ดนตรีพื้นบ้านของอิตาลี: การปะติดปะต่อของนิทานพื้นบ้าน เพลงพื้นบ้านอิตาลี “สุข”

มีคนจำนวนมากอยู่ร่วมกันในโลกที่พูดภาษาต่างกัน แต่ผู้คนตลอดประวัติศาสตร์ไม่ได้พูดเพียงคำพูดเท่านั้น ในสมัยโบราณ มีการใช้เพลงและการเต้นรำเพื่อสร้างจิตวิญญาณและความคิด

ศิลปะการเต้นท่ามกลางการพัฒนาวัฒนธรรม

วัฒนธรรมอิตาลีมีความสำคัญอย่างยิ่งต่อความสำเร็จระดับโลก จุดเริ่มต้นของการเติบโตอย่างรวดเร็วเกิดขึ้นพร้อมกับการเกิด ยุคใหม่- ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา จริงๆ แล้ว ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเกิดขึ้นอย่างแม่นยำในอิตาลีและพัฒนาภายในมาระยะหนึ่งแล้ว โดยไม่ต้องแตะต้องประเทศอื่น ความสำเร็จครั้งแรกของเขาเกิดขึ้นในศตวรรษที่ 14-15 ต่อมาจากอิตาลีก็แพร่กระจายไปทั่วยุโรป พัฒนาการของนิทานพื้นบ้านก็เริ่มขึ้นในศตวรรษที่ 14 เช่นกัน จิตวิญญาณแห่งศิลปะที่สดใหม่ ทัศนคติที่แตกต่างต่อโลกและสังคม การเปลี่ยนแปลงค่านิยมสะท้อนให้เห็นโดยตรงในการเต้นรำพื้นบ้าน

อิทธิพลของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา: ก้าวใหม่และลูกบอล

ในยุคกลาง การเคลื่อนไหวดนตรีของอิตาลีดำเนินไปอย่างเป็นขั้นเป็นตอน ราบรื่น และโยกเยก ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเปลี่ยนทัศนคติต่อพระเจ้าซึ่งสะท้อนให้เห็นในนิทานพื้นบ้าน การเต้นรำแบบอิตาลีได้รับพลังและการเคลื่อนไหวที่มีชีวิตชีวา ดังนั้นขั้นตอน "ครบวงจร" จึงเป็นสัญลักษณ์ของการกำเนิดของมนุษย์ทางโลก ความเชื่อมโยงของเขากับของประทานแห่งธรรมชาติ และการเคลื่อนไหวแบบ "ด้วยเท้า" หรือ "ด้วยการกระโดด" บ่งบอกถึงความปรารถนาของบุคคลที่มีต่อพระเจ้าและการถวายเกียรติแด่พระองค์ มรดกการเต้นรำของอิตาลีนั้นมีพื้นฐานมาจากพวกเขา การรวมกันของพวกเขาเรียกว่า "balli" หรือ "ballo"

เครื่องดนตรีพื้นบ้านของอิตาลีตั้งแต่สมัยเรอเนซองส์

มีการแสดงผลงานนิทานพื้นบ้านร่วมด้วย ใช้เครื่องมือต่อไปนี้สำหรับสิ่งนี้:

• ฮาร์ปซิคอร์ด (ภาษาอิตาลี "เคมบาโล") กล่าวถึงครั้งแรก: อิตาลี ศตวรรษที่สิบสี่
• แทมบูรีน (แทมบูรีนชนิดหนึ่งซึ่งเป็นบรรพบุรุษของกลองสมัยใหม่) นักเต้นยังใช้มันในระหว่างการเคลื่อนไหว
• ไวโอลิน (เครื่องดนตรีประเภทโค้งที่มีต้นกำเนิดในศตวรรษที่ 15) ความหลากหลายของอิตาลีคือวิโอลา
• ลูท (เครื่องสายที่ดึงออกมา)
• ไปป์ ขลุ่ย และโอโบ

การเต้นรำที่หลากหลาย

โลกดนตรีของอิตาลีมีความหลากหลายมากขึ้น การปรากฏตัวของเครื่องดนตรีและท่วงทำนองใหม่ๆ ช่วยกระตุ้นการเคลื่อนไหวที่มีพลังตามจังหวะ การเต้นรำประจำชาติของอิตาลีถือกำเนิดและพัฒนา ชื่อของพวกเขาถูกสร้างขึ้น มักมีพื้นฐานมาจากหลักการอาณาเขต มีหลายพันธุ์ การเต้นรำหลักของอิตาลีที่รู้จักกันในปัจจุบัน ได้แก่ bergamasca, galliarda, saltarella, Pavana, Tarantella และ Pizzica

Bergamasca: แต้มคลาสสิก

Bergamasca เป็นการเต้นรำพื้นบ้านของอิตาลีที่ได้รับความนิยมในช่วงศตวรรษที่ 16-17 ซึ่งไม่ได้รับความนิยมในเวลาต่อมา แต่ยังคงเหลือมรดกทางดนตรีที่สอดคล้องกัน ภูมิภาคพื้นเมือง: ทางตอนเหนือของอิตาลี จังหวัดแบร์กาโม ดนตรีในการเต้นรำครั้งนี้ร่าเริงและเป็นจังหวะ เครื่องวัดเวลาเป็นเครื่องวัดสี่จังหวะที่ซับซ้อน การเคลื่อนไหวนั้นเรียบง่าย ราบรื่น เป็นคู่กัน สามารถเปลี่ยนระหว่างคู่ได้ในระหว่างกระบวนการ ในตอนแรก การเต้นรำพื้นบ้านเป็นที่ชื่นชอบในศาลในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

มีการกล่าวถึงวรรณกรรมเรื่องแรกในละครเรื่อง A Midsummer Night's Dream ของวิลเลียม เชกสเปียร์ ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 18 Bergamasca ได้เปลี่ยนจากการเต้นรำพื้นบ้านไปสู่มรดกทางวัฒนธรรมได้อย่างราบรื่น นักแต่งเพลงหลายคนใช้สไตล์นี้ในกระบวนการเขียนผลงาน: Marco Uccellini, Solomone Rossi, Girolamo Frescobaldi, Johann Sebastian Bach

ไปสู่จุดสิ้นสุด ศตวรรษที่สิบเก้ามีการตีความเบอร์กามัสกาที่แตกต่างออกไป โดดเด่นด้วยมิเตอร์ผสมที่ซับซ้อนและจังหวะที่เร็วขึ้น (A. Piatti, C. Debussy) ทุกวันนี้เสียงสะท้อนของนิทานพื้นบ้าน Bergamasque ยังคงอยู่ซึ่งพวกเขาประสบความสำเร็จในการพยายามรวบรวมในบัลเล่ต์และการแสดงละครโดยใช้ดนตรีประกอบที่มีโวหารที่เหมาะสม

Galliard: การเต้นรำที่ร่าเริง

Galliarda เป็นการเต้นรำแบบอิตาลีโบราณ ซึ่งเป็นหนึ่งในการเต้นรำพื้นบ้านยุคแรก ๆ ปรากฏในศตวรรษที่ 15 แปลได้ว่า "ร่าเริง" จริงๆแล้วเขาเป็นคนร่าเริง มีพลัง และมีจังหวะมาก เป็นการผสมผสานที่ซับซ้อนระหว่างห้าขั้นตอนและการกระโดด เป็นการเต้นรำพื้นบ้านแบบคู่ซึ่งได้รับความนิยมในบอลของชนชั้นสูงในอิตาลี ฝรั่งเศส อังกฤษ สเปน และเยอรมนี

ในศตวรรษที่ 15-16 Galliard กลายเป็นแฟชั่นเนื่องจากมีรูปแบบการ์ตูนและจังหวะที่ร่าเริงและเป็นธรรมชาติ ความนิยมที่หายไปเนื่องจากวิวัฒนาการและการเปลี่ยนแปลงไปสู่รูปแบบการเต้นรำแบบ Prim Court มาตรฐาน ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 17 เธอเปลี่ยนมาฟังเพลงโดยสิ้นเชิง

ท่าน้ำหลักมีลักษณะเฉพาะคือ ก้าวปานกลาง, ความยาวเมตร - ไตรโลปธรรมดา ต่อมาจะแสดงตามจังหวะที่เหมาะสม ท่าเทียบเรือนี้มีลักษณะพิเศษด้วยมิเตอร์ดนตรีที่มีความยาวซับซ้อน ผลงานสมัยใหม่ที่มีชื่อเสียงในสไตล์นี้โดดเด่นด้วยจังหวะที่ช้ากว่าและสงบกว่า นักแต่งเพลงที่ใช้ดนตรี Galliard ในผลงาน: V. Galileo, V. Brake, B. Donato, W. Bird และคนอื่น ๆ

Saltarella: ความสนุกสนานในงานแต่งงาน

Saltarella (saltarello) เป็นการเต้นรำแบบอิตาลีที่เก่าแก่ที่สุด มันค่อนข้างร่าเริงและเป็นจังหวะ ประกอบไปด้วยการก้าว การกระโดด การหมุน และการโค้งคำนับ ที่มา: จากภาษาอิตาลี saltare - "to jump" การกล่าวถึงศิลปะพื้นบ้านประเภทนี้ครั้งแรกเกิดขึ้นตั้งแต่ศตวรรษที่ 12 เดิมทีมันเป็นการเต้นรำทางสังคมพร้อมกับดนตรีในจังหวะสองหรือสามจังหวะที่เรียบง่าย นับตั้งแต่ศตวรรษที่ 18 เป็นต้นมา ค่อยๆ เสื่อมถอยลงเป็นเพลงซัลตาเรลลาที่จับคู่กับดนตรีที่มีขนาดซับซ้อน สไตล์นี้ได้รับการเก็บรักษาไว้จนถึงทุกวันนี้

ในศตวรรษที่ 19-20 ได้กลายเป็นการเต้นรำงานแต่งงานของชาวอิตาลีจำนวนมากซึ่งใช้เต้นรำในงานเฉลิมฉลองงานแต่งงาน อย่างไรก็ตามในเวลานั้นพวกเขามักจะถูกกำหนดเวลาให้ตรงกับการเก็บเกี่ยว ใน XXI - แสดงในงานรื่นเริงบางแห่ง ดนตรีในรูปแบบนี้ได้รับการพัฒนาในการแต่งเพลงของนักเขียนหลายคน: F. Mendelssohn, G. Berlioz, A. Castellono, R. Barto, B. Bazurov

Pavan : ความเคร่งขรึมอันสง่างาม

Pavana - ภาษาอิตาลีโบราณ เต้นรำบอลรูมซึ่งดำเนินการเฉพาะที่ศาลเท่านั้น รู้จักชื่ออื่น - ปาโดวานา (จากชื่อปาโดวาจากภาษาละตินปาวา - นกยูง) การเต้นรำนี้ช้าๆ สง่างาม เคร่งขรึม หรูหรา การรวมกันของการเคลื่อนไหวประกอบด้วยขั้นตอนง่ายๆและสองขั้นตอน curtsies และการเปลี่ยนแปลงตำแหน่งของคู่ค้าที่สัมพันธ์กันเป็นระยะ มีการเต้นรำไม่เพียงแต่ในงานเต้นรำเท่านั้น แต่ยังรวมถึงช่วงเริ่มต้นของขบวนแห่หรือพิธีการด้วย

พาเวนของอิตาลีเมื่อเข้าสู่ศาลของประเทศอื่นเปลี่ยนไป มันกลายเป็น "ภาษาถิ่น" การเต้นรำชนิดหนึ่ง ดังนั้นอิทธิพลของสเปนนำไปสู่การเกิดขึ้นของ "ปาวานิลลา" และอิทธิพลของฝรั่งเศสต่อ "ปัสซาเมซโซ" เพลงที่ใช้แสดงสเต็ปต่างๆ ช้า สองจังหวะ เน้นจังหวะและช่วงเวลาสำคัญขององค์ประกอบภาพ การเต้นรำค่อยๆล้าสมัยไปโดยได้รับการเก็บรักษาไว้ในผลงานทางดนตรี (P. Attenyan, I. Shein, C. Saint-Saens, M. Ravel)

Tarantella: ตัวตนของอารมณ์ชาวอิตาลี

Tarantella เป็นการเต้นรำพื้นบ้านของอิตาลีที่ยังคงอยู่มาจนถึงทุกวันนี้ เขามีความกระตือรือร้นกระตือรือร้นเป็นจังหวะสนุกสนานไม่เหน็ดเหนื่อย การเต้นรำทารันเทลลาของอิตาลีเป็นจุดเด่นของคนในท้องถิ่น ประกอบด้วยการผสมผสานของการกระโดด (รวมถึงด้านข้าง) โดยสลับขาไปข้างหน้าและข้างหลัง ตั้งชื่อตามเมืองทารันโต ยังมีอีกเวอร์ชั่นหนึ่ง พวกเขาบอกว่าคนที่ถูกกัดนั้นเป็นโรค - ทาแรนท์ โรคนี้คล้ายกับโรคพิษสุนัขบ้ามาก ซึ่งพวกเขาพยายามรักษาให้หายขาดด้วยกระบวนการเคลื่อนไหวอย่างรวดเร็วไม่หยุดหย่อน

ดนตรีจะแสดงด้วยจังหวะสามจังหวะง่ายๆ หรือลายเซ็นเวลาที่ซับซ้อน เธอรวดเร็วและสนุกสนาน คุณสมบัติ:

1. การผสมผสานระหว่างเครื่องดนตรีพื้นฐาน (รวมถึงคีย์บอร์ด) เข้ากับเครื่องดนตรีเพิ่มเติมซึ่งอยู่ในมือของนักเต้น (กลองและคาสทาเน็ต)
2. ขาดดนตรีมาตรฐาน
3. การด้นสดของเครื่องดนตรีในจังหวะที่รู้จัก

จังหวะที่มีอยู่ในการเคลื่อนไหวถูกนำมาใช้ในการเรียบเรียงโดย F. Schubert, F. Chopin, F. Mendelssohn, P. Tchaikovsky ทารันเทลลายังคงเป็นการเต้นรำพื้นบ้านที่มีสีสันในปัจจุบัน ซึ่งเป็นพื้นฐานที่ผู้รักชาติทุกคนรู้ และในศตวรรษที่ 21 งานดังกล่าวยังคงเต้นรำกันอย่างต่อเนื่องในงานเฉลิมฉลองครอบครัวที่ร่าเริงและงานแต่งงานอันงดงาม

Pizzaca: การต่อสู้เต้นรำลวง

Pizzica เป็นการเต้นรำแบบอิตาลีที่รวดเร็วซึ่งมีต้นกำเนิดมาจากทารันเทลลา มันกลายเป็นเทรนด์การเต้นรำในนิทานพื้นบ้านของอิตาลีเนื่องจากมีลักษณะที่โดดเด่นของตัวเอง หากทาแรนเทลลาเป็นการเต้นรำมวลชนเป็นหลัก พิซซิกาก็จะกลายเป็นการเต้นรำสำหรับคู่รักโดยเฉพาะ ยิ่งมีชีวิตชีวาและมีพลังมากขึ้น การเคลื่อนไหวของนักเต้นทั้งสองมีลักษณะคล้ายกับการดวลที่คู่แข่งที่ร่าเริงต่อสู้กัน

มักทำโดยผู้หญิงและมีสุภาพบุรุษหลายคนตามลำดับ ในเวลาเดียวกัน ด้วยการแสดงการเคลื่อนไหวที่กระฉับกระเฉง หญิงสาวได้แสดงออกถึงความคิดริเริ่ม ความเป็นอิสระ และความเป็นผู้หญิงที่เข้มแข็งของเธอ ส่งผลให้เธอปฏิเสธพวกเธอแต่ละคน พวกสุภาพบุรุษยอมจำนนต่อแรงกดดัน แสดงความชื่นชมต่อผู้หญิงคนนั้น เป็นรายบุคคล ตัวละครพิเศษลักษณะเฉพาะของพิซซ่า ในทางใดทางหนึ่ง มันบ่งบอกถึงธรรมชาติอันน่าหลงใหลของอิตาลี หลังจากได้รับความนิยมในศตวรรษที่ 18 พิซซ่าก็ยังไม่แพ้ใครจนถึงทุกวันนี้ ยังคงแสดงในงานแสดงสินค้าและงานคาร์นิวัล งานเฉลิมฉลองของครอบครัว ตลอดจนการแสดงละครและบัลเล่ต์

การเกิดขึ้นของสิ่งใหม่นำไปสู่การสร้างดนตรีประกอบที่เหมาะสม “ Pizzacato” ปรากฏขึ้น - วิธีการแสดงเครื่องดนตรีแบบโค้งคำนับ แต่ไม่ใช่ด้วยตัวคันธนู แต่ใช้การถอนนิ้ว เป็นผลให้มีเสียงและท่วงทำนองที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง

การเต้นรำแบบอิตาลีในประวัติศาสตร์ท่าเต้นโลก

การเต้นรำมีต้นกำเนิดมาจากศิลปะพื้นบ้านที่แทรกซึมเข้าไปในห้องบอลรูมของชนชั้นสูง กลายเป็นที่นิยมในสังคม มีความจำเป็นต้องจัดระบบและระบุขั้นตอนเพื่อวัตถุประสงค์ในการฝึกมือสมัครเล่นและวิชาชีพ นักออกแบบท่าเต้นเชิงทฤษฎีคนแรกคือชาวอิตาลี: Domenico da Piacenza (XIV-XV), Guglielmo Embreo, Fabrizio Caroso (XVI) ผลงานเหล่านี้ควบคู่ไปกับการขัดเกลาการเคลื่อนไหวและสไตล์ของผลงานเหล่านี้ ทำหน้าที่เป็นพื้นฐานสำหรับการพัฒนาบัลเล่ต์ทั่วโลก

ในขณะเดียวกัน ต้นกำเนิดของผู้คนในชนบทและในเมืองที่เรียบง่ายร่าเริงร่าเริงกำลังเต้นรำกับ Saltarella หรือ Tarantella นิสัยของชาวอิตาลีมีความกระตือรือร้นและมีชีวิตชีวา ยุคเรอเนซองส์นั้นลึกลับและสง่างาม ลักษณะเหล่านี้เป็นลักษณะการเต้นรำของอิตาลี มรดกของพวกเขาเป็นพื้นฐานสำหรับการพัฒนาศิลปะการเต้นรำในโลกโดยรวม ลักษณะของพวกเขาเป็นภาพสะท้อนของประวัติศาสตร์ คุณลักษณะ อารมณ์ และจิตวิทยาของผู้คนทั้งหมดตลอดหลายศตวรรษที่ผ่านมา

ต้นกำเนิดของดนตรีอิตาลีย้อนกลับไปในวัฒนธรรมดนตรีของกรุงโรมโบราณ (ดู ดนตรีโรมันโบราณ) ดนตรีเล่นสิ่งมีชีวิต บทบาทในสังคมรัฐ ชีวิตของจักรวรรดิโรมันในชีวิตประจำวันต่างๆ ชั้นของประชากร ดนตรีมีความหลากหลายและหลากหลาย เครื่องมือ ตัวอย่างดนตรีโรมันโบราณยังไม่ถึงเรา แต่ถึงตอนนี้ องค์ประกอบของมันรอดมาได้ในยุคกลาง พระคริสต์ เพลงสวดและเพลงพื้นบ้าน ดนตรี ประเพณี ในศตวรรษที่ 4 เมื่อศาสนาคริสต์ถูกประกาศให้เป็นรัฐ ศาสนา โรมและไบแซนเทียมได้กลายเป็นหนึ่งในศูนย์กลางของการพัฒนาพิธีกรรม ร้องเพลงก่อน พื้นฐานคือเพลงสดุดีซึ่งมีต้นกำเนิดมาจากซีเรียและปาเลสไตน์ อาร์ชบิชอปแอมโบรสชาวมิลานได้รวมการฝึกร้องเพลงสวดแบบต่อต้านเสียงร้อง (ดู Antiphon) เข้าด้วยกัน ทำให้ทำนองใกล้เคียงกับการบรรยายมากขึ้น ต้นกำเนิด ประเพณีคริสเตียนตะวันตกแบบพิเศษเกี่ยวข้องกับชื่อของเขา คริสตจักร ร้องเพลง เรียกว่า Ambrosian (ดู การร้องเพลง Ambrosian) ในการต่อต้าน ศตวรรษที่ 6 ภายใต้การนำของสมเด็จพระสันตะปาปาเกรกอรีที่ 1 รูปแบบอันแข็งแกร่งของพระคริสต์ได้รับการพัฒนา พิธีสวดและดนตรีได้รับคำสั่ง ด้านข้าง. นักร้องสร้างขึ้นในเวลาเดียวกันในกรุงโรม โรงเรียน (“schola cantorum”) กลายเป็นสถาบันสำหรับการร้องเพลงในโบสถ์ คดีความและผู้บัญญัติกฎหมายที่สูงขึ้น ผู้มีอำนาจในพื้นที่นี้ Gregory ฉันได้รับเครดิตในการรวมและแก้ไขหลักการพื้นฐาน บทสวดพิธีกรรม อย่างไรก็ตามการวิจัยในเวลาต่อมาได้พิสูจน์แล้วว่าไพเราะ สไตล์และรูปแบบของสิ่งที่เรียกว่า ในที่สุดบทสวดเกรกอเรียนก็เกิดขึ้นในศตวรรษที่ 8-9 เท่านั้น โรมันคาทอลิก. คริสตจักรที่มุ่งมั่นเพื่อความสม่ำเสมอในการนมัสการได้เผยแพร่ monogols รูปแบบนี้ คอรัส ร้องเพลงท่ามกลางทุกชาติที่กลับใจใหม่สู่พระคริสต์ ศรัทธา. กระบวนการนี้เสร็จสมบูรณ์ในตอนท้าย คริสต์ศตวรรษที่ 11 เมื่อมีพิธีสวดเกรกอเรียนพร้อมบทสวดที่สอดคล้องกัน กฎระเบียบที่จัดตั้งขึ้นในประเทศตะวันออกกลางและตะวันตก และยูจ ยุโรป. ในเวลาเดียวกันการพัฒนาเพิ่มเติมของบทสวดเกรโกเรียนซึ่งถูกแช่แข็งจนไม่เปลี่ยนรูปก็หยุดลงเช่นกัน แบบฟอร์ม

จากจุดสิ้นสุด คริสต์สหัสวรรษที่ 1 อันเป็นผลมาจากศัตรูรุกรานดินแดนอิตาลีบ่อยครั้ง เช่นเดียวกับการกดขี่พระสันตะปาปาที่เพิ่มขึ้น ซึ่งขัดขวางการแสดงออกอย่างอิสระของความคิดสร้างสรรค์ ความคิดริเริ่มใน I. m. มีมาเป็นเวลานาน ความเมื่อยล้าก็หยุดมีบทบาทที่เห็นได้ชัดเจนในดนตรีทั่วไป การพัฒนาของยุโรป ประเทศ การเปลี่ยนแปลงที่สำคัญที่สุดที่เกิดขึ้นในยุโรป ดนตรีในช่วงเปลี่ยนผ่านของสหัสวรรษที่ 1 และ 2 มักสะท้อนให้เห็นอย่างช้าๆ ในดนตรีประวัติศาสตร์ ในขณะที่นักวิชาการ-นักดนตรีแห่งตะวันตก และทิศตะวันตกเฉียงเหนือ ยุโรปแล้วในศตวรรษที่ 9 ให้เหตุผล แบบฟอร์มในช่วงต้นพฤกษ์ซึ่งเป็นภาษาอิตาลีที่โดดเด่นที่สุด ดนตรี นักทฤษฎียุคกลาง Guido d'Arezzo (ศตวรรษที่ 11) ให้ความสนใจหลักกับบทสวดเกรโกเรียนแบบหัวเดียว โดยเน้นที่ออร์แกนัสเพียงช่วงสั้น ๆ เท่านั้น ในศตวรรษที่ 12 การร้องเพลงแบบโพลีโฟนิกได้เข้าสู่พิธีกรรมของโบสถ์อิตาลีบางแห่ง แต่มีน้อยคนที่รู้จัก ตัวอย่างไม่ได้บ่งบอกถึงการมีส่วนร่วมอย่างเป็นอิสระของอิตาลีในการพัฒนาแนวโพลีโฟนิกในยุคนั้น แนวคิดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้นสอดคล้องกับคำจำกัดความของ Ars nova ซึ่งนำมาใช้ในประวัติศาสตร์ดนตรีและก้าวหน้ากว่าภูมิภาคทางใต้ซึ่งความสัมพันธ์เกี่ยวกับศักดินายังคงรักษาไว้อย่างมั่นคง เมืองเหล่านี้ดึงดูดนักประพันธ์เพลงที่มีความสามารถมากที่สุดและ นักดนตรี แนวเพลงใหม่และเทรนด์โวหารเกิดขึ้นที่นี่

ความปรารถนาที่จะแสดงออกมากขึ้นแสดงออกมาในเนื้อเพลง เพลงสวดเกี่ยวกับศาสนาที่ตีความอย่างอิสระ เนื้อหาคือเพลงเลาดา ซึ่งร้องในชีวิตประจำวันและในศาสนา ขบวนแห่ ตอนจบแล้ว. ศตวรรษที่ 12 "ภราดรภาพผู้โง่เขลา" เกิดขึ้น จำนวนเพิ่มขึ้นในศตวรรษที่ 13 และโดยเฉพาะศตวรรษที่ 14 Laudas ได้รับการปลูกฝังในหมู่พระภิกษุของคณะฟรานซิสกันซึ่งขัดแย้งกับข้าราชการ คริสตจักรโรมัน บางครั้งพวกเขาก็สะท้อนถึงแรงจูงใจของการประท้วงทางสังคม ทำนองเพลงสรรเสริญมีความเกี่ยวข้องกับนาร์ ต้นกำเนิดจังหวะก็ต่างกัน ความชัดเจน, ความชัดเจนของโครงสร้าง, สีหลักที่โดดเด่น บางคนมีนิสัยใกล้ชิดกับการเต้น เพลง

ในฟลอเรนซ์ มีรูปแบบใหม่ของรูปหลายเหลี่ยมฆราวาสเกิดขึ้น กระทะ ดนตรีสำหรับการแสดงสมัครเล่นที่บ้าน: มาดริกัล, คาเซีย, บัลลาตา มันเป็น 2- หรือ 3 ประตู สโตรฟิก เพลงที่มีความไพเราะอันดับหนึ่ง เสียงบนซึ่งโดดเด่นด้วยจังหวะ ความคล่องตัว ทางเดินหลากสีมากมาย Madrigal - ชนชั้นสูง ประเภทที่โดดเด่นด้วยความซับซ้อนของบทกวีและดนตรี อาคาร. มันถูกครอบงำด้วยความเร้าอารมณ์ที่ละเอียดอ่อน ธีมยังรวบรวมเสียดสี แรงจูงใจซึ่งบางครั้งก็ถูกตั้งข้อหาทางการเมือง เนื้อหาของ Caccia ในตอนแรกประกอบด้วยรูปภาพการล่าสัตว์ (เพราะฉะนั้นชื่อตัวเอง: Caccia - การล่าสัตว์) แต่จากนั้นธีมของมันก็ขยายและครอบคลุมเนื้อหาที่หลากหลาย ฉากประเภท- แนวเพลงฆราวาสที่ได้รับความนิยมมากที่สุดของ Ars nova คือ ballata (เพลงเต้นรำที่มีเนื้อหาคล้ายกับมาดริกัล)

การพัฒนาอย่างแพร่หลายในอิตาลีศตวรรษที่ 14 รับคำแนะนำ ดนตรี. ขั้นพื้นฐาน เครื่องดนตรีในสมัยนั้นได้แก่ พิณ พิณ ฟิเดล ฟลุต โอโบ ทรัมเป็ต และอวัยวะต่างๆ ประเภท (เชิงบวก แบบพกพา) ใช้ในการร้องเพลงและเล่นเดี่ยวหรือวงดนตรี

การเพิ่มขึ้นของอิตาลี อาสโนวาเกิดในช่วงกลาง ศตวรรษที่ 14 ในยุค 40 ความคิดสร้างสรรค์เผยออกมา กิจกรรมของปรมาจารย์ที่โดดเด่นที่สุด - Giovanni จากฟลอเรนซ์และ Jacopo จาก Bologna นักเล่นออร์แกนและนักแต่งเพลงที่เก่งกาจตาบอดมีชื่อเสียงเป็นพิเศษ F. Landino เป็นบุคคลที่มีความสามารถหลากหลาย กวี นักดนตรี และนักวิทยาศาสตร์ ซึ่งได้รับการนับถือในแวดวงชาวอิตาลี นักมานุษยวิทยา ในงานของเขา ความเชื่อมโยงกับผู้คนเพิ่มมากขึ้น ต้นกำเนิด ท่วงทำนองได้รับอิสระในการแสดงออกมากขึ้น บางครั้งมีความซับซ้อน ความสง่างาม และจังหวะ ความหลากหลาย.

ในยุคนั้น ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง(ศตวรรษที่ 16) I. m. เป็นผู้นำในหมู่ชาวยุโรป ดนตรี พืชผล ในบรรยากาศแห่งการตื่นตัวของศิลปะทั่วไป วัฒนธรรม การทำดนตรีมีการพัฒนาอย่างเข้มข้นในด้านต่างๆ ชั้นของสังคม มีศูนย์กลางอยู่ร่วมกับโบสถ์ โบสถ์แห่งงานฝีมือ สมาคมกิลด์กลุ่มผู้รักวรรณกรรมและศิลปะผู้รู้แจ้งซึ่งบางครั้งก็เรียกตัวเองตามสมัยโบราณ เป็นแบบอย่างตามสถาบันการศึกษา ในพหูพจน์ โรงเรียนถูกสร้างขึ้นในเมืองต่างๆ ที่มีส่วนทำให้เกิดอิสรภาพ สนับสนุนการพัฒนาศิลปะประวัติศาสตร์ โรงเรียนที่ใหญ่ที่สุดและมีอิทธิพลมากที่สุดคือโรงเรียนโรมันและเวนิส ในใจกลางของศาสนาคริสต์นิกายโรมันคาทอลิก - โรม รูปแบบศิลปะใหม่ๆ ที่ถูกทำให้มีชีวิตชีวาโดยขบวนการเรอเนซองส์มักเผชิญกับการต่อต้านจากคริสตจักร เจ้าหน้าที่. แต่ถึงแม้จะมีข้อห้ามและการบอกเลิกตลอดศตวรรษที่ 15 ในนิกายโรมันคาทอลิก เป้าหมายหลายจุดได้รับการสถาปนาอย่างมั่นคงในการนมัสการ ร้องเพลง สิ่งนี้ได้รับการอำนวยความสะดวกโดยกิจกรรมของตัวแทนของโรงเรียน Franco-Flemish G. Dufay, Josquin Despres และนักแต่งเพลงคนอื่น ๆ ซึ่งรับใช้ในโบสถ์ของสมเด็จพระสันตะปาปาหลายครั้ง ใน โบสถ์ซิสทีน(ก่อตั้งเมื่อปี ค.ศ. 1473) และคณะนักร้องประสานเสียง โบสถ์ของอาสนวิหารเซนต์. เปโตร อาจารย์ที่ดีที่สุดของคริสตจักรเข้มข้น ร้องเพลงไม่เพียงแต่จากอิตาลีเท่านั้น แต่ยังมาจากประเทศอื่นๆ ด้วย ประเด็นคริสตจักร การร้องเพลงได้รับความสนใจเป็นพิเศษ ความสนใจในสภาเทรนต์ (1545-63) ซึ่งการตัดสินใจประณามความหลงใหลในโพลีโฟนิก "เชิงเปรียบเทียบ" ที่มากเกินไป ดนตรีทำให้ยากต่อการเข้าใจ "ถ้อยคำศักดิ์สิทธิ์" และหยิบยกความต้องการความเรียบง่ายและความชัดเจน ห้ามนำท่วงทำนองฆราวาสเข้ามาในพิธีกรรม ดนตรี. แต่ขัดกับความปรารถนาของคริสตจักร เจ้าหน้าที่เพื่อขับไล่นวัตกรรมทั้งหมดจากการร้องเพลงลัทธิและหากเป็นไปได้ให้กลับคืนสู่ประเพณีของการร้องเพลงเกรกอเรียนผู้แต่งของโรงเรียนโรมันได้สร้างโพลีโฟนิกที่ได้รับการพัฒนาอย่างมาก ศิลปะที่ความสำเร็จที่ดีที่สุดของพฤกษ์พฤกษ์ฝรั่งเศส-เฟลมิชถูกนำมาใช้และตีความใหม่ด้วยจิตวิญญาณของสุนทรียศาสตร์ยุคเรอเนซองส์ ในการผลิต นักแต่งเพลงของโรงเรียนนี้เป็นการลอกเลียนแบบที่ซับซ้อน เทคนิคผสมผสานกับคอร์ดฮาร์โมนิค คลังสินค้าหลายหัว พื้นผิวได้รับลักษณะของความไพเราะที่กลมกลืนจุดเริ่มต้นอันไพเราะมีความเป็นอิสระมากขึ้นเสียงบนมักจะมาข้างหน้า ตัวแทนที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของโรงเรียนโรมันคือปาเลสตรินา ศิลปะที่กลมกลืนและสมดุลอย่างสมบูรณ์แบบของเขาบางครั้งก็ถูกเปรียบเทียบกับผลงานของราฟาเอล เป็นจุดสูงสุดของคณะนักร้องประสานเสียง ดนตรีของปาเลสตรินามีองค์ประกอบที่พัฒนามาจากการคิดแบบโฮโมโฟนิค ความปรารถนาที่จะสมดุลระหว่างหลักการแนวนอนและแนวตั้งก็เป็นลักษณะของนักประพันธ์เพลงคนอื่น ๆ ในโรงเรียนเดียวกัน: C. Festa, G. Animucci (ซึ่งยืนอยู่ที่หัวของโบสถ์เซนต์ปีเตอร์ในปี 1555-71), Clemens the สมเด็จพระสันตะปาปา นักเรียน และผู้ติดตาม Palestrina - J. Nanino, F. Anerio และคนอื่นๆ ก็เข้าร่วมโรงเรียนโรมันด้วย นักแต่งเพลงที่ทำงานในโบสถ์ของสมเด็จพระสันตะปาปา: C. Morales, B. Escobedo, T. L. de Victoria (ได้รับฉายาว่า "Spanish Palestrina")

ผู้ก่อตั้งโรงเรียน Venetian คือ A. Willaert (ชาวดัตช์โดยกำเนิด) ซึ่งในปี 1527 เป็นหัวหน้าโบสถ์ของมหาวิหารเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก มาร์คและเป็นผู้นำมาเป็นเวลา 35 ปี ผู้สืบทอดของพระองค์คือ C. de Pope และชาวสเปน C. Merulo โรงเรียนแห่งนี้เจริญรุ่งเรืองที่สุดในผลงานของ A. Gabrieli และหลานชายของเขา G. Gabrieli ตรงกันข้ามกับสไตล์การเขียนที่เข้มงวดและเข้มงวดของ Palestrina และนักประพันธ์เพลงคนอื่น ๆ ของโรงเรียนโรมัน ศิลปะของชาวเวนิสนั้นโดดเด่นด้วยชุดเสียงที่เขียวชอุ่มและสีสันสดใสมากมาย ผลกระทบ หลักการของความหลากหลายมีความสำคัญเป็นพิเศษสำหรับพวกเขา จัดคณะนักร้องประสานเสียงสองชุดที่ตัดกัน วี ด้านที่แตกต่างกันคริสตจักรทำหน้าที่เป็นพื้นฐานสำหรับความมีชีวิตชีวา และสีสันที่ตัดกัน จำนวนเสียงที่แตกต่างกันอย่างต่อเนื่องถึง 20 เสียงสำหรับคณะนักร้องประสานเสียง G. Gabrieli เสียงดังเสริมด้วยการเปลี่ยนแปลงเครื่องมือ กลองและเครื่องดนตรีไม่เพียงแต่เลียนแบบเสียงของคณะนักร้องประสานเสียงเท่านั้น แต่ยังแสดงอย่างอิสระอีกด้วย และการเชื่อมต่อตอนต่างๆ ฮาร์มอนิก ภาษานี้เต็มไปด้วยโครมาติซึมจำนวนมากซึ่งมักจะเป็นตัวหนาในเวลานั้นซึ่งทำให้มีการแสดงออกที่เพิ่มขึ้น

ความคิดสร้างสรรค์ของปรมาจารย์ของโรงเรียนเวนิสเล่น บทบาทใหญ่และในการพัฒนาเครื่องมือรูปแบบใหม่ๆ ดนตรี. ในศตวรรษที่ 16 องค์ประกอบของเครื่องดนตรีนั้นได้รับการเสริมแต่งอย่างมาก และการแสดงออกก็ได้ขยายออกไป ความเป็นไปได้ ความสำคัญของเครื่องดนตรีโค้งคำนับที่มีเสียงไพเราะและอบอุ่นเพิ่มมากขึ้น ในช่วงเวลานี้เองที่คลาสสิกได้ก่อตัวขึ้น ประเภทวิโอลา; ไวโอลินซึ่งแต่ก่อนแพร่หลาย ในชีวิตสมัยนิยมกลายเป็นศ. ดนตรี เครื่องมือ. ในฐานะเครื่องดนตรีเดี่ยว ลูตและออร์แกนยังคงครองตำแหน่งผู้นำต่อไป ในปี 1507-09 ผู้จัดพิมพ์เพลง O. Petrucci ได้ตีพิมพ์ คอลเลกชันเครื่องพิณ 3 ชิ้น ที่ยังคงเก็บรักษาไว้ สัญญาณของการติดกระทะ พฤกษ์ประเภทโมเท็ต ในอนาคตการพึ่งพาอาศัยกันนี้จะอ่อนแอลงและมีการพัฒนาเครื่องมือเฉพาะ เทคนิคการนำเสนอ ลักษณะของศตวรรษที่ 16 เครื่องดนตรีเดี่ยวประเภทต่างๆ ดนตรี - ricercar, fantasia, canzone, capriccio ในปี ค.ศ. 1549 ได้มีการปรากฏองค์กร ริเชอร์การ์ส วิลลาร์ต้า ตามเขาไป แนวเพลงนี้ได้รับการพัฒนาโดย G. Gabrieli นักปั้นข้าวบางคนซึ่งมีการนำเสนอที่ใกล้เคียงกับความทรงจำ ในองค์กร โทคาตาของปรมาจารย์ชาวเวนิสสะท้อนให้เห็นถึงความมีคุณธรรมและแนวโน้มที่จะจินตนาการอย่างอิสระ ในปี ค.ศ. 1551 มีการตีพิมพ์หนังสือชุดหนึ่งในเมืองเวนิส ชิ้นเต้นรำของคีย์บอร์ด อักขระ.

การเกิดขึ้นของรัฐอิสระแห่งแรกมีความเกี่ยวข้องกับชื่อของ A. และ J. Gabrieli ตัวอย่างวงดนตรีแชมเบอร์และออเคสตรา ดนตรี. การเรียบเรียงเครื่องดนตรีต่างๆ การเรียบเรียง (จาก 3 ถึง 22 ฝ่าย) ถูกรวมเข้าเป็นคอลเลกชัน "Canzones and Sonatas" ("Canzoni e sonate..." ตีพิมพ์ในปี 1615 หลังจากการเสียชีวิตของผู้แต่ง) บทละครเหล่านี้มีพื้นฐานอยู่บนหลักการของความแตกต่างที่แตกต่างกัน สถาบัน (ทั้งที่เป็นเนื้อเดียวกัน - โค้งคำนับ, เครื่องเป่าลมไม้, ทองเหลืองและผสม) ซึ่งได้รับต่อเนื่องกัน ศูนย์รวมในประเภทคอนเสิร์ต

การแสดงออกทางดนตรียุคฟื้นฟูศิลปวิทยาที่สมบูรณ์และชัดเจนที่สุดคือเพลงมาดริกัล บานใหม่ ซึ่งมาในศตวรรษที่ 16 หลายคนให้ความสนใจกับแนวดนตรีทางโลกที่สำคัญที่สุดในช่วงยุคเรอเนซองส์ นักแต่งเพลง Madrigals เขียนโดยชาวเวนิส A. Willart, C. de Pope, A. Gabrieli และปรมาจารย์ของโรงเรียนโรมัน C. Festa และ Palestrina โรงเรียนของนักมาดริกาลิสต์มีอยู่ในมิลาน ฟลอเรนซ์ เฟอร์รารา โบโลญญา และเนเปิลส์ มาดริกัล ศตวรรษที่ 16 แตกต่างจากเพลงมาดริกัลในสมัยอาร์สโนวาตรงที่ความสมบูรณ์และความซับซ้อนทางบทกวีมากกว่า เนื้อหาแต่เป็นพื้นฐาน ทรงกลมของเขายังคงเป็นเนื้อเพลงรัก มักมีสีสันแบบชนบท ผสมผสานกับการเฉลิมฉลองความงามของธรรมชาติอย่างกระตือรือร้น บทกวีของ F. Petrarch มีอิทธิพลอย่างมากต่อพัฒนาการของมาดริกัล (บทกวีหลายบทของเขาถูกแต่งเป็นดนตรีโดยผู้แต่งหลายคน) นักแต่งเพลง Madrigalist หันมาสนใจผลงานของ L. Ariosto, T. Tasso และกวีสำคัญคนอื่นๆ ในยุคเรอเนซองส์ ในมาดริกัลแห่งศตวรรษที่ 16 คะแนน 4 หรือ 5 ประตูได้รับชัยชนะ คลังสินค้าที่เชื่อมโยงองค์ประกอบของพหูพจน์และโฮโมโฟนี นักดนตรีเมโลดี้ชั้นนำ เสียงนั้นโดดเด่นด้วยการแสดงออกที่ละเอียดอ่อน เฉดสีการถ่ายทอดรายละเอียดบทกวีที่ยืดหยุ่น ข้อความ. องค์ประกอบโดยรวมนั้นฟรีและไม่เป็นไปตามเส้นสโตรฟิก หลักการ. ในบรรดาปรมาจารย์มาดริกัลแห่งศตวรรษที่ 16 Dutchman J. Arkadelt ซึ่งทำงานในโรมและฟลอเรนซ์มีความโดดเด่น มาดริกัลของเขาซึ่งตีพิมพ์ในปี 1538-44 (หนังสือ 6 เล่ม) ได้รับการพิมพ์ซ้ำหลายครั้งและทำซ้ำในฉบับต่างๆ พิมพ์และเขียนด้วยลายมือ การประชุม การออกดอกสูงสุดของประเภทนี้มีความเกี่ยวข้องกับความคิดสร้างสรรค์ กิจกรรมของ L. Marenzio, C. Monteverdi และ C. Gesualdo di Venosa ในท้ายที่สุด 16 - จุดเริ่มต้น ศตวรรษที่ 17 หาก Marenzio โดดเด่นด้วยขอบเขตของความประณีต โคลงสั้น ๆ จากนั้นใน Gesualdo di Venosa และ Monteverdi การแสดงมาดริกัลได้รับการสร้างสรรค์ขึ้นและเต็มไปด้วยจิตวิทยาเชิงลึก การแสดงออกพวกเขาใช้วิธีใหม่ที่แปลกใหม่ในการประสานกัน ภาษาน้ำเสียงที่คมชัดขึ้น การแสดงออกของกระทะ ทำนอง ชั้นรวยของฉันคือคน บทเพลงและการเต้นรำโดดเด่นด้วยความไพเราะของท่วงทำนองที่มีชีวิตชีวาและจังหวะที่ร้อนแรง สำหรับชาวอิตาลี การเต้นรำมีลักษณะเฉพาะคือเมตร 6/8, 12/8 และจังหวะที่รวดเร็วและมักจะรวดเร็ว: Saltarello (บันทึกจากศตวรรษที่ 13-14 ได้รับการเก็บรักษาไว้) ลอมบาร์ดาที่เกี่ยวข้อง (การเต้นรำของลอมบาร์เดีย) และฟอร์ลานา (การเต้นรำแบบเวนิส ฟรูเลียน) ), ทารันเทลลา (การเต้นรำของอิตาลีตอนใต้ ซึ่งกลายเป็นระดับชาติ) นอกจากทารันเทลลาแล้ว ซิซิเลียนายังได้รับความนิยม (ขนาดเท่ากัน แต่จังหวะก็ปานกลางลักษณะของทำนองก็แตกต่าง - งานอภิบาล) ชาวซิซิลีอยู่ใกล้กับ barcarolle (เพลงของชาวเวนิส) และ Tuscan rispetto (เพลงสรรเสริญและสารภาพรัก) เพลง Lamento (เพลงคร่ำครวญประเภทหนึ่ง) เป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวาง ความเป็นพลาสติกและความไพเราะของท่วงทำนอง การแต่งบทเพลงที่สดใส และความอ่อนไหวที่มักเน้นย้ำเป็นเรื่องปกติของเพลงเนเปิลส์ที่แพร่หลายในอิตาลี

นาร์ ดนตรียังมีอิทธิพลต่อศาสตราจารย์ ดนตรี การสร้าง ความเรียบง่ายและความใกล้ชิดกับผู้คนมากที่สุด ประเภทของฟรอตโตลาและวิลลาเนลมีต้นกำเนิดที่แตกต่างกัน

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเป็นแรงผลักดันให้เกิดการพัฒนาทฤษฎีดนตรี ความคิดในอิตาลี รากฐานมีความทันสมัย หลักคำสอนเรื่องความสามัคคีวางลงโดย G. Zarlino กลางศตวรรษ เขาเปรียบเทียบหลักคำสอนของโหมดกับระบบวรรณยุกต์ใหม่ที่มีพื้นฐาน 2 ประการ อารมณ์กิริยา - หลักและรอง ในการตัดสินของเขา Zarlino อาศัยการรับรู้จากการได้ยินโดยตรงเป็นหลัก ไม่ใช่การคำนวณทางวิชาการที่เป็นนามธรรมและการดำเนินการเชิงตัวเลข

เหตุการณ์ที่ใหญ่ที่สุดใน I. m. ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 16-17 มีการเกิดขึ้นของโอเปร่า โอเปร่าปรากฏตัวในตอนท้ายของยุคเรอเนซองส์ แต่อย่างไรก็ตาม โอเปร่ามีความเชื่อมโยงกับแนวคิดและวัฒนธรรมโดยสิ้นเชิง โอเปร่าเป็นแบบสแตนด์อโลน ในด้านหนึ่ง ประเภทนี้เติบโตขึ้นจากโรงละคร การแสดงของศตวรรษที่ 16 พร้อมด้วยดนตรีจากมาดริกัล หลายๆ คนสร้างสรรค์เพลงให้กับทีวี นักแต่งเพลงชื่อดังศตวรรษที่ 16 ดังนั้น A. Gabrieli จึงเขียนบทเพลงสำหรับโศกนาฏกรรมของ Sophocles เรื่อง "Oedipus" (1585, Vicenza) หนึ่งในรุ่นก่อนของโอเปร่าคือบทละครของ A. Poliziano เรื่อง The Tale of Orpheus (1480, Mantua) มาดริกัลพัฒนาวิธีการแสดงออกที่ยืดหยุ่น รูปลักษณ์ของบทกวี ข้อความในเพลง การปฏิบัติทั่วไปในการแสดงมาดริกัลโดยนักร้องคนเดียวพร้อมเครื่องดนตรี ความต้านทาน ทำให้เข้าใกล้แบบกระทะมากขึ้น monody ซึ่งเป็นพื้นฐานของชาวอิตาลีคนแรก โอเปร่า ในการต่อต้าน ศตวรรษที่ 16 ประเภทของเรื่องตลกมาดริกัลเกิดขึ้นซึ่งการเลียนแบบ การแสดงมาพร้อมกับกระทะ ตอนในสไตล์มาดริกัล ตัวอย่างทั่วไปของประเภทนี้คือ “Amphiparnassus” โดย O. Vecchi (1594)

ในปี ค.ศ. 1581 นักโต้เถียงก็ปรากฏตัวขึ้น บทความของ V. Galilei เรื่อง “การสนทนาเกี่ยวกับดนตรีโบราณและสมัยใหม่” (“Dialogo della musica antica et délia moderna”) ซึ่งมีเสียงสวดมนต์ การประกาศ (ตามแบบโบราณ) ต่อต้าน "ความป่าเถื่อน" ในยุคกลาง พฤกษ์ ข้อความที่ตัดตอนมาจาก "Divine Comedy" ของดันเต้ที่เขาแต่งเป็นดนตรีควรจะใช้เป็นตัวอย่างของแนวคิดนี้ สไตล์. ความคิดแบบกาลิลีได้รับการสนับสนุนจากกลุ่มกวี นักดนตรี และนักวิทยาศาสตร์ด้านมนุษยนิยมที่รวมตัวกันในปี 1580 ตามความคิดริเริ่มของเคานต์ G. Bardi ชาวฟลอเรนซ์ผู้รู้แจ้ง (หรือที่เรียกว่า Florentine Camerata) ร่างของวงกลมนี้สร้างโอเปร่าเรื่องแรก - "Daphne" (1597-98) และ "Eurydice" (1600) โดย J. Peri ถึงข้อความโดย O. Rinuccini กระทะเดี่ยว บางส่วนของโอเปร่าเหล่านี้พร้อมสหกรณ์ บาสโซต่อเนื่องได้รับการประกาศอย่างต่อเนื่อง ลักษณะโครงสร้างมาดริกัลยังคงอยู่ในคณะนักร้องประสานเสียง

หลาย หลายปีต่อมา เพลงสำหรับ "Eurydice" ได้รับการแต่งโดยนักร้องและนักแต่งเพลงโดยอิสระ G. Caccini ซึ่งเป็นผู้เขียนคอลเลกชันนี้ด้วย เพลงเดี่ยวแชมเบอร์พร้อมดนตรีประกอบ "ดนตรีใหม่" ("Le nuove musiche", 1601) หลัก บนสไตล์เดียวกัน หลักการ รูปแบบการเขียนนี้เรียกว่า "รูปแบบใหม่" (Stile nuovo) หรือ "รูปแบบที่เป็นรูปเป็นร่าง" (Stile rарpresentativo)

แยง. ชาวฟลอเรนซ์มีเหตุผลในระดับหนึ่งโดยส่วนใหญ่มีความหมาย ทดลอง ชีวิตที่แท้จริงโอเปร่าได้รับแรงบันดาลใจจากดนตรีอันไพเราะ นักเขียนบทละครศิลปินผู้มีพรสวรรค์อันน่าเศร้า K. Monteverdi เขาหันไปหาแนวโอเปร่าเมื่อโตเป็นผู้ใหญ่และมีผลงานมากมายอยู่แล้ว สหกรณ์จิตวิญญาณ และมาดริกัลฆราวาส โอเปร่าเรื่องแรกของเขา "Orpheus" (1607) และ "Ariadne" (1608) ได้รับการโพสต์ ในมันตัว หลังจากห่างหายไปนาน Monteverdi ก็ทำหน้าที่เป็นนักแต่งเพลงโอเปร่าในเวนิสอีกครั้ง จุดสุดยอดของความคิดสร้างสรรค์โอเปร่าของเขาคือ “The Coronation of Poppea” (1642) ผลิต พลังของเช็คสเปียร์อย่างแท้จริง โดดเด่นด้วยความลึกล้ำของละคร การแสดงออก การแกะสลักตัวละครอย่างเชี่ยวชาญ ความเฉียบคมและความตึงเครียดของสถานการณ์ความขัดแย้ง

ในเมืองเวนิส โอเปร่าก้าวไปไกลกว่าชนชั้นสูงแคบๆ แวดวงนักเลงและกลายเป็นปรากฏการณ์สาธารณะ อาคารสาธารณะแห่งแรกเปิดที่นี่ในปี 1637 โอเปร่าทีอาร์"San Cassiano" (ระหว่างปี 1637-1800 มีการสร้าง t-trov ดังกล่าวอย่างน้อย 16 รายการ) มีความเป็นประชาธิปไตยมากขึ้น องค์ประกอบของผู้ชมก็มีอิทธิพลต่อลักษณะของผลงานด้วย ตำนาน วัตถุดังกล่าวได้หลีกทางให้กับสถานที่ที่โดดเด่นของประวัติศาสตร์ เรื่องราวที่มีการกระทำจริง ใบหน้า ดราม่า และกล้าหาญ จุดเริ่มต้นมีความเกี่ยวพันกับเรื่องตลกขบขันและบางครั้งก็ตลกขบขันอย่างหยาบคาย กระทะ ท่วงทำนองได้รับความไพเราะมากขึ้นภายในฉากบรรยายส่วนต่างๆก็ปรากฏขึ้น ตอนประเภท arious คุณลักษณะเหล่านี้ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของโอเปร่าช่วงปลายของมอนเตเวร์ดีได้รับการพัฒนาเพิ่มเติมในผลงานของ F. Cavalli ผู้แต่งโอเปร่า 42 เรื่อง ซึ่งโอเปร่า Jason (1649) ได้รับความนิยมมากที่สุด

โอเปร่าในโรมได้รับการระบายสีที่แปลกประหลาดภายใต้อิทธิพลของชาวคาทอลิกที่ครอบงำที่นี่ แนวโน้ม พร้อมด้วยของโบราณ ตำนาน แผนการ ("The Death of Orpheus" - "La morte d"Orfeo" โดย S. Landi, 1619; "The Chain of Adonis" - "La Caténa d"Adone" โดย D. Mazzocchi, 1626) โอเปร่ารวมถึงศาสนาด้วย หัวข้อที่ตีความในพระคริสต์ แผนคุณธรรม หมายความถึงมากที่สุด. แยง. โรงเรียนโรมัน - โอเปร่า "Saint Alexei" โดย Landi (1632) ซึ่งโดดเด่นด้วยความไพเราะ ความมีชีวิตชีวาและบทละครของดนตรี ความหลากหลายของเนื้อร้องของคณะนักร้องประสานเสียงที่พัฒนาขึ้น ตอน ตัวอย่างหนังสือการ์ตูนเล่มแรกปรากฏในกรุงโรม ประเภทโอเปร่า: “ให้ผู้ประสบภัยมีความหวัง” (“Che soffre, speri”, 1639) โดย V. Mazzocchi และ M. Marazzoli และ “Every cloud has a silver Lining” (“Dal male il bene”, 1653) โดย A. M. Abbatini และ มารัซโซลี.

เคเซอร์ ศตวรรษที่ 17 โอเปร่าละทิ้งหลักการของสุนทรียศาสตร์ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเกือบทั้งหมดซึ่งสนับสนุนโดย Florentine Camerata นี่เป็นหลักฐานจากผลงานของ M. A. Chesti ที่เกี่ยวข้องกับโรงเรียนโอเปร่าเวนิส ในงานเขียนของเขามีละครที่ปั่นป่วน การบรรยายนั้นตรงกันข้ามกับทำนองที่ไพเราะนุ่มนวล และบทบาทของกระทะกลมก็เพิ่มขึ้น ตัวเลข (มักจะส่งผลเสียต่อเหตุผลอันน่าทึ่งของการกระทำ) โอเปร่าแห่งเกียรติยศ" แอปเปิ้ลสีทอง"("Il porno d"oro", 1667) ซึ่งจัดแสดงอย่างเอิกเกริกในกรุงเวียนนาเนื่องในโอกาสอภิเษกสมรสของจักรพรรดิลีโอโปลด์ที่ 1 กลายเป็นต้นแบบของการเสด็จมาในพิธี การแสดงซึ่งตั้งแต่นั้นมาก็แพร่หลายในยุโรป “นี่ไม่ใช่โอเปร่าของอิตาลีเพียงอย่างเดียวอีกต่อไป” อาร์. โรลแลนด์เขียน “แต่เป็นโอเปร่าในศาลระหว่างประเทศประเภทหนึ่ง”

จากจุดสิ้นสุด ศตวรรษที่ 17 บทบาทนำในการพัฒนาประเทศอิตาลี โอเปร่าไปเนเปิลส์ ตัวแทนหลักคนแรกของโรงเรียนโอเปร่าเนเปิลส์คือ F. Provenzale แต่หัวหน้าที่แท้จริงคือ A. Scarlatti ผู้เขียนผลงานโอเปร่ามากมาย (มากกว่า 100 ชิ้น) เขาได้สร้างโครงสร้างตามแบบฉบับของภาษาอิตาลี โอเปร่าเซเรีย อนุรักษ์ไว้โดยไม่มีสิ่งมีชีวิต เปลี่ยนแปลงไปจนจบ ศตวรรษที่ 18 หัวหน้า สถานที่ในโอเปร่าประเภทนี้เป็นของ อาเรีย โดยปกติจะเป็นดาคาโป 3 ส่วน บทบรรยายได้รับบทบาทการบริการ ความสำคัญของคณะนักร้องประสานเสียงและวงดนตรีจะลดลงเหลือน้อยที่สุด แต่ไพเราะสดใส ของขวัญจากสการ์ลัตติ ทักษะการโพลีโฟนิก ตัวอักษรน่าทึ่งอย่างไม่ต้องสงสัย สัญชาตญาณอนุญาตให้ผู้แต่งบรรลุผลที่น่าประทับใจและแม้จะมีข้อจำกัดทั้งหมดก็ตาม Scarlatti พัฒนาและเพิ่มคุณค่าทั้งเสียงร้องและเครื่องดนตรี แบบฟอร์มโอเปร่า เขาได้พัฒนาโครงสร้างแบบอิตาลีโดยทั่วไป การทาบทามโอเปร่า (หรือซิมโฟนีตามคำศัพท์ที่ยอมรับในขณะนั้น) โดยมีท่อนนอกที่รวดเร็วและตอนกลางที่ช้า ซึ่งกลายเป็นต้นแบบของซิมโฟนีในฐานะอิสระ คอนติเนนตัล ทำงาน

ด้วยการเชื่อมต่ออย่างใกล้ชิดกับโอเปร่า จึงได้มีการพัฒนาแนวเพลงที่ไม่ใช่พิธีกรรมแนวใหม่ เคร่งศาสนา คดีความ - oratorio มาจากศาสนา. การอ่านพร้อมกับการร้องเพลงรูปหลายเหลี่ยม เชิดชู เธอได้รับอิสรภาพ ที่เสร็จเรียบร้อย ในรูปแบบผลงานของ G. Carissimi ในบทปราศรัยของเขาซึ่งเขียนตามหัวข้อพระคัมภีร์เป็นส่วนใหญ่ เขาได้เสริมรูปแบบโอเปร่าที่พัฒนาขึ้นโดยคนกลาง ศตวรรษที่ 17 ความสำเร็จของการขับร้อง คอนติเนนตัล สไตล์. ในบรรดานักประพันธ์เพลงที่พัฒนาแนวเพลงนี้หลังจาก Carissimi นั้น A. Stradella มีความโดดเด่น (บุคลิกของเขากลายเป็นตำนานเนื่องจากประวัติการผจญภัยของเขา) เขาได้นำองค์ประกอบของละครมาสู่ออราโทริโอ สิ่งที่น่าสมเพชและลักษณะเฉพาะ นักแต่งเพลงเกือบทั้งหมดของโรงเรียน Neapolitan ให้ความสนใจกับแนวเพลง oratorio แม้ว่าเมื่อเปรียบเทียบกับโอเปร่าแล้ว oratorio ก็ครองตำแหน่งรองในงานของพวกเขา

แนวเพลงที่เกี่ยวข้องกับ oratorio คือ Chamber Cantata สำหรับหนึ่งเสียง บางครั้งอาจมี 2 หรือ 3 เสียงพร้อมดนตรีประกอบ บาสโซต่อเนื่อง ต่างจาก oratorio ข้อความทางโลกมีอำนาจเหนือกว่า ปรมาจารย์ที่โดดเด่นที่สุดของประเภทนี้คือ Carissimi และ L. Rossi (หนึ่งในตัวแทนของโรงเรียนโอเปร่าโรมัน) เช่นเดียวกับออราโตริโอ แคนทาทาเล่นหมายถึง บทบาทในการพัฒนากระทะ รูปแบบที่กลายเป็นเรื่องปกติของโอเปร่าเนเปิลส์

ในด้านดนตรีทางศาสนาในคริสต์ศตวรรษที่ 17 ครอบงำด้วยความปรารถนาในความยิ่งใหญ่ภายนอกโอ้อวดบรรลุช. อ๊าก เนื่องจากปริมาณ ผล. หลักการของความหลากหลายซึ่งพัฒนาโดยปรมาจารย์ของโรงเรียนเวนิสกลายเป็นการผ่อนชำระ มาตราส่วน. ในการผลิตบางส่วน. ใช้ 4 ประตูมากถึงสิบสองประตู คณะนักร้องประสานเสียง คณะนักร้องประสานเสียงขนาดยักษ์ มีการเสริมองค์ประกอบมากมาย และกลุ่มเครื่องดนตรีที่หลากหลาย สไตล์บาโรกอันเขียวชอุ่มนี้ได้รับการพัฒนาโดยเฉพาะในโรม โดยแทนที่สไตล์ปาเลสตรินาและผู้ติดตามของเขาที่เข้มงวดและเข้มงวด ตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของโรงเรียนโรมันตอนปลายคือ G. Allegri (ผู้แต่ง "Miserere" ที่มีชื่อเสียงซึ่งบันทึกโดย W. A. ​​​​Mozart), P. Agostini, A. M. Abbatini, O. Benevoli ขณะเดียวกันก็เรียกว่า. “สไตล์คอนเสิร์ต” ใกล้เคียงกับการร้องเพลงแบบอ่านออกเสียงของอิตาโลยุคแรก โอเปร่าตัวอย่าง ได้แก่ คอนเสิร์ตทางจิตวิญญาณของ A. Banchieri (1595) และ L. Viadana (1602) (Viadana ได้รับเครดิตตามที่ปรากฏในภายหลังโดยไม่มีเหตุผลเพียงพอในการประดิษฐ์เบสแบบดิจิทัล) C. Monteverdi, Marco da Galliano, F. Cavalli, G. Legrenzi และนักแต่งเพลงคนอื่น ๆ เขียนในลักษณะเดียวกันโดยถ่ายโอนไปยัง คริสตจักร องค์ประกอบดนตรีของโอเปร่าหรือแชมเบอร์แคนทาทา

การค้นหารูปแบบและวิธีการทางดนตรีใหม่อย่างเข้มข้น การแสดงออกซึ่งกำหนดโดยความปรารถนาที่จะรวบรวมความเห็นอกเห็นใจที่ร่ำรวยและหลากหลาย เนื้อหาดำเนินการในด้านเครื่องมือ ดนตรี. หนึ่งในปรมาจารย์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดขององค์กร และดนตรีคีย์บอร์ดในยุคก่อนบาคคือ G. Frescobaldi นักแต่งเพลงที่มีความคิดสร้างสรรค์ที่ยอดเยี่ยม บุคลิกลักษณะเฉพาะตัว อัจฉริยะด้านออร์แกนและฮาร์ปซิคอร์ดที่เก่งกาจ ซึ่งมีชื่อเสียงในบ้านเกิดของเขาและในยุโรปอื่นๆ ประเทศ. พระองค์ทรงนำประเพณี รูปแบบของไรเซอร์คาร์ แฟนตาซี ทอคคาต้า รูปลักษณ์ที่แสดงออกอย่างเข้มข้นและอิสระแห่งความรู้สึก เสริมด้วยท่วงทำนองอันไพเราะ และกลมกลืนกัน ภาษาพหุนามที่พัฒนาแล้ว ใบแจ้งหนี้. ในผลิตภัณฑ์ของเขา ตกผลึกคลาสสิก ประเภทของความทรงจำที่มีความสัมพันธ์ทางโทนเสียงที่ชัดเจนและความสมบูรณ์ของแผนโดยรวม ความคิดสร้างสรรค์ของ Frescobaldi คือจุดสุดยอดของอิตาลี องค์กร คดีความ ความสำเร็จด้านนวัตกรรมของเขาไม่พบผู้ติดตามที่โดดเด่นในอิตาลี แต่ยังคงดำเนินต่อไปและพัฒนาโดยนักแต่งเพลงจากประเทศอื่น ในภาษาอิตาลี สถาบัน เพลงจากครึ่งหลัง ศตวรรษที่ 17 บทบาทนำส่งต่อไปยังเครื่องดนตรีโค้งคำนับและเหนือสิ่งอื่นใดคือไวโอลิน นี่เป็นเพราะความเจริญรุ่งเรืองของศิลปะการแสดงไวโอลินและการปรับปรุงตัวเครื่องดนตรีเอง ในศตวรรษที่ 17-18 ในอิตาลี ราชวงศ์ผู้มีชื่อเสียง ผู้ผลิตไวโอลิน(ตระกูล Amati, Stradivari, Guarneri) ซึ่งเครื่องดนตรียังคงไม่มีใครเทียบได้จนถึงทุกวันนี้ นักดนตรีฝีมือดีที่โดดเด่นส่วนใหญ่ ได้แก่ นักประพันธ์เพลงในงานของพวกเขา เทคนิคใหม่ๆ สำหรับการแสดงไวโอลินเดี่ยวได้ถูกรวมเข้าด้วยกัน และพัฒนาท่วงทำนองใหม่ๆ แบบฟอร์ม

ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 16-17 ในเวนิส ประเภทของโซนาต้าทั้งสามได้รับการพัฒนาซึ่งเป็นงานที่มีหลายส่วน สำหรับเครื่องดนตรีเดี่ยว 2 ชิ้น (โดยปกติจะเป็นไวโอลิน แต่สามารถถูกแทนที่ด้วยเครื่องดนตรีอื่นของ tessitura ที่เกี่ยวข้อง) และเบส ประเภทนี้มีอยู่ 2 ประเภท (ทั้งคู่อยู่ในสาขาดนตรีแชมเบอร์ฆราวาส): "church sonata" ("sonata da chiesa") - วงจร 4 ส่วนซึ่งส่วนที่ช้าและเร็วสลับกันและ "chamber sonata" (“กล้องโซนาตาดา”) ประกอบด้วยหลายคำ เล่นเต้นรำ ตัวละครใกล้กับห้องสวีท เป็นสิ่งสำคัญอย่างยิ่งในการพัฒนาแนวเพลงเหล่านี้ต่อไป โรงเรียน Bolognese มีบทบาทในการนำเสนอกาแล็กซีอันยอดเยี่ยมของปรมาจารย์ด้านศิลปะไวโอลิน ในบรรดาตัวแทนอาวุโส ได้แก่ M. Caccati, G. Vitali, G. Bassani ยุคในประวัติศาสตร์ของไวโอลินและดนตรีแชมเบอร์ล้วนโดดเด่นด้วยผลงานของ A. Corelli (ลูกศิษย์ของ Bassani) กิจกรรมของเขาในช่วงวัยผู้ใหญ่มีความเกี่ยวข้องกับโรมซึ่งเขาได้สร้างโรงเรียนของตัวเองขึ้นมา โดยมีชื่อต่างๆ เช่น P. Locatelli, F. Geminiani, G. Somis งานของ Corelli เสร็จสิ้นการก่อตัวของโซนาตาทั้งสาม พระองค์ทรงขยายและเติมเต็มความสมบูรณ์ ความสามารถของเครื่องดนตรีโค้งคำนับ นอกจากนี้เขายังเป็นเจ้าของวงจรโซนาตาสำหรับไวโอลินเดี่ยวพร้อมสหกรณ์ ฮาร์ปซิคอร์ด แนวใหม่นี้ซึ่งเกิดขึ้นในช่วงปลาย ศตวรรษที่ 17 เป็นจุดสิ้นสุด การอนุมัติแบบโมโนดิช หลักการในผู้สอน ดนตรี. Corelli พร้อมด้วย G. Torelli ร่วมสมัยของเขาได้สร้างสรรค์คอนแชร์โตกรอสโซ ซึ่งเป็นรูปแบบที่สำคัญที่สุดของการทำดนตรีแชมเบอร์ออเคสตราจนถึงกลางศตวรรษที่ 18

เคคอน 17 - จุดเริ่มต้น ศตวรรษที่ 18 ระหว่างประเทศเพิ่มขึ้น สง่าราศีและอำนาจ I. Mn. ต่างชาติ นักดนตรีแห่กันไปที่อิตาลีเพื่อสำเร็จการศึกษาและได้รับใบรับรองซึ่งทำให้ได้รับการยอมรับในบ้านเกิดของพวกเขา ในฐานะครู เขามีชื่อเสียงเป็นพิเศษในเรื่องนักดนตรีผู้มีความรู้ความสามารถมากมาย และนักทฤษฎี J.B. Martini (รู้จักกันในชื่อ Padre Martini) คำแนะนำของเขาถูกใช้โดย K. V. Gluck, W. A. ​​Mozart, A. Gretry ขอบคุณเขา Bologna Philharmonic สถาบันแห่งนี้ได้กลายเป็นหนึ่งในศูนย์กลางทางดนตรีที่ใหญ่ที่สุดในยุโรป การศึกษา.

ภาษาอิตาลี นักประพันธ์เพลงแห่งศตวรรษที่ 18 ขั้นพื้นฐาน ให้ความสนใจกับโอเปร่า มีเพียงไม่กี่คนเท่านั้นที่ยังคงอยู่ห่างจากโรงละครโอเปร่า ซึ่งดึงดูดผู้ชมจำนวนมากจากทุกระดับของสังคม การผลิตโอเปร่าในศตวรรษนี้ซึ่งมีปริมาณมหาศาลถูกสร้างขึ้นโดยนักประพันธ์เพลงประเภทต่างๆ ขนาดของความสามารถซึ่งมีศิลปินที่มีพรสวรรค์มากมาย ความนิยมของโอเปร่าได้รับการอำนวยความสะดวกโดย ระดับสูง vok.-ดำเนินการ วัฒนธรรม. นักร้องก็เตรียมตัว อ๊าก ในเรือนกระจก - สถานเลี้ยงเด็กกำพร้าที่เกิดขึ้นในศตวรรษที่ 16 ในเนเปิลส์และเวนิส - ศูนย์กลางหลักของอิตาลี ชีวิตโอเปร่าในศตวรรษที่ 18 มีเรือนกระจก 4 แห่งซึ่งมีรำพึงอยู่ การศึกษานำโดยนักประพันธ์เพลงรายใหญ่ นักร้องและคอมพ์ F. Pistocchi ก่อตั้งบริษัทพิเศษในโบโลญญา (ประมาณปี 1700) นักร้อง โรงเรียน. กระทะที่โดดเด่น ครูคือ N. Porpora หนึ่งในนักประพันธ์เพลงโอเปร่าที่มีผลงานมากที่สุดคนหนึ่งของโรงเรียนเนเปิลส์ ในบรรดาปรมาจารย์ด้านศิลปะ bel canto ที่มีชื่อเสียงในศตวรรษที่ 18 - นักแสดงของสามีหลัก บทบาทในซีรีส์โอเปร่า ได้แก่ นักร้อง Castrati A. Bernacchi, Caffarelli, F. Bernardi (ชื่อเล่น Senesino), Farinelli, G. Crescentini ซึ่งมีทักษะการร้องที่เก่งกาจ เทคนิคผสมผสานกับน้ำเสียงที่นุ่มนวลและเบา นักร้อง F. Bordoni, F. Cuzzoni, C. Gabrielli, V. Tesi

ภาษาอิตาลี โอเปร่าได้รับสิทธิพิเศษ สถานการณ์ในยุโรปส่วนใหญ่ เมืองหลวง เธอจะถูกดึงดูด ความแข็งแกร่งก็ปรากฏให้เห็นในความจริงที่ว่าหลายคน นักแต่งเพลงจากประเทศอื่นสร้างโอเปร่าเป็นภาษาอิตาลี ข้อความในจิตวิญญาณและประเพณีของโรงเรียนเนเปิลส์ เข้าร่วมโดยชาวสเปน D. Perez และ D. Terradellas, I. A. Hasse ชาวเยอรมัน และ J. Myslivecek ชาวเช็ก แปลว่าไหลไปตามโรงเรียนเดียวกัน ส่วนหนึ่งของกิจกรรมของ G.F. Handel และ K.W. Gluck สำหรับชาวอิตาลี ฉากโอเปร่าเขียนโดยชาวรัสเซีย นักแต่งเพลง - M. S. Berezovsky, P. A. Skokov, D. S. Bortnyansky

อย่างไรก็ตามในช่วงชีวิตของหัวหน้าโรงเรียนโอเปร่าเนเปิลส์ A. Scarlatti ผู้สร้างซีรีส์โอเปร่าคุณสมบัติทางศิลปะโดยธรรมชาติของมันได้ถูกเปิดเผยแล้ว ความขัดแย้งซึ่งเป็นสาเหตุของการวิพากษ์วิจารณ์อย่างรุนแรง พูดออกมาต่อต้านเธอ ในการเริ่มต้น ยุค 20 ศตวรรษที่ 18 นักเสียดสีปรากฏตัวขึ้น แผ่นพับเพลง นักทฤษฎีบี. มาร์เชลโลซึ่งการประชุมที่ไร้สาระของบรรณารักษ์โอเปร่าและการดูหมิ่นผู้แต่งละครถูกเยาะเย้ย ความหมายของการกระทำ ความโง่เขลาอันเย่อหยิ่งของพรีมาดอนนาและนักร้องคาสตราติ เพราะขาดจรรยาบรรณลึกซึ้ง เนื้อหาและการใช้ผลกระทบภายนอกในทางที่ผิดถูกวิพากษ์วิจารณ์สมัยใหม่ ฉันกำลังแสดงโอเปร่าอิตตาล นักการศึกษา F. Algarotti ใน “Essay on Opera” (“Saggio sopra l”opera in musica...”, 1754) และนักสารานุกรม E. Arteaga ในผลงานของเขา “The Revolution of the Italian Musical Theatre” (“Le rivoluzioni del teatro ละครเพลง italiano dalla sua origine fino al Presente", v. 1-3, 1783-86)

กวีนักประพันธ์ A. Zeno และ P. Metastasio พัฒนาโครงสร้างที่มั่นคงของประวัติศาสตร์และตำนาน ละครโอเปร่าซึ่งมีการควบคุมลักษณะของละครอย่างเคร่งครัด อุบาย จำนวนและความสัมพันธ์ของตัวละคร ประเภทของกระทะเดี่ยว หมายเลขและตำแหน่งบนเวที การกระทำ. ตามกฎของละครคลาสสิก พวกเขาทำให้โอเปร่ามีความเป็นหนึ่งเดียวและความกลมกลืนของการเรียบเรียง ปลดปล่อยมันจากความสับสนแห่งโศกนาฏกรรม องค์ประกอบที่มีความตลกขบขันและเรื่องตลก ในเวลาเดียวกัน ข้อความโอเปร่านักเขียนบทละครเหล่านี้มีลักษณะเป็นชนชั้นสูง ความกล้าหาญ เขียนด้วยภาษาเทียม มีมารยาท ประณีต โอเปร่าเซเรีย, สเปน การตัดมักเกิดขึ้นให้ตรงกับการมาถึง การเฉลิมฉลองต้องจบลงด้วยการจบลงที่ประสบความสำเร็จความรู้สึกของฮีโร่นั้นมีเงื่อนไขและไม่น่าเชื่อ

ในช่วงกลาง. ศตวรรษที่ 18 มีแนวโน้มที่จะเอาชนะความคิดโบราณของละครโอเปร่าและความสัมพันธ์ที่ใกล้ชิดระหว่างดนตรีและละคร การกระทำ. สิ่งนี้นำไปสู่บทบาทที่เพิ่มขึ้นของการบรรยายควบคู่กับการเพิ่มคุณค่าของออร์ค สี การขยายและการแสดงละครของคณะนักร้องประสานเสียง ฉาก แนวโน้มเชิงนวัตกรรมเหล่านี้แสดงออกมาอย่างชัดเจนที่สุดในผลงานของ N. Jommelli และ T. Traetta ผู้ซึ่งเตรียมการปฏิรูปเชิงโอเปร่าของ Gluck บางส่วน ในโอเปร่าเรื่อง Iphigenia in Tauris Traetta จัดการตามคำพูดของ G. Abert "เพื่อก้าวไปสู่ประตูแห่งละครเพลงของ Gluck" นักแต่งเพลงที่เรียกว่าเดินตามเส้นทางเดียวกัน "โรงเรียนเนเปิลส์แห่งใหม่" G. Sarti, P. Guglielmi และคนอื่นๆ A. Sacchini และ A. Salieri เป็นผู้ยึดมั่นและติดตามการปฏิรูปของ Gluck

ฝ่ายค้านที่แข็งแกร่งที่สุดคือวีรบุรุษที่มีเงื่อนไข Opera Seria ถูกรวบรวมโดยประชาธิปไตยใหม่ ประเภทโอเปร่าบัฟฟา ตอนอายุ 17 และเริ่มต้น ศตวรรษที่ 18 การ์ตูน โอเปร่าแสดงด้วยตัวอย่างที่แยกออกมาเท่านั้น พวกเขาเป็นอิสระได้อย่างไร ประเภทนี้เริ่มเป็นรูปเป็นร่างร่วมกับอาจารย์อาวุโสของโรงเรียนเนเปิลส์ L. Vinci และ L. Leo คลาสสิครุ่นแรก. ตัวอย่างของนักแสดงโอเปร่าคือ "The Servant-Mistress" ของ Pergolesi (แต่เดิมใช้เป็นการแสดงสลับฉากระหว่างการแสดงโอเปร่าซีรีส์ของเขา "The Proud Captive", 1733) ความสมจริงของภาพ ความมีชีวิตชีวา และความฉุนเฉียวของดนตรี ลักษณะเฉพาะมีส่วนทำให้การสลับฉากของ G.B. Pergolesi ได้รับความนิยมอย่างกว้างขวางที่สุด ประเทศต่างๆ โดยเฉพาะในฝรั่งเศสซึ่งตำแหน่งของเธออยู่ ในปี ค.ศ. 1752 ทำหน้าที่เป็นแรงผลักดันให้เกิดสุนทรียภาพอันดุเดือด การโต้เถียง (ดู "สงครามบุฟฟอน") และมีส่วนทำให้เกิดการก่อตั้งฝรั่งเศส ระดับชาติ ชนิดของการ์ตูน โอเปร่า

โดยไม่ขาดการติดต่อกับผู้คน ราก, ภาษาอิตาลี โอเปร่าบัฟฟาภายหลังได้พัฒนารูปแบบที่พัฒนามากขึ้น ต่างจากละครโอเปร่าตรงที่เสียงร้องเดี่ยวมีความโดดเด่น จุดเริ่มต้นในการ์ตูน วงดนตรีมีความสำคัญมากในโอเปร่า วงดนตรีที่ได้รับการพัฒนามากที่สุดถูกจัดวางไว้ในฉากสุดท้ายที่มีชีวิตชีวาและเปิดกว้างอย่างรวดเร็ว ซึ่งเป็นโหนดประเภทหนึ่ง วางอุบายตลก- N. Logroshino ถือเป็นผู้สร้างวงดนตรีสุดท้ายที่มีประสิทธิภาพประเภทนี้ C. Goldoni บุคคลสำคัญชาวอิตาลี มีอิทธิพลอย่างมากต่อพัฒนาการของนักแสดงโอเปร่า นักแสดงตลกแห่งศตวรรษที่ 18 ผู้สะท้อนความคิดในงานของเขา ความสมจริงทางการศึกษา- เขาเป็นนักเขียนบรรณารักษ์โอเปร่าจำนวนหนึ่ง ซึ่งส่วนใหญ่มีดนตรีที่แต่งโดยปรมาจารย์ชาวอิตาลีผู้มีชื่อเสียงคนหนึ่ง การ์ตูน โอเปร่าโดย Venetian B. Galuppi ในยุค 60 ศตวรรษที่ 18 ในโอเปร่า มีแนวโน้มผู้มีอารมณ์อ่อนไหวแบบบัฟฟา (เช่น โอเปร่าของ N. Piccinni ที่สร้างจากข้อความของ Goldoni เรื่อง "Cecchina หรือ the Good Daughter", 1760, Rome) Opera buffa เข้าใกล้ประเภท " ละครชนชั้นกลาง"หรือ" ตลกน้ำตาไหล "ซึ่งสะท้อนถึงอุดมคติทางศีลธรรมของฐานันดรที่สามในช่วงก่อนการปฏิวัติฝรั่งเศสครั้งใหญ่

ผลงานของ N. Piccinni, G. Paisiello และ D. Cimarosa ถือเป็นขั้นตอนสุดท้ายและสูงที่สุดในการพัฒนานักโอเปร่าในศตวรรษที่ 18 ผลงานของพวกเขาผสมผสานองค์ประกอบตลกเข้ากับความรู้สึกอ่อนไหว น่าสงสารไพเราะ ความสมบูรณ์ด้วยรูปแบบที่หลากหลาย ความมีชีวิตชีวา ความสง่างาม และความคล่องตัวของดนตรีได้รับการอนุรักษ์ไว้ในละครโอเปร่า นักแต่งเพลงเหล่านี้ติดต่อ Mozart และเตรียมผลงานของชาวอิตาลีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดคนหนึ่ง นักแต่งเพลงโอเปร่าแห่งศตวรรษหน้า G. Rossini คุณลักษณะบางประการของโอเปร่าบัฟฟาถูกนำมาใช้ในโอเปร่าซีรีส์รุ่นหลัง ซึ่งส่งผลให้รูปแบบมีความยืดหยุ่นมากขึ้น ความเรียบง่าย และความเป็นธรรมชาติของท่วงทำนอง การแสดงออก

วิธี. ผลงานนี้จัดทำโดยชาวอิตาลี นักประพันธ์เพลงแห่งศตวรรษที่ 18 ในการพัฒนาต่างๆ ประเภทเครื่องดนตรี ดนตรี. ในสาขาการทำไวโอลิน ปรมาจารย์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดรองจาก Corelli คือ G. Tartini โดยสานต่อตามรุ่นก่อนของเขาเพื่อปลูกฝังแนวเพลงโซโลไวโอลินโซนาต้าและทรีโอโซนาตา เขาเติมเต็มพวกมันด้วยการแสดงออกที่สดใสใหม่ เสริมเทคนิคการแสดงไวโอลิน และขยายช่วงเสียงตามปกติในเวลานั้น ทาร์ตินีก่อตั้งโรงเรียนของตัวเองชื่อปาดัว (ตั้งชื่อตามเมืองปาดัวซึ่งเป็นที่ที่เขาใช้ชีวิตส่วนใหญ่) นักเรียนของเขาคือ P. Nardini, P. Alberghi, D. Ferrari ในครึ่งหลัง ศตวรรษที่ 18 เปิดเผยอย่างเชี่ยวชาญและดำเนินการ และสร้างสรรค์ กิจกรรมของ G. Pugnani ชาวอิตาลีที่ใหญ่ที่สุด นักไวโอลินคลาสสิก ยุค. ในบรรดามันมากมาย นักเรียน J.B. Viotti มีชื่อเสียงเป็นพิเศษซึ่งบางครั้งงานของเขาก็มีความรู้สึกโรแมนติก แนวโน้ม

ในประเภทออร์ค คอนแชร์โต้กรอสโซ่เป็นตัวหนาและเป็นต้นฉบับ ศิลปินที่มีนวัตกรรมคือ A. Vivaldi เขาสร้างรูปแบบนี้ขึ้นมาใหม่พร้อมกับไดนามิก เปรียบเทียบเครื่องดนตรีกลุ่มใหญ่และเล็ก (tutti และ concertino) ตามหัวข้อ ความขัดแย้งภายในแผนก ชิ้นส่วนสร้างโครงสร้างวงจร 3 ส่วนโดยคงไว้ในรูปแบบคลาสสิก สถาบัน คอนเสิร์ต. (ไวโอลินคอนแชร์โตของวิวาลดีได้รับการยกย่องอย่างสูงจาก J. S. Bach ซึ่งเป็นผู้เรียบเรียงบางส่วนสำหรับเปียโนและออร์แกนด้วย)

ในโซนาตาทั้งสามของ G.B. Pergolesi คุณลักษณะก่อนคลาสสิกจะสังเกตเห็นได้ชัดเจน สไตล์ "กล้าหาญ" พื้นผิวที่เบาและโปร่งใสของพวกเขาเกือบจะเป็นโฮโมโฟนิกทั้งหมด ท่วงทำนองมีความโดดเด่นด้วยความไพเราะและความสง่างามที่นุ่มนวล หนึ่งในนักประพันธ์เพลงที่เตรียมการเบ่งบานของดนตรีคลาสสิกโดยตรง สถาบัน ดนตรีคือ G. Sammartini (ผู้แต่งซิมโฟนี 78 บท โซนาตาและคอนแชร์โตมากมาย เครื่องมือที่แตกต่างกัน) ในแง่ของธรรมชาติของความคิดสร้างสรรค์ของเขา ใกล้ชิดกับตัวแทนของ Mannheim และโรงเรียนเวียนนายุคแรก ๆ L. Boccherini ผสมผสานองค์ประกอบการทำงานของเขาในเรื่องความอ่อนไหวที่กล้าหาญเข้ากับลัทธิก่อนโรแมนติก ตื่นเต้นกับความน่าสมเพชและความใกล้ชิดกับผู้คน แหล่งที่มา พวกเขาจะสังเกตเห็น นักเล่นเชลโลเขาเสริมวรรณกรรมเชลโลเดี่ยวและเป็นหนึ่งในผู้สร้างคลาสสิก ประเภทของวงโบว์

ศิลปินมีชีวิตชีวาและสร้างสรรค์อย่างล้นหลาม แฟนตาซี D. Scarlatti ขยายและปรับปรุงโครงสร้างที่เป็นรูปเป็นร่างและวิธีการแสดงออกของดนตรีคลาเวียร์ โซนาตาของเขาสำหรับฮาร์ปซิคอร์ด (ผู้เขียนเรียกพวกเขาว่า "แบบฝึกหัด" - "Essercizi per Gravicembalo") ซึ่งโดดเด่นด้วยความหลากหลายของตัวละครและเทคนิคการนำเสนอเป็นสารานุกรมประเภทหนึ่งของศิลปะคลาเวียร์ในยุคนั้น บทเพลงของ Scarlatti มีรูปแบบที่ชัดเจนและกระชับ เน้นประเด็นเฉพาะเรื่อง มีการกำหนดความแตกต่างไว้อย่างชัดเจน ส่วนของนิทรรศการโซนาต้า ตามหลังสการ์ลัตติ โซนาต้าคีย์บอร์ดได้รับการพัฒนาในผลงานของ B. Galuppi, D. Alberti (ซึ่งมีชื่อเกี่ยวข้องกับคำจำกัดความของเบส Albertian), G. Rutini, P. Paradisi, D. Cimarosa M. Clementi ซึ่งเชี่ยวชาญบางแง่มุมของท่าทางของ D. Scarlatti (ซึ่งแสดงออกโดยเฉพาะอย่างยิ่งในการสร้างโซนาตา 12 ตัวของเขา "ในสไตล์ของ Scarlatti") จากนั้นก็กลายมาใกล้ชิดกับปรมาจารย์ด้านดนตรีคลาสสิกที่พัฒนาแล้ว สไตล์และบางครั้งก็เป็นที่มาของความโรแมนติก ความสามารถพิเศษ

เอ็น. ปากานินีเป็นผู้เปิดศักราชใหม่ในประวัติศาสตร์การผลิตไวโอลิน ในฐานะนักแสดงและนักแต่งเพลง เขาเป็นศิลปินแนวโรแมนติก คลังสินค้า การเล่นของเขาสร้างความประทับใจอย่างไม่อาจต้านทานได้ด้วยการผสมผสานความสามารถอันมหาศาลเข้ากับจินตนาการอันเร่าร้อนและความหลงใหล มน. แยง. ปากานินี ("24 Caprices" สำหรับไวโอลินเดี่ยว คอนแชร์โตสำหรับไวโอลินและวงออเคสตรา ฯลฯ) ยังคงเป็นตัวอย่างวรรณกรรมไวโอลินอัจฉริยะที่ไม่มีใครเทียบได้ พวกเขาไม่เพียงมีอิทธิพลต่อการพัฒนาดนตรีไวโอลินในศตวรรษที่ 19 เท่านั้น แต่ยังรวมถึงผลงานของตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของขบวนการโรแมนติกด้วย นักเปียโน - F. Chopin, R. Schumann, F. Liszt

ปากานินีเป็นคนสุดท้ายของชาวอิตาลีผู้ยิ่งใหญ่ ผู้เชี่ยวชาญที่ทำงานในด้านเครื่องมือ ดนตรี. ในศตวรรษที่ 19 ความสนใจของนักแต่งเพลงและสาธารณชนมุ่งเน้นไปที่โอเปร่าเกือบทั้งหมด ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 18-19 โอเปร่าในอิตาลีกำลังประสบกับช่วงเวลาแห่งความซบเซา แบบดั้งเดิม ประเภทของโอเปร่าเซเรียและโอเปร่าบัฟฟาได้หมดความสามารถไปแล้วและไม่สามารถพัฒนาได้ ความคิดสร้างสรรค์ที่ใหญ่ที่สุดของอิตาลี นักแต่งเพลงโอเปร่าในเวลานี้ G. Spontini เกิดขึ้นนอกอิตาลี (ในฝรั่งเศสและเยอรมนี) ความพยายามของ S. Mayr (ภาษาเยอรมันตามสัญชาติ) เพื่อสนับสนุนประเพณีของโอเปร่าเซเรีย (โดยการต่อกิ่งองค์ประกอบที่ยืมมาบางส่วน) กลายเป็นเรื่องผสมผสาน F. Paer ผู้หลงใหลในการแสดงโอเปร่า ไม่ได้มีส่วนแปลกใหม่อย่างมีนัยสำคัญในแนวเพลงนี้เมื่อเปรียบเทียบกับผลงานของ Paisiello และ Cimarosa (ในประวัติศาสตร์ดนตรี ชื่อของแพร์ยังคงรักษาไว้ในฐานะผู้แต่งโอเปร่าโดยอิงจากเนื้อร้องของ J. Bouilly “Leonora, or Conjugal Love” ซึ่งทำหน้าที่เป็นแหล่งที่มาของบรรณารักษ์ “Fidelio” โดย Beethoven .)

ความเจริญรุ่งเรืองสูงของอิตาลี โอเปร่าในศตวรรษที่ 19 มีความเกี่ยวข้องกับกิจกรรมของ G. Rossini นักแต่งเพลงที่มีพรสวรรค์ด้านความไพเราะไม่สิ้นสุด ความเฉลียวฉลาด มีชีวิตชีวา อารมณ์ร่าเริง และการแสดงละครที่ไม่ผิดเพี้ยน สัญชาตญาณ. งานของเขาสะท้อนให้เห็นถึงความเจริญรุ่งเรืองโดยทั่วไปของอิตาลี วัฒนธรรมที่เกิดจากการเติบโตของความรักชาติ การปลดปล่อยแห่งชาติ แรงบันดาลใจ ประชาชนมีประชาธิปไตยอย่างลึกซึ้ง ตามต้นกำเนิด งานโอเปร่าของ Rossini ได้รับการกล่าวถึง สู่วงกว้างผู้ฟัง พระองค์ทรงฟื้นฟูชาติ ประเภทของโอเปร่าบัฟฟาและสูดชีวิตใหม่เข้าไปทำให้ลักษณะของแอ็คชั่นคมชัดขึ้นและทำให้ลึกซึ้งยิ่งขึ้น บุคคลให้เข้าใกล้ความเป็นจริงมากขึ้น "The Barber of Seville" ของเขา (1816) คือจุดสุดยอดของอิตาลี การ์ตูน โอเปร่า Rossini ผสมผสานการเริ่มต้นที่ตลกขบขันเข้ากับการเสียดสีเสรี โอเปร่าบางเรื่องของเขามีการพาดพิงถึงสังคมโดยตรง และทางการเมือง สถานการณ์ในขณะนั้น ในโอเปร่ามีละครที่กล้าหาญ ตัวละครเขาเอาชนะความคิดโบราณที่เยือกเย็นของโอเปร่าซีรีส์โดยเฉพาะอย่างยิ่งโดยให้ความสำคัญกับการขับร้องเป็นพิเศษ จุดเริ่มต้น เรื่องเล่ากำลังได้รับการพัฒนาอย่างกว้างขวาง ฉากในโอเปร่าเรื่องสุดท้ายของ Rossini เรื่อง William Tell (1829) เกี่ยวกับการปลดปล่อยแห่งชาติ โครงเรื่องตีความด้วยวิธีโรแมนติก วางแผน.

ยวนใจได้รับการแสดงออกที่สดใส แนวโน้มในการทำงานของ V. Bellini และ G. Donizetti ซึ่งกิจกรรมเริ่มขึ้นในยุค 30 คริสต์ศตวรรษที่ 19 เมื่อมีขบวนการระดับชาติ ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา (Risorgimento) ในอิตาลีเข้าสู่ขั้นตอนชี้ขาดของการต่อสู้เพื่อเอกภาพและการเมือง ความเป็นอิสระของประเทศ ในโอเปร่าของเบลลินีเรื่อง "Norma" (1831) และ "The Puritans" (1835) ได้ยินการปลดปล่อยของชาติอย่างชัดเจน แรงจูงใจแม้ว่าผู้แต่งจะเน้นไปที่ละครส่วนตัวของตัวละครเป็นหลัก เบลลินีเป็นผู้เชี่ยวชาญด้านการแสดงออก โรแมนติก cantilena ซึ่งกระตุ้นความชื่นชมของ M. I. Glinka และ F. Chopin Donizetti มีความปรารถนาที่จะมีละครที่แข็งแกร่ง ผลกระทบและสถานการณ์เฉียบพลันบางครั้งส่งผลให้เกิดเรื่องประโลมโลกที่หยิ่งทะนง ดังนั้นความโรแมนติกอันยิ่งใหญ่ของเขา โอเปร่า ("Lucretia Borgia" ตาม V. Hugo, 1833; "Luciadi Lammermoor" ตาม V. Scott, 1835) กลับกลายเป็นว่ามีประสิทธิภาพน้อยกว่าการผลิต ประเภทตลก ("Elisir of Love", 1832; "Don Pasquale", 1843) ซึ่งเป็นประเพณี ประเภทอิตาลี opera buffa ได้รับคุณสมบัติใหม่: ความสำคัญของพื้นหลังประเภทเพิ่มขึ้น, ท่วงทำนองที่อุดมไปด้วยน้ำเสียงของความโรแมนติกและเพลงในชีวิตประจำวัน

ผลงานของ J. S. Mercadante, G. Pacini และนักแต่งเพลงคนอื่น ๆ ในช่วงเวลาเดียวกันไม่ได้แตกต่างกันอย่างเป็นอิสระ ลักษณะเฉพาะของแต่ละบุคคล แต่สะท้อนถึงแนวโน้มทั่วไปต่อการแสดงละครในรูปแบบโอเปร่าและการตกแต่งการแสดงออกทางดนตรี กองทุน ในเรื่องนี้พวกเขาพูดตรง รุ่นก่อนของ G. Verdi - หนึ่งในนักเขียนบทละครโอเปร่าที่ยิ่งใหญ่ที่สุดไม่เพียง แต่ในอิตาลีเท่านั้น แต่ยังรวมถึงดนตรีระดับโลกด้วย t-ra.

โอเปร่ายุคแรกของ Verdi ซึ่งปรากฏบนเวทีในยุค 40 ศตวรรษที่ 19 ยังไม่เป็นอิสระอย่างสมบูรณ์ในเชิงโวหาร (“ Nabucco”, “ Lombards ในตอนแรก สงครามครูเสด", "Ernani") ปลุกเร้าความกระตือรือร้นของผู้ชมด้วยความสมเพชรักชาติความรู้สึกอิ่มเอิบโรแมนติกจิตวิญญาณแห่งความกล้าหาญและความรักในอิสรภาพ ในงานยุค 50 ("Rigoletto", "Il Trovatore", " La Traviata") เขาได้รับความลึกทางจิตใจอย่างมากในด้านภาพ ความแข็งแกร่ง และความจริงของความขัดแย้งทางจิตวิญญาณที่รุนแรงและรุนแรง งานเขียนของ Verdi ได้รับการปลดปล่อยจากความสามารถพิเศษภายนอก การตกแต่งข้อความ กลายเป็นองค์ประกอบที่สำคัญตามธรรมชาติของแนวทำนองดนตรี ซึ่งได้รับความสำคัญใน โอเปร่าแห่งยุค 60 และ 70 "Don Carlos", "Aida") เขามุ่งมั่นที่จะเปิดเผยละครเพลงในวงกว้างเพิ่มเติมเสริมสร้างบทบาทของวงออเคสตราเสริมสร้างภาษาในโอเปร่าครั้งสุดท้ายของเขา - "Otello " (พ.ศ. 2429) แวร์ดีมาถึงการสร้างละครที่สมบูรณ์ซึ่งดนตรีเชื่อมโยงกับฉากแอ็คชั่นอย่างแยกไม่ออกและถ่ายทอดเฉดสีทางจิตวิทยาทั้งหมดได้อย่างยืดหยุ่น

ผู้ติดตามของ Verdi รวมถึง A. Ponchielli ผู้แต่งโอเปร่ายอดนิยม La Gioconda (1876) ไม่สามารถเสริมหลักการโอเปร่าของเขาด้วยสิ่งมีชีวิตใหม่ๆ ได้ ความสำเร็จ ในเวลาเดียวกัน งานของ Verdi ได้พบกับการต่อต้านจากกลุ่มผู้ติดตามละครเพลงของ Wagnerian การปฏิรูป อย่างไรก็ตาม Wagnerism ไม่มี รากลึกในอิตาลี อิทธิพลของวากเนอร์รู้สึกได้ในหมู่นักประพันธ์เพลงบางคนไม่มากนักในหลักการของการแสดงละครโอเปร่า แต่ในเทคนิคของฮาร์โมนิกส์ และออร์ค ตัวอักษร แนวโน้มของวากเนอร์สะท้อนให้เห็นในโอเปร่าเรื่อง "หัวหน้าปีศาจ" โดย Boito (พ.ศ. 2411) ซึ่งต่อมาได้ย้ายออกจากความหลงใหลในวากเนอร์อย่างสุดขั้ว

ในการต่อต้าน ศตวรรษที่ 19 Verism เริ่มแพร่หลายในอิตาลี ความสำเร็จอันยิ่งใหญ่ของโอเปร่าเรื่อง Honor Rusticana (พ.ศ. 2433) และ Pagliacci ของ Leoncavallo (พ.ศ. 2435) ของ Mascagni มีส่วนทำให้ขบวนการนี้มีความโดดเด่นในอิตาลี ความคิดสร้างสรรค์โอเปร่า Verism ได้รับการสนับสนุนจาก U. Giordano (ในบรรดาผลงานของเขาที่โด่งดังที่สุดคือโอเปร่า André Chénier, 1896) และ F. Cilea

งานของชาวอิตาลีที่ใหญ่ที่สุดก็เชื่อมโยงกับเทรนด์นี้เช่นกัน นักแต่งเพลงโอเปร่าหลัง Verdi - G. Puccini สินค้าของเขา มักจะทุ่มเท ละครของคนธรรมดาๆ ท่ามกลางสีสันในชีวิตประจำวัน ในขณะเดียวกัน โอเปร่าของปุชชินีก็ปราศจากธรรมชาติที่มีอยู่ในความจริง คุณสมบัติเหล่านี้มีความโดดเด่นด้วยความละเอียดอ่อนทางจิตวิทยาที่มากขึ้น การวิเคราะห์ บทร้องที่เต็มไปด้วยจิตวิญญาณ และความสง่างามของงานเขียน เป็นจริงตามประเพณีที่ดีที่สุดของอิตาลี เบล คันโต ปุชชินีก็ทำให้การประกาศรุนแรงขึ้น การแสดงออกของกระทะ ท่วงทำนองพยายามสร้างความแตกต่างในการพูดในการร้องเพลงที่มีรายละเอียดมากขึ้น สีสันที่กลมกลืนกัน และออร์ค ภาษาของโอเปร่าของเขามีองค์ประกอบบางอย่างของอิมเพรสชั่นนิสม์ ในผลงานที่ครบกำหนดครั้งแรกของพวกเขา ("La Bohème", 1896; "Tosca", 1900) ปุชชินีมีความเกี่ยวข้องกับอิตาลีด้วย ประเพณีโอเปร่าของศตวรรษที่ 19 ต่อมาสไตล์ของเขามีความซับซ้อนมากขึ้น วิธีการแสดงออกของเขาได้รับความคมชัดและสมาธิมากขึ้น ปรากฏการณ์ประหลาดในอิตาลี ศิลปะโอเปร่า - ผลงานของ E. Wolf-Ferrari ผู้พยายามปรับปรุงความคลาสสิกให้ทันสมัย ประเภทของละครโอเปร่าที่ผสมผสานประเพณีเข้าด้วยกัน รูปแบบที่มีโวหาร ใช้วิธีการโรแมนติกตอนปลาย ("Curious Women", 1903; "Four Tyrants", 1906 ขึ้นอยู่กับเรื่องราวของ Goldoni) R. Zandonai ซึ่งเดินตามเส้นทางแห่งความเป็นจริงเป็นหลัก กลายมาใกล้ชิดกับรำพึงใหม่ๆ บางส่วน กระแสน้ำแห่งศตวรรษที่ 20

ความสำเร็จอันสูงส่งในอิตาลี โอเปร่าตอนอายุ 19 ปี - ต้น ศตวรรษที่ 20 มีความเกี่ยวข้องกับการออกดอกอันสุกใสของนักร้องนำ วัฒนธรรม. ประเพณีของอิตาลี Bel canto ซึ่งพัฒนาขึ้นในศตวรรษที่ 19 ได้รับการพัฒนาเพิ่มเติมในงานศิลปะของหลาย ๆ คน นักร้องหลายรุ่นผู้มีชื่อเสียงไปทั่วโลก ในเวลาเดียวกัน การแสดงของพวกเขาได้รับคุณสมบัติใหม่ๆ กลายเป็นโคลงสั้น ๆ และแสดงออกได้อย่างน่าทึ่งมากขึ้น ตัวแทนที่โดดเด่นคนสุดท้ายของสไตล์อัจฉริยะล้วนๆผู้เสียสละละคร เนื้อหาเพื่อความสวยงามของเสียงและเทคนิค ความคล่องตัวด้านเสียงคือ A. Catalani ในบรรดาปรมาจารย์คือชาวอิตาลี กระทะ โรงเรียนครึ่งแรก ศตวรรษที่ 19 ก่อตั้งขึ้นบนพื้นฐานของผลงานโอเปร่าของ Rossini, Bellini และ Donizetti - นักร้อง Giudita และ Giulia Grisi, G. Pasta, นักร้อง G. Mario, G. B. Rubini ในครึ่งหลัง ศตวรรษที่ 19 กาแล็กซีของนักร้อง "แวร์ดี" กำลังเกิดขึ้นรวมถึงนักร้อง A. Bosio, B. และ C. Marchisio, A. Patti, นักร้อง M. Battistini, A. Masini, G. Anselmi, F. Tamagno, E. Tamberlik และคนอื่น ๆ . ในศตวรรษที่ 20 ความรุ่งโรจน์แก่อิตาลี โอเปร่าได้รับการสนับสนุนจากนักร้อง A. Barbi , G. Bellincioni , A. Galli-Curci , T. Dal Monte , E. และ L. Tetrazzini นักร้อง G. De Luca , B. Gigli , E. Caruso , T. Skipa , ทิตต้า รัฟโฟ และอื่นๆ

จากจุดสิ้นสุด ศตวรรษที่ 19 ความสำคัญของโอเปร่าในความคิดสร้างสรรค์ของอิตาลี ผู้แต่งกำลังอ่อนแอลงและมีแนวโน้มที่จะย้ายศูนย์กลางของความสนใจไปที่สาขาเครื่องดนตรี ประเภท การฟื้นตัวของความคิดสร้างสรรค์ที่กระตือรือร้น สนใจเครื่องมือ ดนตรีได้รับการส่งเสริมโดยกิจกรรมของ G. Sgambati (ได้รับการยอมรับในยุโรปในฐานะนักเปียโนและผู้ควบคุมวง) และ G. Martucci แต่ผลงานของนักแต่งเพลงทั้งสองซึ่งพัฒนาภายใต้อิทธิพลของ F. Liszt และ R. Wagner นั้นยังไม่เป็นอิสระเพียงพอ

เสมือนลางสังหรณ์แห่งสุนทรียภาพใหม่ๆ ความคิดและ หลักการสไตล์มีอิทธิพลอย่างมากต่อการพัฒนาของยุโรปทั้งหมด ดนตรีแห่งศตวรรษที่ 20 ประพันธ์โดย F. Busoni นักเปียโนที่ยิ่งใหญ่ที่สุดคนหนึ่งในสมัยของเขา ซึ่งเป็นนักแต่งเพลงและนักทฤษฎีศิลปะคนสำคัญ เขาหยิบยกแนวคิดของ "คลาสสิกนิยมใหม่" ซึ่งเขาตรงกันข้ามกับอิมเพรสชันนิสต์ในแง่หนึ่ง ความลื่นไหลของภาพ ความคลาดเคลื่อนของเฉดสี ในทางกลับกัน "อนาธิปไตย" และ "ความเด็ดขาด" ของลัทธิ atonalism ของ Schoenberg ความคิดสร้างสรรค์ของคุณ Busoni นำหลักการไปใช้ในงานต่างๆ เช่น "Contrapuntal Fantasy" (1921), "การแสดงด้นสดในธีม Bach Chorale" เป็นเวลา 2 ชั่วโมง (พ.ศ. 2459) เช่นเดียวกับโอเปร่า "Harlequin หรือ Window", "Turandot" (ทั้งสองโพสต์ พ.ศ. 2460) ซึ่งเขาละทิ้งกระทะที่พัฒนาแล้ว ตามสไตล์ชาวอิตาลีของพวกเขา บรรพบุรุษและพยายามที่จะเข้าใกล้ประเภทของคนโบราณมากขึ้น ตลกหรือตลก

ความคิดสร้างสรรค์ของอิตาลีพัฒนาไปตามแนวนีโอคลาสสิก นักแต่งเพลงบางครั้งก็รวมกันภายใต้ชื่อ "กลุ่มแห่งทศวรรษ 1880" - I. Pizzetti, J. F. Malipiero, A. Casella พวกเขาพยายามที่จะรื้อฟื้นประเพณีของชาติผู้ยิ่งใหญ่ ดนตรี อดีตหันไปสู่รูปแบบและโวหาร เทคนิคอิตาลี บทสวดเกรโกเรียนสไตล์บาโรกและไพเราะ นักโฆษณาชวนเชื่อและนักวิจัย เพลงยุคแรก,มาลิปิเอโรพับบ. ของสะสม ผลงานโดย C. Monteverdi, instr. แยง. ก. วิวาลดีและมรดกที่ถูกลืมของใครหลายคน ภาษาอิตาลี นักประพันธ์เพลงแห่งศตวรรษที่ 17-18 ในงานของเขา เขาใช้รูปแบบของโซนาตาบาโรกโบราณ ไรเซอร์คาร์ ฯลฯ โอเปร่าหลักของเขา บนรถด่วน กระทะ ประกาศและวิธีตระหนี่ของ orc ย้อนนึกถึงสิ่งที่เกิดขึ้นในยุค 20 ปฏิกิริยาต่อต้านความจริง แนวโน้มนีโอคลาสสิกของงานของ Casella แสดงให้เห็นใน "Partita" สำหรับ fp พร้อมด้วยวงออเคสตรา (พ.ศ. 2468) ชุด "Scarlattiana" (พ.ศ. 2469) โรงละครดนตรีบางแห่ง แยง. (ตัวอย่างเช่น แชมเบอร์โอเปร่า "The Tale of Orpheus", 1932) ขณะเดียวกันเขาก็หันไปเป็นภาษาอิตาลี คติชน (แรปโซดีสำหรับวงออเคสตรา "อิตาลี", 2452) ออร์คหลากสีสันของมัน จดหมายได้รับการพัฒนาอย่างกว้างขวางภายใต้อิทธิพลของรัสเซีย และภาษาฝรั่งเศส โรงเรียน (เครื่องบรรณาการต่อความหลงใหลในดนตรีรัสเซียคือการเรียบเรียงเพลง "Islamey" ของ Balakirev) Pizzetti นำองค์ประกอบทางศาสนาและศีลธรรมมาสู่โอเปร่าของเขาและทำให้รำพึงรำพึง ภาษาที่มีน้ำเสียงของบทสวดเกรโกเรียน โดยไม่ขัดกับประเพณีของอิตาโลในเวลาเดียวกัน โรงเรียนโอเปร่าแห่งศตวรรษที่ 19 หลาย สถานที่พิเศษนักแต่งเพลงกลุ่มนี้รวมถึงผลงานของ O. Respighi ปรมาจารย์แห่งออร์ค การบันทึกเสียง (การก่อตัวของความคิดสร้างสรรค์ของเขาได้รับอิทธิพลจากชั้นเรียนกับ N. A. Rimsky-Korsakov) ในการแสดงซิมโฟนี บทกวีของ Respighi ("Roman Fountains", 1916; "Pineas of Rome", 1924) ให้ภาพที่สดใสของผู้คน ชีวิตและธรรมชาติ แนวโน้มนีโอคลาสสิกสะท้อนให้เห็นเพียงบางส่วนในงานต่อมาของเขา บทบาทที่เห็นได้ชัดเจนใน I. m. ครึ่งแรก ศตวรรษที่ 20 รับบทโดย F. Alfano ตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของขบวนการ Veristic (โอเปร่า "การฟื้นคืนชีพ" ที่สร้างจากนวนิยายของ L. N. Tolstoy, 1904) ซึ่งต่อมาได้พัฒนาไปสู่อิมเพรสชั่นนิสต์ M. Castelnuovo-Tedesco และ V. Rieti ซึ่งในตอนแรก สงครามโลกครั้งที่ 2 พ.ศ. 2482-45 ตามการเมือง เหตุผลที่ละทิ้งบ้านเกิดและตั้งรกรากอยู่ในสหรัฐอเมริกา

เมื่อถึงช่วงเปลี่ยนผ่านของยุค 40 ศตวรรษที่ 20 การเปลี่ยนแปลงโวหารที่เห็นได้ชัดเจนเกิดขึ้นใน I. m. แนวโน้มของนีโอคลาสสิกถูกแทนที่ด้วยแนวโน้มที่พัฒนาในรูปแบบใดรูปแบบหนึ่งตามหลักการของโรงเรียนเวียนนาใหม่ งานสร้างสรรค์เป็นสิ่งบ่งชี้ในเรื่องนี้ วิวัฒนาการของ G. Petrassi ผู้ซึ่งเคยประสบกับอิทธิพลของ A. Casella และ I. F. Stravinsky ได้ย้ายไปยังตำแหน่งแห่งความเป็นเอกเทศอย่างอิสระก่อนแล้วจึงไปสู่ลัทธิสิบสองโทที่เข้มงวด นักแต่งเพลงที่ใหญ่ที่สุดในยุคนี้คือ L. Dallapiccola ซึ่งผลงานของเขาได้รับความสนใจอย่างกว้างขวางหลังสงครามโลกครั้งที่ 2 ในผลิตภัณฑ์ของเขา 40 และ 50 ลักษณะของการแสดงออกและเครือญาติปรากฏขึ้น ความคิดสร้างสรรค์ของ A. Berg สิ่งที่ดีที่สุดของพวกเขารวบรวมมนุษยนิยม การประท้วงต่อต้านเผด็จการและความโหดร้าย (การร้องเพลงประสานเสียง "เพลงของนักโทษ", 2481-2484; โอเปร่า "นักโทษ", 2487-48) ซึ่งทำให้พวกเขามีแนวทางต่อต้านฟาสซิสต์

ในบรรดานักประพันธ์เพลงรุ่นใหม่ที่เกิดขึ้นหลังสงครามโลกครั้งที่สอง L. Berio, S. Bussotti, F. Donatoni, N. Castiglioni, B. Maderna, R. Malipiero และคนอื่น ๆ มีชื่อเสียงในงานของพวกเขา กระแสของลัทธิเปรี้ยวจี๊ด - อนุกรมนิยมหลังเวเบอเรียน, ลัทธิโซโนริซึม (ดูดนตรีอนุกรม, ลัทธิโซโนริซึม), aleatorism และเป็นเครื่องบรรณาการให้การค้นหาอย่างเป็นทางการสำหรับวิธีการเสียงใหม่ ฐานเบริโอและมาเดอร์นา ในปี 1954 ในมิลาน "Studio of Phonology" ซึ่งทำการทดลองในสาขาดนตรีอิเล็กทรอนิกส์ ในขณะเดียวกันนักประพันธ์เพลงเหล่านี้บางคนก็พยายามที่จะผสมผสานสิ่งที่เรียกว่า วิธีใหม่ในการแสดงออกทางดนตรี ล้ำหน้าด้วยรูปแบบประเภทและเทคนิคดนตรีของศตวรรษที่ 16-17

สถานที่พิเศษในยุคปัจจุบัน I. m. เป็นของนักแต่งเพลงคอมมิวนิสต์ นักสู้เพื่อสันติภาพ L. Nono ในงานของเขา เขาได้กล่าวถึงหัวข้อที่เร่งด่วนที่สุดในยุคของเรา โดยพยายามรวบรวมแนวคิดระดับนานาชาติ ภราดรภาพและความสามัคคีของคนงาน ประท้วงต่อต้านลัทธิจักรวรรดินิยม การกดขี่และความก้าวร้าว แต่วิธีการของศิลปะแนวหน้าซึ่งโนโนะใช้ มักจะขัดแย้งกับความปรารถนาของเขาที่จะมีความฉับไว การโฆษณาชวนเชื่อ กระทบต่อผู้ฟังในวงกว้าง

นอกเหนือจากแนวโน้มที่ล้ำสมัยแล้ว G.C. Menotti - ภาษาอิตาลี นักแต่งเพลงอาศัยและทำงานในสหรัฐอเมริกา ในงานของเขาที่เกี่ยวข้องกับโอเปร่าเป็นหลัก องค์ประกอบของ verism ได้รับการระบายสีแบบนิพจน์นิสต์ ในขณะที่การค้นหาน้ำเสียงพูดที่เป็นจริงนำเขาไปสู่การสร้างสายสัมพันธ์บางส่วนกับ M. P. Mussorgsky

ในด้านดนตรี ชีวิตในอิตาลี บทบาทที่สำคัญยังคงเล่นโอเปร่าต่อไป หนึ่งในบริษัทโอเปร่าที่โดดเด่นที่สุดในโลกคือโรงละคร La Scala ในมิลานซึ่งมีมาตั้งแต่ปี 1778 โรงโอเปร่าที่เก่าแก่ที่สุดในอิตาลียังรวมถึง San Carlo ใน Naples (ก่อตั้งในปี 1737), Fenice ในเวนิส ( ก่อตั้งในปี 1792) ศิลปะขนาดใหญ่ โรงละครโอเปร่าโรมันได้รับความสำคัญ (เปิดในปี พ.ศ. 2423 ภายใต้ชื่อโรงละครคอสแทนซี ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2489 - โรงละครโอเปร่าโรมัน) ท่ามกลางความทันสมัยที่โดดเด่นที่สุด ภาษาอิตาลี ศิลปินโอเปร่า - นักร้อง G. Simionato, R. Scotto, A. Stella, R. Tebaldi, M. Freni; นักร้อง G. Becky, T. Gobbi, M. Del Monaco, F. Corelli, G. Di Stefano

อิทธิพลอย่างมากต่อการพัฒนาโอเปร่าและซิมโฟนี วัฒนธรรมในอิตาลีได้รับอิทธิพลจากกิจกรรมของ A. Toscanini หนึ่งในวาทยากรที่ยิ่งใหญ่ที่สุดแห่งศตวรรษที่ 20 ตัวแทนการแสดงดนตรีที่มีชื่อเสียง ศิลปินคือวาทยากร P. Argento, V. De Sabata, G. Cantelli, T. Serafin, R. Fasano, V. Ferrero, C. Zecchi; นักเปียโน A. Benedetti Michelangeli; นักไวโอลินเจ. เดอวิโต; นักเชลโล E. Mainardi

ตั้งแต่ต้น ศตวรรษที่ 20 การวิจัยด้านดนตรีได้รับการพัฒนาอย่างเข้มข้นในอิตาลี และที่สำคัญ คิด. วิธี. มีส่วนสนับสนุนการศึกษาดนตรี มรดกได้รับการสนับสนุนโดยนักดนตรี G. Barblan (ประธานสมาคมดนตรีวิทยาแห่งอิตาลี), A. Bonaventura, G. M. Gatti, A. Della Corte, G. Pannain, G. Radiciotti, L. Torchi, F. Torrefranca และคนอื่น ๆ . Zafred และ M. Mila ทำงานได้อย่างโดดเด่น ในสาขาดนตรี นักวิจารณ์ มีการเผยแพร่เพลงจำนวนหนึ่งในประเทศอิตาลี นิตยสารรวมถึง "Rivista Musicale italiana" (ตูริน, มิลาน, 1894-1932, 1936-1943, 1946-), "Musica d"oggi" (มิลาน, 1919-40, 1958-), "La Rassegna Musicale" (ตูริน, 1928-40 ; โรม, 2484-2486, 2490-62), "Bolletino Bibliografico Musicale" (มิลาน, 2469-36, 2495-), "Il Convegno Musicale" (ตูริน, 2507-) ฯลฯ

มีการเผยแพร่สารานุกรมจำนวนหนึ่งซึ่งอุทิศให้กับ เพลงและ t-ru รวมถึง "Enciclopedia della musica" (ข้อ 1-4, Mil., 1963-64), "Enciclopedia dello spettacolo" (ข้อ 1-9, Roma, 1954-62)

ท่ามกลางความพิเศษ ดนตรี เอ่อ สถาบันที่ใหญ่ที่สุดคือโรงเรียนสอนดนตรี: "Santa Cecilia" ในโรม (ก่อตั้งในปี พ.ศ. 2419 เพื่อเป็นสถานแสดงดนตรีและตั้งแต่ปี พ.ศ. 2462 - เรือนกระจก); ชื่อของ G. B. Martini ในโบโลญญา (ตั้งแต่ปี 1942 ก่อตั้งในปี 1804 ในฐานะสถานศึกษาดนตรีตั้งแต่ปี 1914 ได้รับสถานะเป็นเรือนกระจก) พวกเขา. Benedetto Marcello ในเวนิส (ตั้งแต่ปี 1940 ก่อตั้งในปี 1877 ในฐานะสถานแสดงดนตรีตั้งแต่ปี 1916 เท่ากับโรงเรียนอุดมศึกษา); Milanskaya (ก่อตั้งในปี 1808 ในปี 1901 ตั้งชื่อตาม G. Verdi); พวกเขา. L. Cherubini ในฟลอเรนซ์ (ก่อตั้งในปี พ.ศ. 2392 ในฐานะสถาบันดนตรี จากนั้นเป็นโรงเรียนดนตรี สถาบันดนตรี และตั้งแต่ปี พ.ศ. 2455 - เรือนกระจก) ศาสตราจารย์ นักดนตรียังได้รับการฝึกอบรมจากสถาบันประวัติศาสตร์ดนตรีในมหาวิทยาลัย สถาบันดนตรีศักดิ์สิทธิ์ Pontifical Ambrosian ฯลฯ ในโรงเรียนเหล่านี้ สถาบันต่างๆ เช่นเดียวกับที่สถาบันเพื่อการศึกษามรดกของ Verdi ก็มีการดำเนินการด้านดนตรีวิทยา งาน. The International ก่อตั้งขึ้นในเมืองเวนิส ศูนย์โฆษณาชวนเชื่อของอิตาลี ดนตรีซึ่งจัดหลักสูตรภาคฤดูร้อน (“Musical Vacations”) เป็นประจำทุกปีเกี่ยวกับการศึกษาภาษาอิตาลีโบราณ ดนตรี. ห้องสมุด Ambrosian และห้องสมุดของ Milan Conservatory มีคอลเลกชันแผ่นเพลงและหนังสือเกี่ยวกับดนตรีมากมาย คลังเก็บเครื่องดนตรีโบราณ แผ่นโน้ตเพลง และหนังสือเป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวาง (มีศูนย์กลางอยู่ที่ห้องสมุดของ Bologna Philharmonic Academy ในห้องสมุดของ G.B. Martini และในหอจดหมายเหตุของโบสถ์ San Petronio ในโบโลญญา) วัสดุที่ร่ำรวยที่สุดในประวัติศาสตร์อิตาลี ดนตรีมีชาติ ห้องสมุด Marciana, ห้องสมุดมูลนิธิ D. Cini และพิพิธภัณฑ์ดนตรี เครื่องมือที่ Conservatory ในเมืองเวนิส

ในอิตาลีก็มีมากมาย ดนตรี องค์กรและการดำเนินการ ทีม ซิมโฟนีปกติ คอนเสิร์ตจัดขึ้นโดย: ออเคสตราของ La Scala และ Fenice, National Academy "Santa Cecilia" ประเทศอิตาลี วิทยุและโทรทัศน์ในโรม ซึ่งเป็นวงออเคสตราของสมาคม "การเล่นดนตรียามบ่าย" ("Rommerigi Musicali") ซึ่งดำเนินการเป็นหลัก จากภาษาสเปน ทันสมัย ดนตรี, แชมเบอร์ออเคสตร้า "Angelicum" และ "Virtuosi of Rome", สังคม "Ambrosian Polyphony" ซึ่งส่งเสริมดนตรีในยุคกลาง, ยุคเรอเนซองส์และบาโรก รวมถึงวงออเคสตราของโรงละครโบโลญญา "Comunale", โบโลเนส แชมเบอร์ออร์เคสตราและกลุ่มอื่นๆ

มีการจัดงานต่างๆ มากมายในประเทศอิตาลี ดนตรี เทศกาลและการแข่งขัน: Int. เทศกาลสมัยใหม่ ดนตรี (ตั้งแต่ปี 1930, เวนิส), "Florentine Musical May" (ตั้งแต่ปี 1933), "Festival of Two Worlds" ใน Spoleto (ตั้งแต่ปี 1958 ก่อตั้งโดย G.C. Menotti), "Week of New Music" (ตั้งแต่ปี 1960, ปาแลร์โม), เปียโน การแข่งขันที่ตั้งชื่อตาม F. Busoni ในโบลซาโน (ตั้งแต่ปี 1949 เป็นประจำทุกปี) การแข่งขันดนตรีและการเต้นรำตั้งชื่อตาม G. B. Viotti ใน Vercelli (ตั้งแต่ปี 1950 ทุกปี) การแข่งขันตั้งชื่อตาม A. Casella ในเนเปิลส์ (ตั้งแต่ปี 1952 ทุก ๆ 2 ปีจนถึงปี 1960 นักเปียโนเข้าร่วมตั้งแต่ปี 1962 - นักแต่งเพลงด้วย) การแข่งขันไวโอลิน N. Paganini ในเจนัว (ตั้งแต่ปี 1954 เป็นประจำทุกปี) การแข่งขันวงออเคสตรา ผู้ควบคุมวงในโรม (ตั้งแต่ปี 1956 ทุก ๆ 3 ปี ก่อตั้งโดย National Academy "Santa Cecilia") การแข่งขันเปียโน E. Pozzoli ใน Seregno (ตั้งแต่ปี 1959 ทุก ๆ 2 ปี) การแข่งขันสำหรับวาทยากรรุ่นเยาว์ G. Cantelli ใน Novara (ตั้งแต่ปี 1961 ทุก 2 ปี) การแข่งขันร้องเพลง "Verdi Voices" ใน Busseto (ตั้งแต่ปี 1961 ทุกปี) การแข่งขันนักร้องประสานเสียง กลุ่มที่ตั้งชื่อตาม Guido d'Arezzo ใน Arezzo (ก่อตั้งในปี 1952 ในฐานะระดับชาติ ตั้งแต่ปี 1953 - ระดับนานาชาติ ทุกปีหรือที่รู้จักในชื่อ "Polyfonico") การแข่งขันเชลโล G. Casado ในเมืองฟลอเรนซ์ (ตั้งแต่ปี 1969 ทุกๆ 2 ปี)

ในหมู่ชาวอิตาลี ดนตรี สังคม - คอร์ปอเรชั่นดนตรีใหม่ (ส่วนหนึ่งของสมาคมดนตรีร่วมสมัยนานาชาติ; ก่อตั้งในปี พ.ศ. 2460 ในฐานะสมาคมดนตรีแห่งชาติ ในปี พ.ศ. 2462 ได้เปลี่ยนเป็นสมาคมดนตรีร่วมสมัยแห่งอิตาลี ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2466 - คอร์ปอเรชั่น) สมาคมดนตรี ห้องสมุด สมาคมดนตรีวิทยา ฯลฯ มีงานทำมากมายในอิตาลี ดนตรี สำนักพิมพ์และบริษัทการค้า "Ricordi and Co." (ก่อตั้งเมื่อปี พ.ศ. 2351) ซึ่งมีสาขาอยู่หลายแห่ง ประเทศ.

วรรณกรรม: Ivanov-Boretsky M.V. กวีนิพนธ์ดนตรี-ประวัติศาสตร์ เล่ม 1 1-2 ม. 2476-36; ของเขา วัสดุและเอกสารเกี่ยวกับประวัติศาสตร์ดนตรี เล่ม 2 ม. 2477; Kuznetsov K. A. ภาพถ่ายบุคคลทางดนตรีและประวัติศาสตร์, ser. 1 ม. 2480; Livanova T. ประวัติศาสตร์ดนตรียุโรปตะวันตกจนถึงปี 1789, M. - L. , 1940; Gruber R.I. ประวัติศาสตร์ดนตรีทั่วไป ตอนที่หนึ่ง M. , 1956, 1965; Khokhlovkina A. , โอเปร่ายุโรปตะวันตก ปลายศตวรรษที่ 18 - ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 บทความ, M. , 1962; ประวัติศาสตร์ประวัติศาสตร์ศิลปะยุโรป: ตั้งแต่สมัยโบราณจนถึงปลายศตวรรษที่ 18, M. , 1963; ประวัติศาสตร์ประวัติศาสตร์ศิลปะยุโรป ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19, M. , 1965

การปะติดปะต่อทางวัฒนธรรมของอิตาลีได้มอบปรมาจารย์ด้านศิลปะที่ไม่มีใครเทียบได้ให้กับโลก แต่ผู้สร้างอัจฉริยะชาวอิตาลีเองก็ได้รับอิทธิพลจากวัฒนธรรมพื้นบ้านเช่นกัน เพลงอิตาลีอันไพเราะ เกือบทั้งหมดมีผู้เขียนซึ่งไม่ได้ขัดขวางไม่ให้พวกเขาถูกเรียกว่าพื้นบ้าน

นี่อาจเป็นเพราะความรักตามธรรมชาติของชาวอิตาลีในการเล่นดนตรี คำกล่าวนี้ใช้กับทุกภูมิภาคของอิตาลีตั้งแต่ตอนใต้ของเนเปิลส์ไปจนถึงตอนเหนือของเวนิส ซึ่งได้รับการยืนยันจากเทศกาลเพลงมากมายที่จัดขึ้นทั่วประเทศ เพลงอิตาลีเป็นที่รู้จักและชื่นชอบไปทั่วโลก: พ่อแม่ของเรายังคงจำ "Bella Ciao" ​​และ "On the Road" - เพลงพื้นบ้านของอิตาลีที่ร้องโดย Muslim Magomayev ซึ่งได้รับการยอมรับว่าเป็นนักแสดงเพลงที่ดีที่สุดในประเทศนี้

เพลงพื้นบ้านของอิตาลีตั้งแต่สมัยโบราณ

หากภาษาอิตาลีพัฒนาขึ้นในศตวรรษที่ 10 นักวิจัยเชื่อว่าการปรากฏตัวของเพลงพื้นบ้านของอิตาลีนั้นมีมาตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 13 เพลงเหล่านี้เป็นเพลงที่ขับร้องโดยนักเล่นกลและนักร้องนักดนตรีในจัตุรัสกลางเมืองในช่วงวันหยุด หัวข้อสำหรับพวกเขาคือความรักหรือครอบครัว เรื่องราวในชีวิตประจำวัน- สไตล์ของพวกเขาค่อนข้างหยาบ ซึ่งค่อนข้างเป็นธรรมชาติสำหรับยุคกลาง

เพลงที่โด่งดังที่สุดที่มาถึงเราเรียกว่า "Contrasto" ("Love Dispute") โดย Sicilian Ciullo d'Alcamo เป็นบทสนทนาระหว่างหญิงสาวกับชายหนุ่มที่รักเธอ นอกจากนี้ยังมีการรู้จักเพลงบทสนทนาที่คล้ายกัน: "ข้อพิพาทระหว่างจิตวิญญาณและร่างกาย", "ข้อพิพาทระหว่างผมสีน้ำตาลกับสาวผมบลอนด์", "ข้อพิพาทระหว่างคนไร้สาระและคนฉลาด", "ข้อพิพาทระหว่างฤดูหนาวและฤดูร้อน" .

ในช่วงยุคเรอเนซองส์ แฟชั่นการเล่นดนตรีที่บ้านแพร่หลายไปในหมู่ชาวอิตาลี ชาวเมืองธรรมดารวมตัวกันเป็นวงกลมของผู้รักดนตรีโดยที่พวกเขาเล่นเครื่องดนตรีต่าง ๆ และแต่งคำและท่วงทำนอง ตั้งแต่นั้นมา เพลงนี้ก็ได้แพร่หลายไปในทุกกลุ่มของประชากรและได้รับการฟังไปทุกที่ในอิตาลี

เครื่องดนตรีและเพลงพื้นบ้านของอิตาลี

พูดถึง คติชนเป็นไปไม่ได้ที่จะไม่พูดถึงเครื่องดนตรีที่ใช้ในการแสดง นี่คือบางส่วนของพวกเขา:

• ไวโอลินที่มีรูปลักษณ์ทันสมัยในศตวรรษที่ 15 เครื่องดนตรีพื้นบ้านชิ้นนี้เป็นที่ชื่นชอบของชาวอิตาลี
• พิตและพิเรเนียนที่แปรผัน ซึ่งก็คือไวฮูเอลา เครื่องดนตรีดึงที่แพร่กระจายไปทั่วอิตาลีในศตวรรษที่ 14
• แทมบูรีน แทมบูรีนชนิดหนึ่งที่มาจากแคว้นโพรวองซ์มายังอิตาลี นักเต้นร่วมแสดงทาแรนเทลลาร่วมกับพวกเขาด้วย
• ขลุ่ย. เริ่มแพร่หลายในศตวรรษที่ 11 นักแสดงมักใช้ร่วมกับแทมบูรีน
• ออร์แกนถังเป็นเครื่องดนตรีประเภทลมกลซึ่งได้รับความนิยมในอิตาลีในช่วงศตวรรษที่ 17 เธอเป็นที่รักของนักดนตรีเดินทางเป็นพิเศษจำปาป๊าคาร์โลได้

เพลงพื้นบ้านของอิตาลี “Santa Lucia” – จุดกำเนิดของดนตรีเนเปิลส์

เนเปิลส์เป็นเมืองหลวงของแคว้นกัมปาเนียมากที่สุด เมืองที่มีชื่อเสียงทางตอนใต้ของอิตาลีและเป็นแหล่งกำเนิดเพลงพื้นบ้านของชาวเนเปิลส์ที่มีเนื้อหาไพเราะอย่างเพลง “ซานตา ลูเซีย” อันไพเราะ

ความงดงามของธรรมชาติที่ไม่ธรรมดา สภาพอากาศที่ไม่รุนแรง และทำเลที่สะดวกสบายบนชายฝั่งอ่าวที่มีชื่อเดียวกัน ทำให้เมืองนี้และพื้นที่โดยรอบเป็นที่น่าสนใจอย่างยิ่งสำหรับผู้พิชิตและผู้ตั้งถิ่นฐานที่เรียบง่ายจำนวนมาก เป็นเวลากว่า 2,500 ปีที่เมืองแห่งนี้ได้ยอมรับและตีความวัฒนธรรมต่างๆ มากมาย ซึ่งอาจส่งผลกระทบต่อประเพณีทางดนตรีของภูมิภาคไม่ได้

การกำเนิดของเพลงพื้นบ้านของชาวเนเปิลส์ถือเป็นจุดเริ่มต้นของศตวรรษที่ 13 เมื่อเพลง "The Sun is Rising" ได้รับความนิยมอย่างมาก นี่คือรุ่งอรุณของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของอิตาลี ช่วงเวลาแห่งการพัฒนาอย่างรวดเร็วของเมืองในอิตาลีและจุดเริ่มต้นของการเกิดขึ้นของจิตสำนึกของมนุษย์จากยุคมืด เมื่อถึงช่วงเวลานี้ ผู้คนเลิกคิดว่าการเต้นรำและการร้องเพลงเป็นบาป และเริ่มปล่อยให้ตัวเองมีความสุขกับชีวิต

ในศตวรรษที่ XIV-XV ในบรรดาผู้คน โคลงกลอนตลกๆ ได้รับความนิยม ซึ่งแต่งขึ้นในหัวข้อประจำวัน ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 15 วิลลาเนล (เพลงหมู่บ้านชาวอิตาลี) เกิดขึ้นในเนเปิลส์ - โคลงสั้น ๆ แสดงด้วยเสียงหลายเสียงพร้อมกับพิต

อย่างไรก็ตาม ยุครุ่งเรืองของเพลงพื้นบ้านของชาวเนเปิลส์อย่างที่เราทราบกันดีนั้นมีมาตั้งแต่ศตวรรษที่ 19 ในช่วงเวลานี้เองที่เพลงอิตาลีที่โด่งดังที่สุด "Santa Lucia" ได้รับการเผยแพร่โดย Teodoro Cottrau มันถูกเขียนในรูปแบบ barcarolle (จากคำว่า barka) ซึ่งหมายถึง "เพลงของคนพายเรือ" หรือ "เพลงบนน้ำ" เพลงนี้ร้องเป็นภาษาถิ่นเนเปิลส์และอุทิศให้กับความงามของเมืองชายฝั่งซานตาลูเซีย นี่เป็นงานเนเปิลส์งานแรกที่แปลจากภาษาถิ่นเป็นภาษาอิตาลี ดำเนินการโดย Enrico Caruso, Elvis Presley, Robertino Loretti และศิลปินชื่อดังระดับโลกอีกมากมาย

ข้อความต้นฉบับของชาวเนเปิลส์

Comme se fr?cceca la luna chiena...
ดูสิ ขี่ม้า ll'aria เหรอ? เซเรน่า...
Vuje che facite ‘mmiez’a la via?
ซานตา ลูเซีย! ซานตา ลูเซีย!

II Stu viento frisco, fa risciatare, chi v?’ spassarse j?nno pe' mare...
E’ pronta e lesta la varca mia… Santa Lucia!
ซานตา ลูเซีย! III ลา t? nna ? แล้วคุณล่ะ? ราคานะ...
e quanno stace la panza chiena ไม่ใช่ c’? ลามเนมา เมลันโคเนีย!

ซานตา ลูเซีย! ซานตา ลูเซีย!
P?zzo accostare la varca mia?
ซานตา ลูเซีย!
ซานตา ลูเซีย!…

ข้อความภาษาอิตาลีคลาสสิก (Enrico Cossovich, 1849)

ซุล มาเร ลุกซิกา ลาสโตร ดาร์เจนโต

ซุล มาเร ลุกซิกา ลาสโตร ดาร์เจนโต
พลาซิด้า? ลอนดา พรอสเปโร? ฉันสบายดี

ซานตา ลูเซีย! Venite all'agile barchetta mia ซานตาลูเซีย! ซานตา ลูเซีย!

Con questo zeffiro, เพราะอะไร? soave โอ้ com'? เบลโลสตาร์ ซัลลา นาเว!
สวัสดี, ขอให้ผ่าน!
ซานตา ลูเซีย!
ซานตา ลูเซีย!

สวัสดี, ขอให้ผ่าน!
ซานตา ลูเซีย!
ซานตา ลูเซีย!

ใน fra le tende, bandir la cena ใน una sera cos? เซเรน่า,

ซานตา ลูเซีย!
ซานตา ลูเซีย!
ชีโนนทิมันดา, ชีโนนเดเซีย.
ซานตา ลูเซีย!
ซานตา ลูเซีย!


แมร์? placida, vento s? คาโร,
สกอร์ดาร์ ฟา อิ ทริโบลี อัล มารินาโร
อี วา กรารันโด คอน อัลเลเกรีย,
ซานตา ลูเซีย! ซานตา ลูเซีย!

อี วา กรารันโด คอน อัลเลเกรีย,
ซานตา ลูเซีย! ซานตา ลูเซีย!


โอ้ โดลเช่ นาโปลี หรือ ซูโอล บีโต
เหนือสิ่งอื่นใด
ตูเซอิลิมเปโร เดลล์อาร์โมเนีย
ซานตา ลูเซีย! ซานตา ลูเซีย!

ตูเซอิลิมเปโร เดลล์อาร์โมเนีย
ซานตา ลูเซีย! ซานตา ลูเซีย!


หรือเชทาร์ดาเต? เบลล่า? ลาเซรา
สไปรา อุนออเรตตา เฟรสกา เอ เลกจิเอรา
Venite all'agile barchetta mia ซานตาลูเซีย!
ซานตา ลูเซีย!

Venite all'agile barchetta mia ซานตาลูเซีย!
ซานตา ลูเซีย!

ข้อความภาษารัสเซีย

ทะเลก็หายใจได้นิดหน่อย
ในความสงบที่ง่วงนอน
เสียงคลื่นซัดสาดได้ยินมาแต่ไกล
ดาวดวงใหญ่ส่องสว่างบนท้องฟ้า ซานตาลูเซีย ซานตาลูเซีย!
โอ้ช่างเป็นตอนเย็น - ดวงดาวและทะเล!
ลมพัดเบาๆจากตีนเขา

เขาทำให้เกิดความฝันสีทอง
ซานตาลูเซีย ซานตาลูเซีย!
เรือเหมือนหงส์
ล่องลอยไปในระยะไกล
ดวงดาวบนท้องฟ้า
ส่องแสงเจิดจ้า

เพลงที่ยอดเยี่ยม
ฉันได้ยินในเวลากลางคืน
ซานตาลูเซีย,
ซานตา ลูเซีย!
ยามเย็นเหนือทะเล
เต็มไปด้วยความอิดโรย
เราก้องอย่างเงียบ ๆ
เป็นเพลงที่คุ้นเคย

โอ้ เนเปิลส์ของฉัน
ญาติโยมให้
ซานตาลูเซีย,
ซานตา ลูเซีย!
แสงจันทร์
ทะเลส่องแสง

ลมท้าย
ใบเรือมีคลื่น
เรือของฉันเบา
ไม้พายก็ใหญ่...
ซานตาลูเซีย,
ซานตา ลูเซีย!

หลังม่าน
เรือที่เงียบสงบ
สามารถหลีกเลี่ยงได้
สายตาที่ไม่สุภาพ
ทำอย่างไรถึงจะถูกล็อค.
ตอนกลางคืนแบบนี้เหรอ?

ซานตาลูเซีย,
ซานตา ลูเซีย!
เนเปิลส์ที่ยอดเยี่ยมของฉัน
โอ้ ดินแดนที่น่ารัก
ที่เขายิ้ม.
ห้องนิรภัยแห่งสวรรค์มีไว้สำหรับเรา

ความยินดีในจิตวิญญาณ
มันไหลออกมาอย่างประหลาด...
ซานตาลูเซีย,
ซานตา ลูเซีย!
เราเป็นมาร์ชแมลโลว์สีอ่อน
รีบวิ่งไปไกลๆ กันเถอะ
และให้ทะยานเหนือน้ำเหมือนนกนางนวล

อ่า อย่าสูญเสียมันไปนะ
นาฬิกาทอง...
ซานตาลูเซีย,
ซานตา ลูเซีย!

ทะเลก็สงบ
ทุกคนต่างชื่นชม
และวิบัติแก่ชาวเรือ
พวกเขาลืมไปทันที
พวกเขาแค่ร้องเพลง
เพลงกำลังห้าวหาญ

ซานตาลูเซีย,
ซานตาลูเซีย
คุณกำลังรออะไรอีก?
เงียบสงบบนทะเล
พระจันทร์กำลังส่องแสง
ในพื้นที่กว้างใหญ่สีน้ำเงิน
เรือของฉันเบา
ไม้พายก็ใหญ่...

ซานตาลูเซีย,
ซานตา ลูเซีย!
***

ฟังเพลงพื้นบ้านของอิตาลี Santa Lucia ดำเนินการโดย Anastasia Kozhukhova:

นอกจากนี้เพลงเนเปิลส์อีกเพลงหนึ่ง "Dicitencello vuie" ก็โด่งดังในประเทศของเราเช่นกัน ในประเทศของเราเป็นที่รู้จักกันดีในชื่อ "บอกสาว ๆ กับแฟนของคุณ" เพลงนี้เขียนขึ้นในปี 1930 โดยนักแต่งเพลง Rodolfo Falvo พร้อมเนื้อร้องโดย Enzo Fusco เวอร์ชันภาษารัสเซียดำเนินการโดยศิลปินในประเทศส่วนใหญ่ตั้งแต่ Sergei Lemeshev ถึง Valery Leontyev นอกจากภาษารัสเซียแล้ว เพลงนี้ยังได้รับการแปลเป็นภาษาอื่นๆ อีกหลายภาษาด้วย

เพลงเนเปิลส์เป็นที่รู้จักและชื่นชอบไปทั่วโลกอย่างไม่เคยปรากฏมาก่อน นี่เป็นหลักฐานจากเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นในกีฬาโอลิมปิกที่เมืองแอนต์เวิร์ปเมื่อปี 1920 ในระหว่างพิธีมอบรางวัลให้กับทีมอิตาลี ปรากฎว่าวงดุริยางค์เบลเยียมไม่มีโน้ตเพลงชาติอิตาลี จากนั้นวงออเคสตราก็ระเบิด "โอ้ดวงอาทิตย์ของฉัน" (“O Sole mio”) เมื่อทำนองเพลงเริ่มแรก ผู้ฟังที่สนามกีฬาก็เริ่มร้องตามเนื้อร้องของเพลง

เมื่อพูดถึงประเพณีการร้องเพลงของเนเปิลส์และบริเวณโดยรอบ คงไม่มีใครพลาดที่จะพูดถึงเทศกาล Piedigrotta ซึ่งจัดขึ้นทุกปีในต้นเดือนกันยายน Piedigrotta เป็นถ้ำที่ตั้งอยู่ใกล้กับเนเปิลส์ซึ่งครั้งหนึ่งเคยเป็นสถานที่ศักดิ์สิทธิ์ของคนนอกรีต ในปี 1200 เพื่ออุทิศสถานที่แห่งนี้ โบสถ์เซนต์แมรีจึงถูกสร้างขึ้นที่นี่ ซึ่งกลายเป็นที่รู้จักในชื่อ Piedigrotta ซึ่งแปลว่า "ที่เชิงถ้ำ"

เมื่อเวลาผ่านไป การบูชาทางศาสนาของพระแม่มารีและการเฉลิมฉลองเพื่อเป็นเกียรติแก่เธอได้กลายมาเป็นเทศกาลประกวดร้องเพลง ในช่วงเทศกาลดนตรีนี้ กวีและนักร้องพื้นบ้านที่เก่งที่สุดของเมืองเนเปิลส์จะมาแข่งขันกัน บางครั้งมันเกิดขึ้นที่เพลงสองเพลงได้คะแนนเท่ากัน จากนั้นผู้ฟังก็ถูกแบ่งออกเป็นสองค่าย ซึ่งแต่ละค่ายก็พร้อมจะปกป้องทำนองเพลงโปรดของตนด้วยกำปั้นของตน หากทั้งสองเพลงดีจริงๆ มิตรภาพก็จะชนะ และคนทั้งเมืองก็จะฮัมเพลงโปรดเหล่านี้

เพลงพื้นบ้านอิตาลี “สุข”

งานเกี่ยวข้องกับเนื้อเพลงความรัก แต่คำพูดของข้อความสังเกตเห็นการทรยศและความเหลื่อมล้ำของเยาวชน คำบรรยายเล่าจากมุมมองของหญิงสาวที่ดูเหมือนจะหันไปหาเพื่อนของเธอโดยถามว่าเขารู้หรือไม่ว่าอะไรที่ซ่อนอยู่เบื้องหลังแววตาเจ้าชู้ของสาวงามที่ลูกบอล? หญิงสาวเองยังไม่ได้รักใครเลยจึงคิดว่าตัวเองมีความสุขที่สุดและ "มีเสน่ห์มากกว่าราชินีทั้งหมด" หญิงสาวชาวอิตาลีเดินไปท่ามกลางดอกเดซี่และดอกไวโอเล็ต ฟังเสียงนกร้อง และร้องเพลงให้พวกเขาฟังว่าเธอมีความสุขแค่ไหน และเธออยากจะรักพวกเขาเพียงพวกเขาตลอดไป

จริงๆ แล้วมีการตั้งข้อสังเกตไว้อย่างถูกต้องว่าตราบใดที่ความรักที่คุณมีต่อบุคคลอื่นไม่กลายเป็นความผูกพันที่เจ็บปวด ยังมีเวลาที่จะเพลิดเพลินไปกับชีวิต ธรรมชาติ และทุกคนที่อยู่รอบตัวคุณ คุณจะสังเกตเห็นทั้งหมดนี้ได้ที่ไหนเมื่อคุณรู้สึกอิจฉาริษยาและวิตกกังวล?

ฟังเพลงพื้นบ้านของอิตาลี "Happy" ในภาษารัสเซียดำเนินการโดย Anastasia Teplyakova:

อารมณ์ขันในเพลงพื้นบ้านของอิตาลี: เราร้องเพลงพาสต้า

ตัวละครชาวอิตาลีที่เบาและร่าเริงมีส่วนทำให้เพลงตลกขบขันแพร่หลาย ในบรรดาผลงานดังกล่าว เป็นเรื่องที่น่าสังเกตเพลง "พาสต้า" ที่อุทิศให้กับอาหารอิตาเลียนอย่างแท้จริงนี้ ด้วยการร้องเพลงนี้ เด็กกำพร้าและเด็ก ๆ จากครอบครัวยากจนจึงหาเลี้ยงชีพด้วยการขอทานจากผู้คนที่สัญจรไปมา ข้อความมีทั้งชายและหญิง ขึ้นอยู่กับเพศของนักแสดง เพลงนี้สร้างขึ้นในจังหวะทาแรนเทลลา

ทารันเทลลาเป็นการเต้นรำพื้นบ้านที่มีการแสดงมาตั้งแต่ศตวรรษที่ 15 ตามกฎแล้วทารันเทลลานั้นมีพื้นฐานมาจากแม่ลายที่ทำซ้ำเป็นจังหวะ สิ่งที่น่าสนใจคือการเต้นรำตามทำนองนี้ถือเป็นวิธีการรักษาสำหรับผู้ที่ถูกทารันทูล่ากัด ตั้งแต่สมัยโบราณ นักดนตรีได้สัญจรไปตามถนนในอิตาลีเพื่อแสดงทำนองนี้ โดยเฉพาะสำหรับผู้ที่ทุกข์ทรมานจาก "ทารันติซึม"

พาสต้า (เวอร์ชั่นชาย) แปลโดย M. Ulitsky

1. ฉันอาศัยอยู่ท่ามกลางซากปรักหักพัง
มักจะร่าเริงมากกว่าเศร้า
ฉันอาศัยอยู่ท่ามกลางซากปรักหักพัง
มักจะร่าเริงมากกว่าเศร้า

ฉันยินดีจะให้โต๊ะ เตียง และบ้านที่มีระเบียงสำหรับพาสต้า

2. อาหารจานอร่อยนี้เป็นเพื่อนที่ดีของคนทั่วไป
จานอร่อยนี้เป็นเพื่อนที่ดีของคนทั่วไป

แต่คนสำคัญก็กินพาสต้ากับซอสด้วย

3. คุณอยากรู้ไหมว่าตัวตลกสีแดงที่กำลังจะตายรอดชีวิตมาได้อย่างไร?
คุณต้องการที่จะรู้ว่าตัวตลกสีแดงที่กำลังจะตายรอดชีวิตมาได้อย่างไร?

Shutovskaya ถอดมงกุฎออกแล้วแลกเป็นพาสต้า

4. ทารันเทลล่าของเราร้องแล้วฉันควรไปทานอาหารเย็นกับใคร?
ทารันเทลล่าของเราร้องเพลง ฉันควรไปกินข้าวเย็นกับใคร?

ฉันจะตะโกน: "พาสต้า!" - สหายจะปรากฏขึ้นทันที

พาสต้า (เวอร์ชั่นผู้หญิง)

ฉันดำยิ่งกว่ามะกอก
ฉันเร่ร่อนอยู่คนเดียวไร้บ้าน
และเสียงกลองก็ดังขึ้น
ฉันพร้อมที่จะเต้นตลอดทั้งวัน
ฉันจะเต้นรำทารันเทลล่าเพื่อคุณ
เพียงแค่ให้กำลังใจ
ขายให้ฉันหน่อยแล้วฉันจะซื้อมัน
พาสต้าพาสต้า

ปุลซิเนลโลเพื่อนของฉัน
เขาได้รับบาดเจ็บที่หัวใจด้วยลูกธนู
มีเพียงฉันเท่านั้นที่ไม่อยากเป็นภรรยาของปุลชิเนลโล
เขาเกือบจะยิงตัวเอง
แทบจะกระเด็นออกจากระเบียง
แต่ฉันหายจากกิเลสตัณหา
แค่กลืนพาสต้าลงไป

ฉันพาน้องชายไปเที่ยว
ที่รักของเขาทิ้งเขาไว้ข้างหลัง
ฉันจะสร้างทหารได้อย่างไร
ทุกคนไม่ได้รับอันตรายใช่ไหม?
เพื่อไม่ให้ปืนยิง
คุณต้องนำตลับหมึกทั้งหมดออก
แทนที่จะปล่อยให้กระสุนบินออกไป
พาสต้าพาสต้า

หากเสียใจสักนิด
หากความเจ็บป่วยกดขี่คุณ
หรือบางทีท้องฉันก็ว่างเปล่า
พาสต้าดีสำหรับคุณ!
ลาก่อน senoritas
เดินทางโดยสวัสดิภาพ ซินญอรี ดอนน่า
คุณจะต้องอิ่มมาก
และมีพาสต้ารอฉันอยู่!

มักเชโรนี

1.อิโอ มิ โซโน อุน โปเวเรตโต เซนซา คาซา เอ เซนซา เลตโต
อิโอ มิ โซโน อุน โปเวเรตโต เซนซา กาซา เอ เซนซา เลตโต

Venderei i miei canzoni ต่ออันโซล piatto da maccheroni

2. Pulcinella mezzo enjoyed ค่าโดยสาร il testimento.
Pulcinella mezzo ใช้จ่ายค่าโดยสาร il testimento

ซื้อ Avevesse Dai Padroni และ Piatto di Maccheroni

3. โฮ veduto un buon Tenente che cambiava col Sergente.
ขอให้โชคดีกับ Tenente che cambiava col Sergente

Le spalline pe'galloni per un sol piatto di maccheroni

4. ทารันเทลลา ศรี อี คานตาตา
เนื่องจากคาร์ลินีซีเอปากาตา
ทารันเทลลาซีเอคานตาตา
เนื่องจากคาร์ลินีซีเอปากาตา
Sono allegro หรือ compagnoni
เน คอมเปเรโม เด' มักเคโรนี
Sono allegro หรือ compagnoni
เน คอมเปเรโม เด' มักเคโรนี
***

ฟังเพลงพื้นบ้านของอิตาลี "พาสต้า" ในภาษารัสเซียดำเนินการโดย Anna Zhikhalenko:

เพลงเวนิสบนน้ำ

นอกจากเนเปิลส์ทางตอนใต้แล้ว เวนิส ไข่มุกทางตอนเหนือของอิตาลียังมีประเพณีการร้องเพลงที่น่าทึ่งและน่าทึ่งอีกด้วย ก่อนอื่นเรากำลังพูดถึงเพลงของคนแจวเรือ ลวดลายความรักเหล่านี้เป็นของแนวเพลงบาร์คาโรล พวกเขาไพเราะและผ่อนคลายมาก

แข็งแกร่งและ เสียงที่สวยงามคนแจวเรือดูเหมือนจะสะท้อนเสียงพายช้าๆ บนน้ำ แปลก แต่จนถึงศตวรรษที่ 18 บาร์คาโรลไม่ได้รับความสนใจจากนักดนตรีมืออาชีพ อย่างไรก็ตาม ในศตวรรษหน้า การละเลยนี้ถือเป็นมากกว่าการชดเชย Tchaikovsky, Mendelssohn, Chopin, Glinka เป็นเพียงอัจฉริยะทางดนตรีกลุ่มเล็กๆ ที่หลงใหลในเพลงพื้นบ้านของชาวเวนิส และรวมเอาลวดลายต่างๆ ไว้ในผลงานที่เป็นอมตะของพวกเขาด้วย

น่าเสียดายที่ความทันสมัยส่งผลเสียต่อประเพณีของชาวเวนิส รวมถึงบาร์คาโรลด้วย ตัวอย่างเช่น ตามคำร้องขอของนักท่องเที่ยว คนแจวเรือมักจะร้องเพลงเนเปิลส์ "O Sole Mio" แม้ว่าสมาคมคนแจวเรือจะต่อต้านการแสดงเนื่องจากไม่ใช่เมืองเวนิส

บทเพลงของพลพรรคชาวอิตาลี “เบลล่า เชา”

เพลงพรรคพวกชื่อดัง “Bella Ciao” ​​​​(“Farewell Beauty”) ก็ได้รับความนิยมอย่างไม่น่าเชื่อเช่นกัน ร้องโดยสมาชิกกลุ่มต่อต้านในช่วงสงครามโลกครั้งที่สอง จริงอยู่ มันไม่ได้แพร่หลายไปทั่วอิตาลี แต่เฉพาะทางตอนเหนือของประเทศใน Apennines

เชื่อกันว่าเนื้อเพลงนี้เขียนโดยแพทย์หรือแพทย์ และทำนองก็นำมาจากเพลงเด็กเก่าอย่าง “Sleeping Potion” อย่างชัดเจน แม้ว่าตามที่ Luciano Granozzi ศาสตราจารย์ด้านประวัติศาสตร์สมัยใหม่ของมหาวิทยาลัยคาตาเนียกล่าวว่า "Bella Ciao" ​​ดำเนินการโดยพรรคพวกบางกลุ่มในบริเวณใกล้เคียงของโบโลญญาจนถึงปี 1945

อี พิกเคีย พิเคีย
ลาปอร์ติเชลลา
อี พิกเคีย พิเคีย

อี พิกเคีย พิเคีย
la porticella dicendo: “โอ้ เบลล่า มิ เวียนี เมษายน”
Con una mano เม.ย.?
ลาปอร์ตาเอคอนลาบอคคา
ลา ไกล ดี? ยกเลิก Bacin
La gh'ha dato un bacio cos? ทันโตฟอร์เต้
la suoi mamma la l'ha ส่งไป?.
มาคอสไฮฟัตโต ฟิกลิโอลาเมีย
che tutto il mondo parla mal di te?
ลาสเซียเพียวเช่
il mondo 'l diga: io voglio amare chi mi ama me.
อิโอ โวกลิโอ อมาเร เกล จิโอวานอตโต ชิลาฮา
ฟัตต์ เซตตันนี ดิ พรีจิออน ต่อฉัน
ลา ฟัต เซ็ตตันนี เอ เซตเต
เมซี เอ เซตเต จิออร์นี ดิ พรีจิยอง ต่อฉัน
เอ ลา ปริจิโอเน
เหรอ? ทันโตสคูรา,
มี ฟา ปาอูรา
ลา มิ ฟา โมรีร์

เบลล่า เชา (หนึ่งในตัวเลือก)

เช้านี้ฉันตื่นนอนแล้ว

เช้านี้ฉันตื่นนอนแล้ว
และฉันเห็นศัตรูทางหน้าต่าง!
โอ้ พรรคพวก พาฉันไปเถอะ
โอ้ เบลล่า เชา เบลล่า เชา เบลล่า เชา เชา เชา!
โอ้พวกพ้องพาฉันไป
ฉันรู้สึกว่าความตายของฉันใกล้เข้ามาแล้ว!
หากฉันถูกกำหนดให้ตายในสนามรบ
โอ้ เบลล่า เชา เบลล่า เชา เบลล่า เชา เชา เชา!
หากฉันถูกกำหนดให้ตายในสนามรบ จงฝังฉันเสีย
ฝังคุณไว้บนภูเขาสูง
โอ้ เบลล่า เชา เบลล่า เชา เบลล่า เชา เชา เชา!
ฝังคุณไว้บนภูเขาสูง
ใต้เงาดอกไม้สีแดง!

โอ้ เบลล่า เชา เบลล่า เชา เบลล่า เชา เชา เชา!
ผู้สัญจรไปมาจะผ่านไปเห็นดอกไม้
“สวย” เขาจะพูดว่า “ดอกไม้!”
นั่นจะเป็นความทรงจำของพรรคพวก
โอ้ เบลล่า เชา เบลล่า เชา เบลล่า เชา เชา เชา!
นั่นจะเป็นความทรงจำของพรรคพวก
ช่างเป็นอิสระที่จะล้มลงอย่างกล้าหาญ!
***

ฟังเพลงของพรรคพวกชาวอิตาลี "Bella, Ciao" ​​แสดงโดยคณะนักร้องประสานเสียง Pyatnitsky:

เพลงพรรคพวกที่ทุกคนชื่นชอบคือ "Fischia il vento" ("ลมพัด") ซึ่งมีลักษณะของคอมมิวนิสต์ที่เด่นชัด ดังนั้นหลังสงครามสิ้นสุด เพื่อจุดประสงค์ทางอุดมการณ์ รัฐบาลอิตาลีจึงเริ่มโปรโมตเพลง "Bella Ciao" เพื่อสิ่งนั้นเราต้องขอบคุณเขาเท่านั้น ไม่ว่าในกรณีใด เพลงนี้ได้รับชื่อเสียงไปทั่วโลกในวัยสี่สิบปลายๆ หลังจากเทศกาลเยาวชนและนักเรียนนานาชาติครั้งที่ 1 ซึ่งจัดขึ้นที่กรุงปรากในฤดูร้อนปี พ.ศ. 2490 หลังจากนั้นก็มีนักร้องที่มีชื่อเสียงและไม่โด่งดังไปทั่วโลกหลายครั้ง

หัวข้อดนตรีพื้นบ้านของอิตาลีมีมากมายจนไม่สามารถถ่ายทอดในบทความเดียวได้ นี่เป็นเพราะความจริงที่ว่าประวัติศาสตร์ทั้งหมดของอิตาลีสะท้อนให้เห็นในเพลงพื้นบ้าน ภาษาที่ไพเราะอย่างไม่น่าเชื่อ ธรรมชาติที่หรูหรา และประวัติศาสตร์อันปั่นป่วนของการพัฒนาประเทศทำให้โลกเกิดปรากฏการณ์ทางวัฒนธรรมเช่นเดียวกับเพลงพื้นบ้านของอิตาลี

← ←คุณอยากได้ยินเพื่อนของคุณขอบคุณสำหรับการแบ่งปันเนื้อหาที่น่าสนใจและมีคุณค่ากับพวกเขาไหม?
จากนั้นคลิกปุ่มโซเชียลมีเดียปุ่มใดปุ่มหนึ่งทางด้านซ้ายทันที!

สมัครสมาชิก RSS หรือรับบทความใหม่ทางอีเมล

ศิลปะพื้นบ้านปากเปล่าของชาวอิตาลีอุดมไปด้วยผลงานหลากหลายประเภท ในพื้นที่ทางตอนเหนือของประเทศ บทกวีบรรยายเป็นเรื่องธรรมดา นักพื้นบ้านชาวอิตาลีเชื่อว่าบทกวีเหล่านี้มีต้นกำเนิดมาจากมหากาพย์ของชาวเซลติก อิตาลีตอนกลางและตอนใต้มีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยบทกวี - . สตรัมบอตติ ศิลปะพื้นบ้านแบบปากเปล่าประเภทนี้มีต้นกำเนิดครั้งแรกในซิซิลี ดังนั้นบทกวีดังกล่าวจึงเรียกว่าชาวซิซิลี บนเกาะเดียวกันเรื่องราวทางศาสนาและบทกวี (เป็นอ็อกเทฟ) ที่มีเนื้อหาเกี่ยวกับศีลธรรมแพร่หลายและการแสดงละครหุ่นพื้นบ้านยังคงได้รับการเก็บรักษาไว้จนถึงทุกวันนี้ ( โอเปร่า เดล ). ลูกสุนัข

ธีมของพวกเขานำมาจากมหากาพย์ฝรั่งเศสเป็นหลัก มีนิทานพื้นบ้านอยู่ทุกภาคของประเทศ ( เฟียบ ) เรื่องสั้น (อ้าปากค้าง- ที ) สุภาษิต ( สุภาษิต ) และปริศนา ( ).

อินโดวิเนลลี เพลงพื้นบ้านของอิตาลีมีความไพเราะมาก จังหวะ ทำนอง และเนื้อหาแตกต่างกันไปในแต่ละภูมิภาค ทางภาคเหนือและตะวันตกเฉียงเหนือของประเทศ เพลงโคลงสั้น ๆ ที่ยิ่งใหญ่ที่เรียกว่า canzones เป็นเรื่องปกติ สิ่งเหล่านี้เป็นเรื่องปกติของ Piedmont โดยเฉพาะ เป็นไปได้ว่าพีดมอนต์เป็นพื้นที่ที่แคนโซนจากฝรั่งเศสแพร่กระจายไปยังส่วนอื่นๆ ของอิตาลี ภูมิภาคของ Trentino, Veneto และ Friuli มีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยบทเพลงบทเดียว , วิลล็อตติ

ประกอบด้วยสอง quatrain

คนทั้งโลกรู้จักเพลงของเรือแจวเรือเวนิส - บาร์คาโรลส์ซึ่งโดดเด่นด้วยความนุ่มนวลของท่วงทำนองและจังหวะที่สอดคล้องกับจังหวะของพาย

เพลงซิซิลีมีความหลากหลายมาก - มารินารา, เฟอร์นาเรียน, วิคาริออต ฯลฯ ในภาคใต้โดยเฉพาะอย่างยิ่งในกัมปาเนียเพลงโคลงสั้น ๆ ส่วนใหญ่จะแพร่หลาย - สตอร์เนลส์ซึ่งประกอบด้วยบทกวีสิบเอ็ดพยางค์สองบท ชื่อของแนวเพลงนี้ทั้งหมด - "Neapolitan cesni" - มาจากเมืองหลักของ Campagna, Naples ในเขตชานเมืองเนเปิลส์ - Piedigrotta - การแข่งขันจัดขึ้นเป็นประจำทุกปีเพลงที่ดีที่สุด

บนเกาะซาร์ดิเนีย เพลงโคลงสั้น ๆ เป็นเรื่องธรรมดามาก โดยมีความเหมือนกันมากทั้งในรูปแบบและเนื้อหากับเนื้อเพลงภาษาสเปน

ประเภทหลักของศิลปะพื้นบ้านแบบปากเปล่าของชาวอุมเบรียคือสิ่งที่เรียกว่าบทกวีทางศาสนาซึ่งส่วนใหญ่เป็นเพลงที่เล่าเกี่ยวกับตอนต่างๆ จากชีวิตของพระคริสต์

ในหลายพื้นที่ของอิตาลี มีการร้องเพลงกล่อมเด็กที่ไพเราะมาก

ในช่วงไม่กี่ทศวรรษที่ผ่านมา เพลงพื้นบ้านของอิตาลีภายใต้อิทธิพลของการออกอากาศทางวิทยุได้สูญเสียประเพณีไปมาก: ทั้งลักษณะของทำนองและคำศัพท์กำลังเปลี่ยนไป ดังนั้นเป็นเวลาครึ่งศตวรรษในเพลงโคลงสั้น ๆ พื้นบ้านโดยเฉพาะอย่างยิ่งในเพลงที่พวกเขาร้องเพลงเกี่ยวกับการพรากจากกันทางรถไฟและเรือกลไฟจึงปรากฏขึ้นและในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมาแม้แต่เครื่องบิน เพลงเหล่านี้สูญเสียภาษาเชิงเปรียบเทียบ คำศัพท์ของเพลงโคลงสั้น ๆ ที่ยิ่งใหญ่ก็เปลี่ยนไปเช่นแทนที่จะเป็นดาบและปืนปืนพกและปืนกลก็ปรากฏขึ้น

การเต้นรำ เครื่องดนตรี

ในบางสถานที่ การเต้นรำพื้นบ้านของอิตาลียังคงเต้นรำอยู่ โดยโดดเด่นด้วยความหลากหลาย ความสวยงาม และอารมณ์ในการแสดง เมื่อไม่กี่สิบปีที่ผ่านมา ทารันเทลลา (การเต้นรำที่อาจมีต้นกำเนิดในสมัยโบราณ) ได้รับความนิยมอย่างมากในหมู่ชาวใต้ ซึ่งโดยปกติแล้วการแสดงจะมาพร้อมกับการตีแทมบูรีน ในลาซิโอมีการเต้นรำด้วยจังหวะที่เร็วมาก - ซัลตาเรลโล

มันถูกเต้นเป็นคู่พร้อมกับกีตาร์ ในจังหวัดลอมบาร์ดพวกเขายังคงเต้นรำที่เรียกว่า Bergamasca และในจังหวัดเวนิสพวกเขายังคงเต้นรำการเต้นรำที่มีต้นกำเนิดจาก Friulian - Furlana โดยทั่วไปสำหรับซิซิลี เต้นช้าๆ- ซิซิเลียนา. ในบางพื้นที่ของซาร์ดิเนีย การเต้นรำที่มีต้นกำเนิดมาจากสมัยโบราณ (อาจเป็นภาษากรีก) เรียกว่า ดูรู - ดูรู , หรือ บัลโล ใน ทอนโด (เต้นรำเป็นการเต้นรำแบบกลม) มักจะมาพร้อมกับการกระโดดและกรีดร้อง

ในบางพื้นที่ทางภาคใต้ การเต้นรำโขนพิธีกรรมยังได้รับการเก็บรักษาไว้ และแสดงในวันหยุดทางศาสนาบางช่วง ชาวนาในหมู่บ้านบางแห่งในคาลาเบรีย ซิซิลี และบาซิลิกาตาแสดงละครใบ้ที่เรียกว่า "เรือ" คนสิบสองคนประกอบกันเป็นปิรามิด โดยหกคนยืนอยู่บนพื้น สี่คนอยู่บนไหล่ และอีกสองคนอยู่ด้านบนสุด ปิรามิดเคลื่อนไหวเป็นจังหวะ ล้อมรอบด้วยฝูงชนชาวนาที่ร้องเพลง

บทเพลงและการเต้นรำแบบดั้งเดิมเคยแสดงร่วมกับ เครื่องดนตรีพื้นบ้าน- ในภาคเหนือ กีตาร์เป็นเรื่องธรรมดาที่สุด ในทัสคานีลาซิโอและกัมปาเนียมักพบปี่สก็อต บนเกาะซาร์ดิเนีย มีการร้องเพลงและเต้นรำพร้อมกับการเล่นไปป์สามลำกล้องที่เรียกว่า ซักรีดดา . ในหมู่บ้านของทุกภูมิภาคของประเทศพวกเขาเล่นไปป์ลำกล้องเดียว ออร์แกนและออร์แกนธรรมดา และในเมือง - แมนโดลิน

ใน เมื่อเร็วๆ นี้โดยเฉพาะอย่างยิ่งในช่วงหลังสงคราม การเต้นรำพื้นบ้านในสมัยโบราณกำลังหลีกทางให้กับการเต้นรำสมัยใหม่มากขึ้นเรื่อยๆ ซึ่งการเต้นรำกับเครื่องเล่นแผ่นเสียงหรือเครื่องบันทึกเทป

ศิลปะและงานฝีมือพื้นบ้าน

เกือบทุกภูมิภาคของอิตาลีมีชื่อเสียงในด้านศิลปะการตกแต่งพื้นบ้านบางประเภทซึ่งได้รับการฝึกฝนที่นี่มานานหลายศตวรรษโดยถ่ายทอดทักษะและ ความรู้สึกความงดงามจากรุ่นสู่รุ่น

เซรามิกส์

ผลิตภัณฑ์ของเซรามิกมาสเตอร์มีสีสันสวยงามมาก การผลิตนี้มีประเพณีเก่าแก่หลายศตวรรษในอิตาลี มีอยู่แล้วในศตวรรษ Vlll - VII พ.ศ จ. เครื่องปั้นดินเผาของกรีกก็แทรกซึมเข้าไปในตอนใต้ของคาบสมุทร Apennine พร้อมกับอาณานิคมของกรีกด้วย ตั้งแต่ศตวรรษที่ 6 พ.ศ จ. เซรามิกรูปดำและรูปสีแดงของกรีกเริ่มแพร่หลาย ในสมัยโรมัน จานปรากฏด้วยลวดลายดอกไม้ ส่วนใหญ่มักเป็นรูปนูน เคลือบด้วยวานิชสีแดงและแวววาวของโลหะ

ในช่วงยุคกลางตอนต้น เครื่องปั้นดินเผาก็เหมือนกับงานฝีมือพื้นบ้านอื่นๆ ที่กำลังเสื่อมถอยลง

ศิลปะเซรามิกของอิตาลีเพิ่มขึ้นอย่างทรงพลังครั้งใหม่เริ่มขึ้นในศตวรรษที่ 15 ศูนย์การผลิต เซรามิกศิลปะในยุคกลาง ได้แก่ Faenza, Siena, Caffaggiolo, Castel Durante และคนอื่นๆ

ตั้งแต่ไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 16 หัวหน้าฝ่ายผลิตเซรามิกของอิตาลีคือเมือง Faenza ซึ่งมีต้นกำเนิดมาจากชื่อสากลว่า "clayans" ในความหมายแคบ หมายถึง ผลิตภัณฑ์ที่ทำจากดินเผาสีขาวที่มีเศษที่มีรูพรุนละเอียด งานเผามักเรียกว่าเซรามิกเคลือบ - majolica ซึ่งผลิตเป็นจำนวนมากและยังคงผลิตใน Faenza ชื่อ "majolica" มาจากหนึ่งในหมู่เกาะแบลีแอริก - มายอร์ก้า (ในภาษาอิตาลี - Majolica) ซึ่งในปี 1115 ชาว Genoese ได้นำภาชนะเซรามิกแบบสเปน - มัวร์และแผ่นพื้นเคลือบเป็นครั้งแรกไปยังคาบสมุทร Apennine ซึ่งกลายเป็นต้นแบบของช่างปั้นหม้อชาวอิตาลี

ในช่วงรุ่งเรืองของการผลิต majolica (ศตวรรษที่ XV-XVII) มีการใช้ดินเหนียวสีเหลืองและสีขาวและแทนที่จะใช้เคลือบ engobe และตะกั่วกลับถูกเคลือบด้วยเคลือบทึบแสงที่ไม่มีรูพรุนซึ่งทำจากส่วนผสมของตะกั่วและดีบุกออกไซด์ เรือลำดังกล่าวถูกยิงที่ อุณหภูมิสูงการเคลือบที่หลอมรวมกับการทาสีและกลายเป็นชั้นมันเงาสม่ำเสมอซึ่งยึดติดกับฐานดินเหนียวของผลิตภัณฑ์อย่างแน่นหนา

สิ่งที่เรียกว่า majolica ในอิตาลีรวมถึงผลิตภัณฑ์เซรามิกทุกชนิดที่ทำจากดินเหนียวสีแดง ( เทอร์รา คอตต้า ) และจากสีขาวมีเศษรูพรุนขนาดใหญ่เคลือบด้วยกระจกใส ( เวอร์นิซ ) หรือเคลือบฟันทึบ ( สมัลโต - ช่างเซรามิกสมัยใหม่ของ Faenza ไม่เพียงแต่เลียนแบบโมเดลที่มีชื่อเสียงในอดีตเท่านั้น แต่ยังสร้างโมเดลใหม่ๆ และฝึกฝนเทคนิคใหม่ๆ อีกด้วย ปัจจุบันช่างฝีมือ Faenza จำนวนมากผลิตภาชนะรูปทรงนามธรรมตกแต่งด้วยภาพวาดซึ่งมีลวดลายมาจากภาพวาดนามธรรมสมัยใหม่

State Institute of Ceramics ตั้งอยู่ใน Faenza ช่างเซรามิกจากประเทศต่างๆ มาที่นี่เพื่อพัฒนาทักษะของพวกเขา ก็มีเช่นกัน พิพิธภัณฑ์นานาชาติเซรามิกส์ที่รวบรวมคอลเลกชั่นเซรามิกศิลปะอิตาลีเข้มข้น ทุกปีเมืองจะเป็นเจ้าภาพจัดนิทรรศการเซรามิก

ในอิตาลีสมัยใหม่ การผลิตเซรามิกได้รับการพัฒนา แต่ส่วนใหญ่อยู่ในภูมิภาคทางใต้และเกาะ: อาปูเลีย ซิซิลี อาบรุซโซ โมลีส คาลาเบรีย ซาร์ดิเนีย มาร์เช่ และอื่นๆ อีกมากมาย การประชุมเชิงปฏิบัติการและโรงงานขนาดเล็กในภูมิภาคเหล่านี้ผลิตนอกเหนือจากเซรามิกในครัวเรือน (ภาชนะบนโต๊ะอาหารและภาชนะในครัวที่ชาวนาซื้อเป็นหลัก) ของตกแต่ง (จาน แจกัน รูปแกะสลัก) ซึ่งมักส่งออกหรือขายให้กับนักท่องเที่ยวชาวต่างชาติ

รูปแบบทั่วไปของเรือ ที่พบได้ทั่วไปในทุกพื้นที่ทางตอนใต้ของประเทศ: ชาม; boccale - แก้วน้ำขนาดใหญ่สำหรับใส่น้ำหรือไวน์ bgossa - ภาชนะทรงกลมขนาดใหญ่ที่มีพวยกาและที่จับหนึ่งหรือสองอันซึ่งส่วนใหญ่มักจะเก็บไวน์ กระติกน้ำและไวน์ทุกชนิด: ทรงกลมคอสั้นและมีด้ามจับเดียว คล้ายกับพวกเขา แต่ไม่มีที่จับ รูปร่างยาวพร้อมที่จับสองอัน แบนไม่มีที่จับมีห่วงสำหรับร้อยเชือก รูปเพรทเซล ฯลฯ

ภาชนะทั้งหมดนี้มักจะถูกเคลือบด้วยสีเคลือบและเคลือบสีสันสดใส และทาสีด้วยสีเคลือบหรือสีเคลือบด้านล่าง และบางครั้งก็ตกแต่งด้วยรูปแกะสลักนูน

หลายภูมิภาคของอิตาลี และมักเป็นศูนย์กลางการผลิตเซรามิกแต่ละแห่ง คุณสมบัติลักษณะทั้งการเลือกรูปทรงภาชนะและการตกแต่งอย่างมีศิลปะ

ศูนย์กลางหลักของการผลิตเซรามิกซิซิลีคือ Caltad-Girone มีเซรามิกจำนวนมากที่ออกมาจากเวิร์คช็อปของ Terranova, Licata, Ajira, Partinico, Canicatti และ Schiatta

แจกันดอกไม้ซิซิลีซึ่งรู้จักกันในยุคกลางตอนต้นมีสีสันสดใสมาก - พระคุณ - มักทำเป็นรูปศีรษะมนุษย์ ตัวขวดซิซิลีมักทำในรูปแบบเดียวกัน บ่อยครั้งที่ภาชนะมีรูปร่างเหมือนมนุษย์เต็มตัว เหล่านี้คือขวดโพลีโครม ( เฟียสเชตติ ) และโคมไฟ ( ลูเซอร์นี - นอกจากนี้ใน Caltagirone (ตั้งแต่ศตวรรษที่ 17 จนถึงทุกวันนี้) ยังมีการสร้างรูปแกะสลักของนักบุญที่ไม่ได้ใช้ไฟ - พรีเซพี ซึ่งเป็นเรื่องปกติที่จะวางไว้ที่มุมห้องในวันหยุดทางศาสนาโดยเลียนแบบฉากจากชีวิตของพระเยซูคริสต์

นอกจากเซรามิกเชิงศิลปะแล้ว พวกเขายังผลิตภาชนะในครัวเรือนหลากหลายชนิด เช่น ภาชนะขนาดใหญ่ ควอร์เตอร์ สำหรับส่งน้ำ ชามซุป ขนาดเล็ก แคนเนท สำหรับน้ำและไวน์และอื่นๆ อีกมากมาย

ศูนย์กลางการผลิตเครื่องปั้นดินเผาเชิงศิลปะที่ใหญ่ที่สุดในซาร์ดิเนีย ได้แก่ Oristano, Sassari และ Cagliari แจกัน Oristan ที่มีชื่อเสียงที่สุดทั่วประเทศ รูปร่างและเครื่องประดับกลับไปสู่เครื่องปั้นดินเผา กรีกโบราณ(ความคล้ายคลึงกับแจกันเหล่านี้ถูกค้นพบระหว่างการขุดค้นใน Canosa ใน Apulia) เหล่านี้คือภาชนะรดน้ำ ขนาดใหญ่ตกแต่งด้วยภาพนูนดอกไม้ สัตว์ หรือคน

ในชุมชนของ Dorgali (Sassari) ดูแบบดั้งเดิมเครื่องปั้นดินเผา - ทำภาชนะจากดินเหนียวสีแดงเป็นรูปสัตว์เลี้ยง: เหยือกสำหรับล้างรูปไก่ ไก่ ห่าน ฯลฯ มักจะตกแต่งด้วยลวดลายที่มีรอยขีดข่วน (กราฟฟิตี) และเคลือบด้วยสีเคลือบหลายสี . ในกาลยารีเช่นเดียวกับในซิซิลี เรือถูกสร้างขึ้นเป็นรูปมนุษย์ ซึ่งส่วนใหญ่มักเป็นภาพผู้หญิงในชุดพื้นบ้านในท้องถิ่น

ใน Puglia มีศูนย์กลางการผลิตเครื่องปั้นดินเผาขนาดใหญ่หลายแห่ง: Grottaglie, Rutigliano, Sansevero, Cerintola และอื่นๆ อีกมากมาย ผลงานศิลปะดินเผาเคลือบโพลีโครมของ Grottaglie จำหน่ายไปทั่วประเทศ ในเทคนิคการผลิตและการตกแต่งจะถูกเก็บรักษาไว้ ประเพณียุคกลาง- ภาชนะต่างๆ (บอคคาลี บรอกโคลี ฯลฯ) ถูกเคลือบด้วยภาพวาดหลากสี (ประดับด้วยพืชเป็นหลัก) บนเอนโกเบสีขาว Grottaglie จำหน่ายเครื่องใช้บนโต๊ะอาหารและเครื่องครัวให้กับทุกพื้นที่ทางใต้

ใน Puglia พวกเขายังสร้างภาชนะที่ตกแต่งด้วยภาพนูนเลียนแบบการปัก บริเวณนี้ยังมีชื่อเสียงในด้านการผลิตของเล่นที่เคลือบด้วยสีเคลือบหลากสีอีกด้วย ส่วนใหญ่มักจะเป็นนกหวีดที่มีรูปร่างเป็นสัตว์ต่าง ๆ เช่น นก กระทง สุนัข งู ฯลฯ

ในอาบรุซโซ อาหารแบบดั้งเดิมได้แก่ขวดแบนและรูปวงแหวน จาน และบร็อคกี้ที่มีภาพวาดสีสันสดใสบนเอนโกเบสีขาว เซรามิกจาก Palena โดดเด่นด้วยสีสดใสและเคลือบมันเงามาก แก้วสามใบ, ขวดหมอบที่มีคอเล็ก, ขวดรูปเพรทเซลแบนถูกทาสีที่ด้านบนของ engobe ซึ่งส่วนใหญ่มักมีมาลัยดอกไม้ ที่ Kastelli ภาชนะมักถูกเคลือบด้วยสีเหลือง น้ำเงิน หรือเขียว หลายแห่งโดยเฉพาะตุ๊กตาหรือโคมไฟในรูปมนุษย์มีความใกล้ชิดกับซิซิลี

ศูนย์กลางหลักของการผลิตเซรามิกใน Calabria ได้แก่ Seminara, Rende, Visignano, Terranova di Sibari, Corigliano Calabro, Vibo Valentina, Squillace, S. Andrea Ionico ในการสัมมนา ภาชนะดินเผา (ส่วนใหญ่มักเป็นขวดรูปทรงเพรทเซล) ตกแต่งด้วยภาพนูนของดอกไม้ นก และสัตว์ต่างๆ สีเด่นของการรดน้ำคือสีเขียวสีเหลืองและสีส้ม ขวดรูปปลาที่ผลิตในงานสัมมนาและของเล่นหรูหราที่ทำจากดินเหนียวสีแดงเคลือบหลากสีเป็นที่นิยมอย่างมากในประเทศ

หลัก ศูนย์ที่ทันสมัยการผลิตเซรามิกในอุมเบรีย - เดรูตาและกุบบิโอ - ผลิตสำเนาตัวอย่างยุคกลางและแม้แต่อิทรุสกันรวมถึงเวิร์กช็อปในศูนย์อื่น ๆ ในพื้นที่นี้: อัสซีซี, ฟิคัลเล ฯลฯ

ในทัสคานี ศูนย์กลางหลักของการผลิตเซรามิกคือ Monte San Savino ที่นี่ทำอาหารจานใหญ่โดยเลียนแบบมาจอลิกาในยุคกลาง โดยปกติแล้วจะถูกปกคลุมไปด้วยเอนโกเบะสีขาว ซึ่งนอกเหนือจากการทาสีแล้ว

ในภูมิภาค Marche ของ Pesaro ช่างเซรามิกทำภาชนะใช้ในครัวเรือนหลายประเภทที่เคลือบด้วยสีเข้มมันวาวมาก (สีดำ เกาลัด หรือกาแฟ) เช่น เครื่องอุ่นมือ กระทะทอด ชามซุปสำหรับเก็บเกี่ยว ขวดสำหรับส่งไวน์ไปที่ทุ่งนา เครื่องดื่ม เรือ

ตอนนี้เป็นเนื้อหาเกี่ยวกับดนตรีพื้นบ้านของอิตาลี - บทเพลงและการเต้นรำของประเทศนี้ รวมถึงเครื่องดนตรี

ผู้ที่เราคุ้นเคยเรียกว่าชาวอิตาลีเป็นทายาทของวัฒนธรรมของชนชาติใหญ่และเล็กที่อาศัยอยู่มาตั้งแต่สมัยโบราณในภูมิภาคต่าง ๆ ของคาบสมุทร Apennine ชาวกรีกและอิทรุสกัน ตัวเอียง (โรมัน) และกอลได้ทิ้งร่องรอยไว้ในดนตรีพื้นบ้านของอิตาลี

ประวัติศาสตร์ที่สำคัญและธรรมชาติอันเขียวชอุ่ม งานเกษตรกรรมและงานรื่นเริงที่สนุกสนาน ความจริงใจและอารมณ์ ภาษาและรสนิยมทางดนตรีที่สวยงาม จุดเริ่มต้นอันไพเราะและจังหวะที่หลากหลาย วัฒนธรรมการร้องเพลงชั้นสูงและทักษะของวงดนตรีบรรเลง - ทั้งหมดนี้ปรากฏอยู่ในดนตรีของชาวอิตาลี . และทั้งหมดนี้ชนะใจผู้คนนอกคาบสมุทร

เพลงพื้นบ้านของอิตาลี

อย่างที่พวกเขาพูดกันว่ามีอารมณ์ขันในทุกเรื่องตลก: คำพูดที่น่าขันของชาวอิตาลีเกี่ยวกับตัวเองในฐานะผู้เชี่ยวชาญด้านการแต่งเพลงและร้องเพลงได้รับการยืนยันจากชื่อเสียงระดับโลกของพวกเขา ดังนั้นดนตรีพื้นบ้านของอิตาลีจึงแสดงด้วยเพลงเป็นหลัก แน่นอนว่าเรารู้เพียงเล็กน้อยเกี่ยวกับวัฒนธรรมการร้องเพลงปากเปล่า เนื่องจากตัวอย่างแรกๆ ของเพลงนี้ถูกบันทึกไว้ในช่วงปลายยุคกลาง

การปรากฏตัวของเพลงพื้นบ้านของอิตาลีเมื่อต้นศตวรรษที่ 13 มีความเกี่ยวข้องกับการเปลี่ยนผ่านไปสู่ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา จากนั้นความสนใจในชีวิตทางโลกก็ปรากฏขึ้น ในช่วงวันหยุด ชาวเมืองสนุกกับการฟังนักดนตรีและนักเล่นกลที่ร้องเพลงเกี่ยวกับความรักและเล่าเรื่องราวครอบครัวและชีวิตประจำวัน และผู้อยู่อาศัยในหมู่บ้านและเมืองต่าง ๆ ก็ไม่รังเกียจที่จะร้องเพลงและเต้นรำกับดนตรีธรรมดา ๆ

ต่อมาได้มีแนวเพลงหลักเกิดขึ้น ฟรอตโตลา(แปลว่า “เพลงพื้นบ้าน นิยาย”) เป็นที่รู้จักทางตอนเหนือของอิตาลีตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 15 นี้ เพลงโคลงสั้น ๆสำหรับเสียง 3–4 เสียงที่มีองค์ประกอบของพฤกษ์เลียนแบบและสำเนียงเมตริกที่สดใส

เมื่อถึงศตวรรษที่ 16 มันก็เบาเต้นได้พร้อมทำนองในสามเสียง วิลล่าเนล(แปลว่า "เพลงหมู่บ้าน") แพร่หลายไปทั่วอิตาลี แต่แต่ละเมืองเรียกมันแตกต่างกัน: Veneziana, Neapoletana, Padovana, Romana, Toscanella และอื่นๆ

เธอถูกแทนที่ด้วย แคนโซเนตตา(แปลว่า "เพลง") เป็นเพลงเล็ก ๆ ที่แสดงด้วยเสียงเดียวหรือหลายเสียง เธอเป็นผู้ก่อตั้งแนวเพลงอาเรียที่มีชื่อเสียงในอนาคต และความสามารถในการเต้นของวิลลาเนลก็ขยับเข้าสู่แนวเพลง บัลเลต์โต, – เพลงที่มีองค์ประกอบและตัวละครเบากว่าเหมาะสำหรับการเต้น

แนวเพลงพื้นบ้านอิตาลีที่เป็นที่รู้จักมากที่สุดในปัจจุบันคือ เพลงเนเปิลส์ (แคว้นกัมปาเนียทางตอนใต้ของอิตาลี) ทำนองเพลงที่ร่าเริงหรือเศร้ามาพร้อมกับพิณกีตาร์หรือพิตเนเปิลส์ ใครไม่เคยได้ยินเพลงรักบ้าง? “โอ้ โซล มิโอะ”หรือเพลงสรรเสริญแห่งชีวิต "ซานตาลูเซีย"หรือเพลงสรรเสริญรถกระเช้า “ฟูนิคูลิ ฟูนิคูลา”ซึ่งพาคู่รักขึ้นไปบนยอดภูเขาไฟวิสุเวียส? ความเรียบง่ายของพวกเขาชัดเจนเท่านั้น: เมื่อแสดง ไม่เพียงแต่ระดับทักษะของนักร้องจะถูกเปิดเผย แต่ยังรวมถึงความมีชีวิตชีวาของจิตวิญญาณของเขาด้วย

ยุคทองของประเภทนี้เริ่มต้นขึ้นในปี กลางศตวรรษที่ 19ศตวรรษ และวันนี้ในเนเปิลส์ เมืองหลวงแห่งดนตรีของอิตาลี มีการจัดการแข่งขันเทศกาลเพลงเนื้อเพลง Piedigrotta (Festa di Piedigrotta)

แบรนด์ที่เป็นที่รู้จักอีกแบรนด์หนึ่งมาจากภูมิภาคเวเนโตตอนเหนือ เวนิส เพลงบนน้ำหรือ บาร์คาโรล(barca แปลว่า "เรือ") ดำเนินการอย่างสบายๆ 6/8 และเนื้อสัมผัสของดนตรีประกอบมักจะสื่อถึงการแกว่งไปมาบนคลื่น และการแสดงทำนองอันไพเราะก็สะท้อนผ่านเสียงพายที่ลงสู่น้ำได้อย่างง่ายดาย

การเต้นรำพื้นบ้านของอิตาลี

วัฒนธรรมการเต้นรำของอิตาลีพัฒนาขึ้นในรูปแบบต่างๆ ในชีวิตประจำวัน การเต้นรำตามฉาก และ มอสกี(โมริสโก). ชาวอาหรับเต้นรำ Moresques (ซึ่งถูกเรียกอย่างนั้น - แปลคำนี้แปลว่า "ทุ่งน้อย") ซึ่งเปลี่ยนมานับถือศาสนาคริสต์และตั้งรกรากอยู่ใน Apennines หลังจากถูกเนรเทศออกจากสเปน การเต้นรำแบบมีฉากเป็นการเต้นรำที่จัดขึ้นเป็นพิเศษสำหรับวันหยุด และประเภทที่พบบ่อยที่สุดคือการเต้นรำในชีวิตประจำวันหรือทางสังคม

ต้นกำเนิดของแนวเพลงมีมาตั้งแต่ยุคกลาง และการออกแบบมีขึ้นตั้งแต่ศตวรรษที่ 15 ซึ่งเป็นจุดเริ่มต้นของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ยุคนี้นำความสง่างามและความสง่างามมาสู่การเต้นรำพื้นบ้านของอิตาลีที่สนุกสนานและสนุกสนาน รวดเร็ว ง่ายดาย และ การเคลื่อนไหวเป็นจังหวะด้วยการเปลี่ยนไปเป็นการกระโดดแบบเบา ๆ เพิ่มขึ้นจากเท้าเต็มไปจนถึงปลายเท้า (ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของการพัฒนาทางจิตวิญญาณจากทางโลกไปสู่ความศักดิ์สิทธิ์) ธรรมชาติที่ร่าเริงของดนตรีประกอบ - นี่คือลักษณะเฉพาะของการเต้นรำเหล่านี้

ร่าเริงมีพลัง คนเก่งแสดงโดยคู่หรือนักเต้นแต่ละคน คำศัพท์การเต้นรำประกอบด้วยการเคลื่อนไหวห้าขั้นตอนขั้นพื้นฐาน การกระโดดและการกระโดดหลายครั้ง เมื่อเวลาผ่านไป จังหวะการเต้นก็ช้าลง

การเต้นรำที่ใกล้ชิดกับ Galliard อีกอย่างหนึ่งคือ ซัลตาเรลลา– เกิดในภาคกลางของอิตาลี (แคว้นอาบรุซโซ, โมลีเซ และลาซิโอ) ชื่อของมันถูกตั้งโดยคำกริยา saltare - "to jump" การเต้นรำของคู่นี้มาพร้อมกับดนตรีในเวลา 6/8 จัดแสดงในวันหยุดอันงดงาม - งานแต่งงานหรือหลังสิ้นสุดการเก็บเกี่ยว คำศัพท์ของการเต้นรำประกอบด้วยชุดของขั้นตอนคู่และคันธนูพร้อมการเปลี่ยนเป็นจังหวะ มีการเต้นรำในงานคาร์นิวัลสมัยใหม่

บ้านของการเต้นรำโบราณอีกแห่งหนึ่ง เบอร์กามาสก้า(bargamasca) ตั้งอยู่ในเมืองและจังหวัดแบร์กาโม (แคว้นลอมบาร์ดี ภาคเหนือของอิตาลี) การเต้นรำของชาวนานี้เป็นที่ชื่นชอบของชาวเยอรมนี ฝรั่งเศส และอังกฤษ เพลงที่ร่าเริงมีชีวิตชีวาและเป็นจังหวะด้วยมิเตอร์สี่เท่าและการเคลื่อนไหวที่กระฉับกระเฉงทำให้ผู้คนทุกชนชั้นหลงใหล การเต้นรำได้รับการกล่าวถึงโดย W. Shakespeare ในภาพยนตร์ตลกเรื่อง A Midsummer Night's Dream

ทารันเทลลา- ที่มีชื่อเสียงที่สุดของ การเต้นรำพื้นบ้าน- พวกเขาชื่นชอบสิ่งนี้เป็นพิเศษในภูมิภาคทางตอนใต้ของอิตาลีอย่างคาลาเบรียและซิซิลี และชื่อนี้ได้มาจากเมืองทารันโต (แคว้นอาปูเลีย) เมืองนี้ยังตั้งชื่อให้กับแมงมุมพิษ - ทารันทูล่าจากผลที่ตามมาจากการที่การประหารชีวิตอันยาวนานและเหน็ดเหนื่อยของทาแรนเทลลาถูกกล่าวหาว่าช่วยชีวิตพวกมันได้

ลวดลายการบรรเลงซ้ำ ๆ ง่าย ๆ บนแฝดสามธรรมชาติที่มีชีวิตชีวาของดนตรีและรูปแบบการเคลื่อนไหวพิเศษที่เปลี่ยนทิศทางอย่างรวดเร็วทำให้การเต้นรำนี้โดดเด่นโดยแสดงเป็นคู่น้อยกว่า - เดี่ยว ความหลงใหลในการเต้นรำเอาชนะการข่มเหง: พระคาร์ดินัลบาร์เบรินีอนุญาตให้แสดงที่ศาล

การเต้นรำพื้นบ้านบางส่วนพิชิตยุโรปทั้งหมดอย่างรวดเร็วและยังมาถึงราชสำนักของกษัตริย์ยุโรปด้วยซ้ำ ตัวอย่างเช่น Galliard ได้รับความชื่นชมจากผู้ปกครองแห่งอังกฤษ Elizabeth I และตลอดชีวิตของเธอเธอก็เต้นรำเพื่อความสุขของเธอ และแบร์กามาสกาก็ยกระดับจิตวิญญาณของพระเจ้าหลุยส์ที่ 13 และข้าราชบริพารของเขา

แนวเพลงและท่วงทำนองของการเต้นรำหลายรูปแบบยังคงดำเนินต่อไปในดนตรีบรรเลง

เครื่องดนตรี

ปี่ ไปป์ ฮาร์โมนิก้า และฮาร์โมนิก้าธรรมดา มีการใช้สายในการเล่นคลอ เครื่องมือที่ดึงออกมา– กีตาร์ ไวโอลิน และแมนโดลิน

ตามหลักฐานที่เป็นลายลักษณ์อักษร มีการกล่าวถึงแมนโดลามาตั้งแต่ศตวรรษที่ 12 บางทีอาจทำขึ้นเพื่อใช้เป็นพิณแบบเรียบง่ายกว่า (จากภาษากรีกแปลว่า "พิตเล็ก") มันถูกเรียกว่าแมนโดรา” “แมนโดล” “แพนดูรินา” “บันดูรินา” และแมนโดลาขนาดเล็กเรียกว่าแมนโดลิน เครื่องดนตรีที่มีลำตัวทรงรีนี้มีสายลวดคู่สี่สายที่ปรับจูนพร้อมกันแทนที่จะเป็นอ็อกเทฟ

ไวโอลินเป็นหนึ่งในเครื่องดนตรีพื้นบ้านของอิตาลี กลายเป็นหนึ่งในเครื่องดนตรีที่ได้รับความนิยมมากที่สุด และได้รับการปรุงแต่งจนสมบูรณ์แบบโดยปรมาจารย์ชาวอิตาลีจากตระกูล Amati, Guarneri และ Stradivari ในช่วงไตรมาสที่ 17 - ไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 18

ในศตวรรษที่ 17 ศิลปินเร่ร่อนเพื่อไม่ให้รบกวนการเล่นดนตรีจึงเริ่มใช้ออร์แกนถังซึ่งเป็นเครื่องดนตรีประเภทลมกลที่ผลิตเสียง 6-8 ที่บันทึกไว้ ผลงานที่ชื่นชอบ- ที่เหลือก็แค่หมุนที่จับแล้วขนย้ายหรือถือไปตามถนน ในขั้นต้น ออร์แกนถังถูกคิดค้นโดยชาวอิตาลี Barbieri เพื่อฝึกขับขาน แต่เมื่อเวลาผ่านไปก็เริ่มเป็นที่พอใจของชาวเมืองนอกอิตาลี

นักเต้นมักจะช่วยตัวเองในการตีจังหวะที่ชัดเจนของทารันเทลลาด้วยความช่วยเหลือของแทมบูรีนซึ่งเป็นแทมบูรีนชนิดหนึ่งที่มาถึง Apennines จากโพรวองซ์ บ่อยครั้งที่นักแสดงใช้ขลุ่ยร่วมกับแทมบูรีน

แนวเพลงดังกล่าวรวมถึงความหลากหลายทางดนตรี ความสามารถ และ ความร่ำรวยทางดนตรีของชาวอิตาลีไม่เพียงแต่รับประกันความเจริญรุ่งเรืองทางวิชาการ โดยเฉพาะโอเปร่าและเพลงป็อปในอิตาลีเท่านั้น แต่ยังได้รับการยืมโดยนักแต่งเพลงจากประเทศอื่นๆ อีกด้วย

คะแนนที่ดีที่สุด ศิลปะพื้นบ้านมอบให้โดยนักแต่งเพลงชาวรัสเซีย M.I. กลินกาซึ่งเคยกล่าวไว้ว่าผู้สร้างดนตรีที่แท้จริงคือผู้คน และผู้แต่งรับบทเป็นผู้เรียบเรียง