Festés és rajz? Ez ugyanaz, és mi a különbség? Anyag művész festményéhez. Ha a festmény többfigurás kompozíciókat, sok embert, tárgyat, keresztény és szürreális motívumokat tartalmaz - ez a Bosch
Párbeszéd elindítása a világ kultúrájával, modern ember nem pazarolja erőfeszítéseit, hogy a saját szintjére emelkedjen, hanem éppen ellenkezőleg, megpróbálja lenyomni a saját szintjére. (valaki okos)
A fényképezés feltalálása előtt a festészetet a környezet talán tisztábban tükröző eszközének tekintették. A festményt annál jobbnak tartották, minél hitelesebben mutatott való Világ. A fényképezés 1839-ben és a mozi 1895-ös megjelenésével a festészet ismertsége jelentősen bővült, bár mások egy szűken funkcionális üzlethez ragaszkodnak és Ebben a pillanatban.
Mi a különbség a fénykép és a festmény között?
Bato Dugarzhapov "Karácsony".
A fotó egy pillanatot, más szóval egy tárgy egy nagyon konkrét, pillanatnyi állapotát örökíti meg. A festő, bármennyire is gondosan és hihetően írja ki a részleteket, először azt az ÁLTALÁNOS dolgot írja le, amit a modellben lát, vagyis a legjellegzetesebbet és legkifejezőbbet.
Ezért a fotó (kivéve a nagyon ritka fotóművészek alkotásait) illusztráció, hasonlóan egy enciklopédiában található képhez: így néz ki egy mókus, gyerekek, és így nézett ki a fotóalbum tulajdonosa 20 évvel ezelőtt. amikor fürdőkádban fürdött.
Bato Dugarzsapov „Krím”.
A modern festő felhagyott a természet másolásával – a fotózás és a filmezés ezt még jobban és gyorsabban teszi. A naturalizmus az ismétlés és a banalitás zsákutcájába taszítja a festészetet. Ráadásul a természet nem reprodukálható. Ha a néző csak a festmény legfelszínesebb árnyalatát fogadja el - az információ továbbítását „ahol minden állt”, akkor a festmény tudatossága nagyon elszegényedett és torz lesz.
A festmény alapvetően abban különbözik a fotótól, hogy nem azonos, és ez lett az alapvető különbség a színes és a fényképes kép között. A festő dönt saját akaratából, mit és hogyan hagyjunk, mit és hogyan emeljünk ki, mit zárjunk ki a képből, időről időre akár a felületes józan ész ellentétével is.
Bato Dugarzhapov „Terasz”.
Egy színes vászonfestmény a festett tárgy teljes és univerzális megjelenítése, és az abból származó emlékek közvetítése. Megmagyarázhatatlan módon lapos vásznon jelenik meg a kötet, elevenen és gyönyörű világ, a művész készítette.
Beléphetünk a képbe és hallhatjuk a madarak énekét, megérezhetjük a virágzó rét illatát, érezhetjük a nap melegített víz melegét, láthatjuk a mozgást – tisztán megértve, hogy mindez kizárólag a tudatunkban és előttünk történik, és hogy a teremtő mindezt nekünk adta.
Mi az "alla prima"?
Bato Dugarzhapov „Reggel”.
Ha korábban a részleteket a legapróbb részletekig kiírt ékszeres stílus fogadta, amikor a képet hónapokon, sőt éveken keresztül festették, majd gondosan lakkozták, akkor a 19-20. században megjelent az „alla prima” fogalma. - a latin „all prima vista” (1-y gaze) szóból impasto festékkel spontán festést jelent.
A festmény az első ülés után készen áll. A színek főleg olyan skálán keverednek, ahol frissnek és ragyogónak tűnnek. Az en plein air festésnél ez egy nagyon megfelelő munkamódszer.
A pasztositás domborműben, a fényes réteg domborulatában, plasztikus ecsetvonásban nyilvánul meg, és a tárgy anyagi oldalának hangsúlyozására, dinamizmusra szolgál. A festmények nagyobbak és informatívabbak, mint a fotók, helyi színfoltokkal érzékien hathatnak a nézőkre, a részletek szükségtelen pontosítása és pontosítása nélkül. Időnként, még ennek a specifikációnak a hiánya miatt is.
Bato Dugarzsapov „Dél. Csónakok."
Az első pillantásra véletlenszerűnek tűnő vonások és világos foltok váltakozása sokkal érzelmesebb, mint egy fotó, és az ősi, nyaldosott modor mozgást közvetít - napfoltok játékát a füvön, csillogás a vízen, imbolygó levelek stb.
Sajnos a színes kultúrában teljesen megvadult néző, aki az alla prima, elsöprő vonásokkal és csíkokkal megfestett alkotásokat látta, nem veszi a fáradságot, hogy megálljon és alaposan szemügyre vegye, hanem kifújja az arcát, és a következő szavakkal: Én is tudok így festeni” – saját előnyének tudatában megy tovább a lakkozott göndör írású alkotások keresésében, ahol nincs szükség képzelőerőre és empátiára.
Engedjük el, és később megnézzük például Bato Dugarzsapov művész „Plein Air” című festményét. Mit látunk ezen a lenyűgöző képen?
Bato Dugarzhapov „Plein Air”.
Aki látni akarja, hogyan készül a karakterek cipője – semmi. A tudatosság hullámára hangoló néző először sokat lát napfény. Aztán látunk több művészt nyári ruhában a festőállványánál és egy szakállas művészt farmerben, ecsettel a kezében. Ekkor megjelenik egy meleg kőfal, felettük felmászó wisteria fákkal, amelyeket a nap világít meg, kék ég lombhézagokban, a töltés mellvédje és mögötte a tenger. Éppen ezért a lombok nincsenek kiírva részletekbe és erekbe, mert mozog, ringatózik, és a fény is mozog, az árnyak mozognak és percenként változik a tükörkép a tengerről a távolban...
A kép hangulata teljesen fenomenális, egyszerűen csak fényt és pozitivitást sugároz. És ugyanakkor lehetetlen mutatni és magyarázni - ez ez, és itt van ez. Ezt csak úgy kell látnod, hogy kicsit eltávolodsz a képtől, és elég sokáig nézed. Ráadásul ez csak egy fájl, el tudom képzelni magamnak, hogy az eredetiben hogyan kell működnie!
Bato Dugarzsapov „A vázlatokról”.
Hasonlóan „megjelenik” az „Etűdökről” című festmény. Eleinte - kaotikus napfényfoltok és a tenger tükröződései. Aztán az ősz hajú festő a festőállvány felé hajolt. Aztán - maga a tenger: a tátongó tenger, mozog, aggódik, napsütés a hullámok valójában elvakítják a szemed (hogyan készült, felfoghatatlan), a tengerben hegyek, kavicsok és csónakok, balra megint egy hegymászó növény, esetleg szőlő.
A forró reggel (és ez a reggel, mert amikor magasan süt a nap, a tenger nem szikrázik annyira, hanem elkékül) hangulata, a déli part szépsége és e szépség iránti csodálat leírhatatlanul átadódik.
Bato Dugarzsapov „Déli este”
Bato Dugarzhapov festményei egy rendkívüli fényes környezetbe merülnek, amely a művész legszínesebb kultúrájáról, a szín- és térkapcsolatok szűkös tudatáról beszél. Alkotásait frissesség, gyors vonal- és színfoltritmus, romantikus feldobottság, a fény-tér kapcsolatok szűk felfogása jellemzi.
Különös könnyedséggel, nagy vonásokkal alkot teljes, egységes természetképet színben, fényben és tényleges dinamikában... minden csillog a napsugarakban, ott is, ahol árnyék van ott csillognak a tükröződések, ami különösen feltűnő ill. szórakoztató. A szabadon dobott színek egymáson fekszenek és sokszínű harmóniát, ritmust alkotnak, melyben a színek játéka különösen fontos.
Bato Dugarzhapov „Comói-tó”.
Bato Dugarzhapov 1966-ban született Chitában. Tomszkban végzett művészeti iskolában és a Fővárosi Városi Akadémiai Művészeti Intézetben. AZ ÉS. Surikov. A művész munkái személyes gyűjteményekben vannak Oroszországban, az USA-ban, Franciaországban, Olaszországban és Spanyolországban.
K. Yu Starokhamskaya
Sokak számára lehetetlen feladatnak tűnik emlékezni a művészekre és festményeikre. A történelem több száz év alatt sok olyan művész nevét jegyezte fel, akiknek a neve jól ismert, ellentétben festményeikkel. Hogyan emlékezzünk a művész személyiségére és stílusára? Felkészültünk rövid leírás azoknak, akik meg akarják érteni képzőművészet:
Ha a festményeken nagy fenekű emberek láthatók, biztos lehetsz benne, hogy Rubbens az
Ha az emberek gyönyörű ruhában pihennek a természetben - Watteau
Ha a férfiak úgy néznek ki, mint a göndör hajú, szőrös szemű nők – ez Caravaggio
Ha egy sötét hátterű festményen boldogító arckifejezésű ember vagy mártír látható - Tizian
Ha a festmény többfigurás kompozíciókat, sok embert, tárgyat, keresztény és szürreális motívumokat tartalmaz - ez a Bosch
Ha a festmény többfigurás kompozíciókat és összetett cselekményeket tartalmaz, de azok valósághűbbnek tűnnek, mint Bosch festményei, biztos lehetsz benne, hogy ez Bruegel.
Ha egy személy portréját látja sötét háttér előtt halvány, sárga fényben - Rembrandt
Bibliai és mitológiai jelenetek, amelyek több kövérkés ámort ábrázolnak - Francois Boucher
Meztelen, felpumpált testek, tökéletes formák – Michelangelo
Balerinák ki vannak húzva, ő Degas
Kontrasztos, éles kép sovány és szakállas arcokkal - El Greco
Ha a festményen egy szemöldökös lány látható, ez Frida
Gyors és könnyed vonások, élénk színek és természetábrázolások – Monet
Világos színek és örvendező emberek – Renoir
Fényes, színes és gazdag - Van Gogh
Sötét színek, fekete körvonalak és szomorú emberek - Manet
A háttér olyan, mint a Gyűrűk Ura című filmből, világoskék köddel. Madonna hullámos haja és arisztokratikus orra – Da Vinci
Ha a festményen ábrázolt test szokatlan alakú - Picasso
Színes négyzetek, mint egy Excel-dokumentum – Mondrian
„Régen rájöttem, hogy a műkritikusok számára az önkifejezés fontosabb, mint a lényeg.”
Eldar Rjazanov
„Miért töltöm én, egy híres moszkvai festő fia, gyermekkoromat és ifjúságomat művészek között, akiknek a gyűjteményében több festésés a grafika, mint bármely más regionális múzeumban, hallgassak a művészettörténészekre, akik még ecsetet sem tartottak a kezükben?”
Alexander Gremitskikh
A Wikipédia a „kép” kifejezést a festészettel kapcsolatban úgy határozza meg, mint „egy olyan műalkotást, amely teljes jellegű (szemben a vázlattal vagy vázlattal) és független. művészi érték." A festészettel kapcsolatos „tanulmány”, „vázlat” és „vázlat” fogalmak általában egybe vannak foglalva a Wikipédián, és egyetlen fogalomra – a vázlatra, a művész tényleges festményének előkészítő anyagára – redukálódnak.
Nézzük meg, hogy ez igaz-e a gyakorlatban:
Azt kell mondanunk, hogy minden művészeti terminológia a 19. században alakult ki, ha nem is korábban. Akkoriban nemcsak nálunk, hanem egész Európában a tisztességes embereknek kizárólag franciául kellett volna beszélniük, amint azt a festészetben még mindig használt terminológia bizonyítja. Tehát a „study” szó a francia „étude” szóból, a „vázlat” szó pedig például a francia „esquisse”-ből származik. A festők megrendelői többnyire nagyon tágas, enyhén szólva olyan helyiségekben laktak, ahol hatalmas vásznak kellett díszíteni, amit természetesen lehetetlen volt az életből megfesteni. Nyilvánvaló, hogy ilyen körülmények között csak a végterméket értékelték - az összképet (de mellesleg kizárólag azt fizették). Mivel senkinek eszébe sem jutott a falra akasztani azokat a természetből származó alkotásokat, amelyekhez szigorúan véve a vázlatok tartoznak, ezért pénzt nem lehetett kapni értük, ezért ha megfestették, az csak támogató látványként szolgált. anyag egyeseknek nagy képés még kisebb jelentőséggel bírtak, mint a vázlatok, amelyeket gondosan megírtak, mivel jóváhagyásra be kellett őket nyújtani a megrendelőnek.
Ide vándoroltak át a rég elavult definíciók „Ochakov idejéből és a Krím meghódítása” művészi kifejezések a Wikipédiára! Igen, és más szótárakba is, sajnos, és onnan - a fejünkbe.
Azonban által század vége században, a társadalom demokratizálódásával drámai módon megváltoztak a festészet végtermékéről alkotott nézetek. Ha francia impresszionisták még mindig bírálták műveik vázlatosságát, majd A.K. Savrasov arra biztatta tanítványait, hogy „tanuljanak a természetből”. Az orosz művészek közül például Konsztantyin Korovin a természetből készült vázlataival vált híressé, gyakorlatilag egyáltalán nem festett tematikus festményeket. Már a 21. században élünk, de a festészettel kapcsolatban továbbra is a 200 évvel ezelőtti terminológiáját használjuk, paradoxon, és ennyi!
A használt legegyszerűbbek félreértése mindennapi beszéd A festészet olyan ősi felfogásán alapuló kifejezések, amelyeket a köztiszteletben álló művészeti kritikusok szándékosan ráerőltetnek a nagyközönségre, akik, mint nyilvánvaló, SZAKMAGYAN semmit sem értenek a művészethez, megzavarhatják a hétköznapi embert. Ezért ebben a cikkben a festészetben leggyakrabban használt főbb kifejezéseket szeretném áttekinteni jelenkori helyzetünkkel kapcsolatban.
AZ „ÍRNI” SZÓ JELENTÉSE(természetesen a második szótagra hangsúlyozva)
Oroszul az „írni” szó alapvető jelentése „betűk és számok írása”. A festészetben a szakemberek a „képfestés” szót használják kifejezésként. Ha egy művész azt mondja: „Festettem egy képet”, akkor ebben az esetben nem szakmai terminológiát használ, hanem egyszerűen azt mondja mindennapi nyelv, Hogyan hétköznapi emberek, nem kapcsolódik művészi tevékenység. A terminológiai felfogás szerint szénnel, szangvinikussal, ceruzával, pasztellel festenek, de nem olajfestményt. „A művésznek ez a festménye olajjal van festve” – csak a festészettől távol álló ember mondhatja el. És nincs benne semmi szörnyű, nem is olyan fontos. Az sem számít, hogy nem tudja, mi az a kraplak-vörös vagy a kadmiumsárga, és még soha nem hallott umberről vagy égett siennáról. Az egyes színeket pontosan megjelölő művészi festékek (végül is a piros, a sárga és a kék más) elnevezését egy nem szakembernek teljesen felesleges tudnia, a műkritikusok pedig nem nyúlnak bele az ilyen szűken szakmailag precíz kifejezésekbe.
De ezek az urak, akik „ismerik a művészetet”, vagy leegyszerűsítve a kritikusok, vagyis a művészetről író újságírók, sikeresen ráerőltették az összes többi emberre azt a hamis elképzelést, hogy a művészetet, mondják, „meg kell érteni”. Ki tud a művészetről? Persze a műkritikusokon kívül senki!
Így sikeresen elmagyarázták nekünk, hogy a képzőművészetben semmit sem tudunk és nem értünk. És a legérdekesebb, hogy ezzel teljesen egyetértünk! Kitől lehet kérdezni: „Nem értek a festészethez”, „Nem értek a művészethez”..., és ehhez hasonlók.
Tulajdonképpen mit kell érteni? A művészet, beleértve a képzőművészetet is, nekünk teremtett, hétköznapi emberek, és nem a „specialistáknak”, a természettől fogva mindannyiunkban rejlő esztétikára apellál. A művészetben a nézőnek, olvasónak, hallgatónak csak két kritériuma van - tetszik és nem. El fogsz olvasni egy unalmas könyvet? Néz rossz film vagy színdarab? Hallgatsz operát, zenét vagy olyan dalt, amit nem szeretsz? Szerinted Kazimir Malevics zseniális művészés Velimir Hlebnikov - zseniális költő? Nem? Bravó! Nagyon jól értesz a művészethez!
De ahhoz, hogy te és én, ahogy I. Péter fogalmazott, „felismerhessünk a többi tudatlan bolondtól”, még mindig meg kell értenünk néhány olyan általános kifejezést, amelyek gyakran előfordulnak a mindennapi beszédben, és ebben az esetben a festészettel kapcsolatosak. .
ANYAG A MŰVÉSZ FESTÉSÉHEZ
A nem hivatásosok ugyanezen művészeti kritikusok javaslatára általában ezt hiszik valódi kép Az olajfestményeket kizárólag vászonra szabad festeni, és az egyéb alapok, például a művészi karton általában nem érdemelnek figyelmet. Akkor a „Mona Lisát” nem is szabad festménynek tekinteni, mert Leonardo hársfa deszkákat használt a munkához.
Meglepően kényelmes a fehér összetételű, krétából és ragasztóból álló, úgynevezett alapozó, vagy ha a művész igénye szerint színes alapozó, vagyis a speciális művészi kartonpapír, amelybe a festékek nem szívódnak fel. dolgozik, különösen a plein airben. A karton egy kompakt, meglehetősen sűrű anyag, amely nem rugózik vissza az ecsetnyomás hatására, ellentétben a vászonnal. A vászon a helyiség hőmérsékletének és páratartalmának változása hatására megereszkedik vagy megnyúlik, ezért a festékek idővel összeomlanak, de a kartonon nem. A kartonra festés ugyanolyan tartós, mint maga a karton, és a karton tartósságban még a vásznat is felülmúlja.
Ugyanez elmondható a farostlemezről is, bár sokkal nehezebb, mint a karton. A szovjet művészek gyakran maguk alapozták le a farostlemezt, vagy akár egyszerűen, hogy kényelmesebb legyen a festés és az ecset ne ugorjon vissza, speciálisan a farostlemezre ragasztották az alapozott vásznat. Tessék ragyogó példa, orgonás csendélet elég képméret:
Mi a helyzet a vászonnal? A művészek kizárólag vele vannak Orosz Birodalom 1862-ig dolgozott, amikor az orosz ipar elkezdett művészi kartont gyártani.
A vászonhoz nehéz hordágyra van szükség, valamint a vászon jó nyúlására. Ilyenkor a munka befejezése után sokat kell várni a festék megszáradására, ellenkező esetben a vászon nem tekerhető fel, mivel a nedves festékek összeragadnak és a festmény teljesen tönkremegy. A festékek száradása akár egy hónapig is eltarthat. Itt kezdik a művész kényszerleállást tapasztalni. Szállításhoz a festményt, ha nagy, le kell venni a hordágyról, és óvatosan egy nagy babinára tekerni, a festménnyel felfelé, hogy a festmény ne sérüljön meg. A következő lépés a helyszínre szállítás után a vászon újrafeszítése a hordágyra, helyesen, torzulások, sarkok ráncok és megereszkedés nélkül, de túlzott feszültség nélkül is (mindez a festőréteget is károsíthatja). És idővel a hordágyon kifeszített vászon a páratartalom és a hőmérséklet változásának hatására megereszkedhet, vagy éppen ellenkezőleg, túlságosan megnyúlhat, ami akár a vászon megrepedésével is fenyegethet. Ez viszont a festékréteg leesését okozhatja, ami tönkreteheti vagy tönkreteheti a festményt. Ezért a csarnokokban és a raktárakban művészeti múzeumok ezért szigorúan figyelik a páratartalom és a hőmérséklet állandóságát.
A művészi kartonnak számos előnye van. Könnyű, kültéren pedig egy speciális, bilincsekkel ellátott fakeretbe helyezhető, melynek tetején övfogantyú található a szállításhoz. Erről a hasznos eszközről az apám papírjaiban őrzött rajz ad egy ilyen vázlatkeretet, amelyet apám rendelt valamelyik asztalostól. Íme a rajz:
Néha egy festő két kartonpapírt visz magával vázlatokhoz. Először egyet használnak, majd ha
a világítás vagy a hangulat megváltozott, vagy más motívum vonzotta magára a figyelmet, a művész vesz egy második kartont, és ír rá. A munka végeztével a festéssel még nyers kartonokat a keret belsejébe forgatja és bilincsekkel rögzíti. A kartonok nem érnek egymáshoz. A festmény sértetlen és sértetlen marad. A műhelyben megszárad.
Ezért 1862 után, amikor megindult az alapozott művészi karton ipari gyártása, a festők fokozatosan egyre inkább plein airbe kezdtek a kartonnal.
A műkritikus urak, akik minderről semmit sem tudnak, és maguk sem írtak egyetlen vázlatot sem, lenézik művészi karton, valamiért nyilvánvalóan befejezetlennek tartotta a kartonra festést, csak abból kiindulva, hogy kartonra többnyire vázlatokat írnak, amelyek, mint alább látni fogjuk, mindig kész, gondosan kidolgozott, sokszor sok munkát igénylő munkák. Sőt, a „tanulmány” szót is kitalálták, a befejezetlenség, hanyagság és... befejezetlenség szinonimájaként használták! De hadd kérdezzem meg, mi köze a kivitelezés hanyagságának vagy a kép hiányosságának ahhoz, hogy mire van festve? És nincsenek vázlatok a vásznon?
A festmény egyébként a szocialista realizmus stílusában készült szovjet művész Nikolai Ovchinnikov „A boltban”, amely 2016 szeptemberében V.V. Putyin születésnapi ajándékot adott D.A. Medvegyev kartonra van írva.
Szigorúan véve ez nem egy festmény, hanem egy teljes méretű vázlat, amelyet a művész közvetlenül a gyári műhelyben készített, de erről a terminológiáról az alábbiakban lesz szó.
A legfontosabb nem az az anyag, amelyre a festményt felvitték, hanem az, hogy a művész hogyan tudta tükrözni a valóságot, hangulatot, érzéseit, és közvetíteni azokat a néző felé. Az alapanyagnak, legyen az vászon, karton, farostlemez, papír, tábla vagy akár vékony horganyzott vas, ehhez semmi köze. Fontos a tehetség, a tapasztalat és a jó művészeti iskola. Azt mondják, hogy Abramtsevo S.I. Mamontov egyszer lecserélte a háza tetejét. M.A. Vrubel felkapott egy darab tetőfedő vasat, és orgonát írt rá. Akkor most ez nem Vrubel?
Itt van „D. P. Smirnova, a Trekhgornaya manufaktúra dolgozója, a Szovjetunió Legfelsőbb Tanácsának helyettese portréja”
Szergej Fedorovics Szolovjov szovjet művész munkái. Horganyzott vasra is készül. A portré szerényebb, 37,5 x 31,5 cm-es méretei és ilyen hivatalos címe miatt egyértelműen egy nagyszabású, megrendelésre készülő, vezető ember portréjához készült tanulmány. Amikor a modell a művész műtermébe jött pózolni, nem volt más kéznél, ezért egy teljesen kész kisméretűt festett. női portré, ami aztán talán kisebb változtatásokkal átkerült egy nagy vászonra.Néha az akkori minden hiánya miatt szovjet művészek festettek olajfestmények még papíron is, amit egyáltalán nem erre szántak. Ezt különösen apám csinálta néha. Aztán apám halála után ezt a papírt kartonra kellett ragasztanom. ("Hóeső" papír, karton, olaj; 61,5x82; 1969)
Hogy miért, még a zsákvászonra is ráírták a szakadt zacskókból! És jól sikerült!
Például apám munkája „elnök”. A története a következő: apja üzleti utat kapott az egyik altáji kolhozba, valahol Bijszk közelében, azzal a feladattal, hogy írja meg az ottani elnököt, a szocialista munka hősét. A kolhozban természetesen nem volt vászon, még kevésbé alapozott, ezért apám feltépett egy hatalmas zsákot, ráfeszítette egy rögtönzött hordágyra, amit azonnal összeraktak, lealapozta a zsákvászont és megfestette az elnök portréját. Ezt követően 50 évvel az események után ezt a munkát egy már normális hordágyra kellett húznom.
Vagy itt őszi táj„Crimson Autumn”, apám írta valahol egy távoli faluban, szintén hasonló technológiával:
Így: HA HATALMAS TÖBBMÉTERES KÉPET FESTET, akarva-akaratlan kénytelen lesz vászonra festeni KIZÁRÓLAG A UTÓBBI SZÁLLÍTÁS SZÁMÁRA, és nem azért, hogy művészi értékű legyen!
Más esetekben nem mindegy, hogy mire kell ráírni, különben a P.M. által vásárolt elsők. Tretyakov két ETÚD M.A. Vrubel KARTONRA, mindegy művészi érték fogalma sem volt.
VÁZLATOK ÉS VÁZLATOK
A vázlat végül is bármit is mond, egy teljesen kész, viszonylag kis méretű teljes körű olyan alkotás, amely a szabadban (táj) vagy mondjuk a műteremben készült (csendélet, portré) és egy teljesen önálló alkotás. A vázlatokkal azonban a jövőben nagy kép, néha akár egy hatalmas, több méteres vászon is festhető, ami csak a műteremben lehetséges. A vázlatok, különösen a tájképekhez, leggyakrabban méretei durván szólva nem haladják meg a 60 x 80 cm-t, azaz olyan méret, amelyet egy személy hordozhat. Íme egy példa egy ilyen teljes léptékű vázlatra:
A vázlat lehet egy alkalomból álló tanulmány, egy munkamenetben, azaz egy nap alatt megírva. De ez elég ritkán fordul elő, sokkal gyakrabban kell az etűdhöz több, vagy akár több ülés is. Egy több munkamenetből álló vázlat, különösen, ha egy teljes méretű tájképről van szó, néha több éves munkát igényel. Ez általában akkor történik, amikor az időjárás élesen és hosszan változik, és a kívánt állapot most már jövőre megjelenik. Hát például írsz arany ősz A ragyogó napsütésben még hátra van pár alkalom, de itt egy teljes hónapig esik, és jövőre óhatatlanul erre a helyre kell jönnünk.
És így, a vázlat teljes körű munka, egy kész műalkotás, amelyre a festő nem kevés munkát költött, vagyis köznapi nyelven egy elkészült olajfestmény viszonylag nagy méretű.
Természetesen vannak befejezetlen vázlatok is, de egy több méteres festmény is lehet befejezetlen. Tehát, mint látjuk, már régóta elavult, több mint 100 éve elvesztette értelmét korábbi érték, a tisztelt művészeti kritikusok azon gondolata, miszerint a vázlat minden bizonnyal valami befejezetlen és jelentéktelen művészi értékű dolog, amit sajnos határozottan a fejünkbe véstek, és ami sajnos még a szótárakból is tükröződik, ma már rég nem. a legcsekélyebb okot sem támogatta.
VÁZLAT
A vázlat abban különbözik a vázlattól, hogy mindig kizárólag egy nagy témájú festmény (többfigurás kompozíció egy meghatározott témában. Például Surikov „A Streltsy kivégzés reggele”) elkészítésére készül. A teljesség nem mindig van jelen a vázlatban, és ebben az esetben vázlat jellege van. Hasonlítsunk össze két vázlatot nagy munkák Claudia Tutevol szovjet művész. Az első esetben a vázlat saját magának készült, munkaanyagként (Vázlat a VDNKh Űrpavilonjának paneljéről)
A második esetben (Az Almati Abay Opera- és Balettszínház mennyezeti mennyezetének vázlata) a vázlat a művészeti tanács jóváhagyására készült, amit a vázlat bal alsó és felső részén található aláírások és bélyegzők is tanúsítanak. Ezért teljesen kész és kész, nincs vázlatosság, i.e. Itt nincs szaga a hanyagságnak vagy a befejezetlen munkának. Az építészetben például ez a megfelelő építészeti struktúra modellje lenne.
Vázlat egy festményhez lehet teljesen kész, sőt gondosan megrajzolt vagy megrajzolt kéz, láb, fül, arc, ember, ló, kutya, más állatok alakja vagy feje, de akár traktor, teherautó, bármilyen tárgy vagy ruhadarab, minden, ami jelenleg érdekli a festőt, általában bármi, ami a jövőben bekerülhet nagy kép művész. Sőt, mindez néha elfér ugyanarra a vászonra, kartonra vagy farostlemezre.
Az ilyen, néha befejezetlen, hanyagul, elhamarkodottan elkészített vázlatokat vázlatoknak is nevezik, vagyis azt, amit a művész egy nagy, többfigurás kompozíció megalkotása során „vázol” egy papírlapra, kartonra, vászonra stb.
Emellett a vázlatokat gyorsvázlatoknak is nevezik, amelyeket a művész spontán, a pillanat hatása alatt készített. Példa erre V.G. vázlata. Gremitskikh "Away" 25,5x17 papír, ceruza; 1940-es évek.
V.G. Gremitskikh "Away" papír, ceruza; 25,5x17; 1940-es évek |
Amint látjuk, a művész az első csomagolópapírra, amely a keze ügyébe került, csak saját magának rajzolt egyszerű ceruzával, szintén nyilvánvalóan egy általa megfigyelt műfaji jelenettel találkozott.
De a moszkvai művész, Igor Radoman megfestette apámat, aki egy ágyon pihen valahol az „Academic Dacha” művészházban:
A szovjet időkben számos találkozón és ülésen a művészek állandóan unatkoztak, és egymásról ceruzás vázlatokat készítve szórakoztak. Sok hasonló vázlat van a gyűjteményemben különböző művészektől.
Vázlat nem csak ceruzával, hanem olajfestékkel, szangvinikussal, pasztellel, szénnel, tollal és bármi mással is készíthető. golyóstoll, mert egy igazi művész egy percig sem élhet hivatása nélkül. A realista művészek számára ez egyszerűen egyfajta feltételes reflex szintű szakmai mánia, amely állandó képzést, képességek fejlesztését igényli, ami valójában megkülönbözteti az igazi művészt, aki minden nap és minden órában egész életét a művészetnek szenteli. , az úgynevezett „modern” művészek és avantgárd művészek közül, akiknek nem kell tudnod semmire, ezért nem kell képzettség - nincs hozzáértés, nincs mit csiszolni, csak négyzeteket festeni és háromszögek!
Egyébként egy vázlat, attól függően, hogy a művésznek mennyi időt kell elkészítenie, teljesen kész rajzmá válhat. Itt van egy teljesen kész gyermek portré Vaszilij Vasziljevics Szerov muromi festő „Volodya at play” ceruzával, de ennek ellenére - ez egy vázlat!
A vázlatok segítséget nyújtanak a művész munkájának folyamatában egy nagy tematikus kép. A vázlatok nemcsak olajban készülnek, hanem szénnel vagy ceruzával, temperával stb. Ezenkívül a vázlatban összeállítható a művész teljes leendő nagy, többfigurás festménye.
Példaként említhetünk két vázlatot egy nagy tematikus festményhez: „Parancsnokok Polgárháború"Grigorij Gordon szovjet művésztől, ami a polgárháború leghíresebb vörös parancsnokainak csoportképe.
Eleinte a festő úgy döntött, hogy egyszerűen sorba rendezi őket egy piros transzparens hátterében,
de aztán ez a kompozíció unalmasnak tűnt számára, és úgy döntött, hogy kissé bonyolítja:
Amint látjuk, ebben az esetben a vázlatok temperában készültek, ráadásul mindkét mű vázlatossága ellenére i.e. a végrehajtás befejezetlensége és látszólagos hanyagsága, a jövő nagy képének minden hőse jól felismerhető. Tisztán látjuk Vorosilovot, Budjonnyt, Shchorsot, Frunzét, Csapajevet, Parkhomenkót stb.
És itt van egy vázlat a már említett muromi művész V. V. „Aleksander Uljanov letartóztatása” című nagy tematikus festményéhez. Serova:
Természetesen az eredmény nagy valószínűséggel eltér az eredeti tervtől. Egy igazi művésznek általában soha nem jön ki új dolog a fejéből. Folyamatosan elmélyül az őt érdeklő témában. Átgondolja, meggondolja magát, sokat figyel, olvassa a vonatkozó irodalmat. Ha a leendő tematikus festmény tájképet tartalmaz, akkor ennek megfelelő vázlatokat írnak a természetből, amelyek utólag, általában kissé módosított formában kerülnek át a festményre. Néha több teljes méretű vázlat egyes részletei egyszerre kerülnek át egy nagyobb képre.
A teljes léptékű vázlat azonban, ellentétben a vázlattal és vázlattal, egy mű, mint láttuk, önálló és szükségszerűen teljesen kész. Íme egy szemléletes példa. Miután megrendelést kapott egy „Lenin és Gorkij Gorkiban” című nagy tematikus festményre, apám kifejezetten 1952 tavaszán sokszor utazott a Moszkva melletti Leninszkij Gorkiba, és ott két nagy vázlatot festett, mindkettőt vászonra. Először is: „Gorki. Tavaszi. vászon, olaj; 60x80 cm",
majd - „Gorki Leninskyben olaj, vászon; 78,5x57 cm."
Ezt követően az utolsó nagy festményen apám a második vázlatot vette alapul, kicsit hátrébb húzta a lépéseket, és eléjük helyezte Makszim Gorkijt, aki Leninnel beszélget. A „Gorki. Tavaszi." a természet korábbi állapotát vette a háttérbe, magát a tájat egy pavilonnal jelentősen lecsökkentve ahhoz képest központi figurák. Mindazonáltal mindkét vázlat önmagában egy teljesen befejezett önálló parkos tájat képvisel, nem különbözik édesapám többi számos természeti tájától. Ha nem meséltem volna el ezt a történetet, ön, még ha háromszor is műkritikus lett volna, soha nem gondolta volna, hogy mindkét művet felhasználták a szocialista realizmus festményének megalkotására, igaz? Hogyan mondhatjuk tehát, hogy a vázlatoknak nincs teljes jellegük és önálló művészi jelentősége? (Emlékezzen a definícióra a Wikipédiában).
Egy nagy tematikus többfigurás festmény óriási és hosszadalmas munkát, jelenlétet igényel Hatalmas mennyiségű vázlatok és vázlatok. Kizárólag műteremben festik, gyakran sok éven át. Vegyük például A. A. Ivanovot „Krisztus megjelenése a nép előtt” című hatalmas festményével, amelyen a művész húsz évig dolgozott - 1837 és 1857 között, vagy Vaszilij Szurikovot, aki három-öt festményén dolgozott. évek.
MI A KÜLÖNBSÉG a KÉP és a TANULMÁNY között?
A vázlat független és teljesen kész műalkotás, elsősorban abban különbözik a festménytől, hogy az életből festett. A képet kizárólag a stúdióban festik hatalmas mennyiségű anyag - etűdök, vázlatok, vázlatok, ceruzavázlatok és fényképek - alapján. Néha tanulni kell nagyszámú irodalom és folyóirat, míg a cselekményt, vagyis a kép témáját maga a művész találja ki, vagy a megrendelő diktálja. És ami a legfontosabb, a festmény mindig a MŰVÉSZ ELŐZETES SZÁNDÉKÁT testesíti meg, míg a vázlat FŐLEG SPONTÁN ÍRÁS - a művész előveszi a vázlatfüzetet, és elindul motívumot keresni, pl. amilyeneket írni fog. Ahol meglátta, ott megállt és írt.
Ez alól a kifejezetten nagy tematikus festmények készítésére írt etűdök sem kivételek. Abban az esetben, amiről fentebb beszéltem, apám először talált egy pavilont Leninsky Gorkiban, úgy döntött, hogy elé állítja Lenint és Gorkijt, és csak ezután festett két vázlatot az életből ezzel a pavilonnal.
Alapvetően ezt lehet mondani minden, ami az életből le van írva, vázlat, legyen az tájkép, csendélet vagy portré, és minden, ami előzetes tervet igényel, hosszú távú munka sok és változatos előkészítő anyagok- Ez egy kép .
Egy festmény határozottan nevezhető nagy, és néha egyszerűen hatalmas méretű korszakalkotó vászonnak. Volt egy ilyen művész Henryk Ippolitovich Semiradsky. Tehát akkora festményeket festett, hogy a műteremben a mennyezetre lógtak, és a padlóig értek, és ez nem hruscsovban történt. Ezért az akadémikusnak és a Császári Művészeti Akadémia professzorának állandóan lépcsőzni kellett, olykor hatalmas munkái voltak. A G.I. Szemiradszkij festményei többnyire nagyméretű, ókori témájú fantasy festmények voltak, amelyek témáit a fejéből vette, mert való élet Ókori Görögország Rómát természetesen Néró császár idejében nem figyelhette meg saját szemével.
A festmény azonban meglehetősen szerény méretű lehet, különösen a zsánerképekhez, vagyis a hétköznapi jeleneteket ábrázoló művészek festményeihez. Például Pavel Fedotov híres „Az őrnagy párkeresése” vázlatmérete meglehetősen nagy - csak 58,3 x 75 cm, de amint érti, nyilvánvalóan nem közvetlenül egy kereskedő nappalijában festették.
A történelmi kép általában véve kizárólag fantázia. Mindkét Vasnyecov testvér például történelmi anyagokra írt, de nagyon különbözőre. Az egyik újraalkotta Moszkva életét és építészetét a 14. és XVII századok, a másik az oroszokat vette alapul népmesékés eposz. De ha Apollinaris komolyan, tudományos szinten foglalkozott történelemmel és régészettel, tagja volt különböző történelmi és régészeti társaságoknak, szenvedélyes támogatója volt a történelem ismeretterjesztésének, a középkori Moszkva életét és nézeteit igyekezett újrateremteni. „ahogyan volt” ősi dokumentumok és eredmények alapján régészeti ásatások, amelyben néha személyesen is részt vett, bátyja, Victor festményei már tisztán fantázia jellegűek voltak.
A harci festmények ugyanebbe a kategóriába tartoznak. Az életből közvetlenül a csatatéren festeni őket, ahogy egyes művészettörténeti hölgyek képzelik, egyszerűen nevetséges. A híres orosz csatafestő V.V. Verescsagin, aki személyesen megfigyelte a sok csatát, és néha közvetlenül is részt vett azokban, festményeit kizárólag emlékezetből festette, természetesen a műteremben, számos vázlatra támaszkodva, amelyeket a hadműveletek színházain készített. Ezen kívül Vaszilij Vasziljevics sokat olvasott, szemtanúkat kérdezett, rengeteg pénzt költött kellékekre - fegyvereket, egyenruhákat, felszereléseket vásárolt, amelyeket aztán az életből merített, így készített vázlatokat a festményekhez, amelyekre gondolt.
A tájat ábrázoló nagy festmények szintén nem valódi dolgok, hanem a művész fejéből találták ki, és természetrajzok alapján készültek. Egyszer véletlenül láttam egy körülbelül 60x80 cm méretű vázlatot, amely alapján I.I. Shishkin már 107 x 187 cm-es nagy festményét festette, a vázlat vászonra került, és mindent ugyanúgy ábrázolt, mint a képen, csak az út nem egyenesen a szemlélőtől a fenyőfákig, hanem valamelyest oldalra, ill. eltérő volt a fenyőfák száma . Ebben az esetben egyértelműen a természetből készült vázlat szolgált alapjául egy nagyméretű, tájképes festmény elkészítéséhez, de maga egy teljesen kész és gondosan kidolgozott alkotást képvisel.
Így nem csak festmény vázlatáról beszélhetünk, hanem festmény vázlatáról is, ha a vázlat kifejezetten ehhez készült. Leggyakrabban ez a tájra vonatkozik. Ha I.I. Shishkin a fent említett vázlatra szorítkozott, és valamiért nem írt belőle nagyszabású művet, most a műkritikusok Tretyakov Galéria dicsekedett I.I. festményével. Shishkina „Rye” 60x80 cm, anélkül, hogy sejtené, hogy ez egy teljes körű vázlat.
ÖSSZEFOGLALJUK:
A festmény, ellentétben a vázlattal, szükségszerűen előzetes művészi tervet, hosszú távú gondolkodást igényel, és mindig kitűnik a gondos kivitelezéssel és befejezéssel, úgymond kiírva. Bármilyen méretű festményt a művész mindig a műteremben fest meg sokféle anyag alapján: fényképek, előkészítő vázlatok és vázlatok, valamint szükség esetén a természetből előre megírt vázlatok alapján. Egy festmény, még kicsi is, és még több nagy méretek, mindig nem a szabadban festik, még akkor sem, ha tájról van szó (próbálj egy ilyen kolosszust magával húzni egy mezőre vagy erdőbe!), hanem a művész műtermében. Egy nagy festményt minden bizonnyal vászonra festenek, ami nem másnak köszönhető, mint a nagy vásznak szállítási kényelmének.
A tematikus festmény – ahogy a kifejezés maga is sugallja – egy meghatározott témáról készült festmény. Leggyakrabban ez egy nagy, több alakos kompozíció. Ez a kifejezés már a szovjet művészettörténetben is megjelent, így leggyakrabban az úgynevezett szocialista realizmus alkotásaira alkalmazzák, például a polgári, nagy témában. Honvédő Háború, vagy mondjuk „Lenin októberben”. Mivel az ilyen művek mérete gyakran egyszerűen óriási, a művész természetesen műtermében dolgozik egy ilyen festményen, és vászonra festi. „A kozákok levelet írnak a török szultánnak” I.E. A 2,03 x 3,58 méteres Repint elvileg tematikus festménynek is nevezhetjük, bár szocialista realizmus ott nincs szaga. Ilja Efimovics is megírta a műhelyben sok vázlat és vázlat, valamint például „Uszályszállítók a Volgán” (1,31 x 2,81 m) alapján.
Műfaji festészet - a név innen származik francia szó A "műfaj" általában a munka
Kicsi beszélgetési darab nem csak vászonra, hanem kartonra vagy farostlemezre is készíthető. Ez az anyag már a 20. században kezdett széles körben elterjedni.
Van olyan fogalom is, mint műfaji portré. A portré egyszerűen egy személy portréja semleges háttér előtt, de ha van olyan háttér, amely tárgyakat, embereket, vagy akár egy ipari tájat ábrázol, amely például az ábrázolt személy foglalkozását sugallja a néző számára, akkor ez már műfaji portré. Példaként említhetjük Klavdia Aleksandrovna Tutevol szovjet művész „A bányászati munka veteránja” műfajú női portréját, amelyet már itt is említettünk:
A vázlat, ahogy fentebb mondtuk, teljesen kész önálló mű, de mindenképpen természetből. Teljesen önálló műalkotás, de segédanyagként is szolgálhat a művész egy nagyméretű festményéhez, ami semmit sem von le művészi értékéből. Lehet csendélet, portré, tájkép, enteriőr. A vázlat viszonylag kis mérete miatt a fenti anyagok mindegyikére festett, de a lényeg benne természetesen a festő munkájának minősége, az a képessége, hogy csendéletben kompozíciót tudjon építeni, tükrözze a a modell karaktere egy portréban, átadja a tenger, a hideg izgalmát vagy békéjét téli erdő, a naplemente szépsége, az arany ősz varázsa ill tavaszi hangulat természet a tájban.
A vázlat segédmunka, célja a jövőbeli kompozíció ötletének rögzítése
tematikus kép. Példaként vegyünk egy vázlatot E. D. Ishmametov „Szűz földek” című festményéhez. Ebben a művész a szereplők kompozícióját és színezését, karaktereit, pózait dolgozta ki, majd egy nagy festményt festett ebben a témában. A festő mindig nagyon alaposan kigondolja a festmény vázlatát. Általában egy vázlatot valamiféle befejezetlenség, befejezetlenség jellemez. Ez annak a ténynek köszönhető, hogy a művésznek leggyakrabban nem kell befejeznie, van egy másik feladat - a jövőbeli festmény kompozíciójának lehetőségeinek kidolgozása, az eredeti koncepció finomítása. Ezért a vázlat leggyakrabban vázlat jellegű. De lehet teljesen kész, gondosan megrajzolt alkotás is, különösen akkor, ha a vázlatot a válogatóbizottság jóváhagyására szánjuk, ahogy azt a színházi mennyezet vázlatának példáján már láthattuk. Claudia Tutevol Abai Almatiban.A vázlat, ha egy festmény megmunkálása közben készül, szintén pusztán segédmunka, befejezetlen, nem részletezve.
Gyorsan írják vagy rajzolják, de figyelmetlenség jó művészek nem történik meg benne. Gyorsan felvázolhatod mondjuk egy makett fejét, amiből később egy csodálatos kész portré lesz, vagy gyorsan felvázolhatsz néhány figurát, amelyre később szükség lehet egy nagy festmény kompozíciójának elkészítéséhez, és a A vázlat önálló munka marad, érdekes gyűjtők és amatőrök számára. Itt van például V.G. vázlata. Gremitsky "Tánc":Azonban, mint fentebb láttuk, a vázlatok lehetnek teljesen függetlenek is.
A vázlatnak általában vázlat jellege is van, de a vázlat lényegében egy jövőbeli festmény terve, annak teljes kompozíciója, míg a festmény vázlata egy gyors vázlat valamiről, ami elvileg belekerülhet egy jövőbe. festmény.
NÉHÁNY EGYÉB FESTMÉSZTÉSI FELTÉTELRŐL:
Egyszer nagyon meglepődtem, amikor megtudtam, hogy a staffage „olyan olajfestmény, amely nem egyértelműen ábrázolja az emberek vagy állatok alakját”. Valójában a staffage kis ember- vagy állatfigurák, amelyeket a művész a tájba vésett, hogy újjáéledjen.
Egy másik kifejezés innen tájkép festmény- hangvilla. Ez egy világos folt, amely ellentétben áll a táj általános hátterével. Általában ez egyfajta személyzet. Példa erre egy taskenti művész munkája
V.M. Kovinina" Hegyi táj"egy élénkpiros nemzeti ruhába öltözött lány alakjával.
Furcsa, ha bármelyiket felhívják olajfestmény, még kis méretben is, és még kartonra is írva. „A len a legegyszerűbb szövésű, sima és sűrű vászonszövet; a legkiválóbb fajtákat cambric-nak, a legdurvábbakat vászonnak, vászonnak, egyenvezetéknek stb. (Wikipédia). A vászon tehát a festészethez képest nem lehet sem karton, sem farost, mindenképpen vászon.
A festészetben a vásznak hatalmas méretű festmények, és általában valamilyen korszakalkotó témára épülnek. Így elmondhatjuk, hogy Vaszilij Surikov ecsetjéből csak vásznak kerültek ki, de Konsztantyin Korovin elsősorban vázlatmunkáival vált híressé. Ha Aivazovsky „Kilencedik hulláma” teljes mértékben vászonnak nevezhető, akkor a már említett Fedotov „Friss lovag” című kis művével kapcsolatban egyszerűen vicces lesz, annak ellenére, hogy azt is vászonra festették.
Még egy kicsit a talajokról: Mi az a gesso? Ez egy speciális, szintén kréta alapú alapozó, amivel fadeszkát fednek le. Korábban ben Nyugat-Európa A képeket gyakran festették táblákra, oroszul pedig ikonokra, és mindig. Ez egy rendkívül kényelmetlen anyag. Hollandiában egy időben a deszkákat 50 évig szárították, csak ezután állították munkába. Manapság a művészek ritkán használnak gessót, mivel a festék a vastag alapozóréteggel együtt idővel vagy enyhe ütéstől könnyen letörik. A modern ikonfestők pedig egyre kevésbé használják.
Befejezésül az egyértelműség kedvéért álljon itt még néhány illusztráció:
V.G. munkája Gremitskikh, amelyet „Etűdnek” hívnak. Ez lényegében, ahogy a név is sugallja, egy munkás teljes méretű, egymenetes műfaji portréja, amelyet közvetlenül a Kujbisev vízierőmű építésénél a munkahelyén festettek.
És íme egy műfaji portré Valerij Kovinin taskenti művésztől:
Nyilvánvalóan nem egymenetes portréról van szó, ahol a művész a modellként szolgáló kollégáját számos üléssel kínozta, ami a mű gondos kivitelezéséből és méretéből is kitűnik. De ennek ellenére ez férfi portré nem egy festmény, hanem egy többmenetes vázlat a természetből, ami semmit sem von le művészi értékéből.
Ennek az utolsó állításnak a bizonyításához vegyük figyelembe a híres női portrét: „Lány, akit megvilágított a nap”. Unokatestvére, Maria Simonovich V.A. Szerov 1888 nyarán a természetből festett, minden napsütéses napot elkapott (felhős napokon a „Túlnőtt tó” tájat festette). Előzetes terv (fentebb azt mondtuk, hogy van híres művész szintén hiányzott, csak az ő szavaival élve „valami örömtelit akart írni”.
Így itt nem másról van szó, mint egy tipikus többmenetes természetrajzi vázlatról, amelyet szeszélyből, egy azonnal felmerülő vágy szerint írnak. Szerencsére P.M. Tretyakov, aki ezt a művet megszerezte, még nem tudta, hogy „Egy képzőművészeti tanulmány egy jövőbeli mű előkészítő vázlata”. (Wikipédia) Valentin Serov pedig rendkívüli fokú szakmaiatlanságról tett tanúbizonyságot, és mindössze 90 napot töltött mindössze két előkészítő vázlaton - egy lány portréján és egy tóval ellátott tájon!
Még sok hasonló példát tudnék hozni, de attól tartok, már nagyon elfáradtam az olvasóban. Remélem, sikerült szerényen hozzájárulnom ahhoz, hogy a nagyközönség elé tárjam a leggyakrabban használt művészeti kifejezéseket, amelyekben néha, őszintén szólva, maguk a művészek is összezavarodnak.
Alexander Gremitskikh
Avatar: V.M. Kovinin "A vasárnapi piacra. Karakalpaksztán." olaj, vászon 98x178. 1971 (Ez egy tipikus nagy műfaji kép)
Amikor párbeszédet kezd a világkultúrával, a modern ember nem erőfeszítéseket tesz annak érdekében, hogy annak szintjére emelkedjen, hanem éppen ellenkezőleg, megpróbálja a saját szintjére süllyeszteni. (valaki okos)
A fényképezés feltalálása előtt a festészetet a környezet minél pontosabb tükrözésének eszközének tekintették. A festészetet annál jobbnak tartották, minél pontosabban ábrázolta a való világot. A fényképezés 1839-ben és a mozi 1895-ös megjelenésével a festészet megértése jelentősen bővült, bár mások még mindig a szűken funkcionális attitűdhöz ragaszkodnak.
Mi a különbség a fénykép és a festmény között?
Bato Dugarzhapov "Karácsony".
A fényképezés egy pillanatot, vagyis egy tárgy nagyon konkrét, pillanatnyi állapotát rögzíti. A művész, bármennyire is részletesen és hihetően írja ki a részleteket, mindenekelőtt azt az ÁLTALÁNOS dolgot írja le, amit a modellben lát, vagyis a legjellegzetesebbet és legkifejezőbbet.
Ezért a fénykép (a nagyon ritka fotóművészek alkotásait leszámítva) egy illusztráció, hasonlóan egy enciklopédiában található képhez: így néz ki a mókus, gyerekek, és így nézett ki a fotóalbum tulajdonosa. 20 évvel ezelőtt, amikor fürdőkádban fürdött.
Bato Dugarzsapov „Krím”.
A modern művész megtagadta a természet másolását – a fotózás és a filmezés ezt sokkal jobban és gyorsabban tudja megtenni. A naturalizmus az ismétlés és a banalitás zsákutcájába taszítja a festészetet. Ráadásul a természet nem reprodukálható. Amikor a néző a festménynek csak a legfelszínesebb aspektusát észleli - az információ átadását „ahol minden állt”, akkor a festmény megértése rendkívül elszegényedett és torz lesz.
A festmény alapvetően különbözik a fényképtől, mivel nem azonos a létrejöttével, és ez lett alapvető különbség képi és fényképes képek között. A művész saját akaratával dönti el, hogy mit és hogyan hagyjon el, mit és hogyan emel ki, mit zár ki a képből, esetenként a felületes józan ész ellentétével is.
Bato Dugarzhapov „Terasz”.
A képi olajfestmény vászonra a festett tárgy teljes és univerzális megjelenítésének, benyomásának közvetítésének kívánja magát. Érthetetlen módon lapos vásznon jelenik meg egy kötet, elevenen és gyönyörű világ, amelyet a művész készítette.
Beléphetünk a képbe, hallhatjuk a madarak énekét, érezhetjük az illatát virágzó rét, érezni a nap melegített víz melegét, látni mozgást - tisztán megértve, hogy mindez csak a tudatunkban és előttünk történik, és mindezt a szerző közvetítette felénk.
Mi az "alla prima"?
Bato Dugarzhapov „Reggel”.
Ha korábban üdvözölték a részleteket a legapróbb részletekig kiírt ékszeres stílust, amikor a képet hónapokig, sőt évekig festették, majd gondosan lakkozták, akkor a 19. és 20. században megjelent az „alla prima” fogalma - a latin „all prima vista” szóból (első pillantásra) spontán festést jelent impasto festékkel.
A festmény az első ülés után készen áll. A színek többnyire keverednek a palettán, ahol frissnek és ragyogónak tűnnek. Az en plein air írásnál nagyon megfelelő módon munka.
A pasztositás domborműben, a festékréteg egyenetlenségében, plasztikus ecsetvonásban nyilvánul meg, és a tárgy anyagi oldalának hangsúlyozására, dinamizmusra szolgál. A festmények terjedelmesebbek és informatívabbak, mint a fényképek, helyi színfoltokkal képesek érzelmi hatást gyakorolni a nézőkre, a részletek szükségtelen pontosítása és pontosítása nélkül. Néha még ennek a specifikációnak a hiánya miatt is.
Bato Dugarzsapov „Dél. Csónakok."
A látszólag kaotikus vonások és fényfoltok váltakozása sokkal érzelmesebb, mint a fényképezés, és a régi, csiszolt modor mozgást közvetít - napfoltok játékát a füvön, csillogás a vízen, imbolygó levelek stb.
Sajnos a képi kultúra értelmében teljesen vad néző, az alla prima, elsöprő vonásokkal és csíkokkal festett alkotásokat látva nem veszi magát abba a fáradtságba, hogy megálljon, és alaposan szemügyre vegye, hanem kifújja az arcát, és az „I. festeni is tud így” – saját felsőbbrendűségének tudatával megy tovább a lakkozott, göndör írású alkotások keresésében, ahol nincs szükség képzelőerőre és empátiára.
Engedjük el, és nézzük meg például Bato Dugarzhapov művész „Plein Air” című festményét. Mit látunk ezen az érdekes képen?
Bato Dugarzhapov „Plein Air”.
Aki látni akarja, hogyan készül a karakterek cipője – semmi. A megértés hullámára hangolt néző elsősorban sok napfényt lát. Aztán látunk több művészt nyári ruhában a festőállványoknál és egy szakállas művészt farmerben, ecsettel a kezében. Aztán megjelenik egy meleg kő fal felettük napsütötte hegymászó wisteria, a lombok rései között kék ég, a töltés mellvédje és mögötte a tenger. A lombozat azért nincs kiírva részletekbe, erekbe, mert mozog, ringatózik, és a fény is mozog, mozognak az árnyékok és percenként változik a tükörkép a tengerről a távolban...
A kép hangulata teljesen fenomenális, egyszerűen fényt és pozitivitást sugároz. És ugyanakkor lehetetlen mutatni és magyarázni - ez ez, és itt van ez. Ezt csak úgy kell látnia, hogy egy kicsit eltávolodik a képtől, és elég hosszan nézi. Ráadásul ez csak egy fájl, el tudom képzelni, hogy az eredetiben hogyan kell működnie!
Bato Dugarzsapov „A vázlatokról”.
Hasonlóan „megjelenik” az „Etűdökről” című festmény. Először is - a napfény kaotikus foltjai és a tenger tükröződései. Aztán az ősz hajú művész a festőállvány felé hajolt. Aztán - maga a tenger: a ragyogó tenger, mozog, aggódik, a nap hullámok tükröződése gyakorlatilag elvakítja a szemet (hogyan történt ez nem érthető), a tengerben sziklák, kövek és csónakok vannak, balra , megint mászó növény, esetleg szőlő.
A forró reggel hangulata (és ez a reggel, mert amikor magasan süt a nap, a tenger nem szikrázik annyira, kékül), a déli part szépsége és e szépség iránti csodálat hihetetlenül átadódik.
Bato Dugarzhapov "Déli este"
Bato Dugarzhapov festményei egy különleges világító környezetbe merülnek, amely a művész magas képi kultúrájáról, valamint a szín- és térviszonyok finom megértéséről árulkodik. Munkáit frissességük, gyors vonal- és színfoltritmusuk, romantikus feldobottságuk, a fény-térkapcsolatok finom érzékelése jellemzi.
Nagy könnyedséggel, nagy vonásokkal alkot egy teljes, integrált természetképet színben, fényben, életdinamikában... minden csillog a napsugarakban, ott is ott csillog, ahol van árnyék, ott csillognak a tükröződések, ami különösen elképesztő, ill. kellemes. A szabadon dobott színek egymáson fekszenek, és sokszínű harmóniát és ritmust alkotnak, amelyben különleges jelentése irizáló árnyalatúak.
Bato Dugarzhapov „Comói-tó”.
Bato Dugarzhapov 1966-ban született Chitában. Tomszkban végzett művészeti iskolában és a Moszkvai Állami Művészeti Intézetben. AZ ÉS. Surikov. A művész munkái magángyűjteményekben találhatók Oroszországban, az USA-ban, Franciaországban, Olaszországban és Spanyolországban.
K. Yu Starokhamskaya