รายงานระเบียบวิธี "พหุนามของ J. S. Bach ข้อความระเบียบวิธีในหัวข้อการเชื่อมโยงสหวิทยาการในการศึกษาพฤกษ์ศาสตร์

ข้อความระเบียบวิธีในหัวข้อ:

“เกี่ยวกับการพัฒนาทักษะ
ทำงานเกี่ยวกับโพลีโฟนี"

ครู
โคโลดี้ ที.พี.

ชั้นเรียนเปียโน

ครัสโนดาร์, 2000

การทำงานด้านโพลีโฟนิกเป็นส่วนสำคัญของการเรียนรู้การแสดงเปียโน หลังจากทั้งหมด เพลงเปียโนทุกอย่างเป็นแบบโพลีโฟนิกในความหมายกว้างๆ ของคำ

การศึกษาเกี่ยวกับการคิดแบบโพลีโฟนิกการได้ยินแบบโพลีโฟนิกนั่นคือความสามารถในการรับรู้ (ได้ยิน) ที่แตกต่างกันอย่างแยกไม่ออกและทำซ้ำบนเครื่องดนตรีหลายเส้นเสียงที่รวมเข้าด้วยกันในการพัฒนาเส้นเสียงไปพร้อม ๆ กันซึ่งเป็นหนึ่งในสิ่งที่สำคัญที่สุดและมากที่สุด ส่วนที่ซับซ้อนของการศึกษาด้านดนตรี

การสอนเปียโนสมัยใหม่ให้ความมั่นใจอย่างมากต่อความฉลาดทางดนตรีของเด็ก จากประสบการณ์ของ B. Bartok
เค. ออร์ฟฟ์ ครูเปิดโลกดนตรีโพลีโฟนิกที่น่าสนใจและซับซ้อนให้กับเด็ก ๆ ตั้งแต่ปีแรกที่เรียนที่โรงเรียนดนตรี

ละครโพลีโฟนิกสำหรับผู้เริ่มต้นประกอบด้วยการเรียบเรียงโพลีโฟนิกแบบเบา ๆ ของเพลงพื้นบ้านย่อยที่เด็ก ๆ เข้าใจได้ในเนื้อหา ครูพูดถึงวิธีการแสดงเพลงเหล่านี้ในหมู่ผู้คน: นักร้องเริ่มเพลงจากนั้นคณะนักร้องประสานเสียง ("podvoloski") หยิบมันขึ้นมาโดยมีทำนองต่างกันไป

ตัวอย่างเช่น เพลงพื้นบ้านรัสเซีย "Motherland" จากคอลเลคชัน "For Young Pianists" เรียบเรียงโดย V. Shulgina ครูเชิญชวนให้นักเรียนแสดงในลักษณะ "ร้องเพลงประสานเสียง" โดยแบ่งบทบาท: นักเรียนเล่นตามผู้เรียน นักร้องนำมีส่วนร่วมในบทเรียนและครูควรใช้เครื่องดนตรีอื่น เนื่องจากสิ่งนี้จะทำให้แต่ละท่อนไพเราะโล่งใจมากขึ้น "แสดงให้เห็น" คณะนักร้องประสานเสียงที่หยิบทำนองของคอรัส หลังจากผ่านไปสองหรือสามบทเรียน นักเรียนจะแสดง "เสียงร้องสนับสนุน" และมั่นใจได้อย่างชัดเจนว่าพวกเขามีความเป็นอิสระไม่น้อยไปกว่าทำนองของนักร้องนำ เมื่อทำงานกับเสียงของแต่ละบุคคล นักเรียนจำเป็นต้องแสดงการแสดงออกและไพเราะ ฉันอยากจะดึงความสนใจไปที่สิ่งนี้ให้มากขึ้น เพราะความสำคัญของการทำงานตามเสียงของนักเรียนมักจะถูกมองข้าม ดำเนินการอย่างเป็นทางการและไม่ได้นำไปสู่ความสมบูรณ์แบบเมื่อนักเรียนสามารถแสดงแต่ละเสียงแยกกันเป็นแนวทำนองได้ การเรียนรู้แต่ละเสียงด้วยใจมีประโยชน์มาก

โดยการเล่นทั้งสองท่อนสลับกับครูเป็นชุด นักเรียนไม่เพียงแต่สัมผัสถึงชีวิตอิสระของแต่ละคนได้อย่างชัดเจน แต่ยังได้ยินทั้งท่อนอย่างครบถ้วนในการประสานเสียงทั้งสองพร้อมกัน ซึ่งอำนวยความสะดวกอย่างมากในเวทีที่ยากที่สุด ของงาน - การโอนทั้งสองส่วนไปอยู่ในมือของนักเรียน

เพื่อให้เด็กเข้าใจเรื่องพหุเสียงได้มากขึ้น ควรใช้การเปรียบเทียบเชิงเปรียบเทียบและใช้เรียงความของโปรแกรมซึ่งแต่ละเสียงมีลักษณะเป็นรูปเป็นร่างของตัวเอง ตัวอย่างเช่น การเรียบเรียงเพลง "Katenka the Cheerful" ของ Sorokin ซึ่งเขาเรียกว่า "Shepherds Playing the Pipe" โพลีโฟนีเสียงสองเสียงในงานชิ้นนี้เข้าถึงได้โดยเฉพาะสำหรับนักเรียนเนื่องจากชื่อโปรแกรม เด็กสามารถจินตนาการถึงความดังก้องสองระดับที่นี่ได้อย่างง่ายดาย: เหมือนการเล่นของคนเลี้ยงแกะที่เป็นผู้ใหญ่และเด็กเลี้ยงแกะตัวเล็ก ๆ ที่เล่นไปตามท่อเล็ก ๆ งานนี้มักจะดึงดูดนักเรียนและงานดำเนินไปอย่างรวดเร็ว วิธีการฝึกฝนผลงานโพลีโฟนิกนี้ช่วยเพิ่มความสนใจในตัวพวกเขาได้อย่างมาก และที่สำคัญที่สุดคือปลุกให้นักเรียนรับรู้ถึงเสียงที่สดใสและเต็มไปด้วยจินตนาการ นี่เป็นพื้นฐานของทัศนคติทางอารมณ์และความหมายต่อการนำทางด้วยเสียง มีการเรียนรู้บทละครย่อยอื่นๆ อีกจำนวนหนึ่งในลักษณะเดียวกัน สามารถพบได้ในคอลเลกชันมากมายสำหรับผู้เริ่มต้นเช่น: "ฉันอยากเป็นนักดนตรี", "เส้นทางสู่การเล่นดนตรี", "นักเปียโน - นักฝัน", "โรงเรียนเล่นเปียโน" แก้ไขโดย A. Nikolaev, "คอลเลกชัน ชิ้นเปียโน"เรียบเรียงโดย Lyakhovitskaya "นักเปียโนหนุ่ม" V. Shulgina

คอลเลกชันของ Elena Fabianovna Gnesina "เปียโน ABC", "Etudes ขนาดเล็กสำหรับผู้เริ่มต้น", "แบบฝึกหัดเตรียมการ" จะมีประโยชน์อย่างมากในการพัฒนาทักษะพื้นฐานในการแสดงโพลีโฟนีในช่วงระยะเวลาของการฝึกอบรมเบื้องต้น

ในคอลเลกชันของ Shulgina "Young Pianists", Barenboim "The Path to Playing Music", Turgeneva "The Dreamer Pianist" งานสร้างสรรค์มีไว้สำหรับบทละครย่อยเช่น: เลือกเสียงด้านล่างจนถึงจุดสิ้นสุดและกำหนดโทนเสียง เล่นเสียงหนึ่งและร้องอีกเสียงหนึ่ง เพิ่มเสียงที่สองในทำนองและบันทึกเสียงประกอบ แต่งเสียงต่อจากบนเป็นต้น.

เรียงความเป็นหนึ่งในประเภท การเล่นดนตรีที่สร้างสรรค์เด็กมีประโยชน์อย่างยิ่ง มันกระตุ้นการคิด จินตนาการ ความรู้สึก ท้ายที่สุดจะช่วยเพิ่มความสนใจในงานที่กำลังศึกษาได้อย่างมาก

ใช้งานอยู่และ ทัศนคติที่สนใจแนวทางดนตรีโพลีโฟนิกของเด็กนักเรียนนั้นขึ้นอยู่กับวิธีการทำงานของครูโดยสิ้นเชิงกับความสามารถของเขาในการนำนักเรียนไปสู่การรับรู้เชิงเป็นรูปเป็นร่าง องค์ประกอบหลักดนตรีโพลีโฟนิก เทคนิคที่มีอยู่ในตัว เช่น การเลียนแบบ

ในเพลงพื้นบ้านของรัสเซีย "I Walk with the Loach" หรือ "The Woodcutter" จากคอลเลกชั่น "For Young Pianists" ของ V. Shulgina ซึ่งทำนองดั้งเดิมถูกทำซ้ำในระดับแปดเสียงที่ต่ำกว่า การเลียนแบบสามารถอธิบายเป็นรูปเป็นร่างได้โดยการเปรียบเทียบกับเพลงที่คุ้นเคยและ ปรากฏการณ์ที่น่าสนใจสำหรับเด็กเป็นเสียงสะท้อน เด็กยินดีที่จะตอบคำถามของครู: มีกี่เสียงในเพลง? เสียงอะไรเหมือนเสียงสะท้อน? และเขาจะจัดเตรียม (ตัวเขาเอง) ไดนามิก (f และ p) โดยใช้เทคนิค "echo" การเล่นเป็นวงดนตรีจะทำให้การรับรู้ของการเลียนแบบมีชีวิตชีวามากขึ้น: นักเรียนเล่นทำนองและครูเล่นการเลียนแบบ ("เสียงสะท้อน") และในทางกลับกัน

จากขั้นตอนแรกของการเรียนรู้พหุนามเป็นสิ่งสำคัญมากที่จะต้องทำให้เด็กคุ้นเคยกับความชัดเจนของเสียงที่เข้ามาทางเลือกความชัดเจนของการดำเนินการและการสิ้นสุด จำเป็นต้องบรรลุรูปลักษณ์แบบไดนามิกที่ตัดกันและเสียงแต่ละเสียงในแต่ละบทเรียน

การใช้บทละครของ B. Bartok และนักเขียนสมัยใหม่คนอื่น ๆ ทำให้เด็ก ๆ เข้าใจถึงความคิดริเริ่มของภาษาดนตรีของนักประพันธ์เพลงสมัยใหม่ จากตัวอย่างละครของ Bartok เรื่อง "The Opposite Movement" เราจะเห็นได้ว่าเกมโพลีโฟนีมีความสำคัญเพียงใดต่อการศึกษาและการพัฒนาหูของนักเรียน โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อพูดถึงการรับรู้และการแสดงผลงานดนตรีสมัยใหม่ ที่นี่ทำนองของแต่ละเสียงแยกกันฟังดูเป็นธรรมชาติ แต่เมื่อเริ่มเล่นชิ้นด้วยมือทั้งสองข้างพร้อมกัน นักเรียนอาจรู้สึกประหลาดใจอย่างไม่เป็นที่พอใจกับความไม่สอดคล้องกันและรายการของ F - F - ชาร์ป C - C - ชาร์ปที่เกิดขึ้นระหว่างการเคลื่อนไหวตรงกันข้าม หากเขาดูดซึมแต่ละเสียงแยกจากกันอย่างเหมาะสมเป็นครั้งแรก เสียงเหล่านั้นจะถูกรับรู้พร้อมกันอย่างมีเหตุผลและเป็นธรรมชาติ

มักจะเข้า. ดนตรีสมัยใหม่มีความซับซ้อนของโพลีโฟนีที่มีโพลีโทนลิตี้ (เสียงในคีย์ต่างกัน) แน่นอนว่าภาวะแทรกซ้อนดังกล่าวต้องมีเหตุผลบางประการ ตัวอย่างเช่นในละครเทพนิยายเรื่อง "The Bear" โดย I. Stravinsky ทำนองนั้นเป็นบทสวดไดโทนิกห้าโน้ตตามเสียง C ที่ต่ำกว่าดนตรีประกอบเป็นการสลับเสียง D แบนและ A ซ้ำหลายครั้ง ดนตรีประกอบ "เอเลี่ยน" ดังกล่าวควรมีลักษณะคล้ายกับเสียงเอี๊ยดของขาไม้ "เอเลี่ยน" ตามจังหวะที่หมีร้องเพลง บทละครของ B. Bartok เรื่อง "Imitation" และ "Imitation in Reflection" แนะนำให้เด็กๆ รู้จักการเลียนแบบโดยตรงและสะท้อน

หลังจากเชี่ยวชาญการเลียนแบบอย่างง่าย (การทำซ้ำแรงจูงใจด้วยเสียงอื่น) งานจะเริ่มขึ้นในเพลงมาตรฐานที่สร้างขึ้นจากการเลียนแบบเครื่องสาย ซึ่งเริ่มต้นก่อนสิ้นสุดทำนองเลียนแบบ ในบทละครประเภทนี้ ไม่ใช่แค่วลีหรือแรงจูงใจเดียวเท่านั้นที่จะถูกเลียนแบบ แต่วลีหรือแรงจูงใจทั้งหมดจนกว่าจะสิ้นสุดงาน ตัวอย่างเช่น มาดูบทละคร "The Shepherd" (canon) ของ Y. Litovko จากคอลเลกชั่น "For Young Pianists" ของ V. Shulgina ละครเรื่องนี้มีเนื้อหารองด้วยคำพูด เพื่อเอาชนะความยากลำบากแบบโพลีโฟนิกใหม่วิธีการทำงานต่อไปนี้ซึ่งประกอบด้วยสามขั้นตอนจะมีประโยชน์ ขั้นแรก บทละครจะถูกเขียนใหม่และเรียนรู้ด้วยการเลียนแบบอย่างง่าย ภายใต้วลีแรกของเพลง การหยุดชั่วคราวจะถูกวางไว้ในเสียงต่ำ และเมื่อเลียนแบบในเสียงที่สอง การหยุดชั่วคราวจะเขียนด้วยเสียงโซปราโน วลีที่สองเขียนใหม่ในลักษณะเดียวกันเป็นต้น ใน “การเรียบเรียง” ที่เรียบง่ายนี้ ละครจะเล่นเป็นเวลาสองหรือสามบทเรียน (ตัวอย่างที่ 1) จากนั้น "การเรียบเรียง" ค่อนข้างซับซ้อนมากขึ้น: วลีจะถูกเขียนใหม่ด้วยการเลียนแบบแบบสเตรตและการหยุดชั่วคราวจะถูกระบุในการวัดที่ 5 ในโซปราโน วลีที่สองเรียนรู้ในลักษณะเดียวกันเป็นต้น (ตัวอย่างที่ 2) วิธีการทำงานทั้งมวลควรกลายเป็นวิธีการชั้นนำในเวลานี้ ความสำคัญของมันเพิ่มมากขึ้นในขั้นตอนสุดท้ายและขั้นตอนที่สามของงาน เมื่อครูและนักเรียนเล่นชิ้นนี้ในวงดนตรีขณะที่เขียนโดยผู้แต่ง และหลังจากนั้นเสียงทั้งสองก็ถูกโอนไปอยู่ในมือของนักเรียนเท่านั้น

ควรสังเกตว่ากระบวนการเขียนงานโพลีโฟนิกใหม่นั้นมีประโยชน์มาก ครูที่โดดเด่นในยุคของเราชี้ให้เห็นสิ่งนี้เช่น Valeria Vladimirovna Listova, Nina Petrovna Kalinina, Yakov Isaakovich Milshtein นักเรียนจะคุ้นเคยกับพื้นผิวโพลีโฟนิกอย่างรวดเร็ว เข้าใจได้ดีขึ้น และเข้าใจทำนองของแต่ละเสียงและความสัมพันธ์ในแนวดิ่งได้ชัดเจนยิ่งขึ้น ขณะคัดลอก เขามองเห็นและเข้าใจด้วยหูชั้นในของเขาซึ่งเป็นคุณลักษณะที่สำคัญของโพลีโฟนี เช่นเดียวกับความคลาดเคลื่อนของเวลาระหว่างลวดลายที่เหมือนกัน

ประสิทธิผลของแบบฝึกหัดดังกล่าวจะเพิ่มขึ้นหากใช้เสียงที่แตกต่างกันในการลงทะเบียนที่แตกต่างกัน (ร่วมกับครู) จากผลงานดังกล่าว นักเรียนเข้าใจอย่างชัดเจนถึงโครงสร้างมาตรฐานของบทละคร การแนะนำการเลียนแบบ ความสัมพันธ์กับวลีที่กำลังเลียนแบบ และการเชื่อมโยงจุดสิ้นสุดของการเลียนแบบกับวลีใหม่

เนื่องจากการเลียนแบบสายอักขระในโพลีโฟนีของ J.S. Bach เป็นวิธีการพัฒนาที่สำคัญมาก ครูที่ให้ความสำคัญกับโอกาสในการศึกษาโพลีโฟนิกเพิ่มเติมของนักเรียนจึงควรมุ่งเน้นไปที่สิ่งนี้

โดยเฉพาะต่อไป สำคัญได้รับการศึกษาบทละครโพลีโฟนิกในยุคบาโรกซึ่งผลงานของ J. S. Bach เป็นที่แรก ในยุคนี้รากฐานวาทศิลป์ของภาษาดนตรีได้ถูกสร้างขึ้น - ดนตรี - ตัวเลขเชิงวาทศิลป์ที่เกี่ยวข้องกับสัญลักษณ์เชิงความหมายบางอย่าง (ร่างของการถอนหายใจ, อัศเจรีย์, คำถาม, ความเงียบ, การขยายเสียง, รูปแบบต่างๆการเคลื่อนไหวและโครงสร้างทางดนตรี) ความคุ้นเคยกับภาษาดนตรีในยุคบาโรกทำหน้าที่เป็นพื้นฐานในการสะสมคำศัพท์น้ำเสียง นักดนตรีหนุ่มและช่วยให้เขาเข้าใจ ภาษาดนตรียุคต่อมา

สื่อการสอนที่ดีที่สุดสำหรับพัฒนาการคิดด้านเสียงแบบโพลีโฟนิกของนักเปียโนคือมรดกทางคีย์บอร์ดของ J. S. Bach และก้าวแรกบนเส้นทางสู่ "โพลีโฟนิก Parnassus" คือคอลเลกชั่นชื่อดังที่เรียกว่า "The Notebook of Anna Magdalena Bach" ผลงานชิ้นเอกชิ้นเล็ก ๆ ที่รวมอยู่ใน "สมุดบันทึก" ส่วนใหญ่เป็นการเต้นรำชิ้นเล็ก ๆ - โปโลเนส ไมนูเอต และมาร์ช โดดเด่นด้วยท่วงทำนอง จังหวะ และอารมณ์ที่เข้มข้นเป็นพิเศษ ในความคิดของฉัน เป็นการดีที่สุดที่จะแนะนำนักเรียนให้รู้จักกับคอลเลกชั่นต่างๆ เช่น "สมุดบันทึก" และไม่ใช่ให้นักเรียนรู้จักแต่ละชิ้นที่กระจัดกระจายไปตามคอลเลกชั่นต่างๆ มีประโยชน์มากที่จะบอกลูกของคุณว่า "สมุดบันทึกเพลงของ Anna Magdalena Bach" ทั้งสองเป็นการบ้านแบบหนึ่ง อัลบั้มเพลงครอบครัวของ J.S. Bach รวมถึงเครื่องดนตรีและเสียงร้องที่มีลักษณะหลากหลาย บทละครเหล่านี้ทั้งของเขาเองและของคนอื่นๆ เขียนในสมุดบันทึกด้วยมือของ J. S. Bach เอง บางครั้งเขียนโดย Anna Magdalena Bach ภรรยาของเขา และยังมีหน้าที่เขียนด้วยลายมือเด็กของลูกชายคนหนึ่งของ Bach อีกด้วย ผลงานการร้อง - อาเรียและการร้องประสานเสียงที่รวมอยู่ในคอลเลกชัน - มีไว้สำหรับการแสดงในแวดวงบ้านของครอบครัว Bach

ฉันมักจะเริ่มแนะนำนักเรียนให้รู้จักกับหนังสือเพลงที่มี Minuet ใน d minor นักเรียนจะสนใจที่จะรู้ว่าคอลเลกชันนี้ประกอบด้วย Minuets เก้าตัว ในสมัยของ J. S. Bach Minuet แพร่หลาย มีชีวิตชีวา และทุกอย่าง การเต้นรำที่มีชื่อเสียง- มันเต้นทั้งที่บ้านและที่ ปาร์ตี้สนุก ๆและในพิธีพระราชพิธีอันศักดิ์สิทธิ์ ต่อจากนั้น minuet ก็กลายเป็นการเต้นรำของชนชั้นสูงที่ทันสมัยซึ่งข้าราชบริพารชั้นสูงชื่นชอบในวิกผมผงสีขาวที่มีลอน มีความจำเป็นต้องแสดงภาพประกอบลูกบอลในสมัยนั้นเพื่อดึงดูดความสนใจของเด็ก ๆ ให้กับเครื่องแต่งกายของชายและหญิงซึ่งกำหนดสไตล์การเต้นรำเป็นส่วนใหญ่ (ผู้หญิงมีกระโปรงผายก้นกว้างมากต้องเคลื่อนไหวอย่างราบรื่นผู้ชายมีขาคลุมด้วยถุงน่อง ในรองเท้าส้นสูงหรูหราพร้อมสายรัดถุงเท้าที่สวยงาม - โค้งคำนับที่เข่า) การเต้นรำแบบ minuet ด้วยความเคร่งขรึมอย่างยิ่ง ดนตรีของเขาสะท้อนให้เห็นในท่วงทำนองที่เปลี่ยนความนุ่มนวลและความสำคัญของคันธนู การโค้งคำนับแบบต่ำและการโค้งคำนับในพิธีการ

หลังจากฟัง Minuet แสดงโดยครู นักเรียนจะกำหนดลักษณะของตัวเอง: ด้วยความไพเราะและความไพเราะทำให้ชวนให้นึกถึงเพลงมากกว่าการเต้นรำดังนั้นลักษณะของการแสดงจึงควรนุ่มนวลนุ่มนวลไพเราะในความสงบ และแม้กระทั่งการเคลื่อนไหว จากนั้นครูดึงความสนใจของนักเรียนถึงความแตกต่างระหว่างท่วงทำนองของเสียงบนและล่าง ความเป็นอิสระและความเป็นอิสระจากกัน ราวกับว่าพวกเขาร้องโดยนักร้องสองคน เราพิจารณาว่าเสียงแรกซึ่งเป็นเสียงผู้หญิงสูงคือ โซปราโน และอย่างที่สอง เสียงผู้ชายต่ำ คือเบส หรือสองเสียงแสดงสองเสียง เครื่องมือที่แตกต่างกัน, ที่? มีความจำเป็นที่จะต้องให้นักเรียนมีส่วนร่วมในการอภิปรายประเด็นนี้เพื่อปลุกเขาให้ตื่น จินตนาการที่สร้างสรรค์- I. Braudo ให้ คุ้มค่ามากความสามารถในการเล่นเปียโน “ข้อกังวลประการแรกของผู้นำ” เขาเขียน “คือการสอนให้นักเรียนดึงเสียงที่ดังออกมาจากเปียโนซึ่งจำเป็นในกรณีนี้ ฉันจะเรียกทักษะนี้ว่า... ความสามารถในการเล่นเปียโนอย่างมีเหตุผล” “การแสดงเสียงสองเสียงโดยใช้เครื่องดนตรีต่างกันมีคุณค่าทางการศึกษาด้านการได้ยินที่ดีเยี่ยม” “บางครั้งเป็นการสะดวกที่จะทำให้ความแตกต่างนี้ชัดเจนแก่นักเรียนผ่านการเปรียบเทียบเป็นรูปเป็นร่าง ตัวอย่างเช่น เป็นเรื่องปกติที่จะเปรียบเทียบเพลง Little Prelude ที่เคร่งขรึมในเทศกาล C- Major กับการทาบทามสั้นๆ สำหรับวงออเคสตราที่มีทรัมเป็ตและทิมปานีเข้าร่วม เป็นเรื่องปกติที่จะเปรียบเทียบเพลง Little Prelude ใน e – minor กับเพลงสำหรับวงดนตรีขนาดเล็ก ซึ่งมีทำนองของโอโบโซโลคลอไปด้วย เครื่องสาย- ความเข้าใจอย่างถ่องแท้ถึงธรรมชาติทั่วไปของความดังที่จำเป็นสำหรับงานที่ได้รับมอบหมายจะช่วยให้นักเรียนพัฒนาความต้องการในการได้ยินของเขา และจะช่วยกำหนดทิศทางความต้องการนี้ไปสู่การนำเสียงที่ต้องการไปใช้”

ใน Minuet ใน d minor เสียงที่ไพเราะและแสดงออกของเสียงแรกชวนให้นึกถึงการร้องเพลงของไวโอลิน และเสียงต่ำและการลงทะเบียนของเสียงเบสก็เข้าใกล้เสียงเชลโล จากนั้นคุณต้องวิเคราะห์กับลูกของคุณ โดยถามคำถามนำ รูปแบบของละคร (สองตอน) และแผนการใช้วรรณยุกต์ ส่วนแรกเริ่มด้วย d - minore และสิ้นสุดใน
ขนาน F-dure; ส่วนที่สองเริ่มต้นใน F-dure และสิ้นสุดใน d - minore; การใช้ถ้อยคำและการเปล่งเสียงที่เกี่ยวข้องกันของแต่ละเสียงแยกจากกัน ในส่วนแรกเสียงล่างประกอบด้วยสองประโยคแยกจากจังหวะอย่างชัดเจน และประโยคแรกของเสียงบนแบ่งออกเป็นสองวลีผลักดัน: วลีแรกฟังดูมีความหมายและต่อเนื่องมากขึ้น วลีที่สองสงบกว่าราวกับว่า ในการตอบสนอง เพื่อชี้แจงความสัมพันธ์ของคำถาม-คำตอบ Braudo เสนอเทคนิคการสอนดังต่อไปนี้: ครูและนักเรียนนั่งอยู่ที่เปียโนสองตัว ครูเป็นผู้ดำเนินการสองจังหวะแรก นักเรียนตอบคำถามสองจังหวะนี้ - คำถาม - โดยดำเนินการสองจังหวะที่สอง - คำตอบ จากนั้นสามารถเปลี่ยนบทบาทได้ นักเรียนจะ "ถาม" คำถาม ครูจะตอบ ในกรณีนี้ นักแสดงที่ถามคำถามสามารถเล่นทำนองของเขาให้สว่างขึ้นเล็กน้อย และคนที่ตอบ - เงียบกว่าเล็กน้อย จากนั้นลองเล่นในทางกลับกัน ฟังอย่างระมัดระวังและเลือกตัวเลือกที่ดีที่สุด “ สิ่งสำคัญคือในเวลาเดียวกันเราสอนนักเรียนไม่มากจนเกินไปให้เล่นดังขึ้นเล็กน้อยและเงียบขึ้นอีกหน่อย - เราสอนให้เขา "ถาม" และ "ตอบ" บนเปียโน

ในทำนองเดียวกัน คุณสามารถทำงานกับ Menuel No. 4 ใน G major ได้ โดยที่ "คำถาม" และ "คำตอบ" ​​ประกอบด้วยวลีสี่แท่ง จากนั้นนักเรียนจะเล่นเสียงแรกของ Minuet โดยเน้นไปที่ "คำถาม" และ "คำตอบ" อย่างชัดแจ้ง ทำงานเกี่ยวกับความหมายของจังหวะที่ลึกขึ้น (บาร์ 2.5) - ที่นี่นักเรียนสามารถช่วยได้โดยการเปรียบเทียบที่เป็นรูปเป็นร่าง ตัวอย่างเช่น ในระดับที่สอง ทำนองจะ “สร้าง” คันธนูที่สำคัญ ลึกและมีความหมาย และในระดับที่ห้า – เบากว่า และสง่างามมากขึ้น และอื่นๆ ครูสามารถขอให้นักเรียนวาดภาพคันธนูต่างๆ ที่กำลังเคลื่อนไหว โดยขึ้นอยู่กับลักษณะของจังหวะ มีความจำเป็นต้องกำหนดจุดไคลแม็กซ์ของทั้งสองส่วน - ทั้งในการเคลื่อนไหวครั้งแรกและจุดไคลแม็กซ์หลักของทั้งท่อนในการเคลื่อนไหวครั้งที่สองเกือบจะผสานกับจังหวะสุดท้าย - นี่คือลักษณะเด่นของสไตล์ของ Bach ที่นักเรียนควรเป็น ตระหนักถึง คำถามเกี่ยวกับการตีความจังหวะของ Bach ครอบงำนักวิจัยที่น่าเชื่อถือเกี่ยวกับงานของ Bach เช่น F. Busoni, A. Schweitzer, I. Braudo พวกเขาทั้งหมดได้ข้อสรุปว่าจังหวะของบาคนั้นมีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยความสำคัญและความน่าสมเพชแบบไดนามิก ท่อนเพลงของ Bach จบลงด้วยเปียโนน้อยมาก เรื่องจังหวะระหว่างงานก็เช่นเดียวกัน

ในบรรดางานหลายอย่างที่ขวางทางการศึกษาเรื่องพหูพจน์ งานหลักยังคงเป็นงานเกี่ยวกับความไพเราะ การแสดงออกของน้ำเสียงและความเป็นอิสระของแต่ละเสียงแยกจากกัน ความเป็นอิสระของเสียงเป็นคุณลักษณะที่ขาดไม่ได้ในงานโพลีโฟนิก ดังนั้นจึงเป็นเรื่องสำคัญมากที่จะแสดงให้นักเรียนเห็นโดยใช้ตัวอย่างของ d minor Minuet ว่าความเป็นอิสระนี้แสดงออกมาอย่างไร:

1. ในลักษณะที่แตกต่างกันของเสียง (เครื่องดนตรี);
2. ในถ้อยคำที่แตกต่างกันซึ่งแทบไม่เคยเกิดขึ้นพร้อมกัน (เช่น ในมาตรการ 1-4 เสียงบนประกอบด้วยสองวลี และเสียงล่างประกอบด้วยหนึ่งประโยค)
3. ในจังหวะที่ไม่ตรงกัน (legato และ non legato);
4. ในจุดไคลแม็กซ์ที่ไม่ตรงกัน (เช่น ในแถบที่ห้า - หก ทำนองของเสียงบนขึ้นและมาถึงด้านบน และเสียงล่างจะเคลื่อนลงและขึ้นไปบนสุดในแถบที่เจ็ดเท่านั้น)

5. ในจังหวะที่แตกต่างกัน (การเคลื่อนไหวของเสียงต่ำในช่วงไตรมาสและครึ่งตรงกันข้ามกับรูปแบบจังหวะที่เคลื่อนไหวของทำนองของท่อนบนซึ่งประกอบด้วยโน้ตที่แปดเกือบทั้งหมด)

6. ในความแตกต่างในการพัฒนาแบบไดนามิก (เช่น ในการวัดที่สี่ของส่วนที่สอง ความดังของเสียงต่ำจะเพิ่มขึ้น และเสียงบนลดลง)

โพลีโฟนีของบาคมีลักษณะเฉพาะด้วยโพลิไดนามิกส์ และในการทำซ้ำอย่างชัดเจน อันดับแรกควรหลีกเลี่ยงการพูดเกินจริงแบบไดนามิก และไม่ควรเบี่ยงเบนไปจากเครื่องมือที่ตั้งใจไว้จนกว่าจะสิ้นสุดผลงานชิ้นนี้ ความรู้สึกถึงสัดส่วนที่เกี่ยวข้องกับการเปลี่ยนแปลงแบบไดนามิกทั้งหมดในงานใดๆ ของ Bach คือคุณภาพโดยที่ไม่สามารถถ่ายทอดเพลงของเขาในเชิงโวหารได้อย่างถูกต้อง ผ่านการศึกษาเชิงวิเคราะห์เชิงลึกเกี่ยวกับกฎพื้นฐานของสไตล์ของ Bach เท่านั้นจึงจะสามารถเข้าใจความตั้งใจในการแสดงของนักแต่งเพลงได้ ความพยายามทั้งหมดของครูควรมุ่งไปสู่สิ่งนี้โดยเริ่มจาก "สมุดบันทึกของ Anna Magdalena Bach"

จากเนื้อหาในผลงานชิ้นอื่นๆ จาก Notebook นักเรียนจะได้เรียนรู้คุณลักษณะใหม่ๆ ของดนตรีของบาค ซึ่งเขาจะได้พบกับผลงานที่มีความซับซ้อนในระดับต่างๆ กัน ตัวอย่างเช่นด้วยลักษณะเฉพาะของจังหวะ Bach ซึ่งมีลักษณะเฉพาะในกรณีส่วนใหญ่โดยใช้ระยะเวลาที่อยู่ติดกัน: แปดและสี่ (การเดินขบวนและมินูเอตทั้งหมด) สิบหกและแปด (“ ปี่”) คุณสมบัติที่โดดเด่นอีกประการหนึ่งของสไตล์ของ Bach ซึ่ง I. Braudo ระบุและเรียกว่า "เทคนิคแปดชิ้น" ​​คือความแตกต่างในการเปล่งเสียงของระยะเวลาที่อยู่ติดกัน: ระยะเวลาเล็กน้อยจะเล่นแบบเลกาโต และระยะเวลาที่ใหญ่กว่า - ไม่ใช่เลกาโตหรือสแตคคาโต อย่างไรก็ตาม ควรใช้เทคนิคนี้ตามลักษณะของผลงานแต่ละชิ้น ได้แก่ Minuet อันไพเราะใน d-moll, Minuet No. 15 ใน c-moll และ Polonaise อันศักดิ์สิทธิ์ หมายเลข 19 ใน g-moll ถือเป็นข้อยกเว้นของ "บทที่แปด - กฎหลัก”

เมื่อแสดงผลงานร้องของ I.S. Bach (Aria หมายเลข 33 ใน F-moll, Aria หมายเลข 40 ใน F-Dur) เช่นเดียวกับการร้องเพลงประสานเสียงของเขา (ในขั้นตอนต่อไปของการฝึกฝน) เราต้องไม่ละสายตาจากความจริงที่ว่าสัญญาณแฟร์มาตาไม่ได้ หมายถึงการหยุดชั่วคราวในผลงานเหล่านี้เช่นเดียวกับในการฝึกดนตรีสมัยใหม่ เครื่องหมายนี้บ่งบอกถึงจุดสิ้นสุดของข้อนี้เท่านั้น

เมื่อทำงานเกี่ยวกับพหุโฟนีของ Bach นักเรียนมักจะพบกับเมลิสมาส ซึ่งเป็นดนตรีทางศิลปะและการแสดงออกที่สำคัญที่สุดของศตวรรษที่ 17-18 หากเราคำนึงถึงความแตกต่างของคำแนะนำด้านบรรณาธิการทั้งเกี่ยวกับจำนวนการตกแต่งและการถอดรหัสจะเห็นได้ชัดว่านักเรียนจะต้องการความช่วยเหลือและคำแนะนำเฉพาะจากครูอย่างแน่นอน ครูจะต้องดำเนินการจากความรู้สึกถึงรูปแบบของงานที่ทำ ประสบการณ์การแสดงและการสอนของตนเองตลอดจนคู่มือระเบียบวิธีที่มีอยู่ ครูจึงสามารถแนะนำบทความของ L.I. Roizman “ การดำเนินการตกแต่ง (melismas) ในผลงานของนักประพันธ์เพลงโบราณ” ซึ่งตรวจสอบปัญหานี้โดยละเอียดและให้คำแนะนำจาก I.S. บาค. คุณสามารถหันไปดูการศึกษาที่สำคัญของ Adolf Beischlag เรื่อง "เครื่องประดับในดนตรี" และแน่นอนว่าทำความคุ้นเคยกับการตีความการแสดง Melismas ของ Bach ตามตารางที่รวบรวมโดยผู้แต่งเองใน "Wilhelm Friedemann Bach's Night Notebook" ซึ่งครอบคลุมเนื้อหาหลักทั่วไป ตัวอย่าง สามประเด็นมีความสำคัญที่นี่:

2. เมลิสมาสทั้งหมดเริ่มต้นด้วยเสียงเสริมด้านบน (ยกเว้นเสียงมอร์เดนท์ที่ถูกขีดฆ่า และข้อยกเว้นบางประการ เช่น หากเสียงที่วางเสียงทริลหรือเสียงมอร์เดนท์ที่ไม่มีการครอสอยู่นำหน้าด้วยเสียงเสียงบนที่ใกล้ที่สุดแล้ว การตกแต่งจะเป็น แสดงจากเสียงหลัก);

3. เสียงเสริมในเมลิสมาจะดำเนินการตามขั้นตอนของสเกลไดโทนิก ยกเว้นในกรณีที่ผู้แต่งระบุเครื่องหมายการเปลี่ยนแปลง - ใต้เครื่องหมายเมลิสมาหรือด้านบน

เพื่อที่นักเรียนของเราจะไม่ถือว่า Melismas เป็นอุปสรรคที่น่ารำคาญในการเล่นเราจำเป็นต้องนำเสนอเนื้อหานี้แก่พวกเขาอย่างเชี่ยวชาญกระตุ้นความสนใจและความอยากรู้อยากเห็น ตัวอย่างเช่น เมื่อเรียน Minuet หมายเลข 4 ใน G major นักเรียนจะคุ้นเคยกับทำนองโดยไม่ได้สนใจเสียงมอร์เดนท์ที่เขียนในโน้ตก่อน จากนั้นเขาก็ฟังบทละครที่ครูแสดง ตอนแรกไม่มีการตกแต่ง จากนั้นก็มีการตกแต่งและเปรียบเทียบ แน่นอนว่าพวกผู้ชายชอบการแสดงที่มีการผ่อนปรนมากกว่า ให้เขาค้นหาตัวเองว่าระบุไว้ที่ไหนและอย่างไรในบันทึก เมื่อพบไอคอนใหม่ๆ (มอร์เดนท์) นักเรียนมักจะรอคำอธิบายของครูด้วยความสนใจ และครูบอกว่าไอคอนเหล่านี้ที่ตกแต่งทำนองเป็นวิธีการบันทึกท่อนทำนองที่สั้นลง ซึ่งพบเห็นได้ทั่วไปในศตวรรษที่ 17 - 18 การตกแต่งดูเหมือนจะเชื่อมโยง แนวทำนองเป็นหนึ่งเดียว และเพิ่มการแสดงออกของคำพูด และถ้าเมลิสมาสเป็นทำนองก็ต้องแสดงอย่างไพเราะและแสดงออกในลักษณะและจังหวะที่มีอยู่ในบทเพลงที่กำหนด เพื่อป้องกันไม่ให้เมลิสมาสเป็น "อุปสรรค์" คุณต้องฟังพวกเขา "เพื่อตัวคุณเอง" ก่อน ร้องเพลงพวกเขา จากนั้นจึงเล่นเพลงเหล่านั้น โดยเริ่มจากจังหวะช้าๆ แล้วค่อยๆ นำไปสู่จังหวะที่ต้องการ

ขั้นตอนใหม่ในการเรียนรู้โพลีโฟนีคือการทำความรู้จักกับคอลเลกชัน "Little Preludes and Fugues" และจากหัวข้อต่างๆ มากมายก็ขยายไปถึง "สิ่งประดิษฐ์", "ซิมโฟนี" และ "HTK" ฉันต้องการเน้นย้ำว่าเมื่อศึกษาผลงานของ Bach ความค่อยเป็นค่อยไปและความสม่ำเสมอเป็นสิ่งสำคัญมาก “คุณไม่สามารถผ่านความทรงจำและซิมโฟนีได้ เว้นแต่คุณจะได้ศึกษาสิ่งประดิษฐ์และบทโหมโรงเล็กๆ น้อยๆ อย่างถี่ถ้วน” I. Braudo เตือน คอลเลกชันเหล่านี้นอกเหนือจากคุณธรรมทางศิลปะแล้ว ยังเปิดโอกาสให้ครูได้ทำความรู้จักกับนักเรียนให้ลึกซึ้งยิ่งขึ้นด้วย คุณสมบัติลักษณะการใช้ถ้อยคำ การเปล่งเสียง พลวัต การเปล่งเสียงของบาค เพื่ออธิบายให้เขาฟังถึงแนวคิดที่สำคัญ เช่น แก่นเรื่อง การต่อต้าน พหูพจน์ที่ซ่อนอยู่ การเลียนแบบ และอื่นๆ

นักเรียนเริ่มคุ้นเคยกับการเลียนแบบในโรงเรียนดนตรีชั้นประถมศึกษาปีที่ 1 ในโรงเรียนมัธยมต้น ความคิดเรื่องการเลียนแบบของเขาขยายออกไป เขาต้องเข้าใจว่าเป็นการทำซ้ำธีม - แนวคิดทางดนตรีหลัก - ด้วยเสียงที่ต่างออกไป การเลียนแบบเป็นวิธีหลักในการพัฒนาธีม ดังนั้นการศึกษาหัวข้อนี้อย่างละเอียดและครอบคลุม ไม่ว่าจะเป็น Little Prelude, Invention, Symphony หรือ Fugue จึงเป็นงานหลักในการทำงานเกี่ยวกับงานโพลีโฟนิกที่มีลักษณะเลียนแบบ

เมื่อเริ่มวิเคราะห์หัวข้อ นักเรียนจะกำหนดขอบเขตของตนเองโดยอิสระหรือด้วยความช่วยเหลือจากครู จากนั้นเขาจะต้องเข้าใจธรรมชาติที่เป็นรูปเป็นร่างและเป็นน้ำเสียงของหัวข้อ การตีความธีมที่แสดงออกที่เลือกไว้จะเป็นตัวกำหนดการตีความงานทั้งหมด นั่นเป็นเหตุผลว่าทำไมจึงจำเป็นอย่างยิ่งที่จะต้องเข้าใจรายละเอียดปลีกย่อยของเสียงทั้งหมดของการแสดงธีม โดยเริ่มจากการแสดงครั้งแรก ในขณะที่ยังคงศึกษาผลงานจาก Notebook ของ Anna Magdalena Bach นักเรียนก็ตระหนักถึงโครงสร้างแรงจูงใจของท่วงทำนองของ Bach ตัวอย่างเช่น เมื่อทำงานในหัวข้อ Little Prelude หมายเลข 2 ใน C major (ตอนที่ 1) นักเรียนควรเข้าใจอย่างชัดเจนว่ามันประกอบด้วยแรงจูงใจสามประการจากน้อยไปมาก (ตัวอย่างที่ 3) เพื่อระบุโครงสร้างของมันให้ชัดเจน จะเป็นประโยชน์ในการสอนแต่ละแรงจูงใจแยกกันก่อน โดยเล่นจากเสียงที่ต่างกัน เพื่อให้ได้น้ำเสียงที่แสดงออก เมื่อมีการเล่นเนื้อหาหลักหลังจากอธิบายแรงจูงใจอย่างละเอียดถี่ถ้วนแล้ว จำเป็นต้องมีการใช้น้ำเสียงที่แตกต่างกันของแรงจูงใจแต่ละอย่าง ในการทำเช่นนี้ จะเป็นประโยชน์ในการเล่นธีมที่มี caesuras ระหว่างแรงจูงใจ โดยให้ tenuto กับเสียงสุดท้ายของแรงจูงใจแต่ละอย่าง

จากตัวอย่างของ C-dur Invention นักเรียนควรได้รับการแนะนำให้รู้จักกับข้อต่อแบบ intermotive ซึ่งใช้ในการแยกแรงจูงใจหนึ่งออกจากอีกแรงจูงใจหนึ่งโดยใช้ caesura ประเภทที่ชัดเจนที่สุดของ caesura คือการหยุดชั่วคราวที่ระบุในข้อความ (ตัวอย่างที่ 4)

ในกรณีส่วนใหญ่ จำเป็นต้องมีความสามารถในการสร้าง semantic caesuras อย่างอิสระ ซึ่งครูจะต้องปลูกฝังให้กับนักเรียน ในการประดิษฐ์ในภาษาซีเมเจอร์ สาระสำคัญ การต่อต้าน และการนำสาระสำคัญไปใช้ใหม่ในเสียงแรกจะถูกแยกออกจากกันโดย caesuras นักเรียนสามารถรับมือกับ caesura ได้อย่างง่ายดายเมื่อย้ายจากหัวข้อหนึ่งไปอีกหัวข้อหนึ่งเป็นการโต้ตอบเพิ่มเติม แต่จากการโต้ตอบนอกเหนือจากการนำหัวข้อไปใช้ใหม่ caesura นั้นทำได้ยากกว่า คุณควรดำเนินการอย่างระมัดระวังในการวัดครั้งที่สิบหกครั้งแรกในการวัดครั้งที่สองอย่างเงียบ ๆ และเบา ๆ ราวกับว่ากำลังหายใจออกและปล่อยนิ้วของคุณอย่างไม่รู้สึกและง่ายดายเอนตัวไปที่กลุ่มที่สิบหกที่สองทันที (G) ร้องเพลงอย่างลึกซึ้งและมีความหมาย เพื่อแสดงจุดเริ่มต้นของธีม ตามกฎแล้ว นักเรียนทำผิดพลาดร้ายแรงที่นี่ โดยเล่นโน้ตตัวที่ 16 ก่อน caesura staccato และแม้แต่ด้วยเสียงที่หยาบและรุนแรง โดยไม่ได้ฟังว่าเสียงเป็นอย่างไร Braudo แนะนำให้เล่นโน้ตสุดท้ายก่อนที่ซีซูร่าจะเล่น tenuto ถ้าเป็นไปได้

มีความจำเป็นต้องแนะนำนักเรียนให้รู้จัก ในรูปแบบต่างๆการแสดงแทนของ caesura แบบ intermotivic มันสามารถระบุได้ด้วยการหยุดชั่วคราว เส้นแนวตั้งหนึ่งหรือสองเส้น จุดสิ้นสุดของลีก หรือเครื่องหมายสแตคคาโตบนบันทึกก่อนซีซูรา (ตัวอย่างที่ 5)

เมื่อพูดถึงข้อต่อภายในเด็กควรได้รับการสอนให้แยกแยะระหว่างแรงจูงใจประเภทหลัก:

1. แรงจูงใจของ iambic ซึ่งเปลี่ยนจากกาลที่อ่อนแอไปสู่กาลที่เข้มแข็ง

2. เหตุร้าย เริ่มจากจังหวะที่แรงและจบลงที่จังหวะที่อ่อน

ตัวอย่างของ staccato iambic คือลวดลาย iambic ในท่อนที่ 4 ถึง 5 ใน Little Prelude No. 2 ใน C major (ตัวอย่างที่ 6)

เพราะตอนจบที่ยากจะเรียกว่า "ผู้ชาย" มันปรากฏอยู่ตลอดเวลาในดนตรีของบาค เพราะมันสอดคล้องกับบุคลิกที่กล้าหาญของมัน ตามกฎแล้ว iambic ในผลงานของ Bach จะออกเสียงไม่ปะติดปะต่อ: เสียงที่มีจังหวะสนุกสนานคือเสียงสแตคคาโต (หรือเล่นแบบไม่ใช่เลกาโต) และเสียงประกอบจะเล่นแบบเทนูโต

คุณลักษณะของการเปล่งเสียงของ trochee (ตอนจบที่นุ่มนวลและเป็นผู้หญิง) คือการเชื่อมโยงของความตึงเครียดที่รุนแรงกับจุดอ่อน เนื่องจากความนุ่มนวลจึงไม่ค่อยพบ Trochee ในดนตรีของ Bach เนื่องจากเป็นบรรทัดฐานที่เป็นอิสระ โดยปกติแล้วจะเป็นส่วนสำคัญของบรรทัดฐานที่มีสมาชิกสามคนที่เกิดจากการผสมผสานของแรงจูงใจง่ายๆ สองประการ - iambic และ trochee บรรทัดฐานสามส่วนจึงรวมการออกเสียงสองประเภทที่ตัดกัน - ความแยกจากกันและความสามัคคี (ตัวอย่างที่ 7)

คุณสมบัติที่เป็นลักษณะเฉพาะอย่างหนึ่งของธีมของ Bach คือโครงสร้าง iambic ที่โดดเด่น บ่อยครั้งที่การแสดงครั้งแรกเริ่มต้นด้วยจังหวะที่อ่อนแอหลังจากการหยุดชั่วคราวครั้งก่อนในช่วงเวลาที่แข็งแกร่ง เมื่อศึกษา Little Preludes หมายเลข 2, 4, 6, 7, 9, 11 จากสมุดบันทึกเล่มแรก, สิ่งประดิษฐ์หมายเลข 1, 2, 3, 5 และอื่นๆ, Symphonies หมายเลข 1, 3, 4, 5, 7 และอื่นๆ ครูจะต้องดึงความสนใจของนักเรียนไปยังโครงสร้างที่กำหนดซึ่งกำหนดลักษณะของการดำเนินการ เมื่อเล่นเป็นบทเพลงโดยไม่มีเสียงประกอบ การได้ยินของเด็กจะต้องรวมอยู่ในการหยุดชั่วคราว "ว่างเปล่า" ทันที เพื่อที่เขาจะได้รู้สึกถึงลมหายใจตามธรรมชาติก่อนที่จะเริ่มท่อนเสียงไพเราะ ความรู้สึกของการหายใจแบบโพลีโฟนิกนั้นมีความสำคัญมากเมื่อศึกษาโหมโรงของ Cantilena สิ่งประดิษฐ์ ซิมโฟนี และความทรงจำ

โครงสร้างแบบ iambic ของธีมของ Bach ยังกำหนดลักษณะเฉพาะของการใช้ถ้อยคำของ Bach ซึ่งนักเรียนต้องระวัง เริ่มต้นจากจังหวะที่อ่อนแอของแท่ง ธีมจะ "ก้าวข้าม" แนวแท่งอย่างอิสระ และลงท้ายด้วยจังหวะที่หนักแน่น ดังนั้นขอบเขตของแท่งจึงไม่ตรงกับขอบเขตของธีม ซึ่งนำไปสู่การอ่อนลงและอ่อนลง ของจังหวะที่หนักแน่นของบาร์ซึ่งอยู่ภายใต้ชีวิตภายในของท่วงทำนองความปรารถนาที่จะถึงจุดสุดยอดเชิงความหมาย - สำเนียงเฉพาะเรื่องหลัก สำเนียงเฉพาะเรื่องของ Bach มักไม่ตรงกับสำเนียงแบบเมตริก ไม่ได้ถูกกำหนดโดยเมตรเช่นเดียวกับในทำนองคลาสสิก แต่โดยชีวิตภายในของธีม จุดสูงสุดของน้ำเสียงของเพลงของ Bach มักจะเกิดขึ้นเมื่อจังหวะที่อ่อนแอ “ในธีมของบาค การเคลื่อนไหวและความแข็งแกร่งทั้งหมดพุ่งไปที่จุดเน้นหลัก” A. Schweitzer เขียน ระหว่างทางไปหาเขา ทุกอย่างกระสับกระส่าย วุ่นวาย เมื่อเข้ามา ความตึงเครียดก็คลายลง ทุกอย่างที่อยู่ข้างหน้าก็ชัดเจนทันที ผู้ฟังรับรู้หัวข้อโดยรวมโดยมีโครงร่างที่ชัดเจน” และยิ่งกว่านั้น "... เพื่อที่จะเล่นบาคเป็นจังหวะ เราจะต้องไม่เน้นจังหวะที่หนักแน่นของบาร์ แต่เน้นที่ความหมายของถ้อยคำ" นักเรียนที่ไม่คุ้นเคยกับลักษณะเฉพาะของการใช้ถ้อยคำของ Bach มักจะแทนที่สำเนียงเฉพาะเรื่องด้วยสำเนียงเวลาซึ่งเป็นเหตุให้ธีมของพวกเขาแตกเป็นชิ้น ๆ สูญเสียความสมบูรณ์และความหมายภายใน

คุณลักษณะที่สำคัญอีกประการหนึ่งของแนวคิดเฉพาะเรื่องของบาคคือสิ่งที่เรียกว่าโพลิโฟนีแบบซ่อนเร้นหรือโพลิโฟนีแบบซ่อนเร้น เนื่องจากคุณสมบัตินี้พบได้ทั่วไปในท่วงทำนองของ Bach เกือบทั้งหมด ความสามารถในการจดจำเพลงจึงดูเหมือนจะเป็นทักษะที่สำคัญในการเตรียมนักเรียนให้พร้อมสำหรับงานที่ซับซ้อนมากขึ้น

ขอให้เราดึงความสนใจของนักเรียนไปที่ความจริงที่ว่าทำนองของบาคมักจะสร้างความประทับใจให้กับผ้าโพลีโฟนิกที่มีความเข้มข้น ความสมบูรณ์ของสายโมโนโฟนิกนั้นเกิดขึ้นได้เมื่อมีเสียงที่ซ่อนอยู่อยู่ในนั้น เสียงที่ซ่อนอยู่นี้จะปรากฏเฉพาะในทำนองที่มีการกระโดดเท่านั้น เสียงที่เหลือจากการกระโดดยังคงดังอยู่ในจิตสำนึกของเราจนกระทั่งเสียงที่อยู่ติดกันปรากฏขึ้นและหายไป เราจะพบตัวอย่างเสียงสองเสียงที่ซ่อนอยู่ใน Little Preludes หมายเลข 1,2,8,11, 12 ของส่วนแรก ใน Little Prelude No. 2 ใน c minor (ตอนที่ 2) เราแนะนำให้นักเรียนรู้จักกับเสียงสองเสียงที่ซ่อนอยู่ซึ่งมักพบในงานคีย์บอร์ดของ Bach (ตัวอย่างที่ 8)

การเคลื่อนไหวของเสียงที่ซ่อนอยู่ดังกล่าวจะช่วยรวบรวมชื่อที่เป็นรูปเป็นร่างไว้ในใจของเด็ก - "เส้นทาง" แทร็กดังกล่าวควรทำอย่างมีเสียงดังพร้อมการสนับสนุน วางมือและนิ้วลงบนคีย์จากด้านบนเล็กน้อย ซึ่งส่งผลให้มือเคลื่อนไหวไปด้านข้าง เสียงที่ซ้ำเสียงเดียวกันควรเล่นให้แทบไม่ได้ยิน นักเรียนจะใช้เทคนิคเดียวกันนี้ในการทำงานที่ซับซ้อนมากขึ้น เช่น Alemande จาก French Suite E– major, Minuet 1 จาก Partita 1 และอื่นๆ

ดังนั้น เมื่อพิจารณาลักษณะเสียงของบทเพลง การเปล่งเสียงของบทเพลง บทพูด ท่อนเสียงของบทเพลงแล้ว บรรเลงและร้องตามบทเพลงอย่างตั้งใจแล้ว ผู้เรียนจึงเริ่มทำความคุ้นเคยกับการเลียนแบบบทเพลงครั้งแรก เรียกว่า คำตอบ หรือสหาย ที่นี่จำเป็นต้องดึงความสนใจของนักเรียนไปยังบทสนทนาคำถามและคำตอบของหัวข้อและการเลียนแบบ เพื่อไม่ให้การเลียนแบบกลายเป็นซีรีส์ซ้ำซากของธีมเดียวกัน Braudo แนะนำให้เล่นธีมใดธีมหนึ่ง ร้องเพลงอีกธีมหนึ่ง จากนั้นจึงแสดงบทสนทนาระหว่างผู้นำและเพื่อนร่วมทางด้วยเปียโนสองตัว งานประเภทนี้ช่วยกระตุ้นการได้ยินและการคิดแบบโพลีโฟนิกอย่างมาก

บ่อยครั้งที่ครูมีคำถาม: จะเลียนแบบได้อย่างไร - จะเน้นย้ำหรือไม่ ไม่มีคำตอบที่ชัดเจนสำหรับคำถามนี้ ในแต่ละกรณี ควรดำเนินการตามลักษณะและโครงสร้างของบทละคร หากการโต้แย้งนั้นใกล้เคียงกับธีมและพัฒนา เช่น ใน Little Prelude No. 2 C – dur (ตอนที่ 1) หรือ Invention
หมายเลข 1 C – dur ดังนั้น เพื่อรักษาความเป็นเอกภาพของประเด็นเรื่องและการโต้แย้ง จึงไม่ควรเน้นการลอกเลียนแบบ ดังที่ L. Roizman กล่าวไว้อย่างเป็นรูปเป็นร่าง หากการนำเสนอแต่ละหัวข้อนั้นค่อนข้างดังกว่าเสียงอื่น ๆ
“... เราพบว่าตัวเองกำลังชมการแสดงซึ่งเราสามารถพูดได้ว่าเป็นธีมสี่สิบครั้งและไม่ใช่ครั้งเดียวแห่งความทรงจำ” ในผลงานโพลีโฟนิกสองเสียงของ Bach การเลียนแบบไม่ควรเน้นที่ระดับเสียง แต่เน้นที่เสียงที่แตกต่างจากเสียงอื่น หากเล่นเสียงบนดังและแสดงออกอย่างชัดเจน และเสียงล่างเล่นได้ง่ายและเงียบสม่ำเสมอ การเลียนแบบจะได้ยินชัดเจนกว่าการเล่นเสียงดัง ธีม - ขึ้นอยู่กับแผนไดนามิก - บางครั้งอาจฟังดูเงียบกว่าเสียงอื่น ๆ แต่ควรจะมีความสำคัญ แสดงออก และสังเกตเห็นได้ชัดเจนเสมอ

การเลียนแบบของ Marking Braudo ถือว่าเหมาะสมในกรณีที่ตัวละครหลักของงานเกี่ยวข้องกับการสลับแรงจูงใจอย่างต่อเนื่องโดยมีการถ่ายโอนจากเสียงหนึ่งไปอีกเสียงหนึ่งอย่างต่อเนื่อง การม้วนเสียงในกรณีนี้จะรวมอยู่ในรูปภาพหลักของงาน ด้วยการเรียกที่สดใสไม่ไร้อารมณ์ขันลักษณะของสิ่งประดิษฐ์หมายเลข 8 F – dur, Little Prilude หมายเลข 5 E – dur (ตอนที่ 2) (ตัวอย่างที่ 9) เชื่อมต่อกัน

หลังจากเชี่ยวชาญหัวข้อและคำตอบแล้ว ก็เริ่มดำเนินการตอบโต้การบวกกัน ตัวนับสารประกอบนั้นแตกต่างจากธีมเนื่องจากธรรมชาติของเสียงและไดนามิกสามารถสร้างขึ้นร่วมกับคำตอบเท่านั้น ดังนั้นวิธีการหลักในการทำงานในกรณีนี้คือการตอบและตอบโต้ในชุดร่วมกับครูและที่บ้านด้วยมือทั้งสองข้างซึ่งช่วยอำนวยความสะดวกในการค้นหาสีไดนามิกที่เหมาะสมอย่างมาก

หลังจากทำงานได้ดีกับธีมและการโต้ตอบและการเข้าใจความสัมพันธ์อย่างชัดเจน: ธีม - คำตอบ, ธีม - การบวกแบบโต้ตอบ, คำตอบ - การบวกแบบโต้ตอบ คุณสามารถดำเนินการต่อไปอย่างระมัดระวังกับแนวทำนองของแต่ละเสียง ก่อนที่พวกเขาจะนำมารวมกัน งานชิ้นนี้จะแสดงเป็นสองเสียงในชุดร่วมกับครู - ครั้งแรกในส่วนต่างๆ จากนั้นทั้งหมด และสุดท้ายก็ถูกโอนไปอยู่ในมือของนักเรียนโดยสมบูรณ์ จากนั้นปรากฎว่าในกรณีส่วนใหญ่ นักเรียน แม้ว่าเขาจะได้ยินเสียงบนค่อนข้างดี แต่ก็ไม่ได้ยินเสียงล่างเลยเหมือนเป็นแนวทำนอง เพื่อที่จะได้ยินทั้งสองเสียงจริงๆ คุณควรทำงานโดยมุ่งความสนใจและการฟังไปที่เสียงใดเสียงหนึ่ง - เสียงอันดับต้นๆ (เช่นในงานที่ไม่ใช่โพลีโฟนิก) มีการเล่นเสียงทั้งสอง แต่ในรูปแบบที่แตกต่างกัน: เสียงด้านบนที่มุ่งความสนใจคือ f, espressivo, เสียงล่างคือ pp (แน่นอน) G. Neuhaus เรียกวิธีนี้ว่าวิธี "เกินจริง" การปฏิบัติแสดงให้เห็นว่างานนี้ต้องการความแตกต่างอย่างมากในด้านความแข็งแกร่งของเสียงและการแสดงออก จากนั้นคุณจะได้ยินอย่างชัดเจนไม่เฉพาะเสียงด้านบนและเสียงหลักเข้าเท่านั้น ในขณะนี้เสียงแต่ก็ต่ำกว่าด้วย ดูเหมือนว่าพวกเขาจะเล่นโดยนักแสดงที่แตกต่างกันในเครื่องดนตรีที่แตกต่างกัน แต่ความสนใจอย่างกระตือรือร้น การฟังอย่างกระตือรือร้น โดยไม่ต้องใช้ความพยายามมากนัก มุ่งตรงไปที่เสียงที่แสดงออกมาโดดเด่นกว่า

จากนั้นเราหันความสนใจไปที่เสียงต่ำ เราเล่นเป็น f, espressivo และอันบนสุด – pp ตอนนี้นักเรียนได้ยินและรับรู้ทั้งสองเสียงได้ชัดเจนยิ่งขึ้น เสียงล่างเพราะ "ใกล้" มาก และเสียงบนเพราะเป็นที่รู้จักดีอยู่แล้ว

เมื่อฝึกในลักษณะนี้แล้ว ระยะเวลาที่สั้นที่สุดสามารถทำได้ ผลลัพธ์ที่ดีเนื่องจากภาพเสียงของผู้เรียนจะชัดเจนยิ่งขึ้น จากนั้นเล่นเสียงทั้งสองอย่างเท่าเทียมกัน เขาจะได้ยินเสียงที่ไหลออกมาของแต่ละเสียงเท่าๆ กัน (การใช้ถ้อยคำ ความแตกต่างเล็กน้อย) การได้ยินแต่ละบรรทัดที่แม่นยำและชัดเจนเช่นนี้ถือเป็นเงื่อนไขที่ขาดไม่ได้ในการเล่นโพลีโฟนี เมื่อบรรลุผลสำเร็จแล้ว คุณก็สามารถทำงานโดยรวมได้อย่างมีประสิทธิผล

เมื่อแสดงชิ้นส่วนที่มีหลายเสียง ความยากในการได้ยินทั่วทั้งผ้า (เมื่อเทียบกับชิ้นส่วนที่มีสองเสียง) จะเพิ่มขึ้น ความกังวลเกี่ยวกับความแม่นยำของการนำทางด้วยเสียงต้องได้รับความเอาใจใส่เป็นพิเศษในการใช้นิ้ว การใช้นิ้วในผลงานของ Bach ไม่สามารถขึ้นอยู่กับความสะดวกในการเล่นเปียโนเท่านั้น อย่างที่ Czerny ทำในฉบับของเขา Busoni เป็นคนแรกที่รื้อฟื้นหลักการใช้นิ้วในยุคของ Bach ซึ่งสอดคล้องกับการระบุโครงสร้างแรงจูงใจและการออกเสียงแรงจูงใจที่ชัดเจนที่สุด หลักการของการขยับนิ้ว การเลื่อนนิ้วจากปุ่มสีดำไปเป็นปุ่มสีขาว และการเปลี่ยนนิ้วอย่างเงียบๆ ถูกนำมาใช้กันอย่างแพร่หลายในงานโพลีโฟนิก ในตอนแรก บางครั้งสิ่งนี้อาจดูเหมือนยากและไม่เป็นที่ยอมรับสำหรับนักเรียน ดังนั้นเราจึงต้องพยายามให้เขามีส่วนร่วมในการอภิปรายเรื่องการใช้นิ้วร่วมกันเพื่อชี้แจงทั้งหมด ปัญหาความขัดแย้ง- จากนั้นจึงขอปฏิบัติตามข้อบังคับดังกล่าว

การทำงานแบบสามถึงสี่เสียง นักเรียนไม่สามารถเรียนรู้แต่ละเสียงโดยเฉพาะได้อีกต่อไป แต่เรียนรู้สองเสียงในชุดค่าผสมที่แตกต่างกัน: เสียงที่หนึ่งและสอง เสียงที่สองและสาม ที่หนึ่งและสาม เล่นหนึ่งในนั้น f, espressivo และ หน้าอื่น ๆ วิธีนี้ยังมีประโยชน์เมื่อรวมเสียงทั้งสามเสียงเข้าด้วยกัน โดยเสียงแรกจะเล่นเสียงดัง และอีกสองเสียงจะเล่นแบบเงียบๆ จากนั้นไดนามิกของเสียงก็เปลี่ยนไป เวลาที่ใช้ในงานดังกล่าวจะแตกต่างกันไปขึ้นอยู่กับระดับความก้าวหน้าของนักเรียน แต่การสอนด้วยวิธีนี้อาจมีประโยชน์มากที่สุด วิธีอื่นๆ ในการทำงานกับโพลีโฟนี ได้แก่:

1. การแสดงเสียงที่แตกต่างกันด้วยจังหวะที่แตกต่างกัน (legato และ non legato หรือ staccato)
2. การดำเนินการของเสียงทั้งหมด p โปร่งใส
3. การแสดงเสียงนั้นราบรื่นโดยให้ความสนใจเป็นพิเศษกับหนึ่งในนั้น
4. การแสดงโดยไม่มีเสียงเดียว (ลองนึกภาพเสียงเหล่านี้ภายในหรือร้องเพลง)

วิธีการเหล่านี้นำไปสู่ความชัดเจนของการรับรู้การได้ยินของพฤกษ์โดยที่การแสดงจะสูญเสียคุณภาพหลัก - ความชัดเจนของเสียง

เพื่อทำความเข้าใจงานโพลีโฟนิกและความหมายของงาน นักเรียนจะต้องจินตนาการถึงรูปแบบ แผนโทน-ฮาร์โมนิกตั้งแต่เริ่มต้น การระบุรูปแบบที่ชัดเจนยิ่งขึ้นได้รับการอำนวยความสะดวกโดยความรู้เกี่ยวกับไดนามิกที่เป็นเอกลักษณ์ในโพลีโฟนี โดยเฉพาะของ Bach ซึ่งประกอบด้วยข้อเท็จจริงที่ว่าจิตวิญญาณของดนตรีไม่ได้มีลักษณะพิเศษจากการประยุกต์ที่เหมือนคลื่นที่บดขยี้จนเกินไป โพลีโฟนีของบาคมีเอกลักษณ์เฉพาะมากที่สุดจากพลวัตทางสถาปัตยกรรม ซึ่งการเปลี่ยนแปลงในโครงสร้างขนาดใหญ่มาพร้อมกับแสงไดนามิกแบบใหม่

ประการแรก การศึกษาผลงานของ Bach ถือเป็นงานเชิงวิเคราะห์ที่ยอดเยี่ยม เพื่อทำความเข้าใจผลงานโพลีโฟนิกของ Bach คุณต้องมีความรู้พิเศษ ระบบเหตุผลการดูดซึมของพวกเขา การบรรลุวุฒิภาวะโพลีโฟนิกในระดับหนึ่งนั้นเป็นไปได้ภายใต้เงื่อนไขของการเพิ่มความรู้และทักษะโพลีโฟนิกอย่างค่อยเป็นค่อยไปและราบรื่น ครูโรงเรียนดนตรีที่วางรากฐานในด้านการเรียนรู้ดนตรีโพลีโฟนีมักเผชิญกับงานที่จริงจังเสมอ นั่นคือ การสอนให้รักดนตรีโพลีโฟนิก ทำความเข้าใจ และทำงานอย่างมีความสุข

รายชื่อวรรณกรรมที่ใช้แล้ว

1. G. Neuhaus “เกี่ยวกับศิลปะการเล่นเปียโน”
2. B. Milich “การศึกษาของนักเรียนนักเปียโนตอนอายุ 3-4 ขวบ ชั้นเรียนดนตรีสำหรับเด็ก».
3. B. Milich “การศึกษาของนักเรียนนักเปียโนในโรงเรียนดนตรีเด็กเกรด 5-7”
4. A. Artobolevskaya “ การพบกันครั้งแรกกับดนตรี”
5. Bulatov “หลักการสอนของ E.F. กเนซินา”
6. B. Kremenshtein “ปลูกฝังความเป็นอิสระของนักเรียนในชั้นเรียนเปียโนพิเศษ”
7. N. Lyubomudrova “ วิธีการเรียนรู้การเล่นเปียโน”
8. E. Makurenkova “ ในการสอนของ V.V. แผ่น".
9. N. Kalinina “เพลงคีย์บอร์ดของ Bach เข้ามา” ชั้นเรียนเปียโน».
10. A. Alekseev “ วิธีการสอนการเล่นเปียโน”
11. “ประเด็นการสอนเปียโน” ประเด็นที่สอง.
12. I. Braudo “เกี่ยวกับการศึกษาผลงานคีย์บอร์ดของ Bach ในโรงเรียนดนตรี”

วางแผน:
1. บทนำ.
2. คุณสมบัติของดนตรีโพลีโฟนิก
3. ทำงานเกี่ยวกับพฤกษ์
4. บทสรุป.
5. รายการข้อมูลอ้างอิง

การแนะนำ

ไม่ใช่นักเปียโนทุกคนพิจารณาว่าจำเป็นต้องแสดงผลงานโพลีโฟนิกในการฝึกซ้อมคอนเสิร์ต แต่ครูทุกคนไม่สามารถจินตนาการถึงการเลี้ยงดูนักเปียโนโดยไม่ต้องศึกษาโพลีโฟนิกและฝึกฝนเทคนิคการแสดง
เหตุใดจึงจำเป็นต้องทำงานกับโพลีโฟนี อะไรคือคุณสมบัติที่ทำให้สามารถแยกออกมาเป็นส่วนพิเศษของงานได้?
คำตอบนั้นง่าย: ดนตรีเปียโนทั้งหมดคือ ในแง่หนึ่งโพลีโฟนิค แม้แต่เสียงโฮโมโฟนีซึ่งไม่มีเสียง "คอนเสิร์ต" มีเพียงเสียงที่เสริมทำนองอย่างกลมกลืน เป็นจังหวะ และเสียงต่ำเท่านั้นที่เป็นโครงสร้างแบบ "หลายชั้น" ไม่เพียงแต่ท่วงทำนองที่โดดเด่นมีชีวิตของตัวเองเท่านั้น แต่ยังรวมถึงเสียงเบสและเสียงกลางด้วย ทำนองเกิดขึ้นเป็นครั้งแรก เสียงเบสไม่เพียงแต่ทำหน้าที่สนับสนุนความสามัคคีเท่านั้น แต่ยังนำไปสู่แนวทำนองของตัวเอง ซึ่งมักจะเป็นการขัดแย้งกับเสียงบน เสียงกลางพร้อมกับเสียงเบสสร้างพื้นหลังที่มีลักษณะของเสียงฮาร์โมนิกและเป็นจังหวะ บรรยายถึงสถานการณ์ สร้างบรรยากาศที่ "ตัวละครหลัก" อาศัยอยู่ - ทำนอง เสียงกลางมักให้คำพูดของตนเอง - เสียงสะท้อน
นักแสดงต้องไม่เพียงแต่รู้ทั้งหมดนี้เท่านั้น แต่ยังต้องได้ยินขณะแสดงด้วย โรงเรียนที่ยอดเยี่ยมสำหรับการพัฒนาทักษะการคิด การได้ยิน และเทคนิคในการแสดงพื้นผิวหลายชั้นทุกประเภทกำลังทำงานกับโพลีโฟนีในรูปแบบที่บริสุทธิ์
การทำงานเกี่ยวกับโพลีโฟนีช่วยพัฒนาการได้ยินแบบมีพื้นผิว เสียงต่ำ และการได้ยินเป็นเส้นตรง เทคนิค (การเล่นหลายเสียงพร้อมกันด้วยมือข้างเดียว คงการเล่นเลกาโตที่ดี) การประสานงานของมือ (การเล่นด้วยจังหวะที่แตกต่างกัน: เลกาโตในมือข้างหนึ่ง และอีกข้างหนึ่งไม่ใช่เลกาโต) และการคิดแบบโพลีโฟนิก
สิ่งสำคัญคือต้องสอนให้เด็กฟังและคิดแบบโพลีโฟนิค การได้ยินแบบโพลีโฟนิกเป็นที่เข้าใจกันว่าเป็นความสามารถในการได้ยิน ติดตาม และเชื่อมโยงการเคลื่อนไหวของเส้นทำนองและชั้นเนื้อสัมผัสหลายเส้น การคิดแบบโพลีโฟนิกแสดงออกมาในความสามารถในการจินตนาการถึงการพัฒนาของแนวเพลงและธีมดนตรีหลายแบบพร้อมกัน การได้ยินก่อให้เกิดข้อมูล และการคิดก็ประมวลผลข้อมูลนั้น

คุณสมบัติของดนตรีโพลีโฟนิก

Polyphony แปลจากภาษากรีก Poly - หลายโทรศัพท์ - เสียงนั่นคือแท้จริง - Polyphony ในรูปแบบพฤกษ์ เสียงมีความเป็นอิสระด้านทำนองและความหมายไม่มากก็น้อย
ธรรมชาติของดนตรีแบบโพลีโฟนิกมีลักษณะต่อเนื่องและลื่นไหล
ตามกฎแล้วจะไม่มีการหยุดที่สม่ำเสมอเป็นระยะๆ ไม่มี Caesuras ที่ชัดเจน การทำซ้ำเป็นจังหวะ และความสมมาตรของการวัด ยิ่งไปกว่านั้น การแนะนำเสียงที่สม่ำเสมอ ความคลาดเคลื่อนของเสียง Caesuras และเสียงที่ทับซ้อนกันมีส่วนช่วยให้สุนทรพจน์ทางดนตรีมีความต่อเนื่องได้ดีที่สุด โพลีโฟนีสามารถเป็นเสียงย่อยได้ (การเปล่งเสียงย่อยหลายเสียงพร้อมกัน - ตัวแปร) การตัดกัน (เสียงไม่มีธีมเฉพาะเรื่องเดียว) และเลียนแบบ (เส้นไพเราะวิ่งด้วยเสียงที่แตกต่างกัน)
วิธีการที่สำคัญที่สุดของโพลีโฟนีคือการเลียนแบบ (จากคำภาษาละติน การเลียนแบบ - การเลียนแบบ) นั่นคือการทำซ้ำธีมหรือการเปลี่ยนทำนองด้วยเสียงใด ๆ ทันทีหลังจากอีกเสียงหนึ่ง
การเลียนแบบสามารถเปลี่ยนแปลงได้ - ในช่วงเวลาใดก็ได้ทั้งด้านบนและด้านล่าง แต่ มูลค่าสูงสุดมีการเลียนแบบในห้าบนหรือห้าล่าง นั่นคือ การเลียนแบบในคีย์ที่โดดเด่น (เช่นเดียวกับการเลียนแบบในอ็อกเทฟ) งาน Fugues และงานโพลีโฟนิกอื่นๆ มักจะเริ่มต้นด้วยการเลียนแบบดังกล่าว
ในท่วงทำนองของแต่ละเสียง มักจะแสดงออกมาเป็นแนวทำนองที่ไพเราะอย่างอิสระ มันขึ้นอยู่กับ "ความตึงเครียด" และ "การปลดปล่อย" ของการเคลื่อนไหวอันไพเราะ ไม่มีสำเนียงที่สม่ำเสมอ ไม่มีความกลมของชิ้นส่วนที่สมมาตร ดังนั้นลักษณะเฉพาะของสำเนียงโพลีโฟนิก - มีความเกี่ยวข้องกับการพัฒนาเชิงเส้นมากกว่าสำเนียงที่เป็นจังหวะของตัวเอง มากกว่าแนวนอนมากกว่าแนวตั้ง มีการเคลื่อนไหวมากกว่าการไตร่ตรองและเหมือนขั้นตอน
นั่นคือเหตุผลว่าทำไมในรูปแบบโพลีโฟนิกเทคนิคในการพัฒนาลวดลายจึงมีความสำคัญอย่างยิ่ง มีพื้นฐานมาจากการพัฒนาการเคลื่อนไหวอย่างอิสระและต่อเนื่องตามธรรมชาติ การพัฒนาแนวทำนองจากธีม การเปลี่ยนผ่านที่ราบรื่น และความตึงเครียดที่เพิ่มขึ้นอย่างค่อยเป็นค่อยไป ที่นี่วิธีการพัฒนาเชิงเส้นดังกล่าวใช้เป็นการพัฒนาขึ้น (การเคลื่อนไหวขึ้น - เพิ่มขึ้น, เพิ่มความตึงเครียด, การเคลื่อนไหวลง - ลดลง, ลดความตึงเครียด), การฟื้นฟูจังหวะ (การบีบอัดการเคลื่อนไหวโดยการแนะนำหน่วยจังหวะที่เร็วขึ้น, การขยายการเคลื่อนไหว - โดยการแนะนำ หน่วยที่ช้ากว่า ), การอยู่ใต้บังคับบัญชาของไดนามิกภายนอก, มักจะแสดงโดยการกำหนด forte, เปียโน, crescendo, diminuendo ฯลฯ ไปจนถึงไดนามิกภายใน, ไดนามิกของการพัฒนาอันไพเราะ
สูงกว่า รูปแบบศิลปะไม่ต้องสงสัยเลยว่าศิลปะโพลีโฟนิกนั้นเป็นความทรงจำที่องค์ประกอบของโพลีโฟนีเลียนแบบบรรลุถึงรูปลักษณ์ที่สมบูรณ์ที่สุด ในการแสดง fugues คุณต้องเริ่มทำความคุ้นเคยกับพฤกษ์และทำงานตั้งแต่ชั้นประถมศึกษาปีที่ 1 ของโรงเรียนดนตรีโดยได้ไปไกลจาก subvocal และ polyphony ที่ตัดกันไปจนถึงการเลียนแบบและความแตกต่าง

การทำงานเกี่ยวกับพฤกษ์

พฤกษ์เป็นวัสดุที่เข้าใจยาก ดังนั้นสำหรับเด็กเล็ก งานโพลีโฟนิกควรเริ่มต้นด้วยบทละครที่มีองค์ประกอบของโพลีโฟนี (การเรียบเรียงเพลงพื้นบ้าน) จำเป็นต้องร้องเพลงด้วยเสียงมาก
การศึกษาผลงานคีย์บอร์ดอย่างง่ายของ J.S. Bach ประกอบด้วย ส่วนสำคัญงานของนักเปียโนเด็กนักเรียน
ตั้งแต่ปีการศึกษาที่ 2 และ 3 ผลงานจาก "Note Book of A.M. Bach" จะรวมอยู่ในผลงานของนักเรียน การเรียบเรียงนี้รวมถึงผลงานชิ้นเอกชิ้นเล็ก ๆ ของ J. S. Bach - มีลักษณะที่แตกต่างกัน, เนื้อหาน่าสนใจ, มีความหลากหลายในแง่ของงานการสอน
หนึ่งในสิ่งที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในการปฏิบัติงานด้านการศึกษาคือคอลเลกชันของ J. S. Bach "Little Preludes and Fugues" มันถูกเขียนขึ้นโดยมีจุดประสงค์อันต่ำต้อยเพื่อเป็นแบบฝึกหัดสำหรับนักเรียน แต่เพชรประดับเหล่านี้ไม่ง่ายอย่างที่คิด นอกเหนือจากคุณธรรมทางศิลปะแล้ว "Little Preludes" ยังเปิดโอกาสให้ครูได้สร้างความคุ้นเคยของนักเรียนให้ลึกซึ้งยิ่งขึ้นด้วยลักษณะเฉพาะของการใช้ถ้อยคำ การเปล่งเสียง ไดนามิก คำแนะนำด้วยเสียงของ Bach และยังจะช่วยอธิบายแนวคิด - การต่อต้าน การเลียนแบบ พหูพจน์ที่ซ่อนอยู่ และอีกมากมายซึ่งในขั้นตอนต่อ ๆ ไปของการทำงานเกี่ยวกับโพลีโฟนิกที่นักเรียนจะต้องรู้
คุณควรเริ่มเล่นเล้าโลมที่ไหน? แน่นอนก่อนอื่นเลย โดยการกำหนดตัวละครและอารมณ์ของเธอ ครูต้องเล่นบทนี้ กำหนดโทนเสียง ลักษณะเนื้อสัมผัส พัฒนาการของแนวทำนอง จำนวนเสียง และสรุปเนื้อหาของงานชิ้นนี้ เนื่องจากธรรมชาติของโหมโรงจึงจำเป็นต้อง "เครื่องดนตรี" นั่นคือเพื่อกำหนดว่าแต่ละเสียงจะแสดงเสียงใด จากนั้นคุณจะต้องเข้าใจรูปแบบ: จำนวนส่วน, จังหวะ, จุดไคลแม็กซ์, แผนวรรณยุกต์ ซึ่งส่งผลให้เกิดแผนแบบไดนามิก (โดยปกติจะขัดแย้งกัน) ต่อไปจะกล่าวถึงปัญหาที่สำคัญที่สุด - โครงสร้างการเปล่งเสียงและแรงจูงใจของทำนอง
หลังจาก "Little Preludes" คุณสามารถไปยังผลงานที่ซับซ้อนมากขึ้นของ J. S. Bach สิ่งประดิษฐ์สองส่วน 15 ชิ้นและซิมโฟนี 15 ชิ้นมีวัตถุประสงค์เพื่อการสอนโดยเฉพาะ ที่นี่ฉันต้องการอ้างอิงคำที่ระบุโดย J.S. Bach บนหน้าชื่อเรื่องของสิ่งประดิษฐ์ คำเหล่านี้สรุปเป้าหมายทางการศึกษาระดับสูงที่บาคตั้งไว้สำหรับตัวเองอย่างชัดเจนเมื่อสร้างเป้าหมายเหล่านี้:
“คู่มืออันมีมโนธรรมซึ่งคนรักคลาเวียร์โดยเฉพาะผู้ที่กระตือรือร้นที่จะเรียนรู้ได้แสดงให้เห็นวิธีการที่ชัดเจนในการเล่นอย่างหมดจดไม่เพียงแต่ด้วยสองเสียงเท่านั้น แต่ยังมีการปรับปรุงเพิ่มเติม ดำเนินการสามเสียงที่จำเป็นได้อย่างถูกต้องและดี เรียนรู้ไปพร้อมๆ กัน ไม่เพียงแต่เป็นสิ่งประดิษฐ์ที่ดีเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการออกแบบที่ถูกต้องอีกด้วย สิ่งสำคัญคือการบรรลุถึงลักษณะการเล่นที่ไพเราะและในขณะเดียวกันก็ได้รับรสนิยมในการแต่งเพลง”
ความสนใจเป็นพิเศษเมื่อศึกษางานคีย์บอร์ดของ J. S. Bach ต้องใช้ความรู้เกี่ยวกับเอกลักษณ์ทางประวัติศาสตร์ของการศึกษาในส่วนนี้และความยากลำบากที่เกี่ยวข้อง
ความยากประการแรกเกี่ยวข้องกับข้อความดนตรีซึ่งใช้เป็นพื้นฐานในการทำงานของนักเรียน
ประการที่สองเกี่ยวข้องกับคุณสมบัติ เครื่องมือคีย์บอร์ดซึ่งมีอยู่ในครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 ซึ่งเป็นงานเขียนคีย์บอร์ดของบาคจริงๆ

เมื่อทำงานกับคีย์บอร์ดของ J. S. Bach คุณควรรู้ข้อเท็จจริงพื้นฐาน: ในต้นฉบับของคีย์บอร์ดนั้นแทบไม่มีคำแนะนำด้านประสิทธิภาพเลย
ในด้านไดนามิก เป็นที่ทราบกันว่าบาคใช้สัญลักษณ์เพียงสามแบบในการเรียบเรียงของเขา ได้แก่ มือขวา เปียโน และในบางกรณีซึ่งพบไม่บ่อยนักคือเปียโน บาคไม่ได้ใช้สำนวน Crescendo, Diminuendo, Mezzo Piano, Fortissimo หรือเครื่องหมายเน้นเสียง
หมายเหตุเกี่ยวกับสัญลักษณ์จังหวะก็มีจำกัดในข้อความของบาคเช่นกัน
คุณควรรู้ว่าในข้อความดนตรีที่เรามอบให้นักเรียน คำแนะนำการแสดงส่วนใหญ่ไม่ได้เป็นของ Bach แต่บรรณาธิการแนะนำไว้ในข้อความ Isai Aleksandrovich Braudo แนะนำพร้อมกับฉบับการแสดงเพื่อทำความคุ้นเคยกับข้อความของผู้เขียน คุณต้องฟังคำแนะนำของบรรณาธิการ เพราะไม่เพียงแต่บ่งบอกถึงเทคนิคการแสดงบางอย่างเท่านั้น แต่ยังช่วยให้เข้าใจลักษณะและความหมายของเพลงอีกด้วย

ปัญหาประการที่สองที่เราพบในการทำงานด้านคีย์บอร์ดของ J. S. Bach คือข้อเท็จจริงที่ว่างานทั้งหมดไม่ได้เขียนขึ้นสำหรับเปียโน
ในเวลานั้นมีเครื่องดนตรีหลักอยู่สามชนิด ได้แก่ ฮาร์ปซิคอร์ด คลาวิคอร์ด และออร์แกน
Clavichord - เล็ก เครื่องดนตรีด้วยเสียงอันเงียบสงบ เครื่องดนตรีนี้ไม่ได้มีสีสันสดใสและความแตกต่างของเสียง อย่างไรก็ตาม ขึ้นอยู่กับลักษณะของการกดแป้นพิมพ์ ทำนองอาจมีความยืดหยุ่นด้านเสียงบ้าง
ตรงกันข้ามกับเสียงที่ไพเราะและเต็มไปด้วยจิตวิญญาณของคลาวิคอร์ด ฮาร์ปซิคอร์ดมีการเล่นที่ดังและไพเราะมากกว่า ฮาร์ปซิคอร์ดมีคีย์บอร์ดสองตัว: คีย์บอร์ดล่าง - อันแรกและอันบน - อันที่สอง
โดยทั่วไป ฮาร์ปซิคอร์ดมีสายสี่ชุด กล่าวคือ สี่รีจิสเตอร์ ซึ่งกระจายระหว่างคีย์บอร์ดสองตัว คีย์บอร์ดแต่ละตัวมีรีจิสเตอร์สองตัว การลงทะเบียนทั้งหมดสามารถเปิดหรือปิดได้ตามคำขอของนักแสดงโดยใช้คันโยกพิเศษ สามารถเชื่อมต่อคีย์บอร์ดได้ด้วย หากเชื่อมต่อแป้นพิมพ์แล้ว เมื่อคุณกดปุ่มบนแป้นพิมพ์ตัวแรก ปุ่มเดียวกันบนแป้นพิมพ์ที่สองจะถูกกดโดยอัตโนมัติ ดังนั้นเสียงของทำนองจึงเต็มไปด้วยคู่เสียงคู่บนและล่าง
สำหรับฮาร์ปซิคอร์ด เสียงจะถูกสร้างขึ้นโดยลิ่มแข็งที่ส่งแรงกดจากนิ้วไปยังสายโดยตรง
ความแตกต่างที่ใหญ่ที่สุดระหว่างการเล่นเปียโนและฮาร์ปซิคอร์ดคือไดนามิก
ถ้าเราเปรียบเทียบดนตรีแบบไดนามิกของเปียโนกับดนตรีแบบไดนามิกของฮาร์ปซิคอร์ดและคลาวิคอร์ด เราจะเห็นสิ่งต่อไปนี้:
- เปียโนไม่มีการเพิ่มออคเทฟของฮาร์ปซิคอร์ดเป็นสองเท่า ไม่มีการเปลี่ยนแปลงการลงทะเบียนคีย์บอร์ด ไม่มีการสั่นสะเทือนที่แสดงออกของกระดูกไหปลาร้า
- ในทางกลับกัน เปียโนมีไดนามิกที่ละเอียดอ่อนและยืดหยุ่นในช่วงกว้าง ซึ่งไม่สามารถใช้ได้กับทั้งฮาร์ปซิคอร์ดหรือคลาวิคอร์ด
เมื่อเราพูดถึงการใช้ไดนามิกของเปียโนในการแสดงดนตรีฮาร์ปซิคอร์ด เราไม่ได้หมายถึงความพยายามที่จะเลียนแบบความดังของเครื่องดนตรีโบราณบนเปียโน
คุณสมบัติที่ยอดเยี่ยมอย่างหนึ่งของเปียโนคือความสามารถในการแสดงผลงานบนเปียโน ยุคที่แตกต่างกันและสไตล์
ดังที่เราทราบ เสียงของฮาร์ปซิคอร์ดไม่ได้ขึ้นอยู่กับวิธีการตีคีย์ ฮาร์ปซิคอร์ดถูกตั้งค่าเป็นรีจิสเตอร์ที่จำเป็นก่อนการแสดง นักเปียโนไม่สามารถจับสีเสียงที่จำเป็นได้ ก่อนแสดง เขาต้องจินตนาการถึงสีที่ต้องการในจินตนาการ จากนั้นจึงสร้างสีเหล่านี้ในระหว่างเกม
เปียโนไม่สามารถแข่งขันกับฮาร์ปซิคอร์ดในเรื่องความสามารถในการสร้างเสียงที่ตัดกัน แต่เปียโนนั้นเหนือกว่าฮาร์ปซิคอร์ดในเรื่องความสามารถในการเพิ่มความยืดหยุ่นแบบไดนามิกให้กับทำนอง ในส่วนนี้ เปียโนจะพัฒนาสิ่งที่พบในคลาวิคอร์ด
ดังนั้น เปียโนจึงทำให้สามารถผสมผสานเครื่องดนตรีที่ตัดกันของฮาร์ปซิคอร์ดเข้ากับการแสดงทำนองเพลงของคลาวิคอร์ดที่ยืดหยุ่นได้
“การประดิษฐ์” - คำนี้มีความหมายว่า “การประดิษฐ์” ในภาษาละติน J. S. Bach เรียกผลงานโพลีโฟนิกชิ้นเล็กๆ ที่เขาแต่งขึ้นเพื่อนักเรียนโดยเฉพาะ นี่เป็นแบบฝึกหัดที่จำเป็นเพื่อฝึกฝนเทคนิคการทำงานโพลีโฟนิกที่ซับซ้อนโดยเฉพาะอย่างยิ่งความทรงจำ
ผู้แต่งเลือกชื่อเพลงได้แม่นยำมาก สิ่งประดิษฐ์นั้นเต็มไปด้วยสิ่งประดิษฐ์ การผสมผสานไหวพริบและการสลับเสียงอย่างแท้จริง
แต่การแทรกแซงไม่ใช่การออกกำลังกาย! มันสดใส งานศิลปะซึ่งแต่ละอย่างสะท้อนถึงอารมณ์บางอย่าง
งานด้านการแทรกแซงสามารถแบ่งออกเป็นหลายขั้นตอน:
- เตรียมการ
- การวิเคราะห์งานนี้
- ทำงานเกี่ยวกับงาน

ขั้นตอนการเตรียมการ

ก่อนจะแนะนำตัวนักศึกษาให้รู้จักงาน จำเป็นต้องบอกเขาเกี่ยวกับยุคที่เขียนเกี่ยวกับเครื่องดนตรีที่ J. S. Bach เขียน การอ้างอิงถึงเครื่องดนตรีในยุคนั้นในการสนทนากับนักเรียนจะอำนวยความสะดวกในการค้นหาคำจำกัดความที่แม่นยำที่สุดของลักษณะของชิ้นส่วน ข้อต่อและไดนามิกที่ถูกต้อง
ในสมัยของบาค ดนตรีทั้งหมดเป็นแบบโพลีโฟนิค ลักษณะสำคัญของเวลานั้นไม่ใช่ความสวยงามของทำนอง แต่เป็นการพัฒนาของธีม การพัฒนา และการจัดรูปแบบ
นักเรียนจะต้องเข้าใจถึงความเป็นเอกลักษณ์ของสไตล์ของบาค วิธีการสร้างเสียงควรรวบรวมไว้เสมอ หนักแน่น แม้กระทั่งบนเปียโนซึ่งไม่ควรคลุมเครือ ในงานของ Bach มีความสงบและความรุนแรงที่ยอดเยี่ยมอยู่เสมอ ความยิ่งใหญ่กับสภาวะทางอารมณ์ที่หลากหลาย
ขั้นตอนที่สอง วิเคราะห์งานนี้
ซึ่งรวมถึงการวิเคราะห์ด้วย รูปแบบดนตรีการประดิษฐ์ การกำหนดลักษณะและจังหวะของงานนั้นๆ
ประการที่สาม เวทีหลักกำลังทำงานอยู่
ระยะนี้มีขนาดใหญ่และยาวมาก จึงสามารถแบ่งออกเป็นหลายส่วนได้
1. หัวข้อ.
กำหนดขอบเขตของหัวข้อลักษณะของหัวข้อ
ลักษณะของธีมและงานทั้งหมดขึ้นอยู่กับการเปล่งเสียงเช่น
วิธีการผลิตเสียง ให้ความสนใจกับน้ำเสียงของหัวข้อทันที
การสอนหัวข้อนี้ในรีจิสเตอร์ต่างๆ และในคีย์ต่างๆ จะเป็นประโยชน์
โดยการเลือกฟังเนื่องจากการบุกรุกเกิดขึ้นต่างกัน
กุญแจ
เรียนรู้หัวข้อร่วมกับครู - นักเรียนเล่นหัวข้อ ครู -
ฝ่ายค้านและในทางกลับกัน

2. เรียบเรียงแนวทำนองของแต่ละเสียง
เริ่มสอนแบบช้าๆ เพราะเด็กจะดีขึ้น
มีกระบวนการทำความเข้าใจดนตรีและการฟังดนตรี เรียนรู้แยกกัน
ทุกแรงจูงใจ

3. ข้อต่อแบบ Intermotive
แยกแรงจูงใจออกจากกันโดยใช้ซีซูรา
ต้องจำไว้ว่าจังหวะและการเปล่งเสียงเป็นพื้นฐาน
วิธีการแสดงออก

4. พลวัต
ในสมัยของบาค ไม่มีปัญหาเรื่องไดนามิก ตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา
เครื่องมือมีคู่มือพร้อมไดนามิกที่แตกต่างกัน เมื่อทำการแสดง
ผลงานเปียโนของ Bach ใช้ไดนามิกสองประเภท: ภายใน
ลวดลายและเหมือนระเบียง
รูปแบบขนาดใหญ่หนึ่งรูปแบบจะดำเนินการในหน้าต่างไดนามิกเดียว
คราส
พลวัตภายในร่างกายขึ้นอยู่กับครู - ความรู้ดนตรีของเขา
วัฒนธรรมแคล รสนิยมโวหาร
เมื่อเลียนแบบระหว่างเสียงเลียนแบบที่สองเข้ามา
อันแรกไม่ควรถูกขัดจังหวะและสิ้นสุด
จังหวะมักจะสัมพันธ์กับจุดไคลแม็กซ์

5. การใช้นิ้ว
กำหนดภายในโดยโครงสร้างแรงจูงใจ ดำเนินการตามลำดับ
ด้วยนิ้วเดียวกัน ฉบับของ Busoni ไม่เพียงแต่ใช้เท่านั้น
ซับในแต่ยังวางนิ้วด้วย การปิดเสียงเป็นสิ่งที่ไม่พึงประสงค์
การทดแทนเนื่องจากทำให้งานซับซ้อนจึงส่งผลเสียต่อประสิทธิภาพการทำงาน
ความคิด

6. อุณหภูมิ
มันไม่ใช่จุดสิ้นสุดในตัวเอง ก้าวขึ้นอยู่กับภาพ น่าจะเป็นประโยชน์และสะดวกแก่ผู้เรียน

7.เหยียบ
ไม่ใช่ความจำเป็นด้านพื้นผิว ไม่ควรรบกวนโฮโล-
มโนธรรม. เธอได้รับมอบหมายให้ทำหน้าที่เชื่อมต่อเท่านั้น

บทสรุป
การศึกษาโพลีโฟนีเป็นหนึ่งในเงื่อนไขที่สำคัญที่สุดสำหรับการพัฒนาคุณสมบัติต่อไปนี้ของนักเปียโน:
- กำลังคิด
- ปัญญา,
- ตรรกะทางดนตรี
- การได้ยินโพลีโฟนิก
- ความรู้สึกมีสไตล์
- การประสานการเคลื่อนไหว
ทิศทางหลักและวิธีการทำงาน:
1. ทำงานด้วยเสียง บรรลุความหมายสูงสุดในแต่ละเสียง:
- ทำงานกับแรงจูงใจ แยกมันออกจากวลีและมุ่งมั่น
เพื่อการแสดงที่แสดงออก (ข้อต่อที่ถูกต้อง, การเน้นแบบไดนามิก, น้ำเสียง);
- ทำงานกับครูสอนเปียโนสองตัว
- ทำงานด้วยการร้องเพลง
- ทำงานในทะเบียนต่างๆ
2. ปฏิบัติงานให้ครบถ้วน บรรลุการเล่นที่แสดงออกและมีความหมาย เติมเต็มทุกรายละเอียดและจุดไคลแม็กซ์
ครูต้องให้นักเรียนวิเคราะห์ชิ้นส่วนโพลีโฟนิกอย่างอิสระและมีสติแล้วจึงแสดง เด็กจะต้องเรียนรู้ที่จะพูดด้วยเสียงดนตรีถ่ายทอดความรู้สึกและความคิดของเขาผ่านน้ำเสียงและการแสดงออกของเสียงพูด ศิลปะของ J. S. Bach พาเด็ก ๆ เข้าสู่โลกแห่งความประเสริฐ แม้กระทั่งความรู้สึกทางศาสนา และปลูกฝังคุณธรรม ความเป็นชาย และความบริสุทธิ์ทางจิตวิญญาณให้กับเขา พฤกษ์คือ วิธีการรักษาที่ดีที่สุดการพัฒนาคุณสมบัติทางจิตวิญญาณของนักเปียโน ไม่ต้องสงสัยเลยว่าดนตรีโพลีโฟนิกเป็นพื้นฐานในการศึกษาของนักดนตรีที่แท้จริง
อ้างอิง

1. บูลูเชฟสกี ยู.เอส., โฟมิน VS. รวบรัด พจนานุกรมดนตรีสำหรับนักเรียน - ล.: ดนตรี, 2529. - 216 น.
2. เบราโด ไอ.เอ. เกี่ยวกับการศึกษาผลงานคีย์บอร์ดของ Bach ในโรงเรียนดนตรี - ม.: Classics-XXI, 2546 - 92 น.
3. Milshtein Y. เปียโนอารมณ์ดี I.S. บาค.
4. Savshinsky S. Pianist และผลงานของเขา - ม.: Classics-XXI, 2545 - 244 หน้า

เบเรซินา เอเลนา เซอร์เกฟนา

ครูการศึกษาเพิ่มเติม (เปียโน)

โรงยิม GBOU หมายเลข 587 เขต Frunzensky ของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

การทำงานด้านโพลีโฟนิกเป็นส่วนสำคัญของการเรียนรู้การแสดงเปียโน สิ่งนี้อธิบายได้จากความสำคัญมหาศาลที่การพัฒนาการคิดแบบโพลีโฟนิกและความเชี่ยวชาญด้านพื้นผิวแบบโพลีโฟนิกมีต่อผู้เล่นเปียโนทุกคน พัฒนาการของการได้ยินแบบโพลีโฟนิกและการคิดแบบโพลีโฟนิกถือเป็นหนึ่งในส่วนที่สำคัญที่สุดของการศึกษา วัฒนธรรมดนตรีนักเรียน. นักเรียนจะพัฒนาและเพิ่มความสามารถในการได้ยินโพลีโฟนิกและเล่นดนตรีโพลีโฟนิกให้ลึกซึ้งยิ่งขึ้นตลอดหลักสูตรการฝึกอบรม หากนักเรียนได้รับทักษะการเล่นเปียโนที่ถูกต้องตั้งแต่ชั้นประถมศึกษาปีที่ 1 เขาจะรับรู้และแสดงละครโพลีโฟนิกอย่างมีความหมายและมีความหมาย

ดังที่คุณทราบ โพลีโฟนีคือประเภทของโพลีโฟนี ซึ่งเป็นการผสมผสานระหว่างท่วงทำนองที่เท่ากันตั้งแต่สองเพลงขึ้นไปที่เล่นพร้อมกัน ดังนั้น การศึกษาเรื่องพฤกษ์ศาสตร์จึงเริ่มต้นด้วยการรับรู้ที่ถูกต้องและความสามารถในการดำเนินการอย่างใดอย่างหนึ่ง ส่วนประกอบที่สำคัญดนตรีโพลีโฟนิก-ท่วงทำนอง งานนี้ควรเริ่มต้นด้วยการสัมผัสคีย์บอร์ดครั้งแรก เมื่อนักเรียนเรียนรู้ที่จะเล่นเสียงแต่ละเสียง

จากขั้นตอนแรกของการศึกษา นักเรียนจะได้ชมบทละครของนักประพันธ์เพลงในสมัยโบราณ รัสเซีย และโซเวียต ซึ่งมีองค์ประกอบของพหูพจน์ พฤกษ์ในผลงานเหล่านี้ส่วนใหญ่เป็นเสียงย่อยและบางส่วนมีองค์ประกอบของการเลียนแบบ จากการทำงานดังกล่าว นักเรียนจะสะสมทักษะที่จำเป็นซึ่งช่วยให้พวกเขาก้าวไปสู่การศึกษาพฤกษ์เลียนแบบที่ซับซ้อนมากขึ้นในโรงเรียนมัธยมต้นและมัธยมปลาย โดยเฉพาะพฤกษ์ของ J. S. Bach

สื่อโพลีโฟนิกสำหรับผู้เริ่มต้นประกอบด้วยการเรียบเรียงโพลีโฟนิกแบบเบาของเพลงพื้นบ้านย่อยเป็นหลัก ขอแนะนำให้ครูพูดถึงวิธีการแสดงเพลงเหล่านี้ในหมู่ผู้คน: นักร้องเริ่มร้องเพลงจากนั้นคณะนักร้องประสานเสียง ("podvoloski") หยิบเพลงขึ้นมาซึ่งมีทำนองต่างกันไป ฉันอยากจะยกตัวอย่างวิธีการหนึ่งในการทำงานกับเสียงพ้องเสียงย่อย ในระหว่างบทเรียน ครูเชิญนักเรียนให้แสดงเพลงในลักษณะ "ร้องประสานเสียง" โดยแบ่งบทบาท นักเรียนเล่นบทของนักร้องนำที่เรียนรู้ที่บ้าน และครู "บรรยาย" คณะนักร้องประสานเสียงด้วยเปียโนอีกเครื่องหนึ่ง หลังจากผ่านไปสองหรือสามบทเรียน บทบาทก็เปลี่ยนไป การเล่นทั้งสองท่อนสลับกันกับครูในวงดนตรี นักเรียนไม่เพียงแต่สัมผัสถึงชีวิตอิสระของแต่ละท่อนได้อย่างชัดเจน แต่ยังได้ยินทั้งท่อนด้วยเสียงทั้งสองพร้อมกันอีกด้วย

การเลียนแบบสามารถอธิบายเป็นรูปเป็นร่างได้โดยใช้ปรากฏการณ์ที่คุ้นเคยและน่าสนใจสำหรับเด็กเป็นเสียงสะท้อน การรับรู้ถึงการเลียนแบบจะมีชีวิตชีวามากขึ้นด้วยการเล่นในการนำเสนอแบบวงดนตรี นักเรียนเล่นทำนองเพลง และครูเล่นเพลงเลียนแบบ "เอคโค่" จากนั้นบทบาทก็เปลี่ยนไป

จากขั้นตอนแรกของการเรียนรู้พหุเสียง นักเรียนจะต้องได้รับการสอนทั้งความชัดเจนในการเข้ามาของเสียงที่สลับกัน และความชัดเจนของพฤติกรรมและการสิ้นสุด เป็นสิ่งสำคัญที่การสิ้นสุดของแรงจูงใจด้วยเสียงเดียวจะไม่ถูกกลบด้วยเสียงที่เข้ามา ในแต่ละบทเรียนจำเป็นอย่างยิ่งที่จะต้องบรรลุศูนย์รวมไดนามิกที่ตัดกันและเสียงต่ำที่แตกต่างกันสำหรับแต่ละเสียงแยกกัน ตัวอย่างเช่น เราเล่นเสียงหนึ่งดังและอีกเสียงเงียบ เช่น "เสียงสะท้อน"

ขั้นตอนใหม่ที่ซับซ้อนและจำเป็นมากขึ้นบนเส้นทางสู่การทำความเข้าใจดนตรีโพลีโฟนิกและการแสดงของมันคือการศึกษามรดกทางการสอนของนักโพลีโฟนิกผู้ยิ่งใหญ่ J. S. Bach เป็นที่ยอมรับกันโดยทั่วไปว่าการสอน J. S. Bach เป็นหนึ่งในส่วนที่ยากที่สุดของการสอนดนตรี น่าเสียดายที่เรามักพบว่านักเรียนปฏิบัติต่องานโพลีโฟนิกของ J.S. Bach ว่าเป็นดนตรีที่แห้งและน่าเบื่อ การสอนให้เด็กรักดนตรีของ J.S. Bach โดยการเปิดเผยให้เขาเห็นโลกภายในอันอุดมสมบูรณ์ของความคิดของ Bach และเนื้อหาทางอารมณ์ถือเป็นงานที่สำคัญที่สุดอย่างหนึ่งของครู

ผลงานโพลีโฟนิกแบบเบาโดย J. S. Bach จาก "สมุดบันทึกของ A. M. Bach" เป็นสื่อที่มีค่าที่สุดที่จะช่วยพัฒนาความคิดแบบโพลีโฟนิกของนักเรียน ชุดเสียงของเขา และพัฒนาความรู้สึกของสไตล์และรูปแบบ ผลงานชิ้นเอกชิ้นเล็ก ๆ ที่รวมอยู่ใน "สมุดบันทึกของ A. M. Bach" ส่วนใหญ่เป็นผลงานเต้นรำชิ้นเล็ก ๆ ได้แก่ เสื้อโปโล ไมนูเอต และการเดินขบวน พวกเขาโดดเด่นด้วยท่วงทำนองและจังหวะที่เข้มข้นเป็นพิเศษไม่ต้องพูดถึงอารมณ์ที่หลากหลายที่แสดงออก

เป็นที่พึงปรารถนาที่ครูจะบอกนักเรียนเกี่ยวกับการเต้นรำโบราณ - มินูเอต์, โปโลเนซโดยเป็นรูปเป็นร่างและเข้าถึงได้สำหรับการรับรู้ของเด็ก ตัวอย่างเช่นตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 17 มีการแสดง minuet ในพิธีในพระราชวังอันศักดิ์สิทธิ์ในศตวรรษที่ 18 มันกลายเป็นการเต้นรำแบบชนชั้นสูงที่ทันสมัยได้อย่างไรซึ่งขุนนางชั้นต้นในวิกผมผงสีขาวพาไป การเต้นรำ minuet ด้วยความเคร่งขรึมอย่างมาก squats และ curtsies ด้วยเหตุนี้ ดนตรีของมินูเอตที่สะท้อนออกมาในทำนองจึงเปลี่ยนความนุ่มนวลและความสำคัญของคันธนู การโค้งคำนับและคำสาปแบบต่ำและแบบพิธีการ แน่นอนว่า J. S. Bach ไม่ได้เขียน minuets ของเขาเพื่อการเต้นรำ แต่เขายืมจังหวะและรูปแบบการเต้นจากพวกเขามาเติมเต็มท่อนเหล่านี้ด้วยอารมณ์ที่หลากหลาย

ในระยะเริ่มแรกของการทำงาน สิ่งแรกที่คุณต้องเข้าใจคือธรรมชาติของการเล่น เมื่อพิจารณาอารมณ์ของผลงานแล้ว ครูจะมุ่งความสนใจของนักเรียนไปที่ความแตกต่างระหว่างท่วงทำนองของเสียงบนและเสียงล่าง ไปสู่ความเป็นอิสระและความเป็นอิสระจากกัน ราวกับว่าพวกเขาแสดงด้วยเครื่องดนตรีสองชนิดที่แตกต่างกัน จากนั้นจึงแสดงถ้อยคำและการเปล่งเสียงที่เกี่ยวข้องกันของแต่ละเสียงแยกกัน

จากงานหลายอย่างที่ขวางทางการศึกษางานโพลีโฟนิก งานหลักยังคงเป็นงานเกี่ยวกับความไพเราะ การแสดงออกของน้ำเสียง และความเป็นอิสระของแต่ละเสียง ความเป็นอิสระของเสียงเป็นข้อกำหนดที่ขาดไม่ได้ซึ่งงานโพลีโฟนิกใดๆ จะเกิดขึ้นกับนักแสดง ดังนั้นจึงเป็นเรื่องสำคัญมากที่จะต้องแสดงให้นักเรียนเห็นว่าความเป็นอิสระนี้แสดงออกมาอย่างไร:

· ในรูปแบบที่แตกต่างกัน แทบจะไม่มีถ้อยคำที่ตรงกันเลย

· ในความไม่สอดคล้องกันของการพัฒนาแบบไดนามิก: เสียงบนคือเสียงที่เพิ่มขึ้น เสียงล่างคือ diminuendo)

ไม่ว่านักเรียนจะเล่นโพลีโฟนิกด้วยมือทั้งสองข้างด้วยความมั่นใจเพียงใด การทำงานอย่างระมัดระวังในแต่ละเสียงไม่ควรหยุดเพียงวันเดียว มิฉะนั้นการนำทางด้วยเสียงจะอุดตันอย่างรวดเร็ว

ขึ้นอยู่กับวัสดุสองหรือสามชิ้นจาก "Notebook of A.I. Bach" นักเรียนเรียนรู้คุณลักษณะต่างๆ ของดนตรีของ Bach เรียนรู้หลักการของ "แปดชิ้น" ทำความคุ้นเคยกับคุณลักษณะที่สำคัญมากของภาษาอันไพเราะของ Bach - ความจริงที่ว่าแรงจูงใจของ Bach เริ่มต้นด้วย กลีบอ่อนแอวัดแล้วจบด้วยจังหวะอันทรงพลัง ดังนั้นขอบเขตของแรงจูงใจของ Bach จึงไม่ตรงกับขอบเขตของจังหวะดังนั้นสำเนียงในงานของ Bach จึงไม่ได้ถูกกำหนดโดยเมตร แต่ ความหมายภายในธีมหรือแรงจูงใจ

เป็นการยากที่จะประเมินค่าสูงไปบทบาทและความสำคัญของคอลเลกชัน "Notebook of A. M. Bach", "Notebook of V.F. Bach", "Little Preludes and Fugues" และต่อมามีสิ่งประดิษฐ์และซิมโฟนีสองเสียงสิบห้าและสิบห้าสามเสียงในรูปแบบ ของนักเรียนที่เป็นนักดนตรีในอนาคต คอลเลกชันของ J. S. Bach "สิ่งประดิษฐ์และซิมโฟนี" ต้องขอบคุณเนื้อหาทางศิลปะของภาพและความเชี่ยวชาญด้านโพลีโฟนิก คุ้มค่ามากและเป็นหนึ่งในส่วนที่สำคัญและบังคับของละครการสอนในสาขาโพลีโฟนีในโรงเรียนมัธยมต้นและมัธยมปลายของโรงเรียนดนตรีสำหรับเด็ก แม้จะมีจุดประสงค์ดั้งเดิมในการสอน แต่สิ่งประดิษฐ์ของบาคก็ยังคงเป็นเช่นนั้น ผลงานชิ้นเอกที่แท้จริงศิลปะดนตรี มีความโดดเด่นด้วยการผสมผสานระหว่างทักษะโพลีโฟนิกสูง ความกลมกลืนของรูปแบบกับความลึกของเนื้อหา จินตนาการอันมากมาย และเฉดสีประเภทต่างๆ

หลังจากที่นักเรียนคุ้นเคยกับบทละครที่ครูแสดงแล้ว เราจะวิเคราะห์เนื้อหาของการแทรกแซง เราร่วมกันกำหนดขอบเขตของหัวข้อและลักษณะของหัวข้อร่วมกับนักเรียน แก่นแท้ของสิ่งประดิษฐ์ของบาคคือแก่นแท้ของงานทั้งหมด ตลอดจนการดัดแปลงและการพัฒนาเพิ่มเติมที่กำหนดลักษณะและโครงสร้างที่เป็นรูปเป็นร่างของงานทั้งหมด

เมื่อเล่นอีกครั้งต้องระบุและเข้าใจรูปทรงของชิ้นนั้นๆ เมื่อนักเรียนเข้าใจโครงสร้างของสิ่งประดิษฐ์อย่างชัดเจน คุณก็สามารถเริ่มทำงานอย่างระมัดระวังกับบรรทัดของแต่ละเสียงได้ จุดสำคัญในการเรียนรู้เสียงคือการรักษาจังหวะ การใช้นิ้ว และไดนามิกที่ถูกต้อง ขณะเขียนทำนองของแต่ละเสียง นักเรียนควรได้ยินความยาวของโน้ตยาวอย่างระมัดระวัง และเสียงถัดไปที่ไหลออกมาตามธรรมชาติอย่างไร เมื่อกำกับงานของนักเรียนคุณต้องดึงความสนใจของเขาไปที่ความจริงที่ว่าการรวมกันของสามเสียงในการประดิษฐ์นั้นคล้ายกับการสนทนาที่มีท่วงทำนองเข้ามา - เสียงด้วย ข้อความที่แตกต่างกัน- แต่ละเสียงมี "ใบหน้า" ตัวละครและการระบายสีของตัวเอง นักเรียนควรบรรลุสัมผัสที่ต้องการ: เสียงกริ่งที่เปิดกว้างมากขึ้นในเสียงบน เสียงกลางที่ฟังดูเคลือบด้านเล็กน้อย ให้เสียงเบสที่หนักแน่น หนักแน่น และสง่างามยิ่งขึ้น การทำงานเกี่ยวกับเสียงจะต้องดำเนินการอย่างระมัดระวัง มากจะขึ้นอยู่กับคุณภาพของความรู้เกี่ยวกับเสียง ทำงานต่อไป- เพื่อไม่ให้นักเรียนคลาดสายตาไปทั้งหมด จำเป็นที่เขาจะต้องได้ยินเพลงทั้งหมดอย่างต่อเนื่องด้วยเสียงสามเสียงที่ครูแสดง การเล่นเป็นวงดนตรีมีประโยชน์: นักเรียนเล่นเสียงเดียวและครูเล่นอีกสองเสียง

ในต้นฉบับของเขา บาคจำกัดตัวเองอยู่เพียงการบันทึกโน้ตและการตกแต่ง และแทบไม่เหลือคำแนะนำเกี่ยวกับไดนามิก จังหวะ การใช้ถ้อยคำ การใช้นิ้ว หรือการถอดรหัสการตกแต่ง ข้อมูลเกี่ยวกับเรื่องนี้ได้รับการสื่อสารไปยังนักเรียนโดยตรงในชั้นเรียน

การเปล่งเสียงเป็นหนึ่งในเงื่อนไขที่สำคัญที่สุดในการแสดงดนตรีโบราณ เธอควรได้รับความสนใจอย่างมากในงานของเธอ ควรอธิบายให้นักเรียนฟังว่าการแบ่งทำนองที่ถูกต้องเป็นแรงจูงใจและการออกเสียงน้ำเสียงที่ถูกต้องในสมัยของ J. S. Bach นั้นมีความสำคัญอย่างยิ่ง สิ่งสำคัญคือต้องจำไว้ว่าในกรณีส่วนใหญ่ แรงจูงใจของผู้แต่งเริ่มต้นด้วยจังหวะที่อ่อนแอ ในที่นี้ ฉันอยากจะเตือนคุณว่าข้อความสั้นๆ ที่บรรณาธิการเขียน และบางครั้งโดย J. S. Bach เองนั้น บ่งบอกถึงขอบเขตของแรงจูงใจ แต่ไม่ได้หมายถึงการถอนมือเสมอไป

ศาสตราจารย์ I. A. Braudo ได้ศึกษาประเด็นต่างๆ ของข้อต่ออย่างลึกซึ้งและรอบคอบ จากการศึกษาข้อความในต้นฉบับและรูปแบบการปฏิบัติในการปฏิบัติงานของบาค เขาได้รับกฎการประโคมสองข้อ: กฎข้อที่แปดและกฎการประโคม I. A. Braudo สังเกตว่าโครงสร้างของสิ่งประดิษฐ์ของ Bach ตามกฎแล้วประกอบด้วยระยะเวลาจังหวะที่อยู่ติดกัน สิ่งนี้ทำให้เขาสรุปได้ว่าหากบาคมีเสียงเดียวในโน้ตตัวที่ 8 และอีกเสียงหนึ่งในโน้ตตัวที่ 8 โน้ตตัวที่ 8 จะถูกเล่นโดยมีการเปล่งเสียงที่ไม่ต่อเนื่องกัน และโน้ตตัวที่ 8 จะถูกเล่นอย่างสอดคล้องกันหรือในทางกลับกัน นี่คือกฎข้อที่แปด กฎของการประโคมมีดังนี้: ภายในเสียง ทำนองจะค่อยๆ หรือกะทันหัน; และเมื่อมีการกระโดดในท่วงทำนองเป็นระยะเวลานาน เสียงของการกระโดดจะถูกเล่นด้วยเสียงที่เปล่งออกมาต่างกัน ดนตรีของบาคมีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยจังหวะประเภทต่างๆ ดังต่อไปนี้: เลกาโต โดยเฉพาะอย่างยิ่งการผ่า โดยมีการออกเสียงแต่ละโทนเสียงที่ชัดเจน ไม่ใช่เลกาโต, portamente, staccato

ในแง่ไดนามิก คุณลักษณะหลักของการแสดงดนตรีของ Bach คือการเรียบเรียงของเขาไม่ยอมให้มีความหลากหลายที่เหมาะสมยิ่ง เมื่อคิดถึงแผนไดนามิกในผลงานของ J. S. Bach ควรจำไว้ว่าสไตล์ดนตรีในยุคของผู้แต่งนั้นมีลักษณะเฉพาะด้วยไดนามิกที่ตัดกันและเส้นไดนามิกที่ยาว F. Busoni และ A. Schweitzer เรียกสิ่งนี้ว่า "ไดนามิกที่เหมือนระเบียง" การเพิ่มและการลดขนาดสั้น ๆ ที่เรียกว่า "ส้อม" บิดเบือนความเรียบง่ายที่กล้าหาญของงานเขียนของบาค

สำหรับเทมโป ในสมัยของบาค เทมโปที่เร็วทั้งหมดจะช้าลงและเทมโปที่ช้าจะเร็วขึ้น ตามกฎแล้ว งานควรมีจังหวะเดียว ยกเว้นการเปลี่ยนแปลงที่ระบุโดยผู้เขียน

ต้องใช้ความระมัดระวังเป็นอย่างยิ่งเมื่อพูดถึงเรื่องคันเหยียบ แนะนำให้ใช้แป้นเหยียบเป็นหลักในกรณีที่มือไม่สามารถเชื่อมต่อกับเสียงของแนวทำนองได้ นอกจากนี้ยังเป็นการเหมาะสมที่จะเหยียบคันเร่งเป็นจังหวะ

แนวทางดนตรีของบาคที่สื่อความหมายได้อย่างยิ่งใหญ่คือการประดับประดา มีข้อโต้แย้งมากมายเกี่ยวกับปัญหานี้ บาคเองก็รวมตารางถอดรหัสการตกแต่งจำนวนหนึ่งไว้ใน "สมุดบันทึกของวิลเฮล์ม ฟรีเดมันน์"

ขั้นต่อไปของงานคือให้นักเรียนเชื่อมโยงทุกเสียง ขั้นแรกให้ลองรวมสองเสียงเข้าด้วยกัน จากนั้นจึงเพิ่มเสียงที่สาม ความยากที่ยิ่งใหญ่ที่สุดสำหรับนักเรียนคือการรวมกันของสองเสียงในมือเดียว เมื่อนักเรียนเล่นสิ่งประดิษฐ์ทั้งหมด งานดนตรีใหม่จะรวมอยู่ในงานด้วย หนึ่งในนั้นคือการค้นหาอัตราส่วนที่ต้องการของเสียงทั้งหมดในเสียงพร้อมกัน

เมื่อเริ่มต้นขั้นตอนสุดท้ายของการทำงาน การนำสิ่งประดิษฐ์ทั้งหมดไปใช้ควรใช้เวลาและความสนใจมากขึ้นเรื่อยๆ ภารกิจหลัก ขั้นตอนสุดท้ายงานประดิษฐ์กลายเป็นการถ่ายทอดเนื้อหาของดนตรีซึ่งเป็นลักษณะพื้นฐานของดนตรี

การทำงานประดิษฐ์ของ J. S. Bach ช่วยให้เข้าใจโลกแห่งภาพดนตรีและศิลปะที่ลึกซึ้งและมีความหมายของผู้แต่ง การศึกษาสิ่งประดิษฐ์สามส่วนช่วยให้นักเรียนโรงเรียนดนตรีสำหรับเด็กได้รับทักษะในการแสดงดนตรีโพลีโฟนิกและการฝึกอบรมด้านดนตรีและเปียโนโดยทั่วไป ความเก่งกาจของเสียงเป็นคุณลักษณะเฉพาะของวรรณกรรมเปียโนทั้งหมด บทบาทของการทำงานด้านสิ่งประดิษฐ์ในด้านการศึกษาด้านการได้ยิน เพื่อให้ได้เสียงที่หลากหลาย และความสามารถในการเป็นผู้นำแนวทำนองดนตรีมีความสำคัญอย่างยิ่ง

อ้างอิง

1. Alekseev A. วิธีการสอนการเล่นเปียโน อ.: มูซิก้า, 2521.

2. Braudo I. Articulation (เกี่ยวกับการออกเสียงทำนอง) ล.: LMI, 1961.

3. Braudo I. เกี่ยวกับการศึกษาผลงานคีย์บอร์ดของ Bach ที่โรงเรียนดนตรี ม - ล. 2508

4. เพลงคีย์บอร์ดของ Kalinina N. Bach ในชั้นเรียนเปียโน ล.: ดนตรี, 2517.

6. ไซปิน จี.เอ็ม. การเรียนรู้การเล่นเปียโน อ.: การศึกษา, 2527.

7.ชไวเซอร์ เอ. โยฮันน์ เซบาสเตียน บาค อ.: มูซิก้า, 2507.

ทำงานเกี่ยวกับพฤกษ์ศาสตร์ในชั้นเรียนอาวุโสของโรงเรียนศิลปะเด็ก
รอสตอฟสกายา ลาริซา โบริซอฟนา สถาบันการศึกษางบประมาณเทศบาลของการศึกษาเพิ่มเติม "โรงเรียนศิลปะเด็กหมายเลข 3", Surgut คุณลักษณะทั่วไปของวรรณกรรมเปียโนคือความสามารถรอบด้านแบบโพลีโฟนิก ดนตรีโพลีโฟนิกถือเป็นงานที่ยากสำหรับนักเปียโน เขาจะต้องนำทำนองไพเราะหลายบรรทัดพร้อมกันหลายเสียงโดยให้สัมผัสที่เป็นเอกลักษณ์แผนไดนามิกการใช้ถ้อยคำและในเวลาเดียวกันก็รวมเสียงเหล่านี้เป็นเสียงเดียว การแสดงโพลีโฟนิกจำเป็นต้องมีการพัฒนาการได้ยินภายในและการคิดโพลีโฟนิก จำเป็นต้องสอนให้นักเรียนได้ยินอย่างดีทั้งส่วนของแต่ละเสียงและการรวมกันของเสียง เพื่อฟังหัวข้อ การพัฒนา และการโต้แย้งต่างๆ ครูควรให้ความสนใจเป็นอย่างมากกับความสามารถของนักเรียนในการเข้าใจสัญกรณ์ดนตรีโพลีโฟนิก สิ่งที่สำคัญที่สุดคือนักเรียนไม่ได้แสดงข้อความดนตรีอย่างเป็นทางการ แต่รู้สึกถึงความเป็นเอกลักษณ์ของแต่ละเสียงตลอดจนการพัฒนาร่วมกัน ไม่ใช่เพื่ออะไรเลยที่ R. Schumann ถือว่านักดนตรีที่ดีเป็นคนที่มีดนตรี "ไม่เพียง แต่อยู่ในมือของเขาเท่านั้น แต่ยังอยู่ในหัวและในหัวใจของเขาด้วย" ฉันอยากจะพูดถึงพฤกษ์ของ J. S. Bach และโดยเฉพาะ ลักษณะเฉพาะของประสิทธิภาพการทำงาน พหูพจน์ของ Bach เป็นตัวอย่างที่ยอดเยี่ยมของดนตรีคลาสสิกและไม่ว่าจะเป็นทางโลกหรือทางจิตวิญญาณมันก็เต็มไปด้วยเนื้อหาที่แน่นอนและสำคัญเสมอแสดงออกอย่างมากและเทคนิคโพลีโฟนิกไม่เบี่ยงเบน แต่เพียงเพิ่มความหมายของเสียงเท่านั้น ผลงานดนตรีถูกครอบงำด้วยไดนามิกของภาพ ความเปรียบต่างของเอฟเฟกต์เสียง และความปรารถนาในความยิ่งใหญ่และความเอิกเกริก ดังนั้นจึงไม่ถูกต้องที่จะพยายามนำเสนอผลงานของ Bach ให้เป็นผลงานเฉพาะเจาะจงเท่านั้น ชุดการศึกษา- งานของครูในการทำงานของ Bach คือการเปิดเผยเนื้อหาในเพลงอย่างครบถ้วนอย่างถูกต้องที่สุดและไม่ลดงานในการทำงานเฉพาะกับการนำธีมไปใช้และการถอดรหัสการตกแต่งเท่านั้น ความคิดที่ว่าดนตรีของ Bach ควรทำโดยไม่ต้องใช้คันเหยียบก็ไม่ถูกต้องเช่นกัน แน่นอนว่าการวิเคราะห์ (เช่นเดียวกับในงานใด ๆ ) ดำเนินการโดยไม่ต้องใช้คันเหยียบและประสิทธิภาพก็ทำได้อย่างแน่นอนด้วยคันเหยียบ นอกจากนี้ การถีบอาจแตกต่างกัน: จังหวะ ฮาร์โมนิค และการเชื่อมต่อ โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อการนำทางด้วยเสียงไม่อนุญาตให้สื่อสารด้วยนิ้วมือได้ดี งานโพลีโฟนิกของ Bach มีความหลากหลายในรูปแบบ ดังนั้นจังหวะการแสดงที่หลากหลาย: นอกเหนือจากการสัมผัสแบบ non-legato แล้ว Legato ก็มีความสำคัญมาก เนื่องจากเป็นวิธีการหนึ่งในการบรรลุถึงความไพเราะ
นอกจากนี้ การเล่นหลายเสียงของ Bach จำเป็นต้องมีการละเมิดหลักการการใช้นิ้วที่กำหนดไว้ ดังนั้นการสร้างเทคนิคใหม่ๆ โดยเฉพาะอย่างยิ่ง โดยทั่วไปในดนตรีของ Bach คือการเล่นนิ้วที่ 1 บนคีย์สีดำ เลื่อนนิ้วที่ 1 จากสีขาวเป็นสีขาว เลื่อนนิ้วที่ 3 ถึง 4 ใน 1 และ ที่ 4 ถึง 3 ดังนั้นเฉพาะทัศนคติที่ถูกต้องต่อดนตรีของ Bach เท่านั้นที่สามารถรับประกันการแสดงที่แท้จริงได้ วิธีการเรียนรู้ชิ้นส่วนโพลีโฟนิก? เช่นเดียวกับงานดนตรีอื่น ๆ ก่อนอื่นคุณต้องจินตนาการถึงงานโพลีโฟนิกในรูปแบบของดนตรีทั้งหมดและงานที่มีรายละเอียดเป็นเพียงวิธีการที่จำเป็นในการตระหนักและรวบรวมภาพลักษณ์ทางดนตรีที่ต้องการ ตั้งแต่อายุยังน้อย นักเปียโนควรคุ้นเคยกับวิธีการพิเศษในการเล่นบทโพลีโฟนิก: ควรสอนในลักษณะที่โครงสร้างโพลีโฟนิกของงานชัดเจนสำหรับเด็ก แต่ละเสียงมีการศึกษาแยกกัน เริ่มจากโน้ต จากนั้นจึงศึกษาจากใจ ในเวลาเดียวกันความสนใจของนักเรียนมักจะมุ่งเน้นไปที่รายละเอียดบังคับของข้อความ - ระยะเวลาเมตริกของโน้ต, การใช้นิ้ว, การผูกมัด ฯลฯ แต่ยังรวมถึงการร้องเพลงทำนองด้วย เสียงเดียวในงานคีย์บอร์ดของบาคเป็นท่วงทำนองที่ไพเราะที่ต้องร้อง สิ่งสำคัญคือต้องสอนสิ่งนี้ตั้งแต่วัยเด็ก เนื่องจากนักเรียนยังคงมองว่างานโพลีโฟนิกเป็นสิ่งที่น่าเบื่อ แห้งแล้ง และห่างไกลจากดนตรี ครูเองต่างหากที่ต้องตำหนิทัศนคติของนักเรียนต่อผลงานสร้างสรรค์อันยอดเยี่ยมของงานเขียนโพลีโฟนิกคลาสสิก ซึ่งล้มเหลวในการเปิดเผยความงดงามที่มีอยู่ในเพลงนี้ให้เด็กเห็น ดังนั้น การแสดงแต่ละเสียงด้วยใจเป็นสองเสียงโดยสัมพันธ์กับข้อความอย่างชัดเจนและถูกต้องสมบูรณ์จึงเป็นขั้นตอนบังคับก่อนที่จะเรียนรู้ด้วยมือทั้งสองข้าง แต่ถึงแม้จะรวมสองเสียงเข้าด้วยกันแล้ว ส่วนหนึ่งของเวลาก็ควรจะทุ่มเทให้กับการทำงานในส่วนของแต่ละเสียงอย่างต่อเนื่อง หากมีการเรียบเรียงเสียงสามหรือสี่เสียง ก่อนอื่นให้เรียนรู้ (ตามบันทึก) แต่ละเสียงแยกจากกันโดยใช้นิ้วที่ระบุไว้ในบันทึก จากนั้น (ตามบันทึก) พวกเขาจะเริ่มเชื่อมต่อคู่เสียง: 1 + 2, 1 + 3, 2 + 3, 2 +4 ฯลฯ การเชื่อมต่อเหล่านี้ซึ่งแสดงโดยใช้นิ้วที่แม่นยำอีกครั้ง ควรให้เสียงเหมือนการร้องเพลงสองเสียงพร้อมกัน นี่คือวิธีการทำงานของนักร้องประสานเสียง: อันดับแรกกับนักร้องประสานเสียงแต่ละกลุ่ม: โซปราโน, อัลโตส, เทเนอร์, เบส จากนั้นเขาก็เชื่อมโยงสองกลุ่มหลังจากบรรลุผลลัพธ์ที่น่าพอใจแล้ว หนึ่งในสามจะถูกเพิ่มเข้าไปในทั้งสองกลุ่ม การร้องเพลงทั่วไปเป็นเพียงรอบชิงชนะเลิศเท่านั้น ขั้นตอนของงานทั้งหมด และสิ่งนี้เกิดขึ้นทุกวันโดยยังคงตรวจสอบแต่ละกลุ่มในชุดค่าผสมที่แตกต่างกัน งานของนักเปียโนก็เป็นเช่นนั้น: หลังจากการแสดงเสียงแต่ละคู่ในการเรียบเรียงเสียงสี่เสียงอย่างเชี่ยวชาญแล้ว จะมีการเพิ่มเสียงหนึ่งในสาม โดยไม่รวมเสียงเสียงใดเสียงหนึ่งตามลำดับ เมื่อทำให้แน่ใจว่านักเรียนได้ยินเสียงทั้งสามเสียง มีความคุ้นเคย และได้เรียนรู้การใช้นิ้วของเสียงเหล่านี้และรายละเอียดอื่นๆ ของข้อความดนตรี ครูจึงสามารถอนุญาตให้นำเสียงทั้งหมดมารวมกันได้ นี่เป็นช่วงเวลาที่สำคัญมากเพราะถ้าคุณเรียนรู้ทั้งสี่อย่างอย่างต่อเนื่อง
ใช้เสียงทั้งสองมือ เสียงแนะนำจะเริ่มอุดตันอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ และงานก่อนหน้านี้ทั้งหมดจะไร้ผล ดังนั้นจึงจำเป็นต้องอุทิศเวลาส่วนหนึ่งทุกวันในการตรวจสอบการลงคะแนนเสียงแบบคู่กันของแต่ละบุคคลเพื่อให้แน่ใจ คุณภาพดี การดำเนินการ นอกจากนี้ผู้เรียนควรต้องแยกรู้แต่ละมือแยกกันด้วยใจไม่ว่าจะกี่เสียงก็ตาม (แน่นอน ถ้าเสียงกลางขาดจากมือซ้ายไปอยู่ในมือขวาโดยไม่คาดคิด) ส่วนหนึ่งจากนั้นเมื่อแสดงด้วยมือซ้ายคุณจะต้องนำเสียงนี้ไปที่ท้ายวลี) ความรู้ที่ชัดเจนเกี่ยวกับส่วนต่าง ๆ ของมือแต่ละข้าง (โดยเฉพาะด้านซ้าย) แยกจากกันด้วยใจเป็นสิ่งจำเป็นสำหรับการแสดงบนเวทีอย่างมั่นใจ ซึ่งนอกเหนือจากความทรงจำด้านการได้ยินแล้ว หน่วยความจำของมอเตอร์ก็มีความสำคัญอย่างยิ่งเช่นกัน ก่อนอื่นเลย การเล่นใหม่จะต้องดำเนินการเพื่อให้นักเรียนคุ้นเคยกับมัน
ในรูปแบบเสียงสด ธีมจะพัฒนาแบบโพลีโฟนีอย่างไร และที่สำคัญที่สุดคือควรให้เสียงทั้งหมดเป็นอย่างไร บอกและแสดงโครงสร้างของงาน สิ่งประดิษฐ์นี้มีพื้นฐานอยู่บนธีมของธรรมชาติที่มีชีวิตชีวาและสนุกสนาน นี่คือเมล็ดพันธุ์ที่งานเติบโตขึ้นซึ่งฟังดูเกือบจะต่อเนื่องตลอดการประดิษฐ์ทั้งหมด Do Major Invention มีสามส่วนที่สร้างขึ้นคล้ายกัน แต่ละส่วนเริ่มต้นด้วยโครงสร้างเชิงอธิบาย (เล่ม 1-2, 7-10, 15-18) ตามมาด้วยการสลับฉากของประเภทการพัฒนา ซึ่งนำไปสู่โครงสร้างที่เหมือนการตอบโต้และจังหวะที่สรุปการเคลื่อนไหว เมื่อศึกษาโครงสร้างของสิ่งประดิษฐ์แล้วคุณสามารถไปทำงานต่อได้ นักเรียนควรได้รับคำแนะนำให้ทำงานไม่เพียงแต่โดยรวมเท่านั้น แต่ยังทำงานในส่วนต่างๆ ด้วย (ไม่ใช่เป็น "ชิ้น" แต่เป็นส่วนต่างๆ) ก่อนอื่นคุณต้องจัดการหัวข้อนี้ก่อน ให้นักเรียนเล่นโดยใช้คีย์ต่างๆ ไปข้างหน้าและข้างหลัง ซ้ายและขวา มือขวา- จากนั้นให้เขาเล่นบท (ทั้งสองประเภท) และเลียนแบบ โดยเริ่มจากเสียงต่ำก่อนแล้วจึงด้วยเสียงบน ในทุกกรณี ธีมควรจะแสดงอย่างมีชีวิตชีวา สิ่งสำคัญคือต้องรู้สึกว่าโน้ตที่สิบหกมีแนวโน้มอย่างไรต่อโน้ตที่แปด (ที่จุดสุดยอดของธีม) จำเป็นต้องเข้าใจธรรมชาติของความทะเยอทะยานนี้ด้วย ในกระบวนการทำงาน บางครั้งการระบุลักษณะงานการปฏิบัติงานในรูปแบบย้อนกลับอาจมีประโยชน์ เพื่อให้นักเรียนเข้าใจสิ่งที่สำคัญที่สุดได้ง่ายขึ้น ในการสร้างลำดับของท่อนกลาง ความทะเยอทะยานของโน้ตตัวที่ 16 มีลักษณะที่สนุกสนานเป็นพิเศษ ลำดับทำนองนี้จะต้องเล่นด้วยจังหวะที่ยืดหยุ่นอย่างไม่ลดละ เพื่อให้ได้ยินเนื้อหาได้ดีขึ้น นักเรียนสามารถเล่นนิทรรศการได้โดยไม่ต้องโต้ตอบเพิ่มเติม สามารถฝึกได้ดังต่อไปนี้: ครูแสดงหัวข้อ และนักเรียนแสดงการโต้ตอบเพิ่มเติม จากนั้นในทางกลับกัน และสุดท้าย นักเรียนเล่นได้ทั้งสองแบบ: ธีมและตัวนับ โดยธรรมชาติแล้ว เสียงของการโต้กลับควรแตกต่างไปจากเรื่องโดยให้ฟังราวกับอยู่ในพื้นหลัง ขอแนะนำว่าแบบฝึกหัดที่ระบุไว้ไม่เพียงแต่เล่นด้วยโน้ตเท่านั้น แต่ยังไม่มีโน้ตด้วยซึ่งจะบังคับให้คุณฟังตัวเองอย่างแข็งขันมากขึ้นและด้วยความช่วยเหลือในการได้ยินให้ค้นหาสถานที่ของการต่อต้านในโครงสร้างโพลีโฟนิก รายชื่อวรรณกรรมที่ใช้ 1. Alekseev A. วิธีการสอนการเล่นเปียโน M. , 1978 2. Braudo I. เกี่ยวกับการศึกษาผลงานคีย์บอร์ดของ Bach ในโรงเรียนดนตรี M-L., 1965 3. ประเด็นการสอนเปียโน: การรวบรวม. บทความ, ed.V. นาธานสัน. ฉบับที่ 3, M: ดนตรี 1971 4. เพลงคีย์บอร์ดของ Kalinina N. Bach ในชั้นเรียนเปียโน L.: ดนตรี, 1974 5. Korto A. เกี่ยวกับศิลปะเปียโน. อ.: มูซิก้า, 2508
6. Lyubomudrova N. วิธีการสอนการเล่นเปียโน อ.: ดนตรี, 2525 7. Timakin E. การศึกษาของนักเปียโน. คู่มือระเบียบวิธี/นักแต่งเพลงชาวโซเวียต พ.ศ. 2532

สถาบันการศึกษาเทศบาลเพื่อการศึกษาเพิ่มเติมของเด็ก
โรงเรียนดนตรีสำหรับเด็ก
เขตเทศบาลชเชลคอฟสกี้
ภูมิภาคมอสโก

ข้อความที่มีระเบียบวิธี

“งานเกี่ยวกับพฤกษ์ศาสตร์ใน ชั้นเรียนจูเนียร์ดีเอ็มเอส".

ครู Kuznetsova N.M.

ชเชลโคโว-2011

ทำงานเกี่ยวกับโพลีโฟนีที่ Children's Music School

ดนตรีพื้นบ้าน โดยเฉพาะดนตรีของชาวรัสเซีย มักจะเต็มไปด้วยจิตวิญญาณแห่งวงดนตรี การรวมกลุ่ม และยังคงรักษาประเพณีแห่งพหุเสียงไว้ภายในตัวมันเอง

ความไพเราะอันไพเราะ เพลงพื้นบ้านโดยธรรมชาติแล้วมันไม่ใช่โมโนโฟนิก เธอมุ่งมั่นในการเน้นเสียงโดยรวม เพื่อเปิดเผยตัวเองผ่านคณะนักร้องประสานเสียง ผ่านการประสานเสียง ดนตรีคลาสสิก- ในโอเปร่า, ซิมโฟนี, ในรูปแบบแชมเบอร์ - เธอมักจะยกตัวอย่างที่ดีของพฤกษ์ที่หลากหลายและหลากหลายซึ่งมีต้นกำเนิดมาจาก ประเพณีพื้นบ้าน- Polyphony ซึ่งเป็นพลังอันทรงประสิทธิภาพในวงการดนตรีอดไม่ได้ที่จะดึงดูดความสนใจอย่างสร้างสรรค์ของผู้แต่งจากหลากหลายทิศทางตลอดประวัติศาสตร์ดนตรี ผู้แต่งไม่เคยเฉยเมยต่อโพลีโฟนี การเรียนรู้โพลีโฟนีเป็นกุญแจสำคัญในการเรียนรู้ศิลปะการเล่นเปียโน ท้ายที่สุดแล้ว ดนตรีเปียโนล้วนเป็นดนตรีแบบโพลีโฟนิกในความหมายกว้างๆ ของคำนี้ หากต้องการเชี่ยวชาญเปียโนให้ดี ดังที่ยูริ บ็อกดานอฟกล่าวไว้ คุณต้องเล่น etudes และผลงานของ J. S. Bach ดังนั้นในปีแรกของการเรียนที่โรงเรียนดนตรีสำหรับเด็กจึงจำเป็นต้องปลูกฝังความสนใจและความรักในดนตรีและด้วยเหตุนี้ดนตรีโพลีโฟนิก

คำแนะนำที่ดีที่สุดในโลกแห่งดนตรีสำหรับเด็กคือเพลง สิ่งนี้เองที่ทำให้ครูสามารถสนใจนักเรียนในดนตรีได้ นักเรียนชั้นประถมศึกษาปีที่ 1 ร้องเพลงที่คุ้นเคยด้วยความเต็มใจ ฟังด้วยความสนใจและเดาตัวละครต่าง ๆ ของบทละครที่ครูเล่นให้เขา (ตลก เศร้า เต้นรำ เคร่งขรึม ฯลฯ ) ควรบอกเด็กตลอดทางว่าเสียงเช่น คำพูดถ่ายทอดเนื้อหาและความรู้สึกต่างๆ . ในบทเรียนแรก ฉันมักจะเล่น “เกม” กับนักเรียนเพื่อกำหนดลักษณะของดนตรี ขั้นแรกผมเล่นบทต่างๆ ให้เขา โดยเขาต้องกำหนดอารมณ์ที่ผู้แต่งถ่ายทอด จากนั้นให้นักเรียนกำหนดลักษณะของเพลงตามชื่อเพลงหรือตามภาพซึ่งสื่อถึงอารมณ์ได้ชัดเจน เด็ก ๆ ชอบบทละครจากคอลเลกชัน "ทำความรู้จักกับดนตรี" ของ Artobolevskaya เป็นพิเศษ ตัวอย่างเช่นละครเรื่อง "คุณอยู่ที่ไหน Leka" ตามภาพเด็ก ๆ เล่าเรื่องราวทั้งหมดว่าทำไมสุนัขถึงเศร้า รูปภาพประกอบ Minuet โดย J.S. บาคสื่อถึงยุคสมัยนั้นอย่างชัดเจน การแต่งกายของผู้เต้นรำหน้างาน จากเรื่องราวของเด็ก เราสามารถกำหนดขอบเขตอันไกลโพ้น คำศัพท์ การเข้าสังคม ฯลฯ ของเด็กได้ นี่คือวิธีที่ความประทับใจทางดนตรีค่อยๆ สะสม ทำนองเพลงเด็กและเพลงโฟล์กในการเรียบเรียงเปียโนด้วยเสียงเดียวที่เบาที่สุด - เนื้อหาที่เข้าใจได้มากที่สุด สื่อการศึกษาสำหรับผู้เริ่มต้น การเลือกละครอย่างระมัดระวังมีความสำคัญอย่างยิ่ง ความสำเร็จทางดนตรีนักเรียน. ควรเลือกเพลงที่เรียบง่ายแต่มีความหมาย โดดเด่นด้วยน้ำเสียงที่สดใส และจุดไคลแม็กซ์ที่ชัดเจน ดังนั้น ตั้งแต่ขั้นตอนแรก จุดสนใจของนักเรียนจะกลายเป็นทำนองเพลงที่เขาร้องอย่างชัดแจ้ง และจากนั้นก็พยายาม "ร้องเพลง" บนเปียโนอย่างชัดแจ้งพอๆ กัน การแสดงที่ไพเราะและไพเราะของเพลงไพเราะที่มีเสียงเดียวจะถูกถ่ายโอนไปยังการผสมผสานของท่วงทำนองเดียวกันสองเพลงในเพลงโพลีโฟนิกแบบเบา ความเป็นธรรมชาติของการเปลี่ยนแปลงนี้เป็นกุญแจสำคัญในการรักษาความสนใจในเรื่องโพลีโฟนีในอนาคต

ละครโพลีโฟนิกสำหรับผู้เริ่มต้นประกอบด้วยการเรียบเรียงโพลีโฟนิกแบบเบา ๆ ของเพลงพื้นบ้านย่อยที่เด็ก ๆ เข้าใจได้ในเนื้อหา ครูพูดถึงวิธีการแสดงเพลงเหล่านี้ในหมู่ผู้คน: นักร้องเริ่มเพลงจากนั้นคณะนักร้องประสานเสียง ("podvoloski") หยิบมันขึ้นมาโดยมีทำนองต่างกันไป เช่น เพลง Oh, you, winter - winter..." สามารถแสดงในลักษณะ "ร้องเพลงประสานเสียง" โดยแบ่งบทบาท: นักเรียนเล่นเป็นนักร้องนำและครูบนเปียโนอีกเครื่องหนึ่ง "พรรณนา" คณะนักร้องประสานเสียงซึ่งหยิบทำนองของนักร้องนำ หลังจากผ่านไปสองหรือสามบทเรียน นักเรียนจะแสดง "เสียงร้องสนับสนุน" และเชื่อมั่นอย่างชัดเจนว่าพวกเขามีความเป็นอิสระไม่น้อยไปกว่าทำนองของนักร้องนำ

ทัศนคติที่กระตือรือร้นและสนใจของนักเรียนต่อดนตรีโพลีโฟนิกนั้นขึ้นอยู่กับวิธีการทำงานของครูและความสามารถของเขาในการนำนักเรียนไปสู่การรับรู้เชิงจินตนาการขององค์ประกอบพื้นฐานของดนตรีโพลีโฟนิก

ตั้งแต่ชั้นประถมศึกษาปีที่ 1 นักเรียนจะต้องคุ้นเคยกับการเขียนโพลีโฟนิกทุกประเภท - ซับโวคอล, คอนทราสต์, เลียนแบบ - และฝึกฝนทักษะพื้นฐานของการแสดงเสียงสองและสามเสียงในงานโพลีโฟนิกแบบเบาประเภทต่างๆ แต่ไม่แนะนำให้นักเรียนชั้นประถมศึกษาปีที่ 1 รู้จักคำว่าเลียนแบบ เป็นการง่ายกว่าที่จะอธิบายแนวคิดนี้โดยใช้ตัวอย่างที่เข้าถึงได้และใกล้กับเด็ก ดังนั้นในบทละครเช่นเพลงสำหรับเด็ก "On a Green Meadow ... " คุณสามารถเล่นเพลงต้นฉบับได้สูงขึ้นหนึ่งอ็อกเทฟและอธิบายให้นักเรียนฟังเป็นรูปเป็นร่างถึงการเลียนแบบนั่นคือการทำซ้ำของแรงจูงใจหรือท่วงทำนองในรูปแบบอื่น เสียงเหมือนแนวคิดที่คุ้นเคยของ ECHO การเล่นเป็นวงดนตรีจะทำให้การรับรู้ของการเลียนแบบมีชีวิตชีวามากขึ้น: นักเรียนเล่นทำนองและครูเล่นการเลียนแบบ (ECHO) จากนั้นในทางกลับกัน การเลียนแบบเป็นวิธีหลักในการพัฒนาธีม เทคนิคนี้มีประโยชน์อย่างยิ่งในบทละครที่มีการเลียนแบบพร้อมกับทำนองเสียงที่แตกต่างกัน ดังเช่นบทละครหมายเลข 17 จากคอลเลกชันของ E.F. "เปียโน ABC" ของ Gnesina: อาจเรียกได้ว่า "Cuckoos" มากเสียจนการเปรียบเทียบการเลียนแบบกับการเรียกของนกกาเหว่าสองตัวแสดงให้เห็นตัวเอง ในคอลเลคชันนี้มีบทละครและบทละครมากมายที่สร้างขึ้นโดยเลียนแบบเกี่ยวกับเพลงและการเต้นรำ (ศึกษาหมายเลข 17, 31, 34, 35, 37) สื่อการสอนที่ดีที่สุดสำหรับการปลูกฝังการคิดเกี่ยวกับเสียงโพลีโฟนิกของนักเปียโนคือมรดกทางคีย์บอร์ดของ J. S. Bach และก้าวแรกบนเส้นทางสู่ความเข้าใจเรื่องโพลีโฟนีคือคอลเลกชั่นที่รู้จักกันดีชื่อ "The Notebook of Anna Magdalena Bach" ผลงานชิ้นเอกชิ้นเล็ก ๆ ที่รวมอยู่ใน "สมุดบันทึก" ส่วนใหญ่เป็นการเต้นรำชิ้นเล็ก ๆ เช่น โปโลเนส มินูเอต มาร์ช ซึ่งโดดเด่นด้วยท่วงทำนอง จังหวะ และอารมณ์ที่เข้มข้นเป็นพิเศษ “The Music Book of A.M.Bach” เป็นอัลบั้มเพลงประจำบ้านของครอบครัว J.S.Bach รวมถึงเครื่องดนตรีและเสียงร้องที่มีลักษณะหลากหลาย บทละครเหล่านี้ทั้งของเขาเองและของคนอื่นๆ เขียนในสมุดบันทึกด้วยมือของ J. S. Bach เอง บางครั้งเขียนโดย Anna Magdalena Bach ภรรยาของเขา และยังมีหน้าที่เขียนด้วยลายมือเด็กของลูกชายคนหนึ่งของ Bach อีกด้วย ผลงานการร้อง - อาเรียและการร้องประสานเสียงที่รวมอยู่ในคอลเลกชัน - มีไว้สำหรับการแสดงในแวดวงบ้านของครอบครัว Bach คอลเลกชันประกอบด้วย Minuets เก้าตัว ในสมัยของ J.S. Bach การแสดง Minuet เป็นการเต้นรำที่แพร่หลาย มีชีวิตชีวา และเป็นที่รู้จัก มีการเต้นรำทั้งที่บ้านและในงานปาร์ตี้รื่นเริงและในพิธีการในวัง ต่อจากนั้น minuet ก็กลายเป็นการเต้นรำของชนชั้นสูงที่ทันสมัยซึ่งข้าราชบริพารชั้นสูงชื่นชอบในวิกผมผงสีขาวที่มีลอน ภาพประกอบที่ดีของลูกบอลในยุคนั้นในคอลเลกชัน "การเผชิญหน้าครั้งแรกกับดนตรี" ของ Artobolevskaya เด็กควรใส่ใจกับการแต่งกายของชายและหญิงค่ะ ในระดับที่มากขึ้นที่กำหนดสไตล์การเต้นรำ: สำหรับผู้หญิงครีโอลกว้างใหญ่ต้องการการเคลื่อนไหวที่ราบรื่น สำหรับผู้ชายขาหุ้มด้วยถุงน่องในรองเท้าส้นสูงหรูหราพร้อมสายรัดถุงเท้ายาวที่สวยงาม Minuet เต้นรำอย่างเคร่งขรึม ดนตรีที่สะท้อนออกมาในทำนองทำให้ความนุ่มนวลและความสำคัญของคันธนู โค้งคำนับ และโค้งคำนับ หลังจากฟัง Minuet แสดงโดยครูแล้ว นักเรียนจะกำหนดลักษณะของการแสดงได้ว่ามีลักษณะคล้ายกับเพลงหรือการเต้นรำมากกว่า ดังนั้นลักษณะของการแสดงจึงควรมีความนุ่มนวล นุ่มนวล ไพเราะ ในความสงบและแม้กระทั่งการเคลื่อนไหว จากนั้นจึงจำเป็นต้องดึงความสนใจของนักเรียนไปที่ความแตกต่างระหว่างท่วงทำนองของเสียงบนและล่าง ความเป็นอิสระและความเป็นอิสระจากกัน ราวกับว่าพวกเขาร้องโดยนักร้องสองคน เสียงผู้หญิงสูงคนแรกคือโซปราโน และ เสียงชายต่ำที่สองคือเสียงเบส หรือเสียงสองเสียงดำเนินการโดยเครื่องมือสองชนิดที่แตกต่างกัน I. Braudo ให้ความสำคัญอย่างยิ่งต่อความสามารถในการเล่นเปียโน “ข้อกังวลประการแรกของผู้นำ” เขาเขียน “คือการสอนให้นักเรียนดึงเสียงที่ดังออกมาจากเปียโนซึ่งจำเป็นในกรณีนี้

การแสดงเสียงสองเสียงโดยใช้เครื่องดนตรีต่างกันมีคุณค่าทางการศึกษาที่ดีเยี่ยมสำหรับการได้ยิน เพื่อจุดประสงค์นี้ จะเป็นประโยชน์ในการเล่นตัวอย่างโพลีโฟนิกชุดแรกที่กำลังศึกษากับนักเรียน เพื่อให้เขาสามารถได้ยินเสียงทั้งสองเสียงรวมกันได้จริง เสียงหนึ่งดำเนินการโดยครู อีกเสียงหนึ่งโดยนักเรียน หากมีเครื่องดนตรีสองชิ้น จะเป็นประโยชน์ในการเล่นเสียงทั้งสองพร้อมกันบนเครื่องดนตรีสองชิ้น ซึ่งจะทำให้แต่ละท่อนเสียงไพเราะผ่อนคลายมากขึ้น นอกจากนี้ยังมีประโยชน์ในการแยกเสียงผ่านอ็อกเทฟ (บน - ฟลุต, ล่าง - ไวโอลิน) เสียงบนอยู่ในตำแหน่ง - เสียงล่างลงหนึ่งอ็อกเทฟ เสียงต่ำเข้าที่ - เสียงบนขึ้นหนึ่งอ็อกเทฟ การแยกเสียงสูงสุดที่เป็นไปได้คือสองอ็อกเทฟ หากเสียงสองเสียงผ่านไปพร้อมกันในส่วนของมือ เราสามารถแนะนำให้นักเรียนเล่นโครงสร้างเหล่านี้ด้วยมือทั้งสองก่อน ด้วยวิธีนี้ มันจะง่ายกว่าสำหรับเขาที่จะบรรลุเสียงดังที่ต้องการและวัตถุประสงค์ของงานจะชัดเจนยิ่งขึ้น จำเป็นเพื่อให้แน่ใจว่านักเรียนสามารถเล่นแต่ละเสียงได้ตั้งแต่ต้นจนจบอย่างสมบูรณ์และชัดเจน ความสำคัญของการทำงานเพื่อเสียงของนักเรียนมักถูกมองข้าม ดำเนินการอย่างเป็นทางการและไม่ได้นำไปสู่ความสมบูรณ์แบบเมื่อนักเรียนสามารถแสดงแต่ละเสียงได้จริงโดยเป็นแนวทำนองที่เป็นอิสระ หลังจากศึกษาเสียงแต่ละเสียงอย่างละเอียดแล้ว จะเป็นประโยชน์ในการฝึกเสียงเป็นคู่ เพื่อให้มั่นใจว่ามีการควบคุมการได้ยินที่จำเป็น เมื่อแสดงเสียง ขอแนะนำให้เล่นเสียงเหล่านั้นตั้งแต่ต้นจนจบ แต่ในรูปแบบเล็ก ๆ ที่แยกจากกัน กลับมาอีกครั้งในสถานที่ที่ยากที่สุดและเล่นหลายครั้ง มาก วิธีที่มีประสิทธิภาพงานสำหรับนักเรียนขั้นสูงคือการร้องเพลงหนึ่งเสียงในขณะที่เสียงอื่นเล่นเปียโน การร้องเพลงประสานเสียงแบบโพลีโฟนิกยังเป็นประโยชน์อีกด้วย สิ่งนี้มีส่วนช่วยในการพัฒนาการได้ยินแบบโพลีโฟนิกและทำให้นักเรียนคุ้นเคยกับโพลีโฟนี บางครั้งการฝึกสองเสียงก็มีประโยชน์โดยเล่นสลับกันในแต่ละเสียงเฉพาะส่วนที่ควรจะมีชัยในความหมายเชิงความหมายในการแสดงสองเสียง หากคุณมีเสียงตั้งแต่สามเสียงขึ้นไป จะเป็นประโยชน์ในการทำงานกับเสียงแต่ละคู่ ตัวอย่างเช่น ด้วยการนำเสนอแบบสามเสียง จะมีประโยชน์ในการสอนเสียงบนและกลาง เสียงบนและล่าง ล่างและกลางแยกกัน การเล่นเสียงทั้งหมดนั้นมีประโยชน์มาก โดยมุ่งความสนใจไปที่เสียงใดเสียงหนึ่ง ลบเสียงกลางออก (เหมือนเติม) และนำเสียงสุดขั้วเหมือนโครงกระดูก

เสียงบนเป็นเสียงไพเราะ เสียงล่างเป็นฮาร์โมนิค ใช้จินตนาการของเสียงต่ำ: นำเสียงหนึ่งไปที่มือขวา และเอาเสียงที่เหลือบนเปียโนออก เมื่อเสียงกลางโดดเด่นก็ทำได้ยากแต่ได้บุญมาก การจะได้ยินเสียงต่ำให้เปลี่ยนเสียงขวาง โอนเสียงล่างไปเสียงบน และเสียงบนไปเสียงล่าง นี่เป็นเรื่องยากแต่ได้ผล อย่าลืมฟังโน้ตยาวๆ และโน้ตที่ล่าช้า ได้ยินเสียงประสานที่เกิดจากหลายเสียง - (แนวตั้ง) ได้ยินเสียงแนวนอน เล่นช้าๆ และหยุดตามจังหวะที่ตกต่ำ

พหูพจน์ของ J. S. Bach มีลักษณะเฉพาะด้วยโพลีไดนามิกส์ และเพื่อทำซ้ำอย่างชัดเจน อันดับแรกควรหลีกเลี่ยงการพูดเกินจริงแบบไดนามิก และไม่ควรเบี่ยงเบนไปจากเครื่องมือที่ตั้งใจไว้จนกว่าจะสิ้นสุดผลงาน ความรู้สึกมีสัดส่วนที่เกี่ยวข้องกับการเปลี่ยนแปลงแบบไดนามิกในงานใดๆ ของ J. S. Bach ถือเป็นคุณภาพโดยที่ไม่สามารถถ่ายทอดเพลงของเขาในเชิงโวหารได้อย่างถูกต้อง สำหรับ Bach ไม่มีการหลั่งไหลของความรู้สึกทางอารมณ์ แต่เป็นความรู้สึกที่เข้มข้น - การยับยั้งชั่งใจตนเองหันเข้าด้านใน ทุกสิ่งที่เขียนในข้อความควรมีเสียง: ความชัดเจน ความแม่นยำ ความไพเราะของเสียง สิ่งที่ก้าวหน้าในข้อความคือการเล่นแบบ Legato การกระโดดคือการเอามือออก บาคมีจังหวะพอๆ กัน จังหวะที่แรงไม่โดดเด่น เขากำหนดขนาดถ้อยคำ สิ่งสำคัญคือต้องไม่ฉีกแนวและจุดเริ่มต้นของหัวข้อไม่สำคัญเท่ากับจุดสิ้นสุด Bach สร้างเสียงเซอร์ราวด์ ความสมบูรณ์ฮาร์โมนิค เมื่อใดก็ตามที่ทำงานกับคีย์บอร์ดของ Bach เราควรตระหนักถึงข้อเท็จจริงพื้นฐานต่อไปนี้ ในต้นฉบับของงานคีย์บอร์ดของ Bach แทบไม่มีคำแนะนำด้านประสิทธิภาพเลย จากนั้นสิ่งนี้ก็ได้รับการยอมรับเนื่องจากไม่มีนักดนตรี - นักแสดงในความเข้าใจของเราในคำนี้ ในทางกลับกัน Bach หมายถึงการแสดงผลงานของเขาโดยลูกชายและนักเรียนของเขาที่คุ้นเคยกับหลักการของเขาเกือบทั้งหมด ในด้านไดนามิก เป็นที่ทราบกันดีว่าบาคใช้สัญลักษณ์เพียงสามแบบในงานของเขา ได้แก่ ฟอร์เต้ เปียโน และในบางกรณีที่พบไม่บ่อยนักคือเปียโน บาคไม่ได้ใช้สำนวน crescendo, dim, mp, ff, ทางแยกที่บ่งบอกถึงความดังที่เพิ่มขึ้นและลดลง และสุดท้ายคือเครื่องหมายเน้นเสียง การใช้สัญลักษณ์จังหวะในข้อความของบาคก็มีจำกัดไม่แพ้กัน และที่ที่พวกเขาดำรงอยู่ พวกเขาก็ไม่สามารถยึดถือตามความหมายสมัยใหม่ได้ เทมโป ADAGIO GRAUE ของเขาไม่ช้าเหมือนของเรา และ PRESTO ของเขาก็ไม่เร็วเท่าของเรา มีความเห็นว่ายิ่งคุณเล่น Bach ได้ดีเท่าไหร่ คุณก็ยิ่งเล่นได้ช้าลงเท่านั้น ความมีชีวิตชีวาในผลงานของบาคไม่ได้ขึ้นอยู่กับจังหวะ แต่ขึ้นอยู่กับการใช้ถ้อยคำและการเน้นย้ำ จากงานหลายอย่างที่ขัดขวางการศึกษาพหุเสียง งานหลักยังคงทำงานเกี่ยวกับความไพเราะ การแสดงออกของน้ำเสียง และความเป็นอิสระของแต่ละเสียงแยกจากกัน

2 – ในรูปแบบที่แตกต่างกัน แทบไม่มีเลยที่ตรงกัน (เช่น ในบาร์

3 – จังหวะไม่ตรงกัน (legato และ non-legato)

4 – ในจุดไคลแม็กซ์ที่ไม่ตรงกัน (เช่น ในแถบที่ห้า - หก ทำนองของเสียงบนขึ้นและนำไปสู่ด้านบน และเสียงล่างจะเคลื่อนลงและขึ้นไปบนสุดในแถบที่เจ็ดเท่านั้น)

6 – ในความแตกต่างในการพัฒนาแบบไดนามิก (ตัวอย่างเช่น ในการวัดที่สี่ของส่วนที่สอง ความดังของเสียงต่ำจะเพิ่มขึ้น และเสียงบนลดลง)

งานคีย์บอร์ดส่วนใหญ่จะใช้งานได้โดยไม่มีข้อต่อที่ชัดเจน งานคีย์บอร์ดง่าย ๆ เหล่านั้นที่ประกอบขึ้นเป็นเพลงหลักของ Bach ของเด็กนักเรียนนั้นไม่มีคำแนะนำด้านการปฏิบัติงานใด ๆ เลย

จากสิ่งประดิษฐ์และซิมโฟนี 30 รายการ มีเพียงซิมโฟนี F minor เท่านั้นที่มีสองลีก จากที่กล่าวมาทั้งหมด เห็นได้ชัดว่าคำแนะนำการแสดงเดี่ยวที่พบในต้นฉบับของ Bach สามารถใช้เป็นสื่อการวิจัยอันทรงคุณค่าเกี่ยวกับการแสดงดนตรีโบราณได้

เรารู้ว่า I.S. เอง Bach ตั้งใจทำคีย์บอร์ดแบบเบาไม่ใช่สำหรับคอนเสิร์ต แต่สำหรับการเรียนและเล่นดนตรีที่บ้าน ดังนั้นจังหวะที่แท้จริงสำหรับการประดิษฐ์ โหมโรงเล็ก ๆ มินิเอท การเดินขบวนจึงถือเป็นจังหวะที่มีประโยชน์ที่สุดสำหรับนักเรียนในขณะนี้ ก้าวใดที่มีประโยชน์มากที่สุดในขณะนี้ จังหวะที่นักเรียนแสดงได้ดีที่สุด การเว้นจังหวะการเรียนไม่ได้เป็นการเตรียมพร้อมเป้าหมายหลัก ก้าวอย่างรวดเร็วแต่การเตรียมตัวทำความเข้าใจดนตรี จังหวะที่รวดเร็วทำให้ไม่สามารถฟังเพลงได้

สิ่งที่นักเรียนได้รับจากการทำงานในจังหวะช้าๆ—ความเข้าใจในดนตรี—เป็นสิ่งสำคัญที่สุด คุณควรจินตนาการถึงจังหวะราวกับว่าพวกเขากำลังร้องเพลง ร้องเพลงออกมาดังๆ หรือร้องในใจให้กับตัวเอง นี่เป็นวิธีที่ง่ายที่สุดในการสร้างจังหวะที่ปราศจากความเร่งรีบและความไม่สามารถเคลื่อนไหวได้ แต่คุณควรตรวจสอบให้แน่ใจด้วยว่าจังหวะช้าๆ จะไม่กลายเป็นการเคลื่อนไหวช้าๆ ซ้ำซากจำเจซึ่งไม่เกี่ยวข้องกับดนตรีเลย

^ วัสดุที่ใช้:

A. Alekseev “ วิธีการสอนการเล่นเปียโน”

G. Neuhaus “เกี่ยวกับศิลปะการเล่นเปียโน”

I. Braudo “เกี่ยวกับการศึกษาผลงานคีย์บอร์ดของ Bach ในโรงเรียนดนตรี”

สื่อการสอนหลักสูตรฝึกอบรมขั้นสูง

N. Kalinina “เพลงคีย์บอร์ดของ Bach ในชั้นเรียนเปียโน”

โรงเรียนดนตรีสำหรับเด็ก MOUDOD ของเขตเทศบาล Shchelkovsky ของภูมิภาคมอสโก

วัสดุ

สำหรับการรับรอง

ครูแบ่งตามชั้นเรียน

เปียโน

คุซเนตโซวา

นาเดซดา มิคาอิลอฟนา