรื่องสกปรกที่เธอเกี่ยวข้อง “ฉันรู้สึกโชคร้ายอย่างมาก ความละอายใจ ความหวังที่จะมีความสุขในบ้านถูกทำลาย... จนฉันกลัวว่าจะเสียสติ” เขาเขียนเกี่ยวกับผลที่ตามมาจากการแต่งงานที่กินเวลาเพียงไม่กี่เดือน ในขณะนั้นจูเลียดูเหมือนจะฉีก "Brichka" ออกจากความคิดที่มืดมนของเธออีกครั้งและดึงเธอเข้าสู่วังวนของลูกบอลและการสวมหน้ากากที่เคานต์สลาเวียนกามอบให้ในที่ดินอันเป็นที่รักของเธอ ต่อมาเธอขาย "Slavyanka" และออกเดินทางเพื่อพบกับความรักครั้งใหม่และการผจญภัยครั้งใหม่ Bryullov อาศัยอยู่ในบ้านเกิดของเขาได้ไม่นาน: โปแลนด์, อังกฤษ, เบลเยียม, สเปน, อิตาลี - เขาเดินทางบ่อยมากและทาสีทาสี... ในระหว่างการเดินทางอีกครั้งเขาเสียชีวิต - ในเมือง Manziana ใกล้กรุงโรม

Julia มีอายุยืนยาวกว่า Karl ยี่สิบสามปีฝังสามีสองคน - อดีตภรรยาของ Count Nikolai Samoilov และ นักร้องหนุ่มเปริ. “ผู้เห็นเหตุการณ์ที่เห็นเธอในช่วงชีวิตนี้บอกว่าการไว้ทุกข์ของหญิงม่ายนั้นเหมาะกับเธอมากโดยเน้นย้ำถึงความงามของเธอ แต่เธอใช้มันด้วยวิธีดั้งเดิมมาก Samoilova นั่งเด็ก ๆ บนรถไฟที่ยาวที่สุดของชุดไว้ทุกข์ และตัวเธอเอง... กลิ้งเด็ก ๆ หัวเราะอย่างมีความสุขไปบนพื้นไม้ปาร์เก้กระจกในพระราชวังของเธอ” หลังจากนั้นไม่นานเธอก็แต่งงานใหม่อีกครั้ง

ไม่มีใครรู้ว่า Bathsheba ความงามในตำนานซึ่งมีชื่อแปลว่า "ลูกสาวแห่งคำสาบาน" สัญญากับสวรรค์หรือผู้คน แต่เราสามารถพูดได้อย่างมั่นใจ: Yulia Samoilova ในวัยหนุ่มของเธอสัญญากับตัวเองว่าจะไม่เสียหัวใจและเก็บมันไว้

Rembrandt Harmens van Rijn “Danae” 1636 อาศรม, เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

Danae ความงามแบบกรีกโบราณดึงดูดความสนใจของศิลปินมานานหลายศตวรรษ ชาวดัตช์ Rembrandt van Rijn ก็ไม่ได้ยืนเคียงข้างกันทำให้เจ้าหญิงในตำนานมีคุณสมบัติของผู้หญิงสองคนที่เขาชื่นชอบ

เรื่องราวนี้เริ่มต้นขึ้นในสมัยโบราณเมื่อเทพเจ้ากรีกโบราณมีความคล้ายคลึงกับผู้คนในทุก ๆ ด้านและสื่อสารกับพวกเขาได้ง่ายและบางครั้งก็เริ่มมีความสัมพันธ์ที่โรแมนติกด้วยซ้ำ จริงอยู่ที่บ่อยครั้งเมื่อได้รับความสุขจากเจ้าเสน่ห์ทางโลกพวกเขาทิ้งเธอไว้ในความเมตตาแห่งโชคชะตาและกลับไปที่จุดสูงสุดของโอลิมปัสเพื่อที่เมื่ออยู่ท่ามกลางเพื่อนสวรรค์พวกเขาจะลืมความหลงใหลที่หายวับไปตลอดกาล นี่คือสิ่งที่เกิดขึ้นกับ Danae ลูกสาวของ Argive king Acrisius

ต่อจากนั้นผู้ชายที่มีความสามารถมากที่สุดคิดว่าเป็นหน้าที่ของพวกเขาที่จะต้องบอกให้โลกรู้ถึงความขึ้น ๆ ลง ๆ ของชีวิตของเธอ: นักเขียนบทละคร Aeschylus, Sophocles, Euripides อุทิศละครและโศกนาฏกรรมให้เธอฟังและแม้แต่โฮเมอร์ก็พูดถึงเธอใน Iliad และทิเชียน, คอร์เรจจิโอ, ตินโตเรตโต, คลิมต์และจิตรกรคนอื่น ๆ ก็วาดภาพบนผืนผ้าใบของพวกเขา และไม่น่าแปลกใจ: เป็นไปไม่ได้ที่จะไม่แยแสกับชะตากรรมของหญิงสาวที่ตกเป็นเหยื่อของโชคชะตา ความจริงก็คือวันหนึ่งมีพยากรณ์ทำนายการตายของพ่อของเธอด้วยน้ำมือของหลานชายของเขา - ลูกชายที่ Danae จะให้กำเนิด เพื่อปกป้องตัวเอง Acrisius จึงควบคุมทุกอย่างอย่างเข้มงวด: เขาสั่งให้ลูกสาวของเขาถูกจำคุกในคุกใต้ดินและมอบหมายสาวใช้ให้กับเธอ กษัตริย์ผู้สุขุมรอบคอบคำนึงถึงทุกสิ่งยกเว้นสิ่งหนึ่ง - ไม่ใช่มนุษย์ธรรมดาที่จะตกหลุมรักเธอ แต่เป็นซุสเองซึ่งเป็นเทพเจ้าหลักของเทพเจ้าโอลิมเปียซึ่งอุปสรรคทั้งหมดกลับกลายเป็นว่าไม่มีอะไรเลย เขามีรูปร่างเหมือนฝักบัวสีทองแล้วเข้าไปในห้องผ่านรูเล็กๆ... ช่วงเวลาที่เขามาเยี่ยมถือเป็นช่วงเวลาที่น่าดึงดูดที่สุดสำหรับศิลปินในเรื่องราวที่ซับซ้อนนี้ ผลที่ตามมาของการพบกันระหว่าง Zeus และ Danae คือลูกชายของ Perseus ซึ่งในไม่ช้าความลับการเกิดก็ถูกเปิดเผย: คุณปู่ Acrisius ได้ยินเสียงร้องไห้มาจากห้องใต้ดิน... จากนั้นเขาก็สั่งให้เอาลูกสาวและลูกของเขาใส่ในถังแล้วโยนพวกเขาเข้าไปในนั้น ทะเลเปิด... แต่สิ่งนี้ไม่ได้ช่วยให้เขาหลีกเลี่ยงการทำนายได้: Perseus เติบโตขึ้นกลับมายังบ้านเกิดของเขาและในขณะที่เข้าร่วมการแข่งขันขว้างจักรก็บังเอิญชนพวกเขาใน Acrisius... "โชคชะตา ... " - ถอนหายใจ พยานถึงสิ่งที่เกิดขึ้น หากพวกเขารู้ว่าชะตากรรมของ “ดาเน่” ที่เกิดจากพู่กันของแรมแบรนดท์คงจะดราม่าไม่น้อย!..

ภาพเหมือนของเรมแบรนดท์ ฮาร์เมน ฟาน ไรน์ 1648

“ภาพวาดใดในคอลเลกชันของคุณมีค่ามากที่สุด” พวกเขาบอกว่านี่เป็นคำถามที่ผู้มาเยี่ยมถามผู้ดูแลห้องโถงอาศรมแห่งหนึ่งในเช้าวันที่ 15 มิถุนายน พ.ศ. 2528 “Danae” โดย Rembrandt” ผู้หญิงคนนั้นตอบโดยชี้ไปที่ผืนผ้าใบที่มีภาพผู้หญิงเปลือยที่หรูหรา ชายคนนั้นดึงขวดออกมาและสาดของเหลวลงบนภาพเมื่อใดและอย่างไรเธอไม่รู้ว่าทุกอย่างเกิดขึ้นโดยฉับพลัน พนักงานที่วิ่งเข้ามาได้ยินเสียงกรีดร้องเห็นเพียงฟองสีและเปลี่ยนสีของเหลวกลายเป็นกรดซัลฟิวริก นอกจากนี้ผู้โจมตียังสามารถแทงภาพวาดสองครั้งด้วยมีด... ความจริงที่ว่า Bronius Maigis ชาวลิทัวเนียวัย 48 ปีซึ่งอาศัยอยู่ในลิทัวเนียได้รับการยอมรับในเวลาต่อมาว่ามีสภาพจิตใจไม่มั่นคงและส่งเข้ารับการรักษาไม่ได้ช่วยบรรเทาความรุนแรงของอาชญากรรมของเขาได้ “ เมื่อฉันเห็นมันเป็นครั้งแรกในระหว่างกระบวนการบูรณะ ฉันก็กลั้นน้ำตาไม่ไหว” มิคาอิล ปิโอทรอฟสกี้ ผู้อำนวยการอาศรมยอมรับ - ส่วนใหญ่เป็นเพราะมันเป็น "Danae" ที่แตกต่างออกไป แม้ว่าหลังจากการบูรณะซึ่งใช้เวลาสิบสองปี แต่ผืนผ้าใบก็กลับไปที่พิพิธภัณฑ์ แต่ 27 เปอร์เซ็นต์ของภาพจะต้องถูกสร้างขึ้นใหม่ทั้งหมด: ชิ้นส่วนทั้งหมดที่สร้างด้วยพู่กันของเกจิได้สูญหายไปอย่างไม่อาจแก้ไขได้ แต่เป็นภาพเหมือนที่เขาวาดด้วยความรักเป็นพิเศษ: ผู้หญิงที่เขารัก Saskia ภรรยาของเขาทำหน้าที่เป็นนางแบบของเขา การแต่งงานของพวกเขากินเวลานานกว่าแปดปีเล็กน้อยโดยให้กำเนิดลูกสี่คนกับสามีของเธอซึ่งมีเพียงหนึ่งเดียวเท่านั้นที่รอดชีวิต - ติตัส - เธอเสียชีวิต ไม่กี่ปีต่อมา เรมแบรนดท์เริ่มหลงรักเกิร์ตเย เดิร์กส์ ผู้ปกครองของลูกชาย มีข้อสันนิษฐานว่าเธอทำให้เธอพอใจที่ “ดาเน่” ได้รับฟีเจอร์ใหม่ที่ยังคงอยู่มาจนถึงทุกวันนี้ ใบหน้าและท่าทางเปลี่ยนไป “ตัวละครหลัก” ของโครงเรื่อง ฝนสีทองหายไป แต่เหตุการณ์นี้ถูกเปิดเผยเฉพาะในช่วงกลางศตวรรษที่ยี่สิบเท่านั้นเมื่อพบภาพ Saskia ก่อนหน้านี้โดยใช้ฟลูออโรสโคปภายใต้ชั้นสี ดังนั้นศิลปินจึงรวมภาพเหมือนของผู้หญิงทั้งสองคนเข้าด้วยกัน อย่างไรก็ตาม เคอร์ติเยร์ไม่ได้ช่วยรักษาความสัมพันธ์กับเธอ ในไม่ช้าเธอก็ยื่นฟ้องเรมแบรนดท์โดยกล่าวหาว่าเขาละเมิดภาระผูกพันในการแต่งงาน (ถูกกล่าวหาว่าตรงกันข้ามกับสัญญาของเขาเขาไม่ได้แต่งงานกับเธอ) เชื่อกันว่าสาเหตุที่แท้จริงของการเลิกราคือ Hendrikje Stoffels สาวใช้และคู่รักคนใหม่ของเขา เมื่อถึงเวลานี้ กิจการของจิตรกรผู้โด่งดังและมั่งคั่งซึ่งเคยประสบความสำเร็จ เคยมีข้อผิดพลาด คำสั่งซื้อเริ่มน้อยลงเรื่อยๆ โชคลาภของเขาละลาย และบ้านถูกขายเพื่อชำระหนี้ “ดาเน่” ยังคงอยู่กับเขาจนถูกขายในปี 1656 แล้วร่องรอยของเธอก็หายไป...

การสูญเสียนี้ถูกค้นพบในศตวรรษที่ 18 เท่านั้น - ในคอลเลกชันของปิแอร์ โครซ นักสะสมชาวฝรั่งเศสผู้โด่งดัง หลังจากที่เขาเสียชีวิตในปี 1740 งานชิ้นนี้พร้อมกับผลงานชิ้นเอกอื่นๆ ได้รับการสืบทอดโดยหนึ่งในสามหลานชายของผู้เชี่ยวชาญด้านศิลปะ จากนั้นตามคำแนะนำของนักปรัชญา Denis Diderot จักรพรรดินีแคทเธอรีนที่ 2 แห่งรัสเซียได้ซื้อมันซึ่งกำลังเลือกภาพวาดสำหรับอาศรมในเวลานั้น

“เขาเป็นคนประหลาดในหมู่ชนชั้นแรกที่ดูหมิ่นทุกคน... เนื่องจากยุ่งอยู่กับงาน เขาจึงไม่ตกลงที่จะยอมรับกษัตริย์พระองค์แรกในโลก และเขาจะต้องจากไป” Baldinucci ชาวอิตาลีเขียนเกี่ยวกับ Rembrandt ซึ่งชื่อของเขาถูกเก็บรักษาไว้ในประวัติศาสตร์เพียงต้องขอบคุณเขาที่เขากลายเป็นผู้เขียนชีวประวัติของเรมแบรนดท์ที่ "ประหลาด"

อเมเดโอ โมดิเกลียนี่ “เปลือยนั่งอยู่บนโซฟา” (“หญิงสาวชาวโรมันที่สวยงาม”), 1917, คอลเลกชันส่วนตัว

ภาพวาดนี้จัดแสดงเมื่อเกือบหนึ่งศตวรรษก่อนในแกลเลอรีของชาวปารีสท่ามกลางผลงานอื่นๆ ของ Modigliani ที่วาดภาพความงามที่เปลือยเปล่า ทำให้เกิดเรื่องอื้อฉาวครั้งใหญ่ และในปี 2010 ก็ได้กลายเป็นหนึ่งในล็อตที่แพงที่สุดในการประมูลอันทรงเกียรติที่สุด

“ฉันสั่งให้คุณกำจัดขยะทั้งหมดนี้ทันที!” - ด้วยคำพูดเหล่านี้ผู้บัญชาการ Rousslot ได้พบกับ Bertha Weil เจ้าของแกลเลอรีชื่อดังซึ่งเขาถูกเรียกตัวไปที่สถานีเมื่อวันที่ 3 ธันวาคม พ.ศ. 2460 “ แต่มีผู้เชี่ยวชาญที่ไม่แบ่งปันความคิดเห็นของคุณ” เบอร์ธากล่าวซึ่งมีแกลเลอรีไม่กี่แห่งตั้งข้อสังเกต ชั่วโมงที่ผ่านมานิทรรศการครั้งแรกของ Amedeo Modigliani วัยสามสิบสามปีเปิดขึ้นซึ่งดึงดูดฝูงชนจำนวนมาก แหล่งท่องเที่ยวหลักสำหรับผู้เยี่ยมชมคือภาพเปลือยของผู้หญิงที่วางอยู่ในหน้าต่าง จริงๆ แล้วนี่คือสิ่งที่ Pole Leopold Zborowski เพื่อนและผู้ค้นพบของ Modi ซึ่งกลายมาเป็นตัวแทนงานศิลปะคนใหม่ของเขาและผู้ริเริ่มขั้นตอนนี้เชื่อว่าไม่ว่าจะเปลือยแค่ไหนก็สามารถดึงดูดความสนใจที่อยากรู้อยากเห็นได้! ลีโอไม่ได้คำนึงถึงความจริงที่ว่ามีสถานีตำรวจอยู่ในบ้าน ตรงกันข้ามและชาวเมืองคงจะสนใจเหตุผลของคนจำนวนมากขนาดนี้ “หากไม่ปฏิบัติตามคำสั่งของเราทันที ฉันจะสั่งให้ตำรวจยึดทุกอย่าง!” - ผู้บัญชาการตะโกนอย่างขุ่นเคือง และเบอร์ธาแทบไม่กลั้นยิ้มคิดว่า: "ช่างเป็นไอดีลจริงๆ ตำรวจทุกคนมีภาพเปลือยที่สวยงามอยู่ในมือ!" อย่างไรก็ตามเธอไม่กล้าโต้เถียงและปิดแกลเลอรีทันที และแขกที่นั่นก็ช่วยเธอเอาภาพวาดที่ "ลามก" ออกจากผนัง มีผืนผ้าใบประมาณสามสิบผืนที่ Zborowski มอบหมายให้ทำระหว่างปี 1916–1917 แต่เวลาผ่านไปนานมากแล้ว ผู้เชี่ยวชาญที่มีความซับซ้อนและผู้เชี่ยวชาญด้านการวาดภาพยอมรับว่าพวกเขาเป็นผลงานชิ้นเอกและเรียกพวกเขาว่า "ชัยชนะของการเปลือยกาย" อย่างไรก็ตามถึงอย่างนั้นคนทั้งปารีสก็พูดถึงนิทรรศการนี้และนักสะสมชาวฝรั่งเศสและชาวต่างชาติบางคนก็เริ่มสนใจงานของ " คนจรจัดจรจัด” โดโด้ ตามที่เพื่อนๆ เรียกเขา

แม้ว่าจะต้องพูดตามตรงว่าในเวลานั้นเขาไม่ใช่คนจรจัด: ในฤดูร้อนปี 2460 Amedeo และผู้เป็นที่รักของเขา ศิลปินหนุ่ม Jeanne Hebuterne ซึ่งเขาพบไม่นานก่อนเหตุการณ์ที่อธิบายไว้เช่าอพาร์ทเมนต์เล็ก ๆ - ห้องว่างสองห้อง “ ฉันกำลังรอเพียงคนเดียวที่จะกลายเป็นรักนิรันดร์ของฉันและผู้ที่มักจะมาหาฉันในความฝัน” ศิลปินเคยยอมรับกับเพื่อนคนหนึ่งของเขา ผู้ที่รู้จัก Modi เป็นการส่วนตัวกล่าวว่าหลังจากพบกับ Zhanna ความฝันและความเป็นจริงก็รวมเข้ากับ Amedeo ภาพเหมือนในหมวกกับพื้นหลังประตูในเสื้อสเวตเตอร์สีเหลือง - มีภาพวาดของเธอมากกว่ายี่สิบภาพในช่วงสี่ปีที่เราอยู่ด้วยกัน โดโด้เรียกสิ่งเหล่านั้นว่า "การประกาศความรักบนผืนผ้าใบ" “เธอเป็นนางแบบในอุดมคติ เธอรู้วิธีนั่งเหมือนแอปเปิ้ล โดยไม่ขยับตัว และได้นานเท่าที่ฉันต้องการ” เขาเขียนถึงพี่ชายของเขา

Jeanne ตกหลุมรัก Amedeo ในสิ่งที่เขาเป็น - เสียงดัง ไม่ถูกควบคุม เศร้า วุ่นวาย ไม่มั่นคง - และลาออกตามเขาไปทุกที่ที่เขาโทรมา เช่นเดียวกับที่ Modi ตัดสินใจอย่างไม่ลังเลในเวลาต่อมา เขาควรวาดภาพแม่มดสาวเปลือยเปล่าสามสิบคนโดยอยู่กับพวกเธอแต่ละคนเป็นเวลาหลายวันหรือไม่? ดังนั้นมันควรจะเป็นเช่นนี้! “ลองจินตนาการถึงสิ่งที่เกิดขึ้นกับสาวๆ เมื่อพวกเธอเห็น Modigliani สุดหล่อเดินไปตามถนน Montparnasse พร้อมกับสมุดสเก็ตช์ภาพที่เขาจำหน่าย สวมชุดกำมะหยี่สีเทาพร้อมรั้วรั้วที่มีดินสอสียื่นออกมาจากกระเป๋าแต่ละใบ พร้อมด้วยผ้าพันคอสีแดงและผ้าพันคอขนาดใหญ่ หมวกสีดำ ฉันไม่รู้จักผู้หญิงสักคนเดียวที่จะปฏิเสธที่จะมาที่สตูดิโอของเขา” Lunia Czechowska เพื่อนของจิตรกรเล่า พวกเขาทำหน้าที่เป็นนางแบบสำหรับนิทรรศการที่น่าตกใจ

ต่อมา Amedeo กลับมาสู่ธีมที่เขาชื่นชอบมากกว่าหนึ่งครั้ง - รูปเพื่อนๆ และนางแบบสุ่มที่โพสต์ให้เขาในชุดของ Eva - ซึ่งเขาถูกคนธรรมดาตำหนิเพราะความหลงใหลของเขา แต่เขาไม่ได้ให้ความสำคัญกับเรื่องนี้เพราะ Modi ดูเหมือนเห็นได้ชัดว่าเขาไม่ได้ถูกดึงดูดโดยพื้นผิวของ "โครงสร้างร่างกาย" แต่ถูกดึงดูดโดยความสามัคคีภายในของมัน ความงามจะไร้ยางอายได้ไหม? อย่างไรก็ตาม บนพื้นฐานนี้ โดโดมีความขัดแย้งกับอัจฉริยะผู้สูงอายุ ออกุสต์ เรอนัวร์ ซึ่งในฐานะปรมาจารย์ รับหน้าที่ให้คำแนะนำกับน้องชายของเขา: “เมื่อคุณวาดภาพผู้หญิงที่เปลือยเปล่า คุณต้อง... อ่อนโยน อ่อนโยน เลื่อนพู่กันไปบนผืนผ้าใบราวกับกำลังลูบไล้” ซึ่ง Modigliani ก็ลุกเป็นไฟและพูดอย่างเฉียบขาดเกี่ยวกับความยั่วยวนของชายชราและจากไปโดยไม่บอกลา

พวกเขาจะพูดถึง "การล่อลวงที่ไม่ซ้ำใคร" และ "เนื้อหาที่เร้าอารมณ์" ของภาพวาดของเขาในภายหลังเมื่อนักร้องเนื้อเปลือยไม่มีชีวิตอีกต่อไป เมื่อนำผู้เขียนไปสู่อีกโลกหนึ่ง ในที่สุดลูกหลานผู้กตัญญูก็จะได้ดูผลงานของ "โดโดผู้น่าสงสาร" และเริ่มให้คุณค่ากับผลงานเหล่านั้นเป็นเงินหลายล้านดอลลาร์ โดยเป็นการต่อสู้ประมูลเพื่อสิทธิ์ในการจ่ายเงินมากกว่าคู่แข่ง “นั่งเปลือยบนโซฟา” (“สาวโรมันแสนสวย”) ก็ทำให้เกิดความปั่นป่วนเช่นเดียวกัน มันถูกวางขายในนิวยอร์กเมื่อวันที่ 2 พฤศจิกายน 2010 ที่ Sotheby's อันโด่งดังและเข้าสู่คอลเลกชันส่วนตัวในราคาเกือบหกสิบเก้าล้านดอลลาร์ "สร้างสถิติราคาที่แน่นอน" “ตามปกติแล้ว ฉันจะไม่โฆษณาชื่อของเจ้าของคนใหม่

“ทำไมคุณไม่พยายามโน้มน้าวเขา เพราะเขากำลังจะตายจากอาการมึนเมาและเป็นวัณโรคที่ลุกลาม?” - เพื่อนสนิทคนหนึ่งของทั้งคู่ถาม Hebuterne โดยรู้ว่า Amedeo ป่วยแค่ไหน “โมดีรู้ว่าเขาต้องตาย มันจะดีกว่าสำหรับเขา ทันทีที่เขาเสียชีวิต ทุกคนจะเข้าใจว่าเขาเป็นอัจฉริยะ” เธอตอบ วันรุ่งขึ้นหลังจากการเสียชีวิตของ Modigliani จีนน์ติดตามเขาไปชั่วนิรันดร์โดยก้าวออกไปนอกหน้าต่าง และหนึ่งในผู้ที่มาบอกลาศิลปินและท่วงทำนองของเขานึกถึงคำพูดของอาจารย์ที่ว่า: “ความสุขคือนางฟ้าที่สวยงามและมีใบหน้าเศร้า” “ใช่” สื่อที่ติดตามการประมูลระดับสูงรายงานอย่างแห้งแล้ง

ปิแอร์ ออกุสต์ เรอนัวร์ “เปลือย” พ.ศ. 2419 พิพิธภัณฑ์รัฐวิจิตรศิลป์ตั้งชื่อตาม A.S. Pushkin, มอสโก

“ นักร้องหญิงภาพเปลือยผู้ปกครองอาณาจักรแห่งสตรี” - นี่คือวิธีที่นักเขียนชีวประวัติคนหนึ่งขนานนามศิลปินถึงความสามารถอันเชี่ยวชาญของเขาในการถ่ายทอดภาพเปลือยบนผืนผ้าใบ อย่างไรก็ตาม ไม่ใช่ว่าคนรุ่นราวคราวเดียวกันทุกคนจะชอบธีมโปรดของเกจิคนนี้

“ ฉันยังเดินไม่เป็น แต่ฉันชอบวาดรูปผู้หญิงอยู่แล้ว” ออกัสต์มักจะพูดซ้ำ “ ถ้าเรอนัวร์พูดว่า:“ ฉันรักผู้หญิง” ข้อความนี้ไม่มีคำใบ้ขี้เล่นแม้แต่น้อยที่ผู้คนเริ่มพูดถึง คำว่า "ความรัก" ศตวรรษที่ 19 ผู้หญิงเข้าใจทุกสิ่งอย่างสมบูรณ์ โลกจึงเรียบง่ายอย่างสมบูรณ์ ไม่ใช่เรื่องยากสำหรับเขาที่จะให้ความคิดแก่ฉันเกี่ยวกับความสะดวกสบายและความหวานของรังอันอบอุ่นในวัยเด็กของเขา: ฉันเองก็เติบโตมาในสภาพแวดล้อมที่น่ารักเหมือนกัน” ฌอง เรอนัวร์ ผู้กำกับชาวฝรั่งเศสผู้โด่งดังเขียนไว้ในบันทึกความทรงจำเกี่ยวกับพ่อของเขาโดยรับรองว่า ประสบการณ์ความรักอันยาวนานของเขาทำให้พ่อของเขาค้นพบความจริงที่ว่าในช่วงบั้นปลายของชีวิตเขาได้สร้าง "แนวคิดเรื่องความรัก" ดั้งเดิมของตัวเองขึ้นมา: "คุณทำสิ่งที่โง่เขลาในขณะที่คุณยังเด็ก" ไม่สำคัญหรอกถ้าคุณไม่มีข้อผูกมัดใดๆ”

เรอนัวร์ ซีเนียร์ รู้ว่าเขาพูดอะไร ตัวเขาเองแต่งงานครั้งแรกเมื่ออายุสี่สิบเก้า และตั้งแต่นั้นมา ตามเรื่องราวของคนที่เขารัก เขากลายเป็นสามีที่เป็นแบบอย่างและเป็นพ่อที่เอาใจใส่ลูกชายทั้งสามคนมากที่สุด ซึ่งอลีนา เชริโก หญิงที่รักของเขาให้กำเนิด เมื่อพวกเขาพบกัน เด็กหญิงอายุเพียงยี่สิบกว่าปี และศิลปินกำลังเตรียมฉลองวันเกิดครบรอบสี่สิบปีของเขา อลีนาช่างตัดเสื้อผู้น่ารักซึ่งเขาพบทุกวันในร้านกาแฟใกล้บ้านของเขากลายเป็นที่ชื่นชอบของเขาอย่างแน่นอน: ผิวอ่อนเยาว์, แก้มสีชมพู, ดวงตาเป็นประกาย, ผมสวย, ริมฝีปากหวานฉ่ำ และถึงแม้ว่าเชริโกจะไม่เข้าใจการวาดภาพและเกจิเองก็ไม่ได้ร่ำรวยหรือหล่อเหลาและเขาต้องรอเกือบสิบปีสำหรับข้อเสนออย่างเป็นทางการ แต่ก็ไม่ได้ขัดขวางความงามที่จะเห็นสามีในอนาคตของเธอในตัวเขา - คนเดียวเท่านั้น และเรอนัวร์เองก็พบว่าในตัวเธอไม่เพียง แต่เป็นภรรยาที่อุทิศตนเท่านั้น แต่ยังเป็นนางแบบที่ดีที่สุดในโลกด้วย - เธอมักจะโพสต์ให้ออกัสต์โดยยอมรับว่า: "ฉันไม่เข้าใจอะไรเลย แต่ฉันชอบดูเขาเขียน" “เรอนัวร์สนใจผู้หญิงประเภท “แมว” อลีนา เชอริโกมีความสมบูรณ์แบบในประเภทนี้” ฌอง ลูกชายของพวกเขาเขียน และเอ็ดการ์ เดกาส์ ผู้เกลียดผู้หญิง เมื่อเห็นเธอในนิทรรศการแห่งหนึ่ง บอกว่าเธอดูเหมือนราชินีที่มาเยี่ยมนักกายกรรมเร่ร่อน

แบบจำลองจะต้องอยู่ที่นั่นเพื่อจุดประกายฉัน เพื่อบังคับให้ฉันประดิษฐ์สิ่งที่จะเกิดขึ้นไม่ได้กับฉันหากไม่มีมัน เพื่อให้ฉันอยู่ในขอบเขตที่กำหนดหากฉันหลงไหลจนเกินไป

ปิแอร์ ออกุสต์ เรอนัวร์

“ฉันรู้สึกเสียใจสำหรับผู้ชายที่เอาชนะผู้หญิง งานของพวกเขาหนักมาก! ปฏิบัติหน้าที่ทั้งวันทั้งคืน ฉันรู้ว่าศิลปินที่ไม่ได้สร้างสิ่งที่ควรค่าแก่ความสนใจ: แทนที่จะวาดภาพผู้หญิงพวกเขากลับล่อลวงพวกเขา” เรอนัวร์ผู้ตั้งรกรากครั้งหนึ่งเคย "บ่น" กับเพื่อนร่วมงานของเขา เขาเลือกที่จะเงียบเกี่ยวกับความสัมพันธ์ที่เชื่อมโยงเขาในวัยเด็กกับจานสี Cosettes และ Georgettes มากมาย อย่างไรก็ตามพวกเขาไม่ได้รับภาระจากความรอบคอบมากเกินไปของชาวมงต์มาตร์ซึ่งมักโพสต์ท่าให้กับจิตรกร หนึ่งในนั้นคือ Anna Leber เพื่อนคนหนึ่งพามาที่สตูดิโอของเขาและหลังจากนั้นไม่นานเขาก็จำลักษณะที่คุ้นเคยในภาพวาด "Nude in Sunlight" ได้อย่างง่ายดาย: ศิลปินได้จัดแสดงภาพวาดนี้ในนิทรรศการครั้งที่สองของอิมเพรสชั่นนิสต์ นักประวัติศาสตร์ศิลปะบางคนเชื่อว่าแอนนากลายเป็นนางแบบให้กับ "นู้ด" อันโด่งดัง - เธอถูกเรียกว่า "บาเธอร์" และด้วยการใช้สีพิเศษของเธอ "เพิร์ล" หากการคาดเดาของผู้เชี่ยวชาญถูกต้องชะตากรรมของผู้หญิงหรูหราคนนี้ "ในแก่นแท้" ก็กลายเป็นที่ไม่มีใครอยากได้: เมื่อติดเชื้อไข้ทรพิษเธอก็เสียชีวิตในช่วงรุ่งโรจน์ของชีวิตและความงาม...

อย่างไรก็ตามในปี พ.ศ. 2419 ทั้งแอนนาและออกุสต์ซึ่งยังไม่เคยพบกับอลีนาก็ไม่รู้ว่าอะไรรอพวกเขาอยู่ในอนาคต ดังนั้นเขาจึงสามารถมองดูส่วนโค้งของร่างกายของเธอได้ตลอดทั้งวันโดยไม่ลำบากใจเพื่อที่จะให้ภาพบุคคล (นั่นคือสิ่งที่เรียกว่างานนี้) จับต้องได้ ไม่น่าแปลกใจที่เขาสารภาพ: “ฉันทำงานเกี่ยวกับภาพเปลือยต่อไปจนกระทั่งฉันอยากจะหยิกผืนผ้าใบ”

อย่างไรก็ตามภาพวาดของเขาเริ่มถูกเรียกว่า "ซิมโฟนีที่งดงาม" และ "ผลงานชิ้นเอกของอิมเพรสชั่นนิสม์" ซึ่งรวมถึง "เปลือย" ในไม่กี่ปีต่อมา ในวันเปิดทำการของปีเหล่านั้น Albert Wolff นักวิจารณ์ศิลปะเมื่อเห็นภาพเปลือยของ Renoir ก็ระเบิดหน้าหนังสือพิมพ์ Le Figaro พร้อมคำด่าด้วยความโกรธ:“ ปลูกฝังให้ Mr. Renoir ว่าร่างกายของผู้หญิงไม่ใช่กอง เนื้อเน่าเปื่อยมีจุดสีเขียวและสีม่วงบ่งบอกว่าศพเน่าเปื่อยเต็มที่แล้ว!” อาจารย์เองซึ่งมีคุณลักษณะที่มีความสุขในการรับรู้โลกด้วยสีสันที่สดใสไม่ได้ให้ความสำคัญกับการโจมตีของเขามากนักและยังคงเขียนในลักษณะที่เป็นลักษณะเฉพาะของเขาเท่านั้นเพื่อสร้างความพึงพอใจให้กับผู้ชื่นชมของเขา - ทั้งในปัจจุบันและอนาคต ท้ายที่สุดแล้ว นอกเหนือจากความรักต่อครอบครัวแล้ว จิตวิญญาณของเขายังถูกครอบงำด้วยความหลงใหลเพียงสิ่งเดียวจนกระทั่งสิ้นสุดวันเวลาของเขา นั่นก็คือการวาดภาพ และแม้ว่านิ้วของเขาจะจับแปรงไม่ได้เนื่องจากความเจ็บป่วย แต่เขาก็ยังวาดภาพต่อไปโดยมัดมันไว้กับมือของเขา

“วันนี้ฉันเข้าใจอะไรบางอย่าง!” - พวกเขาบอกว่าคำพูดเหล่านี้พูดโดย Renoir วัยเจ็ดสิบแปดปีก่อนที่จะไป เส้นทางสุดท้าย- เพื่อพบกับอลีนาผู้เป็นที่รักของเธอซึ่งจากไปเมื่อสี่ปีก่อน

ดิเอโก เวลาซเกซ วีนัสกับกระจก (Rokeby Venus) 1647–1651 หอศิลป์แห่งชาติลอนดอน

ผู้ร่วมสมัยของ Diego Velazquez ถือว่าเขาเป็นที่รักแห่งโชคชะตา: ศิลปินไม่เพียง แต่โชคดีในความพยายามทั้งหมดของเขาเท่านั้น แต่ยังโชคดีพอที่จะหลีกเลี่ยงไฟแห่งการสืบสวนในการวาดภาพเปลือยของผู้หญิงด้วย แต่ภาพวาดอันอื้อฉาวของเขากลับล้มเหลวในการหลีกหนี "การลงโทษ"...

“รูปไหน!” - กวีโรแมนติกชาวฝรั่งเศส Théophile Gautier ชื่นชมภาพวาดชิ้นหนึ่งของ Diego Rodriguez de Silva y Velazquez ชาวสเปน และ Pope Innocent X กล่าวว่า "อย่างไรก็ตาม ความกล้าหาญและความสามารถที่จะไม่ปรุงแต่งความเป็นจริง ซึ่งเมื่อเวลาผ่านไปกลายเป็นบัตรโทรศัพท์ของอาจารย์ ไม่ใช่ทุกคนที่ชอบสิ่งนี้: ผู้ติดตามของ King Philip IV ผู้ซึ่งชื่นชมของประทานอันศักดิ์สิทธิ์ของ Diego ถือว่าเขาเป็นคนพลุกพล่านที่หยิ่งผยองและหลงตัวเอง แต่ Velazquez ผู้หลงใหลในงานศิลปะของเขาไม่ได้เสียพลังงานไปกับการโต้แย้งด้วยวาจาซึ่งปรับปรุงคุณภาพของเท่านั้น งานของเขาและการศึกษาของเขากระตุ้นให้เกิดความชื่นชม ตัวอย่างเช่น อันโตนิโอ ปาโลมิโน นักเขียนชีวประวัติคนหนึ่งเขียนว่าแม้ในวัยหนุ่มของเขา ดิเอโก “ศึกษาเรื่องเบลล์เล็ตต์และมีความรู้ด้านภาษาและปรัชญามากกว่า หลายคนในสมัยของเขา เป็นภาพแรก ซึ่งข้าราชบริพารผู้มีอำนาจโน้มน้าวให้กษัตริย์วางท่า” Duke de Olivares ชาวเซบียาชอบผู้ปกครองมากจนเขาเชิญ Velazquez วัยยี่สิบสี่ปีมาเป็น ศิลปินประจำศาล และแน่นอนว่าเขาก็เห็นด้วย ในไม่ช้าความสัมพันธ์ฉันมิตรก็เกิดขึ้นระหว่างพวกเขา จิตรกรและนักทฤษฎีศิลปะ Francisco Pacheco ซึ่งนักเรียน Diego อยู่ในวัยหนุ่มของเขาเขียนในภายหลังว่า "กษัตริย์ผู้ยิ่งใหญ่กลับกลายเป็นคนใจกว้างและสนับสนุน Velazquez อย่างน่าประหลาดใจ สตูดิโอของศิลปินตั้งอยู่ในอพาร์ตเมนต์ของราชวงศ์ซึ่งมีการติดตั้งเก้าอี้นวมสำหรับพระบาทสมเด็จพระเจ้าอยู่หัว กษัตริย์ผู้มีกุญแจเสด็จมาที่นี่เกือบทุกวันเพื่อดูแลงาน” ประวัติศาสตร์เงียบไปว่าปาเชโกมีปฏิกิริยาอย่างไรต่อความจริงที่ว่าวอร์ดที่มีความสามารถของเขาเริ่มละทิ้งครอบครัวของเขาไปเป็นเวลานานโดยไปต่างประเทศในฐานะข้าราชบริพาร แม้ว่าจะไม่ค่อยมีใครรู้เกี่ยวกับ Juana Miranda ภรรยาของ Velazquez และมีเพียงความจริงที่ว่าเธอเป็นลูกสาวของ Pacheco เท่านั้นที่ปฏิเสธไม่ได้ ฆัวนาให้ลูกสาวสามีของเธอคือฟรานซิสโกและอิกนาเซีย อย่างไรก็ตามฟรานซิสก้าได้ย้ำชะตากรรมของแม่ของเธอ - เธอยังแต่งงานกับฮวนบาติสตาเดลมาโซนักเรียนคนโปรดของพ่อเธอด้วย จริงอยู่เห็นได้ชัดว่าดิเอโกมีส่วนร่วมในชีวิตของคนที่เขารักน้อยกว่าในกิจการของรัฐมาก

“บุคคลผู้มีการศึกษาดี มีมารยาทดี มีความรู้สึกภาคภูมิใจในตนเอง” พระองค์ตรัสถึงพระองค์ ศิลปินชาวเวนิสและนักเขียน มาร์โก บอสชินี ทูตดังกล่าวเป็นตัวแทนที่ดีเยี่ยมของราชสำนักสเปนนอกบ้านเกิด แม้ว่า Philip จะปล่อยสัตว์เลี้ยงของเขาไปอย่างไม่เต็มใจ แต่ Velasquez ก็มีโอกาสเดินทางไกลไปต่างประเทศมากกว่าหนึ่งครั้ง เขาเดินทางไปอิตาลีครั้งแรกในปี 1629 และรู้สึกยินดีเป็นอย่างยิ่งที่ได้พบโลกทั้งใบของภาพวาดอิตาลี การเดินทางครั้งที่สองไปยังประเทศนี้กินเวลาตั้งแต่ปี 1648 ถึง 1650: ในนามของฟิลิปดิเอโกมีส่วนร่วมในการเลือกงานศิลปะสำหรับสะสมของราชวงศ์ เชื่อกันว่าการปรากฏตัวของหนึ่งในภาพวาดที่มีชื่อเสียงและน่าทึ่งที่สุดของเวลาซเกซนั้นเกี่ยวข้องกับการเดินทางครั้งนี้: การสร้างผลงานชิ้นเอกที่ "ไร้ยางอาย" ถูกกล่าวหาว่าได้รับแรงบันดาลใจจากภาพวาดของชาวอิตาลีผู้ยิ่งใหญ่ Michelangelo, Titian, Giorgione, Tintoretto ผู้ซึ่งด้วย ความกล้าหาญโดยธรรมชาติของพวกเขาจับใจความแห่งความงามอันเปลือยเปล่าในตำนาน

“ Venus and Cupid”, “ Venus with a Mirror”, “ Venus Rokeby” - ไม่ว่าชื่อผ้าใบจะมีมานานหลายศตวรรษก็ตาม! แต่ความเป็นเอกลักษณ์ไม่เพียงแต่อยู่ที่ทักษะของผู้แต่งเท่านั้น แต่ยังเป็นเพียงภาพเปลือยของ Velazquez เพียงภาพเดียวที่ยังมีชีวิตอยู่ ดังที่ทราบกันดีว่าผู้สอบสวนผู้ยิ่งใหญ่ซึ่งมีทัศนคติที่โหดร้ายและแน่วแน่ต่อผู้ที่ละเมิดกฎหมายที่พวกเขาสร้างขึ้นได้รับชื่อเสียงอันน่าเศร้าถือว่าเสรีภาพดังกล่าวเป็นสิ่งที่ยอมรับไม่ได้ “ด้วยการสร้างภาพเปลือยอันเย้ายวนบนผืนผ้าใบ จิตรกรจึงกลายเป็นผู้นำทางของมาร จัดหาผู้ติดตามมัน และอาศัยอยู่ในอาณาจักรแห่งนรก” โฮเซ่ เด จีซัส มาเรีย หนึ่งในนักเทศน์ผู้ศรัทธาผู้กระตือรือร้นกล่าว ในกรณีนี้ ความงามไม่ว่าจะมีกระจกหรือไม่ก็ตาม เป็นตัวอย่างที่ดีที่สุดของสิ่งที่พูด และดิเอโกคงจะถูกเผาถ้าไม่อยู่ในนรกก็คงตกเป็นเดิมพันอย่างแน่นอนหากผู้เข้าร่วมทั้งหมดใน "อาชญากรรม" ไม่ได้เก็บความลับทุกอย่างที่เกี่ยวข้องกับภาพนี้ เป็นไปได้ว่าผู้สร้างจะได้รับการช่วยเหลือจากการลงโทษโดยผู้อุปถัมภ์สูงสุด สันนิษฐานว่างานนี้ได้รับมอบหมายจากหนึ่งในผู้สูงศักดิ์ที่สุดในสเปนและการกล่าวถึงครั้งแรกนั้นเกิดขึ้นในปี 1651: ถูกค้นพบในระหว่างการรวบรวมสิ่งของสะสมของญาติของ Olivares ผู้มีอิทธิพล Marquis del Carpio ยังคงมีการถกเถียงกันว่าผู้หญิงคนไหนที่ทำหน้าที่เป็นนางแบบ ตามเวอร์ชันหนึ่งดิเอโกถูกวางโดยนักแสดงและนักเต้นชื่อดังของมาดริด Damiana ซึ่งเป็นเมียน้อยของ Marquis นักสะสมผู้หลงใหลนักเลงศิลปะและผู้หญิงสวย ตามสมมติฐานอื่น ชาวอิตาลีมอบร่างของเธอให้กับดาวศุกร์ บางทีเธออาจเป็นคนรักลับๆ ของ Velazquez พวกเขาบอกว่าเรื่องนี้เกิดขึ้นจริงซึ่งมีหลักฐานที่ถูกกล่าวหา เช่นเดียวกับหลักฐานที่แสดงว่าไม่นานหลังจากที่ศิลปินเดินทางไปสเปน เขามีลูกชายคนหนึ่ง ซึ่งดิเอโกส่งเงินมาเลี้ยงดู

และนี่ไม่ใช่ความลับสุดท้ายของ "วีนัส" ผู้ชื่นชอบเวทย์มนต์อ้างว่าเจ้าของต่อมาแต่ละคนล้มละลายและถูกบังคับให้ขายภาพวาด ดังนั้นเธอจึงเดินจากมือหนึ่งไปอีกมือหนึ่งจนกระทั่งพบว่าตัวเองอยู่ในที่ดินของอังกฤษที่ Rokeby Park ในเขตยอร์กเชียร์ซึ่งทำให้มีชื่อหนึ่ง และในปี พ.ศ. 2449 หอศิลป์แห่งชาติในลอนดอนได้ซื้อภาพวาดดังกล่าว ที่นั่นเมื่อวันที่ 10 มีนาคม พ.ศ. 2457 เรื่องราวต่อไปนี้เกิดขึ้น...

ภาพวาดอยู่ที่ไหน? ทุกอย่างดูเหมือนจริงในภาพของคุณ เหมือนในกระจกเงา

ฟรานซิสโก เด เควเบโด้

เด็กผู้หญิงธรรมดาคนหนึ่งเข้ามาในห้องโถงซึ่งเป็นที่ตั้งของผืนผ้าใบ เมื่อเข้าใกล้ผลงานชิ้นเอก เธอคว้ามีดจากอกของเธอ และก่อนที่ทหารยามจะหยุดเธอ เธอก็ฟาดไปเจ็ดครั้ง ในระหว่างการสอบสวน Mary Richardson อธิบายการกระทำของเธอดังนี้: “Venus with a Mirror” กลายเป็นเป้าหมายของความปรารถนาสำหรับผู้ชาย พวกเหยียดเพศเหล่านี้มองเธอเหมือนโปสการ์ดลามก ผู้หญิงทั่วโลกรู้สึกขอบคุณฉันที่ยุติเรื่องนี้!” ต่อมาปรากฎว่ามิสริชาร์ดสันเป็นนักอธิษฐาน - มีส่วนร่วมในการเคลื่อนไหวเพื่อให้สิทธิในการลงคะแนนเสียงแก่ผู้หญิง และด้วยวิธีที่แปลกใหม่เธอพยายามดึงดูดความสนใจของสาธารณชนต่อชะตากรรมของ Emmeline Pankhurst หัวหน้าขบวนการนี้ซึ่งถูกจำคุกอีกครั้งซึ่งเธอได้อดอาหารประท้วง

และ "วีนัส" ก็ได้รับการฟื้นฟู สามเดือนต่อมาก็กลับมาที่แกลเลอรี และเช่นเดียวกับเมื่อหลายศตวรรษก่อน เขาชื่นชมภาพสะท้อนของเขา

เอดูอาร์ด มาเนต์ “โอลิมเปีย” 2406 พิพิธภัณฑ์ออร์เซ ปารีส

ภาพวาดนี้ซึ่งวาดเมื่อ 150 ปีที่แล้วปัจจุบันถือเป็นผลงานชิ้นเอกของอิมเพรสชันนิสม์ และนักสะสมหลายคนใฝ่ฝันที่จะมีมันไว้ในคอลเลกชันของพวกเขา อย่างไรก็ตาม การปรากฏตัวครั้งแรกของเธอในวันเปิดทำการอันทรงเกียรติในศตวรรษที่ 19 ทำให้เกิดเรื่องอื้อฉาวครั้งใหญ่ที่สุดครั้งหนึ่งในประวัติศาสตร์ศิลปะ

อาจคาดหวังว่าจะได้รับการต้อนรับที่ไม่ดี Edouard Manet จึงไม่รีบร้อนที่จะนำผลงานของเขาไปแสดงต่อสาธารณะ อันที่จริงในปี 1863 เดียวกันเขาสามารถสร้างความแตกต่างให้กับตัวเองได้โดยนำเสนอต่อคณะลูกขุน "อาหารเช้าบนพื้นหญ้า" ซึ่งถูกกีดกันในทันที: นางแบบของเขาถูกกล่าวหาว่าหยาบคายเรียกเขาว่าหญิงสาวข้างถนนที่เปลือยเปล่าซึ่งวางตำแหน่งอย่างไร้ยางอายระหว่างสองคนสำรวย ผู้เขียนเองก็ถูกกล่าวหาว่าผิดศีลธรรมและคาดหวังอะไรจากเขาไม่ได้ แต่เพื่อน ๆ ซึ่งเป็นกวีและนักวิจารณ์ชาวฝรั่งเศสชื่อดังอย่าง Charles Baudelaire ได้โน้มน้าวอาจารย์ว่าการสร้างใหม่ของเขาจะไม่เท่ากัน และกวี Zachary Astruc ชื่นชมวีนัส (เชื่อกันว่างานนี้เขียนขึ้นภายใต้อิทธิพลของ "Venus of Urbino" ของทิเชียนและเดิมตั้งชื่อตามเทพีแห่งความรัก) ตั้งชื่อความงามของโอลิมเปียทันทีและอุทิศบทกวี "ลูกสาวของ เกาะ” เส้นจากมันถูกวางไว้ใต้ผืนผ้าใบเมื่อสองปีต่อมาในปี พ.ศ. 2408 ในที่สุด Manet ก็ตัดสินใจแสดงในนิทรรศการ Paris Salon ซึ่งเป็นหนึ่งในงานที่มีชื่อเสียงที่สุดในฝรั่งเศส แต่นี่มันเริ่มต้นจากอะไร!..

“ทันทีที่โอลิมเปียมีเวลาตื่นจากการหลับใหล

ทูตสีดำที่มีอาวุธสปริงอยู่ตรงหน้าเธอ

นั่นคือผู้ส่งสารของทาสผู้ไม่อาจลืมได้

เปลี่ยนค่ำคืนแห่งความรักให้เป็นวันบานสะพรั่ง”-

ผู้เข้าชมกลุ่มแรกอ่านคำบรรยายภาพ แต่ทันทีที่พวกเขาดูภาพพวกเขาก็เดินจากไปอย่างขุ่นเคือง อนิจจาลูกไม้บทกวีที่กระตุ้นความโปรดปรานของพวกเขาไม่ได้ส่งผลกระทบต่อทัศนคติของพวกเขาต่องานเลยแม้แต่น้อย “ ร้านซักผ้า Batignolles” (เวิร์กช็อปของ Edouard ตั้งอยู่ในไตรมาส Batignolles), “ ป้ายสำหรับบูธ”, “ odalisque ท้องเหลือง”, “ บิดสกปรก” - คำคุณศัพท์ดังกล่าวกลายเป็นสิ่งที่อ่อนโยนที่สุดในบรรดาสิ่งที่ขุ่นเคือง ฝูงชนได้รับรางวัลโอลิมเปีย เพิ่มเติม - เพิ่มเติม: “ ผมสีน้ำตาลคนนี้น่าเกลียดอย่างน่ารังเกียจ ใบหน้าของเธอโง่ ผิวของเธอเหมือนศพ” “ กอริลลาตัวเมียที่ทำจากยางและวาดภาพเปลือยเปล่า” “ มือของเธอดูเหมือนจะกระตุกอย่างลามกอนาจาร ” มาจากทุกทิศทุกทาง นักวิจารณ์มีความซับซ้อนมากขึ้นในไหวพริบโดยยืนยันว่า "ศิลปะที่ตกต่ำมากไม่สมควรที่จะถูกประณามด้วยซ้ำ" สำหรับมานาดูเหมือนว่าทั้งโลกจะหันมาต่อต้านเขา แม้แต่คนที่มีนิสัยดีก็ยังอดไม่ได้ที่จะแสดงความคิดเห็น: “ฉันจะให้โพดำจากสำรับไพ่แก่คุณตอนนี้เลย

ศิลปิน เอดูอาร์ด มาเน็ต

โผล่ออกมาจากอ่างอาบน้ำ” ได้รับการตั้งชื่อโดยเพื่อนร่วมงานของเธอ Gustave Coubret “น้ำเสียงของร่างกายสกปรก และไม่มีการสร้างแบบจำลอง” กวี Théophile Gautier กล่าว แต่ศิลปินเพิ่งทำตามตัวอย่างของจิตรกรคนโปรดของเขาซึ่งเป็นที่รู้จักในระดับสากล Diego Velazquez และถ่ายทอดเฉดสีดำต่างๆ... อย่างไรก็ตามงานด้านสีสันที่เขากำหนดไว้สำหรับตัวเองและแก้ไขได้อย่างชาญฉลาดทำให้สาธารณชนกังวลเล็กน้อย: ข่าวลือเกี่ยวกับผู้ที่ทำหน้าที่เป็น แบบจำลองสำหรับงานของเขา ทำให้เกิดกระแสความโกรธแค้นสากลจนต้องมอบหมายความปลอดภัยให้กับโอลิมเปีย คู่มือเวลาต่อมา ห้องโถงนิทรรศการถูกบังคับให้ยกมันขึ้นที่สูงจนมือและไม้เท้าของ “ผู้มีคุณธรรม” ไม่สามารถเข้าถึงได้ นักวิจารณ์ศิลปะและจิตรกรรู้สึกไม่พอใจกับการจากไปของศีล - เป็นเรื่องปกติที่จะวาดภาพผู้หญิงในรูปแบบนู้ดโดยเฉพาะในฐานะเทพธิดาในตำนาน และในแบบจำลองของเอ็ดเวิร์ด พวกเธอร่วมสมัยก็มองเห็นได้ชัดเจน ยิ่งกว่านั้น ผู้เขียนยอมให้ตัวเองใช้สีอย่างเสรีและรุกล้ำ บนบรรทัดฐานด้านสุนทรียภาพ ชาวฝรั่งเศสกังวลเกี่ยวกับสิ่งอื่น: ความจริงก็คือมีข่าวลือแพร่สะพัดไปทั่วเมืองซึ่งฝูงชนหยิบยกขึ้นมาอย่างมีความสุขว่าโอลิมเปียได้รับการปรากฏตัวของเธอโดยโสเภณีชาวปารีสผู้โด่งดังและผู้เป็นที่รักของจักรพรรดินโปเลียนที่ 3 มาร์เกอริตเบลแลงเกอร์ อย่างไรก็ตาม นโปเลียนเองก็เป็นนักเลงศิลปะได้รับ "ภาพวาดหลักของซาลอน" ในปี 1865 - "การกำเนิดของดาวศุกร์" โดยอาจารย์และนักวิชาการ Alexandre Cabanel เมื่อปรากฎว่าแบบจำลองของเขาไม่ได้สร้างความสับสนให้กับจักรพรรดิด้วยอะไรมากไปกว่าท่าทางที่ไม่สำคัญหรือรูปแบบที่เบลอเพราะมันปฏิบัติตามกฎหมายของประเภทนี้อย่างสมบูรณ์ ต่างจาก "โอลิมเปีย" ที่น่าอับอายซึ่งมี "ชีวประวัติ" อันอื้อฉาว

ตามเวอร์ชันอย่างเป็นทางการ ไม่ใช่ Margarita ที่โพสท่าวาดภาพ แต่เป็น Quiz-Louise Meurand นางแบบคนโปรดของ Manet เธอไม่ลังเลเลยที่จะเปลื้องผ้าสำหรับ "Breakfast on the Grass" และปรากฏตัวบนผืนผ้าใบอื่น ๆ ของเขา ศิลปินคนอื่น ๆ มักเชิญเธอเป็นนางแบบด้วยขอบคุณที่ Victoriana ปรากฎในภาพวาดของ Edgar Degas และ Norbert Gonette จริงอยู่เด็กผู้หญิงคนนี้ไม่ได้โดดเด่นด้วยพฤติกรรมที่ดีและความบริสุทธิ์ของเธอ: ไม่ใช่โดยไม่มีเหตุผลที่คนรู้จักของเธอคนหนึ่งเรียกเธอว่า "สิ่งมีชีวิตเอาแต่ใจที่พูดเหมือนผู้หญิงข้างถนนชาวปารีส" เมื่อเวลาผ่านไป เธอบอกลาความฝันที่จะเป็นนักแสดง จากนั้นศิลปิน (ผลงานที่มีพรสวรรค์หลายชิ้นของเธอรอดชีวิตมาได้) ติดเหล้า เริ่มมีความสัมพันธ์กับ Marie Pellegri และในปีต่อ ๆ มาเธอก็ได้รับนกแก้ว ซึ่งเธอเดินไปตามถนนในเมือง ร้องเพลงพร้อมกีตาร์เพื่อทำบุญ - นั่นคือสิ่งที่เธอมีชีวิตอยู่เพื่อ

ใครปั้นคุณขึ้นมาจากความมืดมิดในยามค่ำคืน เฟาสต์พื้นเมืองแบบไหน ปีศาจแห่งสะวันนา? คุณได้กลิ่นมัสค์และยาสูบของ Havanna ลูกของ Midnight ไอดอลที่อันตรายถึงชีวิตของฉัน...

ชาร์ลส์ โบดแลร์

และถูกเยาะเย้ยโดยถูกกล่าวหาว่าหยาบคายและไร้ยางอาย “ โอลิมเปีย” เริ่มต้นขึ้น ชีวิตอิสระ- หลังจากที่ร้าน Salon ปิดตัวลง ร้านก็ใช้เวลาเกือบหนึ่งในสี่ของศตวรรษในสตูดิโอของ Manet ซึ่งมีเพียงคนรู้จักของ Edward เท่านั้นที่สามารถชื่นชมได้ เนื่องจากพิพิธภัณฑ์ หอศิลป์ และนักสะสมไม่เห็นคุณค่าทางศิลปะของร้าน จึงปฏิเสธที่จะซื้อมันแต่อย่างใด ความคิดเห็นสาธารณะไม่ได้รับอิทธิพลจากการป้องกันของนักวิจารณ์ศิลปะคนสำคัญและนักข่าว Antonin Proust ซึ่งในฐานะเพื่อนในวัยเยาว์ของเขาเขียนว่า: "เอ็ดเวิร์ดไม่เคยกลายเป็นคนหยาบคาย - ใคร ๆ ก็สัมผัสได้ถึงสายพันธุ์ในตัวเขา" หรือความเชื่อมั่นของนักเขียน Emile Zola ซึ่งระบุไว้ในบทความหนึ่งที่ตีพิมพ์ในหนังสือพิมพ์ปารีสว่าโชคชะตาได้เตรียมสถานที่ในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ไว้ให้เธอแล้ว อย่างไรก็ตามคำพูดของเขาเป็นจริง แต่ความงามต้องรอเกือบครึ่งศตวรรษ เมื่อถึงเวลานั้นผู้เขียนเองก็ได้จากโลกนี้ไปนานแล้วและผลงานอันเป็นที่รักของเขาเกือบจะไปพร้อมกับผลงานอื่น ๆ ให้กับคนรักศิลปะชาวอเมริกัน สถานการณ์ได้รับการช่วยเหลือโดยเพื่อนของอาจารย์ Claude Monet: เพื่อให้ผลงานชิ้นเอก - และเขาไม่มีข้อสงสัยเกี่ยวกับเรื่องนี้ - จะไม่ออกจากฝรั่งเศสตลอดไปเขาจึงจัดการสมัครสมาชิกโดยรวบรวมเงินได้สองหมื่นฟรังก์ เงินจำนวนนี้เพียงพอที่จะซื้อผืนผ้าใบจากภรรยาม่ายของ Manet และบริจาคให้กับรัฐซึ่งปฏิเสธการซื้อกิจการดังกล่าวมาหลายปีแล้ว เจ้าหน้าที่ศิลปะยอมรับของขวัญดังกล่าวและถูกบังคับให้จัดแสดง แต่ไม่ใช่ในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ (เป็นไปได้อย่างไร!) แต่ในห้องโถงแห่งหนึ่งของพระราชวังลักเซมเบิร์กซึ่งภาพวาดยังคงอยู่เป็นเวลาสิบหกปี มันถูกย้ายไปที่พิพิธภัณฑ์ลูฟร์ในปี 1907 เท่านั้น สี่สิบปีต่อมาในปี 1947 เมื่อพิพิธภัณฑ์อิมเพรสชั่นนิสม์เปิดขึ้นในปารีส (บนพื้นฐานของคอลเลคชันของพิพิธภัณฑ์ออร์แซที่ถูกสร้างขึ้นในเวลาต่อมา) "โอลิมเปีย" ก็ตั้งรกรากอยู่ที่นั่น และตอนนี้บรรดาผู้ชื่นชอบต่างยืนแข็งทื่อด้วยความชื่นชมต่อหน้าผู้หญิงคนหนึ่ง ซึ่งตามคำพูดของโซลา ศิลปิน "โยนลงบนผืนผ้าใบด้วยความงามอันอ่อนเยาว์ของเธอ"

ราฟาเอล สันติ “ฟอร์นารินา” 1518–1519 แกลเลอเรีย นาซิโอนาเล ดาร์เต อันติกา ปาลาซโซบาร์เบรินี, โรม

เชื่อกันว่าเป็นราฟาเอลที่จับภาพเธอในรูปของ "Sistine Madonna" อันโด่งดัง จริงอยู่พวกเขาบอกว่าในชีวิต Margarita Luti ไม่ได้ไร้บาปเลย...

เมื่อผู้หญิงคนนี้ปรากฏตัวในชีวิตของราฟาเอล สันติ เขาก็มีชื่อเสียงและร่ำรวยอยู่แล้ว เกี่ยวกับ วันที่แน่นอนนักวิจารณ์ศิลปะและนักประวัติศาสตร์ยังไม่เห็นด้วยกับการประชุมของพวกเขา แต่พวกเขาถ่ายทอดตำนานเป็นลายลักษณ์อักษรและปากเปล่าซึ่งตลอดหลายศตวรรษที่ผ่านมาได้รับการเสริมด้วยรายละเอียดมากมาย นักเขียนชีวประวัติของศิลปินบางคนอ้างว่าพวกเขาพบกันโดยบังเอิญเมื่อราฟาเอลเดินไปตามริมฝั่งแม่น้ำไทเบอร์ในเย็นวันหนึ่ง เป็นที่น่าสังเกตว่าในช่วงเวลานี้เองที่เขาทำงานตามคำสั่งของ Agostino Chigi นายธนาคารชาวโรมันผู้สูงศักดิ์ที่เชิญจิตรกรผู้มีชื่อเสียงให้ทาสีผนังพระราชวัง Farnesino ของเขา แปลงของ "The Three Graces" และ "Galatea" ได้ตกแต่งไว้แล้ว และประการที่สาม - "อพอลโลและไซคี" - ความยากลำบากเกิดขึ้น: ราฟาเอลไม่สามารถหาแบบจำลองที่แสดงถึงเทพธิดาโบราณได้ และแล้วโอกาสก็มาถึงตัว “ฉันเจอเธอแล้ว!” - ศิลปินอุทานเมื่อเห็นหญิงสาวเดินเข้ามาหาเขา เชื่อกันว่าเป็นคำพูดเหล่านี้ที่ทำให้ยุคใหม่เริ่มต้นขึ้นในชีวิตส่วนตัวของเขา ปรากฎว่าชื่อของสาวงามคือ Margherita และเธอเป็นลูกสาวของคนทำขนมปัง Francesco Luti ซึ่งเมื่อหลายปีก่อนย้ายจากเซียนาที่มีแสงแดดสดใสไปยังโรม “โอ้ คุณเป็น fornarina ที่ยอดเยี่ยม คนทำขนมปัง!” - ราฟาเอลกล่าว (แปลจากภาษาอิตาลี fornaro หรือ fornarino - baker, baker) และเชิญเธอทันทีให้โพสท่าสำหรับผลงานชิ้นเอกในอนาคต แต่มาร์การิต้าไม่กล้าให้ความยินยอมโดยไม่ได้รับอนุญาตจากพ่อของเธอ และเขาก็คือเจ้าบ่าวของลูกสาวโทมาโซะ ดังที่ประสบการณ์ได้แสดงให้เห็น จำนวนเงินก้อนใหญ่ที่ราฟาเอลมอบให้คุณพ่อลูตินั้นมีความหมายมากกว่าคำพูดใดๆ เมื่อได้รับทองคำสามพันเหรียญ เขาก็ยอมให้ลูกสาวของเขาทำงานศิลปะทั้งกลางวันและกลางคืนอย่างมีความสุข Margarita-Fornarina เองก็ยินดีทำตามความประสงค์ของพ่อแม่เพราะแม้ว่าเธอจะยังเด็กมาก (เชื่อกันว่าเธออายุเพียงสิบเจ็ดปีเท่านั้น) แต่สัญชาตญาณของผู้หญิงก็กระตุ้นให้: ศิลปินที่มีชื่อเสียงและร่ำรวยหลงรักเธอ และในไม่ช้าหญิงสาวก็ย้ายไปที่วิลล่า (สันนิษฐานว่าอยู่ที่ Via di Porta Settimiana) ซึ่งราฟาเอลเช่าเพื่อเธอโดยเฉพาะ ตั้งแต่นั้นมาพวกเขากล่าวว่าพวกเขาไม่ได้แยกจากกัน อย่างไรก็ตาม ปัจจุบันโรงแรม Relais Casa della Fornarina ตั้งอยู่ตามที่อยู่นี้ ซึ่งเป็นเว็บไซต์ที่อ้างว่าผู้เป็นที่รักของราฟาเอลอาศัยอยู่ที่นี่ในศตวรรษที่ 16 จริงอยู่ไม่นาน: เนื่องจากความปรารถนาที่จะใช้เวลาใน บริษัท ของเธอขัดขวางการทำงาน Chigi จึงเชิญอาจารย์ให้ตั้งถิ่นฐาน Margarita ข้างๆเขาใน Farnesino ดังนั้นเขาจึงทำ

กามเทพ หยุดแสงอันเจิดจ้าได้แล้ว

ดวงตาอันน่าอัศจรรย์สองดวงส่งมาจากคุณ

พวกเขาสัญญาว่าจะหนาวหรือร้อนในฤดูร้อน

แต่ไม่มีความเห็นอกเห็นใจในตัวพวกเขาเลยแม้แต่น้อย

ฉันแทบไม่รู้จักเสน่ห์ของพวกเขาเลย

ฉันสูญเสียอิสรภาพและความสงบสุขไปได้อย่างไร

ราฟาเอล สันติ

วันนี้เป็นการยากที่จะบอกว่าอะไรเป็นจริงและอะไรเป็นนิยายในเรื่องนี้เพราะตามแหล่งข้อมูลบางแห่งเริ่มต้นในปี 1514 นั่นคือเกือบครึ่งสหัสวรรษที่แล้ว ไม่มีการยืนยันว่าผู้หญิงคนนี้ถูกวาดภาพในภาพวาดอื่นๆ ของศิลปินหรือไม่ เช่น “Donna Valeta” แม้ว่านักเรียนของราฟาเอลจะมีส่วนร่วมในการสร้างสรรค์ผลงานชิ้นเอกของราฟาเอลหลายชิ้น แต่ก็สามารถสันนิษฐานได้ว่าเขาเขียน Fornarina เช่นเดียวกับ Sistine Madonna เป็นการส่วนตัว นี่อาจเป็นเหตุผลว่าทำไมเมื่อยืนอยู่หน้า "มาดอนน่า" หลายปีต่อมาในห้องโถงของหอศิลป์เดรสเดน กวีชาวรัสเซีย Vasily Zhukovsky ตั้งข้อสังเกต: "จิตวิญญาณของมนุษย์ได้รับการเปิดเผยเช่นนี้ครั้งเดียว มันไม่สามารถเกิดขึ้นสองครั้งได้" มีเพียงผู้เดาได้ว่าภาพวาดนี้เขียนโดย Margherita Luti ดังที่หลายแหล่งกล่าวว่า: ใน "ชีวประวัติ" ที่รวบรวมโดย Giorgio Vasari นักเขียนชีวประวัติยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเผด็จการชื่อนี้ไม่ได้กล่าวถึง มีเพียงวลีนี้:“ Marcantonio ทำการแกะสลักอีกมากมายสำหรับราฟาเอลซึ่งเขามอบให้กับนักเรียนของเขา Baviera ซึ่งมอบหมายให้กับผู้หญิงที่เขารักจนกระทั่งเขาตายซึ่งเป็นภาพที่สวยงามที่สุดซึ่งเธอดูเหมือนยังมีชีวิตอยู่ตอนนี้อยู่ในครอบครองแล้ว ของมัตเตโอ บอตติ ผู้สูงศักดิ์ พ่อค้าชาวฟลอเรนซ์ เขาปฏิบัติต่อภาพบุคคลนี้เสมือนเป็นของที่ระลึก เนื่องมาจากความรักในงานศิลปะ และโดยเฉพาะอย่างยิ่งราฟาเอล” และไม่มีคำใดเพิ่มเติม หลายศตวรรษต่อมา ผู้อ่านคนหนึ่งของวาซารีเขียนไว้ตรงขอบตรงข้ามบรรทัดเหล่านี้ว่าชื่อของเธอคือมาร์เกอริตา ผู้หญิงคนนี้ได้รับการตั้งชื่อว่าฟอร์นารินาในศตวรรษที่ 18

แต่ปากต่อปากก็หยุดไม่ได้ “งดงาม เหมือนมาดอนน่าของราฟาเอล!” - และตอนนี้ผู้ที่ต้องการอธิบายความงามที่แท้จริงพูดว่า แต่ผู้ร่วมสมัยของราฟาเอลรับรองว่าหญิงสาวที่มีเสน่ห์คนนั้นไม่ได้ถูกแยกออกจากความบริสุทธิ์: ในสมัยนั้นเมื่อเกจิไม่ว่างจากงานเธอก็หาคนมาแทนที่เขาได้อย่างง่ายดายโดยสละเวลาอยู่ในอ้อมแขนของนักเรียนคนหนึ่งหรือนายธนาคารของเขา ตัวเขาเอง พลเมืองของนายท่านเชื่อมั่น และจากนั้นก็ให้ความมั่นใจกับคนทั้งโลกว่าราฟาเอลเสียชีวิตในอ้อมแขนของเธอจากภาวะหัวใจล้มเหลว เรื่องนี้เกิดขึ้นเมื่อวันที่ 6 เมษายน ค.ศ. 1520 ศิลปินเพิ่งมีอายุสามสิบเจ็ดปี

ไม่ว่าเรื่องนี้จะเป็นจริงหรือไม่ก็ตามก็ไม่น่าจะทราบได้ แต่เป็นที่ทราบกันดีอยู่แล้วว่าราฟาเอลไม่ตอบสนองต่อข้อเสนอของพระคาร์ดินัลเบอร์นาร์โด ดิวิซิโอ ดิ บิบบีนา เพื่อนของเขา ซึ่งตามคำบอกเล่าของวาซารี เขาขอให้เขาแต่งงานกับหลานสาวของเขามาหลายปีแล้ว อย่างไรก็ตาม ราฟาเอล “โดยไม่ปฏิเสธโดยตรงที่จะทำตามความปรารถนาของพระคาร์ดินัล ทำให้เรื่องนี้ล่าช้าออกไป ในขณะเดียวกัน เขาก็ค่อย ๆ ดื่มด่ำกับความรักอย่างช้า ๆ มากเกินกว่าที่ควรจะเป็น แล้ววันหนึ่ง เมื่อข้ามเขตแดนไปแล้ว เขาก็กลับบ้านด้วยอาการไข้สาหัส แพทย์คิดว่าเขาเป็นหวัดและเลือดออกอย่างไม่ระมัดระวัง ส่งผลให้เขาอ่อนแอมาก” ยาไม่มีอำนาจ

“Fornarina” ออกเดินทางด้วยตัวมันเอง เป็นครั้งแรกที่มีการกล่าวถึงผลงานหญิงสาวเปลือยจากคำพูดของบุคคลที่เห็นมันในคอลเลกชั่น Sforza Santa Fiora บนไหล่ซ้ายของเธอมีสร้อยข้อมือที่มีข้อความว่า "Rafael of Urbino" ซึ่งก่อให้เกิดการระบุตัวตนของนางแบบกับคนรักในตำนาน ซึ่งอยู่ในคอลเลกชันของ Palazzo Barberini มาตั้งแต่ปี 1642 การศึกษาด้วยรังสีเอกซ์แสดงให้เห็นว่าภาพวาดนี้ "แก้ไข" ในภายหลังโดย Giulio Romano นักเรียนของราฟาเอล

“ราฟาเอลจะประสบความสำเร็จอย่างยอดเยี่ยมในการระบายสีหากรัฐธรรมนูญอันเร่าร้อนของเขาซึ่งดึงดูดให้เขารักอยู่ตลอดเวลาไม่ทำให้เขาเสียชีวิตก่อนวัยอันควร” หนึ่งในผู้ชื่นชมผลงานของเขาเขียน “ราฟาเอลผู้ยิ่งใหญ่อยู่ที่นี่ ซึ่งในช่วงชีวิตของเขากลัวที่จะพ่ายแพ้ และหลังจากที่เขาเสียชีวิต เธอก็กลัวที่จะตาย” คำจารึกบนหลุมฝังศพของเขาในวิหารแพนธีออนกล่าว

Gustav KLIMT "ตำนาน" 2426 พิพิธภัณฑ์เวียนนา Karlsplatz เวียนนา

Gustav Klimt มีชื่อเสียงจากการแสดงภาพผู้หญิงเปลือยที่แปลกประหลาด: ในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 ภาพวาดของเขาซึ่งมีลักษณะกามารมณ์ตรงไปตรงมาทำให้สาธารณชนชาวเวียนนาผู้ประณีตตกตะลึงและผู้พิทักษ์ศีลธรรมเรียกสิ่งเหล่านี้ว่าภาพลามกอนาจาร

แต่นี่ไม่ใช่กรณีเสมอไป: หนึ่งในคำสั่งแรกที่ศิลปินที่ต้องการได้รับจากผู้จัดพิมพ์ Martin Gerlach คือการสร้างภาพประกอบสำหรับหนังสือ "Allegories and Emblems" - กุสตาฟรุ่นเยาว์ทำมันอย่างอิสระและอาจสอดคล้องกับเขาทั้งหมด ข้อกำหนดและแนวคิดเกี่ยวกับความงาม ไม่ว่าในกรณีใด ข้อมูลเกี่ยวกับข้อร้องเรียนจาก Gerlach ยังไม่ได้รับการเก็บรักษาไว้ แม้ว่าใจกลางโครงเรื่องจะมีความสวยงามแบบเปลือยก็ตาม นักวิจารณ์เรียกภาพเปลือยนี้ว่าเกือบจะบริสุทธิ์ “ แม้แต่ในภาพวาดยุคแรก ๆ ของเขา Klimt ยังมอบความภาคภูมิใจให้กับผู้หญิง: ตั้งแต่นั้นมาเขาก็ไม่เคยหยุดที่จะยกย่องเธอ สัตว์ที่เชื่อฟังถูกวางไว้เพื่อประดับไว้ที่เท้าของนางเอกที่น่าทึ่งและตระการตาซึ่งถือว่าการเชื่อฟังของพวกมันเป็นเรื่องธรรมดา” พวกเขาชื่นชมกับคารมคมคายของพวกมันเอง และพวกเขาชี้แจงว่าผู้เขียนต้องการสัตว์เพียงเพื่อแสดงอีฟที่ยั่วยวนครั้งแรกนี้ในแง่ที่ดีที่สุดเท่านั้น นิทาน - นี่คือชื่อของภาพยนตร์ในต้นฉบับ ในการแปลภาษารัสเซียมีชื่อเรียกต่างกัน: "ตำนาน", "เทพนิยาย", "นิทาน" สิ่งที่ยังคงไม่เปลี่ยนแปลงคือปฏิกิริยาของผู้ชมที่พบว่าเป็นเรื่องยากที่จะเชื่อว่าสิ่งนี้เป็นของกุสตาฟ คลิมท์ คนเดียวกันนั้น ซึ่งเป็นคนอีโรโตแมนที่น่าตกตะลึง อัจฉริยะและ "คนเสื่อมทรามในทางที่ผิด" ตามที่เพื่อนร่วมชาติของเขาเรียกเขาว่า แต่ตั้งแต่นั้นมามีการเปลี่ยนแปลงมากมาย รวมถึงสไตล์ทางศิลปะของเขาด้วย

“ตัวเขาเองดูเหมือนคนธรรมดาสามัญที่เงอะงะที่ไม่สามารถรวมคำสองคำเข้าด้วยกันได้ แต่มือของเขาสามารถเปลี่ยนผู้หญิงให้กลายเป็นกล้วยไม้ล้ำค่าที่โผล่ออกมาจากส่วนลึกของความฝันอันมหัศจรรย์ได้” เพื่อนคนหนึ่งของศิลปินเล่า จริงอยู่ คนรุ่นเดียวกันของ Klimt ไม่ได้แบ่งปันความคิดเห็นของเธอ ท้ายที่สุดแล้ว มันเป็นการแสดงภาพเปลือยของผู้หญิงที่ "ลามกอนาจาร" ที่ทำให้เกิดเรื่องอื้อฉาวที่ดังที่สุดในงานศิลปะ เกิดขึ้นในเวียนนาเจ็ดปีหลังจากการสร้างนิทานก่อนปี 1900 เมื่อจิตรกรหนุ่มนำเสนอต่อสาธารณชนและที่สำคัญที่สุดคือลูกค้า - อาจารย์ผู้มีเกียรติของมหาวิทยาลัยเวียนนา - ภาพวาด "ปรัชญา" “การแพทย์” และ “นิติศาสตร์”: พวกเขาควรจะตกแต่งเพดานอาคารหลักของวิหารแห่งวิทยาศาสตร์ เมื่อดูภาพวาดแล้ว ผู้เชี่ยวชาญก็ตกตะลึงกับ "ความน่าเกลียดและความเปลือยเปล่า" และกล่าวหาผู้เขียนเรื่อง "ภาพลามกอนาจาร ความวิปริตมากเกินไป และการสาธิตชัยชนะของความมืดเหนือแสงสว่าง" คดีอุกอาจยังถูกหารือในรัฐสภาด้วยซ้ำ! ไม่มีใครสนใจคำตักเตือนของศาสตราจารย์ศิลป์ Franz von Wickhoff บุคคลเพียงคนเดียวที่พยายามปกป้อง Klimt ในการบรรยายในตำนานเรื่อง "What's Ugly?" ส่งผลให้ไม่มีการจัดแสดงภาพวาดในอาคารมหาวิทยาลัย อย่างไรก็ตาม เรื่องราวนี้ช่วยให้กุสตาฟได้ข้อสรุปที่สำคัญ: ความเป็นอิสระในการสร้างสรรค์เป็นวิธีเดียวที่จะรักษาความคิดริเริ่ม “การเซ็นเซอร์เพียงพอแล้ว ฉันจะผ่านไปเอง ฉันต้องการที่จะเป็นอิสระ ฉันต้องการกำจัดเรื่องไร้สาระทั้งหมดที่รั้งฉันไว้และได้งานคืน ฉันปฏิเสธความช่วยเหลือและคำสั่งของรัฐบาล ฉันยอมแพ้ทุกอย่าง” เขากล่าวในการให้สัมภาษณ์หลายปีต่อมา และเขาหันไปหารัฐบาลเพื่อขอให้เขาซื้อผลงานที่น่าอับอายกลับคืนมา “ การโจมตีของการวิพากษ์วิจารณ์แทบจะไม่แตะต้องฉันเลยในเวลานั้นและยิ่งไปกว่านั้นเป็นไปไม่ได้ที่จะพรากความสุขที่ฉันได้รับขณะทำงานเหล่านี้ไป โดยทั่วไปแล้ว ฉันไม่ค่อยไวต่อการโจมตีมากนัก แต่ฉันจะเปิดกว้างมากขึ้นถ้าฉันเข้าใจว่าคนที่สั่งงานของฉันไม่พอใจ เช่นเดียวกับในกรณีที่ภาพวาดถูกปกปิด” เขาอธิบายในการให้สัมภาษณ์กับนักข่าวชาวเวียนนา คำขอของเขาได้รับอนุมัติจากรัฐบาล ต่อมาภาพวาดเหล่านี้ไปอยู่ในคอลเลกชันส่วนตัว แต่เมื่อสิ้นสุดสงครามโลกครั้งที่สอง ภาพเหล่านี้ถูกเผาโดยกองทหาร SS ที่กำลังล่าถอยที่ปราสาทอิมเมอร์ฮอฟ ซึ่งต่อมาถูกเก็บรักษาไว้ คลิมต์เองก็ไม่ทราบเรื่องนี้เพราะทั้งหมดนี้เกิดขึ้นเมื่ออาจารย์ไม่มีชีวิตอยู่อีกต่อไป

ศิลปะทั้งหมดเป็นเรื่องกาม

อดอล์ฟ ลูส

โชคดีที่ในปี 1900 ปฏิกิริยาของสาธารณชนไม่ได้ทำให้ความกระตือรือร้นของเขาเย็นลง: เขาพึ่งพาผู้หญิง - พวกเขาเป็นคนที่นำอิสรภาพที่ต้องการมาให้เขา แม้ว่าความปรารถนาที่จะ "วาดภาพเอวาซึ่งเป็นต้นแบบของผู้หญิงทุกคนอย่างกล้าหาญ - ในท่าทางที่เป็นไปได้ทั้งหมดซึ่งไม่ใช่แอปเปิ้ลที่เป็นเป้าหมายของการล่อลวง แต่เป็นร่างกายของเธอ" ไม่เคยหายไปจากเขากุสตาฟชอบที่จะทำเงินโดย การสร้างภาพคู่ชีวิตของเจ้าสัวชาวเวียนนา นี่คือลักษณะที่ "Gallery of Wives" ที่มีชื่อเสียงปรากฏขึ้นซึ่งไม่เพียงนำเงินมาให้ Klimt เท่านั้น แต่ยังมีชื่อเสียงอีกด้วย: Sonya Knieps, Adele Bloch-Bauer, Serena Lederer - เกจิรู้วิธีที่จะทำให้พลเมืองที่เจริญรุ่งเรืองของเวียนนาพอใจ เขาวาดภาพคนที่พวกเขารักว่ามีเสน่ห์เหลือล้น แต่แฝงด้วยความเย่อหยิ่ง หลังจากมอบคุณลักษณะเหล่านี้ให้กับผู้หญิงจากสังคมชั้นสูงครั้งหนึ่งแล้ว เขาก็ทำซ้ำเทคนิคนี้มากกว่าหนึ่งครั้ง ดังนั้น “หญิงสาวร้าย ความอีโรติก และสุนทรียภาพ” จึงกลายมาเป็นจุดเด่นของ Klimt

โชคดีที่ศิลปินไม่ขาดแคลนนางแบบ - เปลือยเปล่าหรือสวมเสื้อผ้าหรูหรา แม้ว่าตำนานจะถูกสร้างขึ้นเกี่ยวกับความรักของเขา แต่เพื่อนที่ซื่อสัตย์ของ Gustav เป็นเวลายี่สิบเจ็ดปีคือ Emilia Flöge นักออกแบบแฟชั่นและเจ้าของบ้านแฟชั่น จริงอยู่ที่พวกเขาบอกว่าพวกเขาเชื่อมโยงกันด้วยมิตรภาพที่สัมผัสได้เท่านั้นและความสัมพันธ์ของทั้งคู่ก็เป็นมิตรต่อกันโดยเฉพาะ และยังเชื่อกันว่าเป็นเธอและตัวเขาเองที่ถูกจับได้ใน "จูบ" อันโด่งดัง

ใครเป็นแรงบันดาลใจให้กับคุณลักษณะของความงามจากนิทานอาจจะยังคงเป็นปริศนา - หนึ่งในนั้นที่ Klimt ชอบสร้างสรรค์ “ใครก็ตามที่อยากรู้อะไรเกี่ยวกับฉันในฐานะศิลปิน และนั่นคือทั้งหมดที่ฉันสนใจ ควรดูภาพวาดของฉันอย่างละเอียด” เขาแนะนำ บางทีคำตอบสำหรับคำถามทั้งหมดอาจซ่อนอยู่ในนั้นจริงๆ

ดันเต้ กาเบรียล รอสเซ็ตติ “วีนัส แวร์ติคอร์เดีย” พ.ศ. 2407–2411 หอศิลป์และพิพิธภัณฑ์รัสเซลล์-โคตส์, บอร์นมัธ

Dante Gabriel Rossetti มีชื่อเสียงในฐานะหนึ่งในผู้ก่อตั้งกลุ่มภราดรภาพก่อนราฟาเอล ซึ่งเป็นกวีและศิลปินดั้งเดิมที่สร้างซีรีส์เกี่ยวกับกาม ภาพผู้หญิง- และยังมีการแสดงตลกที่น่าตกใจที่ระเบิดสังคมเคร่งครัด

“ถ้าคุณรู้จักเขา คุณจะรักเขา และเขาจะรักคุณ ทุกคนที่รู้จักเขาจะถูกพาตัวไปจากเขา เขาแตกต่างไปจากคนอื่นๆ อย่างสิ้นเชิง” เจน เบอร์เดน มอร์ริส กล่าวถึง Rossetti ซึ่งเธอใช้เวลาหลายปีมาตลอด สถานที่ของผู้หญิงและนางแบบอันเป็นที่รักของดันเต้ แต่เธอไม่ใช่คนเดียว...

เรื่องราวนี้เริ่มต้นในเดือนตุลาคม พ.ศ. 2400 เมื่อเจนและเอลิซาเบธน้องสาวของเธอไปที่โรงละคร Drury Lane ในลอนดอน ที่นั่นเธอสังเกตเห็นโดย Rossetti และเพื่อนร่วมงานของเขา Edward Burne-Jones ผู้ร่วมสมัยตั้งข้อสังเกตว่าเจนนี่ - ในฐานะเพื่อนก่อนราฟาเอลของเธอเริ่มเรียกเธอ - ไม่ได้โดดเด่นด้วยความงามแบบดั้งเดิม แต่ดึงดูดความสนใจจากความแตกต่างของเธอจากคนอื่นๆ “นี่เป็นผู้หญิงแบบไหนกัน! เธอสวยในทุกสิ่ง ลองนึกภาพผู้หญิงที่สูงและผอม ชุดยาวทำจากผ้าสีม่วงหม่นทำจากวัสดุธรรมชาติมีผมสีดำหยิกหยักศกเป็นคลื่นขนาดใหญ่ตามขมับ ใบหน้าเล็กซีด ดวงตาสีเข้มขนาดใหญ่ลึก...มีคิ้วโค้งหนาสีดำ คอเปิดสูงปกคลุมไปด้วยไข่มุกและท้ายที่สุด - ความสมบูรณ์แบบที่แท้จริง” คนรู้จักคนหนึ่งชื่นชม เธอแตกต่างอย่างเห็นได้ชัดจากหญิงสาวฆราวาส "คลาสสิก" - นี่คือสิ่งที่ทำให้จินตนาการของพรีราฟาเอลตื่นเต้นเร้าใจซึ่งประกาศว่าพวกเขาไม่เต็มใจที่จะปฏิบัติตามกฎของการวาดภาพเชิงวิชาการ พวกเขาบอกว่าเมื่อสังเกตเห็นเธอ Rossetti ก็อุทานว่า: “เป็นภาพที่น่าทึ่งมาก! งดงาม!" แล้วเขาก็ชวนสาวมาโพสท่า ศิลปินคนอื่นๆ ชื่นชมการตัดสินใจของเขาและเริ่มแย่งชิงกันเพื่อเชิญ Jane née Burden มาร่วมเซสชั่นของพวกเขา การที่นางรำพึงอย่างเป็นทางการของพวกก่อนราฟาเอล เอลิซาเบธ ซิดดาล ซึ่งครองตำแหน่งนี้มานานหลายปี มีปฏิกิริยาอย่างไรต่อสิ่งนี้นั้นไม่ใช่เรื่องยากที่จะคาดเดา ท้ายที่สุดแล้ว Lizzie ยังเป็นภรรยาสะใภ้ของ Rossetti เขาสัญญาว่าจะทำให้ความสัมพันธ์ของพวกเขาถูกต้องตามกฎหมาย ทุกคนรู้เกี่ยวกับความรักที่เร่าร้อนและเจ็บปวดของทั้งคู่ รวมถึงความจริงที่ว่า Dante ผู้รักได้รับ "แรงบันดาลใจ" ตลอดหลายปีที่ผ่านมาในอ้อมแขนของรุ่นอื่น ๆ ประสบการณ์ดังกล่าวบ่อนทำลายสุขภาพที่ไม่ดีของ Siddal ซึ่งเธอ ในทุกแง่มุมเสียสละคำพูดเพื่อศิลปะ ว่ากันว่าในขณะที่โพสท่าในปี 1852 เพื่อวาดภาพชื่อดังของจอห์น มิเลส์ “โอฟีเลีย” เธอใช้เวลาหลายชั่วโมงติดต่อกันในอ่างน้ำ เป็นภาพโอฟีเลียที่จมน้ำ มันเกิดขึ้นในฤดูหนาวและตะเกียงที่ให้น้ำร้อนดับลง เด็กหญิงเป็นหวัดและป่วยหนัก เชื่อกันว่าเธอได้รับยาที่ใช้ฝิ่นเพื่อรักษา เพื่อเครดิตของ Dante สมควรกล่าวว่าเขารักษาคำพูดกับเธอ โดยแต่งงานกับลิซซี่ในเดือนพฤษภาคม พ.ศ. 2403 และในเดือนกุมภาพันธ์ พ.ศ. 2405 เธอก็จากไป เอลิซาเบธเสียชีวิตจากการกินฝิ่นเกินขนาด ซึ่งเธอใช้รักษาความเจ็บปวด ไม่นานก่อนหน้านั้น เธอสูญเสียลูกไป และความสัมพันธ์ระหว่างเธอกับรอสเซตติก็พังทลายลง ค้นหาว่าการตายของเธอเป็นเพียงเท่านั้น อุบัติเหตุร้ายแรงมันไม่ได้ผล

แต่เวลาผ่านไป: Jane Burden อยู่ใกล้ ๆ และถึงแม้ว่าเธอจะเป็นภรรยาของวิลเลียมมอร์ริสอยู่แล้ว แต่มิตรภาพที่ "อ่อนโยน" ของเธอกับรอสเซ็ตติยังคงดำเนินต่อไป คู่สมรสตามกฎหมายอยู่เหนือแบบแผนและไม่ก้าวก่ายความสัมพันธ์ บางทีตัวเขาเองก็ "พยากรณ์" พวกเขาเหรอ? ท้ายที่สุดแล้วภาพวาดเดียวที่มอร์ริสทำเสร็จคือเจนในรูปของ "ราชินีจิเนฟรา" ดังที่คุณทราบผู้หญิงคนนี้เป็นภรรยาของกษัตริย์อาเธอร์ซึ่งตามเวอร์ชั่นหนึ่งกลายเป็นที่รักของอัศวินแลนสล็อตของเขา อาจเป็นไปได้ว่าเจนเป็นคนทำให้ดันเต้กลับมามีชีวิตอีกครั้งโดยปลุกความปรารถนาที่จะสร้างในตัวเขา ไม่กี่ปีต่อมา เขาตัดสินใจตีพิมพ์ผลงานกวีนิพนธ์ในยุคแรกๆ ของเขา อนิจจาไม่มีร่างโคลงเหลืออยู่เลย จากนั้นเขาก็กระทำการที่คนทั้งลอนดอนพูดถึงมานานแล้ว เขาขุดขึ้นมาและนำต้นฉบับที่หายไปครั้งหนึ่งมาสู่แสงสว่าง “โคลงของเขาเต็มไปด้วยเนื้อหาลึกลับและอีโรติก” นักวิจารณ์ตอบ และผู้อ่านก็ยอมรับด้วยความยินดี

ชีวิตดำเนินต่อไปและตอนนี้เจนก็เหมือนกับเอลิซาเบ ธ ครั้งหนึ่งที่ปรากฏบนผืนผ้าใบเกือบทุกชิ้นขอบคุณที่เธอเข้าสู่ประวัติศาสตร์การวาดภาพ อย่างไรก็ตาม ไม่ว่า “Venus Verticordia” อันโด่งดัง - “วีนัสผู้เปลี่ยนใจ” ยังคงรักษารูปร่างหน้าตาของเธอไว้ยังคงเป็นปริศนาหรือไม่ เมื่อถึงเวลานั้น Rossetti มีนางแบบที่ชื่นชอบอีกคนหนึ่ง เด็กผู้หญิงชื่อ Alexa Wilding แม้ว่าทุกคนจะเรียกเธอว่าอลิซก็ตาม เชื่อกันว่าในเดือนมกราคม พ.ศ. 2411 ภาพวาดนี้เขียนใหม่โดยใช้ใบหน้าของไวล์ดิ้ง แม้ว่าแฟนนี คอร์นฟอร์ธ แม่บ้านของศิลปินจะโพสท่าเป็นรูปดาวศุกร์ก็ตาม เป็นเช่นนั้นหรือไม่ - เป็นปริศนา หนึ่งในนั้นที่ Rossetti นำติดตัวไปด้วย อีกสิ่งหนึ่งที่น่าประหลาดใจ: Venus Verticordia เป็นชื่อของลัทธิโรมันโบราณและภาพของเทพีวีนัส "เปลี่ยน" หัวใจของผู้คน "จากตัณหาไปสู่ความบริสุทธิ์" และผลงานที่มีชื่อเดียวกันนี้แทบจะเป็นเพียงตัวอย่างเดียวของภาพเปลือยในงานของ Rossetti อย่างไรก็ตาม Miss Alexa Wilding ยังเป็นหนึ่งในไม่กี่คนของ Dante ที่เกจิไม่มีความสัมพันธ์รักด้วย

ทิเชียน เวเชลลิโอ วีนัสแห่งอูร์บิโน 1538 หอศิลป์อุฟฟิซี เมืองฟลอเรนซ์

Venus Pudica - "Chaste Venus", "ขี้อาย", "เจียมเนื้อเจียมตัว" - ผู้ร่วมสมัยของ Titian เรียกภาพเทพีแห่งความรักที่คล้ายกัน “เด็กผู้หญิงที่สวมแค่แหวน สร้อยข้อมือ และต่างหู แม้จะเขินอายนิดหน่อยก็ตระหนักถึงความงามของเธออย่างเต็มที่” พวกเขาพูดถึงความงามในวันนี้ และเรื่องราวนี้เริ่มต้นเมื่อ 475 ปีที่แล้ว

เมื่อ Duke Guidobaldo II della Rovere ส่งคนจัดส่งไปยังเวนิสในฤดูใบไม้ผลิปี 1538 เขาได้รับคำแนะนำที่ชัดเจน: อย่ากลับมาโดยไม่มีผืนผ้าใบที่ได้รับคำสั่งจากทิเชียน จากจดหมายโต้ตอบของ Duke เป็นที่ทราบกันว่าพวกเขากำลังพูดถึงภาพเหมือนของ Guidobaldo เองและ la donna nuda คนหนึ่งซึ่งก็คือ "ผู้หญิงเปลือยเปล่า" อย่างที่คุณเห็นคนรับใช้รับมือกับงานได้ดี - Guidobaldo ซึ่งต่อมากลายเป็น Duke of Urbino ได้รับผืนผ้าใบและความงดงามที่เปลือยเปล่าในภาพวาดได้รับชื่อใหม่: "Venus of Urbino"

ในเวนิส - ความงามที่สมบูรณ์แบบ! ฉันให้อันดับหนึ่งกับภาพวาดของเธอ ซึ่งทิเชียนเป็นผู้ถือมาตรฐาน

ดิเอโก เวลาซเกซ

เมื่อถึงเวลานั้น Titian Vecellio ซึ่งอายุประมาณห้าสิบปีเป็นที่รู้จักมานานแล้วในฐานะปรมาจารย์ผู้มีชื่อเสียงและได้รับตำแหน่งศิลปินคนแรกของสาธารณรัฐเวนิส พลเมืองที่มีชื่อเสียงเข้าแถวกันต้องการเป็นเจ้าของภาพเหมือนของตัวเองในการประหารชีวิต “ ด้วยความเข้าใจอันน่าทึ่ง ศิลปินได้พรรณนาถึงคนรุ่นราวคราวเดียวกัน โดยจับคุณลักษณะที่หลากหลายและบางครั้งก็ขัดแย้งกันของตัวละครของพวกเขา: ความมั่นใจในตนเอง ความภาคภูมิใจและศักดิ์ศรี ความสงสัย ความหน้าซื่อใจคด การหลอกลวง” นักวิจารณ์ศิลปะแห่งศตวรรษที่ 19 กล่าว “เมื่อคุณพยายามจินตนาการถึงทิเชียน คุณจะเห็น คนที่มีความสุขผู้มีความสุขและเจริญรุ่งเรืองที่สุดเท่าที่เคยมีมาในหมู่ญาติของพระองค์ ผู้ได้รับแต่ความโปรดปรานและความโชคดีจากสวรรค์เท่านั้น... ผู้เป็นเจ้าภาพบ้านของกษัตริย์ โดเกส สมเด็จพระสันตะปาปาปอลที่ 3 และกษัตริย์อิตาลีทั้งหมดถูกโจมตีด้วยคำสั่งจ่ายเงินอย่างกว้างขวาง รับเงินบำนาญและใช้ประโยชน์จากความสุขของเขาอย่างชำนาญ เขาดูแลบ้านของเขาอย่างยิ่งใหญ่ แต่งกายอย่างงดงาม เชิญพระคาร์ดินัล ขุนนาง ศิลปินที่ยิ่งใหญ่ที่สุด และนักวิทยาศาสตร์ที่มีพรสวรรค์มากที่สุดในยุคนั้นมาที่โต๊ะของเขา” Hippolyte Taine นักประวัติศาสตร์ชาวฝรั่งเศสเขียนเกี่ยวกับเขาเมื่อต้นศตวรรษที่ 19 นี่อาจเป็นความคิดเห็นของชาวเวนิสผู้มั่งคั่ง พวกเขาคงสงสัยว่าทำไมผู้เป็นที่รักแห่งโชคชะตาถึงมีเรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ น้อยมาก แท้จริงแล้วสำหรับ ชีวิตที่ยืนยาวทิเชียนมีความเกี่ยวข้องกับชื่อผู้หญิงเพียงสามชื่อ และถึงกระนั้นก็มีสองคนที่เป็นไปได้มากที่สุดเพียงเพื่อสร้างความสวยงามเท่านั้น เรื่องราวโรแมนติก- เป็นที่ทราบกันดีอยู่แล้วว่าภรรยาคนเดียวของเขาคือ Cecilia Soldano ซึ่งเขาแต่งงานในปี 1525 โดยอาศัยอยู่กับเธอเป็นเวลาหลายปีใน "การแต่งงานแบบพลเรือน" ก่อนงานแต่งงาน และในปี ค.ศ. 1530 เธอก็เสียชีวิตโดยทิ้งสามีไว้กับลูก เป็นการยากที่จะบอกว่าเขาวาดภาพเหมือนของเซซิเลียจริงหรือในรูปแบบของความงามในตำนาน แต่เขายังคงรักษาความทรงจำของผู้หญิงคนนี้ไว้ สำหรับเขาแล้ว Vecellio ผู้โด่งดังและมีชื่อเสียง ผู้รักชีวิต ฉลาดจากประสบการณ์แห่งชัยชนะและความสูญเสีย ที่ Duke Guidobaldo หัน...

ตลอดระยะเวลาเกือบครึ่งสหัสวรรษที่ผ่านไปนับตั้งแต่การประสูติของเทพธิดาทิเชียน นักประวัติศาสตร์ศิลปะคงได้ศึกษาทุกฝีก้าวของเธอ ร่างกายที่หรูหราแต่ไม่มีใครรู้ว่าใครทำหน้าที่เป็นนางแบบ มีคนคิดว่าผืนผ้าใบพรรณนา ภรรยาสาวกุยโดบัลโด จูเลีย วาราโน คนอื่นๆ ไม่ต้องสงสัยเลย: เกจิโพสต์ท่า... เอลีนอร์ กอนซากา แม่ของดยุค ตามสมมติฐาน พวกเขาอ้างถึงความคล้ายคลึงกันระหว่าง "วีนัส" กับภาพเหมือนของเอลีนอร์โดยทิเชียน และความจริงที่ว่าผืนผ้าใบทั้งสองผืนพรรณนาถึง "สุนัขตัวเดียวกันขดตัวเป็นลูกบอล" บางคนจัดองค์ประกอบแต่ละอย่างในสภาพแวดล้อมของผู้หญิง และทั้งหมดนี้ตามความเห็นของพวกเขา บ่งบอกถึงความผูกพันของการแต่งงาน ช่อดอกกุหลาบในมือเป็นคุณลักษณะของดาวศุกร์ สุนัขที่เท้าเป็นสัญลักษณ์ของการอุทิศตน และสาวใช้ที่อยู่ใกล้หน้าอกพร้อมเสื้อผ้าและดอกไม้ในช่องเปิด - เพื่อสร้างบรรยากาศของความใกล้ชิดและความอบอุ่น พวกเขามีความสุขที่ได้พากย์ผลงานนี้ว่า "ภาพเหมือนเชิงเปรียบเทียบของขุนนางผู้มีชื่อเสียง - "เทพธิดาในประเทศ" ซึ่งสื่อถึงความหรูหราและความเย้ายวนของชาวเมืองเวนิส ทิเชียนอาจต้องการพูดคุยเกี่ยวกับเรื่องเพศในภาพวาดของเขา โดยผสมผสานความเร้าอารมณ์ที่น่าตื่นเต้นเข้ากับคุณธรรมของการแต่งงาน และเหนือสิ่งอื่นใด ด้วยความซื่อสัตย์ที่สุนัขบรรยายออกมา” พวกเขาโต้แย้ง คนอื่นๆ อ้างอย่างเหยียดหยามว่าบนเตียงภายในห้องดยุคมีสุภาพสตรีแห่งเดมอนด์: โสเภณี ตัวแทนของอาชีพนี้ในศตวรรษที่ 16 ดำรงตำแหน่งทางสังคมที่สูง และด้วยความพยายามของจิตรกร มักจะคงอยู่ชั่วนิรันดร์ แต่ตอนนี้มันไม่สำคัญแล้ว สิ่งสำคัญอีกประการหนึ่ง: งานของทิเชียนให้กำเนิดผู้ติดตามที่มีความสามารถ - Alberti, Tintoretto, Veronese “วีนัสแห่งเออร์บิโน” เอง 325 ปีต่อมา - ในปี 1863 - เป็นแรงบันดาลใจให้ Edouard Manet เพื่อนร่วมงานรุ่นน้องของเขาสร้าง "โอลิมเปีย" อันน่าทึ่ง และส่วนที่เหลือ - แม้ห้าร้อยปีต่อมา - ชื่นชมพรสวรรค์ของอัจฉริยะที่พระเจ้าจูบ

ประวัติศาสตร์โลกของวิจิตรศิลป์จดจำเหตุการณ์ที่น่าทึ่งมากมายที่เกี่ยวข้องกับการสร้างสรรค์และการผจญภัยของภาพวาดที่มีชื่อเสียงในเวลาต่อมา เนื่องจากสำหรับศิลปินตัวจริงแล้ว ชีวิตและความคิดสร้างสรรค์มีความเชื่อมโยงกันมากเกินไป

"The Scream" โดย เอ็ดวาร์ด มุงค์

ปีที่สร้าง: 1893
วัสดุ: กระดาษแข็ง, น้ำมัน, เทมเพอรา, พาสเทล
อยู่ที่ไหน: หอศิลป์แห่งชาติ

ภาพวาดชื่อดัง “The Scream” ของศิลปินแนวเอ็กซ์เพรสชันนิสต์ชาวนอร์เวย์ Edvard Munch เป็นหัวข้อสนทนายอดนิยมในหมู่นักเวทย์มนต์ทั่วโลก บางคนคิดว่าภาพวาดนี้ทำนายเหตุการณ์เลวร้ายของศตวรรษที่ 20 ด้วยสงคราม ภัยพิบัติด้านสิ่งแวดล้อมและการฆ่าล้างเผ่าพันธุ์ คนอื่นมั่นใจว่าภาพนี้นำความโชคร้ายและความเจ็บป่วยมาสู่ผู้กระทำผิด

ชีวิตของมันช์แทบจะเรียกได้ว่าเจริญรุ่งเรืองไม่ได้ เขาสูญเสียญาติไปหลายคน ได้รับการปฏิบัติซ้ำแล้วซ้ำเล่า คลินิกจิตเวช,ไม่เคยแต่งงาน.

อย่างไรก็ตาม ศิลปินได้ทำซ้ำภาพวาด "The Scream" สี่ครั้ง

เชื่อกันว่าเธอเป็นผลมาจากโรคจิตคลั่งไคล้ซึมเศร้าซึ่ง Munch ทนทุกข์ทรมาน ไม่ทางใดก็ทางหนึ่งการเห็นชายผู้สิ้นหวังที่มีศีรษะใหญ่ ปากอ้า และมือที่แนบหน้ายังคงทำให้ทุกคนที่มองผืนผ้าใบตกตะลึง

"ผู้สำเร็จความใคร่ด้วยตนเองที่ยิ่งใหญ่" โดย Salvador Dali

ปีที่สร้าง: 1929
วัสดุ: สีน้ำมัน, ผ้าใบ
สถานที่ตั้ง: ศูนย์ศิลปะ Reina Sofia

ประชาชนทั่วไปได้เห็นภาพวาด "The Great Masturbator" หลังจากการเสียชีวิตของปรมาจารย์แห่งความอุกอาจและ Salvador Dali เซอร์เรียลลิสต์ผู้โด่งดังที่สุดเท่านั้น ศิลปินเก็บมันไว้ในคอลเลกชันของเขาเองที่พิพิธภัณฑ์โรงละครDalíในฟิเกเรส เชื่อกันว่าภาพวาดที่แปลกตาสามารถบอกเล่าบุคลิกของผู้เขียนได้มากมาย โดยเฉพาะอย่างยิ่งเกี่ยวกับทัศนคติอันเจ็บปวดของเขาที่มีต่อเรื่องเพศ อย่างไรก็ตาม เราเดาได้แค่ว่าจริงๆ แล้วแรงจูงใจอะไรที่ซ่อนอยู่ในภาพนี้

สิ่งนี้คล้ายกับการแก้ rebus: ตรงกลางของภาพมีโปรไฟล์เชิงมุมมองลงมาคล้ายกับต้าหลี่เองหรือก้อนหินบนชายฝั่งของเมืองคาตาลันและในส่วนล่างของศีรษะมีร่างผู้หญิงเปลือยขึ้น - สำเนาของ Gala นายหญิงของศิลปิน ภาพวาดยังมีตั๊กแตนซึ่งทำให้เกิดความกลัวอย่างอธิบายไม่ได้ในต้าหลี่และมดซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของการสลายตัว

"ครอบครัว" โดย Egon Schiele

ปีที่สร้าง: 1918
วัสดุ: สีน้ำมัน, ผ้าใบ
ที่ตั้ง: หอศิลป์เบลเวเดียร์

ครั้งหนึ่งภาพวาดที่สวยงามของศิลปินชาวออสเตรีย Egon Schiele ถูกเรียกว่าภาพลามกอนาจารและศิลปินถูกส่งตัวเข้าคุกเนื่องจากถูกกล่าวหาว่าล่อลวงผู้เยาว์

ในราคานี้เขาได้รับความรักจากนางแบบของอาจารย์ ภาพวาดของ Schiele เป็นหนึ่งในตัวอย่างที่ดีที่สุดของการแสดงออก ในขณะที่ภาพวาดเหล่านี้ดูเป็นธรรมชาติและเต็มไปด้วยความสิ้นหวังที่น่าสะพรึงกลัว

นางแบบของ Schiele มักเป็นวัยรุ่นและโสเภณี นอกจากนี้ศิลปินยังรู้สึกทึ่งในตัวเอง - มรดกของเขารวมถึงการถ่ายภาพตนเองที่แตกต่างกันมากมาย Schiele วาดภาพ "ครอบครัว" สามวันก่อนที่เขาจะเสียชีวิต โดยเป็นภาพภรรยาที่กำลังตั้งครรภ์ของเขาที่เสียชีวิตด้วยไข้หวัดและลูกในครรภ์ บางทีนี่อาจยังห่างไกลจากงานที่แปลกประหลาดที่สุด แต่เป็นผลงานที่น่าเศร้าที่สุดของจิตรกรอย่างแน่นอน

“ภาพเหมือนของ Adele Bloch-Bauer” โดย Gustav Klimt

ปีที่สร้าง: 1907
วัสดุ: สีน้ำมัน, ผ้าใบ
อยู่ที่ไหน: New Gallery,

ประวัติความเป็นมาของการสร้างสรรค์ภาพวาดชื่อดังของศิลปินชาวออสเตรีย Gustav Klimt "ภาพเหมือนของ Adele Bloch-Bauer" เรียกได้ว่าตกตะลึงอย่างถูกต้อง ภรรยาของ Ferdinand Bloch-Bauer เจ้าสัวน้ำตาลชาวออสเตรียกลายเป็นรำพึงและเป็นคนรักของศิลปิน สามีที่ได้รับบาดเจ็บต้องการแก้แค้นทั้งคู่จึงตัดสินใจหันไปใช้วิธีดั้งเดิม: เขาสั่งรูปภรรยาของเขาจาก Klimt และทรมานเขาด้วยการจู้จี้ไม่สิ้นสุดบังคับให้เขาสร้างภาพร่างหลายร้อยภาพ ท้ายที่สุดสิ่งนี้ทำให้ Klimt หมดความสนใจในแบบจำลองของเขาในอดีต

งานวาดภาพดำเนินต่อไปหลายปี และอเดลก็เฝ้าดูความรู้สึกของคนรักของเธอจางหายไป แผนการร้ายกาจของเฟอร์ดินานด์ไม่เคยถูกเปิดเผย ปัจจุบัน "โมนาลิซาแห่งออสเตรีย" ถือเป็นสมบัติประจำชาติของประเทศออสเตรีย

“Black Supermatic Square” โดย Kazimir Malevich

ปีที่สร้าง: 1915
วัสดุ: สีน้ำมัน, ผ้าใบ
ตั้งอยู่ที่ไหน: หอศิลป์ State Tretyakov

เกือบหนึ่งร้อยปีผ่านไปนับตั้งแต่ Kazimir Malevich ศิลปินแนวหน้าชาวรัสเซียได้สร้างสรรค์ผลงานของเขาขึ้นมา การสร้างที่มีชื่อเสียงและข้อพิพาทและการอภิปรายยังคงไม่หยุด ปรากฏในปี 1915 ในนิทรรศการแห่งอนาคต "0.10" ใน "มุมสีแดง" ของห้องโถงที่มีไว้สำหรับไอคอน ภาพวาดดังกล่าวทำให้สาธารณชนตกใจและยกย่องศิลปินตลอดไป จริงอยู่ ทุกวันนี้มีเพียงไม่กี่คนที่รู้ว่าภาพวาดเหนือธรรมชาตินั้นเป็นภาพวาดที่ไม่มีวัตถุประสงค์ซึ่งมีสีเป็นกฎเกณฑ์ และจริงๆ แล้ว "จัตุรัสดำ" ไม่ใช่สีดำและไม่เป็นสี่เหลี่ยมจัตุรัสเลย

อย่างไรก็ตามหนึ่งในประวัติศาสตร์ของการสร้างผืนผ้าใบกล่าวว่า: ศิลปินไม่มีเวลาวาดภาพให้เสร็จดังนั้นเขาจึงถูกบังคับให้คลุมงานด้วยสีดำในขณะนั้นเพื่อนของเขาก็มา เข้าไปในเวิร์คช็อปแล้วร้องว่า “ยอดเยี่ยม!”

"ต้นกำเนิดของโลก" โดย Gustave Courbet

ปีที่สร้าง: 1866
วัสดุ: สีน้ำมัน, ผ้าใบ
ที่ตั้ง: พิพิธภัณฑ์ออร์แซ

ภาพวาดของศิลปินสัจนิยมชาวฝรั่งเศส Gustave Courbet ถือเป็นภาพที่เร้าใจอย่างยิ่งมาเป็นเวลานานและไม่เป็นที่รู้จักของสาธารณชนทั่วไปมานานกว่า 120 ปี ผู้หญิงเปลือยนอนอยู่บนเตียงโดยกางขาของเธอยังคงกระตุ้นให้เกิดปฏิกิริยาที่หลากหลายจากผู้ชมในปัจจุบัน ด้วยเหตุนี้ ที่พิพิธภัณฑ์ออร์แซ ภาพวาดจึงได้รับการดูแลโดยพนักงานคนหนึ่ง

ในปี 2013 นักสะสมชาวฝรั่งเศสคนหนึ่งประกาศว่าเขาได้พบเห็นส่วนหนึ่งของภาพวาดในร้านค้าโบราณแห่งหนึ่งในกรุงปารีส ซึ่งมองเห็นศีรษะของพี่เลี้ยงเด็กได้ ผู้เชี่ยวชาญยืนยันข้อสันนิษฐานว่า Joanna Hiffernan (Joe) โพสต์ให้ศิลปิน ในขณะที่ทำงานวาดภาพ เธอมีสัมพันธ์รักกับนักเรียนของ Courbet ซึ่งเป็นศิลปิน James Whistler รูปภาพกระตุ้นให้พวกเขาแยกจากกัน

"ชายและหญิงหน้ากองอุจจาระ" โดย Joan Miró

ปีที่สร้าง: 1935
วัสดุ: น้ำมัน, ทองแดง
ที่ตั้ง: มูลนิธิ Joan Miró

ผู้ชมที่หายากเมื่อชมภาพวาดของศิลปินและประติมากรชาวสเปน Joan Miró คงจะมีความเกี่ยวข้องกับความน่าสะพรึงกลัวของสงครามกลางเมือง แต่มันเป็นช่วงเวลาแห่งความวิตกกังวลก่อนสงครามในสเปนในปี 1935 ที่เป็นธีมของภาพยนตร์เรื่องนี้โดยมีชื่อที่มีแนวโน้มว่า "ชายและหญิงต่อหน้ากองอุจจาระ" นี่คือภาพลางสังหรณ์

เธอพรรณนาถึงคู่รัก "ในถ้ำ" ที่ไร้สาระซึ่งถูกดึงดูดเข้าหากัน แต่ไม่สามารถขยับเขยื่อนได้ อวัยวะเพศขยายใหญ่ขึ้น สีเป็นพิษ ร่างกระจัดกระจาย พื้นหลังสีเข้ม- ตามที่ศิลปินคาดการณ์ไว้ทั้งหมดนี้กำลังเข้าใกล้เหตุการณ์โศกนาฏกรรม

ภาพวาดของ Joan Miró ส่วนใหญ่เป็นผลงานแนวนามธรรมและเหนือจริง และอารมณ์ที่ถ่ายทอดออกมานั้นช่างสนุกสนาน

"ดอกบัว" โดย Claude Monet

ปีที่สร้าง: 1906
วัสดุ: สีน้ำมัน, ผ้าใบ
ตั้งอยู่ที่ไหน: ของสะสมส่วนตัว

จิตรกรรมลัทธิ อิมเพรสชั่นนิสต์ชาวฝรั่งเศส“ Water Lilies” ของ Claude Monet มีชื่อเสียงที่ไม่ดี - ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ถูกเรียกว่า "อันตรายจากไฟไหม้" ความบังเอิญที่น่าสงสัยต่อเนื่องนี้ยังคงสร้างความประหลาดใจให้กับผู้คลางแคลงใจมากมาย เหตุการณ์แรกเกิดขึ้นในสตูดิโอของศิลปิน: โมเนต์และเพื่อนๆ ของเขากำลังเฉลิมฉลองการวาดภาพเสร็จ ทันใดนั้นก็เกิดไฟไหม้เล็กน้อย

ภาพวาดได้รับการบันทึกไว้และในไม่ช้าเจ้าของคาบาเร่ต์ในมงต์มาตร์ก็ซื้อมันไป แต่ไม่ถึงหนึ่งเดือนต่อมา สถานประกอบการก็ประสบไฟไหม้ครั้งใหญ่เช่นกัน “เหยื่อ” คนต่อไปของผืนผ้าใบคือ Oscar Schmitz ผู้ใจบุญชาวปารีส ซึ่งสำนักงานถูกไฟไหม้หนึ่งปีหลังจาก “Water Lilies” ถูกแขวนอยู่ที่นั่น เป็นอีกครั้งที่ภาพวาดสามารถเอาชีวิตรอดได้ ในปีนี้ นักสะสมส่วนตัวได้ซื้อ “Water Lily” ในราคา 54 ล้านดอลลาร์

Les Demoiselles d'Avignon โดย ปาโบล ปิกัสโซ

ปีที่สร้าง: 1907
วัสดุ: สีน้ำมัน, ผ้าใบ
พิพิธภัณฑ์อยู่ที่ไหน ศิลปะร่วมสมัย,

“รู้สึกเหมือนคุณอยากจะป้อนอาหารให้เราลากหรือให้น้ำมันเราดื่ม” Georges Braque เพื่อนของ Picasso กล่าวเกี่ยวกับภาพวาด “Les Demoiselles d’Avignon” ผืนผ้าใบกลายเป็นเรื่องอื้อฉาวจริงๆ: ประชาชนชื่นชอบผลงานก่อนหน้านี้ที่อ่อนโยนและเศร้าของศิลปินและการเปลี่ยนไปใช้ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมอย่างกะทันหันทำให้เกิดความแปลกแยก

ร่างผู้หญิงที่มีความหยาบกร้าน ใบหน้าของผู้ชายและแขนและขาเชิงมุมอยู่ห่างจาก "Girl on the Ball" ที่สง่างามมากเกินไป

เพื่อน ๆ หันหลังให้ Picasso; Matisse ไม่พอใจอย่างยิ่งกับภาพวาดนี้ อย่างไรก็ตาม “Les Demoiselles d’Avignon” เองที่ไม่เพียงกำหนดทิศทางการพัฒนางานของ Picasso เท่านั้น แต่ยังกำหนดอนาคตของวิจิตรศิลป์โดยรวมด้วย ชื่อดั้งเดิมของภาพวาดคือ “ซ่องปรัชญา”

"ภาพเหมือนของลูกชายของศิลปิน" โดย Mikhail Vrubel

ปีที่สร้าง: 1902
วัสดุ: สีน้ำ, gouache, ดินสอกราไฟท์, กระดาษ
ที่ตั้ง: พิพิธภัณฑ์รัสเซียแห่งรัฐ

มิคาอิล วรูเบล ศิลปินชาวรัสเซียผู้เก่งกาจในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 ประสบความสำเร็จในงานศิลปะเกือบทุกประเภท Savva ลูกหัวปีของเขาเกิดมาพร้อมกับ "ปากแหว่ง" ซึ่งทำให้ศิลปินอารมณ์เสียอย่างสุดซึ้ง Vrubel พรรณนาถึงเด็กชายในภาพผืนหนึ่งของเขาอย่างตรงไปตรงมาโดยไม่ต้องพยายามซ่อนความพิการ แต่กำเนิดของเขา

โทนสีที่อ่อนโยนของภาพบุคคลไม่ได้ทำให้ดูเงียบสงบ - ​​สามารถอ่านความตกใจได้ ตัวทารกเองก็มีรูปลักษณ์ที่ดูไร้เดียงสาและชาญฉลาดอย่างน่าอัศจรรย์ หลังจากวาดภาพเสร็จไม่นาน เด็กก็เสียชีวิต จากช่วงเวลานั้นในชีวิตของศิลปินที่โศกเศร้ากับโศกนาฏกรรม ช่วงเวลา "สีดำ" แห่งความเจ็บป่วยและความบ้าคลั่งก็เริ่มขึ้น

ภาพ: thinkstockphotos.com, flickr.com

ประเภทของการวาดภาพปรากฏขึ้นได้รับความนิยมจางหายไปมีรูปแบบใหม่เกิดขึ้นและประเภทย่อยเริ่มมีความโดดเด่นภายในสิ่งที่มีอยู่ กระบวนการนี้จะไม่หยุดตราบใดที่ยังมีบุคคลหนึ่งอยู่ และพยายามจับภาพโลกรอบตัวเขา ไม่ว่าจะเป็นธรรมชาติ อาคาร หรือบุคคลอื่น

ก่อนหน้านี้ (จนถึงศตวรรษที่ 19) มีการแบ่งประเภทจิตรกรรมออกเป็นประเภทที่เรียกว่า "สูง" (ประเภทฝรั่งเศสแกรนด์) และประเภท "ต่ำ" (ประเภท Petit ฝรั่งเศส) การแบ่งแยกนี้เกิดขึ้นในศตวรรษที่ 17 และขึ้นอยู่กับเรื่องและโครงเรื่องที่บรรยาย ในเรื่องนี้ ประเภทที่สูง ได้แก่ การต่อสู้ เชิงเปรียบเทียบ ศาสนา และตำนาน และประเภทต่ำ ได้แก่ ภาพบุคคล ภูมิทัศน์ ภาพหุ่นนิ่ง สัตว์นิยม

การแบ่งออกเป็นประเภทต่าง ๆ นั้นค่อนข้างจะเป็นไปตามอำเภอใจ เพราะ... องค์ประกอบของสองประเภทขึ้นไปอาจปรากฏในภาพวาดในเวลาเดียวกัน

สัตวศาสตร์หรือ ประเภทสัตว์

Animalism หรือประเภทสัตว์ (จากภาษาละตินสัตว์ - สัตว์) เป็นประเภทที่บรรทัดฐานหลักคือภาพของสัตว์ เราสามารถพูดได้ว่านี่เป็นประเภทที่เก่าแก่ที่สุดประเภทหนึ่งเพราะ... ภาพวาดและร่างของนกและสัตว์มีอยู่ในชีวิตของคนดึกดำบรรพ์ ยกตัวอย่างในวงกว้าง ภาพวาดที่มีชื่อเสียงฉัน. ศิลปินเองก็วาดภาพ "ยามเช้าในป่าสน" ของ Shishkin และหมีก็แสดงโดยศิลปินที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงซึ่งเชี่ยวชาญในการวาดภาพสัตว์

ฉัน. Shishkin “ ยามเช้าในป่าสน”

จะแยกแยะชนิดย่อยได้อย่างไร? ประเภทฮิปปิก(จากภาษากรีกฮิปโป - ม้า) - ประเภทที่กึ่งกลางของภาพคือรูปม้า

ไม่. Sverchkov "ม้าในคอกม้า"

ภาพเหมือน

Portrait (จากคำภาษาฝรั่งเศส Portrait) คือ รูปภาพที่มีภาพกลางเป็นภาพบุคคลหรือกลุ่มบุคคล ภาพบุคคลไม่เพียงสื่อถึงเท่านั้น ความคล้ายคลึงภายนอกแต่ยังสะท้อนให้เห็น โลกภายในและถ่ายทอดความรู้สึกของศิลปินต่อบุคคลที่ตนวาดภาพ

เช่น. ภาพเหมือนของ Repin ของ Nicholas II

ประเภทภาพบุคคลแบ่งออกเป็น รายบุคคล(ภาพของบุคคลหนึ่ง) กลุ่ม(ภาพหลายๆ คน) โดยธรรมชาติของภาพ - ไปที่ประตูหน้าเมื่อมีบุคคลปรากฎอยู่ในนั้น ความสูงเต็มกับพื้นหลังทางสถาปัตยกรรมหรือภูมิทัศน์ที่โดดเด่นและ ห้องเมื่อแสดงภาพบุคคลที่มีความลึกถึงหน้าอกหรือเอวโดยมีพื้นหลังเป็นกลาง กลุ่มภาพบุคคลซึ่งรวมกันตามลักษณะเฉพาะบางประการ ก่อตัวเป็นชุดหรือแกลเลอรีภาพบุคคล ตัวอย่างจะเป็นภาพเหมือนของสมาชิกในราชวงศ์

โดดเด่นแยกจากกัน ภาพเหมือนตนเองซึ่งศิลปินพรรณนาถึงตัวเอง

K. Bryullov ภาพเหมือนตนเอง

ภาพบุคคลเป็นหนึ่งในประเภทที่เก่าแก่ที่สุด - ภาพบุคคลแรก (ประติมากรรม) มีอยู่แล้วในอียิปต์โบราณ ภาพเหมือนดังกล่าวเป็นส่วนหนึ่งของลัทธิ ชีวิตหลังความตายและเป็น "สองเท่า" ของบุคคล

ทิวทัศน์

ภูมิทัศน์ (จากการจ่ายเงินของฝรั่งเศส - ประเทศ, พื้นที่) เป็นประเภทที่ภาพกลางคือภาพของธรรมชาติ - แม่น้ำ, ป่าไม้, ทุ่งนา, ทะเล, ภูเขา ในภูมิประเทศ แน่นอนว่าประเด็นหลักคือโครงเรื่อง แต่การถ่ายทอดการเคลื่อนไหวและชีวิตของธรรมชาติโดยรอบก็มีความสำคัญไม่น้อยไปกว่ากัน ในอีกด้านหนึ่ง ธรรมชาตินั้นสวยงามและน่าชื่นชม แต่ในทางกลับกัน มันค่อนข้างยากที่จะสะท้อนสิ่งนี้ออกมาเป็นภาพ

C. Monet “ทุ่งดอกป๊อปปี้ที่ Argenteuil”

มีชนิดย่อยของภูมิประเทศคือ ทิวทัศน์ทะเลหรือท่าจอดเรือ(จากนาวิกโยธินฝรั่งเศส, ท่าจอดเรือของอิตาลี, จากภาษาละติน marinus - ทะเล) - ภาพการต่อสู้ทางเรือ, ทะเลหรือเหตุการณ์อื่น ๆ ที่เกิดขึ้นในทะเล ตัวแทนสดใสจิตรกรทางทะเล – K.A. ไอวาซอฟสกี้. เป็นที่น่าสังเกตว่าศิลปินเขียนรายละเอียดมากมายของภาพวาดนี้จากความทรงจำ

ฉัน. Aivazovsky "คลื่นลูกที่เก้า"

อย่างไรก็ตาม ศิลปินมักพยายามวาดภาพทะเลจากชีวิต เช่น W. Turner สำหรับภาพวาด "Blizzard" เรือกลไฟที่ทางเข้าท่าเรือจะส่งสัญญาณขอความช่วยเหลือหลังจากลงไปในน้ำตื้น” ใช้เวลา 4 ชั่วโมงผูกติดอยู่กับสะพานเรือของกัปตันเรือที่กำลังแล่นท่ามกลางพายุ

ดับบลิว เทิร์นเนอร์ “พายุหิมะ เรือกลไฟที่ทางเข้าท่าเรือจะส่งสัญญาณขอความช่วยเหลือหลังจากลงสู่น้ำตื้น"

ธาตุน้ำยังปรากฏอยู่ในทิวทัศน์ของแม่น้ำอีกด้วย

จัดสรรแยกกัน ทิวทัศน์ของเมืองซึ่งตัวแบบหลักของภาพคือถนนและอาคารในเมือง ประเภทของภูมิทัศน์เมืองก็คือ เวดูตา– ภาพทิวทัศน์เมืองในรูปแบบพาโนรามา โดยคงขนาดและสัดส่วนไว้อย่างแน่นอน

A. Canaletto “จัตุรัสซานมาร์โก”

มีภูมิทัศน์ประเภทอื่น - ชนบท อุตสาหกรรม และสถาปัตยกรรม- ในการวาดภาพสถาปัตยกรรม ธีมหลักคือภาพทิวทัศน์สถาปัตยกรรม เช่น อาคาร โครงสร้าง; รวมถึงภาพการตกแต่งภายใน ( การตกแต่งภายในสถานที่) บางครั้ง ภายใน(จากภาษาฝรั่งเศส intérieur - ภายใน) มีความโดดเด่นเป็นประเภทที่แยกจากกัน อีกประเภทหนึ่งมีความโดดเด่นในการวาดภาพสถาปัตยกรรม — คาปริซิโอ(จากภาษาอิตาลี capriccio, ราชประสงค์, ราชประสงค์) - ภูมิทัศน์แฟนตาซีทางสถาปัตยกรรม

ยังมีชีวิตอยู่

ชีวิตหุ่นนิ่ง (จากธรรมชาติของฝรั่งเศส - ธรรมชาติที่ตายแล้ว) เป็นประเภทที่อุทิศให้กับการพรรณนาถึงวัตถุที่ไม่มีชีวิตซึ่งวางอยู่ในสภาพแวดล้อมทั่วไปและรวมตัวกันเป็นกลุ่ม สิ่งมีชีวิตปรากฏในศตวรรษที่ 15-16 แต่เป็นประเภทที่แยกจากกันมันเกิดขึ้นในศตวรรษที่ 17

แม้ว่าคำว่า "ชีวิตหุ่นนิ่ง" จะแปลว่าธรรมชาติที่ตายแล้ว แต่ในภาพเขียนก็มีช่อดอกไม้ ผลไม้ ปลา เกม อาหาร - ทุกอย่างดูเหมือน "มีชีวิต" เช่น เหมือนของจริง ตั้งแต่วินาทีที่ปรากฏตัวมาจนถึงทุกวันนี้ ภาพหุ่นนิ่งถือเป็นแนวเพลงที่สำคัญในการวาดภาพ

คุณ โมเน่ต์ “แจกันดอกไม้”

เนื่องจากเป็นชนิดย่อยที่แยกจากกันเราสามารถแยกแยะได้ วานิทัส(จากภาษาละติน Vanitas - vanity, vanity) - ประเภทของการวาดภาพที่กะโหลกศีรษะมนุษย์ครอบครองพื้นที่ส่วนกลางของภาพซึ่งเป็นภาพที่มีจุดมุ่งหมายเพื่อเตือนถึงความไร้สาระและความอ่อนแอของชีวิตมนุษย์

ภาพวาดโดย F. de Champagne นำเสนอสัญลักษณ์สามประการของความอ่อนแอของการดำรงอยู่ - ชีวิต ความตาย เวลา ผ่านภาพของทิวลิป กะโหลก และนาฬิกาทราย

ประเภทประวัติศาสตร์

ประเภทประวัติศาสตร์ - ประเภทที่ภาพวาดพรรณนา เหตุการณ์สำคัญและปรากฏการณ์สำคัญทางสังคมในอดีตหรือปัจจุบัน เป็นที่น่าสังเกตว่าภาพนี้สามารถอุทิศได้ไม่เพียง แต่กับเหตุการณ์จริงเท่านั้น แต่ยังรวมถึงเหตุการณ์จากเทพนิยายหรือตัวอย่างเช่นที่อธิบายไว้ในพระคัมภีร์ด้วย แนวนี้สำคัญมากสำหรับประวัติศาสตร์ ทั้งประวัติศาสตร์ของแต่ละชนชาติและรัฐ และของมนุษยชาติโดยรวม ในภาพวาด ประเภทประวัติศาสตร์แยกออกจากประเภทอื่นไม่ได้ - แนวตั้ง แนวนอน ประเภทการต่อสู้

เช่น. Repin “พวกคอสแซคเขียนจดหมายถึงสุลต่านตุรกี” K. Bryullov “วันสุดท้ายของเมืองปอมเปอี”

ประเภทการต่อสู้

ประเภทการต่อสู้ (จากภาษาฝรั่งเศส bataille - การต่อสู้) เป็นประเภทที่ภาพวาดแสดงถึงจุดสุดยอดของการต่อสู้ การปฏิบัติการทางทหาร ช่วงเวลาแห่งชัยชนะ ฉากจากชีวิตทหาร สำหรับ ภาพวาดการต่อสู้ภาพลักษณะเฉพาะในภาพวาด ปริมาณมากประชากร.

เอเอ Deineka "การป้องกันเซวาสโทพอล"

ประเภททางศาสนา

ประเภทศาสนาเป็นประเภทที่โครงเรื่องหลักในภาพวาดเป็นไปตามพระคัมภีร์ (ฉากจากพระคัมภีร์และข่าวประเสริฐ) ธีมเกี่ยวข้องกับการวาดภาพทางศาสนาและไอคอน ความแตกต่างระหว่างภาพวาดเหล่านี้คือภาพวาดที่มีเนื้อหาทางศาสนาไม่ได้มีส่วนร่วมในการให้บริการทางศาสนา และสำหรับไอคอน นี่คือจุดประสงค์หลัก ยึดถือแปลจากภาษากรีก แปลว่า "ภาพสวดมนต์" ประเภทนี้ถูกจำกัดด้วยกรอบที่เข้มงวดและกฎหมายการวาดภาพเพราะว่า ไม่ได้มีจุดมุ่งหมายเพื่อสะท้อนความเป็นจริง แต่เพื่อถ่ายทอดแนวคิดเกี่ยวกับหลักการของพระเจ้าซึ่งศิลปินกำลังมองหาอุดมคติ ในรัสเซีย ภาพวาดไอคอนถึงจุดสูงสุดในศตวรรษที่ 12-16 ชื่อจิตรกรไอคอนที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ Theophanes the Greek (จิตรกรรมฝาผนัง), Andrei Rublev, Dionysius

A. Rublev “ทรินิตี้”

ความโดดเด่นของขั้นตอนการเปลี่ยนผ่านตั้งแต่การวาดภาพไอคอนไปจนถึงแนวตั้ง พาร์ซูนา(บิดเบี้ยวจากภาษาลาติน บุคคล - บุคคล, บุคคล)

พาร์ซุนแห่งอีวานผู้น่ากลัว ไม่ทราบผู้เขียน

ประเภทในชีวิตประจำวัน

ภาพวาดแสดงถึงฉากในชีวิตประจำวัน บ่อยครั้งที่ศิลปินเขียนเกี่ยวกับช่วงเวลาเหล่านั้นในชีวิตที่เขาเป็นคนร่วมสมัย ลักษณะเด่นของประเภทนี้คือความสมจริงของภาพวาดและความเรียบง่ายของโครงเรื่อง ภาพสามารถสะท้อนถึงขนบธรรมเนียมประเพณีระบบได้ ชีวิตประจำวันของคนๆ นี้หรือคนๆ นั้น

ถึง ภาพวาดในครัวเรือนรวมไว้ด้วย ภาพวาดที่มีชื่อเสียงเช่น "Barge Haulers on the Volga" โดย I. Repin, "Troika" โดย V. Perov, "Unequal Marriage" โดย V. Pukirev

I. Repin “เรือลากจูงบนแม่น้ำโวลก้า”

ประเภทมหากาพย์ตำนาน

ประเภทมหากาพย์ตำนาน คำว่าตำนานมาจากภาษากรีก “มิธอส” ซึ่งหมายถึงประเพณี ภาพวาดแสดงถึงเหตุการณ์ในตำนาน มหากาพย์ ประเพณี ตำนานกรีกโบราณ นิทานโบราณ โครงงานของนิทานพื้นบ้าน

P. Veronese "อพอลโลและมาร์เซียส"

ประเภทเชิงเปรียบเทียบ

ประเภทเชิงเปรียบเทียบ (จากภาษากรีก allegoria - ชาดก) ภาพวาดถูกวาดในลักษณะที่มีความหมายที่ซ่อนอยู่ ความคิดและแนวความคิดที่ไม่เป็นรูปธรรมซึ่งมองไม่เห็นด้วยตา (อำนาจ ความดี ความชั่ว ความรัก) ถ่ายทอดผ่านรูปสัตว์ คน และสิ่งมีชีวิตอื่น ๆ ที่มีลักษณะเฉพาะโดยธรรมชาติซึ่งมีสัญลักษณ์ปรากฏอยู่ในจิตใจของผู้คนแล้ว และช่วย เข้าใจความหมายทั่วไปของงาน

แอล. จิออร์ดาโน “ความรักและความชั่วร้ายปลดอาวุธความยุติธรรม”

พระ (จากพระฝรั่งเศส - พระ, ชนบท)

ประเภทของจิตรกรรมที่เชิดชูและกวีนิพนธ์ถึงชีวิตชนบทที่เรียบง่ายและสงบสุข

F. Boucher “อภิบาลฤดูใบไม้ร่วง”

การ์ตูนล้อเลียน (จากการ์ตูนล้อเลียนของอิตาลี - ถึงเกินจริง)

ประเภทที่เมื่อสร้างภาพ เอฟเฟกต์การ์ตูนถูกใช้อย่างจงใจโดยการพูดเกินจริงและทำให้คุณสมบัติ พฤติกรรม เสื้อผ้า ฯลฯ คมชัดขึ้น จุดประสงค์ของภาพล้อเลียนคือการสร้างความขุ่นเคือง ในทางตรงกันข้าม เช่น กับภาพล้อเลียน (จากค่าธรรมเนียมฝรั่งเศส) โดยมีจุดประสงค์เพื่อสร้างความสนุกสนานเท่านั้น ที่เกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับคำว่า "การ์ตูนล้อเลียน" คือแนวคิดเช่นภาพพิมพ์ยอดนิยมและพิสดาร

เปลือย (จากภาษาฝรั่งเศส nu - เปลือยเปล่าไม่ได้แต่งตัว)

ประเภทที่ภาพวาดแสดงถึงภาพเปลือย ร่างกายมนุษย์ส่วนใหญ่มักเป็นผู้หญิง

ทิเชียน เวเชลลิโอ "วีนัสแห่งเออร์บิโน"

เท็จหรือ trompe l'oeil (จากภาษาฝรั่งเศส. ทรอมป์-l'OEil -ภาพลวงตา)

ประเภทที่มีคุณสมบัติเป็นเทคนิคพิเศษที่สร้างภาพลวงตาและทำให้สามารถลบเส้นแบ่งระหว่างความเป็นจริงและภาพได้เช่น ความรู้สึกที่ทำให้เข้าใจผิดว่าวัตถุมีสามมิติเมื่อเป็นสองมิติ บางครั้ง Blende ก็ถูกจัดว่าเป็นประเภทย่อยของหุ่นนิ่ง แต่บางครั้งก็มีการแสดงภาพผู้คนในประเภทนี้ด้วย

Per Borrell del Caso "วิ่งหนีจากการวิจารณ์"

เพื่อให้การรับรู้ของล่อสมบูรณ์แนะนำให้พิจารณาพวกมันในต้นฉบับเพราะว่า การทำสำเนาไม่สามารถถ่ายทอดเอฟเฟกต์ที่ศิลปินบรรยายได้อย่างเต็มที่

Jacopo de Barberi "นกกระทาและถุงมือเหล็ก"

รูปภาพเฉพาะเรื่อง

การผสมผสานของจิตรกรรมประเภทดั้งเดิม (ในประเทศ ประวัติศาสตร์ การต่อสู้ ภูมิทัศน์ ฯลฯ) อีกนัยหนึ่งประเภทนี้เรียกว่าการจัดองค์ประกอบภาพโดยมีลักษณะเฉพาะคือ: บทบาทหลักจำเป็นต้องแสดงการแสดงตนของบุคคล การแสดงตนและความคิดที่สำคัญทางสังคม ความสัมพันธ์ (ความขัดแย้งทางผลประโยชน์/ตัวละคร) และสำเนียงทางจิตวิทยา

V. Surikov “Boyaryna Morozova”

Gil Elvgren (1914-1980) เป็นศิลปินพินอัพคนสำคัญของศตวรรษที่ 20 ตลอดอาชีพการงานของเขา ซึ่งเริ่มขึ้นในกลางทศวรรษ 1930 และกินเวลายาวนานกว่าสี่สิบปี เขาได้สร้างชื่อเสียงให้กับตัวเองเป็นที่โปรดปรานอย่างชัดเจนในหมู่นักสะสมและแฟนพันธุ์แท้ทั่วโลก และถึงแม้ว่า Gil Elvgren จะถือเป็นศิลปินพินอัพเป็นหลัก แต่เขาสมควรได้รับการพิจารณาให้เป็นนักวาดภาพประกอบชาวอเมริกันคลาสสิกที่สามารถโอบกอดได้ พื้นที่ต่างๆศิลปะเชิงพาณิชย์

การทำงานโฆษณา Coca-Cola เป็นเวลา 25 ปีช่วยให้เขาพิสูจน์ตัวเองว่าเป็นหนึ่งในนักวาดภาพประกอบที่เก่งกาจในสาขานี้ โฆษณาของ Coca-Cola รวมรูปภาพของ "Elvgren Girls" ในรูปแบบพินอัพ ภาพประกอบเหล่านี้ส่วนใหญ่พรรณนาถึงครอบครัว เด็ก และวัยรุ่นชาวอเมริกันทั่วไป - คนธรรมดาทำกิจกรรมประจำวัน ในช่วงสงครามโลกครั้งที่สองและสงครามเกาหลี Elvgren ยังวาดภาพประกอบอีกด้วย ธีมทหารสำหรับโคคา-โคลา ซึ่งบางส่วนกลายเป็น “ไอคอน” ในอเมริกา

มีการแสดงผลงานของ Elvgren สำหรับ Coca-Cola ความฝันแบบอเมริกันเกี่ยวกับชีวิตที่ปลอดภัยและสะดวกสบาย และภาพประกอบบางเรื่องในนิตยสารแสดงถึงความหวัง ความกลัว และความสุขของผู้อ่าน ภาพเหล่านี้ตีพิมพ์ในช่วงทศวรรษปี 1940 และ 1950 ในนิตยสารชื่อดังของอเมริกาหลายฉบับ เช่น McCall's, Cosmopolitan, Good Housekeeping และ Woman's Home Companion นอกจาก Coca-Cola แล้ว Elvgren ยังทำงานร่วมกับ Orange Crush, Schlitz Beer, Sealy Mattress, General Electric, Sylvania และ Napa Auto Parts

Elvgren โดดเด่นไม่เพียงแต่จากภาพวาดและกราฟิกโฆษณาของเขาเท่านั้น แต่เขายังเป็นช่างภาพมืออาชีพที่ใช้กล้องอย่างคล่องแคล่วพอๆ กับการใช้แปรงอีกด้วย แต่พลังและพรสวรรค์ของเขาไม่ได้หยุดอยู่แค่นั้น นอกจากนี้เขายังเป็นครูซึ่งต่อมานักเรียนก็กลายเป็นศิลปินที่มีชื่อเสียง

แม้แต่ในวัยเด็ก Elvgren ก็ได้รับแรงบันดาลใจจากรูปภาพ นักวาดภาพประกอบที่มีชื่อเสียง- ทุกสัปดาห์เขาจะฉีกหน้าและปกนิตยสารที่มีรูปภาพที่เขาชอบซึ่งเป็นผลมาจากการที่เขารวบรวมคอลเลกชันขนาดใหญ่ที่ทิ้งร่องรอยไว้ในผลงานของศิลปินหนุ่ม

ผลงานของ Elvgren ได้รับอิทธิพลจากศิลปินหลายคน เช่น Felix Octavius ​​​​Carr Darley (1822-1888) ศิลปินคนแรกที่ท้าทายความเหนือกว่าของโรงเรียนภาพประกอบในอังกฤษและยุโรปเหนือศิลปะเชิงพาณิชย์ของอเมริกา Norman Rockwell (1877-1978) ซึ่ง Elvgren พบในปี 1947 และการพบกันครั้งนี้ถือเป็นจุดเริ่มต้นของมิตรภาพอันยาวนาน Charles Dana Gibson (พ.ศ. 2410-2487) ซึ่งเป็นเด็กผู้หญิงในอุดมคติซึ่งรวมเอา "เพื่อนบ้าน" (หญิงสาวข้างบ้าน) และ "หญิงสาวในฝันของคุณ" โฮเวิร์ดแชนด์เลอร์คริสตี้จอห์นเฮนรีฮินเทอร์ไมสเตอร์ ( พ.ศ. 2413-2488) และอื่นๆ

Elvgren ศึกษาผลงานของศิลปินคลาสสิกเหล่านี้อย่างใกล้ชิด ซึ่งเป็นผลมาจากการที่เขาได้สร้างพื้นฐานสำหรับการพัฒนาศิลปะพินอัพเพิ่มเติม

ดังนั้น Gil Elvgren เกิดเมื่อวันที่ 15 มีนาคม พ.ศ. 2457 และเติบโตที่เมืองเซนต์พอลมินนิอาโปลิส พ่อแม่ของเขา Alex และ Goldie Elvgren เป็นเจ้าของร้านค้าในตัวเมืองที่ขายวอลเปเปอร์และสี

หลังสำเร็จการศึกษา โรงเรียนมัธยมปลายกิลอยากเป็นสถาปนิก พ่อแม่ของเขาเห็นด้วยกับความปรารถนานี้ เนื่องจากพวกเขาสังเกตเห็นพรสวรรค์ในการวาดภาพของเขา เมื่อตอนอายุแปดขวบ เด็กชายถูกไล่ออกจากโรงเรียนเพราะเขาวาดภาพบนขอบหนังสือเรียน ในที่สุด Elvgren ก็เข้าเรียนที่มหาวิทยาลัยมินนิโซตาเพื่อศึกษาสถาปัตยกรรมและการออกแบบในขณะที่เรียนหลักสูตรศิลปะที่ Minneapolis Institute of Art ที่นั่นเขาตระหนักว่าการวาดภาพสนใจเขามากกว่าการออกแบบอาคาร

ในฤดูใบไม้ร่วงปีเดียวกัน Elvgren แต่งงานกับ Janet Cummins ดังนั้นในช่วงปีใหม่คู่บ่าวสาวจึงย้ายไปชิคาโกซึ่งมีโอกาสมากมายสำหรับศิลปิน แน่นอนว่าพวกเขาสามารถเลือกนิวยอร์กได้ แต่ชิคาโกก็อยู่ใกล้และปลอดภัยกว่า

เมื่อมาถึงชิคาโก กิลพยายามทำทุกอย่างเพื่อพัฒนาอาชีพของเขา เขาเข้าเรียนที่ American Academy of Arts อันทรงเกียรติในใจกลางเมือง ซึ่งเขาได้เป็นเพื่อนกับบิล มอสบี้ ศิลปินที่มีประสบการณ์และเป็นครูที่ภูมิใจกับพัฒนาการของกิลมาโดยตลอดภายใต้การนำของเขา

แน่นอนว่าเมื่อ Gil Elvgren มาที่ Academy เขามีความสามารถ แต่เขาก็ไม่ได้โดดเด่นจากนักเรียนส่วนใหญ่ที่เรียนที่นั่น แต่มีเพียงสิ่งเดียวที่ทำให้เขาแตกต่างจากคนอื่นๆ คือเขารู้แน่ชัดว่าเขาต้องการอะไร ที่สำคัญที่สุดเขาใฝ่ฝันที่จะเป็นศิลปินที่ดี ในการศึกษาสองปี เขาได้เชี่ยวชาญหลักสูตรที่ออกแบบมาสำหรับสามปีครึ่ง: เขาเข้าเรียนตอนกลางคืนในฤดูร้อน เวลาว่างเขาจะวาดรูปเสมอ

เขาเป็นนักเรียนที่ดีและทำงานหนักกว่าคนอื่นๆ กิลเข้าร่วมทุกหลักสูตรซึ่งเขาสามารถได้รับความรู้เกี่ยวกับการวาดภาพเป็นอย่างน้อย ในเวลาสองปีเขามีความก้าวหน้าอย่างน่าอัศจรรย์และกลายเป็นหนึ่งในผู้สำเร็จการศึกษาที่ดีที่สุดของ Academy

กิลเป็นศิลปินที่น่าทึ่งซึ่งมีน้อยคนจะเทียบได้ รูปร่างแข็งแรง เขาดูเหมือนนักฟุตบอลเลย มือใหญ่ของเขาไม่เหมือนมือของศิลปินเลย: ดินสอ "จม" ลงไปอย่างแท้จริง แต่ความแม่นยำและความอุตสาหะในการเคลื่อนไหวของเขาสามารถเปรียบเทียบได้กับทักษะของศัลยแพทย์เท่านั้น

ระหว่างเรียนมหาวิทยาลัย กิลไม่เคยหยุดทำงาน ภาพประกอบของเขาประดับโบรชัวร์และนิตยสารของสถาบันการศึกษาที่เขาศึกษาอยู่แล้ว

ที่นั่นกิลได้พบกับศิลปินหลายคนที่กลายมาเป็นเพื่อนตลอดชีวิตของเขา เช่น Harold Anderson, Joyce Ballantyne

ในปี 1936 กิลและภรรยากลับมาที่บ้านเกิดและเปิดสตูดิโอของตัวเอง ไม่นานก่อนหน้านี้ เขาได้รับค่าคอมมิชชั่นครั้งแรก: ขึ้นปกนิตยสารแฟชั่นซึ่งแสดงให้เห็นชายหนุ่มรูปงามสวมเสื้อแจ็คเก็ตกระดุมสองแถวและกางเกงขายาวบางเบาในฤดูร้อน ทันทีหลังจากที่ Elvgren ส่งงานของเขาให้กับลูกค้า ผู้อำนวยการบริษัทก็โทรหาเขาเพื่อแสดงความยินดีและสั่งปกเพิ่มอีกครึ่งโหล

จากนั้นก็มีผลงานที่น่าสนใจอีกชิ้นหนึ่งคือการวาดภาพ Dionne Quintuplets ซึ่งการเกิดกลายเป็นที่ฮือฮาของสื่อ ลูกค้าคือ Brown และ Biglow ซึ่งเป็นสำนักพิมพ์ปฏิทินที่ใหญ่ที่สุด งานนี้จัดพิมพ์ในปฏิทินปี 1937-1938 ซึ่งขายได้หลายล้านเล่ม ตั้งแต่นั้นมา Elvgren ก็เริ่มดึงดูดเด็กผู้หญิงที่โด่งดังที่สุดในอเมริกา ซึ่งทำให้เขาประสบความสำเร็จอย่างมาก บริษัทอื่นๆ เริ่มเชิญ Elvgren ให้ร่วมมือ เช่น บริษัทคู่แข่งของ Brown และ Biglow อย่าง Louis F. Dow Calendar Company ผลงานของศิลปินเริ่มพิมพ์ลงในหนังสือเล่มเล็ก เล่นไพ่และแม้แต่กล่องไม้ขีด จากนั้นภาพวาดขนาดเท่าจริงหลายชิ้นของเขาที่สร้างสำหรับ Royal Crown Soda ก็ปรากฏในร้านขายของชำ ปีนี้ยังมีความสำคัญเป็นพิเศษสำหรับ Elvgren เมื่อเขาและภรรยาให้การต้อนรับลูกคนแรกที่ชื่อคาเรน

เอลฟ์เกรนยังคงรับคำสั่งและตัดสินใจกลับไปชิคาโกกับครอบครัว ในไม่ช้าเขาก็ได้พบกับ Haddon H. Sundblom (พ.ศ. 2442-2519) ซึ่งเป็นไอดอลของเขา Sandblom มีอิทธิพลอย่างมากต่องานของ Elvgren

ต้องขอบคุณ Sundblom ที่ทำให้ Elvgren กลายเป็นศิลปินสำหรับโฆษณา Coca-Cola จนถึงทุกวันนี้ ผลงานเหล่านี้เป็นสัญลักษณ์ในประวัติศาสตร์ภาพประกอบของอเมริกา

ทันทีหลังจากการทิ้งระเบิดที่เพิร์ลฮาร์เบอร์ Elvgren ถูกขอให้วาดภาพสำหรับการรณรงค์ทางทหาร ภาพวาดชิ้นแรกของเขาสำหรับชุดนี้ตีพิมพ์ในปี 1942 ในนิตยสาร Good Housekeeping ภายใต้หัวข้อข่าว "She Knows What 'Freedom' Really Is" และวาดภาพเด็กผู้หญิงคนหนึ่งสวมชุดเครื่องแบบเจ้าหน้าที่กาชาด

ในปีพ.ศ. 2485 กิลจูเนียร์เกิด และในปี พ.ศ. 2486 ภรรยาของเขากำลังตั้งครรภ์ลูกคนที่สามแล้ว ครอบครัวของ Elvgren เติบโตขึ้น เช่นเดียวกับธุรกิจของเขา จิลทำงานในโครงการโฆษณาและยังขายผลงานเก่าของเธอด้วย เขาสนุกกับชีวิตเพราะตัวเขาเองเป็นศิลปินที่น่านับถือและเป็นคนในครอบครัวที่มีความสุขอยู่แล้ว เมื่อลูกคนที่สามในครอบครัวของเขาเกิด Elvgren ได้รับเงินประมาณ 1,000 ดอลลาร์ต่อภาพวาดหนึ่งภาพ นั่นคือ ประมาณ 24,000 ดอลลาร์ต่อปี ซึ่งเป็นจำนวนเงินที่มหาศาลในขณะนั้น นั่นหมายความว่ากิลอาจกลายเป็นนักวาดภาพประกอบที่ได้รับค่าตอบแทนสูงที่สุดในสหรัฐอเมริกา และแน่นอนว่ามีสถานที่พิเศษที่ Brown และ Bigelow

ก่อนที่จะทำงานให้กับ Brown และ Bigelow โดยเฉพาะ เขายอมรับค่าคอมมิชชั่นแรก (และครั้งเดียว) จากบริษัทในฟิลาเดลเฟียของโจเซฟ ฮูเวอร์ เพื่อหลีกเลี่ยงปัญหากับบราวน์และบิจโลว์ เขาจึงยอมรับข้อเสนอโดยมีเงื่อนไขว่าจะไม่มีการลงนามภาพวาดดังกล่าว สำหรับงานนี้ ชื่อ “สาวในฝัน” เขาได้รับเงิน 2,500 ดอลลาร์ เพราะ... มันเป็นภาพที่ใหญ่ที่สุดที่เขาเคยวาดมา (101.6 ซม. x 76.2 ซม.)

การร่วมมือกับ Brown และ Bigelow ทำให้ Elvgren สามารถวาดภาพให้กับ Coca-Cola ต่อไปได้ อย่างไรก็ตาม เขาสามารถทำงานให้กับบริษัทอื่นๆ ที่ไม่มีความขัดแย้งกับ Brown และ Bigelow ได้ ดังนั้นในปี 1945 Elvgren และ Brown และ Bigelow จึงเริ่มการทำงานร่วมกันซึ่งจะคงอยู่นานกว่าสามสิบปี

ชาร์ลส วอร์ด ผู้กำกับของบราวน์และบิเกโลว์ทำให้เอลฟเกรนมีชื่อเสียงโด่งดัง เขาเชิญกิลมาทำพินอัพในสไตล์นู้ดซึ่งศิลปินเห็นด้วยด้วยความกระตือรือร้นอย่างยิ่ง ภาพวาดนี้แสดงให้เห็นนางไม้ผมบลอนด์เปลือยเปล่าบนชายหาด ภายใต้แสงจันทร์สีฟ้าอมม่วงในสีของดอกไลแลค ภาพประกอบนี้เผยแพร่ในสำรับไพ่ พร้อมด้วยผลงานของศิลปินอีกคนหนึ่ง - ZoÎ Mozert ในปีต่อมา วอร์ดสั่งให้ปักหมุดเปลือยอีกอันจาก Elvgren สำหรับการ์ดใบต่อไป แต่คราวนี้ทำโดย Elvgren คนเดียวโดยสิ้นเชิง โปรเจ็กต์นี้ทำลายสถิติยอดขายของ Brown และ Bigelow และถูกเรียกว่า "Mais Oui โดย Gil Elvgren"

โครงการปักหมุดสามโครงการแรกของ Brown และ Bigelow กลายเป็นสินค้าขายดีของบริษัทในเวลาเพียงไม่กี่สัปดาห์ ภาพเหล่านี้ถูกนำมาใช้ในการเล่นไพ่ในไม่ช้า

ในช่วงปลายทศวรรษ Elvgren กลายเป็นศิลปินที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดที่ Brown และ Bigelow ต้องขอบคุณสื่อที่งานของเขาเป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวางต่อสาธารณชน นิตยสารต่างๆ ถึงกับตีพิมพ์บทความเกี่ยวกับเขาด้วยซ้ำ บริษัทที่เขาร่วมงานด้วย ได้แก่ Coca-Cola, Orange Crush, Schlitz, Red Top Beer, Ovaltine, Royal Crown Soda, Campana Balm, General Tyre, Sealy Mattress, Serta Perfect Sleep, Napa Auto Parts, Detzler Automotive Finishes, Frankfort Distilleries, Four วิสกี้ผสมกุหลาบ เครื่องใช้ไฟฟ้าทั่วไป และช็อกโกแลตแพงเบิร์น

เมื่อต้องเผชิญกับความต้องการงานของเขา Elvgren จึงคิดที่จะเปิดสตูดิโอของตัวเอง เนื่องจากมีศิลปินหลายคนที่ชื่นชมผลงานของเขาและสิ่งที่เรียกว่า "ภาพวาดมายองเนส" (หรือที่เรียกว่าสไตล์ของ Sundblom และ Elvgren เพราะสีบน ผลงานดู “ครีม” และเรียบเนียนเหมือนไหม) แต่หลังจากชั่งน้ำหนักข้อดีข้อเสียทั้งหมดแล้ว เขาก็ละทิ้งความคิดนี้

Gil Elvgren เดินทางบ่อยครั้งและได้พบกับผู้มีอิทธิพลมากมาย เงินเดือนของเขาที่ Brown และ Bigelow เปลี่ยนจากจ่าย 1,000 ดอลลาร์ต่อผืนเป็น 2,500 ดอลลาร์และผลิตภาพวาด 24 ชิ้นต่อปี บวกเปอร์เซ็นต์จากนิตยสารที่ตีพิมพ์ภาพประกอบของเขา เขาย้ายไปอยู่กับครอบครัวที่ บ้านใหม่ในย่านชานเมือง Winnetka ซึ่งเขาเริ่มสร้างสตูดิโอห้องใต้หลังคาของตัวเองซึ่งทำให้เขามีประสิทธิผลมากยิ่งขึ้น

กิลมีรสนิยมที่ยอดเยี่ยม และเขาก็มีไหวพริบเช่นกัน ผลงานของเขามีความน่าสนใจอยู่เสมอทั้งในด้านการจัดองค์ประกอบ โทนสี ตลอดจนการวางท่าทางและท่าทางที่คิดอย่างรอบคอบ ทำให้พวกเขามีชีวิตชีวาและน่าตื่นเต้น ภาพวาดของเขามีความจริงใจ กิลรู้สึกถึงวิวัฒนาการของความงามของผู้หญิงซึ่งเป็นสิ่งสำคัญมาก ดังนั้น Elvgren จึงเป็นที่ต้องการของลูกค้ามาโดยตลอด

ในปี 1956 กิลย้ายไปอยู่กับครอบครัวที่ฟลอริดา เขาพอใจกับที่อยู่ใหม่ของเขามาก ที่นั่นเขาเปิดสตูดิโอที่ยอดเยี่ยมที่ Bobby Toombs ศึกษาซึ่งกลายเป็นศิลปินที่ได้รับการยอมรับอย่างถูกต้อง เขาบอกว่าเอลฟ์เกรนเป็นครูที่ยอดเยี่ยมที่สอนให้เขาใช้ทักษะทั้งหมดของเขาอย่างมีวิจารณญาณ

ในฟลอริดา Gil วาดภาพบุคคลจำนวนมาก ในบรรดานางแบบของเขา ได้แก่ Myrna Loy, Arlene Dahl, Donna Reed, Barbara Hale, Kim Novak ในช่วงทศวรรษที่ 1950-1960 นางแบบหรือนักแสดงที่มีความมุ่งมั่นทุกคนอยากให้ Elvgren วาดภาพเด็กผู้หญิงที่มีรูปร่างเหมือนเธอ ซึ่งจะพิมพ์ลงในปฏิทินและโปสเตอร์

Elvgren มองหาไอเดียใหม่ๆ สำหรับภาพวาดของเขาอยู่เสมอ แม้ว่าเพื่อนศิลปินหลายคนจะช่วยเขาในเรื่องนี้ แต่เขาพึ่งพาครอบครัวมากที่สุด: เขาหารือเกี่ยวกับแนวคิดของเขากับภรรยาและลูก ๆ

Elvgren ทำงานในแวดวงศิลปินที่เขาสอนหรือในทางกลับกันที่เขาศึกษาอยู่ ซึ่งเป็นเพื่อนของเขาซึ่งเขามีอะไรเหมือนกันหลายอย่าง หนึ่งในนั้นคือแฮร์รี่ แอนเดอร์สัน, จอยซ์ บัลลันไทน์, อัล บูเอลล์, แมตต์ คลาร์ก, เอิร์ล กรอสส์, เอ็ด เฮนรี, ชาร์ลส์ คิงแฮม และคนอื่นๆ

Gil Elvgren ใช้ชีวิตอย่างเต็มที่ ในฐานะคนชอบกิจกรรมกลางแจ้ง เขาชอบตกปลาและล่าสัตว์ เขาสามารถใช้เวลาหลายชั่วโมงในสระน้ำ ชอบรถแข่ง และยังแบ่งปันความหลงใหลในการสะสมอาวุธโบราณของลูกๆ อีกด้วย

ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา Elvgren มีผู้ช่วยในสตูดิโอมากมาย ซึ่งส่วนใหญ่กลายเป็นศิลปินที่ประสบความสำเร็จ เมื่อ Elvgren ถูกบังคับให้ปฏิเสธความร่วมมือจากบริษัทต่างๆ เนื่องจากมีงานจำนวนมาก ผู้กำกับศิลป์ตกลงที่จะรอหนึ่งปีหรือมากกว่านั้น ถ้า Gil เท่านั้นจะทำงานให้พวกเขา

แต่ความสำเร็จทั้งหมดของ Gil ถูกบดบังในปี 1966 ด้วยโศกนาฏกรรมอันเลวร้ายที่เกิดขึ้นกับครอบครัวของเขา: Janet ภรรยาของ Gil เสียชีวิตด้วยโรคมะเร็ง หลังจากนั้นเขาก็กระโจนเข้าสู่งานมากขึ้น ความนิยมของเขายังคงไม่เปลี่ยนแปลงเขาไม่ต้องกังวลกับสิ่งใดนอกจากผลงานของเขา นี่เป็นช่วงเวลาที่ดีที่สุดในอาชีพการงานของ Elvgren หากไม่ใช่เพราะภรรยาของเขาเสียชีวิต

ความสามารถของ Elvgren ในการถ่ายทอดความงามของผู้หญิงนั้นไม่มีใครเทียบได้ ในขณะที่วาดภาพ เขามักจะนั่งบนเก้าอี้ที่มีล้อเพื่อให้เขาสามารถเดินไปรอบๆ และมองภาพวาดจากมุมต่างๆ ได้อย่างง่ายดาย และมีกระจกบานใหญ่ที่อยู่ด้านหลังเขาทำให้เขามองเห็นภาพรวมของภาพวาดทั้งหมดได้ สิ่งสำคัญในงานของเขาคือเด็กผู้หญิง: เขาชอบนางแบบอายุ 15-20 ปีที่เพิ่งเริ่มต้นอาชีพเนื่องจากมีความเป็นธรรมชาติซึ่งหายไปพร้อมกับประสบการณ์ เมื่อถามถึงเทคนิคของเขา เขาบอกว่าเขาเพิ่มสัมผัสของตัวเอง เช่น ยืดขา ขยายหน้าอก เอวแคบลง ทำให้ริมฝีปากดูอิ่มขึ้น ดวงตาดูแสดงออกมากขึ้น จมูกดูแคลน จึงทำให้นางแบบดูน่าดึงดูดยิ่งขึ้น Elvgren ทำงานอย่างระมัดระวังตลอดแนวคิดของเขาตั้งแต่ต้นจนจบ: เขาเลือกแบบจำลอง อุปกรณ์ประกอบฉาก แสง องค์ประกอบ แม้แต่ทรงผมก็มีความสำคัญมาก หลังจากทุกอย่าง เขาถ่ายภาพสถานที่นั้นและเริ่มวาดภาพ

ลักษณะเด่นของผลงานของกิลคือเมื่อดูภาพวาดแล้วดูเหมือนว่าเด็กผู้หญิงในนั้นกำลังจะมีชีวิตขึ้นมาทักทายหรือเสนอตัวจะดื่มกาแฟสักแก้ว พวกเขาดูน่ารักและเต็มไปด้วยความกระตือรือร้น มีเสน่ห์เสมอ ติดอาวุธด้วยรอยยิ้มที่เป็นมิตร แม้ในช่วงสงคราม พวกเขาให้ความเข้มแข็งแก่ทหารและความหวังที่จะได้กลับบ้านไปหาลูกสาว

ศิลปินหลายคนใฝ่ฝันที่จะวาดภาพในแบบที่ Elvgren ทำ ทุกคนต่างชื่นชมความสามารถและความสำเร็จของเขา

ทุกปีเขาวาดทุกอย่างด้วย ง่ายขึ้นและความเป็นมืออาชีพ ภาพวาดในยุคแรกของเขาดู "ยาก" มากกว่าเมื่อเปรียบเทียบกับภาพในภายหลัง เขามาถึงจุดสูงสุดของความเป็นเลิศในสาขาของเขาแล้ว

เมื่อวันที่ 29 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2523 Gil Elvgren ชายผู้อุทิศตนเพื่อสร้างความสุขให้กับผู้คนด้วยความคิดสร้างสรรค์ของเขา เสียชีวิตด้วยโรคมะเร็งในวัย 65 ปี Drake ลูกชายของเขาพบภาพวาดชิ้นสุดท้ายที่ยังสร้างไม่เสร็จ แต่ถึงกระนั้นก็งดงามสำหรับ Brown และ Bigelow ในสตูดิโอของพ่อเขา สามทศวรรษผ่านไปนับตั้งแต่การตายของ Elvgren แต่งานศิลปะของเขายังคงอยู่ ไม่ต้องสงสัยเลยว่า Elvgren จะลงไปในประวัติศาสตร์ในฐานะศิลปินที่มีคุณูปการต่อศิลปะอเมริกันในศตวรรษที่ 20 อย่างมาก